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Foto: Platon

“I APPRECIATE ALL THIS SUPPORT FROM MEXICO BUT WOULD LOVE IF THAT SENSE OF LOVE WENT TO OTHER FILMS COMING OUT OF THERE.” -ALFONSO CUARÓN

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Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en Impresa en Compañía Impresora el Universal, S.A. de C.V. / Distribución Nacional e Internacional de INTERMEX. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

HOT HOT HIT

Para nadie es desconocido el hecho de que Londres es un lugar de donde han salido grandes propuestas musicales a través de la historia y al parecer esto seguirá siendo igual durante mucho tiempo.

Justamente es ahí donde aparece Findlay, una chica de 21 años que se encuentra promocionando su nuevo EP Greasy Love, cuyo sonido le ha valido comparaciones con el dúo Deap Vally y The Kills.

Gracias al sencillo ‘Your Sister’ ha logrado que artistas como Jake Bugg volteen a verla, logrando que incluso el artista mencionado la invitara a abrir su tour por Reino Unido.

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INSIDE

El pasado no me llenaba de orgullo. Cada vez que grababa algo, lo quería por un mes, hasta que alguien me hacía ver cómo se me había escapado de las manos y no me representaba. Lo que más tiempo me llevó fue elaborar la propuesta. Darle forma, cubrir las grietas, intentar conectar todos los aspectos: música, letras, escenario, banda, sonido. En definitiva, acortar la distancia entre lo que quería decir y lo que terminaba saliendo.

Siempre sentí que la música yace en el suspiro que queda entre lo que soy y lo que quiero ser.

Ahí en el medio están mis canciones. Y cuanto más corto es el camino entre lo que doy y lo que pretendo, mas fuerte y efectivo se hace mi mensaje. Esa fue la premisa de Ahora Vienen Por Nosotros, un disco que fui a buscar, nadie me lo ofreció, nadie me propuso cómo tenía que sonar ni a quién tenía que llegarle. No era el objeto del ego de nadie, más que el mío.

El apoyo generoso que llegó para este proyecto vino de diversos lados y personas, todos

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con la intención de acompañarme en el proceso y ayudarme a llevar mi música hacia donde imaginaba. Los errores del pasado me tenían un poco atada y me condicionaban con un miedo que muchas veces no daba lugar a consejos sabios, de quienes estaban involucrados en la realización, con sus mejores intenciones. Ahí estuvo el mayor aprendizaje de este disco: confiar en aquellos que me acompañaban.

A medida que fue creciendo la conexión con cada uno de ellos, en especial con Rafa Arcaute (productor), el trabajo empezó a tomar vida, se volvió divertido y me hizo muy feliz.

Mientras tanto, el miedo, el vértigo, la alegría, el pasado, el deseo, la confusión, los malos entendidos, la entrega, la frustración, la luz y la fascinación, todo vino por nosotros.

Hoy hace más de un año que terminamos de grabarlo y aún lo quiero mucho, lo disfruto mucho y lo presumo mucho; quizá porque en estas canciones sí se escucha lo que quería decir desde un principio.

Por: Daniela Spalla / Fotos: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

PROFILE

Por: Javier Cuellar

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facebook.com/CircaWaves soundcloud.com/circawaves

Integrantes: Kieran Shudall, Sian Plummer, Sam Rourke, Joe Falconer.

Origen: Liverpool, Inglaterra.

Año de formación: 2013.

Influenciados por: The Libertines, The Strokes, Razorlight.

Veredicto: La propuesta del cuarteto nos lleva a revivir los sonidos de la escena indie del comienzo de la década pasada, que de manera artesanal, optimista y desvergonzada crea canciones con melodías infecciosas y estribillos conmovedores.

BLONDFIRE (US) ASTR (US) GANG OF YOUTHS (AU) RANCHO (MX) L.A. (ES) 424 (CR)

THE BLACKHEART

(RAINEY 86 ST, AUSTIN, TX) FRIDAY MARCH 14, 2014

FASHION NUGGET

Fotos: Dan Crosby Modelo: Emi para PARAGON MODEL MANAGEMENT Styling: Char Ruiz M. MU: Chëla Olea

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Top: American Apparel Collares: Claire’s

Vestido y sombrero: American Apparel Collares: Claire’s Zapatos: Pink Magnolia

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Vestido: H&M Collar: Claire’s

FASHION NUGGET

FASHION NUGGET

Camisa: H&M Pulsera: Claire’s

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QUICKIE

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“TUVE INQUIETUDES MUSICALES DESDE LOS CUATRO AÑOS, PERO FUE DESDE LOS 15 QUE EMPECÉ A COMPONER.”

Estás por lanzar tu álbum debut, Glorious. ¿Cómo fue que elegiste dicho título?

Había una canción que escribí al final de la confección del álbum, fue la última pieza que hice y su nombre era justamente ‘Glorious’. Es acerca de no rendirse y ver la belleza en el mundo, alrededor tuyo, un intento de ver el sentido positivo de las cosas, ver luz en la oscuridad, algo en lo que de verdad creo y que significó mucho para mí mientras escribía el disco. Creo que lo que quise fue que éste tuviera un mensaje inserto, así que creo que la gente tendrá una especie de entendimiento de por qué el disco de llama así al escuchar la canción. ¿Cuándo fue la primera vez que tocaste para una audiencia? ¿Lo recuerdas?

Sí, de hecho sí. Ocurrió cuando estaba en el colegio. Básicamente yo quería salir y cantar, estaba madurando, entonces mis compañeros se enteraron que de hecho podía hacerlo. Yo era una chica muy tímida, no solía interpretar nada enfrente de nadie, así que me recuerdo cantando, a los 16 años, enfrente de cien personas o más e incluso frente a mis amigos, quienes no sabían siquiera que yo pudiera cantar o que me gustara… fue muy extraño [risas], estaban un poco consternados, diciendo: ‘¿De dónde vino eso?’ ¿Cuál es tu canción favorita de este primer disco?

Tengo varias. Me encanta ‘Glorious’, definitivamente es una de mis favoritas . ‘Holding Onto Heaven’ significa mucho para mí… Definitivamente va por ahí, es una canción muy, muy personal, así que diría que son esas.

Por: Karina Luvián

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METRONOMY Far from the bay

Por: Raúl Arce / Fotos: Gregoire Alexandre y Tim Eve

Ubicado a casi cuatro horas de Londres, Devon —o Devonshire, como debiera escribirse de manera más propia— es un condado de Reino Unido famoso por sus atracciones turísticas, su muy británica línea costera y los bellos paisajes que ostentan sus valles. Sin embargo, también es un sitio reconocido por ser la cuna de músicos de renombre como Chris Martin, Joss Stone, Matt Bellamy y Metronomy.

Fue precisamente durante sus años en Devon, cuando Joe Mount —líder de Metronomy— comenzó a crear música electrónica en una vieja computadora.

Hoy, luego de casi una década, el sonido, la estética musical e incluso la alineación de Metronomy ha cambiado de manera considerable.

Cada vez más lejos del Inteligent Dance Music (IDM) y más próximos a una especie de ambient-indie-pop-rock, la banda se ha acercado a públicos cada vez más multitudinarios, lo que les ha permitido que gocen de los frutos que conlleva tener canciones en el mainstream.

Este 2014 llega con la noticia de un nuevo disco de Joe Mount y compañía, quienes se BIO: Raúl Arce es Editor de Contenidos de Corona Music, puedes leer su entrevista con Feathers en WARP #62.

muestran decididos a no repetir la fórmula ni a ocupar su zona de confort. Si bien este cambio pudo ser alimentado por el éxito comercial que experimentó la banda con The English Riviera (2011), también pudo ser originado por las constantes giras y el estilo de vida semi nómada que muchas agrupaciones se ven orilladas a llevar en la actualidad, donde cada vez es más complicado encontrar el tiempo para escribir letras, generar melodías y trabajar conceptos.

Con el fin de entender esta nueva etapa al interior de Metronomy, WARP Magazine sostuvo una conversación con Joe Mount, en la que explica las razones detrás de esta mutación en el sonido de la banda.

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“CREO QUE, A MEDIDA QUE NOS HEMOS HECHO ‘MÁS FAMOSOS’, CADA VEZ ES MÁS DIFÍCIL SENTARSE A COMPONER Y MUCHO MÁS COMPLICADO GRABAR O PRODUCIR.” -JOE MOUNT The English Riviera fue lanzado en 2011 y Love Letters saldrá en 2014. ¿Qué ha pasado en ese inter con Metronomy?

La mayor parte del tiempo estuvimos de gira y en realidad no tuvimos mucho tiempo para hacer otra cosa; después tratamos de crear un espacio para trabajar en el nuevo disco. La verdad es que las cosas han estado sumamente agitadas desde hace algunos años. ¿Consideras que Love Letters es más dance que The English Riviera o está más orientado hacia otros ritmos?

Para Love Letters quisimos cambiar la fórmula y creo que es mucho menos bailable que The English Riviera está más orientado hacia el indie, el pop y el rock. En esta ocasión cambiamos el sonido y considero que, como banda, es importante hacer cosas nuevas y no apegarse a determinado estilo sólo porque ya ha funcionado antes o porque es lo que la gente espera de ti. ¿Qué nos puedes contar acerca de la creación de Love Letters?

Creo que, a medida que nos hemos hecho “más famosos”, cada vez es más difícil sentarse a componer y mucho más complicado grabar o producir. El asunto es que nunca hay tiempo para hacer algo: siempre estamos corriendo de un país a otro. Hablando de cosas más técnicas, para este disco siempre tuve en mente un proceso más tradicional, con elementos análogos, como viejos sintetizadores y consolas viejas; creo que el sonido que ofrece este tipo de equipo es muy cálido y se siente orgánico. ¿Consideras que el hecho de estar de gira afectó al disco?

Claro, definitivamente; incluso desde el mo-

mento en que empezamos a escribir las nuevas canciones, la dinámica cambió por completo: si no estás de gira, tienes la oportunidad de llevar una vida, digamos, relajada, mientras que si estás de gira, debes encontrar pequeños momentos de paz para trabajar en la composición o en los arreglos, y no se diga en aspectos más técnicos del sonido que muchas veces requieren de todo tu tiempo.

Creo que muchos de los que nos gusta la música tendemos a escuchar discos para determinadas ocasiones. ¿Bajo qué circunstancias recomendarías escuchar Love Letters?

Yo creo que es un disco que hay que escuchar cuando estás relajado, de preferencia con una copa de buen vino y con audífonos.

El asunto es que este álbum está lleno de detalles de producción, además de pequeñas cosas que, gracias al proceso análogo con el que fue grabado, sólo es posible apreciar si te das el tiempo. Pero esto no es una regla; es sólo la manera romántica en que a mí me

gusta pensar que este disco puede disfrutarse más; a lo mejor a ti te funciona escucharlo en tu auto mientras conduces a casa. En realidad no hay reglas. ¿Ya han tocado algunas de las canciones nuevas en vivo?

No, hasta ahora no las hemos podido probar frente al público, queremos hacerlo en un showcase en Londres, pero aún no lo tenemos definido. Nos emociona mucho ver cómo reaccionará la gente con estas canciones. De verdad esperamos que les guste. ¿Cuál es el plan? ¿Salir de gira una vez que el disco sea publicado?

Así es, comenzaremos en Reino Unido y después por algunas ciudades europeas. Posteriormente nos presentaremos en Estados Unidos y, quién sabe, muy probablemente estaremos de vuelta en la Ciudad de México; ojalá tengamos la oportunidad, es una ciudad que nos gusta mucho y la gente nos recibe siempre muy bien.

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¡HOLA MÉXICO!

Por Luis Alberto / @LAtheband Foto: Samantha López para WARP —

Lo que tenéis ahora mismo en vuestras manos es Dualize, nuestro último trabajo discográfico, grabado junto a Richard Swift en su estudio de Oregon, en un mano a mano entre él y yo registrado por orden de tracklist, de la pista uno a la diez, una canción por día, según lo que nos pedía el cuerpo, según el feeling del momento, dejándonos llevar por la misma dirección que cada corte marcaba.

De la canción que abre y da título al disco, ‘Dualize’, hasta la que lo cierra de forma épica, ‘After All’, pasando por la sobredosis de

teclados ochenteros de ‘Pictures On The Wall’ al rock más simple y garagero de ‘Outsider’, sin duda creemos que este es el mejor disco que podíamos elegir y ofreceros para que nos conozcan un poco más.

Y qué mejor y transgresora forma de hacerlo que regalándolo en formato físico aquí, en WARP Magazine. En un momento en el que todo es streaming y descarga digital hemos decidido a hacerlo así porque somos unos románticos, porque en vinilo no cabía en la revista y por que nos encanta el ritual, sacarlo de

BIO: Luis Alberto Segura es un músico español con más de 20 años de carrera, líder y fundador del proyecto L.A.

su funda, ponerlo en el reproductor, darle play y dejarse llevar.

Esperamos que lo escuchéis, estudiéis, diseccionéis, compartáis y regaléis pero, sobre todo, que lo disfrutéis y vengáis a vernos a nuestros próximos conciertos en Cumbre Tajín, Vive Latino y más fechas que pronto anunciaremos en nuestra web y redes sociales. ¡Nos vemos muy pronto, amigos!

Un fuerte abrazo.

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QUICKIE

¿De qué modo afectó Solstis (2012), tu debut solista, el sonido de Programaton (2013)?

Más que afectar, Solstis enriqueció a Programaton.

Hacer mi disco fue un experimento muy personal e independientemente a eso, siempre supe que saldría algo bueno, como lo que creo que quedó.

Al final quedó un León con experiencia y tuvo un resultado positivo. Por otro lado, durante ese tiempo Zoé estaba trabajando en el soundrack de Panorama, así que ellos también crecieron en su viaje de experimentación como músicos; eso fue gracias al espacio que dio Solstis. ¿Hay algún artista de alguna disciplina diferente a la música con el que te sientas identificado?

Soy muy clavado de los artistas clásicos de pintura. Yo estudié pintura y artes plásticas; pintar siempre es algo que me gusta. Soy fan de los renacentistas, pero me identifico más con artistas conceptuales como Marcel Duchamp, con toda esa gente que trataba de pensar fuera de la caja. También recuerdo con mucho cariño el libro de Alejandro Jodorowsky La Danza de la Realidad, en su momento me hizo sentir muy identificado.

“THE BEATLES SIGUE SIENDO MI BANDA MEDULAR, AUNQUE ÚLTIMAMENTE LOS HE DEJADO DE ESCUCHAR.”

¿Cuál es tu canción preferida de Zoé?

La canción favorita de todo el catálogo de Zoe es del último disco y se llama ‘Panoramas’, es con la que más me identifico ahorita. Mi preferida y de las canciones que yo hago, siempre va a ser con la que más identifique el momento que esté viviendo. Fuera de eso, mi favorita es ‘Brillas’, es la más lograda como canción popular, por decirlo de una forma.

Por: Michelle Apple / Foto: Rubén Márquez para WARP

TASTE THIS!

Cuines COCINA DE MERCADO

Fotos: Sergio Gálvez para WARP

Av. Presidente Masaryk 275, Polanco, México, D. F. facebook.com/cuinesmexico @CuinesMexico

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TASTE THIS!

Huevos rotos con chistorra Tostadas de salpic贸n de pulpo

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LA ÚLTIMA CANCIÓN ANDALUZA Por Rodrigo Sánchez —

Quiero mencionar la importancia que tuvo Paco de Lucía en la música (en el género que elijan), no hay necesidad de ser un gran guitarrista o cercano al flamenco: Paco de Lucía fue uno de los grandes compositores de nuestra época… del siglo.

Aunque fue reconocido como un gran guitarrista de flamenco, también tenía gran talento para tocar otro tipo de música, como la clásica, dejándolo muy claro cuando hizo su inmersión en el jazz; él podía tocar lo que fuera.

Su calidad como compositor también es indiscutible. Siempre es mencionado entre los

más destacados de la historia, convirtiéndose en automático en una leyenda. Todo su genio quedó plasmado a lo largo de su vasta discografía y sus diversas colaboraciones.

