WARP Magazine 67

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“LOS BRASILEÑOS GUARDAMOS LA EMOCIÓN Y LA SATISFACCIÓN DE HABER ORGANIZADO UN EVENTO MUY EXITOSO, UN MUNDIAL QUE SÓLO NO FUE PERFECTO PORQUE NO SE CONSIGUIÓ EL SEXTO TÍTULO.” -DILMA ROUSSEFF WARP MAGAZINE PUBLISHER ALEJANDRO FRANCO FERNÁNDEZ @ALEJANDROFRANCO | EDITOR EN JEFE DIOVANNY GARFIAS @ANDROGYN | COORDINADORA EDITORIAL Y CORRECTORA DE ESTILO KARINA LUVIÁN @KARIXLUV

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© WARP Marca Registrada ®. Año VI No.67 Fecha de Publicación 01-08-2014. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329.

Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en Compañía Impresora el Universal, S.A. de C.V. / Distribución Nacional e Internacional de INTERMEX. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

HOT HOT HIT

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Proveniente de Edinburgo, Escocia y con sólo 20 años cumplidos, Nina Nesbitt se presenta como una fresca y fuerte propuesta musical europea, gracias al perfecto maridaje de una hermosa voz, letras interesantes y un sonido con toques de pop, rock y folk.

Guitarrista desde los tres años, Nesbitt se dio a conocer mediante YouTube gracias a sus reinterpretaciones de temas clásicos, logrando llamar la atención de Universal Music, con quien firmó un contrato y lanzó su álbum debut Peroxide a inicio de 2014. Sus excelentes cualidades al componer y el plus de una belleza envidiable la colocan como la nueva gran propuesta sonora del país del Whisky.

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“PARA MÍ, LA ÚLTIMA VEZ QUE EL ROCK SE SINTIÓ COMO UNA FUERZA REAL FUE EN LOS 90, CON NIRVANA Y EL GRUNGE.”

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The Pretty Reckless Si tuvieras que escoger entre Light Me Up (2010), el álbum debut de The Pretty Reckless, y Going To Hell (2013), ¿con cuál te quedarías?

Cuando compuse el primer álbum tenía entre 14 y 16 años. Ahora tengo 20, no es una gran diferencia pero me siento más madura [risas]. Con Light Me Up estuvimos de gira mucho tiempo, casi tres años, así que cuando grabamos Going To Hell la banda se sentía muy “amarrada”. En éste tratamos de mantener la producción a un nivel mínimo y de incluir apenas lo necesario, bajo, guitarra, batería y voz. Puedes escuchar lo orgánico de cada uno de los instrumentos, así que, no lo sé, al final del día siento que cada pieza representa diferentes momentos de la banda.

Desde tu perspectiva, ¿cuál es la salud del rock en general actualmente?

Creo que la escena rock, ahora mismo, está en cirugía. Siento que se fue y que tendrá que regresar. Musicalmente creo que vivimos en un mundo pop y eso hace difícil diferenciar el pop del rock, está allá afuera pero hay que buscarlo. Para mí, la última vez que el rock se sintió como una fuerza real fue en los 90, con Nirvana y el grunge. Así que quiero pensar que el rock tiene que volver en algún punto de forma real [risas]. En Reino Unido hay una escena interesante de jóvenes que están tomando los instrumentos y subiéndole a la distorsión, esa es una buena señal, existe una oportunidad de que el rock regrese de una vez por todas.

Por: Diovanny Garfias

El mundo te conoce por tu participación en Gossip Girl. ¿Te costó trabajo apartarte del personaje en la serie y presentar tu trabajo sonoro?

Siempre he sido compositora, y creo que quienes siguieron mi trabajo en la serie lo saben, sólo estaba esperando a tener algo que decirle a la gente, a tener a la banda indicada, al productor correcto. Cuando lo hice di el salto, hice la transición entre la actuación y la música, era algo que tenía que hacer. No me malentiendas, era un trabajo muy bueno, pero no me apasionaba, renuncié y han pasado cinco años desde entonces, en los cuales no he podido ni mirar atrás, pero creo que al final resultó [risas].

PROFILE

BROKEN TWIN Por Javier Cuellar / @javiriveroll

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brokentwin.com soundcloud.com/brokentwin

Integrantes: Majke Voss Romme Nacionalidad: Copenhagen, Dinamarca Año de formación: 2013 Influenciada por: Fiona Apple, Sinead O’Connor, This Mortal Coi.

Veredicto: Majke forma parte de esta nueva generación de músicos daneses cuyo objetivo pareciera retomar lo más básico de las sonoridades que invaden el espectro musical. La talentosa intérprete busca siempre transmitir un sonido cálido, enfocado en las líricas, las cuales están basadas en relaciones interpersonales y patrones emocionales disfuncionales, todo ello contenido en su álbum debut No Darkness (2014). Al final, el propósito de su música es principalmente que cada quien la escuche y sienta o viva lo que ésta le inspire. Se trata de lo-fi que debe ser administrado en tardes lluviosas de semblantes grises.

FASHION NUGGET

Fot贸grafo: Ricardo Urroz para Quadro Asistente de foto: Jorge Becerra Modelo: Caroline de Paragon Coordinaci贸n de moda: Carlos Ruiz Manjarrez MU: Ch毛la Olea

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Su茅ter: American Apparel Pantal贸n: Lua Pretto Zapatos: Bimba & Lola Collar: H&M

FASHION NUGGET

Top, Falda, Bolsa y Zapatos: H&M Collar: TopShop

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PUBLIREPORTAJE

THE GLENLIVET O EL ORIGEN DE LOS SINGLE MALTS __

Un espíritu pionero, inspirado por su fundador George Smith, corre a través de la historia de The Glenlivet.

No es una casualidad que su lema sea: “The single malt that started it all”. Los datos lo confirman. Establecida en 1824, The Glenlivet fue la primera destilería con licencia en el tradicional distrito de Glenlivet, pero más que una simple destilería, The Glenlivet fue la inspiración de toda una región y la que impuso el particular estilo de Speyside que se convirtió en el corazón de la producción de whisky escocés de malta, y no sólo eso, muchos años después fue el primer single malt en llegar a Estados Unidos, cuando se levantó la prohibición.

Con casi doscientos años de historia, The Glenlivet continúa siendo creado de manera artesanal en el Valle de Livet, donde termina su proceso en barricas seleccionadas a mano que le dan un sabor particular, rico y equilibrado.

Pero más allá de su gran historia y tradición, ¿qué es lo que hace a este single malt una bebida tan especial?

-La coherencia, pues la cebada malteada se compra a los mismos graneros desde hace 30 años.

-El agua que se utiliza es rica en minerales y se obtiene de un manantial subterráneo cercano a la destilería (Josie’s Well), el cual pertenece a The Glenlivet.

-Para su fermentación se utilizan tinas de pino de Oregón.

-El whisky se considera listo para embotellarse después de 12 años en barrica (como mínimo).

-Con más de 30 años de experiencia, Alan Winchester es el Master Distiller de la marca, desde 2009.

Hoy, en 2014, la familia The Glenlivet está compuesta por The Glenlivet 12, 15, 18, 21 y 25 años, entre otros, Nàdurra y The Glenlivet Cellar Collection. Después de tanto tiempo, crecimiento y desarrollo, mantiene los mismos valores y tradiciones que lo convirtieron en el favorito del Rey George IV, hace doscientos años.

Vestido: American Apparel Collar: Forever 21 Botas: Bimba & Lola

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TERI GENDER BENDER Le Butcherettes

Por J. Ismael Canales Le Butcherettes ha tenido colaboraciones con personajes importantes en la música. ¿Cuál es la que más te ha gustado y por qué?

Es imposible elegir, cada quien tiene su esencia. Lo importante, dejando a un lado lo bueno que son musicalmente o lo increíble que ha sido colaborar con cada uno, es que son gente buena. La mayoría de ellos están hartos de los modelos establecidos de la industria musical y creo que mucha gente hoy en día se siente así, nosotros podemos hacerlo porque hay muchas herramientas. Lo que me gusta es acercarme a gente que tenga esa fe de que las reglas las hacemos nosotros, me encanta estar cerca de gente trabajadora, eso me motiva increíblemente, porque estoy aprendiendo, no sé qué está bien y qué está mal, ahorita estamos en una época muy interesante, no sé qué podría pasar y es bueno juntarte con gente que te entienda o viceversa, y dejarte de farándulas de “voy a hacer música contigo porque me conviene”. Yo creo que si algo es honesto eso es todo lo que importa; - “Mira, nos llevamos bien, hay que hacer música… ¿Por qué? Porque es lo que nos gusta hacer.”

Tanto Teri Gender como Le Butcherettes han tenido mucho contacto con Omar Rodriguez-Lopez en los últimos años. ¿Qué te ha aportado como persona? Él me recuerda que es muy importante ser una buena persona. ¿A qué me refiero? A lo simple. Si alguien te dice en la calle “hola” tú respondes “hola”. He aprendido mucho a escuchar y Omar me ha recordado que es esencial mantener eso, ser lo que eres. Lo que yo aprendí de él es la paciencia y a apreciar la virtud de llevarte bien con la gente. Imagínate estar en una banda o en un proyecto que no te gusta, ¿para qué lidiar con eso?

En México todavía es muy marcada la diferencia entre el hombre y la mujer, siempre hemos tenido una cultura machista. En la industria musical, desde que tú iniciabas en Guadalajara y ahora que te desenvuelves en Estados Unidos, ¿es diferente ser mujer que ser hombre en el medio musical?

Créeme que yo quiero decir no, pero dado a mi experiencia sí fue diferente. Cuando empecé a tocar con Le Butcherettes veía gente en el público con los brazos cruzados o escuchaba gente, la mayoría de veces hombres, que decían: “Qué payasas estas viejas”. Pero no solamente en el escenario, sino cuando caminaba hacia el ensayo, en tacones, me gritaban mucho en la calle: “¡Ay mamacita!”, y yo simplemente soy una persona con una guitarra, tomando el camión, yendo al ensayo y me estaban gritando de cosas. Pero, ¿sabes algo?, parte de eso, el coraje de eso, me hizo entrarle más a la música y querer dar shows. Son de esas cosas que igual no son culpa de todo México, pero sí, todavía hay gente descarada.

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Every time the sun comes up Por Alonso Valencia

Foto: Dusdin Condren

Sharon Van Etten es parte fundamental del movimiento musical surgido en Nueva York en años recientes, fue impulsada por Kyp Malone (TV On The Radio), quien la inspiró a perseguir una carrera musical analizando todos los campos posibles, siempre muy de cerca al trabajo de otros músicos y bandas, tanto locales como de renombre mundial. Su primer álbum, Because I Was In Love, mostraba a una solista que no necesitaba más apoyo musical que una guitarra. Cinco años y tres materiales discográficos después, Van Etten regresa con Are We There, su trabajo más en forma a la fecha, en donde deja atrás el minimalismo para estar acompañada de una banda completa y una fortaleza que es notable en temas mejor estructurados, más obscuros y, definitivamente, con cierto dejo de crecimiento en la seguridad en sí misma y en su música.

Conversarmos con la originaria de New Jersey y esto fue lo que nos contó: Hablemos un poco de Are We There, categorizado como tu trabajo más obscuro. ¿Estaba en tus planes crear un material tan diferente en comparación con tus primeros álbumes?

Todo salió de manera bastante natural, yo sólo quería tocar con mi banda.

Todas las canciones que escribí son una crónica de los últimos dos años de mi vida en el camino y en mi hogar, así como de los conflictos entre los dos. Los otros discos han sido una colección de canciones que hice cuando no estaba tan segura de mí misma.

Grabaste el álbum en los legendarios Electric Lady Studios, con instrumentos usados por John Lennon y Patti Smith. ¿Te sirvieron de inspiración esas piezas elementales en la historia de la música?

La mayoría del álbum fue producido en Hobo Sound, en Weehawken, Nueva Jersey. Grabé las baladas de piano y usé el Wurlitzer para ‘Tarifa’ en Electric Lady. El piano de Electric Lady fue tocado en ‘Horses’, de Patti Smith… no creo que ella lo haya tocado, pero todo el estudio tiene una energía increíble. Un amigo trajo el piano que John Lennon usó en The Record Plant para el álbum Imagine. ¡Ese piano tiene serios fantasmas! Así que ambos fueron muy especiales

y no puedo evitar sentir que me ayudaron a emitir la intensidad de las canciones.

En tu gira más reciente compartiste el escenario con Nick Cave And The Bad Seeds, algunas veces como vocalista de fondo. Cuéntanos acerca de toda esta experiencia… ¡Fue increíble! Nos trataron como la realeza, nos dejaron poner nuestro equipo en su autobús para que pudiéramos rentar un vehículo más pequeño y seguirlos a través de todo el país. Vendieron nuestra mercancía y también nos dejaron utilizar a su técnico para ayudarnos con nuestro sonido. Sus shows en vivo son increíbles y fue un honor cantar con ellos cada noche. Mi amiga Shilpa Ray también fue un acompañamiento vocal, así que fue una buena manera de reconectarme con ella; me ayudó a sentirme en casa. La audiencia de Nick también fue mucho más receptiva a mis canciones de lo que yo creí… fue maravilloso. ¿Hay bandas y artistas actuales a los que sigas de cerca?

Mis bandas y artistas favoritos en este momento son Heather Woods Broderick, Doug Keith, Shilpa Ray, Natureboy, She Keeps Bees, Bear In Heaven, Kyp Malone, War On Drugs, Damien Jurado, Jana Hunter, Torres, Hiss Golden Messenger, Steve Gunn, Cass McCombs, Amen Dunes, Glass Candy… ¡son demasiadas para nombrar! [suspiro].

“TODAS LAS CANCIONES QUE ESCRIBÍ SON UNA CRÓNICA DE LOS ÚLTIMOS DOS AÑOS DE MI VIDA EN EL CAMINO Y EN MI HOGAR, ASÍ COMO DE LOS CONFLICTOS ENTRE LOS DOS.”

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OVNI Archive 2007-2014 Fotos: CortesĂ­a Rosell Meseguer

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Eventos recientes como el envenenamiento y muerte del espía Litvinenko en Londres, el caso Snowden, el espía Roberto Flórez en España, o los casos de espionaje político en Colombia, en 2009, traen de nuevo a la memoria la época de espionaje durante la Guerra Fría y el resurgimiento de sus temáticas. Este espionaje actual vive en un contexto de críticas al sistema capitalista tras la crisis financiera, así como en una carrera por el control de las tecnologías y la reaparición de los debates sobre el uso de la energía nuclear.

OVNI Archive es un proyecto de Rosell Meseguer que relaciona la reapertura de las temáticas de la Guerra Fría en el actual contexto de la crisis socioeconómica.

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Meseguer, originaria de España, es Artista visual, Doctora en Bellas Artes y docente para la Universidad Complutense de Madrid, además ha desarrollado diversas estancias de investigación en el M.O.MA., Nueva York; la Tate Britain, Londres, o el Centre Georges Pompidou, París. Este proyecto en particular, desarrollado desde 2007, nació con la idea de generar diálogos a diferentes niveles, uno entre pasado y

“GUERRA FRÍA, ESPIONAJE, TECNOLOGÍA, OVNI, AMÉRICA VS EUROPA, CONSTRUCCIÓN DE LA HISTORIA, CONSECUENCIAS SOCIOPOLÍTICAS.”

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presente, donde es esencial entender las relaciones entre las formas y los conceptos. OVNI Archive ha sido expuesto en espacios como: PHotoEspaña 2010; Intermediae Matadero Madrid 2010-2011; Galerie im Taxispalais, Innsbruck, Austria 2011; Galería Francisco Oller, San Juan de Puerto Rico 2013; Bienal de Artes Mediales; Santiago de Chile 2013, y Art Center South Florida, Miami 2014.

TASTE THIS!

JASO

FINE DINING AMERICAN CONTEMPORARY CUISINE Fotos: Sergio Gรกlvez para WARP

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TASTE THIS!

Newton 88, Polanco, MĂŠxico D.F. facebook.com/JasoRestaurant @JasoRestaurant jaso.com.mx

“CUANDO ESCRIBIMOS TRATAMOS DE NO SER INFLUENCIADOS POR LA FELICIDAD O EL BRILLO DEL SOL, SINO MÁS POR LA GRAVEDAD, EMOCIONES COMO LA TRISTEZA, MÁS VISIONES OSCURAS QUE LUMINOSAS.”

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On The Way To The Top Por J. Ismael Canales / Foto: Doron Gild

Corría el año 2007 cuando Sarah Barthel decidió comenzar una relación artística con Josh Carter, su amigo de toda la vida, iniciando así Phantogram, una banda que desde su origen se ha caracterizado por un sonido oscuro e interesante que ha sido bien recibido por el género independiente y sus aficionados.

Cinco años después, el dueto originario de Nueva York ha editado su segundo álbum, Voices, con el que sigue reafirmando su estilo propio y ha conseguido favorables comentarios por parte de la crítica especializada, en gran parte debido al liderazgo y la aportación instrumental e interpretativa de Sarah, quien habló con WARP sobre la evolución de Phantogram desde su debut, en 2009, hasta su más reciente placa.

“Bueno hemos sido una banda desde el 2007, hemos tocado muchos shows, hecho mucha música. La manera que hemos crecido es en experiencia, aprendiendo nuevos sonidos, mejorando en los shows en vivo; entre más música escuchas más influencias tienes, así que hemos intentado escuchar la mayor música posible.”

Esta evolución se hace notoria al escuchar su debut Eyelied Movies y su reciente material, siendo el primero un álbum más explosivo, de sonidos más intensos, y el segundo una placa más mesurada, con instrumentación más cuidada y toques de trip hop, resultado de un proceso que Sarah describe como una progresión natural. “(Voices) es oscuro, sicodélico y experimental, esa es la mejor manera de describirlo. Hicimos una canción con Steven Drozd de The Flaming Lips y fue muy divertida. Le preguntamos si estaba interesado en hacer algo con nosotros y él aceptó, así que hizo cosas muy interesantes en el teclado.

