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ZOÉ
UN VISTAZO A LA GIRA 2014 DE LA BANDA, UNA DE LAS MÁS AMBICIOSAS EMPRENDIDAS EN MÉXICO CUYOS PROTAGONISTAS COMPARTEN LA EXPERIENCIA RESULTANTE.
Foto: Rubén Márquez / MU: Chëla Olea para WARP
BENEATH THE SURFACE
Barack Obama
“TO BE FAIR, THEY GIVE THOSE [NOBEL PRIZE] TO JUST ABOUT ANYBODY THESE DAYS” BARACK OBAMA
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© WARP Marca Registrada ®. Año VI No.65 Fecha de Publicación 15-05-2014. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en Compañía Impresora el Universal, S.A. de C.V. / Distribución Nacional e Internacional de INTERMEX. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.
HOT HOT HIT
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Originaria de Estocolmo, Suecia, nos llega una nueva propuesta de indie pop. Tove Nilsson, mejor conocida como Tove Lo, deja manifiesta su intención de conquistar la escena musical con su EP debut Truth Serum, forjado con fibrosos sintetizadores y acompañado de letras ingeniosas dedicadas en su mayoría al amor. Considerada como uno de los nuevos talentos con mayor proyección en tierras nórdicas y poseedora de un belleza sutil y cautivadora, la intérprete del sencillo ‘Love Ballad’, deja claro que su característico sonido y su peculiar voz son las armas con las que planea llegar a las radios de todo el mundo.
PROFILE
Por Javier Cuellar
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facebook.com/wolfalicemusic soundcloud.com/wolfalice
Integrantes: Ellie Rowsell, Joel Amey, Joff Oddie y Theo Ellis Origen: Londres, Inglaterra Año de formación: 2010 Influenciados por: Elastica, The xx
Veredicto: Su sonido orgánico coquetea a veces con el britpop y otras más con el dreampop, arrojándonos un híbrido alternativo. Si sumamos la dulce voz de Ellie Rowsell es fácil adivinar por qué este proyecto es, desde ya, una de las bandas a seguir de 2014. Si no lo creen, corran a escuchar su tema ‘Fluffy’.
“Men don’t take the time to end things. They ignore you until you insist on a declaration of hate.” Joan Holloway
“Don’t act like you had a plan. You’re Tarzan, swinging from vine to vine.” Pete Campbell
“When God closes a door, he opens a dress.” Roger Sterling
MADMEN LA SERIE QUE REDEFINIÓ LA PUBLICIDAD.
“Why it is that whenever a man takes you to lunch around here, you’re the dessert?” Peggy Olson
Una de las series más destacadas de los últimos años alcanza su séptima temporada y con ella se acerca a su innevitable final. Momento indicado para dar un vistazo a Mad Men a través de sus frases.
“That poor girl. She doesn’t know that loving you is the worst way to get to you.” Betty Draper
“You’ve never seen me throw a party. Everyone is going to come home from this and have sex.” Megan Draper
“What you call ‘love’ was invented by guys like me. To sell Nylons.” Don Draper
QUICKIE
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A mucha gente le llega el éxito de sorpresa. ¿Cómo fue para ustedes? Ricky Wilson: Fue en 2004 cuando apareció la primera canción de Kaiser Chiefs. Creo que fuimos una de esas bandas donde los integrantes siempre estuvieron en otros grupos. Era lo que siempre quisimos hacer y fue hasta cierto punto una locura lo que nos llevó a no rendirnos; esa es la manera en que funciona para algunos. Nosotros no tuvimos un contrato sino hasta que estábamos en nuestros veintitantos, algunos lo consiguen a los 15 pero no creo que estuviéramos listos. Fue agradable tener la oportunidad de tocar en tantos conciertos. Por supuesto que si una disquera nos hubiera ofrecido un contrato en nuestro primer concierto lo hubiéramos tomado, pero eso no sucedió. Employment, su disco debut, salió en 2006 y desde entonces han ido y venido muchas bandas. ¿Cuál es su perspectiva de la escena británica actual? RW: En Inglaterra es muy sana la escena, hay muchos actos grandes como Arctic
Por Raúl Arce / Foto: Danny North
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Monkeys y Kasabian, y nosotros estamos de vuelta. Es genial que la música venga en oleadas, en ciclos; si no fuera así no sería todo tan divertido, como surfear una nueva ola. Como Alex Turner dijo en los BRITS: “¡El rock and roll no morirá!”. En esta ocasión trabajaron con Ben H. III, un productor norteamericano. ¿Por qué se decidieron por él? Simon Rix: Así es. Queríamos a alguien que nos impulsara hacia adelante, a hacer algo diferente, y estábamos interesados en traer a alguien que no fuera inglés. Ben ha hecho muchas cosas diferentes, algo de hip hop y un pop muy bueno con Gnarls Barkley. También ha trabajado con bandas americanas independientes muy interesantes; él se encargó de integrar todo lo que teníamos, nos vio como “una banda británica clásica” y así nos describió, un poco como The Clash, que se desenvolvió con el tiempo y realizó discos interesantes. A nosotros nos cayó bien y en este álbum nos ayudó a crear el sonido. Él era el sujeto adecuado para el trabajo.
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ESTÉREO PICNIC
UN PASEO POR EL PRESENTE Y EL FUTURO DE LA ESCENA FESTIVALERA LATINOAMERICANA Por Marc Dorian / @MarcDorian Foto: Nicolas Caballero __
Los accesos y salidas viales de la ciudad de Bogotá, a las 17:00 horas, se parecen un poco al infierno, un infierno de klaxons, neumáticos chirriantes, furtivas invasiones de carril, enormes camiones tratando de deslizarse entre vehículos como si fueran saetas y ambulancias abriéndose paso en el caos a golpe de sirenazos rompe-oídos. Nada de eso importa, sin embargo, cuando uno está a punto de salir a uno de los festivales más excitantes de Latinoamérica. Hablo, sí, de Estéreo Picnic, que este año se ha convertido en cita obligada para cualquier amante de la música independiente en Colombia y sus alrededores. Los chicos de Dorian fuimos invitados a actuar en la primera jornada del festival para presentar el álbum La Velocidad Del Vacío, editado en Colombia meses atrás. Así, conscientes de la importancia que tenía esta quinta edición de Estéreo Picnic para el público del país, salimos a las tablas con la voluntad de disfrutar y hacer disfrutar al máximo al respetable en esta nueva visita de la banda a Bogotá. Estéreo Picnic es la viva imagen de la transformación a nivel de infraestructura festivalera que está viviendo la región: Primavera Fauna, en Chile; Lollapalooza, en Chile-Argentina-Brasil; el consolidadísimo Vive Latino de México, y Estéreo Picnic en Colombia, todos ellos eventos de talla mundial que han dotado al continente de una sólida columna vertebral, a la sombra de la cual están naciendo —y nacerán— nuevas citas musicales, citas que sin duda contribuirán a impulsar el profesionalismo de las bandas en las escenas indie locales.
Pero, ¿cómo es Estéreo Picnic? Pues bien, una vez superados los monumentales atascos bogotanos, llega la recompensa para el amante de la música, con un recinto que nada tiene que envidiar en comodidad e instalaciones a los mejores festivales de Estados Unidos y Europa, un marco de gran belleza en sus alrededores y, lo más importante, un cartel de lujo. En efecto, los miles de asistentes a Estéreo Picnic este año pudieron disfrutar de los conciertos de artistas como Red Hot Chili Peppers, Nine Inch Nails, Los Fabulosos Cadillacs, Empire Of The Sun, Phoenix, Pixies, Vampire Weekend, Zoé, Savages, Babasónicos, Julian Casablancas y Cut Copy, entre muchos otros. A este notable elenco habría que sumar el valor agregado de un entorno privilegiado: pasto en el piso y hermosos cerros a los lados del recinto, un sonido excelente en todos sus escenarios y una decoración exquisita, cuidada al milímetro por la organización. Esto convierte a Estéreo Picnic, más que en un multi-concierto, en toda una experiencia sensitiva. El festival que nació hace cinco años con la vocación de dotar a Colombia de un evento de
perfil indie-alternativo, ha pasado de ser una cita de tipo local a un Coachella latinoamericano. Imposible resumir aquí lo que pudimos ver y experimentar esos días, acaso resaltar que NIN arrasó echando mano de su repertorio más agresivo —la faceta que personalmente me gusta más de la banda—; que Bomba Estéreo, convertida en proeza nacional, realizó un concierto magnético, rico en matices y tremendamente inteligente; que Zoé supo sacar todo el partido a las posibilidades del escenario principal; que Pixies, en su primera visita a Colombia, estuvo motivada como hacía tiempo no pasaba; que Jovanotti y Phoenix hicieron saltar por los aires la carpa Caracol —con capacidad para 10 mil asistentes—, la misma que acogió a Dorian en una verdadera tormenta de arena y en la que Vampire Weekend bordó el mejor concierto que un servidor les ha visto a la fecha. Regresé de este viaje a Colombia con la sensación de haber paseado por el futuro de la escena festivalera latinoamericana. Me parece que hacen falta más Estéreo Picnics grandes, medianos y pequeños, y sin duda los habrá.
BIO: Marc Dorian es músico y fundador de la banda Dorian, así como colaborador de WARP Magazine y otros medios especializados.
FASHION NUGGET
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Fotografía: Carlos Álvarez Montero Asistente Foto: Irving Cabello Modelo: Ixchel @ WANTED Model Management Coordinación de Moda: Mónica Domínguez MU y Dirección de Arte: Chëla Olea Cabello: Jenny Pulido Uñas: Verónica Rosillo
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Botas: Dr. Martens Calcetas: Adidas Shorts:Vintage Chamarra: Malafacha Arete: Diego DOM
FASHION NUGGET
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Overol oversize: Héctor de La Peña Leggins: La Tropicana Tennis: Nike Air Force 1
Plataformas: Mi Tu Shorts: Forever 21 Playera: HRNY by Uriel Ramírez Anillos: Alejandro Rincón Aretes: La Tropicana Cadena: ZARA
Playera HRNY: Uriel Ramirez Aretes: La Tropicana Anillos mano derecha: Alejandro Rinc贸n Anillos mano izquierda: Diego DOM Cadena: ZARA
FASHION NUGGET
Shorts de mezclilla: Vintage Crop top: La Tropicana
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COVERAGES
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En tiempos en que el mercado ha dejado de comprar productos y ha optado por crear filiaciones empáticas con aquello que consume, Converse decidió explotar su carácter de originalidad en 2008 iniciando la campaña “Three Artists, One Song” que, además, funcionó como celebración por su primer siglo de historia, dando como resultado el exitoso track ‘My Drive Thru’ creado por N*E*R*D, Santigold y Julian Casablancas. Desde entonces, la compañía famosamente conocida por los sneakers Chuck Taylor All Star se ha encargado de unir a grandes figuras que van de Bernard Sumner, Hot Chip y Hot City a Graham Coxon, Paloma Faith y Bill Ryder-Jones, pasando por Andre 3000, Gorillaz y James Murphy; incluso tres de sus empleados participaron, siendo su ensamble 2014 uno de las más interesantes: Diplo, Frank Ocean y The Clash, encarnada por Mick Jones y Paul Simonon.
