WARP Magazine 69

ST. VINCENT Foto: Renata Raksha

La versi贸n primigenia de una artista en construcci贸n nacida en la mente inquieta y vanguardista de Annie Clark, quien comparte con el mundo su cuarta producci贸n, hom贸nima, como muestra perfecta del potencial y talento que posee.

“We don’t often talk about men being in prisoned by gender stereotypes but I can see that they are and when they are free things will change for women as a natural consequence.”

-Emma Watson WARP Magazine Publisher Alejandro Franco Fernández @alejandrofranco | Editor en Jefe Diovanny Garfias @androgyn | Coordinadora Editorial y Correctora de Estilo Karina Luvián @karixluv

Arte y DiGITAL: Dirección de Arte Y DISEÑO Oscar Sámano | Diseño Eduardo Martínez | Editor de Fotografía y Retoque Sergio Gálvez | Fotografía y Retoque Rubén Márquez | Fotógrafo Franccel “El nadie” hernández Editora de Arte y Fashion Chëla Olea @chelaolea | Traducción Raúl “El tigre” Arce @raularceCh

Colaboradores: JAvier cuellar, Alejandro Altamirano, Marcos Hassan, Giorgio brindesi, Natalia montes, carolina ruíz, rodrigo musi, elsa núñez, J. ISMAEL CANALES, ALONSO VALENCIA Comercialización y Publicidad: Dirección de Estrategias Comerciales Paco Sierra paco@warp.com.mx @pacosierra | Coordinación Comercial Alfonso Pretelín Alfonso@sentido.com.mx Publicidad Celia Fernández fernandez@sentido.com.mx

© WARP Marca Registrada ®. Año VI No.69 Fecha de Publicación Septiembre de 2014. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en Compañía Impresora el Universal, S.A. de C.V. / Distribución Nacional e Internacional de INTERMEX. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

HOT HOT HIT

004

Proveniente de una nueva generación de músicos que salieron a la luz gracias a su proyección en Internet, Gabrielle Aplin se ha convertido en una promesa del folk británico. Con tan sólo 22 años, Gabrielle ha visto cómo ese sueño que comenzó con una niña que hacía covers acústicos a bandas como Paramore, de pronto se convirtió en una realidad, al estar tocando frente a miles de personas en Glastonbury. Con influencias que van de Joni Mitchel a Bruce Springsteen, Gabrielle se ha mostrado como compositora a través de tres EPs y ha conseguido consolidarse con English Rain, álbum debut que llegó a los primeros lugares de los charts más importantes de Reino Unido. Una hermosa voz y emotivas letras son las armas fuertes de Gabrielle Aplin, la nueva promesa del folk británico.

WM / 69

PUBLI

006

WM / 69

learning to fly #VasAVolar Por Alejandro Franco

Hoy en día, estar comunicados e informados es importante, pero la rapidez parece ser el verdadero reto. Con las nuevas posibilidades para compartir y consumir contenidos ya no queremos sentir que dependemos de una conexión a Internet, o decir / escuchar frases como: “Está cargando” o “Deja que haga buffering”. Estamos inmersos ya en esa pretensión quizás surrealista de que todo el contenido e información del mundo está a un solo clic de distancia, y cada vez tenemos menos paciencia para acceder al mismo.

WM / 69

007

PUBLI

El pasado 19 y 20 de septiembre tuve la oportunidad de ser invitado y de vivir una experiencia muy especial: el Festival de Aplicaciones #Movistar4GLTE, organizado por Telefónica México a través de la marca Movistar, para presentar su red 4G LTE, con la que garantiza una conexión con velocidad promedio de 20 Mbps, es decir, hasta 10 veces más rápida que la red tradicional 3G, logrando así la mayor velocidad para smartphones en México y, con eso, hacernos olvidar el lento efecto conectarnos a “algo” que además no funciona muy bien.

Justo celebrando la presentación de la red 4G LTE, Movistar organizó esta primera Feria de Aplicaciones, en el Parque México de la colonia Condesa. El evento contó con la participación de especialistas en aplicaciones como Spotify, Netflix, Facebook, Foursquare, YouTube, Vine, Google y Pinterest, con experiencias orgánicas “1.0” que nos recordaron a los asistentes la razón básica de por qué existen: comunicarnos. nuevos, por cierto): Nortec Collective: Bostich + Fussible y Molotov. Los primeros con una exclusiva clínica de producción musical a través de aplicaciones, y los segundos dando un concierto desde las alturas, en una terraza de la zona transmitiendo en vivo a las pantallas del Parque México, a través de la red 4GLTE de Movistar.

Este lanzamiento incluye una nueva oferta comercial enfocada en el servicio de datos (con planes que van desde 0.5 hasta 3 GB), llamadas y SMS sin costo a cualquier compañía, además del servicio musical Spotify Premium incluido, un tema de coyuntura para los que gustamos de escuchar un abanico de posibilidades musicales, interminable, pero siempre con esa sensación de que es tuyo y puedes acceder cuando se te antoje.

La primera fase de este servicio 4GLTE abarcará la Ciudad de México y el Área Metropolitana, asegurando una cobertura garantizada en cualquier sitio de esta zona. Se planea que en los próximos tres años este servicio se extienda a 50 ciudades de la República Mexicana.

Como la música es lo que mejor comunica en este mundo, ocurrieron además, un par de conciertos con dos de las bandas más representativas de la música de nuestro país (ambos con discos

El servicio de red 4G LTE y los nuevos planes de datos ya están disponibles en todos los Centros de Atención a Clientes a nivel nacional. Ahora sí, es momento de olvidarnos de que estamos conectados y de dejar “la rapidez” atrás, porque ya es momento de volar…

#VasAVolar

PROFILE

Gazelle Twin Por Javier Cuellar

008

WM / 69

gazelletwin.com soundcloud.com/gazelletwin

Integrantes: Elizabeth Bernholz Lugar de origen: Brighton, Inglaterra Año de formación: 2010 Influenciada por: Pink Floyd, Kraftwerk, Depeche Mode, Mute, New Order, OMD

Veredicto: Tras sufrir de ansiedad y numerosas fobias, Elizabeth Bernholz obtiene el don para transmitir terror aural, al mismo tiempo que belleza despótica en cada una de sus entregas.

Hablamos de música electrónica experimental embellecida con una producción de avanzada, en la cual las capas sonoras se funden en atmósferas inquietantes e intensas. Quizá la hipersensibilidad a su entorno sea la cualidad que hace de todo su material algo trascendental a lo largo de su carrera. Actualmente promociona su más reciente material de estudio Unflesh (2014).

WM / 69

009

ray-ban

Ray-Ban The Order Of Never Hide Por Alonso Valencia Fotos: Franccel Hernández para WARP

La Orden de Never Hide es una de las organizaciones secretas más antiguas de la sociedad, sin alguna fecha exacta de fundación. Fue creada por Ray-Ban como un movimiento de humanos para humanos, en donde la individualidad, la excentricidad y la capacidad de reírse de sí mismo son parte esencial de una ideología, misma que sirve para no esconderse nunca y no tomarle importancia a lo que piensen los demás.

que se atreven a cambiar el mundo sin ocultarse.

Never Hide ha desempeñado un papel esencial en la historia a través de los tiempos.

Desde el indio iroqués que inventó la cresta mohawk, hasta Georges Seurat y su retrato impresionista del primer hombre que vistió pantalones de cowboy con las nalgas al aire, sin dejar de lado a todos y cada uno de los

Ray-Ban celebró una fiesta privada como parte de la Orden Never Hide en México, ambientada por Ruido Rosa y Miró en la cual los participantes tenían la oportunidad de unirse a la Orden, mediante una serie de pruebas como dejarse una cresta mohawk al mero estilo del indio iroqués que era parte de esta secta.

Después de una secrecía de siglos y siglos, la Orden por fin ha salido a la luz para inspirar a los demás a hacer algo creativo, dejarse de selfies y fotos de comida, y dejar de burlarse de los demás por un bien propio; es hora de demostrar que todos tienen una razón por la cual vivir y asumir todas las pruebas Never Hide.

Otros desafíos de la orden constan de poder mezclarse como el camuflaje, ser resistente como el cuero, suave como el terciopelo, fuerte como el titanio y rudo como la mezclilla, publicando fotos tuyas en paños menores, hablando de manera fluida con una persona atractiva, mirando a los ojos a lo desconocido o simplemente desnudando tus secretos más íntimos.

Este es el momento para demostrar que mereces ser parte de Never Hide y que cuentas con lo suficiente para llegar al nivel Virtuoso. RayBan te invita a salir del anonimato, desaparecer el pudor y ser capaz de patinar en mallas de lycra mientras silbas ‘La Cucaracha’, sin importar lo que los demás digan.

Nunca te escondas.

QUICKIE

010

WM / 69

Cecilia Suárez Por Diovanny Garfias

Foto: Sergio Gálvez para WARP

En tu opinión, ¿cuál es la salud actual del cine nacional en comparación con la época en que se estrenó Todo El Poder (2000)?

Creo que sin duda es otro momento, todavía nos hacen falta muchas cosas. Es buena tu pregunta, siento que sin duda se han abierto otras posibilidades, más por necesidad que por la existencia de una estructura clara sobre el quehacer cinematográfico, aunque sigue siendo una labor titánica.

Sin duda nos hacen falta muchas cosas, pero lo principal es el público, y esto se debe a los mismos temas que desde entonces venimos arrastrando, que tienen que ver con la exhibición y la distribución. ¿Cómo crees que la industria del cine mexicano ha sorteado estas carencias de las que hablas? ¿Dirías que con creatividad?

Con creatividad, tenacidad, necedad, y ahí te puedes seguir.

Creo que las han ido sorteando porque siguen estando ahí, no es que las hayan logrado vencer o transformar —que es lo trágico—, simplemente han aprendido a sortearlas. Sigue siendo una labor de necios el levantar una película, llevarla a cabo y mucho más meterla en las salas. ¿Qué opinión te merece una iniciativa como la del Premio Iberoamericano de Cine Fénix en donde la iniciativa privada y el gobierno apoyan y empujan al cine?

Me parece extraordinario, yo creo que es parte de lo que un Estado debe hacer, es parte de su responsabilidad y qué maravilla que se hayan sumado a este esfuerzo tan importante, tan largamente deseado y necesitado por todos estos países y por nuestro país, por supuesto.

“ sin duda se han abierto otras posibilidades, más por necesidad que por la existencia de una estructura clara sobre el quehacer cinematográfico”

MOONAGE DAYDREAM Fotografía: Dan Crosby

Modelo: Theresa @PARAGON Styling: Carlos Ruiz Manjarrez MU: Chëla Olea

WM / 69

013

FASHION NUGGET

Vestido: Al Saints Abrigo y collar: H&M

FASHION NUGGET

014

Vestido: Al Saints Abrigo y collar: H&M

WM / 69

Top: H&M

WM / 69

Vestido y sombrero: American Apparel Capa: Unif Pulsera: Manii Malai

015

FASHION NUGGET

Top: H&M Falda: All Saints Botas: Acne Collar: TopShop

WM / 69

018

FASHION NUGGET

Top: H&M Falda: All Saints Botas: Acne Collar: TopShop

insert

Es inevitable no adoptar el sosiego producido por los ecos sonoros que Joy Division creó allá, a finales de los setenta, sin importar el estado de ánimo en el que nuestras almas vivan. La voz del ahora ausente Ian Curtis, las percusiones de Stephen Morris, la guitarra de Bernard Sumner y, claro, las hipnotizantes y cadenciosas líneas de bajo de Peter Hook resultan el pretexto perfecto para dotar a nuestro ser de apenas una chispa de luz cuando estamos inmersos en la más fría oscuridad.

Para honrar su historia musical con Joy Division y pagar tributo a dos de los álbumes más importantes en la historia de la música, Unknown Pleasures (1979) y Closer (1980) , Hook y su banda, The Light (en la cual comparte escenario con su hijo, Jack Bates, y con David Potts, su compañero en Monaco) visitarán la Ciudad de México en noviembre. Un placer para nosotros platicar con una leyenda como Peter, uno de esos personajes que ayudaron a erigir la música tal y como la conocemos. ¿Cómo decides formar The Light y salir de gira para tocar los álbumes de Joy Division y los éxitos de New Order?

Todo comenzó en 2010, a 30 años de la muerte de Ian Curtis. Quería celebrar su vida y obra. Me decidí a reunir una banda y tocamos Unknown Pleasures en vivo, por Ian. Se suponía que sería sólo un show, pero se agotó muy rápido, así que agregamos una segunda noche, ambas en Manchester. Inmediatamente fuimos invitados a tocar el set alrededor del mundo —Australia, Nueva Zelanda, Europa, Norte América, Sudamérica…—; ha sido un viaje increíble. Estoy muy feliz de poder llevar la música de Joy Division a lugares a los que la banda nunca pudo llegar.

Sé que no es lo original, pero estamos muy apasionados con nuestra interpretación en vivo e intentamos hacerlo tan auténtico como pueda ser. Se sintió muy natural movernos a la era de New Order y tocar los primeros dos álbumes. Comenzaremos a tocar el tercero y cuarto disco, Low Life y Brotherhood, en vivo, por primera vez, después de añadir ese show al tour. ¿Cómo te sientes al tocar estas canciones de una era diferente y al mismo tiempo compartir el escenario con tu hijo Jack?

Estoy muy feliz de poder compartir el escenario con él. Ha sido escalofriante en algunas ocasiones, porque tiene la misma edad que yo cuando estábamos escribiendo estos discos. Es grandioso poder traer todas estas canciones de regreso, después de tantos años de no ser tocadas, y poder hacerlo con mi hijo en la banda, es realmente perfecto para mí.

020

¿Qué nos puedes decir acerca de la escena musical de Manchester en la segunda mitad de los años setenta? ¿Crees que existió un elemento que ayudó a darle forma al sonido melancólico de bandas como The Cure, Echo & The Bunnymen, Bauhaus y, claro, Joy Division?

Manchester en aquella época era un lugar muy diferente al de ahora. Definitivamente pienso que la atmósfera de la ciudad en esos tiempos ayudó a darle forma a la música que provenía de ahí. Lo mismo aplica para Liverpool con Echo & The Bunnymen. Había mucha música fantástica creada en Reino Unido en esa época, y todas las bandas se influenciaban e inspiraban unas a otras, lo que era grandioso. También había una rivalidad amistosa que existía entre todas las bandas, que te inspiraba a escribir mejores canciones en cada ocasión. ¿Qué te mueve a seguir compartiendo la música de una banda tan influyente como Joy Division? ¿Lo consideras un deber importante para ti?

Lo que más me mueve es poder ir a un lugar muy alejado de Manchester como la Ciudad de México, por ejemplo, tocar los álbumes de Joy Division —como ocurrirá en noviembre—, mirar a la audiencia y ver mucha, mucha gente joven. Esto es increíble para mí, porque esta música fue escrita antes de que ellos nacieran y aun así la encuentran ahora y los inspira. Como músico, eso es lo mejor que podrías haber pedido. ¿Estás consciente de tu importancia como músico y las contribuciones que has hecho a la música como la conocemos en la actualidad?

Estoy al tanto del legado de Joy Division y New Order y estoy muy orgulloso de ello. Siempre es bueno escuchar a otras bandas diciendo que fuiste una influencia en su trabajo, justo como Sex Pistols y The Clash fueron una influencia para mí cuando era joven.

Pasaste bastante tiempo de gira con The Light y sabemos que eres muy inquieto. ¿Es posible que estás trabajando en nueva música con David Potts? ¿Podemos esperar el renacimiento de Monaco?

Monaco fue un tiempo muy divertido en mi vida, hicimos dos discos muy buenos. Ahora David toca la guitarra conmigo en The Light y estoy muy contento de poder compartir escenario con él, nuevamente. En un futuro… quién sabe, tenemos muchas ideas para un nuevo material y ojalá podamos lanzar algo, pero por el momento estamos muy ocupados con la gira, así que es complicado.

WM / 69

Peter Hook & The Light Under The Stars

Por Astrid Garfias

ART BRUT

022

WM / 69

Stefan Sagmeister The Happy Show

Por Eduardo Martínez

Fotos: Cortesía Sagmeister & Walsh

A principio de los noventa, una joven promesa del diseño gráfico proveniente de Bregenz, Austria, desató la atención de varias marcas y personalidades de la década alrededor del mundo; la revista Colors, del grupo Benetton, y Leo Burnett, quien lo llevó a trabajar a Hong Kong, fueron algunos de ellos. Su visión y perspectiva lo impulsaron para abrir su propio estudio en la ciudad de Nueva York. Su complicidad con la música ha destacado de manera espectacular, ganando dos Grammy: el primero por la portada del boxset Once In A Lifetime (2005), de The Talking Heads, y el segundo por el arte de Everything That Happens Will Happen Today (2010), de David Byrne y Brian Eno, además de haber trabajado con The Rolling Stones, Lou Reed, entre otros.

024

WM / 69

Fotos: Franccel Hernández

ART BRUT

Escribir sobre toda la trayectoria de quien ahora es uno de los diseñadores más prestigiosos podría tomarnos varias cuartillas. Stefan Sagmeister, creador de Sagmeister Inc. y socio de Jessica Walsh desde 2010, conversó con WARP Magazine en el marco del festival OFFF 2014, en la Ciudad de México.

Stefan Sagmeister es un nombre que suele aparecer junto a los más grandes diseñadores de la historia —Milton Glaser, David Carson o Neville Brody—, ¿consideras estas comparaciones justificadas? ¿Cuál crees que es tu aporte histórico al diseño gráfico?

Es satisfactorio tener el reconocimiento de mis colegas, es muy placentero. Tratamos de no diseñar para otros diseñadores, trabajamos e innovamos para las audiencias, ya que ultimadamente entrar a ese espacio donde

creas para los diseñadores se puede convertir en algo menos compartible y muy formalizado.

En estos momentos el arte contemporáneo se fue en esa dirección y hay muchas partes que no son tan interesantes para mí. En general, estoy muy contento con mi trabajo, y no creo ser la persona indicada para responderte sobre mi contribución hacia la materia, esa pregunta es para otra persona que tenga un enfoque diferente sobre mí y mis trabajos.

Algo que siempre ha caracterizado a tu trabajo es la controversia que genera a su alrededor, desde aquel famoso cartel para AIGA Detroit, de 1999, hasta The Happy Show. ¿Cuáles son las reacciones que buscas provocar con tu trabajo?

