WARP Magazine 45: Kinky - The Production Issue by WARP MAGAZINE

WM No.45

KINKY THE PRODUCTION ISSUE

WARP Magazine, S.A. de C.V.

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Editora GUARP

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Editor en Jefe

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WARP tv

Coordinación Comercial

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Productor General

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Coordinadora Editorial y Correctora de Estilo

Alejandro Franco

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Publicidad Productor Ejecutivo

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Coordinadora de Producción

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Jimena Licona

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Editora de Arte y Fashion

Coordinador Editorial

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Giorgio Brindesi

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Corrector de Estilo

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ADMINISTRACIÓN Administración y Finanzas

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Columnistas

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Asistente

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Adolfo Vergara Trujillo, Elsa Núñez, Javier

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Colaboradores

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*Ya puedes ver GRATIS la revista completa en línea a través de: warp.la/magazine Contacto: Mail: magazine@warp.com.mx

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Diseñador de Audio

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Samantha Nuñez

Quetzalcoatl Ortega

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© WARP Marca Registrada ®. Año IV No.45 Fecha de Publicación 22-03-2012. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en CAMSAN IMPRESORES, S.A. DE C.V., San Juan, Mz. 10 Lt. 15, Col. Bellavista, C.P. 54720; Cuautitlán, Edo. Méx. Distribución Nacional e Internacional de CODIPLYRSA. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

editorial

TODOS SOMOS PRODUCTORES (SI QUEREMOS) Por: Joselo Rangel

o me enteré hasta mucho tiempo después. Siempre fui un productor. O al menos hacía varias cosas que los productores hacen: ofrecía comentarios a mis compañeros músicos respecto a los demos que me mostraban; alababa o destrozaba las canciones que tocaban en algún ensayo; impulsaba ideas que tenían para el nombre de su disco; proponía con qué canción deberían empezar un show; votaba por una canción para que la lanzaran de sencillo. Siempre pensé que producir a un grupo era un trabajo arduo que yo no quería hacer nunca. Imaginaba a mis compañeros tacvbos más en ese papel. Hasta les veía más cara de productor a ellos que a mí. Cada vez que vamos a grabar un nuevo disco en algún estudio, ya sea en México o en el extranjero, me llevo una buena cantidad de libros para leer en los tiempos muertos. En realidad estos tiempos no están muertos, sólo que viven de una manera distinta. A quienes les interesa, se pueden pasar el día encerrados en el control room sentados a un lado del ingeniero, observando cómo mueve los botones de la consola, escuchando toma tras toma de la canción que grabamos apenas hace unas horas. Hasta que un día me di cuenta que ser productor no es sólo estar encerrado en un estudio. Consiste también en dar una visión externa, algo que yo he hecho con mis amigos desde hace años. Recuerdo que a Julieta Venegas le dije que podía convertirse en solista cuando el guitarrista de su grupo Lula desarmó la banda. Le dije que ella sola podía subirse al escenario cantando sus canciones, que no necesitaba a nadie más, ¿solista Julieta?, en ese entonces no se imaginaba en ese papel. También recuerdo haberle dicho a los Liquits que no dejaran de tocar ‘Chícharos Mágicos’ en vivo. Ro insistía en que era una canción que sólo debería estar grabada, que el público no la iba a entender cuando la tocaran en un concierto. Para ellos era una rola más dentro de su repertorio que no era necesario sacarla a la luz. Yo insistí que debía estar siempre en su set list, que sería el highlight de todos y cada uno de sus conciertos. Cuando en un Vive Latino la gente coreaba la extraña letra me dieron la razón. En realidad, en estos dos ejemplos que doy, cualquiera hubiera podido decirles lo mismo. No se necesita mucha ciencia,

lo único necesario es estar fuera de la cabeza del artista, de los integrantes del grupo, que pocas veces son capaces de ver las cosas desde ese lugar en el que no pueden estar, desde afuera. Esa visión externa es la que da un productor. Muchas de ellas son obvias. Sólo falta convicción para hacérselas ver. Esa es la tarea difícil. Cuando vi a Candy en un concierto en el Imperial cantar todas sus canciones en inglés y no conectar del todo con el público que los estábamos escuchando, decidí ofrecerles mis servicios de productor. Aunque nunca había producido a nadie tenía la idea clara, la visión externa para decirles que escribieran una canción en español para que la conexión que no existía se diera por fin. Les ofrecí gratis grabar una rola con tal de que la hicieran en el idioma de la Ñ. Conseguí estudio e ingeniero, pedí favores y pagué lo necesario para llevar a cabo el experimento, y al poco rato la canción ‘Despertar’ estaba sonando en Reactor. De ahí consiguieron su primer Vive Latino y ahora están a punto de sacar su segundo disco completamente cantado en español. ¿Era obvio que debían cantar en español para conectar con la gente que los escuchaba? Sí, pero cuando se está dentro de una banda, las cosas más obvias se esconden. Tengo la sospecha de que todos podemos ser productores de una banda. Dar esa visión externa que tanto se necesita. Claro que es necesario saber sobre canciones, escuchar mucha música. Seguro que ayuda haber escrito algunas rolas, ser parte de una banda, tocar un instrumento. Pero sobre todo se requiere una visión certera. Ver lo obvio en donde los demás no lo ven. Ayudar a explotar ese potencial que tiene un artista y que el mismo no puede ver. Yo seguiré produciendo de la misma forma en que lo hacía hace décadas, dando consejos a mis amigos. Por eso, para escoger una banda que quiera producir hace falta que conecte con ellos a muchos niveles. Si antes no lo era, ahora después de haberlos producido me siento amigo de La Banderville, de Renoh, de Teletransportador. Y ¿por qué no? No hace falta ser un genio. Todos podemos ser productores (si queremos).

›› Joselo Rangel es músico y miembro de Café Tacvba, productor, columnista de Excelsior y autor del libro Crócknicas Marcianas.

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silencio por favor

Le Butcherettes Por: Karina Luvián / Fotos: Miguel Renaldo

ras un año lleno de crecimiento y exitosas presentaciones por Estados Unidos, Le Butcherettes regresa a Guadalajara para grabar su segundo material discográfico: Cry Is For The Flies. Bajo la producción de Omar Rodríguez-López, la inclusión de éste a la alineación y la llegada de Lia Braswell en la batería, Teri Gender Bender recrea su música y le da forma en la ciudad donde todo empezó, pues si bien sus visitas a México no fueron tan recurrentes en 2011 como hubiera deseado, pretende conservar la esencia del proyecto. Así, de acuerdo con la artista mexicana el disco contendrá un aproximado de 13 canciones, llenas de teclados, pulidas armonías vocales y nostalgia, tanto personal como profesional. Sin tener aún fecha específica confirmada, el nuevo disco de la banda tapatía llegará a los estantes en la primera mitad de este año.

“Hay tres clases de personas en esta industria: Quienes son sólo músicos de manera técnica, quienes entretienen a los demás y aquellos compositores que crean música y logran captar la energía de la gente; yo quiero pertenecer a la tercera categoría.” - Teri Gender Bender 008

the main review REVIEWS

Reign Of Terror Sleigh Bells / Mom+Pop / 2012

8.6

Calificación

uando conocimos a Sleigh Bells, en 2009, pensamos que se trataba de un buen proyecto, con ideas musicales que había terminar de desarrollar, aunque con un sonido propio, capaz de llamar la atención por sí mismo. Parecía que la prueba para la dupla conformada por Alexis Krauss y Derek E. Miller sería —igual que para la mayoría de los músicos— de resistencia, esperar a que su trabajo fuera reconocido por público y medios, para después, de manera natural, ascender al mainstream. Lo curioso es que la serie de eventos que ayudó a consolidar a Sleigh Bells, tal y como los conocemos hoy, sucedió de manera contraria. Para cuando Treats, su álbum debut, llegó a los estantes en 2010, la banda había estallado de la mano de tracks como ‘Infinity Guitars’ y ‘Rill Rill’. Su noise pop con tintes dance, y ese característico sabor a cheerleading anthem, hicieron que Sleigh Bells se posicionara de un lugar privilegiado dentro de carteles de festivales, sitios web especializados, e incluso en los casi difuntos canales de videos como MTV —aunque habrá que decir que la imagen juvenil y fresca de la banda fue de gran ayuda en este último renglón. A mediados de 2011 supimos que Miller y Krauss ya preparaban la que sería su segunda producción de estudio y se esperaba bastante: un aumento de volumen en las guitarras y un sonido gigantesco como escaparate para la voz de Alexis, eran

010

parte de las promesas que precedían la placa. En pocas palabras: “el equivalente sonoro de una hermosa escopeta apuntando a la cabeza”. Entonces pudimos escuchar ‘Born To Loose’, el primer single desprendido de Reign Of Terror, y descubrimos que el álbum se quedaría en eso: un montón de promesas. Pero no hay que equivocarse: la segunda placa de Sleigh Bells es técnicamente mejor que su antecesora. Hablando del sonido, parece que las guitarras —fundamentales en su personalidad— en realidad pueden volar cabezas, en lugar de ser sólo molestas. La idea en las estructuras de todos los tracks de este trabajo es más ambiciosa, y superior, que en el corte más logrado de Treats e incluso las baladas logran captar la atención del escucha gracias a sus líneas rítmicas que atrapan, sin que se pierda el espíritu delicado de la canción; vaya: esta placa es la mejor de la dupla a la fecha; el problema es que la expectación generada sobrepasó los resultados: algo parecido a lo que le sucedió recientemente a The Ting Tings. Si está banda puede transportar lo hecho en este disco a sus presentaciones en vivo, estaremos hablando del nacimiento de uno de los proyectos a seguir a lo largo de la década; si no… Bueno, al menos nos quedaremos con un grato recuerdo. -Diovanny Garfias

Estreno 10 de abril por

#WARP5 WARP.la/warp5 @WARPmagazine

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REVIEWS

8.1

8.7

Calificación

I Love You, It’s Cool

Selenelion

Bear In Heaven / Arts & Crafts México / 2012

Vaura / Weird Records / 2012

Dar play al cuarto disco de la banda liderada por Jon Philpot es iniciar un viaje sonoro lleno de la sicodelia que caracteriza a la banda pero presentada de una forma más elaborada, sin que esto signifique una escucha tediosa o abrumadora. Con una curaduría bien hecha, Bear In Heaven compila 10 cortes con una historia particular en su lírica, pero entrelazada a través de electrizantes sintetizadores y afables ambientes pop. Si bien la elección de los sencillos previos al lanzamiento de la placa fue acertada -‘Sinful Nature’ y ‘The Reflection Of You’hay cortes como ‘Kiss Me Crazy’ y ‘Space Remains’ que sin duda son sobresalientes. Mención aparte merece la voz de Philpot, la cual se convierte en un instrumento más para el sonido del álbum y de la banda misma. Un disco para escuchar tumbados en la cama con los ojos cerrados. -Karina Luvián

El post rock es uno de los géneros más difíciles de definir, puesto que fusiona una gran cantidad de elementos que lo hacen —en cada caso, y en cada banda— algo único. Los neoyorkinos de Vaura, no son la excepción, pues en Selenelion fusionan géneros diversos, que van desde el metal hasta el ambient, la abridora y potente ‘Souvenirs’ o ‘The Emanation’, son un claro ejemplo. En tracks como ‘En/soph’, ‘Relics’ o en el track que da título a la placa hay matices de un violento rock progresivo que, combinados con las letras susurrantes de Josh Strawn, logran generar una poderosa carga emotiva en el escucha y una serie de imágenes mentales que muy pocas bandas logran. Si usted es fanático de canciones de más de siete minutos y de bandas como Long Distance Calling, The Mouth Of the Arquitecht o Explosions In The Sky, este disco es para usted. -Leonel Hernández

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7.0

Calificación

Wrecking Ball

Bruce Springsteen / Sony Music México / 2012

Yo entendí a Bruce Springsteen gracias a Prozac Nation [Elizabeth Wurtzel, 1994], en este libro la autora habla de él con la pasión que solo podría hacerlo alguien de Nueva Jersey. A pesar de que El Jefe no es el mismo que escuchamos en el icónico Born In The USA (1984), en Wrecking Ball seguimos encontrando —bastante firme— su punto de vista acerca de la realidad, no solo de su país o el mundo sino de un hecho contundente en la vida, la muerte. ‘We Take Care Of Our Own’ es una entrada fuerte plagada de momentos esperanzadores en los que paradójicamente dicho estado se ha ido al diablo. Las descripciones de ‘Easy Money’ nos llevan directamente hacia una noche de búsqueda que se hace acompañar de tintes gospel; mientras que ‘Sackeled And Drawn’ tiene toda la esencia de la década de 1970 con clásico rock estadounidense basado en guitarra y órgano. ‘Death To My Hometown’ es uno de los momentos a destacar, un retrato de la realidad que enfrentan los estadounidenses, en la que la guerra no es lo que lo precisamente está destruyendo las ciudades. El tema que da título a este álbum es una manera justa de honrar el sonido del músico, tal vez podríamos tomarlo como un recuerdo a la memoria de su compañero, Clarence Clemons, fallecido el año pasado. ‘We Are Alive’ es un homenaje folk (con todo y silbiditos y banjo) a todos aquellos que han ayudado en la construcción de la sociedad de su país, un cierre perfecto. Wrecking Ball cuenta con dos momentos sumamente reflexivos: ‘Jack Of All Trades’ y ‘This Depression’. -Elsa Núñez Cebada

012

TEMPORADA 6 :: ESTRENO 12 DE ABRIL

ESTRENOS: Jueves (8:00pm Mex/Arg/Col/Brasil, 08:30pm Vzla, 07:00pm Chile) REPETICIONES: Sábados (9:00pm Mex/Arg/Col/Brasil, 09:30pm Vzla, 08:00pm Chile)

sesionesconalejandrofranco.com @SesioneSconAF

@sonyspinla / @sonyspinbr

REVIEWS

Ssss

VCMG / Mute / 2012

8.7

Calificación

9.4

Los único que ligaba a Martin L. Gore y Vince Clarke durante estos últimos 30 años, era haber formado parte de la historia de Depeche Mode. Para nuestra sorpresa este par de pioneros y genios de la música electrónica, anunciaron en 2011 la creación de un álbum a través de intercambio de archivos vía email. Este experimento fue bautizado —extrañamente — como Ssss y deja en claro que no importa el tiempo, ni la edad, para crear música electrónica, lo importante es mantener la pasión como si se tratase del primer día. La placa es un renacer musical, que contiene 10 tracks del más puro y vigoroso minimal techno, demostrando porque son considerados entre los más influyente para el género, en un viaje por la síntesis del sonido análogo y digital, con un sonido que no emula a nada, pero que suena actual, energético, oscuro y con un gran nivel de producción. -Giorgio Brindesi

8.2

Calificación

8.9

Calificación

Il Visor Lunatique

Port Of Morrow

TRST

Descartes A Kant /

The Shins / Sub Pop / 2012

Trust / Arts & Crafts México / 2012

Con sus cuatro álbumes publicados hasta la fecha —especialmente tras el fabuloso Chutes Of Narrow (2003)—, The Shins ha demostrado ser una banda poco amiga de las comodidades, reduciendo así sus posibilidades de llegar a una gran cantidad de público, pero que ofrece una propuesta con personalidad propia que fluctúa entre el indie y el folk, misma que les ha resultado muy positiva para generar una sólida base de fans en su nicho. Con Port Of Morrow la propuesta de James Mercer da un giro interesante, sin dejar de lado su estilo, la formación nos presenta el que probablemente es su disco más accesible hasta la fecha, donde los riffs se sienten más sólidos y la batería es más exacta para elaborar temas melódicos y profundizar en las letras de Mercer. Tracks indispensables: ‘Simple Song’, ‘Rifle Spiral’ y ‘September’. -Humberto Rojas

