WARP MAGAZINE 41

WM No.41

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THE LAST OF THEIR SPECIES De grandes bandas a solistas Featuring:

NOEL GALLAGHER Entrevista EXCLUSIVA para México

ALFONSO ANDRÉ (CAIFANES)

ALAN WILDER (DEPECHE MODE)

ALESSANDRO CORTINI (NIN)

Coberturas Exclusivas:

#WARP5 AUSTIN CITY LIMITS 2011

otra foto de portada Aún cuando estamos repletos de bandas y músicos de diferentes corrientes, son pocos los que logran cambiar el curso de la música, reinventrse y convertirse en referentes en el proceso. Uno de ellos es Noel Gallagher, quien escribió las reglas sonoras de los noventa junto con su banda, Oasis.

Hoy Noel se encuentra en un momento diferente de su vida, dejó atrás las eternas peleas con su hermano Liam y por ahora, lo único que ocupa su mente es su familia y la promoción de su álbum debut en solitario Noel Gallagher’s High Flying Birds.

Noel Gallagher

001

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© WARP Marca Registrada ®. Año IV No.41 Fecha de Publicación 24-10-2011. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en CAMSAN IMPRESORES, S.A. DE C.V., San Juan, Mz. 10 Lt. 15, Col. Bellavista, C.P. 54720; Cuautitlán, Edo. Méx.

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editorial

DO IT BY MY OWN Por: Siddhartha

Foto: Cortesía Siddhartha

E

l hecho de haber salido de una banda para convertirse en solista tiene sus pros y sus contras, y es que, como su nombre lo indica, es hacer todo solo. Los músicos que emprendemos proyectos en solitario es (casi) siempre para aterrizar nuestras ideas e inquietudes de una manera más clara.

Estando en una banda la idea va pasando de una cabeza a otra y al final, el resultado es generalmente muy diferente y, aunque esto no es necesariamente malo, la idea original se pierde.

Estando solo tú eres el que tiene la batuta, eliges cómo quieres sonar y qué tipo de canciones quieres hacer. Se genera un sentimiento de libertad y al final, si hay un error, ese error es de uno y de nadie más. En mi caso, me ha gustado la experiencia de vérmelas solo. Para mí, el hecho de hacer música —en lo referente a grabar y producir— no me fue tan difícil, eran cosas que yo ya hacía desde mucho antes de estar en una banda.

Pero aquí viene uno de los contras, es mucha la presión y el peso que recae en una persona, y esta es la que será la única 004

afectada o beneficiada. Cuando estás en una banda, se reparte el trabajo —sobretodo en cosas que no están relacionadas a la música—, pero en solitario las oportunidades son más difíciles de encontrar. ¡Por su puesto!, siempre habrá relación entre el proyecto pasado y el nuevo, en este caso el solista. Es difícil emprender un proyecto después de haber estado en una banda, sobretodo cuando tuvo impacto y fue exitosa, porque siempre se te va a referenciar, pero creo que la música es la que puede darle la vuelta a las cosas. Ese es el verdadero reto para un músico que sale de una banda y emprende un proyecto en solitario: lograr que la música ocupe un lugar por si sola.

En mi caso, he hecho un proyecto muy ajeno y desligado a otros en los que participé —no nada más Zoé, también otros que ya tenía— y he logrado llegar a un público que reconoce lo que hago, sin tener que referenciar otros trabajos en mi carrera. Sin duda, hacerse de un nombre propio es uno de los más grandes pros y orgullos que debe haber para un músico.

silencio por favor

Candy

Por: Karina Luvián Fotos: Claudia Ochoa y Héctor V.

F

resno Studio es el lugar donde Candy -tercia formada en la Ciudad de México por Valentina Plasa, Michael Klotz y Héctor Villagomez- da los últimos toques a su segundo material de estudio titulado Control. Bajo la producción de Ro Velázquez (Liquits) y Joselo Rangel (Café Tacvba), la banda se encerró un mes para crear el sucesor de Stranger (2009), un disco en el que estuvieron totalmente involucrados y que tuvo a Jason Carmer como encargado de la mezcla y a Tom Baker en la masterización. Esta producción representa su introducción al idioma español y un cambio sustancial ante varios factores, sin que eso signifique alejarse del sonido electropunk que los colocó como promesa de la escena nacional. Control está planeado para llegar a las tiendas en las últimas semanas de 2011 o durante las primeras del 2012.

“Este disco representa una evolución con respecto al primero. Las letras son completamente en español y estamos muy orgullosos. Este material aborda el control -positivo y negativo- que uno mismo ejerce sobre sí y sobre los otros, además de aquel que el mundo ejerce sobre las personas en general.”

- Candy 006

the main review REVIEWS

Velociraptor!

Kasabian / Sony Music / 2011

9.4

Calificación

D

espués de escuchar ‘Switchblade Smiles’ es imposible no pensar en Velociraptor! como uno de los álbumes candidatos a ocupar el sitio de “mejor disco del año”. Al final, la placa no fue ese golpe de electro-adrenalina que su primer single anunciaba, aunque los 11 tracks que la conforman tienen la suficiente fuerza como para hacer de éste el mejor trabajo, a la fecha, de Sergio Pizzorno y compañía.

Si bien superar lo hecho en West Ryder Pauper Lunatic Asylum (2009) parecía tarea complicada, lo que Pizzorno logra en este disco es una muestra clara de su hambre de evolución como músico en todos los sentidos.

Aunque, de entrada, este puede parecer un disco con menor dinamismo que su antecesor, tenemos que poner atención en cada uno de los pequeños detalles que integran los cortes: lo que estos músicos nos entregan aquí es un trabajo que, sin duda, podría ejemplificar uno de los picos más altos en la historia moderna del rock inglés.

‘Let’s Roll Just Like We Used To’ es el tema que anuncia el torrente de emociones por venir, con esas melodías condimentadas que Kasabian bien sabe fusionar con rock. Para cuando estamos totalmente involucrados en esta historia llamada

008

Velociraptor!, ‘Days Are Forgotten’ intenta llevarnos a lo que parece un lugar común para un escucha adicto a la banda, aunque definitivamente resulta mucho más cadenciosa.

‘Goodbye Kiss’ es una melosa despedida, mientras que ‘La Fée Verte’ nos deja ver el lado beatlesco de Kasabian. El tema que da nombre a la placa es un híbrido entre el Blur de ‘Parklife’ y el Bowie de ‘Suffragette City’, mientras que ‘Acid Turkish Bath (Shelter From The Storm)’ lleva una penitencia en su nombre; es entonces que aparecen ‘I Hear Voices’, ‘Re-Wired’ y ‘Man Of Simple Pleasures’: la calma antes de la tormenta…

‘Switchblade Smiles’ es un tornado sonoro que arrasa con todo a su paso: desde sus primeras secuencias, el tema anuncia que lo que estamos por escuchar no es algo convencional; es uno de esos cortes que permanecen en la memoria colectiva y que, con el paso de los años, se vuelven, más que clásicos, legendarios.

Kasabian pone fin a su obra maestra con ‘Neon Noon’, una balada que documenta, de manera innegable, el ascenso de estos ingleses al siguiente nivel: ese en el que todos quieren tocar, pero al que pocos llegan… ¿La mejor pieza de 2011? Bueno, probablemente lo sea.

-Diovanny Garfias

REVIEWS

9.2

Calificación

Metals

Escanea este código con cual-

Feist /Universal Music / 2011

Nunca había entendido por qué a tanta gente le gusta Feist; por lo tanto —lo confieso—, jamás me he internado obsesivamente en su discografía. Creo, sin embargo, que Metals es un buen pretexto para hacerlo, ya que es uno de esos retratos en los que, más que la imagen proyectada, lo que se capta perfectamente es el alma de la figura. En definitiva nos enfrentamos a un álbum que defiende con honor el nombre de Feist y no se queda en la dulzura, pues se aventura a cruzar a un lado en el que el jazz y el blues están presentes y se transforma en texturas mucho más oscuras e introspectivas gracias a arreglos sencillos pero arriesgados. Este es un perfecto retrato que oscila entre la ternura y la oscuridad. Sin duda, un trabajo que debemos considerar entre lo mejor de 2011.

-Elsa Núñez

8.5

9.0

Calificación

Calificación

Conditions Of My Parole

Ángel Caído

Puscifer / Puscifer Entertainment / 2011

Qbo / Intolerancia / 2011

Maynard James Keenan posee una de las voces más poderosas y más influyentes en el rock actual lo que, aunado a una agudeza única a la hora de componer letras complejas y bien maquinadas, lo convierten en uno de los mejores vocalistas de habla inglesa y en todo un poeta maldito. Si bien Puscifer no es Tool o A Perfect Circle, la calidad de su proyecto en solitario no tiene qué pedirle a éstos, pues tiene un estilo propio, marcadamente distanciado. Este disco, está influenciado por viajes a puntos mágicos, como en ‘Horizons’ y ‘Green Valley’, y por situaciones perturbadoras como ‘Telling Ghosts’ o ‘Man Overboard’, todos prueba clara de una madurez adquirida recientemente, una que no tienen sus trabajos anteriores. En Conditions Of My Parole Maynard se muestra más cómodo y libre para experimentar, burlarse y mostrar su humor negro: estamos delante de un must para los amantes del electro rock.

-Leonel Hernández

Una de las bandas de rock más prominentes de México regresa con un quinto álbum de estudio titulado Ángel Caído. Qbo, con una trayectoria que va de comenzar con una disquera transnacional, hasta sobrevivir varios años después con un sello independiente, nos ofrece once tracks llenos de intensos riffs, poderosos redobles y la voz de Tonio Ruiz, que puede ser dulce y melódica o desgarradora y desafiante. La producción es impecable, los arreglos están muy bien cuidados y el producto final es una serie de canciones como ‘Grita!’, ‘Déjame Ver’ y, el primer sencillo, ‘Corté Mis Alas’. Ángel Caído es el resultado de la mezcla de sus cuatro discos pasados, con la originalidad y madurez de una banda que se caracteriza por hacer música de calidad y totalmente diferente a lo que hay en el mercado.

-Marcela Muñoz

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7.4

Calificación

Noel Gallagher’s High Flying Birds Noel Gallagher / Universal Music /2011

010

Es realmente complicado escuchar a Noel Gallagher y no pensar en Oasis, siendo él quien fungió como compositor e importante vocalista; si a esto agregamos la marcada continuidad que esta placa tiene respecto al pasado del músico, el resultado no es exitoso. Es innegable el alto nivel en cuanto a producción y mezcla, sin mencionar la adhesión de instrumentos que agrandan el sonido, pero la esencia está intacta, teniendo como muestra ‘If I Had A Gun’. Así, la oportunidad de Noel de alejarse de lo hecho con su hermano y tener un nuevo comienzo se escapó entre los dedos. Y aunque sencillos como ‘The Dead Of You And Me’ y ‘AKA… What A Life!’ se quedarán en la memoria, este álbum no merecerá demasiadas escuchas.

-Karina Luvián

REVIEWS

7.2

8.0

Calificación

9.0

Calificación

Calificación

Mylo Xyloto

Midnight Remember

Bad As Me

Coldplay / Parlophone / 2011

Little Red / Liberation Music / 2011

Tom Waits / ANTI- / 2011

Esta placa cuenta con una alineación de estrellas en su producción: Markus Dravs (Arcade Fire), Daniel Green, Rik Simpson (Portishead, Kasabian) y, claro, la mano mágica de Brian Eno. ‘Every Teardrop Is A Waterfall’ y ‘Paradise’, los primeros singles, sustentaron las declaraciones de la banda en el sentido de que, en esta ocasión, “estarían llevando al límite su creatividad”. Sin embargo, al escuchar la placa completa, descubrimos que Chris Martin y compañía dejaron mucho qué desear: una vez más apostaron por la fórmula que les ha funcionado en repetidas oportunidades, incluyendo fusiones de diferentes géneros. Lo destacable del álbum es, sin duda, la variedad de ritmos y sonidos en la pieza final, incluyendo instrumentos como cuencos tibetanos, gaitas o el theremin en sus composiciones, definiendo así el sonido que les conocemos desde hace años. Un disco más para su discografía.

-Giorgio Brindesi

Lo único que le falló a este quinteto australiano fue la geografía, pues al no ser ingleses o estadounidenses, su difusión se ve limitada; pero tienen toda la noción de cómo hacer música. Y es que existe un gran prejuicio musical para bandas de otras latitudes, pero he aquí un gran ejemplo de que buenos trabajos pueden tener cualquier origen: por momentos coqueteando con la electrónica y con la balada, tras su debut con Listen To Little Red (2008), Little Red presenta su segundo álbum, Midnight Remember, que en su mayoría da una muy buena impresión.

Tracks como ‘Slow Motion’ y ‘Rock It’ nos muestran que la música nos debe llevar a otros lugares, transportarnos, pero con ‘Slow Motion’ y ‘Chelswoth’ nos ponen en situaciones más relajadas. Habrá que disfrutar esta producción y ver si, con los shows en vivo y la experiencia, nos ofrecen un trabajo más maduro, lo cual le vendría muy bien a nuestros oídos.

-Alejandro Sosa

Tom Waits entrega por fin Bad As Me, el cual le tomo siete años realizar. La trascendencia de este disco no radica únicamente en la legendaria figura de su autor, sino en las poderosas melodías de un artista que a sus 62 años, aún tiene mucho que decir. En canciones como ‘Kiss Me’ y ‘Hell Broke Luce’ encontramos auténticas joyas, listas para volverse clásicas, en otras como ‘Talking At The Same Time’, Waits regresa a los falsetes y guturalizaciones de sus discos legendarios. Además, colaboró de nueva cuenta con el guitarrista Marc Ribot y Keith Richards (The Rolling Stones), incluyendo a su hijo Casey Waits en la batería. El disco termina con ‘New Year’s Eve’, un pequeño y merecido homenaje a Kathleen Brennan esposa y coautora de toda la música de Tom desde 1983, a quien, por cierto, Tom conoció en una fiesta de año nuevo. Bad As Me es impredecible y brillante, su mejor disco desde Mule Variations (1999).

-Rubén Márquez

Biophilia Björk / Universal Music / 2011

012

8.5

Calificación

El séptimo álbum de estudio de la islandesa es uno de esos casos extraños en los cuales, dadas las expectativas que despiertan, se les otorga el calificativo de “genial” aún antes de ser escuchados. Cuando hay antecedentes como sus placas anteriores, todas llenas de originalidad y maravillas sonoras —donde se trata de evitar la complacencia al poner oído crítico, a fin de no caer en la tentación de afirmar que es un “gran trabajo” sólo por ser de Björk—, es muy difícil analizarlo. Y es que sí: es una buena placa, como todo lo que hace; es fuera de serie y lleno de inventiva, sobretodo en la parte multimedia donde el director Michel Gondry crea un complemento delirante a través de la respectiva aplicación para iPad. Su único pecado, si es que lo tiene, es que es un experimento presuntuoso; sin embargo, dados los resultados obtenidos, pedimos que Björk continúe cultivando su pretenciosidad.

-LH

hot hot hit

Uh Huh Her

Por: Karina Luvián / Foto: Cortesía UHH

Formada en los primeros meses de 2007, Uh Huh Her es la dupla californiana integrada por Leisha Hailey y Camila Grey, cuya experiencia y bagaje musical le ha permitido mezclar desde rock hasta new wave, pasando por electro-pop de forma exitosa.

Luego de debutar con el EP I See Red (2007), la banda acaba de lanzar Nocturnes, segundo larga duración producido por Grey y Al Clay (Pixies, Blur) donde muestra su madurez creativa. Lo hermoso de la imperfección en un sólo disco.

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profile

LCMDF Por: Benjamin Shapiro

Integrantes: Emma Kemppainen / Mia Kemppainen Escúchalos en: www.lcmdf.com

Mira a LCMDF en vivo a través de www.noisey.com

L

CMDF son Mia y Emma Kemppainen, una pareja de hermanas de Finlandia que recientemente se instaló en Berlín. Cuando empezaron, en 2006, la banda era conocida como Le Corps Mince De Françoise, “El Delgado Cuerpo de Françoise”. Ese nombre tan enigmático era una alusión al gato anoréxico de Emma -ya muerto y enterrado-, a Françoise Hardy... o quizá a los dos. Cualquiera que fuera el significado, ahora las hermanas lo han recortado a ese acrónimo que representa muy bien el electro pop burbujeante que tocan.