Nos gusta crear trabajos que conmuevan a la gente. Hay muchos pedazos esponjosos que dejan

a la audiencia fría, con los cuales no generaríamos un público, ya que a veces sorprender puede ser la dirección correcta, especialmente cuando ya tienes creada esa audiencia. También podemos atraer la atención de la gente por un breve tiempo, pero eso nos puede llevar al lado incorrecto.

El programa que mencionas se encuentra viajando por el mundo, no tiene tantos elementos sorpresa porque es una exhibición. Al obtener la atención de las masas, ellos mismos decidirán qué eso es lo que quieren ver, considerando que los museos donde se muestra el show no son los que normalmente van a visitar cuando van de viaje como turistas, así realmente tendremos su atención sin necesidad de forzar la comunicación para obtenerla, porque en realidad ya la tenemos.

ART BRUT

Buena parte de tu trabajo está relacionada con la música, algunos de los más reconocidos provienen de ese mundo —proyectos con Lou Reed, David Byrne o The Rolling Stones—. ¿Por qué te resulta atractivo trabajar en ese ámbito? ¿Qué relación encuentras entre la música y el trabajo visual?

Siempre he estado celoso de la música, ya que logra tomar la dirección correcta hacia el corazón del escucha. De todas las artes, la música es la más excitable y puede crear la máxima cantidad de emoción. Estoy rotundamente tocado por ella, aún más que cualquier otra forma de expresión.

Por supuesto que hay una relación, cuando abrimos el estudio originalmente tuvo un subtítulo que decía: “Diseñador para la música”, pensando que la combinación de estas dos sería muy agradable y jugoso. Y tenía razón, la primera parte del estudio, exclusivamente los primeros siete años, nos concentramos mucho en la música, después encontré que hay muchísimas cosas en la vida que, a pesar de ser grandiosas, con tanta repetición lo dejan de ser.

026

¿Crees que existe un estilo de diseño propio de países o regiones? ¿Reconoces algún estilo de diseño mexicano?

La última vez que realmente pude decir: “Esto se vio muy mexicano”, fue en los sesenta y setenta, cuando había mucha cultura post-mexicana.

Hoy en día es muy difícil ver un diseño mexicano puro, como de la misma forma es difícil distinguir uno austriaco, pero en algún momento esto cambiará. Nosotros como seres humanos tenemos un interés en que el mundo se vea igual por cualquier lugar al que vayamos. He visto nuevos diseños locales surgiendo en varios países, hay uno excelente sucediendo en Hong Kong. No estoy hablando simplemente de tomar un diseño viejo, caras nuevas y usarlas, creo que tiene que ser más sofisticado que eso. Para los diseñadores mexicanos, su Santo Grial será crear un lenguaje formado para vivir a partir de este 2014 en adelante, al mismo tiempo deberán incorporar una visión rica de su vocabulario surgido de diferentes regiones. El reproducir lo que sucede en Londres, Nueva York o Tokio será, ultimadamente, un engaño, ya que eso no es lo que el público local busca.

TASTE THIS!

028

TASTE THIS!

tori tori cocina Japonesa Fotos: Sergio Gรกlvez para WARP

WM / 69

Shabu Shabu

TemĂ­stocles 61, Polanco, MĂŠxico, D.F. tori-tori.com.mx facebook.com/toritorimexico @ToriToriMexico

Sashimi

Maduro Tartar

QUICKIE

032

Caribou Daniel Snaith

Por J. Ismael Canales Foto: Thomas Neukum

“ En el pasado hacía música para mí mismo y había sido muy egoísta.

OUR LOVE fue mucho más sobre conectar con otra gente de diferentes maneras. ”

WM / 69

¿Cómo fue el proceso de grabación de Our Love, tu nuevo álbum?

Fue muy similar a los anteriores, lo grabé todo en casa, en un estudio en el sótano. Me tomó año y medio trabajar en el disco, al igual que en los otros que he hecho, pero en este fue diferente porque pasó mucho tiempo desde la salida de Swim (2010). Muchas cosas explotaron en términos de shows —como salir de gira con Radiohead o visitar México—, además de tener una hija, el álbum bajo mi seudónimo Dephi… todo ha sido absolutamente divertido. Me tomó dos años y medio pensar en un nuevo álbum de Caribou y aun así siento que ese periodo pasó muy rápido. ¿Cómo describirías este disco y cuáles son tus canciones favoritas?

En el pasado hacía música para mí mismo y había sido muy egoísta. Este álbum fue mucho más sobre conectar con otra gente de diferentes maneras, de vincularme con las personas, puse más de mí personalmente para sentir que era algo genuino, que me estaba comunicando con la gente.

Creo que las canciones son muy personales para mí y probablemente distintas para alguien más, pero mis favoritas son ‘Silver’ y ‘Second Chance’. ‘Silver’ es la que mejor empata emocionalmente la música y la letra, es mi favorita, Owen Pallet trabajó en ella, fue un gran gusto trabajar con él. Lo mismo pasó con ‘Second Chance’, donde Jessy Lanza coescribió y cantó, mucho sobre mi emoción proviene de mi amistad con ella.

Comenzaste tu carrera hace 13 años. Musicalmente hablando, ¿qué tanto has cambiado en este tiempo?

Me volví más seguro de lo que quería hacer, de mi sonido… no sé, la música es algo gracioso. A veces tengo la sensación de que estoy aprendiendo bastante y en otras ocasiones, al empezar a hacer las maquetas de un nuevo álbum, casi siento que tengo que volver al inicio.

A veces tengo ese sentimiento de duda y me digo: “Debería ser capaz de hacer esto”, pero es un reto y algo desconocido; como la primera vez, es emocionante siempre.

033

Apple suena a…

¿adulto contemporáneo?

Por Julián Woodside / @julianwoodside Foto: Paolo Pellegrin —

Recientemente Apple dio a conocer que los más de 500 millones de usuarios de iTunes verían “descargado” en sus cuentas el nuevo disco de U2, Songs of Innocence. Esto ha sido algo sin precedentes, pues nunca antes se había hecho llegar a tanta gente un disco el día de su lanzamiento. Sin embargo, tras la noticia no tardaron en salir críticos que consideraron el hecho como una afrenta a su privacidad y “buen gusto”. El descontento fue tal, afirman algunos, que al poco tiempo Apple anunció una herramienta para desactivar dicha “descarga” (uso comillas pues el disco sólo se activó en la cuenta de los usuarios, dando libertad de descarga a cada uno), además de que Apple aclaró que la descarga estaría disponible gratuitamente sólo hasta el 13 de octubre.

Hablamos de 500 millones de posibles copias del disco, 10 veces más que las de Thriller, de Michael Jackson, el álbum más vendido en la historia. Ante esto, hace ruido pensar en el fuerte rechazo que generó entre algunos, como si recibir música gratuita junto con un producto fuera algo nuevo y, sobre todo, una invasión a la privacidad (recordemos la presencia de la canción ‘Like Humans Do’, de David Byrne, en cada copia de Windows XP; del millón de copias gratuitas de Telephantasm, de Soundgarden, en el juego Guitar Hero: Warriors of Rock; de las millones de copias “regaladas” con la compra de periódicos o boletos de conciertos por parte de Prince, etcétera).

fuertemente ligada a Apple (recordemos la publicidad de 2004 con la canción ‘Vertigo’ y el modelo “U2” del iPod 5ª generación).

Pero más allá de “construir sobre la marca”, los números hacen de ésta la banda más indicada para una estrategia global: Su gira 360º ha sido la más exitosa en la historia, más de siete millones de personas acudieron a sus conciertos, la transmisión en vivo de su show en el Rose Bowl contó con más de 10 millones de espectadores vía YouTube y un largo etcétera. Por esta razón, mientras algunos cuantos dicen “¿U2 qué?”, millones de personas en el mundo dirán “¡Woohoo, un disco gratis de U2!”.

¿Fue atinado usar a U2 en esta promoción? Seguro algunos han pensado en otros nombres “idóneos” para regalar un disco, no obstante, una regla básica de sonic branding es la de construir sobre la identidad sonora de una marca, y U2 es una banda

Según el periódico español ABC, Apple se ha vuelto muy prudente sin Steve Jobs, y pareciera que promover a U2 confirmara esto.

Pero, ¿por qué no simplemente dejarlo pasar?

Seguro a muchos les es irrelevante esta descarga, el problema es que más allá de que

BIO: Julián Woodside es Académico y Periodista enfocado en cine, música, memoria cultural e historia.

para algunos U2 se ha vuelto LA banda que “tienen” que odiar, pareciera que detrás de estas críticas hay una generación decepcionada porque la marca con la que crecieron está envejeciendo, y ellos junto con ella. ¿Cuál es el problema? Que no se puede reclamar a la marca que “ya no es tan cool”, pues sería autocrítica, pero sin duda “todo mundo odia a la banda liderada por Bono, ¿no?”. No. Más allá del tema de la imposición, que no es algo nuevo, la marca que alguna vez vendió la idea de “pensar diferente” lo ha dejado de hacer, pues consumir productos Apple pareciera una obligación más que una decisión. No importa que vulneren la seguridad de sus usuarios, que los costos de sus productos sean injustificados, que limiten múltiples experiencias a partir de las restricciones de sus sistemas operativos o que la obsolescencia planificada de sus productos sea muy agresiva: Cuando regalan un disco de U2 la cosa se vuelve personal.

kurimanzutto Fotos: Juan Pablo de la Vega

Elegida como la galería de arte número 20 de entre las 100 mejores del mundo por la revista Flash Art.

Fue fundada en 1999 por José Kuri, Mónica Manzutto y Gabriel Orozco, con colaboración de varios artistas, convirtiéndose en un referente ineludible dentro del arte contemporáneo. Su prestigio inició tras años de creer en sus artistas, de probar con espacios y plataformas e innovar, al apostar por artistas que no sólo eran novedosos sino que traían consigo un discurso sólido y distintivo que se despegaba del resto del arte que se hacía en el país.

Una construcción de mil metros cuadrados, proyectada por el arquitecto Alberto Kalach, en la colonia San Miguel Chapultepec, fue primero una antigua maderería construida en 1949, después una fábrica de pasteles, para ser restaurada y acondicionada posteriormente como espacio de exposiciones, oficinas y bodegas de esta gran galería.

WM / 69

035

from this position

from this position

036

WM / 69

BOmm Bogotá Music Market 2014 Por Paco Sierra

Foto: Francisco “El Conserje” Contreras La Sabrosura Dura

Purple Zippers

Sinfónica de Colombia

Estas francas palabras, a continuación, son las de un mexicano que se vio gratamente sorprendido no sólo por la riqueza musical colombiana sino por la unión de todos los engranes de una compleja industria, que ya aspiramos a tener por lo menos en México.

Invitado por Invest in Bogotá y la Cámara de Comercio de Bogotá, asistí hace unos días al BOmm 2014 —Bogotá Music Market— en la capital colombiana. Formar parte de este evento fue revelador, pues no sólo se trata de algunos showcases sino que tiene una mayor profundidad, siendo claro reflejo del contexto actual de la música en la que ha sido llamada por la UNESCO como la Ciudad de la Música.

FatsO

El BOmm es una plataforma de promoción y un espacio de networking para realizar acuerdos, alianzas y negocios alrededor de la industria de la música. Durante dos días, músicos locales, compositores, productores, agencias, empresarios, marcas, disqueras y editoras convivieron con compradores, medios e importantes personajes internacionales para que, en un ambiente de negocios e intercambio cultural, nos relacionáramos.

Jose de la Barra (Lollapal)

En el primer día se incluyeron pláticas con Eric Beall y Matheu Leroux, una keynote de

Totó la Momposina, showcases de bandas como Purple Zippers, FatsO, La Sabrosura Dura y hasta la Sinfónica de Colombia, además de un atinado tributo a Gustavo Cerati por parte de Diamante Eléctrico. La convocatoria del BOmm tuvo tanto eco que más de 700 bandas se inscribieron, pero sólo unas cuantas fueron seleccionadas para tocar. El segundo día fue para citas de negocios entre todos los participantes, una forma eficaz y directa de poner en contacto a bandas locales con compradores internacionales como Fuji Rock (Japón), Glastonbury (Inglaterra), Lollapalooza (Chile), OCESA (México) y muchos otros.

De toda la experiencia, me quedo con la impresión de Bogotá como una ciudad global, cosmopolita, diversa y sobre todo incluyente en todas sus dinámicas socioculturales., con el BOmm como ventana para revelar una parte de su gran riqueza y demostrar que su industria musical tiene una misión en común: El desarrollo y crecimiento del talento local para lograr ser una potencia en Latinoamérica y el mundo.

Además de muchos nuevos amigos, rescato el entusiasmo con el que los bogotanos presumen sus raíces y promueven su cultura. ¡Enhorabuena por este interesante proyecto!

Other People’s Songs Por Giorgio Brindesi

WM / 69

039

insert

“Siento que cuando canto es como si fuera una flama en el escenario y sólo quiero que la gente se conecte con la energía del significado de la canción, como una conexión espiritual entre nosotros.”

-Andy Bell

El dúo británico Erasure, formado en 1985 por Vince Clarke (cofundador de Depeche Mode, Yazoo y The Assembly) y el vocalista Andy Bell, se ha mantenido a lo largo de los años como uno de los proyectos más representativos de la escena synth-pop mundial, éxito que se debe en buena medida a la genialidad de Clarke en los sintetizadores.

Lo mejor de todo es que Erasure continúa en activo, creando discos de un elevado nivel musical, con más de 25 millones de copias vendidas, y un nuevo álbum en este 2014, The Violet Flame, acerca del cual Andy Bell platicó con WARP Magazine.

Después de 30 años creando música juntos, ¿cómo han logrado tener una carrera exitosa y equilibrada?

Somos bastante centrados, no tenemos muchos amigos en la industria y amamos escribir música juntos, tenemos una relación muy diplomática y tratamos de mantener el ego fuera a la hora de trabajar.

Su álbum Wonderland es uno de los discos que ayudó a construir la escena del pop electrónico. ¿Cuál es tu perspectiva de este disco a 30 años de su lanzamiento?

Para ser honesto no he escuchado Wonderland desde hace mucho tiempo, pero aún amo ‘Who Needs Love Like That’, es asombrosa, y algunas de las otras canciones como ‘Oh L’amour’, también es increíble. No sé, creo que en la época no fue visto tan de vanguardia, pero ahora que lo escuchas suena algo como electrónica soul; fue un buen álbum clásico para que iniciáramos el viaje de Erasure.

En términos de producción y composición, ¿cuál es la principal diferencia entre The Violet Flame y Tomorrow’s World?

La principal diferencia es que estábamos más relajados con respecto a la creación, veníamos de escribir nuestro disco Snow Globe, así que no estábamos tan nerviosos. Esta vez, en lugar de componerlo con piano como normalmente lo hacemos, lo hicimos con sintetizador, estuvimos dos semanas escribiéndolo en

Miami y deseábamos hacer un disco dance, era el lugar y el tiempo indicado. Creo que la energía fue muy buena. ¿Dónde encuentras la inspiración para escribir?, algunos músicos la encuentran en la tristeza. ¿Qué opinas al respecto, cuál es tu mejor estado mental para escribir?

Sabes, pareciera que debes tener esa clase de ruptura, como un amor no correspondido, y en realidad este sentimiento es muy idealizado… es como sentir el verdadero amor, el ser humano está apenas acercándose a él. Como escritor siempre deseas eso, es casi como un viaje espiritual y creo que The Violet Flame es muy parecido a esa flama sagrada.

En el estudio de grabación, ¿cómo fue el proceso para la creación de The Violet Flame?

Vince ya había trabajado en algunas ideas para los demos, así que vino a Miami con al menos diez. Nos reunimos una tarde, en mi casa, las escuchamos y yo canté algo encima de ellas.

Después esperé a que él se fuera a su cuarto de hotel y grabé en el iPhone algunas cosas que después le envié por mail. Al día siguiente, él puso las ideas que le parecieron mejor y a partir de eso tratamos de hacer las canciones.

Después regresó a Nueva York y envió la música a Londres, donde yo estaba trabajando con Richard X en las vocales, para finalmente mezclar todo. Creo que el proceso tomó unos dos meses, fue más relajado que Tomorrow’s World.

Hablando de Richard X, es sabido que ya habían trabajado con él. ¿Por qué decidieron hacerlo de nueva cuenta? Él ama la música electrónica y le gusta mantener la integridad del sonido de la banda, además es muy buen escritor, así que colaboró conmigo en las letras y logró imprimirle un giro actual al sonido original.

Sé que el violeta es un color que representa la transmutación y el empezar de nuevo. ¿Esto tiene algo que ver con el título del disco?

Creo que sí. Amo estar en Miami y la atmósfera del color ultravioleta, adoro el sentimiento que me provoca. Imagínate a ti mismo poniendo tus preocupaciones o lo que sea en esa flama y hacer que se vayan… es un símbolo muy poderoso.

Nos dimos cuenta que eres muy emocional cuando cantas, ¿cómo te describirías estando en el escenario?

En el escenario estoy en mi posición más libre y honesta, porque estoy cantando y al mismo tiempo realmente comparto algo que quiero con cada una de las personas presentes. Siento que cuando canto es como si fuera una flama en el escenario y sólo quiero que la gente se conecte con la energía del significado de la canción, como una conexión espiritual entre nosotros.

Para ti, ¿cuáles son los elementos que integran una canción pop perfecta?

Pasión, una melodía inusual y un amor no correspondido. ¿Tienen planeado algún tour para reconectar con su audiencia?

El próximo año es nuestro 30 aniversario, pero aún no sé si tenemos planes, alguna fiesta, tour, lanzamientos. Sabes, nos encanta ir a Sudamérica, a México, amamos estar allá, pero creo que debe ser en el momento indicado para que no andemos corriendo por todos lados, quiero ser capaz de tener algo de tiempo de calidad, así que veremos. ¿Cómo te gustaría que Erasure fuera recordado?

Me gustaría que la gente pensara que soy honesto y que tengo una buena voz, que es pura y que escribimos buenas canciones, además de que Vince es una persona humilde y diplomática.

Nombra los tres discos que llevarías a una isla desierta...

Tendría que ser Lionheart, de Kate Bush; Parallel Lines, de Blondie, y Waterloo, de Abba.

