WARP Magazine 42 by WARP MAGAZINE

WM No.42

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MÉX $35.00 | USA $2.99 | EUR €2.99 | CHI $1,950.00 | ARG $9.50

THE MOVING

COMPANY

De la A a la Z con las bandas que te hacen mover Featuring:

FOSTER THE PEOPLE

otra foto de portada

‘Pumped Up Kicks’ llegó justo como eso: una bomba, un golpe refrescante que vino a sacudir las listas de popularidad, el cuerpo de más de uno y la naciente trayectoria de Foster The People. Siendo el debut de la banda surgida en California y con sólo meses de distribución, Torches representa, así, uno de los fenómenos más peculiares que pueden ocurrir en la escena mundial; referente ineludible para cualquier persona que en un futuro intente recordar bajo qué acordes bailaron millones de personas en este año que termina.

Foster The People

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*Ya puedes ver GRATIS la revista completa en línea a través de: www.warp.com.mx/magazine

© WARP Marca Registrada ®. Año IV No.42 Fecha de Publicación 25-11-2011. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en CAMSAN IMPRESORES, S.A. DE C.V., San Juan, Mz. 10 Lt. 15, Col. Bellavista, C.P. 54720; Cuautitlán, Edo. Méx. Distribución Nacional e Internacional de CODIPLYRSA. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

editorial

CALL IT WHAT YOU WANT Por: Mark Pontius, baterista Foster The People Foto: Cortesía FTP

e preguntan si me gusta bailar… ¡Claro que sí! El baile es parte fundamental de hacer música: poner a la gente feliz y que lo externen de esa forma es increíble. Sin embargo, no es algo que suceda de manera milagrosa: es tarea de los músicos juntar los compases exactos para despertar algo especial en la gente cada vez que escuchan su música. Es complicado saber qué es exactamente lo que nos hace

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bailar; pareciera una cuestión sencilla, pero hay situaciones insignificantes que nos provocan hacerlo. Por otro lado, ver a la gente bailar con mi música me hace sentir algo bastante bizarro. Es, de cierto modo, confuso: la gente baila porque se siente emocionada, pero es raro que lo hagan con tu trabajo, con tus canciones… Esa reacción nos hace sentir emocionados como banda.

silencio por favor

Los Auténticos Decadentes Por: Karina Luvián Fotos: Cortesía LAD

a grabación de un disco siempre es algo especial, más aún cuando se trata de una placa celebratoria por 25 años de carrera. Si a esto agregamos la presencia de cientos de fanáticos y de amigos entrañables en el proceso, el hecho se convierte en una de las mejores experiencias para una banda. Así, Los Auténticos Decadentes decidieron festejar a lo grande su larga trayectoria y grabaron sus presentaciones en el Palacio de los Deportes, de la Ciudad de México, ocurridas este 4 y 5 de noviembre. Haciendo un recorrido cronológico por su discografía, Gustavo Parisi, Mariano Franceschelli, Martin Lorenzo, Diego Demarco, Gastón Bernardou, Daniel Zimbello, Guillermo Eijo, Eduardo

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Tripodi, Jorge Serrano, Pablo Armesto y Gustavo Montecchia compartieron escenario con invitados especiales en diferentes momentos de la noche; mientras que con Babasonicos interpretaron ‘Luna Radiante’, con Julieta Venegas cantaron ‘No Me Importa El Dinero’ y con Quique Rangel ‘Corazón’. El grupo argentino Kapanga, los uruguayos de No Te Va Gustar y Krápula, desde Colombia, también estuvieron ahí, festejando y expresando su admiración hacia la banda argentina. Dicha celebración será lanzada próximamente en CD y DVD, con la intención de encapsular el evento y otorgar un recuerdo perdurable a sus miles de seguidores.

the main review REVIEWS

Ceremonials

Florence And The Machine / Universal Music / 2011

7.8

Calificación

s difícil pensar en Florence And The Machine y no asociarla casi de manera automática con su aclamado Lungs, de 2009: el álbum con el que se presentó ante pequeñas audiencias alrededor del mundo, pero que le ganó la atención global. En este contexto, es algo complejo dar la bienvenida a Ceremonials, su nueva placa de estudio que, dicho sea de paso, era una de las más esperadas de 2011. Desde que escuché el single ‘What The Water Gave Me’, a finales de agosto, me quedó claro que, por lo menos, Welch no repetiría la fórmula de su debut, lo cual siempre se agradece, pues tratar de reinventarse es algo de lo que escuchamos cada vez con menor frecuencia. Hoy, tras escuchar la placa en su totalidad, es un hecho que la londinense buscó una forma totalmente nueva de entregar su música. Ceremonials es un disco más íntimo que su predecesor, pues definitivamente no tiene los ganchos de Lungs y, para colmo de los escuchas casuales, está armado estratégicamente para que la potente voz de Florence no sea la protagonista, sino un elemento más que ayude a hacer de cada track un corte completo en todos los sentidos. Además,

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la placa está inundada de elementos de baroque pop, que lo dotan de personalidad propia, una que se complementa con la producción cortesía de Paul Epworth —reconocido por hacer lo necesario en el estudio de grabación para que cada sonido sea el esperado—, logrando un trabajo técnicamente cercano a la perfección. Ahora: aunque los aspectos técnicos son destacables, es un hecho que los 12 tracks no logran conectar directamente con el escucha, pues el trabajo creado entre Welch y Epworth resulta algo tan personal, que incluso los más fanáticos podrían sentirse poco identificados. Pero no hay que confundirse: estamos frente a un disco completo, con tracks contundentes y momentos de brillantez, que si bien, tiene una esencia propia, no logra cumplir las expectativas generadas a lo largo de varios meses. Lo realmente interesante será presenciar la ejecución del álbum en vivo, donde quizá, en un foro apropiado, Florence logre imprimir hasta la última gota de pasión a Ceremonials y deje en segundo plano los aspectos técnicos. -Diovanny Garfias

REVIEWS

7.9

Calificación

Hello Sadness Los Campesinos! /

Escanea este código con cual-

Arts & Crafts México /2011

quier smartphone o computadora con cámara para leer las últimas reseñas del mundo de la música, o visita warp.la/discos

Con un título como Hello Sadness, uno pensaría que estos siete ingleses habrían optado por introducir un poco de melancolía a su discografía, lo cual resulta muy alejado de la realidad. Desde el comienzo, se sabe que la clásica buena vibra que transmitieran desde su disco debut se mantiene. Las ganas de bailar se contagian inevitablemente y las tristes letras acaban sonando un tanto discordantes. Es como esas películas que terminan con una escena feliz, tras la muerte del protagonista, y uno no sabe qué sentir. Esta disonancia, lejos de ser un error, es un complemento perfecto para aquellos que gustan de dedicar canciones a manera de cachetada con guante blanco. Es hasta el final cuando la energía desciende y, apropiadamente, el disco cierra con ‘Light Leaves, Dark Sees Pt. II’. Los Campesinos! sostienen su vibrante estilo en esta tercera producción, manteniendo intactos los elementos que los distinguen como abanderados del twee pop británico. -Aldo Sosa

9.0

Calificación

hanDover Skinny Puppy / SPV GmbH / 2011

8.1

Calificación

Everything Is A Foreign Language To Me

Instrucciones. iPhone e iPad: Descarga el programa SCAN desde App Store. Blackberry: Descarga el programa BARCODE ASSISTANT desde tus aplicaciones. Computadora: Descarga el programa QREADER e instálalo.

5.5

Calificación

The Path Of Totality Korn / Roadrunner Records / 2011

Antoine Reverb / Arts & Crafts México / 2011

De una vez por todas pudimos escuchar hanDover, el trabajo de estudio número 11 de los canadienses Skinny Puppy, el cual fue grabado entre 2008 y 2009, y guardado por su disquera en la congeladora durante más de dos años, debido a su insolvencia económica. Y aún con este drama a cuestas, el disco es un ejemplo de innovación sonora en todos los sentidos. La placa significa el regreso de Skinny Puppy a terrenos más experimentales: una puñalada sónica a los oídos de cualquiera, pues para Cevin Key y Nivek Ogre es una nueva forma de entregar demonios de manera personalizada. En resumen, es una mezcla perfecta entre el VIVIsectVI (1988) y el Mythmaker (2007). Finalmente, Skinny Puppy está de vuelta. -Michelle Apple

010

La banda de Guadalajara está de regreso con Everything Is A Foreign Language To Me, el sucesor de Goodbye Victorian Houses (2009) y su EP A Revolt Of Sorts (2010). El álbum es conformado por diez tracks de los cuales sobresalen canciones como ‘You As A Fish’ —su primer sencillo—, ‘In my Bedroom’ y ‘Cloudy As Hell (For Uncomfortable Eric)’. Clarinete, flauta, acordeón, sintetizadores, guitarras, ukulele y cinco multi-instrumentalistas consolidan un disco que, aunque no difiere mucho del sonido de los anteriores, es de un estilo más sobrio, en ocasiones melancólico, mostrando un rostro diferente, aunque favorable, de la banda. Evidentemente, el álbum tiene altas y bajas a lo largo de su duración, aunque su corte relajado —en gran parte instrumental—, en general, hará que cualquiera pase un rato agradable en compañía de Antoine Reverb. -Samantha Núñez

Todos los artistas y bandas tienen que evolucionar con el paso de los años e inevitablemente renovarán su estilo. El caso de Korn es, por el contrario, uno lamentable: es cierto que la banda de Jonathan Davis no se aferra al pasado, pero tampoco tiene claro a dónde quiere ir. Producido en su mayoría por Skrillex, The Path Of Totallity es un disco autocomplaciente, soso, pretencioso, lleno de líricas ingenuas, mal direccionado y, sobretodo, que traiciona la poca esencia que quedaba de Korn. Así, el que pudo ser el proyecto dubstep del señor Davis, termina como las patadas de ahogado de una banda que fue muy valiosa en su momento y que, por la necesidad de mantenerse vigente, comete crímenes como este, que pone felices a los fans ocasionales, pero que entristece sobremanera a los de siempre. Tan sólo escuchen ‘Bleeding Out’ o, si se atreven, ‘Get Up!’. -Leonel Hernández

hot hot hit

Sarah McIntosh

(The Good Natured) Por: Karina Luvián / Foto: Cortesía UHH

Con apenas veinte años y siempre interesada en la creación musical, Sarah McIntosh lidera The Good Natured, prometedora agrupación inglesa de gothic/synth-pop que con tres EP’s en su carrera -Warriors (2008), Your Body Is A Machine (2010) y Skeleton (2011)- acaba de ser firmada por Parlophone Records. Interesada en expandir su propuesta, la triada conformada por Sarah, Hamish McIntosh -hermano de la artista- y George Hinton realiza una gira por Europa, con la promesa de lanzar su primer larga duración en los meses próximos. 012

profile

Dananananaykroyd Por: Paul Bridgewater

Integrantes: Duncan Robertson / David Roy / Calum Gunn / John Baillie Junior / Paul Bannon / Ryan McGinness Escúchalos en: dananananaykroyd.co.uk

Mira a Dananananaykroyd en vivo a través de www.noisey.com

“Somos seis personas escupiendo sus corazones a través de sus instrumentos”. Así es como los miembros de Dananananaykroyd se describieron para Noisey. La historia de este juvenil y desenfadado grupo de escoceses empieza hace cinco años con un post en LiveJournal sobre cómo hacer una banda. Lo retomaron después de desechar sus proyectos musicales de aquel momento y sustituirlos por un sonido que bautizaron como “fight pop”, continuando con el legado de At The Drive In y Rocket To The Crypt, aunque con un toque de arrogancia escocés que amalgama todo. Después de dos discos y muchos cambios en la alineación, Dananananaykroyd ha sacudido la escena de su ciudad natal tomando ventaja de la variedad tan amplia de oportunidades para gente creativa que caracteriza a Glasgow. Su sonido es furioso y tiene grandes influencias del noise pop, guiado por las voces de Calum Gunn y John Baillie Jr. Aunque siempre tengan un pie en los monitores, tienen un sentido del humor muy negro que equipara la energía emocional de sus canciones, lo que los ha convertido en una paradoja, pero la banda está siempre lista para enfrentar a

cualquiera que cuestione su ética de trabajo. Los shows en vivo de Dananananaykroyd se caracterizan por ser una auténtica carnicería física y emocional: son violentos, con ataques implacables de guitarras y extremidades que frecuentemente terminan con huesos rotos y una lista interminable de instrumentos mutilados. Un concierto legendario en Sydney dejó al cantante, John, con cuatro tornillos de metal en el brazo de por vida; el show terminó después de tres canciones, pero la banda regresó en julio de este año, al mismo lugar, y terminó el trabajo. Siempre encuentran un reto en todo lo que hacen: “Nos gustaría tocar más con bandas grandes y más conocidas”, dicen. “Siempre hemos sentido un placer perverso por tocar frente a públicos que no están ahí, necesariamente, para vernos a nosotros... Básicamente, disfrutamos cualquier cosa que amplíe nuestro alcance como individuos para escribir, componer, actuar o conectarnos con la gente”. Dananananaykroyd cree que la música debe ser tan visceral, honesta y directa como sea posible. Pero eso es obvio… ¿Qué otra cosa podría importarle más a una banda de rock del siglo XXI?

Noisey.com es una plataforma en línea para descubrir música que presenta a varias de las nuevas bandas más talentosas alrededor del mundo. A través de cautivadores y originales cortometrajes, Noisey le otorga al espectador acceso sin precedentes a la vida de las bandas dentro y fuera del escenario. Este mes no puedes dejar de ver “Holy Ghost!– Live – Berlín, Alemania”.

014

playlist

Playlist by Rockets

Musik

Antoine Reverb 02. The London Fog –

‘The Times To Come’ 03. Beth Gibbons – ‘Mysteries’ 04. Broadcast – ‘Valerie’ 05. Beach House – ‘Take Care’ 06. Kurt Vile –

‘I Wanted Everything’ 07. The Chills – ‘Satin Doll’ 08. The War On Drugs –

‘Baby Missiles’ 09. Arthur Russell – ‘A Little Lost’

01. Caetano Veloso

‘Os Argonautas’ Visita www.rocketsmusik.com y síguelos en: @RocketsMusik

ntoine Reverb (Arts & Crafts México) no es una sola persona, son cinco chicos originarios de Guadalajara, Jalisco, con una educación musical amplia que les ha abierto las puertas a espacios que nunca habrían imaginado. La banda de folk psicodélico está compuesta por Cynthia Saldaña (voz, órgano, clarinete, flauta, glockenspiel y acordeón), Benjamín Zárate (voz, sintetizadores y órgano), Diego Chávez (guitarra, ukulele y banjo), Andrés Romo-Chávez (voz y guitarra acústica) y Miguel Ruíz (percusiones). Dentro de su carrera musical ya cuentan con tres álbumes de estudio: Goodbye Victorian Houses (2009), A Revolt Of Sorts (2010) y Everything Is A Foreign Language To Me (2011). Hace unas semanas tuvimos la oportunidad de platicar con ellos y nos compartieron este playlist con 9 canciones que los cinco integrantes consideran de gran influencia sobre su música.

Rockets Musik es una plataforma interactiva de contenidos; adictos al rock, indie, disco y electrónica selecta, productora de eventos y conciertos en la Ciudad de México.

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TEMPORADA 6 :: EN GRABACIĂ&#x201C;N sesionesconalejandrofranco.com / @SesioneSconAF

rock fiction COLUMNA

MESSE POUR LE TEMPS PRÉSENT Por: Adolfo Vergara Trujillo / @ToBeFreak

l consultorio se encontraba en el cuarto piso de un sobrio edificio de Bd. St. Michel, a tan sólo tres cuadras de la fuente; Jacques llegó hasta la puerta caminando, algo sofocado luego de la ligera pendiente desde la estación del Metro. Antes de tocar el timbre del cuarto piso, sin embargo, se fumo un cigarro; y es que algo le molestaba… ¿Por qué la Dra. Fournier lo había re-dirigido con ese tal Dimitri Dómine, “psicólogo para niños”? ¿Lo recibiría con nariz de payaso y al final le regalaría una TutsiPop por haber sido valiente? ¿Acaso era infantil que un hombre cercano a los cuarenta le mirara las piernas a su psicóloga? Pero, entonces, ¿por qué usar esas minis durante sus consultas? ¿O acaso era que la Dra. Fournier sentía el impulso de aceptarle la copa de vino y su ‘ética profesional’ se lo impedía?

—En efecto —respondí—: el mismo Henri Wallon me dio clase… —Ah… ¿Y qué demonios hago yo con usted? —La Dra. Fournier afirma que no puedes dormir, ¿es correcto? —Ajá… —Parece que solicitaste ciertos somníferos… El pequeño Jacques no respondió; es su lugar contrajo el diafragma de manera increíble y emitió una especie de tosido. —Dime lo que más te molesta del mundo…

—¡Mierda! —gritó Jacques a las calles de París. Aún lo hice esperar un par de minutos cuando al fin se decidió a tocar. —Por cierto —le advertí por el interfono—, usa las escaleras: el elevador no funciona. Pasaron otros cinco minutos, mientras subía los cuatro pisos, pero al final llegó; y ya lo esperaba yo con la puerta abierta. —¡Por favor, Jacques, pasa! ¡Soy Dimitri! Jacques era un tipo regordete, de mediana estatura; su rostro tenía unos ojitos grises, nerviosos y demasiado juntos entre sí, encima de una pequeña nariz aguileña, como de búho, encajada exactamente en el centro de su rostro, y una barba descuidada escondía de mala manera su evidente papada. El hombre luchaba con ansia por secarse el sudor del rostro con un pañuelo gris que se volvía azul a medida que se empapaba. Apenas me dio la mano y entró a la recepción buscando una silla. —¿Puede ofrecerme un poco de agua, doctor? —me preguntó. —Lo siento: se terminó el botellón… Pero a dos cuadras, calle arriba, hay una tienda de tabaco; quizá puedas ir hasta allá y regresar antes de que termine tu sesión… —¡Estaré bien! —¿Comenzamos? —le pregunté. Jacques entró al consultorio y de inmediato se instaló en el diván. —Así que usted es “psicólogo para niños”, ¿eh?