Cuando a principios de los ochenta vi al trío de guitarras que incluía a Paco y a John McLaughlin, me di cuenta que no era necesario tener una batería y un bajo para poder tocar la guitarra con esa garra y con esa energía con la que ellos tocaban. Crecí oyéndolo porque a mi madre le gustaba mucho su música. Para Gabriela y para mí, Paco representa una de nuestras grandes influencias y aunque ni yo ni Gabriela

aprendimos a tocar flamenco, se convirtió en un modelo a seguir.

Con el tiempo, tras viajar por el mundo y entender su música, fue evidente reconocer la gran influencia a nivel inspiración y técnica que tuvo en mí, en Gabriela y en nosotros como banda.

Indudablemente, para cualquier guitarrista de cualquier género (incluido su servidor, desciende directo del rock), Paco de Lucía fue un sinónimo de perfección y de lo máximo que puedes alcanzar como ejecutante de dicho instrumento.

Q.E.P.D.

BIO: Rodrigo Sánchez es integrante y fundador del dúo Rodrigo y Gabriela, cuyo nuevo álbum 9 Dead Alive estará disponible a partir del 28 de abril.

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ART BRUT

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BOB LONDON The Unconventional

Seguramente la mayoría de nosotros ha visto el trabajo de Bob London, ilustrador que vive y trabaja en Londres. Ha expuesto en muchas partes del mundo y, sólo para dejar en claro lo popular que es, hay que señalar que ha publicado en algunas de las mejores editoriales, como Illustration Now, Taschen y Psychodelic Pop. Este talentoso artista, de pocas palabras pero con característico sentido del humor, respondió así a la entrevista de WARP Magazine. ¿Cómo describirías tu trabajo?

Yo describiría mi trabajo como “arte outsider degenerado-impopular”. ¿Cómo fue el comienzo de tu carrera?

Después de una licenciatura en Bellas Artes, me retiré totalmente de la pintura para convertirme en un entrenador de erizos de tiempo completo en las Islas Shetland, pero después de seis meses me rompí ambas piernas en un accidente de Danza Morris; entonces comencé a dibujar de nuevo y a subir ilustraciones en MySpace. Mi trabajo comenzó a gustarle a la gente y me di a

Por: Chëla Olea / Fotos: Cortesía Bob London

conocer con piezas producidas para personas en particular. Creo que así comenzó todo. ¿Cuál ha sido tu mayor éxito profesional?

No estoy seguro, tal vez sea obtener dinero por dibujar gente rara con grandes cabezas sin brazos… ¿Tienes algún consejo para los jóvenes artistas que buscan abrirse camino en la ilustración y el arte?

Lo principal es no plagiar y crear lo propio, además de dejar de fanfarronear en Twitter acerca de que les gusta beber té. Mejor trabajen en su obra. ¿Qué escuchas en tu iPod? Por allí están Cocteau Twins, Talk Talk, Associates y Japan. ¿En qué trabajas actualmente? ¿Hay alguna exposición en puerta?

Por ahora estoy en espera de tener noticias de Sir Nick, del Tate Modern, acerca de una exhibición individual. Mientras tanto me mantendré haciendo lo mío, ilustraciones para clientes de todo tipo.

LINK: boblondon.co.uk

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LUST IN THE MOVIES

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¿Quién puede decir que es sobrino de El Padrino, hijo de la esposa de Rocky Balboa —la famosa “¡Adrieeeeeene!”— y primo de Nicolas Cage? Jason Schwartzman es parte de la dinastía Coppola, habiendo nacido de la actriz Talia Shire, hermana de Francis.

A spoonful of sugar Por Mario P. Székely

El sol pega en una de las suites del hotel Beverly Hills, donde un Schwartzman sonriente recibe a WARP Magazine para platicar sobre su más reciente filme, Saving Mr. Banks —El Sueño De Walt— y aun cuando es invierno, el clima es agradable. Una mesa de frutas y tazas de café enmarcan la entrada de la suite.

Su aspecto —sweater enfundado, sin bello en la cara— nos da una pista del porqué lo eligió la producción de El Sueño De Walt para personificar a Richard B. Sherman, quien junto con su hermano Robert compuso las canciones del clásico Mary Poppins (1964).

A sus 33 años, Schwartzman es considerado parte de las huestes del cine independiente y basta echarle un ojo a su filmografía —Rushmore, de Wes Anderson, donde aparece como un adolescente excéntrico; Marie Antoinette, de su prima Sofia Coppola, interpretando al futuro rey de Francia, Luis XVI, y la reciente Moonrise Kingdom, donde interpreta a un líder de los Boy Scouts— para darnos cuenta cómo Jason gusta de tomar riesgos con sus personajes.

La cinta, estelarizada por Tom Hanks como Walt Disney y Emma Thompson como la autora P. L. Travers, narra el choque creativo de estos dos egos, mientras que las chispas caen sobre los famosos hermanos Sherman, quienes como los buenos músicos tuvieron que defender sus creaciones, sobre todo cuando ella no deseaba que su “Mary Poppins” literaria bailara y cantara en la pantalla.

Fuera de cámaras, Jason es músico, ha compuesto canciones para series pop como The O.C., Smallville y la película de monstruos Cloverfield, todas ellas bajo su proyecto independiente de rock Coconut Records, de donde han salido temas como ‘West Coast’ y ‘The Old Machine’.

De todos los personajes que toman vida en El Sueño De Walt el tuyo, como Richard B. Sherman, es el único que sigue vivo. ¿Esto te dio una ventaja sobre los demás para conocer e investigar a tu personaje?

Aunque es cierto que al hacer una película no tienes que ser cien por ciento exacto en todo, en este caso quise ser lo más apegado posible a lo que sucedió hace 50 años y fue increíble. Tuvimos la gran fortuna de que Richard Sherman estuviera todos los días en el rodaje, se sentaba a observarnos tras las cámaras y no pude ni imaginarme lo que significaba para él ver a un grupo de actores interpretar parte de su vida.

Al saludarlo, es evidente que la sonrisa de Schwartzman rima con el Hollywood clásico, aquel donde la educación y los modales rimaban, usando constantemente palabras entusiastas como “maravilla”, “genial”, “increíble”. Nos ofrece jugo, un pastelito de frutas, mientras su semblante de rockero alternativo ciertamente queda del otro lado de la puerta.

LUST IN THE MTOVIE

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“HACER UN MUSICAL EN CINE SIGNIFICA UN PROCESO DE VERDADERA COLABORACIÓN.” -JASON SCHWARTZMAN ¿Cómo fue el trato de Richard Sherman contigo?

Maravilloso. Fui a su casa de Beverly Hills todos los días. Él se sentaba tras el piano, se ponía a tocar sus canciones y mi trabajo era ver cómo gesticulaba y movía las manos. Buscaba apreciar y asimilar su estilo, para que cuando lo actuara en pantalla fuera un reflejo fiel. Por ejemplo, hay una escena medular en la que Disney, interpretado por Tom Hanks, se acerca a Sherman y su piano. Al intentar recrearla yo no podía dilucidar cuál habría sido su reacción, ¿se intimidó?, ¿lo vio como colega?, ¿había confianza entre ellos? Así que le pedí a Richard que, por un momento, él fuera Disney y yo él. Aprendí mucho de sus reacciones y movimiento corporal y fue maravilloso, pude darme cuenta de lo cómodo que estuvo él en los días que trabajó con Walt. Creo que entre más tiempo pasé con Richard, mejor me di cuenta de que siempre ha sido un optimista, siempre está sonriendo y le gusta guiñar mucho el ojo —un gesto muy a lo Hollywood de antaño—. Creo que lo que más quise transmitir en la película fue que él siempre es una persona dulce. ¿Crees que la nostalgia le llegó a Richard en el set de filmación?

Sí, en verdad la sintió. Una cosa maravillosa es que cuando alguno de los actores cuestionaba la rudeza de un parlamento del personaje de Robert, Richard salía en defensa de Kelly Marcel y Sue Smith, las guionistas, diciendo: “Sí, definitivamente mi hermano hubiera dicho eso en una situación similar”. Creo que los Sherman tuvieron una relación complica-

da, pero en todo momento Richard aprovechó el rodaje para rendirle un homenaje a su hermano Robert. Siento que Richard ama Hollywood y el tiempo que estuvo con Disney, aprecia todo lo que hizo con su hermano en esa parte de su historia, es como el amor de Paul McCartney por The Beatles, aunque toma distancia de ellos. Lo mismo le sucede a Richard cuando habla de los Hermanos Sherman, lo hace como hablando de alguien más. Creo que ama lo que hicieron juntos, aunque naturalmente hubo momentos de tensión entre ellos. ¿Cómo interpretas, como músico, la era de los musicales de Hollywood?

Eso, precisamente, era lo que más me interesaba. Cuando nos dijeron que Richard sería nuestro consultor, de inmediato fui a su casa. Aunque la mayoría de la gente no se daría cuenta de algunos detalles de mi manera de recrear su comportamiento, yo quería transmitirle a Richard la energía que estábamos poniendo en lograr un buen trabajo. Así que Sherman nos dio sus demos, además de que Los Estudios Disney facilitó 16 horas de grabación de las sesiones de composición con P. L. Travers, donde pude escuchar el piano de Richard e incluso pude ir más allá de las partituras de Mary Poppins, que ahora están a disposición de todo público, para ver las hojas con las notas originales, donde hay algunas pequeñas diferencias. Así, intenté tocar el piano como lo fue en ese entonces, cuando incluso cantaban un poco distinto.

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LA CONSAGRACIÓN DE

PRIMAVERA SOUND Por: Eduardo Guillot —

Hay quien dice que su mejor edición fue la de 2010, cuando el festival cumplía una década, pero cada uno tendrá su año inolvidable o su momento para el recuerdo. Desde que empezó a celebrarse en 2001, en el recinto del Poble Espanyol de Barcelona, Primavera Sound ha ido creciendo hasta convertirse en la cita musical urbana más importante de Europa, llegando a congregar a 170 mil espectadores en 2013.

Su historia demuestra que el éxito actual es producto del trabajo bien hecho, de una apuesta por la calidad que ha ido educando a su audiencia (capaz de comprar los abonos sin conocer el cartel) y adecuando el festival a las necesidades que su desarrollo exigía. En 2005, por ejemplo, se trasladó al recinto del Fòrum, un espacio de más capacidad que permitía ampliar el número de escenarios. Del mismo modo, también ha ido ofreciendo incentivos extra al público barcelonés, que puede disfrutar de conciertos en la ciudad durante toda la semana del festival y se ha desdoblado con iniciativas como el Primavera Club (una propuesta invernal de pequeño formato con sede compartida en Madrid) o, el año pasado, el Primavera Sound Touring Party, una gira protagonizada por los grupos de su sello discográfico (sí, también se han lanzado a la aventura de la edición independiente), que recorrió varias ciudades españolas e incluso hizo alguna escala en Inglaterra.

Además, el PS ha estrechado lazos con otros festivales internacionales de prestigio,

como All Tomorrow’s Parties, y a partir de la décima edición comenzó a celebrar el Primavera Pro, un encuentro para profesionales que reúne a agencias de booking, disqueras, promotoras, distribuidoras o agencias de comunicación de todo el mundo.

Sin embargo, todo eso debía parecerles poco, así que este año enviaron un equipo de rodaje a Detroit para filmar una película. Pero no una película cualquiera: Un mediometraje de ficción a lo largo de cuya trama se iban desgranando los principales nombres del cartel de 2014. Estrenada en diversas salas de cine y en streaming en la web del festival, establecía un inteligente juego con el espectador, que descubría a los artistas a través de los carteles de las paredes, las camisetas de los personajes, pegatinas, badges o grafitis callejeros. Una original idea de marketing, imaginativa y de gran impacto promocional, que desveló un lineup de vértigo, en el que los grandes titulares son para Arcade Fire, Queens Of The

Stone Age, The National, Pixies, Nine Inch Nails y Kendrick Lamar, pero que guarda sus mayores tesoros entre la letra pequeña.

Porque quizá nadie compre su entrada por ellos, pero el prestigio de un festival no se mide por sus cabezas de cartel, sino por presencias como las de Seun Kuti y Caetano Veloso, que siguen ampliando los intereses del PS más allá del rock indie anglosajón. Junto a ellos, Mick Harvey interpretando a Serge Gainsbourg, tres miembros de Sonic Youth (Kim Gordon y su proyecto Body/Head, Lee Ranaldo y Steve Shelley con The Dust), grandes nombres de los ochenta y noventa (Shellac, Superchunk, Loop, Slowdive, Slint), actualidad incandescente (Chvrches, Dum Dum Girls, Chromeo, Haim, John Grant, Midlake, Volcano Choir, !!!), veteranos con clase (Television, Dr. John, The Ex, Mogwai) o personajes clave del rock de las últimas décadas como Kathleen Hanna (The Julien Ruin) y Blixa Bargeld. Imposible nombrarlos a todos, claro. Y ahora llega el trabajo más duro: Organizar los horarios para perderse lo menos posible.

BIO: Eduardo Guillot es periodista musical, cultural y de cine, autor de diversas publicaciones y colaborador de medios especializados como Rockdelux y Efe Eme.

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MUAC Fotos: Fernando Velasco

El Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) fue inaugurado en noviembre de 2008, después de cuatro años de trabajo intensivo para ocuparse, simultáneamente, de la definición de los contenidos de su discurso académico y ex­positivo, del diseño arquitectónico y de la formación de sus colecciones artísticas y documentales. Hoy en día, el MUAC es un hito cultural en el contexto de la universidad pública más grande y prestigiosa de Latinoamérica.

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FROM THIS POSITION

PLAYLIST

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Productor de música electrónica desde los 17 años, parte fundamental de Moenia, una de las bandas synthpop más destacadas en México y colaborador de proyectos como Belanova, Aleks Syntek, Fobia, Momo, Jotdog, Sofi Mayen y La Gusana Ciega. Previo a la salida de su álbum debut Beta, en su faceta como DJ, Alex Midi comparte con WARP Magazine un listado de las canciones que han dispuesto su camino musical.

1. New Order. ‘World In Motion’ (Subbuteo Mix) 2. Depeche Mode. ‘Shake The Desease’ 3. Everything But The Girl. ‘Wrong’ 4. Chemical Brothers. ‘Hey Boy Hey Girl’ 5. Daft Punk. ‘Digital Love’ 6. Underworld. ‘Born Sleepy’ 7. Duran Duran. ‘New Moon On Monday’ 8. Joy Division. ‘Shadowplay’ 9. The Cure. ‘Lullaby’ 10. Mike + The Mechanics. ‘All I Need Is A Miracle’

Foto: Rubén Márquez para WARP

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THERE IS NO SACRED

GROUND FOR THE CONQUERED Por Alejandro Franco __

Pasaban las 10 de la mañana del sábado 22 de febrero. Saber que no era un día de compromisos laborales y que ese ligero dolor de cabeza se debía a una larga noche de fiesta, de alguna manera me resultó reconfortante, por lo que decidí cubrirme la cara con las sabanas buscando eludir la luz que ya entraba por las cortinas entreabiertas.

No pasaron más de 30 segundos de intentar volver a dormir, cuando mi mujer entró a la recamara a decirme que habían reaprehendido a Joaquín Guzmán Loera, mundialmente conocido como “El Chapo”, el líder de la red de narcotráfico más grande del mundo, personaje de Forbes y prácticamente una leyenda viviente en México luego de su escape del penal de Puente Grande en Jalisco el 19 de enero de 2001, de donde salió por la puerta principal por cierto.

Aunque de relevancia para cualquier mexicano en la actualidad, la noticia no hubiera surtido tanto efecto en mí, si no estuviera contextualizada por una banalidad, como esas que acostumbramos los seres humanos hoy en día, que de alguna u otra forma nos ayudan a entender nuestra realidad a través de 13 capítulos y varias temporadas; es decir, una serie de televisión.

Aunque siendo honestos con la verdad, House Of Cards no es propiamente una serie de televisión, sino un formato de ficción como los que solíamos ver en los grandes networks, pero ahora a través del servicio de streaming Netflix. De hecho ese es parte de su encanto, pero sin duda no lo mejor.

