WARP Magazine 48: Summer Edition by WARP MAGAZINE

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editorial

Elecciones 2012: Un vistazo hacia atrás Por: Enrique Ortega / Director Editorial de @CosmoCiudadano

ener un panorama claro sobre lo ocurrido del 29 de marzo al 27 de junio, periodo donde la agenda pública fue estelarizada por 4 candidatos presidenciales, debe ser un aprendizaje para todos los mexicanos. En el Comité de Observación Social en Medios Digitales (CosmoCiudadano) nos dedicamos a analizar los fenómenos que ocurren en redes sociales. Los 18 expertos que colaboramos en él, reflexionamos diariamente sobre lo que ocurrió en el proceso electoral, y aunque el movimiento no concluye con ello, sí nos enorgullece haber sido partícipes de las primeras elecciones mexicanas que pudieron vivirse a través de Internet. Hagamos un recuento.

La campaña Una realidad innegable es que a los equipos de campaña les cayeron por sorpresa las redes sociales digitales. Si bien el de Enrique Peña Nieto fue el más previsor en estos terrenos, también dio muestras de no estar lo suficientemente preparado ante un medio tan democrático, más aún cuando hablamos de la guerra sucia que, sin duda, tuvo un privilegiado lugar. El primer caso detectado y sospechoso fue el de la fotografía de un supuesto cartel de parabús que decía: “Frente a la ineptitud de lidiar con el narco –con tipografía azul y fondo blanco-, la experiencia de negociar con ellos –con fondo rojo y tipografía blanca-“. La imagen venía firmada por el PRI. El pensamiento inmediato del que veía esta fotografía era la sorpresa de que el partido tricolor anunciara que pactaría con el narco, algo que no es socialmente aceptado. Entonces... ¿quién se beneficia con un cartel así? El segundo momento a destacar fue cuando López Obrador anuncia a sus posibles miembros de gabinete en caso de llegar al poder. Los nombres dieron mucho de qué hablar: Ebrard, de la Fuente, Ramírez de la O, Poniatowska, entre muchos otros. Nunca antes en la historia reciente del país se había visto que un candidato usara este recurso como estrategia, que mantuvo hasta el final. No olvidemos tampoco la desafortunada declaración de Josefina Vázquez Mota cuando fue al ITAM: “...como nadie es perfecto, me fui a estudiar economía a la Ibero”. Lo natural habría sido que el público riera en complicidad, pero no ocurrió 004

así. A la candidata la acusaron de insultar a su alma mater y con justa razón. Este problema, aunado a las fotografías que documentaban que la asistencia a su arranque de campaña fue muy baja, hablaba de una situación que ponía en la cuerda floja la estrategia. Por si fuera poco, se descubrió que en la agenda de trabajo de la candidata, alguien había tenido el desafortunado tino de poner una Z donde debía ir una X. Me refiero a la palabra “Tlaxcala”, donde si ustedes ven el teclado de su computadora, ambas letras están juntas. El error, más que ortográfico, fue de dedo, pero con los ojos de todo el país puestos en cualquier detalle, esto se convirtió en trending topic el 9 de abril. Los dominios de Internet fueron otro punto de aprendizaje, pues al equipo de Vázquez Mota se le olvidó que, por seguridad, era bueno comprar todo dominio web que tuviera su nombre. De este modo, hubo un momento donde si el público introducía www.josefina.com.mx, era redireccionado a una página... ¡del PRI! Esto porque la página oficial de la candidata no era con .com.mx sino solamente .mx, pero la competencia aprovecha cualquier error del adversario, como si se tratara de una guerra. ¿Qué decir, además, de #YoSoy132? Todo se desprendió de una visita, como cualquier otra, del candidato del PRI a la Ibero, pero no salió como lo esperado. Fue verdad que alumnos matriculados lo increparon. Fue verdad que el movimiento se fue haciendo más grande. Fue verdad que su hashtag fue trending topic en Twitter durante más de 5 días. Pero Manuel Cossío, un miembro harto (o al menos esa fue la versión oficial) decidió subir a yosoy132.mx un audio donde Saúl Alvídrez, estudiante y miembro del movimiento, declara abiertamente que el mismo López Obrador está coludido con la organización. Alvídrez dijo luego que la grabación estaba editada. Sea como sea, esto fue el inicio del fin de un movimiento que, no nos queda duda, fue estelar. Aprendizaje es la palabra clave que debemos rescatar de los pasados 90 días. Si bien, las redes sociales digitales no han sido decisivas en la intención de voto mayoritario en 2012, seguramente lo serán en 2018. ¿Qué tan evolucionados estarán los candidatos y sus equipos de campaña para entonces? Y nosotros los mexicanos... ¿estamos listos?

silencio por favor

Bloc Party Por: Yázmin Rubio / Fotos: Cortesía BP

“Siento que este álbum suena diferente a cualquier otro del planeta… Ahora podemos hacer

ras una serie de rumores de separación y cuatro años sin lanzar disco, Kele Okereke y compañía están de vuelta. El cuarteto procedente de Londres prepara su nuevo material, titulado Four, justamente el cuarto álbum en la carrera de Russell Lissacken, Matt Tong, Gordon Moakes y el mencionado Okereke. La producción corre a cargo de Alex Newport (The Mars Volta, At The Drive-In) y fue mezclado en Nueva York, cuenta con 12 temas, de los cuales ya pudimos escuchar ‘Team A’ y ‘3X3’, así como el sencillo ‘Octopus’. Four estará disponible a partir del próximo 21 de agosto.

cualquier cosa y la gente vendrá a vernos de todas maneras. Estoy emocionado con la idea de hacer rock otra vez” -Kele Okereke

006

the main review REVIEWS

The Idler Wheel... Fiona Apple / Epic / 2012

9.3

Calificación

iona Apple no es una artista autocomplaciente: desde que presentó al mundo Tidal, su debut de 1996, demostró ser una virtuosa que siempre busca ir más allá de los singles comerciales y las melodías pegajosas. Por si lo anterior no quedaba claro, la neoyorquina dio otra muestra de su talento ilimitado y personalidad inconforme con When The Pawn…, de 1999: un disco repleto de himnos ásperos, seductores. Entonces, cuando parecía que la carrera de Fiona había dado un giro drástico —dejando de lado el sonido alternativo de mediados de los años noventa—, pudimos escuchar Extraodinary Machine (2005) y fue en ese momento que, quienes habíamos seguido su carrera, entendimos que aún había mucho por escribirse en su historia. Extraodinary Machine fue una pieza sonora tan compleja como su proceso de grabación —recordemos que el disco contó con dos equipos de producción— y, aunque el resultado final fue algo alejado a éxitos marcados de la cantante, como ‘Criminal’ o ‘Fast As You Can’, en general la placa resultó un acierto; un trabajo ecléctico que sacó a Apple de sus pocos convencionalismos, dando pie a nuevas poesías sonoras, algunas de las cuales inspiraron su nuevo esfuerzo musical, el primero de esta década.

008

The Idler Wheel Is Wiser Than The Driver Of The Screw And Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do es una victoria más en la carrera de la artista: un álbum plagado de jazz, soul, waltz y algo de pop. El sonido es especial e impredecible, y el piano de Apple nunca fue más energético y dinámico; las percusiones, por su parte, juegan un papel fundamental, bombeando vida en los momentos indicados; así, la voz de Fiona es un deleite con aires de timidez en ‘Every Single Day’ y ‘Valentine’, y llega a explotar de forma angustiante, liberadora, en temas como ‘Left Alone’ o ‘Regret’. The Idler Wheel… es sin duda la recompensa para cualquiera que haya esperado siete años por la nueva música de Fiona Apple, pero también para aquellos melómanos ávidos de sonoridades que transgredan el espectro sonoro que habitualmente rodea el mainstream. Esta placa está destinada a convertirse en una de las mejores del año; y con justa razón, pues es un trabajo tan contundente y desafiante, que debe ser difundido y, sobre todo, permanecer en la memoria colectiva.

-Diovanny Garfias

REVIEWS

8.0

6.0

Calificación

The Industrialist

Oceania

Fear Factory / Candelight Records / 2012

The Smashing Pumpkins / Martha’s Music/Rocket Science / 2012

¿Dónde hay más metal que en una industria? Los sonidos de las ollas que se despresurizan, de los engranes embonando y el vapor quemante expulsado por las chimeneas. ¿Dónde hay más caos, si no en el universo mismo? El sonido del espacio sintetizado en ambientaciones surgidas de algún hoyo negro, de estrellas que explotan, como la voz rabiosa que escupe todo aquello que no ha dicho antes. Eso es The Industrialist: una gran fábrica de sonidos que colisionan hasta convertirse en música, en metal industrial y death melódico. Sin embargo, éste va más allá de la mera etiqueta, de la primera impresión, todo gracias a una producción que permite distinguir hasta la última respiración y a composiciones brutales, más cercanas al proyecto Divine Heresy de Dino Cazares, y más alejadas —aunque no tanto— de Archetype (2004), también de Fear Factory. -Samuel Segura

Esta placa llegó sólo para demostrar una cosa: The Smashing Pumkins se convirtió en un proyecto que se mantiene vigente gracias al nombre que carga sobre sus hombros. Oceania es un disco de 13 tracks meramente autocomplaciente, mediano, con poca esencia de lo que era la agrupación. Cuesta trabajo creer que forma parte de la discografía de la banda encabezada por Billy Corgan. ¿La producción es impecable? Sí, claro. ¿La portada está a la altura? Sí, un poco. ¿Hay guitarrazos? Uno que otro, como en ‘The Chimera’. ¿Tiene momentos realmente interesantes? Sí, contados, como ‘The Celestials’, ‘My Love Is Winter’ y ‘Oceania’. De ahí en fuera, no hay nada. Un disco que pasará sin pena ni gloria, cumplidor para los fans, pero totalmente prescindible para cualquier melómano más o menos exigente. -Leonel Hernández

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9.0

Calificación

In Our Heads

Hot Chip / Domino Records / 2012

Pasaron cuatro años para que Hot Chip volviera a sorprendernos, desde el gran Made In The Dark (2008) y el In Our Heads, que compila sus raíces. Antes, sin embargo, tuvimos que aburrirnos con One Life Stand (2010) que, aunque debe tener su público, jamás estará a la altura de los mencionados. Pero In Our Heads es ecléctico, pues mantiene su línea; es bailable y, a la vez, tiene pausas que tranquilizan, como sucede en ‘Look At Where We Are’ y ‘Let Me Be Him’. Y aunque retoma el pasado, jamás se pierde del futuro: ‘Motion Sickness’ nos enfrenta al sonido de la banda de inmediato y va estirando las piernas al ritmo de los metales, para pasar a ‘How Do You Do’, con sus limpias secuencias acompañadas de percusiones que hacen retumbar las bocinas. ‘Night And Day’ y ‘Don’t Deny Your Heart’ son los momentos a destacar; la primera es el equivalente a ‘Bendable Poseable’, plagada de sonidos electrónicos y ánimo fiestero, mientras que en la segunda, la voz de Alexis Taylor lleva la batuta, transformando la canción en cada frase. Y es que se toman su tiempo para llevar todo al límite; para muestra, los siete minutos de ‘Flutes’. Definitivamente este es un álbum que entrará en la lista de lo mejor del año y se agradece que hayan dejado su afán por hacer electropop pegajoso, para enfocarse en algo totalmente electrónico, donde la variedad siempre tiene cabida. -Elsa Núñez Cebada

010

REVIEWS

Red Night

The Hundred In The Hands Warp Records / 2012

NO DISPONIBLE

8.0

Calificación

8.0

7.0

Calificación

012

Tu cabeza no deja de dar vueltas. Es de noche; el faro de aquel poste te alumbra. Su luz amarilla baila al ritmo de esa música. Tampoco sabes por qué permaneces hipnotizado por la voz de esa mujer. No, sí sabes: es como si te hablara al oído. Te consuela. No es Björk, pero parece. Alcanzas a recordar lo que tu amiga te dijo en algún momento de la fiesta: “son una pareja y su trip está muy loco: escucha”. Le hiciste caso y desde entonces no dejaste de oír ese beat que invade cada una de tus conexiones neuronales, con pequeñas señales eléctricas. “Electrónicas”, piensas. Te incita a bailar o a quedarte escuchando. Te estremeces antes de ensimismarte, de dejarte llevar por su música. “Escucha. Lento”. El faro que está encima de ti ha cambiado su luz. El tono ha pasado del naranja al rojo. “La noche —piensas— se ve mejor de ese color”. -SS

7.0

Calificación

Magnetismo Colectivo

Express Yourself

Language

Le Baron / MUN Records / 2012

Diplo / Mad Decent / 2012

Zulu Winter / Arts & Crafts México / 2012

Uno de los discos más esperados de este 2012 llega de la mano del productor Phil Vinall (Zornik, Placebo, Zoé); se trata de Magnetismo Colectivo, de Le Baron. Es un disco interesante, donde la banda deja atrás ese bosquejo de rock de entregas anteriores, para fabricar una placa más compleja. Se agradece que grupos mexicanos se arriesguen de esta manera, aunque implique ser comparados con otros connacionales, incluidos los “protegidos” del mismo Vinall. Y hay que decirlo: aunque el sonido es el más lógico de su evolución musical, estamos frente a un disco variado y completo. Hay que prestarle atención a los sintetizadores y los bajos que, en esta ocasión, adquieren mayor protagonismo y notoriedad. Tracks obligados: ‘Por La Oscuridad’, ‘Magnetismo Compulsivo’, ‘Suspensión’ y ‘Low’. -LH

Thomas Wesley Pentz, mejor conocido como Diplo, es sin duda uno de los máximos representantes de la música electrónica en la actualidad. El DJ y productor estadounidense lo deja claro en su nuevo EP, Express Yourself, compuesto por seis tracks, en el que se enfoca más al bounce —una variante del hip hop originario de Nueva Orleans—, aunque sin dejar de lado su característico sonido electro house. Diplo contó con la colaboración del rapero Nicky Da B, en el tema que da nombre al disco, donde deja ver su calidad como programador de secuencias vocales y bases rítmicas. La mezcla, sumada a la masterización, es impecable. Sin embargo, todo el trabajo por momentos se ve opacado por el uso continuo de la vieja y predecible fórmula de líneas que abusan del pitch bend, referente de la escena bailable de Estados Unidos. En general, la placa es un buen intento que, sin embargo, se queda en eso. -Giorgio Brindesi

Zulu Winter no arriesga demasiado en su debut. Es una especie de brit pop reversionado, que comienza tranquilo con secuencias aisladas en ‘Key To My Heart’, aunque se volverá más ágil al ritmo de la retadora ‘We Should Be Swimming’. En ‘Bitter Moon’ se ensucian un poco con el sonido de la guitarra, mientras que la batería y la voz se conjugan, llevándonos a una atmósfera oscura, plagada de nostalgia, para seguir bajando el ritmo con la reflexiva ‘Small Pieces’. Y no hay un halo de felicidad o de esperanza de que el álbum cambie su rumbo. A mi juicio, ‘You Deserve Better’ debe ser la canción en la que logran reunir todos los elementos de la propuesta, con una voz solitaria que terminará acompañada por los instrumentos en el coro. Un proyecto poco novedoso, del que no sé si sea necesario estar al tanto. -ENC

hot hot hit

The Staves

Por: Yázmin Rubio / Foto: Rebecca Miller

Emily, Jessica y Camilla conjugan una fórmula infalible: belleza más talento musical. Estas tres hermanas provenientes de Watford, Inglaterra, han enamorado a muchos adeptos del folk gracias a la tesitura y armonía de sus voces, conjugándolas con su poesía lírica. El trío inglés ha colaborado con grandes exponentes del género, tales como Tom Jones y Fionn Regan. Curiosamente uno de sus singles se titula ‘México’, como muestra del cariño que le tienen a nuestro país. En sus propias palabras, sus influencias son robadas “de cualquier lado”, aunque sólo es tomado en cuenta lo que realmente se conecta con sus almas. Su nuevo EP The Motherlode está disponible a través de su sitio oficial (thestaves.com). 014

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The Killers

EXCLUSIVA PARA WARP

The battle has just started Texto y foto: Paco Sierra

as Vegas: tan glamorosa como París, tan cosmopolita como Nueva York, tan sentimental como Venecia. Es el punto más luminoso del planeta Tierra visto desde el espacio, la casa de Frank Sinatra y de Elvis Presley, y aun con tantas referencias en la música, el cine y la cultura popular, tras sus luces mantiene un aire de misterio, como de pueblo fantasma: secretos que han alimentado la creatividad de Brandon Flowers, Dave Keuning, Ronnie Vannucci Jr. y Mark Stoermer desde hace 10 años. Ahí, en la cuna de The Killers, en la intimidad de los Battle Born Studio —motivo del nombre de su nuevo álbum—, escuchamos las primeras canciones terminadas de Battle Born, material que verá la luz en uno meses. WARP MAGAZINE platicó en exclusiva con Brandon y Dave sobre el regreso de la banda, con su cuarto álbum de estudio: uno de los regresos más esperados por seguidores y detractores. Y aunque las ventas, las giras y demás estadísticas colocan a The Killers como una banda “consolidada”, confiesan que la batalla apenas comienza… 016

¿Cómo se sienten de grabar canciones nuevas? Brandon: Es un espíritu similar al de cuando empezamos; simplemente regresamos a la configuración en la que normalmente trabajamos y partimos de ahí. Después de escuchar las canciones nuevas, no se puede evitar recordar los primeros álbumes de The Killers. ¿Hablaron de sus trabajos previos cuando comenzaron a grabar Battle Born? B: Hablamos de ellos y de encontrar nuestras fortalezas, las cosas que amamos; hablamos de lo que hemos hecho y de lo orgullosos que estamos de nuestro pasado. Así que esperamos incorporar todo eso a nuestro nuevo álbum. Y es que no se trata de tomar “ese camino” o “aquel camino”, sino de hacer aquello en lo que somos buenos. ¿Qué tanto les entusiasma tocar estas canciones en vivo? Dave: Estamos muy emocionados, porque no hemos tocado mucho en vivo en los últimos dos años; así que será divertido tocar estas canciones ante el público. Y no es sólo por tocar estas canciones por primera vez, sino también

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los otros tres productores son Daniel Lanois, Stuart Price y Brendan O’Brien. Con cada uno de ellos trabajamos algunas canciones, de las cuales quedarán una o dos. Tienen un sonido que han construido a través de todos estos años pero, ¿aceptarían a un productor que les pidiera cambiar algo de su esencia? B: No lo creo; somos lo que somos y nunca hemos tratado de cambiarnos. Comienzas a ver bandas que tratan de adaptarse a lo que es “popular” y, si eso no es lo que realmente quieren, los vuelve infelices. D: Siempre debes ser tú mismo. ¿Qué es lo que hace feliz a The Killers? D: Tener canciones que la gente escogió para gustarles; canciones del Hot Fuss, del Sam’s Town… Nos encanta que a la gente le gusten las canciones que escribimos. Y hasta ahora todo va bien. ¿Quieren seguir con el ritmo de tocar casi todas las noches o prefieren algo más pausado? D: Nuestra agenda dice que lo queremos hacer de nuevo [risas]. B: Estamos rejuvenecidos: las baterías están cargadas. ¿Qué disfrutan más de estar sobre el escenario? B: Hemos tenido buenas multitudes y las disfrutamos todas. D: Así es: me encanta la parte en vivo.

por tener diferentes setlists; así que será divertido para nosotros y esperemos que también lo sea para la gente. Las bandas siempre tienen la opción de apresurarse a producir nueva música o de tomarse largos descansos. Ustedes han vivido ambos lados de la moneda. ¿Qué llevó a The Killers a ausentarse cuatro años de los estudios de grabación? D: A mí me hacía falta, sin duda, un año sabático. Nos tomamos nuestro tiempo y, probablemente hace un año, comenzamos a trabajar en esto; y el disco ya casi está listo. Parece que esta ausencia de cuatro años pasó muy rápido: apenas en 2009 lanzamos Live From The Royal Albert Hall. En cuanto a la música, se notan algunos instrumentos que no estaban en el Day & Age. ¿Cómo escogieron introducir estos elementos? D: No estamos en contra de ser una banda orgánica pues durante el proceso creativo trabajamos de forma natural con lo que llega. Y sí, probablemente suene más orgánico; quizá sea en parte accidente y en parte aquello que queremos hacer; al final se trata de lo que suene bien. ¿Quién es el productor de Battle Born? B: Fueron cinco [risas]… D: No todos al mismo tiempo, claro, pero tuvimos a Steve Lillywhite y Damian Taylor en la mayoría de las canciones;

Siempre hay un sentimiento de celebración con su música en vivo. ¿Piensan en ello, lírica y musicalmente, cuando están en el estudio? B: Ha sucedido. De pronto decimos: “esta canción será grandiosa en vivo” y discutimos la manera de tener ese impacto. Creo que hablar de eso ha sido algo sano y seguro de nuestra parte; y nos encanta provocarlo: nuestros fans han sido grandiosos y aprecian esos momentos tanto como nosotros. ¿Piensan mucho en sus fans cuando componen música? D: En ocasiones; hay canciones que, cuando llegan, en seguida nos damos cuenta de que sonarán divertidas en vivo. En México siempre los estarán esperando de vuelta para revivir momentos emocionantes. ¿Está en sus planes visitarnos? B: Hemos vivido grandes experiencias allá y por supuesto que buscaremos regresar muy pronto. The Killers es una banda que ha pisado prácticamente cualquier escenario: estadios, festivales y pequeños lugares. Con mucho trabajo duro han logrado lo que cualquier músico busca… ¿Qué los mantiene motivados? D: Mientras la gente demande nuestra música, lo seguiremos haciendo, y aun cuando deje de comprarla, seguiremos componiendo juntos o en lo individual. B: Siempre quieres mejorar, crecer. ¿Qué significa “crecer”? B: Evolucionar, que todo salga de la mejor manera en todos los sentidos.

