WARP Magazine 52: Café Tacvba

WM No.52

CAFÉ TACVBA

DIRTY PROJECTORS • THE JOY FORMIDABLE ILLYA KURYAKI AND THE VALDERRAMAS Y +

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© WARP Marca Registrada ®. Año V No.52 Fecha de Publicación 06-12-2012. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en CAMSAN IMPRESORES, S.A. DE C.V., San Juan, Mz. 10 Lt. 15, Col. Bellavista, C.P. 54720; Cuautitlán, Edo. Méx.

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editorial

004

editorial

SERES HUMANOS

Por: Joselo Rangel / Foto: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

U

n taxista, hace poco, me reconoció y, después de preguntarme algunas cosas sobre Café Tacvba, comenzó a despotricar de los grupos de rock que se separan. No le gustaba que, después de uno o dos discos exitosos, el cantante se convirtiera en solista, que se saliera alguno de los miembros originales o que se cambiaran de nombre, “como los Jaguares, esos”, dijo.

Alababa a mi grupo por aguantar tanto tiempo unidos; dijo que eso era lo que se esperaba de una banda buena, lo que me hizo sentir bien, hasta que dijo que por eso también admiraba a Maná y puso un CD pirata del grupo liderado por Fher a todo volumen para dejarlo bien claro.

Este señor, que no tendría más de 50 años —o sea, mi edad—, realmente se lo tomaba personal con los grupos que se separan.

—Si están en un mismo grupo, no deberían pelearse, ¿no cree usted? —me preguntó.

—Bueno, tendrán sus razones —le respondí—. Cada caso es diferente.

—Pero si son un grupo deben mantenerse unidos —afirmó—.

Eso es la música: unión, amor. Ustedes los músicos son muy alivianados, ¿o no, joven?

—Bueno, desde fuera puede parecer que los integrantes de un grupo piensan igual, que están en lo mismo, pero capaz que no. A ver, ¿por qué se acaba usted de pelear con su compañero taxista? ¿Acaso no están en lo mismo? ¿No son taxistas los dos?

Sucedió que, cuando llegué a la base de taxis, ocurrió un zafarrancho porque uno de los taxistas no estaba respetando su turno; en realidad no era para tanto, pues había pasaje para todos. Aun así, sin embargo, se pelearon porque “se había metido”, porque “¿qué te pasa?”, porque “no hay derecho”, y todos los que estábamos esperando ya queríamos que se acabara la bronca (que no existía en realidad), pues se nos hacía tarde.

Revisando mi vida y los lugares en los que he estado —en mi casa con mi familia, en la escuela con mis compañeros, en la calle con mis amigos—, no tengo otra que aceptar que al ser humano le gusta, en cierto momento, pelearse, hacer berrinche, desfogarse con el que está a lado…

¿Por qué, entonces, esperamos que los grupos de rock que nos gustan duren eternamente?

Si mi grupo ha sobrevivido, es gracias a que sabemos que, primero que nada, antes de ser músicos, de convertirnos en rockstars o de ser archifamosísimos (bueno, exageré, no es pa’ tanto), somos seres humanos, con los mismos defectos y virtudes que cualquier hijo de vecino.

Aceptándonos como humanos podemos decir: “oigan, ¿saben qué?, mejor ya no le seguimos porque nos vamos a pelear. Hay que darnos unas vacaciones, ¿no?” Nadie en su sano juicio puede aguantar 23 años viéndose la cara todos los días y, además, subirse a un escenario a tocar y hacer como que están muy felices. Necesitamos darnos espacio y dejar de vernos un rato, para luego regresar con ganas. Al menos en Café Tacvba nos ha funcionado.

Una vez, cuando le pidieron a Simon Le Bon que aconsejara a las bandas jóvenes, respondió que, aunque se pelearan, hicieran lo posible por no separarse. El cantante de Duran Duran lamentaba que ellos no lo hubieran hecho, pues pensaba que si hubiesen seguido juntos ahora serían una banda más importante, más sólida.

Tal vez sí, tal vez no. Pero algo tiene de verdad este pensamiento: hay cosas que sólo suceden con la permanencia.

Aguantar los altibajos, ya sean los de afuera (poco interés del público) o los de adentro (relaciones ríspidas, hartazgo total), trae sus recompensas.

Hay discos de The Cure, de Bowie, de Lou Reed, de Metallica, de U2 que fueron considerados malísimos en la época en que salieron, pero ¿quién se acuerda de eso? Algunos seguirán siendo malos, pero otros serán revalorados con el tiempo, dejando a sus creadores como visionarios. El chiste es seguirle… ¿Cómo?, como sea.

Pero somos seres humanos y hay veces que las diferencias son irreconciliables. En ese punto recomiendo otra cosa: que los exintegrantes de una banda traten de seguir vivos a como de lugar, pues —ya lo vimos en los últimos años— nos queda el recurso del “reencuentro”, favorable para el bolsillo y —esperemos que en muchos casos— para la creación.

Si se encuentran a este taxista, díganle que ya no se enoje: todos somos seres humanos y de repente nos enojamos… El que esté libre de pecado, que arroje la primera piedra.

›› Joselo Rangel es músico, productor, miembro de Café Tacvba y colaborador del periódico Excelsior.

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silencio por favor

Dorian Por: Karina Luvián / Fotos: Cortesía Dorian

“VEMOS CLARAMENTE QUE ESTE DISCO ABRIRÁ UN CICLO EN LA CARRERA Y EL SONIDO DE LA BANDA. LA CULTURA MEXICANA Y DE OTRAS PARTES DE LATINOAMÉRICA HAN INFLUIDO MUCHO EN LAS LETRAS, COMO COMPROBARÁN EN SU MOMENTO.” -MARC DORIAN

C

on un título aún por elegir, la banda conformada por Marc Gili, Belly Hernández, Bart Sanz y Jordi Gorro se encuentra facturando su cuarta producción de estudio, guiada en esta ocasión por el talento del productor inglés Phil Vinall (Zoé, Placebo, Radiohead), por la experiencia del mexicano Luis López y bajo el invaluable consejo del español Álex Ferrer, alias Sidechains. Así, el nuevo disco de la banda barcelonesa contará con la colaboración de Sergio Acosta, guitarrista de Zoé, quien participa en un par de canciones, además de Andrés Sánchez, siendo grabado en la Ciudad de México. Su lanzamiento aún no cuenta con fecha exacta, pero se espera que llegue a las tiendas en el primer trimestre de 2013, con un adelanto que se dará a conocer antes de concluir este año.

008

the main review REVIEWS

III

Crystal Castles / Universal Music / 2012

8.6

Calificación

H

ace cuatro años escuchamos por primera vez los experimentos sonoros de Alice Glass y Ethan Kath. Su álbum debut homónimo fue un obligado para las pistas de baile, pero también para los oídos de los interesados en producción musical, y su estilo fácilmente podía ser descrito como un vendaval punk bañado de VSTs y un guiño al chiptune. Las historias respecto al extraño comportamiento de Glass abajo del escenario, así como las de sus caóticas y enérgicas presentaciones –que pocas veces terminaban de manera convencional-, ayudaron a erguir la leyenda de Crystal Castles, que se convirtió, en poco tiempo, en un acto indispensable de diversos festivales alrededor del mundo.

Todo podría indicar que tras probar las mieles del éxito y hacerse de un lugar entre los proyectos más innovadores de su tiempo, la dupla dejaría de lado su hambre creativa para dedicarse a hacer la música que tan lejos la había llevado; sin embargo, en un movimiento inesperado, la dupla decidió buscar algo más y, al parecer, lo encontró.

Con la salida de III, la banda se aleja de su zona de confort en un intento por desafiarse a sí misma y mantenerse interesada en su música. El resultado es una placa que, además de lograr su cometido, presenta varios matices de ese color llamado Crystal

010

Castles, algunos que, de hecho, no sabíamos que existían. De entrada, por raro que parezca, cada track tiene un cierto aire orgánico, como si hubieran sido capturados de manera inexacta a propósito, sin la precisión que puede otorgar una computadora, con un dejo de humanidad. Las letras que en el pasado eran lamentos perdidos entre efectos y atmósferas, hoy ocupan un lugar especial: represión, desesperación, amor y un sentimiento general de pérdida están entonados por Alice Glass.

Hablar de la producción podría implicar el dedicar un solo artículo a la extraordinaria tarea desarrollada por Kath; bastará con decir que regresar a los sintetizadores análogos, pedales y cajas de ritmo ayudó a que la dupla redescubriera su sonido primario, en su versión más viceral.

Algunos podrán alegar que el crecimiento de la banda significó perder tracks bailables y accesibles del tipo de ‘Alice Practice’ o ‘Baptism’, sin embargo, son este tipo de acciones las que se agradecen. El hecho de que Crystal Castles se encuentre evolucionando de manera constante es algo que no sólo habla bien de ellos como músicos, también contribuye a mejorar la salud de la siempre tambaleante industria musical.

-Diovanny Garfias

6.9

7.0

Calificación

Calificación

Chances

Koi No Yokan

Illya Kuryaki & The Valderramas

Deftones

Sony Music / 2012

Warner Bros. / Reprise Records / 2012

Letras provocativas, sexuales; pasajes emotivos, incluso amorosos; instrumentación poderosa que va de los arreglos de viento, de Michael B. Nelson, a las guitarras del mismo Dante Spinetta. Funk, hip-hop, afro beat y todo el toque de la icónica dupla argentina en un disco que, pese a lo anterior, no logra ser épico. Y no es que carezca de calidad o que no tenga su merecida valía, al representar el regreso de un proyecto que marcó la década de los noventa; es sólo que no logra ser lo suficientemente propositivo dentro de su discografía como para impresionar: no se amalgama por completo y en lo individual tampoco cuenta con canciones que te dejen anclado, o que te hagan querer escucharlas una y otra vez. Un séptimo disco de Illya Kuryaki que te deja con un pensamiento de: “Sí, sí… Pero no”.

-Karina Luvián

Este álbum es, por mucho, uno de los mejores trabajos que la agrupación californiana ha entregado desde el imprescindible White Pony (2000). Deftones regresó a su origen metalero y el hecho de que Stephen Carpenter use una guitarra de siete cuerdas (la característica del nu metal) no es el factor determinante: hoy más que nunca la furia de la banda radica en la complejidad de sus canciones. Las tornamesas de Frank Delgado están mucho mejor trabajadas, la guitarras y los bajos retumban con precisión y la batería de Abe Cunningham es un referente obligado.

Al final, Chino Moreno se consagra como un gran compositor, uno maduro. Y quizá haya canciones destinadas a convertirse en clásicos, como ‘Leathers’, ‘Tempest’, ‘Graphic Nature’ o ‘Poltergesit’.

-Leonel Hernández

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An Omen (EP)

7.5

Calificación

How To Destroy Angels

Columbia Records / 2012

Es difícil no pensar en Nine Inch Nails cuando nos enfrentamos a un proyecto sonoro que, a pesar de desarrollarse y crecer ayudado por varios músicos talentosos, se originó en la mente de Trent Reznor.

Sin embargo, con An Omen (2012) sucede un fenómeno que no pasó con su EP debut de 2010: este material nos presenta, por primera vez, el sonido que de ahora en adelante reconoceremos como el de How To Destroy Angels. Ambientaciones minimalistas destinadas a crear sensaciones de confort sónico, con cierto trasfondo de ensueño, contrastado con letras melancólicas y, hasta cierto punto, explícitas. La producción y “el trabajo sucio” en la consola de Reznor, Atticus Ross y Alan Moulder tiene más que ver en lo realizado en The Girl With The Dragon Tattoo (2011) y Ghosts I-IV (2008); aun así, la experimentación en esta tarea quedó en segundo plano y el equipo apostó por sonidos más directos, sin perder su complejidad característica en el proceso. Este EP es un buen termómetro previo a la salida de su primer álbum, el siguiente año, aunque no hay duda de que este proyecto tiene muchas historias qué contar.

-Michelle Apple

011

REVIEWS

7.6

Free Reign Clinic

Calificación

Domino / 2012

7.0

6.0

Calificación

012

Este disco no marca un cambio de dirección para esta banda de Liverpool sino una continuación dentro de su sonido. A Clinic se le podrá criticar por la monotonía semi hipnótica de sus discos, pero nunca por falta de originalidad. Pese a que la banda ha estado activa desde 1997, fue hasta que Noel Gallagher recomendara el maravilloso Walking With Thee (2002) que descubrimos su trabajo. Y en Free Reign, Clinic ofrece un rock cerebral, elegante, que por momentos coquetea con la sicodelia; si bien temas como ‘Sun And The Moon’ nos recuerdan un poco a Winchester Cathedral (2004), otros como ‘Cosmic Radiation’ y ‘Seesaw’ dejan ver sus influencias, que pueden ir desde los primeros experimentos sonoros de Delia Derbyshire, hasta la melancolía de Broadcast. Este es un disco que nos viene a recordar que, dentro de la música británica, no sólo existen The Arctic Monkeys y The Vaccines.

-Raúl Arce

7.2

Calificación

Calificación

División

Death Proof

Lost Sirens

División Minúscula

Kate Nash

New Order

Universal Music México / 2012

Have 10P Records / 2012

Warner Bros. / 2012

¿A qué suena División Minúscula en este 2012? Para sorpresa de todos, suena fuerte y muy bien, y aunque parecía que los chicos de Matamoros que editaron Extrañando Casa (2001) nunca iban a crecer, vaya que lo hicieron, haciéndose notar con División, hecho que se agradece. Las letras son mucho más complejas y dejaron atrás el punk rock adolescente, para hacer una buena mezcla de rock alternativo, maduro y, sobre todo, honesto, con aires noventeros e incluso post grunge. Esta evolución resultó, a fin de cuentas, más que favorable para la banda, aunque la misión no está completa sólo con regresar con un buen disco: hay que ver qué puede hacer esta encarnación de la banda sobre los escenarios y comprobar si logran, de una vez por todas, mantenerse en la escena con una propuesta interesante.

-LH

Kate Nash prometió que su siguiente material iría más enfocado hacia el rock y como adelanto nos hace llegar su nuevo EP, Death Proof. Lamentablemente, hacer rock no sólo significa desafinar las guitarras y ensuciarse la voz en cada coro; por eso, la nueva cara de Kate Nash carece de sorpresa y más bien nos muestra a una artista sin dirección. ‘Death Proof’ y el cover a The Kinks, ‘All Day And All Of The Night’, ambas navegando en la línea del rock sesentero y rockabilly, podrían ser lo más rescatable del material, aunque, siendo sinceros, ninguna canción del disco tiene lo suficiente para trascender más allá de un comercial de algún reproductor de MP3. Ojalá que en su siguiente material Kate Nash no quiera seguir “rockeando” y regrese a ese popcito que tan bien le sale.

-Alejandro Altamirano

Esta es una colección de siete temas inéditos, grabados en 2005 durante las sesiones de Waiting For The Sirens’ Call. Todo aquel que haya puesto atención a la música global de las dos últimas décadas comprenderá perfecto que la placa evoca, desde su inicio, el sonido de Manchester, con esa clásica fusión electrónica-melodiosa, dotada de guitarras y bajos guiados por la impecable voz de Bernard Summer. Es en estos puntos donde la banda cumple con Lost Sirens, manteniéndose firme a su estilo, sin pretender emular el trabajo de otras agrupaciones; las tendencias y la experimentación musical se las dejan a nuevas generaciones, pues ellos no tienen nada que demostrar.

-Giorgio Brindesi

hot hot hit

JAN

Por: Alejandro Altamirano / Foto: Emma Kathan

Kim Talon, exintegrante de la banda art-rock Eagle and Talon, ha decidido hacer camino en solitario con su nuevo proyecto JAN. En apariencia, Kim es una dosis completa de nostalgia, dotada de una belleza clásica. Musicalmente también parece ser una joya perdida de aquel sonido que invadía las venas de los adolescentes de hace un par de décadas. Heredera del género grunge, Kim Talon lanzó el disco debut de JAN el pasado 13 de noviembre, a través del sello Enclave Music. Dicho material fue producido por John Goodmanson, quien ha trabajado con grupos como Blonde Redhead, Gossip y Sleater-Kinney.

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EN GRABACIĂ“N . sesionesconalejandrofranco.com

@sonyspinla

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Pet Shop Boys

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Memory of the future

Por: José Hernández Riwes Cruz / Foto: Cortesía PSB

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et Shop Boys es una banda que durante 26 años se ha mantenido constante, en cuanto a la entrega de material musical se refiere. La constante reinvención es rasgo característico de la dinámica del grupo, y el pasado 11 de septiembre lanzó Elysium, su onceavo disco de estudio. Para conseguir la atmósfera sonora del álbum, el dueto expuso su material al proceso de producción característico de Los Angeles, con el apoyo de Andrew Dawson, y el resultado le dio una nueva dimensión a la música de la banda. WARP Magazine platicó con Chris Lowe, parte fundamental en la dupla que conforma el proyecto. ¿Cuáles fueron las razones para invitar a Andrew Dawson a trabajar con ustedes?

Nos gusta trabajar con productores contemporáneos y variar en cada álbum. De Dawson nos llamó la atención su trabajo con Kanye West, en particular las secciones electrónicas. Cuando lo contactamos respondió inmediatamente, nos dijo: “¡Sí, quiero hacerlo!”

Estábamos en Australia, volamos directamente a Los Angeles y nos pusimos a trabajar, pues no siempre recibes este tipo de respuestas de un productor como él... y mucho menos en Estados Unidos.

Nos gustó que no le diera vueltas a las cosas: la lógica de muchos productores es que es “su proyecto”, mientras que la banda se vuelve parte secundaria, así que trabajas de acuerdo a su disponibilidad; pero con Dawson fue una especie de apuesta: no lo conocíamos y no sabíamos qué esperar de él. Sin embargo, él se acopla a tus tiempos, es un productor con un amplio abanico musical y cuenta con educación clásica, además de ser un gran programador.

Han comentado que el sonido de Elysium lo hace un álbum reflexivo, ¿por qué?

