WARP Magazine #73 by WARP MAGAZINE

JAMIE xx

Foto: Alejandro Compeán para WARP

Jamie xx es un referente de la electrónica actual, su particular concepción de los sonidos creados a partir de máquinas ayudó a darle otra cara a la escena mundial, primero de la mano de sus compañeros de The xx con su debut xx (2009); hoy el joven músico y productor presenta su primer álbum solista, In Colour (2015), con la ambición de ahuyentar a todos sus demonios sonoros y, una vez más, darle un respiro al género que tanto ama.

Pic: Matt Sayles/Invision/AP

“DREAM BIG, WORK HARD, KEEP YOUR NOSE CLEAN, BECAUSE YOU CAN DEFINE YOUR GENERATION.” -ROBERT DOWNEY JR.

WARP MAGAZINE PUBLISHER ALEJANDRO FRANCO FERNÁNDEZ @ALEJANDROFRANCO | EDITOR EN JEFE DIOVANNY GARFIAS @ANDROGYN | ARTE Y DIGITAL: DIRECCIÓN DE ARTE Y DISEÑO OSCAR SÁMANO EDITOR DE FOTOGRAFÍA Y RETOQUE SERGIO GÁLVEZ | FOTOGRAFÍA Y RETOQUE RUBÉN MÁRQUEZ EDITORA DE ARTE Y FASHION CHËLA OLEA @CHELAOLEA | TRADUCCIÓN RAÚL ARCE @RAULARCECH

COLABORADORES: ALEJANDRO ALTAMIRANO, ALONSO VALENCIA, EDUARDO MARTÍNEZ, GIORGIO BRINDESI, J. ISMAEL CANALES, JAVIER CUELLAR, PRISCILA NÚÑEZ COMERCIALIZACIÓN Y PUBLICIDAD: PUBLICIDAD CELIA FERNÁNDEZ FERNANDEZ@SENTIDO.COM.MX | COMERCIALIZACIÓN Y PR ANA LUISA MESTA ANALUISA@SENTIDO.COM.MX EDITOR WARP.LA PACO SIERRA PACO@WARP.COM.MX @PACOSIERRA

© WARP Marca Registrada ®. Año VIII No.73 Fecha de Publicación Abril de 2015. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en Gimsi Solutions, S.A. de C.V. / Distribución Nacional e Internacional de INTERMEX. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

HOT HOT HIT

NINA KRAVIZ —

Foto: Frederic Auerbach

Proveniente del país más grande del mundo y con un pasado como reportera para una revista musical, Nina Kraviz lleva ya algunos años detrás de los platos, tanto en los clubes más sobresalientes de Rusia, como haciendo residencia en Ibiza o presentándose en importantes festivales como Coachella y Sònar. De padre melómano y coleccionista musical, Kraviz creció escuchando jazz y rock psicodélico, hasta que a finales de

los noventa escuchó ‘Downfall’ del productor estadounidense Armando, tomando así la decisión de comenzar un camino en la música, lanzando en 2009 su primer material, el single ‘Voices’. Con un estilo en constante evolución, mezclando con precisión el house, acid y techno, y un nuevo álbum recién editado, Nina Kraviz se ha colocado como la DJ y productora rusa más prometedora de este 2015.

QUICKIE

ZOLA JESUS DANGEROUS DAYS — Por Diovanny Garfias Foto: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

¿Qué tan distanciada te sientes de la persona que escribió The Spoils (2009)? Creo que ahora sé más cosas, aunque siento que soy la misma persona, con la misma vocación como artista. Lo que pasa es que entre más haces artísticamente aprendes más y te pones a prueba. Aunque lo más importante para mí a la hora de escribir es no perder esa sensación de inocencia, eso era muy importante para mí mientras componía Taiga (2014), sentir que todo era nuevo, porque eso es lo más emocionante cuando escribes; eso fue lo que sentí cuando escribí The Spoils, por supuesto.

¿A esta altura de tu carrera qué disfrutas más estar arriba del escenario o creando música? Estoy aprendiendo a amar estar en el escenario, porque es ahí cuando todo sucede, en persona, es la expresión instantánea de una conversación entre el artistas y su público, lo cual es muy gratificante. Pero el proceso de escribir también es divertido, ahí es cuando se da la mayor parte de la guerra, ¡esa es la batalla!, es la parte más difícil, pero también la más emocionante. Taiga tiene canciones como ‘Hunger’ que salen del sonido al que nos tienes acostum-

brados, ¿crees tu próximo álbum vaya en esa dirección? He pensado en escribir de nuevo, pero no sé si va a ir por ahí, porque escribir esas canciones me cuesta mucho trabajo. Necesito estar muy concentrada porque no es algo que me salga de manera natural. He estado escribiendo de nuevo y las canciones han sido muy catárticas, pero me gustaría tomar pedacitos de ‘Hunger’ y de lo que puedo escribir de forma natural y ponerlos juntos de la manera más orgánica. Pero sí, estoy orgullosa de ‘Hunger’.

PROFILE

BLONDE —

Por Javier Cuellar

blondesound.com

Integrantes: Jacob Manson y Adam Englefieldni Lugar de origen: Bristol, Reino Unido Año de formación: 2014 Influenciados por: Disclosure, The Magician, Ne-Yo,

La escena electrónica en Bristol, Inglaterra, tiene que ser una de las más competidas a nivel mundial, mes con mes arroja a la luz nuevos talentos buscando convertirse en “the next best thing” (y curiosamente, con suficiente capacidad y el talento para lograrlo). Lo anterior hace muy difícil querer cambiar parámetros y ritmos en un circuito tan competido, sobre todo para quienes llevan poco tiempo formando parte de éste. Sin embargo existen quienes lo intentan y logran resultados interesantes, tal es el caso de Blonde.

Dansson & Marlon Hoffstadt

Su propuesta deep house está ayudando a reubicar al género en el gusto del público joven, basta con prestar atención a su sencillo ‘I Loved You’ —mismo que se convirtió en uno de los más sonados en la radio pública de Reino Unido durante el ocaso de 2014— para darse cuenta de la frescura contenida en la propuesta del proyecto. Con cuatro singles en el mercado y la promesa de un álbum debut (aún sin fecha de lanzamiento) Blonde alza la mano como uno de los candidatos a seguir los pasos de Disclosure y Jungle.

CADA SEMANA TODO LO RELACIONADO AL MUNDO DEL CINE CONDUCIDO POR LINDA CRUZ

ENTREVISTAS, TRAILERS, RECOMENDACIONES, NOTICIAS Y MÁS

VIERNES 7:30 PM

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TIDAL A STRANGE CASE OF STUDY — Por Paul Stokes Fotos: Jamie Mccarthy/Getty

Con un servicio de streaming de audio y video, de alta calidad, a gran escala y con la posibilidad de alejar a los fans del mainstream de las campañas de publicidad, sumando contenido editorial exclusivo… Entonces Tidal podría transformar la manera en que el mundo “stremea” música. Sin embargo, da la sensación de que para la docena -o algo así- de artistas pop, rock, rap y dance (¿por qué no clásica?) que se reunieron en Nueva York, el mes pasado, para la conferencia de prensa en lanzamiento del servicio de streaming, ninguna de esas cosas eran en realidad su prioridad. Pero, ¿esta convención de mentes a través de Skype se trató solamente de negocios y arrogancia?, “Bussiness Swagger”. Más que enfocarse en mostrar la funcionalidad del servicio con una plática acerca de algoritmos o playlists curadas, el lanzamiento de Tidal estaba más centrado en temas de negocio que musicales. Los artistas y creadores van a recibir un pago del propio Tidal -que nació como un sistema WiMP en Escandinavia -, una manera de bajar música digital sin estafar a los artistas a través de elusivos torrents. Bueno, ese fue el mensaje de Jay Z y es justo, por supuesto, si tú creas algo, deberían pagarte, de hecho, en realidad ese es uno de los principales argumentos de venta de plataformas como Spotify y Deezer. Pero el lanzamiento de Tidal se trató de mucho más que pagarle a los artistas. Fue más acerca de cómo deberían pagarles. “¿Los artistas ganarán más dinero? Inclusive si eso significa menos ganancia para nosotros, sí, absolutamente” Comentó Jay Z, para Billboard el mes pasado. “Eso

es fácil para nosotros. Podemos hacerlo. Menos ganancia para nosotros y más dinero para el artista; fantástico. Hagamos eso hoy.”

ción; sus agentes están jugando duro para tener mejor control sobre los lugares a los que va su música en un sentido más amplio.

Genial, pero ¿Qué ganancias? La utilidad de Spotify, el servicio más establecido con ingresos por suscripción de transmisión, así como de anuncios, sigue siendo su único punto débil después de muchos años en el mercado. Así que, ¿de verdad espera Jay Z generar el día de “hoy” sumas masivas de dinero que le permitan repartirlo de una manera más equitativa que aquellos que recientemente han tenido pérdidas tratando de montarse al negocio?

Es un momento decisivo para el streaming y Tidal es un rival muy fuerte para todos los demás servicios. Como Jay Z dijo, explícitamente: “No soy yo en contra de Spotify, no estamos forzando a nadie a hacer algo. Sólo estamos presentando ideas”, pero con un abanico multigénero de los artistas más grandes del mundo como sus miembros fundadores, más la promesa de “editoriales exclusivas”, este servicio es una herramienta poderosa de negociación con sus rivales: o juegan con nosotros o nos llevamos todo.

No, él es un tipo inteligente y la verdad es que mientras Tidal pruebe ser un servicio maravilloso, para los artistas que estaban presentes en su lanzamiento - todos con un pequeño número de acciones en el negocio- sus ganancias no son la prioridad. Después de una infancia confusa, el streaming está alcanzando su madurez. Todos en la industria musical están de acuerdo en que llegó para quedarse y ahora es momento de hacer cambios mientras su concreto financiero es moldeable, antes de que se endurezca para siempre. Esa es la razón por la que Apple y Beats By Dre están lanzando el servicio global de streaming de iTunes, no pueden confiar sólo en las descargas si quieren que su hardware permanezca a la vanguardia. Es la razón detrás de la decisión de Taylor Swift de quitar sus álbumes de Spotify y aún así, dejarlos aparecer en servicios de suscrip-

Coldplay, uno de los presentes en Nueva York, tradicionalmente no ha permitido que sus álbumes lleguen a stream sino hasta varios meses después de su lanzamiento, por lo que es fácil imaginar que las probabilidades de que su siguiente disco aparezca en Tidal son muy altas y la implicación para otros servicios es: “Si haces cambios, tú también te puedes unir a la fiesta”. Una gran jugada de Jay Z, hizo un movimiento como el mayordomo de un sindicato de millonarios. Tidal quizá se convierta en un servicio increíble que cambie la música, quizás se venda a una empresa de hardware por una ganancia en algunos años... Mi pregunta es, sin embargo, ¿en que parte figuran los fans en esta idea? La industria musical es un desastre financiero porque a finales de 1990 y a principios del 2000 ignoró a sus consumidores. Cobró demasiado por los discos y omitió el hecho que

la gente quería bajar música para escucharla en sus nuevos reproductores MP3, a través de Napster y el resto.

que necesitas dar una mejor razón para que adquieran el servicio premium, “señorita Swift”, en lugar de intimidarnos para hacerlo.

Al final el lanzamiento de Tidal llegó a través de un grupo de gente rica que quiere permanecer rica. Si Tidal va a funcionar como un negocio, tendrá que alentar y recompensar a sus clientes para que adopten nuevas maneras de involucrarse con ellos. A los fans les gustan los servicios sin anuncios, su conveniencia, así

El argumento de Tidal de exclusivas podría serlo (aunque algún nuevo descubrimiento musical no estaría mal). Así que le sugeriría a Jay Z y compañía que la próxima vez que hablen de Tidal hablen acerca de los beneficios para los fans en lugar de sus “lhechos”... Ah y no poner a Madonna junto a Deadmau5 de nuevo, eso fue extraño .

“EL LANZAMIENTO DE TIDAL SE TRATÓ DE MUCHO MÁS QUE PAGARLE A LOS ARTISTAS. FUE MÁS ACERCA DE CÓMO DEBERÍAN PAGARLES.”

FASHION NUGGET

Fotografía: Ana Hop / Modelo: Clara GH Model Management Styling: Ali Estrada / MU: Chëla Olea

Look ZARA Look ZARA

Look ZARA Zapatos: Nine west

Look ZARA

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ALABAMA SHAKES WHEN EVERYONE IS PLEASING — Por Priscila Núñez

Gracias a la poderosa voz de Brittany Howard y a su conexión más allá de los físico y espiritual con Heath Fogg, Zac Cockrell y Steve Johnson, sus compañeros de banda, Alabama Shakes logró en (relativamente) poco tiempo dejar los escenarios de bares para encabezar festivales y convertirse en unos titanes del rock. Sin embargo, el éxito de su aclamado debut, Boys & Girls (2012) apenas fue la punta de la lanza de una historia musical que aún promete darnos mucho de qué hablar, prueba de lo anterior es Sound & Color (2015) un nuevo esfuerzo que no solo deja de manifiesto la madurez sonora de la banda, también es claro que su característico estilo oscilante entre el soul y el blues ha sido perfeccionado. Platicamos con Heath, el encargado de la guitarra, quien se jacta del gran momento que vive la agrupación. Sin duda la banda pasa por un buen momento, es decir, Sound & Color tiene que ser uno de los álbumes más esperados de 2015, sin embargo, ¿te acuerdas de sus inicios? Es decir, ¿en qué momento te diste cuenta de que Alabama Shakes podía convertirse en algo real? ¡Claro! Digo, todos nosotros siempre quisimos hacer un álbum e irnos de gira, aunque fuera en una pequeña escala, pero en ese entonces parecía un sueño descabellado. Era complicado organizarnos con nuestros trabajos, conseguir el dinero para grabar era aún más difícil; incluso si lográbamos firmar con una disquera e irnos de gira, no sabíamos cómo ser una banda. Pero una vez que empezamos a hacer el álbum, que empezamos a grabar canciones, me enamoré de ellas y finalmente sentí que éramos una verdadera banda haciendo música. Aunque no estuviéramos viajando por todo el país dando conciertos ni nada por el estilo, sentí que teníamos el potencial de hacer algo importante.

