WARP Magazine 63

No.63

WARP.la @WARPMagazine #WARPyearbook13

EDICIÓN EXCLUSIVA EN DIGITAL

HELLO SEAHORSE! PRESENTA:

YEARBOOK

2013

THE YEAR IN MUSIC & MORE

WARP Magazine, S.A. de C.V.

WARP Magazine

GUARP

Fotografía y Retoque

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Publisher

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Eduardo Montes

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© WARP Marca Registrada ®. Año VI No.63 Fecha de Publicación 01-01-2014. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor.

Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio.

publireportaje

Nissan presenta el completamente nuevo

March 2014

Nissan March evoluciona en su edición 2014, mostrando un rediseño total en la parte frontal y trasera de la carrocería, así como una importante mejora en la calidad de sus interiores.

Es el primer subcompacto que ofrece el servicio de conectividad NissanConnect® con tecnología de manos libres, el cual permite a los usuarios sincronizar aplicaciones de su Smartphone, tales como Facebook o Google Places, con la pantalla de su vehículo.

Incluye además Bluetooth® audio streaming, reconocimiento de voz, audio con conectividad para iPod y cámara de reversa, funcionalidades para las cuales cuenta con una pantalla táctil a color de 5.8”.

Se suman a todos estos elementos la integración de llave inteligente iKey® con botón de encendido y apagado del motor, sistema de aire acondicionado automático.

TECNOLOGÍA Y CONFORT CONNECT

FT NAVEGACIÓN

CÁMARA REVERSA

El nuevo March 2014 incorpora el cómodo botón de encendido y apagado del motor ligado a llave inteligente iKey, sistema manos libres Bluetooth® con controles en el volante.

Cuenta también con entradas auxiliares y USB conectadas con el equipo de audio y sistema iPod Ready.

Para ofrecer mayor confort el nuevo March incorpora control remoto para liberación de seguros y cajuela, seguros eléctricos, cristales eléctricos con apertura y cierre de un solo toque, así como volante con ajuste de altura.

Para quienes nos dedicamos a recopilar y transmitir todo lo sucedido en la música, 2013 será un año que quedará plasmado en nuestra memoria como uno de los más prolíficos en la materia: la industria ingresó millones a sus arcas gracias a festivales y conciertos. Artistas que creíamos en el retiro autoimpuesto lanzaron nuevo material, mientras que otros firmaron su consolidación, abandonando la plaza de promesas. Las discográficas dieron un paso más hacia la tumba, mientras descifran la manera de entrar de lleno al juego digital y, en general, cada músico, desde su trinchera, encontró la inspiración para manufacturar sonidos y presentárselos al mundo, algunos con mejores resultados que otros.

En WARP Magazine creemos que un año como 2013 tiene que ser recopilado y contado en materia sónica y como es costumbre, lo hacemos a través de nuestro Yearbook. Iniciamos con las mejores presentaciones en nuestro país, recordamos los mejores momentos de los festivales en el mundo, celebramos

los regresos de los músicos que de un modo u otro han dejado huella a su paso, seguimos muy de cerca a los proyectos que están por convertirse en the next best thing, y claro, hacemos un recuento de los discos que en conjunto reflejan una imagen acorde a nuestro 2013.

En este año tan especial decidimos que Hello Seahorse!, la banda mexicana que consideramos con más prospectiva en el futuro inmediato, sea la encargada de llevarnos a través de este viaje, recordando algunos de sus momentos más importantes y destacando sus álbumes preferidos de 2013.

Para cerrar, presentamos Yearbook 2013, como nuestra primera edición 100 por ciento digital, un número de acceso exclusivo a través de la red y los dispositivos móviles, un guiño a nuevas formas de hacer periodismo.

Bienvenidos al balance del año en la música.

festivales Cumbre Tajín Calvin Harris Parque Takilhsukut Papantla, VZ, México Foto: Franccel Hernández para WARP

festivales SXSW Jim James Austin, TX, E.E.U.U Foto: Sergio Gรกlvez para WARP

festivales Vive Latino Blur Foro Sol México, DF Foto: Franccel Hernández para WARP

festivales Lollapalooza Brasil Queens Of The Stone Age The Jockey Club Sao Paulo, Brasil Foto: CortesĂ­a Lollapalooza Brasil

festivales Lollapalooza Chile Kaiser Chiefs O’Higgins Park Santiago, Chile Foto: Cortesía Lollapalooza Chile

festivales Estéreo Picnic Café Tacvba Parque Deportivo 222 Bogotá, Colombia Foto: Juan Felipe Pérez

festivales Coachella How To Destroy Angels Empire Polo Club Indio, CA, E.E.U.U Foto: Diovanny Garfias para WARP

festivales Governors Ball Kings Of Leon Randall’s Island New York, NY, E.E.U.U Foto: Paco Sierra para WARP

festivales Glastonbury The Rolling Stones Worthy Farm Pilton, Somerset, Inglaterra Foto: Samantha L贸pez para WARP

festivales Lollapalooza Nine Inch Nails Grant Park Chicago, IL, E.E.U.U Foto: Sergio Gรกlvez para WARP

festivales Outside Lands Yeah Yeah Yeahs Golden Gate Park San Francisco, CA, E.E.U.U Foto: Sergio Gรกlvez para WARP

festivales Corona Capital Phoenix Curva 4 Autódromo Hnos. Rodríguez México, DF Foto: Joaquín Martínez para WARP

Nelson Mandela Un trozo de conciencia para el infinito

Por: Gabriela Warkentin / @warkentin

columna -018-

Paul Simon en Sudáfrica.

Año 1987.

Yo ya tenía 20 años entonces. Y no recuerdo el episodio.

Pero sí lo que me han contado, o lo que he leído. Ese Paul Simon, flacucho, pequeño, desafiando la madriza que le vendría por haber retado el boicot cultural impuesto a Sudáfrica. Ahí estuvo, y ahí están esas fotografías con Mandela. Con Nelson Mandela: la sonrisa más enigmática de Sudáfrica, que se apagó el 5 de diciembre de 2013.

Y sí: Graceland tiene otro sentido para mí, desde que junté estas piezas de un bizarro rompecabezas.

Porque pensándolo bien, Paul Simon en Sudáfrica es un poco de lo mucho que significa Nelson Mandela —y lo pongo a propósito en presente, porque hay quienes nunca se merecen el pasado inmediato, sólo el de larga duración—. Retos, desafíos, resignificación de las convenciones, y un claro “in your face!”

Nadie está pidiendo permiso, y nadie pedirá perdón.

No tengo duda: la muerte de Nelson Mandela es uno de los sucesos más importantes de 2013. Y no por la muerte en sí misma, prevista desde hace rato. Sino porque como toda efeméride, nos permite detener tantito el tiempo para agregarle pátina histórica a quien ya desde siempre tenía ganado su lugar en el paraíso de los grandes.

Mandela fue una de las conciencias del siglo XX: la que emergió con la violencia del que sabe que no tiene tiempo para mendigar espacio; la que nos embarró en la cara, sí “in your face!”, que en un lugar de este mundo y su vector civilizatorio había un país en donde negro y blanco era un jodido destino; la que se supo vejada y aguantó vara y aguantó vara (ese silencio de las cárceles y sus narraciones de injusticia reciclada); la que calló cuando debió hacerlo (porque no le quedó de otra) y supo gritar cuando el verdugo se descuidaba… o cuando lo desafiaba; la que fue deconstruyendo los grandes relatos de un siglo que al final sólo supo refugiarse en la etiqueta líquida del postmodernismo.

Mandela no fue un santo. No. Fue uno de esos seres profundamente humanos, al que la vida le dio oportunidad de sacarnos del insaciable letargo en que se convierten nuestras zonas de confort.

A saber si existe algún Dios, pero de ser así, estoy segura que de vez en vez nos pone a algún Mandela en la Tierra, nomás para que nos demos cuenta que estamos a punto de destrozarlo todo.

Sudáfrica, apartheid, lucha, afrikaaners, De Klerk. Congreso Nacional Africano, los países No Alineados, Robben Island, rugby, estudios de derecho, matrimonios, Presidencia, cárcel cárcel cárcel, diálogo, indios y judíos y europeos y…, Desmond Tutu, CODESA, Madiba, the Rainbow Nation, tiempo, lucha, causas.

Libertad.

LIBERTAD. A finales de 2013, Nelson Mandela emprendió ese otro viaje. El que te lleva a donde tu trayectoria marca. O el que te lleva de regreso. Con Mandela terminó, ahora tal vez sí de manera definitiva, ese elástico siglo XX que nos perfiló lo peor y lo mejor de la humanidad. El último gran liberador del siglo XX, lo llamó el presidente Obama en su discurso, allá en el Soccer City, el 10 de diciembre de 2013. Ubuntu, recordó Obama, “el reconocimiento de que todos estamos unidos de una manera que es invisible al ojo humano”.

Ese día, en los funerales, todo era un poco caótico. Los líderes de los países hablaban, un traductor para lenguaje de sordomudos hacía mímicas incomprensibles, llovía, la gente bailaba, los selfies, la Primera Dama, las viudas. Todo era un poco caótico. Pero no sé, para mí que ese día la sonrisa de Mandela, su marca de agua, se pronunciaba con aún mayor tolerancia. O benevolencia. O sarcasmo.

Para todo hay tiempo.

LIBERTAD. Gracias, Mandela.

Salud, Paul Simon.

> Gabriela Warkentin es doctoranda en Comunicación por la Universidad de Navarra, España, docente, columnista de diversos periódicos nacionales y extranjeros, co-conductora de La Agenda Pública, programa que se transmite en ForoTV (Televisa), columnista semanal en animapolitico.com y Directora de W Radio México.

Algunas leyendas se reinventaron, mientras algunas más recordaron el pretexto por el cual continúan sobre la faz de la Tierra; héroes del underground se levantaron para reclamar su lugar entre los iniciadores de las tendencias sonoras. Algunos músicos se posaron de nueva cuenta detrás de sus instrumentos, no sin antes dejar testimonio de ello en el estudio de grabación. 2013 nos dio la oportunidad de presenciar algunos de los regresos más importantes, algunos más que anunciados, otros, sorpresivos e inesperados. Este es nuestro top diez con los regresos más significativos del año.

Origin: Edimburgo, Escocia Last seen: Trans Canada Highway EP (2006) Back to business: Tomorrow’s Harvest (2013) Boards Of Canada se convirtió en un proyecto de culto gracias a su claustrofóbica visión del IDM. Históricamente su música difícilmente puede ser encasillada, ya que cada uno de sus trabajos cuenta con personalidad propia y explora diversos géneros sonoros; Tomorrow’s Harvest no es la excepción. El eclecticismo musical está presente, sin embargo, el hambre del dúo por examinar terrenos vírgenes mutó en curiosidad por autoexplorar su sonido y encontrar áreas de oportunidad en éste.

El resultado fue un álbum que recorre los puntos álgidos de su discografía, potencializándolos y también,haciéndolos más digeribles. Este material deja en claro que los hermanos Sandison nunca más deben alejarse de sus artilugios musicales.

022

Origin: Quebec, Canadá Last seen: The Suburbs (2010) Back to business: Reflektor (2013) Cualquier banda mataría por tener una discografía tan completa como la de Arcade Fire; placas como The Suburbs (2010) o Funeral (2004) son apenas un ejemplo del poder camaleónico en sus sonido. Sin embargo, para su cuarto trabajo de estudio Win Butler y compañía decidieron mutar aún más. De la mano de James Murphy manufacturaron un álbum que sale de los convencionalismos y las etiquetas que pudieran recaer sobre la banda.

Así nació Reflektor, un disco cargado de emotividad y los cadenciosos sonidos heredados por el fundador de DFA Records. Excusa perfecta para ver a Arcade Fire de nueva cuenta sobre los escenarios, encabezando todos los festivales importantes de 2014.

Origin: Birmingham, Inglaterra Last seen: Forbidden (1995) Back to business: 13 (2013) Hablar de Black Sabbath es hablar de una banda que ha entregado mucho a la música a lo largo de su trayectoria. Con sus diferentes alineaciones, álbumes clásicos, problemas de drogas y bajas, el grupo ha erigido una leyenda que permanecerá viva durante mucho tiempo después de su partida final. Aun así, sin tener que demostrar nada a sus legiones de seguidores, Tony Iommi, Geezer Butler y Ozzy Osbourne se embarcaron en la aventura de grabar un nuevo álbum, uno que pudiera atraer a nuevos escuchas y que respetara su trayectoria. Así nació 13, que bajo la producción de Rick Rubin sirvió de pretexto para ver algo que pocos imaginaban posible, tener a Black Sabbath de regreso en los escenarios.

024

Origin: Estocolmo, Suecia Last seen: Silent Shout (2006) Back to business: Shaking The Habitual (2013) Pocas son las bandas que pueden pasar por un proceso tan introspectivo como el vivido por The Knife previo a la salida de Shaking The Habitual y sobrevivirlo. Karin y Olof Dreijer prácticamente dejaron a un lado los momentos de sosiego pop ofrecidos en su anterior trabajo, para dedicarse a experimentar y crear sonoridades “imposibles” durante su estancia en el estudio de grabación, haciendo del producto final algo ambicioso y sublime para los oídos. Si a esto sumamos la carga social en sus letras y los impactantes visuales que acompañan su trabajo, tendremos claro que The Knife se convirtió en uno de los proyectos electrónicos a seguir en lo que resta de esta década.

Origin: Michigan, Estados Unidos Last seen: Recovery (2010) Back to business: The Marshall Mathers LP 2 (2013) Marshall Mathers desafió los estándares conocidos respecto a quién podía sentarse a la cabeza de todos los raperos del mundo y quién no. Sin embargo, para cuando Recovery vio la luz hace algunos años parecía que todo estaba dicho en la carrera del artista, incluso, muchos pensaron que estábamos ante el final de Eminem. Nada más alejado de la realidad. Este año marcó el regreso de Mathers de la mano de su álbum más poderoso en años: The Marshall Mathers LP 2, una placa que toma lo mejor de su discografía para condensarlo, mejorarla y presentarla en un formato acorde con la realidad que el rapero vive actualmente.

026

Cleveland, Estados Unidos Last seen: The Slip (2008) Back to business: Hesitation Marks (2013) Hoy en día es difícil mantener a Trent Reznor sin crear; ya sea componiendo scores junto a Atticuss Ross, o generando experimentación electrónica con How To Destroy Angels, el músico siempre tiene algo que hacer. De cualquier manera, desde The Slip y la espectacular gira que lo acompañó, Lights In The Sky, el estatus de NIN era desconocido. Las dudas quedaron despejadas cuando Reznor anunció que su proyecto principal estaría de nuevo en los escenarios y claro, el pretexto sería su más reciente vástago, Hesitation Marks. Pero para un perfeccionista como Reznor las cosas no son tan sencillas cuando se trata de NIN, el artista renovó a la banda integrando dos elementos más a la alineación y creando un nuevo show visual que, una vez más, desafió todo lo establecido. Así, el prometedor futuro de NIN recién comienza a vislumbrarse.

Origin: Tennessee, Estados Unidos Last seen: FutureSex/LoveSounds (2006) Back to business: The 20/20 Experience (2013) Pocos pensaron que la disolución de ‘N Sync arrojaría, eventualmente, al nuevo rey del pop; sin embargo, la salida de Justified (2002) confirmó que Justin Timberlake buscaba el trono en serio... hoy no nos queda ninguna duda. El músico y actor regresó al estudio de grabación haciéndose acompañar de figuras como Jerome “J-Roc” Harmon, Rob Knox, The Tennessee Kids y Timbaland, para entregar una de las piezas más finas que el pop haya engendrado en los últimos años, The 20/20 Experience. Con la salida de la segunda parte meses después es un hecho que Timberlake volvió para darle un respiro a una escena plagada de clichés y estereotipos.

028

Origin: Dublín, Irlanda Last seen: Loveless (1991) Back to business: mbv (2013) Con apenas un par de discos sobre sus espaldas, My Bloody Valentine se convirtió en una banda de culto, iniciadora de lo que hoy conocemos como shoegazing y sobre todo, precursora de un sonido melancólico y brillante, que terminaría por influenciar a decenas de proyectos que, con el tiempo, también marcarían la historia de la música moderna. Sin embargo, el trabajo de Kevin Shields y compañía entró en un stand by de más de dos décadas, parecía que el tan prometido nuevo material de la banda jamás vería la luz, pero todo cambió el pasado 2 de febrero de 2013, cuando el universo pudo escuchar el nuevo material de My Bloody Valentine. Lo plasmado en mbv es la continuación lógica al trabajo de un proyecto que jamás debió desaparecer de los escenarios; oportunamente, estuvimos vivos para presenciar su regreso.