La banda empezó como un trío que incluía a Malin Nyqvist, pero ella dejó el proyecto por diferencias creativas a principios de 2011. “Malin no quería estar en la banda y nosotras tampoco la

queríamos en la banda”, dijo Emma recientemente. Las hermanas se enamoraron de Berlín mientras grababan algunos demos rudimentarios en Kaiku Studios y decidieron echar raíces en esa ciudad. Los raves de Mitte influenciaron el sonido de LCMDF y a partir de esas fiestas empezaron a trabajar en canciones listas para la pista de baile.

Las hermanas Kemppainen lanzaron su disco debut, Love And Nature, en febrero de 2011. El disco está lleno de canciones pop muy bailables, encabezadas por el sencillo principal ‘Cool And Bored’. Ese tema es un himno chicloso y frenético sobre una nueva generación de jóvenes alienados. Let’s Dance!

Noisey.com es una plataforma en línea para descubrir música que presenta a varias de las nuevas bandas más talentosas alrededor del mundo.

A través de cautivadores y originales cortometrajes, Noisey le otorga al espectador acceso sin precedentes a la vida de las bandas dentro y fuera del escenario. Este mes no puedes dejar de ver “Gross Magic– Live – Peckham, UK”.

015

shuffle

Rise To Remain Actually... God can bleed Por: Irionik Rotten Foto: Tom Barnes

R

ise To Remain es una banda londinense de metalcore que ha llamado la atención alrededor del mundo, y es que fue elegida como “Best New Band” en los más recientes Metal Hammer Golden Gods Awards, uno de los premios más relevantes para el género. No es de extrañar, sabiendo que su álbum debut, City Of Vultures(2011) está producido nada menos que por Colin Richardson, uno de los mejores del metal, quien ha trabajado con bandas como Trivium, Bullet For My Valantine y Slipknot, entre otros. Por cierto: una más de las particularidades de Rise To Remain es contar con Austin Dickinson —el hijo de la leyenda de Iron Maiden, Bruce Dickinson— como vocalista. WARP MAGAZINE platicó en exclusiva con Joe Copcutt, bajista de la agrupación…

Hablemos un poco de su álbum debut, City Of Vultures… ¿Cuál fue su experiencia al ver su música materializada en un disco?

Fue una sensación indescriptible: estábamos muy emocionados de tener listo nuestro primer álbum, en el cual habíamos trabajado durante mucho tiempo y que nos demandó demasiado en el aspecto físico y mental; y es que buscamos sonar distinto en comparación a otros álbumes debut. ¿Cómo fue trabajar con un gran productor como Colin Richardson?

Magnífico: él es una leyenda en la producción dentro del género y fue una gran experiencia para nosotros. Es un tipo que exige demasiado, pero sabe por qué hace lo que decide y para nosotros fue grandioso.

Su debut tiene un sonido diferente, muy propio… ¿En dónde 016

encontraron sus mayores influencias sonoras?

Mi padre fue músico de una banda punk, aquí en Inglaterra, y pues ahí empieza mi recorrido; pero también hay otras bandas que nos han influenciado, como Faith No More, Deftones y Killswitch Engage, esta última es una gran banda que, podríamos decir, es nuestro mayor referente.

Pero dime una cosa: sabiendo que tienen al hijo de una leyenda como Bruce Dickinson, ¿algún día tendremos en alguno de sus álbumes un cover de Iron Maiden?

No lo sé, no lo hemos considerado aún, pero sería grandioso: Iron Maiden es una gran banda y durante mucho tiempo hemos estado muy cerca de ellos, así que sería un honor tocar alguna de sus canciones. ¿En dónde ves a Rise To Remain en cinco años?

Pues espero que sigamos divirtiéndonos como hasta ahora, dando conciertos y de gira por todo el mundo.

Gracias por la entrevista Joe… Un placer, en serio… No puedo creerlo: es mi primera entrevista para un medio mexicano. ¿Algunas palabras para los fans de Rise To Remain en México?

Muchas gracias por seguirnos; espero conocerlos y tener contacto con ustedes mediante Facebook (www.facebook. com/risetoremain) o Twitter (@risetoremain)… Un saludo a todos en México… ¡Ah! ¡Y disfruten nuestro primer álbum: City Of Vultures!

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Torreblanca Sin dejar de ser

Por: Samantha Núñez Foto: Cortesía Torreblanca

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l rock nacional tiene diversos matices. Dentro de toda esta amplia y a veces ambigua gama, a finales de 2007 surge una banda que, con su sonido que atrae desde el primer acorde, comienza a marcar un territorio particular. A un año de su EP debut, Defensa, Torreblanca regresa a la escena musical con un disco que, con el apoyo y las enseñanzas de Quique Rangel —ícono de la música en México—, consolida el concepto de esta agrupación. WARP MAGAZINE tuvo el placer de platicar con Juan Manuel Torreblanca y Andrea Balency, acerca de su nuevo material: Bella Época. ¿Cuál es el concepto de Bella Época?

Juan Manuel: Nos encontramos con esa unión de palabras y fue como una campanita que nos dijo: “ese es el nombre”.

Por otro lado, es una forma de reconocer y agradecer todo el apoyo que hemos tenido de gente como Leonel García y Quique Rangel. Además, como banda, ha sido una aventura muy emocionante que nos ha permitido tocar en escenarios como el Vive Latino y, en una etapa que es todavía muy temprana en nuestra carrera, en algunos lugares de California. Por otro lado, la temática del disco reflexiona en torno a situaciones tristes, al espíritu que actualmente existe en el mundo en general, y en México en lo particular con su violencia, inseguridad, crisis…

Esto se vuelve irónico, pues es el eco del cambio del siglo XX al XXI, con sus revoluciones y mitos acerca del fin del mundo.

Bella Época es jugar un poco con eso; es la búsqueda de cada uno como persona; es la percepción del mundo exterior, ese dolor. Aquel que lo escuche podrá estar de acuerdo o no. ¿Qué aportó Quique Rangel a este disco?

Andrea Balency: Muchísimo: su compromiso era mejorar las propuestas que teníamos, aunque siempre respetando nuestra 018

idea original, lo cual logró a la perfección con profesionalismo y elegancia. Más allá de su trabajo como productor, como músico, como persona y como amigo, nos ha inspirado a todos; ver su trayectoria con Café Tacvba, toda la historia y la magia que envuelve su estudio de grabación, además de la experiencia y la generosidad que nos brindó, nos ha inspirado a seguir adelante, a mejorar. Y su forma de trabajar es impresionante: a pesar de que ya es una estrella de rock, es puntual y amable; nos ha ayudado mucho a poner todo en perspectiva. ¿Cómo surgen las letras de sus canciones? ¿La banda pasaba por un momento específico?

JM: Empecé varias composiciones con “El Abuelo” y, ahora, todas esas canciones están en el disco y tiene una energía muy diferente; una de ellas es ‘Lodo’, que es la semilla del Bella Época: engloba todo el concepto. Otra es ‘JB’, una canción oscura que se volvió un buen lienzo para una letra que me sorprendió; no me gusta mucho explicar las letras, porque creo que eso puede estropear la experiencia de quien la escuche, pero sin duda son dos canciones importantes. ¿Cuáles son las diferentes tendencias artísticas y culturales que existen en la banda?

JM: Hay quien tiene una escuela jazzera, como Jerson, que a la vez es alguien a quien le interesa mucho el pop, que lo investiga y lo disfruta, porque el pop bueno es una forma de arte muy sofisticada.

“El Abuelo” es mucho más rockero, mientras que “El Tío” es más clásico y, a la vez, un enamorado de la comedia musical y del jazz más antiguo. En el caso de Andrea y el mío, tenemos gusto por diferentes vertientes de cantautores, de gente del folk y del rock; compartimos muchas cosas y al mismo tiempo somos muy diferentes. Todo esto, definitivamente, se traduce en lo que hacemos.

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playlist

Playlist by Rockets

Musik

Paul Ryder

(Happy Mondays)

02. Red Hot Chili Peppers –

‘Higher Ground’ 03. New Order –

‘Dreams Never End’ 04. ACR – ‘Shack Up’ 05. The Rapture –

‘House Of The Jealous Lovers’ 06. The Rolling Stones –

‘Under Cover Of The Night’ 07. New Order – ‘Fine Time’ 08. The Killers – ‘Human’ 09. MGMT – ‘Kids’ 01. David Bowie

10. Foster The People –

‘Fame’ Visita www.rocketsmusik.com y síguelos en: @RocketsMusik

‘Pumped Up Kicks’

P

aul Ryder es una leyenda en Manchester por haber formado parte de Happy Mondays por más de 20 años, siendo el que generó la mayor influencia sobre el sonido de su banda por sus bajos tan característicos. Muchos lo han considerado como el co-creador del sonido que cambió radicalmente a su generación, liderando y llevando a la banda hacia un camino musical influenciado más por el funk y por el soul. Paul formó parte de su banda desde principio de los ochenta, tocando en su habitación con su hermano Shaun y escribió ocho de las canciones más recordadas de Happy Mondays como ‘Kinky Afro’, ‘Wrote For Luck’, y todos los primeros cuatro álbumes de la banda, incluyendo Pills ‘n’ Thrills y Bellyaches. Aunque es mejor conocido por su papel con los Happy Mondays, también ha actuado en diversas películas como The Ghosts of Oxford Street, Losing It y personificó también a un gangster en “24 Hour Party People”, película que relata acontecimientos de su banda.

Por cierto, el papel de Paul Ryder fue interpretado por el actor Paul Popplewell. Cabe mencionar que también ha aparecido en programas de televisión como actor, músico y comentarista.

No te pierdas a Paul Ryder (Happy Mondays Dj set) el próximo viernes 4 de Noviembre en El Imperial en una noche llena de britpop, de indie.... Madchester Monster Night!

Rockets Musik es una plataforma interactiva de contenidos; adictos al rock, indie, disco y electrónica selecta, productora de eventos y conciertos en la Ciudad de México.

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Kings Of Convenience Declaration of dependence Por: Paco Sierra / Fotos: Cortesía KOC

E

rlend Øye, es un personaje multifacético en la música, que desde Noruega ha iniciado varios proyectos, siendo uno de los más reconocidos Kings Of Convenience, junto a Eirik Glambek Bøé.

Con cuatro álbumes de estudio de respaldo visitan México y Latinoamérica próximamente, el pretexto perfecto para charlar con Erlend. ¿Cómo obtuviste tu primera guitarra?

A los 16 años, finalmente me di cuenta que esta cosa de la guitarra parecía un buen movimiento. Estaba lleno de energía creativa que no tenía salida. Mucha gente cool en la escuela estaba tocando la guitarra. Tenía un amigo que tocaba la guitarra y me contó de su amigo Baste. El tenía una guitarra eléctrica, pero se metió más en las motos y quería vender su guitarra para comprar una moto nueva. Lo conocí y probé la guitarra. Era una Fender Stratocaster hecha en México. Negra y blanca. Y la probé, pero ¿cómo iba a saber si era una buena guitarra o no?. Emitía sonidos, eso seguro. Estaba convencido. El precio incluía un pequeño amplificador de guitarra. Después de una semana, conseguí el dinero, no recuerdo como, porque no tenía un trabajo en esos tiempos, estoy seguro que mi madre me ayudó con parte del dinero.

Me había dicho tiempo atrás que deseaba que mi hermano y yo hubiéramos aprendido a tocar un instrumento. Pero bueno, tenía ya una guitarra, aunque no la sabía tocar. Adquirí un libro después de un tiempo y unos amigos intentaron enseñarme.

022

La mejor ayuda la obtuve de mi tío. De lo que aprendí de él, comencé a escribir canciones simples. Cada vez que aprendía un nuevo acorde, escribía una nueva canción. Años después, puedo decir que la guitarra que compré era en realidad una muy buena. La distancia entre las cuerdas y los trastes era muy poca, unos cuantos milímetros, así que era fácil tocar. Y sonaba bien. ¡Viva México!, la guitarra desapareció en 1997.

Me la robaron mientras ensayaba, con una banda llamada Peachfuzz. Fue terrible. Compré otra guitarra, pero no tenía el mismo sonido a pesar de ser una Fender Stratocaster. ¿Qué canción consideras que te representa más?

‘Call Me Al’ de Paul Simon.

Mencionas muchos lugares en tus canciones, ¿cuál es tu lugar favorito en el mundo?

Mi quinto lugar favorito en el mundo es Tokio, es lo único que puedo decir.

Has estado en varias ocasiones en México, ¿qué te emociona más de regresar?

Como la gente canta con nosotros, ¡y la comida!. ¿Cómo te imaginas la música de Kings Of Convenience en 20 años?

Similar a como sonamos ahora, más maduros… como un buen vino. Queso maduro.

blogaggedeon times COLUMNA

LO QUE MÁS ME GUSTA DE VOS II… Por: Señor Flavio

Q

ue sos una princesa mexicana, que heredaste tus cabellos negros de Malinche. Y el color de la tierra que lleva tu pie, me hace temblar, también ya lo dije antes en una de estas alocadas columnas que brindo para la jefatura libertaria de WARP power.

Yo soy un gringo bastardo, de esos con rasgos europeos nacidos en un rincón olvidado del sur, Sudamérica, la mala amérika, amérika perdida, diría Manu.

Hay palabras que me gustan mucho del glosario coloquial mexicano: carnal es una de ellas, me parece una palabra, adjetivo volcánico, que dibuja un sentimiento visceral e intenso cuando una persona se refiere a otra de ese modo.

Tal vez eso pinte la pasión según los mexicanos. Pasión e intensidad que están bien adentro de cada ser, el magma

pasional está mas oculto, en cambio nosotros los “tanos”, o argentinos descendientes de italianos, somos más aparatosos, llorones, exagerados, extrovertidos a la hora de demostrar sensaciones emocionales.

Pero eso puede permanecer en la superficie, puede ser una cáscara nada más. Lo que importa es lo que se lleva dentro, y en eso todos somos iguales y hermanos, porque llevamos alma. Nadie es más que nadie, pero nadie es menos que nadie.

Besos desde el sur, Buenos Aires, Argentina, soy El Señor Flavio y su Nueva Ola, ahora en Mar del Plata, ciudad feliz y atlántica, de océano misterioso, cambiante y fiel. Los Surfaskaters de para bienes en esta city alegre.

Besos!

›› Sr. Flavio es bajista y miembro fundador de Los Fabulosos Cadillacs, músico, productor y escritor, su más reciente novela se titula The Dead Latinos.

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Los Bunkers La convicción por la música como profesión

Por: Michèle Albertini / Fotos: Sergio Gálvez para WARP

L

levan tres años viviendo en el Distrito Federal y ya han pasado cinco desde que vinieron por primera vez a México. Desde entonces, se han presentado por todo nuestro país, convirtiéndose en una de las agrupaciones con mayor poder de convocatoria. Los Bunkers, en entrevista exclusiva para WARP MAGAZINE, explican su percepción del rock en su tierra y adelantan detalles del material en el que trabajan. ¿Cuál ha sido la gira o las fechas en nuestro país que más los han marcado como banda?

Sin duda, unas de las más importantes, un par de fechas que tuvimos en el Zócalo; y lo son por el marco del público, por el lugar en sí; lo son por lo especial y lo histórico; la primera fue a mediados de 2008 y la otra en 2009, en tiempos de la Ley antiinmigrante de Arizona. La gira más importante, quizá, fue la del Corona Music Fest: nos permitió conocer lugares nuevos. ¿Qué pueden decir sobre la escena del rock en Chile?

La escena en Chile se ha desarrollado desde hace unos cuantos años. Ha mejorado la entrega musical, la entrega de producción y la calidad de las canciones, pero el desarrollo que se ha dado últimamente, extrañamente, se debe a lo precario del medio: para ser un músico, tienes que ser una persona bien atrevida y saber muy bien lo que quieres hacer. Es tan precario el medio, que eso es lo que te obliga a dedicarte a tu trabajo y elevar la calidad. Ahí está Gepe, Manuel García, Pedro Piedra, Javiera Mena, Francisca Valenzuela… En el último año, en Chile, ha habido un mayor desarrollo del pop de buena calidad, que de bandas de rock.

Durante una entrevista comentaron que aquí pueden darse el lujo de vivir de la música, pues en Chile tan sólo 026

un puñado de grupos de rock podrían hacerlo… ¿De qué manera visualizan esta situación actualmente?

