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© WARP Marca Registrada ®. Año VI No.60 Fecha de Publicación 07-10-2013. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en Impresa en Compañía Impresora el Universal, S.A. de C.V. Distribución Nacional e Internacional de INTERMEX. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

editorial -004-

UNFINISHED BUSINESS

Por: Charles Cave / @c_w_p_c Guitarrista de White Lies

Empecé a tocar la guitarra hace unos 11 años. Al principio era un hobbie y nunca consideré la idea de tomar esto como un trabajo real. De hecho, recuerdo a un profesor de la escuela diciéndome que considerara la idea de estudiar música; yo pensé que eso no era lo que realmente quería. Incluso hace unos siete años no estudiaba, ni trabajaba, vivía en casa de una novia. No recuerdo muy bien, de hecho. Supongo que estaba haciendo música con los chicos. En aquel entonces debimos haber tenido unos cuantos shows en Londres, comía mucho y generalmente salía a caminar por el parque con esa chica. Ahora mi vida es muy diferente. Es asombroso. Es muy raro porque en nuestro caso, cuando empezamos con la banda, esperábamos tal vez viajar por Europa y hacer algunas fechas en Estados

Unidos, pero nunca esperamos terminar en lugares tan interesantes como México. Cuando fuimos no pensamos que tanta gente nos fuera a ver, se portaron increíble y creo que este país se convirtió en uno de nuestros favoritos para ir a tocar. Durante aquella primera visita grabamos SesioneS con Alejandro Franco, lo hicimos en el mismo lugar en el que fue nuestro show. Estuvo bueno, porque hacer programas de televisión es raro ya que debes esperar mucho tiempo, tienes que hacer varias tomas de una misma canción, depender de las tomas planeadas, en fin, la pasamos muy bien. Nos alegra regresar a México porque es un país del que recibimos mucha comunicación de los fans, quienes nos demuestran su cariño, así que debemos ofrecerles un buen show y la celebración de WARP lo será.

> Charles Cave es guitarrista, compositor y miembro fundador de la banda inglesa White Lies, así como músico de la dupla K.I.D.S.

silencio por favor

Band Of Skulls Por: Alejandro Altamirano Fotos: Cortesía BOS

“SIEMPRE ESTAMOS PROBANDO NUEVAS IDEAS, PERO UNA BANDA SE TRATA DE INTENTAR COSAS SIN DEJAR DE LADO TU ESTILO.” -MATT HAYWARD

espués de tener un gran 2012 que los llevó a tocar en los mejores festivales del mundo, Band Of Skulls, trío originario de Southampton, Inglaterra, se adentró en el estudio para preparar el material sucesor de su gran disco Sweet Sour. La banda terminó de grabar su nuevo disco el pasado mes de agosto, en un estudio de Londres, bajo una atmósfera muy acogedora, y se espera que este material vea la luz en los últimos días de este año o principio de 2014. El grupo acompañará a Queens Of The Stone Age durante una gira europea que comenzará en noviembre, en la cual, seguramente, Band Of Skulls probará gran parte de su nuevo material en vivo y seguirá explorando sus raíces rockeras, que sin duda los ha colocado como una de las propuestas más sólidas de la escena. No habrá que perderlos de vista.

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INDIO FESTEJA 120 AÑOS CELEBRANDO DIVERSIDAD EN MÉXICO Por: Michelle Apple

INDIO celebra 120 años de historia valorando y enalteciendo la diversidad, de la mano de una gran campaña integral a nivel nacional. Que mejor manera de festejar esta fecha tan especial que rindiendo tributo a todos los movimientos, a las tribus urbanas o sub culturas que han dejado huella en México. A través de 120 etiquetas creadas específicamente para la edición especial de sus 120 años, Indio busca reconocer la diversidad fundamentada en el respeto a la democracia, a la opinión pública, a los comportamientos colectivos y a los intereses sociales. Las etiquetas cobraron vida como resultado a la convocatoria de diseño que se lanzó vía digital a inicios del presente año con el objetivo de seguir impulsando el desarrollo del talento mexicano. En conferencia de prensa, el pasado 5 de septiembre en el DF (transmitida por primera vez en la historia del Grupo Cuauhtémoc Moctezuma vía streaming), se presentó el plan de la campaña para conmemorar el aniversario de INDIO, donde la diversidad se convierte en protagonista de diversas dinámicas bajo distintos conceptos. No sólo se presentaron las etiquetas que resultaron vencedoras tras la convocatoria —que por cierto, estarán disponibles en el mercado hasta el mes de noviem-

bre de este año en la media retornable, no retornable y en el clásico “cuartito”—, también se presentó el diseño del empaque de edición especial para el 6 y 12 pack de medias no retornable, y el latón de 16 onzas de INDIO. El festejo también estará presente en televisión, ya que el cineasta ganador en 2012 del premio a Mejor Director en el Festival de cine De Canees, Carlos Reygadas, fue el encargado de dirigir el nuevo Manifesto de INDIO, un comercial que enaltece la diversidad de sub culturas en México. Y eso no es todo, se contará también con una TV con formato de GIF animado, la primera campaña publicitaria de país bajo este formato. Para extender la celebración VICE desarrollará una serie de 12 documentales alusivos a 12 historias de sub culturas del país. Estás saldrán en el canal oficial de INDIO (www.youtube.com/cervezaindio) todos los jueves de septiembre, octubre y noviembre de 2013. La revista MARVIN aporta su granito de arena, con la creación de un libro de edición especial al 120 Aniversario, en el cual se describe el contexto, el personaje icónico, el momento clave y el objeto que define a las 77 diferentes tribus urbanas presentes en los diseños de las 120 etiquetas de INDIO.

Pato Machete y Ulises Lozano, íconos de la música en México, fueron invitados a componer y producir el tema “Celebrando Ando”, track oficial de la campaña, inspirados en celebrar también la diversidad presente en el país, de manera sonora. La pieza estará disponible para descarga a través de indio.com.mx. Del lado digitall también hay un sitio conmemorativo: indio.com.mx/los120s permite el acceso a vivir la experiencia del aniversario coleccionando vía un álbum digital las 120 etiquetas, con la posibilidad de intercambiarlas con otros usuarios y subir fotos relacionadas a tribus urbanas, movimientos o sub culturas existentes en las etiquetas. Así, a través de estas actividades los usuarios podrán generar puntos, los cuales serán intercambiados por premios increíbles

como lentes de sol, audífonos, tenis Vans, patinetas, y boletos dobles para un concierto sorpresa. No hay pretexto para quedarse fuera de la celebración, serán alrededor de 100 millones de botellas con las 120 etiquetas diseñadas por talento mexicano las que se estarán distribuyendo por todo el país. La innovación y diversidad estarán presentes también en puntos de venta con materiales de alto impacto como mega exhibiciones en auto servicios y otros centros de consumo. Por cierto, lo anterior es solo una parte de los grandes festejos del aniversario. Así que no se queden sin ser parte de la celebración de estos 120 años llenos de diversidad.

¡Únete al festejo de los 120 años de INDIO! ¡NO TE PIERDAS TODO LO QUE INDIO TRAE PARA TI! www.indio.com.mx/los120s

Yo era un raver y de los buenos Por: Chuck Pereda

Cuando me enteré que tenía que escribir para WARP sobre una tribu urbana pensé en varias opciones: Emos, Skaters, Punks, etc. Sin embargo, preferí no volarme tanto y mejor hablar de una tribu que tiene muy mala representación en la ciudad en la que vive un servidor: la Ciudad de México. Estoy hablando de la tribu electrónica o, como les diría Majo Montemayor de EMPO, la “bandita electrónica” (cada que alguien dice “bandita electrónica” un pionero del house muere de tristeza). En México, los raves llegaron por ahí de 1992/93 y un servidor se obsesionó con ellos (en especial con el track ‘La Luna’, de The Ethics, que ponía DJ Chrysler para abrir sus sets). Poco antes, a finales de secundaria, principios de prepa, había tenido mis primeros encontronazos con la música electrónica tanto en Medusas como en el Mecano. No me fue TAN bien porque todavía no era nada fluido en eso de manejar los géneros, sub-géneros y, en general, todas las dinámicas de la electrónica. Si he de ser honesto, mi cambio de un vato que oía de todo un poco a un fan hardcorero de la electrónica se dio en 1994 porque fue el año en el que salieron los que, para mí, son algunos de los discos más importantes del género: Exit Planet Dust; de The Chemical Brothers; Protection, de Massive Attack, y el muy celebrado Dummy, de Portishead. Todavía me acuerdo que Camilo, del IMS, me dijo que Exit Planet Dust me podía gustar, pero que por ratos “sonaba como

estar metido en un juego de Nintendo”. No es casualidad que dos años más tarde el juego Wipeout 2097 (para Sony PlayStation) compilara junto a The Chemical Brothers a Fluke, Photek y Daft Punk para su soundtrack. Un año antes salió Timeless, de Goldie, que fue el primer disco de jungle en entrar al top 40, y también Tricky editó Maxinquaye, que fue el punto más alto de su carrera, por desgracia. Y bueno, de ahí en adelante fui poco a poco dejando las guitarras y entendiéndole cada vez más al lado más abstracto de la música electrónica, al que le entran los puristas con discos de Robert Hood, The Other People Place, Drexciya, SND, Alva Noto, Oval, etc. La verdad es que ha sido un proceso muy largo en el cual, además, he buscado de manera consciente compartir mis descubrimientos en podcasts, mixes, sets en vivo, programas de radio, lo que sea para lograr combatir un poco el lado corporativo de la electrónica “a la Más Label” con su negocio de millones de pesos que sólo te dan por opción a los Van Van (Van Buuren y Van Dyke). Decía arriba que en el D.F. es donde peor le va a la electrónica “seria” porque, a pesar de que tenemos el Mutek, nuestra ciudad sigue siendo más rockera y es raro que los saques de Justice, Chems y, más recientemente, Disclosure. Pero este es un deporte de duración y sigo (y seguiré) dándole. En fin, que por acá ando para lo que se ofrezca sobre todo si es hablar del lado B de la música electrónica.

Mi vida sin tribus urbanas Por: @leos / Ilustración: Joe Baglow (tomada de www.phosphorart.com)

Tengo 32 años. Nunca me ha dado pena mi edad, ni trato de aparentar menos; siento que los llevo bien y sobre todo que le he sacado provecho al tiempo. Sin embargo, me pasa cada vez más seguido sentirme alejada de cosas que experimenta banda más joven que yo y de las cuales yo no tengo referente. A veces me siento así con el tema de las tribus urbanas. La razón de mi extrañamiento es que cuando yo crecí no había tantas distinciones, o por lo menos no eran obvias en los lugares donde pasaba mis días (mis escuelas, mis actividades extracurriculares…). Cuando era niña había nerds y no nerds; cuando fui adolescente había fresitas y pandrosos. Entre estos dos pares de opuestos había una zona gris de gente que no era ni de un tipo ni del otro, una banda neutral, por decirlo de alguna manera, a la que yo pertenecía. Ni muy muy, ni tan tan. Sin identidad, sin referentes compartidos y, sobre todo, sin grupo de apoyo, sin puntos de encuentro, sin comunidad. No les puedo explicar cuánto me hubiera gustado vivir una infancia y juventud en la que hubiera tenido acceso a la amplia gama de tribus urbanas que habitan hoy en nuestra ciudad. Me hubiera hecho la vida tanto más fácil el poder identificarme con gente que compartiera mis inquietudes, mis gustos musicales, que me compartiera los suyos y de quien pudiera tomar inspiración para vestirme, peinarme, actuar. Cuando una no tiene hermanos ni hermanas mayores, los modelos a seguir son escasos; yo traté de absorber lo que me rodeaba y muchas veces terminaba sintiéndome ajena a lo que trataba de pertenecer, ya que las opciones eran limitadas y pocas de ellas encajaban con mis gustos personales. Por lo mismo, hoy siento que me hubiera venido muy bien tener un equipo, una banda con la que jalar y de la que pudiera sentirme verdaderamente parte.

O… ¿no? Creo que lo que me hace dudar es el factor discriminativo. Siento que a más distinciones, más grupos, más tribus, llega inevitablemente más discriminación. Lo que no es como a mí me gusta no está bien: ese tipo de cosas y ese tipo de actitudes que segregan y marginan dejan un mal sabor de boca. Ahora, esto no es algo nuevo; las tribus urbanas tampoco lo son, y los conflictos entre ellas han estado siempre presentes. Sin embargo, los medios de comunicación y las redes sociales han permitido que esta discriminación se vuelva más evidente y más marcada: al parecer, la lógica opera dictando que si el conflicto llama la atención hay que participar de él. Al menos esto fue lo que pasó con los emos hace un par de años; la violencia aislada contra ciertos grupos de emos, al hacerse pública, fomentó más violencia contra esta tribu. Lo que busco con este texto es llamar a dejar de lado esas actitudes destructivas. Quiero que la banda más joven que yo se dé cuenta de que la diversidad que los rodea es un privilegio y no un castigo; que si hay más grupos con los cuáles identificarse, mejor para la gente como yo, que busca ser parte de algo similar y no lo encuentra. Y que si los gustos de algunos no coinciden con los nuestros, no importa; mucho menos es motivo para discriminarlos ni agredirlos. Porque al final del día, a nosotros no nos gustaría que alguien decidiera de un momento a otro que todo lo que nos gusta es lo equivocado y por ello sólo servimos para punching bag. La realidad es que este mundo es tan grande que todos cabemos en él, con nuestros gustos, nuestros hobbies y nuestras tribus; que violencia genera violencia y que, independientemente de las diferencias entre estilos y preferencias, todos tenemos algo que ofrecer y todos tenemos algo que aprender de lo que es diferente.

Cerveza Indio: 120 años celebrando la diversidad Por: Avín Vazquez

Es muy fácil darse cuenta que desde el inicio de nuestra civilización la sociedad se encuentra segmentada en tribus, con distintos objetivos y características, pero también con un nervio común. Las leyendas aztecas cuentan que su pueblo se asentó en el lago de Texcoco debido a una premonición. Allí fundaron la capital de su imperio: Tenochtitlán. La historia de esta civilización está profundamente ligada a la llegada de siete tribus a este lugar. Los Xochimilcas, los Chalcas, los Tepanecas, los Acolhuas, los Tlahuicas, los Tlaxcaltecas y los Mexicas, no son tan distintos a los Pachucos, los Chacas, Los Emos, los Hippies y los Punketos; todos se encontraban reunidos en “barrios”; algunos eran ricos, otros pobres; algunos tenían privilegios otros eran guerreros, pero dentro de sus barrios se trabajaba para crear, construir, vender, rayar… Al igual que en nuestras tribus actuales, existía una necesidad substancial por expresarse y trascender. Así son nuestras tribus: Hippies con huaraches y greñas largas que promueven el amor y la paz; criticados por su poco interés en el trabajo y su elevado interés en el LSD, pero ni el ajo, ni la hierba, ni el peyote le restan valor, el mensaje principal persiste: “Haz el amor y no la guerra”. La rebeldía y la libertad son características de los Punks, quienes más allá de pelos de colores erizados y botas industriales han logrado crear una tribu decidida, que se

distingue por la solidaridad, el apoyo mutuo y la autogestión, que además ha dejado un legado musical y artístico digno de la realza inglesa. God Save the Queen! Inspirados en el hip hop, también están los skatos, quienes a través del grafitti, los stencils, la música y la adrenalina a bordo de una patineta, manifiestan su repudio contra el racismo, el maltrato infantil y su misión es “patinar hasta la muerte”. Los bicimaniacos son la prueba de que las tribus siguen surgiendo. Vestidos de jeans, sudadera y casco, andan por toda la ciudad promoviendo esta nueva forma de transporte y adornando la ciudad con toda clase de piruetas. Son relajados pero selectivos, después de todo no cualquiera puede hacer un BunnyHop 180°. ¡Ah, los hipsters! Condechis, les llaman, a esos que caminan con sus lentes de pasta, unos jeans muy ajustados. Los hipsters están en contra de todo lo comercial, buscan estilos de vida alternativos y promueven todo aquello que se catalogue como independiente. Son excéntricos, vanguardistas y propositivos. Todas estas son también características de nuestra historia, de nuestra cerveza, de nuestra etiqueta; una que decidimos cargar con orgullo, la etiqueta de ser diferentes, irreverentes, decididos, creadores, artistas y únicos. Bienvenidos sean al festejo de nuestros 120 años a través de nuestras 120 etiquetas. Y a 120 razones y un millón más para construir el siguiente centenario de Cerveza Indio.

