WARP Magazine 44: Rodrigo y Gabriela and The Bands You Need To Know

WM No.44

RODRIGO Y GABRIELA

& THE BANDS YOU NEED TO KNOW

5th OFFICIAL SHOWCASE

Friday March 16, 2012 20 Hrs. _________________________________________________ Dirty Karma

The Brute Chorus

Francisca Valenzuela

Rachael Yamagata

The Volture

Shout Out Out Out Out (208 E, 6TH STREET, AUSTIN, TEXAS) www.WARP.la @WARPmagazine @WARPtv @laGUARP

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© WARP Marca Registrada ®. Año IV No.44 Fecha de Publicación 23-02-2012. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en CAMSAN IMPRESORES, S.A. DE C.V., San Juan, Mz. 10 Lt. 15, Col. Bellavista, C.P. 54720; Cuautitlán, Edo. Méx.

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editorial

RODRIGO Y GABRIELA: WE SALUTE YOU!!!

Por: Alejandro Franco / Foto tomada del estudio de RyG

T

odo comenzó hace casi tres años, cuando decidí hacer un documental de un conocido festival inglés. En ese entonces no sabía lo equivocado que estaba cuando pensé que mi misión en ese proyecto sería retratar la inolvidable experiencia de pisar los campos de Glastonbury por lo menos una vez en la vida, como si hacerlo me correspondiera a mí por el solo hecho de haberlo vivido recién y nada más.

Varias circunstancias personales me llevaron a entender que en el mundo del cine, pero sobretodo en el de los documentales, uno no escoge el proyecto… el proyecto te escoge a ti. Después de conocer a los mexicanos Rodrigo y Gabriela grabando para la cuarta temporada de mi show de TV, SesioneS, me topé con ellos en Ixtapa algunos meses después. Comiendo pizzas veganas y tomando un par de copas de vino tinto en el restaurante de un buen amigo suyo, aprendí más de su historia y recibí una invitación formal para verlos en el Radio City Music Hall, en New York, en abril de 2010, donde lograron un lleno total.

A partir de ese momento todo cambió de manera gradual, aparentemente, pero muy drástica en realidad. Me encontré viajando con ellos a Bruselas, París y finalmente Londres, para documentar sus presentaciones en las primeras dos ciudades y terminar un domingo en el aniversario 40 de… Glastonbury.

Mi plan parecía inmejorable: dos mexicanos exitosos internacionalmente (menos en México y Latinoamérica) que cierran uno de los escenarios del festival más importante de Reino Unido, además de ser un evento icónico al estilo Woodstock del cual, por cierto, yo estaba haciendo un documental.

La realidad es que no llegué a ese domingo de Glasto con la idea de seguir haciendo un documental del festival.

Cuando abordé el tren de Bélgica a París (donde, por cierto, entrevisté a Rod y Gab por primera vez para la película) tenía

claro que mi historia no sería la de la Worthy Farm sino la de esta pareja de mexicanos que solían tocar en una banda de metal, en el D.F., hace varios años (Tierra Ácida) y que luego dejaron todo, incluyendo las guitarras eléctricas, para cambiar su vida, para vivir de la música y, sobretodo, para romper patrones…

Desde entonces y hasta finales de 2011 los seguí por diferentes lugares del planeta, documentando con emoción su crecimiento en la industria musical internacional -incluido por fin México, su casa- y su próximo mercado a conquistar junto con toda Latinoamérica.

Viajé con ellos a Cuba para hacer el registro visual de su última producción, Area 52, con los talentosos músicos que ellos mismos bautizaron como C.U.B.A., bajo la producción de Peter Asher y los magistrales arreglos de mi tocayo Alex Wilson.

Estuve también en sus dos fechas en el Hollywood Bowl con la L.A. Phil y me tocó la primicia de su trabajo con Hans Zimmer, en la última entrega de Pirates Of The Caribbean, y hasta Puss In Boots, participación de la que me enteré en su propia casa mientras me presentaban, justamente, a sus gatitos.

Y siguiendo la línea de aprendizaje en lo que ya les contaba de la película que estrenaremos en 2013, les puedo decir que mi documental no será acerca de los logros profesionales de estos excepcionales músicos, será de ellos como personas y excelentes seres humanos; grandes maestros de vida que por algo me tenía que topar y que hoy me complace presentar, a través de nuestra publicación, con una entrevista de Diovanny Garfias.

Si los conocen, aquí los tienen. Si apenas lo harán, prepárense para seguirlos porque no hay manera de no entrar en su mundo. Bienvenidos a casa Rod y Gab… For Those About To Rock… We Salute You!

›› Alejandro Franco dirige y actualmente postproduce el documental de Rodrigo y Gabriela “For Those About To Rock” (working title) a estrenarse en 2013.

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silencio por favor

The Shins Por: Yázmin Rubio / Fotos: Cortesía The Shins

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espués de cinco años de silencio discográfico The Shins, banda estadounidense liderada por James Mercer, lanzará su cuarto álbum Port Of Morrow. Este disco se grabó en Los Angeles, California y Portland, Oregon durante el pasado año donde Mercer figuró como cante, compositor y músico en la mayoría de los cortes. La producción corrió a cargo de Greg Kurstin, que ha trabajado con artistas de la talla de Kylie Minogue, Donna Summer o Britney Spears; la mezcla está realizada por Rick Costey, mientras que el diseño artístico de la portada está confeccionado por Jacob Escobedo. The Shins se formó en 1997 en Alburquerque, Nuevo México, y de aquella formación sólo permanece James Mercer, completando actualmente la banda Yuuki Matthews al bajo, Jessica Dobson a la guitarra, Richard Swift en los teclados y Joe Plummer a la batería. Port Of Morrow arrojó un nuevo sencillo: ‘Simple Song’, tema que está oficialmente a la venta desde el 14 de febrero. Para este sencillo el grupo realizó un video, el cual fue inspirado en la portada de la placa.

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the main review REVIEWS

Born To Die

Lana Del Rey / Universal / 2011

7.4

Calificación

C

ada año que inicia trae consigo una ola de discos que todo el mundo quiere escuchar. Este año, el fenómeno que mejor representa lo más esperado de 2012, indiscutiblemente, se llama Born To Die, el segundo álbum de Lana Del Rey. Recordemos que esta chica entró con fuerza al mercado musical poco antes de que finalizara 2011, ganando cada vez más presencia en la red y culminando su ascenso al mainstream gracias a su sencillo ‘Video Games’ y las más de 5 millones de reproducciones del video en YouTube, convirtiéndose así en the next big thing… Pero, ¿qué hay detrás de Lana?

Elizabeth Grant se presentó de manera formal en el mundo de la música en 2008, cuando el EP, Kill Kill, vio la luz. Para 2010, la promesa musical lanzó su álbum debut, Lana Del Ray A.K.A. Lizzy Grant, y así nació el personaje del que todos hablan; ese que, pasados algunos años, se convertiría en la nueva sensación: la sustituta de Gaga.

Hoy, cuando escuchamos Born To Die —ese álbum altamente anhelado por medios de comunicación, críticos especializados y fans—, podemos pensar que Lana es un producto más de la mercadotecnia; algunos dirán que la personalidad de la cantante no le alcanza para convertirse en un monstruo del pop, aunque lo cierto es que todos se olvidan de la música: el

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que debiera ser el principal atractivo de Lana.

Sólo queda decir que ésta, su segunda placa, es una buena entrega de lo que el mundo conoce como indie pop, con baladas llenas de sentimiento —que pueden llegar al dramatismo en ciertos casos— y temas más dinámicos que coquetean con el hip hop de avanzada. La inclusión de productores expertos, cada uno en su campo, como Chris Braide (Sia Furler, The Saturdays), Emile Haynie (Eminem, Ghostface Killah) y Rick Nowels (Madonna, Dido, Cee-Lo Green, Nelly Furtado, Lykke Li), entre otros, hacen que el disco sea un acierto hablando de lo hecho en la consola, pues se logra un sonido sobrio y cálido.

Pasando por alto la falta de fuerza en las letras de Del Rey, no hay mucho qué destacar. El disco es un buen preludio de lo que esta intérprete y compositora puede entregarnos en el futuro, pero por ahora su fama es la mayor carta de presentación.

Podría parecer la historia de una “artista” más que llega a las multitudes, que disfruta de su estancia en la cima y que además logra colarse en los reproductores de los melómanos más melindrosos. Sin embargo, el caso Lana Del Rey es digno de estudiarse a detalle, ya que por su naturaleza puede significar la evolución definitiva del artista pop tal y como lo conocemos hoy.

-Diovanny Garfias

REVIEWS

8.6

7.5

Calificación

Calificación

Sweet Sour

Paralytic Stalks

Band Of Skulls /

Of Montreal / Arts & Crafts México / 2012

Electric Blues Recordings / Pias Recordings / 2012

Áspero, crudo, sucio, amargo pero a la vez dulce y melódico: así es la más reciente producción de los ingleses Band Of Skulls. Después del relativo éxito que obtuvieron tras su inclusión en la banda sonora de New Moon de la saga Twilight, los liderados por Russell Marsden están dispuestos a demostrar que no son un producto del azar y que tienen un proyecto bien direccionado: esto se nota en cada uno de los 11 tracks que conforman Sweet Sour, donde la peculiar voz de Russell, acompañada por la tierna Emma Richardson, nos relatan historias auténticas, con las que es fácil identificarnos. Quizá, en ocasiones, el disco pareciera decaer un poco en la calidad de algunos tracks, pero la explosión de energía, que es lo que mejor les sale, aparece en pistas como ‘You’re Not Pretty But You Got It Goin’ On’ y ‘The Devil Takes Care Of His Own’.

Muy recomendable para quien guste del rock más puro y sin concesiones.

-Leonel Hernández

Luego de tantos EPs, álbumes y experimentos, Of Montreal logró un álbum que oscila entre muchas etapas musicales, sin aterrizar concretamente en ninguna. ‘Gelid Ascent’, por ejemplo, tiene una estructura extraña: silencio, secuencias interestelares, elementos sencillos, grunge y de mucho misterio. ‘Spiteful Intervention’, por su parte, integra sonidos de diferentes objetos, lo que la vuelve siniestra. ‘Dour Percentage’ y su dulzura ochentera, sin embargo, representan un buen momento del disco, pues el piano apela a los recuerdos provenientes del Skeletal Lamping (2008), e incluso de The Sunlandic Twins (2005). En ‘Ye, Renew The Plaintiff’ hay sonidos plásticos propios, bajos y guitarras que parecen de Tame Impala y voces que recuerdan el St. Pepper’s. Finalmente, ‘Exorcismic Breeding Knife’ cambia totalmente la atmósfera al llevarnos de la mano por parajes muy oscuros, bosques densos en los que debemos mantenernos atentos para cambiar de ánimo.

-Elsa Núñez Cebada

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8.4

Calificación

Always

Xiu Xiu / Polyvinyl / 2012

Desde que Jamie Stewart concibió a Xiu Xiu en su cabeza, sabía que no iba a entregar música convencional; al contrario: en cada entrega busca retar su ingenio y a quien escuchará su trabajo. Bajo esa premisa, Jamie se ha mantenido como uno de los músicos más relevantes de la pasada década, participando y aportando creativamente, incluso, para otros proyectos, como Former Ghosts. Dos años después de la salida de su último álbum, Stewart presenta una placa que contrasta altamente con aquel: si Dear God, I Hate Myself era una oda a la bipolaridad, en Always encontramos algo menos tormentoso a nivel lírico, donde el músico toca temas desde un punto de vista más optimista —al menos tanto como está permitido en Xiu Xiu. Del lado musical encontramos el sonido característico del proyecto, con electro beats y líneas de bajo como principales ganchos, atmósferas itinerantes a lo largo de los tracks y toques orgánicos para matizar. El resultado es un álbum equilibrado, más accesible que los trabajos anteriores, con algo que es de recalcar: la madurez está implícita en cada uno de los elementos de Always, lo que nos habla de un Jamie Stewart que está accediendo a nuevos lugares creativos y de conciencia.

-Michelle Apple

010

REVIEWS

Old Ideas Leonard Cohen / Sony / 2012

8.5

Calificación

Sounds From Nowheresville

8.8

Calificación

Una obscura bienvenida llega con su grave voz: “Me encantaría hablar con Leonard, él es un deportista, él es un pastor, él es un bastardo flojo viviendo en un traje”. – se escucha en ‘Going Home’. Si él mismo quiere hablar con Leonard, también me voy a dar la oportunidad: “Hola Leonard, ya son 44 años de escuchar tu voz en 12 discos diferentes y te confieso que este ha sido en el que encuentro tu voz más cálida y cargada de sabiduría (77 años de experiencia, ¿no?). Te acompañas de arreglos puntuales y una gran variedad de instrumentos, voces arrulladoras y melódicas y también sé que te ayudó a escribir ‘Crazy To Love You’, Anjani Thomas, tu actual pareja. Te rodeaste de todos los elementos para que este material luzca en tu brillante carrera.

Por último me gustaría darte las gracias: por tu poesía, por tu música y por hacernos reflexionar a través de tu visión de esta vida. Leonard no eres un ningún flojo bastardo, sigue portando tu traje como hasta hoy”.

-Paco Sierra

8.9

9.2

Calificación

Calificación

Le Voyage Dans La Lune

Area 52

Air / Astralwrks/EMI Music / 2012

Rodrigo y Gabriela / Ato / 2012

En su momento fueron clasificados por la prensa internacional como parte de “la nueva ola francesa”, al lado de bandas como Cassius y Daft Punk, aunque el origen del proyecto de Jean-Benoît Dunckel y Nicolas Godin haya sido muy distinto. Este 2012, la banda originaria de Versalles regresa con Le Voyage Dans La Lune (Viaje A La Luna), un disco homogéneo, lleno de elementos que logran confabular muy bien un ambiente idóneo para relatar una historia de ciencia ficción, la que alguna vez contara Georges Méliès. Algo que logran muy bien los franceses es relacionar, de manera musical, lo oscuro y lo sensual, en un estilo que se ha vuelto su sello personal y que han sabido explotar.

‘Astronomic Club’ y ‘Sonic Armada’ son tracks indispensables en el reproductor de MP3.

-LH

Al fin pudimos escuchar el nuevo material de la dupla mexicana, una placa producida por el legendario Peter Asher que cuenta con alma propia, algo que era de esperarse: la inclusión de la Orquesta C.U.B.A. y de sus trece integrantes hace de Area 52 algo único, con el sello de Rodrigo y Gabriela, pero ambicioso y bien logrado. Los arreglos orquestales necesarios por parte de Alex Wilson dan como resultado un álbum equilibrado, donde se nota el nivel musical conseguido en este exitoso experimento. Escuchar cortes como ‘Hanuman’ o ‘Logos’, con nueva personalidad sonora, es una experiencia que ya está dando de qué hablar alrededor del globo. El único inconveniente que acompaña a la placa, quizá, sea el nivel sonoro que de ahora en adelante tendrá que mantener la banda: algo que, con la trayectoria de Rodrigo y Gabriela, tampoco nos debe preocupar.

-Michelle Apple

The Ting Tings / Columbia / 2012

Es posible que en algún momento hayan escuchado que lo simple tiene un gran valor, incluso, por encima de lo complejo. Sin embargo, muchos consideran que la simplicidad es un término subjetivo. Esto lo demuestra el dúo británico The Ting Tings, quienes después de 4 años del exitoso We Started Nothing nos presenta Sounds From Nowheresville. Estamos ante un trabajo ecléctico, que no deja el sonido minimalista que los dota de su sello característico, pero que les permite descubrir su versatilidad como músicos fusionando diferentes géneros, desde el funk, el electrónico, el ska, e incluso sonidos característicos de los ochenta.

Una placa que demuestra que existen muchos caminos hacia la simplicidad y que de tomar el adecuado —como en este caso—, se puede acceder a los beneficios que esta trae consigo.

-Giorgio Brindesi 012

hot hot hit

The Pierces

Por: Michele Apple / Foto: Edward Bdham

En algún lugar entre el pop rock y el folk está The Pierces, dupla compuesta por las hermanas Allison y Catherine Pierce. Su música inspirada por el sonido de artistas como el legendario Kurt Weill y Leonard Cohen sorprendió a la crítica especializada desde la salida de su álbum debut homónimo en 2000. Hoy, con más de 10 años de carrera, las hermanas Pierce promocionan su más reciente trabajo discográfico You & I (2011), el cual cuenta con la producción de Guy Berryman (Coldplay) y Rik Simpson y que las ha llevado a tocar en algunos de los escenarios más importantes del mundo.

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playlist Playlist by

Stuart Price

E

l afamado productor francés, Stuart Price, también conocido por sus proyectos Les Rhytmes Digitales, Thin White Duke, Paper Faces y Zoot Woman, por mencionar algunos, regresa después de una pausa en su carrera musical, donde dedicó tiempo a producir artistas como The Killers y Madonna, así

01. Jacques Lu Cont - ‘Reload’

como a remezclar a bandas del calibre de Depeche Mode y U2, entre muchos otros. Price compartió recientemente algunos de los tracks que son esenciales cuando presenta una sesión en su faceta de DJ, cuando es conocido como Jacques Lu Cont, a continuación presentamos el listado.

06. Pnau - ‘Unite Us’ (Kris Menace Remix)

02. Example - ‘Midnight Run’ (Funkagenda Remix) 07. DJ Cra$y - ‘JustE’ (Breach Remix) 03. Haze & Full Intention - ‘Signification’ 08. Aviccii Vs. Empire of the Sun - ‘Walking On Levels’ 04. Martin Solveig & Dragonette ft. Idoling - ‘Big In Japan’ (Denzal Park Remix)

09. Nero - ‘Reaching Out’ (Booka Shade Remix)

05. Chris Lake - ‘Sundown’ (Laidback Luke remix)

10. Noir & Haze - ‘Around’ (Subb-An Remix) 017

Kasabian Can you feel it coming?

