WARP Magazine #70

Pic: Karl Lagerfeld for Harper’s Bazaar

“Black-and-white always looks modern, whatever that word means”.

-Karl Lagerfeld

WARP Magazine Publisher Alejandro Franco Fernández @alejandrofranco | Editor en Jefe Diovanny Garfias @androgyn | Coordinadora Editorial y Correctora de Estilo Karina Luvián @karixluv

Arte y DiGITAL: Dirección de Arte Y DISEÑO Oscar Sámano | Diseño Eduardo Martínez | Editor de Fotografía y Retoque Sergio Gálvez | Fotografía y Retoque Rubén Márquez Editora de Arte y Fashion Chëla Olea @chelaolea | Traducción Raúl Arce @raularceCh

Colaboradores: JAvier cuellar, Alejandro Altamirano, Giorgio brindesi, J. ISMAEL CANALES, ALONSO VALENCIA Comercialización y Publicidad: Dirección de Estrategias Comerciales Paco Sierra paco@warp.com.mx @pacosierra | PR Ana Luisa Mesta Analuisa@sentido.com.mx Publicidad Celia Fernández fernandez@sentido.com.mx

© WARP Marca Registrada ®. Año VI No.70 Fecha de Publicación Octubre de 2014. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en Compañía Impresora el Universal, S.A. de C.V. / Distribución Nacional e Internacional de INTERMEX. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

HOT HOT HIT

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AMANDA MAIR —

Desde los cuatro años de edad mostró gusto por el canto y a los 12 ya tocaba la batería en una banda de covers de hard rock en su natal Lidingö, Suecia, pero no fue hasta que cambió las baquetas por el piano cuando Amanda Mair se dio cuenta de que su destino se encontraba en la música. A los 15 años la casualidad hizo que fuera descubierta por Labrador Records, debutando un año después con el sencillo ‘House’, el cual fue bien recibido y que a la postre la llevaría a grabar su álbum debut homónimo. Hoy, en sus veintes, Amanda Mair está catalogada por medios como The Guardian como la nueva revelación sueca, comparándola con Lykke Li y Robyn. Actualmente se encuentra en el estudio grabando el que será su segundo álbum, con el cual busca subir escalones y colocarse al lado de las grandes crooners de Suecia.

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Live at Aloft Hotels —

100 Days of Music Por Paco Sierra

Fotos: Cortesía Aloft Cancún

Últimamente he estado en búsqueda constante de experiencias, al viajar busco situaciones que nunca antes había vivido para después recordarlas con más emoción. Siendo originario de Cancún, Quintana Roo, la invitación a conocer el nuevo concepto de la cadena de hoteles Aloft me intrigó, y la sorpresa fue aún mejor al conocer sus instalaciones y concepto fuertemente ligado a la música. El pretexto fue para festejar la apertura número 100 de sus hoteles en el mundo; precisamente con 100 conciertos en lugares que van desde Brooklyn en Estados Unidos, hasta Bruselas, en Bélgica con la participación de bandas como Better Than Ezra.

Saber que en un destino turístico como Cancún existe un concepto como Aloft es una excelente alternativa, sobre todo sabiendo que la oferta musical en ese estado es una de las que crece más rápido y a pasos agigantados.

PROFILE

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PROFILE

LUCIUS —

Por Javier Cuellar

ilovelucius.com soundcloud.com/ilovelucius

Integrantes: Jess Wolfe, Holly Laessig, Dan Molad, Peter Lalish, Andrew Burri Lugar de origen: Brooklyn, Nueva York Año de formación: 2011 Influenciados por: Arcaide Fire, Haim, Pierces, Voice Of The Behaive

Veredicto: Este quinteto de Brooklyn crea cadenciosos ritmos musicales que se mezclan con ritmos pintados de pop con aires que inevitablemente nos remiten a la década de los inocentes, pero energéticos sesenta. Se trata de una propuesta por demás seductora, de sonidos exuberantes, implacablemente melódicos, incluso épicos. Visualmente Jess Wolfe y Holly Laessig, las voces detrás del proyecto, transmiten clase y sofisticación a través de su estilo retro y glamuroso.

Actualmente promocionan su álbum debut, Wildewoman (2013), trabajo que les ha valido la admiración de los críticos en general.

FASHION NUGGET

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Fotografía: Emmanuel Rodríguez Modelo: Ana Paula @ PARAGON Coordinador de Moda: Carlos Ruíz Manjarrez Maquillaje: Chëla Olea

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Top: Yakampot

Vestido: Bimba & Lola Collar: Mani Maalai

Vestido y Zapatos: Bimba & Lola Collar: Mani Maalai

Vestido: Mathieu Matachaga Capa: Yakampot

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Kinky

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The next after Por Alejandro Altamirano Fotos: Rubén Máquez y Sergio Gálvez para WARP

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La agrupación regia Kinky es ya estandarte de la música mexicana en el mundo, sus más de 15 años de trayectoria y una sólida carrera con proyección internacional —gracias, en gran medida, a sus múltiples participaciones dentro del mundo de la televisión, el cine y la industria de

los videojuegos— los respaldan; además, son pocos exponentes latinos que como ellos pueden presumir de presentarse en un gran número de festivales y escenarios internacionales. Es decir, el proyecto, como buen corte de carne norteño, se cuece aparte.

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“Nuestro Unplugged Es un trabajo del que estamos mÁs que satisfechos y que seguramente va a repercutir en nuestro siguiente disco.”

Tres años después de la edición del álbum Sueño De La Máquina, Kinky se aventuró junto a la cadena MTV en la confección y lanzamiento de un disco bajo el concepto Unplugged, mismo que amalgama lo mejor de su repertorio con sonidos poco explorados por el grupo: “Hace como dos años, mientras tocábamos en Acapulco, se nos acercaron con la propuesta pero no fue sino hasta tiempo después cuando se concretó. De inmediato comenzamos a trabajar ideas y fue un proyecto muy interesante, sobre todo en las partes de creación y producción que nos apasionan mucho. Fue una buena oportunidad para hacer nuestras propias canciones de una manera muy diferente”, comenta Gil Cerezo.

No son pocas las melodías que Kinky ha sembrado en nuestras mentes a lo largo de su carrera, y más allá de seleccionar los temas más exitosos, el verdadero reto de este nuevo proyecto sería elegir las más representativas para la agrupación y sus seguidores, como recuerda Gil: “Tratamos de dividir el proyecto en tres partes en cuanto a la selección de canciones. Lo primero era buscar los que pensamos eran los temas más representativos de nuestros discos anteriores, en la segunda parte

lo abordamos como si fuera un disco nuevo, lo que nos llevó a producir mucho material inédito y el tercer paso se trató de rescatar ese lado regional que ha estado presente en gran parte de nuestra música a través de algunos covers.”

Un paso tan ambicioso como el que Kinky buscó dar en esta oportunidad siempre necesita un guía experimentado y quizá nadie mejor que el reconocido productor londinense Phil Vinall, quien ha trabajado con grupos de la talla de Placebo y Pulp, además de ser el responsable de definir el sonido de los también mexicanos Zoé: “Phil tenía la última palabra”, recuerda el vocalista de la agrupación regia, “pero su mejor aportación fue involucrarse también en los aspectos visuales, en el tipo de instrumentos que podíamos ocupar para sumar o restar y su visión experimental al momento de conectar lo visual con lo sonoro.”

Pese a que sabemos que en ocasiones anteriores los regios se han valido de algunas colaboraciones para enriquecer su música, esta es sin duda la empresa más ambiciosa en cuanto a lo sonoro se refiere, como Ulises

Lozano, tecladista de la banda, nos cuenta: “Lo más importante al momento de buscar a todos los colaboradores fue que aportaran algo a los temas y que nosotros admiráramos su trabajo.

Mala Rodríguez para nosotros es una gran artista y quizá es la única que puede cantar ‘Negro Día’, Carla Morrison puso su toque de melancolía y nostalgia en ‘¿A Dónde Van Los Muertos?’, Beto Zapata, de Pesado, le dio el toque folclórico al material con ‘Para Poder Llegar A Ti’ y por su parte Los Recoditos hicieron lo suyo en ‘Ando Bien Pedo’. Todos tomaron el proyecto con mucha seriedad y responsabilidad, lo que nos hizo el trabajo más fácil y ameno.” ¿Y qué viene en el futuro para Kinky? Lo cierto es que aún es muy temprano para saberlo, tienen muy claro que la experiencia de grabar un material unplugged seguramente influenciará sus próximos trabajos, para Carlos Chairez, guitarrista, esto los ha cambiado; “No sólo se trató de hacer nuevas versiones de nuestras canciones, también hicimos nuevas, fuimos otro grupo que trabajó bajo un formato totalmente diferente, lo cual nos hizo crecer bastante.

Hacer este proyecto representó un trabajo extenso y duro al mismo tiempo, creo que nunca habíamos ensayado tanto en nuestras vidas.” Ulises, por su parte, entiende el proceso como una evolución que al final los devolverá a los viejos y confiables terrenos electrónicos por los que la agrupación se sabe mover: “Es un trabajo del que estamos muy satisfechos y que seguramente repercutirá de una manera muy interesante en nuestro siguiente disco, que podría volver a la línea de lo electrónico pero desde una perspectiva diferente.”

Skin Eyeliner

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ART BRUT

ADAM BRAVIN —

First, love

Por Alonso Valencia Fotos: Cortesía Adam Bravin

El mundo de la fotografía sirve como un retrato de la realidad en la que vivimos pero concebida a través de una lente, es en ésta donde se logra combinar cierta magia imprevista con la técnica propia del artista, quien a partir de su trabajo puede transmitir todo tipo de emociones y verlas magnificarse al alcanzar a su destinatario.

Uno de estos artífices de la imagen es Adam Bravin, músico, productor, fundador de la difunta dupla She Wants Revenge y actualmente DJ oficial del primer mandatario estadounidense Barack Obama.

Adam ha incursionado en el campo de la fotografía en diferentes terrenos, de los retratos a los paisajes, pasando por el fashion y lo editorial. Aunque sin lugar a duda algunas de sus estampas más destacadas son aquellas en las que Bravin retrata imágenes de féminas de diversas características entre las que se incluyen imágenes de algunas de sus amigas más cercanas como Ivy Levan, Sasha Grey, Carmen Electra, Gia Brascia y Brittany Murphy.

Es esta encrucijada entre la música y la fotografía la que nos puso a conversar con el artista, en un encuentro donde la inspiración por la belleza femenina y sus influencias visuales son apenas algunos de los tópicos tratados.

En términos de fotografía, ¿dónde encuentras la inspiración para tus creaciones en imágenes?

La inspiración para las fotos que tomo viene de una combinación de todas mis películas favoritas, directores favoritos y escritores favoritos.

Todos han contribuido a quién soy como persona y como artista. Siento que he estudiado fotografía viendo directamente películas de tipos como David Lynch, Federico Fellini, Fritz Lang, John Alton, Nicholas Musurara y Ridley Scott. Maestros de la luz.

Todo eso combinado con el amor a la mujer y la belleza, tanto interna como externa, me inspiran a crear todas las cosas que hago. ¿Cómo fue el salto de la música a la fotografía? ¿Encuentras similitudes entre los dos campos de trabajo?

Sólo tomé la cámara un día y comencé a tomar fotos. Nunca tuve lecciones formales, sólo quería una nueva manera de expresarme de forma artística, que no fuera haciendo música. Encuentro que la música y la fotografía son muy similares en un cierto número de maneras.

De la forma en la que es más significativa para mí es que ambas formas de arte viven en algún lugar entre el arte y la matemática. Los músicos y los fotógrafos pueden usar ambos lados del cerebro en orden para crear la perfecta combinación de arte y matemática que resulta en algo bello y especial.

Desde tu punto de vista como fotógrafo y músico. ¿Dónde está el punto exacto que define el trabajo profesional y tomar ambos como un hobby?

Aún miro a la fotografía y a la música como hobbies. La definición de Hobby es “una actividad regular que se hace por placer”. Nunca he tomado muy en serio nada de lo que hago. Hago música por el amor de hacerlo y ha habido ocasiones que me ha llevado a lugares a los que nunca había imaginado que ésta me llevaría.

Creo que la clave es siempre hacer todo lo que hagas artísticamente, por el mismo amor al arte. Una vez que empiezas a pensar cosas fuera del arte, es cuando te encuentras con problemas. ¿Cuál de todas tus series fotográficas amas más y por qué?

