La revue internationale d’architecture, design et communication visuelle La rivista internazionale di architettura, design e comunicazione visiva The international magazine of architecture, design and visual communication Septembre-Octobre/Settembre-Ottobre/September-October Bimestriel/Bimestrale/Bimonthly
www.arcadata.com 168 - 2022
COMPILATION
Photo: © Eric Sander
Le Bois des Chambres, Chaumont-sur-Loire Project: Patrick Bouchain and Loïc Julienne (Atelier Construire) Imaginé par Patrick Bouchain et Loïc Julienne (atelier Construire), Le Bois des Chambres a ouvert ses portes en Juillet dernier sur le site d’un ancien corps de ferme du Domaine de Chaumont-surLoire, à deux pas du Château et du Festival International des Jardins. Résultat de la restauration d’une ancienne ferme et d’une création architecturale, l’hôtel comporte 39 chambres, un restaurant de 50 couverts avec une terrasse donnant sur une pièce d’eau, et deux espaces polyvalents pouvant accueillir séminaires et rencontres. L’ancienne maison d’habitation de la ferme a laissé la place à la salle de restaurant, qui offre une série d’espaces, ouvrant sur la terrasse de l’étang des saules, la cour de la ferme ou simplement sur le paysage. Réalisée en charpente bois, la toiture telle une fleur aux pétales généreux est couverte de chaume. De nouveaux bâtiments, qui reprennent gabarits et orientation des anciens corps de ferme, abritent les chambres. Construits en monomurs isolants et couverts de grandes tuiles, ces bâtiments laissent sortir en façade les volumes en bois des lits clos qui forment des excroissances dans les jardins, allant parfois jusqu’à se désolidariser de l’architecture principale pour s’installer sur l’herbe.
Progettato da Patrick Bouchain e Loïc Julienne (Atelier Construire), Le Bois des Chambres è stato inaugurato il luglio scorso sul sito di un antico complesso rurale del Domaine de Chaumont-surLoire, a due passi dal Castello e dal Festival International des Jardins. Frutto del restauro di un’antica cascina e della costruzione di un nuovo edificio, l’hotel dispone di 39 camere, un ristorante da 50 posti con terrazza affacciata su un laghetto e due spazi polivalenti che possono ospitare seminari e riunioni. L’ex casa del fattore è stata trasformata nel ristorante, che offre una serie di spazi, aprendosi sulla terrazza del laghetto dei salici, sulla corte della cascina o semplicemente sul paesaggio. Costituito da una struttura in legno, il tetto, come un fiore dai petali generosi, è ricoperto di paglia. I nuovi edifici, che riprendono le dimensioni e l’orientamento delle vecchie cascine, ospitano le camere. Realizzate in mattoni alveolari isolanti e ricoperti da grandi tegole, queste costruzioni presentano in facciata i volumi in legno delle alcove dei letti, che formano escrescenze nei giardini, arrivando talvolta a separarsi dall’architettura principale per adagiarsi sull’erba.
Designed by Patrick Bouchain and Loïc Julienne (Atelier Construire), Le Bois des Chambres officially opened last July on the site of an old rural complex belonging to Domaine de Chaumont-sur-Loire, a stone’s throw from the Castle and the Festival International des Jardins. The result of the restoration of an old farmstead and the construction of a new building, the hotel has 39 rooms, a 50-seat restaurant with a terrace overlooking a pond and two multi-purpose spaces that can host seminars and meetings. The former farmer’s house has been converted into the restaurant’s dining room offering a variety of spaces opening onto the terrace overlooking a willow pond, the farmhouse courtyard or just the surrounding landscape. Built out of a wooden structure, the roof, that looks like a flower with large petals, is covered with straw. The new buildings, which echo the size and position of the old farmsteads, accommodate the bedrooms. Made of insulating honeycomb bricks and covered with large tiles, these buildings feature the wooden structures of bed alcoves set across the façade to form ‘outgrowths’ into the gardens, some detached from the main architectural structure and simply resting on the grass. l’AI 168
Mito gioia lettura est la nouvelle lampe d’Occhio, qui aide les utilisateurs à repenser leurs espaces de vie et à prendre une part active dans leur éclairage. La répartition de la lumière peut être modifiée avec des gestes simples et dirigée vers le haut et vers le bas. La tête et le corps du luminaire peuvent être déplacés à volonté dans n’importe quelle direction et hauteur, apportant la lumière là où elle est nécessaire grâce aux deux bras repliables et à l’émission lumineuse asymétrique avec un rayon allant jusqu’à 180 cm. La lumière s’allume, s’ajuste et se dirige de bas en haut directement sur la tête de la lampe d’un simple mouvement de la main. Même la couleur de la lumière peut être reglée d’un geste, passant d’une température chaude, semblable à celle des lampes à incandescence, à une lumière plus froide et stimulante idéale pendant le travail.
occhio.com
COMPILATION
Light / Materials & Building Components Mito gioia lettura è la nuova lampada di Occhio, che permette alle persone di diventare designer della luce negli ambienti che abitano. La distribuzione della luce può essere modificata con semplici gesti e diretta in alto e basso. La testa e il corpo dell’apparecchio possono essere spostati a piacimento in ogni direzione e in altezza portando la luce dove serve grazie ai due bracci pieghevoli e all’emissione asimmetrica della luce con un raggio fino a 180 cm. La luce si accende, si regola e si direziona dal basso verso l’alto direttamente sulla testa della lampada con un semplice movimento della mano. Anche il colore della luce si regola con un gesto passando da una temperatura calda, simile a quella delle lampade a incandescenza, a una luce più fredda e stimolante ideale durante il lavoro. Mito gioia lettura is Occhio’s latest lamp that lets people to become designers of light in the rooms they inhabit. Light distribution can be changed with simple adjustments and directed either up or down. The head and body of the appliance can be moved at will in any direction or heigh, bringing light to where it is needed thanks to the two folding arms and asymmetrical light emission over a radius of up to 180 cm. The light can be switched on, adjusted and directed upwards directly from the lamp head by means of a simple movement of the hand. Even the colour of the light can be adjusted with a simple movement to change from warm light similar to an incandescent lamp to cooler, more stimulating light ideal for work.
rotaliana.it Conçue par Giovanni Lauda pour Rotaliana, Totem & Tabù est une famille d’appliques LED rasantes. La lampe se compose d’un cadre en aluminium moulé sous pression, d’une optique périmétrique en silicone et d’un écran fin. Ce dernier peut être en différents matériaux : bois massif, pré-composite ou MDF, fraisé et traité selon des dessins tridimensionnels originaux ; miroir; tissu et autres matériaux et décorations sur demande. Pollice Illuminazione ha presentato la nuova Luxury limited edition, quattro serie di lampade che si basano sul concetto di Life Centric Lighting, linea guida della filosofia dell’azienda. La nuova collezione firmata da Marco Pollice rivista alcuni prodotti storici dell’azienda attraverso nuove finiture, ottone lucido, ottone satinato, bronzato chiaro, argento, cromo e Pollice, una nuances pastello con sfumature tra il verde e l’azzurro che ricorda quello del cielo e del mare. La Luxury limited edition è composta dalla lampada GP ispirata alle vecchie collezioni dell’azienda, dai cubi terra, i cilindri e le sfere in differenti dimensioni da parete e a sospensione, tutti realizzati in tiratura 1/100.
Disegnata da Giovanni Lauda per Rotaliana, Totem & Tabù è una famiglia di lampade LED wallgrazer. La lampada è composta da un telaio in alluminio pressofuso, un’ottica perimetrale in silicone e un sottile schermo. Quest’ultimo può essere in vari materiali: legno massello, precomposto o MDF, fresati e lavorati seguendo originali disegni tridimensionali; specchio; tessuto e altri materiali e decori su richiesta.
Designed by Giovanni Lauda for Rotaliana, Totem & Tabù is a family of wall-grazer LED lamps. The lamp consists of a die-cast aluminium frame, a silicone perimeter optic and a thin screen. The latter can be made of various materials: solid wood, pre-composed wood or MDF, milled and crafted according to original three-dimensional designs. Mirror, fabric and other materials.
polliceilluminazione.it
Pollice Illuminazione a présenté la nouvelle Luxury limited edition, quatre séries de lampes basées sur le concept de Life Centric Lighting, ligne directrice de la philosophie de l’entreprise. La nouvelle collection conçue par Marco Pollice revisite certains des produits historiques de l’entreprise à travers de nouvelles finitions en laiton poli, laiton satiné, bronzé clair, argent, chrome et Pollice, une tonalité pastel avec des nuances entre vert et bleu rappelant celle du ciel et de la mer. Luxury limited Pollice Illuminazione has brought out a new Luxury limited edition, four sets of lamps based on edition se compose de la lampe GP, Life Centric Lighting, the underlying concept behind the company’s corporate philosophy. The new inspirée des anciennes collections collection designed by Marco Pollice revisits some of the company’s historic products that have been de l’entreprise, des cubes terre, given new finishes: polished brass, satin brass, light bronzed, silver, chrome and Pollice, a pastel shade des cylindres et des sphères de with hues of green/light blue reminiscent of the sea and sky. The Luxury limited edition includes the différentes tailles en version GP lamp inspired by the company’s old collections: cubes, cylinders and spheres in different sizes for applique et suspension, le tout wall-mounting or hanging, all manufactured in a 1/100th edition. réalisé en édition 1/100.
l’AI 168
COLIBRÌ magnetico
Emiliana Martinelli
g.d. stefano citti
a.d. emiliana martinelli
ROD est la nouvelle lampe de table portable et rechargeable qui fait partie de la collection née du partenariat entre Lodes et Diesel. Sa forme s’inspire d’une tige de construction, généralement utilisée pour maintenir ensemble des blocs de béton. De petite taille mais robuste, la lampe est portable et rechargeable via un port USB Type C, protégé par un capuchon en caoutchouc. Avec une autonomie de 8 heures à puissance maximale et jusqu’à 180 heures à puissance minimale, ROD est fonctionnelle et pratique sans compromettre le design esthétique. Disponible en Moss Gray, Soft Pink, Ivory et Dark Asphalt, cette nouvelle lampe de table a une hauteur totale de 35,6 cm, composée d’une base en aluminium, d’une tige en acier, d’un abat-jour en aluminium et d’un diffuseur en méthacrylate.
lodes.com; diesel.com
COMPILATION
Light / Materials & Building Components ROD è la nuova lampada da tavolo portatile e ricaricabile che fa parte della collezione nata dalla partnership tra Lodes e Diesel. Il concetto di design di ROD ha origine dalla forma di un’asta da costruzione, tipicamente usata per tenere uniti dei blocchi di cemento. Di piccole dimensioni ma robusta, la lampada è portatile e ricaricabile tramite una porta USB di tipo C, protetta da un tappo di gomma. Con una durata della batteria di 8 ore alla massima potenza e fino a 180 ore alla minima potenza, ROD è funzionale e pratica senza compromettere il design estetico. Disponibile in Moss Gray, Soft Pink, Ivory e Dark Asphalt, questa nuova lampada da tavolo ha un’altezza totale di 35.6 cm, composta dalla base in alluminio, stelo in acciaio, paralume in alluminio e diffusore in metacrilato. ROD is a new portable and rechargeable table lamp that is part of a collection resulting from a partnership between Lodes and DIESEL. ROD’s design concept originates from the shape of a construction pole, typically used to hold concrete blocks together. Small in size but robust, the lamp is portable and rechargeable via a USB type C port protected by a rubber cap. With a battery life of 8 hours at maximum power and up to 180 hours at minimum power, ROD is functional and practical without compromising in terms of looks. Available in Moss Gray, Soft Pink, Ivory and Dark Asphalt, this new table lamp measures 35.6 cm in height and has an aluminium base, steel stand aluminium shade and methacrylate diffuser.
flos.com
“By weaving streaks of light, this pendant perfectly combines “En tissant des bandes de lumière, cette suspension allie elegance and innovation. Delicate parfaitement élégance et innovation. Des tubes textiles délicats, textile tubes, integrated with LED intégrés à des lumières LED, sont tissés comme des fils le long de lights, are woven like threads along la structure de la lampe, créant un élément de surprise unique the structure of the lamp creating qui défie l’archétype de l’éclairage à ampoule. Conçue pour durer, a unique surprise element that Skynest mêle poétiquement la tradition du tissage artisanal à des challenges the archetype of bulb techniques d’éclairage innovantes pour créer une pièce de design lighting. Designed to last, Skynest intemporelle”. Atelier Marcel Wanders. Skynest est disponible en poetically blends the tradition deux variantes (suspension et plafonnier) et en quatre coloris : of handcrafted weaving with Anthracite; Amande; Brick et un élégant Bleu Tourmaline. innovative lighting techniques to create a timeless piece of “Intessendo strisce di luce, questa sospensione combina perfettamente eleganza e innovazione. Delicati design”. Marcel Wanders studio. tubi tessili, integrati con luci a LED, sono intrecciati come fili lungo la struttura della lampada creando un Skynest is available in two variants elemento-sorpresa unico che sfida l’archetipo dell’illuminazione a bulbo. Progettata per durare, Skynest fonde (suspended, ceiling-mounted) and poeticamente la tradizione della tessitura artigianale con tecniche di illuminazione innovative per creare un in four colors: Anthracite, Almond, pezzo di design senza tempo”. Marcel Wanders studio. Skynest è disponibile in due varianti (a sospensione, a Brick and finally an elegant plafone) e in quattro colorazioni: Anthracite, Almond, Brick e infine un elegante Tormaline Blue. Tourmaline Blue.
lucelight.it La nouvelle lampe à suspension Berica S de L&L Luce&Light est proposée en trois longueurs standard (620 mm, 1 180 mm, 1 740 mm), mais avec une épaisseur extrêmement réduite (à partir de 32 mm) et trois types de collerettes: convexe, plate et concave. Les quatre finitions (blanc, blanc antique, bronze antique, gris aluminium mat) laissent également place à la version RAL sur demande et à la version avec apprêt, qui rend la surface de la collerette apte à être peinte avec la même peinture que celle utilisée pour les murs. La lampe double émission utilise des sources à indice de rendu des couleurs élevé (IRC > 90) et des températures de couleur de 2700K, 3000K et 4000K. l’AI 168
La nuova lampada a sospensione Berica S di L&L Luce&Light viene proposta in tre lunghezze (620 mm, 1180 mm, 1740 mm) ma con uno spessore estremamente ridotto (a partire da 32mm) e tre diverse tipologie di frontale: convesso, piatto e concavo. Le quattro finiture (bianco, bianco antico, bronzo antico, grigio alluminio opaco) lasciano spazio anche alla versione RAL su richiesta e alla versione con primer che rende la superficie del frontale adatta a essere dipinta con la stessa pittura utilizzata per le pareti della stanza o rivestita con la carta da parati. Lampada biemissione, utilizza sorgenti ad alto indice di resa cromatica (CRI >90) e temperature di colore di 2700K, 3000K e 4000K. Berica S, the new suspended fixture from L&L Luce&Light is available in three sizes – in the standard lengths of 620 mm, 1180 mm and 1740 mm, but with an extremely reduced thickness (as little as 32mm) and three different styles of cover: convex, concave and flat. The four finishes – white, antique white, antique bronze and matt aluminium grey – are augmented by an optional RAL version and one with a primer coating. This treatment allows the cover to be finished in the same paint – or wallpaper – as the walls around it. The lamp a double-beam output, uses light sources with a colour temperature of 2700K, 3000K or 4000K, and a high colour rendering index (CRI >90).
Updated with curved glass panels that protect its hearth, the iconic Gyrofocus is now winning acclaim for its environmental performance. Without altering its original design, this major technological innovation allows a wood-burning fire that respects the environment. Standards evolve, but icons are timeless.
NEW
GLAZED
GYROFOCUS
DESIGN DOMINIQUE IMBERT
Timeless icon
FOCUS-FIREPLACES.COM
L’édition 2022 de Batimat (3 - 6 octobre 2022, Paris Expo Porte de Versailles), mettra pour la première fois en vedette les solutions émergentes pour la décarbonation des bâtiments, sur le tout nouvel Espace Low Carbon Construction conçu en partenariat avec Construction 21. Situé en plein cœur du Pavillon 1, cet espace de 600 m2 mettra en lumière les solutions et matériaux pour la décarbonation des bâtiments réconciliant événementiel et développement durable : politique zéro déchets, choix de bois d’origine française et transformé sur le territoire, de mobiliers éco-conçus, de moquettes 100 % recyclées, d’éclairage led… Vitrine de l’innovation et des enjeux du secteur, Batimat entend valoriser toutes les solutions et produits proposés par les acteurs de la filière autour de la thématique de la décarbonation des ouvrages. Pour cela, un travail d’envergure a été engagé, en partenariat avec Construction 21, afin de co-construire des contenus pertinents disponibles avant et pendant le salon. Objectif : répondre aux véritables préoccupations exprimées par les artisans et prescripteurs, visiteurs du salon, en recherche d’informations précises sur les problématiques liées à l’environnement. Sur ce thème du “Low Carbon Construction”, cinq thématiques ont été retenues : Matériaux de construction bio (et géo) sourcés, en rénovation et dans le neuf ; Matériaux de construction recyclés ; Biodiversité, du bâtiment à l’urbain ; Réemploi ; Construction frugale.
LOW CARBON CONSTRUCTION ESPACE AT BATIMAT
www.batimat.com
L’edizione 2022 di Batimat (3 - 6 ottobre 2022, Paris Expo Porte de Versailles), presenterà per la prima volta alcune soluzioni emergenti per la decarbonizzazione degli edifici, nell’ambito del nuovo Spazio Low Carbon Construction progettato in collaborazione con Construction 21. Situato al centro del Padiglione 1, questo spazio di 600 m2 metterà in evidenza, soluzioni e materiali per la decarbonizzazione degli edifici proponendo numerosi eventi volti al rispetto della sostenibilità: zero rifiuti, scelta del legno di origine francese e trasformato sul territorio, arredamento ecosostenibile, tappeti 100% riciclati, illuminazione a LED... Vetrina dell’innovazione e delle sfide del settore, Batimat intende valorizzare tutte le soluzioni e i prodotti proposti dagli operatori della filiera sul tema della decarbonizzazione nell’ambito dell’edilizia. Per questo motivo, è stato intrapreso un ampio lavoro, in collaborazione con Construction 21, alfine di co-costruire contenuti rilevanti disponibili prima e durante il salone. Obiettivo: rispondere alle reali preoccupazioni espresse da installatori e consulenti, visitatori della fiera, alla ricerca di informazioni precise sui temi legati all’ambiente. Sul tema di “Low Carbon Construction”, sono stati selezionati cinque temi: Materiali da costruzione organici (e geologici) per la ristrutturazione e le nuove costruzioni; Materiali da costruzione riciclati; biodiversità, dall’edilizia all’urbanistica; Riutilizzo; Costruzione frugale.
The 2022 edition of Batimat (3rd- 6th October 2022, Paris Expo Porte de Versailles), will for the first time present the latest means of decarbonising buildings at the new Low Carbon Construction Space designed in partnership with Construction 21. Located in the centre of Hall 1, this 600 m2 space will showcase products and materials for the decarbonisation of buildings as part of a series of events focused on respecting sustainability: zero waste, selecting wood of French origin and processed locally, eco-sustainable furniture, 100% recycled carpets, LED lighting, etc. A showcase for innovation and the challenges facing the industry, Batimat aims to highlight all the solutions and products of offer from leading industry players related to decarbonisation in the building industry. l’AI 168
So, extensive work has been undertaken, in partnership with Construction 21, to co-construct relevant content available before and during the exhibition. The goal: to respond to genuine concerns expressed by installers, consultants and visitors to the trade fair, who are all looking for accurate information about environmental issues. Five main topics have been selected on the subject of ‘Low Carbon Construction’: Organic (and geological) building materials for renovation and new construction purposes; Recycled building materials; Biodiversity, from construction to urbanism; Reuse; Frugal building.
Crea la connessione tra i professionisti del settore e l’innovazione
2022 Orizzonte 2030, tutto un mondo da costruire.
Preservare il clima e l’ambiente, la nostra responsabilità Trasformare le tecniche, la nostra ambizione Vivere bene nella città del 2050, il nostro progetto Valorizzare le professioni, la nostra priorità Espositori, programma, pass d’ingresso, informazioni pratiche su
batimat.com
NUOV LUOGOO !
Contatto : Anna Del Priore adelpriore@salonifrancesi.it Lunedì
Giovedì
3 6 ottobre
Parigi Porte de Versailles
Prenotate il vostro pass d’ingresso gratuitamente con il codice : BMI22PROSA su batimat.com* *Pre registratevi sul sito internet www.batimat.com e cliccate su “pass d’ingresso”.
COMPILATION
linealight.com Fabriqué par Linea Light Group en Italie, INK System est la solution parfaite pour surmonter les problèmes liés à des systèmes préexistants incomplets ou des limitations environnementales. À partir d’un simple câble conducteur en caoutchouc, élastique et fin, la lumière devient une bande continue à émission indirecte suspendue à une courte distance du plafond. INK System n’est pas seulement une lampe déclinée en plusieurs versions, mais un véritable système qui comprend plusieurs articles unis par un seul concept. Le même câble, combiné aux extrudés spéciaux pour mur et plafond, se transforme en un parcours lumineux qui sert de base à projecteurs, profilés linéaires et lampes à suspension de la même famille.
Light / Materials & Building Components Realizzato da Linea Light Group in Italia, INK System è la soluzione ideale per superare le problematiche dovute a impianti preesistenti incompleti oppure a limitazioni ambientali. Partendo da un semplice cavo conduttore in gomma, elastico e sottile, la luce diventa una striscia continua a emissione indiretta sospesa a poca distanza dal soffitto. INK System non è una singola lampada declinata in più versioni, ma un vero e proprio sistema che include più articoli accomunati da un unico concetto. Lo stesso cavo, combinato con l’apposito estruso per parete e soffitto, si trasforma in percorso luminoso e funge da base per faretti, profili lineari e lampade da sospensione della stessa famiglia. Created by Linea Light Group in Italy, INK System is the perfect solution to overcome problems due to incomplete pre-existing systems or limitations imposed by the context. Starting from a simple conductor cable in rubber, elastic and thin, the light becomes a continuous strip with indirect emission, suspended a short distance from the ceiling. INK System is not a single lamp available in different versions, but rather a genuine system with multiple products, which all share a common concept. The same cable, combined with the special extrusion for walls and ceilings, transforms into a luminous path that furnishes spaces and forms the basis for the spotlights, linear profiles and suspension lamps from the same family.
catellanismith.com La nouvelle lampe Sfera W de Catellani & Smith joue avec l’effet de la surface miroir, capturant l’image du spectateur. Conçue comme une sphère tangente au mur, elle n’a pas de fixation mécanique visible et, selon le positionnement du support, lors de l’installation, on peut décider l’orientation du faisceau lumineux. Bien que la source lumineuse soit cachée, pour assurer la parfaite élégance de la forme sphérique, le flux lumineux émis par la LED COB, équivalent à une ampoule halogène de 110W, est récupéré grâce à une lentille asymétrique. Sfera W est dimmable et peut être utilisée individuellement ou en plusieurs compositions. La nuova lampada Sfera W di Catellani & Smith gioca con l’effetto della superficie a specchio, catturando l’immagine di chi la osserva. Ideata come una sfera tangente alla parete, è priva di fissaggio meccanico a vista e, a seconda del posizionamento della staffa, in fase di installazione permette di decidere l’orientamento del fascio luminoso. Nonostante la sorgente luminosa sia nascosta alla vista, per garantire la perfetta eleganza della forma sferica, grazie a una lente asimmetrica viene recuperato gran parte del flusso luminoso emesso dal LED COB, equivalente a una lampadina alogena da 110W. Sfera W è inoltre dimmerabile TRIAC e si presta a essere utilizzata singolarmente o in composizioni multiple. The new dimmerable Sfera W lamp by Catellani & Smith plays on the mirror surface effect, capturing the reflection of the observer. Conceived as a sphere touching the wall, it has no visible mechanical fastening, and the direction of the beam of light emitted can be chosen when the lamp is fitted, depending on how the bracket is positioned. Although the light source is not visible, in order to guarantee the perfect elegance of the spherical shape, an asymmetric lens enables the recovery of much of the light flow emitted by the COB LED, equivalent to a 110W halogen bulb. Sfera W is also dimmable with TRIAC technology, and it can be used individually or in multiple compositions.
cvl-luminaires.fr
Designed by Émilie Cathelineau, Atmos is Conçue par Émilie Cathelineau, Atmos se characterized by its large distingue par sa grande couronne ajourée (env. openwork crown (approx. 800 mm), au centre de laquelle les disques 800 mm), in the center concentriques se succèdent jusqu’à son cœur of which concentric discs lumineux. Comme chaque luminaire fabriqué par follow one another up to its CVL Luminaires, elle est entièrement réalisée à la luminous heart. Like every main et met en lumière un savoir-faire de qualité luminaire manufactured dans le travail du laiton. Atmos est disponible by CVL Luminaires, Atmos dans les finitions Laiton satiné, Graphite satiné is entirely handmade and et Nickel satiné et dans une multitude de highlights the company’s combinations de décors. quality know-how in brass work. The lamp is Disegnata da Émilie Cathelineau, Atmos si distingue per la sua grande corona traforata (circa 800 mm), available in Satin Brass, al centro della quale dei dischi concentrici si susseguono fino al cuore luminoso. Come ogni apparecchio Satin Graphite and Satin di illuminazione prodotto da CVL Luminaires, è interamente realizzata a mano e valorizza il know-how Nickel finishes and in a dell’azienda nella lavorazione dell’ottone. Atmos è disponibile nelle finiture Satin Brass, Satin Graphite e Satin multitude of possible decor Nickel e in una moltitudine di combinazioni di decori. combinations. l’AI 168
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warli.it
Light / Materials & Building Components
Conçue par Palo Zani pour Warli, Twilight (outdoor) est une lanterne LED autonome rechargeable (IP67), en acier inoxydable et verre opale soufflé et gravé. La structure en acier inoxydable satiné est idéale pour une utilisation en extérieur et très résistante aux agents atmosphériques. En plus de la finition en acier inoxydable, la collection s’enrichit de nouvelles couleurs satinées à effet ondulé : bronze foncé, gris clair, blanc et bordeaux. L’IP67 et l’autonomie de 6-8 heures à pleine puissance rendent Twilight pratique et fonctionnelle pour les espaces extérieurs. Disegnata da Palo Zani per Warli, Twilight (outdoor) è una lanterna a LED, autonoma ricaricabile (IP67), realizzata in acciaio inox e vetro opalino soffiato e inciso a mano. La struttura in acciaio inox satinato è ideale per essere utilizzata in esterno ed altamente resistente agli agenti atmosferici. Oltre alla finitura inox, la collezione si arricchisce di nuovi colori satinati con effetto corrugato: bronzo scuro, grigio chiaro, bianco e bordeaux. L’ IP67 e l’autonomia di 6-8 ore a piena potenza rendono Twilight pratica e funzionale per ambienti esterni. Designed by Paolo Zani for Warli, Twilight (outdoor) is an autonomous and wireless LED lantern. The diffuser is made in opal blown glass with fine handmade engravings. The structure is made in stainless steel, perfect for outdoor use and highly resistant to atmospheric agents. The frame comes in stainless steel finish and 4 satin colors with corrugated effect: dark bronze, light gray, white and burgundy. The IP 67 and the autonomy of 6-8 hours at full power, make Twilight is a precious but deliberately essential light.