Por: Diovanny Garfias / Foto: Cortesía Kasabian

Q

ue Kasabian sea una de las agrupaciones más importantes y representativas de Reino Unido durante la última década no es ninguna casualidad; los encabezados por Sergio Pizzorno y Tom Meighan han demostrado, desde la salida de su álbum debut, en 2004, que su sonido es algo único: crudo, como el de una buena banda de rock inglesa, pero con dosis de alta producción y hasta aires orientales, que pueden llegar a encantar.

Tras encerrarse en el estudio durante más de seis meses, junto con Dan The Automator (el responsable del sonido de bandas como Gorillaz y Peeping Tom, de Mike Patton), Kasabian presentó Velociraptor!, una placa que, precedida por el single ‘Switchblade Smiles’, se convirtió en una de las más destacadas de 2011 y, para muchos, el mejor trabajo de la banda hasta la fecha.

WARP MAGAZINE platicó en exclusiva con Tom Meighan, vocalista de la banda, quien respondió con risas y un “muchas gracias” al informarle que su más reciente trabajo se ubicó en el #2 de la lista de Los Mejores Discos De 2011 de nuestro staff editorial.

Siempre me pregunté cómo trabajaba Kasabian a nivel creativo. ¿Funcionan como una banda convencional o tienen algún proceso especial?

No es nada complicado: “Serge” escribe las canciones y después elige las que considera “las mejores”; esas son las que

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empezamos a trabajar. Es algo muy sencillo, de verdad; y así tratamos de mantenerlo. Puede haber cambios en la línea de bajo o en la batería, pero la idea principal proviene de Sergio.

Cuando lanzaron West Ryder Pauper Lunatic Asylum (2009) parecía que Kasabian había logrado hacer de su sonido algo casi perfecto. Entonces, el año pasado, lanzaron Velociraptor! Y, una vez más, se reinventaron sonoramente. ¿Dirías que Velociraptor! es su mejor trabajo a la fecha?

Sí… Digo, cada vez que lanzas un disco, sientes que es mejor que el anterior y hasta podría decirse que es mi preferido; aunque la verdad es que la forma de hacer un álbum varía mucho entre uno y otro; es totalmente diferente: te lleva al límite.

Entonces, hablando del sonido, ¿qué buscaban obtener en este disco cuando entraron al estudio de grabación?

Bueno, lo que tratamos fue… Estábamos tratando de… Es algo difícil de explicar [risas]. Lo que queríamos hacer era un disco más sencillo, sin meternos en problemas: nada complicado.

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No sé si la palabra “sencillo” sea la que estoy buscando, pero queríamos enfocarnos más en las canciones, en que estuvieran hechas al estilo de la vieja escuela, con su introducción, puente y coro… No tratábamos de reinventar nada; al contrario: regresamos a las antiguas reglas.

Qué curioso que menciones que el álbum está basado en estructuras de “la vieja escuela”, porque si hablamos de ‘Switchblade Smiles’ —mi canción favorita del disco— suena poco convencional, agresiva y feroz, casi como si se tratara de un Kasabian futurista…

De hecho, ‘Switchblade Smiles’ es un accidente: estábamos en la última sesión de estudio y el esqueleto de la canción no tenía letra; no habíamos grabado ninguna parte vocal para el track, ni siquiera lo consideramos. Y terminó siendo una de las canciones más importantes del disco. No estoy seguro de que buscáramos hacer algo agresivo, pero sí queríamos tener una canción de rock clásico.

Ya que mencionaste el estudio de grabación, cuéntanos: ¿cómo fue trabajar de nueva cuenta con Dan The Automator? ¿Qué hizo esta colaboración diferente a la de West Ryder Pauper Lunatic Asylum?

La verdad no hubo mucha diferencia, pero estuvo bien. Para nosotros fue como seguir en las sesiones de West Ryder: trabajamos de nueva cuenta con Dan, porque es sencillo hacerlo; tiene una mente brillante: a cada corte le da el tratamiento que merece, su

propio espacio; y eso era lo que este álbum necesitaba. Dan es un muchacho con el que, en definitiva, nos gusta trabajar. ¿Qué tanto ha cambiado su actuación en vivo con el paso del tiempo?

Bueno, cada vez se vuelve más difícil, porque tenemos muchas canciones nuevas y las tenemos que tocar; es algo que nos gusta, porque tienen mucha energía. Pero también nos gusta reinventar las viejas, eso les da nueva vida. Sé que a veces los fans quisieran que tocáramos todo el primer álbum completo, pero tenemos que tocar las nuevas: los nuevos fans también se lo merecen.

La última vez que Kasabian tocó en México lo hicieron en un centro comercial para pocas personas; ahora están por volver y regresan como headliners del festival más importante del país. ¿Tienen alguna expectativa respecto a su participación en el festival Vive Latino?

No lo sé, trataremos de dar un buen show. La última vez que tocamos allá, recuerdo que realmente fue un gran gran gran show y que vi salir a muchos mexicanos felices, así que trataremos de mantenernos en esa línea.

Nuestro staff editorial eligió a Velociraptor! como el #2 en nuestra lista de los mejores álbumes del 2011, así que felicidades. ¡Muchas gracias! [risas]

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profile

Sitio oficial

The Black Bells Integrantes: Olivia Jean (guitarra, órgano, vocal), Ruby Rogers (bajo), Shelby Lynne (batería),

http://theblackbelles.com/

Facebook

http://www.facebook.com/ theblackbelles

Lil’Boo (sintetizadores)

D

escubiertas y apadrinadas por Jack White, The Black Bells es un cuarteto formado en 2009, en Nashville, Tennessee.

Su mezcla de soul y garage rock de los 60 cautivó al frontman de The Raconteurs, al grado de firmarlas como parte de Third Man Records, dirigir el video de su canción ‘Lies’ y producir su primer

material, homónimo, lanzado al mercado en noviembre de 2011.

Con una particular apariencia -dominada por el color negro y sobreros de ala ancha- la banda se encuentra promocionando su álbum de manera local, esperando que su música pueda llegar a cada vez más gente.

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AIR Moon Fever

Por: Diovanny Garfias / Fotos: Wendy Bevan

L

e Voyage Dans La Lune (Viaje A La Luna), es una de la películas más importantes en la historia del cine; su estética y composición —esas que ahora nos parecen tan inocentes y nostálgicas— sorprendieron al mundo en 1902 no sólo por sus avanzados efectos especiales, sino por su inusual temática de ciencia ficción, como si el director del filme, Georges Méliès, nos transportara de manera insólita al interior de su cabeza, a una realidad donde conviven hostiles seres alienígenas, tecnología steampunk y una luna con vida propia.

En 1993 se descubrió la única copia existente de la cinta, a color —pintada cuadro por cuadro, a mano—, y aunque el material se encontraba deteriorado hasta el punto de la descomposición, fue recuperado. Tras varios años de trabajo, Viaje A La Luna fue presentada en el festival de Cannes 2011, totalmente restaurada y con la adición de una nueva banda sonora provista por el dúo francés Air. El trabajo, encomendado a Nicolas Godin y Jean-Benoît Dunckel, representó un halago, pero también un reto que, al final, dejó satisfechos por igual a los músicos y a los adictos al cine; tanto que la dupla decidió extender lo realizado para la cinta y transformarlo, por cierto, en su más reciente material de estudio. WARP MAGAZINE platicó con Nicolas, quién recuerda su acercamiento al proyecto, su colaboración con Victoria Legrand, de Beach House, y los planes de Air para 2012. Esto fue lo que nos dijo… ¿Cuál fue su experiencia trabajando en la partitura de una cinta que es tan significativa en la historia del cine? Es decir, esta película es una referencia cultural para miles de personas en todo el mundo…

Bueno, es un hecho que la película es muy reconocida, pero cuando la vi a color me di cuenta de que era algo completamente diferente a lo que conocíamos: su esencia cambió por completo; de repente se convirtió en una poesía en color, algo como la portada del Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Tenía una visión de la cinta en blanco y negro, como para abuelos, pero de repente se convirtió en algo fresco y moderno; eso me dio muchas ideas para la música: se convirtió en una gran fuente de inspiración. Así que diría que la versión a color lo cambió todo. ¿Qué tan diferente fue trabajar en la partitura para una cinta, respecto a hacer un disco de Air? Primero, Jean y yo imaginamos que habíamos sido contratados por el propio Georges Méliès para hacer la partitura de su película, porque queríamos trabajar bajo el proceso tradicional; queríamos hacer algo “normal”; pero cuando empezamos a componer, comprendimos que no estábamos frente a algo convencional. Sabíamos 022

que teníamos que hacer de la banda sonora algo diferente: cuando escribes para una cinta, primero compones un tema y luego lo acomodas; y así con el resto de la película; así son las bandas sonoras clásicas: trabajas un tema, pero con diferentes arreglos —más rápido, más lento—, pero en esta ocasión tuvimos que hacer mucha música nueva, porque es una película muda y no hay diálogos, así que fue un trabajo completamente diferente a lo que pensamos.

Lo que lograron en este álbum es, en definitiva, más dinámico que lo hecho en Love 2, un disco más downtempo… ¿Siempre fue su intención lograr ese resultado?

Sí, creo que lo puedes percibir como un álbum de pop, más que una partitura; y lo entiendo, porque cuando vimos la versión a color de la cinta, nos recordó mucho al Londres de los años sesenta; supongo que en 1902, Francia era como Londres en los sesenta… [risas] Así que, mientras pensábamos que componíamos la partitura de una película, estábamos haciendo música pop. Fue algo inesperado y muy sorpresivo para nosotros; no pensamos que este fuera a ser el resultado final, pero fue lo que hicimos. Fue muy extraño. ¿Cómo fue trabajar con Victoria Legrand, de Beach House, en la partitura?

Somos fans de Beach House y, en la película, cuando los personajes están en la luna, aparecen piedras, muchos minerales

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y cuevas, y queríamos una voz que pudiera darnos la sensación de estar en una cueva: ella fue la mejor para lograrlo. Fue genial, porque además de ser fans, resultó tener la voz por la que estábamos rogando. Es un muy buen recuerdo. ¿Está entre sus planes hacer shows especiales donde se proyecte la cinta y ustedes interpreten la banda sonora en su totalidad?

No por ahora, pero espero que suceda pronto. Cuando estemos de gira nuevamente, supongo que sería lo mejor: tocar mientras se proyecta la película. Y sería genial tener a

Victoria en el escenario con nosotros. Estamos tratando de estar menos de gira, pero que los show que hacemos sean más especiales, como cuando tocamos la banda sonora de The Virgins Suicides, en París: fue una experiencia muy grata; así que esperamos tener más shows como ese. ¿Piensan trabajar en nueva música de Air en 2012?

No lo sé; veremos qué pasa. Vamos a terminar la promoción de este álbum y después ya estaremos pensando en qué proyectos queremos trabajar.

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Los Campesinos!

Same old sadness

Por: Elsa Núñez Cebada / Fotos: Cortesía LC

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al vez lo que más guste de ellos sean sus letras descaradas; quizá por ello lograron sobrevivir una etapa en la que surgieron muchas bandas que ya no existen.

Gareth Paisey, vocalista de Los Campesinos!, platicó con WARP MAGAZINE mientras se encontraba de visita en Cardiff, Inglaterra, lugar donde nació el concepto.

Pasó poco tiempo después de Romance Is Boring (2010), casi un año… ¿Por qué decidieron dar a conocer tan pronto Hello Sadness?

Si te das cuenta, así ha sido siempre. La razón principal por la que trabajamos así, es que, si no estamos grabando, no sé qué deberíamos de estar haciendo. Tenemos mucha responsabilidad como banda: nuestro trabajo es escribir y tocar. Sin alguna de las dos actividades, no tenemos nada qué hacer. Nos encontramos en una posición afortunada al estar en una banda, así que queremos lanzar tantos discos como podamos, antes de que la gente se aburra de nosotros. Y no queremos esperar tanto como para darles la oportunidad de que eso suceda.

Tomando en cuenta lo anterior, ¿consideras que el ciclo de Romance Is Boring realmente se cumplió?

Eso creo. A pesar de que la gira no fue tan larga, las presentaciones fueron intensas y divertidas; y puede suceder que, luego de tocar muchas veces las mismas canciones, terminen hartándote e incluso que un concierto te resulte muy similar al siguiente; y la verdad es que no quieres perder el gusto por lo que haces. Nuestros ciclos son bastante simples: la gente nos demuestra cuándo está lista para algo nuevo y nosotros debemos estar preparados para responder. ¿Cómo fue el proceso detrás de Hello Sadness?

Lo grabamos en Girona, España. Siento que ha pasado mucho tiempo, pero en realidad estuvimos trabajando durante cinco meses; eso fue en marzo del año pasado. Nunca grabamos en Reino Unido, porque creemos que es un buen pretexto para viajar y tomar una especie de vacaciones. Anteriormente lo

hicimos en Canadá y Estados Unidos. La de Gerona, sin embargo, fue una de las grabaciones que más hemos disfrutado; nos sentíamos muy bien y el clima era muy agradable. Fue muy divertido: John Goodmanson lo produjo; decidimos llamarlo de nuevo, porque nos conocemos bien; él estuvo con nosotros en Romance Is Boring.

No sé si sea percepción personal, pero creo que Hello Sadness es mucho más nihilista que Romance Is Boring…

Un detalle importante es que, un par de semanas antes de irnos a grabar, terminé con mi novia; así que todo el disco está prácticamente basado en ese suceso.

Pues te notas muy triste en este álbum...

[Risas] Fue un momento muy difícil para mí aunque, paradójicamente, también un buen pretexto para alejarse. Cualquiera sabe lo traumáticas que pueden ser las rupturas amorosas, así que me sentí bastante tranquilo al saber que pasaría ese proceso lejos de casa, en las condiciones privilegiadas en las que lo viví.

Aunque ahora ha pasado mucho tiempo, fue el ciclo natural del luto. Líricamente, es mucho más complejo: ahí está toda la ira y la desesperación que sentía; es un poco más agresivo. El humor de Hello Sadness es muy diferente al de álbumes anteriores. ¿Planean venir a México?

Nos encantaría, pero no hay planes. Es una gran pena, porque nos encantaría regresar: el concierto que dimos por allá fue increíble. Pero mantengamos los dedos cruzados para que pronto suceda de nuevo.

›› Elsa Núñez es periodista musical y colaboradora de WARP MAGAZINE, puedes leer su entrevista exclusiva con Austin TV en WARP #43, Yearbook 2011.

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The Sounds . Ana Tijoux . Bicicletas . Crystal Fighters .

Cut Copy . Dorian . Macaco . Vicente Gayo SEGUNDA TEMPORADA

LATAM - (9:00pm ARG, MEX),(10:00pm COL,PER),(10:30pm VZL) BRASIL - (9:00pm)

sesionesoffseason.com @SesioneSconAF

@sonyspinla / @sonyspinbr

blogaggedeon times COLUMNA

4 ANTIPOEMAS SILVER TAPE Por: Señor Flavio

Newwave@christos.net

Honestidad Fred Perry

Okás… Ya sabés, girasoles, papel leopardo, papel floreado, Massacre.

New wave pop, arte fuego fílmico, un close-up guitarra jaguar esconde los tulipanes new wave rock, ya sabés, el mar en blanco y negro, claro mejor polaroid 64.

Buenos Aires 2-Londres 1. Fred Perry es universo new wave pop: No uso Lanas ni lengua stone. Borcegos, gamuza. 1985.

48 canales mostró. Lo mejor nos aguarda. Honestidad bipolar.

Ingobernable. Trémolo. Farfisa. Elegante. Bien vestido para la ocasión. Ficción. Mi señal. Un café en Paris con Weller.

El odio y las flores Les fleurs ne sont pas pour toi. Disco de rocanrol rumble.

Plagio de mi rosal. El precio de tus pecados. Indolente. Infinito.

Asaltando arte. Placer terrenal. Lo tuyo es mío. Arte. Consciente mega top fénix. Latino rockabilly war. Se ríen porque me gusta la salsa. Yo me río porque no les gusta. El odio y las flores. Recuerdo aquel cadáver, quieto, exangüe, trémulo de hojas secas. Cerca las flores. Olores que se mezclan. Putrefacción y perfume. La gente también se mezcla. C’est pas pourquoi. El mundo nos devora día a día.

›› Sr. Flavio es

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Los inútiles Prepararon a su hijo para el diálogo con el conductor de TV. Le indicaron: “cuando te pregunte que de qué cuadro sos, vos le decís que de Tigre; pero que si te regala una firma te haces del suyo…”. Careta de ser nadie. Emocionados hasta las lágrimas vacías. “Estamos al aire”. ¿Aire de qué psicodelia? Las cámaras atentan, luz en red titilante. “¡Vamos a un corte!”, vocifera el locutor con voz engolada.

El solista se prepara para cantar. Probaron sonido. Aprovecharon la tanda. El papá pensó: “Los grupos de rock son del que canta; los demás, ¿qué hacen?”. Gilada ambar. Trampolín hacia las cuevas de Temístocles. Demoliendo la magia, nunca hoteles. El conductor de TV explota en sonrisas. Mondo caramelo exangüe. Mirna observa a su hijo tras bambalinas. Fantasmas en camarines. Nadie ve. Es el éxito. Inmediatez. El solista acomoda el mic. Displicente lanza una mirada al guitarrista. “Los grupos de rock son del cantante”, piensa convencido el papá. Mientras, yo regalo vientos que pasean clavos.

Fantaseo que soy el capitán de los Mescaleros.

fundador de Los Fabulosos Cadillac y escritor, su próximo libro “Las Crónicas Del León” será editado por WARP Books y Trilce Ediciones.