Por Karina Luvián
Con este motivo WARP visitó el estudio Converse Rubber Tracks, en Williamsburg, Brooklyn, para escuchar por primera vez el resultado de tres meses de trabajo entre músicos que no habían colaborado antes y que, aunque en esta ocasión tampoco se reunieron en un estudio —al menos en el caso de Ocean—, sí
tuvieron la retroalimentación necesaria para combinaron sus talentos y ensamblar la canción ‘Hero’. Sus autores estaban ahí y, con gran fortuna, fuimos testigos de sus anécdotas e impresiones sobre todo lo que rodeó su participación en “Three Artists, One Song”. “Trabajar con ellos fue un sueño hecho realidad, y tener a Frank lo hizo aún mejor”, aseguró Diplo que, aunque emocionado, se mostró con un dejo de timidez, quizá por tener a su lado a las leyendas musicales que representan Jones y Simonon o quizá por simple modestia, pues si tomamos en cuenta que fue él el responsable y guía principal de esta conjunción podríamos decir que el mérito es suyo en buena medida. Aún así, el productor no dejó pasar la oportunidad de señalar la sencillez de los miembros de The Clash, impresionante para él, según dijo:
Mick Jones, Diplo y Paul Simonon.
“TRABAJAR CON WES (DIPLO) FUE FASCINANTE, YENDO DE UNA COMPUTADORA A OTRA, TODO FUE… TAN RÁPIDO CON ÉL. DE HECHO NOS DIO UNA ESPECIE DE CLASE AL RESPECTO” [RISAS]. MICK JONES
“La experiencia fue simplemente asombrosa. Ellos son músicos modestos y yo no estoy acostumbrado a algo así, pues cuando trabajo con grandes estrellas hay mucho ego y actitudes de inalcanzables. Para tipos que se han dedicado a esto por tanto tiempo, tener esta disponibilidad es genial… Ya no obtienes eso de gente joven.” ‘Hero’ fue compuesta líricamente por el también miembro de Odd Future, con rítmica proveída por Thomas Wesley —nombre real de Diplo—, Jones y Simonon, principalmente, con aportaciones de su tercer elemento a través de comunicaciones constantes. Por otra parte, las sesiones se realizaron en tres estudios distintos, uno de ellos Studio 13, ubicado en Londres y propiedad de Damon Albarn, con quien desarrollaron ideas iniciales y cuyos instrumentos traídos de África utilizaron, todo ello para despertar la magia y desembocar en lo que hoy conocemos como la novena canción de este proyecto. “Nos unimos como una sola mente”, fue lo que ocurrió de acuerdo con Simonon, en la labor impulsada por Converse, algo que
no habría sido posible sin la libertad creativa otorgada por la marca; para Geoff Cottrill, Director de Marketing a nivel mundial, un elemento indispensable: “Al invitarlos a participar ellos cuentan con libertad total para crear una canción que les signifique algo y que pueda significar algo para la gente. Nosotros no les pedimos que hablen de nuestro producto o les dictamos el tema, sólo cuidamos que tengan todo lo necesario para hacer lo que saben. Nosotros no hacemos música, así que no podríamos aportar mucho tampoco” [risas]. Una guitarra con toques blues que desata pinceladas reggae, bajo la armoniosa voz de Frank Ocean y la compañía del West Los Angeles Children’s Choir es apenas una descripción nimia de cómo suena ‘Hero’, canción que debió durar más para explotar en belleza pero que sin duda entra como una de las más plausibles de aquellas creadas bajo el cobijo Converse. Veremos qué más nos ofrece esta iniciativa en años venideros.
TASTE THIS!
KITCHEN & BAR Fotos: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP
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Tequenos
Pork belly
WKB está decorado con un mural del artista del graffiti Shepard Fairey, pinturas abstractas del alemán Christian Awe, así como una escultura de David Benjamin Sherry. 2550 N.W. 2nd Avenue Miami, FL, USA. facebook.com/wynwoodkitchenandbar @KBMiami
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TASTE THIS!
TASTE THIS!
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Shrimp Ceviche
WARP MAGAZINE
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¡BURKAS PARA TODOS! Por Eduardo Guillot Foto: Belinda Bono —
¿Qué tienen en común el sonido industrial y minimal wave de Robert Turman, la experimentación psico-pop de Todd Tamanend Clarck y el punk iconoclasta de Toxin III? Que todos forman parte del sello Burka For Everybody, uno de los secretos mejor guardados de la independencia discográfica española. El proyecto iniciado hace cinco años por Iván López Navarro y Joni Contencioso —dos apasionados de la música— actualmente cuenta con una veintena de referencias en el mercado y una red de distribución que, aunque modesta, tiene alcance global. Burka For Everybody publica tiradas cortas —de entre 300 y 500 ejemplares— y el 90 por ciento de su producción se vende en lugares como Inglaterra, Estados Unidos, Alemania y Suecia, lugares donde existe interés por los artistas que se rescatan en cuidadas reediciones de vinilo. Way Down, de Robert Turman, por ejemplo, apareció originalmente en 1977 y llevaba décadas descatalogado; así, se pusieron en contacto con el músico y consiguieron su autorización para volver a sacarlo de nuevo a la luz. La suya, de esta forma, es una labor que tiene una parte de arqueología sonora y otra de difusión de tesoros ocultos, como Tools You Can Trust, banda de la escena post-punk británica que recu-
perarán próximamente. Y es que la historia no se escribe sólo con grandes titulares; por ello, Burka For Everybody lucha para que la letra pequeña encuentre su lugar en el mundo y en los cinco años que llevan reeditando material han recuperado, por ejemplo, a Michael Yonkers y Napalm Beach. Aunque las reediciones ocupan una parte importante de su oferta, el sello también saca discos de bandas nuevas. Comenzaron con Y (Ypsilon), dúo de synth-pop y cold wave que debutó con Horizonte De Sucesos y, desde entonces, han ido publicando a otros artistas, como We Are The Hunters, un muy recomendable dúo electrónico con influencias krautrock. Una realidad es que el eclecticismo estilístico forma parte de su identidad: “Puede parecer extraño, porque normalmente los sellos tienen una tendencia muy marcada, pero sí que hay una estética sonora común, aunque sea un poco inconcreta. Toda la música que editamos es un poco oscura, bizarra y enfermiza”, aseguran los chicos de Burka For Everybody y sus próximas referencias continuarán demostrándolo, pues ya preparan discos de German Army (electrónica en la estela de Cabaret Voltaire o Throbbing Gristle) y Gatopardo (post-punk desde Brasil). Además, han puesto en marcha el subsello Verlag System dedicado a sonidos más relacionados con el ambient, donde han dado salida a Ad Astra Per Aspera, un estupendo disco de MKM.
No obstante, la actual joya de la corona en Burka For Everybody es Política De Tierra Quemada, el álbum debut de Antiguo Régimen, banda en la que confluyen músicos procedentes del punk, el garage, el hardcore y el synth-pop, que han encontrado un espacio común en ese territorio sin fronteras delimitadas y lleno de posibilidades que es el post-punk, para encajar su introspección pop, sus teclados minimalistas y sus melodías oscuras en un mismo agujero. Este es un disco en el que es posible encontrar ecos de guitarra con tendencia depresiva —como The Chameleons o The Sound—, atmósferas sintéticas —dignas de Gary Numan— y resonancias del The Cure de Pornography o Faith. Burka For Everybody conmemora cinco años poniendo la vista en el futuro, con la satisfacción que otorga contemplar la trayectoria de un sello cuyo nombre es toda una declaración de principios. “Empezamos editando punk, así que buscamos una estética provocadora, que luego se ha ido refinando”, explican. “Pero es todo un concepto que define la imagen, sonido y filosofía del sello: música poco amable y con ganas de molestar, pues música amable y complaciente es lo que sacan todos los demás”. Benditos sean.
BIO: Eduardo Guillot es periodista musical , cultural y de cine, autor de diversas publicaciones y colaborador de Rockdelux y Efe Eme.
LUST IN THE MOVIES
All said and done Por Linda Cruz / @LindaCruz
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En años recientes, las industrias cinematográfica y del entretenimiento han aprovechado un mercado ávido de ver en acción a la mayor cantidad de superhéroes que han sido parte de numerosas generaciones a través del formato del cómic. Ante el apogeo de películas y secuelas que cada año rompen récords en taquillas, sin embargo, resulta difícil adentrarse en argumentos más originales ya que, invariablemente, sin que importe el superhéroe que encabece la cinta en cuestión —raspones más, raspones menos—, el final es altamente predecible.
LUST IN THE MOVIES
Por ello, la apuesta de los estudios que producen este tipo de cine es lograr un ensamble actoral que tenga cierto balance entre “elenco atractivo para un público joven” e “intérpretes clave” con suficiente trayectoria y reconocimiento para darle peso a la película, aunque no siempre funciona (pregúntenle a la tercera parte de Iron Man, con todo y Sir Ben Kingsley). Para El Sorprendente Hombre Araña 2: La Amenaza De Electro (The Amazing SpiderMan 2: Rise of Electro), la selección de los dos villanos ha ido por este camino: Paul Giamatti, como The Rhino, y Jamie Foxx interpretando a Max Dillon, quien se convierte en Electro. En la película, Foxx construye a su personaje con profundidad y numerosas vetas que representan un trabajo actoral doble, lo que es posible gracias a la gran capacidad dramática que posee. Cantando relajadamente, Jamie Foxx llega acompañado de su pequeña hija al encuentro con WARP Magazine, para platicar sobre este nuevo trabajo suyo en pantalla. Él es uno de los más versátiles y talentosos actores de la actualidad, quien tiene un lado musical que ha sabido aprovechar no sólo discográficamente, sino al trabajar en películas memorables como Ray, donde caracteriza al músico Ray Charles, o El Solista (The Soloist), en el rol de Nathaniel Ayers.
Foxx dirigido por Quentin Tarantino en Django Unchained.
