WARP Magazine50: 50 On Our Foreheads by WARP MAGAZINE

WM No.

ON OUR FOREHEADS LA HISTORIA DE WARP EN 50 IMÁGENES

+Especial Corona Capital 2012

50 ON OUR FOREHEADS

Xan McCurdy (Cake), #WARP5 2011 / Foto: Sergio Gรกlvez

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editorial

Corona Capital 2012

Bienvenidos

a la ciudad amplificada

Por: Guillermo Parra (Director de Negociación y Talento) y Armando Calvillo (Subdirector de Marketing) OCESA

os acercamos a la tercera edición del Corona Capital y agradecemos este espacio para reflexionar en torno a una fiesta que pone a nuestra ciudad en la vanguardia del espectáculo global. Desde el principio, la idea fue clara: ubicar en el mapa a esta urbe caótica y fascinante, cuya vocación cosmopolita no podía marginarla de la oferta de festivales que adornan las carteleras de todo el plantea. Y es que cada vez resulta más evidente que este tipo de celebraciones son una oportunidad inmejorable para entender a qué suena el mundo, además de alentar a los artistas locales y promover el intercambio de información y entretenimiento en tiempo real. Así, plantear un cartel con los mejores grupos en un espacio que permita disfrutar al máximo 004

este encuentro, es un ejercicio que ha valido la pena, y que permite abrazarnos en vivo y en cercanía, más allá del vértigo de las redes sociales y de sus ecos a corto plazo. Hoy, el Corona Capital es una realidad que, como el espíritu de este Distrito Federal, resulta flexible. Por eso le agregamos un día más. Desde luego, la curaduría de este año responde — como siempre— a lo que suena con vigor más allá de nuestra frontera. Sin embargo, no podemos dejar de señalar que también es un reflejo claro del poderío y tamaño de una capital incomparable e intrigante. Por eso, tras esta breve introducción, queremos darte la bienvenida al momento que esperaste todo el año, a este festival que ya es de tu ciudad, una ciudad amplificada, que sabe a qué suena su pulso.

silencio por favor

División Minúscula Por: Karina Luvián / Fotos: Cortesía DM

“Muy pronto podrán escuchar algo nuevo... Nuestro regreso, cada vez más cerca. ¡Estamos muy emocionados! #DivisiónEstáDeRegreso.”

uvieron que pasar cuatro años para que División Minúscula volviera al estudio, luego del éxito de su disco Sirenas. Hoy, con el regreso de Ricci Pérez y ansiosos por presentar nueva música, la banda mexicana está a punto de lanzar su cuarto material, mismo que fue grabado en Baltimore, Estados Unidos. “Cada disco es una nueva propuesta, una textura diferente. Lo que queremos es plasmar las influencias que tenemos en el momento y durante los años que vamos viviendo, pues cada disco es como

006

un álbum de fotos”. Con esta declaración, Javier Blake, vocalista de la agrupación, plantea una reinvención en su música con la continuidad de su propuesta, aumentando así las expectativas. Sin título confirmado hasta el momento ni fecha específica de salida, División Minúscula promete una placa llena de canciones con personalidad propia, a las cuales han dedicado el tiempo necesario para no demeritar el trabajo que han presentado a sus seguidores a lo largo de su carrera.

the main review REVIEWS

Battle Born

The Killers / Universal Music México / 2012

7.8

Calificación

iseccionar cualquier material que tenga que ver con los liderados por Brandon Flowers es un ejercicio peligroso, pero también muy interesante e incluso divertido. Me explico: para entender de la mejor manera posible la música del cuarteto de La Vegas, Nevada, hay que separar sus cualidades y talentos sonoros de su relevancia como fenómeno mediático; es decir, olvidar que vamos a hablar del más reciente material de “The Killers” (esa banda de fama internacional que llena cuanto recinto ilustre su nombre en la marquesina), para hablar de “The Killers” (la agrupación que en 2004 sorprendió con su cabal debut Hot Fuss). Partiendo de lo anterior, hay que decir que este álbum representa el regreso de la banda a un esquema más tradicional de trabajo, en donde lo mejor para los cuatro fue trabajar sus ideas -desde su concepción- en su propio estudio de grabación, todos juntos, aportando y retroalimentándose, al mismo tiempo que entraban en esa eterna disputa que resulta trabajar con el productor. Contrario a lo hecho en otras entregas, Stuart Price –productor de cabecera de la agrupación- compartió el papel de mediador sonoro con Steve Lillywhite (U2, The Rolling Stones, Peter Gabriel, Talking Heads, Morrissey), Damian Taylor (Björk, Austra, The Prodigy), Brendan O’Brien (Pearl Jam, Sto-

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ne Temple Pilots, Korn, Incubus) y Daniel Lanois (Bob Dylan, Neil Young, Emmylou Harris, Willie Nelson), quienes dieron a la música de The Killers un enfoque muy específico, casi tangible, algo que quedó implícito en el resultado final. Y aunque el sonido característico de The Killers está presente a lo largo de la placa, saltan al oído algunos ejemplos de experimentación que son casi imposibles de ignorar, como ese retorno a sonoridades electrónicas en ‘Flesh And Bone’, el track que abre la placa, o su apego por el sonido Nashville en la cursi ‘Miss Atomic Bomb’. Es decir, la mezcla sónica de ritmos y géneros en esta ocasión fue un acierto, sin embargo, vale la pena resaltar que esto también significa una debilidad; si bien se agradece la salida de la banda de su zona de confort, también podríamos reclamarles por no hacer un disco completo, uno que pueda sonar en cualquier reproductor de principio a fin, sin tener que saltar de track en track. En esta ocasión no podemos hablar de un triunfo por parte de la banda, pero sí de una victoria para sus fans, ya que seguramente los conciertos en donde las canciones de Battle Born sean interpretadas serán épicos y superarán al disco por mucho. -Diovanny Garfias

REVIEWS

7.9

8.0

Calificación

Centipede Hz

The 2nd Law

Animal Collective / Arts & Crafts México / 2012

Muse / Warner Music México / 2012

Animal Collective presenta Centipede Hz, un álbum que suena denso y que, desde la primera escucha, resulta obvio que fue hecho con una atención casi obsesiva a los detalles. Por esta razón es importante mencionar que para escuchar la placa se requiere estar sensible para recibir una buena dosis de experimentación sonora. Es un disco que por momentos resulta reflexivo, pero que también transmite ansiedad y desesperación. Sin embargo, posee momentos más amigables, como ‘Today’s Supernatural’ o ‘Monkey Riches’, que están menos saturadas y son, hasta cierto punto, accesibles con aquellos que no están familiarizados con la música de la banda. Centipede Hz no es su mejor álbum pero quizá, en su lógica, sea otro paso dentro de su proceso de experimentación. -Raúl Arce

Pareciera que Muse se subió al barco oportunista de hacer dubstep apoyados en un disco conceptual que habla del enfriamiento del universo, la entropía, el decaimiento de la energía y la vida, como enuncia la segunda ley de la termodinámica. Sin embargo, la placa resulta ser mucho más interesante que The Resistance (2009), su anterior producción. Así, The 2nd Law resulta ser un gran acierto donde mezclan de manera atractiva elementos electrónicos con su rock espacial, para crear sus características atmósferas angustiantes que encajan de maravilla con las preocupaciones expresadas en la lírica de Matt Bellamy —altamente cercana a la ciencia ficción—. Para muestra, cortes como ‘Supremacy’, ‘Survival’ o ‘Save Me’. Con un disco de producción impecable, con instrumentaciones inteligentes y letras asombrosas, el hecho de mezclar dubstep y rock de estadio queda meramente en segundo plano. -Leonel Hernández

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Album Title Goes Here

8.2

Calificación

Deadmau5 / Mau5trap / 2012

Me resulta difícil comprender cómo es que aún existen muchas personas que consideran que la música electrónica y su creación carecen de valor artístico. Erróneamente, siempre hemos concebido a un “músico” como aquel que está detrás de un instrumento; sin embargo, muchos de los que llegaron a ser grandes leyendas, lo hicieron trabajando con sintetizadores y otros instrumentos electrónicos. Tal es el caso de Brian Eno, Kraftwerk, Roxy Music, Jean Michel Jarre, O.M.D. y Massive Attack, hasta llegar a Joel Zimmerman, mejor conocido como Deadmau5; todos ellos han cambiado la cara de la música. Y hablando del hombre de la cabeza de ratón, hay que decir que, nuevamente, marca tendencia con su trabajo, conservando su impecable y característico diseño de producción, siempre poderoso y complejo. Deadmau5 incluye colaboraciones de Cypress Hill, Imogen Heap, Wolfgang Gartner y Gerad Way (My Chemical Romance), manteniendo así el equilibrio en un disco que no sólo es para las pistas de baile: es electrónica inteligente. Hablamos de un artista alternativo que puede ser popular, sin llegar a ser autocomplaciente. -Giorgio Brindesi

010

REVIEWS

¡Uno!

Green Day / Warner Music México / 2012

7.8

Si una banda ha encontrado la manera idónea de traer el espíritu del punk rock a la actualidad e inyectarle nueva vida, esa es Green Day. Sin embargo, su obsesión por hacer discos conceptuales la convierte en un grupo un tanto sobrevalorado. Nadie puede dudar del talento de Billie Joe Armstrong y compañía, quienes hoy por hoy son de los mejores compositores del género que existen, aunque, hablando del sonido de ¡Uno! —la primera parte de su trilogía discográfica—, ésta resulta ser una cucharada de “lo mismo”. Se agradece que guiñen hacia sus primeros discos en tracks como ‘Nuclear Family’, que abre de manera formidable la placa, pero en general es un álbum cumplidor y nada más. El veredicto: la fórmula que hizo legendarios trabajos como Dookie (1994) y American Idiot (2004) no puede ser repetida ni siquiera por ellos mismos. -LH

Calificación

6.9

7.0

Calificación

8.0

Calificación

Mirage Rock

Push And Shove

Love This Gigant

Band Of Horses / Columbia / 2012

No Doubt / Interscope / 2012

David Byrne and St. Vincent /

Band Of Horses siempre se ha caracterizado por tener un sonido con marcadas influencias del country y de los cantautores de los años setenta, mezcladas con soft-rock, y Mirage Rock no es la excepción. Quizá parezca un juicio tajante, pero la banda sigue sonando exactamente igual. ¿Funciona? Sí. ¿Propone? No. En Infinite Arms (2010), su trabajo anterior, las letras hablaban del amor y de la tristeza de perderlo; pero en Mirage Rock la temática cambió. Los temas de estas canciones son un tanto más difusos y, hasta cierto punto, filosóficos. Este disco suena a America —aquella banda folk formada a finales de los sesenta—, a Cat Stevens y a Woody Guthrie, pero por encima de cualquier semejanza, influencia o parecido, suena muy americano. Pese a que este álbum no es arriesgado en cuanto a propuesta, sí tiene algunos tracks que valen la pena, como ‘Shut –In Tourist’ y ‘Knock Knock’, que seguramente serán del gusto de los fans. -RA

Once años tuvieron que pasar para que pudiéramos escuchar el nuevo álbum de estudio de No Doubt. Este disco, el cual fueron aplazando más y más —en parte por proyectos personales—, fue producido por Spike Stent y Diplo, y nos muestra dos versiones del regreso de los originarios de Anaheim. Por un lado, el primer sencillo del álbum, ‘Settle Down’, es un ejemplo de cómo volvieron a sus inicios; suena a reggae, a ska, pero dotado de ritmos pop y rock que hacen que se escuchen frescos y actuales. Sin embargo, hay momentos en los que la agrupación busca innovar en su sonido sin conseguir buenos resultados, como en la canción que da título a la placa, ‘Push And Shove’, que suena altamente influenciada por Diplo, pero sin lograr ser contundente. Es bueno que ND esté de regreso, aunque hubiera sido mejor con un buen disco. -Abraham Huitrón

4AD / 2012

012

Un ex-Talking Head conoce a una ex-Polyphonic Spree y deciden hacer un disco. El resultado podría parecer inesperado y quizá un poco raro, pero la realidad es que esta colaboración ofrece un sonido pop muy fresco, pero a la vez cerebral, apoyado por finos arreglos ejecutados magistralmente por una sección de metales. Debido a su carácter orquestal, por momentos Love This Giant suena a Sufjan Stevens (con quien St. Vincent colaboró), pero sin el aire soñador y romántico. Claramente influenciado por ritmos como el afrobeat y el funk, que tanto le gustan a Byrne, este álbum logra sonar ecléctico y cosmopolita. El dominio vocal de David Byrne es evidente, pero la dulzura de la voz de Annie Clark otorga una sensación de balance. Sin duda un disco digno de ser escuchado en más de una ocasión. -RA

hot hot hit

Kandle Osborne Por: Yázmin Rubio / Foto: Cortesía KO

Es un hecho: Kandle, la hija de Neil Osborne —líder de la banda canadiense 54-40— es un interesante fenómeno; prueba de ello es que, a sus escasos 21 años y con apenas un EP en su discografía, logra captar de forma abrumadora la atención de propios y extraños. Procedente de Montreal, Kandle inició su carrera artística con la banda The Blue Violets. Ahora, en solitario, la rubia se dio a la tarea de crear un interesante material y fue precisamente su padre quien, sin dudar en apoyarla, se montó en la consola de grabación y produjo su EP homónimo. Una buena introducción al mundo un tanto retro de Kandle es el indie folk del video ‘Know My Name’, donde la artista juega con la mirada, apariencia y voz de una insegura adolescente que se transforma en mujer en el instante mismo de unir su voz a un micrófono. 014

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Fobia Just Having Fun Por: Karina Luvián Foto: Cortesía Fobia

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n el lejano Rosa Venus (2005) nadie hubiese pensado que Fobia sería de la manera en que es ahora, siete años después, pues luego de enfrentar algunas diferencias creativas y aspiracionales, la banda se presenta hoy como una dupla conformada por Leonardo de Lozanne, que desde siempre ha dado voz a la banda, y Paco Huidobro, responsable de las letras y buena parte del sonido que le ha dado a Fobia su sello inconfundible. En esta nueva etapa, marcada por su álbum Destruye Hogares (2012) y la presentación en vivo de todos sus discos a través del proyecto titulado Fobiarama, WARP MAGAZINE platicó con ambos músicos... ambos, en plenitud. Fobiarama es un proyecto por demás ambicioso. ¿Cómo deciden llevarlo a cabo? Paco Huidobro: La decisión de llevar todos los discos de Fobia al escenario surgió a partir de la necesidad de exorcizar emosiones y de no negarnos un merecido festejo por el trabajo de tantos años. ¿Antes era complicado? PH: No, no era complicado; era imposible... Un grupo es un problema siempre. Hacemos bandas porque somos disfuncionales de alguna manera y todos los grupos somos una familia disfuncional. Entonces, hacer un grupo, de entrada, es algo complicado; si a esto le agregas que empiezan a surgir intereses específicos en otro instrumento, en otro público, en otra música, la situación se complica más. Fobiarama es algo que queríamos hacer desde que Fobia cumplió 20 años, pero no se daba porque no cuadraban los tiempos y no todo mundo estaba contento, y así no puedes embarcarte en algo tan grande: necesitas creer mucho en el proyecto, debes estar dispuesto a sacrificar y en este caso el único con disposición fue Leonardo. Decidieron seguir con Fobia pero, ¿en algún momento cruzó por su mente terminar? Leonardo de Lozanne: Decidimos seguir porque vale la pena y hay mucho público que nos quiere escuchar. Hay gente que trabaja con nosotros y que está interesada en impulsarnos. Tenemos un buen disco y hacer esto nos divierte mucho: lo gozamos y sentimos que aún tenemos mucho qué aportar. Y claro que pensamos en terminarlo todo; este proyecto ha pasado por tantas etapas, que no nos da miedo si paramos seis años o si se acaba para siempre. Seguiremos adelante y haremos los discos que tengan que darse. El día que no nos motive o nos surja el interés de hacer algo más lo dejaremos todo, no pasa nada. Mientras tanto, lo estamos disfrutando mucho y la gente junto con nosotros. ¿Cómo decidieron qué banda los acompañaría en cada concierto de Fobiarama?

