WARP Magazine #80 by WARP MAGAZINE

OTRA FOTO DE PORTADA

León Larregui de Zoé se convierte nuestro primer Guest Editor. El compositor cura de primera mano nuestra edición con sus recomendaciones y apuntes editoriales, mostrándonos un lado oculto que no muchos conocen; nuestras secciones de costumbre se convierten en una extensión del músico y su arte.

"A STRONG SPIRIT TRANSCENDS RULES." -PRINCE, 1958-2016 Foto Julio Pineda para WARP, Coachella 2008

WARP MAGAZINE GUEST EDITOR LEÓN LARREGUI @LEONBENLARREGUI PUBLISHER ALEJANDRO FRANCO FERNÁNDEZ @ALEJANDROFRANCO | DIRECTOR EDITORIAL DIOVANNY GARFIAS @ANDROGYN | DIRECCIÓN DE ARTE Y DISEÑO OSCAR SÁMANO @OSCARSAMANO EDITOR DE FOTOGRAFÍA Y RETOQUE SERGIO GÁLVEZ | FOTOGRAFÍA BÓGAR ADAME COORDINACIÓN EDITORIAL ALONSO VALENCIA | EDITORA WEB NATALIA MONTES | COMMUNITY MANAGER MARIANA MEDINA | CORRECCIÓN DE ESTILO KARINA LUVIÁN | TRADUCCIÓN RAÚL ARCE COLABORADORES CARLA CISNEROS, DANIELA CASTELLANOS, EDUARDO MARTÍNEZ, EDUARDO SALINAS, ELSA NUÑEZ, JAVIER CUELLAR, JUAN PATRICIO RIVEROLL,

LEONEL HERNÁNDEZ, MAJO THIELVE, MARIA ELENA VALDES, NAOMI PALOVITZ, SARA ARAUJO, VICTOR GARCÍA, YURI NAVA DIRECCIÓN COMERCIAL KARLA RAUCH KARLARAUCH@WARP.COM.MX | PUBLICIDAD CELIA FERNÁNDEZ FERNANDEZ@WARP.COM.MX | COORDINACIÓN COMERCIAL JAZZMIN CHAVARRIA WARP@WARP.COM.MX

© WARP Marca Registrada ®. Año VIII No.80 Fecha de Publicación Abril de 2016. Revista Mensual editada y publicada por WARP Magazine S.A. de C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en Compañía Impresora El Universal; Allende 176, Colonia Guerrero, Delegación Cuauhtemoc, México DF, CP 06300, Tel: 51 17 01 90 / Distribución Nacional e Internacional de INTERMEX. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

Gracias a todo el staff de WARP por el apoyo y por darme el espacio para expresarme en su revista. Gracias a Alejandro Franco y a Diovanny Garfias por su confianza y amistad. Se les agradece y aprecia. -LEĂ&#x201C;N LARREGUI

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HOT HOT HIT

KAT VINTER Por Daniela Castellanos Foto: Jennifer Noorbergen

Katrina Noorbergen es el verdadero nombre de esta compositora australiana que en 2012 tomó a Berlín como su nuevo hogar. Ganó fama como líder y voz de la agrupación de rock Cassette Kids; sin embargo, tras algunos años de búsqueda de inspiración y colegas que le ayudaran a encontrar el sonido exacto de su proyecto solista, debutó con su primer EP, Islands, el cual salió a la luz en 2015. Kat destaca por la fusión que creó a partir de diversos sonidos, ya que en su obra utiliza elementos tribales y los complementa con ritmos electrónicos, algo de trip hop, para darle un toque de oscuridad a su música sin dejar de lado esa belleza y delicadeza pop que la caracteriza. Su talento la ha llevado a compartir escenario con artistas como Lily Allen y recientemente colaboró en el track ‘Mercury’, al lado de YATES y el productor Beatgees, así como en ‘Catapult’, de Lena.

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EDITOR'S CHOICE

PROFILE

BUSCABULLA Por Javier Cuellar

Sexy, pegajoso, seductor y caribeño son algunos de los adjetivos que definen la música que desarrolla esta pareja radicada en Brooklyn. Raquel Berrios y Luis Alfredo Del Valle son dos portorriqueños que decidieron hacer de dicho suburbio del estado de Nueva York su base de operaciones y, desde ahí, compartir su talento con una comunidad global del norte del continente. Gran parte de la propuesta sonora que distingue a este par viene de sus eclécticas influencias, entre las que encontramos rock latino, salsa,

jazz cubano y un espíritu vintage que no solo plasman en su imagen en cada oportunidad, sino que nutre su música al momento de retomar canciones tradicionales latinoamericanas para presentarlas a una nueva audiencia y, sobre todo, hacerlas suyas en el escenario. Su EP, homónimo (2014), es la manera perfecta de entrar al mundo de esta dupla de aventureros sónicos, uno de los proyectos más frescos de la isla caribeña.

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EDITOR'S CHOICE

LORENA SARAVIA FASHION NUGGET

EL ARTE DE LO COTIDIANO Por Eduardo Salinas

Fotos: Cortesía Lorena Saravia

La industria de la moda se encuentra acaparada por monstruos comerciales que controlan el mercado y marcan las tendencias que día a día consumimos. Pero, a pesar de esto, aún existen aquellos valientes, amantes incondicionales del estilo y el glamour, que buscan innovar y crear afinidad en las personas. Es el caso de Lorena Saravia, diseñadora de modas mexicana caracterizada por crear colecciones que rompen con lo habitual y visten a muchas de las mujeres más influyentes de nuestro país.

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Qué tal Lorena. Cuéntanos, ¿cómo te iniciaste en el mundo de la moda? No hay un punto específico de cómo llegué a escoger la carrera, creo que es algo que he tenido desde muy pequeña y ahora tenemos seis años con la marca. Estudié en el extranjero, volví y trabajé dos años con Macario Jiménez, luego me independicé, lanzamos la marca y llevamos año y medio comercialmente en México. Presentamos de base estamos en Mercedes Benz Fashion Week México y presentamos además en Madrid y Nueva York. Para ti, ¿qué es la moda? Si te lo resumo creo que es arte cotidiano. Al final del día lo que es más satisfactorio para nosotros, como equipo creativo, es ver que el concepto que se creó dentro de un cuartito termina vistiendo a alguien. Creo que arte cotidiano lo definiría bastante bien.

¿De dónde surge la idea de vestirse de cierta manera o adoptar cierto estilo? En una forma muy personal, creo que la moda es un movimiento cultural que está influenciado por muchos aspectos, dependiendo de qué tipo de moda quieres crear. Al final es una rama artística que traemos todo el día puesta, y es algo que todo el mundo usa de forma cotidiana. Hay ciertas categorías en el mundo de la moda, algunas más comerciales que otras. ¿Qué tan difícil es abrirse paso en la industria nacional? Es un poco complicado, ahorita somos parte de una nueva generación que tiene objetivos mucho más comerciales. Hay plataformas que ayudan a impulsar este movimiento como Vogue, Who’s on Next o Fashion Foward, además de diferentes apoyos del gobierno que aportan para que esta

cultura, o este movimiento artístico, se convierta en parte de la economía de nuestro país, porque sí hay una manufactura increíble. Creo que está empezando, somos totalmente nuevos en este movimiento comercial y creo que hay diferentes marcas que van a destacar en los próximos años. ¿Qué personajes influyeron en tu gusto por la moda y, posteriormente, en tu estilo para diseñar? No te puedo decir uno en especial, siento que a través de los años y de diferentes experiencias vas creando tu estilo, ese que te hace diferente de otras marcas. Independientemente de la rama artística en la que estés involucrada, lo más difícil es definir un estilo y que la gente te reconozca. Creo que desde nuestro punto de vista como marca ha sido un hilo conductor, temporada tras temporada, que ha creado un estilo que poco a poco se va reconociendo y diferenciando de las demás marcas.

¿Existe algún personaje al que admires y con el que te gustaría colaborar? Alber Elbaz es una persona que tiene un nivel de creatividad impresionante para mí, es una persona a la que admiro mucho por su manera de pensar a la hora de trabajar, creo que es única. Sé que haz estado trabajando con León Larregui, que es nuestro Editor Invitado… Recientemente le hice una chamarra, y compartir el proceso creativo fue muy interesante, ya que siempre estoy metida en un objetivo muy comercial y salirme un poco de ese ecosistema tan de ventas fue muy divertido.

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AUTOLUX SELECTALLCOPY Por Yidda Mata Foto: Elliot Lee Hazel

Autolux es una de esas bandas cuyo futuro siempre pinta de lo más prometedor; sin embargo, muchos de sus fans se quedaron algo confundidos tras su desaparición del mapa musical durante casi cinco años, luego de la promoción de su genial Transit Transit (2010), lo que causó incertidumbre en el porvenir de la triada integrada por Carla Azar, Greg Edwards y Eugene Goreshter. Después del adelanto titulado ‘Change My Head’ y el anuncio, en 2015, de que su cuarto álbum de estudio vería la luz en 2016, abril nos entregó, al fin, el esperado Pussy’s Dead (2016), un disco en el que el sonido krautrock y shoegaze implícito en la esencia de la banda sigue presente, aunque los tintes de experimentación electrónica, la sicodelia y las atmósferas propias del postpunk se manifiestan prominentemente. Es el mismo Edwards quien, del otro lado del teléfono, da cuenta de los detalles que acompañaron esta nueva aventura musical de los oriundos de Los Angeles, California. Greg, tengo que empezar con esta pregunta: ¿Por qué pararon de hacer música? El plazo promedio para la grabación del álbum fue de seis años, ¿sabes? Durante ese tiempo no solo trabajamos en Transit Transit (2010) y este nuevo álbum, algunas cosas se nos atravesaron en el camino. Carla tocó con Jack White durante su ciclo de tour y participó en la película Frank, con Michael Fassbender. Yo comencé a tocar de nuevo con mi vieja banda, Failure, con la que, de hecho, lancé un nuevo disco (The Heart Is A Monster, 2015), y anduvimos de gira, así que realmente cada quien estaba ocupado en sus proyectos personales.

La base de este proyecto comenzó en 2012, hubo un periodo en el que comenzamos a escribir algunas canciones, como ‘Soft Scene’, ‘Selectallcopy’, ‘Hamster Suite’ y ‘Listen To The Order’, pero ahí los dejamos, pues fue cuando salieron lo otros proyectos. Tiempo después regresamos y afortunadamente teníamos una base muy fuerte para el nuevo álbum. ¿Crees que el proceso para este nuevo disco fue muy distinto, comparado con Future Perfect o Transit Transit? Me parece que sí. A veces las ideas iniciales surgían de algo que grababa de forma rápida, para un demo, con una guitarra acústica, todo fue demasiado espontáneo y resultó en la base que te comentaba. La diferencia en esta ocasión fue que no tomamos dichas ideas formalmente, convirtiéndolas en canciones cronológicas, solo expandimos su espontaneidad y por eso creo que se convirtió en algo más experimental. De alguna forma, cuando Boots, el productor del disco, se unió al proceso fue muy instrumental, en el sentido de seguir con el alma y la espontaneidad de las ideas iniciales, pero al mismo tiempo les dio vida y una atmósfera única. De cierto modo, fue una forma más desglosada y fragmentada de trabajar. Fue extraño, porque el resultado final captó el alma de la idea e inspiración primaria, más que todo lo que hemos hecho antes. Sí, de hecho vi su video ‘Soft Scene’ y me encantó, es increíble pero… un poco raro. ¿Fue dirigido por Thomas McMahan? Sí. También hizo otro video para una canción de Transit Transit llamada ‘The Science of the Imaginary Solutions’.

¿Ustedes le dieron ideas para este video? Es decir, ¿le dijeron qué querían transmitir? Ya habíamos trabajado con Thomas antes; de hecho, hay un artista conocido como Kill Pixie que hizo la portada de Transit Transit, su nombre es Marc Whalen, y tomamos algo de su trabajo, Thomas lo animó y cuando quisimos hacer este video pensamos inmediatamente en él, porque nos gusta cómo hace que las imágenes vayan con la música, no había un tema en realidad, solo queríamos que fuera acorde con la música porque buscamos que se experimente con ella y no distraer con alguna historia. Esto es algo interesante y difícil de hacer, porque en la mayoría de los videos se reduce la experiencia emocional de una canción. Yo por lo menos, cuando escucho música con

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audífonos cierro los ojos y eso me basta para crear mi propio video. Para mí eso es mejor, así que quisimos recrear esa experiencia. ¿Cómo están respondiendo sus fans? Tengo mucha fe en nuestros fans, están emocionados y aceptan los cambios. Para mí, los verdaderos fans son aquellos que aceptan todos los cambios que hacemos álbum tras álbum, dándonos la oportunidad de ser escuchados. Creo que nuestra música debe escucharse repetitivamente, porque si no no sabrías de lo que realmente trata, debes escucharla varias veces para entenderla realmente. Pienso que sí están emocionados, porque tuvieron que esperar por mucho tiempo para este nuevo álbum [risas]. Han sido pacientes.

Me da curiosidad cómo es estar de gira con Carla. ¿Es difícil tener a una mujer con ustedes? [Risas] No lo sé, creo que más bien le tendrías que preguntar a ella si es difícil estar con nosotros durante el tour. Nos conocemos desde hace mucho tiempo, aceptamos todo el uno del otro y no nos sorprende que siempre nos queramos matar entre nosotros, esto solía ser así.

cas, en tu identidad, en encontrar la manera de expresar emocionalmente lo que piensas y no sé si estar envuelto en las redes sociales ayude a expresar esos puntos fundamentales… no lo sé. Mi consejo es que se desconecten completamente, se entiendan a sí mismos mientras crean y se aseguren de no estar envueltos todo el tiempo en esa puta cosa llamada Internet.

¿Qué consejo le darías a las nuevas bandas independientes? Ahora todo se concentra en el contenido de Internet y las redes sociales, ¿sabes? Yo sigo teniendo problema con ello, porque creo que el trabajo con las canciones, el arte que haces, está enfocado en cómo to-

Después de su tour en Estados Unidos y Europa, ¿qué sigue? En este punto, las posibilidades están abiertas para el próximo año, falta mucho, ya veremos qué pasa y qué decidimos hacer cuando el álbum salga, veremos en los siguientes meses que estemos de tour.

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EL SENDERO DE LA ESPECIE HUMANA Por Juan Patricio Riveroll / @jpriveroll Foto: AP / Jacquelyn Martin

Es curioso pensar en lo que significa un cambio. Sabemos que el mundo, y más allá, el universo, está en constante fluctuación entre un estado y el siguiente. Nada es para siempre, hay solo distintas fechas de caducidad. Algunos afirman que la especie se extinguirá antes que el planeta, y otros más optimistas creen que la existencia humana rebasará los límites del hábitat que nos parió. Sabemos que el sol se enfriará, que el universo se expandirá hasta que no haya relación visible entre ninguna estrella, aisladas por distancias insondables, y que eventualmente todo se apagará: cada átomo perderá sus propiedades. La predicción es un recurso básico del cerebro humano, un medio de supervivencia que nos separó del resto de los animales y evolucionó hasta el presente, dándonos la posibilidad de imaginar lo que pasará con todo lo que nos rodea. Hoy podríamos asegurar, de creerle a la ciencia contemporánea, que ese será el futuro al más largo plazo, y con ese poder de predicción lo que aún nos rebasa es el comportamiento humano, que sigue siendo un misterio. Hace un año nadie habría imaginado que un individuo neofascista como Donald Trump tendría posibilidades reales de llegar a la Casa Blanca, en Estados Unidos, y que un socialdemócrata independiente como Bernie Sanders haría temblar a Hillary Clinton junto con todo el establishment, que hasta hace poco creía que la carrera hacia el puesto político más importante del mundo sería primero una coronación de dos emblemáticas familias políticas: los Bush y los Clinton, para luego disputarse el trono como uno de esos encuentros clásicos entre dos equipos de fútbol, un Chivas-América. Porque aunque los medios tradicionales intentan minimizar la contienda del Partido Demócrata, es muy probable que Clinton y Sanders lleguen a la Convención Nacional, en julio, con un número similar de delegados. Si Clinton llegara con tan solo un delegado más, sin contar a los llamados súper-delegados que no están sujetos al voto popular, ganaría la nominación sin contratiempos, pero si fuera Sanders quien contara con más, los súper-delegados se verían en la disyuntiva de apoyar a Clinton para que lo supere de forma antidemocrática, o inclinarse por Sanders para reafirmar la voluntad de millones de ciudadanos, pese a estar aliados con ella. El cambio que representa Sanders no puede subestimarse, por ello están haciendo todo lo posible —de sesgos mediáticos a fraudes electorales— para obstaculizar el sendero que podría llevarlo a la presidencia. Desde otro punto de vista, el futurólogo George Friedman sostiene que, entre las lecciones que ofrecen la historia y la geopolítica, está la de que ningún presidente significa demasiado en el desarrollo de un país. Un candidato puede tener ideas claras, incluso radicales para el estatus quo, pero a la hora de gobernar se encuentra con una partida de ajedrez avanzada en la que hay poco espacio de maniobra. Sanders insiste en que debe haber una revolución política que acompañe a su hipotética presidencia para que se logren los planes que propone, es decir, que no solamente se vote por él, sino que un vasto porcentaje del electorado elija también a la bancada progresista en el congreso, lo cual deja varias interrogantes. Pensemos, como ejercicio, que gana, y que obtiene algunas victorias, tal vez servicio médico gratuito para todos y

la posibilidad de acudir a la universidad sin deudas posteriores de por medio. Millones de vidas en Estados Unidos habrían cambiado, pero el curso de la nación y de la especie humana permanecerían bajo el mismo rumbo. Dentro de su mensaje no intervencionista, ¿se negaría a luchar de frente contra Isis u otro poder contrario a los intereses de su país y de sus aliados? Y, más importante aún, ¿podría, en efecto, revelarse en contra de la oligarquía para hacer la transición del uso de combustibles fósiles por energía sustentable? El calentamiento global es uno de esos trayectos que podríamos considerar inviolables dada la precaria comunicación entre los seres humanos para establecer sus prioridades colectivas. Hoy, la concentración de CO2 en la atmósfera es de 402 partes por millón (ppm), más que en los últimos 800 mil años. Para ponerlo en perspectiva, hace 500 millones de años había 7 mil ppm, en tierra sólo había microbios y los mares proliferaban con vida acuática. El otro extremo es de 180 ppm durante la glaciación de hace dos millones y medio de años, en aumento exponencial a partir de la Revolución Industrial. El grupo activista 350.org lleva ese nombre porque, cuando se fundó, proponían mantener la concentración de CO2 en esa cifra, la cual no solo hemos sobrepasado, sino que va en acelerado aumento. Según cálculos, el petróleo y el gas natural se agotarán en poco más de 50 años, y el carbón en 110. Si llevamos a cabo la transición décadas antes de que se acaben, nuestra injerencia en la atmósfera podría tener un impacto de 100 mil años, pero, de agotar tales reservas, se alargaría por 400 mil, una macabra imposición a innumerables generaciones por venir. La siguiente era glacial, que sin tecnología humana se habría dado alrededor del año 50 mil, ha sido irrevocablemente atrasada, aun si el uso de combustibles fósiles cesara hoy en todo el mundo. Postergar dicha glaciación es el único efecto que podría parecer positivo para la vida en la Tierra. El futuro a mediano y corto plazo traerá consigo la extinción de miles de especies, el crecimiento de los océanos y la subsiguiente reducción de tierra, que a su vez provocará inmensas migraciones, temperaturas cada vez más altas con inciertas consecuencias meteorológicas y un largo etcétera del cual no conocemos todavía los detalles. ¿Podría una victoria de Sanders aminorar esta vertiginosa alteración en el planeta? Lo dudo, pero la idea no deja de ser interesante, pues es el único en verdad preocupado por el tema que además está cerca de una posición de poder capaz de ajustar el rumbo de una manera tan radical. El lado amable de la incertidumbre es que acarrea esperanza para los optimistas y pensamientos trágicos para sus contrarios, porque ¿qué pasaría si ganara Trump? Por más vociferante que sea su discurso, no creo que esa hipotética presidencia transformaría la faz de la Tierra, aunque los mexicanos sí podríamos sufrir sus consecuencias más inmediatas. Hay más certidumbre en lo que sucederá en miles o millones de años que en lo que puede pasar con nuestras vidas. Ya lo dijo Einstein: “Dios no juega a los dados”, pero nosotros sí.

