WARP Magazine #82 by WARP MAGAZINE

WARP MAGAZINE PUBLISHER ALEJANDRO FRANCO FERNÁNDEZ @ALEJANDROFRANCO DIRECTOR EDITORIAL DIOVANNY GARFIAS @ANDROGYN DIRECCIÓN DE ARTE Y DISEÑO OSCAR SÁMANO @OSCARSAMANO EDITOR DE FOTOGRAFÍA SERGIO GÁLVEZ COORDINACIÓN EDITORIAL ALONSO VALENCIA EDITOR WEB EDUARDO SALINAS COMMUNITY MANAGER MARIANA MEDINA ASISTENTE EDITORIAL SARA ARAUJO ASISTENTE WEB FÁTIMA ALBARRÁN ASISTENTE DE DIRECCIÓN DIANA MANJARREZ CORRECCIÓN DE ESTILO KARINA LUVIÁN TRADUCCIÓN RAÚL ARCE COLABORADORES ALEJANDRO ALTAMIRANO, AURA GARCÍA DE LA CRUZ, CAROLINA QUINTANA, EDUARDO MARTÍNEZ, ENRIQUE ORTEGA, HAROLD RENTERÍA, IVÁN LECHUGA, JAVIER CUELLAR, JESÚS QUINTERO, LEONEL HERNÁNDEZ, LUCERO HERNÁNDEZ, MAJO THIELVE, MANUEL BACA, MAURICIO IBAÑEZ, MICHELLE APPLE, NATALIA ESTEVE, NATALIA MONTES, VICTOR GARCÍA COMERCIAL DIRECTOR COMERCIAL MAURICIO CAMPUZANO MAURICIO@WARP.COM.MX PUBLICIDAD CELIA FERNÁNDEZ FERNANDEZ@WARP.COM.MX COORDINACIÓN COMERCIAL JAZZMIN CHAVARRIA WARP@WARP.COM.MX

© WARP Marca Registrada ®. Año IX No.82 Fecha de Publicación Agosto de 2016. Revista Mensual editada y publicada por WARP Magazine S.A. de C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en Compañía Impresora El Universal; Allende 176, Colonia Guerrero, Delegación Cuauhtemoc, México DF, CP 06300, Tel: 51 17 01 90 / Distribución Nacional e Internacional de INTERMEX. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

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DUA LIPA Por Mauricio Ibáñez Foto: Nicole Nodland

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La joven británica de tan sólo 21 años, Dua Lipa, se ha colocado a la cabeza en las listas de popularidad de diversos puntos del planeta. La cantante, que inició como anfitriona en un club nocturno y cuya experiencia la inspiró para escribir canciones, ahora se puede jactar de tener algunos de los temas más populares en España, Alemania, Suiza,

Bélgica, Holanda, Portugal, entre otras naciones del viejo continente. Dua, quien bautizó su singular estilo musical con el nombre de dark pop, caracteriza su historial creativo por la sutil combinación de ritmos pegajosos y electrizantes, con ganchos melódicos, percusiones virulentas y una voz verdaderamente seductora, incluso para

aquellos que no son fieles seguidores del pop en general. Hoy en día Lipa colabora con los mismos productores de Lana del Rey, y temas como ‘Be The One’ le han valido el mote de the next best thing dentro de la esfera del pop británico. Su álbum debut, homónimo, verá la luz en 2017 y ya es uno de los más esperados.

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Después de giras por todo el mundo, colaboraciones con diferentes artistas, homenajes a escritores, participaciones en bandas sonoras y muchos otros trabajos, musicales y personales, ¿cómo vives este renovado espectáculo que lleva por nombre El origen? «Después de grabar el DVD Ciclos, al platicar con Nicolás Santella, nos emocionaba la idea de volver a ciertas canciones que se fueron olvidando durante la gira eléctrica, porque de repente ésta tiende a marginar parte de tu repertorio para atender ciertos gustos de la audiencia, o porque sientes que los conciertos electrónicos tienen determinada energía. En ese espíritu por redondear el trabajo de celebración de más de 20 años, quise hacer este show a piano y voz, y después de un trabajo de cinco meses el resultado me ha permitido explorar bastante como cantante, además de satisfacer una necesidad personal de silencio en el escenario.» - Hay canciones en este espectáculo que son de otros autores e incluso de géneros diferentes a los que regularmente interpretas. ¿Cómo surgió la

idea de incluir huapangos, por ejemplo, en este repertorio musical? «Este álbum doble, El Origen, celebra la totalidad de 20 años de carrera. Incluí temas de tradición mexicana que han existido en diferentes momentos de mi vida como intérprete, son canciones que me encantan y que quedaban muy bien a piano y voz. Uno de los huapangos incluidos es ‘El preso número 9’, que fue un tema que me invitaron a cantar en la inauguración del Centro Cultural Roberto Cantoral, en 2012, y terminó siendo una marcha fúnebre que me encanta y que no podía faltar en esta celebración.» - ¿Podrías hablarnos de tu participación en el homenaje Voces de mujer en la obra de Saramago, en Bellas Artes? ¿Cómo fue tu experiencia? «Es un hermoso recuerdo el momento en el que Pilar del Río me invitó. Fue maravilloso, porque te sientes incluida en algo significativo, así que tienes que comportarte a la altura, sentirte orgullosa de tu trabajo y comprometida por la delica-

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EL ORIGEN, 20 AÑOS DE CARRERA Por Lucero Hernández | Foto: Paula Balbi

deza y sutileza de los textos. A mí me pidieron que cantara algo, porque era una lectura que hacíamos diferentes mujeres. Me pidieron ‘Júrame’, a capela, y ‘Mi condición’, que es un tema del álbum Hombre Invisible; fue fascinante, honestamente, de las cosas que uno quisiera repetir creativamente hablando, una escenografía maravillosa de madera, donde estar, donde refugiarse y donde coincidir.» - ¿Qué sigue para ti musicalmente? ¿Cuándo escucharemos la continuación de Hombre invisible? «Te comparto que estoy en un proceso muy creativo, haciendo

música muy diferente para mí, desde otra perspectiva, desde otra salud mental y emocional. No porque antes estuviera enferma, sino que vas madurando y sintiendo otras cosas, aprecias la vida de otra manera, con otras inquietudes. Mi música está madurando, y tiene otra forma y otro color, continúas en el camino sin saber qué pasará. No sé exactamente cuándo va a salir, pero no hay prisa, soy un músico creativo, en libertad, algo por lo que he luchado durante toda mi carrera. Nada más valioso para mí que la libertad creativa, así que cuando esté listo se los mostraré.»

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PROFILE

EXPLODED VIEW Por Javier Cuellar Integrantes: Anika Henderson, Martin Thulin, Hugo Quezada y Amon Melgarejo | Lugar de origen: Reino Unido, Suecia y México | Año de formación: 2014 Influenciados por: Portishead, Throbbing Gristle, Massive Attack, Bent | Links: facebook.com/explodedviewband

Anika Henderson es conocida por entregarnos uno de los EPs más interesantes de la década, la placa titulada simplemente Anika, que vio la luz en 2013 y que cuenta con la participación de Geoff Barrow (Portishead) en la producción. Su propuesta electrónica, minimal y post punk no sólo fue reconocida por la crítica, también la llevó a presentarse en diversos puntos del globo, misión que requirió poner a una banda sobre el

escenario. Fue esa situación la que la trajo a la Ciudad de México, en donde conoció al músico y productor sueco Martin Thulin (Los Fancy Free), al también productor Hugo Quezada (Robota) y a Amon Melgarejo (Nos Llamamos), ambos mexicanos, surgiendo la magia inmediatamente. El poner sobre la mesa aquellas ideas que retumban en la mente puede no ser un acto sencillo, sin embargo, la química entre los cuatro fue algo

que traspasó los umbrales musicales y los urgió a crear un nuevo ente sonoro: Exploded View. El proyecto multicultural presenta su álbum debut, Orlando, en donde el noise británico, el krautrock alemán y las emocionales interpretaciones de Anika nos entregan una propuesta de vanguardia, sólida y, al parecer, con mucho que ofrecer en el futuro inmediato, un obligado a escuchar en lo que resta de 2016.

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The importance of being earnest Producción General: Sussán Violante y Elisabeth Violante Arte: Sussán Violante y Elisabeth Violante Fotografia: Erick Marfil Dirección de Fotografia: Sussán Violante Edición de Fotografia: Sussán Violante y Salinas Emmanuel MUA: Anastasio Dzul Styling: Sussán Violante y Elisabeth Violante Modelos: Alexa, Anna y Alejandro

Short SKVM Violante Body vino Intimissimi Mallas Top Shop Zapatos terceopelo Jeffrey Capbell

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Ã&#x2030;l: Sweter Lurex SKVM Violante Camisa Negra SKVM Violante Pantalon Black Denim Encerado SKVM Violante Calcetines Top Shop Tenis ZARA Brazalete El Borne

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RÓISÍN MURPHY TEN MILES HIGH

Por Raúl Arce | Foto: Nicole Nodland

La vida no siempre es la misma, a medida que pasa el tiempo tenemos que adoptar nuevos roles y, no, aunque lo deseemos con todas nuestras fuerzas no seremos estudiantes por siempre, MTV no transmitirá la música que nos gusta, las estaciones de radio a las que nos aferramos cerrarán —¡vamos!, el mismo radio muere un poco cada día— y nuestros amigos se van a casar, tendrán hijos y serán adultos responsables; quién sabe, a lo mejor a nosotros también nos pasa, pero existe la posibilidad de que, si jugamos bien nuestras cartas, podamos conservar el cool y permanecer vigentes. Prueba de ello es Róisín Murphy, quien apenas el año pasado, a sus gloriosos 43, fue nominada con Hairless Toys (2015) al Mercury Music Prize que, a diferencia de otros reconocimientos, no premia la popularidad o las ventas, sino el potencial de reflejar el momento musical y cultural de Reino Unido. Sí, quizá ahora ya no sea la cantante veinteañera de Moloko que conocimos en los 90, sin embargo, se convirtió en una sofisticada solista y madre de familia que lo mismo puede pasar un día en el parque con sus dos hijos, que en la semana de la moda de Milán, luciendo prendas de Vivienne Westwood o, por qué no, grabando dos álbumes excelentes en un par de años; Róisín Murphy es el modelo a seguir para quienes pretendemos adoptar el tiempo con gracia.

«Vaya que sí, creativamente hablando ha sido muy emocionante. Creo que todo empezó con Mi senti, un proyecto en italiano que lancé hace casi tres años. Ha sido un periodo de tiempo muy prolífico, emocionante y complicado». - ¿Cómo haces para que funcione todo? ¿Sigues alguna especie de proceso o éste cambia cada vez? «Siento que mucha gente habla de lo diferentes que son mis discos entre sí, pero en realidad es muy similar la manera en que los hago. Lo primero es decidir con quién voy a trabajar, una vez establecido esto podemos empezar. Para Hairless Toys y Take Her Up To Monto trabajé con Eddie Stevens, a quien conozco desde hace 20 años. «He sido una performer desde hace mucho tiempo, y lo puedes ver en cada disco, esa es la parte más grande de la personalidad del álbum. La música es muy visual, intensa y llena de significado, es el sonido de dos mentes que se unen. «En casi todos los discos que he hecho estoy con otra persona. Este álbum fue así y con Moloko pasó lo mismo. En Overpowered fue diferente, porque trabajé con mucha gente pero, fuera de eso, los otros discos han sido hechos de manera muy similar. Supongo que se resume a “ese sujeto es bueno, haré un disco con él”. Siempre hay mucha experimentación en el camino, y poco a poco empezamos a aterrizar todo. Esa ha sido la evolución natural en la que trabajo en el estudio.

En una etapa sumamente productiva, Mrs. Murphy ha lanzado dos álbumes. Take Her Up To Monto (2016) es el título del más reciente y con la excusa de hacer prensa WARP Magazine tuvo una larga conversación con la irlandesa, quien sin reserva nos contó de la importancia de la estética en su trabajo, de la relación creativa con sus productores —Mark Brydon incluido— y de las razones por las que no ha venido a México.

«El chico de Moloko era mi novio, y su estudio, en el que tocamos por primera vez juntos, la misma noche que nos conocimos, también era su casa, así que tuvimos un proceso de experimentación más natural tanto en la relación como en la música. Todo mi trabajo ha girado alrededor de la experimentación, sinceramente no sé cómo no hacerlo.»

- Hairless Toys fue lanzado apenas el año pasado y ya tienes otro álbum en puerta. Al parecer has estado bastante ocupada…

- Cuando experimentas tanto en tu trabajo, ¿cómo sabes si algo funciona, cuándo dejar o quitar algo, cuándo parar de hacer cambios?

«Creo que eso es lo que separa a los niños de los hombres. He conocido a gente con grandes ideas, con momentos brillantes, pero que no pueden concretar nada. «Es curioso que me preguntes, porque es un tema que he discutido de manera constante últimamente. Por un lado tienes a los que terminan las cosas rápido y por el otro a aquellos que siempre están regresando a revisar mil cosas y son muy lentos. Yo he trabajado con ambos tipos de productores. Los que quieren hacer todo veloz para conservar la energía me parecen complicados, no sé llevarme bien con esa gente porque a veces son medio fascistas al respecto, les preocupan cosas como que la gente sea puntual, generar rápido los arreglos o incluso las letras, pero eso toma tiempo y a veces tienes que regresar y cambiar un par de cosas. Yo soy de mente muy abierta, sí es cierto que en ocasiones las cosas salen rápido y bien, pero a veces no. Hay muchas personas que siempre están atrás diciendo: “¡No pienses demasiado, si te esfuerzas más de la cuenta va a salir mal!”, y eso no es verdad. La música siempre es diferente.» - La parte visual siempre ha sido muy importante para ti, de hecho dirigiste algunos videos para los sencillos de este disco y el anterior. ¿Por qué? «Es fascinante tener control total sobre los visuales, para mí es una extensión de la expresión artística, es mi subconsciente. Creo que si ya estás escuchando lo que hago, podría parecerte interesante la expresión visual de lo que pienso. Para estos dos discos los visuales eran importantes para mí porque prácticamente vengo de un anonimato de siete años, y quería compartir ciertos aspectos de mi personalidad.» - Imagino que te vas de gira promocional pronto… «Sí, tenemos varios festivales en puerta y algunas presentaciones.» - ¿Alguna oportunidad de venir a México? «Es algo que he querido hacer y te aseguro que estamos trabajando en ello.»

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LUST IN THE MOVIES

JIM JARMUSCH POETRY IN FILM Por Alonso Valencia

El mundo del séptimo arte se ha convertido en un campo gigantesco donde, con el paso de los años, han existido y coexistido todo tipo de cintas y realizadores. Uno de los más peculiares, que se ha establecido por su estética única, su narrativa basada en la poesía y el minimalismo, y una idea general en la que el tiempo pasa muy despacio en los universos que crea, es Jim Jarmusch. Destacado por películas de cierto corte experimental y una selección de los mejores actores, cuyas personalidades se compaginan con la suya, Jarmusch trabaja actualmente en un largometraje documental sobre The Stooges, guiado por su fascinación por el movimiento punk que definió a toda una generación. Durante su más reciente visita a la Ciudad de México, Jim Jarmusch caminó con nosotros por la colonia Cuauhtémoc y, de paso, habló tanto de Gimme Danger como de Paterson, otro de sus más recientes filmes, protagonizado por Adam Driver. - La poesía es una parte esencial de tus filmes. ¿Por qué se ha convertido en un aspecto que simplemente debe estar ahí? «Yo crecí en Akron, Ohio, una ciudad un poco industrial, post-industrial. Logré escapar de ahí cuando aún era un adolescente y terminé en Nueva York, y en parte, los poetas me llamaron mucho la atención. Aún creo que los poetas son elementos muy importantes, porque no existe uno que lo haga por dinero, hay que tener esto muy claro. Ellos no buscan tener grandes cantidades de dinero, sólo creen en la forma y se enamoran de ella. Lo que más me gusta de la poesía es esa reducción del lenguaje, su abstracción, la posibilidad de decir algo con un uso mínimo de palabras, incluso hacer que parezca algo sin sentido y que al final lo tenga de una forma diversa, a veces musical. «La poesía, como adolescente, me abrió muchas puertas. Cuando aún vivía en Akron descubrí a Baudelaire y Rimbaud, y consecuentemente a otros poetas americanos, como Whitman. Más tarde conocí a los poetas de la generación beat

y así me seguí con más y más. Después descubrí a los poetas de la Escuela de Nueva York. Ellos siempre han sido un ejemplo a seguir para mí, son exponentes de lo que significa creer en la belleza de la morfología poética. «Eso fungió como una guía para mí, y durante mi estancia en Nueva York tuve la oportunidad de estudiar con grandes poetas como Kenneth Koch y David Shapiro, de la Escuela de Nueva York. Todo ese aprendizaje aún es muy importante para mí, y sí he usado referencias de poesía a menudo en mis películas.» - Decidiste trabajar en un documental de The Stooges. ¿Cómo fue la concepción del proyecto hasta su realización, que aún desarrollas? «Bueno, más que un documental yo lo veo como un ensayo, incluso no estoy seguro de lo que es un documental con precisión. Esto es más como un ensayo, honrando a The Stooges, uno que da seguimiento a su historia de forma poco tradicional. Es muy gracioso y a la vez rudo. Es muy parecido a su música, y no es una de esas introspecciones en las que buscamos mostrar el lado oscuro, como cuando Jim Osterberg estuvo internado en un psiquiátrico, en 1974. De hecho, esa parte ni siquiera se menciona. Lo que es un hecho es que contiene mucho sexo, drogas, adicciones y la caída de la banda; claro que contiene partes de su historia no tan agradables, pero se enfoca en celebrar lo que fue The Stooges. Para mí, es una de las bandas de rock más grandes que han existido, soy fan, además crecí en el medio oeste, con bandas como The MC5, de Detroit; The Stooges, ciertamente, y Velvet Underground, de Nueva York. Cuando era chico, esto era lo que escuchaba, nunca me interesó tanto la onda californiana.» - Por otro lado, también tienes Paterson, que se estrena a final de año… «Sí. Escribí un tratado muy parecido a lo que es la cinta, aunque lo he modificado un poco. Se trata de un documento que escribí hace 20 años, sobre un chofer de autobús en Paterson que resulta ser un poeta y una gran persona,

aunque en realidad nadie lo sabe. Por varios años cargué con esta idea; por si no lo sabían, Paterson es una pequeña ciudad completamente olvidada a las afueras de Nueva York, como a 30 millas. De hecho, el poeta William Carlos Williams es proveniente de Paterson, Allen Ginsberg creció allí también, pero ahora la ciudad no es popular, creo que lo único que se sabe de ella es gracias a la canción de Fetty Wap, ‘Trap Queen’. Él es proveniente de Paterson y creo que, por ahora, es el artista contemporáneo más conocido de esa ciudad.» - ¿Por qué tardaste 20 años en realizar esta película? «No sé, me distraigo fácilmente y no tengo un plan real en mi día a día, mi plan favorito es no tener un plan. Un día ideal, para mí, es despertar y no tener pendientes, o no tener idea de cómo se desarrollarán las cosas que debo hacer, ser libre, no tener planes. Justamente en esos días es cuando hago la mayor parte de mi trabajo, no sé por qué, y tampoco sé en realidad por qué regresé a este proyecto, lo tenía en un cuaderno y de repente comencé a darle forma de guión. De hecho, antes de todo esto hice Only Lovers Left Alive, y después continué trabajando en el guión hasta hacer la cinta. Era una idea que me agradaba mucho y al final logré retomarla en el momento idóneo.» - Regresando a Gimme Danger, ¿de dónde surgió la realización del documental y cuáles fueron las complicaciones que tuviste al no tener un guión? «La cosa con el punk es… que me formó. En la década de los 70 la idea principal era: “No tienes que ser un profesional para poder expresarte a través de la música. No tienes que hacer rock & roll comercial, sólo crea a partir de lo que sientes, de tus creencias, y manda a todo el mundo al carajo. Si al resto no le gusta, ¿qué más te da? No lo hacemos para ser famosos o tener mucho dinero”. Como cinematógrafo, eso me inspiró sobremanera, porque, la verdad, aún creo en eso, creo fielmente en los amateurs. Soy un cineasta amateur, no me considero profesional. Para mí, la palabra amateur es “amar algo”. Yo, por ejemplo, amo el cine y amo su forma.