Nos gustan las producciones con mucho espacio sonoro apoyado por la profundidad que aportan los subgraves, y la producción de Dawson se ajusta a esta idea. Escribimos canciones y escogemos a un productor que, creemos, las puede desarrollar hasta obtener su mayor potencial; el trabajo de Andrew con Drake y Kanye West lo hizo ideal para desarrollar esta atmósfera reflexiva. ¿Por qué grabar en Estados Unidos? ¿Por qué en Los Angeles, específicamente?

Queríamos el sonido de los coros de Los Angeles y conseguimos gente con un currículo increíble, cantantes que hicieron coros para ‘I’ll Be There’, de los Jackson 5, y músicos de orquesta grandiosos. Grabamos en los estudios Capitol y, tan sólo estar en el mismo lugar donde Frank Sinatra grabó sus álbumes, fue sorprendente, nos hizo sentir parte de esa historia. Las personas que hacemos música en Inglaterra, música pop, estamos influenciadas por la música estadounidense, y aunque tratamos de hacer esa música a nuestra manera, por lo general terminamos produciendo cosas completamente distintas. The Beatles o The Rolling Stones querían sonar esta-

dounidenses; sin embargo, no suenan a lo que querían emular, sus resultados son únicos, pero muy ingleses. A nosotros nos pasó lo mismo cuando quisimos hacer música dance al estilo de Patrick Cowley: terminamos haciendo ‘It’s A Sin’. Es el cruce cultural lo que lo hace interesante. ¿Cuál es la diferencia entre un productor estadounidense y un inglés?

El estadounidense es increíblemente profesional y hay una gran cantidad de gente que ofrece ese nivel en su trabajo, lo cual garantiza un resultado pulcro. El inglés puede tener una gran idea para la producción, pero quizá no tenga la habilidad para llevarla a cabo. No obstante, gracias a esto, en el resultado final obtienes una frescura que difícilmente logras en Estados Unidos. ¿Se puede decir que Elysium es su disco estadounidense?

Las canciones se escribieron en Inglaterra y Berlín, y se grabaron en Los Angeles... yo no diría que es nuestro “disco estadounidense”; tal vez si hubiésemos escrito las canciones en Los Angeles y rentado una cabaña en el condado de Lowell tendríamos un resultado distinto. Puedo decir que Elysium es mitad estadounidense, aunque no tenemos planes de hacer algo así. Creo que ya no somos un grupo pop, por lo menos uno que puedas emparentar con el estilo American Dance Music. Nuestras canciones se han vuelto más tradicionales, más europeas en cuanto al estilo y a la progresión de los acordes.

En cuanto a las letras, Neil Tennant comentó que ofrecen una reflexión sobre qué es ser ustedes en el escenario...

Así es, son sobre quiénes somos en este momento de nuestras vidas, aunque también escribimos sobre cosas atemporales, mucho más hedonistas y eufóricas. Queríamos crear un álbum con una atmósfera y un estado de ánimo determinados; de hecho, nos quedamos con varias canciones que pensamos grabar en Navidad y que muestran un lado muy distinto al de Elysium.

El discurso de Pet Shop Boys tiene una carga muy fuerte no sólo en la música, sino en el desarrollo escénico de los conciertos e incluso en el diseño del empaque y nombre del disco. ¿Qué están preparando para las presentaciones de Elysium?

No hemos comenzado a trabajar en el espectáculo, ni siquiera tenemos al director escénico, pero ya se nos ocurrió un título y es de ahí de donde obtendremos muchas ideas. Hace mucho que no se nos ocurría una idea que valiera la pena desarrollar y hemos disfrutado mucho tocar así, sin espectáculo, tan sólo observando la respuesta de la gente. Pero tener la habilidad de montar un gran espectáculo es algo que nos entusiasma, es sorprendente, porque siempre trabajamos en conjunto con el director, con el diseñador escénico, con el ingeniero de iluminación... odavía tenemos tiempo para hacerlo.

017

profile

Exitmusic

LINKS:

weareexitmusic.com exitmusic.bandcamp.com

Por: Javier Cuellar / Foto: Lauren Dukoff

Integrantes: Aleksa Palladino y Devon Church

E

l dúo de Nueva York conformado por la actriz Aleksa Palladino y el músico Devon Church trata de hacernos vivir cada acorde de su música, buscando provocarnos escalofríos y diversos sentimientos.

Autoprodujeron su primera colección de canciones, trabajo conocido como The Decline Of The West (2008), cuyo sonido fue descrito como una unión de post punk y trip hop, con tintes apocalípticos.

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Passage (2012) es el nombre de su nuevo álbum, y es el reflejo de un equilibrio único entre la oscuridad y la luz, su sonido basado en cimientos electrónicos utiliza ritmos sintetizados para evocar sensaciones casi operísticas. Líricamente explora temas de pérdida, tanto personal como universal.

Sin lugar a duda, el trabajo de Exitmusic nos recuerda que tenemos sentimientos, que podemos sentirnos vulnerables en cualquier momento, pero sobre todo, que nada tiene de malo hacerlo.

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Scissor Sisters Year of living dangerously

Por: Raúl Arce / Foto: Cortesía SS

S

cissor Sisters es una banda que se ha caracterizado por su extravagante imagen y sus energéticas presentaciones en los festivales más importantes de la actualidad. Y si bien la banda originaria de Nueva York no ha contado con el respaldo del público norteamericano, son un acto más que reconocido en países como Australia y Reino Unido. Con cuatro álbumes de estudio y una carrea de más de una década, Scissor Sisters promociona Magic Hour (2012), su más reciente placa, en la que participaron reconocidos productores como Calvin Harris y Stuart Price. WARP Magazine platicó con Ana Matronic, vocalista de la banda, quien nos compartió, entre otras cosas, las impresiones que tiene respecto a la Ciudad de México… ¿Qué nos puedes decir acerca del proceso de grabación de The Magic Hour? ¿Fue difícil respecto a trabajos anteriores? ¡No! Fue el proceso de grabación más rápido en el que hayamos participado; de hecho, fue sorprendente para todos los involucrados. Normalmente nos tomamos un año para hacer un disco nuevo y este apenas nos tomó dos o tres semanas en el estudio. Fue sorpresivamente rápida la forma en que todo se dio, y es que Jake Shears llegó con un muy buen flujo de ideas, un hilo conductor sobre el cual todas las cosas fueron encajando; de hecho, esa fue una de las razones por las que nombramos el disco Magic Hour: todo se logró muy bien y de manera relativamente sencilla… ¡como con magia!

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¿Cuál es la diferencia más importante de este álbum, en cuestión de sonido, respecto al anterior?

Creo que Night Work (2010) es uno de nuestros discos más consistentes: pusimos mucho empeño en ese disco y definitivamente es un álbum ideal para salir por la noche.

Por su parte, Magic Hour tiene más variantes en cuestión de sonido; creo que es un disco que se puede escuchar perfectamente durante el día; podría decir que es un disco más feliz, más exuberante…

Para este disco trabajaron con Calvin Harris en la producción. ¿Qué nos puedes contar al respecto?

Fue una experiencia muy del siglo XXI: ¡nunca estuvimos en el estudio con él! Trabajamos en un track con Alex (Boys Noize) y después Calvin trabajó en la canción.

Estuvimos de gira con él en Australia y todas las noches que tocaba lograba llevar a la audiencia a un viaje muy interesante y divertido; así supimos que esa energía era exactamente lo que buscábamos para este disco y por ello lo invitamos a participar con nosotros. Y bueno, el resultado ya lo conocen: yo creo que es genial.

En el pasado, Scissor Sisters tenía un sonido más electrónico y ahora suenan un poco más orgánicos… ¿A qué le atribuyes este cambio?

Creo que nos hicimos mejores músicos. Al principio sólo

intentábamos todo lo que podíamos y al final veíamos qué funcionaba. Después de experimentar todo el proceso que implica hacer un álbum y lo que significa publicarlo, pienso que sí, somos más orgánicos ahora, sobre todo en el sentido de que tenemos más calma. Y es que esta sensación de querer probarlo todo ya no está; claro, queremos llegar a la mayor cantidad de gente posible pero, al final del día, lo que realmente buscamos es tener a nuestros siempre fans felices.

Anunciaron que tomarán un descanso como banda. ¿Planean trabajar en proyectos solistas?

Todos hacemos cosas aparte de la banda: Jake está haciendo un musical, mientras que yo estoy escribiendo comics. Creo que es momento de trabajar en proyectos externos a la banda, lo que considero que es bueno, pues hemos estado de gira constante desde… ¡desde 2010, cuando publicamos Night

Work! En este momento queremos tomar un descanso y estar un poco más de tiempo en Nueva York; creo que hemos estado fuera de casa demasiado tiempo.

Hemos visto videos de sus presentaciones y se nota que hay mucha energía en su show pero, ¿qué puede esperar el público de esta gira?

La energía es, en definitiva, lo más importante para nosotros, y tenemos un show sumamente energético. Creo que esto se debe, en gran medida, a que nos encanta tocar y estar en el escenario, así que hacemos nuestro mayor esfuerzo para llevarles la mejor fiesta y poner a todos a bailar. ¿Por qué les tomó tanto tiempo venir México? ¡No lo sé! Culpo a nuestro manager. De hecho, Seth Kirby, mi esposo, estuvo hace poco en la Ciudad de México, en el Festival Mutek, y me contó que la pasó increíble…

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Karen Inderbitzin All she ever wanted

Por: Alejandro Altamirano / Foto: Cortesía KI

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aren Inderbitzin, mejor conocida como Karen Dolls, fungió como líder de la agrupación mexicana Satin Dolls, con la que lanzó dos discos. Ocho años después Karen platica con WARP Magazine, pues se siente lista para emprender su propio camino en una nueva aventura musical, detallando los pormenores de su primer sencillo, ‘All We Have’, así como sus planes a futuro.

¿Qué nos puedes decir sobre los productores que elegiste para trabajar?

Estuve un tiempo en Miami y en Los Angeles trabajando con distintas personas. Aquí en México trabajé con el productor Balta Hinojosa. En Miami me encantó lo que grabé con los Hermanos Julca, mientras que en Los Angeles trabajé con Orlando Vitto, entre otras personas. Ahora busco a una sola persona que haga toda la mezcla para que el material suene más uniforme.

¿Cómo se dio la separación con Satin Dolls?

La decisión fue de los cinco integrantes. Llevábamos más o menos un año en el que empezábamos a tener otros planes de índole personal o familiar. Las dinámicas de trabajo, por otro lado, ya no fueron las mismas. En lo personal me quería mover de disquera y cambiar de managment, pues había muchas cosas que yo veía que ya no funcionaban y que ellos no querían cambiar. Así tomé la decisión de seguir mi propio camino.

¿Cómo eliges las canciones que finalmente saldrán al público?

Pienso que una buena canción es aquella que puede sonar bien en vivo, en estudio y en acústico, por lo que utilizaré sólo mis mejores canciones. El primer sencillo, ‘All We Have’, sigue la línea de lo que hacía con el grupo, pero el resto de las canciones tienen un toque más pop. Por el momento creo que sólo sacaré sencillos y después, quizás, un EP. Por el momento no tengo la necesidad de hacer un disco.

¿Cómo ha cambiado tu forma de componer música después de dejar la banda?

Al principio fue bastante impactante, pues estaba totalmente acostumbrada a trabajar en equipo, además de que no tocaba ningún instrumento en la banda; ahora, al menos, toco un poco la guitarra para componer. Tuve que ir a trabajar con distintos productores y aunque con algunos hubo mucha química, con otros fue todo lo contrario. Así, la búsqueda para definir mi sonido me llevó más o menos dos años, de donde surgieron unas 25 canciones; usaré algunas para ir sacando material.

¿Qué opinas del uso de las nuevas tecnologías para producir y crear música?

A final de cuentas lo que importa es el resultado. Muchas veces hay artistas que crean canciones sólo con los recursos que tienen a la mano y resulta algo muy bueno. ¿Qué nos puedes contar del video de ‘All We Have’?

Para dirigirlo escogí a María José Pérez Salazar, básicamente porque es mi amiga de toda la vida y porque siempre quisimos hacer algo juntas. Así fue como hicimos el teaser, aunque el video cuenta una historia totalmente diferente.

blogaggedeon times COLUMNA

LAS CRÓNICAS DEL LEÓN HOY:

AKUSTI-LOKO Por: Sr. Flavio / @SrFlavioOficial

Noviembre, 2012 Buenos Aires, Argentina

Esta

noche toco en el BSAS Surf & Skate Arte Y Conciencia, será una muestra de diversos artistas plásticos vinculados al mar, esencialmente, pero también a los deportes de tablas. Entre otros estará Pablo Fontes y sus intervenciones a tablas y acrílicos de olas en lienzo estupendos.

Voy a tocar en solo, con guitarra acústica, estas canciones: 1.‘Vos sabés’. Canción que escribí para LFC, aunque hay una muy buena versión actualizada de Los Cafres. Me gusta tocarla solo, en la intimidad de mi voz y mi guitarra.

2.‘Los Hoteles De Perón’. Canción nueva que no ha sido grabada aún. Será parte, seguramente, de La Próxima Ola. Estaba pensando —y lo hablé con Vito— en filmarla hoy en el salón de exposiciones donde voy a tocar y subir el video de la canción a la red, así, en formato acústico, simple. Y es que en Chapadmalal, cerca de Mar del Pata, están los hoteles que alguna vez mandó a construir Perón para que mucha gente que no tiene chances tuviera la opción de conocer el mar. Estando allí algunas veces, he podido ver colonias de niños que provienen del conurbano porteño y de otras partes del país, que van de visita al mar: sus caritas de alegría son increíbles. De eso trata la canción.

3.‘Cómo Empezar…’. Canción del Carlo Boom Boom Kid, una de mis favoritas y, sobre todo, que me gusta tocar solo con guitarra.

4.‘Hey Hey My My….’/‘Manuel Santillán El León’. Cover de Neil Young, seguido del ‘…León’. A la canción de Young le modifico la letra y, en algún momento, dice: “Esta es la historia de nuestro Carpo…”, dicho así, en español.

5.‘Matador’. Una canción que escribí cuando era chiquito, con LFC, en un bus de gira quién sabe a dónde.

6.‘Olas’. De mi más reciente disco solista, Nueva Ola, uno de los temas que más representa al disco, a mi infancia marplatense, a mi nostalgia entre olas populares, entre Alfonsina y mi papá. Cuando la toco en modo acústico hago una versión más tirada para atrás, más lenta, más in-dub-akustik.

7.‘De Nosotros Dos’. Canción increíble de Eduardo Mateo que me gusta mucho tocar, así, solito con akustik…

8.‘El Secreto’. Otra canción de Nueva Ola, mientras esperamos la próxima…

Bises: podría llegar a tocar otro cover, ‘Jailhouse’, original de The Waliers pero versionada por Sublime; o bien podría tocar ‘Ramón El Indio Hereje’, canción que escribí para el Iorio/Flavio: tengo una versión montada en solo, con guitarra acústica. Sí, sí. Aunque no sé si el ambiente de hoy —el momento— se preste para esta canción.

Ya veremos a dónde me lleva el viento de esta noche…

›› Sr. Flavio es miembro fundador de Los Fabulosos Cadillacs y escritor. Su libro Crónicas Del León ya está a la venta, editado por WARP Books.

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playlist Playlist by

Nach Foto: Cortesía Nach

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l rapero español Nach es, hoy por hoy, un referente para entender la cultura callejera y el género hip hop en castellano.

Dueño de un singular estilo para recitar rimas rítmicamente y de una muy inteligente estructura lírica, Nach se ha convertido en uno de los artistas más importantes de su tipo en España, así como en uno de los más reconocidos dentro del subgénero llamado “rap conciencia”, que está alejado de las cadenas chapadas

en oro, las pandillas, las drogas y de la violencia, para dar paso a una verdadera cultura de conocimiento. Su rap de contenido muestra su propio ser y singularidad, pero también una suerte de espejo en la que todos se pueden reflejar. De esta manera, Nach compartió en exclusiva para WARP Magazine algunos de sus tracks preferidos de hip hop, que van desde lo clásico hasta lo más novedoso, en un playlist que presentamos a continuación.

01. Gabylonia – ‘Abuso De Poder’

06. Santa RM – ‘Con Los Pies En La Tierra’

02. Los Aldeanos – ‘La Naranja Se Picó’

07. Zénit – ‘Suelo Soñar’

03. Arma Blanca – ‘La Misión’

08. Wu Tang Clan – ‘Triumph’

04. Akil Ammar – ‘Mi Barrio’

09. Xhelazz – ‘La Soledad Comienza’

05. Bocafloja – ‘Tiempo’

10. Nach – ‘Hambre De Victoria’

Maligno Pasos De Gigante

Por: Iván Nieblas / Foto: Cortesía Maligno

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uevo León ha tenido una historia pesada desde siempre y, a pesar de los recientes acontecimientos violentos, específicamente Monterrey ha sido el semillero de algunas de las mejores bandas pesadas de la historia del país. Recordamos leyendas como Crazy Lazy, Toxodeth, Mortuary y, hoy en día, Maligno toma esa estafeta. La banda ha dado pasos agigantados en seis años, abriendo conciertos de las mejores bandas internacionales, grabando tres álbumes con excelentes comentarios de fans y críticos y, ahora, se perfila hacia la internacionalización. WARP Magazine platicó con Marco Gil y Zef Vega y esto fue lo que nos dijeron...

Para quienes no están enterados, ¿cómo se formó Maligno?

Marco Gil: En 2005 nos juntamos Zef Vega (guitarra), Andrés Sáenz (batería), Luis Barjau (voz), Ivan Tamez (guitarra) y yo 026

(bajo) para hacer tributo a Black Sabbath: la banda de rock pesado más grande de todos los tiempos. A raíz de varias presentaciones con muy buena respuesta, surge la idea de hacer música original y así empezamos como Maligno. En septiembre de 2006 fue la presentación de nuestro primer disco, en el ya legendario Café Iguana de nuestra natal Sultana del Norte.

Todos sus álbumes han sido lanzados de manera independiente… ¿Nunca les ha interesado acercarse a alguna disquera trasnacional?