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“ESCUCHO MUCHA MÚSICA CUANDO ESTOY EN LA CONSTRUCCIÓN DRAMÁTICA DE UN PERSONAJE, POR ALGUNA RAZÓN, MUSICALIZO A MIS PERSONAJES.” Ahora, en su participación como Max Dillon, comenta que para él la música y la actuación siempre han estado relacionadas: “Mi introducción a los musicales fue en la primaria. Tomé clases de piano clásico gracias a una beca que tenía una división de teatro musical, en San Diego, y lo interesante es que nuestra escuela proveía el entretenimiento para el Old Town Theatre; así que tomaban a los estudiantes y los incluían en las obras de teatro. Así fue como aprendí sobre este tipo de montajes. Tuve que cantar mucho dentro y fuera del escenario”, cuenta Foxx acerca de la estrecha relación que, para él, tiene mezclar la música con las artes escénicas y cómo esto se ha convertido en un método para crear a sus personajes.
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una mezcla de rock and roll, funk, metal y dubstep. Esto ocurre de manera espontánea, muy natural; es algo intuitivo.” Sobre el combo formado para esta película entre Pharell Williams, Hans Zimmer y la inclusión de artistas como Johnny Marr, Michael Einziger y Kendrick Lamar, Foxx comenta: “Creo que es fantástico. Ahora creo que no se debiera hacer El Hombre Araña sin que estuviera sucediendo esto musicalmente. Cuando fui a visitar a Hans Zimmer al estudio, me dijo: ‘Te enseñaré lo que estoy trabajando sobre ti’ y activó el reproductor. Lo que escuché me recordó eso que sentí la primera vez que escuché la música de Star Wars; y cuando escuché la banda sonara sobre las imágenes de El Hombre Araña deslizándose por los edificios, aquello se convirtió para mí en una película completamente diferente. Definitivamente, la música es parte clave de la cinta”.
“Escucho mucha música cuando estoy en la construcción dramática de un personaje y, por alguna razón, musicalizo a mis personajes. Así, en esta película, podría describir a Max Dillon como jazz y a Electro como
Con cuatro discos de estudio y múltiples reconocimientos —incluyendo dos premios Grammy y un galardón en los American Music Awards—, Jamie Foxx ha tenido una fructuosa carrera en la música. Su incursión en la casa Marvel, por su parte, promete no pasar desapercibida y, por el contrario, puede convertirse en uno de los villanos más completos a los que se ha enfrentado jamás el arácnido superhéroe.
Electro, en The Amazing Spiderman 2.
Su interpretación en Ray le valió el Premio de la Academia.
BIO: Linda Cruz es Periodista y titular de la sección Movie Monday del programa WFM, transmitido a través de W Radio (96.9).
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St. Vincent en el showcase de NPR.
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Fotos: Sergio Gálvez para WARP
El festival SXSW en la ciudad de Austin, Texas, en Estados Unidos, se convirtió en el punto más atractivo del mundo en lo que a cine, tecnología y música se refiere. En este último rubro, vale la pena decir que la oferta fue alta, ya que en esta ocasión se contó de manera oficial con más de dos mil actos de todas partes del globo que se presentaron continuamente en bares, foros y espacios públicos. Y aunque un accidente cambió la cara del evento, las sonoridades de artistas como Damon Albarn, St. Vincent y Gary Numan se robaron la atención durante los seis días en que la música se volvió parte de la vida de miles y miles de visitantes a Austin. WARP Magazine se hizo presente a través de su ya tradicional showcase, integrado por 424, L.A., Rancho, Gang Of Youths, ASTR y Blondfire. Por otra parte, dimos un salto hacia el área del cine con el nacimiento de WARP Films y el estreno del documental For Those About To Rock: The Story Of Rodrigo And Gabriela, la opera prima del periodista, locutor y empresario Alejandro Franco. Esta es la historia de SXSW 2014 en imágenes.
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Arriba: Gary Numan Abajo: Claire
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For Those About To Rock: The Story Of Rodrigo And Gabriela. En medio izquierda: Alejandro Franco presenta su opera prima en SXSW 2014. Abajo izquierda: Chino Moreno de Crosses. Derecha: Gang Of Youths en el showcase de WARP.
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Damon Albarn presentando su debut solista Everyday Robots en Stubb’s.
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IS IT THE SAME FESTIVAL ALL AROUND THE WORLD? Por Alejandro Franco / @alejandrofranco Foto: Franccel Hernández para WARP —
Cada año la industria de los promotores de conciertos y de festivales en el mundo, parece hacer un acuerdo implícito vía los agentes de booking de ciertos artistas, creando una suerte de headliners mundiales, que si bien no coinciden en ciudades, por lo menos nos dan la impresión de que conforman un mismo cartel, como si fueran parte de alguna gira compartida o de un mismo festival con diferente nombre que gira por el mundo. En 2013 fueron The Black Keys los elegidos por la nueva mano de dios de la industria y este año es obviamente, Arcade Fire. A nivel negocio y proyección, ser headliner de un festival hoy en día, es lo más importante que te puede pasar como músico. De hecho ya es el reconocimiento máximo que suple a las ridículas cantidades con las que hoy se entregan discos de oro o platino. Los presupuestos son los más altos de cada evento y hasta las fechas de los mismos, pueden adaptarse a las necesidades de estos actos. Coachella, Lollapalooza, Estéreo Picnic, Vive Latino, Glastonbury y muchos más tienen este año a Arcade Fire, pero no se trata solo del nombre más grande de cada cartel, sino de los que juegan en segunda línea y hasta en una tercera o cuarta. Reuniones como la de Outkast este año o giras como la de Pixies —que por fin ya tiene un nuevo disco bajo el brazo—, le dan un sentido de credibilidad a cada festival, mientras que actos que se están consolidando como Jake Bugg le brindan actualidad. Proyectos muy nuevos como HAIM o Woodkid, brindan además un sentimiento de innovación, pero sobretodo de tener la capacidad como festival, de tener en un escenario a los actos que la primera generación global de jóvenes quiere ver en todos los continentes. Y es que los festivales son la nueva radio y todos queremos ver en vivo a los nuevos responsables del hit del verano.
¿Cuántos millones de dólares decidió Daft Punk no ganar en 2013 y 2014 no haciendo gira, por lo menos de festivales? ¿Por qué el impacto de Lana Del Rey se desaceleró cuando debutó su primer disco y no hizo más que dos o tres festivales? Ok con que los primeros sí vendieron una cantidad de discos que difícilmente se vende actualmente o con que Lana haya optado al principio por el camino de los patrocinios, pero ambos actos perdieron para siempre, un momento histórico en sus carreras. Como sea, los franceses pueden volverse multi millonarios cuando lo decidan y Del Rey ya está haciendo festivales en este 2014. Y mala jugada la de aquel festival que se atreva a no apoyar a su escena musical local, como pasó en 2013 con el Corona Capital en México, porque se están perdiendo para siempre de ser una influencia y el apoyo directo más grande de la industria independiente de una ciudad o de una generación entera. Primavera Sound en Barcelona según los propios catalanes, es el festival que los enseñó a ver conciertos y que ha logrado que la propia música de Catalunya, comience a ser un producto local importante que incluso obviamente, ya tiene su propio festival independiente al Primavera. La oportunidad como músico nuevo de estar en un cartel con esos grandes que viajan por todo el planeta, es algo que ningún promotor debería negar, como lo hace Lollapalooza Chile, que no solo localiza propuestas de casa (nuevas y de siempre) durante todo el año para incluirlos en su cartel, sino que ya tiene slots preparados con horarios y escenarios para que toquen. Por ahí de hecho contemplan la idea de tener quizás un escenario dedicado a los locales o de menos de incrementar el número anual. Los que lo entienden muy bien son los DJs, sobretodo los que están en el mundo
EDM. Poco tiene que ver con el arte y hacer buena música, la decisión de productores como Calvin Harris de entregarse al mainstream y dedicarse a facturar. Ya es lo de menos si a él le gusta su música, porque encontró la forma de que le guste a millones. Nunca va a estar en el cuadro de honor de aportación a la música electrónica, ni a la altura de su propio primer disco, pero con la fortuna que está amasando, estoy seguro que no le va a preocupar. Aquí va lo mismo para Guetta, Tiësto y hasta nuevos talentos como Martin Garrix; todos ellos en la industria de hacer un negocio y aprovechar el sonido actual que los hace los embajadores número 01 de la generación global, en festivales multi género como los ya mencionados o los especializados como Tomorrowland o Electric Daisy Carnival. Y es que es justo ahí donde está muy claro lo que está pasando. La tecnología ha hecho que lo mismo que escucha un chico de 18 años en Ciudad de México, lo haga también alguien en Santiago, en Londres, en Tokyo o en Tel-Aviv. Y no a todos les interesa la música evidentemente, sino pertenecer y no quedarse fuera. Ir al festival con sus amigos como una actividad social, bajo una máscara de melómanos que se les cae cuando lo único que interesa realmente es tomarse esa selfie en el festival más cercano a su lugar de residencia y decir con eso que estuvieron ahí; que no se quedaran fuera. Pero eso es lo que hace una industria; el contenido y el consumo del mismo, así que no hay que rasgarse las vestiduras y hay que celebrar que la mayor parte de esas increíbles cantidades de dinero que se generan, van para los artistas que dignifican su posición, haciendo lo que mejor debe saber hacer un músico, que es tocar en vivo.
BIO: Alejandro Franco es conductor del programa de radio WFM para W Radio. Escúchalo de lunes a viernes a las 21:00 hrs., a través de wradio.com.mx.
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Fotos: Juan Pablo de la Vega para WARP
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Centenares de obras maestras de la Modernidad Austriaca reunidas por un apasionado del arte, el Dr. Rudolf Leopold. Esto y más es el Museo Leopold, un espacio único para el estilo Art Nouveau y el Expresionismo. Como la casa más visitada en la plaza cultural dentro del MuseumsQuartier, el espacio alberga la mayor y más importante colección de Egon Schiele del mundo, así como las obras maestras del fundador de la Secesión Gustav Klimt. Además, el Museo Leopold muestra ejemplares únicos, desde piezas de Josef Hofmann hasta Koloman Moser, en la historia del diseño. Un espacio digno, obligado a visitar en cualquier viaje a Austria.