GIGS

CHROMEO House of Vans

Foto: Franccel Hernรกndez para WARP #WARPgigs

WM / 69

WM / 69

041

GIGS

QUEENS OF THE STONE AGE PEPSI Center WTC

Foto: Franccel Hernรกndez para WARP #WARPgigs

THE MUSIC FESTIVALS ENGINE Fotos: STAFF WARP

“Los músicos representan siempre una guía en cuanto a look... van experimentando más y más hasta convertirse en una figura que influencia a las marcas en el mundo de la moda.”

-Juanchi Torre, director de Compra Moda Nacional

045

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

Dress You Up! La moda en los festivales Por Karina Luvián

Una teoría personal —con invitación abierta a ser refutada— indica que toda persona interesada mínimamente en el mundo de la moda vio la película “The Devil Wears Prada”. En dicho filme de 2006, la protagonista, Andy Sachs (Anne Hathaway), minimiza la importancia de un cinturón, algo que su jefa, Miranda Priestly (Meryl Streep) refuta con un extenso diálogo, que culmina: “Es algo cómico que pienses que has hecho esa elección —un suéter azul claro— alejada de la industria de la moda; de hecho, tú vistes ese suéter porque fue elegido para ti por la gente que está en esta habitación de una pila de ‘cosas’.”

046

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

Nada ocurre de manera azarosa. Si bien es cierto que los gustos individuales determinan la vestimenta de las personas, son elementos específicos del entorno los que juegan un papel relevante; generalmente, quienes escuchan cierto tipo de música siguen ciertas tendencias, quienes aman la vida nocturna lo hacen con determinado atuendo y los que asisten a festivales, sin duda, comparten una similitud estética: “La moda en los festivales ayuda a definir el gusto de cada persona, al manifestarlo o verse influenciada por alguien más al decir: ‘¡Ese sombrero está buenísimo!’, y la siguiente vez que ves uno similar comprarlo. A la gente le gusta encontrar inspiración, y pese a que en los festivales hay un perfil característico, existe una gama de estilos interesantes. El estilo desarreglado está muy presente, los skinny jeans, tenis de tela blanca, una t-shirt sin mangas…

Aunado a eso, hay accesorios que destacan, como los sombreros, el bigote o la barba en los hombres, los lentes redondos o cuadrados.”

Para Juanchi Torre, director de Compra Moda Nacional, la moda ha cobrado suma relevancia gracias, en buena medida, a las redes sociales, pues se convierten en el vehículo por el cual se difunden diferentes estilos. Al hablar de festivales internacionales como Glastonbury, Lollapalooza o Sònar, aplicaciones como Instagram son ideales para que los asistentes a este tipo de eventos, en otros lugares del mundo, vean nuevas prendas y tomen aquello que les viene con respecto a donde se encuentran. Porque ningún festival es como otro; para Mariana Bayón, modelo mexicana con un gusto particular por asistir a festivales, factores como el clima y la esencia individual de cada festival hacen la diferencia: “Creo que dependiendo del festival y de la ciudad en la que se realice es lo que usas, la temperatura que hay también es determinante, no puedes ir a Coachella y utilizar una falda larguísima con la que mueras de calor; te puede funcionar en la noche, pero durante el día, con las temperaturas de la tarde, sin duda es una mala elección. La personalidad de cada festival también tiene mucho que ver, porque tienes estos festivales que se han convertido en lugares para lucir, como el mismo Coachella, en el que hay personas que sólo van para estar en la zona VIP, verse bien y tomar un trago, pero tienes también a estos otros, como Austin City Limits, en los que la gente se preocupa más por las bandas y por convivir, lo que hace que no pongan atención especial a su ropa y asistan con sudadera, tenis, ropa más cómoda.”

Así pues, un festival de música representa un microcosmos de outfits prediseñados por los asistentes, cuya finalidad principal —en la mayoría de los casos— es lograr ese anhelado sentido de pertenencia, de

conexión. Y si bien los asistentes mismos, a través de esta otra búsqueda por resaltar, reinventan su concepción de la moda año con año, entre festival y festival, son los músicos los que se llevan también buena parte del crédito. Su estilo y personalidad resultan siempre atractivos para sus seguidores, y los festivales, crecidos en número de unos años a la fecha, se han convertido en el lugar perfecto para lucirlos. Sobre este otro aspecto visual de todo artista, Juanchi asegura: “Los músicos representan siempre una guía en cuanto a look. En su primer disco pueden presentarse de lo más sencillos, con jeans, t-shirts y tenis de lona, pero en su segundo disco ya se ponen unas botas destruidas y en el tercero incluyen un blaiser, van experimentando más y más hasta convertirse en una figura que influencia a las marcas en el mundo de la moda. Definitivamente hay una evolución en todas las bandas y artistas, son muy pocos los que desde el principio tienen la sensibilidad del estilo perfecto, pero van evolucionando hasta convertirse en íconos del detalle, lo que hace que después todos sus seguidores lo tengan. Es el caso de Pharrell Williams que, si bien los sombreros nunca se han ido puesto que lleven más de 100 años en las tiendas, retomó el tema perfectamente.”

En este pensamiento coincide Mariana, quien habla también sobre este otro tipo de atuendos que, lejos de marcar una tendencia que salga a las calles, es específicamente hecho para un festival, con un grupo de hombres en trusa y con sólo un delantal puesto o tres coloridas hadas, arregladas hasta en el más mínimo detalle, desde las alas hasta las ballerinas:

“Existen muchísimos outfits raros pero recuerdo uno en especial, en Lollapalooza 2011. Ahí vi a un chico que vestía un leotardo rosa y en encima de él traía puesto plástico de burbuja, estaba todo cubierto de él, así que imagina cómo se la pasó con el calor que hacía por la tarde y la lluvia que después cayó… aunque creo que después sí le sirvió para la lluvia [risas]. Creo que la gente que se atreve a esto le da un toque distinto a un festival, se ve que se divierten siendo vistos por la gente que incluso les pide fotos, entonce es un elemento que lo diferencía.”

Siguiendo un estilo determinado o intentando marcar diferencia de manera original, un festival se ha convertido en epicentro del fashion street, con tendencias que maduran dentro de él o que se generan a partir de él. Porque aunque creas que la moda no tiene nada qué ver contigo, antes de que tú llegaras a esos jeans ajustados y a esa playera premeditadamente rota, alguien ya la había elegido para ti de entre una pila de ‘cosas’.

049

MØ RED IN GREY Por Raúl Arce

Cuando pensamos en la música proveniente de los países nórdicos pueden venir a la mente sonidos e imágenes de bandas de metal oscuro.

Muchas veces pasamos por alto que naciones como Suecia, Noruega, Islandia y Dinamarca nos han entregado bandas de pop melódico (como Peter Björn and John) o de electrónica amigable y bien estructurada (como Röyksopp), pero sobre todo, con una estética de la música muy particular, algo que The Knife, Jens Lekman, Mew y The Raveonettes comparten pero que resulta difícil de explicar. Siguiendo esa tradición de sonidos escandinavos llega MØ, una chica de 26 años que presenta No Mythologies To Follow, su primer álbum de estudio, en el que es posible escuchar rítmicas que van del hip hop a la electrónica, teniendo al pop como constante. Muy pronto, Karen Marie Ørsted vendrá a México a demostrar por qué gente como Diplo y Avicii ha colaborado con ella.

Sabemos que eres de Dinamarca. Platícame de la escena musical allá…

Desde mi perspectiva, tenemos una escena musical bastante atractiva, creo que somos muy buenos en hacer música pop pero con un giro que

se diferencia de cosas muy cursis y bastante mierdas… no sé cómo explicarlo. Lo que sí te puedo decir es que tenemos una gran escena underground.

En Dinamarca el gobierno apoya a artistas de todo tipo, debes inscribirte para eso pero te ayudan mucho. Es así en México también, ¿no?

No, de hecho no es así…

Qué raro. Siempre que pienso en México —aunque no he ido— vienen a mi mente un montón de cosas, entre ellas un estilo artístico muy particular, así que pensé que los artistas tenían mucho apoyo allá.

Vienes a México al festival Corona Capital y probablemente mucha gente va a escucharte por primera vez. Para aquellos que no conozcan tu música, ¿cómo definirías tu sonido?

Hoy en día es muy difícil describir los géneros musicales, porque terminan siendo una mezcla de todo, pero si tuviera que definir lo que hago diría que es indie-pop electrónico con elementos hip-hop y muchas vibras soul y R&B, con mucha

actitud punk… o eso espero, porque fui punk por muchos años y, al final, mi música es resultado de la combinación de todas esas cosas. ¿Y cómo es que fuiste del punk al pop electrónico?

La cosa es que antes de que me convirtiera en punk, cuando era una niña, me gustaba la música pop de lo más cursi. En mi adolescencia me interesé por el punk y también escuchaba mucho hardcore, después me gustó el hip hop.

Al final, cuando tenía como 21 años, yo estaba ahí, con estos tres géneros que amo. El pop nunca me dejó, yo lo aparté durante un tiempo pero siempre he disfrutado de una buena canción pop; de hecho, muchas de mis canciones punk favoritas son bastante pegajosas, me gusta esa simplicidad. Yo quería tener algo diferente, quería tener pelotas —si lo quieres ver de esa manera—. El cambio no fue tan raro para mí, me pareció natural, se trata de combinar lo que te gusta y hacerlo personal, es lo que hace a algo interesante, hacer algo único es el trabajo real del artista.

A tech music festival experience TecnologĂ­a en los festivales Por Carolina Ruiz

051

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

Pagar una cerveza sin utilizar dinero en efectivo, acceso más ágil al venue e interacción con bandas del cartel serán algunas de las cosas que se podrán hacer desde un smartphone dentro de festivales como Corona Capital en los próximos meses, gracias a la rápida evolución de sus aplicaciones, pues ahora las apps no sólo sirven para decirte quién se presenta después de tu banda favorita, como los programas de papel que te encuentras tirados al final de los eventos.

WARP Magazine platicó al respecto con Gwenaël Le Bodic, CEO y fundador de Greencopper, compañía canadiense que se encargó de convertir una simple aplicación móvil en la identidad de los festivales de música más grandes a nivel global.

052

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

Greencopper será el proveedor de CoronaCapp en la edición 2014 de dicho festival mexicano, siendo contratado por Ocesa después de que también desarrollaran la aplicación de Vive Latino este año. Gracias a esta implementación, la compañía se encuentra en pláticas con otros promotores de eventos en el país e, incluso, en Centro y Sudamérica.

La primera app de Corona Capital fue desarrollada en México por SclBits, y su desempeño fue tal que incluso estuvo nominada al Awwward, certamen que busca reconocer el talento de diseñadores y desarrolladores internacionalmente.

Entonces, ¿qué es lo que los promotores vieron en esta compañía canadiense para recurrir a sus servicios en esta edición?

“La tecnología y la música están estrechamente vinculados y esto no se va a detener en los próximos años. Anticipamos que las aplicaciones móviles ofrecerán muchas más características en lo próximo; el pago sin dinero en efectivo, un ingreso al sitio más fácil (control de acceso), la interacción entre artistas y fans, así como las interacciones entre aficionados son características que tienen el potencial de mejorar la experiencia en estos eventos”, aseguró Le Bodic.

“Uno de los principales factores que hace a Greencopper atractivo para los organizadores del festival es que la solución suministrada es única y hace frente a las necesidades de los organizadores e invitados, permitiéndoles publicar su contenido a través del móvil, web y Facebook, todo esto en un sistema de gestión de contenido de ventanilla única. La integración con la música es también un aspecto clave, por lo que existe el soporte nativo para Spotify, Rdio, Deezer y SoundCloud”, asegura.

El catálogo de clientes y desarrollos de Greencopper bien podría ser una guía de festivales alrededor del mundo: Pitchfork en París, SXSW y Fun Fun Fun en Estados Unidos, NXNE y Osheaga en Canadá, Big Day Out en Australia, Hurricane en Alemania, Eurosonic Noorderslag en Holanda, Primavera Sound en Barcelona y ahora Corona Capital son algunos de los eventos en los que Le Bodic ha aplicado soluciones de integración de contenidos e interacción entre aficionados.

Esta compañía surgió en 2009, en Montreal, Canadá, lugar que por dar vida a numerosos festivales de música hizo que Greencopper tuviera un amplio margen de experimentación de nuevas tecnologías, todas aplicadas a la emisión de música en vivo y a todo lo que surge a su alrededor.

“Soy un emprendedor en el rubro de la música y la tecnología, que ama los productos bien diseñados.

La organización cuenta ahora con cerca de 30 personas que contribuyen a nuestras actividades y tenemos presencia en Canadá, Estados Unidos, Francia, Dinamarca, Suiza y España”, detalló.

Hasta el día de la conversación con el fundador de Greencopper, su empresa contaba con 200 festivales cubiertos, distribuidos en 19 países, por lo que su próximo reto es conquistar a toda Latinoamérica: “Colaboramos con seis festivales en México, Guatemala y Colombia. Creemos que hay un excelente ajuste entre la solución ofrecida por Greencopper y la necesidad del mercado en esta región”.

De acuerdo con Le Bodic, las aplicaciones móviles se están convirtiendo en la norma para festivales de todos los tamaños, por cambiar la manera en la que disfrutamos los festivales en un radio de interacción, en volumen y velocidad, mucho más grande: “Las aplicaciones móviles para festivales definitivamente ayudan a los clientes a maximizar su experiencia, porque les permite prepararse para que no se pierdan un espectáculo que realmente quieren ver. Cuando la conectividad Wi-Fi lo permite, los asistentes al festival pueden compartir su propia experiencia con sus amigos en las redes sociales.”

La batalla del Wi-Fi En un festival, los asistentes se preocupan porque los horarios de sus bandas favoritas no se empalmen, porque la red para llamadas sea óptima en caso de que quieran buscar a sus amigos y porque la gran foto del recuerdo pueda publicarse en su perfil. Para esto último, la conexión a Internet es esencial, algo que no es de la mejor calidad al menos en los conciertos de la Ciudad de México. Al preguntarle al CEO de Greencopper cómo demostrarán lo robusto de CoronaCapp en caso de que el servicio de Internet no sea el óptimo, éste señaló: “Las aplicaciones móviles funcionan fuera de línea para las características más esenciales. Todo el lineup y los horarios del show estarán disponibles

incluso cuando no haya conectividad en el lugar.

La agenda personal de cada usuario también se almacena en el teléfono, así que no hay necesidad de conexión para la consulta.

“Por otro lado, algunas características sí requieren conectividad de datos, tales como el intercambio de información en las redes sociales y escuchar música in-app. Sin embargo, estoy seguro que la gente in situ tendrá preferencia por disfrutar de la música en vivo en lugar de tratar de escuchar música grabada. ¡La música grabada es buena antes y después de la fiesta!”

CoronaCapp puede descargarse en la Apple App Store y en Google Play. Una vez en el smartphone, la aplicación interactúa con los servidores de Greencopper con el fin de obtener actualizaciones de datos. Greencopper construyó una arquitectura de servidores redundantes de alta escala que hace frente a las necesidades del tráfico de los festivales más grandes.

Nuevas tecnologías, grandes festivales Las aplicaciones también pueden ayudar a conocer el lugar más candente de un festival, ejemplo de ello es iBeacon, de Apple, que registra y analiza la actividad de un evento para arrojar un “heat map”, con datos que muestran el escenario más concurrido, cuántos mensajes o notificaciones se recibieron, cuántos invitados hubo en la zona VIP, qué tanto se quedaron en esa área, por cuál entrada llegaron más personas y cuál es la banda con asistentes más leales.

“La tecnología iBeacon es una tendencia en 2014. iBeacon permite usos interesantes, tales como mensajes de bienvenida y notificaciones a las personas dependiendo en qué área o lugar se encuentren. Además, la tecnología aporta algunas ideas clave sobre cómo el sitio se está utilizando por la comunidad; por ejemplo, los ‘heat maps’.”

Dicha tecnología se implementó en el festival Bonnaroo 2014, y entre los resultados se determinó que cada smartphone recibe, en promedio, 12.6 notificaciones, y que el escenario con mayor concurrencia fue el What Stage, donde se presentaron Elton John, Jack White y Kanye West.

065

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

Si bien la tecnología sigue siendo apreciada por la mayoría de la población como algo que ayuda y hace más amena la vida, en los últimos meses la preocupación por sus efectos y la seguridad de la identidad digital en el uso de nuevos dispositivos aumentó.

La generación de información en eventos masivos es enorme, y cada año va en aumento el rastro que los asistentes dejamos tanto en nuestros dispositivos como en los servidores de todos los proveedores de servicios online que tenemos.

A pesar de ello, el CEO de Greencopper afirma que sigue estando en nuestras manos —o en nuestra muñeca, si ya utilizamos smartwatch— la elección de dejar que recopilen, almacenen y analicen nuestros datos durante un festival: “Siempre es elección de los asistentes si quieren dejar que las aplicaciones móviles recopilen información con el fin de ofrecer una mejor experiencia. No es ninguna obligación recoger estos datos. Cuando se recopilan, la información se transfiere y almacena de acuerdo con los más altos estándares de seguridad. Greencopper y los organizadores de los festivales no quieren ninguna especie de mal uso de esta información por terceras partes”, explicó.

En meses pasados las autoridades de Boston, en Estados Unidos, utilizaron software de reconocimiento facial de IBM en conciertos masivos, con el fin, explicaron, de salvaguardar la seguridad de los asistentes.

Al respecto, Le Bodic comentó: “No tengo conocimiento sobre los detalles del proyecto y no estoy seguro acerca de los principales objetivos de las autoridades para utilizar este software de reconocimiento facial. La seguridad de los asistentes al festival es, sin duda, una de las principales preocupaciones para las autoridades y para cualquier organizador.

“La tecnología puede jugar un papel importante para mejorar la seguridad. Sin embargo, la implementación de tecnologías que afectan la íntimidad del usuario debe hacerse con total transparencia hacia los asistentes.”

… Y festivales para todos Otra de las razones por las que tenemos tecnología hasta en nuestra ropa es el hecho de poder reducir los costos de cualquiera de nuestras actividades.

Esto lo sabe Greencopper y es por ello que en estos momentos está trabajando en un servicio más económico para llevar esta ar-

quitectura a organizadores con presupuestos más bajos y festivales para todos.

“Greencopper está poniendo en marcha, en los próximos meses, un nuevo servicio llamado goLive, que lleva la tecnología de los grandes festivales a organizaciones con presupuestos más bajos. El servicio se basa en la misma tecnología subyacente pero es más asequible, ya que se ofrece a manera de autoservicio”, detalló Le Bodic.