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«Ahora bien, ¿quién sería alguien profesional? Una persona que obtiene ganancias haciendo algo. Esto lo aprendí del periodo punk, cuando sabía que quería convertirme en un cineasta amateur, hacer películas porque las amo, no por ser famoso y tener mucho dinero. Lo mismo ha pasado con la música. Todo esto es muy importante para mí.

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«Aunque mis cintas tienen ese tono furioso, no es lo que busco expresar, se trata más del contenido, del espíritu punk rock que me formó, de un método DIY, con gente que cree lo mismo. Para mí, la experiencia o nivel profesional no es tan importante como la pasión o las creencias que tienes por algo. Creo que eso es algo esencial para futuros cineastas, músicos, para todos. No tiene nada de malo vender discos y sacar grandes cantidades de dinero por ello, pero si esa es tu intención desde el inicio, muy probablemente no me interesará tu música, así soy, y no quiere decir que tu trabajo sea malo, simplemente que para mí no tiene ningún significado especial. «Lo que hice en realidad fue entrevistar solamente a los miembros de la banda, las hermanas Asheton y su manager, Danny Fields. No entrevisté a sus productores, como David Bowie o John Cale. Tampoco entrevisté a sus fans o músicos que fueron influenciados por ellos. Nada de eso, sólo busqué a la familia y a personas cercanas. Edité todas esas entrevistas a manera de guía, fungiendo como acompañamiento para la narración de la historia de The Stooges, con Iggy Pop-James OsterbergIggy Pop como hilo conductor. Después, ilustramos la historia ya editada con cosas muy alocadas, todo lo que encontramos de la banda. Encontramos material inédito, cosas que nadie ha visto,

lo cual fue complicado, porque tampoco hay mucho que mostrar de ellos. A decir verdad, la mayoría de sus fans lo han visto casi todo. También ilustramos con muchos clips, noticias, programas de televisión, anuncios, todo tipo de contenido gracioso que mostrara su historia, como en una película. «En realidad, no tengo idea de qué tipo de película es, yo la veo como un ensayo, algo así como Stooges Para Siempre; de hecho, así pensé en titular la cinta, pero creo que ya era demasiado. Lo titulé Gimme Danger como la canción, una buena canción, de hecho.» - ¿Crees que la música que escuchas al momento cambia el tono del filme en el que estás trabajando? «Bueno, todo depende de lo que esté escribiendo. Cuando escribía Dead Man solía escuchar casi siempre a Crazy Horse, el lado más rock y salvaje de Neil Young. Irónicamente, Neil acabó haciendo el score de la cinta. Asimismo, cuando escribí Patterson escuché música electrónica, porque mi intención era integrar un score con ese perfil, algo que ninguna de mis cintas anteriores ha tenido. «Mi idea principal era unir elementos electrónicos ya existentes, de diversos artistas y bandas. Al final parecía que iba a funcionar, pero no, así que decidí trabajar con Carter Logan, quien tenía una banda llamada SQÜRL. Usando sintetizadores, creamos el score para Patterson. Cabe mencionar que no fue algo secuenciado, no dejamos que las canciones se tocaran solas, por así decirlo. No tengo nada en contra de la música secuenciada, existen secuencias que me gustan mucho, pero para esta cinta no quería que se trabajara así. «En realidad escucho algo que sea relativo al filme en el que estoy trabajando.»

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PIXIES

HERE COMES YOUR BAND Por Iván Lechuga Fotos: Cortesía PIAS

Llevamos varios años viviendo en carne propia lo que era casi un mito dentro del rock alternativo: Pixies. En la antesala del lanzamiento de su segundo LP después del reencuentro, platicamos con David Lovering sobre cómo andan las cosas en el seno de la agrupación. ¿Por qué siempre son los bateristas las personas más alivianadas en una banda? «[Risas] No lo sé, creo que sacar a golpes toda mi frustración, usando todas mis extremidades, hace que sea despreocupado sobre las cosas», contesta Lovering alegremente. Viene a mi mente una entrevista de hace como 12 años, para la revista SPIN, justo después de su regreso en 2004. En ella, Kim Deal explicaba que David Lovering era demasiado lacónico ante las crisis de Pixies en los 90, «sólo responde: “right on”», decía, con un dejo de frustración. Lovering es, de hecho, demasiado amable, como si estuviera en perpetuo estado de relajación luego de haber batallado largo tiempo como músico y mago profesional durante los años de ausencia de la banda. Kim Deal, nuevamente, ya no está, y en el bajo se encuentra la bella argentino-americana Paz Lenchantin, quien sale a relucir frecuentemente en conversaciones con los caballeros de Pixies. «Lo que es diferente esta vez es que representa la primera ocasión que trabajamos con nuestra nueva bajista, Paz, quien ahora es miembro de la banda. Fue una experiencia completamente nueva, especialmente con su input al momento de escribir, hubo una atmósfera diferente en comparación a cuando hicimos Indie Cindy. Ahí fue cuando Kim se alejó, así que había muchas cosas en el aire. Ahora somos una banda completa, nos disfrutamos y trabajamos por un objetivo», comentó Lovering. Indie Cindy (2013) fue el primer LP del conjunto en 22 años (sin contar ‘Bam thwok’, de Deal, para el soundtrack de Shrek 2, en 2004). En 13 canciones,

Pixies demostró que no había perdido su toque para hacer excelente power rock-pop, en esa singular salsa musical quedo-ruidoso-quedo que la convirtió en un hito de la música; impresionantemente, el nuevo álbum, Head carrier, es todavía más consistente en la calidad de sus composiciones. La promotora en México tuvo la gentileza de compartirme un link para escuchar el álbum unas tres o cuatro veces antes de su salida al mercado. Al momento de escribir ya no tengo manera de volver a escuchar ‘Tenement song’ o ‘Talent’, dos de las varias buenas canciones del álbum. Es horrible. «Para Head Carrier, tuvimos la oportunidad de hacer mucha preproducción. Con Indie Cindy fueron alrededor de dos semanas para aprendernos las canciones y esta vez tuvimos algo así como siete, en las que ensayamos en Toronto, en Los Angeles y en Bath, Inglaterra. Incluso en los dos últimos ensayos tuvimos al productor Tom Dalgety, quien estuvo ahí para ayudarnos; una gran oportunidad. Fue muy cómodo llegar con las canciones bien aterrizadas, sabiendo cómo tocarlas… La mejor parte fue que estuvimos tres semanas en el estudio en Londres, yo hice mis partes de batería en los primeros tres días y después tuve dos semanas y media para perder el tiempo [risas]. Nos fue muy bien». ¿Por qué no grabar tus partes al final de las sesiones, sabiendo cómo queda cada arreglo y adecuando tu batería a la versión final? «Pues sí, de hecho así era antes, hacíamos los discos tan rápido, especialmente Bossanova y Trompe le monde, sacamos esos discos tan rápido que era hasta dos meses empezado el tour que pensaba: “Oh!, quizá debería estar tocando la canción de esta otra manera”, sin mucha variación, sólo un poco diferente. Pero como te decía, con este álbum trabajamos las canciones mucho, antes de entrar al estudio, así que sabía cómo tocarlas. Fue muy cómodo”, señaló el baterista.

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La temática de Head carrier es un poco más rebuscada que las melodías que impregnan sus canciones. Black Francis ha descrito que por lo menos tres canciones son de amargura postrelación amorosa. La canción homónima ‘Head carrier’ y ‘Plaster of Paris’ comparten un parentesco temático, una leve fijación de Francis por el santo patrono de París: Saint Denis. «‘Head carrier’ es la historia de Saint Denis contada desde la perspectiva de uno de sus colaboradores, Luther», ha comentado Francis. «Saint Denis es, además, el más famoso cefalóforo. Luego leí bastante sobre cómo el yeso de París fue el primero manufacturado comercialmente en el mismo lugar en que Saint Denis falleció, Montmartre. Fue una buena manera de atar cosas”, complementó el músico, aclarando que, en efecto, Head carrier hace referencia a los mártires santos que cargan sus propias cabezas entre las manos, en trabajos artísticos de la época medieval.

la forma en que va de quedo a ruidoso. Soy fan de esa canción», respondió. Paz la canta pero Charles (Thompson, verdadero nombre de Francis) la escribió, ¿no?, le señalo entonces. «Él escribió la letra», me dice. «Fue chistoso, porque ya habíamos ensayado todas las canciones y ella nos la presentó en el penúltimo día. Todos la trabajamos y en ese punto Charles le agregó más partes de guitarra y la letra. Fue la única canción que escribimos en el estudio». Francis ha reconocido que ‘All I think about now” es una carta personal hacia Kim Deal, donde prefiere recordar los buenos tiempos entre los dos que los sinsabores, como cuando le aventaba guitarras por el escenario. La letra dice: «(…) siempre pienso en el pasado, en las cosas que no duraron. Si pudiera regresar al principio, seguro yo sería diferente (…) ¿Recuerdas cuando éramos felices? Aunque sea tarde, ¿puedo agradecerte ahora? (…) Si te queda alguna duda, te quiero agradecer de todos modos (…)»

¿Cuál es tu canción favorita de Head carrier y porqué? «Lo creas o no, ‘All I think about now’. La escribió Paz, y es la canción que más suena a Pixies en el álbum [risas], con la guitarra de Joe (Santiago) y

«Paz mencionó que quería que escribiera una carta de agradecimiento, así que lo hice. Fue conmovedor para nosotros, fue importante que esa canción fuera una colaboración, algo del

ADN de Pixies pero también algo de su nuevo miembro», ha declarado Francis. Dave, esa carta de Charles a Kim es bella pero, ¿no se te hace que suena muy conclusiva?, como que no hay manera de verla de vuelta. «Bueno, creo que con todo y la canción esto (la ruptura de Deal con la banda) es algo que va a terminar. Pero incluso si Kim quisiera regresar es un tema sensible, porque estamos tan bien engranados con Paz, amamos a Paz, y así vamos a seguir. De ocurrir, sería una situación de ‘ahora que haces’ [risas]”». Lovering confirma que Pixies viene a México en 2017 y, finalmente, le pregunto hasta cuándo van a seguir: «Cuando nos reunimos, en 2004, tocamos por siete años. En 2011 nos dimos cuenta de que llevábamos muchos años tocando las viejas canciones y fue como volver a abrir los ojos, algo muy surreal. Ese fue el ímpetu detrás de Indie Cindy, confirmar que aún somos una banda viable, ¡que somos una banda! Esto es lo que hacemos y lo que somos, seguiremos en esto hasta donde podamos, nos divertimos mucho, así que: lave, enjuague, y repita [risas]».

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DIANA GARCÍA MITOLOGÍAS ONÍRICAS Por Leonel Hernández Fotos: Manuel Baca para WARP

Misticismo. Shamanismo. Espiritualidad. Magia. Son algunas de las palabras que podrían definir mejor lo que rodea la obra de Diana García, una artista en toda la extensión de la palabra. Nacida en Monterrey, México, la también actriz de cine y TV funge como conector hacia un mundo onírico de una realidad subyacente, para hacerla tan universal como personal en una sociedad convulsa. Con un pequeño hurón en su regazo, Diana comparte una obra llena de compasión en cada uno de sus trazos, que van transfigurando su propia interpretación de una antigua mitología que hoy por hoy apunta hacia el futuro. - ¿Cómo fue tu acercamiento al arte y la creación gráfica? «Es gracioso, ese fue mi primer acercamiento al arte antes de ser actriz o comunicóloga y estar bajo el reflector.

Las artes gráficas son las que me llamaron la atención desde el principio, desde mi infancia, me la pasaba en el estudio de mi abuela, ella es pintora y escultora. Cuando estaba en Los Angeles, en Hollowood, y vi que la forma en la que se desarrollaban las cosas en el ambiente actoral no eran precisamente lo que yo quería expresar de mí y mi cultura latinoamericana, comencé a buscar otras posibilidades que me gustaban. Entre a la UCLA y mi maestro Joe Blaustein me incitó a volver a conectar con el dibujo, y de pronto salieron estos animales. Me invitaron a hacer un mural en un restaurante, uno de mis dibujos, jamás lo había hecho y creo que a la gente le gustó, porque me empezaron a llamar para hacer diseños en casas, negocios, etcétera.»

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- ¿Cómo llevas de la mano estas dos disciplinas, la actuación y la gráfica?, parecieran distintas pero, al final, en las dos concibes a un personaje… «Hace mucho que no actuo mas que en proyectos pequeños, con amigos; digo, tampoco es que actúe mucho, hago audiciones y todo pero no representa un conflicto. Más bien me dedico a las cosas que me gustan en el momento y trato de sobrellevar eso. La sociedad nos dice que tienes que ser algo o vivir de algo. Ha sido interesante la mezcla de esas cosas que me gustan, por ejemplo, produje un festival de innovación social en Oaxaca llamado Catapulta y a eso me dediqué el año pasado. No podría hacer solamente una cosa.»

- Sobre tu gráfica, ¿cómo es tu proceso creativo? ¿De dónde surgen estas criaturas? «Depende. Mis primeros dibujos fueron en clase, en la UCLA, con modelos, pero el Uniwolfcheeta, por ejemplo, que es mi obra más reconocida, la hice en un avión, en medio de dos señoras que querían hablar, fue un poco incómodo y sólo me puse los audífonos y comencé a dibujar. Cuando dibujo entro a este espacio de ensueño, y cuando despierto están simplemente ahí. He aprendido a canalizarlos y trasladarlos de mis sueños al papel, trato de relajarme, poner música, etcétera.» - ¿Crees que la ciudad donde vives te inspira a crear? ¿En qué ciudad podrías decir que fluyen mejor tus creaciones? «Me siento inspirada donde sea, realmente siento que no hago nada para las cosas que se me ocurren, porque trato de disfrutar mucho mi vida personal, mi trabajo, eso es muy importante para mí. Si tengo que detenerme para disfrutar cosas simples como ver la lluvia caer, acariciar a un perrito, pasar tiempo con mi hurón, lo hago. No soy realmente de sólo pintar o sólo actuar, todo el tiempo hago cosas. Ahora, por ejemplo, ayudo a Roberto Martínez, un youtuber que hace mucho contenido social. Trato de mezclar mucho mi trabajo con cosas que me gustan. Mi proyecto más reciente es para el Mayan Warrior, en Burning Man, un carrito que lleva cosas de arte. Mi pareja es quien lo lleva y le he ayudado a hacer diseños para diferentes cosas. Estoy muy emocionada por este festival, un espacio para diversas manifestaciones artísticas así que, sí, estoy emocionada.» - Haciendo una comparación, ¿cuál crees que sea la principal dificultad de un artista, ya sea aquí o en Los Angeles? «Lo difícil es para cualquiera, para un contador, un cocinero… todos somos artistas, todos creamos algo de la nada. Lo más complicado aquí y en donde sea es uno

mismo, nosotros nos llenamos de excusas, de miedos e inseguridades, y usamos eso para no fluir, así que creo que uno mismo es el enemigo, lo que nos corta la inspiración. Cuando accedes a tu corazón y a la sanación personal, a darte cuenta del aquí y el ahora, que hay que vivirlo y que la logística que ha impuesto la sociedad o la vida es la que no nos deja creer y crecer, es cuando comienzas a liberarte y a estar en armonía.» - Si tuvieras que definir la gráfica que realizas, ¿cómo lo harías? «Yo dibujo una profecía hopi que me marcó la vida. Pareciera que soy alguien muy espiritual, pero no es eso, sólo quiero vivir más. Todos somos cuerpo, mente, espíritu y emociones, y he notado que la mayoría se deja llevar por las emociones, somos muy reactivos, pero si sabemos controlarlas ya no nos mueven, ya no explotamos y entendemos que la vida nos puso ahí para una lección de aprendizaje. Eso es lo que me pasa y no me tiro al drama. «Hace cuatro años, aproximadamente, tuve una experiencia que me cambió la vida y me hizo conectarme con la Tierra, con la naturaleza, fue una sanación importante, de hacerme responsable y disfrutarlo. Durante ese tiempo escuché esa profecía hopi de los guerreros del arcoíris, de este grupo de gente de distintas razas o culturas que se unirá para hacer la Tierra verde de nuevo, eso se me hizo fascinante. Que mi propósito de vida fuera trabajar para ser rica o famosa dejó de tener sentido, para simplemente trabajar y ser parte de este grupo que quiere que el mundo sea mejor, a través del estar bien uno mismo, a través de la sanación, de cambiar la vida y de compartir. La profecía dice que vendrán animales extintos o místicos a ayudarnos a restaurar la Tierra. Yo prefiero vivir esa fantasía, en esa magia, no le encuentro el chiste a vivir en un ambiente de racismo, de violencia, injusticia y miedos. Mi obra está basada en esos animales, en esos guardianes que ayudarán a restaurar el orden.»

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JOHN LYDON THE TRUE PUNK SPIRIT Por Natalia Montes

Hay una frase muy popular que dice: «No juzgues un libro por su portada.» Esta encaja bien con John Lydon, líder de Public Image Limited y un ícono que rompe con los estándares de manera constante, con un fondo intelectual muy marcado por la honestidad y el sentido del humor. Lydon llegó a la fama gracias a su alter ego, Johnny Rotten, la voz de Sex Pistols y de toda una corriente ideológica y musical. Habló por una juventud enojada y subyugada, exclamó

ante la crisis y revolucionó toda una ideología, convirtiéndose así en uno de los más grandes representantes del fugaz movimiento.

todo y empezó de nuevo, creó aquello conocido como post punk y nuevamente se convirtió en el ícono del movimiento.

Posteriormente, abandonó la banda que le dio la fama porque —en sus palabras— «se convirtió en un fiasco», y formó su propio proyecto, el cual se acoplaba mucho mejor con su evolucionada forma de pensar y su característica sinceridad, apartándose del sistema y de las órdenes de los sellos discográficos. Rompió

«Cuando comencé me dieron la etiqueta de “Rey del punk”. ¡Gracias!, lo tomo; sin embargo, no tienen que decirme qué hacer y qué no. Realmente, muchas de las bandas de punk posteriores a Sex Pistols deberían escuchar lo que tengo que decir, en vez de tratar de cambiar la agenda para que embone con ellos. O eres o no eres.»

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Después del control que Malcolm McLaren — manager de los Pistols— quiso ejercer sobre la banda, desde el surgimiento de su segundo y actual proyecto, de 1979 a 1992, Lydon lidió con la presión de los corporativos de la industria, pero en 2009, tan pronto como obtuvo el dinero suficiente para una gira y un álbum nuevo, reformó PiL. «Las relaciones con las compañías solamente resultaron en problemas, hasta que tuve que alejarme durante casi dos décadas y juntar dinero de manera independiente para poder comprar mi salida de sus contratos. Ahora soy totalmente independiente, Public Image Ltd. tiene su propio sello y la única rama de la industria con la que tenemos conexión es con las distribuidoras. Nadie nos dice qué hacer y ganamos dinero a través de giras, con el fin de hacer otro disco. Trabajamos muy duro cuando estamos en tour, tratamos de tocar lo más posible, en tantos los lugares como podamos.» Refutando lo que Johnny Rotten llegó a predicar con Sex Pistols, en cuanto al tema de la destrucción y la violencia, Lydon, con Public Image Ltd., decidió abogar por la unidad; continúa con su ideología punk revolucionaria, pero con un avance intelectual que apunta hacia un cambio pacífico. «Por supuesto que abogo por la revolución, pero sin violencia, porque cada vez que alguien levanta un arma alguien más levanta otra para contrarrestar, y eso no lleva a nada. Creo que estudiar historia 20 minutos es suficiente para darse cuenta de eso. En palabras de Ghandi: “Resistencia pasiva”. Todos amamos nuestra cultura, nuestra bandera y lo que representa, pero eso no debe detenernos para convertirnos en una sola nación y terminar con el uno por ciento que dice que está a cargo. Yo no creo que realmente lo estén. La gente debe estar pendiente de estos individuos que tratan de escalar y manipularnos, ¡nosotros manejamos el mundo! Sería más claro si tan sólo encontráramos la manera de unirnos: una nación, un mundo.» 2015 vio nacer el décimo álbum de estudio de PiL, What The World Needs Now…, el cual manda un mensaje acerca de la transparencia que los políticos de todo el mundo deben practicar ante sus pueblos.