SEGUNDA

TEMPORADA ESTRENO ABRIL 2012

WARP.la/warptv @WARPtv

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rock fiction COLUMNA

ASK AMANDA Amanda Palmer / @amandapalmer

The Dresden Dolls tiene una canción titulada ‘Sex Changes’ y me gustaría saber, ¿estás a favor o en contra de la cirugía de reasignación de sexo? @LeoHernandezG Creo que la cirugía de reasignación de sexo, como muchas otras cosas personales en la vida, es una elección totalmente personal. Así que no estoy “en contra” o “a favor”, estoy “con” la gente que siente la libertad de hacer lo que quiera, incluido su cuerpo… siempre y cuando no dañen a nadie más. Escribí la canción ‘Sex Changes’ después de estar brevemente en una relación con alguien que estaba en camino a realizarse la cirugía, y la canción no es una declaración política, es una reflección poética de mi propios y raros sentimientos al respecto, mi propia imaginación llevándome a lugares en los que me pregunto: “¿cómo sería hacerlo?, ¿qué se sentirá?, no tener la posibilidad de cambiar de opinión”, las cosas que cualquiera se preguntaría al respecto, en eso está inspirada la canción.

Y como en muchas de mis canciones, hablo de tres o cuatro cosas a la vez. Amo el juego de palabras en el título y en la idea general de la canción: “cambiando de sexo, el sexo te está cambiando”. La manera en la que siempre te dicen de niña que tu vida nunca será la misma una vez que pierdas la virginidad ¡Mentira! Es algo que crees porque te dijeron que lo creyeras. Honestamente, para todos los vírgenes allá afuera: nada cambia, excepto por el hecho de que tuvieron sexo. Y claro, el hecho de que ahora puedes contar que tuviste sexo, o el hecho de que tendrás que esconderlo. De ahí la letra “Ellos siempre dijeron que el sexo te cambiaría”.

Ese es lo peligroso respecto a las canciones y a las letras.

Son personales, y alguien puede meterte en problemas si va a embarrártelas en la cara y te dice: “¡pero tu lo DIJISTE en tu canción!”. Hay una gran cita de John Lennon que resume esto. La historia va mas o menos así: alguien buscó a John Lennon y lo atacó, buscando obtener algún tipo de pago por algo que había hecho. La persona citó su canción ‘Imagine’

y dijo: “¿no fuiste tú el que cantó toda esta mierda ‘imagina que no hay posesiones’?”. Lennon lo miró y dijo: “es sólo una canción”. Él dijo la verdad. La canciones son arte, con sentimientos. Y, a veces, pueden decir verdades más verdaderas que la verdad, pueden cambiar el mundo, pero aún así: son sólo canciones.

Si tuvieras que diseñar la bandera personal de Amanda Palmer, ¿cómo sería y qué significaría? Olga Zamora Miguel ¡Ja! No sé como luciría: seguramente iría a Twitter y pediría a mis followers que mandaran algunos dibujos, con ellos crearía un collage gigante con la forma de un puño. Quizá le añadiría una vagina, ya saben porque, “La Fuente”, la vaginas son impresionantes. Quizá haría algo muy arty y sería un cuadrado gris, algo sobre lo que cualquiera pudiera proyectar su propia y significativa bandera. ¿Cuál es tu opinión respecto a tener varias parejas sexuales? @chuneva_ Creo que a todos debería de permitírseles coger con quien quisieran, cuando quisieran, siempre y cuando sean responsables emocional y sicológicamente. Pero una vez más, esta es una decisión “caso por caso” y totalmente personal. Nunca estaría a favor de que alguien fuera “monógamo” o “poliamoroso”, sería ridículo. Es como decirle a la gente que sabor de helado le debe gustar. A todos les gustan diferentes cosas, algunas personas aman realmente el sistema de dos parejas.

A algunas más realmente les gusta tener una relación sin sexo y a algunos más les gusta hacer tríos y además, tener hijos.

Lo que sea que les funcione, querido. Mientras estés feliz y no hieras a nadie, está bien para mí.

Para leer la versión completa de “Ask Amanda” visiten warp.la/askamanda y/o envíen sus propias preguntas a magazine@warp.com.mx.

›› Amanda Palmer es compositora, intérprete y miembro de The Dresden Dolls y Evelyn Evelyn. Puedes leer su columna sobre Occupy 2011 en #WARP43.

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Rumbo a…

Cumbre Tajín 2012 Por: Karina Luvián

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Café Tacvba, Sinead O’Connor, Janelle Monáe y Björk.

P

or su calidad y esfuerzo, concordancia ideológica e impulso social, Cumbre Tajín se ha convertido en uno de los eventos más importantes celebrados en México que, de pretenderlo, podría ser calificado por una sola palabra: diversidad.

Diversidad en su propuesta, diversidad en sus actividades y diversidad musical, un atractivo que sirve de ancla para sus organizadores pues, si bien Tajín va más allá que los conciertos que ofrece, existen actividades recreativas, tradicionales y culturales que no ocupan la agenda de quien acude cada año.

Por ello y en busca de expandir tanto la fama como la experiencia que representa la cumbre veracruzana para el mundo, Brenda Tubilla, Productora General del evento, asegura ningún esfuerzo resultó mínimo ante el resultado alcanzado: la concentración en una sola edición de artistas con renombre internacional, encabezados por una de las figuras más prolíficas y eclécticas de la escena musical actual: Björk.

“Al momento de formar este cartel tuvimos como punto central la proyección del festival fuera de nuestras fronteras. Si bien Cumbre Tajín se encuentra posicionado entre los 5 eventos más importantes de México y es reconocido en muchos países, sin duda buscamos acrecentar el prestigio con el que cuenta y darlo a conocer en muchos lugares más”.

Lo anterior explica la inclusión de la islandesa pero, sin duda, algo que resulta un tanto sorprendente es haberla logrado, pues no forma parte de una gira y representaría, además, el primer concierto que Björk ofrecería en un país Latinoamericano con su más reciente material, Biophilia. Al hacer la pregunta obligada resulta que la respuesta es totalmente coherente: “Mucha gente se sorprende de que una figura como ella haya aceptado la invitación, pero la verdad es que no me dijo que sí a mí, sino a la cumbre, a lo que representa y a toda la experiencia Tajín. La verdad es que viene muy entusiasmada con su presentación y enamorada del festival, de la cultura totonaca, de la Ciudad Sagrada del Tajín… viene a algo mucho más conceptual que sólo un show”.

Y es que el Festival de la Identidad cuenta con una gran oferta gastronómica, de aventura, histórica, cosmogónica y espiritual, atractivo final que tomará gran relevancia en esta edición pues 13 son sus años de existencia, 13 las abuelas tejedoras del destino humano, 13 los movimientos de traslación de la luna alrededor de la tierra y 13 las semanas que dura cada estación del año, de acuerdo con la cosmogonía totonaca.

Con más de cinco mil actividades programadas a lo largo de cinco días de festival, el esfuerzo fue considerable: “Ha sido un año completo, lleno de trabajo, de enviar invitaciones, propuestas, presentaciones, de elegir los lugares idóneos para desarrollar cada evento… al final nos sentimos satisfechos, creo que dimos un salto importante con respecto a otros años y nos mantendremos así para el futuro”.

Diversidad, ritmos, mezclas; propuestas llegadas de países como Brasil, Cuba, Irlanda, Estados Unidos, Islandia y, por supuesto, México, conforman la oferta musical de la que destacan los nombres de Café Tacvba, Sinead O’Connor, Willy Chirino, Caifanes y Janelle Monáe.

“En el marco de la cumbre tendremos el último concierto que Caifanes tiene programado hasta el momento; el salsero cubano Willy Chirino presentará su más reciente material, My Beatles Heart, en el que reversiona canciones de The Beatles en salsa; nos visitará Celia Cruz All Stars, que es el grupo de músicos originales que tocaban con Celia y que ahora le hacen un homenaje con la gira mundial que realizan; tendremos la primera actuación de Sinead O’Connor en nuestro país y, como apuesta del festival este año, Janelle Monáe, cantante estadounidense con gran éxito en su país y Europa que, además, ha sido producida por Puff Daddy y Big Boi (Outkast). En fin, me parece que para cualquier productor este es un dream team”.

Si bien en 2011 se logró la asistencia de 400 mil personas totales, este año se calcula que el número podría crecer, lo que conlleva un aumento de ingresos económicos. Todo eso, de acuerdo con la productora del evento, es dedicado en un cien por ciento al desarrollo de la comunidad anfitriona, la totonaca. “Tajín es más que un festival que termina el 21 de marzo. Se trata de un esfuerzo con razón social, pues todo el dinero que se genera ayuda a la comunidad totonaca; el 30 por ciento se destina a becas para los niños indígenas y el resto va al Centro de las Artes Indígenas, que funciona durante todo el año”.

“Una ciudad sagrada. Una cultura viva”, es la frase que enmarcará Cumbre Tajín 2012, una celebración que ocurrirá del 17 al 21 de marzo, en tres puntos principales al norte de Veracruz: la zona arqueológica de El Tajín, el Parque Takilhsukut y Papantla de Olarte, lugares místicos que se llenarán de rituales, danza y mucha música.

No te pierdas los cinco días de cobertura de Cumbre Tajín 2012 a través de WARP.la.

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Youth Lagoon Ghost to me

Por: Yázmin Rubio / Fotos: Cortesía YL

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outh Lagoon es el proyecto de Trevor Powers, un chico de Idaho, Estados Unidos, que con tan sólo 22 años pasó de ser un outsider de un pequeño poblado, a un músico que, con The Year Of Hibernation (2011), su disco debut, ha logrado sacudir a la crítica especializada en diversos puntos del mundo. Quizá el bajo perfil de la grabación la vuelva algo densa y enigmática, pero la voz de Trevor suena lejana y llena de emoción.

En exclusiva, WARP MAGAZINE conversó con Trevor, previo a su próxima presentación en el Indie-O Fest en la Ciudad de México. ¿Cómo es el proceso creativo para crear tu música?

Todo comienza, casi siempre, en el piano. Tengo cierto sentimiento que intento traducir, aunque lo cierto es que no lo logro la mayoría de las veces; entonces tiro esa canción. Algunos compositores escriben toneladas de canciones y luego escogen “la mejor” de su lista; yo no puedo hacer esto. Se trata de escribir canciones que transporten perfectamente la emoción o la idea que tienes en mente. Usualmente, al comenzar una idea, sé de inmediato si es buena o mala. ¿Cuánto tiempo te tomó componer y grabar The Year Of Hibernation?

Escribirlo, cerca de seis meses. El álbum estuvo completamente terminado el 11 de marzo, aunque salió hasta septiembre.

El primer LP es muy especial para un músico. Háblanos acerca de las canciones…

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Cierto: el primer álbum realmente significa demasiado. Cada canción fue escrita sobre una misma línea; no como un álbum concepto, sino siguiendo la misma emoción. Todas las letras de este álbum son muy personales y tratan sobre la abundante confusión de la que estaba rodeado en aquel tiempo, aunque no lo considero depresivo: en el proceso de escribir, incluso, ya sentía mucha esperanza. ¿Crees que el título refleja la vibra musical del álbum?

Completamente; quizá no en el sentido físico de “hibernación”, pero se parece a la idea de aislamiento mental. Esto lo he experimentado en el curso de toda mi vida: incluso cuando estoy con muchas personas, mi cabeza puede estar en otra parte. Esto puede causar la sensación de solead. Pero es algo en contra de lo que siempre lucho.

Vas a formar parte del Indie-O Fest de Ciudad de México, ¿cómo te sientes al respecto?

Estoy emocionado: nunca he estado en México y ser parte del Indie-O Fest es el mejor pretexto. ¿Estás preparando algo especial para el show?

Nunca revelo mis secretos… ¿Qué sigue para Trevor Powers como músico?

Voy a trabajar tan duro como pueda, siempre escribiendo música. Me emociona el futuro.

rock fiction COLUMNA

HORSES Por: Adolfo Vergara Trujillo / @ToBeFreak

L

as cuatro de la tarde en punto y, ni un segundo antes, pero tampoco un segundo después, se quita los guantes de asbesto, se levanta el visor de protección y aprieta el interruptor. La maquina se apaga. Sin prisa, pero tampoco sin perder tiempo, se forma y hace fila pacientemente durante quince minutos para sellar su tarjeta en el reloj checador. Camina rumbo a su casillero, al lado de 47 mujeres idénticas a ella; no tienen su edad —29 años—, ni su peso —48 kilos—, pero parece que el mundo les falló a todas por igual; lo único que las diferencia, quizás, es el tiempo que les resta. Se quita el overol, en silencio, y se ajusta los jeans; se deja la camisola de trabajo desfajada, se anuda de nuevo las botas de casco y se echa encima un viejo abrigo color verde militar. Sale a la calle, sin despedirse de nadie, sin que nadie se despida de ella, y enciende un cigarro; mira el cielo encapotado de plomo y, con algo de desencanto, le escupe un humo azul que de inmediato es atrapado por una ráfaga de viento helado de la bahía de Jersey, elevándolo de prisa y mezclándolo para siempre con los vapores de las chimeneas de la fábrica que parece que nunca dejan de trabajar. Camina al Norte, al lado de las mismas 47 mujeres idénticas a ella, vestidas de jeans, abrigos viejos y botas de casco; camina a la parada del autobús y, contando sus pasos, recuerda la cuenta de gas: es febrero y uno no puede darse el lujo de quedarse sin calentador; no ella, no si vive en Queens. Otra vez hace fila, mimetizada entre 47 mujeres, todas en silencio, todas pensando en sus prioridades. El autobús llega y, mientras ascienden, sigue haciendo cuentas. Toma un asiento de ventana. El autobús arranca y pronto alcanza la bahía; el mar parece mecer millones de piedras grises, frías y, en el horizonte, se funde con el cielo, que es idéntico: de piedra, sin línea azul, sin división, sin límite; mira la playa, sin embargo, y por un momento se permite seguir a la manada de caballos grises, de piedra, que cabalgan mar adentro, sobre las piedras de agua, alcanzando el cielo de piedra. El autobús cruza el puente George Washington y mira el espectacular del iPhone 4S, anunciado por un muerto; sonríe por un minuto entero, pero los mensajes contradictorios se suceden sin pudor: una glamurosa rubia anoréxica, con poquísimas calorías en su mirada, luce el último modelito de Marc Jacobs; al lado, con algo de burla, el anuncio de las copas D, edición especial de Victoria’s Secret, hace soñar a las gorditas con aceptación, con alegría. (¿Quién nos en-

gañó? ¿Quién pregonó mil dogmas sin conocer un teorema jamás? ¿Quién defiende valores morales sin principios éticos? ¿Quién simplificó el mundo igualando “precio” a valor? ¿Quién habló de las bondades de “la mano invisible” que regula el mercado, olvidando mencionar el pie que nos pisa el cuello asfixiándonos en el fango? ¿Quién se volvió rico trabajando duro todos los días?) Aprieta el botón y el autobús frena en seco, y al descender, junto al puesto de periódicos, en rutina obsesiva, detiene su paso delante del afiche tamaño natural de Justin Bieber —cara de niña, cabello bien cepillado, ojitos blandos color miel, mentón delicado—; compara su estatura con la de la fotografía y por Dios que desea tenerlo frente a ella, tan sólo una vez, tan sólo un segundo y romperle la nariz en frío de un cabezazo. Camina una cuadra al Sur y entra al 7-eleven; compra un sándwich congelado y se sirve un café que ha estado hirviéndose en sí mismo durante dos días; toma tres sobres de azúcar y paga cuatro dólares en monedas.

Una cuadra al Este y otra al Sur; todavía no son las seis de la tarde y el alumbrado público se enciende. Un activista, de los inconformes desalojados de Wall Street, hace sonar la alcancía de lata a su paso; mira al chico y le sonríe: él es quizá el primer ser humano real con el que se topa en semanas; saca el resto de su cambio, lo echa en el bote y el tintineo de las monedas, extrañamente, la reconforta.

Entra a su edificio, sube tres pisos, abre la puerta de su apartamento y se encierra. Prende la calefacción, se quita el abrigo y mete el sándwich congelado en el horno; se quita las botas en el sillón que remeda una sala, le da un sorbo a su café y, bajo una luz de 25 watts, cierra los ojos un momento; sin saber por qué, la imagen de los caballos de piedra galopando en el océano de piedra le viene a la mente otra vez. El timbre del horno suena algo tímido; y sonará intermitente, cinco veces cada 20 segundos, hasta el otro día, cuando sea hora de levantarse a trabajar. Ya está dormida: los caballos la arrastran mar adentro, allá, a la inmensidad de sus sueños, donde no hay época, donde todos los días es el mismo.

Horses Patti Smith Arista Records 1975

›› Adolfo Vergara Trujillo es escritor y especialista en Literatura Mexicana, autor de los libros de relatos Freak Y Otros Tormentos y Absolut Punch.

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calendario SHUFFLE

marzo 2012 02 y 03

The Sea And The Cake Voilá Acoustique México, DF

Plastilina Mosh Woodstock Valle Monterrey, NL Elton John Auditorio Nacional México, DF

03

09 al 18 10

06

11

07

14

Apparat Teatro de la Ciudad de México México, DF Carlos Santana Auditorio Telmex Zapopan, JAL

09

Adanowsky Teatro Metropólitan México, DF Carlos Santana Auditorio Banamex Monterrey, NL Mala Rodríguez y Bomba Estéreo José Cuervo Salón México, DF

Escape the Fate & Attack Attack!