Mosqueta y Aldama Por: Evaristo ‘Golfo’

Qué difícil el verano de 2013. Las lluvias no paran. El sol se asoma poco. Parece que hay que hacerlo todo antes de las cuatro de la tarde o después será imposible salir y no mojarse. Hay prisa pero tampoco tenemos garantías. Es sábado y aunque no pasa ni de la una de la tarde el cielo luce cerrado. En cualquier momento cae la tormenta. Voy saliendo del Museo Universitario del Chopo donde expone David Choe. Uno de los graffiteros más importantes del mundo. Valuarte del arte del vándalo. De esos que dieron el salto a las galerías y hasta por irrumpir las oficinas de Facebook le han pagado. Su influencia se ve en el barrio de Santa María la Ribera. Cruzando Insurgentes también. Ahí donde ahora hay inversiones millonarias en centros comerciales, estaciones de transporte público y una biblioteca que debería ser el orgullo de una administración presidencial. El barrio aguanta el clima. Sus actividades no cambian. Hace más de un lustro que no cruzo por ahí de Mosqueta y Aldama. Sobre la primera, el territorio es de los Hiphoperos. La entrada de las calles está tomada por los seguidores de La Coka Nostra. Si uno se acerca a los puestos, encuentra la discografía de Magisterio, Bocafloja y Eric ‘El Niño’. Las playeras son copia de los diseños de Estevan Oriol y la Joker Brand. Tatuajes en el cuello y una ocasional lágrima en el rostro. Siempre en gris y negro. La escuela angelina de la tinta sobre el cuerpo. De regreso a Aldama me reciben los Rude Boys. Se escucha Ska, Rocksteady y Reggae. Roots. Sus vestimentas como tablero de ajedrez: blanco y negro. Siguiendo por el pasillo y hacia el interior de las que hace muchos años dejaron de ser viviendas para volverse bodegas de mercaderes entre semana y proveedores de moda en días sábados, están quienes andan en búsqueda de una válvula. Los artistas urbanos que decoran el mobiliario citadino. Algunos cuentan historias en murales que serán tema de publicación de varios bloggers.

Otros, se conforman con dejar su firma sobre lo que encuentren a su paso. El tag. Su acto de presencia. De a poco y con el paso del tiempo, los Darks han cedido terreno. Las flores artificiales de color negro. Sus rostros pálidos y las vestimentas de terciopelo se han replegado ante el imparable cambio. Son pocos los que quedan y agradecerán que en el cielo no figure el sol. Hoy no es el día para derretirse. Poco más al fondo, la desolación de la industria del disco. Pensé que sólo afectaba a las grandes compañías pero si les soy sincero, no había puesto atención en todos los metaleros que han hecho una vida de surtir a la banda del D.F. y zonas aledañas. Cada vez menos discos originales. En general, cada vez menos discos. Las grabaciones italianas de conciertos escasean y me imagino que aquel que me vendía cassettes piratas a la salida del CCH Sur se dedicará ya a otra cosa. El ritual de cada fin de semana ha disminuido su escala. Pero sobrevive. Los necios lo mantienen vivo. Llamémosles apasionados. El papá de una de mis mejores amigas, Rockero de corazón y arquitecto entre semana, vuelve cada semana. Chacharea. De cacería busca entre quienes intercambian discos, alguna edición especial. De esas que con suerte alguien se desprende sin alcanzar a entender su valor. De eso hemos vivido años. Nos encanta encontrar el tesoro sin que el pobre a quien se le arrebata lo sepa. A la izquierda, sigue el viejo escenario. El de siempre. Puede que toque una banda Punk. Eso mandaban los cánones pero los tiempos cambian. El Rockabilly se apoderó de la banqueta. Te quiero Chopo. Lo tienes todo. No son tus mejores épocas. Pronto habrá que huir y resguardarse de la lluvia y quizá no te vuelva a ver pero cuando regrese sé que los encontraré ahí. A ti, a la música, aunque no sé en qué formato y a quienes junto con ella toman algo de aquí, de allá y crean su identidad para afiliarse a uno de esos grupos. Una de esas tribus.

THE MAIN REVIEW

ARCTIC MONKEYS Sony Music México / 2013

8.5 Hablar de Arctic Monkeys es hablar del fenómeno que cambió la forma en la que percibíamos la música de Reino Unido; veníamos de abandonar el culto a las grandes bandas de britpop y parecía que un nuevo movimiento cimentado en rock más básico y primario sería lo que ocuparía nuestra atención. Fue entonces que los originarios de Sheffield se hicieron presentes con ‘I Bet You Look Good On The Dancefloor’, desbancando a un par de actos pop de las listas de popularidad inglesas. Para cuando ‘When The Sun Goes Down’ vio la luz, el track ya era escuchado por miles de personas en la radio mundial y así, de la mano de su álbum debut Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not (2006), Arctic Monkeys alzó la mano, reclamando su lugar como nuevo profeta del indie rock. Cuando parecía que los encabezados por Alex Turner quedarían atrapados en la trampa provocada por su sonido tan elemental, Josh Homme movió algunas de las cuerdas mágicas de su guitarra e hizo lo que mejor sabe en el estudio de grabación junto a la banda. El resultado fue Humbug (2009), una placa que dejó manifiesta la capacidad del grupo de evolucionar en algo más desafiante e interesante. La llegada de Suck It And See (2011) situó al proyecto en un lugar privilegiado, la placa habló 014

por sí misma y consolidó a la banda como una de las más relevantes de nuestro tiempo. Hoy, tras participar en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos y encabezar Glastonbury 2013, Arctic Monkeys está de vuelta con un trabajo de estudio ecléctico. AM cuenta con todos sus elementos clásicos: guitarras melódicas y pegajosas, baterías rítmicas y bailables, bajos contundentes, sin mencionar los matices a lo largo de los 12 cortes. ‘Do I Wanna Know?’ abre con una producción brillante, dejando claro que lo que nos espera se mantendrá a ese nivel sonoro; ‘I Want It All’ nos recuerda que el grupo nunca dejará de lado sus raíces rockeras; la cálida ‘No. 1 Party Anthem’ nos muestra la madurez del proyecto, mientras que ‘Why’d You Only Call Me When You’re High?’ deja claro que lo aprendido del Sr. Homme les quedará tatuado por siempre. Sin embargo, la banda dejó atrás todo el bagaje experimental que había mostrado en sus dos placas anteriores, ahora da un paso atrás para recordar su origen y para presentarse ante una nueva generación de seguidores, informándoles de dónde viene el sonido que ha encantado a miles alrededor del globo. AM marca así el final de una era y, quizá, un nuevo comienzo para el proyecto. -Diovanny Gafias

reviews MGMT

DYNAMICS

MGMT

HOLY GHOST!

2013

Sony Music México

DFA Records

5.9

Después de dos años de larga espera, los australianos regresan con este homónimo, su tercera producción discográfica. Todo indicaba que el sonido sería similar al de sus inicios, ya que el álbum está producido por Dave Fridmann, el encargado de su ostentoso debut, Oracular Spectacular (2007), aunque al parecer Andrew Van Wyngarden y Ben Goldwasser no pudieron recuperar esas sonoridades, ni plasmarlas en este nuevo esfuerzo. Nos quedamos en el limbo, sin poder definir el rumbo del disco —mucho menos de la banda—, pues desafortunadamente se perdieron en un laberinto de pretensiones. El sencillo ‘Your Life Is A Lie’ es el único track que destaca por su estructura; lo que era de esperarse. Advertidos quedamos cuando declararon: “No estamos intentando hacer música que todo el mundo consiga entender a la primera”. -Claudia González

7.2

Pareciera que Holy Ghost! tiene todo a su favor: un buen nombre, está firmado por uno de los sellos más interesantes de los últimos años (DFA Records), cuida muy bien su imagen y sabe cómo crear y mantener el hype. Con todo esto, sin embargo, nadie espera que el proyecto sea la joya perdida que cambiará el electrodance para siempre —lo que seguramente ellos también saben—. Partiendo de lo anterior, percibimos a Dynamics como un material conceptual, y más aún si se compara con su debut —el cual consistía en una serie de hits—, que sigue una misma línea, lo que resulta en menos riesgos y un ausentismo del factor sorpresa: algo que le daba el encanto al dúo. Los fans del grupo lo van a apreciar pero, si la dupla quiere salir del espectro de las bandas de medio pelo, tendrá que superar lo hecho en este, su segundo esfuerzo. -Carlos Zepeda

MECHANICAL BULL

KINGS OF LEON Sony Music México 2013

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7.0

Kings Of Leon vuelve de la mano de su productor de cabecera, Angelo Petraglia, con un nuevo disco titulado Mechanical Bull. El álbum comienza con el sencillo ‘Supersoaker’, un cubetazo que parece despertar a la banda del letargo sonoro sufrido gracias a Come Around Sundown (2010). ‘Don’t Matter’, tercer tema del disco, entusiasma aún más, debido a su afilado ritmo, el cual nos recuerda los primeros años de los Followill; pero después, ‘Beautiful War’, ‘Temple’ y ‘Wait For Me’ parecen sombras de discos anteriores, sin alcanzar la contundencia de sencillos como ‘Use Somebody’ o ‘Sex On Fire’. ‘Come Back History’ y ‘Tonight’ son dos piezas de estadio, que de seguro sonarán tremendo en vivo, y alguna podrá colarse como sencillo, pero lamentablemente no aportan nada nuevo. El resto del disco se siente más o menos igual a lo que conocemos: todo está en su lugar y bien producido, pero desafortunadamente para los que esperaban ese extra la banda se sigue repitiendo en una fórmula que comienza a sentirse desgastada. Tal vez sea momento de que se arriesguen con otro productor. -Alejandro Altamirano

016

reviews HIDE

THE ELECTRIC LADY

THE BLOODY BEETROOTS Ultra Records 2013

7.8

Después de cuatro años y un gran material como lo fue Romborama (2009), el productor italiano Sir Bob Cornelius Rifo, mejor conocido como The Bloody Beetroots, vuelve con uno de los discos dance-punk mejor logrados del año. Lo primero que resalta en Hide es su cantidad de colaboraciones, entre las que podemos encontrar a Paul McCartney, Tommy Lee, Peter Frampton y Theophilus London, con una increíble forma de lograr mantener un estilo único de composiciones, a la altura de sus invitados, consiguiendo coherencia sonora en todo el material. Hay estupendos temas que llevan los beats a su máxima expresión y hay otros que, aunque suenan un poco más pop, no dejan de ser grandes cortes. Si les gusta la electrónica, este es un disco que no pueden dejar pasar. -AA

JANELLE MONÁE

Bad Boy, 2013

IF YOU WAIT

LONDON GRAMMAR

8.0

Siguiendo la línea de ficción y calidad establecida en The ArchAndroid (2010), Janelle Monáe regresa con el lanzamiento de su segunda producción, en la que retoma la narrativa alrededor de Cindi Mayweather, de la mano de colaboraciones que aportan su talento. Así, el cuarto y quinto episodio de la serie conceptual iniciada con su EP debut, va de cortes dinámicos a piezas emocionales, llenas de cadencia y de la hermosa voz de su autora que, sin ser prodigiosa, representa un instrumento maravilloso en tracks como ‘Primetime’, ‘Look Into My Eyes’ y ‘Sally Ride’. Si algo domina la artista, es el manejo de diferentes géneros, esta vez con electro-funk, soul, R&B, pop e incluso hip hop; la espléndida ‘Q.U.E.E.N’, es el mejor ejemplo. Con inclusiones como Prince, Solange y Esperanza Spalding, de lo poco criticable de esta placa son los preludios, simulando una estación de radio. -Karina Luvián

Metal & Dust

Recordings, 2013

THE BONES OF WHAT YOU BELIEVE

CHVRCHES

Virgin Records, 2013

8.2

La comparación es un lugar común entre reseñas y periodistas musicales. En estos días, es difícil escuchar algo sin que salte a la mente una o más referencias de sonido y, seguramente, al escuchar el If You Wait, debut de London Grammar, a más de uno se le ocurrirá poner en la misma balanza a estos londinenses con sus compatriotas de The xx. Sin embargo, hay finas diferencias: La primera —la más evidente— es la voz de Hannah Reíd, que con su potencia protagoniza cada corte del disco. Otro elemento importante en la ecuación de London Grammar es la construcción de sonidos dentro de las canciones, donde cada instrumento y secuencia tienen una razón de ser. Temas como ‘Strong’ y ‘Wasting My Young Years’ son claro ejemplo de la coherencia y elegancia del disco, aunque es hasta que se escucha la placa en su totalidad cuando todo cobra sentido. -Raúl Arce

7.9

El esperado LP debut de este trío llega cargado con la vitalidad de la nueva escena británica, con canciones que giran alrededor de estilizados sintetizadores y la armoniosa, pero desgarradora voz de Lauren Mayberry. Después de un vertiginoso ascenso, dos EPs y aclamados sencillos como ‘Recover’, ‘Gun’ y ‘The Mother We Share’, los de Glasgow, Escocia, se presentan con 12 tracks (14 en la versión de lujo del disco) que pueden escucharse non stop de principio a fin. Elegidos por Depeche Mode para abrir su reciente gira en Europa, Chvrches alcanza su punto álgido con ‘Lies’, ‘Science/Visions’, ‘Tether’, ‘We Sink’ y ‘By The Throat’, transportando a un viaje sensorial, ambientado por los acordes de Iain Cook y Martin Doherty, dejando de manifiesto el potencial futuro que tiene de frente. -Fernando Bastida

018

hot hot hit

MØ

Por: César Morales Foto: Cortesía MØ

Es impresionante cómo fluye la información a través de la red. A lo largo de los últimos años hemos visto surgir una gran cantidad de artistas de manera emergente, todos éstos se han ido filtrando, pero al final sólo algunos han podido establecer una carrera musical sólida. La danesa Karen Marie Ørsted —mejor conocida como MØ— se ha preocupado por lograr trascender dentro del gusto de miles de melómanos y a su corta edad ha logrado renombre en la escena internacional, hecho que la ha llevado a pisar diversos festivales europeos. Es interesante que, a la fecha, MØ no cuente con algún material discográfico; sin embargo, esto no la ha limitado, pues en estos momentos cuenta con tres sencillos —entre ellos ‘Pilgrim’— que le han dado la vuelta al globo y, por supuesto, le han brindado prestigio único en su corta carrera.

En este 2013

te llevó a: SXSW (Austin, Texas) Benicàssim (Valencia, España) Austin City Limits Festival (Austin, Texas) Lollapalooza (Chicago, Chile, Brasil) Coachella (Indio, California) Bonnaroo (Manchester, Tennessee) Glastonbury (Glastonbury, Inglaterra) Corona Capital (DF, México) Vive Latino (DF, México) Sónar (Barcelona, España) Primavera Sound (Barcelona, España) Outside Lands (San Francisco, California)

¡NOS VEMOS EN 2014!

Travis MOVING Por: Raúl Arce

Foto: Cortesía Travis

El britpop es una corriente musical que a menudo asociamos con el inicio de los 90, con bandas como The Stone Roses, Inspiral Carpets e inclusive Oasis. Sin embargo, ésta ha tenido a varias generaciones de artistas, por lo que hemos visto desfilar en las páginas de NME, en las premiaciones de los Brit Awards y entre los galardonados con un Mercury Prize a un sinfín de bandas y solistas que han ocupado —en algún momento— un lugar privilegiado en nuestros mix CD’s (cuando aplicaba) y nuestros reproductores. En 1999, con el cambio de milenio en puerta, una agrupación de Glasgow liderada por el entonces estudiante de arte Francis Healy publicó su segundo álbum de estudio: The Man Who. Se trataba, nada más y nada menos, que de Travis, banda que si bien empezaba a gozar de las mieles del éxito en Reino Unido no podía decir lo mismo de su popularidad a nivel internacional. Noel Gallagher, guitarrista y compositor de Oasis, fue un factor determinante en la historia de Travis, ya que los reflecto-

res empezaron a postrarse sobre los escoceses cuando fueron invitados a abrir una de las giras de la popular banda de Manchester. Ha pasado ya mucho tiempo desde entonces. Lloramos y coreamos canciones como ‘Writing To Reach You’, ‘Love Will Come Through’, ‘Closer’ y, por supuesto, ‘Why Does It Always Rain on Me?’, hemos tenido la oportunidad de ver a la banda en tres ocasiones en México y, sobre todo, los vimos consagrarse para desvanecerse poco a poco entre una sobrepoblada escena musical. En agosto del presente año fue publicado Where You Stand, su séptimo álbum de estudio, y como parte de su gira promocional Travis regresará a la Ciudad de México para formar parte del festival Corona Capital. Por ello, WARP Magazine sostuvo una conversación con Neil Primrose, en donde el baterista escocés habló de la nueva placa, de la saturada escena musical británica y de su estrecha relación con el público mexicano.