Una cosa es que tengas posibilidad de dedicarte exclusiva y completamente a tu grupo, trabajar y vivir de eso, y otra cosa es la trascendencia de la música que uno haga. Puede que haya músicos en Chile que no pueden sustentarse económicamente con su trabajo musical, pero eso no significa que el trabajo que estén haciendo sea menos importante. ¿Cómo podrían alcanzar otros grupos de Chile la misma proyección que ustedes?

Tiene que ver con la calidad del trabajo. Hay montones de grupos que se juntan y que arman un centro cultural o un antro entre todos. El movimiento punky —el más pesado en Chile— siempre ha sido organizado. Hace algunos años, La Oreja, un sello independiente, fue el que acaparó todas las bandas chilenas y es que no había más.

Para el músico en Chile, “El norte” —nuestra manera de decir “éxito”—, es un reconocimiento propio y no tanto un reconocimiento masivo. Ahora, los espacios en internet, permiten comenzar a soñar sin fronteras; pero también hay una falta de ambición en las bandas, en los jóvenes que se dedican a esto. Antes que la música surja, hay una constancia que uno debe tener para hacer cualquier cosa en la vida. Es difícil encontrar una banda de rock cuyos integrantes no trabajen en otra cosa y, por eso, la mayoría de las veces la música termina siendo un pasatiempo. Lamentablemente, el rock se resintió en ese aspecto, en las bandas mismas, y la plataforma social hace que el trabajo en grupo sea más difícil; y es que es más fácil hacer las cosas solo: tomas la guitarra, te grabas a ti mismo y te puedes promocionar.

Se trata de ver la música no “ensayada” como cualquier otro trabajo. Si bien sabemos que cuando inicias una banda de rock no te da para comer, hay gente que está dispuesta a pasar hambre: la urgencia te hace crecer. ¿Hasta qué punto llega tu amor o tu motivación por lo que haces? ¿Qué tanto amas hacer canciones? Tu cita es una manera de ejemplificar a los chicos que hay en el medio chileno, que no dan para más. Con mirar a las bandas que han logrado sostener su trabajo en el tiempo, sabes que han trabajado fuerte.

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¿Desde el principio sintieron esa motivación?

Algo que atesoramos mucho, es que nuestra historia juntos es como una especie de locura. Nos juntamos a trabajar con una convicción ridícula, enfermiza. Teníamos muy claro lo que queríamos hacer. Como que nos inventamos una historia a recorrer y fuimos por esa historia. Nos sirvió mucho haber sido fanáticos de la música y haber visto el camino recorrido de las bandas que uno quiere. Así, decretamos cosas; dijimos: “vamos a hacer esto, nos vamos a repartir la plata de tal manera, vamos a ir a tal parte”. ¿Qué hay sobre el nuevo disco que están preparando?

El próximo disco se encuentra en un estado embrionario: recién regresamos al estudio, retomando y mostrando can-

ciones, poniéndolas en la sala de ensayo, viendo hacia dónde pueden dirigirse. Aún no sabemos cuál será el aura del disco.

Existe una intención en cuanto al lugar al que queremos llegar con el sonido, lo que queremos aportar para que sea diferente a las demás canciones que hemos hecho, salirnos del formato clásico y alejarnos un poco de la tecnología.

Es una intención que se va a cumplir una vez que hayamos completado todo el paquete. La premisa siempre ha sido que las canciones nos vayan guiando. Trabajamos en Música Libre (2010) con Meme, de Café Tacvba, y fue una muy buena experiencia porque, desde la sala de ensayo hasta el momento de grabar, nos aportó una visión mucho más abierta de la manera de desarrollar nuestro trabajo.

›› Michèle Albertini es colaboradora de WARP MAGAZINE y puedes leer su entrevista exclusiva con Kaiser Chiefs en WARP #39.

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Neon Indian Come in to my heart Por: Elsa Núñez Foto: Cortesía NI

P

ocos pueden presumir que han trabajado con aquellos que admiran y Alan Palomo, de Neon Indian, lo hizo al meterse al estudio con The Flaming Lips; él comparte con WARP MAGAZINE es gran experiencia, el haber trabajado con Dave Fridmann en Era Extraña (2011) —su más reciente material—, su punto de vista sobre la tecnología y los días con tres horas de sol que vivió en Finlandia…

honestamente, no sabía cuánto cambiaba un álbum en un mix hasta que trabajé con él en el estudio; y fue muy interesante por todo lo que había hecho con esas bandas: quería poder tener esa experiencia. Cosas como saber que el micrófono está agarrando el efecto reverb de las mismas paredes que se grabaron en el The Soft Bulletin (1999), de The Flamig Lips, me influenció mucho.

¿Por qué decidiste viajar a Finlandia para planear Era Extraña?

Ya había estado en Helsinki unas cuantas veces: me gusta muchísimo la ciudad, su arquitectura y todo lo que pasa en ese lugar; me parece bastante peculiar. Creo que eso me sirvió mucho para poder digerir todo lo que había pasado durante los últimos dos años con Neon Indian y, bueno, inconscientemente, sabía que ahí encontraría mi voz. Estuve aproximadamente seis semanas por allá, era invierno y la temperatura llegó a los -20 grados centígrados; y en definitiva es el frío más intenso que he sentido en toda mi vida. Además, los días se estaban haciendo más cortos: era la temporada en la que sólo ves el sol unas tres horas al día; de hecho, cuando sale el sol, hay tantas nubes que ni siquiera lo puedes ver bien. Y fue justo la experiencia surrealista que buscaba: quería algo fuera de lo común y llevar mi mente a otro estado.

Pasando a The Flaming Lips, ¿cómo fue para ti trabajar con ellos?

Honestamente fue una experiencia muy psicodélica [risas].

Fue un honor estar en una sesión de jam con ellos, hasta las 4:00 o 5:00 de la mañana, experimentando con diferentes canales, sonidos y delays; ya para las 10:00, cuando llegaba Fridmann, podíamos empezar a armar la canción. Y trabajan muy rápido: agarran un instrumento, empiezan a tocar y, en seis horas, la tienen grabada: eso se me hizo algo increíble. Lo que más me gustó, fue darme cuenta de que, después de tanto tiempo, pareciera que no se les han agotado las ideas; ven todo desde un punto de vista muy lúdico y los siguen sorprendiendo muchas cosas: no han perdido esa capacidad.

Llegado a este punto, ¿cuál es la diferencia entre Era Extraña y Psychic Chasms?

Para mi es difícil verlo de manera objetiva pero, en ese sentido, Era Extraña fue desarrollado en un nuevo contexto: era importante que yo mismo creara estos sonidos con muchos de los instrumentos que siempre había querido tocar.

Encontré el sintetizador que usaba New Order, el Voyetra 8, y fue una fantasía usarlo. Además, trabajé con Dave Fridmann, de The Flaming Lips, para hacer la mezcla del álbum; él ha coproducido y mezclado muchos de mis álbumes favoritos y,

Luego de ver el video de ‘Polish Girl’, te pregunto: ¿crees que el amor ha cambiado al mismo paso de la tecnología? ¿Cómo ha afectado ésta su carrera?

Hace poco abrí mi Myspace luego de mucho tiempo y se me hizo muy extraño leer todos esos mensajes porque, a pesar de que nunca escribí un diario, descubrí que casi todas mis experiencias personales estaban documentadas allí: me parece algo surreal.

Sin Internet, creo que el proyecto no hubiera prosperado desde Psychic Chasms (2009); y no es tanto una cuestión de calidad; simplemente, Internet, le ha dado a todos misma oportunidad de tener una audiencia para su música. Es extraño: no puedo imaginar el contexto de alguien que vive sin Internet.

›› Elsa Núñez es periodista musical y puedes leer su entrevista exclusiva con Chet White de Girls en WARP #40.

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rock fiction COLUMNA

METALLICA Por: Adolfo Vergara Trujillo / @ToBeFreak

In memoriam Al Davis

F

ue una noche difícil, salpicada de vómito negro olor acre.

El emperador se encontraba inconsciente, por lo que dos guardias imperiales debían estar atentos a su siguiente acceso para incorporarlo y ayudarle a despejar la tráquea, mientras una doncella se dedicaba a retirar, una tras otra, las bandejas con las excreciones imperiales. La emperatriz, ya resignada, le limpiaba a su esposo la supuración de la cuenca del ojo derecho, perdido en batalla casi 50 años atrás.

Y sucedió que a media madrugada el emperador despertó:

—Tengo sed… —susurró.

La emperatriz, casi tan anciana como él, se apresuró a acercarle la copa de agua, pero el emperador, apenas la sintió en los labios, volvió a vomitar. Cuando se repuso, aún sostenido por los guardias, pareció mirar a su mujer.

—Estoy junto a ti —le dijo la anciana.

—¿Quién eres? —preguntó él.

La mujer se retiró en sollozos y fue el primogénito quien, entonces, le tomó la mano al anciano, buscando la atención de su mirada.

—Padre, descanse usted —dijo, pero el emperador, si bien respiraba, no estaba más allí.

El médico de la Corte se acercó a enjugarle el sudor al emperador y, luego de un minuto entero de labor inútil, me echó una mirada triste y se retiró de los aposentos. Dos vírgenes entraron de prisa y comenzaron a masajear los pies del enfermo.

Reconocí el pudor de abandonar los aposentos; sin embargo, tuve el atrevimiento de mirar los últimos momentos del emperador, a distancia discreta, aunque lo suficientemente cerca como para seguir su mirada; y parecía que buscaba algo por encima de su esposa e hijo, por arriba de las cabezas de los guardias y de las doncellas.

—Sus ancestros se acercan… —dijo la emperatriz y se apresuró a rociar un poco de arena en los párpados del anciano— Vete ya sin miedo, mi niño…

Yo creo, sin embargo, que desde allí, recostado en sus almohadones bordados en plata, el emperador recorría uno a uno los tres estandartes de las paredes altas, haciendo cuentas consigo mismo. Quizá recordaba cómo, apenas cumplidos los 30 años, siendo coronel de las fuerzas del Sur, lo llamaron de la región de las Bahías Medias para darle identidad a un ejército de asaltantes, ladrones y criminales, volviéndose el general más joven de la historia. A lo mejor resonaba en su corazón esa codicia que, apoyado por la Nación, lo hizo asestar el golpe de compasión a un rey apocado, instituyendo el Negro y Plata en la bandera. Antes de los 40, ya como emperador, perdió su primer gran choque vestido de negro, pero como era de los hombres que no ceden ni perdonan, en menos de una década regresó para ganar.

Durante su última batalla ya le pesaban sus 74 años al emperador; al frente de su ejército estuvo un capitán tibio que enfrentó a uno de los mejores comandantes que jamás tuvimos; uno que, pese a mi consejo, el emperador exilió; y sucedió que aquel hombre, sabedor de nuestras fuerzas y de nuestras flaquezas, nos masacró sin tregua, sin tomar prisioneros, del modo que bien aprendiera en la región de las Bahías Medias.

Ese día —triste pero cierto— el emperador, que desde su primera derrota se propuso simplemente ganar, se volvió viejo.

Ahora, luego de tan sólo ocho años de aquello, el emperador se incorporaba con violencia para arrojar una última cubetada de vómito negro; cayó de inmediato sobre sí mismo, totalmente agotado, y su rostro se fue perfilando, poco a poco, como se derrite la cera; su rictus, sin embargo, que permaneció duro hasta el final, estaba satisfecho.

Los dioses a los que imploré en secreto la muerte del emperador durante 20 años, por fin, me habían escuchado.

La Nación entera —incluso yo— lloró a su padre.

Metallica Metallica PolyGram 1991

›› Adolfo Vergara Trujillo es escritor y especialista en literatura mexicana, autor de los libros de relatos Freak Y Otros Tormentos y Absolut Punch.

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calendario SHUFFLE

noviembre 2011 05

Iberofest 2011 Universidad Iberoamericana México, DF Los Auténticos Decadentes Palacio de los Deportes México, DF Architecture In Helsinki El Plaza Condesa México, DF

01 y 02

06

01

Pearl Jam Apoteose Río de Janeiro, Brasil

Kings Of Convenience José Cuervo Salón México, DF

Ringo Starr And His All Starr Band Auditorio Nacional México, DF

03

San Pascualito Rey El Plaza Condesa México, DF Damian Marley Expo Bancomer México, DF

04 y 05 Beirut José Cuervo Salón México, DF

Festival Música Para Los Dioses Zona Arqueológica Teotihuacán, EDOMEX

12

One Music & Arts Festival Pabellón del Palacio de los Deportes México, DF Maquinaria Festival 2011 Club Hípico de Santiago Santiago de Chile

16 y 17

22

Creedence Clearwater Revisited Auditorio Nacional México, DF

23 y 24 Peter Gabriel Auditorio Nacional México, DF

Megadeth José Cuervo Salón México, DF

Babasónicos El Plaza Condesa México, DF

08

Vetusta Morla y No Te Va A Gustar El Plaza Condesa México, DF Aerosmith Foro Sol México, DF

09 y 10

24 18

Yelle Centro de Espectáculos Premier México, DF

Stone Temple Pilots El Plaza Condesa México, DF

Simple Plan Six Flags México, DF

11

19

Los Bunkers El Plaza Condesa México, DF Javiera Mena Lunario del Auditorio México, DF

Down José Cuervo Salón México, DF

Pearl Jam Foro Sol México, DF

26

Peter Gabriel Auditorio Telmex, Zapopan, Jal.

27

Carla Morrison Teatro Metropólitan México, DF

29

Bullet For My Valentine José Cuervo Salón México, DF 033

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gigs

Renoh

La Gusana Ciega

Gira Rockampeonato 2011 Por: Alhan Márquez / Fotos: Sergio Gálvez para WARP

Rockampeonato Telcel 2011 ha sido un éxito en cada una de las ciudades a las que ha llegado, ofreciendo la presentación de bandas con gran reconocimiento en la escena rock latinoamericana y debutando a Renoh con prometedor desarrollo y aceptación.

20 de septiembre - Ciudad de México Fue así que la gira programada para este año arrancó en el Foro Corona, de la capital del país, con la presentación de Niña, Renoh, Los Bunkers y Zoé. Aquella noche, miles de asistentes se dieron cita para convivir, disfrutar de buena música y conocer la propuesta de Dave, Ene, Zury, Pano y Milton, quienes ganaron Rockampeonato en su edición pasada. Diversión, canto y aplausos fue lo que caracterizó esa noche tan especial.

24 de septiembre - Guadalajara, Jal. Continuando la gira en la capital de Jalisco, alrededor de diez mil personas se reunieron para un evento de gran calidad en Calle 2, que en esta ocasión ofreció la actuación de La Gusana Ciega, Los Bunkers, Renoh y Zoé. Tanto los éxitos del pasado como aquellas canciones nuevas de cada agrupación lograron crear una noche llena de rock, en la que el público disfrutó y coreó hasta el final,

Joselo Rangel

Zoé

cumpliendo con todas las expectativas.

30 de septiembre - Tijuana, BC. El Parque Morelos fue sede de la tercera fecha de Rockameponato, repitiendo la dosis de bandas presentadas en el Distrito Federal. Para sorpresa de los presentes, muchos pudieron conocer a integrantes de Los Bunkers y Zoé, además de disfrutar de su actuación. Renoh volvió a sorprender y, acompañada por Joselo Rangel -como ocurrió en cada fecha- demostró ser una banda talentosa y propositiva. No menos importante fue lo hecho por Niña, llevándose el merecido aplauso del público.

8 de octubre - Hermosillo, Son. Con filas hechas afuera del Expo Fórum varias horas antes de que iniciara el concierto, Rockampeonato presentó a Niña, Jumbo, Renoh y Zoé al público sonorense. Cada banda subió al escenario y deleitó al público, removiendo la nostalgia con varios éxitos pero involucrando a la gente en sus nuevas canciones. Fue así que crearon un ambiente íntimo con cada asistente, haciendo del momento algo inolvidable.

Noches llenas de música y emoción fueron las que se vivieron, demostrando por qué Rockampeonato Telcel se ha consolidado como un evento de importancia en la escena nacional.

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gigs

Primal Scream Centro de Espectáculos Premier Ciudad de México Foto: Sergio Gálvez para WARP Para leer las reseñas de estos conciertos, escanea el código o visita: warp.la/primalscream

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Grapefruit Julep Cristalería Collins (Highball)

Ingredientes: • 50 ml Ketel One Vodka • 12 ml Jugo de Limón • 4 hojas Hierbabuena • 17.5 ml Granadina • 25 ml Jugo de Toronja • 5 ml Miel Garnitura : • 1/2 Rebanada de Toronja • 3/4 hojas Hierbabuena

Preparación: Revolver la miel con todos los ingredientes antes de añadir los hielos. Agitar y colar sobre hielo molido. Adornar con unas hojas de hierbabuena y rebanada de toronja.