En verdad es como un autoservicio. Mediante goLive cualquier persona puede obtener una configuración online de la alineación de un festival o concierto, así como el programa con su propia identidad, tanto para un ambiente de PC como uno móvil, independientemente de que la plataforma sea Apple o Android.

Para probar dicho servicio sólo hace falta ingresar a golive.fm e inscribirse, ya que arrancará en forma durante la próxima temporada de festivales de invierno.

Después de Corona Capital, nuestros smartphones seguirán teniendo contacto con Greencopper, ya que el equipo de Gwenaël Le Bodic también será el encargado de desarrollar la app de uno de los festivales más vanguardistas del mundo: Mutek, en su edición México 2014.

Sigue Corona Capital desde tu Nokia Lumia

¡Apps para todo en tu vida!

El festival Corona Capital invadirá la Ciudad de México el próximo mes de octubre y, para prepararse, Microsoft tendrá todas las herramientas necesarias que te permitirán seguir, paso a paso, la presentación de cada banda en la Curva Cuatro del Autódromo Hermanos Rodríguez.

ciones personalizadas, así como noticias de las agrupaciones más importantes sin tener que navegar horas y horas por Internet gracias a su comunicación con MixRadio, Last.FM, SoundCloud, YouTube, Songkick, Facebook, Instagram y Twitter.

La línea Nokia Lumia cuenta con el sistema operativo Windows Phone, con todas las apps fundamentales para vivir la experiencia #CC14 directamente en tu smartphone.

Otra de las opciones con más usuarios a nivel mundial es Deezer, que te permite escuchar las canciones de los mejores exponentes musicales a nivel mundial, y claro, todos los grandes nombres que serán parte de Corona Capital este año.

Entre las aplicaciones más destacadas está MixRadio, en donde puedes crear una estación de radio personal con todas las canciones de tus grupos favoritos, además de contar con información actualizada de cada uno y con las letras de las canciones disponibles. Por otra parte, Corona Music es la app básica para esta temporada, ya que te permite registrar los códigos Corona que cuentan con contenido exclusivo, así como construir playlists con los temas principales de las bandas que se presentarán este 11 y 12 de octubre.

Para quienes gustan de descubrir música nueva también está Sleeve, con la que se puede seguir a artistas y obtener recomenda-

Definitivamente el nuevo espectro de posibilidades para descubrir, escuchar e incluso armar tus propias canciones y playlists se ha convertido en una parte esencial de la escena musical en la actualidad, por lo que en una temporada llena de eventos y conciertos estar al tanto de toda la información es fundamental.

Con la ayuda de Nokia Lumia no hay pretexto para llegar al Autódromo Hermanos Rodríguez en octubre sin conocer a alguna de las agrupaciones y artistas que aparecen en el increíble cartel de Corona Capital 2014.

055

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

kongos It’s A Good Life Por J. Ismael Canales / Foto: Pamela Littky

Desde que se escucharon los primeros acordes de ‘Come With Me Now’ se empezó a escribir la historia de la internacionalización de Kongos, banda sudafricana conformada por cuatro hermanos y considerada una de las grandes promesas musicales de aquel continente.

Con su debut en nuestro país a unos días de ocurrir, Daniel Kongos, guitarra y voz de la banda, habló con WARP Magazine sobre su evolución musical y su propósito en la industria, entre otras cosas.

Harán su debut en México en el festival Corona Capital. ¿Qué esperan de esta presentación?

Estamos muy emocionados por tocar en México, el lineup del festival es asombroso, no llevaremos juegos pirotécnicos ni nada de eso, sólo pondremos mucha energía en el show.

Será un show de rock and roll, eso nos emociona mucho, parece que será un festival increíble.

Su álbum debut, Kongos, fue lanzado en 2007. ¿Cuánto han cambiado desde ese momento? ¿En qué es diferente su primer disco a este nuevo material, Lunatic?

Creo que ese disco fue hecho para el estudio, las canciones las tocamos en vivo y vimos cómo funcionaban; sin embargo, el nuevo álbum fue hecho más para ser tocado en vivo, ya que tendremos muchas presentaciones. Como personas no creo

que hayamos cambiado mucho, sólo somos más viejos [risas]. Musicalmente fue donde cambiamos más, si escuchas ambos discos puedes notar la diferencia. Este álbum lo hicimos nosotros solos, tanto la grabación, la mezcla y todo, tardamos mucho en lanzar este segundo álbum pero aprendimos mucho de nuestro trabajo.

¿Cómo definirían su música?

Hay un DJ que un día nos calificó como “jungle rock”. Fue gracioso, pero creo que sí podríamos considerarnos jungle rock, rock con influencias africanas.

Se están presentando al lado Kings Of Leon en su gira Mechanical Bull ¿Cómo se sienten al respecto?

Estamos muy emocionados, es una banda de hermanos y eso es algo que tenemos en común. Nos gusta mucho la banda pero no conocemos mucho de ellos, personalmente espero que los conozcamos más.

Su canción ‘Come With Me Now’ está teniendo gran éxito. ¿No tienen miedo de convertirse en una banda “one hit wonder”?

No, no creo, me parece que es mejor a ser una banda sin un solo hit. La gente tiene que escuchar el álbum, ya que es muy diverso y tiene mucha fuerza musical, así que si lo escuchan no se sentirá que es un “one hit wonder”.

¿Qué creen que podrán aprender de Kings Of Leon?

Creo que ayudarán a mejorar nuestras habilidades, ya que nos presentaremos en muchos festivales y daremos grandes shows, y eso permanecerá por siempre. De sólo ver a una banda así en los venues aprendes, si es un venue pequeño ves cómo se relacionan con la audiencia, como lo hacen más personal.

¿Quién es Kongos y cuál es su propósito en la música?

Kongos es una banda de cuatro hermanos con interés de hacer gran música, sin importar ser popular, si la gente encuentra nuestra música entre la gran cantidad que existe sería algo grandioso. Queremos crear grandes canciones y grandes experiencias para la gente.

Hercules & Love Affair Raise Me Up Por Eduardo Martínez / Foto: Benjamin Alexander Huseby

Desde sus primeras apariciones en 2004, Hercules & Love Affair mostró un estilo curioso, envuelto por un sonido que va del house y el nu-disco a una mezcolanza de tonadas y ruidos rescatados de los ochenta; todo esto generado y estructurado por el neoyorquino Andrew Butler quien, además, impulsó a varios de los músicos que colaboraban en sus discos. Este año, la banda presenta su tercer álbum títulado The Feast of the Broken Heart, con un show atrevido y divertido que se basa en este trabajo discográfico.

Esta es la charla que WARP Magazine tuvo con el frontman de la banda: Cada uno de tus discos tiene un sonido propio y particular. ¿De qué manera logras darle autenticidad y estilo?

Buena pregunta para comenzar. Soy parte de mi propio arte, soy muy feliz siendo referen-

cial y trabajando a través de la inspiración musical que he tenido durante toda mi vida.

Es un viaje personal en cuanto a la estética, el modo en el que mi vida gira y el estilo que persigo en varias formas, ya sea musical o visual, es muy íntimo, me da felicidad explorar esa inspiración y encontrar mi propia voz a través de esto.

El primer álbum que hice, por ejemplo, aborda mucha de mi música favorita, trantando de canalizar varios elementos y fusionarlos. Algunos músicos hacen esto, pero honestamente no creo que haya tantos colegas que realmente sean amantes de la música. Este disco es una mirada al pasado, a mis años de adolescencia que pasé en bodegas. La cuestión que hace a todos mis

057

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

discos diferentes es que soy una persona cambiante, que evoluciona. Hay momentos en mi vida en los que mis intereses personales toman direcciones completamente opuestas, volviendo mi arte personal. Como ser humano estoy cambiando constantemente, así como el arte y la música dentro de mi mente, pero la cuestión que convierte mis trabajos en algo distinto y que logra que se diferencien es el hecho de que los participantes cambian, así que hay cantantes que participan en un disco y en el siguiente no, dándole forma a cada proceso: al arte de la portada, incluso, a cada canción, trayendo algo diferente a nivel creativo a la mesa al momento de la producción.

Hablando de producción, ¿cómo fue el proceso para The Feast Of The Broken Heart, especialmente cuando lo comparas con el proceso de Blue Songs?

Fue más condensado. Primero trabajamos en Viena, en un estudio donde formamos una canción y luego tuvo algunos retoques en San Francisco. La mayor parte de los tracks fueron desarrollados en Haze Factory, un estudio singular con buenos ingenieros y coproductores.

“La cuestión que hace a todos mis discos diferentes es que SOY UNA PERSONA QUE evoluciona.

Hay momentos en mi vida en los que mis intereses personales

Tuvimos una gran experiencia, ya que el estudio estaba construido de gran manera, con bastate alma y corazón. La pasión intervino de manera espontánea al realizar The Feast Of The Broken Heart. Los dos productores que forman Haze Factory tienen una pasión muy intensa por coleccionar instrumentos análogos y raros, así como construir instrumentos modulares, teniendo una perspectiva innovadora en términos de producción.

toman direcciones completamente opuestas, volviendo mi arte personal. ” -Andrew Butler

En este disco intentamos cosas nuevas, el proceso de realización fue extraño. Lo más excitante era tener a estos dos técnicos inventando formas que nunca habían intentado hasta el momento que empezó la producción de mi disco. Eso creó un sonido

grandioso, porque estaban tomando riesgos y haciendo experimentos. ¿Hay alguna diferencia entre trabajar con DFA y Moshi Moshi Records?

Sí y no. Independientemente, las dos son del mismo tamaño. En términos de equipos que trabajan para ellos, hay muchas cosas que se tienen que ver personalmente. Trabajando directamente con el director de Moshi Moshi tuvimos varias conversaciones muy creativas, del mismo modo en el que solía tratar con el jefe de DFA, no James Murphy, sino John Galkin.

Hay una cuestión interesante porque el mundo de las disqueras está cambiando mucho, la gente realiza sus propios proyectos y cada vez se vuelven más una realidad. Tener una disquera detrás de ti organizándote y realizando ciertas conexiones aún es necesaria, Moshi hizo una gran labor, estoy complacido de que hayan trabajado en mi álbum convirtiendo esta experiencia en algo más alegre.

Hercules & Love Affair ha visitado la Ciudad de México en varias ocasiones y regresará a uno de los festivales más importantes en México, donde habrá muchos de sus fans así como gente que los escuchará por primera vez. ¿Qué podemos esperar de esta presentación?

Vamos a darlo todo, es una gran oportunidad y un momento muy emocionante para nosotros.

Subiremos al escenario y trataremos de sacar al público del parque, no importa qué tan grande sea el escenario, toda la idea detrás de nuestro show en vivo es divertirse, disfrutarnos entre nosotros, mostrando una experiencia inolvidable, para así transmitir el sentimiento de una gigantesca y loca fiesta. Nos entregaremos a la audiencia, asegurándonos de que todos lo estén sintiendo. Esa es la vibra y ese es el enfoque de nuestro show. Va a haber mucho baile, mucho canto, muchas vueltas, muchas tonterías, pero será una fiesta, eso es en concreto.

059

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

kodaline Brand new day

Por Natalia Montes / Foto: Ben Johnson

Kodaline, antes conocida como 21 Demands, es una joven agrupación proveniente de Swords, un pequeño suburbio de Dublín, Irlanda. Su estilo musical tiene grandes influencias folk, pop y rock, con ambientes etéreos y temas afectivos e íntimos que crean un agradable resultado. El cuarteto se destaca por haber sido el primer grupo irlandés con un álbum debut independiente, In a Perfect World (2013), que llegó a la cima de las listas de popularidad en su país.

Con un nuevo material a la vuelta de la esquina, Kodaline se presentará en la Ciudad de México, hecho que entusiasma a sus integrantes por representar la posibilidad de compartir su música con nuevo público, como nos comenta Steve Garrigan, líder de la banda. ¿Cómo surgió su interés en la música y cómo llegaron al sonido actual de la banda?

Nos conocimos cuando éramos niños y decidimos juntarnos y empezar a tocar música. Crecimos juntos, con gustos similares, y fuimos desarrollando el estilo de una manera muy natural; conforme tocábamos más y más lo fuimos puliendo. ¿De qué manera les afectó el cambio de nombre, de 21 Demands a Kodaline?

Cuando comenzamos éramos adolescentes de 15 años, y realmente no tomamos muy en serio a la banda en esa época, no tratábamos de hacer nada con ella hasta que empezamos a ser mayores. El cambio de nombre, debido a una demanda, también nos ayudó a crecer y a tomar las cosas más en serio para llevar al proyecto hacia una mejor dirección.

Sus canciones han aparecido en series de televisión pero, ¿les gustaría colaborar con algún director específico?

Hay tantos directores geniales. Tenemos un amigo en Brooklyn que es increíble y sería grandioso trabajar con él. Sería maravilloso trabajar con Steven Spielberg también, pero eso tal vez nunca pase. Nos gustaría trabajar con cualquier director en realidad, estamos muy abiertos a eso.

Cuéntame un poco sobre el proceso de composición del primer álbum…

El primer disco lo hicimos hace cinco años, fue surgiendo poco a poco después de los EPs. Para ese álbum yo escribí la mayor parte de las canciones y el resto de los integrantes iban poniendo cosas para que se unieran las estructuras. ¿Cómo diferenciarían el proceso que llevan hoy en día para el nuevo álbum con respecto a los anteriores?

El nuevo álbum va muy bien hasta ahora, tiene mucho más colaboraciones y lo estamos grabando con un método más libre.

Y en cuanto al estilo, ¿piensan mantenerlo?

Bueno, este nuevo álbum tendrá cosas más electrónicas. Hemos estado escuchando música nueva que nos ha inspirado a incluir algunos detalles diferentes de ese estilo.

Será la primera vez que se presenten en Latinoamérica, ¿cierto?

Sí, no puedo esperar, estamos muy, muy emocionados de tocar allá porque además formamos parte de un cartel absolutamente increíble. Cuando nos avisaron que tocaríamos ahí nos emocionamos mucho con la noticia. ¿Qué opinan de los festivales?

Me encantan, amo los festivales pero también los shows pequeños. En los festivales tienes a un enorme público y puedes tocar para gente que nunca antes te ha escuchado, eso es lo que más me gusta, nunca sabes lo que va a pasar y, además, tienes una especie de libertad mayor.

Por otro lado, también nos gustan los shows más íntimos a los que van personas que ya están familiarizadas con tu música y a las que le agradas. Va a ser un show genial el que demos en México.

061

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

Food Trucks Nation Comida a contracorriente

Por Rodrigo Musi Treviño / Fotos: Franccel Hernández para WARP

Dicen por ahí que somos lo que comemos. Yo quiero pensar que somos más: nuestros padres, abuelos, ciudad natal, año y día de nacimiento. En fin. Sea como sea, lo que comemos nos define y nos marca en muchos aspectos de la vida diaria. Sobra decir que en México la comida es uno de los elementos esenciales de la cultura, con platillos específicos en diferentes regiones, comida para cada hora del día y especialidades para cada época del año, con las cuales nos identificamos y enorgullecemos. Porque México tendrá defectos pero, ¿qué mexicano no se siente complacido de tener una de las tradiciones culinarias más reconocidas del mundo?

062

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

En este punto llegamos a la oferta que representan los food trucks —camiones de comida, en español— con una larga historia que, hoy por hoy, es emblema de la cultura emprendedora. Cada camión busca darle algo único y auténtico a su consumidor y por el formato pueden dar precios más competitivos que los restaurantes, sin tener que castigar la calidad del platillo. Además, cuentan con la posibilidad de moverse y acercarse a nuevos clientes, algo que los restaurantes tampoco pueden hacer. A diferencia de los puestos ambulantes, los food trucks están dados de alta en la Secretaría de Hacienda y el IMPI, y siguen protocolos de limpieza dignos de cualquier restaurante establecido.

Hasta aquí todo pinta muy bien, uno pensaría que tienen el camino libre para crecer en el México del siglo XXI que promueve al empresario y a las nuevas ideas. ¿Dónde está el problema? Los food trucks, sin quererlo ni pedirlo, se han vuelto una fuerza de contracorriente en México que busca hacerse de un nicho en una comunidad acostumbrada a la informalidad, la suciedad y la gastronomía callejera.

Maricarmen Linares, presidenta de la Asociación Mexicana de Food Trucks, nos contó que para ella la experiencia ha sido muy difícil, dado que esta nueva modalidad culinaria si bien no está prohibida tampoco está permitida para operar en el país. Por otro lado, los consumidores también han recibido esta oferta con escepticismo, ya que para muchos siguen siendo otro puestito callejero; por si fuera poco, la misma industria restaurantera se ha opuesto a ellos, dado que piensan que les pueden quitar clientes en una competencia desigual.

Como generalmente pasa con cualquier nuevo producto, todos tienen una percepción errónea de estos camiones de comida. Por un lado, no tienen nada que ver con la comida callejera ya que, a diferencia de ésta, los food

trucks sí quieren pagar impuestos, estar dados de alta en hacienda y operar con permisos en la calle sin tener que caer en dinámicas de tolerancia (entiéndase mordidas) con la autoridad, y a diferencia de cuando uno va a comer a un restaurante, los food trucks abren la posibilidad de comer rápido y bien, por lo que en realidad no compiten con los restaurantes formales, porque siempre que uno quiera sentarse, platicar y tomarse algo de tiempo a la hora de la comida irá a un restaurante y no a un food truck.

Las dificultades que enfrenta esta industria, como vemos, son muchas, con pocas opciones para desarrollarse. Es entonces cuando se presenta uno de los nichos en que han podido darse a conocer y generar ingresos: los festivales de música. Fernando Reyes, presidente de la Asociación Food Trucks DF, asegura que cuando más dinero ganan es justamente al ocurrir estos eventos, donde el flujo de cien mil personas por día les permite desquitar parte de lo que no pueden generar el resto del año.

de los food trucks). Esto varía en función del evento, según la experiencia de Maricarmen y su asociación, logrando un éxito importante en Corona Capital y uno un tanto menor en Vive Latino, por ejemplo.