Descubrimos que éramos una banda durante el proceso de grabación de Boys & Girls, incluso antes de que si quiera supiéramos que era Boys & Girls, porque solamente estábamos haciendo un álbum para nosotros. Definitivamente nunca soñamos lo que vino a después. Hablemos de este nuevo álbum, Sound & Color, ¿cuándo fue que decidieron que era el momento indicado para grabar otro álbum? Previamente habíamos intentado algo e hicimos algunos demos en nuestras casas, pero fue probablemente hasta diciembre de 2013 cuando tomamos la decisión consiente de empezar a trabajar en un nuevo álbum, cuando finalmente hicimos tiempo para ir a un estudio y realmente nos dedicamos a la grabación del nuevo material. ¿En esta ocasión qué hicieron diferente de Boys & Girls? En realidad nunca establecimos hacer algo “completamente diferente”, pero queríamos darnos todo el tiempo que necesitáramos para explorar cada opción en términos de sonido; si había algún tono que necesitábamos escuchar y perfeccionar nos tomamos el tiempo para hacerlo. Creo que esa sí fue una decisión consciente y estoy agradecido de que la hiciéramos, porque ese tiempo extra en el estudio fue algo que no nos permitimos la vez anterior, así que fue agradable darnos ese lujo. Desde los inicios de la banda hasta el nuevo álbum, ¿cuánto dirías que han evolucionado como músicos? Todos hemos crecido y desarrollado nuestras habilidades, incluyendo Brittany y su voz; basta con hablar de su experiencia en canto, también ha crecido mucho como intérprete, ahora puede hacer cosas que no podía hacer hace tres o cuatro años. Quizá

después de pasar noche tras noche en el escenario y de ejercitar sus cuerdas vocales se volvió más fuerte (y eso que ya tenía un buen oído). Pero ahora realmente me sorprende, la escuché hacer cosas en el estudio que yo no sabía que era capaz de hacer; lo mismo digo de todos los demás. Están a punto de iniciar una gira, ¿qué tan difícil ha sido poner las nuevas canciones en el escenario? Ha sido un reto, porque algunas requieren de más manos y más voces, así que tuvimos que traer un tecladista extra y también llamamos a tres coristas, lo que parecía un gran paso en un inicio, pero ahora, después de tocar varios shows con ellos y haber finalizado la grabación se siente bien. Esta es la familia ahora, esto es lo que se necesita para interpretar este álbum en vivo y la verdad también nos ha servido, antes nos saturábamos de trabajo y no podíamos recrear todo nosotros solos (especialmente en los coros). Tener esta ayuda nos hace el trabajo más divertido. ¿Cuál es el secreto que hace a Alabama Shakes un proyecto diferente y especial? Tenemos muchas influencias, influencias de música de otra época, amamos el R&B de los sesenta, pero también hay nuevas alternativas que nos gustan, incluso de música electrónica. Siempre tratamos de juntarlas para lograr algo con lo que nos sintamos cómodos, tratamos de ser nosotros mismos y nunca nos preocupamos de encajar en ningún género en particular, tampoco tratamos de recrear música de otra época o algo parecido, simplemente tratamos de hacer música que se sienta real para nosotros. Creo que mientras hagamos eso vamos a ser felices como banda y esperamos que eso pueda trascender a quienes estén interesados en escuchar.

“CUANDO ERA PEQUEÑO MI PAPÁ SIEMPRE TENÍA UNA GUITARRA ACÚSTICA Y LA TOCABA, PROBABLEMENTE ESO FUE LO QUE DESPERTÓ MI CURIOSIDAD POR LA MÚSICA, PORQUE QUERÍA SABER CÓMO HACÍA ESO.” - HEATH FOGG

FROM THIS POSITION

BARBICAN CENTRE —

Fotos: Juan Pablo de la Vega

Situado en una zona que fue terriblemente bombardeada durante la Segunda Guerra Mundial y en el corazón de la ciudad de Londres, el Barbican Centre es la sede de artes escénicas más grande de Europa. El recinto de estilo brutalista fue diseñado por los arquitectos Chamberlin, Powell y Bon y se abrió oficialmente al público por la Reina Isabel II, el 3 de

marzo de 1982; actualmente más de 1.8 millones de personas pasan por sus puertas cada año. Entre otras cosas sus muros albergan una sala de conciertos, dos teatros, tres salas de cine, dos galerías de arte y una biblioteca. Además, es también el hogar de la Orquesta Sinfónica de Londres. El Barbican es un lugar que existe para inspirar a las personas a descubrir y amar las artes.

“LA BIBLIOTECA DE THE BARBICAN ES LA CASA DEL LONDON COLLECTION OF HISTORICAL BOOKS, UN ACERVO LITERARIO CON DOCUMENTOS DE MÁS DE 300 AÑOS DE ANTIGÜEDAD.”

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NATALIA LAFOURCADE MI LUGAR FAVORITO — Por Diovanny Garfias

“SIENTO QUE MÉXICO TIENE ENFERMAS SUS RAÍCES, LO QUE ESTÁ PASANDO EN NUESTRO PAÍS ES PORQUE YA DE FONDO EL PROBLEMA ES MUY GRAVE.”

“Trabajar la música de Agustín Lara me enriqueció muchísimo, me enseñó muchas cosas. Cuando empecé el proyecto no sabía lo difícil que resultaría lograr el disco, no sabía en lo que me estaba metiendo; después, una vez que el disco salió y que la gente se conectó con éste, también me ayudó a conectarme mucho conmigo misma, con mi parte de interprete. Fue una de las razones por las cuales quise tener canciones pesadas como las de Agustín Lara, yo decía: ‘me encantaría poder llegar a ese nivel, o siquiera aspirar a tener ese tipo de composiciones. Al final se volvió una súper escuela y una inspiración fuerte para mí.” Así es como Natalia recuerda Mujer Divina, Homenaje a Agustín Lara (2013), un ejercicio que no solo la llevó a reinterpretar el trabajo de uno de los músicos y compositores más emblemáticos que México le ha entregado al mundo, también sirvió de preámbulo para empezar a gestar el que sería su siguiente esfuerzo sonoro, mismo que nos pone de frente en una charla con la oriunda de Coatepec, Veracruz. Me refiero a Hasta La Raíz (2015), un material que, sin lugar a dudas, se coloca desde ya como un trabajo clásico en la discografía de Lafourcade. Su honestidad y pasión, aunado a las oscuras referencias de amor y desamor lo convierten en una joya del llamado pop alternativo. El proceso creativo, su grabación y el trasfondo emocional que dio origen a la placa son algunos de los temas en los cuales Natalia ahonda a continuación. ¿Cómo te sientes al volver con un disco de material 100 por ciento propio? La verdad tenía muchas ganas de regresar con un disco inédito, con mis propias canciones; por ahí me comentaban que pareciera que fue todo muy rápido, pero en realidad no, fue un disco que se cocinó con bastante tiempo y ahí está. Teníamos pensado liberarlo en noviembre de 2014 pero pedí más tiempo para que cada canción y para que el disco madurara por sí solo…

¿Por qué pensaste que el disco debía madurar, crees que está alejado de tus otros trabajos en lo emocional? Creo que es un disco realmente muy transparente, son canciones que van muy de la mano con lo que siento, son temas que hablan de vivencias personales, y eso lo volvió muy personal; son canciones que fui componiendo poco a poco, que me han acompañado en diferentes tipos de procesos y momentos. Esto lo hizo un disco bastante visceral y desnudo (ya se dejaba ver así desde que comencé a escribir las canciones) y fue un proceso bastante lindo porque se convirtió en un compañero para sanar mi corazón, para tener algo con que distraerme, para tener un nuevo reto (que para mí era gigantesco): volver a ser compositora. Hasta La Raíz parece estar plagado de referencias que no son precisamente “felices” ¿Crees que esa búsqueda por encontrarte con tu faceta de compositora puso de manifiesto tu lado emocional más oscuro? Lo que más buscaba cuando empecé a trabajar en este disco eran las canciones, coincidió con no estaba precisamente en el momento más festivo de mi vida, estaban pasando cosas muy lindas con el homenaje de Agustín Lara, pero también estaba en un momento roto, en un momento vulnerable. El disco me acompañó en ese momento donde sales de esta vulnerabilidad y quieres estar bien, quieres salir hacia delante; todo eso se convirtió en el alimento y la inspiración de mis letras y de mis canciones y por eso siento que hasta la raíz tiene una esencia menos juguetona que en mis proyectos pasados. También es un disco que tiene su lado de sarcasmo y de burla hacia el dolor o hacia el desamor, tiene aquellos pedacitos y frases que dicen ‘ok, sí, todo está triste pero tampoco nos vamos a cortar las venas, o sí, nos la vamos a cortar, pero no pasa nada, después buscaremos la esperanza y el toque de luz al final del túnel’; entonces traté de darle esa

esencia al disco, de volverlo algo muy personal pero que también tuviera esta esencia de luz y de paz, de salir adelante. ¿Cómo se siente presentar los nuevos temas sobre el escenario? Increíble, tuve la experiencia de tocar temas como ‘Hasta La Raíz’ o ‘Nunca Es Suficiente’, que son los sencillos. Todavía no empezamos con conciertos, con una gira en sí, pero se siente muy bien. Tocar nuevos temas es muy refrescante y lo más bonito es cuando te das cuenta que la gente conecta con las canciones y se las aprende para cantarlas contigo; eso es lo más gratificante y especial de toda esta historia, cuando te das cuenta que haces algo que los demás aprecian mucho y que son temas que le dan sentido a las situaciones e historias de otras personas, ¡es súper mágico y se siente muy bien! Hablando un poco del pasado, ¿cómo ves a la distancia tu debut homónimo? Parece un trabajo que tienes un poco olvidado… Lo veo con muchísimo cariño y con mucha reconciliación. Durante un tiempo considerable estuve muy peleada con ese disco, estuve muy alejada y no lo aceptaba; inclusive, en conciertos, no tocaba canciones que tengo en él, le di un poco la espalda. Eventualmente entendí que forma parte de todos los discos y la historia que esta detrás de mí, que me hace ser quien soy; si no hubiera pasado por cada uno de los momentos de cada uno de los discos que tengo, con sus cosas positivas, sus cosas negativas, sus errores, sus caídas, todo, no estaría haciendo lo que hago cómo lo hago. En realidad le guardo mucho cariño, ya que me reconcilié con él y que lo acepto como es; escucho las canciones y me doy cuenta con mi voz de que estoy en una búsqueda. Ahora ya me encuentro mucho más cómoda con mi manera de cantar, pero en ese entonces no sabía realmente, estaba en una búsqueda de mí misma, estaba tratando de ver quién era como cantante y como interprete.

A la distancia, ¿cómo ves a la Natalia de hace 13 años? Me tocó empezar muy chava, empecé a los 17 años cuando firme mi primer contrato con un disquera; si lo pienso hacia atrás –aunque todavía me siento muy joven–, era un moco, era una chamaca, realmente no entendía muchas cosas acerca de la industria musical, simplemente estaba componiendo mis canciones, quería cantar y ya. Ahora, después de tanto tiempo y después de varios discos, obviamente cambia mucho la percepción, el motivo y la manera de hacer las cosas; mi motivo y mi gasolina para seguir adelante ya está en otro lugar muy distinto al que estaba en ese entonces. Por último, ¿cuál es tu perspectiva del momento social por el que pasa nuestro país? Creo que estamos viviendo en un momento muy caliente, muy importante y muy difícil; donde están pasando cosas muy negativas y

en donde existen toda esta serie de fenómenos y acontecimientos “debajo de la marea”; obviamente muchos ya salieron a la luz y por más que queramos taparnos los ojos, ya es demasiado obvio todo lo que está sucediendo.

guerras internas que tenemos todos los seres humanos donde luchamos con nuestros lados de obscuridad y nuestros lados de luz, donde realmente podemos equilibrar esos lugares y aceptarnos como somos.

Es muy triste, me hace sentir mucha impotencia, muy frustrada por no saber muy bien como ayudar a que las cosas cambien en nuestra situación; siento que México tiene enfermas sus raíces, lo que está pasando en nuestro país es porque ya de fondo el problema es muy grave y está muy enfermo, y siento que el país, más que nunca, nos necesita a todos nosotros, a los jóvenes, a toda la gente que de alguna manera sí estamos sensibles ante el tema, y nos necesita alerta, nos necesita enfocados. México nos necesita aquí, buscar que las cosas mejoren desde un lugar personal; creo que el compromiso de la sociedad tiene que estar en la sanación personal, en estar bien nosotros como individuos, como personas, donde esas

No desear más de la cuenta, porque desgraciadamente hay mucha gente que tiene tanto deseo de tener y obtener más poder, más dinero, más estatus social, que la verdad hay cosas que son mucho más importantes; siento que el compromiso tiene que ser personal, realmente profundo. Otra parte que me conmueve es la fuerza de la juventud, ver que tienen una valentía impresionante y que sí están tratando de moverse y hacer que las cosas mejoren; ellos me inspiran, me generan muchas ganas de seguir adelante con lo mío, con mi aportación que es mi música y los mensajes que puedo dar a través de ella.

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FLORIAN HABITCH LET’S DO A FILM ABOUT LIFE DEATH & SUPERMARKETS — Entrevista: Raúl Arce Texto: Priscila Núñez

Hubo un tiempo en los años noventa en que todo el mundo coreaba las canciones de Pulp, una banda que surge en las calles de Sheffield, Inglaterra, y se convirtió en uno de los estandartes del britpop. Para una agrupación tan importante, capturar toda su personalidad en un documental no es tarea sencilla; pero el director Florian Habicht lo resuelve brillantemente en el documental Pulp: A Film About Life, Death And Supermarkets (2014). “Desde el inicio queríamos hacer una cinta para los fans de Pulp, pero también para los que no lo son y ese balance fue la cosa más difícil de lograr”, comenta un carismático Habicht cuando sacamos a relucir lo innovador de la cinta, la cual explora nuevas maneras de mostrar cómo la música está influenciada por su lugar de origen. El director se une a Pulp en el marco de su concierto de despedida en 2012 para capturar el vínculo entre el espíritu de acero de la antigua ciudad inglesa y las memorables letras del señor Jarvis Cocker, “Jarvis es un tipo muy consiente de quién es, es un hombre promedio

con una mente brillante” asegura el director, quien también es fan del conjunto. “Me sentí como un soldado en Vietnam arrojado con un paracaídas” bromea el cineasta respecto a lo difícil que fue filmar en Sheffield, “la gente es muy reservada, no les gusta que los graben, incluso la banda estaba sorprendida de cómo reaccionó la gente frente a la cámara, simplemente no fue el lugar más sencillo para grabar porque era como regresar en el tiempo”; y a pesar de ello, logró mostrar el pequeño pueblo como un lugar colorido y lleno de vida, como si no estuviera definido por las fábricas abandonadas que están presentes en las letras de Pulp. Pero Sheffield es simplemente el escenario, son las personas que andan en sus calles los verdaderos protagonistas. Habicht tiene un gran ojo para dar caza a los habitantes más interesantes para recoger sus testimonios acerca de lo que representa el legado de la banda; es como si estas personas hubieran salido directamente del cancionero de Jarvis. Y esto es solo uno de los aspectos en donde se ve reflejada la propuesta y el talento del

director: “Tuve completa libertad para filmar, para plasmar mi estilo, mi voz, y aunque la banda siempre estuvo muy al pendiente del proyecto, fue hasta que hicimos la edición donde estuvieron más involucrados”. Habrá quien diga que faltó explorar muchos elementos, pero lo cierto es que fue intencional: “Prefería dejar a las personas queriendo más de Pulp al final de la película que con el sentimiento de que habían tenido suficiente para toda la semana. El propósito de esto es que la gente sacara los álbumes, que les diera ganas de escucharlos”. Regularmente las cintas que hablan acerca de una banda recurren a narrar su historia desde su formación, pasando por sus dificultades, hasta su evolución musical; en contraste, el director neozelandés logra algo que otros documentales solo pueden aspirar. Respecto a si haría otra película como esta nos dijo: “Ahora estoy escribiendo un guión para un proyecto totalmente diferente, aunque Beck vio la película en Los Ángeles y me contactó para saber si estaba interesado en hacer una con él, pero no lo he pensado”.

