Revista Indiseño

ENCUENTRA MENSUALMENTE TODO LO QUE QUIERAS SABER SOBRE DISEÑO

Ciudad de Diseññno

Crisis

en el Diseñno

EE.UU. (Rhode Island) Fotoógrafo

editorial.pdf 26/11/2009 06:45:13 p.m.

EDITORIAL CONTENIDO Indiseño nace con la intencion de dar al diseñador un punto de vista mas que gráfico, informativo, donde mensualemente se podra encontrar todo tipo de articulos sobre el diseño, ya sea grafico, de modas, industrial etc. Aunque la revista es de diseño, esta abierta para todo tipo de publico, todo tipo de persona a la que le guste estar actualizado en lo que es la globalizacion del diseño.

Esta editorial pretende dar al publico todo lo que se envuelve con color ya sea grafica o tangiblemente, pero con un punto de vista muy diferente a lo que corrientemente diseño se refiere, el diseñador necesita mas que una imagen para poder abrir su conocimiento al mundo, necesita alimentarse de cultura general, necesita leer lo que esta sucediendo, no solo observarlo, sin dejar a un lado la importancia que tiene el analizar imagen, cuerpo, forma en el diseño.

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3. Especial de diseño.

4. Moda. Miuccia Prada.

5. Donatella Versace.

6. Mark Jacobs.

7. Franco Moschino.

8. Alberta Ferretti.

9. Cristopher Bailey.

10. Industrial. Philippe Starck.

11. Donald Deskey.

12. Isamu Noguchi.

13.Gráfico. Dicken Castro.

14. Marta Granados.

15. Diego Bermúdez.

16. Frank Arbelo.

17. Giovanni Bianco.

18. Jorge Alderete.

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19. Fotografo, Steven Klein.

EDITORIAL Sara Buritica Hincapie. www.zaritta_designer.com DISEÑO Y PRODUCCION. Sara Buritica Hincapie Diseñadora Gráfica.

29. Crisis Design.

34. Belín, ciudad de diseño.

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ESPECIAL ESPECIAL DE DE

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MODA MIUCCIA

PRADA De Politóloga

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De politóloga a diseñadora?

Nacida en 1949, Miuccia era una sucesora peculiar, llevaba 5 años de su vida estudiando y actuando como mimo en el teatro Piccolo de Milán, miembro de un partido comunista y defensora a ultranza de los derechos de la mujer a principios de los años 70.

Demasiado liberal para una empresa tan conservadora, aunque no le faltó tiempo para demostrar su valía en el mundo de la moda, una profesión que conocía bien desde que era pequeña.

a Diseñadora Firma: Prada Actualmente Miuccia Prada además de diseñar la colección de Prada y Miu Miu, comparte la dirección de la empresa con su marido, Patricio Bertelli, con el que dirige la empresa desde la sucesión de su madre.

Para Miuccia, la empresa nunca hubiera logrado su excelente proyección internacional sin la ayuda de Berteli.

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n 1994, las ventas de los productos Prada reportaron 167 millones de euros. En 1996, el total de sus ventas fueron de 296 millones de euros y así sucesivamente, hasta alcanzar ventas de 1.42 billones de Euros. A principios de este nuevo siglo gracias a su proyección internacional de la que destaca sus exportaciones a Japón, que suponen el 17% de sus ventas.

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5versace.pdf 26/11/2009 06:48:05 p.m.

DONATELLA a influencia de Donatella Versace en la moda ha sido enorme, sobre todo a partir de la muerte de su famoso hermano Gianni Versace en 1997. Su marca muestra signos de esplendorosa vitalidad gracias al derroche de talento y energía de sus diseños.

Donatella recuperó el imperio Versace, que tiene como distintivo la inconfundible cabeza de Medusa, y aún hoy continúa llevando en alto el lema ¿El buen gusto no existe¿ con el que Gianni abrió caminos inexplorados.

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Después de la muerte de Gianni, Donatella y Santo se hicieron cargo de los negocios de su hermano. Actualmente Donatella se encarga de diseñar y Santo es el cerebro financiero.

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Donatella y su ex marido, el modelo americano Paul Beck, tienen dos hijos: Allegra (nacida el 30 de junio de 1986) y Daniel, nacido en 1991. Ha sido personificada por mucha gente, como Maya Rudolph en Saturday Night Live. En el 2005, seleccionó a Madonna para ser la portavoz británica de la firma en un acuerdo que se reportó en 5 millones de dólares.

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6jacobs.pdf 26/11/2009 06:51:50 p.m.

El grunge

chic

Le hemos visto disfrazado de Andy Warhol para la revista Interview, ultra maquillado, con peluca y plataformas. Ya no queda nada del neoyorquino desaliñado que saludaba tímidamente entre las modelos y lucía gafas enormes. Ya no es un nerd. Horas de gimnasio, sesiones de bronceado y, voilà, aquí tenemos al, más que nunca, hombre de moda.

No sé qué pudo llevar a Marc Jacobs a emprender esta transición. La que va de abanderado del grunge a hombre de portada. Pero sea como sea, una cosa sigue siendo característica de Marc Jacobs desde sus comienzos, y es que todo lo que toca lo convierte en oro. Ya sea en su colección para Louis Vuitton, en la etiqueta que lleva su nombre o en su línea “menor”, Marc by Marc Jacobs, los diseños de este neoyorquino tienen ese algo que hace que todas las mujeres sueñen con llevarlos. Un sentido de la femineidad nada conservador, un chic que tiende a lo desaliñado, y una modernidad atemporal. Cuesta imaginar la superposición en la pasarela, antes de la llegada de Jacobs. Como un Dios que ayuda a medir el tiempo.

Firma: Prada

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La última década ha sido importante para Marc Jacobs por su desembarco en una de las más emblemáticas casas de moda francesas, Louis Vuitton. Desde 1997, año en que fue nombrado director creativo de LV, Marc Jacobs ha desarrollado su labor en muchos sentidos: siguiendo con su propia marca, y aportando a Louis Vuitton que venía demandando a través de su primera línea ready-to-wear. Entre medio, también colecciones de zapato para hombre y mujer, relojes, perfumes, ropa para niños, zapatillas deportivas, gafas, bolsos, y a saber cuántas cosas más.

Nacido el 9 de abril de 1963, su carrera empezó, de algún modo, en la niñez, cuando su abuela le enseñó a tejer. A los 15 años, trabajando en una tienda de ropa propiedad de la familia Weiser, y estudiando en la High School of Arts and Design de Nueva York, conoció a Perry Ellis, que le convenció de matricularse en la prestigiosa escuela Parsons. Durante los años de Parsons, Jacobs empezó a despuntar como lo que es, y entonces ya era: un talento indiscutible que entonces se “conformaba” con recibir el premio al estudiante del año. La Parsons fue importante también para Marc Jacobs en otro aspecto. Allí conocería a Robert Duffy, el que sigue siendo su socio desde hace casi 25 años. Juntos crearon la compañía Jacobs Duffy Designs Inc. que, desde 1986 y gracias al apoyo económico de Kashiyama USA Inc., permitiría a nuestro diseñador lanzar su primera línea con su nombre.

