WARP Magazine #77

3 DIFFERENT COVERS FEATURING

TAME IMPALA THE DEAD WEATHER | GUS GUS

3 DIFFERENT COVERS FEATURING

GUSGUS TAME IMPALA | THE DEAD WEATHER

2015 se dividió en dos partes: la primera ubicada justamente al inicio de éste, con una buena cantidad de conciertos en nuestro territorio y una saludable cantidad de lanzamientos nacionales e internacionales. Luego vinieron los siguientes seis meses y entonces sí, alguien le subió el pitch al año y tuvimos una avalancha de discos, nuevos artistas, conciertos, festivales y más; claro, con lo anterior también llegó mucha información y material que desmenuzar en el tema que nos ocupa en WARP. Hoy, a unos días de concluir este año, nos toca presentar lo que para nosotros fue lo más destacado: aquellos músicos que de una u otra forma lograron meterse en nuestras playlists, también su trabajo, ya sea plasmado en álbumes físicos o archivos digitales, y claro, su paso por los escenarios de todo el mundo.

Aunque sin duda bien podríamos resumir el 2015 en tres momentos: Kevin Parker y su proyecto Tame Impala presentando su tercer trabajo de estudio, Currents; el regreso de Dean Fertita, Jack White, Alison Mosshart y Jack Lawrence, bajo el manto de The Dead Weather, cobijados por Dodge And Burn; y claro, con el disco que más curiosidad nos provoca

escuchar en 2016, la siguiente entrega del proyecto islandés GusGus. Así, celebramos un año más de mucha música, con tres portadas que coronan una vuelta más al astro rey.

Y como es nuestra costumbre, también presentamos todo aquello alrededor de la música, claro, todo aquello que creemos vale la pena recordar: la historias que nos hicieron tener esperanza, o aquellas que nos hicieron cuestionar nuestra fe en nosotros mismos, las que nos arrancaron una sonrisa o las que nos recordaron que aún podemos (por difícil que parezca) asombrarnos.

Aprovechamos para presentar este testimonio acompañado de nuestras mejores fotos, además de contar con la colaboración de Beatriz Posada, quien compartió lo mejor de lo capturado por su lente para este ejercicio anual y que pueden encontrar en forma de portadas de cada apartado de la revista.

Gracias por acompañarnos en este viaje durante un año más, por su confianza y lealtad, de este lado prometemos seguir presentando lo mejor de la música como solo nosotros lo sabemos hacer.

The best is yet to come…

"I'LL SHOW THEM THE POWER OF THE DARKNESS" -KYLO REN

WARP MAGAZINE PUBLISHER ALEJANDRO FRANCO FERNÁNDEZ @ALEJANDROFRANCO | DIRECTOR EDITORIAL DIOVANNY GARFIAS @ANDROGYN | DIRECCIÓN DE ARTE Y DISEÑO OSCAR SÁMANO @OSCARSAMANO EDITOR DE FOTOGRAFÍA Y RETOQUE SERGIO GÁLVEZ | FOTOGRAFÍA BÓGAR ADAME COORDINACIÓN EDITORIAL ALONSO VALENCIA | EDITORA WEB NATALIA MONTES | CORRECCIÓN DE ESTILO KARINA LUVIÁN | TRADUCCIÓN RAÚL ARCE COLABORADORES DANIELA CASTELLANOS, EDUARDO MARTÍNEZ, EDUARDO SALINAS, ENRIQUE ORTEGA, IRVING GONZÁLEZ, IVÁN LECHUGA, JOSÉ IVÁN RUÍZ,

LEÓN SCHRAGER, LEONEL HERNÁNDEZ, LINDA CRUZ, PRISCILA NÚÑEZ, SARA ARAUJO, VÍCTOR GARCÍA, YURI NAVA DIRECCIÓN COMERCIAL KARLA RAUCH KARLARAUCH@SENTIDO.COM.MX | PUBLICIDAD CELIA FERNÁNDEZ FERNANDEZ@SENTIDO.COM.MX

© WARP Marca Registrada ®. Año VIII No.77 Fecha de Publicación Diciembre de 2015. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en Compañía Impresora El Universal; Allende 176, Colonia Guerrero, Delegación Cuauhtemoc, México DF, CP 06300, Tel: 51 17 01 90 / Distribución Nacional e Internacional de INTERMEX. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

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OPEN AIR MUSIC POR STAFF WARP FOTO: BEATRIZ POSADA

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SXSW 2015 AUSTIN, TEXAS, EEUU

Gorgon City / Foto: Sergio Gรกlvez para WARP

OPEN AIR MUSIC WM77 / 009 Future Islands / Foto: Bógar Adame

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FESTIVAL NRML 2015 DEPORTIVO LOMAS ALTAS MÉXICO D.F.

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VIVE LATINO 2015 FORO SOL MÉXICO D.F.

Garbage / Foto: Bógar Adame

OPEN AIR MUSIC WM77 / 013 Alabama Shakes / Foto: David Brendan Hall

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COACHELLA 2015 EMPIRE POLO CLUB INDIO, CA, E.E.U.U.

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SÓNAR 2015 BARCELONA, ESPAÑA

Róisín Murphy / Foto: Samantha López para WARP

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GLASTONBURY 2015 WORTHY FARM PILTON, SOMERSET, INGLATERRA

Lionel Richie / Foto: Camila Jurado para WARP

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CORONA CAPITAL 2015 CURVA 4 DEL AUTÓDROMO HNOS. RODRÍGUEZ MÉXICO D.F. FOTOS: BÓGAR ADAME Y CAMILA JURADO PARA WARP

Chairlift

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Chromeo [ 01 ] Calvin Harris [ 02 ] Fatboy Slim [ 03 ] 03

Twenty One Pilots [ 04 ] Spoon [ 05 ]

Father John Misty

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Kiesza [ 06 ] The Charlatans [ 07 ] The Libertines [ 08 ] Mew [ 09 ] Miami Horror [ 10 ]

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Filmaci贸n de Tangerine

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EL CINE EN 2015 POR LINDA CRUZ / @LINDACRUZ

Números y diversidad podrían describir lo ocurrido este año en términos de producción cinematográfica. Por una parte, los grandes estudios que decidieron darse a punta de títulos una reñida contienda por el santo grial de la taquilla, y por otro las variadas voces y visiones que ayudaron a refrescar las pantallas con adaptaciones literarias, remakes, franquicias y superhéroes.

Las altas expectativas comerciales de cintas como Las Cincuenta Sombras De Grey, (que por cierto, no salió muy bien librada), Rápidos y Furiosos 7, Avengers 2: La Era de Ultrón, Jurassic World, Intensamente, Minions, Spectre y la esperada Star Wars: El Despertar De La Fuerza han hecho que este año cuatro de ellas se encuentran en la lista de las 10 películas más taquilleras de todos los tiempos. Esto, por supuesto, obedece también a la creciente expansión de exhibidores alrededor del mundo.

Luego de que Patrick Gilles y Hooman Khalili se acreditaran como los directores que grabaron el primer largometraje con un teléfono inteligente (Nokia N8) bajo el título Olive (2011), Baker y su equipo de producción, a falta de recursos suficientes para levantar su proyecto en formato convencional, decidieron “echarse al agua” y replicar la técnica con la ayuda de unos cuantos iPhones 5S. ¿Filme? ¿Película? ¿Cinta? No hay un nombre aún que lo defina, pues en la actualidad un gran porcentaje de las imágenes que vemos en la pantalla grande suele ser capturado de manera digital. El hecho es que esta historia narrada en 88 minutos es interpretada por

Otro aspecto sorprendente de Tangerine es el audio, con un diseño sonoro de manufactura destacada. La combinación de capturar imágenes con teléfonos y la grabación de audio siguiendo al pie de la letra la metodología con la que regularmente se hace, da como resultado un eficaz trabajo, en donde lo último que pasa por la mente es la forma en que se grabó, aunque esta ha sido una carta importante en la promoción del filme.

La sustancia está más en el fondo que en la forma, contrario a lo que hemos visto recientemente en múltiples macro producciones.

Pero, ¿qué implicaciones puede tener todo esto? Una de ellas es que la ambición de este jugoso negocio continúe tomando como objetivo a un público geek que había sido un tanto subestimado y que no sacia su apetito por consumir personajes ya establecidos que, dado su éxito comercial, han hecho que este nicho sea ya una posición aspiracional, así que seguramente la tendencia seguirá ese camino.

El cine como industria, en términos financieros, así como el entretenimiento que ha cobrado otra dimensión al servirse de otras disciplinas para alimentarse, continuará generando contenidos con los números por delante pero, ¿y los que ven el oficio obedeciendo a la definición de “el séptimo arte”? ¿Qué hay de quienes, inevitablemente, encuentran en la lente un medio indispensable de expresión? Ahí también hay un camino que tiene buenos cimientos construidos bajo el romanticismo, mismo que en años recientes rompe recurrentemente con ciertos formalismos, o mejor dicho, “formatismos”. Tal es el caso del último trabajo de Sean Baker, Tangerine.

la búsqueda del autor de su roto corazón y la amante en turno, para cobrar venganza. Al inicio no queda claro si ambas actrices están sobreactuadas o todo es producto de un lenguaje natural de su comunidad, aunque se irá descubriendo que su talento es francamente asombroso. Teléfonos en mano y otros cuidadosos encuadres que ilustran el viaje de la protagonista no distan notablemente de cualquier trabajo realizado con cámaras especializadas, y como los teléfonos aún no son considerados dispositivos profesionales de video, la logística y el proceso burocrático en una producción como esta fueron mucho más simples, facilitando enormemente su realización, según me comentó recientemente su productor, Darren Dean.

Sean Baker

actores inexpertos, bajo una dirección y un guión con diálogos impecables. Ubicada en la víspera de Navidad, Sin-Dee-Rella (maravillosamente encarnada por Kitana Kiki Rodriguez) es una trabajadora sexual transgénero quien, después de salir de prisión, descubre que su novio le fue infiel durante su encierro, debido a la indiscreción de su amiga Alexandra (Mya Taylor, actriz y cantante transgénero quien, al igual que la protagonista, debuta en esta película). Ella se deja llevar por el despecho y la rabia para emprender

Más allá de los prejuicios que puedan existir hacia la comunidad transgénero, la prostitución, las drogas y otros aspectos que en muchas ocasiones se retratan como un entorno sórdido, estos temas sólo sirven de contexto, ya que la estructura emocional y sicológica de los personajes hace que conectes más con lo visceral de una relación amorosa, la traición, el engaño y la redención, a través de este dramacomedia que se vive en las calles angelinas.

Este tipo de trabajos son muy esperanzadores.

La historia es hermosa y simple, lo que comprueba que mientras haya una buena pluma y un buen ojo detrás de un proyecto, seguiremos disfrutando de películas hechas con pasión, honestidad y mucho, mucho corazón.

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Alejandro González Iñárritu

#WARPyearbook15

GRACIOSAS HUIDAS, FRAUDES DEPORTIVOS, RACISMO Y UN INMORTAL FUERA DEL AIRE: EL 2015 POR ENRIQUE ORTEGA / @QUIQUEORTEGA

“EL PASADO ESTÁ ESCRITO EN LA MEMORIA Y EL FUTURO ESTÁ PRESENTE EN EL DESEO” -CARLOS FUENTES

Hace apenas unos días leí un escrito en Facebook, donde un individuo –ante la amenaza de ISIS de generar terrorismo en México– se preguntaba: ¿Y qué pueden hacernos? ¿Secuestrar y quemar a 43 estudiantes? ¿Derribar una aeronave en plena Fuente de Petróleos con el Secretario de Gobernación en ella? ¿Apoderarse de los negocios de pueblos enteros, pidiendo derecho de piso para poder trabajar? Si bien es muy clara la sátira de las líneas, también es evidente que nuestro país ha soportado un caos innecesario y, a pesar de ello, seguimos aquí, viviendo día tras día.

Escucho gente en las calles diciendo: “Al menos en México no vivimos los problemas que tiene Francia”, y tienen razón, aunque sea en la teoría. 2015 marcó para el país de la Marsellesa un cambio radical en su historia, al principio con un tiroteo en las oficinas de la revista Charlie Hebdo y, más recientemente, con una serie de secuestros y ataques suicidas a lo largo de la capital francesa. ¿El autor de esta masacre? Nada menos que el movimiento yihadista del Islam. Nada debe sorprendernos si, en los más violentos acontecimientos de la historia mundial, ha estado presente la religión.

Esta catástrofe marcó, quizá, el suceso de mayor relevancia en todo el año. Pero a continuación abordaré los cinco episodios que, de igual modo, cimbraron los encabezados en los principales diarios y redes sociales:

5. Alejandro González Iñárritu / Birdman El pasado 22 de febrero, el exlocutor de WFM se ponía de pie al escuchar su nombre como Mejor Director en la gala de los premios Oscar, convirtiéndolo en el segundo mexicano (al hilo) en obtener tan prestigiosa presea. Pero no acabó ahí el asunto, también consiguió un nuevo récord: ser el primer mexicano en recibir el premio a la Mejor Película por Birdman, una cinta que fue sumamente incomprendida por muchos y cuyo mayor defecto es el nombre, pues las generaciones que crecieron con la caricatura homónima pensaban que se trataría de la versión cinematográfica del personaje.

Hoy, El Negro está a punto de estrenar The Revenant, una cinta que busca duplicar la suerte de “Birdman” y darle, por fin, un Oscar a Leonardo DiCaprio, el Cruz Azul de la Academia.

4. Chabelo sale del aire Anunciado oficialmente apenas el 27 de noviembre por su propio conductor Xavier

López, En Familia Con Chabelo termina sus transmisiones después de 48 años de existencia; hecho insólito, pues concluye el mismo año que Sábado Gigante, el programa de la televisión latinoamericana más longevo en la historia (53 años al aire). Existen muchos rumores respecto al futuro de Chabelo pues, además de que se ha convertido en blanco de comentarios en las redes sociales, es muy querido por la gente y en su despedida afirmó que “se abrirá un nuevo ciclo”. ¿Veremos un late show del tipo Jimmy Fallon, conducido por el amigo de todos los niños?

3. Fraudes en el deporte Entre la llamada Pelea Del Siglo y los desfalcos cínicos por parte de los dirigentes de la FIFA, 2015 fue un año donde se mostró que los trapos sucios no siempre se lavan en casa. Comencemos hablando de la pelea boxística más esperada, entre Floyd Mayweather y Manny Pacquiao, cuyos boletos se vendieron a precios prohibitivos y, a pesar de ello, se agotaron en cuestión de minutos. La expectativa fue tal que incluso algunos individuos que estuvieron presentes y transmitieron desde su asiento, a través de Periscope, tuvieron una audiencia histórica. No obstante, los protagonistas llegaron a cuidarse de los golpes, con rumores de que Pacquiao venía de una lesión en el hombro y, por ello, no se encontraba al 100%.

Donald Trump

Como fuera, las críticas no se dejaron esperar y bautizaron al evento como El Fraude Del Siglo, y al parecer a los empresarios no les importó mucho el daño épico a su imagen pública, pues ya se organiza para 2016 La Pelea Del Siglo: La revancha. ¿Venderá tanto como su antecesora?

En cuanto a los desfalcos en el fútbol, una mañana del mes de mayo el mundo despertó con la noticia bomba: el Departamento de Justicia de los Estados Unidos arrestó a 14 dirigentes internacionales de la FIFA. La cloaca se había destapado y todo apuntaba a que el presidente del organismo internacional, Joseph Blatter, estaba no sólo enterado sino involucrado en sobornos y desvío de recursos. La imagen de un deporte tan bello como el fútbol se había manchado, sobre todo porque Blatter inicialmente pudo reelegirse y, tiempo después, renunció, pero hasta que no se elija un nuevo mandatario mantiene un sueldo y al organismo en cuestión. De hecho, se llegó a ventilar que Qatar había pagado a la FIFA para que el Mundial de 2022 se hiciera ahí, lo que implicaba mover el calendario de todas las competencias internacionales en dicho año, ya que el magno evento se tendría que hacer en diciembre por cuestiones climáticas. Por algo Estados Unidos metió las manos para sacudir la arena de corrupción del balompié. ¿Buscarán acaso arrebatarle el Mundial 2022 a Qatar?

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2. El enigmático Donald Trump Mientras que Hilary Clinton tiene más que cantada la candidatura demócrata para la elección presidencial de 2016 en Estados Unidos, los republicanos siguen peleándose como niños de primaria. Y si bien las encuestas favorecen al precandidato Donald Trump, es un hecho que hay enigmas respecto a lo que busca. Por un lado, Trump ha marcado una línea clara de racismo e intolerancia a la figura del latino en nuestro vecino país del norte. Sus declaraciones –absurdas, por supuesto– incluyen que haya un muro divisorio entre México y Estados Unidos... ¡y que el gobierno mexicano sea quien lo pague!

La eterna interrogante es: ¿Qué habría pasado de haber existido un gobernante así en la época en que su abuelo migró de Alemania a la Unión Americana? A Trump parece no importarle, y la razón es muy sencilla: él no busca ser el próximo presidente norteamericano. Recordemos que es un famoso empresario que ha creado una reputación de necio (cientos de asesores le han

dicho que cambie su peinado y no cede) y déspota (con su frase “You’re fired!” del programa The Apprentice), que ha quebrado dos veces pero se ha levantado. Con todo, ha dejado muy claro que quiere en sus casinos y hoteles al estadounidense cliché, al redneck que odia al latino y a todo lo que es diferente. En otras palabras, su precandidatura es, nada más y nada menos, una carísima estrategia publicitaria para su negocio.

1. El Chapo se fuga... de nuevo En el mes de enero de 2001, a escasas semanas de que Vicente Fox asumiera como Presidente de México, Joaquín El Chapo Guzmán –uno de los narcotraficantes más famosos– se escapaba del penal de Puente Grande, Jalisco. Fueron años de búsqueda sin cesar para volver a aprehender, en 2014, a quien fue nombrado por Forbes uno de los hombres más ricos del país.

El pasado mes de julio, la Comisión Nacional de Seguridad, en conferencia de prensa,

aceptó lo inevitable: El Chapo se había fugado… de nuevo, en esta ocasión por medio de un túnel de 1.5 kilómetros de largo, que comenzaba en la zona de la regadera de su celda. La pregunta inevitable fue: ¿cómo es que nadie escuchó o siquiera sospechó de maquinaria pesada trabajando en la zona?

Esta interrogante aún no se explica de manera oficial, aunque destapó la evidente corrupción en el sistema penitenciario.

En un gobierno tan desacreditado como el que encabeza el presidente Enrique Peña Nieto, esta noticia le dio motivos a la ciudadanía para dudar, aún más, de sus propias instituciones. Se habla incluso de que esta fuga es producto de un pacto para tranquilizar a los demás cárteles del narco, dada la ineficacia de los operativos oficiales hasta el momento.