“Pienso que el sonido de Voices, en comparación con Eyelied Movies, es una progresión natural a lo que ahora es Phantogram, hemos crecido y evolucionado como banda.”

Tanto Sarah como Josh crean las líricas de este proyecto, mismas que siguen una línea que se distingue por ser poco esperanzadora y bastante oscura, donde la tristeza funge como fuente de inspiración.

“Lo principal para componer es conectar con nosotros. Cuando escribimos tratamos de no ser influenciados por la felicidad o el brillo del sol, sino más por la gravedad, emociones como la tristeza, más visiones oscuras que luminosas, pero teniendo en mente que siempre habrá una luz al final del túnel, ese sentimiento de esperanza. Componer es algo que viene naturalmente, donde sea que llega la inspiración lo hacemos, es divertido escribir en el camino, durante las giras es un poco más difícil pero es posible.”

Partícipes de importantes festivales como South By Southwest, Lollapalooza y Coachella, Sarah responde a la interrogante de qué prefieren: Tocar en un festival o presentarse en un show propio: “Creo que ambas. Los festivales son divertidos porque puedes pasar el tiempo con amigos, ver a otras bandas y hay menos estrés, es más relajado, el público siempre es grandioso porque están emocionados celebrando la música. Al mismo tiempo, tocar en shows propios es maravilloso, la gente que está ahí asiste exclusivamente para verte, es un sentimiento más íntimo.”

La carrera de Phantogram sigue en ascenso. Tres EPs y dos discos de estudio en cinco años de carrera parecen ser un buen inicio para una banda que pretende colocarse en la cima de la escena independiente, con base en canciones que logran tocar todas las fibras de los escuchas.

“Somos una banda a la que le gusta ser experimental y diferente, tratamos de hacer algo fresco, algo nuevo, pero a la vez no queremos ser abrumados por la experimentación. Nuestro propósito es crear música que la gente realmente disfrute, demostrar que lo que hacemos es arte y hacer a la gente feliz.”

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Fotos: Juan Pablo de la Vega

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La Bauhaus fue fundada en 1919 en la ciudad de Weimar, Alemania, por el arquitecto alemán Walter Gropius (1883-1969). Su objetivo central era un concepto radical: reimaginar el mundo material para reflejar la unidad de todas las artes.

Gropius explicó esta visión como la unión de arte y diseño, que describe un gremio artesanal utópico en la cual la arquitectura, la escultura y la pintura se unen en una sola expresión creativa.

También ayudó a sentar las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico, puede decirse

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que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no estaban totalmente definidas.

Artistas como Vasily Kandinsky, Paul Klee y Josef Albers fueron algunos de los responsables de la enseñanza. Lamentablemente con la segunda guerra mundial algunos de los pilares académicos se mudan a América para continuar impartiendo sus filosofías de enseñanza que influyeron a generaciones de jóvenes arquitectos y diseñadores. Marcel Breuer y Joseph Albers imparten en la Universidad de Yale, Walter Gropius fue a Harvard y Moholy-Nagy estableció la Nueva Bauhaus en Chicago en 1937.

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Lily Allen

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Chvrches

GLASTONBURY 2014 Worthy Farm, Pilton, Somerset, UK Fotos:

Samantha L贸pez y Camila Jurado para WARP

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Massive Attack

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1.- Lana del Rey 6

2.- Interpol 3.- Haim 4.- Warpaint 5.- Robert Plant 6.- MGMT 7.- Kelis

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ALONDRA DE LA PARRA JUST ONE CARESS POR GIORGIO BRINDESI FOTOS: LEONARDO MANZO

“EL DIRECTOR DE ORQUESTA ES EL LÍDER DEL GRUPO, ES EL QUE HACE QUE TODOS LOS MÚSICOS DESEMPEÑEN SU PAPEL DE LA MEJOR MANERA POSIBLE Y QUE, JUNTOS, FUNCIONEN COMO UN EQUIPO.” ASÍ ES COMO LA MAESTRA, ALONDRA DE LA PARRA NOS EMPIEZA A INTRODUCIR EN SU MUNDO. FUNDADORA Y DIRECTORA ARTÍSTICA DE LA ORQUESTA FILARMÓNICA DE LAS AMÉRICAS (CON SEDE EN NUEVA YORK) Y EMBAJADORA CULTURAL DEL TURISMO DE MÉXICO SON APENAS ALGUNOS DE LOS TÍTULOS QUE OSTENTA A TRAVÉS DE SU LARGA Y FRUCTÍFERA TRAYECTORIA. SIN EMBARGO, LA MEXICANO-ESTADOUNIDENSE ENCONTRÓ A TRAVÉS DE PROYECTOS COMO TRAVIESO CARMESÍ (2011) EL RECONOCIMIENTO DEL PÚBLICO EN GENERAL.

“EL ÉXITO NUNCA HA SIDO UN FACTOR EN MI VISIÓN, AL CONTRARIO, SIEMPRE ESTOY PENSANDO EN SEGUIR CRECIENDO, SER MEJOR QUE AYER, AVANZAR EN ESTO. QUIERO COMBATIR MIS PROPIAS DEBILIDADES Y DEMONIOS, ENFRENTARLOS.”

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Gracias a su talento, años de dedicación, pero sobre todo alentada siempre por su pasión, De La Parra ha dirigido orquestas sinfónicas en diversos puntos del planeta como Estados Unidos, Canadá, Japón, Alemania, Dinamarca, España, Brasil, Venezuela, Argentina y Uruguay, una muestra de que la entrega en cualquier disciplina lleva a concretar cualquier meta.

toy diciendo, ahora sí estoy viendo que los niños y públicos diversos que antes no estaban cerca de la música se están interesando en ella, todas esas cosas sí son mis metas, son las que me motivan y me hacen seguir queriendo hacer lo que hago, me dan mucho empuje y eso para mí es lo más cercano a lo que podemos llamar éxito, saber que estoy creciendo y que el trabajo que estoy haciendo le hace bien a otras personas.

Conversamos con la multigalardonada directora de orquesta justamente en su ciudad natal, Nueva York. Un bullicioso restaurante de la gran manzana es el marco perfecto para conocer de su inicio en la música, sus mayores satisfacciones, su visión del éxito y, claro, el amor por su familia.

Después de trabajar en Travieso Carmesí parece que has vuelto a tus orígenes musicales. ¿Qué te llevó a regresar a tus raíces?

La verdad es que nunca me fui, lo mío es dirigir orquestas y dirigir un repertorio sinfónico de música clásica ha sido mi trabajo por más de 10 años, ese es el pan de cada día, a lo que yo me dedico y lo que me mueve. Lo de Travieso Carmesí fue un proyecto precioso, esos son para mí como las vacaciones, donde salgo de lo que hago todo el tiempo, pero nunca me he ido. A veces la gente no se entera de todo, pero he estado con orquestas profesionales alrededor del mundo dirigiendo el repertorio sinfónico que es lo que sé hacer y lo que me gusta. Obviamente porque era un equipo muy bueno y cantantes impresionantes lo hice, para que la juventud mexicana no se perdiera de estas canciones que conozco desde pequeña, las que cantaban mis tías o mis abuelos. Los jóvenes actuales ya no cantan esas canciones, nunca han escuchado ‘Farolito’, quería llevar a la gente joven esas canciones que son base de nuestra cultura para que se quedaran en la memoria de todas las generaciones que las escucharan. De este proyecto conocí a las que ahora son tres grandes amigas con las que tengo proyectos latentes y de los cuales estoy muy orgullosa.

Hay muchos proyectos interdisciplinarios en los que he colaborado que me divierten muchísimo, ojalá que continúe siempre.

¿Cómo te adentraste en el mundo de la música y qué papel juega ésta en tu vida?

Desde muy chiquita en mi casa siempre hubo música, mis papás aman la música de todo tipo, desde la semi clásica, la ópera, el repertorio sinfónico pero también la música popular. Desde chicas, a mi hermana y a mí nos ponían a escuchar música, nos llevaban a conciertos, nos ponían a tocar. Yo empecé en el piano a los siete años, en el chelo a los 13 y siempre el ser músico era lo más alto a lo que uno podía aspirar. Me empecé a enamorar del sonido de la orquesta, me causaba una curiosidad tremenda la dinámica que seguía un grupo de gente en el cual todos están haciendo lo mismo al mismo tiempo, compartiendo esa energía, esa voluntad para algo que acaba siendo súper poderoso e intenso para el escucha. La música ha sido parte de mi vida desde siempre. ¿Qué rol juega en mi vida? Pues es mi vida, toda mi vida es música. ¿Consideras que estás viviendo el mejor momento de tu carrera?

No, para nada, la dirección de orquesta es una carrera muy larga que va paralela a la vida; entre más vives más herramientas tienes para comunicar, para sentir, para expresar, más horas frente a una orquesta te permite tener más experiencias de conocimiento para ser mejor.

El director de orquesta nunca llega a donde quiere llegar y siempre está en constante estudio, en constante desarrollo. Obviamente hay cosas que se hacen mucho más fácil que antes. Hubo por lo menos 10 años de mi vida en los que no tuve ni un solo fin de semana libre, ni una vacación, y ahora ya no es mi caso, ya puedo darme mis pausas, tener más control acerca de mis horarios, de mi itinerario, pero fuera de eso sigo en crecimiento, sigo en mi proceso. Es lo que me gusta de mi profesión, que nunca puedes decir “estoy en mi mejor momento”, siempre estás en una posición evolutiva.

Eres una mujer muy exitosa pero durante este lapso de tiempo que nos narras, ¿alguna vez pasó por tu mente que no lograrías tus objetivos?

Sí, todo el tiempo. De hecho el éxito nunca ha sido un factor en mi visión, al contrario, yo siempre estoy pensando en que quiero seguir creciendo, quiero ser mejor que ayer, quiero avanzar en esto, quiero combatir mis propias debilidades y demonios, enfrentarlos, y ese es un proceso que nunca acaba y que es muy intenso, a veces duro, a veces divertido, pero el éxito y el reconocimiento nunca han sido mi meta o mi propósito en lo absoluto, han sido consecuencia de proyectos y de momentos en los que la gente ha reaccionado y me da mucho gusto, me honra y me encanta, pero nunca ha sido una finalidad para mí. Lo que me mueve, en realidad, es estar frente a los músicos ensayando y decir: “Ahora sí estoy logrando hacer esta parte de la obra, ahora sí estoy sacando el sonido de la orquesta que quiero, ahora sí estoy siendo más clara con las cosas que es-

Además de la música, ¿qué otras cosas enamoran a la Alondra De La Parra?

Estar con mi familia es muy importante… una buena amistad, ver otras artes como la danza. El ballet me fascina, el teatro y el cine. Nutrirme de los logros de las personas que son importantes para mí, cómo lo desempeñan y aprenden otras cosas que no es lo que yo hago. Para nutrir a una artista es importante que ésta se nutra de otros a su vez; al final, el arte siempre tendrá que ver con la humanidad o el ser de las personas. ¿A quién admiras y por qué?

A la gente que trabaja y que se esfuerza, que es respetuosa con su trabajo, con su persona y con los demás. Suena fácil, pero no hay tanta gente que lo haga… ¡Me llena de emoción! Y no sólo en la música, sino en cualquier disciplina. Trato de acercarme a gente así porque luego se vuelven parte de uno. Todo eso viene de mi familia: Mi mamá me dijo una vez que el esfuerzo y el trabajo es lo más importante, al igual que terminar las cosas que empiezas y mi papá siempre tiene una sonrisa en la cara para hacer sentir feliz a las personas, con actitud positiva y determinada.

Cuando veo esas dos características en alguien, lo admiro. ¿Cúal es la perspectiva que tienes de ti misma?

Me siento en proceso de crecimiento, en movimiento, siempre. Lo único que quiero es no estar estática. Si soy exitosa o no ya los demás lo juzgarán o lo comentarán, no es parte de mi tarea decidirlo, hablarlo ni pensarlo. Me veo en un momento divertido y de muchas posibilidades, con puertas que no se han abierto pero quiero que se abran, con muchas cosas que no he hecho pero que quiero lograr, y también con la satisfacción de que he hecho lo logrado.

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“EL DIRECTOR DE ORQUESTA NUNCA LLEGA A DONDE QUIERE LLEGAR Y SIEMPRE ESTÁ EN CONSTANTE ESTUDIO, EN CONSTANTE DESARROLLO.”

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DIANA GARCÍA ART WILL FIND YOU IN THE END POR RAÚL ARCE FOTO: TODD WEAVER

“TODO ES POSIBLE, TODO ES INSPIRACIÓN, TODO ES ARTE.”

El quehacer de un artista a menudo se ve reflejado por su obra consumada, sin embargo, hoy día los proyectos y los planes también pueden denotar el nivel de actividad de un creador. Los medios digitales han impulsado este modus operandi, pues nos permiten enterarnos de proyectos y apoyarlos, incluso antes de que se lleven a cabo.

En un momento tan peculiar como el que vive la escena artística actual podemos encontrar a Diana García, artista visual y actriz que ha creído en el crowdfunding como soporte para llevar a cabo sus proyectos y en el mouth to mouth como transporte e hilo conductor para difundir su obra. Cada vez es más común observar un Uniwolfcheetah —una de las creaciones emblema de Diana— vigilando algún espacio en Los Angeles, Nueva York o la Ciudad de México, lo importante es que son LOS LUGARES indicados, donde hay algo pasando.

Recientemente, Diana visitó las oficinas de WARP Magazine, en donde además de pegar un Uniwolfcheetah compartió su perspectiva de la escena artística actual, algunos detalles de su proceso creativo y, por supuesto, sus próximos proyectos.

En tu opinión, ¿qué es un artista plástico?

Es alguien que se dedica a plasmar su mundo de ficción en realidad. ¿Cómo podrías definir tu propuesta plástica?

A través de mis dibujos expreso mis sueños, lo que busco ser día a día. Mis personajes proponen cambios en nosotros mismos, nuevas formas de vida y evolución.

Desde niña soy fan de historias, mundos y personajes mágicos/fantásticos, de seres que van más allá de lo cotidiano, que buscan expandir sus capacidades y creatividad. Mi arte es un recordatorio personal de accesar a esos lugares que se ven imposibles, pero que cuando se alcanzan nos convierten en seres llenos de luz con capacidades infinitas. ¿Crees que es posible encontrar inspiración en disciplinas artísticas diferentes a la tuya?

Todo es posible, todo es inspiración, todo es arte. ¿Sigues algún proceso específico para tus proyectos o varían dependiendo de la naturaleza de los mismos?

Cada proyecto es un mundo, así que definitivamente vivo diferentes experiencias y procesos a través de cada uno.

No tengo un tipo de rutina mas que sentirme relajada, para poderme dejar ir y despertar con una nueva creación.

En tu opinión, ¿cómo sobrevive el arte en un mundo digital?

Hay gustos y público para todo. No los veo como mundos opuestos, son sólo diferentes estilos. ¿Piensas que la escena artística en México es saludable?

El arte es saludable porque es una forma de expresión que sale desde lo profundo de nuestro ser. Todos tenemos diferentes estilos de vida, no creo que exista una sola manera de ser, pues todos somos seres únicos y diferentes.

El crowdfunding es la manera en que algunos artistas pueden seguir produciendo. ¿Cuál es tu postura al respecto?

Creo que es una gran herramienta que permite que la gente que tiene pasión y ganas de hacer cosas reciba ayuda de amigos, familiares y fans de su proyecto. Armar un crowdfunding no es fácil, hay que pensar muy bien en lo que se está haciendo para poder explicarlo. Siento que este proceso ayuda mucho a los creativos a enfocar sus metas e ideales de lo que están haciendo.

Hace año y medio, mi novio y músico, Gregory Rogove, y yo, creamos un kickstarter que en parte nos ayudó a levantar nuestro proyecto ANOTHER KIND OF SUNRISE, un restaurantito de desayunos orgánicos ubicado en la calle Abbot Kinney, en Venice Beach, California. Para esto creamos una animación y un video explicando el proyecto, nos guió en los procesos a seguir para levantarlo y nos dio mucha claridad. Fue muy lindo ver el amor y apoyo de nuestros seres queridos. ¿Qué proyectos tienes en puerta?

Recientemente armé mi primer estudio. Estoy en una etapa de mi vida donde la mayor parte de mi tiempo se irá a crear arte. Por el momento la actuación sólo se reactivará con proyectos que me llenen mucho. Tengo muchos planes a corto y largo plazo, entre ellos hacer de una de mis historias un libro ilustrado, estoy armando una exposición en Los Angeles, tengo algunos murales por hacer también en LA y otros en Nueva York, Monterrey y el Distrito Federal, seguiré pegando Uniwolfcheetahs por todas partes, desarrollaré mi compañía como artista, participaré en algunos festivales de arte y algunas colaboraciones con otros artistas y marcas. También estoy colaborando en el desarrollo del festival de Innovación Social de Oaxaca: Catapulta, en el cual di una conferencia TEDx hace algunos meses.

LAS QUERIDAS NINIS Por Greta Ríos / @gretadice __

México tiene el día de hoy la mayor cantidad de jóvenes que ha tenido en toda su historia y, si las tendencias poblacionales son ciertas, esta es la generación más grande de jóvenes que nuestro país tendrá jamás. ¿Buenas noticias? Yo creo que sí.

Para poder poner las cosas en contexto, abordaré primero la perspectiva apocalíptica. Suena por todas partes – y cada vez con más fuerza – que en México hay ocho millones de jóvenes que no estudian ni trabajan. Esto suele decirse en un tono que parece denotar que fuera culpa de los propios jóvenes.