No hay que dejarnos engañar por la extrañísima — por no decir horrible— portada de TRST, es un gran disco. Este proyecto formado por los canadienses Robert Alfons y Maya Postepski nos entrega un trabajo intenso, melancólico y sensual, que se balancea entre el synthpop, el dark wave y el electro goth de los ochenta, algo que de entrada puede sonar inquietante, pero que resulta ampliamente disfrutable. La placa cuenta con 11 canciones llenas de oscuridad y energía que harán arder las pistas de tugurios góticos, donde jovencitas de cabellos decolorados, enfundadas en outfits negros y con exceso de maquillaje danzarán sensualmente con tracks como ‘Sulk’, ‘Chrissy E’ o ‘Shoom’. Quizá el único problema es que estamos frente a música que podría agradar sólo a aquellos iniciados en las artes oscuras. -LH

Discos Intolerancia / 2012

Cuando esta banda lanzó su debut Paper Dolls hace más de cinco años parecía como si una nueva brecha musical se estuviera generando en México: una agrupación nacida en el underground lograba colar su sonido disonante y maníaco-depresivo a la escena del rock nacional, la cual —como hasta ahora y siempre— estaba dominada por el sonido latino que le ha dado su identidad. Entonces, después de presentar su delirante live act en diversos escenarios y de ganarse el respeto del público, desapareció. Hoy conocemos el motivo, Descartes preparó uno de los proyectos sonoros más ambiciosos de la música nacional, Il Visor Lunatique. Basta decir que la banda llevó su sonido a otro nivel, uno en donde elementos circenses, de burlesque, fantásticos, de rock, electro y demás, están equilibrados hasta el último aliento. Para no arruinar la sorpresa, diré que el disco entra furioso a los tímpanos, pero permanece en el corazón. -Michelle Apple 014

SEGUNDA

TEMPORADA ESTRENO ABRIL 2012

WARP.la/warptv @WARPtv

@sonyspinla / @sonyspinbr

hot hot hit

Arleigh Kincheloe (Sister Sparrow And The Dirty Birds) Por: Yázmin Rubio / Foto: Shervin Lainez Sister Sparrow And The Dirty Birds es una banda en todo el sentido de la palabra, ya que cuenta con nueve integrantes, liderados por la enigmática Arleigh Kincheloe. Esta banda originaria de Brooklyn, Nueva York, ha ganado notoriedad gracias a su álbum debut homónimo disponible desde 2010, el cual los ha llevado a emprender una gira por diferentes festivales a lo largo de los Estados Unidos. Echa a la licuadora una poderosa voz, una armónica, una batería, un bajo, una guitarra, varios instrumentos de viento y mézclalo con soul, algo de rock y una pisca de funky. El resultado será Sister Sparrow And The Dirty Birds. 016

hot hot hit Playlist by

James Blake

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a carrera de este joven músico inició en 2009 y, desde entonces, ha ido en ascenso. James Blake, originario de Londres, atrajo la atención de diversos DJs en Reino Unido con temas como ‘CMYK’, ‘I Only Know (What I Know Now)’ y su versión a ‘Limit To Your Love’, original de Feist, para después convertirse en uno de los artistas más destacados de 2011 con su álbum

debut homónimo, mismo que logró posicionarse como una de las mejores placas del año. Hoy, mientras Blake sigue promocionando su LP, también se da tiempo para colaborar con otros músicos y, claro, presentar su propio DJ set en diversos puntos del globo. A continuación, presentamos una selección hecha en exclusiva por el artista para una noche repleta de sonidos eclécticos.

01. Joy Orbison – ‘Sicko Cell’

06. Peverelist – ‘Roll With The Punches’

02. Burial – ‘Near Dark’

07. Coki – ‘Shattered’

03. James Blake – ‘Fou Miles’

08. James Blake – ‘Order (Dub mix)’

04. Mark Pritchard – ‘Elephant Dub’

09. Untold – ‘Kingdom’

05. Outkast – ‘Ms. Jackson (Harmonimix)’

10. DJ Andrea – ‘Write Off’

The Sounds . Ana Tijoux . Bicicletas . Crystal Fighters . Cut Copy . Dorian . Macaco . Vicente Gayo SEGUNDA TEMPORADA

LATAM - (9:00pm ARG, MEX),(10:00pm COL,PER),(10:30pm VZL) BRASIL - (9:00pm)

sesionesoffseason.com @SesioneSconAF

@sonyspinla / @sonyspinbr

profile

LINKS:

Deaf Club

deafclub.bandcamp.com soundcloud.com/ deafclub deafclubmusic.co.uk

Por: Javier Cuellar

Integrantes: Polly Mackey (vocales y guitarra), Paul Bates (bajo), Jack Roberts (guitarra), Tom Ryan (batería), Sian Rosier (sintetizador).

i alguna vez nos preguntamos cómo podría sonar The Cure si Judy Collins hubiera sido la líder de la banda en lugar de Robert Smith, entonces no busquemos más. Originarios de Gales, con sede en Londres, estos son Deaf Club, una propuesta interesante, ya que mezclan géneros como goth, shoegaze, chillwave e incluso, se sumergen en esta nueva ola de rock-folk lo que, en nuestras mentes, podría no tener sentido. La tensión que imprimen en cada una de sus canciones, la profundidad de las atmósferas que crean, son los sonidos de una

banda llena de ambición y de potencial enorme. Su primer EP, Lull, salió a finales del año pasado y está disponible gratuitamente en su bandcam. El primer sencillo, ‘Hana’, refleja lo antes dicho: pongan atención a la batería y sentirán como aumenta la tensión, mientras la guitarra reluce y nos pone en un estado melancólico; además, la voz de Polly es única. ‘Sunday’ y ‘Mirrors’, un par de lados B, nos llevan por esos caminos que Anna Calvi y Zola Jesus nos han presentado, de manera indie, como deseos oscuros y angustias de tinte noir. 021

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Xiu Xiu The Oldness

Por: Diovanny Garfias / Foto: Jeremy Lange

os días en los que el proyecto encabezado por Jamie Stewart era apenas reconocido por cierto público de nicho parecen haber llegado a su fin. De hecho, desde la salida de Knife Play (2002), el álbum debut de Xiu Xiu, muchas cosas han cambiado. Stewart ha dejado de ser un poeta ánimo y derrotista, para convertirse en un músico con más de 10 años de experiencia tras los instrumentos, un artista que parece haber dejado atrás el dramatismo que rodeaba su vida para hablar de las cosas que le molestan, rompiendo moldes sonoros en el proceso. WARP MAGAZINE aprovechó la salida de su más reciente material de estudio, Always (2012), para platicar con la mente detrás de Xiu Xiu.

nuestra música. Y bueno, te das cuenta que llevas 10 años en una banda, que te has divertido a montones, así que reconsideras la manera en la que haces tu música, tratas de darle frescura, de probar cosas distintas.

Creo que Always es un álbum que representa la reinvención del sonido de Xiu Xiu, incluso suena más agresivo y melódico que de costumbre, ¿qué te llevó a tomar esta dirección musical? [silencio]

Hablando de Xiu Xiu en concierto, esta parece una gran oportunidad para incorporar un show más visual a sus presentaciones, ¿les gustaría hacer algo nuevo en ese aspecto, o incluso en el ensamble de la banda? Para esta gira tenemos una nueva alineación y cambiamos nuestra drum machine por un baterista real. Además de eso, bueno, no creo que nuestros shows en vivo sean de esos en los que proyectas videos o ese tipo de cosas, lo que tratamos de hacer es tocar tan fuerte e intenso como podemos, la música es lo principal.

¿Jamie sigues ahí? Sí [risas] sólo estoy tomando algo de tiempo para responder. Toma lo que necesites… Esta bien, no es que haya tomado la decisión de que fuera más agresivo deliberadamente. Algo que he descubierto en cada álbum en el que trabajo es que refleja el tiempo en el que estábamos componiéndolo, y algo que encontré en este lapso fue que durante el año y medio pasado hubo muchas cosas que me hicieron enojar, más de las que me habían pasado en mucho tiempo. Eso es lo que pudo haber causado más agresividad. En cuanto a lo melódico, bueno, siempre me ha gustado el krautrock y nuestro manager europeo me dejó obsesionado con algunas de las bandas más melódicas como La Düsseldorf y Kraftwerk, así que de momento me encontré reinspirado específicamente por lo melodioso de su sonido. También, nuestro productor Greg Saunier me alentó a escribir y cantar melodías vocales como nunca lo había hecho, las componíamos en el piano o la guitarra y luego me decía “cántalas como si las tocaras en el instrumento”, así que no me sorprende que las canciones sean más “cantables” de lo que usualmente son. ¿Crees que Dear God, I Hate Myself (2010) representa el final de un capítulo en la historia de Xiu Xiu? Así lo siento y mucho, pero no por las muchas razones melodramáticas que la gente podría pensar, hace una década que estamos en esto, ya sabes, tendemos a considerar las cosas nuevas como un comienzo [risas]. Han cambiado muchas cosas, estamos con una nueva disquera (Polyvinyl), lo que sorprendentemente hace las cosas muy diferentes respecto a

¿O sea que también cambió tu proceso creativo? La verdad es que es muy diferente y específico para cada canción, algunas expresan vivencias de amigos, otros momentos particularmente horribles de mi vida, en cuyo caso la canción funciona a modo de exorcismo. Suelo tirarme con la guitarra, recoger un poco de la tragedia que me encuentro y juntar las piezas en forma de canción.

Hablando de otro de tus proyectos, hace algunos años formaste parte de Former Ghsost, junto a Freddy Ruppert y Nika Roza Danilova (Zola Jesus), de hecho lanzaron dos álbumes, ¿cuál es el estatus real del proyecto? Tristemente Former se acabó. ¿De verdad? Sí, Freddy era el fundador y compositor de la banda, yo sólo tocaba el teclado. Justamente el día de navidad del año pasado llegó a su fin, Freddy decidió que no quería seguir y así fue como se acabó. Creo que había una buena propuesta, pero cuando algo te deja de gustar ya no quieres hacerlo más. Recuerdo que cuando se estreno el video de ‘Dear God, I Hate Myself’ mucha gente lo tacho de asqueroso y le pareció demasiado grotesco, cual es tu perspectiva del clip a casi dos años de su salida? Bueno, la canción habla del odio que puede sentir uno por si mismo, así que pensamos en presentar a Angela (Seo) provocándose el vomito una y otra vez, que es una muestra de odio hacia uno mismo, y de hecho, es algo que todos hemos hecho en algún punto de nuestras vidas, pero que es muy íntimo y personal, por lo que la gente lo mantiene en secreto y sólo lo hace cuando está sola. Así que tratamos de mostrarlo como algo natural y público, nos pareció correcto hacerlo así. 023

blogaggedeon times COLUMNA

EL AFECTO, NUESTRA ARMA… Por: Sr. Flavio

Arma que deberíamos armar, no desarmar en las mañanas, ni en la cena, ni en el sueño boreal: surfing el agave. Afecto es efecto de energía positiva, hechos simples y punzantes del buen hacer. Estaré presentando muy pronto mi tercer libro, Crónicas Del León. De Gira Con LFC, gracias a los warperos de WARP MAGAZINE que esta vez se convirtieron en WARP Books y gracias a la Ciudad de México, lugar a donde estas nobles editoriales de cultura pop pertenecen. Y es que… ¿qué sería de mí sin la Ciudad de México? ¿qué sería de mí sin México? El libro puede ser, supongo —hasta donde mi subjetividad me permita hablar de él—, una lectura entretenida; y no sólo para el fan de Los Fabulosos Cadillacs, sino para cualquier persona que guste de leer rock; y es que es como una rock movie que tiene también elementos de road movie. Y quiero destacar este punto, ya que no lo veo dirigido únicamente al público Cadillac. También me gustó entrelazar la ficción con los hechos en un mix de realidad/irrealidad: el poder del arte y la escritura me permitió eso que está plasmado en el libro. Repentinamente parto desde un hecho histórico diario, hacia el vuelo de la fábula, refugiándome en ella, permaneciendo allí un rato “0”, hasta que vuelvo a encauzar el relato por la guía terrenal. Soy el Señor Flavio, sonidero anti-poeta Big Kornalo, y aquí les dejo un día cualquiera —aunque ad hoc con el tema de este número de WARP MAGAZINE— de Crónicas Del León… Noviembre 10, 2009 Baires poko love 10:35 Hrs. Es la hora en que me gusta escribir: por las mañanas… ¿Quién dijo que los rockeros se levantan siempre tarde? Bueno, sí, lo hice en otras épocas: etapa superada. No me gustan los clichés ni las generalizaciones. Me levanto a las 06:45 de la mañana y llevo a mis hijos al colegio; vamos toda la familia. Me gusta hacerlo. Después, de regreso, mates y a escribir, a componer canciones. Y es que la mañana otorga una frescura indudable para el arte y la creación. Y ni hablar de grabar discos comenzando en la mañana: los responsables de que un disco “salga bien”, se encuentran al cien por ciento de sus facultades físicas, psíquicas y espirituales por la mañana (claro, si se duerme bien). Cuando me toca ser productor de otras bandas, impongo el horario matinal para comenzar a trabajar… Veámoslo de este modo: un ingeniero de audio no está en igualdad de condiciones por las mañanas, después de levantarse, bañarse y desayunar, para ir al estudio, sentarse en la consola y ponerse a grabar, siendo su primera actividad del día, que otro

ingeniero entrando a grabar recién a la noche, después de haber tenido un día de actividades varias que inexorablemente lo van desgastando. Este ejemplo es cabal. De ese ingeniero depende la grabación del disco. Y es lo mismo para los músicos. Debo admitir que me costó algunos años entender esto aunque, por suerte, no muchos. En los primeros años de grabar discos con LFC no entendíamos otro horario que no fuera después de las 07:00 de la noche. Grabar de día nos parecía que era horario de oficinista: estábamos equivocados… Pero hay que pasar por allí para entender lo otro. Todo allana el camino hacia donde se pretende llegar, aun los desvíos y extravíos; y en el arte, más que en cualquier otra cosa, los excesos sirven más que una brújula orientadora. (Tengo ganas de terminar este libro para comenzar uno de relatos fantásticos. También estamos con muchas ganas de grabar disco nuevo con Misterio.)

›› Sr. Flavio es fundador de Los Fabulosos Cadillacs y escritor, su libro Crónicas Del León ya está a la venta editado por WARP Books.

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Shut up and (please) play again the hits Por: Toño Valdivia (@toNeid) / Foto: Guus Krol

ás allá de los sintetizadores, de los loops infinitos, de la bola disco y de los lentes obscuros de su frontman, LCD Soundsystem pasará a la historia por crear algunas de las mejores canciones dance punk de la última década. Algo que admiro de James Murphy, el hombre detrás de LCD Soundsystem, es la honestidad de sus canciones. La forma de expresar lo que piensa sobre las presiones de la industria musical en ‘You Wanted A Hit’ es sincera: “Querías un éxito/pero dime cuál es el punto/Querías un éxito/pero eso no es lo que hacemos”, dice la letra. En una entrevista para NME, Murphy comentó: “no trato de hacer éxitos; sólo hago música lo mejor que puedo”. Tuve la oportunidad de ver su presentación en Glastonbury 2010 y no podía entender que LCD Soundsystem pensara en retirarse. Si bien llevaban tiempo anunciando que This Is Happening sería su último disco, una cosa es decirlo y otra cumplirlo. Fue el 05 de febrero de 2011 cuando postearon en su web que estaba decidido: “nos retiramos del juego; sólo tocaremos una noche más”. La fecha de la despedida llegó el 02 de abril de 2011 con un Madison Square Garden que recibió a 18 mil personas vestidas de blanco o de negro, y algunas otras disfrazadas de los malévolos pandas del video de ‘Drunk Girls’. Luego de la interpretación de Liquid Liquid comenzó a sonar ‘I’m Not In Love’, de 10cc, que dio paso a la aparición de LCD en el escenario con las primeras notas de ‘Dance Yrself Clean’. Durante las cuatro horas de concierto tocaron ‘Daft Punk Is

Playing At My House’, ‘Sound Of Silver’, ‘North American Scum’ (con Arcade Fire), ‘Someone Great’, ‘Losing My Edge’ y ‘Home’. Después de una pausa, el también cofundador de la disquera DFA records, dijo: “tocaremos tres canciones más y eso será todo”. Primero fue ‘All I Want’, luego ‘Jump Into The Fire’ (un cover de Harry Nilsson) y todo terminó con ‘New York, I Love You But You’re Bringing Me Down’. Al salir del concierto, mientras caminaba con audífonos, todavía tenía esa inquietud: “¿Por qué decidió dejar atrás la fama, las groupies y todo lo que esto implica?”, y en aleatorio, en mi MP3, empezó a sonar ‘All My Friends’: el lamento de un hombre que mira al pasado, pensado en lo rápido que pasaron los años y se dice: “si tan sólo pudiera ver a todos mis amigos esta noche…” En el documental Shut Up And Play The Hits (2012), que retrata los últimos minutos de LCD, Murphy comenta algunos de los motivos que lo llevaron a tomar esta decisión, cómo la responsabilidad crecía al ritmo de su éxito y la banda pasó a ocupar todo su tiempo: “antes de esto tenía una vida; y hay otras cosas que quiero hacer”. Me llama la atención la parte donde dice: “Cuando me voy de gira, me comienzan a salir canas; si eso me pasa afuera, qué pasará dentro de mí… No quiero morir”. Pienso entonces en lo que comentó en una entrevista para Wired: “Puse mi vida en LCD Soundsystem. No tengo otra vida. Mi juventud entera se ha ido y la he dedicado a esto. Y conozco muchas personas que no se dan cuenta de que esta es su única vida”… Ahora lo entiendo.