Para todos los food trucks, los eventos son la gasolina del negocio, ya sean organizados por ellos mismos, dedicados a la música o de cualquier otra índole, pues son los espacios que están buscando constantemente para ofrecer sus servicios para que los consumidores se familiaricen. En cuanto a su legislación, Maricarmen nos cuenta que ya se han hecho varias propuestas de ley, además de que han platicado con varios diputados; si bien muchos parecen empujar la iniciativa, los intereses encontrados terminan por detenerla, teniendo como principal problema el ambulantaje (genuinos dueños de la calle, según Fernando).

En los festivales, a diferencia de las calles de la ciudad, la formalidad es un requisito fundamental. No sólo les piden cursos de capacitación, les revisan a qué temperatura tienen su comida, hacen pruebas de laboratorio al hielo que usan, se prohíbe la venta de pescados y mariscos, además de pedir una comisión de venta. Esto ha caído como anillo al dedo para las dos partes.

Parte de lo que busca el marco de leyes para los food trucks es respetar las reglas de tránsito, no estar frente a lugares prohibidos (escuelas, hospitales, etc.) o frente a restaurantes (sobre todo si son del mismo tipo de comida que el food truck), salvar espacios públicos, estar un máximo de cuatro horas en un lugar, no tener tanques de gas de más de diez litros, nunca tirar agua en la calle y pagar impuestos, regulaciones que no son cumplidas por la comida callejera tradicional.

Si bien los festivales no permiten food trucks de productos que ya tienen concesionados (pizzas, hamburguesas, tacos) esto no les preocupa, pues su esencia es ofrecer algo único e irrepetible para los consumidores, algo que, paradójicamente, les ha causado algo de problemas pues, como señala Maricarmen Linares, muchos de los asistentes a los festivales no van con la intención de gastar dinero en comida y prefieren llenarse con alguna sopa instantánea, pizza o cerveza (que muchas veces es mucho más cara que la misma comida

¿Cuántas veces no hemos disfrutado de unos tacos en la esquina después de salir de fiesta? Esto, además de la informalidad con la que tanto estamos acostumbrados, es uno de los elementos fundamentales con los que lucha la industria del food truck en México. Esto no es una crítica hacia ningún tipo de comida que se venda en la ciudad; sin embargo, abrirse a nuevas opciones, aunque no estén suscritas a los elementos intrínsecos de nuestra cultura, siempre será necesario y, por su característica formal, aplaudido.

CHVRCHES Selling Lies

Por Alonso Valencia

De vez en cuando llegan actos de manera completamente inesperada para revitalizar el panorama musical mediante sonidos eclécticos y una cierta sensibilidad electrónica, basada en sintetizadores y melodiosas voces que crean una unión perfecta en coros difíciles de sacar de la cabeza. Chvrches es uno de ellos, una banda que de un momento a otro se estableció y llenó un vacío rítmico que, probablemente, ni siquiera sabíamos que existía.

065

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

Formado en 2011, el trío de Glasgow se conoció cuando Lauren Mayberry contactó a Iain Cook y Martin Doherty para trabajar en la producción del último álbum de su banda previa, Blue Sky Archives. Al descubrir una dinámica impresionante entre ellos, Mayberry trabajó una serie de demos con Cook y Doherty; mucho tiempo después, trabajando en un sótano de Escocia, el trío se convertiría en la exitosa agrupación que conocemos hoy en día.

En este exitoso ensamble, Lauren —periodista, abogada y baterista experta— es claramente la bella cereza de un pastel pop complementado con la experiencia y el talento de sus compañeros, todo ello reflejado en un poderoso álbum debut: The Bones Of What You Believe (2013).

En entrevista exclusiva con WARP Magazine, previo a su presentación en México, Lauren habló acerca del pasado, el presente y el futuro de uno de los estandartes synthpop más pertinentes de esta década.

El viaje del trio comienza con un material discográfico prácticamente perfecto, lleno de tracks con un sonido tan fresco que abre la puerta a una combinación electro-vocal que va de la mano de la angelical voz de esta peculiar frontwoman:

especie de melodía vocal temporal que sirve como esqueleto de la canción antes de que esté finalizada.”

Parte íntegra del éxito de la banda se debe a una explosión masiva en Internet después de un par de canciones, lo que sustenta aún más el argumento que presenta a Chvrches como una agrupación que, por una parte, concentra a una generación proveniente de la era de los sintetizadores en los años ochenta y, por el otro, cuenta con las raíces de los millenials en su aspecto más puro, tomando como ejemplo la “v” de su nombre, misma que sólo sirve para no perderse en una lista interminable de iglesias durante una búsqueda en Google.

Lauren aborda este punto como un arma de doble filo gracias a su experiencia como periodista, lo que forma una perspectiva contrapuesta acerca de los medios en general dentro de la escena musical actual: “Siempre es interesante saber cómo trabajan los medios, así como otros reporteros, porque te puedas dar cuenta cuando alguien viene con un ángulo fabricado con anterioridad. Por otro lado, tenemos a mucha gente interesante que se emociona con el arte; espero que esas personas cambien la agenda un poco y conviertan a los medios en algo más demográfico y accesible.

“El proceso detrás de The Bones Of What You Believe fue completamente autosuficiente porque grabamos todo por nuestra cuenta, aproximadamente desde septiembre de 2011, ya que Iain y Martin tienen mucha experiencia en el campo de la producción.

“Creo que lo que no me gusta es que la gente ya no quiere pagar por contenido sin saber cómo es que las cosas se mueven. Eso es muy desafortunado para las personas que trabajan en la industria, pero de alguna manera lo hace más accesible.”

“Empezamos a producir después de tres o seis meses de escribir, para después lanzarlo en septiembre del siguiente año. Hemos estado de gira prácticamente desde entonces, lo que nos ha ayudado mucho porque podemos ‘sacudir’ el disco con la gente, haciendo que nuestros shows en vivo se desarrollen mucho.

‘Gun’, ‘Science/Visions’ y ‘Under The Tide’ son sólo algunos de los ejemplos que demuestran una combinación pop con fuertes influencias bajo el brazo, al igual que una nueva propuesta electrónica. Mayberry comenta un poco al respecto, enumerando varias de sus principales inspiraciones musicales.

“En términos de escribir canciones, creo que todos escribimos juntos, pero cada quien tiene diferentes reglas para tocar, así que cuando vamos al estudio empezamos con un sample y después con una versión instrumental de la canción. Mientras hacemos esto tenemos una

“Creo que es muy afortunado que los tres de alguna forma concordamos en cierto número de bandas que amamos, como Cocteau Twins, The Cure y Depeche Mode. Tenemos colecciones de discos muy distintas que traemos a la mesa en términos de aportar algo más interesante.

“Martin está más educado en el R&B y el hip hop, Iain sabe más acerca de cosas experimentales y yo me baso en vocalistas como Liz Fraser o Kate Bush.”

Después de este viaje iniciado hace tres años, es imposible no dar un vistazo hacia el pasado y darse cuenta del largo camino recorrido, por lo que la líder de Chvrches platica con nostalgia de las principales diferencias que encuentra entre el día de hoy y el momento en que comenzó este largo camino: “Ahora tenemos más recursos, hemos estado en más lugares y todo está en la química, la experiencia y el contacto al conocer gente en la que confías, con la que compartes muchas cosas y miran por ti, porque así es en esta industria, hay personas grandiosas y personas terribles.

Siempre tratamos de buscar nuestro camino y conocer a personas con las que podamos compartir nuestra visión de lo que queremos hacer con la banda y somos muy afortunados de poder intentarlo en la disquera en la que estamos trabajando, lo que nos tomó mucho tiempo. Ahora sabemos más, somos un poco más sabios, y ninguno tiene adicciones ridículas ni nada por el estilo.”

El futuro es ahora lo más esencial para Chvrches, proyecto que ya está pensando en ese segundo álbum que, definitivamente, será pieza clave para la formación de un ícono del nuevo milenio o simplemente una moda pasajera que desaparecerá con el tiempo, como muchas otras: “Los festivales terminan en noviembre y ya tenemos muchas ideas en mente, por lo que regresaremos a escribir antes de que termine el año. Estamos tratando de renovar nuestro estudio en Glasgow y nos estamos moviendo a un espacio mucho más grande. Vamos a seguir haciendo todo por nuestra cuenta y creo que sería muy bueno tener más opciones. En este momento, literalmente, trabajamos en un cuarto como del tamaño de una pequeña sala, así que vamos a intentar encontrar un sitio con una sala de captación y vamos a comenzar a trabajar en el disco justo antes de Navidad, pero aún no estamos seguros cuándo estará listo. Vamos a tratar de no tomarnos muchísimo tiempo, pero creo que eso se verá cuando estemos ahí y comencemos a intentarlo. Esperamos estar de regreso no después de mucho tiempo.“

066

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

Corona a través de la música Marcos Hassan @Kiddieriot Foto: Staff WARP y Claudia Dávalos

La agenda musical en México tiene uno de sus más grandes eventos en octubre. Desde su instauración en 2010, el festival Corona Capital ha sido la opción perfecta para ver artistas de gran altura, leyendas musicales y talentos nuevos que han detonado a meses de sus actuaciones en dicho festival. Aunque en nuestro país hemos tenido festivales muy grandes y recibido a artistas de renombre, nacionales e internacionales, es gracias a la cerveza que da nombre a este afamado evento que la opción se expande y continúa evolucionando.

“La misión de Corona es acercar a los jóvenes a lo que mas les gusta: La música” Jorge Inda, Director de Marca Corona

Corona es parte de nuestro día a día como mexicanos, es uno de los productos de mayor exportación y se ha convertido en sinónimo de México en la consciencia mundial. Igualmente, es imposible escapar a su nombre y tipografía en nuestro país, la cual adorna espectaculares, estadios e incluso sillas y mesas plegables.

Además de apoyar los deportes profesionales y espectáculos de otras índoles, Corona dio el primero de muchos pasos históricos para la música en nuestro país, continuando esta tradición hasta nuestros días.

Antes de las grandes giras y festivales, de la censura y sucesos que se salieron de control, la marca hizo posible la idea de una gira nacional que se bautizó con el nombre de Caravana Corona, un espectáculo rodante llevado a cabo por Guillermo Vallejo, su esposa Martha Badager y familiares. La premisa era muy simple: Llevar a las estrellas con el público.

Vallejo ideó un cartel espectacular donde los más grandes exponentes del cine, la música, la comedia y demás disciplinas pudieran ir de ciudad en ciudad para deleite de la gente. Este proyecto fue adoptado por Corona y comenzó una aventura de casi 30 años.

Desde su inicio hasta la última edición, en 1982, la Caravana Corona fue uno de los pocos sucesos que llegaban a grandes ciudades del país para ofrecer la oportunidad de pasarla bien y vivir una gran experiencia.

Durante esos años, Corona no sólo contribuyó a la vida musical de México, pues ha apoyado la construcción y manutención de diversos foros para diferentes actividades; desde estadios hasta pequeños lugares.

También, ha apoyado la realización de eventos musicales, como conciertos de artistas internacionales.

Más allá del la Caravana Corona y Corona Capital, hay otros festivales que tienen que ver con la marca y que van dirigidos para públicos más diversos. El resucitado Hell & Heaven Metal Fest 2014 cuenta con Corona como uno de sus principales patrocinadores, asegurando la correcta realización del evento; en Guadalajara se dio el festival Revolution Fest Corona, donde artistas internacionales como P.O.D y Fear Factory se presentaron junto a agrupaciones locales que participaron en un concurso para ganar su lugar en el escenario, y este

verano vimos el Corona Music & Fut, donde Caifanes, Los Ángeles Azules, Kinky y Hello Seahorse!, entre otros, amenizaron un día lleno de deporte y música. En Playa del Carmen también ocurrieron cosas a través de Corona Sunsets, donde talento de la talla de Moby, R3hab y Duck Sauce amenizaron fiesta tras fiesta en la arena. Otro gran acierto ha sido el Corona Music Fest, que recuerda un poco a la Caravana Corona y lleva, año con año, lo mejor del rock latinoamericano a ciudades de la república que no cuentan con grandes eventos para ver a artistas del tamaño de Molotov, Maldita Vecindad o Panteón Rococó. La primera edición de este festival contó con artistas internacionales y se dio en el Distrito Federal, por lo que se puede considerar predecesor del Corona Capital.

Corona y el futuro La música es un aspecto muy humano y Corona no olvida que el bienestar de las personas y el país es muy importante.

Como menciona Jorge Inda, Director de Marca Corona, en entrevista:

069

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

“Nos hemos puesto como reto para Corona el involucrar a los jóvenes en acciones que tengan un resultado positivo, hacer las acciones más atractivas y, por consecuencia, tener un México mejor. Solo en este año, 3 de nuestros grandes festivales de música han servido como plataformas para convocar a la comunidad a hacer algo para mejorar nuestro país.”

A través del programa de voluntarios Grupo Modelo, alrededor de 500 personas acudieron a limpiar playas durante los festivales Corona Sunsets en Acapulco y Playa del Carmen; y en la Ciudad de Mexico, previo al Corona Capital se convocaron a más de 2,000 jóvenes a pintar la reja del Bosque de Chapultepec.

Sin embargo, el directivo hace hincapié en que, si bien las causas sociales son partes importantes para Corona, es igual de relevante para ellos hacer del entretenimiento algo accesible para todos, sobre todo si se trata de música: “Para Corona, la conexión que genera la música con los adultos jóvenes es lo más importante.

Siempre ha impulsado el talento musical nacional, internacional y emergente, y sólo una marca tan grande podía traer a México a los artistas internacionales más importantes que todos los adultos jóvenes quieren y merecen ver en vivo. Así que decidimos hacerlo posible desde hace cuatro años.

Desde la Caravana Corona, la marca se ha caracterizado por tener una estrecha relación con la música. ¿A qué se debe este interés de ser relacionado con la música?

La música representa todo lo que es importante para Corona: disfrutar de los mejores momentos, convivir con amigos, encontrar lo que más te gusta y compartirlo con todos. Siempre hemos buscado brindarle a los adultos jóvenes todas las oportunidades posibles de vivir experiencias únicas que cubran todos los gustos y pasiones.

Corona tiene plataformas musicales orientadas a distintos géneros: Corona Capital al mainstream internacional, Corona Music Fest a las propuestas nacionales y Corona Sunsets a la electrónica. ¿Por qué atacar distintos frentes y no enfocarse en un solo estilo musical?

Corona conoce a los jóvenes y sabe de música pero, sobre todo, entiende que nuestros consumidores tienen diferentes gustos y preferencias musicales. La grandeza de Corona nos brinda la oportunidad de llevar distintas plataformas que cubran todas las preferencias de los adultos jóvenes. Hemos logrado, gracias a todos estos esfuerzos, convertirnos en la marca más relacionada con la música y seguiremos multiplicándolos para mantenerlo así. Siempre que exista un género musical que le interese a nuestros consumidores existirá un interés por parte de Corona por brindarles una experiencia inolvidable y única alrededor de él.

Han cambiado muchas cosas desde la primera edición de Corona Music Fest, desde su transformación en Corona Capital y el crecimiento que el evento ha experimentado. ¿Qué podemos esperar del festival en sus próximas ediciones?

Ahora son dos plataformas independientes.

Corona Capital no ha reemplazado a Corona Music Fest, ya que desde que Corona Capital nació, en 2010, se creó con la idea de tener un festival que compitiera a nivel mundial con los mejores y que trajera a los mejores exponentes de la música internacional, y cada año ha evolucionado en su comunicación y en los días que se tienen por el festival. Por su parte, Corona Music Fest es nuestra gira de rock en español itinerante, desarrollada en las mejores plazas a nivel nacional desde el año 2007.

Corona es una marca reconocida a nivel internacional. Corona Capital es un festival que es seguido por medios de diferentes países. ¿Hay planes de llevar el evento a otras latitudes?

Corona Capital es el mejor festival de música en México y queremos convertirlo en uno de los mejores festivales del mundo. Nuestro sueño es que miles de personas viajen desde su país para vivir una experiencia de música como ninguna otra. Así como Corona es un ícono de México en el mundo, queremos transformar a Corona Capital en otro ícono mexicano del que todos nos sintamos orgullosos.

070

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

Weezer Geeks were always Cool…

Por Raúl Arce

Para muchos de nosotros, Weezer es una banda que, nos guste o no, forma parte de una imagen en nuestra mente, quizá de cuando asistíamos a la secundaria o preparatoria, una imagen de cuatro tipos de pinta normal, medio geeks, que vivían en Los Angeles y parecían pasarla bien. Sí, los vimos en MTV, pero eso era otra cosa entonces; en aquel momento dicho canal podía legitimar objetos, productos y, por supuesto, bandas. Esto no implica que TODO lo que transmitiera la otrora cadena de videos fuera bueno, sino que habla de la relevancia que la agrupación tenía en la industria de la música en otro punto temporal, pasado.

072

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

Todo ocurrió en la primera mitad de los noventa, cuando firmados bajo el sello Geffen, Rivers Cuomo, Patrick Wilson, Brian Bell y su entonces bajista Matt Sharp incursionaron en una escena musical norteamericana que se trataba de sacudir el AquaNet y el plástico de los ochenta, y luchaba por forjar una identidad basada en las guitarras distorsionadas, la angustia y, sobre todo, en el rock.

Fue en el ‘94, para ser más precisos, cuando pudimos escuchar por primera vez el aclamado The Blue Album, disco que desde el track uno nos estremecía con ‘My Name Is Jonas’ y contenía canciones que a la postre se convirtieron en cuasi-himnos, como ‘Buddy Holly’, ‘Undone – The Sweater Song’ y la épica ‘Say It Ain’t So’. Una vez encumbrados por un naciente mainstream contracultural, Weezer lanzó Pinkerton (1996), material que no vendió lo que se esperaba (o lo que esperaba Geffen) pero que alcanzó el estatus de culto entre los fans de la banda; es precisamente en sus seguidores, donde radica la confianza de la misma.

“Me siento mucho más seguro ahora”, afirma Coumo. “Antes de que ‘la hiciéramos’ siempre estaba la molesta pregunta en la mente: ‘¿De verdad tenemos talento? ¿Nuestra música es buena? ¿Lo vamos a lograr?’ Tenemos una comunidad apasionada de fans. Es imposible dudar de nosotros mismos ahora.”

Después de una pausa en las actividades de Weezer, cada uno de los integrantes dedicó tiempo a sus proyectos individuales, lo que eventualmente llevó a la salida definitiva de Matt Sharp. Con respecto a la relación que existe entre los integrantes actuales, Rivers asegura que exiten una feliz constancia entre ellos: “Nuestras relaciones no han cambiado mucho. Pat es todavía el simpático, Brian sigue siendo el fresco y Scott continúa siendo un líder.

