WARP Magazine 55 by WARP MAGAZINE

No.55

The Next Step

PHOENIX FEATURING:

FOALS | SILVERIO | YOUTH LAGOON y +

WARP Magazine, S.A. de C.V.

WARP Magazine

GUARP

Diseñador de Audio

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Editora GUARP

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Editor en Jefe

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COMERCIALIZACIÓN Y PUBLICIDAD

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Dirección de Estrategias Comerciales

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Eduardo Montes

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Columnistas

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@mariblessmann

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ADMINISTRACIÓN

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Rubén Márquez

Administración y Finanzas

@SrFlavioOficial, Joselo Rangel

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Mauricio Navarro Gonzalo Martínez

(Café Tacvba), Marc Dorian (Dorian) @marcdorian, Eduardo Guillot

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Contadora

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Colaboradores Elsa Núñez, Javier Cuellar, Fernando Bastida, Michelle Apple, Raúl Arce,

ARTE Y DIGITAL

Legal

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Dirección de Arte

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Asistente de Diseño

Editor en Jefe WARP.la

Eduardo Martínez

Paco Sierra @pacosierra

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WARP es un producto de:

Sergio Gálvez Asistente Editorial

@kamikaze_galvez www.sentido.com.mx

Giorgio Brindesi @giorgiobrindesi

Fotografía y Retoque

Rubén Márquez

*A partir del día 15 de cada mes puedes ver GRATIS la revista completa en línea a través de: warp.la/magazine Contacto: Mail: magazine@warp.com.mx

Director General / CEO

Alejandro Franco Fernández

Colaboradores Abraham Huitrón, Gastón Espinosa, Julia

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Alejandro Escobedo

Director de Estrategias Comerciales / CBO

Pairone, Carlos Rodríguez

@aalkz

Eduardo Montes

© WARP Marca Registrada ®. Año V No.55 Fecha de Publicación 29-03-2013. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en EDITOPOSTER, S.A., Salvador Díaz Mirón 156, Colonia Santa María la Ribera, México, D.F. Distribución Nacional e Internacional de INTERMEX. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

editorial

LA EXPLOSIÓN DEL

ESTÉREO

Por: Li Saumet (vocalista de Bomba Estéreo) Foto: Sergio Gálvez para WARP

La base fundamental de Bomba Estéreo siempre ha sido la combinación de elementos y la experimentación. Nuestra idea ha sido mantener una propuesta nueva y refrescante. Así nace Elegancia Tropical (2012) un disco que quisimos mostrar con un sentido un poco más global y que representó para nosotros la prueba creativa más importante en nuestra carrera, hasta el momento. Antes de su lanzamiento teníamos mucha presión, de si debíamos hacerlo de un modo o de otro; sin embargo, nos causó mucha felicidad lograr un material a nuestro propio gusto y que, además, la gente lo recibiera tan bien. Desde que empezamos con la banda nos hemos mantenido independientes y coherentes con nuestros ideales, tratando de vernos reflejados en nuestra música, por lo que la aceptación del público en

países y escenarios en los que antes era casi imposible nos coloca en un momento importante, tanto para nosotros como proyecto como para la música latina; este periodo de tiempo preciso en el que el mundo nota la valía de nuestros ritmos. La creación y salida de nuestro segundo disco -pues el primero era más un proyecto de Simón-, fue sin duda un momento importante, decisivo, en el que no sabíamos la reacción que el público pudiera tener y que ahora podemos ver a la distancia con la tranquilidad que nos da la buena respuesta de la gente. Ahora lo que haremos es trabajar, salir al mundo a mostrar nuestra más reciente producción y continuar haciendo arte; la idea es desarrollarnos como un gran proyecto que genere cultura y apoyar al crecimiento de la escena.

silencio por favor

Editors Por: Karina Luvián / Fotos: Cortesía Editors

“HE HABLADO POR MUCHO TIEMPO DE MI AMOR A BANDAS AMERICANAS COMO R.E.M. Y ARCADE FIRE, Y ES EL TIPO DE SONIDO QUE NUESTRAS NUEVAS CANCIONES SEGUIRÁN (…)”. -TOM SMITH

esde la salida de In This Light And On This Evening, en 2009, Editors ha vivido cambios significativos en su alineación y, quizá por ende, en el sentido musical que tomará, de cara a la realización de su próxima placa. Fue en los primeros meses de 2012 cuando se anunció que Chris Urbanowicz dejaría a la agrupación, decisión que respondía totalmente a diferencias “en la dirección de su futuro musical”. Luego de esto Tom Smith, Russell Leetch y Edward Lay recibieron a Justin Lockey (guitarra eléctrica) y Elliot Williams (teclados), siendo complemento perfecto para ingresar al estudio, en Nashville, dirigidos por Jacquire King en la producción. Hasta el momento no se conoce demasiado sobre el cuarto material; lo que es un hecho es que el sonido irá mucho en la dirección del sonido americano: “Editors Phase 2”, de acuerdo con Russell Leetch.

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the main review REVIEWS

The Next Day

David Bowie / Columbia, Sony Music / 2013

9.4

Calificación

l siglo pasado nos regaló un conjunto reducido de músicos que lograron colarse a la memoria colectiva de quienes habitamos el planeta Tierra; artistas en toda la extensión de la palabra, cuya obra trascendió los límites de su disciplina, extendiéndose infecciosamente e invadiendo cada sistema virgen del pensamiento con el que tenían contacto. Desafortunadamente, los años se han encargado de privarnos del genio de estos exponentes, dejándonos sólo con el recuerdo de su trabajo, que podrá perdurar durante generaciones pero que al final termina siendo sólo eso: una memoria. Partiendo de la reflexión anterior, no es de extrañar que David Bowie se haya convertido en uno de los músicos más añorados de los últimos 10 años. Su álbum Reality (2003) y las reediciones de sus trabajos clásicos eran los últimos vestigios del veneno de aquella araña de Marte —ente multidimensional—, que durante décadas nos regaló sonoridades que cuestionaban la vanguardia y los cánones establecidos. Que el pasado 08 de enero hayamos despertado con la noticia de un álbum de música inédita de Bowie en camino fue tan sorpresivo como asombroso, pues había pasado los últimos meses en el estudio con su colaborador y productor de siempre, Tony Visconti, preparando su regreso al espacio sónico, y el resultado terminó siendo el objeto que hoy nos ocupa. ¿Qué pasaría con aquel tipo que se había reinventado musical y visualmente en más ocasiones de las que podemos recordar? ¿Esta nueva placa estaría a la altura del músico que

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nos entregó The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars (1972) y la trilogía berlinesa? ¿Valdría la pena bajar del pedestal a la leyenda y ponerlo hombro con hombro con los músicos que hoy habitan nuestra superficie terrestre? La respuesta a estas tres preguntas es un rotundo sí. The Next Day es una prueba de que la genialidad, cuando se encuentra grabada en lo más profundo del ADN, perdura en el tiempo. La ausencia de Bowie en el terreno musical durante años termina siendo un dato meramente referencial, pues estamos frente a una placa que continúa con lo iniciado en Heathen (2002) y Reality, sin alimentarse de alguna corriente musical en particular, lo que hace de su sonido algo único, engendrado totalmente en el fondo de cada neurona de su autor. En el tema que da título al disco encontramos el espíritu de aquel visionario, maravillado por la agresividad de la década de los noventa, mientras ‘Where Are We Now?’ nos pone frente a frente con la sensibilidad del creador de temas como ‘Survive’ o ‘Aladdin Sane’. Para cuando llegamos a ‘(You Will) Set The World On Fire’ es difícil no viajar a 1980, cuando Scary Monsters (And Super Creeps) regía la radio. Fino, potente, apasionado y plagado de sinceridad: The Next Day es el esperado regreso de un hombre cuya obra difícilmente dejará de sorprendernos. -Diovanny Garfias

Presentan las Coberturas Internacionales WARP 2013 y te llevan a los Festivales:

Festival en Indio, California / USA.

Festival en Barcelona / España.

Festival en Chicago, Illinois / USA.

Festival en San Francisco, California / USA.

19 al 21 de abril.

22 al 26 de mayo.

02 al 04 de agosto.

Festival en San Francisco, California / USA. 09 al 11 de agosto.

Festival en Austin, Texas / USA. 11 al 13 de octubre.

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19 al 21 de abril.

02 al 04 de agosto. 09 al 11 de agosto.

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REVIEWS

7.4

8.9

Calificación

Wondrous Bughouse

Bankrupt!

Youth Lagoon / Arts And Crafts México / 2013

Phoenix / Warner Music / 2013

Un fascinante viaje comienza en cuanto suena ‘Through Mind And Back’, pieza que abre el segundo LP de Youth Lagoon. En este nuevo trabajo, el músico estadounidense, de apenas 22 años de edad, supera The Year Of Hibernation (2011), el álbum que lo dio a conocer, brindándonos pasajes sonoros que envuelven los sentidos en una esquizofrénica sicodelia. Entre los tracks destacados encontramos ‘Mute’, la cual expresa todo excepto lo enunciado en su título, pues el sonido conduce a reacciones fulminantes; en ‘Dropla’, por su parte, el ambiente sobresale por su delicadeza y versatilidad; mientras que las guitarras y los sintetizadores en ‘Pelican Man’ se unen a la voz de tal modo que crean un escalofriante himno espacial. Así, con sólo 10 canciones experimentales Trevor Powers reitera que va en el camino adecuado para ser un referente en la escena. -Fernando Bastida

Desde Wolfgang Amadeus Phoenix (2009), el grupo francés no tiene nada que demostrar; quizá esa sea la razón de que su nuevo disco, Bankrupt!, suene tan bien. Phoenix no quiere engañar a nadie y, a través de 10 temas, mantiene su sonido de rock alternativo combinado finamente con coros pop y pinceladas electrónicas. Bankrupt! es una colección de temas perfectamente integrados en arreglos vanguardistas, que poco a poco atrapan en una atmósfera bailable; característica ineludible de las composiciones del grupo. También hay momentos instrumentales, como el tema que le da nombre al disco, el cual rompe con el esquema de la placa para brindarnos una ráfaga de beats que nos preparan para un relajado y nostálgico cierre. Phoenix lo ha logrado de nuevo: han dejado claro que ya son un grupo grande. -Alejandro Altamirano

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9.0

Calificación

Delta Machine Depeche Mode

Columbia Records, Sony Music / 2013

Reinventando su sonido, sin dejar de ser fiel a su historia. Ese es el espíritu que se percibe a lo largo de Delta Machine, pues la triada dejó atrás lo hecho en Sounds Of The Universe (2009) para retomar cierta influencia de Violator (1990) y Songs Of Faith And Devotion (1993) y crear algo nuevo. La forma en la que Ben Hillier toma las composiciones de Martin Gore, e incluso las de Dave Gahan, para dotarlas, de ser necesario,

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de sustancias electrónicas u orgánicas, es uno de los grandes aciertos de este trabajo. Temas como ‘Angel’ o ‘Goodbye’ son un gran ejemplo del matrimonio de la guitarra de cantina con la tecnología sonora de avanzada. Cuando una banda de la relevancia de Depeche Mode graba una placa como esta, queda claro que renovarse sonoramente jamás pasará de moda. -Michelle Apple

REVIEWS

The 20/20 Experience

7.6

Calificación

Justin Timberlake / RCA Records, Sony Music / 2013

“Visualizar la música” es el arriesgado concepto que Justin Timberlake propone en su regreso a los escenarios, tras casi siete años de ausencia, aunque en este, su tercer larga duración —que una vez más cuenta con Timbaland en la producción—, hay un problema que difícilmente se puede pasar por alto: la conjunción del amplio espectro de sonidos que decidió manejar. Sin embargo, dentro de los diez temas encontramos algunas perlas que destacan, como ‘Suit & Tie’, elegante R&B junto a Jay-Z; ‘Pusher Love Girl’, una cadenciosa melodía pop, y ‘Mirrors’, balada apoyada en sintetizadores y en la calidez de frases como “Yesterday is history/Baby, keep your eyes on me”. Este disco, que toma su nombre de la perfección visual del test de Snellen, terminará siendo bien recibido y, aunque no es tan completo como lo hubiéramos imaginado, servirá para enterrar de una buena vez su paso por ‘N Sync y llevar al intérprete a diferentes escenarios del mundo. -FB

7.8

7.2

Calificación

5.5

Calificación

Invisible Life

Welcome Oblivion

Comedown Machine

Helado Negro / Arts And Crafts México / 2013

How To Destroy Angels /

The Strokes / RCA Records / 2013

Columbia Records, Sony Music / 2013

La nueva producción de Roberto Lange, mejor conocido como Helado Negro, llega para develar uno de los secretos mejor guardados de este 2013. Con una mezcla de dream pop, lo más sofisticado del chill wave y un folk electrónico de primera, Helado Negro parece ser justamente el material fresco que la industria necesitaba. Algo que llama la atención desde el principio es el perfecto manejo que el señor Lange hace de las múltiples colaboraciones (Jon Philpot, de Bear In Heaven; Jan St Werner, de Mouse On Mars; Devendra Banhart, Matt Crum y Eduardo Alonso), haciendo que todo el material mantenga una armonía pero, al mismo tiempo, logrando que cada canción tenga un sello único. Invisible Life no cambiará la vida de nadie, pero sin duda es una de las grandes sorpresas del año. -AA

012

Luego de escuchar An Omen EP (2012) no era difícil imaginar qué dirección seguiría el álbum debut de How To Destroy Angels. Welcome Oblivion es una extensión musical del trabajo desarrollado entre Trent Reznor, Atticus Ross, Mariqueen Maandig y Rob Sheridan, suerte de colectivo donde la música y el arte conviven en un solo mundo. Estamos frente a un ente sonoro cuya personalidad está definida por la calidad de la producción que carga, más no por la consistencia de los temas, que bajo mantos experimentales alcanzan a emocionar al escucha, sin llegar a un clímax épico. Al parecer, el trabajo de este grupo deberá sufrir una evolución, quizá influenciada por las presentaciones que están por ofrecer; por ahora, sin embargo, parece que el esfuerzo se quedó corto. -MA

Un engañoso riff de guitarra, seguido de un sonido synth pop/funk que permea todo el disco, es como inicia la quinta producción de la banda neoyorkina; un clavado profundo a los años ochenta que lo único que hace es colocarla en el limbo, sin intención de acercarse al sonido de Is This It? o de mostrar una propuesta real. Si bien con su debut fueron parteaguas de una nueva etapa en la música, ahora lucen extraviados, sin que este disco signifique algo en en la oferta musical actual o siquiera en la consolidación de su sonido -si es que éste siquiera existió-. Básicamente, lo que permea esta placa son sonidos fáciles, llenos de atmósferas bailables que transcurren sin exaltación, exceptuando ‘Call It Fate, Call It Karma’, por llevarlos a espacios sonoros no experimentados por la banda. -Esther Sánchez

hot hot hit

TYING TIFFANNY

Por: Michelle Apple Foto: Filo Baietti

Esta italiana originaria de Padua, comenzó a ganar atención gracias a su álbum debut Undercover (2005) que la colocó como una de las promesas del electroclash, gracias a su particular fusión de éste con ritmos como el gothic, el EBM y el industrial. Tras compartir escenario con Iggy Pop, Buzzcocks, The Rapture y Alec Empire, y crear junto al productor Lorenzo Montana el proyecto T.T.L. (Through The Lens), la artista se declara lista para promocionar su nuevo material, el EP One (2013) disponible desde marzo.