—¡Mi vecina! —exclamó Jacques sin dudarlo— ¡La muy puta no deja de citar la basura de Wilhem Reich! Anda por la vida sin sostén y… ¡Baila como si la hubieran enchufado a la luz! —¿Has pensado en invitarla a salir, Jacques? —le pregunté. Jacques no respondió; en su lugar comenzó a mover sus ojitos grises más rápido que nunca: era evidente que la espiaba. —Invítale un café, llévala al teatro… ¿Ya viste el nuevo ballet de Maurice Béjart? —le pregunté— Se presenta en el Odéon; la música es algo, digamos, eléctrica y, al entrar a tus oídos, parece irse directamente a los pies… Sartré se refirió a ella como “la revolución sexual de la música, la quintaescencia de avant-garde”… Quizá debieras llevar a tu vecina… El buen Jacques se retiró algo pensativo; lo acompañé hasta las escaleras y quedamos de vernos el miércoles siguiente. Regresé y me serví un vaso de agua; con calma, apagué las luces, cerré el consultorio y llamé el elevador que, como siempre a esa hora, llegó de inmediato. Tomé un taxi y me fui directo a casa: Lierre —la encantadora Dra. Fournier— me esperaba; a esa hora ya estaría instalada en mi sofá, con una copa de vino, acicalándose las piernas. Jacques nunca regresó; parece que se metió en asuntos de samples, ruidos de intervalos melódicos, timbres estáticos y demás cosas oscuras relacionadas con los misterios de los doce tonos. Messe Pour Le Temps Présent (Métamorphose d’après la musique du ballet de Maurice Béjart) Jacques Henry et Michel Colombier Philips Music Group 1997

›› Adolfo Vergara Trujillo es escritor y especialista en literatura mexicana, autor de los libros de relatos Freak Y Otros Tormentos y Absolut Punch.

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calendario SHUFFLE

diciembre 2011 01

Britney Spears Estadio Tres de Marzo Guadalajara, JAL

Ximena Sariñana EL Plaza Condesa México, DF La Barranca Pasagüero México, DF Superpitcher Lunario del Auditorio Nacional México, DF The Bravery Six Flags México, DF

Stereo Total Salón Caribe México, DF

07 y 08

Dream Theater Auditorio Nacional México, DF

The Joy Formidable y Ruido Rosa Lunario del Auditorio Nacional México, DF

Morrissey El Plaza Condesa México, DF

Andy Fletcher DJ Set El Plaza Condesa México, DF Ely Guerra Teatro Metropolitan México, DF Julieta Venegas & Natalia Lafourcade Auditorio Nacional México, DF

Morrissey Complejo Cultural Universitario Puebla, PUE

Caifanes Palacio de los Deportes México, DF Andy Fletcher DJ Set Teatro Estudio Cavaret Guadalajara, JAL Sussie 4 El Plaza Condesa México, DF The Sea And Cake Voilá Acoustique México, DF

Pignoise Lunario del Auditorio Nacional México, DF

Britney Spears Foro Sol México, DF

Morrissey Teatro Diana Guadalajara, JAL

Battles José Cuervo Salón México, DF

Bengala El Plaza Condesa México, DF

Nortec Collective presents: Bostich + Fussible Voilá Acoustique México, DF La Castañeda Teatro Metropolitan México, DF

Austin TV El Plaza Condesa México, DF

Zoé El Plaza Condesa México, DF

05 y 06 Rodrigo y Gabriela El Plaza Condesa México, DF

Soulwax / 2 Many DJs José Cuervo Salón México, DF Dresden Dolls Teatro Fru Fru México, DF

12, 13, 15 y 16 Feist Teatro Fru Fru México, DF 021

gigs

Los Bunkers, foto: Toni François

Zoé

Gira Rockampeonato Telcel 2011

de este año, sin duda, lograron cautivar y crear el interés del público por su música. Un evento más con respuesta positiva en el camino de esta gira.

Por: Alhan Márquez / Fotos: Sergio Gálvez para WARP

14 de octubre – Mérida, Yuc. Con un lleno total y el cálido recibimiento del publico yucateco, Rockampeonato Telcel llegó al Complejo Olímpico Inalámbrica para ofrecer la presentación de La Gusana Ciega, Renoh, Los Bunkers y Zoé, quienes interpretaron lo mejor de su repertorio a una multitud emocionada por tenerlos en un mismo escenario. Y aunque la banda con mayor respuesta fue Zoé, quienes ganaron el certamen

4 de noviembre – Chihuahua, Chih. Fue a las 20:30 hrs., cuando la música empezó a sonar en la Arena Chihuahua, acordes que llegaron a las miles de personas cortesía de la agrupación regia Niña. Un caluroso recibimiento caracterizó ese momento, para después dar paso a Renoh, que pisaría el escenario y lograría el aplauso del respetable a lo largo de su show. La música siguió con Los Bunkers tocando como sólo ellos saben, y cerró con León Larregui y compañía, quienes con temas como ‘Vía Láctea’, ‘Miel’ y ‘Polar’ harían de aquella un presentación exitosa. 023

gigs

Atto & The Majestics

Vetusta Morla

5 de noviembre – Cholula, Pue. La siguiente parada de La Gira ocurrió un día después, llegando ahora al campo de futbol Colomax. Técnicos, ingenieros y músicos, todos estaban listos para recibir a las miles de personas que se reunirían para ver a Vetusta Morla, banda española que logró la ovación del público con canciones de su más reciente producción, “Mapas”. Otra banda de reciente formación subió al escenario: Atto & The Majestics, quienes fueron recibidos favorablemente por su naciente cúmulo de seguidores. Niña seguiría con la interesante presentación, para dar paso a Renoh y, de ahí, terminar con Los Bunkers y Zoé. Todo un agasajo musical en una de las presentaciones más largas ocurridas.

de las giras más exitosas de las que se tenga memoria. 15 mil espectadores se reunieron y disfrutaron de grupos nacionales e internacionales, iniciando la música con Teletransportador -banda ganadora en 2007- y siguiendo con la experiencia de La Gusana Ciega. Vetusta Morla continuó con el evento y dio pie a Renoh, que con toda la experiencia adquirida durante la Gira Rockampeonato Telcel prendió los ánimos previo a la presentación de Los Bunkers y Zoé. Las luces se apagaron pero la energía continuó en el aire, ante la entrega recíproca de las bandas y del público.

12 de noviembre - Querétaro, Qro. El recinto ferial de Querétaro fue el lugar donde cerró una 024

Rockampeonato Telcel concluyó, demostrando ser una plataforma consolidada para el lanzamiento y proyección de nuevas propuestas musicales en México, algo que aunque suene fácil representa una labor que pocos deciden tomar.

gigs

Beirut José Cuervo Salón Ciudad de México Foto: Rubén Márquez para WARP Para leer las reseñas de estos conciertos, escanea el código o visita: warp.la/beirut

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Grapefruit Julep Cristalería Collins (Highball)

Ingredientes: • 50 ml Ketel One Vodka • 12 ml Jugo de Limón • 4 hojas Hierbabuena • 17.5 ml Granadina • 25 ml Jugo de Toronja • 5 ml Miel Garnitura : • 1/2 Rebanada de Toronja • 3/4 hojas Hierbabuena Preparación: Revolver la miel con todos los ingredientes antes de añadir los hielos. Agitar y colar sobre hielo molido. Adornar con unas hojas de hierbabuena y rebanada de toronja.

Stone Temple Pilots El Plaza Condesa Ciudad de México Foto: Fernando Aceves Para leer las reseñas de estos conciertos, escanea el código o visita: warp.la/STP

gigs

311 Six Flags México Ciudad de México Foto: Sergio Gálvez para WARP Para leer las reseñas de estos conciertos, escanea el código o visita: warp.la/311

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The Moving Company

Si pensamos en baile en su expresión primaria, debemos pensar en el movimiento de un cuerpo al ritmo de la música. El propósito es lo de menos: diversión, interacción social o expresión artística; de cualquier modo, es una reacción nata del ser humano: basta con permitir que un ritmo entre por nuestros oídos para que, casi de manera inmediata, se propague por todo el cuerpo e, incluso, en algunas ocasiones realmente especiales, se quede impregnado en nuestra memoria y en el corazón.

Entrando en detalles, las diferentes clasificaciones en las que podemos dividir al baile son tan diversas como los géneros y subgéneros musicales que inundan nuestro planeta, y tan complejas como cada uno de los individuos que las crearon, perfeccionaron y las volvieron disciplinas. Lo que es un hecho es que, sin importar cuál sea la corriente musical que ocupe tu reproductor, siempre hay espacio para alguna tonada que incite al baile. Por ello, en esta ocasión, WARP MAGAZINE presenta The Moving Company, una guía de la A a la Z con bandas y artistas cuya misión es generar movimiento en sus escuchas. Así, en exclusiva, presentamos entrevistas con Mark Pontius, el encargado de las percusiones en Foster The People, la banda que puso a bailar a todos en 2011 con su single ‘Pumped Up Kicks’; Ladytron, en donde el proyecto electrónico londinense devela los detalles de su nuevo álbum, Gravity The Seducer; desde Francia, Gaspard Augé platica del esperado regreso de Justice; mientras que Alec Empire da los pormenores del retorno de la banda bailable más violenta de Alemania: Atari Teenage Riot. Además, los playlist de Andy McCluskey, de OMD; Elizabeth Harper, de Class Actress; Boscop Benavente, de Quiero Club; Adam Blake, de Zoot Woman, y más. Pónganse zapatos cómodos: WARP MAGAZINE los invita a ponerse en movimiento.

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Top 5 violent dance songs: ‘Firestarter’ - The Prodigy, ‘Violent Playground’ Nitzer Ebb, ‘Mindphaser’ - Front Line Assembly, ‘Too Dead For Me’ - Atari Teenage Riot, ‘Miss Lucifer’ - Primal Scream.

Atari Teenage

Riot REACTIVATE Por: Leonel Hernández Foto: Nic Endo

›› Leonel Hernández es poeta y traductor, puedes buscar su entrevista exclusiva con Stephen Malkmus en WARP #40.

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The Moving Company

“No fue una decisión para recrear viejas glorias; más bien, una oportunidad de que nuevas generaciones descubrieran a la banda. Todo fue muy circunstancial. Nunca hubo un plan para regresar y creo que eso lo vuelve un regreso más honesto”. Estas son las palabras de Alec Empire, líder de una de las bandas de música electrónica más peculiares que existen. Junto a Nic Endo y al MC CX Kidtronik, la banda alemana Atari Teenage Riot combina la violencia del punk, con ritmos baliables y estrambóticos, aunados a una postura política de extrema izquierda. Is This Hyperreal? (2011), su primer material de estudio en más de diez años, es una carta de presentación para decirle al mundo que siguen resistiendo. Alec Empire, fundador y líder de ATR, habló con WARP MAGAZINE desde Berlín para contarnos del regreso triunfal de los legendarios precursores del digital hardcore. ¿Cómo fue que decidiste reformar Atari Teenage Riot y sacarlo de su letargo? No lo decidí yo solo y, más bien, es una larga historia: me reuní con Nick Endo en 2009 para una presentación en vivo y hablamos sobre reformarnos; las cosas empezaron a suceder casi accidentalmente y pensamos en hacer algunos shows en vivo. Yo no tenía planes de regresar formalmente como Atari Teenage Riot y supongo que Nic tampoco. Ya estaba trabajando en un nuevo álbum solista y, cuando estuvimos tocando en vivo, las cosas comenzaron a fluir. No esperaba que las cosas sucedieran así, pero el show que dimos en Londres fue todo un éxito. Entonces un promotor se acercó y nos sugirió que hiciéramos más presentaciones; no fue una decisión para recrear viejas glorias; más bien, una oportunidad de que nuevas generaciones descubrieran a la banda. Nos encontramos en Estados Unidos con el MC CX Kidtronik, quien había colaborado con Saul Williams, Trent Reznor, Kanye West y muchos otros, y grabamos una canción para su álbum solista en el sello Stones Throw Records. Desde ahí todo fluyó de maravilla. Hablamos con él y le gustó la idea de estar en Atari Teenage Riot. Comenzamos a ensayar y a experimentar para tocar en vivo, y a los tres o cuatro meses teníamos ya mucho material, así que decidimos ponerlo en un nuevo disco. Fue como volver a empezar, porque todo fue muy circunstancial y espontáneo. Nunca hubo un plan para regresar como Atari Teenage Riot y creo que eso lo hace un regreso más honesto. Hablando del nuevo disco, IsThis Hyperreal?, ¿cómo cambió el sonido respecto a los anteriores? Parece que nunca dejamos de hacer discos. ATR se trató de fuerza y actitud, lo que se convirtió en la identidad de la banda; así que queríamos que este Atari Teenage Riot sonara así. Algunos dijeron: “¿por qué no hacen dubstep?”; por supuesto que no: sonamos como en los noventa. El sonido de ATR es único y queremos conservarlo así. Por otro lado, también se trató de las letras: Hanin Elias había perdido la energía de su voz y me pareció absurdo que CX copiara las letras de las canciones de Carl en las presentaciones en vivo. Muchas de esas canciones

hablan del Berlín de los noventa, del racismo y de las cosas que se vivían en aquel entonces: no tenía sentido seguir cantando lo mismo. Esta vez queríamos hacer un álbum más moderno: hablar de WikiLeaks, por ejemplo. Nos dimos cuenta de que, como consecuencia del papel dominante de Estados Unidos en la política mundial, CX puede aportar una visión muy interesante en Atari Teenage Riot; así decidimos que debía escribir sus propias letras para las canciones, dándoles un nuevo sentido en las presentaciones en vivo. Y es que no tiene mucha coherencia que se cante ‘Revolution Action’ en este contexto; por eso, aunque tratamos de dejar intacta la esencia de Atari Teenage Riot, inyectamos un nuevo sentido dirigido a los nuevos fans. Hoy en día, la gente tiene diferentes maneras de protestar contra el sistema; de hecho, Atari Teenage Riot es un promotor del uso de Internet como “arma de resistencia”. ¿Qué opinas del uso de Internet? Creo que, más que un arma, es una herramienta y su eficacia depende mucho del uso que se le dé. Para las bandas —y para la gente en general— puede ser muy útil. Hoy, desde tu casa, puedes hacer cosas que antes eran controladas por las corporaciones o por los gobiernos; eso genera un sentimiento de libertad. En ese sentido, creo que trae muchos beneficios para la industria musical; es más fácil conseguir música y generar la propia, como banda, y ya no necesitas a las disqueras. Pero aun así, con tanta libertad, también hay muchos riesgos y el uso negativo que se le da a esta herramienta tiene repercusiones en la forma de organizar socialmente a la gente; hay aspectos, como la piratería y el uso ilegal que se le da a las obras artísticas, que no parecen tan graves, pero lo son. En fin: es un tema interesante y trato de ver los dos lados de la moneda. ¿Qué aprendizaje te queda luego de trabajar en solitario durante casi diez años? Traté de aprender todo lo que pude en cuanto a procesos creativos y de composición. En mi primer disco solista quise que el sonido fuera identificable, y quizás no lo logré del todo; traíamos una forma de hacer música muy de los noventa y, en la última década, traté de experimentar con instrumentos y nuevos sonidos. En mi último disco traté de crear un sonido más orgánico, pues antes de ser un músico techno, soy un músico de rock. Sí: aprendí mucho; y creo que eso se ve reflejado en los detalles que rodean el nuevo disco de Atari Teenage Riot. Tienen muchos fans en México, ¿hay algún plan de venir a tocar en vivo a México pronto? Por supuesto, tengo muchas ganas de ir a tocar allá; sólo hace falta alguien que lo haga posible. He escuchado mucho sobre la energía única del público mexicano y de verdad queremos ir y conocer músicos mexicanos. Estuvimos a punto de ir hace como un año; íbamos a hacer una gira por México y pasaríamos a Los Angeles y a algunas otras ciudades de Estados Unidos, pero al final no se pudo concretar. Espero que en el futuro próximo se organice una visita a México.