Ahora nos sentimos un poco más relajados, tenemos más seguridad en nuestra carrera porque nuestros fans van a estar con nosotros en las buenas y en las malas. Ellos quieren una relación a largo plazo con la banda.”

Con la llegada del año 2000, la banda decidió reunirse después de una pausa de tres años para presentarse en un festival en Japón, y en el mítico Warped Tour. Después de nueve exitosas fechas, Weezer regresó al estudio para grabar uno de sus discos más exitosos hasta el momento: The Green Album, cuyo título en realidad era homónimo. Fue así que una nueva generación conoció a esta agrupación angelina, y temas como ‘Hash Pipe’ y ‘Island In The Sun’ llegaron a las listas de popularidad. Desde entonces han pasado 13 años, en los cuales fueron lanzados ya cinco álbumes de estudio que si bien no han alcanzado el éxito de The Green Album y su debut, los ha mantenido vigentes en una escena musical que parece moverse cada día más rápido. Cuando el vocalista graduado de Harvard es cuestionado acerca de la escena, reconoce inventiva que existe y admite que lo que él escucha dista mucho de ser nuevo…

“Hay mucha variedad en la música ahora, bandas usando la tecnología en diferentes maneras; siempre hay sonidos interesantes que escuchar en el radio, pero tengo que admitir que muchos de mis discos favoritos fueron hechos en los noventa o antes, como Nirvana, Pixies, The Beach Boys y The Beatles.”

Este 2014, Weezer regresa con su primer disco en cuatro años, a ser lanzado en octubre. Bajo el título Everything Will Be Alright In The End, Rivers y compañía prometen un sonido más cercano a su debut pero con una buena dosis de experimentación sonora, claro está, fiel a su estilo garage.

“El nuevo disco fue producido por Ric Ocasel, quien estuvo con nosotros en el primero, así que mucha gente dice que suena como nuestro debut, pero también tiene un elemento de experimentación. Ahora intentamos cosas nuevas que nunca habíamos hecho antes; sin embargo, aunque tiene esos momentos de improvisación, nos dimos cuenta que sólo podía haber sido grabado por nosotros.”

Everything Will Be Alright In The End fue grabado de la misma manera en que hicimos nuestro primer trabajo en 1993, en la que

hay cuatro tipos en un cuarto, rockeando, tocando hasta lograr una gran toma, para después regresar a meter sonidos adicionales y armonías. No usamos trucos de computadora, no es para nosotros”, comenta el líder de Weezer con respecto a la manera en que la banda se acercó al estudio por novena ocasión, dejando muy claro que a pesar de todas las herramientas disponibles hoy en día, ellos creen más en la energía desplegada por gente tocando instrumentos que en overlooping y las tomas corregidas.

Recientemente se dio a conocer la adición de esta banda al cartel del festival Corona Capital, como parte de los cambios en la alineación del evento. Por supuesto, las reacciones de los fans no se hicieron esperar y la emoción es correspondida: “Como siempre, tengo muchas ganas de ir a México. Vivir en Santa Monica, California, a veces se siente como vivir allá, porque estamos rodeados de cultura mexicana: música, comida, futbol… y la maravillosa gente mexicana, así que es genial ir a y sumergirme completamente en el espíritu de su país. Este es nuestro primer álbum en cuatro años, así que tenemos muchas expectativas de compartir esta música con México.

“Seguramente tocaremos todos nuestros éxitos, así como algunas canciones nuevas de Everything Will Be Alright In The End, incluyendo ‘Back to the Shack’. Improvisaremos entre canciones”, agrega, dando un pequeño adelanto de lo que veremos durante su presentación en la Ciudad de México a nueve años de su primera y única visita a nuestro país.

Hace no mucho tiempo una legión de publicistas y especialistas en televisión se atrevieron a pensar que con la llegada de la popular serie The Big Bang Theory se legitimó la imagen del geek, que usar lentes graduados de armazón grueso, suéteres de rombos y tenis propios del mismísimo Gilligan era algo cool de un día a otro, ¡qué equivocados estaban! Weezer ya lo había hecho, por lo menos, diez años antes.

073

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

Real Estate Talking backwards Por RaÚl Arce

Desde Nueva Jersey, encabezada por Matt Mondale y Martin Courtney, Real Estate se presentará el próximo mes de octubre en la Ciudad de México para promocionar su tercer álbum Atlas (2013).

Con un: “Hola, disculpa que me haya tardado en contestar, estaba lavando mi ropa”, Martin Courtney, vocalista de la agrupación, nos contesta el teléfono dejando ver a primera instancia que, a diferencia de lo que a veces pensamos de los músicos, muchos de ellos eligen llevar vidas normales, lejos del glamour y más acorde con la personalidad introvertida de su música.

Con esa normalidad, este músico nos contó sus impresiones de su próxima visita a nuestro país, de su corta pero fructífera carrera y de cómo ha cambiado su vida a raíz de pertenecer a una banda medianamente reconocida.

Hace poco vimos el estreno del video ‘Had To Hear’ y notamos que fue grabado en México. ¿Por qué hacerlo aquí?

Básicamente, porque queríamos trabajar con nuestro amigo Richard Law, a quien conozco desde que tenía 16 años. Él nos hizo un video en el primer disco, que en realidad fue el primero que hicimos. Desde entonces habíamos querido trabajar de nuevo con él y finalmente pudimos armar algo con nuestra disquera para

determinar dónde y cuándo grabarlo. México parecía la ocasión en donde todos estaríamos en el mismo lugar, porque Matt Mondale, nuestro guitarrista, ahora vive en Los Angeles, así que juntarnos para hacer un video no es nada fácil. En algún punto pensamos hacerlo en Nueva York, pero iba a ser muy aburrido, así que tuve la idea de que fuera en México porque sería más interesante que cualquier otro lugar y podríamos obtener imágenes increíbles —cosa que logramos—. Estoy feliz de que así fuera, porque pudimos llevar a nuestros amigos a México todo pagado por la disquera; logramos un video para el público, tuvimos unas vacanciones con los amigos y funcionó también como una manera de recordar el viaje.

Fue maravilloso.

Vienen en octubre para el festival Corona Capital, donde se presentarán frente a un público mayor que puede o no conocerlos. ¿Cómo te sientes al respecto?

En general estoy emocionado sólo por la idea de volver a México, me gusta el asunto

de hacer dos cosas distintas: un show en un club, como ocurrió hace unos meses, y luego tocar en un festival, de esa manera obtenemos experiencia. Obviamente es bueno presentarse frente a tanta gente, nos agrada mucho, y estoy seguro de que van a haber muchos que no van necesariamente a vernos pero que, por pura suerte nuestra, nos escucharán… No sé, quizá de esa manera podremos ganar gente a la que le guste lo que hacemos. Está buenísimo, escuché que es uno de los festivales más grandes en México, ¿no?

Sí, de hecho es el que presenta más artistas internacionales…

Sé que va a estar bueno, aunque tú sabes que los festivales son raros, muchas veces son divertidos pero a la vez abrumadores. Aún así es bueno ir a diferentes eventos de este tipo y ver cómo los organizan en todos los países.

También es interesante encontrarse con otras bandas que a lo mejor conoces y que, en el mejor de los casos, ves una o dos veces al año.

Estoy muy emocionado.

The music festivals engine Lo que está pasando con los festivales Latinoamericanos Por Elsa Núñez Cebada

Uno de los meses más importantes para la industria musical está por arrancar. desde luego nos referimos a octubre (omitamos por favor el agregarle la palabra ‘rock’): ese momento del año en el que exprimimos nuestros bolsillos con el simple propósito de aprovechar lo más que se pueda la cartelera que las promotoras nos ponen en bandeja de plata.

075

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

Con la participaci贸n de Juan Carlos Guerrero, Organizador de Hell & Heaven; Philippe Siegenthaler, Director Talent Buying & Media de ABSENT PAPA (organizadora de Est茅reo Picnic), y Roberto Parra, Director de Primavera Fauna.

Ahorrémonos usar ese feo sobrenombre y centrémonos en lo que realmente importa, los festivales. ¿Recuerdan qué estaban haciendo el sábado 18 del décimo mes de 2008? No todos somos libros de historia pero haciendo un poco de memoria seguro recordarán que fue la primera vez que vieron a Nine Inch Nails en vivo, en México. ¿Qué tal el 11 de noviembre de 2006? ¿Sonaba bien The Mars Volta en el Estadio Azteca? Ni hablar de ese día en el que descubrimos la Curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez buscando un buen lugar para escuchar a The Smashing Pumpkins antes de que Billy Corgan se volviera loco.

Ponemos nuestras vidas en pausa durante varios fines de semana al año para —junto con nuestros amigos y miles de desconocidos más— confinarnos en un lugar para disfrutar de la música que en ese momento no para de sonar en nuestros reproductores sin importar que haga frío, calor o nos atrape el diluvio. ¿Qué es lo que más recuerdan de su primer Vive Latino o Corona Capital? ¿Se morían de ganas de que Hell & Heaven llevara a cabo a 10 minutos de su casa? Independientemente de la música, los festivales son una experiencia tanto para los que acudimos a ellos de manera religiosa como para los cientos de personas que han dedicado tiempo y esfuerzo a que la pasemos bien en éstos.

Antes de lanzarnos a la aventura a un festival más, decidimos investigar a fondo lo que pasa detrás de escena mucho antes de que el escenario sea montado. Lo que sucede en México y Latinoamérica antes de que cualquier músico tome el micrófono y provoque un grito ensordecedor como señal de que estamos contentos de tenerlo de visita.

1998: El inicio de la temporada festivalera El Festival de Rock y Ruedas de Avándaro (1971) estaba planeado como un intermedio musical dentro de las actividades de una carrera de autos (sí, originalmente se trataba de eso) y terminó reuniendo a cerca de 130 mil personas en un fin de semana musicalizado por 11 bandas nacionales. Actualmente

077

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

El papel de las marcas en un festival Haciendo memoria rápidamente, hemos estado en festivales presentados o con el nombre de refresqueras, cerveceras, marcas de celulares, de computadoras y hasta de chocolates, sólo por mencionar algunas. ¿Por qué este tipo de eventos se han vuelto el objetivo de las corporaciones para posicionar sus productos?

Adriana Sandoval, experta en el tema de patrocinios en festivales musicales, comenta que esto existe “siempre que un promotor u organizador se acerca a una marca para ofrecerle participar; hay diferentes niveles de patrocinio. Es un negocio ganar-ganar en el que los que producen reciben una aportación económica, de difusión o en especie a cambio de dejar que una marca se asocie a su evento.”

Festivales como Corona Capital o Indio Emergente son organizados por una productora y llevan el nombre de una marca porque así se vendió el patrocinio (nivel naming), a diferencia de Vive Latino, por ejemplo, que lleva la leyenda de ‘presentado por’ seguido del logotipo de Cerveza Indio para dar a notar a esta marca como la principal. festivales como Vive Latino han reunido a cerca de un millón de personas, más de 600 bandas de diferentes latitudes durante cuatro días del año, en 15 años de historia.

Las fiestas musicales que se realizan actualmente en México tienen sus orígenes en los conciertos masivos que durante décadas se han llevado a cabo en las preparatorias y las universidades públicas, agrupaciones como La Lupita y La Gusana Ciega convivían en este entorno y, de hecho, formaron parte de un experimento que Jordi Puig, director de un incipiente festival llamado Vive Latino, puso en marcha hace tres lustros.

Durante todo este tiempo, el festival ha marcado la pauta para entender el comportamiento del público mexicano y tal vez lo más importante, lo que éste quiere; más que un espacio para la música, estos eventos se han convertido en un nido de experiencias patrocinadas por marcas que suceden en paralelo.

“La música que escuchas, las bandas que te gustan y los eventos a los que asistes hablan de quién eres, dicen mucho de ti. La mayoría de las marcas de consumo tienen como estrategia generar un vínculo emocional con cierto tipo de consumidores y para ello utilizan herramientas que las presenten como ‘personas’ con los mismos gustos y preferencias”, señala Sandoval al hablar de lo que ha vuelto a los amantes de la música un nicho importante para las marcas.

El platillo principal de cada evento: El cartel Independientemente de lo que cada promotora reciba por concepto de patrocinios o las experiencias que genere en cada uno de los asistentes, nada de esto sería posible sin contar con materia prima de calidad, es decir, con propuestas musicales por las que realmente querramos pagar por escuchar en vivo.

El caso de Hell & Heaven Metal Fest resulta oportuno dado que sobrevivió a una cancelación con la fecha de arranque encima, esto gracias a que la gente apoyó el proyecto por el hecho de querer ver a Kiss, Korn y Venom, entre otros muchos. ”Hell & Heaven ya tiene sonando en el circuito de conciertos y festivales cinco años, nosotros comenzamos las negociaciones con las agencias que ya nos conocen muy bien; incluso nos han buscado directamente los mismos agentes y las bandas que nos han visitado”, comenta Juan Carlos Guerrero quien forma parte del comité organizador de este festival de metal, quien asegura que las mismas bandas “han corrido la voz de qué es el festival, cuál es su formato, cuál es su alcance, el público y su intensidad.”

Actualmente, las redes sociales también son un buen termómetro para saber lo que la gente está escuchando al momento de decidir a quién se invitará y a quién no, a fin de cuentas este tipo de eventos están hechos para que el público disfrute, además de que es esencial checar la agenda de las giras de las bandas extranjeras para cuadrar una presentación.

En el caso del público que esperan en H&H, los organizadores han tomado en cuenta el perfil del metalero mexicano quien “es un poco más cercano al gusto del metalero europeo, entonces de pronto hay bandas que tienen gran éxito en dicho continente que son muy esperadas en México, cosa que no siempre pasa en los carteles americanos (…) intentamos en cierta manera lograr un equilibrio entre las bandas provenientes de diferentes países.”

Lo que necesita un venue para albergar un festival Dicen que “dependiendo del sapo es la pedrada”, así que uno de los puntos más importantes al momento de planear un festival es elegir el lugar apropiado en donde éste se llevará a cabo, en este punto intervienen las autoridades de la localidad.

Si éstas no están de acuerdo simplemente no se hace, por lo que ahondaremos en el caso de la edición 2014 de Hell & Heaven que se llevaría a cabo en el municipio de Texcoco, en el Estado de México.

La productora decidió hacer el festival en el recinto en donde se lleva a cabo anualmente la Feria del Caballo, que cuenta con una capacidad de más de 100 mil personas: “Vimos que tenía la capacidad de albergar un festival del tamaño de Hell & Heaven, fuimos a la presidencia municipal, conocimos a la presidenta, nos abrió las puertas, nos dieron todas las facilidades, tuvimos varias reuniones de trabajo y estábamos trabajando normalmente como lo hacemos año con año, hasta que entró Protección Civil”, comenta Juan Carlos Guerrero.

Proyección Civil hizo sus observaciones, mismas que siempre son entregadas a quien realizará el evento para que las subsane, “en esta ocasión se publicó en medios nacionales, que no se podía hacer el festival porque faltaba esto y esto.

Estábamos a tiempo de hacer las adecuaciones necesarias, pero en vez de darnos tiempo nos mandaron un equipo de cien granaderos para cerrar el lugar y detener los trabajos que teníamos de producción y montaje.”

¿Qué pasa con otros festivales en Latinoamérica?

Distintos países latinoamericanos están despertando al ritmo de las bandas emergentes y al hecho de que franquicias como Lollapalooza decidieran traer su producción a tierras sudamericanas, tal es el caso de Brasil, Argentina y Chile en donde headliners internacionales conviven en el mismo lineup con propuestas locales.

Estéreo Picnic es un festival que desde hace cinco años se lleva a cabo en Bogotá, Colombia.

Evidentemente el público es diferente con relación al mexicano, así que la labor de consolidarse ha sido diferente en comparación a los casos que conocemos en nuestro país.

A principio de 2013, Ocesa/CIE también se enfrentó a problemas relacionados con las autoridades, quienes aseguraban que la productora había rebasado el límite de asistentes que podia albergar el Foro Sol y el Autódromo Hermanos Rodríguez durante la edición 2012 de Corona Capital.

Philippe Siegenthaler forma parte del equipo que hace posible esta fiesta musical de tres días que este año tuvo como actos principales a Red Hot Chili Peppers, Nine Inch Nails, Phoenix, Pixies y Zoé. Él asegura que el camino para llegar hasta este punto también ha tenido que ver con “entender a la ciudad, al público, crecer nosotros mismos como curadores y como bookers en torno a una confianza que se tiene que generar con el talento, ha sido una avalancha de trabajo que se juntó en el cartel de Estéreo Picnic de este año.”

Las autoridades de la delegación Iztacalco clausurarían estos inmuebles alegando que la Operadora de Centros de Espectáculos (Ocesa) había sobrevendido el festival, dando acceso a 42 mil personas siendo que tenía permitido que lo hicieran 10 mil. La empresa promovió un amparo que fue rechazado por el juez Tercero en Materia Administrativa; a pesar de ello, ambos venues siguen funcionando de manera normal hasta la fecha.

Colombia tiene a Rock al Parque, pero Philippe comenta que a pesar de ello el público de dicho país está empezando a reaccionar ante la cultura de los festivales, “no es un mercado de venta de boletos en torno a la música muy acostumbrado a los festivales, hay todavía un reto muy grande: el de hacerle entender a la gente lo que significa un festival, que no sólo es una experiencia musical, sino que va más allá de la música.”

Otro caso destacable es el esfuerzo que se está haciendo en Chile para tener opciones como el festival Primavera Fauna, que se llevará a cabo el próximo mes de noviembre con un cartel que si bien tiene cabezas como las de Estéreo Picnic, destaca por su curaduría enfocada a proyectos independientes.

“Primavera Fauna ha sido un experimento desde el día uno, siempre hemos probado distintas cosas y fórmulas, pero creemos que ya en este cuarto año tomamos la identidad que queríamos: la de un festival netamente de música independiente trayendo propuestas que no hubieran llegado tal vez si no hubiéramos intervenido nosotros en este proceso”, dice Roberto Parra, parte del comité organizador de esta producción.

En Chile, la situación de las promotoras independientes no es muy distinta al de las mexicanas. Roberto asegura que para ellos es complicado armar un festival porque deben competir con monstruos del entretenimiento con mayores recursos e infraestructura. “Costó mucho porque somos el equipo justo para que el festival salga bien. Nuestra principal satisfacción, por ejemplo, el año pasado, fue lograr una buena producción y una buena experiencia dentro del festival para el público.”