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Digitalism A NEW DRUG Por: Raúl Arce

Foto: Tom Oaxley

La escena musical alemana se ha distinguido, a lo largo de la historia, por su carácter ecléctico y propositivo, donde es posible encontrarse con géneros que van desde el kraut hasta el metal, aunque una parada obligada en ese abanico de estilos, sin duda, es la electrónica. Sobra mencionar la referencia del cuarteto más famoso de Dusseldorf aunque, más allá de su innegable aportación a la música electrónica, hemos sido testigos del surgimiento de nuevas propuestas provenientes de ciudades como Berlín, Múnich y Hamburgo. Y es precisamente en esta última metrópoli, ubicada en el norte de Alemania, donde Jens “Jence” Moelle e Ismail “Isi” Tüfekçi crearon los primeros beats para Digitalism, proyecto que les ha permitido presentarse en algunos de los escenarios más importantes del mundo, además de colocar su música en bandas sonoras de videojuegos, películas y series de televisión. El dueto visitó por segunda vez la Ciudad de México y horas antes de subir al escenario del Auditorio BlackBerry WARP Magazine tuvo la oportunidad de conversar con ellos… ¿Cómo se dieron cuenta de que querían dedicarse a crear música electrónica? Jence: Probablemente ya tenía la inquietud, pero al principio no me di cuenta. Empecé grabando del radio todo lo que podía y, cuando llegaron los CDs, quemaba mucha música. Al poco tiempo ya estaba mezclando como DJ y ahí fue cuando mucha gente nos descubrió. Creo que, de un pasatiempo, pasó a ser una actividad profesional, lo que por otra parte sucedió de una manera muy natural, pues cuando empecé a crear música simplemente se sintió bien. Estudié leyes en la universidad, pero después de que iniciamos Digitalism ya no tuve tiempo de continuar y, para ser honesto, me sentí feliz cuando lo dejé… ¡Y no es algo que recomiende! No me malinterpreten: estudiar está muy bien, pero creo que esto fue lo mejor para mí. Ustedes hacen música electrónica que es bien recibida por gente que quizá es más cercana a géneros como el rock. ¿A qué creen que se deba esto? J: Mis padres, por ejemplo, gustan de escuchar la música que hacemos y ellos no escuchan música electrónica, pero son sumamente críticos de nuestro trabajo, lo que es una buena señal. Creo que nuestra música es más accesible porque ponemos mucha atención a la estructura de las canciones y

tratamos de mezclar elementos de otros géneros, como el rock, así que no es sólo música de DJ. Hicieron un disco para la serie DJ Kics, de K7. ¿Qué nos pueden decir de esta producción? J: Hicimos el disco el año pasado, lo que fue sumamente importante para nosotros, pues nos llevó de regreso a nuestras raíces como DJs. Fue un gran honor que nos invitaran a hacerlo; fue el cierre perfecto para un ciclo de dos álbumes y una recopilación de remixes. Y es que nos dio la oportunidad de mostrar nuestro espectro musical, fue como un portafolio musical de Digitalism. Además, incluimos dos canciones que ya teníamos pero que no habíamos podido incluir en nuestro último disco. Esta es la segunda vez que vienen a la Ciudad de México. ¿Cómo se sienten de estar de regreso? Isi: Siempre es bueno estar de vuelta en un lugar en el que ya tocaste; además, el D.F. siempre es un placer. Ahora que veo el recinto, me sorprende lo grande y bonito que es. Nunca pensé que tocáramos en un lugar con tanta capacidad. ¡Me encanta! ¿Cómo podrían describir un concierto de Digitalism? I: ¡Energía, energía y más energía! De cualquier forma creo que es muy subjetivo, ya que tratamos de envolver a la gente con la música y los visuales: es todo un concepto. Por otro lado, la mezcla de nuestras raíces musicales —indie, dance, techno— ofrece una experiencia muy distinta y, por lo que he visto, la gente se pone a bailar de manera casi inmediata. Tenemos la percepción de que hay una gran escena de música electrónica en Alemania… ¿Es correcto? I: En realidad, si buscas en el pasado de la música alemana te vas a encontrar con cosas muy tecno, como Kraftwerk, y un poco de house. En términos generales, creo que la escena alemana es predominantemente electrónica. Sin duda Kraftwerk es una de las aportaciones más grandes de Alemania. ¿Qué viene para Digitalism? I: Lo que sigue para nosotros es regresar al estudio y producir, quizá sacar un nuevo disco que nos haga felices a nosotros y, por supuesto, a nuestro público. Ya veremos…

> Raúl Arce es Editor de Contenidos en Gamebox.la, puedes leer su entrevista con Bloc Party en WARP #54.

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Cocovan Por: Javier Cuellar

Foto: Cortesía Prescription PR

Parisina, amante de las películas de Disney y de los sintetizadores, hija de un músico iraní y de una francesa, Cocovan, de 24 años, es una virtuosa que desde niña aprendió a tocar la flauta y el violín. A los 15 ya tocaba la guitarra y a los 17 conoció a Florian Dubos —de la banda francesa Kyo—, su más importante influencia y colaborador, con quien grabó sus primeros demos. Tras haber entendido la escena nocturna parisina fusionó las enseñanzas sonoras de New Order con el pop folk noventero —reminiscente a Alanis Morisette, Lauryn Hill y hasta Coldplay—, definiendo así su propio estilo. De esta forma,

LINK: www.iamcocovan.com / @iamcocovan

Cocovan nos presenta una propuesta electropop con tintes galos, totalmente percibidos desde el momento en que se escucha ‘Roosevelt Hotel’, el primer sencillo de su EP Data Image (disponible de manera gratuita en su sitio oficial). Su estilo visual, inspirado por Bowie y Lady Gaga, la ha llevado a trabajar de la mano de diseñadores como Jean Paul Gaultier, Serge Lutens y Thierry Mugler, creando un universo donde el pop se funde con la magia, entrelazando lo fashion con la fantasía. Actualmente prepara su segundo EP y parece que en 2013 dará mucho de qué hablar.

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Dapuntobeat LA NECESIDAD DE CAMBIAR Por: Eduardo Martínez

Foto: Cortesía Dapuntobeat

Su música -que va del funk al electro rock- los ha llevado a formar parte de diversos festivales internacionales, mientras que sus presentaciones enérgicas invocan al público a ocupar la pista de baile y no abandonarla hasta que las piernas se conviertan en polvo. Hablamos de Dapuntobeat, que para 2013 presenta su tercera producción discográfica, I/O. WARP Magazine desmenuzó y devoró la placa previo a platicar con la banda; a continuación el resultado...

Es un álbum que fue manejado en dos partes temáticas... JM Salinas: El disco fue partido en dos, ya que teníamos canciones nuevas que no entraban en nuestro reflejo musical. Es ahí donde pensamos en darnos la oportunidad de realizar un disco que contara con dos momentos: uno donde se plasman canciones más íntimas, con voces y coros (I), y otro donde los temas te harán salir a la pista de baile (O): allí sale la excusa perfecta para editarlo en vinil, contando así con los dos lados físicos: in/out.

¿Cómo ha evolucionado el sonido de Dapuntobeat desde su última entrega? Ry Machado: Yo diría que de manera exponencial, ya que todos nuestros discos han tenido buenos momentos. En este disco, por ejemplo, incluimos canciones con voz, coqueteando con la composición. Todo lo que hemos vivido, junto con las influencias de cada uno, ha logrado amalgamar nuestra esencia y desde Velodrom hasta I/O nos hemos ido conociendo mejor, tenemos un mejor vocabulario y empezamos a dialogar mucho entre nosotros, lo que se refleja en el disco, acercándonos cada vez más a nuestra obra suprema.

¿Cómo nace la idea de hacer una canción con Javiera Mena (‘Necesito Cambiar’)? Oliver González: Los primeros vínculos con Javiera fueron con Ry y José, cuando tocaron en vivo aquí en México. El acercamiento fue creciendo poco a poco, logrando forjar el eslabón entre nosotros. Javi nos comentó que le gustaría armar una rola con nosotros y le mostramos lo que teníamos en el momento, la empezó a escuchar y se concretó. En una grabación empezó a hacer el coro y escuchamos un rollo como de Daniela Romo, aunque con toques de rock, cosa que nos encantó. Al final, ella se fue a Santiago, faltándonos afinar los detalles, por lo que viajamos a Chile a grabar el resto, quedando esa parte anecdótica que enriquece la canción.

¿Cuál fue el proceso de grabación de este álbum? RM: En un inicio fue el desarrollo de los temas y su elección; la mayoría lo hicimos en casa, pero algunos se realizaron por separado. Después lo llevamos todo con Peter y Hans Warner para la producción, aunque antes de mostrárselos manejamos una preproducción, lo que constó de varias etapas. Al principio había cinco canciones, pensando en hacer un disco de larga duración, y luego empezamos con lo nuevo y complicado, ya que normalmente no hacemos canciones con voz y coro, al estilo de las canciones pop.

¿El disco cuenta con más colaboraciones? JMS: Se encuentran Elis Paprika, en ‘Interzona’; Ana Karla Escobar, en ‘Pánico Y Sonar’; en ‘Pánico Y Tepe’ está Rulo, de Los Tetas; Jesús, de Zoé, está en ‘Te Necesito’, así como en el piano de algunas canciones del lado O. También trabajamos con David, de Los Moscos, pero desafortunadamente no se concretó esa colaboración.

columna -023-

blogaggedeon times

CUENTOS CORTOS CEGADORES Por Sr. Flavio / @SrFlavioOficial

Olas a todos… La jefatura libertaria de WARP Magazine y su ritmo poder me encarga la columna troyana rocker de textos anti-lektuales-silver-tape que suelo disparar. Últimamente, entre los ensayos con LFC para Vive Latino, ensayos con De La Tierra y unas escapadas al mar para surfear de mediocre hacia abajo las olas marplatenses que tanto me gustan, me he encontrado escribiendo en mi cuenta de Twitter unos microcuentos de misterio y fantasía que serán parte de mi próximo libro a publicarse —si Dios y el Demonio existen y quieren—: Surfer Calavera. Retomando la canción que escribí hace algunos años para Los Fabulosos Cadillacs, que lleva ese nombre justamente, tenía ganas de explayarme más aún y profundizar en la historia de la rola: una parca surcando las olas de la noche tremebunda, brilla en la oscuridad macabra. Estos cuentos cortos cegadores que, apremiado por el límite de caracteres, publiqué en Twitter, los

utilicé como desafío para colorear mini-cuentos misteriosos y fantasmales (he publicado alguno que otro cuento cegador misterioso en mi blog personal, www.srflavio.com). Aquí te va un adelanto exclusivo, sólo para vos, de lo que será parte de mi nuevo libro de cuentos misteriosos y fantásticos: 1. Los aviones no se caen por desperfectos técnicos y mucho menos por tormentas severas: de cuando en cuando, un demonio abominable que habita los cielos, se devora uno. 2. Marla y Loretta son condenadas, por el Santo Tribunal de la Sagrada Inquisición, a la hoguera, acusadas de haber cometido ritos demoníacos. Sometidas al suplicio de la tortura, niegan al Dios de los hombres una y otra vez. Más tarde, hacen el amor desenfrenadamente entre las llamas.

> Sr. Flavio es miembro fundador de Los Fabulosos Cadillacs y escritor. Su libro Crónicas Del León ya está a la venta, editado por WARP Books.

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Crónicas del Norte Por: Simón Mejía

Ilustración: Elisa Ayala para Luciérnaga Fotografía y WARP Parte 1 de 3

Se me viene a la cabeza una idea recurrente: esos lugares de ambiente árido y rojizo parecen como de otro planeta cuando se miran desde arriba. El color, las formas y esa enorme soledad de kilómetros y kilómetros, sin gente, sin ruido, silenciosa como Júpiter, me hacen sentir más en una nave espacial que en un avión. De repente aparece la civilización: fábricas. Veo la primera y luego comienzan a verse más y más, cientos de ellas, como una plaga, que luego chocan contra la ciudad. Aterrizamos. Es el planeta Tierra, Ciudad Juárez, el Norte de México. Pregunto por las fábricas… —Son las famosas plantas maquiladoras de Ciudad Juárez… —me dice el de la silla de al lado— ¡Las pinches fábricas donde trabajaban todas esas mujeres que mataron en los feminicidios de Juárez, güey! Nunca antes había escuchado esa palabra: “feminicidio”. Seguro nació a partir de toda esa barbarie o de alguna otra, en quién sabe qué otro momento oscuro de la historia, igual que un holocausto, pero sólo de mujeres. Espeluznante: cientos de mujeres violadas, torturadas, asesinadas y enterradas ahí mismo, en ese desierto del Norte de México, del Sur de Estados Unidos, a sólo unos metros de El Paso, Texas, muchas de ellas con marcas de cuchillo en la espalda —símbolos extraños, como de alguna secta o algo así—. Ese desierto, que desde arriba parecía ser otro planeta, resulta ser un cementerio. Los pormenores de las masacres, sus responsables, como es de esperarse, siguen siendo un misterio. Esto me hace pensar en Colombia y en la historia que compartimos con México, el terror que, de una u otra manera, permanece en nuestro inconsciente colectivo, un terror que sigue ahí, así tratemos de ignorarlo. La primera sensación que tenemos de Juárez, además del intenso calor, es su soledad: locales cerrados, calles silenciosas, muy poca gente. Al parecer, luego de la fuerte ola de violencia, muchos de sus residentes se fueron; los demás cruzaron la frontera o se regresaron a sus lugares de origen, luego de fracasar en la odisea de cruzarla. Este Juárez se siente como un pueblo fantasma del Oeste, sin caballos, pero con camionetas 4x4; sin vaqueros, pero con policías. Y esta noche tocaremos en Juárez, seguramente para un público directa o indirectamente afectado por todo esto. A pocas cuadras del hotel hay un retén policiaco: sucedió un crimen. La calle está bloqueada y noto algo particular, totalmente nuevo para mí: aquí los policías andan con las caras cubiertas con una capucha negra, similar a una máscara de lucha libre, pero sin su alegre colorido. Y es que mostrar la cara en el Norte de México, sin importar si se es de un bando o del otro, puede atraer a la muerte… —Terminas enterrado en el pinche desierto, como todas esas mujeres, güey… El resto del día pasa sin ningún evento extraordinario, con la cotidianidad de cualquier gira: prueba de sonido, súbele acá, bájale a esto, vuelta al hotel, almuerzo, descanso y luego el show, aunque moverse del hotel para “turistear” no es una opción aquí y la única alternativa que queda es la piscina. Y una vez ahí, al estar simplemente flotando, el cuerpo se transporta y es como estar en cualquier lugar del mundo.

> Simón Mejía es miembro fundador de la banda colombiana Bomba Estéreo.

Para nuestro asombro, el show de esta noche es masivo, mucha gente llegó a vernos. Y aunque la banda no estuvo en su mejor momento —algo relativamente normal en el primer show de una gira—, la gente estuvo muy presente y a full: cada nota que sonaba, cada canción que comenzaba, me hacía pensar en cuántas personas del público asistente estarían emparentadas con las mujeres que murieron en el desierto. Sentía esa contradicción, igual que en Colombia, de estar bailando con un hondo pesar adentro, del terror y la tristeza al goce en un solo paso, en una sola baldosa, como el Joe. Y en ese momento, muchos de ellos, seguramente con pasados y memorias trágicas en su interior, estaban bailando y disfrutando de nuestra música, momento sublime en el que me hice consciente de la esencia de esta gira y de la misión real que teníamos al estar acá, en el Norte de México, tocándole con Bomba a toda esta gente. San Fernando, Tamaulipas, localizado en las llanuras del Golfo de México, a unos pocos kilómetros de Estados Unidos y muy apartado del centro del país, es un municipio del estado más caliente del país. “Caliente” en el sentido colombiano de la palabra, en nuestra jerga, pues Tamaulipas está en llamas por su situación y por su temperatura. Si en Colombia tuvimos los explosivos años noventa de la narcoguerra, aquí, en el Norte de México, en Tamaulipas, están en el mismísimo Apocalipsis: miles de muertos y cientos de fosas comunes se cuentan hasta ahora a causa de una guerra interminable por el control de las rutas del narcotráfico, situación inevitable cuando se tiene a dos pasos —a unas cuantas brazadas de río o de mar— Estados Unidos. Cuando se está en esta frontera, todo aumenta su precio absurdamente, incluyendo la cocaína que, cual estrella de telenovela mexicana, es la protagonista estelar de esta historia. Y es que ese polvo de laboratorio que tantas vidas se ha llevado, desde las calles de Nueva York hasta los glaciares de la Patagonia, es la raíz de toda esta barbarie. Increíble, pero cierto: un simple polvo, miles de muertos. Y todavía los políticos cuestionan su legalización. Llegar aquí fue una completa odisea: avión pequeño hasta Ciudad Victoria; luego, varias horas por una carretera desolada y caliente, parecida a la que lleva de Riohacha al Cabo de la Vela, en un autobús enorme. Varios retenes del ejército. Uno de ellos nos detiene, sin mayor percance para nosotros, pues en el autobús sólo hay instrumentos musicales y colombianos dormidos, inofensivos, para su sorpresa. Pregunto luego acerca del ejército y sus labores en esta zona y me cuentan que ellos hacen doble trabajo acá: el de ejército y el de policía, porque esta última ha sido cancelada de su oficio en casi toda la región; el nivel de corrupción al que llegaron fue tal, que ahora ya no operan. Llegamos a San Fernando, un pequeño pueblo aún más caluroso que Juárez. Al parecer sólo hay dos hoteles. No creo que haya mucha afluencia de turismo por acá. ¿Seremos nosotros los únicos foráneos por el momento? Nos instalamos en uno de los hoteles, en uno muy sencillo que me recuerda a esos hoteles a borde de carretera en el Magdalena Medio, Puerto Triunfo o algo así. Los empleados del hotel son gente seria, silenciosa. Poca charla. Yo tampoco estoy en sintonía para hablar ni preguntar mucho.