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BIRDMAN O LA INESPERADA VIRTUD DE LA IGNORANCIA — Por Linda Cruz / @LindaCruz

BIO. Linda Cruz es periodista y host del programa Fullscreen, que se transmite a través de Studio Universal los viernes a las 19:30 hrs.

Alejandro González Iñárritu sorprendió al mundo el año pasado entregando su primera comedia que terminó por colocarlo en la cúspide de los directores más interesantes de la actualidad. Birdman: O La inesperada Virtud De La Ignorancia es el retrato de Riggan Thompson, un actor decadente que vive bajo la sombra de los días de gloria que le trajo la interpretación de un superhéroe y ahora intenta regresar dignamente con la puesta en escena de la adaptación de la novela de Raymond Craver, What We Talk About When We Talk About Love. Birdman… es una película que claramente se gestó bajo una serie de reglas y limitaciones, barreras que supieron contener la creatividad y que simultáneamente expandieron las capacidades de quienes participaron en la cinta, tal como comenta el talentoso Martín Hernández, quien estuvo encargado de la supervisión y diseño de audio de la cinta, rubros fundamentales para el excelente resultado de este filme, que le valieron nominaciones al Oscar y al BAFTA, entre otros. “Todas las grandes experiencias en la vida de hacen cambiar en alguna medida y esta sin duda, es una de ellas. Si necesariamente teníamos un rigor establecido de lo que debíamos lograr, también

hubo un margen muy amplio de error, porque teníamos que experimentar muchas cosas distintas, funcionó de una forma y nos ayudó a aprender. Para mí fue un proceso de aprendizaje enorme, como todas las películas que hacemos.” Comentó el también locutor. “Lo interesante es descubrir cómo conviertes el discurso del director cuando te cuenta su historia en la labor que tú tienes que hacer. Por ejemplo, el discurso del director y los guionistas es uno: los guionistas y él tuvieron qué aterrizar ese discurso en el guión; los actores y él tuvieron que llevar ese discurso a la actuación y nosotros tuvimos que hacer lo mismo en la parte de sonido, lo mismo “El Chivo” en imagen. Yo creo que cada una de las partes, tenemos que aterrizar el discurso del director en la realidad, ese es el reto número uno. La otra es que las películas así de intensas te ponen en contacto con tus propias limitaciones, te das cuenta de esas y de que tienes retos que van a ser insalvables; eso da miedo y eso es lo bueno, darte cuenta que tienes esas limitaciones y esos miedos. Hay que luchar por eso porque ante el miedo tenemos rechazo y el rechazo crea frustración y la frustración crea una animadversión que, una de dos, como decimos en México: o “tiras la toalla” o aquí, al contrario, lo que tienes que hacer es abrazar tus limitaciones y tus miedos, confrontarlos y decir: es un reto que vale la

pena, hay que seguir adelante por esto… Hay una buena razón por la cual estamos haciendo este esfuerzo”. Concluyó Hernández, quien trabaja actualmente en Refugio, ópera prima como director del actor mexicano Demián Bichir. ¿Qué hizo que Birdman... se convirtiera en uno de los trabajos más sobresalientes de los últimos meses? Esta película exenta de convencionalismos, exige la absoluta atención del espectador para seguir el ininterrumpido hilo de los diversos discursos que la componen. La cinta en sí, es una mirada al ombligo de las propias industrias del cine y el teatro, mofándose de ellas y criticando los múltiples ángulos y personajes que la componen; desde una perspectiva un tanto esquizofrénica realizada con maestría en todos sus aspectos. La película posee un ritmo inquisitivo al llevarnos por oscuros pasillos, rincones, caminos intrínsecos y encerrados que no son más que el reflejo de la compleja personalidad del protagonista, moviéndose con gran elegancia casi imperceptiblemente en el tiempo, con una gran dosis de diálogos carentes de ocio. El virtuosismo de la cinta, inesperado para el público, no deja cabida alguna para la ignorancia.

Garbage

COVERAGE SPRING’15

Cobertura presentada por:

VIVE LATINO 2015 Foro Sol, México, D.F. Fotos: Oscar Hernández, Alejandro Compeán y Héctor Salazár para WARP #WARPenVL15

Die Antwoord

Dave Matthews Band

Mastodon [ 01 ] Interpol [ 02 ] Aterciopelados [ 03 ]

Caifanes Happy Mondays [ 04 ] Centavrvs [ 05 ] Robert Plant [ 06 ] Ximena Sari単ana [ 07 ] Die Antwoord [ 08 ] Molotov [ 09 ]

SXSW 2015 Austin, TX. USA Fotos: Sergio Gรกlvez para WARP #WARPenSXSW

Elliphant

Best Coast [ 01 ] Robert Rodriguez [ 02 ] Cathedrals [ 03 ]

Jack White

SLKTR Juce [ 04 ] Viet Cong [ 05 ] Alvvays [ 06 ] Lido [ 07 ]

Teen Flirt

CUMBRE TAJÍN 2015 Papantla, Veracruz, México Fotos: Bógar Adame para WARP #WARPenCumbreTajin

Flaming Lips [ 01 ] THE GOAST [ 02 ] Incubus [ 03 ] Santana [ 04 ] 2ManyDJs [ 05 ]

COACHELLA 2015 Empire Polo Field, Indio California, USA Fotos: David Brendan Hall para WARP #WARPenCoachella

Cobertura presentada por:

Florence + The Machine

Jack White

St. Vincent

Tame Impala [ 01 ] FKA twigs [ 02 ] AC / DC [ 03 ] Kimbra [ 04 ] Father John Misty [ 05 ] Haim & Jenny Lewis [ 06 ]

The Machine Manifesto VIVIMOS EN UN CONSTANTE CAMBIO Y EN UN IR Y VENIR DE TODO Y DE TANTO. LA MÚSICA ELECTRÓNICA ES EL NUEVO POP DESDE HACE UN PAR DE AÑOS Y EL BAUTIZADO “EDM” (ELECTRONIC DANCE MUSIC) SE FORTALECE CADA VEZ MÁS A NIVEL INDUSTRIA, AUNQUE SE DEBILITA EN APORTACIÓN MUSICAL. PERO, ASÍ ES EL NEGOCIO DEL ENTRETENIMIENTO…

Lo que mantiene vivo ese negocio y a la industria de la música, no solo son los grandes nombres que hoy conocemos como Guetta, Avicii, Alesso o Martin Garrix, sino la innovación. Esa música que emerge de las razones correctas y en este caso, de los mejores clubes del mundo. No los más evidentes ni condescendientes, sino los “marginados” y fuera de la zona de confort. Lugares que solo existen para que la gente escuche y baile buena música, a cargo de los DJs y productores verdaderamente más inventivos del planeta. Los hay de todas las nacionalidades y de todos los géneros. Sus nombres crecen y adquieren fama, pero no siempre con resultados millonarios o fechas en todos los festivales del mundo. Hablamos de gente real que más que artistas son artesanos de sus tracks. No hacen canciones sino procesos científicos para hacer que la gente se mueva y se transporte a algún lugar. Aquí el dinero no importa, sino las ganas de hacer algo tan perfecto e imperfecto a la vez, que logre comunicar. Luego llega Kanye West y le llama a Brodinski o Gessaffelstein para hacer un track. En su momento hace varios años lo hizo Madonna, con Jacques lu Cont, Mirwais o William Orbit y no hace tanto Beyoncé con Diplo. No es nada nuevo, pero el sonido que abre camino y genera influencia siempre cambia; va y viene.

Que sirva este especial para rendirle tributo en su hora y momento a esos nuevos héroes de la electrónica. A nombres como Matias Aguayo Alejandro Paz y Sanfuentes de Chile. AAAA, Daniel Maloso, Rebolledo, Andre VII, Mijo y Los Mekanikos de México. Erol Alkan, James Holden, Factory Floor y Daniel Avery del Reino Unido. John Talabot y El Guincho de España. Busy P, Brodinski y Gessaffelstein de Francia. Maceo Plex de Brasil. Claude VonStroke de Norteamérica. Roman Flügel y Michael Mayer de Alemania… A los que acarician el mainstream sin corromperse como Jamie xx, Gorgon City, Disclosure, SBTRKT, Clean Bandit, Boysnoize, Duke Dumont y a todos los que bailamos en tantas noches que por omisión natural no mencionamos en este especial, pero nos inspiran a escribir estas páginas. Sirva también este documento para reconocer el trabajo de las fiestas y discográficas como DFA, Bromance, BNR, Kitsuné, Ed Banger, Phantasy, Blasé Boys Club, Other People, L.I.E.S., Cómeme, Sanfuentes, Sicario Music, Tráfico y de tantas plataformas increíbles como Boiler Room, DJ Kicks o clubes como Fabric en Londres, Razmatazz en Barcelona, Berghain en Berlín, Bar Américas en Guadalajara, MONO en México y tantos más.

These next ones are for you guys. Alejandro Franco / SLKTR

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“STRANGERS PROVINO DEL HECHO DE QUE, INCLUSO HOY EN DÍA, SIGO SIN CONOCER A MUCHA DE LA GENTE QUE ME AYUDÓ A CREAR ESTE MATERIAL… DE TRABAJAR A TRAVÉS DE INTERNET CON GENTE QUE ADMIRAS PERO NUNCA HAS CONOCIDO EN PERSONA.”

RAC STRANGERS IN COLLABORATION Por Alonso Valencia

RAC (o Remix Artist Collective), es uno de los tantos proyectos de André Allen Anjos, músico enfocado a la electrónica originario de Oporto, Portugal. Su idea principal era iniciar un ejercicio global en el cual artistas de todo el mundo redefinirían lo que conocemos como “remix”. Con el pasó del tiempo el concepto evolucionó y André adoptó el nombre para si mismo, sin olvidar el sentido original de RAC; así inició una colaboración masiva con artistas de todo el mundo, incluidos Tegan & Sara, Alex Ebert (Edward Sharpe), Kele, MNDR, Penguin Prison, Tokyo Police Club, Body Language, Pink Feathers, Karl Kling, St. Lucia, Peter Morén (Peter Bjorn & John), Speak, YACHT, Katie Herzig y Matthew Koma. El resultado fue Strangers (2014) un material discográfico en el que diversos elementos como los videojuegos y la vida cotidiana sirven de inspiración para una placa que abre una nueva ventana en el campo de la música electrónica. Platicamos con André, el encargado de liderar este esfuerzo colectivo, que además, promete seguir expandiéndose. Después de una larga gira por Norteamérica ¿Cómo te sientes con el resultado? Siempre que llego a casa reorganizo mi vida. Es la tercera vez que viajo alrededor de todo Estados Unidos y es la primera vez que nos presentamos en recintos más grandes. Son conciertos muy diferentes, con escenarios así de grandes corres mucho más y te obliga a evolucionar, también requiere de mucha más energía, ya que añadimos vocales en vivo y muchas cosas que antes no hacíamos. También es la primera vez que contamos con un autobús, así que me estoy acostumbrando eso, es muy extraño. ¿Qué nos puedes contar de Strangers, que hay detrás del álbum? Empezó hace un par de años, quería escribir nuevas canciones ya que había pasado demasiado tiempo haciendo remixes, así que era el momento para un cambio. En principio deseaba que fuera mucha más dance, pero cuando comencé a escribir no tuve esos resultados, es como si hubiera tenido mente propia y de alguna forma se transformó en un proyecto pop, lo que me emocionó porque era un territorio desconocido y en ese momento se sentía muy bien. Así que cuando empecé a trabajar en estos demos terminé por escribir alrededor de 45 canciones nuevas y comencé a mandarlas a diferentes vocalistas, simplemente intentaba incluir a varias personas. Este proceso completo duró alrededor de 3 años y fue la clave para reunir todo, mientras navegaba por internet buscando a la gente adecuada. Aunque el proceso haya sido muy tardado, al final de todo estoy muy contento con los resultados.

¿De dónde surgió el nombre? “Strangers” provino del hecho de que, incluso hoy en día, sigo sin conocer a mucha de la gente que me ayudó a crear este material. Así que de alguna forma siguen siendo extraños, por lo que el tema fluye por todo el disco. Trabajar a través de internet con gente que admiras pero nunca has conocido en persona. Has compartido el escenario con Pink Feathers, The Knocks y Speak ¿Cómo ha sido esta experiencia y qué es lo que has ganado con estas colaboraciones? Amo colaborar en el escenario porque cuando puedes traer vocalistas invitados de alguna forma cambia todo, la vibra del concierto, es muy emocionante. Esos son los tipos de shows que quiero hacer, así que eso es lo que siempre intento presentar. Un escenario con un espectáculo en vivo con toda esta gente, aunque es un poco caótico, es muy divertido. Regresando un poco al pasado, creaste un EP que se llama Nintendo vs. SEGA ¿Cómo se dio este trabajo? Sí, me encanta ese EP. De hecho lo hice junto con mi amigo Andrew Maury, él hacía estos remixes de Sonic sólo por diversión y yo pensaba que era increíble, que teníamos que hacer algo por el estilo, así que nos unimos y él hizo la parte de SEGA y yo me dediqué a crear un par de remixes de Super Mario (Bros.). Son canciones que forman una gran parte de nuestra niñez y que evocan esta grandiosa nostalgia, sólo fue por diversión y nunca me imagine el impacto que tendría, porque era algo para nosotros. Ya puedes escuchar remixes a canciones que hicimos de Streets Of Rage, Contra, Pokémon y Double Dragon, es una cosa increíble. ¿Qué es lo que te encuentras planeando actualmente? Con RAC siempre he tratado de mantener una mente abierta acerca del proceso y a dónde se dirige el proyecto, así que dejo que las cosas evolucionen naturalmente y en realidad así es cómo siempre ha sido mi enfoque con todo. Habiendo dicho esto, obviamente hay muchas cosas como nuevas giras y el hecho de que tengo muchas ganas de regresar a México en este 2015, así como Sudamérica y Australia. Las presentaciones se han convertido en uno de los aspectos principales, al igual que un nuevo álbum en el que ya trabajo, el cual se encuentra en una etapa muy temprana, al igual que el soundtrack de un videojuego en el que trabajé con un amigo muy cercano, Master Spy para PC y Mac. Esa es una de las industrias en las que me gustaría moverme mucho más ya que son una gran parte de mi vida.