›› Toño Valdivia es Editor en Jefe del periódico El Nuevo Mexicano: elnuevomexicano.mx.

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rock fiction COLUMNA

THE RISE AND FALL OF ZIGGY STARDUST AND THE SPIDERS FROM MARS Por: Adolfo Vergara Trujillo / @ToBeFreak

unque seguía vistiendo de riguroso cuero negro, el legendario Vince Taylor ya no era tomado muy en serio en 1967: cuentan que, por entonces, tenía la costumbre de combinar LSD con vodka, los viernes por la noche, para luego ponerse a predicar de mala memoria el Evangelio según San Mateo afuera del 2i’s Coffee Bar, en Soho, espantando a los turistas. Sin embargo, Robert, a sus 20 años, en busca de productor para su primer disco, seguía leyendo en el rostro de borracho veterano de Vince —que, no obstante, no llegaba a los 30 años— algunas verdades artísticas y, por ello, humanas. Y aquella tarde de lunes, como de costumbre, Robert esperó a su maestro afuera del ayuntamiento de Westminster, guitarra en mano, hasta que echaron a Vince de las celdas preventivas luego de purgar 72 horas por alterar el orden público. —¿Tienes un cigarrillo? —preguntó Vince en cuanto localizó a Robert. Robert sacó sus Benson & Hedges y le encendió uno. Vince le dio un jalón bastante ansioso al cigarro y se talló los ojos. —¿Crees que podamos hablar de mi disco, Vince? —arremetió Robert enseguida— Tengo algunas ideas que quizá… —¿“Algunas ideas”? —lo interrumpió Vince en tono sarcástico— Te diré algo, muchacho: tú no tienes ni puta idea, ¿entiendes? ¿Sigues con tu basura folk? ¡Estamos en 1967! Si lo que quieres es un disco, debes hablar con Tony… —¿Tony? —¡Tonie! —¿Tony o Tonie? —preguntó Robert. —Eso depende —respondió Vince—; a veces es uno y a veces otra; tiene que ver con el clima, con la hora del día; en todo caso es ambos. Debió aterrizar hace unos días… —¿Es americano? —Tony viene de las estrellas… —dijo Vince como si recitara códices antiguos— Lo buscaremos después de pasar por una cerveza… ¿Tienes tres libras? Fueron por la cerveza y, aunque ansioso por conocer a Tonye, Robert se comportó; y la verdad es que se vio recompensado: cuando Vince terminó su cerveza, sin decir palabra, tomó camino directo al número 21 de la calle Heddon. Sin embargo, al llegar, Robert no pudo evitar su desilusión: —¿Qué demonios hacemos en la “Peletería K. West”, Vince? —Espera… Vince tocó la puerta tres veces, en clave. —¿Sabes que el número 3 expresa el orden del cosmos, según los gnósticos? —dijo Vince y esperó un minuto entero. Hasta entonces abrieron, y aquello que respondió desconcertó por completo a Robert. —Robert, te presento a Tonie —dijo Vince—; Tony, te presento a Robert… —Los esperaba… —respondió una voz neutral de criatura fantástica, bípeda, humanoide y muy alta, pero en definitiva celestial; eso vestía un traje plastificado, de color azul rey, untado desde los pies hasta muy arriba del cuello que, de forma imposible, irradiaba una luz blanca; su mirada, de grandes ojos bicolores, algo rasgados,

era feroz, aunque inexplicablemente transmitía ternura; de nariz inexistente, el rostro era sostenido por un mentón rectangular, fuerte, aunque de labios delicados; y su melena dorada, más de hiena que de león, ondeaba de forma graciosa cada vez que los vientos del Támesis la alborotaban. Tonye era un oscuro ser de luz en el que parecían coexistir, como en el Fénix, los principios cosmológicos. —El chico quiere hacer un disco, Tony… —dijo Vince, mientras descorchaban una botella de vino tinto, ya instalados en el ático de la peletería— Y quiere que yo se lo produzca… ¿Puedes creerlo? Tonye le dio un sorbo al vino y suspiró de manera docta; miró a Robert desde lo alto de sus ojos rasgados, lo pensó un poco, y al fin escupió: —¿Es cierto? Robert no respondió; en su lugar tomó su guitarra y comenzó a tocar una pieza algo sosa. Tonye no soportó aquello por mucho tiempo y, a media pieza, lo detuvo. —Te contaré una historia —dijo y le arrebató la guitarra. Y así, en poco más de media hora, cual juglar, Tonye relató la historia épica de su planeta en forma de parábola, refiriendo la perfecta conjunción del azufre y del mercurio destinada a estallar para provocar la vida. Y continuó hasta que el estado primordial —la suprema paradoja que sólo puede resolverse a sí misma— quedó descifrado en júbilo: ambivalencia de lo divido que demanda la anulación antes que la creación. De esta forma, según Tonye, “Amor” jamás será lo mismo que “amar”. —Dramático —musitó Vince cuando Tonye terminó. Y fue hasta después de un minuto completo de mutismo que Robert reaccionó: —¿Has pensado en incluir un sax? ¿Violines? ¿Toda una maldita sinfonía? —Te doy cinco años para hacer tus arreglos terrestres, muchacho —respondió Tonye—. De lo demás no te preocupes: yo produciré tu disco… —¿Por fin saldrás a luz? ¿Tony? —preguntó Vince, con algo de sorpresa. —Na, yo me basto a mí mismo —respondió—: ya soy famoso en mi planeta. Pasarían cinco años desde aquello. Al final, la estética de la banda —The Spiders From Mars— resultaría algo exagerada; en los créditos aparecería el propio “David Bowie” —Robert—, al lado del chico aprendiz de los Estudios Abbey Road —Ken Scott—; pero el álbum, incluso hoy, es memorable. El ser de las estrellas no ha regresado a la Tierra desde 1969, pero según me contó Vince Taylor, en 1990 —un año antes de morir—, para Tonye ha pasado muy poco tiempo: “un año luz es infinitamente más corto que un año de buena música”.

The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars Davis Bowie EMI / 1972

›› Adolfo Vergara Trujillo es escritor y especialista en Literatura Mexicana, autor de los libros de relatos Freak Y Otros Tormentos y Absolut Punch.

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Dirty Ghosts Surround The Controls

Por: Michelle Apple / Foto: Molly DeCoudreaux

llyson Baker es una sobreviviente de la música: durante años tocó con diferentes bandas que terminaron por no llenar sus expectativas, aunque tiempo después decidió que era tiempo de volar por sí misma bajo el cobijo de los sonidos provenientes de su mente. Así nació Dirty Ghosts, un proyecto que fue imaginado por Baker en 2006, aunque es seis años después que podemos escuchar Metal Moon, su álbum debut. En exclusiva, para WARP MAGAZINE, Allyson nos cuenta los detalles del LP, el cual considera “el resultado de escuchar toneladas y toneladas de discos viejos”. ¿Cuál es la historia detrás del proyecto Dirty Ghosts? Esto empezó cuando Pachman Farm, mi banda anterior, terminó en 2006; aquella era una banda de rock clásico influenciada por Blue Cheer y otros grupos de los años sesenta y setenta. Empezamos a experimentar un poco al final, pero creo que llegados a ese punto quería tratar con algo totalmente diferente. Y escuché muchos géneros diferentes de música: yo sólo había tocado en bandas de rock punk, así que estaba lista para tratar de incorporar lo que estaba escuchando en lo que fuera que la nueva banda fuera a resultar. Carson Binks (bajista en el álbum) y yo empezamos a trabajar en ello, pero no tratábamos de iniciar otra banda para desgastarla; estábamos más interesados en escribir música que en tocar en vivo, lo que era algo que nunca había hecho. Después de cuatro años de esto, empecé a sentir la cosquillita de tocar en vivo otra vez y formar una banda. Teníamos toneladas de material y fue que decidí tratar de hacer un álbum. Fue una decisión inconsciente seguir un sonido en específico; pasó por sí mismo. Carson y yo nos sentamos y empezamos a palomear con algunos samples funk de batería y, lo que fuera que saliera, eso fue nuestro punto de inicio. ¿Cómo describirías el sonido de Metal Moon? Para mí es casi un mixtape de lo que hicimos durante seis años. Los gustos cambiaron: entras y sales de etapas, y creo que todo eso está allí. No es un disco hecho con la idea de “vamos a sentarnos a escribir un disco de principio a fin”. Fue más como una colección de canciones que hicimos en mi departamento, durante nuestro tiempo libre, y que después, cuando alguien se interesó en lanzar todas las canciones juntas, se convirtieron en un disco; creo que te puedes dar cuenta de eso cuando lo escuchas. Lo que terminó sucediendo a finales del año pasado, fue que tomé el álbum, lo llevé de vuelta al estudio y cambié un montón de cosas: añadí elementos, regrabamos algunas partes y le sumamos una batería en vivo para que, al final, el disco fuera más coherente. 030

El sonido del álbum es muy dinámico, muy artsy punk… Es el reflejo de toda la música que escucho. Y es que soy muy fan de la música; constantemente estoy escuchando cosas nuevas, comprando discos o yendo a conciertos, y quería que todo eso se filtrara en esta banda. Siempre estuve confinada a un estilo muy específico con las otras bandas con las que toqué, así que con esta sólo quería divertirme, sin tener que preocuparme por sonar de cierto modo.

ask Amanda COLUMNA

ASK AMANDA Amanda Palmer / @amandapalmer

Hola Amanda, oye, quiero saber ¿qué opinas de los músicos que hacen campaña por un candidato o partido en específico en Estados Unidos?, yo creo que los músicos deben de alentar a las personas a votar, no a escoger por quien votar. Carolina Rodríguez Sí, es algo complicado. También creo que los músicos y los artistas, en general, son más efectivos ondeando una bandera de acción, no metiéndose en un cochecito de una causa en particular. Dicho eso, En Estados Unidos hay una larga historia de artistas asumiendo posiciones muy específicas respecto a algunas cuestiones: en los sesenta nadie decía “a lo mejor deberías darte un tiempo para pensar si la guerra de Vietnam es o no una buena idea”, la gente estaba escribiendo y cantando canciones y diciendo “¡Detengan la guerra, nuestros amigos están muriendo!” Así que hay un momento y tiempo para esto, creo. Siempre he sentido que nuestro trabajo como artistas es fomentar en la gente el deseo de pensar y de sentir más profundo, no decirles que hacer y como sentirse. Estuve en el Ninja Gig que diste aquí en México con Brian (Viglione) y vi que son muy unidos, que los une una química espectacular y eso que no estaban tocando en un escenario, pero estaban conectados ¿Qué pasa cuando Brian y tú se separan para trabajar en otros proyectos, lo extrañas o ya te acostumbraste? Luis Galván Frecuentemente lo extraño. Como The Dresden Dolls Brian y yo tuvimos, y tenemos, una química muy especial en el escenario y también química musical que es algo difícil de explicar. Como que tenemos una conexión síquica, nos construyeron igual. Pero eso es en el escenario. Tratar con una persona, como ser humano, todos

los días de una gira es otra cosa, nos llegamos a chocar. Así que cuando nos juntamos tratamos de crear algo espacial, de pasar tiempo concreto en donde disfrutemos el uno del otro, sin aburrirnos el uno del otro. Me gusta pensar en The Dresden Dolls como un rico pastel de chocolate. Orgásmico cuando es el momento correcto, pero no puedes comer eso todo el día, vomitarías. Aquí en México (todavía) no es muy común que las parejas gays adopten, pero creo que en Estados Unidos es algo que cada vez pasa más ¿Crees que si una pareja LGBT adopta a un niño le propicie el ambiente adecuado para crecer? Elena M. Ruiz Creo que cualquier ambiente en donde un niño crezca siendo amado, escuchado y en donde lo cuiden es el apropiado. No importa si los padres son viejos, jóvenes, ricos, pobres, gays, solteros, un trío, sordos, ciegos o ignorantes. El amor para un niño no funciona dentro de ese tipo de limites. Amanda, ¿por qué decidiste tocar el ukelele en tus Ninja Gigs? ¿hay una razón personal o sólo te sientes cómoda tocándolo? Rodrigo Figueroa De hecho tengo una historia con el ukelele, como probablemente sabes soy pianista. Agarré el ukelele de broma hace como tres años para tocar una canción en un show y me hice muy adicta. Es mi instrumento punk. Toco unos cuantos acordes y ni siquiera estoy muy segura de cuales son. Esa es la esencia del punk. Agarrar un instrumento y tocar, al carajo si eres bueno, ¡tócalo fuerte y diviértete mucho! Puede leer la versión completa de Ask Amanda visiten warp.la/ askamanda y/o envien sus preguntas a magazine@warp.com.mx.

›› Amanda Palmer es compositora, interprete y miembro de The Dresden Dolls y Evelyn Evelyn. Actualmente prepra su primer disco con orquesta.