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No es que le tema a las alturas, pero hoy, entre cafés, he estado pensando; miro atrás, recorro los últimos diez años de mi vida y siento vértigo… Honestamente, jamás pensé poder vivir mis días así, tan intensamente, aunque siempre esperé lograr que mis sueños permanecieran eternos. Mi nombre es Vishal Baharani, tengo 33 años y llevo más de diez años como peluquero, aunque muchos podrían decir que soy Director Artístico, estilista o “El Capitán”, piloto aviador de la bala de plata: llamemos las cosas por su nombre. Por Vishal Baharani / @v_baharani / Fotos: Rubén Márquez para WARP
Hoy por hoy, muchos ven el estilismo, la peluquería, como un arte. Aunque no creo que mi oficio sea un arte, sino una forma de expresión. La moda —el lenguaje no verbal— es la manera de conectarnos y ser aceptados en el ramaje social, pues nos exponemos como queremos vernos para ser aceptados por un entorno social al que queremos pertenecer. Así, mis clientes quieren una imagen para poder interactuar con sus similares, comulgar. Para ser honesto, no fui de esos jóvenes que, con 16 años, ya sabían que querían tener secadores y tijeras en las manos; de hecho, mis estudios están muy lejos de mi actual profesión: Musicología Clásica, Relaciones Públicas y Mercadotecnia. A medida que fui estudiando, sin embargo, entendí la necesidad de verse bien o, como hoy lo llamo, el arte del saber hacer; así que dejé de ejercer para aprender a educar. Entre 2004 y 2014 fui instructor de multinacionales como L’Oréal y Director Artístico de firmas como Wella Professionals y Sebastian, con el fin de ayudar a mis compañeros de profesión a entender y sobre todo a promover una cultura: ayudar para ayudar. Siempre he estado interesado en el sector masculino, por lo que desde hace un par de meses empecé a gestionar una empresa de educación enfocada al mundo de la barbería: VBD Education, un proyecto personal para educar a peluqueros y barberos en el arte del saber hacer. ¿Por qué el cambio? Es muy fácil: soy un hombre y me dedico a cuidar a los buenos muchachos porque, sí, podemos competir pero no por ello dejamos de ser una unidad. Cada caballero tiene un destino, una conquista, un objetivo. El mío es forjar la imagen de esos grandes conquistadores para que, de simples mortales, se conviertan en colosos, con valores, legado, tradición y evolución. Así que este es mi legado, mi vida después de diez años y acelerando. Mi mayor sueño es que mi mujer se sienta orgullosa de la persona que tiene a su lado y que mi hijo llegue a decir que tiene al padre que siempre quiso. ¿Mi mayor ambición? Ayudar a la gente a no tener miedo de comunicarse, de expresarse, pues al final todos queremos lo mismo: ser aceptados.
Disfruta de la conversación con Vishal escaneando el código. La entrevista fue grabada con la nueva cámara SONY Music Video Recorder. BIO: Vishal Baharani es CEO de VBD Education, un proyecto de formación académica enfocado a estilistas de todo el mundo.
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Fotos: Franccel Hernรกndez y Alejandro Franco para WARP
Una vez mรกs, Coachella se convirtiรณ en el centro del universo musical. Indio, California, fue la sede en la cual los actos sonoros mรกs importantes del globo se dieron cita para hacer lo que mejor saben: tocar. Este es un recuento grรกfico de lo ocurrido durante el segundo fin de semana del festival.
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Queens Of The Stone Age
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Chvrches Beck
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Arcade Fire
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Pharrell Williams
Broken Bells
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Muse
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OutKast
The Knife
Lana Del Rey
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JAMES MURPHY House of Good
Por Paul Stokes / @stokesie
James Murphy viene tarde, pero eso es el retiro para ustedes ¿o no? Su sentido de la urgencia y su empuje se desvanece y, de repente, la noción del tiempo se va, entonces dejas de estar al tanto de qué día de la semana es… Terminando LCD Soundsystem hace ya tres años, con una gloriosa despedida en el Madison Square Garden, y deteniendo todo el proyecto al lanzar el concierto como álbum en vivo este mes —The Long Goodbye—, ¿qué es lo que le queda a Murphy? Cuando finalmente llega al Bar Italia, en el barrio londinense de Soho, retrasado por una reunión en la BBC, resulta muy claro que lo que Murphy tiene es ‘mucho’. “Me siento un poco raro porque bebí vino tinto y tomé una pastilla para dormir en el avión”, explica mientras ordenamos, confirmando que su retiro está tan lleno de actividades que sólo estará en Londres 24 horas, antes de volar otra vez. “Estoy tambaleante, pero bien. Me siento cuerdo, lo que es bastante útil”. Afortunadamente, una taza de café caliente llega pronto para despertar a Murphy y es el inicio perfecto, ya que el productor ha empezado a manufacturar su propio café. La mezcla de su marca House Of Good ya está disponible en la cafetería de Brooklyn, Bluebottle. Así que, ¿qué te enseña el mezclar discos sobre mezclar granos de café? Nada. “Es algo que había querido hacer desde hace mucho tiempo, porque me encanta el café y porque me gusta aprender”, explica. “Me gusta ser un novato.” Las políticas de la ciudad son algo de lo que sabe aún menos, pero no será disuadido por ellas. Murphy tiene un esquema para convertir el metro de Nueva York en una sinfonía, remplazando los anuncios estándar, dando a cada estación su propia serie de notas que pueden ser combinadas para dar paso a una pieza mayor: “Es una oportunidad para la música que no cuesta dinero y que a la vez puede ser algo bonito”, afirma, y añade que inició una petición en línea para hacer un poco de ruido al respecto, ya que la burocracia sólo le ha dado largas. “Finalmente pensé: ¡Al carajo!, simplemente lo haré público. Sólo quiero atraer la aten-
ción suficiente como para que alguien acepte una reunión”, comenta entre tragos. “No me importa cuán cínica sea esta persona. No me importa que sólo lo quieran hacer para llevarse el crédito: ¡sólo hagámoslo, maldita sea!” A medida que la conversación avanza hacia Despacio Soundsystem —su trabajo exclusivamente en vinyl con Soulwax—, bandas sonoras de películas, obras de teatro y sus proyectos para libros y ópera (‘la música pop’ no está actualmente en su radar, pero tampoco está tan lejos) queda claro que ni siquiera el supuesto no-retiro de Jay Z tiene algo que pelearle al de James Murphy. Entonces, ¿qué lo está motivando? ¿O hay una filosofía o perspectiva que dirige sus múltiples proyectos? “Probablemente”, reflexiona Murphy, mientras una sonrisa de satisfacción se extiende por su rostro al tiempo que reflexiona la pregunta. “No sé lo que es. Es como descubrir cuáles son las reglas para el inglés, ¡sólo sabes cuando algo está mal! Me gusta hacer cosas que se sienten un poco perdidas [del mundo] en las que puedo ser honesto y sentirme bien. ¡Eso puede ser el café!“ Con las tazas vacías, sólo queda tiempo suficiente para una pregunta más antes de que Murphy entregue su pasaporte de nuevo y tome un vuelo más. Con The Long Goodbye terminado y dejando claro que ya fue todo para LCD Soundsystem, ¿queda algún arrepentimiento acerca de marcharse? “Si tuviera algún arrepentimiento sólo diría ‘Hey chicos, vamos a hacer algunos shows’”, mientras guiña. “Lo extraño a veces, sobre todo cuando veo alguna banda que le está yendo bien, aunque no sea buena, entonces pienso: ¡Vamos y pateemos el trasero de estos tipos!” Los traseros de las bandas malas pueden estar seguros por ahora, pero los mundos de la literatura, el café y el tránsito citadino deberían empezar a usar un par extra de ropa interior…
BIO: Paul Stokes es Editor Asociado de Q Magazine, puedes leer su columna How Arcade Fire became the headliner of all festivals? en WARP #64.
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CARLOS ÁLVAREZ MONTERO Representin’
Carlos Álvarez es un artista mexicano que vive la mayor parte del tiempo en el DF, cuando no se encuentra en alguna misión de trabajo en alguna parte del mundo. De hecho, esta entrevista nos la concede en alguna parte entre San Diego y Nueva York, en los Estados Unidos. Su trabajo es diverso, éste gira en torno a la identidad, aquellas características que vuelven a una comunidad única, se trate de los cholos o de los habitantes de Jacona, Michoacán. En su obra podemos encontrar series como Scars, que consta de 20 retratos de personas con tatuajes y looks fuera de lo común, o también Gym Barrera, retratos hechos en un emblemático gimnasio de box. Carlos también es parte activa —al lado de Giovanna Checchi— de un proyecto llamado .357, un espacio para fomentar el diálogo y el crecimiento creativo mediante la imagen y la fotografía, en el cual se imparten talleres y mesas redondas para invitar a las nuevas generaciones a aprender y abrirse camino con buenos maestros y bases maravillosas. Este talentoso artista nos platica un poco de su carrera, su trabajo y la inspiración detrás del mismo. ¿Cuál es el tema principal en tu fotografía? Estoy particularmente interesado en cómo utilizamos la apariencia como medio para construir nuestra identidad.
Por Chëla Olea / Fotos: Cortesía Carlos Álvarez Montero
¿Cuál es tu proceso creativo? Hago investigación previa sobre el tema, buscando encontrar un ángulo que no se haya explorado. De ahí queda salir a fotografiar e improvisar. ¿Dónde podemos ver tu trabajo? He expuesto en la Ciudad de México, París, Lion, Milán, y Nueva York. También en publicaciones como Esquire, Elle, The Fader, Blink (Corea), entre otras. ¿Cuál es tu consejo para los jóvenes fotógrafos que buscan crecer en el mundo del arte y editorial? Que trabajen y no se distraigan buscando likes. Lo único que los va a llevar a “algo” es el trabajo continuo, la perseverancia y la disciplina. Los likes que cuentan vienen después. Hablando de obra personal, ¿en qué estás trabajando ahora? Me encuentro trabajando en una serie sobre el culto al cuerpo. Justamente las fotos de la sesión So Ghetto, incluida en la sección Fashion Nugget de WARP Magazine, son de tu autoría. Cuéntanos, ¿de qué van? Es una reinterpretación de la cultura chola, donde la mujer proyecta no sólo un gran sentido de la moda, sino también muestra fuerza y carácter. LINK: alvarezmontero.com
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“ESTOY PARTICULARMENTE INTERESADO EN CÓMO UTILIZAMOS LA APARIENCIA COMO MEDIO PARA CONSTRUIR NUESTRA IDENTIDAD.”
YO NO CONOCÍ A GARCÍA MÁRQUEZ Por Gabriela Warkentin / @warkentin
Entre otras cosas… por chiveada. Años atrás, a finales de los ochenta del siglo pasado debe ser, comía en un restaurante del sur de la Ciudad de México, con mis padres. Rebasaba apenas los veinte años y ya había leído casi todo lo que de García Márquez podía encontrar. Por clavada, por casualidad, por lo que sea. Y de pronto ahí estaba él, sentado a una mesa, en franca tertulia con personas que no identifiqué… porque me paralicé. “Es García Márquez, mamá”. Susurré. O temblé. “Ve y salúdalo”. “Noooooo, cómo crees”. “Sí, m’ijita, acércate”. “No, mamá, no puedo”. Y no pude. Tanto así me significaba ese señor. A García Márquez no lo conocí, pero lo leí con fruición. [Nunca pude referirme a él como “Gabo”; ni modo, sentía el peso de las buenas costumbres: ¡no seas igualada!] Lo leí con dedicación. Libro que salía, libro que me conseguía. Era contenido también de nuestro vector educativo. Recuerdo a mi hermano mayor —poco dado a la lectura— sufrir con Cien Años de Soledad. Lo tienes que leer en quince días y prepararte para el examen, le dijeron. Y él desesperaba: ¡¡¡pero cuántos carajos Aurelianos hay y quiénes quieren qué con quiénes!!! Dibujaba una especie de árbol genealógico, o tal vez esa edición lo traía, triturando así toda posibilidad de placer para un mundo que se despliega. Y es que, de veras, qué mal nos enseñan literatura los que supuestamente saben [ya en el doctorado, una profesora insistía: ¿pero cuántos días tardó El Cid en llegar de tal a tal lugar? Psssss sabe, tenía ganas de contestarle, ¡si no me sé ni mi número de teléfono!]. Pero sigamos.