›› Paco Sierra es Editor en Jefe de WARP.la, puedes leer su entrevista exclusiva con Keane en WARP #47.

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profile

Mafia Lights

LINKS: soundcloud.com/mafia-lights teethrecords.bandcamp.com/ album/ep

Por: Javier Cuellar / Foto: Cortesía ML / Integrantes: Joel Amey (voz), James Balmont (bajo, guitarras y teclados) y Cameron Knight (guitarra)

a escena inglesa no para de entregarnos más y más bandas de todos los géneros. Y no hablamos sólo de las grandes ciudades, sino de los pequeños pueblos donde se despliegan proyectos interesantes. Es el caso de Mafia Lights, originarios de Guildford; ellos son Joel Amey, James Balmont y Cameron Knight. Con sus bases electropop 018

atmosféricas y ritmos 2-step, tiene sentido que parezca que OMD, Empire Of The Sun y Junior Boys están mezclados perfectamente en su sonido. Dos de sus tracks como ‘Hampton’ y ‘Spiriting’ son una clara muestra de cómo Mafia Lights logra expresar la inspiración que diferentes bandas del pasado les han brindado.

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Bandtastic

Actualmente tenemos más de mil 200 usuarios registrados en el sitio. Puedes ir ahora mismo a bandtastic.me y comenzar a fondear.

Tú descubres a la banda, entre todos la traemos Por: Staff Bandtastic

andtastic es una plataforma de Internet donde muchos fans podrán reunir pequeñas (y no tan pequeñas) cantidades de dinero para traer a México a artistas y bandas que descubrieron y que quisieran ver. El modelo en el que Bandtastic está basado, es conocido como crowdfunding, aunque a nosotros nos gusta llamarle “fanfunding”. Este modelo ha sido probado en todo el mundo; su caso más conocido es Kickstarter, donde se fondean proyectos creativos colectivamente. Nosotros hacemos lo mismo, pero con conciertos, y estamos trabajando muy duro para volverlo un éxito. El sistema es muy sencillo: se determina, para cada concierto, la meta monetaria a juntar, basada en los costos de producción del evento; los fans hacen aportaciones que van desde el costo de la entrada al concierto, hasta experiencias únicas con los artistas. Y si se cumple la meta, simplemente se realiza el concierto. De no llegar a la meta, todos los fans tendrán de vuelta su aportación íntegramente. La meta se calcula antes de anunciar un concierto: Bandtastic habla con la banda en cuestión e investiga cuánto cobran, de donde viajan y si tienen algún otro requerimiento para el concierto. Le hacemos saber al artista cómo funciona Ban020

dtastic y la manera en que el concierto será fondeado por los fans; en nuestra experiencia, la mayoría tiene una respuesta positiva, pues les entusiasma imaginar un concierto donde hay verdaderos fans de su música, fans que hicieron posible que sucediera un concierto. Como principal método de pago, usamos Paypal, el cual permite la devolución del dinero en caso de no llegar a la meta, sin que nadie pague comisiones o cargos por el servicio. Al registrarse en Bandtastic, nuestro sistema genera un código QR con el que podemos identificar al usuario el día del evento, eliminando la necesidad de un boleto físico. Los usuarios pueden enviarnos recomendaciones de bandas, las cuales podrían ser votadas en un futuro cercano. Estamos en un momento de la historia muy emocionante, donde Internet y la gente comienzan a juntarse para hacer que las cosas sucedan. Bandtastic es parte del movimiento, permitiendo a los fans un contacto más directo con los artistas que hacen la música que les gusta y dándoles la oportunidad de ser parte de algo más grande que simplemente comprar la entrada de un concierto. De esta forma, no sólo creemos que el proyecto tiene futuro; creemos que es el futuro.

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Mal’Akh

Néctar de los Dioses

Por: Leonel Hernández / Foto: Cortesía Mal’Akh

Mal’akh, vocablo de origen hebreo, significa “ángel” o “mensajero”, pero también es el nombre del proyecto que el compositor y guitarrista Felipe Pérez-Santiago crea y dirige, al lado del baterista y programador Juan Antonio Arévalo y de la voz de Ana Ragasol. Así, Mal’Akh resulta un lugar ecléctico donde coexisten en armonía la estridencia, la experimentación, lo tradicional, lo contemporáneo, lo oculto y lo popular. WARP MAGAZINE conversó con su director musical y con el encargado de las programaciones de esta interesante propuesta.

las poli-ritmas que se requieren, en las que, por ejemplo, no manejamos 4/4, sino algo mucho más complejo.

¿Cómo nace el concepto Mal’Akh? Felipe Pérez-Santiago: Fundé el primer ensamble en Barcelona, cuando vivía allá; aún no tenía la composición que tiene ahora, pero ya había guitarra eléctrica y pedazos de música electrónica, aunque todavía estaba orientado a la música contemporánea, con elementos como el cello, el corno inglés y el violín. En 2009 regresé a México y fue que la Delegación Coyoacán me encargó la dirección musical del Centenario de la Revolución Mexicana para hacer piezas y corridos de la época, mezclados con música electrónica; fue entonces que invité a Juan Antonio Arévalo, quien me mandó una versión de ‘Canción Mixteca’ como si la hubiera hecho Aphex Twin y me encantó. Ahí fue cuando decidí que eso era lo que quería. Después de dar el concierto, invitamos a Ana Ragasol, una amiga en común y así inicia la historia de Mal’akh.

¿A qué suena Néctar, su nuevo álbum? FPS: Camilo Froideval se encargó de que sonara muy cálido, con cierto gis, como se grababan antes los discos. Usamos amplificadores y micrófonos vintage para darle ese sonido.

¿Cómo surge la música en un ensamble como este? Juan Antonio Arévalo: Felipe ha escrito mucha música contemporánea; cosas para Kronos Quartet. De hecho, Jeffrey Zeigler es muy amigo de Felipe y las composiciones son todas de Felipe. Nuestro método es el siguiente: Felipe me platica la idea y yo me encargo de programar y hacer

FPS: Lo bueno es que toda la música de Mal’akh está escrita; y casi toda la gente con la que trabajamos sabe leer música; por eso, cuando los músicos llegan a grabar, saben exactamente qué hacer. Eso pasó con Jeffrey Zeigler cuando grabó los tracks: le pedí que tocara dos tomas y era increíble que le saliera perfecto a la primera.

JAA: Además tiene participaciones extraordinarias: aparte de Jeffrey (Kronos Quartet), contamos con Alex Otaola en el tema ‘Todo Mal’ y, precisamente, le pedimos que tocara “todo mal”, que jugara con los efectos de su guitarra; y la pieza quedó muy bien. También estuvo Luca Ortega (San Pascualito Rey), que es un gran productor y multiinstrumentista; él fue el único que tocó algo escrito, pues los demás fueron más libres, como el sax, Dan Zlotnik, o las mismas Ely Guerra y Sarah Worden, que metieron su letra y su estilo personal. Algo de subrayar es que nadie cobró un centavo y lo hicieron con mucho gusto. FPS: Así es: estas colaboraciones tienen que ver con el concepto del disco, con lo que es Mal’Akh. Y es que no somos un grupo de rock; somos un ensamble: Mal’Akh es una plataforma, un punto de encuentro entre distintas tradiciones y disciplinas musicales que normalmente no sucedería. 021

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Celso Piña No nos vamos. Nos quedamos

Por: Fermín Blanco / Foto: Cortesía CP

res décadas en la música se le pasaron a Celso Piña en un abrir y cerrar de acordeón: de autodidacta a maestro; de la cumbia al hip hop; y todo ese tiempo de experiencias y reinvenciones lo resumió en un concierto en el Auditorio Nacional, en 2009. De ese concierto nació Zona Preferente, álbum triple que recién “salió del horno”, del cual platica el “Rebelde del Acordeón” en exclusiva para WARP MAGAZINE. Algunas revistas decían que el año pasado te retirarías porque dijiste que cada vez te “era más difícil permanecer en la escena musical”… Los medios suelen malinterpretar lo que uno dice para sacar la nota. No hablé de retirarme, sino de un descanso. Necesitaba un respirito para darme otra perspectiva, y sí me tomé unos meses de relax. Entonces no te vas… No está en mis planes. Y es que todos los excesos son malos; hasta echar la güeva. Ahora nos traes Zona Preferente, álbum en vivo desde el Auditorio Nacional… Se dieron las cosas. Me salió la fecha en el Auditorio, en 2009, y me propusieron que la grabáramos para un disco en vivo. Y bueno, yo había planeado hacer un álbum que recorriera estos 30 años en el ajetreo. Entonces dije: “¿por qué no?”. Llamé a personajes a quienes considero importantes, como a mi carnalito Pato Machete y a mi jefe, Isaac Piña, para que me acompañaran. La mayoría estuvo ahí, afortunadamente, y resultó ser un concierto muy especial: nos fuimos hasta los inicios y reversionamos las canciones del primer disco, de 1980. Queríamos que la gente conociera nuestro trabajo antes del Barrio Bravo, 022

que supiera cómo fue que llegamos hasta este punto, desde el origen, y cómo fuimos transformando nuestro sonido. Los discos ya no son lo de antes… Muchos todavía creen que ser músico es sacar un disco y quedarse pasmado a esperar los resultados. Pero no es así y menos en esta época, donde la gente ya no compra discos porque los consigue gratis en Internet. Los discos ya no son negocio, sino una carta de presentación. Tienes que adaptarte y meterle a los conciertos. ¿Cómo es que, en más de 30 años de carrera, tu vigencia en el público joven ha perdurado? Yo digo que es como todo: hay que buscarle y moverse. Exploro con diferentes ritmos y busco colaboraciones con artistas de distintos géneros. Cuando trabajo, no paro: voy de aquí para allá y le invierto. Una vez fui a dar un concierto a París y en menos de 24 horas me regresé a México para dar otro, y es que tienes que hacerle así. ¿La cumbia tiene el lugar que merece en México? Yo la veo medio apagada, pero es por lo mismo: la gente no se mueve. Por ejemplo: en Monterrey hay problemas para tocar por la inseguridad que se vive, pero lo que uno tiene que hacer es buscarle e ir a otro lado a conseguir espacios. Igual a nivel musical. Tienes que abrirte y reinventarte, porque las posibilidades son muchas. Ya que dejaste en claro que continuarás en la música, ¿qué sigue? Vamos a hacer una gira de dos meses por Europa; luego regresamos a Monterrey. Nomás eso por el momento.

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Trans-X Visionario de los beats

Por: Yázmin Rubio / Foto: Rubén Márquez para Sesiones Off Season

rans-X o Pascal Languirand es toda una institución, pues desde principios de los ochenta marcó a una generación con su visión del futuro electrónico. Muestra de ello es su famoso tema ‘Living On Video’, pieza que le lanzó al estrellato como Trans-X y de la cual se vendieron más de dos millones de copias, una de las cuales, de seguro, alguna vez se habrá cruzado con sus oídos. WARP MAGAZINE conversó con la leyenda Trans-X, en exclusiva, y esto fue lo que nos dijo… La música disco, a finales de los años setenta, tuvo un vuelco con el Hi-NRG, ¿cómo fue que te involucraste en esta corriente musical? Desde muy joven me involucré con el movimiento del synthpop en Montreal, con grupos como Lime; aunque siempre me he inclinado más hacia el electro pop. Recientemente estrenaste nuevo disco; háblanos un poco más de él… Mi nuevo disco se llama Hi-NRG, aunque no es high energy, o por lo menos no es lo que la gente supone. El sonido es más producido, con un toque más electrónico. Pienso que este disco tendrá una buena respuesta, porque ya he probado el sonido en vivo y funciona muy bien. También incluí algo para la gente que le gusta lo retro. Este álbum cuenta con varias versiones ochenteras, como la última versión de ‘Livin On Radio’, titulada ‘LO.V. 2012’, además de un plus: una versión de ‘Transmission’, del legendario Joy Division. ¿Cómo fue la realización de esta placa? La producción de este disco fue todo un viacrucis: tan sólo para terminarlo me tomó tres años. Y es que primero fue muy high energy, después cobró un sonido demasiado moderno, hasta que al final culminó en una combinación de ambas corrientes. Es algo confuso: te relacionan mucho con el Hi-NRG, tu nuevo álbum se titula Hi-NRG, pero me mencionas que no estás muy de acuerdo… ¿Puedes aclarar el punto? 024

Considero que mi música se puede definir como synthpop, pero mis seguidores son muy diversos: tengo a los fans del high energy y además, contrario a lo que muchos pudieran pensar, cuento con fans electro darks; incluso me presenté en el Viva Glam 2011. Ahora vives en México y te ha ido muy bien. ¿Por qué elije Pascal a México para establecerse? La vida es muy rara. Pienso que México es un gran país y una gran plataforma musical. Y aunque parezca una locura, la verdadera historia ocurrió en los años noventa, cuando mi manager visitó a una adivina y ésta le dijo que, para que yo tuviese éxito, necesitaba mudarme a otro país y aprender otro idioma. Acto seguido me mudé a España, esperé siete años, y no pasó nada. Y es que, simplemente, me había equivocado de país… Es curioso cómo la vida te juega bromas. Al tener tremenda trayectoria, ¿sientes alguna presión? Dada mi experiencia, me siento con la responsabilidad de ayudar a los jóvenes. Básicamente a eso me dedico: a enseñarles y, por qué no, también a aprender de ellos. Ahora mismo estoy trabajando con una banda sueca de synthpop llamada Vision Talk. ¿Piensas seguir en la industria musical por mucho tiempo? Sí, definitivamente tengo una reputación que mantener. Y mi tarea va a ser seguir adaptándome, porque todo cambia demasiado rápido y uno no se puede quedar en el pasado. Así es como Pascal Languirand sigue repartiendo enseñanzas y beats análogos imposibles de ignorar. Y no sólo sigue creando música; además fundó el sello independiente Lov Recs en nuestro país, que da impulso a nuevos artistas no sólo electrónicos. Actualmente, Lov Recs edita a: Sonido Lasser Drakar, Siddhartha, Sweet Suite, GusGus y a La Internacional Sonora Balkanera.

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CRÓNICAS DEL LEÓN Por: Sr. Flavio / @SrFlavioOficial

Soy el Señor Flavio, sonidero anti-poeta, y aquí les dejo un día cualquiera, uno más extraído de Crónicas Del León, mi más reciente libro publicado en WARP Books...

Abril 09, 2009 Miami 10:25 Hrs. En el aeropuerto: nos vamos a Los Angeles. Y será un vuelo algo largo: cinco horas y media. Escucho Massacre en mi Ipod, mientras esperamos la hora de partida. Y es que siempre me gustó Massacre. Toda una historia de más de 25 años íntimamente ligada a ellos lo confirma. Sin duda, es la banda que tenía que ser invitada para abrir el espectáculo Fabuloso en el Estadio River Plate. Y es que los conocí mucho antes de que fueran Massacre Palestina; los conozco de cuando eran los jóvenes skateboarders del mítico poolcito, en Mar del Plata, allá por 1984… Era verano. Casi todos los días, por la tarde, íbamos con Luciano a surfear a Playa Grande. De salida, subíamos por la calle Alem, camino a la casa que la familia de mi amigo había alquilado, y dejábamos las tablas allí. Un día, de regreso, en un terreno baldío de una de las esquinas de Alem, vimos a algunos chicos reunidos dentro de lo que parecía ser una vieja pileta de natación vacía y deteriorada: eso era “el poolcito”. Y estaban andando en patineta: las curvas cóncavas de la piscina facilitaban el patinaje, permitiéndoles desplazarse desde el fondo mismo de la piscina hacia la zona de la pared más vertical de la construcción. Incluso volaban, saliendo de la pileta, sólo para entrar nuevamente, siempre con suavidad: una maniobra fascinante. Nos quedamos encantados. Yo había sido skater de los que se juntaban en Plaza Francia, a principio de los años ochenta, para tirarnos en el puente que cruza Av. Figueroa Alcorta. Conocía poco acerca de la cultura del vertical; eso sólo lo había en fotos de la Skateboarder Magazine y no podía creer lo que presenciaba: unos chicos, haciendo aerials, en una piscina de Mar del Plata, y Luciano y yo observándolos, parados allí con nuestras tablas de surf en las manos: ¡California peronista!

Nos hicimos muy amigos.

Pasar por el poolcito a perder el tiempo con nuestros nuevos amigos, después de surfear, se convirtió en un ritual. Y también ellos venían a la playa con nosotros, temprano, a surfear. Allí estaba el gordo Walas, que en ese entonces no era gordo. Aún no existía Massacre; tampoco Los Cadillacs. Una tarde nos presentaron a un amigo punk que no andaba en skate; aunque, más que punk, era mod (quizá podríamos simplificar el asunto diciendo que, un mod, bien puede ser un “punk elegante”); su nombre era Sergio Rotman…

—Qué tal —dijo y me tendió la mano.

Esa tarde, sin saberlo, en el poolcito nos reunimos el saxo, el percusionista y el bajista de Los Fabulosos Cadillacs. Avisan en los parlantes del aeropuerto que el vuelo lleva demora.

Sigue sonando ‘El Mamut’ en mis auriculares.

Sigo recordando las calurosas tardes extremas del verano de 1984, cuando conocí a los dueños del poolcito. Y ya estábamos metidos en eso de la new wave: no queríamos saber nada de la música hippie; escuchábamos Madness, B-52s, Squeezze, The Buzzcocks. Por su parte, los skaters ya estaban metidos en el hardcore punk californiano. En aquel lugar vi por primera vez grafitis de Agent Orange, Circle Jerks, Wasted Youth, Dead Kennedys. Estábamos en sintonía: compartíamos música y amistad; mucho intercambio de grabaciones en cintas.

Tengo que subir al avión que nos llevará a Los Angeles.

De lejos veo a algunos Fabulosos comiendo algo rápido, antes de entrar a la nave.

›› Sr. Flavio es fundador de Los Fabulosos Cadillacs y escritor, su libro Crónicas Del León ya está a la venta editado por WARP Books.