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calendario SHUFFLE

abril 2012 MGMT Palacio de los Deportes México, DF

Misfits Auditorio Las Américas México, DF

WU LYF El Plaza Condesa México, DF

James Arena Ciudad de México México, DF

13 02

Steven Wilson Teatro Metropólitan México, DF

Indie-O Fest 2012 Polyforum Siqueiros México, DF

17 y 18

Mark Lanegan Band El Plaza Condesa México, DF

Radiohead Foro Sol México, DF

13, 14 y 15

Coachella Valley Music & Arts Festival Empire Polo Club Indio, CA, Estados Unidos

27 y 28 Roger Waters Foro Sol México, DF

Anthrax José Cuervo Salón México, DF

20, 21 Y 22 Coachella Valley Music & Arts Festival Empire Polo Club Indio, CA, Estados Unidos

10 y 11

Noel Gallagher Teatro Metropólitan México, DF

Atari Teenage Riot Lunario del Auditorio Nacional México, DF 032

Pulp Palacio de los Deportes México, DF

Jane’s Addiction Arena Ciudad de México México, DF

James Arena Monterrey Monterrey, NL

The Devils Wears Prada Circo Volador México, DF

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Bomba Estéreo WARP Proudly Presents José Cuervo Salón Ciudad de México Foto: Sergio Gálvez para WARP Para leer la reseña de este concierto, escanea el código o visita: warp.la/proudlypresents

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gigs

La Mala Rodríguez WARP Proudly Presents José Cuervo Salón Ciudad de México Foto: Sergio Gálvez para WARP

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gigs

Peter Murphy Festival 72810 Gran Pirámide de Cholula Cholua, Puebla Foto: Sergio Gálvez para WARP Para leer las reseñas de estos conciertos, escanea el código o visita: warp.la/72810

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te llevan a

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The Production Issue

>> La música, en sí, es un ente tan complejo, que al ser diseccionado nos puede mostrar una elevada cantidad de elementos que pueden ser difíciles de entender. La maravilla detrás de esta organización sensible y coherente de sonidos es que no necesitamos descifrar los secretos de su ADN para poder disfrutarla y hacerla parte de nuestras vidas. Sin embargo, hay quienes no sólo entienden cada uno de los elementos contenidos en una pieza sonora, sino que también se encargan de manipularlos, de hacer que muten y de que se conviertan en lo mejor que pueden ser, para que al final —jugando a ser dioses— hagan de la creación de un artista algo único, con semejanza a su autor, pero con una personalidad distinta y, en algunos casos, con voluntad propia. Estamos hablando de los productores, mixers, ingenieros y otros gurús de las consolas de grabación; esos que hacen la diferencia entre un álbum estándar y algo mágico capaz de transgredir el espacio sonoro y colarse en nuestra realidad físico-química. En esta ocasión, WARP MAGAZINE presenta Behind Soundboard, una edición dedicada al arte de la producción y el diseño de sonido donde, en exclusiva, Kinky nos presenta Sueño De La Máquina —trabajo que los colocó como una de las bandas latinas más importantes a nivel mundial— y, de forma paralela, John King (Dust Brothers), su productor, nos cuenta cómo fue que conoció a los regiomontanos y la manera en que logró el trabajo de sonido electrónico que hoy celebramos. Además, por primera vez para Latinoamérica, se reunen entrevistas con algunos de los arquitectos sonoros más importantes de las últimas décadas: Sean Beavan, mixer encargado del sonido de Marilyn Manson y NIN; John Fryer, productor británico que comparte la historia detrás del sonido new wave y post punk que ayudó a forjar a lado de Depeche Mode y This Mortal Coil; y Brian “Big Bass” Gardner, el legendario de la masterización, quien confiesa algunos elementos básicos detrás de sus más de 40 años de trayectoria. Estas entrevistas, sin embargo, sólo enmarcan un reportaje acerca de la producción en México, con charlas con los creativos sonoros más destacados en sus géneros y que comparten su perspectiva de la salud actual de este arte...

Sean todos bienvenidos a este destacado lleno de sabiduría musical genética_

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Sean Beavan (8mm) Songs to love and die by_ Por: Diovanny Garfias / Foto: TJ Scott

>> Cuando un gran álbum sale a la luz y cambia la forma —las reglas— de crear música, el reconocimiento generalmente va para el artista detrás de la creación. El productor —ese gurú que mueve los hilos en el estudio de grabación— casi siempre queda en segundo lugar. en contadas ocasiones volteamos a ver al encargado de la mezcla cuando, en realidad, este personaje —sumido en las sombras— es el encargado de poner cada sonido en el lugar que le corresponde y lograr que, por sí solo, sea la mecha encendida que desencadene cierta emoción, teniendo por resultado final una gama de sentimientos diversos que invaden nuestros oídos.

Uno de los productores más destacados en las últimas dos décadas es Sean Beavan, quien a pesar de ser reconocido por su trabajo, ha destacado como mixer, ayudando a construir el sonido de bandas como Marilyn Manson. Actualmente, Beavan y su esposa Juliette preparan el nuevo álbum de su proyecto de trip hop-pop 8mm, el cual verá la luz antes de que finalice 2012. WARP MAGAZINE platicó en exclusiva con este genio de las mezclas… Trabajaste en The Right Track Studio; allí conociste a Trent Reznor y mezclaste los demos de lo que terminó siendo el Pretty Hate Machine, el debut de Nine Inch Nails… ¿Tienes algún buen recuerdo de esa época? Recuerdo el día que nos llegó la computadora Mac II FX y el programa Digidesign Sound Tools, nada menos que el precursor de dos canales del actual Pro Tools. Trent Reznor, quien en ese entonces era el genio residente de la computadora, me dijo que nunca más tendríamos que cortar cinta. Le mostró a Bart Koster, el dueño del estudio, cómo funcionaba y cómo podía importar mezclas y ver la gráfica wave, además de hacer ediciones e intentar cosas que, si no te gustaban, podías deshacer. Eso fue lo que nos cambió el juego y, de hecho, lo sigue haciendo. ¿Cuál es tu meta cuando te involucras en un proyecto y empiezas a mezclar una canción? Mi meta es hacer que la canción cobre vida dimensionalmente en el espacio auditivo y emocionalmente en la mente del escucha. Sentir empatía con el productor, con el artista y con lo que están tratando de hacer, es clave para lograr esa meta. No sería recomendable mezclar el track de forma opuesta a las intensiones de sus creadores: esta 040

alquimia de la mezcla intenta llevar la canción a un buen término para el artista y para sus escuchas potenciales. Algo muy interesante en tu estilo como productor es la forma en la que combinas capas de guitarras pesadas con atmósferas románticas y un gusto pop, todo en una sola pieza ¿Cómo te diste cuenta de que todos estos elementos podían vivir en el ADN de una misma canción? El sonido tiene un contenido emocional, como una sonrisa o un grito, y lo que intentas es empatar la emoción que la canción está expresando con la forma en la que te hacen sentir algunos sonidos por separado. Si la canción se trata de traición, ayuda tener un verso que tenga sonidos que te provoquen una falsa sensación de seguridad, para introducir elementos que irriten o que causen tensión, pero que lleven a una explosión emocional en el coro. Tiendo a preguntarme cosas como: “¿necesito sentir que me arrancan la cara?”, “¿por qué no me siento así?”, “¿qué puedo hacer para sentirme así?”. A veces, la respuesta es que necesito que las guitarras tengan más textura arriba o que estén molidas en medio, o que el bajo esté distorsionado y que gruña como un monstruo arrastrándose desde el infierno. Cada problema requiere una solución única en la mezcla. Claro que ayuda poder distinguir cuándo una guitarra suena “en tu cara” o sólo es molesta. Quizá sólo sea experiencia o quizá se trate de escuchar tus intestinos, en vez de sobrepensar las cosas. Cada vez que me digo “esto se oye extraordinario”, no me desilusiono escuchándolo demasiadas veces. Cuando solo digo “está bien”, termina decepcionándome. Trato de tener más momentos de “¡venga!” que preguntas en una mezcla. De otra forma, seguiré trabajando hasta que me sienta completo con el sonido. ¿Qué tanto ha evolucionado la producción desde los días en que trabajaste en el Pretty Hate Machine? Hice la mezcla de los tours de Pretty Hate Machine (1990) a principios de los noventa, lo que fue sorprendente. Los más grandes cambios en la producción y la mezcla han sido poder moverte de un gran estudio, a estar en tu casa frente a la computadora. De hecho, siempre llevo mi computadora a cualquier estudio al que voy, porque necesito mis herramientas conmigo y la mayoría de los estudios no tienen el software que utilizo diariamente. Hablando de 8mm, Love And The Apocalypse (2010), su más reciente EP, parece un nuevo inicio para la banda, sobre todo por su sonido pop… Love And The Apocalypse fue escrito para definir la orilla pop de la banda. Es una colección de lo que consideramos “canciones de pop emocional” y fue hecho como el marco de nuestro próximo álbum, que será más pesado. Decidimos que con nuestros primeros discos definiríamos muy bien nuestro sonido y ahora queremos ver la amplitud de estilos que podemos incluir en esa definición. ¿O sea que Juliette y tú están trabajando en un nuevo material? ¿Qué podemos esperar? Nuestros shows siempre han rockeado más que el de una típica banda de trip hop y el próximo disco mostrará ese lado de la banda. Pensamos que será algo así como si PJ Harvey y Led Zeppelin fueran a un rave, se perdieran en el desierto y luego se dieran cuenta de que están en una película de David Lynch. Esto te dará una idea de hacia dónde vamos.

The Production Issue

Productor discográfico: Su trabajo dentro de la industria musical es supervisar y encargarse de los detalles detrás de la grabación de un disco, además de aportar ideas y dar dirección al sonido de esta, involucrándose de manera creativa.

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The Production Issue

Ingeniero de audio:

Big Bass Brian Doer Of Perfect Sounds_

El especialista que se ocupa de la utilización de maquinaria y equipos destinados a la grabación, mezcla y reproducción de sonidos.

>> Contables quizá con los dedos de la mano son aquellos en la industria de la música que pueden presumir de haber trabajado en más de 600 producciones. Brian Gardner puede hacerlo, pues aunque su trabajo es ligado frecuentemente a álbumes hip-hop o gangsta rap, no hay género que no haya sido trabajado por este experimentado caballero.

Amante de la música, ganador de un Grammy y renombrado ingeniero de mastering y productor de audio, “Big Bass Brian”, como es mejor conocido, cuenta con prestigio irrefutable y fama mundial adquirida desde los años 60, transcurso en el que ha visto evolucionar a la música misma y a la tecnología aplicable a su creación. “¡Hombre, lo he visto todo! Cuando empecé básicamente tenías un canal de mezcla por canción en 15 ips y eso era todo. Ver el progreso de la tecnología fue todo un viaje; yo edité el primer sencillo de The Jackson Five, ‘I Want You Back’, y créeme que lo hice en mono. Nunca olvidaré el trabajo del Ampex de 16 tracks MM 1000 y después, casi sin darme cuenta, la mezcladora digital de 24 tracks estaba a la vuelta de la esquina. No mucho después los CD’s entraron en escena y todo fue cambiando muy rápido”, asegura Brian notoriamente emocionado.

Y es que habiendo escuchado tanta música como sea posible imaginar, Gardner es, hoy por hoy, un apasionado del sonido que no sigue una técnica inquebrantable: “Cada género es único y no hay parámetros establecidos para cada proyecto. Empiezo determinando los sonidos que tengo para trabajar y qué tanto tiempo me tomará mejorarlos, además de las herramientas a utilizar”. Improvisación, feeling y profesionalismo dejan sin duda experiencias inolvidables. “Nunca olvidaré cuando trabajé con leyendas como Ray Charles o Michael Jackson, de todos he aprendido algo y, hasta hoy, he aprendido muchísimo con cada sesión en la que he participado.” Fue justo por su impecable trabajo que obtuvo su famoso sobrenombre, cortesía de Dr. Dre. De acuerdo con él mismo, la historia comenzó luego de su participación en el disco Straight Outta Compton (1988), de N.W.A, y culmina con un regalo definitorio: “No mucho después de la primera sesión recibí una playera que decía “Big Bass Brian” en la espalda. La verdad es que no pensé demasiado en ello, aunque no sabía quién la había enviado. Después descubrí que venía de N.W.A y que Dr. Dre había agregado ese nombre. Le pregunté por qué y dijo que la razón surgió al darse cuenta que, en los clubes, sus vinilos que yo había editado se habían convertido en los más ruidosos y poderosos que tenía. Eso se sintió bien, y el nombre se quedó conmigo desde entonces... el resto es historia”. “Niveles de energía, bajos, sobreagudos, volumen y distorsión sofisticada; todo ello trabajado con un número de técnicas y enfoques casi infinito” es lo que involucra la masterización en palabras de este genio, quien tiene sus técnicas “protegidas por el gobierno y la administración espacial, bajo clave y llave, lejos de cualquier persona”. Un hombre que mantendrá escondido el secreto que lo mantiene en un grupo selecto de personas capaces de pulir y perfeccionar cualquier sonido.

›› Karina Luvián es Coordinadora Editorial de WARP MAGAZINE y puedes leer su entrevista exclusiva con Le Butcherettes en WARP #44.

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@gameboxla

Estudio de grabación: Es una instalación diseñada específicamente para registrar sonido o mezclarlo. Idealmente, se construyen por un especialista en acústica para conseguir óptimas propiedades sonoras. Regularmente se divide en live room, el lugar en el que se ejecuta, y el control room, donde se alberga el equipo de grabación.

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Steven Wilson The grace of making an album_ Por: Leonel Hernández / Foto: Lasse Hoile

>> Cada uno de sus distintos proyectos —y no son pocos— tiene un sonido bien definido, siempre en una dirección distinta. al frente de Porcupine Tree, su proyecto favorito, se ha consolidado como uno de los músicos y compositores más reconocidos de la última década, además de referente obligado para el rock progresivo.

Pero su labor no para allí: como productor e ingeniero de sonido, ha trabajado con bandas como Opeth o Anathema. Luego de su álbum debut de 2008, Insurgentes (nombrado así por la avenida que atraviesa la Ciudad de México), trae bajo el brazo la continuación: In the Grace Of Drowning (2011), su más reciente placa, la que considera “la más ambiciosa” de su carrera. WARP MAGAZINE platicó en exclusiva con Steven Wilson sobre su nuevo disco, la producción musical y su fascinación por México.

menos a mí me ha costado muchos errores, y tuve que hacer discos muy malos para aprender a hacerlo un poco mejor. Para mí, de eso se trata la producción musical: es la habilidad de trasladar lo que tienes en la cabeza al mundo real.

Háblanos un poco de In the Grace Of Drowning, tu más reciente álbum solista, y sobre el espectáculo visual que has preparado… Estoy muy feliz; este es un álbum en el que he trabajado mucho y para la presentación en la Ciudad de México traigo un espectáculo visual bastante interesante, que se va a grabar en DVD; y es que los fans mexicanos transmiten mucha energía, mucho poder, y quiero que eso quede registrado. El espectáculo es bastante elaborado: cuento con una banda de seis miembros, donde también la parte visual creará una experiencia única en la audiencia. A nivel de producción para presentaciones en vivo, este es el trabajo más ambicioso que he hecho. La parte musical, después de mi álbum anterior, representa mi consolidación como artista. Además, creo que estoy en un punto importante de mi carrera como compositor y músico, y me gusta disfrutarlo.

¿Qué le recomendarías a alguien que quiera producir música? El mejor consejo que le podría dar es escuchar mucha música de todo tipo y de cualquier región del mundo, pero escuchar mucha, mucha música: toda la que puedan. Que tengan un vocabulario musical extenso, pues el trabajo de un productor, al final, debe basarse en eso: tener ideas, ser creativo. Voy a poner un ejemplo: si vas a producir una banda de heavy metal, no sólo escuches heavy metal, pues será aburrido; lo que a su vez provocará que produzcas un disco aburrido, que sonará como todas las bandas de heavy metal. Si trabajas con una banda de heavy metal, escucha otras cosas para tener el conocimiento, la experiencia y la percepción de que existen otras cosas, para que se tome una dirección nueva; así se logrará ser creativo y hacer que tu banda suene diferente a otras bandas de heavy metal. El heavy metal es muy genérico y tiende a sonar siempre de una manera; sin embargo, tú, como productor, tienes que darle esa vuelta de tuerca que necesita para hacerlo más propositivo, sin que se pierda la identidad de la banda. Es un proceso de creatividad difícil y eso se obtiene sólo con la experiencia. Por ello, al producir, trato de escuchar mucha música, entenderla, saber sus orígenes, cómo se toca y todo lo que hay detrás. Yo mismo puedo decir que no he escuchado suficiente música, así que escuchen mucha música y de todo.

