WARP Magazine 49: Survivalism

WM No.49

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*A partir del día 15 de cada mes puedes ver GRATIS la revista completa en línea a través de: warp.la/magazine Contacto: Mail: magazine@warp.com.mx

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© WARP Marca Registrada ®. Año IV No.49 Fecha de Publicación 24-08-2012. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en CAMSAN IMPRESORES, S.A. DE C.V., San Juan, Mz. 10 Lt. 15, Col. Bellavista, C.P. 54720; Cuautitlán, Edo. Méx.

Distribución Nacional e Internacional de CODIPLYRSA. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

editorial

De izquierda a derecha: Dominic Howard, Matthew Bellamy y Christopher Wolstenholme

REvolution Por: Chris Wolstenholme

T

he 2nd Law (2012) es un álbum experimental, y no me refiero en un sentido alternativo o algo por el estilo. Creo que como nosotros mismos produjimos The Resistance (2009) y ese fue nuestro primer pequeño acercamiento a la producción, aprendimos mucho de ese álbum, pero al mismo tiempo, y por consecuencia, se mantuvo relativamente simple.

Esta vez crecimos, evolucionamos y estamos mucho más cómodos en el estudio, pues aprendimos cómo funcionan algunas cosas y el hecho de que no puedes confiarte en sólo decirle a un productor: “Quiero que suene como tal…”, tienes que hacerlo tú mismo. Así que la experiencia que obtuvimos al hacer The Resistance realmente nos ayudó en este álbum.

Somos afortunados en el sentido de que, si escuchas los discos anteriores, siempre han seguido adelante. En casi todos los discos hay elementos que se ramifican por completo. Por supuesto, habrá personas a quienes no les gusten ciertas cosas que hacemos y personas que odian todo lo

que hacemos, pero es sólo el tipo de banda que somos. No lo encontraríamos tan satisfactorio como experiencia si sólo hubiéramos grabado otro ‘Plug In Baby’ u otro ‘Newborn’, no es lo que somos como personas.

Para nosotros esto siempre se ha tratado de avanzar, evolucionar, no queremos sentir que estamos parados en el tiempo.

Es diferente para cada banda. Algunas tienen una gran fórmula que funciona para ellos, y no hay nada de malo en eso, sólo que no es nuestra forma de trabajar. Obviamente hay un riesgo al sacar un álbum que prácticamente deshace todo lo que has hecho, pero eso es música.

Si quieres hacer música para ti mismo, cuando se la entregas a los demás queda fuera de tu control, no puedes esperar que logre conectar con todo el mundo de inmediato, en todo caso. Ese es el riesgo, pero también es el mismo si te apegas a una fórmula, pues la gente puede aburrirse. Como sea que lo hagas, está fuera de tu control.

›› Chris Wolstenholme es Doctor en Artes, músico, multiinstrumentista y bajista de Muse.

004

silencio por favor

No Doubt Por: Yázmin Rubio / Fotos: Cortesía ND

“Todo es muy real ahora. Decidir el título del álbum y filmar el video han sido momentos muy importantes para nosotros. Estamos deseando compartir estas canciones con todo el mundo” -Gwen Stefani

L

uego de tomar un largo receso, los californianos autores del himno de los noventa ‘Dont Speak’ están de vuelta. Gwen Stefani y compañía regresan con esa mezcla de rock, ska punk, reggae y pop que ha encantado a sus seguidores a lo largo de su carrera.

No Doubt se encuentra afinando los últimos detalles de su sexto álbum de estudio Push And Shove —producido por Mark “Spike” Stent (Madonna, Depeche Mode, Björk)—, que saldrá a la venta el 25 de septiembre próximo. Previo a su salida pudimos escuchar el single ‘Settle Down’, aunque otros títulos confirmados para el disco son ‘Push And Shove’, ‘Undone’, ‘Gravity’ y ‘One More Summer’.

006

the main review REVIEWS

Coexist

The xx / Terrícolas Imbéciles / 2012

8.9

Calificación

E

n este caso es imposible no mencionar el “síndrome del segundo disco”, ese riesgo que una banda corre al lanzar un nuevo trabajo luego de debutar con una producción que raya en lo perfecto y que, además de impresionar, marcó tendencia, colocándose entre los imprescindibles de la década pasada. xx (2009) llegó a reproductores de todo el mundo para dejar claro que la encarnación minimal del rock estaba por tomar un lugar importante en la escena musical, y que su legado serviría para hacer mella en la mente de algunos artistas; vaya, sería la mecha que echara a volar su creatividad, tal es el caso del londinense James Blake, que cada que tiene oportunidad agradece a The xx citándola como una influencia primaria en la creación de su álbum homónimo. La tarea completada por Romy Madley-Croft, Oliver Sim y Jamie Smith (Jamie xx) en términos sonoros, no sólo impactó a la crítica internacional, sino que creó un precedente de cómo generar música ambiciosa sin caer en excesos. En este caso particular, el triunfo del proyecto radicó en conservar la sobriedad y la prudencia, antes y durante la grabación de la placa.

Gran parte de esa mesura sónica fue un regalo del mismo Jamie xx, quien participó de manera importante en la producción de dicho álbum, precedente que lo llevó a trabajar con Gil ScottHeron, a hacer remixes a diferentes bandas y a colocarse como uno de los productores y DJs más destacados de los últimos años.

No es de extrañar que cuando surgieron los primeros

008

rumores respecto al nuevo trabajo de la agrupación todas las miradas se volcaran hacia ella, sobre todo si se anunciaba que la placa iría por una dirección diferente y que la música “club” sería la indicada de marcar la dirección. La espera terminó, al fin pudimos escuchar Coexist (2012) y juzgar en qué medida la agrupación se alejó de sus raíces. Hay que decirlo, quienes juraban que habría una reinvención tendrán que seguir esperando, pues el sonido característico de The xx sigue ahí, ese que conquistó a millones y que los hizo merecedores del Mercury Prize, además de las letras románticas o desconsoladas –dependiendo la ocasión- y las voces de Romy y Jamie, encontrando esos matices que penetran hasta el corazón.

Entre las novedades está un ligero acercamiento a sonidos más amables y al pop, como en ‘Swept Away’, que bien podría ser uno de los momentos más felices del trío, o la constante inclusión de ritmos más bailables y étnicos, como en ‘Reunion’. Ligeros coqueteos con el house, el jazz y el soul, pero nada más a destacar.

Se nota la influencia de Jamie en la producción y, de hecho, se ve que de haber sido posible él habría hecho algo diferente, quizá más alegórico, pero el nombre de The xx pesa, y su sonido más. Coexist cumple y mantendrá al sonido de la banda como algo de vanguardia que, incluso, podrá estar en lo mejor del año, pero nada más.

-Diovanny Garfias

REVIEWS

8.0

7.4

Calificación

Calificación

Beacon

Destruye Hogares

Two Door Cinema Club / Kitsuné / 2012

Fobia / Sony Music México / 2012

La madurez de cualquier banda llega cuando concretan el sonido con el que empezaron a experimentar; tal es el caso de Two Door Cinema Club y su nuevo álbum Beacon.

El viaje musical empieza con ‘Next Year’, ‘Handshake’ y ‘Wake’, tracks que nos remiten a la esencia de sus primeras producciones pero con nuevas características en su sonido, como los sintetizadores fundidos con la gran voz de Alex Trimble, o los ahora potentes riffs de Sam Halliday. ‘Sun’ muestra una mezcla entre motown y un tenue toque de hip hop, recordándonos cómo nos hizo sentir ‘Sleep Alone’ la primera vez que la escuchamos. Sin duda, ‘Piramyd’ es uno de los mejores tracks, mientras que ‘Beacon’ finaliza de forma más que apropiada este fabuloso viaje. Esta placa será para muchos una de las favoritas del año y dejará satisfechos a los melómanos con sus once canciones llenas de sonidos nuevos y placenteros.

-Óscar González

Líricas que hablan de dinosaurios, superpoderes, vampiros y mucha fantasía es, en primera instancia, lo que podemos encontrar en la más reciente placa de estudio de Fobia. El ahora dueto conformado por Leonardo de Lozanne y Paco Huidobro regresa con un disco fantasioso, más no fantástico. La pieza retoma mucho de su sonido de los noventa, con pizcas de Leche (1991) aunque con lo ácido de Rosa Venus (2005). Dentro de los aciertos encontramos arreglos impecables y efectos que hacen que la voz de Leonardo suene algo fantasmal, robótica, dando un toque diferente a la placa. El principal problema: es el mismo Fobia de siempre; no encontramos novedad alguna; el disco cumple con los estándares, pero nada más. No es un acierto para una banda con su historia. Aún así, Destruye Hogares funciona como el acompañante casual más adecuado durante una tarde lluviosa.

-Yázmin Rubio

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8.0

Sun

Calificación

Cat Power / Arts & Crafts / 2012

Las rupturas siempre son un buen pretexto para romper esquemas y crear; lo que llevó a Chan Marshall a salir de sus propios parámetros fue, justamente, el final de una relación amorosa. Chan terminó con su novio y quiso cambiar hasta su cabello, cortándolo. ¿Algo realmente cambió en ella? Debemos decir que sí. Sun es un álbum con el que la intérprete tal vez quiso decir que no estaba tan deprimida después de todo. Desde el inicio, con ‘Cherokee’, podemos sentir esa renovación, en la que el piano queda en segundo plano para sentirla contemporánea, elegante y bien plantada en su papel. Los temas a destacar son ‘Ruin’ y ‘Real Life’, en los que realmente demuestra que ya no es tan folk, usando una caja de ritmos y dejando que ese ambiente minimalista que busca lograr en este álbum no parezca una simple pose, dejando espacio para que cada elemento brille.

El momento blues viene de la mano de ‘3,6,9’; eso sí, no deja de lado sus episodios oscuros ahora basados en el bajo y las secuecias con ‘Always On My Own’ y ‘Human Being’. A pesar de que en ciertos momentos sí nos recuerda al Metals de Feist, sabemos que es Cat Power y agradecemos que siga escribiendo himnos plagados de imágenes femeninas.

-Elsa Núñez Cebada

010

REVIEWS

Solstis

León Larregui / EMI Music / 2012

Si este disco tuviera que calificarse sólo por la calidad de su factura alcanzaría dígitos bastante altos, pues no se puede negar que lo hecho por Adanowsky y Jonathan Chavez -tecladista de Phoenix- es realmente bueno.

Y si bien el líder y vocalista de Zoé se ha caracterizado por componer himnos de amor para generaciones jóvenes, no puede dejar de señalarse que Solstis resulta ser más de lo mismo. Al correr de cada corte, cada uno pareciera ser la continuación lineal del anterior, la mayoría en un sentido acústico, con ligeras variaciones que alcanzan sus puntos más altos en ‘Como Tú’ y ‘Resistolux’. La característica voz e interpretación de Larregui, por obviedad, impregnan cada minuto de un disco que, si bien resulta interesante como experimentación en solitario, no provoca sorpresa, ingrediente necesario en cualquier producción que busque trascender.

-Karina Luvián

7.0

Calificación

9.0

8.5

Calificación

7.0

Calificación

Calificación

Anastasis

Come of Age

Shrines

Dead Can Dance /

The Vaccines / Sony Music / 2012

Purity Ring / 4AD / 2012

El éxito es repentino y traicionero: un día estás en la cima del mundo y al siguiente nadie se acuerda de ti. Esa es la presión de los músicos debutantes que se lanzan a la escena con un álbum muy afortunado, lo que pudo haberle pasado a The Vaccines si no se hubiera dedicado a cosechar un sonido propio.

Combinaron sus influencias post-punk con los riffs del rock más clásico de los 50 y algunos elementos del brit pop, para darnos un disco más melódico que se sintetiza en ‘Change Of Heart Pt. 2’, donde podemos encontrar, cual infografía, todos los detalles de los que la agrupación está hecha: balance, elegancia y momentos increíbles como el puente en el que todos se lucen y participan.

Come Of Age combina épocas, géneros y escenas para renovarse, descubrirse y, paradójicamente, seguir en la eterna búsqueda de una identidad propia.

-ENC

En algunas ocasiones es bueno dejar que música nueva nos impresione, sobre todo si se trata de lo que viene haciendo Purity Ring, que al fin nos presenta su álbum debut Shrines. La placa inicia estableciendo un telón con una atmósfera llena de sonidos íntimos en ‘Crawlersout’ y continúa presentando electropop de avanzada en ‘Fineshrine’. En algún momento el sonido se vuelve un poco repetitivo, pero el álbum es capaz de transmitir emociones de nueva cuenta con ‘Ungirthed’, continúa mostrando algunos tintes de hip hop en ‘Amenamy’, hasta llegar a un sonido más profundo y firme con las excéntricas y cósmicas voces de Megan J. y Corin R. en ‘Grandloves’. Lo mejor viene al final con ‘Obedear’ y ‘Lofticries’, compilando texturas magníficas y peculiares. Habrá que seguirle la pista a esta dupla, pues seguro dará de qué hablar.

-ÓG

4AD/Warner Bros. Records / 2012

Fueron 16 años de ausencia, de no sacar a la luz material nuevo, pero Dead Can Dance —referente obligado tanto para la música contemporánea como para el movimiento gótico— está de regreso, tratándose de uno triunfal en todos los aspectos. El vocablo “anastasis” se refiere a la resurrección de Cristo en la iglesia ortodoxa bizantina y es un nombre muy apropiado para este regreso: todo el disco es una obra maestra de la música moderna, una oda a la noche y a sus habitantes, así como a los sueños, a la magia y a lo místico. Háganse el favor de conseguir la versión física: el arte es extraordinario. Para disfrutarlo mejor, siga estas instrucciones: reproduzca el disco, recuéstese y dispóngase a leer cualquier libro de Rimbaud; por último, déjese llevar por los paisajes mitológicos que encontrará.

-Leonel Hernández 012

hot hot hit

Erika Spring Por: Yázmin Rubio

Erika Foster, vocalista y líder de la banda Au Revoir Simone, nos presenta su nuevo proyecto solista bajo el seudónimo de Erika Spring. Para poder explorar libremente su interior, la talentosa neoyorquina se lanza a la aventura musical por su cuenta, con cinco tracks minimalistas contenidos en su EP debut homónimo, disponible desde julio pasado. La placa, producida por Jorge Elbrecht (Violens), está cargada de cierta energía positiva que logra cautivar nuestros oídos con cada canción; además, la dulce voz de Erika, mezclada con el toque electrónico que inunda las piezas que componen el EP, da por resultado un pop electrónico altamente disfrutable, melódico y ligero.

014

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A Band of Bitches La verdad está ahí afuera...

Por: Leonel Hernández Foto: Sergio Gálvez para WARP

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Expedientes secretos W El siguiente archivo contiene información confidencial ---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

L

a humanidad vive una época sumamente peculiar, hablando en términos políticos, económicos y de fenómenos sociales. El clima que se respira, aunado a las grandes teorías de la conspiración —Wikileaks, fraudes electorales, profecías mayas y demás puntos de quiebre—, vuelven al concepto fin del mundo, uno que nos hace sentir cada vez más cerca del apocalipsis.

Pero la verdad es que todo este fenómeno es maquinado por una sociedad secreta, un grupo de poder que surge de la idea de los antiguos astronautas, visitantes del espacio que forjaron a la humanidad y que hoy regresan para destruirla. Este grupo, dueño del poder, no son los Illuminati, como algunos charlatanes nos pueden hacer creer; en realidad son A Band Of Bitches, quienes han dejado su huella oculta en los grandes hitos de la historia, siempre moviendo los hilos detrás de las cortinas.

WARP MAGAZINE hizo una profunda investigación en la cual se arriesgó el trabajo, el profesionalismo e incluso la vida para contactar a uno de estos seres que están dispuestos a hacernos volar con mucha fiesta y diversión. Su líder, Ushka, habló sobre esta propuesta y de cómo se comunican a través de su música. ¿Qué es A Band Of Bitches?

Es la operación 4808: el inicio para instituir el Nuevo Orden Mundial. Ya ha empezado. Yo sólo sigo instrucciones.

Y también es una banda de rock…

Básicamente es una agrupación para festejar la paranoia de la gente sobre el fin de la civilización como la conocemos. Para mí es muy divertido y considero que se pueden hacer cosas bastante locas: desde un disco hasta un espectáculo en vivo.

Mofarse de todas esas teorías de la conspiración y de nuevos órdenes mundiales, de alienígenas y de abducciones es divertido. Y aunque en realidad es cierto, logramos que con nuestras bromas la gente no lo tome tan en serio.

Ustedes han jugado con el concepto “hacer música para el fin del mundo”, lo que me hace pensar, entonces, que el fin del mundo es una gran fiesta…

Sí: el 21 de diciembre es la fecha que les impusimos para el gran rave y la tocada, y estamos ansiosos de que llegue el día del festejo; si no fuera así, resultaría muy aburrido. Al final, la gente verá que no pasa nada y tendremos que inventarnos un nuevo apocalipsis.