Bueno, pues hurgando un poquito en esa horrorosa cifra, resulta que tres de cada cuatro de estos jóvenes que no estudian ni trabajan son mujeres jóvenes que se dedican al hogar. Son chicas que ocupan sus días en cuidar a sus bebés. Algunas de ellas, por el contrario, se ocupan de cuidar a sus padres, abuelos u otros adultos mayores de sus familias. Sin entrar en el debate sobre el valor del trabajo doméstico y si éste debe o no ser remunerado y mejor reconocido, creo que todos estaremos de acuerdo en que estas jóvenes mujeres “ninis” que se dedican al hogar están aportando considerablemente a la sociedad y que, por tanto, considerarlas dentro de la estadística de los “que no estudian ni trabajan” (y, por tanto, no son valiosos para nuestro país) es un error muy obvio.

El término “nini” se usa de manera despectiva para referirse al joven que no participa “activamente” en la sociedad. Es un término inventado por el Rector de la UNAM, usado para subrayar la importancia que juega la educación en el desarrollo del país. Como vimos anteriormente, es una palabra que se usa un poco al aire y cuyo

uso afecta principalmente a las mujeres. Ante tal panorama, quiero contarles algunas cosas sobre la participación de las mujeres (y, en particular, de las mujeres jóvenes) en nuestro México, esperando que esto ayude a cambiar un poco la forma en que vemos las cosas.

Voy a poner como ejemplo tres espacios que me parecen relevantes cuando hablamos de participación: el gobierno, la sociedad civil y las empresas. Los datos estadísticos dicen lo siguiente: -De cada diez personas que están participando en la sociedad civil mexicana, ocho son jóvenes. Pero resulta más relevante saber que del total de estos jóvenes, más de la mitad (concretamente, el 60 porciento) son mujeres.

-En el gobierno, dos de cada diez funcionarios son personas jóvenes y 42 porciento de estos jóvenes son mujeres.

-Por otro lado, de cada diez personas que trabajan en una empresa, tres son jóvenes y 40 porciento de los jóvenes que trabajan en una empresa son mujeres.

-Uno de cada diez emprendedores mexicanos es joven y el 30 porciento de los emprendedores jóvenes son mujeres.

Me parece que estos datos son muy diferentes a las cifras “oficiales”, que ven a la juventud como un conjunto de seres que se resisten a ponerse a trabajar por mejorar al país. Creo, además, que el

papel que jugamos las mujeres jóvenes es cada vez más fuerte y que hemos avanzado una gran distancia en muy poco tiempo. Recordemos que hace tres generaciones, casi todas las mexicanas se dedicaban exclusivamente al hogar. Y, hablando de dedicarse al hogar, si recordamos que muchas mujeres jóvenes mexicanas efectivamente están ocupadas en labores domésticas, la participación que tenemos las mujeres jóvenes en el resto de los espacios de participación retoma un valor aún más grande.

A mi parecer, es evidente que México no es un país de “ninis” y tampoco es un país en donde la juventud no aporte. Si bien queda mucho por hacer para lograr que más jóvenes se involucren de maneras más estratégicas, considerar a los jóvenes “ninis” no es, para nada, el mejor lugar para comenzar.

Creo que si, en vez de criminalizar a los jóvenes que no estudian ni trabajan, generamos estrategias para que tengan oportunidad de hacerlo, estaremos contribuyendo mucho más al desarrollo de México, asumiendo que es una responsabilidad compartida y que los “ninis” no lo son por gusto o por indiferencia. En este contexto, se vuelve muy relevante que trabajemos juntos para que más madres jóvenes puedan tener acceso a empleos que les permitan, si así lo deciden, tener una vida profesional a la par que desempeñan su labor como mamás.

BIO: Greta Ríos es Directora General de Ollin, Jóvenes en Movimiento, A.C., agrupación trabajando para posicionar el tema de juventud en la agenda nacional.

ALEXIS DE ANDA MIXED BIZNESS POR DIOVANNY GARFIAS FOTO: JESSICA RANGEL PARA WARP

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“Estoy agarrando suelo en mí. En mi departamento siempre ha habido gente, ya sean roomates, parejas o incluso mi hermana. Ahorita estoy sola, queriendo estar sola. Quiero reconocer lo que haga falta en mí para evolucionar un poquito más.” Así es como Alexis De Anda se describe a sí misma, tratando de capturar con palabras una imagen que ayude a describir su situación personal actual. Del lado profesional, todo parece marchar en orden: “Estoy haciendo un programa de televisión y levantando otros dos porque la comedia en México ya necesita evolucionar. También una obra de teatro, un show de stand up y escribo una columna.” En lo que a comedia respecta, Alexis ha destacado por su estilo ácido, a veces negro y la mayor parte del tiempo subido de tono; sin embargo, lo que más llama la atención es la honestidad e integridad con la que se presenta sobre el escenario. Platicamos con la comediante respecto a su arte, su vida y las decisiones que la han llevado al lugar, al momento que habita hoy.

Cuéntanos, ¿cómo fue que te encontraste con la comedia? ¿Fue algo accidental? ¿Cómo es que pasó en realidad?

Por accidente no, más bien fue algo que fui descubriendo poco a poco. Todo empezó con Twitter; escribía cosas y me di cuenta de la reacción en mis seguidores, les parecían chistosas.

Ahí pensé que podría tener talento para eso, así que investigué sobre stand up en México. Los resultados fueron pocos, había solamente siete u ocho personas que se dedicaban a eso. Los conocí y me platicaron, no tan a detalle, de qué se trataba. Luego de eso, un amigo muy cercano que es comediante, Roberto Flores, me habló un viernes para decirme que el domingo me subiría al escenario cinco minutos como parte de un festival en un foro de la ciudad. Fue de esas cosas que te da miedo hacer, que si alguien no te empuja es muy difícil que lo hagas. Antes de llegar escribí una rutina en papel, pero en realidad no tenía idea de cómo se hacía, así que subí, hablé y se rieron. Supe que iba bien. ¿Cómo fuiste definiendo tu estilo y tu propia comedia?

Se empieza imitando un poco lo que te gusta.

Yo quería imitar lo groserón, porque así soy, grosera, malhablada y con un sentido del humor ácido. Así como los músicos tocan covers cuando empiezan, agarras los chistes de alguien más y los vas convirtiendo en tuyos. Ya luego dejas las rueditas y te sueltas para escribir y hacer cosas propias. Ahora y después de tres años ya sé cuál es mi estilo, mi timing o mi tipo de comedia.

Intento que sea lo más parecido arriba que abajo del escenario, que cuando me conozcas no digas que no soy la que habló; cuando me escuchas hablar en una fiesta o reunión, prácticamente es lo mismo que cuando estoy arriba.

Regularmente los comediantes tienen la fama de ser algo neuróticos y sangrones cuando no están en el escenario. ¿Cómo llegaste a la conclusión de que la persona que sube a hacer stand up es la misma con la que ahora platicamos?

Así tiene que ser. Es algo que peleo mucho al entretenimiento en general. En México, sobre todo, se fingen cosas que no son; cuando ves a una mujer en una telenovela, guapa y perfecta, piensan que es sana y pura cuando eso no sucede, y pasa con todos, que tenemos vicios, errores, defectos y manías.

Para mí es un discurso de aceptación de quién eres, cuando me subo asumo todas las cosas que hago y que me meto, todo es parte de quién soy arriba y abajo. El discurso es: “Sé congruente con la persona que eres siempre”, si no quien ve eso se confunde y cree que está bien, que hay que ser bueno y no tener ni una cosita mala en tu lista.

De unos años a la fecha han surgido muchos standuperos. ¿A qué crees que se deba el surgimiento de esta nueva oleada?

Tiene que ver con Internet. Existía el standupero que creaba perfiles. Mónica Huarte me dijo una vez que ella era un personaje de ama de casa, pero eso no es a lo que se refiere el término. Stand up eres tú, con tu nombre y tu vida, te subes y hablas a partir de ti. Sí, es algo que no se había dado en muchos años, antes tenías sólo el contenido que la televisión te daba, el teatro y el cabaret. Tenías acceso sólo

a lo local. Llega Internet y con él YouTube, y con él todo, ya no hay brechas entre un país y otro, la gente ya no está satisfecha con el tipo de comedia que se daba, ahorita ver La Familia Peluche no me mueve nada y no me interesa porque no está a la altura de la inteligencia de la comedia que la gente necesita. Eso está pasando, necesitas consumir todo ese stand up para poder hacerlo así, porque aquí no lo tenemos así, tenemos a Polo Polo y a La Chupitos; necesitas evolucionar en eso. Viendo a los grandes maestros —que te los proporciona todos Internet—, adoptando un poco la forma gringa, adaptándola y tropicalizándola es cuando obtiene voz y forma. Está llamando mucho a la gente, es lo que pasó con los DJs, se pusieron de moda porque hubo un par que fueron unos cabrones y de pronto la gente dice: “A huevo, quiero hacer eso”. La diferencia con el stand up es que no es tan fácil engañar al público. Puedes ser DJ y hacerle a la mamada todo lo que quieras y te puede ir muy bien, aquí si no haces reír a la gente no va funcionar nunca, no depende de ti sino del público y de qué tanto te acepten.

En tu caso, ¿cuál dirías que ha sido la clave para llegar a donde estás?

Creo que se debe a que me vale verga. Hubo un momento en que traté de encajar en los parámetros de lo que creía que la gente quería de mí. Cuando empecé con la actuación ni si quiera sabía que sería comediante, quería quedarme con el comercial o la película, no entiendes que hay cosas que no son para ti y cuando mandas a todo el mundo a chingar a su madre haces las cosas como tú quieres, bajo tus propios términos, todo funciona; no sé si para todo el mundo pero a mí me ha funcionado. Sé las cosas que hago y porqué las hago, ahora lo entiendo. Entiendo que hay un llamado y una vocación que va más allá de mi ego y de lo que quiero sentir. Hay comediantes que iluminan, que hacen sentir a la gente que pueden abrir su mente y entender cosas de ellos mismos, a veces dolorosas y tristes, pero con la risa lo sublimas. Te ríes y está bien. Hace falta reírse de los problemas.

“HUBO UN MOMENTO EN QUE TRATÉ DE ENCAJAR EN LOS PARÁMETROS DE LO QUE CREÍA QUE LA GENTE QUERÍA DE MÍ. (…) CUANDO MANDAS A TODO EL MUNDO A CHINGAR A SU MADRE HACES LAS COSAS COMO TÚ QUIERES, BAJO TUS PROPIOS TÉRMINOS, TODO FUNCIONA.”

“CUANDO JAMIE Y YO EMPEZAMOS NO TENÍAMOS CELULARES. MUCHAS COSAS CAMBIARON EN EL MUNDO, PERO EL AMOR A TOCAR MÚSICA, ESCRIBIRLA Y PRESENTARLA EN UN ESCENARIO SIGUE SIENDO ALGO QUE NO PIERDO, ESO NO CAMBIA PARA MÍ.”

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ALISON MOSSHART SWEET CLOUD POR RAÚL ARCE FOTO: RUBÉN MÁRQUEZ PARA WARP

La agrupación británico-estadounidense The Kills es considerada, por muchos, como una de las más representativas de la escena indie rock mundial. Sin embargo, la estampa de Alison Mosshart, sin duda, ha trascendido a los anales de la historia de la música. Su figura escuálida y espigada, de la mano de sus facciones prominentemente angulares y su cabellera rebelde, sólo han contribuido a que miles de caballeros y féminas caigan rendidos ante el canto de su cadenciosa voz.

Qué decir de su imagen. El paso de los años y su incursión en proyectos como The Dead Weather (junto a Jack White) la han convertido en un referente de la moda; ¿o se olvidan de que cuando Horehound (2005) —el debut del proyecto— fue lanzado el animal print se convirtió en la constante de aquellas adolescentes hambrientas de rock?

Más allá del referente a nivel de imagen que Alison Mosshart pudiera representar, The Kills ha logrado consolidar un sonido auténtico que destaca por su honesta visceralidad, minimalismo y energía. Con motivo del inminente lanzamiento de su próximo disco, WARP Magazine sostuvo una conversación con Alison, en la que la cantante habló acerca de su nuevo álbum, entre otros temas. ¿Dónde estás?

En Nashville, Tennessee.

Un lugar increíble, ¿no? Pero no hace mucho estuviste en México, ¿cómo la pasaste?

Adoro la Ciudad de México, es tan grande que aunque fuera doscientas veces seguiría sintiendo que sólo rasqué la superficie, siempre es fascinante, una aventura.

Siempre quiero ir, sólo desearía que no hiciera tanto calor, así que si ustedes pudieran hacer que estuviera un poco más fresco me quedaría más tiempo.

Lamento decepcionarte, el calor aquí es algo constante. ¿Tienes algún recuerdo lindo en particular de nuestra ciudad?

De hecho, cuando fui con The Dead Weather me llevaron a la lucha libre mexicana y fue increíble, nunca había visto algo así, me gustó mucho.

Platiquemos del nuevo disco de The Kills, ¿qué tan avanzado está?

Te puedo decir que seguimos trabajando en él y que va a salir el próximo año. Hemos estado metidos en el proceso durante un año completo, ya sabes, generando demos y maquetas, así que muy pronto estaremos grabando de manera más formal.

Igual hay muchas cosas que hacer antes de eso, bastantes festivales alrededor del mundo; después ya podremos regresar al estudio y quiero pensar que todo se acomodará. Eso es lo que puedo decirte, porque ahora tenemos muchísimas canciones que van en muchas direcciones y no será hasta que entremos al estudio cuando las analicemos más. Es un proceso muy largo, me encanta todo lo que estamos haciendo ahora, me emociona mucho terminar este disco, ya es tiempo.

Pareciera que fue hace poco que escuchamos por primera vez de ustedes, pero en realidad la banda fue fundada en el año 2000, han pasado 14 años. ¿Cómo percibes la escena actual?

Creo que ahora es muy diferente, pero todo tiene que cambiar constantemente, eso es importante… lo bonito es que pudimos permanecer. A pesar de que muchas cosas han cambiado, nosotros seguimos con la misma pasión y nos encanta. Cuando nos despertamos en la mañana sabemos perfectamente que esto es lo que tenemos que hacer. Ahora que lo pienso, muchas cosas son diferentes, especialmente cuando las comparo con la época en la que era una adolescente: el email, los teléfonos móviles y todo lo que usa la gente. Cuando Jamie y yo empezamos no teníamos celulares. Muchas cosas cambiaron en el mundo, pero el amor a tocar música, escribirla y presentarla en un escenario sigue siendo algo que no pierdo, eso no cambia para mí.

“PODER SER EJEMPLO DE LUCHA, PODER DECIR QUE SI YO PUEDO TODOS PUEDEN ES LO QUE, PARA MÍ, REPRESENTA SER LA NÚMERO UNO”.

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PAOLA LONGORIA #1 CRUSH

POR ALONSO VALENCIA FOTO: FASHION STARS INC.

Por mucho tiempo, el deporte fue categorizado como un mundo de hombres en el que la fortaleza, las habilidades, la constancia y el alto desempeño definen a los grandes atletas que buscan imponerse al rival, o incluso a ellos mismos, en una batalla cuerpo a cuerpo en donde suele triunfar el más tenaz, el más preparado o, incluso, el que cuenta con mayor suerte.

Este estigma machista se ha desvanecido con el paso del tiempo para reconocer a aquellas mujeres que destacan en sus respectivas disciplinas y que, rompiendo los estereotipos preconcebidos, pueden llegar a ser mejores que cualquier hombre pues, en palabras de Paola Longoria, “la mujer siempre ha sido más comprometida, más entregada, más luchona y aguerrida”.

Longoria es una de las deportistas mexicanas más destacadas de los últimos años y es la actual campeona mundial en singles y doubles de raquetbol, acaba de ser reconocida con la presea Plan de San Luis, tiene el título de juegos panamericanos y centroamericanos, y está buscando batir el récord de victorias consecutivas, al encontrarse invicta en 137 partidos actualmente, todos ellos ganados.

En una entrevista exclusiva con WARP Magazine, Paola Longoria, la originaria de San Luis Potosí, nos cuenta un poco de sus inicios y su trayectoria en el campo del raquetbol profesional, así como de su futuro, sus inspiraciones y sus logros. ¿Cómo fue que te decidiste a practicar raquetbol desde niña?

Siempre fui hiperactiva, así que mis papás me mandaban con mis hermanos a los campamentos de verano. Practiqué de todo: natación, gimnasia, ballet, taekwondo, bás-

quetbol, futbol y hasta fui porrista. La verdad es que intenté de todo, pero a mí siempre me llamaron la atención los deportes de raqueta y precisamente empecé por el tenis, un deporte que no seguí practicando porque de niña no me encantaba la idea de estar en el sol y, además, siempre fui muy pequeña y la raqueta estaba súper pesada. Ahí fue cuando decidí que el tenis no era para mí.

Fue hasta los ocho años cuando me llevaron a una cancha de raquetbol y obviamente me daba miedo, porque no sabía dónde me tenía que parar ni cómo pegarle, pero me di cuenta que era lo que yo buscaba en un deporte: un cuarto cerrado y una raqueta pequeña. ¿En qué basas el éxito de tu carrera?

Creo que mi éxito es gracias al cuerpo de entrenadores que me respalda, totalmente comprometido con su trabajo. Obviamente, la disciplina y la dedicación que le pongo a cada entrenamiento es fundamental, el compromiso por el que siempre opté, sacrificando muchas cosas para conseguir mi sueño de ser la mejor. Otro factor que agradezco muchísimo es el apoyo de mi familia, que siempre compartió mi pasión y siempre apostó por mi carrera, financiando mis viajes, mis torneos y todo lo que era necesario antes de que contara con patrocinadores. ¿Qué sientes al lograr todos estos triunfos?

Es una gran emoción y un gran orgullo. Trabajé muy fuerte para poder lograr el primer campeonato del mundo, que era el único título que me faltaba, y lo conseguí con base en un gran compromiso. Lo que hago es irme poniendo metas, a mediano y corto plazo, y me da gusto decir que he logrado la mayoría de ellas. ¿Cómo ves la situación deportiva actual a nivel femenil en México?