«El álbum es una demanda hacia los políticos, para que comiencen a decirnos la verdad y dejen de decir basura y cosas sin sentido. El mundo está en un punto en el que ningún país confía en sus políticos, lo cual, por ejemplo, ha llevado a una situación realmente fea en Estados Unidos; un hombre de negocios está, literalmente, tratando de comprar la presidencia. Todos sabemos su nombre, aquel que quiere construir un muro… Bueno, creo que todos deberíamos ayudarlo a construir un muro, pero alrededor de sí mismo, para mantenerlo lejos de nosotros. «Eso refleja el álbum, además de canciones que expresan emociones de cuando era niño, como ‘I’m not satisfied’, que también aplica para la política actual mundial.» Es muy claro que John es un creyente apasionado de la independencia como fin del ser humano, hecho que se refleja al hablar de la temática del disco y del contexto actual de Gran Bretaña, aunque, claro, hay que tomar en cuenta el peligro que puede implicar que alguien siga un movimiento político sin comprender la visión-misión que este involucra. «El Brexit se dio porque los británicos sintieron que ya no tenían voz en la dirigencia de su país. Todas las grandes decisiones financieras eran realizadas por personalidades anónimas europeas, por lo que ni siquiera se podía cuestionar su mandato. Y es que la Unión Europea se convirtió en una dictadura, hay muy pocos beneficios financieros y ahí lo tienes, ¡queremos independencia! Supongo que eso es lo que todos los seres humanos realmente buscan. Las personas quieren determinar su vida de la manera en que se les antoje, y siempre y cuando no implique asesinar o violar, es un pensamiento bueno. «El problema de la gente que sigue los movimientos políticos es que son como víctimas de la moda, y adoptan el uniforme por completo, sin entender el contenido. La mayoría de las personas piensan como borregos, flojamente. ¡Despierten, borregos!, el gran lobo hambriento llamado ‘corporaciones’ nos está acaparando.» Cada quien puede tener su individualidad legítima, pero si todos colaboramos es posible vencer los abusos y la opresión. Además, dado el

hecho de que Lydon creció en un barrio lleno de diversidad cultural, siempre estuvo rodeado de personas distintas y así aprendió que mientras más diferente es alguien más puedes aprender de él. Es también por eso que más de 40 miembros han pasado por la alineación de PiL. «Vengo de un lugar con una mezcla cultural muy amplia, con gente de muchos lados: griegos, turcos, irlandeses, ingleses, jamaiquinos, africanos, musulmanes, entre otros. El factor de combinación también se dio gracias al club de futbol Arsenal [risas], gracias a él muchos de nosotros nos conocimos. De cierta manera, los clubes mantenían un sentido de comunidad y unidad. En mi barrio nadie le robaba a nadie y nosotros hacíamos nuestra propia labor policiaca.» Para evolucionar —y revolucionar— es necesario un constante aprendizaje. Además de la música, otra de las pasiones de Lydon es la lectura. Aprender de los errores en lugar de insistir en que uno tiene razón, es parte fundamental de este proceso. «Me encanta el trabajo de mis compatriotas, los seres humanos. Si puedo absorber y estudiar eso, qué mejor, aprendo más. Mi vida no terminó a los 17, cuando no cambiaba mis opiniones, avancé, y todo el tiempo aprendí un nuevo sentido de los valores. No creo en la moral, porque está conectada de cerca con la religión y no soy nada religioso, pero vivo y aprendo. Si pienso que algo es incorrecto puedo aprender de los demás, y eso me sienta muy bien. Desearía que más gente pensara así, sería un mundo mucho mejor.» Al final, si se cuenta con una propuesta musical innovadora y una ideología por la cual luchar, utilizando información y humor como arma, es posible marcar un periodo para abrir puertas hacia algo nuevo. Si además se cuenta con la humildad de aceptar un error y sacar provecho intelectual del mismo, entonces el mensaje de John es claro. «No es una ruta cómoda. Yo recomendaría a cualquiera que quisiera seguir mis pasos que tome un respiro profundo antes de hacerlo. No será nada fácil, pero eventualmente será divertido y placentero.»

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F E S T I VA L INTERNACIONAL DE BENICÀSSIM Fotos: Matias Altbach 14-17 julio 2016

Costa Azahar, Benicàssim, España

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Disclosure [ 01 ]

Kero Kero Bonito [ 02 ] Kendrick Lamar [ 03 ] Band of Skulls [ 04 ] Bloc Party [ 05 ] Massive Attack [ 06 ] The Kills [ 07 ]

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MADCOOL Fotos: Samantha López para WARP 16-18 junio 2016 Caja Mágica, Madrid, España

Jane's Addiction [ 01 ] Garbage [ 02 ] The Prodigy [ 03 ] The Who [ 04 ] Die Antwoord [ 04 ] Editors [ 06 ]

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ROSKILDE Fotos: Samantha Lรณpez para WARP 25 junio-2 julio 2016 Dyrskuepladsen Darupvej, Roskilde, Dinamarca

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M83 [ 01 ] Gaye Su Akyol [ 02 ] LCD Soundsystem [ 03 ] Foals [ 04 ] Tame Impala [ 05 ] Grimes [ 06 ]

GIGS

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A NIGHT WITH PACHANGA BOYS Fotos: David Casarrubias Foro Normandie, CDMX, México #WARPGigs #WARP10 Por: Sara Araujo

Presentado por:

El Foro Normandie fue testigo de un evento inolvidable. En compañía de Telcel y LG, la noche se vistió de un electro único en su clase, y el público… no paró de bailar. Esto fue gracias a la increíble presentación de Pachanga Boys, quienes ofrecieron una gran fiesta en el centro de la ciudad. Como parte de su décimo aniversario, WARP Magazine ha llevado a cabo una serie de eventos conmemorativos, entre los cuales podemos recordar la muestra musical del aclamado baterista Antonio Sánchez y la cátedra en electrónica por parte de UNKLE, el maravilloso proyecto de James Lavelle. Anoche, fue el turno del dúo formado por Mauricio Rebolledo y Aksel Schaufer; proyecto que

resultó de una amistad entre México y Alemania, que logró crear un género musical completamente nuevo y con esto, un movimiento sociocultural. En 2011, Rebolledo y Schaufer unieron fuerzas para crear Pachanga Boys, el cual presenta una propuesta musical que ellos llaman hippie dance, el cual más allá de ser un género musical, es un estilo de vida. Y así, el talento de Pachanga Boys tomó posesión de la consola toda la noche, logrando un ambiente muy especial en el ya conocido foro. La sede para una noche como esta se llenó por completo, dejando espacio mínimo para escaparse por un trago, y al mismo tiempo, demostrando la importancia de dar

a conocer este tipo de propuestas musicales contemporáneas. El público dejó ver lo que es ser parte del hippie dance; con atuendos misceláneos (algunos más peculiares que otros), acompañados de pasos de baile hechos a la medida para la música que poco a poco, tomaba control de todo el lugar. Durante el evento, los asistentes disfrutaron la fiesta en compañía de Pachanga Boys, quienes además de ofrecer un original set experimental, no perdieron oportunidad para mezclar con sus proyectos separados (Rebolledo y Superpitcher). Sin duda alguna, fue un gran evento, un set incomparable, y una experiencia totalmente enriquecedora en temas de cultura musical.

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QUICKIE

ANA RIZO WE’LL NEVER KNOW Por Eduardo Salinas

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- ¿Cómo llegaste a la música? «Llegué desde que era pequeña. Crecí escuchando a todas las bandas legendarias del rock clásico. La primera que recuerdo es Led Zeppelin, de ahí nació mi pasión por la música, primero escuchándola y sintiéndola, después pasando al grado más grande que es tocar un instrumento, pero todo fue desde pequeña.» - ¿Cuál era tu finalidad al iniciarte en el mundo de la música? «Mi meta a mediano plazo es levantar la escena musical en Michoacán, porque estamos dormidos. No me considero una artista que busca la paz en mi estado, pero sí me gustaría que la gente lograra salir de ese ambiente tan pesado que, aunque ha disminuido, se mantiene. De verdad creo que podría aportar algo con mis canciones.»

- ¿Qué sensación crees que transmite tu EP, Welcome To My House? «La mayoría de las canciones hablan de desamor y todas son experiencias propias. Hay una que se llama ‘118’, que habla de un momento bonito, es la única canción bonita del disco. Para el sencillo elegí la canción que da nombre al EP. Después quería pasar a algo musicalmente más alegre, porque ‘Welcome…’ es un poco oscuro, no dark ni nada de eso, pero quería pasar a algo más alegre, más movido, y creí que tenía vibra en ese momento mi canción ‘Understand’.» - ¿Qué puedes decirme acerca de la composición de tus canciones? ¿Cómo las trabajaste? «Todas las canciones son mías, pero trabajé con varios músicos como Mateo, Elsa y Elmar, que también son super talentosos, además de algunos estudiantes que hicieron cuerdas.»

THE NEW GENTLEMAN EXPERIENCE Se dice que los modales hacen al hombre, pero parece que abrir la puerta, decir por favor y gracias y vestirse adecuadamente para la cena ya no es suficiente. Hoy en día ser caballero va más allá de los buenos modales, hay que mantener el buen gusto, el buen vestir y el buen vivir. Al principio tuvimos a los dandis, un grupo de burgueses en busca de destacar la estética y las buenas maneras en el siglo XIX, el cambio de siglo nos trajo su evolución obvia, el gentleman inglés, que llevaría su atención a la moda y los modales al extremo. La década de 1940 nos entregó los últimos vestigios del "caballerismo", poco antes de que el sombrero dejara de ser un símbolo de elegancia. Durante algún tiempo estos valores y cánones estéticos fueron olvidados, el movimiento hippie se hizo latente en gran parte del mundo, dejando rezagados los trajes y blazers, sustituyéndolos con atuendos de manta, sandalias y cabelleras largas. Hoy en día parece que los caballeros están de regreso, con una idea diferente de lo que visualmente representa el concepto adaptada a nuestra época, pasando de un look clásico a una imagen donde las barbas y los tatuajes son permitidos y donde la formalidad será añadida siempre con un buen blazer, corbata y camisa. Aunque lo que más destaca del new gentleman es su presencia y la manera en la que interactúa con el mundo, su sentido de libertad, responsabilidad y su sonrisa, sin dejar de lado la educación, la elegancia, la amabilidad, la empatía, el liderazgo y la autenticidad. WARP Magazine presenta algunos de los tópicos más destacados de esta corriente que está redefiniendo la masculinidad y también a algunos de los representantes más destacados de diferente disciplinas, incluyendo la música. Caballeros, sean bienvenidos.

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DEL DANDISMO A LA MODERNIDAD Por Aura GarcÃa de la Cruz Retrato de Adolfo Best Maugard, de 1913. Diego Rivera

En el primer plano está un dandi (un dandi mexicano, aunque formado en Europa), una figura estilizada, sutilmente inclinada hacia atrás, de silueta delgada, refinadísimo, de espalda ancha y de un negro imponente, debido al elegante traje que lo cubre por completo, como un forro protector de esa realidad a la que se impone y que lo relega a un segundo plano. En México también se vivió el dandismo. Diego Rivera supo capturar en su obra Retrato de Adolfo Best Maugard, de 1913, la esencia de este movimiento en la figura de un personaje que incidió en la vida nacional durante la modernidad posrevolucionaria desde el arte y la educación. En ese momento, México estaba a la altura de cualquier país europeo en el ámbito artístico, y las consonancias entre los dos continentes hacían vibrar las cuerdas de la cultura nacional. El dandismo es un movimiento que surgió en Inglaterra, en el siglo XIX. Todo empezó a principio de siglo, cuando Inglaterra vivía la Revolución Industrial, con transformaciones sociales drásticas entre máquinas, fábricas, nuevos inventos y una nueva clase social: el proletariado. En ese entonces, los campesinos se veían obligados a sobrevivir en las nuevas ciudades industriales, a soportar una vida de explotación en fábricas de algodón que los ahogaban en calor y pésimas condiciones higiénicas, con más de diez horas laborales continuas. En ese siglo, la burguesía se consolida, una clase revolucionaria por naturaleza y explotadora por convicción, dueños de fábricas que se enriquecen y que, con el pasar de las décadas, aumentan su complejidad y dominio; ahí, en ese hervidero social surge el dandi, un hombre culto —sólo los que tenían posibilidades económicas podían serlo—, consciente de sí mismo y del nuevo personaje que le tocó interpretar, en un mundo que cambia y, para él, se vuelve más sofisticado. Los burgueses han marcado la historia como ese grupo que impulsó las revoluciones liberales, se enfrentó a la vieja aristocracia y reclamó un lugar en la historia por méritos propios, rechazando las explicaciones dogmáticas de un mundo católico. Los dandis, por otro lado, son esos hombres que han rebasado los límites de los burgueses comunes, aspirando a un prestigio que durante la segunda mitad del siglo XIX todavía ostentaban los nobles. Eso es lo único que les falta, ya han logrado presencia en el gobierno, en la política inglesa, y ahora buscan provocar la fascinación que ocasionan los reyes, los príncipes y los duques. Algunos, en pos de

ese encanto, se unirán en matrimonio con esa vieja nobleza de rituales extravagantes y castillos laberínticos. La figura del gentleman, arrobadora y desafiante, se propagó por Europa y el mundo al final del siglo XIX, durante las décadas del imperialismo, cuando Gran Bretaña y Francia dominaban todo el territorio que podían. Es “la carga del hombre blanco”, del hombre “civilizado”, decían las metrópolis para justificar su intromisión en la economía y la cultura en otros países. Europa se siente la cumbre del progreso y el europeo el punto álgido de un nuevo ser humano que se beneficia de la tecnología y la cultura occidental. Los dandis que no han pasado a la historia son producto de lo anterior, los que destacaron y son recordados como estrellas por iluminar su época de forma especial, serán los escritores que elevaron el dandismo al nivel de manifestación estética y transformaron sus vidas en arte, algunos en ejemplo de elegancia; ellos se elaboraron a sí mismos como si de artificios delicados se tratara, la moda y sus relaciones con el cuerpo son sus nuevas preocupaciones, su participación en el mundo: una obsesión. Charles Baudelaire y Lord Bayron, románticos; Charles Dickens y Honoré de Balzac, exponentes del realismo; Oscar Wilde, un caso aparte que en literatura no se apega a ninguna corriente. Mención especial merece, George Bryan Brummell, “el bello Brummell”, el londinense de origen burgués que cercano a la monarquía de su época se centró en avivar el fuego de la moda entre los dandis. Todos, los dandis anónimos y los reconocidos, trataron el tema de la distinción en una sociedad que se volvía mundana, obrera, necesitada de nuevos placeres y frivolidades, de nuevas diversiones. Como Best Maugard en la obra de Diego Rivera, el dandy europeo se impuso como representante del espíritu moderno en el lienzo del muralista, la Rueda de la Fortuna simbolizó lo moderno, el recién creado parque de diversiones que recibiría a las nuevas clases medias que surgían de esas ciudades urbanas con nuevos textiles, nueva moda, nuevos químicos, pinturas sintéticas, plásticos, automóviles, chimeneas humeantes y explosión demográfica. La actitud de Best Maugard es de llamar la atención, parece un hombre seguro, casi embelesado consigo mismo, consciente de su porte y de la impresión que ocasiona, tiene una mirada aguda, perspicaz, que revela una inteligencia incisiva que quiere imponer nuevos paradigmas, es decir, participar de forma decisiva en el mundo.

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BAIO

THE NEW YORKER Entrevista: Diovanny Garfias Texto: Michelle Apple

«Para mí, cantar es algo realmente nuevo, en Vampire Weekend sólo hacía algunos coros, pero nunca tuve que calentar la voz o algo así, tenía miedo de desafinar». Si hay algo que distingue a Chris Baio del resto de sus compañeros de banda es su personalidad, pues tiene el súper poder de caerle bien al 98% de las personas que cruzan palabra con él, y en la mayoría de los casos puede entablar una larga y amena conversación. Hoy soy yo quien comprueba lo anterior, y de paso aprovecho para saber qué hay detrás de The Names (2015), su debut en solitario. «El título The names viene de un pequeño suburbio en el que crecí, Bronxville, Nueva York, un pueblo aburrido. Cuando tenía como 20 años conocí a un escritor llamado Don (DeLillo), quien creaba novelas y la mayoría de ellas las hizo ahí. Eso me influenció, fue grandioso para mí y entonces supe que tenía que leer todos sus libros. Uno de ellos se titula The Names (1982), y pensé que sería un buen título para el álbum. Hay un dejo de universalidad en él, obviamente en la historia de los discos hay muchos que la comparten, de algún modo todos tienen esa interacción y relación con algo tan común, es algo que se puede identificar, con lo que cualquiera se puede relacionar y, bueno, aquí estoy.» El neoyorkino es reconocido por derrochar estilo —siempre de blazer con alguna de sus decenas de variantes— y por tocar el bajo en una de las agrupaciones afropop más exitosas de la última década, aunque pocos saben que Chris es graduado de la universidad de Columbia, en Manhattan, con especialidad en estudios regionales de Rusia y Eurasia. Poco o nada relacionado con su actual situación, que lo ha llevado de gira por diversos puntos del mundo, tocando cada noche en periodos de más de seis semanas, el músico asegura que su secreto para soportar tales ciclos es «comer saludable, o al menos tratar, beber mucha agua… definitivamente beber mucha agua. Me levanto en las mañanas y acostumbro correr, eso me da energía para el resto del día; no sé, funciona para mí, hay que ver qué funciona para ti.» - Aunque la gira ha sido desgastante supongo que también hay mucha satisfacción detrás… «Sí, ha sido difícil tocar este material en vivo. El disco lo terminé hace mucho, en 2014, y no podría estar más feliz. Una cosa es hacer un disco con ideas que tienes en la cabeza,

pero se vuelve real cuando estás en un cuarto con otra gente, presentado tus opiniones para tocar. Insisto, no podría estar más feliz en mi vida, ha sido grandioso.» - The Names es muy ecléctico, incluso para alguien que toca en Vampire Weekend… «Sí, en este álbum realmente quería que cualquier cosa pudiera pasar, hay mucha influencia del house y el techno, cosas art rock de los 70 como Maggot Brain (1971), de Funkadelic, o Low (1977), de David Bowie, o Country Life (1974), de Roxy Music, discos que pueden tener canciones pop, cortas y concisas, y largas experimentaciones, ensambles de música instrumental. Siempre me gustó ese balance entre el pop y lo experimental, y en ese sentido el álbum busca eso.» - Entiendo lo que dices, porque varía mucho de canción a canción, parece que la única manera de entenderlo es escucharlo completo… «Exacto. Si adelantas los minutos dirás, “¿qué carajo estoy escuchando?, ¿es el mismo disco?”, pero si lo escuchas por completo tiene todo el sentido del mundo. Es parte del viaje, algo divertido y bailable. Es delirante.» - Después de hacer un disco debut como este, ¿crees que sea raro volver al estudio con la banda? «Hacer un disco solista y ser parte de una banda son experiencias distintas, pero amo hacer música. Trabajé en el score de dos filmes y es una situación positiva en la que debes producir tu visión de aquella música que mejor sirve al director. Mi proyecto solista es un mundo donde controlo todo, cada nota que ejecuto, cada palabra que digo. Tocar en una banda se trata de dar tu mejor esfuerzo, colaborar, tocar la mejor línea de bajo para una canción de Vampire Weekend. Son cosas muy distintas, pero igual son cosas que disfruto, es emocionante.» - Ya que estamos en el tema, ¿alguna buena noticia (o fecha) para los fans de Vampire Weekend? «Sé de qué hablas, un nuevo material. La verdad, puede tomar algo de tiempo, no lo sé, es algo en lo que pienso mucho. Hemos tocado algunas canciones nuevas en vivo y ya estamos trabajando en el estudio. En cierto punto entre el segundo y tercer disco dijimos: “Debemos terminar el siguiente álbum en determinada fecha”, y al final no pasó, le pusimos límite a la creatividad, y aunque suene muy cursi no fue satisfactorio. Así que habrá que esperar.»

