WARP Magazine 57: Summer Edition

Vampire Weekend Modern Vampires Of The City, la nueva producci贸n de estudio de los neoyorkinos se convierte en el soundtrack del verano 2013.

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© WARP Marca Registrada ®. Año V No.57 Fecha de Publicación 17-06-2013. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en CAMSAN IMPRESORES, S.A. DE C.V., San Juan, Mz. 10 Lt. 15, Col. Bellavista, C.P. 54720; Cuautitlán, Edo. Méx.

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editorial

TODOS TENEMOS UN VERANO PARA RECORDAR…

Por: Julián Woodside

Decidimos empezar este editorial con una estrofa de ‘Summertime’, la canción escrita allá por 1935 por George Gershwin, Ira Gershwin y DuBose Heyward, y que a la fecha cuenta con más 25 mil versiones, porque comunica realmente lo que es el verano: libertad, diversión y nuevos paisajes. Si nos ponemos a pensar, cada quien ha tenido su verano: el del ‘69, del ‘78, del ‘86, del ’99, etcétera, pero en lo que coincidiremos todos es en que, lo que ocurre en el verano, se queda en el verano.

Si uno busca letras de canciones que tratan sobre esta temporada, se encontrarán al menos tres formas en las que se aborda: como el inicio de una época de diversión, libertad y romance; como el triste final de un conjunto de días donde ocurrieron cosas que nos marcaron para toda la vida; o como la nostalgia de haber vivido un verano, años atrás, donde quizá se descubrió el primer amor o a los verdaderos amigos.

Y es que el verano es eso para muchos: la etapa del año donde seguramente, por su naturaleza, pasarán cosas: salimos de vacaciones, viajamos, visitamos familia, nos dedicamos a reordenar nuestras habitaciones y convivimos con nuevas personas. ¿Qué significa todo esto? El verano es la época donde nos reencontramos con nosotros mismos y con nuestras emo-

Summertime, and the livin’ is easy Fish are jumpin’ and the cotton is high Oh! Your Daddy’s rich and your Ma is good lookin’ So, hush little baby, don’t you cry…

ciones, donde se dejan atrás múltiples responsabilidades para alimentar al espíritu y dejarse llevar, y donde, sin duda alguna, muchas canciones marcan cada una de esas experiencias.

Se habla en ocasiones de “la canción del verano”, ya saben, alguna canción electrónica que todo mundo conoce, que cualquiera canta en antros y fiestas, y que suena sin parar en todos lados. Pero también están aquellas canciones —o discos— del verano que nos acompañan en un viaje, esas que escuchamos en la carretera o estando en la playa con los amigos, o que se escuchan de fondo mientras damos un beso o vemos un amanecer. Y con estas otras “canciones del verano” somos más cuidadosos, pues sabemos que durante gran parte de nuestra vida las asociaremos con una persona o con un momento compartido.

Como podrán leer al interior del presente número de WARP Magazine, este verano promete tener mucha música para acompañar cada uno de los momentos antes mencionados. Así que aquí está: no hay excusa para no dejarse llevar por este verano acompañado de buena música, pero sobre todo dándonos la oportunidad de vivir nuevas experiencias y descubrir paisajes, personas y, quien sabe, tal vez sentimientos insospechados…

> Julián Woodside es periodista musical y especialista en analisis de comunicación audiovisual, puedes leer su entrevista con Youth Lagoon en WARP #55.

Presentan las Coberturas Internacionales WARP 2013 y te llevan a los Festivales:

Presentan las Coberturas Internacionales WARP 2013 y te llevan a los Festivales:

Festival en Chicago, Illinois / USA.

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Festival en San Francisco, California / USA.

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02 al 04 de agosto.

09 al 11 de agosto.

Festival en Austin, Texas / USA. 11 al 13 de octubre.

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02 al 04 de agosto.

09 al 11 de agosto.

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*Sólo para mayores de edad. Es necesario contar con pasaporte y visa vigente para participar.

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silencio por favor

Mayer Hawthorne Por: Karina Luvián/Fotos: Cortesía MH

“LA ÚNICA REGLA QUE TUVE AL EMPEZAR A CREAR ESTE DISCO FUE QUE DEBÍA SER DIVERTIDO (AUNQUE), COMO MÚSICO, SÓLO ERES TAN BUENO COMO LO SEA TU SIGUIENTE DISCO...”

- MAYER HAWTHORNE

A

ndrew Mayer Cohen, mejor conocido como Mayer Hawthorne, está por lanzar su tercer disco de estudio contando con numerosos talentos en la co-producción. Es así que nombres como Pharrell Williams, Greg Wells, Jack Splash, John Hill y Oak (Oak & Pop), de la mano de Hawthorne, confeccionaron la guía de Where Does This Door Go, un álbum que el multiinstrumentista y productor estadounidense ha definido como el encuentro entre “Steely Dan y Beastie Boys” en “un viaje hacia lo desconocido”. ‘Her Favorite Song’ es el primer sencillo lanzado, con colaboración de Jessie Ware, sin embargo, otro de los temas que sobresale es ‘Crime’, el cual cuenta con el talento de Kendrick Lamar. Con un total de 14 piezas, Where Does This Door Go saldrá al mercado el próximo 16 de julio, vía Republic Records.

006

THE MAIN REVIEW

RANDOM ACCESS

MEMORIES

DAFT PUNK

Sony Music México/ 2013

8.2 No recuerdo que un lanzamiento discográfico haya sido tan esperado, tan promocionado y tan comentado desde los días en que los ’N Syncs y las Christinas Aguilera del mundo dominaban los charts musicales. Sin embargo, la dupla integrada por Thomas Bangalter y Guy-Manuel de HomemChristo superó cualquier plan de marketing ideado por el mejor publicista. Y al final, la expectación generada por estos franceses hizo de Random Access Memories una bomba lista para desencadenar una reacción nuclear.

La inclusión de grandes de la música en este trabajo logró que muchos consideraran al cuarto álbum de estudio de Daft Punk no sólo como el que llevaría al género electrónico a nuevos niveles, sino que también estaríamos ante una revolución sonora que cambiaría la manera en la que consumimos música. Y vaya que incluir el talento de Paul Williams, Julian Casablancas, Giorgio Moroder, Nile Rodgers y Pharrell Williams, entre otros, parecía garantía para lograr un fenómeno nunca antes escuchado.

Pero cuando la placa llegó a los oídos de los millones de fanáticos del dueto alrededor del mundo la realidad fue diferente: el álbum no resultó ser el Jesús de los discos, ni siquiera la máquina de hits bailables que todos esperaban. Aún así, millones respondieron de tal forma que el disco ha reventado cada chart en el que figura, confirmando así el poder mediático que reside en los cascos de Bangalter y Homem-Christo.

A nivel sonoro, la historia del disco es muy diferente: estamos frente a un trabajo con valores de producción altísimos, pues los sonidos analógicos conviven con los digitales en un punto cercano a la perfección, donde diferenciar unos de otros es prácticamente imposible. Los leads característicos de Daft Punk, así como sus percusiones, están presentes a lo largo de los trece cortes; sin embargo, estamos lejos del conjunto de clichés que resultó ser Human After All (2005). Random Access Memories tiene una identidad propia y pareciera que su objetivo es mostrar al mundo lo que el funk y el disco hubieran sido de ser creados en la mente de dos robots galos, con resultados más que positivos.

Lo cierto es que tampoco estamos en compañía de un monstruo plagado de genialidad, como lo fue Homework (1997), que en su tiempo sí cambió las reglas de la electrónica, convirtiéndose en una bocanada de aire fresco para el house mundial. Así, aun con todos los aciertos contenidos en Random Access Memories —incluidas las historias de éxito que tiene por contar—, podemos considerarlo un disco de transición, una fotografía que permanecerá en la memoria como el momento en que Daft Punk decidió salir de su zona de confort, llevando a cabo un proyecto más que ambicioso, que los preparó musical y mentalmente para escribir historia.

-Diovanny Garfias

Lunes a Viernes ⁄ 21 a 23 hrs.

Todos los Jueves ⁄ 22 a 24 hrs.

CADENA NACIONAL

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reviews EVIL FRIENDS

BOSNIAN RAINBOWS

PORTUGAL. THE MAN

BOSNIAN RAINBOWS

Warner Music México/2013

7.9

A diferencia de lo que algunos podrían pensar, Portugal. The Man no es una banda nueva, aunque parece ser que la justicia les ha hecho una broma pesada, ya que aún no han conseguido ese reconocimiento que los coloque entre los grandes, apoyados en su calidad musical. Sin embargo, Evil Friends podría ser esa carta de presentación que la banda ha buscado en trabajos anteriores y que por fin catapulte su carrera a las grandes ligas. Para este álbum la banda se consiguió a uno de los productores más aclamados de los últimos años, Danger Mouse, quien valiéndose de pinceladas hip hop, soul y algo de R&B logró imprimir su sello en cada uno de los 12 tracks que componen la placa. El resultado es un Portugal. The Man con un sonido menos experimental y más enfocado a alcanzar el maistream, obteniendo resultados positivos. El track clave es ‘Purple Yellow Red And Blue’, pero lo mejor es dejarse sorprender por otras joyas que componen este trabajo.

-Alejandro Altamirano

Clouds Hill/RodríguezLópez Productions/2013

7.3

Omar RodríguezLópez nos presenta oficialmente a su nueva banda, Bosnian Rainbows, en la que se aprecian mezclas revolucionarias de progresivo y punk con sintetizadores. El guitarrista, acompañado de tres músicos más —entre ellos la vocalista mexicana Teri Gender Bender (Le Butcherettes), quien escribió todas las letras—, demuestra su capacidad de reinventarse en cada proyecto, aunque todo indica que será hasta el segundo LP cuando se compruebe si Bosnian Rainbows destacará en la escena o se quedará como otra de las bandas que no alcanzaron a explotar su talento. Aún así el disco debut compuesto por 11 tracks, grabado en Alemania y producido por el reconocido Johann Scheerer (Faust), apunta para colocarse como uno de los destacados de lo que resta del año; ‘Worthless’ es uno de los tracks imperdibles.

-Fernando González Bastida

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8.8 …LIKE CLOCKWORK QUEENS OF THE STONE AGE

Arts And Crafts México/2013

Queens Of The Stone Age es de esas bandas que parecen una bestia salvaje, con cabeza y extremidades propias para hacer sentir el rock en toda la extensión de la palabra. Y con …Like Clockwork, su tan esperada producción, reafirman su lugar como una de las agrupaciones más influyentes del género de las últimas décadas. Su largo recorrido se ve reflejado a través de los 10 cortes del álbum, que construyen una historia propia, a pesar de estar plagado de colaboraciones estelares entre las que destaca Dave Grohl, Elton John, Trent Reznor, Alex Turner, James Lavelle y Brody Dalle. Si a lo anterior le sumamos el exquisito sonido de las guitarras de Josh Homme, ese al que nos tiene acostumbrados, es un hecho que este trabajo se colocará entre lo mejor del año. …Like Clockwork es un álbum lleno de crudeza y oscuridad, una producción redonda que encapsula ese misticismo que evoca Queens Of The Stone Age. -Paco Sierra

010

reviews ICE ON THE DUNE

DESIRE LINES

EMPIRE OF THE SUN Capitol

Records/2013

SETTLE

CAMERA OSCURA

DISCLOSURE PMR

4AD /2013

6.4

Casi cinco años después del destacado Walking On A Dream, uno de los duetos más importantes de la escena australiana está de regreso con su segundo larga duración. Recurriendo de nueva cuenta a Peter Mayes y Donnie Sloan para la producción, Luke Steele y Nick Littlemore crearon más de 40 minutos de música, traducidos en 12 canciones espaciales con líricas universales, como ‘DNA’, ‘Celebrate’ y ‘Awakening’. Sin embargo, los músicos de Sidney demostraron poca evolución, cayendo en la fórmula de su disco debut. De este modo, Empire Of The Sun deja claro que no quiso explorar más allá de su peculiar estilo, por lo que a pesar de causar tanta expectación —apoyada en un interesante trailer ambientado por el track ‘Discovery’ y filmado completamente en español por el reconocido cineasta J.J. Abrams y su equipo—, definitivamente nos queda a deber.

-Fernando González Bastida

Records /2013

7.9

‘Fifth In The Line To The Throne’, con esos hermosos arpegios y dulzura melancólica que refrenda al grupo escocés como una máquina imparable de baladas es que rememoramos los clásicos The Platters y Billie Holiday.

La miel eléctrica es palpable en ‘Do It Again’, el primer sencillo del quinto álbum de una paciente banda que esta vez grabó en Portland, Oregon.

El disco fue producido por Tucker Martine (Beth Orthon, Laura Viers), una elección ideal que, además, en un par de temas permitió la colaboración vocal de Neko Case y Jim James (My Morning Jacket), logrando una combinación única en el historial del proyecto, con resultados sonoros más que favorables que a su vez le dieron aire fresco a la propuesta. Sin embargo, no hay cambios notables en su oferta musical, aunque la voz de Tracyanne Campbell vuelve a destacarse como una terapia ideal, ya sea para los días de bruma o para los de sol intenso.

-Alfredo Quintana Garay

8.0

Los hermanos Guy y Howard Lawrence, mejor conocidos como Disclosure, nos han sorprendido desde 2010, con un sonido orientado totalmente hacia la pista de baile, plagado de beats sumamente frescos y actuales, pero que a la vez rescata la esencia del house de los noventa o del UK Rave. Este año Disclosure edita su primer álbum de estudio bajo el nombre de Settle, producción que viene a nutrir a una basta escena electrónica británica, que se vuelve a posicionar como epicentro del movimiento. Un disco bailable, ideal para las fiestas afterhours o para un desfile de moda, que seguramente terminará hipnotizando a más de uno con su contagioso ritmo. Cortes como ‘Latch’ o ‘January’ seguramente serán recurrentes en clubes todo este año y parte del siguiente. Settle cuenta además con interesantes colaboraciones, como la de Jessie Ware, Aluna George y Sam Smith.