Zef Vega: Al parecer las disqueras no están muy convencidas de entrarle al metal y por eso creo que la mejor salida para el género que tocamos es la independencia, aunque no se tenga demasiada exposición en los medios; sin embargo, tenemos el control total de lo que queremos mostrar. Hasta el momento hemos tenido buena distribución, pero no cerramos las posibilidades para el futuro.

No hace mucho lanzaron su tercera producción, The Funeral Domine que, entiendo, es un álbum conceptual. ¿Cuál es la historia que narran las letras?

ZV: Quisimos hacer un disco conceptual y decidimos desarrollar la historia del Funeral Domine que, básicamente, es una

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un honor haber compartido nuestro álbum con esa clase de músicos. La verdad estamos muy orgullosos.

Les han llamado doom, metal, stoner rock… ¿a qué género corresponde la música de Maligno? ¿Les molestan las etiquetas?

MG: Las únicas etiquetas que me molestan (y creo que a todo el mundo) son las de los calzones [risas]. No, para nada; si compran tu disco o lo bajan, tienen todo el derecho de etiquetarlo a su criterio, es parte de la interpretación de cada persona, de cada crítico. Para mí es “rock pesado”.

Black Sabbath es evidentemente parte integral de las influencias de Maligno. ¿De qué otras bandas se deriva su sonido?

MG: Yo encuentro algo de King Crimson, del viejo Metallica, de Deep Purple, Led Zeppelin, Pink Floyd, Venom, Slayer y de muchísimas bandas más que abarcan muy distintos y variados tipos de música…

Le han abierto a grandes bandas como Metallica, Guns N’ Roses, Mastodon, Fear Factory, Iron Maiden; han participado en festivales importantes como Vive Latino, Hell & Heaven Fest, Monterrey Metal Fest y le abrirán a Slayer en Maquinaria Fest, en Guadalajara. ¿El trabajo de tantos años ha rendido frutos?

ZV: Creemos que es la confianza que se tiene al trabajo que ofrecemos, aunque también la trayectoria de la banda ha ayudado a pisar esos escenarios, a compartirlos con bandas a las cuales admiramos, teniendo la oportunidad de verlos trabajar de cerca. Pero no nos conformamos con “ser el grupo que le abrió a”; queremos abrir brecha y lograr reconocimiento propio en la escena.

historia de traición, poder y venganza entre una reina y su hijo único, quien decide destronarla para tomar control de su imperio: algo que, creemos, no está muy lejano de la realidad.

Se divide en nueve temas, los cuales fueron planeados para escucharse de forma cíclica, pues la historia se repite al final. ¿Cómo se dieron las colaboraciones de Rodrigo & Gabriela y Alex Skolnick, de Testament, en el álbum?

ZV: Todo empezó cuando Rodrigo le pidió a un buen amigo en común que le recomendara bandas mexicanas nuevas de metal y él le regaló un CD de Maligno; el resto fue ponernos en contacto, además del respeto que sentimos por ellos como músicos. Decidimos invitarlos a participar en un track acústico, en el cual estábamos trabajando; les mandamos las sesiones a su estudio y nos mandaron de vuelta lo que fue ‘Coffin Of Dreams’. El contacto con Alex Skolnick también fue por medio de Rodrigo, ya que en esos momentos Alex, con su trío de jazz, estaba abriendo la gira de Rodrigo & Gabriela; de ahí salió el tema ‘Solstice’, para el que nos mandó un solo increíble. Fue

A pesar de estos conciertos de altura internacional y de que cuentan con tablas que los avalan, pareciera que Maligno no ha explotado del todo en los medios nacionales. ¿A qué creen que se deba esto?

MG: No sabría decirte. Nosotros tratamos de llegar a la gente que le interesa nuestra música en todos los aspectos, quizás a los medios le interesen más las bandas de música… ¿popular?

La verdad es que estamos en toda la disposición de colaborar con las autoridades [risas]. ¿Aún se vive un clima violento en Monterrey? ¿Cómo ha afectado esto al desarrollo y a la actividad musical en Nuevo León?

ZV: Este es un tema bastante delicado de discutir. Todos en la ciudad hemos sufrido con esto de una u otra manera, y podemos echar culpas hacia todos lados pero, honestamente, creo que no deberíamos enfocarnos en buscar culpables, sino en tratar de encontrar una solución como sociedad. ¿Qué sigue para Maligno? ¿Cuáles son sus planes para 2013?

MG: Ahora mismo estamos anunciando las primeras cuatro fechas en Estados Unidos, empezamos con nuestros vecinos de Texas y la idea es recorrer toda la Unión Americana en 2013, trabajando en conjunto con Diva Music, promotor de bandas nacionales en el gabacho. Además, debemos seguir cumpliendo con nuestros compromisos en México y, si nos da tiempo, empezar a grabar las maquetas para el siguiente álbum. La verdad no tenemos prisa, todavía falta mucha promoción del Funeral Domine.

›› Iván Nieblas es periodista musical, colaborador de diversos medios especializados y fundador del sitio elpatas.net.

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The Big Pink Poniendo en práctica lo aprendido Por: Julián Woodside / Foto: Cortesía TBP

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principio de este año vio la luz el segundo disco del dúo británico The Big Pink. El disco, titulado Future This (2012), es una mezcla de shoegaze y noise pop cargado de texturas y ritmos envolventes característicos de Milo Cordell y Robbie Furze, músicos con una amplia trayectoria dentro de la escena europea. WARP Magazine tuvo la oportunidad de platicar con Robbie durante su visita a México, sobre parte de sus procesos creativos y la interacción con sus seguidores:

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gusta del proceso detrás de hacer la música que hacemos, ya que así aprendes. Alguien dirá “prueba esto” o “escucha esta canción”, y a mí me gusta la interacción. Antes tenía un problema con ello y me tomó tiempo darme cuenta que ahora, cuando estás en una banda, la interacción social es muy importante, porque de alguna manera hablas directamente con los seguidores y aprendes tanto de ellos como ellos de ti.

Este año lanzaron Future This, sin embargo llama la atención que en vivo presentan versiones bastante diferentes a su propuesta en estudio.

Cuando escribes un disco es fácil que te aburras. Lo escribes, lo grabas, lo ensayas y lo tocas. Entonces tuvimos esta idea de tomar fragmentos de los remixes que algunas personas han hecho de las canciones y los pusimos en las pistas originales, para tener estos híbridos y mantenernos cuerdos haciendo algo diferente, y también para darle algo a la gente, que baile, sobre todo en festivales.

Tu experiencia en la música va más allá de The Big Pink, pues has tocado con músicos como Alec Empire y dirigiste un sello discográfico. ¿Qué te dejaron esas experiencias?

Lo que aprendí con Alec Empire fue el cómo usar la sonoridad, controlar el ruido y un poco el ethos de interactuar con él, de manera que tu estado de ánimo influya en la situación.

Fue muy importante para mí, porque cuando te liberas de los confines de las estructuras de los acordes y juegas con la retroalimentación y las sonoridades, puedes controlar por completo el entorno.

He visto que estás muy activo en las redes sociales, subiendo fotos de pedales y efectos que te encuentras en la red; un detalle más íntimo del lado del músico...

Creo que soy un ñoño de alguna manera. Me gusta hablar con los seguidores sobre los pedales que usamos y saber qué les

¿Y has incorporado parte de ese aprendizaje con The Big Pink?

Sí, pues cuando hacemos una pieza nos gusta llenar el cuarto de cierta atmósfera sonora que dicta la energía de la canción; es más, antes de escribir las letras esa atmósfera marca un sentimiento, que se traduce justamente en la lírica.

ask Amanda COLUMNA

Amanda también puede responder tus preguntas, envialas a askamanda@warp.com.mx o a una compañía de crema de depilación gritando: “¡Tienes que eliminar los bellos de tu cuerpo o NADIE TE AMARÁ, NI A NADIE LE GUSTARÁS NUNCA!” es una cosa, porque el trabajo de esos anunciantes es asustarte para que compres su basura, pero cuando una organización que se supone que existe para la protección de los animales sale y te grita este tipo de cosas, eso sí es un problema.

ASK AMANDA Por: Amanda Palmer / @amandapalmer

¿Cuál es tu opinión sobre la reelección de Obama? Danny Correa Mi opinión es: ¡Gracias a Dios! Me siento muy aliviada por muchas razones, ninguna menos importante que otra, pero sin duda tuvo que ver el hecho de que no quería ver en mi país la prohibición del aborto. Creo fuertemente que eso debería ser elección de cada mujer, ellas deben decidir qué hacer con su cuerpo.

Recientemente mostraste disgusto por un anuncio de PETA. ¿Por qué? ¿Te hizo sentir incómoda de alguna manera? Raúl Ortigoza Bueno, veamos. PETA es una organización para el tratamiento ético de los animales, lo cual es genial porque creo que deben ser tratados bien, como a cualquier ser humano.

Sin embargo, el anuncio fue muy triste debido a que sugería que eres feo si no te afeitas... básicamente, una broma de mal gusto sobre pieles de animales. Sé que muchas mujeres jóvenes verán este anuncio y se agregarán a la gran pila de imágenes en las cuales se refuerzan los sentimientos negativos sobre sí mismas. Cuando veo a una empresa de afeitar

Personalmente, ¿cómo es tu relación con Wayne Coyne y cómo fue trabajar con él en el video ‘Do It With A Rockstar’?

Mario Vázquez ¡Fue increíble! Trabajar con Wayne era un viejo sueño del colegio hecho realidad, lo he seguido en sus aventuras locas durante años, pero nunca lo había conocido. Siempre estoy activa buscando cómo conectarme con otros fanáticos renacentistas enloquecidos, simplemente para ver cómo trabajan. Al parecer, la forma de trabajar con Wayne Coyne en una sesión de video es simple: todo es improvisación cósmica, la actitud de cada persona es entusiasta al máximo, y si en algún momento pierde dirección, Wayne secretamente se mostrará con seis cajas gigantes llenas de diamantina de oro (provenientes, presumiblemente, de los cuarteles generales de The Flaming Lips, donde deben tener un suministro sin fin). Nos llevamos bien, como si fuéramos dos almas gemelas perdidas del arte. Cuando vi a Wayne espontáneamente subirse hasta el techo por un poste y pasearse por el escenario durante el rodaje, pensé: “Nota a mí misma: a toda costa, acabar como Wayne Coyne”. Después del rodaje del video él me dio un gran tour y me contó la historia de Oklahoma y de The Flaming Lips. Realmente obtuve lo que esperaba: un nuevo amigo con el que realmente podía relacionarme. Venimos del mismo planeta.

Primero que nada agradezco que compartas tus pensamientos sobre Anthony y su enfermedad. El año pasado tuve un buen amigo en la misma situación y falleció. No estoy diciendo que le pasará lo mismo a Anthony, sólo me gustaría mostrarte mi apoyo y respeto. Él te necesita más que nunca y si eres tan buena amiga como músico, él está en buenas manos. Anónimo Muchas, muchas gracias. Para aquellos que no lo saben, mi mejor amigo está enfermo de cáncer. Él era una verdadera figura paterna para mí, y todavía lo es, ya que me hizo valiente en muchos sentidos. Estoy tomando decisiones muy difíciles sobre cómo mantener la gira y seguir trabajando, además de quedarme con él y estar en casa; leer algo como esto de tu parte me recuerda que cada momento con él podría ser único. El dinero, la fama, el brillo y el glamour... nada de eso te lo puedes llevar. No hay nada, nada, nada más valioso que estar conectado con tus seres queridos y apoyarlos cuando te necesitan. Estoy aprendiendo mucho sobre esto y sobre mí, porque él está enfermo y yo estoy eligiendo estar con él aunque tenga que dejar ir otras cosas.

Gracias por recordarme esto de nuevo.

›› Amanda Palmer se encuentra de gira con The Grand Theft Orchestra promocionando su álbum Theatre Is Evil, disponible en diversos formatos.

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rock fiction COLUMNA

BLIND MELON Por: Adolfo Vergara Trujillo / @ToBeFreak

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o lo sabía en realidad pero, igual que todos los seres sensibles, la pequeña Heather intuía que no estaría por aquí para siempre. Quizá por ello no comprendía por qué, estando ya en sexto de primaria, sus compañeros seguían perdiendo el tiempo jalándole los cabellos, pellizcándole sus bracitos y tirándole sus anteojos al suelo de un manotazo.

Y disfrazarse de abejita en el siguiente festival de la escuela no fue la solución: lejos de inspirar aceptación o causar ternura —ni si quiera aceptación—, las burlas fueron brutales aun entre los adultos. Huyó del escenario, salió a la calle y vagó sin dormir, sin comer, durante dos días.

La conmoción en el pequeño pueblo de Lafayette, Indiana, hasta entonces, jamás fue igual: se organizaron patrullas de voluntarios que barrieron el pueblo y sus alrededores; y cuando al fin dieron con ella, cerca de la Casa Hoon, estaba en estado catatónico.

Durante meses —no obstante que su madre abría las cortinas de par en par todos los días para cepillar sus cabellos—, la pequeña Heather dejó de sentir el sol sobre su frente. Algunos dijeron por entonces que se había dado cuenta de que no valía la pena vivir; otros, que se había agazapado sobre sí misma para morir; los menos —los más complacientes— pensaron que, simplemente, había dejado de soñar.

Dos o tres dosis de electroshocks la devolvieron al mundo, aunque desde entonces siempre tuvo frío. La pequeña Heather contaría, en su primer video, que “no recordaba mucho de aquel día; sólo que caminó por el campo hasta que encontró un prado verde rebosante de abejitas, junto a las que cantó y bailó hasta quedarse dormida”, lo que desde luego no ocurrió.

Pasó el tiempo y la pequeña Heather, en apenas cuatro años, dejó de ser pequeña: ganó altura —más de 06 pies—, algo de peso —más de 200 libras— y unos cólicos menstruales que cada 28 días la torturaban como si tuviera media docena de ratones en el bajo vientre.

Las burlas se incrementaron al entrar a la prepa; y es que si antes la pequeña Heather era insignificante, ahora big Heather acaparaba el mapa. Si bien la cábula era diaria, el colmo fue cuando casi toda la escuela donó su postre a la hora del almuerzo y, uno por uno, lo depositó en su charola. (Todo está en video.)

Haciendo intentos desesperados por encontrarse a sí misma, big Heather tuvo sus periodos punk, dark, grunge y el obligado folk, siempre enfundada en chamarras enormes que la aislaban del frío.

Al descubrir a Nietzsche, sin embargo, ella misma se amputó la falange distal de su anular izquierdo en señal de autonomía religiosa, aunque luego, en su momento espiritual, pensó en volverse musulmana y mudarse a Palestina.

La cocaína, a ratos, comenzó a acelerarle la depresión. Huraña, retraída, rehuía aun a los que se acercaban a ella de forma solidaria —sobre todo los nerds, los freaks y, en fin, toda esa gama de perdedores que visten en K-Mart—. Con sorpresa, un 04 de julio,

poco antes de su cumpleaños número 16, descubrió que lo que realmente la relajaba —¿la divertía?— eran los fuegos artificiales.

Así, durante más de tres meses, organizó su fiesta: rentó la Casa Hoon y sus hermosos jardines, alquiló un servicio de 20 meseros y contrató a una bandita hard rock de Kansas que por entonces estaba de moda en Lafayette, Indiana, para que amenizara la velada.

Lo más caro, sin embargo, fueron los seis chinos que prepararon un set de pólvora multicolor de ocho minutos que explotaría detrás de la casa para ser perfectamente apreciado desde los jardines. Los bocadillos de atún, de jamón Virginia, los prepararía ella misma.

El sábado 26 de septiembre la preparatoria entera se dio cita en los jardines de la Casa Hoon para celebrar los 16 años de big Heather y, mientras la bandita de Kansas tocaba algunos covers, los meseros repartieron cerveza y canapés sin reserva. Fue a las 10:00 en punto de la noche que el sonido se apagó, las luces se fundieron y los chinos entraron en acción: los colores más hermosos iluminaron el cielo en capas brillantes de tal forma, que más de uno recordó Disneylandia.

Un alarido se escuchó al final, se iluminó de nuevo a la bandita de Kansas y comenzaron a tocar algunas canciones originales. Big Heather apareció en medio de todos, bailando y coreando las canciones; se le veía contenta y la gente saludó aquello con verdadera alegría. Sin embargo, la fiesta no duró mucho: big Heather se dobló sobre su enorme abdomen y comenzó a vomitar sangre; y casi de manera sincronizada, como si lo hubiera cronometrado, el estómago de 71 chicos se volteó como un guante de vísceras revueltas con atún y jamón Virginia.

Catorce ambulancias entraron hasta el corazón de los jardines de la Casa Hoon y el camión del Departamento de Bomberos muy pronto se les unió. Para el lunes 28 de septiembre, con los padres de todo el pueblo a las puertas del hospital, el médico a cargo contabilizaba 62 casos letales de envenenamiento por semillas de ricino, incluyendo a la festejada: una tragedia.

La historia entera de big Heather está en YouTube: allí —como lo harían todos los seres sensibles— narra sus muchos anhelos, sus miedos enormes, sus poquísimas alegrías, su frío constante y su soledad. En el último video —grabado la noche del 25 de septiembre— se le ve emocionada; cuenta que por fin volverá a aquel prado verde rebosante de abejitas, junto a las que cantara y bailara, aquella vez, cuando se quedó dormida.

—Esta vez invitaré a mis compañeros, a los más que pueda —dice—; y es que sólo tienen miedo, pero yo les daré un empujoncito —afirma big Heather y sonríe—: nadie debería jamás padecer frío…

Blind Melon Blind Melon Capitol Records / 1992

›› Adolfo Vergara Trujillo es escritor y especialista en Literatura Mexicana, autor de los libros de relatos Freak Y Otros Tormentos y Absolut Punch.