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PARA UN NEW GENTLEMAN SUS ETERNOS ACOMPAÃ&#x2018;ANTES: BLAZERS Y SONRISA SINCERA.

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JORGE LEÓN, “EL ABOGADO PATEADOR” EL RETO

Por Eduardo Salinas Foto: Vidal Cruz para WARP

Ser abogado no es un trabajo fácil. Dos puntos cruciales en la vida de cualquiera de ellos radican, en primer lugar, en la importancia y responsabilidad que implica defender a alguien ante la corte, una tarea que para muchos podría resultar intimidante. En segundo término, su imagen, pues un abogado siempre debe lucir pulcro e impecable, pues así lo demanda la profesión. Ante esta postura surge “El Abogado Pateador”, un litigante que rompe con lo convencional y mezcla sus dos grandes pasiones, las leyes y el deporte. Jorge León creció rodeado de diferentes disciplinas deportivas, encontrando en el ejercicio el mejor aliado para la vida. Con ayuda de su padre incursionó en el balompié y el futbol americano, lo que le abrió los ojos y lo enfrentó a la difícil decisión de elegir un camino. Él, entonces, en lugar de dejar de lado lo que más le gustaba decidió convertirse en un abogado relajado, de saco y tenis, que en sus ratos libres realiza hazañas con deportistas famosos. Este personaje es un hombre de familia, un respetado conocedor de leyes, un deportista nato y, por si fuera poco, una figura en YouTube. Hace poco

tuvimos la oportunidad de platicar con este amante del deporte, que de igual manera mantiene una imagen elegante y casual, siendo partícipe del creciente movimiento del new gentleman… - ¿Cómo mezclas estas dos pasiones, las leyes y el deporte? «Todo el mundo me decía que era complicado mezclar las cosas, y siempre tienes a una mamá o a una tía. En mi caso ni mis padres ni mi esposa me criticaban, sino me alentaban. Siempre tienes a alguien que te dice que no se puede, que te enfoques en una sola cosa y por eso también lo intenté, y lo pude mezclar bastante bien. Obviamente faltan horas del día, porque hay que pararse temprano a entrenar, hay que ir a trabajar, dar seguimiento a los clientes, ir a juntas. Ayer, por ejemplo, tuve un evento, entonces voy al evento pero no me puedo desvelar tanto porque al día siguiente me levanto o me levanta mi hijo muy temprano. Es cuestión de organizarte, ir modificando horarios y querer hacerlo, porque como dice el dicho, “si se quiere, se puede”, y creo que sí se pueden combinar ambas cosas mientras te organices y tengas la pasión por ellas.»

- ¿Para ti qué significa ser un gentleman? «Un gentleman va desde la forma en que te comportas, en lo personal y hacia las mujeres, la forma de vestir; tan es así que tenemos tatuada esa palabra en la mente. Hicimos un negocio en la Juárez que va dedicado a los caballeros, se llama Caballería. ¿Por qué? Porque es la forma de vestir, los tatuajes, todo el tema de las barberías. La barba me la dejé alguna vez, me veía demasiado grande y me la corté. El gentleman se vive de forma diaria, en actitud, es alguien que no es un estereotipo, que le gusta ser diferente, le gusta la moda, cuidarse, cortarse el pelo, vestir de tal forma, es mucho un tema de moda. En el deporte podría ser, quizá, David Beckham, que cuida mucho su imagen. Es un tema de imagen, actitud y comportamiento en la vida diaria.» - ¿Qué prendas consideras indispensables en el clóset de un gentleman? «El saco y la camisa. Yo los suelo combinar con jeans y en mi forma de vestir nunca pueden fallar los tenis.»

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REGLAS PARA EL HOMBRE MODERNO

CUERPO

Por Eduardo Martínez

Grooming. Acude a la barbería cada 15 días para lucir el cabello siempre bien recortado, sin el crecimiento poco estético en cuello y patillas. Delinea, además, un look de acuerdo con las medidas de tu rostro.

Barba

Patillas

Cabello

Considera tu rostro: Entre más largo sea, más corta deberá ser la barba.

Cuida el largo de ellas y permite que la forma de tu rostro te guíe.

Cuida la forma. Corta los lados cada tres semanas y entrega un poco más de tiempo a la parte superior.

Déjalas angostas y no permitas que crezcan más de 2.5 centímetros.

Desvanece la línea de la mandíbula para un look más casual.

Evita el volumen y cuida los contornos.

Limpia tu rostro con frecuencia y usa un poco de acondicionador humectante.

ACCESORIOS

Spotify

UBER

Waze

Recorta el cabello del frente si tienes entradas, corta el copete y permite que caiga hacia el frente.

Lentes: Los lentes de sol son un accesorio importante y ayudan a protegernos de los rayos UV. A continuación encontrarás algunos consejos para cuidar tu vista:

Uno de los accesorios más importantes es el smartphone y con ellos las facilidades que las aplicaciones brindan . Aquí una lista de las más populares:

Tinder

Despeja tu cuello manteniendo la parte posterior de tu cuerpo libre de vello.

Dropbox

De alta curvatura

Espejados

Polarizados

Antirreﬂejantes

Relojes: Un reloj es un accesorio que no sólo es funcional ya que al elegir el correcto se deja constancia de buen gusto.

Fragancia: La fragancia es el toque personal. Elige un aroma que refleje tu personalidad y estilo, y deja una marca propia.

Atrevido: Voyage D’Hermes

Clásico: CK2 Calvin Klein

Sofisticado: Clinique Happy For Men

Moderno: Abercrombie & Fitch First Instinct

Fresco: Azzaro Crome Sport

Uso Diario: Gucci by Gucci

Strava Instagram

Banca Móvil

Fotocromáticos

PERSONALIDAD Sitio ideal: Elige el lugar correcto para diferentes momentos y citas:

10 bandas que escuchar para ser un hombre moderno:

Concierto: Un gig te hará lucir más atractivo e interesante.

Boliche: Las actividades competitivas provocan placer e incrementan la atracción y el humor.

Bistro: Los lugares pequeños crean mayor intimidad.

Cafetería: Visitar una cafetería creará momentos íntimos y pesonales. Ideal para una primera cita.

Bar: Visitar un bar y pedir cócteles en lugar de vino, siempre es buen ejemplo de comodidad y estilo.

Espectáculo cómico: La mujeres prefieren momentos graciosos ya que disminuyen la tensión en una primer cita.

Chet Faker Cigarettes After Sex Her Rhye Poom Men I Trust Mr Twin Sister Paradis Jean Tonique Sage

CONSEJOS

MODA El ajuste debe ser perfecto, muchos usan prendas muy grandes y lucen incómodos.

No utilizar demasiadas texturas, patrones, colores brillantes o accesorios; debes concentrar las miradas en ti, no en tu vestimenta.

Sonrie: La sonrisa es el elemento más natural para reforzar nuestra imagen.

Duerme: Un rostro cansado no será un rostro vigoroso.

Controla tu peso: Asegúrate de llevar una dieta equilibrada que proporcione a tu organismo los nutrientes que necesita. Los alimentos ricos en vitaminas y minerales dan a tu piel un aspecto increíble.

Unos zapatos lustrados dicen mucho de ti.

Una camisa nunca debe usarse entallada, debe ajustar perfecto para lucir bien.

La clave al combinar jeans y calzado está en el equilibrio; uno no debe contrastar con el otro.

Práctica ejercicio: El desarrollo diario de una rutina bien enfocada evitará el envejecimiento y la flacidez de los músculos, además mejorará tu estado corporal.

Primera impresión: La primera impresión será la más impactante siempre. Procura mostrar lo mejor de ti. Las chaquetas son el elemento que más puede variar en tu atuendo, por lo que no pueden faltar en tu armario:

Cazadora de cuero

Chaquetas de traje

Expresión Oral: El lenguaje es la base del conocimiento y del aprendizaje, tu herramienta para conectar con el mundo.

Abrigos:

Blazer

Estilo: Un estilo original y diferente, hará que sobresalgas del mundo.

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SCHOREM

WE DONâ&#x20AC;&#x2122;T CARE ABOUT FASHION AND TREND

Por Eduardo Salinas

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Schorem Haarsnijder & Barbier es una barbería old-school. Su concepto nace a partir de la creencia de que siempre se debe lucir varonil e impecable, influenciado por el estilo directo de los dandis y el rockabilly. Bertus & Leen la crearon después de dos décadas de trabajo, concretando el sueño de convertirse en los barberos más reconocidos del mundo. Su pasión por las navajas, los peinados, los tatuajes y la música rápidamente se hizo de fama en su natal Rotterdam, Holanda, en donde desarrollaron talento al crear los cortes más sofisticados, así como las barbas más imponentes que había. Estos dos amigos revolucionaron la palabra ‘estilo’ y le otorgaron un nuevo valor y significado al mundo de la estética masculina, sin olvidar la presencia y rudeza que debe distinguir a un hombre. Cuando Bertus & Leen visitaron México, miles de apasionados y fieles a la barbería se dieron

cita para presenciar un master class impartido por los grandes en la materia. Ambos se mostraron efusivos con la idea de interactuar con sus seguidores mexicanos: «Somos afortunados de viajar alrededor del mundo, y somos afortunados de estar en el lugar correcto en el momento indicado. En México vemos muy entusiasmados a los jóvenes, me da mucho gusto que la juventud quiera dedicarse a la barbería de nuevo.» Estos artistas han trabajado en estéticas desde pequeños, en donde han recibido las mejores experiencias de su vida haciendo lo que más disfrutan. Su pasión se mide a través de los años de dedicación y el enorme estilo que poseen. «Siempre he sido un barbero, desde que tenía 14 años, y en realidad empecé haciendo cortes para mis amigos, solía patinar y muchos de ellos seguían el estilo skater y punk: Una noche, uno me pidió cortar su cabello y lo arruiné totalmente, era el peor corte del mundo, pero

descubrí lo que quería hacer con mi vida», asegura Bertus. La visión que estos dos estilistas poseían corría más allá de las cuatro paredes de un salón, pues querían contagiar al mundo con su conducta rebelde y su imagen elegante, así que crearon su línea de productos Reuzel, un experimento que dio resultados gracias a la implementación de químicos de excelente calidad. Hoy en día su línea de cuidado masculino es utilizada alrededor del mundo y su demanda crece año con año. «No es como te ves, sino cómo te hace ver tu apariencia.» Bertus & Leen son dos de los exponentes más grandes en la era del New Gentleman, basta con echar un vistazo a su negocio para saber que no se trata de un juego de niños, sino de una tendencia para hombres. «Creamos esta tienda como un lugar al que a nosotros mismos nos gustaría ir. Un caballero siempre querrá lucir bien y relajarse en un lugar sofisticado y varonil”.

BARBERÍA 88 Por Majo Thielve Fotos: Vidal Cruz

Barbería 88 Pastores 198, Cuajimalpa CDMX barberia88.com

Es inevitable que en campos como la moda regresen tendencias a dominar el mercado, como lo que pasa en la actualidad con el auge de las barberías. Esta práctica se perdió en los años 60 por la ruptura del esquema del look clásico y el dominio hippie, con sus conceptos de la liberación del pensamiento y de la figura humana. Hoy, el caballero adoptó de nueva cuenta una imagen más prolija, en la que el cabello definido y el cuidado de la barba (crecida) son fundamentales en su ritual, mismo que puede ser llevado a cabo en las barberías. Estos establecimientos han encontrado en la actualidad el momento perfecto para reinventar el negocio y, al mismo tiempo, devolver el toque de antaño que marcó época. Ahora sabemos que un corte proporciona seguridad y genera una identidad pero, ¿qué pasa cuando esto se convierte en toda una experiencia y estilo de vida? Tuvimos la oportunidad de platicar con el creador del concepto Barbería 88, Adrián Segura.

- ¿Cómo creaste el concepto de Barbería 88? «Si yo te enseñara fotos de cómo empezó el lugar… Decidí cambiar todo, darle nueva vida, desde los colores, las frases de canciones en las paredes, como Led Zeppelin, todo tiene una razón de ser. Las patinetas fueron una parte importante en mi vida, es el poder crear una atmósfera de lo que es uno y lograr plasmarlo a un lugar.» - ¿Cuál es la esencia de tu negocio? «Todos seguimos la misma línea, ya que es un afeitado clásico, pero nuestra esencia es más el mood de cómo somos, la forma en que atendemos a la gente, cómo logramos conectar con el consumidor. Creo que la mayoría de los usuarios pasan de ser sólo una persona que te paga a ser un amigo. Damos un servicio premium, más low cost que las barberías de Polanco, Condesa y Roma, pero el servicio es el mismo, incluimos toallas calientes, aceites pre shave, navaja libre, after shave, y damos un plus al final con un masa-

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je relajante. Nos apasiona lo que hacemos, cuando tienes al cliente escuchando buena música, tomando una cerveza, platicando, y logras que se traslade a otro espacio, eso es lo que nos hace diferentes.» - ¿Imaginaste que un día trabajarías de lo que más te apasiona? «La verdad no me lo creía, nunca imaginé estar en esta silla, en una entrevista, creo que me siento como los Sex Pistols cuando salieron del primer bar en el que tocaron, sin imaginar toda la fama que les esperaba a la vuelta de la esquina. Creo que tomé la oportunidad cuando se me presentó, siento que fue una evolución muy rápida, como cuando vieron que Santana era un buen guitarrista y después de dos años le dieron la oportunidad de tocar en Woodstock. Cuando eres bueno en lo que haces y te comprometes logras el éxito, y mucho de éste es gracias a la gente que apoya, eso ha logrado que crezcamos y estemos donde estamos hoy.»

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MENSCH & CO. Por Fátima Albarrán Fotos: Manuel Baca y Jesús Quintero para WARP

Durante mucho tiempo se ha dicho que los modales hacen al hombre, pero parece que sostener la puerta, decir ‘por favor’ y ‘gracias’, y vestirse adecuadamente para la cena ya no es suficiente para formar a un verdadero caballero. Es hora de actualizar dicho concepto del estereotipo que permanece en nuestra memoria desde la década de 1940. Como decía Gandhi: «Sé el cambio que quieres ver». Mensch & Co. está devolviendo la elegancia a los rituales del hombre al proveer productos y herramientas modernas, porque ser un new gentleman es algo que vive dentro de ti, un estilo que no tiene nada que ver con el dinero, la clase o la profesión, es puro instinto. La marca está presente desde 2015 y ha tomado fuerza entre la comunidad masculina, pues genera empatía con quien la usa, proporcionando cuidado, suavidad y calidad. Nos sentamos con los responsables detrás de Mensch & Co., quienes nos dieron los tips perfectos para llevar a cabo el ritual de afeitado: - Es necesario tomarte tu tiempo. Al principio se acostumbra abrir los poros con una toalla caliente, usualmente con aceites esenciales que también darán gusto al olfato [ 1 ] .

- Pasemos a ablandar el vello para conseguir que la cuchilla o navaja resbale mejor. Necesitarás un tazón, una brocha, crema de afeitar y una navaja para que el proceso sea satisfactorio [ 2 ]. Tazón cerámica Marca: Golddachs (Hungría) Brocha Pure Bristle, con mango de resina Marca: Prospector Co. (USA) Crema de afeitar Old Fashioned, en tubo o bote Marca: Triumph & Disaster (Nueva Zelanda) Navaja Spartacus, con mango de cedro y estuche de piel Marca: Thiers-Issard (Francia) Base metálica cromada para navaja o rastrillo Marca: Mensch & Co.

Toallas comprimidas para viaje Marca: Prospector Co. (USA) Ideales para el afeitado fuera de casa. Mezcla de aceites esenciales Pugilist Rag Soak Marca: Prospector Co. Se agregan unas gotas en una taza de agua caliente y se aplica en una toalla comprimida.

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Mensch & Co. Milán 36, Juárez, Cuauhtémoc mensch.mx

- El afeitado clásico no es riesgoso siempre y cuando se siga la regla básica de no apretar la cuchilla, no pasarla sin espuma y no perder el ángulo, pero Mensch, preocupado por la integridad del rostro, propone rastrillos de seguridad y ajustables para hacer más fácil el proceso. Base para brocha y rastrillo Marca: Omega (Italia) Brocha Puro Tasso, con base de madera ovangkol Marca: Omega (Italia) Rastrillo de seguridad Grip Line Marca: Mensch & Co. Rastrillo de seguridad dorado Heavy Duty Marca: Merkur (Alemania) Rastrillo ajustable Futur Marca: Merkur (Alemania) - La principal atracción para darle un buen remate al afeitado son [ 3 ]: Caja de regalo Stash Box Marca: Big Red Beard Combs (Canadá)

Incluye peine de madera, bálsamo, aceite y un jabón para barba, de carbón activado. Set de peines Timber Kit Marca: Big Red Beard Combs Incluye cuatro peines de diferentes tamaños y maderas, además de una base, también de madera. Peine plegable de madera y piel Marca: Big Red Beard Combs Peine para barba y bigote, de latón reciclado Marca: Burton & Levy (USA) Aceite para barba Burroughs Beard Oil Marca: Prospector Co. (USA) - Por último, pero no menos importante, los peines y rastrillos de casa son indispensables para el buen cuidado de la barba. Ten siempre presente escoger según tus necesidades y características de piel [ 4 ]. Black Top Pomade Marca: Mensch & Co. Pomada para cabello y barba, con pigmento cubre canas. De color negro, con fijación ligera.

Premium Pomade Marca: Mensch & Co. Pomada para peinar de fijación media. Acabado semimate. Bálsamo de crecimiento para barba y bigote con minoxidil 5% Marca: Mensch & Co. El minoxidil es utilizado desde los años 80 para prevenir calvicie en hombres. Ritual Facial Cleanser Marca: Triumph & Disaster (Nueva Zelanda) Exfoliante que dejará tu piel suave y tersa [ 5 ]. Mensch & Co. cuenta con un sitio web (www.mensch.mx)en el que podrás comprar, encontrar consejos para el cuidado de la barba, y las mejores marcas. Los envíos dentro de la Ciudad de México son gratis, pero sugerimos visitar la tienda para contemplar todas las opciones y obtener atención personalizada. El paso final del ritual es enjuagar cualquier exceso de espuma o jabón y nuevamente cerrar el poro.