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James Blake We might feel unsound

Por: Diovanny Garfias / Foto: Rubén Márquez para WARP

urante 2011 James Blake se consolidó como uno de los artistas más innovadores y destacados que la escena musical inglesa nos ha presentado. Su sonido minimal lo llevó a colocarse entre los nuevos favoritos de una generación ávida de sentimentalismo entremezclado con música electrónica. Por si fuera poco, su dominio de las herramientas virtuales lo convirtió en un gurú de la producción sonora, un referente a seguir en términos de experimentación. El músico londinense pisó por primera vez suelo mexicano el pasado mayo. Como parte de la gira de promoción de su álbum debut homónimo, WARP MAGAZINE tuvo la oportunidad de conversar con James Blake a unas horas de que saltara al escenario y cautivara al público de la capital del país. Aquí lo sucedido durante dicha plática. ¿Cuál crees que es la razón principal de que tu álbum debut se haya convertido en uno de los sucesos musicales más significativos de 2011 en todo el mundo? Supongo que fue que salió en un momento en el que la música minimal estaba recibiendo mucha atención, como cuando The xx lanzó su álbum -que es genial-, eso marcó el punto de inicio de una gran temporada para quienes estaban haciendo música minimal. Eso hizo las cosas más fáciles para mí y para mi trabajo, pero no fue por ellos que lo hice, simplemente era la música que estaba haciendo en ese entonces. Incluso estaba preocupado cuando salió mi disco, porque no tenía grandes canciones pop como en el disco de The xx –que escriben canciones de pop puro en un formato minimal-, sólo esperaba que la gente lo escuchara y le gustara. Fui muy afortunado e Internet ayudó. Algo que ha distinguido tu trabajo es la forma tan específica en la que produces. Cuéntanos un poco acerca del proceso detrás de tu sonido. En muchas de las etapas me permito improvisar, definitivamente hay mucha improvisación y edición. Trato de que haya mucho teclado detrás de un riff o una melodía que ya tengo escrita, puede ser una harmonía o un sample. Luego, cuando ya lo tengo aterrizado y grabado lo empiezo a trabajar. Así es más o menos como comienza todo, después es cuestión de estructurar la canción, no tengo una fórmula definida para eso, pero la mayor parte del tiempo el arreglo de la canción suele ir de una “súper canción” a algo que tenga más sentido [risas]. ¿De dónde viene la inspiración principal de tu música? He sido inspirado infinitamente por Stevie Wonder, directamente de principio a fin, es mi número uno. Sam Cooke, de él su voz –o sus muchas voces- y toneladas de música electrónica que he estado escuchando desde hace mucho, en especial en lugares donde paso el rato, como uno que está en Londres llamado Plastic

People, uno escucha música muy buena allí. Incluso mutaciones muy garage de la música que ahora conocemos mundialmente como dubstep, pero que cuando lo escuché por primera vez era como un techy lento, muy garage, no lo entendí muy bien en aquel entonces, estaba al tanto de la influencia dub –de hecho, ya amaba la música dub antes de eso-, así que para mí fue como “ahora todo está en un mismo lugar” y este género se convirtió en una especie de obsesión para mí, algo que podía escuchar durante “eras” y quería mezclarlo en mis sets como DJ y quería crearlo. Traté de hacer dubstep al principio de mi carrera, de verdad traté, no sé por qué no lo conseguí, pero sé que no pasó [risas]. ¿Cómo haces para transportar la música de tu álbum –que está muy cuidada y producida- al escenario? ¿Tratas de hacer algo diferente cuando estás frente al público? Sí, es totalmente diferente; la melodía sigue ahí, hay sonidos que me gustan, suena como el álbum, pero también como algo que ha progresado, como si reescribiera el disco ahora. Sigue siendo íntimo, tanto como puede ser tocar para unas cuantas miles de personas, ya sabes, tratas de llevar a la gente a un estado de ánimo, los haces sentir lo que quieres que sientan. Quiero que sientan lo que siento cuando mi música se vuelve intensa, con sub-bajos y este tipo de sonidos, esa es una gran parte para mí, trato de meterlos, que haya un verdadero sistema de sonido en el show. Es algo en lo que pongo mucha atención, algo que es muy importante en la cultura de los sistemas de refuerzo de sonido, mucha de mi música preferida no la puedo escuchar sin los audífonos indicados; lo mismo pasa en un concierto, si no tengo las bocinas que necesito no se va a escuchar el bajo, o algún sonido en específico. Así que prestamos mucha atención a esos aspectos cuando hacemos un concierto. Actualmente la creación y producción musical es algo accesible para mucha gente, ¿cuál es tu opinión al respecto? Sí, se está volviendo algo muy fácil para cualquiera que haga música electrónica, bueno, cualquier tipo de música. Ahora hay mucha música que escuchar en Internet, diferente entre sí, tienes que sumergirte y buscar lo que realmente te gusta. No le veo nada de malo, más música para escuchar. Así que la tecnología ha creado oportunidades para gente que no tiene mucho dinero, de hecho ahora puedes crear canciones en una laptop; para tener mi primera laptop tuve que ahorrar durante algún tiempo y fue con esa con la que fui a la universidad. Mi único deseo era hacer buena música con ella para mantenerme, por suerte lo hice, empecé a mezclar como DJ y eso me permitió seguir avanzando. Así que creo que uno fabrica sus oportunidades y hay grandes oportunidades usando una computadora, yo no habría llegado a donde estoy sin tener una computadora. 027

ask Amanda COLUMNA

ASK AMANDA Por: Amanda Palmer @amandapalmer

Para leer la versión completa de Ask Amanda visiten warp.la/askamanda y/o envíen sus preguntas a askamanda@ warp.com.mx

En este punto, ¿cuál es tu placer musical culpable? (el mío es Demi Lovato). Maribel Santana ¿Culpable? Creo que ahora he llegado al punto donde nada me hace sentir culpable, excepto por el hecho de que, mientras espero la salida de mi propio álbum, apenas tengo tiempo de escuchar música. Sin embargo, he estado escuchando repetidamente una canción del nuevo álbum de Regina Spektor, ‘Oh Marcello’, pues una vez que la escuchas, es imposible sacarla de tu cabeza. Ella es una de mis chicas favoritas; la descubrimos antes de que fuese famosa, pues salió de gira con The Dresden Dolls para abrir algunos shows. Y oír su álbum, donde regresa al tipo de canciones que me engancharon desde un principio, es genial y su voz es increíble. También estoy clavada en el nuevo disco de Fiona Apple. Pero si quieres saber mi placer culposo de toda la vida, es el “furioso” álbum de Avril Lavigne, Under My Skin (perdón, pero simplemente lo amo). ¿Cuál es tu opinión acerca de la infidelidad? ¿Crees que realmente puede perdonarse? Fabiola Vega ¡Ustedes los mexicanos! ¿Qué diablos les pasa con esto? Siempre se están preguntando lo mismo. Siento que tienen cierto complejo. Escuchen: creo que la mayoría de las relaciones funcionan sólo cuando hay confianza y entendimiento total. La “infidelidad” sólo existe si dos personas hacen un pacto en el que juguetear con otras personas no está permitido. No creo que una relación deba de ser monógama para funcionar; creo que simplemente tiene que ser honesta y haber amor. Si tú tienes eso, lo tienes todo. Conozco a muchas, muchas parejas que tienen relaciones abiertas y son mucho más felices que aquellas con relaciones cerradas, donde lo hacen sólo porque no pueden sobrellevar la idea de salirse de la norma, de los celos o simplemente del qué dirán. Pero conozco personas realmente

felices (yo me incluyo entre ellas), quienes lo hacen funcionar simplemente al ser honestas acerca de las actividades que realizan sin su pareja y tienen claro cuál es la relación principal. ¿Qué hay acerca del asunto de Kickstarter y Kurt Cobain? Todos saben que si Cobain estuviera con vida, jamás recurriría a una campaña de Kickstarter. Juan Nungaray Hay un artículo escrito acerca de mi campaña de Kickstarter (¡a la cual le fue realmente bien, pues recaudó más de 1.2 millones de dólares!), donde alguien se quejaba de que Kurt Cobain no lo hubiera hecho jamás. El autor de la pregunta recientemente se retractó en un blog. El tema central era que Kurt era demasiado tímido y estaba muy atormentado como para recaudar fondos para hacer un álbum. Pero la mayoría de las personas estaban en desacuerdo: una recaudación masiva es muy ¡punk rock! “Hazlo tú mismo” es la manera punk de hacer negocios. Nirvana era famosamente infeliz en su gran disquera. Pero hablar de la muerte de Kurt y de lo que la gente muerta haría o no, es algo sin sentido… Ellos no están aquí para discutir. Al parecer, como van las cosas, la gente está entendiendo cada vez más que los artistas que hacen negocio directamente con sus fans, no tienen por qué dar pena; por el contrario: es algo muy cool. La independencia le regresa el control a los artistas; pero el cambio toma tiempo; y vas a ver a más personas quejándose de los artistas que hacen esto, pues redirigen el negocio y hablan de dinero. Así son las cosas y creo que es algo bueno: se terminó la era del misterioso ícono del rock de la montaña y los días de los trovadores en las calles, tocando de puerta en puerta. PD: El próximo mes háganme preguntas relacionadas con mi nueva banda, Amanda Palmer & The Grand Theft Orchestra y con mi nuevo disco, Theatre Is Evil, que sale en septiembre. Estaremos visitando México próximamente.

›› Amanda Palmer es compositora, intérprete y miembro de The Dresden Dolls y Evelyn Evelyn. Actualmente prepara su nuevo álbum Theatre Is Evil.

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Selah Sue Crazy Vibes

Por: Leonel Hernández / Foto: Cedric Viollet

uando se escucha su música, uno imaginaría a una cantante negra, de algún lugar de Jamaica, de los guetos de Nueva Orleans; pero al final resulta que es una dulce chica rubia de la lejana Bélgica. La joven cantante, Selah Sue, de apenas 23 años, ha demostrado que su propuesta, que mezcla géneros como el soul, el reggae y el R&B, es una que puede resultar igualmente poderosa y seductora. Con su álbum debut homónimo de 2011 ha logrado que los ojos de todo el mundo volteen a mirarla y WARP MAGAZINE conversó con ella, en exclusiva… ¿Qué se siente ser tan joven y llegar a diferentes puntos del mundo con tu música? Creo que tiene que ver con la personalidad de cada uno; para algunas personas parece abrumador, pero para mí no ha sido así. Yo siempre he tratado de darle importancia a las cosas que creo que son importantes, como la relación con mi familia, con mis amigos. No me veo abrumada con el reconocimiento que he tenido en este último año. Trato de que, aquello que antes me hacía feliz, me haga feliz ahora, y eso no es más que la música que hago. ¿Crees que esta mezcla extraña de soul y jazz que tienes en tu música es difícil de digerir para el público belga? ¿Cómo te han recibido? La música belga está plagada de música rock; no hay muchos géneros como el soul. Está llena de rock, pop, de música electrónica, lo cual me gusta, porque ha habido una explosión de géneros, como el dubstep, y me he involucrado mucho con 030

ellos. Pero para el soul, el jazz, el R&B, no hay mucho mercado, lo que es triste; pero creo que por esta misma razón mi trabajo ha sido muy bien recibido. Háblanos un poco de este nuevo EP… ¿Qué diferencias hay entre Raggamuffin y tu debut? Black Part Love (2008), mi primer EP, hablaba sobre todo de aceptarme a mí misma, que fue mi gran problema durante toda esa etapa; fue creado en el periodo de mis 16 a mis 19 años y el sonido exploró mucho en el soul, el hip hop y el reggeae. Pero yo no quería tanto eso en mi sonido, lo que creo que se resolvió de mejor manera en este nuevo álbum. Me siento muy feliz por este nuevo disco; he trabajado cuatro años en él y refleja cómo me siento hoy como persona. Me siento muy contenta con el resultado. Los años 2010 y 2011 fueron muy importantes, pues te posicionaron como artista de propuesta propia. ¿Qué sigue para el resto de 2012? Voy a terminar la gira por Europa. Mientras tanto, el álbum será editado en Estados Unidos por Columbia Records, lo que seguramente me ayudará a promocionarlo con una gira. ¿Tienes algún plan para visitar Latinoamérica? Definitivamente, aunque no soy una persona que haga planes; más bien me dejo llevar. Y sería genial ir con mi banda a tocar allá; tengo muchas ganas de conocer. Además, he escuchado que el clima es asombroso.

NUEVA TEMPORADA PRĂ&#x201C;XIMAMENTE

sesionesconalejandrofranco.com/sos @sonyspinla / @sonyspinbr

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Playlist by

Diablo Swing Orchestra Foto: Sergio Gálvez para WARP

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on casi 10 años de carrera sobre la espalda, esta banda originaria de Suecia logró darle un giro a lo que conocemos como metal nórdico. Algo que no es de extrañar, tomando en cuenta que el sonido de Diablo Swing Orchestra es algo singular, una ecléctica combinación entre swing, progresivo, sinfónico y más, claro, todo aderezado con un toque latino. La agrupación encabezada por Annlouice Loegdlund y Daniel Håkansson se encuentra

promocionando su más reciente placa de estudio Pandora’s Piñata (2012), la tercera en su discografía, misma que los trajo de visita a nuestro país el pasado junio y que nos dio oportunidad de conversar con Danie, Johan Norbäck (batería) y Anders Johansson (bajo). Los tres músicos compartieron en exclusiva para WARP MAGAZINE un playlist conformado por canciones de bandas y artistas que los han influenciado a lo largo de su carrera.

01. Tool – ‘The Pot’

06. Pearl Jam – ‘Go’

02. Primus – ‘Too Many Puppies’

07. Tori Amos – ‘Northern Lad’

03. Muse – ‘Micro Cuts’

08. Les Claypool – ‘Mushroom Men’

04. A Perfect Circle – ‘Judith’

09. Vulkan – ‘Chimera’

05. Russian Circles – ‘Youngblood’

10. Diablo Swing Orchestra – ‘Voodoo Mon Amour’

JUEVES 10:00PM EN CADENA NACIONAL POR

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Bear In Heaven A Warm Sea Of Sounds

Por: Karina Luvián / Foto: Cortesía BIH

ara escuchar I Love You, It’s Cool (2012) se necesita de una mecánica particular, que iniciaría con la búsqueda de unos buenos audífonos y un sillón confortable. Después de eso es necesario instalarse, cerrar los ojos y, entonces sí, dar play para iniciar un viaje de 44 minutos lleno de colores sicodélicos, sintetizadores y armonías pop de la mejor factura que pueda conocerse. Teniendo gran interés en lo que hubo detrás de dicha placa, WARP MAGAZINE tuvo una especial conversación inglés/español con Jon Philpot, líder y vocalista de Bear In Heaven. Platícanos de la realización de I Love You, It’s Cool y de qué tanto cambió su proceso creativo siendo ahora una banda de tres integrantes… Empezamos a trabajar en marzo de 2011, dedicamos seis meses a escribir las letras y entramos al estudio por un mes. Ahora que Sadek (Bazzarra) no está, nuestra dinámica es algo diferente. Por supuesto que estamos tristes porque ya no lo tenemos en la banda, pues es una persona genial, pero creo que está bien. Sobre la forma en que hicimos el disco puedo decirte que todo sucedió de una forma más instintiva, partiendo de la manera en que nos entendemos entre nosotros musicalmente; en definitiva, este es el disco más claro que hemos hecho, una mezcla musical que logra tener gran sentido junta. ¿Cómo es la dinámica que sigue Bear In Heaven para crear música? El proceso siempre está cambiando, el tiempo cambia. Para 034

este disco decidimos rentar un lugar donde pusimos todo mi equipo de grabación, desde la computadora hasta los micrófonos. Ahí estuvimos por seis meses y todos los días yo escribía palabras, mientras Joe iba y hacía cosas en la batería, y Adam llegaba a tocar la guitarra, en una especie de grabación de cosas, una y otra vez, para después construir piezas con eso. Este disco, aunque armonioso y cautivador, presenta ciertas características de producción que pudieran dar la impresión de que fue complicado hacerlo… Esperábamos hacer un disco emocional y personal, por lo que definitivamente hay muchos recuerdos de un montón de gente que conozco. Por otra parte, trabajamos mucho en este disco y, aunque tuvo sus dificultades, fue divertido también. Creo que, de hecho, fue más complicado hacer Beast Rest Forth Mouth (2009), al menos para mí. La parte escabrosa en este disco fue entrar al estudio, porque yo realmente no conozco bien ese ambiente y da algo de miedo. Fue algo bueno al final porque sales con algo mejor de lo que harías en tu recámara. ¿Qué pueden esperar las personas que no han escuchado I Love You It’s Cool en su totalidad? Creo que en este disco no presionamos a la gente que no está interesada. Más bien intentamos que la gente por sí misma se introduzca en la música por lo cálida y lo acogedora que es y, quizá, si tenemos suerte, puedan bailar si quieren hacerlo. Este material es como un cálido lago, un jaquzzi con burbujas.

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Puedes leer todos los detalles en nuestro micrositio dedicado al Jaguar: www.lanaturalezanosllama. com/jaguar.html

La naturaleza nos llama

Jaguar E

l jaguar ha formado parte de la mitología de las culturas precolombinas como una de las deidades más notables y veneradas del mundo antiguo. Su imagen se encuentra representada en todas las manifestaciones artísticas, desde pintura y escultura, hasta códices y estelas que tienen grabada su figura.

Un poco de historia El felino era digno de veneración y se le relacionaba con la valentía y el poder al que aspiraban los pueblos, en particular su clase guerrera; también se le relacionaba con la noche y el inframundo por sus hábitos nocturnos, con la fertilidad de la tierra y hasta con la muerte. El jaguar recibe diferentes nombres de acuerdo a cada lengua prehispánica: “ocelotl” en náhuatl, “balam” en maya, “yaguaraté” en guaraní y “nahuel” en mapuche. Los primeros españoles en llegar a América lo llamaron “tigre”, como se lee en la siguiente crónica: “el tigre es un animal que tiene la hechura de la cabeza como león, pero gruesa, y ella y todo el cuerpo y brazos pintados de manchas negras y juntas unas con otras, perfiladas de color bermeja; en el lomo mayores manchas distribuyéndose hacia el vientre y brazos y cabeza…”. Este nombre aún se emplea en el conocimiento popular. Aunque es posible pensar que los primeros españoles estaban equivocados al llamarlo “tigre” no es así del todo… ya que el jaguar (Panthera onca) es pariente cercano del tigre (Panthera tigris) y del león (Panthera leo) al pertenecer al mismo género, y al ser el único representante de este género en América.

La población actual Actualmente el jaguar se distribuye desde el norte de México hasta el noroeste de Argentina. Se tienen algunos registros para el suroeste de Estados Unidos, sin embargo no existe una población residente. Estos ejemplares se acomodan en ambientes tropicales, pero también se les encuentra en una gran variedad de ecosistemas: desde los bosques tropicales al nivel del mar hasta las zonas semidesérticas a más de 2,000 metros de altitud. Su coloración es variable; algunos jaguares tienen rosetas grandes en todo el cuerpo, otros manchas negras con sólo unas pocas rosetas en los costados y también puede haber 036

ejemplares completamente negros, los cuales por lo común son llamados panteras. Estos últimos son simplemente individuos melánicos, es decir, que tienen exceso de una proteína llamada melanina, la cual hace que se vean negros. Dentro de las poblaciones de jaguares en nuestro país no se ha reportado la presencia de jaguares negros a diferencia de Sudamérica, donde es frecuente encontrarlos. La situación poblacional de jaguar en América no es del todo conocida, pero se encuentra en la lista de especies en peligro de extinción en prácticamente todos los países del continente, como resultado de la alta tasa de deforestación y fragmentación de su hábitat, su cacería directa y la de sus presas naturales y el acentuado conflicto humano-jaguar.

Acciones de conservación de la alianza WWF - Telcel En 2009 un grupo de especialistas en esta especie apuntó la urgente necesidad de que los gobiernos de las naciones donde aún existen jaguares asuman compromisos que aseguren la conservación del jaguar. Dado que requieren de amplias extensiones de hábitat para vivir, sus poblaciones son indicio del buen estado de salud de la naturaleza y un balance entre producción y conservación del patrimonio natural de América Latina. De lo contrario, en algunos años el jaguardejará de rugir, para convertirse en el eco silencioso de un pasado glorioso. El proyecto de conservación de jaguar en México es un esfuerzo liderado por el Laboratorio de Ecología y Conservación de Fauna Silvestre, del Instituto de Ecología, de la Universidad Nacional Autónoma de México, apoyado por la Comisión de Áreas Naturales Protegidas y la Alianza WWF-Telcel, quienes han tenido un papel clave en la conservación de esta especie en los últimos años en México.

rock fiction COLUMNA

ROCK FICTION EN ESPAÑOL VOL. 1 Por: Adolfo Vergara Trujillo / @ToBeFreak

ueno, si me preguntan, la verdad no: no me gusta el varano. El pinche calor seco de San Diego se vuelve como la cera y nomás un chapuzón en el mar lo refresca a uno; aunque luego lidiar con el agua salada es otra joda. Además el verano me trae malos recuerdos: Manny Truillo, mi amigo —qué digo mi amigo: mi hermano, cingao—, desapareció en verano… Fue un sábado de principios de julio, como a las once de la mañana; se había ido a entregar una carga de tomate a Portland y luego de tres días llegó a mi casa. Yo me había bebido un cartón de ampolletas de Corona la noche anterior y por eso tuvo que darle de patadas a la puerta.

Nos acomodamos por allí, tumbamos las tablas y, frente a nosotros, mientras enterrábamos la hielera en la arena, Anna se sacó los zapatos, se desabotonó la blusa y se quitó el shorcito; y una rosa, linda y primorosa, floreció en microscópico bikini.

Y cuando abrí ni siquiera saludó:

El terroncito regresó escurriendo de júbilo cuando nos acabábamos ese frasco.

—Vámonos a Crystal Pier… —¿Ah?