Lo relevante es la historia que narra a Frank Underwood, congresista norteamericano en su decidida escala al poder en el Gobierno

de Estados Unidos, sin importar a quien le pase encima o con quien tenga que pactar.

Casi como en la vida real.

Tres días antes de este sábado de “sospechosismo”, el Presidente Barack Obama se reunió con el Presidente Enrique Peña Nieto de México y su homólogo el Primer Ministro de Canadá, Stephen Harper en Toluca, Estado de México. Unas horas antes Facebook anunció la compra del servicio de mensajería instantánea WhatsApp por la ridícula y excedida cantidad de 19,000 millones de dólares, que falló por varias horas al medio día de este sábado que ya empieza a parecer capítulo de la referida serie, protagonizada en la ficción por el gran Kevin Spicey y co producida por David Fincher.

Y es que las suposiciones y el alma de escritores nos salen a todos cuando conjeturamos que es mucha casualidad que hayan agarrado al Chapo en pleno Mazatlán, donde vivía a través de ductos de la ciudad en casas que no se parecen en nada a su ridícula y extensa fortuna, sin un solo disparo y en el baño. La mente de investigadores profesionales nos dice que esa cumbre en Toluca con los tres mandatarios de Norteamérica algo podría tener que ver, ¿no?

Lo mismo que el hecho de que Facebook compre la red de mensajes que todos usamos y luego haya una caída del software. ¿Eso

significa que fue una mala compra o que “tumbaron” el sistema para conocer nuestros secretos más íntimos que guardamos en nuestro teléfono inteligente? ¿Será que el personaje de Frank Underwood es apenas un bosquejo de lo que podemos hacer los seres humanos por poder, por dinero y por conquistar a pesar de todo y de todos?

Lo interesante de ese sábado radica en lo cercana que está la ficción de la realidad y en el contraste de los antihéroes estilo Mad Men, Breaking Bad y obvio HOC, con los personajes reales de nuestras noticias, en un mundo donde los drenajes de una ciudad, el ataque a los periodistas, las autodefensas que actúan en lugar de la policía y la fuerza militar, las manifestaciones pueblos enteros contra sus gobiernos y la industria del acceso a nuestra información, son más espeluznantes que el capítulo más emocionante de nuestra banalidad favorita.

Si a un escritor y productor como Beau Willimon (HOC) le encomiendan inventar una historia como cualquiera de las que refiero o la muerte de Miss Venezuela en el momento crítico de ese gran país, seguro que haría una mega serie o de menos un gran capítulo que nos tendría al filo del sillón, pero seguro, no sería tan impactante como son esos casos en la vida real y si lo fueran, alguien los confundiría con su realidad inmediata, como me pasa tan seguido…

BIO: Alejandro Franco es conductor del programa de radio WFM para W Radio. Escúchalo de lunes a viernes a las 21:00 hrs., a través de wradio.com.mx.

AFTER LATINO After del Vive Latino 2014 by WARP

SLKTR + VL FRIENDS

El Imperial ÁLVARO OBREGÓN #293 (ESQ. OAXACA) 28 Y 29 DE MARZO 10 PM

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DEPECHE MODE Palacio de Deportes de la Comunidad Madrid Foto: Samantha L贸pez #WARPgigs

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30 SECONDS TO MARS Palacio de los Deportes

Foto: Franccel Hernรกndez para WARP #WARPgigs

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DISCLOSURE

Jos茅 Cuervo Sal贸n / Fotos: Zaruhy Sangochian para WARP / #WARPgigs

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ESTÉREO PICNIC Nombre: Estéreo Picnic

Periodo y duración: 3, 4 y 5 de abril 2014

Venue y ubicación: Parque Deportivo

Headliners: Red Hot Chili Peppers,

222 (Autopista Norte No. 222

Nine Inch Nails, Phoenix, Los Fabulosos

Bogotá, Colombia)

Cadillacs, Tiësto.

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VUELOS

(REDONDOS)

BOLETOS TRES DÍAS, ETAPA 3:$ 282.76 TRES DÍAS, ETAPA 4: $$ 331.51 ­— JUEVES 3 Y SÁBADO 5: UN DÍA, ETAPA 3: $ 121.15 — VIERNES 4: ETAPA 3: $ 142.94

ALTO: $ 659.36 MEDIO:$ 478.64 *Precios en dólares.

BAJO: $ 283.87

HOTELES:

Hotel San Francisco Bogotá (Carrera 10 No. 23-63, Bogotá 601861) $ 54.72 Hotel Casa Dann Carlton (Calle 94 No. 19-71, Bogotá) $ 133.74 Hotel Sheraton Colombia (Calle 58 Bis N. 9-24, Bogotá) $ 162.56 Hotel Charleston Bogotá (Carrera 13, 85 - 46, Bogotá) $ 268.79

DESDE SU PRIMERA EDICIÓN EN 2010, EL FESTIVAL HA REUNIDO A TALENTO LATINOAMERICANO Y ARTISTAS INTERNACIONALES, LOGRANDO LLEVAR ACTOS DE LA TALLA DE RED HOT CHILI PEPPERS, THE KILLERS, NEW ORDER, FOALS Y MGMT. RECOMENDACIONES

TRANSPORTE

Centro Histórico de la Candelaria: Es el sitio cultural más importante de Bogotá, se destaca por sus edificios con arquitectura colonial.

Está ubicado en el centro-oriente de la ciudad de Bogotá.

Metro: Estación Calle 142 (tomar Autopista Norte, dirección sur, hasta el número 222) Autobús: Salen desde Av. Éxito de la 170/ Portal Norte.

Mercado de Pulgas: Mercado de antigüedades que se instala en quioscos todos los domingos en Carrera 7 Nº 24-70, Frente a la Torre Colpatria Bogotá.

Auto: Del centro histórico: Tomar la carretera 11 hasta la calle 7, para después incorporarse a la carrera 26 hacia

Zona T: Zona de restaurantes y boutiques exclusivas ubicado en la calle La Boheme y calle 82.

la derecha, hasta llegar a la Autopista Norte. El Parque Deportivo 222 se localiza entre las estaciones del metro Calle 142 y Alcalá.

Parque de la 93: Punto de encuentro para las artes, la cultura y las tendencias, rodeado por variedad de marcas y gastronomía. Ubicado entre la Carretera 11A y 13 entre calles 93A y 93B.

Museo Botero: Ubicado Calle 11 N° 4-41, este inmueble alberga una colección de obras pictóricas donadas por el pintor Fernando Botero a su país.

—

QUÉ ESPERAR DENTRO DEL VENUE - Extensión de 28 mil metros cuadrados, con distancias considerables entre escenarios.

- Stands de hamburguesas, pizza, buffalo wings, comida vegetariana y parrillada.

- Venta de cerveza y refrescos ($34 MXP, en promedio).

—

TIPO DE CAMBIO $1 dólar = $ 2052.46 pesos colombianos

QUÉ LLEVAR -Cámaras NO profesionales.

-Tienda de campaña (no se permitirá pasar la noche en el área).

-Calzado cómodo -Bloqueador solar -Gafas oscuras -Ropa cómoda -Chamarra ligera

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Sing the sorrow En un punto de la plática, Davey Havok, vocalista de A Fire Inside (AFI), aseguró que se perdió del punk por diez o 20 años. Si revisamos su historia, sin embargo, más que perdérselo, fue de las personas que lo vivió en varias etapas que no se han documentado tan bien como en la época considerada clásica del estilo, pues desde principios de los noventa, no hay nada que Davey y su banda no hayan atravesado.

Por: Marcos Hassan / Fotos: Cortesía AFI

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Comenzando en 1991 —año que, según un popular documental sobre Nirvana y Sonic Youth, es en el que el punk rompió—, AFI se inspiró en lo que sucedía a su alrededor, gracias a la escena de Gilman St. —de donde salieron bandas como Green Day y Rancid—, con un estilo musical muy propio, fuerte y rápido, aunque sin miedo a las melodías. The Art Of Drowning, lanzado en el año 2000, fue un disco que capturaba una atmósfera gótica, con sonidos equiparables a lo que sucedía entonces con la parte más emotiva del hardcore, aunque con elementos melódicos del horror punk; con este álbum, la banda se hizo de un culto que conjuntaba a hardcoreros, darks y emos.

El culto de AFI se hizo tan grande que la disquera Dreamworks los firmó para darles mayor proyección. El resultado fue Sing The Sorrow, un fenómeno internacional que catapultó la voz nasal y aguda de Havok a las radios y televisiones del mundo entero. Un disco controversial en su momento, hoy se escucha como algo propio de su época, sin perder el sonido característico de AFI.

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Pienso que sería aún más difícil escribir música que nos interese si nos apoyáramos en un estilo único.

Ustedes firmaron con una disquera grande hace más de una década, pero no han tenido el reclamo que los fans de otras bandas les hacen por “vendidos”.. ¿A qué se debe esto?

El apelativo “vendido” ha sido usado de mala manera a través de los años y, con la manera en la que se ha popularizado el intercambio de archivos de música a través de Internet, se ha vuelto un término aún más obsoleto. No pienso que alguna vez haya sido nuestro caso.

La mayoría de nuestros fans reconoce que creamos arte desde un lugar muy honesto dentro de nosotros.

“EL APELATIVO “VENDIDO” HA SIDO USADO DE MALA MANERA A TRAVÉS DE LOS AÑOS... NO PIENSO QUE ALGUNA VEZ HAYA SIDO NUESTRO CASO.” -DAVEY HAVOK

En 2013, a cuatro años de distancia de Crash Love, lanzaron Burials, lo cual les sirve como excusa para visitar Latinoamérica en su circuito de festivales. WARP Magazine platicó con Davey Havok sobre los planes que tiene la banda con su visita a nuestros parajes y esto fue lo que nos dijo. ¿Cuáles son las expectativas de tus próximas visitas a México y a la versión latinoamericana de Lollapalooza?

Estoy muy emocionado de compartir el escenario con tantos artistas tan buenos.

Lolla siempre ha sido un festival que nos ha inspirado mucho. También espero, con mucha emoción, nuestro concierto en México; el público ha sido fantástico desde nuestras primeras actuaciones allá.

LA RUTA DE AFI POR LATINOAMÉRICA

Hace unos meses lanzaron Burials. ¿Cuáles han sido las reacciones que han recibido de las nuevas canciones al tocarlas en vivo?

Las reacciones al nuevo material han sido extremadamente positivas. Cuando creamos este nuevo material, teníamos la esperanza de que representara aquello que somos actualmente como músicos y autores de canciones.

Viste muy de cerca una parte importante de la historia del punk; incluso interactuaste con gente clave como Dexter Holland, de The Offspring, o con Tim Armstrong cuando les produjo su primer disco…

Pienso que en verdad me perdí del punk. Depende de cómo lo veas: soy demasiado joven para poder haber estado envuelto en eso por diez o 20 años. Me hubiera encantado ver a los Ramones en el CBGB, a Germs en The Masque o a Minor Threat en el 9:30 Club.

La banda ha trabajado en muchos estilos, ¿es difícil escribir canciones sin un sonido fijo?

¿Qué se siente que consideren algunos de tus discos, como The Art Of Drowning, clásicos modernos?

- 27/03/14 Vive Latino D.F., México - 29/03/14 Lollapalooza Chile Santiago, Chile - 2/04/14 Lollapalooza Argentina Buenos Aires, Argentina - 4/04/14 Festival Estéreo Picnic Bogota, Colombia - 6/04/14 Lollapalooza Brasil São Paulo, Brasil

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Pienso que más bien te refieres a Sing The Sorrow y Decemberunderground. Personalmente no los considero clásicos, pero te agradezco el elogio. En lo que se refiere al éxito que esos discos tuvieron, no lo esperaba aunque, siendo los primeros discos que alcanzaron a tanta gente, sabíamos que había una posibilidad de que se diera tal recepción. Ciertamente hemos sido muy agradecidos con lo ocurrido.

Pocos han tomado riesgos artísticos como ustedes. ¿Alguna vez tuvieron duda sobre el camino que habían tomado?

Para nosotros la evolución artística es lo que mantiene viva la creación. Somos muy afortunados de tener fans que siempre están al pendiente de cómo vamos creciendo.

BIO: Marcos Hassan es músico y periodista, colaborador de diversos medios impresos y digitales. Puedes leer su entrevista exclusiva con The xx en WARP #62.

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Los fans de la música oscura tienden a tener un vínculo muy apasionado con las bandas que les gustan. ¿A qué crees que se deba esto?

A través de las diferentes disciplinas, la mayor parte de las piezas de arte que han tenido más impacto en el mundo vienen de un lugar de miseria, desilusión y caos.

Pienso que a la gente le atrae el arte con el que pueden simpatizar, pero creo que esto sucede más con el arte que simpatiza consigo mismo.

Han trabajado con algunos de los productores más emblemáticos del rock moderno. ¿Qué aprendieron de ellos y qué aportaron a su sonido?

Butch, Jerry y Gil han sido maravillosos y ha

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sido un placer trabajar con todos ellos.

Cada uno demostró un entendimiento muy profundo de las canciones que habíamos escrito, cada una en su tiempo, y usamos sus perspectivas y talentos particulares para realizar los discos como los habíamos imaginado. ¿Alguna vez te pones a pensar que el AFI actual es el mismo que escribió ‘I Wanna Get A Mohawk (But Mom Won’t Let Me Get One)’?

Bueno, en realidad no es la misma banda. La mitad de los que tocaban con nosotros dejaron el grupo hace unos quince años. Hoy siento, y lo he sentido por años, que la alineación que tenemos en este momento es la definitiva.

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Ingresa a: warp.la/suscripciones Disponible para México, Estados Unidos y Latinoamérica

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LOLLAPALOOZA CHILE Nombre: Lollapalooza Chile

Periodo y duración: 29 y 30 de marzo

Venue y ubicación: Parque O’Higgins (Av.

Headliners: Red Hot Chili Peppers,

de 2014

Manuel Antonio Matta, Santiago de Chi-

Soundgarden, Arcade Fire y

le, Metropolitana de Santiago de Chile.)

Nine Inch Nails.

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VUELOS

(REDONDOS)

BOLETOS DOS DÍAS, GENERAL: $186.78 UN DÍA, GENERAL: $124.52 DOS DÍAS, LOLLA LOUNGE: $373.56 UN DÍA, LOLLA LOUNGE: $249.04

ALTO: $1519.92 MEDIO: $1067.40 *Precios en dólares.

BAJO: $646.59

HOTELES:

Hotel Gen (Portugal 415, Santiago, Región Metropolitana) $396.07 Hotel Castillo (Pío Nono 420, Providencia, Región Metropolitana) $61.40 Hotel Galerías (San Antonio 65, Santiago, Región Metropolitana) $20.59

TRANSPORTE Metro: Línea 2, descender en

RECOMENDACIONES

la estación Parque O’Higgins.

Transantiago: Con recorridos 100, 300 y 500.

En auto: Las avenidas que circundan el Parque

Palacio de Bellas Artes: Alberga a dos de los museos más importantes de la ciudad: El Museo Nacional de Bellas Artes y, del lado opuesto, el Museo de Arte Contemporáneo.

O’Higgins son Tupper, Norte Sur, General Rondizzoni y Beaucheff.

CHILE FUE EL PRIMER PAÍS EN RECIBIR A LA FRANQUICIA LOLLAPALOOZA EN TODO EL MUNDO. DURANTE LA EDICIÓN DE 2013 SE ROMPIÓ RECORD DE ASISTENCIA CON UNA CIFRA MAYOR A LOS 140 MIL ASISTENTES.

Plaza de Armas: Un espacio para el arte callejero y distintas manifestaciones artísticas. Es el centro de reunión de la sociedad chilena, tanto en el ámbito social como en lo político.

Mercado Central: Reconocido como el lugar con mayor concentración de locales gastronómicos, con platillos típicos de la región, es el sitio más visitado a la hora de comer.

Cerro Santa Lucía: Con una de las vistas más hermosas de la ciudad, se puede disfrutar de gran variedad de vegetación y grandes parques. Cuenta con un camino formado por escaleras que lleva a las terrazas ubicadas en la cima donde se encuentra el Castillo Hidalgo que hoy funciona como centro de eventos.