Dicen que el mundo se mueve en ciclos…

Aún no sé qué ponerles de prueba para después de 2012; tendría que poner otra fecha del fin del mundo para que la gente se reactive. Siento que si no hay una amenaza, la gente no hace nada para sentirse viva.

¿El disco es un arma de diversión masiva?

Los pilares del disco son la ironía, el sarcasmo y Wikileaks.

Tiene ese contenido que a todo el mundo le da miedo, pero con toda la mofa; básicamente de eso trata. Es muy ecléctico y esto fue casi sin querer: todo el disco está en una constante de tiempo muy definida…

Eso suena muy científico… ¿“Constante de tiempo”?

Nada de científico, lo digo de manera literal. Todo está entre 110 bpm y 135 bpm: los ritmos bailables. A pesar de que los temas son escabrosos, la música sigue siendo muy divertida. ¿Quiénes conforman A Band Of Bitches? ¿Quiénes son sus principales generales?

Lo conformamos yo, Ushka, líder de la sociedad secreta, Some Guy With A Weird Accent, Fex, Pace y Fuk Dude. Somos cinco tipos, de diferentes lugares, que se juntan en un punto específico de la Tierra y ponen en marcha este divertido plan.

Me llama la atención tu aspecto…

Nuestras caras no tienen rasgos, porque queremos que sean así, sin facciones ni expresiones; somos alienígenas protohumanos que venimos a crear a la raza humana. Los diseñamos y los utilizamos, y venimos a destruirlos porque ya no nos servían; aunque luego nos encontramos con que tienen cosas muy divertidas, lo que hizo que desecháramos la idea. La invención y el efecto social de la cerveza es un buen ejemplo; mucha gente dice que si no existiera la cerveza, el mundo ya se hubiera acabado hace mucho. Y creo que sí: si no fuera por el alcohol no habría esos momentos de relajación necesarios para poder vivir y convivir; es el lado positivo de un vicio negativo. Por eso saboteamos este fin del mundo con mucho reventón. ¿Qué sigue para el resto de 2012? ¿Habrá espectáculos en vivo de este pre-apocalipsis?

Estamos organizando un show para presentar este disco, porque no queremos que sea un espectáculo como cualquier otro; queremos interactuar con la gente y a lo mejor no es nada nuevo, pero con la configuración que traemos puede ser muy especial. De todas maneras estoy haciendo un ahorrito: si el mundo no se acaba este 21 de diciembre, tendré dinero suficiente para pagar mis excesos. ¿Qué significa pata ti “reinventarte con el arte de la música”?

Reinventarse es transitar, y seguirse moviendo es reinventarse.

Si uno se queda estancado no aprecia cosas nuevas, tiene miedo de dejar lo mucho o poco que hizo y prefiere resguardarse, porque la curiosidad nunca le gana. A mí me pasa lo contrario: la curiosidad siempre me gana.

017

profile

Echo Lake

LINKS: www.echolakeband.com www.facebook.com/ echolakeband

Por: Javier Cuellar / Foto: Cortesía EL

Integrantes: Thom Hill (guitarra), Linda Jarvis (voz)

E

sta propuesta nos voló la cabeza desde que escuchamos sus primeros acordes. Echo Lake es el nombre de la banda londinense fundada por Thom Hill y Linda Jarvis, quienes al final de 2010, mientras estudiaban en la Escuela de Arte del Sur de Londres, le dieron forma al proyecto.

La voz de Linda es mágica, seductora, como si fuera la versión femenina —y británica— de Brian Wilson; y uno se puede dejar 018

llevar y ser cautivado por sus sonidos pop y shoegaze en cada uno de los tracks, recordándonos a Cocteau Twins o los principios de Arcade Fire, My Bloody Valantine o Beach House.

Aunque la banda suspendió algunas de sus presentaciones tras la muerte repentina de su baterista, Pete Hayes, Wild Peace —el álbum que los ha colocado como una de las propuestas a seguir durante este 2012— está disponible desde junio pasado.

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Liquits Todas son flores

Fotos: Sergio Gรกlvez para WARP y PRONATURA Asistente: Leonel Hernรกndez

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esde su fundación, Pronatura México A.C. se ha preocupado y ocupado por impulsar la participación ciudadana en el cuidado del medio ambiente, conscientes de que la suma de esfuerzos individuales generan el gran poder de realizar un cambio positivo por el planeta que habitamos.

Bajo esta misión, Pronatura se enorgullece de sumar a su equipo de Amigos y Voluntarios Pronatura a los integrantes de Liquits, jóve-

nes verdaderamente comprometidos con la conservación del medio ambiente, quienes invitan a la sociedad a emprender, junto con ellos y Pronatura, acciones reales por el presente y futuro del planeta.

Gracias a WARP, Pronatura podrá contar con la futura participación de jóvenes talentos de la música que se sumen a la causa ambiental y unan esfuerzos por animar a otros a ser parte de esta gran labor.

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Otto von Schirach Reptile brain wash Por: Diovanny Garfias Foto: Sergio Gálvez para WARP

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ientras algunos se siguen preguntando si la música dance puede ser inteligente, algunos más se entregan al pandemónium generado por la música de Otto von Schirach.

Este ecléctico músico ha logrado fusionar diversos géneros en una sola propuesta sonara y poner a bailar incluso al más quisquilloso purista de la electrónica tradicional.

El originario de Miami ha encontrado en su ciudad natal el lugar idóneo para hacer crecer su música y difundir al mundo entero su mensaje, uno basado en diferentes corrientes filosóficas, teorías de la conspiración y transmisiones extraterrestres.

Otto visitó la Ciudad de México por primera vez y WARP MAGAZINE aprovechó para ahondar en los detalles detrás de su nuevo álbum, Supermeng (2012), un disco conceptual que cuenta doce historias traídas desde una galaxia diferente. ¿Cómo está la escena musical electrónica en Miami hoy en día?

Muy grande. Miami es como Europa, México, Colombia. Hay mucho latino, mucho europeo; y es que ya no hay muchos americanos en Miami, ¿sabes?, se mudaron cuando llegaron los cubanos. En Miami existe la música electrónica mainstream, underground y underworld. Yo llevo 20 años haciendo música en la última: hay una escena underworld bastante grande.

Háblanos de tu proyecto Miami Vice Warriors… ¿Cómo fue darle un giro a tu sonido y entrar en otra corriente musical?

Miami Vice Warriors son los guerreros de la vida, del poder y de la paz. José O, Debbie D, Charlie y yo, decidimos formar la ban022

da para enseñarle al mundo la música de Miami. Con la banda han salido canciones a mi nombre, pero no un disco completo; lo que tenemos llega muy lejos, pero siempre surgen conflictos en la banda, así que no podemos salir de gira. Sin embargo, procuro tocar varios éxitos de ellos en mis conciertos.

Qué nos puedes decir de tu más reciente trabajo discográfico…

Sale con Monkeytown Records; se llama Supermeng. Este álbum cuenta con canciones que hice hace diez años, aunque suenan muy actuales. Hay temas tanto en inglés como en español, así como en idiomas de otros planetas que he estudiado. Vivo en una de las esquinas del Triángulo de las Bermudas —Miami— y desde allí puedes saber sobre planes desconocidos. ¿Qué herramientas tecnológicas ocupas para hacer tu música?

Me gusta utilizarlo todo, tanto lo más nuevo como lo vintage; incluso una roca o un pedazo de madera; de esta manera te pones en contacto con la tierra. A veces utilizo una gallina, le corto la cabeza y hago magia con el sonido o simplemente uso la computadora. No tengo límites. ¿Tienes otras colaboraciones en camino?

Estoy en un proyecto con Blowfly y hago canciones con él.

Tengo un disco con mi amigo Venetian Snares, tengo otro con Doormouse y estoy haciendo un disco con mi amigo Cevin Key, de Skinny Puppy. Estamos haciendo música que, literalmente, le va a dar luz a la Tierra.

blogaggedeon times COLUMNA

CRÓNICAS DEL LEÓN Por: Sr. Flavio / @SrFlavioOficial

Soy el Señor Flavio, sonidero anti-poeta, y aquí les dejo un día cualquiera, uno más extraído de Crónicas Del León, mi más reciente libro publicado en WARP Books...

Noviembre 08, 2009 Baires 18:30 Hrs. Rumbo al Festival de rock en el Club Ciudad de Buenos Aires.

Misterio toca antes que LFC. Y es una buena para Misterio, tanto en horario como en escenario; nunca antes habíamos tocado en horario estelar y condiciones óptimas.

19:30 Hrs. En camarines.

guitarra y cantar—, me revitaliza; y es que siempre hay que buscar algo nuevo en el arte: reinventarse es como nacer de nuevo, te salga como te salga.

Los camarines de nuestra ciudad tienen lo mejor de hoy: familia por todos lados, niños que entran y salen correteando, y muchos amigos. Hoy todo eso no nos aplaca; por el contrario, al menos para mí, se traduce en combustible-energía vital para el escenario.

Antes era otro el tipo de ambiente, de sintonía, lo que nos servía de estímulo para salir a tocar. Es bueno haber pasado por todos los períodos. Supongo que eso nos hace una banda grande.

Entra Rock y me pregunta algo sobre la lista de LFC, y es que debemos acotarla: esto es un festival. Le digo que la mire con Gaby: ahora estoy en “modo” Misterio.

20:00 Hrs. En el escenario.

Hay otras bandas en camarines: Zoé, de México, es visitada por Walas y su esposa, la Tori.

Antes de Misterio, en el escenario de enfrente, toca Gogol Bordello y Nico me dice que los vayamos a ver aunque sea unos temas…

—Me gustaría —le contesto—, pero estoy más metido en el show de Misterio que en otra cosa…

Concentración: me gusta tocar con Misterio porque me genera esos nervios de la previa que con LFC perdí hace tiempo: el solo hecho de experimentar la sensación de que estoy realizando algo nuevo en el escenario —y hablo de tocar la

Misterio rock. Modernidad. Una propuesta diferente a lo que se puede ver en estos festivales y, sobre todo, en los escenarios centrales.

Misterio rockea. La inclusión de los guitarristas invitados, Sam, de Motorama, y Big Papu, de Kahunas, es un golazo.

Hoy Astor Boy es más Mini Moon que nunca: termina el gig con todos sus dedos llagados de haberla matado con la batería. Lo presento al público como el líder de doce años de la banda. Y así es: no habría Misterio de no estar allí Astor Boy Mini Moon.

›› Sr. Flavio es miembro fundador de Los Fabulosos Cadillacs y escritor. Su libro Crónicas Del León ya está a la venta editado por WARP Books.

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Los Amigos Invisibles Foto: Cortesía LAI

U

na de las bandas venezolanas más destacadas en la historia del rock de fusión es, sin lugar a dudas, Los Amigos Invisibles. La agrupación celebró 20 años de carrera en 2011, festejo que han extendido hasta este año, en el que han inundado diversos escenarios con su característico sabor latino.

Según el mismo Armando Figueredo, encargado de los teclados en la agrupación, parte del secreto para permanecer juntos durante tantos años radica en “que los astros se alinearan;

somos seis personas que han compartido una pasión, lo que se ha dado sin pensarlo mucho y de una manera orgánica. La vida nos fue poniendo los peldaños a seguir, hasta que llegamos a donde estamos”. Previo a seguir su gira de celebración a través de Canadá, Australia, Colombia y otros puntos del planeta, el músico venezolano comparte en exclusiva para WARP MAGAZINE algunos tracks significativos que han ayudado a definir el sonido de la banda.

01. Brand New Heavies – ‘Brother Sister’

06. Stardust – ‘Music Sounds Better With You’

02. Jamiroquai – ‘Virtual Insanity’

07. Black Eyed Peas – ‘Rock My Shit’

03. KC & The Sunshine Band – ‘Get Down Tonight’

08. Daft Punk – ‘One More Time’

04. Héctor Lavoe - ‘Periódico De Ayer’

09. Nuyorican Soul – ‘It’s Alright, I Feel It!’

05. Funkadelic – ‘(Not Just) Knee Deep’

10. Prince – ‘Why You Wanna Treat Me So Bad?’

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VIVE THE AMAZING EVERYDAY. 024

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CLASS ACTRESS . THE VOLTURE . ELIZA DOOLITTLE . MAPS & ATLASES JUMBO . WYE OAK . DISIDENTE . ART VS SCIENCE Jueves 9:00pm Mex/Arg/Col/Brasil 9:30pm Vzla 8:00pm Chile

Domingo - 2:00pm - Mex/ Arg/Col/Brasil 2:30pm Vzla 1:00pm Chile

Repeticiones Jueves - 12:00am - Mex/Arg/ Col/Brasil 12:30am - Vzla 11:00pm Chile

10:00pm Mex/Arg/Col/Brasil 10:30pm Vzla 9:00pm Chile

Lunes - 1:00am Mex/Arg/ Col/Brasil 1:30am Vzla 12:00am Chile

sesionesoffseason.com @sonyspinla / @sonyspinbr

ask Amanda COLUMNA

Para leer la versión completa de Ask Amanda visiten warp.la/askamanda y/o envíen sus preguntas a askamanda@ warp.com.mx

ASK AMANDA Por: Amanda Palmer @amandapalmer Foto: Shervin Lainez

¿Cómo fue que decidiste empezar The Grand Theft Orchestra, teniendo ya un par de bandas? Karen Navarro Fueron las canciones del disco las que lo decidieron. La verdad es que nunca me senté y dije: “Quiero una banda nueva”.

Escribí un puñado de canciones y las enlisté, intentando imaginar qué me estaban diciendo que necesitaban; así fue que me dijeron: “Necesitamos un baterista, un bajista, algunos sintetizadores y una guitarra para hacernos sonar como las canciones que estamos destinadas a ser”. Así que escuché, seguí sus instrucciones, salí y junté una banda.

una especie de obvias influencias, comparado con los otros, lo que es divertido. Pudiera incluso remontar a las canciones y decir: “Esta es una canción The Cure; esta es una canción The Cars; esta es una línea de sintetizador Gary Numan; esta es una canción My Bloody Valentine/SWANS; esta es un homenaje a Depeche Mode”. Creo que es el más grande, el más ruidoso, el más triste, el más feliz, el disco más completo que he hecho. Ahora, cuando lo escuches, espero que me digas qué piensas tú, porque eso es lo que realmente me interesa. He estado viviendo dentro de estas canciones y honestamente no sé qué más decir.

The Grand Theft Orchestra me parece un grupo muy talentoso. ¿Cómo elegiste a sus miembros y por qué? Liz Gutiérrez Todos son maravillosos. Son tres: Michael McQuilken, Jehrek Bischoff y Chad Raines, cada uno con múltiples talentos y superpoderes. Michael es el baterista y sus superpoderes son el teatro y dirigir; él ayuda a montar el teatro del escenario en cada show de la gira. Jherek es el bajista, pero también es el arreglista y director de la orquesta de cuerdas (y de hecho acaba de lanzar Composed, su nuevo álbum solista; escúchenlo, es increíble). Finalmente está Chad Raines, quien toca los sintetizadores, la guitarra y la trompeta; su superpoder es organizar y conducir con la trompeta.

Michael fue el primero en la banda; es mi examante: fue mi novio antes de Neil. Nos conocimos para colaborar en teatro y finalmente lo estamos haciendo ahora que dejamos atrás nuestra relación. Él fue quien trajo a Chad, porque fueron juntos a la escuela de teatro; Jehrek entró porque Michael lo conoció en una gira de la banda de Jason Webley (que es, dicho sea de paso, la forma en que conocí a Michael en primer lugar)… Es algo confuso: perdón.

He visto el video de ‘Want It Back’ como un millón de veces (ok, quizá menos). ¿Cómo surgió la idea y el concepto detrás de él? ¿Te sentiste cómoda desnuda frente a la cámara? Gracias por hacer un video que es una obra de arte. Jorge Ávila De nada. Todos mis videos favoritos, especialmente los del auge de MTV, de mediados de los años ochenta, son como las actuales piezas de arte; hablo de videos como el ‘Sledgehammer’, de Peter Gabriel, o ‘Take On Me’, de A-Ha. Una de las cosas más excitantes sobre ser rockstar, para mí, es que puedes hacer arte como este.

La idea de hacer una animación fue de Kim Batt, un amigo mío director, que vive en Melbourne, Australia, y mientras estábamos allí, grabando el disco, quisimos hacer un video ágil, conmigo y la banda. Jim es animador por oficio y sugirió hacer algo en stopmotion, entonces tuve la idea de una canción cuya letra atacara mi cuerpo desnudo y a la banda. Él se puso a trabajar en el tratamiento y empezamos a grabar una semana después. Fue muy difícil permanecer inmóvil por tres días completos mientras hacíamos la pintura en mi cuerpo desnudo, pero fue muy divertido. Estoy tan habituada a estar desnuda alrededor de gente que conozco —y que no conozco—, que no tengo la noción de “vergüenza” en lo absoluto, me gustaría que todos pudiéramos ser así; quizá soy una nudista de corazón pero, honestamente, todos estamos desnudos bajo nuestras ropas. Es realmente divertido cuán ridículos somos sobre la desnudez cuando te detienes y piensas realmente en el tema.