Ladytron Six Flags Ciudad de México Foto: Sergio Gálvez para WARP Para leer las reseñas de estos conciertos, escanea el código o visita: warp.la/ladytron

El after de #Warp5 en #TrinityHouse de Ketel One El 28 de septiembre festejamos 5 años del nacimiento de WARP, y para celebrarlo vivimos una velada llena de música, donde Ximena Sariñana y la banda californiana CAKE se encargaron de dar un grato espectáculo a los asistentes; noche que cerró con broche de oro en el after del concierto.

Capri Dj mode y Dj Giorgio Brindesi fueron quienes encendieron la pista del espacio #TrinityHouse, concepto único de coctelería de Ketel One en el que las personas interactúan con las barras y los mixólogos, para crear sus propios cocteles, de acuerdo a sus gustos personales. Así, los asistentes disfrutaron de una noche de música, acompañada con un vodka de gran calidad, elaborado con materias primas seleccionadas en un proceso artesanal.

Una noche para recordar.

WARP5 COBERTURA

The past is over… The future is now Por: Karina Luvián / Fotos: Sergio Gálvez para WARP

Meses de planeación y la semana decisiva había llegado. Era lunes, 26 de septiembre, y las horas estaban contadas para la celebración más grande nunca organizada para WARP: CAKE y Ximena Sariñana ofrecerían su música para celebrar el quinto aniversario de una marca que nació como sitio web, dio pauta a una revista y vería nacer un programa televisivo.

La cobertura de WARP5 es presentada por:

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WARP5 COBERTURA

CAKE por primera vez en México

Como cada inicio de semana, Alejandro Franco encabezó una junta, siendo enfáticamente especial por tratarse de los últimos detalles para recibir a John McCrea, Vince DiFiore, Xan McCurdy, Gabe Neslson y Paulo Baldi, además de realizar el encuentro previo con Ximena Sariñana, en su regreso a México.

Lunes y martes. Emoción, expectativa y ansiedad. Llegar al hotel con la banda californiana y compartir impresiones.

Charlar en el Hotel St. Regis con Ximena sobre su reencuentro con el público que la vio crecer. Sesión fotográfica con CAKE, grabación especial de SesioneS con Alejandro Franco y convivencia espontánea entre mezcales y bromas.

Era miércoles y el día había llegado. El José Cuervo Salón se vestía de gala con las portadas que forman parte de la historia WARPmagazine, con un visual de los contenidos que integran WARPtv y con la actualización constante, a través de WARP.la, de lo que sucedía en el soundcheck. Cinco años se dicen fácil… y quizá lo parecieron en el instante mismo en que la gente ingresó al recinto. La fiesta comenzaba y todo el esfuerzo de quienes ayudaron a crear y sostener WARP valió la pena.

Ximena Sariñana subió al escenario poco después de las 21:00 hrs., para mostrar a México su incursión como compositora en inglés y las nuevas armonías de su sonido -mucho más elaboradas que lo hecho para Mediocre (2007)-. ‘The Bid’, ‘Love Again’ y ‘Shine Down’ fueron recibidas con aplausos, sin dejar de lado temas en español como ‘Tú y Yo’ y ‘Normal’, este último de su producción pasada. Contenta por reencontrarse con su público y de formar parte de #WARP5, ella misma expresaría: “Muchas felicidades a WARP y espero que sean muchos años más”, para finalmente cerrar su gran actuación con los acordes de ‘Different’, primer sencillo de su nueva placa.

Se apagan las luces. La cuenta regresiva para el primer concierto de CAKE en México inicia. Los ánimos se encienden y la espera se ameniza con la selección musical armada por la propia banda. Sonará exagerado para quien no estuvo ahí, pero aquello era una verdadera fiesta en la que nadie dejaba de

sonreír; los intermedios suelen ser aburridos y desesperantes, pero el de aquella noche ni siquiera se sintió.

El momento había llegado y las siluetas de cada integrante aparecieron poco a poco, tomando sus instrumentos para ofrecer uno de los shows más emotivos de este 2011. ‘Sad Songs And Waltzes’ (original del Willie Nelson) inició el listado de éxitos que no dejó de ser coreado y aplaudido a lo largo de la noche.

El sonido de la trompeta hacía más nuestra aquella música, que continuaría con ‘Opera Singer’ y ‘Frank Sinatra’, ‘Long Time’ y ‘Sick Of You’. La euforia aumentaba y los saludos esporádicos acercaban al público con una agrupación que se entregó en cada momento.

Siguió ‘Mustache Man (Wasted)’ y ‘Stickshifts And Safetybelts’, para caer con ‘Satan Is My Motor’ y los coros divididos que McCrea organizó con el público; no hubo nadie que no participara.

‘Never There’ parecía ser el tema de despedida pero llegaría un encore celebratorio poco común. Silencio. Espera. ¿Mariachis en el escenario? Sí. Se entonaron las mañanitas para WARP y la piel se erizó, más aún cuando CAKE interpretó ‘Comanche’ y ‘MEXICO’ acompañados por los músicos emblema de nuestro país; después ‘I Will Survive’ (original de Gloria Gaynor) para explotar el momento. Un segundo encore sería el broche de oro, con ‘Warpigs’ y ‘The Distance’ sonando.

El evento terminó, dejando al público agradecido por la entrega de una banda honesta y original; mientras que CAKE decía adiós llena de asombro por la pasión y admiración que existe en México hacia con ellos. Una noche que pasará a nuestra historia y a la de aquellos que la compartieron como una de las más importantes. Que siga la música, difunda y crezca por muchos lustros más.

La cobertura de WARP5 fue presentada por:

›› Karina Luvián es Coordinadora Editorial de WARP MAGAZINE y puedes leer su artículo especial de WARPtv en WARP #40.

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WARP5 COBERTURA

Ximena Sariñana

Afinando detalles

Xan McCurdy

Vince DiFiore

Jonh Mc Crea

El mariachi acompañó a los californianos

La historia de WARP MAGAZINE en fotos

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La cobertura de ACL 2011 es presentada por:

acl

AUSTIN CITY LIMITS Por: Alejandro Franco y Paco Sierra / Fotos: Alejandro Franco y Paco Sierra

Podríamos comenzar con la amabilidad habitual con la que Austin recibe a WARP MAGAZINE dos veces al año (SXSW y ACL), pero vamos directo al grano: el Austin City Limits Music Festival, que en esta edición celebró su décimo aniversario y donde el Zilker Park, de la capital de Texas, sirvió como punto de encuentro de cientos de miles para vivir la música en directo…

Día 1 El 16 de septiembre comenzó con la presentación esperada del inglés nominado al Mercury Prize, James Blake, quien demostró su versatilidad y buen sonido sobre el Honda Stage. Al mismo tiempo, Latinoamérica se hizo presente —como se está volviendo costumbre en festivales norteamericanos— con la chilena Francisca Valenzuela, en el Vista Equity Stage.

Cerca de las 17:30 hrs., el Google+ Stage fue insuficiente para recibir a las decenas de miles que querían ver a los californianos de Foster The People, cuyo broche de oro fue uno de los himnos del verano: ‘Pumped Up Kicks’, que finalizó con arreglos electrónicos. ›› Paco Sierra es Editor en Jefe de WARP.la y puedes leer su entrevista exclusiva con Ximena Sariñana en WARP #40.

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ACL COBERTURA

Para leer nuestra reseña de Austin City Limits, escanea el código o visita: warp.la/acl

Momentos más tarde llegó el turno de Santigold, en el Honda Stage que, con corona y acompañada de bailarinas vestidas de blanco y negro, derrochó su multicultural mezcla de sonidos.

A las 20:10 hrs, uno de los actos principales se encargaría de cerrar el AMD Stage: una vez más, los británicos de Coldplay se presentarían en un festival estadounidense. Y lo hicieron como sólo ellos lo saben hacer.

Francisca Valenzuela

Coldplay Foster The People

Pasada media hora, Kanye West construyó una noche basada en éxito tras éxito, lo que fue simplemente uno de los mejores sets que le hayamos visto: ‘Jesus Walks’, ‘Good Life’, ‘Gold Digger’, ‘Love Lockdown’ y ‘Monster’ son sólo algunas de las piezas que sonaron con un Kanye relajado y feliz de estar en el Zilker Park. “If you love someone tonight, hold on to them real tight”, reza la segunda parte de una versión de ‘Runaway’ que Kanye diseñó especialmente como un final extendido para el “en vivo”, más algunas reflexiones acerca de la vida. “This is the last time you see ‘Runaway’ performed in this way”, dijo, agradeciendo a todo el crew que lo acompañó en el circuito de festivales musicales por el mundo en este 2011, para que más tarde pueda arrancar el Watch The Throne Tour al lado de Jay-Z.

Kanye West

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ACL COBERTURA

Chromeo

City & Colour

Día 2 El sábado 17 de septiembre comenzó con los originarios de California, Young The Giant, y sus exitosos sencillos ‘Apartment’ y ‘My Body’. Enseguida, City & Colour dejó la bandera canadiense muy en alto con una emotiva presentación. Siguieron los momentos íntimos en el AMD Stage con Iron & Wine — proyecto liderado por Sam Beam— que estuvo acompañado por una gran banda: saxofones, trompeta, teclados, guitarras, bajo y batería ejecutaron, en su mayoría, canciones de su más reciente producción, Kiss Each Other Clean.

Pasadas las 17:00 hrs., la fiesta empezaba a tomar forma con Skrillex en el Google+ Stage, aunque el espacio demostró que era insuficiente para recibir a tanto público. El festival continuó con Cut Copy y, con los australianos presentándose por primera vez en el festival,

Iron & Wine

Cut Copy

dieron cátedra de electro pop.

La fiesta siguió con Chromeo y su serie de conocidas canciones. Cerca de cerrar, My Morning Jacket hizo que viviéramos una noche épica, con un sonido impecable, gritos de emoción por doquier y un mensaje claro de ida y vuelta entre fans y banda, lo que auguró un gran cierre del segundo día del festival…

Y es que el verdadero momento épico llegó cuando Jim James le dio la bienvenida a un símbolo histórico de la música de ese país, orgullo de Nueva Orleans y hasta atractivo turístico cuando están en casa: la Preservation Hall Jazz Band, que acompañó a My Morning Jacket a partir de ‘Holding On To Black Metal’, hasta el gran cierre con ‘One Big Holiday’.

Al mismo tiempo, la leyenda Stevie Wonder cerraba el otro escenario principal.

Día 3

Bomba Estéreo

Elbow

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El tercer día se vivió con buen clima y la misma actitud de días anteriores. Miles de asistentes se reunieron desde el mediodía para respirar, por última vez, el ambiente de festival en el Zilker Park de Austin con los canadienses de Broken Social Scene, entregando una enérgica presentación a pesar del duro calor. Simultáneamente, los colombianos de Bomba Estéreo llenaron Manu Chao La Ventura el Vista Equity Stage.

Sin embargo, a las 17:30 hrs. Elbow hizo que nos sintiéramos afortunados de estar presentes, pues Guy Garvey y compañía minimizaron la insipiente lluvia, haciéndola partícipe de su presentación; así, el festival siguió su curso con bandas como Death From Above 1979 y Gomez.

Sólo instantes después, la máxima presentaLa cobertura de ACL 2011 ción latina se hizo presente con Manu Chao La fue presentada por: Ventura. Y para cerrar, uno de los actos más importantes en la actualidad: Arcade Fire se encargó de concluir los primeros diez años de Austin City Limits, un festival que, manteniendo su esencia musical, sin duda alcanzará el centenario.

THE LAST OF THEIR

SPECIES Conforme el tiempo avanza, son más las especies biológicas que dejan de existir en nuestro planeta, diversos factores externos son en la mayoría de las ocasiones los culpables de su desaparición, aunque para algunos está muy claro que sólo los más aptos sobreviven. La evolución como único mecanismo para evitar desaparecer.

Lo mismo pasa en la música: una banda nace, se desarrolla, llega a lugares nunca antes pensados y después, sus componentes originales comienzan a mutar, las condiciones ideales que dieron origen a su llegada a la cúspide terminan por ser asfixiantes, en ese momento, algunos individuos abandonan el grupo, llega el momento de evolucionar.

No muchos sobreviven a la transformación, muchos se quedan en el camino, pero aquellos que logran mantenerse lo hacen de la manera más digna y logran eternizarse, convirtiéndose en los últimos de su estirpe. En esta ocasión WARP MAGAZINE presenta The last of their species, un especial dedicado a algunos de los solistas más ambiciosos del mundo de la música, quienes tras abandonar a una banda de éxito mundial iniciaron algunos de los proyectos más desafiantes y prometedores de los últimos años.

Presentamos entrevistas exclusivas con Alessandro Cortini (el encargado de los teclados de Nine Inch Nails durante los últimos años comparte la historia detrás de SONOIO, su nueva aventura), Alfonso André (baterista de Caifanes, Jaguares, La Barranca y más, nos cuenta como nació Cerro Del Aire su debut en solitario) y Alan Wilder (el músico que cambió el sonido de Depeche Mode), que reporta de primera mano el estatus actual de Recoil.

Además, Noel Gallagher, el genio que cambió la música de los noventa con Oasis, detalla para WARP MAGAZINE y en exclusiva para México Noel Gallagher’s High Flying Birds, su retorno formal a los escenarios. Quedan invitados a este viaje por diversos puntos del globo para conocer a los últimos integrantes de cada especie.

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SONOIO From the blue sea Por: Diovanny Garfias

Fotos: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

“SONOIO nació mientras hacía experimentos con un viejo sintetizador llamado Buchla y empecé a escribir canciones con él, en lugar de utilizar un montón de instrumentos y las herramientas que tengo en mi estudio. Cada sonido fue creado desde cero, lo que me llevó a obtener sonidos que fueron más originales, transportando mi composición a lugares a los que jamás pensé que llegaría”: así fue como Alessandro Cortini descubrió que su talento, solventado a través de años como músico invitado en otras bandas, le permitiría empezar una carrera en solitario y tener, por primera vez, la oportunidad de ver el mundo a través de su propia música.

¿Cuál es la parte más difícil de trabajar en solitario después de formar parte de bandas como NIN o Modwheelmood?

Para mí, es el proceso creativo; pero me siento afortunado de tener buenos amigos, como Jonathan Bates, de Big Black Delta, que me han ayudado mucho. En su caso, primero nos convertimos en amigos y después descubrimos que disfrutamos del trabajo del otro, así que me ha ayudado a tomar el camino correcto cuando estoy entre dos ediciones o si estoy indeciso acerca de algo; a veces, incluso, me ayuda a producir.

La gente que compre tus álbumes a través de tu sitio oficial (sonoio. org) puede incluir en su orden un mini sintetizador portátil con los sonidos que creaste para cada disco… ¿Cómo se te ocurrió esto?

Tenía la idea de lanzar algo que no fuera un CD convencional; quería lanzar algo único, así que descubrí estos sintetizadores que parecen una caja de circuitos, que de hecho puedes tocar.

Así que mi idea fue crear un instrumento basado en los sonidos utilizados en SONOIO, pero que al mismo tiempo pudieras parcharlo, cambiar esos sonidos y crear algo único. Lo hice en colaboración con Scott Jaeger (The Harvestman) y la verdad me sentí un poco culpable, porque lo hicimos muy rápido: al mes de discutir la idea ya teníamos un prototipo, un mes y medio después ya teníamos tres y, entonces, comenzamos la producción.

Y nos ha ido muy bien: hasta ahora hemos vendido 450; estamos muy felices con eso y la gente parece disfrutarlos mucho.

Lanzaste Blue, tu álbum debut, en 2010 y este año aparece Red… ¿Compusiste las canciones de los dos álbumes durante el mismo periodo de tiempo o hubo un proceso creativo detrás de cada uno?

Dos canciones de Blue fueron tracks que estaban pensados para Modwheelmood; uno era ‘Heartbeat’ y el otro no ha visto la luz; y me tomó un año entender que no iba a ser material para Modwheelmood. Sin embargo, en cuanto me concentré en trabajar, todo empezó a tener sentido: estaba feliz con los arreglos y todo se facilitó. Por ejemplo: escribí Blue en un mes y me tardé un poco más en la mezcla; hice la mitad de Red mientras lanzaba Blue y ahora, mientras hablamos, ya tengo lista la mitad de un nuevo disco.