Texto publicado originalmente en el periódico mexicano El Universal.
Los Cien Años me enseñaron que la realidad es maleable y amarilla y que huele a guayaba y que el hielo importa y que el dato es una quimera. Luego vinieron el coronel y el náufrago, la Mamá Grande, y un día no pude con la risa al descubrir que la amiga de mi madre se llamaba Eréndira, como la cándida. Los
cuentos peregrinos y el náufrago. Por García Márquez supe de Miguel Littín, y me puse a ver su cine y a tratar de entender Chile. El patriarca en su mala hora. O el general, ese general. Yo que había vivido en Venezuela sin tener la más pálida idea del contexto, de pronto vi a un Simón Bolívar. Y me puse a explorar los otros. La hojarasca y el amor, y el otro amor en los tiempos del cólera. Ya ni importa. Todo se convirtió en un continuo de educación sensual y social. De ese tamaño fue para mí García Márquez. Por eso no pude aquel día acercarme a saludar al señor. La noticia de la muerte del escritor me llegó estando yo de cara al mar e imbuida en otra lectura, un acongojante ensayo sobre una acosadora. Escrito por James Lasdun, te lleva a los extremos más radicales de la persecución simbólica. Ahí resonó, de pronto, la palabra: “Fluchthelfer”, el que te ayuda a huir, a escapar [se usaba para nombrar a quienes auxiliaban a los que buscaban brincar el Muro entre las Alemanias]. Aplicado a la literatura, Fluchthelfer son aquellos que te ayudan a escapar… de tu realidad. O de tus conceptos o de tus ideas o de tu Weltanschauung o del espíritu de los tiempos o de lo que quieras. Y de pronto me entero de la muerte de García Márquez y pienso que sí, para mí, para muchos de mi generación, él, su obra, fueron también nuestros Fluchthelfer. Nos permitieron pisar otro territorio y contar otras historias. Incluso aquellos libros que nos enojaron por malitos, como las Putas Tristes. Pero es que a pocos se los aguantábamos. Tengo frente a mi una botella de ron, en hermosa porcelana. Dicen que Fidel Castro (ahí viene la tarjetita de presentación) se la dio a García Márquez (le habrá dado muchas). A mis manos llegó por artes de un amigo, y porque así es la vida. Me sirvo un trago, sonrío y pienso que es cierto, nunca conocí a García Márquez. Pero, ¡ah!, cómo lo extraño.
BIO: Gabriela Warkentin es doctoranda en Comunicación por la Universidad de Navarra, España; docente; co-conductora de La Agenda Pública, programa que se transmite en ForoTV (Televisa); columnista en El Universal y animapolitico.com, y Directora de W Radio México.
BABASร NICOS
Multiforo Alicia, Voilรก, El Plaza Condesa / Fotos: Franccel Hernรกndez y Perla Rabiela para WARP / #WARPgigs
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¿La banda más grande de México en la actualidad? Por Julián Woodside / @julianwoodside
Fotos: Oscar Turco cortesía OCESA Seitrack
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“LLEVAR LAS CANCIONES DE OTROS DISCOS A UN LUGAR DIFERENTE NOS OBLIGÓ A BUSCAR NUEVAS MANERAS DE PRESENTARLAS Y DE CREAR UNA ATMÓSFERA QUE FUERA DE LA MANO CON LA PRODUCCIÓN VISUAL DE LA GIRA.” -SERGIO ACOSTA
¿Qué hace “grande” a una banda? ¿Su música? ¿Los mitos alrededor? ¿Una constante presencia en medios? ¿Qué la quieran imitar? Cada caso es diferente, pero sin duda tener un halo de mitificación ayuda. Muchos dirían que Zoé lo tiene, ya sea por sus desplantes de rockstardom, por su trayectoria mediática, su proyección internacional, el éxito en ventas del Unplugged o su presentación estelar en Vive Latino. Lo anterior levanta la pregunta: ¿Es una de las bandas más representativas del rock en México? La idea ha generado mucho escozor entre algunos, cuestión que aborda un artículo escrito por Berenice Andrade para Gatopardo, en noviembre de 2013. Pero regresemos a la idea de “grandeza”. Sin duda Zoé ha trascendido las fronteras del rock (sea lo que sea que cada quien defina como “rock”) y se ha posicionado en el imaginario general de la gente. Pero, ¿sus canciones forman parte del tuétano musical del mexicano? Sí, muchos las cantan incluso inconscientemente, pero difícilmente la gente diría, por ejemplo, que los autores de ‘Gangnam Style’ o ‘Harlem Shake’ son “grandes” sólo porque el mundo ha cantado y bailado sus canciones. Seguro debe haber algo más que distinga a Zoé pero… ¿qué es?
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“SIEMPRE BUSCAMOS SUPERARNOS, CON CADA DISCO Y CADA GIRA.” -LEÓN LARREGUI
UN ENTE CON VIDA PROPIA Al hablar con quienes han colaborado con Zoé llama la atención que todos reconocen la dedicación y el profesionalismo de la banda. Como comenta Gustavo Zertuche, Ingeniero de Monitores de la banda, “tienen muy claro qué y cómo quieren las cosas, lo que lo vuelve complicado. Darles gusto se vuelve muy complejo, pero muy gratificante”. Al respecto resulta pertinente retomar lo que hace poco dijo su vocalista, León Larregui, en entrevista para W Radio: “Empezamos como todas las bandas de rock. Que la niña del 3º B te viera tocando y luego ponerte hasta atrás con tus cuates. Conforme pasan los años tienes que decidir si es algo en serio o sólo un hobbie. Tienes que cuestionar hacia dónde va tu historia con la música. Con Zoé decidimos que queríamos seguir profesionalmente y pensamos en lo que implicaba”.
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Destaca también que los integrantes de la banda ven a Zoé como un proyecto en constante evolución, pues como plantea su guitarrista, Sergio Acosta, “la trayectoria del grupo se define en cada proyecto que hacemos; al mismo tiempo que estamos cosechando lo que sembramos con el Unplugged, sentimos que estamos sembrando nuevamente para el futuro de la banda”. El bajista Ángel Mosqueda complementa: “Con cada ciclo del proyecto, y tomando en cuenta los discos de estudio como principal guía, trazamos nuevas metas”. Todo lo anterior me hace recordar cuando conocí a la hermana de León en un stand de Vive Latino 2004 y que, al regalarme una estampa, me dijo: “Es de la banda de mi hermano. Tocaron hoy y le están echando muchas ganas; vas a ver que la van a armar”. Diez años después me queda claro que así ha sido… y en gran medida se debe a su dedicación. Es como si Zoé fuera un ente con vida propia y un rumbo definido, pero en constante descubrimiento. Dicho ente funciona muy bien, pues como explica el productor Phil Vinall, “lo primero es tener canciones, y Zoé las tiene. Cualquiera puede crear música, pero construir una canción es complicado. El hecho de grabar las canciones es la parte más sencilla, lo complicado llega cuando hay que integrar las letras, la música y todo lo que esto implica, y Zoé sabe hacerlo”. Es así que Zoé sabe hacer canciones que le llegan a la gente, con una dedicación y entrega que le da un empuje como a pocas bandas en México. ¿Acaso eso es suficiente para hablar de “grandeza”?
NO SÓLO SE VIVE DE BUENAS INTENCIONES Formados en 1995, en Cuernavaca, Morelos, su primera gran decisión fue mudarse a la Ciudad de México. Conflictos con disqueras, pleitos
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internos, rupturas, cambios de alineación, excesos y sueños frustrados fueron sólo algunas de las cosas que han vivido juntos. Esto les permitió definir qué era lo que querían de la música y a entender que para lograrlo tendrían que tomar muchas decisiones. Establecidos en el D.F. y teniendo como prioridad la banda, la siguiente decisión consistió en encontrar trabajos ad hoc para una profesión tan celosa como la música, por lo que el freelance en diseño y edición audiovisual fue la opción. Lo anterior les dio herramientas para definir una identidad gráfica y visual, cuestión cada día más evidente. Poco después, empezar a trabajar con Phil Vinall para producir Rocanlover (2003) les permitió delimitar un sonido propio, al punto que actualmente los nombres de Zoé y Phil Vinall parecieran indisociables tanto dentro como fuera del estudio de grabación. Más adelante llegó la decisión de trabajar con respecto a su alcance e impacto, por lo que armar fechas ambiciosas en foros como el Palacio de los Deportes y el Teatro Metropólitan la puso en otro plano dentro de la industria musical, a la vez que sistematizar sus giras la acercó, como banda, a un público mucho mayor y diverso. Por otra parte están aquellas decisiones creativas que definen el trabajo cotidiano, tanto en el estudio como en vivo, pues como comparte Daniel Zlotnik, músico que participó con ellos durante el Unplugged, “Zoé considera su show como una experiencia. Antes de salir de gira piensan desde el ‘walk in music’ hasta el ‘walk out’ (lo que ocurre ambientalmente antes y después de la presentación en sí). Piensan en abridores, los cambios de set y hasta que todo el staff tenga in ears (audífonos de monitoreo) para escuchar igual que la banda todo lo que pasa, y no sólo estar pendientes del ‘show’”.