Todas las que caen dentro de mi serie Muse porque son fotos de amigas muy especiales que son realmente musas en mi vida. Todas ellas me inspiran de muchas maneras diferentes lo que hace importante para mí capturar lo que significan para mí en fotografías.

También eres un DJ profesional ¿cuál es tu postura ante el criticismo que hay detrás del EDM controlando la escena musical actual?

La música se mueve en ciclos. Cuando la gente se harta de la música con la que no se puede conectar en sentido emocional, se mueven a algo diferente que se los permita. El género al que la gente se refiere como EDM tiene su tiempo y su espacio. Justo como el disco, o el punk rock, o el new wave. Siempre habrá una necesidad por la música que hace que la gente baile, siempre habrá una necesidad por música con alma y corazón.

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Confession

NYC Muse

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Ivy

“Los músicos y los fotógrafos pueden usar ambos lados del cerebro en orden para crear la perfecta combinación de arte y matemática que resulta en algo bello y especial.”

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Veil

Gia

Rosie

“Aún estoy descifrando quién soy como fotógrafo.”

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COLUMN

Juicebox #ayunonecesario — Por Alejandro Franco

Me había jurado no hacer ninguno de estos programas de desintoxicación y mi nada grata experiencia intentando hacer la famosa dieta de ayuno basada en limonada y pimienta cayena, reforzaban mi postura al grado, de ni siquiera considerarlo.

Sin embargo, llevaba varios meses sintiéndome pesado, lento y estresado. Hago ejercicio dos o tres veces por semana, pero mi ritmo de vida no es el de una persona “normal”. Los desvelos por trabajo o por fiesta, las comidas, los viajes, las bebidas y los retos del día a día, no dan cabida a poder mantener siempre una alimentación balanceada y el cuerpo comienza a acumular una serie de historias que no necesitamos en nuestro organismo y que nos pueden hacer sentir muy mal.

Pues el caso es que me empecé a sentir muy mal. Como que era yo pero no era yo y como que me mareaba, pero no tanto como para ir al médico. Y como odio sentirme tan siquiera un poquito mal, de inmediato reduje mi consumo de cafeína, de alcohol y fue cuando mi mujer me propuso hacer tres días de desintoxicación tomando solo jugos. “No hay manera que yo pueda no comer nada durante días y consuma solo jugos”, refuté de manera tajante, pero antes de terminar la frase, sabía que lo tenía que hacer.

BIO: Alejandro Franco es conductor del programa de radio WFM para W Radio (96.9 FM), transmitido de lunes a viernes a las 20 hrs., también puedes escucharlo a través de wradio.com.mx.

Dimos con Elixir Detox porque habíamos visto a varios conocidos nuestros, postear fotografías en Instagram. Nos metimos a la página buscando algún pretexto que indicara que podía caernos mal hacerlo, pero solo encontramos información muy clara y motivos suficientes como para decidir no hacerla tres días, sino cinco. Ante mi propia sorpresa, ahí estaba yo dispuesto a hacer algo que había jurado no hacer, con una justificación más grande que mi propio ego y zona de confort, sentirme mejor.

La metodología de entrega te obliga a estar en casa por las noches, por lo que escogí uno de esos fines de semana donde había tantas cosas por hacer, que lo mejor es no hacer nada.

Cuando llegaron las cajas del día uno y sacamos los seis jugos que serían el pan nuestro de cada día, me empecé a sentir muy motivado por el reto y contento de por lo menos intentarlo. Hay también una suerte de despreocupación y relajación al saber que no hay que preocuparse por desayunar, comer o cenar y que lo único que hay que hacer es esperar dos horas y media para el siguiente jugo, que debo decir que encontramos cierto placer en ello.

El ayuno siempre ha existido. En la historia de varias religiones y en la de cualquier tipo de meditación, ha sido y es un camino para alcanzar

niveles elevados de conciencia. El autocontrol es un sentimiento que te empodera contigo mismo y te hace sentir bien. Dejar de consumir animales y productos derivados, de manera parcial o permanente tiene un impacto energético hacia dentro y hacia fuera. Y los efectos y síntomas de desintoxicación y luego de bienestar, son inmediatos.

La primera noche vimos un muy interesante documental llamado Fat, Sick, And Nearly Dead, acerca de un australiano gordo y enfermo que decide curarse el mismo con un ayuno de 60 días viajando por buena parte de Estados Unidos, solo tomando jugo. La película es inspiradora y educativa. Fue buena idea verla al inicio de todo porque la tuve en mente aún en los momentos de mayor tentación. Nunca tuve hambre, solo ganas de comer que es distinto. Nunca me sentí mal y a partir de haberlo hecho me siento cada vez mejor.

Sé que estas líneas parecieran lo menos relacionado a la música y a los tópicos de esta publicación, pero creo que cuidarse a uno mismo, tiene que ver con todos los temas de nuestra existencia. Nuestro cuerpo es una máquina perfecta; se mueve, respira, corre, se alimenta… y gracias a eso podemos apreciar lo demás. La música, la moda, las artes, los viajes y todo lo que no se puede tocar, pero no se podría apreciar si no seguimos aquí, por lo menos un rato más.

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exclusivo

“Me costaría mucho hacer un disco no personal, sería ir en contra de la razón por la que quiero hacer música.”

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MIA MAESTRO —

Blue Eyed Sailor

Entrevista: Diovanny Garfias Texto: J. Ismael Canales

Desde muy pequeña Mia sabía que su destino se encontraba en el mundo del arte, siendo el canto su primera opción, motivo por el cual con tan solo 18 años viajó a Berlin para educar su voz y aprender las tendencias del viejo continente.

actuación de lado y me tomé tiempo para descansar y estar conmigo misma, tuve un montón de espacio para viajar y para componer, no fue premeditado, se dio y me dejé ir con lo que me estaba pasando y muchas canciones comenzaron a nacer.

La vida le tendría preparada la entrada al mundo de la actuación al volver a su natal Argentina, obteniendo roles principales en importantes obras de teatro locales, hasta hacer su debut en la pantalla grande con la cinta Tango de Carlos Saura en 1998.

Me costaría mucho hacer un disco no personal, sería ir en contra de la razón por la que quiero hacer música, quiero que ésta siempre sea personal y que sea una colección de historias que quiero contar en un momento determinado o de situaciones por las que yo he pasado o alguna historia de ficción que me interesa.

Después de varios roles en series y películas, alcanzaría el reconocimiento a nivel mundial con su papel de Nadia Santos en la serie Alias, sin embargo Mia nunca se alejó de la música y el destino la recompensó en 2011 con su primer EP Blue Eyed Sailor.

Actualmente Mia se encuentra triunfando en sus dos pasiones, como protagonista de la serie creada por Guillermo del Toro, The Strain (2014), y con el lanzamiento de su primer álbum Si Agua (2014), colocándose así como una de las más importantes artistas argentinas de la actualidad. ¿De dónde surge el título del álbum, Si Agua?

Surge porque hay muchas canciones que tienen que ver con el agua en el álbum, en el 80 por ciento el elemento acuático está muy presente. Si Agua es la posibilidad de preguntarse qué sucedería si dejara el agua correr, si dejara que el agua inundara mi vida, o si yo dejara que el agua lo envolviera todo y creo que hay muchas canciones que tienen este espíritu.

Teniendo una larga trayectoria como actriz, ¿qué te impulsó a crear y lanzar un álbum?

Para cierta gente puede ser una sorpresa que haya hecho un disco o que componga canciones, pero la música ha sido parte de mi vida desde muy chica, siempre quise cantar, siempre quise ser cantante, estudié música, he estudiado canto desde los 13 o 14 años. Para mí no es una sorpresa, es algo que siempre ha estado en mí, ya era hora de mostrar mi parte musical al mundo [risas].

Este disco es muy personal, ¿lo escribiste en algún momento específico de tu vida o son canciones que has ido recopilado a lo largo de varias experiencias?

He recopilado las canciones a lo largo de dos años, fue una etapa bastante particular en mi vida, donde dejé un poco la

Has trabajado durante mucho tiempo como actriz de la mano de grandes directores, bajo su tutela, en este disco tú eres la directora, la que está detrás del proyecto orquestando todo, ¿cómo te sentiste estando del otro lado?

Por momentos sentí una gran responsabilidad pero también una gran libertad donde pude hacer exactamente lo que deseaba, así que el proyecto de armar el disco fue algo muy liberador, también enfrenté muchos miedos personales o de visiones estéticas que no sabía si iban a funcionar.

Yo creo que cada proyecto tiene su vida propia, también es un poco dejarte llevar por lo que quiera ser el disco y también, como es mi primer disco, de rodearme de un grupo de músicos y un productor al que admiro mucho, creo que esto ha sido una de las cosas más maravillosas del álbum, trabajar con alguien que vengo siguiendo desde hace mucho tiempo como Valgeir Sigurðsson quien ha grabado y producido a Björk y Coco Rosie, así que creo que con coraje, con paciencia y ayudada de gente a la que admiro, de esa manera hemos armado el disco.

En qué momento de tu vida te encuentras, ¿estás contenta?

Estoy feliz, feliz por el disco, estoy muy contenta haciendo la serie, trabajando con una persona a la que admiro enormemente que es Guillermo del Toro, es un momento de mucho trabajo, no he parado de trabajar, pero de mucha alegría también, tengo varios shows aquí en Los Angeles y estamos coordinando y esperando ir a cantar a México.

No podría estar más contenta, este es un momento de expansión, un momento de estar afuera, no es un momento interior, no fueron estos dos años que me tomé para escribir el disco, es un momento completamente diferente, siento que es un momento de cosecha, estoy muy orgullosa de The Strain y de Si Agua, así que más no puedo pedir.

TATE MODERN —

Fotos: Juan Pablo de la Vega

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FROM THIS POSITION

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Ubicado en el corazón de Londres, a orillas del río Támesis, el British National Museum of Modern Art, mejor conocido como Tate Modern, es considerado uno de los museos más importantes a nivel mundial.

Construido sobre la antigua central de energía de Bankside, diseñada originalmente por Sir Giles Gilbert Scott entre 1947 y 1966, y convertido en museo por el grupo suizo de arquitectos Herzog & de Meuron, Tate Modern aloja en exposición permanente las obras representativas de los artistas más

importantes del siglo XX, entre ellos Pablo Picasso, Andy Warhol, Salvador Dalí y Mark Rothko.

Gracias a la calidad de sus obras, desde su inauguración el 12 de mayo del 2000, es una de las tres atracciones turísticas más visitadas de Reino Unido, tiene la corona como el museo de arte moderno más visitado del mundo, con aproximadamente 4.7 millones de visitantes al año, siendo uno de los de mayor aforo a nivel mundial, sólo debajo del Musée du Louvre de París, Francia.

“EL NATIONAL MUSEUM OF MODERN ART RECIBE ALREDEDOR DE 4.7 MILLONES DE VISITANTES CADA AÑO.”

MOVIES

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Fernando Eimbcke —

Like a canvas. Like a mirror. Like a picture.

Por Karina Luvián Fotos: Franccel Hernández para WARP

Con nulas filiaciones de tipo delimitante y una sencillez evidente, Fernando Eimbcke representa en el quehacer cinematográfico mexicano a ese elemento de aparente sencillez narrativa y complejidad de trasfondo, con historias cotidianas que convierten la pantalla grande en un enorme espejo, cuyo reflejo trastoca y sorprende al espectador por su fidelidad y empatía.

“Me cuesta trabajo el mundo de la fantasía, lo encuentro lejano”, asegura el realizador de 44 años que cuenta con tres exitosos largometrajes en su carrera: Temporada de Patos (2004), Lake Tahoe (2008) y Club Sándwich, cinta que llegará a las salas de México este 20 de noviembre y que permitió a WARP Magazine conversar con quien fuera rechazado del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) en su primera aplicación y que ahora se proyecta como uno de los directores más destacados a nivel internacional.

Sus respuestas son inmediatas y poco meditadas ¬-no por ello vagas o sin sentido- al representar la exteriorización fiel de las ideas que rigen su obra. “Me encanta ver personajes muy cotidianos, con estos papeles de héroe. De repente me encantan estas historias súper sencillas en las que se emula un poco el esquema tradicional del viaje del héroe. Sin embargo, cuando esto se va al mundo de la fantasía me cuesta mucho trabajo; no es que no me guste del todo, pero no me encanta.”