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Chris Koehn Foto: Sergio Gálvez para WARP

El arquitecto y músico mexicano Chris Koehn publicó recientemente el EP Songs For Yoshimi (2013), en el que muestra un sonido sumamente melancólico y en cuyas composiciones logra fusionar una gama de géneros como el rock, el blues e incluso la electrónica. Chris Koehn compartió con WARP Magazine un playlist que muestra claramente sus principales influencias: una mezcla que se hace evidente en ese, su sonido tan propio, que deambula entre las armonías del folk y la oscuridad del post-punk, con ciertos tintes rítmicos. A continuación les presentamos esta radiografía musical, elaborada por el propio artista… 1. Joseph Arthur - ‘In The Sun’

6. David Bowie - ‘Soul Love’

2. Joy Division - ‘Atmosphere’

7. Elliot Smith - ‘Waltz #2’

3. The Horrors - ‘Endless Blue’

8. Bob Dylan - ‘Positively 4th Street’

4. Leonard Cohen - ‘Tower Of Song’

9. The Beatles - ‘In My Life’

5. Pink Floyd - ‘Nobody Home’

10. New Order - ‘Ceremony’

Lunes a Viernes ⁄ 21 a 23 hrs.

Todos los Jueves ⁄ 22 a 24 hrs.

CADENA NACIONAL

Consulta Horarios Locales en todo México

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ASK AMANDA Por: Amanda Palmer/ @amandapalmer Traducción: Alejandro Altamirano

Recientemente, en tu blog, escribiste algo sobre Björk y Kickstarter. ¿Crees que sea probable que veamos pronto a más artistas en una situación similar? Lizbeth Navarro Yo creo que sí, sobre todo porque cada vez son más artistas los que hacen ese tipo de cosas y les funciona; además, muchos artistas reconocidos están finalizando contratos con disqueras y se preguntan qué hacer. A veces pienso que debería comenzar un campamento de verano para todos los artistas que no tienen idea de cómo usar Kickstarter. Podríamos aprender acerca de las actualizaciones de este tipo de respaldo y después ir a nadar y beber vino. ¡Hola Bono! ¡Hola Sting! ¡Hola Prince! ¡Vamos! En sitios como Kickstarter, ¿cuál es el proyecto más raro que has visto? LN Hay varios muy buenos. Uno de los mejores de la historia fue uno que tenía una maravillosa historia detrás de él. Resulta que el alcalde de Detroit escribió en Twitter: “¿En qué deberíamos gastar nuestro dinero destinado al arte público?”, y algunas de las respuestas fueron: “¡Quiero una estatua de RoboCop!” —recordemos que RoboCop (1987) fue filmada en Detroit—. Al poco tiempo, un montón de gente pedía lo mismo, a lo que el alcalde respondió que de ninguna manera el gobierno gastaría el dinero en algo así. Lo que hizo, sin embargo, fue abrir una iniciativa en Kickstarter para poder construirla. Y funcionó: la están haciendo, lo que es impresionante. Este año está lleno de regresos, como los de David Bowie, Depeche Mode y My Bloody Valentine. ¿Cuál te gusta más y por qué? Lorena García Todos me emocionan. Deseo poder seguir haciendo música hasta que me sienta muy, muy vieja, y cuando veo a tipos como estos, que no se detienen, me hace feliz y tampoco quiero detenerme. Esto es más difícil con el rock, según

yo, más que cualquier otra forma de arte, debido a que la gente tiene un extraño respeto para los jóvenes, como si no se fueran a volver viejos, a diferencia de muchas otras formas de arte. ¿La gente sólo respeta jóvenes filósofos? ¿Pintores? ¿Escultores? ¿Escritores? No lo creo. Nosotros, los pobres del rock, estamos estigmatizados. Pero la gente mayor más buena onda sacará el rock adelante; así, menos personas se verán afectadas. Así que me alegro de que haya un montón de gente allá afuera que simplemente sigue creando, creando y creando. ¿Hay algún artista o banda que te gustaría traer de vuelta? LG ¿Traer de vuelta? Claro, me encantaría ver lo que Jim Morrison estaría haciendo si estuviera vivo. Tuvo una trayectoria muy interesante por delante, él era un poeta, no sólo una estrella de rock. Estoy triste de que se haya ido y me encantaría ver lo que sería hoy. ¿Qué nos puedes contar acerca de tu experiencia durante la última Ted Talk? (Por cierto, creo que tu participación fue increíble). Fernando Quirarte ¡Gracias! Voy a escribir blogs acerca de eso, así que léanlos, pero básicamente eran los doce minutos más importantes de mi vida: parada en el escenario delante de Bono, Al Gore y Bill Gates… ¡Y podía decir cualquier cosa que quisiera! Así que me preparé muy duro para hacer que mi mensaje fuera lo más simple y eficaz posible. Reuní todas las habilidades que poseo —actuar, escribir e interpretar— en una sola, para hablar con la gente que solicita y da música. Ha sido increíble para mí ver los resultados; tan sólo cinco días después ya tenía poco más de un millón de visitas, lo que significa que le está llegando a las personas que ni siquiera se preocupan por mí o mi música, pero sí por el mensaje; y es que aquello no fue sobre mí, se trataba de todos nosotros.

> Amanda Palmer es músico y compositora, fundadora de The Dresden Dolls y de Amanda Palmer & The Grand Theft Orchestra.

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Hyena

LIKE A DREAM Por: Karina Luvián

Foto: Cortesía Hyena

Si bien la escena musical alrededor del mundo se ha visto llena de sonidos diversos, existe un género que no deja de nutrir el estilo de numerosas bandas: la electrónica. Con mezclas que enriquecen la naturaleza de esta corriente es que llega Hyena, proyecto surgido en San Diego que mezcla una batería orgánica, sintetizadores upbeat y líneas de bajo que complementan su armonía con la exuberancia vocal de sus integrantes, según lo describe la dupla misma. En una plática con Michael Cooper, WARP Magazine indagó sobre la música de Hyena, su formación y lo próximo que escucharemos de este proyecto. ¿Qué es Hyena? Hyena somos Bryan Stratman y yo. Nos conocimos hace algunos años en Capricorn Studios, un estudio local, donde hice una sesión como baterista de un par de proyectos en los que Bryan fungió como ingeniero de sonido y, en cierto punto, tuvimos una especie de romance musical. En aquel momento yo tenía un pequeño proyecto en mente, en el que quería hacer música electrónica. Previo a eso ya había estado con otras bandas indie, pero entonces la idea brilló en mi mente porque, ya sabes, él es ingeniero en un estudio, yo soy promotor, conocemos la industria, sobre instrumentos, y reconocí que podíamos trabajar juntos. Fue en 2012 cuando lanzan su EP homónimo. ¿Es éste un vistazo a lo que vendrá en We Are Hyena, su disco debut? Sí, en cierta forma. Para el disco grabamos alrededor de quince

canciones, de las cuales seleccionamos las que mejor se relacionaban. Así que tenemos un disco completo esperando ser lanzado, del que acabamos de colocar un primer sencillo, ‘Wander’, con la participación de Dave Keuning, de The Killers; es una canción muy groovy, pegadiza, perfecta para la radio y una buena representación de lo que somos, porque es alegre pero oscura, pensamos que sería buena para empezar, teniendo en cuenta la aportación de Dave. La música electrónica ha tenido un auge considerable desde hace varios años. ¿Qué es lo que Hyena viene a aportar a la escena? Esa es una parte interesante, pues intentamos proponer música electrónica con un montón de elementos del género, pero con una parte viva: una batería, una guitarra, bajo, teclados, sintetizadores, todo eso con nosotros cantando en sincronía. La verdad es que nos complementamos muy bien y creemos que eso es lo que nos alejaría de otros proyectos; además, en los shows tenemos visuales, proyecciones y un montón de cosas más que hacemos sólo entre dos personas. ¿Qué sigue para Hyena? Hemos trabajado en diferentes aspectos de la industria musical y, desde luego, nos encantaría salir de gira; pero por ahora sólo pondremos ‘Wander’ en la radio, tratando de construir un mercado internacional. Definitivamente, México está en nuestra mira, pues sabemos cuánto aman la música electrónica por allá, es algo que nos emociona. Estamos con una campaña en la radio, promocionando nuestro EP; es un gran esfuerzo y lo estamos dando todo.

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(WHAT’S THE STORY) MORNING GLORY? Por: Adolfo Vergara Trujillo / @ToBeFreak

La mujer abrió los ojos, poco a poco, y se descubrió frotándose el vientre, recostada sobre el sofá. —Thomas, ven aquí —llamó a su hijo. Tommy la escuchó, pero quizá debido a que todas las personas de su universo, durante los cinco años de su vida, siempre lo habían llamado “Tommy”, pensó que se dirigía a otra persona y simplemente siguió de rodillas, sobre la alfombra, jugando con su viejo camión de latón. —¡Thomas! —gritó la mujer y hasta entonces, con el seño fruncido debajo de sus enormes cejas oscuras, el niño hizo contacto visual con su madre y así comprendió que, además de “Tommy”, también era “Thomas”. Se levantó, algo receloso, y se acercó a su madre; y no pronunció palabra: su franco tartamudeo sólo hacía que las personas lo reprendieran como si eso le ayudara a hablar correctamente; en su lugar, ablandó la mirada y cuestionó a su madre con un sutil movimiento de barbilla. —Dame esa medicina que está sobre la mesa… Y el vaso de agua también… Tommy fue hasta el comedor, señaló una caja de pastillas y miró a su madre. —Esa —dijo la mujer. El niño se guardó las pastillas en la bolsa de su pantalón y luego, con ambas manos, sostuvo aquel enorme vaso de agua y regresó a la sala cuidando de no derramar una sola gota; ya frente a su madre, le entregó el vaso y sacó la medicina de su pantalón. La mujer se incorporó un poco y, como pudo, sacó una pasta y se la tragó con un poco de agua; luego, con algo de esfuerzo, dejó el vaso en el piso, a su alcance: —Eso es… —suspiró y cerró los ojos, sosteniendo sus párpados con el dorso de la mano. La mujer estaba agotada; y apenas era la semana 23 de su segundo embarazo; Thomas estaba allí, a su lado, tranquilo, como siempre, lo que a su vez la tranquilizaba a ella. Sin embargo, se sobresaltó de pronto; miró el reloj del comedor y faltaban 20 minutos para las 06:00 de la tarde: su marido, como buen migrante irlandés, habría pasado al pub de Flixton Road, luego del trabajo, por sus seis cervezas reglamentarias y llegaría a casa, a cenar, en menos de una hora. —Thomas, ven aquí —dijo la mujer y estiró su mano hacia el niño. Tommy se acercó de nuevo y con sus dos manos tomó la de su madre; luego, con todas sus fuerzas, la ayudó a levantarse. Y así, llevando al niño casi como bastón, la mujer llegó a la cocina; muy lentamente, achacosa, llenó una olla de agua, arrojó tres papas y las puso a hervir a la estufa. Regresó al comedor, sofocada, y se sentó a la mesa; tomó una servilleta de papel, cerró los ojos y se enjugó el sudor de la frente.

Tommy, como todas las tardes a esa hora, se acercó a su madre y ella le acarició los cabellos; sin embargo, la mujer hizo algo inusual: tomó la mano del niño y la puso sobre su vientre. —¿Lo sientes? ¿Thomas? —le preguntó y Tommy asintió con la cabeza— Él es Johnny, tu hermanito… ¿Y cuál es la historia? Bien, todos saben que si tienes un hermano vas a pelear. Yo tengo una hermana menor y traen consigo el Armagedón, te lo aseguro: te quitará la poca atención que te tengo y cuando me haga enojar me desquitaré contigo. Y que no te digan mentiras: un hermanito no es ninguna ventaja para nadie: tendrás que compartir con él tu habitación, tu comida y hasta ese horrible camión de latón; y cuando la gente llegue a conocerlo nadie se acordará de ti. Siempre querrá demostrar que es mejor que tú en todo, en cualquier cosa; al crecer será un brabucón de mierda y, pese a todo, estarás siempre allí para defenderlo, para disculparlo, para justificarlo, y nunca te librarás de él. Ya no eres “Tommy”, ¿entiendes? ¿Thomas? Ya eres un niño grande… Tommy, de nuevo con el seño fruncido debajo de sus enormes cejas castañas, asintió sin decir palabra; aunque ahora no estaba receloso: estaba confundido, asustado. Las papas comenzaron a bailar en el agua hirviendo y la mujer se levantó de un movimiento brusco a bajarle a la lumbre. —Espero que de verdad lo comprendas, Thomas —dijo, de espaldas a su hijo, y arrojó un bistec al sartén—. Ahora vete por allí; y guarda tu camión de latón: no tarda en llegar tu padre y hoy no tengo fuerzas para defenderte. Tommy, pese a que tenía muchas dudas, muchas preguntas (¿acaso aquella mujer ya no era su madre?), salió de la cocina, tomó su camión de latón y se fue a su habitación: se sintió atrapado bajo el peso de todas las palabras que trató de decir y no pudo. Por hacer algo, encendió la radio y, cuidando la llegada de su padre por la ventana, se quedó mirando la tarde que caía como una cortina plomo sobre toda la ciudad de Manchester. Entonces escuchó aquella canción —la historia de un hombre que siempre había bailado, desde niño, desde que nació— cuya melodía contenía violines, chelos, magia en armonía… Sin permiso, tomó la vieja guitarra de su padre y se escondió debajo de la cama; y se quedó allí, recreando en su cabeza aquella pieza, creando algunas nuevas para sí y asomándose cada vez más profundo por la luz que emanaba de la pared por esas extrañas grietas a lo sublime —a lo trascendental—, hasta que cayó dormido. (What’s The Story) Morning Glory? Oasis Creation Records/Epic 1995

> Adolfo Vergara Trujillo es escritor y especialista en Literatura Mexicana, autor de los libros de relatos Freak Y Otros Tormentos y Absolut Punch.

gigs

Andrew Bird Auditorio BlackBerry Foto: Rubén Márquez para WARP

Para leer la reseña de este concierto, escanea el código o visita: warp.la/gigs

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gigs

Red Hot Chili Peppers Palacio de los Deportes Foto: Sergio Gรกlvez para WARP

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calendario

ABRIL

2013 04 Alive Music Festival

06 y 07 Lollapalooza Chile

14 Austin TV

Pepsi Center WTC México, DF —

Parque O’Higgins Santiago de Chile —

Teatro de la Ciudad México, DF —

09 The Stone Roses

Natalia Lafourcade

Pepsi Center WTC México, DF —

Teatro Banamex Santa Fe EDOMEX —

11 Craddle of Filth y Arcturus 05 Ra Ra Riot El Plaza Condesa México, DF —

Garbage Arena Ciudad de México México, DF —

21 The Cure

Circo Volador México, DF —

Foro Sol 22 y 23 México, DF —

12,13 y 14 - 19,20 y 21 Coachella Valley Music & Arts Festival Empire Polo Club Indio, California —

17 y 18 Two Door Cinema Club Auditorio BlackBerry México, DF —

17 Spiritualized Teatro de la Ciudad México, DF

06 Anamanaguchi La Capilla México, DF

13 The Killers Foro Sol México, DF

18 OMD Teatro Metropólitan México, DF

Foals El Plaza Condesa 22 y 23 México, DF —

27 Quiero Club Lunario del Auditorio de Nacional México, DF 037

Vive Latino 2013 Por: Staff WARP Fotos: Zaruhy Sangochian, Franccel Hernández para WARP y Sergio Orospe, Fernado Velasco y Luis Tierrasnegras para Luciérnaga y WARP

La cobertura de Vive Latino es presentada por la HP Envy X2 con Windows 8. #WARPenVL13

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Underworld

Día 1

VIERNES 15 DE MARZO Vive Latino inició puntualmente su edición 2013, teniendo a Centavrvs en el Escenario Indio como acto abridor, lleno de ritmos y grandes momentos. Fue el caso de Camilo Lara y Denise Gutiérrez como invitados en diferentes momentos, haciendo bailar a quienes ya se encontraban instalados para disfrutar. Luego seguiría Estrambóticos, que pese a problemas graves de audio, ofreció temas que pusieron a brincar a la gente. Banda de Turistas y DLD serían las bandas que pondrían a cantar

Yeah Yeah Yeahs

al público, para después continuar con el ambiente festivo bajo los acordes de Los Amigos Invisibles y Los Auténticos Decadentes. Baile, brincos e incluso círculos de slam fue lo que se vivió, básicamente durante este lapso. Así llegó el momento de presenciar el regreso de Porter, uno de los shows más esperados de la noche. ‘Vaquero Galáctico’, ‘Host Of A Ghost’ y, claro, ‘Espiral’, fueron de las más coreadas, aunque, a decir verdad, todas las canciones se llevaron el aplauso del público. Eran las 21:10 horas y el esperado cierre internacional inició, con la llegada de Karen O, Nick Zinner y Brian Chase.