El deporte en el país a nivel femenil ha dado grandes resultados. Compañeras como Lorena Ochoa, Ana Gabriela Guevara, Paola Espinoza, María Del Rosario son también grandes atletas triunfadoras, cada una en su disciplina, y sirven como muestra del carácter que tiene la mujer; digo, no estoy diciendo que los hombres no lo tengan, pero son claras cualidades que demuestran que la mujer no se rinde, buscamos y trabajamos para ser líderes y en este caso es una gran satisfacción poder decir que una mexicana es líder en el ranking profesional. ¿Cuáles son tus metas a futuro?

Quiero abrir la Escuela de Raquetbol Paola Longoria. Ya arranqué el proyecto para instalar canchas públicas en varios estados de la república y también quiero terminar mi maestría. Ya acabé mi carrera en Ingeniería Mecánica y ahora estoy haciendo la de Ciencias Políticas; me gustaría tener, en el futuro, un cargo público en el deporte y hacer crecer el raquetbol a nivel mundial. ¿Qué les podrías decir a todas las mujeres que buscan destacar en alguna disciplina deportiva?

Es importante que sepan que es difícil, hay momentos críticos en los que los obstáculos te hacen querer tirar la toalla, pero el carácter, las ganas de salir adelante, el hambre de triunfo y el deseo por lograr tus metas es todo lo que te mueve. A mí me tocó enfrentar la falta de apoyo, yo soy de San Luis Potosí pero represento al estado de Baja California y resido en Nuevo León, así que nadie es profeta en su propia tierra, pero luchar por tus sueños te hace avanzar.

Creo que las cosas que realmente valen la pena son difíciles de conseguir pero no imposibles, tengo un gran compromiso y el ser una imagen para muchos jóvenes mexicanos es grandioso, porque es un reconocimiento a todo tu esfuerzo.

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JESSICA RANGEL PHOTOGRAPHS, YOU ARE TAKING NOW TEXTO: J. ISMAEL CANALES FOTO: ANDRÉS ALMEIDA

“Mi primer acercamiento a la fotografía viene de cómo me identifico como mujer y lo que significa ser femenina”. Así describe la mexicana Jessica Rangel su inicio en el mundo de la fotografía, como su manera de expresar la femineidad y encontrarse consigo misma detrás de las lentes, para crear un lazo que logre conectar con los demás.

Jessica Rangel es una fotógrafa especial, preocupada por crear atmósferas que doten de vida eterna a las inertes fotografías. Ella elije la luz, la ropa, la locación y crea una conexión emocional con cada uno de sus temas, logrando así, en cada disparo, crear una historia.

“Mi instinto natural es buscar temas que pudieran relacionarse directamente a, para así poder reflejar mis propias historias a través de ellos y darles una voz a través de mis composiciones.”

Jessica condensa sus emociones internas y las proyecta en imágenes. Para ella es importante conectar esos sentimientos fundamentales para poder capturar una toma, por lo que realiza una introspección hasta hallar lo que busca capturar, haciendo que la fotografía no sea sólo su trabajo sino una urgencia, una necesidad, un espejo para ver al mundo que la rodea. Podríamos conden-

sar en una frase la ideología y esencia del trabajo de Jessica, así como su propósito en el gran universo de la fotografía: “Nada es más público que la expresión de un sentimiento privado congelado en una fotografía para siempre.”

-Robert Akeret Puedes conocer más sobre su trabajo en su página web: jessicarangel.com y en las páginas de esta edición de WARP Magazine, en donde contribuyó con fotos de Adriana Llabrés, Alexis de Anda, Gabriela Warkentin y Sonia Arias.

MUY LADY, PERO TAMBIÉN SÁNCHEZ Por Daniela Sánchez / @ladysanchezblog

Muchas veces la gente duda de las habilidades de las mujeres. Es obvio que no tenemos la misma fuerza que un hombre, pero eso no quiere decir que seamos impotentes ante el trabajo fuerte y la dedicación que puede llegar a tener el sexo opuesto. Nosotras podemos llegar a ser lo que ellos aspiran o más, a nuestra manera. La pregunta de la vida de Ruido Rosa: ¿Qué se siente ser mujer en un mundo donde el hombre lo domina? NADA, simplemente mujer.

Por mucho tiempo las bandas de mujeres que veíamos en México eran muy “feministas”, pero jugaban dentro de una contradicción que las obligaba a ser parte del mundo de la testosterona. En el escenario se veían mas “chichis” que guitarrazos y creaban una imagen de “chicas rudas” que se llevan y aguantan como hombres. Ruido Rosa lleva casi 10 años desde su formación y me siento orgullosa de decir que somos mujeres y que tocamos como niñas, nada mal.

No lo voy a negar, entrar en este mundo no fue fácil y fue difícil conseguir la confianza del público. Al principio nadie creía que realmente tocáramos y menos que compusiéramos, pero eso lo fuimos demostrando tocada tras tocada hasta obtener el respeto no sólo de nuestros seguidores, sino de otras bandas.

No hay manera de negarlo y, aunque no hablaré por las demás, diré que yo sí soy una niña fresa que asistió toda su vida a una

escuela de puras niñas y usaba uniforme de tartán. Obviamente nadie iba a creer que me gustaba el rock en serio y que mi primera guitarra, una Firebird Epiphone, la había escogido porque no me alcanzaba para la Gibson y quería encontrar un sonido fuerte y crudo. Sí, soy muy lady, me gusta la ropa, el maquillaje y los accesorios. No he usado tacones en el escenario no porque no quiera, sino porque es muy peligroso, prefiero brincar como loca sin matarme cayendo de boca y haciendo el ridículo, pero les juro que si coordinara usaría.

Además de la música, una de las cosas que más he disfrutado de este mundo es poder jugar con mi vestuario para las tocadas. Nunca puede haber demasiada brillantina, lentejuelas o estoperoles en un escenario, arriba todo se vale. Siempre lo he dicho, lo Sánchez lo tengo en mi apellido.

Aunque el medio del entretenimiento puede ser muy glamuroso y atractivo, también

tiene su lado oscuro y rudo que he tenido que sobrevivir. No todos los escenarios tienen monitores, luces, un buen PA y el ampli que usas, la mayoría de las veces hay que batallarle. No se desanimen, después ya empiezan a llegar los venues en los que el soundcheck dura media hora porque todo está y se escucha perfecto.

Es imposible negar la vida paralela que la moda y la música viven. Por años quise documentar lo que hacía con el grupo y en mi vida diaria en cuanto a mi estilo y las aventuras que pasaba. Así que hace un año comencé un proyecto, ladysanchez.com, en el que he estado posteando parte de mi vida en Ruido Rosa, de mi vida personal, el contacto que tengo con otros músicos y ahora lo que vivo dentro de MAC Cosmetics como la nueva Artist Relations Coordinator. Quién sabe por dónde estaré tocando próximamente ni a qué públicos me estaré enfrentando, sólo sé que aunque sea con maquillaje, mi manicure seguirá en peligro.

BIO: Daniela Sánchez es guitarrista de la banda Ruido Rosa, fundadora de ladysanchez.com y Artist Relations Coordinator para MAC Cosmetics.

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FRANCISCA VALENZUELA LA BUENA ESTRELLA POR MARTA PALLARÈS FOTOS: ALEXANDER BLACK

SUERTE. LA DE NACER EN UNA FAMILIA NUMEROSA DONDE, SIENDO LA ÚNICA CHICA, CRECIÓ VIENDO CÓMO SU MADRE SACABA ADELANTE A SU PROLE Y SU CARRERA CIENTÍFICA A LA VEZ. LA SUERTE DE UNA VOZ PRODIGIOSA Y UNA LETRA PRECOZ QUE SIEMPRE TUVIERON CLARO QUE ALGUNA COSA FALLABA EN AQUELLAS MUJERES QUE “TEMÍAN ENVEJECER Y QUE HUBIERA OTRAS MÁS BELLAS”. LA SUERTE DEL APOYO DE PÚBLICO Y PRENSA, QUIENES LA HAN ENCUMBRADO EN LA NUEVA ESCENA CHILENA, LA MÁS EXPORTABLE Y EXPORTADA. SUERTE DE SABER MANTENER CABEZA ALTA Y MIRADA HUMILDE. LA SUERTE (O VALENTÍA) DE TOMAR LAS RIENDAS DE SU CARRERA MUSICAL Y LLEVARLA, HASTA HOY, A UN NUEVO DISCO AVALADO POR UN SENCILLO INCENDIARIO. SUERTE, FUE LA PALABRA MÁS REPETIDA POR FRANCISCA VALENZUELA EN ESTA ENTREVISTA Y LA QUE TUVIMOS TAMBIÉN EN WARP MAGAZINE AL PODER COMPARTIR MÚSICA Y PALABRAS CON ELLA.

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Estás acostumbrada a conducir tu vida y tuviste el mejor modelo familiar para aprender a conciliar lo personal con el éxito profesional. Naciste en California, donde tus padres trabajaban como científicos, e imagino que ver cómo tu madre desarrollaba su carrera mientras criaba a cinco hijos fue una auténtica inspiración.

Absolutamente. Soy la única mujer de cinco hermanos, y en esta familia numerosa aprendí a combinar mi mentalidad como individuo con el apoyo de la unidad familiar. Recuerdo momentos desconcertantes, como cuando me encontré lidiando con Music Business For Dummies para entender un contrato que me habían enviado, pero siempre conté con mi familia para seguir adelante. En mi madre tengo un referente de mujer independiente que combinó pareja y profesión, que desprende una luz increíble y que posee un maravilloso sentido del humor. Ella ha sido mi ejemplo de cómo ser una buena profesional y una buena persona, la mejor versión de mí misma.

Fuiste precoz y lúcida a la vez. Con 13 años escribiste ‘Peces’ —canción con alegatos como ‘tal vez ella sea bonita si te gustan las sonrisas huecas, las impresiones coquetas’— y con 14 firmabas Defenseless Waters —libro de poesía alabado por la misma Isabel Allende—… muchas declaraciones de intenciones a muy tierna edad.

Mis ideales han ido creciendo poco a poco. Me interesan —y no quisiera sonar cursi— los temas de género: me identifico con las mujeres del mundo de la cultura, de la política y de la ciencia que quieren canalizar un discurso relevante. Aun así no vivo en la doctrina, porque en lo referente a mi música todas esas ideas se empezaron a manifestar inconscientemente en mis letras, me salían de la víscera, de la tripa, sin querer, era mi visión instintiva de la vida. Fue ya de mayor y al empezar a componer de una manera más reflexiva cuando pretendí crear mensajes que comunicaran. Lo curioso fue que en Chile me catalogaban de “feminista” cuando para mí era algo absurdo: ¿Es feminista hablar del mundo que nos rodea? No existe tal cosa como “una música escrita por mujeres para mujeres”, pero ciertas temáticas no parecen válidas para el rock en general. Como sea, no puedo escribir sino desde la opinión que tengo, desde mi perspectiva orgánica y natural. La música fue, desde mi infancia, una catarsis visceral para intentar comunicarme.

Has ido de lo creativo a lo empresarial. Controlas todos los aspectos relacionados con tu música, y en el caso de este disco que se publicará en septiembre vuelves a editarlo bajo tu sello, Fantástica Records. ¿Cómo conviven la mujer de negocios y la artista?

[Ríe, con ganas] Tengo la suerte de contar con un equipo de gente increíble, pero tengo que confesar que la independencia no empezó como un plan ideológico, sino por defecto. En Chile no hay industria discográfica si te apartas de las multinacionales, y todos trabajamos con los recursos a nuestro alcance. Fui afortunada porque desde el inicio llegaron colaboradores muy interesantes , y el resto se fue desarrollando fruto de la oportunidad y de la necesidad. Fue al crecer profesionalmente y darme cuenta que se estaba generando una enorme cantidad de contenido interesante cuando nos planteamos la necesidad de trabajarlo bajo una marca propia. Lo más rico fue poder contar con aliados en muchos países, creando vínculos para desarrollar y amplificar todo ese contenido fuera de las fronteras chilenas.

Hablaremos de esas fructíferas alianzas en México, pero para presentar a tu disco saquemos esa carta contundente lanzada a la pista de baile.

‘Prenderemos Fuego Al Cielo’, su primer sencillo, supone un tremendo giro a lo electrónico. ¿Representa fielmente a tu nuevo álbum?

Creo que el trabajo no es mucho más electrónico que los anteriores, sino un enorme abanico de música pop. Lo que sí supone es una evolución significativa en la producción, mucho más profunda y amplia. Son 11 canciones y cada una es un mundo en sí misma, una historia y un sabor diferente. ‘Prenderemos’ es la punta más electropop, bailable y nocturna de un álbum en el que hay arreglos de cuerda, piano, uptempos. Este avance sólo quiere ser una invitación entretenida.

Y para conseguir tantos sabores has trabajado con múltiples productores, de Dave Sitek (Yeah Yeah Yeahs, Foals) a Aureo Baqueiro (Natalia Lafourcade), pasando por Jesse Rogg (BANKS) y Matty Green (TV On The Radio); una vez más, te tenemos liderando un equipo potente. ¿Cómo es marcar tu voz única en un elenco tan amplio?

Efectivamente, la variedad del álbum tuvo que ver con la búsqueda de colaboradores óptimos para cada canción. Conste que el disco creció orgánicamente puesto que no tenía la intención de hacer un trabajo con varios productores, sino que se fue dando a medida que lo desarrollaba, al componerlo y grabarlo. Todos contribuyeron a aportar matices y a la optimización de cada canción, complementando los arreglos que tenía pensados. Aun así no me supone un problema coordinar estos equipos, es algo que llevo haciendo desde siempre, la gracia es encontrar colaboradores que admires y te inspiren. Esta creación múltiple me ha empujado a hacer cosas diferentes, fuera de mi zona de confort tradicional.

Volviendo al tema de las colaboraciones dentro y fuera de tus fronteras, nos consta que México es un territorio estratégico para ti. ¿Qué tienes pensado para el lanzamiento del disco en nuestro país?

Definitivamente México es uno de los territorios prioritarios para nosotros desde que toqué allí, en 1997. El disco saldrá en septiembre y estaré tocando en el Lunario el 25 de ese mismo mes para la presentación en la Ciudad de México, para después confirmar un plan de directos mucho más contundente en el país.

El Lunario es un espacio recogido. Has actuado en espacios enormes como las ediciones chilena y brasileña de Lollapalooza… Lo que has desvelado del disco, aunque sea sólo su punta más electrónica, proyecta una imagen muy bailable y dada a los grandes escenarios. ¿Qué entorno sonoro le sentará mejor a este tour?

En general tengo la suerte de poder tocar en espacios muy diferentes: festivales, discotecas y uno de mis favoritos, los teatros. Me interesa poder hacerlo así y afortunadamente tengo la habilidad y el repertorio para adaptarme. Justo ayer toqué en Coquimbo, al norte de Chile, en un concierto totalmente acústico sólo con piano de cola. Creo que el nuevo disco será versátil en directo porque es eléctrico y bailable, pero también tiene canciones más introspectivas… ojalá tenga oportunidad y escenarios para representarlo de todas las maneras.

“EN CHILE ME CATALOGABAN DE FEMINISTA CUANDO PARA MÍ ERA ALGO ABSURDO: ¿ES FEMINISTA HABLAR DEL MUNDO QUE NOS RODEA?”

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“EN MI MADRE TENGO UN REFERENTE DE MUJER INDEPENDIENTE QUE COMBINÓ PAREJA Y PROFESIÓN, QUE DESPRENDE UNA LUZ INCREÍBLE Y QUE POSEE UN MARAVILLOSO SENTIDO DEL HUMOR.”

Ya que hablamos de escenarios y de mujeres, ¿cuáles son tus referentes en la música, coetáneas y pioneras que abrieron camino en este mundo de hombres?

Dos “Ritas”: La cantante de Les Rita Mitsouko, Catherine Singer, es uno de mis mayores ídolos, y Rita Lee de Os Mutantes. También Annie Lennox, Cecilia Touissant que me dejó alucinada en Vive Latino, Missy Elliot, Linda Ronstadt o la chilena Violeta Parra. De las actuales admiro la autoría y presencia espectacular de Yukimi Nagano (Little Dragon), Kimbra, Janelle Monáe… Es un momento increíble para estas artistas empoderadísimas que ya no representan esa dualidad de chicas o sexys o modosas, sino que son inteligentes y con una voz propia e inconfundible.

Un buen momento sin duda, pero seguramente ubicas bien en qué se puede evolucionar todavía, desde tu posición como mujer latina en tu profesión.

Prefiero el término “equidad” a “igualdad”, y creo que la música es un ámbito en el que aún no existe. Históricamente, y más en el sector latinoamericano, los hombres han sido predominantes y aún ahora, al ver carteleras de festivales, siguen siéndolo. Creo que aún hay una mentalidad que apunta a: “Ya pusimos a una mujer, ¿para qué vamos a programar otra?”, o de haber más de una hay tendencia a unirlas en un solo bloque, como si ese fuese un criterio artístico. En lo general creo que todavía falta un debate cívico sobre temas de género, pero también sobre la diversidad en todos sus ámbitos: la sexual, la de clase o de etnia.

Hay aún demasiadas convenciones provincianas, aunque afortunadamente estoy convencida de que las nuevas generaciones las están cambiando veloz y radicalmente.

¿TE CREES MUY INDEPENDIENTE? Por Sofía Macías / @ sofimaciasl Foto: Rubén Márquez para WARP __

Me llamo Sofía y en 2006 me dio por empezar a escribir sobre un tema que a la mayoría de mis amigos de la carrera —Periodismo— les causaba intensos bostezos: finanzas personales.

Dos años después abrí un blog que se llama Pequeño Cerdo Capitalista (pequenocerdocapitalista.com), que luego se convirtió en varios libros.