-Raúl Arce

KVEIKUR

SIGUR RÓS

XL Recordings/2013

8.8

La desesperación suele ser la madre de la mejor poesía; al menos ‘Brennisteinn’, el primer sencillo —incluido su video—, así lo sugieren. Reconfigurados como trío, los islandeses fueron parte de un capítulo de The Simpsons a finales de mayo (con su respectivo tema musical) y parecen haber recuperado la fuerza de su segundo álbum, Ágætis Byrjun (1999), que nos hacía pensar en bandas como Slowdive. Percusiones decididas, desafiantes, marcan un ritmo volcánico en ‘Ísjaki’, mientras que en el track homónimo, ‘Kveikur’, la tensión orquestada por cuerdas y coros femeninos se resuelve en una guitarra distorsionada —arco de violín incluído— que, si bien es una fórmula conocida, resulta una bocanada de niebla fresca por parte de la banda. Un álbum en el que la belleza extrema de Islandia se muestra en nueve canciones para recuperar la fe en el fin del mundo.

-AQG

012

hot hot hit

SAY LOU LOU Por: Alejandro Altamirano Foto: Andreas Ohlund

Siempre debemos estar agradecidos con las bondades que la naturaleza nos regala y mucho más cuando vienen en partida doble. Justamente es el caso de las guapas gemelas Elektra y Miranda Kilbey, mejor conocidas como Say Lou Lou. Estas chicas de apenas 21 años de origen Suizo/Australiano parece que lograran conquistar las pistas de baile con su sencillo más reciente ‘Julian’, una bomba sexual de electropop.

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The Stooges LA GUITARRA EN CRUDO Por: Alfredo Quintana Garay Foto: Cortesía de TS

¿Hay algo más punk que estudiar ingeniería electrónica? Tal vez solamente regresar a la banda que lo volvió una leyenda, y es que el responsable del sonido de Raw Power está de vuelta para seguir el camino lunático de la vida.

Luego del rumor en Facebook acerca de la muerte del guitarrista leyenda, el 21 de mayo pasado, se disipó la mala broma y se supo que James Williamson estaba vivito y rockeando. Y aunque el nombre del nuevo disco, Ready To Die, puede sugerir algo distinto, el propio Williamson afirma: “Si estás listo para morir, entonces vives de la misma manera: es una reafirmación de la vida”.

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Para quienes no lo conocen, él es el artífice del sonido visceral y energético del álbum Raw Power (1973), de Iggy Pop And The Stooges, el cual se convirtió en una influencia decisiva en las bandas punk, tanto en Reino Unido como en Estados Unidos, que estaban por venir durante la segunda mitad de los años setenta. Entre sus admiradores se encuentran guitarristas como Johnny Marr (The Smiths), mientras que él se declara admirador del “ridículamente bueno” Jeff Beck y de un no tan conocido: Sonny Landreth.

Ingeniero en electrónica, no tan correoso como Iggy, pero huésped asiduo de Los Cabos, James Williamson platicó con WARP Magazine sobre Ready To Die, el nuevo álbum de The Stooges, del rock de hoy en día y de una guitarra añejada.

Ya pueden subirle al amplificador…

Trabajaste por varios años para Sony. ¿Qué significa volver a The Stooges para grabar otro álbum?

Fue algo curioso: estaba muy contento en Sony y no tenía considerado volver al negocio de la música, pero cuando murió Ronny Asheton, guitarrista original de The Stooges, una vez pasado el luto, Iggy me llamó y preguntó si quería volver a tocar con The Stooges. Inicialmente le dije que no… ¡Ni en mis sueños más locos me imaginé estar de nuevo en una gira con The Stooges! Pero en ese momento Sony no era inmune a la crisis económica y comenzaron a ofrecer unos paquetes de retiro anticipado, y no pude dejar pasar la oportunidad; así que me dije: “Claro que puedo volver con estos tipos, como cuando estábamos en nuestros veintes”. Le marqué de vuelta a Iggy y le dije: “¡Qué diablos! ¡Hagámoslo!”.

pero no me arrepiento de haberlo hecho, pues me permitió conocer gente muy brillante y vinieron muchas, muchas ideas que expandieron mi horizonte tremendamente.

Pareciera que el rock no se ha hecho más poderoso desde Raw Power…

Tengo que ser honesto, no me han impresionado muchas de las bandas que he visto. No suelo ir a muchos conciertos, pero vimos a algunas cuando estuvimos de gira y, precisamente por eso, es que seguimos siendo exitosos: nosotros sabemos cómo rockear. Venimos de una época en la que tenías que rockear o nadie iba a verte. Hoy en día muchas bandas son bastante emotivas, lo que está muy bien, pero eso, definitivamente, no es rock and roll.

“I got a job, but it don’t pay shit”, dice una canción del nuevo álbum. ¿Estar en una banda es un trabajo?

Sí, de alguna manera es como un trabajo, y es una pena cuando la música se convierte en eso. Constantemente digo que estar en una banda es muy divertido hasta que tienes que vivir de ello. Afortunadamente para nosotros, en aquellos años no nos importaba… [risas] Éramos poco profesionales y ni siquiera tocábamos canciones que la gente conociera, nos íbamos de gira con un álbum y escribíamos canciones todo el tiempo, por lo que nadie sabía lo que tocábamos, simplemente nos divertíamos. Y es que tocar con tus amigos los fines de semana es más divertido que estar de gira con una banda: eso es lo que lo convierte en un trabajo, especialmente cuando eres muy joven y tratas de ser “profesional”.

También fuiste el productor de Ready To Die. ¿Cuál fue tu idea detrás de su sonido?

Estábamos al tanto de cómo la gente compararía cualquier cosa que hiciéramos con Raw Power, que acaba de cumplir 40 años, pero no queríamos hacer otro Raw Power, sino lograr algo que fuera relevante hoy en día. Con las letras podíamos tocar temas como el control de armas, la inmigración, el dinero y el sexo pero, al mismo tiempo, quería que se escuchara como un álbum de The Stooges. Me siento bastante complacido con lo que logramos: hemos estado tocando las canciones en los sets en vivo y pienso que la composición y el sonido se ajustan al trabajo legendario de The Stooges.

Tocas guitarra acústica en el nuevo álbum…

Siempre he tocado guitarra acústica. Un dato poco conocido es que utilicé una guitarra acústica para componer la mayoría de los riffs de Raw Power: los escribía en mi habitación y luego se los mostraba a Iggy, para ver si le gustaban y trabajar las canciones alrededor de ellos. Prefería hacerlo de esa manera porque así se pueden escuchar las notas con claridad y saber cómo suena la música en realidad. En los últimos años he trabajado en aprender a tocar una lap steel llamada Weissenborn, acústica; y es que una de las que usamos para el nuevo álbum es muy vieja: la hizo Hermann Weissenborn en los años veinte y estoy orgulloso de haberla usado, disfruté mucho tocar ese instrumento y que pudiera ser incluido.

Estudiaste ingeniería electrónica… ¿Es esto lo más extremo que has hecho en tu vida?

Mmm, bueno… [risas] Fue un intervalo existencial bastante largo entre The Stooges y el cálculo [risas]. Convertirme en ingeniero en electrónica fue algo realmente difícil de lograr,

Si sólo pudieras llevarte una guitarra a una playa mexicana, ¿cuál sería?

Sería difícil llevar una eléctrica a la playa y depende de lo que esté haciendo [risas]. Pero si tuviera que escoger sólo una para tocar con The Stooges tendría que ser la Gibson Les Paul Custom, de 1969.

profile -018-

London Grammar Por: Javier Cuellar

Foto: Cortesía de LG

Siempre estamos buscando sonidos nuevos qué experimentar, nos mantenemos abiertos a nuevos esquemas musicales que nos puedan hacer imaginar, sentir, vivir y recordar; o simplemente escuchamos desde otro ángulo, uno que no habíamos analizado.

London Grammar es un trío de Londres que bien vale la pena escuchar desde diferentes perspectivas. No solamente ha sabido combinar bien la esencia trip hop con géneros más jóvenes, como eso a lo que hoy llamamos “indie”, pues su sonido bien merece ser equiparado con el

que, hace algunos años, antes de que encabezaran festivales presentaba The xx.

El proyecto conformado por Hannah Reid en las vocales y Dot Major y Dan Rothman en la parte sonora, presenta Metal & Dust (2013), su debut, del cual ya pudimos escuchar el primer sencillo, ‘Hey Now’, un hit en Soundcloud con más de 370 mil reproducciones de diciembre a la fecha.

De la mano de su primer álbum y múltiples presentaciones a lo largo de Reino Unido, está claro que todo 2013 se tornará interesante para London Grammar.

LINKS: londongrammar.com | soundcloud.com/londongrammar | @londongrammar

columna -021-

LEJOS DE CASA Por: Sr. Flavio / @SrFlavioOficial

Me llamo Raul Torrejas Tengo 28 Nacido y criado en Devoto Veo, un bar de lovers agotados Quizás la luz que se ve dentro invite la noche Extranjero sacado por Cahuenga Boulevard En Los Angeles pasan Cadillacs a diario por las calles En el Freeway 101 hay Cadillacs rojos Rosas Del ’57 Enmascarados Caretones Enramados Odio Los Cadillacs Nunca me los banqué Soy un argento pusilánime Vine a laburar Pulenta, capital del mundo El planeta es así Viento de Lizards pispiretos on Sunset Blv. Aquí el dinero sobra Las putas son cobras que cobran Yo recuerdo mi Baires sin

poder regresar Perdí el pasaje La vuelta Qué salame de Milán La melancolía es taciturna y puta también ¿Ahora te me vas a poner a llorar, maricón?

Si estás acá cómprate un microondas Andate a un Seven Eleven gil Comprate un dedito de queso O un nacho cheese crispy Ponete de cote Lagarto en flor No me vengas con mariconadas El ruido del freeway Calling card please Five dollars Te llamo El ruido del 101: North Hollywood Una puta con voz metálica me dice que tengo 100 minutos para hablarte Deberé racionarlos por tantos días

Spanish please El dolor de no tenerte Me llamo Raul Torrejas Criado en Devoto Ahora en Los Angeles Entré vía Miami Mamita Laburo hay Me las sé todas A la noche el ruido del freeway 101 no me deja dormir bien Tengo hambre y putas cerca No entiendo a los drogadictos: gritan tontos en la noche de Hollywood Vine solo y solo estoy Dijiste que me seguirías más adelante Que en Argentina no había futuro para una secretaria Yo te conté que, con el primer sueldo, me compré un Jeep descangallado y un jacuzzi en flor “Flor de choto” me dijo una puta colombiana cerca del liquor No nos entendimos

Aguante Argentina papá Llevo la del Messi puesta siempre No sé qué pasó contigo Salí del laburo y te llamé Atendió otra secretaria Me dijo que ya no trabajabas más allí Me quedan pocos minutos de la calling card Al final nunca viniste Te extraño y me ahogo en las putas de la Fairfax Qué triste que es la noche aquí Solitaria Mi noche Nunca viajaste Me llamo Raul Torrejas Tengo 28 Lejos de casa Trabajo en LA desde hace 11 meses Hoy ya tengo un laburito llevando y trayendo material quirúrgico descartable, Un Jeep, un jacuzzi en flor, soledad y el dolor de no tenerte.

> Sr. Flavio es miembro fundador de Los Fabulosos Cadillacs y escritor. Su libro Crónicas Del León ya está a la venta, editado por WARP Books.

insert -023-

Crónicas del Norte PARTE 3 DE 3

Por: Simón Mejía / Ilustración: Elisa Ayala para Luciérnaga Fotografía y WARP Son apenas las 06:00 de la mañana y ya me encuentro con una botella de mezcal en la mano, música a todo taco, una camioneta con funcionarias de la alcaldía de San Fernando y medio batallón del ejército detrás de mí: surrealismo latinoamericano, realismo norteño.

La primera parada es para abastecernos. La contadora, experta en medidas y presupuestos, compra cerveza como para un regimiento. Yo sigo concentrado en mi mezcal: ninguna cerveza me hará cambiar de opción. La travesía hasta la playa es bastante extensa, por parajes desolados; y no es una carretera fácil de transitar: sólo se puede ir de día, de preferencia con escolta.

Topográficamente, este lugar de México es bastante especial, pues antes de llegar al mar está la Laguna Madre: una de las más grandes del mundo, un lugar impresionantemente bello, imponente, pero rodeado de horror: otra vez el contraste.

Llegamos a la laguna y paramos en la casa de una señora que ha preparado un recipiente de ceviche, enorme, como para un batallón. Nunca antes había visto tanto camarón junto. Continuamos hacia la casa del alcalde, que es otro fortín en medio de un pueblo bastante discreto y silencioso.

Los soldados hacen la avanzada y, en cuestión de segundos, la casa —techos, bardas, interior y exterior— está rodeada de seguridad para nosotros.

El desayuno es ceviche y clamatos. Preparan dos lanchas para ir a la playa: una para el ejército y la otra para nosotros, para las funcionarias y para las infaltables sillas Rimax que esta vez son para la playa. Parece que estas sillas, al lado de la cocaína, son las protagonistas estelares de la historia.

El clima, al cruzar la Laguna Madre para llegar al mar, es un poco inclemente: nubes grises, llovizna, cielo encapotado. Esto no está ayudando al ánimo general, que aunque ha sido suavizado por el mezcal, aún se mantiene medio tenso.

Reparto más de mi botella.

Al llegar al mar, sin embargo, el paisaje es impresionante. Se acaba la laguna, el agua dulce se encuentra con el agua salada, la Laguna Madre y Golfo de México. Otra vez los contrastes.

Nos bajamos y caminamos hacia la orilla. Ver tantas sillas Rimax me hace pensar más en un simposio que en un paseo por la playa; además, al final, nadie las usa.

Comienza a llover fuertemente y cada uno se dispersa. Guardo mi cámara y mis gafas debajo de una piedra para que no se mojen; me quito la ropa y corro hacia el mar. Una vez adentro pienso que, con la lluvia, el mar es aún más imponente.