Origin: París, Francia Last seen: Human After All (2005) Back to business: Random Access Memories (2013) Con la salida de Discovery (2001), Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter hicieron de Daft Punk un proyecto que transgredió los límites de la electrónica convencional, aunque los elementos visuales y conceptuales en su arte se volvieron tan necesarios, que por momentos la música parecía pasar desapercibida. Tras una gris colaboración con Walt Disney que arrojó como resultado el score de Tron: Legacy (2010), la dupla regresó a trabajar en música más cercana a aquella que los influenció en sus orígenes. Sumó a Giorgio Moroder, Nile Rodgers y claro, a Pharrell Williams, entre muchos otros colaboradores y el resultado fue Random Access Memories, su disco más exitoso a la fecha, una pieza que oscila entre el new disco, el funk, y el electro de avanzada, todo, ambientado por una exquisita producción. La cereza de este pastel llamado RAM, necesariamente, tendría que venir de la mano de una gira protagonizada por los robot galos.

030

Origin: Londres, Inglaterra Last seen: Reality (2003) Back to business: The Next Day (2013) Con el paso de los años el trabajo de un genio abandona los anales de lo extraordinario, para convertirse en leyenda y formar parte del imaginario colectivo. Al menos ese es el proceso al que la historia ha sometido a David Bowie durante los últimos diez años. Tras la salida de Reality y su respectivo tour, el músico cambió las giras por apariciones esporádicas y colaboraciones con gente de confianza, mismas que terminaron en 2006. Desde entonces, rumores respecto a su salud y sus ganas de estar junto a su hija Alexandria se volvieron la constante, erigiendo así el mito de su retiro definitivo.

Todos los rumores fueron silenciados por el propio Bowie cuando el pasado 8 de enero (durante su cumpleaños 66), a través de su sitio web anunció la salida de The Next Day, el vigésimo cuarto álbum en su discografía. Sin entrevistas y sin una campaña de promoción rimbombante, el artista entregó 14 tracks, que de entrada pueden no ser sorprendentes, sin embargo, conforme se van descifrando sus capas sonoras se vuelve obvio que el genio adelantado a su tiempo sigue presente. Indirectamente Bowie ha dejado claro que volver a los escenarios no está dentro de sus planes inmediatos, de cualquier manera nada está escrito cuando se trata David Bowie, el artista que cambió las reglas de este juego llamado industria musical.

Final abierto para una trepidante historia polĂ­tica Por: Aleix SanmartĂ­n / @aleixsanmartin

columna -033-

México cambió en 2013 para parecerse más a sí mismo.

Pese a que la política cada vez goza de menos prestigio, vivimos un año político donde la realidad difícilmente escapó de una política intensa y penetrante, y que, por el contrario, se filtró por todas las rendijas de la actualidad.

Del futuro de Pemex al impuesto al refresco; de los maestros como nuevos gestores del tráfico en la capital a los anarquistas, este año ha sido especialmente vibrante; tan vibrante como Laura Bozzo saltando de un helicóptero.

Las alfombras de Los Pinos, del Senado y del Congreso han visto cómo sus inquilinos corren más que los niños triquis para aprobar una potente batería de reformas: educación, telecomunicaciones, energía, elecciones y fiscalidad han sido objeto de transformaciones de calado. El presidente Peña Nieto se comprometió a cambiar el país para que el tigre azteca mordiera y no fuera más una fiera de papel. Por ahora, sin embargo, las reformas sólo han empapelado más al tigre con leyes y modificaciones constitucionales, aunque es cierto que aún es pronto para conocer su alcance.

Aunque sus consecuencias serán objeto de los próximos Yearbooks, se puede aventurar una correlación entre su impacto y el número de veces que el Zócalo o el Paseo de la Reforma han sido tomados por ciudadanos inconformes; y es que el tormentoso clima de la calle poco parece haber cambiado. Son los dos pulsos de la política mexicana. Uno late fragmentado, pero constante, forjando a la intemperie su rechazo a las decisiones gubernamentales; el otro, por su parte, moldea la realidad legal con el futuro como pretexto. Sin embargo, los zigzags de la oposición con el Pacto Por México, sustituto del poder legislativo, junto con el reciente infarto de López Obrador, han dejado al gobierno libre la pista de aterrizaje de sus iniciativas.

En 2013, el PRI culminó su cambio para volver a ser el PRI. Con el tricolor exhibiendo musculatura como para tumbar otra vez a Pacquiao, haciéndose cargo de las terminales nerviosas de la nación, la oposición nunca se acabó de aclimatar. El iceberg de la derrota presidencial abrió una importante vía de agua en Acción Nacional: sus militantes han sentido en los huesos la tristeza húmeda de la pérdida, la división y la confusión ante los guiños de Peña Nieto.

En la izquierda, la enésima oportunidad perdida simplemente propició una nueva desunión. La búsqueda de nuevos liderazgos sigue abierta, con López Obrador obligado a echar el freno por motivos de salud; Mancera probando el sabor del descontento; Ebrard buscando trazar su propia hoja de ruta. Sólo Nueva Alianza parece haber superado con inteligencia sus momentos más delicados:

el partido que temió que Elba Esther derramara sobre sus siglas los peores estigmas, obtuvo un excelente resultado electoral en julio y gestionó con discreción y habilidad los cambios en su cúpula.

Es así como 2014 supone una oportunidad para la oposición. En el PAN ya se respiran aires de cambio y su nuevo presidente podrá establecer al PRI las nuevas reglas que regirán la relación entre gobierno y oposición. Con la vista puesta en las elecciones de 2015, la marcha de la economía y el éxito de las reformas marcarán el nuevo horizonte político.

Y es que la política, como Miley Cyrus, también es escándalo. Casos como los de Andrés Granier y las sospechas de que no ha sido el único con especial atracción por el dinero público, crearon nuevos fenómenos en la red. Así nació el candigato Morris, convertido en una celebridad con su promesa de acabar con las ratas.

Además, la inseguridad continuó erosionando la confianza. Sucede a veces en el cine que el protagonista se encuentra colgando sobre el vacío, la soga a punto de romperse, deshilachada, apenas unida por las últimas fibras, mientras alguien le tiende la mano con desesperación para salvarle. De esta forma lució Michoacán en el último año: con las cuerdas que le sujetan al estado de derecho, o al Estado simplemente, a punto de quebrarse.

Delincuencia organizada, grupos de autodefensa y el gobierno apenas rozando con la yema de los dedos a los michoacanos para que no cayeran en el acantilado del estado fallido. Pero si bien fue paradigmático, sería absurdo limitar a Michoacán el infierno de la violencia: la burbuja de la seguridad explotó en mayo en la capital con la desaparición de doce jóvenes en el bar Heaven.

Y aunque otras zonas comienzan a respirar, las cifras de delitos graves siguen siendo aterradoras y contrastan con el deseo mayoritario de vivir en paz. ¿Cómo ha cambiado entonces México? Baste decir que en la FIL de Guadalajara, Sasha Grey, hasta ahora conocida por otros talentos (es una de las exestrellas porno más exitosas), causó mucho más revuelo que todo un Premio Nobel como Vargas Llosa.

Igual que un relato sin acabar, 2013 deja abiertas tantas posibilidades como mexicanos hay dispuestos a escribir su propia historia. El próximo año, la política y la forma en que sea comunicada, volverán a ser un elemento esencial para que la narración colectiva de México tenga el final feliz que anhelamos.

Aunque sea en el repechaje.

> Aleix Sanmartín es Director General de Sanmartin Politics y socio en Llorente y Cuenca, Consultor Político, Licenciado en Ciencias Políticas y Sociología por la Universidad de Granada (España). Director Creativo de la campaña presidencial de AMLO.

gigs Tame Impala José Cuervo Salón México, DF Foto: Sergio Gálvez para WARP

gigs James Blake El Plaza Condesa MĂŠxico, DF Foto: Paco Sierra para WARP

gigs #WARPweekend Costa Rica Costa Rica, San JosĂŠ Gimnasio Nacional / Edificio Steinvorth Foto: Roberto de Ambrosio para WARP

gigs Soundgarden Palacio de los Deportes México, DF Foto: Franccel Hernández para WARP

gigs Los Fabulosos Cadillacs Foro Sol México, DF Foto: Franccel Hernández para WARP

gigs Black Sabbath Foro Sol México, DF Foto: Franccel Hernández para WARP

gigs Alt-J El Plaza Condesa México, DF Foto: Franccel Hernández para WARP

gigs Red Hot Chili Peppers Palacio de los Deportes MĂŠxico, DF Foto: Sergio GĂĄlvez para WARP

gigs Muse Palacio de los Deportes México, DF Foto: Franccel Hernández para WARP

gigs Paramore Palacio de los Deportes MĂŠxico, DF Foto: Franccel HernĂĄndez para WARP

gigs Atoms For Peace Pepsi Center WTC MĂŠxico, DF Foto: Oscar Villanueva

gigs Jamiroquai Arena Ciudad de México México, DF Foto: Sergio Gálvez para WARP

gigs The Cure Foro Sol México, DF Foto: Sergio Gálvez para WARP

gigs Foo Fighters Foro Sol México, DF Foto: Sergio Gálvez para WARP

gigs #WARP7 Blondie Teatro Metropólitan México, DF Foto: Franccel Hernández para WARP

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El cine en

2013 Por: Linda Cruz / @LindaCruz

columna -053-

Cada que se avecina diciembre llega con él la recapitulación de los hechos más relevantes ocurridos a lo largo del año. Diversos medios de comunicación comparten sus puntos de vista sobre disciplinas varias y el cine no es la excepción. 2013, sin duda, ha sido un período tremendamente destacado en cuanto a producción cinematográfica se refiere, a pesar también de haber estado colmado de franquicias, superhéroes y remakes.

En México sucedieron una serie de eventos importantes, empezando por la ruptura en dos ocasiones de récords históricos en el estreno de producciones hechas en nuestro país. Marzo cerró con Nosotros Los Nobles, reversión de El Gran Calavera de Buñuel, realizada en 1949.

Rápidamente la comedia dirigida por Gary Alazraki se coronó como la favorita de la audiencia, rebasando los 342 millones de pesos recaudados en taquilla, destronando así a El Crimen Del Padre Amaro, que tenía más de una década ocupando la primera posición en ese ranking. En septiembre llegó No Se Aceptan Devoluciones, ópera prima de Eugenio Derbez que tuvo una apertura sin precedentes, consiguiendo casi los 150 millones de pesos en su primer fin de semana y alrededor de los 600 millones durante los meses que estuvo en exhibición. Esto ocasionó que dicha comedia superara a blockbusters como Mi Villano Favorito, Rápidos y Furiosos 6 ó Monsters University y se colocara en el segundo peldaño como la película más vista en los cines de México, después de Los Vengadores.

El filme, que también se estrenó en Estados Unidos, se convirtió en la cuarta cinta más taquillera en la historia de ese país hablada en idioma extranjero y la primera en español, avalada por sus más de 35 millones de dólares en el box office norteamericano. Para darnos una idea de lo que esto significa, Instructions Not Included (como se tituló

en inglés) quedó por encima de películas como Amelie, El Laberinto Del Fauno o Diarios De Motocicleta. Aunque la crítica esté dividida con esta dupla de fenómenos, eso no hace que el éxito de ambas deje de ser una buena noticia.

Finalmente, la afluencia del público habla por sí solo y los hechos son una pequeña muestra de que nuestra industria ha dado pasos importantes.

Iniciativas como el EFICINE o el FOPROCINE han contribuido a consolidar las propuestas y ha sido evidente que el nivel de historias y realización también ha crecido considerablemente.

Basta sólo con observar los largometrajes en competencia dentro de festivales como el Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG), el Guanajuato International Film Festival (GIFF), el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) o el Baja International Film Festival (BIFF), que incluyeron excelentes títulos como La Jaula De Oro, de Diego Quemada-Díez, Club Sándwich de Fernando Embicke, Los Insólitos Peces Gato de Claudia Saint-Luce, Workers de José Luis Valle, La Vida Después de David Pablos, y que esperemos ver en exitosas corridas comerciales el año que viene. Ni qué decir del reconocimiento como mejor director al que se hizo acreedor Amat Escalante en Cannes, por su controvertida Heli, encargada de abrir la selección oficial de tan importante festival, o estrenos como No Quiero Dormir Sola, de Natalia Beristain y los documentales Música Ocular de José Antonio Cordero, El Paciente Interno de Alejandro Solar o Quebranto de Roberto Fiesco.

Aunque Gravedad no fue realizada bajo financiamiento mexicano, Alfonso Cuarón y Emmanuel Lubezki han estado en los reflectores como una pareja de mexicanos que entregó una de las películas más sorprendentes de este año y esperamos que ahora sea reconocido su trabajo en las temporadas de premios que se avecinan.

Sin duda, todos estos eventos son benéficos para la construcción de más ventanas para que los realizadores expongan lo que tienen que decir a través de una cámara con imágenes en movimiento.

Debemos sentirnos orgullosos de que, a pesar de las adversidades que implica vivir en un país en donde la cultura lamentablemente no es una prioridad, el saldo en esta última vuelta al sol ha sido en sumo positivo y se han ido encontrando vías de exponer nuestra creatividad. Ojalá que todo lo que vimos en este 2013 sea tomado en cuenta por distribuidores y exhibidores, quienes son también elementos claves para el desarrollo de una industria que aún tiene mucho que decir.

> Linda Cruz es periodista y titular de la sección Movie Monday del programa WFM, transmitido a través de W Radio (96.9 FM).

POR: KARINA LUVIÁN

Cada año una nueva camada de artistas sonoros alcanza a transgredir las barreras del anonimato, algunos cruzan el umbral y continúan en acenso, hasta tocar la cima del mainstream, otros, permanecen impávidos esperando a que su turno de colarse en todos los reproductores del mundo llegue. Algo que nos queda muy claro es que la música, en el futuro cercano, estará dominada por el género femenino, para muestra, nuestro listado con las 15 bandas, proyectos y artistas que despegaron en 2013 y que gracias a su alta calidad y singularidad, debemos seguir muy de cerca.

Con dos años de formación, la banda inglesa integrada por Jehnny Beth, Gemma Thompson, Ayse Hassan y Fay Milton llamó la atención del mundo por su estruendoso acto en vivo y la potencia de su música, misma que se vio cristalizada en su álbum debut Silence Yourself, lanzado este 2013. Con reminiscencias a Siouxsie And The Banshees y Joy Division, la música de estas chicas resaltó en un año en el que la tendencia se inclinó hacia sonidos como el pop y el rithm and blues, coronando su esfuerzo con su primera nominación al Mercury Prize. Y aunque no fueron acreedoras al prestigioso reconocimiento, el haber sido incluidas les otorga la valía suficiente para ser consideradas una de las grandes sorpresas del año que concluye, banda a seguir, indudablemente.

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Si algo quedó demostrado en los pasados 12 meses es que no existe un límite de edad para crear música, menos aún cuando miramos a las nuevas generaciones. Es el caso de los hermanos Guy y Howard Lawrence, quienes cuentan con uno de los álbumes más exitosos del año con tan solo 22 y 19 años, respectivamente. Un sencillo lanzado por año, a partir de 2010, y el EP The Face (2012) fueron suficientes como preámbulo para presentar su aclamado disco debut Settle, el cual llegó a las tiendas el pasado tres de junio para echarse a la bolsa a críticos y amantes de la música electrónica de todo el mundo. Dicho material obtuvo nominaciones al Grammy, en la categoría de Mejor Álbum Dance, y al Mercury Prize, y colocó a la dupla nacida en Inglaterra dentro del lineup de Glastonbury.

¿Quién en la industria musical contemporánea e incluso de décadas lejanas puede presumir haber firmado su primer contrato discográfico a los 13 años? Bien, tenemos una ganadora: Ella Maria Lani Yelich-O’Connor, mejor conocida al pisar un escenario como Lorde. Aunque su EP debut, The Love Club, fue lanzado en 2012, la proyección de su música y de dicho material llegó este año, con el éxito incontenible de la canción ‘Royals’, que alcanzó el puesto número uno del Billboard Hot 100, convirtiendo a su autora en la primera artista de Nueva Zelanda en obtener dicho logro en el mercado estadounidense. Previo a la salida de su disco debut Pure Heroine (2013) todo estaba colocado para estallar maravillosamente en las manos de la joven de 17 años, quien, hoy por hoy, pelea por cuatro galardones en la 56º entrega del Grammy.

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Glasgow se unió también a este rush de artistas nuevos que sacudieron la escena en el año que ha concluido. ¿Su carta a jugar? Chvrches.