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gigs

The Temper Trap José Cuervo Salón Foto: Sergio Gálvez para WARP Para leer la reseña de este concierto, escanea el código o visita: warp.la/gigs

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gigs

Robert Plant Auditorio Nacional Foto: Fernando Aceves Para leer la rese帽a de este concierto, escanea el c贸digo o visita: warp.la/gigs

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gigs

Riviera Maya Jazz Festival Nortec Playa Mamitas Playa del Carmen, QRoo Foto: Paco Sierra para WARP Para leer la rese帽a de este concierto, escanea el c贸digo o visita: warp.la/gigs

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gigs

Indio Emergente Passion Pit Club Hípico Los Alamitos Guadalajara, JAL Foto: Leslie del Moral para WARP Para leer la reseña de este concierto, escanea el código o visita: warp.la/gigs

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gigs

Indio Emergente The Shins Jardín Las Palmas Cholula, PUE Foto: Sergio Gálvez para WARP Para leer la reseña de este concierto, escanea el código o visita: warp.la/gigs

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gigs

Indio Emergente Feist Club de Polo & Ski El Marqués Querétaro, QRO Foto: Carlos E. Herrera para WARP Para leer la reseña de este concierto, escanea el código o visita: warp.la/gigs

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calendario

diciembre 2012 1

15 y 16

Calle 13

Festival El Rock Nos Une

Palacio de los Deportes México, DF —

Pepsi Center WTC México, DF —

4y6

Arch Enemy Circo Volador México, DF —

7

Festival Revólver 2012 El Plaza Condesa México, DF —

8

Twin Shadow Auditorio BlackBerry México, DF

Ozomatli El Plaza Condesa México, DF —

20

Skrillex

Easy Star All-Stars

Expo Bancomer México, DF —

Salón Los Ángeles México, DF —

14

Scissor Sisters

6

Auditorio Telmex Zapopan, JAL

Dirty Projectors Auditorio BlackBerry México, DF

División Minúscula El Plaza Condesa México, DF

20 y 21

Paul Banks

Day Zero

El Plaza Condesa México, DF —

10

Estadio Beto Ávila Cancún, QRoo —

Bruce Springsteen

Bloc Party

Palacio de los Deportes México, DF —

Auditorio BlackBerry México, DF —

Siddhartha y Javiera Mena

13

15

Lunario del Auditorio Nacional México, DF

Pepsi Center México, DF

Teatro Estudio Cavaret Zapopan, JAL

Scissor Sisters

22

Skrillex Foro Alterno del Centro Cultural Universitario Zapopan, JAL

Bloc Party

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Slayer

COBERTURAS

DÍA 1: JUEVES 01 DE NOVIEMBRE

PG.043

MAQUINARIA FESTIVAL 2012 Por: Samuel Segura y Leonel Hernández / Fotos: Franccel Hernández para WARP

Mastodon

La oscuridad era esperanzadora: a Max, de Cavalera Conspiracy, antes de salir al escenario lo vitorearon como a un dios de la guerra, sediento de víctimas. Su hermano Igor, detrás de él, apenas se escuchaba en las primeras canciones.

—¿Qué pasa, Ciudad de México?—, preguntó Max, antes de tocar ‘Refuse/Resist’, que recobró en los hermanos Cavalera el poderío que tuvieron 28 años atrás, al fundar Sepultura, y la bandera brasileña detrás de ellos presenció toda la masacre.

—¡Feliz día de muertos! —, dijo Troy Sanders, y anunció a Mastodon, quienes pintados del rostro como esqueletos iniciaron su participación con la bestia de tres mandíbulas (portada de su último disco, The Hunter) mirando por detrás.

La gente (algunos de pie, otros sentados en las orillas) se dispersó a lo ancho de la arena para escucharlos, igual de

relajados que la música que se ejecutaba en el escenario: ‘Dry Bone Valley’.

Y es que aquel lugar era el purgatorio donde las almas esperan sentencia, aunque el infierno es su condena y su elección. Sin embargo, ‘Disciple’ sonó descompuesta: quizá Gary Holt o Kerry King tuvo problemas de ecualización, lo que importó poco, pues la gente ya estaba enloquecida. La batería transparente de Dave Lombardo permitió ver cada uno de sus golpes: unos iban directo al rostro, otros al cuello: ‘War Ensemble’.

Pero fue la guerra la que resucitó a algunos muertos de la banda anterior, pues ‘Dye By The Sword’ despachó a aquellos que aún poseían un aliento de vida. Luego sonó ‘Hate Worldwide’ y la única ovación de la noche fue para Slayer, justo cuando sonó ‘Postmortem’, pues lo que eran tres slams aislados terminó siendo uno solo, formando una serpiente que partió en dos a la gente.

DÍA 2: VIERNES 02 DE NOVIEMBRE

Deftones

Marilyn Manson

La potencia con que comenzó Stone Sour provocó una marea imparable.

—Hello, Mexico City—, pronunció Corey Taylor y con sólo eso atrajo el griterío.

‘Made Of Scars’ subió la marea aún más, mientras Corey apenas y se despeinaba cuando mateaba al ritmo de sus cambios bruscos de voz.

La pista estaba mucho más poblada que el día anterior y una pieza fúnebre sonó: todavía era día de muertos. ‘Diamond Eyes’ y ‘Rocket Skates’ abrieron el concierto de Deftones. ‘My Own Summer (Shove It)’, uno de sus clásicos, incidió en cavar más profundamente la pesadez, porque era una energía densa, oscura, la que jalaba las cabelleras, las cabezas, hacia el piso.

El slam se formó ya en el encore que a todos enardeció e hizo aplaudir: ‘7 Words’, el final.

Manson comenzó a cantar desde las tinieblas y, cuando por fin se dejó ver, portaba una máscara. Guitarrazos y algunos

Stone Sour

dobles bombos sumergieron a todos en su terreno, un vaivén de pasos en la oscuridad. Cuando un rayo de luz lo alcanzó, presentó ‘Disposable Teens’. El reverendo se reía, se hincaba, caminaba como zombi por si alguien pensaba que el día de muertos había terminado. Ocultó su rostro tras la bandera nacional que recibió del público y sus hábitos de Papa lucieron en ‘The Love Song’, con una pistola de humo en la mano.

Con eso bastó para tornar el ambiente lúgubre, asfixiante.

Animadversión, transgresión a los oídos y a la vista: eso era lo que el reverendo provocaba, sin importarle tirar luces o cantar de espaldas. Apenas se entendía lo que decía. De pronto tomó la guitarra y se la colgó, tocándola como fuera; bailaba como cadáver y el solo que tocó murió entre sus dedos, sólo para arrojar el instrumento, tirarse al piso, arrastrarse, subirse a los monitores, escupir, doblar las piernas, berrear.

—¡Rock! —repetía a la gente, acercando y alejando el micrófono, antes de declarar una sentencia irresoluble: ‘Rock Is Dead’.

Así daba las gracias.

COBERTURAS

DÍA 3: SÁBADO 03 DE NOVIEMBRE

PG.045

Illya Kuryaki & The Valderramas

Gogol Bordello

Kita

The Prodigy

Una lluviosa tarde en la Ciudad de México se encargó de cerrar el festival. Illya Kuryaki & The Valderramas, dueto compuesto por Dante Spinetta y Emmanuel Hourvilleur, salió a escena con un espectáculo audiovisual y una orquestación intensa para mostrar que su regreso a los escenarios está bien sustentado con ‘Ula, Ula’ y ‘Funky Futurista’, parte del material discográfico Chances (2012), aunque los clásicos no pudieron faltar.

El cóctel híbrido no podía estar completo sin los gitanos punk de Gogol Bordello, quienes presentaron un set completo.

Bañado en sudor y vino tinto, Eugene Hütz interpretó temas como ‘Not A Crime’, ‘My Companjera’ y ‘Trans-Continental Hustle’, cuyas versiones en vivo fueron extendidas y llevadas al extremo combinando rock con música de Europa del Este.

Liam Howlett, Maxim Reality y Keith Flint hacían su apari-

Simplifires

ción alrededor de las 22:30 hrs., arrancando la explosiva fiesta que cerraba este Maquinaria 2012, con ‘Worlds On Fire’. Y sí: la arena ardió con The Prodigy, pues la masacre auditiva siguió con un tema consentido para todos: ‘Breathe’. Un dato interesante: no faltaron los letreros que advertían que el show de luces podía causar epilepsia.

Y cuando llegó el momento de ‘Smack My Bitch Up’ aquello fue un verdadero pandemónium: la fiesta había llegado para quedarse. Hubo un breve encore para que después se escuchara ‘Take Me To The Hospital’, el estreno de ‘Áwol’ y la aclamada ‘Their Law’. La fiesta terminaba con un clásico, muy al estilo del viejo The Prodigy, bailable y menos oscuro: ‘Outer Space’, dejando a todos más que satisfechos con tres días de intensidad sonora y visual.

ONE MUSIC AND ARTS FESTIVAL 2012 Por: Raúl Arce / Fotos: Sergio Gálvez para WARP

Martin Solveig

DÍA 01 09 DE NOVIEMBRE

El campo central del Hipódromo de las Américas y la fría noche del 09 de noviembre conformaron el marco en el que el One Music And Arts Festival 2012 inauguró sus actividades. Y es que este evento reunió, en su primer día, cuatro de los actos más populares de la música electrónica actual.

Los primeros en tomar los decs del OMA Stage fueron los canadienses Sultan & Ned Shepard, quienes se encargaron de encender el ánimo del público asistente con un set orientado principalmente al progressive house.

Alrededor de las 23:00 hrs. la gente seguía llegando, justo cuando el productor francés Martin Picandet, mejor conocido como Martin Solveig, saltaba al escenario. Y aunque desde el principio dejó muy en claro sus orígenes house, al

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sonar las primeras notas de ‘Hello’ —la popular canción que marcó la colaboración de Martin Solveig con Dragonette— el público simplemente enloqueció, entregándose por completo al francés.

Después de un energético set de 90 minutos por parte de Solveig llegó el turno del dueto belga Dimitri Vegas And Like Mike, un par de hermanos que, con un público totalmente conectado, demostró por qué tiene uno de los actos de música electrónica más aclamados.

El encargado de cerrar la noche fue Avicii; músico de Estocolmo que fue el más esperado por los asistentes, a quienes deleitó con una presentación cargada de house y progressive. La gente nunca paró de bailar y, a medida que avanzó la presentación, los ánimos fueron creciendo. El momento más intenso de su presentación —y quizá de todo el evento—, fue cuando el sueco tocó su sencillo ‘Levels’.

Dimitri Vegas & Like Mike

COBERTURAS

PG.047 DÍA 02 10 DE NOVIEMBRE

Holy Ghost fue el acto que marcó el inicio del segundo día de actividades aunque, debido a que estos chicos de Brooklyn fueron los encargados de abrir el festival, no contaron con tanto público. Sin embargo, la banda ofreció una presentación cargada de un sonido fresco y muy bailable, que por momentos nos hacía recordar el electroclash típico de mediados de la década pasada.

El productor francés Thibaut Berland, conocido en el mundo de la música como Breakbot, salió al escenario alrededor de las 22:00 hrs. para ofrecer un DJ set que pondría a bailar al público, que poco a poco llenaba el claro del Hipódromo de las Américas.

Y así, desde Australia, llegó el momento para Miami Horror, que con una

alineación propia de una banda de rock, ofreció una de las mejores presentaciones que pudimos ver en el One Music And Arts Festival, pues durante una hora la banda repasó temas de su álbum Illumination (2010).

Luego, con algunos minutos de retraso, M83 subió al OMA Stage, cuyo mejor momento fue, sin duda, cuando se escucharon las primeras notas de ‘Teen Angst’, tema del aclamado álbum Before The Dawn Heals Us (2005). Desafortunadamente para aquellos que son fans de la banda desde sus inicios, fueron pocas las canciones que pudimos escuchar de la primera etapa de M83.

Para el cierre del evento el escenario se transformó, dando paso a un gran bloque de amplificadores, sólo interrumpidos por una cruz en el centro. Y cuando ésta se encendió supimos que

Avicii

Justice

Miami Horror

Gaspard Augé y Xavier de Rosnay, mejor conocidos como Justice, aparecerían en el OMA Stage. Y vaya que los franceses deleitaron al público, ya reducido, con uno de los mejores DJ sets de todo el festival, pues en la primera parte de su acto tuvo como base el tema ‘Civilization’, sobre el cual soltaban sampleos de otros temas. Sin embargo, uno de los mejores momentos fue cuando el bloque de amplificadores literalmente se partió en dos y salió Gaspard Augé a interpretar una versión un tanto más orgánica de ‘D.A.N.C.E.’ al órgano.

Cerca de las 04:00 hrs. del domingo, los asistentes empezaron a retirarse del recinto. Muchos con frío, cansancio y polvo en los pulmones, pero con la sensación de satisfacción que sólo es posible experimentar después de una larga y ecléctica jornada musical.

49

Highway System

E

s un hecho, la vida va tomando forma con base en decisiones, es decir, de las diferentes elecciones que hacemos entre una o varias cosas, de los caminos que elegimos o no recorrer.

Con la música pasa más o menos lo mismo; el por venir de una banda se forja gracias a los diferentes caminos que va tomando, fruto de las decisiones de sus integrantes, como si se tratara de recorrer un sistema de carreteras. Pero ganarse el derecho a elegir, al menos en lo que respecta al terreno musical, no es tarea fácil, es una lucha que se libra día tras día, ensayo tras ensayo, un show tras otro. Para que un artista se pueda ganar la oportunidad de elegir la ruta que recorrerá, primero debe tener convicción

y sentirse con la capacidad de poder librar el viaje, sin importar los obstáculos, limitaciones o condiciones extremas a las que se deba someter; en otra palabras, para que un proyecto sonoro pueda avanzar y seguir evolucionando debe mantenerse de pie y seguir en el camino.

Dicen que quienes han logrado trascender y colocarse en la cúspide lo hicieron apoyados en su talento, pero también lo consiguieron gracias a su perseverancia, por aferrarse a una visión, a un anhelo.

Aquellos que hoy están por arriba de las modas, las tendencias y las exigencias de la industria, lo lograron teniendo en mente un destino final: que su trabajo musical llegara a la mayor cantidad de oídos posibles.

Es por eso que WARP Magazine presenta Highway System, un especial dedicado a presentar los nuevos trabajos de bandas que, de una u otra forma se han mantenido luchando para llegar a su destino. La dupla australiana Wazu relata la historia de lucha detrás de su

álbum debut Robobo; desde el norte de México, Javier Blake y compañía comparten los por menores de su regreso tras más de cuatro años de ausencia.

Directamente de Gales, The Joy Formidable platica, en exclusiva, su experiencia al superar el síndrome del segundo disco, mientras que la dupla argentina Illya Kuryaki & the Valderramas detalla cómo nació Chances, el trabajo que sirvió como pretexto para regresarla a los escenarios, a la vez que Dirty Projectors hace un repaso tras sus 10 años de trayectoria. Finalmente, La banda más importante de México y Latinoamérica, Café Tacvba, revela el secreto detrás de su larga carrera, mientras sus cuatro integrantes comparten su perspectiva del escenario en el que El Objeto Antes Llamado Disco nació y se desarrolló.

Sean bienvenidos, abrochen sus cinturones y bajen las ventanillas, el viaje está por iniciar.

I THINK I REMEMBER Por: Diovanny Garfias / Foto: Cortesía Wazu

C

uando escuchamos por primera vez a Wazu, durante los primeros meses de 2012, sabíamos que estábamos frente a un proyecto especial, cuya mezcla de industrial, pop y tintes post punk anunciaba a una banda que daría mucho que escuchar. Hoy, poco antes de finalizar el año, la dupla lanza su álbum debut titulado Robobo, una placa producida por Kevin S. McMahon (Titus Andronicus, The Walkmen) que, curiosamente, llevó a la banda por una diversa gama sonora, debatiéndose entre oscuridad y momentos más amables. WARP Magazine platicó en exclusiva con Rizz, voz de la banda, quien develó los detalles detrás de la construcción de su primer disco, así como los retos para mantener a un proyecto unido y concretar el objetivo principal: lanzar un álbum.

51 Cuando escuchamos su primer EP parecía que la banda tenía un sonido muy específico y particular. Varios meses después escuchamos Robobo y ahora nos presentan otra parte de su sonido, lo cual es genial. ¿Qué los impulsó a llevar su sonido en otra dirección?

La canciones que escribimos para el primer EP, en realidad, fueron las primeras que escribimos como Wazu, en 2010, así que las sentíamos un poco viejas. Con el lanzamiento de Robobo creemos que crecimos, las canciones cambiaron, ya sabes, no puedes escribir la misma canción una y otra vez. Así que teniendo eso en mente trabajamos con lo que nos salía, darkwave con toques pop, queríamos que fuera una mezcla de ambas, también nos encanta mezclar industrial con pop, porque esa es una de las cualidades del pop, es fácil de escuchar. Todo pasó naturalmente, ‘Murder 1, ‘Happy Endings’ y ‘Walk All Night’ fueron canciones que hicimos hace un par de años y desde entonces hemos tratado de apegarnos más a los beats de batería, a los sonidos más fastuosos de los sintetizadores y a ese tipo de cosas.

Creo que todo pasó naturalmente, nada fue calculado, así fue como pasó [risas]. ¿Qué nos puedes contar respecto a trabajar con Kevin S. McMahon? ¿Qué tanto les ayudó a conseguir el sonido final del álbum?

Es una persona increíble para trabajar; de hecho, mientras hacíamos el disco nos dimos cuenta de que tenemos una personalidad muy parecida, somos muy neuróticos, muy meticulosos, del tipo de los que se quedan toda la noche y parte de la mañana trabajando en algo para que quede perfecto. ¡Tenemos una química obsesiva con Kevin! Pero hablando del disco, nosotros produjimos todos los bajos, las baterías, los sampleos y las partes de sintetizador, las llevamos a su estudio y él les dio el tratamiento adecuado a cada parte con su equipo.