studio.sammode.com Avec leur corps en verre subtilement habillé des grilles dessinées par Normal Studio, les appliques Belleville, Monceau et Vendôme Nano de la collection Paname de Sammode Studio offrent de multiples possibilités : le Belleville tout en inox pour une atmosphère industrielle résolument contemporaine, le Monceau noir charbonneux pour un décor chic et soigné. Le modèle Vendôme, en finition laiton, sera quant à lui le luminaire idéal pour un intérieur chaleureux. En tête de lit, dans un couloir ou une terrasse, ces appliques s’intègrent avec classe et discrétion en intérieur comme en extérieur. Slamp a inauguré un nouveau flagship store à Milan, dans le quartier Durini, conçu et aménagé par Luca Mazza, directeur général et créatif de Slamp. La lumière est la protagoniste d’ambiances harmonieuses et fonctionnelles conçues pour mettre en valeur le monde Slamp dans lequel la technologie des matériaux, l’artisanat et la sensibilité artistique se fondent. Deux grands Ledwall dominent l’expérience du rez-de-chaussée ainsi que le spectacle offert en vitrine. Tout autour, les créations Slamp s’organisent en trois clusters dans lesquels se distingue une imposante lampe La Lollona. L’espace au sous-sol occupe une grande ambiance définie par une composition rythmée de lampes cylindriques Hugo et par un jeu précieux de miroirs fumés. l’AI 168
Con i loro corpi in vetro sottilmente ornati da griglie disegnate da Normal Studio, le applique Belleville, Monceau e Vendôme Nano della collezione Paname di Sammode Studio offrono molteplici possibilità: Belleville realizzata interamente in acciaio inossidabile è adatta per un’atmosfera industriale contemporanea, Monceau nero antracite per un look chic e curato. Il modello Vendôme, in finitura ottone, è invece la luce ideale per un ambiente accogliente. In una camera, in un corridoio o su una terrazza, queste lampade da parete si inseriscono con facilità in spazi interni ed esterni. With their glass structures subtly adorned with grids designed by Normal Studio, the Belleville, Monceau and Vendôme Nano wall lights from Sammode Studio’s Paname collection offer multiple possibilities: Belleville made entirely of stainless steel creates a contemporary industrial mood, while Monceau anthracite black is ideal for a chic and neat look. The Vendôme model in brass finish, on the other hand, is the best way of creating a cosy ambience. In a room, in a corridor or even out on a terrace, these wall lamps fit neatly into both indoor and outdoor spaces.
slamp.com Slamp ha inaugurato un nuovo flagship store a Milano, nel distretto di Durini, ideato e curato da Luca Mazza, Direttore Generale e Creativo di Slamp. La luce è protagonista di ambienti armoniosi e funzionali pensati per valorizzare il mondo Slamp in cui si fondono tecnologia dei materiali, manualità artigianale e sensibilità artistica. Due grandi Ledwall dominano l’esperienza del pianterreno così come lo spettacolo offerto in vetrina. Tutt’intorno, le creazioni Slamp sono organizzate in tre cluster in cui spicca un’imponente lampada La Lollona. Nell’ampio piano interrato l’atmosfera è scandita da una ritmica composizione di lampade cilindriche Hugo e da un prezioso gioco di specchi fumé. Slamp has opened a new flagship store in the Durini district of MIlan, the space designed and curated by Luca Mazza, General and Creative Director of Slamp. Light is the protagonist of harmonious, functional settings designed to enhance the world of Slamp where material technology, craftsmanship and artistic sensitivity come together. Two large Ledwalls dominate the ground floor experience and spectacular shop window display. Around all this Slamp designs are organised in three clusters with an imposing La Lollona lamp really catching the eye. The atmosphere in the spacious basement derives from a rhythmic layout of cylindrical Hugo lamps and an intricate interplay of smoked mirrors set.
Swisspanel Solar de Glas Trösch combine exigences techniques et esthétiques des modules photovoltaïques. Grâce à une technique d’impression développée en étroite collaboration avec la Haute École de Lucerne, les vitres frontales peuvent être ornées d’une impression en polychromie sans compromettre le rendement électrique du module. Le processus de trempe thermique, qui incruste durablement la couleur dans le verre, permet de créer, sous la forme d’un verre trempé de sécurité ou d’un verre durci, un produit fini protégeant parfaitement le module photovoltaïque Swisspanel Solar convient tant aux toitures qu’aux façades.
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Light / Materials & Building Components glastroesch.com
Swisspanel Solar di Glas Trösch combina i requisiti tecnici ed estetici dei moduli fotovoltaici. Grazie a una tecnica di stampa sviluppata in stretta collaborazione con l’Università di Lucerna, le finestre frontali possono essere decorate con una stampa policroma senza compromettere l’efficienza elettrica del modulo. Il processo di tempra termica, che ingloba in modo duraturo il colore nel vetro, consente di creare, sotto forma di vetro temperato di sicurezza o vetro temperato, un prodotto finito che protegge perfettamente il modulo fotovoltaico Swisspanel Solar è adatto sia per tetti che per facciate. Glas Trösch’s Swisspanel Solar combines the technical and aesthetic requisites of photovoltaic units. Thanks to a printing technique developed in close partnership with Lucerne University, the front windows can be decorated with a polychrome print without compromising the unit’s electrical efficiency. The heat-tempering process, which permanently embeds colour into the glass, means a finished product can be created in the form of tempered safety glass or toughened glass that provides perfect protection for the photovoltaic module Swisspanel Solar is suitable for both roofs and façades.
edilians.com Idéal sur toiture existante, Easy Roof Top, la solution photovoltaïque Edilians, rend possible la mise en œuvre de modules photovoltaïques cadrés sur tous types de toiture, présentant une pente de 8° à 50°, en tuiles, en ardoise et sinusoïdales grâce à des crochets de fixation dédies. Ce système en surimposition s’installe ainsi par-dessus la couverture existante tout en étant fixé directement sur la structure du bâtiment. Disponible en portrait, il peut également être posé en mode paysage. Grâce à une embase spécifique, une simple rotation de rail suffit, ce qui représente un véritable gain de temps lors de la mise en œuvre. Pour une esthétique du qualité, le système Easy Roof Top se décline en deux finitions (aluminium, noir) et aucun élément (rail et fixation) ne dépasse du champ photovoltaïque. Ideale per coperture esistenti, Easy Roof Top, la soluzione fotovoltaica Edilians, permette di installare moduli fotovoltaici intelaiati su tutti i tipi di tetto, con pendenza da 8° a 50°, realizzati in tegole, ardesia e sinusoidali grazie ad appositi ganci di fissaggio. Questo sistema in sovrapposizione viene così installato sulla copertura esistente pur essendo fissato direttamente alla struttura dell’edificio. Disponibile in verticale, può essere posato anche in modalità orizzontale. Grazie a un’apposita base di appoggio è sufficiente una semplice rotazione del binario con un notevole risparmio di tempo in fase di realizzazione. Per un’estetica di qualità, il sistema Easy Roof Top è disponibile in due finiture (alluminio, nero) e nessun elemento (guida e fissaggio) sporge dal campo fotovoltaico.
scrigno.it Les portes «pleine hauteur» Essential Battante Sans Traverse Scrigno constituent des solutions de décoration pour créer des jeux d’ouverture et de fermeture dans la zone living, dans les dégagements et les couloirs ou dans les dressings. Cette collection, ne présente absolument aucune interruption transversale et procure un effet d’allongement mis en valeur également avec des revêtements spéciaux et de la tapisserie. Sa caractéristique principale est la discrétion : une solution qui peut également être personnalisée avec des dessins qui rappellent le monde végétal (fleurs, feuilles, plantes), des motifs géométriques ou effets 3D. l’AI 168
Ideal for old roofs, Easy Roof Top, Edilians’ photovoltaic products, allows the installation of framed photovoltaic modules on all types of roofs (from 8°-50° slope) made of slate tiles using special attachment hooks. This overlapping system can be installed on an old roof even though it is fixed directly to the building structure. Available in a vertical version, it can also be installed horizontally. Thanks to a special support base, a simple rotation of the rail is all that is required, saving considerable time during construction. For high-quality good looks, the Easy Roof Top system is available in two finishes (aluminium, black) and no elements (rail or fastener) protrude from the photovoltaic field.
Le porte ‘a tutta altezza’ di Scrigno Essential Battente Senza Traverso di Scrigno permettono di creare giochi di apertura e chiusura nella zona giorno, nei corridoi o nei disimpegni. Questa collezione è totalmente priva di interruzioni trasversali e fornisce un effetto di prolungamento che viene esaltato anche attraverso rivestimenti speciali o tappezzeria. La sua caratteristica principale è la discrezione: una soluzione personalizzabile anche con disegni che richiamano il mondo vegetale (fiori, foglie, piante), dei motivi geometrici o degli effetti 3D. Scrigno’s “full-height” Essential hinged doors can be used to create opening and closing effects in lounges, corridors or hallways. This collection is totally free of edges and an extension effect is further enhanced by special coverings or upholstery. Discretion is the key word: it can also be customised with designs inspired by the plant world (flowers, leaves, plants), geometric patterns or 3D effects.
architect meets innovations MiCo-Milano Congressi 9 & 10 novembre 2022 EVENTO ESCLUSIVO PER ARCHITETTI E INTERIOR DESIGNER CON INNOVAZIONI DI QUALITÀ
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A cura par/di/by Alda Mercante Pierluigi Cerri Allestimenti Idee, forme, intenzioni Yuri Mastromattei Lola Ottolini Skira editore, Milano 2022, ill. col. /b/n, 180 pp
BOOKS
Ce livre, qui accompagne l’exposition consacrée à Pierluigi Cerri (jusqu’au 29/9/2022 – Archives historiques de l’École Polytechnique de Milan), montre comment, dans toute l’œuvre de Cerri, l’installation, architecture éphémère par excellence, est le secteur spécifique qui lui a permis d’exprimer sa vision conceptuelle avec la plus grande liberté, en établissant une nouvelle forme de communication avec le visiteur et en déterminant des points de vue inhabituels pouvant révéler l’essence du thème et de l’objet exposé. À travers une sélection de 32 installations, étudiées et redessinées grâce à un minutieux travail d’archives, le livre et l’exposition qui l’accompagne offrent une présentation organique de cette constante de son œuvre, qui a imprégné l’idée contemporaine du “faire des expositions”. Dal libro, che accompagna la mostra dedicata a Pierluigi Cerri (Archivi Storici del Politecnico Milano fino al 29/9/2022), emerge, come in tutta l’attività svolta da Cerri, l’allestimento, architettura effimera per antonomasia, sia il settore specifico in cui ha esercitato la sua linea progettuale col massimo grado di libertà, definendo in modo compiuto una forma di comunicazione col visitatore nuova e determinando insoliti punti di vista capaci di rivelare l’essenza del tema e dell’oggetto esposto. Con una selezione di 32 allestimenti, studiati e ridisegnati grazie a uno scrupoloso lavoro d’archivio, il libro e la relativa mostra propongono in modo organico questa costante insita del suo operare, penetrata nell’idea contemporanea del “fare mostre”. The book accompanying the exhibition focused on Pierluigi Cerri (Historical Archives of Milan Polytechnic through to 29/9/2022) illustrates how in all of Cerri’s work, exhibition design, ephemeral architecture par excellence, is the specific realm in which Cerri worked with the greatest artistic freedom, inventing a new form of communicating with visitors and setting up unusual points of view capable of revealing the essence of the subject or object on display. With a selection of 32 installations, researched and redesigned based on painstaking archive work, the book and its accompanying exhibition offer a carefully structured presentation of this constant in his work that has made its way into the very contemporary idea of “creating exhibitions”.
VITO MANCUSO La mente innamorata Garzanti, Milano 2022, 256 pp Il s’agit du nouveau livre de Vito Mancuso qui présente la dernière étape de son voyage philosophique, et soutient que l’équilibre entre l’irrationalité de l’amour et la logique pure de l’esprit est encore possible. Et pour le prouver, il évoque la vie et les expériences de grands penseurs du présent et du passé – de Dante à Hannah Arendt, de Giordano Bruno à Etty Hillesum – selon un panthéon idéal d’esprits aimants et doués de la grâce qui accompagne toute éducation spirituelle. Si tratta del nuovo libro di Vito Mancuso che pone in evidenza l’ultima tappa del proprio percorso filosofico, sostenendo che l’equilibrio tra l’irrazionalità dell’amore e la pura logica della mente è ancora possibile. E per dimostralo evoca le vite e le esperienze di grandi pensatori del presente e del passato – da Dante a Hannah Arendt, da Giordano Bruno a Etty Hillesum – secondo un ideale pantheon di menti innamorate capaci della grazia che accompagna ogni educazione spirituale. This new book by Vito Mancuso focuses on the latest stage in his own philosophical journey, arguing that a balance between the irrationality of love and pure logic of the mind can still be attained. To demonstrate this, he refers to the lives and experiences of great thinkers of the present and past – including Dante, Hannah Arendt, Giordano Bruno and Etty Hillesum – constituting a sort of pantheon of ‘minds in love’ epitomising the grace associated with every form of spiritual education.
EMANUELE CAPPELLI Dynamic Brand. The new methology of brand communication Skira editore, Milano 2022, ill. col., 256 pp
Dans ce livre “dynamique”, Emanuele Capelli, designer et professeur d’université, présente la méthode Dynamic Brand, qu’il a conçue et théorisée après dix ans de recherches et de réflexions approfondies sur le contexte du marché actuel, afin de pouvoir indiquer comment redonner de la valeur à la contemporanéité et à la centralité du concept d’identité. Préfacé par Steven Heller et avec une introduction de Betti Marenco, cet ouvrage expose les méthodes et les études de cas qu’Emanuele Cappelli a examinées en utilisant un grand nombre d’activités et de facteurs, en veillant au positionnement stratégique de sa propre société, en montrant les raisons fondamentales du Cappelli Identity Design dans le panorama global de la communication et du design, et en signant des projets d’intérêt collectif et individuel en appliquant le Dynamic Brand. Libro “dinamico” che, scritto da Emanuele Capelli, designer e docente universitario, espone il metodo del Dynamic Brand, da lui stesso ideato e teorizzato dopo una decennale ricerca e approfondite indagini sul contesto relativo al mercato odierno, con il proposito di poter indicare come restituire valore alla contemporaneità e alla centralità del concetto di identità. Con la prefazione di Steven Heller e l’introduzione di Betti Marenco, il volume evidenzia infatti metodologia e casi studio da Cappelli indagati e studiati valendosi di molteplici attività e fattori, curando il posizionamento strategico del proprio Studio, dimostrando le ragioni essenziali di Cappelli Identity Design nel panorama della comunicazione e del design mondiale, e firmando progetti di interesse collettivo e individuale applicando il Dynamic Brand. This “dynamic” book, written by Emanuele Capelli, a designer and university lecturer, outlines the Dynamic Brand method, which he devised and theorised after decades of research and in-depth studies into the modern-day market, with the aim of being able to indicate how to restore value to contemporary like and the crucial concept of identity. With a preface by Steven Heller and an introduction by Betti Marenco, the book highlights the methodology and case studies Cappelli has studied and analysed with the help of multiple ideas and other factors, paying careful attention to the strategic positioning of his own firm, demonstrating the main reasons why Cappelli Identity Design operates on communication and design scene worldwide, and designing projects of collective/individual interest by applying the Dynamic Brand method.
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architect meets innovations Parc des Expositions de La Beaujoire 24 & 25 novembre 2022 ÉVÉNEMENT EXCLUSIF présentant les dernières innovations d’industriels de la construction PRODUITS SÉLECTIONNÉS par un comité de pilotage
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A cura par/di/by Alda Mercante
BOOKS
FILIPPO BERTO Made in Meda – il futuro del design ha già mille anni Editore Berto, Meda (MB) 2021, ill. col., 140 pp Filippo Berto – entrepreneur de la dernière génération, passionné et particulièrement informé sur le “système Meda” (www.madeinmeda.com) pour ce qui est du design italien, du travail et des expériences de ceux qui, au fil du temps, ont contribué à en faire un leader international –, raconte, en s’appuyant sur des recherches et de références historiques qui remontent au début du Moyen Âge, que ce sont les religieuses du monastère local de San Vittore, aujourd’hui Villa Antona Traversi, qui ont convaincu les paysans, qui n’avaient aucune occupation pendant les mois d’hiver, à occuper ce temps libre en fabriquant des outils et des meubles pour les vendre ensuite sur les marchés. C’est ainsi que dans les maisons et dans les fermes s’est développée l’habitude de fabriquer des outils et des objets prisés, ce qui a lancé un processus de production et de création original qui ne s’est jamais interrompu. Filippo Berto décrit comment et de quelle manière le système Meda a promu le design italien dans le monde, et rappelle les neuf Compas d’or décernés à ses entreprises et aux designers historiques qui y ont travaillé et y travaillent encore, comme Cesare Cassina, Antonio Citterio, Luigi Giorgetti, Giuseppe Terragni, Vico Magistretti, Carlo Scarpa, Charlotte Perriand et Gio Ponti. Filippo Berto, imprenditore di ultima generazione impegnato e particolarmente informato sul “sistema Meda” (www.madeinmeda.com) in relazione al design italiano e sul lavoro e le vicende di quanti nel tempo hanno collaborato per renderlo leader internazionale, racconta, con ricerche e approfondimenti storici risalenti all’Alto Medioevo, come emerga che furono le badesse presenti nel locale monastero di san Vittore – oggi Villa Antona Traversi – a convincere i contadini, privi di occupazioni durante i periodi invernali, a impegnare il tempo libero costruendo utensili e cose d’arredo da vendere nei mercati. Si diffuse così l’abitudine di realizzare, nelle case e cascine, strumenti e oggetti apprezzati, dando avvio a un singolare processo produttivo e creativo mai interrottosi. Berto descrive come e con quali modalità il Sistema Meda abbia sostenuto il design italiano nel mondo, ricordando i 9 Compassi d’Oro assegnati alle proprie aziende e a progettisti storici che vi operarono e ancora operano, tra i quali Cesare Cassina, Antonio Citterio, Luigi Giorgetti, Giuseppe Terragni, Vico Magistretti, Carlo Scarpa, Charlotte Perriand e Gio Ponti. Filippo Berto, an industrious latest-generation entrepreneur who is particularly knowledgeable about the ‘Meda system’ (www.madeinmeda.com) in relation to Italian design and the work and events of those who have worked together over time to make it a leading international player, provided an overview with the help of research and historical insights dating back to the early Middle Ages, of how it was the abbesses at the San Vittore Monastery - now Villa Antona Traversi - who convinced the peasants, who had no work in winter, to spend their free time making tools and furniture to sell at markets. So, the custom of making tools and artefacts that were popular in homes and farmsteads gradually spread setting under way a unique production/creative process that still continues even now. Berto describes how and in what ways the Meda System has supported Italian design throughout the world, mentioning the 9 Golden Compasses awarded to its companies and famous old designers who worked and still work there, including Cesare Cassina, Antonio Citterio, Luigi Giorgetti, Giuseppe Terragni, Vico Magistretti, Carlo Scarpa, Charlotte Perriand and Gio Ponti.
Massimo Motta: Photography beyond Photograpahy Fyinpaper (Milano) – InnerSelf (Adelaide) 2021 Cette monographie, réalisée sous la direction de Gérard-Georges Lemaire et Carmelo Strano, avec un texte de Vitaldo Conte, est consacrée au photographe Massimo Motta, né en 1952 à Milan, un artiste qui saisit des instants dynamiques du quotidien, de la vie sociale et parfois de l’individu, tout en innovant sur le plan photographique. Il a en effet l’intention de fondre photographie et peinture, mais bien loin des résultats décoratifs, et plutôt avec beaucoup d’attention et d’intérêt pour l’expérimentation sur le mouvement tout au long de l’évolution de la photographie, à partir d’Eadweard Muybridge. Motta a traversé plusieurs étapes thématiques et linguistiques, qui sont retracées dans cet ouvrage qui témoigne également de la nécessité, qu’il éprouve aujourd’hui, de reconsidérer les “fondements” de la photographie. Cela en raison d’une sensibilité syncrétiste, interculturelle et hybridante qui est inévitablement pleine de contradictions et, en même temps, d’élans vers les synergies. Comme l’écrit le critique d’art français Gérard-Georges Lemaire, “Motta joue de tous les registres offerts par cette contamination entre deux moyens d’expression... Mais sa force est d’empêcher l’un des deux de jouer un rôle secondaire... Un jeu qui déroute le spectateur qui ne sait plus exactement où il est”. Il volume monografico curato da Gérard-Georges Lemaire e Carmelo Strano, con il contributo di un testo di Vitaldo Conte, è dedicato al fotografo Massimo Motta, Milano nel 1952, artista che ferma momenti dinamici quotidiani, la vita sociale e talvolta quella dell’individuo, ma innovando la fotografia. Ha infatti inteso fonderla con la pittura, ma ben lontano da esiti decorativi, e piuttosto con molta attenzione e interesse alla sperimentazione sul movimento lungo l’evoluzione della fotografia, a partire Eadweard Muybridge. Varie sono le tappe tematiche e linguistiche attraversate da Motta ripercorse in questa monografia che peraltro enfatizza la necessità, oggi avvertita, di riconsiderare i “fondamentali” della fotografia. Ciò a causa di una subentrata sensibilità sincretista, interculturale, ibridante, inevitabilmente ricca di contraddizioni e nello stesso tempo di spinte alle sinergie. Come scrive il saggista e critico francese Gérard-Georges Lemaire, “Motta gioca tutti i registri offerti da questa contaminazione tra due mezzi espressivi… Tuttavia, la sua forza è nell’evitare che uno dei due medium abbia ruolo secondario… Un gioco che confonde lo spettatore il quale non sa più dove si trova esattamente”. This monograph edited by Gérard-Georges Lemaire and Carmelo Strano with a text written by Vitaldo Conte is dedicated to the photographer Massimo Motta (Milan, 1952), an artist who captures dynamic everyday events, social life and sometimes just individuals, always giving a new twist to photography. He set out to merge photography with painting with ever simply focusing on its decorative side, preferring instead to pay very careful attention and interest to experimentation into movement and motion throughout the history of photography, starting with Eadweard Muybridge’s work. In this monograph, Motta studies various topics and stylistic idioms, emphasising the need, still felt today, to reconsider the ‘fundamentals’ of photography. This is due to his syncretist, intercultural, hybridising sensibility that is inevitably full of contradictions while, at the same time, seeking out synergies. As the French essayist and critic Gérard-Georges Lemaire writes, “Motta plays with all the registers offered by this contamination between two expressive media... However, his great force lies in preventing either of the two mediums from being relegated to a secondary role... A game that confuses the onlooker who no longer knows exactly where they are”.
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La revue internationale d’architecture, design et communication visuelle La rivista internazionale di architettura, design e comunicazione visiva The international magazine of architecture, design and visual communication
Septembre-Octobre/Settembre-Ottobre/September-October 168 2022
INDEX
01 02 04 06 10 12
Cover
Dominique Perrault, Village olympique et paralympique Paris 2024
EDITORIALE/EDITORIAL/EDITOR’S TEXT Il futuro Le futur The future Cesare M. Casati
IFI WORLD
MONITOR Michele Bazan Giordano
FUTURE - STARGAZER Venus Aerospace - 40m DOMUS TRIMARAN Rob Doyle Design and Van Geest Design - RESISTEX® GRAPHENE Tecnofilati - EOS Avalon Airships Ruben Abbattista Metaverso: oppurtunità o rischio? Métavers: opportunité ou risque ? Metaverso: an opportunity or a danger?