Por un momento la lluvia es tan fuerte que se pierde todo de

> Simón Mejía es miembro fundador de la banda colombiana Bomba Estéreo.

vista: la orilla, las personas, el horizonte. Me encuentro solo, rodeado de agua. Quisiera tener mi cámara conmigo, pero es de esas ocasiones en que sólo la cabeza puede guardar el momento. Por allá, al fondo, veo a la contadora y a sus amigas, también disfrutando del momento. Pienso que este lugar es único en el planeta y que estar aquí es un privilegio irrepetible.

Los contrastes vuelven: pienso que este paraje hermoso seguramente es un puerto de embarque de droga hacia Estados Unidos, idea que corroboro luego, al conversar con uno de los acompañantes. Este lugar no es simplemente un puerto, sino uno de los principales lugares de embarque donde todas las noches, miles y miles de kilos de cocaína que vienen desde Colombia, se embalan para ser entregados en Estados Unidos, a menos de dos horas en lancha.

Y ahí mismo, donde termina la Laguna Madre y comienza el mar del Golfo de México, en Tamaulipas, a pocos kilómetros de San Fernando, todo encaja y se vuelve redondo. El porqué de este lugar, las camionetas del ejército, los muros blancos, las armas, las desproporciones y las sillas Rimax: todo se esclarece.

Pienso en Colombia otra vez.

Somos iguales.

La lluvia se aleja y sale repentinamente el sol. Los pensamientos se desvanecen y voy en busca de mi botella. El sol también es un lubricante de energías, como el mezcal. La vibra general del paseo cambia y cierta hermandad surge entre nosotros y ellos. Sin duda, venimos todos de un mismo contexto y, aunque no se hable de ello, se siente.

Esta playa podría ser perfectamente una playa colombiana y el mezcal una botella de chirrinchi. Colombia y México son hermanos, en las buenas y en las malas. Los muchachos del ejército se libran de sus armas, de sus uniformes, y los ponen a secar al sol; se quitan sus capuchas. Finalmente vemos sus rostros, cruzamos un par de palabras amables con ellos y con las chicas de la alcaldía. Brindamos. Se acaba el mezcal.

Es hora de volver. Durante el regreso a la casa del alcalde, cierto ambiente festivo se da en las lanchas. El sol sigue en pleno.

Al llegar, una bienvenida con música termina de suavizar toda situación. Bailamos y, ya sin mezcal, nos pasamos al tequila.

Esta noche tendremos otro concierto en Ciudad Victoria, la capital de Tamaulipas, que es igual de violenta.

Poco a poco voy entendiendo el Norte de México y sus contrastes.

Entiendo también un poco más de Colombia y de nosotros como banda.

Y la gira continúa.

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ASK AMANDA

Por: Amanda Palmer/ @amandapalmer Foto: Shervin Lainez

¿Cómo les fue con Save The Mermaid Parade? ¿Llegaron a la meta? Nelly Chavarria Oh, gracias por preguntar. Se alcanzó el objetivo, bueno, casi, la meta era reunir $100,000 dólares y se reunieron $96,000 dólares, así que el desfile se llevará a cabo. ¿Cómo es que siempre terminas involucrándote en este tipo de locas pero nobles causas? Nelly Chavarria Yo siempre trato de ayudar a la gente que creo que puedo realmente. A veces es un poco difícil cuando estás involucrado en el mundo del rock, porque mucha gente se acerca a ti a pedirte ayuda y si inviertes todo tu tiempo en ayudarles no tienes la posibilidad de hacer arte.

En este caso se dio porque yo me encontraba cerca del lugar donde se llevaría a cabo el desfile, me preguntaron si podíamos hacer algo juntos y les dije que sí. Además tengo que usar una cola de sirena brillante de color verde y cantar una canción de La Sirenita, ¿cómo podría no hacerlo? Creo que el azar es importante en la vida. Decir que sí puede ser adictivo, aunque, a veces, me canso mucho y tengo que descansar mis aletas, así que tengo que ser jodidamente cuidadosa.

El otro día estaba leyendo el texto Make Good Art, de Neil Gaiman, y pensé: Bueno, Amanda podría hacer algo como esto, así que, ¿crees que todos los textos publicados en tu blog podrían convertirse en un libro o tal vez escribir uno partiendo de cero? Si es así, ¿qué tipo de libro sería? Berenice Flores Es gracioso que lo preguntes. Acabo de hacer una oferta

para escribir un libro y voy a empezar a trabajar en él muy pronto. Creo que va a ser un libro sobre el tipo de cosas que hablé en mi charla TED (la cual pueden ver en línea) sobre el arte, sobre solicitudes, sobre cómo nos comunicamos y nos ayudamos mutuamente... un poco de memoria y un poco de crowdfunding. Algún día me encantaría convertir mi blog en un libro. He estado escribiendo un blog durante casi 15 años, así que sin duda hay material lo suficientemente bueno. ¿Qué tipo de libros te inspiran para crear algo? Claudia González Hay algunos libros que he leído, sobre todo hechos por mujeres, que son tan honestos y valientes que han conseguido inspirarme a escribir mis propias verdades. El libro de Margaret Cho I’m The One That I Want me hizo más valiente y deseosa de compartir más cosas. Ella es tan abierta y honesta acerca de los sentimientos, el sexo, el miedo, sobre lo que es ser diferente y lo que sentía al crecer. No endulza las cosas. Otro libro que he leído recientemente que realmente me inspiró fue un libro titulado How To Be A Woman, de Caitlin Moran; es muy gracioso, habla mucho acerca de los problemas femeninos que todos los demás sólo tienden a evitar y no discutir... el libro me hizo más valiente. A veces me gusta hacer esto: voy a una librería y me voy a la sección de poesía, tomo un libro al azar de un autor que no conozco y abro una página al azar. Leo ese poema y pienso: el mundo es un lugar magnífico. Si lo haces bien, en el día correcto, es como entrar en el jardín de alguien y robar secretamente una fresa en la temporada de verano.

> Amanda Palmer es músico y compositora, fundadora de The Dresden Dolls y de Amanda Palmer & The Grand Theft Orchestra.

Soundgarden A THOUSAND DAYS BEFORE Por: Diovanny Garfias

Foto: Cortesía Soundgarden

Muy atrás quedaron los días en los que el híbrido sonoro derivado del punk y el metal, nacido en Seattle, regía la escena musical global. De entre sus ruinas aferradas al tiempo, tras su derrumbe, bandas como Pearl Jam encontraron la forma de superar la nostalgia, ya fuera reinventando su sonido desde los cimientos o, como Alice In Chains, prácticamente partiendo desde cero.

Incluso personalidades de la talla de Dave Grohl —altamente identificable por pertenecer a la banda insignia de los noventa— han sabido crearse una nueva personalidad sonora y visual con tanta o más validez que la que les dio el status de leyenda.

En este campo podemos incluir al guitarrista y cantante Chris Cornell, quien a través de los años encontró la forma de mantenerse relevante en su faceta solista —con apoyo, incluso, de Timbaland para conseguir su objetivo—, dejando atrás el legado de Soundgarden, pero también su desencanto por la música y sus compañeros de banda. Sin embargo, 2010 significó para Cornell una nueva etapa en su vida, una donde Kim Thayil, Matt Cameron y Ben Shepherd compartirían el escenario con él de nueva cuenta y donde las rencillas, el odio y los malos entendidos formaban parte, precisamente, de ese pasado dorado de la banda.

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Tras pasar por algunos de los escenarios más importantes del mundo, lanzar el recopilatorio Telephantasm (2010) y encontrar el gusto por compartir el estudio de grabación, el cuarteto de Seattle lanzó King Animal (2012), su primer material inédito en 16 años. Previo a subir al escenario del Palacio de los Deportes, en la Ciudad de México, WARP Magazine conversó con Kim Thayil, quien en exclusiva comparte su visión detrás del regreso a la vida de Soundgarden.

Ya han pasado un par de años, pero, ¿recuerdas el momento en el que decidieron regresar a Soundgarden?

Nunca hicimos una decisión específica u oficial de reunirnos; fue algo que ocurrió gradualmente. Empezamos juntándonos por asuntos de negocios y de ahí se fue generando el interés de fanáticos y promotores por reunir a la banda, haciéndonos ofertas para cosas como Lollapalooza. Así que decidimos intentarlo: nos reunimos para tocar juntos y ver cómo seguía la química de la banda, ensayamos nuestras viejas canciones y funcionó bien, así que tocamos algunos shows. Nos fue bien y recibimos más ofertas para salir de gira. Después, Matt Cameron nos dijo que tenía algunos demos que quería enseñarnos y, una vez que los presentó en el estudio, comenzamos a contribuir con ideas y a aprendernos el material de los demás.

Así nos dimos cuenta de que teníamos un disco potencial y, después de algún tiempo en el estudio, ya estábamos metidos dentro del proceso de realización del disco; pasamos de socios de negocios a tocar en vivo y de grabar algunas canciones a colaborar creativamente.

Después de este proceso espontáneo, ¿buscaron algún sonido en particular para King Animal?

Nunca. Más bien generamos el material y luego lo escuchamos para ver cómo se definiría en cuanto a estilo y sonido.

Cada individuo contribuye con diferentes ideas por medio de su ejecución y su composición, influyendo de manera diferente en el sonido de la banda.

El concierto del Voodoo Festival, en Nueva Orleans, fue grandioso, el público la pasó muy bien y ustedes parecían disfrutarlo. ¿Cómo es regresar a los escenarios hoy en día y salir de gira con tus viejos compañeros?

Es muy divertido, todos estamos un poco más viejos y eso es algo bueno, porque somos más maduros, tenemos mejor actitud y nos concentramos de mejor manera en cuanto a la forma en que nos llevamos entre nosotros. Ha sido agradable salir a tocar juntos de nuevo.

Aquel show del que te hablo estaba enfocado a sus éxitos; sin embargo, esta gira incluye mucho material nuevo. ¿Cómo sienten las nuevas canciones en vivo?

Disfruto tocar todo nuestro repertorio. Ya estamos familiarizados con el viejo material, lo cual me permite reinterpretar y me da más confianza al hacerlo; es divertido. El nuevo material, por su parte, me gusta porque su novedad me permite explorarlo de manera diferente. Los dos tienen sus atractivos de distintas maneras: el antiguo, su familiaridad, y el más reciente me da la oportunidad de aprender y hacer algo nuevo en la ejecución.

Hablando del viejo material, el álbum Superunknown (1994) es recordado como uno de los más significativos en la historia del rock. ¿Cuál es tu perspectiva personal del disco a casi 20 años de su salida?

Sigue manteniéndose vigente. Personalmente lo veo como un disco clásico, de la misma manera en que veo discos que me influenciaron conforme fui creciendo; me refiero Led Zeppelin II, Dark Side Of The Moon, de Pink Floyd; Paranoid, de Black Sabbath; Leave Home, de Ramones, y desde luego Raw Power, de The Stooges y Kick Out The Jam, de MC5. Todos ellos son clásicos en mi entendimiento de la historia de la cultura pop y Superunknown lo veo también como un documento del rock.

He oído de muchos músicos, durante los últimos 20 años, que lo citan como una influencia, como una inspiración para sus bandas y, si nuestro disco está teniendo ese tipo de influencia —como los Ramones y Black Sabbath la tuvieron para mí—, entonces significa que debe tener el mismo sentido de longevidad como clásico [risas].

Hablando de tu carrera como guitarrista, has sido listado como uno de los cien mejores guitarristas de la historia. ¿Alguna vez imaginaste que llegarías a este punto cuando empezaste a tocar?

Por supuesto que no, nunca fue mi meta y nunca pensé llegar a ser tan elogiado. Creo que ello se debe a la influencia que ha tenido nuestra música y a mi estilo como guitarrista, por eso me consideran bueno pero en realidad no me considero un guitarrista técnico o experto, no puedo tocar piezas clásicas o de jazz, aunque tampoco Johnny Ramone o Tony Iommi podían, su sonido fue lo que los hizo una influencia para muchos guitarristas. Creo que tenemos una influencia parecida y por eso me han dado tanto crédito, pero si nos guiáramos en habilidad técnica, no creo que pudiera llegar, ni siquiera, a la lista de los 10 mil mejores guitarristas [risas].

> Diovanny Garfias es Editor en Jefe de WARP Magazine, puedes leer su entrevista con Phoenix en WARP #55.

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Juán Manuel Torreblanca Foto: Sergio Gálvez para WARP

La agrupación mexicana Torreblanca acaba de reeditar su exitoso disco Bella Época (2011), material que, gracias a sencillos como ‘Sí’ y ‘Dejé De Ser Yo’, se ha colocado como una de las grandes promesas de la música en México. Pero en esta nueva edición podemos encontrar los temas originales del disco más remixes y un DVD con todos los videos que la banda ha editado.

A propósito de este lanzamiento, WARP Magazine platicó con Juan Manuel, Alejandro Balderas “El Tío” y “El Abuelo”, tres de los integrantes de la banda, quienes nos regalaron lo que, a su parecer, son diez temas perfectos para pasar el verano de manera despreocupada y con espíritu de fiesta. Disfruten de esta lista…

1. The B-52’s – ‘Roam’

6. Elis Regina – ‘Madalena’

2. Astrud Gilberto – ‘Fotografía’

7. The Mamas & The Papas – ‘California Dreamin’’

3. The Beach Boys – ‘Good Vibrations’

8. Paul Mauriat – ‘Un Homme Et Une Femme’

4. Major Lazer – ‘Get Free’ (feat. Amber)

9. Natalia Lafourcade – ‘Las Cuatro Estaciones Del Amor’

5. Snoop Lion – ‘Lighters Up’ (feat. Mavado, Popcaan)

10. Grease – ‘Summer Nights’

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Gepe

LIBERACIÓN CREATIVA Entrevista: Paco Sierra

Texto: Alejandro Altamirano Foto: Rubén Márquez para WARP

yoría de las canciones y el resto las terminé en un mes más.