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Boiler Room LATAM LA RAZA CÓSMICA Por Juan Del Valle (Boiler Room LATAM Director)

Cuando Boiler Room nació en Reino Unido la idea inicial era enfocarse a mostrar los múltiples matices de la música electrónica a través de su formato de webcam, creando un acercamiento nuevo a la experiencia del DJ y del live set, común para los entusiastas del house y el techno. Hoy en día el concepto ha evolucionado, expandiendo su alcance a diversos géneros. A lo largo de sus 4 años de operación la plataforma de shows de música en vivo, Boiler Room, se ha expandido a más de 60 ciudades en el mundo con un concepto de sesiones musicales íntimas

para su transmisión en línea vía internet, rompiendo así las limitaciones físicas y abriendo una puerta para los talentos locales de la escena underground. Para 2013 el concepto cruzó el Atlántico y llegó hasta México. Desde entonces este canal ha servido para exponer el talento local más relevante, ayudándolo a alcanzar una amplia audiencia global y a la vez, el reconocimiento que merece. En Boiler Room LATAM hemos descubierto talento que llegó al top global de 2014 en la plataforma, como fue el caso de AAAA, posicionamos a Recondite como

mejor live act del mundo pocos días después de su presentación (según Resident Advisor), debutamos el álbum Mexico (2014) con la presentación en vivo de los legendarios GusGus y desplegamos un ritual chaman maya con el colectivo ceremonial Ollin. El pasado enero presentamos exitosamente en Tulum, Quintana Roo, talento fresco como Reptare, Parlaphone y Leo Leal, con artistas leyenda como Acid Pauli y Delano Smith, además de un showcase de la disquera alemana Diynamic, liderada por Solomun, uno de los top DJs del momento, quien personalmente nos buscó

para hacer un takeover de su sello en estas aclamadas sesiones. Dado el sin fin de artistas y escenas no descubiertas en Latino América, Boiler Room se expandirá a nueves sedes de nuestro continente para explorar y compartir su música a la audiencia más demandante del mundo. Este año tenemos en la mira a Chile, Colombia, Cuba, Argentina y Perú, entre otros países. El resto de 2015 promete ser un año lleno de nuevos aventuras musicales en Boiler Room LATAM, buscaremos presentar géneros no explorados, fusiones únicas y colaboraciones inesperadas.

“BOILER ROOM ESTA APOSTANDO AL MERCADO LATINOAMERICANO DADO A SU GRAN AFICIÓN Y PASIÓN POR EL ARTE GENUINO Y AUTÉNTICO.”

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Miami Horror A SOFT LIGHT Por Eduardo Martínez

En los últimos años el modo en el que consumimos música a evolucionado monstruosamente, desde la gran cantidad de sitios que nos recomiendan y mantienen al tanto de lo sucedido en la industria, hasta las poderosas aplicaciones que nos permiten disfrutar de nuestros artistas favoritos vía streaming, sin importar que provengan del lugar más recóndito del planeta. Es por eso que escuchar grupos provenientes de Israel, Sudáfrica, o de algún país de Oceanía no sea raro en lo absoluto. Un ejemplo claro de lo anterior ocurre con los originarios de Melbourne, Australia, nos referimos a Miami Horror, que llegó a nuestros oídos a mediados de 2008 con su EP Bravado, para posteriormente presentar su aclamado primer álbum, Illumination (2010). Este año, Benjamin Plant, Josh Moriarty, Aaron Shanahan y Daniel Whitechurch regresan con su segundo vástago, All Possible Futures, una placa que invita a mover los pies de forma automática y a balancear el cuerpo cadenciosamente. Recientemente Benjamin y Aaron visitaron la ciudad de México y aprovechamos para intentar descubrir el secreto detrás de su relajada y optimista propuesta musical. ¿Qué podemos esperar de su segundo álbum trabajo en comparación a su debut, Illumination,? Benjamin: Creo que son sonidos más armoniosos a comparación de nuestro primer trabajo, las letras se muestran con mayor estructura y maduras, todo gracias a la experiencia que adquirimos

con el tiempo, escribimos varias canciones en L.A., California y creo que al fin descubrimos los secretos de la escritura y la composición. Si escuchas canciones de bandas como The Beatles o Talking Heads, aunque sea un par de veces, serán suficientes para que encuentres sus bases, su esqueleto, sin importar la diversidad de ritmos o géneros que combinen; eso nos sirvió para identificar la diversidad de géneros que mezclamos y evitar que el resultado final opacara la idea principal de la canción. Metimos de todo, desde temas bailables, hasta aquellos que te causaran un cómodo y agradable sueño [risas], dejando atrás algunos errores que cometimos en el pasado, creo que en esta ocasión tratamos de plasmar cada cada idea que se nos ocurría. En lo personal encuentro en su música cierta reminiscencia a la música pop que se hacía en los setenta, ¿alguno de ustedes es fan de las bandas de esa época o estoy totalmente equivocado ? Aaron: ¡Bueno, nos hace falta mucho para poder conseguir lo que se hizo en esa década! [risas]. La música de los setenta fue lo que nos impulsó a nivel idea, pero creo que aunque hemos intentado evocar el sonido de algunos de los grandes de ese entonces, siempre terminamos generando algo más parecido a lo que sonaba en los ochenta [risas]. Es algo frustrante y divertido a la vez. Han colaborado con Kimbra y Alan Palomo, para este disco se les unieron Cleopold y Sarah Chernoff, ¿qué es lo que buscan a la hora de

“AUNQUE PAREZCA QUE ES MUCHO TIEMPO ENTRE CADA ÁLBUM, LA VERDAD ES QUE NO HEMOS PARADO DE CREAR MÚSICA, HEMOS CREADO APROXIMADAMENTE 50 CANCIONES QUE TENEMOS GUARDADAS.” -BENJAMIN PLANT

hacer estos ejercicios? B: Siempre me a gustado la idea de tener colaboradores, el trabajo se vuelve más emocionante, porque no sólo son colegas, sino grandes amigos. ¿Qué buscamos?, bueno, creo que tenemos metas parecidas y sobre todo nuestros estilos son similares. Cuando comenzamos, obviamente no teníamos un gran nombre, entonces trabajamos

con Kim en ‘I Look To You’ y así logramos que supieran que había una banda llamada Miami Horror en el mundo. Creo que lo que logramos con Cleopold nos ha dejado una sensación similar, ‘Colours In The Sky’ tiene una tracción increíble, como todo lo que Cleopold hace en sus distintos proyectos, podemos esperar buenas cosas de su parte en el transcurso del año.

Perdón, pero no puedo dejar de pensar que tuvimos que esperar aproximadamente cinco años para que All Possible Futures llegara a nuestros oídos, ¿por qué dejaron pasar tantos años sin lanzar material nuevo?, es decir Illumination tuvo un gran recibimiento… B: Sí, nos tomó mucho tiempo, año y medio después del lanzamiento Aaron y yo empezamos a trabajar en otro proyecto,

Wunder Wunder, y le dedicamos mucho tiempo. Para cuando retomamos Miami Horror tardamos otro año y medio en grabar. Aunque parezca que es mucho tiempo entre cada álbum, la verdad es que no hemos parado de crear música, ya sea con Wunder Wunder, o con Josh (Moriarty), que en estos momentos esta trabajando en algo grande, hemos creado aproxi-

madamente 50 canciones que tenemos guardadas. Básicamente eso fue lo que pasó, pero no lo veo como tiempo perdido. Actualmente están pasando muchas cosas, en términos de música en Australia, ya sabes, hay muchos jóvenes haciendo música, ¿creen que casos de éxito como Miami Horror sean un ejemplo a seguir para estas nuevas bandas?

A: Tienes razón, los jóvenes tienen la habilidad de sorprender al mundo y estoy muy sorprendido por el gran potencial que muestran, porque defienden su estilo a muerte. Siento que nuestro trabajo no ha logrado a ser tan fundamental o definitivo en términos de influencias , pero sí creo que en Australia se han generado estilos muy diversos, con sus diferentes elementos, hay para todos los gustos.

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TASTE THIS!

Mono Fotos: Sergio Gรกlvez y Alejandro Compeรกn para WARP

Mono Versalles #64 Col. Juárez, México, D.F.

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heroes reborn Por Priscila Núñez

La escena electrónica no serí lo que hoy conocemos sin el trabajo de algunos personajes fundamentales. Cada época ha contado con sus grandes nombres y sin lugar a dudas el momento casi “dorado

que nos ha tocado vivir no es la excepción. Presentamos a cuatro de los músico que no solo está haciendo historia, están ayudando a cambiarla.

DUKE DUMONT

MACEO PLEX

soundcloud.com/dukedumont

soundcloud.com/maceoplex

Lugar de origen: Harrow, Inglaterra

Lugar de origen: Cuba

Sencillos: ‘Need U (100%)’, ‘Hold On’, ‘I Got U’, ‘Won´t Look Back’

También conocido como: Maetrik o Mariel Ito

Hace 10 años Adam Dyment, mejor conocido como Duke Dumont, incursionaba en el mundo de la música elaborando ringtones para celular; el día de hoy está posicionado como uno de los mejores DJ’s y productores británicos dentro del género house. Dumont saltó a la fama con su éxito internacional ‘Need U (100%)’ en el 2013, que contó con A*M*E en las voces y lo convirtió en el tercer “duque” más googleado del mundo. Su más reciente merito fue crear el sello discográfico Blasé Boys Club, nombre que también utiliza de vez en cuando como alias a la hora de producir.

Eric Estornel es el productor de los mil nombres. Cuando se entregó al mundo de la música lo hizo bajo el alias Eric Entity pero rápidamente decidió cambiarlo por Tali Wackas y actualmente es mejor conocido como Maceo Plex. Eric se alimenta de toda clase de sonidos techno, house, funk, dark y electro que combina para crear ambientes totalmente únicos. Sus obras son profundas y originales de la ingeniería acústica y expresan la necesidad que tiene de inyectar el sentimiento del funk al mundo. Desde sus primeros proyectos a principios de los años noventa ha dejado en claro la capacidad versátil que posee, y que hoy por hoy, lo pone en boca de todos.

BRODINSKI

GESAFFELSTEIN

soundcloud.com/brodinskiofficial

soundcloud.com/gesaffelstein

Lugar de origen: Reims, Francia

Lugar de origen: Lyon, Francia

Álbum clave: Brava (2015)

Su nombre es un acrónimo de Gesamtkunstwerk (palabra alemana para “ideal artístico”) y Albert Einstein

Brodinski es uno de los nuevos proveedores de ritmos frescos que a los 27 años de edad se encuentra navegando en una escena vibrante repleta de elementos musicales aparentemente dispares en la mezcla con el firme propósito de poner a girar la cabeza de quienes lo escuchan. El indudable talento del DJ francés lo ha posicionado a la cabeza del movimiento dinámico que emplea ritmos africanos; con casi 120 mil seguidores en SoundCloud está dejando su sello personal dentro del french house gracias a que ha sabido combinar el house y el funk de forma creativa.

En medio de una escena en donde el techno y el dubstep pareciera ser lo único que saben hacer los DJs franceses, Mike Levy ha elegido una ruta diferente para su expresión musical. Su techno energizante y al mismo tiempo obscuro puede funcionar perfectamente en una pista de baile y al mismo tiempo crear una atmósfera emocional. A través de su música también comunica a los demás su particular universo donde la música no deja de ser tan física como una obra de arquitectura y donde todos sus sentimientos están al servicio de un único fin: hacer buena música centrándose en producir el sonido en las mejores condiciones posibles.

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Twin Shadow A NEW WAY TO THE TOP Por Alonso Valencia / Fotos: Milan Zrnic

Los sonidos de los ochenta son una de esas cosas que nunca llegas a olvidar: sintetizadores, keytars, cajas de ritmos y todo esta emoción electrónica que sigue sonando fresca hasta nuestros días. Lo anterior basado en la novedad y la experimentación, claro, sin dejar de lado la ahora nostálgica pasión de las bandas por compartir su música a través del formato de video musical. Actualmente hay un revival musical y estilístico que tiene que ver con la música generada con la década mencionada, sin embargo existen quienes evocan aquella sonoridad de hace 30 años incluso de forma inconsciente, ya que lo tienen impregnado en su ADN. Tal es el caso de George Lewis Jr., mejor conocido como Twin Shadow. Sin embargo, en esta nueva oportunidad Lewis buscó hacerlas cosas diferentes; es el mismo artista quien nos pone en el contexto de su nuevo álbum, Eclipse: “Siempre he intentado no concentrarme en los sonidos,

pero en este nuevo álbum traté de lograr sonidos fuertes como, solamente use lo que tenía a mi alcance, no quería... Más bien sabía que sonar como siempre sería más fácil, pero deseaba que fuera algo completamente fresco.” El músico autodefinido por crear sonidos ochenteros de forma prácticamente “accidental” en sus dos álbumes anteriores, Forget y Confess, ha puesto nuevos colores en su lienzo y el resultado es un nuevo estilo que termina por complementar al multifacético artista. “Lo que hice con Eclipse fue cambiar mis tiempos de producción, no traté de apresurar nada para que todo resultara en un sonido orgánico y natural; al final terminé con muchísima música, alrededor de 50 nuevas canciones que evidentemente no se pudieron añadir al nuevo disco, aunque sí pasó por muchas diferentes etapas hasta llegar al resultado final.” El álbum debut de Twin Shadow,

Forget, se definió por basarse principalmente en la solitaria niñez de George, con la vibra alegórica característica del new wave, pero al mismo tiempo con un sonido minimal estampado, propia de bandas como Echo and the Bunnymen, A Flock of Seagulls, The Psychedelic Furs y hasta The Cure. Sin embargo, aunque estas bases sonoras se mantuvieron para Confess, hubo un cambio fundamental en la forma en la que el músico retrataba la realidad. Esta vez era el propio Lewis quien con sus palabras describía la realidad que lo rodeaba, en lugar de concentrarse en si mismo. Para Eclipse nos encontramos frente a un ser humano que, en sus propias palabras ha dejado el elitismo de lado, esta vez le habla a un público más amplio, vaya, a todo aquel que quiera disfrutar de su música y de su mensaje. Así las puertas quedaron abiertas para un pop más disfrutable.

