WARP Magazine 51: The Dream Doesn't Die by WARP MAGAZINE

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editorial

SOBRE LA FELICIDAD DEL VACÍO O DE LA TRISTEZA QUE NOS ALEGRA Por: Julián Woodside / Foto: Rob Sheridan

Saudade: “bem que se padece y mal que se gosta” (Saudade: “bien que se padece y mal que se disfruta”) -Manuel de Melo

n la vida no se puede negar que hay cierto disfrute de la depresión, de la soledad, de la tristeza; formas comunes que tenemos de vivir la catarsis de una ruptura, de un abandono, una pérdida. Lo gozamos, ya que en el fondo tenemos la esperanza de que habrá un futuro mejor, pero también nos damos la oportunidad de saborear ese momento de hundimiento. Ese sentimiento, en apariencia contradictorio, es lo que los portugueses definen como “saudade”, y es lo que nos mueve a cantar por la tristeza o a llorar por la felicidad para, como diría Trent Reznor, “ver si todavía sentimos” como parte del proceso catártico. La saudade es un sentimiento que todos conocemos pero que nos cuesta trabajo definir. No consiste en mantener apariencias (como el personaje del payaso de Leoncavallo, cuyo maquillaje lo muestra sonriendo mientras por dentro se encuentra destrozado), al contrario, es abrazar ese sentimiento de tristeza hasta llegar a la tranquilidad, saber que la vida sigue y que nuestro sueño por sentir el amor no ha muerto, sólo está en pausa. Ese es el poder que tiene la música, o al menos cierto tipo de música: la facilidad de decir muchas cosas a la vez, de generar muchos sentimientos al mismo tiempo. Podemos escuchar una base musical alegre mientras le acompaña una voz nostálgica, o una letra en apariencia feliz, mientras la música nos lleva por los lugares más introspectivos (como ocurre con canciones como ‘Disco 2000’ de Pulp 004

o ‘Perfect Day’ de Lou Reed). La música no engaña ni miente, simplemente retrata la complejidad de nuestros sentimientos de una forma mucho más fiel. Es así que nos recuerda que las pasiones van más allá de las palabras, surgen de las tripas y las canalizamos bailando, gritando, cantando, llorando. Es por lo anterior que asocio el sentimiento de saudade con este número de WARP, ya que en el interior encontraremos información de artistas como Hello Seahorse!, The XX, The Killers, Stars y Paul Banks, músicos que juegan con ese contraste de significaciones entre la ternura, la caricia sonora, el cobijo y la diversión, a la vez que las letras y las voces calan en los lugares más íntimos e introspectivos. Cada uno de estos artistas nos lleva por recorridos musicales diversos, algunos electrónicos, otros más roqueros e incluso unos más bailables, pero siempre con ese dejo contradictorio de alegría/tristeza que nos recuerda que la vida no se detiene, y que encontraremos la felicidad en otro momento. En fin, podría profundizar en el estilo de cada uno de estos músicos, pero creo importante el darnos la oportunidad de escucharlos y entender la complejidad de los sentimientos que nos transmiten; entender que su música funciona como “novocaína para el alma”, como dirían Eels, no para que olvidemos o anestesiemos el dolor, sino para sentir ese placer de la relajación y pedir una mayor dosis musical.

silencio por favor

Depeche Mode Por: Diovanny Garfias / Fotos: Cortesía DM

urante el receso con Depeche Mode, Martin Gore y Dave Gahan aprovecharon para dar vida a otros proyectos. Por un lado, Gore se reunió con Vince Clarke para formar la dupla techno VCMG, y Gahan hizo equipo con Soulsavers para lanzar The Light The Dead See (2012); sin embargo, los músicos ya se encuentran en el estudio de nueva cuenta, dando forma al que será el álbum número 13 de DM, el sucesor de Sounds Of The Universe (2009). Esta placa contará con la producción de Ben Hillier, el encargado de sus dos últimos álbumes, y el apoyo de Gore en el mismo rubro, además se espera que pueda contar con la participación de Clarke y Alan Wilder. La placa, aún sin título, verá la luz en abril de 2013.

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“SIMPLEMENTE PORQUE ES OTRO DISCO ELECTRÓNICO NO SIGNIFICA QUE NO DEBE TENER ALGO DE EXTREMO… ESO ES LO EMOCIONANTE DE UN DISCO DE DEPECHE. DEFINITIVAMENTE VAMOS POR AHÍ, TENEMOS UNA INFLUENCIA MUCHO MÁS BLUESY EN ÉL Y ESTAMOS TRATANDO DE RETENERLA EN LA GRABACIÓN…” -DAVE GAHAN

the main review REVIEWS

El Objeto Antes Llamado Disco Café Tacvba / Universal Music México / 2012

8.0

Calificación

ablar de Café Tacvba es hablar de un ícono cultural para varias generaciones de melómanos latinos, de un ídolo de multitudes que, hoy por hoy, no sólo se mantiene con el título de “la banda de rock en español por excelencia”, también como una leyenda viviente cuyo trabajo sigue y seguirá inspirando a creativos sonoros. Dicho lo anterior, hablemos de su séptima producción de estudio, una placa que llega para suceder a Sino (2007), el disco que colocó a los tacvbos en pedestales construidos por la crítica internacional, pero que parecía haberlos alejado de sus fans. El sonido logrado en aquella ocasión por el cuarteto y Gustavo Santaolalla parecía cumplir con todos los estándares esenciales de Café Tacvba; sin embargo, carecía de la innovación característica de cada uno de sus trabajos, como si hubiera nacido, simplemente, porque ya era tiempo de que la banda pródiga de Ciudad Satélite lanzara nuevo material. Hoy, tenemos que reconocer primero la manera tan especial en que El Objeto Antes Llamado Disco fue grabado, a través de sesiones con público, de las cuales nació la placa en cuestión; no es de extrañar que estos elementos orgánicos salten de manera explícita y se presenten a lo largo de todo el disco, dotándolo de alma y corazón. Sin embargo, llama la atención

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el regreso de la banda a sonoridades electrónicas de avanzada -ésas que hicieron de Cuatro Caminos (2003) un trabajo tan especial-, no porque las hayan olvidado, sino porque en esta oportunidad las exprimen y las hacen funcionar de la mejor manera posible, sin forzar nada; éstas vendrían a ser la coraza del ser sonoro que nos ocupa. ‘Pájaros’ es un gran ejemplo de lo anterior, de cómo es que la banda autora de himnos como ‘El Baile y El Salón’ o ‘La Ingrata’ suena en 2012, conservando su personalidad, siendo coherentes con su trayectoria de más de 20 años, pero sin miedo a experimentar, de salir de sus sitios de confort -si acaso la banda los tiene-. Mientras tanto, otros temas como ‘Yo Busco’ o ‘De Este Lado Del Camino’ nos ponen, una vez más, delante del proyecto que conecta con las grandes audiencias y causa conmoción en cualquier escenario en que se pare. Al final, un track como ‘Volcán’ -que cierra el disco- es una invitación manifiesta a seguir a Café Tacvba, su carrera, su música y su historia, pues ahora, más que nunca, la banda grita que su trabajo ha llegado a un punto en el que jamás dejará de evolucionar. -Diovanny Garfias

REVIEWS

7.4

Calificación

7.2

Calificación

Expansión

Call The Time Eternity

I Can Chase Dragons! / Arts & Crafts México / 2012

Tweaker / Metropolis Records / 2012

De las manos de Julio Gudiño, vocalista de The Plastics Revolution, nos llega el disco debut de un nuevo proyecto llamado I Can Chase Dragons! De entrada, podemos decir que si este disco hubiera salido hace un par de años, cuando el chill wave estaba en su esplendor, hubiera sido una bomba sonora. Sonido lo-fi, sampleos, loops, letras inocentes y coros pop que navegan entre melodías festivas son los principales elementos que podemos encontrar a través de los ocho temas, más un bonus track y un remix que componen la placa. Y aunque el sonido del disco ya no es novedad en estos días, resulta admirable la fidelidad que Julio mantiene hacia su propuesta sonora, demostrando que esta corriente es la que mejor se le da, además siempre se agradece una producción de buena manufactura. -Alejandro Altamirano

Tras ocho años de ausencia, durante los cuales trabajó en el sonido de otros músicos -incluida la producción de dos discos para Marilyn Manson-, Chris Vrenna retoma Tweaker, su proyecto en solitario, lanzando su tercer álbum de estudio, Call The Time Eternity, y reafirmando por qué es un referente del sonido electro industrial. La placa integrada por 11 canciones es un viaje electrónico por caminos oscuros, a través de ritmos que van desde el drum n’ bass, pasando por brillantes arreglos de cuerda y sintetizadores melancólicos, pero ásperos. El disco cuenta con las colaboraciones de Jessicka Adams (Scarling), kaRIN (Collide) y Abhorrent Derelict; el resultado es un disco potente, emocional, abrasivo y denso, consecuencia de su madurez musical, lo que demuestra su evolución, sin olvidar su sonido primario. Un material que abre un nuevo sendero para muchas bandas. -Giorgio Brindesi

Blak and Blue

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7.9

Calificación

Gary Clark Jr. / Warner Bros. / 2012

Conocí a Gary Clark Jr. como se debe, a través de un texano, en Austin, hace un par de años. Aunque su carrera es más longeva y es héroe local desde principio de los 2000, la atención mediática que ha recibido por su debut en una gran disquera pareciera campaña de mercadotecnia, perfectamente planificada. A partir de ese Austin City Limits, su nombre ha sido una constante en festivales, así que resultó en una satisfactoria experiencia esperar este “Blak And Blue”. Es de celebrar que la aspiración de Clark Jr. no sea quedarse como un GRAN guitarrista, sino que experimenta como pocos con otros sonidos e instrumentos. Después de escuchar ‘Ain’t Messin ‘Round’ y ‘When My Train Pulls In’, el disco da claros indicios de que la guitarra fuerte y distorsionada será la guía, pero entonces llega ‘Blak And Blue’, pieza R&B que demuestra la versatilidad del músico. Es así que el álbum mantiene el equilibrio durante sus 13 tracks y más de una hora de música, producida por Mike Elizondo y Rob Cavallo; un disco que recorre gran parte de la música afroamericana de los últimos 50 años, incluido el auto-tune. -Paco Sierra

010

REVIEWS

Robobo

WAZU / Anti-Language Recordings / 2012

7.9

Al comienzo de este año conocimos a WAZU, dupla australiana cuyo sello particular era la fusión entre el pop y otras corrientes más oscuras como el darkwave, o incluso, el industrial. Ahora el proyecto dio el siguiente paso lógico, presentando al mundo su álbum debut, y vaya que ha valido la pena la espera. De entrada, su sonido mutó en algo aún más oscuro, con claras reminiscencias al Ministry de la década de los ochenta y otros actos siniestros de la época aunque, sorprendentemente, las pegajosas melodías pop siguen estando presentes, brillando más que nunca. El cuidado prestado a cada capa sónica es de admirar, pues en Robobo nada es producto de la casualidad; sin embargo, la detallada producción no resta importancia a la música y las letras que, básicamente, retratan una amplia gama de emociones humanas. Un disco esencial para los amantes de la electrónica. -Michelle Apple

Calificación

7.0

7.5

Calificación

012

7.2

Calificación

Control

Banks

Arunima

Candy / Discos Intolerancia / 2012

Paul Banks/ Arts & Crafts México / 2012

Hello Seahorse! /EMI México / 2012

Esta banda originaria del DF mezclaba el rock con algunos tintes de post punk y darkwave, no es de extrañar que hayan comenzado cantando en inglés, ganando atención en todo el país con su atrayente propuesta. Entre los interesados en su trabajo estuvo Joselo Rangel, de Café Tacvba, quien se encargó de producir algunos tracks de esta, su segunda producción. El resultado fue una obra compuesta en el lenguaje de Cervantes, titulada Control, que causa sentimientos encontrados. Quizá Candy esté experimentando el “síndrome del segundo disco”, en donde tiene que encontrar equilibrio entre dos álbumes, definir su sonido y exprimir todo su talento. Que no se malentienda, su trabajo es de excelente manufactura y se agradece una propuesta de voz diferente a las que estamos acostumbrados, como la de Valentina, pero está claro que el potencial de Candy da para mucho más. -Leonel Hernández

Esta placa conserva elementos de Julian Plenti y de Interpol, pero no intenta ser un retrato perfecto de Paul Banks, aunque lo muestra diferente; hay atmósferas oscuras, aunque también momentos en los que se siente más cálido. Mi parte favorita de este disco es ‘Arise, Awake’, que desde el inicio encanta con la suavidad de la guitarra y con el sonido de la voz, la cual nos envuelve en una atmósfera que parece salida de las décadas del sesenta o setenta, además, tiene un dejo de penumbra gracias a un arreglo de cuerdas que combina muy bien con el sampleo de una película. Banks no tiene el súper poder de voltearnos los calcetines al revés a la primera escucha, hay que darle tiempo y digerirlo para realmente agarrarle el gusto, no porque sea malo, sino porque las comparaciones con las otras facetas de Paul son inevitables. -Elsa Núñez Cebada

Desde ‘Buen Viaje’, corte abridor del disco, queda claro el camino en el que fluirán los siguientes 55 minutos, un recorrido sonoro en el que los sintetizadores cobran vital importancia y la voz de Lo Blondo deja de protagonizar, para así convertirse en un elemento crucial y representativo pero no el principal. La calidad de cada tema es innegable, hecho que hace sentir una alta maduración de la banda, tanto en su capacidad creativa como en ejecución. Y aunque las letras son de pérdida y añoranza, olvido y un ligero toque de esperanza -en ciertos casosla música es ágil, fuerte, rítmica y llena de energía; incluso en aquellas más tranquilas, todas poseen destellos que hacen que el álbum en conjunto resulte en un trabajo redondo, bien logrado, revestido además por un arte sencillo pero elegante; producto necesario en la discografía de este año. -Karina Luvián

hot hot hit

Alicia Lemke Por: Karina Luvián / Foto: Cortesía AL

Uniéndose a nombres como Bat For Lashes, Lykke Li e incluso Florence Welch encontramos a Alicia Lemke, artista originaria de Madison, Wisconsin, que con apenas dos EPs busca posicionarse y ganar el reconocimiento del que ahora gozan las referenciadas intérpretes. Compositora como medio de catarsis y cantante por amor a la música, ALICIA -como es mejor conocida en la escena- posee fuerza y talento, sensibilidad y transparencia, características necesarias para cualquiera que busque un espacio en el gusto del público. 014

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New Order Your Silent Face

Por: Diovanny Garfias / Foto: Cortesía NO

a leyenda de New Order se empezó a erigir cuando Gillian Gilbert, Peter Hook, Stephen Morris y Bernard Sumner escribieron un track llamado ‘Blue Monday’. Desde entonces, la banda que había dejado de ser Joy Division unos años antes se convirtió en un fenómeno que sorprendía a los adictos a la música en cada entrega. Después de que Waiting For The Sirens’ Call viera la luz en 2005, la banda se ha mantenido en un descanso creativo, mismo que ha significado la salida de Peter Hook de la alineación y el regreso de Gillian Gilbert a los sintetizadores; aún así, la banda se siente más viva que nuca, algo que quedó más que claro durante su actuación en el festival Corona Capital. WARP Magazine pudo platicar con Stephen Morris -fundador, baterista y programador- y Phil Cunningham -guitarrista y tecladista- momentos antes de que subieran al escenario, donde revelaron sus futuros planes en lo que a música concierne y más; aquí lo sucedido durante la conversación. Hola, qué gusto poder platicar con ustedes y, sobre todo, hacerlo aquí, en México. ¿Cómo se sienten al respecto, visitando nuestro país por primera vez? Stephen: Muy emocionado. Phill: Es excitante, desde que supimos la noticia estábamos ansiosos por venir, se percibe mucha energía por parte de la gente en el festival, así que veremos qué pasa. ¿Cómo se sienten tocando de nueva cuenta para grandes públicos después de un largo descanso? S: Ha sido grandioso, muchos de los conciertos que hemos ofrecido han sido muy buenos y, hasta cierto punto, inesperados. Hasta esta parte del año sólo teníamos planeados dos 016

conciertos, si el año pasado nos hubieron dicho que íbamos a tocar en México nos habríamos reído, no lo esperábamos. P: Después, esos dos conciertos se convirtieron como en 20 festivales. S: Y todo ha evolucionado de una manera extraordinaria, pero los mejores han sido en lugares donde nunca habíamos tocado, como en Chile, y fue fantástico, espero que pase lo mismo aquí en México. Creo que se van a llevar una gran sorpresa hoy por la noche… S: Espero que sea una muy linda sorpresa. P: De seguro lo será. Sabemos que están de vuelta en el estudio de grabación, trabajando en nuevo material, ¿podremos escuchar algo de éste antes de que acabe el año? S: Sí, posiblemente en Navidad haya algo, y luego empezaremos formalmente a trabajar en cosas nuevas… P: … No, no hemos tenido la oportunidad de trabajar en nada este año… S: … Bueno, la verdad es que nos hemos concentrado mucho en trabajar en el show en vivo, pero el siguiente año seguro escucharemos cosas nuevas. Haremos menos conciertos, también vamos a lanzar The Lost Sirens, que va a salir antes de Navidad, así que puede ser como el regalo ideal para esas fechas, al menos uno interesante. Stephen, tú eres conocido por ser de los más preocupados en cuanto al sonido de New Order. ¿Ya tienes alguna idea de la dirección del próximo álbum? S: Creo que probablemente será más electrónico, será más enfo-

cado a los sintetizadores y habrá muchos en la placa, seguramente los estaré ajustando. La única regla es que no hay reglas. Actualmente, mucha de la música que escuchamos nace en laptops, pero New Order proviene de una época en la que la única forma de registrar música era grabando en un gran estudio. En estos días, ¿qué prefieres usar? S: Bueno, tengo un gran estudio pero también tengo mi computadora personal… P: Sí, el estudio de Stephen es muy grande [risas]. S: Cambia mucho en el sentido de qué es lo que te facilita las cosas. Al principio todo era más duro para nosotros; tenías una canción, la tocabas de principio a fin, la grababas y no había mucho qué hacer, eso era todo. Ahora la situación ha cambiado por completo, no me puedo ni imaginar cómo podíamos hacer tanto sin computadora, ahora todo pasa a través de una. P: Te tomaba el doble hacer las cosas… S: ¡Exacto! Ahora puedes elegir qué efectos quieres, puedes decir “vamos a intentarlo de esta manera, ahora de otra”, y no te lleva más de cinco minutos… antes eran días. Y luego hacer la gran mezcla, ahí la semanas se convertían en meses y los meses en años y te apuesto a que ahora nadie nota la diferencia, es triste, pero cierto. Además, teníamos esa parte, la famosa “decisión ejecutiva”, alguien de arriba te aprobaba o no para apretar cierto botón. P: ¡Claro!, deberíamos volver a esos tiempos. S: Pensándolo bien nos quedamos con la laptop, creo que es mejor. Hablando del pasado, parece que hoy, más que nunca, el trabajo de Joy Division está siendo revalorado, se ha convertido en algo gigantesco y las nuevas generaciones se identifican

con la música de manera natural… P: Algo hay de eso… S: Creo que es algo que se explica por sí mismo… Es sorprendente cómo tanta gente usa la playera de “Unknown Pleasures”… S: Es sorprendente, pero quisiera aclarar que en realidad nosotros nunca hicimos o presionamos Joy Division para que llegara a ese lugar, de verdad. Joy Division se convirtió en una de esas bandas que la gente adopta y de repente escuchas a la banda en la radio de todas partes del mundo, y la gente se vuelve fanática, algo así como le paso a Jethro Tull… bueno, ya sabes a lo que me refiero, se convirtió en conocimiento que se va heredando y, claro, está la película Control (2007) y eso lo fomentó, lo cual es genial… ¿Te gustó la película? [Silencio], Sí, estuvo bien. Es raro opinar acerca de una película que se trata de tu banda. Las primera veces que la vi no le presté tanta atención, lo dejaba pasar, pero después encontré algunas cosas que me molestaron y que me siguen molestando, pero también estoy al tanto de que es sobre eso de lo que tratan las buenas películas. Power, Corruption & Lies está por cumplir 30 años. A la distancia, ¿cuál es tu perspectiva de la placa? S: Creo que cada vez que escuchas un disco de tu autoría piensas: “Esto lo debí hacer, esto no”, pero creo que “Power, Corruption & Lies” es el disco que nos ayudó a convertirnos en New Order. ‘Blue Monday’ se convirtió en el sencillo que al final terminó integrándose al disco, y resultó en algo que podías escuchar completo y… ¿qué más puedo decir? 017