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“NOS DIMOS CUENTA QUE ÍBAMOS A TENER UNA GIRA CON MÁS DE 100 SHOWS EN MUCHOS PAISES, UNA OPORTUNIDAD PARA PREPARAR Y PRESENTAR UN SHOW A LA ALTURA DE LAS EXPECTATIVAS QUE UNA GIRA COMO ESTA CONLLEVA.” -RODRIGO GUARDIOLA
A HITCHHICKER’S GUIDE TO MUSIC FESTIVALS
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“LA BANDA ESTÁ MUY INVOLUCRADA EN TODO LO REFERENTE A ESTA GIRA. DESDE EL INICIO HEMOS FUNCIONADO DE UNA MANERA AUTOGESTIVA.” -ÁNGEL MOSQUEDA
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PENSAR SIEMPRE UN PASO ADELANTE Considerar a una banda como un proyecto exige contemplar muchos aspectos del rumbo creativo, pues cada acción puede reforzar o perjudicar la identidad que va construyendo. Al respecto, León comenta: “Nos involucramos mucho y siempre, tanto en la gira como en todo lo demás, nos repartimos la chamba”. Esto resulta interesante, pues al escuchar más comentarios tanto de los integrantes de Zoé como de la gente a su alrededor, se aprecia que el proyecto está en constante búsqueda de nuevos retos y horizontes. El MTV Unplugged dejó bastante claro lo anterior, logrando reinventarse y explorar nuevas formas musicales en los arreglos de cada canción. Pero la cosa no se quedó ahí, como comparte Andrés Sánchez, músico invitado de la banda: “Después de un Unplugged tan exitoso y de una gira tan grande lo que seguía iba a ser un reto. Tuvieron que sentarse y platicarlo. Lo que tiene la banda es que son ‘hitmakers’. Fue la presión de decir ‘vamos con todo y tiene que ser todavía más potente que el Unplugged, hay que darle cosas nuevas a la gente’”. Por su parte, Programaton ha generado sentimientos encontrados. Los involucrados lo consideran el mejor y más complejo disco de la banda a la fecha, pero a su vez lo describen como difícil, por su carácter introspectivo. La crítica no ha mostrado tanto entusiasmo como en otras ocasiones, pero le ha dado bastante seguimiento, y el público ya le otorgó su primer disco de platino en tan sólo unos meses, por lo que se podría decir que el balance actual es positivo. Sin embargo, no sólo se ha tratado del disco, pues la gira del mismo ha sido en sí toda una declaración de quién es Zoé actualmente. Como Rodrigo Guardiola, baterista de la banda, explica: “Nos dimos cuenta que íbamos a tener una gira de más de 100 shows, en muchos países, con anticipación. Lo vimos como una oportunidad para preparar y presentar un show a la altura de las expectativas”. Con respecto a lo anterior, pareciera que México no ha tenido una banda que haya hecho una gira memorable y con un sello distintivo. Pero, ¿qué hace a un concierto memorable? Sin duda la suma de quién te acompañe, el público, la actitud del artista y la selección de canciones, y esto ocurre constantemente en el país. Además, algo que resulta atractivo y por lo que muchas veces pagamos grandes cantidades de dinero es cuando también se ofrece un espectáculo, una “experiencia”. Para algunos puristas el “espectáculo” puede ser una manera de compensar la supuesta carencia de cualidades musicales de un artista, pero seamos honestos: la música siempre ha sido algo más que la suma de sonidos humanamente ordenados. Obviamente ha habido en México algunas exploraciones interesantes como las coreografías de Los Locos del Ritmo o Café Tacvba; la actitud en el escenario de Gloria Trevi, Las Víctimas del Dr. Cerebro, Descartes A Kant o Le Butcherettes; las puestas en escena como las de Nortec y Austin TV, o las experiencias multimedia de Murcof, Alex Otaola, Moenia y Daydream Nation, por lo que queda claro que ha habido quienes han apostado por llevar sus presentaciones a algo más allá de “simplemente tocar”.
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UNA GIRA DIFERENTE El espectáculo no está peleado con los dotes musicales, pues incluso permite enriquecerlos mediante experiencias cinematográficas, multimedia, teatrales y narrativas. Zoé lo tuvo presente al momento de preparar la gira de Programaton, razón por la que decidieron trabajar en conjunto con Damián Romero (Dirección de Arte), Gabriel Cruz (Ingeniero de Video), Alexis Lawrence (Stage Design) y varios más para concebir una verdadera experiencia multisensorial y no simplemente mostrar a una banda con visuales de fondo. Para lograr algo distinto hubo varios meses de preproducción, entre los que se incluye el trabajar en conjunto con Phil Vinall para hacer nuevamente arreglos a las canciones (tanto del nuevo disco como de los anteriores), además de realizar varios ajustes de producción y
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logística, pues como explica Germán Sevillano, su Jefe de Producción, “son pocos los grupos en México que se atreven a salir de gira de esta manera, sobre todo que tengan éxito y que quieran hacerlo. Se realizó un show para poder presentarlo en cualquier parte de la República y llegar al extranjero. Cuando lo ves entiendes todo el proceso de traslado y de producción: 45 personas viajan para armar todo lo necesario para la gira, más el staff y la banda”. En cuanto a la propuesta de la gira resulta interesante su objetivo, pues como Gabriel Cruz aclara, “lo más importante de un show, sea cual sea el género, es su setlist, pues define todo el espectáculo. Es el guión para montar en vivo y generar una gráfica narrativa de puntos altos y bajos. Desde el año pasado salían ideas de las imágenes fijas, algunas inspiradas en James Turrell, artista que trabaja con la geometría de la luz, y partimos de esos referentes. El
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reto fue hacerlo en vivo y comunicarlo visualmente. El escenario es una caja de luz que conforme avanza el concierto toma otra dimensión y va encendiéndose”. Al respecto Eduardo del Águila, Ingeniero de Sala, complementa: “Hay un efecto visual que hacen proyectando algo con dos pantallas, una de proyección y otra de leds, que causa un efecto de dimensión y profundidad”, cuestión que les permite tener un impacto visual y narrativo al momento de presenciar el concierto. Finalmente, Damián Romero explica cómo el presente de la banda y el momento musical que vive con Programaton ha marcado nuevamente la pauta: “El show es muy atmosférico. Hay reversiones de las canciones anteriores siguiendo la línea sonora de su nuevo disco, más profunda, pausada, musicalmente progresiva, así que funcionan muy bien cuando los visualizas, porque hay una coherencia con su sonido. Era el momento ideal para tener una apuesta visual”.
Diseño del escenario de Zoé
¿ES ACASO ZOÉ UNA DE LAS BANDAS MÁS IMPORTANTES DEL ROCK MEXICANO? HACE MUCHO QUE LO DEJARON CLARO.
Foto: Rubén Márquez / MU: Chëla Olea para WARP
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UNA BANDA ES GRANDE POR SUS ACCIONES, NO POR LO QUE SE DIGA DE ELLA… ¿O SÍ? Que la gira se vuelva memorable o que marque la pauta del futuro del espectáculo rockero en México está todavía por verse. Pero la apuesta de Zoé por no quedarse en una zona de confort es algo que se agradece. Asimismo, ya se tiene vislumbrado parte del futuro próximo de la banda, pues a la par de la gira del Unplugged y de que León produjera su disco solista, se realizó Panorama, un documental que captura diversas situaciones de la banda dentro y fuera del escenario y que, además de las imágenes captadas por un equipo profesional, tiene material de la gente involucrada en la gira a partir de cámaras a las que tuvieron acceso en todo momento para grabar lo que quisieran. El documental, cuyo adelan-
to se presentó durante la 11ª edición del Festival Internacional de Cine de Morelia, cuenta además con música instrumental hecha especialmente para el mismo, por lo que muestra otra faceta de la banda. Ahora bien, ¿es acaso Zoé una de las bandas más importantes del rock mexicano? Hace mucho que lo dejaron claro y cada acción lo confirma. ¿Son la banda más grande en la actualidad? Tal vez la pregunta no es relevante, pues el proyecto seguirá su camino y dará lo que tenga que dar sin buscar quedar bien con nadie más que con ellos mismos y su público… aunque todo apunta a una respuesta afirmativa.
BIO: Julián Woodside es Académico y Periodista enfocado en cine, música, memoria cultural e historia.
“TODOS LE DEDICAMOS TIEMPO, CABEZA, ALMA Y CORAZÓN A LA GIRA Y A TODO LO RELACIONADO CON ZOÉ. ES NUESTRA VIDA.” -JESÚS BÁEZ
AGRADECIMIENTOS: Zoé, Teresa De La Concha, Carolina Ramírez, Damián Romero, Germán Sevillano, Oscar Turco, Edgar Avélica.
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TURN BLUE The Black Keys Warner Music
Gran parte del atractivo de The Black Keys era su característico sonido garage, esa pizca de desenfado y carácter que le permitió a la dupla crear joyas como ‘Howlin’ For You’ o ‘Gold On The Ceiling’. Lo anterior queda ejemplificado cuando Dan Auerbach y Patrick Carney toman un escenario; su sonido podrá no ser el mejor, qué decir del inexistente apoyo visual, pero todo queda compensado cuando la energía desprendida de sus instrumentos y la pasión de sus líricas alcanzan al público. Gracias a lo anterior, el dúo saltó al mainstream, porque eran demasiado “cool” como para preocuparse por hacer discos pulcros. Eso los colocó como headliners de varios festivales y en la mira de la misma prensa que sigue a Kanye, Pink y las Kardashian. Bajo ese contexto arribó Turn Blue, su octava placa de estudio y la que, sin lugar a duda, es su
producción más fina a la fecha. Danger Mouse (Brian Joseph Burton) vuelve a ocupar la silla de productor y esta vez su participación es más notoria que de costumbre. Si en discos como Brothers (2010) y El Camino (2010) su desempeño se limitó a hacer cada placa ligeramente más emotiva y digerible, en esta ocasión se dedicó a lograr que The Black Keys sonara lo más parecido posible a Broken Bells. El resultado es interesante, estamos ante el álbum más fino del proyecto originario de Akron, Ohio. Algo está claro, de garaje rock quedan apenas algunos vestigios notables en cortes como ‘It’s Up To You Now’, aunque el blues, coqueteos con el pop de avanzada (como en ‘10 Lovers’ o ‘In Our Prime’) y arreglos R&B (como los prominentes en ‘Waiting On Words’) se
vuelven la constante a lo largo de los 11 tracks que componen la placa. Las guitarras dejan de ser parte fundamental del sonido general, para convertirse en guías sónicas de sintetizadores y secuencias, creando una amalgama casi perfecta. De entrada, pareciera que Dan y Patrick decidieron no arriesgarse en esta nueva entrega y fueron a la segura haciendo un disco “bonito” y altamente comercial, aunque yendo más allá, un disco en el que justamente evitan repetir su sonido y echan toda la carne al asador. Sólo el tiempo nos dirá si estamos frente a un trabajo clásico de The Black Keys o a un poco afortunado experimento, que quedará sepultado en su discografía. Diovanny Garfias
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EVERYDAY ROBOTS Damon Albarn Warner Music
Artífice de historias desde sus primeros años como compositor y gustoso desde hace años por la experimentación sonora, Damon Albarn se presenta en esta, su primera producción solista, con madurez creativa y emocional, al lograr un disco que combina letras interesantes y armonías bien logradas con una atmósfera melancólica y reflexiva pero no por ello aburrida. Siendo el álbum más personal del prolífico músico británico, en cada canción se visita un momento específico de su vida; desde aquel en el que tropezó con la frase: “Modern life is rubbish” en un muro de Edgware Road —‘Hollow Ponds’— hasta su encuentro con un pequeño elefante en Tanzania —‘Mr. Tembo’—, sin dejar de lado reflexiones sobre la relación entre el ser humano y la tecnología. Y aunque fue la mención de su ahora superada adicción a la heroína la que
causó ruido en diferentes medios, es esta amplia retrospectiva la que resalta, representando, quizá, un documento memorial que nunca antes había realizado y que quizá por esto mismo realza el valor del disco como obra artística. Luego entonces, si se trataba de ir más allá e incursionar en zonas donde no había habitado de manera formal, Damon no podía actuar diferente en la música que regiría su narrativa. Tomó guitarras acústicas, pianos, violines, un ukulele. Tomó también secuencias electro e insertó elementos sonoros que intensificaron cada track; el coro que escuchaba de niño al pasar por la iglesia cercana a su casa en Leytonstone da a ‘Mr. Tembo’ un ánimo festivo; el ruido lejano de un patio de juegos otorga a ‘Hostiles’ un sentido contemplativo, y los samples vocales insertos en ‘Everyday Robots’ y ‘Photographs (You Are Taking Now)’
dan una magnífica referencia hip hop, de esa de la que también gusta el frontman de Blur. Las piezas instrumentales ‘Parakeet’ y ‘Seven High’, el momento protagónico de Brian Eno en ‘Heavy Seas Of Love’ y la mano evidente de Richard Russell en toda la producción son toques que, por si hubieran hecho falta, terminan de convertir a este en uno de los debuts solistas más plausibles de los que se tenga memoria. Con proyectos en puerta que incluyen más música basada en obras de teatro, la posible realización de un score e incluso un nuevo material de Gorillaz, al hablar sobre la posibilidad de dar seguimiento a esta faceta solista Damon Albarn asegura que si alguien más se lo pide es probable que suceda. Crucemos los dedos para que así sea. Karina Luvián
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LUMINOUS The Horrors
WHAT ELSE?