José Cuervo Salón México, DF

Foster The People Complejo Telcel de Tenis Zapopan, JAL

SXSW Austin, TX, Estados Unidos

Smokeout Music Festival National Orange Show Events Center Los Angeles, CA, Estados Unidos

Steve Aoki José Cuervo Salón México, DF

036

23

25

Festival 72810 Gran Pirámide de Cholula Cholula, PUE

Carlos Santana Arena Ciudad de México México, DF

The Sisters Of Mercy El Plaza Condesa México, DF

16

Los Claxons Auditorio Banamex Monterrey, NL

28 23, 24 y 25 Vive Latino Foro Sol México, DF

Ultra Music Festival Bayfront Amphitheater Miami, FL, Estados Unidos

Kaiser Chiefs José Cuervo Salón México, DF Tarja Turunen Teatro de la Ciudad de México México, DF

17

Kaiser Chiefs Teatro Estudio Cavaret Zapopan, JAL

Arctic Monkeys Palacio de los Deportes México, DF

29

Simian Mobile Disco (DJ Set) Auditorio Las Américas México, DF

24 y 25

Festival Imperial Autódromo La Guácima Alajuela, Alajuela, Costa Rica

Lacuna Coil Lunario del Auditorio Nacional México, DF

CAKE | Ximena Sariñana | Kinky | Jarabe de Palo | 30STM | Kings Of Convenience | Beirut Pato Machete | Nortec | Sugar Blue | Does It Offend You Yeah? | Yelle | The Dresden Dolls

TEMPORADA 6 :: ESTRENO 12 DE ABRIL

ESTRENOS: Jueves (8:00pm Mex/Arg/Col/Brasil, 08:30pm Vzla, 07:00pm Chile) REPETICIONES: Sábados (9:00pm Mex/Arg/Col/Brasil, 09:30pm Vzla, 08:00pm Chile)

sesionesconalejandrofranco.com @SesioneSconAF

@sonyspinla / @sonyspinbr

gigs

Metric Auditorio Nacional Ciudad de México Foto: Sergio Gálvez para WARP Para leer las reseñas de estos conciertos, escanea el código o visita: warp.la/metric

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@gameboxla

gigs

Penguin Prison Pasagüero Ciudad de México Foto: Sergio Gálvez para WARP Para leer las reseñas de estos conciertos, escanea el código o visita: warp.la/penguinprison

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te llevan a

California ¡Gana un viaje todo pagado para ti y un acompañante al festival de música en Indio, California!

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Si algo hemos aprendido respecto a la música en los últimos años, es que el nacimiento de bandas y proyectos sonoros sucede cada vez con mayor frecuencia. En el pasado había que hacer una búsqueda intensiva para encontrar talento y, aún cuando un puñado de músicos contaba con dicho don, dar a conocer su obra les era DEMASIADO complicado.

Hoy las cosas son diferentes: la facilidad con la que una persona puede acceder a diversos canales y dar a conocer su labor, hace que la tarea de difusión sea sencilla; sin embargo, el talento —lo que siempre debe estar en primer plano— es algo que se juzga, cada vez más, con mayor amabilidad.

No es de extrañar que, en un mercado sobresaturado como el de la música, nos encontremos con propuestas que nacen para llamar la atención durante un lapso muy limitado y, después, morir en el triste y oscuro anonimato. Perderse y dejarse llevar por las promesas de estos falsos profetas de lo novedoso es una encrucijada a la que millones de melómanos se enfrentan día con día…

Pero aceptémoslo: el panorama no sólo se vislumbra en tonos oscuros. Por cada “nueva sensación de la música” que nace, hay una banda o artista que, poco a poco, forja su carrera apoyado en su talento y el comienzo del año representa la perfecta oportunidad para prestarles atención.

En esta ocasión, WARP MAGAZINE presenta The bands you need to know in 2012: una selección con propuestas sonoras de las que todos hablarán en los próximos meses. entrevistas exclusivas con exponentes que dejaron de ser propuesta para convertirse en casos de éxito y que habrá que seguir de cerca: Teri Gender Bender habla del esperado regreso de Le Butcherettes; Bryan Black, la mente detrás de Motor, nos platica de la evolución del proyecto y comparte los detalles su nuevo álbum; además, Rodrigo Sánchez, guitarra líder de la dupla Rodrigo Y Gabriela, nos presenta Area 52, una oda a los sonidos cubanos.

Es momento de poner atención y disfrutar de toda la música nueva que, en 2012, no te DEBES perder.

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THE BANDS YOU NEED TO KNOW IN 2012

Dale Earnhardt Jr.Jr. La música divertida viene de Jorge Campos Texto y Foto: Paco Sierra

SíguelOS en 2012 Promocionando su primer disco It’s A Corporate World, Dale Earnhardt Jr. Jr. emprenderá una larga gira mundial en 2012 y prometen un lanzamiento especial en el próximo Record Store Day.

Después de escuchar a Dale Earnhardt Jr. Jr., el nombre será lo más “normal” que perciban de este proyecto. El dúo de Detroit, Michigan, se adjudicó un árbol genealógico de campeones del automovilismo y aprovechó para rendir tributo al mote de “The Motor City” de su ciudad natal.

Tengo que aceptar que entrevistar a Daniel Zott y Joshua Epstein durante una visita a Austin, Texas, ha sido la experiencia más divertida que me ha tocado con una banda. Sentir el entusiasmo que transmiten me asegura que tendrán un futuro prometedor… o por lo menos lleno de risas. Para los que todavía no conocen a esta banda, a continuación nos cuentan sus orígenes así como algunas de sus influencias: Daniel: Un día Josh me llamó y me preguntó si quería grabar una canción y dije ok, tal vez… finalmente grabamos ‘Simple Girl’.

Joshua: Tratamos de combinar elementos folk con hip hop y dance. Lo que respetamos tanto de la música latina es que la gente es libre de bailar y queremos lograr eso con la gente en Estados Unidos, esperamos poder ir a Latinoamérica y llevarlo también, para después regresar; sería algo así como compartir todos estos secretos de baile. ¿Qué hay detrás de su primer álbum?

D: Grabamos ‘Its A Corporate World” en mi sótano; como toda

la música que hacemos. Acabamos grabando estas canciones y funcionó… eventualmente, después de un año, teníamos doce canciones y decidimos lanzar el disco. Fueron muchos burritos y mucha música. ¿En cuánto a sus letras?

D: Nos inspira todo. Uno de los trabajos de un artista es encontrar inspiración en todo. Cubrimos varios temas en nuestras letras, me enorgullece eso.

J: Estoy muy inspirado por Jorge Campos. En contra de todo lo que piensen, este pequeño individuo con sus jerseys extravagantes y sus salvadas es simplemente increíble.

Entre sus planes también está encontrar el mejor tequila y llevarlo a Detroit… también mencionaron algo de botas puntiagudas, les gustaría usarlas pero no saben si podrán usar los pedales de sus guitarras… habrá que esperar el intento. Dale Earnhardt Jr. Jr. tiene mucho por delante y esperemos que las botas sólo sean parte de lo que viene.

›› Paco Sierra es Editor en Jefe de WARP.la, puedes leer su entrevista con Metronomy en #WARP 43, Yearbook 2011.

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THE BANDS YOU NEED TO KNOW IN 2012

Síguelos en 2012 Nuevos miembros, nuevo sonido, nueva inspiración y nuevos bríos. El proyecto liderado por Teri Gender Bender, Le Butcherettes, regresa al estudio para grabar su segundo larga duración; un disco que promete, pues representará un cambio sustancial, tanto melódico como lírico, en la música de la banda.

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Rewind and rewrite.

Start again and improve yourself.

Por: Karina Luvián / Foto: Chase Ortega

Contestar la línea y escuchar la misma voz, saber que se trataba de alguien con el nombre idéntico pero que en definitiva no era la persona de aquella vez. Porque aunque platicamos hace ya más de un año, previo a la salida de Sin Sin Sin (2010), la Teri Gender Bender que se encontraba del otro lado del auricular había cambiado, deconstruido su percepción de la música y recreado conceptos personales como el amor, la familia y la escena musical, de una manera tan similar a como había ocurrido con la alineación de la banda que lidera: Le Butcherettes.

En un año que marca el regreso del trío al estudio, la mente detrás de la banda tapatía utiliza la música nuevamente para descargar sus miedos y frustraciones. “Cuando llegué a Estados Unidos me sentí totalmente sola, por las diferencias culturales y el rechazo que aún existe hacia los mexicanos; además, en el mundo artístico las amistades pueden deshacerse fácilmente, así que imagina que eso te suceda estando en un país extranjero, es terrible. Este disco va a tratar de eso, de la soledad y de sentirse como de otro planeta cuando estás tratando de representar algo”.

Y es que, alejada de su familia, Teri resintió profundamente el desarraigo y la salida de Gabe Serbian y Jonathan Hischke (batería y bajo, respectivamente) de la alineación; una decisión difícil pero que al final resultó ser la mejor para el concepto y futuro de la banda. “Tocar con ellos fue increíble, pero les tuve que pedir que dejaran el grupo porque tocaban demasiado rápido. Además, su concepto del punk involucraba muchas guitarras y situaciones fuera de control; por ejemplo, en alguna ocasión tuve una cortada profunda en la cabeza al chocar contra el crash de Gabe, durante un concierto, empecé a sangrar y a ellos les encantó, porque lo veían como una situación muy punk.

Entonces pensé: ‘eso no es punk, eso fue un accidente’”.

Fue en ese momento que Omar Rodríguez dejó de ser sólo el productor para convertirse en un miembro más: “‘Quiero ser el bajista de tu banda’, me dijo. Yo respondí asombrada y algo dudosa. Él dijo: ‘Yo voy a tocar con At The Drive In y The Mars Volta hasta después, así que aprovechémoslo”. Con una historia previa, siendo él quien produjo la segunda placa de Le Butcherettes, Teri asegura estar muy cómoda tanto con Omar como con Lia Braswell, la nueva baterista. “Cuando él toca es totalmente calmado porque entiende perfectamente que menos es más. Y Lia, una chica súper talentosa, también hace lo suyo y no tenemos que ponernos todos como locos para comunicarnos en el escenario”.

Conformada la nueva alineación, Le Butcherettes se encuentra trabajando en su tercer álbum de estudio, una placa que de acuerdo con Teresa Suárez (verdadero nombre de Teri)

es más honesta y melódica. “Hemos estado ensayando las nuevas canciones en el estudio. Estamos en la preproducción y queremos grabarlo por completo en Guadalajara. Sin Sin Sin fue hecho allá, así que queremos mantener eso porque es la ciudad donde comenzó todo. En mi computadora tenía alrededor de 60 canciones y de esas queremos elegir las mejores 13… apenas empezamos, pero se siente bien”.

Ante la rabia reflejada en producciones anteriores fue inevitable preguntar qué tanto de eso permanece intacto y qué tanto había cambiado, puesto que las emociones inspiran y, como bien reza la obra de Goya, el sueño de la razón produce monstruos. “La verdad es que yo no sé si estoy escribiendo mejor, pero sí te puedo jurar que mis letras son más sinceras. Antes usaba la sangre, la harina y los huevos para expresar mi ira, pero ya no tengo ese sentimiento, ahora tengo una tristeza y una soledad infinita que he explorado en Los Angeles y en las carreteras de Estados Unidos”.

Así, al ir hermanado el sonido con la letra, la instrumentación también dará un giro: “Ahora hay más canciones en teclado que en guitarra. Me di cuenta que no tengo que sonar fuerte para ser considerada punk, pues es algo más mental… Nick Cave es más punk que Blink-182, creo yo, porque la esencia es lo que hace a algo crudo. Además, en estas canciones exploro las diferentes voces que tengo, algo que antes me avergonzaba porque creía que era muy pop… Lo único que quiero es evolucionar como artista, no quedarme tocando las canciones que escribí a los 17, y estoy trabajando para que se vea plasmado en el disco”.

Planeado para salir aproximadamente en mayo, el nuevo material de Le Butcherettes llevará por nombre “Cry Is For The Flies” y contará con invitados especiales entre los que podría figurar Mike Watt (The Stoogies).

Reinventarse no es algo fácil pero Le Butcherettes hará lo propio, apostará por el futuro y representará, en un mercado tan competitivo como el estadounidense, a un país al que no ha podido regresar por falta de invitaciones y el desdén de organizadores mexicanos. La rueda gira, la música sigue. Habrá que estar alerta para presenciar su regreso.

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THE BANDS YOU NEED TO KNOW IN 2012

Síguelos en 2012 Su electro rock con tintes industriales es una clara muestra de que las máquinas se apoderarán de la música en 2012. Su álbum debut es una bocanada de aire fresco para el género.

Wazu

Walking all night

Por: Giorgio Brindesi / Foto: Cortesía Wazu

Este año parece estar cargado de música creada a través de máquinas con un toque sucio, y si se trata de ejemplificar lo anterior, ninguna banda le gana a Wazu.

Esta dupla australiana-estadounidense está integrada por Matt y Rizz, dos jóvenes influenciados por la música electrónica de los noventa; de allí que su álbum debut —disponible a partir del próximo 29 de mayo— esté producido por Kevin McMahon, la mente detrás de Prick, Lucky Pierre, que también ha trabajado con Titus Andronicus y Real Estate, por mencionar sólo a algunos. WARP MAGAZINE conversó en exclusiva con Matt, quien desde Nueva York define el sonido de su banda como “apop-calyptic”. ¿Cuál es el proceso creativo y sonoro de la banda?

Creamos nuestro sonido desde la línea de bajo y pasamos mucho tiempo en la exploración de sonidos: utilizamos guitarras, muchos pedales y teclados; la producción va enfocada, en primer lugar, a la estructura rítmica, mientras que las letras vienen después; algunas de éstas pueden tomarnos seis meses y otras pueden surgir en sólo un día. ¿En su música mezclan nuevas tecnologías con elementos clásicos?

Usamos Ableton Live y sintetizadores. Muchas de las programaciones las hacemos en Ableton, aunque hay sonidos de sintetizadores que hacemos por separado. ¿Por qué elegir a Kevin McMahon como productor de su álbum debut?

Elegimos a Kevin porque nos gustan mucho los trabajos que lo preceden; nos gusta la mezcla de su sonido, que es más peligroso y sucio. Es el mejor en este tipo de producciones. No es muy técnico ni demasiado limpio. Dicho de otra manera: es muy profesional, pero más escabroso y eso nos encanta. Es muy creativo.

¿Cómo saber cuándo una canción está lista para evitar sobreproducirla?

[Risas] Es difícil, ¿sabes? Es diferente con cada canción; algunos temas fluyen con mucha rapidez y a veces no es así, lo que nos lleva mucho tiempo. Creo que también radica en la experiencia que tengas en el estudio: el proceso se puede volver más familiar, aunque es muy difícil decidir cuándo está listo cada tema para evitar sobre-producirlo. Pero la mejor manera es terminar cada corte lo más rápido posible y no trabajar en él por mucho tiempo. Sin duda, lo mejor es decidir el momento indicado de parar: dejamos un track listo, nos vamos una semana del estudio, regresamos y lo escuchamos; si nos gusta, sabemos que realmente está listo. ¿Qué esperamos de Wazu este año?

Estaremos de gira por Estados Unidos durante 2012, promocionando nuestro disco; y esperamos estar de gira por Latinoamérica: nos encantaría estar en México en 2012. Haremos todo lo posible por estar en la región: nos encanta el público y su energía. No dejen de escuchar el disco.

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Land of the innocent Por: Diovanny Garfias / Foto: Amy Cooper

El nacimiento de una banda es algo especial, pues representa la oportunidad para sus integrantes de expresar sus emociones en una de las formas más puras y sinceras conocidas por el hombre —la música—, y de paso ganar un poco de reconocimiento.

Sin duda, parece el escenario ideal para vivir en un proceso creativo eterno y beber de una fuente de inspiración que permanecerá repleta por siempre.

Pero todo sueño se puede volver, en algún punto, una pesadilla, y todo aquello que nos satisface y nos produce placer puede tornarse en nuestra contra, golpeándonos en los puntos más vulnerables. Y con la música no es diferente: Anastasia Dimou, quien durante más de tres años encabezó al proyecto neoyorkino Cruel Black Dove, tras dos exitosos EPs, se encontró acorralada en la trampa que su propia música provocó.

En 2011 las cosas cambiaron: Anastasia dijo adiós a sus compañeros de CBD, para dedicarse a lidiar únicamente con sus demonios y expresarlos, una vez más, sonoramente. Así nació Feathers, el apodo con el que Dimou planea difundir su trabajo en solitario.

Con el sencillo ‘Land Of The Innocent’ rotando en las redes sociales y con su álbum debut en camino, Feathers alza la mano como una de las propuestas que debemos seguir en los próximos meses. WARP MAGAZINE platicó en exclusiva con Anastasia, previo a su próxima participación en el SXSW 2012.

Cuéntanos: ¿cuál es la historia detrás de Feathers?

Originalmente, Feathers empezó como un lugar para canciones que empezaba a crear, mientras estaba en mi última banda, incluso si no encajaban allí. Para mí se convirtió en una forma de escribir libremente y por eso me apasioné más con el proyecto. Diría que es la evolución más natural de cualquier proyecto del que haya formado parte. ¿Cómo describirás a Feathers sonoramente?

He tratado de no etiquetar la música que escribo, así que es difícil. Por ejemplo: no escribí esas canciones pensando en que iba a hacer un disco de música electrónica o de new wave.

Sólo hice lo que me pareció mejor. ¿Cuál dirías que es la mayor diferencia entre tu trabajo en Cruel Black Dove y lo que haces en Feathers?

CBD era una sociedad creativa entre Alan Veucasovic y yo, donde él se encargaba de la producción. Su estilo está muy definido, muy influenciado por bandas sonoras de películas. La mayoría de las veces el sonido, que era más melancólico e introvertido, parecía que me obligaba a interpretar a un personaje para que encajara y el 99 por ciento de las veces ese personaje estaba 050

impulsado por la ansiedad. Fue divertido, pero mi fuente de inspiración interna quedó exhausta y tuve que empezar a buscarla en libros y películas; esto también fue divertido, aunque orientado más por mis pensamientos que por algo visceral. Mis canciones preferidas siempre se me ocurrían rápida y naturalmente, casi como si alguien escribiera por mí. En cambio, como Feathers soy básicamente yo y el proceso no es algo forzado; diría que tiene más momentos cúspide y dinámicos, y no siempre es melancólico. Me gusta ser capaz de crear por otras emociones, como la vulnerabilidad, la esperanza, la fuerza y también el amor. ¿Cuál es el status actual de CBD? La banda está amigablemente terminada. A menudo hablamos y apoyamos los esfuerzos de los otros. Shirley toca el bajo con Hussle Club, quienes recientemente abrieron para Peter Murphy, mientras que Alan se está concentrando en los aspectos visuales del cine y también en la producción de música. ¿Qué nos dices de Feathers en vivo? ¿Por qué decidiste armar una banda totalmente de chicas?