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Deap Vally

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Por: Javier Cuellar / Foto: Cortesía DV Integrantes: Lindsay Troy (guitarra y voz) y Julie Edwards (batería)

s un hecho que los exponentes de blues rock se han incrementado en los últimos años pero, seamos sinceros: nos encanta. Originaria de California y con un talento único para evocar este género, nos referimos a la dupla que se hace llamar Deap Vally. Lindsay Troy y Julie Edwards se conocieron en un taller de corte y confección, a principio de 2011; así descubrieron su simpatía por bandas como Led Zeppelin, Black Sabbath, The Rolling Stones, 018

Stevie Wonder, Joan Jett, Prince y hasta Lady Gaga, gustos musicales que quedan más que claros en su propuesta sonora. Y es que estas chicas son el perfecto reflejo de The White Stripes y The Black Keys, pero con un potente toque sensual que sólo ellas nos pueden ofrecer. Por ahora, luego de lanzar algunos de sus sencillos en vinilo, Deap Vally trabaja en su álbum debut, aunque promete más sorpresas para lo que resta de 2012.

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I Can Chase Dragons! The man behind his names Por: Karina Luvián / Foto: Cortesía ICCD

unque un tanto incomprensible y, en cierta forma, incómodo para él, Julio Gudiño tiene su nombre intrínsecamente unido al de The Plastics Revolution, agrupación mexicana de la cual es vocalista y con la que se introdujo de manera profesional al mundo de la música. Sin embargo, desde hace unos años Julio ha emprendido un camino en individual, firmando sus creaciones bajo el nombre I Can Chase Dragons! y colocándose, nuevamente, detrás de un concepto sonoro. Pero, al final del día, ¿quién es Julio Gudiño?: “Justo ayer estaba platicando eso con un amigo y coincidíamos en el hecho de que no nos gusta ser presentados siendo unidos directamente a los proyectos de los que somos parte, pues en ocasiones predispone a la gente y puede darles una idea preconcebida de ti. Así que me gustaría que la gente me ubicara primero a mí, como una persona que vive en Boston, que se encuentra grabando de un lado a otro, pensando en nuevas cosas y presentando lo que hace, para que después se diera cuenta de que soy la misma persona que trabaja con The Plastics Revolution y ahora como I Can Chase Dragons!.” Con influencia de bandas con trayectoria indiscutible, Julio investiga, experimenta, deconstruye y recrea sonidos. “Cuando me vine a vivir a Boston comencé a experimentar más, intentando ir más allá de la creación convencional de canciones a partir de una guitarra. Me interesó la forma en que era posible modificar grabaciones que ya había hecho, para crear algo completamente nuevo. Creo que al escuchar mi música es bastante evidente la influencia de bandas como Animal Collective o Atlas Sound, también un poco de Grizzly Bear al principio, pues quise retomar el hecho de que estos grupos se

alejan de sonidos convencionales; para mí, al no seguir reglas creativas tienes mayor libertad, que era lo que me interesaba.” En este punto de la conversación que Julio concedió a WARP Magazine era necesario entender el nacimiento de I Can Chase Dragons! y no una posible integración de sus inquietudes a The Plastics Revolution: “Hubo un momento en el que tuve que decidir qué hacer con lo que estaba creando, en canciones sobre las que pensé: ‘Esto ya no suena como algo que pueda ser parte de The Plastics…’, así que poco a poco me fui dando cuenta de las cosas que funcionarían en uno u otro proyecto, de aquellas que sonarían mejor siendo interpretadas por seis personas y de esas otras que serían sólo para mí”. Expansión (2012) es el disco debut de I Can Chase Dragons!, material cuya gestación ocurrió en México, estando aún en Guadalajara, y donde nació ‘Cuantas Caras’. “Con este tema decidí el sonido que quería. De regreso en D.F. conseguí unos discos con armonías del caribe, otro de huapangos, y a partir de ahí empecé a sacar loops y a formar las canciones. También hay sonidos que grabé en viajes a Tailandia, Nueva York, San Miguel de Allende… casi al final se metieron las voces. El proceso inició en enero de 2011, todo lo grabé en casa y se lo envié a Fernando (Heyfte) que estaba en Inglaterra, y él las mezcló. Todo se masterizó en Nueva York, mientras mi amigo Julio Derbez hacía el arte, para finalmente imprimirlo en México y que quedara listo. A decir de Julio, la expansión es un tema recurrente en el disco y una invitación a escuchar sin pensar demasiado. Para quienes somos espectadores de su trabajo, éste es el reflejo y término perfecto para lo que su creatividad y ambición ha alcanzado, cualidad que sin duda lo llevará hacia grandes escenarios. 019

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Tweaker Call The Time Eternity

Por: Diovanny Garfias / Fotos: Dallas Stoeckel

u nombre puede ser desconocido o de poca importancia para los neonatos en el mundo de la música electrónica, algo que no es de sorprender si tomamos en cuenta que aquello que no esté cobijado por el calificativo “dubstep” está fuera de lugar y, claro, que el mesías de la década se llama Skrillex. Sin embargo, es un hecho que el historial que precede a Chris Vrenna haría palidecer al mismo Sonny John Moore, en una de sus mejores noches; baste recordar que durante la etapa en la que ocupó el banquillo de baterista en Nine Inch Nails, contribuyó de manera importante en la creación de Pretty Hate Machine (1989) y The Downward Spiral (1994), mientras que en años más recientes ha colaborado con Gnarls Barkley, Rob Zombie, KMFDM, Billy Corgan, Army Of The Universe y Marilyn Manson, por mencionar algunos. Fue precisamente para éste que coprodujo sus más recientes trabajos, The High End Of Low (2009) y Born Villain (2012), además de embarcarse en tour con la banda durante más de cuatro años. Pero lo que nos ocupa no son sus múltiples participaciones con bandas y ni siquiera el rooster estelar que ha participado en sus dos producciones anteriores –que incluye a Robert Smith, David Sylvian, Burton C. Bell, Will Oldham, Hamilton Leithauser, Buzz Osborne, Jonathan Bates o Johnny Marr-, en esta ocasión, tras casi ocho años de ausencia, Vrenna regresa y nos presenta la música que más le apasiona, la que está dirigida a formar parte de Tweaker. Nos referimos a Call The Time Eternity (2012), su nuevo álbum. WARP Magazine platicó en exclusiva con el músico, quien revela los detalles detrás del que –para algunos- es su trabajo más melancólico a la fecha. ¿Por qué te tomó tanto tiempo lanzar este nuevo material? [Risas] Nunca fue mi intención tardarme ocho años. Tweaker es el proyecto que me apasiona y trabajo en él en los intermedios, entre los otros proyectos a los que me dedico. Los últimos años los pasé prácticamente con Manson -en el estudio o de tour-, lo que me dejó sin mucho tiempo libre; entre eso y otros trabajos, no me pude enfocar a lo que realmente quería, darle la atención necesaria. Así que cuando dejé a Manson, el otoño pasado, mi prioridad se volvió trabajar en el disco. ¿Cómo fue regresar al mundo de Tweaker? ¿En qué momento te diste cuenta que preferías crear tu propia música en lugar de producir o estar de gira con otra banda? Era un pensamiento que me había rondado la cabeza desde hace tiempo. Los ocho años que trabajé con Manson fueron sorprendentes, pienso lo mismo de los dos discos que hicimos juntos, los tours fueron impresionantes, grandes experiencias, la cuestión es que todo en conjunto consumía mucho de mi tiempo, por lo que tuve que declinar muchas otras ofertas de trabajo -producción, scores y más-. Cuando el nuevo disco de Manson al fin salió, cuando terminé mi parte, me dije “este es el momento”, acepté otros proyectos, mezclas, remixes, algunas piezas para videojuegos -y otras cosas de las que obviamente no puedo hablar por ahora- y los últimos meses se los dediqué a Tweaker. Hacer lo que te apasiona siempre será diferente a hacer cualquier otro proyecto, y es algo a lo que ahora le quiero dedicar todo mi tiempo. 021

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Este nuevo álbum es más similar a tu trabajo en scores. ¿Dirías que es un regreso a tus raíces musicales? Gracias por notarlo [risas], sí, realmente no recuerdo haberme sentado y decir: “voy a crear este disco de esta manera”, con Tweaker todo fluye. Pero, sí, gracias de nuevo por notarlo. ¿Sabes?, me siento halagado cuando la gente se da cuenta del trabajo que hay implícito, suena más al primer disco, pero la estructura de las canciones y su vibra están más cercanas al segundo, así que sería como una mezcla de ambos, pero combinadas de una nueva forma. Podrían ser como una trilogía, tengo que insistir en que no lo hice a propósito, fue lo que salió, porque por ahora estoy muy clavado en la música electrónica, durante el segundo disco se trató de música orgánica, así que… completamos el círculo. De hecho, este disco parece más oscuro y triste. ¿Dejaste de lado canciones mainstream del tipo ‘Take Me Alive’ o ‘Linolium’ a propósito? No sé qué es o qué no es mainstream, no sé si estas canciones son o no mainstream, lo que te puedo decir es que no fueron diseñadas con esa intención. Sé lo que es ahora la música electrónica, la cultura de los DJs, que ahora es súper popular, pero, no sé, pudo ser a propósito… quizá o no [risas]. ¿Cuál es tu track preferido de Call The Time Eternity? Odio tener que escoger mi track preferido, es como tener que escoger a tu hijo preferido. ¡Dios, no lo sé! Me gustan todos. En el segundo disco tenía a muchos vocalistas invitados, así que aunque no quisiera terminaba relacionando cada canción con el vocalista que había colaborado, lo cual puede o no ser bueno. Esta vez es diferente, tengo menos invitados porque quería que estuviera más aterrizado, así, todo el equipo que trabajara en el disco se podría enfocar más a cada canción, hacer que cada voz sonara sorprendente y también diferente. Acabas de hablar acerca de la gente con la que has colaborado, músicos que van desde Robert Smith pasando por Jennifer Charles (Elysian Fields), hasta llegar a Johnny Marr. ¿Te gustaría agregar 022

a algún otro colaborador a tu lista? ¡Oh, Dios!... Fever Ray, de The Knife, me encanta su voz y creo que con eso [risas]. Tweaker se ha convertido en un proyecto que no sale de tour, de hecho creo que sólo lo hicieron una vez. ¿Tienes intensión de salir de gira con este disco? No de momento, pero de verdad me encantaría. Como bien dices, Tweaker sólo salió una vez de gira y fue en 2004, estábamos abriendo para Skinny Puppy en Estados Unidos. Fueron cuatro o seis semanas y fue grandioso, tenía una gran banda, un gran vocalista (Nick Young de A.I.), tocábamos todo en vivo, sin programaciones, con batería acústica. En todos estos años mucho ha cambiado, sobre todo si hablamos de dinero y costos, así que ni siquiera sé si tendría el capital para sonar tan bien como en aquel entonces. Por ahora estoy tratando de encontrar una forma de hacerlo, porque de verdad me muero de ganas de hacerlo. Ya veremos, espero que sí. Como productor has trabajado con Gnarls Barkley, Marilyn Manson e incluso con bandas underground como Army Of The Universe. ¿Qué necesita un proyecto para conseguir tu atención? Supongo que lo que escuche debe ser único, pero aún más importante es que haga clic con la gente, que cuando la conozca en realidad me caiga bien. A veces la gente te contacta, te manda su material y puede sonar muy bien, pero eso no dice nada de la persona, nada se compara a tener esa conexión personal que pasa cuando conoces a alguien. Así pasó con Army Of The Universe, seguimos trabajando juntos y nos volvimos amigos muy cercanos. Ha pasado mucho tiempo desde que abandonaste Nine Inch Nails. ¿Crees que es tiempo de trabajar con Trent de nueva cuenta?, digo, ¿te gustaría? Sí, por supuesto. Hemos estado en contacto y nos reuniremos cuando sea que ambos tengamos tiempo, hay que cuadrar horarios, ahora tiene familia, dos hijos, pero sí, sería muy divertido.

blogaggedeon times COLUMNA

STRUMMER DE NAZARET Por: Sr. Flavio / @SrFlavioOficial

¡Troya!

Quise decir, La PAz, Ciudad NeZa, San TelmO, Cuzco, Copiapó, Mar dEl PlatA, Oaxaca, CoquiMbo, Quito, Cali, Mancorita… ¡Un planeta hispano-parlante te sintoniza! Énfasis: “DiSeS clAsH City Rocker… ¡Órale cabrones, wacchoos…!”. GheTto defendiéNdosE. BellEzA de la contradiccióN: arte de vivir crudO. ExponEnciAl city cumbiA Hot RoD. No hay errOr. No ExisTe. Conocé tus derechos: abrirse derribando prejuicios. Cofradía pagana de rock, todo incluido. El mejor no es quien toca más rápido. Y gAmeXane andaBa por ahí, tréMulO-distorsiÓn, ametrallando cartas de lector en La reVisTa PelO ’81, donde te nombraba entre llamas y reyertas de punk rock naciOnAL. Más tarde, el soUndtrack de WalkEr y tus sonidos afectados, expansivos, inundaRon nUestrO abisMo pop. New Musical Express les pidió perdón diez

años después por inmolar Sandinista, belleza de la “contradicciónrubí”. CurastE mis heridAs. SoY eL SR FlaviO, hoplita león-rock, practicante paGano de rituales New Wave, mixturas que tú/vos me mostraste. Strummer (si mal no recuerdo, quiere decir algo así como “rasgueador”), el guitarrero existencial, el que dice: “Toco todas las cuerdas de la guitarra al mismo tiempo y suenan las seis; no sé, ni Kiero, tocarlas de una en una”. No imPorTa. ¿Qué ImpOrtA? ¿ImportA? ¿A quién? Ángel-demonio de las artes-vida. Regresando a las cartas-dagas del correo de lectores de Gamexane en la revista PelO: cuánto lloró el día que te marchaste. Pero no te fuiste del todo, ni él tampoco. Permanecen conmigo hoy, en este pekeño texto silver-tape a cuenta gotas de ajenjo y pólvora. El rock visceral: armadura de cuero, tachas. Punk Rock. Hacia otros planetas. Terrenal.

›› Sr. Flavio es miembro fundador de Los Fabulosos Cadillacs y escritor. Su libro Crónicas Del León ya está a la venta, editado por WARP Books.

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playlist Playlist by

Breakbot Foto: Cortesía BB

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hibaut Berland, DJ, músico y productor francés cuya música lo ha llevado a presentarse en los mejores clubes del mundo y en diversos festivales alrededor del mundo. Quizá la mayoría no lo identifique por su nombre de pila, sin embargo, el seudónimo Breakbot puede decir mucho. Su estilo pop, bailable y vibrante ha sido reconocido por la prensa especializada y su música ha servido para musicalizar desde videojuegos hasta cortometrajes. Desde 2007 y bajo la influencia de mentores como Cassius y Daft

Punk, ha hecho remixes para artistas y proyectos como Justice, Röyksopp, Air y Chromeo. Con su más reciente álbum, By Your Side, editado en 2012, pretende dejar en claro que la llamada (para bien y para mal) “nueva ola francesa” de la música electrónica no fue sólo una explosión fortuita, circunstancial y efímera, sino un movimiento, variado y con propuesta clara. En exclusiva para WARP Magazine, Berland comparte 10 de los tracks esenciales para una noche ambientada por tornamesas.

01. Breakbot – ‘Baby I’m Yours’ feat. Irfane

06. SebastiAn – ‘Kindercut’

02. Michael Jackson – ‘They Don’t Care About Us’

07.Destructo – ‘Technology’

03. Daft Punk – ‘Something About Us’

08.Breakbot – ‘Fantasy’ feat. Ruckazoid

04. Justice – ‘Horsepower’

09. Prince – ‘The Most Beautiful Girl In The World’

05. Brodinski (Feat. Louisahhh!!!) - Nobody Rules The Streets

10. Cassius – ‘I Love You So’

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canciones y compositores para que los interpretara esa noche. Así me encontré con las canciones de Agustín Lara y simplemente me pareció increíble su música. Pensé que sería una buena idea hacerle un homenaje y así me puse a investigar su biografía, su música y me sentí muy identificada con él. A raíz de esto empieza toda mi historia con Agustín.