¿Por qué elegiste Theatre Is Evil como título del disco? José Rubio Porque el teatro es el malvado… ¿No crees?

No puedo esperar a escuchar el disco completo… Pero, antes de escucharlo, ¿cómo lo describes? Erika Vega Oh… Es difícil de explicar. Quiero señalar las influencias que escucho en él, cosa que nunca he hecho con un disco; pero éste tiene

Por cierto… ¡Esperamos visitar México en el verano!

›› Theatre Is Evil, el nuevo material de Amanda Palmer And The Grand Theft Orchestra, está disponible desde el 10 de septiembre.

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insert SHUFFLE

Johnny Indovina Look into a strangers eyes

Por: Diovanny Garfias / Foto: Sergio Gรกlvez para WARP

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insert SHUFFLE

A

ún en los nichos musicales más ocultos hay figuras que, sin buscarlo, se han convertido en referencias vivientes de lo que entendemos por “leyenda”. En ese campo nos encontramos con Johnny Indovina, músico originario de Nueva Orleans que, a mediados de los años ochenta, entregó al mundo uno de los regalos más influyentes para la música alternativa en todas sus vertientes: el fenómeno mejor conocido como Human Drama.

En 2005, tras dos décadas de carrera, Human Drama abandonó los escenarios, dejando atrás una discografía en la cual encontramos joyas sonoras como el distinguido The World Inside (1992). En 2006, Indovina siguió con su brillante trabajo, esta vez al mando de Sound Of The Blue Heart, proyecto que sirvió de sosiego para sus demonios musicales, hasta que una súbita reunión con sus compañeros de Human Drama, el año pasado, dio pie a una pequeña presentación en Los Angeles.

Y el preludio perfecto para una reunión de las proporciones que Human Drama representa sucedió en México. WARP MAGAZINE platicó con Johnny Indovina, previo a su concierto en El Plaza Condesa, donde el músico además adelantó detalles de su próximo álbum en solitario. ¿Cómo te sientes reviviendo a Human Drama precisamente aquí, en México?

Regresar como banda fue algo que nunca estuvo planeado, pero después de una apresurada reunión en Los Angeles, el año pasado, nos sentimos tan bien que decidimos que, si queríamos hacerlo de nueva cuenta, tendría que ser en México.

Todos creyeron que era el momento y ahora lo vemos como una celebración de lo que fue la historia de Human Drama.

Nos sentimos muy bien al respecto. Ya quería regresar a este estado mental para compartirlo con la gente. ¿Qué hace a este show diferente al que ofrecieron en Los Angeles el año pasado?

Planeamos algo muy especial para este show: dos secciones diferentes con un intermedio; en una de esas partes tocamos uno de nuestros álbumes de principio a fin: algo que nunca hicimos hasta ahora. ¿Qué piensas de la gente que etiqueta la música de Human Drama como algo “gótico”, “oscuro” o “triste”?

Ciertamente creo que podría encajar en “triste”, porque lidia con algunas emociones dolorosas. “Gótico” es algo que nunca entendí. Respeto a cualquiera que esté en el movimiento gótico, los amo y estoy muy agradecido de que nos adoptaran; creo que aman nuestras letras y les encanta examinarlas, así fue como se nos acercaron, pero nunca sentí que Human Drama fuera una banda de gótico, porque nunca escribí para un estilo específico. No somos una banda country, ni de metal, así que no somos una banda de gótico. ¿Habrá un nuevo álbum de Human Drama?

No por ahora. Nunca digo “nunca”, porque si decido que es el día correcto para hacerlo, bueno, lo haré; aunque por ahora no hay nada al respecto.

¿Es muy diferente crear música para tu proyecto en solitario de lo que hacías para Human Drama?

Escribir para Human Drama era algo en lo que intentaba ser más específico, porque trabajaba con un nombre y un concepto.

Lo que hago en solitario puede ser lo que sea que necesite ser en un momento determinado; Sound Of The Blue Heart es muy buen ejemplo de eso, es como si se me concediera la posibilidad de expandirme un poco más, así que estoy muy contento. Esa es la diferencia: escribir y componer para Human Drama es hacerlo para algo que tiene una historia, un nombre, mientras que lo que hago en solitario, aunque no tanto, es algo más libre. ¿Qué es lo que te inspira hoy para crear música?

He estado muy inspirado en los últimos años para realizar mi nuevo álbum y creo que su concepto fue escrito dentro de mí.

Se llama Trails Of The Rider y trata de lo que se siente cargar en tus hombros una carrera musical. Trata de todas esas emociones, sobre lo que se siente despertar con ellas y llevarlas a tu futuro, sobre todas las cosas que sacrificas por tu trabajo, esas que luego empiezan a escasear si no es que desaparecen por completo. Así que esta vez creo que el concepto se escribió allí y ha sido muy fácil permanecer motivado.

Suena como un gran concepto pero, ¿qué podemos esperar de él en cuanto a su sonido? ¡Wow! [silencio] No sé cómo suena mi música exactamente, creo que va ligeramente por el lado del sonido de The Blue Heart: hay más guitarras que teclados o que cualquier otra cosa —de hecho, creo que no hay ningún teclado en este disco, todavía—. Digamos que es menos denso y más… Mira, a mi productor, Michael Rozon, se le ocurrió una palabra que lo define… Ahora no recuerdo esa palabra… ¡Mierda! Pero hay mucho pasando en el disco. No te estoy dando una buena descripción, pero creo que cualquiera que haya seguido mi carrera estará muy contento con lo que va a escuchar.

Empezaste a escribir música cuando la única forma de dar a conocer tu trabajo era teniendo una disquera trasnacional detrás de ti. Ahora tenemos Internet, donde te puedes autopromocionar y lograr mucho si tienes talento. ¿Cuál es tu opinión al respecto?

Creo que hay mejor música y mejores bandas. Gente como Bob Dylan y David Bowie —verdaderos genios— tuvieron que hacerlo todo a la manera tradicional: ganarse el derecho a grabar y a lanzar su música. Ahora creo que la música está muy diluida, muy encogida, hay demasiada. La tecnología MP3 es horrible, es una falta de respeto a músicos como Leonard Cohen o Tom Waits, así que prefiero el camino antiguo donde obtienes lo mejor de lo mejor, a los músicos más grandes. Espero no haberle faltado al respecto a nadie, aunque estoy seguro de que sí.

Gracias por la entrevista…

Gracias a la gente de Ciudad de México y de México en general, por manifestarle a la música de Human Drama la mayor forma de respeto: escucharla, comunicarla y compartirla con sus amigos. Muchas gracias a todos.

›› Diovanny Garfias es Editor en Jefe de WARP MAGAZINE, puedes leer su entrevista exclusiva con Victoria Legrand, de Beach House, en #WARP 48.

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rock fiction COLUMNA

YOU CAN’T TEACH AN OLD DOG NEW TRICKS Por: Adolfo Vergara Trujillo / @ToBeFreak

A

penas eran las 08:00 de la mañana, pero el sol de Mississippi ya se filtraba a través de la vieja cortina de estraza.

Una mosca sobrevolaba su rostro buscando el mejor ápice para detenerse a frotarse las patas y el viejo Vinyard se dio una cachetada a sí mismo, se incorporó de golpe y, sentado sobre la cama, descubrió a la mosca volando a media altura, sin patrón definido.

—Ya caerás, maldita.

Tumbó su cabeza de nuevo sobre la almohada y, vigilando a la mosca de reojo, se estiró, emitiendo un quejido algo largo, algo estruendoso. Se metió la mano bajo el calzón y se despegó los güevos de la entrepierna derecha, luego de la entrepierna izquierda, y así, ya libres, se los rascó. Cerró los ojos de nuevo hasta que, dos horas después, el hambre lo despertó. Se levantó descalzo y caminó hasta el refrigerador; hurgó con algo de ilusión, pero sólo estaba el mismo medio bote de leche agria, las mismas dos cervezas, el mismo frasco de mermelada sin mermelada y aquel solitario jitomate un poco más podrido que el día anterior. Escuchó el motor de un viejo Cadillac, recordó que era jueves y sonrió. Destapaba una cerveza justo cuando abrían la puerta: era Little Lou, que llegaba con víveres frescos. Había conocido a Little Lou hacía cinco meses en un bar de Como, MS; la había cautivado su larga barba blanca de candado — pómulos siempre sucios—, digna de un HAMC veterano; y cuando el viejo Vinyard —sajón puro, calvo y muy corpulento— le dijo que era originario de Oakland, casi se le fue encima.

—Tienes unas tetas de veinteañera —le susurró el viejo Vinyard cuando al fin la tuvo encima de él.

—No, cielo —respondió ella—: son las de una mujer de 44; lo que sucede es que tienes casi 70 años…

Desde aquella noche Little Lou —menuda, de cabellos negros, ojos azules y pantorrillas gruesas— se había quedado a dormir con él de jueves a domingo; estaba resuelta a cuidarlo hasta que el Señor se los permitiera. Y durante las primeras semanas no estuvo tan mal: desayuno americano por las mañanas, cerveza por la tarde y dos dedos de bourbon por la noche, aunque los domingos, sin pretexto, debía acudir a la iglesia bautista de Coldwater a las 12:00 del día en punto. Y generalmente el viejo trataba bien a Little Lou: a su edad era una bendición semejante compañía.Durante el último mes, sin embargo, a Little Lou se le había metido en la cabeza la fastidiosa idea de que el viejo Vinyard debía conseguir un empleo.

—Pero, corazón —le había dicho él—, ya tengo un empleo: fabrico guitarras; además tengo mi pensión de Vietnam…

—¡Eso no es un trabajo, Vinyard! ¡Y lo otro tampoco es una maldita pensión!

Y aquella tarde, pese al disimulo, la cantaleta fue la misma: —¿Ya despertaste, dormilón?

—Ajá…

—¿Huevos con tocino? —preguntó ella, mostrándole las bolsas con víveres frescos y, sin esperar respuesta, arremetió: —Por cierto, hablé con la señora Ward, ¿la recuerdas?

Aquella mujer decente, dueña del almacén; dice que los empacadores ganan hasta diez dólares la hora… ¿Te imaginas? Nos vendría bien esa morralla, ¿no crees, cielo?

—Sí, creo que sí… —respondió él.

Mientras Little Lou hablaba, el viejo Vinyard, en calzones y con cerveza en mano, se había acercado inconscientemente al taburete de trabajo, mientras la mosca descubría irresistible el cabello de Little Lou. —¡Mosca! —exclamó ella, intentando alejarla; sin embargo, continuó la conversación:— ¿Qué opinas?

—Me parece bien, aunque… ¿Me pasas mi gorra?

Little Lou dejó el aceite en la lumbre y fue hasta el buró; tomó la gorra grasienta de Vinyard con las uñas mientras el viejo se sentaba en el banco de madera y dejaba la cerveza a su lado para cambiarla por un desarmador y unas pinzas; comenzó a unir con tuercas y tornillos algo que parecía un par de platillos de motor muy gastados.

—¿Aunque…? —preguntó ella, estrellando un par de huevos en el sartén, sin dejar que el hilo de la conversación se le escapara, mientras el viejo Vinyard, sin escucharla, se ajustaba la gorra sobre la calva como si fueran anteojos de relojero y desempacaba tres cuerdas Ernie Ball nuevas— ¡Vinyard!

—¡Demonios, mujer! ¡No me grites mientras trabajo! Me puede dar un infarto, una embolia…

—¿Qué opinas del empleo? Dijiste que te parecía bien, “aunque”…

—Bueno, creo que ya trabajas diez horas diarias sirviendo cafés en ese merendero de mierda —dijo el viejo Vinyard, mientras ajustaba las cuerdas desde un pequeño puente hasta una especie de clavijero incrustado en el extremo de un palo de escoba—. ¿Crees que todavía te queden fuerzas para empacar víveres en el almacén de la buena señora Ward?

El viejo Vinyard no esperó respuesta; conectaba ya esa especie de banjo eléctrico al pequeño amplificador.

Little Lou apagó la estufa.

—¿Ves por allí mi slide, corazón? —preguntó él— Debo probar esto antes de ofrecérselo al chico Johnson; serían 20 dólares y…

—¡Eres un bastardo, Vinyard! —gritó Little Lou, mientras se espantaba a la mosca de la cara y se fue.

El viejo buscó por allí, cerca de su taburete de trabajo, pero el slide estaba perdido. Entonces tomó su frasco de cerveza, bebió lo que sobraba de un sorbo y la rompió; ajustó el cuello de la botella rota en su anular izquierdo, mientras escuchaba encenderse el motor del viejo Cadillac de Little Lou. —No sé por qué, pero me ama…

Vinyard dejó escapar un par de notas imposibles —largas, muy largas, y sucias, hermosas— de aquel palo de escoba unido por las cuerdas a dos pedazos de lata. De improvisto, sin embargo, se detuvo y, con movimientos de tigre, se quitó la gorra: la mosca estaba delante de él, al alcance de su mano.

El viejo Vinyard, con toda la sabiduría de sus 70 años en la mirada, encogió los dedos de sus pies descalzos y aguantó la respiración: no podía dejar escapar a la maldita.

You Can’t Teach An Old Dog New Tricks Seasick Steve Play It Again Sam Recordings / 2011

›› Adolfo Vergara Trujillo es escritor y especialista en Literatura Mexicana, autor de los libros de relatos Freak Y Otros Tormentos y Absolut Punch.

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calendario

septiembre 2012 7 Lucybell

14 Linkin Park

Teatro Metropólitan México, DF

Arena Ciudad de México México, DF

Markus Schulz

Zola Jesus

Expo Reforma México, DF —

El Plaza Condesa México, DF —

Teatro Metropólitan México, DF

Auditorio Nacional México, DF 19 y 20

8 Los Daniels 1-3 Bumbershoot 2012 Seattle Center Seattle, WA, Estados Unidos —

1Festival 212 RMX 2012

Av. Chapultepec Guadalajara, Jalisco.

Megadeth

Arena Ciudad de México México, DF —

Pepsi Center WTC México, DF —

Linkin Park

Pirámides de Cholula Puebla, PUE —

MTV World Stage México 2012 Arena Monterrey Monterrey, NL

Pumpkins

Arena Monterrey Monterrey, NL —

19 Roxette

Def Leppard y Poison

12 Garbage y

23 The Smashing

20 Hot Chip

22 The Smashing Pumpkins

Arena Ciudad de México México, DF

27 y 28 The xx Auditorio BlackBerry México, DF —

28 y 29 Enrique Bunbury Palacio de los Deportes México, DF —

29 The xx

Teatro Estudio Cavaret Zapopan, JAL

Boys Noize

Kiss y Mötley Crüe

Auditorio BlackBerry México, DF —

Foro Sol México, DF

6 Scorpions

Arena Ciudad de México México, DF

Mayday Parade Lunario del Auditorio Nacional México, DF

Emilie Autumn

Prudence Fest 2012

Circo Volador México, DF

Pepsi Center WTC México, DF —

Screaming Headless Torsos El Plaza Condesa México, DF —

Hot Chip Pepsi Center WTC México, DF —

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gigs

Yeasayer Auditorio BlackBerry, Ciudad de México Foto: Sergio Gálvez para WARP Para leer la reseña de este concierto, escanea el código o visita: warp.la/yesayer2012

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gigs

Dragonette Auditorio BlackBerry, Ciudad de México Foto: Sergio Gálvez para WARP Para leer la reseña de este concierto, escanea el código o visita: warp.la/dragonette2012

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gigs

Metallica Palacio de los Deportes, Ciudad de México Foto: Fernando Aceves, cortesía OCESA Para leer la reseña de este concierto, escanea el código o visita: warp.la/metallica2012

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JUEVES 10:00PM EN CADENA NACIONAL POR

COBERTURAS

PG.039

La cobertura de Benicàssim 2012 es presentada por:

BENICÀSSIM 2012 Por: Alejandro Franco / Fotos: Samantha López y Alejandro Franco para WARP

Es nuestra primera visita al Festival Internacional Benicàssim, enmarcado en una locación de la provincia de Castellón, a unas cuantas calles de la playa y en pleno verano para hacer de la desfachatez que permiten las vacaciones la cereza del pastel. Es un hecho, sin embargo, que este festival español ya no es lo que solía cuando sus dueños y curadores eran españoles y buscaban hacer un proyecto distinto, atreviéndose a programar un cartel ecléctico, alternativo e incluso arriesgado.

Y es que, desde que el festival fue vendido a los ingleses —involucrados de alguna manera en festivales como Glastonbury—, aquella filosofía murió: el ingrediente de las vacaciones pasó a ser el componente principal y en 2012 el cartel toca su punto más bajo en cuestión de oferta respecto a otros festivales del verano. Por si fuera poco, horas antes de arrancar sus actividades Florence + The Machine y Bat For Lashes cancelaron su presentación. Si al hecho de que a los españoles ya no les atrae el festival como antes le sumamos la crisis política, económica y social que se vive en España, podemos explicar por qué se dio a conocer un cálculo que arrojó que habría unas 8 mil personas menos, cada día, durante esta edición del FIB respecto al año pasado.