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Bufi LA FRONTERA INVISIBLE Por: Mateo González Bufi / @bufirolas Foto: Cortesía Bufi

soundcloud.com/bufirolas

Daft Punk, de Francia; The Chemical Brothers, de Inglaterra; y Soulwax, de Bélgica, por mencionar sólo algunos, han tenido la dicha de poderse considerar “revolucionarios de la música electrónica” —música dance. Estas tres bandas lograron, cada una en su momento, hacer que las fronteras entre los géneros musicales se desvanecieran, pues crearon puentes hacia el futuro. Esos puentes, hoy, los recorremos miles de productores que nos dedicamos a hacer y deshacer el ritmo y la melodía. Pero, ¿por qué si somos un país tan rico en cultura musical, no hemos podido aportar lo mismo que estos tres países al panorama internacional? México ha gozado, desde hace más de diez años, de una fructífera escena musical de clubes. En los últimos dos o tres años, gracias a Internet y a su presencia en nuestras vidas, el panorama se ha ampliado y ahora hay lugares dedicados a géneros como el disco, el electro y el dubstep; y más allá de esto, contamos con la visita constante de grupos como Cut Copy, Friendly Fires o Metronomy. Y no importa si se caen los helicópteros de los secretarios de Gobernación o si la economía mundial entra en recesión: todos los fines de semana tenemos la visita de algún DJ o grupo extranjero que nos hace vaciar los bolsillos con tal de bailar un rato al compás del fino groove o de gritar las letras de sus irresistibles himnos synthpop. Y, aunque hay espacio para las bandas y DJs locales —sea como teloneros o como actos principales—, son pocos los que logran el mismo efecto fuera del país. El colectivo Nortec y sus variables del noroeste del país son los que más satisfacciones nos han dado en este aspecto, ya que sus integrantes se han logrado colocar en los carteles de los principales clubes y festivales del mundo. En una

escala un poco menor tenemos al Instituto Mexicano del Sonido y a Toy Selectah, que han hecho de la cumbia y el raverton algo cool y respetado en la escena dance internacional. Paralelamente, tenemos los casos de Líneas De Nazca y Metrika, que han colado sus producciones en los charts de algunos de los más destacados DJs de house y techhouse del mundo. Por último, de reciente aparición, está la movida discomex, liderada por el colectivo Electrique, del cual me siento orgulloso de formar parte. Es evidente que tratar de imitar el sonido de tus influencias de toda la vida —o del momento— es algo que probablemente no te lleve a ningún lado; pero tratar de impregnar tu arte de una mexicanidad falsamente preconcebida y por demás estereotipada es también un camino engañoso. No hay que pensar que por ser mexicanos, tenemos que sonar a mariachi con beat, ni que tu música tiene que estar escrita en español para facilitarte el acceso al medio nacional. El punto de hacer buena música no es hacer que las ideas encajen dentro del los límites de la moda, sino que rebasen lo que la gente espera y poder encontrar un espacio dentro de esa carrera de relevos que significa el trascender en el arte. Sólo hay que tomar en cuenta que, para trascender, hay que tener algo genuino, interesante y atractivo qué decir, lo cual puede tomar años. Quizás lo único que hace falta es darle tiempo al tiempo, aunque ya es momento de alzar la mano y hacer que el mundo voltee a ver cómo hacemos las enchiladas en casa, ¿no creen? Si tienen interés en conocer más música, visiten el sitio rockjuvenil.com y encontrarán propuestas únicas y originales, producidas en su propio país.

›› Bufi es productor de música electrónica dance. Es cofundador del sello mexicano Rock Juvenil con el que también publica su trabajo.

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Top 5 slow dance bands: Vampire Weekend, Modest Mouse, Death Cab For Cutie, Spoon, My Morning Jacket.

Clap Your Hands Say Yeah! Por: Leonel Hernández

MANIACS ON THE FLOOR

Foto: Cortesía CYHSY

Clap Your Hands Say Yeah! es uno de esos fenómenos de Internet que lograron colocarse en la escena mainstream del rock estadounidense con una propuesta fresca, divertida y bailable. La banda, originaria de Broklyn, acaba de editar su disco Hysterical, con el cual prometen demostrar que el éxito que tuvieron en el periodo 2005-2007 no fue mera casualidad. WARP MAGAZINE conversó en exclusiva con Lee Sargent, encargado de la guitarra y los teclados de la banda. En tus propias palabras, ¿qué hay de nuevo en Hysterical que sea diferente a los álbumes anteriores? Sobre todo la experiencia que ha tenido la banda, tanto en vivo como en el estudio, lo que ha sido un proceso largo; hemos aprendido mucho y en el nuevo disco se refleja el sonido que logramos en vivo. Hablando del proceso de producción, ¿cómo fue la grabación del disco y la relación con su productor? El productor fue John Congleton; lo contactamos para que produjera algunas canciones y nos gustó trabajar con él; por eso lo elegimos para el disco entero y el proceso de grabación duró unos seis meses. John ayudó mucho en el proceso de planear las canciones y de elegir el sonido. El segundo álbum de CYHSY sa-

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lió con pocas ideas, a diferencia de este, en el que hemos hecho mucha preproducción juntos. En este sentido, Hysterical es más cercano a nuestro primer disco que al segundo. Siendo una banda que surgió como fenómeno de Myspace y que ha tenido apoyo a través de Internet, ¿qué tan difícil les ha sido sobrevivir en la escena de manera independiente? Myspace nos ayudó mucho a nosotros y a otras bandas que no tenían sello discográfico, demostrando que no se necesita una disquera para tener presencia. Hoy en día ya no es lo mismo, pero la brecha que generó Myspace está ahí y muchas bandas, sin esperar a que las cosas sucedan, lo están haciendo posible. En nuestro caso, seguimos en las redes sociales y todo, pero creo que con Internet todo pasa demasiado rápido. Es, sin duda, el principal responsable del déficit de atención global. Por cierto: yo sólo tengo Twitter. ¿Están involucrados en proyectos alternos? En cuanto a música, por el momento no; hemos ayudado a otras bandas y a otros músicos, pero en mi caso no lo veo como proyectos alternos, sino como colaboraciones y ayuda entre bandas. Pero realmente no: Clap Your Hands Say Yeah! ocupa todo nuestro tiempo.

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Top 5 Voces para bailar: - Michael Jackson - Neil Tennant (Pet Shop Boys) - Madonna - James Murphy (LCD Soundsystem) - Barry y Robin Gibb (Bee Gees)

The

Chain Gang Of 1974 Texto y foto: Paco Sierra

La música para bailar no es cuestión de un sólo género, época o discurso sonoro preestablecido: no hay reglas y para confirmarlo está el proyecto liderado por Kamtin Mohager, The Chain Gang Of 1974 que, con su disco Wayward Fire, nos ofrece una combinación de sonidos tan evidente para una generación, que con ella se identifican quienes bailaron con New Order o LCD Soundsystem, y esos que aman las canciones de OMD y Cut Copy… “Estoy constantemente recibiendo influencias, descubriendo nuevas y viejas bandas y profundizando más en sus catálogos: aquello que me ‘afecta’ está cambiando todo el tiempo. Siempre hay que progresar”, platica Kamtin para WARP MAGAZINE, justo antes de una de las presentaciones más importantes de su carrera: el XX Aniversario de Lollapalooza. Sobre sus inicios es muy claro: “el XTRMNTR, de Primal Scream, es la razón por la que comencé esta banda; escuché la canción ‘Kill All Hippies’ y decidí hacer música electrónica; y a partir de ahí escuché trip hop británico y un poco de garage punk rock; después de esa etapa, por alguna razón —aunque me siento un poco avergonzado—, comencé a involucrarme en cosas más electrónicas y, al poco tiempo, tomé el gusto por bandas de antaño, de los ochenta y noventa;

HOLD ON

bandas que se han vuelto mi gran influencia.” Mientras se escuchan canciones como ‘Taste Of Heaven’ o ‘Don’t Walk Away’, podrían adivinar a quién suenan y recordar varios nombres; pero Kamtin es muy claro al respecto: “Me encanta el hecho de que alguien escuche alguna canción y me diga: ‘wow, suenas a Roland, de Tears For Fears’… Y es increíble, porque eso es lo que intentaba. Me gusta que se den cuenta de mis influencias, pero no es sólo eso: también hay un toque moderno”. “Wayward Fire es un disco muy personal; estaba terminando una relación y vivía el argumento más difícil de mi vida mientras escribía las canciones. Fue un proceso de alivio. Nunca he escrito una canción basada en algo que no me haya pasado; siempre me apoyo en mis experiencias, en mis sentimientos, en el amor y cosas con las que la gente se pueda identificar”, mencionó, mientras denotaba cierta emoción al exteriorizar sus vivencias a un medio latino… Pero eso es precisamente lo que busca a corto plazo: llevar su propuesta a otros puntos. “Siempre he creído que a este proyecto le podría ir mejor fuera de Estados Unidos: Reino Unido, México, Brasil… Me encantaría que la gira llegara a esos lugares, llevar mi música lo más lejos posible.”

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Dan Coop

Does It Offend You, Yeah?

THE PERFECT RECIPE

Por: Dan Coop

Foto: Rubén Márquez para SesioneS Con Alejandro Franco

La música que está hecha para bailar tiene peculiaridades interesantes. Para hacer una canción bailable, divertida y que se pueda disfrutar en una fiesta no importa tanto si tienes una banda de música electrónica, o si eres un DJ. En mi experiencia he notado que las canciones más bailables hoy en día tienen un buen gancho, un buen sampleo (reconocible y reinventado) y una buena línea de bajo. En Does It Offend You, Yeah? estos elementos están claramente identificados y eso nos ha ayudado a tener un sonido con autenticidad.

Para mí éstos son de los 5 discos más bailables hasta la fecha: 1. Discovery - Daft Punk 2. Exit Planet Dust - The Chemical Brothers 3. The Prodigy Experience - The Prodigy 4. Immersion - Pendulum 5. Dummy - Portishead (bueno, éste no es tan bailable pero a mí me gusta mucho)

›› Dan Coop es tecladista, productor y miembro fundador de la banda originaria de Reading, Inglaterra, Does It Offend You, Yeah?

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Elizabeth Harper (Class Actress)

Por:

LOS 10 ARTISTAS Y BANDAS MÁS BAILABLES DE TODOS Elizabeth Harper LOS TIEMPOS

Foto: Manuel Casteltort para SesioneS Off Season

Existen muchas bandas y artistas que, por su peculiar estilo, han trascendido las fronteras del sonido y sin importar en que género sean clasificados nos hacen bailar y disfrutar con su amor por la música. Algunos de ellos se han vuelto íconos de muchas generaciones y han influenciado a una gran cantidad de artistas, muestra de ello es la gran diversidad de géneros y estilos que hoy abundan en la música. Tanto, que hay para todos los gustos y para toda clase de públicos. He aquí 10 de los artistas que a mí me han hecho bailar desde siempre y me han influenciado para hacer la música de mi banda.

1. Michael Jackson 2. Elvis Presley 3. Depeche Mode 4. Pet Shop Boys 5. Madonna 6. The Smiths 7. Salt-N-Pepa 8. Snoop Dogg 9. Jay-Z 10. Five Star

›› Elizabeth Harper es vocalista y compositora de la banda Class Actress y actualmente promociona su álbum debut Rapprocher.

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›› Elsa Núñez es periodista musical y colaboradora de WARP MAGAZINE, puedes leer su entrevista con Alan Palomo, de Neon Indian, en WARP #41.

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Foster The People DON’T STOP... ‘TIL YOU GET ENOUGH Por: Elsa Núñez Cebada Fotos: Cortesía FTP

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Qué cuestión tan complicada esa de bailar. Para lograrlo sin hacer el ridículo es necesario tener ritmo, coordinación, noción de los pasos que no te harán quedar mal y —muy importante— no pisar a la pareja y mucho menos al de al lado, esto en caso de bailar en solitario. Para gente como yo —que no nació con el don—, puede parecer bastante complicado salir del movimiento de los hombros, acompañado de un ligero golpeteo de uno de los pies (pocas veces los dos). Aquellos que comprenden mi sentir, también entenderán lo liberador que resulta agarrarle el ritmo a una canción; sobre todo a esa que, de inmediato, se convertirá en nuestra preferida por otorgarnos más que una buena composición. Mientras pienso en lo complicado que es bailar, WARP MAGAZINE dedica esta edición a una combinación prácticamente perfecta: Foster The People y la reacción que nos despierta anatómicamente… ¡Bailar! Mark Pontius, su baterista, habló con nosotros desde Berlín, Alemania previo a una de dos presentaciones que tuvieron en dicha ciudad, donde esperan entender cómo es que el éxito se les ha presentado de manera repentina, sin tomar en cuenta que tal vez se deba al hecho de haber compuesto un cuasi-himno que marcará este 2011: ‘Pumped Up Kicks’. Ustedes son como bebés en la escena musical. ¿Cuándo empezaron el proyecto y cómo pensaron que evolucionaría? Empezamos como casi todas las bandas: somos de Los Angeles; allí nos conocimos por amigos en común. Todos teníamos inquietudes musicales, pero nunca hablamos formalmente de arrancar una banda y hasta hace dos años nos juntamos para tocar. De hecho, estábamos con otros proyectos hasta que nos dimos

cuenta de que trabajábamos bien juntos; así decidimos empezar con nuestra banda. Todo ha pasado muy rápido desde entonces y no esperábamos que fuera así. Hace algunos meses estábamos tocando en pequeños lugares de Los Angeles y ahora, cada noche, nuestra audiencia son cientos de personas. Ha sido un proceso muy veloz y no creo que ninguna banda piense en cómo y cuándo lo vivirán. Es algo relativo, emocionante; algo para lo que no muchos estamos preparados. ¿Por qué Foster The People? Lo hicimos como una especie de homenaje al proyecto solista de Mark Foster, en el cual estuvo trabajando por mucho tiempo; y lo que utilizamos para empezar con nuestra banda, en gran medida, formó parte de esa etapa. Así quisimos mantener su nombre o algo que hiciera alusión a él. Al principio pensamos llamarnos Foster And The People, pero decidimos cambiarlo; creemos que es más contundente y así no hay que entrar tanto en detalles sobre lo que hay detrás de él o de nosotros como agrupación. El nombre nos involucra a todos. ¿Cómo encontraron su sonido? A pesar de que solamente somos tres, cada uno tiene su propia historia musical. Como te comentaba, Mark Foster influyó muchísimo en la concepción de nuestro sonido; él creció escuchando a The Beach Boys y cosas por el estilo; aunque también hemos tomado elementos de la música de la década de los ochenta. Torches me parece un álbum fantástico… ¿Qué hay detrás de él? En realidad trabajamos con cuatro productores y nos tomó cinco meses hacerlo. Principalmente estuvimos en Los Ángeles, aunque también viajamos a Londres para grabar un par de canciones.

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Nos gustó mucho estar en el estudio. Se trata de nuestro primer álbum y tuvimos que aprender a trabajar muy rápido: el proceso fue muy breve. Tal vez hay gente que no trabaja bien bajo presión, que se asusta; pero nosotros evitamos a toda costa que nos sucediera, porque lo único que queríamos era hacer bien las cosas. Estoy segura de que Torches estará presente en las listas de lo mejor de 2011… ¿Cómo se sienten al respecto? ¿Imaginaron que algo así pasaría tan pronto? Es increíble. Cuando grabas tu primer disco, no piensas que algo así pueda pasar de inmediato; lo único que piensas es crear un proyecto sólido, grabar y que la gente disfrute de tu

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trabajo. De verdad, no esperábamos que todo se nos fuera a presentar tan rápido; estábamos muy contentos cuando terminamos el proceso en el estudio, pero no esperábamos esto. Nos sigue sorprendiendo que se nos esté tomando en cuenta para tantas cosas y nos sentimos muy honrados de lo que estás diciendo. Al menos en México, ‘Pumped Up Kicks’ suena en todos lados… ¿Qué historia hay detrás de esta canción? Foster creó el personaje de un niño para que diera su punto de vista sobre su vida; es un niño que es abusado por otros niños. Lo que buscamos en la canción fue retratar su vida, cómo es que

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Es maravilloso; es algo muy personal que se convierte en público. No importa si se están volviendo locos o si solamente mueven la cabeza: sabes que estás causando algo en cada una de esas personas. ¿Cuál ha sido el show más memorable de la corta carrera de Foster The People? Definitivamente, el primero en el que los tres —estando en el escenario— volteamos a vernos totalmente sorprendidos; esto fue en el pasado Lollapalooza: había unas 30 mil personas viéndonos; fue hermoso vivirlo desde nuestra perspectiva, porque la gente estaba muy contenta: fue algo increíble. Sin embargo, tanto los festivales como los lugares pequeños tienen su encanto; lo importante es la energía de la gente: mientras que en escenarios grandes te sorprende la cantidad de gente que se reúne sólo para escucharte, en los foros pequeños te pones en contacto directo con la audiencia. He escuchado que empezarán 2012 en Japón… ¿Les emociona su exótico público? No lo sé; creo que será sumamente divertido. El público japonés es bastante intenso y alocado; mucha gente de allá nos ha escrito cosas maravillosas. Así que esperamos que nuestro paso por ese punto del planeta sea fantástico.

esto sucede y cómo la gente reacciona ante ello; por desgracia, es algo muy común. Pero pasa algo extraño e interesante con esta canción: nos hemos dado cuenta de que no sólo le gusta a la gente joven y esa brecha es lo que nos ha permitido llegar a más gente. En nuestros shows, los más jóvenes se ponen hasta adelante y no paran de bailar; pero cuando subimos un poco la mirada, podemos ver a la gente más grande haciendo lo mismo. Eso me encanta: la forma en que la música puede servir como una perfecta conexión sin importar absolutamente nada. ¿Qué sientes cuando estás sobre el escenario y ves a toda esa gente bailar con tu música?

La pregunta que muchos nos hacemos en México: ¿Cuándo planean venir? Lo más seguro es que suceda para principios del año próximo. Sabemos que a la gente de México le gusta Foster The People; muchos fans se han puesto en contacto con nosotros, por medio de las redes sociales, haciéndonos la petición. ¡Tienen que venir! ¡Claro! [Risas]. Ten por seguro que estaremos por allá muy pronto. ¿Qué esperan del año que está por comenzar? Vamos a seguir de gira buena parte del tiempo, aunque esperamos tomarnos un descanso para empezar a trabajar en nuestro segundo álbum; tal vez estemos trabajando en él mientras viajamos; aún no lo sé. Lo que es seguro, es que tendremos un nuevo material para 2012.