Natalia Lafourcade Vende caro tu amor

Por: Leonel Hernández / Foto: Cortesía NL

a hija pródiga de la música lo hizo de nuevo: han pasado más de diez años desde que su tierno y adolescente disco homónimo salió a la luz y hoy, después de entregar un disco grandioso, vuelve con uno de los proyectos más ambiciosos e interesantes de su carrera. Y es que Natalia Lafourcade, a sus 28 años, se consolida como una artista madura, completa, arriesgada y comprometida con su realidad. WARP Magazine conversó con ella, en exclusiva, sobre Mujer Divina (2012), disco tributo a Agustín Lara, y esto fue lo que nos dijo… ¿De dónde surge la idea de un disco tributo a Agustín Lara? Estando de gira, luego de terminar Hu Hu Hu (2009), iba gestándose la idea de lo que eventualmente sería el siguiente disco. Hu Hu Hu fue un álbum increíble, muy importante para mí, en el que me liberé y probé cosas que nunca había probado; hasta ese momento era el disco que más me había gustado. Por eso, cuando entré al estudio fue muy difícil aceptar si quería hacer una segunda parte del anterior, pues tenía que ir hacia otra parte. Tenía ganas de hacer un disco de covers, pero no uno convencional con canciones de diferentes autores sino algo más que realmente rindiera homenaje a alguien, sólo que no sabía a quién. Entonces me encuentro con Alondra de La Parra en el proyecto del bicentenario y me pide que investigue

¿Te resultó difícil traer la música de Agustín Lara a nuestra época? Ciertamente no fue tan fácil, yo pensaba que me iba a llevar unos seis meses terminar este proyecto y no fue así. Al mismo tiempo aprendí muchísimo, porque no es como tomar tus propias canciones y trabajarlas con algún otro arreglo hasta llegar a un punto en el cual puedes decir “así me gusta”. En el caso de composiciones ajenas, es difícil encontrar el punto en el cual puedas decir: “Lo estoy haciendo bien”, en cuanto al respeto que le debes a la canción. Y por supuesto que toda la gente que se involucró me ayudó mucho a darle dirección, sobretodo Ernesto García, que siempre estuvo de la mano conmigo, lo que al final resultó en un ejercicio muy interesante. Costó trabajo, pero fue muy lindo; llegamos a un punto donde las canciones se sienten naturales, donde no hay una pretensión, sino un trabajo de la canción en sí. ¿Cómo crees que sonaría Agustín Lara en 2012? Pues así… [risas] No sé; una de las cosas que más me motivaba era escuchar canciones como ‘Limosna’ o ‘Amor De Mis Amores’, y la posibilidad de escucharlas en la gente, cantadas por las generaciones actuales. Eso me ilusionaba mucho y busqué las canciones con las que la gente se podía identificar. Por eso también me tardé mucho, porque el asunto de actualizar las versiones y darles este aire nuevo era un proceso de desmenuzar letras, armonías, etcétera. Todos tus discos son muy diferentes entre sí, pero todos suenan a Natalia Lafourcade. ¿Cuál es la fórmula para que, en un disco de covers, la gente se dé cuenta de que es música de Agustín Lara, pero que también es de Natalia Lafourcade? Eso sí costó mucho trabajo; fue mucha dedicación, mucha energía, pero creo que me ayudó el rodearme de gente en la que confío tanto. Allí está Noah George, gran productor, en el que confío todo, y “Cachorro” López, que es un genio y que tiene más claro que nadie hacia dónde ir; en ocasiones, yo quería meter muchas cosas y él siempre me redireccionaba. Además está Meme del Real (Café Tacvba), gran amigo y gran artista, que siempre me entiende a la primera. Todos fueron muy buenos compañeros y buenos músicos. Todo el mundo hizo bien su trabajo y por ello es que este es un producto que suena tan natural, un proyecto que me llevó a otro lado, a algo muy diferente de las tendencias que se están escuchando hoy en México. Al final era Agustín Lara quien lo pedía, quien lo exigía, el mismo Agustín, tanto a mí como a los colaboradores... él nos llevó por el camino correcto.

›› Leonel Hernández es poeta y traductor, puedes leer su entrevista exclusiva con Felix Buxton, de Basement Jaxx, en WARP #50.

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EN GRABACIĂ&#x201C;N . sesionesconalejandrofranco.com

@sonyspinla

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Antes de que nos olviden...

Entrevista: Michelle Apple / Texto: Alejandro Altamirano

Foto: Leonel Hernández para WARP

ntes de que nos olviden: 100 discos esenciales del rock mexicano es un libro que reúne textos de varias de las plumas más reconocidas en el ámbito del periodismo musical nacional, así como músicos y productores. Coordinado en conjunto por los periodistas David Cortés y Alejandro González, este trabajo se asienta como uno los documentos más completos e interesantes del rock mexicano, en todas sus vertientes. A continuación una entrevista con estos expertos. ¿Cómo deciden juntarse para escribir un libro? A: La idea fue de David Cortés, me mandó un mensaje y me dijo que tenía la idea de hacer el libro. D: Aquí en México y muy específicamente en cuanto al rock, hay muy poca información. Entonces me surgió la idea de hacer algo más sistematizado. Al principio pensé en hacerlo yo solo, pero me di cuenta que sería una labor monstruosa; de ahí es como invito a Alejandro Gonzáles a participar. Después, ese trabajo de dos se convirtió en lo que es ahora el libro, una serie de documentos en donde podemos encontrar 32 colaboradores exactamente. ¿Cuál fue el criterio que tuvieron para hacer la elección de los discos? D: Lo que nosotros hicimos fue pensar en el rock mexicano como algo muy incluyente, en donde están todas las corrientes. De ahí partimos para elegir discos que pueden ser importantes o definitorios en distintas escenas como el progresivo, el ska o el urbano. Evidentemente hay algunos que son muy obvios, que pertenecen al “mainstream”, pero también hay cosas independientes de la misma industria y en todos los formatos. Cada quien hizo una lista con cien discos, coincidimos aproximadamente en el 60 por ciento, lo cual fue un buen inicio y en el resto coincidíamos en los grupos, pero no en los discos. ¿Qué fue lo que les dejó este ejercicio periodístico? ¿Encontraron

cosas que no conocían? ¿Se llevaron alguna sorpresa? A: En mi caso sí. Hay varios discos que desconocía y que descubrí gracias a David, los escuché e inmediatamente quedé maravillado con varios. De hecho, debo confesar que hubo algunos que, de no haber sido porque los conocí bajo estas circunstancias y por la gran calidad que tienen, no hubiera creído que eran mexicanos. Conocí muchos grupos y, más allá de eso, conocí “las plumas” de varios de los colaboradores con los que ya había tenido un acercamiento en los medios para los que trabajaban; sin embargo, fue aquí donde sacaron su lado B en la escritura, al saber que no tenían ningún compromiso con nadie. ¿A qué creen que se deba la escasez de textos o trabajos que documenten esta parte de la música en México? D: Lo que pasa es que muchas veces no existen los elementos que te permitan realizar este tipo de investigaciones. No hay una empresa que se ponga detrás de ti para apoyarte en hacer las entrevistas o en la búsqueda de documentos, y mientras tú ves cómo te las arreglas para sacar el trabajo, al mismo tiempo tienes que pagar cuentas. Probablemente haga falta que editoriales grandes, que pueden dar un buen apoyo, pongan más atención en este tipo de proyectos, pero al final, es necesario que alguien se anime a hacerlos, si no nunca van a salir a la luz pública. A: A mí me gusta comparar este libro y su proceso con el género de música punk, específicamente con una de las bandas que aparecen en el libro, Sekta Suicida. Pienso mucho en ellos, en que tienes los elementos, aquellos que tienes a la mano, y hay alguien que te ayuda, entonces lo haces con esa actitud, con los “huevos” que tenemos. Se me hace un trabajo punk y además con calidad, porque todos los que estamos ahí sabemos de qué hablamos y tiene actitud. 029

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The Black Keys Mind Eraser

Por: Michelle Apple / Foto: Cortesía TBK

s innegable que 2012 ha sido el año de The Black Keys, dúo estadounidense formado por Dan Auerbach y Patrick Carney que gusta de combinar el rock duro con el blues agresivo, en una fórmula que incluye grabaciones low-fi (añorando el rock setentero) y que, para bien o para mal, se ha puesto de nuevo bajo el reflector, siendo emulado por un sinfín de bandas y artistas. La agrupación no ha parado de tocar, encabezando el cartel de varios festivales; la tercera edición de Corona Capital no fue la excepción. “Hemos escuchado que el público está totalmente loco y que es muy salvaje, pero realmente no tenemos alguna expectativa particular, sólo sabemos que será grandioso. Estoy feliz por estar aquí, pues siempre es bueno tocar en Norteamérica; a veces, las cosas no salen tan bien en otros lugares, pero en esta parte del mundo siempre resulta bueno”, menciona Auerbach al charlar con WARP Magazine en la zona backstage del mencionado festival, previo a su presentación. Respecto a su creciente éxito en los últimos dos años comenta: “No lo esperábamos. Siempre hemos trabajado muy duro y esperas que las cosas salgan bien, ya tenemos cinco discos pero con los dos últimos ha sido realmente salvaje”. Ante esto, es claro que dichas victorias jamás se habrían dado de no ser por la música que crean, por lo que fue imposible no

cuestionar a Dan respecto a su proceso creativo: “Hacer discos siempre es muy natural y orgánico. En realidad no se trata de hacer algo diferente, simplemente hemos crecido y evolucionado como banda y eso se refleja en nuestro sonido. Nunca ensayamos o realmente sabemos qué es lo que haremos antes de entrar al estudio”. Con lo anterior como referencia, es casi un hecho que su potente sonido no es obra de la casualidad y tampoco es algo planeado; en este punto, es mejor aprovechar para que sea el mismo músico quien lo describa: “Nuestro sonido es muy natural, nunca hemos querido sonar como algo o alguien. Desde la primera vez que tocamos juntos, en un estudio, sentimos una conexión inmediata. Es bueno sentir que mientras tocas con alguien hay un crecimiento de ambas partes a nivel profesional. Ya en confianza, Dan comparte lo que genera letras tan emocionales como ‘Tighten Up’: “La inspiración en general me llega de las relaciones, amores perdidos, de algunas historias tristes y hasta de otras canciones. Casi cualquier cosa es buena para inspirar una buena letra”. El tiempo destinado para nuestra entrevista está por terminar y aún no sabemos nada respecto a su próximo álbum, la pregunta más obvia se convierte en la última de la serie, la que pone fin a nuestra conversación: “Tenemos grandes ideas pero necesitaremos dos meses más de trabajo en el estudio, aproximadamente, así que es probable que tengamos algo hasta el siguiente año”.

›› Michelle Apple colabora en WARP Magazine e investiga fenómenos paranormales, puedes leer su entrevista con Fucked Up en WARP #50.

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ask Amanda COLUMNA

WHO IS AMANDA PALMER? Por: Amanda Palmer Foto: Shervin Lainez

oy compositora, rockstar, fiestera, blogger y en general, por accidente, una alborotadora. Antes cantante de The Dresden Dolls, ahora líder de Amanda Palmer and The Grand Theft Orchestra. Amo beber con la gente. Mis discos preferidos de todos los tiempos son Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, de The Beatles, e In The Aeroplane Over The Sea, de Neutral Milk Hotel. Me encanta ver en vivo a la artista de cabaret Melissa Madden Gray y SIEMPRE iré a ver a Meow Meow, pues nunca te provoca dos veces los mismos sentimientos. Fui atrapada en el mundo de la escritura por los chicos de WARP. Soy músico, pero cuando estaba en la Ciudad de México para un show me ofrecí a escribir una columna de consejos. Ha sido un golpazo. Me encanta interactuar con los fans, LO AMO, denle un vistazo a mi Twitter.

Creo que el papel de los medios, hoy en día, es FILTRAR. El mayor problema es que con TANTO CONTENIDO y música, necesitamos muchos filtros para guiar en la dirección en la que realmente vale la pena gastar tiempo; ahí es donde creo que los medios musicales son más útiles, filtros poderosos. Colaborar con WARP ha sido sorprendente, porque me siento conectada constantemente con mis fans en México, así que ¡gracias WARP!, de verdad estoy muy agradecida. He aprendido mucho de mis fans y de sus problemas. Los problemas de México son diferentes a los de los estadounidenses y a los de los australianos. Realmente puedo percibir los sentimientos por los que mis fans atraviesan cuando me preguntan. Creo que en el mercado latino hay gente apasionada, pero la estructura empresarial es difícil. Esperamos llevarles Theatre Is Evil en vivo, en primavera, ¡vayan a verlo!

›› Amanda Palmer se encuentra de gira con The Grand Theft Orchestra, promocionando su álbum Theatre Is Evil, disponible en diversos formatos.

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calendario

noviembre 2012

1, 2 y 3

Maquinaria Fest Arena Ciudad de México México, DF —

9 y 10

3y4

One Music & Arts Festival

Explanada López Mateos Guadalajara, JAL —

Infield Hipódromo de las Américas México, DF —

Maquinaria Fest

Anti-Flag El Plaza Condesa México, DF —

Teatro de la Ciudad México, DF —

Slash Palacio de los Deportes México, DF —

Amadou & Mariam El Plaza Condesa México, DF —

28 y 29

Nigthwish

2 12 10

Ely Guerra Lunario del Auditorio Nacional México, DF —

Here Comes the Kraken

Robert Plant Auditorio Nacional México, DF —

Teatro Metropólitan México, DF —

Dead Can Dance Auditorio Nacional México, DF —

Banda de Turistas, Comisario Pantera, Monsieur Periné Auditorio BlackBerry México, DF —

Lunario del Auditorio Nacional México, DF —

23, 24 y 25

Indio Emergente Guadalajara, JAL; Puebla, PUE; Querétaro, QRO —

Auditorio BlackBerry México, DF

Natalia Lafourcade

IMS, Disco Ruido, Play & Movil Project, Toy Selectah y Más

Enjambre Auditorio Nacional México, DF

24 y 25

Madonna

Los Tres

José Cuervo Salón México, DF

Foro Sol México, DF

El Plaza Condesa México, DF

Black Label Society

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gigs

The xx Auditorio BlackBerry Ciudad de México Foto: Paco Sierra para WARP Para leer la reseña de este concierto, escanea el código o visita: warp.la/gigs

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gigs

Mutek 2012 Organ Mood Teatro Fru Fru, Ciudad de México Foto: Franccel Hernández para WARP Para leer la reseña de este concierto, escanea el código o visita: warp.la/gigs

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gigs

Rockampeonato Telcel 2012 Hermosillo, Chihuahua, Tijuana y Monterrey Fotos: Sergio Gálvez y Toni François Para leer la reseña de estos conciertos, escanea el código o visita: warp.la/gigs

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#WARP6

Angus Young por Baron Wolman

GIBSON A TRAVÉS DE LA LENTE Por: Giorgio Brindesi y Alejandro Altamirano Fotos de exposición: Franccel Hernández para WARP

Unas horas antes de iniciar el festejo #WARP6 en el Auditorio BlackBerry, WARP presentó, en el marco de la celebración, la exposición fotográfica titulada Gibson A Través De La Lente, la cual es traída a México por dicha marca de guitarras y que presenta una selección especial de imágenes de legendarios músicos, la cual permanecerá hasta el mes de diciembre. La exposición incluye imágenes de Johnny Cash, George Harrison, Eric Clapton, Jimi Hendrix, Roy Orbison, Cream, T-Bone Walker, Bill Haley, Chuck Berry, Grateful Dead, entre otros, sumando un total de 70 fotografías donde los legendarios artistas portan sus particulares guitarras Gibson/Epiphone. WARP Magazine platicó con uno de los fotógrafos, Baron Wolman, quien logró reunir parte de este acervo visual tras convertirse en el primer Editor de Fotografía de la revista Rolling Stone. ¿Cómo te sientes presentando tu trabajo en México? Me siento realmente bien, esta es la tercera ocasión que estoy en este país y me siento como en casa. Me hace muy feliz presentar mi material, sé que el público mexicano es muy fanático de la música y en especial del rock, además, siempre me han tratado de lo mejor.

Jack White por Ross Halffin

¿Qué piensas de que tu trabajo haya sido tan influyente para muchos artistas?

COBERTURAS

PG.039 Tal vez yo no usaría la palabra influyente. Para los músicos, me gusta que vean mi trabajo como una recopilación de algunos de los momentos más importantes de la historia musical, mientras que para los fotógrafos me gusta pensar que soy una fuente de inspiración en su trabajo. ¿Cuál es tu fotografía favorita y por qué? No tengo una favorita. Es como si me preguntaras cuál de mis hijos es mi favorito. A todas las quiero por igual. Aunque si la pregunta fuera qué artista es o fue mi favorito para fotografiar, te diría sin duda que Jimi Hendrix. Él tenía algo muy especial, no solamente en su manera de tocar, obviamente, también era muy fotogénico y nadie sale tan bien en las fotos como él. ¿Cuál es tu opinión sobre ser periodista musical hoy en día? Actualmente es muy difícil ser tanto periodista como fotógrafo musical. Hay una cantidad impresionante de noticias, artistas nuevos, festivales y discos de todo el mundo sobre los cuales escribir, entonces, resulta bastante difícil cubrir toda esa información en muy poco tiempo y, a la vez, hacer que tus contenidos sean interesantes, para que no se pierdan

Jimi Hendrix por Baron Wolman

entre todo lo que se genera cada día. Ahora, también para un fotógrafo musical es una situación complicada, pues en esta época existen cámaras o dispositivos que son mucho más fáciles de utilizar que los aparatos de antes. Por ese motivo, es común ver que cualquier persona pueda hacer fotografías que luzcan profesionales, lo que obliga a los fotógrafos de profesión a hacer el doble de esfuerzo para resaltar entre tanto material. Ninguna muestra estaría completa sin el trabajo de curaduría que implica presentar una exposición de esta importancia. WARP Magazine tam-

bién platicó con el encargado de este rubro, Dave Brolan, quien compartió su visión respecto al trabajo logrado y el legado de la marca. ¿En qué momento surge la idea de crear esta exposición? Creo que todo empezó en 2006, en Londres. Yo me encontraba en la oficina de Gibson para hacer una cosa totalmente distinta, pero cuando vi la oficina me pareció sorprendente ver las imágenes colgadas en la pared, todas acompañadas de los instrumentos que hace Gibson… me parecieron fantásticas.