PH: Empezamos barajando nombres y el destino fue acomodándolos. El gurú dice que si te deja de importar un poco, te desestresas y la vida pasa; así que, luego de buscarlos por sus personalidades, solitos fueron cayendo como anillo al dedo, cada quien en su disco, en su carácter y en su personalidad. Además, intentamos que la conjunción fuera un reto, que fuera divertido. Estas bandas son muy buenas, lo que no necesariamente significa que se avienten 20 solos de guitarra; ser bueno es lograr el cometido de tocar en un escenario: divertirse y contagiar a todos los que te están viendo. Así que quedó perfecto. Platíquenme del nuevo disco… LL: Paco tiene un estudio en casa desde hace mucho, así que empezó a grabar y a producir canciones desde que estábamos sin saber qué hacer con el proyecto. Él tiene muchísima experiencia tanto en composición como en producción y tomó las riendas muy bien. Las canciones funcionan y la verdad es que al final le dimos pinceladas, hicimos algunos arreglos de voces, algunos detalles, pero las canciones ya estaban muy bien armadas. Hicimos la batería con Michael Urbano, un gran músico estadounidense, y la mezcla la hizo Jason Carmer, que también es muy bueno. Hablando del disco, yo creo que este es el mejor logrado, porque hay claridad. Le tengo mucho cariño a todos los anteriores, pero siempre había algo que no me acababa de gustar: algo de la voz, de la mezcla, de la portada, algo; sin embargo, de este me encanta la portada, las fotos, el sonido, la masterización… ¡Todo! Ahora, lo que no sabemos es si se va a sumar alguien más a la alineación o si vamos a seguir haciendo discos bajo el nombre de Fobia; lo importante es que ahora tenemos un disco que queremos festejar y este es un año muy importante… Lo estamos gozando mucho. La lírica en Fobia siempre ha sido un sello importante. ¿Cómo son las canciones de Destruye Hogares? PH: Primero desarrollo las ideas musicales, porque en Fobia se hace primero el paisaje y después entra el personaje. Yo tenía muchas ganas de colaborar con mis héroes y para hacerlo me puse a componer sobre vinilos, ya sabes: tomas un pedacito de él, lo escuchas, lo escuchas y al final dices: “¡Ah! Esta canción voy a hacerla con Elvis Costello... ¿Por qué no invitar a The Police?”. Así que cada canción es un pequeño homenaje a discos que para mí son fantásticos, entre ellos Outlandos d’Amour (1978), de The Police; This Year’s Model (1978), de Elvis Costello; Head On The Door (1985), de The Cure; Tinderbox (1986), de Siouxsie And The Banshees; Drums And Wires (1979), de XTC, e incluso unos discos que los mismos XTC lanzaron bajo el nombre The Dukes Of Stratosphere, en los que tomaron elementos de diferentes piezas e hicieron una nueva, como una especie de burla/homenaje. Y este disco es un poco de eso, pero trayéndolo a nuestra época.

›› Karina Luvián es Coordinadora Editorial de WARP MAGAZINE, puedes leer su entrevista exclusiva con Metric en WARP #49.

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profile

White Arrows

LINK: whitearrows.com

Por: Javier Cuellar / Foto: Cortesía WA

Integrantes: Micky Church (voz y guitarra), JP Caballero (guitarra), Steven Vernet (bajo), Henry Church (batería), Andrew Naeve (teclado)

hite Arrows es una banda de Los Angeles, fundada en 2010, y algo curioso respecto a Micky, el líder de la banda, es que hasta los 11 años de edad padeció de ceguera, discapacidad impresa en sus líricas y en sus ritmos sicodélicos, electrónicos y pop. En cada uno de los tracks que componen Dry Land Is Not A Myth, su álbum debut —disponible desde junio pasado—, se puede sentir el sonido californiano clásico; de 018

hecho, ‘I Can Go’, el primer sencillo, recuerda a Silversun Pickups, mientras que ‘Roll Over’ nos deja escuchar la voz de Micky Church algo más nasal, muy al estilo de Casablancas, de The Strokes —constante que sigue en tracks como ‘Fireworks On The Sea’ y ‘Get Gone’—, aunque sin perder su sicodelia y mostrando algo de punk, haciendo patente que su sonido contiene una mezcla que habrá que seguir de ahora en adelante.

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Del 3 al 14 de octubre, Ciudad de México y Guanajuato.

Mutek.mx

Creatividad digital y música electrónica

Por: Michelle Apple / Foto: Leonel Hernández para WARP

n el año 2000, Montreal atrajo los ojos del mundo al albergar un festival donde la palabra electrónica cobró un sentido diferente. Así nació Mutek, un espacio dedicado a promover, de manera muy particular, la música y las artes electrónicas. Tres años después, en 2003, la fiebre Mutek alcanzó nuestro país y desde entonces esta versión se ha convertido en una de las más eclécticas de la región. WARP MAGAZINE platicó con Damián Romero, director del festival en México, quien comparte su particular visión de Mutek.mx, a nueve años de su nacimiento. ¿Es difícil complacer al público de Mutek? El público del festival es cada vez más amplio; corresponde mucho a un cambio generacional positivo que ha sufrido Mutek en los últimos nueve años y que, de alguna manera, nos favorece, pues nos convierte en un festival de propuesta. Y es que no se basa en un solo grupo o un solo nombre, sino en la construcción de un foro donde la gente va a descubrir cosas y situaciones, a tener experiencias. ¿Cómo se percibe Mutek.mx desde otras partes del mundo? Desde hace años, la edición mexicana ha hecho mucho eco a través de los artistas que han venido, de sus experiencias y de lo increíble que les ha parecido el país y no sólo el festival. Estéticamente no hay muchos festivales como el Mutek de México, por lo que hay artistas que solamente encuentran viable este foro para venir a presentarse. Encuentran en Mutek un punto de encuentro, desarrollando un network muy familiar. Muchos de los artistas que han estado pasan a ser algo más grande después de su presentación, lo que hace que haya cariño hacia el proyecto y que automáticamente nos resulte más sencillo poder tener diálogos con ciertos artistas para poderlos traer.

Dentro de la edición de este año hay una adición muy interesante. Cuéntanos respecto al proyecto de la Estela de Luz… Dentro del Centro de Cultura Digital de la Estela de Luz va a haber un ciclo cultural y un par de conciertos. El ciclo se llamará Intersección, que es la parte académica del festival, donde habrá talleres, conferencias y debates con temáticas que van desde la tecnología aplicada a la música hasta nuevas tendencias en comunicación. Se trata de un ciclo muy nutrido de cuatro días, al cual se tendrá acceso gratuitamente con previo registro. De igual manera, habrá un par de conciertos que también serán gratuitos. El festival, en un inicio, tuvo ese toque de eventos en espacios públicos, con accesibilidad a la gente; evidentemente, por el gasto que implica, no es tan sencillo hacerlo, pero en esta ocasión estamos trabajando en conjunto con el Centro de Cultura Digital, compartiendo recursos y estrategias para poder ofrecer nuevamente estos eventos a la gente. Tocaste un punto importante: la mayoría de los eventos de Mutek son gratuitos… Claro. Y es que hay una balanza: el 60 por ciento de los eventos son gratuitos; gracias a esto hemos logrado coproducciones con el Centro de Cultura Digital y con el Cine Tonalá, por ejemplo, donde podemos presentar proyectos conjuntos. Y si bien al repartirnos el peso se hace viable que podamos presentar programas de acceso gratuito, las cosas siguen teniendo un costo. Por ejemplo: nuestros eventos nocturnos o en teatros no pueden ser gratuitos, porque tienen un costo de producción; pero nuestro límite de precios en eventos no supera los 200 pesos. Así, al final va a haber un festival de siete días, por un costo no mayor a mil 200 pesos, que es lo que se paga por cualquier concierto hoy en día. 019

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Enjambre

Huéspedes del Orbe Por: Karina Luvián Foto: Cortesía Enjambre

na de las bandas jóvenes que continúa en el camino de la consolidación, manteniéndose en el gusto de la gente y en la producción de música, es Enjambre, que desde su surgimiento ha logrado el apoyo de un sólido grupo de seguidores, amantes del rock hecho en México, de historias convertidas en canciones y de un estilo original. Luego del éxito de Daltónico, lanzado en 2010, la banda conformada por Luis Humberto Navejas (voz), Julián Navejas (teclados y guitarras), Rafael Navejas (bajo), Ángel Sánchez (batería) y Javier Mejía (guitarras) regresa este año con su producción Huéspedes Del Orbe, en la cual comprimen sus años de experiencia y, por primera vez, experimentan con sonidos electrónicos no presentes en su música… hasta ahora. WARP MAGAZINE platicó con ellos y esto fue lo que dijeron… Este disco, hecho desde cero, está compuesto por canciones creadas específicamente para esta nueva producción. Platíquenos sobre esta experiencia… Julián Navejas: Hace como un año empezamos a trabajar las canciones de este disco, desde su composición hasta el máster y, en consecuencia, nos hemos tardado más en hacerlo. Esto tiene su lado positivo porque, como no se trata de temas que teníamos guardados desde hace mucho tiempo, tiene esa frescura y todos abordan cosas actuales; aunque sí hay una rola que Rafa alcanzó a rescatar de la bóveda, ‘Egohisteria’, la última del disco, un tema que tocamos desde hace muchos años y que ahora se presentó de manera muy apropiada para el álbum. De ahí en fuera todas son canciones nuevas. El año pasado empezamos el proceso de composición, hicimos algunas canciones y nos tomamos un mes entero para ensayar. Nos fuimos de gira, 020

regresamos y hemos estado cien por ciento dedicados a sacar el disco. Sobre esta parte, sobre la composición, ¿cómo fue el proceso creativo que siguieron? Luis Humberto Navejas: Todas las canciones de Enjambre manejan el concepto de lo cotidiano, por lo que este disco es una consecuencia de lo que vivimos en los últimos años. Hay letras que tienen un enfoque social, pero también hay otros dilemas personales que se presentan; es diferente a otros discos, pues no lo habíamos manejado en este sentido y me parece que ese es un factor nuevo en cuanto a letras. JN: Claro, no podemos evitar ver cosas que pasan a nuestro alrededor y que se reflejan en las canciones, pero la verdad es que hay un poco de todo. No es un disco enfocado en cierto tema. ¿A qué suena Huéspedes Del Orbe? LHN: El disco lo produjo Julián, lo grabamos en Sonic Ranch y fue ahí donde conocimos a Stephen Short, quien tenía un estudio en Inglaterra donde tuvo oportunidad de trabajar con Peter Gabriel, Queen, Robert Fripp y con todos esos músicos que fueron referencia para nosotros al componer las canciones, al menos en ciertos arreglos o en ciertos sintetizadores. Así que a nosotros nos vino perfecto que él se encargara de mezclar el disco, pues además respetó tanto aquello que Julián ya había grabado como el sonido de la banda. Creo que este material tiene ese detalle: un sonido setentero que posiblemente no hubiéramos logrado de otra manera o con otra persona. Enjambre se presentará en el Auditorio Nacional, este 30 de noviembre, donde estrenará cada uno de los temas que componen su nueva producción.

blogaggedeon times COLUMNA

LAS CRÓNICAS DEL LEÓN HOY: MONTREAL, CANADÁ Por: Sr. Flavio / @SrFlavioOficial

Septiembre, 2012 Montreal, Canadá

legamos después de un largo viaje, aunque relajado. BsAs-NY-Montreal. Algo así como catorce horas arriba de un avión. No tengo entrevistas programadas: una lástima; quería ejercitar mi francés de la Alianza Francesa, adolescencia del Sr. F. “Y por si no lo entendés, Flavio te lo dice en francés…”. Check-in en el hotel. Mucho calor. Dejamos las valijas y a caminar. Buscamos una casa de música y finalmente llegamos, pero está cerrada. Con Big Papu y el Monky apoyamos nuestras caras rodeadas por las manos sobre la vidriera y, como niños afuera de una juguetería, husmeamos lo que hay más allá del vidrio que divide la calle del negocio. Hay punks con cresta y tattoos en la cara, quienes limpian los vidrios de los autos en los semáforos: alguien nos cuenta que acá es así. Día de concierto 18:30 hrs. Festival Experience. Buen lineup: Jello Biaffra, Public Enemy, Atari Teenage Riot y muchos otros; nosotros en medio de ellos. Lo único malo es que son días diferentes para cada banda. A mí me toca el “día latino” y, bueno, hubiera preferido mezclar artistas. Me acuerdo cuando Los Cadillacs tocamos en un festival de Suiza: bajamos del escenario y los próximos en subir fueron The Sex Pistols, re-edición mil-nueve-noventa y tantos, con Glen Mattlock en el bajo…

Ahora estamos en camarines: ambiente distendido. Astor, El Monky, Fat Max, Big Papu y Jenny Sarkissian. Más tarde subimos a tocar. Hay poca gente pero salimos con todo y, los que están, se encienden. Me tiro al público en nuestra versión de ‘Mal Bicho’. Había traído la cámara de filmación pequeña, esa con ojo de pez: me quería filmar entre el público —más bien al público—, pero me la olvido en la mochila a la hora de estar en el escenario. Y me resulta interesante poder tocar en Canadá la versión personal de ‘Gil Trabajador’: una canción que, por alguna razón, se embarca en el sueño itinerante de un artista alocado que, imprevistamente, viaja lejos. También es grato tocar ‘Olas’, de La Popular, olas de mi infancia, adolescencia, nostalgia marplatense, in your face, Montreal y Astor arremete con todo en la batería. Después del concierto, la compacta crew SrF nos vamos a comer unos burritos al Quartier Latin, a reírnos rato largo con plática entretenida. Paget es el promotor que nos trajo hasta aquí; él suele ser el road manager de las giras de Manu Chao; también es promotor de conciertos de punk rock y hardcore en su ciudad y es fanático de Bad Brains (ya somos dos). Habla bien el español porque está casado con una mexicana (ya somos dos). Nuestra charla encendida de música y vida transcurre en francés, inglés y español, todo mezclado. Le pido por favor que hablemos en francés: me gusta hacerlo. Paget también es skater, comentamos que sería bueno ir a patinar un rato a la calle, más tarde y, en ese momento, comienza a llover.

›› Sr. Flavio es miembro fundador de Los Fabulosos Cadillacs y escritor. Su libro Crónicas Del León ya está a la venta editado por WARP Books.

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Fucked Up Running on nothing Por: Michelle Apple Foto: Daniel Boud

n un momento en el que pocos apostaban por el hardcore y el punk, una banda canadiense se levantó de entre las diferentes propuestas musicales y, apoyada en el álbum David Comes To Life (2011), se convirtió en un fenómeno tan grande que hizo que los oídos del mundo entero le prestaran atención. WARP MAGAZINE platicó con el líder del proyecto, Damian Abraham, poco antes de la primera presentación de Fucked Up en México. Su más reciente álbum, David Comes To Life, fue muy bien recibido por la crítica y los medios. ¿Por qué crees que esta placa haya llamado tanto la atención? Fuimos muy afortunados. Estuvimos en el lugar correcto, en el momento indicado. Creo que cuando buscas en la historia de la música encuentras bandas que, como The White Stripes o como nosotros, inician con poco éxito, pero que pueden alcanzarlo en cualquier momento. Con tantas bandas, esto es cuestión de tiempo y un poco de suerte. Su disco es descrito como una ópera rock por diferentes medios pero, ¿tú cómo lo describirías? ¡Cómo una increíble ópera rock! Los discos que nos influenciaron mientras escribíamos el álbum fueron The Wall (1979), de Pink Floyd; Tommy (1969), de The Who, pero también That’s Life (1978), la ópera rock de Sham 69. Al nuestro le añadimos un poco de influencia de Broadway y de la música pop de principio de los setenta… Es un concepto muy tradicional de ópera rock que debería existir en el punk; muy a nuestra manera, intentamos hacer que eso sucediera. Y quién sabe si vaya a pasar de nuevo, pero al final pudimos hacer esta ópera rock que tanto queríamos y fuimos muy afortunados de que le gustara a la gente. 022

¿Fue difícil llevar este concepto al estudio de grabación? Lo realizamos en pequeñas sesiones, y es que realmente no somos tan amigos en esta banda: lo grabamos en pequeños grupos y por separado. La mayor parte de la música ya estaba escrita, así que se trató más de escribir canciones que se adecuaran a esos sonidos. Creo que hacerlo de esta manera —en pequeñas partes— fue lo que nos llevó a pensar: “Puede funcionar escribir las letras antes que la música”. Recuerdo estar trabajando en el estudio con Mike, el guitarrista, quien también escribe letras, y nos mandábamos al demonio y pensábamos que no teníamos nada qué hacer juntos, pero al final creo que sabíamos que iba a funcionar. Hicimos la mitad del disco en Nueva York y la otra mitad en Toronto, así que fue muy emocionante… Ahora que lo pienso, de todos los discos que hemos hecho, creo que este fue el mejor de los procesos; y es que cuando grabamos nuestro primer disco todos estábamos encerrados al mismo tiempo, todos peleando con todos, miserablemente. Y la segunda vez también fue todo muy apresurado; pero esta vez nos tomamos nuestro tiempo y fue más fácil de manejar. ¿Es difícil transportar el disco a una presentación en vivo? Creo que cuando tocas en vivo, cuando le pides a la gente sacrificar su tiempo y dinero para verte, le debes un show sin importar el disco que hayas hecho; a esa gente le debes la oportunidad de ver un concierto y de divertirse, de entrar en tu mundo por un par de horas. Cuando tienes un disco nuevo tienes que tocar sus canciones lo más enérgicamente posible, y nosotros queremos que la gente vaya, que vea un show divertido, lleno de energía, y no que se pregunte “¿qué diablos es esto?”.