Fue un proceso muy rápido, y es que ya tenía las ideas claras y simplemente las grabé, sin darle tanta vuelta, lo que es algo que no me pasaba desde mi primer disco, el cual se grabó más o menos en dos o tres tardes. ¿Qué temas fueron los que lo inspiraron?

Lo principal que se puede percibir en este disco es que es un trabajo colectivo. No hay ningún tema en el que me vea sólo yo; sí hay algunas cosas mías, pero me gusta que las canciones se abran hacia otros lados, pues no busco ni confesarme ni retratarme en ellas; quiero, más bien, hablar de un denominador común a cualquier persona, de experiencias generales.

El chileno Daniel Riveros, mejor conocido como Gepe, se encuentra promocionando su cuarto material de estudio, GP (2012) el cual lo ha consolidado como una de las promesas latinas con mayor proyección internacional. Gepe, quien estuvo en la pasada edición del Festival Vive Latino —donde se llenó de aplausos y ovaciones—, tuvo una charla con WARP Magazine acerca de sus procesos creativos, de su crecimiento como músico y del sonido de su próximo disco. ¿Qué tal te sientes después de tus presentaciones en SXSW y en Vive Latino 2013?

Sigo súper emocionado de haber tocado allí; nunca había tocado en festivales tan seguidos y tengo muchos buenos recuerdos; además, conocí a todos los artistas que quería ver tocar. ¿Cómo fue el proceso de creación de tu más reciente disco?

Fue muy parecido al proceso de mi primer disco, Gepinto (2005), en cuanto a que, casi desde el momento en que hice las canciones, tenía muy claras las ideas sobre su rumbo, además de que las hice muy rápido. Yo diría que entre los primeros tres meses de 2012, básicamente, hice la gran ma-

¿Cuál crees que sea la gran diferencia entre éste y tu trabajo anterior, Audiovisión (2010)?

Audiovisión es un disco que nos llevó mucho tiempo concretarlo; le dimos muchas vueltas y, en lo personal, me sirvió para volverme más músico en el sentido de que debes esforzarte un poco más para lograr ese punto donde las canciones suenan justo como quieres que suenen y como deben de sonar. Con GP el proceso fue algo más natural y liberador, sin tantas responsabilidades. Esa sería la principal diferencia entre ambos. ¿Disfrutaste el proceso de grabación de GP? ¿Lo volverías a hacer?

Sí, lo disfrute muchísimo; por ejemplo: con mi disco Hungría (2007) me encontraba muy perdido, no tenía banda, el productor era una persona con ideas musicales muy distintas a las mías y entonces, de alguna manera, caí en una especie de vacío de arte; recuerdo que me preguntaba: “¿Y ahora qué sigue? ¿Qué es lo que estoy haciendo?” Entonces, con cada disco, he aprendido algo. Así, teniendo conciencia de ser un músico más profesional, con GP, por primera vez, disfruté de verdad grabar las voces, los instrumentos o cambiar una letra mientras la estaba grabando, pero de una manera más interiorizada. Todo fue mucho más relajado y disfrutable para mí. ¿Ya hay ideas sobre un posible material nuevo de Gepe?

Sí, ya tengo muchas canciones a medio andar. Quiero que sea un disco muy latino, debido a que ya no escucho nada en inglés. Será algo muy chileno y lleno de símbolos; probablemente sea algo muy hip-hop.

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IN THE HAND OF INEVITABLE Por: Adolfo Vergara Trujillo / @ToBeFreak

Habían pasado meses planeándolo: el último invierno había entrado a Tyne And Wear desde mediados de noviembre y Rupert no se había aparecido por el pub la noche del jueves, generando la suspicacia de Paul; por eso, sin importarle la llovizna helada, Paul salió a la esquina y llamó a su amigo por teléfono.

—¿Sí? —respondió Rupert.

—¿Estás bien? —preguntó Paul.

—Claro que estoy bien…

—¿No vas a venir?

—No… —Hoy es jueves de viudos y el viejo Steinbeck preguntó por ti…

—Pues dile que no iré…

—Suenas extraño, Rupert; no le habrás llamado de nuevo a aquella puta de Newcastle de 300 libras, ¿cierto?

—Demonios, Paul: hace frío, ¿de acuerdo?

—Bueno, están entibiando la cerveza en la taberna y tal vez…

—¡Me duelen los huesos!

Rupert no fue ese jueves al pub, ni el siguiente; apenas si salió a la calle durante el invierno. Paul lo visitaba en su casa dos o tres veces por semana, cobraba por él su pensión del ejército, le compraba víveres y jugaban un par de manos de bridge si Rupert estaba de humor; quien no lo conociera pensaría que el viejo estaba deprimido o, al menos, al ver su rostro pálido, que la falta de sol hacía evidente su deficiencia de vitamina D. Paul se dio cuenta de aquello y una tarde se lo propuso: —Vámonos de vacaciones, Rupert, en el verano…

—Demonios, Paul, me estoy muriendo.

—No es cierto. ¿Crees que no me doy cuenta de que le sigues llamando a la puta de Newcastle? Mejor ahorremos ese dinero y vayamos a la playa…

—¿A la playa? Demonios, Paul: estamos más al Norte que Quebec… ¡Estamos casi a la altura de la maldita Dinamarca! ¿De verdad quieres ir a la playa?

—¡No hablo de Collywell Bay! Vayamos a un lugar cálido, quizá a la costa de Italia…

—¿Nunca has ido al Mediterráneo? Sus aguas son heladas siempre; eres un maldito ignorante…

Paul se levantó, fue hasta el viejo librero y desempolvó el enorme Atlas mundial, azotándolo sobre la mesa.

—Al Caribe, entones —dijo y comenzó a buscar en el mapa— . Bahamas, Jamaica… ¡Cuba! ¡Vayamos a Cuba! Unas mulatas nos darán masaje en Varadero mientras bebemos un ron daiquirí; iremos a pescar pez espada, como Heminway, ¿qué dices?

Rupert no respondió, pero su curiosidad fue evidente; poco a poco se fue asomando más y más al Atlas, hasta que de plano se lo arrebató a su amigo.

—Suena bien, pero debe haber cosas interesantes más al Sur… ¿Qué es esto? ¿Colombia?

La primavera hizo amainar un poco las lluvias heladas y el siguiente jueves de viudos Rupert se animó a asistir a la taberna. Allí se encontraron al viejo Steinbeck, veterano de Normandía, quien se jactaba de conocer los cinco rincones del planeta.

—Iremos a Cuba en el verano —le contó Rupert a Steinbeck con su primera cerveza en un mes—; pescaremos pez espada, como Heminway.

—Parece agradable —respondió Steinbeck—, pero, ¿ya consideraron Río de Janeiro? ¿Mar del Plata? Argentina es adorable en verano: es cálido, pero no se sofocarán como en Cuba: un colega murió allí, no hace mucho, de un maldito golpe de calor…

—¿Mar del Plata?

No se sabe qué demonios despertó el tintineo de ese nombre idílico en la mente de Rupert, pero desde ese momento se decidió por viajar a “Mar del Plata”. Pasaron meses planeándolo y ahora, el 21 de junio, el primer día del verano, estaban listos para tomar un vuelo de más de 12 mil kilómetros hasta Buenos Aires.

La amiga de Rupert, la puta de 300 libras, los fue a despedir al aeropuerto de Newcastle.

—¡Adiós, cariño! —gritaba ella desde abajo, mientras los dos viejos ascendían por las escaleras eléctricas al área de abordaje— ¡Se divierten!

—La chica me quiere, ¿no crees? ¿Paul?

—Demonios.

Los viejos abordaron el avión y, entonces, quedaron en manos de lo inevitable: un transbordo en Miami, una escala en Panamá y, luego de 18 horas, aterrizaron en Buenos Aires.

El cielo azul permitía adivinar un aire cálido y los viejos, pese a sus pies hinchados por el viaje, se calaron sus gafas oscuras casi al mismo tiempo.

Llegaron el 22 de junio al mediodía: el segundo día del invierno austral: un aire helado, seco como ginebra barata, muy diferente al frío del mar del Norte, los saludó.

Entraron a una cafetería y ordenaron un par de mates; Paul se apresuró a endulzar el de Rupert con un poco whiskey.

Rupert se veía algo gris, algo desilusionado enfundado en su suéter de alpaca.

—Pon buena cara —dijo Paul—; ya verás que nos divertiremos…

—Ese maldito Steinbeck —refunfuñó Rupert—: debió morirse en Normandía.

In The Hand Of The Inevitable The James Taylor Quartet Hollywood Records/Acid Jazz 1995

> Adolfo Vergara Trujillo es escritor y especialista en Literatura Mexicana, autor de los libros de relatos Freak Y Otros Tormentos y Absolut Punch.

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JUNIO 2013 14 Love Drive & Tokyo Tapes

Comisario Pantera Teatro de la Ciudad, México, DF

José Cuervo Salón, México, DF

26 Andrés Calamaro Auditorio Nacional, México, DF

15 60 Tigres y Oso Mugroso

22 y 23 Caifanes

28 Bomba Estéreo y Quiero Club

Bar Caradura, México, DF

Palacio De Los Deportes, México, DF

El Plaza Condesa, México, DF

gigs Shout Out Louds El Plaza Condesa Foto: Perla Rabiela para WARP

SUMMER EDITION De nueva cuenta, la más cálida de las estaciones invade nuestro entorno, los días se vuelven más y más largos, mientras la oscuridad de la noche disminuye considerablemente, como si se tratara de un mensaje que la naturaleza le comunica a nuestros cinco sentidos, como si el planeta intentara avisarnos que el sol regirá el clima durante los próximos meses y que su energía se manifestará en diferentes aspectos de nuestra vida.

De la mano de esta energía, el mundo musical también vive uno de sus momentos álgidos en el año, con festivales alrededor de todo el mundo: desde aquellos a los que el ambiente playero los define, hasta otros, en los que el clima lluvioso y toneladas de lodo se encargan de caracterizar. La industria discográfica nos deja saber los próximos lanzamientos de sus cartas fuertes, a la vez que semana tras semana nos inunda con álbumes en sus diversos formatos. Y claro, los conciertos en cualquiera de sus presentaciones –iniciando por DJ sets en clubes nocturnos y alcanzando los live acts más elaborados-, que están a la orden del día.

Por eso, en WARP Magazine nos sobran motivos para dedicarle nuestra edición número 57 al verano, presentando un especial con algunas de las expresiones más ardientes de la estación: Directamente desde Barcelona les traemos los detalles de lo ocurrido durante Primavera Sound, el festival que da inicio al verano musical por aquellas tierras. De México, la dupla integrada por Camila Sodi y Saúl Ledezma, Ella y El Muerto, nos presenta su álbum debut homónimo, un disco cargado de industrial pop. Sydney, Australia, emite su concepción de música veraniega de la mano de Empire Of The Sun, dupla que cautivó al mundo y que está de regreso con Ice On The Dune, sobre la cual conversamos con Luke Steele. Finalmente y en exclusiva, presentamos a la banda vocera de la época, Vampire Weekend, que nos presenta Modern Vampires Of The City, siendo Rostam Batmanglij el encargado de develar los detalles de esta tercera producción.

Bienvenido sea el verano y con él todas sus bondades, incluida la música.

Blur

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PRIMAVERA SOUND FESTIVAL 2013 #WARPenPrimaveraSound Por: Lalo Montes Fotos: Daniel Burgos para WARP La cobertura de Primavera Sound es presentada por BlackBerry-Telcel

Animal Collective

LA DECIMOTERCERA EDICIÓN DEL PRIMAVERA SOUND, DE BARCELONA, MARCA EL INICIO DE TODA LA GAMA DE FESTIVALES QUE ENGALANAN EL VERANO EUROPEO. DURANTE TRES DÍAS EL PARC DEL FÒRUM RECIBIÓ CERCA DE 80 MIL ESPECTADORES Y MÁS DE 180 ARTISTAS, DEMOSTRANDO QUE LA CRISIS ECONÓMICA LOCAL Y LA MÚSICA, EN ESTA OCASIÓN, NO VAN DE LA MANO.

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Chris Owens

Dinosaur Jr.

En una primera jornada llena de “mucho sound” y muy poca primavera (debido al frío), nueve escenarios fueron suficientes para albergar todo tipo de músicos y géneros. En principio, Tame Impala se presentó en el Heineken Stage ante 10 mil personas que cantaban y bailaban al ritmo de la post-sicodelia, con un repertorio más bien concentrado en su último lanzamiento, Lonerism.

Minutos después, el legendario trío Dinosaur Jr. llenaba de distorsiones y feedbacks el Primavera Stage.

Llegaría el turno de The Postal Service y, con mucha expectativa, la audiencia se volcó hacia el escenario principal, olvidando por completo que, al mismo tiempo, en el Ray-Ban Stage, estaba Deerhunter. Grizzly Bear dejó todo en el escenario, posibilitando que el vínculo artista-espectador fuera sólido y lleno de momentos especiales.

Cerca de las 02:00 hrs del siguiente día, desde Versalles, llegaba el turno de

Neko Case

Phoenix, quienes con una producción sobria, una excelente iluminación y gran ejecución, atraparon a los reunidos en el Heineken Stage. Para cerrar la noche, Animal Collective invadió el Primavera Stage con una producción atractiva e inflables a manera de tentáculos conceptuales llenos de color, que acompañaron la impecable actuación que una y otra vez agradeció el público.

La segunda jornada fue notoriamente más concurrida. Todo inició con la energía punk desmedida de Tokyo Sex Destruction, y la tarde continuó con Django Django que, uniformados de blanco y negro, aparecieron en escena.

Posteriormente el Auditorio Rockdelux recibía al ex frontman de Girls, Christopher Owens, presentando Lysandre, álbum de su proyecto solista.

Llegaba el turno del esperado performance de The Breeders, interpretando su mítica producción Last Splash íntegramente, aunque la audiencia ya estaba en sus bol-

sillos mucho antes de escuchar cualquier instrumento y la emoción se transpiró en todo momento en el Primavera Stage.

Para continuar con agrupaciones legendarias, The Jesus And Mary Chain y su noise pop se hicieron presentes en el escenario Heineken.