Recuerdo que en los primeros posts otro blogger escribió en el área de comentarios: “¿Una chica y que hable de finanzas? Esto es demasiado siglo XXI”. Nunca supe si me debía haber ofendido, pero más bien me hizo gracia.

Y sí, una chica y un chico y algunos no tan chicos deberían no sólo acercarse a los temas de educación financiera, sino volverse devotos fans. ¿Por qué? Por una simple palabra: independencia.

No hay muchos logros espectaculares que puedas conseguir si tienes que estar pidiendo permiso todo el tiempo. Al principio puede ser a tus papás, a tus jefes, a la gente a tu alrededor y, ya más grande, a tu misma cartera. Toda independencia empieza por lo financiero.

Ahí es donde las finanzas son interesantes, no en ponerte a hacer mil raíces cuadradas, que ni son necesarias, sino en aprender a manejar tu dinero para que deje de ser un obstáculo en las cosas que quieras hacer y las decisiones que quieras tomar. No importa si es hacer ese gran viaje por el que siempre has suspirado, dejar ese

tedioso trabajo para dedicarte a lo que siempre has querido o hasta salirte de la casa de los suegros. Entrarle al tema sirve para todo eso o lo que gustes y mandes.

Más que disertar eternamente sobre los beneficios de las finanzas personales y por qué me encanta dedicarme a esto, prefiero dejarles algunos puntos de qué pueden ir haciendo para construir su independencia financiera: 1.Aclaren sus metas. Sin prioridades está cañón ahorrar. Cualquier gustito menor o cacharro inservible será destino perfecto de nuestro dinero si no sabemos para qué lo queremos. Cuando tienes claras tus prioridades es más fácil enfocarte en destinar tus recursos a lo que más te importa y dejar de gastar en lo que te vale.

2.Ahorra bien. Todo el mundo sabe que hay que ahorrar y algunos lo hacen aunque sea cada que pasa el cometa Halley, pero siempre comenten errores parecidos: lo dejan hasta el final, ahorran lo que sobra o sólo hasta que juntan para los boletos del concierto. El gran secreto del ahorro no es el “cuánto” sino el “cuándo”. Si separas tus ahorros en cuanto recibes tus ingresos y los pones fuera de tu

BIO: Sofía Macías es autora de Pequeño Cerdo Capitalista, Especialista en Educación Financiera y Finanzas Personales/MBA.

alcance (yo lo llamo “quítamelo que me lo gasto”), es mucho más factible que lo logres, a si esperas que después de la quincena haya algo en el cajero. Y ya entrados en gastos, si ese ahorro lo puedes poner a trabajar así sea en cetes directo, un pagaré bancario, un fondo de inversión o un seguro de inversión ¡mejor!

3.Protégete de las emergencias. Ahorrar para las metas es muy motivador, pero protegerlas es casi igual de importante. Nunca sabes si le vas a dar un llegue al coche o se va a enfermar “Fido”, entonces entre tus básicos deben estar los seguros –mínimo gastos médicos o algo que los cubra- y un fondo de emergencia, que sea independiente del ahorro para tus metas.

4.Cuida tus deudas. El camino más derecho a ser un dependiente financiero son las deudas fuera de control. Sí, el pago mínimo puede ser muy tentador y el pago a 18 meses sonaba a poco al mes, pero si te ataca la firmitis aguditis y por cosas no tan importantes, los intereses le pueden robar mucho dinero a tus verdaderas metas. Trata de mantener tus deudas por debajo del 30 porciento de tus ingresos y si puedes volverte totalero ¡maravilla!

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ADRIANA LLABRÉS THE GREATEST

ENTREVISTA: KARINA LUVIÁN TEXTO: ALONSO VALENCIA FOTO: JESSICA RANGEL PARA WARP

El mundo de la actuación es igual de voraz, idílico y banal como lo puede ser la idea misma de dedicar tu vida por completo a perseguir un sueño que probablemente nunca llegue a cumplirse, esto gracias a los turbios y difíciles caminos por los que se debe cruzar para lograrlo.

En México particularmente hemos llegado a un grado en el que la actuación ha perdido un respeto propio por la cantidad de personas que deciden hacerlo sin una noción previa, solamente por alcanzar la fama. Dentro de todo este vertiginoso mundo, se encuentra un nicho de actores de método, preparados, de donde sale la talentosa Adriana Llabrés, quien ha intentado evolucionar en todos los campos que ofrece su profesión, pero ha encontrado un espacio perfecto en el teatro.

Actualmente parte de la obra ¿Quién Teme A Virginia Woolf?, la actriz se define a sí misma como una joven que salió de México para estudiar actuación, sacrificando a su familia para poder aprender y crecer y así regresar a su país con ganas de cambio, para poner su grano de arena cambiando a las personas por medio de la actuación.

Decidiste estudiar actuación fuera de México. ¿A qué edad abandonaste el país y cuáles fueron las razones principales?

Viví fuera del país a partir de los 15 años.

Tiempo después regresé a México y vi que muchas cosas se habían quedado igual y otras habían cambiado para mal, entonces me quedé con la espinita de querer irme otra vez para hacer las cosas diferente, con gusto, porque en esa primera vez yo me mudé un poco a la fuerza, por lo que no aproveché muchas de las oportunidades que tuve a esa edad.

Un día, en una plática ocasional con mi mamá, me preguntó que si pudiera juntar a mis actores favoritos en una sola película a quiénes incluiría. La mayoría de los que mencioné eran ingleses, a lo que ella me respondió: “¿Por qué no te vas para allá?” Mi mamá nunca me había permitido hacer ni un casting siquiera, aunque se lo pedía desde los seis años. Entonces le tomé la palabra, a los cuatro días le presenté todos los detalles de cómo podía conseguir una beca y qué tenía que hacer ella y me fui. ¿Qué tipo de historias y papeles buscas para presentarte como actriz?

Busco personajes que me digan algo de mí pero que no se parezcan. Por lo general eso es lo que pasa con las obras bien escritas, que uno empatiza, uno se ve reflejado. Por otra parte, me gustan las obras que dejan al espectador pensando y que probablemente cambiarán algo en su manera de pensar; incluso cuando no fuera así, me gusta que no sólo sean utilizadas para evadir una situación sino que hagan algún cambio en su manera de ver las cosas o de actuar.

Veo que aunque te has desarrollado en el cine o la televisión hablas por impulso refiriéndote a obras o escenarios. ¿Sientes algún tipo de inclinación hacia el teatro ¿Por qué?

Sin duda tengo un gusto especial por él, me gusta la onda de vibrar con la gente al mismo tiempo que desempeño mi trabajo y además creo que el público es el 50 por ciento de lo que uno está haciendo. En el teatro si no está el público no existe lo que estás haciendo. Los ensayos son maravillosos y son muy divertidos, pero es hasta que llega la audiencia que puedes contar algo; poder vivir ese momento genera una adrenalina que me gusta mucho…

Creo que es eso, el rush que crece cuando te estoy contando algo, te estoy invitando y me estás escuchando, algo está pasando. Es magia. Es como una muy buena conversación. ¿Cómo describirías el panorama actoral para nuevas actrices como tú en la actualidad?

Lo que he visto últimamente, en el caso de las mujeres, es que no nos apoyamos lo suficiente, creo que partiendo de ahí, intentando ser solidarias entre nosotras, cambiaría la situación. Ahora, también veo que existe una especie de categorización en diferentes sentidos, no sé, en ocasiones si una chica exige respeto es vista como una diva, pero si se trata de un hombre es aplaudido, entonces eres un campeón. Es un tanto complicado. Pienso que lo que tenemos que hacer es desarrollarnos en lo que nosotras queramos, sin importar cómo nos vean, la responsabilidad de lo que realizamos y los proyectos que hacemos, por las razones que sean, está en nosotras, hay que ser congruente con lo que uno quiere.

Seguramente tienes determinados artistas que te sirven de inspiración. ¿Tienes alguna referencia de cómo te gustaría ser a nivel actoral?

Más bien tengo nombres con quienes quisiera trabajar, porque al menos ahora no hay alguna carrera de la que yo pudiera seguir sus pasos al no estar en las mismas circunstancias que las mías. Siendo así, ha sido un honor actuar junto a Blanca Guerra o Álvaro Guerrero y obviamente me gustaría trabajar con Meryl Streep, Alan Rickman, Baz Luhrmann… Si hay algo que tengo en claro es el personaje que más quiero hacer, pero no puedo decirlo porque estamos en el teatro y es de mala suerte… es una obra de Shakespeare… la mujer… M a c B e t h. Creo que ahora tengo que darle tres vueltas al teatro [risas].

“ME GUSTAN LAS OBRAS QUE DEJAN AL ESPECTADOR PENSANDO Y QUE PROBABLEMENTE CAMBIARÁN ALGO EN SU MANERA DE PENSAR.”

NELLY BEN HAYOUN NO ROOM FOR DOUBT ENTREVISTA: MARIANA DEL VALLE TEXTO: DANIELA MIRIEL

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Nelly Ben Hayoun es astronauta de la NASA, trabaja en el SETI Institute, es speaker de Wetransfer y, todavía, se encarga de crear experiencias únicas a través de la construcción y réplica de situaciones que podrían estar sucediendo en el espacio exterior de manera muy sencilla pero completamente atractiva; no por nada se ha ganado el sobrenombre de “Willy Wonka” por aquellos que la conocen.

Ella misma se denomina diseñadora de experiencias, carrera que pudiera ser bastante relevante en el futuro; por ejemplo, si la NASA va a mandar a alguien a Marte, esa persona tiene que saber qué es lo que pasa en ese planeta antes de ser enviado. En esos temas la NASA tiene años de investigación, pero Hayoun se da a la tarea de llevar esto a las audiencias a través de experimentos extraordinarios y divertidos.

The International Space Orchestra es uno de los proyectos más interesantes que Nelly ha impulsado, al juntar a una orquesta al lado de artistas tan importantes como Beck, Damon Albarn y Bobby Womack para hacer música que sólo sonara en el espacio: “Tienes que localizar al satélite y conectarte a su señal de Internet para escuchar la música”, menciona Hayoun en entrevista; una mujer inteligente y talentosa que bien podría representar una fusión entre Andy Warhol y Albert Einstein, con una metodología científica inmensa y una creatividad fuera de contexto.

“Ha sido el proyecto más ambicioso que he hecho hasta el momento. Fue muy difícil y me tomó más de un año terminarlo, pero cuando lo veo en retrospectiva me parece que no fue tan complicado a como lo veía al inicio. Fue un año de lo que yo denomino ‘romper barreras fuertes’. Con casi todos mis proyectos lo primero que escucho es un no como respuesta, pero yo sigo insistiendo las veces que sea necesario, compartiendo mi pasión por lo que quiero y busco trabajar. Así que por más de un año estuve luchando, iba y venía hasta que la persona con la que debía tomar la decisión me veía en su puerta casi diario. Eventualmente las puertas se abren y así ocurrió esta vez también”.

Llena de ambición pero aún más repleta de curiosidad, la joven nacida en Francia posee una habilidad de la que muy pocas personas en el mundo pueden presumir: La capacidad de simplificar y desarrollar de manera práctica hechos de rimbombante complejidad en la mente del grueso popular. ¿Cuál es su técnica? El ferviente entendimiento de que todo tiene un sentido científico, y todo lo científico tiene un sentido cotidiano, capaz de replicarse de un modo u otro.

“Lo que sucede es que la mayoría de las personas, al tener un interés, leen un libro. Por ejemplo, si el tema me fascina seguramente lo leeré, me informaré de la parte académica pero, al menos yo, siempre me siento frustrada

porque la investigación y las teorías son mucho más interesantes cuando se producen de manera tangible. Al hablar de energía negra o materia negra yo me sentía profundamente fascinada, así que viajé a Ginebra a ver el Gran Colisionador de Hadrones –experimento gigante donde prácticamente se replica el Big Bang– y conocí a los científicos encargados, para entender cómo replicar el Big Bang o cómo replicar la energía negra en un lavabo de cocina común.”

La plática sería interminable si tratáramos de capturar el mundo de conocimiento que posee una de las mujeres más importantes en el tema científico y astronómico; sin embargo, nos instruye en su materia, ansiosa por aclarar: “La materia negra no es energía negra. La materia negra es el 24 por ciento del universo y la energía negra corresponde al 76 por ciento.

Son energías súper fuertes que, literalmente, empujan al universo y su expansión bajo muchísima presión. El universo está en expansión y hay energías que lo extienden, lo que da como consecuencia que nadie sepa exactamente qué es la energía negra, por eso la llaman así.”

No sería dudoso que con una semilla de duda, Nelly Ben Hayoun se internara en la complicada labor de escudriñar qué demonios es la energía negra. Habrá que estar pendiente de lo que haga.

Los proyectos de Nelly Ben Hayoun se encuentran en disasterplayground.com y en nellybenhayoun.com

“AL HABLAR DE ENERGÍA NEGRA ME SENTÍA PROFUNDAMENTE FASCINADA, ASÍ QUE VIAJÉ A GINEBRA A VER EL GRAN COLISIONADOR DE HADRONES, PARA ENTENDER CÓMO REPLICAR EL BIG BANG O CÓMO REPLICAR LA ENERGÍA NEGRA EN UN LAVABO DE COCINA COMÚN.”

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PAOLA HERNÁNDEZ COSMOGONY POR ELSA NÚÑEZ CEBADA

“Soy una persona profunda a quien le gusta entender el sentido de la existencia humana a través de cada experiencia que vivo. Expresarme es muy importante y creo que tengo esas cualidades como persona en la vida cotidiana y también las traslado a mi trabajo en el diseño”.

Así se presenta la diseñadora mexicana Paola Hernández, quien después de una charla nos hizo darnos cuenta de que el amor por la moda es un gusto que podría parecer adquirido pero que en realidad no es así. Vestirnos es una necesidad pero cada que una prenda nos enamora deberíamos pensar en las horas de trabajo que hay detrás de la confección y, tal vez lo más importante, su relevancia cultural y las historias que un “simple pedazo de tela” terminará contando. ¿Cuántos pasos hay de la filosofía a la moda?

“La moda es un arte que no termina en la persona creativa que diseña sino que empieza en la persona que usa una prenda”, asegura Paola quien cuando era niña jamás pensó en terminar en donde ahora se encuentra; tal vez le gustaba bailar, pintar y montar obras de teatro con sus primos pero jamás se puso a hacer ropa para sus muñecas. Su historia no es como la que hemos leído mil y una veces.

“Estudié filosofía y justo decidí tomar ese camino porque tenía una pregunta esencial, un poco como ¿cuál es el sentido de mi existencia, cuál es mi propósito? Justo en este proceso me di cuenta de que éste tenía que ver con la expresión, un poco como lo artístico. Soy

una persona creativa”, comenta. Tal vez no estaba obsesionada con la moda pero le gustaba ir a fiestas para ver cómo se vestía la gente; ahí se dio cuenta de era algo que de cierta manera siempre había estado presente en su vida.

“Tenía 21 años y me hice una falda que quería usar para una fiesta. Decidí hacer real una idea que tenía, convertirla en un objeto físico”… dos personas se acercaron a preguntarle que en dónde la había comprado y terminó confeccionándole un par de prendas iguales. “Ese fue uno de los momentos por los que decidí enfocar mi energía en ser diseñadora de moda”. Así que hizo maletas y se fue a estudiar a Londres, fue el primer paso para fundar la marca que lleva su nombre, esto para firmar sus diseños como los artistas plásticos.

Quien la viste complementa la prenda Paola asegura que la diferencia entre su primera colección –en la cual empezó a trabajar regresando de Londres- y la más reciente radica en la calidad que la marca ha logrado alcanzar ya que “tengo más claridad en mis ideas y cómo quiero expresarlas; al principio también seguía buscando mi propia voz como diseñadora”.

“Creo que la diferencia principal [con respecto a otros diseñadores] es que mi inspiración es la filosofía y entonces cada prenda tiene un concepto detrás del cual cada cosa representa algo. Cada elemento de diseño es

un símbolo del concepto que me inspiró para crear esa colección”, dice, así que la elección de ciertos colores, las texturas, las formas y los cortes tienen una razón de ser.

Nueva York, fuente de inspiración Cuando trabaja le gusta escuchar a Sigur Ros porque afirma que “tienen el feeling que necesito, en el que me gusta entrar para poder estar diseñando”. Y creo que debe costar trabajo concentrarse si vives en un sitio como Nueva York, una ciudad llena de pequeños detalles y rincones inspiradores. De hecho, a Paola le gusta ser habitante de este punto geográfico precisamente por eso “es muy inspirador porque justo hay tanta gente haciendo cosas increíbles que también te hacen ser una mejor persona, una mejor diseñadora y tener ideas mucho más vanguardistas porque todo alrededor es muy creativo”.

Paola y la música Hernández ha diseñado atuendos para Moderatto, Adanowsky, Ximena Sariñana y el Instituto Mexicano del Sonido, entre otras propuestas musicales. A pesar de que su trabajo no está totalmente relacionado con la industria ha tenido la oportunidad de armar colaboraciones con estos músicos.“Los músicos tienen una idea de cómo se quieren ver para sus shows o videos y entonces yo les diseño algo que tiene que ver con esa idea, que tiene que ver con mi marca y con la estética de lo que hacen, así varios músicos han hecho música para mis shows, ellos pueden aterrizar mis conceptos en música”.

“LA MODA ES UN ARTE QUE NO TERMINA EN LA PERSONA CREATIVA QUE DISEÑA SINO QUE EMPIEZA EN LA PERSONA QUE LO USA”.

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SONIA ARIAS THE SWEET SUCCESS ENTREVISTA: DIOVANNY GARFIAS TEXTO: J. ISMAEL CANALES FOTO: JESSICA RANGEL PARA WARP

Una niña de ocho años juega en la cocina. Con la ayuda de su madre mezcla el azúcar y la harina ensuciándose la ropa, se llena las manos de masa y vierte la pegajosa masa en pequeños moldes que se convertirán en galletas. Así comenzaría la pequeña Sonia Arias su camino en la repostería, como un juego, divertimento que con el tiempo se transformó en una pasión y profesión.