Soy muy afortunada al tener tan maravillosas y talentosas amigas, así que sólo les pregunté si querían formar parte del proyecto. De hecho, nunca planeé que fuera una banda de chicas, pero así salió y no iba a luchar contra eso. Crecí en una familia llena de mujeres y fui a una escuela para señoritas, así que tal vez sea por eso que me funciona tan bien.

Feathers ha recibido atención a través de la red, incluso por parte de personas involucradas en la música, como Mariqueen Maandig Reznor. ¿Te gustaría colaborar con ella o con algún otro músico en el futuro cercano?

Fue muy amable de su parte hacer público su apoyo hacia mí. De hecho hemos hablado acerca de su participación en una de mis canciones. La conozco desde hace un par de años y la amo. Es un espíritu familiar. Ambas tenemos padres extranjeros y quizá es por eso que ambas tenemos fuego en nuestro vientre, empujándonos. Para el público, ella es un misterio por ahora, pero ya la conocerán mejor y verán que es divertida, inteligente y cálida; además, a pesar de que es hermosa, sabe reírse de sí misma.

SÍguela en 2012

THE BANDS YOU NEED TO KNOW IN 2012

La voz inconfundible de Anastasia Dimou hizo de Cruel Black Dove un proyecto que llamó la atención de la prensa internacional, destacando de otras bandas de Nueva York. Este año la propuesta de Anastasia en solitario promete presentarnos una nueva faceta de su trabajo, una que seguramente dará de qué hablar.

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12 bands

THE BANDS YOU NEED TO KNOW IN 2012

you also need to know in 2012

Las propuestas musicales a seguir en 2012 son tan abundantes y diversas, que sin duda harán de este año uno de los más prolíficos en la materia, algunos recién se presentan al mundo, otros están en vías de consolidarse, de cualquier, forma todos merecen atención. Aquí una lista de algunas bandas y artistas que habrá que seguir de cerca en los próximos meses. y producido en su totalidad por ambas hermanas.

Charli XCX Esta joven londinense ha logrado llamar la atención alrededor del mundo, sus singles ‘Stay Away’ y ‘Nuclear Seasons’ son una muestra del electro pop oscuro que Charli prepara para su álbum debut, disponible en la segunda mitad del año.

Little Hurricane Desde San Diego, California llega esta dupla formada por Anthony Catalano y Zeleste Spinoza. Su sonido de rock básico -guitarra y batería- con rastros de blues contenido en su álbum debut Homewecker puede causar adicción.

Zambri Las gemelas neoyorquinas Cristi Jo y Jessica Zambri, dan vida a este proyecto que mezcla en su sonido pop electrónico con tintes experimentales. Su EP debut Glossolalia (2011) fue grabado

Dirty Ghosts Desde San Francisco, el trío encabezado por Allyson Baker posee –entre otras características- la virtud de mezclar punk rock clásico con secciones rítmicas altamente definidas, el resultado es música para moverse.

The Ting Tings Sounds From Nowheresville el sucesor del ultra conocido We Started Nothing (2008) parece ser el álbum que consolidará a The Ting Tings como una de las bandas importantes de UK.

Pujol Nasty Brutish And Short, el EP debut de Daniel Pujol, es una muestra más de que la escena punk garage de Nashville merece toda nuestra atención, por lo menos, en 2012.

School Of Seven Bells Alejandra Deheza y Benjamin Curtis regresan a los escenarios con su tercer trabajo de estudio Ghostory, que promete venir cargado de ritmos y beats que invitarán a tomar la pista de baile, dejando atrás su lado romántico y suave.

Little Boots Little Boots está por lanzar su segundo álbum de estudio, el sucesor de su exitoso debut Hands (2009). El single ‘Shake’ anuncia que, una vez más, la británica dará de qué hablar.

Friends Desde Broklyn, Nueva York, esta banda liderada por Samantha Urbani se dispone a llegar a la mayor cantidad de reproductores musicales ayudados por su sonido disco pop de avanzada.

Firehorse Leah Siegel nos presentó su nuevo proyecto, Firehorse, de la mano de su álbum debut And So They Ran Faster… (2011), una bomba dreampop con toques de rock como pocas veces habíamos escuchado.

Hussle Club Post punk de la vieja escuela traído hasta el año 2012, esa podría ser una de las etiquetas que pueden definir a Prince Terrence, músico originario de Nueva York, quien está próximo a lanzar su debut.

Sharon Van Etten Tramp (2012) de Sharon Van Etten representa el momento más sólido de su carrera, las colaboraciones de Aaron Dessner (The National), de Zach Condon (Beirut) y Jenn Wasner (Wye Oak), son sólo el gancho para no apartarse de la placa.

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THE BANDS YOU NEED TO KNOW IN 2012

Síguelos en 2012 Luego de entregarnos Paper Dolls, unos de los mejores álbumes nacionales de 2007, Descartes A Kant está de vuelta con Il Visore Lunatique, una placa que busca igualar, e incluso, superar lo logrado por su predecesora. Los orignarios de Guadalajara prometen estar de gira durante 2012 y presentar los diferentes conceptos visuales e idiológicos detrás del álbum, en un show que nadie se debe perder.

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Whispering hallucinations...

Buy All Their Dreams Por: Karina Luvián / Foto: David Paniagua

Aunque estigmatizados socialmente, ciertos estados del ser humano suelen ser más prolíficos e inspiradores que aquellos que son plausibles ante una sociedad desdibujada y embustera. Si bien nos han enseñado que la felicidad y la sensatez son la finalidad principal en la vida, es de la tristeza, la locura y retracción social que han surgido algunas de las piezas más hermosas en la pintura, el cine, la literatura y, por supuesto, la música.

Es así que Il Visore Lunatique, próximo álbum de Descartes A Kant, se convierte en un trabajo interesante que no sólo se inspira en diferentes patologías mentales, sino que las convierte en piezas musicales, escenificaciones teatrales y en catarsis personal en un proceso de cuatro años. En entrevista para WARP Magazine, Sandrushka, Dafne, Memo, Androv, Gigio y Cristibella platican sobre el proceso creativo del sucesor de Paper Dolls (2007).

(Androv) “Cuando empezamos a grabar el disco fue cuando decidimos venir a vivir al Distrito Federal”… (Dafne) “lo cual significaba poner todo sobre la mesa, dar nuestro resto en la apuesta por este proyecto”. Vendarse los ojos y saltar al vacío, paralelismo figurativo que embona bien con su decisión, pues aunque la respuesta a su primera placa había sido exitosa, una segunda entrega siempre es complicada.

(Sandrushka) “El disco lo grabamos aquí pero el proceso lo desarrollamos desde 2009 (…) Aunque Dafne y yo somos las que componemos, cada integrante, incluyendo a Gerry Rosado (productor), aportó algo al sonido final”. Y es que, aunque sobre el escenario son sólo seis los integrantes, llegaron a ser diez quienes se vieron involucrados, sin contar colaboraciones, músicos complementarios, vestuaristas, maquillistas, productores y demás talento. (Sandrushka) “El disco representa un homenaje a la locura, por lo que todo lleva ese mood y la música acompaña perfectamente ese trip”.

Programas computacionales y demás herramientas fueron utilizadas para el nacimiento de Il Visore Lunatique; (Dafne) “pero aunque echamos mano de todas las herramientas posibles, siempre tratamos de conservar las emociones, lo que nos ayudó a que no fuera un disco frío. Durante esos cuatro años de búsqueda encontramos un balance para cada elemento…

Me parece que es un disco muy humano”.

Si el proceso fue distinto, el resultado debió haber sufrido las mismas consecuencias. Con diez canciones finales, cada pieza es complicada en su individualidad pero complementaria en conjunto, con matices distintos y duraciones dispares. (Sandrushka) “Las canciones del disco anterior son muy breves, pero en

esta ocasión salimos de eso y encontramos la forma de hacerlas crecer, teniendo en cuenta todas las emociones que teníamos para expresar…” (Androv) “pareciera que se perdieron dos discos entre el Paper Dolls y Il Visore Lunatique, el concepto creció demasiado y fue tan largo el proceso que dos integrantes se salieron de la banda pero alcanzaron a grabar algunos temas.”

Siendo un trabajo tan complejo las letras tuvieron un papel central, cuya inspiración nació a partir de textos creados en un sanatorio mental. (Dafne) “Hubo un encuentro que, sin duda, marcó la línea: los textos de un escritora de Nueva York llamada Victoria Dickens, quien no tiene un gran sello editorial tras de sí y pública su trabajo ella misma. En un viaje a Texas nos encontramos con su esposo y nos lo mostró, nos pareció que iba muy de acuerdo con la banda y fue entonces que Sandra tuvo un acercamiento con ella…” (Sandrushka) “Creo que el disco tiene ese sentimiento con el que tuvimos un clic automático, además de la inspiración en otras disciplinas no necesariamente musicales.”

Arte. Fotografías. Envoltorio complementario de toda placa para cualquier melómano; en este caso, la proyección de la música a través de imágenes. (Sandrushka) “Fue algo complicado encontrar quién realizara el arte porque queríamos que los personajes del disco se vieran reflejados. Son seis fotografías con la representación de un tema, de personajes…”

(Androv) “de una patología…” (Cristina) Pensamos en las imágenes y luego platicamos con gente que pudiera interesarse.

Nos topamos con Martha Poly y ella se aventó la producción, que incluía maquillistas, vestuaristas, escenógrafos, tramoyistas…” (Memo) “Jorge Michel Grau fue el productor…” (Sandra) “incluso participó una bailarina de danza aérea, quien es la chica que aparecerá en la portada.”

Combo interesante, arriesgado y diferente en el que decidieron participar músicos como Daniel Zlotnik y un ensamble instrumental; Sebastián, vocalista de Hong Kong Blood Opera, y el hermano de Sandrushka como una especie de narrador, por mencionar algunos. La apuesta completa de una banda con la que, sin duda, habrá que ser recíprocos.

›› Karina Luvián es Coordinadora Editorial de WARP MAGAZINE, puedes leer sus resúmenes de política, cultura y deportes en WARP #43.

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THE BANDS YOU NEED TO KNOW IN 2012 Síguelos en 2012 En su corta carrera musical, Eleven:Eleven se ha convertido en una de las propuestas más frescas de los últimos años, cuyo sonido recrea las bases del synthpop y lo reviste de paisajes profundos. Su disco debut es digno de ponerle atención.

Eleven:Eleven Dark Danceable Beats Por: Karina Luvián / Foto: Cortesía E:E

Descrita por sus integrantes como una revelación de paisajes profundos y habilidades encantadoras, Eleven:Eleven es la dupla conformada por Sicca (vocales) y Jake Childs (producción y teclados), cuya mezcla de synthpop y nu wave, aderezada con la voz de su frontwoman, crean un sonido electrizante y particular.

En entrevista para WARP MAGAZINE, ambos músicos platican sobre su música, su primer larga duración y sus planes a futuro.

Platíquenos un poco de Eleven:Eleven y la música que producen…

Sicca: El proyecto lo conformamos J. Childs y yo, decidimos reunirnos a hacer música a mediados de 2010, guiados por el misticismo de la numerología (de ahí el nombre). Respecto a nuestro sonido podríamos decir que es de sintetizador ecléctico, oscuro pero luminoso en esencia, al que nosotros llamamos electro disco.

Están por lanzar su álbum debut Through The Veil, ¿qué pueden decirnos sobre él?

S: Es cierto, es nuestro primer LP y estará compuesto por 11 o 13 canciones, aún estamos decidiendo. Lanzaremos el disco en mayo y esperamos que podamos llevarlo a diferentes países.

permita tener un control libre de la melodía. Después de esta parte del proceso intercambiamos ideas y, al final, él sólo se encarga de agregar los detalles. ¿Qué músicos han influenciado la música de Eleven:Eleven?

S: Déjame ver… podría decir que Kap Bambino, Blondie, Joy Division, Ladytron, The Golden Filter, ADULT, Depeche Mode, Miss Kittin & The Hacker, Siouxie And The Banshees, Fiona Apple y muchos más.

Con lo que acaban de platicarnos, ¿qué podemos esperar de su nueva placa?

S: Sin duda, es una proyección de quienes somos. Esperen oscuros beats bailables a la par de letras luminosas y provocativas.

¿Cómo es que funcionan al momento de crear música?

J. Childs: Es una especie de surfeo. En lo particular, entro en el estudio y espero a que llegue una ola. Realmente no tengo mucho control, sólo me aprovecho de las inundaciones que surjan. Luego de eso le muestro a Sicca el armazón que tengo y ella hace lo suyo.

¿Entre sus planes está visitar México?

S: Sí; de hecho, un promotor nos contactó pero todo se vino abajo. Sin embargo esperamos que algo más surja este año… ¡nos emocionaría!

S: Es de ese armazón del que encuentro inspiración. Me gusta tener lo más básico del armazón de un corte para que me

¿Hay algo que quisieran agregar?

S: ¡Nos vemos en la pista de baile!

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THE BANDS YOU NEED TO KNOW IN 2012

Síguelos en 2012 La propuesta audiovisual generada por Tupac Martir, en esta, su opera prima, promete dar de que hablar en diversos rincones del mundo. Su fusión entre artes escénicas, tecnología de punta y música de alto nivel hacen de Nierka un espectáculo que nadie se debe perder. Según el propio Tupac este será el año en que Nierka visite la ciudad de México. ›› Paul Stokes es Editor Asociado de Q Magazine, puedes leer su columna respecto al regreso de The Sone Roses en WARP #43, Yearbook 2011.

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NIERKA The review

Por: Paul Stokes / @stokesie

¿Que resulta si tienes 3 mil imágenes de video, trece pantallas, una compañía de bailarines, una banda en vivo, cuerdas, vestuarios basados en diseños de la NASA, montaje de luces que verías en una arena para conciertos, una tonelada de equipo de cómputo, algunos títeres y metes todo eso a un teatro?

Sería justo decir que esta combinación de multimedia, egos e ideas resultaría, normalmente, en el mejor y más ambicioso desastre o, al menos, en una pila de mierda pretenciosa. Dicho esto, ustedes entenderán que yo estaba un poco nervioso cuando recibí un correo electrónico del equipo de WARP Magazine preguntándome si quería ir a ver un nuevo show llamado Nierka, de un amigo de la revista: Tupac Mártir. La premier sería en el teatro Peacock de Londres a mediados de enero de 2012.

Artista de profesión, el ahora director explicó que el show —el cual mezcla genuinamente todos los elementos antes mencionados durante los tres actos de la presentación— surgió gracias a una experiencia traumática que sufrió hace seis años. Intentó darle forma en pinturas, primero, y luego en una instalación. El sentido de movimiento que sintió que necesitaba el proyecto, lo llevó a asentarlo como un “tríptico en el que cada acto representa un momento diferente en la vida de un ser humano y explora su relación con sí mismo”. Entradas de un ejército de directores de video, de bailarines, de titiriteros, sin mencionar a Austin TV, se requirieron para que los 90 minutos de Nierka fueran posibles.

Pero entonces, ¿qué fue? ¿Un desastre o sólo mierda?

Bueno, el crédito debe dársele a Mártir, no sólo por salirse de la media o por arreglárselas para coordinar a tantos artistas y lograr que contribuyan en un trabajo congruente, sino porque Nierka resulta ser un espectáculo atractivo y convincente.

No hay una “trama” como tal —el pintor dentro de sí, significa que Mártir ha dejado a la audiencia con espacio para abastecer sus propias interpretaciones emocionales de las sombras que él crea—, aunque es posible, instintivamente, seguir el viaje de Nierka.

El primer acto —el que más me gustó— es como un concierto de Daft Punk con un pequeño giro. Reflejando cómo la monotonía se ha cansado de nuestras sociedades, miles de imágenes

manchadas de un mundo cada vez más globalizado embauca los nervios ópticos, pues mezcla el camino entre las pantallas al tiempo que Austin TV interpreta sus sonidos altos de electroescape, permitiendo ver un mundo en constante cambio, pero cada vez más repetitivo desde el punto de vista del protagonista.

Y así, ambientados al frenético ritmo del primer acto, el segundo tiene un ritmo más amable para que todos juntos meditemos. Los bailarines asumen ahora el papel de los demonios internos, obscuros, con los que todos vivimos y que tenemos que afrontar. Con reminiscencias de la ópera reciente de Damon Albarn, Doctor Dree, con mezcla de acción y banda sonora en vivo —con la ayuda de una orquesta, Austin TV, que dicho sea de paso, pasaron el concierto entero vestidos en trajes espaciales y pasamontañas—, cambia a un enfoque más emocional, con eco, que nos recuerda a The Cure en su más penetrante momento, antes de combatir ninjas sombríos que son lanzados en el último acto. Mezcla de la banda y unas cuerdas que parecían de Arcade Fire, cuando Nierka alcanza su clímax, tenemos en el escenario un coctel de ballet, ópera e imágenes del espacio profundo irónicamente no con una mezcla explosiva de toda la multimedia, sino de manera muy humana, gentil, suave.

Lo que es más: Nierka no sólo es coherente, sino que absorbe al espectador; se siente algo que sólo puede crecer. Libertad de barreras de lenguaje y teniendo experiencias universales, esto no es sólo una obra verdaderamente internacional, sino que representa al teatro tradicional de nuestro tiempo, mostrando que el poder de la música y la fuerza de las imágenes pueden trabajar juntas en un concierto o en un festival. Y es emocionante imaginar lo que cada persona o tipo de audiencia pueda vivir con cada presentación.

Entonces, ¿qué resulta si juntas todo lo mencionado arriba? Definitivamente algo realmente fresco, nuevo; algo que nos recuerda que hay un poco de esa riqueza en el mundo ahora mismo.

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THE BANDS YOU NEED TO KNOW IN 2012

And the Sorcerer’s Stone Por: Leonel Hernández / Foto: Cortesía FR

Síguela en 2012 Frankie Rose lleva trabajando mucho tiempo en un sonido claramente identificable, divertido y propositivo para la escena punk-garage, seguramente su propuesta sonará en algunos de los escenarios musicales más importantes durante todo el año.