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7moschino.pdf 26/11/2009 06:55:24 p.m.

MOSCHINO LA IRREVERENCIA DE LA MODA

Sin duda Franco Moschino es uno de los mitos de la moda internacional, su nombre se asocia la moda más desenfadada, vanguardista e irreverente. ¿Cómo empezó el mito? ¿Cuáles fueron los momentos clave en la historia de Moschino? ¿Qué ocurrió con la firma tras su muerte? En estas líneas intentaremos desvelar estas dudas y conocer un poco más la vida y la obra de este artista de la moda.

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Quien le diría a Franco Moschino cuando terminaba su carrera de bellas artes en 1970, que a pesar de su notable interés por la pintura, terminaría dedicándose al diseño de moda. Todo empezó por su pasión por la ilustración y el dibujo, sus ilustraciones se adaptaban perfectamente a leas exigencias del sector de la moda, así que empezó a realizar su trabajo como freelance.

Su actitud le llevó a los juzgados en varias ocasiones por la utilización indebida de la imagen de firmas como Chanel o Louis Vuitton, firmas a las que criticó en varias ocasiones.

En 1971 Gianni Versace lo contrató para que realizará las ilustraciones de sus diseños, una relación profesional que los mantuvo unidos hasta el año 1983, año en que creo su propia firma de moda. Durante esos años, además de colaborar con Gianni Versace, Moschino se percató del interés que le suscitaba el mundo de la moda y de cómo la fabricación y el diseño de prendas no dejaba de ser otra forma de expresión artística. A finales de los años 70, Moschino empezó a compaginar sus colaboraciones con Versace, con el cargo de diseñador en Cadette, firma en la que explotó su gran capacidad creativa para el diseño de moda.

A pesar del éxito de su firma, sobretodo de su línea jean, Franco Moschino destinaba buena parte de sus beneficios en causas benéficas, pacifistas, ecológicas, al mismo tiempo que abría sus boutiques en las capitales de todo el mundo: New york, Tokio, Londres… Una carrera marcada sin duda por el éxito, aunque una vida muy corta, demasiado corta para un artista de su talante, en 1994 Moschino murió dejando un vacío en el mundo de la moda. Rosella Jardini, la que fuera su ayudante desde los inicios de la firma, tomó las riendas de la firma y se convirtió en la nueva directora creativa de la firma con el claro objetivo de no truncar los ideales de la firma.

¿Su estilo?

Actualmente Angelo Moschino es el presidente del grupo y creador de la fundación Moschino, que nació con el ideal de continuar las diferentes obras altruistas que en su día apoyó Franco Moschino; la lucha por las libertades, contra las enfermedades o los desastres ecológicos. Moschino tiene más de 80 tiendas propias en todo el mundo, aunque sus productos se pueden encontrar en más de 3.500 puntos de venta, en las que se venden todas las colecciones propias y los más de 22 productos licenciados.

Desenfadado, original, surrealista, irónico, con mensaje.

Para Moschino, una de las claves de su moda era la destrucción de los mitos, las hipocresías que rodeaban al sector de la moda y esto se reflejaba en sus diseños, cargados de originalidad y frescura. Su actitud en contra de la industria de la moda quedaba patente en sus camisetas con mensajes como “¿Ready to where?”, aunque no todo era rebeldía, su pasión por la cultura pop ha marcado buena parte de su obra.

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INTENTANDO VOLAR E

sta diseñadora italiana se caracteriza por diseños limpios, vestidos de gran caída, cierto aire retro y un gusto por los brocados, gasas, ruffles o drapeados que la sitúan a años luz de muchos diseñadores minimalistas contemporáneos a Ferretti, y que la convierten en una de las favoritas de la alfombra roja. Drew Barrymore, Marisa Tomei y Jennifer López son sólo algunas de las muchas incondicionales de sus dos líneas, Alberta Ferretti y Philosophy di Alberta Ferretti.

Ejemplos de que la seducción entiende de curvas.

La nueva campaña de Otoño Invierno de Alberta Ferreti, a cargo del fotógrafo Steven Meisel, sorprende por su estética urbana y glamorosa.

Los avisos tienen como locación un vagón de subte totalmente normal y hasta sombrío; que contrastan con la estética glamorosa de sus pasajeras, un choque entre lo real y lo ficticio. Las protagonistas son las modelos Anna Jagodzinska (agencia Next), Magdalena Frackowiak (agencias DNA y Elite), Siri Tollerød (agencias Joy, Trump y Marilyn) y Viktoriya Sasonkina (agencia Women).

La carrera de Alberta Ferretti en el mundo de la moda se remonta a mediados de los años 70, cuando crea una pequeña boutique donde vender sus creaciones. Seis años más tarde, ya en 1980, Alberta crea su propia empresa de diseño y producción de prendas, Aeffe SPA, junto a su hermano Massimo. En 1983 debuta en la prestigiosa pasarela de Milán y en 1984 crea su celebradísima segunda línea, Philosophy di Alberta Ferretti, una apuesta por el mercado más joven, no sólo por el punto étnico que siempre destilan sus colecciones, sino por sus precios, algo más bajos.

La atemporalidad de muchas de sus prendas, que toman la inspiración de la Roma Antigua y estrellas como Veronica Lake, es una de sus señas de identidad junto a las oníricas imágenes que utiliza para sus campañas publicitarias. Coronada como Mejor Diseñador del Año por la revista Marie Claire España en 2008, el presente de Alberta Ferretti es deslumbrante.

Varias décadas más tarde.

Alberta Ferretti se ha convertido en un símbolo de moda femenina. Con prendas que tienen siempre un toque delicado, la diseñadora italiana parece haber alcanzado la volatilidad del nuevo Romanticismo con facilidad digna de vestir a una aspirante a musa o diosa.

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ALBERTA 8

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En estos días en los que la lluvia ha brindado pocos momentos de tregua, miles de mujeres (y algún hombre) corrían de una acera a otra enfundados en sus gabardinas. Christopher Bailey es, en buena medida, el responsable de esta liberación que el trench ha sufrido en las últimas temporadas. En su lavado de cara, ya no es la prenda que llevan padres aburridos, agentes secretos y mujeres entre sosas y elegantes, sino la más clásica de las prendas de moda. Un must have con todas las letras.

El trench, ese clásico de Burberry, es en la versión de Christopher Bailey una prenda nueva. Puede llevar botones grandes, cinturones en el pecho, plisados, colores chillones y bolsillos enormes, y todas esas mujeres que imitamos (de Sarah Jessica Parker a Sienna Miller, pasando por Kate Moss) lucen el suyo de día y de noche.

Thomas Burberry utilizó su apellido para fundar una marca en 1856. Anquilosada en un clasicismo casi irritante, Burberry se había convertido con los años en una marca excesivamente conservadora. Con la llegada de Bailey en 2001, se renovaron las formas sin perder un ápice de su estilo original. Escandalosa y encantadoramente británico, Bailey hizo honor a ello y reforzó ese espíritu 100% British para exportarlo como el té de las cinco.