‘Cheated Hearts’ abrió, y aunque sonaron canciones de su nuevo álbum -‘Sacrilege’ y ‘Mosquito’ entre ellas-, ‘Zero’, ‘Heads Will Roll’ y ‘Maps’ pusieron a todos a los pies de Yeah Yeah Yeahs. El fin del día estaba cerca y Underworld subió al escenario con ‘Rez’; los aplausos no se hicieron esperar. ‘Always Loved A Film’, ‘Pearl’s Girls’ y ‘Cowgirl’ fueron otros de los tracks que hipnotizaron al público, entre visuales y las siluetas de Karl Hyde y Rick Smith. Como era de esperarse, ‘Born Slippy’ fue la encargada de cerrar, no sólo el escenario Indio, sino una gran jornada.

Porter

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El Tri

Fobia

Carla Morrison

Día 2

SÁBADO 16 DE MARZO La legendaria agrupación liderada por Alex Lora no se guardó nada y canción tras canción demostró que aún tienen con qué hacer vibrar cualquier escenario. ‘Triste Canción’ y ‘A.D.O.’ fueron de las más coreadas. Fobia arribó al Escenario Indio para regalar una excelente combinación de todos sus éxitos, varios de ellos interpretados junto a invitados de grupos de primer nivel como: Molotov, Enjambre, Jumbo y otros más. Cerraron su actuación con el tema ‘No Eres Yo’. La noche amenazaba con llegar y entonces tocó el turno de la oriunda de Tecate, Baja California, Carla Morrison. La norteña hizo un repaso de sus temas más reconocidos como: ‘Me Encanta’, ‘Compartir’, ‘Pajarito del Amor’, ‘Falta de

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Respeto’, ‘Déjenme Llorar’ y hasta se dio el lujo de invitar a unos mariachis para tocar ‘Soledad’ y ‘Hasta la Piel’, cerrando su actuación con una serie de fuegos artificiales que iluminaron todo el Escenario Indio. Después los australianos Tame Impala tomarían la escena para aderezar la jornada con su toque único de rock psicodélico. Mezclando de manera equilibrada lo mejor de sus dos discos de estudio, la banda regaló grandes momentos, sobre todo cuando hicieron sonar ‘Elephant’, ‘Feels Like We Only Go Backwards’ y ‘Solitude Is Bliss’. Por fin llegaría el momento cumbre del segundo día del Festival Vive Latino. Blur, una de las bandas insignia del movimiento britpop, saldría a cumplir los deseos de cientos de fans que los habían estado esperando por años.

La banda no se anduvo con trucos ni experimentos y teniendo casi toda la atención de la gente que se encontraba en el festival soltó éxito tras éxito, satisfaciendo tanto a fans de hueso colorado como demostrando a los espectadores casuales por qué son considerados una de las agrupaciones más grandes de los últimos años. ‘Parklife’, ‘Out Of Time’, ‘Song 2’, ‘Girls & Boys’ y ‘Beetlebum’ fueron tan sólo algunos de los temas que hicieron vibrar el inmueble. La banda cerró una gran velada con ‘The Universal’, la cual seguramente retumbará por mucho tiempo en la mente de todos aquellos que aguantaron hasta el final de la presentación de Damon Albarn, Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree. Muchas gracias Blur, la espera valió la pena.

043 Blur

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044

Mala Rodríguez

Los Fabulosos Cadillacs

Panteón Rococó

Día 3

DOMINGO 17 DE MARZO El último día del festival comenzó temprano y soleado, con el público acercándose al frente del escenario principal para ver a Pato Machete que, con la participación de Priscila y Marcela de Quiero Club y el acordeón de Celso Piña, llamó la atención de la audiencia. Pero la verdadera sorpresa que tenía Pato era la reunión de Control Machete. Toy Selectah y Fermín IV se unieron a Pato para tocar ‘Sí Señor’, lo que causó que la primera presentación del día fuera de alto nivel y de alta asistencia, aunque tristemente fue muy breve. Otro momento clave del día fue el turno en escena de Panteón Rococó, un espectáculo que sacudió el suelo con los saltos de su público y con la mezcla de varios géneros. Acompañada por Meme (Café Tacvba), Paco (DLD), Ismael (Los Daniels) y Leonardo (Fobia), Natalia Lafourcade interpre-

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Natalia Lafourcade

tó durante su presentación temas de su álbum Mujer Divina, cautivando por completo al público con sus interpretaciones. Con algunos minutos de retraso, Silversun Pickups subió al escenario Unión Indio. A pesar de diversos problemas técnicos, la agrupación angelina sacó adelante el show con mucha actitud y poder. Canciones como ‘Panic Switch’ y ‘Lazy Eyes’ fueron los puntos más altos del acto. La noche fría dio lugar después a Ska-P, que desde España llegó a calentar el Escenario Indio. Luego de una espera más larga de lo previsto se escuchó el tema clásico de las películas de James Bond. Finalmente Los Fabulosos Cadillacs llegaron al escenario principal a dar un gran show para un auditorio que estaba a reventar. Luego del gran espectáculo de Los Fabulosos Cadillacs, Nortec Collective nos trajo a Bostich y Fussible que, con su set, dio por terminada la jornada del domingo y con ello el festival Vive Latino.

p e t S t x e N The Hablar de desarrollo y progreso, de algún modo, termina por remitirnos a hablar de movimiento. Si pensamos en evolución en cualquiera de sus acepciones, es probable que pensemos en transformaciones a través de cierto periodo de tiempo, aunque en términos más prácticos seguramente terminaremos asociando el concepto con movimiento, simplificándolo en una frase como “caminar hacia el futuro” o “dar el siguiente paso”. Y es que si tomamos un momento para zambullirnos en el estanque de nuestras memorias, nos encontraremos con que lo anterior es producto de una enseñanza que se nos inculca de manera natural, lo aprendemos durante nuestros primeros intentos por desplazarnos de manera propia, es decir, cuando caminamos, sabemos que debemos hacerlo hacia delante, al menos si queremos avanzar. Con el paso de los años descubrimos que la vida, prácticamente, se rige por la misma regla y que, de hecho, cualquier disciplina implica continuar adquiriendo conocimiento a través de lapsos para triunfar en ésta. Pero, ¿qué pasa cuándo la dirección de ese “siguiente paso” no se encuentra definida? En ese momento lo que parece una regla natural de perfeccionamiento termina por convertirse en una cuestión existencial y filosófica: ¿Qué sigue? ¿A dónde voy?¿Cómo llegué aquí? ¿Por qué aquí y no a otro lado? Si miramos hacia el terreno sonoro nos encontraremos con las mismas interrogantes. Para el compositor, la música es un reflejo de su alma, la forma en la que nos invita a visitar brevemente su vida; imposible no sentirse abrumado por la proximidad del futuro, que inquietantemente amenaza con mutar todo aquello por lo que se ha luchado. En esta ocasión WARP Magazine presenta The Next Step, un especial dedicado a responder de manera particular esta pregunta para diferentes bandas. Artistas que sitúan a su proyecto en el momento específico en el que se encuentran, examinando los retos por venir y dando un pronóstico de los resultados tras librarlos. La triada que integra Disco Ruido se declara lista pata entrar al estudio de grabación y registrar su segundo álbum de estudio. Por su lado, Trevor Powers busca romper con el síndrome del segundo disco mientras promociona la nueva placa de su proyecto Youth Lagoon. Su majestad imperial, Silverio, presenta al mundo Perro, una pedrada dance a la sociedad puritana. Quiero Club presume las heridas tras sobrevivir a la cirugía creativa que los privo de un miembro, mientras Jack Bevan, de Foals, revela la intensión de la banda inglesa por colarse en las grandes ligas de la industria. Para terminar, Thomas Mars, de Phoenix, nos cuenta en entrevista exclusiva la perspectiva de su banda a unos días de ocupar el escenario principal de Coachella, por primera vez como headliner. Bienvenidos.

DISCO RUIDO!

The Ne

xt Step

Buscando un lugar

Por: Alejandro Altamirano / Fotos: Franccel Hernández para WARP

Disco Ruido!, la agrupación mexicana de música electrónica, tiene este año el gran reto de superar el “temido” segundo disco. Después de su primer álbum, Sistema Solar (2010) ,y de estar involucrados en el nacimiento de una nueva escena electrónica gracias a la serie de remixes que han lanzado, la banda parece estar lista para dar el siguiente paso y, de la mano de la alta proyección de la escena nacional, convertirse en una de las mayores realidades.

Justo antes de esta entrevista para WARP Magazine, la banda se encontraba promocionando su proyecto alterno, Vox Humana, lo que deja claro su hiperactividad creativa y su ímpetu por resaltar en el espectro musical mexicano, pero también en el internacional. ¿Cómo surge el proyecto Vox Humana? Julian Placencia: Básicamente estábamos empezando a grabar nuestro nuevo disco, viendo por dónde iba a ir la cosa, tratando de separarnos de lo que hicimos con nuestro primer trabajo y, a la hora de empezar a hacer los demos, nos llegó la inquietud de algo instrumental, lo que en realidad es algo que ya hacíamos antes de que Disco Ruido! fuera una banda. Después lo dejamos, porque nos dedicamos a las presentaciones en vivo. Esto coincidió con el surgimiento de una nueva escena electrónica a nivel nacional e internacional. Luego, lo de Nike y Vox Humana se dio por coincidencia; ellos se acercaron a nosotros para ver de qué forma podíamos colaborar, lo que para nosotros fue algo muy bueno: el hecho de que una marca de ese calibre esté interesada en tu trabajo es increíble. ¿Cuál es la principal diferencia creativa entre Disco Ruido! y Vox Humana? JP: La música de Disco Ruido! nunca la hemos concebido como música de clubes, la cual nos encanta y la coleccionamos como DJs; lo que hacemos con Disco Ruido! siempre lo hemos visto más atemporal. Peto: La música de clubes es para nosotros un reto, porque creemos que va más por lo que estás escuchando en ese momento. Quizá la diferencia entre ambos proyectos es que en Vox Humana nuestras influencias se ven mejor reflejadas, mientras que Disco Ruido! implica un proceso de composición más elaborado. ¿En qué momento se encuentra el proceso de grabación del nuevo álbum de Disco Ruido!? JP: En este momento va un poco lento, debido al trabajo que

tenemos con Vox Humana y otras cosas que hacemos por separado; por lo tanto, sólo alcanzamos a vernos una vez por semana para componer. La idea es sacar el disco a mediados de año, así que ya estamos en el punto de grabar los primeros tracks que hemos armado: tenemos varias maquetas y estamos buscando con quién trabajarlas —algún productor nuevo o gente que hace cosas que nos gustan—, ya que en el disco pasado nunca pudimos encontrarlos; y es muy bueno para nosotros tener cerca a personas de confianza con las que compartimos ideas. Peto: Lo que estamos buscando es hacer un disco conceptual, a pesar de ser instrumental; queremos algo que tenga personalidad y que sea mucho más grande de lo que ya tenemos hecho. ¿Qué experiencia les dejó hacer Raversiones y trabajar con tantos artistas diferentes? JP: Es algo que se puso muy bueno: desde los ensayos, salíamos muy emocionados e impactados por la vibra de los artistas que estuvieron de invitados. Nariño Tierno: Fue también algo muy curioso, porque obviamente cada uno de los invitados trabajaba de manera distinta: algunos son más explosivos y provocan una energía increíble; otros son más clavados en su trabajo y se toman muy en serio su papel. Para nosotros fue buenísimo por todo lo que aprendimos y absorbimos de dicha experiencia. JP: Quizá en algún momento lo volvamos a hacer, pero por ahora estamos enfocados en sacar nuestro nuevo material y en tocar en cuanto lugar nos sea posible. ¿Creen que se esté gestando una especie de nueva escena electrónica mexicana? P: Estamos seguros de que ya existe, aunque no nos vemos formando parte de ella: creemos que es más una cosa de productores de música de clubes. A nosotros nos encanta y tratamos de estar lo más sumergidos posible como DJs.

›› Alejandro Altamirano es Asistente Editorial de WARP Magazine, puedes leer su entrevista con Devendra Banhart en WARP #54.

The Next Step

EL SÍNDROME DEL TERCER DISCO Por: Eduardo Guillot

Son conscientes de que se la juegan con Holy Fire. Como tantas otras bandas a lo largo de la historia, Foals afronta un momento clave en su trayectoria. Yannis Philippakis y los suyos saben que no pueden vivir siempre del revival post-punk (al que, por cierto, llegaron tarde) y que sólo hay dos opciones: reinventarse o morir. Y no son los primeros que se encuentran en una encrucijada que, con mucha frecuencia, se ha convertido en la tumba de una banda. ¿Quién no ha oído hablar del “difícil tercer disco”? Como todos los tópicos del rock, tiene algo de cierto. O que se lo pregunten a The Strokes, que no han levantado cabeza desde First Impressions Of Earth (2006). Y no son los únicos, aunque ese mito sobre el alarmante descenso de calidad que suele coincidir con el tercer álbum tiene su origen en los tiempos en que la industria vivía sus momentos de esplendor; una época en que los sellos funcionaban según unas reglas que parecían diseñadas, precisamente, para que las bandas tropezaran en el tercer escalón. El proceso era el siguiente: una banda se pasaba varios años grabando demos, actuando en clubes y buscando su oportunidad, hasta que algún cazatalentos se fijaba en ellos, les ofrecía un contrato y lanzaba su primer álbum. Si la banda valía la pena, ese debut tenía muchas posibilidades de convertirse en un gran éxito. Hay que tener en cuenta que reunía diez o doce canciones escogidas entre las muchas que la formación había compuesto durante sus primeros años de vida. De hecho, a menudo esos discos son una colección incontestable de hits. No es una ciencia exacta, pero es bastante probable que, con el apoyo promocional necesario, el disco logre los resultados esperados. Como consecuencia, la banda se lanza a la

carretera para actuar sin descanso. La gira puede durar un año, como mínimo. Lógicamente, si los conciertos funcionan, el público no tardará en pedir material nuevo. Es entonces cuando los músicos y los ejecutivos discográficos se dan cuenta de que ha sido imposible tocar durante un año entero y, además, componer un disco nuevo. Así que, para el segundo álbum, se recurre a esas canciones que no entraron en el primero, pero que mantienen cierto nivel. ¿Cuántos segundos discos se pueden definir diciendo: “es como el primero, pero un poco peor o menos novedoso”? Lo normal es que el público se sienta satisfecho. Al fin y al cabo, recibe más de lo mismo. Y la gira siguiente alcanza lugares a los que la banda ni siquiera imaginaba que podría llegar. Y el rock and roll way of life se impone con facilidad, porque los músicos son jóvenes, tienen éxito y no van a privarse de ningún capricho. En lo último que suelen pensar es en ponerse a escribir nuevas canciones. Pero llegará un momento en que tendrán que grabar un tercer disco. Y sólo disponen de apuntes tomados en mitad de los viajes, de esbozos escritos en hoteles, apenas unas pocas ideas garabateadas a prisa. Y con eso entran en el estudio. Un productor de renombre suele ser la opción para dar un poco de coherencia al conjunto, pero no resulta sencillo. Así que es fácil que el resultado sea disperso, que trate de buscar nuevas direcciones sin éxito o que, sencillamente, no encuentre el rumbo. La industria ha cambiado mucho y los plazos ya no son los de antaño, pero tengan cuidado con los terceros discos: la ecuación se cumple más veces de lo que parece.

›› Eduardo Guillot es periodista y crítico musical español con una trayectoria de más de 25 años. Actualmente colabora en la revista Rockdeluxe.

YOUTH LAGOON Subtítulo

Por: Julián Woodside / Fotos: Cortesía Arts & Crafts México

Pocas veces uno se encuentra a un músico que, desde el inicio de su trayectoria, tiene muy claro lo que quiere. Tal es el caso de Trevor Powers, mejor conocido como Youth Lagoon, quien este 2013 presenta su segundo álbum: Wondrous Bughouse.