Manny me guiñó un ojo y entonces miré por encima de su hombro: en la troca estaba montada una rubia con sombrero vaquero y la toalla lista colgándole del cuello. —Una de sus amigas nos espera para comer… —Dame dos minutos —dije, y como en minuto y medio estaba yo listo: aventé en la caja de la troca las sillas, la hielera y las tablas de surf, subí del lado del copiloto, con el bombón sentado entre los dos, y Manny arrancó. —Anna, te presento a Danny —dijo Manny en inglés; luego, en mexica, agregó—: Anna no habla español; es de Dakota de Sur. —Anna Smith… —dijo la reina y me tendió la mano; traía gafas negras bajo el sombrero, pero ya adivinaba yo sus ojazos azules. —Danny Rodrigües —me presenté. Tomamos rumbo a la playa y, mientras Manny aceleraba como si fuera en Whittier Boulevard, le miré las piernas a la reina en shorcito de mezclilla: eran largas, broceadas, como embarradas de magia blanca; los bellos de sus muslos, como de oro, brillaban maravillosamente cuando de pronto les pegaba un rayito de sol. Y no llevaba botas, sino unas sandalias altas que dejaban al aire libre sus deditos juguetones. —¿Y de dónde la sacaste? —le pregunté a Manny en español. —La recogí en la carretera de Humboldt, entrando a California —respondió—; estaba pidiendo aventón, temblando de frío la criatura, ¿te imaginas? Dijo que venía hasta San Diego a encontrarse con su amiga… Llegamos a la playa y, cuando bajamos de la troca, los tobillos de 22-23 añitos más hermosos del mundo, perfilados por los taconcitos, caminaron unos pasos lejos de nosotros —bendito sea Dios—, buscando a su amiga, una tal Megan que nunca apareció.

—Voy a bañarme —nos avisó al aventar el sombrero y las gafas; y así, zalamera, corrió a las olas.

Manny no hablaba. Y creo que toda Crystal Pier enmudeció.

—¿Quieres una cerveza? —Ajá.

—¿Hay una para mí? —preguntó.

Destapé una para ella y la segunda para nosotros; Anna tomó su cerveza con su manita mojada, aperlada de granitos de arena. Y la verdad sí le busqué su mirada celeste: “dame una señal, chiquita”, pensé, pero apenas si agradeció la cerveza con una sonrisa y se tumbó al sol boca abajo. Manny la miró hipnotizado. Y yo también. El problema comenzó cuando lo güeros empezaron a formar grupos cerca de nosotros, para admirarla; y la verdad es que todos lo hacíamos; todos menos Manny. Luego, todo pasó muy rápido: mi amigo le echó encima con una toalla; Anna se sorprendió y se la quitó, Manny la levantó de un tirón y se la llevó a jalones hasta las olas; los miré discutir de lejos; ambos manoteaban, gritaban, hasta que Manny la levantó en vilo y se la metió al mar. La chica gritó un poco y, aunque la gente miró de pronto, parecía que jugaban entre las olas. Los miré alejarse mar adentro. Encendí un cigarro, le di un trago a la cerveza y, a medio frasco, me quité las gafas. Me levanté de mi silla y no los volví ver. Los buscaron durante cuatro días y los cuerpos nunca aparecieron. A mediados de septiembre, cuando el verano terminaba, me llegó una postal de un pinche pueblo polvoriento cerca de Sioux Falls; la firmaba Manny Truillo, quien lo había dejado todo para vivir con la güera. De esto hace ya seis años: tienen ya cuatro hijos. Anna —Anna Truillo— ahora está gorda y Manny aprendió domar potros salvajes; y no surfea más, aunque dice que el invierno es divertido: parece que ya le tomó gusto al snowboard.

Rock En Español Vol. 1 Los Strait Jackets Yep Rock Records 2007

›› Adolfo Vergara Trujillo es escritor y especialista en Literatura Mexicana, autor de los libros de relatos Freak Y Otros Tormentos y Absolut Punch.

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calendario

julio-agosto 2012 JULIO

07 Viña Real Fest Pepsi Center WTC México, DF

Dragonette Auditorio BlackBerry México, DF

28 de julio al 09 de agosto Metallica

10 al 12 Outside Lands Music & Arts Festival 2012

Golden Gate Park San Francisco, CA, Estados Unidos

Palacio de los Deportes México, DF

21 Yes Pepsi Center WTC México, DF

24 Los Amigos

Invisibles y Nortec Collective AGOSTO

Auditorio Nacional México, DF

State Historic Park Los Angeles, CA, Estados Unidos

25 Human Drama

03 y 04 Hard Summer 2012 —

16 Maroon 5

Nite Jewel Pasagüero México, DF

13 Paul Van Dyk José Cuervo Salón México, DF

14 Chetes El Plaza Condesa México, DF

El Plaza Condesa México, DF

Arena Ciudad de México México, DF —

29 Keane

Rod Stewart

Arena Monterrey Monterrey, NL

Auditorio Nacional México, DF

30 Keane Arena Ciudad de México México, DF

03 al 05 Lollapalooza 2012 Grant Park Chicago, IL, Estados Unidos

17 IMS Teatro Metropólitan México, DF 039

gigs

Mogwai El Plaza Condesa, Ciudad de México Foto: Franccel Hernández para WARP Para leer la reseña de este concierto, escanea el código o visita: warp.la/mogwai2012

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gigs

Holy Ghost! El Plaza Condesa, Ciudad de México Foto: Franccel Hernández para WARP Para leer la reseña de este concierto, escanea el código o visita: warp.la/holyghosts2012

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te llevan a

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summer edition

SUMMER

EDITION Vivimos en una época donde casi cualquier situación es un detonador de estrés: diversos estímulos jalan del gatillo y desencadenan una serie de reacciones químico-físicas que, en resumen, terminan por desafiar y poner a prueba nuestro organismo, dando como resultado un aumento significativo en los niveles de tensión. Trabajo, información, enfermedades, dificultades, personas, frustración, relaciones… Todos son actores principales en esta película de horror llamada estrés. Son muchas las formas, sin embargo, en las que podemos combatir esta amenaza. De entrada, la música —la más noble de las artes— es un remedio infalible. Nada mejor que captar en los conductos auditivos las ondas sonoras generadas por instrumentos que, además, son interpretados por nuestros músicos preferidos, o ese agradable sentimiento que un disco nuevo, sin importar su formato, nos provoca. Si a lo anterior le añadimos la emoción de presenciar dicho acontecimiento en el momento en el que se desarrolla, con miles de personas a nuestro alrededor, embriagadas en una suerte de trance masivo, cuyo único propósito es celebrar la música, entonces, bueno, estaremos cara a cara con la mejor medicina que la relajación hubiera podido concebir. Curiosamente, esa sensación de paz y serenidad viene de la mano con el verano: la estación más cálida del año. Tres meses plagados de contenido musical que, casi de manera natural, se liga con emociones diversas que tranquilizan y reconfortan el alma. Por ello WARP MAGAZINE presenta Summer Edition, número dedicado a los lanzamientos más destacados de los próximos meses, así como a la cobertura de algunos de los festivales más importantes del año… Entrevistas exclusivas con Le Baron y Vicente Gayo, dos de las bandas mexicanas referentes de la escena musical de nuestros días, quienes presentan nuevo material. Además, desde Nueva York, A Place To Bury Strangers nos detalla su nuevo álbum, Worship. The Temper Trap también celebra el verano con nosotros, pues los originarios de Australia, creadores del clásico ‘Sweet Disposition’, nos cuentan la historia detrás de su más reciente trabajo de estudio. Beach House nos comparte, en entrevista exclusiva para Latinoamérica, Bloom, la cuarta placa discográfica de la banda originaria de Baltimore, una de las más ovacionadas de 2012. Todo esto y más, como testimonio de lo que este verano nos ofrece. Sean todos bienvenidos, que el verano ya está entre nosotros.

PRIMAVERA SOUND 2012 Let the european summer begin Por: DanahĂŠ Calzada Fotos: Daniel Burgos para WARP

summer edition

Franz Ferdinand

The xx

Beirut

DÍA 1

Cada año, Barcelona inaugura su tan esperado Verano Europeo con el Primavera Sound, un festival de relevancia por ser plataforma de artistas emergentes y escenario de estrellas consagradas. Pero este año el festival amplió su programación a lo largo de una semana, con conciertos gratuitos por la ciudad que cerraron en el refinado Parc del Forum, con ocho escenarios a la orilla del mar. Aunque la entrada durante el primer día de actividades fue algo complicada, todos disfrutaron durante las primeras horas de bandas nacionales como La Estrella De David, Pegasvs, Doble Pletina y Sr. Chinarro. Fue a partir de las 22:00 hrs., sin embargo, que comenzaron a aparecer los grupos garantía, abriendo Wilco y Death Cab For Cutie en el escenario Mini Cooper, seguidos de Beirut, quienes en verdad conectaron con la multitud en un concierto extraordinario. Otra de las bandas más atractivas fue The xx, triada que mantuvo al público inmerso en la sobriedad de sus integrantes, hasta tocar temas como ‘VCR’ y ‘Shelter’, la que fue “una de las mejores experiencias”, según declararon algunos. Más tarde, en el escenario San Miguel, el público se rindió totalmente con las primeras notas de ‘Do You Want To’, cortesía de Franz Ferdinand, uno de los actos más cautivadores hasta ese momento, mismo que fue subiendo de tono progresivamente con Spiritualized y el hardcore de Refused, hasta cerrar con el español John Talbot, representante de la escena electrónica española. ›› Danahé Calzada-Osorno es Productora Audiovisual y especialista en contenidos europeos.

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summer edition

M83

The Rapture

The Cure

Rufus Wainwright

Sleigh Bells

DÍA 2

Arrancó el segundo día, que resultó ser una jornada memorable, sobre todo por la actitud fiestera del público. Todo inició con Laura Marling, Nick Garrie, Other Lives y, en el escenario más potente, Rufus Wainwright, quien arrancó su show con ‘Mediterranean Song’, dedicada a Barcelona; sin embargo, al avanzar su presentación, dio la impresión de haber perdido parte de la magia que tenía hace unos años, provocando el desinterés de la gente. Mientras tanto, alejada de todo, en el escenario Rock Deluxe, se presentaba Marianne Faithfull, quien no permitió la entrada a la prensa. Aunque lo más destacado de la jornada estaba por llegar: GIRLS se presentó en el Escenario Mini, reavivando los sentimientos y la celebración del verano al ritmo de ‘Summertime’, ‘Hellhole Ratrace y ‘Lust For Life’. La presencia de AfroCubism, por su parte, resultó ser la celebración de la expansión de fronteras del festival, hecho que se vio reiterado con Toumani Diabaté y el guaguancó de Eliades Ochoa, del Buenavista Social Club. 048

Poco antes de las 22:00 hrs., el sold out era un hecho, con la inminente presentación de The Cure. Quince minutos después, adolescentes, jóvenes y adultos, que incluso se acercaron con bebés en brazos, recordaron que esta banda no es un simple mito, sino que su obra permanece aferrada a la actualidad. ‘Pictures Of You’, ‘Friday I’m In Love’ y ‘Boys Don’t Cry’ fueron las que más emocionaron al público. Después vendría Sleigh Bells que, entre sintetizadores, amplificadores, guitarras eléctricas y una gran energía, puso a sudar los cuerpos. En el Escenario Mini, mientras tanto, se presentaba M83 con pura psicodelia electrónica, disfraces y un luminosísimo escenario con proyecciones led, aunque con un retraso de casi 30 minutos. La constante de fuerte ritmo de batería, sintetizadores, máscaras y neones se repitió con SBTRKT. Finalmente, el complemento perfecto para cerrar el cartel de la noche fue The Rapture, tocando uno tras otro los hits de How Deep Is Your Love.

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Neon Indian

Yo la Tengo

St. Etienne

Justice

DÍA 3

Durante la última jornada del Primavera Sound, el Parc del Forum registró un lleno total. La tarde comenzó con Father John Misty, Refree y los chilenos de Astro en el escenario Adidas. Sharon Van Etten y The Right Ons fueron los primeros en subir al escenario más concurrido del festival, precedidos por una de las bandas más esperadas: Kings Of Convenience, quienes ofrecieron un concierto tierno y algunos temas acústicos que, a juicio de algunos, cruzó la frontera de lo aburrido. Pero nuevas propuestas también asomaron aquel día; fue el caso de Inborn!, Astral Sound y, sobre todo, Demdike Stare, dúo que ofreció melodías turbias y esotéricas, mezcladas con sonidos industriales. El siguiente grupo, uno de los mejores de la noche, fue Beach House, que con una puesta en escena bastante sencilla y un humo denso que cubría las primeras filas, de forma extraordinaria interpretó ‘Wild’, ‘The Hours’, ‘New Year’ y ‘10 Mile Stereo’: de lo mejor de este festival. A esas horas el público ya se mostraba un poco castigado,

Beach House

pero la noche era joven y la escena más bailable estaba por llegar. Así, en medio de un ambiente disco apropiado para un sábado en la noche brilló, de forma incansable, St. Etienne, con su vestido de lentejuelas y boa de plumas, quien puso a la gente a cantar y bailar. Los que ahí estaban jamás podremos negar lo bien que la pasamos escuchando el cover a ‘Only Love Can Break Your Heart’, de Neil Young, entre otras. Y en el mismo escenario se presentaría, poco después, Justice, que también electrizó al público, aunque a un ritmo más desenfrenado, preparando a la gente para el gran final de la noche: Chromatics, Yo La Tengo y The Weeknd, pusieron su toque para hacer de la última fecha de este festival una jornada memorable. Finalmente, no podíamos perdernos a Washed Out y Neon Indian, dos bandas fuertes y divertidas, quienes oficialmente cerraron las actividades de Primavera Sound, en el Parc del Forum. Entrañables recuerdos, momentos irrepetibles y experiencias invaluables es lo que se vivió durante tres días en la ciudad del Mediterráneo español. 049

VICENTE GAYO!

Desarmar teorías

Por: Michelle Apple Fotos: Rubén Márquez para Sesiones Off Season

Con el verano nos llegan distintas propuestas musicales. De hecho, todos los géneros parecen converger en el corazón de esta estación del año, dotándola de un sabor ecléctico, único. Y precisamente en el espíritu del verano nos encontramos con Vicente Gayo!, banda originaria de Ciudad Satélite que, entre sus muchas virtudes, cuenta con poder licuar diversas sonoridades y amalgamarlas hasta conseguir su particular versión de lo que entienden por música.

›› Michelle Apple investiga fenómenos paranormales y colabora en WARP, puedes leer su entrevista con The Black Belles en WARP #46.

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summer edition

Su álbum debut homónimo (2009) logró captar la atención de un público hambriento de rock, electrónica y postpunk y, en 2012, la cuarteta integrada por Josué Ortiz, Armando Castellanos, Javier Sánchez y Alan Ortiz planea superarse, vía Despierta Y Vence, su nueva placa. WARP MAGAZINE platicó en exclusiva con la banda, previo a la extensa gira de promoción que los llevará a diversos puntos del globo. Su segunda producción de estudio es, sin duda, una de las más esperadas del año. ¿Por qué tardaron tanto en lanzarla? Javier Sánchez: Hubo distintos procesos de composición; además, tuvimos que combinar presentaciones, entrevistas con medios y demás compromisos, con la creación del nuevo disco. Realmente no encontrábamos espacio, porque teníamos mucha carga de trabajo. En la primera etapa optamos por que cada uno compusiera y creara canciones individualmente, para después aterrizar todas esas ideas los cuatro juntos. De esta manera nos dimos cuenta de que cada quien tiene un mundo en la cabeza en cuestión de instrumentos. Después salieron más conciertos y tuvimos que ponerle stop al disco. En la segunda etapa regresamos a ensayar. La tercera etapa fue cuando conocimos a Pablo Romero —integrante de la banda argentina Árbol—, con quien hubo mucha química, y terminó por producir el disco. En 10 años nunca habíamos trabajado con un productor; y fue muy raro tener a alguien que se involucrara en nuestra música. Fue un proceso tardado, pero gracias a Pablo logramos aterrizarlo bien: antes éramos muy clavados en el sonido y ahora ya nos animamos a experimentar con la letra, la estructura y el sonido. Alan Ortiz: Ya teníamos algunas canciones terminadas, pero nos faltaba evolucionar; así que nos enfocamos más en las letras y en la estructura de las canciones, para que sonaran por sí mismas y no por los efectos, cosa que no hicimos en el disco pasado. Tardó bastante porque no era el momento adecuado para sacarlo; pero ahora estamos felices con el resultado. ¿O sea que los sonidos y efectos desaparecieron de Despierta y Vence? ¿Dirían que este álbum es más serio? Josué Ortiz: Sí; de hecho giramos a algo más serio, porque es una nueva etapa: en este álbum usamos menos juguetes, lo que resultó en algo mucho más orgánico. Aunque, para no extrañar los juguetes, incluimos una canción llena de sintetizadores y efectos, y grabamos en vivo toda la sincronización. Lo demás fue algo más limpio y serio, pues le dimos un sonido característico a cada tema.

AO: Somos autocríticos: no queremos que nos vean sólo como la banda que combina rock con circuit bending. Le dimos la vuelta a este álbum, regresamos a los delays e incluso ocupamos instrumentos como el ukelele, algo que nunca pensamos utilizar en Vicente Gayo! ¿De qué van las letras en este material? ¿Están cargadas de política o para nada se centran en alguna temática en especial? JS: Tiene que ver, pero no estamos enfocados realmente en que sea “político” o “social”; el disco se puede englobar, más bien, en distintas temáticas. Y sí hay alguna canción que tiene relación con la rama social, aunque cuando la escribimos no estaba pasando todo este auge de marchas, movimientos y elecciones; ahora quizá tendría que ver con lo que está sucediendo en este momento en el país. El disco, en cuanto a sonido y letras, lo resumimos con el nombre Despierta Y Vence, que es una analogía del porqué estamos haciendo música, de cómo cualquiera puede lograr lo que se proponga si “despierta”. Como banda y como músicos, tenemos una responsabilidad de hacer algo honesto para la gente, de transmitirle propuestas y mensajes positivos. Vicente Gayo! es una banda diferente al prototipo que pulula. Ustedes son capaces de recorrer todo el país en una Van, con tal de complacer a sus seguidores. ¿Creen que el músico mexicano se ha olvidado de la tarea de abrir plazas? AO: En nuestro caso, lo hicimos para poder llegar a más lugares: esto es un trabajo. Nos gusta la música y estamos comprometidos con ella. Lugar a donde vamos, lugar donde mostramos profesionalismo. Queremos compartir la idea de que la música es una profesión tan importante y seria como ser abogado o médico. Pero también necesitamos descansar para hacer un buen trabajo. Y no siempre se va a poder ir en avión, pero podemos viajar en Van; y si funciona, la próxima vez llegaremos volando: la idea es abrir plazas. Y no somos los únicos: hay otras bandas que cuentan con esta ideología, como Descartes A Kant: venimos de la escuela del punk, del “hazlo tú mismo”, del “carga tus cosas, busca los medios, auto-promuévete”; así llegamos a donde estamos. ¿Cuáles son sus planes en el futuro inmediato? AO: Tenemos fechas: vamos al Festival Rock Al Parque, en Colombia; también vamos a Argentina, a Chile y posiblemente a una gira por Estados Unidos. Y tenemos ganas de tocar en Europa aunque, sobretodo, de hacer otra gira por el país y presentar este nuevo disco. 051

summer edition

BONNAROO 2012

Get some sun and have some fun Por: Paco Sierra Fotos: Sergio Gรกlvez y Paco Sierra para WARP

La cobertura de Bonnaroo 2012 es presentada por:

DÍA 1

Bonnaroo es diferente… No hay una descripción tan simple y llana como este adjetivo y tengo que aclararlo... Llegar desde México es algo complicado: sólo un par de aerolíneas llegan a Nashville, Tennessee, a través de conexiones en Dallas, Miami o Charlotte. Luego, un buen tramo de carretera para llegar al pequeño pueblo de Manchester: un viaje que tiene la cualidad, tan sólo, de impacientar la experiencia de Bonnaroo. Y al llegar al Great Stage Park, lo primero que resalta es la extensión del lugar; y no sólo por los ocho escenarios: es como una pequeña ciudad que revive un fin de semana al año. Los lugares para acampar son algo imponentes, y es que hay que considerar que la infraestructura hotelera del pueblo no debe alcanzar ni para hospedar al 15 por ciento de los asistentes, así es que la gran mayoría acampa en un mar de casas de campaña, campers, autos, camionetas, autobuses: la verdadera escenografía del festival… Bonnaroo es diferente. Sin ubicar todavía la posición de los escenarios, llegamos al This Tent para ver a los irlandeses de Two Door Cinema Club, que lograron llenar la carpa. Entre la espera y el hecho de que justo antes se había presentado tUnE-yArDs, fuimos testigos de los primeros golpes de calor entre el público: gente que pierde el conocimiento por unos segundos, pero que lo recupera después de una botella de agua fría. Lo más importante de Bonnaroo, sin embargo, es la riqueza de propuestas sonoras que puedes encontrar en sus ocho escenarios, así que no quisimos desaprovechar la oportunidad y llegamos al That Tent a ver a la inglesa Laura Marling, quien con su amigable 054

folk, mantuvo su carpa totalmente atenta a su voz, guitarra y banda. Pero el primer plato fuerte de Bonnaroo fue el dúo —portada de WARP MAGAZINE #44—, Rodrigo y Gabriela, que ahora está acompañado por el ensamble C.U.B.A. para interpretar nuevas versiones de sus temas, con arreglos más orientados a la música latina, pero que nunca dejan la esencia metalera distintiva de los mexicanos. El What Stage —el escenario principal— fue testigo del virtuosismo de este gran ensamble; Rodrigo y Gabriela se notan más relajados y comparten la presión con los grandes músicos de C.U.B.A., provocando que absolutamente todos disfrutáramos de su presentación. Por su parte, en el Which Stage Foster, The People ya había comenzado su presentación; alcanzamos a llegar para el final y escuchamos ‘Houdini’ y su canción más popular: ‘Pumped Up Kicks’. Así, llegó el momento más esperado no sólo del día; el que para muchos era el highlight de la edición 2012 del festival; se trataba de los originarios de Oxford: Radiohead. Puntuales, a las 22:00 hrs., pisaron el What Stage, encabezados por Thom Yorke. Un mar de gente se había instalado hasta cinco horas para verlos de cerca e hicieron que se complicaran los accesos a prensa. Al final, pudimos ubicarnos a un lado y lo que presenciamos fue sin duda una de las noches más memorables de Bonnaroo, pues Radiohead estuvo impecable desde el inicio, acompañados de los mismos visuales que vimos en sus conciertos de México y Coachella 2012: un recorrido por casi toda su discografía. La luna, que iluminaba el parque en tinieblas, hizo que el show se convirtiera en algo aún más íntimo; fue el escenario ideal para apreciar a una de las bandas más importantes de las últimas décadas.