Quiero pensar que para el DVD escogiste México por el público… Sí, creo que sí; al final no quería hacer un DVD con una presentación en cualquier otro país, ni siquiera en otra ciudad; quería hacerlo en un lugar que fuera muy importante para mí y la Ciudad de México lo es. Después del disco Insurgentes, y del documental homónimo, se creó una conexión muy profunda que me sirvió de inspiración, pero el tema del público tiene que ver con una conexión muy íntima; y no es la manera como se escucha la música, sino la respuesta que hay de la gente, la manera en que la banda siente esa energía del público y no al revés. La Ciudad de México es uno de los pocos lugares donde se ha sentido esa clase de vibra. Me gustaría hablar un poco de tu labor como productor… ¿Cómo fue tu acercamiento a la producción musical? En mi caso no fue el “cómo”, sino el “porqué”. Mi acercamiento a la producción musical fue porque amo la música y me encanta cuando las canciones, hablando de álbumes completos, funcionan como un viaje sonoro. Los primeros álbumes que escuché tenían eso; los que más me han inspirado tienen eso: el Dark Side Of The Moon, de Pink Floyd, por ejemplo. A mí no me llaman la atención álbumes de diez canciones, de tres minutos cada una, si no tienen ese viaje musical que estoy buscando; así que, a partir de eso, para mí es importante producir a una banda que tiene una idea bien clara de lo que quiere contar. Es como ser un director de cine, donde creas una historia; así que no creas que mi máxima pasión es tocar la guitarra o componer canciones; para mí, la mayor realización es hacer álbumes y a través de los años he aprendido mucho de mis propios errores. Hacer que lo que tienes en la cabeza suene exactamente igual en el mundo real, es un proceso muy difícil; uno debe tener la habilidad de trasladar eso, y ese paso es duro; al

›› Leonel Hernández es poeta y traductor, puedes leer su entrevista exclusiva con Frankie Rose en WARP #44.

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The Production Issue

El Productor Mexicano Una figura olvidada por los medios_ Por: Julián Woodside

>> La figura del productor en México vive en la penumbra, opacada en varias ocasiones por nombres de productores extranjeros. La historia de la producción musical del país es extensa, aunque poco difundida, quedándose sólo en comentarios y anécdotas entre músicos y periodistas, sin enriquecer los debates sobre la cultura de la producción musical en México.

¿Cuántos saben del disco de La Maldita Vecindad cuyo master se lo quedó el productor Bill Laswell y nunca vio la luz? ¿Cuántos mencionan nombres como los de David Guerrero, productor de Discos y Cintas Denver, quien nos diera varias de las producciones clásicas del rock urbano? ¿Cuántos de los que hablan sobre la prohibición del rock tras Avándaro saben que Alfredo Díaz Ordaz, hijo del ex presidente Gustavo Díaz Ordaz, tuvo varios grupos de rock durante los años setenta y que fue el productor de los primeros discos de Thalía? O más recientemente: ¿cuántos comentan que una de las mentes creativas detrás de Lady Gaga es el mexicano Fernando Garibay? El primer problema que ha afectado a la producción musical en el país es la poca difusión. En este sentido, Mario Santos, quien ha trabajado con artistas como Filippa Giordano, Mijares y Jon Anderson, de Yes, comenta: “Hay buenos proyectos que se quedan sin darse a conocer adecuadamente, debido a la insuficiencia de canales de promoción, exceptuando Internet. Son muy pocos los programas de radio y televisión que promueven abiertamente la música de artistas nacionales, lo que impide la difusión del producto a la mayor parte de la población”. Sin duda, un gran problema de la memoria musical mexicana, ha sido el difícil acceso a varios discos, por lo que todavía es mucho más difícil tener a la mano elementos para iniciar la discusión de fenómenos como la producción.

Al respecto, Sergio Andrade, quien diera forma a muchas canciones icónicas de los años ochenta y noventa, responde: “La culpa principal es de los grandes monopolios —como Televisa—, que se limitan a endiosar la figura del intérprete y jamás prestan atención al arreglista, al director musical, al ingeniero de grabación o al productor, ni los entrevistan, ni hacen crónicas de su trabajo. Pareciera que el artista se graba y se produce solo. Así, al no haber una cultura de reconocimiento del oficio, la producción permanece en la sombra”. Lo anterior repercute no sólo en el legado de diversos productores, sino que disminuye las posibilidades de transmitir el aprendizaje que la industria ha generado, como Andrade complementa: “Lo que falla de manera notoria es la capacidad para trabajar, tanto al disco como al artista, de manera conceptual y, sobre todo, de manera original. ¿Qué se debe grabar con determinado artista y por qué? ¿Cuál es el concepto que el disco, en su totalidad, va a exponer? ¿A qué público va dirigido? ¿Cuál debe ser el hilo conductor en los arreglos para ser coherentes y estar en coordinación con el concepto del disco? ¿Qué deben expresar las letras y de qué manera?”. El productor es un creativo que se involucra, en mayor o menor medida, con el concepto que el artista busca, explorando formas de encaminar el proceso creativo. Sacha Triujeque, quien ha trabajado con artistas como Kinky, Gustavo Cerati, Juanes y Ely Guerra, explica: “El productor es percibido a través de su combinación con el artista. La música habla por sí sola. A veces la combinación es muy sutil, a veces muy presente. El lugar del productor es diferente, caso por caso. Al final, de cualquier forma, sólo se trata de capturar y presentar la canción en su mejor y más honesta forma”. Sin embargo, la falta de una cultura de producción en México genera una serie de problemas a los que se enfrentan los productores de manera cotidiana. Como expone Jorge “Chiquis” Amaro, productor de artistas como Fobia, Panteón Rococó, Jot Dog y Paquita La Del Barrio: “(Está) el miedo a hacer cosas distintas, a arriesgarse; (está) la desunión entre músicos y productores y la falta de humildad (…) La piratería ha devastado igual los sueldos de los productores que el presupuesto de los buenos estudios. La cantidad de dinero que ahora se utiliza para hacer un disco, no es ni la tercera parte de lo que era antes”. Así mismo, Rogelio Gómez, productor de Los Esquizitos, Hocico y Hueco, complementa: “(Un problema es) la credibilidad que tenemos aquí y que las bandas no se comprometen hasta las últimas consecuencias, no se casan con el productor (…) Yo diría que hay más facilidades que dificultades, pero he de decir que la manera de pensar de algunos músicos en el país no ayuda; luego entonces, no es fácil que se dejen dirigir”.

›› Julián Woodside es periodista e investigador especializado en música, cine, diseño sonoro y memoria cultural en México.

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Consola: Una consola de audio o mixer es un dispositivo electrónico que combina (o mezcla), encamina y cambia los niveles de una señal de audio. Es un elemento indispensable para la creación y ejecución de la música.

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Mezcla de audio: Es el proceso mediante el cual varios sonidos grabados se combinan en uno o más canales. En el proceso, el nivel de las señales de la fuente, la frecuencia, la dinámica y la posición panorámica se manipulan, además se pueden añadir efectos.

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The Production Issue

Las nuevas tecnologías, además, fomentan una mayor competitividad. Como menciona Toy Hernández, DJ y productor de artistas como Control Machete, Celso Piña y 3BallMTY: “Creo que una dificultad es que ahora todos los músicos quieren —y pueden— ser productores; entonces, la posibilidad de auto producirse puede generar una nebulosa para el desarrollo de las carreras de productores”. La labor del productor es necesaria para aportar oídos frescos a una composición; sin embargo, en muchas ocasiones, pareciera que se trata de un trabajo en el que constantemente tienen que hacer malabares entre lo que les da de comer y lo que les genera satisfacción artística. “Es muy difícil hallar la posibilidad de trabajar en algo que sea realmente interesante y, al mismo tiempo, que tenga un presupuesto que te permita concentrarte el tiempo necesario en un solo proyecto —plantea Gerry Rosado, quien ha trabajado con artistas como Descartes A Kant, Alonso Arreola y Jaramar—. De esta forma, se convierte en un trabajo ‘de mucho cariño, pero sin fines de lucro’ o, mucho peor, terminas eligiendo proyectos con presupuestos que muy rara vez son profundamente interesantes”. A esto hay que agregar las limitantes tecnológicas y económicas que hasta hace relativamente poco causaban que muchas producciones interesantes fueran duramente criticadas por tener una deficiente calidad de sonido. “Es difícil mirar a través de una mala producción, por consiguiente —reflexiona Gerry—: una buena canción puede ser arruinada por una mala producción; pero una mala canción, con buena producción, sólo es una mala canción que suena tan bien, que no nos queda duda de que es mala”. Hay muchos tipos de productores; está el todólogo (que hace arreglos, compone, produce y toca), el rockstar (que nomás presta su nombre y encarga todo al “inge”), el científico (aquel que busca nuevas sonoridades), el cumplidor (que hace que el disco suene “bien”) y el que es considerado como un miembro más de la banda. “El buen productor es el que vende discos, pero en el negocio de la música como en el del arte —concluye Sergio Andrade—, la diferencia fundamental siempre será que te cataloguen como ‘un buen productor’ o ‘un gran productor’. Por ello, Phil Spector, Joe Meek, Quincy Jones, George Martin y Todd Rudgren han sido grandes productores”. La industria musical en México ha cambiado radicalmente en los últimos años, permitiendo el surgimiento de cada vez más productores que son reconocidos por su labor y cierto sello particular, esperando que esto signifique el surgimiento de propuestas cada vez más interesantes. “Pasaron demasiados años con músicos y productores tratando de complacer a una industria de una mediocridad y simpleza ejemplar y se generó mucha confusión respecto a los objetivos —sostiene Gerry Rosado—. Creo que, hoy en día, el ambiente se está aclarando y veo con optimismo el futuro; es decir: menos dinero, pero mejor música. Si uno no le tiene miedo al trabajo, creo que es un gran momento para trabajar en esto… Pero, en definitiva, empieza a ser un trabajo de valientes”. Sería valioso recuperar todas las anécdotas que estos, y muchos productores más, nos podrían compartir, como grabar discos en cuestión de horas, lidiar con fallas técnicas, trabajar en situaciones precarias y aguantar los caprichos de

infinidad de artistas. Sería más importante, sin embargo, profundizar en los procesos creativos: ¿Qué técnicas utilizaron para producir determinados discos? ¿Qué tanto hay detrás de cada uno de los discos que escuchamos? “Terminando de grabar el disco Tómala, de Los Tetas, se descompuso el disco duro… ¡Sin respaldo! —nos cuenta Sacha Triujeque— Se mandó recuperar la información y se recuperó un 70 por ciento, más o menos, de cada sesión. Pero sucedió que algunos tracks de batería y voz se fusionaron en el proceso de una manera cool. Y así lo dejamos en la canción que se llama ‘Underground Side’. Fue una sorpresa divertida que sonaba bastante bien”. Por su parte, Mario Santos nos comparte: “En 1987, Miguel Blasco producía un disco con varios artistas de EMI Capitol; yo rentaba los teclados que se estaban usando. De pronto, a la mitad de una sesión de voz, la cinta de dos pulgadas se rompió, debido a la falta de mantenimiento de la cabeza de grabación de la máquina; la cinta comenzó a salirse, a enredarse, dañándose con una velocidad espantosa ante un silencio generalizado de todos los que allí estábamos presentes. Así inició la Segunda Guerra de Independencia entre los productores españoles y los mexicanos, todos ellos ‘responsables’ del estudio de EMI”. Si bien la figura del productor musical se mantiene en relativo anonimato, ya desde 1938 se habla de “éxitos discográficos” en México. Recuperar las historias detrás de infinidad de discos permitirá no sólo enriquecer el mito musical del país, sino que agrupará un vasto conocimiento que será útil para todos los productores y músicos que están surgiendo en el territorio nacional. 049

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Producción ¿Qué diferencia hace? Por: Paul Stokes / @stokesie

Los productores son tratados injustamente en nuestra época: ahora todo el mundo cree que es “productor”. Gracias a algunos programas baratos de computadora y a ritmos empaquetados, lo que antes era un arte místico y oscuro —que sólo podía realizarse en la profundidad de los estudios caros— ahora sucede en la habitación de cualquier adolecente. Y no es que esto sea algo malo: acabo de recibir una copia de Language, el disco debut de los británicos Zulu Winter, y su mezcla de pop cálido con artrock fue producido en gran parte por la propia banda. Lo recomiendo ampliamente, cuando salga a finales de 2012. Aunque para mi asignación de este número, dedicado a la producción, quería elegir algo que fuera un recordatorio de que una producción realmente buena siempre será un arte —trayendo a colación nombres como Joe Meek, excéntrico productor británico de los años sesenta, quien grabó en un baño, o James Murphy—, me llamó la atención un trabajo reciente que, me parece, muestra cómo un buen productor puede hacer la diferencia. Seguramente han oído hablar del debut homónimo de The Smiths, pero tal vez no hayan escuchado la reciente edición remasterizada de Johnny Marr, lanzado a finales del año pasado… Obviamente no se puede negar la gran clase de las primeras composiciones de Morrissey y Marr. ‘Real Around The Fountain’, ‘This Charming Man’, ‘Still Ill’, ‘Hand In Glove’: la mayoría de las bandas matarían por haber escrito esas canciones en algún momento de su carrera; pero siempre he sentido que a The Smiths, el álbum, le faltaba algo: en su versión original, las percusiones parecen un poco planas y la guitarra de Marr no está en su momento más brillante. Pero en su debut, incluso una banda tan única, tuvo que comenzar en alguna parte, ¿no es cierto? The Smiths refleja el sonido de una banda aprendiendo su oficio... Eso es lo que creía, al menos hasta que escuché la nueva mezcla que le realizara Johnny Marr al álbum… Ahora, gracias a algunas de sus habilidades en los faders y compresores, en lugar de lo hecho en cuerdas y trastes, el debut de la banda ha recibido su pase de abordar al Universo de The Smiths. En pocas palabras, gracias a los ajustes en ecualización y a otros trucos que Marr y su ingeniero utilizaron, lo débil de la producción original se apagó y… ¡The Smiths están vivos!

Presumiendo de brillantez en su estilo, el álbum se desvanece y se eleva en la forma en que, seguramente, sus creadores lo vislumbraron originalmente. Puede que haya tomado casi 30 años, pero esto es la mejor introducción al universo de Morrissey y Marr que se pueda imaginar… Y este par se atrevió a esperar bastante para forjar su alianza. Ésta es la producción que sugiero que escuchen —y los otros discos remezclados por este “productor” también son buenos—, y es que Marr podrá no ser un innovador del sonido, comparado con los otros nombres que mencioné y, aunque es un hecho que The Smiths es un disco que jamás se ubicará junto a grandes producciones, como el Pet Sounds o el Collected Ambient Works —álbumes que realmente transformaron la manera de grabar—, su reciente evolución muestra por qué la producción y diseño sonoro no sólo es importante… Es un arte. Así se demuestra que, con visión, corazón y el entendimiento de las necesidades de cada canción, un productor experto puede tomar algo ordinario, que hayas escuchado antes, y convertirlo en un inspirador viaje a lo desconocido.

›› Paul Stokes es Editor Asociado de Q Magazine, puedes leer su reseña de Nierka en WARP #44.

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Ingeniero de mezcla: Es el responsable de la incorporación de los diferentes elementos musicales grabados (voces,

Phil Vinall

instrumentos, efectos, etc.) para hacer la versión final de una canción.

Master Class_

Por: Paco Sierra / Foto: Cortesía Artco Recording Studios

>> Siempre se busca aprender de los mejores y en WARP MAGAZINE lo entendemos. En la industria de la música sucede lo mismo aunque, con poca frecuencia, se puede tener al alcance a alguien con tanta experiencia. Afortunadas hay algunas bandas latinas que han tenido la oportunidad de trabajar junto al productor inglés, Phil Vinall. Así que, como si fuera una clase en el colegio, prestemos la debida atención —con todo respeto— al maestro… ›› Paco Sierra es Editor en Jefe de WARP.la, puedes leer su entrevista con Dale Earnhardt Jr. Jr. en WARP #45.