“Desde muy chiquita me gustó hacer muchas cosas de repostería, siempre fue repostería, hacía galletitas, hacía brownies y conforme fui creciendo seguí mejorando. Al principio las cosas no me salían. Conforme fue pasando el tiempo aprendí; era tanta mi pasión que para mí era como un juego, lo hacía todas las tardes, hacía cheescake, brownies, los llevaba a la escuela y los regalaba, ya después los empecé a vender. Empecé así, jugando.

“Tome varias clases cuando era chica y como a los 15 años hice un diplomado en repostería, donde conocí a un chef que me dijo: ‘Sabes qué Sonia, tú tienes mucha facilidad para esto de la repostería, ¿por qué no te vas a estudiar a Estados Unidos?. Yo hablo con tus papás’. Él me ayudó a convencerlos, porque yo estaba muy chica, y fue así fue como me fui a estudiar a Nueva York mi primer curso de repostería.

Cuando le dije a mis papás que quería ser chef repostera su reacción fue: ‘¿Cómo?, si eso no existe’. Hoy en día si un chavo quiere estudiar repostería la gente ya está más consciente de

lo que es, de toda la importancia que tienen los pasteles y el pan dentro de la gastronomía, de los chocolates, los helados… La repostería es tan grande que nunca te puedes aburrir.”

En 1996, Sonia volvió al Culinary Institute of America para estudiar Artes en Panadería y Pastelería, donde se graduó con honores.

Posteriormente se mudó a Manhattan y ahí experimentó con diferentes estilos y áreas de la repostería: “Según los ciclos y las etapas te van apasionando diferentes cosas y lo vas viviendo de una manera diferente. Los pasteles siempre me gustaron porque fue en lo que empecé y después me metí mucho a todo lo que era el postre de restaurant, en eso me especialicé.

Según las etapas vas viendo y explorando, siempre aprendes algo, siempre hay nuevos retos y siempre te puedes dedicar a diferentes áreas.”

En 2005, tras diez años en Nueva York en los que se creó un nombre como parte de los mejores establecimientos culinarios, entre los que está Daniel Restaurant, Danube Restaurant y Bouley Restaurant, Sonia y su esposo Jared Reardon decidieron venir a México e iniciar otra aventura, la apertura de su establecimiento propio: Jaso.

“Empecé a salir con mi ahora esposo, Jared.

No pensábamos abrir un restaurante juntos,

cada uno trabajaba en diferentes lugares.

Como fue pasando el tiempo Jared y yo nos fuimos enamorando más y decidimos casarnos. Yo trabajaba en un restaurante en Nueva York y en las noches que nos reuníamos le contaba mis experiencias del día y él me contaba las suyas. Le empezó a interesar mucho lo que yo hacía, él tenía su carrera más enfocada a la hotelería —era chef en un hotel de Estados Unidos— y yo siempre me enfoqué en los restaurantes cinco estrellas. Le comentaba todo lo que iba viviendo y le empezó a gustar, después comenzó a trabajar en el restaurante donde yo estaba y así nos dimos cuenta que era muy padre trabajar en el mismo lugar, nos gustó la idea de trabajar juntos y dejó su otro trabajo para ver si realmente podíamos compartir la filosofía laboral. Así surgió todo, nos gustó y decidimos abrir un restaurante aquí en México.”

Sin embargo, Jaso fue un reto importante en la carrera de ambos chefs, ya que tenían que reajustar el concepto y dirigirlo hacia la cultura y tradición mexicana.

“Al llegar a México debimos aprender de la cultura, el paladar, los gustos. Fue difícil porque abrir un restaurante de cero en un país distinto representa no conocer a la gente y no tener experiencia en cocinas locales, características esenciales al momento de iniciar un proyecto.

Yo me fui de México a los 18 años y estuve allá diez, así que dentro del ámbito profesional no conocíamos a nadie.”

“LA REPOSTERÍA ES TAN GRANDE QUE NUNCA TE PUEDES ABURRIR.”

Rankeada como una de las mejores reposteras a nivel mundial, su créme brulée fue considerado en 2011 “el mejor postre de México”, con Jaso como una de las más importantes y deliciosas opciones culinarias en la ciudad, expandiendo cada vez más Jaso Bakery, su línea de repostería. Después de tantos años de esfuerzo y dedicación, Sonia Arias se encuentra en el punto cumbre de su carrera

profesional y de su vida personal, disfrutando y aprendiendo de su maternidad, la cereza que le faltaba al pastel de una vida exitosa: “Estamos muy contentos, yo creo que siempre hay algo que anhelas, en esto de ser chef siempre hay algo que dices: ‘Wow, ahora vamos a hacer esto’. Ahorita el reto más grande que estoy viviendo es el de ser mamá, es padrísimo

pero al mismo tiempo ser chef es demandante, las dos cosas son demandantes, el bebé es un bebé de restaurante, aquí está todo el tiempo con nosotros, pero sí, estamos viviendo un momento muy especial, nos hemos dedicado todo el tiempo a nuestra vida profesional y ahorita estamos abriendo este capítulo de lo personal y lo estamos involucrando a nuestra vida, es un momento definitivamente mágico.”

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LILY ALLEN INSINCERELY YOURS POR KARINA LUVIÁN

TIENE 29 AÑOS. POSEE UN NOMBRE QUE CASI CAMBIA EN UN AFÁN DE RENOVACIÓN. CUENTA CON UNA HISTORIA INTERESANTE -EN MÁS DE UN SENTIDO- Y HA CONSTRUIDO UN RENOMBRE IRREFUTABLE DENTRO DE LA MÚSICA POP INTERNACIONAL. “CUANDO ERA MÁS JOVEN QUISE SER FLORISTA E INCLUSO LO FUI, POR UN TIEMPO”, PLATICA ESTA PECULIAR ARTISTA A POCOS MINUTOS DE PRESENTARSE EN EL FESTIVAL LES DEFERLANTES, EN FRANCIA. CON VOZ ALEGRE, REFLEJO DEL ESPLENDOR Y GIRO QUE HA DADO SU VIDA, LILY ALLEN ASEGURA: “LA MÚSICA LLEGÓ REPENTINAMENTE Y ESTOY MUY FELIZ DE ESTAR AQUÍ.”

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En entrevista exclusiva para WARP Magazine, esta mujer hoy plena recuerda aquel momento en el que decidió no permanecer en una pequeña tienda de Londres, rodeada de flores, y empezó a imaginarse sobre un escenario, creando música que reflejara su personalidad y, por ende, sacudiera la escena de la década pasada: “A mí siempre me gustó cantar. Cuando lo hice por primera vez, quiero decir, cuando tuve mi primera presentación solista, ocurrió en la escuela, y fue el momento en el que pensé: ‘Esto es lo que quiero hacer’”. Sin embargo tuvo que vivir situaciones diversas, desde su expulsión de diferentes colegios por una conducta poco –o nada– aceptable hasta su lucha por el apoyo de un sello que arropara su música, antes de llegar a los oídos de las grandes masas y, sólo entonces, explotar con la fuerza que sólo un debut como Alright, Still podía lograr. Porque en pleno 2006, con contados nombres femeninos como Beyoncé y su B’Day, Cat Power con el delicado The Greatest y Amy Winehouse con su maravilloso Back To Black, el mundo necesitaba un poco de fresca desfachatez y divertido descaro. Lily, en aquel punto, era perfecta para eso.

Sin una estructura familiar estricta tras el divorcio de sus padres y las turbulencias personales que esto conlleva, Lily desarrolló una libertad desmesurada en más de un sentido, por lo que no fue extraño que desde el principio sus canciones estuvieran llenas de declaraciones escandalosas que incomodaron a más de uno; el que su disco debut llevara en su portada la famosa etiqueta “Parental Advisory Explicit Content” dice mucho, de hecho. Pero, ¿cómo se explica esto?: “En realidad es una actitud frente a la vida que ha funcionado bien para mí, no creo haber hecho nada diferente a lo que otros artistas han hecho; quizá, si hubiera que buscar, la única cosa que me apartaría de los demás es que soy desvergonzadamente honesta, no me siento apenada de mis sentimientos o de la manera en que pienso, por lo que es muy fácil para mí reflejar eso en mis composiciones. A veces me siento molesta, y eso se refleja en mis canciones, a veces me siento enamorada y eso también va a mi música.”

Es justo en este punto que vale la pena resaltar ese elemento rítmico que funcionó como catapulta para sus ideas, ese que caracterizó en un primer momento lo hecho por Allen y que fue, básicamente, una mezcla musical perfecta entre pop, ska y un reggae refinado, heredado quizá de la estrecha relación que tuvo con el legendario Joe Strummer: “Cuando estoy en el estudio, escribiendo aquello que me inspira, me baso mucho en lo que estoy viviendo en ese periodo de tiempo, lo que creo muchas veces es exactamente lo que necesitas tomar, ese ‘ahora’.

Yo no escribo ni creo música sobre el pasado o sobre el futuro, lo hago con respecto a cómo me siento ahora, sobre las cosas con las que conecto… ¿eso tiene sentido? [risas]” Para lograr lo anterior se necesita poca atención a las opiniones, algo que sabe hacer bien la autora de piezas como ‘Smile’, ‘Fuck You’ y ‘Sheezus’. “Al hacer música yo sólo intento escribir para mí misma, no pongo mucha atención a lo que los demás puedan esperar”, dice orgullosa… y, honestamente, no tendría que hacerlo. Aún así, no deja de estar ajena a lo que su trabajo pueda provocar: “Cuando lo hago (crear música) trato de estar consiente de que muchas de esas cosas que ocurren en mi vida pueden estarle pasando a alguien más y pueden estar sintiendo las mismas emociones que yo. Si alguien más se siente identificado es bueno, pero no es algo que me preocupe.”

Siguiendo dicha premisa y ya para su segunda placa, Lily decidió modificar su sello pop y lo llevó a un ambiente más convencional, más maduro —por llamarlo de algún modo—, con el cual sentirse cómoda en un periodo en el que parecía haberse encontrado de la mano de Ed Simons (The Chemical Brothers), sólo para perderse poco después. La pérdida de su primer hijo y, poco después, el término de su relación con Simons la llevaron nuevamente a los excesos; sin embargo eso no duraría mucho, pues poco después Sam Cooper aparecería en su vida y todo empezaría a ascender, de manera personal y profesional, llegando a pensar en el retiro musical: “Me sentía cansada de esa especie de rutina que vivía, necesitaba tiempo para lo nuevo que pasaba en mi vida. Para mí siempre han sido muy importantes las personas que me rodean, así que decidí dedicarles tiempo; incluso inicié un negocio con mi hermana y lancé mi propio sello. Estoy en una posición privilegiada y me gusta ver cómo la gente crece creativamente.”

A mediados de junio de 2012 la ahora orgullosa Ms. Cooper utilizó su cuenta de Twitter para sorprender gratamente a sus seguidores: “Les encantará saber que actualmente estoy en el puto estudio con Greg Kurstin”, tuiteó, para complementar por el mismo medio: “No es gran cosa en realidad, sólo estoy lanzando mierda al muro a ver si algo se pega.” Al cuestionarla sobre este tema, la artista inglesa asegura que no fue nada fácil. Reflexiona unos segundos y sigue: “Se trató más de una necesidad que de un simple deseo. Mi hija mayor tuvo una infección cuando nació y fue un periodo muy complicado. Cuando estuvo mejor yo necesitaba algo para mí, no me sentía bien quedándome en casa todo el día. Soy una mujer creativa, es como soy, así que extrañé la retroalimentación positiva de mis fans sobre mi música, extrañé la adrenalina de cada show… extrañé la ropa gratis y las bolsas, ¡lo hice! [risas] Aún así fue una decisión complicada, pero la relación con mi esposo está más fuerte que nunca y tuve todo su apoyo.”

Sheezus (2014) es el título de la nueva y tercera producción de Lily Allen, y si bien en su vida amorosa ya cuenta con alguien que la ha ayudado a crecer como persona, en lo profesional nunca estuvo sola, por lo que en esta nueva aventura decidió revivir esa añeja mancuerna con Greg Kurstin, su productor de siempre. “Greg y yo hacemos un gran equipo, somos un par de personas creativas que se conocieron y decidieron trabajar juntas. En el caso de este disco cuento con más de un productor, lo mismo que en el primero, pero él ha sido una constante con la que me siento muy contenta. Tenemos una linda relación que ha crecido con el tiempo.”

La promoción de “Sheezus” apenas ha iniciado y Lily Allen tiene mucho por hacer, en una escena y un periodo de vida que para nada son iguales a cuando abandonó. ¿Qué siente al respecto?: “Hace cinco, diez años, la escena británica había sido dominada por mujeres artistas; ahora, de repente, los artistas más grandes en Reino Unido son Paolo Nutini o Jake Bugg. Así que creo que es algo cíclico, y justo ahora atravesamos un gran cambio. Yo, como artista, me siento bien, me siento bendecida, soy muy afortunada de estar en esta situación en la que puedo crear música y cantarla frente a un público que quiere escucharla. Es maravilloso… soy muy afortunada.”

Apenas termina la respuesta, Lily se despide, contenta, corre y sube al escenario, del que se ha dado cuenta nunca debió desaparecer.

“CUANDO DECIDÍ HACER ESTO SUPE QUE QUERÍA HACER MÚSICA POP QUE FUERA HONESTA.”

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“SI PROVIENES DE UNA FAMILIA DISFUNCIONAL COMO LA MÍA TRATAS DE CONSTRUIR ALGO DISTINTO PARA TUS HIJOS. AMO A MI ESPOSO Y, POR ESO, TRATO DE ESTAR CON MIS HIJAS TANTO COMO PUEDO.”

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ORANGE IS THE NEW BLACK POR DASCHA POLANCO / DAYANARA DIAZ Orange Is The New Black está cautivando audiencias alrededor del mundo, la gente está viendo las dos temporadas juntas, y la primera está ganando más reconocimiento por la reputación que ha ganado la segunda.

La historia nos ha abierto diferentes oportunidades y ha sido algo que hemos apreciado y lo aceptamos como si fuera nuestro momento, estamos muy orgullosos de nuestro trabajo. Pero alcanzar a tantos individuos en diferentes niveles, físicamente, estereotípicamente, en cuestión de relaciones, te genera una responsabilidad.

Como proyecto todos los días nos enfrentamos a una sociedad en la que juzgamos a gente que no conocemos, somos muy ignorantes, y no simpatizamos con ciertas personas o temas simplemente porque no las conocemos. Esa es también gran parte del éxito, los escritores no sólo desarrollan a estos personajes, también nos cuentan su historia y las razones que los llevaron a estar donde están, te hacen darte cuenta que podrías ser amigo de cualquier personaje, sin importar si cometieron o no un crimen. Recientemente recibimos 12 nominaciones al Emmy, con la primera temporada no estábamos esperando nada, pero después de trabajar en la segunda y de su estreno me di cuenta que está fuera de nuestro control, aunque el amor de la audiencia y de todos en el mundo me sigue conmoviendo.

“METAFÓRICAMENTE NO HABLAMOS DE GENTE EN LA CÁRCEL, SINO DE INDIVIDUOS SOBREVIVIENDO Y CONECTÁNDOSE PARA SOBREVIVIR BAJO CIRCUNSTANCIAS DIFÍCILES.”

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POR NATASHA LYONNE / NICKY NICHOLS Cuando fui contratada para hacer el piloto, leí y releí el guión y en ese momento supe que estaba frente a algo buenísimo, de verdad quería ser parte del show, pero no había manera de saber que iba a ser el fenómeno que terminó siendo. Jenji (Kohan) y los escritores hacen un trabajo maravilloso, no hablan directamente ni toman ninguna postura política —porque también es apartante—, ese es el poder del entretenimiento. Cuando empezamos a empatizar con la gente de la pantalla es cuando ciertos temas nos comienzan a importar, ideas como la pérdida de la libertad.

Creo que gran parte del éxito de OITNB se debe precisamente a ese instinto de revuelta del ser humano, porque todos creemos que de alguna manera y en algún momento el espíritu de estas personas encontrará el camino. Creo que Jenji tiene una visión muy específica de cómo contar la historia. Mientras grabamos la primera temporada nos sorprendió y nos permitió ver que era algo muy especial que no se había hecho antes. Así que estamos tan sorprendidos y emocionados como todos los demás.

“GRABAR SEIS MESES UN SHOW DE TELEVISIÓN NO TIENE NADA QUE VER CON ESTAR REALMENTE EN PRISIÓN, COMO TAMPOCO FILMAR UNA PELÍCULA DE GUERRA ES COMO ESTAR REALMENTE EN LA GUERRA.”

“PARA MÍ SIEMPRE HA SIDO MUY FÁCIL DECIR QUE SÍ A TODO, DE HECHO ALGUIEN ME REGALÓ UN CUADRO CON UN ‘NO’ GIGANTE PARA QUE APREDIERA A NEGARME EN LA VIDA.”

GABRIELA WARKENTIN HIGH TIMES POR KARINA LUVIÁN FOTO: JESSICA RANGEL PARA WARP

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“Yo creo que uno termina estudiando determinada profesión un poco por accidente”. Si esta premisa es cierta, Gabriela Warkentin sufrió la circunstancia más positivamente fortuita que cualquiera pudiera vivir, pues aunque en un principio se interesó por la filosofía y poco después se asomó al mundo del cine para darse cuenta que no era lo suyo, terminó desempeñándose en el mundo de la comunicación y el periodismo de manera formidable, aprovechando ese devenir de la vida que no ha hecho sino llevarla de manera ascendente.