Como sea, en términos de imagen pública, el gobierno mexicano no queda muy bien parado a nivel internacional.

Joaquín El Chapo Guzmán

BIO. Enrique Ortega es Consultor en imagen pública, CEO de Grupo Entropía y Catedrático de la Universidad Anáhuac.

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BACK TO BUSINESS POR STAFF WARP FOTO: BEATRIZ POSADA

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DAVID BOWIE Conocido por cambiar constantemente sus formas sonoras, pasando del glam rock a la electrónica experimental, el proto punk y un sinfín de géneros, el artista británico decidió volver este 2015 con ‘Blackstar’, un tema que apenas es la antesala de su nueva producción del mismo nombre y que tendremos oportunidad de escuchar

el próximo 8 de enero, coincidiendo con su cumpleaños número 69.

Y aunque este gran personaje del rock, icono de lo eléctrico, de la vanguardia y, sin duda, un personaje influyente en general, ha dejado claro que los escenarios –esos que acogió durante 40 años– no volverán a verlo

empuñar una guitarra o pararse detrás de un micrófono, no quiere decir que su genialidad esté muerta, por el contrario, basta con referirnos a una pieza audiovisual como el video de ‘Blackstar’ para entender que el visionario hombre que cayó a la Tierra sigue vivo y con mucho arte que entregar en los años por venir.

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RÓISÍN MURPHY

Desde los inicios de su carrera la palabra distinción fue asociada a su personalidad y a su música, ya que ayudó a cambiar el panorama de la escena electrónica e incluso el de la moda, gracias a su talento, voz y sus vestuarios excéntricos; por ello anhelábamos el regreso de Murphy, pues tuvimos que esperar poco más de ocho años para escuchar algo nuevo de su autoría. Como era de imaginarse, su más reciente álbum Hairless Toys

significó un distanciamiento de sus trabajos anteriores, ya que demostró que no necesita de poderosos beats para crear canciones con alma fiestera. La vuelta a los escenarios de la irlandesa la llevó a pisar los festivales y escenarios más importantes del mundo, haciendo las delicias de sus fans y reviviendo la nostalgia de aquellos que quienes disfrutaron de su faceta más experimental, cuando aún formaba parte del dúo Moloko.

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FAITH NO MORE Sin duda el regreso de esta banda californiana ha sido uno de los acontecimientos más importantes de 2015. Su último material de estudio en ver la luz fue Album Of The Year (1997), pero Mike Patton y compañía volvieron inesperadamente para regalarnos Sol Invictus, un disco que ha seducido a todo aquel que lo ha escuchado. Esta nueva entrega tiene como encargado de las cuerdas a Jon Hudson, quien realiza

perfectamente el trabajo que el legendario Jim Martin hacía durante su estancia con la banda. Reconocidos por ser unos revolucionarios sonoros y por su atrevimiento al llevar al límite géneros como el metal, el rock o el funk, Faith No More hace lo propio en esta oportunidad, por lo que este regreso no sólo dejó satisfechos a los seguidores de siempre, sino que ganó una nueva generación de escuchas.

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NEW ORDER Waiting For The Sirens’ Call de 2005 fue la prueba más clara de que New Order había trascendido a su trabajo realizado en los 80 y así dicho álbum representó la entrada de los británicos al espacio de las leyendas musicales. Entonces tuvimos 10 años de silencio de la agrupación, claro, hubo giras, peleas, distanciamiento y hasta separaciones, nuevos proyectos y más, pero en ningún momento música nueva (a menos que quieran tomar en cuenta Lost Sirens).

Para acabar con la racha, este año Bernard Sumner y compañía nos entregaron Music Complete, un material que se corona como el décimo en su discografía, pero que es relevante no solo por el hecho de revivir a New Order, sino por demostrar que estos artistas están en la mejor disposición de seguir creando y de reinventarse. Temas como ‘Restless’ y ‘Tutti Frutti’ nos dejan claro por qué este proyecto siempre ha estado muy adelantado en el juego de la electrónica.

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Después de tres años de ausencia, el reverendo decidió regresar con The Pale Emperor y una sorpresa: alejarse del sonido metalero para abrazar su lado más orgánico con buenos resultados. Manson decidió tomar elementos rock y blues para convertirlos en diez temas que

van acompañados de la crítica social y religiosa que lo caracteriza. En comparación con el regular Born Villain (2012), esta entrega demostró que, contrario a lo que pensábamos, el músico dentro del shock rocker aún existe y se puede reinventar sonoramente. Sin duda, trabajar junto al pro-

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MARILYN MANSON

ductor Tyler Bates (conocido ampliamente por su trabajo en scores para cine) y dejar a un lado su compromiso creativo con Twiggy Ramirez, significó para Manson un distanciamiento abismal de aquel caricaturesco personaje noventero, ganando credibilidad en el proceso.

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KURT COBAIN Varios documentales y películas tratan de relatar el andar por la tierra del líder de Nirvana, sin embargo este año al fin pudimos ver Montage Of Heck, un filme dirigido por el cineasta Brett Morgen, quien juntó argumentos suficientes para llamar la atención de Courtney Love y contar con su bendición, presentando por primera vez materiales audiovisuales inéditos de Cobain. Independientemente de si el trabajo del realizador fue bueno o no, la cinta dio motivo para que

llegara a nuestros oídos Montage of Heck: The Home Recordings, un compilado de 13 tracks (31 en la versión de lujo) que incluye demos, versiones a temas antes escuchados y algún cover que, en sí mismo, no representa una mirada hacia un lado desconocido del autor pero reaviva la nostalgia de miles de fans en el mundo. Así, a 21 años de su muerte, Kurt demostró que puede seguir activo incluso desde la tumba y, en el proceso, generar ingresos para la viuda del grunge.

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THE LIBERTINES Tras su ruptura en 2005, la idea de reunir a The Libertines se veía lejana luego de los problemas que Doherty tuvo tanto con la autoridad como con las drogas, sin contar su distanciamiento con Carl Barât. A pesar de su fugaz reunión en 2010, parecía poco probable lograr algo definitivo, que además arrojara nueva música. Sin embargo, 2014 nos dio las primeras señales de que el cuarteto londinense volvería a los escenarios. Para la segunda mitad

de 2015 no sólo estábamos seguros de que pisarían diferentes puntos del mundo (incluido México), también pudimos escuchar Anthems For Doomed Youth, su primer trabajo inédito tras aquella ruptura en la pasada década, y aunque no aportó sustancia a la discografía de la banda, fue pretexto suficiente para que una nueva generación pudiera referenciar el lado salvaje de aquello a lo que llamábamos indie hace más de 10 años.

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Tras la disolución de N.W.A. (Niggaz Wit Attitudes) Dr. Dre (Andre Young) decidió seguir su carrera como solista y así, en 1992, de la mano de The Chronic, se convirtió en una de las figuras más importantes del gangsta rap, ese género que encerraba en sus rimas una nueva forma de expresar rabia y enojo ante la inconformidad del entorno social.

En 2015 y tras una larga ausencia pudimos escuchar Compton, el sucesor de su álbum 2001 (1999), apenas el tercero en su discogra-

fía. Material inspirado por el proyecto cinematográfico Straight Outta Compton, la cinta que cuenta la historia de N.W.A. Así, a los 50 años de edad, Dr. Dre volvió demostrando su capacidad y calidad como uno de los productores más vigentes e innovadores de la escena, con un álbum que sin duda demuestra que la vieja escuela sigue presente en las calles con la fuerza suficiente como para llamar la atención de las nuevas generaciones.

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DR. DRE

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INTENSE 22 POR YURI NAVA

El agitado ritmo de vida en una ciudad no nos permite ejercitarnos de la manera adecuada, sin embargo, Laura García Ancira ha creado diversos programas que se adaptan a nuestro día a día. Anteriormente, Laura nos presentó el sistema 45, que consistía en hacer 45 minutos de ejercicio por 45 días, y con la intensión de seguir ayudando nos presenta el plan 22, es decir, 22 minutos por 22 días, una rutina intensa que promete mejores resultados. ¿Cómo ves? ¿Te animas? ¿Por qué crear un nuevo programa si el antiguo daba excelentes resultados?

Siempre estoy en constante búsqueda, porque la gente siempre va a exigir los mismos resultados por el menor tiempo posible. Mi reto es hacerlo viable y buscar la innovación. ¿Cómo es que funciona este plan?

La rutina consiste en 22 minutos por 22 días, es tan intenso que durante las siguientes 24 horas el cuerpo demanda oxígeno, lo que provoca que trabaje en dicha exigencia y tome las calorías de la grasa; es decir, tu cuerpo trabaja todo el día después de hacer mis ejercicios.

¿Cómo percibe la gente este nuevo régimen?

Intense 22 no es para cualquier persona, sólo para aquellas que tengan mejor condición física; esto motiva a la gente a continuar con el plan anterior para llegar a este, perciben esto como un reto y su propósito es cumplir con los requisitos para ingresar a este nuevo programa. ¿Qué otros beneficios ofrece este sistema?

Cuando un cliente llega a Intense 4Fit por primera vez su condición no le permite ser ingresado en esta rutina, por lo exigente que es, pero lo que siempre puedo ofrecerle es una gama de programas que se adapten a su posición, y conforme avance exigirle más, para que vea mejores resultados.

La innovación es algo que caracteriza a Intense 4Fit pero, con la llegada de este plan, ¿qué sigue?

Por ahora la promoción de Intense 22, que arrancó en noviembre, pero en enero de 2016 pondré en marcha Intense 4Kids, un sistema para introducir a los niños a una vida sana. Mi reto siempre es llegar a más personas y qué mejor que empezar por los más pequeños.

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LIFESTYLE POR STAFF WARP FOTO: BEATRIZ POSADA

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FASHION IN 2015 POR LEÓN SCHRAGER

Es muy fácil hablar de lo mismo cada año cuando se trata del mundo de la moda. Especialmente hoy en día que todo es tan inmediato y todos vivimos en burbujas virtuales privadas, que al mismo tiempo están expuestas para todo el mundo, encontrar los momentos que dejaron huella no es fácil. Este año, la moda inteligente regresó a los fundamentos en los que se formó: expresión e individualismo. Desde titanes como Gucci hasta diseñadores independientes como BCALLA, este fue un año de no conformismo.

dor, recordándonos que uno puede moverse a su propio paso sin estar atado a los requerimientos para ser exitoso.

El mundo de la moda tiende a evocar pensamientos relacionados con vanidad, superficialidad y perfección física según los estándares de la misma empresa, pero afortunadamente este año contó con momentos importantes empezando con Gucci, que a pesar de estar estrenando director creativo (Alessandro Michele) presentó una de sus colecciones más fuertes en años.

Evocando la cultura ácida de los 70 con formas y colores, y utilizando nuevas técnicas, Gucci regresó más fuerte y mucho más escandaloso.

poco a poco debido a la inflación de rentas. La colección salió acompañada de un video dirigido por Ruth Hogben (The Heart of Soho).

El show del año fue sin lugar a dudas Couture/ Sculpture: Azzedine Alaïa In The History Of Fashion, que abrió sus puertas en Roma, este año, y que presenta ejemplos de los mejores trabajos a través de la carrera de este diseña-

Otra gran fuerza de la moda que marcó el año definitivamente fue Gareth Pugh, que regresó a London Fashion Week para rendir tributo al corazón de Londres, Soho. Con esta colección Pugh recuerda la gloria y decadencia de Soho al igual que protesta por la gentrificación del área, cuyos locales legendarios han cerrado

El FIT (Fashion Institute of Technology) es conocido por sus exposiciones y este año no fue la excepción. Fashion Underground: The World of Susanne Bartsch rinde tributo a la leyenda de la vida nocturna, y cuenta con piezas que alcanzan los años 80 promovidas por Bartsch, diseñadores independientes y grandes nombres como Alexander McQueen, Jean Paul Gaultier, John Galliano y Leigh Bowery.

Fue un enorme año para los diseñadores underground de NYC, quienes han estado

activos en los últimos años sin seguir las reglas y por fin tuvieron el reconocimiento merecido, que esperemos los lleve a la cima.

La primera mención es para Chromat, cuyos diseños han causado tanto furor que estuvieron nominados para el CFDA/ Vogue Fashion Fund. También STUDMUFFIN NYC dio un gran salto con mucha más presencia en los medios, teniendo como cereza el haber vestido a la reina del pop para su video ‘Bitch, I’m Madonna’. Por último, BCALLA, que a

pesar de vestir a gente como Azealia Banks y Lady Gaga en el pasado, este año obtuvo su primer gran proyecto televisado cuando diseñó diferentes outfits para Miley Cyrus y 31 de las drag queens más reconocidas de Estados Unidos, Puerto Rico y Australia en el cierre de los VMAs, con una explosión de colores, monstruos y elementos 3D. Es fácil y no completamente erróneo relacionar la moda con algo cansado, aburrido y sin importancia, pero momentos como estos nos recuerdan que es una forma de expresarnos, de reflejar quiénes somos o cómo queremos que el mundo nos vea. Este año, el mensaje de los diseñadores mencionados fue muy claro: rompe las reglas. Punk’s not dead.

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DOS MIL QUINCE: ¿ESPERANZA ANTE EL TERROR? POR VICTOR G. GARCÍA

El nuevo milenio ya cumplió quince años y nadie le hizo fiesta, tal vez porque nadie vio algo qué celebrar. En este parpadeo de la historia pudimos haber sobrevivido al Y2K y al fin del mundo que predecían los mayas, pero aún así el panorama social, político y económico va adquiriendo un tono apocalíptico. No estoy hablando de la inminente cancelación de “En Familia con Chabelo”, sino de la serie de eventos,

nacionales e internacionales, que nos han empujado a preguntarnos hacia dónde se está dirigiendo nuestra sociedad.

Los recientes ataques terroristas en París son muestra de ello. El 13 de noviembre, varios extremistas religiosos irrumpieron en un concierto que Eagles of Death Metal ofrecía en Le Bataclan (establecimiento que este año cumple siglo y medio de

existencia) para atacar a los asistentes, con bombas y armas de grueso calibre.

El saldo fue de 130 muertos y cientos de heridos contando las lamentables pérdidas que también se dieron en otros ataques, en diferentes puntos de la ciudad. Recordemos que a principio de año los franceses fueron testigos, además, de un ataque por parte de otro grupo de la misma calaña al semanario satírico Charlie Hebdo. Aunque estos he-

las millonadas que los legisladores acostumbran mamar cada que pueden. Por otro lado, otro candidato no tan independiente ganó la gubernatura de Nuevo León. Con su actitud directa y tajante, y apelando a ese concepto comodín y unificador de “raza” que tanto nos gusta a los del norte, el excacique priísta “Bronco” llegó a la silla pese a enfrentarse a una campaña en su contra, por parte de los medios de comunicación de Monterrey.

París

chos parezcan lejanos, hay que mantener la cautela, ya que ese misterioso grupo que se hace llamar Estado Islámico lanzó un video amenazando a nuestro país, como posible blanco de ataques.

Pero este paisaje sombrío no es exclusivo del Viejo Continente. El creciente problema de la migración también ha salido a flote constantemente durante el proceso electoral en Estados Unidos. El multimillonario Donald Trump, quien busca la candidatura republicana a la presidencia de su país, no escatimó a la hora de sacar a relucir los aspectos más retrógradas e intolerantes de la sociedad estadounidense.

Empleando una retórica racista, Trump se ha empecinado en culpar a los mexicanos de todos los males que le aquejan a nuestros vecinos del norte. El junior privilegiado ignora que son más los mexicanos que están saliendo de ese país que los que están entrando, por obvias razones.

Pero acá en México evidentemente no cantamos mal las rancheras. Nuestro copetudo presidente nomás no da una. Apenas había designado como subsecretario de Prevención y Participación Ciudadana (sí, eso existe) a Arturo Escobar, y resulta que la PGR ya lo busca por

haberle dado a eso de las triquiñuelas –esas en las que los políticos son expertos– cuando era vocero del PVEM. Esto sin hablar de la escalada en el precio del dólar que nos pega directamente a quienes nos gusta pedir viniles por Amazon.

Sin duda, uno de los momentos más definitorios del año en el país fue la fuga del capo Joaquín El Chapo Guzmán del penal de máxima seguridad El Altiplano. Tras ser reaprehendido en 2014, El Chapo apenas se estaba acomodando en la cárcel cuando echó mano, una vez más, de sus habilidades de Houdini para escapar (supuestamente) a través de un túnel cavado a su medida, que se extendía por un kilómetro y medio hasta una sospechosa construcción. Sumándole al absurdo, el túnel estaba equipado con una moto para acelerar el trámite. Ya ni nos sorprendemos.

Por su parte, la Suprema Corte de Justicia de la Nación demostró que algunas de nuestras autoridades no se quedaron en el siglo pasado, al aprobar un amparo interpuesto por cuatro personas en torno al uso de la marihuana. Pero, amigos pachecos, todavía no saquen las sábanas, ya que este fallo de índole constitucional se limita únicamente a estos listos que interpusieron el amparo, al menos por el momento.

Aún así, es un paso hacia adelante en torno a la legalización de la María, cuya importancia resalta en un contexto en el que los estadounidenses –que en primera instancia la prohibieron para todo el mundo– han aprovechado para estudiarla y comenzar a comercializarla. Ahora sólo falta que este fallo sea asimilado de manera positiva en nuestra cultura, la cual a veces puede ser tan progresista como hipócrita.

Como podemos ver, ya estamos bien entrados en la segunda década del milenio y el panorama social y político no muestra señales de mejora, pero existen aspectos que nos dicen que tal vez no estamos tan mal. Habrá que esperar, pero solamente si esa espera es lo suficientemente activa como para convertirse en esperanza.

Pero bueno, se puede decir que no todo es malo y que también existen algunos rayitos de esperanza que nos mantienen respirando.

Durante este año de elecciones federales y algunas estatales, el joven candidato independiente Pedro Kumamoto logró ganarse con sudor una curul en la Cámara de Diputados del Congreso de Jalisco, sin tener que gastar Isis

BIO. Victor G. García es filósofo y analista de la cultura. Actualmente cursa la Maestría en Sociología en la Universidad Iberoamericana.

PR

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#WARPyearbook15

BARRIO ALAMEDA ANTES Y DESPUÉS POR YURI NAVA

Grupo Acha, el equipo conformado por Rodrigo Hassey, Leonardo González, Luis Musi y Andrea Vázquez tiene como objetivo principal rescatar espacios públicos y edificios en malas condiciones para reconstruirlos y volverlos un punto de reunión, principalmente en lugares de alta concurrencia, donde hace falta tener una nueva perspectiva urbana, sin perder las construcciones de siempre.