Mucho del sonido proviene de pasar los tracks a través de una bocina vintage que produjo un reverb natural, como el

de los discos de antes. El estudio también ayudó porque es muy grande y el espacio genera mucho ambiente. Él nos ayudó a imprimir esos elementos orgánicos a pesar de que somos una banda electrónica, y eso es lo que queríamos, alejarnos del sonido digital porque suele ser muy cuadrado, o insignificante; él nos ayudó a sonar enormes, muy orgánicos. Esa es una combinación muy interesante y lo logramos gracias a él, es asombroso, lo amamos. Definitivamente trabajar con Kevin nos ayudó a ver las cosas que no podíamos ver. ¿Qué tan diferente fue grabar un EP y un álbum completo? ¿La pasaron bien en el estudio o se sentían presionados?

En general, cada vez que grabamos o hacemos algo relacionado con el estudio es muy demandante, pero lo damos todo, aunque pasemos muchas noches sin dormir. ¡De verdad, no podemos parar de pensar! Cuando estás creando estimulas tu cerebro, y cuando lo haces durante 12 horas al día es muy difícil apagarlo y dormir en la noche. Así que cuando vamos al estudio nos aseguramos de trabajar en muchas ideas, sin desperdiciar el tiempo porque el tiempo es dinero y desafortunadamente no nos podemos dar el lujo de andar por el estudio, sentados, sin hacer nada, ¡no somos Foo Fighters!

Siempre nos aseguramos de saber qué

vamos a hacer… pero grabar siempre es muy divertido, es uno de los mejores momentos, grabar y tocar.

Muchas bandas o proyectos no sobreviven al lanzamiento de su primer material, empiezan a tener un poco de éxito o a ser escuchados y deciden que tienen mejores cosas que hacer. ¿A ustedes les ha sido difícil mantenerse juntos, es decir, completar un álbum y lanzarlo?

No, nada difícil porque, aunque llevamos poco tiempo como banda, Matt y yo siempre hemos sido amigos, desde hace más tiempo del que puedo recordar.

Quizá tenemos apenas unos años componiendo y parándonos en un escenario, pero hay una muy buena relación entre ambos, eso nos ha ayudado a no perder la perspectiva y a concentrarnos en nuestro objetivo, que en este caso era lanzar nuestro debut. ¿Tienen planes de visitar este lado del mundo próximamente? ¡Definitivamente queremos ir a México!

De hecho, ya le dijimos a nuestro manager y a nuestro publicista que debemos asegurarnos de tener planes para ir, incluso es probable que mientras hablamos se estén concretando.

No podemos esperar para verlos y les agradecemos el apoyo. ¡Realmente no podemos esperar para verlos!

›› Diovanny Garfias es periodista musical y Editor en Jefe de WARP Magazine, puedes leer su entrevista con The xx en WARP #51.

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Que los cumplas feliz

E Por: Eduardo Guillot Foto: Jesse Jenkins

n sus comienzos, el rock and roll parecía haber nacido para convertirse en el país musical de Nunca Jamás: un espacio edénico habitado por gente con síndrome de Peter Pan. A diferencia de géneros como el blues, su trayecto histórico todavía era muy corto y a sus principales intérpretes no les había dado tiempo de envejecer, por no hablar de aquellos que se iban quedando en el camino y que, por lo tanto, permanecían jóvenes para siempre.

Pero pasaron las décadas y aunque no todos los rockeros vivieron rápido, muchos murieron pronto, dejando un hermoso cadáver. Hubo los que mantuvieron el tipo, sin embargo, y así nació la gerontocracia del rock que, entre otras cosas, demostró

que ser adolescente no era requisito indispensable para grabar grandes discos. Tom Waits, Paul McCartney, Bob Dylan, Neil Young, Patti Smith y Bruce Springsteen han certificado la posibilidad de un rock adulto que no provoca penita ajena.

Y no es casual que se trate de solistas: los problemas de ego hacen que resulte mucho más difícil mantener unida a una banda a lo largo del tiempo; aunque hay contadas excepciones, como The Rolling Stones, U2 o Café Tacvba. Existen casos, además, que se empeñan en demostrar que, sin alcanzar el éxito masivo (o quizá por ello), también es posible mantener un grupo (o, en su defecto, una marca) de manera estable durante varias décadas: los canadienses Blue Rodeo, por ejemplo, llevan en activo desde 1984. Esta banda de country-rock nunca ha alcanzado relevancia fuera de los circuitos del sonido americano, pero eso no les impide girar regularmente y ganarse la vida como auténticos jornaleros del escenario.

Un caso bien distinto es el de The Fall, con el que nos remontamos hasta 1977.

En plena eclosión punk británica, Mark E. Smith puso en marcha un proyecto con el que ha publicado 29 álbumes oficiales y otros 28 en vivo. Como entidad, The Fall existe desde hace 35 años, pero lo cierto es que hace ya mucho tiempo que Smith encarna al grupo personal-

mente, en un caso similar al de Lemmy Kilmister con los incombustibles Motörhead. Las altas y bajas en The Fall han sido constantes a lo largo de su historia, la mayoría provocadas por el carácter problemático de un líder tan talentoso como imprevisible, a quien no le tiembla la mano a la hora de imponer su ley; en 2005, a mitad de una gira, despidió a todos los músicos, excepto a su esposa, la teclista Eleni Poulou.

También son hijos del punk los holandeses The Ex, un modelo de honestidad y autogestión que se prolonga ya 33 años y que mantuvo intacta su formación durante más de dos décadas.

Sólo la salida del cantante G.W. Sok, en 2005, trastocó una unión tremendamente sólida, cimentada en la camaradería. Arnold de Boer sustituyó a Sok y, actualmente, The Ex sigue ofreciendo uno de los mejores espectáculos en directo del rock europeo.

Y aún es posible remontarse más atrás, con Hawkwind, uno de los grupos creadores del space rock (influencia reconocida por The Horrors, entre otros), que llevan dando guerra desde 1969, aunque también han sufrido diversas reestructuraciones a lo largo de su trayectoria.

Así, con estos poquísimos ejemplos, ¿quién dice que en el rock no se puede hacer carrera?

›› Eduardo Guillot es periodista, crítico musical español y colaborador de la prestigiada publicación Rockdeluxe.

División Minúscula

TAN FUERTE, TAN FRÁGIL…

Por: Karina Luvián / Fotos: Cortesía DM

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F

ueron cuatro años de distancia, de alejarse estando presentes, de no irse pero de apartarse. Y es que, aunque mantuvieron un buen ritmo de actuaciones en vivo, División Minúscula había dejado de producir nueva música desde la aparición de Sirenas, su disco de 2008. Sin embargo, con la paciencia, con la sabiduría de que las cosas sin presión ocurren de la mejor manera, Javier Blake, Kiko Blake, Alejandro Luque, Efrén Barón y, nuevamente, Ricci Pérez, sorprenden en los últimos meses de este 2012 con nuevo material para demostrar que siguen vigentes y que, sí… División está de regreso.

WARP Magazine tuvo la oportunidad de platicar con la banda sobre el camino que los llevó a crear su cuarta producción, lo que su llegada significa y sobre aquello que encierra la paradoja del título: División…

Tuvieron que pasar buena cantidad de años, pero ustedes representan parte de lo nuevo del agonizante 2012. ¿Qué ocurrió a nivel creativo en estos cuatro años?

Javier Blake: Dos de esos cuatro años fueron de promoción para Sirenas y, posteriormente, empezamos a trabajar en nuevas canciones, a pre-producir, a ensayar...

Con nuestros discos siempre intentamos detenernos, dar un respiro a nuestros fans para provocar esas ganas de escucharnos nuevamente; y es que no creemos mucho en lanzar discos cada año… digo, hay gente a la que le funciona y la industria se maneja de esa manera, pero nosotros siempre hemos corrido el riesgo y, ahora, al sacar ‘Sed’, nos damos cuenta de que la gente no nos olvida. Para hacer este álbum nos dimos el tiempo, un periodo de prueba y error.

Hicimos algunas pruebas en Monterrey y no nos convenció mucho, empezamos a grabar el disco aquí, en la Ciudad de México, y tampoco quedamos muy satisfechos; y no era que el sonido fuera malo, simplemente sentíamos que no era ni el lugar ni el momento en que lo teníamos que hacer, aún no llegaban a su punto.

un disco cuando sentimos que tenemos una cantidad de canciones que representan ese momento, lo que estamos viviendo. Jamás nos ha gustado trabajar bajo presión y creemos que es mucho más honesto hacer canciones cuando sientes la inspiración. Afortunadamente hemos tenido la oportunidad de hacerlo así, y para nosotros ha resultado mejor dejar que nuestros fans procesen los discos y escuchen también otras cosas, para después regresar y sorprenderlos.

¿Es ‘Sed’ su primer sencillo o cómo es que deciden compartirlo con el público?

JB: Cuando nos presentaron los planes de promoción estuvimos de acuerdo en esperar, pero de repente la gente insistió mucho en escuchar algo nuevo. Entonces pensamos en sacar una canción que, sin considerarla un sencillo, tuviera el sello fuerte del disco. Fue ‘Sed’ la canción que elegimos, acompañada de un video, y en el momento en que empezó a difundirse nos dimos cuenta de que la gente y los medios estaban esperando algo de División; fue una gran sorpresa y es algo de lo que estamos muy agradecidos, pues habla de un respeto mutuo entre el público y nosotros. Estamos muy contentos.

¿Cómo es que deciden grabar el disco en Estados Unidos? ¿Empezaron desde cero o retomaron el trabajo que habían logrado con anterioridad?

KB: Cuando viajamos a Baltimore decidimos retomar lo que habíamos trabajado aquí en México y el proceso fue diferente con cada canción: algunas se retomaron, otras se desecharon y un par más nacieron en ese momento. La realización ocurrió en el Salad Days Studio, específicamente, bajo la producción de Brian McTernan.

Lo elegimos a él porque desde Defecto Perfecto, a raíz de nuestro gusto por su trabajo con otras bandas, teníamos curiosidad de colaborar con él, de hecho lo buscamos para aquel disco, pero no se dio la oportunidad hasta este material; hablamos con él, aceptó y nos ofreció justo lo que queríamos: estar aislados en una ciudad que no necesariamente es turística, sólo para componer y plasmar todas las experiencias que hemos vivido.

¿Con base en qué criterios es que División Minúscula decide lanzar un disco? Me queda claro que no es basado en una necesidad de la industria…

Kiko Blake: La verdad es que sacamos

¿De eso trata División?

Efrén Barón: Cada disco de División ha sido distinto al anterior; este en particular habla de la banda. Ricci había salido de la alineación y regresó el año pasado durante

una serie de conciertos que hicimos, festejando los diez años del lanzamiento de Extrañando Casa, nuestro primer álbum.

Entonces, al ver lo que hemos logrado y recordar de dónde venimos, llegamos a un estado de melancolía. Podríamos decir que, sónicamente, este disco es un resumen de lo que ha sido la carrera de División Minúscula, pues tiene la energía del primer disco, la experimentación de Defecto Perfecto y la sensibilidad de Sirenas.

En este material encontramos la culmina-

ción del sonido que buscábamos; por eso el título, quisimos que simplemente fuera una palabra que nos representara —pues todo mundo nos llama así en un sentido muy familiar—, así que decidimos hacerlo más personal para la gente. Por lo tanto, más que dividir, este disco busca unir, unir a quienes siempre están alrededor nuestro, a quienes trabajan con nosotros y a aquellos que hacen a la banda: el público.

Me parece que División Minúscula ha logrado mantener ese sonido que la ha colocado en el gusto de diferentes públicos, abriéndose a cosas nuevas pero sin perderse en el camino…

KB: Algo que ocurre con muchas bandas es que están presionadas por sacar mucho material. Honestamente, nosotros estamos mucho más interesados en crecer como personas, en vivir nuestras experiencias y en hacer la música que nos gusta. El plus que buscamos es componer mejor, ejecutar mejor, que las canciones suenen grandes antes de siquiera pensar en tener una canción rap o dubstep, por ejemplo. Este disco es muy directo, con un sonido grande y ambicioso, del mismo modo en que nos encontramos hoy como banda.

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The Joy Formidable

THE HOWLING

Por: Leonel Hernández / Fotos: Rubén Márquez para WARP y James Minchin

E

l formato “power trio” es, en la mayoría de los casos, una fórmula exitosa y ejemplos hay muchos; ahí está The Police, Primus, Muse, Green Day, Blink-182, Biffy Clyro, Wolfmother y, desde luego, Nirvana. Para The Joy Formidable este formato es parte de su identidad, esa que los ha llevado a convertirse en una de las propuestas más interesantes que ha dado la industria en Europa en los últimos años, pero también a superar diversos obstáculos, manteniéndose unidos en el camino hacia completar Wolf’s Law, su segundo álbum de estudio.

La música de The Joy Formidable está llena de fuerza, de energía, y hoy por hoy es uno de los actos más explosivos que hay vivo. Actualmente están por lanzar su segunda placa de estudio, la cual definitivamente tendrá que definir la carrera de estos músicos galeses, que están arriesgándolo todo para consolidarse como una banda sólida y dejar atrás el llamado “síndrome del segundo disco”, ese que termina con la personalidad de una banda.

Dueña de una extraña belleza, muy similar a la de una muñequita de porcelana, Ritzy Bryan funge como la hermana mayor de esos dos inquietos niños llamados Matt Thomas y Rhydian Dafyudd —batería y bajo, respectivamente—, que disfrutan de bromear, pero sobre todo, de tocar muy fuerte.

WARP Magazine platicó en exclusiva con la banda poco después de grabar su participación en Sesiones Off Season y esto fue lo que nos contaron…

Se llevan muy bien, parecen una familia de hermanos pero, ¿les ha costado trabajo mantenerse juntos?

Ritzy Bryan: Bueno, aunque nos conocimos hace mucho, no habíamos tocado juntos. Hace como cuatro años, cuando vivía en Estados Unidos, Rhydian me preguntó si quería hacer algo y recuerdo que le contesté en monosílabos. Cuando regresé a Gales, nos juntamos y salieron cosas interesantes, pero necesitábamos un baterista; fue entonces que Thomas se nos unió y así completamos la alineación de The Joy Formidable.

Desde entonces todo ha sido genial: ninguno de los tres se ha sentido tan complementado con nadie más.

Tienen un estilo particular de hacer rock: combinan diversos elementos en su propuesta. ¿Cómo hacen para escribir música entre los tres?

Rhydian Dafydd: A la hora de componer, eventualmente nos vamos encontrando a nosotros mismos. Ahora, si lo que preguntas es si existe un motivo, un concepto o una idea para que surja una canción, la respuesta es no. Escribimos más bien por instinto, sin ponernos a pensar en el estilo al que sonará la canción. Buscamos que todo sea muy energético y que, sobre todo, sea algo verdadero y natural, nada pretencioso.

RB: Por ejemplo: ‘Cholla’ es una canción que habla específicamente de la ruptura en una relación madre e hija; cuando la compuse, fue en un momento en que estaba de muy mal humor con todos y la idea era hacer eso mismo con la guitarra. Se me ocurrió un riff sencillo, aunque con una distorsión potente. Al final parece que logré sonar fuerte y molestar a los demás [risas].

61 ¿Hay alguna diferencia fundamental entre The Big Roar (2011), su debut, y Wolf’s Law? RB: Me parece que la madurez. Hemos crecido como banda y hemos visto cosas nuevas. Salimos mucho de gira con The Big Roar y fueron meses de no parar. Con el primer disco teníamos algo qué decir, queríamos hacer música que fuera potente, sin miedo a que sonara emotiva o melódica; y es que no queríamos que fuera estridente todo el tiempo. Se trata del equilibrio, de que exista ese contraste con algo que es frágil y sosegado al mismo tiempo. El nuevo disco va mucho por esa línea, pero incorporamos elementos e instrumentos que harán más interesantes las canciones.

RD: Así es. Además, la gama de sonidos ha cambiado, se ha abierto mucho más, tiene sus momentos pesados, pero también tiene influencias de cosas más ambientales, más neutras. Es mucho más directo y dinámico. Queríamos que fuera más variado.

Hablando precisamente del sonido, parece que la producción de su debut es muy orgánica, pero también tiene sus secciones bastante elaboradas. ¿Les gustaría probar una producción diferente en el sonido de sus álbumes futuros?

RD: No lo sabemos. En la canción ‘This Ladder Is Ours’, por ejemplo, hay un giro importante: ya no hay tanta distorsión y estamos más orientados a experimentar con otros instrumentos y efectos de guitarra. Así que de momento sólo esperamos que le guste a la gente lo que vamos probando.

Este año compartieron escenario durante varias fechas con Muse, en Reino Unido. ¿Cómo se sienten al respecto? ¿Les gusta su música?

RD: Matt Bellamy es un gran guitarrista; todos son grandes músicos y nos gustan mucho. Estuvimos muy emocionados de compartir escenario con ellos.

Matt Thomas: Además, también son tres [risas].

Han sido elogiados por gente como Dave Grohl, Shirley Manson y muchos otros. ¿Cómo se sienten recibiendo cumplidos de personajes tan influyentes en la música?

RB: Tratamos de no pensar en ello. Nos enorgullece mucho que otro músico, que alguien a quien admiras elogie nuestro trabajo, es algo que definitivamente importa. Hemos convivido con Dave Grohl y es una gran persona, y la opinión es más importante viniendo de un amigo.

Somos grandes admiradores de todo lo que ha hecho desde Nirvana y también de cómo apoya la música pero tratamos de no pensar en ello, no sirve de nada creer que, tan sólo porque nos aplauden un poco, podemos dejar de trabajar en nuestro sonido y en nuestra esencia. ¿Qué nos pueden decir sobre el rock galés?

RB: Gales es hermoso, pero también muy solitario. Aunque no creo que eso afecte la música que se hace allá.

Hoy vivimos en Londres: somos como campesinos viviendo en la gran ciudad [risas].

›› Leonel Hernández es poeta y traductor, puedes leer su entrevista con Natalia Lafourcade en #WARP 51.

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How we live in 2012 Por: Paul Stokes Foto: Annabel Mehran

E

l mes pasado, cuando los jueces del Mercury Prize proclamaron a An Awesome Wave, de Alt-J, como el álbum británico de 2012, me pregunté si realmente ha habido un “álbum del año”.