The Next Step Trevor, quien en 2011 lanzara su primer material, The Year Of Hibernation, en tan sólo 18 meses ha visto un crecimiento exponencial de su carrera. Sin embargo, lo interesante de músicos como él es que, por más que el reconocimiento haya sido abrupto, su aproximación a la música sigue siendo la misma: la de un individuo interesado en compartir emociones sin querer quedar bien con nadie. WARP Magazine tuvo la oportunidad de platicar con Trevor para profundizar sobre estos puntos y esto fue lo que nos dijo… Has comentado que The Year Of Hibernation es una especia de diario; en este sentido, ¿qué dirías de Wondrous Bughouse?

Muchas de las canciones empezaron a partir de querer ver dónde estaba respecto a lo que pensaba en ese momento; y es que siento que pensamos sobre tantas cosas, que no tenemos la menor idea de qué es lo que estamos pensando, es como si cierta parte de tu mente estuviera atada a una idea en específico, pero como estás viviendo el día a día, realmente no te das cuenta sino hasta que pasas tiempo contigo mismo, viendo lo que hay dentro de ti. Muchos de los temas e ideas estaban relacionados, aunque esa no fuera la intención. Normalmente escribo desde lo introspectivo, y sigue siendo así, pero de una manera diferente a la del primer disco.

›› Julián Woodside es periodista musical y epecialista en análisis de comunicación audiovisual, impartiendo cursos a nivel universitario.

Muchos críticos definen tu primer disco como nostálgico, triste. Sin embargo, se encuentran ciertos destellos de luz y esperanza, como si mantuvieras la idea de que hay algo al final del camino… Tiene cierto grado de nostalgia, lo que es normal cuando escribes canciones donde retomas cosas del pasado sin importar lo que hagas o cómo lo uses. Sin embargo, nunca romanticé respecto al pasado ni me quedé atorado en él. El primer disco fue más sobre retomar cosas del pasado y aplicarlas al futuro, como ese sentimiento terrorífico de revivir ciertas cosas. Respecto a los críticos, simplemente no me fijo, mucho de lo que se escribe sobre mí ni lo leo; de por sí es raro presentar cosas allá afuera, compartir tu música y que haya gente que la juzgue. Aunque entiendo por qué pasa —tú y yo lo hacemos todo el tiempo—: platicamos sobre música, con amigos, y la ponemos en una escala de valores. En algún momento has declarado que haces música para ti. Sin embargo, cuando te decides a sacar un disco, hacer giras y compartirla, las cosas cambian, ¿cierto? Hay expectativas… El primer disco lo hice básicamente para mí y no sabía quién lo iba a escuchar. Mi plan era liberarlo vía Internet sin saber quién lo escucharía. No estaba enfocado en lo que la gente diría. Con este disco tenía una mentalidad similar, aun cuando supiera que cierta audiencia lo escucharía. La forma en la que me aproximo a la música es que si pienso mucho sobre ello o si tengo un cierto tipo de “agenda”, entonces me estoy alejando de la razón por la que hago música, que es expresarme.

aspecto relacionado con los negocios y lo odiaba, entiendo por qué estaban esas materias, pero lo odiaba. La industria musical basa el éxito en las ventas que tienes, pero eso es una mierda, porque no determina el éxito de un disco, determina cuánto dinero está haciendo alguien, pero de eso no se trata la música. Una cosa que llama la atención es la manera en que mucha de la crítica aborda tu música, desde cierto tipo de condescendencia, bajo la excusa de que eres “joven”. Sin embargo, tanto en tus respuestas como en tu sonido, se percibe a alguien que tiene muy claro lo que quiere… Es chistoso cómo la gente crea y convierte a alguien en cualquier personaje a su antojo, y cómo la gente se alimenta de ello. En mi caso, sé que alguien va a decir algo sobre mí y a convertirme en algo que no soy, y después otras personas — blogueros, por ejemplo— ven lo que cierta revista dijo y lo toman y lo llevan a otro nivel, volviéndolo masivo, feo. Hablando de la edad, no soy mucho más joven que mucha de la gente que está haciendo música, digo, tengo 24 años, tengo esposa y no me siento tan joven como dicen, lo que no importa en realidad. Creo que la gente quiere cierto tipo de historia detrás del músico, que todo está sobre saturado y que la música no es suficiente: quieren cierto tipo de “trasfondo interesante”.

“La gente en la industria musical basa el éxito en cuántas ventas tienes, pero eso es una mierda.”

Para Wondrous Bughouse tuviste la oportunidad de trabajar con Ben Allen, quien ha producido a artistas como Animal Collective, M.I.A. y Cut Copy, entre otros. ¿Qué tal fue la experiencia? Fue fenomenal trabajar con Ben. Empezamos hablando por teléfono, le conté toda mi visión de lo que tenía en mente para el disco y le agradó. Es lo bueno de trabajar con él, logra entender lo que tienes en mente y camina en paralelo con el mismo objetivo, aunque tomando distintos caminos, por lo que se crea cierto tipo de tensión que ayuda a que fluyan mejor las ideas. Estudiaste Letras Inglesas. Ahí uno ve materias como teorías de la recepción y la manera en la que se interpretan ciertos productos culturales. ¿Consideras que esa formación afectó cómo es que concibes a la industria y a tu audiencia? Creo que sí. En cuanto a las expectativas, siempre he tenido una idea concreta de lo que la gente espera de la música, de cierto disco y de cómo la gente hablaría acerca de lo que está saliendo. Pero creo que alguien fallaría como artista si crea algo que realmente no quiere crear, sólo por cumplir las expectativas de alguien. Cuando iba al colegio tenía una clase de marketing y cosas por el estilo, así que siempre tuve un

Debido a que provienes de Boise, Idaho, varios encasillan tu sonido bajo la etiqueta de “provinciano”, de “small town”. Esto remite a que en Estados Unidos hay esta idea de que si no vienes de una gran ciudad tu sonido será, por naturaleza, “inocente”… Sin importar de qué lugar vengas, dicha ciudad va a tener una influencia en lo que creas, ya que cada ciudad tiene su propia vibra, pero a partir de Internet todo ha cambiado. En los pequeños pueblos puede haber gente que haga algo que suene igual a lo que se hace en Nueva York, porque Internet ha reconfigurado la idea de que si quieres ser exitoso tienes que vivir en la Gran Manzana. En mi caso, Boise es mi hogar y venir aquí entre giras es maravilloso, porque aquí está mi familia y amigos. La mayor parte del tiempo estoy viajando, y mientras puedas viajar no importa realmente de dónde vengas.

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SILVERIO Nylons Bounce

Por: Alejandro Altamirano / Fotos: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP / Asistente: Iván García

2013 es el año que marca el regreso de uno de los personajes más particulares y transgresores de la escena musical nacional de los últimos 10 años, nos referimos a “Su Majestad Imperial”, Silverio. Y todo parece indicar que con su nuevo disco por fin cosechará todo lo que por derecho le pertenece.

Con la frescura, originalidad y sinceridad que siempre lo ha caracterizado, Silverio nos cuenta todo sobre su nueva producción, que promete hacer estallar una vez más todo el espectro musical actual y llevarlo a niveles insospechados de exposición, como nunca antes. Al mismo tiempo, nos revela sus nuevos planes para sorprender a sus siempre fieles súbditos, además de contarnos cómo ha impactado en su carrera el arresto que sufrió en Oaxaca a principio de año, la opinión que tiene acerca del nuevo gobierno y cómo hará para sobreponerse a cualquier tipo de censura. Pasaron tres años desde la salida de Esclavo, tu último material de estudio... Realmente nunca he estado convencido de hacer lo contrario; simplemente ese fue el tiempo que nos tomó estar tocando prácticamente en todos lados y darnos el espacio para hacer un nuevo álbum. Hemos estado bastante activos y, de alguna manera, ese ritmo nos lo había impedido. Ya has contado con algunas colaboraciones en tus discos, la más reciente en Esclavo, ¿algo de eso en el nuevo material? Las colaboraciones no son algo que me caracterice, pero alguna que otra vez ha habido coqueteos. Hace poco trajimos a tocar a Otto Von Schirach, un músico de Miami bastante recomendable, e hicimos una colaboración que se llama ‘Salón De Belleza’. Para este nuevo disco hay una con Ali Gua Gua, de Las Ultrasónicas y Kumbia Queers, con quien ya habíamos hecho anteriormente la canción ‘Gorila’.

El trabajo en el nuevo disco te llevó cerca de tres años, pero a principio de 2013 sucedió lo del arresto que sufriste en una presentación en Oaxaca. ¿Este suceso impactó de último momento, en alguna forma, el nuevo material? No realmente. En lo único que ha influenciado es en que, parece, este será el año de Silverio. Yo lo quería empezar de una manera un poquito más suave, pero pues no hubo manera: parece ser que no tenemos rienda que nos sujete. Cuando pasó lo de Oaxaca, el disco ya estaba hecho, aquel fue un show para el gobierno y pues la verdad creo que me lucí: no podía haber salido mejor, es lo que se merecen. ¿Fue “la entrada triunfal del disco”? Exactamente. Nos ha servido mucho para arrancar con todo la promoción del nuevo material. En 2012 se cumplieron 10 años de la llegada de Silverio a la Ciudad de México. ¿Has preparado algo para festejarlo? Pues viene con todo. La verdad es que hemos preparado varias cosas: estamos arrancando el proyecto de Épico, el cual se gestó el año pasado y toda la promoción fuerte viene ahora. También estamos preparando nuevo show, que tendrá un par de máquinas nuevas para renovar un poco el espectáculo, pero como te comentaba va a seguir siendo un show bastante clásico.

The Next Step ¿Cuál es tu percepción del público después de 10 años? Definitivamente la gente es más abierta. Hemos trabajado para que abran sus mentes y nos ha costado bastante tiempo. En un principio, la gente era bastante reticente y surgían ciertos detalles durante el show. Yo podría decir que la gente y mi público han evolucionado, pero Oaxaca me dice todo lo contario; entonces ya no sé qué decir al respecto. Lo único que sé es que Silverio me sigue sorprendiendo, por las reacciones que provoca en el público, y es que lo que vino de Oaxaca no vino de la gente que teníamos enfrente, sino de la que estaba a un lado, y ver que todavía podemos obtener ese tipo de respuesta es lo que nos mantiene vivos. ¿Cómo surge Épico? Lo que sucedió primero fue que cerré Nuevos Ricos, donde trabajé aproximadamente siete años e hicimos un montón de lan-

zamientos. Después comencé a trabajar con nuevo manager, Alex DeLarge, y decidimos crear este ente que, aunque saca discos, no es una disquera. Vamos a estar sacando los proyectos de él y los míos, pero no es una disquera en forma, no como lo era Nuevos Ricos, que vivía de editar discos. Épico es un ente más voluble: saca discos, pero no es una disquera; hace eventos, pero no es una productora; y vende shows, pero no es un booking. ¿Por qué elegir ‘Bombeando En Masaryk’ como primer sencillo? Porque es una canción que arranca bastante bien, la cual muy probablemente va a abrir el disco; y aunque definitivamente no es el sencillo más fuerte, es perfecta para calentar un poquito el asunto y después reventarlo con todo. Las razones para elegirla como primer sencillo son varias, pero una de ellas es porque encontramos la idea del video, que es una “mujer-motocicleta”.

The Next Step Volviendo al tema de tu arresto en Oaxaca, y retomando tus palabras acerca de que “el show de Silverio viene con todo este año”, ¿crees que el tema político o la forma de llevar las cosas del gobierno tengan consecuencias en la forma de las presentaciones de Silverio? Definitivamente yo seguiré en mi línea; más bien, a ver cómo reaccionan ellos. Realmente no creo que se metan demasiado, pero uno nunca sabe. Ya veremos qué pasa y les contaré a finales de año cómo fue la progresión. Lo que pasó en Oaxaca fue algo que no nos esperábamos, pero con eso ya se ve cómo viene el asunto; aunque tampoco nos sorprende: ya sabemos cómo es. El suceso llamó mucho la atención y fue muy comentado en las redes sociales. ¿Crees que esto beneficia de alguna manera la carrera de Silverio?

Bueno, gracias a eso mucha gente que no conocía a Silverio ya lo conoce; y es que fue una noticia que circuló muy fuerte. A mí me sirve bastante, porque lo que percibí instantáneamente fue mucho apoyo. La gente empezó a tirarle tanto a los organizadores como al gobierno y, la verdad, se puso bastante sabroso. Obviamente, en general, hemos tenido las puertas cerradas de algunos medios de comunicación para expresarnos como a nosotros nos gusta y estos nuevos medios nos sirven mucho para hacerlo. Por otro lado, la gente no es pendeja y lo disfruta mucho, todos están cagados de cómo funcionan la televisión y demás medios donde todo es muy controlado; entonces, estos nuevos medios nos dan un montón de posibilidades.

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THE BEST THINGS

COME TO THOSE WHO WAIT Por: Paul Stokes /@stokesie Traducción: Jorge Rodríguez

61 Unos muchachos elegantes de Oxford, allá por 1993, sacaron un disco pobremente producido y un tanto decepcionante llamado Pablo Honey. En él había una canción, ‘Creep’, que a duras penas encajaba con la entonces moda de “odio a uno mismo” liderada por Nirvana, que se volvió exitosa gracias a la constante rotación otorgada por MTV. Aunque la música del proyecto Radiohead era reflexiva y venía del corazón —en lugar de ser un vil intento de ganar dinero—, pocas personas eran las que esperaban ansiosas que la banda regresara al estudio para grabar su segundo disco; y es que, sí, probablemente sería mejor que el anterior, pero, ¿realmente necesitaba el mundo a un Kurt Cobain inglés? Uno de los jefes del grunge, Billy Corgan, no les vio potencial, mencionando incluso en una entrevista que su peor pesadilla era “un futuro lejano con una banda tributo a The Smashing Pumpkins con el tipo de Radiohead”. Avancemos hasta 2013 y enfoquémonos en el proyecto alterno del “tipo de Radiohead”. Atoms For Peace tiene uno de los discos que más están dando de qué hablar en el mundo. Dense un momento para asimilarlo: una de las ideas del hombre que escribió ‘Anyone Can Play Guitar’ ya tiene asegurado uno de los discos más interesantes de 2013. Damon Albarn, un hombre que actualmente se mueve fácilmente entre óperas, bandas de caricatura con fama mundial y bellos himnos melancólicos, empezó su carrera copiando a The Stone Roses. Efectivamente, Leisure, de Blur, tiene buenas

partes —y el épico track ‘Sing’ demuestra claramente que era un hombre con mucha habilidad—, pero como el mismo Albarn recientemente admitió, “la banda tuvo la fortuna de hacer un primer disco olvidable, en una época en la que se les permitía a las bandas hacer un segundo álbum”. Siempre habrá bandas que lo hacen bien desde el principio, con discos debut que terminan encapsulando su época —en esa categoría están The Strokes, Oasis y The Sex Pistols, entre otros pocos—, esos son álbumes que se deben apreciar, ya que los artistas que los hacen nunca los logran superar, pero también hay algo qué apreciar en el acto de la paciencia: ambos, Blur y Radiohead, necesitaron tiempo para descubrir que podrían ser exactamente como David Bowie, que pasó los años sesenta como mod inglés, antes de alumbrar al mundo a Ziggy Stardust. Recientes ejemplos, como Muse, Elbow y The National, sin mencionar a Phoenix y otros actos incluidos en esta edición de la revista, han demostrado que, si se da un poco de tiempo para desarrollarse, no sólo puede crecer su audiencia, sino también su habilidad, visión y ambición artística. Estamos viviendo una era obsesionada con las transmisiones antes de las fechas de salida, con las listas de reproducción aleatorias y con la compra de canciones individuales. Por eso, hoy les pido que salgan y escuchen el cuarto disco de cualquiera de las bandas que mencioné arriba, porque a veces es bueno recordar que las mejores cosas vienen para aquellos que las esperan.

›› Paul Stokes es Editor Asociado de Q Magazine, puedes leer su columna Time To Keep Eyes Wide Open en WARP #54.

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QUIERO CLUB Días Perfectos Por: Michelle Apple

Fotos: Fernando Velasco para Luciérnaga y WARP

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Llega un momento en la vida de todo proyecto musical en el que vale la pena replantear las bases que lo fundamentan, hacer una introspección y analizar los factores que lo originaron, evaluando si aún existen y, en caso de que no sea así, entender qué los hizo desaparecer o tal vez evolucionar.