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Christopher Bailey nació en 1971 en West Yorkshire (Inglaterra). Con 18 años, ganó un concurso que le permitió obtener una plaza para un curso en el Royal College of Art de Londres, y ahí empieza su historia. Graduado y cursando un máster en moda, la diseñadora Donna Karan acudió a la escuela en la que se encontraba Bailey y quedó prendada de sus bocetos. Con tan sólo 20 años, Christopher se encontraba volando a Nueva York para unirse al equipo de la americana. En 1996, treinta meses más tarde, regresó a Europa para trabajar en Gucci, de la mano del más celebrado diseñador de su tiempo, Tom Ford. Cinco años y medio duró su relación con la firma italiana hasta que, ya en 2001, el destino le devolvió a sus raíces.

Rose Marie Bravo, la propietaria de Burberry, le brinda la oportunidad que está esperando. Al fin puede regresar a las islas. En la primavera de 2001, Christopher Bailey, en sustitución de Roberto Menichetti, se incorpora a la marca del tartán y debuta en un palacio de Milán. Bailey, que hasta ahora sólo había diseñado colecciones para mujer, se erige como director creativo de todas las líneas de Burberry, incluyendo la más aclamada, Burberry Prorsum, y sus diseños, para hombre y mujer, entusiasman a los críticos de manera unánime.

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CRISTOPHER BAILEY

EL NUEVO ESTILO BRITÁNICO

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Para Philippe Starck, el diseño no es que una cuestión de producción de objetos diarios, sino también un acto de creación que integra pasiones, deseos, motivaciones, cuestiones e interrogaciones, percepción global de nuestro medio ambiente y el mundo. Philippe Starck nació el 18 de enero de 1949 en París de André Starck (diseñador de aviones) y de Jacqueline Lanourisse. Starck cursa sus estudios en Notre Dame de Santa-Cruz a Neuilly-sur-Seine, luego en la Escuela Nissim de Camondo en París. Crea en 1979 la sociedad "Starck Products".

Starck pasó su infancia bajo la mesa de dibujo de su padre; empleando sus horas en recortar, clavar, lijar, descascarillar bicicletas, motos y otros objetos. Horas para deshacer y para hacer todo lo que le afecta, así pasa su infancia rehaciendo el mundo que lo rodea.

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Aunque Starck ya habia sido director artístico de Pierre Cardin con apenas 20 años de edad y habia participado en el diseño de mobiliario e interiores a fines de los setenta, su internacionalización llegó a principios de los ochenta. Los editores italianos le confían sus muebles. El Presidente de la República le pide, cambiar la decoración del Élysée, el "Café Costes" (1984), templo del diseño en el corazón de París. En New York, hace al Royalton y el Paramount el primero de los clásicos de una nueva hostelería. En Francia realiza la Escuela Nacional Superior de las Artes Decorativas en París, la Torre de control del aeropuerto de Burdeos y la fábrica de tratamiento de residuos en la región parisina. Decora en París la tienda Jean-Paul Gaultier.

STARCK

INDUSTRIAL

PHILIPPE

Posee innumerables premios y reconocimientos, en Francia, los Estados Unidos o Italia. Creador del Año, Gran Premio del Diseño Industrial, Oscar del Diseño, Comendador de las Artes y Letras, Compas de Oro, y otros. Siempre y por todas partes presente, quiere incluir nuestros sueños, nuestros deseos, nuestras necesidades y despertar nuestra responsabilidad ante el futuro. Se declara a ciudadano entusiasta y honesto y se hace un deber de hacernos compartir su visión subversiva de un mundo más justo que nosotros va bien así.

Loco brillante y también terriblemente lúcido, dibuja sin respiro, por necesidad, por urgencia, para él y los otros, afectándonos por un trabajo justo e inteligente, ciertamente, pero también y sobre todo porque pone corazón, creando objetos buenos mucho antes que bonitos.

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DONALD DESKEY

Donald Deskey nació en 1894 en Minessotta (EE.UU) estudiando arquitectura en la Universidad Berkeley de California, en la Escuela de arte y diseño, junto a los estudios de la escuela de arte de Chicago. Inició su carrera de diseñador de interiores en Nueva York y fue el inpulsor del art decó en Estados Unidos. Viajó y trabajó en Paris, asistió a la exposición universal de 1925, donde se casó y a su regreso a America, fue profesor en la Universidad de Huintigton, trabajó diseñando muebles para Paul Frankl en 1926.

En 1927 fundó su propia firma de diseño junto a Phillip Vollmer(Deskey and Vollmer) en 1928 cofundó la asociación de artistas y artesanos americanos de artes decorativas (AUDAC) en Nueva York.

Siendo elegido por los arquitectos del centro Rokefeller como diseñador de interiores incluido el mobiliario.Sus colecciones se pueden admirar en el museo nacional de diseño de Nueva York.

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En la década de 1930 realizó diseños industriales como lavadoras, maquinas expendedoras y un contendor para bolos, expuestos todos en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York en 1934.

Desde finales de los años treinta hasta 1975, dirigió Donald Deskey Associates y diseñó desde gráficos y envases para Procter & Gamble hasta imprentas para American Type Founders.

Su diseño se caracterizaba por el uso de formas aerodinamicas y planteamientos innovadores.

Su elegante archivador para la Globe-Wernicke Company, por ejemplo, presentaba muchos aspectos nuevos para la época, como un tirador con una etiqueta para su identificación y cajones con los bordes de la parte delantera redondeados.

Su diseño se caracterizaba por el uso de formas aerodinamicas y planteamientos innovadores.

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Aunque Deskey es principalmente recordado como uno de los grandes defensores del art déco en América, fue también un importante precursor en asesoría de diseño industrial.

Falleció finalmente en el año 1989, en Vero Beach, Florida.

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Isamu Noguchi nació en 1904 en la ciudad de los Angeles, de madre norteamenricana y padre japones, su infancia la vivió en Japon y su educación japònesa influyo en su arte durante toda su vida, de pequeño trabajo con un carpintero local y su afecto por todo lo artesano le acompañaria siempre. En 1927 una beca de Guggenheim le trajo a Paris y trabajo en el estudio Brancusi donde los ambientes diseñados por él proporcionaron un aire modernista de influencia japonesa, posterioromente regrasaria a Nueva York y en 1930 paso ocho meses en China estudiando el arte de la pintura oriental, para posteriormente desplazarse a Japón.

A partir de los años 30 empezo Noguchi a diseñar muebles y su primer encargo fue una mesa para el presidente del museo de arte moderno A. Conger Goodyear. En 1947 sus diseños fueron producidos por “Herman Miller Furniture Company”. Su obra más conocida es la mesa de café biomorphie (actualmente en producción) Coffee table y Dining table. Diseño para Knoll las lçamparas Akari hechas de papel y varillas, que lo hicieron famoso internacionalmente. Noguchi fue un hombre de gran cultura artística, trabajando tanto en el diseño de interiores, como de objetos, jardines, interiorismo y arquitectura

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Las obras de Noguchi se caracterizan por sus formas abstractas perfectamente pulimentadas, en las que combina la sutileza típica oriental con la más refinada sofisticación del arte occidental.