“Entre mis primeros empleos estuvo Radio Educación, impulsada porque conocía a alguien ahí pero desanimada porque yo sentía que la época gloriosa de la radio en México había muerto. Tengo que decir que soy de una generación que vivió una radio muy rica, con el WFM y el Rock 101 de aquellos años, algo que para nosotros era muy estimulante, pero al mismo tiempo nos tocó ver cuando todo eso desapareció, así que cuando terminé la carrera la radio era muy pobre.”

Inquieta e impedida a desarrollarse en una sola actividad por demasiado tiempo, Warkentin siguió creciendo profesionalmente en Televisa, en la parte informativa y de logística y a través de la cobertura que dicha televisora realizó durante la Guerra del Golfo; “me cambió mucho la manera de entender la dinámica informativa y el por qué se construían las noticias cómo se hacía en ese entonces”, asegura.

Sin embargo, su deseo aún vivo por el cine la llevó a la realización de guiones; específicamente, documentales: “He tenido la fortuna de involucrarme en la realización de documentales. Me tocó hacer el último documental en vida de Jaime Sabines, recorrí el país de arriba a abajo. Después me fui a vivir a Londres para hacer investigación y trabajé con un documentalista polaco que había estado mucho tiempo en la sierra tara-

humara, entonces trabajamos ahí, en toda la construcción de la historia… En algún momento regresé a México y empecé a dar clases.”

Al tocar el tema de la docencia, esta mujer que odia tomarse fotografías se entusiasma y asegura que justo el compartir conocimiento ha sido siempre su pasión: “Me gusta mucho dar clases. Desde chiquita tenía esta fantasía de enseñar y me gusta la noción de la escuela, porque creo que ésta, bien entendida, es muy divertida, la construcción del conocimiento en conjunto me parece que es lo más divertido que hay.”

Precisamente ese gusto la llevó a ser parte del equipo docente de la Universidad Iberoamericana, su alma mater, en un asenso escalonado que la vio trabajando medio tiempo como maestra para ser después Directora del Departamento de Comunicación y legar su primera aportación a la radio, aquella que en algún punto miró desesperanzada: “Para mí siempre ha sido muy fácil decir que sí a todo, de hecho alguien me regaló un cuadro con un ‘NO’ gigante para que aprediera a negarme en la vida. Como sea, esa facilidad de decir a todo que sí me colocó dirigiendo el Departamento de Comunicación de la Ibero, un reto increíble y una friega del tamaño del universo, pero con una gran satisfacción. En ese entonces fue cuando me tocó crear la estación de radio Ibero 90.9… mi enamoramiento absoluto con la radio.”

Siguiendo ese enamoramiento, Gabriela co-condujo tiempo después un programa con Leon Krauze, en W Radio, estación radiofónica que dirige hoy por hoy como consecuencia de su talento inegable y de la devoción con la que se ha desempeñado en cada reto, una devoción que, claro, ha significado sacrificios: “Personalmente he tenido que sacrificar muchas cosas, sacrificas tiempo personal. Yo

me tuve que divorciar, estuve felizmente casada por muchos años pero un día decidimos que ya no podíamos seguir juntos porque casi no nos veíamos. Por otro lado, tengo muchos amigos pero en ocasiones los veo poco… sacrificas mucho de eso. No te diría que lo tengo consciente todo el tiempo, no es que yo esté diciendo: ‘Ah que sufrimiento’, porque mi profesión también es placentera; sin embargo, si hiciera un corte de caja diría que sí, he sacrificado mucho por esto que amo, no sabemos equilibrar el trabajo con la vida personal y seguimos creyendo que si trabajas 28 horas diarias eres muy fregona y es lo que tienes que hacer.”

Como bien señala quien, orgullosa, comparte haber visitado cada estado del país, ella es de las pocas mujeres líderes, en un escenario que a decir de ella luce poco o nada positivo e igualitario: “En México no tenemos ni una sola gobernadora y, aunque no tengo el número a la mano, podría decir que somos muy poquitas las que dirigimos un medio. Yo dirijo una radio pero donde trabajo son puros hombres como directores… está la directora de jurídico y yo, nada más. El tema de la imagen femenina también es difícil, sobre todo si se está a cuadro, pues existe una exigencia determinada de cómo debe lucir.

Tomará tiempo que nos sacudamos estos estereotipos; honestamente, las que hemos llegado lo hemos hecho con muchísimo trabajo, nos ha costado tragar mucha mierda. Hay días en que uno sí llega a casa y dice: “¿Cómo por qué? ¿Por qué estoy en esta guerra que, en ocasiones, no es tan amable?”

Si hubiese que responderle se podría decir que es necesario en este afán de diversíficar las oportunidades y de marcar la pauta, con el fin de no perderse la genialidad de personalidades que, como ella, establecen historias de éxito, siempre, siempre memorables.

“¿LAS MUJERES EN EL ARTE? BUENO, NO ME GUSTA DIFERENCIAR ENTRE HOMBRE Y MUJER. DE ALGUNA MANERA, HAY UNA BRECHA EN MEDIO Y YO ESPERO PODER INSPIRAR A MÁS MUJERES PARA SALIR Y HACER LO QUE QUIERAN EN ESTE MUNDO.”

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TARA MCPHERSON THE ART OF BROKEN HEARTS ENTREVISTA: CHËLA OLEA TEXTO: J. ISMAEL CANALES

“¿Cómo describiría mi arte? Es una gran pregunta. Algunas personas lo llaman dulcemente tétrico, tiene esta dualidad de oscuridad y una clase de sentimientos muy suaves.”

Así se presenta Tara McPherson. La mejor descripción de un artista es su arte, así que mientras nos escudriña brevemente con la mirada revela la ambivalencia de sus obras, de corazones rotos y futuros esperanzadores.

Los personajes de sus posters e impresiones corroboran la descripción, pues poseen gran inocencia y a la vez el peso de las circunstancias sobre la mirada, la mayoría con el sello particular de tener un hueco en el pecho en forma de corazón, consecuencia de las experiencias y el dolor, fuente principal de inspiración de McPherson.

“La inspiración llega en diferentes formas, cuando veo el drama y las peleas entre la gente que se ama o cuando se pierde ese sentimiento de amor. Cuando la gente no logra conectar llega el dolor y los corazones rotos.”

Tara estudió Bellas Artes en el Centro de Arte de Pasadena, California, y se recibió en Ilustración con honores. Comenzó su carrera artística en los estudios Rough Draft, trabajando en la serie animada Futurama, de Matt Groening, mientras se encontraba estudiando la licenciatura aún.

Sus pinturas y serigrafías han sido expuestas en galerías de arte alrededor del mundo.

Su gran variedad artística incluye la creación de juguetes con compañías como Kidrobot, Dark Horse y Toy2r; haber pintado cómics y portadas para DC Vertigo; publicidad e ilustraciones editoriales para empresas como Wyden + Kennedy y la revista Spin; la impartición de clases en Nueva York, y la colaboración en el arte de la cinta, ganadora del Oscar, Juno.

Por si esto fuera poco, Tara tiene tres libros recopilatorios de su arte: Lonely Heart: The Art of Tara McPherson, Lost Constellations: The Art of Tara McPherson Vol II y Bunny In The Moon: The Art of Tara McPherson Vol III, sin minimizar el que sus obras hayan sido retomadas en grandes publicaciones como The New York Times, Esquire, Vanity Fair, Playboy y DC Comics, y dirija la boutique The Cotton Candy Machine junto al reconocido artista Shawn Maynard.

“Actualmente estoy en The Cotton Candy Machine, con Shawn Maynard. Abrimos en 2011 y la mayoría del arte aquí es de Alex Pardee y mía. Nos enfocamos en ropa informal, no es una galería de arte, hay libros de arte, prendas de edición limitada, algunos juguetes, cosas que cualquiera puede comprar, los estudiantes de arte pueden venir y llevarse una pieza de arte a sus casas.”

Tara rara vez evade el contacto visual, tiene una mirada segura y muy fuerte, además de una humildad asombrosa a la hora de conversar; pareciera que ser una de las artistas visuales más representativas de la actuali-

dad no se le ha subido a la cabeza y sigue sonriendo, clavando sus ojos castaño claro como si charlara con un viejo amigo al que le cuenta su pasión por la realización de posters de rock, actividad que le ha valido ser llamada “La princesa heredera del arte del cartel” por la afamada revista ELLE. “Otra cosa que disfruto hacer es el arte para posters de eventos de rock, he hecho los de bandas como Depeche Mode, Duran Duran, The Strokes, Kings Of Leon, Mastodon, a veces yo elijo a las bandas que me gustan y con las que quiero trabajar, si no es una banda que no sea compatible con mi sensibilidad simplemente no lo hago.”

Con el semblante relajado y al final de la amena charla, aparece el tema taboo, el cuestionamiento sobre si existe alguna diferencia de género en el mundo del arte. Tara entrelaza los dedos y recarga sus tatuados brazos sobre las rodillas, la sonrisa se torna en un gesto de tranquilidad y mesura, buscando las palabras precisas: “¿Las mujeres en el mundo del arte? Bueno, no me gusta diferenciar entre hombre y mujer, aunque, por ejemplo, fui la semana pasada a una firma de libros y era la única mujer ahí. Es gracioso, porque yo enseño a personas aquí en Nueva York y a veces más de la mitad son mujeres. De alguna manera, hay una brecha en medio y yo espero poder inspirar a más mujeres para salir y hacer lo que quieran hacer en el mundo del arte.”

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LANA DEL REY HEY, CRUEL WORLD POR DIOVANNY GARFIAS FOTOS: NEIL KRUG

ES DIFÍCIL NO PENSAR EN LANA DEL REY COMO UNA PIEZA DE MAQUINARIA MÁS EN LA INDUSTRIA MUSICAL. TAN PRONTO SE POSTRÓ FRENTE AL OJO DE YOUTUBE SU PERFIL PERFECTO HIZO QUE SU ARTE QUEDARA REZAGADO AL ÚLTIMO PLANO. SU TEMA ‘VIDEO GAMES’ SE CONVIRTIÓ MERAMENTE EN UN PRETEXTO PARA ADMIRAR MUY DE CERCA AL PRÓXIMO FENÓMENO MEDIÁTICO DE LA MÚSICA.

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Las más ridículas y audaces teorías de conspiración no se hicieron esperar, aunque todas coincidían en algo: Del Rey no era sino un producto perfecto creado por transnacionales y entregado en bandeja de plata para todos los millennials. Un ícono más de moda y música había nacido y hordas de consumidores morían por hacerse de un pedazo, amarlo, alabarlo y al final, destruirlo.

Sin embargo, dicha plasticidad escandalosa, constante en la conversación que la artista generó en todo el mundo con su segundo álbum de estudio, Born To Die (2012), fue apenas el alarido que despertó la atención hacia su música. Con el correr de los meses y la sobreexplotación de la placa, Lana emergió de la tormenta creada por sí misma para colocarse como una compositora maldecida por el éxito, al más puro estilo de Kurt Cobain (guardando todas las distancias). La fortuna alrededor de Del Rey ayudó a avivar la faceta, hasta entonces desconocida, de una artista solitaria, atormentada por los mismos demonios que de vez en cuando tocan a nuestra puerta: abuso de sustancias o relaciones enfermizas, por mencionar algunos.

“Cuando crecí tenía un grupo de amigos verdaderos e inseparables, éramos muy similares. Fue la primera vez en mi vida —y la última— en que sentí tal amistad, pero a los 14 años de edad fui enviada a un internado, una medida de prevención por toda la mierda que hicimos juntos.

Salíamos con muchachos más grandes, huíamos a fiestas y todo lo que se supone no debes hacer a esa edad.” Así inicia nuestra conversación exclusiva con Lana, con el recuerdo de un tiempo de su vida que quedó muy atrás, pero que sin lugar a dudas marcó su futura carrera: “En el internado me hice amiga de uno de los maestros —él tenía 22 años y yo 15—, fue quien me hizo descubrir a Jeff Buckley, a 2 Pac e incluso a Allen Ginsberg. Para cuando llegué a Nueva York, a los 19 años, intenté encontrar esta amistad perdida con gente de mi edad, pero era demasiado tarde, todos ellos parecían obsesionados con sus carreras, con su “éxito social”, así que me pregunté dónde estaban los músicos dispuestos a sacrificar todo por sus canciones, dispuestos a morir por ellas.”

Tras la digestión de BTD, Del Rey llegó a sentir que ya no había más que decir al mundo, que su mensaje había sido entregado. Pero poco tiempo después la inspiración volvió y con ella la promesa de un disco más oscuro que su predecesor; así nacieron los primeros esbozos de Ultraviolence (2014). Con nombres como los de Paul Epworth (Adele, Florence + The Machine, Coldplay), Greg Kurstin (Foster The People, Lily Allen, Lykke Li) y Rick Nowels (Ellie Goulding, Santigold, Madonna) en la fórmula de Lana, llama la atención que sea Dan Auerbach quien se haga notar en esta oportunidad.

Para la cantante lo anterior tiene todo el sentido: “Puede ser muy callado un

día y acelerado el siguiente”, menciona respecto a Auerbach, “pero entre nosotros todo fue algo muy natural, nos divertimos muchísimo. Es un verdadero apasionado con dogmas muy fuertes, se rehúsa a hacer ciertas cosas.

Esto nos acercó más. Inicialmente, mi álbum y el de The Black Keys debieron salir el mismo día, el 1º de mayo, pero después de cuatro semanas de estar grabando el mío, él estaba tan involucrado que, de algún modo, imaginó que era su álbum, incluso empezó a influenciar su trabajo con su banda, empezó de nuevo las cosas en su propio disco porque ya no le parecía lo suficientemente bueno.” Pero, ¿cuál fue el veredicto final del músico respecto a Ultraviolence? La respuesta es sólida: “¡Adora mi álbum!”, y recalca sin titubear: “Me llamaba muy tarde por la noche, después del estudio, para decirme ‘No sé si estoy loco, pero siento como que estamos haciendo un gran álbum.’

Sólo quería asegurarse de que compartiera su entusiasmo.”

La inclusión del líder de The Black Keys en los engranes de Ultraviolence no sólo es notoria sonoramente, al preguntarle si cree que el guitarrista trajo a la vida una parte de ella que no conocíamos, no puede esconder su emoción al respecto: “Dan es bastante técnico, concreto, pero es necesario, porque yo estoy más del lado de la imaginación. Por ejemplo, le dije que quería que el álbum sugiriera la idea de las llamas, pero la parte azul —la más caliente— y hablé con él sobre el azul eléctrico con reflejos rojos. Así que en el transcurso de la grabación descubrí que las palabras son mi oficio, aunque en realidad siempre ha sido así, yo decido sobre los títulos de las canciones incluso antes de que sean escritos, como en ‘Old Money’ o ‘Cruel World’. En ambos casos dichas palabras ni siquiera aparecen a lo largo de las canciones.”

Aún así, la artista recuerda que durante la grabación de un proyecto tan intenso como Ultraviolence no todo fue goce: “El placer empieza y termina con la grabación del álbum. Pero también aparece el dolor.” Tras una pequeña pausa retoma el relato: ”Estoy extremadamente involucrada en cada fase del álbum, en la mezcla, en la masterización. No dejo el tablero de mezcla hasta el momento en que entregamos las cintas, ahí llega la tristeza. Entonces empieza la gira, dolorosa, o la promoción, siempre difícil.” Lana no es precisamente reconocida por llevar una buena relación con la prensa, así que vamos directo al grano: ¿Por qué esta incompatibilidad? Tras un respiro, las palabras vuelven al espacio y despejan las dudas: “No es algo que sólo pase con la prensa, en general siento que tengo que justificarme o defenderme, pero cuando hago una pausa y pienso las cosas me doy cuenta que mi música es lo suficientemente buena como para no tener que hacer eso. No lo sé, es raro, en el fondo preferiría permanecer en silencio.”

“‘CRUEL WORLD’ DECIDIÓ TODO. AL PRINCIPIO HAY ALGO MINIMALISTA, UNA SIMPLICIDAD QUE SE REPITE. DESPUÉS LLEGAN LOS COROS, CON SUS GRANDES TAMBORES, SU DESORDEN ELÉCTRICO. ESTA MEZCLA ENTRE NORMALIDAD Y CAOS ES MUY SIMBÓLICA DE LO QUE HA ESTADO PASANDO EN MI VIDA.”

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“QUIZÁ NO TENGA SUERTE ALGUNA EN MI VIDA DIARIA PERO EN EL ESTUDIO, DE AHORA EN ADELANTE, ME SIENTO AFORTUNADA, SIENTO QUE SIEMPRE ESTARÉ RODEADA DE GENTE BUENA.”

Tras tal declaración, le pregunto qué tanto disfruta que su música sea escuchada en todo el mundo: “Esto no es sencillo [silencio], la mejor forma de explicarlo es desde el principio. Durante años mi vida tuvo lugar en mi cabeza, nadie sabía nada. Era casi como una vida doble. Me sentía muy afortunada de estar escribiendo canciones sobre las cuales nunca hablé a nadie, porque por un largo tiempo —exceptuando a mi compañera de habitación— nadie las escuchó. En ese entonces tocaba la guitarra muy mal, picoteando [tararea emulando una guitarra]. Pero la primera vez que escuché a Cat Power me sentí aliviada, porque ella tocaba similar al principio de su carrera, muy simple. Entonces la música se apoderó de mí, literalmente, había un encanto verdadero. Canciones enteras, compuestas y arregladas corriendo de mi pluma a mi cuaderno, sabía que ‘eso’ estaba en mí.”

Entonces continúa con el pequeño relato: “Cuando tenía 20 años me decidí a seguir respondiendo a este llamado, pasara lo que pasara.

Sé que suena extraño, pero yo era fan de mi música y al principio traté de luchar en contra de ello, porque estaba aterrada de cómo me veían los demás, estaba segura de que pensaban que no me lo mere-

cía. Desde entonces he hablado con un montón de músicos y muchos han sentido la misma inquietud. A veces la música es tan personal que estamos inevitablemente asustados por el rechazo. Pero para responder a tu pregunta, yo habría sido feliz con sólo ser cantante de coro, aunque disfruto que mi música llegue a tantos lados.”