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Boys Noize Foto: Cortesía BN

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lexander Ridha, mejor conocido como Boys Noize, es considerado como una de las figuras más importantes de la música electrónica. Nacido en Hamburgo, Ridha se mudó a la edad de 21 años a Berlín, ciudad en la que en 2005 fundó su propia disquera, Boys Noize Records. Es bajo este sello discográfico que ha lanzado sus tres álbumes de estudio, incluyendo su más reciente placa Out Of The Black (2012), de la que se han desprendido los sencillos ‘What You

Want’, ‘XTC’ y ‘Got It’; por cierto, este último cuenta la colaboración del ahora exrapero Snoop Dogg. La calidad musical de Ridha lo ha llevado a realizar remixes para artistas como Michael Jackson, Feist, Justice, Marilyn Manson, Depeche Mode y Bloc Party. Es por todo lo anterior que, en exclusiva para WARP MAGAZINE, el músico compartió 10 de los tracks que son indispensables en cualquiera de sus modalidades como DJ. Aquí el listado:

01. Boys Noize - ‘XTC’ (Chemical Brothers Remix)

06. Flootprintz – ‘Danger Of The Mouth’ (Jimmy Edgar Remix)

02. SCNTST - ‘Let U Go’

07. Strip Steve – ‘One Thing’ feat. Robert Owens (Djedjotronic Remix)

03. D.I.M. - ‘Dragon’

08. Bok Bok - ‘Reminder’ (L-Vis 1990 remix)

04. Switch & Erol Alkan - ‘A Sydney Juke’

09. Asykan - ‘Gsnörsn’

05. Peaches – ‘Burst’ (UZ Remix)

10. Daniel Avery - ‘Taste’

EN GRABACIĂ&#x201C;N . sesionesconalejandrofranco.com

@sonyspinla

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Sofi Mayen Hablar con la verdad Por: Yázmin Rubio Foto: Leslie del Moral para WARP

a cantautora Sofi Mayen ha ganado notoriedad en la escena musical nacional con su primera producción, homónima. Y es que, más que unos ojos esmeraldas y una voz difícil de ignorar, es la creadora de una placa que mezcla elementos de Carla Morrison y Conor Oberst, dando por resultado un pop folk que, de manera sorpresiva, envuelve y cautiva. WARP MAGAZINE conversó con ella, en exclusiva, a cerca de su disco debut, sobre su proceso creativo y de cómo es recibida por el público. ¿Quién dirías que es Sofi Mayen? Es una chica de 23 años, originaria de Zacatecas; es una cantautora que, a través de la música, encontró una forma de decir las cosas. Soy como quien escribe un diario, aunque yo le agrego música. Esa es Sofi Mayen. ¿De dónde te viene esta vena artística? ¿Cuándo dijiste: “A esto me quiero dedicar”? Fue sumamente fácil darme cuenta, porque se me dificultaba mucho expresarme con palabras; entonces componía canciones, las grababa en un casette y se lo daba a la persona a la que le quería dar el mensaje, por lo que fue muy natural darme cuenta que mi dirección era la música. Sólo tuve que seguir esa línea hasta lograr hacerlo profesionalmente. ¿Qué te inspira? ¿Tienes algún artista o banda predilecta? Escucho mucho a The Kooks y me encanta el proyecto solista de su vocalista, Luke Pritchard. También hay un chico que se llama Matt Corby, es muy joven, pero está creando cosas increíbles. Me gusta Damien Rice y mi banda favorita es Coldplay. Por otro lado, crecí escuchando a Rocío Dúrcal, José José, Emanuel, Juan Gabriel, etc. La verdad traigo un poco de

todo lo que hay que escuchar: nacional e importado… [risas]. ¿Algún buen recuerdo acerca de la grabación de tu disco? Muchos. Fuimos a Tepotzotlán, al estudio de Memo Méndez Guiú. La canción ‘Yo No Te Quiero’ tiene una parte muy interesante, un special en el que nos metimos a grabar al bosque; no sabíamos si iba a quedar esa sesión, grabamos con trompetas, con chelos, bandoneones y banjos, pero se metían los sonidos del agua, del pajarito. Al final se logró un trabajo increíble y se escucha muy bien. ¿Eres la misma Sofi de cuando empezaste a crear música? Soy la misma, aunque más consciente de la situación, más responsable, porque ahora veo cómo fue el salirme de Zacatecas y dejar a mi familia por el impulso de cumplir mi sueño. Sigo siendo la misma, un poco más madura, pero con el mismo ímpetu de crear música. ¿Ha habido algún artista que te pida una canción? De hecho ahorita estamos en eso, estoy componiendo para más artistas y es bien padre: estaba acostumbrada a escribir para mí y ahora hay que pensar que la va a cantar alguien más, lo que implica ponerte en sus zapatos y ver cómo se escucharía esa canción en su voz. Es muy divertido darse la oportunidad de escribir historias ajenas. Este es tu primer álbum, pero, ¿ya tienes planeado algo para el nuevo disco? Siempre he estado en ese dilema. Como dije, en lugar de escribir un diario, yo escribo canciones; no tomo en cuenta todas las canciones para un disco, pero ya empecé a pelearme conmigo misma y a hacer una selección para el próximo disco. 027

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teve Vai, por su técnica y su habilidad para realizar prácticamente cualquier tipo de proyecto musical que se le ponga en frente, es uno de los guitarristas más reconocidos de los últimos tiempos; de hecho, es un artista tan prolífico que gusta de participar en cualquier tipo de disciplina que invlucre sonoridad. Justo en 2012 Vai terminó su más reciente trabajo en solitario, The Story Of Light y, en exclusiva para WARP MAGAZINE, la leyenda platica sobre su trabajo durante los últimos siete años. Pasó un buen rato desde que salió tu último álbum de estudio, ¿cuál fue la razón? Hacer un álbum de estudio es muy emocionante para mí, pero hay también muchas otras cosas que me emocionan. Desde mi último 028

disco, de 2005, Real Illusions: Reflections, he hecho muchas cosas: armé una banda para ese disco e hice una gira muy extensa por todo el mundo, y después hice otras giras. Hice el Experience Hendrix Tour, algunos tours de Zappa, compuse dos horas de música para una orquesta y lancé un disco doble en vivo, con todo y video; eso tomó varios años, porque componer dos horas de música para orquesta te puede tomar quince horas diarias durante seis meses de trabajo ininterrumpido. Después de eso quise armar una banda para hacer una gira, así que, junto a dos violinistas, hice un bellísimo DVD llamado Where The Wild Things Are (2009), el cual consumió bastante de mi tiempo debido a la edición que requirió. Hice también unos tours de Master Class, llamados Alien Guitar Secrets, en los cuales viajaba por el mundo dando conferencias. Luego,

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las canciones y las canciones son inspiradas por diversas cosas. No hago música de una sola manera: a veces tengo un riff de guitarra que me gusta y trabajo sobre él; a veces es una experiencia de vida; otras se me ocurre una buena frase. Mucha gente piensa que sólo hay una manera de hacerlo, pero cuando lo abordan de esa manera, pueden estarse limitando otras formas de inspiración. Mis discos son muy diversos y en cualquiera de ellos puedes encontrar canciones que son muy tensas, baladas de pura voz o incluso una hermosa pieza de melodía de guitarra. Existen muchas dinámicas y estilos, pero mi meta es no hacer que mi música suene de cierto estilo. Ese es el camino que tomo, pero mientras vas por la vida tus experiencias cambian, igual que la manera en que nos expresamos. En mi último disco, Real Illusions, quise crear un concepto que se expandiera a través de un largo periodo de tiempo e hice una historia intensa y esotérica; tiene personajes y eventos de una historia, pero no están en el orden correcto y no puedes seguirla realmente. Mi nuevo disco, The Story Of Light, es la segunda parte de la trilogía Real Illusions y es más o menos lo mismo: hay mensajes crípticos en la historia y mi meta es crear un tercer disco que tendrá más piezas de la historia. Después de eso lanzaré una caja de quizá unos cuatro discos, en el que todas las canciones estarán en el orden correcto, mientras que algunas canciones de pura melodía tendrán letra, narrativa; entonces podremos, ahora sí, sentarnos a oír la historia completa de una manera lineal mucho más aceptable. Como sabrás, G3 está haciendo una gira en México y Latinoamérica con Joe Satriani, John Petrucci y Steve Lukather. ¿Estás haciendo una gira por ti mismo? ¿Planeas visitar Latinoamérica? Sabes, amo tocar con G3, es una de mis experiencias de gira favoritas. De hecho, apenas hace unos días regresé de una gira con G3 por Europa, con Steve Morse y Joe Satriani, y fue fantástico. Estuvimos por allá por tres semanas, fuimos a Moscú, a Ucrania, y solamente unos meses antes hice una gira de G3 con Steve Lukather y Satch, por Australia, y fue simplemente fantástico. Me pidieron que hiciera la gira por México y Latinoamérica pero estoy lanzando mi disco, tengo solamente una ventana pequeña de tiempo para hacer gira en solitario y debo pasar por Europa. Es una pena, pero es simplemente la forma en que se dieron las cosas.

Steve Vai

Esperamos que puedas venir a México pronto, tienes muchos fans por aquí… Sí, definitivamente planeo hacerlo con mi banda.

The Story of Light

Por: Alejandro Escobedo / Foto: Cortesía SV

fui el encargado de componer una sinfonía para una orquesta en Holanda, además de una pieza de música para guitarra eléctrica y orquesta llamada ‘Expanding The Universe’, cuya interpretación es magnífica. Componer una orquesta toma meses de trabajo intenso, pero nos fue tan bien que me encargaron componer otra sinfonía llamada The Middle Of Everywhere. Y después de todo esto pensé: “Bueno, creo que debería hacer otro álbum de estudio”. Así que he estado muy ocupado haciendo cosas que de verdad disfruto. ¿Qué nos puedes contar acerca del concepto de este nuevo disco? ¿Qué cambia respecto a tus trabajos pasados? Bueno, no es tanto como una lejanía en la manera en que lo abordé, ¿sabes? Cuando hago mis propios álbumes, usualmente construyo

¿Quién o qué podrías señalar como la próxima promesa en el rock? Hay muchas cosas pasando allá afuera, pero seguramente hay alguien que llama tu atención. Bueno, hay géneros muy diferentes, y cuando busco música que me inspire y me estimule busco aquella que venga de gente que siento que de verdad está haciendo algo diferente y único. Y por ahora… ¿Sabes?, es gracioso: tengo dos hijos, de 20 y 23 años, y tienen gustos musicales muy diferentes, pero son muy contemporáneos, por lo que me la paso escuchando música actual. Mi hijo de 23 está muy metido en esta música extremadamente pesada, progresiva, entonces escucho grupos como Iwrestledabearonce y demás bandas pesadas muy interesantes. Mi otro hijo, el de 20 años, oye mucho dubstep, electro y trip hop; y mucha de esa música es brillante; él me presentó la música de Skrillex, por ejemplo, que creo que es un artista increíble. 029

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Kevin Johansen El contrasentido de los vocablos Por: Yázmin Rubio Foto: Cortesía KJ

evin Johansen es una mezcla anglo-latina muy peculiar. Nacido en Alaska (de madre argentina y padre estadounidense), el músico logra reflejar el eclecticismo de su origen en la música que ejecuta, que va del funk al tango, pasando por el rock pop. Dicho con sus palabras, el género que interpreta se puede definir como “des-generado”. Johansen logró notoriedad con Sur O No Sur (2002), placa que lo llevó de gira por los principales escenarios de Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. Este 2012, Kevin promociona su nuevo álbum Bi, con una presentación en nuestro país. En exclusiva para WARP MAGAZINE, el artista reveló más detalles al respecto. ¿Cómo fue descubrir en la música tu profesión? En casa siempre estuvo presente la música: mi madre era amante del tango y, a los doce años, aprendí a tocar la guitarra y empecé a componer; desde ahí la música se apoderó de mi vida. La banda que te acompaña tiene un nombre singular. ¿Por qué se llaman The Nada? Soy muy “titulero” respecto a los géneros musicales y nosotros somos un poquito “des-generados”, no somos ni de aquí ni de allá. Así, este nombre define nuestra esencia; me gusta mucho eso del “nadaísmo”. Los músicos decimos mucho “gracias” y a veces nos dan ganas de decir también “de nada”. Sabemos que traes nuevo disco bajo el brazo; cuéntanos un poco de su producción y de su sonido… En 2010 me encontré con Tweety González, famoso productor de Cerati, y comenzamos a grabar un disco más rockero, uno con mucha influencia anglo y otro más folk. Bi son 29 temas que incluyen dos covers a dos grandes: ‘Everybody Knows’, de Leonard Cohen, y ‘Modern Love’, de David Bowie. Son dos discos: uno es 030

la mamá y otro el papá; es una idea inspirada en una foto de mis padres cuando eran jóvenes que encontró mi hermana, entonces dije: “Ahí está el disco doble, Bi”. Conceptualmente, mucha gente se apresura a pensar en “bisexualidad”, aunque también puede referirse a ser bilingüe, bicultural o simplemente se puede tratar de los muchos “bis” que me han tocado en la vida. La presentación de este disco fue un tanto fuera de lo común: sobre un avión. ¿Cómo se ideó esto? Fue una combinación de la gente de Sony Argentina y Sony Chile, pensaron en hacer algo original. Al principio tenía un poco de temor y otro tanto de pudor, pero al final fue interesantísimo: la gente se sorprendió para bien, le cumplimos su sueño a una fan y fue muy divertido. Hace poco colaboraste con Natalia Lafourcade en su disco tributo a Agustín Lara. ¿Cómo se confabuló esto? El camino de Natalia y el mío se han cruzado recientemente y se dio porque hicimos una especie de intercambio: yo canté ‘La Fugitiva’ en su disco y ella cantó el tema ‘No Tiene Nombre’ en el mío, todo fue de manera muy natural. Estoy muy contento con los resultados. ¿Qué podemos esperar de tu segunda presentación en México? Vienes acompañado del caricaturista argentino Liniers (Ricardo Siri), ¿cierto? Así es. Hay un DVD grabado en vivo, en Buenos Aires, registrado con él mientras pintaba un mural detrás de nosotros. Liniers siempre le aporta una cuota visual a nuestros shows. Podremos disfrutar del show multicultural de Kevin Johansen el próximo 26 de octubre, en el Lunario del Auditorio Nacional.