Uno de los planes más sonados de Acha es Barrio Alameda, el ahora tan sonado edificio ubicado en Doctor Mora #9 que cuenta con diversos locales y servicios, los cuales lo han convertido en referencia a pesar de su reciente inauguración. Por ello platicamos con Rodrigo Hassey, quien nos relató a detalle el proceso de remodelación de este edificio que seguro cuenta con miles de historias.

IDEA “La idea nace principalmente del cariño que le tenemos al Centro Histórico, pues es un punto en donde los cuatro coincidíamos, esto nos permitió tener la misma visión: rescatar y explotar la zona.”

reto fue convencer a algunas marcas de venir con nosotros, pues algunas ya estaban muy bien establecidas en la colonia Roma y Polanco.”

PÚBLICO “Siempre tuvimos en mente que queríamos hacer un lugar para jóvenes.

La idea era crear un espacio público donde la gente pudiera hacer de todo, desde ir por un helado hasta tatuarse, por eso también invitamos a diversos proyectos emergentes y emprendedores.”

Originalmente, el edificio fue construido por un médico de ascendencia alemana, al final de los años 20, mismo que durante generaciones dio techo a periodistas, fotógrafos, abogados y artistas que ocuparon los locales, al igual que diversas familias que habitaron la terraza del inmueble.

Al parecer, ahora se busca no trastornar la modalidad principal del lugar.

Rodrigo nos dice: “El primer piso está lleno de locales para disfrute de nuestros clientes, productos que van desde gastronomía hasta artesanías; el segundo y tercero es para actividades recreativas como exposiciones de arte, diseño y moda, y por último está la terraza, área utilizada como hotel que ofrece un estilo hogareño acompañado de una increíble vista.”

OBSTÁCULOS “Uno de los principales fue reubicar a los habitantes. Fuimos claros y tratamos de negociar de la mejor manera, les explicamos que ya no servía de nada quedarse en un lugar que no tenía sustento, pues el edificio estaba casi en ruinas, pero ese proceso fue difícil para todos. Otro gran

No cabe duda, recuperar espacios es la mejor manera de volver a dar vida a un lugar y no solo es trabajo de los empresarios, es un trabajo que en menor o mayo medida todos deberíamos desempeñar. Sin duda aquí hay un gran ejemplo que seguir.

TECNOLOGIC

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#WARPyearbook15

BUZZWORD WARS 2015 POR ALEJANDRO ESCOBEDO / @AALKZ

Buzzword /’bəz wərd/ .- Palabra o frase, usualmente en forma de jerga, que está de moda en una época o contexto particular.

Si subimos a la ola de buzzwords que recientes años tuvieron a bien regalarnos, nos encontramos con peculiaridades como Internet of Things (IoT), 3D Printing, Smartwatches, VR (Virtual Reality), The Sharing Economy, Crowdfunding, Facebook Killer… Ajá… ¿Y todo eso con qué se come? Para saber distinguir lo bueno de lo malo, lo que va a pegar de lo que va a fallar, podemos hacer dos cosas: esperar o adoptar. Esperamos ya un año para voltear y reflexionar sobre qué demonios es lo que dijeron en Volver Al Futuro que íbamos a estar haciendo ahora mismo y que nada más no sucedió, qué sucedió que de verdad no esperábamos, y qué adoptamos que jamás valió la pena considerar.

Veamos, por ejemplo, a Snapchat, que resultó ser la red social con mayor rapidez de crecimiento a la fecha, aun después de rechazar 3 mil millones de dólares en cash de Mark Zuckerberg, en 2013. Su éxito este año es un caso particularmente interesante, porque rompe el paradigma que se tiene grabado en la mente de muchas personas sobre el dominio de Facebook y Twitter. Claro, todos tienen Facebook pero, ¿qué es lo que usa la gente con menos de 24 años? Snapchat. Los millennials están al borde de sentirse viejos por encontrarse con Snapchat y no encontrarle sentido a la magia de los instantes efímeros y auténticos que propone la manera de usarlo.

Amamos las experiencias que indirectamente nos definen la realidad con cada vez mejor detalle, como las pantallas curvas en 4K que este año ya viste en las salas de tus amigos. Pero las tecnologías más interesantes que venían tomando fuerza y se validaron completamente –por lo menos para el futuro próximo– fueron la Realidad Virtual y la Realidad Aumentada.

Oculus Rift dio el primer paso fuerte al impresionar a todo el que probaba sus prototipos, seguido por Microsoft con su proyecto HoloLens. Todas las industrias tienen sus ojos puestos en cómo aprovechar estas tecnologías que aumentan la experiencia de consumo de información increíblemente: sólo imagínate

ver una película o jugar un videojuego de terror con un headset de Realidad Virtual puesto, da miedo sólo pensar en las posibilidades.

ni tengan el mejor smartwatch, sino porque le dijeron al mundo que usarlos ya no era sólo un gadget que los geeks aman presumir.

¡Smartwatches! A todos nos gusta usar reloj… #NOT… Sí, nos gustaba pero, ¿qué pasó? Le pasamos el trabajo a tu smartphone. Es innegable que este año Apple con su Apple Watch y Pebble con su Pebble Time hicieron que usar reloj significara algo totalmente nuevo para el mainstream, no porque hayan inventado la tecnología

Siguiente buzzword del año: The Sharing Economy. El Uber de los paseadores de perros. El Uber del aseo doméstico. ¡El Uber del Uber! La economía de compartir recursos tuvo un año impresionantemente bueno, todo concentrado en un elemento crucial: repartir el trabajo asignado usualmente a viejos y grandes corporativos u organizaciones (industria hotelera, taxis, etc.), abrirlo a quien sea que quiera participar y conectarlo todo a través de una app o sistema.

El comercio electrónico no es nada nuevo para el mundo, pero este año sí que fue nuevo para México con la llegada de Amazon México. De nuevo, no es que fuéramos ignorantes ni que sea digno de premios a innovación, pero nadie hasta ahora había tenido la delicadeza de demostrarnos un nivel de servicio impecable que nos diera la confianza de considerar realmente comprar todo lo que se pueda por Internet; a veces simplemente dar un mejor servicio es suficiente.

Plutón es un planeta. Plutón no es un planeta.

Si en algo estamos de acuerdo, es en que Plutón era el gran desconocido de nuestro

Sistema Solar. En lo que nos peleamos por eso, la NASA, después de una complicadísima misión que inició en 2006, logró en julio hacerle llegar al planeta enano la sonda New Horizons, que nos regresó fotos en alta resolución y miles de datos que nos ayudan a comprender el universo como lo conocemos.

Bendito Elon Musk y su visión global para cambiar el mundo. No tuvo suficiente con co-fundar PayPal para pagos electrónicos inmediatos y seguros, crear SpaceX como empresa privada dedicada al espacio, proponer un loco, ecológico y bestialmente rápido sistema de transporte ‘Hyperloop’ y crear Tesla Motors, este año se lució con su batería Powerwall, enfocada a ser la forma más eficiente de almacenar energía solar para dejar de depender de la compañía de luz, y no solo eso, sino que será creada en la fábrica más eco-friendly a la fecha: Tesla Gigafactory, la cual generará toda la energía que requiera de forma sustentable y sin daño al medio ambiente.

Sin duda, estamos acercándonos a un punto de inflexión tecnológico importante entrando 2016, pero para que esa paradoja de innovación contra tecnología de uso diario se rompa, tenemos que convertirnos en esos early adopters y conseguir que esos carros que se manejan solos lleguen lo antes posible.

LIFESTYLE

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#WARPyearbook15

DRINKS 2015 De lo estético a lo natural POR STAFF WARP FOTOS: BÓGAR ADAME PARA WARP 01

Este año la mixología sufrió diversos cambios gracias a la fuerte influencia de los productos orgánicos en la gastronomía; la demanda de ingredientes naturales y el rechazo a lo sintético han provocado alteraciones en el área culinaria, no sólo en los platillos sino también en las técnicas cocteleras, donde ahora, más que nunca, se busca una bebida que nos

haga sentir bien; los jugos naturales reemplazan las bebidas carbonizadas y el contenido de alcohol debe ser mínimo.

Estas tendencias han obligado a los bartenders a revolucionar la industria coctelera, donde la estética pasa a segundo término y la importancia radica en la naturalidad de

los sabores y texturas. Este nuevo movimiento ha generado alto impacto a nivel mundial, por ello nuestro país ha optado por traer este estilo gastronómico para llevarlo a los rincones más exclusivos de la ciudad de México; por eso aquí te recomendamos los cinco cocteles que más disfrutamos durante este año.

Calebasse [ 01 ]

Coconut Sling

Salmoncito

Ingredientes:

Ingredientes:

Ingredientes:

Mezcal unión

Gin Martin Miller infusionado con coco

Ginebra

Strega

Becherovka

Dash de campari

Jugo fresco de limón

Cherry grand marnier

Jugo de toronja

verde

Jugo de piña

Agua tónica

Jugo fresco de sandía

Jugo de limón verde

Jarabe natural

Jarabe natural

Cardamomo

Angostura bitter decorado con cereza natural y

Una pizca de sal

piña deshidratada

ahumada Lugar: Xaman, ubicado en

Lugar: Limantour, ubicado en

Lugar: Maison Altemisia, ubicado en

Copenhague 6, Col. Juárez

Álvaro Obregón 106, Col. Roma

Tonalá 23, Col. Roma

Mundano

Malus

Ingredientes:

Ingredientes:

Ciruela

Bourbon

Jengibre

Pisco

Mezcal

Manzana Prosecco

Lugar: Mundana ubicado en

Lugar: Baltra, ubicado en

Doctor Mora 9, local 6, Col. Centro

Iztaccihuatl 36, Col. Condesa

LIFESTYLE

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#WARPyearbook15

EL BRONCO POR NAOMI PALOVITS

Con un discurso emotivo y sin más herramientas que su cuenta de Facebook y un smartphone, El Bronco supo conectar con una audiencia –en este caso, la ciudadanía– que, cansada y decepcionada por el gobierno anterior, exigía un cambio. El Bronco parecía ser esa opción y, de entre todas, la más prometedora. Con un discurso emocional y la ayuda de las redes sociales, el entonces candidato le arrebató la gubernatura de Nuevo León al PAN y a su expartido el PRI, con quien militó por 33 años antes de presentarse como candidato independiente, convencido de que el progreso no está en los partidos políticos sino en un gobierno “diferente, honesto, transparente e innovador”.

“Todos en mi gobierno tienen que usar Facebook, yo le voy a dedicar tres horas diarias”, aseguró, y según datos de dicha red social, con un 85% de interacción Jaime Rodríguez Calderón es el político que más interactúa con sus usuarios en América.

En lo que va de su gobierno, la comunicación que este hombre mantiene con su audiencia digital no ha parado, todo lo contrario, se ganó el respeto de los neoleoneses sacando a los Zetas del municipio de García, lo que le costó algunas vidas, incluyendo la de su hijo mayor.

Si El Bronco es un héroe real o de ficción ya nos lo dirá el tiempo, lo cierto es que su historia es una prueba del poder de las redes sociales, del enorme descontento de la ciudadanía y de lo cerca que estamos de una revolución.

En política, 2015 fue un año sin precedentes: Por primera vez en la historia de México, un candidato independiente gana una gubernatura.

Tal fue el caso de Jaime Rodríguez Calderón, también conocido como El Bronco, quien también es el primer gobernador online del país.

¿Qué te motivó a trabajar de manera independiente?

Un poco mi hartazgo de ver que en el país no se hagan la cosas bien. A los partidos políticos hay que jubilarlos, sin pensión, obviamente: o se renuevan o se van a casa. Los partidos postulan candidatos pero luego les imponen todo su equipo, y entonces no estamos más que reciclando a los mismos en el poder, por lo que éstos nunca sienten la emoción de hacer cosas diferentes; a este país le falta eso, cosas diferentes, que la sociedad intervenga, hay que consultar, hay que consensuar. Hoy la mayoría de los políticos sólo ven la elección siguiente y yo quiero ver a la generación siguiente. La elección no me importa, no me interesa, creo que hay que trabajar para las nuevas generaciones, cimbrar el sistema político, destruirlo.

Tengo 58 años de edad y no quiero morir pensando que mis hijos van a tener lo que estoy viendo en este país, que no me gusta. Yo no quiero ya un país con corrupción, la madre de todos los problemas de este país se llama corrupción.

Limpieza profunda o negociación. ¿Cuál es la estrategia que vas a aplicar en tu gobierno?

Limpieza total. Si el de arriba no se corrompe, al de abajo que se corrompa le mocho la mano.

Tenemos que poner ejemplos, tenemos que hacer las cosas bien. Yo gané una elección haciendo las cosas bien, nosotros ganamos una elección y sin los medios de comunicación…

Aprovechaste el poder de las redes sociales…

Sí, además es un recurso que no cuesta nada, es a toda madre, porque el chisme se da, ¿a poco no? Yo siempre hago los comentarios que creo, y no por ganar simpatías. Digo a la raza lo que creo, lo que pienso y lo que voy a hacer hoy, y la gente opina sobre eso, hay algunos a quienes les caigo gordo y a esos les contesto, trato de tener comunicación. A mí no me ofende que no me crean en algunas cosas, trato de usar las redes sociales para convencer a la gente y no para enojarme. Ellos tienen razón de estar enojados, y yo soy de la idea de que hay que atender al que está enojado, hay que explicarle.

Estoy convencido de que este país necesita un cambio radical. La segunda revolución mexicana ya nació allá en Nuevo León y yo la inicié.

El triunfo de un candidato independiente podría motivar a otros a seguir el ejemplo…

Chingón que alguien lo logre. Yo lo hice para eso y voy sembrando esta semilla de independencia en los lugares a donde voy, dentro y fuera de México. En Guatemala ayudé a que Jimmy Morales entendiera las redes sociales, platiqué con él una vez e intuí que iba a ganar, hizo una campaña contra el sistema y ganó.

Así va a pasar en Colombia, Venezuela, Puerto Rico y Costa Rica. En España ya está pasando, y en este país, en la próximas elecciones, va a haber sorpresas, y en las que siguen también. ¿En las sorpresas de 2018 figuras tú?

En 2018 no voy a pensar. Mucha gente me anda coqueteando con ese tema y yo los escucho, pero tengo que estar centrado en mi trabajo en Nuevo León. Si no hago un buen trabajo, pues ¡me cargó el diablo!

“¿VISTE STAR WARS? YO TRASLADÉ LA PELÍCULA AL EJERCICIO PÚBLICO, VAMOS A VENCER AL IMPERIO...”

¿Qué proyectos tienes como prioridad?

Voy a empezar por dar emotividad a la burocracia. Uno de los problemas de este país es que el presidente llega a ser presidente y no conoce a la secretaria de su despacho. Yo necesito decirles: “A ver cabrones, pónganse las pilas, sonrían, al menos sonrían, que su sonrisa haga que el ciudadano se vaya contento aunque le digamos que no”. Es un tema de emoción.

La mayoría de los diagnósticos preguntan: “¿Qué piensa usted de esto?”. Por qué no preguntamos: “¿Qué siente sobre esto?”. Sentimiento. Yo quiero conocer a los 80 mil burócratas que tiene Nuevo León, maestros, médicos, enfermeras, trabajadores del estado, quiero emocionar al gobierno para que, igual que yo, anden en chinga en la calle, y que nos quitemos esa burocracia odiada.

Si logro hacer eso, entonces el policía va a ir a la calle con gusto, el doctor va a hacer su trabajo con gusto, el que presta un servicio a una señora que no tiene posibilidades para vivir, lo va a hacer con gusto; voy a trabajar con gente que sirva a la comunidad. Nadie debe ser miembro de un partido político, todos tienen que renunciar a su militancia, no voy a permitir que alguien trabaje para un partido. ¿Qué aprendiste en los años que estuviste con el PRI? Aprendí a ganarles. Conocí enormemente el interior del PRI y me di cuenta que no es invencible. Conocí las tripas, lo que huele mal y lo que huele bien, y utilicé esa información para ganarles. Es como cuando juegas con Boca Juniors y luego te vas al River Plate para conocer la estrategia, eso es lo que hice.

Además de la clase política, también hay que eliminar al otro enemigo: el narco.

Me emociona, me gusta la adrenalina, no me da miedo y vamos a combatirlos con inteligencia. No te digo cómo porque luego se dan cuenta los cabrones, pero vamos a tener un sistema que se llama Ciudadano. Ahorita tengo 78 mil voluntarios en Facebook y todos se van a convertir en vigilantes de la calle, todos me van a decir dónde está el malandro y él ni cuenta se va a dar cuando le caigamos.

Así gané la elección. El PRI no supo ni por dónde me lo chingué, el PAN tampoco. Lo logré y mira, yo aquí ando solo, no traigo escoltas, la gente, si te quiere, te cuida. Si no me quisieran ya le hubieran hablado a un cabrón y a la chingada. Tú, por ejemplo, tendrías un riesgo muy grande ahorita al entrevistarme.

Y a todo esto, ¿de dónde salió el apodo de El Bronco?

Hace como 15 años que me dicen así. Soy

cabrón, pues, no me dejo, hago lo que creo, lo que siento, lo que me hace disfrutar.

Dices que no tienes miedo. ¿Quién sí te debe temer?

Los malos, los corruptos. Cuando pierdes el miedo eres feliz, hoy soy feliz. En mí no hay límites, para nada, me gusta la parte que es difícil, porque es la que puede hacer que te sientas satisfecho. Lo fácil cualquiera lo hace. El tema del ejercicio público tiene que ser emocionante.

El ciudadano es más poderoso que cualquiera, nada más que estábamos dormidos, apendejados y hoy nos estamos organizando para vencer al sistema. Yo pongo esto como una analogía: ¿Viste Star Wars? Yo trasladé la película al ejercicio público, vamos a vencer al imperio y estoy formando la legión de ciudadanos para hacer la nueva independencia del país.

GIGS

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GIGS OF THE YEAR POR STAFF WARP FOTO: BEATRIZ POSADA

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MØ EL PLAZA CONDESA MÉXICO D.F. FOTO: BÓGAR ADAME PARA WARP

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NICOLAS JAAR #WARP9 360 VENUE EDOMEX FOTO: FRANCCEL HERNÁNDEZ PARA WARP

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IRON & WINE LUNARIO DEL AUDITORIO NACIONAL MÉXICO D.F. FOTO: BÓGAR ADAME PARA WARP

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BLUR PALACIO DE LOS DEPORTES MÉXICO D.F. FOTO: BÓGAR ADAME PARA WARP

HOUSE OF VANS WM77 / 060

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HOUSE OF VANS LA FIESTA DEL AÑO CAMPO DEPORTIVO LOMAS ALTAS MÉXICO,DF FOTOS: BÓGAR ADAME PARA WARP

HOUSE OF VANS WM77 / 062

Como cada año HOUSE OF VANS reunió a algunos de los mejores exponentes de la música de la escena local e internacional, en su siempre esperado evento anual, una celebración en la cual la música se convierte en el pretexto perfecto para pasarla increíble. En 2015 fueron 2 Chainz, Azealia Banks y Zoé los encargados

de liderar cada una de las noches, dando como resultado tres de los días más cool en México.