Juan Patricio Riveroll nació en la Ciudad de México en 1979. Hizo dos películas: Ópera (2007) y Panorama (2013), y ha publicado un par de novelas: Punto De Fuga (2014) y Fuegos Artificiales (2015). Escribe sobre cine y literatura, y se dedica al género documental en Artegios.

EDITOR'S CHOICE

Bernie Sanders.

Mar de fondo (diario) 2013 10 bolsas de plรกstico presionadas con vidrio y enmarcadas 60 x 60 cm c/u

ART BRUT

IVร N KRASSOIEVITCH

THOSE LITTLE THINGS

EDITOR'S CHOICE

Por Leonel Hernรกndez ivankstudio.com macheteart.com

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El arte es, como cualquier otra disciplina, un cúmulo de esfuerzos personales y en conjunto, mecanismos de construcción de devotas actividades que la mayor parte del tiempo pretenden trascender de diferentes maneras y habitar el mundo, todas concebidas alrededor de ciertos objetos. Para el artista mexicano Iván Krassoievitch, dichos objetos son, precisamente, recurrentes en la vida cotidiana, sacados de su contexto intrascendente para intervenirlos en una tesis que en ocasiones puede resultar difícil de avalar. Gracias a nuevos espacios de difusión y tecnologías, cada proyecto de Krassoievitch ha encontrado un lugar más propicio para su factura. Con un gesto desenfadado, fuera de la percepción del artificio, y con una importante muestra de su

trabajo en Diálogos Platánicos, en la Casa del Lago, este joven artista nacido en los 80 recorre una (ir) realidad subyacente en sus obras, que nos convierte en espectadores, partícipes de la situación, provocados, sacudidos, irrumpidos con el significado original, y dotando a la misma situación de interpretaciones desiguales y personales. Iván, alejado de la visión romántica de la función del arte, pretende crear un diálogo discrepante entre nosotros y lo que vemos, escuchamos, percibimos, usamos a diario, casi sin notarlo. Si tuvieras que definir tu arte, que, al final, es una abstracción personal, ¿qué palabras usarías? Definitivamente “cotidianidad” sería la palabra que usaría. Esta puede ir acompañada de humor, absurdo, reflexión, tiempo, mancha, entre otras, pero el eje central en lo que hago sería lo cotidiano.

Como artista nacido en los 80, ¿qué tan difícil (o fácil) fue para ti ser reconocido dentro del mundo del arte mexicano? Es muy difícil, cada día más difícil. Deja tú ser reconocido, que te tomen en serio, que te tomes en serio. Esta es una carrera de aguante y sin embargo este no te asegura nada. Es muy frustrante e inestable en todos los aspectos. Puedo decir que estoy agradecido de que poco a poco se han abierto puertas y con el paso del tiempo (y mucho trabajo) he tenido la oportunidad de mostrar lo que hago fuera de mi estudio. Sin embargo, también creo que las puertas y oportunidades no llegan solas, y somos tantos artistas y tan pocos espacios que es necesario construir por uno mismo, luego abrir esas puertas y derribarlas, no depender de las instituciones para mostrar tu trabajo.

2 y medio 2012 2015 Colección de objetos mordidos por el perro del artista 200 x 100 x 115 cm

Mar de Fondo (tapa) [ 01 ]

2015 03 02

Tapas encontradas en la playa, madera de desecho, pintura Medidas variables — Las bananas son un ejemplo [ 02 ] 2016 Escultura de concreto — Disintegration — The Cure (de la serie Adolescentes) [ 03 ] 2013 Máquina de escribir sobre papel Kraft 30 x 23 cm

Al ser un arte irreverente y trasgresor, ¿cuáles considerarías que son tus influencias directas? No creo que mi trabajo sea irreverente y/o trasgresor, al menos no es la intención. Más bien trato de hacer proyectos directos y abiertos a la interpretación individual, que surgen de pequeñas situaciones cotidianas, experiencias propias. Mis influencias van desde artistas como Yves Klein, Hans-Peter Feldmann, David Hammons y Ulises Carrión, hasta el afilador de cuchillos del barrio, los oficinistas a la hora de la comida, lavar los trastes, las caminatas por la Ciudad de México… ¿De dónde surge la idea central de tus obras (la intervención de objetos comunes)? ¿Cómo trabajas en tu proceso creativo? Creo que esa relación que establecí con los objetos y el eterno intento por comprender cómo están conectados entre ellos y conmigo comenzó cuando estudié diseño industrial. Esa formación me permitió ver desde otra pers-

pectiva al objeto, su función y los materiales que lo componen. Mi proceso varía mucho, así como el resultado. Considero que el trabajo de un artista no tiene horarios ni métodos, por lo menos no en mi caso. Nunca paras de trabajar, eso es lo maravilloso e infernal de esto a lo que me dedico. ¿De dónde surge la idea de tu más reciente trabajo, Las bananas son un ejemplo. Diálogos Platánicos? Fui invitado por Víctor Palacios, curador de Casa del Lago, a hacer algo en los jardines del centro cultural. Me platicó sobre la historia de la escultura de León Felipe que se encuentra en la rotonda principal de dicho espacio, y se me ocurrió que sería bueno poner algo pesado (visual y físicamente) que interrumpiera esa mirada pensativa/inspiradora que tiene la escultura del poeta. Dado que Casa del Lago está en el lago de Chapultepec y hay un movimiento de turistas locales y extranjeros bastante intenso y peculiar, llegamos a la conclusión

de que la banana inflable hecha en concreto era una excelente pieza que dialoga con el entorno y a la vez interrumpe. La escultura ha tenido muy buen recibimiento porque puede ser usada, la gente se sube en la banana y esto sucedió desde antes de inaugurar la pieza, la gente llegó sin preguntarse si es arte y si merece ese “respeto”, ese “no tocar”, y la usó inmediatamente. Cada vez que voy y la veo me parece increíble esta situación. También, al estar hecha en concreto y no haberla pintado, puede parecer una ruina o un antiguo artefacto militar, como un misil o un cohete. Desde tu perspectiva, ¿cómo consideras que se encuentra la escena del arte contemporáneo mexicano, en especial el de artistas multidisciplinarios como tú? Es una situación frágil y complicada. Por un lado hay una falta de espacios que den lugar a todo lo que está sucediendo, los espacios que hay carecen de un presupuesto aceptable, por así

decirlo, o tienen una línea dictada de lo que muestran. Por otro lado (o por las mismas razones), están sucediendo espacios y proyectos independientes que me parecen interesantísimos y que aportan muchos elementos que este país necesita, tal es el caso de Biquini Wax y NIXON o, en el aspecto educativo, SOMA. ¿Cómo ven los artistas de otros países al arte contemporáneo mexicano, según tu propia experiencia? Hay mucho interés por lo que se está haciendo en este país, porque aún hay este ambiente rebelde y libre al hacer las cosas. Sin embargo, creo que poco a poco el mismo mercado se va comiendo este espíritu y no sé para donde nos lleve ni cuánto tiempo más durará, o en qué se convertirá. ¿El arte salva a las personas? No lo sé, la salvación es una palabra muy fuerte. Sé que es un elemento indispensable para la vida, eso sí.

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TRAVIS

MADE TO LAST Por Raúl Arce Foto: Bógar Adame para WARP

De acuerdo al escritor francés Georges Polti, solo existen 36 situaciones dramáticas para contar una historia. Entonces, ¿cómo es que se siguen escribiendo tantas novelas, obras de teatro y películas todos los días? ¿Cómo es que bandas y artistas con años en el negocio aún pueden componer canciones y grabar discos? Bajo esta premisa podría asumirse que, después de 26 años en la música, para una agrupación como Travis las opciones son más limitadas hoy día.

Sin embargo, el secreto para seguir haciendo canciones relevantes no radica necesariamente en la temática, los acordes o el tempo; todo se resume a algo más sútil y a la vez complicado: la sensibilidad con la que se disponen de todos los elementos al momento de crear un tema nuevo. Es precisamente esta cualidad dentro del oficio la que ha permitido a Travis grabar álbumes nuevos y girar alrededor del mundo con su música en pleno 2016.

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Durante una visita exprés a la Ciudad de México, Fran Healy, líder de la agrupación escocesa, nos contó —a casi 20 años del lanzamiento de Good Feeling— sobre la dinámica al interior de Travis, así como algunos detalles de la grabación de Everything At Once, álbum con el que se presentarán nuevamente en nuestro país el próximo 13 de junio. Travis ha existido desde 1990, y supongo que muchas cosas han ocurrido desde entonces. ¿En qué momento te encuentras?, no solo hablando de tu carrera como músico, sino de tu vida. Ayer por la noche fui al concierto de The Rolling Stones y todos ellos tienen alrededor de 70 años. Hay algo acerca de estar en una banda que aparentemente te mantiene en un estado mental en el que eres casi un adolescente. Todos teníamos 18 años cuando empezamos y, por alguna razón, cuando estamos juntos, en nuestra cabeza, adoptamos la edad que teníamos cuando nos conocimos, decimos esos chistes que hacías cuando eras joven, de esos horribles que te podrían llevar a prisión. Creo que no hemos cambiado, solo nos hicimos más viejos, nos convertimos en padres de familia, seguimos en la banda y al final pienso que somos muy similares a las personas que éramos hace 25 años. Es algo raro, solo la música puede lograr eso, es poderoso. Los últimos dos discos de Travis, Where You Stand (2013) y Everything At Once (2016) suenan diferente a todo su repertorio previo, sin embargo, cualquiera que haya seguido a la banda puede identificar que se trata de ustedes. ¿Cómo logran hacer algo nuevo y conservar su esencia? Este último disco se sintió como un despertar, como cuando amaneces en tu cama y piensas: “Ok, tengo cosas que hacer”, y simplemente las haces, pero después, como a las 10:00 u 11:00 am es cuando realmente estás despierto y enfocado. Este álbum se siente como si estuviéramos plenamente despiertos. Con respecto al anterior, aunque es un buen disco, yo estaba muy inmerso en la paternidad, te podría decir que estaba un 20% en Travis y un 80% en ser papá.

Ahora, para este álbum, estoy completamente en la banda y a eso suena, estamos enfocados, en la misma habitación, y estoy escribiendo mejor de lo que lo hice en mucho tiempo. Lo puedes escuchar, es tan obvio, tan vivo; tiene su propio pulso. Tú ahora vives en Berlín, mientras que los demás integrantes de la banda viven en otro lugar. ¿Eso complica las cosas? No, en lo absoluto. Es muy sencillo porque hemos estado juntos por tanto tiempo que no tienes que estar en el mismo lugar. Nosotros no escribimos canciones como banda, lo hacemos como individuos, así que cuando nos juntamos cada quien dice: “Bueno, aquí está la canción…”, la escuchamos y, si es buena, vamos al estudio y la grabamos. Cuando no estamos juntos, cada quien está con su familia… No sé, es agradable cuando ya no tienes que vivir en la misma casa. Everything At Once fue grabado en Hansa Tonstudio, en Berlín, donde David Bowie grabó Low y Heroes (1977), además de otros artistas como Manic Street Preachers y U2. ¿Cómo fue la experiencia de trabajar en un lugar tan legendario? Hemos estado en tantos estudios al pasar de los años. Grabamos nuestro primer disco en donde Jeff Buckley creó Grace (1994), así como Green (1988), de R.E.M., y The Brown Album (1969), de The Band. Así nos pasó con todos los álbumes. Muchos estudios tienen su historia con bandas, y este último no es diferente, con gente como Bowie, Depeche Mode, U2, Iggy Pop, R.E.M. y los Manic… hay algo en el aire, tiene una vibra positiva que no puedo explicar. Probablemente porque el lugar tiene una forma adecuada para grabar, pues el techo es relativamente bajo, aunque cuando trabajabamos en el disco el lugar se inundó con agua de drenaje, por lo que el techo se cayó y tuvimos que abandonar a la mitad de la segunda sesión, porque era imposible seguir, con agua de inodoro por todos lados. Pensé: “Oh por Dios, espero que no sea un presagio para el álbum”, pero no lo es, no tiene nada que ver con agua de inodoro.

Hasta el momento hemos escuchado tres canciones del disco, y cada una es muy diferente a las otras. ¿Esto fue parte de una decisión deliberada o solo pasó? Bueno, uno no planea las canciones, nosotros nunca lo hacemos, solo las escribimos. Al final escogemos algunas, pero no nos basamos en el hecho de que suenen similares sino en las melodías, si éstas permanecen en nuestra cabeza. Nunca nos detenemos a pensar en el álbum como tal antes de terminar de grabar. Al final es cuando empezamos a fijarnos en el disco como una obra completa, si hace clic como un todo. En este último, casi todas las canciones están por debajo de los tres minutos, porque pensamos que sería buena idea hacer todo más corto. Han venido a México en cinco ocasiones, la primera vez fue en 2004. ¿Has notado algún cambio o evolución en México como destino para bandas internacionales? Es una pregunta complicada, porque cuando estás en una banda llegas a un lugar y te suben a un autobús, te llevan al hotel y luego al foro. Ahí haces el concierto, pero cuando acabas te suben de nuevo al autobús y de ahí al aeropuerto. Realmente no hay oportunidad de ir a algún lado. Esta ha sido la primera oportunidad que tengo de ver un poco la ciudad, así que no tengo idea. La gente, por otro lado, siempre ha sido increíble, muy similar a los escoceses, con un gran corazón, muy apasionados, lo cual es bueno. ¡No cambien eso nunca!

“ESTE ÁLBUM SE SIENTE COMO SI ESTUVIÉRAMOS PLENAMENTE DESPIERTOS. CON RESPECTO AL ANTERIOR, AUNQUE ES UN BUEN DISCO, YO ESTABA MUY INMERSO EN LA PATERNIDAD, TE PODRÍA DECIR QUE ESTABA UN 20% EN TRAVIS Y UN 80% EN SER PAPÁ.” -FRAN HEALY

EDITOR'S CHOICE

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FROM THIS POSITION

MACHETE

GALERÍA DE ARTE CONTEMPORÁNEO Fotos: Bógar Adame para WARP

Machete es un espacio artístico y plataforma para artistas emergentes donde pueden exponer su trabajo y obras, compartiéndolas con los amantes del arte, un proyecto en el corazón de la colonia Roma cuyo origen se remonta al año 2006, en Argentina, gracias al trabajo e iniciativa de Domitila Bedel y Fresia Carnota. Su nombre fue elegido a partir de una palabra utilizada tanto en México como en Argentina, con una connotación distinta; mientras en el primer país ‘machete’ designa un objeto afilado que sirve para cortar, abrir o protegerse, en el segundo refiere a un pedazo de papel con respuestas de alguna evaluación, algo así como un acordeón. La galería Machete presenta obras diversas y expresiones de artistas como Sol Pipkin, Nicolás Bedel, Hulda Guzmán, Ignacio de Lucca, Paula Cortázar y Iván Krassoievitch.