rock fiction COLUMNA

USE YOUR ILLUSION I Por: Adolfo Vergara Trujillo / @ToBeFreak

a era domingo: pasaban de las 04:00 de la mañana en La Escuela De Atenas. Y así llega a su fin una más de las exclusivas noches que, de lunes a sábado, La Escuela de Atenas le ofrece a su distinguida clientela —dijo la voz del DJ/LJ/MC por los altavoces—. Recuerden que el lunes, el lunes desde las 02:00 de la tarde, abrimos nuestras puertas con nuestro menú ejecutivo, en el que además de degustar la gran variedad de platillos de nuestra cocina selecta, tendrán la mejor compañía… Buenas noches, muchas gracias y… ¡Que la pasen bonito! El sonido quedó en off. La Escuela De Atenas, con “columnas de mármol” en la entrada, era un nombre que sonaba muy fino para el enclave rojo de la esquina de Eje Central con Izazaga, pero que nomás era otra piquera. La Kenia entró a los camerinos, algo asqueada y, sin decir palabra, encendió un cigarro. —¿Ya se fue tu novio? —le preguntó la Estéfanni, desmaquillándose frente al espejo con un frascote de crema Nivea. La Kenia abrió la bolsita que colgaba de su cuello y sacó apenas seis o siete boletos: —Pinche viejo marro; y nomás no aflojó el privado… La Zamira entró al camerino en tanga, tacones altos y las tetas al aire rebotándole precioso a cada paso; fue directo a su lugar en el tocador y sacó su estuche de maquillaje —algo largo, algo fino—, lo abrió y allí, en el espejito, pintó dos líneas de la coca más tosca. Y se comió las dos, enteras, una de cada lado. —Puuu… tama… —¿Ya se fue tu novio? —le preguntó la Estéfanni, con la cara llena de crema. —No… Me está esperando… La Kazzandra fue la siguiente en entrar, pero la Kazzandra andaba de malas: —¿Ya entró la pinche Rockset? —No —respondió la Estéfanni—. ¿Ya se fue tu novio? —¡Yo no tengo novio, pendeja! ¡Esos cabrones me agarran las nalgas nomás porque pagan 50 varos! ¿Entiendes? —¿Y tú qué traes con la Rockset? —preguntó la Kenia, mientras la Zamira se recortaba otras dos líneas en el espejito. —¿Cómo que qué? —gritó la Kazzandra— ¡Ya estoy hasta la madre de su pinche cancioncita! ¿Saben cuánto nos agarran esos cabrones mientras esa pendeja se hace ilusiones pegada al tubo? —Bueno, la verdad es que sí-cierto… —la secundó la Zamira, atragantándose con saliva— Una vez un pinche chamaco se me empapó todo mientras la Rockset hacía su numerito… La Estéfanni pareció congelarse con un algodón tapándole el párpado derecho, mientras la Kenia miraba al techo como haciendo cuentas. Hasta entonces entró la Rockset al camerino; iba sin chi-

chero, sin calzones, nomás con un sombrero de copa de cuero negro —su melena rubia cubriéndole el rostro— y un cigarro encendido en los labios; estaba orgullosa de cerrar pista y su paso era firme con aquellas botas vaqueras. Y es que la Rockset, veterana de 37 años, se conservaba mucho mejor que varias de las más escuinclas. Oriunda de Tijuana, tenía un tatuaje enorme en la espalda que le baja por los hombros hasta las muñecas. Se decía que, en sus años mozos, había trabajado toda la costa de California, de San Diego a Eureka y de regreso, protegida por unos motociclistas. —¿Qué tal la noche, chicas? —saludó la Rockset— ¿Nos fue bien? —¿Sabes que ya ninguna se quita los calzones en el tubo? —preguntó la Kazzandra. —Pues habrá que hacer más ejercicio, reina —respondió. —Ya en serio, Rockset —dijo la Kenia—: ¿No podrías cambiar de canción? Es que dura un chingo, mana… —No sean pendejas: ‘November Rain’ es un himno del tubo… ¿Saben que en Los Angeles hay un antro que se llama así? —¡Me importa una chingada! —gritó la Kazzandra— ¡O le bajas cinco minutos a tu número o te rompo la madre! La Rockset subió el pie derecho en una silla y se acarició la pierna hasta la pantorrilla, bien sexy; y en un segundo, de la bota, sacó una navaja de muelle y le puso la punta a la Kazzandra justo en la yugular. —¿Sabes cuántas suripantas me han amenazado antes? —susurró la Rockset. De pronto, sin saber cómo o por qué, la mirada se le nubló; nunca supo que la Estéfanni le había reventado el frascote de crema Nivea en la nuca; lo que la mató, sin embargo, fueron los golpes que la Zamira le dio en la tráquea con su estuche de maquillaje —algo largo, algo fino—. Las patadas de la Kenia, de la propia Kazzandra, ya ni las sintió. Dos o tres clientes, durante dos o tres semanas, preguntaron por la Rockset y la versión más difundida en La Escuela De Atenas fue que se había regresado para Tijuana, quesque “a cuidar a su madre enferma”. Casi un año después llegó la Densy como novedad del antro —22 añitos, estética rocker, tatuajes de calavera—, quien luego-luego quiso bailar ‘November Rain’ en el tubo. Pero para entonces el conflicto estaba resuelto: Y ahora el momento estelar de la noche… Ella es: ¡Densy! — decía la voz del DJ/LJ/MC por los altavoces—. Le recordamos a nuestra amable clientela que, por su duración, esta canción vale doble boleto…

Use Your Illusion I Guns N’ Roses Geffen / 1991

›› Adolfo Vergara Trujillo es escritor y especialista en Literatura Mexicana, autor de los libros de relatos Freak Y Otros Tormentos y Absolut Punch.

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calendario

octubre 2012 1Mutek alMx14 2012

Audirtorio BlackBerry, Estela de luz, Cine Tonalá y más México, DF y Guanajuato, GTO —

Centro de Convenciones Tlaltelolco México, DF

6to Aniversario WARP My Morning Jacket, Tribes y Diplo

El Plaza Condesa México, DF

The Drums Teatro Estudio Cavaret Guadalajara, JAL

Carla Morrison Pepsi Center WTC México, DF

13 y 14

El Plaza Condesa México, DF

26 ITLAFest Lady Gaga Foro Sol México, DF

Centro de Convenciones Tlalnepantla Edomex —

Los Amigos Invisibles Auditorio BlackBerry México, DF

25 Jumbo

Recinto Ferial Pachuca, HGO

Caifanes

WARP Presentación del documental La Casa Del Ritmo

Auditorio BlackBerry México, DF

11 6to Aniversario

Arena Ciudad de México México, DF

Kasabian

Auditorio BlackBerry México, DF

SBTRKT

Simple Plan

Bryan Adams

5 Molotov El Plaza Condesa México, DF —

14 Method Man

Marillion Teatro Metropólitan México, DF

Festival Corona Capital Autódromo Hnos. Rodríguez México, DF

Peaches (DJ set) Club Social Rhodesia México, DF

20 The Used

31 The Temper Trap José Cuervo Salón México, DF

Auditorio BlackBerry México, DF 035

gigs

Fucked Up 4to Aniversario de El Imperial, El Plaza Condesa Ciudad de México Foto: Leonel Hernádez para WARP Para leer la reseña de este concierto, escanea el código o visita: warp.la/gigs

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gigs

Garbage MTV World Stage, Arena Monterrey, Monterrey, Nuevo Le贸n Foto: Chino Lemus Para visitar la galer铆a de fotos de este concierto, escanea el c贸digo o visita: facebook.com/WARPmagazine

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COBERTURAS

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OUTSIDE LANDS 2012 Por: Paco Sierra / Fotos: Sergio Gálvez y Paco Sierra para WARP

Con cinco ediciones previas de historia, WARP MAGAZINE cubrió por primera vez el Festival Outside Lands, en San Francisco, California, del 10 al 12 de agosto pasado, con toda la esencia de la ciudad concentrada en un parque: el Golden Gate Park, una escenografía natural de ensueño, rodeada de árboles y un clima perfecto para disfrutar de música al aire libre.

DÍA 1: VIERNES 10 DE AGOSTO

Foo Fighters

La primera presentación fue la de Fitz And The Tantrums, en el escenario principal denominado Lands End (Polo Field), logrando buen recibimiento, hecho que seguiría con la esperada actuación de Beck y el sonar de temas como ‘Black Tambourine’, ‘Devil’s Haircut’ y ‘Loser’, lo que provocó el primer lleno total de la tarde. Of Monsters And Men ofrecería su música más tarde, pero otro de los show memorables de aquel día fue, sin duda, el de Foo Fighters, que nos hizo gritar de principio a

fin: ‘New Way Home’ y ‘Aurora’ fueron las sorpresas de la banda para todos los espectadores. Y si la energía no había sido suficiente, Neil Young & Crazy Horse se encargarían de llevarnos al límite, con un concierto que nos quitó el aliento a través de clásicos como la versión extendida —de más de diez minutos— de ‘Love And Only Love’, ‘Walk Like A Giant’, ‘Cinamon Girl’ y ‘Mr. Soul’, concluyendo una noche maravillosa con un cierre de ensueño.

COBERTURAS

PG.049 PG.041

Beck

The Walkmen

Neil Young & Crazy Horse

Fitz And The Tantrums

Of Monsters And Men

COBERTURAS

DÍA 2: SÁBADO 11 DE AGOSTO

Metallica

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Alabama Shakes

El segundo día de Outside Lands estuvo más ajetreado, con más asistentes, más frío y con más bandas qué ver. Las actividades comenzaron cerca de las 14:00 hrs., cuando nos acercamos al Lands End para presenciar el acto de Tame Impala y su sicodelia como sello inconfundible. Cerca de las 15:20 hrs. nos dirigimos al Sutro Stage para el show de Alabama Shakes, quienes tuvieron una convocatoria sin precedentes para ese escenario, dejando claro que son, sin duda, la revelación del año con su álbum debut Boys & Girls. Sin embargo, mientras Michael Kiwanuka presentaba su

Michael Kiwanuka

propuesta en un lado del parque, el Lands End se engalanaba con The Kills. Al mismo tiempo, Norah Jones nos regaló una gran sorpresas en el Sutro Stage al invitar a Bob Weir, de The Grateful Dead, a tocar el tema ‘It Must Have Been The Roses’. El día continuaba y era momento de bailar en el Twin Peaks al ritmo de Passion Pit, ambiente festivo que se vería relajado poco después con la banda islandesa Sigur Rós, misma que serviría de puente de tranquilidad necesario para ver a Metallica, highlight de muchos en el festival, con pirotecnia y espectacularidad incluida.

The Kills

Norah Jones

Sigur Rós

Portugal. The Man

COBERTURAS

DÍA 3: DOMINGO 12 DE AGOSTO

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Stevie Wonder

City & Colour

Franz Ferdinand

Bomba Estéreo

Jack White

El tercer y último día de Outside Lands 2012 estuvo tan cautivador como los dos anteriores, con más de 65 mil asistentes diarios. Franz Ferdinand fue la banda encargada de recibirnos en el escenario principal, con un set colmado de éxitos: ‘Take Me Out’, ‘Do You Want To’ y el cover a Donna Summer, ‘I Feel Love’. Minutos más tarde nos encaminamos al Sutro Stage para ver a City & Colour y después, de regreso en el escenario principal, a Regina Spektor. Un poco más tarde, en el mismo lugar sería recibido uno de los músicos más importantes de los últimos años: Jack White, quien vestido de negro y acompañado por su banda de hombres, Los Buzzardos, el ahora solista tocó temas de todos los proyectos en los que ha participado, cerrando con ‘Seven Nation Army’.

Para finalizar un evento de la magnitud de Outside Lands, nadie mejor que Stevie Wonder, una de las máximas leyendas de la música popular quien, durante cerca de dos horas, tuvo la sonrisa grabada en el rostro con temas como ‘How Sweet It Is’, de Marvin Gaye, y ‘The Way You Make Me Feel’, de Michael Jackson, seguidos de clásicos propios como ‘Sir Duke’, ‘My Cherie Amour’ y ‘Superstition’, para cerrar con un par de covers más: ‘She Loves You’, de The Beatles, y ‘My Girl’, de The Temptations. El choque generacional y de gustos musicales es un lujo que pocos festivales pueden ofrecer, por lo que fue un privilegio disfrutar de ello durante tres días en el Golden Gate Park, de San Francisco. Una gran quinta edición del Outside Lands, sin duda… ¡Hasta el próximo año!

---------------------------------------------A partir de 2010 un nuevo festival llamó la atención de diversos escuchas apasionados de la música, debido a las bandas que integraban el cartel. Por primera vez se tomaba en cuenta a bandas que no llenarían un venue grande por contar con apenas unos años de vida, pero que, en conjunto, lograrían que los ojos del mundo se postraran sobre la capital mexicana. Si a esto le sumábamos la participación de headliners consagrados, teníamos un evento al nivel de otros de su clase en el ámbito internacional, que propiciaría la apertura del público a generar en sí mismo una verdadera cultura de festivales. Con apenas dos años de vida, el festival Corona Capital ha logrado reunir a diversos exponentes que, en algunos casos, pisaron nuestro país por primera vez con este evento como pretexto. Pixies, Portishead, Interpol, The Strokes, James, OMD, The Rapture, Echo & The Bunnymen, Coheed And Cambria, Regina Spektor, M83, Santigold, Moby, White Lies, The Temper Trap y Two Door Cinema Club son sólo algunos de los nombres que han iluminado el cartel de las pasadas ediciones, convirtiéndose así en un referente musical mexicano. Este año el festival se extiende a dos días, lo que ha dado como resultado que el listado de bandas que disfrutaremos los próximos 13 y 14 de octubre sea, en automático, el más interesante y propositivo de su corta historia. Es por eso que en WARP MAGAZINE nos dimos a la tarea de recopilar la información más relevante que necesitas saber previo al evento, con datos de las bandas y textos de su propia autoría. Además, presentamos entrevistas exclusivas con León Larregui, que presumirá su debut solista, Solstis, en el Corona Capital, y Pete Robertson, de The Vaccines, que relata por qué él y sus compañeros se encuentran ansiosos de visitar nuestro país. Basement Jaxx adelanta también detalles de su nueva producción de estudio, mientras que Sara, de la dupla Tegan And Sara, confiesa su emoción por tocar frente al público mexicano. El Corona Capital se acerca, preparémonos para vivir uno de esos eventos musicales que quedarán marcados para siempre en la memoria colectiva.

Corona Capital 2012

León Larregui ------------------------------------------

MAGIC MUSIC BOX Por: Diovanny Garfias / Fotos: Cortesía LL

NO ES DE EXTRAÑAR QUE UN CAPITÁN BUSQUE NAVEGAR NUEVAS AGUAS, TRAS DESCUBRIR QUE SU TRIPULACIÓN Y SU NAVE VAN POR EL CURSO CORRECTO. EJEMPLOS DE ESTO EN EL MUNDO DE LA MÚSICA HAY MUCHOS, PERO EL QUE HOY ACAPARA NUESTRA ATENCIÓN ES UN CASO MUY PARTICULAR. LEÓN LARREGUI —LÍDER DETRÁS DEL PROYECTO CONOCIDO COMO ZOÉ— ABANDONÓ BREVEMENTE LA BANDA NACIONAL MÁS EXITOSA DE LA ÚLTIMA DÉCADA, PARA DAR RIENDA SUELTA A SU IMAGINACIÓN, A SU CREATIVIDAD Y A SU INFINITA CURIOSIDAD. ASÍ NACIÓ SOLSTIS, EL ESCAPARATE EN EL QUE EL MÚSICO RETRATA, EN SUS PALABRAS, “UN MOMENTO FILOSÓFICO Y DE MADURACIÓN”. WARP MAGAZINE PLATICÓ CON LEÓN PREVIO A ARRANCAR UN MINI TOUR, MISMO QUE LO LLEVARÁ A PLANTARSE FRENTE AL PÚBLICO DEL FESTIVAL CORONA CAPITAL.

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La primera pregunta y quizá la más obvia: ¿Por qué trabajar en un disco solista? Ya tenía un tiempo con esta inquietud, pero no se había dado el momento adecuado; además, hubiera sido un poco ilógico y contradictorio, dado lo que estaba sucediendo con Zoé. Y es hasta ahora, que terminó la gira del Unplugged y la fuerte carga de trabajo del año pasado, que en lugar de tomarme un descanso decidí hacer este disco, el cual le pareció buena idea a la banda y a todo el management.

¿Crees que toda esta experiencia se verá reflejada en el próximo disco de Zoé? Evidentemente. El Unplugged fue una experiencia muy enriquecedora para todos los integrantes de Zoé y este experimento en solitario es parte de un proceso para ir evolucionando como músicos, juntos y por separado. Un punto que abordé en una junta con la banda fue que, independientemente de si me fuera bien o no, el León que surgiría de esta experiencia iba a ser positivo para Zoé.