Con este criterio en mente, Eimbcke decide sumergirse de nuevo en una situación aparentemente trivial en su más reciente producción: Una madre y un hijo adolescente. Una chica interesada en el joven. Un hotel. Las primigenias sensaciones eróticas inherentes a la pubertad y, casi inseparable, la necesidad de privacidad e individualismo que una mamá difícilmente asimila dentro de esta ecuación. “¿Qué pasa cuando los hijos empiezan a emprender el vuelo? By the book, el manual diría: Hay que dejar que sean libres. Ahora, ya en la realidad, eso es algo que te cuesta un trabajal [sic]. Al crear esta historia empiezo con Héctor.

Era otra vez una historia de adolescentes y la imagen que tenía era de

un joven que experimenta un sueño húmedo. Al trabajar en el personaje de la mamá me empecé a dar cuenta de que el conflicto estaba en ella, entonces empecé a construir la historia a partir de Paloma (nombre del personaje). Ya no fue una historia de adolescentes como la imaginé, sino el de una persona adulta que en el fondo acaba siendo una adolescente, adolece de algo, le falta algo, entonces tiene que hacer este viaje para completar eso que le falta.”

Club Sándwich es protagonizada por María Renée Prudencio, Lucio Giménez Cacho y Carolina Politi. Al escuchar la premisa que su creador plantea, pareciera que la cinta misma tomó su camino. “Yo creo que la película nunca la tienes clara, la vas buscando en el proceso, vas juntando las piezas… el chiste es ir generando esas piezas”, asegura el también guionista, con cierta meditación en sus palabras. ¿No se comienza entonces con las piezas en la mano? Para él, si bien se necesitan circunstancias y elementos iniciales, no existe regla inquebrantable al momento de crear: “Empiezas a conseguir dinero. Una vez que hay dinero la gente te empieza a creer que la vas a hacer (la película). Una vez que tienes la lana [sic] empiezas a buscar al equipo de trabajo. ¿Cómo lo escoges? Yo creo que no se busca a quienes son los mejores, sino a quienes son tus cómplices, la gente con la que realmente te entiendes; obvio, tú siempre consideras que los elegidos son los mejores, pero esto va más allá de su trabajo, es de cómo te entiendes con ellos, de si comparten el universo de la historia. Por ejemplo, el director de arte es Eugenio Caballero, quien hizo El Laberinto del Fauno (2006). Si lo piensas, podría parecer absurdo que él hiciera la dirección de arte de esta peli [sic] por la referencia de su trabajo con Guillermo del Toro. Sin embargo, para mí era buenísimo tener a ese cómplice que ideara los colores, la geometría del lugar… Al principio nunca tienes clara la película, o bueno, yo no la tengo clara, yo no sé quiénes son los actores, no sé muchas cosas, las voy buscando y las voy encontrando con estos cómplices, el fotógrafo, el director de arte, los actores, todos ellos, y vas encontrando cosas que no te imaginabas; eso es lo bonito de hacer una película.”

“Yo creo que la película nunca la tienes clara, la vas buscando en el proceso, vas juntando las piezas… el chiste es ir generando esas piezas.”

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“Las películas son como los hijos: Tienen sus características y en ocasiones no las puedes controlar. Son como tienen que ser, así que hay que amarlas con sus defectos y con sus virtudes.”

La Concha de Plata al Mejor Director en el Festival de San Sebastián y el premio a Mejor Filme en el Festival de Cine de Turín son algunos de los reconocimientos que la nueva película de Fernando Eimbcke ha ganado, en una andanada de proyecciones de la que no todos los filmes gozan, algo que, de acuerdo con este hombre de aspecto jovial y desenfadado, tiene mucho que ver con la promoción: “Tú vas a una escuela de comunicación y preguntas: ‘¿Quién quiere dirigir cine?’ Todos contestan. ‘¿Quién quiere fotografiar?’.

El 80% levanta la mano. ‘¿Quién quiere hacer sonido?’ El 30% se interesa. Pero al momento de hablar de la promoción, nadie, y está cabrón”, señala. Acto seguido, con un dejo de emoción contenida, agrega: “Creo que no se pone la atención necesaria en eso, en la promoción de cine. Alguien puede decir: ´Bueno, se producen ciento y tantas películas pero no duran en cartelera’. ¡Sí!, justo por eso debemos buscar más espacios, que la gente de comunicación diga: ‘Es que siendo promotor también puedo ser creativo, puedo hacer cosas propositivas.’ Es tristísimo que en ocasiones esa labor se vea como algo poco interesante. Grandes movimientos cinematográficos han tenido que ver con eso, con promotores, con críticos, con gente que está ahí, pero de repente no le damos mucho a eso… Como que todos queremos estar en un set de grabación.”

Retratar la realidad pudiera ser aún más complejo que crear mundos fantásticos. Sin embargo, no importa qué camino se siga, siempre que exista un mensaje tirado al infinito y una reacción en consecuencia, que desate en reflexión y, por qué no, en acción. Fernando Eimbcke apuesta por ello, y el cine nacional lo agradece.

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Lumia

Te Acerca al Mundo del Cine —

¡Apps para todo en tu vida!

Lumia con Windows está listo para llevar la experiencia completa del cine a tu celular con una serie de apps básicas para todos los amantes del séptimo arte.

La plataforma más grande de información con todo lo que concierne al mundo alrededor de la pantalla grande se encuentra en la aplicación de IMDb con el universo del cine, la televisión y sus celebridades. Internet Movie Database disponible en Windows, contiene todos los horarios, trailers, galerías de fotos, lanzamientos en DVD y Blu-ray, con datos esenciales de cada película o programa de televisión. ¿No sabes qué película ver? Flixster y Rotten Tomatoes te ofrecen un compendio con los comentarios de los críticos de cine más importantes, además de horarios y avances de los filmes más nuevos en cartelera, y todos los clásicos de la cinematografía mundial.

Para los cinéfilos que también son amantes de la música está MixRadio, con una increíble selección de soundtracks en forma de mixes que van de Tarantino hasta Disney, y pueden ser escuchados en cualquier momento sin conexión. Netflix, el servicio líder de cine y televisión en streaming por medio de suscripción, está diseñado para explotar al máximo las capacidades de tu Lumia con la mejor experiencia en cualquier momento y en cualquier lugar.

La aplicación de Cinépolis te ofrece la opción de reservar y comprar boletos en línea, además de consultar la cartelera de los diferentes complejos de Cinépolis más cercanos a tu ubicación, en todos los rincones de la república mexicana.

Con Lumia tienes el mundo del séptimo arte en la palma de tu mano.

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quicky

Tricky —

Por Leonel Hernández

¿Cuéntanos qué hay detrás de este nuevo disco, Adrian Thaws?

Con este disco reclamo lo que es mío. He estado bastante alejado del mundo, manteniendo un perfil bajo, pero he hecho mucho por la industria de la música, tanto así que actualmente hay mucha gente sonando como yo y muchos de ellos han hecho dinero con base en lo que creé, a mi estilo, haciendo cosas que hice hace 15 años. ¡Además lo llaman trip hop! Creo que es estúpido, hay que mantenerse en movimiento.

Háblanos un poco de las colaboraciones que tienes en el álbum, hay nombres como Francesca Belmonte u Oh Land ¿Cómo decides quién colabora en tus composiciones?

Conozco gente todo el tiempo y si tienen buena vibra grabo con ellos. Me gusta rodearme de buenas personas, con las que podría ir a tomar una cerveza, ir a un club o a comer algo. Cuando estoy en el estudio como, bebo y me emborracho, me relaciono con la gente que está ahí, así que el encontrar a alguien con quien trabajar y disfrutar esta experiencia es muy importante.

Que ahora seas un artista independiente con tu propio sello tiene sus ventajas, ¿no?

Es mejor que estar con una disquera grande.

Las transnacionales son para grandes estrellas del pop como Miley Cyrus, no para las personas que piensan por sí mismos. Me gustaría que mi sello fuera el nuevo Island Records, sé que es un gran sueño, así que pienso mucho en eso.

“Inglaterra tiene su propia versión de hip hop, siempre la ha tenido, pero en estos días la influencia africana está arrojando cosas interesantes.”

Curva 4 Autódromo Hermanos Rodríguez, Ciudad de México Fotos: Sergio Gálvez, Franccel Hernández, Oscar Hernández, Alejandro Compeán, Héctor Salazár, Pablo Salvador y Ana Luisa Mesta para WARP Edición y Retoque: Rubén Márquez #WARPenCC2014

Damon Albarn

WM / 70 | 043 | COVERAGE

CORONA CAPITAL 2014

Lykke Li Hercules & Love Affair [ 01 ] MGMT [ 02 ] SBTRKT [ 03 ]

01

02

03

WM / 70 | 045 | COVERAGE

Jack White

04

WM / 70 | 047 | COVERAGE

Beck

06

Little Dragon [ 04 ] St. Vincent [ 05 ] Kings Of Leon [ 06 ]

05

— WM 70 / PG. 49

Cuando hablamos de moda no sólo nos referimos al aspecto general de una persona, hablamos de un símbolo de poder, de clase y de estatus social. Desde su nacimiento la industria de la moda se ha mantenido en constante evolución y crecimiento, a tal nivel que hoy en día encontramos moda en cada rincón de nuestro devenir.

De más está decir que la moda siempre encuentra a grandes voceros en artistas de diversas disciplinas, personajes sobresalientes cuya tarea ha consistido en hacer de su imagen un estandarte a evocar e idolatrar por sus seguidores. Curiosamente, en la mayoría de los casos estos personajes suelen ejecutar el arte de la música; desde Mozart, pasando por David Bowie, hasta llegar a Lady Gaga, el mundo de la moda y el de la música se han amalgamado, ofreciéndonos un espectáculo visual y sonoro en el que los espectadores son beneficiados.

En WARP Magazine nos dimos a la tarea de rendir homenaje a estas dos exquisitas conductas, presentando lo mejor de cada una en convivencia natural y deslumbrante a través de cinco entrevistas con algunas de las personalidades más destacadas de 2014 en la escena musical, ilustradas por cinco sesiones de fotografía basadas en su imagen y referencia sonora con la curaduría de Compra Moda Nacional y la participación de diseñadores mexicanos.

Esto no es sino un esfuerzo por apoyar a la industria de la moda nacional y a los diseñadores mexicanos, buscando así la promoción y difusión del talento en nuestro país.

Let’s do the catwalk!

“Yo no soy un ícono de la moda, hago música.”

Lykke Li —

Youth Knows No Pain Por Raúl Arce WM 70 / PG. 51

Lo que escuchamos es a menudo determinado por un compendio de circunstancias que encontramos a lo largo de nuestra vida: las personas con las que crecemos, los lugares que visitamos, los olores, cualquier experiencia sensorial o emocional a la que nos exponemos. En el caso de muchos músicos esta serie de estímulos terminan traducidos en su sonido, no así con Lykke Li, con quien tuvimos la oportunidad de platicar recientemente.

Al cuestionarle acerca de este tema a la intérprete sueca le resultó sorprendente darse cuenta de que no tiene ninguna raíz musical o cultural que la vincule a su país de origen: “Bueno, no he vivido en Suecia desde hace varios años, siempre he estado viajando, casi no estoy ahí. ¿Sabes?, siento que muchas de las bandas trabajan lejos del país porque hay muchas giras, pero hay una escena interesante. Tengo una compañía disquera colectiva llama Ingrid y es como un grupo de amigos haciendo música, es fantástico”. La verdad es que Li Lykke Timotej Svensson Zachrisson (nombre completo de la artista) sólo vivió sus primeros seis años en Suecia, poco después su familia se instalaría en Lisboa, Nepal y Nueva York; quizá a eso se debe la falta de arraigo a su natal península escandinava.

Pero entonces la pregunta queda en el aire: ¿cómo explicar que esta chica, a sus 28 años y con tres álbumes de estudio en su haber, se haya convertido en un ícono para miles de personas? ¿Entonces a qué suena Lykke Li? “Es el sonido del arrepentimiento”, explica respecto a su trabajo, y continúa: “Estamos hablando de ese pequeño espacio entre la vida y los sueños, justo antes de despertar. Pero también es el sonido de un corazón roto.” A primera instancia, la propuesta de Lykke Li parece oscura, pero cuando es apreciada un poco más a detalle es posible darse cuenta de que también hay muchos elementos rítmicos y una fuerte carga de pop. Sin embargo, ahí no radica la relevancia comercial de la cantante, sino en un factor que ha sido recurrente en el éxito comercial de un puñado de bandas y solistas: la alusión a temas relacionados con la angustia juvenil o teen angst, como lo llaman los anglosajones.