Elvis Presley por Carl Dunn

#WARP6

Pete Townshend por Chris Morphet

COBERTURAS

PG.041

B.B. King por David Redfern

Todas eran imágenes muy buenas con las que, de alguna u otra manera, había tenido que ver. Después me enteré que tenían la intención de hacer una exhibición, entonces me di a la tarea de contactar a cada uno de los fotógrafos que estarían involucrados. Primero tomamos aquellas que nos parecían buenas y que nos gustaban más, después empezamos a elegir a los distintos artistas e instrumentos que nos gustaría mostrar. Para la selección tratamos de no repetir artistas, ni instrumentos, ni poses, e incluso ni siquiera los géneros; tenemos material que va desde el heavy metal hasta el blues. En cuanto a los artistas, también hay mucha variedad: tenemos desde Elvis hasta Frank Zappa o AC/DC, cada uno de ellos grandes leyendas que fueron las voces de su generación, así como forjadores de la historia de Gibson. Para ti, ¿cuál es la importancia de la exhibición? Es importante porque nos recuerda una parte muy trascendental de la cultura popular. El rock & roll es un medio de re-

belión para los músicos y eso es importante. Si nos vamos a los años cincuenta, las guitarras prácticamente cambiaron el rumbo de los músicos y recordar eso a través de una imagen es increíble. ¿Cuál consideras que es el legado que ha dejado Gibson? Gibson es importante en la historia del rock & roll. Sus instrumentos han estado en las manos de los mejores músicos, tienen un diseño único, un sonido único. Los instrumentos Gibson son de esas cosas que han pasado la prueba del tiempo, siempre manteniendo un alto nivel de calidad en cada uno que se fabrica. ¿Cómo fue tu experiencia como curador? En parte, lo que se pretende es mostrar algunos de los grandes momentos de la historia de Gibson. Tuve mucha suerte de tener plena libertad para elegir las imágenes, con la participación de 30 fotógrafos de todo el mundo, los cuales se encuentran realmente

Kirk Hammett por Ross Halfin

emocionados. Todavía hoy, muchos fotógrafos me llaman para decirme que acaban de encontrar fotos nuevas acerca de Gibson, ya sabes, fotos inéditas de Jimi Hendrix, como la que es la imagen principal de la exhibición, o de otros artistas que nunca han sido impresas o exhibidas, y cuando nosotros las sacamos al público se convierten en clásicas.

#WARP6

COBERTURAS

PG.043

#WARP6 Por: Staff WARP Fotografías: Wendy Cid, Iván García, Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

Nuestro medio, ese que nos ha sacado canas verdes en los cierres, que nos sigue dando novatadas en las coberturas y que nos ha permitido platicar con personas tan diferentes, cumplió seis años de vida… ¿Habría una manera más lógica de celebrar que con música? Aquí un breve recuento de lo sucedido.

#WARP6

LA CASA DEL RITMO & LA HISTORIA DE WARP EN 50 IMÁGENES El pasado 11 de octubre dio inicio #WARP6, festejo que enmarca los seis años de vida de WARP. El proyecto comenzó como un sitio web que se convertiría en medio impreso y que ahora se diversifica con un programa de televisión. La cita para comenzar las actividades de #WARP6 fue en el Auditorio BlackBerry, con un meet & greet con el grupo Los Amigos Invisibles. Aquí, algunos afortunados tuvieron la oportunidad de tomarse una foto con la banda, platicar con ellos y obtener algunos autógrafos. Después, Alejandro Franco, Director General de WARP, junto a la banda venezolana, cortaron el listón para ingresar a la exposición fotográfica La Historia De WARP En 50 Imágenes. Dicha exposición sirvió como antesala para el siguiente gran platillo de la noche: la proyección del concierto-documental La Casa Del Ritmo, de Los Amigos Invisibles, cinta que, en 2010, inició con el financiamiento de los propios fans de la banda venezolana. Al terminar la proyección, Los Amigos Invisibles tomaron el escenario para llevar a cabo una sesión de preguntas por parte del público asistente. Para cerrar el evento con broche de oro, dos integrantes de Los Amigos Invisibles pusieron a bailar a toda la audiencia con un DJ set bastante sabroso y lleno de energía.

COBERTURAS

PG.045 CONCIERTO #WARP6: MY MORNING JACKET, DIPLO, TRIBES Y CARLA MORRISON Sin querer, fuimos los encargados de inaugurar las actividades de un fin de semana que será recordado por su agitada actividad. El 12 de octubre, a partir de las 21:00 horas, el Auditorio BlackBerry se convirtió en la sede de una fiesta que, vaya que lo sabemos, le dejó una buena desvelada a varios, lo que en realidad no importa, debido al buen sabor de boca que, esperamos, sigan teniendo… Y es que los originarios de Candem, Inglaterra, Tribes, nos pusieron a estirar las piernas con algunos temas de su álbum debut, Baby, con el que pudimos conocer su propuesta poco explorada en nuestra latitud. Se les notaba algo nerviosos pero, en lugar de titubear, se

entregaron a un lugar que poco a poco se llenaba de miradas expectantes en espera del plato fuerte. Así vendría Carla Morrison, quien entró al cartel causando un poco de polémica con los puristas de MMJ y llenó de miel los oídos a los que se dieron la oportunidad de escuchar canciones como ‘Tu Orgullo’, ‘Hasta La Piel’ y ‘Eres Tú’, su nuevo sencillo. Entrados en contexto, por allí de las 23:00 horas, los gritos comenzaron en automático cuando la luz se apagó y todo fue sólo cantar desde el momento en el que Jim James y compañía simplemente lanzaron ‘Circuital’, para comenzar una presentación que… ¡Sorpresa! ¡Tuvo una

duración de dos horas! Así, mientras el poncho azul de James ondeaba por el escenario, luces de varios colores jugaron con la fuerza de temas como ‘It Beats 4U’, el cual dio entrada a la batería de ‘I’m Amazed’, de ‘Evil Urges’ y de ‘The Way That He Rings’: la esencia de la psicodelia de los setenta. Alrededor de la 01:30 horas, ya del sábado, muchos se movieron del concierto de SBTRKT para seguir la fiesta —que en realidad fue el after— con Diplo, que cuando viene a México no duda en reventar las bocinas. Mucho baile y un ambiente totalmente de fiesta fueron los elementos que hicieron de la noche algo memorable y avasallador.

Carla Morrison

Tribes

My Morning Jacket

Diplo

Tribes

My Morning Jacket

Carla Morrison

Diplo

My Morning Jacket

COBERTURAS

PG.047

Alan Palomo DJ Set

AFTER OFICIAL CORONA CAPITAL 2012: ALAN PALOMO (NEON INDIAN) DJ SET El sábado 13, para concluir las celebraciones del sexto aniversario de WARP, El Imperial se convirtió en la sede del After Oficial del Festival Corona Capital. Tras un warm up cortesía de Dann Kalter, la gente puso fin a un sábado totalmente musical acompañados por un DJ Set ejecutado por Alan Palomo, líder de Neon Indian, quien dio cátedra de cultura

musical, iniciando una fiesta que no paró hasta muy avanzada la madrugada. Sabemos perfectamente que los años no acarician y mucho menos pasan en vano; de allí que este aniversario solamente sea un escalón más y una señal de que debemos seguir esforzándonos para entregarles no sólo contenidos, sino experiencias de vida.

Lo que no podemos dejar de lado, antes de concluir con este relato, es agradecerles a todos los que dan clic en nuestras notas, a los que nos siguen en redes sociales y a aquellos que, cada edición, adquieren un ejemplar de nuestro esfuerzo. Eso es algo que no podremos pagarles con nada.

COBERTURAS

PG.049

CORONA CAPITAL 2012

#WARPENCC12

Por: Staff WARP / Fotos: Leslie del Moral, Zaruhy Sangochian y Franccel Hernández para WARP

Tras meses de expectación, el Distrito Federal fue sede de uno de los fines de semana más musicales del año. Miles de amantes de dicho arte pudieron atestiguar, en el Autódromo Hermanos Rodríguez, uno de los carteles más impactantes que se haya presentado en nuestro país. Esto fue lo que sucedió durante la tercera edición del festival Corona Capital.

DÍA 1: 13 DE OCTUBRE

#WARPENCC12

The Wallflowers

Iron And Wine

The Kills

Basement Jaxx

Desde temprano, el sol buscó la manera de abrirse camino entre las nubes aunque, lejos de amenazar a los asistentes, produjo cierto sosiego, tomando en cuenta la larga jornada que se avecinaba. Y es que muchos actos del primer día formaban parte de aquellas bandas que jamás habían pisado suelo mexicano; quizá por ello eran éstas las que resultaban más atractivas en el cartel. Entre ellos estaba Sam Beam que, en el Corona Light stage, junto a su proyecto Iron And Wine, entregó una buena dosis de blues rock, casi punk. Otros que se estrenaron frente a los mexicanos fueron los integrantes de Suede, banda que colocó tras de sí una enorme manta blanca, misma que de pronto cayó, dejando en su lugar una pantalla que ilustró cada una de las canciones que interpretaron. —Son grandiosos —aseguró Brett Anderson, líder de la banda, a la multitud. Por su parte, The Wallflowers manejó muy bien al público en el escenario Corona. Sus canciones tienen una personalidad blues rock moderna que la gente parece adorar, creando una euforia que hasta ese momento no se había visto. Después tocó el turno a The Kills que, con su espectáculo simple pero increíble para los oídos, se enfrentó al número más alto de asistentes en dicho escenario: Alison Mosshart y el guitarrista británico Jamie Hince salieron a tocar tan llenos de pasión, que hasta quien no los conocía quería cantar. Al final, The Hives, banda de enorme presencia, cerró el escenario: ‘Walk Idiot Walk’, ‘Main Offender’

y ‘Hate To Say I Told You So’ fueron las canciones principales del show; a mitad de su última canción, ‘Tick Tick Boom’, la banda decidió pararlo todo y se quedaron inmóviles hasta que, luego de un minuto entero, las estatuas cobraron vida. En el escenario Capital, por su parte, fue hasta la presentación de León Larregui que pudo observarse una mayor audiencia. El también vocalista de Zoé interpretó canciones de su álbum debut, Solstis (2012), y se mostró involucrado con la gente en todo momento, lo que propició una buena interacción con su audiencia. Pero el atardecer fue el marco perfecto para la presentación de Charlyn Marie Marshall, mejor conocida como Cat Power, quien abrió su presentación con ‘Cherokee’, canción extraída de Sun (2012), su más reciente producción. Durante su show, la cantante dejó muy claro que es una artista consolidada, formada en los escenarios que la han visto crecer como músico a lo largo de 17 años de carrera artística. Para cerrar el día se requería de una banda potente, con riffs acelerados y nadie mejor que Franz Ferdinand, acto que reafirmó algo que ya sabíamos: estos escoceses, en vivo, son garantía. En la carpa Bizco Club, Basement Jaxx se fue dos décadas atrás para darle un plus de nostalgia a su enérgico set, e incluso se aventuró con una versión acústica de ‘Romeo’, donde lució mejor que nunca la poderosa voz de sus tres coristas; sin embargo, los grandes momentos llegaron con ‘Red Alert’ y la esperadísima ‘Where’s Your Head At’, donde el público fue bombardeado con un soberbio espectáculo de luces, para despedir las actividades del primer día de Corona Capital 2012.

COBERTURAS

PG.049 PG.051

Franz Ferdinand

The Hives

Dum Dum Girls

Sleigh Bells Cat Power

Die Antwoord

Hello Seahorse!

The Joy Formidable

Zulu Winter

DĂ?A 2: 14 DE OCTUBRE

#WARPENCC12

New Order

My Morning Jacket Francisca Valenzuela

Snow Patrol

The Raveonettes

The Vaccines

COBERTURAS

PG.053 Llegó el segundo día de Corona Capital 2012 donde, a pesar del sol, la gente comenzó a llegar desde primera hora; y en sus rostros, en su actitud, sabían que, con tan grandes bandas por ver, ese sería un domingo inolvidable. Para empezar, en el Corona Light, Tegan And Sara ofreció un show digno de recordar, con un escenario cada vez más lleno de vida, donde los espacios poco a poco se redujeron entre la gran masa humana que miraba a las gemelas, mientras el clima se hacía más cómodo. Al retirarse las canadienses, sin embargo, todos sabían que la cuenta regresiva para el show de New Order comenzaba; y llegó el momento: todo inició con el poder de ‘Crystal’ y terminó con una aplaudidísima versión de ‘Love Will Tear Us Apart’, de Joy Division; así, con un show lleno de calidez, New Order cerraba la deuda que tenía con el público mexicano… —¡Son una audiencia fantástica! ¡No alcanzo a ver dónde terminan! —dijo Bernard Sumner para terminar de ganarse al

público, luego de otorgar clásicos como ‘Temptation’, ‘Blue Monday’, ‘Perfect Kiss’ y ‘Bizarre Love Triangle’. La noche comenzaba a caer y Snow Patrol subió al escenario Capital; todos estuvieron unidos con la banda, que propició un lleno como pocos; y es que en la oscuridad, con el aire frío, todos cantaron ‘Just Say Yes’. —Que disfruten a Florence… —dijeron antes de ceder el escenario. Así, un arpa se deslizó en el cambio de instrumentos: el preámbulo del cierre del escenario Capital… —Un honor estar con ustedes —saludó Welch, líder de Florence + The Machine. Y cuando Welch se ajustó la bandera mexicana en el hombro derecho, incluso algunas estrellas se animaron a salir a mirar su actuación. ‘Shake It Out’ la dedicó a todos los que movían los brazos, de un lado a otro, esperando el final.

The Black Keys

Tegan And Sara

Así llegó My Morning Jacket al escenario Corona, donde ‘Victory Dance’ fue su primera canción, misma que encendió la euforia musical de todo el mundo. M. Ward se unió a la banda en ‘Off The Record’, conformando la mitad de Monsters Of Folk, junto a Jim. Para el final utilizaron su recurso más grande: ‘One Big Holiday’, que sacudió el escenario y dio a los fans un momento especial para el recuerdo. Para cerrar el escenario, The Black Keys comenzó con ‘Howlin’ For You’. Las canciones de El Camino (2011) fueron las más disfrutadas por el público y con ‘Lonely Boy’ y ‘I Got Mine’ la dupla dio fin a la parte del festival dedicada al rock. Avanzada la noche, el DJ californiano Josh Davies, mejor conocido como DJ Shadow, fue el encargado de cerrar la carpa Bizco Club, mostrando por qué es considerado uno de los mejores tornamesistas en la actualidad. Y así, con un set poco complaciente, aunque no por ello de menor calidad, vimos terminar las actividades de Corona Capital 2012.

Florence + The Machine

Alabama Shakes

St. Lucia

AUSTIN CITY LIMITS 2012 Texto y fotos: Karina Luvián

Cualquier descripción será mínima para imaginar lo que significa vivir Austin City Limits Festival, evento que acoge a miles de personas de una manera por demás hospitalaria.

COBERTURAS

DÍA 1: 12 DE OCTUBRE

PG.055

A-Track

The Black Keys

Esperanza Spalding

Tegan And Sara

Florence + The Machine

Alabama Shakes

Con el sol resplandeciente, el público llegó desde temprano a Zilker Park. Esperanza Spalding fue quien reunió a la mayor cantidad de gente que el Barton Springs había recibido hasta las 15:00 horas, con su singular estilo y su talento. Por su parte, las hermanas Tegan And Sara hicieron suyo el Bud Light con temas como ‘The Con’, ‘Nineteen’, ‘Closer’ y ‘Living Room’. Mientras tanto, en el Honda stage subía A-Track, quien puso a bailar a todos. Justo del otro lado, iniciaba el blues rock de Alabama Shakes con ‘I Found You’, ‘Rise To The Sun’, ‘I Ain’t The Same’ y ‘Heavy Chevy’, estas últimas con Antibalas acompañándolos. Florence + The Machine también la hizo en grande en el Bud Light stage, con ‘Only If For A Night’, ‘Cosmic Love’ y su cierre ‘Dog Days Are Over’, lo cual se vio complementado con el cariño expresado entre el público y ella. El contraste de propuestas se hizo presente en el cierre del día, pues fue AVICII quien concluyó las actividades del AMD y The Black Keys hizo lo propio en el Bud Light stage. Nadie puede negar el talento de ambos proyectos; sin embargo, mientras AVICII sorprendió con su producción, la dupla de Ohio tuvo problemas de audio al principio que, no obstante, no opacaron su show por completo.

M83

DÍA 2: 13 DE OCTUBRE

Jack White

El sábado en Austin inició nublado, augurando un día con alta probabilidad de lluvia. Sin embargo, Zilker Park recibió a la misma cantidad de gente que el viernes y tuvo presentaciones inolvidables. Bombay Bicycle Club, Zola Jesus, la banda costarricense Sonámbulo y La Vida Bohème, de Venezuela, fueron de los primeros. Alrededor de las 15:00 horas, Big K.R.I.T. hacía suyo en el Honda stage y Father John Misty, con algunos problemas técnicos, intentaba iniciar su presentación, logrando ambos excelente respuesta. Algo interesante fue ver en un mismo evento desde bebés hasta personas arriba de los 50 años, todos disfrutando de proyectos con propuestas diversas. Para las 16:00 horas, el AMD recibió a Metric, con Emily Haines vestida en negro, contenta y entregada. ‘Artificial Nocturne’, ‘Breathing Underwater’ y ‘Youth Without Youth’ fueron de las canciones que escuchamos. Justo entonces, una hora después, la amenaza se cumplió con una copiosa lluvia y Band Of Skulls en el Barton Springs. La banda dejó el escenario, regresó sin lluvia y volvió a llover. En esta ocasión decidieron quedarse y todos disfrutamos sin importar nada, en un ambiente completamente festivo que continuó bajo las melodías de The Shins en el escenario AMD; ‘Kissing The Lipless’ y ‘Part Of Morrow’ entre las canciones. Ya con la noche de lleno, el público se dividió entre Jack White y Neil Young & Crazy Horse, quienes

Metric

demostraron su valía en la música y su indiscutible talento. ‘The Hardest Button To Button’, ‘Freedom At 21′, ‘Steady As She Goes’ y ‘Seven Nation Army’ fue lo elegido por White para la noche, mientras que el legendario Young hizo sonar ‘Powderfinger’, ‘Born In Ontario’ y ‘Psychedelic Pill’; una jornada redonda que no hizo más que confirmar la grandeza del festival.