“Algo que siempre quise lograr era un sonido masivo, por lo que creo que este nuevo trabajo cuenta con una calidad épica. Intenté que se trasladara más a lo que se necesita para una presentación en vivo, porque el ambiente es mucho más intenso arriba de un escenario. Aunque en lo personal creo que el factor principal de un nuevo trabajo discográfico, lo que lo define, es la respuesta de la audiencia y no solamente en un concierto, sino todo lo que viene al momento de escucharlo, hablo de la experiencia que te crea el álbum mismo. A nivel composición diría que este álbum se basa principalmente en las vocales, no en el sonido alrededor de éstas. Me concentré mucho más en eso que en la instrumentación, porque ahí radica el sentimiento principal de Eclipse. Aunque el progreso es algo que no solo está presenta en la música de Twin Shadow, el autor sabe que lo que pasa en la escena es un fenómeno global:

“SIEMPRE QUISE LOGRAR UN SONIDO MASIVO Y CREO QUE ESTE NUEVO TRABAJO CUENTA CON CALIDAD ÉPICA.”

“Pienso que la música ha progresado mucho, creo que están pasando muchas cosas emocionantes, el hecho de que una banda como HAIM sea tan buena es muy importante, creo que es un llamado de la música en donde ella misma está buscando a la gente, que haga cosas más profundas. El hecho de que el público lo esté aceptando tan bien me hace pensar que es algo muy emocionante para todas las escenas en general. El 2014 fue probablemente un punto de quiebra para todo esto y es un buen referente para mucha de esta música, ojalá esto se convierta en una tendencia.” Para reflejar esta tendencia hay que mencionar ‘To The Top’, corte contenido en lo nuevo del

músico que no sólo engloba todo su nuevo discurso, también se levanta como uno de los mejores sencillos de lo que va del año: “Creo que ‘To The Top’ es uno de estos temas destinados a establecerse como una insignia, la canción ya ha sido seleccionada para Paper Towns, una nueva película basada en la obra de John Green, lo cual me emociona mucho porque creo que va a ser una gran película y estoy feliz por ser parte de este proyecto, no la he visto aún pero estoy feliz de por estar allí como parte de ésta, es increíble.” El auge de artistas como HAIM como lo pone el mismo Twin

Shadow, junto con Lorde, Charli XCX y esta nueva cara del pop en donde no todo se basa en el éxito, sino en hacer música con líricas más profundas junto con melodías poderosas es lo que ha impulsado a George a adentrarse por los complicados caminos del pop comercial, para ser parte de la transformación de la industria musical. “En cada disco dedico un tiempo para acomodar mis sentimientos y después mezclarlos, generalmente es un tipo de escapatoria y distracción de todo lo que pasa afuera. En este caso renté una capilla adentro de un cementerio y empecé a hacer el álbum y pasé todos los días trabajando lentamente en él.”

George se encuentra actualmente compartiendo Eclipse con el mundo, estará de gira en un par de meses, tendrá la oportunidad de recibir la retroalimentación del público y regresar a Latinoamérica a presentar un show que de seguro será una experiencia completamente nueva. “Voy a estar de gira por Estados Unidos y después regresaré a México y Latinoamérica en verano. De hecho serán un par de ocasiones durante este año, lo cierto es que por ahora estoy completamente concentrado en la música nueva, en cómo llevarla al escenario, así que espero completar una nueva etapa personal.”

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Digital 21

TRES MÁQUINAS QUE DEFINIERON LA MÚSICA ELECTRÓNICA Fotos: Óscar L. Tejeda

La música electrónica es un género que se mantienen en constante evolución, su manufactura está totalmente ligada a los avances tecnológicos y a la accesibilidad de estos para el hombre común. Miguel López Mora, mejor conocido como la mente detrás del proyecto Digital 21, es un pionero de la escena electrónica española y está totalmente consciente de lo anterior, sus sonido ha pasado por diferente mutaciones a través de sus 25 años de carrera, logrando una mezcla única y especial al encontrar la combinación exacta entre máquinas e instrumentos orgánicos. Es el mismo Miguel quien nos cuenta cuáles son sus tres piezas de creación musical fundamentales a la hora de estar en un estudio de grabación o sobre el escenario.

THEREMIN

Utilizo el de Moog. Lo compré hace tantos años que aún no se vendían en España y lo pedí a Estados Unidos. Lo utilizo en mis directos de videoarte o en los conciertos con banda. Me encanta que Léon (Theremin, el creador del instrumento) fuera chelista, lo veo como un cello electrónico. 02 ORDENADOR PORTÁTIL (LAPTOP)

Ahora es fácil decirlo pero hace 25 o 27 años las cosas no eran tan viables en ningún sentido. Llegar a esa viabilidad ha sido un camino complicado y sobre todo muy caro. He podido vivir todas las etapas de la música electrónica de nuestro tiempo, desde 1988 hasta ahora. Y el salto a las posibilidades infinitas llegó con los portátiles potentes. Antes era imposible asumir el

costo económico para la mayoría de los músicos. Ahora todo es mas viable.

MOOG VOYAGER (MINIMOOG) 03

No creo que se pueda definir con palabras... Que Moog sacara una versión “mini” para poder llevar de gira lo cambió todo. La música de estudio cambió, la música en directo cambió e incluso la forma de tocarla o hacerla también. Lo que siento a solas en mi estudio con él es que está vivo, que hay un diálogo entre los dos. Muchos de sus sonidos son básicos y tú eres quien crea el universo. En un mercado saturado de sintes nuevos que apuestan por presets para estilos concretos, (que hacen que mucha gente suene a lo mismo), el Voyager te exige mucho más tiempo y dedicación. Es un sinte para perderse dentro de él.

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Alex Dunn 808: THE MOVIE Por Alonso Valencia

El productor Alex Noyer y Alexander Dunn

En 2013 el director Alexander Dunn, quien ya había trabajado en diferentes proyectos enfocados en el peso de diferentes artes en la vida moderna, comenzó a embarcarse en un viaje que inicialmente se centraría en la importancia de Afrika Bambaataa & The Soulsonic Force y su legendario tema ‘Planet Rock’, pero con el paso del tiempo la travesía iría cambiando de rumbo, hasta desembocar en un documental que nos mostraría el antes y el después de la música gracias a la llegada de la Roland TR-808, una drum machine que sentaría las bases del género electrónico tal y como lo conocemos hoy en día. Me refiero a 808 The Heart Of The Beat That Changed Music. Así es como su director recuerda el inicio del recorrido: “Desde que nos involucramos en el proyecto siempre pensamos que ‘Planet Rock’ podría ser el enfoque central para iniciar la película, porque obviamente fue uno de los primeros sencillos que realmente exploraba el uso de la 808. A partir de ese punto, ‘Planet Rock’ fue la principal influencia en diferentes géneros a través de los años; realmente parecía el mejor punto de partida y el área obvia para enfocarnos, para después explorar lo que la 808 ha hecho en la música desde ese momento.” Por increíble que parezca, Dunn logró involucrar en el proyecto a decenas de nombres que han sido parte clave en la industria musical junto con la 808, como Rick Rubin, New Order, Armand Van Helden, Fatboy Slim, 2 Many DJS, Felix Da Housecat , Diplo, Phil Collins, Pharrell Williams y Damon Albarn. “Cuando estábamos organizando las entrevistas tuvimos la suerte

de estar trabajando con Arthur Baker, uno de los productores del proyecto, Arthur tiene una increíble historia musical y una increíble base de contactos, así que nos acercamos a mucha gente y resultó que muchas de esas personas estaban interesadas en formar parte por su relación con Arthur, por la influencia de la 808 en su carrera y porque sabían específicamente de la importancia de ‘Planet Rock’. Cuando teníamos a estas personas en una habitación, listos para hacer la entrevista, no tuvimos que decirles que hablarán sobre ello, la 808 hacía que toda esta gente tuviera muchas cosas que decir acerca de la máquina, el sonido, o cómo es que entendían el impacto que tuvo en la música. No fue difícil para nada, al contrario, se trató de un proceso muy sencillo, todos amaron hablar de ello.” La Roland TR-808 fue un punto clave en la música all legar justo a principios de los ochenta, fue creada específicamente como un medio para sustituir las percusiones. Con el tiempo se popularizaría por sus sonidos artificiales y sus profundos bajos, utilizados en canciones como ‘1000 Knives’ de Yellow Magic Orchestra, ‘Sexual Healing’ de Marvin Gaye, y claro, ‘Planet Rock’ de Afrika Bambaataa & The Soulsonic Force. Sin que nadie lo supiera, esa pequeña máquina creó un género completamente nuevo al romper todas las barreras que había en la década, para situarse como el principal instrumento de toda una generación de músicos, artistas, productores y creadores de nuevos sonidos alrededor de todo el mundo. Dunn tuvo la oportunidad

de hablar con Ikutaro Kakehashi, fundador de The Roland Corporation y pieza fundamental en la creación de la 808. “Él nos contó la historia de la 808 y cómo se creó, al igual que todo lo que hay detrás del surgimiento de Roland. Lo más impresionante es que nadie en la compañía sabía la historia qué había detrás de la 808, nadie sabía lo que él iba a decir, nosotros no lo sabíamos, ninguno de los artistas sabía. Así que cuando lo revelamos fue una completa sorpresa incluso para la gente que trabaja ahí. Fue un momento muy importante para la película y también para las personas que estaban involucradas en el proyecto, para los trabajadores de Roland, y para él también, el hecho de hablar de la historia que es tan importante para mucha gente.” 808 logra tomar el legado de la drum machine que definió a una era musical para mostrarle al público cómo se dio este cambio musical en palabras de personajes esenciales y experiencias que se dividen a través del documental. Todo esto le sirvió como al mismo Dunn para crecer; de momento el filme ya ha sido mostrado en SXSW y seguramente le dará la vuelta al mundo.

LA ÚNICA, LA ORIGINAL, LA 808 Nombrada oficialmente como Roland TR-808 Rhythm Composer, esta drum machine fue producida entre 1980 y 1984

“Para mí todo el proyecto fue un proceso de aprendizaje porque estoy muy involucrado en la música, pero no soy un productor, así que quizás entendía cómo era el sonido de una 808, pero no entendía su presencia en todas las canciones, ni la complejidad de eso. Personalmente aprendí mucho del proceso completo, al final de todo así fue como el filme se fue dando y ese es el resultado final.”

con aproximadamente 12.000 unidades y un costo de 1,195 dólares. Esta contaba con la capacidad de programar ritmos y sonidos de batería por separado en 32 patrones diferentes. Con el tiempo, en comparación con la Linn-Lm-1, la 808 resultaba obsoleta, pero su precio en comparación menor la estableció en el lugar de acceso privilegiado. Sus característicos sonidos no solo ayudaron a definir géneros como el hip hop y el techno, actualmente goza de un estatus de culto entre músicos y productores.

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Dream Koala SATURN BOY Por Priscila Núñez Entrevista: Paco Sierra

Yndi Ferreira, el artista detrás de Dream Koala, entreteje un sonido electro al que le añade capas de elementos orgánicos acompañados de un delicado falsete, creando una mezcla hipnotizante, capaz de transportarte a un universo imaginario. Con tan solo 20 años de edad, Dream Koala es una de las grandes promesas de la escena musical independiente. Prueba de ello son sus distintas presentaciones en festivales de talla internacional, además sigue visitando diferentes países para deleitar a los que ya lo conocen y sorprender a los que no. Hace unas semanas estuvo tocando en SXSW por primera ocasión: “No esperaba que hubiera tanta gente, fue un poco intenso porque tuve cinco shows en tres días, tenía que ser rápido para moverme de un lugar a otro, pero el público es genial, la gente realmente está aquí para escuchar la música, ¡es increíble!”, comenta sobre su experiencia en Austin, TX. Hijo de padres brasileños, Ferreira nació en la ciudad de París: “Mis padres son músicos y están muy metidos en ello, así que desde que nací, siempre estuve rodeado de música”; sin embargo, asegura que la principal razón que tuvo para convertirse en músico no fue lo que sus padres le heredaron, sino el hecho de que el arte sonoro se convirtió en parte de su vida: “Simplemente fue natural que empezara a producir, disfruto hacer música y estoy muy agradecido de que la gente la disfrute.” La industria musical ha dado un giro de 180 grados. En esta nueva era es más sencillo para los jóvenes músicos, como Yndi, darse a conocer y publicar su trabajo de manera independiente para que la gente los escuche; ahora basta con un follow para que los fans siempre estén enterados de cada uno de los movimientos del artista: “Es muy diferente de cuando mis padres tenían mi edad, yo no tengo disquera, eso es algo que no podías hacer hace 20 años, necesitabas tener tus discos en físico y hacerles promoción; ahora puedes hacer todo eso por ti mismo, grabarte a ti mismo y gracias a plataformas como SoundCloud y Facebook puedes promocionarte a ti mismo”. Para aquellos que no han escuchado el trabajo del artista, no nos queda más que decirles que deberían darle la oportunidad de atraparlos con su sonido casi espiritual, puesto que describir su música resulta una labor complicada, “Sería más sencillo describir mi cara [risas], probablemente la razón de que mi música sea tan difícil de definir es que tengo influencia de algunos aspectos del techno, algunos del rock, otros del jazz y del pop, mezclo todo junto y espero que funcione” y sin duda alguna, lo hace.

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Una Nueva Cultura LA ESCENA MEXICANA DE MÚSICA ELECTRÓNICA Por Teen Flirt / @ teenflirtmusic

BIO. Teen Flirt es el proyecto del productor David Oranday (a.k.a Cheeks) quien hace honor al movimiento bass, elaborando música alrededor de sampleos de R&B de la vieja escuela. Actualmente promociona su segundo EP Welcome Home (2014).

La velocidad de la oferta y el flujo musical se salió de control con la era de la tecnología, aquellas generaciones de ‘diggers’ y la era del coleccionismo pasó a un segundo plano, la gente hoy en día no cree en la belleza de la eterna búsqueda de un nuevo sonido; pero el hambre y la ansiedad no se esfumó, más bien se potencializó. Eso pasó conmigo, me rehusé a aceptar la idea de que la música me llegara de forma natural, me concentré en encontrarla, al final explorar y colonizar son principios de la naturaleza humana. Es aquí cuando me hallé en una especie de cultura y dentro de ésta descubrí a una minoría de personas que se retaban a si mismos diario, rompiendo paradigmas y exigiendo más y más. Creo que las bases de esta cultura (sin buscarlo) eran: crear una revolución mental sin dudar el resultado, así, sin darme cuenta estaba atrapado por la escena mexicana de música electrónica.

La poca industria musical, la inseguridad y el monopolio de los ‘clubs’ parieron esta cultura, los jóvenes sin recursos se encerraron y gritaron a través de aparatos, nació un nuevo tipo de vida nocturna, perfecta para la inspiración e ideal para explorar, sin ningún obstáculo, paradigma o opinión.

pieza única y original crearon una representación de una generación consumista.

Entre sus integrantes están el chico del norte que se robaba Dish y veía canales de hip-hop hasta que era hora de dormir; la cantante que al crecer pudo entrar a un Best Buy y comprar el álbum de Lauren Hill, el joven músico que heredó los álbumes de rock de sus padres y con ayuda de algún Casio antiguo pudo llegar a crear himnos que representarían una generación.