En sus primeras obras de terracota y piedra Noguchi plasmó una parte del misterio y del espíritu de un arte primitivo, principalmente de las obras de barro cocido japonesas, que estudió y aprendió con el alfarero japonés Uno Jinmatsu durante un viaje a Japón realizado entre 1930 y 1931. Noguchi, formado en medicina en la Universidad de Columbia, intuyó la enorme interrelación que existe entre los huesos y las rocas, preocupándose por lo que denominó la anatomía comparada de la existencia, que plasmó en su obra Kouros de 1945, conservada en el Museo Metropolitano de Nueva York. Esta obra, realizada en mármol, supone una interpretación abstracta de la escultura griega.

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NOGUCHI

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G R A F I C O 13

DICKEN La primera oficina de diseño gráfico en Colombia "Al llegar de Europa el diseño gráfico era para mi paralelo a la arquitectura.

Lo hacía casi como hobbie. Pero entonces algunas empresas empezaron a interesarse por símbolos y logotipos que las identificaran o por su identidad corporativa. Otras necesitaban diagramar revistas, libros, periódicos y señalización. Las posibilidades en el campo eran enormes y decidí montar mi oficina, así tuve la suerte de ser pionero en todos esos campos. Poco después apareció David Consuegra quien venía de graduarse en Yale; no había más diseñadores gráficos en el país como tales, él era el único."

"En esa época yo no me podía llamar diseñador gráfico (porque no tenía título) pero crecí con esa profesión en Colombia. La estuve enseñando durante 25 años en la Universidad Nacional siempre como diseñador gráfico, no como arquitecto."

La escuela colombiana diseño gráfico

de

"Pienso que hay buenas escuelas.

Pocas pero muy buenas. Por desgracia el campo se está tornando facilista, en especial con respecto al diseño por computador. Gracias a él personas que ayer eran negadas para hacer diseño, por carecer de habilidad manual, de pronto se les 'aparece la virgen' y pueden hacer cosas perfectas y terminadas. pero no por eso buenas."

"Y -qué tristeza!- la gente empieza pensar que diseño gráfico es eso: hacer cosas bien terminadas; coger tipografía por aquí, millones de colores por allá y listo. Facilísimo. Eso se ha proyectado a las escuelas de diseño gráfico. Hacer una escuela de diseño gráfico es bueno, pero difícil. El computador es una herramienta maravillosa, más no deja de ser una herramienta. El genio y esplendor 'deben' venir del diseñador."

CASTRO

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Es una verdadera artista, en la historia del arte colombiano le llegó el momento de adquirir significado y relevancia a la modalidad del diseño gráfico.

GRANADOS

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"Graduada en la Universidad Javeriana y de los Andes en Bogotá.

Realizó estudios de postgrado en L'École Nationale Supérieure des Arts Decoratifs de Paris y con una beca del consejo Británico, en Saint Martin's School of Art en Londres. Como diseñadora Gráfica en Colombia, ha realizado importantes proyectos para el Ministerio de Cultura, la Cancillería Colombiana, el Museo de Arte Moderno de Bogotá, el Teatro Nacional y la Fundación Santillana. Su obra se ha mostrado individualmente en el Museo de Arte Moderno de Bogotá y en las Bienales Internacionales del Cartel en LAHTI. Varsovia, Helsinki, Colorado, Toyama y México. En está última fue designada como miembro del jurado en 1996. Obtuvo igualmente el 2º premio en la categoría del Cartel Cultural en 1992 y medalla de plata en 1998.

Es titular en la Cátedra de Diseño Gráfico en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia y pionera en el desarrollo del Diseño Gráfico en el país. Sus trabajos han aparecido en publicaciones internacionales especializadas como: Who is Who in Graphic Art, World Graphic Art, World Graphic Design Now, Posters; Graphic Posters; y en sus ediciones personales: Colombia Es y Martha Granados, un Mundo Gráfico".

Marta Granados ha realizado ilustraciones de libros de poemas, novelas y cuentos, y catálogos de exposiciones como las de Rodolfo Abularach, Feliza Bursztyn, Manuel Hernández y Alejandro Obregón en el Museo de Arte Moderno de Bogotá.

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DIEGO

BERMÚDEZ Diseñador gráfico colombiano, profesor del Departamento de Diseño de la Universidad de los Andes y de la Facultad de Arquitectura y Diseño de la Pontificia Universidad Javeriana; consultor del programa "Bogotá Innova" de la Cámara de Comercio de Bogotá, Colombia.

Vinculado a organizaciones internacionales como Amnistía Internacional (Inglaterra), Icograda (Internacional Council of Graphic Design Associations, Canadá), Design History Society (Inglaterra), SND (Society for News Design, EE.UU.), Trama Visual (México), Fundació Història del Disseny (España), Open Design Alliance (EE.UU.), Coidigra (Venezuela) y Cidyc (Argentina). Ponente y tallerista en diferentes lugares del mundo; sus carteles han sido expuestos en Argentina, Bolivia, Cuba, España, EE.UU., Francia, Italia, Japón, México, Perú, Ucrania y Venezuela. Seleccionado en los libros "Latin American Graphic Design" de Taschen (2008), "A Tribute to celebrities" de Index Book (2008), "Design School Confidential" de Rockport (2009) y "Experimental Patterns book" de Rockport, en proceso de edición. Actualmente organiza "Gráfica Latina: Exposición Latinoamericana de Diseño Gráfico".

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El cartel es una oportunidad para ver de manera diseñada nuestra realidad ya que es una ventana en la cual la sociedad industrial se asomó a la modernidad.

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El cartel es una oportunidad para ver de manera diseñada nuestra realidad ya que es una ventana en la cual la sociedad industrial se asomó a la modernidad. Gracias a la expresividad y potencia comunictiva del cartel, los diseñadores gráficos hemos encontrado en ello la posibilidad de construir estructuras discursivas que involucran a muchas personas que, en un solo instante, logran captar un mensaje gracias a la elocuencia de la gráfica. Tuve la fortuna de aproximarme al cartel de la mano de Marta Granados, Alain Le Quernec y Gianni Bortolotti, desde ese entonces los carteles se han convertido en compañeros inseparables de mi desarrollo profesional. Acá presento algunos de estos trabajos cuyo lenguaje sigue en constante construcción y que en contadas oportunidades han sido nominados como finalistas en diferentes bienales y convocatorias a nivel mundial.