En otros años tuvimos a Arctic Monkeys, The xx o -como ocurrió en 2011a PJ Harvey, quien lanzó un álbum que no sólo es el mejor disco de esos 12 meses sino que, de alguna manera, capturó lo que estaba sucediendo en la música durante ese período. No me malinterpreten, el arte pop armonioso de Alt-J es brillante, provocador, un gran disco pero… ¿realmente resume este año que termina?

Tal vez los ritmos más tranquilos...

Agradezco que este mes tenga la oportunidad de hablar acerca de los discos que no fueron aclamados por la corriente de las masas, porque siento que eso retrata mejor y de manera más honesta lo que sucedió en la música durante 2012 que el enfocarnos en los grandes estrenos.

En primer lugar, Django hizo lo contrario de lo que aparentemente las bandas de hoy deben hacer. Después de que hace algunos años prematuramente se hablaba de ellos, en realidad esperaron, encontraron la música correcta y estre-

naron su disco homónimo a principio de año. Es una colección alegre de remolinos pop, ritmos con truco y melodías adorables. En un universo donde The Beta Band nunca hubiera existido, este álbum habría hecho que la gente perdiera la cabeza peor de lo que lo lograron, sin embargo, Django no podría haber existido en ese universo porque el baterista David Maclean es hermano menor de John, de la otra banda. No dejen que el aire familiar los desanime, es un aspecto llamativo y este es un álbum brillante que ha aprendido bien de sus mayores.

El segundo álbum de Lucifer, Peaking Lights, fue una agradable sorpresa, al menos para mí, que nunca fui gran fan del dub. Este disco se sintió como un dub mejorado, porque si bien tiene un corazón oscuro, también tiene un ligero toque de amapola. También tengo que mencionar el disco de Go Kart Mozart, On The Hot Dog Streets, el último proyecto de Felt Lawrence, la leyenda indie que debería ser la estrella pop más grande del mundo, no por otra razón que la fuerza de voluntad y el encanto, aunque precisamente por esas mismas razones nunca lo será (revisen el documental Lawrence Of Belgravia, que también salió este año, para completar la historia de esta institución del indie).

El álbum está lleno de ritmos adictivos, dulcemente ingenuos, como canciones de

cuna para adultos. ¡Lo tocamos demasiado en la oficina Q este año!

Finalmente, para mí el mejor álbum no convencional del año y uno de los últimos y mejores lanzamientos de 2012 es Twins, de Ty Segall. Ty, con los resultados de ser adicto al trabajo (10 álbumes en seis años... y eso que fue músico de tiempo completo en cuatro de ellos), siempre ha sido una figura sombría para mí. Veía su nombre, pero no estaba muy seguro de qué hacía o de qué se trataba, aunque sí podría decir que él era bastante lo-fi y, tontamente, nunca investigué más a fondo.

Alguien muy especial me recomendó Twins y estoy enormemente agradecido por ello. Envuelto en garage rock (The Sonics, dirían), está lleno de melodías tocadas por el sol de la costa californiana, un disco para saltar pero también para sentarse a escucharlo. Es dulce, te pone a pensar, pero también te deja listo para la fiesta... y el hecho de que es el tercer lanzamiento de Ty en 2012 (después de dos trabajos de colaboración a principio de año), remarca sus logros.

Así que, aunque tal vez no ha habido un álbum que defina 2012, existe un espectro verdadero de los álbumes creados en el que pueden hacer su propia búsqueda, para encontrar uno o dos que resuman dicho periodo para ustedes.

›› Paul Stokes es Editor Asociado de Q Magazine, una de las publicaciones musicales más destacadas de Reino Unido.

Illya Kuryaki & The Valderramas

EL ENCUENTRO... LA OPORTUNIDAD

Por: Karina Luvián / Fotos: Cortesía IK&TV

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“Este es el sonido que estabas esperando”, reza Illya Kuryaki & The Valderramas sin miedo y con firmeza, afirmando que su regreso no es improvisado ni sinsentido, sino un acto que se dio de manera natural y que “siempre estuvo latente en nosotros”, asegura Emmanuel Horvilleur: “Todos saben que cuando decidimos emprender carreras solistas le inyectamos toda nuestra fuerza, pero el tema de Illya siempre ocupaba la última pregunta de cada entrevista. Y aunque en un momento teníamos claro que no íbamos a volver, de unos años para acá empezamos a fantasear con la idea, nos juntábamos en la casa de un amigo a jamear y nos dimos cuenta que teníamos un lugar común y que eso era Illya Kuryaki. Cuando pensamos más seriamente en la posibilidad de volver, los dos expusimos las ganas de hacer un disco, así que estuvimos todo un año dándole, junto a Rafa Arcaute, encontrando esa isla llamada Illya Kuryaki & The Valderramas pero traída al presente; ya sabíamos que lo habíamos hecho bien en el pasado, pero para nosotros también era sincero querer volver con algo fuerte y real, volver a mezclarnos como artistas.”

Hacer un nuevo disco, entonces, no era del todo fácil, pues el escenario había cambiado y el público mismo era diferente, además de las experiencias personales que habían tenido a raíz de su camino en solitario. Había que reencontrarse, había que revisar si la química seguía tan perfecta como en sus mejores años, y sí, había que darse una nueva chance.

Para Dante Spinetta, había que reconectarse con el mundo Kuryaki:

“No hay un Illya Kuryaki igual en ninguno de nuestros discos. La primera tanda de álbumes en los noventa son muy disímiles entre sí, pero siempre respetan la esencia del proyecto; eso era justamente lo que queríamos, conectarnos con nuestro mundo y no hacer un disco de Emmanuel y Dante solistas, por eso tomamos la iniciativa de empezar a tocar en vivo de nuevo, para empaparnos de nuestra música y de nuestros conceptos. La idea claramente era no repetirnos. Antes de anunciar que íbamos a volver nos metimos a grabar, en secreto, para ver si realmente podíamos congeniar nuestras distintas influencias después de tanto tiempo. Fue por aquellos días cuando salió la canción ‘Helicópteros’ y ésta nos impulsó, pues al hacerla nos dimos cuenta de que la magia seguía ahí, pero que también estaban involucrados el Dante y el Emma en individual. Creo que es un disco muy logrado a nivel de estilos y a nivel sonido; en vivo va a ser poderoso.

En este punto de la charla, las mentes detrás de una de las propuestas más afamadas y exitosas en Latinoamérica a finales del siglo pasado detallaron la manera en que Chances, nombre de su nueva producción, fue creado, un proceso que les tomó un año de sus vidas y que se vio empapado de situaciones personales, ocurridas previamente o durante la grabación. Tal fue el caso del

fallecimiento de Luis Alberto Spinetta (padre de Dante e ícono argentino de la música) y del coma en el que se encuentra Gustavo Cerati, por lo que ‘Aguila Amarilla’ y ‘Safari Espiritual’, respectivamente, contienen algo sobre ellos.

Dante: Cuando entramos en modo Kuryaki y empezamos a pensar en el proyecto todo lo creamos juntos, en el estudio; de hecho, este es el disco que más juntos hicimos. Estuvimos un año completo trabajando, haciendo canciones que rebasaron las 30, pero sólo elegimos 14. Nos empezamos a juntar de todas las maneras posibles, arrancando temas de una letra, de un beat o de un riff de guitarra, incluso surgieron canciones hasta el último momento, como el caso de ‘Ula Ula’ que empezó jugando y terminó siendo el primer sencillo. Tratamos de respetar mucho ese mundo que creamos pero también empezamos una búsqueda de cosas que no hicimos antes. Por ejemplo ‘Amor’, que es una mezcla de bolero con hip-hop; ‘El Encuentro’, que es afro-beat, y una más que se llama ‘Soy Música’, que tiene una onda más reagge que tampoco habíamos intentado. Me parece que quedó un disco fuerte, el disco que queríamos tener, una chance más para Illya y una nueva oportunidad para la gente, pues cada tema representa la posibilidad de meterte en un mundo. ¿Existió el miedo de regresar y enfrentarse a una escena distinta a aquella que

los vio partir en 2001? Para Emmanuel y Dante eso nunca existió.

Emmanuel: Yo creo que uno siempre puede ser un artista nuevo para el público.

Además, la confianza en el grupo de trabajo que uno arma es esencial. Hoy por hoy sé que con los músicos que tenemos va a haber una fuerza única… y sí, la gente puede consumir esto o lo otro pero ese ya no es nuestro problema, nosotros tenemos el puño preparado para dar el golpe…

Dante: … ¡Exacto! Además, me parece que podría existir nerviosismo si tuviéramos un disco flojo, que no hubiera quedado tan bien. Este no es el caso, con este disco no tengo miedo, para nada, es más, estoy más envalentonado que nunca, porque creo que tenemos un gran disco, podríamos vender más o menos pero eso no significa el triunfo. Para mí, el triunfo es hacer buena música y que la gente se sume al concepto, para hacer un viaje juntos a lo largo de toda la placa.

Por el momento Illya Kuryaki & The Valderramas vive el momento, sin saber si lanzará un sucesor de Chances pero con la convicción de que su quehacer no tiene fecha de caducidad. “Podemos sacar discos de Kuryaki o de solistas –asegura Emmanuel- y volver a esto, tenemos libertad de entrar y salir del proyecto cuando queramos. Lo que sigue ahora es conectarnos con la gente a través de los shows en vivo y de girar, algo de lo más lindo.

›› Karina Luvián es Coordinadora Editorial de WARP Magazine, puedes leer su entrevista con Stars en WARP #51.

Dirty Projectors

ABOUT TO DIE

Por: RaĂşl Arce / Foto: Jason Frank Rothenberg

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O

riginarios de Brooklyn —uno de los barrios más prolíficos en materia musical no sólo de Nueva York, sino del mundo entero—, Dirty Projectors ha sabido desmarcarse del sonido mainstream y generar una identidad musical propia.

Con diez años de carrera, estos neoyorkinos se han sabido renovar y, con el tiempo, adquirir el don de la ubicuidad, necesario para cualquier banda que pretenda estar vigente.

Dirty Projectors forma parte de las bandas que celebran el 6to. aniversario de 2Abejas y WARP Magazine tuvo la oportunidad de platicar con Nat Baldwin, bajista de la banda, quien compartió sus impresiones acerca de su más reciente álbum Swing Lo Magellan (2012), así como de su visita a nuestro país.

Para aquellos que no están familiarizados con la música de Dirty Projectors, ¿cómo describirías su sonido?

Es como si Bob Marley se encontrara en el futuro o algo así.

Nueva York es una ciudad reconocida por ver nacer muy buenas bandas. ¿A qué crees que se deba esto?

Creo que ahora hay más bandas que an-

tes, así que, matemáticamente, tendría que haber un mayor número de bandas buenas, ¿no es cierto?

Claro, pero ustedes son de las que más trabajan; a lo largo de su carrera han publicado muchos álbumes y EPs. ¿Cómo se mantienen en ese tenor creativo?

Considero que la mayoría de las personas creativas tienen que seguir generando cosas nuevas para sobrevivir y no enloquecer.

Es divertido, gratificante, estarse retando a uno mismo constantemente. Me siento afortunado de haber encontrado algo que de verdad disfruto y planeo seguir haciéndolo hasta que me deje de divertir.

Han trabajado con músicos como David Byrne y Björk. ¿Qué nos puedes contar acerca de estas experiencias?

Ambos son excelentes músicos. Nosotros crecimos admirándolos, por lo que les tenemos un gran respeto. Trabajar con ellos es una experiencia que te hace ser humilde, pero que a la vez te inspira a crecer.

Tanto David como Björk tienen voces muy potentes, además de una presencia tan imponente que captan la atención de la gente sin siquiera intentarlo. Fue genial ver cómo, a pesar de su talento excepcional, son gente normal y, por cierto, muy agradables. ¿Qué nos puedes decir acerca del proceso creativo detrás de Swing Lo Magellan?

Primero grabamos el bajo y la batería, con Dave Longstreth tocando junto con nosotros, todo en vivo. Trabajamos días enteros, durante varias semanas y, aunque grabamos más canciones, muchas de ellas no llegaron al álbum.

Pudimos aprender todo muy rápido, de tal manera que el material se siente vivo, muy fresco. Yo no estuve durante todo el

proceso de grabación, pero imagino que Dave cantó y tocó algo la guitarra; y de seguro las chicas agregaron más voces para integrar el disco. En realidad todo se hizo muy rápido, sobre todo si consideras el tiempo que nos tomó grabarlo.

Fue mucho trabajo y al final resultó ser muy gratificante. ¿Así que no hubo algún cambio sustancial en el proceso creativo?

No, el proceso fue básicamente el mismo: Dave escribe el material, nosotros nos juntamos después para tocarlo y ver cómo encaja. El cambio, quizá, es que ahora él sabe a quién le está escribiendo, fuera de eso creo que el proceso no es tan diferente de lo que hemos hecho anteriormente.

La alineación de la banda ha cambiado a través de los años. ¿Cómo influye esto en su música?

Bueno, creo que la alineación ha estado relativamente estable, lo que le ha dado a Dave una plataforma más clara para escribir. Él puede ver dónde va cada parte y cómo lograr el sonido que quiere. En el pasado, el material estaba todo junto y, dependiendo de la instrumentación, el sonido podía ser totalmente de un disco o de otro.

Probablemente en eso radica el cambio.

Tienen un nuevo EP que se llama About To Die. ¿Qué los inspiró a nombrarlo así?

Creo que es una celebración de la vida, pero probablemente Dave podría contarles más al respecto. Y es que todos estamos a punto de morir… relativamente hablando. ¿Cómo se sienten visitando México? ¡Emocionados! ¡Quiero saludar a toda la gente de México al mismo tiempo!

›› Raúl Arce es Editor de Contenidos de Gamebox.la, puedes leer su entrevista con Paul Banks en #WARP 51.

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Take The Long Road And Walk It

P Por: Alejandro Franco

arece fácil una vez que algún proyecto musical logra llegar a un lugar privilegiado, continuar por ese camino y, sobre todo, entender que alguien que busca vivir de esta industria del lado artístico, también debe contemplar el lado estructural.

Y es que, en realidad, el que una banda continúe por años como proyecto, es un modelo atípico que pocos

logran dominar y sacar adelante; me refiero a continuar y seguir por el camino largo con una idea clara de lo que se requiere en cada etapa, con calidad musical sin caer en estados de falso confort y con todos sus integrantes.

Nada fácil, sin duda...

Lo que cuesta trabajo entender y aceptar, es que una banda es una empresa, una compañía pues, en el más amplio sentido de la palabra. Hace algunos años dedicamos un número de esta publicación al autoboicot de tantos y tantos artistas con respecto al éxito, el cual titulamos Miedo A Las Alturas.

En ese entonces hablamos justamente del peligro inminente de clichés como el “one hit wonder” o el famoso primer disco exitoso y el segundo mediocre.

Bueno, pues esta reflexión va más allá. Hablo de la decisión de estar, de caminar juntos pese a los lógicos problemas naturales de las relaciones humanas, a pesar del éxito, de las giras, de las drogas y, sobre todo, pese a ellos

mismos. Crecer y avanzar en la historia de la música dignamente es un filtro aún más pequeño que mantenerse juntos y, en ese sentido, hay historias que terminaron cuando debieron terminar, y eso también debe agradecerse.

Ridículo que INXS anuncie su separación cuando sabemos que la banda terminó a la par de la muerte de Michael Hutchence, o que Axl Rose recorra el mundo profanando el nombre de la banda que, aunque siempre le dio un papel protagónico, jamás se trato de un proyecto solista. Increíble que Led Zeppelin tuviera tan digna reunión en 2007, con Jason Bonham supliendo a su padre por una sola vez en la historia, y nada más. Agradecidos de la coherencia de crecimiento sonoro de Radiohead, de los 50 años de The Rolling Stones y por supuesto de 23 años de nuestros Café Tacvba y su amplio sentido común para seguir regalándonos lo que están destinados, pero sobretodo decididos… a seguir haciendo.

›› Alejandro Franco es conductor del nuevo programa WFM en cadena nacional (México) W Radio de lunes a viernes a las 21:00 hrs.

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Café Tacvba

“NO EXISTIRÍAMOS SI NO ESTUVIÉRAMOS BUSCANDO NUEVAS FORMAS” Por: Julián Woodside Fotos: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

ocos son los conjuntos que logran mantenerse vigentes por más de dos décadas a la vez renuevan su sonido en cada producción. Café Tacvba es sin duda uno de ellos. Su música ha trascendido generaciones, gustos y fronteras, pues prácticamente no hay individuo latinoamericano menor de cuarenta años que no haya escuchado alguna de sus canciones. Este 2012 nos presentan El Objeto Antes Llamado Disco, producción sumamente íntima que fue grabada en sesiones de estudio ante un reducido grupo de seguidores en Buenos Aires, Santiago de Chile, Los Ángeles y la ciudad de México.

Mucho se ha escrito sobre ellos; “que si la patada de Raúl Velazco los lanzó al estrellato”, “que si han sido comparados con grupos como Radiohead o los Beatles”, etc. La realidad es que con un nuevo disco bajo el brazo, Café Tacvba no le da tanta importancia, ya que para ellos hay una sola cosa que trasciende: la música.

Podría dedicar todo este espacio a transmitir la experiencia de platicar con cada uno de ellos, pues en sus palabras hay mucho que aprender. Sin embargo, el espacio impreso siempre es breve y por ahora quisiera compartir esa parte más íntima, más humana de cuatro individuos que tienen muy claro de qué va eso que nosotros conocemos como música. Claro,

con la promesa de que pronto en WARP. la podrán conocer más sobre la entrevista que tuvimos con ellos. ¿Cómo fue que decidieron juntarse para componer el nuevo disco?

Meme: Tomamos un receso amplio, pues Sino trajo un ciclo de trabajo de casi tres años: entre lo que duró el disco, más el festejo de los veinte años y la gira que hicimos. Fue un proceso largo que hizo que al final necesitaramos un receso para volver a encontrarnos, no sabíamos exactamente de cuánto, pero estaba planteado para que fuera de al menos un año (…). Antes era más inmediato, terminábamos la gira, descansábamos un poquito y empezábamos un nuevo disco.