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JUAN ACEVEDO Conquistando el english look Por Carolina Quintana

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Empezar a crear tu propia ropa just for fun se puede convertir en tu mejor pasatiempo, o incluso en tu mejor negocio. Si no me crees, Juan Acevedo es la fiel prueba de que no importa mucho qué estudies, la clave está en descubrir tu verdadera pasión, disfrutarla y explotarla al máximo. Con cinco años en el mercado, el arquitecto siempre tuvo el sueño de crear una empresa, y esta nueva puerta se abrió cuando comenzó a elaborar su propia ropa. Tras el impacto positivo que provocaron sus creaciones, Acevedo decidió incursionar en el mundo de la moda, dando vida a East Club London, su propia marca de estilo completamente inglés. Confeccionando únicamente ropa para caballero, la marca inglesa se encuentra en algunas tiendas multimarca en nuestro país, pero será en octubre cuando el diseñador presente su colección primavera-verano en el Mercedes Benz Fashion Week México. Asimismo, el mexicano trabaja en una nueva pieza para la colección del 20 aniversario de Pineda Covalin y, por último, este año nos sorprenderá con la apertura de su showroom by appointment only en la Ciudad de México, en donde promete una interacción directa con la marca y el diseñador. - ¿Cuál es tu inspiración como diseñador? «Empecé a diseñar cosas que yo me pondría, así como comenzó la marca. También, mucha de la inspiración es lo que se pone la gente, lo que veo en la calle. Estando en Londres, que es una ciudad tan diversa y cosmopolita, ves personas de diferentes corrientes al mismo tiempo; por ejemplo, puedes estar en Camden Town y ver a todos los goths y darks, pero luego estás en Chelsea y ves a toda la gente fresa. Hay miles de lugares en Londres que tienen miles de perspectivas, no sólo de moda, sino en todos los sentidos; digamos que hay muchísimas influencias de muchísimos estilos y de muchísimas cosas que se convierten en inspiración.» - ¿Qué te hace ser fiel creyente de que los clásicos nunca mueren? «Una de las más grandes inspiraciones cuando empecé la marca y de cómo me puse el nombre fue el vestir de los ingleses en las colonias, puedes ver fotos de hace un año o de hace 100 y un traje sigue siendo un traje. La vestimenta formal de hombre no ha evolucionado mucho en siglos, y esa es la idea de que estar bien vestido siempre será clásico. «También, la inspiración de crear la marca como tal fue classic gentleman style. Vi mucha ropa de mi abuelo, cómo estaba hecha, los detalles y demás, lo que realmente demuestra que la ropa bien hecha de hace años sigue vigente; digo, un saco negro siempre va a ser un saco negro.» - ¿Cómo transformarías prendas que encuentras en el armario de tu abuelo para que se vean trendy? «Con la ropa de hombre no hay muchas cosas que puedas hacer fuera de contexto, pero en términos de cómo ha evolucionado una pieza todo se trata de los detalles, si cambias el grosor del lapel, el tamaño del cuello, de las mancuernas, la longitud de las mangas… Los detalles muy sutiles hacen que una prenda se vea modernizada, poner tres botones en vez de dos, cosas así.»

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- Para ti, ¿qué significa ser un gentleman? «Principalmente, vestir bien, en el sentido visual y poético de la palabra, ser una persona con valores, cosas así. Obviamente, un gentleman está relacionado con alguien bien vestido en términos visuales, pero en términos de ser un caballero es algo más que sólo vestir bien.» - En cuanto a estilo, ¿qué se necesita para ser un caballero? «Vestir con detalles. Si te quieres vestir bien necesitas un pañuelo, pero para tener un pañuelo necesitas un saco y para tener un saco necesitas una camisa, entonces, el simple hecho de empezar por el pañuelo significa que debes ponerte todo lo demás. Me encantan los trajes y las combinaciones que puedes hacer con ellos, poner un pantalón a cuadros con un saco liso y agregarle un chaleco. Me gustan mucho los patrones. Además, mucha de mi colección es así, ponerte un saco liso y darle una especie de twist, lo que responde un poco la pregunta de cómo modernizar prendas. Si ves mi colección, hay camisas bastante clásicas, pero si le levantas la orilla de la manga tienen un estampado de flores, botones de otro color, etcétera. Busco que tengan un twist contemporáneo.» - Retomando que eres mexicano, ¿cómo reflejas tus raíces en las colecciones? «De forma un poco subconsciente, porque lo primero que dice la gente cuando entra a mi tienda es que hay muchísimo color, y yo no me había dado cuenta, porque en mi mente el tema de mi colección no era el color. Siento que eso es muy mexicano, porque al estar en México te expones a tanto color que simplemente éste se convierte en parte de tu vida. Tengo muchísimas piezas que son coloridas, también trato de integrar detalles, no sólo mexicanos pero, digo, ahora que voy a hacer una colección para México, los linings y prints tienen un detalle mexicano sin ser demasiado evidente.» - ¿Cómo ves a Juan Acevedo y a East Club London en 10 años? «En Inglaterra hay mucha competencia, porque Londres es la meca del tailoring y el English look, así que no ha sido nada fácil. Hemos intentado miles de cosas diferentes, desde entrar a tiendas grandes o hacer pop-ups. Nos hemos dado cuenta que algo muy chistoso que le pasa al concepto inglés es que es mucho más fácil venderlo fuera de Inglaterra, entonces nuestros planes a futuro son expandirnos, ir a México, digo, ya vendemos en tiendas multimarca y la gente nos pide, así que tenemos muchas más posibilidades de crecimiento en otros países. Si intento verme en el futuro lo hago con expansión en el extranjero.»

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UN PAÃ&#x2018;UELO EN EL SACO ES UN ACCESORIO INDISPENSABLE DE ESTILO Y ELEGANCIA.

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DEVENDRA BANHART

THE SPIRITUAL DUDE Por Alejandro Altamirano

2016, particularmente, ha sido un año muy duro para Venezuela, país en el que Devendra Banhart fue criado por su madre durante su niñez, antes de mudarse a California. El músico, consciente de ello, realizó un concierto benéfico el pasado mes de mayo y todo lo que logró recaudar fue usado para comprar los medicamentos que tanta falta hacen en las clínicas venezolanas. Esto es una pequeña muestra de la personalidad de este artista, que después del lanzamiento de Mala, en 2013, lanzó un par de libros (Unburdened By Meaning y I Left My Noodle On Ramen Street), realizó exhibiciones de sus pinturas y se dedicó a viajar por el mundo, visitando a amigos y participando en un sinfín de proyectos. Este año, Devendra está listo para volver a los reflectores de la escena musical con Ape In Pink Marble, disco que seguramente lo colocará en algunos de los mejores festivales del orbe, lo impulsará a iniciar un tour por los países en los que tiene mayor número de seguidores —México incluido— y lo llevará a pisar nuevos lugares, porque así es Obi, un trotamundos espiritual que siempre tiene listas las maletas para explorar nuevos terrenos, físicos, mentales y artísticos. WARP Magazine tuvo la oportunidad de platicar con el músico antes del lanzamiento del disco, para conocer exactamente qué cosas nuevas lo inspiran en su proceso de creación y en el día a día.

- ¿En qué momento, después del lanzamiento de Mala, comenzaste a trabajar en este nuevo disco? «Creo que en el momento justo en que termino un álbum empiezo a recolectar la información o los elementos que utilizaré en el próximo. El tiempo puede ser un año, dos meses o hasta diez años, periodo que utilizo para llevar a cabo otras disciplinas. En este caso hice arte plástico y edité dos libros con sus respectivas presentaciones, las cuales tienen mucho que ver con la música. Una de ellas la hice en México, en donde toqué canciones nuevas, pero lo mejor fue experimentar con una nueva forma de show que he hecho desde hace poco más de cinco meses, sin un setlist preparado. Lo que hago es preguntarle al público qué quiere escuchar y lo toco, es una manera muy divertida, porque hay más riesgo y es espontáneo. «Algo que siempre trato, que creo que he logrado y de lo cual estoy muy orgulloso, es que nadie —y espero que nunca ocurra— me llame profesional, y lo digo específicamente en el arte. Llamar profesional a un artista es ponerle un clavo en el ataúd de la creatividad. Con esto me refiero, obviamente, al profesionalismo comercial, del tipo que quita todo el espíritu al arte, el que se percibe en un álbum o pintura que sólo fue hecha para hacer dinero, la mayoría de las veces copiando a otra con éxito comercial.»

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- ¿En qué terrenos artísticos, en los que no hayas incursionado aún, te gustaría probarte? «En estos momentos podría decirte que en mi jardín. Tengo uno pequeñísimo, muy seco, es un desierto totalmente, la última parada de autobús en el infierno. Cuando estoy en casa —porque pasó mucho tiempo fuera presentando mi arte— dedico la mitad del día a este último infierno. Lo que hago es comunicarme con la tierra, plantar semillas, vestido casi como una viejita, les cantó, las pongo en la sombra, les pongo agua, y hacer todo eso, para mí, es como una colaboración, se siente como si hiciera una especie de baile, de arte, es una actividad mágica que además me ayuda en la pintura y en la música. Pero quizá, respondiendo a tu pregunta de manera más certera, puedo decir que próximamente editaré un libro de fotografías. Será así porque hace dos años, al estar en un festival, me di cuenta de que tenía total acceso, que podía entrar a los camerinos de otras bandas, que además son mis amigos, y que podía tomarles fotos cuando yo quisiera.» - ¿En qué lugar físico, mental y metafórico se encuentra Devendra Banhart? «Justo ahora estoy en un barrio mexicano, en Los Ángeles, en el cual vivo, un lugar que me encanta porque viven muchos artistas, pero también viven pandilleros de poco más de 50 años que se han retirado y ahora se dedican a la jardinería, lo cual me encanta también. Estar aquí me ayuda a tratar de escapar del drama de mi ego y a practicar las actividades que me dan un indulto momentáneo a dicho drama. Ahí estoy, tratando de practicar la única manera en que un humano puede contribuir a la paz del mundo, conociendo su propio corazón y su ser. De esa manera puedes amar a tu vecino, y sólo así amar al vecino de tu vecino y así sucesivamente. Paso mucho tiempo solo y en la medida de lo posible saco a las personas de mi día; si puedo pasar uno de ellos sin con-

versar con otra persona es un día perfecto para mí.» - Más allá de las nuevas canciones, ¿qué cosas intentaste en este álbum que nunca habías hecho? «¿Qué hice diferente?… Me disfruté. Este disfrute me pareció paradójico, porque es un disco formado de mucho dolor, personas de mi vida murieron y eso se refleja claramente. Es un álbum muy tranquilo, no es para bailar ni mucho menos, pero aunque los temas son serios y están cargados de melancolía me disfruté mucho más haciéndolo que en todos mis discos pasados. «Técnicamente, toqué mucho más el sintetizador, y Noah (Georgeson) y yo tocamos el koto, instrumento japonés similar a un arpa gigante que nunca habíamos tocado y que tuvimos que pedir prestado a una señora japonesa, muy buena gente por cierto. También, algo nuevo que hicimos fue que en lugar de utilizar algunos de los sonidos que vienen ya hechos, en Pro Tools, por ejemplo, o en algún sintetizador, los creamos nosotros; por ejemplo, pasamos tres semanas desgastando una batería para lograr ese sonido que hacen cuando están a punto de morir. Fue un proceso nuevo de experimentación que disfrutamos mucho.» Ape In Pink Marble es el noveno disco de estudio que Devendra Banhart lanzará este 23 de septiembre, a través de Nonesuch, un álbum que le tomó cerca de tres años realizar y que cuenta con el reconocido productor Noah Georgeson, responsable también de Mala y conocido por su trabajo con grupos como The Strokes, Joanna Newsom y Natalia Lafourcade. La placa consta de 13 tracks entre los que destacan ‘Middle names’ —primer corte y sencillo—, ‘God times Charlie’, ‘Jon Lends’, ‘Mara’ y ‘Linda’, piezas que probablemente estén inspiradas en algunas de las personas que Devendra perdió durante el proceso de creación de este nuevo material.

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PARA UN ESTILO MÁS RELAJADO SANDALIAS Y GUAYABERAS.

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EL AUTOMÓVIL

DEL VERDADERO CABALLERO Por Enrique Ortega

«UN COCHE NO TE PUEDE ABRAZAR… PERO UNA TÍA JAMÁS PODRÁ LLEVARTE A 120 KM/H POR LA AUTOPISTA»

El automóvil, a sus más de 100 años de vida, ha pasado de ser un simple medio de transporte a un objeto de culto, motivo de museos, colecciones, deseos y hasta películas, y mientras las mujeres valoran más el calzado de un hombre (por el reflejo que implica de aseo y clase), estudios sociales dicen que entre hombres el primer comparativo es el auto que traemos; en otras palabras, los hombres invertimos dinero para comprar el mejor auto que podamos no para conquistar a una mujer, sino para ser mejor que nuestra “competencia”. Ya lo decía Jay Leno, el famoso conductor estadounidense: «Yo compro autos por economía: es más barato mantener 20 autos y una sola mujer, que mantener 20 mujeres y solo un auto». Lo curioso es que el Dr. Michael Dunn, de la Universidad de Gales, afirma lo que muchas mujeres niegan: ellas sí prefieren a un hombre que maneje un auto de lujo por encima de uno promedio. Ahora bien, ¿es cierto que el auto seductor o el ideal para el caballero de hoy debe ser un Mercedes o un BMW? No necesariamente, en realidad todo tiene que ver con el mensaje que se quiera comunicar. Al hablar de la imagen pública de un caballero se debe pensar en su esencia y la coherencia entre ésta y cómo quiere que los demás lo vean, es por ello que revelaremos los cinco autos top para el hombre del nuevo siglo, de acuerdo a lo que deseen comunicar.

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1. EL HOMBRE AMBIENTALISTA Nikola Tesla, uno de los científicos más notables del planeta, jamás imaginó que su motor de inducción, fabricado en 1888, sería el corazón e inspiración de una generación de automóviles con su apellido como marca, cuyos valores diferenciadores son torque instantáneo, alta potencia y cero emisiones contaminantes. Elon Musk, presidente de Tesla Motors y uno de los empresarios más mediáticos en los últimos cinco años, ha declarado que el Modelo S es uno de los más seguros del planeta, y no es para menos, pues es el único que cuenta con un sistema de piloto automático real que permite su conducción sin salirse del carril, o bien, cambiar de

2. EL HOMBRE ELEGANTE Y COSMOPOLITA Con 95 años cumplidos, la marca alemana Maybach es una de las menos posicionadas en la mente de los consumidores a nivel mundial, esto debido a que su core-business son los autos de súper lujo y, como es de pensarse, son muy pocas las personas que tienen la capacidad económica para adquirirlos. En los años 60, Maybach fue comprada por Daimler, la compañía

línea con sólo apretar un botón; incluso puede buscar un lugar de estacionamiento disponible y, en solitario, aparcarlo sin falla. Las películas de Hollywood nos enseñaron que los autos eléctricos eran feos, cuadrados y aburridos. Tesla ha cambiado esa concepción, no sólo con un diseño espectacular sino con un performance bárbaro. El Tesla S P90D acelera de 0 a 100 km/h en tan solo 3.3 segundos, y su tope de velocidad es de 250 kilómetros por hora. ¿Su autonomía? 434 kilómetros en condiciones ideales. Sin duda, Tesla dio en el blanco al ofrecer una opción verde enfocada al hombre que no escatima en su imagen por proteger el planeta.

hoy dueña de Mercedes Benz. En un intento por competir contra Bentley y Rolls-Royce, Daimler lanzó en 2005 dos modelos Maybach (57 y 62, que toman su nombre del número de metros de largo del auto: 5.7 y 6.2) pero no fueron lo suficientemente persuasivos, de tal suerte que se vendieron menos de 100 unidades en todo el mundo (uno de esos 100, por cierto, fue adquirido por el cantante mexicano Luis Miguel). La mejor solución que encontró Daimler fue dejar a Maybach simplemente como un

modelo específico para el ya conocido Mercedes S600 Pullman (el más largo y lujoso de su gama). El Mercedes – Maybach S600 Biturbo es un auto de 12 cilindros y 523 caballos que tiene toda la esencia de la marca que lleva en el nombre. Maybach nunca fue un auto diseñado para quien maneja, sino para el que va en el asiento trasero. Eso explica por qué cuenta con asientos que dan masaje, refrigerador para bebidas, mesita de trabajo y hasta aromatizante que

se despliega desde las puertas. Por si fuera poco, el auto es un hotspot de internet con ruedas, así que cualquiera que se suba tiene una conexión WiFi y conserje en el camino para auxiliar con información sobre el tránsito y el clima. Así como el hombre verdaderamente elegante no es aquel que presume las marcas que porta, pues todo lo que usa es hecho a la medida, el Mercedes – Maybach S600 es un auto que sólo los conocedores aprecian y envidian.

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3. EL HOMBRE SEDUCTOR Frank Sinatra alguna vez dijo: «Cuando quieres ser alguien, conduces un Ferrari. Cuando ya eres alguien, conduces un Lamborghini.» Quizá tenía razón.

5. EL HOMBRE 100% MEXICANO A pesar de tener en México una de las mejores escuelas de ingeniería automotriz en el mundo (Rigoletti), esta industria está prácticamente muerta. Sin embargo, varios esfuerzos han surgido, tal es el caso de Mastretta, la compañía fabricante del MXT (que fuera vapuleado en Top Gear y provocara una disculpa pública de sus conductores). Esta empresa, como muchas en el país, fue víctima de la corrupción y el aprovechamiento de unos cuantos, pues al final de 2013 tuvo que cerrar sus puertas por hacer uso de fondos de inversión que, en lugar de hacerla crecer, destrozaron su reputación y sus objetivos de negocio.

Lamborghini es una marca creada hace poco más de medio siglo por el hombre que hacía, irónicamente, uno de los vehículos más lentos en la historia de la humanidad: tractores. Ferruccio Lamborghini fue colaborador de Enzo Ferrari hasta que una discusión lo llevó a convertirse en la competencia directa de este último, al crear la marca que tiene como símbolo un toro de lidia. El Huracán toma su nombre de un toro de 1879, conocido mundialmente por su coraje. Tal vez pueda parecer raro que en este ranking propongamos al Huracán como superior al Aventador y las razones sobran: En primera, el Huracán es un auto mucho más dócil de manejar, y si bien alguien que compra un Lamborghini no busca precisamente este valor, es cierto también que un verdadero caballero debe reconocer sus límites. Además, el Huracán es más rápido en velocidades cortas, al ir de 0 a 100 km/h en entre 2.6 y 3.3 segundos, mientras que al Aventador le puede tomar hasta 3.4. Es cierto que de 0 a 300 km/h sí se lo lleva de calle —27.6 a 29.6 segundos contra 23.9 y 25.8— pero, ¿quién corre de verdad hasta esa velocidad en estos tiempos, fuera de una pista? Con muy pocas diferencias reales en su desempeño y equipamiento, el precio sí varía abismalmente: el Aventador inicia en 380 mil dólares mientras que el Huracán comienza en 240 mil. Lo más interesante de un auto como el Huracán es el mensaje enviado: en la imagen masculina no puede existir un icono más seductor que un Lamborghini.

4. EL HOMBRE TRADICIONAL Imposible hablar del auto para un verdadero caballero sin mencionar a los ingleses, íconos del bien vivir y las buenas costumbres. Jaguar es una compañía fundada en 1922 que ha pasado por varios dueños, entre ellos Ford y, de manera más reciente, la empresa india Tata Motors. En el British International Motor Show de 1948 se presentó el primer modelo XK120, un auto de seis cilindros que resultó ser un deleite visual para el público de la época, tanto que inmediatamente se generaron más de 300 órdenes de venta y entonces Jaguar nos regaló una tremenda lección: no prometas algo que no puedas cumplir. La producción de este vehículo resultó tardada en extremo, por lo que, en aras de resolver el problema, hicieron uso de partes de otros autos (como el caso del Aston Martin) y, al final, cumplieron, aunque no a cabalidad con lo mostrado en el Motor Show.

Este año nace otra luz que espera ver el éxito pronto: Inferno Exotic Car, un auto fabricado con un material que, a decir de Said Robles — su inventor e investigador del Tecnológico de Monterrey—, es indestructible: metal foam. El Inferno presume poder llegar a los 395 km/h, gracias a su ligereza y motor V8 biturbo, pero como todo lo bueno, y más lo nuevo, cuesta, y su precio partirá de 1.5 millones de dólares.