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Si algo nos ha demostrado esta banda británica es que son versátiles y cambiantes, aunque hace tiempo que The Horrors dejó de hacerle tributo a su nombre. Cada disco se aleja más del post punk y la energía cruda que en su inicio los distinguió. En Luminous, no hay momento en el que escuchemos voces desgarradoras, distorsiones de guitarra atroces, ni sintetizadores punzocortantes. Esto, a lo largo de sus cuatro álbumes, ha sido poco a poco sustituido por figuras etéreas y atmósferas oníricas. En esta ocasión, a lo largo de las diez canciones del álbum usan (y a veces abusan) de efectos como reverberaciones y delays, tanto en guitarras como en teclados. La voz de Faris Badwan es totalmente limpia, aunque carente de dicción y la intención musical se inclina hacia lo electrónico, parte bailable y parte tranquilo, aún con ligeros rasgos de oscuridad. Con Luminous se podría decir que The Horrors se reinventó completamente como banda. Cuando un grupo hace esto, pueden haber dos resultados: ya sea que trascienda como algo refrescante e innovador o que caiga en lo genérico y habitual. En este caso, la segunda opción es la más adecuada. Natalia Montes
6.0
Terrícolas Imbéciles
WHITE WOMEN Chromeo Atlantic Recording
Chromeo regresó con una de las producciones más esperadas del año, atiborrada de sus singulares y distinguidos sintetizadores con reflejos funk y electro-pop, y con talentosos colaboradores, que inflan la calidad de cada una de las canciones en las que actúan, respectivamente, Pat Mahoney (LCD Soundsystem), Chaz Bradley (Toro Y Moi), Ezra Koenig (Vampire Weekend), Solange y Oliver (Fools Gold Recordings). Para que un disco sea realmente bueno debe iniciar y finalizar con una sorprendente canción, característica que cumplen ‘Jealous (I Ain’t with It)’ y ‘Fall Back 2U’ y que confirman las altas expectativas que se tenían del álbum desde el año pasado; un disco que nos deja entrever un bajón rítmico, al pasar de una fiesta estruendosa en ‘Come Alive’, ‘Sexy Socialite’ y ‘Over Your Shoulder’, a música sexy y fina, llena de soul, funk y toques jazz en ‘Lost On The Way Home’, ‘Somethingood’ y ‘Ezra’s Interlude’. Así, Chromeo presenta un manejo perfecto y elegante, demostrando un potencial que seguro colocará a este gran trabajo como uno de los favoritos de 2014. Eduardo Martínez
8.2
REVIEWS
078
WM / 65
DIPLOID LOVE
I NEVER LEARN
Brody Dalle
Lykke Li
Universal Music
Warner Music
Diploid Love —su debut en solitario— es definido por la propia Brody Dalle como “el momento más importante de mi carrera”. Conocida por liderar a Spinerette y The Distillers, una de las bandas que más impacto causó al principio de la década pasada, Dalle lanza un material que cuenta con colaboraciones de Nick Valensi, guitarrista de The Strokes; Shirley Manson, vocalista de Garbage; Michael Shuman, bajista de Queens Of The Stone Age, y Emily Kokal, líder de Warpaint. El álbum está conformado por nueve canciones, fue producido por la misma Dalle y el aclamado Alain Johannes (Arctic Monkeys y Them Crooked Vultures). Dentro de este frenesí musical destacan temas como ‘Meet The Foetus / Oh The Joy’ y ‘Underworld’, conservando sus características guitarras incendiarias. También son imperdibles ‘Dressed In Dreams’, ‘Blood In Gutter’ y ‘Carry On’, por tener tintes de clásicos y atreverse a incursionar en otros estilos como las baladas. De este modo, la esposa de Josh Homme, líder de QOTSA, nos regala un álbum lleno de adrenalina que estará posicionado como uno de los mejores al final de este año. Fernando González Bastida
7.5
Lykke Li está de regreso para presentarnos I Never Learn, que concluye una trilogía conceptual que inició con Youth Novels (2008). En este disco la sueca nos demuestra su lado más romántico dividido en nueve tracks. La canción encargada de abrir y otorgarle el nombre a este material nos muestra el camino a recorrer a lo largo del álbum, que al avanzar se torna cautivador, ambientado por guitarras acústicas y piano que enganchan por su melodía. A su vez, los sintetizadores dirigidos por el pop envuelven en una atmósfera estrepitosa pero a la vez dulce. En la mayoría de las letras podemos escuchar a una Li más poética, susurrándole a la vida, a la familia y a las relaciones con finales terribles. Algunas de las canciones muestran desesperación como ‘Never Gonna Love Again’ o ‘Heart Of Steel’, contrastando altamente con la indulgencia y la esperanza mostrada en ‘Sleeping Alone’. I Never Learn no es el mejor trabajo de Lykke Li, pero tampoco es un fracaso absoluto, ya que la cantautora sigue su estilo musical con grandilocuencia, sin temor a autoimponerse límites que la atrapen en la mediocridad. EM
7.2
ESTE MES: GHOST STORIES
ARE WE THERE
THE FEAST OF THE BROKEN HEART
Coldplay
Sharon Van Etten
Hercules and Love Affair
Warner Music
Secretly Canadian
Moshi Moshi
WM / 65
079
WHAT ELSE?
SILENCIO POR FAVOR
LOVE ECSTASY TERROR Mientras la agrupación angelina She Wants Revenge se toma un receso indefinido, originado en 2012 después de tres discos de estudio, siendo “Valleyheart” el último de ellos, Adam Bravin, una de las mitades detrás del proyecto y DJ personal del Presidente Barack Obama, planea su disco debut con una nueva banda. La renovada cara de Bravin llevará por nombre Love Ecstasy Terror y en estos momentos se encuentra trabajando, junto a algunos músicos que han tocado con la agrupaicón No Doubt, en una serie de demos que muy probablemente terminen en el álbum final.
Artista: Love Ecstasy Terror Nacionalidad: Estados Unidos Productor: Sin confirmar
En total se conoce el nombre de 10 demos, entre los que se encuentra ‘Say Goodbye’, ‘River Bank’, ‘Dissonance’ y ‘Blade Runner’.
Por: Alejandro Altamirano / Fotos: Cortesía Adam Bravin
Colaboradores: Tony Kanal (No Doubt), Gabe McNair (No Doubt), Stephen Bradley (No Doubt) Grabado en: Los Angeles
WHAT ELSE?
080
WM / 65
SPOTIFY
UN AÑO EN MÉXICO El proyecto lo lanzamos en abril 16 del año pasado (2013) y a partir de ese momento hemos tenido muy buena recepción por parte del público, en términos de usuarios, ya fuesen gratuitos o premium. México, en cuanto a región, aceptó la plataforma de muy buena manera. Para que nosotros podamos estar en un país es necesario que tengamos un porcentaje muy alto de catálogo, porque estás compitiendo contra plataformas que ya existían (de download o streaming) y también contra la piratería. Finalmente lo que queríamos era que la gente tuviera acceso al contenido de manera fácil y legal. A modo de plan, esperamos algún día tener el 100 por ciento de la música, por ahora estamos con las tres disqueras más importantes en el mundo: Universal, Warner y Sony, sumando los más de 300 mil contratos firmados con disqueras indies de todo el mundo y queremos aumentar
ese número de contratos porque al final al usuario le conviene, ya que él tendría toda la música que necesite en Spotify. En el tema de tecnología es importante que sepan que nosotros hacemos actualizaciones posiblemente una o dos veces por semana. Es para que funcione mejor todo, y más en México, o en toda Latinoamérica, o países de Europa del este, donde la conexión de Internet no es tan buena. Tenemos que aprovechar eso para tener una tecnología que funcione de igual manera con una conexión baja. Lo que queremos es que cada que alguien se conecte a la aplicación pase más tiempo ahí, que sea su one top music shop, que si quiere saber algo de música únicamente entre a Spotify, sin ir a ninguna otra plataforma de streaming o download. Estamos muy contentos, es un primer año en el cual rompimos muchos records internos como compañía en muchos términos.
El álbum más escuchado: “Random Access Memories”, de Daft Punk, con 8 millones de streams
Artista más escuchado: Daft Punk, con 15 millones de streams
Por Adrián Peregrino Director Spotify México
Canción más escuchada: ‘Blurred Lines’, de Robin Thicke, con 3 millones de streams
WM / 65
WHAT ELSE?
081
21, 952 playlist creadas con las palabras “baile” o “bailar” 261 playlists creadas con la palabra “futbol”
4,785 playlists creadas con la palabra “boda”
199 playlists creadas con la frase “forever alone”
221 mil playlists creadas con la palabra “amor”
4,661 playlists creadas con la palabra “ejercicio”
3,196 playlists creadas con la palabra “hipster”
STREAMING VS. DOWNLOAD
71, 129 playlists creadas con la palabra “metal”
Spotify Para marzo de 2013, el servicio rebasó los 24 millones de usuarios registrados en los países disponibles, de los cuales, más de seis millones eran de pago.
iTunes Actualmente cuenta con 800 millones de usuarios registrados en 119 países, con la venta de música, películas, programas de televisión, juegos, libros, podcasts y más.