DÍA 1: JUEVES 12 DE JULIO

Lisa Hannigan

The Horrors

De la Soul

At The Drive-In

Tuvimos a The Horrors marcando el inicio de una noche impecable para ellos, con un sonido excepcional y un recibimiento, según sus propias palabras, “como en casa”. ‘I Can See Through You’ y ‘Still Life’ destacaron especialmente durante este imperdible set.

At The Drive-In también lo hizo muy bien. Se sienten más encanchados que en su regreso en Coachella, y el recibimiento del público fue recíproco a la energía que la banda icónica californiana sabe entregar magistralmente.

COBERTURAS

DÍA 2: VIERNES 13 DE JULIO

PG.041

Bob Dylan

Little Dragon

Miles Kane

Timber Timbre

El festival, durante el viernes, nos pareció mucho mejor respecto al tibio arranque del día anterior. El equipo #WARPenFIB inició la noche con Miles Kane, compañero imbatible de Alex Turner (Arctic Monkeys) en el proyecto The Last Shadow Puppets.

Luego nos fuimos al FIBCLUB a ver a Timber Timbre que, aunque tocó para muy poca gente, logró convencer a los que se acercaron a ver a un músico solitario, sentado con guitarra acústica, un bombo, un secuenciador y pura estrategia a la “one man army”.

Bob Dylan llegó al escenario Maravillas y con él un 70 por ciento de la afluencia total del festival. No es un secreto el deterioro de su voz, pero a diferencia de sus presentaciones en locales cerrados, el ambiente festivo le viene bien y nadie parece reclamarle el paso del tiempo.

En el Maravillas todo se puso aún mejor con los impresionantes The Maccabees que, ya consolidados (al menos en Inglaterra), suenan maduros, precisa y eternamente disfrutables.

te llevan a

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*Sólo para mayores de edad. Es necesario contar con pasaporte vigente para participar.*

COBERTURAS

DÍA 3: SÁBADO 14 DE JULIO

Buzzcocks

PG.043

Noel Gallagher’s High Flying Birds

The Stone Roses

School Of Seven Bells

Jessie J

Nuestra noche comenzó con School Of Seven Bells quienes, siendo los segundos del día en el escenario principal, tuvieron que salir adelante ante una escasa audiencia, lo que fue un fenómeno más o menos general para todo el que tocaba antes de las 22:00 hrs.

Por su parte, Fujiya & Miyagi se presentaron en el FIBCLUB, ante no mucha gente, aunque eso sí, todos agradecieron su música y su ejecución. Fue entonces que el Trident Senses recibió a la legendaria banda punk Buzzcocks, quienes regresaron en 2011 con la alineación original para dar “un par de conciertos”.

La poca afluencia del inicio de la jornada se convirtió en la mayor presentada hasta ese momento del FIB, y se notó cuando Noel Gallagher’s High Flying Birds apareció en el escenario principal. La fórmula que ya le conocemos a Noel —tocando su disco

solista y cerrando con un par de clásicos de Oasis, destacando ‘Don’t Look Back In Anger’—, resultó infalible una vez más.

Hemos hablado del “flojo” cartel de esta edición del Festival Internacional Benicàssim respecto a otras ediciones del evento, pero si un headliner jamás se puso en discusión es The Stone Roses. Y con esa mágica energía que alguna vez tuvieron, llegaron a este Benicàssim. El sonido comenzó no tan afortunado para The Stone Roses durante las primeras tres canciones, pero luego se tornó perfecto y el recital vino a mucho más.

Dizzee Rascal, por su parte, tuvo un lleno tremendo en el Senses, mientras que Crystal Castles cerró el escenario principal con una gran producción de luces, aunque con un show en vivo, una vez más, poco afortunado y muy mediocre en su ejecución.

COBERTURAS

DÍA 4: DOMINGO 15 DE JULIO

PG.045

David Guetta

Little Boots

Totally Enormous Extinct Dinosaurs

New Order

Nuestra última noche comenzó con The Vaccines y su poderoso set, más que probado ante el público inglés, que en cifras oficiales abarcó alrededor del 70 por ciento de la asistencia general del evento, contra un 27 por ciento de españoles y un 3 por ciento procedente del resto del mundo, donde estamos incluidos los miembros del #WARPteam.

Llegó el turno de New Order que, sin Peter Hook, tuvo que dejar claro, en un festival con tantos ojos puestos en ella, que

The Vaccines

siguen habiendo motivos para ostentar ese nombre, cantar esas canciones y presentarse por todo el mundo.

La experiencia de Beincàssim nos deja con un grato sabor de boca. Desearíamos haber presenciado algunas de sus ediciones anteriores, de aquellas de sus días de gloria, pero no nos podemos quejar en absoluto. Queda recomendado como una perfecta opción para vacacionar en la playa y aprovechar el sol y la arena durante el día, y la música y la fiesta durante la noche.

COBERTURAS

PG.047

La cobertura de Lollapalooza 2012 es presentada por:

LOLLAPALOOZA 2012 Texto: Diovanny Garfias / Fotos: Sergio Gálvez para WARP / Retoque Fotográfico: Rubén Márquez

Si hubiera que definir con una palabra a Lollapalooza, “legendario” sería una buena opción. Basta recordar los días en que Jane’s Addiction dio vida al evento y recorría Estados Unidos acompañada de algunas de las bandas más importantes de la época, hasta hace apenas unos años, en que el festival se convirtió en una franquicia internacional con base en Chicago, específicamente el Grant Park.

DÍA 1: VIERNES 3 DE AGOSTO

The Black Keys

The Shins

Pero no importa qué digan los medios masivos de comunicación, las leyendas alrededor de este festival, o sus mitos, para entenderlo hay que estar en Lolla.

El Google Play stage nos recibió con Band Of Skulls arrancando su set. En el Bud Light, Passion Pit dejó claro por qué es uno de los fenómenos de 2012 y por qué su álbum Gossamer se convertirá en uno de los más destacados de los próximos meses.

Casi al mismo tiempo James Mercer y su banda The Shins hacían un repaso de lo que en estos días significa fusionar rock, folk y pop. Más tarde, en Perry’s, el dubstep se hizo

The Band of Skulls

presente de la mano de Nero, que puso a todos en un mood playero. La cereza de su actuación se llamó ‘Promises’.

Para cerrar la calurosa noche dos titanes se batieron en duelo. Por un lado la leyenda viviente Black Sabbath, la encabezada por Ozzy Osbourne, un mito que hace temblar cada escenario en el que se para; si no, pregúntenle a los miles que presenciaron su actuación en el Bud Light.

Del otro lado tuvimos a The Black Keys, para quienes 2012 ha estado plagado de actuaciones en festivales, sobre todo como cabezas de cartel en la mayoría, lo cual habla del gran impacto de su música en los melómanos de todo el mundo.

COBERTURAS

DÍA 2: SÁBADO 4 DE AGOSTO

PG.049

Red Hot Chili Peppers

Bear In Heaven

Franz Ferdinand

El día inició conforme a lo programado y a la 1:30 pm la agrupación liderada por Jon Philpot estaba arriba del Sony stage: “Somos Bear In Heaven, una banda de Brooklyn, y estamos muy felices de estar en Chicago”. Con el sol cayendo sobre cada rincón de Lolla la gente empezó a reunirse en los diferentes escenarios del parque, entre ellos el Bud Light, donde Delta Spirit se presentaba.

La primera sorpresa del día vino de la mano de Neon Indian; por si a alguien le quedaba duda, el poder de convocatoria del proyecto de Alan Palomo es tal que el Sony stage albergó público suficiente para hacer palidecer a cualquier headliner.

Eran las 3:30 pm y con apenas 20 minutos transcurridos de su set Alan comunicaba a los presentes: “Disculpen, pero tenemos que suspender el show, una tormenta se acerca y nos han pedido que paremos…”. Una tormenta eléctrica ponía en jaque a los organizadores del festival, quienes decidieron que lo mejor sería no poner en riesgo a los asistentes y suspender el evento hasta nuevo aviso. Así inició el éxodo del Grant Park.

Santigold

La lluvia parecía no tener final y la violencia con la que caía era tal que las calles permanecieron desiertas durante casi una hora, pero entonces -mágicamente- la lluvia abandonó la ciudad y todo lo ocurrido parecía nada más que una broma. Tras verificar que todo estaba en orden, organizadores y gobierno decidieron que las instalaciones eran seguras de nuevo.

A las 7:30 pm Alex Kapranos y compañía agradecían a quienes habían regresado a ver su actuación -una de las más nutridas de la tarde en cuanto a asistencia- y con ‘The Dark Of The Matinée’ hicieron que el pandemónium de la tormenta quedara sepultado de una vez por todas.

A las 9:00 pm el Red Bull Soundstage estaba a reventar, Red Hot Chili Peppers celebraba el aniversario número 20 de su primera presentación en Lolla. Así inició una avalancha de éxitos del cuarteto, que concluyó con la leyenda sonora `Give It Away´. Santigold iniciaba la celebración nocturna del sábado en el Perry’s y en el Bud Light Avicii llevó las actividades hasta sus últimas consecuencias.

Martes 10:00 pm – MEX/ARG/COL Martes 10:30 – VZL Terça-feira 10:00 pm – BRA

@gameboxla

COBERTURAS

DÍA 3: DOMINGO 5 DE AGOSTO

PG.051

Jack White

Justice

At The Drive-In

Para entrar en el mood de aquel domingo de cielo despejado nos dirigimos al Sony stage. Ahí, Channy Leaneagh y su banda Poliça interpretaron de manera enérgica. Más tarde, el mismo escenario dio la bienvenida a The Walkmen, y en el Google Play el lado femenino del punk llamó la atención de cientos cuando Dum Dum Girls inició su show.

The Gaslight Anthem se presentó ante una audiencia más nutrida que las Dum Dum, y para festejar empezaron por dar vida a su heartland rock ayudados por guitarra y batería, orquestando así ‘Great Expectations’. Por la tarde el Sony stage recibió a Toro Y Moi, el proyecto de Chazwick Bundick que logró hacer del lado norte del Grant Park una macro pista de baile.

La dupla de Mali, Amadou & Mariam, logró reunir a una pequeña pero entusiasta cantidad de gente. Mientras Florence + The Machine dejaba claro su poderío atiborrando el lado sur del parque, unos reformados At The Drive-In daban clases de post hardcore a una generación que no creció acompañada de este estridente sonido. De vuelta al escena-

Dum Dum Girls

rio Sony, Miike Snow completaba la serie de actuaciones de bandas de la “generación festival”.

Con la noche encima del Grant Park nos dirigimos al Bud Light stage, en donde en punto de las 8:30 pm una versión modificada del himno nacional estadounidense daba inicio a la actuación de Justice. El platillo fuerte para muchos se llamó Jack White, y en verdad que el músico no los decepcionó.

Mr. White hizo un recorrido por su discografía y para cuando nos dimos cuenta la gente llegaba más allá de donde nos daba la vista, precisamente en ese momento, después de una intensa, dramática y emocionante actuación, todos los asistentes fueron recompensados con ‘Seven Nation Army’, de The Withe Stripes.

De esta forma terminó Lollapalooza 2012, una edición que quedará registrada en la memoria colectiva no sólo por su repentina evacuación en plena tarde de sábado, sino por haber sobrepasado las expectativas de un cartel por el que pocos apostaban.

Nos vemos en Lollapalooza 2013.

2012 destaca sobre otros años por estar cargado de un significado espiritual, con tintes de transformación y cambio, de una evolución global encaminada a alcanzar un nivel más elevado de conciencia. Nos referimos a un concepto totalmente terrenal, que engloba la permanencia de la raza humana sobre la faz de la Tierra, de asegurar su supervivencia.

Y vaya que la raza humana ha sido puesta a prueba durante 2012, con catástrofes naturales que han asolado diversos puntos del planeta, la economía cayendo hasta algunos de los puntos más bajos desde su nacimiento, mientras que la política se plantó en un espacio en el que el arte de gobernar se tergiversó en una vil lucha de ambiciones e intereses. Pareciera que todas estas ideas y conceptos que sitúan al hombre como un ser evolucionado se desmoronan, como recordándonos que nada es eterno, que para sobrevivir hay que luchar y encaminarnos a una revolución de nuestras bases y fundamentos… evolucionar.

Si para nuestra especie la palabra evolución está tatuada en el ADN, con la música no es diferente. Este ente vivo ha cambiado a través del tiempo y lo sigue haciendo, revolucionándose en cada oportunidad, cambiando su estructura, luchando por su permanencia en el espacio sonoro, por impregnarse en nuestro ser.

Hablar de las mentes detrás de estas revoluciones sónicas puede representar una tarea interminable, sin embargo, nunca deben ser dejados de lado, aquellos genios que no se conformaron con el sonido proveniente de su consola de grabación, que buscaron plasmarla lo más cercano posible a como se gestó en su cabeza, reinventándose en cada oportunidad.

Para celebrar el espíritu de lucha y supervivencia inherente en la música WARP MAGAZINE presenta Survivalism, un especial dedicado a aquellas bandas que buscan evocar diferentes sonoridades en cada una de sus entregas. Desde España Los Punsetes, agrupación que nos cuenta como alcanzó el sonido electropop de su álbum Una Montaña Es Una Montaña; el creativo de The Hundred In The Hands, Jason Friedman, relata el proceso evolutivo de su proyecto hasta llegar a Red Night; César Gudiño y Odín Parada detallan la composición de Radiolatina, lo nuevo de Sussie 4; mientras Emily Haines y Jimmy Shaw, de Metric, nos relatan los detalles detrás de Synthetica, su más reciente experimento.

Además, en exclusiva para México, presentamos a Matt Bellamy, Christopher Wolstenholme y Dominic Howard, integrantes de Muse, confesando todos los pormenores detrás de The 2nd Law, en una charla con nuestro columnista y colaborador Paul Stokes (Editor Asociado de Q Magazine).

Evolución es sinónimo de lucha y permanencia, de supervivencia.

LOS PUNSETES TRÁFICO DE ÓRGANOS DE IGLESIA Por: Michelle Apple / Fotos: Cortesía LP

Si hablamos de reinventarse en la música, tenemos que hablar de las grandes figuras que saben jugar con su sonoridad y llevarla a nuevas —desconocidas— dimensiones; pero también hay que hablar de quienes conocen su pasado y en su futuro ven una gama muy amplia de caminos qué recorrer. En este reglón nos encontramos con Los Punsetes, banda madrileña que este año deja en libertad el espíritu punk rock contenido en su álbum debut homónimo (2008) —ese que les ganara tan buenas críticas y el reconocimiento de la prensa española—, para aprisionar un sonido más pop y electro, de manufactura más fina, titulado Una Montaña Es Una Montaña (2012). La mente detrás de este giro es Pablo Díaz-Reixa, músico mejor conocido como El Guincho, el mismo que en 2010 sorprendiera con su álbum Pop Negro (2010). Para entender de mejor manera por qué su más reciente álbum de estudio es la luz que los guía hacia nuevos caminos musicales, WARP MAGAZINE platicó con Ariadna, vocalista de la agrupación, previo a que el quinteto empiece una larga gira de promoción que, por cierto, los traerá a tierras mexicanas. ›› Michelle Apple investiga fenómenos paranormales y colabora en WARP, puedes leer su entrevista exclusiva con The Black Belles en WARP #46.

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¿Cuál dirías que es la principal diferencia entre este disco y su debut de 2008?

Creo que de alguna manera hemos seguido una línea, con algunos cambios, aunque la esencia del material es la misma. Lo único que ha cambiado es que, en el disco de 2008, la producción corrió por nuestra cuenta; éramos novatos y no teníamos mucha idea de producción, pero al final terminamos satisfechos. Ahora, la diferencia principal es que contamos con un gran productor (El Guincho), con mucha experiencia e ideas muy claras para llegar a un resultado. Por lo tanto, la diferencia es grande.

Su debut fue muy bien recibido por la crítica y los colocó en un lugar privilegiado. ¿Han sentido presión por mantenerse en el gusto de la crítica al momento de componer?

No, para nada. Nosotros hemos seguido trabajando del mismo modo; seguimos siendo cinco amigos que se reúnen dos horas, dos veces por semana, para crear canciones. Hemos seguido el camino que nosotros creíamos que teníamos que seguir, lo que nos ha gustado a los cinco. No hemos sentido ninguna presión de la crítica, porque la crítica es como todo: siempre va a haber gente a la que le gustas y gente a la que no. No hemos sentido la presión de tener que agradar, porque lo que siempre hemos buscado todos nosotros tan sólo ha sido pasarla bien. ¿Cómo definirías el álbum Una Montaña Es Una Montaña?

Si quisiéramos compararlo con los discos anteriores, yo creo que tiene un sonido más trabajado; pero también creo que seguimos haciendo el mismo estilo de música: pop. ¿Qué tanto influyó El Guincho en el sonido final del disco? ¿En realidad les ayudó a llegar a lo que deseaban o el resultado fue un afortunado accidente? Él nos ayudó a llegar a donde queríamos llegar. Ya teníamos las maquetas terminadas y, a partir de allí, empezó a trabajar,

a buscar el sonido que queríamos. Y tuvo mucho cuidado de no llevar las cosas a un estilo que no nos corresponde: siempre fluyó la comunicación y de ahí ha salido el resultado final.