Sin embargo, si se trata de hablar del modelo más icónico de la gama es necesario ir a 1956, cuando surge el XK140 roadster convertible, un auto que fue la envidia de muchos al protagonizar la película Cruel Intentions, con Sarah Michelle Gellar y Ryan Phillippe. Enaltecido con la canción ‘Every Me And Every You’, este auto mostraba la completa personalidad de un joven seductor que apuesta con su hermana el tener relaciones sexuales con una nueva estudiante, hija del director del colegio. Si perdía, la hermana ganaba el Jaguar XK140. Para el hombre que comunica tradición sin perder el rango seductor y caballeroso, un auto clásico como este es, sin duda, lo ideal.

- Enrique Ortega es consultor en imagen y CEO de la agencia de comunicación estratégica Lata de Ideas, con sede en México y Londres.

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INKINC

HACER DE LA TINTA UN ESTILO DE VIDA Por Victor G. García Fotos: Vidal Cruz y Mauricio Ibáñez para WARP

La primera vez que me enteré del nombre de InkInc fue a través de las redes sociales. Era el 2013 y en mi feed se hacían cada vez más recurrentes las imágenes y videos de gente tatuándose mientras sonaba buena música de fondo en un spot bastante chido. Lo primero que llamó mi atención fue que no se trataba de un estudio de tatuajes como cualquier otro, como esos que abundan en la ciudad, ahí se alternaban vasitos con tinta y botellas de cerveza al tiempo que las agujas pinchaban por igual la piel y las tornamesas. Eran tatuajes pero también era fiesta. Apenas habían pasado unas semanas de su apertura y por su estudio ya habían cruzado un montón de artistas, modelos y skaters. El Vive Latino ya les había abierto sus puertas. Por primera vez comencé a notar que se hablaba cada vez más de los tatuadores en su calidad como artistas, sobre todo entre quienes no estaban tan inmersos en el mundo del tatuaje. Al año si-

guiente ya estaba sentado en su recién inaugurada sucursal de la Juárez esperando mi turno para tatuarme mientras observaba un mural de Curiot en la pared y a mi lado Marcelo Lara de Moderatto se hacía un tatuaje. El concepto de InkInc demuestra que el tatuaje es más que sólo inyectarse tinta en la piel, sino que alrededor de esta práctica orbita toda una cultura ligada intrínsecamente a otras áreas creativas que conjugan la música, el arte urbano, la moda -y ahora hasta la gastronomía-, todo visto desde una perspectiva multidisciplinaria cuyos elementos tienen como común denominador el amor por el tatuaje. Enrique Castañeda, fundador de InkInc y también conocido por su trabajo como productor bajo el alias de Meketrefe, define el concepto del estudio como Tattoo Lifestyle Company. Meketrefe nos recibió en la suite presidencial del hotel W durante el takeover que llevaron

a cabo para impartir cursos de docencia dirigidos a jóvenes interesados en incursionar en el arte del tatuaje, mismos que paulatinamente se conectaban con sesiones de tatuaje que realizaban en el momento los residentes del estudio y luego con fiestas donde varios DJs mezclaban música en vivo que ponían a sacudir las pieles rayadas.

a la mañana. Como cuenta Meketrefe, los inicios de InkInc fueron fortuitos.

En eso reside la filosofía de InkInc. “Inkinc es música, tatuajes, street art y moda. Es un medio de entretenimiento que abarca estas cuatro directrices. A través de ella hemos generado ideas originales cuyo principal objetivo es que motiven y que manden una señal que algo está pasando en la Ciudad de México”, nos cuenta Meketrefe mientras supervisa los últimos detalles del evento del día.

“Yo estaba muy contento viviendo en Nueva York haciendo música. Fallece mi madre y tengo que venir a México. Me quedé un tiempo, renté un departamento y se fue acomodando todo. El espacio era muy grande y decidí invitar a algunos amigos a tatuar. Así empezó todo, sin planear la marca. Fue una consecuencia de algo que estaba pasando en cierto código postal, en la Condesa. Éramos una serie de personas que nos juntamos, apoyamos y motivamos para poder destacar todos en conjunto. Músicos, productores, actores, modelos y artistas que tenemos como constante el tatuaje. Sin querer, y sin contar con un sello comercial, empaquetamos todo esto bajo lo que ahora es InkInc”.

Pero llegar al piso 25 del W, con todo y su impactante vista, no es algo que se dio de la noche

Este acercamiento en la filosofía del tatuaje que hace mancuerna con creativos de diferentes

áreas es lo que distingue a InkInc de sus competidores. Aunque Meketrefe admite que su fuerte nunca fue su habilidad artística, después de cruzar unas palabras con él es posible notar la experiencia que carga por el hecho de haberse rodeado del ambiente del mundo del tatuaje, lo cual se tradujo en su particular visión de negocios. “Por estar hangeando con amigos tatuadores aquí en la Ciudad de México y en Cabo, sin querer ya tenía ese conocimiento. A pesar de no tener el talento artístico siempre estaba pensando cómo se podían mejorar las tattoo shops desde una visión de negocios. Hace unos años nació una nueva escena del tatuaje moderno en México. Podría considerarse la tercera generación, aunque yo creo que es la segunda en cuestión comercial. Queríamos mostrar el estilo de vida de un tatuador top. Creo que es lo que lo hace auténtico. No había ninguna pretensión económica ni social”.

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Meke conoce perfectamente la importancia que han tenido las redes sociales, en especial Instagram, dentro del éxito que ha logrado InkInc en el corto tiempo que llevan operando como uno de los estudios de tatuajes más importantes de la Ciudad de México. Mientras hacemos la entrevista, se detiene entre preguntas y dirige a su staff para documentar todo lo que pasa en la cima del hotel. Como buen mercadólogo, es consciente del poder que tienen las redes sociales para penetrar en todos los niveles de la sociedad. Este trabajo de social media le ha ganado más de medio millón de seguidores en Facebook.

“Para nosotros se trata sobre publicidad orgánica, otras marcas pagarían millones de dólares para poder lograr esto. Nosotros teníamos una necesidad que mucha gente quería. Estábamos parados geográficamente en un tiempo y un espacio específicos. Era el boom de Instagram: fotos al instante. Esto nos empujó a ser constantes en una red social y enfocar rápido cuáles eran los encuadres desde los que se podía comercializar esto. Al tener la oportunidad de trabajar con estos clientes y retratarlos de manera directa -y hacerlo con el timing que agarramos en las redes sociales-, resultó en que todo fuera orgánico. Recuerdo que abrimos y a los 15 días estuvimos en el Vive Latino y ya muchos conocían la marca sólo por lo que hacíamos en social media”. Gracias a su experiencia como DJ, Meketrefe retoma las prácticas de booking que se aplican en los músicos para llevarlos hacia el mundo del tatuaje. “Si nos paramos en el 2016 y vemos las es-

trategias de marketing que tienen las agencias, sería muy difícil para nosotros pagar la nómina que tenemos de artistas. Pero nosotros nuca lo vimos de esta manera. Simplemente, los sistemas de booking que se utilizaban para los DJs los utilicé para bookear a artistas del tatuaje y posteriormente grafiteros, skaters y cocineros ahora. Así vemos la industria. Se trata de crear un nuevo paradigma, no creo que exista un sistema de booking y management así en otra parte del mundo y con esta calidad. Podríamos ser competitivos en cualquier lugar. Eso es lo que llena de orgullo a la gente que trabaja al interior de este proyecto. Formar parte de una idea 100% mexicana, del Distrito Federal, y de la cual se puede sacar bastante provecho hacia el exterior”.

Desde su apertura en el 2013, InkInc ha extendido sus operaciones en diferentes puntos de la ciudad, algo que Meketrefe califica como un efecto dominó. En el 2014 abrieron InkInc en la Colonia Juárez y un año después en el Barrio Alameda. Durante este año han extendido su proyecto a áreas que llegan hasta la gastronomía. “Tal vez se puede pensar “¿qué tiene que ver la cocina con el skate?”. InkInc es visionaria en cuanto a las nuevas propuestas que vienen del país, principalmente con sello de la Ciudad de México. Hay muy buen filtro de calidad. Me siento muy orgulloso de que los artistas de InkInc salgan al exterior. Después de tres años estamos teniendo todo un cambio generacional

en toda la empresa, tanto en redes sociales y tatuadores. Todo con la finalidad de seguir garantizando una nueva experiencia”. También, InkInc tiene está por extender las operaciones del estudio a Nueva York con la finalidad de llegar a una audiencia más amplia que está ávida por conocer lo que sucede en la Ciudad de México. “A raíz de haber vivido allá, considero que sería una excelente manera de mandar un mensaje positivo de México hacia el mundo. Como se nota en la tendencia de los medios informativos de allá, hay mucha atención en lo que está pasando acá. Se trata de llegar no sólo a públicos de habla hispana, sino a todo el mundo, creo que ahora es igual hablar español que inglés. Arrancamos con nuestra plataforma de InkInc TV para retratar lo que pasa dentro de estas áreas en dos grandes ciudades en ambos idiomas. Es un mercado competitivo pero creemos que tenemos de sobra calidad y el país lo respalda ahorita”. Como enfatiza su dueño, InkInc no vende tatuajes, sino lifestyle. Especialmente en un momento en el que las nuevas generaciones valoran la experiencia integral y más si viene acompañada de un producto de calidad. Por ello, para Meketrefe se trata de enterrar el pasado y pensar en el futuro para ofrecer servicios de avanzada. “Al diablo la Revolución, la Independencia, los aztecas y los olmecas y todo eso. No es faltar al respeto, es ser objetivo y responsable con las futuras generaciones”, sentencia Meketrefe.

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A PERMANENT REMINDER OF A TEMPORARY FEELING Fotos y texto: Natalia Esteve (La Tacha)

Creo poesía a través de mis fotos. Cada una es un verso, una rima, un sentimiento. Llamo a la compilación de estos versos (que no son escritos, sino expresados en imágenes presentadas en blanco y negro) un poema. Este en particular se llama “A Permanent Reminder Of A Temporary Feeling”, una serie de fotografías que facilitan la construcción de narraciones gráficas, el desarrollo de un acontecimiento. Los sujetos se presentan anónimamente, siendo identificados únicamente por un dibujo, una figura o un texto, plasmado en tinta a través de agujas bajo la epidermis del individuo.

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ALFONSO CADENA

ACTITUD EN LA COCINA Por Michelle Apple Foto: Majo Thielve para WARP

La cocina es una profesión que requiere de esfuerzos y sacrificios, como toda disciplina en la que se quiera destacar, sin embargo, a veces la dedicación y el tesón son sólo una parte de la ecuación, importante, pero que se complementa a través de la creatividad y la personalidad que cada ejecutante imprime a su trabajo. En ese aspecto, es forzoso hablar de la labor de Alfonso Cadena. El originario de Sonora lleva la gastronomía en las venas, ya que, por su familia, el amor a la cocina es algo que pasa de generación en generación. Sin embargo, no podríamos mencionar su trabajo sin hablar del momento en que lo cambió todo, cuando se mudó a Guadalajara, Jalisco. En ese instante, Puerto Vallarta y el Océano Pacífico se convirtieron en una de sus grandes influencias como chef. Tras concluir sus estudios en Diseño Gráfico y tener un andar por el mundo de la música (arte que sería fundamental en su ejercer gastronómico), Alfonso se dedicó a absorber lo mejor de diferentes partes del mundo, desde Canadá hasta Europa, para aplicarlo a su cocina y así convertirse en uno de los chefs más renombrados de la zona del Bajío mexicano. Su proceder al enfrentarse a los alimentos, calificado como visceral, es libre y lleno de improvisación, sin que esto signifique saltarse las reglas. Para este caballero de la cocina, exaltar los sabores a través de la inspiración que nace del trabajo es una regla de oro. Platicamos con el fundador de El Hueso, en Guadalajara, y La Leche, en Puerto Vallarta, dos de los restaurantes más destacados de México con base en Jalisco. En dicha conversación nos contó lo que para él, desde lo más profundo de sí mismo, significa ser chef, en sus propias palabras «un oficio muy noble y cool». - ¿Cuál crees que es la labor de un representante de la cocina mexicana hoy en día? «Creo que el cocinero de hoy tiene que ser un

maestro, disfrutar, debe mostrar al mundo cómo es México, geográfica, gastronómica, filosófica y culturalmente, siempre con respeto, así se desarrolla y ayuda a crecer el mundo de la cocina.» - Parece que cada día conocemos más casos de éxito en la profesión de chef, son como los nuevos rockstars, ¿no crees? «Se ha despertado una curiosidad por el oficio y tiene mucho que ver con el ser humano, ya que la alimentación es un principio básico y ellos encuentran mejores, distintas y divertidas maneras de conseguir sabores. Hay chefs de rescate, propositivos, y otros a los que simplemente les gusta cocinar y hacer mezclas, respetando las localidades. México es un país muy regional en su gastronomía y nunca te acaba de sorprender, debido a la fusión de espacios e ingredientes.» - Además, no sólo son los chefs, estados como Baja California, por ejemplo, se colocan a la vanguardia en lo que a gastronomía mundial se refiere… «Estamos marcados por la historia, es importante registrar los acontecimientos y aprender de ellos, estados como Oaxaca, Puebla, Veracruz y Yucatán han tenido durante mucho tiempo un desarrollo, y la fortuna de Baja California es que es relativamente un estado joven, es un libro nuevo, con páginas en blanco en el que puedes escribir y narrar nuevas historias, desde muchos puntos de vista. «La gastronomía en México se rige por el producto y éste te ayuda a expresarte y a darle un plus a la cocina. Estas manos tienen que conocer y enaltecer los productos mexicanos, el Mar de Cortés es un ejemplo de tesoro mundial, todo el pacífico es sumamente rico en producto e interpretación de recetas.» - Alfonso, tienes una larga trayectoria y tu trabajo te ha hecho destacar como uno de los chefs más conocidos en Guadalajara y la zona del Bajío. Cuéntanos, ¿de dónde viene la inspiración para lo que haces? «Creo que la inspiración llega por medio del trabajo. No creo en las musas, creo en los retos, tener una idea y hacerla realidad. El chef bus-

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ca, por ejemplo, el dominio de la temperatura (porque no es lo mismo un sartén de acero, hierro o aluminio) y los sabores se desarrollan por medio del conocimiento, hay que hacer un esfuerzo por conocer el producto para poder traducirlo y darlo a conocer en el mundo.» - ¿Te gusta hacer muchas cosas a la vez mientras cocinas o dedicarte a algo al máximo? «Creo en la filosofía de “pocos hijos, bien amados”; es decir, las cosas se tienen que hacer con tiempo para verdaderamente disfrutar del placer de alimentarse, porque existe la necesidad y el placer.

Entiendo que hay una necesidad por comer, pero el placer nos hace distintos a un animal, el poder disfrutar, por ejemplo, un atún azul de Ensenada.» - ¿Cómo ves a las nuevas generaciones de chefs? ¿Cuál crees que es su misión para continuar el trabajo hecho por ustedes? «Creo en la libertad y en las nuevas generaciones de chefs, ya que ellos no sólo aportan sabores, sino experiencias y son responsables socialmente, aportan a la nutrición y suman a la cultura mexicana. Creo que de la simpleza vienen las cosas más complejas.»

- Sabemos que uno de los detalles que diferencian tu trabajo y los sabores que creas es, justamente, la relación que tienes con la música. Para ti, ¿cómo funciona esa unión entre cocina y música? «Para mí la música representa el sentimiento más noble, es una de las conexiones más primitivas logradas por el ser humano. Curiosamente, el ritmo y la música son fundamentales en la cocina; si vas a hacer una salsa, pones un sartén, dejas que el fuego empiece a calentar, mientras traes el ritmo en el pie, pones la cebolla, el ajo, el tomate.»

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RECUERDA, LO PRIMERO EN LO QUE SE FIJAN LAS MUJERES AL CONOCER A UN HOMBRE ES EL CALZADO.

ENRIQUE ORTEGA

LA IMAGEN COMO ARMA Por Sara Araujo Foto: Manuel Baca para WARP

Sin duda alguna, el concepto del caballero moderno ha adquirido gran importancia en la actualidad. El valor agregado que da la conducta, la comunicación y apariencia de una persona puede definir futuros vínculos sociales y laborales. Tal es la importancia, que hoy existe una profesión especializada en el tema: la consultoría de imagen. Ejemplo destacable de estos profesionales es Enrique Ortega, Licenciado en Diseño Gráfico y Maestro en Imagen Pública. Enrique es un distinguido consultor, quien actualmente es docente en ambos campus de la Universidad Anáhuac, en la Ciudad de México; es CEO de la agencia digital Lata

de Ideas, y fundador de Cosmo Ciudadano, sitio web dedicado a informar sobre los acontecimientos más destacados a nivel nacional e internacional. En WARP Magazine tuvimos la fortuna de platicar con Enrique, quien nos compartió un poco de lo que ha sido su vida, sus logros, su trayectoria profesional, así como algunos tips exclusivos para los caballeros modernos. - Tu trabajo como consultor de imagen te ha llevado a asesorar a candidatos políticos, cantantes y empresarios. ¿Cómo fue tu primer acercamiento a esta línea de trabajo?

«Bueno, yo estudié Diseño Gráfico en la UIC y luego hice una maestría en Imagen Pública. Es muy curioso, porque el primer acercamiento que tuve en el terreno de la imagen, lo que me motivó a estudiar la maestría, fue The Kid, de Bruce Willis. Él interpreta a un consultor de imagen y cuando vi la película me enamoré de esta disciplina. Tristemente, en aquellos días no había dónde estudiar y yo aún estaba en la carrera de diseño. Varios años después, de hecho, descubrí el Colegio de Imagen Pública y ahí estudié la maestría.» - ¿Para ti qué significa ser un gentleman, un caballero moderno? «El concepto ha cambiado con los

años, puedes ver cómo eran en la década de los 40 y los 50, se trataba de un hombre proveedor, macho, que llegaba a su casa y la mujer le tenía que preparar la comida. Hoy los tiempos han cambiado, el hombre moderno es una persona trabajadora y cooperativa en la casa, al igual que la mujer, lo que no lo exime de tener familia, tener hijos. Creo que esa es la definción de caballero, un hombre trabajador, educado, que no pierde la gentileza hacia la mujer, que cuida a los hijos, que sabe cocinar. Es proactivo, inteligente, buen platicador y, al final, es líder en lo que hace. En tiempos como los de hoy, en parejas gays hay caballeros también.»

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FRANK SINATRA,

THE TRUE GENTLEMAN

Por Sara Araujo

Las reglas básicas de un caballero moderno evolucionan constantemente. Sin embargo, algunas prevalecen en el tiempo. El icónico músico Frank Sinatra tenía un impecable sentido del estilo personal que influyó en generaciones posteriores. Estos fueron los aspectos generales que hicieron a Sinatra el hombre que era: 1. Se necesitan dos manos para poner en un sombrero de la manera correcta: Poner el borde doblado hacia fuera, por delante colocarlo a un par de pulgadas por encima de la ceja derecha. 2. Nunca usar café por la noche. NUNCA. 3. No hay excusa para usar zapatos cafés después del atardecer. O zapatos blancos. O cualquier cosa gris, a menos que sea un carbón profundo. O azul, a menos que sea el tono azul que hay a la medianoche. De hecho, vamos a mantenerlo simple: por la noche, los hombres deben usar negro. 4. Los lazos deben ser de seda. Y conservadores. 5. Siempre ten en cuenta las mancuernillas. Pero deja la joyería elegante para ocasiones especiales. 6. Al vestir formalmente, un chaleco es mejor que una faja. 7. No usar un smoking el domingo. 8. Tener armarios desordenados es como ponerse ropa limpia sobre la ropa interior sucia. 9. La ducha es un gran lugar para quitar con vapor las arrugas en tu smoking. 10. El naranja es el color más feliz. 11. No ocultes tus cicatrices. Ellas hacen lo que eres. 12. Cuando se trata de bolsillos, todo debe tener su propio lugar. 13. Un pañuelo de bolsillo es esencial, pero tiene que estar perfectamente doblado. 14. Saca brillo a tus zapatos. 15. Corta. Pulir. Limpiar. 16. Quita la mano de tu traje, chico raro.