Cuéntanos sobre la producción de Interstellar… ¿Qué trae de nuevo?

Fue grandioso: trabajé con un buen productor y eso me ayudó mucho; esa es una de las grandes innovaciones. Mis anteriores álbumes los había producido yo misma, así que tener otro par de oídos ayuda mucho. Él me hizo trabajar más con sintetizadores, así que el sonido es un poco menos orgánico. En ese sentido, este disco fue más libre, hay sonidos de baterías orgánicas y electrónicas. Aprendí mucho trabajando en mis álbumes anteriores y eso se ve reflejado en el sonido, que está más depurado que en los anteriores.

Hablando de trabajar por tu cuenta, ¿cómo ha sido trabajar en solitario, sin el respaldo de una banda?

Ha sido más fácil y más libre. Las ideas, todas, son mías y no hay nadie que las tenga que interpretar. Muchas veces, en un grupo, las decisiones no son tan fáciles de seguir: siempre hay alguien que nunca simpatiza con tu idea, mientras que aquí sólo soy yo y lo que quiero decir, y yo misma hago que las cosas sucedan.

En tu opinión, ¿por qué crees que hay una especie de revival de la música de las décadas de los sesenta y ochenta en la música moderna?

¿Qué es innovación en música? ¿Qué hace que una propuesta sea catalogada como “novedosa” o “auténtica”? Para un músico, esto parece ser la piedra filosofal de su viaje musical y, al respecto, Frankie Rose, exmiembro de Dum Dum Girls y de Vivian Girls, trae bajo el brazo Interstellar, su nuevo álbum en faceta solista, para demostrar, como buena alquimista, que su estilo musical, trabajado desde hace tiempo, es por mucho una de las propuestas a seguir en 2012. WARP MAGAZINE conversó con ella sobre su nuevo álbum y acerca del revival de la música de décadas pasadas.

No creo que sea un revival; al menos no completo. Más bien creo que son referencias en las hibridaciones de la música moderna. Creo que la música siempre va hacer referencia al pasado: todo tiene influencia de todo. Es como en el rythm and blues, que tiene marcadas influencias de muchas cosas. Pienso que lograr un sonido original es muy difícil para los músicos, debido a que hay mucha experimentación, y es precisamente por esa necesidad que se sigue experimentando. Y creo que esto es necesario. A mí me encantaría lograr un sonido único, pero no sé si pueda lograrlo; sin embargo, aunque evidentemente tomo sonidos que ya se han hecho antes, eso es lo que me impulsa a hacer la música que hago. Es como el hip hop, que toma samples de otras canciones, para crear nuevas piezas. Es la misma idea, pero en diferente aplicación. ¿Por qué tendríamos que estar pendientes de tu propuesta musical en 2012?

Porque se van a divertir mucho [risas]… No, la verdad es que no lo sé, y no sé si sea realmente algo novedoso, pero tengan por seguro de que, lo que hice en este disco, no se parece en nada a lo que he hecho en mis proyectos anteriores.

›› Leonel Hernández es poeta y traductor, puedes buscar su entrevista exclusiva con Alec Empire de Atari Teenage Riot en WARP #42.

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THE BANDS YOU NEED TO KNOW IN 2012

Technicolor Fabrics Ojos ajenos

Por: Giorgio Brindesi / Foto: Cortesía TF

La banda originaria de Guadalajara, Jalisco, Technicolor Fabrics, lanzó a finales de diciembre de 2011 su segundo álbum, titulado Ideas. De este mismo se desprende el sencillo ‘Fénix’, sólo una muestra de que son una agrupación a la que debemos seguirle los pasos muy de cerca por su propuesta original, o como el mismo Juan Pablo L. Corcuera (vocalista) lo define: “es una invitación a encontrarnos con nosotros mismos, a recobrar nuestra esencia y a tener claro lo que queremos y hacia dónde vamos; es mandar a la chingada todas las cosas que nos atan y que no nos dejan usar la mejor versión de nosotros”. WARP MAGAZINE tuvo oportunidad de platicar con ellos. ¿Platíquenos acerca del desarrollo para fusionar las diferentes influencias, hasta llegar a su propio sonido en cada disco?

Dan Salazar: Eso es una cuestión bien esencial; me refiero a la esencia de cada uno de los integrantes. Nunca ha habido un acuerdo sobre nuestro sonido o sobre lo que vamos a tocar; por el contrario, es muy natural lo que va aportando cada uno y el sonido lleva la influencia de todos nosotros; son gustos variadísimos, pero la línea donde convergen todos esos gustos es el sonido de Technicolor Fabrics.

sonido se vio muy influenciado por las cosas que pudimos obtener en ese estudio de grabación.

Además de incluir canciones con letras en español, ¿qué evolución sonora presenta Ideas?

Abraham López: Aterrizamos más al tema orgánico. El primer disco estaba recalcado en canciones un poco más bailables; de repente tenía programaciones y mucho trabajo de computadoras. Por el contrario, este álbum evolucionó en texturas más orgánicas: hay muchos pianos y todo se grabó con instrumentos reales; los sintetizadores no son programados en computadora, sino elementos que fuimos consiguiendo, como teclados Moog de los años setenta, tan interesantes que si los quisiéramos replicar en otro lado, hubiera sido imposible. Entonces, la textura del

¿Planes para 2012?

Joaquín Martínez: En febrero soltaremos el segundo sencillo y estaremos más presentes en la ciudad de México; también estaremos más presentes en medios, en eventos, en ciudades aledañas, así que nos verán mucho más por allí…

›› Giorgio Brindesi es Coordinador Editorial

D: Y también la composición tiene que ver un poco con el idioma. En este proceso decidimos tomarnos muy en serio esto del español y, para hacer bien las canciones, tuvieron que tomar carácter. Así, las letras repercutieron directamente en el sonido, que es mucho más serio que en el primer disco.

Síguelos en 2012: El sonido fresco y natural generado por estos músicos significa volver la mirada a la escena músical de Guanatos, reconocida por ser un semillero importante de talento. Este año sin duda representará la consolidación musical para el quinteto y su propuesta.

de WARPtv, DJ, productor y host del show de radio Dirty Sessions By Salcedo+Brindesi de Beat 100.9 FM. 061

THE BANDS YOU NEED TO KNOW IN 2012

Síguelos en 2012 La experiencia musical de Bryan Black, sumada a las colaboraciones que acompañan al nuevo álbum de Motor, hacen de Man Made Machine uno de los discos más esparados de 2012. Por otro lado, su live act promete sorprender a todo aquel que asista en sus shows, una combinación entre tecnología y arte visual.

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MOTOR Pleasure In Heaven

Por: Michelle Apple / Fotos: Cortesía Bryan Black

El sonido generado por Bryan Black, en cualquiera de sus proyectos, es algo que sale de la cotidianidad: su estilo para crear y producir música techno es lo que lo hace diferente a cualquiera de los cientos de DJs y músicos que creen moverse en el mismo terreno.

Black comenzó diseñando audio para Prince, ganándose la reputación de purista sonoro casi al instante, aunque quizá la realidad sea más sencilla: el fuerte de Bryan no radica en el purismo de su trabajo, sino en su hambre de experimentación, misma que lo ha llevado a compartir escenario con bandas como Daft Punk y Kraftwerk.

Lo anterior queda más que demostrado en lo hecho con Motor, donde su sonido, lleno de ganchos, logró llamar la atención de Depeche Mode, primero para hacer una versión del single ‘Precious’, de su álbum Playing The Angel (2005), y años después para abrir sus concierto en la gira de 2009, Tour Of The Universe.

A partir de ese momento, la perspectiva musical de Black cambió: la mente detrás de álbumes definitivos para el techno moderno estaba por darle un giro a su sonido y, así, se empezó a concebir Man Made Machine, un álbum de Motor diferente a todos sus trabajos anteriores; uno que difícilmente se puede definir, pero que como carta de presentación incluye colaboraciones de Gary Numan, Billie Ray Martin (S’ Express, Electribe 101), Douglas Mccarthy (Nitzer Ebb) y, desde luego, Martin Gore (Depeche Mode).

El single que da título al álbum —que además incluye la excepcional voz de Gore— es una señal de que Motor dará mucho de qué hablar en 2012. WARP MAGAZINE platicó con Bryan respecto a las colaboraciones incluidas en el disco, sobre su próximo tour y acerca de su posible paso, este año, por México. ¿Por qué llevaron su sonido techno característico a un lugar más pop, con la inclusión de vocalistas?

Salí con la gente de Depeche Mode en Nueva York mientras estaban grabando su álbum Sounds Of The Universe y, entonces, surgió la idea de que Motor fuera la banda que abriera los shows de su gira de estadios. Naturalmente aceptamos. En la segunda fecha del tour, en Atenas, Dave Gahan se enfermó y tuvieron que posponer la gira. Nadie sabía cuándo se iba a recuperar, así que volamos a Berlín y, de pronto, nos encontramos en un cuarto de hotel esperando noticias de DM. Así que acondicionamos una cabina de voz en el baño y rápidamente improvisamos un estudio. Como experimento, empezamos produciendo ideas techno y rock más melódicas —estructuradas más como canciones—, quizá como una reacción lógica después de ver que DM hacía perder la cabeza a 60 mil personas: había algo muy

diferente en tocar en estadios, con gente que conocía las letras de las canciones, a diferencia de tocar en pequeños clubs underground, húmedos, donde la gente sólo quiere bailar al ritmo de un beat. En ese momento ya teníamos tres álbumes y habíamos tocado en todos los festivales grandes. Si había un momento de probar algo diferente, ese era. ¿Cómo defines Man Made Machine en términos de sonido?

La mejor reseña de ‘Man Made Machine’ (el single), dice que “suena como un ‘Personal Jesus’ moderno”. Otros dicen que es como si Depeche Mode se hubiera metido esteroides. Creo que describiría el álbum como “Motor experimentando con estructuras vocales”. Aun así, es nuestro lanzamiento más comercial y accesible: tiene la firma de Motor y nuestro estilo de producción. Seguramente algunos se escandalizarán con algunas de las canciones, por lo emocionales y coloridas que son. Motor siempre ha tratado de sobrepasar los límites y de no repetirse. Definitivamente hicimos un disco totalmente diferente al anterior. ¿Cuál fue el proceso para seleccionar a los vocalistas que colaboran en este nuevo álbum?

Mientras estábamos de gira con Depeche Mode, grabamos el tema ‘Man Made Machine’ porque teníamos en mente trabajar con Martin Gore; y tan pronto como tuvimos el demo en bruto, se lo dimos. Al día siguiente dijo que le encantaría cantar en la canción. Martin es el rockstar más humilde que conocerás: una persona sorprendente. Poco después del tour con DM, recibimos ofertas de la gente de Gary Numan para abrirle en algunas fechas en Estados Unidos, Reino Unido y Australia; así que, naturalmente, eso nos alentó a mandarle algunas canciones para que las considerara, incluyendo un track muy pesado llamado ‘Pleasure In Heaven’. Numan escogió el track y después todo fluyó muy rápido. Desde entonces hemos hecho un remix de su tema ‘The Fall’ y ya hablamos de la posibilidad de salir de gira este año. Por cierto: aprovecho para mandarle saludos cordiales a Billie Ray Martin: siempre adoramos el single de DJ Hell, ‘Je Regrette Everything’, que incluye una interpretación vocal sorprendente de Billie: como queríamos balancear el álbum con una voz femenina, ella fue nuestra primera opción.

›› Michelle Apple investiga fenómenos paranormales y colabora en WARP, puedes leer su entrevista con She Wants Revenge en WARP #42.

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¿Cuál fue su experiencia al colaborar con Martin Gore?

Martin siempre toca nuestros discos cuando se presenta como DJ y, en algún momento, Mute nos pidió que hiciéramos un remix del single ‘Precious’, de DM; así que nos pusimos en contacto y me invitó a Nueva York, al estudio donde estaban grabando.

Salimos algunas veces y, años después, nos ofrecieron abrir para DM en la gira Tour Of The Universe. Después de terminar de grabar la canción con Martin, hicimos un video, y después hizo un poadcast para CLR.net, todo para ayudar al single que hicimos juntos. No muchos artistas harían eso por alguien.

En estos días la tecnología nos da la oportunidad de crear música de una manera más sencilla, a través de software como VST, pero, ¿qué prefieren usar? ¿Software o sintetizadores análogos e instrumentos convencionales?

Siempre he trabajado con sintetizadores análogos, desde el principio. Usualmente sampleo sintetizadores modulares, incluso para lograr secuencias interesantes en la computadora. Siempre busco accidentes casuales que se conviertan en “ganchos”. De cualquier modo, siempre me encuentro haciendo todo en una computadora. Por supuesto que grabamos las voces con unos lindos micrófonos y con pre-amplificadores de válvulas, pero la mayor parte de la magia en estos días pasa adentro del secuenciador. Los VSTs cada día se vuelven mejores. ¿Este disco está influenciado por algún álbum o género musical en particular?

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En cuanto a lo musical, creo que inconscientemente tomamos inspiración de toda la música synth con la que crecimos: cosas de los ochenta y noventa con las que hicimos algo nuevo. Hablando de producción, utilizamos técnicas modernas, aunque sin sobreproducir: un accidente muy común con el acceso a la tecnología.

Hablando de otro de tus proyectos, Black Asteroid, dinos: después de lanzar el EP Engine, ¿cuál es el status del proyecto? ¿Estás trabajando en nuevo material?

De hecho, estoy de gira con Black Asteroid. Ahora mismo estoy haciendo algunos remixes para experimentar con sonidos. Hice un remix del single ‘Man Made Machine’ y también de algunas cosas de Julien-K; de ellos estoy por terminar dos más. Después voy a lanzar el próximo EP de Black Asteroid. Y hasta el momento, es más dinámico que el EP anterior; estoy tratando de no repetirme, pero manteniendo el estilo audaz y techno que hace único a Black Asteroid. Espero lanzarlo en marzo. ¿Qué podemos esperar para el próximo tour de Motor?

Por ahora estamos trabajando en el diseño del escenario y en un show totalmente nuevo, esperamos tocar casi todo el nuevo disco, centrándonos en un show de luces impresionante, profundizando en las canciones. ¿Tienen planes de venir a México en 2012?

En realidad queremos hacerlo. Y tengo el buen presentimiento de que pasará.

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NOVEDADES 2012 Por: Marc (Dorian)

Las novedades discográficas para la primera mitad de este 2012 vienen a confirmar la tendencia que venimos observando desde la pasada década: en la música popular del siglo XXI ya no hay estilos dominantes que, a modo de verdades cuasi universales, dominen el mundo de la música durante uno o dos lustros. Al contrario: las listas de los mejores discos vienen salpicadas, año con año, por obras de muy diversos géneros y subgéneros como el folk, el dubstep, el post dubstep, el nu disco, el rave, el slow house, el post punk, el glitch, el witch house, el rock, la americana… Y parece ser que eso es lo que seguirá ocurriendo en tiempos venideros.

Por un lado, ya no se inventa ningún sonido/estilo que sea radicalmente nuevo o que abra la música hacia un cambio de paradigma; por otro, no es menos cierto que todos los años escuchamos álbumes de una calidad y un sonido excepcional, que aportan su granito de arena a esta inmensa red cultural que conforma la música de nuestro tiempo. Buenos ejemplos de ello son los discos de James Blake y de Bon Iver, ambos publicados el año pasado y que, no cabe la menor duda, serán considerados clásicos en unas décadas.

En este primer artículo de 2012 hablaré de artistas y novedades discográficas que, creo, serán relevantes en los próximos meses. En principio, desde España, llegan dos proyectos de electrónica que darán mucho de qué hablar: John Talabot, de quien ya hemos hablado en estas páginas y que —alabado sea el Señor— acaba de publicar ƒIN, uno de los discazos del año; su mezcla de balearic, IDM, tropicalismo y house no ha dejado de llevarse los elogios de la crítica internacional más exigente. Por otro lado está el madrileño Pional, joven promesa de la electrónica mundial cuyo tratamiento de los desarrollos estructurales y del sonido (minimal house, pop, IDM) ya ha tenido el beneplácito del mismísimo James Murphy; busquen su Last House On The Left (EP) y juzguen por ustedes mismos.

La música de John Talabot y de Pional (como la de James Blake o Bon Iver) no acepta ser escuchada con prisa. Pueden disfrutarla

tumbados en su habitación, con los ojos cerrados, flotando sobre su cama; pueden bailarla con sus amigos en una fiesta o en un club; pueden hacer el amor mientras suben el volumen, pero lo que no puede ocurrir es que se acerquen a la música de estos artistas buscando el hit fácil, porque no lo encontrarán.

Otros discos “inquietos” que se esperan para este 2012 son el del productor británico Chris Clark, que en abril publicará Iradelphic, un nuevo y muy recomendable catálogo de melodías electrónicas atemporales (¡el sexto ya!), así como la nueva referencia de School of Seven Bells (Full Time Hobby), cuyo denso shoegazing barnizado de electrónica volverá a hacer las delicias de los fans de Cocteau Twins, Ride o Slowdive, al igual que Future This, segundo trabajo de The Big Pink, publicado el pasado mes de enero por 4AD. Quienes deseen seguir escuchando sonidos en la onda afropop de Vampire Weekend deberán anotar en su agenda un nombre: Guivers. Son de Lafayette y publicaron In Light, su debut, el pasado mes de noviembre (escucha y baila Up Up Up). Para terminar, quisiera confirmar el regreso de Spiritualized, cuyo nuevo álbum tuve la suerte de escuchar entero hace meses y que supone un regreso del Jason Pierce más ruidista y psicodélico. Sweet Heart Sweet Light se espera para esta primavera, al igual que Love At The Bottom Of The Sea, de The Magnetic Fields, obra que —créanme— seguirá engrosando la leyenda de Stephin Merritt.