Siendo esta una placa más elaborada, ¿les gustaría mantenerse trabajando en este camino, puliendo un poco más la producción?

En este disco incluimos sintetizadores: un trabajo con el que hemos quedado sumamente satisfechos; de hecho, en nuestros shows en vivo, los utilizaremos para que las canciones queden mejor en directo. Y en principio queremos seguir esa línea, pero no siempre se sabe qué es lo que puede ocurrir. Por ejemplo, en este disco no sabíamos que íbamos a incluir los sintetizadores en casi todas las canciones; entonces, hasta que no se presenta la ocasión, no podemos decir que “nunca voy a probar esto”; no nos asusta probar cosas nuevas. ¿Qué tanto ha evolucionado su sonido en vivo, desde que empezaron a tocar en lugares pequeños hasta ahora, que son una banda más consolidada?

A decir vedad, tampoco ha variado tanto; siempre hemos sido muy enfocados en tocar; hablamos poco entre canción y canción, además de que siempre tenemos un trato correcto con el público. Somos una banda de “llegar, tocar y marcharse”; en ese sentido, no ha habido muchos cambios.

En un principio Los Punsetes estaban a favor de compartir la música de manera gratuita en la red. Hoy, con el paso de los años, ¿cuál es su filosofía al respecto?

Dentro de la banda hay varias opiniones. Ahora estamos con una disquera y no tenemos ya la libertad de compartir la música gratis, porque la disquera está detrás de nuestro proyecto y ellos necesitan ver ganancias de algún lado. Dentro del grupo, sin embargo, a algunos les parece mal que la música sea gratuita, mientras que a otros les parece bien: cada uno tiene una opinión al respecto.

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THE HUNDRED INHANDS THE LEAD IN THE LIGHT Por: Samuel Segura / Fotos: Heather Culp

The Hundred In The Hands es un proyecto altamente atrayente, en el que encontramos viviendo dos vertientes que evolucionan todo el tiempo: por un lado, el del perfeccionismo musical y artístico, ese que reúne el lado más brillante derivado de bandas como New Order, The Cure, De La Soul, Buddy Holly, Broadcast, Gang Gang Dance e incluso LCD Soundsystem, y que los orilla a plantarse frente a los instrumentos; por el otro lado está el hambre por lograr que su música llegue a más escuchas, tocando el mainstream de la manera más inteligente y digna posible, sin perder su esencia.

Partiendo de lo anterior, no es sorpresa que Jason Friedman y Eleanore Everdell hayan creado un álbum concebido desde la oscuridad de la noche. Red Night, su segundo disco, es un material que, en palabras de Jason —quien desde Nueva York platicó con WARP MAGAZINE—, “se inicia con la violencia real, la ira y la tristeza extremas, para saltar de nueva cuenta a la luz. Es una larga noche tratando de volver a la persona que amas”.

Bendecido porque Warp Records los haya fichado desde ‘Dressed In Dresden’, sencillo de 2010, Jason admite que todas las razones para hacer y lanzar música están focalizadas en la

buena vibra, gracias a la relación (proveniente de una increíble historia) que hay entre la disquera británica surgida en 1989 y el dúo, que pasó tiempos difíciles antes de grabar este disco, resultando la música de Red Night fiel reflejo de aquella situación.

Y devino también en una separación de lo que fue su álbum debut homónimo (2011), pero sin olvidarse de quiénes son y de dónde vienen. “Se trató de una reflexión honesta acerca del lugar en el que estábamos. Tienes que hacer cosas que no sólo reflejen dónde estás, sino también que te enseñen algo. Me imagino que nos moveremos otra vez”.

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Friedman estuvo a cargo de la parte técnica de un disco que hicieron ellos mismos. En un primer momento pensó que no lo estaba haciendo bien. Sin embargo, gracias a las observaciones de terceros, lograron desarrollar su música, esa que suena cada vez mejor producida, más preciosista e incluso perfeccionista. Buscaron jugar con las ideas, deformaron el sonido de las guitarras, añadieron capas de voces y trataron de darle el calor de las máquinas analógicas. ¿Qué elementos hay en la música de The Hundred In The Hands que la distinga de otros grupos?

Cada uno tiene diferente oído respecto del otro, lo que implica una “sensibilidad movediza”. Ninguno de nosotros se encuentra establecido en algo en particular. Existen lados más suaves y otros más agresivos; cosas que se mueven mecánicamente y otras que se mueven de forma más orgánica; y la forma en la que se unen no se siente como algo de lo que haya sido parte antes.

Jason trata de no imaginar las reacciones de la gente respecto a su música al momento de crearla; prefiere salirse de sí y convertirse en el escucha para quien compone. Sin embargo, para este disco, el dúo se propuso crear la sensación de que

se trataba de un álbum completo, redondo; intentaron que las canciones se alimentaran unas a las otras y que no sólo fueran una colección de canciones de MP3.

En contraparte, Jason no está alejado de lo que pasa en su entorno musical. Una de las secciones de la página web de la banda (thehundredinthehands.com) es “THITH Zine”, pues requerían de un espacio en el que no sólo se limitaran a hablar de sí mismos; sobre todo se trata de “una excusa para que podamos conocer a los artistas y bandas que nos gustan y saber lo que están haciendo y cómo lo hacen. Ojalá tuviéramos más tiempo para trabajar en ella”. ¿Qué le dirías a alguien que no ha visto a THITH en vivo?

Que es mucho más pesado y agresivo en el escenario. Allí se ve ese lado de la banda que es más duro, más difícil de conseguir en el disco. Y es que la banda respira un poco más ante el público.

México no está en sus planes de gira por ahora, pero Jason asegura que le encanta el país y que tiene un lugar en el tope de la lista de los lugares que pretenden visitar. Espera mejorar su español, pues muchos de sus escritores favoritos son mexicanos o españoles, y le gustaría leerlos en su idioma original.

›› Samuel Segura es periodista musical y colaborador de WARP, así como de diversos medios electrónicos independientes.

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SEGUNDA

TEMPORADA MARTES (10:30PM MX/BR | 11:00PM VZ)

WARP.la/warptv @WARPtv

@sonyspinla / @sonyspinbr

REINVENTARSE O MORIR Por: Marc Dorian / @marcdorian

Dice el tópico que, en esto del arte, lo difícil no es llegar sino mantenerse; gran verdad, si tenemos en cuenta que son pocos los artistas que logran desarrollar largas y excitantes carreras. Los escritores o los directores de cine suelen alcanzar el cenit de sus aptitudes y de su capacidad creativa alrededor de los 40 años; en la música popular, por lo general, ese pico de creatividad suele darse entre los 20 y los 30. El motivo es que la música es un arte mucho más “inmediato” que la literatura o el cine; implica una inmediatez para la que se necesitan la energía, las tripas, la rabia y, en cierto modo, la ingenuidad y la osadía de la juventud. Sin embargo, algunas bandas, algunos solistas (Dylan, Bowie, David Byrne, Radiohead) son capaces de continuar ofreciendo grandes obras a lo largo de varios lustros, décadas incluso. A mi juicio, ese grado de reinvención es imposible de alcanzar si el artista no mantiene intacta su capacidad de asombro y fascinación ante la vida y, por supuesto, ante la música.

Y es que desarrollar una larga carrera no es cosa únicamente de talento.

Cuando Bob Dylan se colgó la guitarra eléctrica en el festival de Newport, buena parte de la escena folk se llevó las manos a la cabeza. “¡Judas!”, fue el improperio más leve que se llevó el de Minnesota a lo largo de un tour infernal en el que él y su banda tuvieron que enfrentarse noche tras noche a la falta de comprensión de un público que ya no veía en ese Dylan al máximo exponente de la canción de protesta, sino a una banda de rockeros poseídos por el virus de la música pop… Nada más lejos de la realidad: Dylan seguía siendo Dylan, pero el artista sintió la necesidad de salir de las estrecheces creativas a las que le obligaba el formato guitarra acústica/armónica. El resultado: canciones que cambiaron la historia de la música popular, como la trepidante ‘Subterranean Homesick Blues’ (considerada una de las piezas precursoras del rap) o ‘Like A Rolling Stone’.

También The Beatles apostó por desmarcarse de sí misma y con Revolver y Sgt. Pepper’s Lonely Heart’s Club Band alcanzó dos de sus más celebradas cumbres creativas. Ambos álbumes fueron plataformas para la experimentación y la libertad personal y creativa, en un contexto cultural que demandaba la inmediata demolición de los prejuicios y los temores que encorsetaban a la sociedad. Escuchen atentamente ‘Tomorrow Never Knows’ (canción que cierra Revolver): ¿no es este acaso un corte precursor del sonido big beat que caracterizó los inicios de la carrera de The Chemical Brothers?

Y los alemanes de Kraftwerk fueron incluso más allá: lo suyo no sólo puso en jaque el formato “banda de rock” (su puesta en escena sobria y carente de instrumentos tradicionales huía totalmente de cualquier imagen estereotipada), sino que constituyó la reinvención de la música popular a partir de sonidos creados por máquinas. Desde la altura de la historia en la que nos hallamos, cuesta imaginarse el enorme impacto que debió suponer escuchar Kraftwerk en los años setenta, pero es que además su música marciana demostró tener una capacidad de reinvención extraordinaria, como demuestra la secuencia de trabajos que va

desde Kraftwerk (1971) hasta Computer World (1981), pasando obviamente por Autobahn (1974) y The Man Machine (1978).

Al público de Camarón De La Isla (el más grande cantaor flamenco de todos los tiempos), le costó mucho asimilar el disco La Leyenda Del Tiempo (1979), obra cumbre no sólo del flamenco sino de la música popular del siglo XX. Su incorporación de instrumentos como el sitar, la batería o los sintetizadores a una música tan arraigada en lo tradicional como el flamenco, provocó que muchos de sus fans regresaran encolerizados a las tiendas de discos para devolver su copia del álbum adquirida el día anterior, alegando que eso no era un disco del Camarón y mucho menos un disco de flamenco. Hoy, sin embargo, La Leyenda Del Tiempo es un clásico indiscutible, reivindicado por artistas de todo el mundo.

Ejemplos como los de Miles Davis (a lo largo de su discografía uno puede encontrar bebop, psicodelia, hip hop…) o David Bowie (quien tras haber pasado por una fase mod, durante los años setenta, mutó en marciano y terminó facturando discos de electrónica en los noventa, tras un paso más que digno por la década de los ochenta), constituyen una invitación a mantener intacta la capacidad de fascinación ante la vida y ante la música que puedan estar haciendo generaciones posteriores a la de uno.

Sólo si el artista permanece atento y desprejuiciado ante lo que hacen los jóvenes, podrá emplear su experiencia y su talento en reinventarse. ¿Sería Radiohead lo mismo sin los artistas de Warp Records? ¿Tendrían Kanye West y Bon Iver la envergadura artística de hoy si se hubieran limitado a trabajar dentro de los límites del hip hop y del folk, respectivamente? Por supuesto que no.

En el siglo XXI, más que nunca, la música popular tiene que ser bastarda, atreverse a mezclar conceptos distintos cuando no opuestos, si lo que desea es sonar cargada de futuro. Los verdaderos artistas no temen a su público; lo provocan reinventándose con cada nuevo lanzamiento.

Reinventarse o morir es la norma.

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SUSSIE 4

COMO SI FUERA ESTA NOCHE LA ÚLTIMA VEZ Por: Leonel Hernández / Fotos: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

Según el filósofo alemán Arthur Schopenhauer, “en la música, todos los sentimientos vuelven a su estado puro y el mundo no es sino música hecha realidad”. Esta remarcada búsqueda al origen hace que algunos proyectos evolucionen y se reinventen en su sonido, a veces logrando verdaderas vanguardias frente a las tendencias simplistas que surgen en la industria.

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Tal es el caso de Sussie 4, proyecto de música electrónica, liderado por Odín Parada y César Gudiño, que con cada disco persigue un sonido único y particular. Hoy está a punto de editar Radiolatina, álbum donde se mezclan las canciones más memorables de México con un estilo electrónico propio, dejando claro que la reinvención, paraSussie 4, se centra en los orígenes, en mirar al pasado desde el hoy.

covereada en la historia fue todo un reto. Al final quedó muy bien y le gustó a la gente que hizo la compilación y a quien la escuchó. De allí se fue gestando la idea. Alguien nos dijo en algún momento: “¿Por qué no hacen otras nueve canciones del mismo modo y editan un disco?”; esto se convirtió en una pregunta constante y pareciera entonces que no salió de nosotros; pero lo vimos como un reto e hicimos este disco.

¿De dónde surge la idea de Radiolatina?

Odín Parada: En 2010 nos invitan a participar en un homenaje de música mexicana en un disco que se llamó Muy Mexicano, Nuestros Clásicos Hechos Rock, para conmemorar el Bicentenario de la Independencia de México; y se trataba precisamente de eso: de reversionar clásicos en rock. Nos invitaron a varias bandas para escoger, de entre una lista muy larga, una serie de canciones para reversionarlas y escogimos ‘Bésame Mucho’, y debo decir que hacer una versión de la canción mexicana más

¿Cómo fue la selección de canciones?

OP: Nos tuvimos que echar un clavado en la música de compositores y de los boleros clásicos de Julio Jaramillo, Consuelo Velázquez, Agustín Lara, Emma Elena Valdelamar y muchos otros. Una vez con la lista de canciones, fuimos seleccionando a quien queríamos para que las cantara. Y precisamente para este disco, a diferencia de los demás, decidimos hacerlo totalmente con colaboraciones tanto en la parte vocal como en las instrumentaciones.

Cesar Gudiño: Pudimos haber hecho cosas instrumentales, pero en este tipo de canciones lo que importa es la letra, pues son muy intensas, muy llegadoras. Lo que hicimos con este disco, más que sacar el cover, al ver lo que logramos con ‘Bésame Mucho’, fue deconstruir cada canción. Por ejemplo: si ‘Bésame Mucho’ tiene quince acordes, nosotros los comprimimos en cinco; lo que quisimos hacer con eso fue transmitir la intensidad de la letra, pero simplificándola un poco. Así pasó con las otras rolas: casi no respetamos la música o la melodía y reinventamos todo desde cero.

OP: En otras sí lo respetamos, pero siempre tratando de darle este refresh, luego de pasarla por nuestros oídos.

Siempre que colaboran con un artista, parecen mimetizarse con el estilo del músico invitado, como en ‘Remote Control’, donde colaboran con León Larregui, de Zoé, y suenan más rockeros; o en ‘Vida’, con Pato (Machete) y Sofía (Radaid), donde suenan más hip hop. ¿Sienten que esto sucedió con las vocalistas que cantan en este disco?

CG: Sí y no…

OP: Creo que más bien es al revés. Las vocalistas se mimetizaron con nosotros. Siempre que ofrecemos una canción, la gente puede decir: “sí me gusta” o “no me interesa”, y nos sentimos muy orgullosos y satisfechos de que la gente haya aceptado participar en el disco. Pero sucede algo: la música que hacemos va sobre una misma esencia y sentir, y no sobre un género o línea; por eso podemos hacer canciones como ‘Remote Control’, ‘Vida’ y ‘Suite Tropical’, pero todas las rolas están direccionadas con nuestro estilo. Así, en Radiolatina, la música va sugerida hacia un punto y todos los artistas que colaboraron con nosotros encontraron el hilo conductor.

CG: Somos como un barco y la gente decide si se sube o no; aunque siempre esperamos que estén cómodos. Creo que con la sinergia de nuestra música y las voces invitadas se logra un tono y una textura que de otra manera no lograríamos.

¿Para ustedes qué significa “reinventarse”?

CG: No estoy seguro; el hecho es que nunca quisimos hacer un disco pretencioso ni descubrir nada nuevo; ni creo que lo vayamos hacer. Nunca hemos sido un grupo que ha seguido una misma línea. El primer disco es un disco memorable y la gente lo recuerda con mucha nostalgia; pero el segundo ya no fue igual, ni el tercero igual a los otros dos y así.

OP: Yo creo que, más que reinventarse, se trata de hacer la música que uno quiere hacer, sin obedecer tendencias o esquemas de trabajo fijos; ni siquiera tenemos una alineación fija. Somos César y yo y podemos ser sólo nosotros en el escenario o tener a quince músicos detrás. Nunca nos ha gustado encasillarnos; la música es música sin importar géneros y, si está bien hecha, se va a disfrutar. Nosotros mismos somos melómanos y no tenemos ese oído afinado para distinguir los elementos de tal o cual género. La música es para disfrutarse.

CG: Lo que hicimos en este disco fue echarnos un clavado al pasado, y no sólo al pasado musical, sino también al de nosotros mismos, para ver cómo hacíamos música hace diez años y rememorar esa ingenuidad que ya no tenemos. Tratamos de ir hacia atrás en nuestra historia personal como banda y como proyecto. En este disco hay tracks que recuerdan el Música Moderna (2005). Y es que fue regresar mucho a cómo éramos antes.