Si bien es cierto que es reconocida por su labor dentro de la escena musical actual, resulta innegable que su imagen también genera mucho dentro de sus seguidores, sin embargo, cuando se alude a su papel dentro de las corrientes de la moda y el estilo, es tajante: “Yo no soy un ícono de la moda, hago música”, comenta. Es un hecho que para ella, después de la creación sonora la manera en que entra en contacto con su público es lo más importante, en este caso se trata de las

giras: “Me siento de dos maneras: Es un poco difícil estar de viaje todo el tiempo, pero es un gran medio para conectarte con la gente y eso es una bendición. Por otro lado, al estar tanto de gira te toma más tiempo estar en el estudio y después estás cansado.”

Aunque acepta que para ella resulta imposible trabajar en música nueva mientras está en tour, admite que el hecho de viajar constantemente le ha ayudado a depurar su proceso creativo. Parte importante de éste es Björn Yttling, bajista de Peter, Björn and John, quien ha acompañado a la cantante y compositora como productor desde Youth Novels (2008), su álbum debut, además de compartir la autoría de algunos de los más reconocidos temas de esta enigmática cantante: “Bueno, lo necesitaba para que me ayudara a organizarme, soy demasiado libre y a veces necesito a alguien que me ayude a terminar mis ideas y que también me empuje como compositora y productora, entonces es fantástico.”

Con 2014 en su ocaso, Lykke Li tiene muy claro que esta etapa de subir y bajar de aviones no es eterna y que pronto tendrá que dejar de lado su más reciente álbum I Never Learn, para regresar al estudio y comenzar una nueva aventura creativa.

Fotos: Fernando Ivarra Modelo: Debora Fernandes para Shock Modeling Stylist: Juka Curaduría: Compra Moda Nacional PR: Ana Luisa Mesta Consultora en imagen y Make up artist: Yolanda B. Ravelo Peinado: L’Oréal Professionnel

Falda: Mancandy Top: Edgar Morales Capa: Hector De La Pe単a

Historia de la

Moda —

Por Ana Luisa Mesta y Alonso Valencia WM 70 / PG. 54

1900

1910

1920

1930

La Belle Époque 1900 – 1914

Con Traje y Con Botas 1914 – 1919

Esplendor y Decadencia 1920 – 1929

Los Años del Glamour 1930 – 1938

París es el referente

La primera guerra

Nace el término Garçonne

Los diseñadores comien-

de la moda del mundo

mundial dicta un look

el cual se refiere a un

zan a traer el glamour

occidental.

monocromático.

nuevo tipo de mujeres que

de Hollywood a la moda

adoptan una figura andró-

en general, imitando a

Paul Poiret se encarga

Los colores obscuros co-

gina a favor de la igualdad

las grandes actrices de

de crear una silueta más

mienzan a estar de moda.

de género, creando una

la época.

silueta masculina.

fluída para las mujeres de la época dejando a un lado

Surgen las nuevas faldas

los corsés.

con vuelo, más amplias.

El chiffón, las pieles y Las faldas se acortan atrevi-

los materiales de lujo se

damente hasta debajo de la

transforman en el modelo a seguir.

El cuerpo femenino se

Los bajos dejan de arras-

rodilla, el busto se disimula

moldea en forma de S,

trarse sobre el suelo para

con sujetadores y los talles

busto elevado, caderas

detenerse por debajo de

caen hasta la cadera.

hacia atrás, y estómago

las pantorrillas.

liso y plano.

zan para alzar el pecho, y Chanel pone de moda la bisutería y crea

La tendencia está inspi-

Los sujetadores se utili-

Chanel N° 5.

rada en la moda oriental y los intensos colores

Vestidos geométricos con

fauvistas, adoptando un

una línea limpia, tomando

estilo atrevido y teatral.

el cubismo y el Art Decó como base.

El estilo flapper se adopta por la mayoría de las mujeres.

La gran depresión llega a tornar los patrones y estampados en colores sobrios y modestos.

no para allanarlo.

1940

1950

1960

1970

1980

1990

2000 2010 2014

Improvisar y Remendar 1939 – 1946

Minis y Mods 1957 – 1966

Los Años de la Margarita 1967 – 1978

Vestir Para Impresionar 1979 – 1987

Regreso a los Orígenes 1988 – a la fecha

Se adoptan los amplios

Las mujeres sustituyen

Los recuerdos de las rutas

La ropa deportiva de mar-

Se da paso al estilo

pantalones de esquí, los

las faldas anchas por

hippies empiezan a intro-

ca es la última moda.

new age.

cuales se usan con jerseys

faldas de tubo y chaque-

ducirse en los armarios de

estrechos de manga larga.

tas entalladas.

las mujeres, abrigos pelu-

El estilo de los hip-hoppers

Los diseñadores invierten

dos afganos, camisas de

lleva a Nike y Adidas a la

más en el marketing y la

cima de la modernidad.

publicidad para estimular

Mainbocher marca un

Londres se comienza a

estopilla hindúes, ponchos

estilo simplista, cómodo,

alzar como la capital de la

sudamericanos y faldas

pero sumamente elegante.

moda internacional.

gitanas de retazos.

La ropa se convierte en

Nada puede detener a

Los colores abundaron en

austera y práctica, con za-

la moda mini, los bajos

esta era, inspirados por el

patos pesados, chaquetas

de los vestidos suben

arte óptico y la psicodelia.

con hombreras y faldas

imparablemente.

hasta la rodilla.

japoneses cobran una

El minimalismo da paso

influencia enorme.

a un estilo más maduro y sofisticado. El color, la

El estilo americano

elegancia y la ostentación

se apodera del

pasan a un primer plano.

Los motivos florales se

mundo con materiales como el spandex.

Los materiales se

homogenizan tanto en

París cae como la capital de

comienzan a convertir

hombres como mujeres.

la moda, para dar lugar al

en sintéticos.

oeste a causa de la guerra.

a las marcas.

Los diseñadores

tendencias van y vienen a Nace el término

El bikini toma el lugar que

La moda es plural y las la velocidad de un rayo.

supermodel.

conserva hoy en día.

Se recobra lo vintage con

Un paso por el glam con

nuevas propuestas.

toques pop art.

Los jeans se vuelven parte de la vida diaria.

Las bloggers se convierten en un aspecto básico de la moda actual.

zola jesus —

The hunger Por Diovanny Garfias WM 70 / PG. 56

Taiga (2014) no sólo es el quinto trabajo discográfico de Zola Jesus, tampoco es meramente un ejercicio de experimentación sonora.

No hablamos de un disco común y corriente, para tratar de entender Taiga es necesario tener en mente ejercicios sacros de expulsión de entidades y sólo así estaremos cercanos a comprender la labor sónica realizada por la artista; digamos que en esta ocasión la cantante se liberó de todos sus prejuicios musicales y, una vez más, envolvió a su “yo” artístico, redescubriendo el gusto de la convivencia con las musas de la inspiración y la creación.

Para su concepción Nika Roza Danilova (o Zola Jesus, para efectos musicales) decidió adoptar como su santuario personal Vashon Island —una extensión de tierras aisladas en la periferia de Washington, en Estados Unidos— y ahí, prácticamente en la soledad de su cabaña, invocar la ayuda de las fuerzas de la naturaleza para expeler los remanentes de la artificialidad impregnados en su ser tras vivir en Los Angeles, California: “Estaba viviendo en Los Angeles”, recuerda la castaña cantante.

“Ahí escribí mi último álbum y después me fui a una gira muy larga, así que cuando regresé a LA sentía que no era lo que necesitaba, no podía relajarme. Me mudé de manera aleatoria a esta pequeña isla y pensaba que era ahí donde necesitaba estar, se sentía como mi hogar —porque crecí en el bosque— y se sentía profunda y abismalmente vivo. Me sentí muy inspirada y libre de una forma que nunca me había sentido en mi vida.”

Así, circundada por Gaia y apoyada por el productor Dean Hurley (David Lynch, Danger Mouse) se dispuso a presentar al mundo a su nuevo vástago. Es precisamente Taiga, este referente sónico de Zola Jesus, el que nos colocó en una plática con ella, una oportunidad de oro para desentrañar el misterio detrás de dicho álbum y, de paso, aquel que de manera intrínseca representa su creadora misma.

Personalmente creo que este es tu mejor disco a la fecha, para mí se siente muy completo y honesto. ¿Te imaginaste y concebiste Taiga como la obra maestra de Zola Jesus?

No, me refiero a que ni siquiera estoy segura de lo que es. Cuando lo estaba escribiendo no sabía qué estaba haciendo, sabía que quería hacer algo que fuera más grande que la vida, que fuera algo gigantesco, más que cualquier cosa que pudiera hacer.

Se sentía universal y simplemente masivo, no lo sé, sólo quería hacer algo más grande que yo, así que eso era todo lo que sabía.

Cuéntanos cómo fue el trabajo con Dean Hurley como coproductor en términos creativos, ¿cuánto empujó el sonido del álbum para convertirse en lo que hoy escuchamos? Él hizo mucho más trabajo del que pensaba que realizaría. Al principio tenía algunas canciones que probablemente estaban listas, canciones al 90 por ciento, algunas que no tenían nada hecho y otras que no sabía cómo quería que sonaran, ahí fue donde él realmente

se convirtió en algo muy valioso, porque había algunos temas en los que necesitaba una segunda opinión, cosas que quería lograr y no podía hacer por mí misma como productora.

Es un visionario, me hablaba sin empujarme y creo que eso fue muy importante. Usualmente no trabajo con gente con tanta experiencia.

Háblanos de ‘Hunger’, mi canción favorita del disco. Su sonido es muy diferente al de tus otros trabajos y la letra es muy intensa. ¿Cuál es la historia detrás del tema?

Sí, de hecho también es una de mis canciones favoritas en el disco porque cuando la compuse creo que no estaba esperando hacerla.

Es sobre desear, anhelar y constantemente sentirse insatisfecho.

Es como el sentimiento de sentirse siempre hambriento y nunca estar satisfecho, quería que esa canción se sintiera errática y bombástica, simplemente agresiva. Fue muy divertido, cuando la terminé dije: “¡Oh, no sabía que podía hacer canciones como esta!” [risas].

Eres una artista muy joven, pero tienes una carrera prolífica. ¿Cuándo decidiste que la música se convertiría en tu vida?

Empecé a tocar cuando tenía ocho o nueve años, tocaba el piano, pero después comencé a estudiar canto cuando tenía alrededor de diez y cuando empecé con la voz me di cuenta de que la música era mi pasión y que era todo lo que quería hacer.

“Cuando era muy pequeña mi papá solía escuchar A bandas como The Talking Heads, Squeeze y Dead Kennedys cuando se ejercitaba, esa es probablemente la primera música que recuerdo que me atrapó realmente.”

Fotos: Fernando Ivarra Modelo: Tracy Reuss para Shock Modeling Stylist: Juka Curaduría: Compra Moda Nacional PR: Ana Luisa Mesta Consultora en imagen y Make up artist: Yolanda B. Ravelo Peinado: L’Oréal Professionnel

Vestido: Malafacha Zapatos: Perugia

SHIRLEY MANSON —

Not a barbie doll Por Diovanny Garfias Foto: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP WM 70 / PG. 60

A lo largo de la historia melómanos de diversas generaciones han encontrado en la música su objeto de culto para la vida diaria, sin embargo en algunos casos estos amantes del sonido no se conforman con las sonoridades creadas por sus bandas preferidas y tienden a tomar la imagen de uno de sus integrantes como objeto de inspiración, convirtiendo en el proceso a un ser mortal en un inmortal, en otras palabras, en una musa del imaginario colectivo.

Uno de estos seres sorprendentes es Shirley Manson, la originaria de Edimburgo, Escocia, no sólo ostenta una carrera de casi 20 años como la líder de Garbage (al lado de Duke Erikson, Steve Marker y claro el multipremiado productor Butch Vig), también es reconocida por ser ícono e inspiración para una generación que creció escuchando himnos musicales como ‘Stupid Girl’y ‘Push It’. Tuvimos oportunidad de platicar con la pelirroja durante su reciente visita a México, nadie mejor que esta musa sónica para hablar de moda y claro, del próximo álbum de su banda, el sexto en su discografía.