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Where You Stand marca la brecha de tiempo más larga entre los álbumes de Travis. ¿Qué han hecho en los últimos cinco años? Mucha gente piensa que hemos estado sentados en una playa tomando cócteles, pero no es verdad. Fran ha estado haciendo música, al igual que Dougie y Andy. Yo he estado tocando un par de cosas, sólo por no dejar la batería de lado, aunque técnicamente se trató de un receso para que todos pudiéramos pasar más tiempo con la familia y ver crecer a nuestros hijos un poco más. También pasamos los últimos dos años trabajando en este disco, escribiendo y tocando juntos para terminar el álbum; un receso de cinco años no implica necesariamente una pérdida de tiempo, siempre hay cosas pasando que nos han permitido regresar con este disco, estar más frescos y rejuvenecidos. A pesar de que este disco suena por momentos diferente a sus álbumes anteriores, conserva la esencia de la banda. ¿Cómo lograron hacer esto? Creo que le diste al clavo, este disco tiene la esencia de Travis, como un perfume. Supongo que el DNA de Travis está en sus canciones y en tocar como un grupo, tener melodías fuertes y hacer lo que mejor sabemos. Si tratáramos de ser la banda más fresca, la última tendencia del indie o un grupo de hard rock o electro/techno a la gente no le interesaría, simplemente no funcionaría. Sabemos lo que podemos hacer, siempre tienes que trabajar con tus fortalezas y siempre hemos tratado de ser fieles a nuestro estilo. Hay álbumes que han resultado mejor que otros, pero no porque no nos esforcemos por hacer buenos discos y canciones, hacemos discos puros y estamos felices con ellos. ¿Por qué decidieron grabar este disco en Noruega y Alemania? Michael Illbert —quien es un gran productor— nos ayudó en el álbum. Siendo noruego, él nos guió hasta encontrar un buen lugar para grabar en su país, en una isla muy bonita llamada Gurskøy, y aunque viajamos allá para hacer el disco, también hicimos algunas cosas en su estudio de Berlín, lo cual fue perfecto para la banda pues tenía todo el equipo necesario para hacer el álbum; tú sabes, ahora el hecho de ir a un estudio no sólo se trata de ubicación, sino también de equipo y acústica. Hablando de equipo y acústica, ¿prefieren grabar en digital o en análogo? Yo, personalmente, amo grabar en cinta, pero la verdad es

que como banda nos hemos acostumbrado a emplear las nuevas técnicas y a usar Pro-Tools, a la vez que utilizamos micrófonos, amplificadores y consolas viejas; creo que se pueden utilizar juntos y hemos aprendido a hacerlo. El resultado es un buen sonido y estamos muy complacidos con ello, ¡las cosas viejas son las mejores! Desafortunadamente, las técnicas para operar estos equipos están desapareciendo, pues las máquinas viejas son muy temperamentales y a veces no puedes grabar cosas porque se atora la cinta o algo no está en la secuencia correcta, así que el método moderno es más efectivo. Han estado de gira con este álbum desde julio. ¿Qué es lo que tienen planeado para lo que resta del año? y, en tu opinión, ¿cómo suena este álbum en vivo? Así es, nos hemos presentado en algunos festivales y con shows individuales en Europa, sobre todo en Reino Unido. A mediados de septiembre vamos a Norteamérica, en octubre y noviembre tenemos un par de fechas en Sudamérica y estamos ansiosos por estar allá. Sobre cómo suena Where You Stand en vivo, me parece que lo hace aún mejor que en el disco. Tomamos algunos elementos del álbum, los tocamos en nuestras presentaciones y de verdad suena muy bien, ¡les va a encantar! Al paso de los años han desarrollado una conexión especial con la audiencia mexicana, ¿a qué crees que se deba esto? Es increíble, los fans mexicanos son geniales, porque tenemos cierta afinidad, algo en el alma a lo que todos respondemos, es una celebración cuando damos un concierto; ustedes quieren pasarla bien y nosotros queremos que así sea. La química es la adecuada, no puedo explicarlo, pero cada vez que vamos a México damos grandes shows y los fans son fantásticos. Es una ocasión muy especial. Este 2013 regresan a México para el festival Corona Capital ¿Qué esperan de este show? Creo que será muy bueno, estoy muy emocionado. Normalmente tocamos en shows propios en la Ciudad de México pero probablemente esta vez sea mejor, ante una audiencia más grande, con un buen clima —espero—, va a ser tan disfrutable como siempre lo ha sido, al haber más gente creo que se hará una atmósfera mejor… es un gran reto.

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Mariana Vega Por: César Morales / Foto: Cortesía MV

Esta cantautora venezolana comenzó a buscar sus sueños desde su adolescencia. A los 15 años se mudó a Toronto, Canadá, lugar donde se dio la oportunidad para crear sus primeras composiciones. Al poco tiempo, decidió regresar a su país natal en donde retomó la música pero, en esta ocasión de manera definitiva. No pasó mucho tiempo para que su vida diera un giro impresionante, puesto que el destino le tenía preparada una sorpresa. En un evento familiar (una boda) la invitan a subirse al escenario para interpretar alguno de sus temas. En ese momento confesó no saber tocar al 100 por ciento la guitarra, pero esto no impidió que pudiera hacerlo. En aquella fiesta se encontraba un ejecutivo de

LINKS: miburbuja.mx / soundcloud.com/marianavega

una disquera, quien, al escucharla, se enamoró de su dulce voz y le pidió que le mostrara algunos demos. Al poco tiempo de este suceso, Mariana Vega había colocado su primer sencillo, ‘Háblame’, en los primeros lugares de la radio venezolana. Mariana Vega es conocida en distintos puntos de Latinoamérica gracias a temas como ‘Contigo’, canción que formó parte del soundtrack de la película El Cielo En Tu Mirada. Mi Burbuja, su más reciente producción, estará disponible este mes, habiendo sido producida por “Cachorro” López, quien ha trabajado con Natalia Lafourcade, Julieta Venegas y Caifanes.

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Delorean

AVANCE QUE PERDURA

Por: Alejandro Altamirano / Foto: Cortesía Delorean

La agrupación vasca Delorean ha demostrado con cada una de sus producciones un avance creativo significativo, aunque esto implique tener que cambiar su sonido y técnicas en su totalidad. Aun así, han logrado vestirse de una identidad única, misma que los ha llevado a sobresalir entre la gran cantidad de propuestas españolas de la actualidad y obtener reconocimiento de la crítica internacional. WARP Magazine tuvo la oportunidad de tener una charla con Igor Escudero, una de las piezas detrás de Delorean, quien nos devela el significado detrás de Apar (2013), así como todos los secretos implícitos en su creación. ¿Qué significado tiene el nombre de su nuevo disco, Apar? Cuando decidimos hacer el nuevo disco teníamos muy claro que queríamos que tuviera un nombre en vasco. La palabra “Apar” significa “espuma” en este idioma y además iba perfecto con la portada, la cual tiene esa idea de las cruces que perduran hasta el final, como creemos que ocurre con la espuma también. Su anterior producción, Subiza, tuvo una gran aceptación. ¿Sintieron presión cuando decidieron volver al estudio para hacer un nuevo material? Siendo 100 por ciento sinceros, la presión es algo que está ahí y claro que la sentimos. Al final de cuentas esto es nuestro trabajo y sabemos que si no hacemos bien las cosas será mucho peor para nosotros, ya que la banda puede perder algo de esos logros alcanzados. Por otro lado, cuando haces música no puedes estar pensando solamente en gustarle a la gente, porque sobre eso no tienes control. Hay discos buenísimos que no han llegado a nadie. Lo mejor al momento de componer es intentar ser honesto contigo mismo y seguir tu instinto hacia donde te guíe.

¿Cómo cambió la producción de Apar con respecto al disco anterior? Los temas de Subiza eran muy electrónicos y con demasiadas capas, entonces, cuando los tocábamos en un show en vivo, muchas veces solamente teníamos que apretar botones, eso nos cansó un poco e hizo que nos dieran ganas de tocar más instrumentos. Queríamos un disco que fuera mucho más clásico y que se entendiera a la primera. La música de Delorean puede evocar muchos lugares. ¿Cuál ha sido el mejor lugar en el que han tocado? Uno de los mejores lugares en los que hemos tocado fue Coachella y, más recientemente, en Vladivostok, Rusia. Fueron un par de experiencias únicas para la banda, en donde la pasamos muy bien. Hablando de pasarla bien y festejar, el próximo año su disco debut Silhouettes celebrará su décimo aniversario. ¿Tienen pensado algo para la ocasión? La verdad es que no somos muy fans de ese tipo de cosas. Rechazamos un poco todo lo que hemos hecho en el pasado y vamos siempre para adelante. Ese es el motor que nos impulsa, ya que siempre queremos estar haciendo algo nuevo que nos excite. Quizá cuando tengamos, no sé, 40 o más años y alguien nos ofrezca tocar alguno de nuestros discos que tenga 20 años, y nosotros sigamos en esto, lo haremos. Además de su presentación en el décimo aniversario de MUTEK en México, ¿darán más presentaciones en nuestro país? Por el momento esa es la única fecha que daremos en México. Estamos muy apretados con las presentaciones por Europa y el resto de América, pero de verdad queremos regresar a México lo más pronto posible.

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Aerosmith LIVING ON THE EDGE

Por: Raúl Arce / Foto: Cortesía Aerosmith

En la industria de la música existen toda clase de bandas e intérpretes: desde aquellos que logran colar un éxito en la radio o en MTV (cuando esta cadena estaba enfocada en la música), algunos otros que pudieron mantenerse por un par de discos, hasta agrupaciones que, debido a su longevidad, siempre tenemos presentes. Tal es el caso de Aerosmith, que con 15 álbumes de estudio e innumerables giras estos oriundos de Boston han logrado permanecer vigentes durante más de 30 años de carrera, en una cambiante industria musical que ha visto desfilar a infinidad de grupos y tendencias pero que aún tiene un lugar reservado para aquellos que han sabido envejecer con gracia y adaptarse al paso del tiempo. Desde 2011, la banda se embarcó en el Global Warming Tour, gira que se extendió hasta este año y que sirve para promocionar Music From Another Dimension! (2012), el décimo quinto álbum de estudio de Aerosmith. Como parte de esta gira, el grupo visitará la Ciudad de México, así como otros países en América Latina, por lo que WARP Magazine conversó con Brad Whitford, guitarrista de la banda, quien expuso los pormenores de la grabación del nuevo álbum, así como de la gira que los trae de vuelta a nuestro país. Están en tour actualmente con su álbum Music From Another Dimension!, disco que además marca el espacio de tiempo más grande entre producciones dentro de la historia de la banda. ¿A qué se debe esta brecha entre discos? Hay muchas razones por las que nos tomó tanto tiempo. Nosotros intentamos juntarnos y hacer el disco un par de veces, pero en cada ocasión que lo intentamos algo no salía bien, no sé exactamente qué era. Eventualmente decidimos juntarnos, y fue cuando nos presentaron a Jack Douglas (productor) quien, por cierto, ha trabajado en muchísimos discos que nos han influenciado durante años, así que podría decir que sólo sucedió. Pero sí, la verdad es que nos tomó demasiado tiempo regresar al estudio. ¿Crees que el haber esperado tanto tiempo afectó el sonido de este disco? Quizás este álbum combina los sonidos de la banda, como la vibra de cuando nos presentamos en vivo con algunos elementos de nuestra interacción en el estudio. Estoy 100 por ciento feliz con el resultado y el sonido de este disco.

Fuera de eso, creo que el sonido es muy de la vieja escuela, el que la banda ha mantenido durante toda su carrera. ¿Consideras que la banda haya cambiado su proceso de producción a través de los años? Para Music From Another Dimension! fue más o menos lo mismo, obviamente no hacemos los discos ahora de la misma manera en que lo solíamos hacer en el pasado, ¡todo está en las computadoras ahora! Dicen que hacen el trabajo más fácil, pero no estoy seguro de que esto ofrezca el mejor sonido o no; me gusta grabar en cinta. Después de 15 discos de estudio ¿Cuál es el proceso que siguen para crear nueva música? Yo diría que es muy orgánico; cada vez que ensayamos Steven y Perry llegan con nuevas ideas, que potencialmente se pueden convertir en canciones, es un asunto que sólo requiere que estemos juntos en un lugar con nuestros instrumentos, es un proceso muy natural. En este Global Warming Tour, Aerosmith regresa a Australia después de años sin tocar ahí, además visitará por primera vez países como Guatemala y El Salvador. ¿A qué se debe la inclusión de estos lugares en el tour? Nos emocionaba mucho la idea de visitar países a los que nunca habíamos ido. Por otro lado, nuestros fans de esos lugares siempre nos decían: “Quisiera escuchar esa canción en vivo”. Así que en este tour tenemos la oportunidad de llegar a gente que nunca nos había podido ver antes. Es emocionante y sorprendente saber que hay tanta gente ahí a la que le gusta nuestra música. En octubre vienen a la Arena Ciudad de México, ¿qué tienen preparado para sus fans mexicanos? Haremos lo que siempre hemos hecho, así que mejor lleguen preparados para pasarla bien. ¿Sabes?, la primera vez que tocamos en la Ciudad de México nos sorprendimos mucho de ver la cantidad de fans que tenemos ahí, así que nos emociona mucho tocar para ustedes.

> Raúl Arce es Editor de Contenidos de Gamebox.la, puedes leer su entrevista con Franz Ferdinand en WARP #59.

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VENTOLIN LOVE II Por: Sr. Flavio / @SrFlavioOficial

SrF, para “Warp – PiG”, un texto anti-lektual, antipoeta new wave hispano hablante... He visto la muerte en tu ojos. Lágrimas de llamarada en mi corazón de León de ritmos. Más tarde, la luz del Ventolín Love, apaciguó con su magia de rock, todo el acervo lóbrego. Juntos no habremos matamos al Sheriff, pero burlamos a la Parka, que continuó su camino errante, junto a Carlos Gardel y Mictecacihuatl, rumbo al Barrio de Barracas en Buenos Aires. Se dirigieron a una Tanguería tenebrosa de la avenida Belgrano, en donde se encontraban bailando milongas, unos noctámbulos Teddy Boys de pocas pulgas. Fueron en busca de un buen licor de hidro-miel y almas errantes. Delivery de almas errantes, un puente celestial y oscuro a la vez, entre el Barrio de La Boca y Ciudad Neza. El faro de Oriente ocupó su lugar de esplendor, vigilando, a un soldier del inframundo que no se robe los espíritus libres. En la milonga, una banda de punk rock local quiebra por un rato el compás del 2 x 1 del tango.

- ¡ Por favor...no nos hablen en náhuatl, no entedemo’ nada...!, comentó preocupado un crestudo. - No habrá problemas, inquirió Mictecacihuatl. Únicamente nos llevaremos las ánimas tenebrosas a Mictlán, el lugar de los muertos, cruzando el río lóbrego y los trece cielos. Gardel no tuvo más que asentir con una sonrisa maquillada. La banda de punk rock siguió tocando, el dios guardián del inframundo, Mictecacihuatl, continuó su viaje hacia el nivel inferior de la tierra, llegarían finalmente hasta Pancuecuetlacayan, que es el lugar donde la gente vuela y se voltea con banderas . Los elegidos de luz planearán directo en un non stop espiritual, Barrio de La Boca, Buenos Aires, Ciudad Nezahualcóyotl, transportando punk rock de Barracas a los guitarristas de Gardel, tatuadores bonaerenses se relacionarán con hermosas Pin-ups prehispánicas, que están esperándolos ansiosamente. Luces y sombras. Feliz del sortilegio, y del Ventolín Love, te veo brillar en la noche.

> Sr. Flavio es miembro fundador de Los Fabulosos Cadillacs y escritor. Su libro Crónicas Del León ya está a la venta, editado por WARP Books.

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Adrián Dárgelos Foto: Rubén Márquez para WARP Presentado por

Durante sus más de 20 años de carrera Babasonicos se ha convertido en un referente del rock latinoamericano y precisamente 2013 marca el regreso de los originarios de Buenos Aires, Argentina, a los escenarios. De la mano de su más reciente producción de estudio, Romantisísmico, el proyecto busca volver a sus raíces musicales, sin perder la innovación y experimentación que los ha colocado como consentidos del público hispano. Recientemente, Adrián Dárgelos, vocalista y líder de la agrupación, compartió con WARP Magazine un ecléctico playlist, en el que conviven géneros tan diversos como la sicodelia de Black Moth Super Rainbow y Tame Impala, el britpop de Miles Kane, pasando por el folk rock de The Shins. A continuación les presentamos esta radiografía musical del cantante argentino: 1. Black Moth Super Rainbow – ‘Spraypaint’

6. Gaz Coombes – ‘White Noise’

2. Radiohead – ‘High And Dry’

7. The xx - ‘Try’

3. Steve Mason - ‘Never Be Alone’

8. Babasonicos - ‘El Baile De Odin’

4. Miles Kane – ‘Fire In My Heart’

9. The Shins – ‘It’s Only Life’

5. Tame Impala – ‘Why Don’t They Talk To Me’

10. Depeche Mode – ‘A Question Of Lust’

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Molotov

JÄGERMEISTER MUSIC TOUR 2013 Por: Michelle Apple / Fotos: Cotesía Jägermeister

Jägermeister cuenta con una larga trayectoria de respaldo a los músicos de todos los géneros, desde bandas locales hasta actuaciones nacionales. La marca lleva casi dos décadas promoviendo artistas y ha visto a muchos pasar del anonimato a la cima. A lo largo de 11 años, el Jägermeister Music Tour ha presentado algunos de los nombres más importantes del rock, desde Slipknot y Slayer hasta Portugal. The Man. Este año los mexicanos de Molotov fueron designados para encabezar el Jägermeister Music Tour. Molotov se ha definido a lo largo de su trayectoria musical como una banda que gusta de transgredir los límites, de pisar terrenos que todos conocemos, pero a los que pocos se atreven a ir. A través de la acusación, la denuncia y el humor en sus diferente facetas, la cuarteta integrada por Tito Fuentes, Paco Ayala, Micky Huidobro y Randy Ebright se ha destacado en nuestro país como una de las agrupaciones con más seguidores entre diversos sectores del público.