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Gang Gang Dance MINDKILLAS Por: Giorgio Brindesi

Foto: Elizabeth Cacho

La banda neoyorquina Gang Gang Dance visitó la Ciudad de México para promocionar su más reciente álbum, Eye Contact (2011): una combinación peligrosa de worldbeat y rock experimental que pondrá a más de uno a bailar. WARP MAGAZINE platicó en exclusiva con Brian DeGraw y Taka Imamura (ambos parte angular en la estructura de la agrupación) antes de su presentación en el Teatro Fru Fru, y esto fue lo que nos dijeron… ¿Qué opinan de la escena musical de Nueva York? Taka Imamura: Es muy interesante; aunque no es la mejor, como quizá ustedes piensen. Muchos creen que la escena musical mundial viene de Nueva York; sin embargo, no es así; lo cierto es que mucha música llega directo a esa ciudad y, en ese sentido, no hay nada “original”. Pero en general está mejorando; pienso que las mejores cosas, musicalmente hablando, no están sucediendo allí, sino en las afueras. Como músicos, ¿prefieren el estudio o los conciertos? TI: Creo que amamos lo que hacemos y eso nos inspira; tratamos de hacerlo lo mejor posible en ambos ámbitos. Brian: Yo creo que somos mejores en el escenario; por eso nos

tomó cuatro años grabar Eye Contact; quizá nuestra esencia es compartir lo que hacemos con la gente en los conciertos. Su música tiene muchas influencias pero, ¿cómo desarrollar un sonido propio? TI: Escuchamos muchos estilos de música, como la cumbia, la cual nos parece asombrosa; y es música hecha para bailar. Personalmente me gusta mucho la música pop mexicana; me gusta Juan Gabriel: se me hace realmente bueno; y también me gusta Luis Miguel. Nos gustan muchos estilos de música, pero lo importante es que la gente esté abierta a todo tipo de expresión; la gente debe saber que Gang Gang Dance no sólo trata acerca de crear música, sino también tiene que ver mucho con la filosofía que nos hace existir. Debemos recordar que no sólo somos materia: necesitamos alimentarnos y vivir la vida de manera real y consciente; sé que esto es muy difícil cuando vives en una ciudad tan grande como el D.F. o Nueva York, pero si dejas de pensar un poco en el dinero y abres tu mente, podrás lograrlo. ¿Cómo describirían su álbum? B: Creo que es una producción bella y maravillosa; es un disco que los sorprenderá; y es que trabajamos mucho en él. Es poético y, definitivamente, tiene esencia.

›› Giorgio Brindesi es Asistente Editorial en WARP MAGAZINE, DJ, productor y host del show de radio Dirty Sessions By Salcedo+Brindesi de Beat 100.9 FM.

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When the silence sounds Por: Karina Luvián

Foto: Cortesía Hurts

Rítmica ineludible. Guitarra, sintetizador, programador. Armonías que invitan a mover los pies desde los primeros acordes. Calificativos que ni cercanamente reflejan la sensación que genera la música de cuatro bandas cuyo único conector, a simple vista, es la letra inicial de su nombre. Y aunque 2011 no recibió ninguna novedad de su parte, es cuestión de darle play a alguno de sus discos para sentirlos frescos, provocando ese cosquilleo inevitable que nos hace repetir a una sola voz… we are ready, ready for the floor. Hurts: Con la reedición, hace algunas semanas, de Happiness (2010), su primer material de estudio, y la promesa de entrar a grabar el álbum sucesor, Hurts continúa como una de las constantes referenciales en cuanto a synthpop interesante se refiere, cuya rítmica -si bien no es energética y explosiva- provoca cadenciosos movimientos propicios para momentos de tranquilidad. Así, con una corta carrera musical Theo Hutchcraft y Adam Anderson han logrado ser vistos y aceptados tanto por la crítica como por otros músicos; prueba de ello su inclusión en el álbum de remixes de Lady Gaga Born This Way: The Remix. Hot Chip: Con cuatro álbumes de estudio, el éxito logrado con Made In The Dark (2008) y su consolidación con One Life Stand (2010), la banda liderada por Alexis Taylor es indispensable en cualquier setlist que se jacte de ser interesante y divertido. La banda nace a partir de la amistad y de proyectos compartidos entre el mismo Taylor y Joe Goddard, para completarse a principio de milenio con la inclusión de Owen Clarke, Felix Martin y Al

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Doyle. Actualmente se encuentran en pleno proceso creativo del que será su siguiente disco, mismo que, de acuerdo al frontman de la agrupación, está lleno de experimentación para que se convierta en el mejor que hayan presentado hasta el momento. Hadouken!: Originaria de Inglaterra y con numerosos EP’s y mixtapes lanzados bajo su propio sello, Surface Noise Records, esta banda está conformada por James Smith, Alice Spooner, Daniel Rice, Christopher Purcell y Nick Rice, representando, definitivamente, una de las mejores opciones para conocer si lo que se busca es música dance de alta calidad. Con dos discos de larga duración - Music For An Accelerated Culture, de 2008, y For The Masses, de 2010- la agrupación ya trabaja en su tercer material de estudio, el cual saldrá bajo el sello independiente Ministry Of Sound en los primeros meses de 2012. Honom: Sebastian Uzieblo, verdadero nombre de este músico y productor, es uno de los mejores exponentes del nu disco creado actualmente en Gothenburg, Suiza. Aunque con una corta trayectoria, sus creaciones han despuntado en las listas de popularidad especializadas en Europa y recientemente -el 5 de septiembre, para ser exactos- puso en el mercado su nuevo EP titulado Bedcat, mismo que contiene dos canciones con su respectiva remezcla, y fue lanzado bajo el sello Pole Position Recordings. Su música es perfecta para pasar toda una noche en la pista pues, como asegurara la revista NME, “Honom nos lleva a través de un relajante, significativo y bailable viaje”.

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Icona Pop

MORE NIGHTS LIKE THIS Por: Paco Sierra / Foto: Cortesía IP

Pocos son los elementos, hoy en día, para brillar en la “música pop”, término que al estar unido a “música alternativa” siempre es de riesgo; aunque con casos como el del dúo sueco Icona Pop se comprueba la efectividad y lo cautivante de un género sin fecha de caducidad. Y es que Caroline Hjelt y Aino Jawo nos presentan un electro pop sofisticado hasta su máxima expresión, con su EP Nights Like This, producido por The Knock y respaldado por las afamadas disqueras Kitsuné y Neon Gold. WARP MAGAZINE platicó con ellas sobre sus orígenes, acerca de cómo hacer una buena fiesta y respecto al verdadero significado del pop. ¿Cuál ha sido la mayor influencia, no sólo musicalmente, para Icona Pop? Cuando nos conocimos, pareció que nos enamoramos. Caímos en un profundo caos creativo y hemos tenido esa sensación desde entonces. Creo que podríamos decir que nos inspiramos la una a la otra. Otras cosas son viajar y andar en nuestras bicicletas; ellas se llaman “Yellow Danger” y “Kumba”. Icona Pop comenzó en una fiesta, ¿correcto? ¿Cuáles creen que son los ingredientes para una buena fiesta? Ah, claro: nos encanta la fiesta y somos muy buenas en eso. Cuando hacemos una fiesta, nos aseguramos de tener mucha buena música, gente divertida, mucha cerveza y un set para DJ por si la gente quiere tocar algo. Y no importa dónde estemos: nos la arreglamos para poner ‘Roxanne’, de The Police; ahí es

cuando sabemos que la fiesta es un éxito. ¿Qué tienen en la mente cuando escriben su música? Los sentimientos nos controlan en un noventa por ciento y el resto es reflexión. Nos colocan las situaciones emocionales, buenas o malas, pero son esas situaciones sobre las que escribimos. ¿Qué canción es la que más veces han escuchado en su vida? Tendríamos que decir que es ‘Fur Elise’, de Beethoven… Y ‘Purple Rain’, de Prince. Si pudieran describir su sonido en una sola palabra, ¿cuál sería? Twisted-bittersweet-pop ¿Qué tan importante es para ustedes la palabra “pop” y todo su significado? “Pop” es una palabra grande aunque, actualmente, casi todo podría serlo. Amamos hacer exactamente lo que queremos en el estudio y después llamarlo “delicioso pop”. Nos encanta el pop y somos pop. Ya han comenzado una gira… ¿Latinoamérica podría entrar en sus planes? Oh, claro: nos encantaría ir. Hay tanto que queremos ver y esperamos ir muy pronto. Seguramente nos veremos por allá.

›› Paco Sierra es Editor en Jefe de WARP.la y puedes leer su texto de la cobertura exclusiva de ACL 2011 en WARP #41.

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Justice NEW LANDS Por: Michèle Albertini Foto: Uri Auerbach

Video Audio Disco se presenta como la segunda búsqueda de Justice por alcanzar la gloria. Y aunque que la dupla francesa parece haber crecido de manera prematura, lo cierto es que tienen exigencias personales bien definidas y una profunda creencia en el exitoso camino recorrido hasta ahora. Una de las mitades del proyecto, Gaspard Augé, platicó con WARP MAGAZINE sobre su más reciente producción, misma que hicieron —indicó con precisión— “en un año-tres meses”. Antes de decidirse por el camino de la música, eran diseñadores. ¿De qué manera siguen desarrollando su creatividad no musical? Ya sea para los videos o para las portadas de los discos, nosotros somos los que están en la base de la idea en general. No nos encargamos del aspecto técnico, pero hacemos la dirección artística de todo, principalmente porque nos divierte. Para nosotros todo está ligado, sea la música o el aspecto visual. Justice no es solamente la música; es el conjunto lo que nos interesa. Sobre la portada del disco puedo decirte que estuvo a cargo de Surface To Air, un estudio de diseñadores franceses; ellos también tienen una tienda en donde hay creaciones de Beto Cabrera, un diseñador mexicano. Se nota que, para Audio Video Disco, se concentraron más en la composición de las canciones; incluso más que en su álbum debut… Así es. En el primer disco hicimos cosas muy diferentes. Si necesitábamos una línea de bajo, íbamos a buscar un La en la misma canción. Para este álbum utilizamos, a lo mucho, un sólo sampleo, porque queríamos que la producción fuera mínima en comparación al primero, donde buscábamos una idea eficaz.

Para este, queríamos algo más sutil; es por eso que la composición es máxima y la producción mínima. ¿La búsqueda de los sonidos también fue diferente? Sí: en el primer disco todo era muy saturado y comprimido. Aquí quisimos darle un poco de aire a la música, hacer sentir el cuarto en donde fue grabado, que fuera más vivo y menos hecho por computadora. Intentamos llevar ese espacio al disco. El primero es como la noche; este es más un día de campo. ¿Qué sientes sobre la desconfianza musical de la que se habla cuando la gente se refieren a Paris y sobre la exigencia del público? ¿Qué experiencia tienen ustedes como Justice? No sé mucho, porque hace tiempo que no estamos enterados de lo que se hace de música electrónica. Para nosotros, la música electrónica es algo que nos divierte cuando se trata de DJs; de otra forma, no es algo que nos encante escuchar. Ese es el problema de intentar estar a la moda: cuando crees que lo estás, resulta que ya es viejo; y pasa tan rápido que, si piensas que el dubstep es lo de hoy, mañana habrá algo más. Nosotros sólo intentamos hacer canciones, buenas canciones, sin importar la etiqueta; la gente lo llamará como quiera, pero una buena canción siempre será una buena canción. Y no digo que sólo hagamos buenas canciones, pues la gente sigue teniendo la última palabra. De todas formas, intentamos darle a la gente emociones tan sencillas como la felicidad o la tristeza, o hacerlos sentir invencibles o calientes. No intentamos estar de moda; sólo queremos hacer una especie de up un poco moderno.

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The Moving Company

Top 3 de Carlos Cháirez: Canciones para bailar by Kinky ‘A dónde Van?’ ‘Intoxícame’ ‘Sister Twisted’

Kinky

THE AWAKE OF DANCE MACHINE Por: Karina Luvián / Foto: Cortesía Kinky

Hace varios años, la llamada “Avanzada Regia” impactó la escena en México por su originalidad y propuesta, demostrando que no sólo el Distrito Federal era cuna de bandas cuyo sonido trascendería fronteras. Sin embargo, de ellas poco se sabe ahora, existiendo, claro, una evidente excepción: Kinky. Este 2011, la banda regresa con El Sueño De La Máquina y WARP MAGAZINE platicó con Ulises Lozano y Carlos Cháirez sobre su concepto y realización… ¿Cuándo empiezan a planear este nuevo material? Ulises: Desde que terminamos la gira de promoción de Barracuda (2008). Mientras ocurría, compusimos y trabajamos algunos temas, así que terminados nuestros compromisos entramos a nuestro estudio de Los Angeles y armamos algunos demos para mostrárselos a algún productor. Después enlistamos nuestras opciones y, afortunadamente, pudimos trabajar con uno de los que encabezaban la lista: John King (Dust Brothers). Él ha trabajado con músicos como Beck y Beastie Boys, y fue increíble que aceptara; luego de eso trabajamos entre ocho y nueve meses casi viviendo en su estudio. Esta producción cuenta con colaboraciones como La Mala Rodríguez y Dante Spinetta, ¿cómo decidieron quiénes participarían? U: Kinky ha sido muy inclusivo desde el primer disco. Ahí está Atlas (2003), con la voz de John McCrea (CAKE); Reina (2006), con Intocable y Ely Guerra, y Barracuda con la participación de Money Mark y Randy (Molotov), así que no tenía por qué ser diferente. Carlos: La elección es algo que surge al escuchar cada canción, no

se puede planear. En el caso de La Mala, por ejemplo, ella era la voz femenina que necesitábamos, así que nos acercamos, le mandamos la música y le gustó. Quisimos aprovechar mucho su voz, porque además de rapear muy bien tiene un color vocal muy lindo. ¿Por qué eligieron como título El Sueño De La Máquina? C: Es algo que representa muchísimas cosas para nosotros. La máquina puede ser un cuerpo humano, la sociedad o el mundo en general, la cual, por ciertas situaciones, empieza a soñar con salir de todo eso. Por otra parte, pasamos mucho tiempo encerrados en el estudio, rodeados por máquinas para crear música, a tal punto que empezamos a tener una conexión con ellas… como si tuvieran vida propia. Esto lo relacionamos con teorías de varios pensadores que plantean la relación hombre/ máquina y el punto en que ellas empiezan a soñar… ya sabes, esas visiones apocalípticas. Finalmente, ¿Cómo definirían el sonido de este disco respecto a los anteriores? C: En cada material experimentamos con diferentes sonidos sin amarrarnos a una fórmula, lo que nos ha permitido tener cortes sin voz o con muy poca letra; ahí está ‘Ejercicio #16’, que está muy basada en la fiesta y en el ritmo. U: Kinky se caracteriza mucho por tener una esencia bailadora, pese al mensaje definido de este álbum. Somos una banda rítmica, fiestera, que puede seguir sonando mientras se acaba el mundo, así que nuestras canciones son más piezas sonoras donde la música es protagonista.

›› Karina Luvián es Coordinadora Editorial de WARP MAGAZINE y puedes leer su artículo acerca de #WARP5 en WARP #41.

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Ladytron

NINETY DEGRESS

Por: Diovanny Garfias/ Fotos: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

Asistente: Leonel Hernández / Maquillaje: Chëla Olea / PR: Reni Baitenmann

Let’s dance with Ladytron! - Playlist: ‘Seventeen’, ‘Ghosts’, ‘Sugar’, ‘He Took Her To A Movie - Live’, ‘Deep Blue’.

Si pensamos en íconos modernos de la música electrónica, indudablemente tenemos que pensar en Ladytron: proyecto británico que, durante más de diez años, se ha mantenido lanzando singles como ‘He Took Her To A Movie’, ‘Seventeen’ y ‘Sugar’ —que terminan sacando lo mejor de todos en la pista de baile—, e incluso cortes más profundos, como ‘Destroy Everything You Touch’ y ‘Ghosts’, que reflejan su lado más introspectivo. Este año, el cuarteto lanzó Gravitty The Seducer, un álbum más orgánico que, por momentos, rompe con el sonido clásico de la banda. WARP MAGAZINE platicó con Helen Marnie y Mira Aroyo, quienes detallan su nueva producción y los motivos que la originaron. Su anterior álbum, Velocifero (2008), tiene un sonido muy dinámico, casi rocker; pero tres años después lanzan Gravity The Seducer, de sonido más orgánico, nostálgico, incluso abandonando el dance icónico en Ladytron. ¿Qué los llevó a tomar esta decisión? Helen Marnie: Creo que siempre tratamos de hacer cosas

diferentes a las que ya hemos hecho. Cuando hicimos Velocifero compusimos tantas canciones, que teníamos suficientes para hacer otro álbum —de hecho, algunas de estas canciones terminaron en el Gravity The Seducer—; pero sentimos que queríamos hacer algo más íntimo, más downtempo, así que fue casi natural. Al final tratamos de que los tracks funcionaran de una manera más cinemática. Gravity The Seducer tiene la consistencia de una placa completa, de un trabajo que se debe escuchar del primero al último track para apreciarlo en su totalidad. ¿Fue difícil lograr este resultado sonoro? Mira Aroyo: Definitivamente es un álbum con más dirección que los anteriores; casi lo sentimos como un álbum concepto aunque, claro, sin tener una idea central. Puedes sentir cómo avanzas a través de las canciones, lo que sucede de forma natural. Teníamos muchas canciones de dónde escoger, pero al final, para construir y contar una especie de historia, escogimos las que mejor encajaron juntas.