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The Production Issue

¿Cuál fue la razón principal por la que comenzaste a trabajar con bandas latinas? Zoé llegó a Reino Unido hace muchos años a hacer una mezcla para su EP; escuché sus canciones y había un poco de todo; y me encantaron las melodías: su sonido me pareció interesante. Los invité a Nothing Hill, en Londres, para mezclarlo y así comenzamos. Desarrollé una relación con ellos; después firmaron con una disquera y me invitaron a trabajar en el segundo disco; básicamente así comenzó esta relación de amor-odio con México [risas]. Ahora ya no paso mucho tiempo en Reino Unido; estoy en muchos lugares, que es algo que me gusta; además, las cosas se han dado para que pase más tiempo en México. Por supuesto, si Zoé no hubiera logrado el éxito, probablemente viviría en Bélgica o en algún otro lugar. Es bueno cuando las cosas se tornan exitosas; ha sido una relación de diez años. Y México me encanta, a excepción del tráfico, pero creo que en general nos llevamos bien. Después de esta larga relación con México, ¿cuál es tu punto de vista del nivel de producción en el país? Es una pregunta interesante… Tengo dos opiniones: creo que hay un muy atractivo elemento underground y hay mucha gente creativa. Desafortunadamente, lo que le gusta a la gente no es nada bueno. Así, tenemos a las bandas independientes, que se están desarrollando y con las que me gusta trabajar; por otro lado está lo comercial, que podríamos llamar “música popular”, que no es lo mío. A pesar de esto, en la cantidad de bandas que se desarrollan, hay muy buen talento. Encuentro algo multicultural: la música es un lenguaje y, en general, hay algo bueno aquí. También encuentro que, en ocasiones, se admira de más a las bandas del otro lado del océano; sería bueno que empezaran a creer más en las bandas de aquí. Soy británico y siempre he estado en contacto con la música; pero yo estoy mal acostumbrado y aquí apenas se desarrolla esto.

Safari (1998); es realmente increíble el trabajo artístico en general; y fue inspirador para mí. Más recientemente, Elbow, del Reino Unido; los admiro por muchas razones; es una banda que ha batallado por 20 años; han sido ignorados, no son una banda de moda y los británicos somos expertos en crear modas para luego matarlas; tengo que aceptar que los admiro, primero en la parte musical y, luego, porque se las han arreglado para mantenerse juntos por dos décadas; cualquiera que haga eso —y no necesariamente tienes que admirar su música— es respetable. Creer en lo que haces es algo muy difícil.

¿Hay algún momento que disfrutes más de este proceso? Son varios los momentos; hay algunos en los que te das cuenta de que una canción va a ser un éxito, que oprimiste los botones adecuados y que tiene ese algo de magia. Dura segundos, pero sabes que lo tienes. Esto no sucede con frecuencia pero, cuando llega, es un gran sentimiento. No tienes que hablar de la música: ella te avisa que tiene el control, lo que es formidable.

¿Cuál crees que sea la gran diferencia de la producción de ahora, respecto a la de hace 20 años? Es completamente diferente. Los estudios son un buen artefacto del pasado, de la época análoga; tenía su propio sistema y funcionó muy bien hasta que el sistema digital llegó. Entonces todo cambió. No quiero decir que el pasado sea mejor: también había días malos. Hay un gran sentimiento de romanticismo por el pasado, del cual me beneficié; y es que, cuando iniciaba en los estudios, trabajaba con los mejores artistas del mundo: Peter Gabriel, Queen, muchos… Todas esas bandas entraban por la puerta; Virgin tenía múltiples estudios y todas las bandas tenían que entrar al estudio; estaba en contacto con los mejores creativos de esos tiempos; podía preguntar mis dudas directamente, aprendí y me mal acostumbré, porque ahora todos lo hacen de forma independiente, lo que también es bueno. La tecnología era muy cara: no podías costear los grandes equipos y ahora cualquiera puede tenerlo en su habitación. Ambas etapas tienen sus valores. La gente piensa que, en la época análoga, se hacían grandes discos; pero también hacían discos malos; así que este arte, en realidad, sigue dependiendo del talento del artista y del arte del productor. Hay que trabajar duro para ser perfectos.

¿Podrías nombrar un álbum que haya influenciado tu manera de producir? Buena pregunta… De lo que recuerdo, veamos… Está el primer disco de Air, Moon

Lección aprendida en la clase de hoy del maestro Phil Vinall.

¿Qué buscas cuando decides trabajar en un proyecto? Evito trabajar con tontos, pero desafortunadamente existen y he trabajado con ellos [sin decir nombres]. Pero lo que busco es lo mismo: pequeños chispazos de la banda, personalidad y, si veo la intención de llegar a algo en específico con las ideas adecuadas, entonces digo: “Ok, ¡hagámoslo!”. Y hay varios elementos que facilitan la labor del productor: me gusta rodearme de gente creativa, pues en realidad es un trabajo de equipo. Y no importa el dinero que se me ofrezca: si voy a trabajar con un monstruo, no lo haré, no vale la pena; me tiene que gustar su música, su estilo de vida y, cuando reúnes eso, es fantástico; de otra forma es una pesadilla. Cuando llegas por fin al estudio, ¿tienes algún plan previo o te dejas llevar por el momento? Me dejo llevar por el momento; si tienes un plan, puede que funcione algunas veces, siempre y cuando tengas tiempo y la pre producción; pero usualmente los presupuestos no te dan mucho tiempo; así que, cuando comenzamos en el estudio, les digo: “comenzaras de aquí y llegarás a algún punto de allá”, pero no sé el camino. Algunos productores tienen una fórmula; yo no. Yo prefiero ver lo que pasa: corriges sobre el camino e incluso vuelves a empezar… Los estudios son como un laboratorio de ciencias: puedes experimentar y, en ocasiones, es grandioso, porque haces cosas que normalmente no harías sólo por romper la fórmula.

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Productor ejecutivo: Es el encargado de revisar las finanzas detrás del proyecto de la grabación de un disco.

John Fryer (DarkDriveClinic) Still contagious_

Por: Michelle Apple / Foto: Cortesía DDC

>> Hablar de John Fryer, es hablar de un pionero de la música electrónica en sus derivaciones más oscuras; su trabajo en los estudios de 4AD, Mute, Rough Trade y Beggars Banquet ayudó a definir una gama de sonidos que hoy en día son referencia. Su labor como productor, al lado de proyectos como Depeche Mode, Fad Gadget, Clan Of Xymox, Cocteau Twins, Peter Murphy, Nine Inch Nails, Rob Zombie, HIM y Cradle Of Filth, por mencionar sólo algunos, lo ha colocado como uno de los grandes detrás de la consola de grabación, mientras que lo logrado junto a Ivo Watts-Russell, en This Mortal Coil, lo puso un peldaño más arriba, como precursor de lo que hoy conocemos como ethereal wave. En 2011, Fryer se unió a Rebecca Coseboom (Stripmall Architecture) para dar vida a uno de los proyectos más ambiciosos del rock industrial y el mundo conoció Noise In My Head, el álbum debut de DarkDriveClinic. WARP MAGAZINE platicó en exclusiva con el productor respecto a su larga trayectoria y a la nueva música que ya se encuentra creando. Cuando trabajaste en el estudio con proyectos como Fad Gadget, Depeche Mode y ese tipo de bandas, ¿sabías que lo que estabas haciendo se convertiría en algo realmente significativo? Es una pregunta difícil de contestar. Creo que estaba en el lugar exacto, en el momento indicado y con la inspiración necesaria para hacer que pasara aquello. Para mí, hacer música es el equivalente a lo que es nadar para un pato: algo natural. Empecé mi carrera cuando los sellos independientes empezaron a crecer en nosotros (el estudio) y trabajamos con algunos de los sellos independientes más grandes de Londres. La gente de A&R, y los dueños, amaban la música y firmaron a algunas bandas increíbles y las dejaron crecer, así que era grandioso trabajar con esas bandas y ayudarles a desarrollarse; algunas se cayeron y otras se convirtieron en líderes dentro de sus géneros. Siempre he disfrutado trabajar con nuevas bandas, sobrepasando los límites con su nuevo sonido. ›› Michelle Apple investiga fenómenos paranormales y colabora en WARP, puedes leer su entrevista con Bryan Black de Motor en WARP #44.

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The Production Issue

¿Qué es lo que buscas, como productor, para involucrarte en un proyecto? Me gustan las bandas y la música que me despiertan algún sentimiento, que me mueven de algún modo. Algo que te distingue como productor es la forma en la que mezclas diferentes capas sonoras en un mismo sonido, incluso si no se llevan del todo bien. ¿Qué te hace realmente diferente a otros productores? Como productor siempre trato de hacer el mejor álbum que puedo. Invito a subir a bordo su sonido, sus canciones y les doy consejos para hacerlas las mejores. Y me gusta añadirle profundidad al sonido; creo que esas son las capas de las que hablas. Es como la diferencia que hay entre grabar un filme con película y grabarla en video: con la película, el filme tiene más profundidad en color y perspectiva, mientras que en video es algo plano. También me gusta “hacer” el álbum de la banda y no caminar por encima de él con mi sonido; por eso todos los álbumes en los que trabajo suenan diferente: hay elementos de mí allí, aunque suenen como deban sonar. ¿Cuál ha sido la colaboración en el estudio que más has disfrutado? [Risas] Hay tantas que es difícil escoger alguna. Casi todos los álbumes en los que he trabajado han sido mis favoritos por diferentes razones. Es grandioso colaborar con bandas diferentes, de distintos géneros y con gente diversa. Eso es lo que mantiene el trabajo interesante para mí: “ser un camaleón”, como dice Shannon (SOS Management). ¿Cuál dirías que es el trabajo más significativo que has hecho en toda tu carrera de productor? Bueno, obviamente tendría que ser el Noise In My Head, de DarkDriveClinic, ya que es la cosa más personal que he hecho. Mientras que los otros álbumes en los que he trabajado son para alguien más, este ha sido demasiado personal. Y no me malinterpretes: siempre pongo el 110 por ciento de mí mientras trabajo en los discos de otros artistas; son muy personales para mí mientras trabajo en ellos; pero normalmente, cuando mi parte del trabajo está terminada, está fuera de mis manos lo que pasará con ellos: allí eres sólo un jugador, mientras que Noise In My Head es mío hasta llegar al final. Ahora parece que las bandas de gothic rock sólo tratan de emular el sonido old school de los consagrados, pero rara vez escuchamos algo nuevo o sorprendente. En tu opinión, ¿qué crees que les falta a las nuevas bandas? El gothic rock es un género muy divertido: está como congelado en el tiempo. Si vas a un club gótico, verás que la gente se sigue vistiendo igual y sigue escuchando los mismos discos de siempre: Sisters Of Mercy y The Cure es algo que vas a oír seguramente, antes de una o dos canciones de Depeche Mode y Marilyn Manson para “sentir” que no están estancados. La cosa es que, hasta donde sé, no quieren algo nuevo. ¿Qué tanto dirías que ha cambiado la producción desde que estabas en el estudio trabajando en el Fireside Favorites, de Fad Gadget, hasta nuestros días? ¡Wow! No lo creerías. Cuando trabajábamos en Fireside Favorites, a comienzos de los ochenta, no había computadoras en los estudios, aunque tampoco las tenías en tu casa o en la oficina. Todo se resumía a máquinas análogas de cinta y sintetizadores; ni siquiera se había inventado el MIDI. Ahora todo está hecho en y para computadoras: un mundo completamente diferente. En aquellos días, tenías que trabajar realmente fabricando sonidos y colocarlos en tiempo, ya que prácticamente todo era tocado por manos humanas. Ahora el límite es tu imaginación, porque puedes

hacer todo, y más, con la ayuda de una computadora. Hablando de This Mortal Coil, cuéntanos, ¿cuál es el estatus del proyecto? ¿Dirías que hay posibilidad de trabajar de nueva cuenta con Ivo Watts-Russell? Bueno, nunca diría que “nunca trabajaré con Ivo de nuevo”, pero jamás habrá otro disco de This Mortal Coil, hasta donde sé, claro, sin contar las reediciones. This Mortal Coil pertenece a su tiempo: no puedes repetirlo o hacer algo parecido. Es único. El año pasado lanzaste el álbum debut de tu nuevo proyecto, DarkDriveClinic, y creo que el Noise In My Head es uno de los discos más brillantes del rock industrial en los últimos años… Personalmente creo que estás en lo correcto: el Noise In My Head es uno de los álbumes escarchados de la azúcar más brillante del rock pop industrial de los últimos años. Tomó mucho lanzarlo y estuvo guardado por tanto tiempo, que es ridículo. Empecé escribiendo sus canciones a mediados de los ochenta, después del primer álbum de This Mortal Coil, pero siempre estuve muy ocupado para terminarlas. Y encontrar una voz tampoco fue fácil: gracias a quien quiera que sea el Dios de la voz, encontré a Rebecca; ella hizo que la espera valiera la pena; no sería el mismo disco sin su colaboración. Con el paso del tiempo, repasé las canciones muchas veces, actualizándolas mientras los géneros musicales cambiaban; pero el año pasado tuve las canciones justo en donde las quería, encontré a Rebecca y el resto es historia… Y bueno, seguimos haciendo historia, pero ya sabes a lo que me refiero. Vamos a tocar algunos shows este año y viene en camino el segundo álbum. ¿Y qué nos puedes adelantar respecto al sonido del nuevo disco? Bueno, sólo espero que guste tanto como gustó el primero. 055

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Pocket Symphony Producción De Bolsillo_ Por: Alejandro Franco

Producir un track o producir un disco puede ser muy diferente a producir algo en vivo. Hay sonidos particulares que fueron generados en un estudio o en un software específico, de una manera tan particular, que se convierten en únicos e irrepetibles. La tecnología hizo que la música emigrara de formatos analógicos a digitales con tal naturalidad y haciendo todo tan sencillo, que hoy difícilmente podemos concebir la producción musical sin software tipo Pro Tools de Avid o Ableton Live, aunque estos sean utilizados en una simple recamara y ya no en un costoso estudio de producción, como solía acostumbrarse. Los emuladores de sonidos integrados en productos tan accesibles como las tabletas digitales, han hecho asequible para cualquier persona sintetizadores que antes solo estaban al alcance de los músicos expertos, coleccionistas y privilegiados. Las posibilidades en el “en vivo” ahora parecen no tener fin. Cualquier proyecto musical puede reproducir de manera exacta los sonidos que generó en el estudio y los actos más simples como los de un proyecto electrónico en su versión “Live” o un DJ set, pueden enriquecerse con infinidad de sampleos y aportaciones que tiempo atrás, hubiera sido muy complicado y costoso de hacer. En la última temporada grabada de mi programa “SesioneS…”, mi amigo Ramón Amezcua, mejor conocido como “Bostich” del colectivo Nortec de Tijuana, me recomendó un emulador de la marca Moog para reproducir sonidos (en una infinidad de opciones) desde mi iPad en los intervalos en vivo de mi proyecto de DJ, SLKTR.

La app me costó menos de 10 dólares y ha cambiado / mejorado por mucho, mi show en vivo y hasta los mixtapes y remixes que he estado generando últimamente. Mi nivel de producción subió varios peldaños con una simple aplicación de la famosa tableta y ni que decir de lo práctico que puede ser transportar uno de estos dispositivos o un iPhone (que ya cargué con la misma app) en las presentaciones en vivo, en comparación con un sintetizador original. El talento y la creatividad siguen y seguirán siendo los principales componentes para hacer canciones, pero la tecnología nos ha abierto campos increíbles para la producción de estudio y la producción en vivo. Caminos que ya no son de unos cuantos y que prácticamente, todos podemos recorrer.

›› Alejandro Franco es Director General de WARP, conductor y creador de SesioneS con Alejandro Franco y conductor del show de radio Backstage 40.

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MIDI: Las siglas de Interfaz Digital de Instrumentos Musicales. Se trata de un protocolo de comunicaciรณn serial estรกndar que permite a los computadores, sintetizadores, secuenciadores, controladores y otros dispositivos musicales electrรณnicos comunicarse y compartir informaciรณn para la generaciรณn de sonidos.

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Total Control_ Por: Diovanny Garfias Foto: Sergio Gálvez y Rubén Márquez para WARP Making of/ Asistente de foto: David Gonzalez Asistente de foto: Leonel Hernández Maquillaje: E-Lee Pe Se Proyector: Carlos Morales e Iván García ›› Diovanny Garfias es Editor en Jefe de WARP MAGAZINE, puedes leer su entrevista exclusiva con Rodrigo y Gabriela en WARP #44.