Si pensamos en un proyecto tan ecléctico como Quiero Club, es probable que la práctica mencionada sea algo rutinario; sin embargo, la salida de uno de sus integrantes (Gustavo Mauricio “Catsup”) y el inminente lanzamiento de su nuevo material llevó a Marcela, Priscila, Boscop y Luis a hacer una reflexión más profunda. Con El Techo Es El Cielo (2013), la cuarteta encuentra ese momento de observación: se trata de un examen de conciencia sonora, donde encontramos una inquietud implícita de los músicos por presentar una cara distinta de la música que ya les conocemos. Así, el objetivo de su tercera placa de estudio está muy claro: mantenerse unidos haciendo lo que mejor saben. Previo al lanzamiento físico del material, WARP Magazine sostuvo una conversación con Quiero Club, una que con el correr de los minutos termina por convertirse en una suerte de terapia grupal. Han vivido un periodo muy significativo durante los últimos meses, que tuvo que ver con la salida de “Catsup” de la banda. ¿Qué implicó el proceso, composición y grabación del nuevo álbum? Marcela Viejo: Fue un proceso largo, pero muy divertido. Boscop Benavente: Implicó que cambiáramos de ciudad. Tenemos casi dos años viviendo en la Ciudad de México, rentamos una casa y acondicionamos uno de los cuartos como estudio de grabación; y allí, en la casa, a excepción de un par de canciones cuya batería se grabó en otro estudio, se dio el proceso de composición. Desde discos anteriores veníamos desarrollando una fórmula parecida, pero no idéntica: partimos de improvisar en el cuarto de ensayo y de darle valor a las melodías y a los ritmos que nos gustan, que con el tiempo se convierten en canciones.

¿Fue complicado reestructurar a la banda? Luis Fara: Gustavo estuvo durante todo el proceso de composición y producción del disco, él realmente sale de la banda cuando ya estábamos en la mezcla y, por ese lado, no hubo ninguna diferencia. El cambio se empezará a sentir en los siguientes trabajos. Ahorita que estamos haciendo shows, por ejemplo, sí hemos tenido que reacomodar ciertas cosas para cubrir lo que él hacía, pero no estamos tratando de buscar un remplazo. Ya comentábamos que le dimos mucho valor a la composición, a las canciones y a las partes melódicas que estuvimos haciendo entre Priscila, Marcela y yo; por ese lado sí nos hemos acoplado. ¿Qué tan diferente dirían que es el sonido de este disco? Priscila González: A mí no se me hace tan distinto. MV: De hecho, siempre relacionamos las canciones y pensamos: “¡Ah! Esta suena a cierta canción del disco pasado”. Siempre van de la mano y, aunque van evolucionando, tienen la misma raíz. PG: Siempre hay una que se parece a otra, pero en el sentido de que tienen la misma finalidad en el disco. BV: Creo que es la culminación de cómo venimos produciendo y grabando, e incluso te puedo contar que la canción ‘Cuentos’ nació del mismo beat que originó ‘Maybe’, de Nueva América (2008). La librería sonora, a lo largo de nuestra discografía,

“(Este disco) reafirma que podemos hacer canciones y trabajar juntos, que aún disfrutamos salir y tocar.” -Marcela Viejo

haciéndolo, es lo que nos tiene aquí. Durante los ensayos, trabajamos mucho en las canciones nuevas y eso nos motiva bastante, ahora tenemos nueve canciones que nos ayudan a hacerlo más entretenido. O sea que no hay nada qué temer, la energía no se pierde… MV: Se mantiene, porque somos más de la mitad de la banda original, seguimos teniendo la misma química, evolucionamos de cierta manera, pero sigue la misma energía. Siempre decimos que estar en el escenario es como si nos abrieran la jaula… ¿Qué significa El Techo Es El Cielo para Quiero Club? LF: Es la reafirmación de nosotros mismos. MV: Reafirma que podemos hacer canciones y trabajar juntos, que aún disfrutamos salir y tocar. PG: Representa nueve años de resistencia.

ha crecido y hemos recurrido al reciclaje: a elementos que si los sitúas en otra canción te provocan otro ritmo, otro sentimiento. A la fecha, nuestros tres discos tienen ese sonido en particular. La única diferencia podrían ser los fierros que usamos para grabar. Ustedes son muy activos, siempre están colaborando con otros artistas o haciendo cosas por separado. ¿Dirían que estos trabajos externos influenciaron de algún modo el nuevo material? LF: Más que influenciar, de alguna manera te ayuda a sacar muchas cosas… MV: Te ayudan a salirte del ciclo, es un mundo nuevo que te refresca y llegas renovado, es súper nutritivo colaborar con otros músicos. ¿Qué dicen de la energía que traen para el show en vivo? ¿Se vio afectada? MV: No es muy diferente, de hecho, creo que nos unimos. LF: La otra vez comentaba Boscop que fue como una renovación de votos. BV: Nos gusta mucho lo que sucede en el escenario y que no se ha perdido, seguimos teniendo nervios, adrenalina al contacto con la gente. Eso es la materia prima para seguir

¿Tienen planeado algo para celebrar casi una década de carrera? MV: Estamos planeando la presentación del disco en El Lunario (del Auditorio) y un festejo de los nueve años que nos da mucha satisfacción, le estamos echando muchas ganas a ese show que es especial para nosotros. ¿Cómo ven el futuro de la banda? ¿Creen que para el siguiente disco el proceso de grabación y composición sea más ágil? MV: Eso no se puede saber, puede pasar de todo. PG: Siempre hay sorpresas en el camino y no nos gusta preocuparnos, más bien nos ocupamos en el momento. LF: Así es, un día a la vez. BV: Tenemos varias inquietudes, como trabajar con un productor externo o hacerlo nosotros mismos; a lo mejor hasta Gustavo regresa y produce algo. No planeamos a futuro, pero sí le hacemos caso a las inquietudes que van surgiendo. En este momento tenemos ganas de hacer una canción nueva que quizá lancemos pronto digitalmente, tenemos la presentación del disco y lo que sigue. Después de vivir varios años en el D.F., ¿regresarían en algún momento a Monterrey a hacer algún disco o por algún proyecto que sintieran que necesitan hacerlo allá? MV: Nunca digas nunca, pero no creo que suceda, aquí está todo lo que necesitamos. Hay mucho más trabajo aquí para lo que hacemos, así que no creo que sea el caso. Pero si tenemos que ir a las montañas, pues adelante.

›› Michelle Apple colabora en WARP Magazine e investiga fenómenos paranormales. Puedes leer su entrevista con La Bien Querida en WARP #54.

S L A FO The Next Step

. . . e d a M s a W e How The Fir vián / Fotos:

Por: Karina Lu

ner Music

Cortesía War

xt S tep Ne The Cinco años desde la salida de su álbum debut Antidotes (2008), trabajos que han ido de menos a más y que la han cambiado como banda, llevándola a explorar sonoridades diversas y procesos creativos nunca antes registrados en su historia, han sido suficientes para demostrar la ambición de Foals por ser una de las bandas emblema de la última década. Holy Fire (2013) representa así el pináculo de un éxito merecido, luego de su nominación al Mercury Prize, y el risco que definirá si se convierten en forzosa referencia de generaciones futuras o si se quedan en el lindo recuerdo de algo que tan sólo “pudo ser”.

Sobre cómo se ve el mundo desde su perspectiva, la experiencia de haber trabajado con productores como Alan Moulder y Flood, y sobre cómo se maquina un disco, Jack Bevan, baterista de Foals, platicó con WARP Magazine, definiendo Holy Fire, de entrada, como “un disco ámbar... como la resina de los árboles”.

Foals llega este 2013 con nuevo disco, Holy Fire. ¿Qué tan presionados se sintieron por la expectativa del público y la crítica, teniendo en cuenta que Total Live Forever fue exitosísimo e incluso nominado al Mercury Prize? Bueno, ya sabes, uno siempre siente un poco de presión, pero la verdad es que hemos podido aislarnos y tomar sólo las cosas buenas. No es tan difícil escapar de esa sensación que te dan los medios, el management, los sellos discográficos… Lo que hacemos es alejarnos y trabajar con todo eso, somos muy afortunados de poder hacer música y lo disfrutamos mucho desde sus niveles más básicos, es una de nuestras cosas favoritas, así que en el momento en que entramos al estudio nos olvidamos de toda esa presión y solamente nos divertimos, callamos toda la expectativa como un acto de seguir adelante y creo que es la mejor forma de hacerlo. Me parece que si te preocupas por ser nominado a un premio, vas a escribir música rara porque, definitivamente, ese no es un motivo para crearla. Una de las cosas que causa mayor curiosidad es saber cómo nace un álbum como Holy Fire. ¿Qué nos puedes contar sobre eso? Cada tema y cada disco es diferente: en algunos establecemos una guitarra e intercambiamos ideas entre nosotros; otras se forman a partir de una batería y luego una línea de bajo. La diferencia en este trabajo es que, por primera vez, hemos escrito canciones completas de la manera tradicional: ‘Moon’ y ‘Stepson’ —las últimas dos canciones— fueron escritas al piano desde el principio y luego les agregamos las voces, así que hay canciones de escritura tradicional, donde hubo muchas formas completas: mientras Edwin tocaba, agregábamos baterías y bajos, antes y después, siendo una nueva e interesante forma de trabajar, lo que me parece que funcionó mejor con canciones lentas.

Sabemos que en este disco contaron con Alan Moulder y Flood en la producción. ¿Qué tanta influencia consideras que tuvieron en el proceso creativo? Bueno, trabajar con estos dos tipos fue algo increíble; ya sabes, somos fans de su trabajo desde que éramos adolescentes. A todos nos gustaba The Smashing Pumpkins y Nine Inch Nails; de hecho, Melancholy And The Infinite Sadness es uno de mis discos favoritos de la adolescencia, así que fue un verdadero honor que aceptaran trabajar con nosotros, pues juntos son un gran equipo. Alan es muy considerado, centrado, como una especie de doctor, alguien muy tranquilo que se acerca a la genialidad sonora y que sabe exactamente cómo lograr los sonidos que quieres; puedes describirle algo y él lo hará sonar, lo cual es increíble. Flood, por su parte, es un director bien hecho, alguien que está contigo en el ring todo el tiempo y que al tocar una canción, casi inmediatamente, sabe dónde detenernos para decirnos, muy concentrado: “estuvo genial, pero, ¿qué tal si intentan cantar un poco atrás del bit?”. La verdad es que, juntos, son un dream team, pues toman en cuenta cada aspecto del disco para denotarlo artísticamente. Ellos de verdad se interesaron en facilitarnos la grabación de lo que queríamos hacer, dejando su huella en cada sonido, como en los otros discos que han hecho. Fue una experiencia genial; personalmente me encantó. ¿Cómo fue el acercamiento para que trabajaran con ustedes en el álbum? Nuestro disco pasado, Total Life Forever, lo mezclamos con Alan y la verdad trabajamos muy bien con él; se involucró muchísimo, así que decidimos hacerlo de nuevo. Nos acercamos y le preguntamos si le gustaría trabajar en el Holy Fire, lo que le emocionó mucho. Entonces alguien mencionó que quizá podríamos convencer también a Flood, a lo que dijimos “Woow”, y es que no esperábamos que nada de esto pudiera ocurrir. Y cuando sucedió, quedamos impresionados; pensamos: “Tenemos que hacerlo con ellos, es con ellos con quienes queremos hacerlo”, así que no hubo discusión; ya sabes, es una especie de dupla legendaria y además no habían trabajado juntos en un disco desde 2005. Siempre mostraron mucho gusto en trabajar en el disco, así que fue extraordinario.

“Me parece que si te preocupas por ser nominado a un premio, vas a escribir música rara porque, definitivamente, ese no es un motivo para crearla.” -Jack Bevan

Hablando del arte del disco, ¿quién fue el diseñador? La verdad es que tiene un estilo muy parecido al que revistió Total Life Forever… Es una foto que, de hecho, encontramos en un blog o algo así. Lo único que sabíamos era que alguien la había publicado de algún otro lugar y nada más, así que tuvimos que hacer mucha investigación para encontrar de dónde venía. Entonces descubrimos que se trataba de una fotografía de la revista National Geographic, tomada en los años 60 y, honestamente, la noche en que la vimos, pensamos: “Este es el arte del disco, esta es la correcta”. La combinación de la fotografía con el nombre “Holy Fire” y la primera canción… ¡Simplemente se sentía bien! Todos esos elementos tienen un sentimiento similar, incluso proviniendo de medios distintos, crean ese mismo color en mi cabeza, como ámbar, como el crepúsculo, como atardeceres; ese tipo de colores surgidos de la música, el arte y el nombre mismo del disco. Una vez que decidimos que queríamos que esa imagen fuera la portada, tuvimos que ponernos en contacto con el autor, quien está en edad avanzada; tomó la foto en 1967. Al final nos dio el permiso de utilizarla y fue maravilloso. Muchas bandas, si no es que todas, aseguran que su último disco es el mejor. ¿Qué piensas al respecto? ¿Es Holy Fire el mejor disco de Foals? [Risas] Me parece que, en donde sea que promociones un

disco, dirás que ese es el mejor. Sin embargo, de manera genuina, profunda, puedo decir que Holy Fire lo es. Creo que cada disco que hemos hecho ha sido mi favorito de algún modo, pero con este me pasa algo particular: en el pasado, para el momento en que la grabación salía al mercado había escuchado las canciones tantas veces que sentía que no podía escucharlas más, me sentía enfermo de hacerlo. Ahora no he sentido eso y no sé si significa que es el mejor disco o si es el más escuchable (sic), lo que sí sé es que puedo seguir poniéndolo y disfrutarlo cada día; se siente bien. Cada producción -en el proceso creativo e incluso en las relaciones personales- deja lecciones importantes para una banda. ¿Con qué se queda Foals a partir de Holy Fire? De este disco hemos aprendido a tener más confianza respecto a jugar con los sonidos, sentimos que podemos tomar algunos riesgos y aventar los dados. Cuando hicimos nuestros discos pasados fue una especie de escalera continua que podía terminar para nosotros, porque cuando haces un segundo disco, en estos días, si no le va bien, puede ser el final; es como tener una guillotina sobre tu cabeza y vivir preocupado de que se vaya a activar. Hemos aprendido a tener actitud ante la presión y ahora sentimos como si pudiéramos hacer lo que queramos.

›› Karina Luvián es Coordinadora Editorial de WARP Magazine, puedes leer su entrevista con Dorian en WARP #54.

p e t S t x The Ne

NEW DIRECTION HELLO COSTA RICA! Por: Alejandro Franco

WARP comenzó este sueño hace ya siete años, a partir de la necesidad de generar contenido alrededor de la industria musical internacional y que sintiéramos, por primera vez, propio de América Latina, dejando atrás la etapa del seudo periodismo del “copy / paste”. Hoy Costa Rica cuenta con una edición impresa de WARP y, aunque siempre supimos que la dirección de la revista era estar en varios países de la región, lo primero que tocó Costa Rica hace tres años bajo el sello WARP fue nuestro programa de televisión, homónimo, a través de la señal Sony Spin que se transmite en cable y que, por cierto, este mes estrena la temporada 03. Aunque el verdadero héroe de todo nuestro esfuerzo ocurre todos los días, a toda hora, a través de nuestro sitio de Internet

WARP.la, que por primera vez se localiza de manera oficial con WARP.cr, compartiendo plataforma y contenidos, pero dejando claro que lo que venimos a hacer a este hermoso y pacífico lugar no es una copia de lo que somos en México, sino una mejor versión con contenidos únicos para Costa Rica. Así que por fin ocurrió. De la mano de nuestros queridos socios locales, les doy la bienvenida oficial a la experiencia WARP completa, en una nueva etapa que nos tiene a todos de este lado emocionados y honrados de poder informar, comunicar y trabajar para ustedes, hablando de lo que más amamos y le da sentido a nuestra vida. Hola WARP Costa Rica. Hola Costa Rica. Mucho gusto y larga vida juntos...