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Machete | Córdoba 25, Col. Roma, CDMX, México

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QUICKIE

PINS FAITH HOLGATE YOUNG GIRLS

Por Diovanny Garfias Foto: Sergio Gálvez para WARP

El año pasado lanzaron Wild Nights. ¿Qué quisieron hacer diferente esta vez, en comparación con Girls Like Us, su álbum debut? Pienso que el asunto principal era irnos a Estados Unidos a grabar, preferimos eso que hacerlo en casa (Manchester). De verdad, le dio forma al sonido del disco, ya que lo hicimos en el desierto y nos parece que tiene un sentimiento muy caluroso. Nos encantan las canciones, porque son alegres, más que en el primer disco, donde creo que se podía escuchar más la lluvia que el sol. Lo hicimos todo muy rápido, en vivo, todas juntas en un cuarto, no tuvimos ni una semana para hacerlo. ¿Cuál fue la energía al grabar en Rancho De La Luna, con Dave Catching (Queens Of The Stone

Age, Eagles Of Death Metal), y cómo afectó esto a su música? Nosotras lo describimos como un cambio de vida, una experiencia única, pues nunca habíamos estado en un lugar como Joshua Tree, California. Simplemente tuvimos un tiempo increíble, con las mejores personas que conocimos, Dave y Hayden Scott, ellos son los mejores con los que hemos trabajado, nos encantaría grabar un álbum con ellos, otra vez. PINS es una banda completamente independiente. ¿Qué tan complicado es serlo en una escena como la de Reino Unido? Inglaterra, siendo tan pequeño, hace que te

puedas desplazar lejos con poco dinero, lo que facilita las cosas para tocar en diferentes ciudades, mientras que en Estados Unidos todo está distante. No lo sé, pienso que gracias a que hay muchos lugares increíbles y muchas ciudades, en Inglaterra se vuelve menos complicado, se envían algunos mails para después agendar un tour y hacer que suceda de manera fácil. Es lo mismo con muchas bandas y lugares, hay grandes oportunidades para tocar, lo que hace más fácil empezar por ti mismo, todo lo que necesitas es un vehículo y algunas personas para hacer música.

FASHION NUGGET

DEMOBAZA THE ART OF FUTURE WARFARE Por Michelle Apple demobaza.com

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Actualmente es complicado encontrar en la industria de la moda destellos de singularidad que salgan de lo cotidiano, no quiere decir que no los haya, sin embargo, encontrarlos se vuelve una labor ardua en un mundo en el que los nichos son un error de programación en esta ‘matrix’ interconectada llamada Tierra. Entonces, desde Sofia, Bulgaria, se hace escuchar un alarido de arte, individualidad y sueños futurísticos, como si el espíritu postsocialista de aquella nación se impregnara en la vestimenta de los humanos que poblarán el planeta dentro de 100 años, una fantasía visual híbrida entre lo que se usa en el planeta Jakku o en una misión suicida para escapar de Immortan Joe, en el universo de George Miller. Eso es DEMOBAZA, una marca creada por Demo y Tono, dos jóvenes entusiastas de la moda que decidieron iniciar un movimiento en el que la ropa no solo viste al cuerpo, sino que abraza una ideología de gratitud hacia el ambiente, alentando un cambio de conciencia en el proceso. Platicamos con la pareja

búlgara, que está segura de que sus colecciones son el inicio de una revolución. ¿Cuál es la historia detrás del proyecto? Tono: DEMOBAZA es una base militar utilizada por la gente con propósitos creativos. La idea de DEMOBAZA vino naturalmente después de que Demo y yo nos conocimos y comenzamos a reconstruir nuestros jeans viejos en algo artístico y trashy, como si fueran piezas nuevas. Poco después empezamos a diseñar nuestras primeras series limitadas como mini colecciones. Nos encanta crear ropa con nuestras manos, no como comúnmente se hace, sin forma ni patrones. ¿Cuál es la principal inspiración detrás de su concepto? Demo: Nuestra inspiración viene de los uniformes, el concreto, la naturaleza, el espíritu postsocialista de Bulgaria y la última verdad absoluta. Amamos la tecnología retro y también la del futuro, nos gusta mezclar la naturaleza y la tecnología, y también nos encanta el espíritu revolucionario de las cosas. Nuestro héroe es un guerrero espiritual, así

que todo esto conectado es lo que nos da inspiración. ¿Cuál es el proceso creativo detrás de una de sus colecciones? D: Primero pensamos en el mensaje, lo que queremos decirle al mundo y cómo queremos llegarle a la gente que tenga contacto con nuestra colección. Este mensaje define la historia y la visión. El mensaje es la cosa con la que queremos cambiar al mundo y a cada uno de nosotros. Cuando lo visualizamos comenzamos a utilizar los materiales que lo cubrirán, y así es como llegamos a la cara del personaje que manifestará la idea del mejor modo posible. Es ahí cuando vamos a nuestras vacaciones creativas, a un lugar supernatural en donde comenzamos a dibujar el conjunto de ideas que bajamos directamente del cosmos a nuestro corazón. Y por supuesto creamos con nuestras manos al menos el 50-60% de la colección. ¿Qué es lo que buscan expresar a través de su trabajo? T: Queremos decir que el momento del gran cambio ha llegado, y debemos despertar para nuestro

nuevo futuro. Ese cambio viene del corazón de cada persona, para abrir nuestros ojos y ver el verdadero amor universal que levantará nuestra vibración. No somos esclavos y no somos solamente cuerpo, no utilizamos ropa cuadrada, queremos vestir nuestras almas, es momento de que cada uno de nosotros hagamos el cambio que Él quiere ver. Es momento de que la gente vuelva a la naturaleza de una nueva forma. D: Soñamos con ver a la gente que conocimos en la ciudad en un campo verde bajo el cielo azul. Soñamos con ver el planeta limpio, con personas que meditan y se desarrollan de una manera espiritual y así dejar de lado el trabajo que hacen los robots. ¿Cuál es su perspectiva de la industria de la moda actual? D: Demasiados recursos, demasiado consumo para las mismas cosas cuadradas, solo que con diferentes etiquetas. Lo mejor es crear una colección por uno o dos años con materiales de alta tecnología, que regulen la temperatura, los colores y la estructura, como un uniforme multifuncional.

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“NUESTRA INSPIRACIÓN VIENE DE LOS UNIFORMES, EL CONCRETO, LA NATURALEZA, EL ESPÍRITU POSTSOCIALISTA DE BULGARIA Y LA ÚLTIMA VERDAD ABSOLUTA.”

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“AMAMOS LA TECNOLOGÍA RETRO Y TAMBIÉN LA DEL FUTURO, NOS GUSTA MEZCLAR LA NATURALEZA Y LA TECNOLOGÍA, Y TAMBIÉN NOS ENCANTA EL ESPÍRITU REVOLUCIONARIO DE LAS COSAS.”

¿Es difícil construir una marca en un lugar como Bulgaria? T: Es difícil crear una marca en cualquier lugar. La creación y la producción son algunas de las cosas más difíciles, porque dependen de humanos. Si cuentas con el suficiente talento, suerte e ideas, y nunca te das por vencido, entonces las cosas pueden pasar. D: Tenemos suerte de estar en Bulgaria, donde hemos tenido las oportunidades de desarrollar nuestro arte casi sin presupuesto, y hemos tenido la oportunidad de trabajar en direcciones muy visuales con muchos artistas y obtener el conocimiento de ahí. Puedes empezar donde sea pero tarde o temprano tu verdadero comienzo está en las capitales de la moda como París, Milán y Nueva York.

La gente en Bulgaria sobrevive en un ambiente difícil, está peleando permanentemente y puede que por esa misma razón cada quien elija en qué dirección moverse. T: Tenemos un gran maestro espiritual en Bulgaria, quien es muy famoso en el mundo entero. Su nombre es Petar Dunov y en sus libros dice que nuestros espíritus esperan en largas filas hasta que finalmente nacen en la Tierra, y que en Bulgaria los espíritus esperan filas diez veces más largas que en el resto del mundo.También hay otra cosa acerca de Bulgaria, y es que la industria textil está muy desarrollada y una gran cantidad de marcas mundiales producen ahí. ¿Les gustaría comenzar una franquicia por todo el mundo o prefieren mantener la marca en pequeño?

T: DEMOBAZA comenzó como una tienda en línea clandestina, y teníamos la idea de mantenerla solamente en línea. Desde el principio desarrollamos mucho nosotros mismos y ganamos clientes alrededor del mundo. Enviamos a cualquier parte del globo; si compras algo, lo tienes al siguiente día o en los próximos tres, y contamos, claro, con una política de devolución, pero en general hemos mantenido este formato en contra de las grandes ciudades como una estructura social, ya que para nosotros la gente no debe quedarse en las ciudades, por lo que si abrimos una tienda sería en la naturaleza. D: Pero sí, tenemos socios franquiciatarios ahora mismo y trabajamos en algunos proyectos, pero aún son un secreto.

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LUST IN THE MOVIES

TERRENCE MALICK THE LOWER SPHERE Por Alonso Valencia

The Tree of Life, To The Wonder y The Thin Red Line son algunos de los filmes de Terrence Malick, cineasta que se ha establecido por su particular narrativa visual, que recae en una minuciosa fotografía —normalmente por parte de Emmanuel Lubezki— y una estructura contemplativa que suele explotar al máximo las actuaciones de actores de la talla de Brad Pitt, Colin Farrell y Christian Bale. Malick se ha caracterizado, con el paso de los años, por su particular cine de autor, que suele dividir a la crítica y al público en general. Una edición pausada, con secuencias largas e historias trascendentes han alejado de su obra a cierta parte de la audiencia que asiste al cine a “pasar el rato” pero, al mismo tiempo, ha creado un nicho de cinéfilos que gustan de dicho estilo, nominado tres veces al premio de La Academia.

Malick y Bale en el set de Knight Of Cups

En su nuevo largometraje, Malick se enfoca en la alegoría judeocristiana para mostrar la acelerada vida de un guionista envuelto en los excesos de Hollywood, con la ayuda de Christian Bale, quien encabeza un reparto multiestelar que incluye a Natalie Portman y Cate Blanchett. En Knight Of Cups, cuyo título hace referencia a la carta de la baraja española, Malick regresa a su exitosa dupla con Lubezki, quien acumula hasta ahora tres premios Oscar, uno tras otro. A pesar de que la filmografía de Terrence Malick se basa en grandes películas aclamadas por la crítica, Knight Of Cups ha contado con reacciones mezcladas, tomando en cuenta que continúa girando en festivales y no ha recibido un estreno propio. Ahora, diseccionando el filme que aún

puede explotar en el transcurso del año, cuando sea distribuido oficialmente, es pertinente mencionar que Malick, pese a que no siempre cuenta con las mejores referencias, ha quedado por debajo del radar en esta ocasión, con resultados que no están a la altura de lo que estamos acostumbrados por parte del director.

la pretensión y la creación de una obra maestra. Al contar con resultados como el de Knight Of Cups, a veces creemos que estamos frente a un genio incomprendido o un cineasta que nada contra la corriente de lo establecido, más por crear un estilo que le agrade a cierto número de personas que por tratar de crear un gran cine de calidad.

Sus tres más grandes trabajos se distinguen por un espíritu de adoración a la vida, mientras que en Knight Of Cups parece ser todo lo contrario, con una turbulenta historia que a la vez ofrece un viaje de degeneración y excesos, con cierto vacío emocional. Es precisamente este punto el que hace que el largometraje pierda completamente su atractivo dentro de la carrera de Malick, ya que aunque es un deleite visual carece de todo fundamento y se pierde entre películas similares como Inherent Vice.

Malick, quien ha crecido en la industria al fungir como productor y guionista, es parte de una rama de directores que tratan de salir de lo ordinario, sacrificando los valores que hacen que una película se convierta en clásico. De todos sus trabajos, The Thin Red Line es el más completo, incluso asemejando cintas sobresalientes como Apocalypse Now o Jarhead, que hacen que el espectador se introduzca en el camino de la inhumanidad que provoca la guerra en el ser humano.

¿Será que el simple nombre de Terrence Malick denote calidad? El cine del estadounidense se encuentra muchas veces en la delgada línea entre

Trabajos como To The Wonder, en donde vemos al renacido Ben Affleck en un romance parisino con Olga Kurylenko, el cual se deteriora con el

paso del tiempo debido a las circunstancias, logran ser historias complejas, exquisitamente visuales pero ajenas al espectador promedio. No es que el director deba hacer películas repletas de explosiones y personajes enmascarados, sino que no ha encontrado un balance narrativo en proyectos de esta índole, para conseguir un agrado que no haga distinciones. El cine de personajes como Gaspar Noé o Bernardo Bertolucci es precisamente un arte creado para ciertos sectores, pero que cuenta con las bases necesarias dentro de todas sus piezas estructurales para atrapar a los interesados, e incluso a los más casuales. Tomando en cuenta que el más reciente trabajo de Malick involucra a tres ganadores del Oscar, esperemos que este material llegue a tocar la cartelera latinoamericana, por lo menos el tiempo necesario para analizar mucho más a fondo lo que sigue siendo, a primera vista, una de las caídas más grandes en el trabajo del cineasta.

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TASTE THIS!

XIâ&#x20AC;&#x2122;AN FAMOUS FOODS AUTHENTIC NORTHERN CHINESE TASTE Fotos: Maria Elena Valdes / @maalevaldes mariaelenavaldes.com

EDITOR'S CHOICE

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Xiâ&#x20AC;&#x2122;an Famous Foods: Nolita | 68 Kenmare Street New York | NY, United States of America | xianfoods.com

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THE ROLLING STONES EN CUBA Por Carla Cisneros | Foto: Ramón Espinosa, AP

“¡HOLA CUBA! ESTAMOS MUY FELICES DE TOCAR PARA USTEDES, LO HEMOS HECHO EN MUCHOS LUGARES INCREÍBLES PERO ESTE CONCIERTO, EN LA HABANA, SERÁ HISTÓRICO PARA NOSOTROS, ESPERAMOS QUE TAMBIÉN LO SEA PARA USTEDES.” -MICK JAGGER

Eran miles de cubanos y visitantes de la Isla, estaban ahí horas antes y eufóricos, esperando el concierto que sería la apertura de Cuba al mundo y visceversa. 8:30 de la noche. Así dio inicio el histórico concierto de sus Satánicas Majestades en Cuba. El setlist abrió con ‘Jumpin’ Jack Flash’, seguido de clásicos como ‘It’s Only Rock ‘N’ Roll’, ‘Paint It Black’, ‘Tonky Honk Woman’ y más. Antes de acabar, justo como lo hicieron en toda la gira, tuvieron un encore en el que interpretaron ‘You Can’t Always Get What You Want’, seguida de ‘Satisfaction’. Jagger saludó con unas cuantas décadas de retraso a sus fieles en la Isla, el pueblo atronó con un grito histórico de satisfacción. Unos minutos más tarde, antes de dedicarle ‘Angie’ a los cubanos románticos, antes de hacerles retumbar las tripas con ‘Paint It Black’, el vocalista con cintura de lagartija dijo: “Sabemos que años atrás era difícil escuchar nuestra música, pero aquí estamos tocando para ustedes

en su linda tierra, pienso que los tiempos están cambiando… Es verdad, ¿no?”

nó agradeció mucho: “Gracias Cuba por toda la música que le has regalado al mundo”.

En el memorable concierto de cierre de la gira latinoamericana de The Rolling Stones, Olé Tour, de entrada gratuita, los adjetivos no se agotaban en boca de los cubanos, quienes abarrotaron el campo de juego de la Ciudad Deportiva de la Habana: excelente, fascinante, excepcional, único, cool, inolvidable, impresionante, necesario. Pero, ¿quién pagó el concierto? Mucho se especuló al respecto, y fuentes próximas al gobierno de Raúl Castro reiteraron siempre que los principales gastos corrieron a cargo de la banda, ya que la Isla no está para un desembolso que, según cálculos, alcanzó los 6.2 millones de euros, para cubrir un montaje que movilizó a más de 350 personas, decenas de contenedores y un avión.

Al final, la propia banda dio pistas respecto a la procedencia del dinero, a través de su sitio web. En ella dijeron: “Este evento está siendo posible gracias a la beneficencia de la Fundashon Bon Intenshon (FBI), en nombre de la isla de Curazao, que inicia y apoya proyectos de caridad internacional en las esferas de educación, deporte, alfabetización cultural, salud y turismo, así como otros intentos por mitigar el impacto de la pobreza general, y detrás de FBI está Gregory Elías, promotor del Festival de Jazz en Curazao y presidente de United Trust, importante asesora en el paraíso caribeño.”

Con la misma energía que hubieran entregado hace cinco décadas, la banda cruzó su segunda hora de concierto con ‘Brown Sugar’. Jagger traía puesta la bandera cubana y cuando termi-

A las 10:40, los ingleses preguntaron a Cuba si estaba listo para escuchar ‘(I Can’t Get No) Satisfaction’. Sí, lo estaba. En la noche cálida de La Habana, Wood y Richards rasgaron con sus guitarras los míticos, inconfundibles y vibrantes primeros acordes de su himno a la eterna juventud.