Existe un factor clave en la evolución de la escena mexicana de música electrónica, la demanda. Hace falta que todos hagan su tarea, que busquen satisfacer esa ansiedad. Es un poco triste el hecho de que seamos excelentes importadores y malísimos exportadores.

Estos productores, al brincar entre género y género usando detalles significativos de cada uno pudieron alimentar el hambre de la que hablaba al principio; más allá de crear un

Evito nombres, porque las historias de la gente que admiro no caben en un ensayo, además, las obras de estos artistas hablan por si mismas.

Para terminar diré que la ideología detrás de Teen Flirt es crear conciencia y despertar mentes, así que: Sean parte de esta cultura. No dejen de descubrir. No dejen de tener hambre.

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“QUERÍA AMALGAMAR TODA ESTA MÚSICA QUE HE CREADO DURANTE LOS ÚLTIMOS CUATRO O CINCO AÑOS Y SACARLOS DE MI SISTEMA, PORQUE ASÍ PODRÍAMOS EMPEZAR A HACER EL SIGUIENTE DISCO DE THE XX DE FORMA FRESCA.”

Jamie xx BEHIND THE SHYNESS… Por Karina Luvián

JAMIE SMITH ES UN NOMBRE CON EL QUE POCOS REACCIONAN, TENIENDO, INCLUSO, LA NECESIDAD DE DEDICAR ALGUNOS MINUTOS A CONECTARLO CON ARTISTAS COMO ADELE, RADIOHEAD, FOUR TET O DRAKE. SIN EMBARGO, POCOS SON AQUELLOS QUE NO SALTAN ENTUSIASMADOS APENAS ESCUCHAN EL NOMBRE DE JAMIE XX, LLENÁNDOSE DE ELOGIOS HACIA EL PRODUCTOR LONDINENSE QUE ANTES DE 2010 ERA VAGAMENTE CONOCIDO MÁS ALLÁ DE REINO UNIDO, PERO QUE HOY CUENTA CON UN PRESTIGIO IRREFUTABLE Y UN FUTURO PROMETEDOR.

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Arrancaba la segunda década de este milenio y con ella el encumbramiento de la banda que vio al entonces joven de 21 años sobresalir no sólo como músico, sino como productor y DJ, con un prestigioso Mercury Prize en la repisa de The xx y su nombre en las marquesinas de los lugares más importantes del mundo. Nada sería igual para él desde entonces, pues con toda su timidez se apoderó de los reflectores del voraz mercado estadounidense; no es que el proyecto que comparte con Romy Madley y Oliver Sim careciera de ovaciones, pero es innegable su papel como artífice de sonidos interesantes, frescos, mismos que hoy se compilan en el álbum In Colour, su primer material solista. WARP Magazine platicó con el músico inglés en la concurrida colonia Roma, en la Ciudad de México, y a partir de una duda real sobre su labor individual y lo que realiza como parte de The xx fue posible ver cómo no se comprende a sí mismo como un ente aparte, con más de una ocasión hablando en plural pese a referirse al momento que vive hoy, desprendido de su banda. ¿Alguna vez pensaste, al inicio de tu carrera, en ser un artista solista? No. Nunca… No, ese no era mi estilo. Yo estaba haciendo música por mi cuenta pero sólo por satisfacción propia. Luego, tras el lanzamiento de nuestro primer álbum (como parte de The xx), empecé a hacer remixes porque tenía mucho tiempo libre en el proceso, con viajes en avión y carretera todo el tiempo, así que sentí la necesidad de mantenerme creativo y empecé a hacer música por mi cuenta. Eventualmente eso me mantuvo armando un montón de ideas a lo largo de los años que

ni siquiera podía terminar, porque tampoco estaba tan interesado, y esa acumulación fue, de hecho, por lo que decidí hacer un disco. ¿Recuerdas ese momento específico en que dijiste: ‘Ok, es hora de crear un álbum’? Oh, bueno… sí, creo que ocurrió en los primeros meses del año pasado. Lo que yo quería era amalgamar toda esta música que he creado durante los últimos cuatro o cinco años y sacarlos de mi sistema, porque así podríamos empezar a hacer el

siguiente disco de The xx de forma fresca, por decirlo de algún modo, así yo podría tener esta inspiración renovada y seguir adelante limpio. Esa fue la principal intención detrás del lanzamiento de este material. Ser un DJ con credibilidad —en tiempos en que cualquiera se coloca frente a una laptop y es ovacionado por razones incomprensibles— no resulta tarea fácil, pero cuando posees el talento para redefinir el ideario de un tema a través de un remix, cuando te encargas de

la producción de la música de otros y logras compaginar tus inquietudes sonoras dentro de una banda, el panorama cambia, aunque siempre exista la incertidumbre. ¿Cuál es la diferencia principal entre lo que has hecho y este momento, ya por tu cuenta? Creo que la principal diferencia es que en esta situación individual no tienes nada más que tus propias ideas, estás solo, y todo el tiempo tienes la sensación de estar siendo juzgado por cada cosa que haces,

Una de las características de la música en la que Jamie xx se ha visto involucrado es el nivel emocional que posee, con atmósferas que logran transmitir desde un ambiente festivo hasta tintes melancólicos que logran mover al escucha en más de un sentido. Su expertise es el sonido, claro, pero la parte visual no le es indiferente, algo que está reflejado de manera aún más palpable en esta aventura firmada bajo su propio nombre. Lo que ocurrió para el video ‘Sleep Sound’ fue algo muy hermoso, en la medida que muestra cómo podemos sentir la música aun sin escuchar. Platícame de esto... La verdad es que no pude verlo, quiero decir, lamentablemente no pude estar ahí en la grabación porque me encontraba de gira, pero Sofia (Mattioli) tuvo la gentileza de mantenerme al tanto de cada paso del proceso. Debo decir que fue maravillosa la conexión que logró con los chicos tan sólo con bailar juntos. Ella pasó varios días con ellos y, de hecho, aún los visita con regularidad porque el video fue algo verdaderamente significativo… Nunca he hecho nada que signifique tanto, porque va más allá de la forma en que se puede amar la música. Me siento muy feliz de haber sido parte.

lo que puede ser difícil pero también puede ser realmente inspirador si tienes la suficiente confianza y crees en ti mismo. Terminar algo, sea una canción o un disco, es realmente difícil si te la pasas preguntándote lo que los demás piensan, llega un momento en que te pierdes. Yo pude lograrlo porque tuve a Rommy y a Oliver escuchando lo que hacía, en cualquier momento, lo que me ayudó porque somos personas que llevamos haciendo música juntos desde hace un buen tiempo, así que fue de mucha ayuda.

Otro video en el que muestras un lado muy personal es ‘Loud Places’. Has dicho que patinar es parte de la relación que tienes con Rommy y esto se ve reflejado. Cuéntame, ¿cuál es la historia detrás del video y cómo fue grabarlo? Rommy y yo acostumbrábamos patinar antes de hacer música, fue la forma en que nos hicimos amigos y no mucha gente sabía eso. Quise mostrar esa parte, porque la forma de hacer música para mi disco ocurrió de manera muy similar a la que solíamos trabajar antes de la banda, sólo juntarnos en mi cuarto a crear música para nosotros, así

“EL AÑO PASADO ESTUVE VARIOS MESES EN NUEVA YORK Y EL HIP HOP ESTABA POR TODA LA RADIO, Y ADEMÁS ENCAJABA PERFECTO CON LA CIUDAD; ME ENAMORÉ DE NUEVO DEL GÉNERO, CREO QUE ES MARAVILLOSO.”

que la canción es una especie de reflejo de eso. Con respecto a la grabación, recuerdo que fue un día muy divertido en la calle… fue como ser adolescentes otra vez. El arte y el título de este nuevo álbum es muy colorido —literal—. ¿Existe un motivo por el cual elegiste una presentación tan simple pero tan llamativa? Me parece que el sonido del disco es muy colorido, comparado con lo que hemos hecho en The xx, creo que existen un montón de matices diferentes, es como más ecléctico porque quise un espectro completo, así que mi intención fue que la gente pudiera ver eso, aunque nosotros nos vistamos de blanco y negro… Existe esta preconcepción con la que el grupo ha tenido que lidiar y es acerca de nosotros siendo oscuros, estos adolescentes que aman el negro, pero de hecho hoy por hoy somos personas que hemos crecido y que amamos una gran variedad de sonidos; creo que el arte del disco refleja eso. En la parte final de nuestra plática, en una tarde soleada que funcionó como preámbulo para el espectáculo que daría esa misma noche en un abarrotado SALA, el escuálido artista se encargó de reafirmar su amor no a la música electrónica, sino a la música misma, ese que él expresa lo mismo en un remix que en un track original, piezas que le sirven de vehículo para mostrarse por completo, ya que su personalidad no se lo permite. He tenido la oportunidad de escuchar el disco y hay una canción en la que

colaboras con Young Tough, ‘I Know There’s Gonna Be Good Times’. Es muy distinta a las demás, ¿no crees? Sí… ¿Por qué, a sabiendas de esto, decidiste incluirla? Bueno, primero que nada debo decir que es uno de mis cortes favoritos de todos los que hice para este material. Por otra parte, esta canción me indicó cómo debía ir el tracklist para hacer un trabajo redondo, porque me retó para hacerlo funcionar dentro del disco. Además, con ella pude aprovechar el trabajo que he hecho con otras personas, en colaboraciones o producciones, y creo que es una buena forma de hacer que mucha más gente escuche tu disco; quise hacer algo así con una canción y fue esa. Esta pregunta me lleva a una última. Actualmente el hip hop vive un gran momento, con muchos músicos creando a partir de él. ¿Cuál es tu opinión con respecto al género? Bueno, yo solía estar muy adentrado en el hip hop siendo adolescente, porque era parte de videos de patinaje y cosas así que consumía mucho por aquel entonces, era la manera en la que me enteraba de lo que ocurría, así que lo escuché por mucho tiempo. Por otra parte, el año pasado estuve varios meses en Nueva York y el hip hop estaba por toda la radio, y además encajaba perfecto con la ciudad, el sólo manejar por ahí escuchando hip hop me daba todo el sentido. Fue entonces que retomé mi gusto y quise hacer algo como eso; me enamoré de nuevo del género, creo que es maravilloso.

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“ME DA MUCHO MIEDO CUANDO SIENTO QUE NO ESTOY EVOLUCIONANDO PORQUE PARA MÍ LO MÁS IMPORTANTE ES SEGUIR EXPERIMENTANDO CON COSAS NUEVAS.”

Nicolas jaar IF YOU CAN SEE SPACE IS ONLY NOISE Por Giorgio Brindesi Fotos: CortesĂa Nicolas Jaar

5 ÁLBUMES BÁSICOS DE NICOLAS JAAR Para entender el origen de la inspiración de un músico es necesario ahondar en las raíces de sus preferencias sonoras, solo así entenderemos los componentes que hacen de su sonido algo único y particular. En el caso de Nicolas Jaar no es diferente, estos son cinco álbumes que marcaron la carrera del artista de manera definitiva:

Nas - Illmatic (1994)

Terry Riley The Harp Of New Albion (1986)

DESDE SU CONCEPCIÓN WARP SE HA DIFERENCIADO POR SER UN MEDIO FUERA DE LO COMÚN, POR BUSCAR LLEVAR LO MÁS RELEVANTE DEL MUNDO DE LA MÚSICA A NUESTROS LECTORES EN CUALQUIERA DE NUESTROS OUTLETS (MAGAZINE, WEB Y TELEVISIÓN) Y, DE UN TIEMPO A LA FECHA, POR PRESENTAR EL ESTILO DE VIDA GENERADO ALREDEDOR DE ESTE ARTE SONORO. The Beatles - Revolver (1966)

Cat Power - The Covers Record (2000)

J Dilla - Donuts (2006)

A lo largo de estos primeros nueve años de vida hemos contado diversas historias: las de músicos y artistas de diversas disciplinas que triunfaron y que se convirtieron en referentes que al día de hoy marcan las pautas a seguir, las de aquellos que brillaron efímeramente y que después desaparecieron en la inmensidad de la oscuridad y las de quienes siguen luchando por comunicar su mensaje, aunque en ello se les vaya la vida. Por nuestras portadas han pasado personajes tan diversos entre sí a quienes parece que el único elemento que los une es la música

y sin embargo para nosotros es imposible no sentir un grado de unión y cariño con cada uno de ellos. Aunque el día de hoy nos sentimos más identificados que nunca, nuestra edición dedicada a la música electrónica se engalana con una portada que ostenta a uno de los artistas mas talentosos de la década. Hablamos de Nicolas Jaar, un joven neoyorkino de origen chileno que a sus 25 años está cambiando las formas de crear, entregar y consumir el género. Su acercamiento casi orgánico al techno y al house quedó plasmado

en su debut Space Is Only Noise (2011), cuyo sonido le ha ganado la admiración y el reconocimiento de consagrados de la escena y su perspectiva cósmica y psicodélica del sonido lo han puesto en algunos de los escenarios más importantes del mundo. Hace dos años Jaar le presentó al mundo otra de sus facetas sonoras, junto al multiinstrumentalista Dave Harrington (a quien conoció cuando ambos estudiaban en el a Universidad Brown) dio vida a Darkside, un proyecto en el que la electrónica experimental se

entremezcla con el ambient con resultados casi industriales. Aún así 2015 parece ser el año de la consolidación para el músico, de entrada está listo para presentar nueva música, misma que promete salir una vez más de los convencionalismos establecidos, para navegar por terrenos nuevos. Por otro lado Jaar está listo para montar shows en formato live act (de los cuales ya nos dio una muestra durante la fiesta nuestra fiesta de aniversario) que prometen dar de qué hablar en donde quiera que se presente.

pasaba si ponía un sonido con otro, esa era mi gran preocupación; después de eso le rogué a mi padre que me comprara un software llamado Reason y tras un año lo convencí de que era algo muy importante para mí. Ahí empezó todo, pero nunca pensé que era músico hasta que otros me dijeron que era algo que podía hacer en mi vida, no me di cuenta hasta que fui a la universidad para estudiar literatura; nunca me he visto a mi mismo como un músico, creo que soy más productor que otra cosa.

“CREO QUE TODO EL MUNDO TIENE SU SONIDO PROPIO Y ES LA COMBINACIÓN DE DIFERENTES COSAS, POR EJEMPLO, DE DÓNDE VIENES, LA MÚSICA QUE ESCUCHABAS DE PEQUEÑO Y LO QUE QUIERES DECIR DE TI MISMO O DEL MUNDO AL MOMENTO DE HACER MÚSICA.”