COMPETITIONS
16 28 36 46 58 68 82
Comité de direction Comitato di direzione Management committee Matteo Citterio , Joseph di Pasquale
Représentant Légal Rappresentante legale Legal Representative Edmond Pastor
Comité scientifique/ Comitato scientifico Scientific committee Piero Castiglioni, Odile Decq, Giorgietto Giugiaro, Gianpiero Jacobelli, Dominique Perrault, Paolo Riani, Joseph Rykwert, Alain Sarfati, Piero Sartogo
Directeur de la publication Direttore responsabile Editor Cesare Maria Casati direzione@groupep.mc
LE VILLAGE OLYMPIQUE ET PARALYMPIQUE PARIS 2024 Dominique Perrault Architecte Mario Pisani
ANGELINI INDUSTRIES HEADQUARTERS Roma, Italy
Studio Transit con Enzo Pinci HISAO HIROKO TAKI PLAZA AT TOKYO INSTITUTE OF TECHNOLOGY Tokyo, Japan
Kengo Kuma & Associates LE DÔME WINERY
Consultants culturels/Consulenti culturali Cultural consultants Aldo Castellano, Carmelo Strano, Maurizio Vitta
92 94 96 106 110
Bordeaux, France
Foster + Partners BIODOME SCIENCE MUSEUM RENEWAL Montreal, Canada
KANVA with NEUF architect(e)s WAVE 1 The European Center for Families Sopot, Poland
FAAB
Editeur Editore Publisher S.A.M. M.D.O. Société anonyme monégasque 31, avenue Princesse Grace MC 98000 Monaco tél. +377 92 16 51 51 fax +377 93 50 49 78
Secrétariat de l’éditeur Segreteria dell’editore Publisher assistant France Lanza
Luigi Prestinenza Puglisi, Giulia Mura TOPOI Temi chiave e protagonisti del prossimo futuro: Benedetta Tagliabue/EMBT Questions clés et protagonistes du proche avenir Key issues and players in the near future
Secrétariat commercial/production Segreteria commerciale/traffico Marketing secretariat Claire Nardone tel. +377 92 16 51 54 claire.nardone@groupep.mc Rédaction de Milan Redazione di Milano Editorial staff in Milan Elena Tomei via privata Martiri Triestini, 6 20148 Milano tel. +39 344 28 38 786 redazione@groupep.mc
Rédaction de Monaco Redazione di Monaco Concessionaria pubblicità per l’Italia Editorial staff in Monaco MKT Worldwide Elena Cardani Corso Sempione, 12 31, av. Princesse Grace 20154 Milano MC 98000 Monaco Mob. +39 335 80 00 863 / +39 335 60 27 824 tél. +377 92 16 51 54 mezzanzanica@mktworldwide.com fax +377 97 97 19 75 prestinoni@mktworldwide.com redaction@groupep.mc
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SHORT HEAVEN & HELL SPA Valdaora (BZ), Italy
Studio noa* MEDIA LIBRARY Porto-Vecchio (Corse), France
Dominique Coulon & associés Maurizio Vitta, Cesare M. Casati Salone Internazionale del Mobile Milano 2022
Toshiyuki Kita “Timeless Future”
DESIGN - 25TH ANNIVERSARY Steve Leung Design Group - SNOWKING a+b/ Dominoni Quaquaro for Caimi - OCTO FINISSIMO WATCH BULGARI - TALLEYRAND BY STARCK Philippe Starck for Baccarat - KARTELL EYEWEAR Fabio Novembre, Ferruccio Laviani, Piero Lissoni, Rodolfo Dordoni AGENDA
Comptabilité et logistique événements Amministrazione e logistica eventi Administration and logistics events mdo@groupep.mc Correspondant au Japon Corrispondente in Giappone Correspondent in Japan Toshyuki Kita Correspondant IFI/Corrispondente IFI Correspondent IFI Sebastiano Raneri sabastiano.raneri@gmail.com Communication/Comunicazione Communication Alda Mercante comunicazione@groupep.mc Mise en page/Impaginazion/Page layout Giorgio E. Giurdanella Traductions/Traduzioni/Translations Isabelle-Béatrice Marcherat, Martyn J. Anderson
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LE FUTUR
THE FUTURE
eguendo sempre con attenzione l’attività eeping a close eye on the professional n suivant toujours de près les activités proS professionale e accademica degli archi- E fessionnelles et académiques des architectes K and academic careers of architects who tetti, che più emergono per talento e qualità qui se distinguent le plus pour leur talent et leur stand out the most for their talent and profesprofessionale in tutto il mondo, devo lamentare come da molti anni ormai non è possibile registrare una loro attività di ricerca e di analisi che prescindano dagli ingranaggi ormai aziendali dei loro studi. Mi riferisco a nuove idee progettuali libere dalle necessità di immagine e di fatturato e orientate a immaginare come il progetto possa modificarsi tenendo conto di tutti i condizionamenti necessari per la salvaguardia del pianeta, della riduzione del CO2 e dell’uso di materiali trasformabili e non inquinanti. Significa di ritrovare l’istinto innovativo e con libertà di pensiero e di ricerca cercare di preconizzare un futuro probabile e sostenibile per offrire all’umanità nuove situazioni di conforto abitativo. Alcuni utopisti stanno pensando a grandi organismi strutturati per facilitare i movimenti e la disponibilità dei servizi civici comuni. Organismi architettonici organizzati come una piccola città, autonomi e disponibili di tutti i servizi primari e collegati rapidamente a vicine concentrazioni urbane più importanti. Altri propongono la totale modificazione del concetto attuale della città basata su spazi pubblici solo per il movimento e spazi per costruzioni condominiali non connesse e non in relazione tra loro. Propongono di demandare l’attività costruttiva delle unità abitative al settore meccanico e cantieristico per produrre così abitazioni diverse e componibili, aggregabili alloggiabili in alberi strutturali. dotate di confort e impianti tipici del caravan o delle navi. Un insieme di alberi di centinaia di unità ciascuno diventeranno una città. Propongono così di rivitalizzare un settore industriale che andrà sicuramente in crisi con i cambiamenti delle fonti energetiche in atto. Queste proposte non mi sembrano fantasie e meritano una riflessione, quello che penso sia ormai decisamente necessario è di iniziare a pensare seriamente al prossimo futuro. Se ci guardiamo indietro vedremo che l’architettura di trenta anni fa è pressappoco identica a quella attuale ma la tecnologia invece ha fatto enormi cambiamenti dove anche il nostro ambiente domestico e il nostro comportamento sociale si è adeguato. Tra venti anni ci sarà difficile sopportare ambienti ed edifici culturalmente e formalmente vecchi di mezzo secolo ecco; perché dobbiamo considerare importante il futuro e cercare di ritrovare il coraggio come avvenne negli anni Sessanta in tutto il mondo dove l’architettura anticipò il progresso tecnologico con fantasia e genialità.
qualité professionnelle dans le monde entier, je dois déplorer que, depuis de nombreuses années, il n’est pas possible d’enregistrer leur activité de recherche et d’analyse en dehors des rouages désormais commerciaux de leurs agences. Je me réfère aux nouvelles idées de projet débarrassées des impératifs d’image et de chiffre d’affaires, qui visent à imaginer comment le projet pourrait être changé en tenant compte de toutes les contraintes nécessaires à la sauvegarde de la planète, à la réduction du CO2 et à l’utilisation de matériaux transformables et non polluants. Cela signifie retrouver l’instinct d’innovation et, avec toute liberté de pensée et de recherche, envisager un avenir vraisemblable et durable pour offrir à l’humanité de nouvelles formes de confort en matière de logement. Certains utopistes pensent à de grands ensembles structurés pour faciliter le mouvement et la mise à disposition de services publics communs. Des ensembles architecturaux organisés comme une petite ville, autonomes et dotés de tous les services de base et rapidement reliés aux principales concentrations urbaines voisines. D’autres proposent de modifier totalement le concept actuel de la ville, basé sur des espaces publics destinés uniquement au mouvement et des espaces pour des immeubles en copropriété non connectés et sans rapport entre eux. Ils proposent de confier la construction des logements au secteur de la mécanique et des chantiers de manière à réaliser des logements différents et modulables, pouvant être combinés et intégrés dans des mâts structurels, dotés du confort et des installations propres aux caravanes ou aux navires. Une série de mâts de plusieurs centaines d’unités chacun deviendra une ville. Ils proposent ainsi de revitaliser un secteur industriel qui ne manquera certainement pas d’entrer en crise avec les changements de sources d’énergie en cours. Ces propositions ne me semblent pas fantaisistes et méritent réflexion ; je crois donc que maintenant il faut absolument commencer à penser sérieusement à l’avenir. Si nous regardons en arrière, nous verrons que l’architecture d’il y a trente ans est plus ou moins identique à celle d’aujourd’hui, et que la technologie a apporté d’énormes changements en revanche, auxquels notre environnement domestique et notre comportement social se sont également adaptés. Dans vingt ans, il sera difficile pour nous de supporter des environnements et des bâtiments datant culturellement et formellement d’un demi-siècle ; c’est pourquoi nous devons penser à l’importance de l’avenir et essayer de retrouver le courage, comme cela a été le cas dans les années 1960 partout dans le monde, où l’architecture avait anticipé le progrès technologique avec originalité et ingéniosité.
EDITORIALE / EDITORIAL / EDITOR’S TEXT
sionalism around the world, I must lament the fact that, for many years now, their have been no real signs of any experimentation or study on their part that goes beyond the corporate workings of their firms. I am referring to new design ideas that pay no heed to image or profit and are focused on envisaging how architectural design can be modified by taking into account everything requited to protect the planet, reduce CO2 and make use of transformable and non-polluting materials. It means rediscovering a certain innovative instinct and, with freedom of thought and research, trying to envisage a feasible, sustainable future providing mankind with comfortable living conditions. Some utopians are picturing large, structured organisms to facilitate movement and the availability of communal civil services. Architectural organisms organised like a small city, autonomous and equipped with all the basic services/amenities that can be quickly connected to larger urban concentrations nearby. Others suggest totally modifying the current concept of a city based on public spaces serving transport purposes only and spaces for unconnected and unrelated condominium buildings. They believe the construction of homes should be devolved to the mechanical/ shipbuilding industries so as to create diverse, modular dwellings that can be accommodated in structural trees equipped with all the comforts and amenities associated with caravans or ships. A set of hundreds of trees each of which forming its own city. They want to revitalise an industrial sector that will inevitably fall upon hard times with the changes in energy sources that are taking place. These proposals do not sound unrealistic to me and deserve to be pondered over. I believe the time has now definitely come to start thinking seriously about the near future. If we look back, we will see that the architecture of thirty years ago is more or less identical to that of today, while technology has made enormous advances and our homes and social behaviour have adapted to these changes. Twenty years from now it will be difficult for us to put up with living environments and buildings that are half a century old both culturally and stylistically; that is why we must place so much importance on the future and try to regain the kind of courage we had all over the world back in the 1960s when ingenious and imaginative architecture managed to keep one step ahead of technological progress. Cesare Maria Casati l’AI 168 1
verse
meta or nature
Are we concerned with distinctions of the virtual and the real? If architecture and design exist to improve our world for human support and betterment, then what is the qualified architect/ designer’s responsibility for this in a virtual and untetheredfrom-physical-reality context? What kind of a designer is the expert that conceptualizes and designs entirely for a makebelieve world? With digital technology and rapid growth of a parallel digital universe, at IFI we are intrigued to understand both the Metaverse and its counterpart, Natureverse.
We know that Natureverse is a nascent but growing movement that searches for the means to create profit incentives to invest in our natural and physical resources. This, we believe exists to counter the ever more beguiling Metaverse world, which seduces with its fictional optimism and opportunity for escape into parallel lives. By simply donning goggles, we can access superpowers, places, possibilities and relationships not possible in the complexity of our physical reality. In the Metaverse, our avatars can live indefinitely in a malleable surrealism that at once intrigues, provides entertainment and a refuge of sorts. In this democratic domain, anyone (at all) can design anything. No education or literacy is required. It is a world of opportunities, born in the imaginative mind and devoid of our physical bodies.
staff@ifiworld.org | www.ifiworld.org
As the single world authority and community for Interior Architecture/Design, grounded in the purpose to collaboratively cultivate fellowship and design excellence, at IFI we are deeply concerned with the environmental plight of our planet. We support the urgency for sustainable solutions to our increasingly mounting world problems. Equally, we know that the Metaverse requires attention and that it is here to stay.
Sommes-nous concernés par la distinction entre virtuel et réel ?
Ci preoccupano le distinzioni tra virtuale e reale?
Si l’architecture et le design sont là pour faire évoluer notre monde en vue d’aider l’homme et de le faire progresser, quelle est la responsabilité de l’architecte/du designer compétent dans un contexte virtuel, affranchi de la réalité physique ? Quel genre de designer est le spécialiste qui conçoit et dessine principalement pour un monde virtuel ?
Se l’architettura e il design esistono per migliorare il nostro mondo per il sostegno e il miglioramento umano, allora qual è la responsabilità dell’architetto/designer qualificato in un contesto virtuale e svincolato dalla realtà fisica? Che tipo di designer è l’esperto che concettualizza e progetta interamente per un mondo fittizio?
Avec la technologie numérique et la croissance rapide d’un univers virtuel parallèle, à l’IFI nous essayons de comprendre à la fois le métavers et sa contrepartie, le “naturevers”.
Con la tecnologia digitale e la rapida crescita di un universo digitale parallelo, in IFI siamo interessati a comprendere sia il Metaverso che la sua controparte, il Naturaverso.
Nous savons que le “naturevers” est un mouvement naissant et en pleine expansion qui cherche les moyens de créer des incitations à la rentabilité pour investir dans nos ressources naturelles et physiques. Nous pensons qu’il existe pour contrecarrer le monde toujours plus attrayant du métavers qui séduit grâce à son optimisme fictif et à la possibilité de trouver réfuge dans des vies parallèles. En chaussant tout simplement des lunettes, nous pouvons accéder à des superpouvoirs, à des lieux, à des possibilités et à des relations qui ne sont pas possibles dans la réalité physique complexe qui est la nôtre.
Sappiamo che il Naturaverso è un movimento nascente ma in crescita che cerca i mezzi per creare incentivi di profitto per investire nelle nostre risorse naturali e fisiche. Crediamo che questo esista per contrastare il mondo sempre più affascinante del Metaverso, che seduce con il suo ottimismo immaginario e l’opportunità di fuggire in vite parallele. Semplicemente indossando gli occhiali, possiamo accedere a superpoteri, luoghi, possibilità e relazioni non possibili nella complessità della nostra realtà fisica.
Dans le métavers, nos avatars peuvent vivre indéfiniment dans un surréalisme malléable qui, en même temps, intrigue, amuse et représente une sorte de refuge. Dans cet univers démocratique, tout le monde (ou presque) peut concevoir quoi que ce soit. Aucune formation ou instruction particulière n’est requise. C’est un monde de possibilités, né dans l’imaginaire, qui ne dépend pas de notre corps physique.
Nel Metaverso, i nostri avatar possono vivere indefinitamente in un surrealismo malleabile che allo stesso tempo intriga, fornisce intrattenimento e una sorta di rifugio. In questo dominio democratico, chiunque (letteralmente) può progettare qualsiasi cosa. Non è richiesta alcuna istruzione o formazione particolare. È un mondo di opportunità, nato nell’immaginazione e privo dei nostri corpi fisici.
En tant qu’autorité et communauté mondiale unique pour l’architecture d’intérieur et le design, dont l’objectif est de cultiver de manière collaborative la fraternité et l’excellence du design, l’IFI est particulièrement sensible à la situation environnementale de notre planète. Nous soutenons l’urgence de la recherche de solutions durables aux problèmes mondiaux de plus en plus graves. De même, nous savons que le métavers requiert beaucoup d’attention et qu’il est là pour rester.
We seek your input. Do you think that design in the Metaverse is defined as design or is it a different and new discipline all together? Please share with us at staff@ifiworld.org Nous sollicitons votre participation. Croyez-vous que le design dans le métavers est considéré comme du design ou qu’il s’agit d’une toute nouvelle discipline ? Nous vous invitons à nous le faire savoir à l’adresse staff@ifiworld.org. Cerchiamo il vostro contributo. Pensate che il design nel Metaverso possa essere definito design o è una disciplina tutta diversa e nuova? Si prega di condividere con noi a staff@ifiworld.org
In qualità di autorità e comunità mondiale unica per l’Architettura di Interni/Design, fondata con l’obiettivo di coltivare in modo collaborativo l’amicizia e l’eccellenza del design, in IFI siamo profondamente preoccupati per la difficile situazione ambientale del nostro pianeta. Sosteniamo l’urgenza di soluzioni sostenibili ai nostri problemi mondiali sempre più crescenti. Allo stesso modo, sappiamo che il Metaverso richiede attenzione e che è qui per restare.
MONITOR THÈSE SUR LA CHAISE LONGUE la faculté d’architecture de l’université de Gênes, quelqu’un en a fait une thèse. Et à dire vrai, les plages de Marinella di Cavi di Lavagna en valent vraiment la peine. En 2013, les Squallor dédièrent une chanson (ironique, à leur manière…) à l’un de ces établissements balnéaires : “Bagno Aurora”. Cela dit, le cas des Marinella est très sérieux. Conçues et construites en 1957 par Giuseppe Sivori (et dédiées à sa grand-mère Marinella), elles constituent aujourd’hui un cas unique en leur genre, en Ligurie bien sûr, mais probablement aussi dans toute l’Italie : il s’agit en fait d’une structure surélevée soutenue par des piliers en béton. Les cabines sont toutes réalisées en bois, peintes selon les couleurs d’origine et protégées, depuis 65 ans, contre la prolifération du plastique. Même la déco, avec des lampes et des harpons, est d’origine. De cette manière, elles ont été préservées, grâce à la ténacité des propriétaires, certes, mais aussi parce qu’elles sont plutôt peu connues de la plupart des gens, n’étant pas facilement accessibles depuis la Via Aurelia. Ce qui prouve que même un établissement balnéaire peut (et doit) être considéré comme un bien culturel à part entière.
PETITE MAISON À HYDROGÈNE eux étudiantes du cours interuniversitaire de maîtrise en ingénierie biomédicale (université de Sannio et du Molise, et université de Cassino et du Latium méridional) font l’expérience directe de la vie dans un H-ZEB (Hydrogen Zero Emission Building) utilisant l’hydrogène. Cela se passe à Benevento (Campanie, Italie), où une maison, petite mais à l’avant-garde, est la première à utiliser l’hydrogène dans le domaine résidentiel. Elle a été conçue et réalisée par STRESS en collaboration avec l’Université de Sannio dans le cadre du projet de recherche SMART CASE qui étudie des “solutions multifonctionnelles innovantes pour l’optimisation de la consommation d’énergie primaire et de l’habitabilité intérieure dans le secteur du bâtiment”. L’Association italienne pour l’hydrogène et les piles à combustible – H2IT, et la société italienne Solid Power Spa ont également collaboré à ce projet sur le plan factuel. Il ne s’agit donc plus seulement de sources d’énergie solaire et géothermique, mais aussi de l’installation d’une pile à combustible (fuel cell) 100 % à l’hydrogène en vue de la production combinée d’électricité et de chaleur, premier cas réalisé en Europe sur un bâtiment réel avec un micro-générateur fonctionnant à l’hydrogène pur. Un “centre d’entrainement technologique” comme l’appellent les créateurs, pour tester la formule hydrogène-logement, qui pourrait être réalisée à grande échelle à l’avenir. Tout cela fait l’objet d’un suivi constant afin de vérifier certains éléments tels que l’acceptabilité sociale et la sûreté de cette technologie, qui devient partie intégrante d’une révolution écologique désormais inévitable.
TESI SULLA SDRAIO ualcuno, all’Università di Genova, facoltà di Architettura, ci ha fatto su una tesi. I bagni Marinella di Cavi di Lavagna, per la verità, la valgono. Già nel 2013 gli Squallor dedicarono (ironicamente, a modo loro…) una canzone a uno stabilimento balneare: Bagno Aurora. Il caso dei Marinella, però, è molto serio. Ideati e costruiti nel 1957 da Giuseppe Sivori (e dedicati alla nonna Marinella) rappresentano oggi un unicum nel loro genere, certamente in Liguria e, probabilmente, in tutta Italia: si tratta, infatti di una struttura a capanno sollevata da terra, sostenuta da pilastri in cemento. Le cabine sono tutte in legno, dipinte con i colori originali e preservate, da 65 anni, dall’invadenza della plastica. Anche l’arredo, con lampare e fiocine, è originale. Si sono conservati così, certo, per la tenacia dei proprietari, ma anche perché piuttosto nascosti ai più, non immediatamente raggiungibili dalla via Aurelia. Dimostrando come persino uno stabilimento balneare può (e deve) essere considerato un bene culturale a tutti gli effetti.
CASETTA A IDROGENO ono due studentesse del corso di laurea magistrale inter-ateneo in Ingegneria Biomedica (Università del Sannio, del Molise e di Cassino e Lazio Meridionale) a sperimentare in prima persona, vivendoci dentro, l’edificio a emissioni zero H-ZEB (Hydrogen Zero Emission Building) che utilizza l’idrogeno. Succede a Benevento (Campania) laddove la piccola ma avanguardistica casetta si aggiudica la primogenitura nell’uso dell’idrogeno in ambito residenziale. Lo ha progettato e realizzato STRESS insieme con Università del Sannio nell’ambito del progetto di ricerca SMART CASE che studia “soluzioni innovative multifunzionali per l’ottimizzazione dei consumi di energia primaria e della vivibilità indoor nel sistema edilizio”. Hanno collaborato, sul piano fattuale, anche l’Associazione Italiana per l’Idrogeno e Celle a Combustibile – H2IT e l’azienda italiana Solid Power SpA. Non più, dunque, soltanto fonti solari e geotermiche di energia, ma anche installazione di una cella a combustibile (fuel cell) alimentata al 100% da idrogeno per la produzione combinata di energia elettrica e calore, primo caso realizzato in Europa su un edificio reale con un micro-cogeneratore alimentato a idrogeno puro. Una “palestra tecnologica”, lo definiscono gli ideatori, per testare il rapporto idrogeno-edilizia abitativa, da potersi, in futuro, concretizzare anche su larga scala. Il tutto viene costantemente monitorato con l’obiettivo di verificare elementi come l’accettabilità sociale di questa tecnologia e la sua sicurezza, divenendo parte integrante di una rivoluzione ambientale ormai irrinunciabile.
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A THESIS IN THE SUN omeone at the University of Genoa, Faculty of Architecture, wrote a thesis on it. The Marinella beach club in Cavi di Lavagna is actually deserving of such an honour. Back in 2013, the band ‘Squallor’ dedicated (ironically, in their own way...) a song to a bathing establishment: Bagno Aurora. The Marinellas’ home, however, is a very serious affair. Designed and built in 1957 by Giuseppe Sivori (and dedicated to his grandmother Marinella), the construction is now unique of its kind, certainly in Liguria at least and, probably, in the whole of Italy: it is, in fact, a hut-like structure raised off the ground on cement pillars. The cabins are all made of wood, painted in their original colours and have been carefully protected for 65 years from the invasive presence of plastic. Even the furnishings, complete with lamps and other accessories, are original. The bathing establishment has been conserved in such a pristine state thanks to the tenacity of the owners, but also because it is rather hidden away from most people, not immediately accessible from Via Aurelia. Demonstrating how even a bathing club can (and must) be considered a cultural asset in its own right..
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HYDROGEN-POWERED HOUSE wo female students on a university master’s degree course in Biomedical Engineering (University of Sannio, Molise/ Cassino in southern Lazio) are experiencing first-hand (by living inside it) a hydrogenpowered H-ZEB (Hydrogen Zero Emission Building). This is happening in Benevento (Campania) where this small cuttingedge house is taking the lead in the use of hydrogen in the housing sector. It was designed and built by STRESS in partnership with the University of Sannio as part of the SMART CASE research project studying ‘innovative multifunctional solutions for the optimisation of primary energy consumption and indoor liveability in the building industry’. The Italian Association for Hydrogen and Fuel Cells - H2IT and the Italian company Solid Power SpA also contributed to the project. So it is no longer just solar and geothermal sources of energy that are being used, 100% hydrogenpowered fuel cells are also being installed for the co-generation of electricity and heat. This is actually the first case of its kind to be carried out in Europe on a real building with a pure hydrogen-fuelled micro co-generator. A ‘technological gym’, so the creators described it, to test out how hydrogen and housing could be combined, potentially even on a large scale in the near future. Everything is constantly monitored with the aim of verifying such aspects as the social acceptability of this kind of technology and how safe it is, with a view to it becoming an integral part of an environmental revolution that is now so indispensable.
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Michele Bazan Giordano TRAVELLING UMBRELLAS azuo Shinohara (1925-2006) is a Japanese architect, who has only recently come back in vogue even though his Umbrella House was built in Tokyo back in 1961. Today it has been reconstructed on the Vitra Campus in Weil am Rhein, Germany, along the east bank of the Rhine. Vitra Campus Vitra now collects (and sells) the best of design and architecture. The original idea came from Willi Fehlbaum, who, in 1934, took over a shop fitting company in Basel. Over the years, big names in architecture from Frank O. Gehry to Zaha Hadid and Tadao Andō have designed and built projects for this special location that is now an authentic Campus of Wonders (to call it a museum is belittling). Among the Campus’s most recent acquisitions is a building symbolising Shinohara’s “first style”, the aforementioned Umbrella House, a wooden house with a square floor plan that was once the home of a small family under a sort of umbrella in line with Japanese housing traditions and even local temples that once made use of ‘umbrella’ pyramid roofs. A small house built with along simple and inexpensive lines (the façade panels are made of cement fibre) that inspired much of Japanese residential architecture of the 1960s. Vitra has saved the Umbrella House (55 m2) from being forgotten since it was destined to be knocked down to make way for road widening operations in the Nerima district. This also salvaged an otherwise destined to be forgotten construction system using wooden beams and poles (Japanese cypress and Oregon pine). Disassembled and packed away, it was shipped off to Germany and rebuilt on Vitra Campus. Ready and furnished (with a few original pieces and plenty of copies) in this scorching summer of 2022.
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CRAZY HOUSES he world’s craziest race, school, family and plane have all been immortalised in film. The world’s craziest house was missing. Airbnb, the US portal created by Brian Chesky in 2007 to act as an intermediary between people looking for/ offering accommodation for rent all over the world, has taken care of that. The company is now a real financial colossus and anyone who has designed a house “in the shape of a missile or a UFO or a hobbit hole” or any kind of architectural madness where they can host people for a stay (long or short) got the chance to apply to Airbnb for funding. Thousands (the deadline was 22nd July 2022) ended up applying to OMG!, an Airbnb fund. The budget on offer is $10 million to fund ‘the 100 craziest ideas of all the crazy ones sent in’. 100 projects will be selected and each awarded $100,000 in funding, so they can be built by 2023 We shall see.