GIGS

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THE ROLLING STONES Foto: Bógar Adame para WARP Foro Sol, CDMX, México #WARPGigs

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ANTONIO SÁNCHEZ MUSICALIZA EN VIVO BIRDMAN Fotos: Bógar Adame para WARP Teatro Metropólitan, CDMX, México #WARPGigs #WARP10 *Más fechas por anunciar

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HOUSE OF VANS 2016 Fotos: Bógar Adame para WARP Lienzo Charro, CDMX, México #WARPGigs #VansCumple50

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SXSW 2016 Fotos: Sergio Gรกlvez para WARP Austin, TX, United States of America #WARPGigs #WARPenSXSW

Charli XCX

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Deftones [ 01 ] Fantastic Negrito [ 02 ] The Kills [ 03 ] The Chamanas [ 04 ] Vanessa Zamora [ 05 ]

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CEREMONIA 2016 Fotos: Karla Reyes y Mishel Ceballos para WARP Centro Dinรกmico Pegaso, Toluca, EDOMEX #WARPGigs #WARPenCeremonia

Disclosure

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Titรกn [ 01 ] Nas [ 02 ] Gesaffelstein [ 03 ]

WARP.la WARPMAGAZINE *DESCARGA GRATUITA

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WARP by LEÓN LARREGUI CON CINCO ÁLBUMES DE ESTUDIO Y CASI 20 AÑOS DE CARRERA SOBRE SU ESPALDA, ZOÉ ES UN REFERENTE DE GLOBALIZACIÓN MUSICAL, SIN PERDER UN ÁPICE DE IDENTIDAD NACIONAL. SIN EMBARGO, CON EL CRECIMIENTO DESACELERADO DE SU POPULARIDAD, TAMBIÉN CRECIÓ LA FIGURA DE SU VOCALISTA, LEÓN LARREGUI. SU HAMBRE CREATIVA LO LLEVÓ EN 2012 A PROBAR SUERTE EN SOLITARIO CON EL ÁLBUM SOLSTIS. EN ESTA PLACA, PRODUCIDA POR ADANOSWKY Y GRABADA EN FRANCIA, DEJÓ CLARO QUE YA SEA CON SU BANDA O COMO SOLISTA, LEÓN ES UN MÚSICO COMPLETO. EN 2016 EL CANTANTE ESTÁ DE REGRESO CON VOLUMA, UN MATERIAL QUE PROMETE COLOCARSE ENTRE LO MEJOR DEL AÑO. EN UN ESFUERZO POR RETRATAR EL MOMENTO QUE VIVE, WARP MAGAZINE PRESENTA UN NÚMERO DEDICADO CON LOS PORMENORES DETRÁS DE ESTE NUEVO ÁLBUM Y UN RETRATO DEL MUNDO SÓNICO ALREDEDOR DE LÉON, PROYECTOS RELACIONADOS DIRECTA O INDIRECTAMENTE CON ÉL EN LOS QUE PARTICIPAN SUS COMPAÑEROS DE BANDA Y AMIGOS.

LOVE LA FEMME ABRAZO DE LUNA Por Mariana Medina

LA HISTORIA QUE PRECEDE A ESTA DUPLA ESTÁ, INVARIABLEMENTE, RELACIONADA CON LA MÚSICA, Y DE CIERTA MANERA INFLUENCIADA POR LA CASUALIDAD; POR UN LADO TENEMOS A PABLO VALERO, UN HOMBRE LLENO DE EXPERIENCIA, GUITARRISTA FUNDADOR DE SANTA SABINA, EL PROYECTO REFERENTE DE LO QUE ERAN LOS SONIDOS OSCUROS AL INICIO DE LA DÉCADA DE LOS 90, Y POR EL OTRO LADO ESTÁ MARIÓN SOSA, ARTISTA VISUAL CURIOSA DE LA EXPERIMENTACIÓN, DOTADA DE UNA VOZ TIERNA Y FRANCA. AMBOS COINCIDIERON EN SÁNCHEZ DUB (LA BANDA DE ANDRÉS SÁNCHEZ) Y AHÍ SE ORIGINÓ LA MAGIA.

Desde entonces ambos decidieron unir sus vidas bajo el sacramento llamado Love La Femme, dando a luz a sonoridades folk, pop y rock plasmadas en su EP homónimo, un primer esfuerzo producido por Phil Vinall (Zoé, Placebo, Kinky) y ambos músicos, que en papel puede leerse

básico pero que en vivo experimenta con sensibilidad, palpitaciones y encanto. Hoy tocó el turno de hablar con la pareja. Al llegar a nuestra oficina se encuentran con una pared cubierta con las portadas de esta publicación y con ello gratas historias. Pablo señala la portada de

The Kills y dice: “Me gusta mucho esta banda, es increíble, y tan espontánea. ¿Ya escucharon su nueva canción? ¡Es impresionante!”. Marión, por otro lado, nota las portadas de Zoé y con una sonrisa pregunta si esa es toda la historia de WARP Magazine. Así comienza esta plática.

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Puede parecer algo muy básico, pero hablemos del nombre del proyecto. ¿De dónde surgió? Pablo: Love La Femme nació como una conjunción de palabras que nos sonó bonito… ¡de verdad! [risas]. De repente empieza a tener significado, son tres idiomas: inglés, español y francés, y de alguna manera la connotación de amor a la mujer nos viene, tiene que ver con el amor y la simpatía hacia los débiles, como hacia el lado oprimido, más con el feminismo que con lo femenino. Yo como hombre me considero un hombre feminista y creo que hay muchas mujeres machistas, ese concepto ya nos cuadra como un escenario de justicia social. Me parece un título muy poético. Pablo, fuiste parte de Santa Sabina. ¿Cómo es para ti arrancar con una nueva banda? P: Haber estado en Santa Sabina me formó totalmente, tengo la suerte de haber vivido una época que a lo mejor no me correspondía porque estaba muy chiquito —tenía 16 años—, y estar ahí me permitió independizarme y empezar a vivir de la música. Fue verdaderamente como un sueño, parece que fue otra vida. Incluso considero que era muy joven cuando tenía 25, y esto me pasó a los 16, así que fueron muchos años de formación. Veo que tengo una herencia y ciertas directrices al momento de hacer música, una visión romántica y rústica. Para mucha gente ahora es muy fácil hacer toda su producción en una computadora, y créeme que soy fan de varias bandas que lo hacen, o individuos, pero esta manera romántica de juntarte con la banda y crear un colectivo, es algo que trato de hacer para alimentar a Love La Femme. Creo que lo hemos logrado con cierto éxito. Ahora, los alcances de Love La Femme, el sacar un sencillo y utilizar las redes sociales que antes no existían… me siento como un niño, aprendiendo de nuevo, como una carrera nueva.

Vienen de dos lugares distintos en cuanto a influencias. En cuanto a sonido, ¿cuál es el resultado de la suma de ambos en este proyecto? Marión: Creo que en general somos un poco azotados [risas], pero las influencias son diversas, nos gusta de todo y compartimos gustos. De repente Pablo tiende más hacia un lado y yo hacia el otro, y a la hora de trabajar se crea un balance que

nos permite explorar y nos da mucho color. P: Las influencias son inspiraciones. De mi lado, el asunto de la nostalgia, la añoranza e incluso la ilusión hacia lo interno, no sobre anhelar algo, sino de tener esta lucha interna de conquista. El lado audiovisual es una parte importante par ustedes, se nota en su

video ‘Ave De Paso’. ¿Qué historia querían contar? M: Queríamos hablar de esta lucha entre el lado oscuro y el lado luminoso de las personas. La canción habla de esa búsqueda; por un lado quieres portarte bien, ser una buena persona y buscar un camino luminoso, pero por el otro te jala muchísimo la oscuridad y facetas autodestructivas. El video refleja eso.

“PARA MUCHA GENTE... ES MUY FÁCIL HACER TODA SU PRODUCCIÓN EN UNA COMPUTADORA, Y CRÉEME QUE SOY FAN DE VARIAS BANDAS QUE LO HACEN... PERO ESTA MANERA ROMÁNTICA DE JUNTARTE CON LA BANDA Y CREAR UN COLECTIVO, ES ALGO QUE TRATO DE HACER PARA ALIMENTAR A LOVE LA FEMME.” -PABLO VALERO

DISCOS PANORAM PERSPECTIVAS DE AMPLITUD Por Michelle Apple Fotos: Sergio Gálvez para WARP

LA INDUSTRIA DISCOGRÁFICA ES UN ENTE QUE PARECE HABER SUFRIDO MÁS CAMBIOS EN LOS ÚLTIMOS 15 AÑOS QUE A PARTIR DE SU CONCEPCIÓN, ADEMÁS DE MANTENER UNA CONSTANTE EVOLUCIÓN. EL HECHO MISMO DE QUE SU ESTRUCTURA CONSTE DE TANTAS VARIABLES ES LO QUE ARROJA RESULTADOS HETEROGÉNEOS, CON PRODUCTOS PARA CONSUMO MASIVO QUE TARDE O TEMPRANO TERMINAN DESECHADOS Y OTROS EN LOS QUE EL ARTE VA POR ENCIMA DE LOS INTERESES NUMERARIOS (EN CUALQUIER RANGO), SIN OLVIDAR, CLARO, TODO LO QUE HAY EN MEDIO.

Es lo anterior lo que hace que esfuerzos en los cuales se apuesta por la creatividad y las propuestas frescas como anzuelo, con una planeación a corto, mediano y largo plazo, y una curaduría en la misma selección, se destaquen, más si eso pasa en México y si viene respaldado por una banda como Zoé. Eso es Discos Panoram, un proyecto en el que los involucrados no solo han gastado recursos de

diferentes índoles sino que han puesto a prueba y descubierto capacidades que no tienen que ver precisamente con la música. Sergio Acosta, guitarrista de Zoé, nos recibe en Panoram Studios, un sitio que además de fungir como base física del sello se ha convertido en la guarida filosófica de cada uno de los proyectos incluidos en el roster. Así iniciamos la plática…

¿De dónde viene la idea de iniciar un sello discográfico? Desde hace cinco años teníamos la idea. A pesar de todas la adversidades que existen en la industria musical, siempre quisimos traer a la escena nuevos proyectos, pero no habíamos podido concretarlo hasta que de repente Zoé en conjunto con otros interesados tuvimos la oportunidad de crear un estudio (Panoram Studios) para producir mú-

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MARIÓN SOSA La vocalista de Love La Femme es también la artista detrás del look de Discos Panoram “Diseñar Panoram fue como una escuela para mí, una enseñanza, fue increíble. Tardamos mucho tiempo, más de dos años. Pablo (Valero) tiene un sentido arquitectónico muy exquisito, se puede clavar horas en que el ángulo de la esquina de la puerta no se alinea [risas]. Sergio (Acosta) es muy clavado y muy meticuloso, Ángel (Mosqueda) también, y todos participaron, pero me permitieron trabajar, que es lo importante. Cuando grabábamos el EP había un sentido de lo que a mí me encantaría de un estudio, sentir que es una casa, que cada rincón me ofrece algo. Por otro lado, es una casa con mucha historia, es de los años 40, entonces quise permitir que el lugar hablara de todas las épocas que le sucedieron, con rincones un tanto industriales, no quise hacer algo totalmente de arte contemporáneo ni totalmente vintage, sino algo muy orgánico, que integrara cada época. El presupuesto fue muy reducido, porque obviamente prefieren gastar en ‘fierros’ que en un sofá maravilloso [risas], entonces tuve que usar mi ingenio y reciclar objetos de la calle. Había muchas cuestiones arquitectónicas que se me ocurrían. Todo fue un proceso y se realizó. Hoy en día ir a Panoram es increíble.”

sica nueva. Ese fue el pretexto para avanzar en el tema del sello. ¿Cómo fue montar el estudio? Montar un estudio, en donde sea, es muy complicado, y más cuando no solo te dedicas a impulsar nuevos talentos. Es un proyecto con muchísimas implicaciones; por ejemplo, Panoram hace diseño de audio, postproducción y existe una serie de proyectos de cine y publicitarios, por lo que fue muy complicado concretarlo y reunir a todo el crew para cada uno de los procesos.

Regresando al sello: Después de la experiencia de Zoé al trabajar con trasnacionales y con disqueras independientes también, ¿qué buscan ofrecerle a los nuevos talentos? La dinámica con una disquera internacional es complicada, pero en Panoram trabajamos como una sociedad con Universal en la que prácticamente el artista decide cómo llevar su carrera. Pensamos mucho en los artistas. ¿Qué tanto ha resultado su alianza con Universal Music? Paronam, en colaboración con Uni-

versal Music, ha impulsado a varios talentos, Reyno es uno de ellos. Los artistas que apoyamos, sin duda, están bajo el cuidado de Zoé, pero ese es parte del secreto, no todos pasan a Universal automáticamente, antes de darlos a conocer los impulsamos para que crezcan musicalmente, como sucede en este momento con Love La Femme. ¿Qué tipo de propuestas musicales están buscando? En lo particular, buscamos frescura, no estamos clavados en un solo estilo pero no nos metemos en terrenos

ajenos, buscamos esa cualidad que demuestre que es una banda que tiene una carrera por delante, queremos gente proactiva, que sea capaz de llevar la carrera en sus manos. ¿Hasta dónde quieren llevar el sello? Vamos empezando, creo que vamos con cautela y le queremos dedicar el tiempo necesario a cada banda. Tenemos un presupuesto limitado y por eso debemos ser muy cuidadosos con los proyectos que involucramos, debemos ver cómo vamos incluyendo a más bandas.

AJ DÁVILA ESPINA DORSAL Por: Victor G. García Foto: Cesar Berrios

CONVERSAR CON AJ DÁVILA ES COMO REENCONTRARTE CON UN VIEJO AMIGO PARA COMPARTIR UNAS CERVEZAS. DESDE EL PRIMER MOMENTO ES POSIBLE NOTAR SU APERTURA Y AMABILIDAD, ESTO SIN MENCIONAR SU CARÁCTER HUMILDE Y AGRADECIDO CON TODAS LAS PERSONAS CON LAS QUE HA TENIDO OPORTUNIDAD DE TRABAJAR. COMO YA ES TRADICIÓN, LOS DISCOS DE AJ DÁVILA SE CARACTERIZAN POR INCLUIR UN GRAN REPERTORIO DE COLABORADORES, QUE IMPRIMEN SU SELLO EN EL SONIDO DE LA BANDA PESE A LOS CONTEXTOS MUSICALES DE LOS QUE PROVIENEN.

Platicamos con AJ, quien nos contó sobre su nuevo disco, la importancia de colaborar en la música y su experiencia al vivir en la Ciudad de México. Hola AJ, ¿cómo te va? Sé que últimamente has trabajado en tu nuevo material y tienes un primer sencillo, ‘Post Tenebras Lux’. Cuéntame, ¿cómo va hasta ahora?, ¿dónde lo grabas? Muy bien, gracias. Lo estoy grabando en Panoram Studios, de Zoé. Lo produce Sergio Acosta y ha sido un proceso increíble de verdad, mucho trabajo, pero de huevos, hemos puesto mucha dedicación y cariño. Como dices, ya empezamos a difundir el primer sencillo, ‘Post Tenebras Lux’, una canción en la que trabajé con mi muy buen amigo Sergio Rotman, de Los Fabulosos Cadillacs. Esta canción mantiene la esencia de mi trabajo como AJ Dávila pero con una producción más grande y más experimentación con la sicodelia, mezclada con pop, sintes y garage. ¿Cómo ha sido trabajar con Sergio Acosta? Yo nunca había trabajado con un productor, todos mis discos con Dávila 666 y los propios los he grabado en mi cuarto, donde yo mismo los produje y los mezclé. Siempre quise saber qué se sentía trabajar con un productor y vine

hablando con Sergio desde hace tiempo, para ver cuándo se podía hacer algo. Se dio la oportunidad para este disco y ha sido increíble, es un gran productor. Lo que más me gusta es que saca lo mejor de ti. Por ejemplo, antes grababa una guitarra en dos tomas y decía, “ya está”; en este caso, Sergio me saca 20 tomas y de ahí elegimos la mejor. Ha sido muy interesante, es una persona que tiene una visión musical bien parecida a la mía, en términos de conocimiento del equipo. Todo lo que usamos es de los años 70 y previo, puro vintage, no lo hacemos con nada digital. Creo que no sería exagerado decir que AJ Dávila es el rey de las colaboraciones. Tus discos siempre tienen ese sentimiento de juntarse con la familia o con los amigos, tienes un gran repertorio de colaboraciones y ahora compartes fotos y videos de la gente con la que has trabajado: Meme, de Café Tacvba; Sergio Rotman, de Los Fabulosos Cadillacs; Paco Huidobro, de Fobia, miembros de Centavrus, Quiero Club, Crocodiles… ¡Sí!, y vienen muchas más. Yo vengo de la escuela del hip-hop de los 90, en donde se daban muchas colaboraciones. Siempre quise hacer eso en mis discos, con mis amigos. Colaborar es una de las mejores cosas que uno puede hacer como artista,

porque te nutre, aparte es algo súper divertido, ¿sabes? Latinoamérica tiene que estar más unida que nunca, y es increíble tener la oportunidad de trabajar con tantos artistas de todo el continente, no solo de México. Es bien bonito y me gusta mucho experimentar en todas las cosas que puedan surgir. Yo podría hacer un disco solo, pero no es lo mismo. Es claro que las colaboraciones son un componente muy importante en AJ Dávila. ¿Cómo es que decides con quién acercarte? ¿Cuál es el criterio? Muchas personas con las que trabajo son amistades o gente que me han presentado y de quien siempre he sido admirador. Esas son razones mágicas. Uno no se espera, a veces, trabajar con esas personas, pero al final la vida te las pone a un lado. Yo creo que corre con la onda del universo: lo que tiene que pasar, tiene que pasar. Desde que estoy en México he grabado tantas cosas, que ni siquiera han salido. El punto es trabajar con alguien cuya música me fascine. Dado que la gente con la que trabajas proviene de trasfondos musicales a veces tan diferentes, ¿cómo le haces para conjugar esa diferencia con el sonido de AJ Dávila? Tengo muy clara mi ética de traba-

jo y mi melodía. Siempre trato de ver cómo encajar el sonido de los demás, todos somos amantes de la música y uno sabe cómo integrarse a la canción. Si yo trabajara con otra persona que hiciera pop, tendría que ver la manera de acoplarme a su sonido. Cuéntanos una experiencia particular que se haya quedado contigo de estas colaboraciones… Una de las experiencias que más he disfrutado es trabajar con Juan Cirerol. Cuando ocurrió yo estaba en Puerto Rico y él en la Ciudad de México. A pesar de la distancia, dijimos: “Vamos a comprar un montón de chelas y hacemos un Skype”. Y así lo hicimos, hablamos y bebimos por tres horas. Yo creo que eso fue muy especial, es una de las cosas que se me quedaron. ¿Con quién te gustaría colaborar que aún no lo hayas hecho? Me encantaría colaborar con Julieta Venegas. Son dos mundos totalmente diferentes de música, por eso me llama la atención. Ahora que trabajas con Sergio y que estás en Panoram, ¿no ha surgido la idea de colaborar con León Larregui? ¡Claro!, en definitivo, a León lo quiero un montón, le tengo mucho respeto y sé que esa colaboración va a venir pronto.