Amas México, lo has declarado miles de veces ¿Cómo te sientes de estar de vuelta?

Increíble. Me gustó la idea de venir como embajadora de Jack Daniel’s, que en general habla

de cosas que creo y que aprecio, realmente se siente bien, se siente totalmente natural estar aquí. Y claro, una de las razones por las que estoy aquí es porque el proyecto se lleva a cabo en la Ciudad de México. Puedo venir aquí siempre, la gente es increíble. ¿Evidentemente regresarás cuando el nuevo álbum de Garbage esté listo, verdad?

No estoy segura de que pueda decir algo, pero sé que vamos a venir en primavera del próximo año, lo que será antes de la salida del nuevo disco, lo que indique que probablemente también regresemos cuando salga el álbum.

Tenemos muchos planes para el próximo año porque se cumple el 20 aniversario de nuestro primer disco —lo cual aún no puedo creer—.

México siempre ha sido muy bueno con nosotros, es uno de los países que realmente nos ha abrazado y no hemos olvidado eso. ¿Qué nos puedes decir del proceso de grabación?, ¿cómo va hasta ahora? ¡Es tan aburrido como el carajo, odio grabar!

Odio estar en el estudio, lo encuentro tedioso en una cierta manera graciosa, pero creo que estamos haciendo un buen disco. Digo eso cada vez que estamos haciendo uno, pero en esta ocasión ha sido un proceso diferente,

mucho más rápido. Hemos intentado ser mucho más flexibles de lo que hemos sido cuando grabamos y como resultado la música es ligeramente diferente.

Version 2.0 (1998) llegó a su aniversario 15 el año pasado, ¿lo has escuchado recientemente?, ¿cómo suena para ti hoy?

Bueno, no creo ser imparcial. Mi colección de viniles se destruyó en un incendio en mi casa de Escocia hace algunos años, así que mi esposo y yo hemos empezado a reconstruir la colección en L.A., porque ahora vivimos en Los Angeles y descubrimos Version 2.0 y le dije “Hay que ponerlo. Hay que emborracharnos y escucharlo” y creo que se escucha tan bien como cuando salió. Es un disco realmente poderoso y de alguna manera estaba adelantado a su tiempo, además es uno de los primeros álbumes en ser grabado digitalmente de principio a fin. Fue un disco importante para nosotros como banda y seguimos muy orgullosos de él.

Eres un ícono de la música y también de la moda, ¿cuál es tu perspectiva de la convivencia de estas dos disciplinas durante los últimos años?

Es como cualquier cosa, el mundo de la moda y el mundo de la música se han unido en un tipo de amorío comercial muy vil y realmente

“Para mí el estilo no es realmente lo que traes puesto, sino como eres.”

no me agrada mucho. Me refiero a que tienes increíbles diseñadores que visten a quien sea, solamente porque quieren promover su marca y hacerla más y más grande. Ves a gente que conoces y sabes que no tiene estilo, que no tienen nada que decir, no tienen un verdadero punto de vista en cuanto a algún tema.

Para mí el estilo no es realmente lo que traes puesto, sino como eres.

“Ahora siento que soy una persona mĂĄs relajada y eso me permite tomar mejores decisiones, al fin puedo pensar en el presente en lugar de estar ansiosa respecto al futuro.â€?

La

Roux —

Reflections are protection Por Michelle Apple WM 70 / PG. 63

La historia de Elly Jackson es la de decenas de popstars, que alcanzan el éxito de la mano de un track y que a los 21 años están celebrando nominaciones a diversos galardones de índole internacional, viviendo el sueño de la fama, pisando los escenarios más importantes del planeta. Sin embargo en algún punto esta historia se tornó oscura y en su contra.

tras están de tour, volando de un sitio a otro, encontrando tiempo para hacer demos; yo no estaba acostumbrada pero tuve que recurrir a esta técnica, porque sentía que me estaba quedando atrás. Al final me di cuenta de que no estaba yendo a ningún lado, sólo recurriendo a sonidos viejos y reciclados. Así que decidí reiniciar todo el proceso.

Una extenuante gira y el estrés de su saturada agenda llevaron a Elly a sufrir un desorden de garganta que puso en peligro su voz —la artista básicamente tuvo que aprender a cantar de nueva cuenta—. Por otro lado, diferencias creativas con Ben Langmaid, quien hasta entonces había sido la otra mitad de La Roux, hicieron que éste abandonara el proyecto. Lo anterior llevó a Elly a buscar un nuevo camino, a olvidarse de la presión por repetir un éxito tan contundente como el logrado con La Roux (2009) e iniciar musical y creativamente desde cero. El resultado fue Trouble In Paradise (2014), uno de los álbumes más destacados de este año. Es justo la placa la que nos pone en una plática telefónica con su autora, quien llegará el próximo enero a nuestro país para presentar a su nuevo vástago.

Pero si no querías repetir tu trabajo, ¿qué era lo que buscabas? ¿Lo tenías claro?

Sí, lo que buscaba principalmente era no repetirme, hacer un disco totalmente diferente al anterior, por eso pasamos meses buscando sonidos y trabajando ideas que nos parecieran interesantes, aprendimos mucho, sin duda es el disco más experimental que he creado a la fecha.

De hecho tenemos algunos demos a los que les dedicamos mucho tiempo, varias semanas y al final no llegaron a ser parte de Trouble In Paradise.

Mi primera pregunta es la más obvia: ¿Por qué tardaste tanto tiempo en lanzar esta segunda placa?

Es algo que todos me preguntan. En realidad empecé a escribir algunas ideas para el disco mientras estaba finalizando el tour de mi álbum debut. Algunos pueden hacerlo mien-

¿En cuanto a la producción del disco, ¿qué lo hace diferente a su predecesor?

Este es más downtempo, las canciones siguen teniendo ese espíritu festivo del primer disco pero con cierta carga cálida, casi sexual, que terminó por llevarlas a otro lado. El sonido final lo bautizamos como ragga disco, pero creo que en realidad es una mezcla de pop con otros géneros; si lo escuchas con cuidado lo puedes descubrir.

Sin lugar a dudas cinco años son mucho tiempo. ¿Cómo te sientes personalmente en comparación a cuando salió tu debut?

¡Dios!, muchas cosas han cambiado, es difícil de explicar. Cuando eres joven quieres hacer tantas cosas, todas al mismo tiempo, de la manera más rápida, no piensas mucho al respecto, sólo lo haces. Ahora siento que soy una persona más relajada y eso me permite tomar mejores decisiones, al fin puedo pensar en el presente en lugar de estar ansiosa respecto al futuro, no lo sé... es difícil de explicar. Supongo que mi música es el reflejo exacto de quien soy ahora. ¿Crees que ahora eres una persona más segura de ti misma?

Siempre he sido confiada, a veces más de lo que debería. Creo que ahora soy más, pero en un forma más aterrizada, también soy más considerada.

Visualmente eres una artista que llama mucho la atención. ¿De dónde dirías que proviene tu estilo andrógino o qué te inspiró a crearlo?

No lo sé, cuando era niña siempre me llamó la atención la ropa de hombre, nunca quise ponerme una falda, quería usar un traje, me daba envidia que los niños pudieran llevar uniforme y seguir luciendo poderosos, distinguidos.

Creo que para las mujeres es difícil lucir así, sin tener que ser referenciadas a lo sexual. Así que cuando cumplí 17 años me di cuenta que podía lucir como yo quisiera, ya no me importaba lucir diferente. Creo que ahí empecé a crear esta imagen que permanece hasta el día de hoy, con sus respectivas evoluciones.

Fotos: Fernando Ivarra Modelo: Yanka Serikova para Shock Modeling Stylist: Juka Curaduría: Compra Moda Nacional PR: Ana Luisa Mesta Consultora en imagen y Make up artist: Yolanda B. Ravelo Peinado: L’Oréal Professionnel

Vestido y abrigo: Mancandy Tennis: Kate Spade

Luisa Sáenz —

The Model

Por J. Ismael Canales Foto: Fernando Covarrubias WM 70 / PG. 67

Con tres décadas de carrera Luisa Sáenz ha puesto el nombre de México muy en alto a nivel mundial, siendo parte de las pasarelas más prestigiosas y colaborando con los más grandes diseñadores nacionales e internacionales de nuestra época como Giorgio Armani, Karl Lagerfeld, Oscar de la Renta, Agatha Ruiz de la Prada, Julia y Renata, Macario Jiménez, Keko Demichelis y Víctor Alfaro.

Galardonada en 1987 con el Premio OMNI a la mejor modelo de moda en México, la vida de Luisa no sólo gira en torno al modelaje, ya que ha incursionado en el cine en películas como Sexo, Pudor Y Lágrimas (1999) y Vivir Mata (2002), además de aparecer en casi una centena de comerciales para las más prestigiosas marcas mexicanas y protagonizar videos musicales de bandas representati-

vas de México, como Plastilina Mosh y Maná, de Latinoamérica, como La Ley y de Reino Unido como Ian Brown.

Con toda la experiencia que le da haber recorrido las pasarelas más detacadas alrededor del mundo, Sáenz es fundadora de un proyecto que fusiona el arte y la moda, LSN Todo México de Moda, y Directora General de A Shaded View On Fashion Film (ASVOFF) México, festival de cine dedicado a la moda, estilo y belleza.

Originaria de Coahuila, el inicio de Luisa en las pasarelas fue de forma casual. Relata que cuando estudiaba Ballet en la Royal Academy de Londres en Torreón, un amigo de nombre Uriel Valdéz la sacó de la escuela haciéndola participar en un desfile local, comenzando

así su camino en la moda, mismo que no ha parado desde aquel día.

“Realmente es algo con lo que naces y va creciendo contigo. Desde muy niña me fijé en las cosas sutiles, y en el mundo de la moda me involucré gracias a mi mamá, ya que es una mujer con mucho estilo; en Torreón tenía la tienda de Carlo Demichelis y ahí siempre estuve en contacto con la moda. Vengo de una familia de 4 hermanas mayores y siempre veía como se arreglaban para salir a bailar. Siempre tuve un gusto muy especial por la estética.”

De todas las satisfacciones que le ha dado su carrera como modelo y actriz, Luisa se queda con dos momentos fundamentales y con su contribución a la llegada de ASVOFF a México:

“Siempre cambian pero por ahora mis diseñadores preferidos son Christophe Lemaire y Martin Margiela. Son atemporales, su calidad es excelente, son dinámicos y pueden hacer que las mismas prendas sean tanto elegantes como sport.”

“Primero cuando llegue a esta ciudad ir cumpliendo todos mis sueños y al año ganar el premio Ovni a la mejor modelo, y en estos momentos traer este gran proyecto a México que es ASVOFF, me llena de alegría. Cuando me fui a vivir a Francia me tocó ir a ASVOFF en París y quedé enamorada del proyecto. Mario Salvucci me presentó a Diane Pernet, me invitó a tomar un té con ella, tuvimos muy buena química y me invito a traer ASVOFF a México.

a una terapia de coach personal veo de qué manera puedo ayudar a México y de esta forma llevar la moda más allá, mostrando un lado mucho más cultural.”

He estado involucrada tanto en el mundo de la moda, el cine y el arte en México que cuando Diane me ofrece el festival todo resulta de manera muy orgánica. A través de ir

“En este momento hay una generación de diseñadores con propuestas muy interesantes, en donde México atraviesa una época muy importante en las artes, arquitectura, cine y

Respecto a la situación actual de la moda en nuestro país, Sáenz afirma que México vive uno de los mejores momentos de su historia, con interesantes propuestas que pelean por un lugar en el mundo del arte y las pasarelas.

gastronomía. Y así logrando una sinergia enfocada en la moda.”

Para concluir, Luisa confiesa que para ella la actuación y el modelaje van de la mano, pudiendo incluso ser una parte de la otra y siendo ella una apasionada de ambas.

“Las dos me encantan y tiene mucho que ver porque para mí el modelaje es una actuación muda. La actuación es algo a lo que siempre le he tenido mucho cariño pero no tendría por qué elegir entre una y otra. Ya no dedico mi vida a modelar pero siempre que hay proyectos interesantes me alegra poder participar.”