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PARAPLUIES VOYAGEURS azuo Shinohara (1925-2006) est un architecte japonais qui n’a été réinterprété que récemment. Son “Umbrella House” avait été construite à Tokyo en 1961. Elle a été reconstruite sur le campus Vitra à Weil am Rhein, en Allemagne, sur la rive orientale du Rhin. Aujourd’hui Campus Vitra rassemble (et vend), ce qu’il y a de mieux en matière de design et d’architecture. L’idée de départ est de Willi Fehlbaum qui, en 1934, avait repris une entreprise d’ameublement de magasins à Bâle. Au fil des ans, de grands noms de l’architecture, de Frank O. Gehry à Zaha Hadid en passant par Tadao Andō, ont conçu et réalisé des projets pour son siège qui est aujourd’hui un véritable Campus des merveilles (le qualifier de musée est réducteur). Parmi les acquisitions les plus récentes du Campus figure le bâtiment qui symbolise le “premier style” de Kazuo Shinohara, l’“Umbrella House”, une maison en bois de plan carré qui, sous une espèce de parapluie justement, offre suffisamment d’espace pour une petite famille, selon la tradition japonaise en matière de logement et même des temples locaux qui utilisaient précisément des toits pyramidaux “en forme de parapluie”. Une petite maison construite selon des critères simples et peu coûteux (les panneaux de la façade sont en fibrociment) qui a inspiré une grande partie de l’architecture résidentielle japonaise des années 1960. C’est ainsi que Vitra a sauvé la mémoire de l’“Umbrella House” (55 m2) qui, autrement, aurait été démolie pour permettre l’élargissement de la voirie du quartier de Nerima. Ainsi, il sauvegarde aussi une autre mémoire, celle d’un système de construction avec des poutres et des poteaux en bois (cyprès japonais et pin d’Oregon). Après avoir été démontée et emballée, elle a été expédiée en Allemagne et reconstruite sur le Vitra Campus de Weil am Rhein. Prête et meublée (avec peu de pièces originales et beaucoup de copies) durant ce torride été 2022.
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OMBRELLI VIAGGIANTI azuo Shinohara (1925-2006) è un architetto giapponese solo recentemente rivalutato e la sua Umbrella House, venne costruita a Tokyo nel 1961. Oggi è stata ricostruita nel Campus Vitra di Weil am Rhein, in Germania, lungo la sponda est del Reno. Campus Vitra raccoglie (e vende), oggi, il meglio di design e architettura. L’idea primigenia fu di Willi Fehlbaum che, nel 1934, rilevò una ditta di allestimenti di negozi a Basilea. Con gli anni grandi nomi dell’architettura, da Frank O. Gehry a Zaha Hadid a Tadao Andō, idearono e realizzarono progetti per la sua sede che oggi si presenta come un vero e proprio Campus delle meraviglie (definirlo museo è sminuente). Fra le più recenti acquisizioni del Campus l’edificio simbolo del “first style” di Shinohara, la sopracitata Umbrella House, una casa in legno a pianta quadrata che riuniva, sotto una sorta di ombrello, appunto, una piccola famiglia, in linea con le tradizioni nipponiche dell’abitare e persino dei locali templi che facevano uso proprio di coperture piramidali ‘a ombrello’. Una casetta costruita con criteri semplici e poco dispendiosi (i pannelli in facciata sono in fibra di cemento) che hanno ispirato buona parte dell’architettura residenziale giapponese degli anni 60. Vitra ha così salvato la memoria della Umbrella House (55 m2), altrimenti destinata alla demolizione per far posto all’allargamento stradale del quartiere di Nerima. Salvaguardando, così, anche un’altra memoria, quella di un sistema costruttivo con travi e pali in legno (cipresso e pino giapponese e pino dell’Oregon). Smontata e imballata, è stata spedita in Germania e ricostruita al Vitra Campus. Pronta e arredata (con pochi originali e molte copie) in questa torrida estate 2022.
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MAISONS DE FOU es courses, l’école, la famille et les avions les plus fous du monde nous viennent du cinéma. Il ne manquait plus que la maison la plus folle du monde. Airbnb, la plateforme en ligne lancée en 2008 par les Américains Brian Chesky et Joe Gebbia pour servir d’intermédiaire entre ceux qui cherchent des appartements à louer et ceux qui en proposent, dans le monde entier, s’en est chargé. Aujourd’hui, c’est un véritable colosse financier. En effet, quiconque a pu concevoir une maison “en forme de fusée, d’OVNI ou de maison de hobbit” ou toute autre folie architecturale où héberger ensuite des gens pour un séjour de courte ou de longue durée. Des milliers et des milliers de concepteurs ont écrit (la date limite était le 22 juillet 2022) à OMG! Fund d’Airbnb. Le budget proposé est de dix millions de dollars pour financer “les 100 idées les plus folles parmi toutes celles reçues”. Cent projets seront sélectionnés, et seront financés à hauteur de 100 000 dollars chacun. Ils seront réalisés d’ici 2023. On verra bien.
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CASE DA PAZZI a corsa, la scuola, la famiglia, l’aereo più pazzi del mondo ce li ha tramandati il cinema. Mancava la casa più pazza del mondo. Ci ha pensato Airbnb, il portale Usa ideato da Brian Chesky nel 2007 per far da tramite fra chi cerca e chi offre case in affitto in tutto il mondo. Oggi un vero e proprio colosso finanziario. Adesso, infatti, chiunque ha avuto la possibilità di ideare una casa “a forma di missile o di UFO o di ritrovo di hobbit” o di qualsivoglia follia architettonica dove, poi, ospitare persone per un soggiorno, lungo o breve che sia. Hanno scritto (la scadenza era il 22 luglio 2022) a OMG! Fund di Airbnb in migliaia e migliaia di ideatori. Il budget offerto è di 10 milioni di dollari per finanziare “le 100 idee più pazze fra tutte le pazze ricevute”. I progetti selezionati saranno 100, finanziati con 100.000 dollari ognuno. Ed entro il 2023 verranno realizzati. Vedremo.
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Photo: UFO-like house, Joshua Tree, CA USA l’AI 168 5
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STARGAZER VENUS AEROSPACE WWW.VENUSAERO.COM
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e Stargazer est un projet de drone hypersonique et d’avion spatial pouvant atteindre une vitesse de Mach 9, c’est-à-dire 9 fois la vitesse du son, et tous deux capables d’atteindre n’importe quel point du globe en une heure. L’avion hypersonique décollera d’un aéroport conventionnel et volera ensuite à la limite de l’espace. L’appareil pourra transporter 12 passagers et atteindre une vitesse de croisière de Mach 9. Il pourra voler à une altitude d’environ 52 kilomètres (env. 170 000 pieds). Avec ce concept, l’équipe de Venus Aerospace perfectionne ses trois principales technologies : un moteur de fusée de nouvelle génération à emprunte carbone nulle, une forme d’avion innovante et un système de refroidissement d’avant-garde, qui permet à l’avion de décoller des spatioports existants en utilisant les infrastructures dejà présentes.
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o Stargazer è una proposta per un drone ipersonico Mach 9 e un aeroplano spaziale Mach 9, entrambi in grado di viaggiare intorno al mondo per un’ora. L’aereo ipersonico potrà decollare da un normale aeroporto e poi volare ai confini dello spazio. Il veicolo è stato progettato per trasportare 12 passeggeri a velocità fino a Mach 9 (circa 6.905 mph). Sarà in grado di viaggiare a un’altitudine di 170.000 piedi (circa 52 km). Con questo concept, il team di Venus sta maturando le sue tre tecnologie principali: un motore a razzo di nuova generazione a emissioni zero, una forma innovativa dell’aeromobile e un raffreddamento all’avanguardia, che consente allo spazioplano di decollare dagli spazioporti esistenti utilizzando l’infrastruttura esistente.
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he Stargazer is a proposed Mach 9 hypersonic drone and Mach 9 spaceplane, both capable of one-hour global travel. The hypersonic aircraft will take off from a regular airport and then fly to the edge of space. The vehicle is being designed to carry 12 passengers at speeds of up to Mach 9 (approx. 6,905 mph). It will be able to travel at an altitude of 170,000 feet (around 52 km). With this concept, the Venus team is maturing its three main technologies: a zero-emission next-generation rocket engine, innovative aircraft shape, and leading-edge cooling, which allows the spaceplane to take off from existing spaceports using existing infrastructure.
40m DOMUS TRIMARAN ROB DOYLE DESIGN AND VAN GEEST DESIGN
ROBDOYLEDESIGN.COM, WWW.VANGEESTDESIGN.COM
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e trimaran Domus est doté d’une combinaison unique d’énergie solaire, de régénération hydraulique et de piles à hydrogène qui lui confère une autonomie illimitée sans la moindre émission. Le nom Domus s’inspire de la maison romaine traditionnelle à un étage avec de nombreuses pièces s’ouvrant sur l’atrium central. Le yacht s’inspire de ce concept pour créer une sensation de hauteur et d’ouverture à bord. Le trimaran comprend deux ponts. Les principaux espaces réservés aux invités se concentrent sur un seul pont. Le salon principal dispose d’un bar. Il peut accueillir 12 invités dans six cabines, dont deux suites propriétaires avec salon privé, et quatre cabines VIP. Le Domus dispose également d’une salle de cinéma et d’un espace spa avec piscine et salle de sport.
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l trimarano Domus è caratterizzato da una combinazione progettuale unica di energia solare, rigenerazione idroelettrica e celle a combustibile a idrogeno che conferiscono al concept un’autonomia illimitata a zero emissioni. Il nome Domus si ispira alla tradizionale casa romana a un piano costruita con molte stanze che si aprono sull’atrio centrale. Lo yacht prende in prestito aspetti di questa struttura per creare una sensazione elevata e aperta a bordo. Il trimarano si sviluppa su due ponti. Le aree principali per gli ospiti sono tutte su un unico ponte. Il salone principale dispone di un bar. Può ospitare 12 ospiti in sei cabine, comprese due suite armatoriali con salotto privato e quattro cabine VIP. Offre anche una sala cinema e un’area benessere con piscina e palestra.
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omus trimaran features a unique design combination of solar power, hydro regeneration and hydrogen fuel cells that give the concept unlimited range with zero emissions. The name Domus is inspired by the traditional Roman single-storey house built around an atrium, with many rooms opening up off the central atrium. The yacht borrows aspects of this design to create a lofty, open feeling on board. The trimaran spreads across two decks. Her main guest areas are all on one deck. The main saloon has a bar. She can accommodate 12 guests between six staterooms, including two owner’s suites with the private lounge and four VIP cabins. She also offers a cinema room and a spa area with a swimming pool and a gym. l’AI 168 7
FUTURE
RESISTEX GRAPHENE ®
TECNOFILATI RESISTEX.COM
L
a société Tecnofilati, qui s’est toujours intéressée aux matériaux innovants et performants, a développé une nouvelle catégorie de fils antistatiques en mesure de fixer chimiquement le graphène à la surface du fil. Le graphène utilisé dans les fils Resistex® est de la plus haute qualité actuellement disponible sur le marché, avec un contrôle minutieux des couches atomiques (distribution moyenne de 6 ÷ 8 couches atomiques). L’avantage d’une liaison chimique avec la surface du fil garantit, par rapport à un revêtement classique, une excellente résistance à l’abrasion, au lavage, permet de limiter l’augmentation du poids du fil et sa rigidité. La taille du revêtement est nanométrique par rapport à la taille micrométrique des fibres qui composent le fil. Les champs d’application de ce fil sont nombreux et vont de la production de tissus techniques antistatiques pour l’industrie automobile, aux bandes de transport, en passant par les tissus conçus pour le secteur médical ou militaire, les matelas, les vêtements de sport et de loisirs, les empeignes et les doublures de chaussures, et bien d’autres encore.
8 l’AI 168
T
ecnofilati, da sempre focalizzata su materiali innovativi e performanti, ha sviluppato una nuova generazione di filati antistatici in grado di legare chimicamente il grafene alla superficie del filato. Il grafene utilizzato nei filati Resistex® è della più alta qualità disponibile sul mercato, con un accurato controllo degli strati atomici (distribuzione media di 6 ÷ 8 strati atomici). Il vantaggio di un legame chimico con la superficie del filato garantisce, rispetto ad una spalmatura classica, un’ottima resistenza all’abrasione, ai lavaggi, limita l’aumento di peso del filato e la sua rigidità. La dimensione del rivestimento è nanometrica rispetto alla dimensione micrometrica delle fibre che costituiscono il filato. I campi di applicazione di questo filato sono molteplici e vanno dalla produzione di tessuti tecnici antistatici per l’automotive, nastri trasportatori, tessuti per il medicale o per il militare, materassi, abbigliamento sportivo e casual, tomaie e fodere per scarpe e molti altri ancora.
T
ecnofilati, which has always focused on innovative and performing materials, has developed a new generation of antistatic yarns capable of chemically binding graphene to the surface of the yarn. The graphene used in the Resistex® yarns is of the highest quality available on the market, with an accurate control of the atomic layers (average distribution of 6 ÷ 8 atomic layers). The advantage of a chemical bond with the surface of the yarn guarantees, compared to a classic coating, excellent resistance to abrasion, washing, limits the increase in weight of the yarn and its rigidity. The size of the coating is nanometric compared to the micrometric size of the fibers that make up the yarn. The fields of application of this yarn are many and range from the production of technical fabrics antistatic for the automotive industry, conveyor belts, fabrics for the medical or military, mattresses, sports and casual wear, shoe uppers and linings and many more.
EOS
AVALON AIRSHIPS WWW.AVALON-AIRSHIPS.COM
E
OS est un concept de dirigeable électrique télécommandé, zéro émission, qui pourra rester longuement en vol grâce à des panneaux solaires, des aérogénérateurs et des accumulateurs. Il a une autonomie de 1 600 km à une vitesse de pointe de 160 km/h, et une capacité de chargement d’une tonne en mode cargo. Grâce à son profil aérodynamique, il peut être utilisé dans de nombreuses situations, par exemple pour porter assistance à des survivants dans des conditions extrêmes ou pour faire office de garde-côte. En tirant parti de sa capacité de vol autonome, il peut intervenir dans des conditions trop risquées pour un avion commandé par un pilote.
E
OS è un concept di dirigibile elettrico controllato a distanza e a emissioni zero, che potrà rimanere in volo per un lungo periodo grazie a pannelli solari, generatori eolici e accumulatori. Ha un’autonomia di 1.600 km alla velocità massima di 160 km/h, e un carico in modalità cargo di una tonnellata. Grazie al design aerodinamico può risultare utile in molti settori, come portare assistenza a sopravvissuti in condizioni estreme o fungere da guardia costiera. Sfruttando la capacità di volo autonomo può operare in condizioni troppo rischiose per un aereo pilotato.
E
OS is a concept of a remotely controlled, zero-emissions electric airship, which will be able to remain in flight for a long time thanks to solar panels, wind generators and accumulators. It has a range of 1,600 km at a top speed of 160 km/h, and a load in cargo mode of one ton. Thanks to its aerodynamic design it can be useful in many situations, such as bringing assistance to survivors in extreme conditions or serving as a coast guard. Taking advantage of autonomous flight capability it can operate in conditions that are too risky for a piloted aircraft. l’AI 168 9
Ruben Abbattista TMP Group - www.tmpgroup.it
Metaverso: oppurtunità o rischio? Métavers: opportunité ou risque ? Metaverso: an opportunity or a danger? Sempre più spesso, negli ultimi tempi, si sente parlare di Metaverso. L’atteggiamento verso questa innovazione è articolato: c’è chi lo considera la nuova frontiera del digitale, chi l’ennesima bolla speculativa che tante vittime lascerà sul mercato, chi rifiuta a priori il concetto, chi vorrebbe saperne di più. Opportuno quindi fare un po’ di chiarezza, senza pregiudizio e con un po’ di visione di futuro. Iniziamo dai fondamentali. La Treccani ci offre questa definizione di Metaverso: “Termine coniato da Neal Stephenson nel romanzo cyberpunk Snow crash (1992) per indicare uno spazio tridimensionale all’interno del quale persone fisiche possono muoversi, condividere e interagire attraverso avatar personalizzati. Il Meta-
Ces derniers temps, on entend de plus en plus souvent parler du métavers. Les opinions à l’égard de cette nouveauté sont contrastées : certains la considèrent comme la nouvelle frontière du numérique, d’autres comme une énième bulle spéculative qui laissera bien des victimes sur le marché, tandis que d’autres rejettent le concept a priori, et d’autres encore aimeraient en savoir plus. Il est donc utile de donner quelques explications, sans préjugés et avec une certaine vision de l’avenir. Commençons par les principes de base. L’encyclopédie Treccani nous donne cette définition du métavers : “Terme inventé par Neal Stephenson dans son roman cyberpunk, ou plus précisément postcyberpunk, intitulé Le Samouraï virtuel (1992), pour désigner un espace virtuel, tridimensionnel où des personnes
There is increasingly more talk in recent times about the Metaverse. Attitudes towards this innovation vary: some consider it to be the latest frontier of digital technology, others see it as yet another speculative bubble that will leave many victims in the market, and there are those who reject the concept out of hand and those who would like to know more about it. It is, therefore, only fitting to clarify what it is all about, without prejudice and with some vision of the future. Let us start with the fundamentals. The Treccani dictionary gives us this definition of the Metaverse: “A term coined by Neal Stephenson in the cyberpunk novel Snow crash (1992) to refer to a three-dimensional space in which phys-
verso viene descritto come un enorme sistema operativo, regolato da demoni che lavorano in background, al quale gli individui si connettono trasformandosi a loro volta in software che interagisce con altro software e con la possibilità di condurre una vita elettronica autonoma”. Quindi già nel ’92 Stephenson immaginava quella che sarebbe stata la naturale evoluzione della rete, dei social network e delle modalità di interazione tra gli utenti. Se infatti fino ad un certo momento l’opportunità di interazione sui social network si è limitata a like e commenti, con l’avvento del Metaverso l’interazione tra i soggetti diventa realmente immersiva. Questo cambio di paradigma si sviluppa fortemente nel mondo del gaming, cioè su quelle piattaforme – tipo Fortnite – che consentono ai giocatori di sfidare in tempo reale altri giocatori, connessi attraverso un proprio avatar. Il Metaverso potenzia maggiormente questo concetto, permettendo agli utenti di vivere e di interagire in tempo reale in un mondo tridimesionale, sempre attraverso il proprio avatar, svolgendo tutte le attività che normalmente possono essere vissute nel mondo reale: fare shopping, andare al cinema, visitare un museo, o esercitare la propria professione. Il Metaverso potrebbe quindi presentarsi come una rilevante opportunità per tutti coloro che hanno la necessità di far vivere agli utenti situazioni e ambienti tridimensionali, anche se in modo virtuale, facendo interagire gli utenti stessi con ambienti, oggetti e altri soggetti. Per i professionisti dell’architettura e del design si potrebbero quindi aprire degli scenari interessanti in termini di progettazione e di condivisione in tempo reale di progetti con committenti e collaboratori, che potrebbero anche essere dall’altra parte del globo. Ma dove nascono allora le preoccupazioni che alcuni si pongono in merito a questi nuovi scenari? L’incertezza più rilevante nasce forse dal fatto che finché la piattaforma è dedicata al gioco e all’intrattenimento, ciò che avviene all’interno della piattaforma stessa è fine a se stesso e resta nei suoi confini. Nel momento in cui, anche grazie all’avvento delle criptovalute, l’utente ha la possibilità di produrre, acquistare e vendere dei beni con valute che valgono all’interno del sistema ma anche fuori dal sistema stesso, allora la logica non è più quella del mero intrattenimento ma assume valenze diverse. Valenze che, seppur non ostacolate, devono essere almeno regolate.
physiques peuvent se déplacer et interagir avec d’autres personnes par le biais d’avatars personnalisés. Le métavers est décrit comme un immense système d’exploitation, régit par des démons qui travaillent en arrière-plan, auquel les individus se connectent en se transformant eux-mêmes en logiciels qui interagissent avec d’autres logiciels et la capacité de mener une vie électronique autonome.” Ainsi, en 1992, Neal Stephenson imaginait déjà ce que serait l’évolution naturelle d’Internet, des réseaux sociaux et des modes d’interaction des internautes. Si, jusqu’à un certain moment, les possibilités d’interaction sur les réseaux sociaux se limitaient à des “j’aime” et à des commentaires, avec l’avènement du métavers, l’interaction entre les personnes devient réellement immersive. Ce changement de paradigme se développe fortement dans le monde des jeux vidéo, c’est-à-dire sur des plateformes – comme Fortnite – qui permettent aux joueurs de défier d’autres joueurs en temps réel, connectés par le biais de leur avatar. Le métavers renforce davantage ce concept, en permettant aux internautes de vivre et d’interagir en temps réel dans un monde tridimensionnel, toujours par le biais de leur avatar, en accomplissant toutes les activités qui peuvent normalement être vécues dans le monde réel : faire du shopping, aller au cinéma, visiter un musée, ou exercer leur métier. Le métavers pourrait donc se présenter comme une occasion importante pour tous ceux qui ont la nécessité de faire vivre aux utilisateurs des situations et des situations tridimensionnelles, même si de manière virtuelle, en les faisant interagir avec des environnements, des objets et d’autres personnes. Cela pourrait ouvrir des scénarios intéressants pour les professionnels de l’architecture et du design en termes de planification et de partage de projets en temps réel avec des clients et des collaborateurs, qui pourraient même se trouver à l’autre bout du monde. Mais alors, d’où viennent les craintes que certains nourrissent à l’égard de ces nouveaux scénarios ? La principale crainte vient peut-être du fait que, tant que la plateforme est dédiée au jeu et au divertissement, ce qui se passe à l’intérieur de la plateforme est une fin en soi et reste dans les limites de celle-ci. Mais, et notamment grâce à l’avènement des cryptomonnaies, à partir du moment où l’utilisateur a la possibilité de produire, d’acheter et de vendre des biens avec des monnaies valables à l’intérieur du système, mais aussi à l’extérieur de celui-ci, alors la logique n’est plus celle d’un simple divertissement mais acquiert d’autres formes. Des formes qui, sans être interdites, doivent au moins être réglementées.
ical persons can move, share and interact through personalised avatars. The Metaverse is described as an enormous operating system, governed by demons working in the background, to which individuals connect, in turn transforming themselves into software that interacts with other software so they can lead an autonomous electronic life”. Back in ‘92, Stephenson was already imagining what kind of natural evolution there might be in the Web, social networks and the way users interact. Whereas, up to a certain point, the opportunity for interaction on social networks was limited to likes and comments, he advent of the Metaverse means interaction between subjects becomes truly immersive. This paradigm shift is highly developed in the world of gaming, i.e. on those platforms – such as Fortnite – that allow players to challenge other players in real time connected through their own avatar. The Metaverse further reinforces this concept, allowing users to live and interact in real time in a three-dimensional world (again through their own avatar), engaging in all those activities normally experienced in the real world: shopping, going to the cinema, visiting a museum or going about your own job. The Metaverse might then provide a significant opportunity for all those who need to make users experience three-dimensional situations and environments, albeit in a virtual way, by having them interact with environments, objects and other subjects. This could open up interesting scenarios for architects and designers in terms of planning and sharing projects in real time with clients and partners, who could even be over on the other side of the globe. But where, then, do the concerns that some people have about these new scenarios come from? Perhaps the most significant uncertainty stems from the fact that, as long as the platform is dedicated to gaming and entertainment, what happens on the platform in question is an end in itself and remains within its confines. But as soon as the user (partly due to the advent of crypto currencies) has the chance to produce, buy and sell goods using currencies that are valid not only within the system but also outside it, then this is no longer just entertainment but something quite different that, although not actually blocked, must at least be regulated. l’AI 168 11
COMPETITIONS
JOINT RESEARCH CENTRE – Isla de la Cartuja, Sevilla, Spain Organizer Joint Research Centre, European Commission joint-research-centre.ec.europa.eu
1st
Brief Le concours avait pour objet une construction tournée vers l’avenir, innovante et économique, visant à intégrer de nombreux domaines pour atteindre les objectifs de durabilité les plus élevés. Il était également demandé aux participants de joindre à leur proposition une réflexion sur l’avenir des espaces de travail dans les bureaux après la crise du COVID-19.
Il concorso ha cercato una costruzione lungimirante, innovativa ed efficiente in termini di costi, con l’obiettivo di integrare più discipline per raggiungere i più alti obiettivi di sostenibilità. Ai partecipanti è stato inoltre chiesto di integrare nella loro proposta una riflessione sul futuro degli spazi di lavoro in ufficio all’indomani della crisi COVID-19. The competition sought a forward-looking, innovative and cost-efficient construction, aiming at integrating multiple disciplines to achieve the highest sustainability targets. Participants were also requested to integrate in their proposal a reflection on the future of office workspaces in the aftermath of the COVID-19 crisis.
Jury Bernard Magenhann, Mikel Landabaso, Lone Wiggers, Silvia Benedito, Patrick Bouchardon, Christiane Gerlach, Felipe Castro Bermúdez-Coronel
Winner Bjarke Ingels Group-BIG, Buro Happold (MEP & Structural Engineering & Sustainability), HCP Architecture & Engineering (Local Architect), Grupo Argenia (Local MEP), Play-Time & Fusao Situé à Isla de la Cartuja, sur l’ancien site de l’EXPO 92 de Séville, le nouveau bâtiment de 9 900 m2 pour la Commission européenne rejoint l’objectif de la ville de Séville de devenir une référence mondiale en matière de durabilité d’ici 2025 et la vision locale du projet eCitySevilla prévoit la décarbonation d’Isla de la Cartuja et son passage à des sources d’énergie 100 % renouvelables. Le bâtiment du CCR abritera 12 unités de recherche et des activités de soutien, ainsi que des espaces extérieurs publics et privés.