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FRANK

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Abandono su cuba natal en 1997 y monto su propio estudio de diseño grafico e ilustración en la capital de Bolivia, la paz. Se diplomo en el instituto Politécnico de diseño industrial de la habana, en donde se puso en marcha su carrera profesional dibujando sobre todo para revistas y libros del ámbito de la música y de la cultura. Ya en tierras bolivianas, se asocio son varias agencias y estudios donde desempeño el cargo de director artístico; trabajo asi mismo para importantes clientes nacionales como Bodegas y Viñedos de la Concepción, Banco Sol, Conservación Internacional, Naciones Unidas, y la Editorial Santillana. Arbelo ha conseguido varios premios en la bienal internacional del cartel de mexico y en la bienal internacionales iberoamericana del cartel de Bolivia. Arbelo cuenta que, como tantos otros colegas, “dibujo desde que tengo uso de razón”. Pero jamás se le había ocurrido hacer historieta, pese a que era lector asiduo. “Me parecía muy aburrido eso de tener que hacer el mismo personaje todo el tiempo”, confiesa. Diseñador gráfico e ilustrador (para despuntar el vicio) desde 1983, no fue hasta casi 20 años después que hizo su primer cómic.

“En 2002, ya viviendo en Bolivia, aparece la revista Crash!!, donde yo era el diseñador”, recuerda, “me dijeron si quería hacer una historia y de puro caradura acepté”.

El pretexto para seguir dibujando le mostró un nuevo universo, el de narrar con imágenes, aspecto que aún hoy le parece central para la historieta. “La narración es lo más importante”, asegura, “contar bien lo que se quiere contar, y cómo vas a hacerlo, las imágenes también tienen que narrar, no son una simple ilustración del guión”.

Ante su nuevo mundo y sin maestros a los que recurrir, Arbelo fue autodidacta.

“Aunque hice pintura y dibujo en una academia en Cuba, en historieta como tal nunca estudié”, cuenta. ¿La solución? “Voy agarrándole las mañas de a poco, viendo mucha historieta, imitando a los que saben, haciendo, metiendo la pata y empezando de nuevo. Cortando huevos se aprende a capar”, dispara un refrán popular boliviano.

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Ha prestado sus servicios a revistas como W. Vogue Italia y LÚomo Vogue.

GIOVANNI BIANCO

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irector creativo, ha trabajado tanto en Brasil como en el extranjero, su estudio GB65. Con sede en nueva york, ha elaborado conceptos de marqueting icónico para diferente clientes internacionales como Dsquared2, D&G, ´SMaxMara, Pepe jeans, missoni y alessandro. En los últimos años, sus creaciones de identidad y graficas para madonna le han proporcionado una enorme popularidad y le han valido el conocimiento y el respeto del sector. Giovanni Bianco ha publicado tres libros en solitario y ha colaborado con el fotógrafo Steven Klein en la creación de la aclamadas ediciones de tirada limitada X-StaTIC PRO=CeSS para madonna y Speed 2004 para nike.

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JORGE ALDERETE

Nace en Santa Cruz en 1971.

Diseñador egresado de la Facultad de Bellas Artes, de la UNLP. Formó parte del estudio Huella Cíclope.

Fue editor de la revista de historietas Gratarola Jamas! Y colaborador de distintos medios de Argentina como Fierro, Rolling Stone, Pagina 12, etc; de México, Gallito Comics, Matiz, Sputnik, Complot, Somos, Quo, el diario Reforma, etc; de España, El Pais, Zona de Obras, La Comictiva, etc. Como animador independiente realiza animaciones para MTV Latin America y Japón, Nickelodeon Latin America y Brasil, etc., y coordina la sección de animación de la web de MTV Latin America durante 2 años.

Actualmente es colaborador permanente del diario Clarín y director del suplemento de historietas Zonaste!, en la revista española Zona de Obras; mientras sigue realizando ilustraciones, comics o animaciones desde su laboratorio en ciudad de México para distintos medios y editoriales de Argentina, México, España, Italia, Alemania, Portugal.

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Es uno de los artistas graficos mas icónicos de america latina, pues funde en su lenguaje visual los simbolos caracteristicos del area latinoamericana.

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ES UNO DE LOS FOTÓGRAFOS AMERICANOS MÁS IMPORTANTES DE LOS ÚLTIMOS DIEZ AÑOS Deja una etapa más “teen” para comenzar una más rebelde y transgresora. Para ello, el fotógrafo retrata a Timberlake como un pandillero.

Poses agresivas a la vez que cargadas de erotismo para realzar el lado más masculino; mancha de spray rojo y fotografías en blanco y negro para aumentar la agresividad del cantante. Esta sesión, y la consiguiente repercusión, sirvieron a Timberlake para que el público obtuviera una imagen diferente de él. Este editorial se podría enlazar con la campaña, un año más tarde, de la nueva colonia Crave de Calvin Klein. La estética es muy similar: un modelo sin camiseta, con poses de pandillero y cargadas de erotismo.

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on un estilo propio que empezó a forjarse antes de comenzar su carrera como fotógrafo, cuando estudió pintura en la Escuela de Diseño de Rhode Island. Ha trabajado con las revistas más prestigiosas, firmando algunas de las campañas más polémicas. Por lo que no es de extrañar que su fama le haya llevado también a exponer en galerías de medio mundo.

La fotografía de Klein se caracteriza por tener grandes dosis de imaginación, un fuerte carácterpictórico y una excelente ambientación.

Con sus fotografías nos relata oscuras y tenebrosas historias, donde sus protagonistas son bellas y frágiles modelos de tez pálida.

Sus primeros editoriales para grandes revistas se remontan a finales de los noventa, como los trabajos firmados para L’Uomo Vogue. En estos primeros editoriales Klein trabajaba con fotos en blanco y negro, que parecen estar tomadas con cámaras réflex. Una vez reveladas las fotografías, trabaja sobre ellas aplicando salpicaduras de colores sólidos a modo de brochazos, como en el editorial de 2001 para L’Uomo Vogue o en los retratos de Bono para Details en 2001, donde las gafas del artista son el único elemento de color.

Esta primera etapa es más desenfadada y callejera, en la que no hay necesidad de crear unas composiciones complejas. Muestra a sus personajes tal y como son. Un buen ejemplo que engloba esta primera etapa son las fotos de Justin Timberlake para Arena Plus Homme en 2001.

Aquí ya se deja entrever la relación que tienen las estrellas con el fotógrafo. Éstas se ponen al servicio de él y no al contrario, como ocurre en la mayoría de los casos. En esta famosa sesión se puede apreciar el cambio de estilo del cantante.

Hay una gran diferencia entre trabajos donde tiene carta blanca y en los que tiene que seguir las exigencias de la firma o revista. Por ejemplo, no se entiende que fuera él quien firmara campañas para Pepe Jeans, H&M o Armani. Son fotografías donde es difícil -casi imposibleapreciar el sello de Klein. Para Pepe Jeans hizo tres campañas, la última de ellas con el futbolista Cristiano Ronaldo. Si bien esta campaña obtuvo un tremendo éxito por parte del público juvenil, las fotografías se quedan en lo obvio. En cambio, hay marcas donde hubiera sido totalmente comprensible que hubiera fallado, pero no lo ha hecho, como es el caso de Alberta Ferretti. . La firma italiana está enfocada a una mujer madura de clase alta y con gustos clásicos.