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Feist

Radiohead

Little Dragon

The Word

Rodrigo y Gabriela

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summer edition Izquierda: Red Hot Chili Peppers Abajo vertical: Battles Abajo horizontal: Skrillex Más abajo izquierda: SBTRKT Más abajo derecha: The Temper Trap

DÍA 2

El sábado 09 de junio fue un poco menos caluroso que el día anterior y de ninguna manera impidió disfrutar la música. Antes de las 15:00 hrs. nos dirigimos al escenario principal para ver a los australianos de The Temper Trap, que con nueva producción tuvieron el pretexto perfecto para tocar muchas canciones de su nuevo repertorio. ‘Sweet Disposition’ fue guardada para el cierre de su set. Y no nos alejamos de ese escenario, pues queríamos ver el acto que a continuación se presentaría: SBTRKT, que sin mucha producción demostró ser uno de los números modernos más interesantes que han salido de Reino Unido en los últimos años. Y fue hasta las 22:00 hrs. en punto que toda la atención del festival se centró en el What Stage, el escenario principal, para ver la presentación de Red Hot Chili Peppers, banda que 056

logró reunir prácticamente a todos los asistentes del festival, momento por el que muchos esperaron durante horas, a un costado del escenario, para asegurar un buen lugar. Entonces sucedió el viaje nostálgico de una de las bandas más representativas de la cultura alternativa de los últimos años, misma que ha logrado establecerse entre las más relevantes. Su único encore fue contundente: ‘Suck My Kiss’, ‘Ethiopia’ —de su nuevo disco— y ‘Give It Away’. Red Hot Chili Peppers demostró así su grandeza en Bonnaroo. La verdadera acción, sin embargo, llegó a la 01:30 hrs. del domingo, en el Which Stage, con la presentación del DJ y productor Skrillex; y resultó sorprendente su convocatoria: aunque su acto en vivo no es mucho, en Estados Unidos es considerado un gurú del dubstep; así, sus mezclas y juego de luces fueron suficientes para enloquecer a la audiencia en todo momento.

SEGUNDA

TEMPORADA MARTES (10:30PM MX/BR | 11:00PM VZ)

WARP.la/warptv @WARPtv

@sonyspinla / @sonyspinbr

summer edition

DÍA 3

15:00 hrs. La oportunidad de vivir una de las emociones más grandes de cualquier melómano: tener en frente un pedazo de historia de la música contemporánea, The Beach Boys. Puntuales y con sonrisa en el rostro —excepto por un serio Brian Wilson—, los miembros originales de la icónica banda inundaron Bonnaroo de una vibra muy especial. La tarde era nublada, pero pareció que quien controla el clima entendió que The Beach Boys se tiene que escuchar con sol incluido; así que los primeros rayos de sol llegaron junto a ‘California Girls’ y ‘Help Me, Rhonda’. Y fue una absoluta fiesta para el cierre de ‘Rock And Roll Music’, ‘Surfin’ USA’ y ‘Kokomo’. Fue una atinadísima decisión del festival invitar a estas leyendas. Pero la tarde aún recibiría grandes bandas. Primero, otro acto de los más esperados, Bon Iver en el What Stage. A pesar de ser el proyecto de Justin Vernon, los demás integrantes de la banda aportan ingredientes muy particulares y enriquecen el

The Beach Boys

concepto Bon Iver. Alucinante ver por primera vez el acto en vivo de Bon Iver y qué mejor que en el marco de Bonnaroo. Al mismo tiempo, pero en el Which Stage, The Shins se encargaría de cerrar actividades en ese escenario. Un sonido elegante, sencillo, pero preciso el de la banda encabezada por James Mercer, fue suficiente para reconocer que es una de las agrupaciones más respetadas en la actualidad. El Bonnaroo 2012, lamentablemente, vivía sus últimos momentos y todos se reunieron en el What Stage para acompañar, durante cuatro horas, a Phish. Improvisaciones, covers, fuegos artificiales y una variedad de géneros fueron el broche de oro de esta edición. Después de tres días puedo reafirmar que Bonnaroo es dife-ren-te en el mejor de los sentidos, pues se respira y se vive buena música. Hasta el próximo año, Tennessee.

Kathleen Edwards

The Shins

Young The Giant

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UN VERANO MUY MUSICAL Y

MUY CALIENTE Por: Paul Stokes @stokesie

No hay nada como un poco de misterio para crear cierta expectativa. Si quieren una probadita, entonces estén pendientes del que probablemente será el mejor documental de música que veremos este año: Searching For Man Sugar, que narra la historia de Rodriguez, cantautor de los años setenta, quien a pesar de haber grabado dos álbumes brillantes dejó la música cuando falló en ventas y regresó a su trabajo de oficina (su padre, mexicano, se mudó a Detroit para trabajar en fábricas de automóviles). Fue entonces que sus cinco minutos de fama se terminaron, aunque no del todo… La película cuenta la historia de cómo, por casualidad, su música se esparció hasta ser reconocida, casi como la de Elvis, incluso en África. El truco fue que sus fans creyeron, genuinamente, que Rodriguez se había bajado del escenario para siempre; entonces nadie se molestó en contarle el éxito que había alcanzado. Cuando finalmente se descubrió que estaba vivito y coleando —25 años después—, se podrán imaginar la expectativa que se generó con su regreso a los escenarios, la cual captura perfectamente la película… La única cosa con la que podría comparar esto, sería si John Lennon, súbitamente, se apareciera en un escenario, con una sonrisa perpleja diciendo: “¿Dispararon? ¿A quién? ¿A mí?”. Searching For Man Sugar cuenta esta historia de una manera brillante, aunque me puso a pensar que tal vez, hoy en día, haya otros misterios como este en el mundo de la música, con demasiados detalles prosaicos twitteados, demasiadas historias completas de bandas —desde demos, hasta álbumes—, demasiada información sin sentido a disposición de todos. Por otro lado, sin siquiera haber escuchado una nota, Mystery es uno de los álbumes debut de fin de año que estoy esperando. La banda se llama Society —nombre que, a su vez, hace que la búsqueda en línea sea bastante redundante—, originaria de Reading, Reino Unido, y ha dado a conocer algunos detalles acerca de sí misma. Hay un rumor que dice que alguna vez fueron un grupo llamado Beggars, pero como no tuvieron éxito, nos deja con pocas pistas; y sin haber tenido página de Internet o cuenta de Twitter, sabemos muy poco acerca de esta banda. De hecho, a diferencia de la mayoría de los nuevos actos, cuyos primeros videos están basados en sus presentaciones, el primer video de Society es una pieza de animación espeluznante. Por supuesto Mystery estará increíble, pero lo que hizo a Rodriguez tan convincente, es que sus álbumes fueron clásicos ignorados; mientras tanto, no puedo ver el trabajo de Society

ignorado por mucho tiempo: ambos tienen en común la atemporalidad. ‘All That We’ve Become’, el sencillo de Society, es un remolino con cuerdas épicas, órganos de soul y una visión panorámica: es posiblemente la cosa más emocionante que he escuchado en lo que va de 2012, pues mezcla el sentido de justicia del sonido de The Verve, con el himno como alcance de David Axelrod: es algo que verdaderamente agita el corazón. Si quieren saber más, me temo que lo que puedo hacer por ahora es pedirles que vayan al canal de YouTube de Round Table Records y vean esto: http://youtu.be/wrOK1uqu_2o El segundo acto de Reino Unido que sugeriría por el momento, es Savages, aunque aquí la sensación de misterio proviene de un lugar diferente y más oscuro. Es una mezcla angular del ritmo de Joy Division, la voz de Patti Smith y una energía incontenible. Este grupo de chicas está dispuesto a provocar y son probablemente la banda con mejor acto en vivo de este año. La duda, desafortunadamente, es si lo lograrán o no como banda: en una época donde lo que tiene onda es barato, Savages son una rara excepción; son una banda que vale la pena alabar, pues son el grupo más vulnerable que he visto, tal vez, desde que The Libertines se desplomó. Y no hay bravuconería o arrogancia, al contrario: tensiones, despidos de managers y pasos en falso han sido jugados en público, mientras que la producción plana del sencillo debut, ‘Husbands/ Flying To Berlin’, no está a la altura de su reputación en vivo, que cada vez es mayor. Da miedo pensar que tal vez no durarán lo suficiente como para lograr lanzar su álbum, pero predecir es aburrido y ellas deberán sobrevivir y tener éxito, igual que vimos que Rodriguez, de 70 años de edad, resurgió como “Sugar Man”. Al final, estoy seguro, la recompensa artística será aún más dulce.

›› Paul Stokes es Editor Asociado de Q Magazine, una de las publicaciones más prestigiadas de Reino Unido.

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PUJOL

United States of PUJOL Por: Paco Sierra Fotos: Jonathon Kingsbury

Mientras algunos pueden divagar con mensajes ambiguos utilizando la música como un simple medio para llamar la atención, hay otros personajes que se toman con mayor responsabilidad el ser llamados artistas. Uno de ellos es Daniel Pujol, joven de 26 años, originario de Nashville, TN., que desde hace algunos años escribe música con conciencia.

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“Son muy, muy, muy energéticos. Y eso es bueno para comenzar. En tres o cuatro años sólo van a conseguir ser más y más grandes”. Jack White. Con ese respaldo, Daniel lanzó canciones en el sello de White, Third Man Records, bajo el nombre de PUJOL, para después llegar a Saddle Creek y lanzar su álbum debut United States of Being, en junio. Como cualquier literato social, explora y retrata, a través de 12 canciones, la cultura norteamericana de una forma cínica, que lo mismo provoca gritar y correr que sentarse un momento a reflexionar. WARP MAGAZINE platicó con Daniel durante la edición 2012 de Bonnaroo, evento que para él fue una especie de reunión de preparatoria, donde se encontró, como cada año, con viejos amigos que tomaron otros caminos, pero que cada verano toman el festival como punto de reunión. ¿Cómo comenzó este proyecto? Comencé al final de 2009 y el reto siempre ha sido llevar la música en vivo, porque cuando grabo, escojo a todos y dejo que toquen alguna parte; trabajamos en conjunto. Por otro lado, para tocar en vivo he cambiado la banda como siete veces en el último año y medio… es algo muy loco porque acabo siendo un maestro de música, ahora he mantenido a la misma banda por cuatro meses y me gusta mucho el ritmo que tenemos. ¿Cómo funcionó exactamente grabar United States Of Being? Hay un tipo en Nashville llamado Jeremy Ferguson, que tiene un estudio en su sótano y hay otro lugar en la ciudad, Battletapes. Lo grabamos juntos en esos lugares, también usamos una bodega/ estudio llamada Club Roar. Básicamente escogí las canciones y elegí con quién quería tocar en cada canción, e hicimos los bajos y baterías en Club Roar, en cuatro días, descansamos en Navidad y después tuvimos que grabar a cada persona hasta marzo… fue como dirigir una película; tienes tus amigos y hay aspectos de su personalidad que te gustan mucho, pero si tocan demasiado los juzgas de acuerdo a eso. Fue muy divertido tratar de obtener ejecuciones en particular que mostraran el mejor aspecto de su personalidad. Quería que sonara como gente tocando música en conjunto, hay sobregrabaciones, sí, pero quería convertirlas en una oportunidad creativa y asegurarme que todos los que tocaron sonaran como una verdadera banda, todos unidos. Es un método poco común. ¿Qué fue lo que te dejó, a nivel personal y/o profesional, el grabar de esta forma? Había grabado demos del álbum por mi cuenta, sabía cómo debía sonar pero pensé que si llegase otra persona lo tocaría a su manera, así que fue educacional para mí, porque si me sentaba a escuchar me daba cuenta de las diferencias, si no lo hacía dejaba pasar la oportunidad de conectarme con ellos. Así que el proceso fue ese básicamente, yo aprendiendo de nuevo las piezas que había escrito. Puedo sentir mucha energía en tu música, ¿de dónde viene? Creo que estoy empezando a comunicarme conmigo mismo y con otras personas. Piensas, sientes o creas algo fuera de ti, lo puedes observar y puede convertirse en una pieza de arte que puede comunicar. Creo que esa energía viene de mi deseo de comunicarme… para que yo no explote.

Debiste tener algún contacto profundo con la música para poder utilizarla de esta forma. ¿Cuáles han sido tus principales influencias? Crecí aquí (Tennessee), hay un montón de cosas sucediendo ahora, pero mientras crecíamos era sólo country, no teníamos Internet ni celulares y aunque surgían cosas, tardaban en llegar hasta aquí… así que mucho de lo que escuché eran estaciones de radio viejas; la recepción de las nuevas estaciones en Tullahoma no era muy buena, así que eran puros clásicos. En la colección de discos de mis padres había The Beatles, Bruce Springsteen, U2, Tom Petty, Louis Armstrong, música clásica, ópera, ese tipo de cosas. ¿Qué sigue para este proyecto? Mi meta número uno es hacer una gira por todo Estados Unidos y después salir a otros países. ¿Cómo podrías describir tu sonido para los que todavía no te conocen? Es rock n’ roll. Pero, ¿qué significa rock n’ roll en 2012? Mucha gente de mi edad que creció en el sudeste de Estados Unidos está aislada. Estuvimos expuestos a las cosas populares que se suponía teníamos que escuchar, canciones del Billboard 200, pero también había gente con la que crecí que escuchaba punk rock. El rock n’ roll en el siglo XXI es interesante, porque tienes ideas narrativas del punk rock que comenzó al final de los setenta y que siguió en los ochenta, mismo que después se convirtió en una actitud mainstream en los noventa. Luego hubo un par de cosas en los 2000 y se convirtió en algo confuso, que nadie sabe qué es: llegó la época de Internet en la que todos pueden grabar. Para mí, que vivo en Tennessee está la historia y tomó referencias de ella, trato de relacionarme con la gente y con cosas tangibles, que pueda tocar, entender y saber de qué tratan. El rock n’ roll en el siglo XXI, para mí, es como un enfriamiento de los dispositivos narrativos que implican un estado de negación, o argumentos como “nosotros contra ellos”, porque eso es muy común en la cultura actual, está bien visto salir en la televisión con delineador y decir “odio al presidente” o “a la chingada todo”. Si hay cualquier tipo de subversión o elemento normativo en el rock n’ roll no puede ser eso, porque ese es el lenguaje de la industria comercial, es el elemento que vende: “siéntete mal y compra otro disco, no cambiarás la situación, sólo compra otro disco”. Así que mi conclusión sería que es un experimento con relaciones, la dignidad humana, comunicar energía sin sentir rabia… no concebir al “malo establecido” y no escribir canciones que como consumidor te permitan relacionarte con el narrador, que es un “nadie me entiende, tengo la razón de todo y odio a todos”, además de no permitir que la canción llegue a justificar todo lo que sientes, todo lo que piensas y no ser el centro del universo… ¡No ser el centro del universo! Eso es rock n’ roll en el siglo XXI. Daniel Pujol cumple con uno de los deseos de cualquier compositor: ser recordado por sus letras, por sus mensajes. “I don’t want to die but living is tricky I was born here but I don’t know why to survive, I must try to buy myself some peace of mind”. 063

Lana Del Rey

FESTIVAL SÓNAR 2012 Por: Alberto Noriega Fotos: Daniel Burgos para WARP

El Festival Sónar, Festival Internacional de Música Avanzada y New Media Art de Barcelona, arrancó el día jueves 14 de junio en las instalaciones del CCCB, MACBA y la Fundación Mies Van Der Rohe. Presentó más de 150 propuestas entre conciertos, música experimental, exposiciones, proyecciones y actividades para profesionales que buscan lo último en tecnología para la creación artística.

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Este año, el festival demostró que es una de las citas culturales de mayor proyección internacional —en parte, por las ediciones que, durante este mismo 2012, se realizaron en São Paulo, Tokio y Cape Town— y WARP MAGAZINE pudo acreditarse como uno de los 850 medios, de 40 países, que gracias a la organización y savoir faire catalán, pudieron hacer un seguimiento exhaustivo de todo lo que sucedió en el Sónar Festival 2012. Y lo que vimos fue un deseo de romper con ediciones anteriores y apostar por la renovación de géneros. Un ejemplo: el house, con grupos como Totally Enormous Extinct Dinosaurs, Maya Jane Coles, Azari & III, Julio Bashmore, Ital, Nina Kraviz y John Talabot. Otro caso es el pop electrónico, tan en auge en Europa con representantes como Austra o LA Vampires, sin olvidar la nueva escena de la bass music: Untold, Scratcha DVA, Cooly G; o la influencia del juke de Chicago: Dj Rashad & Dj Spinn, Nightwave o Nehuen. Se trata, pues, de un festival de experimentación y new media; por ello tiene propuestas que lindan en la transgresión y experimentación, con la participación de grupos con un reconocimiento enorme, como Squarepusher, Flying Lotus, Mouse On Mars o Nicolas Jaar. Cada año, además, el Sónar tiene un hueco para la extravagancia y, en esta ocasión, la invitación a Lana Del Rey para ser cabeza del Festival no dejó de sorprender, resultando un acierto total (incluso en el escenario), aunque más destacaban por su rareza y personalidad singular Die Antwoord, Daedalus Archimides, Deadmau5 o Masaki Batoh, quien hace música con las ondas cerebrales de alguien en el público. Con nombres así, la diversión y la diversidad estuvieron aseguradas para todos. Pero la organización quiso ir más lejos y este año

saldó su deuda histórica con grupos tan influyentes en la historia musical de nuestros días, como New Order. Y si de clásicos se trataba, a nadie dejó indiferente la presencia de The Roots, el mejor grupo de hip-hop y clásico contemporáneo, como en su ámbito lo son Richie Hawtin y Laurent Garnier. La experimentación estuvo a cargo de referentes ineludibles: Alva Noto y Beytone en su proyecto conjunto Diamond Version. Como curiosidad, el ex bajista de Led Zeppelin, John Paul Jones, se unió a los noruegos de Supersilent y el resultado es inenarrable: no hay palabras para describir el grado de experimentación y noise bizarro que supieron darle a su free-jazz. Pero la fiesta más grande ocurre por las noches y este año se ofreció a los visitantes una experiencia multimedia completa. El exagerado énfasis lumínico, con una puesta en escena digna de un gran festival, dio espectáculos audiovisuales sublimes de artistas “tecnológicos” como el afamado Deadmau5, quien presentó gráficos en 3D, además de su famoso casco, con luces cambiantes. Amon Tobin ISAM fue otro espectáculo visual digno de apreciar, mezclando proyecciones generadas por computadora en su escultura de cubos. También destacó Modeselektor y el espectáculo casi circense de Fat Boy Slim; el show de Daedalus Archimides, con 24 espejos en el escenario; los tubos fluorescentes a modo de guitarra (suena raro) de Diamond Version; y la música generada a partir de ondas cerebrales del artista japonés Masaki Batoh (muy raro). Sónar es un terreno para todo tipo de música y este año la variedad y la calidad, definitivamente, se encontraron en todos sus escenarios.