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¿Planeas llevar estas colaboraciones al escenario, en algún momento? Sería increíble. Para mí sería lo mejor que cuando estrenáramos el disco estuvieran todas las personas con las que hemos trabajando, ahí, en el escenario conmigo, ese sería mi wishlist máximo, un concierto muy especial. México siempre te ha recibido con los brazos abiertos, desde que estabas en Dávila 666 hasta ahora que tienes un rato viviendo por acá. ¿Cómo ha sido tu experiencia con la ciudad? ¿Qué viste en México para hacerlo una de tus casas? Amo a México con todo mi corazón. Fue algo así como amor a primera vista. Ya había venido con Dávila 666 pero nunca tuve la oportunidad de pasar tanto tiempo. Llevo dos años residiendo aquí y creo que no le pide nada a Nueva York, Los Ángeles o París, es un lugar que lo tiene todo, conciertos, arte, cine… siempre hay algo que hacer en la Ciudad de México.

“MUCHAS PERSONAS CON LAS QUE TRABAJO SON AMISTADES O GENTE QUE ME HAN PRESENTADO Y DE QUIEN SIEMPRE HE SIDO ADMIRADOR. ESAS SON RAZONES MÁGICAS.”

Desde Dávila 666 has logrado reconocimiento en Estados Unidos y Europa, a pesar de cantar en español. ¿Qué opinas sobre esta capacidad de romper fronteras mediante la música, independientemente del idioma? Creo que la música es un idioma universal. Cuando la gente siente la esencia no importa el idioma, solo lo va a sentir, a bailar o cantar, aunque no entienda las palabras. La música tiene ese poder. Nosotros, cuando éramos chavitos no sabíamos hablar inglés, pero escuchábamos esas canciones del gabacho y repetíamos las melodías sin saber qué decían. Me parece que lo mismo pasa con la gente de Estados Unidos y Europa; aunque no entiendan lo que canto en español, sienten la esencia y la melodía, y eso es universal.

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REUNIRSE ES UN COMPORTAMIENTO COMÚN DE AQUELLOS QUE TIENEN IDEOLOGÍAS Y GUSTOS SIMILARES. A LO LARGO DE LA HISTORIA CIERTAS AFICIONES HAN SIDO VELADAS BAJO EL SELLO DE LA PROHIBICIÓN, PERO ESO NO HA FRENADO A LOS QUE DECIDEN QUEDARSE AHÍ, EN LA OSCURIDAD, DE MANERA CLANDESTINA.

Esta no es una historia de persecución o prohibición por seguir ciertos ideales, por el contrario, es sobre cómo un grupo de amigos decidió abandonar la búsqueda del lugar ideal para pasar la noche y creó uno que tuviera justo lo que siempre habían buscado. Así nació M.N. Roy.

el apoyo de marcas que cuando empezamos ni nos hacían caso, y gracias a eso y al gusto de nuestros clientes, que cada vez se vuelven más exigentes, el futuro pinta mejor que nunca”, señala Diego.

LA REINVENCIÓN DEL ESPACIO Diego Madrazo y Karla de Regil (junto a León Larregui) forman parte del grupo de socios fundadores de este club nocturno ubicado en la colonia Roma, uno de los sitios más populares de la Ciudad de México, el cual tiene una función que va más allá de servir buenos tragos o ser el lugar ideal para conocer gente, pues ellos han buscado que sea un templo dedicado a la música.

LA MÚSICA: EL ELEMENTO MÁS IMPORTANTE Diego se ha encargado de elegir lo que se escucha en el lugar cada noche. “Yo he curado la música desde el inicio y ha sido todo un descubrimiento y conocimiento de propuestas y géneros. De lo que también nos hemos preocupado es de los artistas nacionales, y varios han crecido aquí. Se ha vuelto más sofisticado cada vez porque no vienen tantos chavitos de 18 años, no son nuestro target”, comenta. “Para nosotros la música es lo más importante. No es un lugar de champañas, de gastar millones”, menciona Karla al hablar de uno de los elementos que da vida a este lugar. De ahí que el sitio de donde proviene la música parezca el altar de un templo, “le da muchísimo sentido que sea así, porque este lugar funciona por tres cosas: el equipo, la vibra y la persona que está ahí parada; si no te hace bailar simplemente no funciona”. En este aspecto, “el futuro pinta bastante bien, con artistas bookeados para 2016 e incluso 2017. Finalmente tenemos

M.N. Roy se encuentra en lo que podría parecer una típica casona porfiriana de la colonia Roma, aunque al entrar el panorama se transforma en una mezcla entre la arquitectura de techos altos de principio del siglo XX y la integración de materiales como piedra volcánica y maderas, elementos característicos mexicanos. Al saber que unos franceses se hicieron cargo del diseño, esta fusión cobra bastante sentido. Emmanuel Picault y Ludwig Godefroy, de Chic By Accident, fueron los encargados de transformar la casa en ruinas que Diego se encontró al caminar por la zona y que, al verla, decidió convertir en el club: “En aquel momento pensé: ‘es el lugar perfecto, aquí tenemos que hacer el Roy’, entonces empezamos a hacer el diseño con Emmanuel y Ludwig, se iban a París al día siguiente y les dije: ‘Tengo un proyecto y lo tenemos que platicar’. Me dijeron: ‘Tenemos que hacer algo totalmente distinto’. Seis meses después abrimos y ¡voilá!”. Emmanuel se encargó del diseño, Ludwig de la arquitectura. Desde que Emmanuel llegó a México se ha interesado por la geometría que se utiliza en la arquitectura mexicana. “Todo este tema lo tiene muy inculcado —dice Diego—. Vimos el espacio y vieron la altura, ellos empezaron a pensar en este tema de la pirámide […] Al final se generó este gran templo de la música”, que actualmente alberga la cabina del DJ.

M.N. ROY EN HONOR A LA MÚSICA Entrevistas: Alonso Valencia y Diovanny Garfias Texto: Elsa Núñez Cebada Fotos: Sergio Gálvez para WARP

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Karla señala que la idea de los chicos de Chic By Accident era precisamente “hacer una pirámide, una especie de iglesia, un templo. Ya que lo analizas tiene muchísimo sentido porque es de donde viene la música”, de ahí que cada noche las miradas terminen concentradas en este punto, que podría ser considerado el corazón del lugar. A modo de broma, Karla comenta que por eso mismo “tenía un problema, porque la gente dejaba sus cosas en el DJ Booth como si fuera un tianguis, me enojo mucho porque pienso que no deberían hacerlo”.

cantó la idea de ponerle Manabendra, así que se quedó el nombre completo del pensador.

“LA GENTE DE AFUERA NO ES LA QUE QUEREMOS ADENTRO”

Lo que querían era un lugar en el que estuviera la gente con la que los socios les gustaría convivir en la sala de su casa. “Lo pensamos como un lugar de nicho en donde nuestros amigos pudieran entrar fácilmente, era la rebeldía contra los antros fresas en donde llegas y te batean. Pensamos en hacer un lugar en donde la gente más hippie y la más fresa pudiera entrar, por ello hicimos el club privado. Un poco a la inversa, en donde la gente padre pudiera entrar”, agrega.

La historia detrás del nombre del club es muy interesante y corresponde a Manabendra Nath Roy, pensador bengalí que tomó este lugar al inicio del siglo XX para llevar a cabo las reuniones del primer partido político comunista de México. “Al poco tiempo de abrir el lugar no sabíamos cómo llamarlo y Castor [otro de los socios] investigó qué era esta casa antes, y resulta que fue donde se dio la creación del primer partido comunista mexicano”, dice Karla. No les en-

Antes de tener un nombre nació el concepto: “Empezó hace cinco años platicando con amigos sobre la necesidad de tener un antro como los de antaño. Somos de la generación de El Colmillo, que era un lugar donde estaba la gente cool, los artistas, la buena música y eso era lo que extrañábamos. En ese momento no había nada, y así, peloteando ideas, surgió la idea de crear un espacio”, dice Diego.

Quería que también fuera un sitio que la gente visitara sin importar su estatus socioeconómico, lo que menos pensaban era en atraer a los grandes consumidores. Karla asegura que su deseo “era

que viniera gente que aportara, gente pensante. Personajes del medio artístico, de la literatura, de la música, que fueran algunas de las personas que ayudaron al resurgimiento de la colonia Roma. Nunca quisimos llenarnos de mirreyes”. Todos los socios detrás de M.N. Roy plantearon una serie de ideales que adoptaron y, aseguran, al principio mucha gente tomó a mal que fuera un club privado, pero al final tiene sentido tomando en cuenta que nació con el espíritu de ser la sala de la casa de cualquier de ellos, fue pensado en la gente que dejarían entrar a su hogar. “Las primeras semanas estuvo muy lleno afuera pero adentro no había gente. Un día, Rodrigo me dijo: “La gente que está afuera no la queremos adentro y si un día llega la gente que queremos y ve a esta otra se va a ir”, recuerda Karla. Así que aunque mucha gente crea que es cuestión de discriminación, las reglas fueron planteadas así desde un principio: “La gente que viene aquí lo hace porque le gusta y realmente quiere convivir, además de llegar por la música”, aclara Karla. Ellos son los que han mantenido intacta la esencia de M.N. Roy durante cinco años.

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EL ARTE DE VIVIR EN TULUM Texto y foto: Naomi Palovits / @Lovenaomi

León Larregui, una mañana en Sian Ka'an

MUCHOS AÑOS DESPUÉS, EN UN COLUMPIO FRENTE AL MAR, RECORDÉ EL DÍA REMOTO EN QUE ESTUVE POR PRIMERA EN ESE LUGAR. TULUM ERA ENTONCES UNA ALDEA DE 20 CASAS DE PALMA, CONSTRUIDAS A LA ORILLA DEL MAR. A LO LARGO DE LA COSTA SE EXTENDÍA UN CAMINO DE BACHES Y PIEDRAS GIGANTESCAS QUE SEPARABAN EL MAR DE LA IMPONENTE JUNGLA. SI EL MUNDO QUE NOS PINTARON DE MACONDO ERA RECIENTE, EL DE TULUM, SIN DUDA, ERA AÚN MÁS. TUVIERON QUE PASAR MUCHOS AÑOS —Y VARIAS APLANADORAS POR ENCIMA DEL CAMINO IMPOSIBLE— PARA QUE LA HISTORIA SIGUIERA SU CURSO.

Poco a poco se asentaron las primeras colonias. Además del español y el maya, en el pueblo se hablaba italiano, francés, húngaro, alemán, suizo, holandés e inglés, lenguas que habían sido importadas por tribus nómadas que, convencidas de haber hallado el paraíso, se establecieron por tiempo indefinido en Tulum. Los nuevos habitantes eran trotamundos expertos: no solo sabían sobrevivir en las condiciones más agrestes, sino que con muy pocos recursos hicieron magia. En armonía con el entorno construyeron cabañas y palapas, que fueron edificadas a lo largo de la costa y que después convirtieron en resorts y restaurantes

“eco-chic”. Con la llegada del primer cibercafé al pueblo de Tulum, pronto se confirmó lo que hasta entonces había sido solo un rumor (la existencia del Internet) y el resto es historia. Fue precisamente en esa época cuando regresé. Aquella pequeña aldea se había convertido en el pueblo más cosmopolita del mundo y en el destino más popular del jet set internacional. Un encantador rehab yogui frente al mar me adoptó y de inmediato me sentí en casa. El sitio era tan hermoso como la gente que ahí se hospedaba. De este lado de la carretera todo era paradisiaco, sin embargo me intrigaba más lo que

pasaba del lado de la selva, así que cada mañana, después de la clase de yoga, me iba a explorar. Quería saber dónde y cómo vivían los nativos, los locales, los yucatecos y los mayas, y comencé a pasar más tiempo en ese backstage que es la selva, donde conocí a los personajes y las historias más interesantes de ese mágico lugar. Es cierto que Tulum es un paraíso, pero sin su gente no existiría. Admiro la manera en que se han organizado tantos individuos de orígenes tan distintos para crear una comunidad más frugal y consciente y, en el proceso, descubrir el verdadero arte de vivir.

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REYNO EN CICATRICES DE MEMORIA Por Eduardo Salinas

ALGUNOS RECURREN AL SONIDO EXPERIMENTAL Y A LA MEZCLA DE SINTETIZADORES CON INSTRUMENTOS ACÚSTICOS PARA INNOVAR Y CREAR TENDENCIA EN LA MANERA DE HACER MÚSICA. REYNO, BANDA DE ROCK ALTERNATIVO FORMADA POR CHRISTIAN JEAN Y PABLO CANTÚ, SURGE JUSTAMENTE COMO UN PROYECTO QUE BUSCA RENOVAR TODA ESA GAMA DE SONIDOS QUE SE HAN QUEDADO EN EL PASADO, PARA TRANSFORMARLOS EN LA NUEVA VISIÓN DEL ROCK A FUTURO, ACOMPAÑADA CON LETRAS QUE SURGEN DE LA VIDA COTIDIANA, EXPERIENCIAS QUE SOLO PUEDEN CONTARSE A TRAVÉS DE UNA CANCIÓN.

Gracias a la enorme y acelerada aceptación del público, su primer álbum, Viaje Por Lo Eterno (2014), Reyno recorrió el país de la mano de Zoé, que no necesitan presentación y que es, además, padrino no oficial del grupo. Entre un show y otro, Christian y Pablo abrieron un espacio para recibirnos en las instalaciones de su estudio, en donde pudimos dejar las guitarras de lado y conversar un poco acerca de lo que se viene... Platícame, ¿cómo fue que comenzó la banda? Christian: Empezamos en 2012 con algunos demos que tenía en casa. Dio la casualidad que ensayaba aquí mismo, con LeBaron, donde tocaba la guitarra, y Pablo estaba también con su proyecto. Entonces, le enseñé algunas canciones, le gustaron mucho y dijimos: “Hay que trabajar en esto, ¡pero ya!” Invitamos a Sebastian Franco en un inicio y armamos el primer disco, Viaje por lo Eterno (2014), con el cual tuvimos la oportunidad de abrir fechas de la gira de Zoé y de León Larregui por toda la república. También le abrimos a artistas como Hello Seahor-

se! y Carla Morrison, tocamos con Enjambre, y bueno, tuvimos un año súper activo, con un Vive Latino en el que nos fue increíble. El disco se posicionó en el lugar número dos en iTunes y número uno en los discos de rock del año. Posteriormente nos metimos a hacer el segundo disco, Dualidad (2015), que promocionamos con dos sencillos hasta ahora; ‘Fórmula’ es el más reciente. Aparte, planeamos hacer una gira en cerca de 22 ciudades alrededor de la república. Próximamente tendremos un nuevo sencillo, llamado ‘Química’, y pensamos cerrar la gira de este ciclo en el Teatro Metropólitan, si todo sale como debe ser. Pablo: Gracias, Christian, por terminar toda la entrevista [risas]. A pesar de llevar poco tiempo como banda su éxito es evidente. ¿Cómo observan al público ante su sonido? P: Felizmente, la música ha generado mucha empatía, una sensación de que la gente entiende el espíritu de la banda y se identifica. Hasta cierto punto es mucha suerte, ya que nosotros no creamos en espera de acertar en una lectura del

mundo, pero de pronto se coordinan esos tiempos del inconsciente colectivo con las inquietudes artísticas de uno mismo. Esas cosas empataron y se creó una base de fans sólida, fiel y muy a todo dar. ¿Cómo definen el sonido de Reyno? C: Somos muy cambiantes. En el primer disco nos adaptamos un poco a lo que podíamos hacer fácilmente, de manera rápida, para sacarlo y poder ir a tocar sin mayor complicación. Fue un disco con formación de power trio (guitarra, bajo y batería) en el que el sello podría ser que Pablo toca fuerte la batería y es muy melódico, lo que ayuda a que las canciones no sean aburridas en cuanto a su base. Ya para el segundo disco nos pusimos a experimentar con sonidos y texturas ambientales, algunas atmósferas. Probamos canciones con más guitarras acústicas y buscamos que el disco tuviera un sonido un tanto bipolar, ya que se titula Dualidad. El sonido y la onda de las canciones agarró ese sentido: estéticamente bonitas pero rockeras y potentes, con energía. En general tratamos de hacer música con los elementos que

nos gustan, de artistas que nos encantan, que tenemos en el inconsciente, pero también estamos en pro de sonidos nuevos y la tecnología. Pensamos hacer algunos mixes de cosas acústicas con sintetizadores, tratar de integrar más los gadgets que salen e insertar el resultado en nuestra música. Han comparado su música con la de bandas como Enjambre o Zoé. ¿Cómo sienten esto? P: Bien, porque son bandas profesionales; o sea, nos están comparando con proyectos que respetamos muchísimo. También creo que, desgraciadamente, no hay mucho con qué comparar en México, las bandas que logran desempeñar esta profesión de manera honrosa son contadas, entonces creo que por eso hay una referencia como esa, por falta de opciones comparativas. De ahí es volver un poco al tema del sonido, nosotros vamos mucho por disco, ahorita que ya empezamos con ideas para la tercera producción vamos clarificando hacia dónde queremos ir, y somos muy libres en ese sentido. Gran parte del motivo de compararnos con Zoé tiene que ver con la gira que hicimos, es una relación inme-

“EN GENERAL TRATAMOS DE HACER MÚSICA CON LOS ELEMENTOS QUE NOS GUSTAN, DE ARTISTAS QUE NOS ENCANTAN, QUE TENEMOS EN EL INCONSCIENTE, PERO TAMBIÉN ESTAMOS EN PRO DE SONIDOS NUEVOS Y LA TECNOLOGÍA.” -CHRISTIAN JEAN

diata, y la temática puede ser similar pero creo que si lo analizas friamente no hay tantas similitudes. ¿Cómo hacen sus canciones, cuál es la dinámica en la que trabajan? P: Todo el primer disco partió de las ideas de Christian, excepto ‘Ahriman’, que fue la última canción que grabamos. Yo, de

alguna manera, me encargué de pulir las ideas de Christian y de adaptarlas a la formación que había en ese momento, buscando una dirección para encontrar una identidad. Con ‘Ahriman’ nos dimos cuenta de que podíamos partir de una idea musical mía y desarrollarla al revés, así que se abrió esa parte sin comprometer

lo demás, y bueno, vamos a prueba y error. ‘Purifícame’, por otro lado, fue una canción que cambió radicalmente a partir de un beat de batería. No hay ningún tipo de cerrazón en hacer las cosas de una forma u otra, al final nos tiene que hacer sentido a los dos en lo estético y lo conceptual, pero todo se vale.