Quique: Fue difícil, fue el no tener una guía o no saber hacia dónde podía evolucionar el siguiente paso de Café Tacvba.

Fue disfrutable la forma como decidimos, o como coincidimos que podíamos trabajar y la parte de hacer música, pero hubo algunos factores que me hicieron difícil el proceso. Por ejemplo, optamos por hacer una especie de retiro en Tepoztlán (…) y para mí que, digamos, soy un ser citadino, ir de lunes a viernes allá era difícil. Lo recuerdo como algo que pesaba, pero que era necesario para poder concentrarnos en lo que realmen-

te queremos hacer, que es música.

Y ya que superaron ese primer paso de aventarse a componer algo nuevo, ¿cómo fue tomando forma El Objeto Antes Llamado Disco?

Rubén: Comenzamos a principio de año, nos juntamos para mostrarnos las composiciones que cada uno tenía y con eso empezamos a armar este grupo de canciones (…). La forma habitual en la que trabajamos es siempre con una caja de ritmos; cuando se ha dado el trabajar con un baterista lo hacemos como una etapa posterior, porque este primer momento es muy cerrado para nosotros.

Meme: No ha habido algún disco para el que hayamos tenido una conversación previa sobre lo que queremos que éste trate, de la temática o de las influencias.

Es en el momento mismo que presentamos las ideas cuando descubrimos todo lo que va a pasar, porque es cuando la dirección de ese proyecto toma un camino que no hemos imaginado aún.

Quique: (En ocasiones) decidimos muy democráticamente. Otras veces hay alguien que tiene claro cuál es el camino a seguir, las condicionantes que existen alrededor y cómo podemos manipularlas para llegar a un buen destino.

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Rubén: (Esta vez) empezamos a trabajar de una forma muy fluida y al poco tiempo ya teníamos un demo, el cual enviamos a Gustavo Santaolalla, pues habíamos decidido trabajar con él; cada vez que nos juntamos vemos qué es lo que queremos hacer, qué intención tenemos y con quién queremos trabajar.

Platíquenme de su decisión para hacer un disco en estudio pero con público presente.

Rubén: (El disco) venía con la intención, tal vez, de hacernos conscientes del momento que estamos viviendo como grupo, no solo de cuatro personas, sino como algo más amplio, de todas las personas que durante tanto tiempo han estado trabajando con nosotros.

Joselo: La idea era grabarlo en un lugar especial, alguna ciudad en la que no hubiéramos estado nunca o quizá en un estudio que tuviera mucha tradición, o mucha onda en términos de rock. Se hablaba de ir a Berlín, por ejemplo, por lo que ha pasado o lo que ha dado dicha ciudad en términos de gente que se van a grabar allá, David Bowie con Brian Eno, U2, etc.

Rubén: A mí se me ocurrió que en vez de irnos a grabarlo a algún otro lugar utilizáramos ese presupuesto para invitar a amigos y fans, gente que pudiera disfrutar de ser testigo y partícipe del proceso de grabación. Se lo comenté a los demás y aunque en un principio hubo un poco

de miedo, al final todos dijimos: “Sí, vamos a hacerlo”. Ya en conjunto todos propusimos: “¿Por qué no ampliamos la idea?, en vez de hacerlo solamente en el D.F hagámoslo en Argentina, Santiago y Los Angeles también”, todo esto con la intención básica de disfrutar.

Joselo: Al final, la idea no fue exactamente como Rubén la pensaba, pues él proponía “un concierto en vivo, con gente, en un escenario, que se meta todo, que el público sea partícipe de esto”. Fue cambiando con una contrapropuesta de Meme, quien decía: “¿Por qué no lo hacemos como si fuera realmente en estudio?, que la gente esté callada pero que sea partícipe del proceso”.

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Rubén: Pudimos compartir no únicamente con nuestros amigos, sino también con gente que gusta del grupo, que pudo disfrutar del proceso de grabación, que se les hizo algo sui generis porque no es un disco en vivo, es un disco de estudio pero con gente, básicamente con la intención de que esa presencia nos hiciera interpretar de diferente forma las canciones.

¿Cómo fue la experiencia de grabar El Objeto Antes Llamado Disco?

Me imagino que al no ser en vivo, pero si con un público, les cambió un poco el esquema.

Quique: El hecho de realizar eso con testigos externos no sé si me aterraba o me repelía (…), digamos que el ejercicio de trabajar en el estudio demanda un tipo de atención diferente al que se puede tener en un escenario, los dos son disfrutables pero en uno tú sabes que estás trabajando para un fin que va a quedar grabado, va a quedar para la historia, si tocas en vivo y si decides hacer una variación y no resulta, lo de menos es que a la tocada siguiente no lo hagas.

Ahora, en retrospectiva, ¿qué representó para ustedes esta nueva forma de aproximarse a crear un disco?

Joselo: Creo que lo que más me gustó es que nos obligó a ensayar las canciones antes, ya que en estos tiempos los grupos entran a grabar sin haber ensayado mucho las canciones. A veces las componen y las van arreglando en el estudio; es diferente a como se hacía antes.

Rubén: Fue hacernos conscientes y decir: “Bueno, estamos en este momento, gozamos de salud, tenemos la fortuna de hacer lo que tanto nos gusta -que es la música-, de viajar, de visitar amigos en otros lugares y compartir con ellos esta parte de nuestra actividad”. Por eso dijimos: “sí, vámonos a Argentina a gozar, vámonos a Chile con nuestros amigos a comer ric, y vamos a Los Ángeles, al lugar de donde es Gustavo a seguir gozando con la familia”. Ese es básicamente mi punto de vista acerca de todo el proceso, y la verdad es que fue muy disfrutable, lo disfrutamos mucho.

En ocasiones se ha criticado que Café Tacvba ya no es lo que era antes, que han perdido la chispa experimental, ¿ustedes qué opinan?

Meme: No existiríamos si no estuviéramos buscando nuevas formas, es la búsqueda del no aburrimiento, y esa inquietud nos lleva de repente a convertirnos en una reversión, o una forma diferente, e ir mutando (…), lo que si hemos visto es que cada vez que damos una vuelta, y nos sentimos cómodos, entonces nuestra carrera se amplía de nuevo.

Quique: No creo que hayamos replegado nuestra capacidad de inventiva o de experimentación, creo que había una necesidad en ese momento de ser eso, de convertirnos en un grupo, inconscientemente, no fácil de escuchar(…), creo que hemos seguido jugando en ese rango a lo largo de estos últimos tres discos.

A estas alturas Café Tacvba ha rebasado la categoría de grupo, se podría decir que es una empresa, ¿cómo lidian con eso y la parte orgánica de la creación musical?

Meme: Yo creo que sí se ha convertido en una empresa, por decirlo técnicamente, porque mucha gente colabora con nosotros, tiene que haber estructura y tiene que haber un orden y una serie de cosas para que la música se amplifique, pero si en esencia el grupo no tiene esa chispa, esa química, esa parte orgánica, lo demás está de sobra.

con inventiva, con una voz única, y esos son los que pueden sobresalir. ¿Cuál es su perspectiva con respecto a los medios musicales en México?

Quique: No estoy seguro de que exista una verdadera crítica de música en este país, y no solamente de música, de televisión, de cine, como si hubiera un miedo no sé si heredado de algún sistema anterior de cosas en donde solo había un partido y solo había una televisora, en donde no nos atrevemos a criticar o a cuestionar.

Con cada disco cada uno de ustedes llega con propuestas de canciones, ¿pero cómo logran negociar la parte de la creación como grupo?

Joselo: Si yo compongo una canción y digo “es que yo tengo esta canción y quiero que sea así y así” mejor no la muestro, porque sé que mis compañeros van a hacer otra cosa, no mejor ni peor, otra cosa, entonces cuando yo muestro la canción estoy totalmente dispuesto a que esa canción pueda cambiar radicalmente.

Normalmente las canciones que escogemos para trabajar son las que tienen menos elementos, que es una guitarra y una melodía, porque esa canción o esa propuesta nos invita a poder hacer, nos da libertad de hacer cosas, cuando ya viene muy armada es más difícil.

Muchas cosas han cambiado en la industria desde que ustedes empezaron, ¿cómo perciben la situación musical en México?

Meme: Hay conceptos fundamentales de producción que aún no están bien sembrados en este medio (…), yo creo que hoy día hay muchos artistas o muchos grupos que adolecen de la producción, y no en términos de la cuestión estética, sino de una perspectiva un poco más global donde realmente hay que pensar a largo plazo en términos del proyecto como entidad compleja.

Rubén: Lo más importante es lo que está sucediendo ahorita, es a lo que hay que prestarle atención, claro, el pasado y la creación que se pudo haber dado en el pasado es importante, es como un cofre de tesoros donde puedes enriquecer tu creación, tu visión.

Quique: Que sea más fácil obtener la música no quiere decir que esa música sea

mejor o peor, y me queda la duda de cómo se va canalizando eso, quiero creer que si la gente reconoce un valor en algo entonces esa música va a tener mayor difusión. ¿Consideran que hay músicos a los que no se les ha hecho justicia en México?

Ustedes mismos han retomado muchas composiciones y propuestas musicales de otras épocas.

Rubén: Es bien importante para los músicos o para cualquier artista retomar el arte de compañeros porque aprendes a través de ello, deconstruyes de alguna forma y vuelves a construir a tu manera, y entonces entiendes como parte de los procesos de otros creadores, de otros compositores.

Meme: Hubo un momento donde no existía la libertad, ni la infraestructura, ni la atención que existe hoy día, o de hace veinte años para acá, todos esos grupos que existieron antes yo creo que no se les hizo justicia, artistas de los setenta, de los ochenta.

Joselo: Parte del problema es que no hubo manera de grabarlos, de grabar a todas esas bandas que a veces ni siquiera conocíamos, o solo de nombre (…), entonces el único registro que queda pues es el de la historia, de la mención, pero siendo música falta lo más importante, poder escucharlo.

Quique: Lo que creo que pasó en México es que se le apostó a productos que simplemente funcionaran económicamente, las producciones más interesantes que yo he escuchado vienen de esfuerzos independientes, de gente que tiene ganas de hacer música con pocos medios pero

Rubén: No es tan fácil llegar a una disquera, pero si es fácil tener tu disco, distribuirlo o hacerlo del conocimiento público (…), tal vez los músicos se sienten más atraídos hacia lo glamoroso que puede ser formar parte de una industria discográfica o aparecer en los medios masivos (…), en realidad la música está ahí y la relación con la música queda intacta, los medios pueden nada más retratar un momento (…) pero en realidad yo no diría que tienen un papel predominante, si no existieran los medios si existirían los músicos, y seguiría existiendo la música.

Joselo: Creo que a los comunicadores les falta muchas veces información, les falta formación, y a lo mejor eso viene también desde nuestro sistema educativo, que es deficiente (…), creo que mucha gente que escribe sobre música le falta rigor.

Mucho se atacó recientemente sobre la apatía de los músicos ante la situación política del país, por otra parte ustedes emitieron declaraciones que generaron cierta controversia, ¿qué me podrían comentar al respecto?

Meme: Creo que el papel del músico y de cualquier persona en una sociedad es estar al tanto de lo que sucede, estar consciente, y para eso se necesita averiguar, rascarle un poquito más de lo que llega normalmente a nosotros, y estar consciente y enterado de cuál es el contexto y qué es lo que está pasando.

Rubén: Tal vez aquella respuesta que di en su momento puede ser fácilmente malentendida, porque sí, en realidad no

›› Julián Woodside es periodista musical y especialista en análisis de comunicación audiovisual, impartiendo cursos a nivel universitario.

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estoy interesado en la política, nunca sería político porque me parece un mundo asqueroso y terriblemente degradado, sin embargo en mis acciones estaría diciendo lo contrario porque estoy haciendo política de alguna forma (participando con diversas asociaciones), porque estás manifestando tu punto de vista; no me siento responsable como músico, no me siento responsable por tener una imagen pública, me siento (socialmente) responsable como humano, y lo hago como humano.

Por último, ¿qué dirían a los músicos que están empezando en México?

Meme: Creo que sigue siendo importante tener amor a lo que haces, a la creación, las canciones son fundamentales (…), muchas veces uno se confunde con una cuestión de estilo, con una cuestión de influencias, de estética, y es ahí donde se pierde el asunto, puede ser que eso resuene rápidamente entre la lectura de lo que la generación está buscando, pero si no hay sustento, si no hay contenido, entonces eso no va a trascender.

Quique: Mi consejo sería que no escuchen consejos (…), es muy fácil decir que Café Tacvba ha formado una carrera a lo largo de estos años porque teníamos muy claro cuál era nuestra decisión, nuestra voz, (y no que a alguien) le interesara lo que tenemos que decir. Hubo una respuesta, descubrimos un público que tenía inquietudes como nosotros, si lo hubiéramos buscado no lo hubiéramos encontrado (…), cuando sacamos el Re estábamos orgullosísimos de ese disco y tuvo una pésima recepción en México, la gente en principio lo rechazó, ahora se habla del disco más trascendente (…), no es cierto, la gente en ese momento decía “¿Qué fue lo que hicieron?”

En fin, platicando con ellos se percibe a un Café Tacvba renovado, con energía y claridad. Y si bien es rico escucharlos y ver que el nuevo disco trae una propuesta musical interesante, la realidad es que cada canción trae consigo la energía y creatividad de cuatro individuos que han trascendido a esa empresa llamada Café Tacvba, y que todos conocemos como Meme, Quique, Rubén y Joselo.

P82. TECHNOLOGIC. Machina P84. LUST IN THE MOVIES. El Santos vs La Tetona Mendoza P86. FASHION NUGGET. Sunnydale P88. ART BRUT. Kristy Heilenday

WARP TV

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technologic WARP TV

MACHINA Wearable technology Por: Alejandro Escobedo

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u ropa tiene en el fondo la función, básica pero importante, de protegerte de tu entorno. El valor agregado es el diseño, la marca o el material del que está hecha, pero si vamos más allá de lo que las prendas que usas diario pueden hacer por ti, nos encontramos con un sinfín de posibilidades, y es a lo que se dedican en MACHINA. Una chamarra con la que puedas crear música, una mochila que indique mediante LEDs hacia dónde girarás en tu bicicleta, una chamarra con audífonos en el hoodie. Cosas que ni siquiera imaginabas que eran posibles o que fueran prácticas son una realidad gracias a ellos. En entrevista para WARP Magazine, Daniel y Antonio, de MACHINA, nos platican más sobre el proyecto. ¿Cuál es el concepto de MACHINA? Buscamos crear una marca de ropa que integre tecnología cuidando dos conceptos: el primero es que toda la tecnología sea libre (open source), que tengas la libertad de modificar todo lo que utilices; “wearable technology” se viene fuerte en los próximos años, entonces, es probable que se hagan cosas propietarias en donde no podrás extender la funcionalidad a tu gusto. Nosotros queremos que el código sea abierto para que sepas exactamente qué está pasando con tus prendas y puedas hacer lo que quieras a futuro con ellas. Por eso es que varias de nuestras prendas tienen mensajes que tocan temas en contra del copyright, a favor de la libertad de la información, el software libre, etc. ¿En dónde podemos encontrar sus productos?

Vendemos en línea y en una tienda en Polanco (Ciudad de México) llamada Common People (Emilio Castelar 149). Estamos por sacar la chamarra MIDI via Kickstarter. ¿Qué productos tienen ahora mismo terminados?

Ahora mismo tenemos playeras con tintas termocromáticas, que cambian el color o el mensaje dependiendo de la temperatura. Tenemos una mochila para ciclista con un panel de LED atrás que brilla para que puedas marcar direccional a la izquierda o derecha con el manubrio o con tu celular, y más adelante vamos a trabajar para poderla conectar a Twitter y otras redes sociales. Tenemos varias chamarras, una es para

músicos o performance, para que puedan hacer música con sensores en la chamarra a través de movimientos, para que puedan tener una manera diferente de interactuar con la música y el público. La otra chamarra te permite controlar tu música a través de bluetooth con controles en la manga, y una más que tiene audífonos en el hoodie, que sirve mucho para ciclistas porque no bloquea todo el sonido exterior, y también puedes controlarla sin tener que sacar el celular. ¿En qué consiste la chamarra MIDI? Tiene tres sensores de posición, puedes hacerlo como un slider o jugar con 16 notas, convertir esos cuatro sliders en 8 notas, y en la manga hay un acelerómetro que controla la posición, y a su vez éste controla el ritmo de la música. A cualquiera de los sensores o teclas puedes asignarle parámetros, ahora mismo tenemos una aplicación de escritorio que te permite personalizar el tacto de los sensores y que la música se pueda mandar a cualquier software que detecte MIDI. ¿Qué productos van a tener próximamente?

Tenemos un par: una aplicación que estamos desarrollando para celular pensando en playeras con realidad aumentada y que puedas ver la playera de alguien e interactuar con ella, y próximamente queremos hacerlo con tecnología al estilo de Project Glass de Google donde no necesites el celular.

›› Alejandro Escobedo es Ingeniero en Sistemas y TI especializado en desarrollo web. Puedes leer su artículo 4K: UHD en WARP #51.

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El Santos vs.

La Tetona Mendoza Estaba un día El Santos…

Por: Diovanny Garfias

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o hay muchos héroes o figuras emblemáticas que puedan presumir de tener una trayectoria histórica en el mundo de las tiras cómicas, para después saltar a una pantalla de cine.

Curiosamente, uno de los nuevos integrantes de este selecto club es mexicano y, en cierto sentido, su micro universo es un fiel reflejo de la aventura que significa vivir en un país como el nuestro. Nos referimos a El Santos, quien acompañado de La Tetona Mendoza, El Cabo y el Peyote Asesino, invade las salas de cine para presentar su primer largometraje: El Santos vs La Tetona Mendoza. WARP Magazine platicó con Jis y Trino, las mentes detrás de este personaje de culto, quienes comparten la experiencia de realizar una cinta de animación sólo apta para adolescentes y adultos.