Arriba izquierda: New Order Arriba derecha: Friendly Fires Abajo izquierda: Hot Chip Abajo derecha: Austra

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LE BARON Ecos de Luz

Por: Leonel Hernández Fotos: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

La banda Le Baron es una de las propuestas más influyentes en la generación de músicos mexicanos que hace unos pocos años dio el gran salto del mundo indie a la escena rock. Después de dos años de ausencia Le Baron regresa este verano, estrenando su nuevo material, Magnetismo Colectivo. WARP MAGAZINE tuvo la oportunidad de conversar con sus integrantes sobre esta nueva placa, una de las más esperadas del año.

¿Por qué tardaron tanto en regresar? Su ausencia fue muy notable en estos últimos dos años… Daniel Peña: Durante los dos años posteriores a Esplendor, el último disco, nos fuimos a una casa en el Desierto de los Leones y nos pusimos a componer. Otra de las razones por la cual nos tardamos en sacar el material, fue que queríamos trabajar específicamente con Phil Vinall y para que nuestras agendas nos lo permitieran pasó algo de tiempo. Pero estuvimos tocando con Zoé en su gira acústica y también hicimos muchas maquetas.

lleno, que este disco lo hiciera desde el principio. Durante la gira que hicimos con Zoé, la relación con Phil terminó de cuajar: nos hicimos grandes amigos, le enseñamos maquetas y, cuando llegamos al estudio, fue en el contexto de una relación más sólida. Ya en el estudio no sabíamos qué iba a suceder, pero todo salió de maravilla. Y es que hacer un disco con Phil es más como un campamento: uno aprende muchas cosas, no sólo musicalmente hablando, sino cosas de la vida misma. Es un gran amigo y fue una gran experiencia compartir con él.

Eduardo Limón: Estuvimos muy activos como banda, aunque no estábamos en escena. Pero tocamos mucho en los estados del interior; aquí en el DF no tanto como hubiéramos querido, pero sí estuvimos muy activos. También nos cansamos un poco, sinceramente, de tocar tanto en el DF: es una ciudad centralizada y, después de sacar Esplendor, tocamos mucho en la capital; por eso, después de darle promoción al disco, quisimos salir a tocar a otras ciudades del país; hicimos un Rockampeonato y la gira que ya mencionábamos con Zoé. A veces parece que te “desapareces” un poco, pero la verdad es que, como no hay disco nuevo, es una mera sensación.

¿Phil Vinall le dio una nueva dirección a las canciones que ya tenían armadas? ¿Qué tanto influyó en el sonido de este disco? Mariana Mirelman: Cuando estuvimos en el Desierto de los Leones, grabamos unas 40 canciones y le entregamos a Phil casi todo hecho. Aquello se trató, casi casi, sólo de abrir la sesión y palomear lo que funcionaba. Y lo que me gustó mucho de Phil es que respetó mucho las canciones: casi no les cambió nada.

¿Cómo fue trabajar con Phil Vinall? Olmo Guerra: Fue toda una experiencia. Ya habíamos trabajado juntos, pues Phil se encargó de mezclar el disco anterior; pero como dice Daniel: teníamos muchas ganas de trabajar con él de

DP: También nos ayudó a arriesgarnos en algunas canciones; por ejemplo: en el sencillo ‘Celebrar’ suenan tres bajos al mismo tiempo, y esto es algo que igual y a nosotros no se nos hubiera ocurrido jamás. Esto es parte del aprendizaje que tuvimos con Phil.

OG: Phil respetó mucho las canciones: nos ayudó a que las rolas dieran su máximo, respetando su esencia, lo que funcionó como una guía muy clara de hacia dónde podían dar más.

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¿Cuál es la diferencia entre este disco y sus trabajos anteriores? EL: La producción de Phil es una de las cosas diferentes. En esta ocasión trabajamos con Phil desde el principio, lo que se notó en el sonido. Antes ya habíamos trabajado con Yamil Rezc y los estilos son muy distintos: con Yamil trabajamos en tiempos más largos, mientras que con Phil nos encerramos en un estudio llamado Fat Man —al lado de Luis López, que produce a bandas independientes— y el desarrollo del disco fue diferente. Y es que todo tuvo que ver: nuestro desarrollo como banda, la manera en la que compusimos las canciones, grabar en un estudio más grande, más en forma. Ahora ya nos conocemos más como músicos y como personas. Antes nada más componía cosas en la guitarra, se las pasaba al resto de la banda y todos hacían arreglos; en esta ocasión, si alguien llegaba con toda un idea, entre todos la terminábamos o, en algunos casos, alguien tomaba una idea ajena, le metía su parte y se la regresaba al otro por Internet… En fin, no todas las rolas salieron así, pues muchas salieron en el mismo cuarto de ensayo. Además, esta vez sí compusimos muchas canciones —más de 50— y todas fueron pasando por un proceso de filtro, hasta que llegó Phil, que fue el curador final del disco y escogió los mejores 10 cortes. MM: Y no es qué no vayamos a usar las canciones que quedaron fuera, pero estos 10 cortes son los que nos representan mejor a nosotros y a la energía que en este momento tenemos como banda.

¿A qué suena este Le Baron? DP: Suena a Olmo, Dan, Lalo y Mariana… Y a Phil. OG: Creo que suena más a Le Baron. EL: Definitivamente suena más a Le Baron; seguimos con los sintetizadores: estamos enamorados de los sintetizadores; pero le metimos más guitarras. Y creo que también suena a son jarocho, porque le metimos jaranas. Y suena a muchas colaboraciones con amigos que estuvieron en el camino con nosotros y que participaron con violines o cajas de ritmos: todo eso también se ve plasmado. Y es que no son las ideas de nosotros cuatro, sino de mucha gente que está con nosotros. DP: Esa también es una gran diferencia respecto a los discos pasados: ahora intervinieron muchas más personas. En el estudio donde hicimos las maquetas cabía mucha gente y muchos amigos de otras bandas, gente que toca otros instrumentos, intervinieron directamente en la grabación con sus ideas y su talento. También se incorporaron los chavos de la banda Pyro, haciendo unas guitarras y, pues bueno, cuando lo escuchen se darán cuenta de que este Le Baron tiene muchos sabores, lo que lo vuelve un Le Baron mucho más interesante.

›› Leonel Hernández es poeta y traductor, puedes leer su entrevista con Stewart Slade de Munich en WARP #46.

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SOBREVOLANDO

EL SUBSUELO Por: Marc Dorian @marcdorian

El panorama musical internacional actualmente está muy abierto. Lejos de existir una corriente dominante, conviven géneros y subgéneros, revivals y refritos, llegando a producir algunas veces extrañas mutaciones que dan lugar a proyectos interesantes. Más que de bombazos futuros, en este artículo hablaremos de algunas bandas inquietas que de seguro, en los próximos meses, darán de qué hablar. Todas ellas tienen en común dos cosas: frescura y falta de prejuicios a la hora de mezclar estilos, además de haber publicado —o estar a punto de publicar— su primer trabajo discográfico.

Empezamos… Desde Reino Unido nos llega Alt-J (∆), banda creada por Gwil (Joe Newman), Gus Unger-Hamilton y Thom Green, estudiantes de la Universidad de Leeds, a los que unió la necesidad de desarrollar un estilo que desdibujara las barreras entre géneros. An Awesome Wave, su álbum debut, es una amalgama de avant pop, indie, folk y hip hop a la que la voz en falsete otorga un aire soul que confiere al proyecto una marcada personalidad. Alt-J (∆) te gustarán si te gustan TV On The Radio y Gnarls Barkley. En algún lugar entre Cocteau Twins y Beach House de sitúa Elephant, dúo formado por Amelia Rivas y Christian Pinchbeck. Tienen varios EPs a sus espaldas, siendo Assembly el más reciente de ellos. El siempre avispado equipo del sello Memphis Industries, con estas joyas dream pop de tintes electrónicos y psicodélicos, vuelve a notarse en busca de la canción perfecta, mientras la evocadora voz de Amelia sobrevuela el espacio de tu habitación… Desde Argentina, pero por la vía del sello chileno Quemasucabeza, nos llega Coiffeur, el proyecto del cantautor Guillermo Alonso quien, en su EP Nada, barniza de electrónica sus delicadas melodías pop de fraseo perfecto. Escribir letras en español no es fácil, pero Guillermo Alonso consigue que lo complicado parezca simple. ¿Y acaso no es esta la grandeza del pop independiente bien hecho? Coiffeur te gustará si te gustan The Magnetic Fields, Dominique A y Gepe. Permaneceremos atentos a sus próximas referencias. Ahora un poco de Brooklyn. Cierto es que, en ese punto concreto del planeta Tierra, la altísima densidad de bandas por me-

tro cuadrado a menudo no deja ver el bosque, pero no es menos cierto que lo que destaca por algo será. Milagres es un proyecto que te entusiasmará si te gustan los Wilco más experimentales, así como The National o Radiohead. ¿Es el caso? Entonces escucha su álbum Glowing Mouth. Barcelona vuelve a darnos alegrías. De reciente publicación en México, vía Terrícolas Imbéciles, encontrarán el espléndido álbum de Pegasvs, de título homónimo. Este dúo ha sacudido el subsuelo español y no ha sido a base de rescates financieros, sino de melodías krautrock y dream pop cantadas en español. Máquinas análogas, sinfonías espaciales y ritmos machacones que harán las delicias de los seguidores de Suicide, Neu! y los Primal Scream más electrónicos. Destacable y susceptible de ser seguida de cerca es también la propuesta de Boreal, unos jovencísimos barceloneses cuya mezcla de shoegaze, IDM e indietrónica ya ha empezado a llamar seriamente la atención de los medios de comunicación españoles. Escucha Grecia (EP), publicado por el siempre inquieto sello Irregular. En México, a la excelente noticia de la publicación de bandas noveles tan inquietas como URSS Bajo El Árbol o Robot Junkie Paradise, deberíamos añadir lo nuevo de Vicente Gayo. Estos maravillosos lunáticos han dado con Despierta Y Vence un paso más allá respecto a anteriores referencias, acentuando por un lado su gusto por la electrónica más inquieta y, por el otro, sus raíces latinas. Un trabajo que debería colocar al combo de Ciudad Satélite en la primera división de la escena indie nacional, ayudándoles además a dar ese importante paso hacia el extranjero.

›› Marc Dorian es líder de la banda originaria de Barcelona, Dorian. Puedes leer su entrevista exclusiva con AMLO en #WARP 47.

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THE TEMPER TRAP The sea is calling Por: Paco Sierra Foto: Cortesía TTT

Verano, la época del año en la que todos buscan de alguna forma estar en contacto con el sol y la naturaleza, en lugares abiertos, para disfrutar de la música y recolectar canciones que quedarán como parte de nuestros soundtracks personales. Las ofertas son prácticamente infinitas, pero las respaldadas de un ya clásico como ‘Sweet Disposition’ son pocas.

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The Temper Trap, el ahora quinteto australiano, nos ofrece con su regreso 12 piezas para que escojamos alguna, las cuales forman parte de su segundo álbum de estudio, titulado con el nombre de la banda y producido por el nominado al Grammy, Tony Hoffer, quien ha trabajado con artistas como Beck, Foster The People, M83, The Kooks, Depeche Mode, Supergrass y Air. Sabiendo esto: garantía segura. Pero Dougy Mandagi, Jonathon Aherne, Toby Dundas, Lorenzo Sillitto y Joseph Greer ofrecen aún más: su talento en vivo. Después de presentarse en más de 100 festivales alrededor del mundo y estar de gira de 2009 a 2011 (incluida una parada en el Corona Capital 2010), promocionando su exitoso álbum debut Conditions, regresan para hacerlo todavía con más vigor. Y desde que los vimos en la más reciente edición de South By Southwest fuimos testigo de ello. Ahora, tuvimos la fortuna de volver a toparnos con ellos en uno de esos lugares ideales para disfrutar el verano y la música: el marco del espléndido Bonnaroo Music & Arts Festival 2012, en Manchester, TN. A tan sólo unas horas de haberse presentado en el escenario principal, What Stage, y siendo esta su segunda experiencia en tan importante evento, platicamos en exclusiva con el bajista de la banda, Jonny Aherne: “La primera vez que tocamos en Bonnaroo fue durante una de las primeras giras por Estados Unidos, y realmente sentimos que teníamos que entregar todo de nosotros; esta vez, con el segundo álbum, seguimos sintiendo lo mismo porque hay mucha gente que todavía no escucha estas canciones, el álbum acaba de salir. Afortunadamente tuvimos más gente en esta ocasión, entre 15 mil y 20 mil personas. La primera vez tocamos en una carpa a la que llegó menos público, pero es maravilloso que nos hayan invitado de nuevo y ahora al escenario principal.” Los festivales en general, y más uno como Bonnaroo, tienen esta vibra especial. ¿Qué es lo que más te llama la atención? La gente habla de lo especial que es Bonnaroo, comencé

a preguntarme el porqué y creo que todos buscan pasar un buen rato, simplemente quieren divertirse, no están aquí para juzgar, sólo están para disfrutar la música que siempre crea una buena vibra y para nosotros es más fácil tocar así… todos nos divertimos. Cuéntame de este nuevo álbum… Es homónimo, no pudimos decidir un nombre, lo discutimos y finalmente decidimos nombrarlo The Temper Trap. Hay un gran rango de canciones, hay canciones como ‘Rabbit Hole’, que estrenamos en YouTube, y está el primer sencillo, ‘Need Your Love’, que representan los extremos del espectro; una es “arty”, con cierta melancolía y un final poderoso, y la otra es más “poppy”. Cuando escucho de nuevo el disco encuentro que hay una canción para todos los gustos, nos hemos desarrollado como compositores, experimentado con nuevos instrumentos y hemos tratado de mantenernos lo más creativos posible, siempre mentalizados en avanzar, y esperamos que estas nuevas canciones le gusten a la gente. En México nos quedamos con un excelente recuerdo de The Temper Trap… Jonny: Cuando nos preguntan cuáles han sido los “highlights” de nuestra carrera hasta ahora -y es que hemos tocado en muchos festivales (risas)- uno de ellos es, definitivamente, cuando tocamos en un festival en la Ciudad de México. No teníamos idea de que tanta gente apreciara nuestra música ahí, el público fue muy receptivo… y tuvimos uno de nuestros mejores shows, así que definitivamente estamos listos y queremos tocar otra vez en México. La más reciente producción de The Temper Trap parece que atrapó la esencia de una ciudad como Los Angeles, CA, lugar donde fue grabada, pues está compuesta por piezas que musicalizarán esos días soleados o lluviosos, de descanso o de fiesta, de reflexión por un corazón roto o de simple rebeldía, que serán parte de nuestro entorno, tal como hiciera ‘Sweet Disposition’ hace no mucho tiempo.

Foto de Rubén Márquez para SesioneS con Alejandro Franco

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A PLACE TO BURY STRANGERS The perfect incentive to worship Por: Karina Luvián Fotos: Emily Berger y Julie Schuchard

Vivir el presente exitoso, buscar enfrente y pocas veces atrás es lo que numerosas bandas hacen hoy en día, no mirando la música con la frescura de la primera escucha sino con la desgastada, establecida e influenciada opinión forjada a través de años de experiencia en la industria. Sin embargo y pese a haber nacido hace once años, A Place To Bury Strangers toma la dirección contraria y hace un viaje al pasado, a la juventud de cada uno de sus miembros en la que descubrían la música sin saber exactamente qué eran aquellas armonías, que lo mismo te llevan a la excitación que a la melancolía.

“Nuestra música es lo que llega naturalmente a nosotros, y está mayormente influenciada por una versión más joven de nosotros mismos”, asegura Oliver Ackermann, guitarrista y vocalista de APTBS -por las siglas de la banda-, en entrevista exclusiva para WARP MAGAZINE. “Es realmente un reflejo de lo que imaginábamos que era la música cuando éramos ingenuos, incluso para saber lo que ésta era en realidad”, continúa el músico, quien además afirma que la creación se convierte “en algo muy difícil de hacer en cuanto te vuelves más consciente de lo que es, cuando todos los misterios se revelan y tienes que concentrarte en una innegable verdad”. Así que, alejados de una viciada post-concepción, “las bandas que fueron mayor influencia son la idea de lo que Dinosaur Jr., The Ramones y Lightning Bolt sonaban cuando era más joven.” Constituida por Dion Lunadon, Jason Weilmeister y el mismo Ackermann, la banda originaria de Nueva York ha sido considerada la más ruidosa de aquella ciudad, hecho que se confirma con Worship y sus magníficas distorsiones, pero que también resulta en una aseveración condensado a partir de la evidente inclusión de melódicas piezas. Y es que aún en el desastroso estallar de diferentes canciones, existen aquellas que tranquilizan, que armonizan, que hacen de este material y de esta agrupación una de las más interesantes de este verano. “Sólo dejamos que las canciones hagan lo que quieran hacer. No intentamos forzar nada; es realmente donde creo que nuestro subconsciente escribe el disco y nosotros sólo lo grabamos”.

Talentoso subconsciente habría que decir entonces, pues mientras ‘Dissolved’ tiene un ambiente tranquilo al principio y una esencia incluso bailable al final, ésta se une inesperadamente a la larga pieza post-punk ‘Why I Can’t Cry Anymore’: “Elegir y acomodar cada una de las canciones que componen esta grabación fue, realmente, una mezcla de lo que Dion y yo trabajamos en una etapa en la que escribimos tantas canciones como nos fue posible, llegando al punto en que cada tema fue una reflexión de lo que estábamos atravesando como personas. Algunos momentos son buenos, otros son complicados, eres feliz y luego te deprimes, así es la vida y así fue como la grabación sucedió.” Pero, cómo es que deciden empezar a grabar un nuevo disco, luego de la salida de los exitosos A Place To Bury Strangers (2007) y Exploding Head (2009). Sobre los detalles del disco y el momento en que empiezan a trabajar, el nacido en Allentown, Pennsylvania, detalla: “Worship fue escrito en octubre y noviembre de 2011, en su mayor parte. Luego grabamos el disco durante año y medio porque no estábamos contentos con la forma en que fue tocada la batería durante el primer año; finalmente, luego de que desechamos todo, encontramos a otra gente para grabar. De este modo, el disco fue producido, masterizado, escrito… todo, por Dion y yo. Siempre estamos pensando en grabar y no podemos esperar a hacerlo todo el tiempo, así que cuando estamos en casa la pasamos en el estudio que tenemos, para estar trabajando.

›› Karina Luvián es Coordinadora Editorial de WARP MAGAZINE, puedes leer su entrevista con The Volture en WARP #46.

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Luego de enfrentar diferentes cambios en su alineación, quienes hoy conforman APTBS pueden presumir de una exitosa integración y entendimiento, cuyo resultado es un disco de once canciones lanzado por el sello Dead Oceans, luego de dejar las filas de Mute Records. Sobre este cambio, Ackermann dijo: “Mute fue un gran sello para nosotros, pero luego EMI quebró y tuvimos la opción de cambiar, convirtiéndose Dead Oceans en una oportunidad genial para crecer, pues sentimos que eran los mejores para nosotros en el estatus actual en que se encuentra la industria de la música.” Con una voz que encaja y complementa su sonido, Oliver susurra al oído composiciones sentimentales, por lo que fue inevitable inferir algún tipo de influencia particular para su creación. “I start to fall, I lose control, I try to turn, I start to roll. 076

I can’t hold on, moving so fast, I wish I had the chance to do it all again”, canta en ‘You Are The One’, mientras que en ‘And I’m Up’ el coro sentencia: “Either way I choose, the choice is wrong. So I’ll choose wrong, always choose wrong”. ¿De dónde surgió la inspiración?: “Es realmente un montón de cosas personales, de las cuales usualmente no hablo mucho: la pérdida amorosa, situaciones jodidas, rompimientos, estar enojado con el mundo y demás emociones son los sentimientos que usualmente sacan las letras con la más intensa inspiración.” Intensidad, palabra que guía el actuar de A Place To Bury Strangers bajo la controversia de si resultan ser la repetición de un sonido gastado o la ejecución de algo que viene del pasado, con la frescura del primer encuentro juvenil. ¿Que si podría haber una próxima visita de la triada a México? “Eso espero. ¡APTBS ama México!”.