Situato presso l’ex sito dell’EXPO ´92 di Siviglia, a Isla de la Cartuja, il nuovo edificio di 9900 m2 per la Commissione Europea, si collega all’obiettivo della città di Siviglia di diventare un punto di riferimento globale per la sostenibilità entro il 2025 e alla visione locale del progetto eCitySevilla per decarbonizzare e convertire Isla de la Cartuja a fonti di energia rinnovabili al 100%. L’edificio del JRC ospiterà 12 unità di ricerca e funzioni di supporto, nonché spazi esterni pubblici e privati.
2nd
Located at the former EXPO ´92 Sevilla site, in Isla de la Cartuja, the new 9900 m2 building for the European Commission, ties into the City of Sevilla’s goal to become a global benchmark for sustainability by 2025 and the local vision of the eCitySevilla project to decarbonize and transition Isla de la Cartuja to 100% renewable energy sources. The JRC building will house 12 research units and supporting functions as well as public and private outdoor spaces.
2nd Prize Dorte Mandrup, team leader, with Ines Ingenieros Consultores, Jansana, De la Villa, De Paauw, Arquitectes, Installacions Arquitectoniques and Activitats Arquitectoniques 3rd Prize Cobe with Esteyco (Spain), FSL Ingeniería y Diseño Sostenible, Estudi Ramon Folch i Associats and b720 Arquitectura 12 l’AI 168
3rd
JINGHE NEW CITY CULTURE & ART CENTRE – Shaanxi, China
Winner Zaha Hadid Architects (www.zaha-hadid.com) La nouvelle ville de Jinghe est en train de devenir un centre pour le développement d’industries spécialisées dans les nouvelles énergies, les matériaux, l’intelligence artificielle et l’aérospatiale. Le New City Culture & Art Centre se trouve dans le quartier des sciences et de l’innovation technologique de Jinghe Bay. Le bâtiment est organisé comme une série de volumes, de niveaux et de surfaces fluides, interconnectés avec des cours et des paysages qui définissent une séquence d’espaces intérieurs et extérieurs pour sa communauté.
Jinghe New City sta diventando un centro per le industrie in via di sviluppo che si concentrano su nuove energie, materiali, intelligenza artificiale e aerospaziale. Il New City Culture & Art Center si trova all’interno del distretto accademico di scienza e innovazione tecnologica di Jinghe Bay. L’architettura è organizzata come una serie di volumi fluidi, strati e superfici, interconnessi con cortili e paesaggi che definiscono una sequenza di spazi interni ed esterni per la sua comunità.
Jinghe New City is becoming a center for developing industries that focus on new energy, materials, artificial intelligence, and aerospace. The New City Culture & Art Centre is located within the Jinghe Bay Academician Science & Technology Innovation district of the city. The architecture is organized as a series of flowing volumes, layers, and surfaces, interconnecting with courtyards and landscapes that define a sequence of interior and exterior spaces for its community. l’AI 168 13
COMPETITIONS
DESIGNS FOR CARBON POSITIVE AFFORDABLE HOUSING Organizer cove.tool www.cove.tools
1st
Brief L’objectif de ce concours est de recueillir des idées pour la conception de logements abordables à faibles émissions de carbone.
Obiettivo di questo concorso è sollecitare idee progettuali per abitazionieconomiche e carbon pisitive. The intent of this competition is to solicit design ideas for affordable, carbon positive housing.
Jury Ralph Raymond, Randy Deutsch, Dora Epstein Jones, Graham Hill, Casey Rehm
Winner Innovative, Ultra-Low-Cost, CarbonPositive, Prototype Housing Design Saumya Ganguli, Subhash Khadse, Sayim Darvesh, Mekhla Malhotra of Somnium London Limited (www.somniumlondon.com) Le projet utilise des matériaux recyclés et disponibles sur place pour la conception de logements abordables à faibles émissions de carbone dans un site typique de la région estuarienne des Sundarbans, en Inde, où les revenus sont bas et où les catastrophes naturelles sont fréquentes. Il fournit des schémas réutilisables, auto-constructibles et peu coûteux qui visent à tirer parti du milieu environnant pour réduire la consommation d’énergie et les émissions de carbone.
1.
Il progetto utilizza materiali riciclati dai rifiuti e disponibili localmente per ottenere un progetto abitativo a basso impatto ambientale e conveniente per il contesto tipico del sito: la cintura di estuario a basso reddito e soggetta a disastri naturali dei Sundarbans in India. Fornisce schemi replicabili, autocostruibili e a basso costo che si concentrano sull’utilizzo dell’ambiente circostante per ridurre il consumo di energia e la produzione di carbonio. The project used waste-recycled and locally available materials to achieve a carbon positive, affordable housing design for a typical site context in a low-income, natural disaster-prone estuary belt of the Sundarbans in India. It provides replicable, self-buildable, low-cost schematics that focus on making use of the surrounding environment to decrease energy use and carbon output.
2.
Honorable Mentions: 1. Urban Oasis Samuel Barcenas Suarez, Francisco Javier Angulo Grijalva, Ricardo de Matos Camarinha, and Stuart James Murray. 2. Coliving Frames Fernando Donis, Abraham Mena, Daniel Gaytán, and Alfredo Hernández of DONIS Studio 3. Adaptive System for Tropical Habitat Alejandro Vargas M, David Mesa A, Nicolás Jaramillo U, and Juliana Osorio of Entropía Arquitectura Adaptiva 14 l’AI 168
3.
EUROPEAN FILM CENTRE CAMERIMAGE – Toruń, Poland Organizer
1st
Camerimage (camerimage.pl), The Ministry of Culture and National Heritage of the Republic of Poland, City of Toruń, Kujawsko-Pomorskie Region
Winner Baumschlager Eberle Lustenau (www.baumschlager-eberle.com) Harmonieusement intégrée dans la couronne verte de la ville, la conception du bâtiment agrémente le centre historique de Toruń. L’architecture interprète le cristal en tant que touche finale de la nature en proposant six « cristaux » disséminés dans le parc. Un studio de cinéma, un centre de formation, la salle des fêtes elle-même, le centre de présentation de l’industrie cinématographique, des salles de cinéma et un musée souterrain du cinéma sont en construction par étapes, couvrant au total plus de 41 000 m2 de surface brute. Livraison prévue : 2025.
Armoniosamente integrata nella cintura verde della città, la composizione dell’edificio integra il centro storico di Toruń. L’architettura interpreta il cristallo come il tocco finale della natura prevedendo sei “cristalli” sparsi nel parco. Uno studio cinematografico, un centro di formazione, la sala vera e propria del festival, il forum di presentazione per l’industria cinematografica, i cinema e un museo sotterraneo del cinema vengono costruiti in più fasi, per un totale di oltre 41.000 m2 di superficie lorda. Completamento previsto: 2025. Harmoniously integrated into the green belt of the city, the composition of the building complements the historic center of Toruń. The architecture interprets the crystal as the final touch of nature by providing six “crystals” scattered throughout the park. A film studio, a training center, the festival hall itself, the presentation forum for the film industry, cinemas and an underground cinema museum are being built in stages, totaling over 41,000 m2 of floor space. gross. Expected completion: 2025.
2nd Prize K. Ingarden, J. Ewy Architekci sp. Z oo, Kengo Kuma & Associates 3rd Prize P2PA Sp. z o. o
2nd
3rd l’AI 168 15
ΤΟΠΟΙ
Temi chiave e protagonisti del prossimo futuro Questions clés et protagonistes du proche avenir Key issues and players in the near future curated by Luigi Prestinenza Puglisi, Giulia Mura
TUTTO È ARCHITET TOUT EST ARCHIT EVERYTHING IS AR
TRAME Nell’industria tessile, la trama è il filo che costituisce la parte trasversale del tessuto. Nel linguaggio figurato è una attività tortuosa e coperta, volta al conseguimento di fini poco chiari: ordire una trama; sventare le trame… Da qui anche la trama di un libro o di un’opera teatrale: intesa come un filo sottile il cui andamento, se si vuole apprezzare l’opera, occorre dipanare. È forse per questi significati che porta con sé che preferiamo questa parola alla più accademica “composizione”. La trama fa pensare a un mondo stratificato e pieno di sorprese, la composizione a un accostamento, più o meno ritmato, di oggetti identici e sin troppo evidenti. Gli architetti che lavorano con le trame ci suggeriscono, in altre parole, un mondo da scoprire dove, accanto alle geometrie, si alternano materie e colori. Benedetta Tagliabue sembra, tra gli architetti italiani, la più attrezzata a costruire palinsesti che fanno ricorso al potere evocativo di queste trame. La sua esperienza in Spagna e la sua partnership con Miralles hanno sicuramente contribuito, mostrando ancora una volta che i migliori risultati provengono dalla ibridazione di culture, caratteri ed esperienze diverse. Costruire per trame, sembra suggerirci con le sue opere soprattutto le più recenti, sarà un orizzonte del nostro prossimo futuro. Forse, forzando un po’ la mano, sarà una modalità attraverso la quale emergerà la sensibilità femminile rispetto alla durezza di un approccio maschile, spesso più banale, esplicito e ripetitivo. Luigi Prestinenza Puglisi
TRAME Dans l’industrie textile, une trame est le fil qui forme la partie transversale du tissu. Au sens figuré, il s’agit d’une activité complexe et cachée, qui vise des objectifs peu clairs : tramer quelque chose, déjouer un complot... d’où également l’intrigue d’un livre ou d’une pièce de théâtre, entendue comme fil conducteur qui doit être démêlé pour pouvoir apprécier l’œuvre. C’est peut-être en raison de ces significations que nous préférons ce terme à celui, plus académique, de “composition”. La trame évoque un monde stratifié et plein de surprises, tandis que la composition est une juxtaposition plus ou moins rythmée d’objets identiques et bien trop évidents. Les architectes qui travaillent avec les trames nous suggèrent, en d’autres termes, un monde à découvrir où, à côté des géométries, les matériaux alternent avec les couleurs. Parmi les architectes italiens, Benedetta Tagliabue semble être la mieux armée pour construire des programmes qui utilisent le pouvoir évocateur de ces trames. Son expérience en Espagne et son partenariat avec Enric Miralles y ont certainement contribué, démontrant une fois de plus que les meilleurs résultats viennent de la fusion de cultures, expériences et caractères différents. Elle semble suggérer à travers ses œuvres, et notamment les plus récentes, que construire par trames sera un horizon de notre proche avenir. Peut-être qu’en forçant un peu la main, cela sera un moyen de faire émerger la sensibilité féminine par rapport à la dureté de l’approche masculine souvent plus banale, plus explicite et répétitive. Luigi Prestinenza Puglisi
PATTERNS In the textiles industry, the weft is the thread that forms the basis of the fabric. Figuratively speaking, the thread of a plot is a convoluted process aimed at achieving unclear ends: weaving a plot; foiling plots... The plot of a book or play is like a thin thread that needs to unravel to create an enjoyable work. It is, perhaps, because of the meanings associated with it that we prefer this word to the more academic “composition”. Plot suggests a layered world full of surprises, composition a more or less rhythmic juxtaposition of identical and all-too-obvious objects. In other words, the idea of architects working with wefts suggests a world to be discovered where geometric patterns combine with materials and colours. Among Italian architects, Benedetta Tagliabue seems best equipped to create palimpsests making use of the evocative force of these textures. Her experience in Spain and her partnership with Miralles have certainly contributed, showing once again that the best results come from a hybridisation of different cultures, characters and experiences. Her works (particularly the most recent ones) seem to suggest that constructing in the form of plots will set the benchmark for architectural design in the near future. Perhaps, forcing our hand a little, it might be described as a means of bringing female sensitivity to the fore compared to the harshness of a male approach, often more banal, explicit and repetitive. Luigi Prestinenza Puglisi
TTURA TECTURE RCHITECTURE
l’AI 168 17
BENEDETTA TAGLIABUE EMBT ARCHITECTS curated by Giulia Mura
Silvia Conde
www.mirallestagliabue.com – IG @embtarchitects
SOFT TOUCH Recentemente insignita del Piranesi Prix de Rome alla Carriera presso la Casa dell’Architettura – Acquario Romano di Roma, Benedetta Tagliabue è un architetto italiano da anni in Spagna dove, nel 1994, con Enric Miralles (19552000) suo partner nella vita e nel lavoro, ha fondato EMBT, studio di progettazione internazionale che oggi ha uffici a Barcellona e Shanghai ma opera in tutto il mondo. Benedetta Tagliabue è anche la fondatrice e direttrice della Fondazione Enric Miralles, il cui scopo è promuovere la sperimentazione architettonica. La poetica di Benedetta Tagliabue può essere vista come un crogiolo di idee, un punto di incontro di tradizione e innovazione, in cui ogni progetto è, al contempo, una sfida e una nuova opportunità di apprendimento, un equilibrio tra complessità, leggerezza, grazia. Il suo punto di forza? Il sorriso.
Récemment récompensée par le prix Piranesi de Rome à la carrière à la Casa dell’Architettura – Acquario Romano de Rome, Benedetta Tagliabue est une architecte italienne installée depuis de nombreuses années en Espagne, où elle a fondé, en 1994, avec Enric Miralles (1955-2000), son compagnon de vie et de travail, EMBT, une agence d’architecture internationale qui a aujourd’hui des bureaux à Barcelone et à Shanghai, et est active dans le monde entier. Benedetta Tagliabue est également la fondatrice et directrice de la Fondation Enric Miralles, qui a pour but de promouvoir l’expérimentation architecturale. La poétique de Benedetta Tagliabue peut être considérée comme un creuset d’idées, un point de rencontre entre tradition et innovation, où chaque projet est à la fois un défi et une nouvelle occasion d’apprentissage, un équilibre entre complexité, légèreté et grâce. Son point fort ? Le sourire.
Recently awarded the Piranesi Lifetime Achievement Award (Prix de Rome) at the Casa dell’Architettura – Rome Aquarium, Benedetta Tagliabue is an Italian architect who has lived in Spain for many years where, in 1994, with Enric Miralles (1955-2000) her partner in life and work, she founded EMBT, an international design firm that now has offices in Barcelona and Shanghai but operates worldwide. Benedetta Tagliabue is also the founder and director of the Enric Miralles Foundation, whose aim is to promote architectural experimentation. Benedetta Tagliabue’s stylistic poetics can be seen as a melting pot of ideas, where tradition and innovation come together and every project is both a challenge and a new learning opportunity, a balance between complexity, lightness and grace. Its strong point? Adopting a happy approach.
Kalida Sant Pau, Barcelona (Photo: Duccio Malagamba)
TESSUTO URBANO & IMPUNTURE ARCHITETTONICHE Diversissime tra loro, per dimensione, forma, funzione e tipologia, le architetture di EMBT, qualunque sia la loro scala, dialogano con lo spazio urbano, ponendosi sempre in relazione con l’intorno. Sono, per usare un termine metaforico appropriato, ricuciture attente al contesto
circostante capaci di imprimere un twist e creare identità. Specialmente nei confronti di chi poi userà quegli spazi. Non importa si tratti di uffici, scuole, mercati, padiglioni, spazi pubblici, stazioni della metro, chiese o negozi. La filosofia dello studio riflette infatti la
convinzione che sia possibile cambiare l’ambiente osservando e rispettando il sito di progetto, la sua storia e cultura. Trovando cioè il modo di darne una nuova narrazione, spostare il punto di vista, generare stupore a partire dai dettagli. Come in un ricamo prezioso.
TISSU URBAIN & SURPIQÛRES ARCHITECTURALES Très différentes par leur taille, leur forme, leur fonction et leur typologie, les architectures d’EMBT, quelle que soit leur échelle, dialoguent avec l’espace urbain, toujours en relation avec l’environnement. Ils sont, pour utiliser un terme métaphorique approprié, des coutures attentives au contexte environnant en mesure
d’imprimer un twist et de créer une identité. Surtout envers ceux qui utiliseront ensuite ces espaces. Qu’il s’agisse de bureaux, d’écoles, de marchés, de pavillons, d’espaces publics, de stations de métro, d’églises ou de boutiques. En effet, la philosophie de l’agence reflète la conviction
URBAN FABRIC & ARCHITECTURAL STITCHING Very different in size, form, function and typology, EMBT’s architectural works, whatever their scale, dialogue with the urban space, always relating to their surroundings. They are, to use an appropriate metaphor, careful stitches into the surrounding fabric adding fresh twist and instilling a sense of identity. Especially in relation to those who will later make use of these spaces. This applies equally to offices, schools, markets, pavilions, public spaces, metro stations, churches and shops. Indeed, the firm’s philosophy reflects a belief that it is possible to change the environment by observing and respecting a project site, its history and culture. In other words, by finding ways to give it a new narrative, to shift the point of view, to create a sense of amazement by working on the details. Like clever embroidery. 20 l’AI 168
Kalida Sant Pau, Barcelona (Photo: Duccio Malagamba)
qu’il est possible de changer l’environnement en observant et en respectant le site du projet, son histoire et sa culture. C’est-à-dire trouver le moyens d’en donner une autre narration, de déplacer le point de vue, de susciter l’émerveillement à partir des détails. Comme une broderie précieuse.
Mercato di Santa Caterina, Barcelona (Photo: Roland Halbe)
Mercato di Santa Caterina, Barcelona (Photo: Alex Gaultier)
LINEA, PUNTO, SUPERFICIE, MATERIA Nel panorama internazionale, lo studio EMBT si distingue per il modo con cui sembra giocare con i materiali e i colori. Le sue flessuose architetture non sono né minimaliste né massimaliste, quanto, piuttosto, organiche, danzanti, dotate di un loro carattere intrinseco che prende corpo attraverso l’uso dei materiali, considerati parte integrante della composizione. I volumi quasi mai lineari, denotano una forte attitudine plastica, scultorea, un animo dalla vocazione artigianale in cui gli intrecci, le trame e le texture rivestono un aspetto estetico e simbolico importante. I suoi materiali d’elezione? Quelli naturali, come legno lamellare, ceramica, vimini. Ma anche quando invece sono muscolari – tipo cemento, vetro e acciaio – l’approccio evocativo resta il medesimo: quello di mettere in evidenza le potenzialità espressive e comunicative della materia, il lasciar parlare la sua superficie.
China Trust Tower, Taichung, Taiwan (Photo: Duccio Malagamba) 22 l’AI 168
LIGNE POINT, SURFACE, MATIÈRE. Sur la scène internationale, l’agence EMBT se distingue par la façon dont elle semble jouer avec les matériaux et les couleurs. Ses constructions fluides ne sont ni minimalistes ni maximalistes, mais plutôt organiques, dansantes, dotées d’un caractère intrinsèque qui prend forme grâce à l’utilisation de matériaux qui sont considérés
comme partie intégrante de la composition. Les volumes, qui ne sont presque jamais linéaires, dénotent une grande attitude plastique et sculpturale, un esprit à vocation artisanale où l’aspect esthétique et symbolique des tissages, des motifs et des textures est important. Ses matériaux de prédilection ?
Les matériaux naturels, comme le bois stratifié, la céramique, l’osier. Mais même lorsqu’ils sont “musclés” – comme le béton, le verre et l’acier – l’approche suggestive reste la même : celle qui consiste à mettre en évidence le potentiel expressif et communicatif de la matière, à laisser parler sa surface.
LINE, DOT, SURFACE, MATERIAL. EMBT studio stands out on the international scene for the way it seems to play with materials and colours. Its lithe works of architecture are neither minimalist nor maximalist, they are organic, dancing, endowed with their own intrinsic nature shaped by the use of materials that are treated as being an
integral part of the composition. The structures, which are almost never linear, are markedly sculptural denoting clever craftsmanship in which weaves, patterns and textures have an important aesthetic and symbolic role to play. The materials of choice? Natural ones, such as laminated
wood, ceramics, wicker. But even when they are more robust – like concrete, glass and steel – the evocative approach remains the same: the aim is to showcase the stylistic/communicative power of the material in question, letting its surface speak for itself. Ceramiche Ragno showroom, Milano (Photo: Tiziano Sartorio)
Padiglione Spagnolo Expo Shanghai 2010 (Photo: Shen Zhonghai)
ITALIA MIA In Italia, dove lo studio EMBT è stato recentemente protagonista di due bellissime mostre – una alla Real Academia de España a Roma “Trame della memoria. Interventi architettonici sul patrimonio di Enric Miralles e Benedetta Tagliabue EMBT 1992-2022” e “Perpetuum Mobile” a Milano, nell’Università
Statale durante la Design Week – è stata da poco completata la Parrocchia di San Giacomo Apostolo a Ferrara, mentre sono in progress la Stazione Centrale della Metropolitana del Centro Direzionale di Napoli e il masterplan “Parco del mare” a Rimini. Progetti ovviamente molto diversi
ma con alcune caratteristiche in comune: ad esempio il loro essere dei catalizzatori, elementi migliorativi per la comunità in cui si inseriscono. Di rigenerare lo spazio pubblico, o di utilizzare il verde come componente progettuale, inglobando la natura il più possibile.
Parco del Mare, Rimini (Photo: Paolo Fassoli)
Chiesa San Giacomo Apostolo, Ferrara (Photo: Roland Halbe)
Chiesa San Giacomo Apostolo, Ferrara (Photo: Roland Halbe)
ITALIA MIA En Italie, où l’agence EMBT a récemment été la protagoniste de deux expositions magnifiques – l’une à la Real Academia de España à Rome, intitulée “Trames de la mémoire. Interventions architecturales sur le patrimoine d’Enric Miralles et Benedetta Tagliabue EMBT 1992-2022” et l’autre à Milan, à l’Università 26 l’AI 168
Statale, intitulée “Perpetuum Mobile” pendant la Design Week – la paroisse de Saint-Jacques Apôtre à Ferrare vient d’être achevée, tandis que la Station centrale du métro du Centre directionnel de Naples et le masterplan du “Parco del mare” [“Parc de la mer”] à Rimini sont en cours. Des projets manifestement très différents,
mais qui présentent certaines caractéristiques communes, par exemple, le fait d’être des catalyseurs, des éléments d’amélioration pour la communauté dans laquelle ils s’inscrivent. Régénérer l’espace public ou utiliser l’espace vert comme élément de conception, en intégrant la nature autant que possible.
MY ITALY In Italy, where EMBT has recently been involved in two wonderful exhibitions – one at the Real Academia de España in Rome “Memory Patterns. Architectural projects working on the legacy of Enric Miralles and Benedetta Tagliabue EMBT 1992-2022” and “Perpetuum Mobile” at Milan State University
during Design Week – the Parish of St. James the Apostle in Ferrara has recently been completed, while the Central Subway Station in Naples Business Centre and the “Seaside Park” masterplan in Rimini are currently in progress. Obviously very different projects, but with some characteristics
in common: for example, the fact they are catalysts to help improve the community in which they are located. To regenerate public space or use greenery as a means of design, incorporating nature as much as possible.
Centro direzionale Napoli (Photo: Paolo Fassoli) l’AI 168 27
LE VILLAGE OLYMPIQUE ET PARALYMPIQUE PARIS 2024
Dominique Perrault
Le village olympique et paralympique Paris 2024 sera livré en septembre 2023. Quelques 2400 logements et 119 000 m² d’activités, bureaux, équipements ou services, vont voir le jour et former en Seine-Saint-Denis un nouveau quartier prêt à accueillir dès 2025 ses nouveaux habitants. Il villaggio olimpico e paralimpico di Parigi 2024 sarà inaugurato a settembre 2023. Circa 2.400 unità abitative e 119.000 m² di attività, uffici, strutture e servizi vedranno la luce e formeranno un nuovo quartiere a Seine-Saint-Denis pronto ad accogliere, a partire dal 2025, i nuovi abitanti.
The Paris 2024 Olympic and Paralympic Village will open in September 2023. Approximately 2,400 residential units and 119,000 m² of amenities, offices, facilities and services will see the light of day and form a new district in Seine-Saint-Denis ready to welcome new inhabitants from 2025.
Le futur village olympique porte les hautes exigences environnementales défendues par l’équipe Paris 2024. Le projet envisage 100% de bâtiments passifs ou à énergie positive, 100% de matériaux biosourcés et 100% d’énergies renouvelables. L’implantation d’une agriculture urbaine sur les toits participe à cette volonté de développer un quartier innovant, démonstrateur de la “smart city”. Il futuro villaggio olimpico soddisfa gli elevati requisiti ambientali sostenuti dal team di Parigi 2024. Il progetto prevede il 100% di edifici a energia passiva o positiva, il 100% di materiali di origine biologica e il 100% di energie rinnovabili. Lo sviluppo di un’agricoltura urbana sui tetti contribuisce a questo desiderio di sviluppare un distretto innovativo, un dimostratore della smart city. The future Olympic village meets the high environmental standards set by the Paris 2024 team. The project includes 100% cent passive or positive energy buildings, 100% bio-based materials and 100% renewable energy. Setting up urban agriculture on the rooftops contributes to this desire to develop an innovative district epitomising the smart city.
Les habitations seront transformées en quelques 2200 appartements familiaux et 890 logements étudiants, et d’autres programmes s’implanteront dans le quartier: deux hôtels, 100 000m² de bureaux et activités tertiaires, un groupe scolaire et un gymnase. La gare routière du village olympique, implantée sur un terrain du RTE, sera transformée en un vaste parc de 3 hectares. Le abitazioni saranno trasformate in circa 2.200 appartamenti per famiglie e 890 alloggi per studenti, e altri programmi verranno istituiti nel distretto: due hotel, 100.000 mq di uffici e attività terziarie, un gruppo scolastico e una palestra. La stazione degli autobus del Villaggio Olimpico, situata su terreno RTE, sarà trasformata in un vasto parco di 3 ettari. The houses will be converted into approximately 2,200 family flats and 890 student apartments, and other programmes will be implemented in the district: two hotels, 100,000 square metres of office and service activities, a school unit and a gym. The Olympic Village bus station, located on RTE land, will be converted into a vast 3-hectare park.