¿Tienen shows en puerta? C: Todo está planeado para empezar en junio y terminar en diciembre. Aún no tenemos detalles exactos, pero los daremos a conocer. También queremos hacer un nuevo disco que saldrá el año que entra. Estamos contentos con lo que hemos generado, así que va a estar padre.

ADAN & XAVI Y LOS IMANES FUERA EL DOLOR Por Alonso Valencia Foto: Bógar Adame

ADAN JODOROWSKY, HIJO DEL ACLAMADO CINEASTA ALEJANDRO JODOROWSKY, SE CONVIRTIÓ EN UNO DE LOS PERSONAJES CLAVE DEL MUNDO MUSICAL AL ADOPTAR EL PAPEL DE ADANOWSKY, ALTER EGO ANDRÓGINO Y EXTRAÑO QUE LOGRÓ TOCAR A CIERTO TIPO DE PÚBLICO GRACIAS A LAS CLARAS INSPIRACIONES QUE CONVERTÍAN A SU MÚSICA EN UNA OFERTA ECLÉCTICA, REPLETA DE CALIDAD SONORA.

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ahora es miembro íntegro de esta banda? Xavi: La relación entre Adan y yo viene de mucho tiempo atrás y ha evolucionado desde que hicimos Ada (2014). Yo era el productor y ahora colaboramos juntos, así que ha sido una oportunidad muy grande para mí, y para Adan el dejar de ser Adanowsky. Adan: Prometí una trilogía e hice la trilogía, ahora ya no hay más personajes, por fin puedo ser yo y expresar lo que tengo que decir con mi ser interior más profundo y sincero. De alguna manera, todo empezó con una ruptura amorosa que les pasó a ambos y, gracias a esto, el concepto evolucionó. ¿Podrían platicarme sobre ello? X: Primero, nos reunimos un día y pensamos que deberíamos tocar juntos. Meses después, ambos rompimos nuestras relaciones casi al mismo tiempo y creímos que ese era el momento definitivo para hacerlo. A: De hecho estábamos bajo un árbol tocando y sufriendo un poco, y pensamos que era bueno hacer música, no solo para sacar el sentimiento sino por el mismo placer de hacerlo. “Hagamos una experiencia”, dijimos, entonces tomamos todo nuestro material y lo pusimos en una camioneta.

Ahora, Adan deja atrás a esta criatura para unirse a su productor de cabecera, Xavier Polycarpe, miembro de Gush, y así cambiar las fuertes líricas y los sonidos complejos por una propuesta mucho más amigable, de la mano también de Edouard Polycarpe y Julien Boyé (Los Imanes), dando como resultado dulces temas que abren camino a un Adan renovado, quien ahora se muestra al mundo como es para dejar de perseguir la sombra de su padre. Platíquenme, ¿cómo cambió la interacción entre ustedes, ya que Xavi fungía como tu productor y

Al principio queríamos hacerlo en un desierto, pero era muy complicado, entonces llegamos a este castillo en medio del campo de Francia e instalamos todo al lado de la chimenea; una familia nos hacía fuego todos los días y nos calentaba la casa en pleno invierno. Ahí grabamos en vivo, en ocho canales, porque ahora con una computadora puedes grabar miles y te pierdes, y aquí solo teníamos batería, guitarra, bajo, teclado, lo indispensable, así que pusimos más valor en la interpretación que en la precisión. X: Queríamos algo más simple, por eso elegimos este tipo de grabación, porque en los anteriores álbumes había mucho sonido de estudio y esta vez quisimos algo más espontáneo. A: Además, no lo queríamos sacar pero hicimos diez canciones, él cantó cinco en inglés y yo cinco en español, por el placer de grabar, pero

tenían buen sonido y sonaban más o menos igual, entonces dijimos: “hagamos un disco”. Contactamos a disqueras y encontramos un contrato por ahí, y ahora saldrá en cuatro países, andamos todos los días con mails, fotos, pelos blancos que nos salen [risas]… De hecho también regresaron nuestras novias [risas]. Tengo entendido que también incluyeron a tu hermano, Edouard Polycarpe, y a Julien Boyé en la batería. ¿Cómo influenció esto en su sonido? X: Queríamos a Edouard y a Julien porque los conocemos y son buenos amigos, además de muy agradables. Ellos nunca habían tocado juntos pero este era el momento para convertirlos en Los Imanes. A: Todo fue perfecto, ellos se convirtieron en los productores del disco, invirtieron mucho en el proyecto también, y en el video lucimos bien juntos. Xavi, cuéntame las diferencias que encuentras entre trabajar en Gush y ahora que estás en este proyecto… X: Con Gush trabajé alrededor de 10 años y, de hecho, Adan siempre me apoyó, dándome ánimo. Recuerdo que me decía que no tuviera miedo de expresarme, me ayudó bastante, aunque en realidad fue algo mutuo porque yo lo impulsé para que evolucionara de Adanowsky a Adan. A: Al principio quise que “Adan & Xavi y Los Imanes” fuera “Adanowsky & Xavi”, y el próximo “Adan”, pero Xavi me dijo que Adan sonaba mejor, lo pensé, regresé un día y dije: “¡Tiene que ser ahora!” X: Sí, mi opinión se basó en que —considero— las canciones hablan más de él y de sus sentimientos, entonces estuvo bien que se pusiera de esa manera. ¿Creen que la química que comparten tenga que ver con el hecho de que ambos son de París? A: De hecho, ambos nacimos el mismo día, el 29 de octubre, somos Escorpión [risas]. X: Siempre hemos tenido una gran amistad, nunca hemos tenido problemas, y cuando trabajamos juntos nos complementamos. A: Lo único que no hemos hecho es tener sexo, pero pronto [risas].

PANORAMAS UN RELATO LLAMADO ZOÉ Por Diovanny Garfias Fotos: Cortesía Rodrigo Guardiola

DICEN QUE TODOS TENEMOS UNA HISTORIA QUE CONTAR, QUE DENTRO DE NOSOTROS YACE DORMIDA LA URGENCIA DE GRITARLE AL MUNDO UNA VERDAD, DE DESCRIBIR UNA IMAGEN, UN PEQUEÑO RECUERDO, DE EVOCAR LOS LUGARES EN LOS QUE VIVIMOS, LAS SENSACIONES QUE PERCIBIMOS Y LAS EMOCIONES QUE INVADIERON NUESTRO SER, POR LO MENOS, DURANTE UN INSTANTE.

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Uno de estos esfuerzos se llama Panoramas (2016), documental concebido por Rodrigo Guardiola y Gabriel Cruz Rivas con una ambiciosa premisa: narrar un relato llamado Zoé, con la responsabilidad que esto conlleva. “Veníamos del final del ciclo del Unplugged, por ahí de 2011, y después nos pareció interesante documentar una gira de Zoé que no necesariamente estuviera ligada a esta temática”, recuerda Rodrigo. “Empezamos desde cero y fue un año muy particular, porque en 2012 la banda tuvo un descanso y fue ahí cuando León hizo su primer disco solista, por lo que estuvimos en París grabando un poco de lo que hizo allá. En ese periodo, Zoé tuvo la oportunidad de hacer una gira por España, Centro y Sudamérica, y de ahí nos colgamos para hacer la película. Era la primera vez que teníamos tal posibilidad, hacer una gira estructurada en 14 o 15 países; quisimos captar dicha experiencia, la emoción.”

De su lado, Gabriel contaba con historia previa junto a la banda. Los conciertos 281107 (2008) y 81114 (2015) sentaron el precedente para involucrarse en esta nueva aventura: “Queríamos hablar desde adentro de la banda, cómo es estar en un grupo tratando constantemente de que tu música funcione. Es muy chistoso, porque uno cree que alcanzado el éxito éste se extiende a todos lados, y no es verdad, en otros lugares se tiene que empezar de cero. Esa es una especie de obsesión que tiene el grupo, llevar su música a cada lugar donde sea posible. Queremos contar esta característica de la manera menos literal. El género documental se basa mucho en entrevistas y nosotros pensamos que la mejor manera de hacerlo no era con palabras, sino con música, y que quizá una banda era mejor hablando de sí misma con gestos y acciones”.

“LA GENTE PUEDA ACOMPAÑAR A LA BANDA EN EL ASIENTO PASAJERO DE LA CAMIONETA A LO LARGO DE UNA GIRA EN CIRCUNSTANCIAS A VECES FAVORABLES Y A VECES NO.” -RODRIGO GUARDIOLA

Zoé estructuró entonces una narrativa empática con el espectador y, por si no fuera suficiente, creó un score exclusivo del filme, para Guardiola, una de las partes más importantes del proyecto: “Es la primera vez que Zoé hace música original para una película. Crecimos siendo muy fanáticos de scores de ciencia ficción y de westerns, lo que nos empujó a hacer un trabajo más híbrido, con todo esto que nos gusta. Por primera vez, nos alejamos de la estructura de hacer canciones para un disco y creemos que resultó en una de nuestras expresiones más transparentes y honestas, estamos muy contentos. Al final, el score se hizo antes de armar la película, y nos ayudó mucho que fuera la esencia del estado de ánimo que queríamos comunicar con el documental”. Si hablamos de salir de la zona de confort y enfrentar nuevos retos, para Gabriel las cosas no fueron más sencillas, ya que los integrantes de la banda son más que sus amigos, son familia. ¿Hasta dónde vale la pena filmar y hasta dónde te detienes?, le pregunto. “En realidad no piensas así. A veces, cuando

estás filmando y haciendo cosas emocional e incluso visualmente fuertes, no piensas en si va a servir o no, si lo puedes explotar o no, simplemente te sientes afortunado de captarlo, y te das cuenta que para llegar a ese momento tuvo que pasar mucho. Al principio costó trabajo, la presencia de la cámara es muy invasiva, pero después la banda dejó de sentir que la estábamos filmando, eso permitió levantar muchas horas de imágenes pero también momentos muy íntimos. Después evaluamos si el material nos ayudaría a contar esta historia, que primero fuera entretenida pero que también hablara de estos seres humanos. No guardamos nada, créeme, no nos autocensuramos, simplemente contamos la realidad de la banda de la manera más honesta”. Uno de esos momentos íntimos que quedó inmortalizado en el filme fue el proceso de grabación de Prográmaton (2013), cuando al lado de su productor de cabecera, Phil Vinall, forjaron uno de sus álbumes más exitosos. Para Rodrigo hay un porqué detrás de la razón de ser tan abiertos en un instante casi secreto: “Lo mejor que podemos comunicarle a la gente es

que Phil es como el integrante fantasma de la banda pero también elemento fundamental; él creció con Zoé desde el año 2000, desde el primer disco, y la película muestra cómo convive con nosotros de manera familiar. Yo creo que es de las mejores sorpresas que se lleva la gente, ver el espacio creativo de Zoé, un estudio que no es tan serio como te puedes imaginar, no son sesiones de grabar cosas meticulosamente, sino de experimentar, de jugar, probar lo que sea, y el personaje que más representa esa fuerza es Phil.” Panoramas verá la luz a fin de año, sin embargo, es un buen momento para evaluar si sus realizadores están satisfechos con el resultado. Gabriel, particularmente, se declara feliz: “Costó mucho llegar a la película que tenemos hoy. Esta es nuestra ópera prima y no se nace sabiendo hacer películas, mucho menos documentales, entonces, nos dimos cuenta de que nuestra primera versión duraba años, y aunque nos encantaba tenía que funcionar como película. Eso se basa en estructuras narrativas muy claras,

cuando algo te atrapa te atrapa, así que tenía que ser entretenida, tenía que llevarte como espectador, transmitir emociones, hacerte reflexionar, todas las reglas que tiene una película cualquiera, no solo un documental. Creo que lo conseguimos y eso me hace sentir muy orgulloso. Evidentemente quedaron muchas cosas fuera, pero es la naturaleza de esta labor.” Curiosamente Zoé celebrará 20 años de carrera en 2017, así que la película es el pretexto perfecto para iniciar los festejos y, de acuerdo con Rodrigo, un nuevo episodio en su historia: “Estamos muy emocionados de cerrar un ciclo importante. Tal vez la película logra captar el principio de otra etapa para nosotros, a lo mejor una más madura y distinta. La industria ha cambiado muchísimo y creo que este trabajo nos va ayudar a presentarle a la gente lo que es el universo actual de la banda, para movernos hacia un horizonte que ni siquiera nosotros conocemos. Va a haber un montón de experimentos que ojalá nos lleven a un punto nuevo, y yo creo que lo que más nos interesa como banda es descubrir estas cosas.”

LEÓN LARREGUI COMPLETO Y LIBRE

Por Diovanny Garfias Fotos: Napoleón Habeica

“AL PRINCIPIO ESTABA PREOCUPADO POR COSAS ESENCIALES, COMO MI TRABAJO, PORQUE MI CHICA NO ES DE AQUÍ, VIVE EN NUEVA YORK, Y ZOÉ NO ME PERMITE VIVIR ALLÁ. POR OTRO LADO, COMIENZAS A PENSAR EN TI MISMO; ALGUNA VEZ, ALGUIEN ME DIJO QUE SER PADRE TE HACE MEJOR PERSONA, ¡Y ES VERDAD!, TU MENTALIDAD COMIENZA A CAMBIAR Y EMPIEZAS A CENTRARTE MÁS EN HACER LAS COSAS BIEN, PORQUE NO QUIERES SER UN MAL PADRE”. AL HABLAR, LEÓN LARREGUI IRRADIA TRANQUILIDAD Y MUCHA FELICIDAD. ESTA NO ES LA PRIMERA VEZ QUE PLATICO CON ÉL (HEMOS COMPARTIDO OTRAS CHARLAS, EN DIFERENTES MOMENTOS DE SU CARRERA, DE SU VIDA) Y SIN EMBARGO HOY LAS COSAS SON DISTINTAS, CON UNA MIRADA QUE NO HACE SINO REFLEJAR SU RESPLANDECIENTE FACETA COMO PADRE.

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El músico, líder de Zoé, celebra dos hechos de alto impacto en su devenir: el primero, compartir su existencia con su hijo Lucian; el segundo, la salida de Voluma (2016), su nuevo trabajo en solitario. Precisamente es, dentro de la informalidad de esta charla, que me cuenta cómo fue que este disco se vio afectado y alimentado por el periodo que vive: “Se refleja en las canciones nuevas, pues ha convertido el proceso en una experiencia enriquecedora como compositor en la que ves que el amor de padre es puro, es real, totalmente diferente al cariño que puedes tener hacia otra persona”. Estamos en Panoram Studios y el músico ocupa el poco tiempo libre previo a su próxima gira para hablar con la prensa, para contar la historia que acompaña este segundo esfuerzo sonoro firmado con su nombre. A pesar de ostentar cinco álbumes de estudio y casi 20 años de carrera con Zoé, el compositor siempre está en busca de nuevas formas de liberar a la bestia creativa que vive en su interior, una de ellas es componer y materializar el sonido bajo sus propios términos y reglas. El primer experimento de esta naturaleza se llamó Solstis (2012). En aquella oportunidad compartió el laboratorio con Adanowsky, cuyo disco Amador (2010) se convirtió en referencia sónica para Léon. El resto fue historia. Al poco tiempo los dos se encontraban grabando en París, Francia, al lado de Rob Coudert (Sebastien Tellier, Phoenix). El resultado, en palabras de su creador, fue “un disco de concepto flexible, a la vez que romántico”, y para el público significó descubrir una cara diferente del líder de Zoé.

Hoy, los motivos detrás de Voluma son otros: “Originalmente, la intención era hacer un disco para Zoé, pero me di cuenta que tenía más sentido esperarme a 2017, porque cumplimos 20 años, y así podríamos incluso hacer una gira. Además, durante los últimos meses del año pasado mi chica y yo vivimos el proceso del embarazo y me di cuenta que comenzaron a surgir canciones personales que no veía dentro de un disco para mi banda”. Entonces le pregunto si encuentra similitudes entre sus dos vástagos de estudio, a lo que rápidamente responde: “El disco no se parece en absoluto a Solstis, porque ese material narra la historia de un amor que terminó, una ruptura dolorosa, mientras que este cuenta otra historia, es más reflexivo. También pude experimentar con nuevos géneros, como el bolero y el bossanova, que me gustan pero que sé que no quedan con el perfil de Zoé; aunque recurrí al mismo equipo de trabajo, todos estuvimos de acuerdo en no repetir la fórmula”. En otra oportunidad el propio Adan Jodorwsky nos confesó que desde la consola de grabación las cosas estaban muy claras, refiriéndose al proceso que vivió junto a León: “Fue un bello momento en París… (el disco) es muy diferente al anterior. Fue un gran trabajo de producción, le metimos mucha energía”. Es, precisamente, esa aura energética la que hace de Larregui un músico completo, ecléctico, que puede cambiar los móviles de su inspiración sin perder un ápice de personalidad, culminando cada uno de sus proyectos con actuaciones gloriosas

frente al público, el destinatario final de su trabajo; así, esta placa representa la consagración sónica del compositor. Gabriel Cruz Rivas, codirector de Panoramas (2016) y encargado del diseño visual y los montajes en escena de los tours de Solstis y del nuevo álbum, ha trabajado de la mano con el letrista y está consciente de lo anterior: “Para mí, León —aparte de toda su onda de frontman y de que escribe letras que me parecen geniales— tiene una parte muy creativa, muy fuerte. Tiene la necesidad constante de llevar a cabo sus ideas hasta las últimas consecuencias, y eso es algo completamente admirable. Siempre es increíble cuando trabajamos juntos y terminamos un proyecto, porque se abre una puerta nueva”. Es precisamente la parte visual lo que complementa el trabajo de estudio de León, pendiente de retratar el lado espiritual o de contar historias que nacieron en su cabeza y que mueren por salir a la luz. Larregui tiene un pasado relacionado con las artes plásticas y visuales, el cual ha sido clave para expandir el firmamento sensorial de sus proyectos musicales, ya sea en solitario o con su banda. En ambos casos ha contado con Rodrigo Guardiola como cómplice, quien comenta respecto a esta mancuerna: “Creo que la gente no se imagina lo divertido que es colaborar entre nosotros, porque todo es ideas, rebotarlas, pasarla bien, entenderlas y comunicarlas. Valoro mucho el universo que ha creado León para Zoé y entiendo muy bien lo que intenta comunicar de manera personal, creo que está haciendo un trabajo muy divertido, aprovechando las oportunidades de hoy en día”.