Andrew Bird

The Shins

Neil Young & Crazy Horse

Big K.R.I.T.

COBERTURAS

DÍA 3: 14 DE OCTUBRE

PG.057

Crystal Castles

Red Hot Chili Peppers

Con emoción y tristeza llegó el último día, pues si bien se esperaban presentaciones importantes, éstas serían las últimas de 2012. The Boxer Rebellion, Kimbra y Stars fueron de las bandas que primero se despidieron. El evento avanzaba y alrededor de las 13:30 horas se anunció la cancelación de The Weeknd, debido a problemas de garganta; DJ Mel sería el acto de reemplazo. Pero antes de él llegaría Two Door Cinema Club, con el mayor aforo hasta ese momento. Con el cielo despejado, a diferencia del día previo, la banda salió llena de energía con temas de Beacon y su catálogo, sin olvidar el agradecer al

Die Antwoord

público por haberlos traído de vuelta a este gran evento. Por su parte, Die Antwoord soltó su mezcla de electrónico con tintes hip hop, e hizo la fiesta, lo mismo que Iggy & The Stooges, con ‘Raw Power’, ‘Search And Destroy’, ‘Gimme Danger’ y ‘Shake Appeal’, en la que el público subió al escenario con el icónico cantante. A las 17:30 horas, Crystal Castles llenó el escenario Honda. La mayor parte del show Alice e Ethan permanecieron entre tinieblas; sin embargo, ella apareció furtivamente para acercarse al público, cantar y dejarse llevar por ellos. Como era predecible, muchos aban-

The Lumineers

Two Door Cinema Club

Iggy and The Stooges

donaron el show antes de su fin, pues Anthony Kiedis y compañía estaban a punto de hacer su magia. Así, Red Hot Chili Peppers subió al Bud Light abriendo con ‘Monarch Of Roses’ y siguiendo con una desbandada de éxitos que todos corearon. ‘Dani California’, ‘Can’t Stop’, ‘Otherside’ ‘Snow ((Hey Oh))’ y ‘Under The Bridge’, para terminar con un encore y ‘Give It Away’ de despedida. Austin City Limits, un festival particular que no se parece a ningún otro, al tener como anfitriones a personas amables en un ambiente familiar, incluyente, que sin duda hay que vivir.

DESTACADO

The dream doesn’t die 059

Foto: Rob Sheridan

L SER HUMANO ES EMOCIONAL POR NATURALEZA, UN SER INFESTADO DE LA NECESIDAD DE EXPERIMENTAR, SENTIR Y VIVIR EMOCIONES, IMPLÍCITAS LAS CONSECUENCIAS BIOLÓGICAS Y MENTALES DERIVADAS DE LA PRÁCTICA EN CUESTIÓN. NO OBSTANTE, SIN IMPORTAR LA AMPLIA GAMA O LA DIVERSIDAD DE ÉSTAS, EL HOMBRE SE AFERRA A UNA EN ESPECIAL, LA CUAL PARECIERA SER AQUELLA QUE LO DIFERENCIA DE OTROS ESPECÍMENES VIVOS EN EL PLANETA, ESA QUE LO EMPUJA A SEGUIR ADELANTE, LO ALIENTA A SEGUIR INHALANDO OXÍGENO INCLUSO EN EL ESCENARIO MÁS DESOLADOR, CUANDO LA OPCIÓN LÓGICA SERÍA LA MUERTE (EN CUALQUIERA DE SUS ACEPCIONES). HABLAMOS DE LA ESPERANZA… ¿Qué sería de nosotros sin esperanza?, sin esta figura ansiosa por tomarnos de la mano y guiarnos hacia un destino añorado, en el cual los tormentos seden y dan oportunidad al sosiego, dibujando un camino dorado hacia la realización de nuestros sueños. Todos estos simbolismos hacen referencia al logro de nuestros objetivos, al cumplimiento de nuestras metas, al hecho de alcanzar todo aquello que nos propongamos; una idea romántica que hace nuestra existencia llevadera. Este espíritu ensoñador también invade a los entes sonoros y a sus creadores, los llena de bríos y alimenta su alma. Los resultados son tan diferentes como un grano de arena lo es de otro, parecidos en la forma pero destinados a cumplir un papel específico, y provocar una explosión emocional en aquel que perciba dichas ondas en su sistema auditivo.

Así, WARP Magazine presenta The Dream Doesn’t Die, un especial dedicado a mostrar diferentes perspectivas de la esperanza en voz e instrumentos de distintos intérpretes. Hello Seahorse! desnuda su nueva placa Arunima, los canadienses de Stars comparten sus sueños a futuro de la mano de The North, y el líder de Interpol, Paul Banks, nos presenta su segundo trabajo en solitario, una romántica placa titulada Banks. También, The xx detalla su nuevo álbum de estudio, Coexist, en el marco de un íntimo photoshoot, para terminar con la banda pródiga de Las Vegas, Nevada: The Killers, que habla sobre su esperanzador nuevo material Battle Born. Sean bienvenidos y reciban de manos de WARP un fragmento de esperanza sonora.

Hello Seahorse! AWAKENING TO THE FUTURE

Por: Karina Luvián / Foto: Cortesía HS

I EXISTE UNA BANDA EN MÉXICO QUE SEA ATREVIDA AL MOMENTO DE CREAR DISCOS ESA ES, SIN DUDA, HELLO SEAHORSE! YA RECIBÍAMOS EN 2009 AQUEL BESTIA, LLENO DE SYNTHPOP E INDIE ROCK, PARA DESPUÉS SORPRENDERNOS CON LOS TINTES BALADESCOS Y HASTA RANCHEROS DE LEJOS. NO TAN LEJOS, EN 2010. AHORA, EN ESTE 2012, LA BANDA LIDERADA POR LO BLONDO REGRESA CON UN NUEVO MATERIAL TITULADO ARUNIMA, O LO QUE ES LO MISMO, “EL RESPLANDOR DEL AMANECER”. PARA PLATICAR SOBRE ESTA NUEVA ENTREGA, EN LA QUE SE REENCUENTRAN COMO BANDA Y CON EL PÚBLICO, WARP MAGAZINE PLATICÓ CON ELLOS Y ESTO FUE LO QUE COMPARTIERON…

Tuvieron que pasar dos años para que el público pudiera escuchar nueva música de Hello Seahorse! Como proyecto, ¿cómo es que deciden lanzar discos? Bonnz: Luego de que salió Lejos. No Tan Lejos, en 2010, pasó un buen tiempo sin que nos juntáramos a componer, a trabajar en nueva música. En ese periodo realizamos la promoción de nuestro segundo álbum, después se presentó la gira con Zoé y cada uno se dio el espacio para participar en otros proyectos. Sin embargo, llegó el punto en el que necesitábamos regresar a la banda y volver a tocar, queríamos estar con Hello Seahorse! y unirnos nuevamente, así que decidimos establecer una fecha para componer. Nosotros somos de esas bandas que deben fijarse tiempos para crear, porque no componemos todo el tiempo… Lo Blondo: … componemos para el disco…

Cuéntenos sobre el disco y su realización… LB: Camilo Froideval es quien lo produjo, él es un gran amigo de la banda. Todo el material lo trabajamos este año y la verdad es que ha sido un proceso bastante rápido; empezamos a componer en enero, aquí en la Ciudad de México, y luego vinieron una serie de eventos importantes para nosotros -Festival Verde, en Panamá; Vive Latino, en D.F.; Coachella, en California-. Terminados esos compromisos, en abril, nos fuimos a Sonic Ranch, en El Paso, Texas, y terminamos de grabarlo… la mezcla también ocurrió allá.

Lejos. No Tan Lejos fue un trabajo por demás arriesgado, por su concepto en general pero por su sonido en particular. ¿Cuál sería la característica de este nuevo disco? LB: Algo muy importante es que tiene muchas más guitarras. El hecho de haber trabajado con alguien como Camilo, quien tiene muy presente el rock, vino a concretar ese instrumento en nuestra música, lo que obviamente se vio reforzado al tener a Joe como guitarrista. Si escuchas Arunima puedes percibir que sigue intacto ese old Hello Seahorse!, pero con una presencia mayor de las guitarras, pues Camilo supo

llevarnos muy bien por el camino que queríamos para la placa. Muchas veces tienes muy claro lo que quieres, pero no sabes cómo lo vas a lograr, así que fue en ese punto en el que nuestro productor resultó fundamental. ¿Qué los inspiró para crear este disco? LB: Líricamente son experiencias. A mí me gusta que las canciones que escribo sean sobre lo que vivo, aunque claro, es curioso que cuando lo plasmas en tu música y lanzas un disco todo se convierte en propiedad de alguien más. En fin, habla de muchos temas, sin dejar de lado el sello nostálgico de la banda. Hay muchos personajes en cada tema, casi todos reales, dentro de un contexto embellecido, que es lo que haces cuando creas una canción… o al menos es como yo lo hago. Todo esto está cobijado con la música que ellos crean, con aportación de todos, lo que es muy sano entre nosotros, pues expresamos, compartimos y creamos juntos. Finalmente, ¿qué hay sobre el título? ¿Cómo es que llegan a él? LB: Arunima es una palabra del sánscrito, una palabra antigua que significa “el resplandor del amanecer”, los primeros destellos del día después de la oscuridad de la noche. El nombre lo encontré en un perfume que busqué con la necesidad de depositarle una experiencia que viví, quería utilizar ese poder que tienen los aromas de regresarte a una situación muy bonita o a algo desagradable. Entonces me encontré con una señora que hacía perfumes artesanales y resultó que el perfume que me podía transportar a ese hecho se llamaba Arunima. Después empezamos a trabajar en el disco y la palabra estaba presente, presente, presente; curiosamente, cuando estábamos en la mezcla y debíamos elegir un nombre, por unanimidad seleccionamos ese exactamente. Además, tiene cierta relación con el arte, que es un ojo que representa el despertar y el ver el nuevo camino que puedes recorrer, sin saber siquiera qué te espera y cuánto habrás de pasar para llegar nuevamente a la noche. Desconociendo el devenir de su carrera, Hello Seahorse! está listo para captar más escuchas, despertar interés en nuevos públicos y crecer como una banda siempre propositiva, siempre presente.

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B: … exacto, componemos en el momento en que tenemos esa necesidad interior. Así fue que nos reunimos en enero, con horarios fijos. El que nosotros lancemos discos surge, sin duda, de la necesidad de crear obras en el momento en que nos nace ese sentimiento; todo llega en el momento indicado y creemos que así ocurrió ahora… todo salió muy bien.

Lo romántico y lo melodramático N RAT GIRL, LIBRO AUTOBIOGRÁFICO PUBLICADO POR KRISTIN HERSH, EN 2010, LA CANTANTE DEL GRUPO DE ROCK ALTERNATIVO THE THROWING MUSES RELATA UNA CONVERSACIÓN CON UNA AMIGA, EN LA QUE NO DUDA EN DEFINIR A SU MÚSICA COMO UN ACTO DE VIOLENCIA; COMO UNA PISTOLA, AÑADE. NO HABÍA ROMANTICISMO EN LA BANDA SONORA EXISTENCIAL DE LA GENERACIÓN X, Y SI LO HABÍA, SE EXPRESABA DE UN MODO CONVULSO. QUE LE PREGUNTEN POR EL TEMA A KURT COBAIN, POR EJEMPLO.

Resulta difícil aplicar el calificativo “romántico” al rock, se ha convertido en atributo exclusivo de rancios cantantes melódicos (latinos, en su mayoría) y permanece en situación de destierro, como si la electricidad estuviera reñida con la sensibilidad. De ahí que su recuperación haya llegado a través de los sintetizadores, en una situación que no deja de resultar paradójica porque, en principio, se trata de un instrumento poco humano, un instrumento sintético, y sin embargo es el que impregna de aire nocturno y otoñal las canciones de The xx, el que otorga ese carácter ensoñador (por algo se llama dream pop) a las creadas por Beach House y el culpable también de que recordemos la década de los ochenta como un purgatorio habitado por bandas de synth-pop cursi y trasnochado, algo que no debió de serlo tanto cuando ahora está siendo recuperado por Friendly Fires, Wild Nothing o Twin Shadow. De hecho, no lo fue, ahí estaba New Order para demostrarlo. El romanticismo rock será exacerbado o no será, y entonces no funcionará como el luminoso rayo de esperanza que promete un paraíso hedonista al final del túnel, sino como un auténtico abismo emocional. ¿Acaso no es romántico Nick Cave? En cambio, nunca diríamos que es optimista. El amor sin dolor sólo puede ser inconsciente (la inofensiva pirotecnia de The Killers) o impostado (la brumosa melancolía de Interpol). Así pues, quizá el único territorio que le queda al rock romántico es el

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Por: Eduardo Guillot

Scott Walker melodrama, donde es posible encontrarse con las canciones elegantes y sofisticadas de Tindersticks, una banda que siempre tiene presente la figura del gran maestro del género en territorio pop: Scott Walker, un hombre capaz de sumir al oyente en la noche más oscura, pero también de convertir en canción extraordinaria una anécdota tan simple y cotidiana como el beso entre una joven y un viajante (en ‘Rosemary’). Admirador de Jacques Brel, apasionado como Leonard Cohen y reivindicado por David Bowie, Scott Walker ha encarnado a lo largo de

cuatro décadas (las que van desde su debut en solitario, en 1967, hasta The Drift, publicado en 2007), una manera romántica de aproximarse a la música, cuya huella se puede encontrar en Soft Cell, The Smiths, The Magnetic Fields o The Divine Comedy. Pero la suya es una forma de entender la pasión musical que no siempre está relacionada con la esperanza. Quienes la busquen, tienen la alternativa que ofrecen Danielson, Sufjan Stevens, Josh T. Pearson, Low o incluso Arcade Fire, que han convertido la fe y la motivación espiritual en un elemento más a la hora de elaborar su sugestivo discurso sonoro.

›› Eduardo Guillot es periodista y crítico musical español con una trayectoria de 25 años. Actualmente colabora en la revista Rockdeluxe.

Stars LIGHTS CHANGING COLOUR Por: Karina Luviรกn / Foto: A. De Wilde

Es el caso de Stars, quinteto canadiense que este 2012 presenta su disco The North como uno de los más importantes en su historia, marcando su sexto trabajo a lo largo de once años; una placa con excelentes atmósferas dream pop/electro pop y las voces de Torquil Campbell y Amy Millan jugando entre paisajes oníricos y letras llenas de sentimiento. WARP Magazine tuvo el gusto de platicar justamente con Amy sobre la música creada por Stars, la industria actual y de la situación de la banda hoy en día. Aquí lo que dijo… Stars es una banda con años en la industria que pese a eso -o quizá por eso- continúa con sus mismos integrantes. ¿Cómo es que siguen haciendo historia, ahora con The North? Nuestra unión como banda fue como cuando te enamoras de alguien, ¿sabes? Es difícil decir cuándo empezó todo, sólo nos conocimos, nos sentimos como una familia y no hubo preguntas sobre lo que íbamos a hacer; lo que tenía que ocurrir ocurriría. Crecimos juntos, fuimos niños juntos, todo lo que conocimos fue creado estando juntos, hemos sido los mismos integrantes desde hace 14 años y nos sentimos cómodos así. Cuéntame de las generalidades del disco, sobre su realización… Bueno, este es un disco con mucha alma, un disco en el que hablamos de temas recurrentes en nuestra discografía como lo es el sexo, el amor, el arrepentimiento… y la esperanza. Nosotros lo coprodujimos, como ocurrió con Set Yourself On Fire (2004), y volvimos a confiar la mezcla a Tony Hoffer, quien nos entregó un trabajo excelente. Hablando sobre la composición, somos Torquil y yo quienes escribimos todo y con la música manejamos una especie de democracia entre los cinco integrantes. Mucho de este disco lo grabamos en nuestro propio estudio de casa y también tuvimos la oportunidad de ir a este hermoso lugar construido en 1948, en Montreal, llamado Victor Studios. La voz de Torquil y la tuya crean armonías realmente lindas e interesantes. ¿Cómo es que decidieron cantar juntos en la música de Stars? El concepto completo de la banda siempre fue poner nuestras voces juntas. Es como te comentaba hace un momento, cuando tú conoces a alguien por primera vez y te enamoras por completo. La primera vez que cantamos juntos supimos que un matrimonio había ocurrido… un matrimonio vocal, de hecho, porque nosotros no estamos casados, sólo nuestras voces.

Algo que me parece interesante es la forma en que la música pop se ha ganado un espacio significativo en festivales con perfil rock, pues ahora el público la escucha y gusta de ella sin predisposición basada en el género. ¿Cuál es tu opinión sobre esto? Creo que la situación en el negocio está muy mal, pero afortunadamente Internet ha venido a cambiar todo. Quiero decir: La gente que de algún modo es responsable de las estaciones de radio, quienes ponen la música, dependen de aquellos que manejan las compañías y dan dinero a dicha estación, siendo éstos quienes elijen las canciones. Obviamente, las personas incorporadas a eso no tienen ni puta idea de lo que la gente quiere, porque subestiman al público todo el tiempo. Lo que Internet hizo fue que la gente se diera cuenta que no tiene una cierta sección de cosas para escuchar, sino que existe una gama de sonidos diferentes. Y sí, las personas aman cierto tipo de música particular, a nivel individual, pero ahora que la música está siendo quitada de las manos de corporaciones idiotas hay más espacio para la exploración. Cómo te sientes tú, particularmente, del punto en el que se encuentra la banda luego de alcanzar una trayectoria importante y de presentar una nueva placa. Es una pregunta complicada. ¡Siento muchas cosas! Cómo empiezo… me siento muy emocionada y orgullosa de este disco, creo que es parte de la mejor música que hemos escrito, estoy orgullosa del éxito de mis compañeros de banda y, por supuesto, estoy orgullosa del hecho de que tengamos una increíble base de fans, quienes compran nuestros discos y van a vernos tocar. Creo que todo eso es un logro que no cualquiera obtiene, así que me siento muy agradecida, siento muchísima gratitud y emoción. ¿Por qué consideras que este es su mejor disco a la fecha? ¡Porque nos divertimos muchísimo tocándolo! Estoy muy orgullosa de todos nuestros discos, no hay ninguno del que no me sienta así, es sólo que seguimos trabajando por la mejor canción que podamos lograr y nos divertimos mucho en el proceso. ¿Podría haber una próxima visita de Stars a México? ¡Por supuesto! Ya hemos estado allá y recuerdo que fue hermoso y, de hecho, es uno de mis shows favoritos de todos los que he tocado. ¡Nos veremos pronto México!