¿Cuál fue tu experiencia estando de gira con Nine Inch Nails durante cuatro años?

Fue la mejor época de mi vida; especialmente cuando estuvimos en el estudio. Estar de gira me dejó aturdido al final y esa fue la razón por la que dejé la banda; fueron prácticamente cinco años de estar de gira sin parar y creo que es natural que me cansara. Pero estar en el estudio durante la grabación de Ghosts I-IV (2008) es mi experiencia preferida de todos los tiempos: fue un proceso muy libre creativamente, donde hubo mucha colaboración. Nos esforzamos en encontrar algo que nos pareciera muy interesante sonoramente y Trent no es alguien que se impresione fácilmente cuando alguien —incluyéndome— le muestra algún

Durante su reciente visita a México, en promoción de su nuevo álbum, Red (2011), el músico italiano —mejor conocido por su trabajo en Modwheelmood y, sobre todo, por ser el encargado de los sintetizadores de Nine Inch Nails durante casi cinco años— platicó en exclusiva para WARP MAGAZINE.

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sonido; así que fue muy divertido trabajar con Atticus Ross y con Alan Moulder: fue un sueño estar en un cuarto con ellos y que me permitieran colaborar escribiendo música. ¿Hay algo en especial que hayas aprendido directamente de Trent?

Definitivamente; y lo más importante, probablemente, es saber dejarme llevar cuando escribo música. Trent es muy bueno y eficiente haciendo música con diferentes herramientas y diciendo: “punto final, así es como lo haremos”; también es muy meticuloso, y yo no. Así que aprendí a distinguir las diferencias entre nosotros, desde el punto de vista de la composición. Yo soy más del tipo: “Ok, hay errores, pero voy a dejarlos porque es la forma en que salió”; y no es que esté mal realmente, pero si hay algo que haya quedado un poquito fuera de lugar, no pasa nada. No digo que Trent sea perfecto, pero aprendí que no puedo alcanzar el nivel de perfección que él logra cuando graba, porque no estoy programado así. Aprendí que debo sacar ventaja de lo que sé hacer, en lugar de tratar de ser como alguien más.

“SONOIO es lo mejor de Modwheelmood y lo mejor de Blindoldfreak juntos.”

- Alessandro Cortini

Mencionaste que estás por terminar un nuevo álbum, ¿cuándo escucharemos ese material?

Es difícil saberlo con exactitud, pero será muy pronto, en menos de un año, probablemente en menos de seis meses; me gustaría que fuera antes de que acabara el año. El plan es lanzarlo después de navidad, pero quizá la gira se extienda y, de ser así, tendré que esperar, ya que grabo completamente solo en mi estudio.

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ALFONSO ANDRÉ El hombre de cerro del aire Por: Jorge E. González Ayala

Fotos: Sergio Gálvez para WARP

Cerro Del Aire es un nombre muy personal para el CD solista de Alfonso André; aunque en realidad es un “semi solitario”, pues está acompañado por algunos de los mejores músicos de la escena nacional, cómplices que incluyen amigos de toda la vida, compañeros de grupos, pareja e, incluso, su hijo. Alfonso André es un músico profesional que, desde hace décadas, vive de y para la música. Baterista de algunos de los grupos más importantes que ha generado nuestro país, desde las Insólitas Imágenes de Aurora, pasando por Caifanes, La Barranca y Jaguares, junto con este nuevo proyecto, todos tienen un común denominador: se gestaron y ensayaron en el estudio anexo a la casa de la familia André, ubicada en la calle Cerro del Agua. ›› Jorge González es Director Artístico del Imperial Club.

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Emblemático lugar, aleph musical, un espacio que concentra la infancia y más de 20 años de música de Alfonso André…

Lugar que abrió sus puertas a WARP MAGAZINE para esta entrevista. ¿Cuándo surgió la idea de lanzar un disco en solitario?

Siempre me gustó mucho cantar, aunque de manera informal, pues nunca tomé clases. Y fantaseaba en producir un disco.

Esto se fue postergando porque empecé con Las Insólitas; luego, con Caifanes, nos empezó a ir muy bien. Cuando trabajas en un grupo tienes que estar negociando todo. Es un estire y afloje enriquecedor para la música. Pero ahora se me antojaba hacer lo que a mí me diera la gana, aunque la verdad me daba un poco de miedito la cantada. ¿Por qué?

Porque la voz es un instrumento muy difícil: no sólo debes cantar a tiempo y afinado, sino darle peso a cada palabra. Es un instrumento complicado que cambia todos los días y siempre le he tenido mucho respeto. Y también me da un poco de pánico escénico. Quizá, por lo mismo, siempre lo postergué.

Cuando paramos con Jaguares, aproveché ese espacio para hacerlo. Invité a Federico Fong, mi aliado musical más cercano desde siempre, y entre los dos empezamos a grabar maquetas, a revisar material que se había quedado relegado, cosas que habíamos grabado tiempo atrás y que se habían quedado en ideas sin concluir; retomamos algunas rolas a medio hacer e hicimos unas nuevas. Además, encargamos rolas, por ejemplo, a José Manuel Aguilera; pero no queríamos nada denso y así se las pedimos: ligeras, algo beatlesco. Diego Herrera también me dio una canción que tenía esbozada; me gustó mucho y la terminó. E hicimos algunos covers: grabamos ‘Penélope’, una rola de Robi Dráco; es una rola que siempre me ha gustado muchísimo y pues tenía que estar. Estaba otro cover que, desgraciadamente, se quedó en el tintero: la música de Nino Rota, del tema de El Padrino, con una letra de Chema Arreola; y había quedado muy sentida, onda Agustín Lara, pero desgraciadamente no nos dieron autorización de meterla.

Pues ya he metido el pie en el agua, con la canción de ‘Miércoles De Ceniza’, que cantaba en la gira de Jaguares. Pero estar en frente del escenario es otra cosa: estoy acostumbrado a estar en la comodidad de mi fortaleza, atrás de la batería. Aunque no es mi elemento, creo que es disfrutable y lo voy a hacer bien. ¿Cómo empezaste a componer?

No siento que la composición sea mi fuerte; he tenido el gusanito de componer, pero no tengo la disciplina de terminar.

Tampoco me llevo bien con las palabras; he escrito algunas líricas, pero esta vez me apoyé en personas como Chema Arreola, a quien no le conocía esas mañas, pero resultó un gran letrista. Las hicimos juntos: hablábamos del argumento de la canción y yo le podía decir si me sentía cómodo o no cantando algo. ¿Cómo fue la conjunción de las letras con las melodías?

Las melodías las trabajamos Federico y yo; luego me las llevaba con Chema y algunas se fueron transformando con las letras. ¿Qué nos cuentas de los colaboradores?

Cecilia Toussaint me ayudó muchísimo con la voz, tratando de quitarme los vicios que traía, además de aportar voces y coros al disco. Está José Manuel Aguilera y Federico, mis colaboradores de La Barranca. Están Diego Herrera, Sabo y Alejandro Marcovich. Diego, por ejemplo, tocó la guitarra acústica, teclado y hasta el djembé. Chema Arreola y Julián —André, su hijo— tocaron la batería. También estuvo Luri Molina, que es el contrabajista de Paté De Fuá. Aleks Syntek se echó unos teclados y coros. También estuvo Mónica del Águila en el chelo y Paco Huidobro en la guitarra.

No se ve el proyecto de baterista o de compositor, sino de un músico con ganas de confrontar la voz como instrumento. Las líneas de las canciones no son fáciles, suben y bajan…

A los agudos sí llego, pero más bien mi voz es grave. Y es que me clavé en las canciones y sus melodías. El trabajo fue principalmente eso, rolas que me gustaran y que pudiera cantar.

También fue no querer hacer el típico disco de baterista con hartos solos o rolas instrumentales. Quería cantar. ¿Cómo sientes que lo vas a enfrentar en vivo?

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“No quiero dejar de ser baterista para ser cantante: amo tocar la batería.”

- Alfonso André

¿Habrá otro disco de Caifanes?

No sabemos; vamos paso a paso; vamos a ver si nos soportamos.

Y es que no queremos dejar la puerta cerrada, aunque no lo hemos hablado. A mí me gustaría, si las cosas se dan bien: si hay armonía y hay magia, claro que me gustaría grabar con ellos.

Y es que hay una canción en tu disco que tiene casi la alineación de Caifanes...

Bueno, sí, aunque fue un proceso muy extraño: es una canción de Diego en la que él mismo participó; grabamos las demás partes y no nos gustaba como había quedado. Entonces, un día, vino Sabo a grabar otra canción y le dijimos que probara y quedó. Lo mismo Alejandro: vino a grabar otras cosas, probó y nos gustó. Pero no fue un trabajo colectivo, sino cada quien por separado. Y curiosamente quedaron todos en la misma canción. ¿Sobre las canciones, ibas pensando a quién invitar?

Sobre la marcha íbamos pensando quién estaría padre que tocara. Pensábamos: “esta quedaría muy bien con José Manuel” o “ésta con Alejandro”. No había presión de tiempo; el problema era hacer coincidir las agendas. ¿Cómo tomas pasar de Insólitas, Caifanes, Jaguares, La Barranca, a un proyecto que lleva tu nombre?

Todo comienzo es difícil: te enfrenta a muchas dudas y miedos, pero es muy saludable. Ha sido un gran aprendizaje en muchos sentidos: el negocio, la producción, hacer otro oficio dentro de la música, en este caso el canto… Es sano volver empezar porque es poner, otra vez, los pies en la tierra.

La relación con la experiencia en vivo es muy diferente…

Se complementa mucho; es como salir a presumir lo que ya hiciste en el estudio, enfrentarlo a la gente: es ver si les gusta o no. Al principio es muy egoísta: “lo hago para mí”; pero a fin de cuentas somos músicos profesionales y es padre ir a ver qué dice la gente, ver esa reacción, esa energía que puede ser impresionante. ¿Vas a hacer otro disco?

No quiero dejar de ser baterista para ser cantante: amo tocar la batería. Pero creo que sí me gustaría seguir este proyecto para hacer otro disco y tocarlo.

¿Y La Barranca?

Tiene mucho rato que no trabajo con ellos. Grabé un par de tracks del disco pasado, pero ellos tienen su baterista.

Extraño a La Barranca, pero no podía yo con tantas cosas.

Disfruto mucho tocar con ellos y sabemos que lo seguiremos haciendo.

Entre esto que hicieron en la intimidad del estudio con Federico Fong, y ahora que empieza la gira de Caifanes —algo gigantesco—, ¿no te sientes en la bipolaridad?

[Risas] Es que todos esos proyectos empezaron igual, aquí, en este espacio. Las Insólitas, Caifanes y La Barranca ensayaban aquí. Por eso, el disco se llama Cerro Del Aire, porque es donde yo crecí, donde viví toda mi infancia, donde pasé mi adolescencia: todo mi despertar a la música y todos mis proyectos han sido desarrollados en este laboratorio; es parte fundamental de mí y, a fin de cuentas, todos los grupos son eso: músicos tratando de llegar a un objetivo, y eso es lo que me hace amar la música. Todo lo demás me da flojera, porque no tengo control de nada; donde tengo control es en el salón de ensayo y, para mí, la música es eso.

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BJÖRK: UNA LUZ QUE NO SE APAGA Por: Marc Gili (Dorian) / @marcdorian

En materia de música pop y rock —entendiendo estos géneros en su más amplio sentido—, los artistas suelen explotar casi todo su potencial creativo durante sus primeros años. La música popular es un arte tan inmediato, que suele demandar toda la frescura, rabia, inconsciencia y arrebatos de juventud para estallar sin tapujos en forma de melodías, letras y arreglos genuinamente originales. Con los años, muchos compositores pierden esa energía transparente y fugaz que hace falta para hacer grandes canciones y, presos de los trucos de la profesión y de una cierta modorra derivada de la edad o de una posición aburguesada, empiezan a facturar discos mediocres. Para algunos artistas, sin embargo, esa primera etapa creativa —incluyendo las bandas en las que empezaron a componer, a grabar y a girar—, no es más que un calentamiento, un preludio de lo que está por venir. Y de todos los ejemplos que me vienen a la cabeza el de Björk, tal vez, sea el más notable.

Su talento fue incubado en el seno de los fenomenales Sugarcubes, hasta ese momento la banda más importante surgida jamás en la escena islandesa.

Con la personal voz de Björk y su particular mezcla de dream pop y new wave con toques electrónicos y psicodélicos, los Sugarcubes llamaron muy rápidamente la atención de la prensa internacional. Su primer álbum, Life’s To Good (1988), se llevó auténticas ovaciones, especialmente en Reino Unido y Estados Unidos, permitiéndoles jugar en la primera división del rock underground. Pero la carrera de los Sugarcubes fue fugaz: la banda se separó en 1992, tras la edición del Stick Around For Joy y del álbum de remixes It’s It, pero para entonces Björk ya era una artista muy bien valorada internacionalmente.

Es entonces que estalla el verdadero talento de Björk. Alentada por la escena electrónica londinense —que en aquellos años estaba viviendo una auténtica revolución—, su visión de la música evoluciona hasta lograr diluir los parámetros de la canción pop. Liberada de los métodos y de lo que se supone que se tiene que tocar y com-

poner cuando se está en una banda de rock, en Debut (1993), Björk desarrolla una mezcla de pop, electrónica, música clásica y jazz, cuya forma lanzaría su apogeo en Post (1995), sin lugar a dudas uno de los discos más creativos de los últimos 20 años.

Telegram (1997), álbum formado por remixes y temas inéditos (y permítanme decirles, uno de mis favoritos), y Homogenic (1997) constituyen, en cierto modo, el punto de inflexión, la bisagra que une a la Björk de esos dos primeros álbumes con esa otra Björk, minimalista y radicalmente experimental, que encontramos en obras como el notable Vespertine (2001) o Medúlla (2004).

Con dichos álbumes, Björk vuelve a reinventarse, dando un nuevo giro a su carrera, experimentando con la escenografía en sus shows y empujando nuevamente los límites de la música pop al salir a interpretar composiciones realmente complejas frente a grandes audiencias que, atónitas, no pueden hacer otra cosa sino guardar silencio ante semejantes espectáculos.

Hace pocas semanas, en el Festival Bestival de la isla de Wight, tuve ocasión de presenciar el estreno mundial del nuevo show de Björk; y Biophilia, más que un álbum, es un concepto que lanza el mensaje de que, sólo si asumimos que el ser humano, la tecnología y la naturaleza deben ser entendidas como una unidad y no como elementos separados y a menudo confrontados entre sí, lograremos salvarnos de la hecatombe. Y créanme que el espectáculo conseguirá convencer al más irracional.

Es verdaderamente sorprendente que la islandesa, quien viene demostrando su talento desde los catorce años, siga reinventándose de este modo después de tantos discos. El talento, la curiosidad, el desparpajo, la osadía y la ambición artística siguen latiendo en el corazón de una artista que nos recuerda, año tras año, que afortunadamente la música no tiene edad.

›› Marc Gili es líder y compositor de la banda originaria de Barcelona, Dorian y puedes leer su columna respecto a la industria musical británica en WARP #39.

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“Hacer discos, para mí, es una cosa muy diferente: consiste en escuchar música de una manera mucho más íntima.”

- Alan Wilder 056

RECOIL SubHuman Por: Diovanny Garfias

Fotos: Cortesía Alan Wilder

No hay mucho qué decir cuando se trata de presentar a este músico londinense, pues su talento lo precede: lo único que hizo fue cambiar el sonido de una de las bandas más importantes de los últimos 20 años. Hablamos de Alan Wilder, quien tras abandonar Depeche Mode desató su genio y dio vida a Recoil, su proyecto personal. En entrevista exclusiva para México, The Boss platicó con WARP MAGAZINE acerca de sus planes para el futuro inmediato, del estatus de su carrera y del esperado sucesor de SubHuman (2007), su último álbum de estudio a la fecha.

Estás por terminar la primera gira en la historia de Recoil lo que, de hecho, quedará registrado en un DVD… ¿Qué podemos esperar?