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¿Cómo se sienten viendo materializado este proyecto?

Jis: Este es un pequeño paso para El Santos, pero un gigantesco paso para la “puerqués” [risas].

Trino: Nos sentimos contentos. Realmente se logró el objetivo después de tanto tiempo y estamos en espera de que la película funcione. Ojalá los fans no se decepcionen y quienes no conozcan a El Santos sepan que existe un personaje que les está guiñando el ojo, diciendo: “Acá estoy, diciendo puercadas y leperadas, ¿no quieren ver algo sobre eso?” ¿Qué hay en este filme para la gente que ha seguido a El Santos desde sus primeras apariciones en el periódico La Jornada?

lust in the movies WARP TV

J: Pensamos que están básicamente los dos perfiles posibles: están los fans que nos han felicitado porque consideran que se conservó la esencia de los personajes, y están aquellos que piensan que ya nos afresamos, los ultras, digamos, quienes aseguran que le hemos perdido el respeto a El Santos más ortodoxo. ¿Qué tanto evolucionó el humor implícito -de manera muy particular- en cada uno de los personajes para tener cabida en la película?

T: Creo que sigue siendo en esencia el mismo espíritu de la tira.

Realmente es una película escatológica que tiene referencias a la droga, es bemba, y de repente es muy infantil. Entonces tiene la esencia de las tiras y lo único que ha cambiado es la forma de contarse, porque ahora está en cine. Digamos que el plus es precisamente la incorporación del lenguaje cinematográfico.

Estilísticamente, ¿cómo hicieron para mantener este diseño, digamos “sucio”, del periódico para que no se transformara en algo “bonito” en su paso al cine?

J: Es un logro del equipo de animación. Al principio trataron de hacer un trabajo más tradicional, que iba enfocado a cada personaje y en lo que se haría con él. Después se dieron cuenta que no estaba funcionando y pasaron, literal, a hacer algo más locochón y a soltarse la greña, que en sí es un poco más apegado al espíritu de la tira. ¿Cómo fue que crearon dibujos animados de todo el elenco que da voz a los personajes de la película? ¿Lo hicieron individualmente o fue una especie de bola de nieve?

J: Exactamente fue como bola de nieve. Había muchos que eran fans de los personajes y que conocían la tira original, y había otros que por amistad se fueron sumando al proyecto.

Seguramente ustedes ya tenían una idea de cómo tenían que sonar las voces de El Santos y La Tetona Mendoza pero, ¿qué tan difícil

fue decidir cuáles actores eran los que mejor las representarían?

T: Definitivamente fue una cuestión de confiar en la capacidad de estos grandes actores. La única que teníamos en mente al principio para La Tetona Mendoza era Regina Orozco; cuando aceptó dijimos: “Padrísimo, lo va a hacer muy bien”, pero no sabíamos cómo iba a sonar El Peyote, El Santos o El Cabo. Creo que Daniel Jiménez Cacho hace un Santos maravilloso, (José María) Yazpik hace un Peyote muy papaloy, muy mirrey… y bueno, Héctor Jiménez es El Cabo creo que hasta en la vida real.

Además de El Santos, ¿ven a alguno de sus personajes con la fuerza suficiente para realizar una película de él?

T: Creo que todavía nos queda exprimirle un poquito más a El Santos, estamos pensando en hacer un par de películas más con

él, dependiendo del éxito y recibimiento de esta. Ya después, quizá hagamos algo que no tenga nada que ver con nuestro trabajo conocido.

J: El Santos es una parte que a mí todavía me deja insatisfecho de alguna manera. Digamos que es sólo su carta de presentación, pero que no se avanzó gran cosa, entonces todavía hay mucho que explorarle. ¿Qué opinión les merece el panorama político actual que vive el país?

T: La verdad no nos consideramos cartonistas políticos, entonces, siendo sincero y a título personal, me da mucha flojera la política. Aunque El Santos tiene algunos guiños políticos, no nos gustaría que los personajes se volvieran de esa manera, porque no nos interesa mucho y se nos hace algo muy aburrido.

J: Cada que volteamos a este mundo es una sensación de hartazgo, desamparo y decepción de toda la clase política, entonces la verdad nosotros nos movemos por otro lado.

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“Sunnydale” Somewhere in Coney Island...

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Fotografía: Hugo Martínez Modelo: Cherokee Neas

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Kristy Heilenday You see colours Por: Chëla Olea

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rte por el gusto de hacerlo y no porque otros lo consideren como tal. Es tiempo de valorar el arte menos pretencioso y que, aunque no se encuentre en galerías internacionales y a pesar de las bienales, hay que reconocer que va por buen camino. De esta forma es que Kristy Heilenday nos cuenta en sus dibujos e ilustraciones, de manera natural y orgánica, su vida; y es que el sello de esta joven es sumamente volátil y fácil de digerir. WARP Magazine platicó en exclusiva con la artista norteamericana, quien con sus palabras sustentó lo que ya sabíamos: debemos mantenernos al pendiente de su trabajo. ¿Cuándo empezaste a dibujar?

He dibujado desde niña, pero en el penúltimo año de secundaría lo comencé a tomar en serio y me inscribí a un taller de arte; y me gustó tanto, que pienso que jamás dejaré de hacerlo. Así, me enfoqué hasta que todo tomó un camino más profesional. En 2011 se fundó el Mayo Island Studio, un colectivo en Richmond, Virginia, dónde ha comenzado a tomar impulso mi carrera y, junto a otros artistas, desarrollo proyectos personales y comisionados. ¿Qué te inspira?

Bueno, visito muchos museos y me encanta leer revistas de arte; debo confesar que ahí invierto gran parte de mi día. También visito muchos blogs de diseño y miro el arte de amigos y colegas, de la ciencia y la tecnología, de las caras bonitas, aunque a veces la simple combinación de colores agradables me llenan de inspiración. Soy una persona sencilla de inspirar [risas].

¿Dónde podemos ver tu trabajo?

En mi sitio, heilenday.com y en mi blog, kheilenday.blogspot, el cual actualizo con más frecuencia, y es que me he vuelto adicta a subir fotos de mi vida diaria. Actualmente también se pueden encontrar algunas de mis piezas en Bizarre Market, de Chop Suey Books. ¿Qué nos cuentas de tus procesos creativos?

Son muy divertidos e independientes: cada experiencia es única y hace que mis piezas sean muy diferentes. Puedo ir de una paleta pastel a un sketch con grafito. Cuando estoy trabajando en comisiones o ilustraciones, es algo calculado: concepto, bocetos, croquis y la pieza final. Con mi trabajo personal, el proceso es mucho más espontáneo y orgánico: por lo general comienza con un poco de la idea que tengo para el trabajo; a veces sale bien y muchas otras no tanto. ¿Cuál sería tu consejo para los jóvenes artistas que se encuentran al inicio de sus carreras?

Que, hagan lo que hagan, lo hagan mucho, que lo hagan hasta el cansancio. Documentarse es esencial, ya que puedes saber lo que los artistas del momento están haciendo. Igualmente, estar constantemente estimulado por todo lo que pasa alrededor es inspirador. Por último, que no se den por vencidos: aunque al inicio no te puedas dedicar sólo a hacer arte, recordemos que “Roma no se construyó en un día”.

›› Chëla Olea es Editora de Arte y Moda de WARP Magazine, así como de las secciones Art Brut y Fashion Nugget de WARPtv.

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warp.la l @laGUARP

CAFÉ TACVBA

GUARP

Café Tacvba We wouldn’t exist if we weren’t looking for new ways By: Julián Woodside / Translation by Karen Navarro

Much has been written about Café Tacvba, “whether Raul Velazco’s kick launched them to stardom” or “whether they have been compared to groups like Radiohead or The Beatles”, etc. The reality is that with a new record under their belt this band doesn’t give it much of a thought, because to them there is only one trascendental thing: the music.

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I could dedicate all this space to pass on the experience it was to talk to each one of the band members because in their words there is a lot to learn. However, the space in written press is always brief and for now I would like to share a more intimate, more human part of four individuals that have very clear sense of what is going on to what we know as music.

How was the recording experience for El objeto antes llamado disco? I imagine that by having an audience but not being live, it changed the scheme a little.

Quique: I don’t know if the recording experience with external witnesses terrified me or repulsed me (…), let’s say that the exercise of working in a studio demands a different type of attention than what you can have on stage, both are very enjoyable but in one you know that you are working for a record that will last through history. If you play live and decide to make a variation and it doesn’t work out, the least you can do is not doing it at the next gig.

Rubén: We could share not only with our friends but also with the fans. They could enjoy the recording process, which they thought of as sui generis because it is not a live record, it is a recorded studio with audience. With the basic intention that this presence would make us interpret the songs differently.

Café Tacvba has been criticized on occasions for not being what they used to be, that you have lost your experimental spark, what do you think?

Meme: We wouldn’t exist if we weren’t looking for new ways, it is the non boredom search. That concern suddenly leads us to a reversion or a different form and allows us to mutate (…), what we have seen is that everytime we turn around and feel comfortable our career expands again.

Quique: I don’t think that we have withdrawn our inventive or experimental capacity, I think there was a necessity at the time to be that, to unconsciously become a group not easy to listen to (…), I think we have kept on playing in that range throughout the last three records.

A lot has changed in the industry since you started, how do you perceive the musical setting in Mexico?

Meme: There are vital production concepts that are still not very well scattered in this media (…), I think that today there are many artists or groups that hurt the production and not in aesthetic terms, but in a more global perspective where you really have to think in the long run of a project as a complex entity.

Rubén: What is happening now is the most important, it is what we have to pay attention to. Of course, the past and the creation that could have been made in that time is

important, it is like a treasure chest where you can enrich your creation, your vision.

Quique: The fact that you can obtain music easier doesn’t mean that this music is better or worse. I still have the doubt as to how it will be channelled, I want to believe that if people recognize a value in something then that music will have more diffusion.

Do you consider there to be musicians that haven’t received the deserved “justice” in Mexico?

Rubén: It is important for musicians of for any other artist to take up the art of companionship because you learn through it, you deconstruct in some way and rebuild your way, then you understand part of the creative processes of other composers.

Meme: There was a moment when freedom didn’t exist, neither the infrastructure or the attention that exists today, or for twenty years now. For all those bands that existed before I think that justice wasn’t served for them, artists of the seventies, the eighties.

Joselo: Part of the problem is that there was no way of recording them, of recording all the bands that sometimes we didn’t even know, or knew just by name (…) then history is the only registry left, the reference, but being music it lacks the essential, being able to listen to it.

Quique: What I think happened in Mexico is that they simply bet on economically functioning products, the most interesting productions that I have heard come from the independent efforts, of people that really want to make music, with few resources but with inventive, with an unique voice, they are the ones that can stand out.

Recently, there have been a lot of atacks against the apathy from musicians regarding the politic situation of the country, whereas on the other hand you voiced declarations that generated certain controversy, what could you tell me about that?

Meme: I think that the role of a musician and of any person in a society has to keep track of what is happening, be aware. For that you need to find out in detail, scratch a little more than what normally comes to us, be conscious and informed of what is happening and its context.

Rubén: Maybe that given answer can be easily misinterpreted because I am not really interested in politics, I would never be a politician because it is a filthy and terribly deteriorated world. However, in my actions I would be stating the opposite because I am doing politics in a way (by taking part in several associations) because it is a way to express your point of view.

I don’t feel responsible as a musician, I don’t feel responsible by having a public image, I feel (sociably) responsible as a human, and I do it as such.

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Ask Amanda

By Amanda Palmer / @amandapalmer

What is your opinion on Obama’s reelection?

My opinion is THANK GOD and I’m very relieved. For so many reasons, not least of which was the fact that I didn’t want to watch my country ban abortion, I feel very strongly that it should be a woman’s choice what she does with her body.

thought: note to self, at all costs, wind up like Wayne Coyne. He gave me a great Oklahoma City/Flaming-Lips-History tour after the shoot was over as we bonded over our weird parallel lives, and I really got what I was hoping for....a new friend I could really relate to. We come from the same planet.

You recently showed some dislike for a PETA ad, did it make felt uncomfortable in some way?

Well, see above. PETA is an organization that is for the ethical treatment of animals, which is great, and I believe that animals should be treated well. I also believe that all humans should be treated well. And the ad was a very sad one, implying that you are ugly if you don’t shave...basically a bad joke about animal fur.

And I know a lot of young women will see that advertisement and it will just add to the already big pile of images they see that re-enforces their bad feelings about themselves. When I see a razor company or a hair-removal cream company shouting “YOU HAVE TO REMOVE EVERY HAIR ON YOUR BODY OR NOBODY WILL LOVE YOU, OR EVEN LIKE YOU, EVER!!!!” it’s one thing. It’s like...those advertisers, that’s their job, to make you afraid so you’ll buy their crap. But when a non-profit that’s supposed to be about protecting animals screams that? That’s just a bummer.

Who came up with the idea and general concept for the video?

This one is, by far, my favorite AP video.

I wrote it, and then everybody else chipped in with ideas once we were actually filming it. I asked everybody in the band, the night before, what their ULTIMATE ROCK STAR FANTASY WAS! Michael the drummer wanted to overturn a table covered with stuff, Chad wanted to run naked with a spear through the jungle, and Jherek wanted to put on 56 pairs of socks at once. We tried to get as close as possible....

Personally, how is your relationship with Wayne Coyne and how was work with him on the video ‘Do it with a Rockstar’?

It was amazing! Working with Wayne was an old-school dream come true, as I’ve been following his crazed adventures for years but never met him before. I’m always actively seeking to connect with other crazed renaissance freaks to simply see HOW THEY WORK. Apparently, how it works with Wayne Coyne at a video shoot is simple: everything’s a cosmic improvisation, everyone’s attitude is on enthusiastic overdrive, and if you drop a hint, Wayne will covertly show up with six giant boxes of gold glitter (presumably from Flaming Lips Headquarters, where they must have an endless supply) in the trunk of his car. We hit it off like long lost art-soul-mates, and when I saw Wayne spontaneously climb onto a ceiling pole and stage-dive during the shoot, I 094

First, thanks for share your thoughts about Anthony and his disease, second, I’m not pretty sure if this is the first time you go through a situation like this, but I do, last year, I had a close friend of mine on this situation, and he passed away. I’m not telling you that the same will happen to Anthony, just that I just would like to show you my support and respect, and give you and advice: he needs you more than ever, and if you are so good as a friend, as a musician, he’s on good hands.

Thank you so, so much. (For those who don’t know: my best friend is sick with bad cancer.) I’ve just been dealing with this the past few days and I’m so happy you know me, and know about him. He was a real father-figure to me, still is, and he really is the one who made me brave in so many ways. I’m making really hard decisions about how much to keep touring and working and how much to stay with him and be home, and reading something like this from you reminds me that every moment with him might be precious. Money, fame, glitz and glamour... you can’t take em with you. There is nothing, nothing, nothing more valuable than staying connected with the ones you love and really being there, REALLY being there when they need you.

And I’m learning a lot about this, and about me, because he’s sick and I am choosing to be with him, and therefore choosing to let other things go. So thank you for reminding me again.

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How we live in 2012

By Paul Stokes /@stokesie

When the Mercury Prize judges proclaimed Alt-J’s An Awesome Wave the British album of 2012 last month, it did make me ask, ‘has there really been an album of the year’.

Some years there’s an Arctic Monkeys, The xx or – as was the case last year – a PJ Harvey who releases an album which not only is the best record of it 12 months, but in someway captures what is going on in music during that period. Don’t get me wrong Alt-J harmonious art pop is brilliant, it’s a thought provoking yet soothing record but does it sum up 2012? Maybe the quieter bits…

I’m grateful to have this chance to talk this month about some records that if didn’t gain massive mainstream acclaim because I feel it pains a more honest portrait of music in 2012 than looking at the big releases.

First up Django Django did the opposite of what hyped bands apparently should do. Having received some early buzz a few years ago, they actually waited, got the music right and released their self-titled debut at the start of this year. It’s a joyous collection of swirling pop, tricky rhythms and just lovely melodies. In a universe where The Beta Band had never existed this album would have made people loose their minds in a much bigger way than it did, however the ‘Djangos’ couldn’t have existed in that universe because drummer David Maclean is the younger brother of the other band’s John. Don’t let the family resemblance put you off, it’s a striking look and this is a brilliant album that has learnt well from its elders.

Peaking Lights’ second album Lucifer was a nice surprise (to me at least). Never a huge dub fan, this record felt like dub plus because while it has a dark heart there’s a light poppy touch too. I also have to mention Go Kart Mozart’s On The Hot Dog

Streets. The latest project of Felt’s Lawrence, the indie legend who really should be the world’s biggest popstar for no other reason than force of will and charm yet for that very reason never will be (check out the documentary Lawrence Of Belgravia, also out this year, for the full story of this indie institution), the album is full of addictive, sweetly naïve, adult nursery rhymes… it got played a LOT in the Q office this year!

Finally the best non-mainstream album of the year for me, and one of the last, best releases of 2012, is Ty Segall’s Twins.

Ty, with his workaholic output (ten albums in six years… and he was only a full time musician for four of those) has always been a bit of a shadowy figure for me. I’d see the name, but wasn’t really sure what he was about, save to say he was probably quite lo-fi and foolishly never investigated further.

Somebody very special to me recommended Twins to me and I owe them a huge debt of gratitude. Bathed in a garage rock fuzz The Sonics would salute, it’s full of sun-kissed melodies from the Californian coast meaning it’s tough, gnarly yet will melt your heart. It’s almost The Strokes by the beach.

It’s a record to jump around to, but it’s also a record you can sit down to listen to. Sweet, thoughtful, yet ready to party… and the fact it’s Ty’s third release of 2012 (after two collaborative efforts earlier in the year) underlines his achievement.

So while perhaps there hasn’t been one album that defines 2012, a true spectrum of albums created this year, you can explore a bit and find one or two that sum up 2012 just for you.

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encore Portugal. The Man SesioneS con Alejandro Franco - 7th Season (recording) Pic by Sergio Gรกlvez for WARP

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