Barrio Lastarria: Mezcla perfecta entre un barrio residencial, lindos paisajes y una gran variedad de opciones para la vida nocturna.

Reconocido por albergar algunos de los museos más importantes, como el de Artes Visuales o el de La Merced.

—

QUÉ ESPERAR DENTRO DEL VENUE - Cinco escenarios repartidos a lo largo del parque - Patio de comida - Merchandise oficial (camisetas, gorras, tazas, sudaderas y más) - Guarda ropa - Kidzapalooza (Lugar especial para niños, con bandas y actividades especiales) - Áreas para fumadorestacos de cochinita, esquites, nuggets, hamburguesas, hot dogs, etc.

-Áreas de comida y vendedores que recorren el recinto.

—

TIPO DE CAMBIO $1 dólar = $ 555.37pesos chilenos

QUÉ LLEVAR -Celular -Dinero en efectivo -Lentes de Sol -Gorra o sombrero -Ropa ligera -Calzado cómodo -Protector Solar -Chamarra -Cantimplora

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CAPITAL CITIES In The Center Stage…

Por: Karina Luvián

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LA RUTA DE CAPITAL CITIES POR LATINOAMÉRICA - 29/03/14 Lollapalooza Chile Santiago, Chile - 30/04/14 Embarcadero 41

Existen mercados que a lo largo de la historia se han convertido en trampolín para cualquier artista. El norteamericano, por ejemplo, resulta para músicos provenientes de Reino Unido o Australia un escalón ineludible de cara al éxito internacional, a ese momento en la vida de cualquier creativo en el que su nombre es grabado en los anales de la historia, siendo el latinoamericano uno de los más menospreciados como punta de lanza.

“Primero nos ganamos el reconocimiento a través de blogs. Luego vino nuestra inclusión en radio y luego la propagación de nuestra música en todo el mundo. Hoy por hoy seguimos a cargo de todas nuestras herramientas sociales y tener una disquera nos ha ayudado a promocionar nuestra música en la radio y a realizar nuestros videos.”

Mirar al pasado y desentrañar experiencias, analizar los sucesos y retomar enseñanzas es la base de cualquier avance en la disciplina en la que se piense, por lo que no es extraño deducir que la labor de ambos músicos como compositores de piezas para comerciales les dio las bases necesarias para confeccionar

- 1/04/14 Lollapalooza Argentina Buenos Aires, Argentina - 3/04/14 Festival Estéreo Picnic Bogota, Colombia - 5/04/14 Lollapalooza Brasil São Paulo, Brasil

a Simonian; de la creación de jingles al ensamblado de In A Tidal Wave Of Mystery:

Si bien es necesario conquistar al público hispanoparlante si se quiere trascender, nadie señalaría, quizá, a la industria peruana como trampolín perfecto de proyección, por decir un ejemplo. Sin embargo, Capital Cities vino a probar lo improbable y a señalar que sí, la aceptación en masa de un sector ávido de nueva música, así fuere de un país olvidado por la industria musical global, puede ser el detonante perfecto para un ascenso vertiginoso a las grandes ligas.

“Afortunadamente todo ocurrió orgánicamente. Lima se convirtió en la primera ciudad en la que ‘Safe And Sound’ se convirtió en un éxito radial y cuando nos dimos cuenta de esto, para nuestra sorpresa, fue cuando supimos con certeza que la canción se convertiría en un éxito global”, asegura Ryan Merchant, quien junto a Sebu Simonian se ha encargado de crear esta aura de ensueño alrededor de la banda surgida en Los Angeles, pues cabe aclarar que no sólo se trata de uno de los ascensos más estrepitosos de los últimos años, sino que estuvo cimentado en la autopromoción, con Internet como herramienta central:

Lima, Perú

“Sebu y yo trabajamos juntos como un equipo de composición por dos años, más o menos, antes de crear Capital Cities. Durante ese tiempo escribimos un montón de canciones juntos y eventualmente decidimos empezar a tocarlas en vivo. Fue entonces cuando, guiados por la reacción del público, tuvimos la seguridad de que estábamos iniciando algo con mucho potencial. Viéndolo a la lejanía diría que esos años nos ayudaron mucho a concentrar nuestra energía y a escribir mucha música.”

‘SAFE AND SOUND’ HA VENDIDO MÁS DE DOS MILLONES DE COPIAS EN EL MUNDO, ALCANZADO LA POSICIÓN NÚMERO UNO EN EL RANKING DE MÚSICA ALTERNATIVA DE BILLBOARD Y CONTADO CON TRES VIDEOS DIFERENTES, UNO DE ELLOS NOMINADO AL GRAMMY. armonías y ensamblar un disco por demás atractivo dentro del indie pop con elementos dance, algo que ellos reconocen orgullosamente al ver planteada la idea. “El mayor tiempo que dediques a componer te hará ser mejor en ello, y la mayor cantidad de tropiezos te llevarán a hacer buenas canciones”, sería la filosofía según Merchant, misma que se ha visto reflejada cada día desde que decidió contestar a una oferta de servicios de producción publicada en Craigslist y que, sin saberlo, lo llevaría a conformar Capital Cities años después junto

No se equivocaron. Con base en sus piezas favoritas de una lista considerable de tracks, ambos músicos dieron forma a un disco debut que los ha llevado por todo el mundo, tendiendo como estandarte el sencillo ‘Safe And Sound’, escuchado por cuanta persona, con un mínimo de integración social, se piense. Justo esta canción logró colocarse en el chart Hot 100 de Billboard poco después de su lanzamiento y es una de las que sonará, sin duda, en su próxima visita a México, con un arreglo especial con mariachi que probablemente encantará a la audiencia; “un sueño para nosotros desde hace algún tiempo”, aseguró el compositor.

Teniendo en cuenta la posición alcanzada, en cuanto a fama y aceptación, es inevitable excluir el cuestionamiento respecto a su futuro como banda y próximos lanzamientos, por lo que, una vez planteada la preguta, Ryan asegura, con cierta incertidumbre lógica: “Hemos empezado a escribir pequeñas ideas de lo que podría estar en nuestro próximo disco. Nos encantaría trabajar con Rod Temperton, quien escribió los más grandes éxitos de Michael Jackson, por mencionar algo de su valía, pero no sabemos.

Estamos inmersos en la gira y es aún muy pronto para poder decir algo exacto.”

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BRASIL REPRESENTÓ EL SEGUNDO PAÍS EN LATINOAMÉRICA EN ACOGER EL FESTIVAL ESTADOUNIDENSE, CON SU PRIMERA EDICIÓN EN 2012. FOO FIGHTERS FUE LA BANDA ENCARGADA DE CERRAR LA PRIMERA EDICIÓN DEL EVENTO.

LOLLAPALOOZA BRASIL Nombre: Lollapalooza Brasil

Periodo de duración: 5 y 6 de abril

Venue y ubicación: Autódromo de Inter-

Headliners: Muse, Arcade Fire,

de 2014

lagos (Av. Senador Teotônio Vilela, 261,

Soundgarden, Nine Inch Nails.

Bairro de Interlagos, São Paulo.)

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VUELOS

(REDONDOS)

BOLETOS DOS DÍAS, MEDIA ENTRADA (ESTUDIANTES, TERCERA EDAD): $110.74 DOS DÍAS, GENERAL: $221.62 DÍA UNO, MEDIA ENTRADA (ESTUDIANTES, TERCERA EDAD): $59.55 DÍA UNO, GENERAL: $119.03 DÍA DOS, MEDIA ENTRADA (ESTUDIANTES, TERCERA EDAD): $71.85 DÍA DOS, GENERAL: $143.62

ALTO: $1703.70 MEDIO: $1333 *Precios en dólares.

BAJO: $822.22

Hotel Transamérica São Paulo (Avenida das Nações Unidas, 18.591, São Paulo) $731.11 Blue Tree Premium Morumbi (Avenida Roque Petroni Júnior, 1000, São Paulo) $385.92 Campo Grande Hostel (Rua Pajau, 70, São Paulo) $183.70

TRANSPORTE

RECOMENDACIONES

Tren: La estación Autódromo (Línea 9 – Esmeralda / Osasco-Grajaú) se encuentra a poco menos de diez minutos.

Autobús: São Paulo cuenta con varias líneas que pasan

Altino Arantes Building: La calle João Bricola, en el centro mismo de São Paulo, aloja el rascacielos más importante de la ciudad, con impresionante vista y de entrada gratuita.

por el circuito de Interlagos.

El pase cuesta tres reales.

En auto: El lugar se encuentra cerca de Marginal Pinheiros y Av. Senador Teotônio Vilela. El estacionamiento del autódromo es gratuito

Museu de Arte de São Paulo (MASP): Ubicado en la Avenida Paulista, este museo posee la colección más completa de Latinoamérica de arte occidental; un clásico del modernismo.

pero con cupo limitado.

Taxi: Existen servicios de radio taxi común, especial y de lujo. Pueden tomarse cerca del autódromo, en Avenida Antonio Barbosa da Silva Sandoval, Avenida Rio Bonito

Mercado Municipal: Edificación que conjunta puestos de venta de productos alimenticios nacionales, colorido, atrayentemente agitado.

Interesante experiencia en la calle Cantareira 306.

y Antonio Rua Dias da Costa, en la Avenida Feliciano Correa, Avenida Interlagos y en la calle Dr. Francisco. También se recomienda utilizar aplicaciones como Uber.

Restaurant Ponto Chic: Una tradición de São Paulo, famoso por su personal eficiente con corbatas de moño y su extravagante bauru. Largo Paissandu 27, Triângulo es su dirección.

Bourbon Street Music Club: Restaurante-bar altamente

recomendable, con comida y música en vivo. Situado en la calle Dos Chanes, 127, este lugar es ideal para pasar un momento con los amigos.

—

QUÉ ESPERAR DENTRO DEL VENUE - Tres escenarios de gran formato - Una carpa de música electrónica - Kidzapalloza (Escenario para niños, con presenta- ciones y actividades especiales) - Distancia corta entre escenarios, con fácil acceso.

- Merchandise oficial (camisetas, gorras, tazas, sudaderas y más) - Zonas de bebidas y comida.

—

TIPO DE CAMBIO $1 dólar = $2.34 reales

QUÉ LLEVAR -Dinero en efectivo Celular -Refrigerio (fruta, galletas, papas) -Frazada -Zapatos cómodos o botas en caso de lluvia Lentes de sol Chamarra ligera Protector solar Pañuelos desechables Bolsa o mochila cómodas Sombrero Cámara fotográfica (no profesional)

When a fire starts to burn Por: Diovanny Garfias / Fotos: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

“¿NUESTRA PRIMERA MEMORIA MUSICAL? ESTAR BAILANDO POR TODA LA CASA, MIENTRAS ESCUCHÁBAMOS A MICHAEL JACKSON.” -HOWARD LAWRENCE

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Con el paso del tiempo uno se acostumbra a esperar durante varios minutos (en el peor de los casos un par de horas) para realizar una entrevista, es algo común en esta profesión. Hoy esperamos para escuchar la historia de los hermanos Lawrence de su propia voz, pero no somos los únicos, Guy y Howard llevan casi una hora respondiendo los cuestionamientos de la prensa mexicana, han sido fotografiados, grabados en video y seguramente han respondido en más de una ocasión la misma pregunta.

Con el lanzamiento de Settle (2013) Disclosure inició una gira que parece no tener fin. El álbum no sólo le dio la razón a la crítica especializada en Reino Unido colocándolo como el acto de música bailable a seguir, también logró que los ojos de los amantes del EDM de todo el mundo se posaran sobre el proyecto. No es de extrañar que una industria tan fría y calculadora como la de Reino Unido haya acogido de tan buena gana a una dupla de jóvenes productores y los haya lanzado al globo a generar millones de libras, Guy y Howard se ganaron la aceptación añadiendo a su arte un dejo de la electrónica de los 90, aquella que condecoró a Fatboy Slim, The Chemical Brothers y The Prodigy como héroes, luego de compartir con el mainstream el big beat.

Finalmente tiene lugar nuestro encuentro con los jóvenes, se ven cansados y fastidiados, sin embargo, mantienen la postura. Tras un photoshoot express, los hermanos están listos para conversar: “A veces es difícil de creer, pero para nosotros esto es lo normal”, comenta Guy entre risas recién le pregunté respecto a cómo empatar su vida fuera de los escenarios con algo tan masivo y demandante como Disclosure. Howard lo secunda casi en el acto: “¡Ya nunca vamos a nuestra casa! Volvimos en Navidad y eso fue todo, fue algo así como nuestras vacaciones.”

Estos músicos apenas rebasan los 20 años de edad y, sin embargo, expertos en la materia consideran que su sonido no sólo está redefiniendo el EDM, también lo está dignificando. Antes de terminar de compartir dicha percepción, Howard tiene una respuesta: “Creo que el EDM, como término, es algo confuso, obviamente se refiere a la Electronic Dance Music, lo cual definitivamente nos incluye porque hacemos música dance basada en electrónica, pero siento que especialmente en Estados Unidos se está entendiendo como algo que relacionas inmediatamente con Avicii, Tiësto, David Guetta, un sonido muy agresivo y específico, algo que no suena en lo absoluto como nosotros…” Guy tiene su propia opinión: “Yo ni siquiera diría agresivo, más bien es un sonido extremadamente comercial, obviamente creado para la radio, lo cual no es algo que tenemos en mente cuando hacemos música, sólo la hacemos porque nos llena. Creo que el término ha sido mal utilizado y aunque algunos digan que estamos definiendo el EDM, bueno, Skrillex también entra en el género y no creo que sonemos como él, o él como nosotros, así que no creo que en realidad estemos definiendo algo.”

Encumbrados en el mainstream y con miras a ascender más, Guy está consiente de que el fenómeno Disclosure ha sido algo repentino e

inesperado: “Hemos hecho música desde que éramos muy jóvenes, pero iniciamos Disclosure hace 4 años. Tan pronto como iniciamos el proyecto se convirtió en algo grande, de verdad. Subimos a la red nuestro primer single, nos firmó una disquera, ésta lanzó el single oficialmente y dos semanas después ya teníamos manager y todo un entourage detrás. Se volvió algo serio demasiado pronto, según nosotros.” Y aunque su historia ha transcurrido con rapidez, ambos conservan su capacidad de asombro. Según recuerdan, escuchar su música en la radio nacional, hasta hace algunos años, no era algo que pasaba todos los días: “‘Blue You’ fue la primera canción de Disclosure que escuchamos en la radio”, recuerda Guy, “Esa fue una de las más grandes sorpresas que nos hemos llevado en toda la vida. Porque cuando ‘Latch’ llegó a los charts nos hizo pensar: ‘Bueno, ahí estamos’, pero con ‘Blue You’ fue como: ‘Por Dios, estamos en la radio nacional’”. Curiosamente ‘Latch’ fue la punta de lanza que hizo del proyecto algo realmente mediático, el tema se colocó en los primeros lugares de las listas dance en Reino Unido y pronto se propagó por el resto del mundo: “En ese sentido no fue tan sorpresivo”, menciona Howard respecto al single, “pero sigue siendo asombroso que algo así haya pasado”.

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“NOS SENTIMOS PRIVILEGIADOS DE FORMAR PARTE DEL LINEUP OTRA VEZ PORQUE, PARA SER HONESTOS, NADIE HACE ESO, NADIE TOCA DOS AÑOS CONSECUTIVOS EN COACHELLA.” -HOWARD LAWRENCE

LA RUTA DE DISCLOSURE POR LATINOAMÉRICA - 5/04/14 Lollapalooza Brasil São Paulo Brasil (presentación exclusiva)

Disclosure en Coachella 2013.