¿Cómo decides ir a Francia a grabarlo y por qué eliges a Adanowsky como productor? Justo unos días después de obtener la aprobación de la disquera, aún pensaba en quién sería el productor adecuado, pero por cosas del destino me encontré con Adán —pues casualmente somos vecinos—, le comenté del proyecto, nos vimos en su casa, me mostró su nuevo disco y me llamó mucho la atención la calidad del sonido, muy de los setenta. Me comentó cómo lo grabó, con quién, y fue ahí donde le propuse ser el productor de mi disco. Adanowsky aceptó muy feliz y de inmediato se puso en contacto con los músicos con los que trabajé en Francia, así como con el co-productor, Rob, frecuente colaborador de la banda Phoenix. Todo resultó muy fluido y, un mes después, ya estábamos grabando en París. Desde el principio sabía que para mi disco quería un concepto muy flexible, a la vez que romántico; quería enfocarme en sonidos del pop romántico del pasado, en José José, Serge Gainsbourg, y resultó que Adán es un experto y amante de la música de Gainsbourg. Esto me pareció una señal importante para irme por allí.

¿Te gustaría involucrarte en algún momento en el lado técnico de la música, ya sea con Zoé o con alguna otra banda que solicite tus servicios como productor? No creo que sea yo tan buen productor; mi fuerte es escribir canciones [risas]. Honestamente, yo confiaría ese trabajo a otras personas; en lo que soy bueno es en el acto de conceptualizar e imaginar.

Hablas de esta influencia retro y de la cosquilla por realizar algo meloso… ¿De dónde te surgió la inquietud de recorrer ese camino? Crecí escuchando toda esta música romántica de los setenta; también me surge a partir del año pasado —tuve una historia de amor importante—, lo que fue pauta para inclinarme a hacer el disco romántico y buscar estas raíces en mí. Nunca pensé en competir con mi banda, jamás pensé en hacer algo que sonara a Zoé; eso sería contraproducente pues, desde el principio, la cuestión era encontrar una forma de expresarme y de darle vida a unas canciones que posiblemente no hubieran tenido cabida en un disco de Zoé.

›› Diovanny Garfias es Editor

Tendrás una pequeña gira promocionando Solstis, incluyendo tu participación en el festival Corona Capital… Sí, voy a preparar algunas fechas y el Corona Capital sólo por el gusto de hacerlo. No tengo muchos planes, ni ambiciones, simplemente sonar en los soundtracks de la gente. Y es que hacer gira y más presentaciones sí empezaría a afectar un poco a Zoé. Ya en enero comenzamos a preparar nuevo disco y viene gira, entonces no existe mucho espacio para explayarme con este proyecto. Y tampoco descarto hacer otro disco solista, que puede ser una válvula de escape, pero definitivamente mi banda es Zoé. ¿Buscarías que ese hipotético segundo disco solista estuviera enfocado a un género totalmente diferente, quizá más experimental? Obvio. Creo que la vena romántica ya estuvo [risas]… Entre más viejo me hago me empieza a cambiar el concepto de componer, de hacer canciones rockeras y para la radio. Cada vez pienso más en hacer temas clásicos. Mi meta como compositor —y puede sonar pretenciosa— va más dirigida a hacer canciones que trasciendan después de mi muerte, canciones que puedan ser tocadas con mariachi.

en Jefe de WARP MAGAZINE, lee su entrevista exclusiva con Johnny Indovina en WARP #49. 049

Corona Capital 2012

Zulu Winter / Por: Henry Walton (Guitarrista) Decir que estamos emocionados por ir a México y tocar en el Corona Capital sería subestimarlo. Es difícil describir lo que significa para nosotros. Hace un año teníamos trabajos de mierda que eran llevaderos por soñar en cosas como estas. No sólo es un gran cartel, también tendremos la experiencia de una cultura a kilómetros de distancia de los cada vez más fríos y amargos meses que vendrán en Reino Unido. Será bueno echar un vistazo a algunas de las bandas (Cat Power es una en particular), pero creo que todos estamos muy emocionados de andar por ahí, platicar con la gente y conocer a tantos fans mexicanos como podamos… Conocer a algunas otras bandas locales sería bueno también. ¿Nos pueden dar tips?

La Habitación Roja

Por: Jorge Martí (voz y guitarra)

Bufi / Por: Mateo González “Bufi” El Corona significa mucho para Bufi, ya que es un festival que adquirió mucha popularidad en los últimos 2 años, y es ahí donde creo que mi proyecto puede darse a conocer entre nuevos oídos. Es también la primera vez que se presenta el show completo, con un diseño visual inédito y un disco nuevo bajo el brazo: Trilogy. Este acto se estará presentando a lo largo de todo el 2013. Otra de las cosas que me entusiasman del festival es el cartel, sobre todo las bandas que se presentan en mi escenario (Bizco). Basement Jaxx, Sleigh Bells, Major Lazer y Baio son algunos de los nombres que más me emocionan para el sábado; New Order, Modeselektor, WhoMadeWho y The Drums son los que me entusiasman para el domingo.

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Formar parte del Corona Capital es, además de un placer, todo un reto para nosotros. Este festival, a diferencia de otros en los que hemos estado en tierras aztecas, es de marcado carácter anglosajón, pero por otro lado, tiene mucho que ver con festivales en los que hemos tocado en multitud de ocasiones en España, como el Festival Internacional de Benicàssim. Cuando se develó el cartel tuvimos la impresión de que ésta era para nosotros una de las citas del año. Hemos tocado en muchos festivales en la gira de nuestro último disco, con carteles muy importantes encabezados por algunas de las bandas más punteras del momento, pero éste es sin duda de los más interesantes de todos, tanto por cantidad como por calidad. Algunos de los grupos que desfilarán por el Corona son parte de nuestra educación musical (New Order, Suede). Otros son parte de la música que ahora mismo escuchamos (The Walkmen, Here we go Magic). No cabe la menor duda de que en el Corona Capital se dan la mano diferentes generaciones de músicos. Serán dos días especiales e inolvidables que esperamos disfrutar al máximo con todos vosotros.

Francisca Valenzuela Me siento muy feliz de participar en el Corona Capital, como invitada musical y como espectadora de los tremendos artistas que se presentarán, lo que considero es reflejo del flujo cultural entre México y el mundo, colocándolo en el circuito de festivales internacionales potentes y de alta convocatoria. Por mi parte puedo asegurar una presentación dinámica, lúdica, donde toco diversos instrumentos, con un repertorio combinado de mis dos discos, algunas canciones conocidas y algunos lados B; un show entretenido, auténtico, en el cual pueda mostrar mi proyecto y mi música en escena a quienes no la conocen. Si el público responde, si está atento, si lo pasa bien, es suficiente para mí.

María y José / Por: Tony Gallardo Mi manager me dijo emocionado que quería que tocara en este magno evento, a lo que respondí que sí porque nunca he tenido la oportunidad de que tanta gente me aviente cosas al escenario.Para este show estaré presentando nuevas canciones de mi reciente LP, Rey de Reyes. La gente no sabe lo que le espera, igual me desnudo o le muerdo la cabeza a una rata. Recuerden que toco muy temprano en el escenario Bizco Club, no se van a arrepentir, y si se arrepienten pueden mandarme golpear con alguno de sus sicarios favoritos, nos vemos.

The Wookies / Por: The Wookies Recibimos un mail en el que nos hacían una propuesta con un horario increíble para formar parte del festival, en la carpa Bizco Club, de Tape y 8106, así que no dudamos ni un segundo en responder afirmativamente. Cuando vimos el lineup nos pareció increíble, ya que tuvimos la oportunidad de hacer gira en Europa y fuimos a varios festivales, uno de ellos el Sónar, en Barcelona, y podemos asegurar que el Corona Capital se encuentra a la altura de cualquier festival en el mundo. Estamos muy contentos de la apertura de este tipo de festivales a proyectos de música electrónica, tanto nacionales como internacionales y, evidentemente, de ser parte del Corona Capital, ya que es una puerta enorme y un escaparate para The Wookies.

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Corona Capital 2012

The Vaccines ------------------------------------------------------------------------------------------------------------

THIS IS WHAT WE EXPECT FROM THEM Por: Elsa Núñez Cebada / Fotos: Cortesía TV

ESCUCHAR EL NUEVO ÁLBUM DE THE VACCINES DA UN POCO DE MIEDO. Y LA RAZÓN ES UN POCO TONTA: SE TEME QUE SUFRAN EL “SÍNDROME DEL SEGUNDO ÁLBUM”, EN EL CUAL, COMÚNMENTE, UNA BANDA NO SE OTORGA LA OPORTUNIDAD DE ADENTRARSE EN OTROS GÉNEROS O DE AVENTURARSE A EXPERIMENTAR CON OTRO SONIDO. Por fortuna no fue así. Come Of Age (2012) es un disco que no se hundió en el post-punk que escuchamos en What Did You Expect From The Vaccines? (2011), así que para entender más el sonido que está detrás de este álbum, WARP MAGAZINE platicó con Pete Robertson, baterista de la banda, quien tomó la llamada desde la comodidad de su hogar, en Londres. Se acerca el lanzamiento del álbum. ¿Qué haces mientras esperas a que esto suceda? En este momento estoy en casa después de mucho tiempo. Apenas terminamos una gira por Europa, en la que estuvimos abriendo los shows a Red Hot Chili Peppers y fue increíble. Antes de viajar a América —con el álbum ya estrenado— regresaremos a hacer más presentaciones en Europa y Asia. 052

What Did You Expect From The Vaccines?, su primera producción, fue una bomba. ¿Cómo se sintieron en ese momento? ¿Qué esperan que ocurra con su sucesor? A What Did You Expect From The Vaccines? le fue mucho mejor de lo que esperábamos, fue una especie de escape de lo que estábamos haciendo y, al final del día, hizo que nos diéramos cuenta de las razones que nos llevaron a dedicarnos a la música, pudimos conectarnos con muchísima gente, lo que fue sorprendente. En Come Of Age las circunstancias cambiaron: nos permitió mejorar y expresarnos tal como somos, logramos tener más variedad respecto a lo que hicimos y creo que ahora nos sentimos mejores músicos. Con el primero sólo queríamos tener canciones buenas, pero este es diferente; aunque nosotros creamos que las canciones son muy buenas, logramos sentirnos mucho más confiados.

¿Esa confianza cambió su manera de percibir su sonido y al público? Creo que conocimos gente muy diferente a la que conocíamos hace 18 meses; y sí, tal vez nuestra percepción sobre nuestra música cambió un poco, pero creo que seguimos confiando en nuestros instintos y pensamientos. Creo que hemos sido muy honestos con la gente respecto a nuestra música, porque la disfrutamos, y para nosotros eso es muy importante. Durante el proceso creativo de Come Of Age seguimos intentando ser nosotros mismos. Creo que si tratas de esculpir tu sonido, te pones en una posición complicada, pues realmente empiezas a pensar en la música y en lo que a la gente le gustaría o no; así puedes perder tu identidad y dejar de expresarte como eres. Ahora tenemos claro lo que nos gusta de la música, lo que somos y lo que queremos decir. ¿Es difícil empezar a planear un disco nuevo viniendo de uno muy exitoso? No del todo. Y en realidad no quisimos pensar en eso, porque a nosotros lo que nos gusta es hacer música. Justin Young siempre está escribiendo canciones; lo hizo cuando estábamos en la gira del primer álbum, pero llegó un punto, creo que en Navidad, en el que escribió más, y durante los ensayos supimos que estábamos listos, que queríamos lanzarlo y creo que los fans también ya lo querían. En realidad es simple. ¿Qué tanto les emocionaba el hecho de trabajar con Ethan Johns, quien ha hecho álbumes con Kings Of Leon, The Boxer Rebellion y Ryan Adams? ¿Qué tan útil fue esta figura durante el proceso creativo y por qué decidieron grabar en Bélgica?

Ethan es una parte muy importante de este disco y nos dio mucho impulso desde el inicio de la grabación, nos animó a ser más abiertos y honestos con nuestra música y nuestro sonido; sin él hubiera sido muy diferente. Creo que en nuestro primer álbum se nota nuestra poca experiencia, y es que no sabíamos muchas cosas, no hay grandes efectos de estudio, ni nada de eso. Y sí: comparándolo con Come Of Age, es más impersonal. Creo que esa es una de las razones por las cuales decidimos trabajar con él, porque en todos sus discos él está plasmado. Quisimos tener esa calidad. ¿Qué quieren lograr con Come Of Age? Lo que queremos que pase con este disco es que les guste más que el primero. Le invertimos muchas horas, días y semanas y nos hace sentir orgullosos. A mi parecer es un disco honesto, mejor que el primero, porque hay más variedad y creo que tiene más que ofrecer. Vienen a México, al Corona Capital, un festival que ha ido creciendo y que cada vez genera más expectativas. ¿Qué saben de México y de su público? En cada lugar que visitamos tratamos de pasarla muy bien. Lo primero que te dicen en el circuito de bandas inglesas es que tienes que ir a Escocia, porque allá la gente enloquece en los conciertos, y cuando estuvimos allá pasó. Luego nos dijeron que debíamos ir a Taiwán, a Japón, y fue lo mismo. Hace poco estuvimos en Brasil y la gente es increíble; al menos eso pensamos hasta que alguien nos dijo: “esperen a ir a México” [risas]. Muchos músicos amigos hablan maravillas de México y nos han dicho que allá han tenido los mejores conciertos de su vida, simplemente porque la gente es increíble.

›› Elsa Núñez Cebada es periodista musical y colaboradora de WARP MAGAZINE, lee su entrevista exclusiva con Los Campesinos! en WARP #44.

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Corona Capital 2012

Rumbo al Corona Capital 2012

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Tegan and Sara

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INSIDE THIS BUSINESS OF ART Por: Karina Luviรกn / Foto: Lindsey Byrnes

Corona Capital 2012

CON LA EXPERIENCIA DE LOS AÑOS Y LA RIQUEZA DE SU MÚSICA, ADEMÁS DE MÚLTIPLES COLABORACIONES Y SU INCURSIÓN EN DISCIPLINAS Y PROCESOS MÁS ALLÁ DE LA COMPOSICIÓN, LAS HERMANAS TEGAN Y SARA QUIN REPRESENTAN, HOY POR HOY, UNO DE LOS PROYECTOS MÁS IMPORTANTES DE CANADÁ, CUYA DISCOGRAFÍA ESTÁ A PUNTO DE SUMAR SU SÉPTIMA PRODUCCIÓN, AÚN SIN TITULO REVELADO NI FECHA EXACTA DE SALIDA. WARP MAGAZINE TUVO EL PLACER DE PLATICAR CON SARA SOBRE SU CARRERA, EL MOMENTO QUE VIVEN COMO ARTISTAS Y LA INCLUSIÓN DE UN NUEVO FESTIVAL AL EXTENSO LISTADO DE EVENTOS EN LOS QUE HAN PARTICIPADO, CON SU PRÓXIMA PRESENTACIÓN EN CORONA CAPITAL 2012. Ustedes han estado en la música desde que eran adolescentes y la verdad han mejorado mucho. ¿Que nivel de calidad o madurez consideran que han alcanzado hoy día? Empezamos a tocar y a componer cuando teníamos 14 años, estamos por cumplir 32 así que, como dicen, la practica te hace perfecto [risas]. No, en serio, la verdad es que no sé si somos perfectas realmente, hemos tocado por 15 o 16 años y mientras más lo haces mejor te vuelves, y mientras más canciones escribes eres capaz de crear mejores temas. Además, hacemos presentaciones todo el tiempo, escribimos con otras personas, colaboramos y hacemos cosas en el estudio, lo que es una especie de impulso para ser mejor y más fuerte; creo que ahora somos una buena banda después de todo, nos sentimos muy confiadas. Platícame sobre su nuevo disco… Estamos muy emocionadas por nuestra nueva producción. Siempre nos sentimos contentas con lo que grabamos, pero con este álbum, especialmente, sentimos que tendremos la oportunidad de llegar a mercados a los que nunca hemos llegado. Creo que tendrá un alcance más amplio, más comercial, y no quiero decir que sea menos bueno o menos “Tegan and Sara”, sólo considero que va enfocado a un público mayor; estamos muy felices. Es un disco súper, grande y ambicioso, aunque un poco estresante al ensayarlo para salir de gira, pues definitivamente es el material más desafiante para llevar de su forma de grabación al acto en vivo, hay que mover partes y elementos, así que veremos como sale… nos sentimos bastante fuertes ahora. ¿Por qué les tomó tanto tiempo hacer este disco? Hicimos los últimos dos discos uno tras otro, The Con y Sainthood, sin realmente tomar un descanso, sólo los grabamos y salimos de gira consecutivamente. Después, cuando terminamos la gira de Sainthood, trabajamos en el DVD y fue demasiado. Por eso pensamos en estar fuera de línea, sin que supieran de nosotras, para poder relajarnos, trabajar en otros proyectos, escribir para otras personas y en el transcurso de dos años empezamos a sentir que teníamos un excelente cuerpo de trabajo, así que decidimos entrar al estudio y hacer este disco en primavera. Realmente no nos enfocamos a pensar: “Oh Dios, han pasado dos años”, sólo nos dedicamos a sentirnos seguras sobre este material y cuando estuvo listo nos dimos cuenta que tomamos la decisión correcta; si lo hubiéramos hecho antes, con prisa, no hubiera sido tan fuerte como lo es ahora. Este álbum se siente sólido, ambicioso, el siguiente paso correcto para nosotras. ¿A quién eligieron como productor de este álbum? Trabajamos en Los Angeles, con diferentes personas, pero la mayor parte fue producida por Greg Kurstin. Empezamos a