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¿Hay algo en particular que haya inspirado la historia llamada Gravity The Seducer? MA: No creo que haya algo en particular, pues nos inspiran cosas que vemos en nuestro día a día: una película, una foto o un libro; tomamos algunas de esas situaciones que sentimos, lo que puede disparar una idea en la mente para empezar a construir la canción alrededor de eso. Casi parece que el disco está pensado para tocarse en vivo. ¿Dirían que está influenciado por la extensa gira de promoción de Velocifero? MA: Sí, es muy orgánico; pero no diría que está influenciado por nuestros shows en vivo: tiene muchos instrumentos graba-

dos en vivo y creo que el sonido viene de una producción y de una instrumentación muy bien pensadas. ¿Cómo es que se reúnen y deciden componer un nuevo álbum? Sé que cada uno de ustedes viven en lugares diferentes… HM: Casi siempre pasa igual: compartimos mucho tiempo juntos cuando estamos de gira; después necesitamos algo de tiempo solos y, cuando tenemos ese tiempo libre, es que escribimos. Todos tenemos estudio, así que creamos en nuestras casas y luego empezamos a compartir las ideas más básicas. Cuando estamos en esa etapa, decidimos reunirnos, desarrollamos las canciones y empezamos a definir la dirección que tendrán, porque nunca sabes hacia donde irán o si van a encajar.

›› Diovanny Garfias es Editor en Jefe de WARP MAGAZINE, puedes leer su entrevista exclusiva con Alan Wilder (Recoil) en WARP #41.

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Llevan más de diez años juntos… ¿En algún momento ha cruzado por su mente separarse y dejar de hacer música como Ladytron? HM: No, realmente nunca. Cuando empezamos, en 1999, nunca pensamos que estaríamos en este lugar; era algo que hacíamos por diversión y todo esto aún es una linda sorpresa: nos sentimos muy afortunados de hacer lo que nos gusta. Así que tomamos las cosas con calma y, aunque no hacemos muchos planes para el futuro, esperamos seguir siendo creativos después de este álbum y, bueno, veremos qué sucede.

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Hans Warner

Momo! Por: Hans Warner / Foto: Cortesía Momo!

Lo que hace a la música mexicana bailable frente a las propuestas extranjeras es el lenguaje (la lírica), es una de las diferencias más inmediatas y notables, ya que si hablamos de sonido y calidad pueden ser similares. Por ejemplo —aunque tal vez suene simplista—, si una banda australiana tiene muchas similitudes con una mexicana en cuanto a la programación, el uso de teclados de cierta marca, e incluso, al tipo de producción —dado que somos una generación con influencias muy marcadas—, la diferencia estará en el idioma, claro, el gen mexicano siempre se asoma, esta implícito. Si bien es cierto que el idioma nos diferencia de bandas de otras partes del mundo, eso no nos asegura que cada single que lancemos sea un éxito, recordemos el documental de la historia de la música electrónica Synth Britannia, en el que uno de los integrantes de OMD menciona que se les juzgaba por que eran “una banda electrónica que hacia éxitos pop y que ya tenían una

DANCING MX

fórmula para hacerlo”. Él responde: “si tuviera un botón para hacer éxitos nunca lo hubiera dejado de apretar; noche y día lo estaría apretando”. Como músico, puedo decir que lo que nosotros hacemos es evocar los sonidos que más nos gustan, componemos, grabamos y producimos canciones que nos surgen desde adentro. En el caso de un single como ‘La fiesta’ de Momo!, el premio mayor es lograr conectar con la gente. Para mí, las bandas más representativas del género bailable a nivel latino son: • Nortec • Babasónicos • Kinky • Los Amigos Invisibles • Dapuntobeat

›› Hans Warner es músico, productor y tecladista de Momo!, proyecto electro pop complementado por Ana Karla Escobar y Peter Warner.

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Nortec RADIO BORDERLAND

Por: Leonel Hernández

Foto: Rubén Márquez para SesioneS con Alejandro Franco

Nortec: género musical mexicano, creado a partir de fusionar el género electrónico y norteño. Este tipo de música nació en Tijuana, Baja California, México aproximadamente en el año de 1999.

Son referente de la música electrónica en México y han hecho que Tijuana no sea sinónimo de frontera violenta, sino testimonio de creación artística. Con más de diez años de experiencia, Bostich (Ramón Amezcua) y Fussible (Pepe Mogt) comparten, en exclusiva para WARP MAGAZINE, los detalles detrás de su ideología y de ese proceso creativo que, en peculiar mezcla, deriva en la música que todos bailamos. ¿Ha cambiado el mensaje de Nortec para el mundo? Bostich: Desde su nacimiento, Nortec fue un reflejo de Tijuana; era parte de la sonoridad de la ciudad donde crecimos escuchando música electrónica, norteña, de tambora y de mucha gente que llegó migrando a Tijuana. Fussible: El mensaje fue ese en un principio y, como la ciudad cambió, sucedió lo mismo con el mensaje, que ha mutado en estos diez años en los que hemos crecido como Nortec. Y desde ese primer disco, hasta Boulverad 2000, se refleja esa Tijuana que estamos viviendo. El tema central, en todos los temas, es Tijuana y el disco en el que estamos trabajando reflejará lo que hemos vivido estos últimos años en nuestra ciudad. Una pregunta hipotética: si el colectivo Nortec y este movimiento de visualistas y músicos no hubiera aparecido hace más de diez años y hubiera aparecido hasta ayer, ¿creen que hubiera sido igual de relevante?

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B: Nortec tenía que nacer, tarde o temprano, precisamente en Tijuana. No había nada que diera identidad a la ciudad y, hasta nosotros como músicos electrónicos, emulábamos cosas que se hacían en otras partes del mundo. Creo que habiendo nacido ayer o en 1999, Nortec hubiera tenido el mismo impacto. Su caso fue muy parecido al de la llamada “ola francesa”, con bandas como Air, Daft Punk, Cassius… B: Sí, y es que hubiera sido muy difícil remezclar otro género, como el merengue; estos movimientos, que reflejaron su propio entorno, le dan credibilidad a la gente y se vuelven auténticos. En nuestro caso sí reflejamos a nuestra gente y nuestro estilo de vida. F: Es curioso: precisamente estamos en el mismo sello francés que distribuye a Justice y Daft Punk en Europa: Because Music; y a Nortec lo ponen a la par de ellos. ¿Cómo ha afectado la evolución de la tecnología en su proceso creativo? B: Desde que nació Nortec, la tecnología siempre ha sido una ayuda para la creación de música. Desde el principio usamos secuenciadores, samplers, sintetizadores analógicos y, conforme han surgido nuevos sotwares —en este caso, aplicaciones de iPad—, hemos evolucionado nuestro sonido; en nuestro último disco usamos el Monome o el Tenori-on, por ejemplo. Pero seguimos usando nuestros modulares y nuestros sintetizadores analógicos: tratamos de mezclar lo nuevo con lo antiguo.

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Top 5 80’s dance bands: Duran Duran, Adam And The Ants, Depeche Mode, Soft Cell, Pet Shop Boys.

OMD

THE FUTURE, THE PAST, AND FOREVER AFTER

Por: Michelle Apple Foto: Pola para WARP

Si hablamos de Orchestral Manoeuvres In The Dark, mejor conocidos en la Tierra como OMD, hablamos de una de las bandas más icónicas de la década de los ochenta, la misma que nos entregó la ola new romantic y al synthpop más oscuro y virtuoso. Entre esas dos vertientes estaba el proyecto encabezado por Andy McCluskey, que con el paso de los años evolucionó en un híbrido electrónico, sin perder el estatus de leyenda. Por eso, nadie mejor que el señor McClusky para enlistar, en exclusiva para WARP MAGAZINE, sus 10 canciones favoritas en la historia de la música bailable.

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Robyn – ‘Dancing On My Own’ ABBA – ‘Dancing Queen’ The Normal - ‘Warm Leatherette’ Chic - ‘Le Freak’ Michael Jackson – ‘Don’t Stop ‘Til You Get Enough’ Moguai – ‘Lyve’ Centhron – ‘Dreckstück’ Toddla T - ‘Cherry Picking feat. Roisin Murphy’ Missy Elliott - ’The Rain (Supa Dupa Fly)’ David Bowie - ‘Sound And Vision’

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Panoptica Orchestra EL ENSAYO Por: Samuel Segura Foto: Cortesía PO

Para Roberto Mendoza la vida después de Nortec no terminó. Al contrario, ha logrado realizar muchos de sus proyectos, que van desde la composición hasta la producción —porque, de hecho, él se considera más un productor—. WARP MAGAZINE platicó con él sobre el material homónimo de Panoptica Orchestra, así como de su manera de ver la música, las colaboraciones y, sobre todo, de cómo se ve a sí mismo. En alguna parte de tu biografía se comenta que “el sonido Nortec ha rebasado los límites de la moda”. ¿Cuáles son los alcances de tu nuevo proyecto? De los alcances no tengo ni la menor idea, pero lo que sí te puedo decir es que mi idea fue llevar el proyecto a otra parte… ¿De qué manera? Dejándome influir por otros estilos de música. Ya no solamente estoy apegado a fusionar la música electrónica con la norteña, con la banda; ahora la salsa y la cumbia son parte de una nueva fusión, de un nuevo híbrido. A lo mejor mucha gente va a decir que “eso” es Nortec; y sí, sigo pensando que “eso” es Nortec, pero un poquito más evolucionado. Entonces, ¿tu música no tiene un límite predispuesto? Exactamente: no lo tiene. Por eso le quité el “Nortec” al disco: porque no sé a dónde vaya a ir; no sé si de aquí a cinco años vaya a estar mezclando todavía banda o vaya a estar mezclando música africana con mariachi. Me quise abrir a la posibilidad de hacer muchas otras cosas. Obviamente no voy a hacer un cambio tan radical, pero estoy dejando la puerta abierta para muchas otras cosas, evitando encasillarme bajo la denominación “Nortec”. En esa búsqueda de identidad, ¿tu música aún representa a Tijuana, o a la cultura mexicana?

Sí, definitivamente, pero hasta cierto punto: soy de Tijuana, estoy influenciado por Tijuana, pero también estoy influenciado por el resto de México y por el planeta entero. Es bien interesante cómo la música, si la ves desde un punto de vista local y te concentras en él, puede convertirse en algo global: eso fue lo que nos pasó a nosotros. Sin embargo, no te puedes quedar allí. Mi idea siempre ha sido evolucionar. Intento no quedarme atrapado en una generación. La gente que se queda atrapada en una etapa, se mantendrá repitiéndose. Has colaborado con diversos artistas; por ejemplo, en este álbum, con Javiera Mena… ¿Qué significan para ti las colaboraciones? En Nortec, dentro del mismo colectivo, hice canciones con Clorofila y Calexico; y también hice remixes para otros artistas. Siempre me hice a la idea de que puede venir una orquesta y alimentar lo que estoy haciendo de una manera positiva. Los discos de Panoptica, de aquí hasta no sé cuándo, van a estar llenos de colaboraciones. Conforme voy haciendo los temas, voy haciendo una lista de probables candidatos que puedan ayudar, sobre todo en la voz, entre artistas internacionales y artistas mexicanos. Esto siempre va a ser una puerta abierta a las colaboraciones. ¿Ya estás trabajando en un nuevo material? Ya; de hecho, ya tengo algunos tracks; pero no me he concentrado. Ahorita ya debería estar terminado el álbum; sin embargo, empecé otra fase como productor y acabo de terminar un álbum de una banda llamada La Internacional Sonora Balkanera. El álbum me costó unos ocho meses de trabajo y hay mucho de mí allí: las composiciones no son mías, pero muchos arreglos sí y estoy súper orgulloso del resultado. Ahora me puse la meta de producir a un grupo, más de rock, aunque sin salirme tanto, porque lo “mío lo mío” es lo electrónico.

›› Samuel Segura es colaborador de WARP MAGAZINE y puedes leer su entrevista con Omar Rodríguez López en WARP #36.

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Quiero Club LAS PROPIEDADES DEL BAILE Por: Boscop Benavente

Foto: María José Sesma / Edición: Emma Lolshe / Asistente: Diego de Regil

Hoy en día la música bailable se asocia con la música electrónica; pero para mí, si tu cuerpo se mueve al compás de cualquier ritmo o melodía, quiere decir que es “música bailable”, sin importar género o época. Considero también que la sección rítmica de una pieza es el detonante para el baile, aunque la melodía es cómplice de pasos de baile divertidos. Desde mi perspectiva, mis instrumentos favoritos para hacer música bailable son: Bajo Mis primeros recuerdos de alguna canción eran los basslines (líneas de bajo: círculos de notas en el bajo o contrabajo) de Michael Jackson; eso me llevó a ser baterista y disfrutar bastante componer con un bajo. Piano Cuando estudié música, entendí cómo se estructura todo a través del piano; es por eso que, cuando pienso en crear algo específico, recurro al teclado.

Boscop Benavente es músico, productor, ingeniero en audio, cocinero y baterista de Quiero Club.

Boscop Benavente

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Guitarra Les platico que, en una época, dejé la música; y cuando volví, fue como guitarrista de Arizona, banda a la cual se le extraña. Allí componía las rolas con guitarra. Mis guitarristas favoritos eran David Gilmour (Pink Floyd) y Thurston Moore (Sonic Youth). Batería Es el instrumento que me lo da todo. La escogí porque es como un gran vehículo dentro de la música y aquello que me permite crear; y es muy gratificante para mí: casi todo lo que hago con Quiero Club lo hago en batería. Trompeta Ha sido mi último reto: quiero aprender a tocarla bien y me parece que aplicarla en el estudio de grabación será muy divertido; ya he experimentado un poco en vivo y creo que es un gran instrumento.

The Moving Company

Top 5 canciones para bailar de los últimos años: - ‘House Of Jealous Lovers’ - The Rapture - ‘Daft Punk Is Playing At My House’ - LCD Soundsystem - ‘One More Time’ - Daft Punk - ‘In For The Kill’ - La Roux - ‘Just Dance’ - Lady Gaga

The Rapture

IT TAKES TIME TO BE A BAND

Por: Paco Sierra / Foto: Cortesía TR

El testimonio de una banda como The Rapture no puede faltar en este recuento de música para bailar: desde 2003 nos han regalado piezas perfectas y han recibido las mejores críticas de medios alrededor del mundo por su ecléctica mezcla de sonidos. WARP MAGAZINE aprovechó su última visita a México para platicar con Gabriel Andruzzi y Luke Jenner sobre su más reciente álbum, In The Grace Of Your Love, y de su necesidad de tocar en vivo para justificar su constante presencia en festivales y giras mundiales. “Me gustan los grandes festivales —afirma Luke Jenner—: nunca sabes qué va a suceder; en un concierto pequeño, por ejemplo, la mayoría de la gente es fan y están allí para verte, mientras que en los festivales hay gente que nunca te ha visto y me gusta esa oportunidad; y es que usualmente no tocamos ante 50 mil personas: eso vuelve grandiosos a los festivales.” Anécdotas seguramente sobran, pero Gabriel recuerda una en particular dentro de la atmósfera de los festivales: “La experiencia clásica —la tenemos que mencionar— es tocar en Glastonbury: es un festival de renombre mundial. Bez, de los Happy Mondays, tocó con nosotros en una ocasión; llegó de la nada a nuestro camerino, se tomó nuestras cervezas y, durante ‘House Of Jelous Lovers’, nos acompañó con el pandero”. Al respecto, Luke confiesa: “Bez no paraba de gritar ‘Manchester-New York Crossover”… Fue muy cool; después nos llevó a un lugar donde le gustaba pasar el rato a Joe Strummer.”

Tener nuevas canciones para tocar en vivo se convierte en un reto que Luke vuelve una clara analogía: “Las canciones nuevas tienen una energía diferente: tocar canciones nuevas, apenas después de grabarlas, es como si tuvieras una relación con ellas y debes descifrar cómo hacerlo. Aprender a ser buenos amigos con estas nuevas canciones, descifrar qué energía requieren para tocarlas, ha sido algo muy bueno en esta gira. Y me gusta tener una relación con las canciones. La gente todavía las está conociendo y creo que mucha más gente escuchará el nuevo disco después de vernos tocar. Y es que yo nunca compró un disco el día que sale; por eso creo que la gente estará lista para escuchar este álbum en unos dos años más. Así funciona para mí: no absorbo música muy rápido; tengo toda mi vida para hacerlo. Acabo de ver a O.M.D. y fue grandioso, pero algunas de esas canciones que escuché desde niño las sigo absorbiendo y sigo teniendo una relación con ellas. Por eso espero que sea el comienzo de una relación larga con estas nuevas canciones.” The Rapture nos ha acompañado desde hace algunos años y esperamos que lo sigan haciendo… Pero, ¿estarán dispuestos? —Probablemente —respondió Luke—; quizá con cabello más corto; y usaremos ropa de papá, camisas de botones… —Seré mitad robot —dijo Gabriel. —Mitad robot con barba —agregó Luke. —Y viviremos bajo el agua… Pero nunca dejaremos de hacer música.