A esta altura de la conversación su tour manager comienza a apresurarnos, la banda aún debe de hacer un meet & greet, soundcheck y, claro, descansar antes del show. En ese momento, nuestro coordinador de producción nos gana algo de tiempo “platicando” con este personaje y aprovecho para preguntarle a Howard el secreto de su fórmula, le exijo que me revele cuál es la magia que distingue a Disclosure de otros proyectos, reímos y el músico responde: “Creo que la mayoría de los actos de música electrónica (no todos, pero la mayoría) utilizan música instrumental sampleada. Nosotros utilizamos estructuras musicales más orientadas al pop, con coros y un verso”. Su hermano tiene su propia versión de los hechos: “Otra cosa que nos distingue de los demás actos electrónicos es que la mayoría se empeña en presentar su música

en formato de DJ, lo cual está bien, pero para nosotros es muy importante presentar un show en vivo. No es gran cosa, pero se requiere más esfuerzo y tiempo para armar un show completo. Nosotros creemos que nuestro show es bueno, pero lo más importante es que la gente lo recuerde”.

Nuestro tiempo con la banda está por terminar, más que lanzarles una última pregunta, les platico mi experiencia en Coachella 2013, en donde tuve la oportunidad de tomar fotos de su actuación, les comento que en ese momento, tras ver la gran cantidad de gente reunida, su reacción y la energía desprendida, entendí por qué Disclosure se había convertido en algo grande en poco tiempo. “Sí, fue un gran show”, recuerda Guy. Curiosamente, este año la banda repetirá la experiencia. Sereno

pero con cierta emoción en los ojos, Howard menciona: “Definitivamente sí, hemos tenido la fortuna de tocar shows sorprendentes desde la pasada edición de Cochella, y aunque cada uno tiene su propia energía y es muy particular nos sentimos privilegiados de formar parte del lineup otra vez porque, para ser honestos, nadie hace eso, nadie toca dos años consecutivos en Coachella… Se va a poner bueno”.

Nuestro coordinador ya no puede entretener más al tour manager, así que es momento de acabar la conversación. Un apretón de manos y un agradecimiento preceden la salida de los llamados nuevos prodigios del dance de la sala.

No estoy seguro de que sigamos hablando de Disclosure dentro de diez años (tal vez sí), pero de lo que estoy completamente convencido es de que estos dos jóvenes de Reino Unido aún tienen dos o tres trucos bajo la manga.

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LOLLAPALOOZA ARGENTINA Nombre: Lollapalooza Argentina

Periodo de duración: 1 y 2 de abril

Venue y ubicación: Hipódromo San

Headliners: Nine Inch Nails, Red Hot

de 2014

Isidro (Av. Márquez 504, San Isidro,

Chili Peppers, Soundgarden,

Buenos Aires.)

Arcade Fire.

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ESTA SERÁ LA PRIMERA EDICIÓN DE LOLLAPALOOZA ARGENTINA, LUEGO DE QUE EL FESTIVAL LLEGARA A CHILE Y BRASIL. EL HIPÓDROMO SAN ISIDRO ESTÁ ACONDICIONADO PARA ALBERGAR UN TOTAL DE 100 MIL ESPECTADORES.

VUELOS

(REDONDOS)

BOLETOS PREVENTA, DOS DÍAS, GENERAL: $110.70 DOS DÍAS, GENERAL: $147.60 PREVENTA, DOS DÍAS, VIP: $356.72 DOS DÍAS, VIP: $430.52

ALTO: $1162.96 MEDIO: $948.14 *Precios en dólares.

BAJO: $637.03

HOTELES:

Villa Isidro Hotel Boutique & Spa (Av. Libertador Gral. San Martín) $162.96 Hotel Jacaranda (Necochea 810, San Isidro, San Fernando) $111.11 B&B San Isidro (Rivadavia - Martin y Omar, San Isidro) $59.03

RECOMENDACIONES

TRANSPORTE Autobús: Línea de colectivo 60 (recorre avenida Centenario), 15 y 21 (ambas recorren la Autopista Panamericana).

En auto: Las avenidas que

Puerto Madero: Uno de los barrios más exclusivos y representativos de Buenos Aires, ubicado cerca de la zona céntrica de la ciudad.

Estadio del club Boca Juniors y el callejón Caminito, al sudeste de la ciudad.

—

QUÉ ESPERAR DENTRO DEL VENUE

Bar la Biela: Ubicado en el número 600 de la Avenida Quintana, este lugar cuenta con más de 50 años y ha sido visitado por figuras como Jorge Luis Borges y Francis Ford Coppola.

- Merchandise oficial (camisetas, gorras, tazas, sudaderas y más)

Plaza de Mayo: Localizada en el denominado microcentro porteño, esta plaza cuenta con monumentos y edificios representativos de la ciudad como la Casa Rosada y la Catedral Metropolitana.

- Zona de actividades especiales

La Boca: Barrio clásico con sitios representativos como el

$1 dólar = $9.5 pesos argentinos

- Zona especial de alimentos y bebidas - Zona de arte

circundan el Hipódromo San Isidro son Ave. Bernabé Márquez y Ave. Sir Alexander Fleming.

- Kidzapalooza (Lugar especial para niños, con bandas y actividades especiales)

TIPO DE CAMBIO

QUÉ LLEVAR -Celular -Tennis cómodos -Ropa ligera -Protector Solar -Lentes de Sol -Chamarra ligera -Dinero en efectivo

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HOW DID ARCADE FIRE BECOME THE HEADLINER OF ALL FESTIVALS? Por: Paul Stokes / @stokesie Foto: Gene Blevins —

Si la primera vez que oíste algo de Arcade Fire, allá por 2004, “fue acerca de ellos” en lugar de su música, entonces pudiste haber juzgado sus oportunidades de triunfar como reducidas.

Provenientes de Montreal —una ciudad que ha vivido bajo la sombra del gran Leonard Cohen— el grupo estaba inicialmente compuesto por protestantes de clase alta provenientes de Norteamérica. Una banda con instrumentos notablemente temperamentales como glockenspiels, que ofrecían desgarradoras presentaciones en centros comerciales, no suena exactamente como algo que fuera a impactar al mundo.

Contradictorio y complicado, demasiado elaborado y no preparado a la vez. La idea de que The Arcade Fire (irónicamente el “The” es lo único que no sobrevivió al éxito global) adornara eventualmente estadios y ceremonias como la entrega de los Grammy podría sonar exagerada… oh sí, su álbum debut se llamó Funeral… ¡muy divertido en verdad!

Afortunadamente, Arcade Fire es una banda en donde la vibra inicial fue en torno a la música y no a las personalidades de sus integrantes.

A menudo citados como una de las últimas bandas que se descubrieron en un festival — aunque CMJ (sitio especializado en música) a veces toma el crédito de este hallazgo,

el sello indie norteamericano Merge ya los había firmado; poco después la británica Rough Trade licenciaría su debut antes de que alguien se les adelantara— recuerdo claramente que amigos míos dentro de la industria me insistían para que les consiguiera copias promocionales de Funeral. La decepción no era posible, ese disco es garantía.

Normalmente, en circunstancias similares, lo único que obtienes son sentimientos como la decepción —lo siento Detroit Social Club…— pero en el caso del debut de Arcade Fire, había una colección de sonidos que formaban canciones capaces de transportar a los escuchas a otro universo. Incluso antes de saber que son más de nueve integrantes cuando se presentan en vivo, surgía la duda en cuanto a si ese sonido se podía reproducir nuevamente fuera, o incluso, dentro de un estudio.

Intrincado e idiosincrático, también hay algo de un deliberado, desvergonzado y arriesgado pop en Funeral. Y eso, considero, es la clave de la evolución en el escenario de Arcade Fire, desde encontrarse en clubes de Montreal, hasta convertirse en un acto de moda; el rival más amado para U2 en su

BIO: Paul Stokes es Editor Asociado de Q Magazine, puedes leer su reseña de AM de Arctic Monkeys en WARP #63.

dominio global. Win Butler y compañía crean música bella, pero también es muy obvio que quieren ser grandes, una banda grande.

En una era en donde las burlas hacia el indie han sido amplificadas por la ira en mensajes de foros y chats, replantearse el deseo de ser escuchados y disfrutados por mucha gente no es cosa fácil. Cuando sus predecesores fueron abiertos en cuanto a sus ambiciones, fueron crucificados por atreverse a soñar, entre ellos muchas bandas de esta generación. A lo mejor es su pinta de forasteros o su propuesta poco convencional, o probablemente es sólo que son MUY buenos (fuera del resbalón de Neon Bible, sus discos han sido excepcionales), pero Arcade Fire parece haber conquistado los dos flancos, es decir: quienes “quieren que sean grandes” y a aquellos que odian a bandas que buscan esa grandeza… y a todo lo que hay en el mundo, aparentemente.

Entonces, ¿Cómo un grupo de raros de Montreal se convirtió en la banda más grande —y decente— del planeta? No fue fácil, fue complicado planearlo, pero para contradecir a The Smiths, ¡ellos se lo ganaron!

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UN MONSTRUO DE MIL CABEZAS LLAMADO

VIVE LATINO Por: Elsa Núñez Cebada —

Seguro todos recuerdan la primera vez que fueron a Vive Latino, no importa que esto sucediera el año pasado o que se hayan aventurado a ir con sus amigos cuando eran jóvenes. Esto tal vez sea una advertencia para los que se sintieron motivados a adentrarse en esta aventura musical durante 2014, ya que absolutamente todos hemos tenido la misma expresión de sorpresa en nuestros rostros al estar entre ese mar de gente que recorre el Foro Sol, esas olas humanas que inundan cada escenario en cuanto comienzan los acordes de su canción favorita.

Vive Latino está cumpliendo 15 años de existencia y esto, desde luego, viene acompañado por una reflexión por parte de sus organizadores, los participantes en las actividades alternas, las bandas que estarán ahí por primera vez y hasta para los que repiten por sexta ocasión, además de los que tomamos el Foro como nuestro hogar desde antes de que los fans madrugadores lleguen y nos vamos después del personal de limpieza.

1998 fue el año elegido para poner en marcha un experimento que hasta el momento sigue mostrando resultados diferentes en cada edición.

“Es un festival que ha tenido su desarrollo como si se tratara de una persona, ahora se encuentra en un periodo adulto. En aquel momento nadie tenía expectativas, terminó el primer festival y la misma gente no sabía si se repetiría”, comenta el fotógrafo Fernando Aceves, quien con su lente ha documentado más de 10 ediciones del festival.

Además de ser una fiesta musical de varios días, el Vive es una celebración a la diversidad ya que en su cartel siempre incluirá propuestas para todos los gustos y esto ha quedado muy bien reflejado en nichos como la Carpa Intol-

erante [que empezó a operar en 2009], en donde la labor de Gerry Rosado y Salvador Toache es la curaduría de los talentos que ahí se presentan.

La mejor manera de percibir esa diversidad cultural es caminar entre cada escenario, darse una vuelta por los puestos del Tianguis Cultural del Chopo o descansar del calor en la Carpa Ambulante, que llegó a Vive Latino en 2011 aprovechando la sinergia que han creado entre música y cine son su sección Sonidero. O simplemente sentarse a ver el desfile de particulares personajes que toman este lugar como su pasarela.

El festival más grande de Latinoamérica no podría existir sin la gente, quienes somos los verdaderos protagonistas y esa es la idea que Manuel Macías, diseñador del cartel de 2014, tomó para crear el arte que hemos visto en latas de cerveza y posters que inundarán de color el inmueble.

Supo el concepto que debía desarrollar “el año pasado, cuando estaba en medio de la gente durante la presentación de Los Fabulosos Cadillacs.

Fue increíble cómo con dos acordes y unos trompetazos la gente empezó a brincar. En ese momento me quedó clarísimo que esto tiene que ver más con el público que con las bandas”.

Esto solamente es un brevísimo repaso por las historias que guarda el Foro Sol, esos relatos que se han ido transformando con el tiempo, en los que la falta de agua o un baño limpio nunca serán impedimento para que esa criatura de dimensiones estratosféricas llamada público salga satisfecha al escuchar su canción, esa de la que se han apropiado y que vivirá en sus memorias por siempre… eso que hace que después de nuestra primera vez queramos repetir.

BIO: Elsa Núñez Cebada es periodista musical y colaboradora de WARP, puedes leer su entrevista exclusiva con Hello Seahorse! en WARP #63.

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VIVE LATINO

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ESTE 2014, VIVE LATINO CUMPLE 15 AÑOS DE VIDA, CONVIRTIÉNDOSE EN EL FESTIVAL MÁS LONGEVO E IMPORTANTE DE LATINOAMÉRICA.

Nombre: Festival Iberoamericano de

Periodo de duración: 27, 28, 29 y 30 de

Venue y ubicación: Foro Sol (Av. Viaduc-

Headliners: Arcade Fire, Nine Inch Nails,

Cultura Musical Vive Latino

marzo de 2014

to Río de la Piedad y Río Churubusco

Zurdok, Los Tigres del Norte, Placebo,

S/N, Iztacalcalco, Ciudad de México.)

Zoé.

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VUELOS

(REDONDOS)

BOLETOS UN DÍA, GENERAL: $42.90 UN DÍA, PLATINO: $ 71.47 ABONO, TRES DÍAS, GENERAL (A ELECCIÓN PERSONAL): $112.85 ABONO CUATRO DÍAS, GENERAL: $135.43

CANCÚN – CD. DE MÉXICO: $246.02 MONTERREY – CD. DE MÉXICO: $174.55 GUADALAJARA – CD. DE MÉXICO: $139.94 *Precios en dólares.

HOTELES:

Holiday Inn México Dali Airport (Viaducto Río De La Piedad, 260) $108.20 Hotel Grand Prix (Río Churubusco 200) $67.64 Hotel Harare (Calzada de Tlalpan 877, Colonia Josefa Ortiz de Domínguez) $29.34

TRANSPORTE Metro: La estación más cercana es Ciudad Deportiva,

RECOMENDACIONES

en la Línea 9. Se llega caminando al recinto.

— Metrobús: De la Línea 2, la estación más cercana es Iztacalco. Se llega caminando al Foro Sol.

MUNAL: Uno de los museos más emblemáticos del país, fácilmente identificado por la gran estatua de Carlos IV ubicada en su patio frontal. Se encuentra en Tacuba #08, Centro Histórico.

— En auto: Las avenidas y circundan el lugar son Viaducto Río Piedad, Eje 3 Sur (Añil), Eje 4 oriente (Río Churubusco), Circuito Interior, Ignacio Zaragoza. Las tarifas de estacionamiento varían entre 50 y 150 pesos.

Centro Cultural España: Espacio cultural de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), en República de Guatemala 18, Centro Histórico, con actividades gratuitas y una terraza que funge como bar.

— Taxi: Se recomienda pedir servicio por teléfono o utilizar aplicaciones como Easy Taxi, Yaxi y Uber.

—

Arena México: En Dr. Lavista 189, Colonia Doctores es donde se desarrolla uno de los deportes más significativos y alegres del país: la lucha libre.

El Instituto Nacional de la Juventud ofrece, además, transporte seguro en camiones RTP, con nueve rutas entre las 00:00 horas y 02:00 horas. www.jovenes.df.gob.mx

El Huarache Azteca: Este famoso puesto, en el Mercado de Jamaica, Colonia Jamaica, se puede encontrar gran variedad de sopes, huaraches y quesadillas; sin duda uno de los mejores en su especialidad.

Museo Frida Kahlo: En Londres 247, Colonia Del Carmen, Coyoacán, está la también conocida Casa Azul, uno de los museos más concurridos del país con obras de algunos de los artistas más reconocidos en el orbe.

—

QUÉ ESPERAR DENTRO DEL VENUE -Tianguis cultural del Chopo -Muestra de arte urbano -Expresiones artísticas emergentes.

-Distancia corta entre escenarios y carpas.

-Merchandise oficial (camisetas, gorras, tazas, sudaderas y más) -Bebidas: Cerveza, agua, refresco, mezcal y bebidas alcohólicas.

-Comida: Pizza, tacos de canasta, tacos de cochinita, esquites, nuggets, hamburguesas, hot dogs, etc.

-Áreas de comida y vendedores que recorren el recinto.