trabajar con Greg justo cuando él terminó el disco de The Shins (Port Of Morrow) y, ya sabes, ha colaborado con Lily Allen, Sia, Pink, Kimbra, todas estas personas diferentes; es decir, para mí, él ha trabajado con las más exclusivas mujeres, grandes estrellas pop. Fue por eso que pensamos que sería divertido involucrarnos con alguien que no necesariamente hace el tipo de discos que generalmente hacemos, pensamos que sería una buena forma de presionarnos y retarnos, fue un gran experimento y creo que de verdad funcionó. Además trabajamos algunos tracks con JMJ (Justin Meldal-Johnsen), quien ha hecho discos con M83, Dr. Dre, Mastodon, etc… una experiencia maravillosa. Tegan & Sara formará parte del festival Corona Capital, con bandas como The Black Keys, Florence + The Machine, The Hives y muchos otros. ¿Cómo se sienten de ser parte de un evento como este? Estamos muy emocionadas de poder ir a México, han sido años los que hemos intentado ir y ofrecer un buen show. A veces vemos fans que vienen de México y nos damos cuenta que hay un mercado ahí; además, las bandas van todo el tiempo, así que esto se siente como una manera excitante de introducir nuestra música. Yo realmente me siento muy emocionada, ¡este festival luce grandioso! Nosotras hacemos muchos viajes internacionalmente: un mes estamos en Australia y al siguiente en Alemania, así que es muy divertido estar en países tan diferentes con estas bandas que sueles ver todo el tiempo. Este festival se siente muy emocionante, porque sin duda es muy distinto a todos los que hemos hecho… ¡Estoy ansiosa, no puedo esperar por que suceda! Ustedes han estado frente a públicos de todo tipo. ¿Qué es lo que esperan de la audiencia mexicana? Todos mis amigos son de bandas que han ido a México, y lo que siempre dicen es que tiene uno de los públicos más sorprendentes para los cuales tocar. Hay mucho entusiasmo y gente increíble, así que estamos muy felices de actuar allá, tengo expectativas muy altas, porque todos me dicen lo genial que es tocar en su país. Como te dije hace un momento, tenemos un montón de fans mexicanos que van a nuestros shows, así que definitivamente estamos familiarizados con el público. ¿Qué sigue para Tegan and Sara? Hemos terminado el disco y ahora estamos ensayando con una nueva banda para empezar la gira. Luego de estar en México saldremos con The Kills; estamos empezando alrededor de dos mes y medio de gira. ¿Y México podría esperar una visita más? Absolutamente, nos encantaría regresar a México. Realmente vemos que este será uno de muchos shows en los que llevaremos nuestros discos. 057

Corona Capital 2012

Alabama Shakes / Por: Brittanny Howard (Vocalista) Estamos muy emocionados por el festival Corona Capital, pues será nuestro primer concierto en México y a simple vista parece ser una gran fiesta. Honestamente no estamos muy familiarizados con el evento, pero el cartel se ve excelente, y la mejor parte de todo esto es cuán diverso es. Estando allá buscaremos conocer algunas bandas locales, para tener un panorama más real de lo que pasa a en el país. Ninguno de nosotros ha estado en México, así que estamos emocionados por probar la comida y conocer su cultura. Hemos escuchado cosas maravillosas pero no hay nada como experimentarlo de primera mano. Con suerte, esta será la primera de muchas visitas. ¡Nos vemos en octubre!

Technicolor Fabrics /

Por: Abraham López (baterista)

The Plastics Revolution /

Por: Plastic van der Mairon (acordeonista)

Estamos muy emocionados por el festival, pero creo que no estamos del todo conscientes de la magnitud. Ensayamos en un cuarto cerrado, pero cuando te ponen un escenario tan grande cuesta más trabajo desarrollar un show, así que tienes que mentalizarte y decir: “concéntrate, amárrate al tiempo y todo saldrá bien”. A pesar de todo, la idea es divertirse, entonces, estés en el mood que estés vas a pasar un rato excelente y a hacer que la gente lo disfrute también. En secundaria tocábamos ‘Hate To Say I Told You So’, de The Hives, y compartir festival ahora con esa misma banda es como conocer a uno de los muchos padres (¿padrinos?) de la banda. Así, el Corona Capital.

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Tocar en el Corona Capital habla bien del trabajo de la banda, nos emociona mucho y nos alienta a seguir conquistando espacios. Probablemente, lo que más nos emociona es compartir escenario con tantas bandas que nos gustan, otras que conoceremos y, en particular, Mutemath, que toca justo después de nosotros. Tenemos poco más de un año tocando un set básico, de nuestros primeros discos, y nos agrada la idea de preparar alguna novedad para el festival. Por lo pronto queremos agradecer al público que se ha sumado a lo largo del tiempo, pues hacen que esta aventura tenga sentido, oídos, retroalimentación, cosas indispensables para nutrirnos y crear más música. ¡Nos vemos a las 12:30, el 13 de octubre!

Bam Bam / Por: Mou (vocalista)

I Can Chase Dragons! / Por: Julio Gudiño

Entiendo por qué muchos, al estar tocando en un local abandonado, cierran los ojos y sueñan con estar en un gran escenario. En el caso de Bam Bam es justo lo contrario. Si estamos en un escenario, cerramos los ojos y fantaseamos con estar en la sala de una casa, con nuestros amigos. Las grandes producciones, los patrocinadores, los siempre presentes medios y las multitudes nos aplastan como hormigas. Afortunadamente, tenemos un arma poderosa que todavía estamos aprendiendo a usar. Con ella luchamos ante el miedo de morir en el escenario o por la industria misma, tocamos, rompemos algo y rápido nos bajamos lejos de las miradas indiferentes del público que espera ver a las bandas que les importan. Esto es lo que puede ser interesante en Bam Bam.

Octubre será un mes importante para ICCD, porque será el lanzamiento de nuestro álbum debut Expansión, con el sello Arts & Crafts México, y el Corona Capital será la fiesta con la que nos sumemos a esta familia a la que estamos contentos de pertenecer. La energía de un festival es muy diferente a un show individual, pues la gente va con los oídos listos para escuchar a sus bandas favoritas, ¡pero sabemos que los vamos a conquistar con nuestras olas de sonido y ritmos electropicales! Calentaremos al público para el segundo día de festival y, después, nos uniremos a ellos para ver a bandas como Neon Indian, M. Ward, Araabmuzik y a James Murphy mezclando.

Black Lips / Por: Cole Alexander (Guitarrista) Nos sentimos maravillosamente por ser parte del Corona Capital. Algunas personas, a manera de protesta por el festival, nos pidieron que no tocáramos, pero esa fue la única invitación que tuvimos para visitar México, así que no podíamos desaprovecharla. Tenemos muchas ganas de tocar ahí, muchas, y aunque venimos de un pequeño club, hemos aprendido cómo divertirnos en un gran escenario.; somos animadores natos. Hemos empezado a trabajar para nuestro próximo disco, pero no lo suficientemente fuerte todavía, así que esperamos obtener algo de inspiración en México. Ya queremos que llegue el día.

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Corona Capital 2012

Basement Jaxx --------------------------------------------

WHERE R WE NOW Por: Leonel Hernández / Foto: Andrew Whitton

LA VIDA ES COMO LA MÚSICA, DEBE COMPONERSE CON EL OÍDO, EL SENTIMIENTO Y EL INSTINTO, NO MEDIANTE REGLAS, SEGÚN EL NOVELISTA INGLÉS SAMUEL BUTLER. Y OTRO INGLÉS, FELIX BUXTON, PARECE ESTAR COMPLETAMENTE DE ACUERDO. CON SUS 18 AÑOS DE CARRERA Y COMO PARTE DEL DÚO BASEMENT JAXX, AL LADO DE SIMON RATCLIFFE, FELIX HA ENTENDIDO QUE CREAR MÚSICA BAILABLE Y A LA VEZ INTELIGENTE TIENE QUE VER CON LA EXPERIMENTACIÓN, CON LA REINVENCIÓN, CON LA EMOCIÓN Y EL DIFÍCIL PROCESO DE SACAR “ALGO DE LA NADA”; SUS MÁS RECIENTES TRABAJOS SCARS (2009) Y ZEPHYR (2009) SON MUESTRA DE DICHA MADUREZ. ESTE AÑO EL DÚO VIENE AL CORONA CAPITAL, DESPUÉS DE AÑOS DE SEQUÍA, PARA ENTREGARSE AL PÚBLICO MEXICANO. SIEMPRE PREOCUPADO POR MOSTRAR LOS MENSAJES CORRECTOS, FELIX CONVERSÓ CON WARP MAGAZINE SOBRE SU PROCESO CREATIVO, EL DUBSTEP Y SU SENTIR ANTE LAS CONTROVERSIAS SOCIALES QUE PRODUJERON INTENCIONES DE BOICOT AL MENCIONADO FESTIVAL. ›› Leonel Hernández es poeta y traductor, puedes leer su entrevista exclusiva con Sussie 4 en WARP #49.

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¿Cómo se sienten de tocar en México para el Corona Capital? Muy emocionados. Estuvimos una vez Simon y yo haciendo unos DJ sets y recuerdo que habíamos estado en Brasil un día antes, por lo que llegamos a México con una terrible intoxicación. Recuerdo también que llegamos a un restaurante y el mariachi tocaba, todo fue genial, esa noche tuvimos que tocar. Al día siguiente fuimos a ver las pirámides y nos tomamos fotos. Fue una gran experiencia, muy surreal en todos los sentidos. Me emociona mucho poder regresar ahora, después de tanto tiempo y llevar el acto en vivo, también es la primera vez en mucho tiempo que nos reunimos, así que es la primera vez que volvemos a montar el show. Algo que me gustaría saber es si existe un boicot al festival, porque es financiado por una empresa llamada Televisa, ¿es esto cierto? Aquí, Felix me comenta que escuchó que el festival está siendo financiado por gente corrupta: “Nosotros no queremos estar involucrados en un tema así, sino en cosas positivas. No conocemos mucho, sólo lo que hemos escuchado”, asegura el músico; intento explicarle que es un tema complicado en la parte social pero que el festival se realizará con normalidad. Parece más tranquilizado y continuamos con la plática… ¿Qué piensas de la producción musical hoy en día, con todos los avances tecnológicos? Me parece muy bien que la gente pueda hacer las cosas fáciles y rápidas, y que suene muy profesional, algo muy diferente a cuando nosotros comenzábamos a hacer música, era más difícil. Sin embargo creo que la creatividad es todavía lo más importante, no importa qué habilidades en la producción tengas, todo se reduce a lo que quieres expresar. ¿Y qué opinas de que personas con poca experiencia puedan hacer música con una laptop, por ejemplo? Nosotros tampoco tuvimos una educación musical, ni sobre producción, tocamos algunos instrumentos como la guitarra antes de juntarnos como Basement Jaxx pero realmente no tenemos educación musical, sólo intentamos que las cosas funcionen. De hecho, la gente que crea música por sí misma es genial, creo que la gente debería estar abierta a hacer lo que sea, y cualquier cosa que te ayude a expresarte es algo genial. ¿Cuál es tu plataforma favorita para masterizar y producir? Probablemente sea…mmmm, no lo sé, no tengo una favorita, normalmente no me gusta mucho ese proceso de mezcla; hay gente que lo disfruta mucho pero no es mi caso,

yo tengo que hacerlo. Simon es mejor en eso, él es el encargado de la mezcla y lo disfruta más, yo soy más bien de la parte de crear algo de la nada, ese es el proceso que más me interesa y en el que más me involucro, supongo. Nos gustaría saber tu opinión sobre esta explosión de música dubstep y sobre cómo es el ritmo de moda hoy en día. Algunos expertos dicen que es el nuevo heavy metal… El dubstep se me hace algo espectacular y creo que es, definitivamente, la evolución de un cierto tipo de drum and bass mezclado con jungle y ritmos de música negra. Se ha vuelto muy popular, hace que la gente baile y agite sus cabezas como lo hacen los fanáticos del heavy metal, supongo que de ahí viene esa denominación. Muchos chicos que en la época del grunge escuchaban cosas como Nirvana, hoy escuchan dubstep porque quizá está lleno de energía y es muy poderoso; tiene que ver con una muerte emocional, quizá mental, creo que tiene relación con eso. También es algo positivo, de alguna forma. De hecho, Scars tiene muchos ritmos así, un tanto violentos y sobresaturados. ¿Intentarán hacer dubstep ustedes en algún momento? Sí… no… [risas]… no lo creo. Digo, en nuestra faceta de DJs mezclábamos cosas de dubstep cuando comenzaba a salir a la luz, hace cuatro o cinco años. Probablemente tocamos menos dubstep ahora, quizá porque se volvió muy comercial y comenzaron a salir muchos productores que se dejan llevar por la moda, pero me sigue gustando mucho. Nosotros tocamos más house, pero al final es lo mismo, sólo que tocado a diferentes tiempos y con otros bajos; al final, el propósito de ambos es disfrutar y no importa lo demás. Tienen mucha experiencia haciendo música. ¿Ha cambiado en algo su manera de trabajar en todos estos años? No mucho, ha sido básicamente lo mismo, pues trabajamos con melodías que tratan de expresar algo. Hemos puesto más atención en herramientas como las voces humanas o instrumentos más tradicionales, y la tecnología nos ha dado mucha libertad de hacer las cosas mucho más rápido, a expandir nuestras ideas y a crear cosas diferentes. Quizá eso sea lo más significativo. ¿Cuándo podremos escuchar su nuevo álbum? De hecho estamos trabajando en eso ahora mismo. Apenas fuimos a Japón a filmar el video de uno de los tracks y en el festival Corona Capital tocaremos unas tres o cuatro canciones nuevas que serán exclusivas, estrenos mundiales, ya que no habíamos tocado en vivo… Ojalá le guste a la gente. 061

ON OUR FOREHEADS

01 UNO

Gustavo Cerati, Vive Latino 2006 / Foto: Rubén Márquez

LAS MEJORES FOTOGRAFÍAS DE WARP… HASTA HOY Retoque fotográfico: Rubén Márquez y Sergio Gálvez

Son sólo 50. Representan apenas un fragmento de nuestra corta historia y de alguna manera (no estricta, por supuesto) cada una de las 50 ediciones de esta publicación. Lo interesante de cada imagen no solamente es la composición fotográfica, la iluminación o la relevancia del retratado, sino la historia detrás de la misma. Anécdotas profesionales y personales invaden el verdadero significado de estas imágenes que, sin tener que ser reveladas, reflejan el espíritu verdadero de nuestra difícil selección. Son seis años de WARP en el mundo digital, 50 números (5 años) siendo una revista y dos temporadas del programa de televisión que se transmite en todo América Latina, en Sony Spin, lo que festejamos con este especial; pero sobretodo hoy, queremos festejar a los que trabajan y han trabajado en alguna etapa de la historia para que todo esto haya ocurrido, y mejor aún, siga ocurriendo. Celebramos entonces a todos nuestros colaboradores, staff editorial, fotógrafos, videoastas, colum063

nistas en el mundo y hasta a nuestros nuevos socios y equipo en WARP Costa Rica, que arranca operaciones formales a partir del próximo mes. A nombre de mis socios y de todo mi equipo, les agradezco a ustedes por siempre distinguirnos con su preferencia y brindarnos su confianza día tras día, mes tras mes, edición tras edición y año tras año, en todos los proyectos que se desprenden de nuestra WARP. Estas 50 son nuestro regalo y parte esencial de nuestro festejo. La selección que aparece aquí, por vez primera, la disfrutarán los asistentes a nuestro festejo #WARP6 el 12 de octubre, en Auditorio BlackBerry, Ciudad de México (Tribes, My Morning Jacket, Diplo e invitado sorpresa), para luego hacer una gira por diversos lugares, como universidades y centros culturales con la exposición. Disfruten. - Alejandro Franco