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She Wants Revenge A LITTLE BIT HARDER NOW

Por: Michelle Apple / Foto: Michael Muller

She Wants Revenge, en 2006, colocó el single ‘Tear You Apart’ como uno de los cortes más representativos no sólo de la pasada década, sino del post punk. Desde entonces, la dupla californiana integrada por Adam Bravin y Justin Warfield se ha mantenido manufacturando música de diversos géneros, incluidos ritmos bailables en sus más oscuras corrientes. WARP MAGAZINE platicó en exclusiva con Adam, durante la más reciente visita de la banda a la Ciudad de México, donde nos contó a detalle el momento por el que pasa la banda. ¿Qué tan diferente fue el proceso creativo y de grabación de Valley Heart, su nuevo álbum, en comparación con sus trabajos anteriores? Acordamos una cosa desde el principio: “no hagamos algo que hayamos hecho antes; no miremos hacia atrás, sino hacia delante”. Con esta norma comenzamos a tocar y, si sonaba como algo que hubiéramos hecho antes, nos deteníamos, tomábamos un minuto y empezábamos de nuevo. Escribimos el disco muy rápido: después de tener tres o cuatro canciones, Justin escribió algunas letras acerca de San Fernando Valley, Los Ángeles —lugar del cual venimos—, y fue en ese momento en que decidimos que, para el resto del disco —líricamente para Justin, musicalmente para mí—, crearíamos algo que nos hiciera sentir la vibra de casa. Fue muy fácil hacer eso, porque toda la música que escuchamos, las chicas de quienes nos enamoramos y, en fin, todo lo que somos ahora, proviene de un espacio-tiempo específico: esa es la mayor diferencia. En 2009 lanzaron el EP Up And Down: una pieza muy electrónica; casi dos años después lanzan el que es, a la fecha, su álbum más

orgánico. ¿Fue difícil hacer este crossover? Después de nuestro segundo álbum, This Is Forever (2007), queríamos experimentar, así que hicimos el EP Save Your Soul (2008); pero honestamente no somos personas que duerman en ataúdes o que escuchemos a Bauhaus todo el tiempo; crecimos escuchando a Prince, New Order, Public Enemy, jazz, rock, de todo. Dijimos “vamos a divertirnos un poco y hagamos algo electrónico, bailable”; y, de hecho, casi lo lanzamos bajo otro nombre, porque era muy diferente; pero al final decidimos que era parte de lo que somos. Así que ese EP es un retrato de quiénes éramos en ese momento. Ahora: ¿tenemos ganas de hacer otro disco bailable? La respuesta es no, porque por ahora estamos más interesados en tocar y la música electrónica, para nosotros, no es tan emocional, tan expresiva. Así que digamos que fue como sacar algo de nuestro sistema y volver a donde empezamos: algo más orgánico, no tan electrónico. Además de músico eres fotógrafo y, de hecho, te estrenaste como director de videos en el clip ‘Take The World’, de She Wants Revenge… Sí, aunque fue muy diferente hacer el video a tomar fotos; no sabía lo que iba hacer, no tenía el concepto; lo único que sabía era que debía ser en blanco y negro, porque creo que a veces los colores te distraen. Así que invité a cuatro chicas hermosas: Rosie, que está en la portada de nuestros primeros dos álbumes; Ivy Levan, que sale en la portada del Up And Down; Zina Star, que canta en el track ‘All Wound Up’; y una chica más, una de la que estaba enamorado [risas]. Pensaba en cómo hacer que las chicas se vieran lo más sexy posible, sin mostrarse desnudas, que de hecho lo estaban; pero creo que “menos es más”, siempre.

›› Michelle Apple colabora en WARP MAGAZINE además de investigar fenómenos paranormales y sobrenaturales en sus ratos libres.

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Thom Yorke LOTUS FLOWER Por: Giorgio Brindesi

El líder musical de la banda británica Radiohead es uno de los artistas más creativos y eclécticos en la música. Basta recordar sus diversas colaboraciones con figuras como Björk, U.N.K.L.E., PJ Harvey, R.E.M., Beck, DOOM, Four Tet, Burial, Flying Lotus y Modeselektor, sólo por nombrar algunos. Los talentos de Yorke no se limitan a la composición y producción de música, este 2011 significó su debut como bailarín profesional ante las cámaras que registraron el video de ‘Lotus Flower’, primer single del más reciente álbum de Radiohead The King Of Limbs. Thom no es el primer músico que, de repente, hace públicas su ambiciones en la danza, otras figuras lo han hecho en el pasado, dejando claro que se deben dedicar de lleno a hacer música, aquí algunos ejemplos.

Top 5 de videos bailables protagonizados por rockeros: Iggy Pop – ‘Lust For Life’ Radiohead – ‘Lotus Flower’ David Bowie & Mick Jagger – ‘Dancing In The Street’ David Lee Roth – ‘California Girls’ Björk – ‘It’s Oh So Quiet’

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The Moving Company

Up Up Up

AHÍ VIENE LA U… Por:

Alejandro Franco

Underworld

Uno de los temas bailables más divertidos y afortunados de 2011 fue ‘Up Up Up’, de Givers, proyecto musical conformado por los productores Chris Coady (TV On The Radio, Yeah Yeah Yeahs, Beach House) y Ben Allen (Animal Collective, Deerhunter y Gnarls Barkley). El sencillo es considerado uno de los que definieron el verano pasado junto a ‘Pumped Up Kicks’, de los tres tipos que están en la portada de este mes, dentro de un cuadro de honor con propuestas que, sencillamente, incitan a pasarla bien y dejan en claro que el sonido que Vampire Weekend lanzó al mundo en 2008 fue más que sólo casualidad. Y ya que hablamos de la letra “U” y de lo que nos hace bailar, me siento obligado a definir algunos conceptos con ayuda del diccionario: Ultra. (Del lat. ultra) 1. adv. Además de. 2. adj. Dicho de un grupo político, de una ideología, o de una persona: De extrema derecha. 3. disco. Noveno álbum del grupo inglés de música electrónica Depeche Mode (David Gahan, Martin Gore, Andrew Fletcher), producido durante 1996-1997 y publicado en la primera mitad de este último año. 4. festival. Evento de música electrónica anual en conocida semana de la música, en Miami. Es considerado uno de los más grandes del mundo y su edición 2012 se llevará a cabo del 20 al 25 de marzo.

Ultravox. (Inspirado en el lat. ultra) 1. banda. Proyecto de new wave inglés surgido en 1976, que con el paso del tiempo fue cambiando de estilos musicales (glam rock, proto-punk, synthpop, industrial, pop) hasta su separación definitiva, en 1996. En 2009, la clásica alineación de la década de los 80 se reunió para hacer una gira por ciudades de Reino Unido y otra por Europa. U.N.K.L.E. (Del inglés. uncle) 1. similar. Palabra en inglés (uncle) que refiere parentesco. Hermano o hermana del padre o la madre. 2. banda. Proyecto británico de música electrónica, siempre experimental, conformado por James Lavelle y Tim Goldsworthy. DJ Shadow también formó parte de él. Entre sus colaboraciones se encuentran nombres como Thom Yorke (Radiohead), Richard Ashcroft (The Verve) y Jason Newsted (Metallica). Underworld. (Del inglés, underworld). 1. similar. Palabra en inglés para “submundo”. Refiere un ambiente marginal o delictivo. 2. banda. Agrupación británica de música electrónica conformada por Karl Hyde y Rick Smith, quienes han grabado juntos desde 1980. En su etapa más prolífica contó con el famoso DJ Darren Emerson.

›› Alejandro Franco es Director General de WARP además de encabezar el proyecto SLKTR, puedes escuchar su trabajo visitando soundcloud.com/slktr.

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The Moving Company

Top 5 dance punk bands: The Sounds, Metric, Miss TK & The Revenge, Robots In Disguise, Le Tigre.

The Vettes

PARTY ISN’T OVER

Por: Michelle Apple

Foto: Sergio Gálvez para WARP

Nueva Orleans, alias NOLA: ciudad de diversidad cultural impresionante, de legado histórico como pocas en el mundo, de calles de espíritu festivo que contagia igual a turistas y lugareños, además, es una ciudad que apesta a música. Por ello, es imposible pensar que una banda como The Vettes se originara en otro punto del planeta. La agrupación —conformada por Rachel, Chad, Mitch, Todd y Brian, todos de apellido Vette— es muestra de la diversidad que uno puede encontrar en NOLA, pues es una banda de synthpop con actitud rock y sonido bailable hasta sus últimas consecuencias. En exclusiva, WARP MAGAZINE platicó con Rachel y Chad, justo antes de subir a Le Carnival Stage, en el festival Voodoo Experience, y esto fue lo que dijeron… Su sonido es algo muy particular, mezcla de varios géneros… Rachel: Bueno, cuando formamos la banda, decidimos que queríamos ser un grupo que estuviera orgulloso de su música y hacer algo al nivel de lo que escuchamos cotidianamente. Así que tomamos algunos elementos de los ochenta y de los noventa, pues es la época en la que vivimos nuestra niñez. A veces es algo complicado tratar de describirnos, pero creo que somos una banda divertida con elementos de rock, electrónica y pop. Chad: Creo que la diferencia está en que nosotros nos enfocamos en las canciones, en lugar del sonido colectivo de la banda; por eso es que, a veces, le cuesta trabajo a la gente definir nuestro sonido: cada canción es diferente a otra.

Y se nota mucho en sus shows: hay diferentes momentos anímicos a lo largo de sus conciertos… R: ¡Sí! Básicamente es como un concierto de rock, con la energía muy arriba. Como sabes, nosotros somos familia, así que la cohesión que tenemos como banda es algo que puedes notar en el escenario. C: Además, Rachel es muy buena enganchando al público: la gente queda cautivada por su teatralidad en el escenario. Hay algo que se percibe en su música, particularmente en sus shows en vivo: me refiero a la identidad que tienen como banda; es decir: ustedes no son como esas docenas de bandas que suenan y se ven iguales unas a otras… C: Creo que eso es algo que nos pasa de manera orgánica: nunca nos decimos “tienes que ponerte esta chamarra” o “tienes que tocar de este modo”. Todos somos individuos, únicos, y eso es lo que nos hace diferentes: todo lo hacemos de manera natural y es algo que en algunas bandas parece forzado. Siguen promocionando su álbum Welcome To Plasticville (2010), pero ¿cuáles son sus planes para 2012? R: Hay mucha música en la que hemos estado trabajando y que queremos lanzar el próximo año. Tenemos muchas ganas de hacerlo, porque nos emociona mucho el resultado final que obtuvimos y queremos que la gente lo escuche; y definitivamente vamos a estar de gira y haremos más fechas que este año; ya sabes: salir lo más que podamos.

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The Moving Company

Voodoo

Music Experience

La cobertura de Voodoo 2011 es presentada por:

WORSHIP THE MUSIC

Por: Diovanny Garfias / Fotos: Sergio Gálvez para WARP

Día 1 La música se convirtió en la protagonista de esta historia llamada Voodoo Experience 2011 que, como cada año, superó las expectativas de los miles de asistentes. Desde temprano se abrieron las puertas del City Park de Nueva Orleans que, durante tres días, se convirtió en la capital de la música del bayou, pues por sus escenarios pasaron bandas locales y bandas mainstream que sirvieron para prender la mecha de una jornada larga… Y es que, pasadas las 14:00 hrs., The Wombats se paró en Le Carnivale Stage para convertirse en la primera banda de buena concurrencia. “Esta es la primera vez que tocamos en Nueva Orleans y nos sentimos muy honrrados de que nos reciban”: con estas palabras los de Liverpool conectaron con los asistentes, quienes estaban deseosos de iniciar la fiesta. A las 16:30 hrs., Ani DiFranco reunió a algunos cientos alrededor del WWOZ Stage, donde la poeta feminista entonó sus himnos folk. Por su parte, Band Of Horses mostró el gran momento que vive con su presentación en el Voodoo Stage, donde celebró su exitoso Infinite Arms (2010) con esas interpretaciones que los

ha convertido en grandes. En Le Plur Stage, Major Lazer puso a saltar a miles, quienes aprovecharon el cobijo de la noche para tomarse muy en serio la fiesta liderada por Skerrit Bwoy, que además estuvo ambientada por visuales gigantescos y desconcertantes. Al poco tiempo, la banda originaria de Nueva Orleans, The Vettes, cerró Le Carnivale Stage con una mezcla de pop, rock y electro. Fue entonces que My Chemical Romance apareció en el Voodoo Stage y los encabezados por Gerard Way subieron al escenario enfundados en ropas medievales, siguiendo con esa “tradición” que dice que las bandas del Voodoo Experience deben aparecer disfrazadas. ‘I’m Not Okay (I Promise)’ y ‘Helena’ fueron algunos de los temas más coreados. Las actividades del viernes las cerraron Chris Cornell, Kim Thayil, Matt Cameron y Ben Shepherd: los reconstruidos Soundgarden dieron un paseo a través de su historia musical que, para delicia del público, fue una noche de sólo éxitos. ‘Spoonman’, ‘The Day I Tried To Live’, ‘Fell On Black Days’ y, por supuesto, ‘Black Hole Sun’, representaron algunos de los puntos más altos de su presentación.

Ani DiFranco

My Chemical Romance

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Soundgarden

Band Of Horses

The Wombats

The Moving Company

Snoop Dogg

City And Colour

Mastodon

Día 2 A pesar de las ráfagas de viento y las bajas temperaturas, el ánimo no bajó en el City Park; de hecho, el sábado representó el día de mayor concurrencia, con la mayoría de la gente disfrazada. Hablando en música, Ozomatli inició una fiesta con sabor latino: la banda subió al escenario y, desde ese momento, la gente no dejó de saltar y divertirse. Pasadas las 16:00 hrs., Mastodon se convirtió en la primera banda cien por ciento metal en tocar en esta edición del Voodoo. Una hora después Dallas Green y compañía subieron al WWOZ Stage, llegando el turno para City And Colour; los canadienses actuaron ante una pequeña audiencia la cual, sin embargo, se entregó a los ritmos folk de la guitarra de Green. Minutos más tarde, en Le Ritual, la legendaria banda de punk, Social Distortion, hizo su aparición; y para sorpresa de los liderados por Mike Ness, un numeroso publicó celebró cada una de las piezas entregadas por la banda. Pero a las 19:00 hrs., otra banda californiana de punk saltó al escenario; se trataba de X que, con Exene Cervenka y John Doe a la cabeza, encendió a un pequeño pero entusiasta público en Le Carnival.

Ozomatli

Blink-182

Era hora de que Calvin Cordozar Broadus Jr. tomara Le Ritual: era el turno de Snopp Dogg. Y el rapero no sólo entregó un setlist cargado de éxitos; también logró reunir a la mayor concentración de público del festival. Como siempre, el californiano no dejó de incitar al consumo de sustancias prohibidas durante su actuación. Por su parte, en Le Plur, Kreayshawn preparó a miles para una noche de samples y alternative rap. Y para el momento en que ‘Gucci Gucci’ llegó a los oídos de los presentes, el ambiente había sobrepasado las expectativas. Pasadas las 20:00 hrs. llegó el esperado momento y Girl Talk hizo su aparición. Gregg Michael Gillis es conocido por llevar la fiesta hasta sus últimas consecuencias y esta no fue la excepción. Disfrazado como Freddy Krueger, el especialista en mashups ofreció un set que estuvo enmarcado por un show visual-pirotécnico especial para su presentación. Por la noche, Blink-182 apareció en Le Ritual para cerrar las actividades del sábado. Mark Hoppus, Tom DeLonge y Travis Barker entregaron un set que contó con temas de su más reciente álbum, Neighborhoods, aunque los grandes momentos de su actuación fueron con sus éxitos.

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The Moving Company

TV On The Radio

The Raconteurs

Portugal. The Man

Día 3 El último día de actividades del Voodoo Experience se vivió del mismo modo que los anteriores: con gran intensidad y júbilo por parte de los asistentes. Comenzó con Ray Davies, exlíder de The Kinks: uno de los más esperados en el Preservation Hall Stage. El músico, de 67 años de edad, interpretó cortes de su carrera en solitario, aunque con un buen recorrido a través de la historia de su antigua banda. Minutos después, Portugal. The Man apareció en Le Carnival, donde no sólo demostró su gran poder de convocatoria, abarrotando el pequeño escenario, sino también dejó en claro que puede sonar más que dura en vivo. Por su parte, en Le Ritual, TV On The Radio dio continuidad a sus buenas actuaciones en diversos festivales alrededor del globo durante 2011. De regreso en Le Carnival, poco antes de que cayera la noche, Robin Zander y Rick Nielsen presentaron a Cheap Trick, haciendo sentir el poder de sus guitarras para que un público de todas las edades disfrutara de sus temas más exitosos. En Le

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Fatboy Slim

Ray Davies

Ritual, mientras tanto, The Raconteurs puso punto final al paso de las bandas de rock por el Voodoo Experience de este año: Jack White revivió uno de sus proyectos y, frente a un numeroso auditorio, aprovechó para interpretar un set integrado por cortes de sus dos álbumes de estudio. En Le Plur, Norman Cook fue el encargado de cerrar las actividades del Festival. Así, Fatboy Slim inició una fiesta ambientada por proyecciones delirantes que se prolongó por casi dos horas, captando la atención de aquellos que buscaban extender la noche hasta sus límites. De esta forma concluyó la La cobertura de Voodoo 2011 edición 2011 del Voodoo Expefue presentada por: rience un evento que año con año logra mayor proyección a nivel mundial y que, en definitiva, es uno de los festivales más sui generis del planeta.