Dirigée par Dominique Perrault dans le cadre de la Biennale d’Architecture et du Paysage de Versailles, l’exposition “District 2024 : Au delà du village de athlètes”, qui s’est terminée le 13 juillet, était l’occasion pour présenter le processus d’élaboration du futur village des athlètes de Paris 2024, véritable réflexion urbaine de long terme sur la constitution, à l’horizon 2025 et à plus long terme 2050, d’un morceau de ville ancré dans son territoire et connecté à la métropole, explorant au mieux ses atouts géographiques, culturels ou historiques. “L’avenir du Village des Athlètes est au-delà de lui-même – explique Dominique Perrault. Il s’agit, bien sûr, de concevoir un quartier capable d’offrir, de façon temporaire, un accueil d’exception aux sportifs ainsi qu’à leurs délégations mais c’est, avant toute chose, une réflexion urbaine de long terme dont l’objectif est la constitution d’un morceau du Grand Paris, de cette ville-région qui connaît une transformation sans précédent. Je souhaitais, à travers le Village des Athlètes, présenter une démarche de conception inédite, processus de révélation de ce qui existe, de ce qui a existé et de ce qui existera. C’est grâce à la mise en place d’“Ateliers d’Architectes” réunissant les équipes de maitrise d’œuvre, les collectivités et les acteurs du territoire que nous avons réussi à dépasser les limites du périmètre d’opération du projet pour mieux l’ancrer au sein de sa géographie et de son territoire”. Le site du Village se déploie sur 51 hectares de part et d’autre de la Seine, étendu sur trois communes, l’Ile Saint-Denis, Saint-Denis et Saint-Ouen. La trame des espaces publics forme l’armature du nouveau quartier et contribue à lui donner son identité. Elle regroupe deux grandes perpendiculaires et deux grandes parallèles à la Seine. Perpendiculaires à la Seine, le mail Finot, espace public majeur, “étagé” et évasé vers la Seine, est davantage un espace paysager que routier ; l’Allée de Seine est une voie douce destinée uniquement à la circulation des bus, piétons et vélo. Parallèles à la Seine, le Parc Cen-
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tral, porte d’entrée du quartier, ce parc linéaire en phase olympique sera mobilisé pour l’implantation d’une gare routière ; le grand Parc des Rives est un parc linéaire de 860 m de long et de 4.3 hectares, s’inscrivant dans le projet d’aménagement des berges de Seine. Cité-jardin au bord de l’eau, le Village tirera également parti de son héritage architectural, tramé par de grandes “cathédrales” industrielles implantées perpendiculairement à la Seine. Adoptant cette logique héritée de l’histoire du site, le principe de perpendicularité à la Seine offre au projet une réponse urbaine forte et cohérente par la composition de volumes simples, lisibles et identifiables depuis l’espace public. Leur altimétrie établit par ailleurs une continuité avec le contexte existant, variant de R+3 à R+14 maximum. La forme privilégiée est celle d’immeubles en plots, morphologie autorisant un compromis entre la compacité exigée par les exigences de durabilité et la possibilité d’offrir aux logements un bon ensoleillement et des vues multiples. Cette morphologie capable d’accueillir une grande diversité de programmes (logements, bureaux, hôtel, résidence étudiante, commerces, etc.) composera des ensemble ouverts à la fois sur l’espace public et sur des cœurs d’îlots offrant des cadrages sur le grand paysage. Le projet se concentre sur son héritage pour le territoire, tant du point de vue de la durabilité que des technologies développées et intégrées en mettant l’accent sur des exigences élevées en matière de durabilité, des espaces publics généreux, une valorisation des modes de transports doux, une végétalisation importante et un renforcement de la biodiversité. L’aménagement des berges témoigne de cette volonté, mais aussi l’implantation du bâti qui intègre de nombreux espaces verts, avec des cœurs d’îlots très ouverts offrant des vues vers les quais. La nature sera aussi présente sur les toits des immeubles envisagés comme espaces partagés ou dédiés à l’agriculture urbaine.
Diretta da Dominique Perrault nell’ambito della Biennale d’Architecture et du Paysage di Versailles, la mostra “District 2024 : Au delà du village de athlètes”, conclusasi il 13 luglio, è stata l’occasione per presentare il processo di sviluppo del futuro villaggio degli atleti di Parigi 2024, una vera e propria riflessione urbana a lungo termine sulla costituzione, entro il 2025 e nel più lungo termine 2050, di una parte di città ancorata al proprio territorio e connessa alla metropoli, esplorandone le potenzialità geografiche, culturali o storiche. “Il futuro del Villaggio degli Atleti è al di là di se stesso – spiega Dominique Perrault. Si tratta, certo, di progettare un distretto capace di offrire, in via temporanea, un’accoglienza eccezionale agli atleti e alle loro delegazioni, ma è soprattutto una riflessione urbana a lungo termine il cui obiettivo è creare un pezzo del Grand Paris, di questa città-regione che sta subendo una trasformazione senza precedenti. Volevo, attraverso il Villaggio degli Atleti, presentare un approccio progettuale senza precedenti, un processo per rivelare ciò che esiste, ciò che è esistito e ciò che esisterà. È grazie alla costituzione degli “Ateliers d’Architectes”, che riuniscono i team di project management, le comunità e gli attori del territorio, che siamo riusciti ad andare oltre i limiti del perimetro del progetto per ancorarlo all’interno la sua geografia e il suo territorio”. Il sito del Villaggio si estende su 51 ettari da una parte all’altra della Senna, distribuiti su tre comuni, Ile Saint-Denis, Saint-Denis e Saint-Ouen. La trama degli spazi pubblici forma l’armatura del nuovo quartiere e contribuisce a dargli la sua identità. Comprende due grandi perpendicolari e due grandi parallele alla Senna. Perpendicolare alla Senna, l’asse Finot, grande spazio pubblico “a più livelli” e svasato verso la Senna, è soprattutto un’area paesaggistica più che una strada; l’Allée de Seine è una corsia destinata esclusivamente al traffico di autobus, pedoni e biciclette. Parallelo alla Senna, il Parc
Central, porta di accesso al distretto, è un parco lineare che accoglierà durante la fase olimpica una stazione degli autobus; il grande Parc des Rives è un parco lineare di 4,3 ettari e lungo 860 m, parte del progetto di sviluppo del lungo Senna. Città giardino sull’acqua, il Villaggio prenderà spunto anche dal patrimonio architettonico del territorio, caratterizzato da grandi “cattedrali” industriali poste perpendicolarmente alla Senna. Adottando questa logica ereditata dalla storia del sito, il principio di perpendicolarità alla Senna offre al progetto una risposta urbana forte e coerente attraverso la composizione di volumi semplici, leggibili e identificabili dallo spazio pubblico. La loro altimetria stabilisce anche una continuità con il contesto esistente, variando da 3 a un massimo di 14 piani. La forma privilegiata è quella di piccoli edifici a quattro facce, una morfologia che consente un compromesso tra la compattezza richiesta dai requisiti di durabilità e la possibilità di garantire un ampio soleggiamento e molteplici viste. Questa morfologia in grado di accogliere diversi programmi (abitazioni, uffici, hotel, residenze studentesche, negozi, ecc.) andrà a comporre degli insiemi aperti sia verso lo spazio pubblico sia verso l’interno degli isolati offrendo ampie prospettive sul paesaggio. Il progetto si concentra sull’impatto futuro sul territorio, sia dal punto di vista della sostenibilità sia delle tecnologie sviluppate e integrate, mettendo l’accento sull’alto livello delle esigenze in termini di sostenibilità, estensione degli spazi pubblici, valorizzazione dei modi di trasporto a basso impatto ecologico, importante vegetalizzazione e potenziamento della biodiversità. Lo sviluppo del lungo Senna testimonia questo desiderio come anche la disposizione degli edifici che integra molti spazi verdi, con isolati aperti verso le rive del fiume. La natura sarà presente anche sui tetti degli edifici pensati come spazi condivisi o dedicati all’agricoltura urbana.
Le Village des Athlètes se déploie de part et d’autre de la Seine, profondément liée à l’image de Paris et du Grand Paris. Le quartier offre tout le confort nécessaire à 17 000 athlètes pendant les JO, mais a également vocation à être un éco-quartier agréable pour ses futurs habitants. Il villaggio degli atleti si snoda su entrambi i lati della Senna, profondamente legata all’immagine di Parigi e del Grand Paris. Il quartiere offre tutti i confort necessari a 17.000 atleti durante i Giochi Olimpici, ma si propone anche di essere un piacevole eco-quartiere per i suoi futuri abitanti. The athletes’ village extends along both sides of the River Seine closely linked to the image of Paris and Greater Paris. The district offers all the necessary comforts for 17,000 athletes during the Olympic Games, but also aims to be a pleasant eco-neighbourhood for its future inhabitants. l’AI 168 33
Directed by Dominique Perrault as part of the Biennale d’Architecture et du Paysage in Versailles, the exhibition entitled “District 2024 : Au delà du village de athlètes”, which ended on 13th July, provided the opportunity to showcase how the future athletes’ village for Paris 2024 was progressing, an authentic long-term urban studyin into the creation (by 2025 and in the longer term 2050) of part of the city that is anchored to its surrounding territory and connected to the metropolis, exploring its geographical, cultural and historical potential. “The future of the Athletes’ Village is beyond itself, so Dominique Perrault explained. It is, of course, a matter of designing a district capable of offering, on a temporary basis, an exceptional welcome to athletes and their delegations, but also, above all, a long-term urban study whose aim is to create a new piece of ‘Grand Paris’, a city-region that is undergoing unprecedented transformation. I wanted to use the Athletes’ Village to present an un-
Au bord de la Seine et sur près de sept hectares, l’ensemble de la Cité du Cinéma doit être réimaginé pour offrir au quartier une véritable urbanité et une identité ; autrement dit, un marqueur fort de la transformation du site. Sulle rive della Senna e su quasi sette ettari, l’intera Cité du Cinéma deve essere reinventata per offrire al quartiere una vera urbanità e identità; in altre parole, un marcatore forte della trasformazione del sito. The entire Cité du Cinéma, set along the banks of the Seine and covering almost seven hectares, must be reinvented to offer the neighbourhood real urbanity and a true identity; in other words, a powerful indicator of the site’s transformation. 34 l’AI 168
precedented design approach, a process that reveals what currently exists, has existed and will continue to exist. Thanks to setting up “Ateliers d’Architectes”, which bring together project management teams, communities and local actors, we were able to go beyond the confines of the project’s perimeter to anchor it to its own geography and territory”. The site of the Village covers 51 hectares from one side of the Seine to the other, spread across three communes: Ile Saint-Denis; Saint-Denis; and Saint-Ouen. The texture of the public spaces forms the framework of the new district and helps give it its identity. It includes two large perpendiculars and two other large section parallel to the Seine. The so-called Finot axis, a large “multi-level” public space flaring out towards the river, is, most significantly, a landscaped area rather than a street; the Allée de Seine is a road lane intended exclusively for buses, pedestrians and cyclists. Parallel to the Seine,
the Parc Central (the gateway to the district) is a linear park that will house a bus station while the Olympics are on; the large Parc des Rives is a 4.3 hectare, 860-metre-long linear park, part of a development project along the River Seine. A garden city on the water, the Village will also draw inspiration from the area’s architectural heritage featuring large industrial “cathedrals” perpendicular to the Seine. Adopting this lines of thinking inherited from the site’s history, the principle of perpendicularity to the Seine ensures the project has a powerful coherent urban design thanks to a combination of simple structures that can be easily read and distinguished from the public space. Their height also creates continuity with the existing setting varying from 3 to a maximum of 14 storeys. The preferred form is that of small four-sided buildings, a morphological design that allows a compromise between the compactness required by durability requirements and the possibility of guaranteeing ample sunlight and multiple views.
This morphological design that can cater for various types of building (housing, offices, hotels, student residences, shops, etc.) will create ensembles opening up towards both the public space and the interior of the blocks to allow wide views of the landscape. The project focuses on future impact on the area, both from the point of view of sustainability and any newly developed technologies to be integrated, emphasising the high level of requirements in terms of sustainability, the layout of the public spaces, boosting of means of transport causing low ecological impact, important vegetation/greenery and creating greater biodiversity. Its extension along the River Seine bears witness to this intention as does the layout of the buildings that incorporate lots of green spaces with blocks open towards the river banks. Nature will also be present on the roofs of the buildings that are designed like shared spaces or used for urban farming.
Ie Village des Athlètes a fait l’objet d’expérimentations qui ont notamment permis à ce territoire d’être reconnecté aux cœurs des trois communes – Saint-Denis, Saint-Ouen-sur-Seine et L’Ile-Saint-Denis – sur lesquelles il se déploie.
Client: SOLIDEO (Société de Livraison des Equipements Olympiques) Architect and Urban Planner: Dominique Perrault Architecte (www.perraultarchitecture.com) Urbanist: Une Fabrique de la Ville Landscaping: Agence TER Engineering: IN GEROP Mobility and Fluxes: CITEC Urban Ecology and Biodiversity: Urban Eco Scop Accessibily: Françoise Folacci Urban Lighting: Jean-Paul Lamoureux
Il Villaggio degli Atleti è stato oggetto di sperimentazioni che hanno consentito in particolare di ricollegare questo territorio al cuore dei tre comuni – Saint-Denis, Saint-Ouen-sur-Seine e L’Ile-Saint-Denis – su cui si dispiega. The Athletes’ Village has been the focus of experiments enabling, most significantly, this area to be connected to the heart of the three boroughs – Saint-Denis, Saint-Ouen-sur-Seine and L’Ile-Saint-Denis – in which it is located.
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Angelini Industries HQ Roma, Italy
Studio Transit with Enzo Pinci
Il quartier generale del gruppo Industrie Angelini è un complesso per uffici, che si sviluppa su circa 12.600 m2 e rinnova ciò che costituiva la vecchia sede del Gruppo, a Roma, nel quartiere Appio Tuscolano, con demolizione e ricostruzione adeguandola alle nuove necessità. Il progetto rappresenta l’esito di un concorso internazionale che ha visto primeggiare lo Studio Transit (Gianni Ascarelli il fondatore, con Alessandro Pistolesi, Sergio Vinci e Manuela Demicheli) con Enzo Pinci. Oggi appare un nuovo brano urbano composto da uffici e servizi connessi, collegati tra loro negli spazi interni, gli ingressi e i giardini che riprendendo tratti dell’edificio originario plasmandoli in forme organiche di forte dinamismo. La memoria del prospetto del volume precedente torna nell’impaginato, nel sistema di pieni e vuoti delle aperture e nei materiali del fronte su strada, realizzato da pareti ventilate in gres dall’effetto fortemente materico. Negli altri fronti compaiono involucri vetrati, schermati con vetri selettivi a bassa emissione. La continuità con la preesistenza è negata dell’idea di “sezionare” il volume per creare blocchi distinti con varchi con inserti di aree verdi, per accrescere l’aerazione e la luce naturale negli uffici e collegare visivamente lo spazio della corte interna con quelli pubblici della città e consentire l’autonomia funzionale di singole parti dell’edificio. Un elemento sopraelevato, una sorta di passaggio aereo, nasce dall’ingresso principale, si espande sopra il resto dell’edificio, ricuce le singole parti attribuendo all’insieme un’immagine che richiama l’attenzione. Il “ponte” ospita gli uffici direzionali e unisce funzionalmente i quattro blocchi operativi completando la perimetrazione del lotto, identificando uno spazio interno all’area insieme introverso e rivolto all’esterno. Le tamponature, in vetro strutturale a cellule schermate da un sistema random di brise-soleil, mostra bacchette orizzontali in alluminio bianco a copertura delle facciate e del soffitto del piano pilotis. Questo elemento architettonico sottolinea l’andamento orizzontale del volume realizzando un gioco vibrante di luci e ombre sulle superfici. Il cuore del complesso evidenzia la zona polifunzionale che si relaziona con l’intero sistema e si identifica per la sua posizione baricentrica e la natura organica e vitale. Qui abitano i luoghi dell’incontro, relazione, riflessione, comunicazione e riposo. Una casa in un volume volutamente complesso, dinamico e luminoso legato al ponte e allo spazio esterno caratterizzato da prati, alberature, vasche d’acqua, fontane. Mario Pisani 38 l’AI 168
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Le siège du groupe Angelini Industrie est un complexe de bureaux qui couvre environ 12 600 m2 résultat de la transformation de l’ancien siège du groupe situé dans le quartier Appio Tuscolano à Rome pour l’adapter aux nouveaux besoins de la société.
The headquarters of the Industrie Angelini group is an office complex covering about 12,600 m2 and a renovation of what was once the Group’s old headquarters in the Appio Tuscolano district of Rome. The old building has been knocked down and rebuilt to meet new requirements.
Il est le résultat d’un concours international remporté par Studio Transit (Gianni Ascarelli, le fondateur, avec Alessandro Pistolesi, Sergio Vinci et Manuela Demicheli) et Enzo Pinci. Il apparaît aujourd’hui comme une nouvel espace urbain composé de bureaux et de services connexes, reliés entre eux dans les espaces intérieurs, les entrées et les jardins qui reprennent des éléments du bâtiment d’origine, en les modelant en formes organiques très dynamiques. La mémoire de la façade du bâtiment précédent revient dans la composition, dans le système de pleins et de vides des ouvertures et dans les matériaux de la façade donnant sur la rue, réalisée avec des murs ventilés en grès à la texture accentuée. Les autres façades sont dotées d’une enveloppe vitrée, protégée par un verre à faible émissions. La continuité avec les éléments préexistants est annulée par l’idée de “sectionner” le volume pour créer des blocs distincts avec des ouvertures avec insertions d’espaces verts, pour augmenter la ventilation et la lumière naturelle dans les bureaux, relier visuellement l’espace de la cour intérieure avec les espaces publics de la ville, et favoriser l’autonomie fonctionnelle de chaque partie du bâtiment. Un élément surélevé, une sorte de passage aérien, part de l’entrée principale, s’étend au-dessus du reste du bâtiment, réunit les différentes parties en conférant à l’ensemble une image qui attire l’attention. Le “pont” abrite les bureaux de la direction et unit de manière fonctionnelle les quatre blocs opérationnels, complétant ainsi le périmètre du lotissement, en définissant un espace intérieur qui est à la fois replié sur lui-même et tourné vers l’extérieur. Les murs-rideaux, en cellules de verre structurel protégées par un système de brise-soleil aléatoire, présentent des tiges horizontales en aluminium blanc qui recouvrent les façades et le plafond du niveau pilotis. Cet élément architectural souligne le tracé horizontal du volume en créant un jeu dynamique d’ombre et de lumière sur les surfaces. Le cœur du complexe souligne la zone multifonctionnelle qui interagit avec l’ensemble du système et se distingue par sa position barycentrique et sa nature organique et vitale. C’est ici que se trouvent les lieux de rencontre, de relation, de réflexion, de communication et de repos. Une maison dans un volume délibérément complexe, dynamique et lumineux lié au pont et à l’espace extérieur planté de pelouses et d’arbres, avec des bassins d’eau et des fontaines. Mario Pisani
The project by Studio Transit (Gianni Ascarelli, the founder together with Alessandro Pistolesi, Sergio Vinci and Manuela Demicheli) in partnership with Enzo Pinci won an international competition. It now looks like a piece of the cityscape composed of offices and related services, all interconnected through the interior spaces, entrances and gardens that draw on distinctive traits of the original building that have been reshaped into highly dynamic organic forms. Tracs of the old elevation emerge in the new layout, the system of solid forms and empty apertures and the materials used along the street front in the form of ventilated stoneware walls with a distinctly material feel and texture. The other fronts feature glazed shells screened behind selective low-emission glass. Continuity with the pre-existing building is negated by the idea of “sectioning” the main structure to create separate blocks with openings incorporating inserts of greenery to boost the ventilation and natural light in the offices, visually link the inner courtyard to the city’s public spaces and allow all the individual parts of the building to be functionally independent. An elevated feature, a kind of overhead passageway, rises from the main entrance, extends across the rest of the building and stitches the individual parts back together to give the entire construction a highly eye-catching image. The ‘bridge’ houses the executive offices and functionally joins together the four business blocks to complete the perimeter of the lot and mark a space in that area which is both introverted and outward-looking. The curtain walls made of structural glass cells screened behind a random shutters system are fitted with white horizontal aluminium rods covering the façades and ceiling of the pilotis level. This architectural feature emphasises the horizontality of the structure to create a vibrant interplay of light and shadow on the surfaces. The heart of the complex focuses on the multifunctional area that interacts with the entire system and is marked by its barycentric position and organic, vital nature. These are he places allocated for congregating, socialising, thinking, communicating and relaxing. A house set in a deliberately complex, dynamic and luminous structure linked to the bridge and the outdoor space with its own distinctive lawns, trees, pools of water and fountains. Mario Pisani
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Client: Angelini Industries Group Architectural Project: Studio Transit (www.studiotransit.com) with Enzo Pinci Structural Project: So.In.Ci., Ser.In, Innova AE Systems Project: Lombardini 22, Innova AE Costruction Project Supervision: Studio Latini Mobile Partitions e Wood Wall Covering: Techno Suspended Ceiling: Armstrong Flooring and Wall Covering: Oikos (paint), / Casalgrande Padana (gres) Bathroom Fixtures: Cielo Lighting: Xal Solar Blinds: Omnitex Elevators: Schindler Radiant Panels: Proter Imex Furniture: Tecno, La Palma, XOffice, Poltrona Frau Domotics: CISCO Carpentry: Falegnameria De Pra Green Walls: Verde Profilo Typical floor plan
Ground floor plan
Site plan 42 l’AI 168
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Sketches
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Longitudinal section l’AI 168 43
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Kengo Kuma & Associates
Hisao Hiroko Taki Plaza
Tokyo Institute of Technology
Tokyo, Japan
À l’entrée de l’Institut de technologie de Tokyo, Kengo Kuma a conçu une “plateforme” pour accueillir les activités des étudiants. Afin de conserver une vue dégagée sur la tour de l’horloge, point de repère important du campus, la plus grande partie du bâtiment est souterraine. En surface, le bâtiment a la forme d’un monticule luxuriant qui s’intègre parfaitement au paysage environnant. Le “toit”, composé de végétation en gradins, entre en résonance avec le mur vert et incliné de la bibliothèque adjacente, et ensemble créent ainsi une sorte de vallée qui sert de nouvel espace vert invitant pour accueillir la vie et les activités des étudiants. La ligne entre l’espace intérieur et le paysage extérieur est estompée par le prolongement du paysage en escalier à l’intérieur du bâtiment. Cela permet de mener simultanément à différents niveaux des activités telles que le co-apprentissage et les ateliers. L’espace circule de manière harmonieuse, sans division claire et stimule les sens des utilisateurs, tant sur le plan visuel que physique. Pour tenir compte des nombreuses conditions complexes du site, l’équipe a d’abord déterminé le profil général en coupe du toit, puis les gradins en forme de bandes qui s’ouvrent en éventail. Le résultat est un profil de toit qui ressemble au paysage d’un delta de rivière qui se jette dans le campus. Grâce à la structure torsadée apparente qui soutient le toit, l’espace intérieur acquiert une certaine fluidité. Deux paysages architecturaux ont été créés, le paysage extérieur et le paysage intérieur, reliés l’un à l’autre par une harmonie vibrante.
All’ingresso del Tokyo Institute of Technology, Kengo Kuma ha progettato una “piattaforma” per ospitare le attività degli studenti. Per mantenere una chiara visuale della torre dell’orologio, un importante punto di riferimento per il campus, la maggior parte dell’edificio si trova nel sottosuolo. Fuori terra, l’edificio assume una rigogliosa forma a tumulo, integrandosi perfettamente con il paesaggio circostante. Il “tetto”, composto da vegetazione a gradini e gradinate, riecheggia il muro inclinato verde della biblioteca adiacente, creando nell’insieme una valle verde che funge da nuovo spazio vegetalizzato per invitare la vita e l’attività degli studenti. La linea tra lo spazio interno e il paesaggio esterno sfuma continuando il paesaggio a gradini nell’edificio. Ciò consente lo svolgimento simultaneo di attività come il co-learning e i workshop congiunti a diversi livelli. Lo spazio scorre in modo indefinito senza chiare divisioni spaziali, stimolando i sensi degli utenti sia visivamente che fisicamente. Al fine di tenere in considerazione le molteplici e complesse condizioni del sito, il team ha prima determinato il profilo generale in sezione del tetto, seguito dai gradini a fasce delle gradinate che si aprono a ventaglio. Ciò ha portato a una sagoma del tetto che ricorda il paesaggio del delta di un fiume che si riversa nel campus. Lasciando esposta la struttura ritorta che sostiene il tetto, lo spazio interno presenta una certa fluidità. Sono stati creati due paesaggi architettonici, il paesaggio esterno e quello interno, in relazione tra loro in risonanza armonica.
East facade 48 l’AI 168
At the entrance of the Tokyo Institute of Technology, Kengo Kuma designed a “platform” to house student activity. To maintain a clear vista of the clocktower, a prominent landmark for the campus, most of the building sits underground. Above ground, the building takes on a lush moundlike form, seamlessly integrating with the surrounding landscape. The “roof” which is composed of stepped greenery and bleachers, resonates with the green slanted wall of the adjacent library, collectively creating a green valley. The green valley serves as a new green space to invite life and activity for the students. The line between the interior space and exterior landscape is blurred by continuing the stepped landscape into the building. This allows activities such as co-learning and joint workshops to be held simultaneously on different levels. The space flows ambiguously without clear spatial divisions, stimulating the senses of the users both visually and physically. In order to consider many complex site conditions, the team first determined the overall sectional profile of the roof, followed by the strip-like steps of the bleachers fanning out. This resulted in a roof silhouette that resembles the landscape of a river delta that spills into the campus. By exposing the twisted structure that supports the roof, the interior space yields a certain fluidity. Two architectural landscapes were created, the exterior and interior landscapes, relating to each other in a resonating harmony.