Los feedbacks, las guitarras saturadas y los característicos riffs sucios del conjunto escocés inyectaron densidad a la atmosfera festiva que rodeaba la velada. Al mismo tiempo, ante una audiencia menor, en el Pitchfork Stage, Local Natives se presentaba.

A la medianoche James Blake ofreció un recital que rayó en la perfección. Moogs, pedales, programaciones y sampleos de voz se unieron para catapultar un pop excelso, único y genial. Después de diez años de su último concierto en Barcelona, Blur también era de las bandas más esperadas: ‘Girls And Boys’, ‘Beetlebum’, ‘Coffe & TV’, ‘Tender’, ‘Parklife’, ‘Country House’, ‘The Universal’, ‘Song 2’ y ‘Under The Westway’

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fueron sólo algunas de las canciones que llevaron al éxtasis a los cerca de 40 mil asistentes, reunidos para deleitarse con estos íconos del britpop.

Ya entrada la madrugada, The Knife presentaba el espectáculo que acompañará la gira de su nuevo lanzamiento, Shaking The Habitual y el Primavera Stage se convirtió en un espacio donde la danza, las coreografías, el histrionismo, las secuencias y la música electrónica se fusionaron para ofrecer un concepto integral.

El viernes se notificó la imposibilidad de Band Of Horses para presentarse en Barcelona y se informó que Deerhunter sería la banda sustituta. Al mismo tiempo, pero en el escenario Ray-Ban, la agrupación de culto Dead Can Dance presentaba su sonido obscuro.

El colectivo Wu-Tang Clan se presentó en el Primavera Stage, escenario que desafortunadamente presentó varias

fallas técnicas a lo largo del evento.

Nick Cave & The Bad Seeds representó para muchos la mejor actuación de todo el evento: el australiano ataviado en negro se apoyó de la gente reunida en las primeras filas sin perder la compostura, derrochando actitud y arrogancia mientras una perfecta ejecución musical lo respaldaba. Otro de los performances esperados era el de Los Planetas y vaya que los granadinos respondieron, pues ejecutaron completamente su elogiado Una Semana En El Motor De Un Autobús.

Ya entrada la noche, Crystal Castles y su irreverente energía reventaba el Ray-Ban Stage, y es que la gente entraba en calor con los ritmos punkelectro-rave de los canadienses. Por una hora, así, el frío pasó a segundo plano y el baile se convirtió en el mejor pretexto para divertirse.

Mientras tanto, en el escenario Hei-

neken, el shoegaze se hacía presente.

My Bloody Valentine y sus característicos feedbacks, distorsiones y riffs invadieron el festival. Hot Chip fue el escogido para cerrar actividades y mejor selección no pudo haberse hecho: el quinteto inglés inició potente, dedicado y con energía, convirtiendo al Primavera Sound en una masiva pista de baile.

Así, no hubo lugar para una despedida triste, en los rostros de la gente se reflejaba alegría, pues además ya se sabía que el festival se despedía con un récord de asistencia (170 mil asistentes), se anunciaba que Neutral Milk Hotel sería la primera banda para la edición siguiente y se confirmaban las fechas: 29, 30 y 31 de mayo de 2014.

Una edición más del festival terminaba, pero la certeza de que Primavera Sound volverá en 2014, quizá más fuerte que nunca, provocaba felicidad.

Tame Impala

Phoenix

James Blake

The Breeders

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SOBREDOSIS DE FESTIVALES Por: Eduardo Guillot

EN ESPAÑA, EL PERIODO VERANIEGO ES SINÓNIMO DE FESTIVALES. TRAS LA CELEBRACIÓN DE LOS MULTITUDINARIOS PRIMAVERA SOUND Y SÓNAR, AMBOS DE CARÁCTER URBANO Y RADICADOS EN BARCELONA, LA COSTA MEDITERRÁNEA SE PREPARA PARA ACOGER A DECENAS DE MILES DE ESPECTADORES CON DESTINO A CITAS COMO BENICÀSSIM, ROTOTOM SUNSPLASH, LOW COST O ARENAL SOUND. LA COMBINACIÓN DE SOL, PLAYA, MÚSICA Y BUENOS PRECIOS GARANTIZA SU ÉXITO ENTRE EL PÚBLICO MÁS JOVEN. Cada año, más. La geografía festivalera española ha crecido de manera exponencial en los últimos años, hasta el punto de que ya se han alzado algunas voces denunciando que el auge de eventos estivales está afectando de manera drástica a la supervivencia del circuito invernal de salas. Obvio: Cuando se ha visto a 30 grupos en cuatro días y a un precio bastante razonable, cuesta más desembolsar el precio de la entrada para ver a una sola banda en una sala de conciertos, por mucho que el sonido y la visibilidad sean mejores, exista mayor cercanía con el artista y una comunicación más estrecha con el resto de asistentes, a diferencia de las citas multitudinarias, en las que una gran mayoría del público joven apenas conoce a los cabezas de cartel, pero asiste para vivir una experiencia que va más allá de la música y tiene que ver con pasar varios días lejos de la autoridad paterna, explorando las posibilidades de entablar nuevas relaciones y divirtiéndose al aire libre.

No cabe duda: Los festivales son para el verano, y 2013 pone ante el aficionado español una oferta difícil de rechazar. Por orden cronológico, Bilbao estrena la temporada estival con el BBK Live, que comienza el 11 de julio; Depeche Mode, Green Day, Kings of Leon, Vampire Weekend, Klaxons y The Hives son sus principales cabezas de cartel. Una semana después, el día 18, la atención se traslada desde el norte del país a la costa del Mediterráneo, porque comienza el FIB, que se celebra en la localidad de Benicàssim (Castellón). Arctic Monkeys, The Killers, Queens

of the Stone Age, Beach House, Primal Scream, Kaiser Chiefs, Black Rebel Motorcycle Club y Dizzee Rascal son las bazas más importantes con las que juega para atraer al público.

El mismo recinto que acoge el FIB es el marco en que se desarrolla el Rototom Sunsplash, festival especializado en ritmos jamaicanos nacido en Italia pero instalado en España desde hace algunos años. Damian Marley, en concierto exclusivo para el territorio europeo, encabeza el extenso listado de artistas que pasarán por sus diversos escenarios a partir del 17 de agosto.

También en la costa este del país, pero más al sur, en la localidad de Benidorm, se celebra el Low Cost Festival. Comienza el 26 de julio y este año apuesta por Belle & Sebastian, !!!, Portishead y Crystal Castles, entre otros. La alternativa alejada de la playa es la del Monegros Desert Festival, centrado en la electrónica y con Underworld, Vitalic y Public Enemy liderando el cartel. Tiene lugar en Fraga (Huesca), en una gran extensión de terreno en pleno desierto, tal como su nombre indica.

La oferta es amplia y se complementa con propuestas menores en las que abunda la presencia de bandas españolas, como el Arenal Sound (Borriana, Castellón), Contempopranea (Alburquerque, Badajoz), Sonorama (Aranda de Duero, Burgos) o Santander Music (Santander). Un calendario al borde de la saturación, pero que permite pasarse el verano disfrutando de música en directo, siempre que el bolsillo lo resista.

> Eduardo Guillot es periodista y crítico musical español con una trayectoria de más de 25 años. Actualmente colabora en la revista Rockdeluxe.

ELLA Y EL MUERTO Amapolas

Por: Michelle Apple Foto: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

TAL PARECE QUE EL VERANO ESTÁ CARGADO DE CIERTA NOSTALGIA, UN SENTIMIENTO IMPLÍCITO QUE A PESAR DE LA EUFORIA CAUSADA POR LAS ALTAS TEMPERATURAS, NOS AFECTA DE TAL MODO QUE TERMINA POR TORNARSE EN UN SENTIMIENTO MÁS FRÍO. ES EXTRAÑO, PERO TAL PARECIERA QUE ESTA ÉPOCA DEL AÑO ES EL ESCENARIO PERFECTO PARA EVOCAR –EN MAYOR O MENOR MEDIDA- NUESTRA PERSONALIDAD BIPOLAR. Si tomamos lo anterior como referencia podremos entender de una manera más sencilla a Ella Y El Muerto, un proyecto que justo eligió este verano para salir del anonimato y presentar su álbum debut homónimo, por cierto, producido por Ulises Lozano y Carlos Chaires de Kinky. La dupla está integrada por la actriz Camila Sodi y El Muerto (Saúl Ledesma), conocido por su trabajo como director musical de la banda Radaïd y de esta peculiar fusión surge un sonido altamente influenciado por bandas post industriales de los noventa: Nine Inch Nails, Sister

Machine Gun y Drill, por mencionar algunas, sin embargo, no todo son líneas de bajo y percusiones en secuencia. Una de las particularidades del dúo es la manera en la que integran elementos pop en esta marea sonora, de tal suerte que el resultado final es un vendaval de eclecticismo musical.

Tuvimos la oportunidad de platicar con ambos integrantes del proyecto, quienes no sólo develan el presente y pasado de Ella Y El Muerto, también tiran algunas cartas al aire pretendiendo predecir el futuro.

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En estos tiempos es difícil que proyectos tan jóvenes tengan una personalidad tan propia. Cuéntenos, ¿cómo nació el proyecto y cómo decidieron la dirección que le iban a dar?

Camila Sodi: Hace como cinco años nos conocimos y empezamos a hacer trip hop, una onda Portishead pero más deprimido…

CS: No fue tan difícil, somos muy compas, muy afines, entonces, no fue la clásica relación productor / cliente, éramos cuatro amigos haciendo música.

El Muerto: Algo más sucio.

Parece que el disco empezó a construirse de una manera muy libre, hasta que le metieron disciplina y el sonido original mutó en lo que podemos escuchar en los 11 tracks pero, ¿qué tanto les gustó personalmente el resultado final?

CS: Hay canciones que desde que las vas gestando en tu cabeza ya sabes a qué quieres que suenen, aunque llegar a ese lugar es difícil a veces; piensas algo y cuando terminas de producirlo es otra cosa.

CS: ¡Y bien atascado! Entonces nos caímos increíble, empezamos a colaborar y salieron cosas bien chidas, una onda bien triphopera, pero atascada, que empezó a mutar a esto que hacemos ahora. Le decimos “noise pop”, porque no sabemos cómo describirlo.

Sin duda en el proyecto hay diversas corrientes mezcladas, de hecho, la primera canción que les escuché fue un demo publicado en su Myspace y justo parecía reflejar este eclecticismo musical…

CS: ¡Ah claro!, se llamaba ‘Canibalismo’, era bien orquestal.

Justamente esa canción marca el proceso de transición entre lo que era el proyecto antes de que entrara El Muerto. Nadie lo conocía, ni se llamaba así, soy yo haciendo maquetas.

Sonoramente, ¿qué fue lo que los hizo ir del trip hop hasta encontrar ciertos momentos industriales y electro?

EM: La fuerte influencia que tenemos de Nine Inch Nails, así que intentamos añadirle sonido industrial, que es algo que en México es muy arriesgado.

CS: Me encanta el hardcore, me encanta la distorsión, mientras más atascado mejor y me gusta mucho el industrial, entonces tratamos que estos y otros géneros coexistieran.

EM: Y es ahí donde entran Ulises Lozano y Carlos Chaires (Kinky), que le dieron este toque más electro.

CS: De hecho yo los conocí cuando trabajaba en los demos que subimos a MySpace, se los puse y empezamos a colaborar los cuatro. Así empezaron a salir las canciones del disco. ¿Qué tan diferente fue trabajar con Ulises y Carlos creativamente?, al final, ustedes ya tenían química musical. ¿Cómo fue abrir espacio a estos dos experimentados productores?

EM: Éramos cuatro productores, dentro de lo que cabe, la misma Camila siempre lleva las canciones hacia un lugar diferente.

EM: Creo que es un buen principio para Ella y El Muerto. ¿Ha sido complicado llevar su álbum debut a los escenarios?

CS: Armamos una banda que está a toda madre, con los chavos de Descartes A Kant.

EM: Nos preocupamos mucho por el en vivo, ensayamos mucho.

Qué bueno que lo mencionas, porque el disco suena mucho a estudio, traducirlo a un show en vivo no debe ser fácil…

EM: Es un proceso difícil. Lo que sucedió con Camila y conmigo es que no formamos las rolas a partir de una banda. En una presentación hacemos adaptaciones a cosas que en el estudio salieron de cierta manera, pero que podemos cambiar.

CS: Exacto, las canciones las armamos en el estudio y hasta puedes sentir esa emoción, pero en vivo todo suena mucho más orgánico, humanizado. ¿Qué viene en el futuro, tienen alguna idea de cómo sonará su siguiente material o es muy temprano para pensar en eso?

EM: Nos encantaría que en el siguiente disco no partiéramos del estudio, sino de una banda, de algo más orgánico; de un piano, no grabar con metrónomo, no usar Auto-Tune, que las cosas no sean tan cuadradas. Creo que será un disco más libre.

CS: Ahora vamos hacer las cosas un poco más en vivo.

> Michelle Apple colabora en WARP Magazine e investiga fenómenos paranormales. Puedes leer su entrevista con Quiero Club en WARP #55.

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LIKE CAREERS IN COMBAT Por: Paul Stokes / @stokesie

“Ya no hay papeles para shows de televisión, ya no hay trabajos poniendo los conos naranjas en la carretera. No hay vacantes para guardabosques, porque ya no hay osos de los cuales salvarte. Pero hay puestos en el combate, hijo mío…”

Ya es verano, así que va siendo tiempo de una de esas canciones que martillan la cabeza, esos himnos para vagos con letras casi recitadas. ‘Once In A Lifetime’, ‘Losing My Edge’, ‘Feel Good Hit Of The Summer’… esa última contiene una pista, ¿cierto? Por alguna razón, el clima cálido y los monólogos encima de música van muy bien juntos, y con Parquet Courts el año 2013 ya tiene su himno gracias a ‘Careers In Combat’ (referenciado arriba). Tomado del segundo disco de esta banda de Nueva York, Light Up Gold, este himno a la depresión económica y a las diversas guerras de las que Gran Bretaña y Estados Unidos no pueden escapar, es una mezcla de vibras difusas, perezosas y la confusa indignación perfecta para acompañar los ardientes cielos de verano. Es un poco como The Strokes, si te pudieras imaginar a unos Strokes equipados para una fiesta en la playa y no para un bar de mala fama en Manhattan.