De hecho, el plan es producir un Blu-ray que muestre todo lo sucedido en el concierto que dimos en Budapest a finales de 2010. Está dirigido por el húngaro Attila Herko y fue filmado con cámaras de súper alta definición; por ello sentimos que se perdería mucha calidad si lo poníamos en DVD. Para esa presentación en particular usamos una pantalla más grande de lo usual y un proyector mucho más potente. Y el material que obtuvimos se ve impresionante; estoy muy contento con el resultado. Ahora estamos en la etapa final de edición y voy a trabajar en la mezcla del soundtrack en las próximas semanas. Sólo tengo que encontrar la mejor manera de lanzar el producto final, ya que Mute no está interesado en él. Esperemos que vea la luz en los primeros meses de 2012.

Recientemente organizaste una gran subasta bautizada como “Collected”, donde vendiste artículos relacionados con tu etapa dentro de Depeche Mode. ¿De dónde surgió esta idea? ¿Cómo te sentiste subastando artículos personales que seguramente tenían un valor sentimental incalculable?

Honestamente, la idea surgió por necesidad: no lo habría he-

cho si no hubiera necesitado el efectivo. Y es que, aceptémoslo: ¿por qué subastas tus cosas? He pasado por dos divorcios y no ha sido muy divertido, ni justo financieramente hablando: ese es el punto. Dicho esto, me alegro de haber organizado la subasta, aunque aquello se convirtió en un proyecto maratónico: tenía demasiadas cosas y, francamente, la mayoría están mejor en manos de gente que realmente las aprecia. Con el tiempo, el legado de algunos artistas tiende a crecer, al igual que el valor de los objetos a los que están vinculados. Mi esperanza es que cada artículo haya encontrado un nuevo hogar donde pueda mostrarse y explotar todo su potencial, con su pequeño pero significativo legado intacto.

Desde hace algún tiempo ha quedado claro que existe una tendencia a invertir en objetos tangibles, especialmente a la luz de la crisis bancaria de la que todos hemos sido víctimas. La confianza en los bancos, los bonos, los planes de pensiones, las reservas y las acciones están en su punto más bajo; todo lo que escucho en estos días es que las personas están recurriendo a objetos coleccionables como una forma más segura de inversión, con la ventaja para el comprador de la satisfacción palpable, junto con un vínculo emocional. De hecho, creo que la satisfacción es aún mayor para alguien que tiene una gran admiración por el trabajo, pero que no participó en el proceso real o el evento. La pieza asociada ofrece, así, un valor mítico, casi mágico. Lo único que no me gusta es ver a algunos cínicos oportunistas que ya están revendiendo las cosas en eBay; son aquellos que se las ingeniaron para adquirirlas, pero que en realidad no son verdaderos fans de DM. Llámame ingenuo si quieres, pero eso es muy decepcionante.

›› Diovanny Garfias es Editor en Jefe de WARP MAGAZINE, puedes leer su entrevista exclusiva con Tom Cowan de The Horrors en WARP #40.

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Has mencionado que hay un nuevo material de Recoil en etapa embrionaria. ¿Qué nos puedes adelantar al respecto? ¿Crees que el sonido diferirá mucho del SubHuman?

Desafortunadamente no tengo mucha música en progreso que sea tangible, aparte de los covers ‘Dum Dum Girl’ y ‘Inheritance’, de Talk Talk, en los que he estado trabajando cuando tengo algo de tiempo libre. Hice algunos avances con material nuevo de Recoil hace un par de años, pero he perdido el interés ante cosas personales que van surgiendo en el camino; ya pasó mucho tiempo y la mitad de mi equipo de estudio murió —gracias, Apple—, lo que significa que tendría que rehacer un montón de lo que ya existía.

Además, si consideramos que Mute no dará ningún adelanto por el momento, no estoy en condiciones de autofinanciar la producción de otro álbum de Recoil, por lo que tengo que concentrarme en otros tipos de trabajos. El hecho es que la mayoría de los artistas no están vendiendo suficientes discos como para ganarse la vida con lo que hacen, sin complementarlo de alguna otra manera, así que estoy repensando mi estrategia para hacer música y tratando de poner mis prioridades en el orden correcto. En este escenario, soy incapaz de poner la grabación de un nuevo álbum cerca de la cima de la lista de prioridades, pues eso es más un lujo; creo que, si puedo, lo mejor en este momento es crear para mí. ¿Hay algún vocalista o músico en el que estés pensando para incluirlo en el próximo álbum cuando se concrete?

Tengo muchos músicos y cantantes que puedo llamar, pero ningún plan definitivo por ahora. ¿Cómo te sentiste haciendo un remix de ‘In Chains’ para Depeche Mode?

Fue un poco extraño trabajar de nuevo con material que, extrañamente, se sentía tan familiar de muchas maneras. Con sólo escuchar las partes más básicas, sobre todo la voz, recordé los momentos buenos y malos de cuando trabajábamos juntos en el estudio, de lo grande que podía volverse un forcejeo para hacer discos con DM; pero también podía oír la creatividad de las composiciones de Martin, aunque sentía que ‘In Chains’ no había alcanzado su máximo potencial en producción; de hecho, por 058

eso elegí ese track: a mis oídos, había cierto margen qué mejorar en ese aspecto. Mi problema fue que me dieron poco tiempo para completar la nueva versión: me lo pidieron muy tarde en su agenda, cuando yo estaba a punto de salir para el Sur de Francia y disfrutar de unas cortas vacaciones antes de la gira de Recoil por Estado Unidos; así que empaqué unas pequeñas bocinas y una unidad de almacenamiento para pasar mis vacaciones acampando en un cuarto de hotel, trabajando en la mezcla, mientras el sol brillaba afuera; me di cuenta de que nada había cambiado realmente desde mis días trabajando en Songs Of Faith & Devotion, en Madrid. Al final quedé contento con la forma en que fluyó y, básicamente, satisfecho con el resultado. Deliberadamente retrabajé algunos de los sonidos de DM, tomando elementos de otra canción, como una idea conceptual de menor importancia. ¿Fue difícil darte cuenta de que querías hacer un proyecto en solitario al dejar Depeche Mode? ¿O te sentías tan agotado que sólo querías mandar todo al diablo y tener algo de descanso?

La decisión no fue difícil, pero no la hice a la ligera. Mi felicidad estaba en juego y, en última instancia, eso era lo más importante.

No había disfrutado las relaciones internas de la banda durante los últimos años, especialmente durante las sesiones de grabación del SOFAD, y decidí que no quería hacer otro disco bajo esas circunstancias. Ya tenía mi proyecto musical en marcha; además, me beneficiaría estar más tiempo en casa, con la perspectiva de formar una familia. De repente, parecía que habría muchas ventajas en ese momento. Las cosas que tenía que considerar eran las ramificaciones financieras por las que había que optar al salir de una situación tan lucrativa; fue un riesgo calculado, pero decidí que mi dignidad era más importante. ¿Crees que, aunque las estructuras musicales y las letras de DM venían de Martin Gore, gran parte del sonido de la banda es cortesía de Alan Wilder?

Quiero pensar que contribuí de manera importante al sonido de DM, pero eso lo tendrán que juzgar otros…

Los fans siempre se preguntan si volverás a DM, pero personalmente creo que lo realmente interesante sería escucharlos producidos por ti… ¿Podría pasar esto en el futuro?

Creo que es poco probable que me lo pidan.

Muchas gracias por tu tiempo Alan; ojalá que te veamos pronto en México… ¡Me encantaría regresar a México!

WHAT MAKES HIM ACT SO BAD Por: Paul Stokes / @Stokesie Foto: Guy Eppel Traducción: Julio Guedimin

La primera vez que vi a Adam Green él estaba parado junto al escenario en un concierto de The Strokes, mirando con aprobación, como uno de los pocos ungidos a los que se les permitió estar en las alas del escenario. Debo señalar que, a diferencia de los otros permitidos a estar en esta sagrada zona del escenario, él no estaba cubierto de pies a cabeza con la moda retro; de hecho, estaba vestido como Robin Hood, por lo que se veía como de 12 años.

Hasta ese punto, yo jamás había visto a su banda en vivo, el aclamado grupo antifolk The Moldy Peaches; por lo que no sabía que la vestimenta foránea era en realidad el disfraz que Green usaría en el escenario, al igual que la cofundadora Kimya Dawson estaba disfrazada de un conejo gigante. Pero de alguna manera no importaba.

Después de alguna vez haberle vendido un traje de segunda mano a Albert Hammond Jr (mientras trabajaba en una tienda de cosas usadas), y de haber sido contemporáneo de Karen O -en sus días de cantautora en la escena anti-folk (mucho antes de que ella pensara en las óperas o decir “Yeah” 3 veces)-, Adam Green fue tal vez el final comercial de la llamada “nueva revolución del rock” que surgió en Nueva York a comienzos de la década pasada. Él fue clave para eso.

Dócil, social e increíblemente encantadora, a pesar de ser orgullosamente e increíblemente rara, la banda de Green, Moldy Peaches, se aseguró de que esta explosión de la nueva música tuviera un legado artístico. Sí, la banda lanzó un solo disco –adecuado para su momento-, su debut homónimo, mientras las otras bandas emocionaron a los fans, Moldy Peaches emocionó a los artistas.

Laura Marling se ha considerado como una fan al encontrarse con sus raíces folk. Y si alguien ha visto el filme Juno, sabrá que la verdadera estrella fue la canción ‘Anyone Else But You’, de Moldy Peaches.

Todo esto sucedió como un destello brillante y casi demasiado rápido en 2001 (aunque no debemos olvidar los años y meses de penosas inmersiones indie en Nueva York, antes de que Moldy Peaches recibiera la fatídica invitación para apoyar a The Strokes en su primera gira por Reino Unido). Pero yo diría que la posterior carrera como solista de Adam Green ha sido más innovadora, creativa, gratificante, y lo mejor de todo, aún más extraña que sus días en la banda.

Su primer disco homónimo como solista no se alejó demasiado del molde Moldy, pero con el segundo álbum Friends Of Mine (2003), con frases directas a Jessica Simpson como: “¿a dónde ha ido el amor?, no está en tu música, no”, y además de las melodías más pegajosas y dulces que uno pueda imaginar, de repente Green encontró sus pasos como solista. Absurdo, satírico, y sin embargo absolutamente encantador, Green tiene la habilidad de crear y gestar rimas modernas sobre los temas más sucios (“there’s no wrong way to fuck a girl with no legs“), sin dejar de ser seductor y poseer la seriedad de un Leonard Cohen moderno.

Mi canción favorita de Adam, ‘Nat King Cole’, no tiene nada que ver con el líder de la banda y sí tiene mucho qué ver con

los ritmos voodoo, el rock and roll oscuro y un perfil que unos Stones modernos admirarían. Además que es algo loca.

Constantemente, Green ha lanzado un álbum como solista casi sobre una periodicidad anual, construyendo un impresionante y tal vez surreal cuerpo de trabajo. Y además, al mismo tiempo, también ha tenido la idea de resucitar la carrera de David Bowie (algo que mantiene en secreto para el resto del mundo por el momento), ha escrito un álbum para Iggy Pop, y convirtió la caricatura de Garfield en un icono de arte, con su primera exposición como solista, de la cual se agotaron los boletos en Nueva York el año pasado. También le propuse una vez escribir un artículo para la revista NME acerca de Pete Wentz y el lanzamiento de su bar en la Gran Manzana. Y no hace falta mencionar los lazos que creó con Jay-Z al haber hecho ‘Diamonds In The Sky’, mientras se emborrachaban con HOVA. Ah, y también ha hecho un largometraje, The Wrong Ferrari (puedes descargarlo desde http://www.thewrongferarri.com/).

Un filme grabadao en su totalidad con un iPhone, y que cuenta con las participaciones de Macaulay Culkin (un viejo admirador y amigo de Adam), Pete Doherty, Lightspeed Champion, Devendra Banhart y una multitud de amigos y conocidos de Adam.

El filme trata acerca de... bueno, es tan surrealista como sus canciones, pero extrañamente visible, mientras te lleva a través de un sueño lleno de ketamina, que va desde vivir dentro de un juego de Super Mario Bros, una lancha de alta velocidad, algo de sodomía y por supuesto, el mencionado Ferrari (en donde al parecer se fue la mayor parte de su dinero obtenido por el filme Juno).

Así, como un solista que ha eclipsado a su banda original, no puedo hablar mejor de nadie, que como el brillante e idiosincrático Adam Green. Con The Moldy Peaches, fue un as bajo la manga, pero en solitario no parece existir ningún límite artístico para este chico, como su fotoblog Lake Room (thelakeroom.com) y su gran fama en Alemania (verdaderamente, él es el Hasselhoff indie), dan fe de ello. Y si se requiere una prueba para saber que él no es un simple oportunista, sino un músico increíble, basta con echar un vistazo a su exquisito y uno de los mejores covers a la canción ‘What A Waster’ de The Libertines.

Y lo mejor de todo, él sabe dónde venden las mejores hamburguesas de Nueva York, y además paga la cuenta.

›› Paul Stokes es Editor Asociado de la prestigiada publicación de Reino Unido Q Magazine.

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NOEL

GALLAGHER The Death Of You And Me

O de cómo aprender a abrazar el cambio…

Por: Alejandro Franco / Fotos: Cortesía Noel Gallagher

›› Alejandro Franco es Director General de WARP, conductor y creador de Sesiones con Alejandro Franco y conductor del show de radio Backstage 40.

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“Oasis era como las Naciones Unidas y yo era Estados Unidos.”

- Noel Gallagher

A mis 32 años, lo único que tengo claro es que el cambio es la única constante en la vida. Aprender a aceptarlo, a abrazarlo, aunque no estemos de acuerdo, es uno de los retos más difíciles para cualquier ser humano. En lo personal, este año ha significado una etapa de giros constantes en mi destino y, hasta antes de esta entrevista, creía que lo que estaba viviendo no le podía pasar a mucha más gente, al menos en la misma magnitud.

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Siempre he seguido a Oasis, siempre he respetado su carrera; y cuando caí en cuenta de lo difícil que debió ser para Noel Gallagher dejar la banda de su vida y aceptar que su mejor etapa profesional había quedado atrás, entonces entendí que todos estamos —o estaremos— en el mismo camino y que lo mejor que podemos hacer es seguir jugando el partido, aceptar los giros del juego y adaptar nuestra estrategia para ganar… aunque ganar no siempre signifique ganar.

“Me siento muy bien acerca del resultado del disco (Noel Gallagher’s High Flying Birds); de otra forma jamás dejaría que alguien lo escuchara —confiesa Noel Gallagher en entrevista exclusiva para WARP MAGAZINE en un cuarto de hotel en Los Angeles, California—. Desde que lo estaba grabando me sentí bien con las canciones que había escrito; de hecho, creo que siempre me he sentido muy bien alrededor de todos los discos que he hecho, al menos en el momento en que salen a la luz. Quizá debiera responderte esto en un año; y es que a veces me pasa lo del Standing On The Shoulder Of Giants: el disco no me encantó después de un par de meses de haberlo lanzado, aunque creo que este álbum va a seguir sonando bien en un año… al menos eso espero.” ¿Quieres decir que, a veces, lo que escribes cambia de significado con el tiempo y lo interpretas de otra forma cuando lo cantas de nuevo?

Definitivamente: si la próxima semana entrara al estudio a grabar el What’s The Story Morning Glory? sería totalmente diferente. Y es que un disco es exactamente eso: la grabación de cómo “suenas” en un momento determinado. De hecho, entre más creces, más diferente se vuelve: todo es diferente. ¿Es muy distinto vivir la industria musical de hoy en comparación a la de los años noventa, donde Oasis eran los reyes y se gastaba

mucho dinero en los artistas?

No es distinto vivirla; lo que es más difícil es hacer que más gente te escuche, porque lo que sonaba en la radio inglesa en los noventa, sonaba en todo el mundo; pero las cosas han cambiado… Hoy tengo 45 años y creo que la música nueva está hecha para la gente joven; así que no espero que, a esta edad, mi música suene en estaciones de radio que están dirigidas a jóvenes. Cuando tenía 16 años, no quería comprar discos de gente de 45; quería comprar discos de gente de mi edad, lo que está muy bien para mí. Oasis se hizo tan grande porque estaba destinado a ser de ese tamaño, así como ahora el destino hace que haya llegado a su fin. Insisto: yo estoy bien con eso.