02 DOS

Photoshoot de portada WARP MAGAZINE No. 1, 2007 / Foto: Napole贸n Habeica

TRES

Iggy Pop & The Stooges, Corona Music Fest 2007 / Foto: Julio Pineda

CUATRO

Amy Winehouse, Glastonbury 2008 / Foto: Alejandro Franco

064

Corona Capital 2012

05 CINCO

The Hives, photoshoot para WARP MAGAZINE No. 13, 2008 / Foto: Julio Pineda y Jaime Fernรกndez

06 SEIS

Jay-Z, Glastonbury 2008 / Foto: Alejandro Franco

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07 SIETE

Kings Of Leon, Glastonbury 2008 / Foto: Alejandro Franco

066

08 OCHO

09 NUEVE

Juliette Lewis, SXSW 2009 / Foto: Julio Mu単oz

Gogol Bordello, Coachella 2009 / Foto: Julio Pineda

10 DIEZ

The Dead Weather, photoshoot de portada WARP MAGAZINE No. 22, 2009 / Foto: Julio Mu単oz

067

11 ONCE

The Strokes, Glastonbury 2010 / Foto: Samantha L贸pez

12 DOCE

Snoop Dogg, Glastonbury 2010 / Foto: Samantha L贸pez

068

13 TRECE

Gorillaz, Glastonbury 2010 / Foto: Samantha L贸pez

069

14 CATORCE

Spoon, photoshoot de portada WARP MAGAZINE No. 33, 2010 / Foto: Rubén Márquez y Sergio Gálvez

15 QUINCE

Phoenix, Glastonbury 2010 / Foto: Samantha López

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16 DIECISEIS

Jay-Z & Kanye West, SXSW 2011 / Foto: Alejandro Franco

17 DIECISIETE

Foo Fighters, SXSW 2011 / Foto: Alejandro Franco

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18 DIECIOCHO

Bomba Estéreo, Lollapalooza Chile 2011 / Foto: Alejandro Franco

19 DIECINUEVE

Jane’s Addiction, Lollapalooza Chile 2011 / Foto: Alejandro Franco

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20 VEINTE

Tv On The Radio, México 2011 / Foto: Toni François

21 VEINTIUNO

Caifanes, Vive Latino 2011 / Foto: Rubén Márquez

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22 VEINTIDOS

Radiohead, Glastonbury 2011 / Foto: Sergio Gรกlvez

Corona Capital 2012

23 VEINTITRES

The Kills, Glastonbury 2011 / Foto: Sergio Gรกlvez

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U2, Glastonbury 2011 / Foto: Sergio Gรกlvez

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24 VEINTICUATRO

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25 VEINTICINCO

Glasvegas, Glastonbury 2011 / Foto: Diovanny Garfias

26 VEINTISEIS

Friendly Fires, photoshoot de portada WARP MAGAZINE No. 39, 2011 / Foto: Rubén Márquez y Sergio Gálvez

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27 VEINTISIETE

Muse, Lollapalooza 2011 / Foto: Alejandro Franco

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28 VEINTIOCHO

Portishead, Corona Capital 2011 / Foto: Sergio Gรกlvez

Corona Capital 2012

VEINTINUEVE

My Morning Jacket, ACL 2011 / Foto: Paco Sierra

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30 TREINTA

Noel Gallagher, photoshoot de portada WARP MAGAZINE No. 41, 2011 / Foto: Samuel Kirszenbaum

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TREINTAYUNO

Ladytron, photoshoot para WARP MAGAZINE No. 42, 2011 / Foto: Rubén Márquez y Sergio Gálvez

085

32 TREINTAYDOS

Javiera Mena, photoshoot para WARP MAGAZINE No. 42, 2011 Foto: Sergio Orospe y Luis Tierrasnegras (Luciérnaga)

33 TREINTAYTRES

Metronomy, photoshoot para WARP MAGAZINE No. 43, 2011 / Foto: Rubén Márquez

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TREINTAYCUATRO

Peter Murphy, Festival 72810, 2012 / Foto: Sergio Gรกlvez

TREINTAYCINCO

Corona Capital 2012

Sleigh Bells, SXSW 2012 / Foto: Alejandro Franco

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36 TREINTAYSEIS

Kinky, photoshoot de portada WARP MAGAZINE No. 45, 2012

TREINTAYSIETE Café Tacvba, Vive Latino 2012 / Foto: Sergio Gálvez

Foto: Rubén Márquez y Sergio Gálvez

38 TREINTAYOCHO

Pulp , Coachella 2012 / Foto: Alejandro Franco

TREINTAYNUEVE

James, Coachella 2012 / Foto: Alejandro Franco

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40 CUARENTA

At The Drive-In, Coachella 2012 / Foto: Alejandro Franco

Corona Capital 2012

CUARENTAYUNO

Florence + The Machine, Coachella 2012 / Foto: Alejandro Franco

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CUARENTAYDOS

Corona Capital 2012

Francisca Valenzuela, photoshoot para WARP MAGAZINE No. 46, 2012 / Foto: Fernando Velasco y Luis Tierrasnegras (LuciĂŠrnaga)

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CUARENTAYTRES Kasabian, Coachella 2012 / Foto: Alejandro Franco

CUARENTAYCUATRO

Roger Waters, Foro Sol, 2012 / Foto: Sergio Gรกlvez

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CUARENTAYCINCO Beirut, Primavera Sound 2012 / Foto: Daniel Burgos

CUARENTAYSIETE

CUARENTAYSEIS

Lana del Rey, Sónar 2012 / Foto: Daniel Burgos

James Blake, photoshoot para WARP MAGAZINE No. 48, 2012 / Foto: Rubén Márquez

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Corona Capital 2012

CUARENTAYOCHO

New Order, BenicĂ ssim 2012 / Foto: Alejandro Franco

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Corona Capital 2012

CUARENTAYNUEVE

The Black Keys, Lollapalooza 2012 / Foto: Sergio Gรกlvez

Corona Capital 2012

CINCUENTA

Franz Ferdinand, Lollapalooza 2012 / Foto: Sergio Gรกlvez

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P98. TECHNOLOGIC. Jordan Rudess P99. LUST IN THE MOVIES. Tour de cine Francés P100. FASHION NUGGET. Memorias de otoño P102. ART BRUT. Rosendaal P105. GAMEBOX. OnLive

WARP TV

Jongetje Bos

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technologic WARP TV

El arte de crear instrumentos digitales Por: Alejandro Escobedo / Foto: Cortesía JR

La plataforma de iOS es la opción que estaba allí con los avances. A la fecha, otras compañías están intentando ponerse al día con lo que Apple ha creado. Antes de que los dispositivos iOS salieran, los dispositivos multi-touch no eran para nada accesibles, así que la plataforma iOS fue un giro drástico en este sentido: ahora ves apps muy innovadoras de un dólar, de cinco dólares; algo realmente accesible que además se ha convertido en algo global.

ordan Rudess es una autoridad en lo que se refiere a la variedad de sonido; de hecho, hasta hace dos años, era mejor conocido como un prolífico y exitoso músico, experto en la técnica del teclado y los sintetizadores en todas sus variantes, siendo miembro de la legendaria banda Dream Theater. Últimamente, sin embargo, ha estado triunfando a través del desarrollo de aplicaciones especiales para la creación de música, específicamante apps para la plataforma iOS (iPhone/iPad). Su compañía, Wizdom Music, tiene la misión de ir más allá de los límites de la tecnología y crear herramientas de carácter creativo/expresivo para hacer música; tan es así, que usa sus apps MorphWiz y SampleWiz en conciertos en vivo. En este contexto, Jordan platica con WARP MAGAZINE acerca de la experiencia de involucrarse en el desarrollo de apps musicales y lo que esto significa para la evolución de la música y de los mismos dispositivos. Has estado trabajando en muchas apps de música en estos últimos dos años. ¿Qué te llevó a desarrollar apps? ¿Ya tenías experiencia? Me empecé a interesar en el mundo de las apps la primera vez que vi el iPhone: de inmediato supe que había muchas posibilidades, sobre todo creativas; y me di cuenta muy rápidamente, así que comencé a involucrarme con varias compañías que estaban haciendo cosas interesantes con música. En ese camino, vi un programa hecho por Kevin Chartier; y le escribí porque pensé que había muchas posibilidades; esto nos llevó a asociarnos para hacer apps juntos. ¿Por qué elegiste la plataforma iOS habiendo otras opciones para sacar tus apps?

Pero hay límites en lo que puedes hacer con la tecnología actual de iOS… ¿A dónde querrías expandirte para crear estos instrumentos? Nos hemos expandido fuera de iOS; por ejemplo, hicimos una app llamada MorphWiz Play, para la plataforma de Android; y a la de BlackBerry le creamos Tachyon, que también sirve para computadora. Pero no nos estamos limitando a este tipo de dispositivos. Lo que me encantaría ver es un dispositivo totalmente enfocado a la música, porque aunque el iPad es maravilloso, sería genial un dispositivo similar, pero hecho con la idea de la creación de música en mente. Lo que estamos haciendo en este momento es forzar estos dispositivos para que hagan cosas musicales y, al final, es una simulación de un instrumento que no es real, no tienen la idea de un toque musical creativo desde el principio. Últimamente hemos hablado mucho sobre desarrollar dispositivos especialmente para la música. Hay métodos para crear música, pero supongo que debe ser algo diferente inventar el instrumento que la va a producir… ¿Cuál es tu inspiración para crear algo que, a su vez, creará música? Siempre he amado el sonido como tal y lo que recuerdo que me metió en este mundo del sonido fue tocar en un sintetizador Moog. Recuerdo que, cuando era estudiante de música clásica, en Juilliard, en la ciudad de Nueva York, un amigo trajo a mi casa un sintetizador para probarlo y, desde que lo prendimos y escuché lo que podía hacer, supe que mi vida cambiaría. Así que esa es mi inspiración: me fascina poder crear diferentes maneras de transformar un sonido, utilizando tecnología. Luego descubrí los dispositivos iPhone, iPod, BlackBerry y tablets, y fueron otra manera de darle forma al sonido.

›› Alejandro Escobedo es Ingeniero en Sistemas y TI especializado en desarrollo web. Puedes leer su artículo Nexus Q en WARP #49.

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lust in the movies WARP TV

16º Tour de cine francés à Travers le Film Por: Karina Luvián

La Guerre Est Déclarée

a producción de cine alrededor del mundo alcanza cifras de más de cuatro dígitos, con películas de todos los géneros, de todas las temáticas y de todos los presupuestos. Y si bien aquellas creadas en mercados como el estadounidense acaparan millones de salas en diferentes países, desde hace más de una década México tiene la fortuna —y el placer— de gozar, año con año, de una selección especial a través del Tour de Cine Francés. La distribuidora Nueva Era Films es una de las empresas que han impulsado este importante evento, que en su 16ª edición espera romper el récord de 201 mil asistentes que consiguió en 2011. Para Leopoldo Jiménez, su director general, el incremento en la captación de audiencia es un claro reflejo de la madurez del festival, el cual llegará este año a un total de 60 ciudades y más de 110 pantallas en todo el país. Conseguir esto no ha sido fácil y al tratar de entender los factores involucrados, Jiménez señala: “Es complicado competir con las grandes producciones, pero lo que estamos tratando de hacer es llegar a nuevos públicos, captar su atención y que se atrevan a ver un cine diferente; porque sabemos que si lo hacen, si acuden a ver alguna de nuestras películas, regresarán a ver la segunda, la tercera y la cuarta… Y no sólo las francesas, sino también las mexicanas, las alemanas y las que vengan”. A partir del 06 de septiembre, un total de siete cintas han sido proyectadas en México y, por tercer año, en Centroamérica, mismas que incluyen La Guerre Est Déclarée, de Valérie

Donzelli; De Rouille Et D’os, de Jacques Audiard, y Trois Mondes, de Catherine Corsini, todas estas precedidas por 19 cortometrajes producidos por el Instituto Mexicano de Cinematografía. Trabajos como Bajo El Sol, de Arcadi Palerm; El Último Consejo, de Itandehui Jansen, y Un Ojo, de Lorenza Manrique, han circulado por Aguascalientes, Guadalajara, Puebla, Cuernavaca y Ciudad de México, por mencionar sólo algunas, y todavía llegarán a ciudades como Manzanillo, Torreón, Oaxaca, Morelia, Mexicali, Cozumel y Salamanca, siendo agregadas nueve ciudades más respecto al año anterior. La selección que compone la 16ª Edición del Tour de Cine Francés es minuciosa, detenida, teniendo en cuenta que Francia produce más de 200 películas al año. Lo que intentan, de acuerdo con Leopoldo Jiménez, es “resumir toda la gama de producciones, encapsulando una variedad de géneros y de directores que no hayan participado, junto a aquellos que ya son ‘consentidos’ del tour, como Jacques Audiard o Catherine Corsini, para lograr ese balance de lo nuevo con actores reconocidos, y también un poco del sector comercial y películas que nos hablen como espectadores”. Conocer cine no sólo significa ver muchas películas; implica abrirse a nuevos contenidos, a nuevos conceptos, a narrativas diferentes de procedencias distintas. Por ello, existen ventanas tan amplias como la ya entrañable Tour de Cine Francés. Para más información sobre la calendarización de ciudades y fechas, visiten www.tourdecinefrances.net 099

Corona Capital 2012

Technicolor Fabrics Memorias de otoño — Ropa: Original Penguin / @penguinmx Fotografía: Fernando Velasco para LUCIÉRNAGA y WARP Asistente: Carmen Díaz Coordinación de Moda: Paco Sierra Maquillaje: E-Lee Pe Se

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fashion nugget WARP TV

*Agradecemos a Jules Basement por las facilidades otorgadas para la realizaci贸n de esta sesi贸n.

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art brut WARP TV

Meisje Eekhoorn

Rozendaal I’m going hunting Por: Chëla Olea

l trabajo de Isabella Rozendaal puede llamarse, de primera mano, explosivo, nostálgico, incluso trágico. El objetivo de esta artista es explorar las sensaciones en su más puro y orgánico estado: la reacción instantánea. Se dedica principalmente a hacer fotografía documental y tiene múltiples publicaciones desde que se graduó de la Real Academia de las Artes, en 2007. Sus libros examinan los fenómenos de la cultura en su más amplio alcance y, aunque su trabajo puede ser visto como descarado y directo, siempre trata de contar una historia matizada desde muchas perspectivas. Entre las cosas de las que habló para WARP MAGAZINE, cuenta que tiene una pasión ardiente por los animales, los viajes, la comida, la cultura americana y, sobretodo, por la música country. ¿Quién es Isabella? En pocas palabras —confesando que es una pregunta difícil—, 102

soy una fotógrafa documental de Holanda. Estudio literatura y lengua inglesa… ¡Ah! ¡Y también toco el banjo! ¿Cuándo comienza tu carrera? Terminé la escuela de Artes hace cinco años y, a partir de ese momento, trabajo. Hago una combinación de foto comercial y editorial, lo cual me permite financiar mis proyectos artísticos. ¿Cuál es la mejor parte de ser fotógrafa? Podría decir que es la total libertad; al menos esa es mi parte favorita. Pero, por mucho, es la posibilidad —o el pretexto— de conocer gente con la que probablemente nunca tendré nada en común y de poder ver lo que hay dentro de sus vidas. Cuéntanos acerca de tu última exhibición, Isabella Hunts… Es un proyecto de foto documental sobre la cultura de la caza. Visité varios países y aprendí mucho comparando

art brut WARP TV

Hond Me Hass Crop

Krokodil Touw

tradiciones. El proyecto no trata sobre la agresión a los animales, pero sí sobre el estilo de vida y los rituales de los cazadores. En mi búsqueda, traté de encontrar imágenes que fueran casi abstractas; tanto, que parecen armadas, sobrepuestas para contar la historia de una manera no tan obvia. Y este enfoque ha cambiado mi vida por completo: me he vuelto una gran admiradora de la caza. Ingresé a la universidad para convertirme en escritora y aprender cómo hacer investigación sólo para poder entender el trasfondo de este fenómeno. ¿Cómo es tu proceso creativo? Es muy simple: de pronto quedo fascinada por algo que sucede en el mundo, cualquier cosa, como la palabra “hunting”. Y de ahí procedo a hacer todo un objeto tan vasto como sea posible; las imágenes, a esas alturas, son

Muflon Dood Sneeuw

constituidas por sí mismas. Gran parte del trabajo implica encontrar a la gente y los lugares adecuados; pero una vez estando allí, simplemente oprimo el botón. Un problema es que los proyectos pueden tornarse más grandes e intensos, lo cual me lleva a hacer libros; y es que un libro es mi medio favorito: me encanta su manera particular de contar una historia. ¿Cuál sería tu consejo para los jóvenes artistas? “Just do it”, como el slogan de Nike; y aunque sé que es trillado, funciona para mí. Diría que hay que lanzarse a hacer arte para ver si realmente amas el proceso creativo; y es que ni el status, ni la vida social importan, porque eso no se dará si realmente no logras algo que amas. Debes hacerlo sólo porque amas el proceso, nada más. En conclusión, debemos buscar divertirnos y trabajar muy duro.