En este Yearbook 2015 aprovechamos para recordar HOUSE OF VANS y te presentamos una galería con lo mejor de esta magna celebración, sin duda el evento del año.

Foto Zoé: Feli Guitiérres

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PEARL JAM FORO SOL MÉXICO D.F. FOTO: RUBÉN MÁRQUEZ PARA WARP

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ZOÉ AUDITORIO NACIONAL DF, MÉXICO FOTOS: CHINO LEMUS CORTESÍA OCESA

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#DESCUBRETUMÚSICA

CIUDAD DE MÉXICO HIPÓDROMO DE LAS AMÉRICAS MÉXICO D.F. FOTOS: FELI GUTIÉRRES

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#DESCUBRETUMÚSICA

CHOLULA, PUEBLA PIRÁMIDES DE CHOLULA, PUEBLA FOTOS: FELI GUTIÉRRES

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#DESCUBRETUMÚSICA

GUADALAJARA CALLE 2 GUADALAJARA

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#DESCUBRETUMÚSICA

MONTERREY PARQUE ACERO DEL PARQUE FUNDIDORA MONTERREY

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THE BEST XX ALBUMS OF THE YEAR POR STAFF WARP FOTO: BEATRIZ POSADA

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XX MULTI-LOVE Unknown Mortal Orchestra Jagjaguwar Por Eduardo Martínez

Ruban Nielson y compañía regresan para presentarnos su tercer trabajo de larga duración y lo que podría ser el mejor de su carrera. Desde su comienzo, los neozelandeses daban chispazos de talento, pero no lograban llegar a su máximo nivel. Su consagración es la creación de Multi-Love, un disco que impacta desde el primer tema hasta el último, en cada nota, en cada riff que exponen, donde se puede notar la madurez musical que encontraron a lo largo de los años.

Empecemos con el tema que da nombre al disco, con sintetizadores que crean un intro lúgubre para después explotar en armonía con la voz de Nielson, quien canta a la locura y la desesperación. La parte alocada llega con ‘Like Acid Rain’ y ‘Ur Life One Night’, en las que se apuesta

por un sonido más ácido lleno de influencia de rock sicodélico. Así, mientras en la primera lo que marca el paso es la batería, de la mano del órgano y el bajo, en la segunda la mezcla de todos los instrumentos es lo que hace que sea dinámica, con un imponente sólo de guitarra que provoca querer escucharla a todo volumen y brincar de emoción al mismo tiempo.

‘Can’t Keep Checking My Phone’ es un homenaje a la vida moderna, con componentes que la hacen una canción totalmente emocional. ‘Extreme Wealth And Casual Cruelty’, por su parte, muestra el lado elegante de UMO: la forma en que te murmura enchina la piel, y con la aparición del saxofón a mitad del tema se genera un clímax cautivador y seductor. Gracias a

estas características, sumado al ambiente que crea, estas piezas se convierten en las grandes protagonistas del disco.

Al seguir avanzando nos encontramos con ‘Necessary Evil’, una melodía sencilla de pies a cabeza, con un suave swing que arrulla en cada una de las palabras que salen de la voz de Nielson. El desplazamiento de los instrumentos entre cada línea hace creer que la pieza suena completamente diferente mientras continúa, pero en realidad se mantiene exactamente lineal.

Un gran trabajo por parte de Unknown Mortal Orchestra, con nueve temas que, en conjunto, representan eslabones entrelazados en una larga cadena, para así sobrevivir sin problemas por su madurez sónica.

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XIX CARACAL Disclosure Universal Music Por Eduardo Martínez

Con el lanzamiento de su álbum debut, los hermanos Guy y Howard Lawrence se impusieron un punto elevado a superar. En Settle (2013) utilizaron una fórmula sencilla pero efectiva, al conjuntar vocalistas que atravesaban un buen momento con su sonido fresco, logrando revolucionar la escena de la música electrónica en Reino Unido para, posteriormente, catapultarse al éxito mundial y ser nominados al Mercury Prize. Llegamos a 2015 y en el primer trimestre del año se anunció su nuevo trabajo discográfico. El primer sencillo, ‘Holding On’, con Gregory Porter, se lanzó acompañado de publicidad con su característica máscara en el rostro de Gregory, apareciendo en diversas ciudades de Europa (un movimiento de mercadotecnia parecido a lo que hizo Daft Punk con Random Access

Memories). Caracal fue el nombre que se le dio a su segunda placa y la ansiedad por escucharlo resultó evidente.

Ya en el mercado testificamos cómo la misma y eficaz fórmula era aplicada, con su particular sonido y una lista de músicos importantes en diversos géneros: Abel Tesfaye (The Weeknd), Lion Babe, Kwabs, Miguel, NAO, Jordan Rakei, Gregory Porter, Lorde y, claro, Sam Smith. Al escuchar ‘Nocturnal’, el primer tema, automáticamente quedas atrapado con su explosividad llena de un synthpop nutrido por los años 70 y la voz de Tesfaye, dando un toque sensual que motiva a bailar con alguien interesante. No es común que un disco tenga más de tres sencillos en su repertorio, pero con Caracal se promo-

vieron más del 60% de las canciones antes de salir a la venta, una jugada interesante por parte de Disclosure que colocó sus temas más sobresalientes en el ojo público; ‘Omen’, con Sam Smith; ‘Hourglass’, con Lion Babe; ‘Willing and Able’, con Kwabs, y la interesante y atractiva ‘Magnets’, con Lorde, fueron algunos de ellos.

El talento de Disclosure logró posicionar a este disco dentro de los mejores del año, pues ejecutó de manera sobresaliente su capacidad de sacar de su zona de confort a artistas de primera línea, perfeccionó sus composiciones de la mano de Jimmy Napes (quien co-escribió el álbum) y logró una producción brillante, logrando que eso que parecía improbable ocurriera: rebasar sus propios límites.

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XVIII HAIRLESS TOYS Róisín Murphy PIAS Por Raúl Arce

Probablemente muchos nos enteramos que Róisín Murphy tenía un nuevo álbum gracias a su nominación al Mercury Music Prize. Eso no es extraño, ya que siempre es interesante revisar a todos los incluidos en el shortlist para examinar un poco la escena británica del momento. En esas revisiones pueden pasar dos cosas: no entender los criterios con los que se eligen los discos nominados o llevarte agradables sorpresas, como nos pasó a muchos con Hairless Toys de la exvocalista de Moloko.

Este, el tercer álbum solista de Murphy, dista mucho de ser una continuación de Overpowered (2007), pues explora lugares poco comunes de la música disco, sitios muy oscuros que nos remontan a la escena dance de Nueva York. Para ponerlo en términos más referenciales, es el disco que pondrían cada noche en Studio 54, si siguiera abierto en pleno 2015.

Desde ‘Gone Fishing’, el track abridor de esta pieza, queda expuesta la filosofía de composición musical, una construcción minimalista de ambientes que en ocasiones terminan impulsándonos al baile, no al frenesí, sino a ritmos hipnóticos. A lo largo de sus ocho temas, Hairless Toys también es un statement de la artista irlandesa: No tiene nada que probar, todos sabemos de su capacidad vocal y de la calidad de sus composiciones. Es por ello que nunca la escuchamos desplegar su voz totalmente y, por otro lado, se convierte en un elemento más de las canciones, sin buscar protagonismo. Hasta el momento se han destapado dos tracks como sencillos (‘Exploitation’, ‘Evil Eyes’), sin embargo, es una

tarea difícil encontrar momentos destacados en una obra que fue pensada como un todo, y no como una compilación de temas aislados con sencillos plenamente identificables y, por consecuencia, radiables.

Con tres álbumes en su haber, Róisín Murphy entierra por completo la incorrecta –y nada fundamentada– percepción de que ella sólo era

la voz e imagen de Moloko, siempre cobijada bajo el manto de las composiciones y producción de Mark Brydon.

Hairless Toys es el producto de combinar un largo recorrido en el oficio de crear música, una producción brillante y elegancia pura, de esa que los Mercury Music Prize ya no saben reconocer.

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XVII DEPRESSION CHERRY Beach House Arts & Crafts México Por Iván Lechuga

Reciclar la misma fórmula no es necesariamente una debilidad para una banda cuando dicha fórmula le sigue rindiendo excelentes frutos.

En el caso de Alex Scally y Victoria Legrand, un etéreo pop electrónico que sigue cautivando a su audiencia hacia un mundo de fantasía, donde las melodías confortan y los beats arrullan.

a su influencia shoegaze, pero las suaves vocales de Legrand, como en el resto del álbum, le quitan lo filoso a la instrumentación. Uno nota al escuchar Depression Cherry que Beach House regresó a una producción desprovista, presente previo al lanzamiento de Bloom (2012).

‘Space Song’ es otro ejemplo de cómo la instrumentación más austera le permite a la composición sobresalir por lo que es, simplemente una buena canción, con lo necesario para complementar la melodía, como las vocales de Legrand acomodándose en varias capas sobre un ligero recorrido por el sintetizador.

Beach House (el segundo grupo más fino de Baltimore) continúa haciendo entrega de un pop denso y meloso en Depression Cherry (2015). Desde la primera canción, ‘Levitation’, Legrand invita a “un lugar a donde te quiero llevar”, con un sonido hipnotizante que envuelve y acordes de sintetizadores que cuelgan del techo como espesas gotas de miel, ante lo cual el escucha no tiene más que hacer que aceptar la invitación. ‘Sparks’ es uno de los números más agresivos gracias

En esta ocasión se han ido la mayoría de los arreglos extravagantes, así como la batería en vivo que Scally y Legrand comentaron les causó cierta incomodidad, robándole algo de la suntuosidad a los beats. Por otra parte, ‘PPP’ es de lo más elaborado en este trabajo, terminando con una melodía anclada a las dulces notas de guitarra de Scally, repitiéndose una y otra vez. Para algunos podrá haber sonado repetitivo, pero de este lado no hay quejas cuando se trata de un riff de Beach House.

Hay algunos números que no son la gran cosa, como ‘Bluebird’ y ‘Wildflower’, pero el placer en escuchar un álbum de Beach House es acumulativo, no depende tanto de un solo momento musical que te atrape. El paisaje sonoro, las texturas y esas repeticiones que pueden ser aburridas para algunos son parte de su plan maestro, y que en este caso nos llevan a ese lugar que prometía Legrand al principio, donde las preocupaciones cotidianas salen por un momento para dar paso a un buen dream pop de ambiente.

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XVI THE DAY IS MY ENEMY The Prodigy Casete Por Leonel Hernández

The Day Is My Enemy representó el regreso triunfal, en este 2015, de la banda inglesa conformada por tres desquiciados: The Prodigy. Así, sin más, es como hay que presentar esta nueva placa de estudio, su trabajo más agresivo y poderoso desde The Fat Of The Land (1997), omitiendo discos que si bien fueron muy buenos no tuvieron la relevancia o influencia de aquel con un cangrejo en portada. Esta producción marca una nueva etapa en la historia de The Prodigy, contrastando totalmente con Invaders Must Die (2009) que tenía un sonido mucho más bailable. Se trata del sexto álbum en su historia y el segundo bajo su propio sello, Take Me To The Hospital, en donde Liam Howlett y compañía se valen de un sinfín de recursos para darle nuevos bríos a su sonido.

Desde el track abridor –que da nombre al disco– hasta ‘Wall Of Death’, toda la placa es una metralla de explosiones sin fin, llena de luces y extravagancia sonora. Para este álbum, Howlett decidió no sólo trabajar con géneros como el drum n’ bass, el electrohouse, punk o hip hop –tan familiares en su sonido– sino con otros como el dubstep, dropstep o glitch hop, dando como resultado una gama muy amplia de tonalidades, todas al mero estilo The Prodigy. Quizá los fans de toda la vida hubiéramos visto de manera patética el intento de regresar con sonidos de moda pero, la verdad, quedamos muy satisfechos, pues mantienen su esencia con esa fuerza adjudicada a géneros como el rock, que les permite presentarse en todo tipo de festivales. ‘The Day is My Enemy’ es

gran muestra de ello, con violentos tambores de guerra que retumban con las ambientaciones sicodélicas de Howlett, mientras Ella Fitzgerald canta “The day is my enemy, the night my friend”, erizando la piel del escucha con el deseo de poder disfrutarla en vivo. Y como ésta, todo el álbum, donde la actitud punk del proyecto se hace presente –sobretodo en cortes donde participa Flint y Maxim, como ‘Nasty’, ‘Ibiza’, ‘Wild Frontier’ y ‘Get Your Fight On’– con momentos bailables como ‘Rebel Radio’, ‘Medicine’ o ‘Destroy’, aderezados con el humor ácido que caracteriza a The Prodigy.

Si The Day Is My Enemy es el inicio de una nueva etapa para The Prodigy, aún podemos tener fe en la humanidad.

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XV

Este año sucedió uno de los hechos que para muchos –incluido quien escribe– eran impensables. Blur, la banda que alcanzó el estatus de legendaria tras la disolución, las peleas y los muchos proyectos que nacieron de estos cuatro talentosos hombres de Reino Unido, entregó un nuevo e inesperado material discográfico.

Cuando los chicos malos del britpop se reunieron en 2008 la artimaña parecía más una táctica por revivir éxitos del pasado y engordar sus bolsillos considerablemente. Después de una gira mundial, un nuevo álbum en vivo, risas por aquí y lágrimas por allá, realmente parecía que tendríamos Blur para rato, y este fue el punto clave para demostrarlo.

Ahora bien, ¿cómo lograr lo mismo que con aquellos álbumes clásicos de donde salieron himnos como ‘Tender’, ‘Coffee and TV’ o ‘Beetlebum’? El cuarteto de

THE MAGIC WHIP Blur Warner Music Por Alonso Valencia

Londres tuvo la respuesta perfecta: No lo intentes. Con The Magic Whip Blur hizo todo lo contrario a lo que había hecho más de 16 años atrás: En una tierra que no tiene nada que ver con Blur, en un estudio que no tiene nada que ver con Blur, usando sonidos que no tienen nada que ver con la banda y grabando en tiempo récord, muy diferente al que se ocupó para crear otros materiales (cinco días), este álbum tiene una esencia diferente a la de trabajos anteriores de Rowntree, Coxon, James y Albarn, colocándolo como una pieza que complementa la historia de esta cambiante agrupación que nació hace 27 años.

Este disco combina el sabor del trabajo solista de Albarn, como podemos notar en ‘Thought I Was Spaceman’; la fuerza de Graham Coxon que se había perdido, en ‘Go Out’; la esencia del Blur de Parklife (1994) en ‘I Broadcast’; el poder lírico a

modo de balada ‘The Universal’, en ‘Mirrorball’; toda la magia de la banda aglomerada en ‘Lonesome Street’, y los obvios sonidos de China esparcidos por todo el disco… ¿Qué más se puede pedir?

Sí, no es su mejor disco, pero nunca intentó serlo y, más bien, nos muestra la fórmula perfecta del comeback: Intentar algo completamente nuevo y no replicar lo que ya se ha creado en el pasado.

Este nuevo trabajo no suena a nada que pudieran haber escuchado este año, y eso lo hace fundamental. Saber que Blur sigue vigente nos da una clara lección de que el talento sigue derrotando a la necesidad comercial, y demuestra que tener de nuevo a todos a bordo –productor incluído– logra magia en el estudio, superando a ese resultado frío y agridulce llamado Think Tank (2003) y regalando una nueva pieza clave en la historia de una banda única.

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XIV BORN IN THE ECHOES The Chemical Brothers Astralwerks Por Raúl Arce

raciones, con vocalistas destacados dentro de la escena alternativa. En esta ocasión, los británicos se hicieron acompañar de Kamaal Fareed, mejor conocido como Q-Tip, integrante de la mítica agrupación de hip hop A Tribe Called Quest, quien presta sus rimas para ‘Go’, segundo corte del álbum. Resulta inevitable notar la frescura de este track, lo que le llevó a ser nominado a un premio Grammy dentro de la categoría Mejor Grabación Dance, además de ser usado en el keynote de Google y en el soundtrack del videojuego Need For Speed.

Por otro lado, en ‘Under Neon Lights’ podemos disfrutar de la voz de Annie Clark, la artista tejana que todos conocemos como St. Vincent.

En este corte, la voz de Clark es acompañada por una serie de loops y beats hipnóticos, que terminan integrándose a una cama rítmica que nos transporta a un paisaje futurista y oscuro.

Mención aparte merece el track que da título al disco, en el que la cantautora galesa Cate Le Bon presta su voz. Aunque muchos no tengamos presente el nombre de esta artista británica, seguro hemos escuchado algo de su trabajo, ya que ha colaborado con agrupaciones como Manic Street Preachers y Super Furry Animals.

En este punto de 2015, cuando hacemos el ejercicio de recapitular lo más destacado del año, nuestros oídos prestan atención a las nuevas propuestas, pero también a los regresos afortunados. Dentro de estos reencuentros con aquellos que han moldeado nuestros gustos musicales y, por consecuencia, acompañado nuestras vidas, nos encontramos con Born In The Echoes, el octavo álbum de estudio del dúo londinense The Chemical Brothers.

En un mundo dominado por la electrónica de fórmula, destinada a quinceañeros que usan

gorras de camionero, con leyendas ridículas en colores neón, es más que plausible que Tom Rowlands y Ed Simmons se aferren a su estilo y probada calidad. No por ello Born In The Echoes suena a una repetición de Further (2010), suena a ellos mismos, a la inigualable personalidad musical que han forjado a lo largo de más de 20 años detrás de los decks.

Para esta producción, The Chemical Brothers recurre a un elemento que –además de su techno de avanzada y fino house– lo ha distinguido a lo largo de su carrera: sus colabo-

Al final, pero no por eso menos importante, encontramos ‘Wide Open’, corte en el que tenemos el privilegio de escuchar la comunión entre The Chemical Brothers y el cantautor angelino Beck, un tema hasta cierto punto contemplativo pero sumamente hermoso y nostálgico, como si Sea Change (2002) hubiera tenido un lado B electrónico.

Born In The Echoes es un gran regreso después de cinco años de ausencia, un manotazo de autoridad de quienes son y han sido los mandamases de la electrónica global, además de ser una buena oportunidad para los más jóvenes de familiarizarse con el trabajo de la que quizá sea la agrupación electrónica más relevante del mundo.

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XIII MAGNIFIQUE Ratatat Because Music Por Bógar Adame

Ratatat siempre se ha caracterizado por tener un sonido bastante singular; una base electrónica aderezada con guitarras distorsionadas que crean una atmosfera única. Hoy, cinco años después de su último esfuerzo discográfico, la banda aparece de nueva cuenta en el radar para entregarnos un trabajo bastante diferente de lo que venían haciendo.