›› Karina Luvián es Coordinadora Editorial de WARP Magazine, puedes leer su entrevista exclusiva con Tegan and Sara en WARP #50.

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A PERIODICIDAD EN PRODUCCIÓN MUSICAL ES VARIABLE POR CADA BANDA; SIN EMBARGO, EXISTE UN GRUPO DE MÚSICOS QUE ENCUENTRAN ESTE QUEHACER COMO UNO DE LOS MÁS IMPORTANTES EN SU CARRERA Y, POR ENDE, HAN NUTRIDO DE TRABAJOS NOTABLES NO SÓLO A LA ESCENA DE SU PAÍS, SINO DE AQUELLA QUE SE DIBUJA A NIVEL INTERNACIONAL.

Música y esperanza Por: Marc Dorian / @marcdorian Foto: Jem Cohen

Fugazi, la banda originaria de Washington, formada en 1987 por Ian MacKaye, constituye todo un paradigma de ética artísica y profesional en un negocio, el de la música, que demasiado a menudo se mancha las manos con el lodo de la codicia. Surgida de las cenizas de la banda punk-hardcore Minor Threat, Fugazi siempre tuvo claro que el precio de los boletos de sus conciertos no debía superar los 5 dólares, siendo el precio de sus discos raras veces superior a 10 dólares. Además, MacKaye y los suyos siempre han luchado por conseguir que públicos de todas las edades puedan acudir a sus conciertos, haciendo todo lo posible por burlar esa estúpida ley que, al amparo de la prohibición de la venta de alcohol a menores, impide a los más jóvenes disfrutar de la música en directo. La música de Fugazi trasmite esperanza y ganas de resistir, siendo además su actitud la demostración de que las cosas se pueden hacer de otro modo, incluso viviendo en Estados Unidos, el país más capitalista del mundo. Por un lado están los artistas que tienen una actitud abiertamente política, y por otro aquellos que, además de hacernos sentir vivos con su música, trazan lazos entre comunidades y razas. Tres buenos ejemplos de ello con De La Soul, Beastie Boys y Mano Negra. De La Soul fue la banda que trajo la buena onda al mundo del hip hop, y pongo a Dios por testigo que 23 años después de la publicación de 3 Feet High And Rising (1989) su primer disco, sigue haciéndolo. Tanto predicaba De La Soul acerca de la paz y el amor que 3 Feet High And Rising fue descrito como un disco de rap hippie. Y

luego está Beastie Boys que fue, junto con De La Soul, una de las formaciones que con su música y su actitud mejor supo trazar lazos entre las comunidades blanca y negra de Estados Unidos. La música de Beastie Boys demostró que los blancos también podían rapear, al tiempo que acercó el rap al público rockero, predominantemente blanco y casi siempre reacio a aceptar moderneces. Al mismo tiempo que De La Soul y Beastie Boys impregnaban de buenas ondas las calles de Estados Unidos, Manu Chao llevaba a su Mano Negra al top 10 de varios países de Europa (entre ellos Holanda e Italia), con una batidora de ritmos y raíces musicales de una vitalidad tan deslumbrante, que demostró que el idioma no siempre tiene que ser una barrera para llegar a cualquier país del mundo. Para seguir con este breve repaso me gustaría citar a M83 y a Belle And Sebastian, dos bandas que han

demostrado que cierto grado de cursilería administrada con sensibilidad, inteligencia y buen gusto, puede llegar a lo más profundo del alma. Descubrí a M83 con su disco Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts (2003) y desde entonces Anthony Gonzalez es un artista que jamás ha dejado de sorprenderme. Si en Saturdays = Youth (2008) exploró los caminos que unen a la eletrónica con el shoegazing, enarbolando la bandera de la vitalidad adolescente, en Hurry Up, We’re dreaming (2011) se llevó esos sonidos a la pista de baile, haciéndonos vibrar con canciones como ‘Reunion’ o ‘Midnight City’, tracks de sobra conocidos por todos. Y luego está Belle and Sebastian. Jamás olvidaré el año en que descubrí su disco If You’re Feeling Sinister (1996). Aquellas delicadas y maravillosas melodías folk-pop fueron una de las bandas sonoras indiscutibles de la generación indie a finales de los años noventa. Belle And Sebastian traslada la ironía británica al terreno de lo sentimental, y además tiene tanto nivel que se puede permitir incorporar en sus letras nombres como el de Dostoyevski sin resultar pedante. Si bien es cierto que, en ocasiones, movimientos musicales tan agresivos como el punk o el rock industrial han contribuído de forma decisiva y necesaria a despertar conciencias y a sacudir los cimientos del stablishment, no lo es menos que la música también debe servir para elevar positivamente nuestros sentimientos y estados de ánimo. Un buen pildorazo de empatía nunca sobra.

›› Marc Dorian es líder de la banda originaria de Barcelona, Dorian. Puedes leer su artículo “Sobrevolando El Subsuelo” en #WARP 48.

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UANDO ME LLAMARON DE WARP PARA QUE ESCRIBIERA ESTE ARTÍCULO SOBRE ARTISTAS QUE HAYAN TRANSMITIDO ESPERANZA CON SU MÚSICA, EL PRIMER NOMBRE QUE ME VINO A LA CABEZA FUE FUGAZI. ¿FUGAZI?, DIRÁN USTEDES. ¿UNA BANDA DE HARDCORE O POST HARDCORE? BIEN, SÍ. ES QUE HAY MUCHOS MODOS DE EXPRESAR UN MISMO SENTIMIENTO, Y A LO LARGO DE ESTE TEXTO TRATARÉ DE CITAR VARIOS EJEMPLOS.

Paul Banks ANOTHER CHANCE Por: Raúl Arce / Fotos: Cortesía PB

Previo al éxito de Interpol, Paul empezó a actuar en pequeños clubes con el nombre de Julian Plenti, seudónimo que utilizaría tiempo después para editar su primer disco solista Julian Plenti Is … Skyscraper (2009). Recientemente, Paul Banks editó un nuevo álbum en solitario, pero en esta ocasión bajo su nombre real. Banks es el título elegido y aunque por momentos nos puede recordar a la oscuridad de Interpol, también marca un distanciamiento del cantante con respecto al sonido de la banda que lo hiciera famoso, mostrando una faceta un poco más brillante y melódica. En entevista con WARP Magazine, Paul Banks reveló algunos detalles acerca de este segundo material; aquí la conversación… Conocemos tu trabajo con Interpol y, por supuesto, tu faceta como Julian Plenti. ¿Por qué decidiste cambiar y usar tu nombre real en esta ocasión? El primer disco tenía canciones que había escrito cuando yo era Julian Plenti, mucho antes de Interpol, presentándome bajo ese nombre. Posteriormente empecé con la banda y utilicé mi nombre real. En ese momento ya tenía algunas canciones escritas, así que cuando decidí sacar el primer disco lo hice motivado principalmente por esos temas. Para mí, Julian Plenti Is … Skyscraper resultó ser una visión retrospectiva de mi trabajo previo a la banda, por lo que me pareció apropiado realizar la idea original que había tenido bajo mi seudónimo. Para el álbum Banks todos los temas son nuevos; lo de Julian Plenti fue algo que hice al

principio de mi carrera, pero ahora estoy en otro lugar… y bueno, las canciones de este disco son nuevas. Para mí era más honesto y más fácil usar mi nombre, simplemente porque ya no son canciones de cuando era Julian Plenti. ¿Cómo fue el proceso creativo para este disco? Hice las canciones en mi laptop, muchas de ellas cuando iba de gira con Interpol, mientras viajaba en el autobús con la banda y dormía en distintos hoteles. Cuando tuve 10 o 12 canciones completas en mi computadora, fui al estudio y las volví a grabar, pero ahora con la ayuda del productor Peter Katis y, por supuesto, con instrumentos reales. Cuando llegué al estudio ya tenía todas las canciones trabajadas en maquetas, con todas las ideas para la batería, los arreglos de cuerda, las flautas y los teclados. Así que, básicamente llegué al estudio y las grabé de nuevo. ¿Podrías describir el sonido de Banks? Bueno, con relación al primer álbum podría decir que este es más denso, sofisticado e intenso. Para mí es solamente una continuación, no es como si tuviera otra identidad creativa por el hecho de usar mi nombre real, ¡para nada! Se trata de una continuación en mi obra como solista, una evolución. ¿Qué te inspiró a escribir las letras para este álbum? Para mí siempre es la música lo que inspira a la letra, considero que eso es lo más importante. Cuando empecé con Interpol yo tenía poemas, tiempo después intenté

›› Raúl Arce es Editor de Contenidos de Gamebox.la y colaborador de WARP Magazine.

ponerlos en el contexto de las canciones pero me di cuenta que estaba sacrificando demasiado en cuestión de melodía, por lo que dejé de hacerlo. En mi opinión, lo más importante de la letra es la interacción que puede tener con respecto a la melodía y el ritmo. Yo nunca intento poner una letra específica en una canción, yo dejo que la canción me diga qué quiere; siempre escribo la letra después de la música. ¿Cómo suena Banks en vivo? Yo creo que mejor que mi primer disco. Esta vez hice el esfuerzo de pensar cómo sonaría esto en vivo. Quería que todos los instrumentos y elementos de las canciones parecieran ser el trabajo de un grupo de artistas, no de un individuo. Eso lo hice desde la misma composición de las canciones, por lo que considero que se traduce muy fácilmente al escenario. Ahora que te presentas como Paul Banks, ¿cómo logras sacudirte la imagen de Interpol? Bueno, yo hago música y creo que es una expresión diferente. No me molesta que la gente me relacione con Interpol, además, es inevitable. Creo que lo más importante es expresarme como artista. ¿Qué hay en el futuro para Paul Banks? Voy a hacer una gira en Estados Unidos y Europa, también voy a México. Probablemente esté de gira hasta el próximo verano. Con respecto a Interpol, me gustaría aclarar que la banda no se termina, por supuesto que no, así que lo próximo en nuestra agenda sería hacer un disco nuevo, veremos qué ocurre.

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AUL JULIAN BANKS ES EL NOMBRE COMPLETO DE AQUEL QUE MUCHOS CONOCEMOS POR SER EL VOCALISTA Y LÍDER DE INTERPOL. PERO ADEMÁS DE ESTAR AL FRENTE DE UNA DE LAS BANDAS NEOYORKINAS MÁS RELEVANTES DE LOS ÚLTIMOS AÑOS, ESTE BARÍTONO TIENE UNA FACETA DIFERENTE, DONDE MUESTRA SU TRABAJO EN SOLITARIO.

Carry on O ESTOY SEGURO SI SE TRATA DE LA MEJOR SINCRONIZACIÓN O LA PEOR DE ELLAS, PERO DÍAS ANTES DE QUE WARP ME PIDIERA MI OPINIÓN ACERCA DE MÚSICA ROMÁNTICA E INCLUSO CURSI, MI RELACIÓN CON LA MEJOR MUJER QUE CUALQUIER PERSONA PUDIERA CONOCER, TERMINÓ. DEJANDO LAS COSAS CLARAS –Y NO PRETENDO PONERME TODO EMOCIONAL CON USTEDES– LA AMO DELIRANTEMENTE TODAVÍA, PERO POR FAVOR, NO PIENSEN QUE LA QUIERO HACER VER COMO EL ENEMIGO EN ESTA PIEZA, SÓLO ESTOY DEMOSTRANDO MIS CREDENCIALES SOBRE EL TEMA, POR DECIRLO ASÍ.

Con esa confesión fuera del camino (honestamente ella es maravillosa, no piensen que estoy intentando vengarme de ella aquí, de hecho ella les caería muy bien...) la razón por la que les dije todo esto es para, en primera, dejar claro el estado mental con el que escribo esto, y principalmente para decirles por qué las canciones románticas que te mueven el corazón son vitales para una buena vida. En tiempos más felices he llegado a amar discos como el debut de The xx o Bows + Arrows, de The Walkmen, por sus delicados centros emocionales y porque te dejan sentir, escapar y experimentar una gama completa de la vida sin tener que estar presente en ella, y eso no es tarea fácil. Revelar tu alma, en especial las partes delicadas, no es nada fácil (estoy haciendo esto bajo la condición de que no se publicará en inglés, tal es mi timidez), y hacerlo de manera que les permita a los demás tener una genuina mirada a ese mundo torturado y abrumador –aun si la canción es positiva o negativa– requiere una habilidad especial para ser logrado. No sólo necesitas crear algo que resuene en el público, sino que también debes hacerlo de manera que resulte tan personal para quien lo escuche que se sienta real para él; de otra manera, daría lo mismo que si estuvieras escribiendo tarjetas de felicitación con rimas. En una era de constante estimulación, explotación cínica y emociones baratas, un compositor que puede escribir cosas que te hagan sentir –ya sean las cursiladas americanas de Brandon Flowers o los paseos por el lado oscuro del corazón

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Por: Paul Stokes / @Stokesie

Willy Mason de Elvis Costello (sugiero ‘I Want You’ como evidencia)– es alguien que debe ser verdaderamente apreciado. Y hay ocasiones en la vida cuando no sólo lo estás escuchando, también lo estás viviendo. En este momento no me atrevo a acercarme a mi colección de discos, es demasiado cruda, demasiado intensa. De cualquier manera, saber que se encuentra ahí es extrañamente reconfortante. Me digo a mí mismo que nadie puede entender el agonizante, melancólico y, aún peor, torturante optimismo ocasional sin fundamentos que estoy experimentando, pero aún así hay canciones que capturan y reflejan mi experiencia personal. Hacen que te des cuenta que no estás solo, que probablemente no es tan horrendo como te lo imaginas (aunque sigue siendo bastante terrible) y te da el ánimo para ser sensato y tomar algo de perspectiva. Recientemente algunas canciones en el nuevo disco de Madness me han hecho llorar, en un buen sentido, mientras que

lo nuevo de Willy Mason encajó perfectamente con el momento que estoy viviendo (su voz no está confinada a ningún periodo de tiempo, es tan sabia que es difícil no estar de acuerdo con ella cuando dice que “un final no es un fin”). Incluso tuve la oportunidad de ver a Andy Burrows presentarse en una iglesia esta semana, y aunque sus canciones no son exactamente espirituales, su candor emocional fue extrañamente revitalizante. Y como dije, no está en mi colección de discos... por lo menos no aún. Así que, ¡larga vida al rock and roll sentimental! Te hace sentir, te recuerda que eres humano y en ocasiones te puede ayudar a darle sentido a la vida y, por lo tanto, a sentirte un poco mejor. Ya sea cuando estás feliz, te estimula e ilumina, o cuando estás en una situación como la mía y te consuela, ofrece esperanza y sugiere que no eres el primero ni serás el último en sentirte así. Personalmente, eso me parece un fenómeno muy especial.

›› Paul Stokes es Editor Asociado de Q Magazine, puedes leer su entrevista exclusiva con Muse en WARP #49.

›› Diovanny Garfias es Editor en Jefe de WARP Magazine, puedes leer su entrevista con León Larregui en WARP #50.

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XX The UNFOLD Por: Diovanny Garfias

Fotos: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP Asistente de Foto: Leonel Hernández Maquillaje: E-Lee Pe Se Asistente de Producción: Iván García

Agradecemos las facilidades otorgadas para la realización de esta sesión a Common People (Emilio Castelar 149 Col. Polanco).

Muchos catalogan a The xx como una banda con una perspectiva oscura y desoladora, sin embargo, es casi evidente que, detrás del resentimiento y espíritu de reclamo, por momentos implícito en su música, hay un halo de claridad, que invita a la conciliación y que logra sanar heridas superficiales de batalla. Es precisamente esta mezcla de sentimientos la que hace de los originarios de Londres, Inglaterra, uno de los mejores actos que habitan la Tierra hoy en día. Algo realmente increíble es pensar que estos tres jóvenes hayan logrado tanto con un sonido que prácticamente los deja al desnudo, que por momentos muestra lo más profundo de su ser y en otras ocasiones los cobija, apenas con un velo que sugiere lo que hay debajo. Al parecer Romy, Oliver y Jamie encontraron una fórmula simplista, pero efectiva: compartir su perspectiva de la vida, ambientada por melodías aptas para cualquier situación que aqueje la existencia. El resultado ha sido más que fructífero y no es de extrañar que su segunda placa se haya convertido en una de las más esperadas de 2012, y que su salida al mercado, además, le haya valido –casi en automático- convertirse en una de las mejores del año, aunque quizá parte de ese éxito se haya generado gracias a la necesidad de la gente de conectarse con otros de su especie, de sentir y ser sentido, de consumir emociones en cualquiera de sus presentaciones, sin importar si se apoyan del lado del amor, de la demencia, la tristeza, el deseo o la depresión. WARP Magazine tuvo una íntima charla con la banda en su reciente visita a México, ambientada por tazas de café y el silencio de una mañana de otoño… ¿Por qué creen que su música conecta con tanta gente alrededor del mundo? Romy: Creo que nunca pensamos que las cosas fueran a llegar más allá de cualquiera de nosotros. Cuando empezamos en esto teníamos unos 15 o 16 años y lo hacíamos por diversión, hacíamos la música que queríamos escuchar y desde entonces todo ha sido crecer. Saber que la gente en México escucha nuestra música significa mucho para nosotros. Cuéntenos, ¿cómo fue empezar a trabajar en el nuevo disco? Lo pregunto porque después de lanzar su debut todos tenían los ojos puestos en ustedes, esperando el nuevo material… ¿Esta expectación cambió su forma de trabajar? Jamie: No, para nada. Para ser honestos tratamos de regresar al punto en el que empezamos a hacer música, fuimos a un

lugar agradable en Londres, escribimos y grabamos; de hecho fue en un apartamento y nos sentimos muy cómodos. Este disco se siente con la vibra clásica de The xx, pero con diferencias muy marcadas respecto a su debut. Para ustedes, ¿qué cambió hablando del sonido en específico? Oliver: Para mí, la gran diferencia es que ya no somos tan inocentes, grabamos más rápido, ¿sabes? Empezamos a escribir cuando teníamos 15 o 16 años, este disco lo hicimos a los 22, hemos crecido mucho, tenemos más experiencia, hemos viajado alrededor del mundo en un par de ocasiones, así que éste proviene de un lugar diferente. No sólo hablando de la confianza que nos tenemos, la forma de escribir ha cambiado, ya no hacemos canciones de amor adolescente, también tenemos más experiencia en ese rubro, ya no tenemos que escribir necesariamente respecto a cosas ficticias, ahora hablamos de lo que vemos y de lo que esperamos. En lo personal escribí de un modo más autobiográfico, hablé más de mis experiencias, así que diría que hemos madurado mucho. ¿En este momento de su carrera se sienten como una banda madura? J: [Risas] Definitivamente más madura, hemos aprendido mucho en los últimos años; no si nos comparamos con una banda que tenga años de tocar, hablamos más bien de una experiencia totalmente diferente. No sé si somos lo suficientemente maduros, pero me gusta el lugar en el que estamos ahora. Jamie, te has convertido en uno de los DJs y productores más solicitados en los últimos años. ¿Qué tanto te ayudó esta experiencia a la hora de estar creando el sonido de Coexist? J: Para mí las cosas cambian radicalmente entre hacer una cosa y la otra: con The xx trabajo con mis dos mejores amigos, como DJ o productor trabajo solo o con extraños, pero creo que si nunca hubiera tenido esa experiencia probablemente el disco habría sido diferente, aunque nada en particular sirvió de influencia para Coexist. Ahora que está terminado, ¿cuál es su perspectiva de Coexist?, ¿lo ven como un disco que se pueda escuchar de principio a fin? R: Espero que lo hayamos logrado, pasamos mucho tiempo armando el tracklist, viendo qué encajaba y qué no. Jamie y yo hicimos algunos DJ sets y ahí probamos las canciones. Al final tratamos que las canciones funcionaran en conjunto, que fluyeran de una forma linda. No es un disco concepto, en el sentido que siga una idea en particular, no tratamos de hablar de amor o desamor, sólo de cosas de las que queríamos escribir.