›› Chëla Olea es Editora de Arte y Moda de WARP MAGAZINE, así como de las secciones Art Brut y Fashion Nugget de WARPtv.

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gamebox WARP TV

OnLive La utopía de la nube Por: Roberto Vizzuett

nLive es una compañía fundada en 2003, en San Francisco (actualmente en Palo Alto, California), que se dedica a proporcionar videojuegos en La Nube. Dadas las características del servicio, en teoría cualquier computadora es capaz de soportar lo último en videojuegos (que de una manera tradicional necesitaría de lo último en hardware), ya que los juegos son rendereados en los servidores de OnLive, con lo cual se proporciona una calidad similar a la de una consola en cualquier tipo de computadora. En 2009 el servicio obtuvo muy buenas críticas de la prensa especializada, llevando a algunos a anunciar el fin de la era de las consolas de videojuegos. Dando un salto a mediados de agosto de 2012, OnLive se vio envuelta en una serie de rumores que indicaban que estaba en bancarrota, mismos que la compañía inicialmente negó, aunque horas después confirmaría que dejó ir a todo su staff y que la mitad de éste sería recontratado en una compañía que se formaría gracias a la compra realizada por el grupo Lauder Partners. Pero, ¿qué llevó a esta empresa pionera en el servicio de videojuegos bajo demanda a casi desaparecer? Simplemente fallar en asegurar un portafolio con la mayoría de los principales títulos en el mercado, los altos costos de los servidores y una muy pequeña base de usuarios activos. De acuerdo a diversos empleados que hablaron bajo el anonimato, los costos operativos de la empresa se encontraban alrededor de los cinco millones de dólares al mes; las mismas fuentes indicaban

que, a pesar de que OnLive habla oficialmente de una base de dos millones de usuarios —de los cuales 1.5 millones son activos—, la cantidad real de usuarios activos apenas llegaba a unos mil 600, además de que gran parte de los servidores contratados no eran ocupados. Todo esto habla de que, aunque la tendencia es que los usuarios tengan todo en La Nube, todavía no es algo que atraiga totalmente a los gamers dedicados y, a diferencia de mercados como el de la música, en que los archivos no requieren un gran ancho de banda, servicios como OnLive requieren una conexión recomendada de 5Mb y, como mínimo, una de 2Mb, siendo las conexiones de 10Mb para arriba las ideales. Además, los títulos en OnLive quedan en una calidad por debajo de lo que un usuario obtiene usando una copia física del juego en su computadora y sin tener que estar siempre conectado a Internet. OnLive tenía aparentemente todo para ser un éxito; las hordas de clientes, lamentablemente, nunca llegaron. Y aunque la nueva OnLive asegura a los usuarios que no notarán interrupción alguna en el servicio, el futuro luce algo incierto. Por otro lado, Sony, un mes antes, adquirió Gaikai, la competencia directa de OnLive, y contrató a su ahora ex-CEO, Steve Perlman, a quien nunca vio con buenos ojos. Así que quizá los videojuegos bajo demanda en línea serán, después de todo, parte de la próxima generación de consolas caseras. 105

Entretenimiento alternativo en tiempo real

Con Paco Sierra Lunes 8:00 pm

Con Alejandro Franco y Lalo Montes Martes 8:00 pm

Con Diovanny Garfias y Giorgio Brindesi Jueves 8:00

warp.la/warptv livestream/warpla

warp.la l @laGUARP

THE

VACCINES

GUARP

The Vaccines This is what we expect from The Vaccines By Elsa Núñez Cebada / Translation by Jorge Rodríguez

I listened to the new album by The Vaccines before doing this interview and frankly I was a little afraid. The reason is a bit silly: I was afraid they’d suffer the “second album syndrome”, or in other words, that they wouldn’t give themselves the opportunity to explore other genres or experiment with another sound. Fortunately, this wasn’t the case, Come of Age is an album that did not get stuck in the post-punk sound that we heard in What Did Yo Expect from The Vaccines?. And so better understand the sound behind this record, I had the opportunity to speak in the name of WARP Magazine with Pete Robertson, the drummer of the band, who took my call from the comfort of his house in London. 108

GUARP

The launch of your new record is approaching, what are you doing while this happens? Right now I’m in my house after being absent for a long time. We just got done with a tour through Europe in which we opened for the Red Hot Chili Peppers, it was amazing. Before traveling to America with the new record, we will do a few more shows in Europe and Asia.

Not quite, we didn’t really think about that because we just like making music. Justin (Young) is always writing songs, he did some when we were on the tour of our first record. But there was a moment, I think around Christmas, when he wrote a lot more. During the rehearsals of those songs we knew we were ready, we wanted to put the record out there and I think the fans also wanted it. In reality it is all quite simple.

What Did You Expect From The Vaccines?, your first production, was a huge success. How did you feel at that moment and what do you think will happen with its successor, are you nervous? The first album did much better than we expected, it was sort of an escape with what we were doing at the time. It helped us come to terms with all the reasons that made us dedicate ourselves to music.

How exciting was it for you to work with Ethan Johns (who has done albums with Kings of Leon, The Boxer Rebellion and Ryan Adams)? How useful was it to have this figure around the creative process and why did you decide to record it in Belgium? Ethan plays a very important part in this record, I think he gave us a lot of impulse from the beginning of the recording process. He pushed us to be more open and honest about our music and its sound, without him all of this would have been different. I think in the first album you can notice our lack of experience: we didn’t know a lot of things, there are no big studio effects... comparing it with Come of Age it’s more impersonal.

What Did You Expect... we connected with a lot of people, and that was really surprising. We kept writing songs and that made us feel well. In this new record the circumstances changed. I’m very proud of the first record but I think the second one is better, it allowed us to improve and express ourselves just as we are, we managed to have a lot more variety with what we did and I think now we feel like better musicians. With the first album we only wanted to do great songs, but this one is different because not only do we believe that the songs are good, but we also feel a lot more confident. Did this confidence change the way in which you perceive your sound and your audience? I think we met people very different from the people we knew 18 months ago, and yes, perhaps our perception of our music has changed a little but I think we’re still true to our instincts and thoughts. I think we’ve been quite honest with people regarding our music because we enjoy it, and that’s very important for us. During the creative process of Come of Age we continued trying to be ourselves. I think if you try to sculpt your sound, you get in a complicated position because you really start thinking about your music and about what people would and wouldn’t like, then you start losing your identity and you stop expressing yourself as you really are. We now have a clear picture of what we like in our music, what we are and what we’re trying to say. Is it difficult to start planning a new record, coming from a very successful past one?

I think that is one of the reasons why we decided to work with him, because he is captured in all of his records. We wanted to have that quality. I listened to “Come of Age” and I liked it much more than your first record, I think it’s more melodical. What would you want to accomplish with its successor? That’s precisely what we want it to happen with this record, that people like it more than the previous one, that was our goal. We invested a lot of hours, days, and weeks into it and it makes us feel proud. In my opinion, it’s an honest record that is better than the first because there’s more variety in it and it has a lot more to offer. I totally agree with you, I also liked it a lot. You are coming to Mexico to the Corona Capital, a festival that has been growing and creating a lot of expectation recently, what do you know about Mexico and its audience? We try to have a great time at each place that we visit. In the english band circuit, the first thing you’re told is that you have to go to Scotland because people over there go crazy in concerts, and when we went there it happened. Then they told us we had to go to Taiwan or Japan, and the same thing happened. Recently we were in Brazil and the people is amazing, or at least so we thought until someone told us “wait until you go to Mexico” [laughs]. A lot of friend musicians speak wonders about Mexico and they have told us that they’ve had the best concerts of their career there because the people is unbelievable. 109

GUARP

León Larregui Magic music box

By Diovanny Garfias / Translation by Jorge Rodríguez

It isn’t uncommon for a captain to seek new waters to navigate, after discovering that his crew and his ship are going in the right direction. There are many examples of this in the music world, but the one that has grabbed our attention recently is a very particular case. León Larregui, the leader of that popular project known as Zoé, abandoned briefly the most successful national band of the decade, to free his imagination, creativity and his infinite curiosity. That’s how Solstis was born, it’s the showcase where the musician displays –in his own words– a “philosophical and mature” moment. WARP MAGAZINE had the opportunity to talk with León before he starts a mini-tour that will take him to audiences like that of the Corona Capital festival. The first and most obvious question is, why did you decide to do a solo record? It had been on my mind for a long time, but the opportunity hadn’t presented itself and it would have been a bit illogical and contradictory with everything that was going on with Zoé. It was until now that the Unplugged tour ended and the heavy load of work from last year, that I decided to get to do this instead of taking a break, and this seemed like a good idea to the band and the whole management team. WM: Why did you decide to go to France to record it and why did you choose Adanowsky as a producer? Just a few days after receiving approval from the label, I still had no idea who would be the right producer for the record, and for some reason or another I ended up meeting with Adán, who also happens to be my neighbor. I told him about the project, we met at his house, he showed me his new record and I really liked the sound quality that it had, it sounded like something from the seventies. He explained to me how and with who he recorded it, and right there I proposed that he produced my record. Adanowsky accepted the offer and immediately he contacted the musicians with whom I worked in France, as well as with the co-producer Rob (a frequent collaborator of Phoenix). It all came about to be very fluent and a month later we were in Paris, recording. From the start I knew that I wanted a very flexible concept for this record, but also very romantic. I wanted to focus on sounds from the romantic pop of the past, like José José and Serge Gainsbourg, and it turned out that Adán was an expert and a passionate fan of Serge’s music. I thought this was a signal that I should definitely take that route. WM: You speak about this retro influence, and about your curiosity to do something mellow, where did all of this originate from? I grew up listening to all that romantic seventies music. It also came about from an important love story that I went through last 110

year. All of this made me decide to make that romantic record and to look for those roots in me. I never thought about competing with my band, I never thought of doing something that sounded like Zoé. That would be counter-productive, from the start the goal was to find a way to express myself and give life to these songs, that possibly would not be appropriate for a Zoé record. WM: Do you think that this whole experience might be reflected in Zoé’s next record? Evidently, Zoé’s Unplugged was an experience that was very rewarding for all the people involved in the band. This solo experiment is part of a process to evolve as musicians, together or separate. One thing that I made clear in a meeting with the band was that no matter what happens, if the solo record does well or not, the León that would emerge from this experience would be better and positive for Zoé. WM: Would you like to be involved at some point in the technical side of music, whether it is with Zoé or with another band that requests your services as a producer? I don’t think I’m a good producer, my strength resides in songwriting [laughs]. Honestly, I would rather trust this job to other people, I’m better at the act of conceptualizing and imagining. WM: You’ll have a small tour promoting Solstis, including your participation at the Corona Capital festival. Yes, I’m preparing a few dates and the Corona Capital one just for the pleasure of doing it. I don’t have much plans or ambitions, I just want to sound on people’s “soundtracks”, but I think doing a tour and having more presentations would start to affect Zoé. We’re going to start preparing our new record in January, and a new tour, so I don’t have a lot of time to dedicate to this project. I’m not saying I won’t do another solo record, that could work as an alternative and an escape, but my band is definitely Zoé. WM: In this hypothetical second record, would you look for it to be focused in another different genre, perhaps more experimental? Yes, I think this is as far as the romantic vein goes for me [laughs]. As I grow older, I start thinking differently of the concept of composing, of doing “rocker” songs and for the radio. I’ve started to frequently think of doing songs that are more classical, my goal as a composer –and it might sound a little pretentious–, is aimed at making songs that transcend my death, perhaps songs that could be played with a mariachi.

Outside Lands 2012

By Paco Sierra / Translation by Jorge Rodríguez

WARP MAGAZINE had the opportunity to cover this year’s Outside Lands festival, which celebrated its fifth edition in San Francisco this past 10 through 12 of August, concentrating the whole essence of the city into the Golden Gate Park, a dreamy natural stage surrounded by trees and that coupled with the weather, made up for a perfect weekend of outdoor music. Day One The first set of the day was Fitz and The Tantrums in the main stage, called Land’s End (Polo Field). The band was well received and was then succeeded by the awaited performance of Beck, whose hit songs like ‘Black Tambourine’, ‘Devil’s Haircut’ and ‘Loser’ made up for the first set at full capacity of the afternoon. Of Monsters and Men would then take the stage, but the memorable set of the afternoon was without a doubt that of the Foo Fighters, who made us scream from start to finish and provided a few surprises for the audience like ‘New Way Home’ and ‘Aurora’. As if that wasn’t enough, Neil Young & Crazy Horse would then make us reach the limit with a set that took our breath away through classics like the 10-minute extended version of “Love and Only Love”, among a few others that wonderfully closed the night like ‘Walk Like a Giant’, ‘Cinnamon Girl’ and ‘Mr. Soul’. Day Two The second day of the festival was a lot more demanding, with more attendance, more cold weather and even more bands to see. The day started around 2 PM when we reached the Land’s End stage to catch Tame Impala and their characteristic psychedelia. Around 3:20 PM we headed towards the Sutro Stage for the Alabama Shakes set, a band that had an unprecedented attendance for the stage and that made it clear that they are the band of the year with their debut album Boys & Girls. Later in the evening, while Michael Kiwanuka showed off his project in one end of the park, the Land’s End stage received The Kills on the other side of it. Around the same time

on the Sutro Stage, Norah Jones surprised us with a surprise guest visit of Bob Weir from the Grateful Dead to perform ‘It Must Have Been The Roses’ together. The day went on and a dance party broke out at the Twin Peaks stage to the rhythm of Passion Pit, which left a festive ambience that would soon turn mellow with the performance of icelandics Sigur Rós, whose performance worked out as a much needed break before the performance of Metallica, which would then turn out to be one of the highlights of the festival, pyrotechnics included. Day Three The third and last day of Outside Lands 2012 was as captivating as the previous two, with more than 65,000 daily attendants. Franz Ferdinand was the band in charge of receiving us at the main stage, with a set full of hits like ‘Take Me Out’, ‘Do You Want To’, and their cover of Donna Summer’s ‘I Feel Love’. Minutes later we would head towards the Sutro Stage to catch the City & Colour set, and later on, back to the main stage for Regina Spector. Her set would then be succeeded by one of the most important musicians of recent years: Jack White, who dressed all in black and joined by an all-male band (The Buzzards), brought out songs from all of his numerous projects, concluding with The White Stripes’ ‘Seven Nation Army’. To close out an event of the magnitude of Outside Lands, there’s no one better than Stevie Wonder, a legend in pop music that for close to two hours had a smile on his face while performing songs like ‘How Sweet It Is’ of Marvin Gaye and ‘The Way You Make Me Feel’ of Michael Jackson, followed by some of his own classics like ‘Sir Duke’, ‘My Cherie Amour’ and ‘Superstition’. He would then close his set with a few more covers: ‘She Loves You’ of The Beatles and ‘My Girl’ of The Temptations. The generational gap and the clash of different music genres is a luxury that few festivals can claim to have, and that we were privileged enough to be a part of for a full three days at the Golden Gate Park of San Francisco. Certainly, a grand fifth edition of the Outside Lands festival. Until next year! 111

50 ON OUR FOREHEADS

Flea (Red Hot Chili Peppers) Lollapalooza 2012, Chicago, IL Pic by Sergio Gรกlvez for WARP

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