En esta oportunidad para expresar su arte llamada Magnifique, decidieron llevar la experimentación a otro nivel, dejando de lado los grooves a los que nos tienen acostumbrados, e integrando nuevas sonoridades, en algunos casos con un lap steel como en ‘Supreme’, ‘Drift’ o ‘Magnifique’, y aunque suene raro, eso le dio un toque melancólico y

fino, que por momentos nos recuerdan a un disco de Santo & Johnny.

Por otra parte, en ‘Cream Of Chrome’ o ‘Cold Fingers’ las líneas de bajo crean una atmósfera funky, dejando que el mood crezca hasta desembocar en algo más psychedelic.

El punto cumbre del disco llega con ‘Night Club Amnesia’, que sin duda tiene el riff mas significativo del álbum, acompañándose de sintetizadores y creando una atmosfera que va perfecta con una noche de club y fiesta en cualquier parte del mundo; un clásico del repertorio del proyecto.

La placa también cuenta con un cover bastante interesante, se trata de ‘I Will Return’ de Sprin-

gwater, la mejor manera de cerrar el álbum, aquí, una vez más, el lap steel se destaca como elemento principal (¿será que veremos esta herramienta mas seguido en los futuros discos de Ratatat?).

El arte de Magnifique es algo también digno de resaltar, ya que está integrado por bocetos de dibujos de la autoría de los integrantes de la banda, realizados durante la grabación del disco; la unión perfecta entre arte y música.

Mike Stroud y Evan Mast hicieron un disco muy variado y ahí está la fortaleza del álbum, porque lograron una gran cohesión en la mezcla de todos los elementos que tomaron, un disco digno de escucharse de principio a fin.

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XIII

25 Adele Sony Music Por Alonso Valencia

Cuatro años pasaron desde que Adele dominó el mundo con uno de los mejores álbumes de la década, cuatro años en los que la británica ganó un Oscar, fue madre y colaboró con Damon Albarn, con un fatídico resultado que nunca verá la luz.

Uno de los álbumes más esperados de los últimos años por fin llegó inesperadamente, después de un anuncio básicamente sorpresivo que, a su vez, colocó en la radio uno de los temas más sonados de 2015 con apenas unas semanas de haber llegado a oídos del público.

El éxito de los dos primeros trabajos de estudio de quien se ha ganado el título de la mujer con más ventas en menor tiempo de la historia, radica totalmente en una desgarradora ruptura amorosa. Ahora, al ver la vida con una mirada totalmente diferente, Adkins entrega un trabajo en el que no sólo crece personalmente, sino trata de explicar lo que muchos hemos pensado alguna vez después

de superar esos momentos difíciles: Tal vez yo también tuve la culpa.

Con ‘Hello’ y su rotundo éxito la inglesa muestra que está dispuesta a perdonar y ser perdonada, por lo que las puertas que se abrieron desde 19 están a punto de cerrarse en este trabajo en el que escuchamos a una Adele que se acerca un poco más al pop comercial a primera vista –recalcando la mano de Max Martin en este proyecto–, con temas como ‘Send My Love (To Your New Lover)’. Como una arma de doble filo, 25 trata de incorporar un cierto dejo de superación en forma de melodías mucho más dulces, que a la vez dejan a un lado el vacío sentimental que causaban temas como ‘Someone Like You’ o ‘Chasing Pavements’ Adele alza la mano y toca la superficie de la comodidad con letras que a primera vista parecen genéricas pero que, al mismo tiempo, ofrecen una exquisita contradicción en melodías como ‘River Lea’, en donde habla de la obligada pre-

sión por superar el pasado y el sufrimiento que conlleva. Esta maestría para escribir canciones es lo que coloca a 25 como uno de los mejores trabajos de 2015, ya que, explorando más el fondo de este material que funciona como puente entre la depresión, la superación y la aceptación del ser, podemos ver que Adele experimenta con su propio talento y deja de lado el llanto por la dicha de un nuevo horizonte.

Toques marcados de R&B (‘Sweetest Devotion’), destellos acústicos (‘Million Years Ago’) e incluso sonidos electrónicos (‘Water Under The Bridge’) conforman un exquisito material que comienza a demostrar los alcances de Adkins, quien mezcla su talento natural con el de Tobias Jesso Jr., Danger Mouse y Paul Epworth.

Si algo queda claro con 25 es que Adele sabe madurar con perspectiva, explorando nuevos territorios que nos hacen desear que todo el pop tuviera su misma calidad. Es bueno madurar junto a Adele.

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XI COMPTON Dr. Dre Interscope Por Leonel Hernández

Straight Outta Compton, que narra los orígenes del grupo NWA (Niggas With Attitude), referente del hip hop callejero, en sí es entretenida, sólo eso, sin pretender ser una especie de guía para quienes somos seguidores y productores de música rap. Lo interesante está en lo que produjo en Dr. Dre, quien inspirado al recordar a la vieja guardia del gangsta rap nos entregó uno de los mejores trabajos sonoros del año, dejando claro por qué es un referente no solo del género, sino de la producción musical en general.

En esta tercera entrega de su discografía, el músico hace gala de todo su talento detrás de la consola para lograr una genuina amalgama de nueva y vieja escuela dentro del hip hop.

En el álbum hay de todo un poco, desde R&B y soul hasta hip hop duro y callejero, en ocasiones contenido en una misma canción. Para ello, Andre Romelle Young se hizo acompañar de viejos conocidos como Xzibit, Ice Cube, Snoop Dogg y Eminem, además de mucho talento nuevo como Kendrick Lamar y Anderson .Paak, dando como resultado un disco por el que valió la pena esperar durante 16 años (su álbum previo, 2001, fue lanzado en 1999).

En este periodo de “lejanía”, Dre aprovechó para consolidarse como figura imprescindible en la música, y si bien es cierto que Detox no pasó su criba personal y nunca vio la luz (salvo algún single como ‘I Need A Doctor’, donde colabora Marshall Mathers y Skylar Grey),

el rapero californiano se ha redimido con un trabajo cuyos tracks fueron orquestados, interpretados y producidos minuciosamente: desde la poderosa ‘Genocide’, con Kendrick Lamar, hasta ‘Talking to My Diary’ o ‘Medicine Man’, sin dejar de lado ‘Just Another Day’, que es un viaje en el tiempo hacia los 90.

Compton logra remontarnos, por momentos, al rap de la vieja escuela, recurso que sabe explotar bien y con el que hace tributo a sus propios orígenes. Se trata de un material que si bien tiene un público específico, es un gran referente para comprender el rap como género y el hip hop como cultura, más aún en este 2015 en el que parece que este estilo musical se ha diluido entre tantas fusiones.

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X HASTA LA RAÍZ Natalia Lafourcade Sony Music Por Iván Lechuga

Hasta La Raíz (producido por Cachorro López), en cuanto a su temática, es Lafourcade recordando los buenos momentos (aún frescos) con una persona, demostrándole una sincera gratitud por aquel pasado pero, tal como en ‘Estoy Lista’, su sonido es premonitorio de mejores tiempos por venir. La instrumentación, por otra parte, es austera: un piano y un bombo, dejando un poco desnuda a la artista para que pueda sincerarse con su sujeto y su audiencia, algo similar, en sonido y concepto, a John Lennon en ‘Mother’, al inicio de su carrera solista. En esa misma canción, Lafourcade hace entrega de sus vocales más potentes que, sin tener una voz excepcional, son suficientes para expresar los sentidos encontrados en las letras.

Este material es un trabajo robusto, no se remite unidimensionalmente a un corazón roto. Como en el tema que da nombre al álbum, donde se hace presente un sonido repleto de guitarras acústicas, jaranas, percusiones y, en general, una instrumentación tan fresca como es posible, con referencia a arroyos y campos de cañas, o como en ‘Vámonos Negrito’, donde pide a dicho negrito que vayan “a caminar por la vereda, para contarte sobre mi tierra”. En efecto, tal parece que el corazón roto mandó a la artista a un estado de reflexión sobre su pasado todavía más antiguo (no diremos que hasta la raíz de su existencia) y el álbum presenta una fuerte influencia de su natal Veracruz en cuanto a su sonido e imágenes mentales.

El último álbum de Natalia Lafourcade abandona el pop excéntrico y bonachón de Hu Hu Hu (producido por Meme, de Café Tacvba) para consolidarse en un trabajo musical maduro y elegante. Lafourcade ha recorrido un camino musical sinuoso, interesante en algunos momentos y cuestionable en otros (que pueden haber involucrado disfraces de pato), pero, al final, desemboca en un álbum que a través de hermosas melodías y una producción orgánica detalla los sinsabores de una relación amorosa perdida y los primeros instantes de una resignación alegre, con la frente en alto.

El gusto clásico le sienta bien a la artista, pues hasta en canciones con destellos rock como ‘Ya No Te Puedo Querer’ se encuentra uno con instrumentos de cuerda sabor a Bollywood, o el bossa nova melancólico de ‘Para Qué Sufrir’, que curiosamente no suena pasado de moda. El pop respingón en ‘Nunca Es Suficiente’, con un particular sonido español, no hubiera sorprendido a nadie si su autor verdadero hubiera sido José Luis Perales, y el soul presente en ‘Antes De Huir’ también se refleja en la portada, con Lafourcade como alguna de las divas pasadas del género, Aretha Franklin o Mary Wells.

Hasta La Raíz es eclécticamente clásico, un trabajo musical maduro de una artista que ha llegado a donde quería llegar. Es sincero, desgarrador por momentos, musicalmente excelso, con un pie en el pasado pero la mirada en el futuro.

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IX IN COLOUR Jamie xx Young Turks Por Priscila Núñez

En los últimos años, la música electrónica ha perdido la pasión y el toque que en su momento la hizo atractiva –probablemente culpa del EDM y la interminable cantidad de productores que continúan emergiendo–, pero en In Colour nos volvemos a encontrar con esa fascinante clase y finura con la que se debe manipular una caja de ritmos o un sintetizador.

Construido en gran parte a partir de samples, este, su álbum debut como solista, consagra a Jamie Smith –mejor conocido como Jamie xx– como un verdadero arquitecto sonoro, adaptando instrumentación mínima con atmósferas titánicas para crear un disco que se puede escuchar en un momento de éxtasis y fiesta, o en la comodidad de la soledad.

Cada sonido, beat y sampleo encaja de manera casi mágica y hasta seductora. A lo largo de 11 tracks el británico nos lleva por una acotada variedad de estilos, la influencia del dub, los matices de la escena rave, así como el uso de prominentes bajos; es un disco plagado de house que en ocasiones toma un rumbo más ligado al future garage, con incluso un par de guiños de reggae.

En su propuesta hay electrónica expansiva y exquisita, una producción impecable y precisa, y un discurso claro y lúcido, pero también hay romanticismo y una coherencia melódica más desarrollada. Puede que se trate sólo de una sensibilidad superdotada, o puede que Jamie xx haya dado en el clavo al formar una suerte de

electrónica de cámara, que mucho tiene que ver con el efectismo tan apreciado en The xx.

A sus 27 años, el joven prodigio del indie británico desvía su identidad musical prescindiendo del artificio de guitarras, sin riesgos de perder personalidad, y se sumerge en la coherencia de las mezclas sintéticas, jugando con sonidos que a simple oído podrían parecer comunes e irrelevantes, pero que gracias a la paciencia que tiene para diseñar paisajes sonoros se sienten abiertos e íntimos a la vez.

Jamie xx no crea música que la gente quiera escuchar, él hace música que expresa sus emociones. In Colour es una de las mejores y más completas experiencias musicales de los últimos años, una obra de belleza inquietante.

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VIII UPTOWN SPECIAL Mark Ronson Sony Music México Por José Iván Ruiz

Un buen cocktail debe tener siempre a un increíble barman detrás. Esta mezcla la pudimos tener en 2015 con Uptown Special y el hombre que nos embriagó se llamó Mark Ronson. Él no sólo consiguió que varios de sus artistas favoritos lo siguieran en la aventura de un disco tan arriesgado como este, sino que captó la atención del público en general e hizo de su cuarto disco un verdadero éxito.

Dejando de lado ‘Uptown Funk’, que sin duda fue de lo más escuchado en la radio mundial y recopiló millones de vistas para Ronson y Bruno Mars, la calidad musical del productor está bien concentrada en las 11 canciones que componen el álbum, de las cuales James Brown o Sam and Dave estarían totalmente orgullosos, sin contar que Motown parece volver a la vida con implantes electrónicos.

Hace dos años Daft Punk retó a los artistas a volver a esas raíces musicales que los habían inspirado y dejar el lado banal del medio. Ronson no sólo tomó literal el desafío, sino que demostró que un álbum como este era tan atemporal que en un viaje en el tiempo lo podíamos mostrar a Sly And The Family Stone y bailarían al compás de la música, envidiando los ritmos de ‘Feel Right’ o ‘In Case Of Fire’ que son totalmente R&B y harían sospechar que forman parte de un LP perdido en un estante de Coney Island.

Pero lo que más llama la atención de la placa son las colaboraciones, parecen perfectamente estudiadas para no fallar en ningún momento. ‘Crack In The Pearl’ cuenta con el talento de Andrew Wyatt, mientras que su segunda parte incluye la sublime participación de Stevie Wonder y Jeff Bhasker (mancuerna de gente como Kanye

West o Alicia Keys). Ahora que si analizamos a fondo, las palmas se las llevan los tres tracks con Kevin Parker (Tame Impala): ‘Summer Breaking’, ‘Daffodils’ y ‘Leaving Los Feliz’. La mezcla de un ritmo cadencioso con la voz enigmática y melodiosa te llevan a un lugar lejano, donde lo único que puedes hacer es mover los pies y desprenderte de los problemas mundanos; el también DJ ha creado un placebo natural que te invita a dejarte llevar, donde sea que estés.

El ábum no inventa un género o descubre algo que no sepamos que está regresando desde hace dos años, pero asegura una cosa para el mundo musical: mirar atrás no te hace anticuado, sino que redescubre una tendencia, en este caso esa que te impulsa a mover el cuerpo en cada momento, esa que parece ser la meta de Mark Ronson y su metodología musical.

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VII

Una de las bandas que se desarrollaron en las fértiles tierras de la escena independiente de Olympia, Washington, en la década de los 90, y uno de los elementos clave del reconocido movimiento feminista de las riot grrrl es Sleater-Kinney.

Al lado de bandas como Bikini Kill y Bratmobile, impulsaron aquella corriente de pensamiento y ejecución en el que las chicas alzaron la voz sin un solo gramo de vergüenza para reclamar respecto a problemas sociales como las violaciones, el racismo/discriminación, el patriarcado, la opresión hacia las mujeres, entre otros factores de política de izquierda y subculturas alternativas.

El regreso de Sleater-Kinney era necesario después de una separación anunciada en 2006 y diez años de ausencia en el estudio de graba-

NO CITIES TO LOVE Sleater-Kinney Sub Pop Por Natalia Montes

ción, ya que hoy en día siguen siendo pocas las bandas que saben alzar la voz sin miedo, ante la desigualdad y los problemas sociales. Al inicio de 2015 (el 20 de enero, para ser exactos) la banda volvió con un estruendoso nuevo material que fue capaz de captar la atención de una incontable cantidad de escuchas, y aunque en esta ocasión la temática es de alguna manera más personal, no dejaron de lado su inconformidad ante el sistema en cada una de sus letras.

El álbum sucesor de The Woods (2005) es No Cities To Love y éste se conforma por 10 tracks que son disparados en menos de 33 minutos.

El estilo de la banda integrada por Corin Tucker, Carrie Brownstein y Janet Weiss se mantiene en la misma línea, con sus características

distorsiones muy al estilo grunge y adherentes melodías repartidas entre la voz y la ejecución, logrando varias capas sonoras independientes pese a ser sólo tres instrumentos.

El octavo material de la banda, producido por John Goodmanson (Bikini Kill, Blonde Redhead, Death Cab For Cutie), en algunos puntos clave llega a la estridencia de la ejecución, al estilo Thurston Moore, pero libran del ruido en el momento indicado para no ser fatigoso. Pese a que el trabajo final no es nada que “no hayamos escuchado antes” en cuanto a propuesta musical, con una combinación de energía, pasión, drama y entrega, No Cities To Love es uno de los mejores discos del año y dentro de la carrera de Sleater-Kinney.

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VI VULNICURA Björk One Little Indian Por José Iván Ruiz

Todo el mundo desea hacer el álbum de rompimiento perfecto. Muchos casi lo logran (Blood On The Tracks, de Bob Dylan, o Rumours, de Fleetwood Mac) pero la receta secreta siempre será hacerlo en medio del dolor, para que las notas salgan de forma natural, sin evocar demasiado pero transmitiendo cómo cada pedazo del corazón cae al suelo y se transforma en miles de fragmentos más.

Vulnicura, de Björk, ya puede estar en esta lista de discos perfectos sobre rompimientos amorosos. Escrito después de separarse del artista Matthew Barney, con quien procreó a su hija Isadora, el alma de la artista vuelve a quedar al descubierto en la peor faceta que uno puede tener, pero al mismo tiempo con uno de sus mejores trabajos desde su debut como solista.

Si pudiéramos definir los tracks del disco tendríamos que entenderlos como pinturas deshechas por un cuchillo. “Muéstrame respeto emocional. Tengo necesidades emocionales.

Deseo sincronizar nuestros sentimientos” es un grito ahogado a la desolación en ‘Stonemilker’, primera canción que eleva el plano a escenas siniestras con un dejo de claridad, para entender lo que la artista islandesa nos quiere transmitir.

Después todo parece complicarse, tanto en el plano musical como en el de la profundidad esquemática del álbum. Björk no desestima entrar a tonos vocales altísimos como en ‘Lionsong’ o ‘Black Lake’. La complejidad para interpretar se notó hasta en las presentaciones en vivo, donde la cantante tuvo que cancelar parte de su gira porque no podía llegar a los rangos vocales que en el estudio logró crear.

También está la interacción con sus “juguetes” creados específicamente para ella desde el lanzamiento de Biophilia (2011), hace cuatro años.

Las aplicaciones en tabletas o la llamada Bobina de Tesla siguen presentes para darle ciertos compases que parecen imposibles de replicar.

La genialidad y la extroversión quedan, sin embargo, en otro plano para darle más poder a la intención de sus letras, que en ciertos puntos parecen gritar que deben ser escuchadas.

Vulnicura vuelve a estampar las composiciones en cuerdas, lo que le da esa sensación de nostalgia, algo que da a entender en tracks como ‘Atom Dance’. La fórmula de Homogenic (1997) se repite en ciertos sentidos, pero con diferencias abismales, ahora estamos ante un ser destrozado que pide clemencia pero no quiere ayuda, sólo cierta atención; el ego sobrepasa el instinto de pedir ayuda.