Pero la música no siempre es de generaciones. Tú eres fan de The Beatles y no son de tu edad…

Yo me refiero a la radio: cuando yo era joven, jamás escuché a The Beatles en la radio… Me preguntaste acerca de la industria musical y por eso te doy esta reflexión: en los noventas yo estaba en el sendero, ahora estoy en las márgenes. Pero está bien, ya no me interesa; una vez estuve en el centro de todo y ahora ya no. ¿Qué me dices de la creación del disco? Imagino que fue muy distinto a los tiempos en que trabajabas con Oasis…

Creo que te lo puedes imaginar: si estás escribiendo una pieza para tu revista, junto con cuatro personas más, y entre todos se ponen de acuerdo para escribir diferentes párrafos, ¿cómo sería esa pieza?

Muy extraña, ¿no? Si sólo hay una persona escribiendo una pieza, necesariamente acaba siendo algo muy personal. Por eso este disco dice más de mí que cualquiera de los discos de Oasis: viene enteramente de mí. Yo canto, yo escribo, toco virtualmente todos los instrumentos, así que dice todo acerca de quién soy… Eso es lo que encontrará la gente, si es que le llega a interesar.

063

¿Llegaste a tener que auto-regularte? Tú sabes, decidir en qué punto parar durante el proceso del álbum…

No realmente, ya que tenía muchas canciones de donde escoger y, al final, creo que las que escogí para esta producción son perfectas. Tomé buenas decisiones al final del día… Pude haber entrado al estudio una y otra vez, eternamente, pero decidí que estas eran las canciones y este es el disco. Ya está.

En el preciso momento en el que decidiste dejar Oasis, ¿estabas claro que querías hacer un proyecto solista?

No. Jamás lo pensé… Yo quería seguir… Quiero seguir estando en la banda. Hubiera preferido que este disco fuera el nuevo disco de Oasis… Yo me sentía muy bien en ese grupo que llenaba estadios donde fuera; era increíble y ahora… Ahora tengo que empezar de nuevo. Ahora tengo que ser un frontman cuando jamás quise serlo. Pero ya sabes: las circunstancias se salieron de control y nadie fue capaz de detener lo que estaba pasando. Así que no, en ese momento no pensé la posibilidad de lanzarme como solista… Fue hasta un año después. Y no soy alguien que persiga su trabajo: hubiera podido quedarme en casa, viendo el futbol por siempre…

Fue mi esposa quien, luego de casi un año, me dijo: “¿Y? ¿Te vas a ir a trabajar?” Yo le pregunté si debía y me contestó que tenía que hacerlo, porque estaba empezando a molestarla. Así que me fui a trabajar y listo [risas]. Ya sabes cómo son las mujeres…

Claro: primero te dicen que deberías pasar más tiempo con ellas y luego que ya no te aguantan…

064

¡Claro! Apenas pasas un poco más de tiempo con ellas, te corren… [Risas] ¿Llegó a ser divertido el proceso de hacer una banda nueva o fue estrictamente regresar al trabajo?

De alguna manera esto es “trabajo” porque recibes una paga. La gente compra un boleto de cien dólares para verte tocar y no puedes echarlo a perder: ellos están pagando buen dinero por verte, así que debes hacerlo lo mejor posible; pero tampoco es como un trabajo de verdad, ya que puedes renunciar en el momento que quieras. Pero este es mucho menos un trabajo que lo que solía ser en Oasis, ya que éramos cinco tipos y teníamos que cuidarnos de no hacer algo que jodiera a alguien más, ¿me explico? Aquí soy sólo yo y, si quiero arruinarlo, simplemente lo hago. ¿Me estás diciendo que Oasis solía ser una suerte de democracia?

Te la voy a poner así: Oasis era como las Naciones Unidas y yo era Estados Unidos. ¿Quieres decir que, por “protocolo”, tenías que pedir la opinión de los demás?

Exacto, digamos que yo tenía más poder… ¿Cuándo decidiste hacer este álbum? ¿Cuándo y dónde empezaste a trabajar en él?

Arranqué en febrero de 2010 y podría decirse que realicé dos tercios del disco en Inglaterra y el otro en Los Angeles. Pero

debo decir que me tomé varias pausas: de pronto trabajaba en el álbum dos semanas enteras y luego me tomaba un mes libre, para luego regresar a trabajar otras dos semanas.

Además, en el proceso, empecé a hacer el disco de una banda llamada Amorphous Androgynous —conocidos en los años ochenta como The Future Sound Of London, cuyo álbum saldrá a la venta en 2012—, así que estuve muy ocupado y, por si fuera poco, mi mujer estaba embarazada; además me cambié de casa y me casé (con su novia de hace 10 años Sara McDonald): todo al mismo tiempo. ¿Te gusta el cambio?

No. Me gusta ser siempre el mismo, en muchos sentidos, pero si llega el cambio, estoy de acuerdo con que ocurra. Jamás lo evito, ¿sabes? He aprendido a fluir con el cambio y a sacar lo mejor de él. Creo que, al final, de eso se trata. Es como cuando Oasis se terminó: pensé que, si tenía que ocurrir, que ocurriera, sin intentar detenerlo y sin llorar. ¿Cómo vas a lidiar con tu historia en Oasis en tus conciertos ahora que estás arrancando gira?

Seguro tocaré unas cuatro canciones de Oasis, tal vez cinco…

Sí, creo que cinco.

Morrissey y Marr, de The Smiths, o Richards y Jagger, de The Rolling Stones: estas son mis canciones. Así que voy a tocar cuatro y ver qué tal va: tampoco quiero tocar muchas. Estuve haciendo Oasis por 20 años y tengo canciones nuevas. ¿Y qué te dicen tus fans?

No hablo con ninguno de ellos; no uso Internet para eso… Escucho lo que me dicen en la calle, pero al final sólo se trata de una maldita fotografía. ¡Nunca me preguntan siquiera cómo estoy!

Sólo quieren la foto [risas]… Realmente no tengo mucho contacto con ellos, aunque sé que hay mucho amor y que la gente está muy emocionada por escuchar mi disco. Y estoy muy agradecido con toda la gente que dice cosas lindas de los sencillos o de lo que han logrado escuchar; eso me encanta, es increíble.

Lo mejor, para los fans mexicanos, es que Noel Gallagher se confesó fan de este país y, sobretodo, de Las Ventanas, el increíble hotel en Ensenada, Baja California, donde hace cinco o seis años —me aseguró— pasó el mejor momento de su vida, al lado de su mujer, presenciando la migración de ballenas. ¿Qué si me confirmó su visita a México con este disco?

Sí, les puedo decir que eso ocurrirá inevitablemente durante los primeros meses de 2012, si es que el destino nos lo permite.

Sería justo que tocaras las que quisieras, ¿no?

Para serte honesto, ya no las veo como canciones de Oasis, sino como mis canciones, pues yo las escribí. No es como 065

P68. TECHNOLOGIC. iPhone 4S P69. LUST IN THE MOVIES. Claire Denis P70. FASHION NUGGET. Madame Recamier P72. ART BRUT. Negra

WARP TV

‘Saludos a Gagarin!’ , óleo y acrílico sobre tela (c) 2011 Jesica López “Negra”

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technologic WARP TV

iPhone4S S for Steve

Por: Alejandro Escobedo

T

im Cook, ahora CEO de Apple, encabezó lo que millones de ojos y oídos esperaban ver y escuchar: la esperadísima presentación del iPhone 5. Pero aquello no sucedió así y ya lo deberíamos saber: siempre que pensamos que un gadget nuevo de Apple será presentado, “aparece” uno intermedio en la línea de producción de Foxconn. En otras palabras, ahora le tocó al iPhone 5 quedarse sólo en rumores.

Lo que sí conocíamos, incluso antes de la presentación del iPhone 4S, era el ansia de los usuarios por descubrir qué tenía de nuevo, y bueno, ahora lo sabemos… Procesador A5 de doble núcleo: dos veces el poder de procesamiento y hasta siete veces más potente gráficamente que el iPhone 4; esto da pie a correr juegos mucho más demandantes, como se pudo observar en la demostración con el título Infinity Blade. El iPhone 4S cuenta también con un sistema mejorado de antenas inalámbricas: ahora permite hasta 14.4 Mbps de descarga (a di-

ferencia de los 7 Mbps del iPhone 4), además, ahora es compatible con las bandas GSM y CDMA sin ningún problema: esto lo convierte en el primer iPhone “universal” y no será necesario que los carriers vendan dispositivos diferentes, dependiendo del tipo de banda que se requiera.

Entre sus nuevas características, este dispositivo de Apple incluye una cámara nueva, con un sensor de 8 megapixeles (resolución de 3264 x 2448 px), un filtro infrarrojo que otorga más precisión en color y un objetivo de cinco piezas que permite aperturas tan grandes como f/2.4, todo esto trabajando en conjunto con el chip A5 que hace del procesamiento de las imágenes una tarea más rápida y, por lo tanto, con menos tiempo de espera entre capturas de fotos, así como la posibilidad de grabar video en formato Full-HD (1080p).

Sin duda el implemento que más llamó la atención fue Siri: un asistente inteligente que funciona por medio de reconocimien-

to de voz. Es tan simple como dar una orden de manera natural para acceder a una función específica. Al bautizar a este asistente con nombre propio (Siri) se confirma la delicadeza de Apple para dotar de personalidad a los dispositivos electrónicos, logrando que el impacto en las personas que compran sus productos se incremente con un afecto especial.

El iPhone 4S está disponible en Estados Unidos, Canadá, Australia, Francia, Alemania y Reino Unido desde el pasado 14 de octubre; en México y Latinoamérica tendremos que esperar al 28 de octubre.

Por si fuera poco, el iPhone 4S tiene una peculiaridad extra, pues incluye esa carga emocional que impactó al mundo tecnológico un día después de que se anunciara de forma oficial: la muerte de Steve Jobs.

A este hombre lo han llamado genio, loco, revolucionario, visionario; lo han acusado de sub-contratar menores de edad para realizar trabajos forzados en Asia buscando lograr las expectativas de producción, así como de mantener una política cerrada de proteccionismo en hardware y software que daña, en cierta medida, las ideologías de libertad en software. Lo que nadie puede negar, es que Jobs fue un hombre que, de una u otra manera, tuvo las agallas para hacer lo que se propuso, logrando cambiar el mundo de la tecnología tal y como lo ve el consumidor final.

Así que es lógico: el iPhone 4S tiene la S de Steve.

›› Alejandro Escobedo es Ingeniero en Sistemas y TI especializado en desarrollo web, gamer y geek de tiempo completo en WARP.

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lust in the movies WARP TV

Claire Denis Sobre la responsabilidad de la imagen Por: Sofía Ochoa y Alfonso Flores-Durón

Claire Denis

D

espués de Agnès Varda, Claire Denis es la directora francesa viva más importante de la actualidad. Más de una década después de iniciado el siglo XXI, quisiéramos que esta aseveración no significara mucho, pero sigue siendo cierto que, proporcionalmente, son pocas las mujeres que han podido tomar una cámara y forjarse una carrera como directoras.

Cuando le planteamos la cuestión a la propia Claire Denis, en entrevista exclusiva para WARP MAGAZINE, intenta rechazar el estereotipo de forma impulsiva: “Fui educada igual que mis hermanos hombres; mis padres no hicieron distinciones entre ellos y yo”. Pero inmediatamente rectifica: “Aunque, siendo honesta, para ser director, se requieren ciertos atributos que no todas las mujeres tienen: la dirección es muy física, hay que tener fuerza física para poder estar allí. Y el medio es muy competitivo: no cualquier mujer lo aguanta”.

En específico, algunos de los sets de sus películas fueron sumamente exigentes: Chocolat (1988), su ópera prima; Beau Travail (1999) —su cinta mejor lograda hasta ahora, que trata sobre la Legión Extranjera—; y White Material (2009), su más reciente trabajo, fueron filmadas en Camerún, la última cuando Denis estaba por cumplir 60 años. En ésta, la fabulosa Isabelle Huppert interpreta al personaje principal, “Maria Vial”, mujer a cargo de unas plantaciones de café en alguna ciudad de África, cuya fuerza física remite inevitablemente a la capacidad guerrillera de la directora: “Isabelle no estaba usando maquillaje: yo quería que fuera una mujer que trabaja en el campo y

el maquillaje se hubiera visto raro; quería que fuera alguien que trabaja fuerte, que anda trepada en un tractor. Sólo al final se pone algo de labial. Y es que quería que fuera una granjera. Me disgusta que los actores usen un maquillaje que, se supone, los hace ver como si no estuvieran usando maquillaje. No usar maquillaje libera a todos: significa que Isabelle está confiando en mí y yo en ella, y eso crea una buena relación con la cámara.

No era Isabelle rodeada de actores de Camerún: ella era parte del grupo. Y todos eran tratados de igual manera en términos de imagen; era un acercamiento muy natural. Cuando hacía calor todos estaban rojos, no fingíamos el calor; y no porque quisiera recrear la realidad, pues la realidad en la cinematografía nunca es interesante; se trata de crear una relación real entre actores, actrices y el filme. El filme nunca es realidad, pero es bueno crear imágenes verosímiles, no para hacer un documental, sino para hacer un filme con base en momentos reales”.

Esa fidelidad a la verdad, a través de la ficción, es una de las características distintivas de su narrativa y de su estilo: “Pienso que mi estilo viene porque sólo conozco una manera de hacer las cosas. Trato de ser alguien totalmente ‘desnuda’ en las películas, alguien que no las estilice. Y no intento juzgar: hago las películas como las siento, trato de apegarme lo más que puedo al guión, a mis propios sentimientos y a los actores con los que estoy trabajando. No se trata de un método, pues no hay algo teórico. Y, aunque a veces me da miedo, hago las cosas como creo que deben hacerse”.

Enfilme.com es un sitio que te permite estar al tanto de todo lo relacionado con el cine nacional e internacional, con entrevistas, coberturas, investigaciones y más, este mes no te pierdas su entrevista exclusiva con Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas (Jean Gentil).

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fashion nugget WARP TV

Miss You Madame Recamier

Coordinación de moda: Jessica Mier Bastón Fotografía: Fernando Velasco y Ariette Armella para Luciérnaga yWARP Maquillaje: Chëla Olea

Ropa: Pink Magnolia, Séneca 41, Col. Polanco, www.pinkmagnolia.com.mx

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fashion nugget WARP TV

Agradecemos por las facilidades otorgadas para la realizaci贸n de estas fotos a Celeste House. Restaurante, bar, sal贸n de t茅. Darwin esquina con Kepler, Col. Anzures; celeste.com.mx

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art brut WARP TV

La magia negra Por: Chëla Olea

L

e dicen “Negra”, es egresada de la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León y es muy regia, regia hasta la conciencia. Es una artista relajada que habla de las condiciones humanas, como casi todos, aunque la magia con la que Jesica López se expresa es algo único. Eso pensé durante su primera exposición en la Galería Enrique Guerrero, que en un par de horas ya tenía un sold out contundente. Su primera exposición individual en el extranjero fue en el Museo de Arte Moderno de Moscú y por ahora se encuentra viviendo en la Ciudad de México, donde imparte cursos de pintura mientras trama cosas increíbles para 2012…

me auxilio de la pintura realista, foto-realista e hiper-realista en lo bidimensional. Trabajo en distintos medios, como la pintura, la fotografía, el video y la acción. He obtenido mayor difusión y más reconocimiento con pintura en distintos soportes, como papel, tela e intervención sobre prendas. Dentro de mi discurso se retratan hechos y “entes o variables” insertados en el sistema del espectáculo, de la pantalla, representados con personajes públicos o escenas de películas, videos e imágenes que circulan en la mass media, como Internet, revistas y periódicos, auxiliándome de textos que inserto en la composición o en la solución de la pieza.

¿Cómo describes tu técnica?

Creo que, como diría Jarmusch, mi técnica es la de “la apropiación” [risas]. Bueno, en pintura trabajo con acrílico y óleo sobre tela y papel; también trabajo con recursos alternativos, como maquillaje, marcadores, plumas Bic, lo que tenga a la mano y que me ayude a completar el mensaje. Mayormente

¿Quiénes son las personas de tus obras?

Van desde amigos, familiares, actores, cantantes y directores de cine, hasta políticos: todos los que den la cara por casi cualquier cosa; aunque, mayormente, los tengo que admirar por su relación con la vida, con sus talentos, con su monstruosidad o sus pasiones… Sobre todo con sus pasiones.

‘Azhar’, óleo y acrílico sobre tela (c) 2011

›› Chëla Olea es editora de arte de WARP MAGAZINE, curadora de la sección Art Brut de WARPtv y make up artist.