Conformada por Lauren Mayberry, Iain Cook y Martin Doherty esta banda ha sido señalada por la BBC como una de las grandes promesas de 2013, con su álbum debut The Bones Of What You Believe lanzado en septiembre pasado. Previo a eso, la triada no había llegado al mercado norteamericano pero sí había conquistado ya a miles de escuchas en Europa, llamando la atención de publicaciones como NME y The Guardian, y logrando que aquello que inició en un ático de su ciudad natal fuera escuchado en late nights como “Later… with Jools Holland” y “Late Night with Jimmy Fallon”, en festivales como SXSW y funcionara como show previo en diferentes fechas de la gira “The Delta Machine Tour”, de Depeche Mode, una de las bandas que la ha inspirado.

Pocas cualidades enganchan hacia una banda con tanta inmediatez que un poderoso acto en vivo. Esto siempre lo tuvo claro la banda fundada por Samuel Thomas Fryer y Alexander “Chilli” Jesson, y complementada por Jeffrey Peter Mayhew y William Martin Doyle, quienes representan un combo explosivo en el escenario y, gracias a ello, lograron amalgamar una base de fans lo suficientemente grande como para que la crítica volteara a verlos e, incluso, Rough Trade Records decidiera firmarlos. Con tres años de vida, Palma Violets presentó este año su álbum debut 180 con buena recepción, gracias a ese garage rock estruendoso, honesto, violento, con un encanto inglés del que no muchos pueden presumir y que va de The Who a The Libertines. Promesa fuerte, sin duda.

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Del tejido a la guitarra y la batería, con un sonido tan salvaje que no pudo pasar desapercibido. Deap Vally inició su historia como una banda de chicas desenfadadas y enamoradas de la estridencia del rock and roll en 2011, siendo un año después que lograron un contrato con Island Records, para después lanzar el sencillo ‘End Of The World’ y catapultarse como una banda a seguir. Para junio de 2013, las sensuales Lindsey Troy y Julie Edwards ya contaban con su disco debut, Sistrionix, con canciones tan provocativas como ‘Baby I Call Hell’ y ‘Gonna Make My Own Money’, demostrando que estaban completamente alejadas del puñado de artistas pop que no dejan de surgir. Si se tuviera que encontrar un parangón masculino la referencia inmediata sería Jack White, aunque hay quienes relacionan su sonido con lo hecho por Led Zeppelin. Power girl en su máxima expresión.

Si 2009 se vio sorprendido con la voz de Florence Welch, 2013 tendría un destello similar con el talento vocal de Hannah Reid, quien junto a Dan Rothman y Dot Major conformó otra de las grandes aportaciones de Reino Unido a la industria musical: London Grammar. Fue primero en el mes de febrero que la banda originaria de Nottingham lanzó el EP Metal & Dust, para después despuntar de la mano de otro prometedor proyecto, Disclosure, al participar en el track ‘Help Me Lose My Mind’, contenida en Settle. Ya en septiembre, la agrupación cuya influencia principal refiere a Fleetwood Mac, Radiohead, The National y diferentes compositores de bandas sonoras, presentó su disco debut If You Wait, colocándose en los primeros lugares de las listas de popularidad europeas y llegando a ser parte de Glastonbury Festival.

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Con experiencia suficiente en el quehacer musical, Michael Milosh —músico solista canadiense— y Robin Braun —miembro de Quadron— conformaron Rhye, en medio de cierto misterio pues en un principio no se sabía quiénes estaban detrás de ese sensual R&B cristalizado en ‘Open’ y ‘The Fall’. El contralto de su vocalista hizo pensar, en un principio, que se trataba de mujer; sin embargo, poco después se sabría que era Milosh y que, de hecho, la dupla se encontraba trabajando en lo que sería su álbum debut. Para el 5 de marzo, Woman llegaría a las tiendas y el mundo se enamoraría de cada uno de sus temas, con dulces referencias eróticas aderezadas por saxofones, beats y líneas de bajo que crean ambientes minimalistas y encantadores. Y aunque los autores de las diez piezas que conforman la placa procurarán mantener su “anonimato”, poco probable es que ocurra, si el proyecto mantiene su calidad y propuesta.

Secondhand Rapture es el nombre del disco debut de Lizzy Plapinger y Max Hershenow, mejor conocidos como MSMR, dúo neoyorkino que pese a su aún corta vida ha pisado importantes escenarios, haciéndose de un buen número de seguidores en países de América y Europa. Su sencillo ‘Hurricane’ fue su carta de presentación en la escena, y aunque ha sido comparada con actos como Poliça, Florence + The Machine y Lana del Rey, su música no toca a fondo el concepto de ninguno de ellos, siendo una mezcla más sintética y festiva, sin perder ese toque de complicidad que empuja al escucha a sumergirse en sus sonoridades. La voz de Plapinger es, sin duda, un elemento importante, haciendo sinergia con los layers, beats y armonías creadas por Hershenow. En proceso de maduración pero con potencial evidente.

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Aunque el álbum 14 (2008) es, propiamente dicho, el debut musical de Charlotte Emma Aitchison aka. Charli XCX, éste nunca tuvo un lanzamiento comercial y forma parte de ese periodo en el que la artista lidió con situaciones creativas y personales que la llevaron a dejar la música por un año. Así pues, 2013 vio el lanzamiento de True Romance y, con ello, el despunte de la joven de 21 años nacida en Hertfordshire, Inglaterra. Su influencia obvia es Gwen Stefani —hecho reconocido por XCX—, pero en su sonido encontramos también dejos de la vieja guardia como Madonna y un poco de la nueva, con Grimes como primera referencia. Uno de los puntos fuertes de esta artista es su capacidad para hacer éxitos; el ejemplo perfecto: ‘I Love It’, obsequiado a Icona Pop y en el que aparece como invitada. Charli ya trabaja en un nuevo disco, mismo que verá la luz en algún punto de este año.

Camila Sodi y Saúl Ledezma (Radaid) integran este proyecto mexicano de corte synth pop que logró recepción favorable desde el estreno de ‘Amores Residuales’, carta de presentación de su debut discográfico, homónimo. Con letras en español y no en el permeado idioma inglés de la escena local, la banda contó con la colaboración de Ulises Lozano y Carlos Chaires (Kinky) en la confección de su primera placa, una con dulce decadencia en cada una de sus once canciones, donde Sodi da voz a sus demonios. “Noise pop, sintetizadores densos, reminiscencias industriales y una propuesta original”, así es como Noiselab, sello de la banda, define lo hecho por Ella y El Muerto, dupla que pese a estar en los primeros escenarios de su encumbramiento como concepto, representa el esfuerzo plausible por impulsar un género poco explorado en el mercado nacional.

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Joven, hermosa y talentosa, cuya mezcla de emociones tras el divorcio de sus padres la impulsó a buscar en la música esa válvula por la cual liberarse. BANKS no cuenta siquiera con un larga duración, sin embargo, su EP London le ha sido suficiente para destacar primero en mercados europeos y luego en su natal Estados Unidos. Derivado también de sus problemas familiares, esta artista cuenta con una licenciatura en Sicología, pero la inclusión que Zane Lowe hiciera de la canción ‘Before I Ever Met You’ en su programación le dictó el camino que seguiría: el quehacer musical, hecho que ella califica como “un regalo del universo” y que le ha permitido trabajar con productores reconocidos, entre los que se incluye Jamie Woon, Tim Anderson y Totally Enormous Extinct Dinosaurs.

Formada en 2011, Feathers ha sido catalogada por The Guardian como “la primera banda femenina synthpop en la historia”, al estar conformada por Anastasia Dimou (guitarra y vocal), Courtney Voss (bajo), Kathleen Carmichael (teclados), Jordan Johns (batería) y tener el camino estilístico de Human League y, por supuesto, Depeche Mode, para quienes serán teloneras en su próxima gira por Europa. If All Now Here es su disco debut, mezclado por Steven DePalo —quien además ha trabajado con Cold Cave— y con dos canciones producidas por Brian Foote, colaborador de Zola Jesus, lo cual nos guía también en los sonidos con los que juega la banda originaria de Austin, Texas. ‘Land Of Innocent’, primer sencillo desprendido de la mencionada placa, muestra el talento de estas chicas, quienes han pisado escenarios como el de SXSW, All Tomorrow Parties y Fun Fun Fest.

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El músico inglés —cuyo nombre real es Archy Marshall— toma su seudónimo inspirado por la cinta “King Creole”, protagonizada por Elvis Presley, e inicia su carrera como actualmente la conocemos hace apenas dos años, en 2011; sin embargo, este jovensísimo talento mostró su encanto por la música a la corta edad de ocho años, cuando grabó su primer demo. El EP 6 Feet Beneath The Moon, lanzado vía True Panther/XL, es el material con el que ha girado en diferentes ciudades, con una entonación vocal que poco refleja su edad —19, apenas— y una profundidad interpretativa particular que conjuga a la perfección con las letras compuestas por él mismo. Smooth jazz, blues, downtempo, así suena la música de este joven cuya maduración probablemente se verá reflejada en 2014, con la mirada atenta de la crítica internacional que espera ansiosa su primer disco en forma.

Uno de los discos más esperados del año ya concluido fue, justo, el de las hermanas HAIM, quienes lanzaron Days Are Gone cobijadas por el sello de Jay Z, Roc Nation. Con Dash Hutton como baterista, el bagaje musical de Alana, Danielle y Este se ve reflejado en el tipo de música que crean, comparada frecuentemente con lo hecho por Fleetwood Mac. El EP Forever fue el que las colocó como banda a seguir en 2013, para que en septiem070

bre del mencionado año el público estallara en elogios hacia la agrupación y el disco mismo, siendo parte de Glastonbury Festival y adjudicándose el primer lugar de la conocida encuesta Sound Of… de la BBC, por mencionar algunos de sus logros. Aunque el debut de HAIM pudiera decir todo lo contrario, lo estrepitoso de su ascenso a las grande ligas pudiera hacer creer que la caída será igual de vertiginosa; dependerá de ellas el refutar dicha idea.

DENTRO DE ALGUNAS DÉCADAS RECORDAREMOS ESTE AÑO COMO UNO DE LOS MÁS PROLÍFICOS Y PRODUCTIVOS EN CUANTO A PRODUCCIÓN Y MANUFACTURA MUSICAL. 2013 SE CONVIRTIÓ EN UNA LLUVIA DE LANZAMIENTOS QUE SE MANTUVO CONSTANTE, SIN OTORGAR TREGUA DURANTE 12 MESES. ENTRE TANTA OFERTA SONORA FUE DIFÍCIL ESCOGER APENAS 20 ÁLBUMES QUE REFLEJARAN LA PERSONALIDAD DE UN PERIODO TAN SIGNIFICATIVO PARA LA HISTORIA DE LA MÚSICA, SIN EMBARGO, EN EL STAFF DE WARP PENSAMOS QUE ESTAS SON LAS 20 PIEZAS QUE HICIERON DE 2013 UN AÑO DEFINIDO POR EL SONIDO. A CONTINUACIÓN PRESENTAMOS DE VIVA VOZ DE NUESTROS COLABORADORES E INVITADOS ESPECIALES UNA REFLEXIÓN RESPECTO A CADA UNO.

LA REVELACION FACTORY FLOOR FACTORY FLOOR DFA

Por: Vicente Sanfuentes / @VSanfuentes

Quiero que los artistas que me hacen bailar tengan autoridad.

Que sepan lo que están haciendo. Autores con Autoridad.

Después de escuchar los primeros compases de Factory Floor, el disco debut de Factory Floor para DFA, me doy cuenta de que estoy en buenas manos, que puedo bajar la guardia y disfrutar de uno de los discos más potentes que he escuchado últimamente.

Describirlo en palabras pareciera ser poco útil, ya que es un disco que se comunica directamente con el cuerpo, que lo recibe y en una rápida negociación lo aprueba. Sin referencias estilísticas haciendo lobby. Simple y directo al grano.

Pareciera ser un concepto anticuado, pero más de una vez he escuchado decir que “las bandas son tan buenas como sus bateristas” (inserte aquí su chiste sobre Ringo Starr). En este caso, los Factory Floor son un buen ejemplo. Con la efectiva precisión rítmica de bandas como ESG o Smith & Hack, los Factory Floor basan su fuerza en el ritmo y la repetición. Así crean un disco intenso, hipnótico y nocturno pero con la particularidad de ser disfrutable tanto en la pista como en los audífonos.

Personalmente, respeto mucho a los artistas con excelencia en lo rítmico, ya que lo imagino sinónimo de disciplina, coordinación y perseverancia. En este caso resalto la habilidad que tienen de hacer parecer sencillos ritmos llenos de sutilezas y cambios, sin convertirse en una lección escolar tipo rock progresivo, ya que la pista de baile no está para eso.

Recomiendo prestar atención a los andares de esta familia musical que, aunque editados por los norteamericanos DFA, su sonido pareciera ser más cercano al de Phantasy Sound, disquera inglesa para Erol Alkan, Daniel Avery, Connan Mockasin y otros. Sospecho que entre ellos se prestan los sintetizadores porque definitivamente estamos hablando de un nuevo sonido inglés, de tintes acid, post punk, EBM y techno. Tan herederos del acid house como de Primal Scream y Spacemen3.

Quizás este disco no domine las listas de 2013, tampoco pareciera ser su intención, pero de seguro sí lo hará en bastantes pistas de baile, contorsionando a los que se entreguen a su particular funk mecánico de alta autoridad.

Altamente recomendado para fanáticos de perderse y dejarse llevar.

> Vicente Sanfuentes es músico, productor y DJ, así como CEO de Sanfuentes Records.

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Con su debut homónimo Factory Floor se anota en la lista de bandas a seguir, con una gran prospectiva para el futuro.

EL ROMANTICO TROUBLE WILL FIND ME THE NATIONAL Terrícolas Imbéciles

Por: Michel Rojkind / @rojkind_arq

Mi primer encuentro con The National fue en 2007, cuando mi buen amigo Héctor Esrawe me sugiere la canción ‘Fake Empire’ para un importante “playlist” que estaba haciendo. Aunque odio las comparaciones, no pude evitar que pasaran por mi mente momentos sonoros de Leonard Cohen al escuchar la voz de Matt Berninger, de Larry Mullen Jr. al escuchar la batería de Bryan Devendorf, con los crescendos que lo caracterizan hasta la fecham y, finalmente, mi curiosidad al escuchar frases como: “No thinking for a little while Lets not try to figure out Everything at once It’s hard to keep track of you Falling through the sky We’re half awake in this fake empire.”

Después de su álbum debut homónimo en 2001, The National parece haber ganado su derecho de piso (no sólo en la escena indie) abriendo paso a su sexta y más reciente producción Trouble Will Find Me. Un disco que al principio podría sugerir la continuación de su álbum anterior, High Violet, con sus tintes atmosféricos profundos, obscuros, y las características letras viscerales de Berninger. Una apuesta a la continuación cadente de su propia evolución, pero con más madurez, iniciando con su producción que tiene elementos no tan evidentes como en discos anteriores, también están los discretos invitados que participan en la placa, hasta la selección de canciones y su orden de aparición.

Comenzando, la guitarra acústica de ‘I Should Live In Salt’ nos adentra en una voz más refinada, en menos notas de los

Aaron Dessner, guitarrista y productor del álbum, empezó a escribir música para el disco inspirado por el nacimiento de su hija Ingrid Stella Dessner.

hermanos Dessner, pero sin perder su melancolía característica. Le sigue ‘Demons’, el primer sencillo oficial del disco, en donde cualquier curioso podría deducir de dónde viene esta banda sin conocer tanto de su pasado.

El cambio de tempo comienza al arrancar la batería de Devendorf en ‘Don’t Swallow The Cap’, en donde podríamos cacharnos tarareando ( dead seriously ), para luego regresar a relaciones masoquistas con ‘Fireproof’.

‘Sea Of Love’ marca un uptempo con cambios de ritmo y relaciones destructivas en donde nos sacan lo peor, ‘This Is The Last Time’ está bien construida de principio a fin, cargando de intensidad su final, con destellos de optimismo.

La batería cadente de Devendorf en canciones como ‘Graceless’ y ‘Humiliation’ balancea muy bien la producción. ‘Slipped’ es una de las más atmosféricas del disco, está llena de notas mínimas por parte de los hermanos Dessner y cargada de melancolía e intensidad por parte de Berninger, redondeando la canción.

‘I Need My Girl’ es un grito silencioso de desesperación y necesidad de una mujer, en donde la cadencia es llevada ahora por la guitarra de Dessner. ‘Pink Rabbits’ nos comienza a preparar —en su estilo depresivo— para el final del disco, pero al mismo tiempo se aferra a no acabar cantándonos “You said it would be painless” (“dijiste que no dolería”), para soltarnos así con el decimotercer track ,’Hard To Find’.