Todos los discos de Björk son una obra de arte, pero, como los grandes genios de la humanidad, la intérprete necesitaba un golpe de realidad para volver a tener los aplausos de la crítica y el público. Es una pena que tuviera que pasar por un hecho como el desamor, lo que también es una virtud, ya que volvemos a entender que sigue siendo una mujer de carne y hueso.

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V TO PIMP A BUTTERFLY Kendrick Lamar Interscope Por Paco Sierra

Las coincidencias difícilmente existen en el contexto musical, lo que pareciera una casualidad es en realidad una suma de circunstancias que dan como resultado determinada expresión artística. El inconsciente colectivo juega un papel crucial, pues es el que implora una fuente de inspiración, consuelo y un objeto de fascinación (o por lo menos mi lado romántico lo quiere sentir así, como pasara en 1963 con The Times They Are A-Changin’, de Bob Dylan).

2015 recibió así To Pimp A Butterfly, obra del rapero originario de Compton, CA., Kendrick Lamar (sí, misma ciudad que vio nacer y convertirse en voceros del hip hop a Tupac Shakur y Dr. Dre), que se convirtió en un clásico de forma inmediata, sus canciones en himnos y sus arreglos venerados.

En un momento en el que Estados Unidos está herido por asuntos raciales, de ignorancia y discriminación llega este álbum plagado de palabras de aliento que también absorbió una fuerte depresión de Lamar y se impregnó de humanismo a lo largo de su más de 70 minutos, revelando a un artista sensible que difiere por completo de aquel mostrado en “good kid, m.A.A.d city”, donde manifestó un lado más agresivo y rebelde. En esta ocasión, Kendrick se empeñó en evidenciar que el hip hop está lejos de cumplir sólo clichés (fiestas, modas pasajeras –entiéndase como trap, ‘Whip/Nae Nae’ o casos similares–, mujeres y autos), por lo que creó complejidad y propuesta tanto en sus rimas como en lo musical, con referencias jazz, funk y de spoken word e invitados legendarios como Dr. Dre, Snoop Dogg, George Clinton, Ronald Isley y Tupac Shakur –con quien sostiene una profunda conversación–, además de jóvenes virtuosos como Thundercat, Pharrell Williams y Bilal.

To Pimp A Butterfly fue bien recibido desde su lanzamiento, con éxitos cosechados que seguirán por muchos años, siendo motivo de estudio y análisis. Luce complicado que un disco de 2015 sea tan aclamado por especialistas

y seguidores sin importar gustos personales, géneros o nacionalidad, pues lo hecho por Lamar alcanzó 11 nominaciones al Grammy e incluso el aplauso del presidente Barack Obama, quien afirmó que ‘How Much A Dollar Cost’ es su canción favorita del año. Y aunque sí, TPAB es de un contexto muy estadounidense, abre los ojos a cualquiera con la necesidad de disfrutar de un verdadero portavoz social y no falsos profetas (coff, Calle 13, coff).

Lamar es alguien que utiliza su estatus de “celebridad” para un bien social y trascendente. Habrá que considerarlo uno de esos artistas que surgen de generación en generación, como los referenciados Bob Dylan o Tupac Shakur. Imposible refutar lo que hoy provoca gritar “we gon’ be alright”, probablemente la frase más poderosa del año, cantada, adaptada y ovacionada por miles… Y sí Kendrick, estaremos bien. Gracias.

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IV I LOVE YOU, HONEYBEAR Father John Misty Arts & Crafts México Por Victor G. García

Josh Tillman, el hombre detrás de Father John Misty, nunca ha tenido miedo de mostrarse tal como es. Eso le ha traído unos cuantos detractores, quienes no llegan a entender el tono irónico con el que Tillman se desenvuelve en la vida. Es notable que en los últimos años ha madurado como músico y como persona, pero eso no ha mermado su sentido del humor, al contrario, lo ha hecho aún más incisivo, la diferencia consiste en que su humor se ha vuelto autorreferente.

Tillman ha perdido el miedo a burlarse de sí mismo, y una vez que llegas a ese punto no queda más que aceptar lo absurdo de la vida. Esa personalidad cruda, dramática y, muchas veces, egocéntrica es su mejor activo a la hora de escribir canciones. Si no me creen, basta con darle una escuchada a I Love You, Honeybear.

I Love You, Honeybear es un disco bello que cuenta con una grandiosa instrumentación y una producción impecable pero, sobretodo, es un disco brutalmente honesto. Sus letras nunca tratan de disimular el hecho de que los hombres pueden ser unos monstruos si se lo proponen, como podemos escuchar en ‘Nothing Good Ever Happens on the Goddamn Thirsty Crow’, donde compara a la mujer que ama con una muñeca inflable: “But my baby she does something way more impressive than the Georgia crawl / She blackens pages like a russian romantic / Gets down more often than a blow-up doll.”

Sin duda, esta segunda producción firmada por Tillman como Father John Misty tiene como tema central el amor, pero no en el sentido más romántico de la palabra. Y es que para este artista dicho sentimiento es una navaja de doble filo, que puede sacar lo mejor y lo peor de una persona, facetas que han sido plasmadas perfectamente en este material y que implican el querer compartir tu vida con alguien aunque eso signifique sacrificar la individualidad misma.

Escuchar este disco representa subirse a la montaña rusa emocional que J. Tillman vivió durante los últimos años, cuando pasó de ser un bohemio borracho a conocer a la mujer con la que finalmente se casaría. En

el transcurso, logró retratar aspectos nada agraciados del amor, como los celos y los deseos de posesión, pero lo hizo de una manera tan honesta que el resultado ha sido fastuoso.

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III

WHAT WENT DOWN Foals Warner Music Por Victor G. García

Cuando Foals irrumpió en la escena musical con sus características melodías bailables y sus riffs inspirados en el math-rock, nadie imaginó que unos años después estaríamos ante un acto preparado para llenar estadios en cualquier lugar del mundo. En este corto tiempo, Foals pasó de ser una banda a la que podías escuchar durante la tarde de un sábado de verano, a aquella que logra ofrecer uno de los shows en vivo más poderosos del planeta.

En algún punto de su discografía, el sonido de este quinteto de Oxford tomó un curso distinto. Lo que escuchamos ahora es a una banda más seria y madura, donde la ansiosa y caótica energía que emanaba de sus primeros esfuerzos ha cedido paso a un sonido

mucho más calmado y relajado (como en ‘Give It All’ y ‘London Thunder’). A diferencia de lo que se pudiera esperar, el resultado de esta mutación no ha hecho más melosa su música, al contrario, este disco presenta un Foals bastante pesado, especialmente en los cortes que muestran una actitud esencialmente rock, como es el caso del sencillo homónimo que abre el disco.

De manera paulatina, la composición en sus canciones ha adquirido cierta profundidad, al fusionar elementos ambientales que le dan una vibra de grandiosidad épica (estoy pensando en ‘Albatross’ y ‘A Knife In The Ocean’) en una combinación de ecos resonantes y crescendos esporádicos

que envuelven al escucha en un turbio paisaje sonoro.

A pesar de las diferentes facetas de Foals, What Went Down se mantiene fiel a la esencia de la banda al conservar esas guitarras que te hacen saltar de un lado a otro (como es posible notar en ‘Night Swimmers’), sólo que ahora se siente como bailar entre nubes que están a punto de estallar en una tormenta. Si algo se puede decir con certeza acerca de Foals es que nunca se ha conformado con copiarse a sí mismo, cada disco nos ha mostrado su evolución a paso lento pero seguro. Foals ha sabido mantener una sólida consistencia al lanzar disco tras disco que, a pesar de algunos leves bemoles, siempre son sumamente disfrutables.

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II DODGE AND BURN The Dead Weather Third Man Records Por Natalia Montes

El supergrupo conformado por la voz de Alison Mosshart (The Kills), la batería de Jack White (The White Stripes, The Raconteurs), la guitarra y teclados de Dean Fertita (Queens Of The Stone Age) y el bajo de Jack Lawrence (The Raconteurs) decidió regresar con su tercer álbum de estudio, después de Sea Of Cowards, tras cinco años de ausencia.

Luego de revelar la noticia del nuevo material y de lanzar su primer sencillo, la banda también tuvo que revelar la mala noticia de que no haría gira para acompañar este trabajo, debido a los apretados horarios de cada integrante.

Aunque, por otro lado, Dodge And Burn fue promocionado de una manera bastante original e ilustrativa: Cada determinado tiempo, la banda subió videos en los que cada integrante fue el

protagonista, detallando su técnica de ejecución para sonar y componer como lo hace.

Aprendimos, en resumen, que Alison Mosshart se inspira más para escribir sus letras cuando va manejando por la carretera a altas velocidades, que Fertita es el último que incorpora su parte a las canciones y que su guitarra, imperativamente, debe estar ultra distorsionada.

También, que el bajo sintetizado es el núcleo y factor más importante de The Dead Weather, y que, bueno, en realidad el bombo es aún más importante que el bajo.

Los temas más sobresalientes probablemente son ‘Buzzkill(er)’, ‘Be Still’, ‘Mile Markers’ y el primer sencillo ‘I Feel Love (Every Million Miles)’, ya que tienen una forma más curtida que

los demás tracks en cuanto a la peculiar manera en la que se cuelan por tu canal auditivo, con gran facilidad, y se quedan ahí resonando.

Cambios de tempo que te desubican por algunos segundos, un teclado disonante, la guitarra extra sucia, una tarola específicamente más aguda que marca solamente ciertos tiempos, esas líneas de bajo que en ocasiones te hacen dudar si realmente es un bajo lo que estás escuchando y la voz estilo femme fatale de una de las frontwoman más relevantes de la contemporaneidad; definitivamente, The Dead Weather es de esas pocas bandas de rock que hoy en día mantienen alto el estandarte del género, sin tratar de imitar algo fuera de su contexto. La banda posee un sonido particularmente suyo y son la síntesis ideal de lo que se puede definir como supergrupo.

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I CURRENTS Tame Impala Caroline/Universal Music Por Victor G. García

Desde los inicios de Tame Impala, Kevin Parker ha demostrado tener una sensibilidad musical adelantada a su época, sin olvidar sus propias raíces. Si Innerspeaker (2010) y Lonerism (2012) fueron dos discos que definieron el psych-pop desde una base bastante influenciada por The Beatles, Currents nos muestra una faceta nueva y refrescante de la banda, al dejar a una lado la preponderancia de las guitarras y el fuzz e incorporar un sonido centrado en los sintetizadores.

Este ajuste instrumental en la composición le otorga un sentimiento aún más alucinatorio a su música. Una placa ampliamente colorida que se presenta ante los sentidos como una serie de fractales tornasolados que sólo existen en constante transformación. Esta experiencia hace del

disco todo un viaje en el sentido más sicodélico de la palabra. A pesar de la base electrónica que se extiende a lo largo del álbum, el bajo es otro instrumento que adquiere un énfasis especial, al mantener un groove que se presta para bailar suavemente con los ojos cerrados.

El disco marca el inicio de una nueva época para la banda y Parker es consciente de ello, al punto en el que el cambio se convierte en un tema recurrente de sus letras; cortes como ‘Yes I’m Changing’ son suficientemente explícitos al respecto. A pesar del tono alegre de la placa, también existen momentos melancólicos en las letras –como en ‘Eventually’–, los cuales pueden ser interpretados como resultado del rompimiento de Parker con Melody Prochet,

de Melody’s Echo Chamber. El cambio aquí consiste en la conjugación de una diversidad de estéticas y estilos que abarcan el propio psych, el R&B (‘Past Life’), la música disco (‘The Less I Know The Better’), el lo-fi (‘Disciples’) y hasta el vaporwave (como en la línea melódica que abre ‘Cause I’m A Man’), estilos que se mezclan bajo una estructura pop tan digerible como pensada.

Parker ha sabido tomar riesgos al diversificar su paleta tonal, conservando siempre los elementos esenciales que componen el sonido de la banda. ¿Somos acaso testigos del desarrollo creativo de uno de los próximos grandes de la música? Puede ser. Lo que no dudamos es que Currents es el mejor álbum que Tame Impala ha lanzado a la fecha.

The Dead Weather

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#WARPyearbook15

THE DEAD WEATHER ALISON MOSSHART Nuestra más reciente charla…

POR ALEJANDRO FRANCO

ES LA TERCERA OCASIÓN EN LA QUE TENGO LA FORTUNA DE HABLAR CON ALISON. MI PRIMER CONTACTO CON ELLA FUE A TRAVÉS DE UN VIEJO FESTIVAL INDEPENDIENTE EN LA CIUDAD DE MÉXICO –PRECURSOR DEL HOY CORONA CAPITAL– LLAMADO MANIFEST. NO CRUZAMOS PALABRA PERO LA VI MUY DE CERCA EN ESE PEQUEÑO ESCENARIO, TÍMIDA PERO CONTUNDENTE, CON UNA PERSONALIDAD ÚNICA QUE A LO LARGO DE LOS AÑOS LA HA LLEVADO A SER UNA DE LAS MUJERES MÁS IMPORTANTES DE LA INDUSTRIA MUSICAL.

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“SÍ, EL MODO EN QUE TRABAJAMOS EN THE DEAD WEATHER ES MUY RÁPIDO... PODEMOS ESCRIBIR UNA CANCIÓN DE PRINCIPIO A FIN Y GRABARLA EN UNA HORA, ESOS CHICOS SABEN LO QUE HACEN.”

The Dead Weather en SesioneS con Alejandro Franco

Alisson Mosshart, Foto: Alejandro Franco

Años más tarde le tomé algunas fotos en Glastonbury, en el escenario John Peel; para mí, el mejor momento que me ha tocado vivir con una frontwoman, en este caso la mitad de la increíble dupla The Kills. Botas inconfundibles que sigue usando hoy en día y una actitud, ya en ese tiempo, mucho más sensual y agresiva.

Luego vino la primera entrevista, en mi programa de TV, SesioneS con Alejandro Franco, de la mano de Jack Lawrence, Dean Fertita y el genial Jack White. The Dead Weather es probablemente la mejor súper banda de rock de los últimos años en lo que se refiere a personalidad y contundencia. Un par de años más tarde regresó al show con The Kills y accedió a quedarse una noche más en México para poder hacer el programa… Todos la pasamos muy bien en ambas ocasiones.

Así que aquí estoy, subiendo uno de los elevadores del legendario Chateau Marmont, en Sunset Boulevard, en mi ciudad favorita, Los Ángeles, California. Jack está distraído, sentado en el bar del lugar que ha visto desfilar por décadas a músicos, actores, productores y todo tipo de personalidades de la industria del entretenimiento. Alison abre la puerta de su habitación; obviamente y como siempre, está fumando. Me reconoce de inmediato, recordamos un par de anécdotas de nuestras otras ocasiones y en una pequeña sala de su luminoso cuarto comienza nuestra nueva charla…

Empecemos con el nuevo álbum de The Dead Weather, Dodge And Burn ¿Cuándo decidieron hacerlo y cómo fue el proceso?

El proceso para el nuevo álbum de The Dead Weather fue totalmente al azar. Empezamos a escribir canciones hace un par de años para sacar unos sencillos y en su momento juntarlos, porque no teníamos tiempo de ir propiamente a un estudio. Así que empezamos a hacerlo hace dos años, escribimos cuatro canciones y después pasó un año y medio sin que hiciéramos nada más, por lo que decidimos dedicarle un par de días en donde sacamos ocho canciones más. Ese fue el proceso realmente, quiero decir, los chicos sólo escribieron música, algunos días sólo era Dean y yo, a veces Jack y yo, robábamos tiempo cada que podíamos, pero de hecho fue escrito y grabado en tres semanas y media, sólo que en un periodo más largo de tiempo.

¿Dónde grabaron? ¿En Nashville?

Sí, grabamos en Nashville, en el estudio de Jack White. ¿Es muy diferente para ti estar en esta clase de procesos mientras estas en otros proyectos como The Kills?

Sí, el modo en que trabajamos en The Dead Weather es muy rápido, muy fluido, todos toman su camino, toman sus instrumentos y empiezan a tocar, y yo estoy en el micrófono con una libreta y una pluma, y todo pasa en ese momento. Podemos escribir una canción de principio a fin y grabarla en una hora, esos chicos saben lo que hacen. The Kills, por otro lado, es una banda muy diferente que necesita de programación, y cuando estas programando no puedes componer tan rápido porque tienes que programar y después construir algo de eso. Yo diría que es el proceso opuesto. ¿Es diferente el acercamiento ahora que sabes que esta es una banda que funciona, una banda que puede dejarte muchas cosas como lo probaron los primeros álbumes?

El primer álbum fue una locura, no sabemos de dónde salió; entramos al estudio, tratamos de tocar música juntos y de pronto teníamos un disco. Esa es la forma en que hemos hecho cada álbum, supongo que el trabajo del primero inspiró el segundo, y el del segundo el tercero, supongo que ahora somos una verdadera banda, tres discos… creo que eso cuenta. Es una alegría, un regalo, poder ir al estudio con estos chicos y escribir música, porque pasa de manera natural.

¿Qué hay acerca de las letras y el proceso para escribirlas en este nuevo álbum, en comparación con los primeros dos?

Realmente no hay mucha diferencia, creo que sería seguro decir que las palabras tienden a venir tan rápido como la música, y creo que el proceso ha sido así en los tres discos. ¿Cuáles son sus planes con este nuevo álbum? ¿Van a hacer un tour completo o cómo será el proceso?

Con este disco no vamos a salir de gira, sé que es algo poco tradicional pero literalmente no podemos, no tenemos tiempo para hacerlo, todos ya están de gira o en otros proyectos, así que nadie está disponible para salir, pero creo que está bien; por supuesto estoy triste, porque amo ir de gira con esta banda, pero es mejor sacar nueva música que sólo quedarnos con un disco por dos años, eso sería muy aburrido para nosotros, así que esto se sentía correcto incluso si no vamos de tour. ¿Es loco no?, porque ahora mismo es la cosa más importante para muchos proyectos, hacer una gira o presentaciones en vivo, es loco pensar que ustedes hicieron un álbum y no van a salir de gira.

Es muy raro, estoy de acuerdo contigo, porque las bandas viven de las giras, es lo que tenemos que hacer. Es un acercamiento poco tradicional, pero no siempre puedes hacer todo lo que quieres.

Antes de comenzar la entrevista hablábamos de Instagram, ahora eres muy activa en esa red social, pero lo más importante que capta mi atención es el trabajo que haces pintando y dibujando, cuéntame sobre eso…

“ESTOY TERMINANDO UN DISCO DE THE KILLS AHORA MISMO...

ME REHÚSO A HACER ALGÚN OTRO PLAN HASTA QUE ESTO ESTÉ TERMINADO, ASÍ QUE POR FAVOR NADIE ME DISTRAIGA.” ¿Es lo mismo con las letras, el mismo sentimiento de intimidad?