OP: Fue regresar mucho a la forma en que hacíamos música en aquel entonces; creo que por eso fue tan original.

CG: Estábamos haciendo un disco sin saberlo; hacíamos rolas, pero no teníamos un contrato ni nada; sólo hacíamos canciones para tocar en vivo en casas y fiestas. En el Música Moderna hay unas tres canciones que se hicieron sólo porque teníamos que grabar un disco. Y no es sólo mirar de reojo hacia atrás, sino voltear por completo hacia la inocencia que teníamos cuando empezamos a hacer música.

›› Leonel Hernández es poeta y traductor, puedes leer su entrevista exclusiva con Le Baron en WARP #48.

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METRIC BREATHING UNDERWATER Fotos: Justin Broadbent / Por: Karina Luvián

Libertad y reinvención van siempre de la mano, recíprocas y complementarias entre sí. Y es que es difícil entender la reinvención si no se tiene un espíritu libertario, mientras que éste no puede concebirse a partir de un estado inamovible, estático. Es así que Metric ha optado por ser independiente y no dependiente, por ser arriesgado y no pusilánime, por ser y hacer en lugar de perderse a sí mismo…

Cada disco que crean mantiene la esencia de Metric pero, al mismo tiempo, cada álbum es diferente. ¿Cómo es que lo logran?

Ahora que lo mencionas debo decir que suelo pensar en ello hasta el punto de darme cuenta de que se trata, de hecho, de una huella dactilar. Nadie tiene la habilidad de poner la mano en algo y dejar una huella diferente, ¿verdad?, se es quien es y siempre será así; o al menos así funciona para nosotros. Así que una vez que lo entendí, tuvimos la libertad de intentar un montón de cosas diferentes a nivel musical, sin el miedo de cambiar demasiado o perder nuestra identidad. Al final necesitamos permanecer comprometidos con la música que hacemos.

Para Jimmy Shaw, guitarrista principal y productor de la mayoría de los discos de Metric —incluido Synthetica, por supuesto—, se puede navegar por la música sin perderse en el camino, sin abandonarse a lo que dicte la moda o a los estándares que impone la industria.

Platícame sobre Synthetica y su realización…

Simplemente empezamos a hacerlo, justo después de que el ciclo de fechas agendadas para la promoción de Fantasies (2009) terminó; literalmente lo iniciamos al día siguiente.

Y es que teníamos mucho ímpetu y mucha energía creativa.

Muchas cosas ocurrieron alrededor y utilizamos un montón de energía positiva para empezar a componer Synthetica. Justo al principio compré muchos viejos sintetizadores clásicos, porque quería tener el control del espacio para que luciera como una cabina retro futurista de una nave subacuática y al final quedé encantado por los sonidos que creamos con estos instrumentos; fue una especie de paisaje atractivo que comenzó a dibujarse mientras la idea se hizo más y más sólida. Una de las cosas más hermosas de hacer discos a mitad del invierno canadiense es que no hay a donde ir más que a tu mente, y en algún punto del proceso nos dimos cuenta de que el sentimiento se llamaba Synthetica.

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Por su parte, para Emily Haines, vocalista y compositora de esta agrupación canadiense, la evolución de Metric se ha dado de manera natural, inherente al quehacer de la banda desde siempre. ¿Metric busca siempre reinventarse en cada álbum? ¿Cuál es la razón que los impulsa a seguir por esta línea?

Hemos cambiado y evolucionado a través de la realización de todos nuestros álbumes, pero no es algo que busquemos conscientemente; es simplemente el proceso natural del despliegue de la vida, del mismo modo en que nos hemos desarrollado como personas. Y es que nadie quiere estar atrapado en la rutina, repitiéndose a sí mismo, por lo que estamos constantemente agregando nuevos elementos a nuestro cuerpo de trabajo.

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En la última plática que tuvimos contigo señalabas Synthetica como el pináculo de su carrera…

Es que de verdad se siente como si fuera, literalmente, la síntesis de nuestros discos anteriores; sin embargo, sé que seguiremos avanzando mucho más allá en nuestro próximo disco… ¡Somos adictos!

El quinto disco de Metric fue grabado en Giant, estudio de la banda que para Jimmy representa “un lugar muy creativo, donde estamos realmente cómodos”, donde no hay tiempo, sólo espacio para crear, para soñar y para imaginar sonidos que luego llevarán a la realidad... “Un laboratorio para la imaginación”, diría él mismo.

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En este disco se rodearon de gente muy importante: desde Lou Reed, con toda su trayectoria y relevancia internacional, hasta John O’Mahony, alguien de suma valía en la historia de la banda…

John ha trabajado en cada disco de Metric, incluso en el disco solista de Emily y en el proyecto de Josh y Joules, Bang Lime. Básicamente él es parte de la banda, es el noveno lanzador de relevo que llega cuando el asunto completo está en la línea, cuando todo está a punto de desmoronarse, y salva el juego… ¡Gracias, Dios, por John! Por otra parte, trabajar con Lou Reed fue sorprendente. Su voz es, intrínsecamente, una parte de esa creatura que hoy se conoce como rock n’ roll. Empezó a cantar en el estudio y no podía describir cuán honrado me sentía de ser parte de ello. Él y Emily tienen una química musical maravillosa, en la que pareciera que él entiende la forma en que ella escribe y entonces canta en un sentido muy profundo.

atrás; debía continuar con el florecimiento que los posicionó y para ello debían tomar las riendas de su destino. Sobre cómo nace Metric Music Internacional Emily comenta:

Con nominaciones y premios que la acreditan como una de las bandas más importantes que Canadá ha dado jamás —incluidos, por supuesto, los Juno Awards y el Polaris Music Prize, que específicamente reconocen la escena canadiense—, Metric no podía echarse

Con varias presentaciones en puerta, que incluyen festivales en Reino Unido, Australia, Singapur y Estados Unidos, Metric disfruta de ser libre, de desdibujarse y de recrearse a partir de la seguridad y la confianza de que, sí, están haciendo lo correcto.

Fue la decisión correcta a seguir. A través de los años, muchas veces por accidente, hemos aprendido mucho sobre la manera en que funciona la industria de la música; y una vez que lo entiendes es imposible enterrar la cabeza en la tierra y actuar como si no lo supieras.

Es mucho trabajo, sí, pero una vez que aceptas que es imposible no lidiar con “la letra pequeña” en tantos aspectos de tu vida, se convierte en un problema menos. En ocasiones los artistas son vistos como personas incapaces de comprender lo que hay alrededor de ellos y creo que es una pena. Sin embargo, ahora que sé que somos los únicos tomando las decisiones y los únicos responsables del éxito o fracaso que se presente en el camino, me resulta más fácil permanecer con la mente clara y concentrarme en la música.

›› Karina Luvián es Coordinadora Editorial de WARP MAGAZINE, puedes leer su entrevista con A Place To Bury Strangers en WARP #48.

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Alejandro Franco y el alcalde de Londres Boris Johnson

LONDON 2012 SURVIVAL

Por: Alejandro Franco

En los últimos años antes de 2012, en WARP Magazine dedicamos un número anual a la escena musical de Reino Unido con una serie llamada The UK Issue, retratando los pormenores del circuito británica actual, acompañados de un análisis de su industria a la que siempre hay algo que aprenderle.

Todo nació a partir de la invitación del UKTI (UK Trade & Investment) para conocer el mítico festival Glastonbury en el año 2008; así nos convertimos en el único medio latinoamericano en cubrir dicho evento (que por cierto tomó una pausa este año como ya lo habíamos reportado en este espacio) y así, empezamos a adentrarnos al maravilloso mundo de Gran Bretaña de manera directa y sin intermediarios, con diversas historias de éxito, entre las que destaca la colaboración mensual en esta revista del talentoso y siempre puntual Paul Stokes, exeditor de noticias de la mítica revista semanal NME (New Musical Express) y actual editor asociado de la gran publicación musical Q. Es justo como efecto directo de la ausencia de Glasto en este año que decidimos descansar ese aclamado número especial. Estábamos resignados a quedarnos sin nuestra dosis de UK este año, o eso pensábamos. Y es que aquí estamos con una edición que, aunque no se llama The UK Issue, tiene a Muse con una entrevista exclusiva mundial y a mí con recientes experiencias de Londres 2012 y sus Olimpiadas.

Asistí a la mejor ciudad del mundo en la recta final de la justa deportiva, por invitación de London & Partners y de Boris Johnson, el increíble y carismático alcalde de Londres, que yo

postularía sin dudar para ser alcalde del mundo. Uno de esos políticos únicos que no lo parecen y que, además, nos invitan a formar parte de su visión a cada paso que dan. Y aunque la invitación que tuve fue exclusivamente en el área de negocios, tuve la fortuna de presenciar también un concierto de Lou Reed en el Royal Festival Hall, en el increíble Southbank; la victoria de México sobre Brasil, ganando la merecida medalla de oro en el futbol; la final de 10 metros en plataforma de clavados, y la increíble clausura, repleta de mucha de la música que nos ha marcado de este maravilloso lugar de la tierra y, para mí, la mejor producción de un show que he visto en mi vida… y miren que afortunadamente he visto varios.

Pude vivir un momento de la gran fiesta, pero sobretodo, disfruté de un momento histórico, donde la desconfianza de los londinenses antes de esas dos mágicas semanas se convirtió en una inesperada alegría y orgullo por ser la sede olímpica, y donde las nuevas generaciones de atletas de este y todos los países del mundo -incluyendo México- nos enseñaron que este mundo sí se termina en 2012, pero inicia de inmediato con la supervivencia de los que logran tener una visión más clara de la humanidad, con todas sus capacidades y debilidades, encontrando en las últimas, posibilidades de mejorar: los más jóvenes.

›› Alejandro Franco es Director General de WARP, creador y conductor de SesioneS con Alejandro Franco y conductor del show de radio Backstage 40.

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MUSE PERPETUAL MOTION MACHINES ARE IMPOSSIBLE Por: Paul Stokes / @stokesie Fotos: Cortesía Muse

Incluso aquellos que estuvimos ahí no esperábamos que el tour Revelations, de Gene, en 1999, hiciera historia. Aunque los subestimados héroes del britpop recorrieron los lugares más modestos de Reino Unido, eso no hizo que revivieran su buena fortuna, y aún menos esperanza había para la banda de tres integrantes que los acompañaba como teloneros.

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Sin disquera y luciendo entre góticos y extras del show Saved By The Bell, el acto de apertura dividió opiniones… y con justa razón.

Liderada por un geek súper flaco, cuyo color de cabello coincidía con el del vómito que había debajo de las luces del escenario, las canciones intrincadas y complicadas de esa banda no sólo se perdieron en la potencia del sistema de audio, sino que -hasta podríamos decir- su estilo operístico, similar al de Queen, hacía parecer que no tenía un estilo propio, con infusiones irrelevantes de The Jam. Canciones épicas que sólo le eran familiares a la misma banda. Para ser honesto, aparte de su torpeza frente a los niños britpop, no había ninguna razón para que alguien recordara a la banda que abrió los conciertos de Gene en aquel tour. Esa fue la primera vez que Muse salió de gira por Reino Unido.

Un avance rápido en el tiempo y este mismo trío “torpe” ha cambiado más allá de lo reconocible, cómodamente instalado en el Wembley Stadium -la primera banda en hacerlo después de su reconstrucción- con dos noches aseguradas de rock potente y una producción brillante, que rozó las tradiciones de The Rolling Stones, Led Zeppelin, Freddie Mercury (por supuesto) et al.

Ahora avancemos unos seis años más, pasando por una segunda residencia en el mencionado estadio nacional de Inglaterra, y esos mismos rockeros “clásicos” están al borde del lanzamiento de algo con un look más liberado, su propia producción The 2nd Law (2012), que junto con los toques más característicos de Muse trae influencias de electrónica, dubstep y más.

La evolución de Muse: de góticos agro, a pioneros sonoros; de ser tachados de britpop wannabe, a ser una de las bandas de rock más grandes del mundo. Matt Bellamy y compañía están en constante evolución, y mientras su primer trabajo escupió ritmos clásicos, citando a Rachmaninov como influencia, su cuarto álbum Black Holes And Revelations (2006) fue un disco guerrero del rock, aún con sus raíces de funk pesado de los clubes nocturnos de Nueva York que el trío visitaba mientras lo grababa.

Ahora, la banda se prepara para ser atrevida otra vez, luego de haber separado la producción de la composición y las letras de este disco, ambicioso y reinventado. WARP MAGAZINE se reunió en exclusiva con Muse, en Londres, para disfrutar de una conversación personal con cada uno de sus miembros. Embonando revolución y evolución de manera fresca en nuestra mente, empezamos con el bajista Chris Wolstenholme, de 33 años, cuya transformación personal parece encarnar lo que Muse es. Ya no está el rudo, fornido y gótico de los primeros días; en su lugar, gracias a un régimen de ejercicios y una reciente reubicación en Londres, nos es presentado un rockstar internacional, elegante y dinámico.

A pesar de que han grabado otros álbumes parece que éste fue una nueva experiencia para Muse…

Creo que sí lo fue. Particularmente desde el punto de vista de la producción. Esa fue la diferencia principal, fue un desafío distinto.

Nosotros hicimos la producción de The Resistance (2009) pero se mantuvo sencillo deliberadamente, en su mayoría. Considero que esta vez los tres nos involucramos en ello. Cada canción es muy

diferente, hay un montón de nuevas técnicas de producción.

Recuerdo que en la época de su primer concierto, en el Wembley Stadium, les decía que no se puede describir a un fan promedio de Muse, porque ustedes abarcan diferentes gustos para varias personas, y desde entonces parece que la audiencia ha crecido aún más. ¿Existe el sentimiento de no poder apuntarle a algo específico que pudieran definir?

Sí, en los primeros días era extraño. Me acuerdo de esas primeras giras y los fans eran muy específicos. Estábamos en nuestros 20 años de edad y parecía que nuestros fans estaban entre los 16 y 25, y teníamos fanáticos góticos; la gente se pasaba al lado oscuro de nuestra música.

Luego nos dimos cuenta que con cada álbum la multitud se iba diversificando un poco. Si vas a tocar en estadios vas a tener que apelar a algo más que sólo un tipo de fans, es la naturaleza de la música que hacemos.

Me retumba en la cabeza la idea de WARP sobre el tema de la experimentación, esa que ha llevado a Muse al borde de la reinvención con The 2nd Law. Ahora somos escoltados a nuestra segunda cita del día con el vocalista Matt Bellamy, famoso de 34 años que tuvo que elegir entre una carrera en la música clásica o el rock; una presentación de Rage Against The Machine, en Reading Festival tomó la decisión por él. Sin embargo, teniendo en cuenta las ideas de este nuevo disco, las cuales orbitan en su profundo interés por la ciencia y su teoría de la conspiración de infusión de activismo político, podríamos sospechar que el músico tuvo que haber elegido entre ser compositor o novelista de ciencia ficción.

Extrañamente, la plática de WARP MAGAZINE con Matt adopta las características de una sesión de terapia, con el hombre Muse en el sofá mirando al cielo, mientras nos instalamos a su lado, para tomar algunas notas. Cabe señalar que esto no se trata de una entrevista cualquiera, preguntándole a alguien qué lugar tiene en el mundo… este es un hombre, con una visión.

Líricamente, ¿en qué momento supiste qué querías? The 2nd Law suena bastante definitivo, incluso si uno desconoce de qué se trata antes de escucharlo…

Líricamente hay un punto de anclaje que decido en determinado momento, y a la hora de realizar el disco me apego a él; si entra alguna duda, regreso a ese punto y recuerdo que ese es el tema que quiero.

Este disco tiene que ver, básicamente, con energía. El anterior estaba inclinado a los disturbios y problemáticas que estaban sucediendo en ese momento. Con éste, las noticias parecían estar obsesionadas con la economía, la crisis bancaria del euro y ese tipo de cosas. Lo creas o no, empecé a ver las noticias financieras, tratando de entender y comprender más profundamente lo que está pasando. No termino de comprar o creer el paradigma que nos presentan constantemente, y las noticias financieras están obsesionadas con ello, el crecimiento.

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Parece que hay este paradigma que es: “Tiene que haber crecimiento”. Lo estoy viendo y pienso: “¿Soy el único que reconoce que esto es un pequeño planeta, aislado, en un universo gigante? ¿Hacia dónde estamos creciendo? En algún momento tiene que haber una discusión acerca de ese concepto. Por primera vez en la evolución alcanzamos un tope energético.

Bueno, el límite de los pozos petroleros no está muy lejos... ¡Exacto! Empecé a recordar eso. Recuerdo que leí libros en los noventa que hablaban del cénit del petróleo, y todos decían que alrededor de 2010 o 2011 iba a haber una serie de choques económicos, basados en el hecho de que sería más difícil conseguir petróleo y el precio de excavación incrementaría, obligando a los precios mundiales a subir y colapsando así la economía.

Entonces, obviamente, el petróleo baja porque nadie está comprando y todo se derrumba. Así que estamos creando este modelo de inflación y colapso a nivel constante ahora.