Un The National en una etapa más madura y con más aceptación de ellos mismos, sin perder su cuestionamiento constante y con letras que vale la pena escuchar con atención. Un disco con más evolución personal que auditiva, hace de éste uno de los mejores discos del año.

> Michel Rojkind es Arquitecto modernista, fundador y socio de Rojkind Arquitectos.

EL PRETEXTO PARA TOCAR BANKRUPT! PHOENIX

Warner Music México

Por: Marcos Hassan / @Kiddieriot

2013, para la banda, es la culminación de mucho esfuerzo y dedicación: 21 años desde que Laurent Brancowitz formó Darlin’ al lado de Thomas Balgarter y Guy-Manuel De HomemChristo; 14 años de haber lanzado sus primeros sencillos y de ser la banda de apoyo de Air, y cuatro desde el Wolfgang Amadeus Phoenix, su breakthrough internacional.

Aunque sus compadres de Daft Punk y Air pavimentaron el camino que hizo posible el impacto mundial que hoy rinde frutos con Bankrupt!, los chicos de Phoenix han logrado, por sí mismos, capturar el ritmo y los corazones de los jóvenes alrededor del mundo de la manera clásica: tocando con sus instrumentos tradicionales de rock y escribiendo canciones un poco irónicas en sus letras, pero completamente claras y sonrientes en sus melodías.

Si hay que celebrar algo con este álbum, es que un grupo francés, con unos añitos encima, pueda ser una de las bandas más actuales y amadas del mundo sin prejuicio alguno, probando que se puede no ser de Inglaterra o verte como un modelo chaval que fue rechazado de las pasarelas porque le gusta tomar y fumar demasiado (eso sí, tampoco desafiando estereotipos).

Previo a la salida del disco, Phoenix fue confirmado para encabezar Coachella 2013, iniciando así una gira como headliner de festivales alrededor del mundo.

Al mismo tiempo, Bankrupt! representa la perseverancia de un sonido tomado prestado de los ochenta por grupos de las grandes urbes para plasmar sus sentimientos y melodías con sintes y líneas de bajo rítmicas; los fantasmas de Joy Division, el post punk y el new wave, no sólo ya no visten de negro; ahora dejan de ser una referencia específica a una banda, género o década, convirtiéndose en el blues del nuevo milenio, donde es aceptado que una banda recicle sonidos y ritmos angulares para darle su propio giro.

Pero Phoenix no es el unico responsable de esto y es precisamente este factor el que hace de Bankrupt! tan importante: no importa quién haga qué o de dónde lo saquen; lo importante es lo buenas que son sus canciones. Después de todo, esto es lo que nos interesa a los melómanos; todo lo demás —imagen, escena, instrumentos, país de origen, idioma— son ornatos para lo que de verdad persevera a través de los años y, para los que gustan del rock bien hecho, para cantar y bailar, pocos momentos fueron tan altos este año como ‘Entertainment’, ‘Trying To Be Cool’, ‘Drakkar Noir’ y muchas más. Es dudoso que Phoenix desaparezca pronto del repertorio actual de la música.

> Marcos Hassan es músico, periodista y crítico musical. Colabora en diversos medios en México y Estados Unidos.

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EL INCOMPRENDIDO AMOK ATOMS FOR PEACE Terrícolas Imbéciles

Por: Alejandro Altamirano / @al__e

Es muy probable que el disco debut de Atoms For Peace se haya empezado a cocinar desde el primer intento solista de Thom Yorke —frontman de Radiohead— el cual se materializó en 2006 bajo el nombre de The Eraser. Tres años y dos discos con Radiohead (In Rainbows y The King Of Limbs) después, Yorke retoma su camino lejos de su banda principal y al frente de una nueva agrupación.

Thom Yorke, Flea, de Red Hot Chili Peppers, el productor Nigel Godrich, Mauro Refosco y Joey Waronker se unieron desde 2009 para simplemente pasarla bien; cuatro años y varias presentaciones en vivo después, la banda presenta su disco debut bajo el nombre de Amok, cuyo siginificado según la OMS es “un episodio aleatorio, aparentemente no provocado, de un comportamiento asesino o destructor de los demás, seguido de amnesia y/o agotamiento”.

Al principio y si no se pone mucha atención, Amok puede parecer una simple continuación de The Eraser, pero conforme los temas avanzan, los elementos electrónicos se fusionan de manera orgánica con los instrumentos musicales utilizados, dando una sensación de calor humano, misma que se ausentó en el primer trabajo solista de Yorke.

Un claro ejemplo es el tema ‘Dropped’, en el cual la voz de Thom navega siempre acompañada del bajo de Flea, terminando con una línea de funk paranoico. Durante los

Atoms For Peace nació de la banda que se formó para interpretar en vivo el álbum debut solista de Thom Yorke, The Eraser.

nueve temas que conforman la placa, las percusiones que le imprime Mauro Refosco y el preciso acomodo de las secuencias electrónicas por parte de Nigel Godrich, hacen que el material, a pesar de su complejidad en la producción, se sienta por momentos hasta bailable.

Sin duda, ‘Ingenue’ y ‘Before Your Very Eyes’, además de ser sencillos oficiales, son dos temas que resaltan por su estructura, la cual se asemeja un poco más a lo que pudimos escuchar en los dos últimos discos de Radiohead y que al parecer dejan en claro que Thom Yorke no tiene intenciones de alejarse de este sonido en un buen tiempo, probablemente el próximo disco de su banda principal suene muy similar a lo que ha estado haciendo.

Amok es una obra bien lograda en general, que no se cae ni se pierde en el camino de la experimentación, y aunque no muestra un sonido innovador, sin duda deja huella entre lo mejor logrado de 2013, un año en el que la electrónica la dictó Disclosure con su Settle y el rock estuvo marcado al compás de Arctic Monkeys, con AM, …

Like Clockwork, de Queens of The Stone Age y Reflektor, de Arcade Fire.

Ojalá muy pronto podamos disfrutar de un segundo trabajo de este ensamble de talentos y que Amok no se quede como único precedente de un simple experimento.

> Alejandro Altamirano es Asistente Editorial de WARP, puedes leer su entrevista exclusiva con John Talabot en WARP #62.

EL ASPERO SHANGRI LA JAKE BUGG

Universal Music México

A sus 19 años Jake Bugg considera el dar entrevistas unas de las partes más aburridas y tediosas de ser músico.

Por: Eduardo Guillot

La novela Horizontes Perdidos (1933), del escritor británico James Hilton, describe un monasterio tibetano, metáfora del paraíso terrenal utópico; una tierra de felicidad permanente aislada del mundo exterior: la sociedad perfecta llamada Shangri-La. Justo un año después de su impactante debut, el también británico Jake Bugg ha usado ese nombre para bautizar su segundo álbum, aunque la decisión es mucho más prosaica: así se llama el estudio de Malibú donde lo grabó, propiedad del veterano Rick Rubin, quien se encargó de la producción.

Del mismo modo, el disco tampoco esconde su intención principal: resarcirse de la dudosa etiqueta de “nuevo Bob Dylan” que se le adjudicó en cuanto irrumpió en la escena internacional. Y hasta la portada ofrece pistas: del blanco y negro al color, de la inspiración folk a la apuesta rock con aliño country.

Shangri La marca un giro importante en la carrera del joven Bugg, que ha aceptado rodearse de músicos experimenta-

dos como Jason Lader (Eminem, Lana del Rey), Chad Smith (Red Hot Chili Peppers) y Pete Thomas (Elvis Costello & The Attractions) para obtener un álbum más compacto, pero también más convencional que su predecesor. De hecho, mantiene a su lado a Iain Archer en varias canciones, pero también firma tres con Brendan Benson y otras dos con Matt Sweeney (Bonnie ‘Prince’ Billy), ampliando su catálogo de colaboradores en una decisión que quizá permitiría que su público siga creciendo, aunque puede afectar la singularidad de su propuesta sonora.

A la espera de lo que le deparare el futuro, Jake Bugg mantiene alto el listón con un disco vibrante, que le acerca a su compatriota Alex Turner (Arctic Monkeys) y le saca de la adolescencia sin sufrir heridas demasiado graves o traumas irresolubles. Un primer paso hacia su etapa de crecimiento que, seguramente, todavía tiene que deparar muchas alegrías.

> Eduardo Guillot es periodista musical, cultural y de cine, autor de diversas publicaciones y colaborador de medios especializados como Rockdelux y Efe Eme. 076

EL REVELADOR HESITATION MARKS Nine Inch Nails Universal Music México

Por: Diovanny Garfias / @Androgyn

Trent Reznor no es autocomplaciente en ningún sentido, siempre está trabajando en nuevas formas de desafiar su intelecto, preocupándose por no seguir fórmulas y por transgredir sus propios límites. Partiendo de lo anterior, es sencillo deducir que la única forma en la que un nuevo disco de NIN llega a nuestros reproductores es cuando ha dejado satisfecho al 100 por ciento a su progenitor, orgulloso y deseoso de que el mundo lo conozca. Como admirador del trabajo de Reznor en general, pero sobre todo de NIN, siempre me despierta curiosidad descubrir la nueva cara sonora que su proyecto principal adoptará. Sin embargo, tras la salida de The Slip (2008) parecía que el artista había llegado a un bache creativo, la placa parecía más una colección de canciones que un LP con un concepto y trabajo de fondo en su espalda. Tiempo después Reznor hizo pareja con Atticus Ross para dar vida musical a las películas de David Fincher y más tarde, se unió a sus esposa, Mariqueen Maandig, para crear How To destroy Angels. Estos dos capítulos fueron fundamentales para Trent, llevaron su genio creativo a nuevos lugares, el hecho de enfrentarse a situaciones como trabajar en un colectivo (HTDA) o bajo las ordenes de un director de cine, estimuló su curiosidad musical dando pie a la creación de Hesitation Marks. Conceptualmente

Hesitation Marks nació de un par de tracks que serían incluidos en una compilación de grandes éxitos de NIN, eventualmente el material creció hasta llenar un álbum completo.

hablamos de la visión personal del mismo músico que escribió The Downward Spiral (1994) pero presentada 20 años después, con todo lo que ello significa. Atrás quedó el maestro nihilista autor de temas como ‘Mr. Self Destruct’ o ‘Even Deeper’, aquí encontramos a un Trent que no tiene miedo de hablar y presumir que ha salido del agujero emocional en el que alguna vez se encontró (‘Various Methods Of Escape’) y que a pesar de haber sido un lastre (‘Disappointed’) se ha enfrentado y sobrevivido a todo para, finalmente, estar libre (‘Everything’).

Musicalmente Reznor ha dejado de “ensuciar” sus piezas más “desnudas” para presentarlas tal y como fueron concebidas (‘Find My Way’), sin que esto represente que estamos frente a un fanático de las sonoridades acústicas, por el contrario, escuchamos experimentación electrónica llevada en diferentes direcciones, del dinamismo de los sintetizadores análogos (‘Copy Of A’) a la incorporación de beats minimalista y étnicos (‘Running’). Es decir, Hesitation Marks marca el regreso de Trent Reznor a las filas de los músicos que, pese a haber entregado piezas de música que permanecerán en la historia (The Fragile, Pretty Hate Machine), seguirán sorprendiéndonos en cada oportunidad, sentando nuevas bases sonoras y las tendencias a seguir.

> Diovanny Garfias es Editor en Jefe de WARP Magazine, puedes leer su entrevista con Alec Empire, de Atari Teenage Riot, en WARP #62.

EL CABALLERO INGLES DON ´T FORGET WHO YOU ARE MILES KANE Sony Music México

Por: Julián Woodside / @julianwoodside

Si algo saben hacer los británicos, es revisar constantemente su historia musical para renovar el imaginario de rock-pop que han construido durante los últimos 50 años.

Por ello no resulta sorprendente encontrar a músicos como Miles Kane, que desde temprana edad tienen un bagaje musical bastante completo y una formación muy sólida en el escenario.

Para imaginar lo que significa escuchar el segundo disco solista de Kane, se requiere lo siguiente: tomar esos 50 años de aprendizaje musical, sumar a un artista joven, talentoso y carismático, identificar las formas musicales más representativas del rock-pop británico de los años sesenta y los años noventa, agregar algo de punk y sintetizadores para renovarlos mediante una impecable producción y estaremos muy cerca de definir lo que significa escuchar Don’t Forget Who You Are. Este disco fluye de manera natural y hace evidente el aprendizaje y la madurez que ha desarrollado Kane durante sus poco más de diez años de trayectoria. Al

mismo tiempo, está claro en la grabación que su juventud le permite ofrecer mucha energía y pasión en su acto en vivo, cuestión por la que no es fortuito leer tantas críticas favorables tras su presentación en la edición más reciente del festival Corona Capital.

Finalmente, lo más atractivo de Don’t Forget Who You Are es que absolutamente cada track es un sencillo potencial: algo difícil de encontrar en las producciones de hoy en día; por lo que si bien Kane retoma motivos musicales que hemos escuchado en otros artistas, el mezclarlos en composiciones que suenen completamente novedosas requiere de mucho talento. Si a esto le agregamos una personalidad atractiva, una estética que mezcla lo urbano de un pub con lo refinado de la primera invasión británica y la Nouvelle Vague, y lo aderezamos con cierto antecedente indie-punk para legitimarse, entenderemos por qué Miles Kane ha resultado ser uno de los artistas más atractivos del último año.

> Julián Woodside es Académico y Periodista enfocado en música, cine, memoria cultural e historia.

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Tras formar parte de proyectos como The Rascals y The Last Shadow Puppets (al lado de Alex Turner), Don’t Forget Who You Are coloca a Miles Kane como una de la promesas del rock de Reino Unido.

EL MADURO

MODERN VAMPIRES OF THE CITY VAMPIRE WEEKEND Terrícolas Imbéciles

Por: Ricardo O’Farrill

Sin duda Vampire Weekend volvió a sorprender a todos los fanáticos con este álbum que vio la luz el 14 de mayo.

Desde el momento en el que aparecieron vestidos de negro y disfrazados como muertos en el programa de Jimmy Kimmel para interpretar ‘Unbelievers’, se supo que se trataba de un corte más obscuro, alejado de los dos álbumes anteriores. Este trabajo se caracteriza por mantener el estilo original de Vampire Weekend, pero en esta ocasión agregaron sonidos que recuerdan a los inicios del rock independiente de Nueva York, en los que Spoon y The Walkmen compartían escenarios y nadie sabía quién era Interpol. Las letras del álbum hablan principalmente de muerte y espiritualidad desde todos los ángulos posibles; en ‘Unbelievers’ Ezra narra cómo le espera el infierno por

> Ricardo O’Farrill es stand up comedian de tiempo completo.

Modern Vampires Of The City marca el distanciamiento de la banda del indie pop étnico, para entrar en terrenos minimalistas y brillantes.

ser un no creyente, ‘Step’ cuenta lo que es estar listo para morir en la vejez, ‘Hudson’ describe como nota periodística un asesinato, y la gran coreada y pegajosa ‘Ya Hey’ nos platica de la existencia de un Dios misericordioso que perdona todos nuestros pecados y excesos.

Modern Vampires Of The City es sin duda uno de los mejores cortes discográficos de 2013, no solo porque Vampire Weekend supo conservar el sonido original sin hartar a los fanáticos, sino porque una vez más lograron hacer un álbum lleno de canciones que estuvimos tarareando todo el año, lo cual es ,finalmente, el objetivo de un grupo; que la gente coree las canciones dentro y fuera de los conciertos. (Que como nota agregada también supieron entregar grandes conciertos en todos los festivales en los que se presentaron).

EL OSCURO DELTA MACHINE DEPECHE MODE Sony Music México

Delta Machine marca el final de una trilogía de álbumes de Depeche Mode producidos por Ben Hillier.

Por: Alex Midi / @alexmidi

Antes de comenzar a escuchar a Depeche Mode, solía estar metido mucho más en el género club, house y ese tipo de música; de hecho, antes de estar en Moenia comencé siendo DJ. Fue hasta que empecé a ir a un antro llamado Danzoo, ubicado en Insurgentes, en donde ponían mucho a bandas como The Cure, al mismo Depeche Mode y Joy Division. Así comencé a tripearme más en hacer música usando los instrumentos que tenía de una manera más parecida a aquellas bandas. Dentro del synthpop, sin duda algo que hacía que Depeche Mode resaltara eran sus letras, logrando que sus canciones mantuvieran un nivel de calidad arriba de la media, independientemente de los instrumentos, el equipo de grabación o el productor con el que trabajaran. Una banda como Depeche Mode, con más de 20 años de carrera, ha logrado mantenerse en lo más alto gracias a que han sabido enganchar por medio de las canciones a una base grande y sólida de seguidores. Creo que una de las características y aciertos de Depeche Mode es que han sabido usar la oscuridad en su música de una manera diferente. Me refiero a que no hacen música oscura en el sentido de que sea difícil de escuchar, sino que hacen letras con cierto toque malévolo y humano que combinado con las programaciones que hacen sea algo extrañamente disfrutable.