North facade l’AI 168 49
就職資料室 地下2階平面図1/600@A3 キャリアアドバイザールーム
1階平面図1/600@A3 2階平面図1/600@A3
地下1階平面図1/600@A3
附属図書館 連絡通路
エントランス1F_２ エントランスB2F カフェ 小上がり 学務部 支援センター窓口
内部大階段
外部階段
Attic Studio
エントランスB1F 外部階段 イベントスペース
ワークショップ スペース
Attic Office
グローバル ラウンジ
ドライガーデン 就職資料室 キャリアアドバイザールーム
学務部窓口
ロビー
TPG学生窓口
キッチン
パブリック アート
地下1階平面図1/600@A3 地下2階平面図1/600@A3
エントランス1F_1
2階平面図1/600@A3 3階平面図1/600@A3 1階平面図1/600@A3
1st undergrund floor plan
附属図書館 連絡通路
2nd floor plan
エントランス1F_２ エントランスB2F カフェ
内部大階段
外部階段 小上がり
学務部 イベントスペース 支援センター窓口
学務部窓口 Attic Studio
エントランスB1F
ワークショップ スペース
外部階段 ドライガーデン
キッチン
Attic Officeロビー
TPG学生窓口グローバル ラウンジ
3階平面図1/600@A3 パブリック アート
就職資料室 キャリアアドバイザールーム
エントランス1F_1
地下2階平面図1/600@A3 地下1階平面図1/600@A3
1階平面図1/600@A3 2階平面図1/600@A3
2nd undergrund floor plan
1st floor plan
附属図書館 連絡通路
エントランス1F_２ エントランスB2F 小上がり 学務部 支援センター窓口
カフェ
Attic Studio
内部大階段 外部階段 エントランスB1F 外部階段 イベントスペース
ワークショップ スペース
就職資料室 ドライガーデン キャリアアドバイザールーム
キッチン
Attic Office
グローバル ラウンジ
学務部窓口
ロビー
TPG学生窓口
パブリック アート
地下1階平面図1/600@A3
3階平面図1/600@A3 2階平面図1/600@A3 エントランス1F_1
地下2階平面図1/600@A3
1階平面図1/600@A3
Ground floor plan
附属図書館 連絡通路
0 スロープ 学務部 支援センター窓口
小上がり
Attic Studio
エントランスB1F
3F
外部階段 グローバル ラウンジ
就職資料室 キャリアアドバイザールーム
Attic Office
2F F
館
附属図書館
3階平面図1/600@A3
プロム ード 館
B1F ストア
B2F
地下1階平面図1/600@A3
2階平面図1/600@A3 務
00 大 小
220
00
00 1000
00
館 学
センター Hisao & Hiroko Taki Plaza
大学
アイ
図1/ 00@A3
Axonometric exploded view
Site plan
52 l’AI 168 3階平面図1/600@A3
図1/1000@A3
大
Longitudinal section
Project: Kengo Kuma & Associates (kkaa.co.jp) Project Team: Toshiki Meijo, Keita Watanabe, Kosuke Tanaka, ,Shiho Yoo, Fumiya Kaneko Structure Design: Kanebako Structural Engineers Facility Design/MEP Design: P.T.Morimura & Associates Construction: Kajima Corporation, Hibiya Engineering, Daiei Denki Photo: Kawasumi Kobayashi Kenji Photograph Office
Roof detail l’AI 168 53
56 l’AI 168
l’AI 168 57
Le Dôme Winery Bordeaux, France
Niché dans les douces collines de Bordeaux, le nouveau domaine viticole Le Dôme à Saint-Émilion s’intègre parfaitement au paysage culturel de la région, classée au patrimoine mondial de l’UNESCO. Immersa tra le dolci colline di Bordeaux, la nuova cantina Le Dôme di Saint-Émilion si fonde perfettamente con il paesaggio culturale della regione, patrimonio mondiale dell’UNESCO. Nestled in the rolling hills of Bordeaux, the new Le Dôme winery in Saint-Émilion blends seamlessly with the UNESCO World Heritage Cultural Landscape of the region.
Foster + Partners
La forme du bâtiment découle de la volonté de créer une structure qui regarde à la fois vers l’intérieur et vers l’extérieur, offrant un espace efficace pour la production de vin et gardant l’osmose avec le paysage environnant. Norman Foster, fondateur et président exécutif de Foster + Partners, a déclaré : “Lorsque Jonathan Maltus nous a contactés pour la première fois, il a exprimé le désir de créer une nouvelle cave emblèmatique, dans le contexte unique de St Emilion. Il voulait que le bâtiment soit une célébration de la beauté du site, en se concentrant sur les vues du vignoble et en faisant du paysage le principal protagoniste du projet. L’idée était de fusionner le bâtiment avec l’environnement en créant un espace accueillant pour les visiteurs et les amateurs de vin”. Les visiteurs s’approchent de la cave par une allée bordée d’arbres, au bout de laquelle se trouve un bâtiment circulaire. La combinaison de deux rampes – l’une extérieure pour souligner le rapport au site et l’autre inté60 l’AI 168
rieure, qui permet au visiteur de parcourir les différentes étapes de la vinification – donne au nouveau bâtiment sa définition spatiale. Les deux rampes mènent à une galerie au niveau supérieur qui forme le cœur social du bâtiment avec des tables de dégustation, un élégant bar à vin et des espaces de divertissement, le tout enveloppé dans une atmosphère avec une vue à 360 degrés sur les vignes. Le toit en bois de 40 mètres de diamètre est une structure unique composée de poutres inclinées se soutenant mutuellement s’étendant sur un grand espace sans colonnes. Au centre du toit, un oculus de 6 mètres de diamètre permet à la lumière du jour d’inonder le niveau supérieur. Le toit est recouvert de tuiles en terre cuite locales recyclées, tandis que le socle du bâtiment – en béton avec des granulats de la région – est recouvert de lames de bois et partiellement enterré pour réduire l’impact visuel au sol et augmenter les performances de masse thermique.
La forma dell’edificio nasce dalla volontà di creare una struttura che guardi simultaneamente sia verso l’interno sia verso l’esterno, fornendo uno spazio efficiente per la produzione del vino e mantenendo vivo il rapporto con il paesaggio circostante. Norman Foster, fondatore e presidente esecutivo di Foster + Partners, ha dichiarato: “Quando Jonathan Maltus ci ha contattato per la prima volta, ha espresso il desiderio di creare una nuova cantina distintiva, sullo sfondo unico di St Emilion. Voleva che l’edificio fosse una celebrazione del bellissimo sito, concentrandosi sulle viste del vigneto e rendendo il paesaggio il protagonista principale del progetto. L’idea era di fondere l’edificio con l’ambiente circostante creando uno spazio accogliente per i visitatori e gli appassionati di vino”. I visitatori si avvicinano alla cantina lungo un viale alberato, al termine del quale si trova un edificio a pianta circolare. La combinazione di due rampe – una esterna per enfatizzare il rapporto con il sito e l’altra interna, che consente al visitatore di percorrere le diverse fasi della vinificazione – conferisce al nuovo edificio la sua definizione spaziale. Entrambe le rampe conducono a una galleria al livello superiore che costituisce il cuore sociale dell’edificio con tavoli da degustazione, un elegante wine bar e spazi di intrattenimento, il tutto avvolto da un’atmosfera con vista sui vigneti a 360 gradi. Il tetto in legno di 40 metri di diametro è una struttura unica costituita da travi inclinate che si sostengono reciprocamente che si estendono su un ampio spazio libero da colonne. Al centro della copertura un oculo di 6 metri di diametro consente alla luce del giorno di inondare il livello superiore. Il tetto è rivestito con tegole in cotto locale riciclato, mentre la base dell’edificio – realizzata in calcestruzzo con inerti della regione – è ricoperta da listelli di legno e parzialmente interrata per ridurne l’impatto visivo sul terreno e aumentare le prestazioni di massa termica.
The form of the building is rooted in a desire to create a structure that simultaneously looks both inwards and outwards, providing an efficient space for wine production, while engaging in dialogue with the surrounding landscape. Norman Foster, Founder and Executive Chairman, Foster + Partners, said: “When Jonathan Maltus first approached us, he expressed a desire to create a distinctive new winery, set against the unique backdrop of St Emilion. He wanted the building to be a celebration of the beautiful site, focussing on the views of the vineyard and making the landscape the primary protagonist in the design. The idea was to blend the building with its surroundings while creating a welcoming space for visitors and wine enthusiasts.” Visitors approach the winery along a tree-lined avenue, at the end of which is a circular-plan building. A combination of two ramps – one external to emphasise the relationship with the site and the other internal, allowing the visitor to walk through the different stages of the wine process – gives the new building its spatial definition. Both ramps lead up to a gallery on the upper level which forms the social heart of the building with tasting tables, an elegant wine bar and entertainment spaces – all wrapped by 360-degree views of the adjoining vineyards. The 40-metre diameter timber roof is a unique reciprocal structure consisting of mutually supporting sloping beams that spans over large column-free space. The structure naturally creates a 6-metre-wide oculus at its centre, which allows daylight to flood the upper level. The roof is clad with recycled local terracotta tiles, while the base of the building – made with concrete using aggregate from the region – is covered with timber slats and partially buried into the ground to reduce its visual impact on the terrain and increase thermal mass performance.
l’AI 168 61
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N
First Floor - Le Dome - Winery
1st floor plan N
First - Le Dome - Winery 0 Floor4 m 0
4m
N N
Ground floor planGround Floor - Le Dome - Winery N
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First - Le Dome - Winery 0 Floor4 m
0
4
8m
Roof floor plan First Floor - Le Dome - Winery
1
Section 1
2
0
Section 2
Client: SCE Chateau Teyssier Project: Foster + Partners (www.fosterandpartners.com) Design Team: Norman Foster, Nigel Dancey, Roger Ridsdill, Smith Pablo Urango, Lillo Taba Rasti, Jaime Valle, Miguel García Jiménez, Cesidio,García del Río, Rupert Inman, Jeng Neo Industrial Design: Mike Holland, Stefan Bench Collaborating Architect: A3A Architects Main Contractor: Empty & Bau
4
8m
Structural Engineer: EUTECA Mechanical Engineers: Secath Cost Consultant: Empty & Bau Acoustics: Arup Joinery: Ebaniscana Structural Timber: Simonin Photo: ©Nigel Young / Foster + Partners l’AI 168 65
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Biodome Science Museum Renewal Montreal, Canada KANVA with NEUF architect(e)s
Le Biodôme a lancé un concours international en 2014 pour revitaliser l’expérience de ses visiteurs dans le cadre d’un plan de rénovation à l’échelle urbaine pour célébrer le 375e anniversaire de Montréal. Il Biodome ha lanciato un concorso internazionale nel 2014 per rivitalizzare le esperienze dei suoi visitatori nell’ambito di un piano di rinnovamento a livello cittadino per celebrare il 375° compleanno di Montreal. The Biodome launched an international competition in 2014 to revitalize its visitors’ experiences as part of a city-wide renewal plan to celebrate Montreal’s 375th birthday. 68 l’AI 168
l’AI 168 69
James Brittain
Le Biodôme, construit à l’origine pour servir de vélodrome aux Jeux olympiques de 1976, puis transformé en musée des sciences naturelles en 1992, a lancé un concours international en 2014 pour revitaliser l’expérience de ses visiteurs dans le cadre d’un plan de rénovation à l’échelle urbaine pour célébrer le 375e anniversaire de Montréal. Le projet gagnant a convaincu le maître d’ouvrage et le jury international de reconsidérer le rapport entre l’homme et la nature et d’utiliser la rénovation pour renforcer la mission sociale du centre, c’est-à-dire sensibiliser le public. Le Biodôme fait partie intégrante de “Space for Life” un complexe de pavillons muséaux qui présentent les sciences naturelles au public, et comprend un insectarium, un jardin botanique et un planétarium, tous situés dans le Parc olympique, à l’Est de Montréal. Chaque année, Space for life reçoit plus de 1,7 million de visiteurs, dont de nombreux touristes, des groupes pédagogiques et des écoles, ce qui en fait l’un des plus importants complexes muséaux du Canada. Le Biodôme se compose de quatre écosystèmes des Amériques, chacun étant un microcosme d’organismes vivants ; la Forêt tropicale humide, l’Érablière des Laurentides, le Golfe du Saint-Laurent et les Côtes du Labrador et les Îles subantarctiques, qui accueillent plus de 4 500 animaux de 250 espèces et 500 espèces végétales. La stratégie de revitalisation globale est celle de l’insertion dans un organisme vivant. Une paroi courbe en continu enveloppe chaque écosystème de manière fluide comme une peau qui sert à la fois de conteneur et de contenu S’inspirant de l’histoire du mouvement du Biodôme, la paroi qui va du sol au plafond traverse l’espace intérieur, comme une toile de fond qui accompagne les visiteurs le long des nombreux sentiers et à travers le nouveau pôle central. Épurée, tant pour sa forme que pour sa couleur, la peau blanche isole les écosystèmes pour permettre une meilleure compréhension du site, ce qui contraste avec la robuste architecture en béton du vélodrome, et devient ainsi un hybride neutre, mais audacieux, entre deux éléments importants : le bâtiment et l’écosystème. Cette peau se traduit physiquement par un tissu qui peut se recourber et prendre de nombreuses formes, ce qui évite de démolir inutilement des infrastructures déjà existantes et des écosystèmes fragiles. Sa souplesse lui permet également d’occuper des espaces résiduels et inhabituels pour unir finalement les pourtours éclectiques de chaque environnement et rediriger l’attention et l’expérience des visiteurs. La nouvelle stratégie conceptuelle crée des expériences plus immersives et plus intimes entre l’homme et la nature à l’intérieur des écosystèmes, afin d’instruire et de sensibiliser les visiteurs le long de leur parcours. Le projet réorganise également de nombreux espaces publics hors écosystème au rezde-chaussée pour libérer le grand hall et ouvrir un nouveau pôle central au plafond. Grâce à la hauteur du Biodôme, une nouvelle mezzanine a été ajoutée au-dessus de l’écosystème subpolaire redessiné, qui encadre plus intimement l’impressionnante structure du plafond et offre d’autres points de vue et de nouvelles expériences immersives aux visiteurs et au personnel. De nouveaux passages partant de deux des écosystèmes desservent cette mezzanine et offrent aux visiteurs un parcours plus diversifié et des aires de repos supplémentaires tout au long de ce parcours didactique. 72 l’AI 168
Il Biodome, originariamente costruito come velodromo per i Giochi Olimpici del 1976 e convertito in un museo di scienze naturali nel 1992, ha lanciato un concorso internazionale nel 2014 per rivitalizzare le esperienze dei suoi visitatori nell’ambito di un piano di rinnovamento a livello cittadino per celebrare il 375° compleanno di Montreal. Il progetto vincitore ha convinto il committente e la giuria internazionale a ripensare il rapporto tra uomo e natura e a utilizzare la ristrutturazione per rafforzare la missione sociale del centro di educare il pubblico. Il Biodome è parte integrante di Space for Life, una serie di padiglioni museali che espongono al pubblico le scienze naturali, tra cui un insettario, un giardino botanico e un planetario, tutti situati all’interno del Parco Olimpico nella parte orientale di Montreal. Ogni anno Space for life riceve oltre 1,7 milioni di visitatori tra cui molti turisti, campi educativi e scuole, rendendolo uno dei complessi museali più importanti del Canada. Il Biodome comprende quattro ecosistemi delle Americhe, ciascuno un microcosmo di organismi viventi; la foresta pluviale tropicale, la foresta di aceri Laurenziani, il Golfo di San Lorenzo e le regioni subpolari (Artico e Antartico) che ospitano oltre 4.500 animali di 250 specie diverse e 500 specie vegetali. La strategia complessiva di rivitalizzazione è stata quella dell’inserimento all’interno di un organismo vivente. Una parete curva continua avvolge fluidamente ogni ecosistema come una pelle, fungendo sia da contenitore che da contenuto. Attingendo alla storia del movimento del Biodome, la parete dal pavimento al soffitto attraversa lo spazio interno, come uno sfondo che accompagna i visitatori attraverso i numerosi percorsi e il nuovo fulcro centrale. Pura, sia nella forma sia nel colore, la pelle bianca isola gli ecosistemi per consentire una migliore comprensione del sito, contrastando con la robusta architettura in cemento del velodromo e diventando un intermediario neutro ma audace tra due elementi importanti: edificio ed ecosistema. Questa pelle si esprime fisicamente attraverso un tessuto che può curvarsi e assumere molte forme, impedendo l’inutile demolizione di infrastrutture già esistenti e fragili ecosistemi. La sua flessibilità le consente anche di occupare spazi residui e insoliti per unire in definitiva le periferie eclettiche di ogni ambiente e reindirizzare l’attenzione e l’esperienza degli utenti. La nuova strategia concettuale crea esperienze più immersive e intime all’interno degli ecosistemi, tra uomo e natura, per educare e portare più consapevolezza ai visitatori durante il percorso. Il piano riorganizza anche molti degli spazi pubblici extra-ecosistemi al piano nobile per liberare la grande sala e aprire un nuovo fulcro centrale fino al soffitto. Sfruttando l’altezza del Biodome, un nuovo soppalco è stato aggiunto sopra l’ecosistema Sub-Polar riprogettato, inquadrando più intimamente l’imponente struttura del soffitto e offrendo altri punti panoramici ed esperienze coinvolgenti per i visitatori e il personale. Nuovi passaggi da due ecosistemi servono questo mezzanino e offrono ai visitatori una traiettoria più diversificata e ulteriori punti di sosta durante il percorso educativo.
James Brittain
Marc Cramer
The Biodome, originally built as a velodrome for the 1976 Olympic Games, and converted into a natural science museum in 1992, launched an international competition in 2014 to revitalize its visitors’ experiences as part of a citywide renewal plan to celebrate Montreal’s 375th birthday. The winning entry convinced the client and international jury to rethink the relationship between mankind and nature as well as use the renovation to bolster the centre’s social mission to educate the public. The Biodome is an integral member of Space for Life, a series of museum pavillons that showcase to the public natural sciences, including an insectarium, a botanical garden and a planetarium, which are all located within the Olympic Park in the East side of Montreal. Each year 74 l’AI 168
Space for life receives over 1.7 million visitors including many tourists, educational camps and schools, making it one of Canada’s most important museum complexes. The Biodome is comprised of four ecosystems of the Americas, each a microcosm of living organisms; the Tropical Rainforest, the Laurentian Maple Forest, the Gulf of St Lawrence, and the Sub-Polar Regions (Arctic and Antarctic) host over 4,500 animals from 250 different species and 500 plant species. The overall revitalization strategy is one of insertion within a living organism; a continuous curved wall fluidly wraps each ecosystem like a skin, acting as both container and contained. Drawing upon the Biodome’s history of movement, the floor to ceiling wall sweeps through the interior
Marc Cramer
space, serving as a canvas that accompanies visitors through the many pathways and the new central hub. Pure, both in its form and colour, the white skin isolates the ecosystems to allow a better understanding of the site, contrasting with the robust concrete architecture of the velodrome, and becoming a neutral, yet bold intermediary between two important elements – building and ecosystem. This skin is physically expressed through a textile that can curve and take on many forms, preventing unnecessary demolition of already existing infrastructure and fragile ecosystems. Its flexibility also allows it to occupy residual and unusual spaces to ultimately unite the eclectic peripheries of each environment and redirect the focus and experience of the users.
The new conceptual strategy creates more immersive and intimate experiences within the ecosystems, between human and nature to educate and bring more awareness to visitors during their journey. The plan also reorganizes many of the public, extra-ecosystem spaces on the main floor to liberate the grand hall and open up a new central hub to the ceiling. Making use of the Biodome’s height, a new mezzanine is added above the re-designed Sub-Polar ecosystem, framing more intimately the impressive ceiling structure and offering other vantage points and immersive experiences for visitors and staff. New passages from two of the ecosystems service this mezzanine, and offer visitors a more diversified trajectory and additional points of rest through their educational journey. l’AI 168 75
Level 400 floor plan
Level 200 floor plan 76 l’AI 168
0
10
20m
Longitudinal section
0
10
20m
Client: Space for Life (City of Montreal) Competition Organizer: Design Montreal Project: KANVA (www.kanva.ca) – concept and architect of record NEUF architect(e)s (www.neufarchitectes.com) – collaborating architect Mechanical/Electrical Engineers: Bouthillette Parizeau Structural Engineers: NCK Museology: Nathalie Matte Scenography: KANVA and Anick La Bissonnière Signage / Branding: Bruce Mau Design
Cross section
Lighting Consultant: Light Factor Code / Cost consultant: GLT+ Specifications: Atelier 6 Surveyor + 3D Scanning: Topo 3D Suppliers: Sollertia (membrane architecture and installation), Serge Ferrari (membrane manufacturer), Entreprises Rym (curved tensioning system), Industrie ACL (curved beam), Acier St-Denis (main structure) Photo source: v2com
Roof plan l’AI 168 77
78 l’AI 168 James Brittain
l’AI 168 79
James Brittain
James Brittain
WAVE 1
The European Center for Families Sopot, Poland FAAB
La façade blanche ajourée qui entoure Wave One a été en partie inspirée par une série de photographies de Pierre Carreau, intitulée AquaViva La facciata bianca traforata, che avvolge Wave One, è stata in parte ispirata da una serie di fotografie di Pierre Carreau, intitolate AquaViva. The white perforated facade, enfolding Wave One, was partly inspired by a series of photographs by Pierre Carreau, titled AquaViva.
84 l’AI 168
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Wave One, premier bâtiment réalisé par le Centre européen pour les familles, se trouve à 400 mètres de la mer Baltique, à Sopot, une ville connue comme une station thermale historique. Le concept s’inspire de la complexité des vagues de la mer et de la tradition locale qui consiste à sculpter des motifs ornementaux sur les façades. À partir de là, les architectes ont créé un ensemble composé de cinq bâtiments interdépendants, qui rappellent les vagues. Wave One, la première “vague” à être construite après un long processus de conception et de construction, comprend des laboratoires médicaux spécialisés, et en particulier des laboratoires de dépistage du SRAS-CoV-2, un centre de recherche et développement et des espaces administratifs.
Les architectes ont analysé la complexité géométrique des vagues de la mer, fixée par le photographe. Les formes 3D voûtées, figées dans le temps, ont été traduites en un langage architectural qui a déterminé la forme finale du bâtiment. Avec 1 362 panneaux triangulaires ajourés, la façade, tout comme une vague, s’enroule en sa crête au sommet du bâtiment. Les perforations du panneau sont un élément symbolique qui se réfère : 1) à la tradition locale qui consiste à décorer les façades des bâtiments de motifs ornementaux sculptés dans le bois, 2) à la Fleur de vie, un motif ancien auquel on attribue des pouvoirs de guérison, ce qui reflète bien la fonction sanitaire de ce complexe. Les perforations du panneau ont permis de créer une aération et une dissipation du bâtiment dans
Wave One, parte del Centro Europeo per le Famiglie, si trova a 400 metri dal Mar Baltico a Sopot, storicamente nota come località termale. Il concetto deriva dalla complessità delle onde del mare e dal vernacolo locale dei dettagli ornamentali scolpiti sugli elementi della facciata. Partendo da questo, gli architetti hanno creato un concept composto da cinque edifici correlati, che ricordano le onde. Wave One, il primo a essere costruito dopo un lungo processo di progettazione e costruzione, comprende laboratori medici specializzati tra cui laboratori di test SARS-CoV-2, un centro di ricerca e sviluppo e spazi amministrativi. Gli architetti hanno analizzato la complessità geometrica delle onde del mare, catturate dal fotografo Pierre Carreu.