El tiempo para conversar llega a su fin y aún hay tanto de qué hablar, pues es un hecho que la historia melancólica detrás de una diva en el pico de su carrera genera mucha curiosidad. Al final, aprovecho los últimos momentos para hablar respecto a las enseñanzas que grabar un disco como Ultraviolence le ha dejado: “Para ser sincera nunca había trabajado así. Fue la primera vez que conocía a gente tan creativa en un estudio. Ahora también puedo aislarme para experimentar sin esfuerzo, hay un universo vasto dentro de mi cabeza donde voy a encontrar refugio. Quizá no tenga suerte alguna en mi vida diaria pero en el estudio, de ahora en adelante, me siento afortunada, siento que siempre estaré rodeada de gente buena. El simple hecho de que un tipo como Dan Auerbach esté interesado en mí, significa mucho para mi confianza.”

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WHAT ELSE?

REVIEWS

TROUBLE IN PARADISE La Roux Universal Music México

Es difícil pensar en un género como el synthpop sin sentirnos nostálgicos, o al menos sin tener que retroceder en el tiempo a los ochenta hasta encontrarnos con proyectos como Depeche Mode, OMD o The Human League. Sin embargo, La Roux, la dupla conformada por Elly Jackson y Ben Langmaid llevó al mencionado género a un lugar diferente en 2009, de la mano de su debut homónimo. Con las bases bien establecidas (sintetizadores como arma y melodías pegajosas y altamente digeribles) más una pisca de actualidad, La Roux llegó a los escenarios más importantes del planeta. Temas como ‘In For The Kill’ o ‘Bulletproof’ se convirtieron en cortes indispensables de ese verano y de paso quedaron grabados en la memoria colectiva como testigos de un gran debut sonoro, como hay tantos en esta industria.

Hoy, prácticamente cinco años después de que ese proyectil sintetizado atacara a

escuchas ansiosos de mover los pies nos encontramos con Trouble In Paradise, una placa que se mantiene fiel a los principios musicales de La Roux, pero con serias variaciones que nos entregan un álbum menos digerible que su predecesor, pero sin duda, interesante. Lo anterior es sencillo de entender si tomamos en cuenta que Jackson se enfrentó a varios obstáculos a superar durante el periodo de grabación, por ejemplo: superar la ansiedad causada por el extenso tour promocional de su debut, una contracción parcial, pasiva y continua de los músculos de la garganta y la más significativa, diferencias creativas con Langmaid que llevaron a este último a abandonar el proyecto, en palabras de la propia Elly: “No estaba feliz con el sonido de algunos de los demos… digamos que tampoco había mucha comprensión”.

El resultado es un álbum inundado de synthpop, pero embellecido de momentos funk, atmósferas soul, y algo de disco en su expresión más sutil. Las melodías que la voz de Jackson enfrenta son menos asimilables que las que encontrábamos en su debut, sin embargo se ven apoyadas por letras con más sustancia y en general, aunque la velocidad del álbum es considerablemente menor que la de su antecesor, compensa la falta de dinamismo con momentos más orgánicos y de estructuras más complejas en estructura y arreglos. Al final, Elly Jackson pasa satisfactoriamente la prueba de lanzar un disco completamente por su cuenta y Trouble In Paradise se convierte en ese puente entre lo que creíamos era La Roux y lo que terminará siendo. Así, el futuro del proyecto se convierte en una deliciosa interrogante que morimos por descifrar. -Diovanny Garfias

8.4

REVIEWS

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TIME IS OVER ONE DAY OLD

L’AVENTURA

Bear in Heaven

Sébastien Tellier

Arts & Crafts México

Record Makers

Una de las características más destacadas de la banda conformada por Jon Philpot, Adam Wills y su nuevo baterista Jason Nazary, es la esencia diferente y única que le imprimen a cada uno de los álbumes que lanzan. En esta ocasión, Bear In Heaven regresa para presentar su cuarto disco titulado Time Is Over One Day Old, dejando atrás aquellas capas innecesarias envueltas en su sonido, teniendo como consecuencia un sonido más dinámico, fresco y ágil en varias de sus canciones, generando así un puente entre el pop y la electrónica. Los temas dirigidos para hacerle frente a la pista de baile resaltan por su gran ritmo, acompañados por la versatilidad del vocalista, riffs cíclicos y percusiones empalmadas claras en ‘Demon’, ‘Autumn’, ‘Way Off’ y ‘If I Were To Lie’. No todo es invariable, también tiene sus altibajos. Tracks como ‘Memory Heart’, ‘They Dream’ y ‘Dissolve The Walls’ muestran las partes suaves y románticas de esta placa. En general, este trabajo termina creando una buena impresión, gracias a la ruptura de sus viejos pensamientos y formas, tanto como la redefinición y afinación de su música, llevando a la banda a realizar lo mejor que saben hacer. - Por Eduardo Martínez

7.2

Tellier es placer de pocos, francamente. Su fantochería y seguridad en el escenario es apreciada con dificultad, su parquedad refinada y constante repetición lo han llevado a ser sólo un dandy ebrio que despierta la entrega total de unos cuantos. El heredero putativo de Serge Gainsbourg se ha venido enfilando a un culto más bien modesto, pero un gran artista ha sido desde el inicio; creadores como Tony Allen, Air o Pamelia Kurstin lo saben. L’Aventura, octavo disco en su carrera e inmediato sucesor de Confection (2013), si no es el mejor de sus trabajos, es bien un fuertísimo contendiente. Es diferente en varios aspectos pero mantiene toda la vibra elegantemente pop, hiperfrancesa romántica y gozosa que caracteriza a Tellier, un cantante que interpreta temas a corazón abierto pero que difícilmente nos sonaba franco.

L’Aventura es un viaje que de momento levanta el vuelo épico, pero siempre regresa unos metros antes del suelo para ver las cosas de cerca, a color y en todo su esplendor: calipso, rayos de sol, adolescentes que se convierten en adultos posteriormente, amor de carnaval. - Por Ricardo Pineda

7.6

ENGLISH VERSION —

LANA DEL REY PG. 92

LILY ALLEN PG. 94

LANA DEL REY HEY, CRUEL WORLD

By Diovanny Garfias

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Is hard not to think of Lana Del Rey as other piece of machinery in the music industry, as soon as she posed in front of the YouTube’s eye, her perfect profile relegated her art to the background. Her single ‘Video Games’ became just an excuse to admire closely the next media phenomenon of music.

Shortly after that, many bold and ridiculous conspiracy theories came out; however every single one of them had something in common: Del Rey was a perfect product, created by international corporations and delivered for all the millennials.

A new fashion and music icon was born and flock of consumers would die just to get a piece of that, love it, worship it and finally, destroy it.

Nonetheless, that outrageous plasticity, it’s a constant part of the conversation that the artist has generated in the world with her second album Born To Die (2012), and it was barely the crying out loud that directed the attention towards her music. As the months went by, the album was overexploited, and Lana emerged from the storm created by herself as a songwriter cursed by success, like Kurt Cobain (keeping the distances between them), the good fortune around Del Rey helped to bring back to life her role, until then unknown, as a solo artist, tormented by the same demons that from time to time knock on our door: substances (perhaps illegal) abuse or sick relationships, just to mention some.

“While I was growing up, I had a group of real and united friends, we were very similar. It was the first time in my life –and the last- when I felt that friendship, but when I was 14, I was sent to a boarding school , a precaution move, because all the crap that we did together, we dated older guys, we escaped to go to parties and everything you’re not supposed to do at that age.” That’s how our exclusive conversation with Lana begins, with a memory from a time of her life that was left behind but without a doubt, marked her future career: “At boarding school I became friend of one of the teachershe was 22 and I was 15- he was the one who made me listen to Jeff Buckley, 2 Pac, or even Allen Ginsberg. By the time I came to New York I was 19, and I tried to find this lost friendship with people who were the same age as I, but it was too late, all of them seemed to be obsessed with their careers, with their “social success”, so I asked myself ‘where are all these musicians who were up to sacrifice everything for their songs, willing to die for them.”

After the digestion of BTD, Del Rey felt like there was nothing else to say to the world, that her message was already delivered. But shortly after, the inspiration came back and with it, the promise of an album, darker than its predecessor, that’s how the first drafts of Ultraviolence (2014) were born. With names like Paul Epworth (Adele, Florence And The Machine, Coldplay), Greg Kurstin (Foster The People, Lily Allen, Lykke Li) and Rick Nowels (Ellie Goulding, Santigold, Madonna), in the Lana’s formula, it comes to the attention that is Dan Auerbach who really stands out on this opportunity. For the singer, all of that makes perfect sense: “he can be very quiet one day, and accelerated the next”, she mentions about Auerbach “But between us everything was very natural, we had a lot of fun.” But, what was the final verdict on Ultraviolence? The answer is solid: “He loves my album” and claims, without hesitation: “He used to call me late at night, after we left the studio just to tell me ‘I don’t know if I’m crazy, but I feel like we’re doing a great album.’ He just wanted to make sure that I was sharing his enthusiasm.”

The inclusion of the Black Keys leader in the machinery of Ultraviolence is not only evident in the sound, when she is asked if she believes that the guitarist brought to life a part of herself that she didn’t even know, she can’t hide her excitement about it: “Dan is pretty technical, focused, but that’s necessary, because I’m more on the imaginative side. For example, I told him that I wanted that the album emerge from the idea of fire, but the blue part – the hotter one-, I talked to him about the electric blue with red reflections.

So, during the recording, I discovered that words are my craft, even if it had always been like that; I have the final word on the titles of the songs, before they are written, like in ‘Old Money’ or ‘Cruel World’. In both situations, those words are not mentioned in the songs.”

Even though, the artist remembers that during the recording of the project as intense as “Ultraviolence” it wasn’t just pure fun: “The pleasure begins and ends with the recording process of the album. But the pain also appears.” After a small break she continues: “I’m extremely involved in every step of the album, in the mix, the mastering.

I don’t leave the mix console until the moment we send the tapes, that’s when the sadness comes.

Then the tour begins, painful, or the promotion, always hard.” Lana is not particularly known for having a good relation with the press, so we get to the point, what’s the reason behind this incompatibility? After a break, words come back and start

clarifying questions: “Is not something that only happens with the press, in general, I feel like I have to justify or defend myself, but when I take a break and think things over, I realize that my music is good enough, so I don’t have to do that. I don’t know, it’s weird, I’d rather just be quiet.”

After that statement, I ask, how much do you like the fact that your music is heard in all the world?: “This is not easy [silence], the best way to explain it is from the beginning. During years of my life, it had a place in my head, no one knew anything. It was almost like a double life. I felt very fortunate to be writing songs that I’ve never talk about with anyone, because for a long time – except for a roommate- no one heard them. Back then I used to play guitar poorly, picking [she emulates the sound of a guitar], but the first time that I heard Cat Power I felt very relieved, because she used to play like that at the beginning of her career, very simple.

Then the music took over me, literally, there was a true enchantment. Full songs, written and arranged running from my pen, to my notebook, I knew that the ‘thing’ was in me.”

She continues with the short story: “When I was 20 I decided to answer that call, whatever happened. I know that it sounds estrange, but I was fan of my music and at the beginning I tried to fight that, because I was terrified of the way that other people looked at me, I was sure that they thought that I didn’t deserved it. Ever since, I’ve talked to a lot of musicians and many have felt the same way. Sometimes music is so personal, that we are hopelessly afraid of rejection. But, to answer your question, I would be happy just if I was a chorus singer, but I enjoy the fact that my music reaches so many places.”

The time for the conversation is coming to its end, there’s so much to talk about, and it’s a fact that the melancholic story behind a diva on the top of her career can generate a lot of curiosity. In the end, I use the last moments to talk about the lessons that recording an album like “Ultraviolence” have left in her: “To be honest, I’ve never worked like that; It was the first time that I met such a creative group of people at a studio. Now I can isolate myself to experiment without effort, there is a vast universe in my head where I find shelter.

Perhaps I will have no luck at all on my daily life, but at the studio, from now on, I feel lucky, I feel like I’ll always be surrounded by good people. The simple fact that a guy like Dan Auerbach is interested in me, means a lot for my confidence.”

LILY ALLEN INSINCERELY YOURS

By Karina Luviรกn

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She’s 29. She has a name that was nearly changed in the pursuit of renovation.

She tells with an interesting story –in more than one sense- and has built an undeniable prestige in the international pop music scene. “When I was younger, I wanted to be a florist, and I was, for a while”, this peculiar artist tells, few minutes before going on stage at the Les Deferlantes Festival, in France. With a joyful voice, consequence of the positive turn that her life has taken, Lily Allen claims: “The music came from out of the blue, and I’m very happy to be here”.

During an exclusive interview for WARP Magazine, this woman remembers the moment when she decided not to stay at the small shop in London, surrounded by flowers, and started imagining herself on a stage, creating music that could reflect her personality, and as a result, make a fuss in the scene during the last decade.

“I’ve always liked to sing. When I did it for the first time, I mean, when I had my first solo gig, it was at school, and that was the moment when I thought: ‘This is what I want to do’.”

Without a restrictive family structure after the divorce of her parents and the turbulences that it implies, Lily developed an untamable freedom in more than one sense, that’s why it wasn’t strange that from the beginning, her songs were full of scandalous statements that could discomfort more than one person; the fact that her debut record had the “Parental Advisory Explicit Content” tag, in fact, tells a lot. But, ¿How could this be explained?: “Actually is an attitude towards life that has worked for me, I don’t think that I have done anything different than other artist do; perhaps, if you have to find something, the only thing that makes me different from others, is that I’m unashamedly honest, I’m not ashamed of my feelings or the way I think, so it’s very easy for me to reflect that in my songs. Sometimes I feel angry, and you can see that in my lyrics, from time to time, I feel in love, and that’s in my music too.”

In that precise moment, it’s important to point out the rhythmic element that worked as a launcher for her ideas, that particular one that was a characteristic of her early work, and it was, basically, a mix between pop, ska and refined reggeae, inherited, perhaps, form the close relationship that she had with the legendary Joe Strummer: “When I’m at the studio, writting something that inspires me, I took alot from what I’m living at that specific period of time, I believe that sometimes that’s exactly what you need to take, that “now”. I don’t write or create music about the past or the future, O do it about what I’m feeling now, about the things that I have a connection with… ¿Does it make sense? [Laughs] In order to achieve that, you need to ignore the opinions, something that the author of songs like ‘Smile’, ‘Fuck You’ and ‘Sheezus’ knows how to do very well. “By making music, I only try to write for me, I don’t pay much attention to other people expectations” proudly claims… and, honestly, she doesn’t have to. Even though, she’s aware of the consequences of her work: “When I do it (create music) I try to be aware of the fact that many of these things in my life can be happening to someone else and can experience the same emotions. If someone feels like me is ok, but it doesn’t concern me.”

Following that trail of thought for her second production, Lily decided to modify her pop sound and took it to a more conventional environment, more mature –just top put it in words-, in which, she felt more comfortable in a

period where she found herself holding hands with Ed Simons (The Chemical Brothers), just to get lost a little later. The miscarriage of her first son, and later, the brake up with Simons, took her to a life of excess again; however, that wouldn’t last for long, after a while, Sam Cooper came into the scene, and everything got better, on a personal level and on the professional as well, to the point where she considered to retire of the music: I felt tired of that kind of routine, I needed time for the new things that were happening in my life.

People who surround me have been always very important to me, so I decided to dedicate some time to them; I’ve even started a business with my sister and founded my own record label. I’m on a privileged position and I like to see people grow creatively.”

By june 2012, the now proud Ms. Cooper, used her twitter account to surprise her fans: “You’ll love to know that I’m at the studio with Greg Kurstin” she twitted , just to complete the idea on the same media: “It’s actually not a big deal, I’m just throwing dirt to the wall, to see if something sticks.” When she is asked about that subject, the British artist declares that it wasn’t easy.

She thinks about it for a few seconds and continues: “It was more a need than a desire. My elder daughter had an infection when she was born and it was a complicated period. When she got better, I needed something for me; I didn’t feel well, staying all day long at home. I’m a creative woman, that’s the way I am, so I missed the feedback from my fans about my music, I missed the adrenaline of the shows… I missed the free clothes and the purses, ¡I did! [Laughs] It was a though choice, but the relationship with my husband is stronger than ever and I have all his support.”

Sheezuz (2014) is the title of the latest and third production by Lily Allen, and if in her love life she has someone who has helped her to grow as an individual, in the professional side she was never alone, and that’s why she decided to work with Greg Kurstin again. “Greg and I make a great team; we’re both creative people who got to know each other and decided to work together. On this record I worked with more than one producer, as I did on the first record, but he has been a constant and I feel very happy to be with him. We have a nice relationship that has grown over the time.”

The promotion of Sheezus has barely began and Lily Allen has a lot to do, in a scene and on a period of life that are not the same than the ones when she left them. How does she feel about it?

“Five years ago, the British scene has been dominated by female artists; now, suddenly, the greatest names in the UK are Paolo Nuttini or Jake Bugg.

So I think is a cycle, and just now we’re going through a big change. Me, as an artist, I feel well, I feel blessed, I’m very fortunate to be in this situation where I can create music and sing it in front of an audience that wants to hear it. It’s wonderful… I’m very fortunate.”

She barely finishes the answer, Lily says goodbye, happy, she runs to the stage, the place that she thinks, shouldn’t have left.

“When I decided to do this, I knew that I wanted to make pop music that was honest.”

“If you come from a dysfunctional family as mine, you try to build something different for your children. I love my husband y, for that reason, I try to stay with my kids as much as I can.”

MIENTRAS TANTO...

POR JESSICA RANGEL 24 DE OCTUBRE 2014 FORO69