Si me pongo a pensar en cuál ha sido la mejor época de Depeche Mode me gusta llegar a la conclusión de que tienen una

obra para cada etapa de mi vida. Por ejemplo, hubo un tiempo que estuve muy clavado con el Black Celebration, cuando lo escuché pensaba que era el mejor disco que se había hecho en toda la historia de la música después salieron discos como Violator y Songs Of Faith And Devotion y yo seguía diciendo que Black Celebration era el mejor.

Sin embargo, después de 10 años de después, SOFAD se ha convertido en mi disco favorito. Justamente, este año Depeche Mode ha editado Delta Machine, un disco con una oscuridad parecida a SOFAD. Gran parte de las canciones de Delta Machine tienen depresión en las letras hacia cierta condición humana. Comparando con los dos discos anteriores de la banda, los cuales fueron hechos con el mismo productor, creo que se encuentra dentro de los mejores álbumes del grupo. Temas como ‘Soothe My Soul’ y ‘Heaven’ son algunos de los puntos más altos del disco, aunque en realidad el material completo guarda un alto grado de calidad de producción, haciendo que sea fácil de escuchar de principio a fin sin que se sienta interrumpido por canciones raras o fuera de contexto. En un año de grandes discos como el debut de Disclosure, Settle, o el sorpresivo lanzamiento de David Bowie, The Next Day, colocaría en tercer lugar dentro de los mejores discos del año a Delta Machine, el cual a pesar de que vivimos en un mundo de sencillos logra su lugar como una obra que se debe disfrutar de manera completa, además de darle un toque oscuro a la escena electrónica.

> Alex Midi es integrante de Moenia, músico, productor y DJ. Actualmente prepara el lanzamiento de su primer material en solitario.

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EL CABALLO NEGRO BEYONCÉ BEYONCÉ

Sony Music México

Por: Ricardo O’Farrill / @richiesgenial

Kanye West realizó una especie de campaña de guerrilla en la que proyectaba el video de ‘New Slaves’ en edificios de todo el mundo para dar a conocer el amado por muchos y criticado por otros Yeezus. Por su parte, Jay Z anunció Magna Carta Holy Grail durante las finales de la NBA. Evidentemente, ambos hicieron el ruido esperado. Por su parte, Beyoncé Knowles tuvo una mejor estrategia publicitaria, la cual consistió en no tener estrategia publicitaria; la noche del viernes 13 de diciembre apareció en iTunes de manera repentina un álbum completo de la cantante titulado simplemente Beyoncé, el cual incluye 14 tracks y 17 videos musicales. Como movimiento final, no se puede adquirir una canción o un video por separado, se debe comprar todo el álbum como un paquete. De esta manera obliga a los fanáticos a escuchar/ver todo el trabajo. Y aunque las leyes publicitarias indican que una buena estrategia no va a

> Ricardo O’Farrill es stand up comedian de tiempo completo.

Cada uno de los 14 temas del álbum homónimo de Beyoncé está acompañado por un video, ya que es definido como un trabajo audiovisual.

funcionar si el producto es malo, en esta ocasión podemos decir que el producto fue un éxito gigantesco —más de 800 mil discos vendidos durante su lanzamiento—, ya que, sin duda, estamos frente a uno de los mejores trabajos musicales y visuales del año. Beyoncé sabe que el mercado está cambiando y por ello no realizó un trabajo de R&B y pop convencional, se alejó del sonido típico que nos tiene hartos a todos, (veáse Katy Perry o Miley Cyrus) para hacer canciones más largas y limpias, con un sonido que se acerca más al de las nuevas generaciones, como el de Frank Ocean o The Weeknd, pero respaldado en la producción por grandes nombres como Timbaland, Justin Timberlake y Pharrell Williams. Así, la esposa del magnate Shawn Carter entrega un álbum que en un inicio parece un gusto culpable, pero termina por ser una pieza musical perfecta, que se conduce por sí sola y vale la pena escuchar una y otra vez.

LA ESTAMPIDA MATANGI M.I.A.

N.E.E.T. / Interscope

Por: Karina Luvián / @karixluv

Apegada a su estilo provocador y de sonoridades mixtas, la artista inglesa de ascendencia cingalesa sorprendió con su cuarto material discográfico, no sólo por la calidad que resultó poseer, sino por el hecho mismo de haber salido al mercado luego de los problemas que enfrentó con Interscope, al grado de amenazar con lanzarlo ella misma a través de Tumblr. Fue así que Matangi fue distribuido en noviembre de 2013, con un año de retraso y un buen recibimiento por parte de la audiencia en comparación con su trabajo previo, /\/\ /\ Y /\, el cual pocos destellos tuvo y pasó casi inadvertido.

En esta ocasión, Mathangi Arulpragasam condensó los elementos de electrónica y hip hop de los que tanto gusta con una porción considerable de ritmos hindúes, como el bhangra, de una manera más que excelsa, exacta, sin resultar en exceso de folclor local. Los tracks en los que es evidente al máximo son ‘Matangi’, ‘Warriors’, ‘Come Walk With Me’ y ‘Bad Girls’, pieza que, por cierto, es una de las más destacadas, ubicada casi a la mitad de esta producción como si se tratara, justamente, de una señal que advierte haber llegado a la cima, para después caer poco a poco en cuanto a intensidad y llegar a ‘Sexodus’, corte que, por cierto, en alguna ocasión ofreció a Madonna para sí misma.

Si bien Maya ha sido criticada en innumerables ocasiones por el discurso de su obra y actuar, aludiendo una falta de congruencia, nadie podrá decir que la ahora madre de 38 años ha tenido el arrojo y el coraje suficiente para continuar en el camino estilístico que desde el principio eligió sin siquiera dudar; más allá de eso, M.I.A. se alza como la artista completa que es, con visuales interesantes y guiones que la han llevado a trabajar con cineastas como Spike Jonze y Romain Gavras en más de una ocasión, siendo este último quien dirigió el polémico video de ‘Born Free’, en 2010.

Sin importar si periodistas y miembros de la industria lo crean plausible o no, Matangi representa un logro imperecedero para la alguna vez nominada al Barclaycard Mercury Prize, pues es la continuidad de una idea consolidada en sonido y concepto, con intensiones de demostrar que su lugar en el espectro musical está bien ganado a través de originalidad, beats poderosos y rimas desafiantes; desde ‘YALA’ y su frase: “If you only live once, why we keep doing the same shit?”, hasta ‘Bring The Noise’ y su determinante “Truth is like a rotten tooth, you gotta spit it out! Let the bottom two, let my wisdom work it out.” ¿Quieren escuchar un disco bien hecho, incomparable a algún otro de 2013 y que, además, los llene de energía sónica? Esta, sin duda, es la opción.

> Karina Luvián es Coordinadora Editorial de WARP, puedes leer su entrevista con Sampha en WARP #62.

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Matangi es el primer álbum en la discografía de M.I.A. en no incluir la colaboración del músico y productor Diplo.

EL REGRESO THE NEXT DAY DAVID BOWIE Sony Music México

Por: José Hernández Riwes Cruz / @hollowkid

El Bastard Pop (o cultura del reciclaje) tiene en David Bowie a uno de sus máximos exponentes. Es algo que él ha declarado en cada que tiene oportunidad. Él observa, toma, deconstruye, formula y presenta su interpretación. En sus palabras: “no importa quién lo haya hecho primero, sino quién lo hizo de manera memorable”. El regreso de Bowie fue calculado (y él sabe cómo hacerlo) pues lo ha hecho una y otra vez, sólo que en esta ocasión mantuvo un lapso de diez años antes de volver a aparecer con un nuevo disco: The Next Day. La sorpresiva noticia del lanzamiento de este nuevo disco se llevó a cabo con la presentación del video del primer sencillo ‘Where Are We Now’, el 8 de enero de 2013 (el mismo día en que Bowie cumple años), pero ¿en verdad fue una sorpresa? Quizá las exposiciones Glam, The Performance of Style y David Bowie Is que tuvieron lugar en la Tate Liverpool y Victoria and Albert Museum respectivamente eran un motivo anunciatorio de lo que estaba por venir. Ambas muestras alimentaron el juego de imágenes al que Bowie nos tiene acostumbrados, sólo que en este caso la expectación se nutrió ante la posibilidad de contemplar los disfraces y las máscaras vacías de un protagonista ausente. Los boletos para ambas exposiciones comenzaron a venderse a finales de 2012, el mito comenzó a fortalecerse una vez más.

Y es así que cuando aparece The Next Day dicha ausencia (que se mantiene, pues Bowie se mantiene oculto, la única entrevista que ha dado la hizo siete meses después y consta de 42 palabras) y lo

Bowie y Tony Visconti trabajaron en secreto en la producción y grabación del álbum durante un periodo de dos años.

críptico de la portada del disco generan lecturas muy interesantes sobre esta obra. Esta vez, Bowie se recicla a sí mismo; la portada de Heroes, como la canción del mismo nombre, se convirtieron en íconos pop, y qué es la imagen del nuevo disco sino un ícono intervenido por el diseñador Jonathan Barnbrook. La portada es la misma en The Next Day que la del disco cumbre de la trilogía alemana pero la palabra “Heroes” ha sido tachada y el rostro de Bowie bloqueado por un cuadrado blanco con el título del disco, ¿una nueva máscara, un döppleganger o es que ya no somos héroes?

La auto referencia en la música (que tiene un gran complemento en los filmes cortos que acompañan a los sencillos), aparece en los ecos que las nuevas canciones hacen de las viejas canciones, no de una sola época sino de todas y tampoco como cita directa sino compuesta e incluso alusiva. De esta manera se genera un campo sonoro familiar (no es gratuito que los productores del disco sean Tony Visconti y el mismo Bowie) que es al mismo tiempo novedoso.

Temáticamente, The Next Day se enlaza con ‘Ashes To Ashes’ —corte desprendido de Scary Monsters (and Super Creeps)— en cuanto a que el autor está haciendo revisión y comentario de su obra pasada a través de una nueva, elaborando al mismo tiempo un discurso contemporáneo poniendo, una vez más de manifiesto, que Bowie no es superficie; para obtener una mejor perspectiva de su trabajo hay que sumergirse en él, es entonces cuando uno comienza a ver qué es lo que hay en su profundidad.

>José Hernández Riwes es Profesor y Jefe de Actividades Culturales en la UAM Azcapotzalco, cantante y multiinstrumentista.

EL PROVOCADOR YEEZUS KANYE WEST

Universal Music México

Por: Joseph Guillén

Sin lugar a dudas, este fue el año de Kanye West. No sólo se consolidó como rapero, sino que su disco Yeezus resulta ser un parteaguas importante en la historia del hip hop. Con todo y que nos guste o no la actitud egomaniaca de Kanye, tenemos que aceptar que este trabajo de estudio es realmente un gran álbum y que el Sr. West es un gran músico y agudo productor.

Muchas veces, a los raperos se les minimiza en su estatus de músicos, limitando su papel a ser sólo letristas y cronistas urbanos (a manera de modernos juglares). Sin embargo, debemos reconocer que, hoy por hoy, los raperos deben ser, aparte de buenos letristas, buenos músicos, con una amplia gama de conocimientos en la materia para poder calcular con precisión en qué beat, en qué sample, o en qué síncopa hacen caer la sílaba, o la palabra adecuada de su poesía; hacer, propiamente, una canción de perfecta manufactura que tenga que ver con la esencia del género: agitación y disonancia como forma de expresión. El caso de Kanye, radica en que no es, definitivamente, el mejor letrista, pero ha entendido a la perfección el arte de ser rapero y buen músico y este disco es su consumación. Cada track de Yeezus está compuesto de

Durante la producción de Yeezus, West fue fuertemente influenciado por la arquitectura del francés Le Corbusier.

una manera especial, para que sea revolucionario e innovador, no sólo por los sonidos que utiliza, que son inusuales en el hip hop, sino porque demuestra que el futuro del género está encaminado hacia la fusión.

Parte del éxito de Kanye radica en que ha sabido rodearse de gente que tiene una extraordinaria visión musical para reinventarse constantemente y esa es precisamente la cosmovisión de Yeezus, que, precisamente, viene a ser el “Cristo” redentor del rap. Grabado entre Malibú, Nueva York y París, Yeezus es el testamento de Kanye de su rechazo categórico a hacer un disco de hip hop convencional. Desde la agresiva ‘On Sight’ hasta ‘Bound 2’ el disco es, aparte del vehículo de lucimiento personal de West, un desafío y un movimiento telúrico para el rap que se hace en inglés. Además, retoma mucha de la esencia del género —de cuando nació como cultura—, tratándolo como una voz que busca hacerse notar a través de la provocación poética, musical y artística cansada de ser segregada exclusivamente a los ghettos. Yeezus, de Kanye West, es eso, provocación, y reafirma que el hip hop no vino a inventar nada nuevo, sino a reinventarlo todo.

> Joseph Guillén es periodista musical y productor de hip hop. Puedes leer su entrevista con Washed Out en WARP #61.

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EL MAS ESPERADO RANDOM ACCESS MEMORIES DAFT PUNK Sony Music México

Por: Giorgio Brindesi / @GiorgioBrindesi

Durante las dos últimas décadas la música electrónica, de manera increíble, se ha ramificado en diferentes géneros, sin embargo, el panorama sonoro que abarca se siente homogenizado y crecido, tanto así, que no es de extrañar que, por muchos, dicha escena sea catalogada en la actualidad como “el nuevo pop”. Figura fundamental de este fenómeno es Daft Punk, la dupla francesa que allá en 1997 imaginó el futuro perfecto del Electronic Dance Music (EDM) de la mano de su debut Homework. 16 años después, las cosas son diferentes, Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homen-Christo tienen un concepto distinto de lo que es la música, prueba de ello es su tan esperado regreso, su cuarto álbum de estudio, Random Access Memories, una cátedra de 13 tracks de cómo seguir coherentes a su historia sonora, dignificando a su vez el pasado que los influenció.

Con 195 mil 013 copias vendidas, RAM significó el primer álbum número 1 en los charts franceses para Daft Punk.

Para mí el LP no es una obra maestra, sin embargo, es un hecho que representa varios aciertos para Daft Punk en diferentes campos, empezando con la producción, que de manera impecable acerca a aquellos que recién se inician en la electrónica a géneros como el funk, el disco y el soul, aunado al ímpetu del desarrollo del amor por los sonidos analógicos. Por otro lado, dota de nueva sangre a legendarios músicos y productores como: Giorgio Moroder, Nile Rodgers (Chic) y Paul Williams, consiguiendo un trabajo estético, emocional y con una gran instrumentación, acompañado de las voces de Pharrell, Julian Casablancas (The Strokes), y Noah Lennox (Panda Bear), por mencionar algunos. Por esto y más, Random Access Memories es uno de los mejores discos de 2013, con lo que deja en claro que Daft Punk es un proyecto con las credenciales suficientes como para hacer lo que gusten en materia musical y que de ahora en adelante será un referente de la siempre creciente escena electrónica.

> Giorgio Brindesi es Coordinador Editorial de The Day After, show de música electrónica que estrena en 2014 a través de E! Latinoamérica.

Músico, DJ, remixer y productor.

EL RENACIMIENTO NEW PAUL MCCARTNEY Universal Music México

Por: Julia Palacios / @JuliaPalacios

Sir. Paul vuelve a las andadas para reconfirmar que es uno de los intérpretes y compositores más talentosos, prolíficos, impecables y exitosos de la historia de la música.

Apenas 18 meses después de la aparición de Kisses On The Bottom, en febrero de 2012, se estrena New, para cerrar 2013 con broche de oro. New cuenta con una estupenda combinación de cuatro diferentes productores, que imprimen su sello particular a la creatividad macartniana, y que son el deleite de los fans que buscan descubrir el estilo específico de cada uno, además de tener a Giles Martin —cuyo apellido de abolengo en el mundo de la producción es inseparable de la historia de McCartney desde sus días de The Beatles— como uno de los productores y productor ejecutivo de todo el álbum.

A McCartney le gusta contar historias y sus discos reflejan el estado de ánimo en el que se encuentra en cada momento de su vida.

New no es la excepción. Aquí tenemos a un Paul a punto de cumplir 73 años de edad, más o menos recién casado y muy contento, con giras y conciertos por todo el mundo, así como con una constante presencia mediática que lo mantiene en la escena musical mundial; después de todo, es Paul McCartney.