Hay veces que puedo escribir estando rodeada de personas, también puedo pintar estando con otros, todo el día, no importa si ven mis pinturas mientras las hago, pero hay veces que estoy como en otra parte de mi mente en la que no puedo distraerme. Cuando manejo, por ejemplo, me invento cientos de letras, pero es muy peligroso porque me pongo a buscar pluma y papel mientras estoy en la carretera, manejando como a 85 millas por hora, y me pongo a revolver el carro porque no quiero olvidarlo, grandes ideas me vienen a la mente en el auto, tengo que conseguir un dispositivo o un sistema más seguro para capturarlas [risas].

The Kills en Glasto 2008 Foto: Alejandro Franco

Lo he hecho toda mi vida y nunca tuve siquiera la idea de hacer una exposición, me la he pasado de gira, haciendo álbumes, así que el arte era algo que hacía para mí misma. Pinto en backstage, en los cuartos de hotel, cada vez que tengo tiempo libre, y muchas personas que venían a mi estudio y veían las cosas en las que estoy trabajando me decían que debía tener una cuenta de Instagram para subir algunas fotos, y que las personas vieran lo que hago. Subí dos o tres pinturas los primeros días, y de pronto me ofrecieron exposiciones, y no puedes decirle que no a alguien que quiere poner tu trabajo en las paredes de una galería, es muy emocionante.

Entonces hice un par de exposiciones en grupo y después, este año, hice una en solitario en Nueva York, con 107 pinturas. Aún no consigo recobrar el aliento [risas], fue como: “Ok, de regreso a la música por un segundo’, porque consume mucho tiempo, pero es muy divertido. Es lindo pensar que las personas pueden ver las cosas que hice y que ahora estén en sus casas, es muy personal, ni en un millón de años me imaginé que sería capaz de vender una de mis pinturas, pero me di cuenta de que tengo muchas cajas y pilas de mi trabajo, y qué otra cosa puedo hacer con ellas, están literalmente en la oscuridad, es mejor que alguien las vea y las aprecie, se siente bien.

Recuerdo que me contaste acerca de los primeros días con tu banda antes de The Kills, que eras muy tímida porque liderabas una banda y que el proceso fue difícil para ti. ¿Ocurrió lo mismo con la pintura y tu primera exposición?

Es gracioso que lo menciones, siempre he sido tímida y ahora era parte de la habitación, y tenía que conversar con las personas. Fue como un gig sin backstage, fue aterrador, no había ningún lugar al que pudiera huir.

Tenías que estar ahí todo el tiempo y hablar con las personas… ¡Sí!, todo el tiempo, como cuatro horas. Fue abrumador, pero al mismo tiempo hermoso porque mi familia y mis amigos estaban ahí, y por momentos sólo tenía que formar un pequeño círculo a mi alrededor para recobrar el aliento [risas]. No conozco a ningún pintor al que le guste ir a todas sus aperturas y hablar con todos en la habitación, creo que todo el mundo preferiría estar en su casa pintando.

Pintas en tu casa, ocasionalmente en el hotel o en medio del tour…

En todos lados, viajo con un montón de pinceles y papel, y cuando la inspiración llega lo hago. La gira es buena para eso, porque tienes mucho tiempo libre entre el soundcheck y en medio de toda la locura previa al gig, en donde ya no puedes salir del camerino porque hay personas afuera, así que en esos momentos dibujo y pinto, es como me entretengo, prefiero hacer algo creativo que sólo sentarme y estar bebiendo y bebiendo, fumando y fumando, me hace sentir más completa, crear cosas me hace sentir bien. Habitaciones de hotel y pueblos extraños donde no hay nada que hacer son los mejores lugares para pintar.

Ahora que no vas a salir de gira con The Dead Weather, ¿qué vas a hacer?

Estoy terminando un disco de The Kills ahora mismo, es lo que voy a hacer tan pronto deje L.A., ir de gira con Jamie cuando el álbum esté listo. Hemos trabajado en eso por un tiempo, así que estoy muy emocionada de terminar eso con él, me rehúso a hacer algún otro plan hasta que esto esté terminado, así que por favor nadie me distraiga [risas].

Estaba a punto de invitarte a México…

Iré a México tan pronto como el disco esté terminado.

Deberías hacer una galería o algo…

Sería muy divertido, amo la Ciudad de México, me gustaría ir a pasar un par de semanas a distraerme de las cosas que siempre estoy haciendo. ¿Algo que quieras decir acerca del nuevo disco de The Kills?

Amo el disco, tiene canciones muy buenas. El modo en que Jamie y yo trabajamos es muy complicado, es como un viaje a un lugar un poco incómodo, porque siempre tratamos de reinventarnos y eso toma tiempo, así que eventualmente llegas a este lugar donde realmente suena a un disco de The Kills, pero es algo muy difícil de hacer para dos personas, y Jamie siempre está en una misión para hacer algo completamente diferente a lo que ha hecho antes. Me gustaría poder decirles más al respecto pero no puedo, porque hay cosas que aún pueden cambiar.

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TAME IMPALA Let it Happen POR ALONSO VALENCIA FOTOS: MATT SAV

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DESDE UN PUNTO DE VISTA COMPLETAMENTE EXTERIOR, LA CREACIONES DE KEVIN PARKER PUEDEN SER CALIFICADAS COMO “MÚSICA PARA HIPPIES” O TODO LO NECESARIO COMO COMPLEMENTO PARA UN LARGO VIAJE ÁCIDO. DESDE UN PUNTO DE VISTA DE NICHO, EN EL QUE LA MÚSICA TOMA EL PAPEL PRINCIPAL EN NUESTRA VIDA DIARIA, LA OBRA DE CASI TREINTAÑERO DE SIDNEY, AUSTRALIA, SE ESTÁ CONVIRTIENDO EN UN SÍMIL DE ESOS ÍCONOS DE PRINCIPIOS DE LOS 2000 (ME VIENE A LA MENTA JACK WHITE), QUE AHORA HAN ALCANZADO UN ESTATUS LEGENDARIO. Con Innerspeaker (2010), Tame Impala entró en la escena rock –no le digamos sicodélico, por favor– con largos riffs, distorsiones vocales y ese sentimiento ineludible que nos transportaba a los 70, con un nuevo twist que se ajustaba perfectamente a esta tendencia que ahora parece no terminar nunca, de lo “retro con nuevos aires”.

Ese primer intento los colocó definitivamente en el mapa, pero aún faltaba pulir un poco más la propuesta que ahora, dos álbumes y cinco años después, vuelve con el que ha sido calificado por muchos como su mejor trabajo a la fecha, y claro como el Álbum del Año para WARP Magazine. Para aquel que aún no haya degustado este, su tercer material discográfico, tengo que mencionar que cuenta con todo lo necesario para convertirse en uno de los álbumes que podrían definir la década.

Es el trabajo más personal de Tame Impala, una muestra clara de la evolución de un proyecto que, tras pasar por la composición y promoción de dos materiales, encontró el camino hacia su obra maestra. A nivel emocional el frontman de Tame Impala cambia su hambre de batalla contra de la sociedad por la libertad creativa y artística, una transformación que no pasa desapercibida.

El líder de la banda se tomó una breve pausa de su actual gira para platicar de la inspiración que dio luz a este esfuerzo sonoro. Parker está en el aeropuerto de Auckland, en Nueva Zelanda, donde Tame Impala tocó una noche antes, contesta el teléfono y es difícil dejar pasar el increíble bullicio que se escucha en el fondo.

“Hola, hermano, ¿cómo estás? Es bueno oírte”, contesta Kevin. Luego de saludarlo, sabiendo

que el tiempo apremia, voy directamente al grano: “Vamos a hablar específicamente de Currents”, le comento, le hago hincapié en la metamorfosis que significa la placa, él asiente y me platica sobre los avances que encuentra, personalmente, en este álbum.

“Creo que siempre me ha emocionado ramificarme y tratar todo tipo de cosas nuevas. Me encantan muchos tipos de música y siempre me ha atemorizado incorporar diferentes sonidos en la melodía dentro del mundo sicodélico. Es como un salto de fe en el que intento todo, ese es un poco el objetivo que tomo cuando creo un nuevo disco.

“Lo que hicimos con Currents fue no ponernos límites, todo se trató de romper las reglas, un cierto tipo de muros que tenemos todos los músicos, todos los artistas, y en esta ocasión nosotros los removimos. Pienso que cuando estás creando algo nuevo, todo es cuestión de romper esos muros”.

Uno de los elementos clave que definen el mencionado disco es que se puede interpretar como el proceso de evolución de un hombre. ‘Let It Happen’ habla de dejar pasar las cosas sin darle mayor importancia; ‘The Moment’ puede ser justo ese instante en que te das cuenta de cómo está transcurriendo tu existencia, y todos esos detalles están dejando estragos en tu vida; ‘Yes I’m Changing’ es la aceptación del cambio, ‘Past Life’, ‘Love/ Paranoia’, ‘New Person/Same Old Mistakes’… este disco estáplagado de referencias al cambio, en diversos ámbitos, al respecto Kevin menciona.

“Claro que sí, el proceso de escribir un álbum es muy personal y creo que eso encaja porque la música estaba cambiando para mí, es algo tan universal que se adapta al tiempo, a diversas

historias y a lo que está cambiando en tu interior.

Podría definirlo como una perspectiva desalentadora de pasar por un cambio de personalidad.

Sigues luchando, pero es atemorizante.”

“Entonces es seguro recalcar que el disco está basado en ti mismo”, pregunto.

“Definitivamente, Currents está basado en mí, no creo que poder escribir canción alguna a menos que sea profundamente personal, porque también es una terapia en la que estoy trabajando. Es la manera en la que puedo sacar las cosas”.

Con Lonerism, Tame Impala alcanzó esos nuevos estándares que aún estaban lejanos en su álbum debut. ‘Elephant’ sonaba en todos los comerciales de televisión y a pesar de no contar con la calidad que perfeccionaron en éste, su tercer trabajo discográfico, se podía apreciar que los australianos comenzaban a alcanzar la inmortalidad –que aún sigue a unos cuantos metros–.

El disco no solo llegó a miles de oídos, también tuvo una especie de “efecto rebote”, cuando Alex Turner decidió hacer un cover a ‘Feels Like We Only Go Backwards’ con su peculiar estilo.

Justo en ese intermedio en donde pasaban de ser un “one hit wonder” a “la banda que debes escuchar”, Parker y compañía llegó al Vive Latino de 2013, un día después de presentarse en el Teatro Estudio Cavaret, en Guadalajara. Le platico un poco a Kevin que la primera vez que lo vi en vivo fue entre esa multitud festivalera que se dividía entre un gran segmento que esperaba ver a Blur, unos cuantos despistados más que parecían estar perdidos, otra parte que sólo iba por “la canción del comercial” y un séquito muy bajo de seguidores reales de la banda.

“LO QUE HICIMOS CON CURRENTS FUE NO PONERNOS LÍMITES, TODO SE TRATÓ DE ROMPER LAS REGLAS...”

“BUENO, KEVIN PARKER ES TAME IMPALA, NO HAY NINGUNA DIFERENCIA REAL.”

Justo en esa presentación, Parker subió al escenario con una grave infección intestinal, con cubeta en mano. Él ríe cuando le recuerdo aquella anécdota: “Sí, fueron momentos difíciles, no me sentía del todo bien”.

“Se necesitan muchos huevos para subir al escenario y tocar ante miles de personas en ese estado”, le reitero, y él vuelve a reír.

Aprovechamos este momento para hablar un poco de la experiencia que provoca Tame Impala sobre el escenario. “Hay algo muy particular que he notado en ti, Kevin, creas una persona muy diferente cuando estás sobre el escenario y se diferencía al vocalista de Tame Impala con el que estoy platicando en este momento.”

“Creo que le has dado al clavo, es muy, muy cierto, esos son los momentos en los que más me divierto, al tocar en vivo. Me gusta abrazar a una persona diferente, solamente al salir de mi propia piel, porque a mí me funciona en el estudio, estando en mi propia piel puedo explorarme a mí mismo, en mi propia cabeza.

“Pero al tocar en vivo es un mundo muy diferente, es algo que nunca pensé que podría hacer, pararme frente a miles de personas y ser un intérprete, nunca me imaginé que esto es lo que haría, así que ahora sólo trato de sacar lo más que puedo de ello. Tengo que pretender ser alguien más, lo cual es divertido, es divertido pretender ser alguien más por un rato.”

El mencionado White, Damon Albarn, Dan Auerbach, todos cuentan con características similares a Parker, un talento que se ha expan-

dido, como lo podemos notar en su reciente colaboración en Uptown Special (2015), el éxito del año de Mark Ronson, en donde el líder de Tame Impala participa en tres temas.

Todos los anteriores también cuenta con algo en común, la expansión de toda esta creatividad a través de un proyecto solista que se alterna con su agrupación principal, o se expande aún más hacia bandas tan multifacéticas que explotan al máximo todas las partes del artista. ¿Kevin Parker es el siguiente en entrar a esta lista con un proyecto solista?

“Bueno, Kevin Parker es Tame Impala, no hay ninguna diferencia real. Puede que haya diferencias o puede que no haya ninguna, creo que es algo en lo que siempre estoy trabajando, pero no estoy seguro de cómo sea el futuro de Tame Impala, nunca acaba.

“En realidad, siempre estoy inspirado para hacer nueva música, hago nuevas cosas todo el tiempo. En realidad creo que ni siquiera estoy seguro de lo que es Tame Impala. Lo más importante para mí es descubrir lo que significa Tame Impala para mí y lo que no significa para mí y qué más puedo hacer. Me encanta la producción de audio y ser un escritor de canciones. En realidad, no estoy seguro.” ¿El mejor álbum del año? Definitivamente Currents está llegando a este prestigioso lugar gracias a la maestría de este genio musical contemporáneo, y no sólo nosotros lo pensamos, le cuento a Kevin que en una entrevista previa, los chicos de Miami Horror también incluían a esta placa como lo mejor que nos dejó 2015.

Ahora, la verdadera pregunta aquí es: ¿En realidad al australiano le importa el reconocimiento?

“Claro que me importa, todos mis compañeros son personas a las que respeto. Mark Ronson, Miami Horror, cuando gente como esa habla bien de tu trabajo, es extremadamente apremiante e increíble.

“Creo que la música de Tame Impala, por alguna extraña razón, es muy apreciada por los músicos, al igual que por personas que en realidad aprecian la música y también las que sólo gustan de escuchar música sin saber necesariamente las notas o cuáles son los ritmos, sólo se enamoran de ella de cualquier manera.

Me siento agradecido por ello.

“Lo mismo pasa con los medios, es impresionante cuando te reconocen, ese es otro mundo exactamente, pero creo que eso sólo pasa cuando el resto del mundo compra un disco al igual que compra una revista, es algo que va muy de la mano en el mundo de hoy y creo que es parte de todo.”

Puede que Currents sea el álbum del año o no, puede que Kevin Parker sea uno de los genios musicales contemporáneos o no, pero lo que es cierto es que este disco demuestra calidad por donde se escuche y esta pequeña plática con su creador ha dejado en claro que el productor, músico, vocalista y escritor piensa solamente en crear y los alcances que puede lograr con la experimentación, convirtiéndolo en uno de los mayores nombres a seguir en los próximos años, junto con un álbum que mejore a éste y se convierta en uno de esos clásicos de siempre.

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THE NEW CLASS POR STAFF WARP FOTO: BEATRIZ POSADA

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WOLF ALICE Al hablar de este cuarteto londinense es necesario decir que su reciente álbum es una genialidad, que hace que recordar la actitud de bandas como The Smashing Pumpkins, The Cranberries o The Subways, incluso cuando la agrupación misma asegura no tener ninguna influencia musical.

Wolf Alice nació en la época en la que MySpace era una de las redes sociales más utilizadas, por ello se reconocen como “una banda que surgió durante la explosión del indie, cuando

todos podían subir sus grabaciones a la red”, que fue creciendo hasta convertirse en lo que hoy es. Algo que los caracteriza es la presencia de la honestidad en cada una de sus creaciones, lo que les ha otorgado reconocimiento y les ha abierto las puertas a nivel internacional.

My Love Is Cool, su esperado álbum debut, resultó, en pleno 2015, una prueba de que la década de los 90 sigue presente, un grito de liberación e incomodidad ante lo que nos sucede diariamente.

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TOBIAS JESSO JR. La escena musical en Canadá nunca estuvo más activa, y uno de los actos que ha ayudado a la expansión de dicha oleada es Tobias Jesso Jr., un chico de 30 años nacido en Vancouver que comenzó su carrera musical como bajista de la banda The Sessions, y que finalmente decidió hacer un proyecto solista en 2013 hasta lanzar su álbum debut en marzo, Goon.

Sus canciones comenzaron a tomar popularidad debido a sus melancólicas letras, ya que atravesó una ruptura amorosa y el cáncer de su madre al mismo tiempo. Sin embargo, el material producido por Patrick Carney (baterista de The Black Keys) logró abrirle las puertas para obtener fechas por todo Estados Unidos y su país natal, llevándolo incluso a

otras latitudes; el festival Primavera Sound, en España, por ejemplo.

Parte de su éxito también se lo debe a HAIM y Adele, quienes tuitearon sobre su trabajo y atrajeron escuchas de todo el mundo, incluyendo medios que le dieron alta estima a su música.

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The Carpenters es una reminiscencia inmediata al escuchar a esta chica de Cleveland, quien se ha encargado de reciclar el sonido pop de fin de los años 60 para imprimirlo en su álbum debut, homónimo, que salió a la luz en el mes de junio.

Para dar seguimiento a esta compositora que utiliza la melancolía como recurso es necesario

escuchar sus dos EPs anteriores, Small & Sweet (2009) y Sense Of Transcendence (2011), donde queda claro el proceso detrás de su evolución hasta llegar a su primer larga duración.

Por si fuera poco, este año la intérprete lanzó un EP llamado Side By Side, con el cual se atrevió a darle un toque muy particular a

canciones como ‘Caught Up In The Rapture’, de la ganadora del Grammy, Anita Baker, y ‘REALiTi’, de Grimes, que de hecho forma parte de su más reciente álbum Art Angels. Con esos antecedentes conocimos a la compositora, quien emergió en esta caprichosa escena demostrando que aún hay espacio para las chicas que le cantan al corazón.

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NATALIE PRASS

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BENJAMIN CLEMENTINE Este músico londinense se mantuvo durante varios años en las calles parisinas catalogado prácticamente como trotamundos, por andar de bar en bar, el metro y otros lugares, para desarrollar y exponer su música, misma que narra su dura infancia y lo difícil que fue para él ser apoyado por su familia.