Partiendo de la experiencia que tuvieron al llevar a Pulp por primera vez a aquel país, Roberto expresa que esto los hizo madurar muy rápido afirmando que la gente que organiza festivales debe preocuparse por “añadir experiencias al hecho de escuchar música, sin esta mezcla creo que no se logra nada.”

INFORMACIÓN MUSICAL 24/ 7

DESTACADOS NOTICIAS ENCORE GIGS WARPTV WARPCAST MAGAZINE REVIEWS

ST.VINCENT A Pearl In The Ground Por Karina Luviรกn / Fotos: Renata Raksha

081

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

Suena ‘What Me Worry’ y una mezcla envolvente de jazz y blues inunda la habitación, dibujando una postmoderna referencia a Billie Holiday. Las canciones corren y, en un siguiente disco, ‘Black Rainbow’ representa, a partir del minuto 2:46, la mixtura perfecta entre lo melódico y lo estridente que después explotaría, con una habilidad más refinada en la guitarra, a través del disco Strange Mercy. St. Vincent, desde entonces, por allá de 2011, se presentaba ya como una artista única, con la curiosidad suficiente para experimentar con cada disco y la astucia necesaria para transformarse y confeccionar una de las personalidades femeninas más interesantes de la última década. En su historia, David Byrne llegaría después y entonces… el gran salto.

“Creo que es muy natural sólo crecer; a veces ocurre rápidamente, a veces un poco más lento. Me gusta pensar en el crecimiento como un tren que va a la misma velocidad todo el tiempo, pero la verdad es que a veces no ocurre así y necesitas una mano… inspiración.”

La naturalidad del trabajo de Annie Clark es evidente también en su personalidad, que se filtra a través del auricular. Sus palabras entrelazan ideas que luchan por definir lo que la inspiración representa para ella y la imaginería detrás de su más reciente producción homónima, pues no es extraño preguntarse cómo una chica sencilla que creció en Dallas, Texas, se convirtió en el monstruo musical que hoy pisa los escenarios más destacados del mundo, desde Glastonbury hasta el Rock And Roll Hall Of Fame, tomando el papel de Kurt Cobain durante la inducción de Nirvana a dicho recinto.

St. Vincent es el álbum más exitoso que la también multiinstrumentista ha lanzado a la fecha, con un bloque de críticos encantados y un público cada vez más interesado, gracias a elementos estilísticos condensados tras un proceso de crecimiento que empezó a los 17 años, cuando compuso música original para la representación teatral de la novela Alice In Wonderland, de Lewis Carroll, en la secundaria. Sin embargo, fue Marry Me (2007) el álbum que colocó su seudónimo en los medios musicales más importantes y, desde entonces, todo es diferente: “He aprendido mucho desde la salida de mi disco debut. He aprendido cómo hacer un gran show, un show conmovedor pero también entretenido. He aprendido a refinar mis instintos y le he dado un tono a mi voz como artista. En mi carrera he estado completamente inspirada por personalidades como Miles Davis; sé que no sueno como él, pero su historia como músico me parece maravillosa. Debo decir que,

de hecho, titulé St. Vincent a este disco luego de leer su autobiografía, en la que plantea que la cosa más difícil para un artista es sonar a sí mismo, y creo que en este material he podido destilar y redefinir mis propios instintos, estirarlos, para crear un mundo singular.”

“Yo nunca olvido la música, no es algo de lo que tenga que escapar, la amo: si amas algo, ¿por qué querrías alejarte de ello?”

El que su cuarta producción solista contenga los elementos necesarios para ser de lo mejor de 2014 no es fortuito, pues aunque son relativamente pocos los años que ha volcado a la música, su camino ha sido acompañado e impulsado por artistas que, sintiendo empatía con su esencia creativa, la invitaron a formar parte de su historia; tal fue el caso de The Polyphonic Spree, con quien comenzó a girar por el mundo aún oculta en un conjunto de numerosos elementos. Al regresar a aquella época, la mujer, hoy de 31 años, se dice afortunada por haber encontrado amigos con quienes crecer en cada periodo, atribuyendo su encuentro, con modestia desmesurada, a la inercia o, como ella misma asegura, a “la convergencia de mucho trabajo haciendo eso que amas con una sincronización afortunada”: “Cada una de mis colaboraciones ocurrieron de manera muy natural, honestamente.

Acababa de dejar Berklee y recién había regresado a Texas. Mis amigos ya eran parte de The Polyphonic Spree y me dijeron: ‘Oh, deberías unirte’. Luego, aún siendo parte de la

banda fue que terminé mi primer disco solista, Marry Me. Por ese entonces Sufjan (Stevens) lo escuchó y en ese momento necesitaba a alguien para su banda, para la gira Come On Feel The Illinoise, así que me invitó a tocar para él, y cuando estaba en ello fue que conseguí un contrato discográfico para sacar mi disco. A David (Byrne), por otra parte, lo conocí en un evento de caridad, cuando ya había lanzado mi segundo disco, Actor, él se me acercó y me dijo que el video para ‘Actor Out Of Work’ era muy extraño y que de verdad le había gustado. Después fuimos contactados por una asociación de caridad para escribir música juntos, así que empezamos a trabajar ideas por email, empezamos a escribir, y de repente nos vimos muy emocionados por lo que estaba pasando, así que todo se convirtió en un disco completo y en una gira.”

Si bien las circunstancias la llevaron al encuentro de personalidades ciertamente afines, Annie supo aprovecharlas y llevarlas a aquello que se gestaba como un ente individual, explosivo, vertiginoso, salvaje, pero ciertamente melódico, dulce y emotivo llamado St. Vincent. Quizá por esto tuvo a bien incluir a Mike Garson (pianista de David Bowie), Brian Teasley (baterista de The Polyphonic Spree) y a un hermoso coro en su primera producción, quizá por eso aceptó participar en el álbum Break It Yourself (2012), de Andrew Bird y, en lo que representó un trampolín inmejorable para su carrera, creó un álbum completo junto a David Byrne, ese mismo año: Love This Giant.

“Como artistas todo lo que hacemos, todo el tiempo, es deconstruir cualquier conversación que se tiene con un amigo o con un extraño cualquiera, en la calle”, asegura la autora de ‘Chloe In The Afternoon’, pieza que abre su tercer disco y que surge a partir de la película francesa, de 1972, del mismo nombre, sólo que siendo llevada a lugares más oscuros.

082

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

La intérprete toma un prolongado respiro. Continúa: “Un libro que leí, una película que vi o alguna alocada noche de fiesta es material para una canción, es material para hacer arte, así que para mí fue positivo ver detrás de la cortina de algunas otras bandas cuando empezaba, pues intentaba entender cómo se es el líder en una banda.” Y si de aprender se trataba, tuvo la fortuna de aprender de uno de los grandes: “Trabajar con David fue maravilloso, el tour fue tan exuberante y divertido. Lo que me inspiró de esa experiencia fue ver que la gente estuviera bailando durante el show. Yo en realidad nunca había tocado música con la que la gente bailara, y pensé que era muy comunal, alegre, quise llevar parte de eso en lo siguiente que hiciera así que intenté hacer un disco de fiesta que pudiese ser tocado en un funeral.

Quise mejorar la experiencia de la gente en los conciertos y estuve muy influenciada por un montón de cosas visuales, así que sólo fue cosa de poner todo junto.”

Tras un breve espacio luego de terminar la gira junto al exlíder de The Talking Heads, Annie Clark se presentó renovada, con una estética que la sacaba de su prístina apariencia para colocarla en una excentricidad deslumbrante de cabellera platinada y atuendos futuristas que, en vivo, compaginaría con ejecuciones electrizantes y coreografías creadas, ni más ni menos, que por Annie-B Parson; ese toque Byrne del que se enamoró.

“He aprendido mucho desde la salida de mi disco debut.

He aprendido cómo hacer un gran show, un show conmovedor pero también entretenido.

He aprendido a refinar mis instintos y le he dado un tono a mi voz como artista.”

084

THE MUSIC FESTIVALS

ENGINE

“Debo decir que pongo mucha atención en todo lo que realizo”, asegura enfática al hablar de cada aspecto de su obra. “Como dije, tiene que ver con la experiencia, redefinir y reinventar lo que haces cada vez. Para ser honesta, yo me aburro muy fácilmente, así que necesito mantener todo nuevo y fresco para mí.” El mismo sentido tienen sus letras, elemento indispensable en una discografía que no tiene punto débil y que invita a pensar que, en un futuro próximo, podría alcanzar el aclamo de figuras femeninas como Fiona Apple y, por qué no, PJ Harvey: “Yo trabajo la mayor parte del tiempo, y cuando me voy a dormir despierto con canciones en mi cabeza, así que las grabo en mi teléfono muy rudimentariamente. Cuando estoy de gira no tengo la energía suficiente para ser una compositora en forma, pero me gusta

ser creativa, así que articulo ritmos. Por otra parte, cuando se trata de componer canciones, creo que no puedes escribir sobre ciertas cosas que no conoces, así que incluso si invento un personaje compuesto a partir de mucha gente que conozco y cambio detalles aquí o allá, todo es emocionalmente cierto.”

En mayo, esta mujer de apariencia delicada se encargó de concluir la más reciente temporada de Saturday Night Live, honor adjudicado merecidamente si se echa un vistazo a cualquiera de sus presentaciones, con una entrega total que conmina al público a la reciprocidad: “La respuesta de la gente ha sido asombrosa. Toqué en Corea del Sur por primera vez, frente a una horda de chicos gritando y yo nunca imaginé algo así”, pronuncia in-

crédula quien no considera ningún escenario pequeño, pues su intensidad es la misma y su pasión inquebrantable: “No hay algo mágico, una fórmula especial para lo que será un show maravilloso, porque puede ocurrir en cualquier lugar. He tenido shows magníficos en lugares hermosos y también en lugares mierdas, así que creo que todo es acerca del ánimo de la gente, de la banda, eso especial que ocurre cuando esas situaciones colisionan… no sé cómo explicarlo.”

Ser testigo del momento que vive Annie Clark será digno de presumir a futuras generaciones, en ese devenir de escenas y rítmicas de las que seguro se nutrirá para convertirse, quizá, en el concepto sobre el que gira su más reciente álbum: la “líder de algún culto en el futuro cercano.”

“A David (Byrne) lo conocí en un evento de caridad, cuando ya había lanzado mi segundo disco, Actor, él se me acercó y me dijo que el video para ‘Actor Out Of Work’ era muy extraño y que de verdad le había gustado.”

WM / 69

086

WHAT ELSE?

REVIEWS

SYRO Aphex Twin WARP

Cuando hablamos de un genio, hablamos de alguien que se destaca por encima de los demás gracias a alguno de sus talentos. En el terreno musical, nos referimos a un genio cuando señalamos a alguien cuyo trabajo sonoro transgrede los límites establecidos y abre brechas que se asoman hacia el futuro (cualquiera que sea la dirección a la que éste apunte). En ese último renglón tenemos que hablar, indudablemente, de Richard D. James, mejor conocido sobre la faz de la Tierra como Aphex Twin.

De más está decir que trabajos como Selected Ambient Works 85-92 (1992) o Richard D. James Album (1996) lo colocaron como referente necesario de la experimentación electrónica y como uno de los grandes antihéroes de los noventa; sin embargo, sus súper poderes no fueron sólo apreciados por los más clavados en la electrónica, algunos de sus complejos trabajos como Analord (42 tracks divididos en 11 viniles lanzados a lo largo de seis meses) o sus colaboraciones visuales con Chris Cunningham

le abrieron las puertas hacia el mundo de la cultura pop, volviéndolo coleccionable. Hoy, basta con celebrar el regreso de un prominente visionarios sónico de nuestros tiempos quien, tras prácticamente más de una década sin lanzar un álbum, nos impacta con Syro (2014).

Sorprende agradablemente la manera en la que el sucesor de Drukqs (2001) camina por terrenos más dinámicos y, hasta cierto punto, más arriesgados. Los downtempos de la quinta placa de Aphex quedan reducidos en Syro, haciendo que el disco, en general, se convierta en un trayecto en el que todo el tiempo se va en ascenso. ‘minipops 67 (source field mix)’ es la encargada de darnos la bienvenida y como buen openner nos muestra un reflejo de Aphex Twin en su versión 2014. ‘XMAS_EVET10 (thanaton3 mix)’ nos presenta líneas de bajo encaminadas por estructuras de piano, mientras ‘produk 29’ se convierte en un instante único, con claras referencias de improvisación. ‘CIRCLONT6A (syrobonkus mix)’ nos pone frente a frente con

aquel músico que hiciera ‘Come To Daddy’ en 1997 y junto a ‘CIRCLONT14 (shrymoming mix)’ nos entregan probablemente los momentos más fieles al sonido noventero de Richard de todo el disco; durante varios minutos el espacio sonoro se satura de distorsión y percusiones en las cuales la adrenalina se deja guiar por leads de sintetizadores. Al final, ‘aisatsana’ cierra esta experiencia con un guiño a los momentos más emotivos y melancólicos de Aphex Twin, una pieza de piano con clara referencia a temas como ‘Avril 14th’ o ‘Strotha Tynhe’ en donde los elementos orgánicos se convierten en el perfecto adiós para Syro.

Exquisito y emocionante para los escuchas iniciados, e incluso para los recién interesados, Syro de Aphex Twin no sólo se convierte en una de las mejores placas de 2014, sino en un clásico de su discografía. Richard James es un músico que nos hacía falta, es bueno tenerlo de vuelta. -Diovanny Garfias

9.0

WM / 69

087

WHAT ELSE?

UNFLESH

Crush Songs

Gazelle Twin

Karen O

Anti-Ghost Moon Ray

Cult Records

Cuando The Entire City (2011) vio la luz muchos percibieron en Elizabeth Bernholz, a.k.a. Gazelle Twin, a la heredera natural del sonido de Throbbing Gristle. Hoy, tres años después, la inglesa nos presenta UNFLESH, una placa que simboliza la evolución de su arte acústico hacia terrenos más viscerales.

Hablamos de un viaje hacia lugares oscuros de la mente; ‘Anti Body’ y ‘Unflesh’ nos transportan a través de percusiones industriales a un camino en espiral, dejando claro el rumbo sombrío que tomará el disco; ‘Premonition’ y ‘Good Death’ nos permiten escuchar la hermosa voz de su autora, quien crea escenarios oníricos apoyada en sintetizadores y cajas de sonido, mientras ‘Belly Of The Beast’ y ‘Human Touch’ establecen la importancia de los procesos biológicos del cuerpo humano para la composición del álbum.

Finalmente, ‘I Feel Blood’ y ‘Still Life’ nos llevan a la orilla de un precipicio, dándonos ese último empujón emocional en el que la extinción parece la única salida. Con esta entrega, Bernholz se coloca como una de las artistas más interesantes en materia de electrónica experimental de nuestros días.

Sin duda, UNFLESH es ya un clásico del género. -Diovanny Garfias

8.9

A pesar de lo que su apariencia y actitud sobre el escenario podría hacernos pensar, Karen O, líder y vocalista de Yeah Yeah Yeahs, es también capaz de hacer temas “del corazón” que dejan al descubierto su lado más personal (basta con darle una escuchada a ‘Maps’, por ejemplo).

Crush Songs, así, es una serie de temas escritos hace ocho años, un periodo en el que Karen —según ella misma— “solía enamorarse mucho”.

Cada uno de los temas es una confesión que desnuda situaciones amorosas que vivió o quiso haber vivido, y aunque no sepamos cuál es biográfica y cuál es ficticia, el mayor acierto del álbum es que todos fácilmente podemos identificarnos con alguna de sus letras, cada una enmarcada con un tratamiento lo-fi que captura de manera más que ideal los sentimientos proyectados por la intérprete.

Aunque la maquila musical de Crush Songs no signifique alguna proeza, en su simpleza logra su cometido reflexivo y, sobre todo, expone a la artista de manera directa, algo que siempre, siempre, se agradecerá.

-Alejandro Altamirano

6.5

este mes: MY FAVOURITE FADED FANTASY

SEEDS

SONIC HIGHWAYS

Damien Rice

TV On The Radio

Foo Fighters

Warner Bros Records

Harvest Records

RCA Records

REVIEWS

088

WM / 69

The Violet Flame Erasure Casete

En la actualidad, la visión de la música electrónica dista mucho de ser lo que conocimos con base en bandas synth-pop como el dúo británico Erasure. Sintetizadores y cajas de ritmo análogas se volvieron su sello en discos y presentaciones en vivo, aunado a una base sólida en la estructura de sus canciones heredada por las bandas de rock. Afortunadamente, Vince Clarke y Andy Bell regresan a la escena musical con un nuevo álbum titulado The Violet Flame. Basta con escuchar un minuto de ‘Dead Of Night’, tema que da la bienvenida, para evidenciar que estamos frente a un LP diferente a sus predecesores, dotado de un sonido actual que refleja por momentos una clara influencia (no tan conveniente) de EDM; canciones como ‘Promises’ y ‘Sacred’ son claro ejemplo. Fuera de este par de temas, encontramos canciones que huelen a clásicos desde el principio, con Clarke haciendo su magia melódica detrás de los sintetizadores y Bell demostrando nuevamente que dista de ser un cantante mediocre. Honestamente, poco importa si suena más o menos a Erasure, es un álbum que vale la pena escuchar para salir de la monotonía de la música electrónica actual. -Giorgio Brindesi

8

This Is All Yours Alt-J Infectious Music

This Is All Yours es un álbum que se puede dividir en dos partes. La primera nos lleva por un camino de autodescubrimiento que nos hace cerrar los ojos y encontrarnos con diversos colores y texturas, al compás de una serie de temas que se balancean entre el folk tranquilo de ‘Intro’ y ‘Arrival In Nara’, para pasar al funk divertido y energético de ‘Left Hand Free’ y el sonido característico y único de ‘Every Other Freckle’.

La segunda parte es más experimental, el sonido de la batería electrónica es el hilo conductor de temas tranquilos, con armonías oscuras y atmósferas que nos recuerdan la rítmica de los últimos álbumes de Radiohead (guardando todas las distancias). Sin embargo, esta última parte del disco está llena de canciones que superan los cinco minutos, haciendo que la placa se vuelva tediosa por momentos. This Is All Yours es un álbum que relata un viaje hacia Nara o hacia nosotros mismos, que dependiendo de nuestro sentir será calificado como una joya o, simplemente, como un disco bueno.