“EN ESTA ETAPA NO QUISE PERDERME NINGÚN MOMENTO DEL EMBARAZO Y PEDÍ A ZOÉ UN DESCANSO PARA ESTAR CON MI MUJER, PERO TUVE TANTO TIEMPO LIBRE QUE APROVECHÉ PARA ESCRIBIR NUEVAMENTE.”

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Arriba: Zoé Unplugged Abajo: León, Andrés Sánchez, Ángel Mosqueda y Rodrigo Guardiola

“LO QUE MÁS ME GUSTA ES LA COMPOSICIÓN Y VER LA REACCIÓN DE LA GENTE CUANDO LO ESCUCHA.”

Recientemente vio la luz el video de ‘Locos’, punta de lanza de este nuevo material. El clip cuenta con la dirección de Larregui y se aleja de la narrativa y estética a la que nos tiene acostumbrados, claro, no sin dejar la puerta abierta para una segunda parte, aunque para el director es muy simple definir el concepto detrás de esta pieza: “El clip está basado en una película que se llama El Fantasma Del Paraíso (1974), que es una versión diferente del Fantasma De La Ópera. No habrá secuela aunque lo parezca, pero me gusta que deje a la imaginación”.

Todo parece indicar que el camino está pintado para que en un futuro Léon desarrolle y filme su opera prima, sin embargo, aunque la idea ronda su cabeza, es muy temprano para hablar al respecto. Por el momento colaboró junto a Love La Femme detrás de la cámara de su video ‘Hoy Me Desperté’. Para Marión Sosa, vocalista del proyecto, es un ejercicio que deben repetir: “Fue una experiencia muy divertida porque hay amistad, encontró empatía con la canción y todo fue muy fluido. Nos encantó la idea desde que nos la planteó y hubo toda la libertad y confianza para

que hiciera un trabajo ad hoc para el tema. Él la escogió, entonces siempre tuvo una conexión y quedamos encantados con lo que hizo”. León está por embarcarse en una gira de promoción para presentar su nuevo disco en tantos lugares como sea posible, una nueva oportunidad de experimentar creativamente: “Seguiremos con la línea de tocar en teatros, para que sea un espectáculo más íntimo, aunque ahora tenemos la oportunidad de hacer un show con más forma porque existen

más canciones. Además, habrá teloneros para darle chance a nuevos talentos”. Y aunque su experiencia en vivo ya suma dos dígitos, le pregunto si hay algo que recuerde especialmente a lo largo de esta aventura de 20 años de carrera con Zoé. El músico se toma un momento para responder, pero es contundente en su resolución: “Me quedo con lo que sucede en los escenarios. Recuerdo mucho el primer Metropólitan, porque fue un momento que compartimos con nuestra familia y amigos. Siempre que llegamos a un recinto por primera

vez se convierte en un momento clave para crecer. Nuestro primer Vive Latino, nuestro primer Auditorio Nacional, el primer Palacio de los Deportes, y claramente nuestra primer fecha en el Foro Sol fueron eventos magníficos que recordamos con respeto”. León siempre ha mostrado interés en la situación política y social de México: manifestó su apoyo a López Obrador en su carrera presidencial en 2012 (con un guiño incluido en su track ‘Resistolux’) y ha extendido mensajes políticos

respecto a los 43 desaparecidos de Ayotzinapa. El tiempo está por concluir pero no quiero irme sin preguntar respecto a su particular visión del momento que vive nuestro país: “La llegada de este famoso partido político solo ha traído cosas malas. Al parecer este es el partido de la corrupción y el saqueo descarado. México es un país muy rico que podría ser potencia, pero es impresionante que se siga abusando de las personas, que haya desigualdad y no se arreglen las cosas. Veo un panorama muy triste en todos los sentidos”.

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REVIEWS VOLUMA León Larregui EMI / Universal Music México

8.7

León está de regreso en el mundo solista y nos presenta Voluma, su segundo álbum de estudio. Tal como pasó con Solstis (2012), el escenario para la grabación de este esfuerzo fue París, Francia; del lado de la producción Adan Jodorowsky, Rob y Jack Lahana se sumaron de nueva cuenta a esta aventura musical. Y aunque los ingredientes parecen los mismos, el resultado es diferente, tanto por las temáticas en la letra de cada canción como por los sonidos que las complementan. El primer single del disco, ‘Locos’, creó expectativa respecto a lo que presentaría el álbum completo. Cuando por fin lo escuchamos, descubrimos que Voluma es un disco más feliz, repleto de sonidos sicodélicos y sintetizadores rítmicos, con baladas románticas y líricas que

revelan una nueva etapa en la vida de Larregui, a diferencia de su debut, conformado por sonidos más acústicos y letras sobre ese momento maravilloso del enamoramiento y, claro, el doloroso rompimiento. Este es también un disco más personal, más íntimo, que refleja en cada corte la energía que recorría al músico al momento de escribir los temas que le darían forma, prueba de ello son canciones como ‘Tremantra’, una de las más tiernas, con un verso que enuncia: “Estás lleno de fuerza y de poderes mágicos, hijo del amor”, una referencia obvia a la llegada de su primogénito; ‘Visitantes’, que no se queda atrás en cuestiones de romanticismo letrístico, o ‘Birdie’, que completa así la parte ‘sentimental’ de Voluma.

Aunque no todo es afecto: ‘Tiraste A Matar’ es una de las más dinámicas en cuanto a sonido y temática, un relato del daño que puede causar una traición, mientras que ‘Zombies’ habla de la manera en la que la tecnología ha provocado que las relaciones humanas se vayan perdiendo por la estadía en el mundo virtual, en contra de la interacción con gente real. Así, las 12 canciones que integran este trabajo nos sorprenden con sonidos frescos y un León Larregui renovado, que logra consolidar su carrera como solista de la mano de un disco sincero y gran entrega en el estudio de grabación, hecho que, seguramente, lo convertirá en uno de los más aplaudidos del año. -Lucero Hernández

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THE HOPE SIX DEMOLITION PROJECT PJ Harvey Vagrant

9.0

Siempre enérgica, siempre alejada de lo convencional y lo común, así ha sido Polly Jean a lo largo de dos décadas, en casi una decena de discos. Su noveno álbum, The Hope Six Demolition Project, sale a la luz y muestra a la cantautora en una faceta más oscura y sobria, manteniendo el aspecto político que ha caracterizado a sus letras, un trabajo imponente en todos los sentidos cuya fuerza en cada instrumento describe la placa con exactitud. En lo que respecta a la lírica, esta surgió a partir de experiencias que PJ tuvo alrededor de sus viajes por Kosovo, Afganistán y Washington, D.C., sitios protagónicos a nivel internacional y políticamente opuestos, ya sea como víctimas de guerra o como gran influencia y poder. Todo lo anterior ayudó a reunir información e inspiración, pues la artista se sentía alejada de lo que sucedía en el mundo y tuvo la necesidad de visitar estas ciudades fascinantes.

En cuestión musical, ‘The Community Of Hope’, primera canción del disco y segundo sencillo, nos recuerda el extraordinario Stories From The City, Stories From The Sea (2000) pero, además, desata la crítica a políticos que ejecutan directamente para el consejo del Ward 7 en Washington, D.C. ‘The Ministry Of Defence’, por su parte, tiene como estrella al poeta Linton Kwesi Johnson, quien es secundado por el peculiar rasgado de guitarra de Harvey, elementos que dan un toque de credibilidad a las generosas intenciones de la canción; ‘A Line In The Sand’ es un himno que nos recuerda lo mejor de Let England Shake, y ‘River Anacostia’ junto a ‘Chain Of Keys’ retan al odio con coros sombríos y un ácido saxofón que estimula a cualquiera. El proceso de grabación de esta placa se realizó en sesiones públicas en las que los espectadores podían observar a la inglesa a través de un cristal,

y formó parte de las instalaciones del Somerset House, ubicado en Londres. Cada sesión tuvo una duración aproximada de entre 40 y 45 minutos y contó con la participación de los productores Flood y John Parish. Harvey generó los once temas que forman parte de este trabajo. Independientemente de cuales sean sus intenciones geopolíticas, nos encontramos con un disco que nos hace recordar las primeras tres producciones de la oriunda de Dorset. The Hope Six Demolition Project es un trabajo que nació para convertirse en el álbum de rock más emocionante de lo que va de la década, incluso que su antecesor, que fue galardonado con un Mercury Prize en 2011, lo que demuestra su vigencia y su capacidad de innovación, con aportes de gran valía a la industria de la música. -Eduardo Martínez

REVIEWS EVERYTHING YOU’VE COME TO EXPECT The Last Shadow Puppets Domino

7.0 Una de las duplas británicas favoritas del momento es, sin duda alguna, aquella conformada por Miles Kane y Alex Turner, The Last Shadow Puppets. En diciembre de 2015 nos sorprendieron con el sencillo ‘Bad Habits’ y con el anuncio de que después de ocho años del lanzamiento de su álbum debut, The Age Of The Understatement, finalmente se encontraban trabajando en una nueva producción, aprovechando el receso que Turner tomó de Arctic Monkeys. Tras su estreno pudimos concluir que fue un esfuerzo ambicioso y sofisticado, con estructuras sorpresivas pero fluidas, melodías sugerentes, letras sexuales con sentido del humor y sus ya característicos arreglos de cuerdas relucientes, que les dieron personalidad propia desde su primer álbum. Owen Pallett tuvo la misión de dirigir la orquesta que se encargó de interpretar dichos pasajes. Aunque la entrega nunca llega al punto de ser aburrida, hay algunas partes sosas que hacen sentir que despegaron los pies de la Tierra por un momento, aunque después vuelven a aterrizar. Pese a los altibajos, Kane y Turner demostraron que ya no son dos chicos experimentando con el indie rock británico, pues maduraron su sonido y le dieron algunos toques seductores. Todo lo que habíamos esperado de su segundo LP. -Natalia Montes

PUSSY’S DEAD

Autolux 30th Century Records/Columbia

8.0 En la actualidad, hay pocas bandas vigentes que siguen haciendo shoegaze de calidad; una de ellas es Autolux, quien este año ha decidido lanzar su tercer álbum de estudio, titulado Pussy’s Dead. La destreza mostrada en cada una de las canciones es única, ya que podemos identificar las variables que cada uno de los instrumentos otorga, un híbrido perfecto entre oscuridad y estruendo. ‘Selectallcopy’ y ‘Soft Scene’ son increíblemente potentes y enérgicas, con una sobriedad que hace que el inicio sea intenso. ‘Anonymous’ es la más industrial que podemos escuchar, aderezada con la voz de Carla Azar que la hace un tema profundo. Por otra parte, la batería siempre va a ser el mejor acompañamiento en canciones como ‘Listen To The Order’, ‘Junk For Code’ y ‘Brainwasher’. Lo más reciente de la banda californiana es una placa bien trabajada que nos hace recordar aquellos discos legendarios del género, cortesía de agrupaciones igual de épicas como Spiritualized, The Breeders y Sonic Youth. Por si fuera poco, la producción corre a cargo de Boots, quien ha trabajado con Beyoncé y Run The Jewels. Una joya, sin duda. -Eduardo Martínez

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BUFI

HAPPY ROBOT

Por Eduardo Salinas Foto: Akaash Mora

En México, los beats se toman muy en serio, y en los últimos años una base grande de artistas del género electrónico ha llegado para apoderarse de los escenarios. Entre ellos tenemos a Mateo González, Bufi, quien nació con el talento suficiente para crear música apoyado en tornamesas, su computadora y cualquier instrumento que haga volar su ingenio, dando como resultado un sonido que pone a bailar a todo mundo. El productor mexicano es responsable de muchos de los ritmos que prevalecen en nuestro tiempo. Su visión como músico lo ha llevado a posicionarse a la cabeza de festivales de música electrónica, además de compartir escenario con bandas como Zoé y Muse.

Platícame un poco de tu nuevo álbum, ¿en qué consiste el sonido y cuál es su concepto? Mi nuevo álbum, Revelación, llega a cuatro años de que saqué Trilogy, en 2012. En ese lapso pasaron muchas cosas, me fui a vivir a Francia por una año y naturalmente mis gustos cambiaron, hubo una evolución y el nuevo sonido está más inclinado al techno. Hay una influencia de la música electrónica de baile underground y hay influencia de la música que se hace en Alemania o en Francia, con productores como Chloe y Marc Houle. Son muchas cosas por las que pasé en estos años y no puedo decir que haya sido un cambio radical, pues hice remixes en los que se nota la transición, pero del primer álbum a este sí hay una diferencia.

El concepto que está detrás del disco es, justamente, esta “revelación”, una introspección por la que pasé al irme de México en la que me di cuenta de lo buena que es la escena mexicana y lo buena que es la competencia entre artistas aquí, algo que me inspiró mucho. Todo esto me llevó a definir el concepto y el nombre del disco. Sé que has participado en distintos proyectos musicales. ¿Actualmente colaboras en alguna banda o tienes algún proyecto alterno? Como banda, ahorita no estoy en ninguna otra. Participé en Rey Pila al inicio, con The Wookies también en un principio, tenía una banda de pop llamada Neon Walrus, y ahorita proyectos musicales solo tengo los míos. El otro proyecto

importante en el que estoy involucrado es la disquera, por medio de la cual estoy sacando todo mi material. Su nombre es Duro y la comencé con un amigo, ese es el proyecto fuerte en el que estoy concentrado, hemos tenido tres lanzamientos de los cuales dos son míos, uno como Theus Mago y otro como Bufi. Nuestro primer lanzamiento es un artista nuevo (Bruja), se podría decir que lo descubrimos [risas]. Y bueno, este es un proyecto en el que estoy muy concentrado últimamente. A pesar de estar influenciado por gran cantidad de sonidos y de haber participado en los proyectos mencionados, ¿cómo elegiste la música electrónica para desarrollarte como artista?

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“EL CONCEPTO QUE ESTÁ DETRÁS DEL DISCO ES, JUSTAMENTE, ESTA “REVELACIÓN”, UNA INTROSPECCIÓN POR LA QUE PASÉ AL IRME DE MÉXICO EN LA QUE ME DI CUENTA DE LO BUENA QUE ES LA ESCENA MEXICANA Y LO BUENA QUE ES LA COMPETENCIA ENTRE ARTISTAS AQUÍ, ALGO QUE ME INSPIRÓ MUCHO.”

Yo no la elegí, ella me eligió a mí [risas]. La verdad no fue una decisión consciente, porque estuve en proyectos de rock y pop; no es que ande pescando, pero me gusta todo tipo de música y me gusta hacerla, solo me faltaría estar en un trío de jazz pero no tengo la técnica. La música electrónica me ha gustado desde chico, me gustaba mucho The Chemical Brothers cuando tenía como 12 ó 13 años y también el soundtrack de un videojuego llamado Wipeout, que era como drum and bass y breakbeat. La música de videojuegos influenció mi gusto por la electrónica. Desde los 14 empecé a manosear mi computadora y vi qué sonidos podía sacar, entonces fue algo muy natural.

Yo lo veo como parte de una misma cosa, que es hacer música, ser creativo y darle tranquilidad a toda esta inquietud con la que amanezco todos los días, y la música electrónica es una buena opción porque la puedes hacer solo, entonces resulta más práctico en cierto aspecto. ¿Cómo te sientes de haber pisado ya muchos de los escenarios más importantes del país? En general, tocar en un festival siempre es una experiencia padrísima. A mí, en lo personal, siempre me dan muchas ganas de salir y tocar, especialmente en grandes escenarios, es una emoción enorme compartir tu música con tantas personas, me da mucho gusto hacerlo. También me da gusto que la gente vaya a

festivales a ver bandas internacionales, pero creo que debería darse un tiempo para pasar y escuchar música nacional. Dentro de tu carrera como músico, ¿a qué presentaciones les tienes especial cariño? Creo que la primera fue como Bufi, en Corona Capital 2012. Otra con Neon Walrus, en la que me tocó abrirle a Juan Solo, en el Teatro Metropólitan. Una vez, con Rey Pila, nos tocó abrirle a Muse en el Foro Sol, yo creo que nunca había tocado para tantas personas, estaba totalmente lleno. La última fue en Francia, en la ciudad de Burdeos, donde toqué como Theus Mago en un antro que me gustó mucho, Iboat. Creo que esas cuatro han sido mis favoritas.