Podría parecer que el álbum es una propuesta de renovación; el nombre y la portada minimalista así lo indican. Pero la realidad es que Paul se la pasa entre narraciones felices de su vida cotidiana, junto con reminiscencias y guiños auditivos del pasado; como la misma ‘New’, en cuya letra resalta la frase: “I never

El título y el álbum en general están basados en su matrimonio con Nancy Shevell, en palabras de McCartney: “You get new songs when you get a new woman”.

knew what I could be/What we could do/Then we were new.”

La canción es totalmente festiva al mejor estilo Beatle y un tanto homenaje a su vida con ellos; incluso el clip que acompaña la canción cierra con un segundo de nostalgia y gratitud, en el que Paul aparece poniendo una flor en la tumba de Elvis Presley.

New abre con la fuerza del Paul rockero con ‘Save Us’, producida por Paul Epworth, quien también produce ‘Queenie Eye’: de las mejores del álbum, sin duda. Del mismo productor está ‘Scared’, que es el hidden bonus track, donde es un placer escuchar a Paul tocando el piano de manera espléndida, prácticamente solo, cantando desde el alma una canción de amor, como bien lo sabe hacer. Otra canción entrañable es ‘Get Me Out Of Here’, bonus track producido por Giles Martin: un delicioso blues con el mismo Paul tocando el ngoni y el lavadero de madera.

Más allá de que McCartney toque varios instrumentos, sus músicos de cabecera lo acompañan una vez más en esta producción, con el sonido impecable y consistente que lo ha caracterizado en los últimos tiempos. Son muchos años juntos y le saben el modo. Sobresale la batería de Abe Laboriel, quien además ha sido un extraordinario apoyo vocal para Paul, cuya voz lucha y se resiste al paso de los años.

New, la obra más reciente de Paul McCartney, es un impecable regalo auditivo de nostalgia y frescura, donde la madurez y la experiencia muestran que la pasión por la música es una forma de vida inagotable en creatividad perpetua.

> Julia Palacios es doctora en Historia y especialista en música. Actualmente conduce el programa radiofónico Obladi Oblada por Ibero 90.9 FM. 086

EL INTELIGENTE OVERGROWN JAMES BLAKE

Universal Music México

Overgrown fue disco acreedor al Mercury Prize 2013, imponiéndose a David Bowie y Disclosure, entre otros.

Por: Paco Sierra

El joven británico maravilla regresó, y en una industria donde la continuidad parece inalcanzable para muchos, Blake lo hizo con un trabajo consistente e impactante. Aunque su sonido siempre ha sido difícil de definir dentro de la música electrónica, su estilo marcará época y marcará generaciones, ya no sólo en Gran Bretaña, sino en cualquier lugar del mundo en el que un niño tome un piano después de escucharle.

Luego de sorprender al mundo con la elegancia de su álbum debut homónimo, en 2011, James Blake moldeó su segundo álbum titulado Overgrown destacando el uso del bajo sobre cadenciosas melodías. Desde su lanzamiento, en abril, Overgrown dibujó gestos de fascinación entre quienes lo escuchábamos y le dábamos oportunidad de repetir y repetir en nuestros reproductores. Más que repasar cada canción en este texto, me gustaría plasmar la impresión que dejó en mí, pues fue el soundtrack de grandes momentos, viajes, pero sobre todo de caminatas en solitario en mi 2013. Los beats, pausas y la tesitura de

voz —con todo y auto tune— de Blake quedan ya como uno de los recuerdos entrañables del año. Viajó por gran parte del mundo, incluyendo uno de los conciertos más memorables y emotivos de los últimos años en la Ciudad de México, creando ese especial momento para cerrar con ‘Measurements’, en el que el silencio nos dejó atónitos.

Pero más allá de nuestra aprobación, de las gratificaciones más importantes para este material fue el ganar el Barclaycard Mercury Prize de 2013, venciendo a favoritos como David Bowie, Arctic Monkeys, Disclosure o Laura Mvula.

Overgrown y sus joyas (‘Retrograde’, ‘Digital Lion ‘ o ‘Voyeur’) nos hicieron flotar por atmósferas plagadas de una riqueza musical que no encuentran parecido en ninguna otra propuesta sonara actual. Es increíble hablar de música electrónica hoy en día y no referirse a Avicci o Tiësto y sí tener un referente con tanta sustancia y alma como James Blake, uno de los actos más plausibles de 2013, año que marcará un punto alto en su maduración musical.

> Paco Sierra es Editor en Jefe de WARP.la, puedes leer su entrevista con HAIM en WARP #62.

EL DINAMICO

RIGHT THOUGHTS, RIGHT WORDS, RIGHT ACTION FRANZ FERDINAND Sony Music México

Tracks como ‘Evil Eye’ y ‘Right Action’ fueron estrenados en vivo durante conciertos de la banda, meses antes de que el disco fuera grabado.

Por: Marc Dorian / @MarcDorian

La máquina escocesa de rock y baile, en 2013, volvió a rugir; y seguirá haciéndolo de festival en festival y de arena en arena a lo largo de, por lo menos, todo 2014. El motivo es el lanzamiento de Right Thoughts, Right Words, Right Action, placa con la que los de Glasgow vuelven a perseguir la energía y la espontaneidad de sus gloriosos inicios, tras los rodeos de Tonight: Franz Ferdinand, disco irregular que la banda supo levantar con base en fantásticas actuaciones en directo a lo largo de una extensísima y agotadora gira.

Con RTRWRA nos hallamos ante ese cuarto álbum que, para algunas bandas, puede suponer la resurrección tras haberse dado el batacazo con el tercero, y para otras representa el certificado de defunción tras tres álbumes brillantes de estudio (véase Suede, con Head Music, por ejemplo).

Pues bien, a Franz Ferninand no le ha ocurrido ni una cosa ni la otra; o más bien las dos a la vez. Las canciones de RTRWRA, en directo, sonarán como cañonazos,

> Marc Dorian es músico y fundador de la banda española Dorian.

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haciendo las delicias del público y, en ese sentido, este trabajo supone una resurrección creativa. Por otro lado, sin embargo, no logra exhibir el músculo y el arrojo de los dos primeros álbumes de los escoceses (Franz Ferdinand y You Could Have It So Much Better); y eso que canciones como ‘Right Action’, ‘Evil Eye’ o ‘Love Illumination’ son rotundas dianas; y qué decir de ‘Bullet’ o ‘Treason! Animals’, que para un servidor son unas de las mejores canciones de toda su carrera.

Es innegable que nos encontramos ante uno de los discos del año. RTRWRA es un álbum redondo (tiene que serlo porque, sin darte cuenta, te plantas en los últimos cortes), aunque uno no puede dejar de pensar que denota ciertos síntomas de estancamiento. Todo lo contrario ocurre con canciones como ‘Stand On The Horizon’ o ‘Fresh Strawberries’, más poliédricas y complejas, que elevan la media creativa del álbum, actuando de perfecto complemento para esta nueva colección de hits.

LA REINVENCION REFLEKTOR ARCADE FIRE

Universal Music México

Por: Alejandro Franco

Estoy volando en medio del Oceano Pacífico y recién me doy cuenta que el año 2013 aún no ha terminado. No importa si para cuando esto se publique ya es 2014 o, mejor aún, si alguien lee esto en 2015, porque cuando este texto se escribe en dirección a Shanghai, a unas horas de haber despegado del renovado aeropuerto de Los Angeles, aún se vive y se respira (en los olores mezclados de un avión de Chinese Eastern) este año de cambio de era.

Mis últimos días de este 2013 ocurrirán en China y Japón en un viaje meramente recreativo, al lado de mi mujer y una pareja de mejores amigos. ‘Here Comes The Night Time II’ suena ahora mismo a siete horas de aterrizar y cada que cierro los ojos me doy cuenta que este disco es de esos que nunca voy a dejar de escuchar. Y no me refiero a que forzosamente lo voy a escuchar frecuentemente, sino a que es una de esas obras que de vez en cuando ocurren en la tantas veces fría industria musical, donde uno descubre algo nuevo en cada “play” y al mismo tiempo algo viejo de sí mismo, que siempre va a resultar familiar con estas letras y con estas notas.

Y es que en la siempre subjetiva competencia de los discos del año, los periodistas musicales y los melómanos de corazón sólo hablamos del productor, de la lírica, del lugar donde grabaron o de cómo impactó tal producción al mundo del entretenimiento y agregamos los premios que debería ganar; lo curioso es que lo que no mencionamos jamás es cómo ese álbum nos acompañó en nuestros momentos recreativos pero, sobretodo, en los difíciles y adversos, que todos los humanos invariablemente tenemos. ¿Por qué será que regularmente no nos atrevemos a mencionar que hay fibras dentro de nosotros reventando en cada segundo que un disco como Reflektor avanza y nos hace sentir acompañados? ¿Será que quizás la música es tan íntima para cada uno que no hay necesidad de contárselo a nadie? ¿No debería ser eso un disco del año? ¿El que te acompaña mejor y no te suelta hasta acabar el camino para empezar otro?

La promoción del álbum incluyó una campaña de “guerrilla” que consistió en la elaboración de graffitis en diversas partes del mundo con el logo de Reflektor.

Es innegable que Butler y compañía intimaron al máximo con James Murphy como productor, que Markus Dravs puso lo suyo y que grabar parcialmente Haití está involucrado en varios tracks, pero eso no hace un buen disco. Lo hace lo que pasó a cada instante de esas composiciones, grabaciones, mezcla y hasta masterización. Una vibra inexplicable que deja la participación de David Bowie como una buena anécdota para la prensa, al lado de esa orgía de sonidos que siguen teniendo algo de los dos discos anteriores de Arcade Fire, aderezados con el mundo de cada una de las manos que tocaron cada pieza, principalmente la energía del por ahora desparecido LCD Soundsystem de Murphy. Para ello tuvieron que caerse no tan bien al principio (ambas bandas se tacharon de pretenciosos respectivamente hace años), luego conocerse poco a poco, para después embarcarse en algo tan lleno de magia como esto que hoy me guardo para mí, mientras decenas de familias chinas duermen al lado de nosotros, esperando llegar a casa, solo ellos saben para qué.

Suena ‘Afterlife’ y la noche no llega aún, este vuelo parece que no terminará jamás y 2013 nomás no se acaba. Los ciclos en los que medimos el tiempo y los logros de los seres humanos a veces se convierten en pesadas cargas que, en ocasiones, tienen que ser largas y dolorosas, para luego ser más cortas pero reconfortantes. ¿Será que este año que he llamado tantas veces el año más difícil de mi vida se convertirá, en unas horas, en el mejor?

Les ha pasado, ¿no? Que uno tiene tanto miedo de fracasar que cuando las cosas no salen como esperábamos nos damos cuenta que, de cualquier manera, no pasa nada, que la vida sigue y que aprendimos alguna o varias lecciones para seguir adelante.

Esta sensación de estar solo tantas veces, aunque estés acompañado, que solo la música sabe curar para llevarnos más lejos que un viaje al otro lado del mundo, en el mejor lugar del avión.

See you on the other side!

> Alejandro Franco es conductor del programa de radio WFM para W Radio. Escúchalo de lunes a viernes a las 21:00 hrs., a través de wradio.com.mx

LA CONSOLIDACION AM ARCTIC MONKEYS Sony Music México

Por Paul Stokes / @stokesie

Cada tanto sale un disco que te das cuenta que es bueno no sólo porque tú lo opinas, o incluso por aparecer en las listas de fin de año o de los críticos, sino porque tus amigos que no escuchan mucha música te dicen que lo aman. Gente que compra tres CDs al año, que nunca habla en realidad de música o que no va a conciertos por su propia voluntad, repentinamente se da cuenta de que este recién salido LP no sólo es bueno, así que tiene que salir y tenerlo. Es en ese momento te das cuenta de que el álbum no sólo es bueno de acuerdo a la crítica, no sólo es respetado por la gente que le importa la música, no sólo está en tendencia, simplemente es … bueno, muy bueno.

AM de Arctic Monkeys parece ser uno de esos álbumes que se ha ganado ese estatus. Gente que conozco que no compra mucha música, e incluso gente que en el pasado rechazó a la banda, me ha dicho desde que salió que el disco es muy bueno. Digamos —susurrándolo— que parece un disco que esta definiendo su tiempo.

Primero, la banda de Sheffield merece todo el crédito porque este no es un debut arrazador como Is This It (2001) de The Strokes o Definitely Maybe (1994) de Oasis, (para ser justos, Arctic logró eso con su propio debut Whatever People Say I Am…), este es el quinto álbum de la banda y en una época en donde los grupos son desechados después de una descarga gratuita de presentación, el éxito de Arctic Monkeys es de los más raro… eso, claro, hasta que escuchas el álbum.

Toma el musculoso abridor ‘Do I Want To Know?’, los beats tranquilos de ‘Why’d You Only Call Me When You’re High?’ o la cadenciosa ‘R U Mine?’ y casi de un solo golpe AM te tendrá rendido virtualmente de inmediato. Con una aproximación en la producción al estilo de Dr Dre o Timbaland, las partes de guitarras y batería se convirtieron en bloques de construcción, permitiendo a la banda erigir canciones que fueran directas, innovadoras, únicas y de lo más adictivas.

Personalmente, creo que esta adherencia crónica es solo la mitad de la historia de AM. Sí, hace que los oídos pongan atención a la primera escucha y le ha entregado a la banda una serie de hits que ahora compiten

Con AM Arctic Monkeys se convierte en la primera banda de un sello independiente en Reino Unido (Domino) en debutar cada álbum de su discografía en el número 1 de ventas.

con ‘I Bet You Look Good On The Dancefloor’, pero para mí son las letras las que mantienen a todos volviendo por más.

En su corazón, AM es probablemente uno de los discos más románticos y enamorados escrito en años. Incluso la presuntuosa ‘Do I Want To Know?’ es una esperanzadora oda al amor perdido y a las segundas oportunidades. ‘Arabella’, uno de los momentos más optimistas, es esencialmente una canción acerca de amar a alguien demasiado, naturaleza en todo su esplendor que no tiene comparación —temas fuertes—. ‘Fireside’, traída a la vida con la atmosférica guitarra de Bill Ryder-Jones, es posiblemente la cosa más desgarradora que se haya grabado en los últimos 12 meses, si no es que de la década (no puedo escuchar la línea “I thought I was yours forever/ Maybe I was mistaken…” sin que se me humedezcan los ojos). Mientras que para su producción de rascacielos arremolinados y la participación de Josh Homme en los coros tenemos ‘Knee Socks’, con imágenes de blues del invierno y “las luces prendidas por la tarde”, que perduran en la mente mucho después de que la aguja ha salido del surco. De hecho, si quieres una canción para resumir AM, el cover de Arctic Monkeys a John Cooper Clarke, ‘I Wanna Be Yours’, al final del álbum levanta el cofre y te permite ver el funcionamiento interno de la banda. La versión original es alegre y sociable, la de ellos es desesperada y golpeante, pero de alguna manera optimista y ejemplar. Es un knock out.

Y eso es para mí lo que hace de AM algo tan supremo, probablemente un disco que defina una era, como lo hizo Like Blood On The Tracks (1975) de Bob Dylan o Nebraska (1982) de Bruce Springsteen antes de éste. Sí, se siente bañado en el sol de California y la producción es tan habilidosa que se siente enferma, pero muy en el fondo AM es crudo, en el más puro estilo de un disco para los corazones rotos, que estará contigo en lo próspero y en lo adverso, en la salud y en la enfermedad, en los tiempos malos y en los buenos.

Discos como estos no salen muy a menudo.

> Paul Stokes es Editor Asociado de Q Magazine, puedes leer su columna respecto al sello Young Turks en WARP #62.

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EL REY

...LIKE CLOCKWORK QUEENS OF THE STONE AGE Arts & Crafts México

Por: Jay de la Cueva

Después de pasar mucho tiempo grabando (con Moderatto), es padre escuchar bandas que no se meten demasiado con la mezcla y preservan el performance y el sonido del tracking.

Esto sucede con este disco. Además, aprecio que se toque bien y no se edite o post-produzca nada, o casi nada, como me parece que sucede aquí, en ...Like Clockwork, el más reciente álbum de Queens Of The Stone Age. No redundaré en lo obvio, como en lo chingonas que están las batacas en las que colabora Dave Grohl, o de las múltiples personalidades participando en este trabajo. Me late que simplemente es un gran disco de diez canciones bien aterrizadas. Que es coherente en su concepción y sonido, y que no se hizo para impresionar, sino para reflejar cierto momento que actualmente vive una banda —que dicho sea de paso, ha tenido más ajustes de alineación de los que serían necesarios para afectarles, aparentemente—. Por otro lado, me parece que Josh Homme tiene más que claro lo que quiere de este

> Jay de la Cueva es músico, productor y líder de la banda Moderatto.