TIPO DE CAMBIO $1 dólar = $13.3 pesos

QUÉ LLEVAR -Dinero en efectivo -Celular -Zapatos cómodos o botas en caso de lluvia -Lentes de sol -Chamarra ligera -Protector solar -Pañuelos desechables -Bolsa o mochila cómodas -Sombrero -Cámara fotográfica (no profesional)

We are Explorers Por: Eduardo Martínez

Formados al inicio de la década pasada en la Ciudad de Melbourne, Australia, Cut Copy ha logrado llevar un camino dentro de la escena de la música electrónica. Desde sus comienzos, los australianos han desarrollado un estilo propio, inclusive, han servido de inspiración para las nuevas bandas de su región.

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LA RUTA DE CUT COPY POR LATINOAMÉRICA - 28/03/14 Vive Latino D.F., México - 4/04/14 Festival Estéreo Picnic Bogotá, Colombia

“UNA DE LAS COSAS QUE REALMENTE DISFRUTAMOS AL VENIR A TOCAR A LA CIUDAD DE MÉXICO ES SU GENTE, HAY DEMASIADA Y SON TAN ENTREGADOS.” Después del éxito de In Ghost Colours (2008), su segundo álbum, y de un desapercibido Zonoscope (2011), Cut Copy presentó en septiembre del año pasado su cuarta placa, Free Your Mind, retomando el sonido de sus inicios.

Además, 2014 es un año importante para los festivales que se llevarán acabo en varias partes del mundo. La mayoría de ellos cuentan con headliners muy interesantes que atraen hasta al más exigente. En México, Vive Latino cumple quince años de vida, convirtiéndose en el festival más longevo e importante de Latinoamérica, por lo que incluyeron a varias bandas de renombre internacional, entre ellas Cut Copy.

de presentaciones bajo diferentes nombres inventados, teniendo el problema de que Cut Copy ya existía. No queríamos que nadie nos notara a menos que tuviésemos la confianza de que nuestro show fuera bueno. Tocamos entre tres y cuatro veces en esta modalidad, con algunos amigos, para ser observados y tener una opinión honesta sobre si éramos buenos o no. Ese fue el principio: Nosotros tocando en un bar básicamente sin gente.

Es por eso que WARP Magazine tuvo una interesante conversación con el frontman multiinstrumentista de Cut Copy, Dan Whitford, quien cuenta con más de trece años de carrera elogiada por la crítica especializada, hablándonos un poco sobre su participación en Vive Latino y su cuarto álbum.

¿Cómo tomaste la noticia al enterarte que participarían en su primer festival?

El primer festival en el que tocamos ocurrió en Australia. Estaba muy emocionado por estar frente a una gran audiencia y vernos alineados con bandas que nos gustaban lo hacía aún más interesante. Es una buena oportunidad de estar rodeado de gente que quizá conoce tu música pero no es necesariamente tu fan, por lo que se convierte en el mejor momento de demostrar tu talento y ganártelos.

¿Recuerdas cómo fue tu primera presentación en vivo con Cut Copy?

Al inicio era sólo un proyecto solista, dedicándome a realizar DJ Sets y a tocar canciones propias a las que les hacía sampleos. El primer concierto lo recuerdo claramente. Decidimos presentarnos bajo el nombre actual, ya que agendamos una serie

¿Podrías comparar tu primer concierto con su primer presentación en Latinoamérica?

La diferencia es bastante masiva. De los primeros países en Latinoamérica en los que tocamos fue Chile, lo que resultó en algo increíble. Calculo que tocamos frente a cinco mil personas, y después de presentarnos con un público de dos o tres en nuestros

primeros shows, hacerlo con una audiencia de tal magnitud fue impactante, nunca nos imaginamos generar un gusto tan grande, en especial de este lado del mundo.

Esta es la tercera vez que visitan la Ciudad de México. En esta ocasión formarán parte de uno de los festivales más importantes de Latinoamérica. ¿Cómo te sientes al tener en frente a una audiencia de la magnitud de la de Vive Latino?

Las presentaciones realizadas en la Ciudad de México han sido de las más grandes que hemos tocado a través de los años y regresar a un festival tan importante es muy emocionante para nosotros. Estoy muy ansioso por ver cuánta gente acudirá para ver nuestro show. ¿Están preparando algo especial para esta presentación?

Definitivamente. Siempre tratamos de considerar el aspecto visual en nuestros shows, acompañar nuestra música con una gran variedad de luces, le dan un sentido y ritmo diferente. En estos momentos nos encontramos ensayando en casa, donde trabajamos en un nuevo espectáculo, con un diseño de luces y efectos visuales que sorprenderán y engancharán al público. La Ciudad de México va a ser uno de los primeros lugares en donde lo pondremos a prueba. Estamos muy emocionados por ver cómo nos va, ¡creo que la gente lo disfrutará!

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¿A qué banda te gustaría ver en Vive Latino?

Para ser honesto, no sé cuál sea el lineup completo, así que no podría decir exactamente a quién más me gustaría ver. Generalmente cuando estamos de tour no veo los carteles, hacemos tantos shows que a veces nos da un poco de miedo trabajar en ellos. Cuando se acerca la fecha vemos quiénes estarán y decidimos en ese momento a quién queremos ver.

el gusto hacia ella. Hubo tantas bandas que me inspiraron cuando era joven, como Daft Punk, Aphex Twin o los mismos Chemical Brothers.

Para nosotros es emocionante ver cómo las nuevas generaciones se inspiran en nosotros. El hecho de querer crear música gracias a Cut Copy nos motiva; es fascinante. Es realmente cool sentir que le hemos regresado una pequeña parte a la cultura musical, siendo ella la que nos inspiró.

Cambiando de tema, muchos músicos, especialmente de su continente, usan como referencia el estilo de Cut Copy, ¿Qué sientes al ver que tu banda está teniendo una gran influencia?

Es realmente emocionante y excitante. Cuando empecé a hacer música fue esencialmente por

¿Cuál es la similitud más importante de Free Yor Mind con tu trabajo previo?

Free Your Mind es un regreso a las cosas clásicas que en un principio me inspiraron en cuanto a dance music y a la música en general. Tener la habilidad de cambiar a la gente y crear sentimientos de unión es lo que nos

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inspira. Con este disco tratamos de crear la conexión entre nuestro sonido y el público, demostrando sus efectos en una sola noche sobre la pista de baile o bien en un festival. ¿Qué podemos esperar de Cut Copy en un futuro cercano?

Tenemos un álbum que acaba de salir el año pasado y un nuevo sencillo que saldrá de ese mismo. También tenemos en mente nuevos lanzamientos para el resto del año, ya que teníamos material extra que no entró en el álbum. A pesar de ser muy fuerte, no entró no porque no fuera lo suficientemente bueno, sino porque no encajaba con los tracks del disco. ¡Eso es algo por lo que podrían estar al pendiente!

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VIVE LATINO A TRAVÉS DEL TIEMPO

Este 2014 el Festival Iberoamericano de Cultura Musical Vive Latino celebra 15 ediciones, convirtiéndose en el festival de su tipo más importante de México y uno de los más destacados en Latinoamérica. A continuación pueden conocer algunos de sus momentos más destacados por año.

1998

2000

2001

Primera edición del Festival Iberoamericano de

La asistencia de la primera edición se superó

La duración del festival se reduce a un solo día

Cultura Musical Vive Latino, con una duración de

con creces y la antigua banda de Bob Marley,

pero se añade un tercer escenario dedicado a la

dos días y 42 bandas participantes.

The Wailers, se presentó en los dos días.

música electrónica.

EVITA EL EXCESO 133300201A3228

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Vive Latino en su décimo quinta

El cartel tiene una La página oficial

de las presencias

En pleno marco Para esta edición,

de los festejos del Bicentenario de la

edición, por primera

del festival se cae

más destacadas

Caifanes se reúne

vez, se lleva a cabo

debido a la deman-

de grupos en habla

después de 15 años

Independencia de

Se incorpora la Car-

durante 4 días,

da de visitas. Blur,

inglesa, con bandas

de ausencia y el

México, el festival

pa Intolerante como

teniendo como actos

Yeah Yeah Yeahs,

como Kasabian,

festival logra su ma-

se amplía por

cuarto escenario,

principales a Arcade

Underworld y Tame

Fatboy Slim, TV

yor audiencia en la

primera vez a tres

dejando claro la

Fire, Nine Inch Nails,

Impala fueron los

On The Radio, The

historia. La carpa de

días y Deftones fue

apertura cultural del

Los Tigres del Norte

actos internaciona-

Horrors y Foster

cine Ambulante se

uno de los actos

festival a todo tipo

y Zoé.

les destacados.

The People.

incorpora al festival.

principales.

de géneros.

2014

2003

2013

2004

2012

2005

2011

2006

2010

2009

Se agrega un

The Mars Volta en-

Café Tacvba dio la

El número de actos

Vive Latino se

2007

2008

cuarto escenario

cabeza esta edición

nota al convertirse

sube considera-

convierte en un

cumple su décima

Vive Latino

dedicado al rap y

y, por primera vez,

en la primera banda

blemente. Vuelve

festival de exporta-

edición. Los actos

hip hop nacional. La

se hace una versión

sorpresa de la

el formato de dos

ción, teniendo así

principales fueron:

asistencia fue tal,

del festival en Gua-

historia del festival.

días con tres esce-

su propia versión

BRMC, Los Autén-

que las bebidas y

dalajara, integrada

Además, Gustavo

narios cada uno y

en Chile. Chetes,

ticos Decadentes,

alimentos no fueron

por cuatro bandas:

Cerati subió al

Babasonicos fue el

División Minúscu-

Maldita Vecindad y

acto sorpresa.

la, Plastilina Mosh

los Hijos del Quinto

suficientes para

Aterciopelados,

escenario con Los

cubrir la demanda.

Vicentico, El Gran

Pericos, Zuker XP y

y Zoé representan

Patio y Nortec:

Silencio y Molotov.

Catupecu Machu.

a México.

Fussible+Bostich.

EVITA EL EXCESO 133300201A3228

TRENT REZNOR

The new flesh Por: Diovanny Garfias

Fotos: Baldur Bragason, Rob Sheridan y Sergio Gรกlvez para WARP

“DE MÉXICO RECUERDO UNA CANTIDAD DEMENTE DE MERCANCÍA PIRATA DE NIN, TODAVÍA TENGO ALGUNAS COSAS EN EL CLOSET. TAMBIÉN LA INTENSIDAD DEL PÚBLICO, NO SE SIENTE EN NINGUNA OTRA PARTE DEL MUNDO, ES ALGO MUY ACOGEDOR Y EMOCIONANTE.”

E

n 1994 el mundo conoció The Downward Spiral, el álbum de Nine Inch Nails que ayudó a consolidar la figura de Trent Reznor. El músico —de 28 años entonces— creó una pieza que a lo largo de 14 tracks relataba un viaje en descenso hacia la desolación, cuyo único desenlace posible era el suicidio. Del lado musical, Reznor hizo del estudio de grabación una extensión de sí mismo, creando en el proceso una amalgama entre el industrial, el rock y lo menos ortodoxo de la electrónica. En la parte lírica, la violencia, el sexo, las drogas y el existencialismo en su versión más nihilista ambientaban el trabajo. Curiosamente, durante esta etapa todos esos elementos eran los que definían la vida de Trent; mientras NIN se convertía en un fenómeno mundial, él bajaba más y más por aquella metafórica espiral.

Hoy, 20 años después, las cosas son muy distintas. Este hombre, a sus 48 años, es alguien completamente diferente. Es padre de dos hijos, está felizmente casado, tiene un Oscar entre sus reconocimientos y el año pasado lanzó Hesitation Marks, un álbum con el cual regresó a la vida a NIN y que bien podría ser catalogado como el opuesto perfecto de TDS. Precisamente y previo a nuestra conversación, Reznor se encuentra ensayando en Los Angeles, California, para continuar con la gira de apoyo a su más reciente trabajo, misma que lo llevará a Asia, Oceanía, Europa y, claro, América Latina.

Trent suspende el ensayo por unos minutos y le agradezco por el espacio: “Sé que estás en un millón de cosas, así que muchas gracias”.

“Gracias a ustedes por el interés”, responde. Iniciamos recordando la ausencia de NIN en Latinoamérica: “Ha sido mucho tiempo, ¿verdad?

Es algo que hemos buscado, estuvimos de gira desde el verano pasado y estamos emocionados de regresar”.

Pero las cosas nunca son así de fáciles, al menos no cuando se trata de NIN. Para la gira por Estados Unidos, bautizada como Tension, recurrió de nueva cuenta a la productora multimedia Moment Factory (la encargada de su fastuoso tour Lights In The Sky, de 2008), misma que lo ayudó a montar un ambicioso show visual resumido en 60 toneladas de

equipo. “Antes de iniciar la gira nos pasamos un año buscando ideas de producción y diferentes formas de presentar nuestra música del modo correcto, de hacerla emocionante”, detalla. “El lado bueno de eso es que generas un buen espectáculo, pero el lado malo es que después de tocar el mismo show durante algunos meses se vuelve muy repetitivo; no importa que hubiera pequeñas variaciones, terminábamos tocando lo mismo.” Con esta reflexión, el experimentado músico no duda en complementar y prometer: “Lo emocionante es que ahora vamos a hacer lo opuesto, pasamos de ser una banda de ocho integrantes a ser una de cuatro. Ahora tenemos la disponibilidad de montar un show diferente y salvaje, va a ser más agresivo y más profundo, menos dedicado al nuevo disco, una retrospectiva musical enfocada en la agresividad y también en lo electrónico. Podemos hacer un show diferente cada noche, así que les aseguro que será asombroso, algo que no han visto antes”.

Hay una breve pausa. Es difícil pensar que este hombre feliz, sereno y apasionado por la vida sea el mismo que hace un par de décadas era adicto a la autodestrucción. Le pregunto qué pasaría si tuviera una charla con el tipo que grabó TDS, ¿qué le diría? Un breve silencio y responde: “Creo que la mejor manera de contestar eso es: Estoy feliz con la persona que soy ahora, estoy feliz de vivir este momento, tengo una familia, me gusto, no me odio, como acostumbraba. No soy alguien enfermo en una zanja, estoy agradecido de estar aquí y no cambiaría ni una sola cosa de mi pasado si tuviera la oportunidad, porque es lo que me puso aquí. Desearía no haber pasado tanto tiempo borracho, desearía haber sido más amable con algunas personas, desearía no haber desperdiciado tanto tiempo, pero creo que es un proceso; si eso fue lo que se necesitó para que estuviera en donde estoy, por mí está bien, como sea no puedo hacer nada al respecto… No sé si le diría algo a esa persona”. Toma un respiro y recuerda Dissonance, su gira de 1995: “En esa época conocí a David Bowie, mi héroe. Sorpresivamente me encontré con alguien feliz gracias a que había puesto su cabeza en orden y me pareció algo bueno.

Pensé: ‘Wow, no sólo conocí a mi héroe y trabajé con él, también es más genial de lo que imaginaba’. Él también estuvo en un lugar oscuro pero logró cruzar al otro lado y de algún modo se volvió aún mejor. Eso me inspiró y me hizo darme cuenta que no tenía que torturarme como Kurt Cobain, que existía una salida. Volviendo a tu pregunta, ese es el tipo de conversación que tendría conmigo mismo”.

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Nine Inch Nails live: Tension 2013

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“DAVID BOWIE ME INSPIRÓ Y ME HIZO DARME CUENTA QUE NO TENÍA QUE TORTURARME COMO KURT COBAIN, QUE EXISTÍA UNA SALIDA.”

Estamos pisando terrenos sombríos y el amo de las sonoridades oscuras lo sabe, así que aprovecho para volver al momento que terminó por definir el rumbo de NIN para siempre: La grabación y el lanzamiento de The Fragile (1999), para muchos, la obra cúspide de Reznor y la preferida del propio músico. Le hago notar entonces la importancia que el álbum doble ha cobrado con el paso del tiempo para el público en general y él se muestra con sentimientos encontrados: “No sé, The Fragile representa una época volátil en mi vida. Monté un estudio de grabación en un lugar que amo, Nueva Orleans, y aún así me estaba cayendo a pedazos, escondiéndome del mundo, estaba sumido en el aislamiento y en mi adicción a las drogas. Finalizarlo nos llevó dos difíciles años. Estuve acompañado de Alan Moulder (productor) y estoy orgulloso de los resultados, hay mucho arte, fue algo que explotó. Estoy feliz de ver que después de años la gente lo identifique como un clásico, la producción fue excelente y en realidad hubo mucho esfuerzo para lograrlo. Aunque sé que parte de eso es resultado de que mi cerebro no trabajara bien por todo lo que me estaba metiendo… no lo sé, al mirar hacia atrás y ver The Fragile me dan escalofríos, porque fue un tiempo de una enorme carga emocional en mi vida. Me provoca muchos sentimientos”.