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STE TRÍO DE DESADAPTADOS CAPTÓ LA ATENCIÓN DE MILES ALREDEDOR DEL MUNDO EN 2009 CON SU ÁLBUM DEBUT XX. DESDE ENTONCES, HA RECORRIDO EL PLANETA Y SE HA PARADO EN LOS ESCENARIOS MÁS IMPORTANTES DEL MUNDO. INCREÍBLE PENSAR QUE SU SONIDO CÁLIDO Y MINIMALISTA SE CONVERTIRÍA EN EL GANCHO QUE ATRAPÓ A INCONTABLES MELÓMANOS, EN UNA ÉPOCA SATURADA EN TODOS LOS ASPECTOS. AÚN ASÍ, RESULTA MÁS ADMIRABLE LA FORMA EN LA QUE LA BANDA CONECTÓ CON EL PÚBLICO, APOYADA EN LA DIVERSA GAMA DE SENTIMIENTOS EVOCADOS POR SU MÚSICA.

¿Es difícil interpretar Coexist en vivo? R: Todas las canciones que hemos escrito desde el primer álbum fue con la intención de tocarlas en vivo, eso fue lo que hizo que nuestras canciones fueran simples y minimalistas -de hecho creo que al principio no las tocábamos muy bien-. Así que nunca quisimos tener backing tracks o muchas capas que no pudiéramos tocar en vivo: una guitarra, un bajo y es todo. Este álbum lo hicimos con esta idea en mente, quizá ahora podemos hacer más cosas, pero tratamos de mantenerlo simple, eso hace que podamos montar fácilmente nuestros shows, no necesitamos llevar tantas cosas. Estos dos discos han ayudado a definir su personalidad sonora pero, ¿les gustaría hacer algo totalmente diferente en el futuro? O: Claro que sí, ¿sabes?, siempre estamos escuchando diferentes tipos de música, en lo personal me siento muy interesado en

las cosas que nunca hemos hecho, como colaboraciones. Me gustaría obligarnos a salir de nuestra zona de confort, sí, es algo en lo que definitivamente estamos interesados y que buscaremos en el siguiente disco, o no necesariamente, pero sí en la siguiente oportunidad que tengamos para ser creativos. Me sorprende cómo es que los medios suelen catalogarlos como personas oscuras, muy emocionales o poco sociables, cuando en realidad es muy agradable platicar con ustedes… O: [Risas] Es divertido, me parece una de las más grandes equivocaciones acerca de nosotros. Creo que la gente nos toma demasiado en serio, como si fuéramos a salir al escenario y empezáramos a llorar [risas]. Sorprendentemente somos personas muy felices, muy sonrientes. Supongo que todo viene de la imagen pública que tenemos, cuando nos toman fotos no sonreímos mucho, pero, te lo juro, somos muy felices.

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Land Of Hope and Dreams

ARUNIMA DE LA MÚSICA

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Por: Alejandro Franco

HACE POCO CONOCÍ EL SIGNIFICADO DE “ARUNIMA” GRACIAS A LA BANDA MEXICANA HELLO SEAHORSE!, QUE TITULÓ ASÍ SU NUEVA E INCREÍBLE PRODUCCIÓN DISCOGRÁFICA. ESTA PALABRA SE REFIERE A ESE DESTELLO DEL AMANECER O ATARDECER EN EL HORIZONTE QUE, POR CIERTO, NOS HACE SENTIR QUE TODO ESTARÁ BIEN, Y PARA MUCHOS SERES HUMANOS, MÁS QUE EN UN ASUNTO MERAMENTE VISUAL, ES UN MOMENTO DE ESPERANZA.

Y es que la música es eso para mí y ojalá que para varios de ustedes, si es que por eso están leyendo esta publicación. Muchas veces hablo de mi trabajo pero sobretodo del de los tantos músicos que nos entregan momentos mágicos con su obra, y todo siempre lo resumo en “hacer las cosas por las razones correctas”. Cuando eso ocurre, la música, de manera real y auténtica, se siente en cada acorde, en cada beat y en cada letra. No hay duda para lo falso y sólo nos queda la contemplación y con ello, otra vez, la esperanza.

Ante la inevitable (hasta hoy) situación desesperanzadora en la política y los gobiernos mundiales, ante las crisis económicas como la española, las trágicas cifras de inseguridad en México y las decepciones electorales como la de Venezuela recientemente, no podemos dejar de creer ni de confiar en que a partir de un punto todo estará mejor. No es una utopía ni un pensamiento derrotista el asegurar que, ya que estamos tan mal, sólo nos queda mejorar; se trata más bien de una energía poco lógica, pero siempre eficiente, con la que nos regimos muchos de nosotros

todos los días, sin siquiera saberlo, y que quizás sólo puede explicarse al ver la arunima de un día o al escuchar una canción que nos haga regresar al camino. Cuando todo se pone más difícil, si hacemos lo que nos toca por las razones correctas, quiere decir que estamos más cerca del cambio. Ese cambio que ya de entrada nos llevará de la noche al día, o de una tarde a una noche placentera, según sea el caso. Así que escojan su canción favorita de la temporada y prepárense para no dejar el sueño de lado y seguir alimentando la esperanza.

›› Alejandro Franco es conductor del nuevo programa WFM en cadena nacional (México) W Radio de lunes a viernes a las 21:00 hrs.

The

Killers FLESH AND BONE Por: Paco Sierra / Foto: Cortesía TK

›› Paco Sierra es Editor en Jefe de WARP.la y puedes leer su artículo respecto a Outside Lands 2012 en WARP #50.

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A MÚSICA SIEMPRE ESTARÁ LIGADA A NUESTRO LADO EMOCIONAL, MÁS AÚN CUANDO A TRAVÉS DE SUS LETRAS PODEMOS ENTRELAZAR MUCHAS DE ELLAS; VERSOS, RIMAS Y PALABRAS EN LAS QUE NOS REFLEJAMOS CREAN ESTE APEGO ÚNICO Y ESPECIAL A UNA CANCIÓN. ASÍ HA SIDO DESDE EL LANZAMIENTO DE ESE TAN LEJANO (PARA MUCHOS) HOT FUSS, EN 2004, CON THE KILLERS; SUS CANCIONES HAN VIAJADO POR TODO EL MUNDO EN LOS OÍDOS DE JÓVENES Y OTROS NO TANTO, HAN SIDO PARTE DE GRADUACIONES, BODAS, FIESTAS O CUALQUIER CELEBRACIÓN, PERO SOBRE TODO HAN ESTADO AHÍ… EN ESOS MOMENTOS EN QUE MUCHOS NECESITAN CONSUELO, SUSPIRO Y ESPERANZA. EL ARGUMENTO DE AMAR U ODIAR A THE KILLERS ES TAN ENREDADO COMO EXPLICAR EL SENTIMIENTO MISMO; AL FINAL SE AMA CON DOLOR, PERO AMAR NO IMPLICA SUFRIMIENTO, ASÍ ES LA DICOTOMÍA DE LA MÚSICA DE THE KILLERS.

Ahora cercanos al romanticismo Springsteeniano, nos entregan su cuarta producción discográfica, Battle Born, llena de melodías arrulladoras que nos harán soñar, recordar e ilusionar, razones suficientes para platicar de nueva cuenta con Dave Keuning, guitarrista de la banda, para profundizar en este álbum, ya en el mercado y en los reproductores alrededor del mundo. Qué gusto volver a platicar contigo, nos conocimos hace unas semanas en sus estudios en Las Vegas… Ah claro, lo recuerdo. Hola. Hola, después de todo este tiempo que tuvieron para procesar y disfrutar Battle Born, ¿cómo lo sientes comparado a sus tres primeros álbumes? Parece que el último siempre es el mejor, pero realmente me siento bien acerca de éste. Siento que es nuestro álbum más redondo, de principio a fin… no siento algún momento débil. Tiene un poco de los tres primeros álbumes con nuevas cosas que le dan su propia identidad. ¿Cuál considerarías que es el elemento clave de Battle Born? No sé si hay uno solo… trabajamos muy duro en él cerca de un año. Estuvimos abiertos de mente para intentar tipos de música que nunca habíamos hecho, hay algunas baladas, tiene mucha diversidad… estilos que la gente nunca había escuchado de The Killers.

¿Cuál crees que sea la posición de The Killers en la actualidad? Creo que estamos en una posición bastante buena, por lo que he visto en esta pequeña gira que llevamos. Hemos tocado en grandes festivales y las reacciones han sido buenas, la gente sigue viniendo a nuestros conciertos, eso es una buena señal, después de nuestra breve ausencia. En los inicios de la banda, ¿se imaginaron tanta atención del público, ante la salida de un nuevo álbum? Definitivamente me imaginé el éxito, es algo que como banda nos esforzamos para alcanzar, pero nunca imaginé, como dices, a tanta gente esperando específicamente nuestro álbum. Supuse que había muchas cosas sucediendo, pero parece que hay menos cosas que hace 10 años o hasta 15 años atrás. Tal vez es parte de la razón por la que la gente está más ansiosa, parece que no hubiera tanta música en el mercado, así que se siente bien ser parte de eso. Cuando hablamos la primera vez me contaron que habían trabajado con cinco productores diferentes. ¿Cómo acabó ese asunto? Terminó bastante bien, sólo nos tomó tiempo finalizar el álbum. Lo grabamos durante un año, algunos productores sólo podían trabajar durante algunas semanas; venían cuando podían. Tomaban turnos con otros productores. Con Daniel Lanois solamente trabajamos una semana, pero nos dio mucho en ese periodo, sacamos buen material. Todos estuvieron en el estudio durante diferentes momentos. Era una especie de lista

¿Cómo te sientes finalmente compartiendo todo este largo trabajo con el mundo? La gente ha estado escuchando canciones nuevas en nuestros conciertos, y comparten videos de estas versiones en vivo, lo que es algo muy bueno. Pero me emociona más que descubran las versiones de estudio para que digan: “ah, de eso se trata el álbum”. Es bueno que comiencen a tocar desde ahora canciones nuevas. ¿Cómo las mezclarán con sus canciones de antes?

de productores que deseábamos y a cada uno lo imaginé en un disco particular, pero eso nos hubiera tomado diez años probablemente; al final trabajamos con todos en un solo álbum, lo que fue algo cool pero que la verdad no recomiendo. Seguro habrá gente que pensará que es la clave para el éxito [risas], pero se equivocan, no es el camino a seguir. ¿Cuál sería la manera más sencilla de describir este álbum? No lo sé, creo que Battle Born lo resume muy bien… fue un título que nos gustó por lo que refleja. Estamos luchando por la grandeza… aunque no está en mí la decisión si lo somos, pero es lo que buscamos y trabajamos muy duro para alcanzarlo. En su estudio nos presentaron cinco canciones, entre ellas ‘Runaways’ que desde ahí insinuaba ser un probable sencillo. ¿Por qué escoger esta canción como el primero que lanzaron? Bueno, fue una difícil decisión, nos pareció que representa al álbum. Hay algunas canciones que me gustan más pero estábamos nerviosos por causar una impresión equivocada de lo que trata el álbum, especialmente porque éste no estuvo a la venta sino hasta dos meses después de estrenar la canción. Nos pasó con ‘Human’, un gran tema, gran primer sencillo, pero que no representaba al disco; hay elementos de esa canción pero hay otras como ‘A Dustland Fairytale’ que no suenan a ninguna otra, o ‘Joy Ride’, así que puedes confundir con tu primer sencillo. ‘Runaways’ era el mejor ejemplo de cómo sonaría el álbum. ¿Qué fue lo que más disfrutaste de grabar Battle Born en lo personal? Llevar estas ideas, estas canciones a algo real fue una buena recompensa, algunas fueron más complicadas que otras pero eso es lo que más disfruté al grabarlas… quedarse varios días en la batería, o la guitarra, o las vocales… la mejor parte es tenerlas, algo que comenzó muy crudo y al practicarla irla puliendo… ese tipo de cosas. ¿Hay alguna canción que te enorgullece más por las guitarras? Hay momentos que me gustan en cuanto a guitarras, nunca había trabajado con slide y pude hacerlo dos o tres veces en este álbum, estoy orgulloso de eso. No es algo muy complicado de tocar, pero fue divertido para mí y lo disfruté en cada momento.

Ya con planes más aterrizados, ¿tienen a México y Latinoamérica en la agenda?

Estaremos ahí probablemente en primavera, así que iremos pronto. The Killers representará para una generación entera la posibilidad de desaparecer por tres o cuatro minutos a través de una canción, ya sea en un disco o en vivo. Dave, Brandon, Ronnie y Mark serán el vivo retrato de la dualidad de ser amados y odiados, aunque con la satisfacción de la que pocas bandas pueden alardear: el de desencadenar tantas emociones en sus seguidores… la última gran superbanda.

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Se siente bien tocar todos los éxitos, ahora tenemos muchas canciones de donde escoger, siendo este nuestro quinto álbum en realidad, si es que contamos Sawdust. Cuando empecemos a tocar más conciertos, vamos a tener muchos setlists diferentes, canciones del pasado, de este tenemos doce para escoger; será divertido mezclarlas para nosotros.

P89. TECHNOLOGIC. 4K: Ultra high definition P90. LUST IN THE MOVIES. V/H/S P92 FASHION NUGGET. Into the darkness P94. ART BRUT. Zed Desideraja P97. GAMEBOX. Free to play

WARP TV

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technologic WARP TV

4K: Ultra High Definition Por: Alejandro Escobedo

ull HD es cosa del pasado y los 1920x1080 pixeles pronto quedarán relegados a “la opción barata de televisiones de alta resolución”, título que antes ostentaban los 720p. Y ya nos estamos sintiendo demasiado cómodos con esta resolución, lo que, hasta cierto punto, es bueno para el consumidor, pues permite una economía de escala que vuelve más accesibles los productos de muy buena tecnología. Pero ha llegado el momento de cambiar: la resolución máxima que vamos a poder obtener durante el último trimestre de 2012 se llama 4K, que se refiere a una resolución de 3840x2160 pixeles y que supone el doble de ancho 3840 y el doble de la “alta resolución” actual, lo que le da el nombre completo: 4K UHD (Ultra High Definition). Esto significa que tendremos poco más de 8 millones de pixeles en una sola pantalla, a diferencia de los 2 millones de pixeles que se tienen en Full HD. La resolución 4K, hasta ahora, sólo se había utilizado en salas de cine, en algunos modelos de televisión lanzados en Japón y en algunas plataformas —como YouTube— que permitieron, hace algunos años, subir videos en esta resolución. En octubre, Sony realizó un evento llamado Imagination Room, en el que presentó diversas tecnologías consideradas como “el futuro próximo”; es decir: no sólo se trata de las actualizaciones

de una línea de productos, sino de cosas que realmente pueden cambiar el curso de lo que utilizamos o que dejamos de utilizar en cuanto a estándares tecnológicos. En este marco, Sony presentó su más reciente modelo de televisión: la Bravia 4K de 84 pulgadas, que pronto vendrá a competir con el equivalente de LG, también de 84 pulgadas y resolución 4K. El futuro próximo de las televisiones suena muy bien hasta ahora; el problema es que hay otras cosas que deben estar a la altura para redondear la experiencia. Una de ellas es el contenido disponible en resolución 4K, ya que una película en Blu-ray tiene, por ahora, un máximo de 1080p, lo que implica que se tiene que hacer un proceso llamado “upscaling” para llenar la pantalla y que la diferencia de calidad no sea notoria; además, los reproductores Blu-ray (si es que éste siguiera siendo el estándar) deberán actualizarse a un nuevo formato, a uno de mayor capacidad. Asimismo, los aparatos receptores de señal de TV tendrán que poder aprovechar estas bondades… Y todo esto toma mucho tiempo. Otro pequeño inconveniente de la tecnología 4K es el precio, estimado —en su lanzamiento— en no menos de 25 mil dólares. Así es que, sí: la tecnología está ya disponible para el consumidor pero, a menos de que a alguien le sobren unos 325 mil pesos, lo conveniente, por ahora, es esperar.