Me recordó que el petróleo tiene un límite, pero también me recordó cómo funciona la energía en general, cómo la vida necesita energía para crecer, caí en cuenta que es la razón por la que estamos obsesionados con el crecimiento y el hecho de que estamos topando el techo.

Leí acerca de la energía y regresé a las leyes de la termodinámica, las normas científicas de cómo la energía funciona si quieres. La Segunda Ley de la Termodinámica parece ser la más relevante para lo que está pasando, establece: “En un sistema aislado, la entropía sólo puede aumentar”. Básicamente significa que la energía está disminuyendo en todos los sistemas, donde un sistema es un organismo, un planeta o una estrella. El universo, en un gran modo de explosión, todavía está en expansión, lo que significa

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que se está enfriando y la evolución parece ir en contra de esto, estamos casi luchando contra eso. Eso me llevó a una manera más creativa y filosófica de pensar, que es lo que influyó en algunas de las canciones, como ‘Maybe’, que es donde está nuestra lucha.

En lugar de tratar de generalizar para todo el mundo, para mí la lucha en la vida es contra el hecho de que la energía está disminuyendo. Es una batalla en todo, si se trata de relaciones, de tu propia vida, tu trabajo, el mundo en general, la economía, parece ser este el tema. Esa batalla de la que todos somos parte. Para mí la batalla es esa, y justo ese tema atraviesa canciones como ‘Survival’, que casi celebra nuestra locura y el lado irracional que sólo quiere crecer, y luchar, y sobrevivir contra todo pronóstico. Por otra parte, hay canciones como ‘Explorers’ o incluso ‘Supremacy’ que son casi lo opuesto a ‘Survival’, casi renunciando y diciendo que es una batalla perdida. Estos dos puntos de vista extremos están en el álbum, luchando unos contra otros.

Muy bien... Entonces, ¿qué tanto aplican estas ideas en la lírica de las canciones?

Ok, todo lo que acabo de decir es en lo que ando metido, no son las letras, pero sí se llegó a impregnar al escribir las canciones.

Lo que dije no es una descripción de cómo es el álbum, sino que es lo que me interesa y en lo que estuve mientras hacíamos el disco, era lo que leía y veía, así que sí afectó a las canciones.

‘Animals’, por ejemplo, es una canción que apunta a Fred Godwin [Exconsejero Delegado del Banco de Escocia] y a los que provocaron la caída de los grandes bancos, y en ‘Big Freeze’ se habla de la dependencia energética. ‘The 2nd Law Part 1…’ y ‘The 2nd Law Part 2…’, por su parte, digamos que se complementan; mientras la primera explica lo brutal que es The 2nd Law, la segunda es una pieza instrumental que se convierte en el sonido del

universo enfriándose. Así que en mi mente estoy diciendo: “Quiero crear el sonido del enfriamiento del universo, enfriamiento” [risas], a pesar de que es una idea ridículamente abstracta que te hace acercarte a un sonido en un día en particular, y piensas: “Este piano debe ir más lento, debería haber reverberación más profunda aquí, y sigues y sigues”. Es ese tipo de ideas abstractas las que tratas de conseguir a través de la música, las que tratas de evocar de alguna manera, intentando que el disco no se incline hacia ideas muy pesadas, pues hay un montón de ideas con luz en el corazón en este álbum y algunas otras muy personales. ¿Serán capaces de transmitir ese sentido de lo épico y de lo personal cuando lleven este disco de gira?

En otoño haremos una gira en Europa, tocando en arenas, y creo que lograremos un poco de eso. Recuerdo que uno de los momentos más aterradores que vivimos sobre un escenario ocurrió en la Ciudad de México. Estábamos en un estadio de béisbol, o algo así, y la multitud era tan increíble que al estar brincando, al principio de ‘Uprising’, lo hicieron con tal ritmo que las torres de audio comenzaron a balancearse. ¡Tuve que arrodillarme para evitar caerme!

Así que, bueno, definitivamente estamos buscando la manera de lograr una integración total con el público. Eso es algo de lo nuevo que la tecnología está permitiendo. Sé que Coldplay hizo algo con pulseras, pero hay cosas nuevas que pueden hacer que todo el público se convierta en una sola pantalla de video, por ejemplo. Queremos cosas por el estilo.

Para nuestra última entrevista nos dirigimos hacia Dominic Howard, de 34 años, para completar la pieza que nos faltaba de

Muse, su evolución musical. Indicativo de su lugar dentro de la banda, mientras que Chris y Matt ocupan habitaciones privadas en el hotel, Dom ha tomado un lugar en una esquina del salón principal del hotel, teniendo un punto de vista dominante de toda la habitación y del bullicio de la gente.

Parece que para este disco ustedes, como banda, realmente tuvieron tiempo para poner sus cabezas en orden y discutir lo que querían y estaban creando. ¿Disfrutaste ese proceso?

Había menos presión respecto a cómo hicimos música en nuestros inicios. Estábamos en un entorno muy cómodo, en Londres, y en esos días todos prácticamente vivíamos cerca el uno del otro, por lo que sin duda Matt y Chris, teniendo a sus familias cerca, pudieron desconectarse luego de trabajar y aportar su granito de arena en casa, poner a los niños a dormir o cualquier otra cosa, lo que creó un ambiente realmente relajado para ellos. Por esa razón hubo buena vibra y logramos hacer mucho trabajo desde el principio.

Así que, después de haber ofrecido esos nuevos sonidos, sin mencionar los conciertos que han dado alrededor del mundo, ¿a dónde crees que va Muse ahora? De hecho, ¿a dónde más puede llegar Muse?

No sé. Todavía hay mucha ambición en la banda, todos la tenemos, hay muchas aspiraciones. Hay más por lograr.

Algunas veces tocar en el Wembley Stadium es una locura, pero no siento que eso sea todo, en lo absoluto. Se siente más bien como si fuera sólo el comienzo de cosas nuevas, introducirnos en conciertos de tamaño inimaginable, y con este álbum se siente como si tuviéramos muchas puertas abiertas para el futuro. Tenemos grandes planes y esperamos que todos se realicen.

›› Paul Stokes es Editor Asociado de Q Magazine, una de las publicaciones más prestigiadas de Reino Unido.

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P82. TECHNOLOGIC. Nexus Q P83. LUST IN THE MOVIES. GIFF 2012 P84. FASHION NUGGET. My own summer P86. ART BRUT. Daniela Edburg P89. GAMEBOX. Ouya

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Google Nexus Q Por: Alejandro Escobedo

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ay compañías que quieren estar en todas partes y entrar en todos los mercados, pero Google es la compañía que lleva este ideal más allá de lo evidente y ahora quiere estar en tu habitación para convertirla en centro de entretenimiento. Para lograr esta difícil tarea es que ha desarrollado Nexus Q, y digo “difícil” porque prácticamente cualquier dispositivo hoy en día tiene el potencial de ser tu centro de entretenimiento. La diferencia radica en que Nexus Q es el núcleo que pretende unirlo todo.

Nexus Q cuenta con un diseño fuera de lo común, bastante vistoso, misterioso y casi alienígena; es una esfera negra con un anillo de luces LED que cambian de color dependiendo de la música que esté reproduciendo o de la interacción que se tenga con el aparato. En la parte trasera cuenta con un puerto micro HDMI para salida de video digital de alta definición y un puerto Ethernet para conexión constante a la red. Está claramente pensada para ofrecer, en principio, una experiencia de sonido completa, ya que tiene varias opciones de salida de audio para audiófilos: salida de audio óptica, cuatro sockets ‘banana’ (4 mm) para bocinas de alta definición y un amplificador de 25 W integrado.

Sin embargo, donde realmente brilla Nexus Q, es en la integración de software con dispositivos Android, contando este mismo con Android 4.0, Ice Cream Sandwich. Basta con acercar tu teléfono o tablet Android a la esfera para que se conecten e inmediatamente reproduzca cualquier película o canción que tengas en tu cuenta Google Play. Y no importa que no la tengas guardada en tu teléfono o tablet, porque la idea de Nexus Q también es una integración con la nube; tú solamente tendrás que decidir qué canción quieres y Nexus Q la descargará para tocarla. Eso sí: la canción debe estar en la Google Play Store; si no, deberás subirla primero desde

tu librería de iTunes o Windows Media, teniendo derecho a subir hasta 20 mil canciones de forma gratuita. Y si pudiera integrarse con iOS y Windows Phone, sencillamente estaríamos hablando del mejor dispositivo de entretenimiento creado hasta la fecha… Pero bueno, se vale soñar.

Este es un modo de uso bastante útil y uno de los principales objetivos de Nexus Q es la integración social del entretenimiento: ser la rocola moderna, pues con la modalidad “huésped” encendida, cualquiera que cuente con un dispositivo Android en tu fiesta, podrá poner canciones en lista para compartir con los demás. Incluso varios Nexus Q en una misma casa pueden ser controlados por el mismo aparato.

Algo que sorprende un poco, sin embargo, es su precio de salida en Estados Unidos (299 dólares), que es algo elevado para competir directamente con soluciones similares como Apple TV (99 dólares) o Roku (de 49 a 99 dólares), cosa que podríamos explicarnos de dos maneras: la primera es que está claramente pensado para ser mucho más —y habrá que esperar el lanzamiento para ver desenvuelto su potencial completo—; y la segunda: está diseñado, producido y manufacturado completamente en Estados Unidos. Sigue siendo un poco extraño que, en la misma línea de Nexus, Nexus 7, sea mucho más barata que su competidora de Apple (iPad: 499 dólares vs. Nexus 7: 199 dólares).

En fin, Nexus Q se perfila como un producto de nicho y no para ser vendido en masa; más como un artículo de lujo, diseño y experiencia social íntima, que como una solución a gran escala. Quedamos todavía en espera de saber su potencial completo, pero por lo que sabemos ahora, cuando Google apuesta por algo en lo que no se compromete con terceros para hacer hardware, no decepciona.

›› Alejandro Escobedo es Ingeniero en Sistemas y TI especializado en desarrollo web. Puedes leer su artículo “e-democracy” en WARP #47.

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Guanajuato International Film Festival 2012 Por: Diovanny Garfias / Fotos: Leonel Hernández

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unque a veces no lo parezca, México es uno de los países que más cine genera; sin embargo, el mayor problema de la industria del séptimo arte nacional, valga la contradicción, es lograr que el trabajo realizado llegue a la pantalla grande, a los espectadores.

Es por eso que eventos como el Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF, por sus siglas en inglés), que funcionan como escaparates que promueven el trabajo realizado por cineastas nacionales e internacionales, resultan de gran relevancia para el público y la industria. Este año el festival celebró quince años, consolidándose como uno de los más queridos del país, recibiendo a Holanda como invitado.

Y el hecho de que este año el Festival Internacional de Cine de Guanajuato haya abandonado San Miguel de Allende —sede tradicional de la primera parte del evento—, no significa que sus actividades se hayan reducido; al contrario: además de mantenerse íntegras, resulta más sencillo acceder a todas ellas.

Prueba de ello fue el ecléctico menú preparado para todos los entusiastas del cine que durante estos días visitan la capital del estado de Guanajuato. Entre conferencias, talleres, muestras y ciclos, vivimos un festival para recordar.

Este año el GIFF contó con la participación de 214 cintas

de 48 países en las competencias de Cortometraje Ficción, Cortometraje Experimental, Cortometraje Animación, Documental y Opera Prima Largometraje Nacional e Internacional, además de sus ya tradicionales bloques: Locura De La Media Noche (cine gay, lésbico, erótico y underground), Cine En El Cementerio (en el panteón municipal de la ciudad) y el Rally Universitario, en el cual los participantes realizan un cortometraje en tan sólo 48 horas.

Entre las películas ganadoras Mi Universo Con Minúsculas, de Hatuey Viveros, se alzó con el galardón de Mejor Ópera Prima México. En la misma categoría, pero del lado internacional, Beasts Of The Southern Wild, del neoyorquino Benh Zeitlin, fue la triunfadora.

Entre los homenajeados de este año estuvieron el director coreano Park Chan-Wook (The Vengeance Trilogy), la directora de teatro y cine Julie Taymor (The Lion King, Frida) y los actores mexicanos Delia Cassanova, María Victoria, Daniel Giménez Cacho y el recientemente fallecido Carlos Cobos.

Así, tras seis días de cine en sus diferentes formatos y con una ceremonia encabezada por la organizadora y fundadora del festival, Sara Hoch, concluyó una edición más del GIFF, que sin duda se arraiga como uno de los eventos más relevantes del mundo cinematográfico en México.

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— Blusa American Apparel Bañador American Apparel Collar TOPSHOT

My own summer —

Dirección de Arte: Chëla Olea Fotografía: Fernando Velasco para LUCIERNAGA y WARP Coordinación de Moda: Carlos Ruíz Manjarrez Modelo: Alesi para PARAGON Maquillaje y Cabello: Chëla Olea

fashion nugget WARP TV

— Top American Apparel Short American Apparel Zapatos Zara Necklace H&M

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art brut WARP TV

Beautiful addiction Daniela Edburg Por: ChĂŤla Olea

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art brut WARP TV

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aniela Edburg nació en Texas, estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la ENAP, UNAM, dentro del PAEA de la Academia de San Carlos. Su obra es un reflejo superlativo de las adicciones, la gula y el consumismo, sin ser una crítica; un trabajo que aborda situaciones banales y las explora desde todos los aspectos.

Drop Dead Gorgeous es, de la obra de Daniela, una de las más conocidas, la cual surgió cuando estudiaba y por ahí de 2007 ya era toda una obsesión en la cual había quedado inmersa.

Platicó con todas sus amigas, preguntándoles sus fobias, y así fue como las mujeres quedaron retratadas de una manera hermosa y kitch, dando vida a tan famosa serie.

El viaje de Daniela hasta la fotografía comenzó en la carrera de periodismo, la cual era completamente alejada a lo que añoraba cuando niña (ser escritora). Al estar en una carrera donde la veracidad y la objetividad eran la estructura, decidió entrar a San Carlos, donde pudo dar rienda suelta a su imaginación. Daniela nos cuenta que le encantaba la pintura, pero al no tener talento para dibujar se dio cuenta que la única manera en la que podría reproducir todo lo que su cabeza quisiera era la fotografía.

“Tengo una fascinación por la muerte. Creo que es una situación extrema desde la cual puedo hablar de muchos

otros temas que me interesan; de la naturaleza humana, por ejemplo. Creo que nuestra noción de la muerte define mucho nuestra forma de estar en el mundo, y es por esa conciencia que transformamos todo, que intentamos dejar huella, que queremos ser tan creativos, y también es por eso que podemos autodestruirnos. Hemos creado todo un mundo artificial y creo que eso viene de nuestra noción de la muerte. Somos como somos porque la muerte está con nosotros.”

La línea sobre la que trabaja esta talentosa artista es, digamos, el morbo, factor que también le ha dado vida a series como Killing Time y Parásitos y Perecederos, que han sido exhibidas no sólo en la Ciudad de México sino en países como Italia, España, Suiza, Colombia, Venezuela y París.

Daniela es una de las artistas más representativas del arte contemporáneo en México y siempre se encuentra trabajando en proyectos nuevos. Podemos ver en algunas piezas que el tejido es vehículo importante para impartir el objeto de la obra, no sólo porque los elementos en la composición son de estambre, sino porque hace evidente en sí mismo el hecho de tejer, la compulsividad de la acción.

Es claro que esta artista es una mujer fascinada por la autodestrucción y la superficialidad, y mejor aún, que tiene el toque único para expresarlo en cada una de sus piezas.

›› Chëla Olea es Editora de Arte y Moda de WARP MAGAZINE, así como de las secciones Art Brut y Fashion Nugget de WARPtv.

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Ouya La consola independiente Por: Raúl Arce

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l pasado 10 de julio escuchamos por primera vez acerca de un proyecto que, como otros, buscaba el apoyo del público a través de la plataforma de financiamiento KickStarter.

Se trata de Ouya, una nueva consola independiente basada en el sistema operativo Android. Este proyecto buscaba recaudar inicialmente 950 mil dólares, con el fin de desarrollar su consola; sin embargo, a partir de su publicación en KickStarter todo cambió, pues en un sólo día no sólo rebasó su meta inicial, sino que llegó al millón de dólares, imponiendo un nuevo record para el sitio.

El proyecto recaudó en un par de semanas más de tres millones de dólares y la cifra seguía creciendo.

Poco tiempo después nos enteramos que el servicio de contenido en línea OnLive se sumaba a Ouya, siendo la primera compañía reconocida en apoyar al proyecto independiente. Posteriormente, XBMC y Namco Bandai harían públicas sus intenciones de involucrarse con esta revolucionaria consola.

En un principio había muchos escépticos con respecto a este proyecto, principalmente porque se temía que no hubiera demasiados juegos disponibles para él, pero al ver el apoyo del público, algunas desarrolladoras como Square Enix y Rapture Game Studios decidieron anunciar el lanzamiento de títulos como Final Fantasy III y Gunblitz para Ouya.