Otros que también encuentran hogar en la playa, naturalmente, son Jagwar Ma, de Sydney. El dúo acaba de lanzar su álbum debút Howlin, y con él, el amor no correspondido nunca había sonado tan veraniego y emocionante. Haciéndose paso

entre beats gigantescos y un arcoiris de armonías, este es un disco que tendrá alto impacto en tus pies, caderas… y corazón, con sus ritmos holgados, vibras evasivas y vocales de desamor eufórico. Noel Gallagher está tan impresionado con ellos que recientemente declaró: “El destino de la galaxia depende de Jagwar Ma y Temples”.

Personalmente, hace poco tuve la oportunidad de encontrarme a Noel en un concierto de Temples, en Londres, y contrario a sus predicciones con Proud Mary (duele recordarlo), el exmiembro de Oasis acertó en sus nuevos pronósticos con el grupo de Kettering, Inglaterra. Temples también emplea, en gran parte, los ritmos rodantes y el groove profundo, aunque ellos nos presentan su música a través de un caleidoscopio de pop-psych que es virtuoso, así como irresistible. Su álbum no estará con nosotros hasta el siguiente año, pero ya nos han dado sencillos como ‘Shelter Song’ y ‘Colours To Life’, sin los cuales ninguna lista de reproducción veraniega estaría completa.

Así que manténganse alertas para la nueva música de este verano, probablemente bailar sea requerido…

> Paul Stokes es Editor Asociado de Q Magazine, puedes leer su columna XTRMNTR en WARP #56.

Surround Sound Por: Raúl Arce Fotos: Cortesía EOTS

FUERTEMENTE INFLUENCIADOS POR CULTURAS ANCESTRALES, QUE VAN DESDE LOS AZTECAS HASTA LOS GRANDES IMPERIOS DE ASIA, LA BANDA ORIGINARIA DE PERTH, EMPIRE OF THE SUN, TOMÓ AL MUNDO POR SORPRESA CON SU ACLAMADO DEBUT, WALKING ON A DREAM (2008), DEL QUE SE DESPRENDIERON SENCILLOS COMO ‘WE ARE THE PEOPLE’ Y EL MISMO ‘WALKING ON A DREAM’, QUE SIMPLEMENTE SE INCRUSTARON EN LA CONCIENCIA COLECTIVA DE BUENA PARTE DE UNA GENERACIÓN Y QUE, A PESAR DE NO SER CONCEBIDO COMO UN ÁLBUM POP, PUDO COLARSE TANTO EN SETS DE IMPORTANTES DJS, COMO EN FIESTAS DE QUINCEAÑEROS HABITUADOS A CONSUMIR PROPUESTAS MÁS COMERCIALES. Desde su inicio, la banda compuesta por Luke Steele (The Sleepy Jackson) y Nick Littlemore (Pnau) ha dado la vuelta al globo difundiendo su música, lo que les ha valido el reconocimiento del público y de la prensa especializada, haciéndose acreedores a siete premios de la Australian Recording Industry Association y a una nominación a los Brit Awards 2010.

Hoy, a cinco años de la publicación de Walking On A Dream, el dúo australiano está de regreso, trayendo bajo el brazo Ice On The Dune, su más reciente entrega, de la cual ya pudimos escuchar ‘Alive’, primer sencillo que se desprende de este esperado segundo álbum. Recientemente, WARP Magazine tuvo una conversación con Luke Steele, en la que el guitarrista y vocalista del proyecto cuenta los pormenores de esta producción, yendo de la composición de las letras hasta la mezcla del disco, pasando, por supuesto, por su peculiar imagen.

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Ha pasado un tiempo considerable desde la publicación de Walking On A Dream. ¿A qué se debe tanto espacio entre ambos discos?

Walking On A Dream fue publicado en Australia en 2008, pero fue hasta 2009 cuando llegó a todo el mundo, por lo que estuvimos de gira todo 2010 y básicamente promocionamos el disco por todo el mundo durante dos años, incluso fuimos a México en más de una ocasión y creo que el hecho de estar por todos lados hizo más difícil la producción del nuevo disco.

Intentamos meternos al estudio en 2011, pero simplemente no tuvimos tiempo, por lo que pasamos un año y medio combinando giras con el trabajo en estudio. ¿Crees que el proceso de creación para este disco fue diferente respecto a su disco anterior?

Fue completamente diferente. En un principio tratamos de hacerlo igual que el anterior, el mismo proceso, la misma banda y el mismo ambiente, pero la verdad no funcionó como esperábamos. Por ello decidimos cambiarlo todo, porque ser músicos se trata de buscar cosas distintas, de internarlo de otra manera. Así que nos dedicamos a explorar otros sonidos y el hecho de estar de gira nos ayudó a encontrar nuevas formas de crear. Es como una jornada larga, donde se supone que tienes que lanzar discos cada determinado tiempo; lo hicimos y no fue fácil, pero lo importante es que seguimos aquí. ¿Quién estuvo a cargo de la producción de este álbum?

En realidad no quisimos que alguien externo se involucrara tanto en el proceso, así que todos en la banda aportamos en la producción. Nick y yo nos encargamos de la mayoría, aunque Donnie Sloan y Peter Mayers, quienes también trabajaron en nuestro primer álbum, nos ayudaron mucho. Creo que el disco suena bien y lo más importante: suena a nosotros, que es lo que cuenta.

Recientemente fue publicado el video de ‘Alive’, el primer sencillo de Ice On The Dune, y es posible observar que a nivel visual siguen empleando elementos de culturas antiguas. ¿A qué se debe este detalle?

Siempre nos han interesado las culturas antiguas y todo su legado. Nos gusta mucho tomar aspectos de la historia de diferentes lugares y darles un toque futurista. La parte visual siempre ha sido muy importante para nosotros y, si te fijas, podrás darte cuenta que combinamos elementos antiguos con cosas del futuro, buscando el ángulo diferente de las cosas.

Todas las bandas y compositores tienen diferentes métodos de crear música. ¿Cómo es este proceso para Empire Of The Sun? Yo encuentro inspiración en todo: desde cosas sencillas como el olor del café por la mañana, hasta el color del cielo cuando está atardeciendo. La verdad puede ser cualquier cosa, el punto es transformar el estímulo en una idea y la idea en una canción. A veces el proceso no es tan poético como suena, pero es increíble cuando una canción llega de repente y lo único que hay que hacer es desarrollarla.

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Seguramente la música es lo más importante dentro de la propuesta de Empire Of The Sun, pero resulta innegable que la imagen juega un papel importante…

Definitivamente; de hecho, creo que es un 50 por ciento de la ecuación. La gente tiene oídos, pero también ojos, y muchos músicos tienden a olvidar eso. A través de tu imagen puedes inspirar muchas cosas, entre ellas sentimientos. Considero que es una parte importante de nuestra expresión artística. Si has estado en alguno de nuestros conciertos podrás darte cuenta lo importante que es para nosotros el aspecto visual.

En ocasiones, cuando escuchamos un disco o a una banda es posible darse cuenta de las influencias musicales que impulsaron el sonido de una producción. ¿Cuáles serían esas influencias en el caso de Ice On The Dune?

Para ser honesto nunca me lo había preguntado, pero durante su proceso de grabación estuve escuchando mucha música africana y, de algún modo, me atraparon esos ritmos. ¡Y es que hay cosas increíbles en Nigeria y Bostwana! Sin embargo, no creo que el disco suene a música africana, de hecho creo que tiene más rasgos de pop japonés y coreano, muy orientado hacia lo electrónico y lo bailable.

En años recientes hemos sido testigos de un crecimiento de la escena musical australiana, sobre todo en la electrónica. ¿Cómo percibes la música de tu país hoy en día?

Yo crecí en Perth y te puedo decir que se ha desarrollado de una manera sorprendente. Recuerdo que antes no había tantos sellos, mucho menos lugares dónde tocar; ahora todo es muy diferente, hay mucha gente creando música y cosas sumamente interesantes. Perth, en particular, es un pueblo pequeño del que han salido propuestas bastante buenas, quizá se deba a que no hay mucho qué hacer allí, así que sólo tocamos. Es muy diferente a lo que pasa en las grandes ciudades, donde la oferta puede ser gigantesca. Estoy seguro de que Perth es una de las ciudades más aisladas en Australia y resulta realmente caro trasladarse a las grandes ciudades, así que lo mejor que podemos hacer es crear nuestra propia música. ¿Qué hay en el futuro para Empire Of The Sun? Vamos a probar este disco en vivo por todo el mundo, queremos ver cómo lo recibe la gente. De seguro iremos a México. ¡Larga vida a México! No digo esto porque esté hablando con un medio mexicano, pero México es uno de mis países favoritos. No sé exactamente cuándo iremos, pero definitivamente los estaremos visitando.

> Raúl Arce es Editor de Contenidos de Gamebox.la y colaborador de WARP, puedes leer su entrevista con Andrew Bird en #WARP 56.

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POOLSIDE Albercada de música en el Verano Por: Alejandro Franco

EN CADA LUGAR DEL MUNDO, EL VERANO SE VIVE DIFERENTE. ESA IMAGEN DE SOL Y POCA ROPA NO APLICA EN BUENA PARTE DEL PLANETA Y LOS MESES EN QUE SE VIVE EL EXTREMO CALOR EN NUEVA YORK, SON DE SOL Y LLUVIA EN MÉXICO, Y POR EJEMPLO, SIGNIFICAN EL INVIERNO EN UN LUGAR COMO ARGENTINA. PERO NO ES EL CLIMA NI LOS MESES DEL AÑO DONDE OCURRE, LOS QUE LE DAN UNA PERSONALIDAD ESPECIAL A ESTA ÉPOCA DEL AÑO. HAY UNA SUERTE DE UNIFORMIDAD EN LA FILOSOFÍA DE CASI TODOS LOS QUE VIVIMOS AL ESTILO OCCIDENTAL Y TIENE QUE VER CON RELAJARSE Y PASARLA BIEN. Nuestros amigos europeos lo han sabido hacer bien a lo largo de muchos años y sus vacaciones en estas fechas regularmente se procuran en alrededor de un mes y un “no me estén chingando” como respuesta implícita cada que alguien de este lado del planeta pretende acercarse con algún tópico laboral.

Es por eso que siguen teniendo los mejores festivales musicales del planeta y que la industria turística y del entretenimiento presentan por el contrario a otros sectores, su “temporada alta” y la razón de por qué pueden vivir de lo que ganan en el “magic summer” el resto del año.

Ibiza es un gran ejemplo de una isla española icónica que logró adueñarse del concepto de la fiesta alrededor de la música electrónica desde hace muchos años y, aunque ya no vive sus mejores días, sigue siendo un sueño de verano para muchos. En el Reino Unido todas las cartas serias de festivales

legendarios como Glastonbury ocurren en el verano, por lo que casi todos los lanzamientos discográficos ocurren antes de que termine la primavera, para que la promoción de los mismos en estos “outlets” tenga más sentido.

En el verano todo se vale y todo se disfruta al doble. Se sabe y se da por entendido que todo vale un poco menos del lado de las obligaciones y mucho más en el terreno de la diversión.

La música y su industria son quizás, el activo más fuerte de la temporada, solo equiparable con la industria turística que por obvias razones, genera millones, aunque hay que aclarar que varios de ellos se deben justo a los pretextos musicales.

Escribo estas líneas con vista al mar (literal) y pensando seriamente en ya moverme al lado de la alberca. ¿Vienen?

> Alejandro Franco es conductor del programa WFM de W Radio, escúchalo de lunes a viernes a las 21:00 hrs., a través de wradio.com.mx

EL VERANO ES ESA ÉPOCA DEL AÑO QUE SUPONE LLENARSE DE RECUERDOS DE FELICIDAD, TAL VEZ CON LA POSIBILIDAD DE ESTAR EN LA PLAYA, EN LA CALLE O EN ALGÚN LUGAR EXÓTICO PARA DESCANSAR O ENFIESTAR... O POR LO MENOS ASÍ NOS LO HA QUERIDO VENDER HOLLYWOOD DESDE HACE DÉCADAS.

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The new unbelievers Por: Paco Sierra Fotos: Alex John Beck y Lauren Dukoff

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Pero la sugerencia es más bien inclinarse por la siempre accesible y querida música, entendiendo que el verano es más un estado de ánimo que deberíamos conservar el resto del año y que está continuamente en la mente de cuatro neoyorquinos, quienes hace más de siete años formaron Vampire Weekend: Rostam Batmanglij, Ezra Koenig, Chris Tomson y Chris Baio.

Con su tercera producción discográfica, Modern Vampires Of The City, Vampire Weekend nos ha demostrado que tener ese continuo estado de ánimo veraniego —lo que se refleja en su sonido— no debe estar peleado con la madurez que reflejan hoy sus creaciones. Así lo dejó en claro Rostam, la mitad creativa y productor de Vampire Weekend, en entrevista exclusiva para WARP Magazine. Y es que nada grita más madurez que un buen “Fuck critics...”

mos sonidos, canciones. El tercer capítulo sería “Grabaciones acabadas”, donde Ariel nos ayudó haciéndonos visualizar las cosas hasta el final. Él nos ayudó a llegar al punto en el que las cosas de verdad estuvieron terminadas.

Cualquier artista, en cualquier ámbito, intenta evolucionar con sus trabajos subsecuentes. ¿Cómo se prepara Vampire Weekend para trabajar en nuevas ideas?

Tratamos de experimentar lo más posible, hablamos mucho acerca de si lo que pensamos será fresco y después lo tratamos de actualizar. En este álbum, tal y como hemos funcionado antes, Ezra lo describe en palabras y sonidos. A mí me gusta alcanzar sonidos creando música, la escribo como una forma de explorar sonidos. Después Ezra y yo hablamos de ello, pues tenemos una forma diferente de alcanzar las cosas y así nos complementamos. En este álbum fue agradable tener a Ariel como parte del proceso creativo, fue como un miembro más del equipo.