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MORITZ WALDEMEYER GENTLEMAN OF LIGHT Por Harold Renteria

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Cuando un artista decide crear, tiene la libertad total de escoger los elementos con los que dará vida a su obra. Cuando llega la hora de elegir el espacio, la gente y los materiales para emprender el camino artístico, estos puntos son decisivos para que el producto final tome la forma visualizada al ser concluido. Un caso de éxito, en el que dichos elementos se acomodaron a la perfección para dar paso a creaciones ideales, es el de Moritz Waldemeyer, importante artista plástico de origen alemán que es fiel creyente de la luz y sus posibilidades para crear cosas increíbles. Sus materiales favoritos son las luces LED y los lasers, y ha tenido la fortuna de presentar su trabajo junto a artistas de otras disciplinas, como la banda irlandesa U2, la cantante australiana Kylie Minogue, las marcas de automóviles Mercedes y Audi, y marcas diseñadoras como Swarovski y Hugo Boss, además de hacer sinergia con industrias como Microsoft y Disney.

Siempre con una meta fija, Moritz entiende lo que necesita cada uno de sus clientes, satisface hasta el último detalle y da de qué hablar con cada obra que presenta al final de su interesante labor. Su más reciente participación la llevó a cabo con Johnnie Walker, en la que no decepcionó y cocreó la nueva campaña de la marca, algo brillante y diferente que encaja con lo que se quería demostrar: “Logras lo increíble disfrutando lo que haces”; vaya que Moritz es un ejemplo claro de esa frase.

La evolución de las luces LED fue un punto crucial en la carrera de Moritz, quien se dio cuenta de que era una opción factible trabajar con ellas, ya que podía poner a su lado de manera casi simétrica los microcontroladores, un mecanismo que le había interesado desde que lo conoció. «En el primer escenario, cuando el LED empezaba su desarrollo, que ha sido en los últimos diez o 15 años, empecé a experimentar con microcontroladores y LEDs, fui una de las primeras personas en traer eso al mundo del diseño y hacer un trabajo creativo con ello. Así es como todo empezó», aseguró Waldemeyer.

Este alemán creció en una familia de artistas; sus abuelos eran pintores y trabajaban con cerámica, su tío es diseñador de productos y su tía se dedica a la joyería. Sin embargo, lo que a él le llamó la atención desde el principio fue la ingeniería, así que estudió mecatrónica en Londres e intentó conjugar el arte y su profesión para hacer funcionar aquello a lo que ahora se dedica.

Dentro del mundo de la música, los trabajos más importantes de este artista han sido la chaqueta de lasers de Bono en el 360 Tour, de U2; el concepto y diseño del video para la canción ‘Lights’, de Ellie Goulding; un increíble pedestal para micrófono, para Kylie Minogue; un traje especial de lasers para Mika; la guitarra luminosa personalizada de la banda OK GO, y la chamarra de LEDs que Will.I.Am usó en la última gira de Black Eyed Peas:

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Beck's Saphire

«Siempre hay nuevas cosas por hacer. Soy mucho más de mirar el momento y a futuro que de mirar hacia atrás, es más interesante pensar en lo que sigue en vez de contemplar lo que fue, no tiene sentido». El trabajo de Moritz se ha hecho más sofisticado en estos días, ya que la tecnología le permite hacer cosas más complicadas. En sus inicios, llevar un proyecto a cabo resultaba más labo-

rioso y demandante —aunque no imposible—, constancia que lo llevó al lugar en el que está. Actualmente, el diseño paramétrico en 3D es una de las herramientas más útiles para el artista. Sin duda, la luz motiva a Moritz, y él mismo explica que ésta «es un medio que crea atmósferas y, de cierta forma, detona algo dentro de la gente que no puedes descubrir con otro medio en el arte y el diseño, tiene una cualidad mágica que nada más tiene».

La variedad es algo que caracteriza la obra y el actuar de Waldemeyer. Sería difícil comparar una de sus piezas con otra, ya que es muy singular y especializado el proceso de cada una. Lo que es seguro es que cada vez que Moritz crea, imprime el alma y otorga la dedicación necesaria para llegar a su objetivo, sea algo sumamente ambicioso o realmente simple, pasión y talento que lo ha impulsado para alcanzar sus logros a lo largo de los años.

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Ming [ 01 ] Bono [ 02 ] Kayoubi [ 03 ] Internal Tall White [ 04 ]

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MARK MAHONEY A GENTLEMAN, AN ICON Por Karina Luviรกn Fotos: Mark Oblow

«La razón por la que mis libros son populares es porque soy alguien que ama, y por eso mis trabajos son poéticos —yo no sabía que estaba haciendo poesía, pero lo hago—. Ama lo que haces y haz lo que amas. No escuches a nadie que te diga lo contrario (…) mi epitafio debería decir: “Aquí yace Ray Bradbury, quien amó la vida por completo”». El epitafio de Mark Mahoney podría decir lo mismo, un hombre apasionado que guiado por su instinto erigió uno de los nombres más destacados en la industria del tatuaje. Nacido en Boston, en una familia católica tan común como cualquier otra, el hombre de mirada profunda y voz enigmática, que lo mismo tatúa a un joven de East L.A. que a Mickey Rourke o Rihanna en una noche entre amigos, narra, con esa serenidad que caracteriza su hablar, que quiso ser tatuador desde que conoció la técnica, y lo único que hizo fue seguir su voz interior: «Es gracioso mirar atrás, hacia ese periodo. No sé si soy la persona más valiente del mundo pero sólo me enfoqué en ello, sabía que tenía que ha-

cerlo de algún modo y lo hice, sin ningún miedo, era algo que me llamaba y me valió un carajo lo que dijera mi mamá y mi papá, si se molestarían, si me arrestaban, que era algo que ocurría en aquel tiempo. Era un chico católico, de Boston, cuyos padres probablemente querían que fuera cura y yo elegí lo más lejano a eso.» Durante el siglo pasado, diferentes estados de la Unión Americana mantuvieron una prohibición a los tatuajes. Massachusetts fue uno de ellos, lo que representó un muro al mismo tiempo que una ventana para Mahoney, toda vez que tuvo que viajar a Rhode Island, a Nueva York y, finalmente, a California, lugar que lo abrazó para nunca más dejarlo ir. Si hoy él inspira a decenas de tatuadores, ¿existió alguien que provocara lo mismo en él? «Sí, claro, está este tipo que era una especie de líder en la pandilla de la que formaba parte en Boston, Mark Herlehy. Él era dos años más grande que yo cuando se tatuó y en ese momento, al ver su piel, nos quedamos pasmados y dijimos,

“hey, ¡esta es la chingadera más cool de todas!”. Sí, él, quien aún tatúa en New Hampshire, es probablemente la persona más importante en los primeros años de mi carrera.» Mahoney, la piedra angular del estudio más importante en Sunset Strip, viaja en el tiempo colgado de un auricular desde las oficinas de Shamrock Social Club y nos lleva consigo, justo a ese día en el que hizo su primer tatuaje: «Fue tan emocionante. Mark tocó a mi puerta, con su uniforme de marinero, una caja de Budweiser y todas las cosas de tatuaje apiladas en la parte de arriba. Me dio un curso rápido y me obligó a empezar, en su espalda». Entonces el ícono trastabilla, se emociona, y retoma: «Uno de los chicos en el estudio me preguntó cómo se tatuaba en aquella época y, bueno, actualmente no lo hacemos en alguien ebrio pero le contaba que tuvieron que pasar probablemente diez años antes de que hiciera un trabajo en alguien que no estuviera borracho. Él no lo podía creer, parecía que le hablaba de un mundo diferente», concluye, en medio de una risa nostálgica por una época que no existe más.

EL LOOK SERIO Y FORMAL, ACOMPAÑADO DE TIRANTES Y EL PEINADO ROCKABILLY (ADEMÁS DE UN PEINE EN EL BOLSILLO) SON UNA OPCIÓN MÁS DE JUGAR CON LAS TENDENCIAS.

Delgado, de cabello cano y ojos azules, zapatos impecables, camisa perfecta y un Cadillac clásico que lo lleva al estudio que ama por lo que representa y por cada historia que encapsula; un caballero, convertido en leyenda, con una visión particular de lo que tatuar significa: «Tatuar es, probablemente, lo que más me entusiasma, me hace sentir una conexión con la gente, la habilidad de hacer sentir bien a las personas con respecto a ellas mismas, eso es maravilloso. La idea me vino con un gran amigo ya fallecido, cuando empecé a tatuar. Él era este

tipo grande, pesado, de más de 200 kilos. Un día lo tatué, gratis, en algo así como una práctica de mi técnica, y en él pude ver esto que te describo, cómo mi trabajo cambió la idea que tenía de sí mismo y cómo se llenaba de un sentimiento agradable cada que alguien le hacía un cumplido por el tatuaje. Fue muy bello poder mejorar la vida de este maravilloso hombre.» Aunque para el mundo la valía de Shamrock, su estudio, se sustenta en los tatuajes que ahí se crean, para el artista, empresario, esposo y padre orgulloso la importancia radica en otra cosa:

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«Tomó su tiempo conseguir el establecimiento pero me recuerdo, muy, muy al principio, yendo a estudios, intentando preguntar cosas, mientras estos tipos, todos malos, me miraban. “¿Hay alguna escuela de tatuaje?”, preguntaba. “Oh, claro, el reformatorio”, me decían, refiriendo a una cárcel para adolescentes o algo. Lo que yo quería era un lugar en el que la gente se sintiera cómoda, artistas atendiendo a los clientes. «Creo que una de las razones por las que el lugar se prestó para mi negocio es que el edificio fue construido por Don Bing Crosby, en 1937. Él tenía las oficinas de una compañía de publicidad ahí, y un departamento en el piso más alto. En ese lugar convivía con personas, algunos músicos negros de jazz, como Lou Armstrong, él fue uno de sus mejores amigos. Así que siempre ha habido esta especie de vibra de todo tipo de gente entrando a pasar el rato, ya sabes, teniendo un buen momento. La vibra y las historias permanecen en un lugar…» «Mark es un alma amable —aseguró Ivan Olita, realizador del documental Wonder Mark, A Nowness—. Su persona está rodeada por un aire de misterio. Cuando lo miro siempre tengo la impresión de que sabe más de lo que está dispuesto a decir, y eso es lo que lo hace tan elegante y sólido». Los halagos se extienden a invitaciones de colaboración por parte de museos como el LACMA (en la exposición Reigning Men: Fashion In Menswear, 1715-2015) y directores de cine como Scott Cooper (para la cinta Black Mass), pero al hablar de su papel en la his-

toria del tatuaje, él, lejos de un aire de soberbia, se dimensiona de manera mesurada: «Creo que mi mayor contribución sería el haber ayudado a impulsar este grandioso estilo de línea fina en blanco y gris fuera de East L.A., hacia el resto del mundo. Recuerdo cuando tenía clientes punk rock de Orange County, chicos blancos a los que les decía: “Necesitas hacerte algo de esta técnica de línea delgada, en negro y gris”. “No, no quiero nada de esa porquería”, contestaban, y yo les decía: “Sí, sí lo necesitas”, haciendo esta labor de convencimiento. Lo hice y estoy contento por ello. Creo que, probablemente, mi más grande contribución sea sólo el exponer este hermoso estilo, llevarlo fuera de donde estaba y regarlo por ahí.» Ya lo decía Ray Bradbury, «ama lo que haces y haz lo que amas». Mahoney complementa: «Encuentra eso que quieres hacer y trabaja fuerte», declaró a Citizens Of Humanity. Lo cierto es que este hombre lleno de estilo, de encanto, de esos seres que impresionan a primera vista y enamoran en el trato, representa la consumación de un verdadero caballero, tan auténtico por fuera como lo es por dentro. «Es gracioso, siempre he tenido cierto gusto por esa palabra, ‘caballero’, y aun cuando era un drogadicto me gustaba pensar en mí como un caballero adicto, ese fue un concepto chistoso y pensé en hacer un comic sobre él en aquel entonces. Como sea es algo a lo que aspiro, sabes, de verdad intento serlo.» Ciertamente, lo logra.

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BAND OF HORSES EVEN STILL

Por Raúl Arce Fotos: Andrew Stuart

En la industria de la música nos encanta promulgar revivals para justificar que las tendencias son cíclicas, ya sea del folk, la americana, el garage, punk, post punk y una larga lista de etcétera. En la moda pasa algo similar. Ahora vemos en tendencia las barbas perfumadas y acicaladas, los cortes de cabello a navaja, botas militares y pantalones pitillos. Probablemente esto perdure años o sólo esta temporada, después lo averiguaremos, lo que sabemos de facto es que hay actitudes ante la vida que siempre serán vigentes, que se esconden detrás de las tendencias y aun así son evidentes. Ser un caballero, un true gentleman, es una de ellas. Es importante no confundir a un caballero con un dandi, porque cualquiera con un presupuesto puede ir a la barbería de tendencia, comprar la ropa y accesorios adecuados, pero pocos, muy pocos, pueden asumirse como caballeros en toda la extensión. No es tan común que la vida nos ofrezca un encuentro entre la música y la caballerosidad. Por lo regular pensamos en los rock stars como personajes impulsivos, sin modales y que actúan de manera errática; quizá sea parte del encanto. Sin embargo, hay individuos brillantes como David Bowie, Tom Petty, Michael Stipe y Dave Grohl, que nos han enseñado que la caballerosidad auténtica no está peleada con el estilo de vida del rock. Más recientemente, Ben Bridwell, fundador y compositor principal de Band Of Horses, nos demostró que no importa si estás en una banda exitosa que ha recorrido el mundo o si tienes un trabajo de oficina de diez horas, siempre puedes elegir ser un caballero. Dejando de lado el haber pisado los escenarios de los festivales más importantes en Europa, Estados Unidos y Asia (próximamente Corona Capital), o estar en una banda nominada al Grammy, Bridwell ha aprendido en 10 años de carrera a tomar las cosas como son, a aceptar que los tiempos cambian y, sobre todo, que todavía tiene mucho que aprender.

- A veces percibimos las canciones o las bandas de principio del milenio como muy próximas, pero en realidad han pasado diez años desde su disco debut. ¿Cómo ha sido para ti este espacio de tiempo? «Es curioso, porque ahora mismo estoy en Seattle, donde todo comenzó, y siento mucha nostalgia al respecto. De verdad, justo antes de hablar contigo estaba pensando en eso, quizá hace una hora o algo así. Recuerdo que me reunía con dos de mis amigos cuando tenía 18 o 19 años, e incluso a esa

edad yo viajaba por todo Estados Unidos, viviendo muy al estilo rock and roll, así que, de alguna manera, siempre he estado en movimiento. «Siento que ha sido una vida completa de tour, expresándome a través de la música, ya sea en una banda pequeña o con una disquera grande. Ha sido el único trabajo que he conocido desde que era estudiante, y si se siente como una vida completa es porque he construido todo alrededor de la música. Mi hija mayor tiene ocho años, na-

ció dos años después de que salió el primer disco y ahora es una niña grande, sólo así me doy cuenta del tiempo que pasó. Sin embargo, aún nos sentimos como adolescentes, incómodos en una fiesta o en un concierto, pero al mismo tiempo creo que hemos aprendido algo en el camino, porque el tiempo te da cierta sabiduría que evita que te equivoques con las mismas cosas. Igual sigue siendo raro acostumbrarnos a que ahora somos adultos, y tenemos que ser responsables por nuestros hijos.»

- ¿Ha cambiado el papel que la música juega en tu vida? «Muchos de los amigos que tengo, no los hubiera conocido sin la música. Sólo a través de los años en esto he podido establecer relaciones grandiosas. Me ha dado la libertad de viajar, de abrir mi propio camino en la vida, sin tener que estar atrapado en una oficina. Estoy muy agradecido por todo lo que la música me ha dado, pero es más que eso, porque incluso como fan, años antes de haber tenido una guitarra en

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las manos, no podía pensar en la vida de otra manera.» - Creo que muchos nos sentimos así, sobre todo los que tenemos la fortuna de vivir de esto, ¿no crees? «Definitivamente, es la suerte y es el trabajo duro, porque no estaríamos aquí sin el empuje de hacer las cosas.» - Hablando de empuje, ustedes han lanzado cinco discos en diez años que, en mi opinión, es un buen ritmo de trabajo. Durante este periodo han colaborado, primero, con Phil Ek, y

ahora, en Why Are You OK (2016), con Jason Lytle, de Grandaddy. ¿Por qué cambiar de productor? ¿Por qué trabajar con Jason? «Yo tuve la iniciativa de contactarlo porque creo que somos muy similares, siempre tratando de buscar un ángulo diferente a las cosas para que suenen más interesantes, estamos cortados por la misma tijera, muy apartados de todos, por momentos introvertidos; simplemente sentí una gran conexión con él, primero como fan de Grandaddy y de sus esfuerzos en solitario.

Sophtware Slump—, estaban en grandes shows en Reino Unido, mientras que me tocó verlos en Seattle abriendo para alguien más. Para nosotros y para los fans de Grandaddy no es importante el éxito comercial, yo no creo que alguna de las bandas que nos gustan esté planeando hacer un gran video para MTV o quiera estar en la radio comercial. Piensa que esto pasó antes de que Interpol o Death Cab (For Cutie) se fueran a un sello grande. Al día de hoy, en mi opinión, ellos son buenísimos.

«Ser un fan y entender sus procesos artísticos fue lo que me motivó a trabajar con él, en un sentido es como Phil (Ek) y, en realidad, yo buscaba a alguien de una edad cercana a la mía, como un hermano mayor, con una percepción crítica del trabajo en el estudio, alguien que entendiera lo que es ser el compositor principal de una banda que está en un sello grande. Él aportó muchísimo talento al proceso de grabación e incluso a la composición de las letras, no creo haber podido encontrar un mejor cómplice que Jason; compartimos las mismas pasiones, nunca pensé en un plan B. Así que, cuando lo propuse, toda la banda me apoyó y el sello dijo: “Oh, una decisión interesante, no tiene mucha experiencia produciendo bandas, pero está bien”.»

«En nuestro caso, el hecho de que un disco nos lleve de tour a Europa es increíble, un sueño hecho realidad, y aunque queremos ver hasta dónde llega esto, no nos preocupa estar en los primeros lugares del

- Ahora que hablamos de Jason y Grandaddy, pienso que hay bandas como ellos o incluso ustedes que parecen tener más éxito en Reino Unido que en Estados Unidos… «Sí, es increíble que bandas como Grandaddy, en su mejor época —que en mi opinión fue con The

cartel de un festival o en la estación de radio más popular. Somos muy afortunados de tener una base de fans que hemos construido durante años.» - En un mundo que parece volcarse sobre la música electrónica, ¿cuál es el lugar de Band Of Horses y la gente que hace música con instrumentos? «Creo que siempre viene en oleadas y tendencias. Ahora se siente que las bandas orgánicas se están quedando fuera, mientras que las propuestas electrónicas están en auge. Cada año hay muchos chicos que están descubriendo la música, asistiendo a festivales y ellos tienen muy claro qué es lo que quieren escuchar, y como esto es muy cíclico, todo vuelve. Además hay tantos festivales que hay lugar para todos.»

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UNA BUENA CHAMARRA DE MEZCLILLA ACOMPAÑADA DE UNA TRUCKER CAP SON DOS BÁSICOS QUE JAMÁS PASARÁN DE MODA.