Con más de una veintena de fechas a lo largo de diversas plazas la Unión Americana, la agrupación se consolidó como una de las bandas mexicanas más importantes entre el público latino, llamando la atención de los locales en el proceso. La conclusión del Jägermeister Music Tour 2013 no pudo ser más épica. Enmarcados por la cosmopolita ciudad de Nueva York, Molotov cerró la gira con un íntimo show en el Irving Plaza Center, en el cual la energía, la adrenalina y el espíritu contestatario protagonizaron la velada. WARP Magazine estuvo presente en el show,

en el cual cortes como ‘Voto Latino’, ‘Gimme Tha Power’, ‘Frijolero’ y ‘Hit Me’ dejaron de manifiesto el sentimiento de segregación de la comunidad latina en Estados Unidos, sin embargo, también quedó claro el espíritu de lealtad entre los asistentes, que al ritmo de slam y crowd surfing expresaron su unión como “paisanos”. Fiel a su costumbre, Molotov demostró su versatilidad, convirtiéndose en la primera banda latina en encabezar el Jägermeister Music Tour 2013 en Estados Unidos, dejando la puerta abierta a un mundo de posibilidades sonoras para 2014.

ask amanda -033-

ASK AMANDA

Por: Amanda Palmer @amandapalmer

ASK AMANDA Por: Amanda Palmer @amandapalmer

¿Qué opinas de la decisión de atacar Siria por parte de Obama? – Patricia Olvero Creo que Estados Unidos tiene un historial irregular en lo que respecta a la invasión de otras personas. Yo soy una persona no violenta, pero creo que a veces el uso de la fuerza está justificado (Segunda Guerra Mundial). A falta de tener un conocimiento total, no me siento bien despotricando o repitiendo lo que otras personas están diciendo. Estoy a punto de ir a tocar a Tel Aviv, Israel, y por fin saldré del agujero que implica andar de gira, lo que me permitirá mirar lo suficiente los temas actuales que me rodean, entonces sabré lo que realmente siento al respecto. ¿Cuál es la mejor película que has visto este año? – Eduardo Arce Acabo de ver Behind The Candleabra, una profunda, hermosa y dolorosa biopic de la vida de Liberace que me encantó hasta la muerte. Muy recomendable. Toda la banda hizo un viaje para ir a verla en Melbourne, Australia.

Recientemente hiciste un retrato de Yana Allum. Si pudieras elegir, ¿quién te gustaría que te tomara una fotografía o hiciera una pintura de ti? – Jessica Canales ¿Una fotografía? Probablemente Annie Leibowitz, que es parte de mi equipo. Y una pintura, me gustaría Jamie Wyeth. El próximo 16 de septiembre tu primer álbum en solitario, Who Killed Amanda Palmer, cumple 5 años. ¿Planeas celebrarlo de alguna manera? – Elena Martínez Nunca celebro los aniversarios de mis discos. He editado varios álbumes. ¿Tienes alguna serie de televisión favorita? – Ricardo Alonso Twin Peaks, la primera temporada, sin duda. Esa serie es una fina pieza de arte de la televisión.

> Amanda Palmer es músico y compositora, fundadora de The Dresden Dolls y de Amanda Palmer & The Grand Theft Orchestra.

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Andrés Calamaro NACIMOS PARA CORRER Por: Adán Ramírez / Foto: Cortesía AC

Con 52 años a cuestas, Andrés Calamaro puede que haya dejado toda la gambeta en el ruedo, pero es cierto, la música no envejece. En ocasiones los artistas son tomados como objetos inanimados, que no cambian de forma; son similares a un cuadro que nos gusta mirar, siempre eternos, que dicen lo que queremos escuchar. Pero los artistas no son arte, son carne y hueso, son trapicheo y neuronas. En cambio su arte sí, eso sí es eterno. Con el pretexto de Bohemio (2013), su nuevo álbum, platicamos con Andrés y esto es lo que nos dijo. Si nos trasladáramos a 1978, ¿qué pensaría ese joven Andrés del hombre que es ahora? No podría creer lo que está viendo. Aquel (Andrés) hubiera sido capaz de matar por una cucharada de amor, como dice el blues ‘Spoonful’ de Howlin´Wolf, que cantan todos los bluseros. ¿Extrañas al Andrés que habla de cucharas calientes o te quedas con chico de familia? Las cucharas existen, salir de semejante laberinto es la tragedia y la gloria de mucha gente. Yo puedo ser sincero en una canción, este disco todavía arrastra algo de esa resaca de los márgenes y el chico de familia arrastra sus orígenes culturales con honor, y el recuerdo de los amigos ausentes. ¿Sigues siendo un bohemio? Soy un bohemio que vuela alto. Mis amigos son los más destacados bohemios del amplio rango cultural, extraordinarios artistas de la tauromaquia, el flamenco gitano y las cosas bien hechas. Según el diccionario de la Real Academia de la Lengua, sigo siendo un bohemio que vive según sus propios códigos de honor y transparencia, no hay más misterio, tampoco hay que tomar 100 mil caballitos de tequila para ser un bohemio.

Platícanos un poco de este nuevo material llamado Bohemio y de la gira. ¿Por qué tener como productor a Cachorro López?, ¿qué te ofrece? Buenas canciones grabadas por Cachorro López, es un plan perfecto. Juntos (y en buena compañía de otros) seguimos siendo deseados por el conjunto de los pedazos de la industria discográfica. Sin las grabaciones no conoceríamos a Bach ni a Camarón de la Isla, no hubiéramos escuchado a The Beatles ni a John Coltrane. Grabar un disco es seguir perteneciendo a una tradición muy noble. Bohemio es un álbum respetuoso de las formas de hacer un disco y apuesta por mover los engranajes instalados por los grandiosos artistas que grabaron la música del siglo XX. Posees una estrecha relación con México, está presente en algunos de tus temas. Además tienes una hermana “mexicana”… aun así tardaste 30 años en pisar un escenario mexicano. Con al arte de Bohemio a manos de Dr. Alderete ¿significa algo así como un homenaje a este país? Espero que el arte gráfico del álbum se entienda como un puente tendido entre México y Argentina, con estaciones en España y la patria grande, el jardín latinoamericano. Si no llegué antes fue por las formalidades de la industria, no éramos importantes vendedores de discos en México y nadie pensó que era buena idea llevarnos. Yo visito México desde niño, vi toros en La México con 10 años de edad, fui a Rockotitlán, escuché al Tri y a Caifanes, grabé con Rocco y sus hermanos de la Maldita Vecindad, siempre escuché narcocorridos… Quisiera ser más mexicano pero me falta tiempo. ¿Ya sabes lo que quieres o aún sabes lo que no quieres? Sé lo que quiero y sé lo que no quiero, pero permítame seguir cantando la canción como es. “No sé que quiero pero sé lo que no quiero”, reivindica al punk y la podría cantar Willy Nelson.

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SIEMBRA

Por: Adolfo Vergara Trujillo / @ToBeFreak

—¿Quién plegunta? —escupió con el último atisbo de guapería. El chico se mostró algo emocionado. —Mi nomble e Chalie Mende; mi tío fue Alfledo Mende… El Guapo Damascos se encogió de hombros y de ninguna manera bajó la guardia.

Apenas iban a dar las dos de la tarde cuando, el “Guapo Damascos”, andando tem-

—A lo mejol uté lo lecuelde como Fleddy Gualdapela… —añadió el muchacho.

bloroso por 2nd Ave, dobló a la derecha en E 113th St y se internó en el corazón de East

—¡El Gualdapela! ¿Dónde etá el maldito? —exclamó El Guapo Damascos y volteó a los

Harlem. Al acerarse al nicho a Santa María Lionsa, dispensado apenas con dos veladoras,

cuatro rincones del Trastalleres buscando al comparsa.

apretó el paso y se santiguó más por reflejo que por devoción. Ya luego, sin vergüenza, se

—Mi tío mulió hace tle año, patlón, ya sin pielna: la diabeti lo consumió

metió al Trastalleres buscando guayaba.

durante una década…

La penumbra de la piquera lo cegó de pronto aunque, quizá por olfato, siguió caminan-

Los hábitos de la calle no se olvidaban: El Guapo Damascos cerró los ojos, como en

do rumbo a la barra: atravesó el pasillo, sin dejar de temblar, y apenas si puso atención al

plegaria, y se llevó la mano derecha al corazón; y le dio resultado: en menos de cinco

sexteto guajiro que, sin público —sin pudor—, reventaba al mundo su descarga. En su ca-

minutos estaba sentado a una mesa, con Charlie Mendez, mientras Orestes El Negro se

mino, aunque no las miró, olió a cuatro o cinco señoritas sentadas en las mesas de pista,

acercaba de prisa con una botella de Etiqueta Negra, hielo y dos vasos en la charola.

listas para bailar la pieza por media peseta; pero El Guapo Damascos ya no bailaba: hacía

Ya con dos tragos de por medio, el chico Mendez calculó que los temblores de El

mucho que lo zalamero del son se le había escapado del alma; en sus tiempos, cuando lo

Guapo Damascos habían amainado y se animó a preguntar:

reconocían de Brooklyn a Queens y de regreso —vestido de traje blanco-camisa rosada,

—Patlón, ¿e cielto lo que contaba mi tío soble Flank Luca y uté?

paseándose con el pecho descubierto de aquí para allá en The Blue Angel, El Liborio y

—¿Flank Luca? —se extrañó El Guapo Damascos y creyó jamás haber escu-

hasta en el Trastalleres, luciendo obsceno su medallón de San Juan Bosco—, hubiera

chado aquel nombre.

hecho sudar a cualquier par de negras de las que manejaba, al mismo tiempo, sin mover

—Fleddy Gualdapela decía que, una noche, una de su chica caminó un poco má hacia

nada más que sus muñecas. Pero de aquello se acordaban ya muy pocos; la mayoría de

el Nolte y, cuando la puta de Uppel Manhattan se dieron cuenta, llamaron a su chulo y

los que lo conocieron estaban muertos o exprimidos de la espina en Sing Sing.

la coletearon hasta el balio. Cuando la chica llegó a E 119th St, mi tío tlató de plotegela y

El Guapo Damascos dejó atrás los timbales y los olores a puta, siguió de frente,

le cayeron a palos. Muy plonto la do pandilla se toparon y, para evital la campal, E Guapo

tropezó con un banco y entonces supo que había llegado: a contraluz, de espaldas a las

Damaco —con la mano gualdada en la bolsa de su abligo, lalgo hasta lo tobillo— se adelantó

botellas, reconoció la silueta enorme de Orestes El Negro, quien hacía bailar sus bíceps

tlazando pasito cluzado soble la banqueta y, sin quitalse el cigalillo que le humeaba entle lo

mientras limpiaba vasos con la franela. El Guapo Damascos, de pie ante la barra, creyó

diente, pleguntó con grito pol el bueno del Nolte…

adoptar postura pero, apenas se recargó, comenzó a temblar de cuello y codos. Orestes

Charlie Mendez hizo una pausa y El Guapo Damascos, inundado de la mirada del

El Negro lo miró de arriba abajo y, frunciendo el entrecejo, miró aquel cuello de camisa

muchacho, se descubrió así mismo escarbando en su memoria sin encontrar nada y

sucio, aquella corbata raída, un juego saco-pantalón ya viejo, combinado sin opción, y los

apenas atinó a dibujar una media sonrisa mientras asentía torpemente con la cabeza.

zapatos baratos más lustrosos del mundo.

El chico Mendez culminó la historia:

—¿Qué cuenta hoy, guapo? —preguntó Orestes El Negro con jiribilla— ¿Le

—Mi tío dijo que un neglo enolme, un capitán de Flank Luca, puso su escualda

amaneció templano?

en el pavimento y lo letó a uté dede la otla equina. Entonce E Guapo Damaco

—Etiqueta Negla… —ordenó El Guapo Damascos, fingiendo solvencia.

se aploximó a él y, cuando lo tuvo a modo, delotó al neglo nomá a patá, sin

Orestes El Negro se le quedó mirando, ya sin respeto, con la franela descansándole en

sacal la mano del abligo y sin quitalse el cigalillo de entle lo diente. Según Fleddy

el hombro izquierdo y un vaso limpio en la diestra.

Gualdapela, Flank Luca en pelsona bajó aquella noche hata Eat Halem a lecogel a

—¿Pero quién coño se clee hoy uté, caballero? ¿”El Inquieto Anacobero”? Tan sólo una

su muchacho de la banqueta, blindándole a uté un Cohiba en señal de lespeto.

vez quisiera vel su plata soble la mesa…

Nueva Yolk supo entonce que con lo chico del Ete nunca nadie se mete…

—¿Qué edá tiene uté? —preguntó El Guapo Damascos.

El Guapo Damascos no recordaba aquello; y no podía esperarse menos: al día siguien-

—No me venga con cablonada, guapo: sin plata no hay colcho…

te no recordaría a Freddy Guardaperras o a Frank Lucas, y mucho menos al buen Charlie

—Benny Moré cantó en eta pita cuando uté…

Mendez, quien tuvo a bien recordarlo a él.

—Sí, sí, ya sé —lo interrumpió Orestes El Negro, fastidiado de aquel rezo—: “Benny

Entrada la madrugada, cuando hacía mucho que la botella de Etiqueta Negra se había

Moré cantó en el Tlastallere cuando me zulaba yo todavía en la sabanilla”…

terminado, Orestes El Negro echó a patadas del Trastalleres a El Guapo Damascos. El

—Venga, chico —regateó El Guapo Damascos—, siquiera un lon blanco…

borracho anduvo a gatas unos metros y, cuando pudo levantarse, apenas atinó a detener-

—¡Plata! —rezongó Orestes El Negro y azotó el vaso sobre la barra.

se del poste de un farol.

El Guapo Damascos, de pie ante la barra, escondió la frente entre los codos, cerró

—Ese neglo comemielda… —mentó y, como en una novela de Kafka, El Guapo Damas-

los ojos y sintió cómo el temblor se le contagiaba lentamente desde el cuello hasta la

cos dobló por el callejón.

espalda. Sintió algo sobre su hombro pero, con tanta sensación de distonía, pensó que

Los asesinatos de Pedro Barrios y Josefina Wilson sucedieron esa noche, junto

ahora el hombro le temblaba también.

al mito del revólver, el puñal y los dos pesos. Al otro día, con los temblores de la

—Peldone, patlón —escuchó, mientras le tentaban el hombro que le temblaba—, ¿de

resaca, El Guapo Damascos —el único testigo de los hechos, según algunos— no

casualidá e uté ese al que conocen en el balio como “E Guapo Damaco”?

recordaba absolutamente nada.

Algo muy dentro de él —algunos dirían que la entraña— le punzó y El Guapo Damascos levantó el mentón: un crío, de no más de veinte años, moreno y afable, le sonreía con sangre boricua en las pupilas. Pero los hábitos de la calle no se olvidaban: El Guapo Damascos se incorporó de un movimiento, pensando quizá en alguna deuda muy vieja, de dinero o de sangre, y de puro instinto dejó de temblar:

Siembra Willie Colón & Rubén Blades Fania Records 1978

calendario -039-

Octubre 2013 4 Crystal Castles

19 Kashmir

José Cuervo Salón, México, D.F.

El Plaza Condesa, México, D.F.

24 Tame Impala

5 Alice In Chains

José Cuervo Salón, México, D.F.

Dorian y Bengala Plaza Condesa, México, D.F.

12 y13 Corona Capital Curva 4, Autódromo Hnos. Rodríguez, México, D.F.

9 y 10 Atoms For Peace

12 After Corona (White Lies DJ Set) Imperial, México, D.F.

Pepsi Center WTC, México, D.F.

15 Pet Shop Boys

25 Blonde Redhead El Plaza Condesa, México, D.F.

Arena Ciudad De México, México, D.F.

11 #WARP7 (Blondie, White Lies, Poolside y Caloncho) Teatro Metropólitan, México, D.F.

After Party #WARP7 (Nancy Whang, SLKTR Y Sanfuentes) Club Social Rhodesia, México, D.F.

18-20 Muse

26 Black Sabbath Foro Sol, México, D.F.

Palacio de los Deportes, México, D.F.

27 Aerosmith Arena Ciudad De México, México, D.F.

gigs EAGLES OF DEATH METAL Expo Reforma Foto: Claudia Gonzรกlez para WARP

Animal Collective

-042-

Ceremonia Por: Carlos Rodríguez

Fotos: Franccel Hernández para WARP

Ceremonia fue planeado para ser realizado en Xochimilco pero, por razones de logística, el festival se trasladó hasta las orillas de Toluca, al Centro Dinámico Pegaso. Sin embargo, la música y las presentaciones fueron una cosa diferente: empezaba la tarde cuando Mentira Mentira inauguró la primera edición del festival, seguido por Little Jesus, que fue de gran ayuda para distraer a las personas de la lluvia y del frío con toda su energía, mucha de la cual fue a dar a un público bastante receptivo, lo que hizo que la banda se consolidara como uno de los mejores actos mexicanos del día, terminando su set con ‘Azul’.