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De acuerdo a las cartas del tarot, el Arcano XIII —o la carta de la Muerte— significa un cambio de rumbo, destrucción, transformación; la defunción de un ciclo, no necesariamente del ser, aunque eso depende de la interpretación que cada quien le de. Alexandre Berly, mejor conocido como La Mverte, produce música electrónica con bajos bien marcados, una voz oscura y un sonido totalmente fundamentado en sintetizadores al estilo EBM y new wave de los años 80, aunque también tiene influencia de estilos diversos, desde el post punk hasta el disco, y marca sus temas con un sello personal. Este joven francés crece cada vez más en su círculo y ahora está dispuesto a conquistar el otro lado del Atlántico con tres EPs bajo el brazo: Through The Circles, A Game Called Tarot y The Line (Feat. Alejandro Paz).

quiere. No es una estrategia comercial ni un personaje, es realmente lo que él desea hacer." Su talento lo ha llevado a ser parte de la Red Bull Music Academy y ha tocado en Francia y Japón gracias ello. También tuvo apariciones en festivales como Sònar, Nuits Sonores y Rock In Seine. Al estar en RBMA, en Tokio, conoció a Alejandro Paz, con quien hizo su EP The Line. "Lo interesante de mis colaboraciones es que se han dado de manera natural. Así fue con Alejandro, nos conocimos y decidimos trabajar juntos. Lo mismo sucedió con Hugo Capablanca, éramos amigos de mucho tiempo y unimos fuerzas en el estudio para hacer música. Es difícil planear algo, tanto en lo musical como en la amistad, tiene que haber cierta química previa. Podría ser que eventualmente haga alguna colaboración

por ejemplo, sacar un track y sus cinco remixes para comunicar en plataformas de Internet. Tal vez soy un poco idealista en cuanto a la música, pero cuando me siento a observar y pasa eso ya no siento que sea música, solo es un medio de comunicación sistemático. Está bien por la gente que lo hace así, no la juzgo, pero no es lo que yo quiero hacer. Yo no quiero hacer objetos de promoción, solo quiero hacer música. Eso es lo que me gusta de Her Mother’s Ship, mi disquera, es un una familia y estamos dispuestos a hacer lo nuestro sin seguir las tendencias de la industria." Esto lleva a la pregunta de cuál es el estatus actual del que será su álbum debut, en el cual trabaja desde el año pasado a la par que construye su set en vivo para tener algo más que ofrecer además de sus presentaciones como DJ.

LA MVERTE A GAME CALLED TAROT

Por Natalia Montes Foto: Ricardo Velmor + Primitivo Studio

Alexandre es un ávido seguidor del ocultismo, o al menos eso nos da a entender con su estética y con sus contenidos audiovisuales.

comisionada, pero no es lo que más deseo, no es falta de motivación o intención profesional, pero prefiero no forzar las cosas."

"Obviamente no soy un hechicero, pero el tema ha sido reminiscente. Desde niño me he sentido cómodo con esta estética, siempre he estado rodeado de ella, tal vez sea por el tipo de música que escuchaba o por el tipo de cosas que leía. Realmente no sé qué fue lo que me atrajo, pero siempre me han interesado las diferentes maneras de entender las cosas y el simbolismo. Creo en la magia y me siento cómodo con esas imágenes, aunque es muy complicado explicar por qué la oscuridad me alimenta o por qué yo la alimento a ella, simplemente la siento como terciopelo.

Cuando las frecuencias bajas predominan en la música electrónica es el primer indicio de que probablemente nos espere algo interesante. Si a esos sonidos ejecutados en el extremo izquierdo del teclado les agregas una melodía repetitiva, adornos de otros sonidos interesantes y un ritmo contagioso, obtienes el soundtrack perfecto para poner a tu público en un estado de trance. Esta es la fórmula que ocupa La Mverte, saliendo de lo genérico y yendo en contra de los estándares de la industria musical.

"El hecho de implementar estética y temáticas oscuras no es algo planeado o prefabricado, simplemente sucede, así como su música, pues la hace de la manera en que él quiere y cuando

"Hay que apegarse a la autenticidad. Yo estoy totalmente en contra de lanzar material por el simple hecho de publicar algo, porque hay gente que solamente lanza cosas con el fin de promoverse y conseguir shows, pero yo no me identifico con ese comportamiento mecánico, prefiero hacer un trabajo de calidad en vez de,

"Después de lanzar el EP A Game Called Tarot me enfoqué en actualizar mi set en vivo, sobre todo entre septiembre y noviembre, y de cierta manera me frustré porque, aunque estuve trabajando en mi música, realmente no hice nada nuevo. Acabo de armar un nuevo estudio y de enero a la fecha he escrito ideas y he juntado todo, influencias, conceptos, loops, líneas de bajo, ambientes, en busca de nuevas texturas y formas de hacer sonidos. Mi objetivo es que en cuanto vuelva a Francia comience a trabajar en mi LP de manera más seria, para tener algo concreto antes de que termine el año." En los planes a futuro de La Mverte está el volver a la Ciudad de México —la cual considera un paraíso—, pero esta vez con un set en vivo, mismo que realiza por sí solo y no pudo traer pues consta de múltiples instrumentos (sintetizadores, bajo, pedales, toms, y de más elementos complicados de transportar). Probablemente con su regreso traiga algo del material nuevo del que habla y así podremos hundirnos aún más en las profundidades de sus oscuros sonidos análogos.

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PANORAMAS PG. 092

LEÓN LARRÉGUI PG. 094

PANORAMAS A DOCUMENTARY ABOUT ZOÉ

By Diovanny Garfias | Translation: Raúl Arce

Some people say that we all have a story to tell, that deep inside we have an urge to yell out our truth to the world, to describe an image, a small memory, to evoke the places where we live, the feelings we get and the emotions that fill us, at least, for an instant. One of those stories is called Panoramas (2016), a documentary conceived by Rodrigo Guardiola and Gabriel Cruz Rivas with an ambitious premise: tell a tale called Zoé, with the responsibility it implies. “We came from the end of the cycle of the ‘Unpluged’, around 2011, and after that, we thought it was interesting to document a Zoe’s Tour that wasn’t necessarily linked to that subject”, Rodrigo recalls. “We started from scratch and it was a peculiar year, because during 2012 the band took a break anad that’s

when León made his first solo record, so we were recording in Paris a little bit of what he did there. On that period, Zoé had the chance of going on tour to Spain, Central and South America, so we took the chance to make the film. It was the first time that we had that kind of opportunity, of going on tour and visit 14-15 countries; we wanted to capture that experience, the excitement.”

have to start all over again. That’s kind of an obsession of the band, to take their music wherever they can. We wanted to tell about that in the less literal way possible. The documentary is based on interviews and we thought that the best way to do it was not with words, but music, and that maybe for a band, it was better to talk about itself with gestures and actions”.

On his side, Gabriel had a past with the band. The 281107 (2008) y 81114 (2015) were essential for him to get involved in this new venture: “We wanted to speak from the inside of the band, about how is to be in a band, trying constantly that your music works well. It’s quite funny, because when you think that you’re successful in one place, you can achieve it everywhere, and it’s not like that, in some places you

If telling a story that creates empathy with the audience wasn’t hard enough, Zoé created a score specifically made for the movie, for Guardiola, that’s one of the most important parts of the project: “It’s the first time that Zoé makes an Original Soundtrack for a movie. While we were growing up, we became fans of the Sci-Fi and Western movie scores, and it led us to work into a hybrid with all those influences. Zoé, for the first

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time, put a distance from making songs for an album, and we believe that it turned out to be one of our most honest and transparent expressions, we’re very pleased. In the end, the score was finished before the movie, and it really helped us the fact that it was the essence of the mod we wanted to communicate with the documentary”. If we talk about stepping out of the comfort zones and facing new challenges, definitely wasn’t easy for Gabriel, because the band members are more than his friends, they’re family. Where do you start and stop filming? I ask.”Actually, you don’t think that way. Sometimes, when you’re shooting and making emotional stuff, you don’t get to think if it’s going to work or not, you just feel lucky to be recording that, and you realize that, to get to that specific point, you had to get through a lot of things. It was hard at the beginning, the presence of the camera is difficult and invasive, but after a little while, the band stopped feeling that way, and it allowed us to shoot many hours of material and a lot of intimate moments. After that, we evaluated the material so we can tell a story that was fun to watch, but at the same time, that could talk about these human beings. We did not keep

anything to ourselves, believe me, there was no self-censorship, we are just showing the band’s reality in the most honest way we can”. One of those intimate moments that were captured in the film was the recording process of Programaton (2013), when side by side with their long-time producer, Phil Vinall, they made one of their most successful albums, for Rodrigo, there is a reason why they decided to open up an almost secret moment: “The best thing we want to communicate to the people is that Phil is kind of a ghost member of the band, but at the same time, he is essential; he grew up with Zoé since 2000, from the first record and the movie show the way we get along with him. I think that is one of the best surprises for the people, to see the creative space of Zoé, a recording studio that is not as serious as you may imagine, is not about recording things meticulously, it’s about experimenting, playing, about trying anything, and the character that represent that creative force is Phil.” Panoramas will be released by the end of the year, however, is a good moment to evaluate if it’s makers are pleased with the result. For Gabriel, the things are quite clear “It was hard to achieve the movie we have today. You have to understand

that is our first movie, no one is born knowing how to make movies or documentary films, then we realized that our first cut lasted for ages, and even though we loved it, we had to make it work as a movie and all of that is based on clear narrative structures, when something gets you, it just gets you. It had to be entertaining, able to take you as a viewer, to communicate emotions, to be reflexive… all of the rules that movies must respect, not only documentaries. I believe we made it, and that makes me feel very proud, obviously many things are left out, like on any movie”. Coincidentally, Zoé is celebrating its 20th anniversary in 2017, so this movie is the perfect excuse to begin with the party, for the drummer of the band, is about the beginning of a new chapter: “We’re very excited of closing an important cycle, maybe the movie is able to get the beginning of a new stage for us; maybe a more mature and different one. The industry has changed a lot and I think this movie is going to help us closing this cycle; to introduce to the people the current universe within the band and to move up to a new stage that we don’t even know. There are going to be a lot of experiments that hopefully take us to a new point, and I think that, as a band, that’s the thing that we’d like to do”.

LEÓN LARREGUI WHOLE AND FREE

By Diovanny Garfias | Translation: Raúl Arce

“AT FIRST I WAS WORRIED ABOUT BASIC THINGS, LIKE MY JOB, BECAUSE MY GIRLFRIEND IS NOT FROM HERE, SHE LIVES IN NEW YORK, BUT ZOÉ DOESN’T ALLOW ME TO GO AND LIVE THERE; ON THE OTHER HAND, YOU START TO THINK ABOUT YOURSELF, SOMEBODY TOLD ME ONCE THAT BEING A FATHER MAKES YOU A BETTER PERSON, AND IT’S TRUE!, THE WAY YOU THINK CHANGES AND YOU START TO FOCUS IN DOING THINGS RIGHT, BECAUSE YOU DON’T WANT TO BE A BAD PARENT”. IT’S NOT THE FIRST TIME I TALK TO LEÓN, WE HAVE HAD CONVERSATIONS AT DIFFERENT POINTS OF HIS CAREER (AND PERSONAL LIFE), TODAY, HOWEVER, THINGS ARE DIFFERENT, WHEN HE SPEAKS OF HIS PARENTHOOD, HIS EYES CHANGE RADICALLY AND, IN GENERAL HE RADIATES CALM AND A LOT OF HAPPINESS.

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The musician celebrates two high-impact events in his evolution, first, sharing his existence with his son Lucian, and second, the release of Voluma (2016), his new solo record. In this relaxed conversation, he told me about the way this record was affected and nurtured by his current life: “It’s also reflected on the new songs so it becomes an enrichening process as a songwriter because it makes you realize that the love from a father is pure, real and totally different from any kind of attachment that you might have with somebody else”.

console things were very clear, referring to the process who lived next to Leon: “It was a beautiful moment in Paris ... (the album) is very different from before. It was a great production work, we got a lot of energy, “and it is precisely this energy aura which makes Larregui a full, eclectic musician who can change the motives of inspiration, without losing an iota of personality, culminating each projects with glorious performances to the public, the final destination of their work; so, Voluma becomes the summit of the composer.

We are at Panoram Studios, and the musician takes some of his free time to talk to the press and tell the story behind this second album. In spite of having released 5 albums and almost 20 years of career with Zoé, the songwriter is always on pursuit of new ways to release the creative beast that lives inside him. One of them is writing and create the sound under his own rules and terms, the first of these experiments was called Solstis (2012).

Gabriel Cruz Rivas, co-director of Panoramas (2016) and responsible for the design of the visual part and production of the scene of Solstis Tour, and the new album, has worked closely with the composer and is aware of it: “to my León apart from all his frontman role and the fact that he writes songs that are great to me, has a very creative side, very strong. He constantly has the need to carry out their ideas to the bitter end and that is something completely admirable. It is always amazing when we work together and we finished a project because always opens new doors”.

On that time, he shared the lab with Adanowsky, whose album Amador (2010) became a sound reference for León and the rest is history; soon after, the both found themselves recording in Paris, France, working with Rob Coudert (Sebastien Tellier, Phoenix). The result, in words of its creator, was a “flexible concept album, romantic at times”, to the audience it meant a discovery of a different face of Zoé’s lead singer. Today, the reasons behind Voluma are different: “At first, it was about making a new Zoé album, but I realised that it made more sense to wait until 2017m because we’re celebrating 20 years together, so we could even go on tour. Besides, by the end of last year, my girl and I went to a pregnancy process, and that was when I saw that some personal songs started to emerge and I couldn’t think of them inside of a record of my band”, I ask him if he finds similarities between his two studio albums, which quickly responds: “The disc does not seem at all to Solstis because the material tells the story of a love that ended in a painful breakup, while this tells another story, is more reflective. I could also experiment with new genres such as bolero and bossa nova, which are sounds that I like but can’t link with Zoé; and although I resorted to the same team, we all agreed not to repeat the formula of the previous record. “ On another occasion, Adan Jodorowsky himself, confessed to us that since the recording

It is precisely the visual part that completes the work of Leon, always seeking to portray the spiritual side, or tell stories that were born in his head and dying from coming to light. Larregui, has a past related to the visual arts which has been key to expanding the sensory firmament of his musical projects, either solo or with his band. In both cases it has had Rodrigo Guardiola as an accomplice, who comments on this cufflink: “I think people just can’t imagine how fun it is to work among us, because everything is ideas, bounce them, have fun, understand and communicate. I appreciate the universe that León have created for Zoe and really understand what he is trying to communicate, I think he is doing a very fun job, seizing opportunities today.” Recently was released the video for ‘Loco’, the spearhead of Voluma, the clip has the direction of Larregui and away from the narrative and aesthetic that which we are accustomed, of course, not without leaving the door open for a sequel, although the director is very simple to define the concept behind this piece: “the clip is based on a movie called the Phantom of the Paradise (1974), which is a different version of Ghost The opera. There will be no sequel despite appearances, but I like to leave to the imagination. “

It seems that the road is painted to develop in the future for Leon to shoot his debut film, however, although the idea is around his head, it is too early to talk about it. By the time he collaborated with Love La Femme behind the camera of their video ‘Hoy Me Desperté’ to Marion Sosa, the singer of the project, it is an exercise that must be repeated: “It was a fun experience because there is friendship, found empathy with the song and it went well. We loved the idea since she told us about it and we had all the freedom and confidence to make an ad hoc work for the subject. He chose it ; there was always a connection and we were pleased with what he did.” Leon is about to go on a promotional tour to present his new album as many places as possible, a new opportunity to experiment creatively: “We will continue with the line of playing in theaters to make it a more intimate show, but now we have the opportunity to make a bigger show because we have more songs. There will also be a support act to give chance to new talents “and although his live experience is in the two digits, I ask if there is something that he remembers throughout this adventure of 20-year career with Zoé. The musician takes a moment to answer and he is determined in his resolution: “I’ll take what happens on stage. The first Metropólitan because it was a moment that we share with our family and friends. Whenever we came into a venue for the first time it becomes a key time to grow. Our first Vive Latino, our first National Auditorium, the first Palace of Sports and clearly our first date at Foro Sol were great events we all remember with respect. “ Leon has always proven to be interested in the political and social situation of Mexico: he expressed support for Lopez Obrador in the presidential race in 2012 (with an easter egg included in his track ‘Resistolux’) and shared political messages regarding the 43 missing students in Ayotzinapa, the time is running out, but I do not want to go without asking about his particular vision of the moment we’re living in our country: “the arrival of this famous political party has only brought bad things. Apparently this is the party of corruption and outright looting. Mexico is a very rich country that could be powerful, but it is impressive the fact that people are still abused, that there is inequality and the things just not get fixed. I see a very sad picture in every single way.”

EDITOR'S CHOICE

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Por Jorge Alberto Montes Ptacnik

INICIATIVA TRES DE TRES Busca reconstruir la confianza ciudadana a través del compromiso y la transformación de la clase política en nuestro país, con funcionarios y políticos que antepongan los intereses de México a los suyos. La intención es que todos los candidatos a un puesto de elección popular presenten las siguientes declaraciones, haciéndolas públicas:

1- PATRIMONIAL Evidencia el estado, evolución y valor estimado de los bienes que posee el declarante durante el desempeño de su cargo.

2- DE INTERESES Certifica actividades o relaciones que podrían interferir con el ejercicio de las funciones o la toma de decisiones de un funcionario.

3- FISCAL Comprobante de que el declarante ha cumplido con su obligación de pago de impuestos.

CANDIDATOS INDEPENDIENTES En México se está dando un nuevo fenómeno político: las candidaturas independientes, resultado del hartazgo de la ciudadanía ante la ineficacia y corrupción de la clase política, que ofrece a los electores la posibilidad de elegir a algún candidato ajeno al sistema. Como concepto, es una buena alternativa, sin embargo, gran parte de dichos candidatos son impulsados en realidad por algún partido con el fin de hacer contrapeso ante sus adversarios y así mejorar sus propias aspiraciones. Un buen debut de la iniciativa Tres de Tres en el panorama político nacional sería que todos los candidatos independientes la acataran, pues nuestro país viviría una refrescante señal de democracia.

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