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Para descargar el EP DISCOTECNO escanea el código o visita www.soundcloud.com/ the-wookies

The Wookies Texto y Foto: The Wookies

Los Wookies somos una raza del espacio que viene de otra galaxia. Nuestro parecido con Chewbacca es mera coincidencia, preferimos no estar vinculados con él, pues tiene muy mal carácter. Los Wookies hemos pinchado por un par de años en algunas de las más locas fiestas en México, Tokio, Canadá, Nueva York y Puerto Rico, luchando batallas junto con algunos de los DJs más famosos del mundo. La lista es bastante larga, pero los nombres más importantes son The Chemical Brothers, Kavinsky, Friendly Fires, DJ Mehdi ,

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Steve Aoki y Underworld. DISCOTECNO es nuestro primer EP lanzado en Sicario Music en la Ciudad de México. El EP fue grabado en Acapulco. La mezcla entre el techno y la música disco es lo que da nombre a este EP. Todos los tracks fueron producidos por Andre VII y Calacas. twitter.com/thewookies music.sicario.tv sicario.tv

The Moving Company

W is for The Walkmen Por: Paul Stokes / @Stokesie

Traducción: Aldo Sosa / Foto: Brian Dunaway

Desafortunadamente, como muchas de las personas de mi generación que crecieron en la Inglaterra de los años noventa, viví durante el “boom” de la música dance pero me lo perdí completamente. Lo más cerca que estuve del “acid house” y de la escena rave fue a través de las noticias por televisión, porque era demasiado joven y habiendo destinado todo mi dinero a los conciertos de britpop, tipo de Blur, Oasis, Gene, Marium, Bluetones y muchos más, nunca tuve la preparación (o la intención) para asistir a los clubes que emergieron a partir del Gatecrasher, al final de esa década. Como resultado de lo anterior, primeras experiencias en este género fueron en la música disco indie. Ahora que Rihanna samplea a The xx o que Grizzly Bear se lleva con Solange, la hermana de Beyoncé, la escena disco indie es quizás EL lugar para escuchar lo más trascendente del género; no así en los noventa, cuando significaba escuchar guitarras tocándose FUERTE, lo que a menudo significaba que la velada derivaría en un pesado final de rawk [1] en lugar de dirigirse hacia un ambiente más dance. Quería compartir todo esto para que supieran de dónde viene mi elección de la banda que me inspira a bailar. Sí, son aclamados por sus letras, los adoro por las tensas atmósferas llenas de vida que plasman en sus discos, pero lo que amo de The Walkmen es que hacen eso y aún así te incitan a querer bailar, debido, principalmente, a los tambores que incluye su música. Beligerantes, sin perder la percusión, hay algo de Mohammad Alí en esta banda de Washington D.C. En ocasiones golpeados y sangrados -pero nunca doblegados- estos poderosos colosos, como el boxeador, pueden ser sorprendentemente ligeros, flotando como mariposas cuando así lo desean, pero también rockean como unos hijos de puta. Con las baquetas de Matt Barrick aportando a la banda el

coraje de una maraca vudú, órganos como remolinos, y una puntiaguda guitarra, sin dejar de lado la voz de Hamilton Leithauser al estilo soul-conoce-a-la-lija, para mí The Walkmen son toetappers por excelencia. Su canción más conocida, ‘The Rat’, es ya un clásico en la música disco indie (tanto así que tuvo su aparición en The O.C. cuando el show aún era bueno), siempre motivando a un cóctel de saltos defenestrados, azotes de cabeza, solos de “air guitar” y, posiblemente, una pizca de baile donde quiera que sea tocada. Por otra parte, son pocos los artistas que nombran a una canción ‘Woe Is Me’ (Yo Soy La Angustia) y llenan la melodía con un renglón de piano tan deliciosamente viajado que termines liberando a tu Fred Astaire interno, teniendo en cuenta también el aire alegre de ‘Lost In Boston’, el cual es perfecto para un baile chapado a la antigua (o sólo para mecerse si uno está solo). Así que no hay que olvidar: para bailar no sólo hay que centrarnos en la música dance (aunque si en la L no está LCD Soundsystem, ese grupo estará en problemas), pues estos cuates con guitarras también son capaces de hacerte mover los pies. Mi playlist: ‘Get on your dancing shoes’ (The Walkmen, 2001) ‘Woe Is Me’ (Lisbon, 2010) ‘The Rat’, (Bows + Arrows, 2004) ‘Juveniles’ (Lisbon, 2010) ‘The House Of Little Savages’ (Bows + Arrows, 2004) ‘Lost In Boston’ (A Hundred Miles Off, 2006) [1] Término usado para degradar a ciertas bandas o amantes del rock, haciendo alusión a una tergiversación del género.

›› Paul Stokes es Editor Asociado de la prestigiada publicación de Reino Unido Q Magazine.

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The Moving Company

Xtreme Electrique Music Texto y Foto: Pato Watson / @watopatson

ARRIBA: Juan Soto (Moon Runner), Rocco Desentis, Alec Sander (La Royale/ Moon Runner), Alán Santos (Soft Porn), Teodoro Zamudio, Telesynth, Iván Riestra (Rubinskee), Eduardo R. Molina. ABAJO: Sebastián Lechuga, Yoan Lokier (Chemistry), Leonardo Ponce (Timmy & The Monsters), André VII, Ed Lafuente (Lincoln Rogers), Federico (Love Bites), Santiago Padilla (Flabbbergast), Alex Trillo (The Neon Rider), Marcelo (Love Bites)

Electrique Music es un sello discográfico independiente, cien por ciento mexicano, fundado en Lower East Side, Nueva York, en 2009. Sus fundadores, Alec Sander, alias “La Royale”, Ed La Fuente y Max Camacho Jones, alias “Mr. Jones”, se conocieron desde la adolescencia en bandas de punk y hardcore, evolucionando rápidamente hacia aventuras musicales más complejas, a través de sus aficiones al equipo análogo de segunda mano y a la ola de software que facilitaba la producción de música electrónica y la síntesis granular. El sello fue fundado sin fines de lucro o de distribución masiva; lo único que buscaban era tener un nombre para poner en las producciones que Alec Sander, Ed y Max publicaban en esos momentos, desarrollando un sonido electrónico más crudo y muy diferente al que normalmente se generaba en México. En 2010, con el regreso de Alec Sander a México, iniciaron algunas fiestas y residencias de EM en distintos clubes de todo el país, con DJ sets más sofisticados, exigentes e inusuales, donde además de exponer los cientos de temas que Electrique Music había publicado independientemente a través de redes sociales y descargas gratuitas, se pinchaban los tracks más obscuros del synthfunk, ítalo disco malvado y old school house, muy al estilo de Frankie Knuckles o Ron Hardy. En esa época, los fundadores del sello comienzan a invitar a los nuevos miembros del sello, que inspirados por la exigencia en el gusto musical, la prolífica manera de publicar música y la búsqueda de amistades artísticas más trascendentes, deciden apoyar y formar parte del equipo que actualmente forma Electrique Music; entre ellos, en ese momento, estaban Andre VII, Bufi, Juan Soto, Soft Porn, Timmy And The Monsters y Rubinskee. Esto es lo que Alec Sander tiene que contar al respecto. ¿Cómo y por qué decidieron hacer Electrique Music? La verdad es que, al principio, no teníamos muchas ideas acerca de cómo publicar y distribuir nuestra música, o de cómo hacerla llegar

a la gente indicada; así que lo más fácil fue crear nuestra propia plataforma; además, en ese entonces, no conocíamos sellos activos que firmaran el synth-funk o el acid house que sonaba a chatarra: es música que la gente de aquel entonces consideraba anticuada; pero a nosotros nos parecía muy interesante y moderna. ¿Qué artistas forman parte hoy de Electrique Music? Están Rubinskee, Love Bites, Volga Beach, Rocco Desentis, Calanx de Francia, Chemistry, La Royale, Mr. Jones —que opera el sello desde Brooklyn—, Soft Porn, Ed Lafuente y Teodoro Zamudio. ¿Hacia dónde creen que se dirige la música dance? Las tendencias musicales están cambiando todo el tiempo y lo que funciona en un lugar no funciona necesariamente en otro; es muy raro, pero pensamos que la música, como toda forma de arte, debe reflejar el estado actual de las situaciones sociales y filosóficas; por eso sentimos que se acerca una etapa oscura para la cultura del dance. ¿Qué opinan de lo que pasa hoy en México en cuanto a música dance se refiere? El público mexicano es muy extraño; la verdad es que hemos estado en pocas situaciones donde la gente se fija en nuestros actos en vivo, donde hacemos uso de sintetizadores y drum pads, y creen que sólo estamos tocando CDs; es triste que no haya una cultura acerca de hasta dónde puede llegar la música electrónica como forma de arte y expresión; sin embargo, nuestros artistas han participado en eventos que acercan más a la gente con la manipulación de la música a través de la tecnología. ¿Consideran que realmente existe una escena y una cultura dance en México? Definitivamente hay una escena global en la que, gracias a sellos como el nuestro, México tiene opinión. Sin embargo, creo que falta definir más claramente de qué se trata la electrónica mexicana.

›› Pato Watson es tornamesista, productor, miembro de NSM PSM, skater y endurero frustrado.

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The Moving Company

Top bandas francesas para bailar: - Air - Anoraak - Cassius - Étienne de Crécy - Télépopmusik - M83 - Yelle

Yelle

DANCE EN FRANÇAIS

Por: Paco Sierra

Foto: Rubén Márquez para SesioneS Con Alejandro Franco

La francesa Julie Budet, mejor conocida como Yelle, se adueña del escenario desde que suenan los primeros beats: bajo una capa ejecuta la coreografía de ‘S’éteint Le Soleil’, en sincronía con sus compañeros de banda, GrandMarnier y Tepr, todos consientes de que el vestuario y sus movimientos son igual de importantes que su música. Safari Disco Club es el trabajo que promocionan y al que le han dedicado todo su esfuerzo en los últimos meses; así lo describe Julie para WARP MAGAZINE: “Safari Disco Club es un álbum que hicimos en un año —mucho tiempo—, pero queríamos concentrarnos y tener la calma para hacerlo lo mejor posible. No queríamos precipitarnos para luego no estar orgullosos de él. Comenzamos a grabarlo en el bosque, sólo nosotros tres y una persona más de apoyo; fue un proceso muy natural. ”Safari Disco Club es más elaborado que Pop Up; y es que realmente queríamos imprimir nuestros sentimientos en él. Es una mezcla de canciones felices, unas un tanto melancólicas y, sobre todo, nuestras experiencias durante la gira de tres años promocionando Pop Up. Fue raro no estar cerca de casa por un largo tiempo, pero el álbum incorpora todos esos sentimientos.

”Y desde luego que hay una línea que conecta todas las canciones, pero cada canción es diferente y llevada al máximo. Me cuesta un poco expresar esto, pero debo recalcar lo importante que fue para nosotros trabajar en cada canción y sacar lo mejor —armonías, melodías: todo— de cada una. Es como tener un bebé: quieres hacer lo mejor para él y para ti; pero no es fácil, pues no hay una fórmula para ser el mejor.” Además, Yelle nunca deja de lado los movimientos en su set: jornadas largas y muchas presentaciones alrededor del mundo comprueban más de tres años de gira: “Siempre es diferente: Europa, Estados Unidos, Sudamérica, Australia, Japón; tenemos la oportunidad de descubrir diferentes culturas. Me encanta estar de gira, pisar el escenario, conocer gente cada noche… Es como un sueño alocado. Quiero ser cantante por mucho tiempo; mientras, me considero una chica muy afortunada y disfruto cada momento.” ‘A Cause Des Garçons’ es la encargada de finalizar el set de Yelle esta noche, después de bailar, bailar y bailar y, sin importar el idioma, todos nos quedamos con el deseo de más.

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The Moving Company

Zoot Woman

Adam Blake

Por: Adam Blake / Foto: Cortesía ZW

Para hacer una buena canción electro dance no debes seguir el ejemplo del productor de Madonna y su trabajo en ‘Give Me All Your Love’ (cúlpenlo a él, Madonna debió trabajar con alguien diferente digamos… ¡Stuart Price!), necesitas algunos componentes básicos: algo viejo, algo nuevo, algo prestado y un buen beat. Elementos que en definitiva incluiremos en el nuevo álbum de Zoot Woman. Aunque aún no está terminado, puedo decir que, en lo personal, es un una reacción a nuestro trabajo anterior “Things Are What They Used To Be”. Como adelanto, diré que tenemos una canción llamada ‘The Stars Are

Bright’ y es mucho más rápida, minimal y techno que cualquiera que hayamos hecho en el pasado. Mientras nuestro nuevo LP ve la luz, les dejo algunas de las canciones electro dance que me han influenciado a lo largo de mi carrera: • A Guy Called Gerald – ‘Voodoo Ray’ • Candi Staton VS Frankie Knuckles – ‘You Got The Love’ • Stardust – ‘Music Sounds Better With You’ • Scissor Sisters – ‘I Don’t Feel Like Dancing’ • Chromeo – ‘Needy Girl (Paper Faces Mix)’

›› Adam Blake es músico, compositor, productor y miembro fundador de Zoot Woman y el proyecto Paper Faces.

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P82. DIGITAL. Memes P84. LUST IN THE MOVIES. Andy Serkis P86. FASHION NUGGET. Javiera Mena P88. ART BRUT. Elza Jo

WARP TV

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digital WARP TV

All your base are belong to us or do a barrel roll Por: Alejandro Escobedo

¿Q

ué hace algo digno de ser viral? ¿Qué tiene de especial ese lindo gatito en forma de Pop-tart que atraviesa la galaxia con su estela de arcoíris cantando una canción pegajosa? Sorprende saber que este tipo de cosas hacen explotar el contador de visitas de un video de YouTube, el número de reblogs en un post de Tumblr o la lista de trending topics en Twitter. Aprendamos una palabra rara: meme. Un meme es, simplemente, una idea que se convierte rápidamente en un fenómeno

en Internet; un concepto que, casi sin querer, llega a los ojos y oídos de gran parte de la población virtual que conforma la web. La mejor parte es que no tiene que ser forzosamente coherente, ni bonito o creativo; basta con que sea lo suficientemente relevante como para que, en poco tiempo, bastante gente lo comparta. De ahí que las horribles caras de los memes más conocidos, forjados en las profundidades de Mordor —es decir, 4chan—, parezcan tan burdas y mal hechas, y al mismo tiempo propicien sentimientos de risa, asco, sarcasmo y estupidez. Entre los memes más populares están el famoso y a la vez irritante “RickRoll”, las caricaturas acompañadas de las frases “Forever Alone” y “FFFUUUU”; videos incoherentes por las razones equivocadas, como ‘Trolololo’; y canciones que, se podría decir, de tan malas son buenas, como ‘Nuevo Amanecer’ o ‘Friday’. Si buscas explicación para un meme antes de haberlo visto, lo estás haciendo mal; pero cuando lo

hayas comprendido, seguramente tendrás muchas ganas de compartirlo; y mientras este ciclo se repita, el meme no morirá. Un aspecto digno de notar, es el hecho de que las grandes corporaciones mediáticas siempre estén un paso atrás de los contenidos digitales virales, queriendo lucrar con lo que, evidentemente, ni siquiera comprenden; hay veces en las que son éstas las que matan el meme: cuando Edgar se cae anunciando un producto, es como cuando a tus papás les empieza a gustar la misma música que a ti: algo ya no “está bien”. El siguiente hit mediático en Internet es tan impredecible como el clima: un día puedes despertar y llevarte la sorpresa de que cierto video o imagen se hizo viral, que todos hablan de eso y que, por muy estúpido que sea, si el meme vive demasiado, puede convertirse, incluso, en parte del legado cultural colectivo de una sociedad…Tu playera del Nyan Cat lo prueba todo.

›› Alejandro Escobedo es Ingeniero en Sistemas y TI especializado en desarrollo web, gamer y geek de tiempo completo en WARP.

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lust in the movies WARP TV

Las mil caras de Andy Serkis Por: Mario P. Székely (Enviado) Fotos: Cortesía Sony Pictures

Andy Serkis

París, Francia.- La lluvia golpea la ventana del Hotel Royal Monceau, al tiempo que WARP MAGAZINE enciende la grabadora para entrevistar a Andy Serkis, actor que difícilmente reconoceríamos si compartiéramos el asiento de avión con él, pero cuyos personajes están tatuados en la mente colectiva: “Gollum” de El Señor De Los Anillos, “King Kong” y el simio “César” de El Planeta De Los Simios: Evolución. Ahora llega Las Aventuras De Tintín: El Secreto Del Unicornio (2011), donde Serkis interpreta al “Capitán Haddock”, amigo y compinche del protagonista, quien cobra vida tras la animación en captura de actuación, donde el nombre de Andy ha estado presente, siendo reconocido más de una vez por la crítica y el público como el primer histrión que se merece el Oscar de Mejor Actor con corteza digital. ¿Cómo te sientes al ser esta especie de embajador de la técnica del performance capture (captura de actuación), provocando la sorpresa más auténtica en las salas de cine con tus personajes? Me han dicho el Lawrence Olivier, Gandalf y Charles Chaplin de la captura de actuación… Supongo que tiene que ver con 084

que llevo trabajando ya muchos años en este nuevo medio. Lo amo, soy muy apasionado al respecto y lo veo con gran valor. ¿Qué le dirías a quien minimiza el peso del trabajo del actor en esta técnica que se muestra como un personaje animado en pantalla? Hay que darle su lugar a la tecnología, pero rescatar siempre el contar buenas historias y la creación de personajes. Esta técnica se va a mantener evolucionando, enfrentando la percepción de la industria, de los medios masivos y del mundo, a quienes les deseo que puedan entender las posibilidades que tenemos en nuestras manos. La captura de actuación te ha dado la posibilidad de cambiar la imagen y textura de los personajes. ¿Cómo valoras esto? Cada uno de los personajes es muy distinto. Si te fijas que “King Kong” es un gorila de 25 pies de alto, “Gollum” un drogadicto de medio pie, el “capitán Haddock” un marinero borracho y “César” un simio con suma inteligencia, son sus personalidades, su alma, con las que conecto, sin importar si son una criatura o un humano.

lust in the movies WARP TV

Tintín (publicado entre 1929 y 1976) fue extraído de la imaginación del belga Georges Rémi, alias Hergé, Las Aventuras De Tintín es una serie de libros tipo historieta (dibujados y escritos por el autor), quien reúne una veintena de aventuras donde su estrella, “Tintín”, es un reportero acompañado de su fiel amigo canino, “Milou” y del “Capitán Haddock”.