Es bueno saber de su propia voz que todos los conflictos que lo aquejaron durante varios años y sus coqueteos con la muerte (en el año 2000 sufrió una sobredosis con lo que pensó era cocaína, previo a una presentación de NIN, en Londres), hoy sólo son recuerdos de tiempos difíciles. Desde que el músico se rehabilitó y dejó atrás sus adicciones, se ha vuelto un hombre que difícilmente tiene un momento libre. Ya sea

componiendo un nuevo disco, preparando un tour, pasando tiempo con su familia o trabajando como Chief Creative Officer de Beats Music (servicio de streaming musical de Beats Electronics), Reznor ha encontrado la forma de dar salida a todos sus demonios creativamente. “He logrado construir una carrera haciendo lo que quiero, contrario a otros. Trabajo con mis propios tiempos, haciendo cosas que lo valgan, lo único que importa es tener algo valioso que decir. Y si de casualidad te encuentras a un público, ¿qué más puedes pedir?”. Siendo uno de los pocos sobrevivientes de esa oleada de músicos industriales de los 90, Reznor sabe de lo que habla, ya que no sólo continúa creando música, también ha encontrado la manera de erigir una carrera digna en la que lo más importante es mantenerse fiel a sí mismo: “Me siento muy afortunado de ser de los pocos que no tienen un ‘trabajo real’, hago lo que quise hacer toda mi vida: crear y tocar música. Es algo que respeto y siempre trataré de que sea así, haré lo mejor que pueda”.

Parte importante de esa carrera de la que el encumbrado artista habla, con solemnidad, es el trabajo que ha desempeñado al lado de Atticuss Ross para las cintas de David Fincher. Actualmente la dupla está en la etapa más temprana de composición del score para Gone Girl, el nuevo filme del director que llegará a las salas de cine el próximo octubre, aunque, de acuerdo con Trent, aún hay mucho por hacer: “Nos dedicamos todo enero a componer, fue un buen inicio para lanzar ideas. Cuando iniciamos un proyecto como este, la primera etapa no es sentarte y escribir música, pasamos más tiempo pensando en cuál es la paleta de sonidos adecuada, cuál es la instrumentación correcta y, lo más importante, qué es lo que

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Izquierda abajo: Reznor y Atticus Ross trabajando en el score de The Girl With The Dragon Tattoo (2011).

Abajo: Video shooting ‘March Of The Pigs’ (1994).

‘Hurt’ interpretada en vivo durante Tension (2013).

David está buscando. Así que inicialmente nuestro trabajo es meternos en su cabeza; puede que no sepas qué es lo que quiere específicamente, pero él sabe cuál es la música apropiada para la película. Es algo que nos pasó trabajando en The Social Network (2010), vimos el primer corte sin música y fue aterrador porque no sabía qué clase de música sería la adecuada para eso, era un montón de gente sentada, así que pensé: ‘¡Muéstrame una escena de una batalla en el espacio, puedo escribir música para eso, de un asesino serial apuñalando también puedo hacer la música!’ Con un montón de pelmazos peleando por dinero, ¿qué haces?”.

El músico y yo reímos. Ambos sabemos que aunque complejo, el resultado le valió a Ross y a él múltiples premios y reconocimientos, sin embargo no fue fácil. “Una de nuestras primeras preguntas para David fue: ‘¿Qué tan lejos quieres llevar la película? ¿Qué tanto vamos a poder mostrar? Podemos hacer que al principio no te sientas cómodo, que tengas remordimientos’, y él estaba tan dispuesto a intentar lo que fuera que de tropezón en tropezón convertimos la película en algo totalmente diferente. Así que ahora nos encontramos en un dilema similar. David nos buscó con algunas ideas y conceptos que inicialmente nos hicieron pensar: ‘¿De qué estás hablando?’ Luego empezamos a probar cosas y tan rápido como desciframos el código sentimos que funcionaría en la película. Aún hay mucho camino por recorrer pero, bueno, estamos metidos en el proceso y es algo que nos emociona. Aunque esta vez es algo raro, el proceso se juntó con el tour de NIN y éste va a ser largo, así que estamos a punto de descubrir si es una ventaja o un obstáculo. Háblame en un año y te diré si funcionó o no”.

“ESTOY FELIZ CON LA PERSONA QUE SOY AHORA, FELIZ DE VIVIR ESTE MOMENTO, TENGO UNA FAMILIA, ME GUSTO, NO ME ODIO, COMO ACOSTUMBRABA. ESTOY AGRADECIDO DE ESTAR AQUÍ.”

LA RUTA DE NIN POR LATINOAMÉRICA - 27/03/14 Vive Latino D.F., México - 29/03/14 Lollapalooza Chile Santiago, Chile - 1/04/14 Lollapalooza Argentina Buenos Aires, Argentina - 3/04/14 Festival Estéreo Picnic Bogota, Colombia - 5/04/14 Lollapalooza Brasil São Paulo, Brasil - 6/04/14 Citybank Hall Río de Janeiro, Brasil

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NIN 2014: Ilan Rubin, Trent Reznor, Alessandro Cortini y Robin Finck.

“PASAMOS DE SER UNA BANDA DE OCHO INTEGRANTES A SER UNA DE CUATRO, ASÍ QUE AHORA PODEMOS MONTAR UN SHOW DIFERENTE Y SALVAJE, MÁS AGRESIVO Y PROFUNDO… LES PROMETO QUE SERÁ ASOMBROSO, ALGO QUE NO HAN VISTO ANTES.” El tiempo está por concluir. Apenas nos restan unos minutos antes de que este visionario sónico vuelva a encerrarse con su banda y este me ha parecido el periodo de tiempo más corto en una entrevista. Tanto de qué hablar y tan pocos minutos para hacerlo. Al final, la última parte de la charla es también la más obvia. Sabemos que sin Trent Reznor no hay Nine In Nails pero, ¿existe un futuro para él cuando NIN deje de existir? Escucha la pregunta, reflexiona muy bien antes de pronunciar lo que tiene que decir y, con esto, deja de manifiesto que no es la primera vez que la idea cruza por su mente: “Es una buena pregunta”, contesta, ganando unas fracciones de segundo más. “Si me hubieras preguntado hace 20 años cuánto duraría Nine Inch Nails, probablemente no hubiera imaginado que tanto, porque en ese momento pensaba que era algo que se alimentaba de ira, negatividad y violencia, y pensaba que era algo que no podría mantener. Para mi sorpresa, tomé el concepto de la banda y lo expandí, particularmente en Hesitation Marks, pero ya no siento que trabajar bajo ese nombre sea algo constructivo, siento que es algo limi-

tante y que me permite hacer pocas cosas. Estoy muy consiente de que se puede volver una parodia de mí mismo o una banda de nostalgia, algo que no me llene; por ejemplo, pensemos que cuando termine el tour me pongo a escribir un nuevo álbum y surjen canciones felices o de amor, probablemente las publicaría si pensara que son buenas. Es difícil imaginarme pensando que algo así pueda llegar a ser bueno o que siquiera lo haría, pero es algo que podría pasar. Probablemente no las lanzaría bajo el nombre de NIN, las sacaría con una banda nueva o bajo mi nombre, o inventaría algo. La estructura, el concepto, la marca, o lo que sea Nine Inch Nails es algo auténticamente creado para ajustarse a cierto color.

Con el tiempo he descubierto que es algo limitante, algo que tiene que ser de cierta manera. Lo que me emociona ahora es construir, es lo que me importa, sentirme inspirado. Ahora hay una razón para continuar, no lo hago por ganar más dinero, vivir en un lugar más grande o ganar un nuevo premio, no me importa en lo más mínimo, voy a hacer cosas que me interesen y, bueno, esa es la idea.”

BIO: Diovanny Garfias es Editor en Jefe de WARP Magazine, puedes leer su artículo Back To Business en WARP Magazine #63.

INFORMACIÓN MUSICAL 24/ 7

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WHAT ELSE?

REVIEWS

MORNING PHASE Beck Capitol Records

Si algo ha caracterizado a Beck Hansen a lo largo de su carrera es el eclecticismo sonoro de su trabajo, unas veces alternativo, electrónico y experimental, y otras con tintes country o bossa nova; sin importar el mood en el que el músico se encuentre, siempre triunfa expresando las emociones que lo inspiran. Con Morning Phase Beck demuestra una vez más su congruencia sónica con el mundo que la rodea. Cansado del loop que supone lanzar un nuevo álbum (grabación, promoción, tour), el artista tomó un respiro de casi siete años durante el cual buscó nuevas formas de crear. El ejercicio conocido como Record Club, por ejemplo, lo llevó a sus raíces musicales, en donde un simple jam fue el pretexto perfecto para invitar a algunos de sus amigos a hacer covers a viejos tracks favoritos (claro, en el caso de Beck sus amigos incluyen a Charlotte Gainsbourg, Thurston Moore y Stephen

Malkmus). Por otro lado, el ambicioso proyecto Song Reader (2012) no sólo ayudó al músico a reencontrar su curiosidad artística, también hizo que Beck volviera a concentrarse en lanzar una pieza (aunque fuera un libro de partituras).

Con estos antecedentes se gestó Morning Phase, una esfuerzo que ha sido comparado estilísticamente con su clásico de 2002, Sea Change (que destacó por mostrarnos el lado más sensible y sencillo de Hansen) y la confrontación es justificada. Según el propio Beck, de repente se encontró en un estudio de grabación rodeado de las mismas personas que grabaron Sea Change, prácticamente con los mismos micrófonos y equipo, evidentemente la música que surgió tendió a ser similar y una vez que fluyó no se detuvo, hasta que 13 cortes fueron completados. A nivel sonoro estamos frente a una pieza íntima, cálida y nostálgica, en donde está de manifiesto

que el autor de temas como ‘Where It’s At’ y ‘Mixed Bizness’ se entrega por completo a las guitarras acústicas, sustituyendo samples de hip hop y secuencias de bajo por instrumentaciones de cuerdas y atmósferas californianas y veraniegas. No hay que confundirse, aunque estemos frente a una personalidad más serena de Beck, su genialidad está viva en este álbum, haciendo cameos en tracks como ‘Waking Light’, donde el piano se convierte en el protagonista de una emotiva historia sonora que concluye épicamente al ritmo de una suave guitarra. Morning Phase se coloca entre lo más destacado del músico, dejando el camino puesto para una segunda entrega este año (que promete traernos de vuelta al provocador de Mutations). Por lo pronto, vale la pena entregarse a este dulce soundtrack matinal. Diovanny Garfias

8.2

REVIEWS

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CROSSES Crosses Sumerian Records

Chino Moreno (Deftones), Shaun Lopez (Far) y Chuck Doom son Crosses, un proyecto con un sonido innovador, una producción bien pensada y una propuesta que posiblemente guste a muchos de los ya fieles seguidores de Moreno. Musicalmente hablando quedó atrás el estilo noventero implícito en el ADN de cada uno de sus integrantes, sustituyéndolo con uno más fresco: Programación de baterías y percusiones, voces con mayor presencia y composiciones un tanto más complejas de las que nos tienen acostumbrados (‘Bitches Brew’). Aun así, en este primer álbum prevalece su sello característico, armonías oscuras que nos absorben a la vez que nos guían con largas y melódicas vocales. Esta nueva búsqueda sonora culmina con ‘Bermuda Locket’, un track en donde las mezclas de sintetizadores y percusiones electrónicas son los únicos elementos que el escucha necesita para entender hacia donde va Crosses. En general, el álbum representa una oferta diferente —para quienes venimos de la escuela de Deftones—, aunque por momentos puede resultar monótono e incluso aburrido. Probablemente estemos frente al mayor acierto de Moreno —no olvidemos Team Sleep— en terrenos electrónicos. Alan Sefchovich

8.2 JOYLAND Trust Arts & Crafts México

Sonidos etéreos y atmosféricos fusionados con ritmos bailables y figuras melódicas contagiosas, son lo que le dan personalidad propia a Joyland, la segunda producción discográfica de Trust. Lo que solía ser un dueto de synthpop, ahora es el proyecto solista del canadiense Robert Alfons. Pero a pesar de la ausencia de Maya Postepski, Alfons se mantiene en una corriente similar al álbum anterior y desenvuelve el nuevo material de manera satisfactoria. Nos lleva por un viaje que sube y baja por medio de sintetizadores contundentes formados de capas polifónicas, algunos de estos con aires futuristas y otros cuantos que capturan la esencia clásica de los ochenta, logrando así un adecuado balance de personalidades. Su voz es un recurso importante, ya que el matiz profundo encaja naturalmente con el concepto frío de la música y le brinda detalles oscuros, mientras que su registro alto de voz le da un empujón de alegría.

En general, Alfons consigue lograr un equilibrio interesante en Joyland, dibujando una frontera auditiva entre el regocijo y la frialdad. Natalia Montes

7.7

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WHAT ELSE?

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AFTER THE DISCO

LOVE LETTERS

Broken Bells

Metronomy

Sony Music México

Warner Music México

En octubre de 2013 la dupla conformada por James Mercer, líder y vocalista de The Shins, y el reconocido productor Brian Burton —Danger Mouse, para muchos en la industria— anunció su segundo material discográfico, ese que ahora le quita a Broken Bells la etiqueta de proyecto menor y lo convierte en una banda con futuro creativo a largo plazo, uno que, sin embargo, podría ser poco o nada atractivo si no explotan el talento que ambos poseen y que se ve tan mermado en After The Disco. Dejando de lado ese halo Sea Change de su álbum debut, la banda presenta rítmicas festivas y una mayor inserción de sintetizadores, como en ‘A Perfect World’ y en el sencillo ‘Holding On For Life’, manteniendo su gusto por lo orgánico como bien ocurre en ‘Leave It Alone’ y ‘The Angel And The Fool’.

Y aunque lo anterior pudiera ser visto como continuidad, se siente más bien como reciclaje significativo de eso que nos enamoró la primera vez, con un resultado predecible que deja a la placa sin mayor mérito que el de haber salido. “There’s a place we can go, the trip is on…” dice Mercer en ‘Lazy Wonderland’. Esperemos que así sea. Karina Luvián

7.2

Tuvieron que pasar tres años para que Metronomy se decidiera a lanzar el material que igualaría o trataría de superar al excelente The English Riviera. Aunque no lo podríamos considerar malo, lamentablemente el grupo no logra emular el encanto inmediato del disco antes mencionado; sin embargo, si dejamos de lado las comparaciones, Love Letters tiene la suficiente calidad —basada en su refinada producción— para ocupar un lugar decoroso dentro de la discografía de la banda. Los sencillos ‘I’m Aquarius’ y ‘Love Letters’ son el puente ideal entre el indie electrónico bailable de su mencionada tercera placa y el new wave con toques dream pop que predomina en este, su más reciente trabajo. De primera escucha el disco no tiene un tema o momento que resalte, toda la obra se siente muy constante, pero mientras más vueltas se le dan al material uno puede encontrar composiciones tan sólidas y minuciosamente creadas como ‘Month Of Days’ y ‘Call Me’, las cuales, tarde o temprano, estarán habitando su reproductor. Alejandro Altamirano

7.6

ESTE MES: UNDERNEATH THE RAINBOW

SUPERMODEL

TEETH DREAMS

Black Lips

Foster The People

The Hold Steady

Vice Records

Columbia Records

Universal Music México

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SILENCIO POR FAVOR

NACHO VEGAS 2014 será testigo del regreso del cantautor de folk rock Nacho Vegas, quien presentará un nuevo álbum después de su material de 2011, La Zona Sucia. El nuevo disco de Nacho Vegas promete continuar con el estilo único del compositor pero agregando un toque muy

Artista: Nacho Vegas.

País de origen: España.