La diversión es un factor que parece estar siempre presente con ustedes, en el escenario, en sus grabaciones, incluso en sketches como los que hicieron con Steve Buscemi pero, ¿cómo la mantienen a la par de sus responsabilidades como banda?

La diversión es una buena manera de acercarse a algunos de los aspectos más pesados de la vida.

¿Cómo fue la producción bajo tu responsabilidad y la ayuda de Ariel Rechtshaid?

Fue importante tenerlo. En el pasado habían canciones que comenzaban conmigo haciendo una pieza musical y luego componíamos encima de ella, pero en este álbum la mitad de las canciones las hicimos así, por lo que estuvo bien tener a otra persona que pudiera ser un socio en el proceso. ¿Sintieron un poco de menos presión entre ustedes?

Sí, podría pensar que sí, pero de algún modo no fue así.

Si pudieras condensar el proceso de grabación del álbum en tres capítulos de un libro, dado que todos son asiduos lectores, ¿cómo los llamarías?

Creo que el primer capítulo sería “Recolectar el material crudo”. Para mí, se trata recolectar sonidos, melodías de coros y escribir progresiones de acordes como los de ‘Obvious Bicycle’; aquí también entraría la recolección de letras: escribir, leer, la recolección de puro material crudo. El segundo capítulo es “La unión”, ese proceso de composición en el que descubri-

¿Qué crees que haya sido la mayor inspiración de Modern Vampires Of The City?

Tiene diferentes elementos que nos han inspirado; ‘Ya Hey’, por ejemplo, fue inspirada en funk y percusiones de Motown, en canciones donde la tarola está en todos los beats. Y como esa intentamos crear canciones sencillas que cumplieran, que tuvieran una cualidad de singularidad, pero que al mismo tiempo fueran simples, como todo eso que lograron The Beatles, John Lennon, The Kinks o Bob Dylan, canciones sencillas y clásicas, eso también es lo que buscábamos crear.

Pero con este álbum Vampire Weekend muestra también su lado serio. ¿Es esto parte de evolucionar?

Así es. Queríamos hacer cosas que nunca habíamos hecho, queríamos crear un estado de ánimo diferente, una atmósfera distinta a la de nuestros álbumes anteriores.

Incluso la portada tiene estas características, la foto en blanco y negro de la Ciudad de Nueva York, cubierta de neblina, tú la encontraste, ¿correcto?

La encontré en Internet. ¿Cómo?

[Risas] No quiero decir exactamente cómo, pero lo que sí puedo contarte es que cuando la vi se quedó pegada a mí, sabía que sería una gran portada, aunque no sabía si sería la adecuada para el álbum. Si te das cuenta, todas nuestras portadas son fotografías de Nueva York; una es el interior de un edificio, otra es una persona y ésta mira la ciudad hacia abajo, desde otro edificio, lo que de alguna forma tiene mucho sentido, porque obtienes diferentes aspectos de la ciudad, tres niveles diferentes de detalles... me gusta pensar que son elementos que conectan nuestros álbumes entre sí. ¿Alguna vez intentaste experimentar mientras el resto de la banda se rehusaba a grabarlo?

No [risas].

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¿Siempre coinciden en sus ideas?

Para ser honesto ha habido ideas que toman tiempo en que las comprendamos los demás, pero al final es algo positivo, y si tienes una buena idea musical no hay nadie que la detenga. Claro que ha habido momentos delicados, como con ‘Diane Young’: Ezra escribió la letra y yo pensé que podía ser mejor, así que los primeros dos versos tuvieron que ser reescritos meses después.

También hubo momentos en los que Ezra opinó que yo podía mejorar, así que esto es como una calle de doble sentido y es lo que hace que nuestra banda sea buena, somos honestos entre nosotros y nos exigimos mutuamente.

Creo que la palabra “madurar”, al final, aplica bien para ustedes, aunque no olvidan la diversión...

Definitivamente creo que hemos logrado trabajar más unidos que nunca. Después de grabar este álbum nos apoyamos más los unos a los otros.

En la presentación de Vampire Weekend en Stubb’s, durante SXSW 2013, en el sonido ambiental sonó ‘What’s My Name’, de DMX, justo antes de que pisaran el escenario. ¿Cuándo grabarán una canción rap?

Bueno, ya produje una canción rap para Das Racist y Ezra ha experimentado rapeando años antes de estar en la banda, pero si nos detenemos a observar a Vampire Weekend nos estamos acercando, ‘Ya Hey’ tiene una parte hablada que se acerca mucho a rapear y en ‘Finger Back’ hay una sección hablada también.

Steve Buscemi, durante la promoción de uno de sus conciertos, “criticó” sus letras, dijo que no entendía lo que decían. ¿Cómo toman hoy en día, luego de algunos años, que alguien se refiera a sus letras como “irreverentes”?

Creo que Jay-Z tiene un gran verso al respecto: “Fuck the lyrics… I’m like fuck critics you can kiss my whole asshole, if you don’t like my lyrics, you can press fast forward” [risas].

Excelente respuesta…

Hablando más en serio tendría que decir que hacer este álbum, lanzarlo en las últimas semanas y tener esa cantidad de interacción con la gente a través de Twitter nos comprobó que no importa lo que la crítica diga de nosotros, tenemos una conexión directa con la gente y no importa lo demás. Es importante lo que los críticos han señalado a lo largo de los años, pero la verdad es que somos duros con nosotros mismos. Para este álbum, por ejemplo, escribimos canciones hasta que tuvimos las canciones adecuadas, no queríamos tener un álbum apestoso. Así que no nos importan las críticas [risas]; es bueno cuando alguien comprende una canción o algún elemento que estábamos tratando de transmitir, pero la verdad es que no hay nadie que pueda encapsular en una reseña todo lo que nos importa. La conexión real, así, es con la gente que escucha nuestra música.

Este verano será intenso para ustedes, con muchos conciertos y festivales pero si no estuvieran de promoción, ¿cómo sería un verano perfecto para ti?

Me gusta hacer un viaje largo por carretera, llegar a la playa. ¿En la costa Este de Estados Unidos o algo más exótico, como México?

Me encantaría hacerlo en un lugar como México, aunque me gusta mucho visitar Los Angeles y, pensándolo bien, me gustaría poner un estudio de grabación allí, es uno de mis sueños y quiero hacerlo pronto. Creo que esa tendría que ser mi próxima meta.

Estoy seguro de que cosas grandes pasarían si te vas a Los Angeles, pero la ciudad de Nueva York es especial. ¿Cómo los sigue inspirando una ciudad como la suya?

Algo que nos encanta a todos es que la ciudad de Nueva York tiene todo lo que podrías querer en términos culturales; allí conviven casi todas las culturas del mundo.

Entonces, a mantener el verano como estado de ánimo, hasta octubre, cuando Vampire Weekend llegue a México como parte del festival Corona Capital 2013.

> Paco Sierra es Editor en Jefe de WARP.la, puedes leer su entrevista exclusiva con Jim James en WARP # 54.

WARP TV P59. TECHNOLOGIC Tesla Motors P82. LUST IN THE MOVIES. Antonio Mu単ohierro P88. FASHION NUGGET. War Pigs

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Tesla Motors Por: Alejandro Escobedo / Foto: Cortesía TM

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ucho se ha hablado sobre el futuro de la industria automotriz, sobre el daño que le hacemos a nuestro planeta al poner, como base de la economía, al petróleo, y sobre las posibles soluciones para el problema de un coche con motor de combustión interna. Hemos visto incontables prototipos y promesas de autos futuristas, de soluciones alternas de transporte, pero, ¿qué seguimos viendo hoy mismo? Simplemente los mismos coches de combustión interna, que gastan la misma gasolina, pero que nos cuestan cada vez más.

Tesla Motors vino en 2009 a mover el piso de la industria automotriz de una manera sin precedentes, pues reinventó la tecnología de baterías para autos eléctricos, logrando autonomía, belleza funcional y velocidad en un modelo deportivo: el Tesla Roadster.

Cabe mencionar que Tesla Motors es el primer startup realmente exitoso en esta industria desde lo hecho por Chrysler, en 1925, y a pesar de que las inversiones son fuertes, no hay punto de comparación con las otras compañías capaces de producir sus modelos en masa y costear redes de distribución gigantescas.

Tesla Motors, evidentemente, toma su nombre del científico serbio Nikola Tesla, físico e ingeniero eléctrico, diagnosticado clínicamente loco al final de su vida y, a la vez, reconocido como un genio adelantado a su época. Su aportación a lo que hoy entendemos como “tecnología” es muy vasta y el ejemplo perfecto lo encontramos en su invención del motor de inducción de corriente alterna (AC), en contraposición con la tecnología de corriente directa, de Thomas A. Edison. El diseño original de este motor, de 1882, es la inspiración directa de Tesla Motors para la tecnología de sus autos eléctricos.

El fundador de la compañía, Elon Musk, participó en proyectos exitosos, hoy en día muy conocidos, como PayPal y la compañía de transporte espacial SpaceX (primera empresa comercial en lanzar y recuperar exitosamente una nave espacial); entonces, no debe sorprendernos que este aventurado emprendedor tenga una visión moderna y avanzada de nuestro mundo. Esto podemos verlo en su iniciativa, de 2012, de crear una red de estaciones de carga acelerada, en todo Estados Unidos, con proyección a extenderla a Asia y Europa a finales del 2013, asegurando su utilización gratuita por siempre para los consumidores con un auto Tesla.

En Tesla Motors confían tanto en el futuro de los autos eléctricos, que dejaron de producir su modelo deportivo y se dedican ahora exclusivamente a su modelo sedán Tesla Model S, así como a su modelo “todoterreno”, el Tesla Model X. El Tesla Model S es un auto que bien se podría estar utilizando todos los días: tiene una autonomía de 335 km por carga completa y una velocidad máxima de 200 km/h: más que suficiente para viajes en ciudad y trayectos medios en carretera.

Así, nos encontramos ante una verdadera iniciativa de “cero emisiones de gases contaminantes” y de eficiencia máxima en un auto completamente eléctrico, y hasta cierto punto evolutivo, ya que cuenta con una especie de sistema operativo que puede recibir actualizaciones periódicas y aumentar sus funciones con el paso del tiempo.

Nikola Tesla ayudó a crear el mundo moderno, eléctrico, que tenemos hoy. Esta es la prueba de que su legado tenía todo el sentido del mundo. Y este es el siguiente paso, el más próximo.

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Common People La Migra

El núcleo de la tienda de discos La Migra es una pirámide que se encuentra en el sótano de la concept store Common People, en Polanco. Podría considerarse un lugar inusual para una tienda de discos tan especializada, sin embargo, este es un espacio que subsiste de la curiosidad de sus clientes. A diferencia de los modelos de consumo masivo que predominan, aquí hay un lugar que brinda una alternativa a la acumulación descontrolada de información. La Migra no se colma de artículos superfluos, sino que representa una nueva tendencia en la sistematización y distribución de la música. Mientras los medios digitales proporcionan un acceso universal que se acomoda directamente a los gustos predeterminados de cada consumidor, este es un proyecto de curaduría experta: “No hay aleatoriedad ni consideraciones por las tendencias de la semana,” nos dice Johan Graffman, el archivista y fundador.

“Más bien buscamos que la gente pueda encontrar por sí misma las narrativas ocultas dentro de esta música y así expander gradualmente su paladar musical, a través de un proceso de descubrimiento individual, sin que éste necesariamente se encuentre ligado a la cultura digital y los blogs. Quiero que sea un riesgo real con recompensas reales. Por eso intentamos compilar cosas inéditas en México y que no sean fácilmente “pirateadas” por medio de file-sharing o torrents.”

Las disqueras son lo primordial. Desde el extenso catálogo de soul y R&B de Ubiquity y los documentales sonoros de países como Korea del Norte, Laos, Vietnam e Iraq de Sublime Frequen060

cies, hasta el arte sonoro y sonido experimental de Touch y el pop espacial de Hippos In Tanks: “Lo que traemos es aquella música que cuenta con varios grados de polinización cruzada. Todos entendemos lo importante que fue la música oriental para The Beatles y The Rolling Stones, pero creo que es más curiosa la influencia que tuvieron ellos sobre la música tradicional marroquí, o en el pop de Algeria, y asimismo cómo estos híbridos ahora son una gran influencia sobre el rock experimental contemporáneo. Es muy interesante ver el efecto que tienen las computadoras y las cajas de ritmo sobre comunidades rurales de Sudáfrica y ver cómo ese mismo producto retroalimenta a la escena de música electrónica norteamericana de footwork. La intención es delinear nuevas fronteras musicales que no estén limitadas a palabras como género,” dice Johan. “Queremos crear nuevas asociaciones estéticas que recalquen la trayectoria histórica y geográfica de todos los sonidos, para observar lo equivocado que es darle exclusividad a ciertos géneros y lo ridículo que son términos como world music”.

Es cierto que este tipo de establecimientos son mas similares a una galería que a un Mix-Up. Una buena galería genera la demanda, no está sujeta a las tendencias del momento, crea un espacio donde se puede percibir un proceso humano que lucha por eliminar la redundancia y maximizar la experiencia estética. Es bueno saber que hay espacios en México donde estas fronteras temporales y culturales se crucen de manera única, donde el descubrimiento musical aún tenga un elemento personal y alejado de la obviedad.

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Antonio Muñohierro Constructor de historias Por: Karina Luvián / Foto: Sergio Gálvez para WARP

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econocido en el mundo del cine por colegas e instituciones tan importantes como la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, Antonio Muñohierro se ha erigido una carrera como Diseñador de Producción siguiendo su intuición, su necesidad creativa y la vida misma, iniciando en el oficio casi obligado por Arturo Ripstein y trabajando en producciones como Before Night Falls, de Julian Schnabel, y Che, de Steven Soderbergh. Interesados en su labor, WARP Magazine conversó con él para desentrañar visiones y entender, al menos un poco, cómo se construyen mundos y se crean historias. ¿Quién es Antonio Muñohierro y cómo inicias en la industria cinematográfica?