Yesco se encargó de la inauguración del escenario de la disquera Ed Banger, seguido por el español Begun, que llenó de lodo los zapatos de los asistentes, haciéndolos bailar hasta convertir en un pantano aquella zona. Sampleando con los beats más pesados hasta el momento, el rap agresivo de Simpson Ahuevo tomó por sorpresa el escenario Ceremonia; y utilizando el clásico grito de guerra punk, “Hey-ho, let’s ho!”, y tocando samplers de Pink Floyd, los raperos crearon el ambiente frenético esperado en el festival. Luego fue el turno de Centavrvs y su “música electrónica regional mexicana”: un proyecto ideal para este tipo de ocasiones, por su ecléctico estilo y la manipulación de referencias folklóricas, haciéndolo sonar totalmente diferente a cualquier otro. Pero XXYYXX fue el primer acto cien por ciento electrónico que llevó su presentación de una hora completa al escenario Ceremonia, donde para entonces la lluvia había parado por un momento, ayudando a los espectadores a disfrutar de mejor manera el show que Marcel Everett traía. Chazwick Bundick, mejor conocido como Toro y Moi, cambió un poco la dinámica que se estaba llevando hasta el momento en el escenario Ceremonia, con un funk explosivo, creado para la fiesta, con luces, lluvia y celebración incluidas. ‘New Beat’ fue uno de los momentos claves de su presen-

Toro y Moi

tación, donde el artista aprovechó para promover temas de su nuevo álbum, Anything In Return, para terminar con ‘Low Shoulder’ y ‘Say That’. En el escenario Ed Banger, Nosaj Thing terminó su set luego de Club 303, mientras que en el Ceremonia, el dúo canadiense Purity Ring se apoderaba de las bocinas, con luces y el inmejorable estado anímico de su público; y aunque su estilo

y tienen un show que parece estar aparte del festival mismo. Y la vida del escenario se sintió nueva desde que los músicos subieron hasta que se despidieron con ‘My Girls’. Mientras, del otro lado del festival, Justice llegó al escenario Ed Banger y mandó la expectativa de los presentes hasta el techo, pero no por lo bueno que pudo sonar, sino por las fallas técnicas que sufrieron: durante un rato, con el sonido apagado, el público yació con los brazos cruzados. Sin embargo, lo importante fue la manera en que Justice recobró el control, pues la mayoría de los que asistimos esperábamos algo mucho más relajado y fue todo lo contrario: con un concierto minimalista en luces, pero potente en unos bajos que parecían salir del piso mojado, lograron que el espectáculo fuera más intenso: un muy buen cierre del escenario Ed Banger y, con ello, de la primera edición del festival Ceremonia. Nicolas Jaar

fue menos intenso que el de sus predecesores, llegaron a tener una vibra especial que produjo un ambiente adecuado para el momento. Megan James —con sus reminiscencias a Björk o Ladytron—, junto con Corin Roddick, por su parte, crearon un ambiente preciso y original para la noche. Fue una lástima no poder ver un acto en vivo de Breakbot en el escenario Ed Banger, pues éste se convirtió en DJ set. Aun así, el show no falló al estimular el baile, con french touch extraído de los años noventa y un espectáculo concreto que no decepcionó a sus seguidores. Nicolas Jaar, por su parte, significó un momento icónico del Ceremonia, pues sus visuales fueron todo un espectáculo hipnotizante de principio a fin. Y es que Jaar es conocido por sus composiciones extensas; así, su presentación se vio decorada por varias de ellas: ‘El Bandido’ y ‘Mi Mujer’ fueron el sonido que la gente parecía esperar, mientras que su mezcla de ‘Instant Crush’, de Daft Punk y Julian Casablancas, mostró un sonido igual de cálido. Con la noche encima, llegó el momento de Animal Collective, quien no pudo haberlo hecho mejor: el escenario tenía vida propia y las luces decoraban dientes gigantes que enmarcaban el resto del montaje, conformado por estructuras enormes a modo de pinturas modernistas. El sonido de la banda es único

Breakbot

XXYYXX

Purity Ring

SIETE AÑOS ROMPIENDO FRONTERAS Surgiendo como un proyecto editorial vía Internet, especializado en la escena rock independiente de México y el mundo, este 2013 WARP celebra siete años de incontables logros: desde su lanzamiento en impreso hasta su arribo a la televisión a nivel Latinoamérica, pasando por presentaciones íntimas de numerosas bandas y encuentros periodísticos de reflexión. Como medio interesado en la difusión periodística y apoyo a proyectos de calidad, la marca que inició con las limitaciones propias de su rubro ha alcanzado proyección en diferentes países, con especial valía el reciente lanzamiento de WARP Costa Rica, con una serie de eventos que incluyeron a Café Tacvba como acto principal. Y si bien en años pasados el aniversario de este medio, referencia informativa para miles de lectores, ha incluido a bandas de renombre, este año rebasará la categoría de “memorable” y “único”. Primero llegarán cuatro mesas de debate en las que reconocidas figuras hablarán sobre temas que circundan la creación musical: producción, cine, diseño y periodismo. Milo Froideval, Uriel Waizel, Lynn Feinchtein y Quique Ollervides son algunos de los nombres que se reunirán en el Hotel W, eventos que serán seguidos por actividades que complementarán la velada. Aunque lo anterior ya llena de orgullo a los que trabajamos en esta empresa, la cúspide del festejo denominado #WARP7 llegará de la mano de tres talentos inmejorables, este 11 de octubre: Abriendo la noche, la dupla angelina Poolside llenará de frescura y ritmos bailables cada espacio del Teatro Metropólitan; poco después, los talentosos miembros de White Lies ofrecerán lo mejor de su catálogo y de su nueva producción Big TV, para cerrar después con la leyenda que representa Blondie, que dejará atónitos a todos lo que decidan acompañarnos. Por demás plausible será el after party que ocurrirá en el Club Social Rhodesia, con la magia de Nancy Whang (LCD Soundsystem) y Sanfuentes en las tornamesas.

Sean bienvenidos a este, nuestro aniversario #WARP7.

Sanfuentes EN CHILE SE BAILA Por: Alejandro Altamirano / Fotos: Cortesía Sanfuentes

VICENTE SANFUENTES ES MÚSICO, PRODUCTOR Y DJ CHILENO RADICADO EN LOS ANGELES. ENTRE SUS MÚLTIPLES PROYECTOS, HA FORMADO PARTE DE SURTEK COLLECTIVE, TRABAJANDO JUNTO A SEÑOR COCONUT, Y TIENE UN SELLO JUNTO A MATÍAS AGUAYO LLAMADO CÓMEME, CON EL QUE HA FIRMADO A ARTISTAS MEXICANOS COMO REBOLLEDO Y DANIEL MALOSO. SIENDO PRODUCTOR DE DISCOS DE MATÍAS AGUAYO, FRANCISCA VALENZUELA Y LOS AMIGOS INVISIBLES, SANFUENTES FORMA PARTE DE LA CELEBRACIÓN #WARP7 Y ESTA ES LA CHARLA EXCLUSIVA QUE SOSTUVIMOS CON ÉL, ANTES DE SU PRESENTACIÓN EN DICHA FIESTA.

“ME HE ESTADO DEDICANDO A HACER MÚSICA MÍA, CADA DOS MESES, APROXIMADAMENTE, EDITÓ ALGÚN EP O UN PAR DE TRACKS. ESTE AÑO YA LLEVO TRES EPS DE SANFUENTES Y VIENEN OTROS TRES EN CAMINO, TODOS BAJO MI PROPIO SELLO..” -VICENTE SANFUENTES

¿Qué faceta disfrutas más? ¿La de músico o la de productor? Me gustan las dos. Producir me deja una visión más amplia, porque absorbo mucho de la persona con la que he trabajado. Pero la verdad es que los últimos dos o tres años me he dedicado más a hacer mi propia música; me encuentro en una especie de desarrollo de mi propio estilo.

videos, ahora que el sello ya ha comenzado a caminar un poco más. El próximo año quiero abrir el espacio a música de otros artistas, hasta el momento solamente lo he utilizado para editar música mía, así que espero que todos los chicos que se dediquen a esto y estén leyendo ahora vayan preparando sus mejores tracks, porque comenzaré a recibir demos. De las cosas más cercanas está un EP con un músico inglés muy querido, del cual todavía no les puedo revelar el nombre, y la producción del segundo disco de una cantante chilena, de la cual tampoco les puedo comentar quién es.

¿Cuál es tu perspectiva de la escena electrónica latinoamericana? ¡Muy buena! En lo personal me gusta mucho; incluso, si la comparamos con la estadounidense, me gusta muchísimo más, aunque son distintas. En Latinoamérica no es una industria aún, es más bien algo que sucedió de manera espontánea, por eso es tan bella. Te hablo de lo que conozco, cosas de Argentina, de Brasil, de Colombia y quizá de México. En Chile, por ejemplo, lo que sucedió es que varios músicos se fueron al extranjero y regresaron con muchos buenos discos, convirtiéndose en una especie de embajadores musicales, lo cual ayudó a crear la escena.

¿Cómo te sientes de formar parte de las celebraciones de WARP en su séptimo aniversario? Muy bien, sobre todo porque en México está pasando algo muy bueno con la escena musical electrónica, algo que no es de ahora, pues lleva bastante tiempo, lo cual me parece genial. Gente como Maloso, Nortec, Andre VII y el mismo Alejandro Franco, aunque no necesariamente hacen cosas juntos, han puesto a México en el mapa y se les percibe dentro de una misma escena. El hecho de que estén viajando y tocando en diferentes lugares, dentro y fuera de México, hace que se logre consolidar una identidad, con mayor confianza y fuerza. Lo más importante, sin embargo, es que no simulan ni copian los pasos que se dan en lugares como Alemania e Inglaterra. Creo que WARP ha hecho un gran trabajo, no sólo en la difusión, sino que ha procurado con el mismo respeto, tono y entusiasmo, tanto a la gente local, como a la internacional.

¿Cómo definirías tu estilo? Cuando subes algún tema a Soundcloud, el sitio te pide que lo etiquetes con algún estilo o simplemente que elijas “otro”, así que yo he etiquetado mis temas bajo el nombre de “Machine Funk”. Estoy muy inspirado por las máquinas y la tecnología de ciertas épocas, quizá por el recuerdo de los sonidos que producían. Y no necesariamente me gusta la música retro, más bien diría que uso lo mejor de cada época. No me interesan muchos los beats, el minimal o ese tipo de cosas, estoy enfocado en el uso del ritmo de básicamente todo aquello que sucede de la cintura para abajo.

¿Tienes preparada alguna sorpresa para tu presentación en #WARP7, quizá algo de música nueva? Voy a estar lanzando un nuevo EP que ya tengo terminado y está bastante locochón, y bueno, siempre trato de prepararme para los shows, más o menos cada mes hago un mixtape para estar muy encima de la nueva música, metiendo nuevos tracks a la producción y sacando los que no funcionaron. Me gusta hacer bailar a la gente, que se saquen la camisa, que las chicas se la pasen bien y que todo sea diversión.

¿En qué clase de proyecto te encuentras actualmente? Me he estado dedicando a hacer música mía, cada dos meses, aproximadamente, editó algún EP o un par de tracks. Este año ya llevo tres EPs de Sanfuentes y vienen otros tres en camino, todos bajo mi propio sello. El paso siguiente será pasar a otro formato todo ese material, se vienen algunos viniles y la grabación de

> Alejandro Altamirano es Asistente Editorial de WARP. Puedes leer su entrevista con Bosnian Rainbows en WARP #59.

UN AÑO PASA VOLANDO Por: Eduardo Guillot

Hace algo más de un año, una conversación durante un encuentro amistoso en un restaurante de Valencia desembocó en una proposición para colaborar en WARP Magazine. Después de diez entregas, la experiencia de escribir para lectores que se encuentran a miles de kilómetros, en un entorno musical diferente, sigue siendo un gran estímulo: una cita mensual que ha pasado a formar parte de mis rutinas de trabajo. La culpa la tuvo Carlos Sosa y justo es reconocerlo. Conocí al hoy director de La Casa Del Cine en 2008, cuando ambos fuimos miembros del jurado en In-Edit, el festival de cine documental musical de Barcelona. Pese a nuestra disparidad de criterio a la hora de calificar, conectamos rápidamente y, desde entonces, sin importar la gran distancia que nos separa, hemos coincidido a menudo. Un día de julio de 2012, Carlos Sosa me mandó un mensaje para decirme que un amigo suyo venía a España para asistir al Festival de Benicàssim. Aquel amigo era Alejandro Franco, fundador y director de WARP Magazine, revista que yo ya conocía por alguna de mis anteriores visitas a México. No tardamos en concertar un encuentro para comer juntos y conocernos. Congeniamos de inmediato y me propuso escribir una colaboración mensual. Acepté y, un año después, aquí sigo, encantado de aportar mi granito de arena a una cabecera de referencia en el país. Fue entonces que conocí (aunque de momento sólo de manera virtual) a Diovanny Garfias, Editor en Jefe de WARP Magazine, que cada mes me avanza los contenidos del número siguiente para centrar, de algún modo, los temas a abordar en mis textos; él es también quien determina las fechas de entrega: esa espada de Damocles que pende siempre sobre la cabeza del periodista. Pero creo que, hasta ahora, he entregado siempre a tiempo. Toco madera. Ahora recuerdo todo esto, en primera persona, porque precisamente Diovanny me ha propuesto hacerlo, ya que WARP está de

Aniversario y un modo de celebrarlo es compartir con los lectores una experiencia que me ha servido para estrechar un poco más los lazos con una tierra que admiro y que me gustaría visitar con más frecuencia, entre otras cosas para lograr una mayor retroalimentación con los lectores. Pero, bueno, no es ningún secreto que, desde España, esto resulte complicado. Aunque, teniendo en cuenta los contenidos de la revista, tengo la sensación de que existe cierta sensibilidad compartida que no entiende de fronteras ni océanos. Pienso en discos recientes que podrían ser una buena banda sonora para celebrar un año más en la andadura de esta publicación; se me ocurren los últimos de Arctic Monkeys, White Hills, Neko Case, Volcano Choir, The Julie Ruin, Superchunk… Seguro que coincidiríamos en muchos de ellos. También me gustaría que entraran a la fiesta grupos españoles que no tienen la suerte de contar con el mismo reconocimiento y que son completos desconocidos para el público mexicano, pese a estar haciendo cosas de enorme calidad. Son bandas como Las Nurses, Cuello, Lüger, Fasenuova, Mox Nox, Betunizer, Za!, Unicornibot y muchas otras que se pueden descubrir gracias al milagro de la Internet (sí, para la gente de mi edad, la Internet es un auténtico milagro: el lector ni se imagina lo difícil que era, hace un par de décadas, intentar escuchar a un artista “tan interesante”, según la prensa inglesa, cuyo disco no se había editado aún en tu país). Pero busquen a las bandas españolas mencionadas en sitios como bandcamp.com. Valen la pena. Curiosamente, cuando empecé a colaborar en WARP Magazine, en 2012, se estaba preparando el aniversario. Un año pasa volando. Y una vez más no he podido asistir a las celebraciones. Pero no tiro la toalla: si tienen a bien seguir confiando en mí, quizá la tercera sea la vencida. Así que, mientras transcurren otros veloces doce meses, vayan poniendo a enfriar unas chelas. ¡Un abrazo!

> Eduardo Guillot es periodista y crítico musical español con trayectoria de más de 25 años. Actualmente colabora en la Revista Rockdeluxe.

Poolside THE SOUNDTRACK OF YOUR HOLIDAY Por: Raúl Arce / Foto: Chris Juarez

SE DICE QUE HAY MÚSICA PARA CADA OCASIÓN. HAY CANCIONES TRISTES, PARA FESTEJAR, PARA SUFRIR EL TRÁFICO Y, POR SUPUESTO, PARA ESTAR EN LA PLAYA Y PASARLA BIEN. ES PRECISAMENTE BAJO ESTA ÚLTIMA PREMISA QUE EL DÚO ELECTRÓNICO POOLSIDE HA BASADO SU SONIDO, POR LO QUE PACIFIC STANDARD TIME, SU ÁLBUM DEBUT, PUEDE FORMAR PARTE, SIN PROBLEMA, DE LA BANDA SONORA DE UNAS SOLEADAS VACACIONES EN LA PLAYA.

“CREO QUE LA FUENTE MÁS IMPORTANTE DE INSPIRACIÓN ES EL HECHO DE QUE VIVIMOS EN LOS ANGELES, DONDE EL CLIMA SIEMPRE ES AGRADABLE, HAY PLAYAS BONITAS Y PISCINAS EN CASI TODOS LADOS.” -FILIP NIKOLIC

Al escuchar Pacific Standard Time, su álbum debut, resulta evidente que fue concebido en un ambiente relajado. ¿Fue igual el proceso creativo? Creo que la fuente más importante de inspiración es el hecho de que vivimos en Los Angeles, donde el clima siempre es agradable, hay playas bonitas y piscinas en casi todos lados; hasta mi estudio está junto a una alberca, así que cuando tomamos un descanso, saltamos al agua de inmediato. Por otro lado, pienso que el bagaje en música disco y dance que Jeff tiene, sumado a la experiencia de ambos como DJs, hace que el proyecto funcione.