Ficha Técnica: Las Aventuras De Tintín: El Secreto Del Unicornio (Aventura, animación 3D) Dirige: Steven Spielberg Se capturó en animación la actuación de: Jamie Bell, Daniel Craig y Andy Serkis

Entonces no caes en la tentación de hacer un personaje con la técnica de captura de actuación por el sólo hecho de hacerlo… No, porque me tienen que preguntar si quiero estar en el proyecto, y yo puedo decirles que ese personaje es muy aburrido. Como actor, uno elige los proyectos si cree en ellos, si se apasiona con ellos, si los ama, ya sea en un set virtual o en el rodaje de una cinta tradicional. ¿Crees que exista algún reto que aún no pueda hacerse con la captura de actuación, pero que podrá hacerse en el futuro? Existen esos casos. Una de las cosas que estoy tratando de lograr es la captura en vivo; es decir: actuar y, en vivo, ver el avatar frente a ti. Va a tener que pasar bastante tiempo para que suceda, pero estamos en buen camino. En términos de personajes fílmicos, realmente estamos en el inicio de permitir a los artistas hacer volar la imaginación con este medio. Hemos estado haciendo personajes humanoides y antropomórficos, como los simios, pero ahora debemos tratar de expandir eso y ver si podemos hacer más personajes abstractos. Nos encontramos en una era muy interesante.

¿Qué aspectos de la personalidad del “capitán Haddock” te atrajeron, siendo que padece alcoholismo y no está muy convencido, al inicio, de ayudar al reportero Tintín en su aventura? Siempre que interpretas a un personaje, colocas cierta cantidad de ti mismo bajo el microscopio. No debes de contenerte, porque eso es lo que le das al rol a interpretar. Algo que amo del personaje de “Haddock”, es que vive en un caos: siempre se está quejando, es un alcohólico y un desastre en patas. Pero, si remueves estas cosas, debajo hay un corazón muy grande. Él está lastimado, porque carga los pecados de su padre y lleva la culpa de muchas generaciones anteriores —las acciones de sus ancestros—; entonces ha llegado a este punto donde no puede funcionar como persona. “Tintín” entra en escena y lo activa; le pone un espejo diciéndole: “Mira, debes tener fe en ti mismo”. “Haddock” deja de compadecerse y, por primera vez, comienza a preocuparse por alguien más. Para mí, eso lo vuelve un viaje muy interesante y la relación que se desprende de todo esto es lo que me atrapó del rol. Ese es el corazón emocional de la película. 085

fashion nugget WARP TV

Next level Javiera Mena

Coordinación de moda: Diana Jiménez Fotografía: Sergio Orospe y Luis Tierrasnegras para Luciérnaga y WARP Maquillaje: E-lee Pe Se Ropa: Kuss Kuss / dianakusskuss.com / dianakusskuss.tumblr.com

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fashion nugget WARP TV

Agradecemos por las facilidades otorgadas para la realizaci贸n de estas fotos a OCA Restaurante, ubicado en Moliere 50, Polanco. www.ocarestaurante.com

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art brut WARP TV

Elza Jo

Significant Other Por: Chëla Olea

i hay algo en lo que Elza Jo cree firmemente, es en que el corazón está en el hogar. Esta mujer, nacida en Ámsterdam, en 1981, inició su carrera artística estudiando en The Hague Royal Academy of Arts. Es creyente de que todo se tiene que crear en casa; es decir, en la intimidad de los pensamientos. Su obra es divertida y muy elocuente respecto a su vida diaria; sus historias son explosivas y muy divertidas. Sus tres personajes favoritos son su gato, Rico, sus amigos y ella misma en distintas facetas. Con la era digital en constante evolución, Elza Jo prefiere la artesanía au-

téntica y, en lugar de estar horas inmersa en el Photoshop, agrega capas a sus fotos y videos en “stop motion” —como ella lo describe—, con una serie de efectos especiales brillantes y de colores pastel, creando un interesante contraste entre lo real y lo artificial, que aspira al espectador en un mundo romántico y surrealista que se siente como estar casa… Allí dónde está el corazón. ¿Cuándo decidiste ser artista? Mañana… [¿?]

›› Chëla Olea es editora de arte de WARP MAGAZINE, curadora de la sección Art Brut de WARPtv y make up artist.

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art brut WARP TV

¿Cuál es el significado que tiene el color en tu obra? Soy una persona inquieta: nunca puedo estar en silencio. Algunas veces trato de contenerme un poco y es allí cuando llega mi mejor momento para trabajar. ¿Cómo describes tu obra? Esa es una pregunta que considero terrible; y no porque tenga algún problema en particular; pero cuando la gente me lo pregunta, mi respuesta, usualmente, es “simple fotografía”; pero al tratar de describirla más, es una mezcla de un poco de moda, arte y collage… Lo que sí puedo decir,

es que amo las relaciones entre animales y humanos, y me encantan los temas cotidianos. Los símbolos son algo que encuentro muy interesante; son un lenguaje complicado, así que es divertido y confuso trabajar con ellos. Es algo que describe mi obra en su totalidad. Elza es reconocida por hacer fotografía de moda —ya sea trabajando para Elle, Nylon e, incluso, Levi’s, Puma, Strawberry Earth y Yumeko—, así como en el ambiente artístico, habiendo expuesto en varias galerías como la Cokkie Snoei, en París, y la Wehby Gallery de Nueva York. 089

warp.la l @laGUARP

THE MOVING COMPANY FEATURING EXCLUSIVE INTERVIEWS:

LADYTRON FOSTER THE PEOPLE

GUARP

Foster The People Dont’ stop... ‘til you get enough By: Elsa Núñez Cebada Translator: Marla Guedimin / Kerby Joe Grubb

Dancing, what a difficult task. In order to dance (without being embarrassed) you must have rhythm, good coordination and an idea of the steps that are in the “safe zone”. Most importantly; do not step on your partner or the person next to you. For people like me who weren’t born with the gift of fancy footwork, it may seem very complicated to accomplish more that moving one’s shoulders along with a single foot, let alone both feet and shoulders in time with the rhythm. Those who understand this sensation also understand how liberating it is to catch the groove of 092

a particular song, and not just any song, a song that is destined to become a pop favorite, a song that transcends simple composition. Speaking (or writing rather) of the complexity of dancing; Warp Magazine has dedicated an issue to another practically

GUARP

You are like babies in the music scene. When did you start this project and how did you think this would evolve? We started like almost every band; we are a band from L.A. We met there through friends in common. We all had different music paths but we never formally talked about starting a band. We got together two years ago. Actually, we had other projects until we realized we work pretty well together and that is when we decided to start our band and leave other music projects we had.

‘Pumped Up Kicks’ has been played everywhere. What’s the story behind this song? Foster created a character of a kid to give his point of view about his life. It is a boy that was abused by other kids. What we are looking for in this song was to picture his life, how this happens and how people react to it. Unfortunately, this is a very common thing. There is something very interesting and weird at the same time about this song because we have noticed not only young people like it, and that is what has allowed us to reach more people. At our shows, the youngest go to the front and they never stop dancing, when you raise your eyes a little bit, you can see older people doing the same, but in the back. I love that; how it is that the music can serve as a perfect connection.

Everything has been really fast and we were not expecting that. A few months ago, we were performing at small venues in L.A. and now, every night, our audience is of hundreds of people. This has been a very fast process and I don’t think any band thinks about how or when they are going to live it. It is very relative, exciting and not all of us are really prepared for.

What do you feel when you are on the stage and see that entire people dancing with your music? It is wonderful; it is something very personal that turns into a public thing. It doesn’t matter if they are getting crazy or they are only moving their heads, you know you are causing something in every one of those people.

Why Foster the People? We practically did this to honor Mark Foster’s solo project. He was working on it for a long time and everything we used to start our band, was part of that era. We wanted to keep that name or something to mention it. At the beginning we thought to name our band Foster And The People but we decided to change it because we believed it was more overwhelming and that way we do not have to be more detailed about what’s behind him or us as a group. That name involves us all.

What has been the most memorable show so far for Foster The People? Definitely the first one where the three of us –being on the stage- turned to each other amazingly shocked was the last Lollapalooza. There were around 30 thousand people watching us. It was beautiful from the perspective we had, and we saw people being very happy. It was incredible. Even though I think festivals and small venues have their own flavor, the important thing is people’s energy. On big stages you get surprised by the amount of people that gather to listen to you, while small venues put you into closer contact with the audience.

perfect combination: Foster The People and the power they have over their audiences to cause them to dance. FTP’s drummer, Mark Pontius, talked to us from Berlin prior to the first of their two show stay there. Here Pontius examines the band’s sudden success without the slightest mention they’ve probably made the anthem for 2011: ‘Pumped Up Kicks’.

How did you find your sound? Although we are only three, each one has his own musical history. As I said, Mark Foster was a huge influence. He grew up listening to The Beach Boys and stuff like that and we have also taken elements of the music of the ‘80s. I think Torches is a fantastic album. What is it behind it? We actually worked with four producers and it took us five months to do it. We mainly did it in Los Angeles and we also traveled to London to record a couple of songs. We loved being in the studio. This is our first album and we had to learn how to work really fast. The process was very short. Maybe there are people that do not work well under pressure, or get scared. We avoided that because we only wanted it to make things right. I am pretty sure Torches will be on the lists of the best of 2011. How did you feel about it? Did you imagine something like this so fast? It is incredible. When you record your first album you never think something like that could happen that fast, you only think to create a solid project, record and that people enjoy your work. We did not expect all this was going to happen this fast. We were very happy when we finished the process in the studio. We are still surprised to be considered for a lot of things, we will be honored if this what you are saying actually happens.

You are traveling all over Europe and will start the year in Japan. Are you excited about your exotic audience? I don’t know, I think it will be really fun. The Japanese public is very intense and crazy; a lot of people over there have contacted us and have written wonderful things to us. So we are expecting that stop will be fantastic. The question we are having: When are you planning to visit Mexico? Probably, in the beginning of next year. We know people in Mexico like Foster The People. A lot of fans have contacted us through social media, requesting us to visit Mexico. You have to visit Mexico! Of course! [Laughter]. Be sure we will be there very soon. What are you expecting from the upcoming year? We are going to keep touring most of the time, even though we are planning to stop for a bit to start working on our second album. Maybe we’ll be working on it while traveling. I still don’t know. But the fact is, we will have new material in 2012. I have to admit that it is hard to say if it will be ready, we expect it to, at least by the end of 2012. 093

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Helen Marnie: I think we always try to do different things from what we`ve already done. When we did Velocifero we wrote so many songs that we had enough to make another album but we thought we should make something a bit more intimate, more downtempo so it was almost natural. Some of these songs ended up in Gravity The Seducer, at the end we tried to make the tracks work more cinematically. In fact, Gravity the Seducer feels like a complete record, like a job that you have to hear from beginning to end to fully appreciate. Was it hard for you to achieve this resounding result? Mira Aroyo: This is definitely an album with a lot more direction than others we have done, we almost feel it like a complete album, of course, without having a central idea. You can feel how you move along all of the songs and that’s something that happens naturally. We had a lot of songs to choose from but at the end we chose the ones that fit together, to build and tell a sort of story.

Ladytron Ninety Degrees

Is there something in particular that inspired this story called Gravity The Seducer? MA: I don’t think there’s something in particular; we get inspired by a lot of things in our day to day, a movie, a picture or a book. We take some of these situations that we feel can shoot an idea in our minds and later we begin to build the song around them.

By: Diovanny Garfias / Translator: Marla Guedimin Photos: Rubén Márquez and Sergio Gálvez Assistant: Leonel Hernández / Make- up: Chëla Olea PR: Reni Baitenmann

If we were to think of modern icons of danceable music, we would have to undoubtedly think of Ladytron, a british project that, during more than 10 years, has been launching singles such as, ´He Took Her to a Movie´, ´Seventeen´ and ´Sugar´ which end up bringing out the best in everyone on the dancefloor, or even, deeper cuts like ´Destroy Everything You Touch´ and ´Ghosts´, which reflect their most introspective side. This year, the quartet launched Gravity The Seducer, a more organic album and that during moments, breaks with the classical sound of the band. In exclusive, WARP MAGAZINE spoke with the feminine side of the band, Helen Marnie and Mira Aroyo, who give us the details of their new production and the motives that originated it. Their previous album, Velocifero (2008), has a very dynamic sound, almost rocker, and three years later they launched Gravity the Seducer with a very organic and nostalgic sound, even abandoning the iconic dance in Ladytron. What made them take that decision? 094

It almost seems the record is thought to be played live. Would you say it’s influenced by the promotion tour of Velocifero? MA: Yes, it is very organic, but I wouldn’t say that it’s influenced by our live shows, it has a lot of instruments recording live and I think that the sound comes from a production and instrumentation that were very well thought of. Tell us, in general, how do you reunite and decide to write a new album? I know all of you live in different places. HM: It almost always happens the same way with us, we share a lot of time together when we’re on tour, then we need some time to ourselves, when we finish that free time that’s normally when we write. We all have personal studios so we create in our homes and then we started sharing the most basic ideas between us. When we are in that stage we decide to reunite in the studio and begin to develop the songs, we start defining the direction they’ll take because you never know where they’re headed or if they’re going to fit. That’s how it works for us. You’ve been together for more than 10 years, has it ever crossed your minds, at any moment, to split up and stop making music as Ladytron? HM: No, not really. When we started in 1999 we never thought that we would be where we are right now, it was something we would do for fun, and it’s still a nice surprise for us, because we feel very fortunate to do what we do. So we take things with calm, we don’t make too many plans for the future, but we hope to keep being creative after this album and see what happens.

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W is for The Walkmen By:

Paul Stokes / @stokesie

Unfortunately like a lot of people my age who grew up in Britain in the 1990s, I lived through a dance music boom and missed it all. The closest I got to acid house and the rave scene was TV news because I was too young and with all my money going on Britpop gigs by the likes of Blur, Oasis, Gene, Marion, Bluetones and many more, I never had the readies (or inclination) for the Gatecrasher-inspired super clubs that emerged at the end of the decade. So as a result I cut my teeth ,or rather my dancing feet, at the indie disco. Now with Rihanna sampling The xx or Grizzy Bear chumming up with Beyonce’s sister Solange, the indie disco these days is probably the place to hear cutting edge dance music. Not so in the 1990s. It was the one place you got to hear guitar music played LOUD, which often meant the evening would slide towards the heavier end of RAWK rather than head to dancier climes. I wanted to tell you all this so you know where I’m coming from in my choice of band who make me want to move. Yes, they are lauded for their lyrics, I adore them for the tense yet soulful atmospheres they create on their records, but what I love about The Walkmen is they can do this and still make you want to dance, mainly due to the drums. Pugnacious yet percussive, there is something of the noble prize-fighter about the Washington DC band. Sometimes beaten and blooded, yet never bowed, like Muhammad Ali this powerful colossus can be surprisingly light on its feet when it wants to – float like a butterfly, rock like a motherfucker. Ok, so far, so stay in your seat, but with Matt Barrick sticks supplying the band with is voodoo maraca of a spine, plus the swirling organs, spikey guitar and Hamilton Leithauser’s

soul-meets-sandpaper vocals, for me The Walkmen are perennial toe-tappers. Their best known song, ‘The Rat’ is already an indie disco classic (so much so it got a repeated spin in The OC… while it was still good), encouraging a cocktail of pogoing, head-banging, air guitar and possibly a bit of waltzing whenever it is played. Elsewhere, there are few other artists that could call a song ‘Woe Is Me’, yet fill it was such a delightfully trippy piano-line it unleashes your inner Fred Astaire, while ‘Lost In Boston’’s jaunty air is perfect for an old fashion tea dance (or just a sway if you’re alone). So lest we forget, dance music is not the sole preserve (though if L is not for LCD Soundsystem in this issue they’ll be trouble), those blokes with guitars can make you move your feet too. My The Walkmen ‘Get on your dancing shoes’ playlist ‘Woe Is Me’ - Lisbon ‘The Rat’ - Bows + Arrows ‘Juveniles’ - Lisbon ‘The House Of Little Savages’ - from Bows + Arrows ‘Lost In Boston’ - A Hundred Miles Off 095

encore

Yelle SesioneS con Alejandro Franco Sixth Season on air 2012 Pic by Sergio Gรกlvez

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