Empecé haciendo cine y en los últimos años he diversificado mi oficio. Como diseñador de producción inicié con un proyecto escolar, invitado por unos amigos que estudiaban cine; cuando menos me di cuenta ya habían pasado 22 años y aquí sigo. La primera película en la que tomo de lleno el diseño de producción es El Coronel No Tiene Quien Le escriba, de Arturo Ripstein. Yo ya había trabajado con él en Profundo Carmesí, haciendo la escenografía, pero cuando me habló para trabajar en El Coronel... yo no quería hacerlo, sentía que no estaba listo; sin embargo, Arturo es un tipo muy especial, un hombre de carácter que al final me obligó a vivir esa experiencia tan maravillosa… no me imagino iniciando con alguien más. ¿Cuál es la labor de un diseñador de producción y, dentro de ese circuito, cómo trabaja Antonio Muñohierro?

El trabajo de un diseñador de producción tiene dos caras: una

es la parte artística y la otra es la producción, algo con lo que tienes que lidiar todo el tiempo. Cuando planteas algo estéticamente debes saber cómo lo vas a resolver y, en este proceso, debes saber explicarle tanto al director como al carpintero, al diseñador industrial como al pintor cuál es tu idea, pues eres la cabeza del equipo. A mí me gusta involucrarme y todo el tiempo estoy mediando determinadas acciones para que ocurran. Particularmente siempre me ha gustado lo real, así que si alguien me dice: “Oye, pero, en esa película te llevaron a pasear, ¿no?”, entonces siento que logré mi cometido, que es que no se note mi mano. ¿Cómo ves al cine latinoamericano y, específicamente, al mexicano?

Para mí el cine latinoamericano es como una guerrilla: tira dos balazos y se tiene que esconder. Es alentador y emocionante darte cuenta que contamos historias con presupuestos raquíticos, sin embargo, estamos tan dedicados a alcanzar los estándares de calidad que se tienen en Estados Unidos que nos olvidamos de contar historias, lo cual me molesta.

Respecto a México, creo que pasa igual. Después de una tradición de generar movimientos artísticos, nos hemos quedado en un bache de no saber qué decir. En diferentes momentos hay brotes, pero no hay un movimiento de expresión.

Considero que para contar una historia debes saber qué vas a contar, algo que aporte a quienes no necesariamente han vivido algo similar, pero que los hará voltear a esas realidades y los hará conscientes. Es necesario que se apueste a eso, juntar voces. Yo he tenido el gusto de írmelas encontrado, lo cual me hace muy afortunado.

›› Karina Luvián es Coordinadora Editorial de WARP Magazine, puedes leer su entrevista con Foals en WARP #55.

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War Pigs

Fotografía: Dan Crosby Modelo: Kara S. para WANTED Model Management Estilismo: Carlos Ruíz Manjarrez Dirección de Arte, Maquillaje y Peinado: Chëla Olea

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Vampire Weekend

GUARP

Vampire Weekend The New Unbelievers

By Paco Sierra / Translation by Jorge Rodríguez

Summer is that time of the year that is supposed to be filled with happy memories, maybe a visit to the beach, the streets, or some other exotic place to relax or party. At least that’s what Hollywood has tried to sell us for decades –whoever wants to fight that monster is welcome to do so– my suggestion is instead to opt for the always accessible and beloved music, understanding that the summer is rather a state of mind that we should keep the rest of the year, and that is continuously in the minds of four New Yorkers that over seven years ago formed Vampire Weekend: Rostam Batmanglij, Ezra Koenig, Chris Tomson and Chris Baio.

With their third production, Modern Vampires Of The City, Vampire Weekend has proved to us that this continuous summer mood –reflected in their sound– doesn’t have to be opposed to the maturity that is reflected in their creations. This statement has been made clear by Rostam, the other creative half and producer of Vampire Weekend, in an exclusive interview for WARP… because nothing screams of maturity more than a classic line like “fuck critics”…

Any artist of any kind, tries to change and/or evolve with their newer works.

How does Vampire Weekend prepare itself for new ideas?

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We try to experiment as much as possible. We talk a lot about what we think will sound fresh, and then we try to work through it… with this album and how we’ve worked before, Ezra describes his ideas in words and sounds. I like to reach sounds by creating music… I write around sound exploration. Afterwards, Ezra and I talk about things together. We have a different way of reaching a result and we complement each other well. In this album it was nice to have Ariel as part of the creative process, he was like another member of the team.

How did the production work between your producing duties and Ariel Rechtshaid’s helping hand?

It was important to have him…in the past occasionally there were songs that started with me making a musical piece and then we’d compose over it, but in this album half the songs were made that way, therefore it was good to have another person as a partner in that process.

Did you feel less pressure between the band?

Rostam: Yeah, I could say so, but it wasn’t really like that.

You are all avid readers, so I’d like to do this exercise with you: if you could sum up the recording process into three chapters of a book, what would you call those?

Ok… I think the first chapter would be

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“collecting the raw material”, because for me it’s about gathering sounds, chorus melodies or chord progressions like the one in “Obvious Bicycle”, and to finish that chapter, there would be a part about collecting lyrics, writing in your laptop, reading… just collecting pure raw material. The second chapter would be “The Union”, which is the process of composing… here we discover sounds and songs.

The third chapter would be “Finished Recordings”, and it would be where Ariel helped us, making us visualize things to their end, he helped us reach a point where things were truly finished.

What would you say was the biggest inspiration for Modern Vampires Of The City? I have to admit ‘Ya Hey’ is one of my favorite songs of the year so far.

There are several things that have inspired us. Since you mentioned “Ya Hey”, it was inspired in funk and Motown percussions, songs were the snare drum is in every beat. We tried to create simple songs that had a singular quality but that were also simple, just like what was accomplished by The Beatles or John Lennon… The Kinks or Bob Dylan; simple classic songs is what we were after.

Entertainment is a factor that seems to be always present with all of you; on the stage, while recording, even in the sketches you did with Steve Buscemi. How do you balance this with the responsibilities of a band?

Amusement is a good way to approach some of life’s heaviest aspects.

Despite having this “fun” side out on display, with this album Vampire Weekend also shows a serious side. Is this part of your evolution?

Yes, we wanted to make things we’d never done before, we wanted to set a different mood, a different atmosphere than our previous records.

Even the cover has some of those characteristics, don’t you think? The black & white picture of New York covered in smog, and you were the one who found it, right?

I found it on the internet.

How? [laughs] I don’t want to say exactly how,

but I can tell you that when I first saw it, it stuck with me. I knew it’d be a great cover, but I didn’t know if it would be the right cover for this album. I don’t know if you can tell, but all of our covers are pictures of New York; one is the inside of a building, the other is a picture of a person and this one is a view of the city from a tall building. In a way, it makes a lot of sense because you get different aspects of New York, three different levels of detail in some form, and I like the idea that those are elements that connect our albums.

Have you ever tried to experiment with something that the rest of the band has not agreed with?

No. [laughs] Do you always agree on the same ideas?

To be honest, there have been ideas that take a while to be understood, but at the end of the day that’s something positive… if you have a good musical idea, no one can stop it, no one in the band will be opposed to it.

Of course there have been moments, like with “Diane Young”… Ezra wrote the lyrics and I thought they could be better, so the first verses had to be rewritten months later. There have also been moments where Ezra has thought that I could improve on certain things… it’s like a two-way street. And that’s what makes our band good, we are honest between us and we demand a lot from each other.

I think the word “matured” could very well be applied to you… but without leaving behind all the fun.

Definitely, I think we’ve managed to work together while being more united than ever before. We support each other more after recording this album.

We talked a little bit about Steve Buscemi’s participation in a few sketches for promoting one of your concerts, curiously in one of those he “criticized” your lyrics, saying that he didn’t understand what they were trying to say. What do you think when people –after all of these years– refer to your lyrics as “irreverent”?

I think Jay-Z has a great verse regarding that: “fuck the lyrics… I’m like fuck critics you can kiss my whole asshole, if you don’t like my lyrics, you can press fast forward” [laughs].

Excellent answer [laughs].

If we’re being serious, I’d have to say that making this album has made me realize… releasing it in the past few weeks and interacting with people on Twitter has assured us that it doesn’t matter –from now on– what any critic might say about us or what we do.

We have a direct connection with people and not much else matters.

What critics have pointed out over the years is important, but the truth is we are already hard on ourselves as it is. In this album we wrote so many songs until we had the right ones, because we didn’t want to have a bad record. So I’d say we don’t care much about what critics say about us [laughs]. It’s cool when someone gets a song or an element that we were trying to transmit, but the truth is that no one can encapsulate all we care about in one review of our album, and that’s why we want our connection to be direct with the people that listens to our music and likes it, if they really do [laughs].

This will be an intense summer for all of you, with a lot of shows and festivals, but if you weren’t promoting the record, what would be the perfect sumer for you?

I like to make long road trips, and get to the beach.

In the east coast of the U.S., or something more exotic, like Mexico?

I’d love to do that in a place like Mexico… I like to spend time in L.A., and to be honest setting up a recording studio in L.A. is one of my dreams, I’d like to do that soon… that would have to be my next goal.

I’m sure great things would happen if you stayed in L.A., but New York is special.

How does a city like yours keep on being a source of inspiration?

Something that we all love is that it has everything you could want in cultural terms, it has a little bit from each part of the world.

Let’s keep the summer as a state of mind, until October when Vampire Weekend comes to Mexico as part of the 2013 Corona Capital festival.

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Ask Amanda

By Amanda Palmer / @amandapalmer

How did “Save The Mermaid Parade” turned out? Did you achieved the goal? How do you always get involved in those crazy but nobly causes? How do you feel when you take part in a charitable show like this? Nelly Chavarria Oh, thank you for asking. The goal was reached (well, almost, the $100,000 kickstarter goal is at $96,000, almost there) and the parade is going to happen!

I always try to help the people who I think I can really, truly help. It’s hard as a rock star, sometimes, because so many people ask you for your help, and if you spend all your time helping people you don’t have time to make art, and anyway people stop listening to you after a while. In the case of this benefit, they were really rushing to put something together, and I was in the neighborhood, so I said yes. Plus I got to wear a sparkly green mermaid tail and sing a song from The Little Mermaid. How could I not do that? I think randomness is important in life. Saying yes can be addictive, though, and sometimes I get very tired and have to rest my fins, so I have to be fucking careful.

I was reading the Make Good Art text from Neil the other day and I thought, hey, Amanda could do something like this, so, do you think you that all of your published blogs could become a single book or maybe write an entire book from the scratch by your self? and if so, which kind of book would be? Berenice Flores It’s funny you should ask. I just made a deal to write a book of 070

my own, and I’m going to start working on it very soon. I think it’s going to be a book about the sorts of things I talked about in my TED talk (whcih you can see online), about art, about asking, about how we communicate with and help each other...a little bit memoir, a little bit about crowdfunding. And someday I’d really love to turn my blogs into a book. I’ve been writing a blog for almost 15 years now, there’s definitely enough good stuff.

What kind of books inspire you to create something? Claudia González There are some books I read, especially by women, that are so TOTALLY HONEST and BRAVE that I wind up getting inspired to write my own truths. Margaret Cho’s book I’m The One That I Want made me braver and want to share more things. She was so open and honest about feelings, and sex, and fear, and what it’s like to be different, and how she felt growing up. She didn’t sugarcoat things. Another book I’ve read recently that really inspired me was a book called How to Be A Woman by Caitlin Moran. It’s hilarious. She talks a lot about female problems that everyone else just tends to avoid and not discuss. The book made me braver.

And sometimes I like to do this: I go into a bookstore and I go to the poetry section and I pull down a random book by an author I don’t know and open it up to a random page. And I read that poem and think....the world is a magnificent place. If you do it right, on the right day, it’s like going into someone’s garden and secretly stealing a strawberry at the height of summer.

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Like Careers in Combat

By Paul Stokes /@stokesie

“There are no more roles on TV shows. There are no road-cone dispensing jobs. There are no spots left for park ranger Cause there are no bears left to save you from, But there are still careers in combat, my son…”

It’s the summer, so it must be time for a hammer-on-the head, spoken word slacker anthem. ‘Once In A Life Time’, ‘Losing My Edge’, ‘Feel Good Hit Of The Summer’… Clue’s in the name with the last one isn’t it? For some reason the hot weather and monologues over music just go together, and with Parquet Courts 2013 has its anthem thanks to ‘Careers In Combat’ (above). Taken from the New Yorkbased band’s second album Light Up Gold, this anthem to economic depression and the various wars Britain and America can’t get itself out of is a mix of fuzzy, slacker vibes and hazy indignation perfect for blazing summer skies. A little bit like a Strokes… if you can imagine a Strokes equipped for a beach party rather than Manhattan’s over-hours dives.

Also at home on the beach, naturally, are Sydney’s Jagwar Ma. The duo have just released their debut album Howlin, and never has unrequited love sounded so summery or groovy.

Swirling with big beats and a rainbow of harmonics, this is a record that will have a big impact on your feet, hips… and heart, with its neo-baggy beats, shuffling vibes, and lovelorn yet euphoric vocals. Noel Gallagher is so impressed with them, that he recently declared “the fate of the galaxy depends Jagwar Ma and Temples”.

I in fact recently saw Noel at Temples’ recent London gig, and unlike his predictions for Proud Mary (remember then, ouch) the former Oasis man is bang on the money with the Kettering group. Temples are also big on the rolling beats and deep grooves, though they deliver theirs through a pop-psych kaleidoscope that is both righteous and irresistible. An album won’t be with us until early next year, but so far they’ve given us singles ‘Shelter Song’ and ‘Colours To Life’ which no summer playlist is complete without.

So watch out for this summer’s new music, dancing maybe required…

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encore

Soundgarden Palacio de los Deportes Pic by Fraccel Hernรกndez for WARP

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