Conformado por Filip Nikolic (Junior Senior/Ima Robot) y Jeff Paradise (alias “Jefrodisiac”), Poolside se ha convertido en uno de los actos electrónicos angelinos a seguir. Avalados por productores de la talla de Todd Terje, Dimitri From Paris y The Magician, este par ha logrado crear un sonido singular que destaca por su frescura y por el uso de elementos orgánicos, como la guitarra y el bajo. El éxito de la fórmula de Poolside radica en el balance que existe entre los estilos de sus miembros. Por un lado, Paradise aporta elegantes beats y camas sonoras sumamente sofisticadas, mientras que Nikolic añade ese tinte “más humano” que ha caracterizado al proyecto desde su formación. Como parte de la celebración por su séptimo aniversario, WARP Magazine presenta a Poolside en la Ciudad de México, sosteniendo una interesante conversación con Filip, en la que el músico danés compartió algunos detalles del proceso creativo que sigue la banda, además de externar las expectativas que tiene de su próxima visita a la capital mexicana.

Hay un apogeo de músicos y productores de electrónica, en buena medida, gracias al uso de nuevos programas de audio y al mejoramiento de los equipos. ¿Cuál es tu opinión al respecto? Sé que hay muchas posturas respecto a este tema. En nuestro caso, nos esforzamos por imprimir un carácter humano a nuestra música. El asunto es que, cuando haces música en la computadora, el resultado puede sonar demasiado limpio, perfecto; por el contrario, si usas instrumentos, pese a los riesgos, todo suena más vivo. Dentro del género en que nos movemos hay gente que hace todo muy pulcro, lo que llega a sentirse artificial. Nosotros tratamos de incorporar elementos humanos, incluso errores porque no nos interesa que sea perfecto. Si escuchas con atención alguno de nuestros discos, es posible percibir errores, ruidos; eso vuelve más orgánico al sonido.

¿Cómo es que surge la idea de crear un proyecto electrónico? Siempre he estado involucrado con la música y, aunque Poolside empezó apenas hace dos años, toda la vida he hecho música, así que esto no es algo nuevo para mí. Sabemos que fuiste bajista de Junior Senior e Ima Robot. ¿Consideras que esto ha influido en el sonido de Poolside? Yo creo que sí. Aunque de hecho soy guitarrista, el que haya tocado el bajo en las bandas que mencionas definitivamente tiene un efecto en la música de Poolside, pues el bajo es muy importante en nuestras canciones. Considero que todo lo que haces dentro de la música tiene una influencia, así que es completamente natural.

El próximo octubre vienen a la Ciudad de México para el séptimo aniversario de WARP. ¿Cuáles son sus expectativas? Nos encanta México, siempre es divertido. Hemos hecho DJ sets allá, además de un par de presentaciones en vivo. Estoy muy emocionado por esta presentación, ya que, en mi opinión, la banda está en su mejor momento. Tenemos todos los sintetizadores, guitarra, bajo y muchas intervenciones cantadas, así que será increíble. México siempre nos ha recibido bien y su gente es sumamente cálida y amable.

¿Por qué decidiste mudarte a Los Angeles desde Dinamarca? Estaba en una gira de dos meses por Estados Unidos con Junior Senior y, como tenía visa por un año, decidí quedarme un rato más en Los Angeles, así que conseguí un departamento, el cual me gustó tanto que terminé quedándome. En México aún hay gente que no ha tenido la oportunidad de escuchar la música de Poolside. ¿Cómo definirías la propuesta de su proyecto? Todo empezó con la idea de crear música para escucharse al lado de la alberca, así que lo llamamos daytime disco. Tiene mucha influencia de los años setenta, de la música disco clásica. Yo diría que son “sonidos para relajarse”.

Pacific Standard Time fue lanzado el año pasado. ¿Planean volver al estudio este año o seguirán promocionando el álbum? Creo que es tiempo de planear el nuevo disco; de hecho, ya tenemos un par de canciones nuevas pero debido a la gira no hemos tenido mucho tiempo para trabajar en forma.

FELICES 7, WARP Por: Paul Stokes / @stokesie / Traducción: Jorge Rodríguez

Ocasionalmente le cuento a la gente que escribo para una revista mexicana y, después de especificar que no hablo ni escribo en español (la verdad es que algún héroe/heroína anónimo es el responsable de estas palabras, por lo que aprovecho para darle las gracias y ofrecerle disculpas por todos los errores tipográficos que haya podido cometer), inevitablemente sigue esta pregunta: “¿Y tú qué sabes acerca de música mexicana?”. Desde que WARP Magazine, hace unos años, me preguntó si estaba interesado en escribir algunas palabras para el público mexicano, tengo que admitir que mi colaboración es un pendiente mensual que me preocupa. Aún no he tenido la oportunidad de visitar México (espero que esto cambie este año), así que mientras siento que mi trabajo es hacerles saber lo que pasa en Reino Unido, no quisiera que mis puntos de vista acerca de la música los haga pensar que los editores le dieron una sección a un loco (“¿Por qué está hablando de nuevo de Moldy Peaches?”). Una vez al mes, desde hace varios números, me llega un correo electrónico desde México y, mientras se acerca la fecha de entrega, la búsqueda se va concretando y el pánico comienza a ceder. Sin embargo, este mes me pidieron que reflexionara acerca de mis cuatro años como columnista de WARP Magazine. Así que, tomando un paso atrás, me puse a pensar que no conocer México es quizá algo bueno, ya que me da una libertad que rara vez he sentido en cualquiera de mis trabajos en Gran Bretaña. Las revistas londinenses no tienen un tema mensual, como WARP Magazine, así que si me retan a escribir algo que está complementando una idea más grande e incluyente, se siente más como el comienzo de una gran aventura que como una tarea periodística. He escrito, por ejemplo, sobre actos que adoro, contrario a lo que las revistas de aquí me piden que cubra. Me he atrevido a sugerir una que otra teoría descabellada y, probablemente, en WARP Magazine más que en

cualquier otro lugar, he sido una persona honesta. Y es que hay una libertad inesperada cuando sabes que tus palabras se publicarán en un lenguaje que no puedes leer —nunca leo mi columna de WARP Magazine—, maldiciéndome por frases torpes o por decir cosas que no debía, porque, francamente, no puedo. Así que sólo escribo. Y espero que esa sea la razón por la que esto funciona. Una de mis reglas para escribir de música es que tengo que ser fan de la música para seguir haciéndolo, porque, créanme, he conocido a muchas personas en la industria que, cínicamente, no lo son. Afortunadamente, me siguen dando nervios cuando conozco artistas que admiro y todavía escucho los discos que amaré hasta la muerte, aunque todavía no puedo hablar con Elvis Costello (de hecho, lo intenté recientemente y salí corriendo como un niño que acaba de saludar a su ídolo). Por ello me prometí que si un día perdía ese sentimiento, tendría que renunciar, porque si no amas lo que haces, ¿para qué hacerlo? Escribir y, particularmente, editar como profesión, significa que tienes que aceptar el negocio de la música de vez en cuando, pues viene con el negocio de ser periodista, tienes que escribir para tu audiencia y, de hecho (alerta de honestidad), me molesta que tanta mierda autorreferencial pase como “periodismo musical” en Reino Unido, cuando en realidad los escritores están escribiendo sólo para impresionar a otros “periodistas musicales”. En resumidas cuentas: esta es la página mensual donde puedo ser simplemente un fanático más de la música y escribir sobre ella. No es relevante si eres de México o de Manchester: si te apasiona la música, la podrás disfrutar en cualquier parte del mundo, sin importar si conoces al artista personalmente o si siquiera puedes entender sus letras. Creo que esta es la razón por la cual los editores de WARP Magazine me siguen mandando correos cada mes, pidiéndome más palabras… aunque, pensándolo bien, también podría ser por ese terrible secreto que les conozco…

> Paul Stokes es Editor Asociado de Q Magazine, puedes leer su editorial From The Heart en WARP #59.

white lies THERE GOES OUR LOVE AGAIN Por: Elsa Núñez Cebada / Fotos: Cortesía WL

¿SE ACUERDAN DE LO QUE ESTABAN HACIENDO HACE SIETE AÑOS? MIENTRAS UNOS ESTABAN EN PLENA ETAPA PREPARATORIANA, SIN PENSAR DEMASIADO EN EL FUTURO, OTROS DE SEGURO SUFRÍAN DE MÁS POR LOS EXÁMENES FINALES Y MUCHOS MÁS, COMO CHARLES CAVE, AHORA BAJISTA DE WHITE LIES, DEJABA QUE LA VIDA SE LE FUERA DE LA MANO DE UNA CHICA, SIN SIQUIERA SOÑAR QUE ALGÚN DÍA TERMINARÍA SIENDO PARTE DE UNA BANDA TAN IMPORTANTE. 55

“CREO QUE EN BIG TV LOGRAMOS DAR UN PASO MÁS, LAS LETRAS SON MÁS INTENSAS Y EL SONIDO ES UN POCO DIFERENTE; ESO ES LO QUE HACE QUE LA GENTE DISFRUTE DE CANCIONES EN VIVO Y ES UNA DE LAS RAZONES POR LAS QUE LOS MÚSICOS DISFRUTAMOS GRABAR.” -CHARLES CAVE

Hace siete años, también, comenzábamos un proyecto editorial que nos ha llevado a vivir muchísimas experiencias: desde platicar con músicos cuyas carreras simplemente no trascendieron, hasta conocer a esas personas que musicalizaron nuestra adolescencia, eso sin contar con los tantos festivales de los que nos han permitido reseñar la experiencia vivida. Estamos celebrando nuestro séptimo cumpleaños y para ello hemos trabajado varios meses; así, entre otras cosas, los invitaremos a una fiesta a la altura de todo lo que se hace detrás de estas letras. Y, precisamente, White Lies es una de las bandas que subirán al escenario a festejar con nosotros; así que antes de que la fecha esperada llegue, WARP Magazine platicó con Charles, quien nos compartió detalles sobre la historia de la banda, del proceso detrás de Big TV y de lo que estaba haciendo antes de nuestro nacimiento.

te; eso es lo que hace que la gente disfrute de canciones en vivo y es una de las razones por las que los músicos disfrutamos grabar. En el caso de Big TV, el ritmo es diferente y, aunque tal vez no es un álbum perfecto, tiene lo necesario —lo que necesitábamos, más que nada— para ser bueno en vivo. Los conciertos son una prueba para los músicos, allí es donde sabes, de primera instancia, si lo hiciste bien. Para este álbum trabajaron de nueva cuenta con Ed Buller, ¿por qué? Ed Buller estuvo en nuestro primer disco como White Lies, To Lose My Life, y deseábamos estar con alguien que nos conociera. Una grabación es pesada y él sabe hacer todo más fácil y divertido. Ed es como otro miembro de la banda, es uno de nuestros mejores amigos y nos entiende bastante bien, sabe cómo obtener los resultados que deseamos y es muy talentoso en cuanto a las letras y los arreglos de las canciones. Además, es un productor chapado a la antigua, no está tan interesado en la parte de ingeniería, sino en el sonido de las canciones y en la grabación como tal. Estamos muy contentos, porque es importante contar con una persona que te entienda y que te ayude a disfrutar del proceso.

Ritual fue un disco muy exitoso. ¿Cómo concluyó White Lies esa etapa tan importante? Terminamos con un concierto en Londres, en el que hubo unas 10 mil personas: uno de los más grandes que hemos hecho en nuestra carrera. Estábamos satisfechos, pero agotados, así que necesitábamos un descanso; después de estar tanto tiempo juntos, queríamos regresar a casa y convivir con nuestras familias y amigos para, digamos, “refrescarnos” y luego empezar a componer de nuevo. ¿Hay algún momento de la gira que recuerdes especialmente? Claro: cuando estuvimos en el Reading Festival, en 2011, pues es uno de los más grandes e importantes de Reino Unido. Es raro tocar allí luego de que, durante años, estuviste viéndolo en televisión y soñabas con pisar ese escenario. Como músico deseaba realmente ser invitado y fue increíble tocar en un escenario tan importante, al lado de tantas bandas interesantes y con cientos de miles de personas viéndonos y disfrutando con nuestra música.

¿Cómo fue el proceso detrás de Big TV? En esta ocasión decidimos regresar al estudio donde grabamos por primera vez, en Bélgica. Para este tipo de procesos es importante sentirse en confianza, por eso estuvimos allá cerca de un mes. Aunque estuvimos mucho más tiempo escribiendo y dándole forma a las canciones, llegamos al resultado que deseábamos. Fueron cinco meses de escribir en la casa de Harry y dos semanas más que nos fuimos al campo, después de eso fueron tres o cuatro meses de estar en casa de la familia de Ed, haciendo demos de las canciones, antes del mes en Bélgica. Así que este disco estuvo hecho en tres momentos diferentes, lo que creo que le dio un toque distinto. En cuanto a la composición, Big TV nació en la casa de Harry.

Ahora los tenemos de regreso con Big TV, su nuevo disco. ¿Cuál sería su principal diferencia con el anterior? Creo que en Big TV logramos dar un paso más, las letras son más intensas y creo que el sonido es un poco diferen-

Son ya muchos años juntos como banda. ¿Recuerdas la primera vez que tocaron? Fue una Navidad, en casa de Jack [batería], le quería dar una sorpresa a sus papás y tocamos en su recámara. Harry y yo compramos unos pequeños amplificadores y lo hicimos con nuestros primeros instrumentos. No sé, simplemente lo hicimos, teníamos unos catorce años… fue muy chistoso. También recuerdo una vez que fuimos al cumpleaños de un amigo. Lo que sucedió fue que agarramos unos conos de la calle, los pusimos en su sala y tocamos detrás de ellos: era nuestro escenario.

positivas sobre Corona Capital y será interesante. Debemos recordar que en los festivales tocas sólo unos 45 minutos, por lo que debes decidir muy bien qué canciones vas a tocar. Además, de los festivales me gusta el hecho de que no sabes lo que va a pasar, cómo va a estar el clima, no sabes cuánta gente te va a ver ni cómo será el escenario en el que estarás, el sonido y una infinidad de detalles. ¿Qué debemos esperar de su concierto? Queremos que sea increíble. No vamos a México cada año y, por ello, deseamos pasarla bien y hacer que los fans lo disfruten. Queremos transmitirles nuestra pasión.

Vienen a México para tocar en la fiesta de aniversario de WARP y en un festival de nuestro país, Corona Capital. ¿Les emociona la idea? Es increíble. Será la tercera vez que estemos por allá pero nos emociona más en esta ocasión, porque ya sabemos cómo es la gente. Antes no teníamos idea de qué esperar y nos fue bastante bien. Nos gustan los festivales porque, así como hay gente que va específicamente a verte, también hay público que no te conoce. Nos han dicho muchas cosas

En el aniversario WARP compartirán escenario con Blondie. ¿Les gusta esta banda? ¡Claro! Estamos entusiasmados por verlos tocar y que sigan siendo tan buenos. Nos interesan las bandas de esa época; de hecho, vimos a Iggy Pop en Corea, hace poco, y fue impresionante. Hay bandas como Fleetwood Mac que siguen siendo muy buenas en vivo, así que estoy seguro que Blondie será algo interesante.

> Elsa Núñez es periodista musical y colaboradora de WARP, puedes leer su entrevista con Peace en WARP #59.

#WARPWEEKEND Costa Rica / Foto: Roberto D’Ambrosio

AQUÍ ESTAMOS DE NUEVO Por: Alejandro Franco

Como ya es costumbre, aquí estamos de nuevo festejando que tenemos la oportunidad, una vez más, de llevar WARP a todo aquel que se quiera contagiar de la mejor música del mundo, un esfuerzo que no es el único, por supuesto, pero que no es ni cercanamente sencillo de llevar a cabo. Compartimos el mismo reto que blogs independientes y otras publicaciones similares a nosotros, que nacen del genuino deseo de comunicar y de transmitir sonidos a través de las letras, de las imágenes, de lo digital y del papel. La falta de mejores canales de distribución, la realidad actual de un país como México, el capricho de tantas agencias de publicidad, las “estrategias” cambiantes de muchas marcas y la competencia a veces malentendida entre los que trabajamos en esta industria son apenas algunos de los conflictos que hay que resolver, para lograr mantener un sitio web, hacer una revista o producir un show de TV. Es por eso que desde que decidimos hacerlo hace dos años, no queremos dejar de festejar anualmente nuestro proyecto WARP. Por si fuera poco, unas semanas antes del festejo actual, celebramos en Costa Rica el #WARPWeekend, un evento sin precedentes en ese tan cercano

país de la pura vida, creado en esta primera edición para festejar que ya tenemos WARP local por allá, con lo mejor del contenido que ya hacemos en México mezclado magistralmente con la creciente escena costarricense. Café Tacvba, Centavrvs, 424, Cocofunka y varios proyectos más, mexicanos y “ticos”, nos encargamos de ser los portavoces de este esfuerzo en ese país cuyo único ejército en formación es el de los amantes de la buena música y de la buena onda. Tenemos mucho que festejar, porque pese a las adversidades aquí seguimos de pie, más fuertes que nunca y más decididos a seguir avanzando. Somos la mejor versión que entendemos de hacer periodismo musical en México, somos la primera revista musical impresa en Costa Rica y somos el medio que estará presente en cada lugar de Hispanoamérica donde tengamos cabida y se esté gestando una pequeña escena alternativa musical o generando una industria, sólo como testigos, jamás como protagonistas, pero siempre comprometidos con ofrecer lo mejor. Gracias a todos los que hacen y siguen WARP pero, sobre todo, gracias a aquello que no sabemos qué es con exactitud, pero que nos deja seguir adelante con pasos firmes.