El 9 de agosto fue el día que marcó el cierre del ciclo de Ouya en KickStarter, y la respuesta por parte de la gente fue más que clara. Así, con más de 8 millones de dólares recaudados ($8,596,475 USD, para ser exactos) y con el apoyo de casi 64 mil personas, Ouya es el proyecto más exitoso en la historia del sitio.

La tecnología y el diseño de la consola han causado revuelo entre el público y la prensa especializada, pero lo cierto es que la innovación de Ouya no va a radicar en sus gráficos, sus juegos y tampoco en su diseño; la importancia de esta nueva consola es el “statement” que hace acerca de ser independiente.

Así como en algún momento los músicos se cansaron de las restricciones y exigencias de las grandes compañías transnacionales, los desarrolladores de juegos también tuvieron suficiente del control, casi hegemónico, que ejercen las tres grandes compañías de videojuegos, por lo que la creación de Ouya más que representar un avance tecnológico, implica un cambio radical en la creación y distribución de videojuegos.

A raíz de que la campaña de Ouya en KickStarter finalizó, la empresa anunció la venta abierta al público, por lo que es posible pre-ordenar una consola con precio de 109 dólares, incluyendo envío en Estados Unidos, y 119 dólares para el resto del mundo, siendo ahora un producto a la venta y no una recompensa por apoyar al proyecto.

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warp.la l @laGUARP

SURVIVALISM

MUSE

GUARP

Muse

By Paul Stokes / @stokesie

With Warp’s head buzzing from the thought of the experimentation that has brought the band to the brink of reinvention with The 2nd Law, we are ushered to our second appointment of the day, frontman Matt Bellamy. Famously the 34 year-old had to choose between a career in classical or rock music (a Rage Against The Machine set at the Reading Festival made the decision for him), but with the ideas on the new record orbiting both the singer’s deep interest in science and his conspiracy theory-infused political activism, you suspect a career choice between lyricist and sci-fi novelist could also have been on the cards. Strangely Warp’s audience with Matt adopts the trappings of a therapy session, with the Muse man lying on the couch, eyes to the heavens while we set next to him taking notes. Though be assured, this is not someone questioning their place in the world. This is a man with a vision…

When did the record start for you?

In terms of making the songs, some of the bits have been on my mind for a year or two. I wrote a few songs a few months before I had the baby [Bellamy’s fiancée, actress Kate Hudson gave birth to a son in July 2011], then once we had the baby I was changing nappies, obviously, I was like the assistant in the house making bottles and all that stuff, so I wasn’t really that tuned in at that point! But three or four months after that I got back in to writing songs again, so it was probably November last year. That’s when we started meeting up for rehearsals and we very quickly got some stuff together and in December we started recording it and just carried on from there.

It sounds like this was a particularly experimental time?

I’d say it’s experimental, not in a way that we’ve gone berserk and leftfield but there’s a couple of tracks on it where we we’ve gone… the song that’s the first single, Madness, is very surprising I think.

It’s very R&B influenced, not in the vocal obviously, but in the backing track and in the bass and drums. It sounds like Prince, it’s really 092

groovy and bluesy as well. It’s in the soul, blues area and there’s a hint of gospel as well. That’s a brand new area for us. The vocal is very personal. It’s kind of a relationship, love tangle song. There’s stuff like that which is completely different to anything we’ve done before. There’s a couple of songs where we set ourselves challenges as producers, to produce something that would force us to come out with a different result to what we’d normally do. Follow Me is an example where we it was a regular rock track, if you like, guitar, bass, drums and then our idea was to record it that way and then try to recreate it electronically and digitally. We ended-up with something that sounds like a rock band but it’s all electronic which is a different approach. There’s another song that’s us grappling with and coming to terms with that dubstep genre which has become brostep. It’s actually kind of crossing over into the rock world now. We thought we’d have a look at that and our approach to that was like a test. We were testing ourselves to see can real instruments still compete? I like following the mosh pit and the mosh pit is starting to move towards the electronic for the first time, whereas it’s always been classically rock. With that song it was

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almost us standing up for real musicians a little bit because a lot of these crowds are going to watch people playing with a laptop and that’s the gig. It was a combination of an orchestra and us playing our instruments to create the dynamic shifts you’d associate with electronic music but doing it for real. I was really surprised by some of the reactions, some people thought were doing the dubstep thing for real. There are songs like that where we set ourselves very specific challenges to yield a result. Going back to Madness again, that’s very minimal where a lot of our songs then to be overblown and dramatic, so there’s a couple of songs where we kept it under wraps a little bit. But then on the other side of the coin there are songs like Survival where we’ve pushed beyond 11 I think in terms of the eccentric craziness of it all.”

Lyrically, when did you get a sense of what you wanted to talk about? The 2nd Law sounds quite definitive even if you don’t know what it’s about before hearing it?

“Lyrically there’s an anchor point that I decide on some point in the making of that I’ll stick to and if in doubt of where to go lyrically I’ll return to that point and remember that’s what I want to be the theme, if you like. On this album it’s to do with energy basically. On the last one I was interested in the riots and things like that were going on, with this one the news seemed to be obsessing on this economic crisis, the Euro banking crisis and all that kind of stuff. Believe it or not I’ve started watching financial news. I was trying to really grapple with it and gain a deeper understanding of what’s going on.

I don’t totally buy or believe the paradigm that’s constantly presented to us and the financial news is obsessed with, which is growth. There seems to be this paradigm which is ‘There has to be growth’. I’m watching it and thinking ‘Am I the only one who recognises this is a small planet isolated in a gigantic universe?’ Where are we growing too? At some point there has to be a discussion about that concept. For the first time in evolution as a species we’re hitting an energy ceiling.

Well peak oil is supposedly not far off…

Exactly! I started remembering that. I remember reading books in the 1990s talking about peak oil and they all said Around 2010, around 2011 there’s going to be a series of economic crashes based on the fact that oil will start to become harder to get and the price to excavated it will go up, forcing the overall price up which will cause a collapse in the economy. Then obviously oil goes down because no one is buying it and the whole thing collapses. So we’re creating this inflating, collapsing model on a constant level now. It reminded me of that peak oil concept but also how energy works in general. How life needs energy to grow, which is the reason why we’re obsessed with growth, and the fact we’re hitting a ceiling. I read about energy and came back to the laws of thermodynamics, the scientific rules of how all energy functions if you like. The second law of thermodynamics seems the most relevant to what’s going on, it states ‘in an isolated system entropy can only increase’.

It basically means energy is decreasing in all systems, a system being an organism, planet or a star. The universe, in a big bang mode, is still expanding which means it’s cooling down and evolution seems to be going against this, we’re almost battling it. That led me on to a more creative, philosophical way of thinking which is what led into influencing some of the songs, which is Maybe this is what our struggle is. Rather than try to generalise for everyone, for me

the struggle in life is this battle against the fact energy is decreasing.

It’s a battle in everything, whether it’s relationships, your own life, your work, the world in general, the economy, there seems to be this theme. That battle that we are all part of. The battle for me is that, going between songs like ‘Survival’ which is almost celebrating the craziness and irrational side of us that just wants to grow and fight and survive against the odds. While there are other songs on the album like ‘Explorers’ and even ‘Supremacy’ which are almost the opposite of that song, almost giving up and saying it’s a losing battle. These two extreme points of view are on the album, battling against each other.

Personally do you think you have to adopt one philosophy or the other? Is there a middle way?

I think the middle way is when science kicks in. The earth is not an entirely closed system and we’re not entirely closed systems unless you do that [holds his nose and covers his mouth] if you do that you’ll die within two days. The same with the planet, if you cloaked the earth it would die in two days. So we’re not entirely closed, but the solar system is it doesn’t have any energy coming in, so the only one energy source that is guaranteed to be long lasting is the sun. So really we should align our economics to be inline with the energy that is guaranteed. The sun offers a certain amount of energy, it creates photosynthesis, which creates the food chain and now we’re developing solar panels and that sort of thing, so the middle way is sustainability.

The second track ‘The 2nd Law Part 1: Unsustainable’ is about that point, the video for it includes references to lots of energy stuff, people digging for oil, looking for coal and the noise of all that – as good as it is and as much as it can offer a chance to experience what it’s like to have more energy is available – it’s is temporary. It’s a time for more long term thinking. But at the same time, there’s a part of you that wants to be like Star Trek and get into spaceships and explore the universe. The sun isn’t going to be able to supply that, but we can learn how the sun works, nuclear fusion. Nuclear fusion rather than nuclear fission. All the matter in the sun is collapsing in on itself, fusing together, creating more interesting more complex atoms and the amount of energy that comes from that is unbelievable, that’s the key. In the song Explorers, which is the most pessimistic song on the album about from the bit where I say ‘Use Helium 3 our last hope’. In that song it’s pretty jaded, I’m singing almost in a lullaby style. Basically singing about the fact that being an explorer these days means there’s not much to explore [laughs] most of it’s been seen, most of it’s been found and some of it has been used in terms of what’s available on this planet. It’s all pretty jaded, talking about all the land I owned, all the jobs are done, there’s not much available, you’re growing up into a discovered, own system. To cut a long story short an energy revolution would serve the character in ‘Survival’, by fusing helium three rather than breaking the atom which creates loads of residue and damage, fusing the atom – and helium three is the one substance you can do that with and is abundant on the moon – would cause an energy revolution, there would be free energy for everyone and enough energy for spaceships and stuff like that. It could happen in our life time but it’s most likely to be owned and patented by Enron – this is an interesting interview, you’ve got me off on one here!”

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Breathing Underwater

By Karina Luvián Photos by Justin Broadbent

Freedom and reinvention are always together, mutual and completing each other. It’s difficult to understand reinvention without a liberty soul, while this characteristic is impossible to understand from an gentle and static mood. That explains why Metric chose to be independent instead of dependent, to be brave instead coward, to be and do the things instead losing their personalities.

Tell me about Synthetica, your fifth studio album. How did you realize that you were ready to make another album?

Jimmy: We just started right after the touring cycle for Fantasies ended. Literally the next day. We had a lot of momentum happening and a lot of creative energy. There were good things happening around us and we used a lot of the positive energy to kick start the writing of Synthetica. Right at the beginning I bought a lot of old vintage synthesizers because I wanted the control room to look like a retro future cockpit to an underwater spaceship. I got enthralled by the sounds we started to create with these instruments. These sounds started to create a landscape that was very inviting to us. As the process went on that place and idea became more and more solid. At some point we realized the feeling was called Synthetica.

How do you get inspired to create new music if you have been touring a lot since 2009, when you released Fantasies...

Jimmy: Really we just started. We make all our records in our own studio called giant. It’s a very creative place were we are very comfortable. When you dream up a sound you’ve never heard before there’s no reason you can’t get it. There’s no time in there just space. It’s a laboratory for the imagination.

On this album you worked with talented people such as John O’Mahony and even Lou Reed as part of a song. How was to work with each one of them?

Jimmy: Well John has worked on every Metric record. Even Emily’s solo record and Josh and Joules’ project Bang Lime. He’s basically a part of the band. He’s the ninth inning relief pitcher that comes in when the whole thing is on the line and about to fall apart and he saves the game. Thank god for John. Lou was amazing to work with. His voice is intrinsically a part of the creature known as rock n roll. He started singing in the studio and I couldn’t believe how honored I felt to be a part of what was happening. Him and Emily have a wonderful musical chemistry.

Every record keeps Metric’s essence and everybody recognizes your music when they hear it, but at the same time every album is different. How have you reinvented as a band without losing your musical trademark?

Jimmy: I used to think about that a lot and then I realized that it’s actually a fingerprint. You don’t have the ability or option 094

of laying a hand on something and leaving a different one. You are who you are and you will always sound like that. Or at least it’s that way for us. Once I understood this it gave us freedom to try lots of different things musically without the fear of changing too much or losing our identity. Ultimately we need to stay compelled by the music we make. You may get to see a show or two, we need to be there for all of them.

Does Metric seek to reinvent itself in every album? Why? Emily: We have changed and evolved throughout the making of all our albums, but it isn’t something that we consciously aim for, it’s just the natural process of life unfolding. The same way we all develop into ourselves. Nobody wants to be stuck in a rut repeating themselves and we are constantly adding new elements to our body of work.

Tell me about your new record label Metric Music International.

Why did you decide to start this new adventure?

Emily: It was just the right move to make. We’ve learned a lot about how the music industry works over the years, mostly by accident, and once you understand it is pretty much impossible to put your head in the sand and act like you don’t. It’s a lot of work, but the right kind of work, productive and challenging in the right way. Once you accept that there is no escape from dealing with the fine print in your life it becomes less of a big deal. Artists are expected to be incapable of grasping what is going on around them and I think that’s a shame. I find it easier to focus on the music with a clear head knowing that we are the ones making the decisions, and that we are the ones who are responsible for any success or failure that comes our way.

Before you released Synthetica we enjoyed new material like “Plug in Plug out” and your contribution to the Cosmopolis’ soundtrack.

Do you have other plans like these? Are you working on new music?

Emily: We are very fortunate to have many opportunities to collaborate with other artists and musicians on various projects. Right now we are very focused on playing Synthetica live in concert as the album has only been out for about a month!

What is next for Metric?

Emily: Playing summer festivals in the UK, Europe, Australia, Singapore... and then back to North America for Lollapalooza and Osheaga in August, shooting a new music video and preparing for the fall tour. We’re really hoping to play in Mexico again soon too, our show at Auditorio Nacional was an incredible experience.

GUARP

Ask Amanda

By Amanda Palmer / @amandapalmer

Why did you decided in the first place begin this new project? I mean, you already have a couple of more bands... Karen Navarro It was the songs on the album that dictated. I didn’t sit down and say “I want a band”. I wrote a bunch of songs and listened to them and tried to figure out what they were telling me they needed. And they told me: “You need a drummer, a bassist, and some synthiziser and guitar to make us sound like the songs we’re supposed to be”. So I listened, and took my instruction fom thgem, and I went out and I put together the band.

that t’s fun to do here. I could even trace back the songs and say “This the The Cure song, this is The Cars song, this is the Gary Numan synth line, this is the My Bloody Valentine/SWANS song, this is the Depeche Mode homage”. I think it’s the biggest, loudest, saddest, happiest, most fully-realized record I’ve ever made. It sounds like a parade party for the end of the world and the beginning. I just fucking love it. Now when you listen to it, hopefully you’ll tell me what you think. That’s what I really want to know. I’ve been living inside these songs and can’t tell anymore, honestly.

How did you pick the members of The Grand Theft Orchestra and why? Liz Gutiérrez They’re ALL AMAZING. There’s three: Michael McQuilken, Jehrek Bischoff and Chad Raines. Each of them has multiple talents and super-powers. Michael is the drummer and his super-power is theater and directing... He’s helping put together the theatrics of the touring stage show. Jherek is the bassist but also the string/orchestra arranger and conductor (and just put his own new album out called “composed”, check it out it’s incredible), and Chad Raines plays synth, guitar and trumpet.

His super-power is horn arranging and conducting. Michael was the first one in the band... He’s my ex-lover, he was my boyfriend before Neil. We’d first met to collaborate on theater and are finally doing it now that our relationship is tied up behind us. He brought in Chad because they went to theater school togehter, and Jherek came in because Micahel knew him from touring together in Jason Webley’s band (which is, incidentally, also how I met Michael in the first place). Slightly confusing. Sorry.

I have seen the ‘Want It Back’ video like thousand times (ok, maybe less). Who came up with the idea and the concept behind? Did you feel comfortable totally naked in front of a camera? Thanks for making a video that, actually, is a piece of art. Jorge Ávila You’re welcome. All my favorite videos, especially from the heyday of MTV in the early eighties, are like actual pieces of art, like Peter Gabriel’s ‘Sledgehammer’ and A-Ha’s ‘Take On Me’. To me one of the MOST exciting things about being a rock star is that you GET to make art like this. The idea to make an animation was Jim Batt’s. He’s a filmmaker friend of mine who lives in Melbourne, Australia, and while we were down there recording the album we wanted to dash out a quick video with me and band. Jim’s an animator by trade and suggested we do something stop-motion, and I got the idea of a song whose words attacked my naked body and the band. He set to work on the treatment and we started filming one week later! It was REALLY hard to hold still for three whole days while we did the naked painting. But it was fundamentally a lot of fun. I’m so used to being naked around people I know and don’t know that I have no concept of shame anymore. I wish we could all be like that. Maybe I’m a nudist at heart. But honestly... we’re all naked under our clothes. It’s really funny how ridiculous we are about nudity when you stop and really think about it.

Why did you choose the title for this album? José Rubio BECAUSE THEATRE IS EVIL. Um... Don’t you think?

Can’t wait to hear the album complete, but, before hear it, how do you describe it in your own words? Erika Vega Ohhhh... it’s hard to explain. I like to point to the influences I hear in it, which is something I’ve never done with a record before, but this record has such OBVIOUS influences compared to my other ones

— You can read “Ask Amanda” entirely at: warp.la/askamanda, you can also submit questions to askamanda@warp.com.mx.

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encore

Jack White L’Olympia, Paris, France Pic by Samantha López for WARP

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