WM / 70

MAURICIO SERRANO —

Guerrero Collection: From the dead to the living Por Raul Arce

Con 20 años de experiencia en el mundo de la joyería, Mauricio Serrano busca imprimir en cada una de sus creaciones, su forma de ver la vida, nutrida por la inspiración que ha encontrado en un camino, lleno de historia y tradiciones.

Su sentido único de la estética y el atrevimiento de utilizar materiales inusuales en cada una de sus piezas, le han llevado a romper esquemas, convirtiéndose en uno de los diseñadores de joyas más relevantes de su generación.

Personalidades de talla internacional como Penélope Cruz, Eva Longoria y Lenny Kravitz han portado algunas de sus creaciones.

“Cuando diseño una pieza, me imagino a la persona que la va a portar.

Quiero que luzca contemporánea, que llame la atención, que se vea bien”. Explica el diseñador.

Este 2014, con su última creación “Guerrero Collection”, el diseñador busca reconocer a aquellos que ya no están, pero que en algún momento ocuparon la misma tierra: una clara referencia a la bella tradición mexicana de Día de Muertos. Conformada por piezas alegres, que evocan la esencia de esta festividad, Guerrero Collection logra conjuntar la tradición con una serie de elementos de diseño contemporáneo, que le confieren un toque de modernidad.

069

publi

“Ha sido muy sencillo llevar 48:13 a los escenarios, probablemente sea el álbum más fácil de tocar de todos.”

-Sergio Pizzorno

kasabian —

Man Of Simple Pleasures Por Diovanny Garfias WM 70 / PG. 71

“Este es nuestro cuarto concierto en México, no puedes estar esperando más cuando sólo has tenido cuatro shows, así que sí, ahí es a donde pertenecemos”. Esta es la reacción del artífice detrás de Kasabian tras ser cuestionado respecto al horario asignado a su banda en la reciente edición del festival Corona Capital, aunque se mantiene positivo al respecto: “Amamos México, no hemos tocado lo suficiente aquí, pero planeamos tocar más shows, ojalá sea pronto”. Sergio Pizzorno está al tanto del nivel de popularidad de su grupo en nuestro país, aun cuando se trata de uno de los más emblemáticos del rock inglés de la última década (este año fue uno de los headliners de Glastonbury junto a Arcade Fire y Metallica), por lo que no tiene problema en salir a interpretar con la luz del día cayendo sobre su rostro.

Reconocido por ser el tipo huraño y serio del proyecto, hoy, el originario de Leicester, Inglaterra, nos está dedicando unos minutos para ahondar en detalles de 48:13 (2014), su más reciente álbum de estudio. El músico de 1.97 cm de altura, pantalones que simulan mostrar los huesos de sus piernas y una chamarra vieja estilo country parece cansado y alejado de aquel hombre que hace corear a miles de la mano de su guitarra, esa bestia sonora que se puede dar el lujo de jugar una cascarita con celebridades de todo el mundo y de anotarle al arquero David Seaman. Una lluvia intensa nos cobija y ofrece un paisaje gris y lodoso, con personas de cabelleras mojadas que luchan por conservar el poco estilo que les resta: “Les tocó buen clima”, le digo a nuestro entrevistado. “Ya estamos acostumbrados”, responde, manteniendo la sobriedad que lo caracteriza.

Probablemente, la última vez que realmente me emocioné escuchando una banda por primera vez haya sido cuando ‘Club Foot’, de Kasabian, tocó mis oídos. Nunca he sido fanático del rock inglés (reconozco su influencia e importancia, eso sí) pero desde entonces sabía que había algo especial en su sonido, algo que aún sin explotar ya anunciaba que Tom Meighan, la voz del combo, y Sergio iban a escribir una pequeña pero importante pieza de la historia musical británica. “No lo sé”, responde el creador de dicho sonido al cuestionarle respecto a la procedencia e inspiración que provoca este efecto sonoro. “La producción es una parte gigantesca de un tema, es muy importante para nosotros, creo que es por eso que tenemos un sonido tan característico” señala. Hace una pequeña pausa, y continúa: “¿de donde viene? Yo sólo… supongo que es lo que hago, se me dificulta mucho explicarlo, esta es la forma en la que hago música y como productor sigues el mismo camino cuando la estás grabando e interpretando.”

Cuando 48:13 vio finalmente la luz sentí que de nuevo estaba siendo parte de esa historia iniciada por la dupla. Kasabian, en su versión más electrónica desde su debut homónimo, encarnó a lo largo de 13 cortes lo mejor de sus guitarras, de su poesía, pero también lo más sobresaliente de la visión sónica de Pizzorno, quien tras lanzar un álbum del tamaño de Velociraptor! (2011) hoy se para en diversos escenarios del mundo a demostrar que aún hay mucha magia en la chistera: “Éste es más inmediato, queríamos ir directo al grano, hacer algo que te alcanzara desde la primera vez que lo escuchas. Siento que aunque forma parte de nuestra discografía también es parte de estos discos de rock futurísticos, para mí suena a eso.”

Cabe señalar, que otra parte de la fórmula que ha hecho de Kasabian un banda con miras a volverse legendaria es precisamente la fuerza de cohesión entre Meighan y Pizzorno, como el dueño de la poderosa voz e imagen principal de los originarios de Leicester comentó en alguna ocasión: “Es muy simple, Sergio es el Pete Townshend de la banda”. Hoy le pregunto a Sergio cómo se siente creando al lado de Tom luego de más de 10 años de carrera: “La verdad es que hemos estado juntos desde hace más tiempo, desde los 12 años. Con el paso del tiempo siento que de alguna forma ya somos como uno mismo y creo que eso es grandioso, ahora trabajamos al doble de velocidad.”

A kilómetros es obvio que hablar con los medios no es lo que más entusiasma a Pizzorno. Recién habló con unos cinco y al parecer platicará con varios más. Está por despedirse, así que aprovecho para preguntarle acerca del que parece sería el siguiente paso en su evolución como músico, ¿ha pensado en lanzar un disco en solitario? El músico no titubea ni un momento y es muy claro al respecto: “Sí, tal vez un día. Es algo en lo que pienso algunas veces. Sí, estaría muy dispuesto a hacerlo, sí que lo estaría, sólo necesito encontrar el momento exacto.”

Así, tras una mini-sesión de fotos el músico está por continuar con su labor con los medios, antes aprovecho para hacer una última pregunta, inocente y fuera de todo protocolo: “¿Cuál es tu canción preferida del nuevo disco?”. Me mira y esboza una pequeña sonrisa, probablemente la única que su rostro regaló antes de ocupar el escenario aquella tarde: “‘Treat’. No sé por qué. Como te dije, para mí es rock n’ roll futurista.”

Fotos: Fernando Ivarra Modelo: Franco Martins para Shock Modeling Stylist: Juka Curaduría: Compra Moda Nacional PR: Ana Luisa Mesta Consultora en imagen y Make up artist: Yolanda B. Ravelo Peinado: L’Oréal Professionnel

Chamarra y suéter: Manov

Disfruta del making of de las sesiones de fotos, de nuestra entrevista con Fernando Ivarra y más material exclusivo en nuestra versión para iOS disponible en iTunes Store.

Big Hearted Girl

Juha Mustonen —

Bright light, dark room Por Michelle Apple Fotos: Cortesía Juha Mustonen WM 70 / PG. 74

Este apasionado del snowboarding encontró en su hobbie la oportunidad de erigir una carrera tan sólida, que logró sacarlo de su zona de confort y ponerlo en el mundo de las pasarelas.

Juha Mustonenes, ahora enfocado prácticamente en su totalidad a las imágenes editoriales, es un fotógrafo cuya visión de la realidad lo ha llevado a publicar en ELLE, Cosmopolitan y Muse y a trabajar con marcas como Red Label, Nokia, Warner Music y Bon Aqua.

Nacido en las frías tierras del noreste de Europa, en Finlandia para ser más exactos, divide hoy su tiempo entre Helsinki, New York y México, siempre en busca de encontrar una imagen que logre evocar y comunicar algo más que luz traducida en estampas. Conversamos con este visionario quien está próximo a publicar MUSTONEN YKSI, un libro recopilatorio con lo mejor de su arte fotográfico que vendrá acompañado de una exposición en Common People México, misma que correrá a partir del 29 de enero de 2015.

¿Cómo decidiste convertirte en un fotógrafo en primer lugar?

De hecho me convertí en fotógrafo gracias a mi hermano mayor. Nunca me consideré una persona artística, yo sólo quería jugar hockey sobre hielo y mi hermano era el fotógrafo, en un punto me preguntó si yo quería intentarlo, así que empecé a hacer fotografía de snowboarding —porque dirigía una revista dedicada al tema—.

Después de unos años de hacer mucha fotografía de snowboarding seguí con otros deportes y finalmente aterricé en el mundo de la moda. Como verás, mi inicio en la fotografía fue un accidente.

¿Encuentras alguna similitud entre el snowboarding y la moda?

Lo que me atrajo del mundo de la moda es que había libertad. Hubo un momento en donde en el mundo del snowboarding se hacían retratos muy a lo lifestyle, no sólo imágenes tomadas en la nieve, en la montaña, sino también mucho de gente en otras situaciones, eso en realidad es muy cercano a la moda. Yo veo muchas similitudes. Creo que fue un buen inicio, porque yo ya tenía una buena noción de lo que se debe hacer en una locación, de hacer sesiones fuera de un estudio, incluso en lugares complicados.

Así que abandonaste la adrenalina para visitar un mundo totalmente diferente…

Claro, lo de la moda no tiene nada que ver con snowboarding, así que tuve que dejarlo para dedicarme a esa área. Pero lo hice, empecé en París y después me mudé a Milán, diría que ahí fue cuando inicié realmente en la moda.

¿Qué tipo de imágenes son las que buscas?

Soy fan de Paolo Roversi, un fotógrafo italiano.

Nunca se interesa en los nombres, sólo retrata gente. Yo busco lo mismo, ese es mi tipo de fotografía. Creo que el fotógrafo tiene que ser fuerte y buscar más allá de las poses regulares, debe haber un sentimiento fuerte, real y humano en la foto, no sólo una modelo.

White Chapel [ 01 ] From The North Country [ 02 ] Noora [ 03 ] Naeba [ 04 ]

Has realizado muchos trabajos a lo largo de tu carrera, ¿hay algo que te falte por realizar?

Me gustaría hacer algo en una locación extraña, no una modelo en una locación, como una postal. Algo muy diferente en cuanto a ambiente, luz y sentimientos. Combinar arte y moda en muchos lugares. Diría que no es un solo estilo el que me gustaría llevar a cabo, sino algo más impreciso. Pero seguiré fotografiando modelos, es muy simple. Todos son muy profesionales y me entienden, es más sencillo que fotografiar a la gente en la calle.

01

NYC Muse

02

03

Ivy

04

SBTRKT —

Beyond the mask Por Karina Luvián WM 70 / PG. 78

No lo digo yo, lo dicen los hechos a lo largo de la historia: Para que la obra de un artista cobre cierta relevancia en el inconsciente del grueso popular es necesaria la resonante aprobación de… la Crítica. Escrita con mayúscula a partir de la importancia auto-adjudicada (y, sí, también por aquellos que la siguen religiosamente), este ente de procedencia incierta dicta los hábitos de consumo de muchos; sin embargo, de vez en cuando se ve sorprendida por obras que tocan al público de manera directa, sin su juiciosa opinión por delante.

“Trabajé en este disco al rededor de diez meses, pero se sintieron como muchos más… Como si hubieran sido años.”

“Se trata de una vida dedicada a un proyecto musical lejos de ser sólo una persona enmascarada. Esta es una criatura que surgió de algo que encontramos en México... una especie de animal alucinante.”

-SBTRKT

SBTRKT es uno de esos casos. Sus remixes a actos ya establecidos como M.I.A. y Mark Ronson, publicados libremente en SoundCloud y transmitidos en radio esporádicamente por MaryAnne Hobbs y Graeme Sinden, lo colocaron —incluso antes de la salida de su álbum debut— en un escenario de inmensas proporciones: Glastonbury. La publicación de su primer disco, homónimo, en 2011, sería entonces la cereza de un pastel que la mayoría de analistas musicales acababan de mirar y que devoraron de inmediato, sólo para generar críticas que iban de lo pésimo a lo sublime. ¿Factor importante para él?: “Es extraño. Siento que entre más crezco como artista más me alejo de la inmediatez con que la música es aceptada en estos días… Es difícil de explicar, porque generalmente la gente no se da cuenta de que los artistas rompen reglas y hacen lo que su chingada gana les da.” A la vista de una respuesta tan honesta por parte de Aaron Jerome, en entrevista exclusiva con WARP Magazine, queda claro que su quehacer no se basa en lo que pueda decirse, sino en el deseo real de simplemente crear música.