-J. Ismael Canales

8.3

WM / 69

089

WHAT ELSE?

Silencio Por Favor “Es un concepto totalmente diferente, están intentando de todo, intentan encontrar una nueva manera de trabajar, nuevos sonidos.”

-Rodaidh McDonald, productor

The xx El pasado mes de mayo, después de una extensa gira mundial, The xx decidió visitar Texas y entrar al estudio para comenzar a grabar su tercera producción discográfica. La composición de las primeras letras de este nuevo material se llevó a cabo durante el año pasado, en 2013, cuando The xx se encontraba inmerso en su tour mundial.

Para la producción de este material la banda reclutó al ingeniero de sonido y productor escocés Rodaidh McDonald, quien ha trabajado con artistas como Bobby Womack, Adele, King Krule y Vampire Weekend. En palabras de Jamie xx, con este material la banda intentará poner más atención en el sonido final que quiere dar al disco, el cual tendrá un concepto distinto a sus anteriores obras.

Artista: The xx País de origen: Reino Unido Título: Sin confirmar

Por J. Ismael Canales

Sello: Young Turks Fecha de lanzamiento: Sin confirmar Productor: Rodaidh McDonald Grabado en: Marfa Recording Studio (Texas) e Islandia

WM / 69

0a90

WHAT ELSE?

La vie est belle, mes enfants Por Raúl Arce

Foto: Rubén Márquez

Clo Floret, Thomas Fourny y Cyril Debarge proclaman, con una mezcla dance, indie y un toque de 8bit music: We are ENFANT TERRIBLE. Surgida en París durante 2008, la banda sigue los pasos de CSS, Goldfrapp y Ting Tings, con una propuesta fresca en la que se mezclan composiciones joviales con sonoridades creadas a partir de guitarras, bajos y GameBoys programados para generar rítmicas en vivo. WARP Magazine conversó ellos y esto es un poco de lo que nos dijeron: Entre los instrumentos que utilizan está un GameBoy. ¿Cómo llegan a él y cómo lo utilizan en su música?

Clo Floret: Lo que hacemos es mezclar música beat con rock and roll y pop, por lo que se convierte en un instrumento básico.

Cyril Debarge: Un tipo de Europa del Norte hizo esto hace 15 años, generar música a partir de consolas de videojuegos. Nosotros empezamos a experimentar y todo ocurrió muy rápido. Es muy interesante y muy fácil de tocar.

CF: Además, Cyril es muy hábil para conseguir GameBoys y consolas de Nintendo. Tenemos algo así como 12 hasta ahora [risas]. ¡Es el mejor geek de todos!

Descarga ‘Nurses Run’ de WAET y un remix exclusivo de este tema por SLKTR.

Ustedes son de Lille y me causa cierta curiosidad saber con qué tipo de música crecieron, qué tipo de estilos los influenciaron…

CF: Sí, de hecho yo vivo en París pero también soy de Lille, como ellos; ellos sí viven ahí…

CD: Lille está como en el centro de Europa, a una hora de Bruselas…

CF: Solíamos llamarle el Manchester francés [risas]…

CD: Sí, está como a dos horas de Londres y a dos horas de París,

así que hay muchas influencias que llegan a Lille, por lo que no podríamos decir: ‘Este tipo de música suena mucho en Lille’…

CF: Todos crecimos en Lille y es tan, tan cercano a Bélgica que yo solía ir mucho en mi adolescencia, en la verdadera época de la música electrónica, el principio de la explosión DJ. De ahí surgió esta influencia electrónica. Por otro lado también teníamos esta escena rock porque, como dijimos, estamos muy cerca de Reino Unido, así que estuvimos expuestos a todas esas influencias. Todos escuchamos música muy diferente: Thomas está más metido en el rock, yo estoy más en la música electrónica y a Cyril le atrae más la música funk…

Thom Fourny: Sí, también creo que tuvo que ver la música de las caricaturas de los años 80, con muchos, muchos sintetizadores, creo que eso es importante también… ¿Qué sigue para ustedes a nivel musical?

CF: Nos gusta hacer nuevas canciones entre disco y disco y creemos que un medio perfecto para sacarlas es un EP, en el cual también incluimos remixes de otros músicos porque nos gusta tener colaboraciones; de hecho, queremos hacer cosas con una banda que conocimos aquí, Los Abominables, y quizá con otros artistas locales; son grandiosos.

TF: En los próximos meses pasaremos tiempo en el estudio creando nuevas canciones e ideando video clips. Hay muchas cosas por hacer, incluso regresar a México… [risas] CF: Sí, tuvimos una inspiración tremenda aquí, así que regresaremos. Tenemos mucho material y, como dije, conocimos a artistas fantásticos, así que de verdad tenemos que regresar.

ENGLISH VERSION —

ST. VINCENT PG. 92

FESTIVALS INDUSTRY PG. 94

ST.VINCENT A Pearl In The Ground

By Karina Luvián

‘What Me Worry’ is playing and a jazz and blues mix surrounds the room, painting a postmodern reference to Billie Holliday.

Songs go by and, on the next record, ‘Black Rainbow’ represents, from minute 2:46, the perfect mixture between the melodic and the shrill to come, with a more refined guitar technique, through the Strange Mercy record, St. Vincent, since then, back in 2011, introduced herself as a unique artist, curious enough to be open to experimentation in every record, and skillful enough to transform and to shape one of the most interesting feminine presences of the last decade. In her history, David Byrne would come later and then… the big leap.

“I think is very natural, just growing; sometimes it happens quickly, sometimes a little bit slower. I like to think of growing as a train that always travels at the same speed, the truth is that sometimes it doesn’t happen that way and you need a hand… inspiration.”

The artlessness of Annie’s Clark work is easy to notice in her personality, which transfers through the phone. Her words weave ideas that struggle to define what does the inspiration mean to her, and the imagery behind her recent eponymous record, so it’s not estrange to wonder how a simple girl who grew up in Dallas, Texas, became the music monster that is currently on the most important stages in

the world, from Glastonbury to the Rock and Roll Hall Of Fame, playing the part of Kurt Cobain during the introduction of Nirvana to the infamous hall.

“St. Vincent” is the most successful album released by the multi-instrumentalist up to the date, with a bunch of delighted critics and a public that is showing more interest, thanks to the stylistic elements, condensed in a growing process that began when she was 17, when she wrote the score for the play Alice in Wonderland

by Lewis Carroll, during high school. However, it was Marry Me (2007) the album that put her pseudonym in the most important music media, since then, everything is different:

093

“I’ve learnt a lot since the release of my debut album. I’ve learnt how to put on a great show, a touching show but also entertaining. I’ve learnt to refine my instincts and I’ve given a tone to my voice as an artist. In my carrier I’ve been completely inspired by personalities like Miles Davis; I know that I don’t sound like him, but his history as a musician is wonderful. I must say that, in fact, I named this album St. Vincent, after reading this autobiography, where he claims that the hardest thing for an artist is to sound like himself, and I think that ins this production I was able to distilled y redefine my own instincts, stretch them, to create a singular world.”

The fact that her 4th solo album has the elements required to be one of the best of 2014 is not incidental, although she has been in the music scene for relatively few years, in her journey he has been accompanied and supported by artists that, empathized with her creative essence, and invited her to be a part of their history; that was the case of The Polyphonic Spree, the band who she started to tour the world with, hidden in a group of numerous elements. By remembering that time, the 31 year old woman, says that she has been lucky to find friends to grow in each period, attributing these encounters, with modesty, to the inertia, or like she claims: “To the convergence of a lot of work doing what you love with a lucky synchronicity”: “Each one of the collaborations happened very naturally, honestly. By that time, I’ve just left Berklee, and moved back to Texas.

My friends were in The Polyphonic Spree and told me: ‘Oh, you should join us’. After that, when I was in the band, I finished my first solo record, Marry Me. By that time, Sufjan (Stevens) listened to it, and he needed someone for his band, for the Come On Feel The Illinoise tour, so he invited me to play with him, and when I was doing that, I got a record deal to release my album. I met David in a charity event, by that time, my second album, Actor, was already released, he approached me and told me that the music video for ‘Actor Out Of Work’ was really strange and that he liked it. Shortly after, we were approached by a charity association to write music together, so we started to work some ideas by email, and began to write, suddenly, we felt very excited about it, and it ended up being a full record and a tour.”

If the circumstances led her to the encounter of personalities who she had affinity with, Annie knew how to made the most of them, and take it to something that was manifesting as an individual, explosive, sudden, wild, but certainly melodic, sweet and emotional entity called St. Vincent. Perhaps that’s the reason why she included Mike Garson (piano player with David Bowie), Brian Teasley (The Polyphonic Spree drummer) and a beautiful choir for her first record, maybe that’s why she accepted to collaborate with Andrew Bird on his album Break It Yourself (2012), and later, created an album with David Byrne which represented a great platform for her career in the same year: Love This Giant:

performances and choreographies, created

by Annie-B Parson; that touch of Byrne that she fell in love with.

“As artists we do it all the time, we deconstruct any conversation that you could have with a friend or an stranger, on the street”, claims the author of ‘Chloe In The Afternoon’, the opening track of her 3rd record, inspired by the 1972’s homonymous French movie, with the difference that it was taken to darker places. The singer takes a deep breath.

Continues: “A book I read, a movie I saw or some wild party is material for a song, is material for making art, so it was very positive to look behind the curtain of other bands at the beginning of my career, because I was trying to understand how to be a leader of a band.”

And if it was a matter of learning, she had the fortune of learning of one of the greatest:

“Most of the time I’m working, and when I go to bed at night, I wake up with songs in my head, so I record them in a very rudimental way.

When I’m on tour I don’t have enough energy to be a proper songwriter, but I like to be creative, so I make rhythms. On the other side, when it comes to write songs, I think that you cannot write about stuff you don’t know, even if I invent a character from the people I know, I change some details, everything is emotionally true”.

“Working with David was wonderful; the tour was so exuberant and fun. Something that inspired me of that tour was the experience of see the people dancing during the show.

The truth is that I had never played music that people could dance to, and I thought it was very communal, joyful, I wanted to take a part of that to the next thing I would do, so I tried to make a party record that could be played in a funeral.

I wanted to make the experience of people in concerts better and I was very influenced by a bunch of visual stuff, so it was about putting everything together.”

“The response from people has been amazing.

I played in South Korea for the first time in front of a horde of screaming kids and I never imagined something like this”, shares incredulous who sees no small stage, because her intensity is the same and her passion is unbreakable:

After a short period between the ending of the tour with the former leader of The Talking Heads, Annie Clark came up renewed, with an aesthetic that put her out of her old-fashioned look to replace it with a glowing flamboyance of silver hair and futuristic outfits that will match her live

“I must say that I pay attention to every single thing I do”, emphatically claims when she talks about her work. “As I said, it has to do with the experience, redefine and reinvent what you do every time. To be honest, I get bored quite easily, so I need to keep it fresh and new to me.”

Her lyrics have the same sense, an essential element in her discography that has no weak point and that led to think that, in the near future, she could achieve the success of feminine personae like Fiona Apple and, why not? PJ Harvey:

In May, this woman of delicate look was in charge of closing the latest season of Saturday Night Live, a well deserved honor if you take a look at her performances, with total commitment that warns the public to reciprocity:

“There is no magic, or a formula to make a wonderful, because it can happen anywhere.

I’ve had magnificent shows in beautiful places, and in shitty places as well, so everything is about the mood of the audience, the band, that special thing that happens when these elements collide… I don’t know how to explain it.”

Witnessing the moment that Annie Clark is currently living is worthy of showing off to the next generation, in the upcoming future of scenes and rhythms that will surely nurture her to become, perhaps, in the concept of her latest album tour: The “Near Future Cult leader”.

094

What is going on with festivals in Latin America

By Elsa Núñez Cebada

One of the most important months for the music industry it’s about to begin, we’re talking of October, of course [let’s avoid calling it with de ‘rock’ suffix]: that time of the year when we scratch our pockets with the purpose of making the best of the billboards that the promoters serve in a silver plate.

Putting aside that ugly nickname, let’s focus on the things that really matter, festivals. Do you remember what were you doing on Saturday, 18th of the tenth month of 2008? Not all of us are History books but when you recall a little bit, you’ll surely remember the first time you saw Nine Inch Nails live in Mexico.

What about November 11th, 2006, did The Mars Volta sound well at Estadio Azteca? Don’t even

mention the time when we discovered the “Curva 4” of Autódromo Hermanos Rodríguez, looking for a good spot to listen to The Smashing Pumpkins, before Billy Corgan went nuts.

We put our lives in pause for several weekends a year to- along with our friends and thousands of perfect strangers- establish ourselves in one place just to listen to that music that is always playing on our music devices, no matter if is cold, hot or if we got caught in the rain.

Before jumping into the adventure of one more festival, we decided to investigate deeply the background of what’s going on behind the scenes, long before the stage is set up.

The stuff that is going on in Mexico and Latin America before any musician takes the micro-

phone and causes a loud roar, as a signal that indicates that we’re happy for the visit.

1998: The beginning of the festival season The “Festival de Rock y Ruedas de Avándaro (1971) was planned as a musical interlude within the activities of a car race [yes, it was originally about that] it ended and nearly 130, 000 people gathered together on a music weekend where 11 local bands played.

Nowadays, festivals like Vive Latino have an attendance of almost a million people, more than 600 bands from different places for four days in its 15 year history.

Music parties that are currently held in Mexico have their origins in the massive concerts that have been organized for decades

095

in high schools and public universities, bands like La Lupita and La Gusana Ciega used to live in that environment, in fact, they were part of an experiment made by Jordi Puig, director of an incipient festival called Vive Latino, that started 3 decades ago.

The role of the brands in a festival Adriana Sandoval, expert in sponsorship in music festivals, shares that this exists “always when a promoter or an organization personnel approaches to a brand and offers them to get involved; there are different levels of sponsorship. Is a win win business situation in which the organization receives an income, in media space or payment in kind in exchange of letting a brand to be associated to their event.”

“The music that you listen to, the bands that you like and the events that you go to, tells a lot of you as a person. Most of the consumption brands have emotional bonding as a strategy with certain kind of consumers, in order to do that, they employ tools presenting them as people with the same tastes and preferences”, appoints Sandoval when she refers to the fact that music lovers have become an important target for brands.

The main course: The Line up Putting aside the earnings for sponsorship or the experiences generated, nothing would be possible without the quality raw material, meaning, the music that we’re willing to pay just to have the opportunity to listen.

What does a venue need to held a Festival?

Some say that you have to aim well before shooting, that’s why one of the most important points of planning a festival is to choose well the venue, at this point; local authorities come into the scene. If they don’t agree, the event simply won’t ever happen, that lead us back to the 2014 Hell & Heaven festival which it was supposed to be held in Texcoco, Estado de México.

The production company decided to do the festival in the same place where the Feria del Caballo is held year after year, a venue that can hold up to 100,000 people: “We realized that the place had the right capacity to receive a festival like Hell & Heaven, we went to the municipality, met the major, and she welcomed us with arms wide open, and helped us through all the way, we had several work meetings and basically we were working for a year, until civil protection came”, Juan Carlos Guerrero shares.

The people from Civil Protection gave their comments which are always delivered to the organization of the event in order for them to make the adjustments, “on this occasion, those comments were published in national media, and basically said that the festival wasn’t going to happen because we were missing this and those… We were on time to work on the details necessaries, but instead of giving us some time, 100 policemen were sent to close down the place to stop us from doing the production”.

With the Hell & Heaven case this is more than evident, because it survived an early cancellation, just a few days before the date it was supposed to be held, thanks to the people who supported the project just because they wanted to see bands like Kiss, Korn and Venom among others.

By the beginning of 2013, OCESA/CIE also had to face some problems related to the authorities, who claimed that the production company oversold the event held at Foro Sol and Autódromo Hermanos Rodríguez during the 2012 edition of Corona Capital.

“Hell & Heaven it’s been ringing within the music concerts and festivals circuit for almost five years, we started the negotiations with the agencies, who already knew us quite well; we’ve even been approached by the agents and bands who have visited us”, shares Juan Carlos Guerrero, who is part of the Festival’s committee, and claims that “the bands themselves have spread the word of the festival, its format, its reach, the target and, of course, its intensity.”

The authorities from Iztacalco deputation closed down these venues under the allegation that Operadora de Centros de Espectáculos (OCESA) had oversold the festival, by accessing 42 thousand people to the event, while they had the permission to have 10 thousand people. The company asked for legal protection, which was dismissed by the Third Judge in Administration Matter, however, both venues kept on working normally up to today.

What is happening with other festivals in Latin America?

Several countries in Latin America are waking to the rhythm of emerging bands, and also thank to the fact that franchises like Lollapalooza decided to bring their productions to South American lands, like Brazil, Argentina and Chile where international headliners are in the same line-up as local bands.

Estereo Picnic is a festival that has been celebrated for five years in Bogota, Colombia, and obviously, due to the differences with Mexican audiences, the consolidation of this festival has been different in comparison with the events that we know in our country.

Philippe Siegenthaler is part of the team that makes possible this three nights music party, which this year had as main acts artists like Red Hot Chili Peppers, Nine Inch Nails, Phoenix and Zoé, among others. He claims that the path to reach this point has something to do with “understanding the city, the crowd, believe in ourselves as curators and as bookers around the confidence that you have to generate with the talent, it’s been an avalanche of work that came on us with the line-up of Estereo Picnic of this year”.

Another notable case is the effort that is being done in Chile in order to have options like Primavera Fauna festival, which will take place next November with a line-up that has names like Estereo Picnic but is also known for its curation focused on independent projects.

“Primavera Fauna has been an experiment from day one, we’ve always tried different things and formulas, but we believe that now, in its fourth year, we took the identity that we wanted: the identity of a purely independent music festival which brings proposals that wouldn’t have come if we had not intervened in this process”, says Roberto Parra part of the organizing committee of this production.

Based on the experience they had by bringing Pulp for the first time to this country, Roberto says that this made them grow very fast claiming that the people who organize festivals should be thinking of “adding experiences to the simple music listening, without this mixture I believe nothing is accomplished”.

no SCOTLAND September, 18th will be remembered as the day when 4.3 million of Scottish decided to remain as part of the United Kingdom

Pic by Andy Buchanan AFP/Getty Images

instead of becoming an independent nation.