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NO GLASTO THIS TIME

Extrañando la granja este año Por: Alejandro Franco Fotos: Sergio Gálvez para WARP

Algunos dicen que la justa olímpica de este año en Londres impidió que el festival Glastonbury se llevara a cabo, por la sencillísima razón de que no habrían suficientes baños públicos disponibles para ambos eventos, mientras que Emily Eavis (hija de Michael Eavis, fundador del evento hace más de 40 años) aseguró que este año sabático es siempre necesario cada cierto tiempo, para descansar el terreno y dejar que los cuidados debidos y la misma naturaleza hagan efecto en este increíble lugar, dejando todo en su estado ideal, luego de recibir cada año a casi 150 mil personas, en cuatro o cinco días de mucha música, fiesta y, casi siempre, lodo. El tema es que extrañamos mucho estar en ese mágico lugar este 2012. Para este servidor y esta publicación, Glastonbury es siempre el banderazo oficial al verano y un eterno referente de cómo tendrían que ser los festivales musicales en todo el mundo. Y es que después de 40 ediciones, es el único que se sigue haciendo por las razones correctas. El 70 por ciento aproximado de lo que recauda se destina a asociaciones como Greenpeace y OXFAM, entre muchas otras, y no ha caído en las tentaciones de condicionar o determinar su contenido por ser comercialmente apoyado por patrocinadores. No hay marca que lo presente ni que lo represente, Glasto no se vende empaquetado ni busca ser un negocio frío, que deje de lado el auténtico espíritu hippie con el que inició y con el que se sigue llevando a cabo. Los miles de voluntarios que trabajan en cada Glastonbury, los fees (sueldos) especialmente menores que cobran todos

los artistas (U2 incluido) por tocar ahí, aunados a la tradición de los que asisten desde siempre o que, desde su primera vez, adoptaron la costumbre (como esta publicación y un servidor), dejan siempre claro que actualmente existen muy pocas cosas en la industria musical mundial tan reales y auténticas como nuestro festival favorito. Y aunque este año suplantaremos la experiencia con el FIB (Benicàssim) en vez de Glasto, debo confesarles que ya me muero por pisar esa granja de nuevo y preguntarme qué demonios me motivó a ir a ese lugar, cuando mis wellies (botas de lluvia) estén repletas de lodo, mi casa de campaña gotee tanta agua como para por fin bañarme y alguno de mis grupos favoritos me esté haciendo llorar como bebé. Hasta 2013 Glastonbury.

›› Alejandro Franco es Director General de WARP, creador y conductor de SesioneS con Alejandro Franco y conductor del show de radio Backstage 40.

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BEACH HOUSE Wild Myth

Por: Diovanny Garfias Fotos: Cortesía Arts & Crafts México

Siempre es difícil definir el sonido de una banda; y es que puedes compararla con algunas y referenciarla con otras, aunque al final la conclusión será la misma: cada agrupación y su sonido, bueno o malo, son únicos. Precisamente en algún punto entre lo sublime y etéreo está Beach House, así como su nuevo álbum, Bloom. La cautivadora voz de Victoria Legrand, en combinación con las melodías embriagantes de Alex Scally, hace de la dupla de Baltimore uno de los proyectos que más ha llamado la atención durante los últimos seis años. Su álbum Teen Dream se colocó como uno de los más destacados de 2010, llevándolos a tocar en varias de las más importantes coordenadas del globo. Dos años después, el proyecto afirma que, más allá de atmósferas minimalistas y sonoridades embriagadoras, aún hay terrenos inexplorados, lo que demuestra de la mano de su más reciente producción discográfica, una de las más aplaudidas de 2012: el complemento perfecto para un verano agridulce.

›› Diovanny Garfias es Editor en Jefe de WARP MAGAZINE, lee su entrevista con Band Of Skulls en WARP #46.

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ARP MAGAZINE platicó en exclusiva con Victoria Legrand, quien no sólo diseccionó su trabajo, sino que compartió sus impresiones respecto a Internet, los shows en vivo, los detalles detrás de su colaboración con Air e incluso sus impresiones luego de haber sido plagiados intelectualmente por una muy importante agencia de publicidad. Teen Dream fue un álbum muy exitoso, uno que muchas bandas quisieran tener dentro de su discografía; pero también es difícil de igualar. ¿Se sintieron presionados mientras componían Bloom? No, en lo absoluto; ni con Teen Dream, ni con ningún otro álbum: estamos haciendo algo en lo que creemos y eso es lo que nos impulsa, principalmente. Tratamos de movernos rápido de disco en disco, es cierto: somos gente que todo el tiempo está fluyendo y generando ideas nuevas. De alguna forma, estábamos conscientes del éxito que Teen Dream había conseguido —mucho mayor al de nuestros otros discos—, pero creo que se debe a que pudimos llegar a más gente, gente que se dio cuenta de que existíamos. Creo que, al final del día, no es algo en lo que pensábamos mientras hacíamos este disco, ni creo que lo haremos cuando hagamos otros: vivimos el presente y dejamos atrás el pasado. En Bloom se siente una diferencia sonora respecto a otros de sus trabajos. ¿Este proceso creativo fue muy diferente a los anteriores? El proceso creativo siempre es algo único. Creo que, tanto para Alex como para mí, esta es una constante. La forma en la que trabajamos ha sido la misma durante ocho años: esta es una especie de arregloy aunque soy una persona muy controladora, lo bueno es que también sé cuando dejar que las cosas fluyan. Pero en términos de creatividad, todo nos inspira. Creo que la creatividad está enfrente de ti y en todos lados; así que, personalmente, cada vez que estamos escribiendo un álbum, el sentimiento general de estar emocionado o intrigado por una idea, es algo muy interesante: te lleva a un lugar en el que quieres estar; a ese lugar donde tienes privacidad sin distracciones. El proceso creativo es siempre el mismo; el hecho de que Alex y yo escribamos todo, es algo que no ha cambiado. Y básicamente es una gran contradicción, ya que cada álbum es diferente, con diferentes canciones, donde cada canción tiene diferentes historias detrás de sí. Trabajaron de nueva cuenta con Chris Cody, el encargado de Teen Dream, en la producción… Decidimos trabajar con Chris desde el principio, porque él sabe cómo lo hacemos y lo que nos conviene; además, nos sentimos muy cómodos estando con él, y es que hacer este disco fue muy 082

intenso: tan sólo grabar nos tomó alrededor de siete semanas y mezclarlo otro tanto; empezamos a mezclarlo en el estudio donde grabamos y lo terminamos en Nueva York. Grabar siempre es un proceso intenso: sólo lo puedes completar si en verdad crees en lo que estás haciendo: hay presión y conflictos de tiempo, pero en conjunto es un gran momento, uno hermoso. Lo que hicimos con Chris está lleno de eso: él es de Baltimore, como nosotros; entiende de dónde venimos y nunca hemos trabajado con un productor que no nos entienda. Si seguimos trabajando con Chris, es probable que no trabajemos con ningún otro productor en el futuro [risas]. Ya hablamos de las diferencias que hubo en los procesos que dieron origen a éste y a su disco anterior, pero, ¿cuál es, desde tu perspectiva, la principal diferencia entre ambos? No puedo decirlo con certeza, pero puedo hablar de nuestra firma, que es el corazón de Beach House: nuestras canciones. El poder de una canción es una de las cosas más importantes para nosotros, la cual compartimos. Preguntar cómo “suena” algo, es la forma más superficial de escuchar música: las comparaciones son tonterías; tienes que hablar de las canciones. En lo personal, creo que las canciones de Bloom son enormes; hay mucha música allí y creo que cada una te lleva a un lugar diferente; siento que son más grandes que las canciones de Teen Dream. Así es como yo lo veo: nosotros somos los compositores, los creadores de todo esto y conocemos de principio a fin cada canción. Al final, sin embargo, cada canción responde a qué y cómo te sientes tú cuando la escuchas. Actualmente se encuentran de gira, quizá la más larga que han hecho hasta la fecha. ¿Cuál ha sido la respuesta del público y su experiencia en estos conciertos? Cada show es diferente y esa es una de las razones por las cuales la gente va a los conciertos: es una experiencia muy física. Pero creo que la gente debiera saber que no somos un dúo: somos un trío pues, aunque básicamente somos un dúo en la composición, como banda somos tres personas; Daniel Franz es nuestro baterista y hemos estado tocando en vivo tres personas desde 2008. Así que, definitivamente, hay una vibra muy especial en el escenario, que hace que la gente venga a nuestros shows; y es que tocar en vivo es algo muy fácil para nosotros, pues no hay partes elaboradas; tocar el teclado, para mí, es muy fácil y nunca integrar cosas que no son necesarias es algo en lo que estamos de acuerdo desde que estamos componiendo las canciones: no queremos capas y capas de sonidos, sino ser capaces de tocar una canción en vivo. Los shows en vivo, para nosotros, son algo que sigue evolucionando y en lo que seguimos creciendo.

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Ustedes son una de esas bandas que se mantienen en contacto con sus fans a través de las redes sociales. ¿Qué les ha parecido la evolución de Internet y su relación con la música? Empezamos a tocar en 2004 como Beach House y fue en ese entonces que hicimos nuestro primer demo: lo grabamos en dos días, en un sótano. Lo único que queríamos, desde luego, era lanzarlo y salir de gira. Nos promovíamos a través de Myspace y supongo que eran tiempos más inocentes, en términos de Internet: en 2005 podías subir tu música a la red, la gente podía escucharla y compartirla, encontrarte; podías exponerte sin tener un sello o un manager. Internet de entonces era una gran declaración de libertad. Así fue como muchos nos descubrieron y se ponían en contacto con nosotros. En 2006 empezamos a salir de gira y tocamos mucho; después hicimos el disco y creo que eso fue lo que nos ayudó a llegar a más gente. Mi perspectiva de Internet es que: sí, nos benefició al principio; pero eran tiempos más inocentes; no “la reventamos”, ni nos volvimos súper famosos, cosa que ahora pasa más frecuentemente. Creo que fuimos afortunados, porque nos desarrollamos de una forma muy natural en Internet. Y es que, en los últimos seis años, Internet se ha convertido en algo que no reconozco; aun mirando los últimos dos años, siento que todo ha crecido a un ritmo terroríficamente acelerado. Así que Alex y yo hemos sido muy cuidadosos en la manera en que utilizamos Internet: estamos conscientes de que sí, es algo cool, pero no es tu identidad, no es lo que eres, sino una forma de comunicar lo que estás haciendo. Usamos Twitter sólo para informar a la gente respecto a cómo encontrar nuestros discos o para invitarlos a nuestro website; y cuando te das cuenta, la gente ya te está respondiendo y comentando: así es como funciona ahora. Pero así no es como crecí; no elegí vivir en una realidad alterna, así que prefiero mantener mi distancia. ¿Qué nos puedes contar respecto al incidente que tuvieron con la agencia de publicidad de Volkswagen? Acá nos enteramos de que, básicamente, plagiaron una de sus canciones para utilizarla en un comercial… 084

Historia corta: fuimos contactados muchas veces —más de cinco— por la agencia que quería utilizar nuestra canción ‘Take Care’ —del Teen Dream—; vimos el comercial y no estuvimos de acuerdo con el mensaje, pues no sentimos que reflejara el significado de la canción: “yo cuidaré de ti, si me lo pides, pero no puedo”, es lo opuesto a una canción de amor, o a un gran momento en la vida; y es que a veces las cosas no funcionan del modo en que uno quisiera. Pero en el comercial querían utilizarla como una canción “artísticamente sentimental” y nunca intentamos que la canción tuviera esa intensión; así que nos negamos a ceder los derechos en varias ocasiones. Después —no estoy segura de cómo exactamente— vi el comercial y utilizaba una canción que era insanamente parecida: el contenido, la producción, el tiempo, los instrumentos, las palabras —yo digo “te cuidaré” y ellos dicen “velaré por ti”—, todo es muy parecido, así que nos enojamos, pero aprendimos que esto es algo que le pasa a mucha gente y que probablemente seguirá ocurriendo. No creo que este tipo de robo cambie, pero las bandas necesitan saber al respecto y denunciarlo. No debemos echarlo en saco roto. Recientemente participaste en el tema ‘Seven Stars’, del álbum Le Voyage Dans La Lune, de Air. ¿Cómo fue colaborar con los franceses? Fue algo muy rápido, para ser honesta: me mandaron la música, aunque sin letra, ni voz, ni título. Se me ocurrió la melodía y, de repente, el título: ‘Seven Stars’. Probablemente no lo habría hecho si no hubiera escuchado “algo”; pero lo escuché, así que lo grabé y pasó muy rápido. Fue una pequeña colaboración. ¿Los veremos en México este año? Estamos trabajando en ello. Esperemos que pronto les podamos entregar en persona la WARP Magazine con ustedes en portada… Gracias. Nos la pasamos muy bien la última vez que estuvimos en México, así que definitivamente queremos regresar. Y de verdad esperamos que pase, porque nos divertimos mucho.

Martes 10:00 pm – MEX/ARG/COL Martes 10:30 – VZL Terça-feira 10:00 pm – BRA

@gameboxla

P89. TECHNOLOGIC. Surface P91. LUST IN THE MOVIES. We are legion P92. FASHION NUGGET. Sound of summer P94. ART BRUT. Jason Bard Yarmosky P96. GAMEBOX. E3 2012

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technologic WARP TV

Surface Por: Alejandro Escobedo

l concepto de Tablet + PC nunca pareció haberse concretado al cien por ciento, hasta ahora. Unas son sólo tablets, prácticas y entretenidas de usar, pero que fallan a la hora de querer hacer cosas más complicadas; otras no pasan de netbooks y, aunque pueden hacer lo mismo que una computadora, no dejan de ser tradicionalmente escritorios reducidos. En realidad no sabemos tanto sobre la nueva tablet, presentada en junio aunque, por lo que podemos inferir, ya se puede decir suficiente como para agradar a propios y extraños: Windows 8, sistema operativo creado y pensado para facilidad de uso en pantallas táctiles, sumado a un diseño bastante elegante, con una cubierta que funciona al mismo tiempo como teclado, con posibilidad de ser desprendido a manera de la Smart Cover —de la actual reina de las tablets, iPad— y algo más que, aunque parece algo anticuado, hace toda la diferencia: un puerto USB 3.0 (2.0 en su versión RT). Microsoft está jugando en un terreno complicado: el mercado de las tablets está ya bastante saturado y ofrecer una innovación real parece imposible. Es algo injusto llamar a cualquier tablet que se anuncia la próxima “iPad Killer”, simplemente porque eso, además de que no sucederá, le quita todo el mérito a un producto nuevo al que nadie le ha dado la oportunidad todavía. Posicionarse le será difícil; recordemos cómo las más de las veces que lo han intentado han fracasado: Zune empezó siendo un reproductor de música, competencia del iPod, y terminó reduciéndose a una plataforma sobre la que corría el hardware del Windows Phone 7. Sin embargo, hay un ejemplo en particular que sí les funcionó: el Xbox, pues aunque tardó una generación entera en cuajar —con pérdidas millonarias—, no podríamos decir que le vaya mal. El objetivo de Microsoft no es ir por los que ya tienen un iPad, sino por los que desean un dispositivo que sea más compatible con su ambiente de trabajo en Windows y Microsoft Office

(incluso, sería viable tener ambas), pues solamente este tipo de integración, bien lograda, les asegura un nicho ya establecido. Surface es en realidad una línea de tablets. Las primeras dos anunciadas son la Surface For Windows RT y la Surface For Windows 8 Pro, ambas con pantallas de 10.6 pulgadas de alta resolución, tecnología Corning Gorilla Glass 2.0, puerto USB y una entrada de tarjetas microSD (lo que significa que el almacenamiento es expandible). La tablet tendrá integrado un soporte retráctil y una cubierta con teclado integrado. La resolución de la versión Pro de la Surface es Full HD (1920x1080 px) y su almacenamiento se puede configurar entre 64 GB y 128 GB en su versión Pro, y entre 32 GB y 64 GB en su versión RT. Si va a triunfar o no este producto, depende de varios factores, entre ellos el precio, que no ha sido revelado aún. Esto lo sabremos hasta que haya salido al mercado y la gente lo haya adoptado como parte de sus vidas, o no. Lo que está claro es que el hardware no lo es todo y las otras plataformas llevan la ventaja en cuanto a cantidad de aplicaciones en sus tiendas de apps y el conocimiento que tiene la gente sobre ellas.

›› Alejandro Escobedo es Ingeniero en Sistemas y TI especializado en desarrollo web. Puedes leer su artículo “e-democracy” en WARP #47.

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lust in the movies WARP TV

We are legion The story of the hacktivists

Entrevista: Danny Foxx / Texto: Leonel Hernández

l mundo vive una época de cambio y transformación. Las fronteras, con la inclusión de las nuevas tecnologías, se vuelven cada vez más tenues y, con ello, las formas de manifestarse y de protestar también han cambiado. El director Brian Knappenberger platicó con WARP MAGAZINE acerca de We Are Legion: The Story of the Hacktivist, su documental, que cuenta la historia de Anonymous, el grupo que confronta a grandes instituciones a través de ataques electrónicos, y la forma en que se ha convertido en un movimiento global. Esto fue lo que nos dijo…

¿Cómo te preparaste para filmar este documental? Siempre trato de informarme todo lo que puedo antes de filmar; pensamos mucho en la estructura de la historia antes de tomar la cámara. Planeamos mucho para que quedara un filme completo, cronológico, desde los primeros ataques hackers en los noventa —considerando el quién y el porqué—, para mostrar cómo se convirtió Anonymous en “hacktivismo”. Gran parte del material tiene que ver con los últimos movimientos —Wikileaks, por ejemplo—, así que gran parte del documental es muy inmediato.

¿Por qué contar la historia de Anonymous? Anonymous, más que un movimiento político, es un movimiento cultural. El activismo de Anonymous está en todo el mundo y sus protestas no sólo son políticas. Se puede ver el rostro de Anonymous en ciertos sentidos, pues es el símbolo de lo inconforme y eso significa la presencia no sólo de un grupo, sino de muchos grupos alrededor del mundo.

¿Cuál es el legado de Anonymous? Creo que nadie sabe exactamente hacia dónde va Anonymous, y esto es triste. No tenemos idea si va en alguna dirección, pues en la historia humana jamás se había dado un movimiento como éste. Nadie sabe qué va a suceder. No sabemos si Anonymous se desprenderá en diferentes grupos o si continuará siendo tan grande. Lo que sea que suceda, en unos 20 años sabremos qué tan importante y qué tan impactante fue este movimiento, en el que la gente se unió en una gran comunidad por razones ideológicas, sin fronteras políticas o de lenguaje. Y es que jamás se había visto esto a una escala tan grande. Aunque, al final, el legado no es tan lejano: Anonymous ya inspira a mucha gente, de todo el mundo, a lograr algún cambio, a luchar cuando se comete una injusticia; y no hay duda de que siempre se luchará al margen de la ley: siento que, hoy por hoy, las instituciones, el gobierno y las grandes corporaciones sienten miedo de que la gente tenga el poder de la información. Por ello es que se intentaron atrocidades como la Stop Online Piracy Act (Ley SOPA) y la Preventing Real Online Threats to Economic Creativity and Theft of Intellectual Property Act (Ley PIPA).

¿Cómo defines el movimiento Anonymous? Durante el último año y medio tratamos de definir qué o quiénes eran Anonymous, y creo que ya me falta un poco menos que cuando empecé. Anonymous es un grupo gigante que crea una comunidad de internautas alrededor del mundo; surge de gente experta en informática que, en 2008, comienza a manifestarse en la red para protestar a favor de la libertad de expresión y en contra de la iglesia de la cienciología; y fueron protestas fascinantes, porque no se confrontaba a nadie en las calles. Con estos primeros ataques cibernéticos se cambió la percepción de la gente sobre la presión que se puede hacer vía Internet.

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— Top American Appareal Falda Marc by Marc Jacobs Zapatos Capa de Ozono Collar del Coordinador de moda

Sound of summer —

Fotografía: Sergio Orospe Coordinador de Moda: Carlos Ruíz Manjarrez Modelo: Luba PARAGON Producción: Chëla Olea

fashion nugget WARP TV

â&#x20AC;&#x201D; Vestido Marc by Marc Jacobs Collar del Coordinador de Moda

Agradecemos al Hotel Condesa DF por las facilidades ortorgadas para la realizaciĂłn de este photoshoot.