> Alejandro Franco es conductor del programa de radio WFM para W Radio, escúchalo de lunes a viernes a las 21:00 hrs., a través de wradio.com.mx.

Blondie SUGAR ON THE SIDE Por: José Hernández Riwes Cruz / Fotos: Cortesía Blondie

BLONDIE ESTÁ A PUNTO DE LANZAR SU ÁLBUM NÚMERO 10, GHOSTS OF THE DOWNLOAD, DEL CUAL, A LO LARGO DEL AÑO, HAN PRESENTADO VARIOS ADELANTOS ONLINE. EN OCTUBRE NO SÓLO VA A PARTICIPAR EN UNO DE LOS FESTIVALES MUSICALES MÁS POPULARES DE LA CIUDAD DE MÉXICO, SINO QUE TAMBIÉN ESTARÁ EN LA FIESTA DE ANIVERSARIO DE WARP. POR ELLO, NADA MENOS QUE LA REINA, DEBBIE HARRY, PLATICÓ CON NOSOTROS ACERCA DE LAS BONDADES Y TRAGEDIAS POR LAS QUE ATRAVIESA UNA BANDA CATALOGADA POR LOS EXPERTOS COMO “MÍTICA”. 61

“… NUESTROS AMIGOS DE LA ESCENA ESTABAN MUY FELICES POR NUESTRO ÉXITO. CON LA MAYORÍA SEGUIMOS SIENDO AMIGOS, PERO TAMBIÉN HUBO CELOS. ES PARTE DE LA NATURALEZA HUMANA...” -DEBBIE HARRY

Blondie se ha caracterizado por ser una banda que rompe esquemas: fueron del punk al disco en ‘Heart Of Glass’ e integraron europop en ‘Call Me’; además, es considerada una de las primeras agrupaciones mainstream en incluir rap en una canción pop. Escuchando su nuevo sencillo, ‘A Rose By Any Name’, se puede apreciar, de nueva cuenta, ese rasgo de ruptura con el estilo al que tradicionalmente se le asocia. ¿Consideras ésta una canción transgresiva en cuanto a su letra y música? Básicamente es una canción pop, escrita por el tecladista, Matt Katz-Bohen. Él nos comentó que la letra está inspirada en el sentimiento que la espera del nacimiento de su bebé le despertó, es una declaración de felicidad por un ser humano que llega al mundo, a quien Matt amaría sin importar si era niño o niña. Por otro lado, también se puede interpretar desde el punto de vista sexual, donde no importa el género, sino el amor entre dos personas.

lugar. La dinámica que se desarrolla en un club es muy divertida, pues al ser un espacio pequeño, el grupo está muy cerca de la gente y hay una respuesta inmediata. Tocar para miles de personas, por su parte, es muy emocionante. Son experiencias distintas, pero las dos son muy buenas. Como cantante y artista tengo que ajustarme y aproximarme al público, he hecho ambas cosas durante mucho tiempo, así que para mí no es problema. A lo largo de su carrera, Blondie se ha enfrentado a cosas distintas, no sólo al transgredir fronteras musicales, sino incluso a cuestiones de compañerismo. ¿Qué tan difícil fue para las bandas de la escena del CBGB que Blondie se convirtiera en un grupo mainstream? No lo sé, muchos de nuestros amigos de la escena estaban muy felices por nuestro éxito. Con la mayoría seguimos siendo amigos, pero también hubo celos. Es parte de la naturaleza humana y no se puede hacer nada al respecto. Pero creo que debido a nuestro éxito internacional y, por supuesto, al que tuvimos en Estados Unidos, la escena de Nueva York tuvo un gran impulso; no sólo nosotros recibimos mucha atención, también el resto de las bandas. Al final, me parece, fue un efecto muy positivo.

¿Y en cuanto a la música…? Chris Stein, quien escribió ‘Heart Of Glass’ y ‘Rapture’, influyó mucho en nosotros en cuanto a integrar diversos ritmos en nuestra música; como ejemplo el reggae del cover de ‘The Tide Is High?’. Al dirigirnos a hacer este tipo de combinaciones, Chris expandió nuestros horizontes en cuanto al tipo de música que podíamos tocar. Por otro lado, hay que considerar que somos de Nueva York, una liga donde confluyen muchas culturas y tipos de música. Mezclar distintos ritmos y géneros ahí se vuelve algo natural, parte de la vida. Chris, por ejemplo, ha estado muy influenciado por ritmos latinos y si han escuchado el nuevo material se darán cuenta que hay un par de canciones donde canto algunos versos en “mal español” [risas]. Espero perdonen mi pronunciación, prometo que en vivo haré mi mejor esfuerzo.

Y tan es así que, en estos días, se lanzó una película sobre el CBGB. ¿Qué opinas del retrato que se hace de aquella escena casi cuatro décadas después? No he visto el filme, pero Clem Burke, nuestro baterista, sí, la vio en Los Angeles y nos dijo que es, sobre todo, una película biográfica acerca de Hilly Kristal, quien fundó el club y lo manejó por muchos años. En ese sentido, creo que es maravilloso que sea una obra biográfica, pues muestra la sinceridad y el amor que él tenía por la música. Creo que la película es muy precisa respecto a Television, no lo sé en cuanto al resto de las bandas, y aunque no puedo ser objetiva ya que no la he visto, me da gusto que la hayan hecho. Es muy difícil hacer una película de ese estilo, que sea totalmente precisa en los datos; aunque así fuera, no sería necesariamente una buena película. Pero como lo mencioné, creo que lo más importante es que sea una película acerca de Hilly, que sea un tributo a su memoria.

Sobre esto, Blondie se va a presentar en el festival Corona Capital y en la fiesta de aniversario de WARP; un concierto masivo y otro más íntimo. ¿Cómo se aproximan a cada uno? ¿Hay alguna diferencia o preferencia? Nuestro proyecto siempre gira entorno a la música y la gente, no importa la cantidad de público o el tamaño del

Foto: Andy Warhol

Es curioso: con el paso del tiempo la gente comienza a idealizar situaciones y bandas, a reverenciarlas desde una perspectiva mítica y, en muchos casos, las coloca en un espacio nostálgico. ¿Qué tan difícil es para Blondie lidiar con esto, siendo que es una banda que continúa generando material y experimentando con nuevos géneros musicales? En lo personal, siempre tiene que ver con la música y tengo que regresar a ello, porque si no disfruto hacer la música y si la música no es la fuerza más importante para mí, entonces no me interesaría estar en esto. No me importan los chismes o las opiniones interpretativas, creo que todos tienen derecho a opinar y manifestar sus gustos. Eso es lo que somos, animales con ciertos sentimientos y es legítimo y válido mostrarlos; para mí, sin embargo, seguir adelante, hacer música nueva, es la parte más importan-

te. Encontrar satisfacción en hacerlo, en crear y en ser creativo, y además compartirlo con la gente, es lo que me mantiene vigente y es lo que he estado haciendo a lo largo del tiempo… Al menos eso creo [risas]. ¿Se puede decir entonces que Blondie continuará haciendo música por muchos años? Eso espero y ojalá que a la gente le guste nuestra música nueva. Vamos a tocar muchas de esas canciones y, claro, también algunas cosas de nuestro repertorio más famoso, algunos éxitos. Siempre intentamos crear un retrato completo del pasado, presente y futuro. No siempre es fácil, pero intentamos que las cosas fluyan, generando esa imagen sobre la continuidad de nuestros sentimientos, sobre la música y lo que hacemos con ella.

> José Hernández Riwes es Profesor y Jefe de Actividades Culturales en la UAM Azcapotzalco, cantante y multiinstrumentista.

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WARP TV P69. TECHNOLOGIC. Volviendo al futuro P70. LUST IN THE MOVIES. El ladr贸n de voces P74. FASHION NUGGET. After hours P78. ART BRUT. Arne Quinze

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TECHNOLOGIC

Volviendo al futuro Por: Alejandro Escobedo

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Las modas vienen y van en el ámbito tecnológico, ¿quién iba a pensar que ese extraño intento de teléfono gigante que presentó Apple en 2010 iba a tener un impacto tan grande en nuestra vida diaria? En ese momento nació un artículo de estatus, una señal de estar a la moda y una tendencia hacia desechar tecnologías de movilidad anteriores, como las laptops; pero el ciclo de innovación en tablets que apenas empezaba, parece ahora estar estancándose. Las tablets como centro de entretenimiento del hogar toman una fuerza impresionante en la actualidad, y en muchas compañías es parte de la filosofía BYOT (Brint Your Own Tech), parte también de la masiva cantidad de dispositivos con los que cuenta una persona hoy en día. Pero no debemos pensar que las tablets son todavía la última y más avanzada pieza de tecnología en nuestras manos, sino al contrario, pensar en qué se puede hacer para evolucionarlas y que no tengan una muerte segura como las antiguas PDAs (¿alguien todavía recuerda lo que era tener una Palm?). Ahora, las tablets son una comodidad, un dispositivo tan natural y relativamente barato como la televisión, y eso hace que pierda fuerza ese aire de trendy y cool que una vez tuvo. En donde se nota el papel radical que ya juegan las tablets y dispositivos similares es en todos los ámbitos en los que el papel impreso imperaba: cómics, educación, revistas. etc. Leer

una revista, un cómic o un libro nunca fue tan sencillo como descargarlo en tu tablet, pero al mismo tiempo, nunca fue tan frío y tan poco personal. Ahora tenemos combinaciones de las PDAs, reproductores de música, tablets y laptops, tablets con teclados integrados y desprendibles, smartphones gigantes con lápices inteligentes e incluso regresan los relojes ‘inteligentes’, para integrarse con todo lo que ya existe. La tecnología es rápida pero también cíclica, un diseño iterativo que nunca termina por perfeccionarse. Nuestro mismo estilo de vida y maneras de interactuar con el mundo y otras personas dictan esos ciclos, pero lo que se queda y se repite en cada ciclo es lo que encuentra la utilidad después de la novedad. Llevar tu tablet a todos lados puede parecerte muy natural, claro, mientras no te cachen viéndote muy ridículo tomando fotos con ella en cualquier evento, y por esas nimiedades es que poco a poco empezamos a desechar tecnología o partes de ella. Así como dicta la teoría de la evolución biológica de Jean-Baptiste Lamarck, el uso y desuso de las partes dicta la permanencia de las mismas, y en este respecto, la movilidad tiene prioridad, así que si una característica va en contra de la portabilidad se tendrá que ir. Toca ahora subirse un rato al tren de las phablets (phone + tablet), ¡ahí nos vemos!

> Alejandro Escobedo es Ingeniero en Sistemas y colaborador de WARP, puedes leer su columna #CPMX4 en WARP #59.

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LUST IN THE MOVIES

El ladrón de Voces

UN MEDIOMETRAJE DE ADANOWSKY Por: Alejandro Altamirano

Foto: Rubén Márquez

Después de darle fin a su faceta de “Amador”, Adán Jodorowsky, mejor conocido como Adanowsky, está listo para reavivar la llama de otra de sus pasiones artísticas: el cine. Adanowsky ha reclutado a la actriz italiana Asia Argento para protagonizar su nuevo mediometraje, El Ladrón De Voces, el cual se estrenará en el marco del próximo Festival Internacional de Cine de Morelia, programado del 18 al 27 de octubre. A continuación, en charla exclusiva con WARP Magazine, Adanowsky revela todo lo que hay detrás de este nuevo proyecto, el cual, conociendo la hiperactiva creatividad de Adán, seguramente despertará todo tipo de reacciones. ¿Desde cuándo tuviste la idea de hacer El Ladrón De Voces? Creo que fue hace unos diez años, aunque antes ya había hecho un cortometraje, en 35mm, de nombre Echek. Este iba a ser mi segundo trabajo de ese tipo, sólo que no contaba con los fondos. En esa época comenzaba con el arte y mucha gente todavía no confiaba en lo que era capaz de hacer, así que lo tuve que dejar de lado, con un poco de decepción. Entonces pensé en hacer otra cosa para lograrlo; fue cuando comencé con mi faceta de músico, para darme a conocer y después hacer cine de nuevo. Así inició mi carrera de músico. Ya con cierto nombre, una productora de Miami me buscó para hacer un cortometraje, les respondí que tenía una idea, nos reunimos y finalmente me contactaron con Asia Argento, quien me comentó que le había gustado una de mis presentaciones y que quería participar en el proyecto. Luego nos reunimos con los demás productores y entonces lo hicimos.

¿Sobre qué trata El Ladrón De Voces? ¿Cómo surge la historia? Se trata de una cantante de ópera que, debido a una discusión durante una comida, se hace ahorcar por su marido y pierde su gran voz, entonces le dice que si no le devuelve la voz esa misma noche se va a matar. Él le comenta que eso es imposible y ella le contesta que lo haga posible. Entonces él sale a asesinar mujeres para robarles la voz y ofrecérselas a su pareja. ¿Cómo y desde cuándo conociste a Asia Argento, tu protagonista? Su tío, Claudio Argento, fue el productor de Santa Sangre (Alejandro Jodorowsky). Desde entonces escuché hablar mucho de ella y ella de mí, debido a la relación de su tío y mi padre. Un día ella vio una escena de La Muerte De Amador —una de mis presentaciones— en Internet, y me dijo que le había gustado mucho. Entonces le ofrecí que participara en uno de mis proyectos y aceptó. Todo esto en realidad fue por Twitter, así la conocí. ¿Qué tiene Asia Argento para ser protagonista de El Ladrón De Voces? Ella viene de un universo de cintas de terror, nació en eso y yo soy fanático de las cintas de este tipo. Además, yo necesitaba una mujer con fuerza, que pudiera ser violenta pero al mismo

tiempo suave, y ella es de las pocas mujeres que tienen eso. Muchos directores se inclinan por la que es bonita o buscan el estereotipo de la mujer perfecta, pero a mí me gusta lo oscuro, lo negro en una mujer, que tenga fuerza, que no sea sólo algo liso, eso no me interesa; yo no buscaba sólo una actriz, yo quería una artista. ¿Cómo ha cambiado tu perspectiva del cine desde que participaste en Santa Sangre? Ha cambiado bastante. Mis influencias son Fellini, Buñuel, las películas de terror y, pues, siendo mi primera experiencia cinematográfica, mi visión ha cambiado muchísimo. Llevé una vida de cinéfilo y veía dos películas diarias, entonces mi influencia se multiplicó. Chaplin es uno de mis maestros y Buster Keaton también. Teniendo en cuenta que también eres músico, ¿qué podemos esperar del aspecto sonoro de El Ladrón De Voces? El Ladrón De Voces, en realidad, es un mediometraje, no un corto: dura 30 minutos y la música la hizo Robin Rob Coudert, tecladista de Phoenix. Yo había pensado en hacerla, pero después me di cuenta que tenía que hacer lo mejor por la película y no por mí; entonces le confié la labor a Rob, quien era el que mejor podía musicalizar las imágenes de la cinta. ¿Qué opinión tienes de las plataformas de financiamiento, como Kickstarter, la cual utilizaste para llevar a cabo El Ladrón De Voces? Son geniales, porque ya no dependemos de productoras. Es muy linda esta parte de hacer un intercambio directo con la gente. Además, algo muy importante es que dan la posibilidad de realizar proyectos que no necesariamente son elegidos por productoras, sino por el público mismo. ¿Cuál es tu participación en La Danza De La Realidad, nueva cinta de tu padre? En la cinta hago el papel de un anarquista revolucionario. Y bueno, además hice toda la banda sonora. ¿Qué es lo que viene para Adanowsky? Por el momento estoy preparando un largometraje, me encuentro en la etapa de obtener fondos. Y aunque me quiero enfocar en mi carrera de director de cine, también tengo listo un disco que saldrá enero. Todavía no sé qué pasará después de la salida de ese álbum; nunca dejaré la música, pero por ahora quiero enfocarme en el cine.