ENGLISH VERSION —
ZOÉ PG.84
ZOÉ
Zoé, ¿La banda más grande de México en la actualidad? By Julián Woodside / @julianwoodside
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ZOÉ. THE BEST BAND IN MEXICO NOWADAYS’ What does it take to make a band great? The music? The mystics that surround the band? A constant presence in the press? That some people want to emulate them?, Each case it’s different, but without a doubt, having some mysticism helps. Many would say that Zoé has it, maybe because of their public display of rockstardom, for their mediatic history, the international projection, the commercial success of their Unplugged, or their performance at Vive Latino. With all that said, it’s only logical to ask: Are they one of the most representative bands in Mexico? This idea has generated annoyance in some people, this topic is analyzed in an article written by Berenice Andrade for Gatopardo, for the November issue of 2013. But let’s get back to the idea of “greatness”. There’s no doubt that Zoé has transcended rock (whatever that means) and has positioned itself in the mind of the public. But, are their songs part of the musical backbone of the average Mexican? Yes, many people sing their songs, even unconsciously, but is not that probable that people could claim, for example, that the authors of ‘Gangnam Style’ or ‘Harlem Shake’ are great just because everybody have sing and dance their songs. There must be something else that makes Zoé different… but, what?
León’s sister at a Vive Latino stand back in 2004, who gave me a sticker and told me “is my brother’s band, they played today and they are working hard, they’re gonna make it, you’ll see”. Ten years later, it’s clear to me that they did it … mostly, because their commitment. It’s like Zoé was a living entity with a defined path, but in constant discovery. That entity works quite well, as producer Phil Vinall explains, “the first thing is having songs, and Zoé has them. Anyone can create music, but constructing a song is complicated. The fact of recording the song is the easier part, the complicated part comes when you have to blend the lyrics, the music and everything it implies, and Zoé knows how to do it.” In that way Zoé knows how to make songs that get to the people, in addition to that, they have the commitment and passion that give them an unusual push that no many bands in Mexico have. Is that enough to talk about “greatness”?
GOOD INTENTIONS WON’T PAY THE RENT
A LIVING ENTITY
Formed back in 1995, in Cuernavaca, Morelos, Zoé´s first big decision was moving to Mexico City. Conflicts with record labels, internal arguments, brake ups, changes within the band, excess and frustrated dreams were just a few of the things that they went through together. This allowed them to define what they wanted of the music, and that in order to achieve it, they would have to take a lot of decisions
By talking to the people that have collaborated with Zoé, it’s clear that everyone recognize the commitment and professional behavior of the band. Like Gustavo Zertuche, monitoring engineer of the band, comments, “They really know what and how they want things done, that makes it complicated. Keeping them happy is a complex business, but gratifying in the end”. On that topic, it’s important to remember what León Larregui, lead vocal of the band, said during an interview for W Radio: “We started like all rock bands. That the girl from 3°B would see you play and later, get drunk with your friends. As yeas go by, you have to decide if it’s something serious or just a hobby. You have to ask yourself about where your story with the music goes. With Zoé we decided that we wanted to do it professionally and we thought about all the implications”.
Established in D.F., and having the band as a priority, the next choice was finding jobs that fitted with a demanding career like music, that’s why having freelance jobs like graphic designed and audio-visual editing was the best option. That gave them the tools to define a visual and graphic identity, a thing that every day is more evident. Later on, they started to work with Phil Vinall to produce Rocanlover (2003), which allowed them to consolidate their own sound, to the point that the names of Zoé and Phil Vinall are usually related in the studio and outside of it as well. A few time before, the choice of working around their impact and reach came, that’s why their ambitious gigs in big venues such as Palacio de los Deportes and Metropolitan Theatre placed them in a different place in the music industry, and at the same time, using a system in their tours, got them closer to bigger and diverse audiences.
He points out, also, that the members of the band see Zoé as a project that is constantly evolving, like Sergio Acosta, guitar player, comments, “the career of the band is defined in every project we are involved; at the same time, we are enjoying the harvest of what we did with the Unplugged, we feel like we are planting new seeds once again for the future of the band”. Bass player, Ángel Mosqueda, completes the idea: “with each cycle of the project, and taking in consideration the studio records as the main guide, we establish new goals”. All of the above make me remember the time when I met
On the other side, there are those creative choices that define the daily basis work in the studio, and live performances as well, as Daniel Zlotnik, guest musician who played with them in their Unplugged, explains “Zoé thinks their show as an experience. Before going on tour they think about things from the ‘walk in music’ to the ‘walk out’ (that’s what happens before and after the performance itself). They think of opening acts, changes in the set list and even that all the members of the staff have in ears (monitoring earphones) to listen everything that’s going on, and not only pay attention to what’s happening on stage.
INFORMACIÓN MUSICAL 24/ 7
DESTACADOS NOTICIAS ENCORE GIGS WARPTV WARPCAST MAGAZINE REVIEWS
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ALWAYS ONE STEP AHEAD Consider the band like a Project that demands to think about many aspects of the creative path, because every action can reinforce or affect the identity that you’re constructing. About that, León comments, “We get involved a lot always, in the tour and in everything else, we divide the job”, which is interesting, because by listening to the members of Zoé and the people involved with the project, you can tell that they’re always looking for new challenges and horizons. The Unplugged left pretty clear that; they managed to reinvent themselves and explore new ways of musical shapes in the arrangements of each song. But it didn’t stop there, as Ándres Sánchez, guest musician in the Unplugged and the Programaton Tour, shares, “after a successful Unplugged and a big tour, the next step was going to be a challenge. They had to sit down and talk about it. They are ‘hitmakers’. It was the pressure of saying ‘We’re gonna give everything, and it has to be even more powerful than the Unplugged, we have to give something new to the people” On its own, Programaton has generated contradictory feelings: the people involved consider it the best and the more complex record of the band up to the date, but at the same time, is described as difficult for its introspective personality; the critic hasn’t show that amount of enthusiasm like before, but it’s been following closely; and the audience has already turned it platinum in just a few months, that’s why it could be said that the balance have been positive. Nonetheless, is not about only about the album, but the tour has been a strong declaration about the identity of Zoé now. Rodrigo Guardiola, drummer of the band, explains, “We realized that we were going to have a 100 gigs tour in many countries. We took it as an opportunity to prepare and present a show that fulfill the expectations” With that being said, it looks like it hadn’t been a band that has made a memorable and distinctive tour in Mexico. But, what does it take to make a concert memorable? It depends on the person you go with, the crowd, the attitude of the artist and the set list, and this happens constantly in our country. Besides, something that is attractive and the reason why we pay big amounts of money, is when a show is part of the offer, and also an “experience”. For some old fashioned, the “show” can be a way to make it up to the people for the lack of musical skill, but let’s be honest: music has always been something more than the sum of sounds ordered by humans. Obviously there has been in Mexico some interesting experiments like the choreography implemented by Los Locos del Ritmo or Café Tacvba; the attitude of Gloria Trevi when she was on the stage, Las Víctimas del Dr. Cerebro, Descartes a Kant or Le Butcherettes; the ideas of Nortec or Austin TV; or the multimedia experiences like Murcof, Alex Otaola, Moenia and Daytdream Nation give, making clear the fact that there have been some people who have taken the risk of offering shows that go beyond of “just playing”.
to conceive a true multi-sensorial experience and not only show a band with visuals in the background. To accomplish something different, several months of pre-production were required, including a period of time to work with Phil Vinall again on the arrangements for the songs (for the new record, and the previous productions as well), the band also made some production and logistic adjustments, as Germán Sevillano, production manager, explains, “There are few bands in Mexico who dare to go on tour this way, specially successful bands who are willing to do it. The show was produced to present it in any part of the country and even abroad. When you see it you get to understand all the process of transportation and production: up to 45 people travel to set the tour up, plus the staff and the band itself. About the goal of the tour, Gabriel Cruz points out, “The most important think in a show, no matter the genre, is the set list, because it defines al the concert. It’s the script to set up and generate a narrative of high points and low points. Since last years, some ideas of still pictures came out, some of them inspired in James Turrell, an artist who works with the geometry of light, and we work using this as starting points. The challenge was to do it live and been able to communicate in a visual way. The stage is a light box that changes alongside with the concert. Taking a different dimension and lighting up as the show goes by”. On that matter, Eduardo del Águila, showroom engineer, adds, “there is a visual effect that is generated by projecting in two screens, one with leds, and one with projectors, that gives an effect of dimension and volume”, this allow them to have not only visual impact, but also a narrative during the concert. Finally, Damian Romero explains how the current musical moment of the band with Programaton, has marked a new step: “The show is quite atmospheric. There are new versions of the old songs, following the new sonic line of the latest record, deeper; with slow tempo, musically progressive, and that works well when you visualize them coz is coherent with their sound. It was the right time to have a visual offer”
A BAND IS GREAT FOR ITS ACTIONS, NOT FOR THE THINGS PEOPLE SAY ABOUT IT, RIGHT?
A DIFFERENT TOUR
If the tour is going to be memorable, or if it’s going to set a new standard in the Mexican rock showbiz, well, we just have to wait and see. But the Zoé’s gamble for stepping out of their comfort zone is something to be appreciated. At the same time, the future of the band is already glimpsed, because when they were touring the Unplugged, and the production of León’s solo album was still on, Panorama was filmed, a documentary that shows the different situations of the band, on and off stage. The cameras had full access to tape whatever they wanted. The documentary was presented during the 11th edition of Morelia Film Festival, and it features instrumental music that was made specifically for the film, showing a different side of the band
The show is not in dispute with the music skills, it can even make them richer by using cinematographic experiences, multimedia, theatrical and narrative elements. Zoé had this in mind all the time when they were preparing the Programaton tour, that’s why they decided to work with Damian Romero (art design), Gabriel Cruz (video engineer), Alexis Lawrence (stage design) and several more
Now, is Zoé one of the most important rock bands in Mexico? They made that clear long time ago, and each action they take confirm it. Are they the biggest band nowadays? Perhaps the question is not relevant, because the project will go on and it will give what it will have to give, without the idea of trying to please anyone but themselves and their audience… even though everything points to an affirmative answer.
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Writer/ Director / Producer George Lucas on the set of Star Wars Episode IV: A New Hope. release date: May 25, 1977
Writer/ Director / Producer JJ Abrams at the cast readthroug Star Wars: Episode VII. release date: December 18, 2015