Previo a la composición de ...Like Clockwork, Josh Homme pensaba en abandonar la música para siempre.

proyecto y aunque se nota que como músico siempre encontrará espacio para desarrollar otras ideas sonoras, es un hecho que siempre será fuera de QOTSA. Me late particularmente el track ‘The Vampyre Of Time And Memory’, sobre todo después de ver el video, el look and feel de éste, con la taxidermia y los encuadres, todo en conjunto me hizo pensar inmediatamente que estaba frente a algo que venía totalmente al caso con la música, que ambos elementos se complementaban y que al mismo tiempo eran uno mismo.

Qué decir de ‘I Appear Missing’, la mayor parte del tiempo las rolas más oscuras son las que más me gustan. Si le sumamos la exquisita portada del británico Boneface —que no hace más que alargar perfectamente el mood del disco— y su acto en vivo, que siempre resulta una experiencia increíble, al menos para mí, estamos frente al disco del año.

Bien tocado y buenas rolas... ¡no se puede pedir más!

I’m sticking with you Por: Amanda Palmer / @amandapalmer

Lou Reed murió.

Tenía 71 años.

Yo estaba en un taxi, camino a una fiesta en Londres cuando lo vi en Twitter y, una vez que corroboré que no fuera una broma, le mandé un mensaje a Neil. Luego a mi hermana. Y a mi papá, que me dio la cinta de “New York” cuando yo tenía 16.

Sabía que Neil iba a estar alterado. Neil idolatraba a Lou. Todos tienen sus ídolos adolescentes, los “rock stars” que los formaron. Los suyos eran David Bowie y Lou Reed.

Los míos son Robert Smith y Edward Ka-Spel, pero The Velvet Underground y Lou Reed se aferraron a mi solitaria y artística mente de adolescente, cambiándome para siempre y dejándome felizmente violada. Neil escribió un hermoso artículo para The Guardian, acerca de cómo Lou influenció Sandman, su escritura, su vida, cómo la mala voz de cantante de Lou lo llevó a formar su banda punk, y cómo nombró a su hija “Holly” gracias a un transexual de ‘Walk On The Wild Side’.

Cuando salimos de tour hace un par de años grabando la colección Evening With Neil And Amanda, el cumpleaños de Neil se aproximaba y yo siempre tengo dificultad para encontrarle regalos. No nos gustan mucho las cosas materiales, no usamos regalos convencionales como cualquier persona lo haría, no hay suéteres ni calcetines ni relojes o lo que sea. El mejor regalo que nos podemos dar entre nosotros es algún tipo de arte, una experiencia o momento accidentalmente maravilloso, porque sabemos que eso significa mucho más.

En fin, en aquel tour decidí darle a Neil una canción de Lou o de The Velvet Underground cada noche. Lo llamé el conteo regresivo de Hannukah/Cumpleaños. Una canción cada noche por ocho días seguidos hasta que fuera el día de su cumpleaños. Ya había hecho reediciones a canciones de Lou Reed o de Velvet en mi carrera: ‘Femme Fatale’, ‘Perfect Day’, ‘Caroline Says…’ The Grand Theft Orchestra había estado haciendo una versión acústica de ‘Walk On The Wild Side’ todo el verano. Sería muy fácil. Aprendí algunas canciones fáciles nuevas y recluté a algunos amigos para que me ayudaran. Le gustó el regalo.

columna -093-

Neil me recuerda a Lou. Se parece un poco a él, a lo mejor es deliberado, a lo mejor es el destino. Quizás Neil se identificó con Lou porque vio en él una variación cósmica de sí mismo… un perfecto doppelganger, el retrato del artista como otro hombre: Neil Gaiman como un judío de Lower East Side de Nueva York adicto a la heroína y frecuentando The Factory, en lugar de Neil Gaiman como un judío inglés de los suburbios de East Grinstead, adicto al té con leche y frecuentando librerías e historias de ciencia ficción.

La otra cosa es que yo idolatro a la esposa de Lou también, Laurie Anderson. Me volví fanática de su música en la universidad y me atrapó muy fuerte. Cuando esos dos se juntaban, me sentía como ahora algunas personas me dicen que se sienten conmigo y Neil; que dos de sus fuerzas favoritas hacían colisión. La relación de ellos tenía sentido. Lou sólo tenía unos años más que Laurie, alrededor de cinco años. Mi primer pensamiento cuando leí las noticias de su muerte fue acerca de cómo se sentiría ella. Mi segundo pensamiento fue que esa seré yo, Neil tiene 16 años más que yo y se parece a Lou Reed. Él morirá y me dejará sola. Mi tercer pensamiento fue “cállate idiota paranoica”.

Le mandé a Neil un mensaje diciendo que no se muriera, no ahora. Le pedí lo mismo a mi padre.

Mi padre tiene 69 años.

No quiero que nadie muera.

The Velvet Underground hacía canciones que no sonaban como nadie más, pero sonaban como canciones, la cual es la razón por la que me volví adicta. Tenía 15 años. Empecé con The Velvet Underground & Nico, encontré una copia usada de la compilación Best Of en algún lado de Harvard Square, le quité VU a mi hermano, y conseguí Berlin de Lou Reed en cassette. Eso fue todo. Estaba satisfecha y escuchaba esos cuatro discos una y otra vez. Mi papá me dio “New York” y el sonido era diferente: sólo era Lou contando historias sobre un rock and roll más plano. No me encantó, pero aún así lo escuché a morir. Las historias valían la pena.

“Manhattan’s sinking like a rock into the filthy Hudson what a shock they wrote a book about it and said it was like ancient Rome” Nada rimaba siquiera.

Lou sólo estaba hablando.

Los discos de The Velvet Underground, con canciones como ‘Heroin’, ‘I’m Waiting For The Man’, y ‘Andy’s Chest’, me hicieron sentir como si estuviera escuchando algo fresco, era como si estuvieras dentro de una bodega con esa música.

Había un momento y un lugar y la gente en ella estaba siendo dibujada para mi, todo trazado entre líneas ensangrentadas, y junto con los tenebrosos retratos de drogadicción de Lou, eran un ensamble fantástico de personajes viviendo en el Chelsea Hotel de Manhattan, entrando a cualquier substancia que les ofrecieran pero también siendo artísticos cuando estaban haciendo drogas. Esas eran mi tipo de personas.

Además, la voz de Nico me daba esperanzas. Si ella podía cantar tan abajo, yo también podría.

Recientemente hablé acerca de cómo algunos artistas ampliaron mi panorama como compositora. Lou Reed tuvo gran parte en eso. Recuerdo escuchar ‘I’m Sticking With You’ y pensar: “¿Está permitido hacer esto? ¿Cantar acerca de heroína sobre un drone de siete minutos con un chillante violín avant-garde y después cantar en una clave mayor una canción casi oompah con un piano que suena como si perteneciera a un musical para niños acerca de arcoiris, mascotas y amistad? ¿Se puede hacer eso? Supongo que sí”.

Lou era maldito punk-rock porque era lo que hacía. No hay un género, sólo Zuul. Cuando iba en vacaciones familiares llevaba mi walkman y Berlin de Lou Reed, así como la cinta de 90 minutos que tenía VU en un lado y The Velvet Underground & Nico en el otro, junto con mi cinta de Legendary Pinks Dots, el soundtrack Cats, The Pixies y una de Soft Cell. Escuchaba lo que me gustaba. Extraño tener esa clase de intimidad con la música. Extraño mi walkman. Extraño poner Berlin y escuchar el dee-BEE-BEEE de la cinta al empezar antes del soundtrack del musical que nunca había visto.

Berlin es mi favorito porque mientras todos los discos de The Velvet Underground me hacían sentir hip y en onda, Berlin me hacía sentir algo más profundo. Sabía que esas historias eran reales, cada una de ellas. Lou estaba reportando a su propia psique y las mujeres a su alrededor, pero yo lo relacionaba con sus situaciones desesperanzadas.

La original ‘Bed Song’… si pensabas que la mía era deprimente, intenta escuchar la de Lou alguna vez.

‘The Kids’ está grabada en la historia como la única canción que me hace llorar cada vez que la escucho.

Hay muchísimas tradiciones alrededor del sample del final, pero no importa.

Te reto a cerrar los ojos, escuchar esa canción y no perder la jodida cordura.

> Amanda Palmer es músico y compositora, fundadora de The Dresden Dolls y de Amanda Palmer & The Grand Theft Orchestra.

BUEN VIAJE Por: Elsa Núñez Cebada / @mentora

Agradecemos a La Roma Records por las facilidades otorgadas

Fotos: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

para la realización de esta sesión (Alvaro Obregón 200 Bis Col.

Asistencia: Franccel Hernández e Iván García

Roma).

MU: Chëla Olea

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HEMOS CERRADO UN CICLO MÁS, UNO QUE TAL VEZ PODRÍA SER NO TAN AFORTUNADO PARA ALGUNOS Y EL MEJOR EN MUCHO TIEMPO PARA OTROS. CON SUS COSAS BUENAS Y MALAS 2013 TUVO MOMENTOS INCREÍBLES SI HABLAMOS DE MÚSICA: MUCHOS DISCOS BUENOS, BANDAS QUE ESPEREMOS QUE NO SE PIERDAN —Y PIERDAN— EN EL CAMINO Y SUCESOS QUE, COMO SIEMPRE, SE NOS VAN A QUEDAR BIEN GRABADOS EN LA MEMORIA. DEFINITIVAMENTE LA MÚSICA QUE NOS HIZO COMPAÑÍA POR ESTE CAMINO DE 365 DÍAS DE DURACIÓN FUE BASTANTE Y UNO DE LOS PROYECTOS MUSICALES QUE VAYA QUE ESCUCHAMOS DURANTE ESTE TIEMPO FUE HELLO SEAHORSE!, QUIENES SEGURO RECORDARÁN 2013 POR TODO LO QUE LES DEJÓ: LA PROMOCIÓN DE UN ÁLBUM EN EL QUE LOGRARON MOSTRARNOS OTRA DE SUS FACETAS Y QUE LOS LLEVÓ A VIAJAR POR TODOS LADOS, COLABORACIONES, DESCUBRIMIENTOS MUSICALES Y, TAL VEZ LO MÁS IMPORTANTE, LA POSIBILIDAD DE CONOCERSE COMO MÚSICOS Y DARSE LA OPORTUNIDAD DE EXPLORAR ESOS RINCONES SONOROS TAL VEZ DESCONOCIDOS. PARA CERRAR CON BROCHE DE ORO UN AÑO MÁS, WARP MAGAZINE PLATICÓ CON LA BANDA EN UNO DE NUESTROS SITIOS FAVORITOS DE LA CIUDAD DE MÉXICO, LA ROMA RECORDS. ¿PODRÍA HABER UNA MEJOR LOCACIÓN PARA HABLAR DE ESO QUE TANTO NOS APASIONA EN DIFERENTES NIVELES, ES DECIR, LA MÚSICA? — 095

“ARUNIMA NOS EXIGIÓ MUCHÍSIMO. EN LO PERSONAL TODAS ESAS CANCIONES LAS VIVÍ MUY EN LA PIELl.” - DENISE

Tal vez sea un poco complicado que hagan un recuento rápido de todo lo que pasó este año, pero ¿cómo se despiden de 2013?

Denise: Este año nos dimos cuenta de que nos gustaría seguir tocando durante muchos años más. Hoy en día en el sentido creativo nos sentimos mucho más en forma, hemos entendido más nuestro sonido así que ahora que estamos trabajando en cosas nuevas nos damos cuenta de que hay una comprensión de lenguajes producto del trabajo que hemos hecho desde el principio.

Concretamos muchas cosas que teníamos pendientes y, al mismo tiempo, hicimos otras que tal vez no habíamos planeado y que con el paso del tiempo se dieron.

Cerramos el año bastante tranquilos y contentos de lo que pudimos hacer en 2013, las personas que conocimos, los proyectos en los que participamos, las colaboraciones y los viajes. En resumen creo que hoy en día somos una banda más cercana, algo que a final de cuentas siempre ha sido muy importante. Independientemente de los éxitos esto se ha convertido en nuestra familia y en nuestro modo de vida.

— Tal vez muchos los conocimos cuando recién empezó a sonar ‘Cassette’, yo me acuerdo que por ahí de 2006 los vi tocar en el Centro Cultural de España en uno de sus primeros shows y vaya que se nota que han ido creciendo como músicos. ¿Cómo han ido madurando su sonido y su manera de hacer música con el paso del tiempo?

096

D: El primer cambio es haber trabajado con un productor, eso fue un parteaguas. El hecho de incluir a alguien —una cabeza que no éramos nosotros y que nos guiara— creo que ha sido una de las acciones que ha cambiado nuestro camino. También considero que cada uno de nosotros ha estado en una constante búsqueda de su propio sonido.

Bonnz: También tiene que ver con que nos hemos ido conociendo mejor, como bien dice Denise. Actualmente sabemos muy bien el papel por cada quien juega a la hora de componer, eso lo hemos aprendido con el tiempo. Nos hemos ido conociendo y ahora hay una química bien padre que se nota cuando estamos jammeando, por ejemplo.

D: También vas teniendo nuevas necesidades y propósitos, no es lo mismo trabajar en tu cuarto con tu compu que estar en un estudio como Sonic Ranch, todo eso hace que te comprometas a ser lo más chido posible. Somos afortunados de haber conocido a las personas correctas, porque desde el día uno esto ha sido un ir y venir de buenas y malas situaciones.

— Uno de los highlights de su carrera debe ser el lanzamiento de Arunima, ¿cómo se diferenció la gestación de este álbum de sus demás producciones?

el Rock Por La Vida, en Guadalajara. Empezamos el año en Costa Rica y estuvo muy padre porque nunca habíamos estado por allá y nos hicimos de muy buenos amigos como los chicos de 424.

B: Para mí podría ser el Teatro Diana, en Guadalajara. El Metropolitan aquí.

— Estamos haciendo un recuento de esa música que nos acompañó en 2013, ¿qué discos fueron sus compañeros de camino durante sus viajes?

B: Me acuerdo mucho que ahora que fuimos a Oaxaca toda la carretera escuché el de James Blake, Overgrown, y el nuevo de Foals (Holy Fire), en ese momento sí los tenía muy presentes.

Joe: De regreso de Oaxaca yo venía con el de Boards of Canada (Tomorrow’s Harvest), así que los traía bien dormidos a los de atrás de la camioneta. Tuve que cambiarlo pero es de mis favoritos.

D: Creo que Yo La Tengo me acompañó gran parte del año. También recuerdo que estuvimos escuchando el de Café Tacvba (El Objeto Antes Llamado Disco), aunque no es de este año…

J: Lo pusimos como tres veces seguidas [Risas]

B: Rentamos una casa en Palm Springs y montamos un pequeño estudio con el equipo que nos habíamos llevado para tocar en Coachella (2012), Camilo Froideval (productor del álbum) nos acompañó y estuvimos tocando muchísimo las canciones, eso fue algo que no habíamos hecho nunca. Trabajamos mucho en la preproducción enfocados en dejar bien estructuradas las canciones para llegar al estudio con mucha más libertad de experimentar en los sonidos D: Creo que Arunima es un disco importante para nosotros porque sonoramente entendimos para dónde vamos como banda. Cuando pasas por este proceso como músico te das cuenta de que probablemente pueda ser infinito: eso para nosotros es una regla número uno, el hecho de que no hay limitantes con lo que hacemos.

También hacer Arunima nos exigió muchísimo. En lo personal todas esas canciones las viví como muy en la piel, tal vez por el hecho de que estábamos en un rancho completamente adentrados en ese estado. Una de las canciones que más nos gustó en la mezcla es ‘Al Fuego’, la última del disco, porque explica un poco otro lado nuestro: es esta parte de improvisación.

— Arunima los llevó de viaje por todos lados, ¿cuál de todos estos shows quedó muy grabado en su memoria?

D: Creo que hubo muchos lugares y momentos especiales en esta gira, por ejemplo, estuvo increíble ahora que estuvimos en

B: El nuevo de My Bloody Valentine (MVB) también lo escuché mucho este año.

— ¿Por qué se los recomendarían a sus amigos o a alguien que no conozcan a estos músicos?

Orodeneta: Son cosas que nos gustan y nos motivan a seguir escuchando más discos y seguir conociendo bandas nuevas.

J: Creo que el punto es buscar música nueva, digo, también cada quien tiene sus favoritos pero en esa exploración también te mantienes como fresco, motivado.

B: Cuando estamos en las carreteras, cada quien va con el iPod y le dices al de junto: “Escucha este disco”. Nos intercambiamos iPods como para ir escuchando lo que el otro, como que nos gusta mucho ir escuchando nueva música y compartirla entre nosotros, siempre estamos haciendo esto.