›› Alejandro Escobedo es Ingeniero en Sistemas y TI especializado en desarrollo web. Puedes leer su entrevista con Jordan Rudess en WARP #50.

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lust in the movies WARP TV

V/H/S Taped hell

Por: Diovanny Garfias / Fotos: Cortesía Magnolia Pictures

s un hecho, hoy en día es difícil lograr que una cinta de horror trascienda, que impresione, que cause incomodidad, que invite a meditar hasta el punto del estrés y, claro, que entretenga. Los medios nos han llenado la cabeza de imágenes que bien podrían pertenecer a un filme de Dario Argento, pero que, sin embargo, pertenecen a nuestra realidad. V/H/S/ (2012) es una buena muestra de cómo reunir todas estas cualidades en un solo filme. Esta cinta norteamericana conjuga seis historias cortas sin relación entre sí, salvo por la manera en la que están contadas, al ser presentadas como found footage (metraje recuperado, al más puro estilo de The Blair Witch Project) que se supone que el espectador no debería mirar y mucho menos saber de su existencia. Este proyecto, realizado en conjunto por la productora Magnet Releasing, la agencia de talento The Collective y el sitio de Internet Bloody Disgusting, reunió a un grupo de directores y escritores que desde su personal punto de vista nos narran lo que el horror debe ser. WARP MAGAZINE platicó con uno de ellos, David Bruckner, escritor y director del relato Amateur Night, quien, en exclusiva, comparte los detalles de su participación en V/H/S. ¿Cómo te involucraste en V/H/S y qué te llevó a aceptar? Desde el principio me emocionó la idea de hacer una película de antología a partir de found footage. Me pareció una manera perfecta para explorar la mezcla de diferentes medios y formatos, y siendo fan del género corto de horror sentí que sería como pasar una noche perfecta en el cine. ¿Estás contento con el producto final? ¡Por supuesto! Definitivamente hay algo completamente sucio y provocador en el producto final. Se siente como si estuvieras viendo algo que se supone no tendrías que ver. Se percibe un realismo lo-fi en todos los cortos, además de un toque de humor que los hace muy divertidos. Cada cineasta se permitió cierta ligereza al trabajar, utilizando la premisa del found footage pero sin tomárselo demasiado en serio. Probablemente, parte del éxito de la película se debe a cómo se volvió viral en Internet. ¿Crees que esta es la forma en la que la industria del cine va a evolucionar? Si por viral quieres decir piratería, entonces creo que sí. Es algo muy bueno que las personas quieran ver la película, ¡pero obviamente la gente que trabajó en ella necesita que le paguen, si es que pretendemos seguir haciéndolas! Así que la pregunta sería si la industria puede mantenerse al día con el deseo de las personas por verla inmediatamente, o que nuestro producto se mantenga aislado debido a la falta de infraestructura y la gente se sienta frustrada y sólo la pueda conseguir mediante una descarga gratuita. Creo que si podemos ofrecerles una manera de pagar la película para que la puedan ver de forma más inmediata, entonces tenemos una oportunidad real de mantener el ritmo del Internet. VOD (Video On Demand) parece ser una alternativa maravillosa y, por lo que he oído, V/H/S ha sido un éxito en varios mercados de esta manera.

Amateur Night contiene muchos elementos de lo que conocemos como entretenimiento: chicas, alcohol, desnudos, etc., pero ¿cuál es tu definición de entretenimiento? Tiendo a hacer cosas que tengan un efecto fuerte y visceral, intento satirizar o burlarme de algo en los medios de comunicación contemporáneos. Con Amateur Night realmente quería contar la historia de un grupo de chicos que hacen porno amateur en secreto. Si todo lo que has aprendido sobre el sexo ha sido por la pornografía en Internet, entonces podrías ver el mundo como lo hacen estos individuos. El hecho de que la película está contada a través de un par de lentes de espía obliga al espectador a ser uno más de ellos. Intentamos implicar al espectador en el proceso. Probablemente encuentren un secreto o comportamiento en común con estos chicos y no lo van a admitir. Seguro alguien tiene un amigo que se comporta de la misma manera después de unos tragos o han hablado así de las mujeres en los vestidores. La intención es crear un espejo duro pero también divertido para nuestros televidentes. Si logramos ese acercamiento, entonces el horror tendrá el efecto deseado en ellos. Eres uno de esos cineastas independientes que han logrado captar la atención de los medios, pero dinos, ¿qué tan difícil es mantenerse independiente en la industria del cine hoy? Tengo la suerte de contar con una comunidad sana y vibrante de cineastas independientes alrededor mío, que han encontrado una manera de seguir creando contenidos. Los realizadores de V/H/S son un gran ejemplo. Tipos como Joe Swanberg, West Ti, Adam Wingard y Simon Barrett han hecho un excelente trabajo produciendo material y mostrándoselo a todo el mundo. Para un cineasta independiente creo que ese es el mayor desafío. Debes hacer material a toda costa, sin pensar si la gente va a pagar o no y, finalmente, si tienes suerte, alguien lo reconocerá y pagará por tu esfuerzo. Pero eso no depende de ti y honestamente no es totalmente una preocupación. ¿Es difícil hacer que una película de fantasía o de terror parezca una gran producción tipo Hollywood cuando se tiene un bajo presupuesto para hacerla? Sí, pero el estilo de found footage sin duda ayuda a minimizar las expectativas. Cuando estás haciendo algo POV (Point of View), la cámara sólo necesita un vistazo a la imagen desde la perspectiva del personaje. Eso sin duda ayuda mucho cuando estás tratando de averiguar cómo utilizarás el dinero. 091

INTO THE DARKNESS —

Dirección de arte y Maquillaje: Chëla Olea Fotografía: Sergio Orospe Coordinación de Moda: Carlos Ruíz Manjarrez Modelos: BRUCE @ PARAGON Model Management y Simon GHmanagement.

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fashion nugget WARP TV

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art brut WARP TV

Zed Desideraja I’m not an artist, I’m a painter Por: Chëla Olea

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art brut WARP TV

ed es un artista de origen británico que reside en México desde hace varios años. Su obra ha ido evolucionando a lo largo del tiempo de una manera única. Él cuenta que gran parte de la agudeza y sensibilidad con la que aborda su realidad tiene que ver mucho con su signo zodiacal, y como buen escorpio suele ver las cosas con demasiada intensidad.

Desideraja empezó a pintar y dibujar a una edad temprana, recordando nada de sus años de crecimiento salvo su propia interpretación del mundo, a través de las imágenes que emergían de su mundo interior y sus emociones. Un artista autodidacta, que se ha enfocado en la “reinvención de la técnica” con el fin de aferrarse a la mayor honestidad posible cuando ejecuta las imágenes frente a él, de la manera en que encajan para sí mismo. Al mismo tiempo, al estudiar su obra es evidente que es un ser humano frágil y analítico. Los sujetos de los que habla suelen tener historias tristes y Zed tiene un gran talento para transmitirlas. Sus etapas tempranas en óleo se inclinaron naturalmente hacia el surrealismo. Durante esta fase, los trabajos de Desideraja se caracterizaron por imágenes crudas cargadas de emoción, pues comenzó a reflejar lo que buscaba. Desideraja continuó explorando y experimentando, razonando consigo mismo, deseando retener el acto brutal de pintar, pero al mismo tiempo permitiendo al observador un atisbo de su interpretación de la vida. Se puede describir su trabajo como Neoexpresionista Contermporáneo. Esta corriente se destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el dripping, pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela, altamente temperamentales y de gran impacto. Para ver más de su obra visita: www.zeddesideraja.com

›› Chëla Olea es Editora de Arte y Moda de WARP Magazine, así como de las secciones Art Brut y Fashion Nugget de WARPtv.

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gamebox WARP TV

Free To Play La nueva forma de jugar Por: Roberto Vizzuett

a modalidad Free To Play (FTP) permite jugar sin la necesidad de pagar por el software o tener una suscripción, como sucede con los Juegos Masivos En Línea (MMO y MMORPG), del estilo World Of Warcraft, Star Wars: The Old Republic o Starcraft. Y es que su modelo económico consiste en ofrecer ciertas mejoras —como armas u otros ítems— por una “módica cantidad”. En muchas ocasiones, los jugadores que deciden no pagar por estas mejoras pueden llegar a obtenerlas, pero les lleva mucho más tiempo acceder a ellas; otras, simplemente no estarán disponibles si no pagan. Star Trek Online

Tiberium Alliances Muchos juegos casuales para dispositivos móviles usan este modelo; un ejemplo es Smurf Village, el juego de Capcom basado en la famosa caricatura Los Pitufos, que a su vez está inspirada en el popular FarmVille, de Facebook, que también es un FTP. Lo interesante llega cuando este modelo comienza a ser usado para lanzar juegos enfocados al mercado de los jugadores dedicados, o cuando los desarrolladores recurren a él para rescatar sus juegos tras un relativo fracaso en la modalidad de suscripción. Un ejemplo de esto último es Star Trek Online, a cargo de Cryptic Studios, que en 2010

fue lanzado para PC bajo una modalidad de suscripción, pero que ahora está disponible como FTP, obviamente limitando ciertas mejoras, en contraste con quien posee una suscripción o con quien ha pagado por acceder a ellas. Gotham City Impostors, en su versión para computadora, es otro de los juegos que ha adoptado esta modalidad. El ya mencionado Star Wars: The Old Republic recientemente anunció que ofrecerá la modalidad FTP junto a la de suscripción que actualmente maneja, igualmente limitando habilidades y equipo para aquellos que escojan jugar gratuitamente.

En cuanto a consolas, dentro de los juegos Arcade de Xbox Live, en los próximos meses comenzarán a surgir más títulos FTP, como Spartacus Legends, de Ubisoft, y Ascend: New Gods, que se unirán a los ya existentes, como Happy Wars. El único inconveniente es que, al ser juegos multijugador, es necesario ser suscriptor Gold de Xbox Live, ya que los suscriptores Silver no tendrán acceso al multijugador en línea. EA, por su parte, se encuentra en la fase beta de su nuevo título, en la popular franquicia de estrategia Command & Conquer; se trata de Command & Conquer: Generals 2, el cual tendrá todas las características que han aparecido a lo largo de la franquicia, primordialmente el motor Frostbite 2, en contraste con Tiberium Alliances, FTP de la misma franquicia, pero en una versión bastante simplificada que de ninguna manera ofrece una experiencia completa como el primero. Aunque el debate sigue en torno a si esta modalidad crea una desventaja entre los jugadores, favoreciendo a aquellos que pueden pagar por armas y actualizaciones extra, facilitándoles el juego, en contraste con aquellos que no; lo cierto es que ofrece oportunidades, tanto a desarrolladores independientes como a los ya establecidos, para solventar nuevos proyectos, al tiempo de ofrecer, finalmente, juegos gratis. 097

warp.la l @laGUARP

THE

KILLERS

GUARP

The Killers Flesh and bone

By Paco Sierra / Translation by Marla Guedimin

Within a four month period, WARP Magazine was able to talk for the second time with Dave Keuning, the guitar player for The Killers, regarding the hidden details of their new studio album, Battle Born. 100

GUARP

Compared to your first three albums, how do you feel regarding Battle Born? It seems that the last one is always the best, but I really feel good regarding this one. I feel it is our more complete album, as a whole, from the beginning to the end. I don’t feel any weak moments on it. It has a little bit of each of the first albums, with new things that create its own identity. What do you think is the key part of this album? I don’t know if there is only one key moment, we worked really hard on it. Almost during one year. We were open-minded to try types of music that we have never done before. We got some ballads and it is very diverse, styles that people have never heard from The Killers. Where do you think The Killers are standing at right now? I think we are in a very good position right now, for what I have seen during this small tour. We have performed at big festivals and the reactions have been good. People are still coming to our concerts. That is a good signal, after our brief absence. Did you imagine getting that much of attention from the fans when launching the new album? Definitely I imagined success. It is something that as a band, we work to achieve, but I never imagined, as you say, all those people waiting specifically for our album. I assumed there were a lot going on, but it seems there is not so much going on like ten years or even fifteen years ago. That is probably part of the reason why people were anxious; it seems there is not a lot of music on the market. It feels good to be part of that.

greatness… even though it is not my call to say if we are, but it is what we aim for and we work really hard to achieve it. Why ‘Runaways’ as a first single? Well, it was a tough call; we thought it represents the album. There are some songs that I like more but we were anxious to cause a wrong impression; regarding what is the album about. Specially, because the album wasn’t available until two months after we launched the song. The same thing happened with ‘Human’, a great song, great first single but the album didn’t sound like ‘Human’, it has elements from that song but other songs like ‘A Dustland Fairytale’ that doesn’t sound like any other, or ‘Joy Ride’. So you can give the wrong idea with a first single. ‘Runaways’ was the best example of how the album would sound. What did you enjoy the most of recording Battle Born? To turn these ideas, these songs into something real, was a good payoff. Some of them were more complicated than others, but that is what I enjoyed the most of recording them… To stay several days with the drums or the guitar or vocals… the best part is to have them, something that started very raw, and while we were practicing, we were cleaning it. That type of stuff. Is there any song that you feel most proud of, regarding the guitars? There are some moments that I enjoy. I have never worked with slide and I was able to do it two or three times on this album. I am proud of that. It is not very complicated to play, but it was fun for me and I enjoyed every moment.

How was it working with five producers at the same time? It worked out pretty good; it only took time to finish up the album. We recorded it during a year, some producers were able to work only for a few weeks, and they worked with us when possible. They took shifts with other producers. With Daniel Lanois we only worked one week, but he gave us a lot during that week. We got great material. They all were at the studio for different periods of time. It was kind of our wish list of producers. The five we worked with, I used to imagine them working on different albums, but we ended up working with all of them on one album only, which was cool, but I do not recommend that. Probably there are people that would think that is the key to success [laughs], but they are wrong, it is not the way to do it.

How do you feel finally sharing all this work with the world? People have been listening to new songs on our concerts and they share videos of these live versions, which is good. But I really enjoy the most when they discover the studio versions so they get so say “ah, that’s what the album’s about”.

What would be the easiest way to describe this album? I don’t know, I think Battle Born describes it very well… it was a title we liked because of what it reflects. We are fighting for

And now with a clearer schedule, do you have Mexico and LatinAmerica on the schedule? We will be there probably in the Spring, so we’ll be there soon.

Is it good that you are playing new songs? How do you mix that with the old songs? It feels good to play all the hits, now we have a lot of songs to pick from, now that we have a fifth album if we count Sawdust. When we start playing more concerts this month, we will have different set lists, songs from the past and from this one, we’ve got twelve songs to choose from. It will be fun for us, to mix it all.

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Stars Lights changing colour

By Karina Luvián / Translation by Jorge Rodríguez

The periodicity of musical production varies from band to band; however, there’s a group of musicians that find this task as one of the most important of their careers and, therefore, have nourished with notable productions not only the music scene of their countries, but also the international one.

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Such is the case with Stars, a canadian quintet that this 2012 will present their album The North as one of the most important in their trajectory, marking their sixth effort in eleven years; one that is filled with excellent dream pop/electro pop atmospheres and the voices of Torquil Campbell and Amy Millan playing among dreamscapes and lyrics filled with sentimentalism. WARP Magazine had the pleasure of speaking with Amy about the music created by Stars, the current state of the music industry, and the band’s situation in present day. Stars is a band with years in the industry, but despite of that -or perhaps because of that- continues with the same lineup. How is that you continue making history, now with The North? Our union as a band was like when you fall in love with someone, you know? It’s difficult to say when it all started, we just met, we felt like a family and there were never any questions about what we were going to do, whatever had to happen would happen. We grew up together, we were children together, everything we know was created while we were together, we’ve been the same group of people since fourteen years ago and that’s how we feel comfortable. Tell me about the generalities of the album, about how it was made... Well, this is a record with a lot of soul, a record in which we talk about themes that have been recurrent in our whole discography, like sex, love, regret... and hope. We co-produced it, just like we did with Set Yourself on Fire (2004), and once again, we trusted the mix to Tony Hoffer, who turned over an excellent piece of work. When it comes to composing, Torquil and I write everything and with the music we have a kind of democracy among all five members of the band. Much of this record was recorded in our own home studio and we also had the opportunity to visit this gorgeous place built in 1948, in Montreal, called Victor Studios. Torquil’s voice and yours create harmonies that are really pretty and interesting. How is it that you decided to sing together in Stars’ music? The whole concept of the band was always to put our voices together. It’s like I was just telling you, when you meet someone for the first time and you fall in love completely. The first time we sang together we knew that a marriage had occurred... a vocal

marriage, in fact, because we aren’t married, just our voices are. Something that seems interesting to me is how pop music has gained its own significant space in festivals where rock is predominant, because people now listen and like it without being predisposed to a certain genre. What’s your opinion about this? I think the situation with the industry is quite wrong, but fortunately the internet has come to change it all. I mean: the people that in some way are responsible for the radio stations, the ones who choose the music; they depend on the people that manage the companies and that give money to the station, which pretty much makes them the ones who choose the songs that get played. Obviously, the persons involved with that process have no fucking idea of what the people really want, because they subestimate their audience all the time. What the internet did was make people realize that they don’t only have a certain section of things to listen to, but that there is a spectrum of different sounds. Sure, individuals love a certain type of music specifically, but now that music is being taken away from the hands of idiot corporations, there’s more room for exploration. How do you, particularly, feel about where the band is situated after reaching an important trajectory and presenting a new effort? It’s a complicated question. I feel lots of things! How to begin... I feel very excited and proud of this record, I think it’s some of the best music that we’ve written, I’m proud of the success of my bandmates, and of course, I’m proud of the fact that we have an incredible fanbase, who buy our records and go watch us play. I think all of that is a big accomplishment that not everybody reaches, so I feel very grateful and excited. Why do you consider this to be your best record to date? Because we have a lot of fun playing it! I’m very proud of all of our records, there isn’t one where I don’t feel like that, it’s just that we are still working on making the best song that we can and we’re having a lot of fun in the process. Could there be a next visit of Stars to Mexico? Of course! We’ve been there and it was beautiful, in fact, it’s one of my favorite shows that we’ve played. We’ll see you soon Mexico! 103

encore The Kills

SesioneS con Alejandro Franco - 7th Season (recording) Pic by Rubén Márquez for WARP

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AGRADECE EL APOYO DE

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WARP.LA / @WARPMAGAZINE