›› Alejandro Franco es conductor del programa WFM de W Radio, escúchalo de lunes a viernes a las 21:00 hrs., a través de wradio.com.mx

X I N E O PH The Next Step

The Real Thing

Por: Diovanny Garfias /

sic

Fotos: CortesĂa Warner Mu

, consolida como leyenda se y ra rre ca su de e br ta llega a la cum Cuando una banda o artis camino apenas les sonreía y ese te er su la e qu los en s los tiempo difícilmente recordamos rt Smith y su o. Difícil pensar en Robe ad leg re ar ed qu ce re pa mayor s en el que buscaban algo awley, Inglaterra, mientra Cr en b pu o eñ qu pe ún 50 personas en alg banda tocando frente a e ver con e de jueves, nada tiene qu ch no en , ino ris pa b clu o en algún que Daft Punk mezcland ristas.

sus presentaciones futu

Ejemplos hay muchos, pero lo cierto es que a los grandes los recordamos como eso: como figuras trascendentales. Sin embargo, es realmente interesante identificar el momento preciso en el que una banda deja de ubicarse a media tabla para pertenecer, para siempre, a los protagonistas sonoros de la historia. Y curiosamente hoy tenemos la oportunidad de observar y estudiar este fenómeno de la mano de una banda francesa: Phoenix. El cuarteto integrado por Thomas Mars, Deck d’Arcy, Laurent Brancowitz y Christian Mazzalai tiene una vez más los reflectores de frente, no sólo por la salida de su quinta placa de estudio, Bankrupt! (2013), sino por la sorpresa de que encabezarán uno de los festivales de música más importantes de la historia moderna: Coachella Valley Music And Arts Festival. Es cierto que Phoenix se convirtió en una de las agrupaciones más relevantes de la década anterior, de la mano de su Wolfgang Amadeus Phoenix (2009), aunque no cabe duda de que el momento de asegurar un lugar en el cementerio de las leyendas sonoras es ahora: la prueba de fuego se llevará a cabo en el Empire Polo Club de Indio, California.

WARP Magazine charló con Thomas Mars, el carismático líder de la banda, quien revela los detalles previos a su tour 2013, sin olvidar mencionar, claro, su cariño por el público mexicano. ¿Cuál es la historia detrás de la concepción y grabación de Bankrupt!? La historia es la misma de cada uno de los álbumes que hemos hecho: los cuatro estuvimos mucho tiempo en el estudio y, cuando al fin el álbum quedó listo, nadie quería acordarse de todo el proceso. A pesar de que el disco quedó terminado varios meses atrás, guardaron el producto final durante más tiempo; de hecho, la información fue saliendo a la luz a cuentagotas. ¿Lo hicieron por alguna razón en particular? De ninguna manera, simplemente tratas de encontrar la forma de revelar pequeñas porciones, de hacer cosas emocionantes para la gente, cosas que les emocionen del modo en el que nos emocionan a nosotros —como descubrir un nuevo disco o cualquier otra de las cosas tan simples que nos gustan—. Pero no importa, el disco está allá afuera y no hay más que decir [risas].

The Next St

un estudio en París (bueno, en realidad fueron dos estudios, pero resulta que el segundo estudio era justo el de Philippe). Ahora que el disco está allá afuera, ¿qué tan decisiva dirías que fue la participación de Philippe? Él nos ayudó, pero no como un productor tradicional; fue más como un amigo que nos conoce muy bien y que nos compartió su visión de “lo que un disco de Phoenix podría ser”. Nos ayudó a incorporar ciertas melodías o instrumentos a las canciones, y lo hizo como alguien que realmente se interesa por ser parte del álbum, lo que nos emocionó mucho: fue una experiencia dulce y encantadora. ¿Pensaron desde el principio que, para este álbum, debía haber ciertos elementos que sacaran a la banda de su zona de confort? ¿Pensaron que Phoenix debía sonar diferente? No sé si [silencio]… Bueno, seguro, siempre tratamos de sonar diferente, pero no queremos hacerlo nada más porque sí. Creo que hay muchas cosas —instrumentos en particular— que muestran claramente las paletas de color que existen en nuestra música, que probamos en el estudio en un momento de “libre obsesión”. Fue como andar por el estudio tratando de resolver los sonidos que utilizaríamos. Fue divertido y creo que de algún modo fue como posponer un proceso al que, sabíamos, teníamos que llegar: teníamos escritas las canciones correctas y fue bueno buscar el sonido que queríamos.

Algunos de esos teasers del disco que se filtraron por la red hicieron pensar a muchos que éste sería más electrónico o influenciado por el uso de computadoras… No creo que nosotros pensemos mucho en la tecnología como un instrumento; lo más importante para nosotros son los sintetizadores, las guitarras, ya sabes, todo lo que puedas tocar al mismo tiempo, así que nunca diría que la tecnología cambiará nuestro sonido.

Suena a que se entretuvieron, pero, ¿qué tanto les ayudó este proceso? Creo que nos ayudó mucho, porque una vez que encontramos el sonido, se convirtió en algo único, icónico. Cuando haces una canción puede ser muy simple, pero si suena como tú, será algo que siempre querrás tocar y en la música hay muchas historias como estas: ahí está The Jesus And Mary Chain, que debe ser uno de los mejores ejemplos porque, aunque sus canciones son muy básicas, simples, tienen un sonido único que las convierten en lo que son y eso es algo que amamos.

“Nunca trabajo en nada más que no sea Phoenix; lo hice una vez con Air... pero para mí es más importante el placer de hacer algo con mis compañeros.”

¿Fue difícil no repetir musicalmente lo que hicieron en Wolfgang Amadeus Phoenix? Creo que lo interesante de hacer un disco, es que no sabes cuánta influencia tomarás del pasado y cuánta del futuro. Para mí siempre se trata de esta combinación melancólica y futurista que es difícil de encontrar. Creo que cuando empezábamos y supimos que las canciones que escribíamos tenían “eso”, nos sentimos satisfechos, en el lugar correcto; sabíamos que podíamos generar esa atmósfera que hace que una canción no se despedace.

-Thomas Mars

Bankrupt! es un disco que suena a Phoenix, con los elementos que ya les conocemos, pero con ciertos elementos de producción que van “más allá”… Así es; siempre producimos los cuatro y nos acompaña Philippe Zdar (Cassius), quien nos ayudó en el disco pasado, igual que con nuestros álbumes anteriores. Lo grabamos casi en su totalidad en

The Next Step 78 ¿Emocionalmente hubo presión por repetir lo conseguido con su placa anterior? Siempre es difícil, pero no nos podemos quejar: el nuevo álbum nos tiene satisfechos a los cuatro; incluso si hay presión y sientes que le estás dedicando mucho tiempo a una sola canción, está el placer de saber que los cuatro seguimos juntos haciendo algo que nos gusta. Siempre hay momentos difíciles y presión, pero nada que no sea placentero.

Están por presentarse en Coachella; de hecho, será la primera vez que actúen como headliners. ¿Cómo se sienten al respecto? Sentimos presión, mucha presión [risas]… Montos impresionantes de presión, y creo que a estas alturas ya no podemos zafarnos [risas]. Pero sí: hay presión.

¿Qué tanto hay de cierto en que parte de las inspiración del álbum proviene de lo que hicieron con Sofia Coppola en la cinta Somewhere? Creo que hay una canción, ‘Bankrupt!’, la desarrollamos a partir de una pequeña parte de música que se escuchaba en la película; pero además de eso no creo que tenga mucho que ver. En realidad no me gusta pensar de dónde vinieron las letras o la música: cuando de verdad terminas algo, toma un tiempo entender lo que en realidad tratabas de expresar; eso es lo que me hace feliz, porque me gusta hacer las cosas en un sentido más inconsciente que planeado. Para nosotros tiene más encanto cuando trabajas así.

Regularmente el público la pasa muy bien en los conciertos de Phoenix; el concierto que ofrecieron en México, en 2011, por ejemplo, fue increíble. ¿Están preparando algo especial para esta gira? No lo sé, ni yo sé qué esperar, y no quisiera parecer demasiado amable o algo así, pero sin importar lo que hagamos, creo que siempre vamos a extrañar México, porque la audiencia es extraordinaria: es imposible tocar conciertos como ese de 2011 en todos lados. Cada vez que tocamos en México nos sentimos afortunados, cada vez que hablamos con otras bandas, les contamos que los mejores shows suceden en México [risas]. Para nosotros es impresionante ver a la gente cantando hasta la muerte, gente que no habla nuestro idioma, lo que lo hace más impresionante; es muy bueno para nosotros. Pero no sé qué esperar de nuestros conciertos en vivo; creo que [silencio]… Lo que nosotros queremos es sorprenderlos y sabemos lo difícil que es mantener el misterio con YouTube; lo hemos intentado, pero es muy difícil.

¿Te gustaría colaborar de una manera más extensa o “activa” con Sofia en el futuro? Creo que somos muy activos [risas]. Somos muy activos en cada una de estas colaboraciones; pero sí, podríamos hacer más.

Phoenix lleva más de diez años como banda. ¿Es difícil mantenerse unidos después de tanto tiempo? No, eso es fácil, pero no quiero pensar en eso [risas]. Por mucho, los cuatro sabemos trabajar juntos y no hay ningún problema.

›› Diovanny Garfias es Editor en Jefe de WARP Magazine, puedes leer su entrevista con Dead Can Dance en WARP #54.

WARP TV P82. LUST IN THE MOVIES. Evil Dead P85. TECHNOLOGIC. Leap Motion P86. FASHION NUGGET. Howl P88. ART BRUT. Andrea Mary Marshall

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Evil Dead Por: Diovanny Garfias

Fotos: Cortesía Sony Pictures

n 1978, Sam Raimi decidió filmar Within The Woods, un corto de su autoría inspirado en el Necronomicon —un elemento recurrente en el trabajo de H.P. Lovecraft—: es la historia de cuatro amigos que, sin querer, tras internarse en el bosque y refugiarse en una cabaña, desatan la ira de seres sobrenaturales. Apoyado por sus amigos Robert Tapert y el protagonista del proyecto, Bruce Campbell, el joven director logró llamar la atención de algunos inversionistas. Así, con un presupuesto no mayor a 400 mil dólares, se comenzó a rodar The Evil Dead (1981): una de las más grandes películas de horror de todos los tiempos. Con el tiempo, la franquicia no sólo se expandió —Evil Dead II (1987) y Army Of Darkness (1992)—, Sam Raimi se convirtió en uno de los directores consentidos de Hollywood —al menos durante un tiempo— y Bruce Campbell se volvió un actor de culto, siempre referenciado como el atormentado héroe “Ash Williams”. Pero la duda siempre quedó en el aire: ¿la franquicia arrojaría una secuela más? La respuesta salió a la luz en 2011, 082

cuando se anunció que era hora de reimaginar el clásico de Raimi, traerlo a nuestros días y hacerlo más sangriento. Con Raimi, Tapert y Campbell como productores, 2013 verá llegar a las pantallas Evil Dead: una nueva ojeada al libro de los muertos. El uruguayo Fede Álvarez —Ataque de Pánico! (2009)— fue el elegido para dirigir la cinta, pero ninguna historia está completa sin un score que le haga justicia y es allí donde entra el español Roque Baños. Baños no sólo ha sido galardonado en diferentes ocasiones por su trabajo: es un músico que entiende a la perfección el ritmo del género y que sabe qué hacer para que una orquesta sinfónica sea violenta, oscura o intrigante. WARP Magazine conversó con el artista, el la cual deja muy claro que, en lo que respecta a la música para el cine de horror, aún hay carne de donde cortar… ¿Cómo te involucraste en el proyecto Evil Dead? ¿Qué te hizo aceptar formar parte de este remake? Me puse en contacto con Fede Álvarez, vía Facebook, y me

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Roque Baños

Para nada. Fede y yo lo tuvimos muy claro desde el principio y no tuvimos nada de presión. Sam Raimi, Rob Tapert y Bruce Campbell tenían plena confianza en nosotros y pudimos trabajar sin condición alguna. El único “requisito” era que la banda sonora fuese lo más aterradora posible. ¿Cómo fue trabajar con Fede Álvarez? La verdad es que fue fantástico: Fede es, además de un gran director, un músico con mucho talento. Toca el piano bastante bien y, como mi instrumento principal es el saxo, después de cada día de trabajo — tras “matar, cortar, quemar, enterrar y arrancar almas”—, disfrutábamos mucho tocando juntos temas estándar de jazz que limpiasen nuestras mentes y nos permitiesen desconectarnos un poco. Me gusta componer mientras el director está sentado a mi lado, en tiempo real; es algo que resulta muy emocionante para ellos, porque están siendo espectadores de la realización de la música de sus películas en directo, aunque también supone algo de paciencia de su parte, pues se necesita tiempo para conseguir crear los temas. Y Fede fue muy paciente. Hemos disfrutado mucho trabajando juntos.

quedé sorprendido por su pronta respuesta: me hacía saber que le encantaba mi música y que quería contar conmigo para este proyecto. Más tarde montó la película con música de otras de mis bandas sonoras y eso fue lo que convenció a los productores. Y he disfrutado mucho trabajando con él. Nunca pensé que Facebook fuera el medio a través del cual se me presentaría la oportunidad de colaborar en un proyecto tan mítico. ¿En algún momento pensaste en referenciar a Joseph LoDuca (autor del score de la cinta original) o desde el principio trabajaste en algo muy particular? La verdad es que desde el principio buscamos algo totalmente diferente, basado más en los clásicos de cine de terror, como The Omen o Poltergeist. Fede y yo buscábamos un sonido contemporáneo de orquesta y coro, sin apenas tener que recurrir a la electrónica. ¿Fue difícil re-imaginar la música para una franquicia de culto en el mundo? ¿Sentiste algún tipo de presión?

¿Fede tenía una alguna idea musical específica de lo que quería para la cinta o te lo permitió todo? Él sabía perfectamente lo que quería que la música transmitiese, pero nunca me impuso sus ideas: todo fue consensuado. Me dio total libertad y la música llegó de forma natural. Tu score de Evil Dead suena un tanto minimalista en comparación a otros de tus trabajos; sin embargo, hay momentos de tensión y hasta de sufrimiento que se pueden palpar en la música. Además de la historia de la película, ¿dirías que hay influencia de alguna 083

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otra cinta de horror clásica en este trabajo en particular? Efectivamente se trata de una película que no sólo es de terror, pues tiene una historia muy fuerte, dramática, con un trasfondo del amor fraternal, lo que también se aprecia en la música. Siempre trato de empezar de cero a la hora de componer una nueva partitura para una película y no basarme en otras bandas sonoras que haya hecho con anterioridad del mismo género. Sin embargo, es inevitable que algunas ideas puedan sonar similares a otras que haya usado antes, porque en el fondo es mi huella personal, como le ocurre a cualquier compositor. Esta banda sonora está más cerca de las clásicas películas de género, como las que dije anteriormente, pero con un enfoque más moderno. Todos los temas son originales, como lo es la película. ¿En caso de que se continuara con los remakes correspondientes a la trilogía original de Sam Raimi, te gustaría estar a cargo de la música? ¡Por supuesto! Sería algo maravilloso. Me encantaría que siguiesen contando conmigo. ¿Qué tan diferente es hacer la música para una cinta de horror a un thriller o a una cinta de cualquier otro género? Me siento cómodo componiendo para cualquier género aunque, si tuviese que decantarme por uno, lo haría por la comedia, pues considero que es el reto más difícil para cualquier compositor; y es que a los demás géneros puede adaptarse cualquier tipo de música. Sin embargo, adoro componer para thrillers o películas de terror: este tipo de géneros tienen clichés que me gusta romper; por ejemplo: crear un tema bonito y melancólico para una escena de terror o un tema alegre y desenfadado para una escena de acción: eso hace que sea especial, original. ¿Tienes un proceso creativo sistematizado que sea el que utilizas en cada uno de tus trabajos o cada uno ocurre de manera diferente? 084

Roque Baños

Habitualmente empiezo a componer cuando me dan el montaje definitivo de imagen, aunque en algunas ocasiones me vienen melodías a la cabeza desde que leo el guión. La inspiración hay que buscarla y por eso cumplo mi horario de trabajo a rajatabla: la mañana es el momento que más me gusta y en el que con más frecuencia aparecen las musas que me inspiran. Las melodías me surgen al sentarme al piano, en soledad, y cuando ya tengo claro que encontré el tema adecuado, recurro al ordenador para empezar a orquestarlo y darle forma. Tú trabajo está acompañado regularmente de una orquesta pero, ¿te gustaría trabajar de una manera más simple en el futuro? ¿Quizá del modo en el que Trent Reznor lo hizo en The Social Network? He compuesto bandas sonoras para más de 60 películas de géneros cinematográficos diferentes; y no todas mis partituras cuentan con orquesta y coro; de hecho, muchas de ellas son de jazz o incluso de ritmos flamencos y tradicionales; en otros casos, como Celda 211, de Daniel Monzón, en su mayoría cuenta con música electrónica parecida a la de The Social Network que a lo que más se conoce de mi trabajo. He tenido la fortuna de tocar todos los géneros y de poder emplear diversos estilos musicales. Espero continuar haciéndolo y seguir disfrutándolo de la misma manera.

technologic WARP TV

Leap Motion Por: Alejandro Escobedo

a tecnología del mouse y el teclado que utilizamos a diario para controlar una computadora tiene muchos años de historia y han sido muchas las propuestas de innovación que, de una u otra manera, han intentado hacer que queden atrás; dispositivos externos, como tablets con pantallas táctiles, son los mejores ejemplos. Leap Motion es una tecnología de captura de movimiento que ya está transformando la forma en que se controlan las aplicaciones de la computadora; y lo hace con muchísima más precisión que tecnologías como Kinect, de Microsoft, pues nunca antes el control por movimiento había sido tan relevante. El equipo de Leap Motion, de primera mano, nos contó en qué consiste su tecnología y por qué vale la pena ponerle atención. ¿Pueden describir brevemente qué es Leap Motion y algunos de sus usos? El controlador Leap Motion es un periférico USB pequeño, de 2.5 cm x 5 cm x 1.125 cm, que crea un espacio de interacción en 3-D, de ocho pies cúbicos, para interactuar con precisión y controlar software en una laptop o computadora de escritorio, usando movimientos naturales de la mano y los dedos; es como meter la mano dentro de la computadora y sacar información fácilmente. La magia real yace en el software, basado en avances matemáticos significativos realizados por nuestro co-fundador, David Holz, los cuales le dan un enfoque totalmente nuevo al control basado en movimiento que le permite a nuestra tecnología ser 100 veces más precisa que cualquier otra tecnología existente. ¿Qué tan preciso es Leap Motion? Puede rastrear movimientos de hasta un centésimo de milímetro —algo más pequeños que la cabeza de un alfiler— sin un retraso visible; tiene un campo de visión de 150 grados; además, rastrea manos individuales, los 10 dedos u otros objetos en hasta 290 cuadros por segundo.