Tan poco interesado está en los reflectores que su identidad personal es lo último que este joven productor quiere abordar, de ahí el álter ego y su inamovible máscara de características tribales: “Yo prefiero no hablar de mí como persona y dejar que la música hable por sí misma”, asegura. “El nombre ‘SBTRKT’ soy yo alejándome a mí mismo de todo el proceso. No soy la persona más social que exista, así que mi labor es más acerca de mí dándoles un disco como una persona anónima y ver si les gusta, es más el hecho de crear música y no desperdiciar mi vida hablando de ella.” Entonces, al cuestionar la procedencia de la careta, surge el dato de un lazo poco conocido entre el músico y este país: “Se trata de una vida dedicada a un proyecto musical lejos de ser sólo una persona enmascarada. Esta es una criatura que surgió de algo que encontramos en México, estos tallados

de madera que representan una especie de animal alucinante, pintados en colores vivos.

La verdad, tengo este extraño interés por la Criptozoología (estudio y búsqueda de animales cuya existencia no ha sido probada).”

En un entorno en el que es difícil encasillarlo, al combinar maravillosamente 2step, funky house, dubstep, R&B, pop e incluso hip hop en su música, lo que SBTRKT busca es justamente eso, salir de aquellos esquemas que él mismo visualiza como predeterminados, “un montón de actos dance que escriben grandes éxitos, con una producción de sonido muy característica que me hace pensar que mucho de ello es preconcebido, para luego escribir grandes ganchos encima”, señala. Inmediatamente después, detalla: “En vista de que SBTRKT nunca se ha tratado de eso, mi trabajo es más cercano a la idea de crear algo único en cada colaboración. Wonder Where We Land es un álbum más conceptual, quise hacerlo multidimensional para lograr una especie de expansión de horizontes de lo que me gusta, en términos de género. El disco anterior lo presenté mucho en diferentes escenarios, así que eso me influenció en lo que ahora quería imprimir.”

WWWL (por sus letras iniciales) es un material conformado por 15 canciones que, en conjunto, apenas rebasan los 42 minutos, algo que aunado a su curaduría lo constituyen como una pieza por demás disfrutable, con ligeras subidas rítmicas cuya constante sigue siendo la bastedad de colaboraciones que incluyen a viejos conocidos -como Sampha y Jessie Ware- y a nuevos cómplices -Ezra Koening y ASAP Ferg entre ellos-, elementos que han sido pieza clave a lo largo de la carrera de Jerome: “Soy muy exigente respecto a la gente con la que trabajo. Me gusta hacerlo con personas que son propiamente artistas y no sólo cantantes, porque bien podría trabajar con vocalistas y después tomar todo el crédito. Creo que esa es

la diferencia fundamental del porqué mis discos no serán exitosos de la misma manera en que lo son los de otros artistas; yo pude haber salido y hacer otro sencillo como ‘Wildfire’ luego del disco pasado, tengo –probablemente- 15 peticiones de artistas de grandes sellos queriendo un track que imite a esa canción, pero la cosa es que incluso con aquellos en los que me interesé fue: ‘Si quieres lo que yo hago iré a tu estudio.

Podemos empezar algo único entre los dos pero no te daré, simplemente, el mismo beat’.”

Titular un disco es vestirlo de identidad, es ese toque que en el mundo de la moda pudiera representar un accesorio: tan definitorio como el outfit completo y con la posibilidad de realzar el resultado final, cuando ya de por sí cuenta con personalidad, o despertar inconsistencias en el mensaje. El también miembro de la familia Young Turks lo sabe y así como decidió utilizar su seudónimo como título estandarte de su primer larga duración, plasmó las dificultades personales por la que atravesaba tanto en las características sónicas de Wonder Where We Land como en dicho título: “El nombre está envuelto en un número de situaciones”, comienza. “Mi hermano Daniel, quien luchó contra el cáncer durante los últimos cinco años, falleció justo un mes antes de que empezara a componer. Fue, indudablemente, un periodo extraño para escribir y mucho de eso se ve reflejado a través del lenguaje musical del disco, es casi un cuestionamiento de si existen otras cosas allá afuera… No soy una persona muy religiosa pero me vi preguntándome lo mismo una y otra vez: ¿Qué ocurre después de la vida? ¿Existe un panorama más amplio?”

Sea cual fuere la respuesta, SBTRKT se presenta hoy, a través de su segunda producción, como un músico aún prometedor, de esos que garantizan explotar y sorprender al mundo y que finca sus cimientos en la música misma, algo que poco tiene de criticable y que ni el más exquisito periodista musical podría tachar de inconcebible e innecesario.

Fotos: Martin Traynor Asistente: Sergio Gálvez Modelo: Mariana Bayón para Shock Modeling Make up artist: Chëla Olea

Disfruta del making of de las sesiones de fotos y mรกs material exclusivo en nuestra versiรณn para iOS disponible en iTunes Store.

Vestido Paola Hernรกndez

WM / 70

085

WHAT ELSE?

REVIEWS

Sonic Highways Foo Fighters Somy Music México

Recuerdo cuando The Colour And The Shape vio la luz en 1997, en aquel entonces escuchar a Foo Fighters era por demás cool, no muchos conocían a la banda y su futuro parecía prometedor. Para cuando There Is Nothing Left To Lose (1999) y One By One (2002) hicieron su aparición los liderados por Dave Grohl comenzaron a erigir su leyenda y de la mano de tracks claves como ‘All My Life’, ‘Learn To Fly’ y ‘Breakout’, empezaron a captar un mercado de escuchas mucho más amplio y totalmente desconocedor del pasado grunge de su fundador.

Su ascenso definitivo al mainstream quedó estampado con la llegada de In Your Honor (2005), una placa que nos mostró el gran nivel musical que Foo Fighters ostentaba luego de más de una década sobre los escenarios.

Echoes, Silence, Patience & Grace (2007) y Wasting Light (2011) sirvieron para confirmar que su música pertenecía a las masas y que,

ahora sí, la agrupación podía ocupar un lugar privilegiado entre las bandas de rock más importantes de la historia. Es decir, la reputación sónica de Grohl y su banda es incuestionable, de hecho, pocas agrupaciones pueden presumir de una trayectoria de tal calibre, con momentos brillantes, de evolución sonora, y claro, también experimentales y arriesgados en cuanto a producción.

Por todo lo anterior, un disco como Sonic Highways (2014) es totalmente innecesario en la discografía de la banda. La idea detrás de la grabación del disco (registrar cada canción de la placa en un estudio y estado diferente de Estados Unidos) y el documental para HBO que lo ilustra son interesantes a nivel visual, funcionando como complemento.

Para efectos sonoros del álbum de nada sirve tener en el estudio a Butch Vig (Nirvana, Sonic Youth, The Smashing Pumpkins, Green

Day, Garbage) ocupando la silla de productor si al final no logra sacar a la banda de su zona de confort. Incluso, siendo tajantes, de nada sirve lanzar ocho nuevas canciones si todas parecen una extemsión del catálogo discográfico previamente mencionado. El disco número ocho de Foo Fighters cuenta con todos los elementos que encumbraron a la banda, más colaboraciones de lujo (Rick Nielsen, Gary Clark, Jr., Ben Gibbard, Tony Visconti) y un productor premium, ¿qué está mal en la ecuación?.

Sonic Highways no es un álbum malo, pero tampoco es la bocanada de aire fresco que el sonido de Foo Fighters venía pidiendo a gritos desde hace algunos años, eso es lo que realmente molesta, lo gris de la placa.

-Diovanny Garfias

7.0

WM / 70

087

WHAT ELSE?

The Inevitable End Röyksopp Arts & Crafts México

The Inevitable End queda como anillo al dedo como título para la quinta placa de los noruegos, ya que el álbum marca el final de los LPs para Röyksopp, sin embargo está muy lejos de significar el final del proyecto, ya que sus integrantes han anunciado que seguirán explorando nuevos formatos musicales y creativos.

A nivel sonoro el disco es un compilado perfecto que resume la trayectoria misma de la agrupación, lleno de diversos momentos musicales que se ven increíblemente representados, desde una poderosa canción como ‘Skulls’, que abre el álbum, hasta la sencilla despedida, como el tema ‘Thank You’.

De principio a fin esta última placa de estudio conserva los tintes emocionales que se encuentran escondidos en los sonidos electrónicos de temas como ‘Here She Comes Again’ o ‘You Know I Have To Go’, en esta última como representación del fin de una era.

The Inevitable End es un álbum en el que se toman varios de los clásicos matices que hacen a Röyksopp una de estas bandas que siempre lucha para ir contra la corriente, en donde al final todo parece resolverse con un tiro de gracia para la industria tradicional de los discos, habrá que esperar que nueva propuesta de entrega musical nos presentan en el futuro.

No Todo Lo Puedes Dar Ximena Sariñana

-Alonso Valencia

Warner Music

No Todo Lo Puedes Dar, lo nuevo de Ximena Sariñana, es una placa que bien podría describirse en una palabra: madurez. Algunos temas como ‘Parar a Tiempo’, ‘No Vas A Venir’ y ‘Cuando Mientes’, son una clara invitación a la noche, el sonido de los sintetizadores y las baterías electrónicas le dan al disco un sello seductor y apasionado.

Sin embargo, también hay letras y melodías donde se refleja la faceta triste y desolada de la artista como en ‘Un Amor/En Medio De La Noche’ el tema más melancólico del álbum.

La voz de Sariñana suena mejor que nunca, sin embargo durante los 13 tracks del disco no logra explotarla completamente, vocalmente hablando no sale de su zona de confort y eso le resta muchos puntos al resultado final del disco.

No Todo Lo Puedes Dar nos muestra todos los rostros emocionales de Ximena, la niña dulce que canta de amor y dolor, de la mujer sensual y hermosa en la que se ha convertido, se trata de un álbum fuerte y maduro que nos enseña que el porvenir para la compositora es prometedor.

-J. Ismael Canales

7.8

8.0

WHAT ELSE?

088

Gazelle Twin —

Feeling blood

Por Diovanny Garfias

WM / 70

“Tengo la habilidad de formar sonidos a partir de una experiencia, así que crear música es una urgencia natural para mí, la cual no puedo evitar.”

La primera vez que Elizabeth Bernholz trajo a nuestra dimensión a Gazelle Twin —su personalidad sónica— de la mano de su álbum debut The Entire City (2011), supimos que estábamos frente a una perfeccionista de la acústica en camino a reventar. Se trataba de una hermosa placa llena de detalles a considerar; en aquel entonces la inglesa merodeaba la escena musical europea cual vampiro neonato abriendo los ojos con el primer rayo de oscuridad en busca de su palpitante alimento carmesí.

Con la segunda venida de Gazelle a nuestro mundo vía UNFLESH (2014), la criatura neófita creció y evolucionó en algo más violento, visceral y crudo, un ser temeroso de los humanos como especie, pero admirador de los procesos carnales encerrados en su biología, cuyo único objetivo es destruir todo a su paso. Es la misma Elizabeth quien en exclusiva pinta una radiografía en palabras de su yo sonoro, revelando así el lado más oscuro de su alma.

En The Entire City parecías preocupada por cantar de la mejor manera; en UNFLESH tu voz suena “sucia” pero más segura ¿Cómo decidiste tomar un acercamiento diferente hacia tu voz?

Sí, es cierto. Realmente quería desnudar los adornos vocales y revelar una voz mucho más fría y directa. Aun así sigo cantando en el álbum y uso varias técnicas que van desde suaves y gentiles melodías hasta pasajes muy altos y gritados. Pienso que quería más variedad y percusiones con menos melodías. No deseaba un sonido que se sintiera como si estuviera “flotando”, quería uno que fuera avanzando a través del paisaje, destruyendo todo a su paso.

El álbum está fuertemente cargado con referencias al cuerpo humano y sus procesos biológicos ¿Qué te condujo a tomar esta dirección lírica?