¿Cómo se dio esta evolución sonora y personal? ¿Cómo encontraste tu sonido? Pienso que muchas cosas han cambiado. Cuando empecé quería hacer hip hop y después me

cuando la escuchas se siente como de una religión que no conocemos, porque no es de este mundo. No digo que eso es lo que hago porque es muy difícil, casi imposible, pero me interesa mucho. Hablabas de que todos tenemos un sonido, pero no cualquiera tiene éxito, ¿a qué consideras que se debe el éxito de tu sonido? No tengo idea, eso es algo que no puedo definir porque no siento que haya un sonido mío, yo siempre estoy cambiando. Me da mucho miedo cuando siento que no estoy evolucionando porque para mí lo más importante es seguir experimentando con cosas nuevas; da un poco de miedo pensar que el éxito puede venir de un sonido que tuvo su momento y ya pasó.

Platicamos con él justo antes de que se embarcara en una de sus giras más ambiciosas y de paso, celebrara con nosotros. ¿En qué momento supiste que dedicarías tu vida a la música? Nunca lo supe, no fue algo que decidí, fue algo que simplemente pasó. La primera vez que hice algo con la música fue en iMovie, tenía como 13 años y estaba interesado en el sonido pero no sabía como hacer música, entonces empecé a poner diferentes sonidos en iMovie porque era el único software que conocía donde se podían mezclar, quería saber qué

Con el paso del tiempo, seguramente tu música ha sido influenciada de diferentes maneras, en tu caso puede ser la cultura chilena, la literatura, la poesía, etc. pero ¿tú a qué consideras que le debes el sonido que tienes? Yo creo que todo el mundo tiene su sonido propio y es la combinación de diferentes cosas, por ejemplo, de dónde vienes, la música que escuchabas de pequeño y lo que quieres decir de ti mismo o del mundo al momento de hacer música. Creo que todo el mundo tiene un sonido único, la gente que no lo tiene es porque decide no hacerlo.

interesó la electrónica minimal (pero como muy dark y droggy), era el sonido que me llamaba la atención, la clase de sonido que asustaría a las personas si estuvieran en drogas; de eso me fui a algo más psicodélico, me interesaban los sonidos con más color, ya no solo los blancos y los negros, ahí fue cuando empecé con Darkside (mi proyecto más rock and roll y psicodélico, como de los setenta). Los últimos 7 meses me ha interesado la música más esotérica, como para rituales imaginados o de religiones que no existen; sé que suena un poco raro, pero es lo que me interesa, música que

¿Cómo definirías tu proceso de composición? Caos total. Un día puedo empezar con una grabación que hice en un estudio en Tokio, por ejemplo (porque cuando viajo me gusta ir a un estudio y hacer música, no precisamente para inspirarme por el lugar, sino para conocer gente nueva), otro con algo que hice en mi piano y ver si lo puedo poner en mi JUNO… No sé cómo explicarlo, simplemente es caos total. También tiene mucho que ver con si estoy en mi casa o en mi estudio, muchas canciones empiezan solo con mi computadora y las complico cuando llego a mi estudio, pero siempre es diferente.

Ahora que mencionas el JUNO, ¿tienes algún sintetizador que sea tu favorito? Siempre he utilizado mi JUNO 106, lo tengo desde hace nueve años, también me gusta mucho la 909, es una clásica, si quieres un excelente sonido y unos hi hats increíbles la 909 es lo más básico. Tengo una MSP, estos días estuve utilizando mucho mis compresores LA-2 y tengo una API como consola. Tengo muchas cosas que me gusta utilizar, varios mixers de los noventa que son muy malos, tienen una distorsión rara; pero siempre estoy tratando de encontrar nuevos sonidos por lo que trato de cambiar lo que estoy utilizando.

¿Prefieres más el equipo análogo que el digital para producir? No, para producir yo soy un gran fan de Ableton live, sin Ableton no podría hacer música, me gusta de una manera casi perversa, ¡este software me habla!, siempre estoy poniendo Ableton a través de cosas análogas, por eso es que son importantes para mí las máquinas análogas. ¿Respecto a la escena musical electrónica crees que viva uno de los mejor momentos o por el contrario? Creo que este tiene que ser uno de los mejores momentos, porque ahora hay más música electrónica que se está haciendo gracias a que cada vez más gente tiene acceso a tecnología de alta

calidad, pero al mismo tiempo me da un poco de tristeza que lo que se escucha de una manera más popular sean versiones simples, más comerciales de lo que uno puede hacer con todo lo que tenemos. Pasando a tu sello discográfico, Clown & Sunset, ¿cómo es la curaduría?, ¿cómo seleccionas a quién firmar? En verdad es mis pasión, por ejemplo, hace un año empecé a tocar en mis DJ sets una pieza de Lydia Lunch, ella es una mujer muy importante del movimiento no wave en Nueva York en los ochenta y hacía muchos performances tipo stand up; tiene uno que se llama ‘Conspiracy Of

Women’ (Berlín, 1990) donde en algún momento dice: “¿Por qué nací americana?”, es una pieza muy política y muy fuerte que me interesó mucho, por eso empecé a tocar ese speech durante mis sets y lo ponía con una música muy distorsionada. Un día la contacté para saber si estaba interesada en reeditar este material, están por cumplirse 25 años desde que hizo ese performance en Berlín y muchas de las cosas que dijo las sigues sintiendo como estadounidense, como americano. A ella le gustó mucho la idea y una de las próximas cosas que voy a sacar es un re-shoot de este speech que dio Lydia Lunch. Ese es un ejemplo, para mí todo es muy personal.

WHAT ELSE?

REVIEWS

THE DAY IS MY ENEMY The Prodigy Casete/ Cooking Vinyl

Tuvieron que pasar seis años para poder entrar a la cabeza de Liam Howlett y escuchar de nueva cuenta los incendiarios beats generados en su mente. Sin embargo, estamos lejos de siquiera insinuar que dicho tiempo haya sido un desperdicio, por el contrario, durante gran parte del lapso mencionado Howlett y su sequito de MC’s (evidentemente, integrado por Keith Flint y Maxim) ofrecieron una cantidad enferma de shows alrededor del mundo. No es de extrañar que el genio de Liam se fuera nutriendo de la experiencia que resulta montar un show como el de The Prodigy y al final, el monstruo creativo del músico lo llevó a trabajar durante dicha gira en hoteles, aviones y terminales, en el que sería el próximo álbum del proyecto. Para cuando entró al estudio la plancha estaba lista para dar a luz uno de los esfuerzo sonoros más rabiosos y extraordinarios en materia de música electrónica de nuestra era. The Day Is My Enemy es una placa que no se anda con rodeos

y desde el track uno (mismo que da título al material) deja en claro que durante poco menos de una hora estaremos frente a música que nos golpeara de frente y en la cara y que incluso en los momentos en los que parezca habrá cierto sosiego, habrá que andar con cuidado, porque los ritmos atormentadores y los sintetizadores violentos están a la vuelta de la esquina. Entre las joyas del álbum están el mencionado abridor (con sample de ‘All Through The Night’ de Ella Fitzgerald), que podría considerarse como un pequeño homenaje al sonido característico de The Prodigy, un riff de guitarra sólido crea el escenario perfecto para un tema que, al mismo tiempo, permite mover los pies y hacer head bang. ‘Ibiza’ es una crítica electro punk a la cultura DJ de dicha isla con la participación de la dupla Sleaford Mods. ‘Destroy’ es un extraño híbrido entre el sonido de Music for the Jilted Generation (1994) e Invaders Must Die (2009), con un resultado fresco y atrapante. ‘Beyond The

Deathray’ nos entrega un momento de calma y nos muestra una cara diferente de Howlett, una que no veíamos de The Fat Of The Land (1997), el preámbulo perfecto para ‘Rhythm Bomb’, el track más dance del disco en la cual la mano del joven Flux Pavilion resulta más que evidente. Sin embargo, un corte como ‘Wall Of Death’ es la prueba más contundente de la evolución musical de Howlett, quien otra vez demuestra estar un muy adelante en “el juego” de la electrónica; violencia sónica sustentada por la inteligencia de un maestro de la manipulación de las máquinas. The Day Is My Enemy se levanta como un ente potente y visceral en un mundo dominado por la música condescendiente y sumisa, demostrando que no todo está perdido y que aún quedan algunos engendros sonoros inconformes. - Diovanny Garfias

9.0

HAIRLESS TOYS Róisín Murphy Play It Again Sam / PIAS

Todos sabemos la importancia que tuvo la dupla Moloko (integrada por Róisín Murphy y Mark Brydon) en la década de los noventa, sobre todo al final, pero, ¿qué tan importante se ha vuelto la cantante como solista? A mediados de 2005 lanzó su debut solista Ruby Blue, con poco éxito y después nos presentó Overpowered (2007), una joya que demostró que todavía tenía el talento suficiente para sobresalir en la industria. Tras un descanso de siete años la irlandesa regresa con Hairless Toys, una de las placas más anticipadas de 2015. Avanzando entre cada una de las canciones podrán corroborar que este es su trabajo más obscuro, ya que escuchamos canciones melancólicas y sonidos perturbadores que, por momentos, en verdad logran capturar (de hecho algunos sonidos y estructuras emulan su labor junto a Brydon al inicio de su colaboración). ‘Gone Fishing’ y ‘Exploitation’ se levantan como los temas que más llaman la atención, gracias a su cadencia y a los conocidos talentos vocales de Murphy. Fuera de los mencionados el álbum se mantiene en un mismo nivel de ambición sónica, poco sorpresivo y estático. Sin duda Hairless Toys está reservado únicamente para los fans de Murphy. - Eduardo Martínez

SOUND & COLOR Alabama Shakes Arts & Crafts México

Hay que ser claros, Sound & Color no es la segunda parte de Boys & Girls (2012), la placa que colocó a la banda en las listas de hits, y de entrada esa es una de las cosas increíbles en el álbum. Definitivamente la potente voz de Brittany Howard sigue siendo el arma más poderosa del grupo, aunque en esta ocasión es indudable su progresión musical; los demás integrantes salen de las sombras para crear composiciones únicas y complejas, arrojando en el proceso los mejores temas de toda su trayectoria. En cuanto al sonido la seductora forma en la que desarrollan sus venas blues/rock solo es equiparable a la manera en que transgreden sus límites musicales. Se nota que la banda se puso el reto de escribir nueva música de un modo más creativo y efectivo. El resultado es un álbum divertido que tiene una gran energía y algunos momentos realmente especiales para los fans del R&B, el soul, el rock y en general de la música que no encaja perfectamente en un único nicho. No cabe duda que Alabama Shakes se está convirtiendo en una verdadera fuerza a tener en cuenta. - Priscila Núñez

8.5

7.2

EUROPEAN SOUL Citizens! Kitsuné

Tres años después de su disco debut, Here We Are, la agrupación londinense Citizens! llega con una segunda placa para dejar en claro que nunca que están y pertenecen al aquí y ahora.Para European Soul, Citizens! repite con la dirección de Alex Kapranos (Franz Ferdinand) en la producción, pero además invita a George Reid (Aluna George), quien explota más el lado pop y bailable de la banda. Aunque el material logra superar la “difícil” prueba del segundo disco, apenas sorprende con una ligera evolución en el sonido del grupo. De todos modos, los ingleses plasman un interesante collage de influencias y sonidos que fácilmente remiten a postales que grupos tan representativos como Queen, OMD, The Police y The Beach Boys se han encargado de guardar en nuestra memoria durante tantos años, convirtiéndose así en una de las apuestas más sólidas del momento del sello francés Kitsuné. El tema del disco es el romance en todas sus facetas y su calidad es tan uniforme que desde la primera escucha estarán tarareando los ritmos pegajosos de más de la mitad de los temas, misma cantidad con potencial para convertirse en sencillo. - Alejandro Altamirano

8.0

MG Martin Gore Mute / Casete

MG es el evocador álbum de música electrónica producido íntegramente por la leyenda musical Martin Gore, fundador y mente detrás de Depeche Mode. Se trata de un álbum enteramente instrumental, casi abstracto, que explora las venas más tranquilas de la música electrónica con gran éxito. En lugar de elaborar un tercer volumen de su serie de covers Counterfeit, Gore decidió crear un álbum que se escucha como la banda sonora de una hipotética película de ciencia ficción. Siendo consciente del poder que tiene la música más pura, como el gran compositor que es, Gore logra capturar toda clase de emociones, sin duda reflejo de la pasión que siente por el arte sonoro. La línea que sigue cada pista es muy diferente una de otra, aunque siguen una idea similar; incluso sin las poderosas letras que caracterizan su trabajo con Depeche Mode, todas desbordan talento. MG muestra la otra cara del polifacético músico, quizá el más grande logro del álbum es que suena exactamente a lo que esperas oír de alguien como Martin Gore, y aunque paradójicamente se aproxima a ser una mirada a su interior, el músico continua siendo un completo misterio. - PN

9.0

JAIME MAUSSAN —

I WANT TO BELIEVE Por Diovanny Garfias Foto: Rubén Márquez para WARP

“CREO ESTA ES UNA DE ESAS PRUEBAS QUE CON EL TIEMPO OBLIGARÁ A ACEPTAR QUE EN ROSWELL CAYÓ UNA NAVE, QUE FUERON RECUPERADOS SEIS CUERPOS DE SERES EXTRATERRESTRES –UNO DE ELLOS VIVO– Y QUE ESTAMOS ANTE UNA PRUEBA ABSOLUTAMENTE GENUINA Y REAL.”