›› Marc Gili es líder y compositor de la banda originaria de Barcelona, Dorian y puedes leer su columna respecto al movimiento 15M en WARP #43.

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RODRIGO Y GABRIELA Welcome to Area 52

Por: Diovanny Garfias / Fotos: Tina Korhonen, Alejandro Franco, Rubén Márquez y Sergio Gálvez

Seguir por los caminos conocidos es la opción más sencilla y autocomplaciente para un artista en cualquier disciplina, y es justamente ese error —perder la capacidad de buscar nuevas formas de expresión— uno de los que suceden con más frecuencia en el mundo de la música. A menudo nos encontramos con bandas que no hacen más que repetir su primera entrega musical durante años, lo que —aunado a un público fácil que lo festeja como si fuera un logro—, hace que el mérito de reinventarse sin miedo al fracaso se deprecie.

Dicho lo anterior, es sencillo encontrar la virtud implícita en cada uno de los nueve tracks que conforman Area 52, el más reciente material de Rodrigo y Gabriela. La dupla mexicana regresa con un álbum que, igual para fans que para amantes de la música, resulta algo más que peligroso. La pareja de músicos, reconocida en todo el mundo por su fusión de metal con flamenco y pinceladas de jazz, incursiona en una tarea peculiar: hacer de los clásicos de su catálogo piezas de elaborada instrumentación con sabor cubano. Baste decir, al respecto, que la proeza fue superada y con creces.

Para el escucha casual —el que pudiera acceder a Rodrigo y Gabriela por primera vez—, hay un mundo entero por descubrir, lleno de gustillos que pueden parecer exóticos de entrada, pero que se convierten en parte de un exquisito platillo. Para los que ya los conocen, sin embargo, hay un viaje de redescubrimiento, con panoramas que en definitiva han cambiado, pero que siguen sintiéndose familiares y acogedores.

Por si fuera poco, la placa producida por el legendario Peter Asher, cuenta con alma propia, algo que era de esperarse: la inclusión de la Orquesta C.U.B.A. hace de Area 52 algo único: es un ente ambicioso y bien logrado, con el sello de Rodrigo y Gabriela, lo que sumado a los arreglos orquestales del pianista Alex Wilson dan como resultado un álbum equilibrado, donde se nota el nivel musical conseguido de este exitoso experimento.

WARP MAGAZINE conversó en exclusiva con Rodrigo Sánchez, guitarra líder y complemento de la dupla, previo al inicio de su tour a través de Europa en compañía de la orquesta C.U.B.A.

›› Diovanny Garfias es Editor en Jefe de WARP MAGAZINE, puedes leer su entrevista exclusiva con Ladytron en WARP #42.

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Síguelos en 2012 Area 52 es un gran ejemplo de cómo reinventarse a sí mismo. Una buena señal para Rodrigo y Gabriela, quienes se consolidan como uno de los proyectos musicales más importantes de México y Latinoamérica a nivel internacional. El show que han preparado junto a la orquesta C.U.B.A. es algo que no habrá que perderse.

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Hablando del disco Area 52, ¿cómo surgió la idea de hacer un álbum que tuviera este sonido particular, tan diferente al sonido que conocemos de Rodrigo y Gabriela?

Inició cuando estábamos de gira el año pasado: la compañía disquera nos estaba pidiendo un nuevo disco. Sabiendo que aún nos quedaba un año de gira con el álbum 11:11 (2009), se me ocurrió sacar un proyecto intermedio: este disco cubano. OrigiRodrigo y Gabriela durante la gración del álbum Area 52, en los estudios Habdala en La Habana, Cuba (2011). nalmente era mucho más sencillo, pero al comenzar a trabajar en la producción, empezó ideas. Una vez con su arreglo, empezábamos a reestructurar las a aparecer gente que se fue involucrando en el proyecto con piezas. Fue un proceso bien distinto, porque teníamos que hacer mucha más idea de lo que podía llegar a ser. En ese entonces unas versiones distintas de nosotros mismos. ni siquiera teníamos planeado salir de gira, pero el resultado nos agradó mucho. Estamos felices de salir y experimentar este Parte de este nuevo álbum fue grabado en Cuba. ¿Crees que esto proyecto en vivo, con una banda. Nunca lo hemos hecho. le dio un sabor diferente a la grabación y al disco en general?

Sí, muchísimo. El grabar con esos músicos, en su propio ambienEl disco incluye varios cortes que ya son clásicos para fans y gente te, les dio más seguridad, porque conocen su espacio, donde que conoce su música, pero, ¿fue difícil, como músicos, retomar han grabado muchas veces. Y son estudios legendarios, lo que estas canciones y darle un giro al sonido? nos inspiraba y nos daba un poco de curiosidad, porque no saSí, fue difícil, pero afortunadamente trabajamos en conjunto con bes qué esperar y eso te provoca cierta adrenalina. Hubiera sido Alex Wilson, quien es un excelente pianista de jazz, que además muy distinto hacerlo en otro lado; dentro de las posibilidades, ha trabajado con músicos cubanos; por lo tanto, conoce muy de hecho, nos invitaron a grabar a Nueva York, para evitarnos bien tanto ese estilo como nuestro sonido. Alex nos ayudó mulas visas y el problema de pasar el equipo a Cuba; pero al final cho a enriquecernos en torno a los sones cubanos. Por ejemplo: elegimos La Habana. En cuestión de logística fue complicado, para ‘Tamacun’ pensamos en algo más tradicional y él nos daba pero yo creo que valió la pena.

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Hablando de la grabación en el estudio, ¿cómo fue trabajar directamente con gente como Peter Asher, Alex Willson o el mismo John Tempesta? ¿Aprendieron algo en particular?

Por supuesto, porque son grandes músicos; y sobre todo son amigos. Es gente que nosotros invitamos al proyecto, porque sabíamos que les iba a interesar; y queríamos tocar con ellos porque los admiramos. Hubo mucho aprendizaje, pero afortunadamente ya lo ha habido antes. Por ejemplo: a Peter, lo conocimos cuando estábamos grabando la música para Piratas Del Caribe y nos hicimos súper amigos; en esa época fue cuando tuvimos que decidir 070

qué hacer con el nuevo disco y le llamé a Peter. Igual con Alex, John y Anoushka: todos estaban muy contentos de participar en el proyecto y, en general, todos los músicos son amigos a los que admiramos como artistas y como personas. ¿Cómo ha sido el proceso de integrar esta orquesta cubana a su presentación en vivo?

La gira inició en febrero en Europa y, aunque no ensayamos mucho juntos, sabíamos que íbamos a compenetrar bien en vivo: todos estamos en el mismo canal.

Estreno 10 de abril por

#WARP5 WARP.la/warp5 @WARPmagazine

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Rodrigo y Gabriela durante sus actuaciones en El Plaza Condesa, México, los días 5 y 6 de diciembre, las últimas en promoción del álbum 11:11 (2011).

Hablando de la trayectoria de Rodrigo y Gabriela, sus proyectos han sido exitosos en México y el mundo. ¿Crees que su caso en particular tenga alguna característica que los haga especiales o diferentes a otros músicos mexicanos?

No, simplemente las condiciones en que se nos presentaron las cosas hicieron que todo se nos manifestara de forma diferente, como el hecho de salir de México sin la expectativa de una compañía disquera... Nunca nos fuimos por no haber tenido éxito en México, sino porque simplemente queríamos viajar sin ninguna expectativa, como cualquier chavo en sus 20s. Y nos iba bien tocando en la calle y en cafés, allá en Europa. Las cosas se dieron solitas; quizá fue el aferrarnos a que, sin importar en dónde, decidimos tocar la guitarra, porque es lo que nos gusta hacer.

Y así fue: sin afán de ser famosos o de buscar grabar un disco. Ya cuando se empezaron a dar las cosas, teníamos la experiencia de todo lo que no nos había sucedido en México; aprendimos de nuestros errores y aceptamos las cosas como se fueron dando. Esta carrera así es: depende mucho de la inspiración y de que la gente te siga y que continúe oyendo tu música; y uno nunca puede asegurar que esto seguirá sucediendo. Esta es nuestra ideología 072

para que las cosas sigan siendo lo que son pero, en sí, no hay una técnica.

Area 52 parece un disco insuperable a nivel de sonido y producción. ¿Ya tienen algo en mente para el sonido del próximo disco?

Gracias… Y sí, ya tuvimos una junta Gabriela y yo, en la cual comentamos lo que va a pasar en el próximo disco; y aunque a este disco le vaya muy bien, el próximo no va a tener una banda cubana, porque esa no es nuestra “nueva dirección”. Lo que nos llama la atención es regresar a nuestras bases. Siento que, en este formato de dos guitarras, no hemos regresado a ese lugar de dónde venimos: algo que tenga más bases de rock, de heavy metal.

Eso es lo que nos llama la atención y a donde nos vamos a dirigir en el próximo álbum. Como dúo, realmente no tenemos ninguna regla qué seguir: hacemos lo que nos parece bien. Y aunque la gente nos quiera poner etiquetas, no caemos en ningún género en específico. Así, el próximo disco será todo un reto: vendrá más del corazón. Yo he estado experimentando con nuevos ritmos para dejar estas influencias tan marcadamente latinas: los riffs más basados en el rock es algo que no hemos experimentado en nuestros discos. Pero todo puede cambiar; todavía falta un año para que empecemos a garbar el nuevo álbum.

P74. LUST IN THE MOVIES. Berlinale / Días De Gracia P77. TECHNOLOGIC. Cámara Lytro P78. FASHION NUGGET. Candy P80. ART BRUT. Esra Røise

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‘Sleepovers’

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La Berlinale 2012 Por: Danahé Calzada

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ste mes extiendió su alfombra roja la 62 Edición de la Berlinale: el festival que Alfred Hitchcock abriera en su primera edición y que hoy es uno de los cuatro festivales de cine más importantes del mundo junto con Cannes, Venecia y San Sebastián. Sin embargo, por su sólida tradición de poner en alto la bandera de la diversidad social y de abrir las fronteras al tema del cambio desde diferentes perspectivas, es uno de los favoritos en Europa.

Los temas centrales de esta edición apuntaron a la revuelta social y al despertar político de la Primavera Árabe, por lo que se exhibieron filmes de realizadores que exploran el progreso de los levantamientos masivos ocurridos durante 2011, analizando las preguntas políticas y filosóficas de estas manifestaciones. También se abordaron temas como la posición de los artistas ante la sociedad, con el estreno de un documental sobre el artista disidente chino Ai Weiwei, así como el tsunami en Japón y el subsecuente desastre en la planta nuclear de Fukushima.

La Berlinale contó además con secciones enfocadas al cine independiente, documental, cortometraje, infantil y una retrospectiva de clásicos mostrados previamente en el festival, además de un foro de mesas redondas y talleres para jóvenes creadores.

De forma simultánea se celebró The European Film Market (EFM) y The Berlinale Co-Production Market, una de las tres plataformas más importantes del mundo para que produc-

tores, financieros y representantes de la industria del cine participen con proyectos preseleccionados y encuentren socios para realizarlos.

Por su parte, los filmes en competencia fueron premiados con los Osos de Oro (al mejor realizador) y Plata (a la mejor interpretación), y entre los más destacados del año estuvieron Les Adieux A La Reine, interpretada por Diane Kruger, que habla sobre las últimas 48 horas de María Antonieta en su camino a la guillotina; Cesare Deve Morire, de los italianos Paolo y Vittorio Taviani, con textos de Shakespeare y rodado en una cárcel de alta seguridad romana, y Dictado, de Chavarrías, centrado en una huérfana acogida por una pareja.

La presencia latinoamericana llegó con varios títulos que abordan la temática indígena y sus tradiciones culturales en una de sus secciones; en ésta, los filmes mexicanos Un Mundo Secreto, de Gabriel Mariño, y la coproducción boliviano-mexicana Pacha, compitieron por el premio a mejores óperas primas.

Grandes presencias como Meryl Streep, quién recibió un Oso de Oro honorario a su carrera; Angelina Jolie, quien debutó como directora con In The Land Of Blood And Honey, ambientada en la guerra de Bosnia; el ídolo de Bollywood, Shah Rukh Khan, además de Salma Hayek y Charlotte Gainsbourg, quien integró el jurado, entre muchas otras, fueron parte de esta entrega de los Osos de Berlín.

Farewell, My Queen (2012)

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Días de gracia Violencia en la vida moderna Por: Leonel Hernández

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opa Mundial de futbol: tiempo santo donde todo vale, donde la suerte de unos —de todos—, de una u otra forma, depende de un balón; el destino depende de una decisión. Así, bajo un escenario angustiante, en su ópera prima, el director Everardo Gout relata una serie de oscuras fabulas que muestran la vida y muerte en una ciudad tan llena de contrastes sociales como la de México. Días De Gracia fue seleccionada en La Semana de la Crítica en Cannes 2011 y su parte sonora cuenta con participaciones de Nick Cave y Warren Elis, Atticus Ross (12 Rounds, How To Destroy Angels), Shigeru Umebayashi y Robert Del Naja (Massive Attack) con Scarlett Johanson haciendo el tema principal, lo que, aunado a una producción con una narrativa visual vertiginosa, da como resultado una de las películas mexicanas más interesantes en los últimos años. WARP MAGAZINE platicó en exclusiva con su director. ¿Cómo surgió la idea de ligar el tema de la Copa del Mundo de futbol con el de la corrupción y la violencia en la ciudad de México?

Cuando tomas dos cosas que en apariencia no tienen nada que ver y las juntas, creas un diálogo y una tercera imagen que te permite hacer una metáfora y te abre la mente para crear poesía dentro; esta sutileza termina alimentando la historia. ¿Qué investigación hubo detrás del guión y de la estructura de Días De Gracia?

Fueron cuatro años de investigación, donde traté de profundizar: tengo cientos de horas de entrevistas con víctimas de secuestro

y con exsecuestradores, para que justamente podamos hablar de estos temas. Y no creo que sea una película sórdida ni moralista; al contrario: creo que en Días De Gracia van a ver cosas que nunca han visto ni escuchado, y actuaciones fuera de serie. Invita a la reflexión. ¿Cómo fue el acercamiento con los músicos que participaron en la banda sonora?

En principio soy fan de todos ellos. Por ejemplo: la música de Nick Cave me acompañó en muchas etapas de la producción de la película y, cuando ya teníamos las historias, queríamos que conmovieran en el corazón antes que en la cabeza. Pensábamos que no iban a aceptar, puesto que cuando los contactamos, les platicamos de lo que se trataba la película y que no había dinero de por medio; pero afortunadamente aceptaron. Con Atticus Ross pasó algo curioso: lo contactamos antes de que ganara el Globo de Oro y el Oscar; por eso, él aprecia mucho que confiáramos en su trabajo antes de que le llovieran ofertas. Con Robert Del Naja sucedió que teníamos amigos en común; le comentamos lo que queríamos y, después de muchas versiones, al final nos entregó una versión final de ‘Summertime’ con Scarlett Johanson y nos fascinó. Al final, hice una gran amistad con todos y cada uno de ellos.

La película está disfrazada de un relato violento y oscuro, pero al final termina siendo muy conmovedor. ¿Hay un mensaje de esperanza implícito?

Definitivamente: al final, lo que se busca, es que cada uno de nosotros tome la decisión correcta para proponer un mejor lugar para vivir.

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technologic WARP TV

Cámara Lytro Por: Alejandro Escobedo

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cabas de tomar la foto perfecta; ni antes ni después: la tomaste en el momento justo y, ese instante, no se repetirá jamás. Y todo va bien, hasta que bajas la vista para ver la foto en la pequeña pantalla de la cámara (o celular) con la que la sacaste y te das cuenta de que está fuera de foco. Es frustrante recordar que el momento, como lo viviste, no quedó plasmado de manera fidedigna, y es por eso que el Dr. Ren Ng, empresario e investigador de la Universidad de Stanford decidió, hace cinco años, escribir su tesis doctoral sobre “las aplicaciones de campos de luz en la fotografía digital”.

Un campo de luz se define como la cantidad de luz proyectada en cada dirección, en cada punto del espacio. La tesis de Ren Ng recibió varios premios, consiguiendo incluso que inversionistas le ayudaran a fundar su propia compañía para desarrollar una nueva tecnología que rompiera esquemas en la forma en que capturamos fotografías: así nació Lytro.

La premisa de Lytro es que hay mucha información que se desaprovecha al tomar una foto con una cámara convencional, pues sus sensores se limitan a captar solamente información de intensidad de luz y color. La solución, entonces, es capturar la mayor cantidad posible de información sobre la luz que converge en la escena, en determinado momento, lo que se logra con el “sensor de campos de luz” (light field sensor) desarrollado específicamente para Lytro. Todo esto permite un avance impresionante en el campo de la fotografía digital: la posibilidad de re-enfocar la fotografía después de haberla tomado.

Kurt Akeley, CTO de Lytro, explica que, cuando interactúas con una fotografía de campo de luz (light field picture), reenfocándola, no estás cambiando la información de los campos de luz de la fotografía, sino los parámetros que controlan la proyección de esos datos a la secuencia de imágenes en 2D que estás viendo. Por lo mismo, la información generada no es una fotografía en un formato tradicional (JPG, RAW, etc.), ya que incluye datos adicionales como la dirección de la luz.

Un avance tecnológico tan importante en un campo como el de la fotografía no podía quedarse sin su dosis de controversia.

Existen opiniones divididas entre los fotógrafos profesionales más puristas, ya que la técnica de encontrar la configuración correcta de la cámara (apertura, velocidad del obturador, etc.) se vuelve mucho menos compleja. Lytro se defiende con el argumento de que, ahora, el fotógrafo sólo deberá preocuparse por componer la toma y capturar el momento perfecto.

El debut oficial de Lytro fue el 11 de octubre de 2011, con un precio de venta de 399 dólares y 499 dólares en sus versiones de 8 GB y 16 GB, respectivamente, para entregarse las cámaras a los consumidores finales en enero de 2012.

›› Alejandro Escobedo es Ingeniero en Sistemas y TI especializado en desarrollo web, gamer y geek de tiempo completo en WARP.