- Ahora que mencionas los festivales, ustedes vienen en noviembre a Corona Capital… «Yo sé que suena cliché, pero estamos muy emocionados por ir. Creo que es un festival muy bien balanceado, de hecho, creo que es uno de los mejores del año cuando ves ambos extremos del cartel. Tienes a LCD Soundsystem, que prácticamente son un legado, y tienes a bandas como nosotros, con una carrera de 10 años o más.» - Estoy seguro de que si has hablado con algunos de mis colegas te preguntaron sobre el maravilloso público mexicano pero, siendo honestos, cuando estás en el escenario, ¿de verdad puedes distinguir entre una audiencia y otra? «Creo que sí, pero incluso cuando crees que los conoces puedes ir con una gira y te va mal, regresar al próximo año y te va increíble. Por ejemplo, en Australia son muy rudos, mientras que he notado que en América del Sur la gente habla mucho durante los shows, pero igual es muy difícil, porque no me gustan los estereotipos. Te puedo decir que las veces que hemos ido a México la gente responde muy bien.» ¿Qué es un gentleman para ti? «Para mí es alguien que se sabe comportar a la altura, que está consciente del contexto que lo rodea, que está dispuesto a ofrecer algo para que todos se sientan bien. Creo que ser un caballero tiene más que ver con la actitud y el comportamiento que con la ropa o el sentido del estilo.»

097 | WHAT ELSE? | WM

REVIEWS HEAD CARRIER

Pixies PIAS

8.0

Cefalóforo.- «Es aquella persona que, tanto en las mitologías folclóricas como en la iconografía de los mártires cristianos, lleva su cabeza entre las manos.» Es, en efecto, la imagen de los mártires que cargaban sus propias cabezas, los head carriers, lo que inspiró a Black Francis (previamente Frank Black, previamente Black Francis, originalmente Charles Thompson) para dar título al tema que da nombre a este álbum, es la historia de Saint Denis, patrono de París. La capital francesa figura como un leitmotiv en Head Carrier, apareciendo en otros números como ‘Plaster Of Paris’ y ‘Bel Esprit’, debajo de las alcantarillas parisinas en ‘Talent’ y, finalmente, en el último número del álbum, ‘All The Saints’. «Hombre, a ese tipo le gusta Francia», ha comentado Josh Frank sobre Francis, quien coescribió junto a él un compendio de cuentos titulado The Good Inn,

hace un par de años, confirmando la sospechada francofilia de Francis. Pero Head Carrier no es una ópera rock dedicada a la capital gala; a final de cuentas no fue un álbum compuesto por Pete Townshend. Pixies ha expandido el sonido labrado en Indie Cindy (2013) y es más potente donde debe serlo, como en números como ‘Baals Back’ y ‘Um Chagga Lagga’, incluyendo monstruosos riffs por parte de Joey Santiago. También es más melódico donde las rolas lo merecen, como en ‘Tenement Song’ y ‘All I Think About Now’, la cual causó un leve revuelo en la prensa musical debido a su calidad como carta de agradecimiento de Francis a Kim Deal. La presencia de la bajista Paz Lenchantin es notable en la ejecución musical, aunque sin desviarse mucho del estilo de Deal, tan arraigado en el sonido de Pixies, un bajo seco pero

efectivo y precisas armonías en un marcado acento estadounidense (Lenchantin es de ascendencia argentina). Su contribución fue más notable al momento de la composición del material. De lo más celebrado es la música para la mencionada ‘All I Think About Now’, a la que Francis puso letra después. Head Carrier es Pixies llegando a los niveles melódicos y potentes de Bossanova y Trompe Le Monde, aunque eso signifique seguir extrañando la esquizofrenia divertida de los primeros tres álbumes; Francis sigue teniendo un fino romance con la melodía, como siempre lo ha tenido, irónico que alguna vez llamara a Nevermind de Nirvana como «demasiado poppy», y los aportes de Lenchantin nos garantizan que de ahora en adelante no va a ser Francis y su banda de acompañantes, sino realmente Pixies. -Iván Lechuga

WM | WHAT ELSE? | 098

REVIEWS SIRENS

Nicolas Jaar Other People

6.5

Sirens es la última placa discográfica que Nicolas Jaar nos presenta. En ella se puede escuchar un sonido más denso y ambiental —la mayoría de las canciones son instrumentales—, pero tracks como ‘Three Sides Of Nazareth’ incluyen vocales, lo que le da mayor estructura y volumen. ‘No’ es el tema a escuchar, es cantada en español y nos recuerda a ‘Mi Mujer’, con sonidos menos tropicales y guapachosos que aun así te harán bailar con la persona indicada de manera cadenciosa. ‘Wildflowers’ te llevará a dar un paseo por el parque en un fin de semana soleado y tranquilo; ‘History Lesson’ es una canción con sonidos clásicos, iguales a aquellos temas que podrías danzar despacio, en una boda o en una cantina después de las tres de la madrugada. Nicolas Jaar creó este material para que se disfrutara en su totalidad, un disco relajante con brincos esporádicos sin llegar a lo brusco. -Eduardo Martínez

APE IN PINK MARBLE Devendra Banhart Warner Music México

8.5 Luego de casi 15 años de lanzar discos, uno podría pensar que un nuevo material de Devendra Banhart estaría muy lejos de sorprender a cualquiera; sin embargo, la línea de su más reciente producción vuelve a mostrar una exquisita combinación de folk y música indie, sin ser el típico disco que todos podrían esperar del artista. Así, los 13 cortes que componen este trabajo están lejos de aquellas melodías alegres del estilo ‘Carmensita’, ‘Feels Just Like A Child’ o ‘Baby’, lo que lo convierte en una de las producciones más sombrías, no sólo musicalmente, sino líricamente. Gran parte de la inspiración y dedicatoria del disco recae en personas cercanas a Devendra que fallecieron durante el proceso de composición, lo que definitivamente marcó la grabación. Ape In Pink Marble es uno de esos álbumes que al escucharlos se sienten como algo que ya habíamos escuchado, pero en realidad se trata de un nuevo matiz en la carrera de una persona llena de color, que ha logrado apropiarse de una parte de nuestra mente a través de muchas formas, haciendo alusión a la vida misma y a lo que pasa en ella, no sólo por medio de la música. -Alejandro Altamirano

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IAMX

NOT THE LIGHT OF BENEVOLENT DESIGN

Por: Diovanny Garfias | Foto: Saryn Christina

Algunos recordarán con nostalgia noventera a Sneaker Pimps, ese proyecto trip hop formado por Chris Corner y Liam Howe, con la voz de Kelli Dayton. Su álbum Becoming X (1996) se convirtió en un clásico del género y temas como ‘6 Underground’ y ‘Spin Spin Sugar’ en básicos del final del siglo XX.

quise escribir directamente mi experiencia con estas problemáticas. Decidí hacer a un lado la ambigüedad, mi manera usual de escribir, y ser un poco más directo, no sólo en las letras, también con las estructuras básicas, simplificando sonidos, con una actitud de soft rock en lugar de utilizar los mismos sonidos electrónicos.

Para cuando Splinter (1999), su segunda producción, vio la luz, las cosas ya eran diferentes, con Corner en la posición de vocalista y figura principal de Sneaker y las consecuencias que ello trajo. Con un tercer álbum bajo el brazo, Bloodsport (2002), Chris empezó a trabajar en su propia música y el resto es historia. En 2004 escuchamos Kiss + Swallow, el debut de IAMX, la nueva personalidad del cantante en donde la producción electrónica y las temáticas oscuras y lúgubres se hicieron prominentes, todo lo anterior aderezado con una carga visual tan importante como la propia música, prácticamente presente en la mente de Corner desde la concepción de cada nota.

«Gran parte se trató de la simplificación de todo, incluyendo los procesos. Estaba solo en un cuarto, con una computadora y un micrófono; en ese sentido fue mucho más parecido a un ambiente rock. Fue completamente intencional. También me ayudó a sacar todo, ser directo me ayudó mucho y la verdad me sentí un poco nervioso al escribir de temas de los cuales nadie quiere hablar, porque aún son tabú en muchos lugares. La gente no quiere hablar de trastornos mentales, pero pensé que podría funcionar al simplificar las cosas y hacerlas de manera más directa.»

En 2015 conocimos Metanoia, su sexto álbum de estudio, un trabajo más orgánico a nivel producción pero con el mismo peso sombrío y una aplastante honestidad en cada letra. El próximo septiembre, Chris lanzará Everything Is Burning (Metanoia Addendum), un complemento a su trabajo del año pasado que representa el pretexto suficiente para visitar México por primera vez y el motivo para platicar con el originario de North Yorkshire, Inglaterra. - Me gustaría empezar con Metanoia. Parece como si el acercamiento musical al disco estuviera intencionalmente virado al rock tradicional —al menos más que en otros trabajos—, no necesariamente en el sonido, pero sí en actitud. ¿Cómo se dio este resultado? «Se debió a un cambio sicológico en mi vida, pasé por una faceta muy oscura hace dos años en la que batallé con depresión, ansiedad e insomnio. Ya que me recuperé y me sentí fuerte

- Dices que es un disco más simple, sin embargo, está lleno de capas de sonido y una producción minuciosa… «Claro, es posible que yo lo vea de una manera simplificada por el proceso en sí. Para mí fue un regreso a los orígenes, sin grabaciones complicadas, todo se hizo “en una caja” y a pesar de tener muchas capas y sonidos profundos el proceso como tal fue mucho más simple para mí. El álbum anterior fue mucho más complejo, contiene numerosas grabaciones orgánicas, cuerdas, instrumentos de orquesta y guitarras acústicas. Para mí, eso es lo verdaderamente complicado, hacer cosas solo, en computadora, es bastante simple.» - ¿Qué tan complejo es definir el sonido de cada disco? «Creo que cada vez que hago un álbum de verdad me interesa estamparle una personalidad que defina una fase y una manera de sentir muy específica en mi vida. Siempre estoy en movimiento, siempre veo hacia adelante, no vivo en el pasado. Es importante para mí sentir un “pro-

greso” en el sonido, de otra forma no creo que haría lo que hago hoy.» - A lo largo de tu carrera has destacado por presentar tu obra sonora como algo visual. Cuéntanos, ¿es difícil tomar los sonidos y convertirlos en imágenes? «Bueno, es muy interesante, porque el lado visual de las cosas siempre ha sido un elemento importante para mí. Crecí siendo muy obsesivo con las películas; de hecho, creo que el cine me llama más la atención que la música, lo cual es raro, porque siento que siempre he podido expresarme mejor a través de ella. De verdad me encanta el lado visual de las cosas y la mayoría de los tracks que he hecho tienen esta parte, tal vez porque, mientras creo, me adentro en lo visual y esto hace que mi imaginación vuele muy lejos. Para mí hacer música es como un escape. Creo que siendo una persona visual debo tener la música en la cabeza mientras la hago, y eso se empalma con los sonidos y las letras. Me hace sentir que trasciende la realidad y creo que la mayoría de las veces esto se trata de ofrecer una alternativa, permitir a la gente escapar emocional y sonoramente a otro lugar, no mejor necesariamente pero diferente.» - Ya pasaron 14 años desde el lanzamiento de Bloodsport, tu primera colaboración formal dentro de Sneaker Pimps. ¿Es cierto el rumor de una reunión en algún punto de 2016? Estamos procurando lograr esa reunión, es un proceso complicado que nos está costando debido a ciertas políticas que complican la situación, porque cuando creamos algo, Liam y yo lo hacemos bastante bien, todo fluye y nos entendemos, lo que es bastante inspirador. Así que la parte creativa de la música no es el problema, es más su mundo colisionando con el mío. Su estilo de vida es diferente al mío y su manera de organizar y gestionar las cosas son diferentes a como yo lo hago. Intento que fluya, pero es muy complicado por ahora. No puedo prometer algo para este año, pero en definitiva sucederá, ya escribimos juntos de nuevo y estoy muy emocionado.

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DON'T STOP WHEN YOU'R TIRED, STOP WHEN YOU'R DONE!!!

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ENGLISH FEATURES â&#x20AC;&#x201D;

BAND OF HORSES PG. 102

ENCORE PG. 104

BAND OF HORSES EVEN STILL By Raúl Arce

Within the music industry we (music journalists) love to proclaim revivals to justify the fact that tendencies are cyclic, it doesn’t really matter if it’s folk, americana, garage, punk, postpunk and many others. In the fashion industry it is kind of the same: nowadays we think that long, perfumed and groomed beards, barbershop haircuts, doc Martens and skinny jeans are the trendy, ignoring -consciously maybe- that it’s just a passing phase in a big cycle. It probably lasts years, or maybe it will end tomorrow, I guess we’ll find out later on, but we know, as a matter of fact, that there are certain attitudes towards life that will always be valid, that perhaps are hidden behind trends but yet are evident. Being a gentleman, a true gentleman, is one of the most valuable of them. It’s crucial not to confuse a gentleman with a dandy, because anyone with the right budget

can get a haircut at the trendy barbershop, buy the right clothes and accessories but a very few can claim to be a gentleman. Being a gentleman is much more than that. It implies to led a life on three axes: distinction, kindness and generosity. It’s fairly rare to find a situation where music and chivalry can coexist. We normally think of rockstars as impulsive characters, without manners and erratic behaviour, maybe that’s part of the charm of some. However, there are bright individuals such as David Bowie, Tom Petty, Michael Stipe and Dave Grohl, who have taught us that true chivalry is not opposite to the rock and roll lifestyle. Recently, Ben Bridwell, founder and main songwriter of Band of Horses, showed us that it doesn’t really matter if you’re in a band that have travelled around the world or if you work in

an office from 9 to 7, you can always can choose to be a gentleman. Putting aside the fact that he has played in the most important music festivals in Europe, Asia and America (and an upcoming gig at Corona Capital included) or being a Grammy nominee along with his band, Ben has learned over 10 years of career to take things as they come, to accept that times change and, above all, that there is still much to learn. Sometimes we feel like songs or bands from early 2000’s are not that far away, however, it’s been 10 years since your debut album was released. How did you feel during this period of time? It’s funny, because I’m in Seattle. From my hotel room I can see the practice space where we wrote our first song, and there’s a lot of nostalgia involved. It’s funny cause I was thinking about that an hour or so ago. I used to met two of my friends when we were still teenagers, maybe 19,

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definitely under 21. That’s the kind of life that we knew, travelling around, even in our teen years we’d been travelling the country, living a bit of the rock and roll lifestyle for years. I guess my whole adult life I’ve been kind of on the move on some way, so it’s been like and entire lifetime in one way or another, expressing ourselves through music, whether it was in a really small band or with a record label, and working at rock clubs. It’s really the only job that we’ve known in our whole lives. So, as much as it seems, it’s been a lifetime within the music. You know, my older child is eight years old, and she was born two years after the first record came out, and she feels like a big kid. So there are other ways you notice time passing, anybody does. In your life you still feel like a teenager who is awkward at party or a rock show, at the same time you’ve learned some things along the way that give you the wisdom that keeps you to make the same mistakes you did as a kid. It’s strange that we’re adults now and we are responsible for other kids. What’s the role of music in your life nowadays? So many of the friends I have, I wouldn’t have them without the music. Great relationships have been made over the years. Been able to have freedom to travel, to make your own way through life and not be stuck in an office or something. I’m so grateful for all the music’s giving me in this professional life, whatever it is, but also it’s been a passion of mine, as a fan,long before I picked a guitar, it couldn’t have worked out other way. I think that many of us feel the same way, specially those who are lucky enough to make a living out of this. Yes, absolutely, there is luck and there’s hard work. You wouldn’t have this gig without the persistence and drive that got you where you are. Speaking of drive, you have released 5 albums in 10 years, which I think is a good pace of working. During this time, you’ve worked with Phil Ek, and now, in Why Are You OK (2016) you collaborated with Jason Lytle, of Grandaddy. Why changing the producer? Why him? I actually had the idea of approach him, I feel

we have the same tender spirit in a lot of ways, always trying a new angle, tweaking a song, whether is writing it or adding textures on things to make it seems like more interesting than maybe is, we’re kind of cut of the same cloth. Maybe a bit reclusive at times, introverted. I felt a great connection with him, first in form of being a fan of his music with Grandaddy and his solo efforts. Being a fan and understanding the style of craftsmanship that he has. I wanted to borrow some of that. I wanted someone much like Phil, someone who is not much older than I am, a bit like big brother kind of figure with a critical perception, pressure or major label system, kind of Grandaddy went through. Is nice to have someone sympathetic to the cause of not been only in the band, but been the singer or principal writer of the band who brings so much talent to the recording process or even to the construction of the song process. I don’t think I could’ve found a better conspirator than Jason, we share so many passions. It feel like a no brainer for me. I didn’t think about a plan b, I told the guys of the band and they stood behind me and the guy from the company said: “Oh OK, interesting choice, he maybe doesn’t have the longest resume of working with bands or producing, but there is something there, a hunch”. Now that we’re talking about Jason and Grandaddy, I think they’re bands like them or maybe like you that are bigger in the UK than in The States. Yeah, it’s funny, with Grandaddy at their biggest moment I guess, at least my perception of their biggest moment, around “The Sophtware Slump” album they were still opening up for… You know? When they came to town, to Seattle back then, they were opening up for somebody, maybe Coldplay or some of the bigger English bands at the time, they didn’t exactly check fire but for us the thought of commercial success for the fanbase of Grandaddy which I definitely considered part of, we didn’t think about that. You know, any of the bands that we listen to would be making like a big MTV video or be on commercial radio. Keep in mind this is before Death Cab or other bands signed with Atlantic, they still seem very big to us. The fact of going to Europe sounds like a rock dream come true. I’d be nice to see how far this

can go but we’re not so concerned about being in the top of a bill at a festival we’re not just gonna get a radio smash, it’d be nice if it happens, but we are not concerned. We have been lucky to have a dedicated fanbase. In a world where electronic music is on the spotlight, where is the place of Band of Horses and those who play music with instruments? Well, I think it comes in waves and trend. Maybe there’s a trend passing with more organic bands are getting phased out while electronic and more urban music are getting air waves. There will be a whole new bunch of kids turning 18 every year, and they’re ready to go to the festivals and they have a sense of what they want to hear, and maybe the whole things switch around and changes again. I think there is enough room for everybody, there are so many more festivals anyway. Speaking of festivals, you’re coming back to Mexico for Corona Capital. It’s kind of cliché, but we’re very excited. I think the festival is very diverse, a great representation of music nowadays. LCD will be like a legacy act and there will be bands like us, that have been around for 10 or more years. If you have been talking to some of my colleagues, I’m sure they asked you about the Mexican audience, but, can you really tell the difference between one audience from the other? Yes, I think I can. You can have a bad show in some town one year, come back the next year and it’s a totally different vibe. There are some common threads at time, like Australia, for example, they’re gonna be rowdy or in the southern part of America you’re gonna have more talkers, it’s very hard to tell, I would hate to say a stereotype. I can tell that the few times we played in Mexico the crowd was really excitable. This issue is about the modern gentleman, so I want to ask you, what’s a gentleman to you? The gentle aspect of it, is someone with manners, someone who is not thinking of themselves so much they miss the things around them, that helps other along, maybe giving something of yourself to make sure others are comfortable. Is more about having the right attitude and the behaviour than the clothes and the style, I’m 100 percent sure of it.

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ENCORE

THANKS JUAN GABRIEL By Fátima Albarrán

Recently, mexican music lost one of its greatest exponents; an artist who was the inspiration for thousands of fans and musicians, an insatiable composer who had a huge discography, a gente and kind man, an interpreter who crossed borders with his music. Alberto Aguilera Valadez, better known as Juan Gabriel was born in Parácuaro, Michoacan on January 7, 1950 and died the past August 28 in Santa Monica, California, victim of a heart attack. He was singer-songwriter, musician, producer and even actor. His songs earned him the appreciation of multiple Latinamerican generations since 1971 they have heard. His contributions to music are measured in different styles such as ranchero, ballads, boleros, pop, rumba, flamenco, salsa, huapango, mariachi, band, new age, the big band, the country and even lullabies. Today we remember the Best México’s Frontman.