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The Production Issue

>> Si

tuviéramos que evaluar el tema de la producción en México y Latinoamérica seguramente nos encontraríamos con algunas discrepancias respecto a otros países, como Estados Unidos o Inglaterra, aunque al final el resultado sería alentador para quienes habitamos esta parte del globo. Nuestra salud en materia de producción ha mejorado notablemente a lo largo de los últimos diez años, en parte, gracias a la facilidad para acceder a tecnología que en el pasado sólo estaba disponible para un gran estudio afiliado a una disquera trasnacional. Esto no quiere decir que una computadora potente, con el software indicado y una librería gigante de Ableton Live hagan todo el trabajo y de la nada nazcan obras maestras, pero la relativa facilidad para conseguir las herramientas ha logrado que despierte la creatividad de muchos. Por otro lado, quienes siempre han estado detrás de la consola, tienen ante sí la oportunidad de llevar a todas partes gadgets que les permiten registrar una idea musical (que pudiera ser de oro) casi al momento de pensarla, trabajarla mientras vuelan de un país a otro y producir así el demo de lo que puede terminar convirtiéndose en algo grande. Entonces, lo realmente genial del momento histórico que vivimos, es que converjan la genialidad musical y la tecnología de punta, todo enfocado a la creación y a la producción de algo único. En este renglón encontramos a 060

Kinky, la banda regiomontana que en 2011 lanzó Sueño De La Máquina, álbum que no sólo logró posicionarse entre lo mejor del año, incluida la lista de WARP.la, sino que llamó la atención de la crítica especializada por lo elaborado de su producción tan atinada, y aunque gran parte de ésta nació de la experimentación de la banda en el estudio, la placa está firmada por John King, mejor conocido como King Gizmo, quien junto a Michael Simpson (E.Z. Mike) integran Dust Brothers, la afamada dupla californiana especializada en producción y en cuya discografía se encuentran trabajos como Odelay, de Beck, o la banda sonora para la cinta Fight Club, de David Fincher. WARP MAGAZINE, en exclusiva, platicó con Gil Cerezo, Ulises Lozano, Carlos Chairez, Omar Góngora y César Pliego, los protagonistas detrás de esta historia de producción, mezcla y música de nuestros días. Sueño De La Máquina tuvo un gran recibimiento por parte de la prensa y de sus seguidores. ¿Creen que Kinky, con este disco, logró consolidar su trayectoria? Gil Cerezo: Nos sentimos muy seguros desde que terminamos el disco. En los anteriores nos ganaba la inseguridad de no saber si lo habíamos hecho bien o mal. En éste invertimos el tiempo necesario para detallarlo hasta lo último y tuvimos la certeza de que era un muy buen disco. Además, sumándole todo lo que existía alrededor —las buenas colaboraciones, un buen video y mucha imagen—, nos dio la seguridad de presentarlo. Así que creo que la consolidación se da a través de los años, construyendo algo que te siga fascinando.

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Al escuchar Sueño De La Máquina se percibe a Kinky, el de siempre, pero con un twist evidentemente electrónico que va más allá de lo que nos tienen acostumbrados; algo mucho más experimental. ¿Qué hay detrás de este disco a nivel creativo y de producción? Ulises Lozano: Sí, se experimentó mucho con la parte electrónica, y “electrónico” incluye desde los beats de máquinas de los setentas, hasta lo más nuevo en software, como teclados, sintetizadores análogos: todo. En suma, fueron alrededor de dos años los que estuvimos grabando y haciendo experimentos con sintetizadores, que es en gran parte la base del grupo —nuestro sello particular —. En el estudio de Los Angeles tenemos una colección interesante de aparatos vintage, con los que empezamos a armar los demos de las canciones. Pero ir a grabar al estudio de John King —productor del disco—, que también es fan de ese tipo de instrumentos y que además cuenta con una vasta colección, nos dio una perspectiva con la que pudimos crear sonidos raros, nuevos, como en ‘Tripolar’, que es la canción más energética del disco. Utilizamos varios instrumentos con los que pudimos hacer muchas atmósferas y sonidos. Y nos dimos todo el tiempo del mundo para que el disco estuviera bien empapado de electrónica, pero que al mismo tiempo tuviera una energía orgánica. GC: Fue unir esta vieja escuela de los sintetizadores análogos, de bulbos, que suelen estar peleados con las nuevas tecnologías donde todo está dentro de un computador. Tuvimos que arriesgarnos y explorar todas las posibilidades. Pero, teniendo tantos recursos, ¿qué tan complicado fue evitar sobreproducir? Carlos Chairez: Actualmente se pueden considerar las computadoras como las nuevas guitarras. En este disco no quisimos quedarnos con eso, porque muchas veces te gusta una cosa y al otro día te dan ganas de seguir buscando. Pero cuando llega el momento de pulir la canción, obviamente recuerdas lo que más haya sobresalido, hasta llegar a un punto donde ya está lista. ¿Les ha sucedido que algún éxito de Kinky haya surgido por accidente? ¿Algo que no estaba considerado durante la producción inicial del disco? UL: Hay varios de ellos. Nos gusta mucho el “accidente”, nos gusta que las cosas sucedan espontáneamente. Por ejemplo: Gil trajo un día un disco de un profesor chileno de gimnasia y así fue como salió ‘Ejercicio #16’. Otro ejemplo es ‘Cornman’, que surgió cuando nos acercamos a un señor que vendía elotes; él cantaba canciones de Pedro Infante y lo grabamos; y se nos hizo interesante armar una canción con el acordeón norteño y el folclore regiomontano. ¿Qué creen que haga de Kinky un fenómeno diferente a otras bandas contemporáneas? Omar Góngora: Sumar nuestra nacionalidad a nuestra música, a través de instrumentos. Hacer todo muy mexicano. Por ejemplo a pesar de estar en un cartel alternativo, como el de Coachella, ante todo somos una banda mexicana: no intentamos ser Green Day o Radiohead. Esto es lo que llama la atención a nivel

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internacional, porque la mejor cara que puedes dar ante el mundo es ser tú mismo, con tu raíz honesta. Esto fue lo que nos abrió muchas puertas. GC: Ahora hay más diversidad: en lugar de haber más público para más música, hay mucha música; entonces se diversifica en muchos pequeños focos, en lugar de ser uno concentrado. Hace quince años había sólo un género; tal vez hasta se creaba un colectivo. Ahora todo el mundo tiene su propio nicho y todo se vuelve más segregado. Esto no quiere decir que se pelee un género con otro; simplemente no crece tanto un solo proyecto por esa cuestión. Kinky se caracteriza por lograr una increíble química con la gente. ¿Creen que eso se deba a su música o a la energía que le ponen a la interpretación? César Pliego: Una combinación de ambas. Esto fue una sorpresa para nosotros con el primer sencillo, porque comenzamos como una banda experimental. No nacimos enfocados en ser una banda común, sino un experimento de laboratorio que fue tomando forma. Jamás pensamos que la gente pudiera hacer slam con nuestra música, pero así fue como se formó este monstruo. Ahora Kinky lleva doce años y ha habido periodos en que hemos tocado más de cien shows. Tocar en vivo se convierte, igual que un músculo, en algo que se ejercita para fortalecerlo. Doce años de carrera… ¿Alguna vez han pensado en renunciar a la banda? CP: No. Kinky es nuestra alma, nuestro aire, nuestros sueños. Nunca vamos a dejar de tocar. UL: Hay una inquietud en los cinco a la hora de crear la música, a la hora del reto que sentimos como músicos entre nosotros, y todos nos metemos en lo de todos. Generamos un factor sorpresa, una chispa que nos mantiene unidos a lo largo de los años. GC: La ansiedad y las ganas de tocar te remueven las tripas, te hacen seguir. Este año regresan al escenario principal del Vive Latino como una de las bandas grandes del festival… UL: Sí, es un escenario muy especial para nosotros. Siempre ha sido un reto, porque el Vive Latino es el festival más importante de Latinoamérica. Y en esta ocasión sí se va a sentir la diferencia en cuanto a lo que ha pasado en todos estos años y en cuanto al lugar que nos ha dado nuestro público. Estamos muy contentos y estamos preparando algo muy especial… ¿Acaso una colaboración especial? GC: Algo visual que va a ser como un complemento a la música; va ser como un viaje en ácido, pero sin comértelo.

The Production Issue

Back in 1999

Por: John King (Dust Brothers) Productor del álbum Sueño De La Máquina, de Kinky

Conocí a Kinky a través de un amigo, Money Mark, quien trabajó con ellos en sus álbumes anteriores, y me gustó el ambiente energético y divertido de la banda, su forma innovadora y abierta de acercase a la música. Ahora las herramientas de producción son mucho más poderosas: puedes hacer muchas cosas sólo con una laptop, escondido en tu habitación. Además, la gente está más expuesta a diferentes géneros de música, de forma que hay más posibilidades de mezclar diversas corrientes. Pero Kinky no es una banda que siga una fórmula: les gusta golpear los oídos en cada oportunidad, así que experimentamos constantemente. En lo personal, sólo quería ayudar a que sus canciones lograran la mejor forma posible; y me aseguré de que tuvieran una gran estructura y melodía. Para conseguirlo, pensé en las canciones avant-garde, esas memorables que muchas veces se volvieron eternas.

Sampler: Es un instrumento musical electrónico similar en algunos aspectos a un sintetizador, pero que, en vez de generar sonidos utiliza grabaciones (o samples) que están cargadas o son grabadas en este por el usuario. Regularmente se asocia con la composición de música electrónica.

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P67. LUST IN THE MOVIES. Sonidos Del Nortec P69. DIGITAL. Crowd Funding P70. FASHION NUGGET. The Wookies P72. ART BRUT. Hakif Hakan

WARP TV

Hakif Hakan

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lust in the movies WARP TV

Sonidos del Nortec Por: Leonel Hernández

éxico es un país donde converge un sin número de géneros y estilos musicales, los cuales van del son y el huapango, hasta el norteño, el duranguense y la banda, cada uno con un origen en algún punto del país. Nortec, sin embargo, es un proyecto que se convirtió en un referente obligado para una ciudad tan peculiar como Tijuana, nido de propuestas artísticas y artistas que surgen precisamente de la hibridación de las culturas mexicana y estadounidense. Alberto Cortés es el encargado de tomarle una fotografía a esa ciudad, en este momento particular, en su documental Tijuana, Sonidos del Nortec y WARP MAGAZINE sostuvo una interesante charla con él. ¿De dónde surge la idea de hacer un documental sobre Nortec y Tijuana? De los productores me llega la propuesta de hacer un documental con la ciudad de Tijuana de fondo y la música de Nortec, y a partir de allí me fui a Tijuana a buscar a la gente y los lugares para relatar esta historia. Empezamos con Nortec, pero la historia se fue enriqueciendo con todos los demás personajes que participaron en definir el específico sonido de Nortec, ese con el que han hecho esta fusión de música popular y vernácula, y que contribuyeron a transformar y definir el llamado “Sonido Nortec”. ¿Tenías una idea clara de lo que querías contar cuando comenzas-

te a rodar? ¿Esta idea cambió en el resultado final? Nunca he querido filmar con una idea preconcebida, precisamente por lo mismo. Creo que, en el documental, las cosas se van dando en el camino y vas eligiendo aquellas que quieres. Más bien hay que tener los ojos muy abiertos y los sentidos muy agudizados para saber cuándo se está dando una historia qué contar y seguirla, así como la manera de meterte a eso. Para acercarse al documental, uno tiene que llegar con una idea muy abierta, aunque con una dirección para llegar al objetivo. En este caso, por ejemplo, queríamos contar Tijuana, a partir de la música. Partimos de la idea de que Nortec es “el soundtrack de Tijuana”, y de allí se abrieron muchos caminos para contar historias de vida, para definir algo tan indefinible como Tijuana. Y esto se logra con las historias no sólo de Nortec, sino también de la gente que vive allí. Al conocer mucho más de la música, como el lugar de donde viene y los intereses de las personas que estuvieron en la creación de este proyecto, enriquece mucho la manera en que podemos escucharla. ¿Qué te deja este filme? Una gran satisfacción: es un filme muy emotivo y me gusta mucho el resultado; a la gente le ha gustado mucho. Por otro lado, me dio la oportunidad de conocer Tijuana de otra manera: desde dentro; conocer la gente de Nortec; conocer los gustos de la gente y las pequeñas historias de vida que se han desarrollado en esa ciudad: la gente que vive y hace Tijuana. 067

digital WARP TV

Crowd funding Por: Alejandro Escobedo

ienes una gran idea —el corto animado más gracioso de la historia—, la app perfecta para iPhone y te juntas con unos amigos; la empiezan a desarrollar y todo va de maravilla, excepto, claro, porque no tienen dinero para la inversión inicial… Y el proyecto se sume en el limbo de las buenas intenciones… En los últimos años se ha vuelto cada vez más sencillo dar a conocer un proyecto, pero eso no significa que también sea sencillo atraer la atención correcta. Allí es donde entra el concepto de crowd funding, el cual consiste en una colaboración colectiva masiva a través de una red de personas, en este caso Internet, que tienen un interés especial en que cierto proyecto salga adelante y madure en un producto terminado. El sitio web Kickstarter (kickstarter.com) es uno de los mejores y más prolíficos ejemplos de crowd funding. La premisa es simple: envías la propuesta de tu proyecto y fijas una fecha límite para juntar una cantidad determinada de dinero, y si para la fecha límite no se logra reunir la cifra, los fondos no se transfieren. El incentivo para la gente que desee apoyar el proyecto son diferentes recompensas, las que varían dependiendo de cuánto dinero estén dispuestos a donar; entre éstos, están tener el producto final autografiado por sus autores, aparecer en los créditos e incluso que un nivel entero de un juego, por ejemplo, lleve tu nombre. Una gran ventaja de Kickstarter es que el creador de la obra mantiene el cien por ciento de los derechos y la

autoría, aunque Kickstarter retiene el cinco por ciento de los fondos recaudados. Como caso de éxito, podríamos nombrar el juego Double Fine, de Tim Schafer, creador de aclamados títulos como Grim Fandango, Brütal Legend y Psychonauts. Schafer estipula que a los grandes distribuidores de la industria ya no les interesan los juegos de aventura y que, de alguna forma, son “un arte perdido”; sin embargo, todavía hay mucha gente que pagaría por uno. Y allí es donde entró la plataforma de Kickstarter; gracias a ella se logró juntar poco más de un millón de dólares en sólo 24 horas, cuando la meta eran 400 mil. Las recompensas para los que aportaron dinero al proyecto incluyeron ediciones especiales autografiadas del juego y una cena con Tim Schafer y Rob Gilbert —este último, otra leyenda en el diseño de videojuegos. El caso más exitoso, hasta ahora, ha sido Elevation Dock: The Best Dock For iPhone, un rediseño total del dock original del iPhone, con acabado en aluminio, que teniendo una meta de 75 mil dólares, ha logrado juntar más de 1.4 millones. Cada vez vemos con más fuerza cómo, gracias a la libertad de información masiva que nos brinda Internet, el poder de decisión sobre la manera en que se moldea nuestro entorno y su economía se vuelca sobre lo que la gente quiere en el momento preciso en que lo desea, y no sólo lo que unos cuantos pretenden que la gente quiera. La clave, como siempre, es que el contenido del mensaje sea digno de compartir.

›› Alejandro Escobedo es Ingeniero en Sistemas y TI especializado en desarrollo web, gamer y geek de tiempo completo en WARP.