— ¿Cuál fue su hallazgo musical de este año?

O: Savages.

D: Moonface.

B: Lorelle Meets The Obsolete

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“DEFINITIVAMENTE ES INCREÍBLE SABER QUE PARA EL PRÓXIMO AÑO YA TENEMOS EN PUERTA EL VIVE LATINO.” - DENISE

Van mucho a conciertos, ¿cuáles fueron sus favoritos de este año?

B: Blur, en El Plaza, fue increíble, uno de los mejores de mi vida.

D: El concierto de Los Tres, en Caradura, fue muy chido.

O: Blonde Redhead, en El Plaza, estuvo chido también.

B: Patty Smith. Hubo muchos conciertos este año…

D: Yo fui al festival Bestia y estuvo muy bueno.

B: El de Café Tacvba, en el Palacio de los Deportes estuvo muy emotivo.

También Porter en el Rock Por La Vida, me gustó mucho, les fue increíble.

Estaban medio tensos porque no sabían cómo los iba a recibir la gente.

Como dice Denise, es bien padre ver a bandas amigas que les va bien.

También Grizzly Bear, en el Auditorio Blackberry.

D: Atoms For Peace, también.

— Hablando de conciertos, uno de los planes que ya tienen para 2014 es presentarse en el 15 aniversario de Vive Latino, ¿qué significa para ustedes?

D: Definitivamente es increíble saber que para el próximo año ya tenemos en puerta Vive Latino; la primera vez que estuvimos en un VL fue un gran logro no sólo por la dimensión del festival sino por lo que representa para nosotros como banda

latinoamericana.

Yo estoy bien emocionada porque estamos trabajando en música nueva que tal vez podamos tocar en esta presentación, además del hecho de que estaremos compartiendo el escenario con muchos amigos y músicos que admiramos.

— Finalmente, ¿ya están trabajando en algo nuevo para 2014, qué podemos esperar de Hello Seahorse!?

D: Estamos trabajando en la música para una película mexicana de Jesús Magaña, es importante para nosotros ya tener un proyecto en puerta para el próximo año. Eso va a ser lo primero que va a pasar de nosotros en 2014.

Creo que lo que realmente deseamos es tener más proyectos en puerta, esta primera ventana al cine como banda es importantísima, es un paso que queríamos dar desde hace un rato.

B: Que haya mucha más música en 2014. Más conciertos, más discos de bandas nacionales, más bandas nuevas. Está bien padre que, por ejemplo, en el cartel de VL de este año hay muchas bandas chicas que tienen poco tocando y que vale mucho la pena escuchar, creo que está increíble que tengan un espacio y les pongan atención.

> Elsa Núñez Cebada es periodista musical y colaboradora de WARP, puedes leer su entrevista exclusiva con White Lies en WARP #60.

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Hello

Seahorse!

GUARP

HELLO SEAHORSE! By: Elsa Núñez Cebada

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We have closed yet another cycle, one that might not be as good for some or the best in a long time for others.

With its good things and its bad things, 2013 had some incredible moments when it comes to music. A lot of good records, bands that we hope to never lose –or to lose– down the road and some events that will stick in our memory for a long time to come.

For sure the music that has been with us this year was abundant and one of the projects that we listened a lot to was Hello Seahorse!, who will surely remember 2013 for everything that it left them: the promotion of a new album in which they showed us all of their different faces and that took them around the globe, collaborations, musical findings, and maybe most importantly, the possibility to get to know each other better as musicians and the opportunity to explore those sonic landscapes that are perhaps not well known.

To close off the year the right way, WARP Magazine talked with the band in one of our favorite places in the city, La Roma Records. Could there be a better location to talk about something that we are very passionate about, such as music?

It may be a little too demanding to ask you to do a recap of everything that happened this year, but how are you closing off 2013?

Denise: This year we realized we realized that we would like to keep playing together for many more years. These days we’re feeling very good with our creative output, we have understood our sound better and now that we’re working on new things we have realized that there has been an understanding of different languages since we started.

D: I think Arunima is an important record to us because we sonically understood where we are going as a band. When you go through that process as a musician you realize it could probably be infinite: that’s the number one rule for us, the fact that there are no limitations with what we do.

Making Arunima also took a lot of effort from us. Personally, each of the songs is very closely related to me, perhaps because of the fact that we were in a ranch completely away from civilization. One of the songs that we liked the most while mixing was ‘Al Fuego’, the last song on the record, because it explains one of our sides: improvisation.

We’re making a recount of the music that stuck with us throughout 2013. What are the records that were playing on your trips this year?

B: I remember that when we went to Oaxaca to write some songs with Cecam, I was listening to James Blake’s Overgrown throughout the whole trip, just as well with Foals’ Holy Fire.

During that time I heard those records a lot.

Joe: When we came back from Oaxaca I was listening to Boards of Canada’s Tomorrow’s Harvest, so the people on the back of the van were seriously falling asleep. I had to switch it, but it’s one of my favorites.

D: I think Yo La Tengo stuck with me for a long part of the year. I also remember we were listening to Café Tacvba’s El Objeto Llamado Disco.

J: We played that record like three times in a row. [laughs] B: I also heard a lot of the new My Bloody Valentine record [“mvb”].

We concluded many things that we hadn’t finished and at the same time we did things that we hadn’t really planed and that just came about eventually. We closed off the year in a very quiet manner and we’re very happy with the things that we did this year, the people that we met, the projects we participated in, our collaborations and our trips. In conclusion, I think nowadays we’re a more united band, and that’s something that has always been important anyway. Regardless of the successes, this has become our family and our lifestyle.

One of your career’s highlights must be the release of Arunima, how do you differentiate the creation of this album with the rest of them?

Bonzz: We rented a house in Palm Springs and mounted a little studio with the equipment that we took to Coachella 2012. Camilo Froideval [producer of the record] came with us and we played the same songs for a long time, something that we hadn’t done before. We worked on the pre-production a lot and we focused on having well-structured songs so that we could get to the studio with a lot more freedom to experiment with our own sound.

Why would you recommend any of these to any of your fans?

J: Because we are wise [laughs] and you should hear them.

Orodeneta: They are things that we like and that motivate us to keep listening to more new music and keep discovering new bands.

J: I think the purpose of it all is to find new music, I mean, everyone has their favorites, but while exploring you are also keeping things fresh and you motivate yourself.

B: Yes, we are the type to tell each other “listen to this record” while we’re on the road. We exchange iPods so that we can listen to the things each other is into. We like to listen to new music and share it between us, so we’re always doing that.

What would you say was your biggest musical finding this year?

O: Savages.

Denise: Moonface.

GUARP

J: Omar sol…

B: Lorelle Meets the Obsolete.

Speaking about shows, one you’ve already planned is for the next year at 2014’s Vive Latino. What does that mean to you?

D: It is definitely incredible to know that you are going to play a festival like that next year; the first time that we played in a VL was a big accomplishment not just because of the dimension of the festival, but also because what it means to us as a Latin-American band.

I’m very excited about it because we are working on new music that we could possibly play in that show, besides of the fact that we will be sharing the stage with many friends and musicians that we admire.

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Finally, are you working on something new for 2014? What can we expect from Hello Seahorse!?

D: We are working on music for a movie from Jesús Magaña, it is very important for us to have a new thing that we can work with throughout the next year. I think that’s the first thing that we will be focusing on.

What we really want is to have more things going on for us. This first venture into films is very important for the band, it is something that we’ve always wanted to do.

B: We want to have a lot more music in 2014. More concerts, more national bands’ records, more new projects. It’s very cool to have new smaller bands in the lineup for the next Vive Latino, that haven’t been playing for a long time but that are worth listening to, I think it’s incredible that they have a space and that there’s attention being drawn to them.

I´M STICKING WITH YOU Por: Amanda Palmer / @amandapalmer

Lou Reed died.

He was 71.

I was in a cab on the way to a house party in London when i saw it on Twitter, and once I determined that it wasn’t a hoax, I texted Neil.

Then my sister. Then my dad, who gave me “New York” on tape when I was 16.

I knew Neil would be shaken up. Neil worshipped Lou. Everybody has their teenage idols, the rock stars that shaped them. His were David Bowie and Lou Reed.

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Mine were Robert Smith and Edward Ka-Spel, but The Velvet Underground and Lou Reed climbed into the bed of my lonely and ecstatic teenage art-head, and I was forever changed and happily violated. Neil wrote a beautiful piece that ran in The Guardian, about how Lou influenced Sandman, his writing, his life, how Lou’s non-singing singing voice made him brave enough to front a punk band, and how he named Holly (his daughter) after a drag queen in ‘Walk On The Wild Side’.

When we were on tour a couple years ago recording the Evening with Neil and Amanda collection, Neil’s birthday was coming up, and i always find it impossible to get him anything. We’re not really into Things, we don’t do Gifts the way some people would, there are no socks and sweaters or watches or gadgets or whatever. The greatest gift we can always give each other is some kind of art, or experience, or accidental wonderful moment, because we both know that it means more.

Anyway, on that tour I decided to give Neil a Lou Reed or Velvet Underground song every night…I called it a “hanukkahbirthday” countdown. A song every night for 8 days until his birthday arrived. I’d already covered a lot of Lou Reed and Velvet’s songs in my career….’Femme fatale’, ‘Perfect Day’, ‘Caroline Says’…The Grand Theft Orchestra had been doing a roving acoustic ‘Walk On The Wild Side’ all summer. It’d be easy. I learned a few easy ones I’d never hit before and roped in friends to help. He liked his present.

Neil reminds me of Lou. He looks like him, a little; maybe it’s deliberate, and maybe it’s just fate. Maybe Neil was drawn to Lou because he saw some cosmic variation of himself…a perfect doppelganger, a portrait of the artist as another man: Neil Gaiman as a lower-east-side new york jew strung out on heroin hanging at The Factory, instead Neil Gaiman as a suburban english jew from east grinstead, strung out on milky tea and hanging inside libraries and science fiction stories.

Here’s the other thing: I worship Lou’s wife as well, Laurie Anderson. I was turned onto her music in college and fell hard. When those two got together, I felt the way some people tell me they feel about me and Neil; that two of their favorite forces collided. their relationship made sense. Lou was only a little older than Laurie, by about five years. My first thought when I read the news about his death was about how she must be feeling. My second thought was that’s going to be me, Neil’s 16 years older than me and looks like Lou Reed. He’s going to die and leave me alone. My third thought was shut up you paranoid asshole.

I texted Neil to please not die, not just now. I asked the same thing of my dad.

My dad is 69.

I don’t want anyone to die.

The Velvet Underground made songs that didn’t sound like anything else, but they sounded like songs, which is why I got addicted. I was 15.

I started with The Velvet Underground & Nico, found a used “best of” compilation CD somewhere in Harvard Square, taped VU off my stepbrother, and got lou reed’s Berlin on cassette tape.

That was it. I was satisfied and I played those four records over and over and over. Dad gave me “New York” and the sound was different: it was just Lou telling stories over much plainer rock and roll. It didn’t do it for me quite as much, but i still played the tape into the ground. The stories were worth it.

“Manhattan’s sinking like a rock into the filthy Hudson what a shock they wrote a book about it and said it was like ancient rome” Nothing even really rhymed.

Lou was just talking.

The Velvet Underground records, with songs like ‘Heroin’, ‘I’m Waiting For The Man’ and ‘Andy’s Chest’ made me feel like I was listening to something cool – it was you’re-insidethe-warehouse music. There was a time and a place and the people in it were being drawn for me, sketched in bloody lines, and along with Lou’s own harrowing drugged-out self-portraits, they were a fantasy cast of characters living in the hotel Chelsea in Manhattan, doing all the substances they could get their hands on but being ARTY once they were high. These were my people.

And Nico’s voice gave me hope. If she could sing that flat, so could I dammit.

I talked recently about how certain artists stretched my songwriting playing field. Lou reed was a huge one. I remember listening to ‘I’m Sticking With You’ and thinking “you’re allowed to do this? you’re allowed to sing about heroin over a seven-minute drone with a screeching avantgrade violin, and then sign a major key almost-OOMPAHsong on solo piano that sounds like it belongs in a children’s musical about rainbow puppet-friends? you’re allowed to do that?? guess so.”

Lou was fucking punk rock because he did it. There is no genre, only zuul. When I went on family vacations and I brought my walkman, Lou Reed’s ‘Berlin’ went in the bag with the 90 minute tape that had VU on one side and The Velvet Underground & Nico on the other, along with my Legendary Pinks Dots’ tapes, the soundtrack to Cats, The Pixies, and a Soft Cell tape. I listened to what I liked. I miss having that intimacy with music. I miss my walkman. I miss putting Berlin in and listening to the bee-DEE-BEEE of the tape start and then the soundtrack to the musical I hadn’t seen.

Berlin is the favorite, because while all The Velvet Underground records made me feel cool as shit, Berlin made me feel something deeper. I knew these stories were real, every one of them. Lou was doing reportage on his own psyche, and on the women around him, and I related to their unsalvageable situations.

The original ‘Bed Song’…if you thought mine was depressing, try Lou’s sometime.

‘The Kids’ goes down in history as the only song I’ve ever heard that has made me cry every time I hear it.

There’s a lot of lore about the sample at the end…but no matter.

I dare you to close your eyes, listen to this song, and not fucking lose it.

AM ARCTIC MONKEYS Por Paul Stokes / @stokesie

Every so often a record comes out and you realise it’s good not because of your own opinion, or even end of year/ critics lists, but because friends who don’t really listen to music much tell you about this new album they love. People who buy three CDs a year, who never really talk about music or go to gigs freely, suddenly volunteer that a recently released LP is not only good, but they’ve gone out and brought it. It’s that moment when you realise an album is not just good according to the critics, not just respected by people who care about music, not just on trend, but it’s just… well, really good.

Arctic Monkeys’ AM seems to be an album that has achieved that rare status. People I know who don’t buy much music, even people who have previously dismissed the band have told me since its release how good the album is. It is, whisper it, a record that looks like defining its time.

Firstly the Sheffield band deserve ultimate credit because this isn’t a Is This It or Definitely Maybe style debut whirlwind (though to be fair the Monkeys achieved that with their own Whatever People Say I Am…) but it is the group’s fifth studio album and in an era where acts are often dismissed after one free, introductory download, Arctic Monkeys success last year was all the more rare… that is until you actually hear the album of course.

Take the muscular opener of ‘Do I Want To Know?’, the smooth beats of ‘Why’d You Only Call Me When You’re High?’ or the stomping ‘R U Mine?’ and AM clobbers you into submission virtually immediately. Taking a Dr Dre or Timbaland-like production approach, guitar parts and drum rolls were turned into sonic building blocks allowing the band to construct songs that were direct, innovative, unique and ultimately addictive.

Yet personally, I think this Chronic catchiness is only half the AM story. Yes it makes ears prick up on a first listen and it has delivered

the band a series of thumpers that now compete with ‘I Bet You Look Good On The Dancefloor’ for pop hooks, but for me it’s the lyrics that keep everyone coming back for more.

At it’s heart AM is probably one of the most romantic, lovelorn records written in years. Even the swaggering ‘Do I Want To Know?’ is a hopeful ode to lost love and second chances. ‘Arabella’, one of the album’s more optimistic moments, is essentially a song about loving someone so much, nature in all its finery cannot compare – strong stuff. ‘Fireside’, brought to life with Bill RyderJones’ atmospheric guitar, is possibly the most heartbreaking thing committed to tape in the last 12 months, if not this decade (I cannot get through the line “I thought I was yours forever/ Maybe I was mistaken…” without moisture filling my eyes). While for all its swirling skyscraper production and Josh Homme backing vocals, it’s the moody imagery of ‘Knee Socks’ winter blues and the “lights on in the afternoon” that lingers in the mind long after the needle has reached the run out groove. In fact if you want to a song to sum up AM, then it’s Arctic Monkeys’ cover of John Cooper Clarke’s ‘I Wanna Be Yours’ at the end of the record that lifts up the hood and let’s you see the band inner workings. His original version is chirpy and chummy, theirs is a desperate, beaten and yet still somehow optimistic and uplifting. It’s a knock out blow.

And that for me is ultimately what makes AM such a supreme, probably era defining record, along the likes of Like Blood On The Tracks or Nebraska before it. Yes it’s bathed in the Cali sunshine and it’s production is so slick it’s genuinely ‘sick’, but at its heart AM is a raw, laying it all on the line heartbreak record that will be there for you through thick and thin, through famine and feast, through the good times and the bad.

And records like that don’t come around too often.

encore amon tobin MUTEK Campo Marte, México, D.F. Pic by Franccel Hernández for WARP

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