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art brut WARP TV

Whatever it is, I’m against it Jason Bard Yarmosky

Por: Chëla Olea / Fotos: Cortesía Jason Bard Yarmosky

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art brut WARP TV

esidente de Brooklyn, Jason Bard Yarmosky es un joven artista, nacido en 1989, con una inquietud estética que desde pequeño le ha provocado un interés contrastado por remarcar las texturas no sólo de su lienzo, sino de la vida, del envejecimiento y de la muerte. Elder Kinder, su más reciente exposición, rinde homenaje a la idea de que la edad no es un impedimento para vivir plenamente, sino más bien un trampolín para la exploración. Sus pinturas examinan la relación entre las limitaciones de las normas sociales y la libertad para explorar sobre todo la yuxtaposición joven/viejo: la naturaleza libre de preocupaciones que se asocia a los jóvenes, a menudo da lugar a las fronteras y los límites puestos en el comportamiento adulto; sin embargo, a medida que se da la transición de adulto a anciano, estas libertades primas suelen reaparecer, y así como un niño aprende a caminar, más tarde en la vida aprende a dejar de hacerlo literal y metafóricamente. Los sueños de los jóvenes, a menudo sublimados por los años, de esta forma, en realidad nunca desaparecen. ¿Con qué palabra describirías tu obra? “Inevitable”. Y no sólo por el factor inherente del envejecimiento, sino por lo que constituye: la conciencia de que llegará, aunque no sabemos cuándo… ¿Qué te inspiró a enfocar tu obra a la celebración del envejecimiento? Es algo que me intrigó desde muy pequeño. Crecí con mis abuelos y, al paso de los años, comprendí que era algo inevitable; me di cuenta de lo efímero que es vivir. Sin embargo, me he quedado impresionado por el hecho de que el envejecimiento no es un impedimento para explorar y vivir una vida vibrante. Como dijo Madeleine L’Engle: “Lo bueno de envejecer es que no pierdes todas las otras edades que has tenido”. ¿Cuál es tu proceso creativo? Disfruto trabajar mucho las ideas y el desarrollo de éstas sobre

los disfraces y la temática, en este caso de mi serie Elder Kinder. Tomo muchas fotos como referencia y luego hago bocetos. Acerca de las exposiciones, ¿cuál ha sido la reacción del público? La respuesta en la inauguración de mi exposición más reciente fue abrumadora: estuvo muy concurrida y hubo afluencia constate a lo largo de la noche. La gente estaba ansiosa de compartir sus sentimientos y reacciones sobre las pinturas. Mis abuelos estuvieron presentes y muchas personas hicieron fila con la esperanza de hablar con ellos sobre su participación en la serie. Y he recibido muchos comentarios positivos de personas de todo el mundo que han visto las imágenes por Internet. ¿Qué piensan tus abuelos acerca de ser parte esencial de la obra? Mis abuelos han apoyado el proyecto y están felices de ser parte de él. Hace poco hice un podcast con ellos; se centra en su participación en el proyecto. Al principio fue un poco difícil convencerlos de utilizar los disfraces, pero con el paso del tiempo y el desarrollo de las imágenes, ambas partes nos sentimos cada vez más cómodas. Desde ese punto, las imágenes adquirieron esta sensibilidad, esta intimidad. Eres muy joven… ¿Es difícil comenzar tu carrera alejado del ambiente académico? Para mí la escuela fue un trampolín a la pintura de tiempo completo. Pero la manera que tengo de ver mi obra, ciertamente, no ha cambiado de aquella que tenía para hacer un proyecto estudiantil a la que tengo al momento de preparar una exposición. ¿Cuál sería tu consejo para los jóvenes que se desarrollan en un medio artístico similar al tuyo? El arte puede ser una herramienta para comunicar una idea, así que mi consejo a los jóvenes artistas es expresar siempre lo que la verdad significa para ellos. Si pintan lo que les apasiona, necesariamente, su arte y técnica mejorará y crecerán como artistas.

›› Chëla Olea es Editora de Arte y Moda de WARP MAGAZINE, así como de las secciones Art Brut y Fashion Nugget de WARPtv.

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gamebox WARP TV

E3 2012 Innovation Unveiled

Texto y Fotos: Alejandro Escobedo

ay momentos importantes en la historia de los videojuegos, aunque sin duda hay un parteaguas en el año, un antes y después de lo que podemos esperar en un futuro para esta magna industria. Eso lleva por nombre Electronic Entertainment Expo o E3, por sus siglas en inglés: momento donde convergen los principales actores de la industria de los videojuegos para mostrar las últimas novedades que el público en general podrá adquirir en los siguientes meses. La E3, sin embargo, no es un evento abierto al público; está pensado para los profesionales de la industria —casas desarrolladoras, distribuidoras y medios especializados—, quienes al final del día, indirectamente, lo harán realmente público. Usualmente, un día antes del evento, las grandes compañías realizan sus propias conferencias para anunciar lo que podremos encontrar en la Expo. Tal fue el caso de lo presentado por Nintendo, Microsoft, Sony, EA Games y Ubisoft, este año, en el previo de la E3 2012 que se llevó a cabo del 05 al 07 de junio.

Conferencia Nintendo Nintendo inició su conferencia en el Nokia Theatre con el siempre sonriente y carismático Shigeru Miyamoto —recientemente galardonado con el premio Príncipe de Asturias—, quien presentó el Pikmin 3 para su nueva estrella: el Nintendo Wii U, la nueva consola que se había revelado el año anterior, pero que hasta ahora demuestra sus bondades con juegos de verdad. Entre sus títulos se 096

encuentran varios con los que pretende retomar el mercado hardcore gamers que había descuidado en la trayectoria del Nintendo Wii, como Batman Arkham City: Armored Edition, Ninja Gaiden 3, Assassin’s Creed III, Mass Effect 3 y ZombiU, todos viendo su experiencia aumentada gracias al uso del nuevo control del Nintendo Wii U: el “Wii U Gamepad”. También se presentaron títulos propios de la filosofía actual de Nintendo —“juego familiar y de socialización”—, como Nintendo Land, Wii Fit U y New Super Mario Bros U.

Conferencia Sony Sony tomó el foro de Los Angeles Memorial Sports Center para dar su conferencia, en la que destacaron juegos llenos de acción, aventura y mucha sangre, como God Of War: Ascension, precuela de la afamada franquicia God Of War. Sin embargo, algo que siempre se agradece, son las nuevas propiedades intelectuales (Intellectual Property), comúnmente abreviadas IP, que apantallan por sus gráficos, manejo de historia y momentos que te quitan el aliento, como lo es The Last Of Us, de los creadores de Uncharted, y PlayStation AllStars Battle Royale, un spinoff muy divertido de Super Smash Bros. En cuanto a la innovación de sus consolas —PS3 y la consola portátil PS Vita—, se hizo énfasis en el “Cross-Play”, que permitirá comenzar un juego en la consola y continuarlo en la consola portátil, y

gamebox WARP TV

viceversa. También presentaron Wonderbook con Pottermore (red social de Harry Potter): una experiencia de realidad aumentada, dirigida a los fanáticos del universo del mago de Hogwarts.

Conferencia Microsoft El estandarte de innovación de Microsoft, este año, fue un modelo de integración de dispositivos con su consola Xbox 360, llamado Xbox SmartGlass, el cual se instala “en todos los dispositivos móviles con los que ya se cuenta, para proveer una experiencia adicional”, según declaración de sus directivos. Estos dispositivos incluyen, obviamente, toda la línea de Windows Phone y, próximamente, Windows 8, pero también iOS y Android. Se podrá, por ejemplo, controlar la consola remotamente, utilizar a fondo la cuenta de Xbox Live para socializar o comprar juegos, iniciar o pausar un juego en curso e incluso, en algunos juegos ya pensados para utilizar este sistema, tener una segunda pantalla para obtener una mayor interacción. Entre los juegos más importantes que se anunciaron, se encuentran: Halo 4, Call Of Duty: Black Ops II, Resident Evil 6, Tomb Raider y Dance Central 3 para Kinect. A la consola como tal se le integrará Internet Explorer 9 y un servicio de música llamado Xbox Music. La conferencia se llevó a cabo en el Galen Center.

La Expo Como análisis de lo que sucedió este año, la tendencia de los tres gigantes fue intentar llevar la experiencia del juego de las

consolas fuera de la pantalla principal. En este sentido, cada una tuvo su propia visión del mismo concepto: Microsoft con Xbox SmartGlass en todos los dispositivos posibles; Sony con Cross-Play entre PS3 y PS Vita; y Nintendo, que ya había comenzado esta tendencia a lo grande (y de la que muchos se burlaron) el año pasado, con Nintendo Wii U. No hubo anuncio de nuevas consolas, por lo que muchos calificaron la E3 2012 de “flojo”. Sin embargo, la industria de los videojuegos está más fuerte que nunca, dando infinidad de opciones a los consumidores y una política de puertas abiertas a los desarrolladores distribuidos tanto por grandes empresas, como por las independientes. Lo anterior se debe a factores curiosos, como el hecho de que, según la Entertainment Software Association (ESA, asociación encargada de organizar la E3), la edad promedio de una persona que compra videojuegos ronda los 35 años, mientras que la edad promedio de una persona que juega, es de 30; por lo tanto, el poder adquisitivo de un gamer es mucho mayor que hace diez o quince años. En fin, la Electronic Entertainment Expo es, sin lugar a dudas, la más grande e importante convención de videojuegos en el mundo. Sólo hay que ver lo que gastan las compañías en construir sus booths, de manera que los asistentes no sólo prueben los juegos, sino que tengan una experiencia completa para que se lleven el mejor sabor de boca posible. 097

warp.la l @laGUARP

BEACH HOUSE

GUARP

A Place To Bury Strangers The perfect incentive to worship By Karina Luvián

WARP MAGAZINE presents an exclusive interview with Oliver Ackermann, founder, guitarist and vocalist of APTBS. You were called “the loudest band” in New York City, and you confirmed that with your upcoming material. Tell me about your music and the bands that are a big influence to you… Our music is what comes naturally to us and it is influenced mostly by a younger version of ourselves. It is really reflective of what we imagined music to be like when we were naive to what music even was. It becomes really hard to do this because as you become more aware of what music is all of the mystery unfolds and you have to focus on undeniable truth. Nothing can be done for the sake of flashiness or show but has to be real. So the bands that were the biggest influence to me are my imagination of what Dinosaur Jr., The Ramones and Lightning Bolt sounded like, when I was younger. I just heard Worship and I loved it. Every song is strong, full of distortions and powerful but melodic at the same time. Each song has an individual essence, but they create a whole successful album too. How did you achieve this? We just let the songs do what they wanted to do. We didn’t try to force anything. It is really where I believe our subconscious wrote the record and we recorded it. ‘Dissolved’ has a peaceful mood at the beginning and the second part is friendly and even danceable. It lasts five minutes and it’s followed by the post-punk track called ‘Why I Can’t Cry Anymore’. How did you pick the songs and distribute each one along the album? It really was a mix and combination of what Dion and I were working with when we wrote as many songs as possible. It got to the point where I felt like it was a pure reflection of what we were going through as people and I think that a dynamic mimics what each person goes through in their lives. Times are good, other times rough, you are happy, and then depressed. Such is life and that’s how the record came out. 100

Tell me all the details about Worship: when did you start thinking about making it? When did you start the recording sessions? Who is the producer? etc. Worship was written in October and November of 2011 for the most part and then we recorded the record for a year and a half. It took so long because we weren’t happy with the way the drums were played for the first year and then found other people to record them after we scrapped everything. It was produced, engineered, written and everything done by Dion and myself. We are usually always thinking of recording records and songs and we can’t wait to do it all of the time, so when we are home, we are in our home studio working. This is your first material through your new label Dead Oceans. Why did you signed up with this label and left Mute Records? Mute records was a really great label for us but when EMI went bankrupt and we had the option to change labels, it was a great opportunity to work with another great label, Dead Oceans. We felt like they were better for us with this current state of the music industry. What about the lyrics… is there a specific topic or maybe a story behind the LP? What did inspire you? It is really a lot of personal things that I usually don’t talk much about but loss of love, fucked up situations, heartbreak, being pissed off at the world and more emotions that usually bring out the most intense inspirational lyrics. Is there a possibility A Place To Bury Strangers could visit Mexico any time soon? I hope so. APTBS loves MEXICO!

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Ask Amanda By Amanda Palmer / @amandapalmer

At this moment, what is your musical guilty pleasure? (mine is Demi Lovato!, sorry) Guilty? I think I may have gotten to the point where NOTHING makes me feel guilty anymore... except maybe the fact that I barely have the head-space to listen to music AT ALL when I’m getting ready to put out my own album. I’ve been listening to ONE SONG ON REPEAT from Regina Spektor’s new album, a song called ‘Oh Marcello’. It’s impossible to get out of your head once you hear it. She’s an old favorite. We found out about her before she was huge and she came on a tour opening up for the Dresden Dolls way back in the day. With this new record of hers it’s great to hear her getting back to the kinds of songs that hooked me in the first place. And her voice... incredible. I’m also digging on the new Fiona Apple’s record. And if you want my all-time guilty-pleasure record, it’s Avril Lavigne’s “angry” album: Under My Skin. Sorry but I just fucking loved it. What’s your opinion about infidelity? Do you think you can forgive? You Mexicans! What the fuck is up with this? You’re always asking. I’m picking up vibes that you guys have a complex around this. Listen, I think most relationships only truly work when there’s total trust and understanding involved. “Infidelity” only exists if two people make a pact that fooling around with others is not allowed. I don’t think that a relationship has to be monogamous to work. I think it only has to be HONEST, and loving. If you have that, you have everything. I know a lot (A LOT!) of very happy couples who have had “open” relationships and marriages, and I often think they’re happier than the people who have “closed” marriages, who are just doing it because they can’t handle the idea of going outside the norm, or dealing with the jealousy or judgment of their friends. But I know some really, truly happy people (and have been that person myself) who make it work by simply being very honest about outside action and making sure the primary relationship stays protected. Easy? No. Real? Honest? Yes. I think a lot of people aren’t fundamentally built to be monogamous but we live in a culture that dictates it. So everybody follows rules that aren’t necessarily the best for them. As far as “forgiving” goes... yes. I think ANYTHING can be forgiven. Literally. Anything. I think if you don’t believe that, then you’re playing a losing game in any relationship. I

approach life thinking that anyone can be loved, anything is possible, and no action is unforgivable. I’ve had people doing terrible things to me. I don’t necessarily stay in touch, or try to be best fucking friends with someone who screwed me over, but I always forgive. I feel like it’s the only option, otherwise you live in a world of hate and hurt. And that sucks for you. What was the Kurt Cobain’s Kickstarter issue? Everybody knows that if Cobain were alive, he wouldn’t have been hawking his Kickstarter campaign. I had an article written about my Kickstarter (which went really well! It funded over $1.2 million dollars!) and someone complained that Kurt Cobain wouldn’t have done the same thing. The author of the quote actually retracted it afterwards in a blog. The general sentiment was that Kurt was too shy and fucked up to do something like crowd-fund a record. But most people totally disagree: crowd-funding is a very punk rock, DIY way of doing business, and Nirvana were famously unhappy on their major label. But moreover, Kurt’s dead and talking about what dead people would have done is pointless. They’re not here to argue or weigh in. It seems the way things are going, people are understanding more and more artists doing direct business with their fans isn’t this “shameful” thing. It’s actually very cool, independent and gives control back to the artists. But change takes a long time and you’re going to see people grumbling and complaining about artists doing more open, direct business and talking about money these days. It’s just the way things are. And I think it’s a really good thing. The age of the mysterious rock icon on the mountain are over, the days of the street-performing troubadours doing door to door via the Internet are ON!!!!! P.S. This coming month, ask me some questions about the new “AMANDA PALMER & THE GRAND THEFT ORCHESTRA” record, Theatre is Evil!!! It’s coming out in September and the WHOLE BAND is coming to Mexico! — You can read “Ask Amanda” in it’s entire visiting: warp/askamanda, you can also submit questions to askamanda@warp.com.mx. 101

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Beach House By Diovanny Garfias

Their album, Teen Dream, was placed as one of the best of 2010, leading them to play in several of the major festivals of the globe. Two years later, the project says that, beyond minimal atmospheres and heady sounds, still exist unexplored land, an statement they do with their latest album, one of the musical highlights of 2012: the perfect complement for a bittersweet summer. WARP MAGAZINE presents an exclusive interview with Victoria Legrand. The voice behind Beach House talks about their new album Bloom, the fourth in their discography. Teen Dream was a very succesful album, is an album that many bands would like to have in its discography. Did you feel any pressure while you were writing and composing this new album? Not at all, no more than what we felt while we where doing Teen Dream or any any other album, you know?, we’re trying to move on very quickly from our albums, you know?, people always coming up with new ideas. We were aware that Teen Dream was succes in some ways, you know? So, it would be a bit more successful than other records. We reach more people. That’s something that we were aware of. So, I think, at the end of the day you don’t think about that thing either. What can you tell us about the Beach House creative process, what makes this album different in terms of creation? I think that is always very unique and I think that for Alex and I is very constant. And the way that we work together is the same, you know? Throughout the eight years that we’ve been making music together, uhm, we know how we work together, 102

how we work together is the same. This is an arrange thing and, you know?, I’m very controlling and —good thing— I’m very good at letting things go in the moment. But, I think, creative what’s inspiring it is everything. I think that the creativity is right there in front of you, is everywhere. So the fact that Alex and I write everything, that has not changed. So, thats huge, because every of our albums is different. How was work with Chris Coady in the recording studio?, what did he do different this time? We decided to work with Chris from the beginning, because he knows what do we need, in addition, we feel very comfortable being with him, because making this record was very intense: just record it took about seven weeks and mixing the same; we started mixing in the studio where we recorded and we ended up in New York. Recording is always an intense process: you can only complete it if you really believe in what you are doing: there is pressure and conflicts of time, but overall is a great time, a beautiful one. What we did with Chris is full of it: he’s from Baltimore, just like us, he understands where we came from, we have never worked with a producer who doesn’t understand us.

GUARP

Hot hot musical summer By Paul Stokes / @stokesie

There’s nothing like a bit of mystery to create some anticipation. If you want proof, then keep an eye out for probably the best music documentary you’ll see this year: Searching For Sugar Man, which beautifully tells the story of 70’s singer-songwriter Rodriguez. Despite recording two brilliant albums, the Detroit native (his Mexican father moved to the city to work in the car plants a generation before) was dropped when they failed to sell and went back to his day job… 15 minutes of fame over. Well, not quite. The film tells the story of how by chance his music became as widespread and acclaimed as Elvis’ in South Africa. The catch though was his fans over there, genuinely believed Rodriguez had killed himself onstage, so no one had bothered to ever tell him of his success. When it was finally discovered 25 years later that he was alive and well, you can just imagine the anticipation it generated for his comeback shows, which the film charmingly captures – the only thing I can compare it to, would be John Lennon suddenly turning up onstage now with a bemused grin saying “Shot? Who? Me?” Searching For Sugar Man tells this story brilliantly, though it did make me think that perhaps there are too few mysteries in music at the moment. Too many prosaic details tweeted, too many bands’ entire stories – from demos to album– mindlessly streaming online. Without even listening to a note of music, Mystery is something the first new act I’m anticipating for later this year has in spades. Called Society – which itself renders searching online pretty redundant– the band from Reading in the UK have released few details about themselves. There’s a rumour they were once in a band called Beggars, but as they weren’t successful, that gives few clues, and without a website or twitter account, very little currently know about the band. Indeed unlike most new acts, whose first videos are scratchy performance-based affairs, Society’s first clip is a piece of spooky animation. Of course Mystery is great, but what made Rodriguez so compelling is that his albums were ignored classics, and while I can’t see being ignored by the Society for too long, they do have timelessness in common.

Swirling with epic strings, soulful organs and a widescreen vision, their debut single `All That We’ve Become’ is possibly the most exciting thing I’ve heard so far this year, mixing The Verve’s sense of sonic righteousness with the hymn-like scope of David Axelrod. It is truly heart-stirring stuff. If you want to hear more, I’m afraid for now all I can do is direct you to Round Table Records’ Youtube channel (http://youtu.be/ wrOK1uqu_2o) and advise you to watch this space… I have a feeling it would be worth it. The second act I’d suggest you should be anticipating from the UK at the moment is Savages, though the sense of mystery around them, come from a different, darker place. An angular mix of Joy Division-esque rhythms, Patti Smith-like vocals and an irrepressible energy, the all girl group emerged ready to take breaths away and are probably the most exciting new live band to pick-up instruments this year. The mystery though, unfortunately comes from whether they’ll make it. In an era where hype is cheap, Savages are a rare exception of a band that are worth the praise. They are also the most vulnerable band I’ve seen since The Libertines imploded. No bravado or arrogance, but instead tensions, manager sackings and false steps have all been played out in public, while the flat production of their debut double A single Husbands/ Flying To Berlin does not live up to their growing live reputation. It leaves you fearing they might not last long enough to actually make that debut album… but predictability is boring and should they survive and succeed –as you can see from 70 year-old Rodriguez’ re-emergence from at the end of… Sugar Man– the artistic pay off will be the sweeter. 103

encore

Torreblanca presents “Bella Época” Lunario del Auditorio Nacional, Mexico City Pic by Sergio Gálvez for WARP

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#WARP6 12.10.12

Auditorio BlackBerry Ciudad de MĂŠxico