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fashion nugget WARP TV

Candy store rock — Candy

Coordinación de moda: Chëla Olea Fotografía: Fernando Velasco y Luis Tierrasnegras para Luciérnaga y WARP Locación: Museo Ripley

Héctor Villagómez: Chamarra “Crearé” de Quscee

Valentina Plasa: Vestido de Lickra Eva Urias para

Michael Klotz: T-Shirt de Malafacha para Fashion

para Fashion Lovers, T-Shirt Pull & Bear, Pantalón de

Fashion Lovers, Leggings H&M, Botas Aldo

Lovers, Pantalón Pepe Jeans, Tennis Converse

mezclilla Levi’s, Tennis Converse

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fashion nugget WARP TV

Michael Klotz: Camisa Negra Pull & Bear

Valentina Plasa: Vestido Urban Outfitters

H茅ctor Villag贸mez: T-shirt Pepe Jeans, Chamarra Pull & Bear

Agradecimientos especiales a Grupo Museo de Cera.

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art brut WARP TV

Draw me a song Esra Røise

Por: Chëla Olea

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l sueño de muchos ilustradores es lograr “ese algo” para que las publicaciones del mundo pongan el ojo sobre su trabajo. “Ese algo” debe ser una característica difícil de describir, aunque fácil de destacar. Ese es el caso de Esra Røise: su estilo es limpio, femenino, delicado y lleno de romanticismo.

El trazo de esta ilustradora noruega le ha dado un vuelco a las nuevas generaciones que aman la moda y buscan mezclar el arte del dibujo digital con el del color y la textura para ser, más que una inspiración, un modelo a seguir en el ámbito artístico.

Con publicaciones en Nylon USA, Vogue China, Wallpaper, BabyBabyBaby, así como trabajos destacados para Wolkswagen (Animación Beetle), United Airlines, Nike y Levi’s, esta veinteañera nos cautiva y nos hace estar al tanto de su carrera.

Recién egresada de la Licenciatura de Comunicación Visual de la Academia de Artes Visuales de Oslo, Esra nos cuenta que se inspira de las situaciones cotidianas sin importancia, en los momentos fotográficos espontáneos con ángulos extraños

e incluso fuera de foco. Su pasión: el mundo de la moda, la música y mezclar todo esto, lo que deviene en un mundo lleno de imperfecciones.

“Mi proceso creativo ha cambiado mucho en el último par de años; creo que ahora me detengo más en los detalles digitales, pero eso sí: mi intención visual siempre es marcada por la planeación análoga”, dice.

A su corta edad, ha expuesto en el Festival de Diseño de Londres y en Sumerset House, pero Esra, con un toque supersticioso, se niega a compartir sus planes para 2012; asegura, sin embargo, que será un año divertido y lleno de creaciones: “Me voy a robar las palabras de Tim Walker (fotógrafo de moda), a quien admiro mucho: ‘ama lo que haces y haz lo que te gusta’. Comprendí que debes ir a tu ritmo y hacer las cosas como mejor te sienten. Lo que ‘está de moda’ suele ser tan efímero, que lo más recomendable es aferrarte a lo que te mueva y apasione”, nos aconseja.

‘Tender, Part 3’ ›› Chëla Olea es editora de arte y moda de WARP MAGAZINE, curadora de la sección Art Brut de WARPtv y make up artist.

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RODRIGO Y GABRIELA & THE BANDS YOU NEED TO KNOW

GUARP

planned to go on tour, but we liked the result so much that we couldn’t have the resting time we had planned. But we are happy to go out and experience this new project live, playing with a band. We had never done it before.

Rodrigo Y Gabriela Welcome to Area 52 By: Diovanny Garfias Translator: Marla Guedimin

The Mexican duo returns with Area 52, an album that for fans and music lovers in general, was more than dangerous. The pair of musicians, worldwide recognized for their fusion of flamenco and metal touches of jazz, and especially for the minimalism sound dressed by their guitars, were moving into a very peculiar task: to take the classic pieces from their catalogue and convert them into an elaborated Cuban-flavored instrumentation. Suffice to say that the feat was surpassed and exceeded.

What’s more, the album produced by the legendary Peter Asher has its own soul, which was to be expected: the inclusion of the C.U.B.A. Orchestra and its thirteen members made of Area 52 something unique, with the touch of Rodrigo y Gabriela, but ambitious and accomplished. The orchestral arrangements by the pianist Alex Wilson results in a balanced album, where it shows the musical level achieved in this successful experiment.

WARP MAGAZINE spoke exclusively to Rodrigo Sánchez, lead guitar and the pair’s complement, before the beginning of their tour around Europe with the company of the C.U.B.A. Orchestra.

Speaking of the album Area 52, how did the idea of making an album that had this particular sound come up?, so different from the familiar sound of Rodrigo y Gabriela.

It all started when we were on tour last year and the record company had already asked us for a new album. Knowing that we still had a year of touring with the “11:11” album (2009), I came up with the idea of an intermediate project, which was this Cuban album. Originally it was much simpler than it ended up being. We started working on the production and people started showing and got involved in the project, with much more idea of what it should be. At that time we haven’t even 084

The album includes several tracks that are classics for the fans and people who know your music. As a musician, was it difficult for you to to take these songs and give them a twist to the sound?

Yes, it was difficult, but fortunately we work with Alex Wilson, a jazz pianist who has worked with Cuban musicians. Therefore he’s very familiar with this style and he also knows our sound.

Alex helped a lot to enrich us around the Cuban son. For example for ‘Tamacun’ we were thinking of something more traditional and he gave us ideas. Once with his arrangement, we started to restructure the pieces. It was a very different process, because we had to make some different versions of ourselves.

Speaking of Rodrigo y Gabriela’s career, your projects have been successful in Mexico and worldwide. Do you think your particular case has some characteristics that makes you special or different from other Mexican musicians?

No, the conditions under which things were presented to us, made everything to manifest all differently. The fact that we left Mexico without the expectation of a record company: we never left because we had no success in Mexico, but because we simply wanted to travel like any guy in his 20’s without any expectations.

We did well playing on the streets and cafes there in Europe.

Things were just there. Maybe it was our holding, not matter where, we decided to play the guitar even on the street, because that’s what we like to do. And so it was, with no desire of being famous or looking for an album. And when things began to happen, we already had the experience of all the things that didn’t happen to us in Mexico; we learned from our mistakes and accepted things as they were coming. This career is like it depends so much on the inspiration and on people following you and keep listening to your music. One can never be sure that this will continue happening, so this is our ideology for things to remain as they are. But there is actually no technique at all.

Area 52 seems like an unsurpassed album at a sound and production level. Do you already have something in mind for the sound of next albums?

Thanks, and yes, I had a meeting with Gabriela and we commented on what will happen in the next album, and although this album goes well, the next one won’t have a Cuban band.

That’s not our new direction. What strikes us is to return to the basics. I feel that in this format of two guitars we haven’t returned to where we came from, something that has more bases in rock and heavy metal. This is what strikes us and where we’re going to run for the next album.

As a duo, we don´t really have any rules to follow, we do what seems good to us. Although people want to label us, we do not fall into any specific genre.

The new album will be a challenge; it’ll come more from the heart. I have been experimenting with some new sounds to leave these heavily Latino influences. A rock-based riffs, is something we haven’t experienced in our albums. But everything can change; we are still a year away to start recording the new album.

GUARP

Ask Amanda By: Amanda Palmer / @amandapalmer

Since The Dresden Dolls have a song called ‘Sex Changes’, I wanna know, are you against or in pro of the sex reassignment surgery? and why? @LeoHernandezG I think sex reassignment surgery, like so many other personal things in life, is a totally personal choice. So I’m not “for” or “against” it...I’m “for” people feeling like they have the freedom to do whatever they want to and with their bodies....as long as they’re not hurting anyone. I wrote the song “Sex Changes” after being in a brief relationship with someone who was headed into to get surgery, and the song isn’t a political statement, it’s a poetic reflection on my own weird feelings around it....and my own imagination taking me to places where I was asking “what’s it like to do that? to feel that? to not be able to take the choice back”...the things anyone would think about, and that’s where the song came from. And like a lot of my songs, everything’s “about” 3 or 4 things at the same time. I loved the word play in the title and the idea: changing your sex, and sex changing you. The way you’re always told as a kid that your life will never be the same once you’ve lost your virginity. LIES! You only believe that because you’re told to believe it. Honestly, for all you virgins out there: nothing has changed except...the fact that you’ve had sex. And moreever: the fact that you can TELL people you’ve had sex. Or the fact that you have to HIDE that you’ve had sex. Thus the lyric “They always said that sex would change you....” That’s always the dangerous about songs and lyrics. They’re personal as well: and they can get you in trouble if someone comes waving a lyrics in your face saying “but you SAID in your SONG!!!” There’s a great quote from John Lennon that sums this up. The story goes: someone came at John Lennon, attacking him for wanting to be paid for something he’d done. The person quoted his song “Imagine” and said “didn’t you sing all that shit about ‘imagine no possessions’”. And John Lennon looked at them and said: “It’s just a song”. He speaks the truth. Songs are art, songs are feelings, and they can speak truer truths than reality sometimes, and they can change the world... but still: they’re songs.

What is your personal opinion about having multiple sexual partners? @chuneva_ I think anybody should be allowed to fuck whoever they want whenever they want as long as they’re being emotionally and physically responsible. But again, this is a totally personal, case by case choice. I would never advocate for ANYONE to “be monogamous” or “be polyamorous”, that would be ridiculous.

That’s like telling people what kind of Ice Cream to like. Everyone likes different shit, and some people really love the two-person/ one-couple system. And some people really love being in relationships with sex on the side, and some people trio up and live as a threesome. And have kids. Whatever works, darling. As long as you’re happy and not hurting anybody, you’re fine by me.

Dear Amanda, since the first time I heard your music and watch your videos I felt that you were a person who live and have a full sexuality, any advice for a person looking to reach that kind of live style? @Tatrooper Well, here’s one thing I’ve learned. There’s two kinds of sexuality.

There’s appearing to be very sexual comfortable, and then there’s BEING sexually comfortable. Many people appear to be very “into sex” but actually have weird anxieties around it. And then you turn around and the quiet little librarian in the corner, who you never though of as sexual, is going home and BANGING UP A STORM, talking dirty to her lover in a way that drives them crazy, experimenting with sex toys, and is totally confident in her choices and private sexual life. So appearances can be deceiving.

A lot of times sex can be used as a way to assert self-confiedence, but it can really backfire and take away your power if you’re not careful. I learned this as a teenager. I was so amazed at the power I could wield by “slutting out” and wearing bras and slips to school - and in my own way I thought it was very punk rock.

But there was a weird combination of sex and insecurity going on at the same time. I loved the attention and I loved the sexual attention, but I was also 14 and had never had sex: I just knew I was treading dangerous waters and acting like a grown-up and I LIKED IT. One thing I’ve learned over the years is that your comfort level with your own sexuality (what kind of sex you like, how much sex you like, how much you like even talking about sex) is something YOU have to figure out, nobody can tell you.

And once you find out what turns you off and turns you on, you OWN it and you stick with it. And if it changes....you follow with no shame. Some people realize late in life they’re into the opposite sex they’ve been generally attracted to. And it takes true power to say “wow, i’ve changed. I’m gay now.” or “who’d have thunk it? watching historical porn from the 18th century makes me orgasm immediately? wow.” And if anybody tells you “you’re weird” for liking or not liking a certain kind of sex: you know they’re full of shit and speaking from their own insecurities.

You can read “Ask Amanda” in its entire visiting: warp.la/askamanda, you can also submit questions to magazine@warp.com.mx 085

GUARP

The best review of Man Made Machine (the single) said it sounded like a modern day ‘Personal Jesus’. Others have said it sounds like Depeche Mode on steroids. I guess I would describe the LP as Motor experimenting with vocals and song structures. Even though it’s s our most commercial/accessible release, it has the signature Motor production style.

It’s likely some people will be shocked by some of the songs: how emotional and colorful they are. Motor has always been about pushing the envelope and not repeating ourselves. We definitely made a different record from the last.

Motor

Pleasure In Heaven By: Michelle Apple Translator: Marla Guedimin

Bryan Black, the mind behind Motor speaks exclusively for WARP MAGAZINE about Man Made Machine, the project’s new album .

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How was the process to select the vocalists that collaborated on the album “Man Made Machine”?

While on the Depeche Mode tour, we recorded the song ‘Man Made Machine’ with Martin Gore in mind. As soon we had a rough demo we gave it to him on the tour. The next day he said he would love to sing it. Martin is the most humble mega rock star you will ever meet. A really amazing person.

Shortly after the DM tour, we got some offers from the Numan camp to support him on some US, UK and OZ dates. So this naturally led us to submit a few songs to him for consideration. A couple of “synthy” ideas and one super heavy track called ‘Pleasure In Heaven’. He chose the heaviest track and it all came together quickly. Since then, we’ve remixed his new single ‘The Fall’, and have been talking about touring together in 2012.

With regards to Billie Ray Martin, we always adored DJ Hell’s single ‘Je Regrette Everything’, which featured an amazing vocal performance from Billie. As we wanted to balance the LP with a female voice, she was our first choice.

For this new album, you went from your particular techno sound to a more song-based vocal sound. What led you to take your music to a different place?

I was hanging out with Depeche Mode in NYC while they were recording their last LP Sounds Of the Universe and the idea of Motor supporting DM on their upcoming stadium tour was brought up. Naturally we took it.

On the 2nd date of the tour in Athens, Dave Gahan fell ill and DM put the tour on hold. No one knew when he would return, so we flew to Berlin and found ourselves in a hotel room waiting on word from the DM camp. We decided to mess around on some new songs. We set up the vocal booth in the toilet and had ourselves an impromptu studio setup quickly. As an experiment, we started producing more melodic techno rock ideas – in a song structure. Maybe as a reaction to seeing 60,000 people losing their minds to DM overnight. There was something very different playing to stadiums of people who knew the songs as opposed to small sweaty underground clubs where people just want to dance to a beat. Up to that point we made 3 techno/ electro LPs and played all the big festivals and parties. If there was a time to try something different, this was it.

What can we expect for your next MOTOR tour? Maybe a live act more conventional, a supporting band in the back?, or just Oly and you, punishing the instruments as usual?

We are working on the stage design now and a completely new live show. Hopefully performing most of the new LP, with a focus on an impressive light show and going deeper into the songs.

In your own words, how do you define de “Man Made Machine’s” album sound-wise?

Any plans to visit Mexico in 2012?

We really want to. I have a good feeling it will happen.

Is the new album production influenced by a particular music genre or by a particular album that you’d like?

Musically, I think we subconsciously took inspiration from all the synth-based music we grew up with. Stuff from the 80’s and 90’s, and then we made it something new. From a production point of view, we utilized modern production techniques without overproducing anything, which is so easy to do with technology.

GUARP

Nierka The Review

By: Paul Stokes / @Stokesie

What do you get if you take 3000 filmed images, 13 video screens, a company of dancers, a live band, strings, outfits based on NASA designs, a lighting rig you’d find at an arena gig, a tonne of computer equipment, some puppets and cram it all into a theatre?

Normally it’s fair to say such a collision of media, egos and ideas results in at best ‘an ambious’ mess or at worst a pile of pretentious old wank. Which is why, you’ll understand, I was nervous when I received an email from WARP asking me if I wanted to go to see new show Nierka, which was premiered at London’s Peacock Theatre (14-16 January) by friend of the magazine Tupac Martir.

A artist by trade, the now director explained the show which genuinely does blend all the elements above across three acts – came about following a traumatic experience he suffered six years ago, however having tried to make sense of it in paint, then as an installation, the sense of movement he felt the project needed led him instead to staging his response as a “triptych where each act depicts a different moment in the life of a human being and explores his relationship with himself”.

Cue an army of video directors, dancers and puppeteers, not to mention Mexico City’s Austin TV, required to make Nierka’s 90 minutes possible.

So which is it? Mess or wank? Well credit must be given to Martir, not just for stepping outside his usual media, or even for managing to combine so many artists, performers and contributors into one coherent work, but because Nierka turns out to be an engaging and compelling stage show. There’s no plot as such the painter in him as meant that Martir has left the audience with space to supply their own emotional interpretations of the shades he creates - but you can instinctively follow Nierka’s journey.

The opening act – my personal highlight – is like a Daft Punk gig with a twist. Reflecting how monotony has jaded our societies, thousands of slick images of an increasingly globalised world bamboozle your optical nerves as they batter their way

across the screens in time with Austin TV’s high-paced electro soundscapes, allowing you to watch an ever-changing, but increasingly samey world from the protagonist’s point of view.

However just as you’ve become accustomed to these frantic pace, act two takes an all together more gentle and meditative sidestep, as dancers now take on the role of shadowy inner demons we all have to face, accept and deal with. Reminiscent of Damon Albarn’s recent opera Doctor Dee with its mix of live action and live soundtrack, aided by an orchestra, the band – who incidentally spend the whole gig dressed in space suits while earing balaclavas! - switch to a more emotionally resonate approach that’s reminiscent of The Cure at their most piercing, before having battled the shadowy ninjas, we are flung into the final act. With the mix of band and strings approaching the Arcade Fire, onstage we get a cocktail of ballet, opera and images from deep space as Nierka reaches its climax ironically not with an explosive mix of all the different media, but in a gentle, touching and ultimately human manner.

What’s more, not only is Nierka coherent, absorbing and certainly NOT a load of pretentious wank, it feels like a something that can only grow. Free of language barriers and dealing with universal experiences this is not only a truly international work, but while it was staged in a traditional theatre this time, the strength of the music and imagery would work equally well in a gig venue or at a festival and it’s exciting to imagine what that different audience experience each setting would bring.

So what do you get if you bring all that stuff I mentioned above? Something genuinely fresh and new – and let’s face it as Nierka’s first act reminds us, there’s preciously little of that in the world right now.

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encore

WARP 45 Featuring Kinky Pic by David Gonzรกlez for WARP

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