Dentro de las seis campañas que ha fotografiado, la de invierno 2006 es la mejor. Dentro de un salón de estilo barrado iluminado por unos candelabros se ven a las modelos con los vestidos y máscaras de color dorado.

Steve Klein tiene una buena visión de lo comercial, entendiendo por comercial toda aquella campaña que provoca un impacto visual 20

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Ha estado siempre rodeado por la polémica, muchas veces intencionada, por ejemplo con las fotos para Dolce & Gabbana del verano 2007, donde las modelos aparecían dominadas por los hombres. De hecho, esta campaña fue retirada en algunos países.

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ero aparte de la polémica, Steve Klein sigue la onda de fotógrafos como Steven Meisel o Bruce Weber, por la utilización de composiciones con infinidad de modelos. Las composiciones de Klein son grandiosas y llenas de movimiento. Las miradas de los modelos se entrecruzan y parece que la propia fotografía te hable. Permite que la imaginación del que la ve se dispare, creando en la mente infinidad de conversaciones que se podrían producir en esa escena Tiene un ideal de belleza griega, de hombres jóvenes y musculosos que son los “adonis” de la era moderna. Es un enamorado del cuerpo masculino, por ello lo muestra desnudo en infinidad de ocasiones, pero la desnudez de Klein no tiene nada que ver con la de Terry Richardson, que en mi opinión es demasiado vulgar y fácil. Es una desnudez bella, cargada de erotismo, que juega con la insinuación y deja imaginar al espectador el final de la escena. La mujer, por el contrario, juega papeles diferentes. En sus inicios las mujeres eran frágiles, parecía que se iban a romper con solo tocarlas, con mirada perdida y actitud casi fantasmagórica. Pero finalmente sus mujeres han evolucionado convirtiéndose en auténticas femmes fatales.

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De una estética con fuertes dosis de sexualidad y violencia, con la modelo encadenada a la cama con altos tacones y la espalda arqueada como si de un orgasmo se tratase,

acen las veces de hombres llevando armas, Hinsinuándose a ellos y atacándoles. Ellas son

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las que tienen la fuerza, son amazonas del siglo XXI, sus poses son agresivas y sobrepasan lo erótico. Utiliza para muchos editoriales una estética sucia, acompañada de símbolos del cine gore y símbolos fetichistas como mordazas, cuero y altos tacones. Muchas veces no se sabe si es la dominada o la que domina.

No es igual el trabajo que realiza para publicaciones tan similares como Vogue América que para Vogue Francia. Es en esta última donde tiene una mayor carta blanca, donde puede ser él mismo, por eso creo que el editorial que realizó hace unos

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se pasa a otras tomas con Lara besando a un modelo, mientras cae sangre de su boca y finaliza con la chica fumando un cigarro como si de un hombre se tratase

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meses para la publicación francesa resume muy bien la etapa actual de Klein y toda su estética. Titulado Lara, Fiction Noir, la modelo Lara Stone, conocida por su actitud agresiva, es retratada como si fuera una auténtica viuda negra que devora a sus presas. Su piel de porcelana contrasta con labios y uñas negras, al igual que las escasas piezas de ropa que lleva. Está acompañada por diferentes jóvenes que parecen sus presas, desnudos e indefensos ante la seducción de ella. l uso de los colores primarios de los maquillajes contrastados con los grises de los fondos es excepcional. Que Steve Klein es uno de los mejores fotógrafos del momento queda totalmente demostrado. En mi opinión, lo mejor de él es la capacidad de evolución que tiene, mirando siempre hacia el futuro y haciendo guiños de sus obras pasadas. Es el fotógrafo de los artistas, el que les sabe dar una vuelta de tuerca a cada uno de ellos. Nada que ver con la obra sosa de Mario Testino, que busca la belleza de la fotografía en lo superficial. Klein arriesga en cada uno de sus disparos y es capaz de removernos con sus puestas en escenas, despertando nuestro lado más carnal y agresivo. Es un traficante y su fotografía su droga, uno nunca se cansa de verla y cada vez necesita ver más, nos deja inquietos no conocer el final y esto es lo que nos crea adicción.

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Es un traficante y su fotografía su droga, uno nunca se cansa de verla y cada vez necesita ver más

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* Steven Klein The power of early speed (elements of handicapping), Londres: Drf Press, 2005.

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Es el fotógrafo del momento. Anuncios para D&G, D-Squared o Calvin Klein, increibles editoriales para l�Uomo Vogue con protagonistas como Brad Pitt, Ethan Hawke o David Beckham, y exposiciones alrededor del mundo lo corroboran.

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Las estrellas lo adoran, quizá por su capacidad de mezclar la transgresión con la comercialidad. Muchos de ellos han sido captados por su cámara y el resultado en ocasiones es sorprendente; todos ellos juegan con el fotógrafo a mostrarnos su parte más oscura y escondida.

Steven Klein ha roto de algun modo las reglas usuales del retrato, donde los fotógrafos suelen estar al servicio de las estrellas, consiguiendo que sean las estrellas las que acepten las normas que impone Klein.

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odos estos recursos los también los muestra en los increíbles e imaginativos editoriales de moda que prepara para revistas como Vogue o anuncios para las marcas más prestigiosas. Editoriales que siguen la estela de personajes como Steven Meisel o Bruce Webber: composiciones corales, con grandes dosis de imaginación, una gran ambientación y un sentido pictórico y muy cinematográfico de la fotografía. Composiciones en las que nada está allí por azar, donde todo tiene un sentido y las prendas son un elemento más en el decorado.

Steven Klein es el fotógrafo que le ha sacado brillo al grunge de los noventa, cuenta historias en sus fotos, busca el impacto visual y cognitivo y se niega a la superficialidad de lo solamente bello.

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Sus fotografías se evidencia una mezcla de realidades y de sueños. Historias vistas desde el ojo de su cámara, composiciones únicas que aprovechan la energía libidinal de sus protagonistas para imprimirle un sello erótico y fantasmagórico que hace que el contenido discuta con el significado porque siempre hay algo más allá de lo que se ve a simple vista en sus retratos.

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En 2004 el IED Madrid presentó en Casa de América la exposición Crisis Design, una iniciativa que partía de Argentina y su grave crisis económica. Sirvió para mostrar cómo el diseño puede aportar soluciones en momentos como éste.

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En aquel entonces se contó con varias propuestas, desde un manifiesto anticrisis de David Delfín a la multifuncionalidad de objetos cotidianos en Lost & Found, pasando por carteles para la concienciación u objetos funcionales sin fronteras recogidos en La Bolsa o la Vida.

Sin duda, en ello nos va la vida, por lo que urge que estudiemos la relación entre crisis y diseño, recordando que, la raíz griega de “crisis” nos remite a una “separación”, un momento que deja algo atrás y que anuncia un nuevo período en todos los ámbitos.

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En este contexto el mundo de la creatividad no puede cerrar los ojos como si nada ocurriera, debe ser responsable, puesto que puede aportar nuevos procesos y crear las condiciones de un mundo que aún sea habitable.