En 1998 en Sedona, Arizona, en una casa apunto de ser demolida, se descubrió una caja con transparencias, entre ellas fueron encontradas algunas donde se podía ver a personajes como Bing Crossby, Clark Gable e incluso el General Dwight David Eisenhower (antes de ser presidente de Estados Unidos). Dichas transparencias Kodachrome fueron almacenadas por diez años más, hasta que en 2008 su contenedor de cartón fue afectado por la humedad hasta despedazarse. Entre ese compilado había dos que destacarían por la naturaleza de su contenido, en ellas se apreciaba lo que parecían ser seres de características no humanas. Tras una investigación se llegó a la conclusión de que las fotografías habrían sido tomadas en el periodo entre 1947 y 1949 y que probablemente correspondían a los cuerpos de seres extraterrestres que habían sido recuperados del incidente en Roswell, el mítico evento en el que se cree que una nave extraterrestre se estrelló en el desierto de Nuevo México y que el gobierno del país recuperó junto a los cuerpos de sus tripulantes. Hasta el día de hoy, a pesar de las declaraciones de militares retirados y de testigos directos e indirectos, no se han encontrado las evidencias definitivas que demuestren que el caso es verídico. Aquí es donde Jaime Maussan se suma a la historia, el periodista, quien con el paso de los años se ha convertido en un referente del tópico a nivel mundial, será el encargado de presentar dichos fotogramas el próximo 5 de mayo en el Auditorio Nacional de la ciudad de México, en el evento bE WITNESS. Según el propio investigador dichas evidencias no sólo autentificarán el caso Roswell, también servirán para demostrar que el fenómeno ovni y la visita de seres de otro mundo es real. Es este el tópico que no puso a charlar con el titular del programa de televisión Tercer Milenio. ¿Para empezar, cuéntenos, qué fue lo que lo llevó a recopilar y presentar evidencias del fenómeno extraterrestre? Las implicaciones que tiene, no se trata realmente de la parte espectacular o fantástica de lo que sería tener un encuentro con seres venidos de otros mundos, sino de las implicaciones reales, es decir, el ser humano tendría que

hacer una transformación total de su sociedad, de sí mismo, de sus valores y quizá esto nos llevaría a considerar la posibilidad de un mundo mejor. Al relacionarte con estos seres no podrías seguir siendo cómo eres, no te lo permitirían, no tendrías incluso cómo explicarlo, tendrías que adecuarte a los principios universales, que te aseguro, son muy diferentes a los nuestros; pasaríamos de ser adolecentes cósmicos a adultos cósmicos y eso es lo que tenemos que hacer. Si hubiera seres extraterrestres aquí ¿seguiríamos diciendo ‘yo soy mexicano, tú eres brasileño, tú eres panameño’, o representaríamos a un solo planeta?, ¿surgiría una necesidad de unirnos todos bajo el concepto de ser humano de la Tierra en lugar de pertenecer a nacionalidades distintas? Si nosotros llegáramos al planeta de estos seres, a poco nos preguntarían ‘ustedes humanos de la Tierra, ¿son del lado occidental, del oriental, o de dónde vienen?’ Yo creo que los seres que viajan a otro planeta representan a uno solo, a una civilización; no como en nuestro mundo, donde cada grupo tiene sus propios intereses y además dividimos los países, los defendemos y desarrollamos un concepto de nacionalismo falso, muy doloroso para los seres humanos. ¿Después de tantas investigaciones relacionadas con el tema cuál es el caso ovni que le parece el más destacado? Es muy difícil poder seleccionar un caso, cada uno tiene su encanto y su valor. Billy Meier porque fue el primero que produjo tal cantidad de fotografías en color que fueron acompañadas por testimonios, por ocho películas, por sonidos producidos por las naves, por metales, que fueron analizados por laboratorios. Creo que el caso de Billy Meier es un caso muy importante que rompió esquemas cuando se presentó, e hizo una serie de profecías que se han venido cumpliendo. Sin embargo, existen otros casos como podría ser el de Ron Noel, a quien le quitaron un implante que estaba transmitiendo al espacio exterior y además tenía energía, ¿cómo puedes tener un objeto que ha estado ahí por décadas, en tu cuerpo y que aún tenga energía?, ¿cómo se alimenta? ¿por qué actúa con inteligencia?, que lo quieras quitar y se vaya introduciendo evitando que lo quites; hay varios factores que también le dan una importancia a ese caso. Por tanto no se puede decir cuál es más importante, en el conjunto creo que es muy importante lo que ocurre en Inglaterra, los círculos (crop circles), o los mensajes que se están plasmando ahí, el

ROSWELL El caso Roswell es considerado por muchos ufólogos como el acontecimiento más importante en la historia de los ovnis. La historia comienza la primera semana de julio de 1947, cuando varios granjeros de la localidad de Roswell, Nuevo

Foto: Luis Vidal

México, aseguraron haber escuchado en la noche, durante una tormenta, una fuerte explosión, aunque el sonido era completamente diferente al de un relámpago. El objeto desconocido explotó, produciendo extraños escombros en una finca rural propiedad del ganadero Mac Brazel. El área fue inspeccionada por militares de

fenómeno de los sonidos (hum) me parece también muy importante. Hay muchos más, incluso algunos que hemos vivido de manera personal, entonces creo que es muy difícil distinguir y darle relevancia a unos casos sí y a otros no.

la base local y más tarde bloqueada. Días después la Fuerza Aérea de los Estados Unidos anunció haber recuperado una nave extraterrestre en la zona, horas después rectificaría, anunciando que se trataba de un globo meteorológico, una versión que cambiaron al menos en cuatro ocasiones distintas. Diversos investigadores del fenómeno ovni creen que en realidad fue una nave extraterrestre la que se impactó en aquella noche y que tanto los restos de la nave, como los cadáveres de sus tripulantes fueron recuperados por el gobierno y sometidos a estudios para beneficios propios.

Hablando de relevancia ¿cree que los fotogramas que presentará serán tomadas con la debida seriedad? Me parece que es una evidencia contundente, se ha demostrado que las fotografías son de entre el año 47 y 49, si no se pueden falsificar y presentan un ser que es no humano, entonces ¿qué van a decir? Van a tratar de decir que es algo distinto, que es una momia, que es un niño, pero cuando los expertos digan que no, que esto no humano, ¿qué va a ocurrir? ¿Se va a seguir tapando el fenómeno, le van a tratar de echar tierra?, porque hasta el momento todos los análisis que se le han hecho han demostrado que son auténticos, que son genuinos, que presenta seres de características extraterrestres

que fueron captados en nuestro mundo, por tanto, estas imágenes son trascendentales y van a iniciar un juicio histórico hacia este fenómeno. ¿Desde su perspectiva cuánto tiempo cree que pasará antes de que se acepte el hecho de que hay vida inteligente en otras partes del universo y que visita nuestro planeta desde hace años? Es una muy buena pregunta. Yo esperaría que en diez años, quizá 20, el gobierno se vea forzado, especialmente el de los Estados Unidos, a abrir el fenómeno; no lo va a hacer voluntariamente, se va a negar hasta que no tenga otra posibilidad mas que aceptarlo, en ese momento el mundo, con sorpresa, va a descubrir que nos han mentido durante mucho tiempo. Va a haber consecuencias muy graves, la credibilidad va a bajar muchísimo, pero creo que finalmente es algo que va a ocurrir, sin importar qué; ojalá suceda antes que después, porque entre más tiempo pase y más mentiras digan, la sociedad les va a creer menos.

ENGLISH FEATURES —

NICOLAS JAAR PG. 84 TIDAL PG. 86

084

NICOLAS JAAR IF YOU CAN SEE SPACE IS ONLY NOISE By Giorgio Brindesi

Since its conception WARP has differentiated by being an uncommon media outlet, for taking to its readers the most relevant of the music world in every media (magazine, web and television), and, since a while ago, for introducing the lifestyle generated by this sonic expression of art.

deeper places. On the other hand, Jaar is ready to play live act shows (which by the way, he played in our anniversary party) that will surely create expectation wherever he goes.

Over this first nine years of existence we have told several stories: of the musicians and artists who succeeded in a variety of disciplines and eventually became in references that set standards up to the date, as well as the stories of those who shone fleetingly and then disappeared into the vastness of darkness and, of course those who are still struggling to communicate their message, even though it may take them a lifetime. Our covers have been shared by diverse characters, who seemed like the only thing they have in common is the music, and yet, for us is impossible not to feel attached and love for every single one of them.

When did you realize that you wanted to dedicate your life to music? I never knew it. I didn’t decide it; it was something that just happened to me. The first time I did something with music was in iMovie, I was like 13 and I became really interested in sound, but I didn’t know how to make music, then I began playing different sounds on iMovie because it was the only software I was familiar with to mix music. I was curious about playing sounds in layers, that was my biggest concern; shortly after, I beg my father to buy me a software called Reason and after a year I convinced him that it was very important for me. That was it all began, but I’ve never thought I was a musician until others told me that I could make a living out of it, I didn’t realize until I went to college to study Literature; I’ve never considered myself as a musician, I think I’m a producer than anything else.

Today we feel more identified than ever. Our new issue, dedicated to electronic music, is adorned with a cover that displays one of the most talented artists of the decade. We’re talking about Nicolas Jaar, a young new yorker with chilean ascendance who on his 25 is changing the way of creation, delivery and consumption of the genre. His almost organic approach to techno and house was impregnated in his debut Space Is Only Noise (2011), which its sound has earned recognition and admiration by established artists of the scene, and his cosmic and psychedelic perspective of sound has placed him on the most important stages of the world. Two years ago, Jaar introduced to the world another of his sonic faces, among the multiinstrumentalist Dave Harrington (whom he met when both of them were studying at Brown University) he created Darkside, a project where experimental electronic meets ambient, with almost industrial results. Although 2015 seems like the day of consolidation for the musician, for starters, he is ready to show us new music, which promises to be out of established conventionalism to sail into

We talked to him before he started one of his most ambitious tours.

Over the time, your music has been influenced in many ways, in your case it could be Chilean music, literature, poetry, etc… but, ¿Where does your sound come from? I think everyone has their own sound and it’s the combination of different things, for example: the place where you were born, the music you used to listen as a kid and the stuff you want to say about yourself or about the world when you create music. I think everyone has a unique sound; the people that don’t have it are those who decided not to do it. You say that we all have a sound, but not everyone is successful, ¿Why do you think your sound is successful? I have no idea, that’s something that I can´t define, because I don’t think that I have a sound on my own, I’m always changing. I’m really afraid when I feel like I’m not evolving, because to me, the most important thing is to keep on experimenting with new stuff; I get kind of frightened

when I think that success might come from a sound that had its moment and it’s over. How could you define your creative process? Total chaos. One day I can start with a recording I made in a studio, in Tokyo, for example (because when I travel I like to go to a studio and make music, not exactly to find inspiration in the place but to meet new people), it could be something I created on my piano and see if I can put on my JUNO ... do not know how to explain, it’s just total chaos. It also has much to do with whether I’m at home or in my studio, many songs begin with me, alone with my computer and made them complicated when I get to my studio, but it’s always different. Speaking of the electronic music scene. Do you think that this genre is experiencing one of its best moments or perhaps the opposite? I think this has to be one of the highlights, because now there is more electronic music being made thanks to the access that many people have to high-quality technology, but at the same time it makes me sad the fact that the most popular stuff are just simpler versions, more commercial of the things that we can do with everything we have. About your label, Clown & Sunset, How do you decide who to sign? That’s my real passion, for example, a year ago I started playing in my sets a track from Lydia Lunch, she is a very important woman in the No Wave movement in New York during the 80’s, she used to do stand up performances, she has one called ‘Conspiracy of Women’ (Berlin, 1990), where at some point she asks “Why was I born American?”, it’s a very political and a very strong track that I found very interesting, that’s why I began to play that speech in my sets and I played it along very distorted music. One day I contacted her in order to know if she was interested in releasing that material again, it’s nearly 25 years since that performance in Berlin, and you keep feeling identified with many of the things she said about being American. She loved the idea and one of the next things I’m going to release is a re-shoot of Lydia’s Lunch speech. That’s just an example, to me it’s really personal.

TIDAL A STRANGE CASE OF STUDY By Paul Stokes Pic by Ben Barker

With streaming combing video and audio, high-end quality on a large-scale and the possibility of luring mainstream fans away free ad-funding with exclusive editorial, Tidal could transform the way the world streams music.

ads, is still only razor thin after several years in business. So does Jay Z really expect Tidal to make such massive amounts of surplus cash “today” he can give it away in a more equitably than those who until recently have been making losses to get into business?

However you get the sense from the dozen or so pop, rock, rap and dance stars (wot no classical?!) who assembled for the streaming service’s relaunch press conference in New York last month, none of that was really top of their priorities.

Nah, he’s a smart guy and the truth is while Tidal may prove to be a wonderful service, for the artists present at the launch – all given a small amount of equity in business – its profits are not the priority.

That’s fair of course, if you create something you should get paid. It’s actually been a major selling point of platforms likes Spotify and Deezer – or indeed Tidal itself which began life as WiMP in Scandinavia – as a way to get musically digitally without ripping musicians off via dodgy torrents. But Tidal’s launch was more than just getting paid. It was about how much they should get paid. “Will artists make more money? Even if it means less profit for our bottom line, absolutely,” Jay Z told Billboard last month. “That’s easy for us. We can do that. Less profit for our bottom line, more money for the artist; fantastic. Let’s do that today.” Great, but what profits? The revenue of Spotify, arguably the most established service and with dual revenue streams of subscription and

Coldplay, one of those present in New York, have traditionally not allowed their new albums to stream until several months after release, yet you’d imagine the odds of the next Coldplay release appear on Tidal straight are good and then surely the implication to the other services is “if you make changes, you too can join the party”? Fair play to Jay Z, he’s made a good pitch like the shop floor steward of a union for millionaires. Tidal might become an amazing service that changes music, it might get sold off to a hardware manufacturer at a profit in a few years when he’s made his point… my question though is where do the fans figure in his thinking?

What this skyping of minds was all about was business and swagger. Business swagger. Rather than unveiling the service’s functionality with talk about recommender algorithms or curated playlists, Tidal’s launch was far more concerned with notes of a monetary rather than a musical kind. Artists and creator were gonna get paid – that’s was Jay Z’ message.

biggest artists as its founder members, plus the promise of “exclusive editorial”, this new service is a very powerful bargaining tool to its rivals: Play ball or we’ll take it home.

After a confused infancy streaming is finally coming of age. Everyone in the music industry agrees it is here to stay and so now it time to make some marks in the wet financial concrete before it hardens forever. It’s why Apple brought Beats By Dre and are launching it as a global iTunes for streaming; they can no longer rely on downloads alone if their hardware is to remain at the cutting edge. It’s why Taylor Swift pulled her albums from Spotify yet allows them to appears on subscription services; her management are playing hardball for greater controls on where music goes and a bigger cut. It’s decision time for streaming and Tidal is a very strong nudge to all the other streamers out there. As Jay Z explicitly said, “It’s not me against Spotify… We’re not forcing anyone to do anything, we’re just introducing ideas”, but with a genre-spanning collection of the world’s

The music industry is in a financial mess because in the late 1990s and early 2000s it ignored its consumers. It charged too much for records and ignored the fact people wanted to download music to play on their new MP3 players, cue Napster and the rest. Ultimately the Tidal launch came across as a bunch of rich people telling us they wanted to remain rich. If Tidal is going to work either as a business or a stalking horse they need to encourage and reward their customers to adopt new ways by engaging with them. Fans like ad funded free services, they’re convenient, so you need to give us a better reason to engage with premium content, Miss Swift, rather than bully us into doing it. Tidal’s talk of exclusive editorial could be it (though equally some new music discovery wouldn’t go amiss). So I would suggest to Jay Z and co the next time you talk Tidal talk about benefits for fans rather than your “bottom lines”… oh and don’t stand Madonna next to Deadmau5 again, that was just weird…

ENCORE

Pic: Bettmann/Corbis

THE FATHER OF ELECTRONIC MUSIC Widely recognized as one of the main influences of the music of the 20th century, Edgar Varesé is known as the father of electronic music, thanks to his conception that describes sound as a living matter in an open space that doesn’t have boundaries. Varesé posed the question: “What is music but organized noises?” that gave him the nickname “The stratospheric Colossus of Sound” thanks to all his contributions that forged music as we know it.