Sólo mi fascinación por el cuerpo, la anatomía y la naturaleza en general. Me admira el caos de la anatomía y el hecho de que tratamos de controlar e imponer un entendimiento sobre esta última instancia lógica amoral a existir a toda costa. Esa idea de instinto crudo realmente me interesa, especialmente cuando se considera la experiencia personal y el proceso de crecimiento, alcanzando la mayoría de edad, pasando por la pubertad, esas violentas transformaciones que suceden en la vida.

Al final, la pubertad se convirtió en el tema central del álbum.

¿Has escuchado UNFLESH después de su lanzamiento? ¿Luego de trabajar en él durante tanto tiempo cómo lo sientes?

He estado de gira interpretando las canciones del LP la mayoría del 2014, así que en ese sentido he escuchado la música, probablemente miles de veces.

El proceso de escribir, grabar y producir es muy diferente al de presentarse en vivo. Cuando me presento trato de sumergirme en mí misma, en el movimiento de la música y el significado de las letras. Además de las presentaciones en vivo, raramente escucho el álbum de nuevo. Es muy fácil cansarte de tu propia música, ¡y rápido! ¿Que tan difícil es llevar el nuevo disco al escenario?

Nada. Escribo pensando en las presentaciones. Esto no es algo que normalmente priorice cuando hago música, pero en su tiempo sabía que el disco iba a ser un álbum muy físico y que necesitaba poder transmitirse bien en vivo, que también fuera físico en ese sentido. Como dije disfruto al sumirme en la presentación, así que siento una verdadera satisfacción después de un show interpretando las canciones.

He notado que mucha gente reacciona de manera extraña a tu música después de la primera escucha, de alguna forma asustada…

Sí, eso está bien. No trato de predecir cómo es que la gente reacciona a la música y no los juzgo por ello, por cómo lo hacen. Sólo hago música y espero que alcance a algunas personas de manera significativa. Pienso que es natural escoger con un sentido de miedo el álbum, porque viene justamente desde ese tipo de lugar – el lugar de las fobias y la ansiedad—. Pero también hay un sentido de triunfo sobre estos miedos y un desafío, así que espero que con el tiempo, la gente obtenga ese sentido también. ¿Qué te causa miedo? ¿De qué tengo miedo ahora? Primero que nada y ante todo tengo miedo de la gente. Los humanos son la especie a la que hay que temer más. ¿Algún plan de visitar nuestro continente el algún punto, el próximo año?

Me encantaría visitar México algún día. No sé si eso pase el próximo año o dentro de los próximos diez años, pero lo único que puedo es esperar llegar ahí próximamente.

He notado mucho apoyo de esta parte del mundo y eso realmente me agrada y me sorprende.

WHAT ELSE?

090

Casa Bosques —

El Secreto Mejor Guardado De La Colonia Roma Por J. Ismael Canales Fotos: Sergio Gálvez para WARP

Casa Bosques no es una librería, a pesar de contar con un acervo de editoriales y publicaciones internacionales e independientes curada por el artista mexicano, Jorge de la Garza, casi imposibles de conseguir.

colates encargados de llevarnos a un viaje por el mundo del cacao, gracias a la fusión de éste y especias como Té Chai, Romero y Wasabi, elaboradas por el maestro chocolatero Jorge Llanderal.

Tampoco es una tienda de diseño, pese a crear objetos como macetas o tazas con un toque personal y orgánico, de la mano del prestigioso diseñador regio Jorge Diego Etienne.

Creada en 2012 como una iniciativa de Savvy Studio,Casa Bosques es la perfecta mezcla de todos los elementos antes mencionados, una triada que nos promete una experiencia única al visitar el número 25 de la calle de Córdoba, desde ahora una parada obligada al visitar esta urbe.

No hablamos de una chocolatería, aunque es responsable de la creación de 12 cho-

WM / 70

ENGLISH VERSION —

SBTRKT PG. 92

KASABIAN PG. 94

“I worked for ten months on this record, but it felt like a lot more than that, like it had been years�.

093

SBTRKT Beyond the mask

By Karina Luvián

This is not me, just history facts speaking: In order to become relevant within the conscience of most of the people, a song needs the approval of… the critic. Written in capital letters due its self-awarded importance (and yes, also awarded for those who follow it like a religion), this entity of unknown background determinates the consumption habits of many; however, from time to time it is surprised by pieces that get to touch the audience directly, without its judgmental opinion.

SBTRKT is one of those cases. Their remixes to well established acts such as M.I.A. and Mark Ronson, freely released in SoundCloud and broadcasted randomly by Mary Anne Hobbs and Graeme Sinden, put him on the radar –even before the release of their debut album- on a huge stage: Glastonbury. The release of their first record, eponymous, in 2011, would have been the icing of the cake that most music analysts ended up staring at, and devoured immediately, just to generate reviews that went from poor to sublime.

An important factor for it?

“It’s weird. I feel like the more I grow, I put distance between myself and the music that is accepted nowadays… It’s hard to explain, because people don’t usually realize that artists break rules and do whatever the fuck they want”. With such a honest response from Aaron Jerome, in an exclusive interview for WARP Magazine, it’s clear that his work is not based in what it can be said about it, but in the real desire of create music.

He’s so not interested in the spotlight so his identity is the last thing that this young producer wants to talk about, that’s why he uses an alter ego and a tribal mask: “I prefer not to talk about me as a person and let the music speak for itself”, he claims. “The name of ‘SBTRKT’ it’s me getting myself away from the whole process”. I’m not the most social person, so my work is more about giving you a record as an anonymous person and see if you like it, it’s more about the fact of create music and

not wasting my life talking about it.” Then, when is questioned about the mask, we find out more about the unknown bond between the musician and our country: “It’s a whole life dedicated to a music project and far from just being a masked person. It’s a creature that came out of something we can find in Mexico; those carved wooden figures that represent some kind of hallucinating animal, painted in bright colors. The truth is that I have a weird interest for Criptozoology (the search for and study of animals whose existence or survival is disputed or unsubstantiated).”

In an environment where is difficult to place him, by mixing 2step, funky house, dubstep, R&B, pop and even hip hop in a wonderful way, SBTRKT just wants that, get out of the preset schemes. “A bunch of dance acts who make great hits, with a characteristic production that makes me think that a lot of that is pre conceived in order to write hooks over it”, he points out, shortly after, he explains: “Because SBTRKT is never been about that, my work is closer to the idea of create something unique in every single collaboration. Wonder Where We Land is a more conceptual album, I wanted to do it multidimensional, in order to expand the horizons of the things I like, in terms of genre. I presented the previous record on a lot of stages, so that influenced the things that I want to do now.”

WWWL (by its initials) is a material composed by 15 songs, that together, barely pass 42 minutes, that along with its conservatorship made it an enjoyable piece, with subtle moments of high-up tempo which constant is still the variety of the collaborations that include old friends – like Sampha and Jessie Ware- and new partners in crime – Ezra Koening and ASAP Ferg among them-, elements that have been fundamental In Jerome’s career: “I’m very selective with the people I work with.

I like to do it with people that are real artists, not just singers, because I’d could simply work with

singers and then take all the credit. I think that’s a fundamental difference of the reason why my records won’t be as successful as others; I could have done another single as ‘Wildfire’ after the last record, I have –probably – 15 requests from big label artists who want a track that emulates that song, but even with those I was more interested to collaborate with, the deal is: “If you want what I do, I’ll go to your studio. We can start something unique between the two of us, but I won’t simply give you the same beat.”

Baptizing an album is to give it identity, that touch that the fashion world could represent with an accessory: as definitive as the whole outfit and with the possibility of enhance the final result, when it already has a personality or present inconsistency in the message. This member of the Young Turk’s family knows it and the same way he decided to use his pseudonym as the title of his first LP; he captured the personal difficulties that he was going through in the sound of Wonder Where We Land and in the title as well: “The name is immerse in different situations”, he starts. “My brother Daniel, who fought against cancer during the last five years, passed away just a month before I started to write the music. It was, without a doubt, a strange period to write and a lot of that is reflected in the music language of the record, it’s almost a questioning about the existence of other stuff, out there… I’m not a religious guy but I ended up asking myself the same question over and over again: What’s beyond life? Is there a bigger picture?”

Whatever the answer is, SBTRKT is presenting today, through his second production, as an even more promising musician, the kind that can guarantee and explosion and surprise the world, and put his foundations on the music itself, something hard to criticize, that not even the most exquisite music journalist could dare to call unconceivable or unnecessary.

“Taking 48:13 to the stage has been quite simple; it’s probably the easiest album to play of all”.

095

Kasabian Man Of Simple Pleasures

By Diovanny Garfias

“This is our 4th gig in Mexico, so you can’t be expecting more when you’ve only have 4 shows, so yeah, that’s where we belong”.

This is the reaction of the mastermind behind Kasabian when he was asked about the place of the band in the schedule of the latest edition of Corona Capital Festival, he remains positive though: “We love Mexico, we haven’t played enough here, but we are planning more shows, hopefully soon”. Sergio Pizzorno is aware of the level of popularity of his band in our country, even if we’re talking about one of the most emblematic British rock bands of the last decade (this year they were one of the headliners of Glastontbury, along with Arcade Fire and Metallica), he has no issues in playing with the day light on his face.

Known by being the grumpy and serious guy of the Project, today, the leicesterite is giving us a few minutes to talk about the details of 48:13 (2014), their latest record. The 6’6’’ foot tall musician, skeleton pants and an old country style jacket looks tired, and away from the man who makes thousands sing in chorus with the riffs of his guitar, that sonic beast that can treat himself by playing in Soccer Aid with celebrities from all over the world and even scoring a goal, beating David Seaman.

It’s pouring rain on us and all we can see is a grey muddy landscape, with soaking wet people who are struggling to keep the remaining style they have left: “You’ve got a nice weather”, I told him, “We’re used to it”, he answers, keeping it cool, as he always does.

Probably, the last time I got really excited by listening to a band was when I heard ‘Club Foot’ by Kasabian for the first time. I have never been a brit rock fan (I acknowledge its influence and importance, though) but ever since then, I knew that there was something special in their sound, something unexplored that Tom Meighan had already announce, the voice of the combo and Sergio were about to write a small but important piece in British music History. “I don’t know”, replies the creator of that sound when he is asked about the inspiration behind his sound: “Production is a big part of it, is a very important thing for us, I think that’s the reason why we have a characteristic sound”, he pauses for a little bit and goes on: “Where does it come from? I just… I guess that’s what I do, it’s hard for me to explain, this is the way I make music and as a producer you take the same path when you’re recording and performing”.

When 48:13 was finally released, I felt like, again, I was part of that story began by de duo, Kasabian on its more electronic versión since their eponymous debut, that made into flesh, during 13 tracks, the best of their guitars, of their poetry but also the most outstanding sonic vision of Pizzorno, who after releasing an album like Velociraptor! (2011), today, he stands on several stages around the world to show us that there is still plenty of magic under his sleeves: “This is more immediate, we wanted to be straight to the point, and do something that could reach you since the first listen. I feel like although is part of our discography it’s also part of these futuristic rock records, it sounds like that to me”.

Another part of the formula that has made Kasabian a band in the process of becoming legendary is the strong cohesion between Meighan and Pizzorno, as the owner of the powerful voice and as the frontman of the Leicester band commented once: “It’s quite simple; Sergio is like the Pete Townshend of the band”. Today I’m asking Sergio about his feelings while he creates with Tom side by side, after more than 10 years of career: “The truth is that we have been together for more time, since we were 12, as the years go by, I feel like, somehow, we’re the same and I think that’s great, now we work two times faster”.

Is evident that Pizzorno is not eager to talk to the media, he has just talked to 5 different press members, and apparently he’s going to talk to some more. He’s about to leave, so I take the chance to ask him about the next step on his evolution as musician, has he thought of making a solo record? He doesn’t hesitate and it’s quite forward about it: “Yeah, maybe someday. I think about it sometimes. Yes, I’ll be willing to do it, of course, I just need to find the right time”.

After a quick photo shoot, the musician is about to continue with his duty with the press, so I ask him the last question, innocent and out of order: “What’s your favorite song of the new record?” He looks at me and smoothly smiles, probably the only smile draw on his face before going on stage that afternoon: “Treat”, I don’t know why, As I told you, it’s like futuristic Rock N’ Roll to me”.

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