Título: Resituación.

especial gracias a algunas incorporaciones de viejos conocidos de la escena. Además, Nacho se ha rodeado de amigos para emprender de la mejor manera este nuevo viaje que seguro será de lo más notable de la escena española que podremos escuchar este año.

Sello: Marxophone.

Fecha de lanzamiento: Abril 2014.

Número de tracks: Sin confirmar.

Productor: Paco Loco.

Colaboradores: Izal, Ivan Ferreiro, El Columpio Asesino y León Benavente.

Grabado en: El Puerto de Santa María

Por: Alejandro Altamirano / Fotos: Samantha López para WARP

(Cádiz) y en los Estudios Reno, de Madrid.

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DE JÓVENES, POLÍTICA… Y DESIDIA Por Greta Ríos / @gretadice

“En México, a los jóvenes no les interesa la política.” Estoy en un café, platicando con un viejo amigo sobre mi iniciativa de impulso a la participación juvenil. Le estoy contando que una de las cosas sobre las que investigo es, precisamente, cuántos jóvenes están involucrados en los partidos políticos mexicanos y, él, casi instantáneamente me responde con esa –ya tan familiar para mí– frase. Entonces me vuelo un poco, porque no estoy de acuerdo con ese tipo de afirmaciones categóricas y absolutas, y, en pie de guerra, le pregunto de dónde saca que a los jóvenes no nos interesa la política. Gulp.

Sé lo que viene –una larga perorata sobre las antiguas prácticas de partido único, seguidas por el estado de desamor en el que quedaron los mexicanos ilusos que creyeron que su voto iba a cambiar el destino de este país, las interminables marchas y bloqueos que solamente sirven para hacer enojar a los automovilistas, el voto por voto y todo el anecdotario del mexicano promedio, aunado también a la explicación de cada uno de sus ejercicios de sufragio (incluyendo el voto en blanco) y las decepciones que le han traído– y estoy preparada. Me pido un té verde calientito y asiento periódicamente hasta que llegamos a la parte en donde aparece la otra frase que estoy esperando: “La cosa es que los jóvenes ya no confían en los partidos. No les representan nada.”

Ese es mi pie para intervenir. Afortunadamente, tengo algo de entrenamiento en el tema y sé exactamente qué decir para guiar la conversación justo a donde yo quiero. Río macabramente en mi interior, mientras, con cara de inocencia, disparo un: “¿Neta? ¿Como por qué dices eso?” El mesero me tiene que rellenar varias veces la taza, mientras me son ofrecidas un sinnúmero de explicaciones, que van desde que los partidos necesitan renovarse, acercarse a la gente –particularmente a los jóvenes– porque su discurso es arcaico y nadie lo entiende, que todos pensamos que son mentirosos, que en México los votos se compran, que nuestros connacionales los venden a cambio de una torta y un refresco… así al infinito, hasta que me atrevo a interrumpir para preguntar: “Oye, ¿y no será que a los jóvenes más bien les da hueva participar en la política?”.

Se desata el cataclismo, tal y como lo esperaba, y soy linchada verbalmente, porque “está mal que le eche la culpa a los jóvenes de lo que los partidos no han podido lograr” y una sarta de cosas parecidas. Pero la realidad es que no se me ocurre otra razón que la desidia (por llamarle más bonito a la hueva). Y aquí viene mi muy personal

explicación sobre lo que hay detrás de la “falta de confianza de los jóvenes en los partidos”. Es muy sencilla, en realidad: “Para hacer política, uno no tiene que pertenecer, militar, acercarse, convivir, coquetear, dialogar o siquiera pasar cerca de ningún partido político”.

Se detiene el tiempo. Por primera vez en muchos años, mi interlocutor, que suele ser un parlanchín sin remedio, se queda sin nada que replicar, más que un – muy sincero – “dime más”.

Así pues, le explico que, si bien solemos asociar el concepto de participación política (e incluso de participación ciudadana) con temas como elecciones, transparencia y partidos políticos, la definición propia de lo que es política es mucho más amplia e incluye prácticamente cualquier cosa que tenga que ver con el interés público. Entonces, todas las personas –jóvenes o no– podemos incidir en la política desde casi cualquier trinchera, llámese ésta partido político, escuela, organización de la sociedad civil, cooperativa, asamblea vecinal, asociación estudiantil, grupo de afinidad, empresa, comunidad virtual o cualquier otra. Las opciones son muchas, y para una generación que ha sido descrita como crítica, desafiante e innovadora, la verdad es que me parece simplista justificar la falta de involucramiento en estos temas en la otredad, es decir, en lo que NO ha hecho el otro por mí. No, no es culpa de los partidos. Somos los jóvenes los que –hasta ahora– no hemos podido crear para nosotros mismos lo que las instituciones no nos han ofrecido.

Y entonces, desde esta perspectiva, todo toma nuevas proporciones.

De pronto, los jóvenes ya no somos los sujetos pasivos, víctimas de una sociedad que no nos pone atención y no dedica esfuerzos para poner a nuestra disposición las cosas que anhelamos. Por el contrario, los jóvenes somos los responsables de nuestro presente, los que tomamos conscientemente la decisión de no estar interesados por la política –o por cualquier otra cosa–. Ante este nuevo panorama, no nos queda más que generar y apropiarnos de estos espacios y despedirnos de la comodidad del “es que no me dan confianza”.

Más o menos a la altura de esta reflexión llega el mesero con la cuenta y empieza la eterna discusión sobre quién debería invitarle al otro, este rollo idiota del género y la caballerosidad… la cosa es que cuando me doy cuenta, ya estamos hablando de temas infinitamente menos importantes. Pero mi labor está hecha y sonrío para mis adentros durante todo el camino a casa.

BIO: Greta Ríos es Directora General de Ollin, Jóvenes en Movimiento, A.C., un think tank de juventud.

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28.33%

JÓVENES ENTRE LOS 18 Y 29 AÑOS DE EDAD EN EL PADRÓN ELECTORAL

LA FALTA DE PARTICIPACIÓN Y EL RECHAZO QUE HAN MOSTRADO LOS JÓVENES NO ES HACIA LA POLÍTICA, SINO A LOS MECANISMOS TRADICIONALES Y A LAS ESTRUCTURAS QUE LA SUSTENTAN.

A 9 DE CADA 10

26%

POBLACIÓN JOVEN EN MÉXICO CONSIDERA QUE SE DEBE PARTICIPAR EN LA POLÍTICA DE MANERA OBLIGATORIA

71.67%

RESTO DE LA POBLACIÓN DEL PADRÓN ELECTORAL

10%

39% LOS ASUNTOS PÚBLICOS DESPIERTAN POCO INTERÉS EN LOS JÓVENES MEXICANOS: 39% AFIRMÓ NUNCA LEER EL PERIÓDICO

JÓVENES LES INTERESA POCO O NADA LA POLÍTICA

10% LO HACE DIARIO Datos recopilados del libro Índice Nacional de Participación Juvenil

ENGLISH VERSION —

TRENT REZNOR PG.92

DISCLOSURE PG. 94

TRENT REZNOR The new flesh

By Diovanny Garfias

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In 1994, the world got to know The Downward Spiral, the Nine Inch Nails’s album that boosted Trent Reznor personae. The musician –who was 28 back then- created a piece that told the story of a journey to desolation through its 14 tracks, where the only possible destination was suicide. On the musical side, Reznor made the recording studio an extension of himself, and created at the same time a mixture between industrial, rock and the less orthodox side of electronic. Lyrically, topics like violence, sex, drugs and existentialism on its most nihilistic version were the context of his work. Curiously, during this stage, all this elements defined Trent’s life; while NIN was becoming an international phenomenon, he submerged lower and lower through that metaphoric spiral.

Today, 20 years later, things are not the same. This 48 year old man is someone completely different. He is the father of two children, happily married; he has an Oscar among his awards and last year he released Hesitation Marks, an album that brought NIN back to life and that could be considered like the perfect opposite of TDS. Prior to our conversation, Reznor is rehearsing in Los Angeles, California, to continue with the tour of his latest work, which is going to take him to Asia, Oceania, Europe and, of course, Latin America.

Trent puts the rehearsal on hold for a few minutes and I thank him for the time: “I know that you´re doing a lot of things, so I really appreciate it”. “Thanks to you guys for your interest” he answers. We started by reminding the absence of NIN in Latin America: “It’s been a long time, isn’t it? It’s something that we’ve been looking forward, we’ve been on tour since last summer and we’re really excited to come back”.

But things are never this easy, especially when it comes to NIN. For their US tour, baptized under the name of Tension, Reznor employed –once again- the multimedia studio Moment Factory (company that was in charge of the amazing Lights In The Sky tour in 2008), who helped him in the duties of setting up a visual show that required over 60 tons of equipment. “Before we go on a tour, we spent a year looking for production ideas and different ways to show our music properly, to make it exciting” he tells. “The bright side is that you can offer a good show, but the negative point of it, is that after playing the same show for a few months it gets quite repetitive; it doesn’t matter if there are some slight changes, we ended up playing the same”. With this thought, the experienced musician doesn’t hesitate in promising: “The exciting thing about it is that we’re going to do the opposite thing, we were an 8 piece band who became a 4 men band. Now we have the chance to offer a different and a wilder show, it’s going to be more aggressive and deeper, not really focused on the latest record, it will be a musical retrospective oriented towards aggressive sounds but also electronic music. We can play a different show every night, so I warrantee it’s going to be awesome, something that you haven’t seen before.”

After some minutes, a brief pause. It´s hard to think that this happy, calm and passionate for life man is the same who a couple of decades ago was addicted to self-destruction. I ask him for the possible result of a conversation between him and the guy who recorded TDS, what would he say to him? He waits for a few seconds and says: “I think that the best way to answer that is: I’m happy with who I am right now, I’m happy with where am I at right now,

I have a family, I like myself, I don´t hate myself, as I used to. I’m not someone sick on the edge, for the most part, healthy I’m grateful to be here and I don’t think I would change the path that got me here; I wish I wouldn’t have spent as much time as a drunk, I wish I would have been nicer to some people, I wish I wouldn’t have wasted time. But I suppose It’s a process, and if it took that to get me to where am I at now, then I’m ok with that and I can’t do anything about it anyway… So I don’t know if I would say anything to that person”. He takes a breatch y remember his Dissonance Tour of 1995: “I met David Bowie when I was at that state and he was my heroe, and I saw a guy who seemed really happy, seemed like he had his shit together and I didn’t know it at the time, but he put some issues behind him, and it was like, not always I get to meet my hero and work with him but he is also cooler than I imagined and he was in a dark place in his life but he came through the other side and cooler somehow and that provided me inspiration to say: Ok, that is possible, you don’t have to whine like Kurt Cobain, there is a way out. That’s the kind of conversation that I would have with myself”.

We’re stepping on dark ground, and the master of dark sounds knows it, so I take my chance to come back to the moment that defined the musical path of NIN: The recording and the release of The Fragile (1999), a piece that is considered by many, and the musician himself, as the best of Reznor. I am emphatic about the importance that this album has gained over the years and he sounds confused: “I don’t know, The Fragile represents a volatile time in my life. I set an studio in a place that I love, New Orleans, and I was still falling apart, hiding from the world, immersed in isolation and drug addiction. I took me two difficult years to finish it. Alan Moulder (producer) was with me and I’m proud of the results, there is a lot of art involved, it was something that exploded.

I’m happy to see that after those years the people tag it as a classic, the production work was excellent, and we really worked hard to achieve that. Even though I’m aware that part of that result is because my brain wasn’t working well for all the drugs I was doing at the time… I don’t know, looking back and see The Fragile gets me the chills, because it was a period of a huge emotional charge.

It’s good to hear on his own voice that all the conflicts that afflicted him for years and his closeness to death (in 2000 he suffered an overdose with cocaine, before a NIN’s gig in London) are just memories of hard times.

Since the musician went to rehab he left this addictions behind, he has become a man who has no free time. By staying busy producing a new album, working on a tour , spending time with his family or working as Chief Creative Officer of Beats Music (music streaming service provided by Beats Electronics), Reznor has found the way to left all his demons behind in a creative way. “I’ve managed to build a career by doing what I want, unlike others. I work in my own time schedule, doing things that matter, the most important thing is having something valuable to say. And if by chance you can find an audience, what else can you ask?” Being part of the few survivors of that wave of 90’s musicians, Reznor knows exactly what he is talking about, and is not just the fact that he is still creating music, but he has also found the way to buld a respectable career, where the most important thing is being loyal to himself: “I feel very lucky to be one of the few people who don’t have a real job, I do exactly what I wanted to do all my life: create and play music. It’s something that I respect and I’ll try to be this way always, I’ll do my best”.

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DISCLOSURE When a fire starts to burn

By Diovanny Garfias

When Settle (2013) was released, Disclosure started an apparently endless tour. This album not only proved the specialized critics in the UK right, who placed them as the dance music act to follow, but also caught the eyes of EDM lovers from all over the world. So it’s not strange that a cold and calculating industry like the British had embraced with open arms this young producers duo, and launched them to the world to generate millions and millions of pounds, Guy and Howard earned the people’s acceptance by adding to their art a certain 90’s touch, this special thing that placed Fatboy Slim, The Chemical Brothers and The Prodigy as heroes, after sharing the mainstream with the Big Beat.

These musicians are barely 20, however, many experts in this subject consider that their sound is not only redefining the EDM, but is also dignifying it. Before sharing this perception, Howard has an answer: “I think EDM, as a term, is rather confusing, it obviously refers to Electronic Dance Music, in which definitely we’re included coz we make electronic-based dance music, but I feel like in The States people relate this with Avicci, Tiësto and David Guetta, an specific and aggressive sound, something that we are not at all…”

Guy has his own point of view: “I wouldn’t even call it aggressive, it’s more like an extremely commercial sound, obviously created for the radio, which is something that we don’t have in mind when we make music, we only do it because it makes us feel good. I think that this term is being used badly, and even though there are people who claim that we are defining EDM, well, Skrillex is in the same genre and I don’t think we sound like him or vice versa, so I don’t feel like we’re defining anything at all.”

In the top of mainstream and with prospective of becoming even bigger, Guy is quite aware of the fact that the Disclosure’s phenomenon is something sudden and unexpected: “We’ve been making music since we were very young, but started as Disclosure 4 years ago. As soon as we started this project it became something big, really. We uploaded our first single, got signed by a label which released the single officially

and two weeks later we had a manager and a full entourage behind us.

It became something serious too soon for us.” Although t their story has been really fast, the both of them seemed to retain the ability of being surprised. The Lawrence bros still remember that listening to their own music on national radio –a few years ago- wasn’t an everyday thing “Blue You was the first Disclosure’s song we heard on the radio” Guy recalls, “It was one of the biggest surprised of our lives. Because when ‘Latch hit the charts we thought: ‘Well, here we are’, but with ‘Blue You’ it was like: ‘God, we’re on national radio’” Ironically, ‘Latch’ was the single that made this project something really mediatic, this song made its way to the top of the dance UK charts, and soon, this success was spread all around the globe. “In that sense, it was not that surprising” Howard comments about the single, “But is still amazing that something like that happened” Our time with the band is running out, so instead of asking them one more question, I tell them of my experience at Coachella 2013, where I got to took photographs of their gig, I tell them that in that particular moment, after witnessing the amount of people, their reaction and the energy, I understood why Disclosure have had become in something big in such a short period of time. “Yes, it was a great show” Guy remembers. Curiously, the band is going to repeat the experience this year. Calmed but with emotion in his eyes Howard says: “Definitely yes, we’ve been fortunate to play amazing shows, like the last edition of Coachella, and even though each show has its own vibe, we are very happy to be in the line up again, because, to be honest, no one does that, nobody gets to play two years in a row at Coachella… It’s gonna be great”. Our coordinator can’t hold the tour manager any longer, so it’s time to end this conversation. A hand shake and a polite “thank you” precede the departure of the so called new prodigies of dance. I’m not quite sure if we’re going to be talking about Disclosure in ten years (maybe so, maybe no), but if there is one thing that I’m fully convinced is that these two youngsters from the UK still have a couple of tricks under the sleeve.

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