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O LIMITE? El debate sobre la cultura contemporánea hoy es un debate abierto, situado entre el análisis de las grandes transformaciones de la época y las difíciles previsiones de un futuro cada vez más complejo. La reflexión actual se sitúa justamente en el centro de esa tensión que viene a convertirse en un provisional laboratorio en el que se encuentran pasado y futuro, la memoria de un tiempo y el deseo de otro.

Esta tensión crece a partir de dos parámetros complementarios. El primero, la generalización de nuevos sistemas de conocimiento, derivados hacia tecnologías poderosas, capaces de procesos de transformación e innovación absolutamente inéditos, capaces de generar un universo artificial, dominados por nuevos sistemas de objetos que, en su conjunto, configuran ya el hábitat del hombre del futuro. En segundo lugar, ha surgido una conciencia del límite que, más allá de posiciones estetizantes, quiere establecer los grandes principios éticos en los que se inspiren nuevas políticas que regulen la proyectación de los nuevos sistemas culturales. Nadie duda de que la construcción de nuevos estilos de racionalidad, junto a la aplicación de los mismos a la producción, depende de la posibilidad de una cultura que asegure la dignidad de lo cotidiano y la habitabilidad misma del planeta.

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LA FRONTERA

DE LA CRISIS Estas circunstancias inciden directamente en la orientación de la cultura contemporánea, obligan a repensar los parámetros de la cultura del proyecto, es decir, a buscar una nueva cultura industrial, capaz de afrontar la complejidad y los límites del sistema en el que actuamos, haciendo de esta complicidad y de este límite el estímulo y el terreno de crecimiento de nuevas posibilidades. Lo que está en juego, más allá de fáciles optimismos ilustrados, es la construcción de nuevos escenarios que indiquen en términos propositivos las posibilidades de un mundo en el que funcione como estrategia una ecología del ambiente artificial.

Una lógica que recorre por igual los diferentes niveles de la complejidad del mundo contemporáneo y sus opciones estratégicas

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Berlín es una de las ciudades más dinámicas de Europa, donde observar las heridas y las transformaciones de nuestra historia reciente y desde la que experimentar nuevos y extraordinarios proyectos.

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Ana Lucía Díaz Schiavon y Elena Velasco Berlín es una ciudad mágica. Desde que caí aquí por alguna jugada del destino no he dejado de conocer gente, cuanto menos especial. Ésta es la ciudad de los artistas, de eso no hay duda.

Es verdad que Berlín ha pasado por muchos periodos históricamente comprometidos, que la ha dividido, herido y enriquecido, y lo que tenemos ahora es una ciudad llena de matices, desigualdades, luces y sombras… y artistas.

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llos siempre llegan a los lugares donde se respira ese ambiente bohemio y lleno de inspiración.

Supongo que nadie que haya estado aquí dirá que Berlín es una ciudad bonita, y es cierto, no corresponde a lo que nuestro canon actual designaría como bello. La parte que quedó al este del Muro fue reconstruida tras la guerra por los soviéticos, con su toque gris característico y sus proporciones desmesuradas. Hablo, por ejemplo, de la avenida Karl Marx (Karl-Marx-Allee), donde un día de niebla no ves la acera de enfrente y un día claro no ves el final de la avenida. Todo este lado, hasta la caída del Muro, vivió anclado en el pasado. No conocían los plátanos y no supieron de los pantys hasta la década de los 90, por lo que las desigualdades todavía son palpables, aunque a este lado también está el barrio de los arquitectos y diseñadores, Prenzlauer Berg, donde nadie tiene más de 35 años y la gente posee ese toque cool y moderno.

Poco después de la caída del Muro se empezaron a asentar aquí, porque era un lugar barato, e hicieron de este barrio la zona de diseño de Berlín, llena de estudios, galerías y tiendas de lo más fashion. Aunque como todo, cuando empezó a tener cierta fama y reclamo, perdió su atmósfera artística y ahora es un barrio comercial.

Del otro lado, al oeste, la reconstrucción fue igual de gris pero más diferente en formas, pasando por todas las modas de la segunda mitad del siglo XX y filtrándolas por el país que tuviera el protectorado de la zona en concreto (Francia, Reino Unido, EE.UU.). Aunque sí que podemos encontrar muestras de arquitectura autóctona y más llamativa, como el edificio Mies van der Rohe, donde actualmente se encuentra la Neue Nationalgalerie, un museo de arte moderno muy interesante, con obras de expresionismo alemán como eje de su colección permanente.

Y especialmente significativa es la reconstrucción de la Potsdamer Platz, llevada a cabo por arquitectos de la talla de Renzo Piano, entre otros.

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Esta plaza, situada justo entre las fronteras de los protectorados de Estados Unidos y la Unión Soviética, comenzó a ser reconstruida en 1989 tras la caída del Muro. Actualmente es uno de los centros neurálgicos de Berlín, donde se celebra cada año, sin ir más lejos, la Berlinale. Son muchos los barrios, y cada uno con su personalidad, por ejemplo, hay quien va a hacer sus compras o ver el castillo a Charlottenburg o quien prefiere el exotismo y el aire bohemio junto al río en Kreuzberg, donde residen miles de turcos, haciendo de Berlín la ciudad con mayor presencia turca fuera de su país natal; por cierto, muy aconsejable el sugerente mercado turco, que se monta en la calle los martes y viernes.

Para cualquier persona, Berlín puede ser una ciudad gris, fría y lluviosa, donde a las 4 de la tarde es de noche. Pero si uno es receptivo y deja a un lado las incidencias meteorológicas, Berlín es una ilusión óptica reservada a espíritus libres, capaces de fundirse en su niebla y empaparse de su lluvia.

Donde si estás abierto a nuevas experiencias, descubres a gente increíble con gran talento, pero dispuestos a vivir en la zona intermedia de la vida, sin fama, sin mucho dinero, por el simple hecho de que ahí son felices.

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Es una ciudad llena de matices, desigualdades, luces y sombras… y artistas. Ellos siempre llegan a los lugares donde se respira ese ambiente bohemio y lleno de inspiración.

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GANARSE LA VIDA En cuanto a la realidad de ganarse la vida aquí, el asunto no está tan mal como parece. Sí es cierto que Berlín está saliendo de una pequeña recesión económica, pero parece que el tema mejora. Para diseñadores gráficos y arquitectos hay muchas formas de ganarse la vida y casi todas están bastante relacionadas con lo que han estudiado.

Es cuestión de manejarse en inglés y tener ganas de aprender alemán. En cuanto al diseño de moda el tema se complica. Es un sector bastante delimitado donde las marcas son pequeñas y los diseñadores con éxito forman un grupo muy cerrado.

Aunque para la gente aventurera no es una mala opción montar su propia marca y trabajar desde aquí, eso sí, con un gran dominio de alemán. Para todos ellos la opción freelance siempre está abierta.