Como muchos otros, Benjamin no asistió a clases de música, fue autodidacta, y curiosamente parece que de ahí proviene la magia de su sonido. Al menos eso pensó el jurado del Mercury Prize, quien le

otorgó la codiciada presea en Reino Unido por encima de Jamie xx y Florence + The Machine.

Su debut, At Least For Now, estrenado en los primeros días de este año, fue una revelación en cuanto a sonido, marcando la diferencia en una industria musical donde los beats electrónicos gozan de buena salud y dominan el panorama. Su voz peculiar acompañada del contundente y maravilloso piano hicieron de Benjamin lo mejor de 2015.

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BOB MOSES Jimmy Vallance y Tom Howie, dos jóvenes canadienses, han demostrado que las plataformas para distribuir música online resultan un trampolín perfecto para darse a conocer, de no ser por Soundcloud, por ejemplo no estaríamos hablando hoy de la dupla.

A nivel sonoro hay que decir que su construcción y producción musical va más allá de la creación de pop electrónico convencional. Sus influencias también salen de lo formulario, por lo general los exponentes de escena electrónica suelen tener como influencia

algunos de los mejores DJs del mundo, pero en el caso de este dúo es completamente distinto ya que sus gustos principales se reflejan en Green Day, Rancid y Led Zeppelin.

Por último, su carta de presentación en 2015 llamada Days Gone By, es un mezcla perfecta de house, trance y pop, que los ha posicionado como una de las nuevas promesas del dance underground, por lo cual vale la pena seguirles la pista, quizá en un par de años estemos hablando de el dúo que cambió las reglas de la electrónica.

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VOWWS Esta dupla con origen en Israel y Australia tomó lo mejor del post punk y desde 2013 se ha dedicado a llenar de nuevos bríos un género que parece vivir en la nostalgia. Este año lanzaron “The Great Sun”, su álbum debut y los resultados no pudieron ser mejores; por un lado la pieza, producida por Kevin McMahon (conocido por su trabajo con Swans) resultó ser una perfecta mezcla entre penumbra y poder, en la cual las líneas de bajo se encargan

de llevarnos por oscuros caminos, mientras que las potentes guitarras y los sintetizadores matizan con tintes de luz como solo Bauhaus o Ministry, en su etapa new wave, sabían hacerlo. La fusión entre la voz de Rizz y Matt solo es la cereza de este gótico pastel, una caricia de suave terciopelo industrial sonoro.

Si el maestro Gary Numan aceptó colaborar con ellos en el tema ‘Losing Myself In You’, sin duda significa que hay que seguirles la pista.

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EMPRESS OF Este proyecto solista de la americana Lorely Rodríguez comenzó a ganar atención en 2012, tras liberar de forma anónima una serie de demos. Un año después causó revuelo por el lanzamiento de su EP Systems, el cual la llevó hasta el Pitchfork’s Summer

Music Festival y a ser telonera de actos como Florence + The Machine y Kimbra. Sin embargo, no es sino hasta 2015 que es aclamada por la crítica debido a su debut Me, grabado en México y lanzado en septiembre del mismo año.

A partir de entonces empezó con una gira que la llevó a diversos puntos de la Unión Americana y a colocarse dentro del foco de atención de medios y público, convirtiéndose en uno de los actos más prometedores de la nueva escena dream pop.

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WHAT'S NEXT? POR STAFF WARP FOTO: BEATRIZ POSADA

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GUSGUS El disco que mรกs esperamos...

POR ALONSO VALENCIA

INICIALMENTE UN COLECTIVO QUE SE ENFOCABA A UN SINNÚMERO DE ARTES EN LAS QUE DESTACABAN EL CINE Y EL TEATRO, GUSGUS CONTABA CON MÁS DE DIEZ MIEMBROS ACTIVOS QUE SE FUERON ALTERNANDO CON EL PASAR DE LOS AÑOS, AL FINAL TODO DESEMBOCÓ EN UNA PROPUESTA DE MÚSICA ELECTRÓNICA COMO NUNCA SE HABÍA ESCUCHADO ALREDEDOR DEL MUNDO. Con nueve trabajos de estudio en los que la esencia se transforma en cada oportunidad, los originarios de las heladas tierras de Reykjavík, Islandia, siguen tomando al mundo por sorpresa con su interpretación de lo que conocemos como electrónica.

“LOS GUSTOS DE GUSGUS SON MUY VARIADOS, DE MUCHOS GÉNEROS Y MUCHAS ÉPOCAS.” -BIRGIR ÞÓRARINSSON

Previo a su visita a México, como parte del Tulum New Year’s Festival, la banda islandesa compuesta actualmente por Daníel Ágúst Haraldsson, Högni Egilsson y Birgir Þórarinsson nos platicó acerca de su próximo álbum, la continuación de

México (2014),en medio de la filmación de su propio documental, el cual podremos disfrutar el próximo año. Sin duda este décimo esfuerzo de estudio es, desde ya, uno de los álbumes que más queremos escuchar en 2016.

estamos siendo bastante optimistas sobre algunas ideas que trabajaremos en los próximos meses. Ya veremos a dónde nos lleva.

B: Estamos trabajando más con arpegios que con acordes, lo que le dará un “sabor” diferente, algo que no se podía trabajar de otra manera. Estamos intentando ir más profundo en la estructura musical y conseguir algo que se podría describir como inusual e hipnotizante. Constantemente estamos buscando y esperando cosas nuevas.

D: Lo que es un hecho es que GusGus cambia constantemente, siempre evoluciona e intenta nuevas cosas. Y sí, pueden esperar algo completamente nuevo.

Hola, ¿cómo están?

Daníel Ágúst Haraldsson: ¡Hola! Estamos bien.

Birgir Þórarinsson: ¡Muy bien!

D: Algo cansados después de un largo día. Estuvimos manejando alrededor de Islandia, trabajando en un documental. ¿Y de qué trata el documental? Han trabajado todo el día en eso, platíquenme un poco más…

D: Es un documental sobre el proceso y creación de un evento el próximo año, del cual no podemos revelar más por el momento.

B: ¡Es un evento secreto!

D: Bueno, básicamente es un documental sobre nuestro trabajo, lo que hacemos, de dónde venimos, cómo olemos, cómo nos vemos…

B: Es sobre música, elementos visuales y... comida.

D: Sí, es sobre música, elementos visuales y comida.

B: Cosas comestibles. Será sobre los sentidos, escuchar, ver, oler cosas… una mezcla extraña de todo esto.

Suena bastante original, sobre todo por la parte de los comestibles. Ahora bien, cuéntenme sobre su próximo regreso a México, para el Tulum New Year’s Festival.

D: Bueno, pues siendo la víspera de año nuevo seguramente estarán todos con su mejor atuendo, buena vibra y mucho optimismo por el año que está por comenzar. La verdad, la última vez que estuvimos en México pasamos un buen rato, estamos muy emocionados de regresar. Lo que presentaremos será material de los dos últimos álbumes y también algunas canciones que sólo hemos tocado un par de veces en Europa.

B: Que fueron bien recibidas, a decir verdad.

D: Éstas serán parte del próximo álbum, en el que estamos trabajando. La última vez que estuvimos en México todo fue bien recibido, así que ahora que llevamos cosas nuevas y un poco de lo que ya conocen será algo diferente, en comparación con la presentación de la última vez.

Ahora, me gutaría hablar de su disco pasado, ¿cómo fue el proceso de creación de Mexico?, a más de un año de haber sido lanzado, ¿cómo sienten que fue recibido?

D: Estuvimos trabajando en él durante un año, aproximadamente. Cuando terminamos la primera canción, ’Airwaves’, nos quedamos con la boca en forma de círculo. En ese momento supimos que teníamos algo muy bueno entre manos, y de ahí nos seguimos con el resto del álbum. Luego, trabajamos canciones como ‘Crossfade’ en nuestra casa de verano.

B: ‘Sustain’, y otras más durante el verano.

D: Y en esta casa fue que decidimos nombrar al álbum “Mexico”, porque hacía tanto frío afuera, con todo congelado, que lo único en lo que podíamos pensar era en un lugar lejano y exótico como México, era nuestra “escapatoria”. Esta metáfora nos ayudó a terminar el disco.

B: La gente alrededor del mundo, en México, Europa, Islandia, todos se volvieron locos con el disco anterior, diciendo que era el mejor de todos, así que teníamos mucha presión. Pero en realidad ese hecho no hizo complicado este nuevo proceso, porque decidimos alejarnos de ello un poco y concentrarnos. La diferencia esencial entre Mexico y Arabian Horse es que este último lo creamos en nuestra casa de verano por completo, por eso cada canción tiene más o menos el mismo estilo y por eso algunas personas podrán decir que suenan a lo mismo. En cambio para Mexico intentamos romper con el trabajo pasado y para cuando terminamos ‘Sustain’ nos dimos cuenta de que todo lo que haríamos en adelante sería completamente diferente.

Ya que me comentan que tienen canciones listas para un nuevo álbum, ¿cómo fue el proceso actual para este material discográfico?

D: Les daremos una probada en año nuevo, tocaremos una canción nueva en la que hemos trabajado. El proceso ya lo empezamos pero aún no sabemos qué pasará o qué camino tomará,

¿Cuáles fueron los sonidos de GusGus en 2015?

Platíquenme de toda la música que escucharon, así como nuevos álbumes y propuestas.

B: Los gustos de GusGus son muy variados, de muchos géneros y muchas épocas.

Tenemos gustos que se ubican dentro de las últimas tres o cuatro décadas, cosas de los 80, new wave; de los 70, house; de inicio de los 90… de hecho tenemos influencias de los 90 en general y muchas cosas más.

Escuchamos de todo y nos intriga todo tipo de música, todo esto se une con nuestras experiencias en el pasado, no lo podríamos reducir a lo que escuchamos en 2015 aunque, si tuviéramos que escoger, diría que Grimes y Frank Ocean.

D: Estoy muy de acuerdo con Frank Ocean, creo que dio un gran paso en la música, especialmente en la parte vocal. Su trabajo vocal es glorioso, bastante particular. También sus letras y el trabajo en producción.

B: Algo que también le reconozco a Frank es que está muy involucrado en las tendencias actuales, no como influencia, más bien para formar parte de ellas, manteniendo la autenticidad en su trabajo.

Creo que eso es parte también de lo que hacemos con GusGus; cuando la música no está atada a una época es perpetua, puedes escuchar sus influencias pero no la puedes ubicar dentro de un lapso de tiempo específico.

Ahora, con la próxima presentación en nuestro país para año nuevo, ¿tienen planeado algún tour mundial o algo similar para Europa o América en 2016?

D: De momento estamos trabajando en el estudio y no hemos planeado en realidad una gira, todavía. Estamos seguros que llevaremos nuestra música lo más lejos que se pueda en los próximos dos años.

B: De momento nos tomaremos un par de meses para trabajar de lleno en el álbum y eso es todo por ahora.

D: Pero estamos ansiosos por verlos en año nuevo.

B: Búscanos en Tulum, yo te invito los tragos.

ENGLISH FEATURES FOTO: BEATRIZ POSADA

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TAME IMPALA LET IT HAPPEN PG. 110

ENCORE PG. 112

TAME IMPALA LET IT HAPPEN

Por Alonso Valencia

From the perspective of an outsider, Kevin Parker’s creations could be tagged as “music for hippies”, or everything you’d need for a long acid trip; from a market niche point of view, that many would consider as expert, taken from and angle in which the music has a starring role in our daily life; the almost 30 year old from Sydney, Australia, is becoming, little by little into a comparison of these icons of the early 2000s that nowadays have reached a legend status.

With Innerspeaker, Tame Impala got into the rock scene –let’s avoid calling it psychedelic, please– with long riffs, distorted vocals and that undeniable feeling that transported us back to the 70’s, with a new twist that fit perfectly with that new trend that now seems to never end, the “new retro”.

That first attempt definitely put them on the map, but they needed to polish a little bit more their music approach, that now, two

albums and five years later, has returned to become part of every conversation with a piece that have been considered as the best album of the year, which is being promoted now by Kevin Parker, who took a short break to talk about the influences and the inspiration that enlightened his new record.

tion, coming from their two earlier works that are almost perfect. The Tame Impala’s frontman, who changes his battle-against-society state, for creative freedom; is going through a transformation that you can hear in this album, he embraces his current position and show it along thirteen tracks that denote a change process.

From the airport of Auckland in New Zealand, where they played the night before, Kevin answered the phone and the incredible noise in the background is hard to ignore.

I emphasise on the evident transformation that he and his bandmates went through, and he starts telling me about the evolution that he can identify on this album.

“Hello Brother how are you? It’s good to hear you”, replied Kevin. I am very straight forward and go directly to the point: “We’re going to talk specifically about Currents ...

“I think that I always feel excited about diversifying myself and try all sort of new stuff, I like a lot of different kinds of music and most of the time I’m afraid of bringing new sounds into the melody of the psychedelic world.

This third record, Currents, has everything to become one of the albums that could define the decade. This, the most personal work of Tame Impala, is a clear example of the creative evolu-

I believe it’s like a leap of faith where I try everything, and that’s a bit of the goal I set when I create a new record.

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I believe that when you’re creating something new, it’s all about bringing down those walls”.

arrived at Vive Latino 2013, a day after they did a gig at Teatro Estudio Cavaret.

I tell Kevin that it was the first time I got to see him live, among that festival crowd, divided in those who were waiting to see Blur, some clueless wanderers, those who only wanted to listen to “that song of the TV ads” and a small group of true fans.

One of the key elements that define Currents, is that you can read it as the evolution process of a man.

During that performance, Parker went on stage with a severe intestinal infection, with a bucket on his hand.

‘Let it Happen’ is about letting things go without giving them importance, ‘The Moment’, can be that precise moment when you realize how your existence is happening and all those details that are messing with your life; ‘Yes I’m Changing’ is when you acknowledge that you are changing. ‘Past Life’, ‘Love/Paranoia’, ‘New Person/Same Old Mistakes’… This album is telling you about the changing process of a man. This can be analysed from the point of view of a romantic break up or even from growing up into an adult.

Kevin laughs when I recall that story: “Yes, those were hard times, I wasn’t feeling so well”.

What we did in Currents is that we didn’t have any boundaries, it was about breaking the rules, those invisible walls that all musicians have, and on this occasion, we got rid of them all.

“Of course, the process of writing a record is very personal and you can relate this to the way that music was changing for me, you can relate it to the time, the stories and the thing that are changing inside.

I could say as the overwhelming perspective of going through a change of personality, you keep struggling, but is frightening” “Then is a fact that the record is based on yourself”, I ask.

“Definitely, Currents is based on me, I don’t think that I could ever write a song unless is deeply personal, because is also a therapy I’m working on. Is the way I can get things out of my system”.

With Lonerism, Tame Impala reached the standards that were yet closed when they released their debut album. ‘Elephant’ was on every TV ad and, in spite of not having the quality shown on this, their third record, you could tell that these aussies were in the road to achieve the immortality -that yet, it’s a few miles ahead-.

“Lonerism” reached thousand of ears, and even experienced a sort of bouncing effect when Alex Turner decided to cover ‘Feels Like We Only Go Backwards’ with his peculiar style.

We take that moment to talk about the experience of seeing Tame Impala live on a stage.

“There is something quite particular that I have noticed in you, Kevin, you’re a different character when you are on stage, and I can tell the difference between the lead singer of Tame Impala and the guy I’m talking to at this moment.”

“I think you hit the nail on the head, that’s very, very true, those are the moments when I have more fun, when I play live. I Like to embrace a different character, just get out of my own skin, because when I’m at the studio, being myself works for me, exploring my own mind.

But when I play live is a complete different world, is something I never thought I could do, standing in front of thousands of people and being a performer, I never imagined that I would do that, so now I try to make the most of it.

I have to pretend to be someone else, which is fun, is fun to pretend to be someone else for a while.”

Jack White, Damon Albarn and Dan Auerbach have similarities with Parker; a talent that have expanded as a producers, as we can realize on his recent collaboration in Uptown Special, the successful album by Mark Ronson, where the leader of Tame Impala worked on three songs.

All the mentioned above have something in common, the expansion of their creativity through solo projects that alternate with their bands, or even expanded to more eclectic projects, that allow to explode the full potential of the artists.

Is kevin Parker the next on that list of solo artists?

Just in the middle of that interlude where they stopped being a “one hit wonder”to become a “band you must listen to”, Parker and co.

“Well, Kevin Parker is Tame Impala, there is no real difference.

ENGLISH FEATURES

It might be differences, or maybe not, I think that is something in which I’m always working on, but I’m not sure of how the future of Tame Impala will be, it never ends.

Actually, I’m always inspired to make new music, I do new things all the time. I’m not even sure of what is Tame Impala any more.

The most important thing for me is to discover what does Tame Impala mean to and what doesn’t and what else can I do. I love audio production and being a songwriter. I’m really not sure.

The best album of the year? Definitely Currents is reaching that prestigious places thanks to the expertise of this contemporary music genius, and is not only us who feel this way, I tell kevin about an interview where the guys from Miami Horror told us that Currents was their favorite album of the year, now, the real question is: does this aussie give a crap about that sort of recognition?

“Of course I care, all my colleagues are people I respect. Mark Ronson, Miami Horror, when people like them tell good things about your work, is extremely gratifying.

I think that Tame Impala’s music, for any strange reason, is widely appreciated by musicians, as well by music enthusiast and people who don’t necessarily know how to play an instrument, but still fell in love with it anyway. I feel really grateful for that.

It’s the same with the media, is impressive when they recognize you, that’s another world, but I think that is what happen when people buy a record the same way the buy a magazine, is something quite common in the world right now, it’s a part of everything.”

Maybe Currents is the album of the year, maybe not, Kevin Parker might be one of the contemporary music genius, or not, but what is certain is that this record shows quality whenever you listen to it, and this small chat with its creator, has made very clear that this producer, musician, singer and writer only thinks of music, and that he can achieve many great things by experimentation, making him one of the biggest names to follow in the years to come, and perhaps with a future album that get things to a new level and becomes a music classic essential.

ENCORE

SCOTT WEILAND

Pic: Jamie Weiland

Singer, musician and songwriter.

1967 - 2015

On the night of Thursday December 3rd we encountered with some very gloomy news. Scott Weiland, ex Stone Temple Pilots and Velvet Revolver frontman was found unconscious in his tour bus in Bloomington, Minnesota, when he was due to get on stage with his former band, The Wildabouts.

Weiland struggled with drug abuse and was sent to rehab more than a dozen times throughout his life, but a cardiac arrest was what made him fall to pieces. Nevertheless, he spoke out for thousands of people during the development of grunge music, as he was a big part of the movement in the 90’s decade. Some of us grew up listening to his voice and lyrics, which were definitely impregnated in the cortex of our skull. The news of his death made it all slither and shatter. He took a piece of the soul of a whole generation with him, leaving it big empty, but his essence will prevail forever in hard rock history. May he rest in heaven and hot rods.