HABITA

Un entorno ideal para gozar una nueva experiencia Hotel HABITA pertenece a un nuevo género de establecimientos que da prioridad al diseño contemporáneo, dejando a un lado toda convención. Sus instalaciones son una perfecta combinación de luces y sombras, perspectivas angulares e irregulares con una armonía de materiales como el acero inoxidable, el vidrio, el maple canadiense y el mexicanismo agave azul. Nada ha sido dejado al azar. Desde el mobiliario clásico moderno hasta su definido estilo minimalista, HABITA se levanta como una caja de cristal que flota sobre la Avenida Presidente Masaryk en Polanco, convirtiéndose en el mejor complemento para la cosmopolita avenida y sus arbolados camellones, deliciosos y exclusivos restaurantes y prestigiosas casas de moda. Sin embargo no todo es diseño. El confort y el servicio destacan plenamente hasta convertirse en arte. Las 32 habitaciones y 4 Junior Suites cuentan con aire acondicionado y calefacción independientes, cajas de seguridad, 2 canales de música ambiental y mini-bar. De igual manera, con un sistema telefónico con correo de voz y conexión independiente para Internet de alta velocidad, circuito cerrado de televisión y vigilancia las 24 horas.

El Restaurante LOBBY

Localizado en la planta baja es un espacio único -abierto al aire libre en uno de sus costados- que propone una cocina contemporánea internacional en un ambiente casual.

El Bar ÁREA y Terraza

Al fresco- es el marco ideal para disfrutar de un momento de descanso y diversión. ÁREA cuenta con una chimenea de cuatro metros de largo y todo lo necesario para disfrutar tapas y tragos en un enclave único.

La piscina AQUA y Solarium

en el 5to piso son una experiencia inigualable! Todo se complementa con un Spa bien equipado con modernos aparatos cardiovasculares, sauna y jacuzzi al aire libre.

Sombrero y falda American Apparel / Brassiere Marika Vera

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FASHION NUGGET

after hours —

Fotografía: Cuauhtemoc García para 13/TRECE Modelo: Daiane para WANTED Model Management Coordinación de Moda: Zaid Díaz Osuna Peinado: Renato Ken Topo MU & Dirección de Arte: Chëla Olea

Agradecemos las facilidades otorgadas al hotel Distrito Capital para la realización de esta sesión. Juan Salvador Agraz 37, Santa Fé, DF, México

Falda, calcetas y bra American Apparel / Knicker con cuello ajustable Marika Vera

Chamarra Reebok / Shorts & tennis Adidas

Vestido American Apparel / Chaqueta Zara / Collar H&M / Knickers Marika Vera

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ART BRUT

Arne Quinze FIXIN’ TO THRILL Por: Chëla Olea

Arne Quinze es un artista nacido en Bélgica en 1971, quien trabaja en Sint-Martens-Latem —principalmente— cuando no está exponiendo su trabajo en cualquier parte del mundo. El desarrollo de Arne, aunque no lo parezca —ya que actualmente sus trabajos incluyen esculturas monumentales e instalaciones—, comenzó como artista del grafiti en los años ochenta. Aun así, la obra de este artista no se limita a magnitudes flotantes al aire libre o a estructuras creadas con tiras de madera, también podemos encontrar pequeños bocetos y dibujos que son el esqueleto de esas instalaciones. Fundamentos recurrentes en su obra son el uso de varios tipos de madera —incluyendo madera reciclada— y

colores eléctricos en pintura fluorescente, con temas que refieren la interacción social, la comunicación y el urbanismo. Desde hace tiempo está desarrollando investigación hacia las instalaciones de acero de gran formato, como podemos observar en Rock Strangers, que se ha montado en Francia y Luxemburgo. Lo que mueve a Quinze es la creencia de la posible realización de una sociedad idealista, donde todos los individuos se comuniquen e interactúen, fomentando la unión de la gente y el impulso para un vigoroso diálogo. En su versión urbana, actividades comunitarias florecen y la cohesión social es la norma. Sus instalaciones están diseñadas para provocar la reacción, interviniendo en la vida diaria de los transeúntes que se enfrentan a sus esculturas. Por su parte, las instalaciones públicas no convencionales de su creación, han desafiado la percepción del centro de ciudades como Bélgica (Cityscape, The Sequence), Alemania (The Traveller), Francia (Camille, Rock Strangers), Líbano (The Visitor), China (Red Beacon) y Estados Unidos (Uchronia , Timegate). En el acercamiento con otras culturas, Quinze desentraña los procesos físicos, inspirándose para su obra y alimentándose del optimismo abrumador, pues cada nueva creación captura su investigación y el estudio de la interacción y movimiento urbano que expresa la continua evolución de los seres humanos y su entorno. Además de la construcción de esculturas arquitectónicas, crea obras de arte complejas y videoinstalaciones, inscribiendo su visión propia de sociedad en la que las personas se ven a sí mismas como ente social. Con cada escultura que construye, busca la confrontación con el espectador en la apertura de sus mentes y los hace soñar. A menudo se comparan sus instalaciones con el efecto que sentimos al ver la gran fuerza de la naturaleza, pues lo sacan a uno de su zona de confort, dejándolo completamente aturdido (aunque de una manera positiva). En la ciudad, la confrontación y la apreciación en proporción no es del todo distinta, pues el artista espera que la gente, de repente, al darse cuenta de que son sólo un elemento minúsculo en el ámbito global, se sienta pequeña. En resumidas cuentas, los invito a seguir el trabajo de este fascinante artista.

warp.la l @laGUARP

BLONDIE Sugar on the side

By José Hernández Riwes Cruz / Translation: Jorge Rodríguez

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GUARP

Blondie is about to launch their tenth album, Ghosts of the Download, of which we’ve already heard a few online previews throughout the year. In October, they are not only participating in one of the most popular music festivals in Mexico City, they are also going to be at the anniversary party of WARP Magazine. Debbie Harry talked to us about the graces and misfortunes that any mystical band is bound to go through. Blondie has been defined as a band that brings down barriers, especially when it comes to the music. They went from punk to disco, they tried out europop in ‘Call Me’, reggae with ‘Heart of Glass’, and they are considered one of the first mainstream groups to include a rap verse into a pop song. Listening to their new single ‘A Rose by Any Name’ you can appreciate, once again, that same rupturing of the band with the genre that they are commonly associated with. Do you consider it to be a transgressive song when it comes to the lyrics and music? Basically it’s a pop song written by our keyboardist Matt KatzBohen. He told us that it was partially inspired by the wait for the birth of his baby. It’s a declaration of happiness for a human being that is arriving in this world, someone who Matt is going to love, no matter if is a girl or a boy. On the other hand, you can look at it from a sexual point of view, where the genre isn’t as relevant as the love between two people. What about the music? Chris Stein, who wrote ‘Heart of Glass’ and ‘Rapture’, had a big influence in us when it came to integrating diverse rhythms in our music, for example, the reggae part in the cover of ‘The Tide is High’. While we were focusing on doing this sort of combinations, Chris expanded our horizons in terms of what kind of music we were able to play. On the other hand, you have to consider that we are from New York, a place where many different rhythms and genres become a natural part of the life style. For example, in terms of the music, Chris has been very influenced by latin rhythms; if you’ve heard the new material, you might have noticed that there’s a couple songs where I sing some verses in terrible spanish [laughs]. I’m sorry about my pronunciation; I promise that in the show I’ll do my best. Speaking of which, Blondie is going perform at the Corona Capital Festival and at WARP’s anniversary party. One is a massive concert and the other is at a small venue. How will you approach these two shows? Is there any difference or preference? Our project has always been focused on the music and the people; the size of the audience or the place doesn’t really matter. The dynamic at a club is a lot of fun, when we play in a smaller place, the group is closer to the people and there’s an immediate response. Playing for thousands of people is also very exciting. They are different experiences, but they are both as good. As a singer and as an artist I have to adjust my approach to the audience. I’ve dealt with both situations for a long time, so it’s not a problem for me.

Throughout their career, Blondie has faced different challenges. Not just by breaking musical barriers, but also when it comes to mutual support. How hard was it to the other bands at the CBGB scene when Blondie went mainstream? I’m not sure, a lot of our friends and people from the scene were happy for our success. We are still friends with most of them, but there was also a lot of jealousy. It’s a part of human nature; you can’t do anything about it. But I do believe that due our international success and also all the attention that we got in the U.S., the New York scene had a big impulse; we weren’t the only who received attention, also the rest of the bands did. In the end, it had a very positive effect. It’s a curious thing, as time goes by people tend to idealize situations and bands, to reverence them from a mythical perspective and in many cases to place them in a nostalgic space where there is no place for new creations, only for the old hits. How difficult is it for Blondie to deal with this, being a group that continues putting out material and experimenting with new music genres? For me personally, it always has to do with the music. I always have to come back to it, because if I don’t enjoy making music, and if the music is not the most important force for me, then I don’t believe that I would be interested in doing this. I really don’t care about rumors or interpretative opinions; I think everybody has the right to have an opinion and everybody has the right to manifest their taste since that is what we are, we are animals with certain feelings and it is legitimate and valid to show them. However, for me, carrying on and making music is the most important thing. Finding satisfaction in doing that, in creating, being creative and sharing that with people is what keeps me going and that’s what I’ve been doing for a long time… Well, at least I think so [laughs]. You could say then, that Blondie will keep on making music for many years. I wish! I hope that people like our new music. We are going to play a lot of those songs during the festival and, of course, some of the more popular stuff from our repertoire, some of the hits. We are always trying to create a complete portrait of our past, present and future. It’s not always easy, but we try to make things flow, generating that image about the continuity of our feelings in music and what we do with it. 083

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WHITE LIES There goes our love again

By Elsa Núñez Cebada/ Translation: Jorge Rodríguez

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Do you remember what you were doing seven years ago? Some were in high school not thinking much about the future, others were suffering their way through final exams, and some more like Charles Cave (now bassist for White Lies), were being led in life by the hand of a girl, without even dreaming that one day they would be a part of a very important band. Seven years ago we were starting an editorial project that has led us to live through many experiences: from talking with musicians whose careers never really took off, to getting to meet those people who set a soundtrack for our adolescence, as well as taking part in those festivals that we have had the opportunity to tell you about. We are celebrating our seventh birthday and, that’s why we’ve been working for months to invite you to a party that lives up to the standard set by our writing. White Lies is one of the bands that will take the stage in our celebration, and for that reason we had the chance to talk with Charles, who shared with us details about the history of the band, the process behind Big TV and what he was doing before WARP Magazine was born. Now your’re back with a new record, Big TV. What’s the most important difference between this album and Ritual? I think in Big TV we took a big step forward, the lyrics are more intense and I think the sound is a bit different. I guess that’s why people are enjoying these new songs when we play them live. It’s one of the reasons why we enjoy recording new music. In the case of Big TV, the rhythms are different and it might not be a perfect album, but it has the necessary elements -what we needed the most, especially- to be good live. The shows are a test for musicians, that’s the place where you first find out if you did a good job. You worked again with Ed Buller, why? He was there when we first recorded as White Lies in our debut album To Lose My Life. This time around we wanted to be with someone who knew us. Recording is very hard and he made the process easier and much more enjoyable. Ed is like another member of the band, he’s one of our best friends and he really understands us. He knows how to obtain the results we want and he’s very talented when it comes to lyrics and song arrangements. He’s an old school producer because he isn’t so interested in the engineering part, but in the sound of the songs and the recording as it stands. It’s important to have someone like that: who understands musicians and helps you enjoy the whole process. And how was the process behind Big TV? In this occasion we decided to go back to the studio where we recorded for the first time, which is in Belgium. For this kind of process it’s important to feel confident, so we were there for

about a month. But we spent a lot more time writing and shaping the songs, until we reached the results that we were looking for. We spent five months writing, mostly at Harry’s, and then two more weeks that we spent in the countryside. After all that we had three or four months that we spent in the house of Ed’s family making some demos, and then we spent another month in Belgium. This record was made in three different phases or moments, and I think that gave it a special feel. When it comes to composing, Big TV was born in Harry’s house. We’ve been thinking about traveling to a different place for the next record, like Berlin, Los Angeles or some small town in France. You’re coming to Mexico again to play for our anniversary and a very important festival, Corona Capital. Are you excited about that? It’s incredible, it will be the second time that we go over there. We are even more excited this time around because we know what to expect of the people, the last time we were there we had no idea what to expect and I think we did quite well. We like festivals because, just like there are people that are there specifically to see you, there are also people who is listening to your music for the first time aswell . We’ve heard many positive things about the festival and we think that it will be interesting. Usually at festivals you play for 45 minutes and this creates a good opportunity to get to know new bands. In this kind of shows you have to think a lot about what you are going to play, about what people really want to hear. I like the fact that you don’t know what’s going to happen when you are out there, how the weather is going to be, how many people are going to be watching you, how the stage will be setup in terms of sound... there are many random things when you play in festivals. What should we expect from your show? We want it to be incredible, we don’t get to come to Mexico every year and that’s why we want to have a good time and leave a good impression in our fans, share our passion with them. At WARP’s anniversary party you will be sharing the stage with Blondie. Do you like this band? Of course, we are very excited about watching them play and we want them to be very good as always. We are very interested in that era of bands, in fact we saw Iggy Pop in Korea not so long ago and he was impressive. It’s incredible to see a man of his age perform with such energy, as if he was in his twenties, and his band is also excellent. There are acts like Fleetwood Mac that remain good and never disappoint, I’m sure Blondie will be one of those. 085

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ASK AMANDA By Amanda Palmer / @amandapalmer

What do you think of Obama’s desition of attacking Syria? – Patricia Olvero I think America has a spotty track record when it comes to invading other folks. And I’m a non-violent person, but think sometimes the use of force is justified. World War Two. And having not fully educated myself, I don’t feel right shooting my mouth off or repeating what other people are saying. I’m about to go play in Tel Aviv, Israel, and I’m just coming out of the tour hole to look into the current events over there fully enough to really know what I feel. What is the best movie you saw this year? – Eduardo Arce I just saw Behind the Candleabra - a beautiful, deep, painful biopic of the life of Liberace, and LOVED IT TO DEATH. Highly recommended. The whole band took a field trip to go see it in Melbourne, Australia. 086

Recently you did a portrait of Yana Allum. If you could choose, who would you like to take a picture of you? – Jessica Canales TAKE a picture? Like, a photograph? Probably Annie Leibowitz, for the cred. But if I could be PAINTED? I think I’d want Jamie Wyeth. This past September 16th your first solo album Who Killed Amanda Palmer turned five. Are you planning to celebrate it in any way? – Elena Martínez I don’t ever celebrate album anniversaries. I’ve put out too many albums. Do you have any favorite TV series? – Ricardo Alonso “Twin Peaks”, first season, hands down. Like crack, that series is. Fine art television.

GUARP

HAPPY 7 WARP By Paul Stokes

So occasionally I tell people in London I write for a magazine in Mexico. After establishing the fact I don’t speak or write Spanish (some unsung, tireless hero or heroine is responsible for these words– and let me take this opportunity to thank them and say sorry for ALL the typos), inevitably comes the next question “what do you know about Mexican music?” Ever since Warp asked me if I’d like to write a few words every month for years ago, I have to admit this is something that occasionally worries me. I’ve not been to Mexico yet (we hope to put this right in a couple of weeks though), so while I feel my brief is to let you know what’s going on in the UK - or some months, my record collection - I do worry that my views on music might make you think the editors have just handed over a page to a complete madman (why is he talking about Moldy Peaches? Again?). Then I get my monthly email from the team and as deadline loom, the soul searching is forgotten as panic sets in. However this month I’ve been asked to look back on the last four years of doing this column and having taken a step back, I starting to think not knowing is a good thing because it affords me a freedom I’ve rarely felt with any of my day jobs in Blighty. Music mags in London don’t have a monthly theme like WARP, so when I’m challenged to write something reflecting a wider, over arching idea it feels the start of a great adventure rather than a journalistic assignment. I’ve written here about acts I adore, rather than the ones my magazine needs to cover, I’ve dared to suggest the odd idea and theory too… and I’ve probably been more honest, person candid in WARP than anywhere else. There’s something unexpected liberating about having your words published in a language you can’t read. I

never read back WARP columns chastising myself for clunky phrases or saying something I shouldn’t, because, well, I can’t. So I just write. And I hope that’s why this works. One of my rules for writing about music is that I have to be a fan of music (trust me, I’ve met plenty of people in the music industry who blatantly aren’t) to keep doing it. Fortunately I still get nerves when I meet artists I admire, I still play records I love to death (sorry Arctic Monkeys’ AM) and I still can’t speak to Elvis Costello (I actually tried recently but ran out of the room like a star struck school boy after saying hello). If I ever lose that feeling I’ve promised myself I’ll give up. If you don’t care, don’t love it, what’s the point? Writing, and particularly editing, for a living does mean you have to accept the business of music from time to time. It’s comes with the territory of being a journalist, you must write for your audience – and in fact (honest alert)- it upsets me that so much selfreferential bullshit is currently been passed off as music journalism in Britain, when really the writers are only writing to impress other ‘music journalists’. So this is my one page a month though, where I just get to be a music fan and write about it. As the fish out of water - I can only talk about music – and whether you’re Mexican or Mancunia, if you’re passionate about music you can enjoy anywhere in the world whether you know the artist’s personally or can’t even understand the words. Well that’s the reason I think WARP’s editors keep emailing me and asking for words every month… although thinking about it, it could well be that terrible secret that only I know about them involving a halibut, a… 087

encore CAFÉ TACVBA #WARPWEEKEND San José, Costa Rica Pic by Roberto D’Ambrosio for WARP

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