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Para los músicos, Berlín es la ciudad de sus sueños. Llena de bares donde se organizan conciertos todos los días y donde la gente está dispuesta a pagar 10 euros por un disco del grupo al que acaban de escuchar. Si haces música y tienes algo que ofrecer, Berlín es una ciudad genial. Y es que su efervescencia se manifiesta principalmente dentro del mundo artístico. Esta ciudad tiene gran cantidad de galerías donde se compra y se vende bastante bien. Además, vivir aquí es barato y puedes alquilar un estudio por poco dinero donde montar tu propio espacio o, si no, dedicarte al street art, algo muy frecuente en Berlín y que la gente sabe apreciar. Durante la separación alemana, el Muro se convirtió en un hito fundamental de los graffiteros del mundo. Al caer el régimen soviético, la parte oriental también lo utilizó como soporte artístico. En conjunto, ha dado lugar a lo que hoy se considera la mayor galería al aire libre del mundo. Artistas de nacionalidades diferentes han dado expresión a sus pensamientos con un carácter político, conceptual, idealista o poético, y han inmortalizado una obra única que se extiende a lo largo de 1.316 m del Muro restante.

Ubicado en pleno centro de la ciudad -en el barrio Friedrichshain, al lado del Mitte-, la East Side Gallery fue declarada monumento nacional en 1991.

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ste museo posee algunos de los graffiti más famosos del Muro, como por ejemplo el Bruderkuss (Beso de hermanos), entre Leónidas Breznev y Erich Honecker, jefe todopoderoso y gobernante de la RDA. El ruso Dimitrij Vrubel agregó a su graffiti un poema escrito en ruso que quiere decir “Dios mío, ayúdame a sobrevivir a este amor mortal”. Lo mejor es acercarse y opinar uno mismo.

Personalmente, esta ciudad ha dejado en mí una gran huella, me ha llenado la cabeza de pájaros, sueños, ideas… y la ha vaciado de prejuicios. Y sin olvidar todo el pasado histórico que nos ocuparía bien toda esta revista, falta decir que, coherentes a esta sección, Berlín fue la primera ciudad europea designada Ciudad del Diseño por la UNESCO en 2006, dentro de la red de ciudades creativas. Berlín hoy es moda, tendencia y la referencia más vanguardista dentro del marco europeo, demostrando en los últimos años un fuerte vínculo entre industria y diseño.

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Berlín es diseño en movimiento. Se considera un museo al aire libre, que se nutre de la conjunción del diseño, la arquitectura, el arte, la cultura y el movimiento generado por el cambio constante.

Un panorama sumamente interesante de ateliers, agencias, salas de exposiciones, salones y plataformas de venta que han emergido desde la caída del Muro. Berlín también ofrece un marco ideal para los salones de la moda y el diseño de convocatoria internacional, como Bread&Butter, o B-inBerlin, referencias habituales en AEO.

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Sabemos que Berlín ha sido escenario de no pocas y significativas renovaciones urbanísticas, desde la caída de las murallas medievales a finales del siglo XIX a toda la arquitectura desarrollada durante la Guerra Fría, pasando por los proyectos de Martin Wagner o los no realizados por Mies van der Rohe en los años veinte. El último gran protagonista ha sido el arquitecto italiano Renzo Piano, a quien le debemos el Master Plan del nuevo Berlín, que ha convertido la Postdamer Platz, 600.000 m2 de historia y de cultura, en el eje de Berlín y de su apuesta de modernidad.

Dentro de los muchos itinerarios que nos ofrece esta capital, todo apasionado del diseño tiene que visitar el Archivo Bauhaus, un hito fundamental para entender la forma de proyectar nuestro mundo, desde presupuestos como la interdisciplinaridad, la geometrización, la relación entre forma y función, junto a una visionaria forma de experimentar.

Todo ello generó mobiliario, menaje, objetos de porcelana, alfombras, carteles, diseño gráfico y nuevas visiones en arquitectura durante el período de Entreguerras, que aún hoy siguen siendo modelos irrenunciables. Es la principal institución de investigación en el mundo que trata el legado de esta institución y cuenta con un extenso archivo documental (Kingelhöferstr, 14). No obstante, con frencuencia, las grandes exposiciones de diseño, e incluso relacionadas con la Bauhaus, se encuentran en la Casa de Martin Gropius.

CIUDAD DE MUSEOS Podemos considerar Berlín como uno de los focos culturales de nuestro tiempo. Un ejemplo de ello son sus 175 museos, que reúnen tesoros de todas las civilizaciones. Sobresale, en pleno corazón de Berlín y rodeada de agua, la Isla de los Museos, la obra de arte integral formada por cinco museos ubicados en clásicos edificios del siglo XIX, a orillas del río Spree, que alojan colecciones arqueológicas incomparables y arte del siglo XIX:

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odemos considerar Berlín como uno de los focos culturales de nuestro tiempo. Un ejemplo de ello son sus 175 museos, que reúnen tesoros de todas las civilizaciones. Sobresale, en pleno corazón de Berlín y rodeada de agua, la Isla de los Museos, la obra de arte integral formada por cinco museos ubicados en clásicos edificios del siglo XIX, a orillas del río Spree, que alojan colecciones arqueológicas incomparables y arte del siglo XIX: Museo Antiguo, Museo Nuevo, Antigua Galería Nacional o Alte Nationalgalerie, Museo Bode y Museo de Pérgamo. Una cita imprescindible para el visitante. Existe un ticket especial (SchauLust Museen Berlin) que permite visitar todos los museos, y diversas actividades relacionadas con los mismos, con una validez de 3 días por 15 euros. Fuera de la Isla de los Museos, también vale la pena visitar el Museo Judío. Daniel Libeskind es el arquitecto. La idea principal que transmite el edificio es el vacío que han dejado los judíos berlineses desaparecidos durante el holocausto nazi. La Torre del Holocausto y el Jardín del Exilio son otras dos construcciones pertenecientes al museo. Sin olvidar el Monumento al Holocausto cerca de la Puerta de Brandenburgo y otros muchos lugares, como la Nueva Sinagoga, que generan dentro de Berlín un descomunal ejercicio de memoria. No podemos terminar sin olvidar el Deutsche Guggenheim Berlin, que ocupa la planta baja de un edificio de 1920 rehabilitado por el arquitecto americano Richard Gluckman. En él, además de la colección Guggenheim, se han producido propuestas comisariales tan novedosas como la que relacionó hace dos años la obra de Joseph Beuys y Matthew Barney (Unter den Linden, 13).

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Berlín es un mapa de ausencias y realidades, proyectos y fracasos del siglo XX, que pone en contacto pasado y futuro desde una gran efervescencia artística, que aúna nuevas propuestas y precios inmobiliarios asequibles. No por casualidad Marc Augé la describía en El tiempo en ruinas como “una ciudad experimental: en ella se mide la fuerza del pasado y la del olvido, las relaciones entre la ciudad y la sociedad, así como las relaciones entre la ciudad y el arte, ya que, de las pintadas sobre el Muro a la arquitectura agresiva de la Postdamer Platz, de la posmodernidad a la cultura alternativa, la capital de la Alemania reunificada es a un tiempo un laboratorio y un museo”. Sin duda, la gran metrópoli berlinesa es una cita obligada con el diseño y el arte.

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