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fashion nugget WARP TV

I’m not here — The Wookies

Coordinación de moda: Chëla Olea / Fotografía: Fernando Velasco para Luciérnaga / Ilustración: Elisa Ayala para Luciérnaga Izquierda

Derecha

Camisa y pantalón Ben Sherman

Camisa Ben Sherman

Zapatos Hugo Boss

Jeans Levi’s Zapatos BOND

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fashion nugget WARP TV

Izquierda

Derecha

Suéter y camisa Ben Sherman

Camisa Ben Sherman

Pantalón Ben Sherman

Jeans Levi’s

Reloj Vintage

Zapatos UNMARKED

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art brut WARP TV

This is what I sound like Akif Hakan Por: Chëla Olea

stambul es el sitio donde la historia visual de este artista comenzó. Akif Hakan, es una de las promesas visuales más innovadoras y desafiantes que hay en la actualidad. Viajando constantemente entre Miami, Hong Kong y algún otro destino peculiar, podemos verlo “viajar” (igual que en su vida real) de un estilo a otro en el mundo de la fotografía, ya sea haciendo moda, arte o comercial, seguro ahí radica lo que hace de sus obra un desafío visual y técnico, con un toque de frescura e ingenuidad. Graduado de la Universidad de Kentucky (B.S. Marketing) y en The Art Institute Of Ft. Lauderdale donde se enfocó mas a producción; se considera así mismo un Media Maker y ha trabajado en varios programas de TV (USA Broadcasting, NBC, CBS y Comcast) como vídeo fotógrafo director y editor. Además, no sólo produce su propio show de TV para “Public Access”, también fundó el South Florida Independent Film Group para ayudar a promover filmes de origen independiente y dar nuevas

oportunidades para directores locales. Es en los últimos años, cuando se ha involucrado más en la fotografía usando diferentes estilos de trabajo dejando muy establecido el dominio que tiene con la naturalidad y sutileza de las condiciones humanas. La estética de sus imágenes mezcla la pureza de una atmosfera intima con colores brillantes y provocadores a la pupila y los sentidos. Su obra suele ser generalizada y descrita como “desnudos con musas japonesa”, pero Akif comenta que esa composición trata y parte de la complicidad de un momento simplemente sutil y único con un cuerpo femenino como elemento orgánico de la misma. En cuanto al resto de su obra fotográfica, podemos percibir que es amante de las cosas cotidianas pero con un sublime toque estilizado, y es su experiencia como productor hace que controle cada uno de los elementos como vestuario, maquillaje y al final el resultado sea una historia con una explosión macro cromática.

›› Chëla Olea es editora de arte y moda de WARP MAGAZINE, curadora de la sección Art Brut de WARPtv y make up artist.

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art brut WARP TV

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warp.la l @laGUARP

KINKY THE PRODUCTION ISSUE

GUARP

WARP MAGAZINE talked in exclusive with Gil Cerezo, Ulises Lozano, Carlos Cháirez, Omar Góngora y César Pliego: KINKY. They are the main characters of this amazing Production, Mixing and Music Story.

Kinky

Sueño De La Máquina had an amazing reception from the press and your fans. Do you think KINKY consolidated its path with this album? Gil Cerezo: Since we finished the album we felt confident. In previous albums we felt unsecure sometimes. Not knowing if you did it right or wrong. We invested the needed time on this one, so it is perfectly detailed until the last minute. We knew it was going to be a very good album. Also, we have to add all that is around it, like the great collaborations, a good video and image itself. All that gave us the security to debut it. So, I believe consolidation comes through the years, while building something new and you still love it.

Total Control

By: Diovanny Garfias Translator: Marla Guedimin Photo: Sergio Gálvez and Rubén Márquez

If we were going to evaluate the Music Production in Mexico and Latin America, surely we would find differences with respect to other countries like the U.S. or even England, but in the end, the result was going to be encouraging for us, the ones living on this part of the globe. Our health-condition in Music Production has improved dramatically over the past 10 years; mainly, thanks to the easy access to the technology that in the past years was only available for major studios affiliated with multinational record companies. This doesn’t mean that a powerful computer with the right software and a giant Ableton Live library can do all the work and masterpieces are just born from nothing. But the easy ways of accessing these tools, awaken the creativity of many. On the other hand, those who have always been behind the console, have the opportunity to carry around gadgets that allow them to record a musical idea (which could become gold) almost at the same moment when they thought about it, and work on it while traveling back and forth from country to country and to produce a demo of what can even end up being something really big. When musical geniality and technology converge at the same point towards creation and production of something unique, that’s the greatness about the actual moment we are living. Here’s where we find KINKY, the band from Monterrey [Mexico} which launched Sueño De La Máquina (The Machine’s Dream) on 2011. This album managed to position itself among the best of the year, including WARP MAGAZINE’s top list, but the specialized media flattered it for its complex and sharpie production and although almost it all came from the band experimentation at their own studio, this plate is signed by John King, better known as King Gizmo, who along with Michael Simpson (EZ Mike), are Dust Brothers, the California-based production duo and whose discography include albums like Beck’s Odelay or the score for the film Fight Club, by David Fincher. 076

Listening to Sueño De La Máquina we get KINKY is behind it, but with an electronic twist different from what we are used to when it comes to KINKY, this is more experimental. What’s behind this album creative and production-wise? Ulises Lozano: Yes, we experimented a lot with the electronic part of it. We used beats from machines from 1970, and the newest software as well. From keyboards to synths, which is the base of the band, our main characteristic. In the studio at Los Angeles, we have a very interesting collection of vintage machines and we used them to start creating the demos of the songs. But when we went to Jonhn King’s studio –the producer for the album- we got another perspective since he has a very big collection as well. We could create weird sounds, new sounds like on ‘Tripolar’, the most energetic song of the album. We used several instruments and we were able to create a lot of atmospheres and sounds. We took all the time we needed so the album was full of electronic sounds, with a very organic energy as well. Gil Cerezo: We joined old school analog synths, of bulbs, which usually don’t get along with new technologies with everything inside a computer. But we have to take risks, to explore every possibility. Having all these resources, was it complicated not to over-produce? Carlos Chairez: These days, we could consider computers are the new guitars. For this album we didn’t want only the computers, because sometimes you like something but the next day you wanna keep searching for more. When it comes time to polish a song, you obviously remember what stood up until the point when it is ready. Have you had any “accidents” on any of your albums? Is any of your songs or parts of them an accident? UL: There are some of them. We like “accidents”, we like when things happen very spontaneously. For example, Gil brought a record once, from a Chilean gymnastics or aerobics professor, and that’s how we created ‘Ejercicio #16’. Another example is ‘Cornman’: it emerged when we approached this guy on the street and he was selling corns and he was singing Pedro Infante songs, so we recorded him. We thought it would be interesting to record a song with the accordion and some folklore from Monterrey.

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Ask Amanda By: Amanda Palmer / @amandapalmer

What’s your opinion about these musicians that do campaign for a particular candidate when the presidential elections in America are getting closer?, personally, I think that the work of the musicians would be encourage the vote, not to make you pick a side. Carolina Rodríguez Yes, this stuff is complicated. I do think that musicians and artists can usually be more effective by waving a general flag of action, not getting on a soapbox about a particular cause. That being said, there’s a long history in America of artists taking very specific stands on issues: nobody in the 60s was saying “maybe you should give some personal time to thinking about whether the war in Vietnam is a good idea or not”, people were writing songs and singing songs saying “STOP THIS WAR, OUR FRIENDS ARE DYING”. So there’s a time and a place, I think. I’ve always felt that our job as artists is to empower people to think, and to feel more deeply… not to tell them what to do and how to feel. I had the opportunity of be at your Ninja Gig here in México and the chemistry between you and Brian was something spectacular, even when you guys weren’t at the stage seems like you two were connected. I can’t imagine what happens when you and Brian are separated, working in different projects, do you really miss him, or you just got use to be separated? Luís Galván I often miss him. Brian and I as The Dresden Dolls had, and have, a really special stage chemistry and music chemistry that’s hard to explain. It’s like we have a psychic connection and we’re just built the same way. But that’s on stage. Dealing with a person as a human being on the road day after day is a different issue, and we got very burned on each other. So when we do get together, we try to create very special, concrete time where we can enjoy each other and not get sick of each other. I like to think of The Dresden Dolls as a very rich cholocate cake. Orgasmic when the timing is right, but you can’t eat it all day long, You’d throw up. Here in México we’re not familiar (yet) with the gay adoptions, but in America seems like every day becomes a very commun

situation. Do you think that LGBT parenting propitiate a good environment to grow up for a child? Anonymous_67 I think any environment where a child grows up being loved, listened to, and taken care of is a good environment. It doesn’t matter if the parent(s) are old, young, rich, poor, gay, single, threesome’d, deaf, blind, or illiterate. Love for a child doesn’t work inside boundaries like that. Maybe you don’t know it, but here in México there are many deaths every year because the war against the narco, do you think that the answer to stop this situation is to legalize the drugs? Elena M. Ruiz I’d be ridiculous to say that I have an informed opinion about that - the situation is far to complicated. I’m generally in favor of legalizing and controlling relatively safe drugs that people are doing anyway. I spent time when I was younger working on campaigning for the legalization of marijuana in the states. And it looks like that work is slowly coming to fruition. Mostly I hate the idea of drug culture being dirty and crime-ridden and corrupt. Drugs are like anything, a tool. They can be used and abused for positive and negative reasons - and governments HATE SUBTLETY. Why do you decided to play ukulele at your Ninja Gigs, is there a personal history behind this instrument or you just feel confortable playing it? Rodrigo Figueroa I do have a history with it… as you probably know I’m a piano player. I picked up the ukulele as a joke about 3 years ago to play one song at a show and I got really addicted to it. It’s my punk rock instrument. I can only play a few chords and I don’t even know what those chords ARE. That is the essence of punk. Pick up an instrument and PLAY. Fuck being good. Just be LOUD and HAVE FUCKING FUN. You can read “Ask Amanda” in its entire visiting: warp.la/ askamanda, you can also submit questions to magazine@warp.com.mx. 077

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generic music, but I do like to do that from time to time, just to prove to myself that I can. What would you say is your most significant work as a producer or engineer of your whole career? Well obviously it has to be DarkDriveClinic’s Noise In My Head as it is the most personal thing I have ever done. Why all the other albums/music I’ve worked on are for someone else and this album has been very very personal. Don’t get me wrong here, I always put in 110 percent of myself while working on other peoples records, they are all very personal while I’m working on them, but normally when my part of the job is finished it is totally out of my hands to what happens with the records - you’re only a bit part player in those and DarkDriveClinic is mine to see till then end.

John Fryer (DarkDriveClinic) Still contagious

By: Michelle Apple

John Fryer, the genius producer behind the sound of artist such as Depeche Mode, Fad Gadget, Clan Of Xymox, Cocteau Twins, Peter Murphy, Nine Inch Nails, Rob Zombie, HIM y Cradle Of Filth speaks exclusively for WARP MAGAZINE abour his new musical advenure, DarkDriveClinic.

Talking about This Mortal Coil, tell us, what is the status of the project, would you say that is there a possibility of work again with Ivo Watts-Russell? Well, I never say never about working with Ivo again but there will never be another This Mortal Coil record again as far as I’m concerned, apart from the re-issues of course. This Mortal Coil is of its time, you could never repeat it or make anything like it again. It is unique.

Your work helped to develop genres such as post punk, industrial rock and ethereal wave, among others, so when you were working with Fad Gadget and these other bands, do you feel that your work would become so significant through the years? It’s a hard question to answer. I think I was just in the right time, right place and right head space to make this happen, I took to making music like a duck takes to water, it came very naturally to me. I started in the studio at a time when the rise of the indie labels happened, we (the studio) were working with some of the biggest indie labels, well in London anyway. They had A&R people and owners who loved music and they signed some great bands and let them develop, so it was great to work with these bands and help develop them, some fell by the way side and others went on to become leaders in their genres. I’ve always enjoyed working with new bands and pushing the boundaries with their new sounds.

Last year you released the album debut from your new project DarkDriveClinic, what can you tell us about it, personally I think, Noise In My Head is one of the most brilliant industrial rock albums of the past years. Personally I think you are correct, Noise In My Head is one of the most brilliant sugar coated noise pop industrial rock albums of the past years. It been a long time coming this album, its been on the back burner for so long its ridiculous. I started writing songs back in the mid 80’s, after the 1st TMC album but I’ve always been to busy to finish anything and finding a singer has not been easy, thank (who ever the vocal god is) for Rebecca, she has made the wait all worth while. She has been the icing on the cake, it wouldn’t be the same record without her. As time has gone on I have re-visited the songs so many times, updating them as time has past and musical styles changed, but I got the music and arrangements to where I wanted them to be last year, found RC and the rest is history... well we are still making the history, but you know what I mean. We are going to play some shows this year and the second album is under way too. I hope you will like the new one just as much or even more than the first.

As a producer, what are you looking for to get involved in a project? I like bands and music that gives me a feeling, moves me in some way, something with a twist. Not so much your normal 078

How much of the production and mixing has evolved since the days you work in Fad Gadget’s Fireside Favorites? Wow!, so much has changed you would not believe. In the day of working on Fireside Favorites back at the beginning of 80’s, there were no computers in the studio and you didn’t really have them in the home or office yet. It was all analogue tape machines and synthesizers, not even midi had been invented yet, but now it’s all made on and in computers, completely different worlds. Back then you really had to work at making sounds and getting them in time as it was nearly all hand play by humans. Now your only limitation is your imagination, because you can do everything and more with the help of a computer.

GUARP

Production, what difference does it make? By: Paul Stokes / @Stokesie

Producers are getting a bit of a raw deal these days it feels, because everyone thinks they are one. Thanks to some cheap computer programs and bits of kit, what was once a mystic dark art only performed in expensive studios, is now going on in bedrooms. Not that this is bad thing. I’ve just got hold of a copy of British band’s Zulu Winter’s debut album, Language, and its mix of warming pop and artrock was largely produced by the band themselves, I’d seriously recommend it when it comes out later this year. However for my nomination for this issue devoted to production, I wanted to pick something that is a reminder of why now everyone has the tools, truly good production is an art up there with writing songs and singing in stadiums. Names like Joe Meek, the eccentric 60s British producer who recorded in a bath, and LCD’s James Murphy sprung to mind as great production artists but then I was struck by a recent moment of new production that I think demonstrates how a good producer really makes a difference. Hopefully you’ve heard The Smiths’ eponymous debut, but you might not have heard Johnny Marr’s recent re-mastered edition, released late last year. Obviously there is no denying the songwriting class of Morrissey and Marr’s early compositions. ‘Real Around The Fountain’, ‘This Charming Man’, ‘Still Ill’, ‘Hand In Glove’, most bands would kill to write those across a career, let alone a single album, but I’ve always felt there was something missing from The Smiths. Unlike its successors it doesn’t seem to have that other worldliness that takes the listener straight out of the everyday and into Moz’s sepia-tinged, kitchen sink dramas. The drums seem slightly flat, Marr’s guitar is not at its shimmering best… The album just seems to sit below the high standards The Smiths’ set for themselves, but then it is their debut and even a band as unique this lot

had to start somewhere right? The Smiths is the sound of a band learning their trade… At least that’s what I believed until I heard Johnny Marr’s new remix of the album. Now, thanks to some adept skills on faders and compressors, rather than strings and frets, the band’s debut has received its boarding card to The Smiths universe. To put it simply, thanks to whatever EQ tweaks and other tricks Marr and his engineer used, the shackles of the previous plodding production are off and The Smiths is alive! Boasting a lightness of touch, the album swoons and soars in the way its creators originally envisioned. It may have taken nearly 30 years, but this is the introduction to Morrissey & Marr’s universe you imagine the pair dared to hope they first forged their alliance. So that’s the production moment I’d like to suggest you to hear (the other albums remixed by Marr are good too, though in fairness to the originals they were pretty ace to start with). Marr might not be a sonic innovator in the mould of the other names I mentioned (though to be fair he’s a decent producer in his own right) and The Smiths is not a record that will ever rank alongside the productions greats like Pet Sounds or Collected Ambient Works, albums which genuinely transformed how we record sound, but its recent evolution shows why production and sound design is not just important, it’s an art. With vision, heart and an understanding of each song and its needs, a skilled producer can take the ordinary, something you may even have heard before, and turn it into a inspiring voyage into the unknown. 079

encore

Dale Earnhardt Jr. Jr. SXSW 2012 Pic by Sergio Gรกlvez for WARP

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