Tecnologías actuales como el Kinect, del Xbox 360, y algunas computadoras “todo en uno”, tienen sensores de movimiento. ¿Cómo se compara Leap Motion con éstas? Nuestro acercamiento es fundamentalmente diferente de tecnologías como el Kinect. Leap Motion es la única tecnología enfocada a traer control por movimiento al escritorio, en vez de intentar tomar lo que está construido para la TV (detección de movimiento amplia) y hacerla funcionar en una computadora. Desde el principio hemos desarrollado un controlador basado en movimiento 3-D que sea lo suficientemente sensible para controlar una computadora con movimientos naturales de manos y dedos. ¿Qué compañías respaldan a Leap Motion? ¿Hay alguna comunidad de desarrolladores independiente que esté hackeando su potencial? Más de 52 mil desarrolladores alrededor del mundo han aplicado para nuestro programa. Revisamos todas las aplicaciones y, hasta ahora, hemos enviado más de 12 mil unidades gratuitas para apoyar la creación de apps increíbles. Cuando lancemos el producto al público, el 13 de mayo de 2013, cualquiera que esté interesado en desarrollar apps para Leap Motion podrá descargar el kit de desarrollo gratuito. Algunas aplicaciones, siendo desarrolladas para el controlador Leap Motion por compañías conocidas, incluyen plug-ins para diseño de software 3D de Autodesk, apps para Painter de Corel, el juego Wreck-It Ralph: Sugar Rush Speedway, de Disney Interactive; el juego Dischord, del mayor desarrollador de juegos indie, Double Fine; una app de The Weather Channel y el conocido juego Cut The Rope. 085

Howl —

Fotografía: Sergio Orospe Coordinación de Moda: Carlos Ruíz Manjarrez Modelo: Robert para GH Management Grooming: Chëla Olea

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Andrea Mary Marshall Main course Por: Chëla Olea

a obra de Andrea Mary Marshall se trata de autorretratos que exploran la intersección de múltiples identidades que abordan la cultura del consumo y la sexualidad femenina, a partir de la premisa “mujer ideal”. Y es que, mediante pintura, fotografía y video, así como de un largo proceso de pre-producción y diseño de estos personajes, Marshall logra involucrar representaciones bien conocidas por el arquetipo “hembra”. Sin embargo, el viaje de esta artista se enriquece en representar la dicotomía entre la vulnerabilidad y el dominio, entre el miedo y la libertad, lo que a su vez es la expresión de la auto-exploración de esta dualidad, ubicándose en un esquema contemporáneo cultural y llevándonos a hacer conciencia de un fenómeno mayor: el estatus regular de la conducta humana. Egresada de Parsons, de la carrera de diseño, Andrea se envuelve en el ruido de la ciudad de Nueva York, creado la relación personaje-persona que vemos en su obra. La exhibición más reciente, Gia Condo, se llevó a cabo en la Galería Allegra LaViola a mediados de enero y trata de este personaje inspirado por el misterio que rodea a la perdurable Mona Lisa: una mujer fuerte que emite mensajes que tal vez muestran control, pero que también demandan atención en un código mucho más sutil al que el espectador percibe de primera mano.

‘The Main Course’ es la pieza favorita de Marshall en esta colección, pues nos comparte que, a pesar de estar bañada en espagueti de una manera sumamente erótica, lo que busca expresar es su deseo por ser el “plato principal” en una relación. Y su proceso creativo tiene muchas facetas; en el caso de esta última serie, se afeitó las cejas y venció una de sus fobias: en la pieza llamada ‘Gia Condo With Dove Trinity’, por ejemplo, se retrató con tres palomas, siendo estas aves las que más repulsión y miedo le causan en la vida. Del mismo modo, interpretó desde la Mona Lisa en una bolsa de basura, hasta un performance evocando a las Guerrilla Girls, pasando por una monja. Toxic Human fue la primer exhibición individual de Andrea y, de la misma manera, logra delatar estas tendencias machistas de la sociedad, imitadas y ligeramente degradadas por una mujer sumamente fuerte, en foto y pintura, haciendo alusión a las portadas de la revista Vogue. Andrea ya se encuentra planeando su siguiente trabajo, inspirado en mujeres como Mercedes Sosa, Soledad Bravo y Frida Kahlo. Y qué mejor que mudarse a la Ciudad de México para darle ese tinte latino. Sin duda comenzaremos a escuchar mucho más de esta talentosa y multifacética artista.

›› Chëla Olea es Editora de Arte y Moda de WARP Magazine, así como de las secciones Art Brut y Fashion Nugget de WARPtv.

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Foals Holy Fire

By Karina Luvián / Translation by Jorge Rodríguez

Five years since their debut album Antidotes has been enough to showcase the ambition of Foals to be one of the flagship bands of the last decade, with escalating work that has shaped the band, taking it to explore sonic diversity and creative procedures never before registered in their history. Holy Fire represents the pinnacle of some very deserved success after their nomination to the Mercury Prize and the cliff that will define if they become a reference for future generations or if they become a good memory of “what could have been”. On how the world is seen from their perspective, the experience of having worked with producers such as Alan Moulder and Flood, and about how a record is made, Jack Bevan, the drummer of Foals, talked with WARP Magazine, defining Holy Fire from the start as a “amber album... like a tree’s resin”. 092

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Foals starts off 2013 with a new record, Holy Fire, how pressured did you feel from the expectations of the public and critics, keeping in mind that Total Life Forever was very successful, and even nominated to the Mercury Prize? Well, you know, you always feel a little pressure, but we have been able to isolate ourselves from it and take only the good things. It’s not that difficult to escape that sensation given by the media, management, record labels... we just keep ourselves away from that and we work through it. We’re very fortunate to be able to do music and we enjoy it a lot, from its most basic level, and it’s one of our favorite things, so from the moment we enter the studio we keep all that pressure off and just have fun with it, we shut off all expectations in order to move forward and I think that’s the best way to do it. If you are worried about being nominated for an award, you’ll end up writing weird music because it’s definitely not the right reason to be doing it in the first place. One of the things that raises a lot of curiosity is how an album like Holy Fire is born. What can you tell us about this? Every track and every record is different. In some of them we start off with some guitar and we trade ideas between us, some others come about from a drum beat and then a bass line. What’s different this time around is that for the first time we’ve written full songs in a very traditional manner: ‘Moon’ and ‘Stepson’ -the last two tracks- were written on the piano from the start, then we added the voices, therefore there was some traditional songwriting where there were a bunch of complete forms: while Edwin was playing, we added drums and bass, before and after, this being an interesting way to work… I think it functioned better with the slower songs. ‘We know you collaborated with Alan Moulder and Flood in the production. How much influence do you think both had in the creative process? ‘Well, working with those two guys was incredible, we’re all fans of their previous work, from when we were teenagers. We all liked the Smashing Pumpkins and Nine Inch Nails; in fact, “‘Mellon Collie and the Infinite Sadness”’ was one of my favorite records as a teenager, so it was a real honor that they accepted to work with us, because they are a great team together. Alan is very considerate, focused, kind of like a doctor, someone very calm that sonically comes close to geniousness and who knows exactly how to achieve the sound you want; you can describe something to him and he’ll make it happen, which is incredible. Flood, on the other hand, is a true director, someone who’s with you on the ring all the time, and that knows when and where to stop us when we’re playing a song to tell us “Ok, that was great but you need to add this… how about you try singing a little behind the beat?”. They are like a dream team together, since they take into account every single aspect of the record to make it stand out artistically. They took a real interest in making the recording process easier for us in the way we wanted it, you know? Leaving their signature in every sound, just like in every other record they’ve done. It was an amazing experience, personally I loved it. ‘How did you reach out to them to invite them to work with you? ‘We mixed our last record, Total Life Forever with Alan and we

worked really well with him, he really got involved, so we decided to just do it: we approached him and asked him if he’d be interested in working in our new record, Holy Fire, and he got very excited. Then someone mentioned we might be able to get Flood involved as well, to which we thought “Woow!”, because we didn’t expect any of that to happen. When it did we were impressed, we thought: “We have to do it with them, for sure that’s who we want to do it with”, so there never was a discussion around if we should have done it because they are a legendary duo and they hadn’t done anything together since 2005. They always seemed to be very excited about the record, it was extraordinary. Speaking about the artwork for the album, who was the designer? It has a similar style to Total Life Forever… It’s a picture that we found in the internet, in a blog or something. We just knew someone had posted it from another place, so we had to research a lot to find where it came from. We later found out that it was a National Geographic photo, taken in the 60’s, and honestly, the second we looked at it we knew it was the right choice for the album cover. The combination of the photograph with the name Holy Fire and the first track being played felt good, it just did! All those elements have a similar feeling, even coming from different types of mediums: you know, they create that same color in my head, an amber tone, like a twilight, a sunset, those kinds of colors that come from the music, artwork and name of the record. Once we decided on that photo for the cover, we had to contact the author, who is older. He took the photo in 1967, he gave us permission to use it and it was awesome. A lot of bands –if not all– assure their latest record is always their best one when being asked about it. What do you think? Is “Holy Fire” the best Foals album? [Laughs] I think wherever it is that you are promoting a record, you’ll say that it is the best one, but in a genuine and profound way I can say that Holy Fire really is our best. Every record we’ve done has been my favorite in some way, but with this one I have some particular things happening: in the past, by the time we the record hit the market I had already heard it so many times that I felt I couldn’t listen to it any more, I felt sick of it. This time around I haven’t felt that and I don’t understand if that means it’s the best of them, or the most listenable. What’s true is that I can keep playing it and enjoying it every day, it feels good. Every production leaves some important lessons for any band, in the creative process and even in personal relationships. What has Foals learned from Holy Fire? With this record we’ve learned to be more confident respecting playing around with sounds, now we feel like we can throw some dice around and take more chances. When we did our past albums, it was kind of like an continuous ladder that could end at any time for us, because when you make a second record these days, if it does bad it could mean the end for you, it’s like having a guillotine over your head and you only worry about it coming down on you. We’ve learned to keep an attitude against pressure and now we feel like we can do anything we want. 093

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Ask Amanda

By Amanda Palmer / @amandapalmer

Recently you wrote something about Björk and Kickstarter on your blog. Do you think that we probably will be watching more recognized artists doing something similar any time soon? Lizbeth Navarro I think we really will, yeah. Especially as more and more artists do it, and it works, and the older artists get out of their recording contracts and wonder what they’re going to do. Sometimes I think I should start a summer camp for artists who have no idea how to use kickstarter. We could learn about backer updates and then, like, go swimming and drink wine. Hi bono! Hi sting! Hi prince! JUMP IN. On sites like Kickstarter. What is the most unusual project you’ve ever seen? Lizbeth Navarro Ohhhh...there’s lots of good ones. One of the BEST ever was a project with a wonderful story behind it. So the mayor of Detroit starts tweeting “what should we spend our public art money on?” and someone tweets back: “I want a statue of RoboCop in the city!” (RoboCop was filme din Detroit). And a lot of people were like “OOOH!!! YES!!!! ROBOCOP STATUE!!!” and the mayor I think actually said: There is no way in hell we will ever spend government on a RoboCop statue. So the guy did a kickstarter to get it made. And it worked. They’re making it HOW AWESOME IS THAT??? This year is full of returns as David Bowie, Depeche Mode, My Bloody Valentine among others. Which of these returns excites you the most and why? Lorena Garcia They ALL excite me. I hope I get to keep making music until I am very, very old and when I see guys like this not stopping it makes 094

me happy, since I don’t ever want to stop. It’s hard, I think, with rock more than any other art form. People have a strange kind of respect for the youth that they won’t give the old unlike many other art forms. Do people only repsect young philosophers? Painters? Sculptors? Writers? NO. We poor rock people are really stigmatized. But the more cool older people put out rock, the less people will be prejudiced. So I am glad there are a lot of people out there who just keep making, making, making, making. Is there any artist or band you’d like to idle back? Lorena Garcia Bring back? Sure. I’d really love to see what Jim Morrison would be doing if he’d stayed alive. He had a really interesting path in front of him....he was a poet, not just a rock star. I’m sad he’s gone and I’d love to see what he’d be like at 60, and 70. What can you tell us about your experience during the last TED Talk? (by the way, I think your participation was amazing) Fernando Quirarte Thank you! I will be writing blogs about it, so go read those, but basically it was the most important twelve minutes of my life....stading there on stage in front of Bono, and Al Gore, and Bill Gates, saying anything I wanted! So I prepared really, really hard to make my message as simple and effective as possible. I called on every skill I had: acting, writing, performing, and rolled them all into one to talk to people about asking, giving and music. It’s been amazing to me to see the results, it’s only been out for five days at the time of this writing and it has over one million views, which means it’s reaching people who don’t even care about me or my music, but the message. Which is awesome. This one wasn’t about me, it was about all of us.

GUARP

The best things come to those who wait By Paul Stokes /@stokesie

In 1993 some posh guys from Oxford released a flatly produced and faintly disappointing album called Pablo Honey. There was one track on it called ‘Creep’ which vaguely chimed in with the prevailing Nirvana-led wind of self-loathing alienation that, thanks to some rotation on MTV’s growing global network, became a bit of a hit. However while it was meditative and clearly meant from the heart – rather than some commercial cash in – few people were really waiting for the band to head back into the studio to make a second record. Yes, it would probably be better, but did the world really need an English flavoured, Kurt Cobain light? Grunge overlord Billy Corgan certainly saw no potential, once claiming in an interview that his worst nightmare was a distant future that boasted a “Smashing Pumpkins tribute band fronted by the guy from Radiohead”.

Zip forward to this year and “the guy from Radiohead” sideproject, Atoms For Peace, is currently one of the most talked about records on the planet. Let that sink in. The man who wrote ‘Anyone Can Play Guitar’s’ -side project- has already booked its place as one of 2013’s most interesting records. Damon Albarn, a man who now effortlessly flits between operas, world-beating cartoon bands and heartbreakingly beautiful anthems, began his career copying The Stone Roses. Yes, Blur’s Leisure has it’s moments – and the epic ‘Sing’ clearly suggests that this was a man with some ability – but as Albarn himself recently admitted, the band were lucky to have made a dodgy first album at a time when band’s still got a chance to make a second record. There will always be bands – The Strokes, Oasis, The Sex Pistols – who get it right first time, debut albums that burst with such

energy that come to encapsulate their times. Those are records to truly cherish, often the acts that make them never better them, but there is something to be said for a bit of patience too. Both Blur and Radiohead needed time to discover what they were truly about, David Bowie spent the 60s as an also ran Mod before setting the world alight as Ziggy. Even recently the likes of Muse, Elbow and The National, not to mention Phoenix and the other acts in this issue, have shown that if you are given a bit of time to develop, not only can you grow your audience but you can also grow your ability, vision and artistic ambition. We currently live in an age obsessed with pre-release streaming, shuffling and one song downloads, so I urge you today to go out and listen to the fourth album of any of the acts mentioned above, because it’s good to remind yourself that sometimes the best things come to those who wait… 095

encore

Deadmau5 SXSW 2013 Austin, TX. Pic by Sergio Gรกlvez for WARP

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