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art brut WARP TV

‘Noomi Rapace, Stunt Girl’, óleo y acrílico sobre tela (c) 2011

‘Lady Gaga Show Girl’, óleo y acrílico sobre tela (c) 2011

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warp.la l @laGUARP

THE LAST OF THEIR

SPECIES

FEATURING EXCLUSIVE INTERVIEWS:

ALFONSO ANDRÉ NOEL GALLAGHER

GUARP

Noel Gallagher

The Death Of You And Me… or how to learn to embrace change… (an exclusive interview for WARP Magazine) By: Alejandro Franco Translator: Marla Guedimin

The only thing I have clear now that I am 32-year old is that change is the only constant in life.

Learning to accept it and embrace it even if we disagree with it is one of the most difficult challenges that any human being can achieve. Personally, this year has been a period of constant spins in my destiny, and even before this interview, I thought that whatever I was living, it couldn’t happen to anyone else; at least, with the same magnitude.

I have always followed Oasis and I respect their career. When I realized how difficult it must have been for Noel Gallagher to leave the band of his life and accept that the best of his professional career was already gone, then I realized that we all are going to be in the same way, and the best thing we can do about it is to keep playing, accepting the changes inside the game and adapting our game strategy in order to win... Even tough when winning doesn’t always mean winning at all.

“I feel great about the outcome of the album, if not, I wouldn’t ever let anyone to hear it. Since I was recording it, I felt good with the songs I wrote. Actually, I think I’ve always felt strangely good around all the records I’ve done... at the time they come out (to the public). But you should ask me within a year, ‘cause sometimes it happens to me what occurred with Standing On The Shoulder Of Giants: I didn’t love it after two months of its release. Although, I think this album will keep sounding good for a year. I hope so.

Do the things you write change their meaning over the time? Do you ever sing them with another meaning than the original one?

Oh yes, definitely yes. It’s like if I go to the studio next week to record for the first time What’s The Story Morning Glory?, it would be totally different. What you record and makes an album, is exactly that. The recording of how you sounded at that time. Yes, everything is different; actually, the more you grow up, the more it turns out different.

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Do you live a different Music Industry these days than the Industry from the nineties, where you (Oasis) were the kings and there was a lot of money spent on artists?

Not living it. The most difficult part is making more people to listen to you, because in the nineties, what our national [British] radio played, was played all over the whole world too. But today things have changed... I’m, 45 years old now and I think new music is made for young people. So I don’t expect at this stage of my life that my music is going to be on radio stations, which are targeted to young people. I don’t think that’s right.

When I was 16, I didn’t want to buy CDs from people who were 45, I wanted to get music from people my age. So, that is natural. To me that is ok.

When Oasis became that big, it was because it was meant to be like that; as now the destiny has us on an end. And I insist, I’m OK with that.

But music is not always about generations, you are a Beatle’s fan and they are not your age...

I mean the radio. When I was young I never heard the Beatles on the radio... You asked me about the Music Industry and so I gave you that reflection. On the nineties I was on the path, now I’m a little outside from it. But that’s okay, because I really don’t care about it. Once I was in the middle of everything, and now I’m not anymore.

GUARP

What can you tell me about the creation of this album? I imagine it was very different from when you used to work with Oasis.

Yes, I think you can imagine it. It is like if you are writing an article for your magazine along with 4 more people and you all agree each of you will write a different part of it. How would that piece be? Very strange wouldn’t it be? But if there is only one person writing a piece, it gets very personal. This album tells more about myself than any other album we did as Oasis. This one comes entirely from me. I sing on it, I wrote it, I virtually played every instrument, so it says it all about who I am... if anyone is interested.

the United Nations.

That’s right. Let’s say I had more power.

Did you have to auto-regulate yourself? You know, did you have to decide where to stop or where to keep going during the process of the album?

Not really. I had too many songs to choose from and at the end, the ones I chose for this production, are perfect, I think. I made good decisions. I could have gone in and out from the studio forever, but I said these are the songs and this is the album, and that’s it.

I also, during the process, I started making another album for a band called Amorphous Androgynous (originally known in the eighties as The Future Sound Of London; the album will be available on 2012), so I was getting extremely busy. And just to make things more difficult, my wife was pregnant, and I moved to another home, and I got married... all at the same time.

When you decided to leave Oasis, were you clear you wanted to do a solo project?

No. I never thought about it. I wanted to continue... I want to still being in the band. I rather this album was Oasis’ new one. I felt great being in a band that used to fill out stadiums everywhere, it was amazing. And now... now I have to start all over again. Now I have to be a frontman and I didn’t want be a frontman. But you know, circumstances went out of control and no one was able to stop whatever was going on.

So no, I didn’t think at that moment about the possibility of going solo, it was until a year later I did. I’m not someone who chases his work. I could have stayed at home watching football forever...

It was actually my wife who, after almost a year, told me one day, “So, are you going to work?”, And I replied back asking her if I had to, and she said that yes, I had to work because I was starting to annoy her. So I went to work and that’s it (laughs). You know, women. They first ask you to spend more time with them…. And after they cannot stand you, they kick you out! (Laughs).

Was the process of creating a new band was fun?, or it was strictly a “back to work” thing?

Look, somehow this is a job because you get paid for it. People buy a $100 ticket to see you and you can’t blow it off. They are paying good money to see you so you must do the best you can. But at the same time it’s not like a real job, because you can resign at any moment you want.

But this is much less a job than it used to be in Oasis, because we were 5 and we had to be careful not doing something that could fuck someone else. Right?, Here, it’s just me. And if I want to ruin it, I just ruin it.

So, you’re saying that Oasis used to be a kind of democracy?

Well... yes... (pause). Le me put it this way: Oasis was like the United Nations and I was the United States.

So as protocol, you have to ask for everyone else’s opinion, like at

Now tell me: when did you decide to make this album? and when and where did you start working on it?

I started it on February 2010 and I could say I did two thirds of it in England and the other third at Los Angeles. But I must say that I took several breaks throughout this time, like working on it for two weeks and then taking a month off and then, again worked on it for another two weeks.

Do you like changes?

No. I like to always remain the same in many ways, but if change shows up, I agree it happening. I never avoid it, you know? I have learned to go with the flow and I agree with it. I never avoid it. At the end, you know, I think that is all about. It is like when Oasis was over, I thought if that had to happen, I had to let it happen, without trying to stop anything or even mourning.

Now that you’re starting a new tour, how are you going to deal with your story in Oasis?

Of course I’ll play four songs from Oasis... maybe five... yes, I think five.

It would be right you play as many as you want, right?

To be honest, I don´t see them as songs by Oasis, but as my songs, because I wrote them. It’s not like Morrissey and Marr (The Smiths) or Keith Richards and Mick Jagger (The Rolling Stones). These are actually my songs. So, I’m going to play 4, and let’s see how it goes. I don’t want to play too many. I was doing Oasis for 20 years, and I’ve got new songs.

What do your fans tell you?

I don’t talk with any of them. I don’t use Internet for that. I know what they tell me on the streets, but out there they just ask for damn pictures. They never even ask how I am! They just want the picture (laughs)... I really don’t have much contact with them, even though I know there is much love out there and people are very excited to listen to my album. And I am very grateful for all the people who say great things about the singles and whatever they have gotten to listen. I love that. That is incredible.

-And the most amazing thing for the Mexican fans, is that Noel Gallagher said he is such a fan of this country and especially of Las Ventanas, a stunning hotel in Ensenada (Baja California) where five or six years ago, he spent the best time of his life with his wife, watching whales. Did he confirm he is visiting Mexico soon with this album?... I can tell you it will inevitably occur within the first months of 2012 -if destiny allows us.

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GUARP

Alfonso André

El hombre de cerro del aire (The Air Mountain Man) By: Jorge E. González Ayala / Photo: Sergio Gálvez for WARP Translator: Marla Guedimin

How did you start composing?

I feel that the composition is my strength. I always felt like composing but I don’t have the discipline to finish things. I also do not get along with words. I have written some lyrics, but this time I had the support of people like Chema Arreola, whom I didn’t know he had those talents, but ended up being a great lyricist..

Cerro del Aire (Mountan Air) is a very personal name for the Alfonso André solo album. This is his first solo work even tough it has the collaboration of some of the best musicians of the Mexican scene: band mates, wife and even his son. Alfonso André is a professional musician who has lived of and for the Music. Drummer of some of the most important bands Mexico has had, from the Insólitas Imágenes de Aurora, to Caifanes, La Barranca and Jaguares. Along with this new project, all these have an element in common besides having Alfonso: all of them were conceived and had as rehearsal room, the little studio The Andrés had in the back on their house located on Cerro del Agua Street.

Tell us about the collaborations.

Cecilia Toussaint helped me a lot with my voice, noticing and taking away the vices I had, so she also put her voice and backing vocals to the album. I also have José Manuel Aguilera and Federico, my former collaborators from La Barranca. Also, I have Diego Herrera, Sabo and Alejandro Marcovich. For example, Diego played the acoustic guitar, the keyboard and even the djembe. Chema Arreola and Julian (his son) played the drums. Luri Molina was also there, he is the bassist for Paté de Fuá. Aleks Syntek threw some keyboards and backing vocals.

Monica del Águila played the cello. Paco Huidobro on the guitar.

Emblematic place, musical aleph, that space has André’s childhood and more than 20 years of his music. It opened its doors to WARP MAGAZINE for this interview.

Will there be another album by Caifanes?

We do not know yet, we are taking step by step. Let’s see if we get along together. We do not want close that possibility, but we haven’t talked about it. I would like to, if things go well, if we are in harmony and we create magic. Of course I would like to record with them.

When did you get the idea of a solo album?

I always liked to sing, informally. I never took music lessons. I fantasized on producing a disc. This was always postponed because I started with the Insólitas (The Odds), then with Caifanes we started doing so well. When you work in a band you have to be negotiating everything. It is a continuous in and out, which enriches the music. But now, I wanted to do what I pleased.

Why? Because the voice is a very difficult instrument, you do not have only to sing on time and in tune, but to give the intention to each and every word. It’s a very complicated instrument, changes everyday. I have always respected it. Also, I have always had stage fright. When we stopped with Jaguares, I used that period of time to do it. I invited Federico (Fong), my closest musical ally forever. He and I began recording demos, to reviewing material 078

that had been relegated. Tunes we had recorded some time ago and were just unfinished ideas over there. We took again some songs we have had unfinished and did some new ones. Also, we requested new ones to our friends; for example, to José Manuel Aguilera. But we didn’t want anything deep and that is how we requested it: light, something Beatle-ish. Or for example, Diego (Herrera) gave me a song that was just outlined. I liked it so much and he finished it. We did some covers. We recorded ‘Penélope’, a Robi Draco’s song. It’s a song I’ve always liked a lot and had to be part of this album. There was another cover that unfortunately didn’t make it. It was Nino Rota’s music for The Godfather. It has lyrics by Chema Arreola. We made it very sensitive, like Agustín Lara’s style, but unfortunately we didn’t get the clearance to use it.

Are you going to do another album?

I do not want to stop being a drummer, to becoming a singer.

I love being a drummer. But I honestly think I would like to continue this project and making another album and playing it.

Don’t you feel bipolar? You did this within the intimacy of this studio with Federico Fong and now you are touring with Caifanes, which is a huge thing!

[Laughs] All of those projects started the same, here, in this space.

Las Insólitas, Caifanes and La Barranca rehearsed here. That is why the album has the name Cerro Del Aire (The Air Mountain), because this is where I grew up, where I lived all my childhood, where I spent my teenage years. My awakening to music and all my projects have been developed in this lab. It is a fundamental part of myself and at the end, every band is that: Musicians trying to reach certain goal, this is what makes me love music. And I am sick of everything else. I do not have control. Where I have control, is at the rehearsing room. That, to me, is music.

GUARP

What makes him act so bad By: Paul Stokes / @Stokesie

The first time I saw Adam Green he was standing side of stage at an early Strokes, looking on approvingly as one of the anointed few allowed to stand in the wings. I should point out that unlike the others allowed in this hallowed area, he wasn’t decked head to toe in then height of fashion retro wear, in fact he was dressed like Robin Hood and as a result looked about 12. At this point I hadn’t seen his band, acclaimed anti-folk group The Moldy Peaches live, and so was unaware that the outlaw outfit was Green’s stage costume, while co-founder Kimya Dawson dressed up like a giant rabbit, but somehow it didn’t matter.

Despite looking like one of The Strokes’ younger brothers rather than a New York contemporary and despite the fancy dress, Adam Green did not look out of place on the side of the stage, if anything he looked more at home there than any of the others, desperately hanging on, a point proved when this onstage bantered with their guests, it was to Robin Hood that most of the banter was directed.

Having once sold a secondhand suit to Albert Hammond Jr. while working in a thrift store and been a contemporary of Karen O in her singer-songwriter days on anti-folk scene (long before she’d thought of operas or even saying “Yeah” three times), while Adam Green was perhaps the least commercial end of the so-called new rock revolution that emerged from New York at the start of the last decade, he was key to it.

Gregarious, social and unbelievably charming despite proudly being unbelievably weird, Green’s band Moldy Peaches ensured this explosion of new music had an artistic legacy.

Yes the band released just one proper album at the time, their self titled debut, but while the other bands thrilled the fans, the Peaches thrilled the artists. The Libertines dropped their Ocean Colour Scene covers and became ‘new rock’, but it was folksters’ ‘Who’s Got The Crack’ they covered, Laura Marling has said she was a earlyfan as she found her folk roots, while if you’ve seen the film Juno, you’ll know the true star was Moldy Peaches song ‘Anyone Else But You’. In fact the band were so influential ‘Jorge Regula’ was stolen for an chilean tooth paste ad its creators knew nothing about until they were invited to pick up an award for its use a few years later.

This happened in a bright, almost too quick flash in 2001 (though we shouldn’t forget the years and months of slogging around New York’s indie dives before The Moldy Peaches received that fateful invite to support The Strokes on their first, name-making UK tour), but I’d argue that Adam Green’s subsequent solo career - while not quite in the eye of the storm - has been more daring, creative, rewarding and best of all, stranger than his days in a band.

His first solo album – self titled – didn’t break too much from the Moldy mold, but with second album Friends Of Mine bating the then everywhere Jessica Simpson by asking “where has the love gone, it’s not in your music, no” along with some of the most catchy, sugary-coated melodies imaginable, sud-

denly Green found his solo feet. Absurdist, satirical, yet utterly charming, Green has a knack of creating modern nursery rhymes about the filthiest of subjects (“there’s no wrong way to fuck a girl with no legs”) while remaining beguiling and possessing the gravitas of a young Leonard Cohen.

My own favourite song of Adam’s, ‘Nat King Cole’, has nothing to do with the band leader and everything to do with voodoo rhythms, dark rock’n’roll and an edge a young Stones would admire. It’s also bonkers.

Steadily Green has released a solo album almost on a yearly basis, building an impressive if surreal body of work.

Yet at the same time he’s also come up with a plan to resurrect David Bowie’s career (one which he’s keeping secret from the rest of the world so far), written an album for Iggy Pop and turned the cartoon cat Garfield into an art icon with his first solo exhibition which sold out in New York last year.

I also sent him once to write a piece for the NME about Pete Wentz launching a bar in the big apple. Needless to say he emerged mates with Jay-Z having made ‘diamonds in the sky’ while getting drunk with HOVA. Oh, and he’s also made a full length movie, The Wrong Ferrari (download it at http://www.thewrongferarri.com/).

Shot entirely on iPhone it features Home Alone’s Macaulay Culkin (a long time Adam fan and friend), Pete Doherty, Lightspeed Champion, Devendra Banhart and a host of Adam’s friends and acquaintances. It’s about… well it’s as surreal as his songs, yet strangely watchable as he takes you on a ketamine fuelled dream that covers living inside a Super Mario Game, a speedboat, sodomy and of course the aforementioned Ferrari (apparently most of his Juno money went on its hire).

So as a solo artist who has eclipsed his original band, I can’t speak more highly of any one than the brilliantly idiosyncratic Adam Green. The Modly Peaches were, ace, but solo there doesn’t seem to be any artistic boundaries that can hold this boy as his Lake Room photo blog (http://thelakeroom.com/) and his mega stardom in Germany (true story, he’s the indie Hasselhoff) attest to (and if you want proof he’s no chancer, but an amazing musician, check out his exquisite Cohen-esque cover of The Libertines What A Waster).

What’s more than that, he knows the best burger joint in New York… and he even picks up the check.

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encore

WARP 42 Featuring Ladytron and more Pic by Rubén Márquez and Sergio Gálvez for WARP

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