Le forme 3D ad arco, congelate nel tempo, sono state tradotte in un linguaggio architettonico che ha plasmato la forma finale dell’edificio. Con 1.362 pannelli triangolari forati, la facciata, proprio come un’onda, si piega alla sommità dell’edificio. Le perforazioni dei pannelli sono un gesto simbolico in riferimento a: 1) la tradizione locale di collocare dettagli ornamentali scolpiti nel legno sulle facciate degli edifici, 2) fiore della vita, motivo antico a cui si attribuiscono poteri curativi, consono alla funzione sanitaria del complesso. Le perforazioni hanno inoltre permesso di realizzare un’ariosità e una dissipazione dell’edificio nello spazio, particolarmente visibile nella zona superiore della fac-
86 l’AI 168
l’espace, visibles en particulier dans le haut de la façade. Les façades Est et Ouest prennent une forme tridimensionnelle avec des panneaux triangulaires en céramique blanche frittée, inclinés et réfléchissant la lumière du soleil sur le sol. Ils créent un effet transitoire, qui anime les alentours du bâtiment. De même, la courbure – une référence à la forme concave d’une vague marine – a inspiré la forme de la structure du bâtiment. L’auvent largement incurvé au-dessus de l’entrée sud a été modélisé en 3D par les architectes, puis soumis aux entrepreneurs locaux pour la préparation de maquettes sur mesure. Des ajustements ont été effectués sur place afin de créer une union harmonieuse avec les panneaux adjacents et de garantir la fluidité du motif ajouré. Un travail minutieux, puisque la
courbure et la déviation de la verticale se trouvent sur les deux axes de la façade, sans exclure la présence complémentaire de persiennes orientables. La construction se poursuit sur trois des cinq bâtiments prévus pour ce site. Une fois achevé, le complexe d’établissements de soins ECR comprendra un hôpital de jour avec une salle d’opération, une unité de traitement et un laboratoire de FIV (Wave Two), un hôpital spécialisé pour patients hospitalisés, équipé d’un service de gynécologie et d’obstétrique, d’une unité de maternité et d’une unité néonatale (Wave Three), un centre de réadaptation comprenant une chambre hyperbare et une chambre cryogénique (Wave Four & Five). Les travaux de construction devraient être terminés en 2023.
ciata. I prospetti est/ovest assumono una forma 3D con pannelli triangolari di ceramica bianca sinterizzata, che inclinano e riflettono la luce solare sul pavimento. Creano un dettaglio transitorio, ravvivando gli immediati dintorni dell’edificio. Allo stesso modo, la curvatura – un riferimento alla concavità di un’onda marina – ha ispirato la forma della massa dell’edificio. Il baldacchino ampiamente curvo sopra l’ingresso sud è stato modellato digitalmente in 3D dagli architetti e quindi sottoposto agli appaltatori locali per preparare modelli uno-a-uno. Le regolazioni sono state effettuate in loco al fine di creare un’unione senza soluzione di continuità con i pannelli adiacenti e garantire la fluidità del motivo
traforato. Un lavoro certosino, poiché curvatura e deviazione dalla verticale sono lungo entrambi gli assi della facciata, non esclusa la presenza aggiuntiva di persiane manovrabili. La costruzione continua su tre dei cinque edifici previsti per il sito. Una volta completato, il complesso delle strutture sanitarie ECR comprenderà: un ospedale ambulatoriale con sala operatoria, unità di trattamento e un laboratorio di fecondazione in vitro (Wave Two), un ospedale ospedaliero specializzato con profilo ginecologico e ostetrico, parto e unità neonatale (Wave Three), centro di riabilitazione, comprensivo di camera iperbarica e camera criogenica (Wave Four & Five). I lavori di costruzione dovrebbero essere completati nel 2023. l’AI 168 87
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1
N taras acji poziom Rzut aran Floor plan level terrace
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RPR-2
serwerownia serwerownia magazyn –– środki środki medyczne medyczne magazyn chłodnia –– środki środki medyczne medyczne chłodnia szatnia szatnia magazyn magazyn archiwum archiwum pom. techniczne techniczne pom. hol wejściowy wejściowy hol pom. przyjęcia przyjęcia materiału materiału pom. główna hala hala sprzętowa sprzętowa laboratorium laboratorium główna pracownia pracownia laboratoryjna laboratoryjna punkt pobrań punkt pobrań wewnętrzna kawiarnia wewnętrzna kawiarnia sala konferencyjna konferencyjna sala pokój biurowy biurowy pokój taras techniczny techniczny taras taras rekreacyjny rekreacyjny taras
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data center center data dry storage storage –– medical medical dry cool storage storage –– medical medical cool changing room room changing storage storage archive archive technical room room technical entrance hall hall entrance laboratory logistic logistic room room laboratory laboratory main main room room laboratory laboratory laboratory individual individual room room collection point collection point internal internal cafeteria cafeteria conference room room conference office office technical terrace terrace technical recreational terrace terrace recreational
1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17
data center dry storage – medical cool storage – medical changing room storage archive technical room entrance hall laboratory logistic room laboratory main room laboratory individual room collection point internal cafeteria conference room office technical terrace recreational terrace
widok na Morze Bałtyckie
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view towards Baltic Sea view towards Baltic Sea
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Terrace floor plan
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FAAB | PL 04-147 Warszawa ul. Stoczkowska 11/8 | T. 22 740 2000 | E. faab@faab.pl | www.faab.pl 13
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serwerownia magazyn – środki medyczne chłodnia – środki medyczne szatnia magazyn archiwum pom. techniczne hol wejściowy pom. przyjęcia materiału główna hala sprzętowa laboratorium pracownia laboratoryjna punkt pobrań wewnętrzna kawiarnia sala konferencyjna pokój biurowy taras techniczny taras rekreacyjny
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1 data N center 2 dry storage – medical arter rzut aran acji pomieszczeń 3 cool storage – medical round oor plan 4 changing room 5 storage serwerownia data center 6 2archive magazyn – środki medyczne 2 dry storage – medical chłodnia – środki medyczne 3 cool storage – medical 7 34technical room szatnia 4 changing room magazyn 5 storage 8 5entrance hall 6 archiwum 6 archive 9 7laboratory pom. techniczne logistic room 7 technical room hall 8 hol wejściowy 10 9laboratory main room 89 entrance pom. przyjęcia materiału laboratory logistic room główna hala sprzętowa laboratorium laboratory main room 11 laboratory individual pracownia laboratoryjna laboratory individual room punkt pobrań collection point room wewnętrzna kawiarnia internal cafeteria 12 collection sala konferencyjnapoint conference room pokój biurowy office 13 internal cafeteria taras techniczny technical terrace taras rekreacyjny recreational terrace 14 conference room 15 office 16 technical terrace 17 recreational terrace
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Ground floor plan
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Wave One, first realized building of the European Center for Families, is located 400 meters from the Baltic Sea in what is historically known as a health resort town. The concept derives from the complexity of sea waves and the local vernacular of carved ornamental detailing on facade elements. Drawing from this, the architects created a site concept composed of five inter-related buildings, reminiscent of waves. Wave One, the first to be built after a lengthy design and construction process, encompasses specialized medical laboratories including SARS-CoV-2 testing labs, a research & development center, and administration spaces. The architects analyzed the geometric complexity of the sea waves, captured by the photographer Pierre Carreo. The arched 3D forms, frozen in time, were translated into an architectural language that shaped the building’s final form. With 1,362 perforated triangular panels, the facade, just like a wave, bend at its crest, the top of the building. The panel’s perforations are a symbolic gesture in reference to: 1) the local tradition of placing ornamental details carved in wood on buildings’ facades, 2) flower of life, an ancient motif credited with healing powers, befitting the healthcare function of the investment. The panel’s perforations made it possible to bring about an airiness and dissipation of the building in space, particularly visible in the upper realm of the facade. The east/west elevations take on 3D form with triangular panels of sintered white ceramics, skewing and reflecting sunlight onto the pavement. They create a transient detail, enlivening the immediate surroundings of the building. Equally, curvature – a reference to the concavity of a sea wave – inspired the shape of the building mass. The amply curved canopy over the South entrance was digitally 3D modeled by the architects and then submitted to the local contractors to prepare one-to-one mock-ups. Adjustments were made on-site in order to create a seamless union with adjacent panels and ensure the fluidity of the perforated pattern. A painstaking task, since curvature and deviation from the vertical, are along both axes of the facade, not excluding the additional presence of operable shutters. Construction continues on three, out of five buildings planned for the site. Once completed, the ECR complex of health care facilities will comprise: an outpatient hospital with an operating theatre, treatment unit and an IVF laboratory (Wave Two), specialist inpatient hospital with a gynecology and obstetrics profile, delivery and neonatal unit (Wave Three), rehabilitation center, including hyperbaric chamber and cryo chamber (Wave Four & Five). Construction works are expected to be completed in 2023.
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Wave 1 laboratories, 5 administration analysis 2Sunlight Wave 2 - axonometric Sunlight analysis - axonometric under construction Sunlight analysis - axonometric 1 – laboratoria, 312 Fala Wave 3 administracja trakcie budowy Fala 21 –– w laboratoria, administracja 1 Fala 312 Fala 312 –– projektowane design laboratoria, administracja Fala w trakciephase budowy 423 –– w trakcie budowy Fala projektowane 4452334 Fala Wave 4budowy Fala projektowane Fala 534 –– w w trakcie trakcie budowy 45Sunlight Fala 45 –– analysis w budowy - axonometric Fala w trakcie trakcie budowy under construction 5 Fala 5 – w trakcie budowy 5 Wave 5 1 Fala 1 – laboratoria, administracja under construction
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Sunlight analysis – axonometric
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Wave 1 – laboratories, administration Wave construction Wave 21 –– under laboratories, administration Wave phaseadministration laboratories, Wave 312 –– design under construction Wave Wave 423 –– under designconstruction phase Wave design phase Wave 534 –– under under construction construction Wave Wave 45 –– under under construction construction Wave 5 – under construction
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Wave 1 – laboratories, administration Wave 2 – under construction Wave 3 – design phase Wave 4 – under construction Wave 5 – under construction
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poziom -1 floor level -1
Section
s siaduj ce panele elewacyjne kontynuacja wzoru perforacji adjacent elevation panels, continue with perforation pattern adjacent elevation panels continue with perforation pattern 1
FAAB | PL 04-147 Warszawa ul. Stoczkowska 11/8 | T. 22 740 2000 | E. faab@faab.pl | www.faab.pl FAAB | PL 04-147 Warszawa ul. Stoczkowska 11/8 | T. 22 740 2000 | E. faab@faab.pl | www.faab.pl FAAB | PL 04-147 Warszawa ul. Stoczkowska 11/8 | T. 22 740 2000 | E. faab@faab.pl | www.faab.pl
FAAB | PL 04-147 Warszawa ul. Stoczkowska 11/8 | T. 22 740 2000 | E. faab@faab.pl | www.faab.pl
Investor: Invicta Clinics and Medical Laboratories Project: FAAB (www.faab.pl) FAAB | PL 04-147 Warszawa ul. Stoczkowska 11/8 | T. 22 740 2000 | E. faab@faab.pl | www.faab.pl Project Team: Adam Białobrzeski, Adam Figurski, Maria Messina Assistant Architects: Anna Miłosz, Mikołaj Szewczyk Concrete Structure: Building ma paneleVII sekcji VII section panels KAPPA Projekt Process. section panels VII Steel Structure: PF Projekt kontynuacja wzoru pattern perforacjionnaadjacent s siaduj panels cych panelach Steel Construction Devices: continuation of perforated It was determ continuation of perforated pattern on adjacent panels Statikus panels on the Sanitary Engineers: Ecocad, Profen so that the pa the axis of the perforation of the building facades, Electrical Engineers: Proj-jack. the next. n t oś wzoru perforacji elewacji budynku odchylenie osi wzoru perforacji deviation of pattern axis caused from the curvature of the ce z krzywizny elewacji budynku Profen of the fa ade building’s wynikaj elevation the axis of the perforation of the building facades deviation of pattern axis caused from the curvature of the building s elevation Construction Project Managers: and the pres Tomasz Olkowski, Michał Buturla performed in translucencie offset of the perforated pattern by 0.5 the edge of Façade: Anko odsunięcie wzoru perforacji o 0 cm 5 cmfrom od krawędzi paneli the panels offset of the perforated pattern by 0.5 cm from the edge of theHVAC: panels The panel tha Scrol Electrical Contractor: Koma Nord of pattern flu façade was b Ceiling Main Hall: Renova proposed sol Staircase: mock-up mad Stolarstwo Andrzej Wandtke, drawings of t Recreational Terrace: southern ele Centrum Parkietowe A. Pietrzak field in turn d Lighting: Lira Lighting drawn at 1:1 Materials: Polbruk: Technical Pavements; Urbanika 60 paving of the drawin stones; Concreate: PURE paving the aluminum slab; HanseGrand Krystyna Bayer: adjacent sect mineral surface; Laminam: ceramic painted, and panels; Aluprof: profile system with assembly. a odchylenie wzoru perforacji wynikaj ce z dopasowania panelihidden elewacyjnychsash; Paged: plywood; Sika: deviationtworz of thecych perforated due matching of the krzywiznępattern elewacji do to części pionowej elewacji floor resin; Royal Mosa: murals, wall facade panels forming curvature of the to theof the facade panels deviation of thethe perforated pattern duefacade to matching finishing; Tarkett: tile carpet; Isinac: vertical part of the facade forming the curvature of the facade to the vertical part of the facade acoustic panels; Bel Aqustic: hybrid acoustic absorbers; Audac: internal speakers; Koło Geberit Group: washbasin and toilet; Teknos: paints ragment dwóch s siaduj cych profili elewacji z paneli perforowanych ragment of two adjacent facade profiles made of perforated panels
1:25
Fragment of two adjacent facade profiles made of perforated panels
Photo: ©FAAB/Maciej Lulko (source: v2com) l’AI 168 89
90 l’AI 168
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HEAVEN & HELL SPA Valdaora (BZ), Italy Studio noa*
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eaven & Hell est le nom du spa “suspendu” et “sens dessus dessous” qui inaugure la nouvelle saison à l’Alpin Panorama Hotel Hubertus du groupe Belvita Leading Wellnesshotels Südtirol. Un concept de beauté innovant offrant une immersion totale dans les paysages naturels des Alpes et des Dolomites classés au patrimoine mondial de l’UNESCO. L’espace bien-être comprend d’abord une salle de relaxation (sans textile) et se poursuit avec la plateforme en porte-à-faux qui abrite les piscines et les saunas. La philosophie du projet repose sur le principe des contraires, d’où son nom Heaven & Hell. La plateforme 92 l’AI 168
se compose de deux niveaux : dans celui du dessus, l’“Heaven”, se trouvent les piscines à ciel ouvert, et en dessous, l’“Hell”, abrite deux saunas. Les cabines avec les saunas sont renversées. La structure statique est réalisée en acier, tandis que le toit est constitué de panneaux en aluminium. Des lames métalliques ont été installées pour protéger des regards indiscrets les saunas et la salle de relaxation. Le sol de la plateforme est revêtu de carreaux de couleur gris/beige, et celui de la salle de relaxation est en parquet clair. La structure est reliée à l’espace détente de l’hôtel par une passerelle et offre de nouvelles expériences de bien-être aux clients.
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eaven & Hell è il nome della Spa “sospesa” e “capovolta” che inaugura la nuova stagione dell’Alpin Panorama Hotel Hubertus dei Belvita Leading Wellnesshotels Südtirol. Innovativo concetto di bellezza con l’immersione totale nei paesaggi naturali delle Alpi e delle Dolomiti Patrimonio Mondiale UNESCO. L’area wellness inizia con una stanza relax (textile-free) e prosegue con la piattaforma sporgente dove si trovano pool e saune. La filosofia del progetto ruota intorno al principio degli opposti, da qui il nome Heaven&Hell. La piattaforma ha
Client: Gruppo Belvita Leading Wellnesshotels Südtirol Project: Studio noa* (www.noa.network)
due piani: sopra, nell’Heaven, le piscine all’aperto, mentre sotto, nell’Hell, due saune. Le casette che ospitano le saune sono capovolte. La struttura statica è in acciaio, mentre la copertura è realizzata con pannelli in allumino. Per garantire una schermatura di privacy alle saune e alla stanza relax sono state installate lamelle in metallo. La pavimentazione della piattaforma è realizzata con piastrelle grigio/beige, nella stanza relax un parquet chiaro. La struttura è collegata alla zona relax dell’hotel tramite una passerella e regala agli ospiti nuove prospettive di benessere.
H
eaven & Hell is the name of the “suspended upside down” Spa that opens the new season at Alpin Panorama Hotel Hubertus belonging to Belvita Leading Wellnesshotels Südtirol. An innovative concept of beauty totally immersed in the natural landscapes of UNESCO World Heritage sites in the Alps and Dolomites. The wellness area begins with a relaxation room (textile-free) and continues in the form of an overhanging platform where the pools and saunas are located. The project’s underlying philosophy revolves around the principle of opposites, hence the name
Heaven&Hell. The platform has two floors: th outdoor pools are above in Heaven and there are two saunas below in Hell. The small houses accommodating the saunas are upside down. The static structure is made of steel, while the roof is made of aluminum panels. Metal louvers have been installed to provide privacy, screening off the saunas and relaxation room. The platform flooring is made of gray/beige tiles with light-coloured parquet in the relaxation room. The facility is connected to the hotel’s relaxation area by a walkway so guests can enjoy new perspectives on wellness. l’AI 168 93
MEDIA LIBRARY
Porto-Vecchio (Corse), France Dominique Coulon & associés
L
e site proposé était occupé par de très beaux arbres, chênes verts et oliviers, mais aussi par de magnifiques rochers. Le principe du projet consiste à préserver le paysage. Un relevé précis de chaque arbre et de chaque rocher a été fait. La forme du bâtiment s’inscrit en déduction de ces éléments caractéristiques. Le bâtiment semble flotter au-dessus de ce paysage, il l’altère le moins possible. Dans cette stratégie d’évitement, le dessin des courbes permet de contourner les arbres et les rochers. Le bâtiment fonctionne comme un écrin en négatif, il accueille le paysage pour mieux le protéger. Une rampe accompagne les usagers vers le jardin, qui leur est réservé. Il est pensé comme un lieu de lecture à ciel ouvert, et un bar d’été se glisse sous le bâtiment pour offrir une terrasse ombragée. La sous-face du bâtiment est dessinée comme un espace à part entière, un espace qui regarde le jardin. À l’intérieur, c’est la fluidité de l’espace qui prévaut. La lumière naturelle abonde et les baies offrent des panoramas choisis. Ce projet tire sa plasticité des éléments du site, il fait écho au paysage en le révélant. 94 l’AI 168
I
l sito proposto era occupato non solo da una serie di bellissime querce e ulivi, ma anche da magnifiche rocce. Il principio del progetto consiste nel preservare il paesaggio. Di ogni albero e di ogni roccia è stato redatto un rilievo preciso. Da questi elementi caratteristici si deduce la forma dell’edificio. L’edificio sembra fluttuare sopra il paesaggio, con il minor impatto possibile. In accordo con questa strategia di evitamento, le sue curve sono progettate per aggirare gli alberi e le rocce. L’edificio funziona come una scatola in negativo, abbracciando il paesaggio per proteggerlo al meglio. Una rampa conduce gli utenti verso un giardino riservato, pensato come luogo di lettura all’aria aperta, mentre un bar estivo si insinua nello spazio sottostante l’edificio per fornire una terrazza ombreggiata. La parte inferiore dell’edificio è progettata come un’area a sé stante, uno spazio che si affaccia sul giardino. All’interno, la caratteristica principale è la fluidità dello spazio. C’è molta luce naturale e le rientranze curve offrono una scelta di viste panoramiche. Sono gli elementi del sito a produrre la plasticità di questo progetto, facendo eco al paesaggio e rivelandone la bellezza.
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he proposed site was occupied by not only a number of beautiful oak and olive trees, but also some magnificent rocks. The principle of the project consists of preserving the landscape. A precise survey was drawn up of every tree and every rock. The shape of the building is deduced from these characteristic elements. The building appears to float above the landscape, with as little impact on it as possible. In accordance with this avoidance strategy, its curves are designed to circumvent the trees and rocks. The building functions as the opposite of a presentation box, embracing the landscape the better to protect it. A ramp leads users towards their special garden, thought out as a place for reading in the open air, while a summer bar slips into the space beneath the building to provide a shaded terrace. The underside of the building is designed as an area in its own right - a space facing the garden. In the interior, the main feature is the fluidity of the space. There is abundant natural light, and the bays offer a choice of panoramic views. It is the elements of the site that produce the plasticity of this project, echoing the landscape by revealing its beauty.
Project: Dominique Coulon & associés (www.coulon-architecte.fr) Photo: ©Eugeni Pons
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SALONE DEL MOBILE MILANO 2022
Maurizio Vitta
Timo Ripatti, Cut, Axolight 96 l’AI 166
Caro amico ti scrivo… “Caro amico ti scrivo, così mi distraggo un po’...”. La voce di Lucio Dalla, il celebre cantautore italiano, risuona dal 1978, dalle profondità del tempo, nitida e ferma, eppure carica di angoscia per un mondo in dissoluzione ed esasperato. Se non resta che scrivere agli amici per non pensare alle cose che ci ruotano intorno, le speranze si riducono al lumicino. Ancor peggio, se si tratta di cose serie come il design, immagine trionfante di una modernità presto dimenticata e ridotta a una figurina di Capodimonte, deliziosa, ma vuota. È questo che il Salone del Mobile 2022, giunto alla sua 60º edizione, ci ha mostrato? La manifestazione milanese è dedicata, come si sa, alla commercializzazione dei prodotti che nel settore del mobile hanno creato forme nuove, sperimentato materiali diversi, migliorata la produzione, proposto inedite funzioni. È un Salone per antonomasia delle novità. O almeno così si direbbe, visto che la mostra si è da tempo divisa in due settori distinti per dare conto della massa di proposte e sperimentazioni. Oggi è toccato, secondo una rigida classificazione, all’EuroCucina e al Salone Internazionale del Bagno: come dire, la mostra degli oggetti, degli attrezzi, degli spazi che hanno direttamente a che fare con il corpo umano. Ad accompagnare il Salone si è visto per un verso la cucina, il cibo, l’alimentazione, la cultura del benessere; per un altro l’igiene, la bellezza, la cura dell’aspetto, la ricerca della eterna giovinezza. Ma questo Salone è, nel suo complesso, il mondo che, come volle la filosofia cartesiana, si è diviso tra la mente e il corpo, lasciando alla prima la supremazia dello spirito e al secondo quello della materia; in pratica riservando a questo ultimo solo le sue basse necessità. Il mondo del corpo è anche il mondo della quotidianità, quello in cui ci collochiamo dalla nascita in poi, quello che ci accoglie e ci giustifica. Ecco perché questa rassegna non dovrebbe essere solo una esposizione di prodotti industriali o artigianali, ma in più un’analisi dei modi in cui questi prodotti vengono concepiti, progettati, usati. Ciò significa, in pratica, riflettere ogni volta sui problemi dell’esistenza di ciascuno di noi, prima di dare vita alle cose. Allora ci si accorgerà che il problema, così come si presenta oggi ai progettisti, agli industriali, ai designer, non è tanto adattare nuove forme a nuovi prodotti, quanto interpretare lo stesso concetto di funzione e di forma alla luce di nuovi valori, che ormai si qualificano come postindustriali. Per fare un esempio a caso: cosa si intende per ”design” oggi? La risposta a questa domanda appare subito ingarbugliata, perché ingarbugliato è, come si vede visitando proprio le mostre del Salone, il settore dal quale il design trae principalmente la sua giustificazione. Da un lato esso rimanda alla tradizione millenaria della casa; dall’altro, si rifà alla tradizione moderna dell’abitazione. Tutto il resto sembrerebbe venire da sé. Il design della casa comprende tutte le attività dell’esistenza domestica (mangiare, dormire, prendersi cura di sé); quello dell’abitazione comprende tutte le attività riguardanti la creazione, la conduzione e la gestione dell’attività di gruppo. Ebbene, ciò che subito risulta in questa duplicità, e che questo Salone del Mobile 2022 ci ha subito mostrato, è per un lato l’immobilità del mondo della casa, e per un altro la mobilità di quella dell’abitazione. Il primo esprime i valori perenni dell’esistenza colti nella loro dimensione antropologica e naturale; il secondo illustra il continuo adattamento del comportamento umano al progresso e al cambiamento. Una pentola per cucinare è rimasta immutata nel suo volume e nella sua forma per millenni; un dispositivo per cuocere al forno ha subito in pochi anni azioni e mutamenti sempre più vertiginosi. Ebbene, le domande che si pongono oggi al design sono per l’appunto da un lato la difesa dei genuini valori antropologici e dall’altro l’esplorazione di tutte le possibilità tecniche e scientifiche del momento. Ma è proprio questo obiettivo che il Salone 2022 (e molti altri nel passato) ha mancato, a onta del suo sfoggio di lustrini e fuorisalone. In esso è assente proprio quella minima riflessione sul mobile d’oggi, sui suoi rapporti con la cultura del tempo, compresa la sua funzione in un mondo sempre più lontano dalle certezze passate e di una forma sempre più vaga rispetto ai canoni trionfanti di una volta. Bisognerebbe accettare l’idea che nella storia non sono mai le cose a cambiare per prime, ma gli esseri umani, cui le cose si adeguano e si adattano. Le cose, o per meglio dire gli oggetti trovati, manipolati, inventati nel corso di una lunga storia, alla cui conclusione provvisoria sta questo Salone del Mobile 2022, ondeggiano intorno a noi come puri spiriti, pronti tuttavia a manifestarsi nella loro materialità e nella loro indipendenza. Questa è la natura del design. Basta saperlo afferrare non nella sua astratta libertà, ma nel suo oscuro, paziente, quotidiano destino. Così dice tutto sommato Lucio Dalla nella sua canzone, di cui ci siamo permessi di leggere il finale ricco di ammonimenti: “L’anno che sta arrivando tra un anno passerà . / Io mi sto preparando ed è questa la novità”. l’AI 168 97
Caro amico ti scrivo… “Caro amico ti scrivo, così mi distraggo un po’...” [“Cher ami je t’écris, comme ça je me distrais un peu …”] La voix de Lucio Dalla, le célèbre auteur-compositeur-interprète italien, résonne depuis 1978, claire et posée, et pourtant pleine d’angoisse pour un monde exaspéré et en pleine dissolution. S’il ne nous reste plus qu’à écrire à nos amis pour ne plus penser à ce qui nous entoure, l’espoir se réduit comme une peau de chagrin. C’est encore pire lorsqu’il s’agit de choses sérieuses comme le design, image triomphante d’une modernité vite oubliée et réduite à une statuette de Capodimonte, ravissante mais vide. Est-ce cela que le Salon du meuble 2022, qui en est à sa 60e édition, nous a montré ? Comme nous le savons, l’événement milanais est consacré à la commercialisation de produits qui, dans l’industrie du meuble, ont introduit de nouvelles formes, expérimenté de nouveaux matériaux, amélioré la production et proposé des fonctions originales. C’est le salon des nouveautés par excellence, ou du moins c’est ce qu’il semble être, puisque ça fait longtemps que l’exposition a été divisée en deux secteurs distincts pour tenir compte de la multitude de propositions et d’expériences à présenter. Aujourd’hui, c’était le tour, selon un classement rigoureux, d’EuroCucina et de l’Exposition internationale de la salle de bains : pour ainsi dire, l’exposition d’objets, d’outils, d’espaces qui ont un rapport direct avec le corps humain. À l’occasion du Salon, on a vu d’une part, la cuisine, la nourriture, l’alimentation, la culture du bien-être et, de l’autre, l’hygiène, la beauté, le soin de l’apparence, la quête de la jeunesse éternelle. Mais, pris dans son ensemble, ce Salon est le monde qui, comme le voulait la philosophie cartésienne, s’est divisé entre le mental et le corps, en laissant au premier la suprématie de l’esprit et au second celle de la matière, ne réservant pratiquement au second que ses besoins les plus bas. Le monde du corps est aussi le monde de la quotidienneté, celui dans lequel nous entrons dès la naissance, celui qui nous accueille et nous justifie. C’est pourquoi cette exposition ne devrait pas seulement être une exposition de produits industriels ou artisanaux, mais aussi, et surtout, une analyse de la manière dont ces produits sont conçus, réalisés, utilisés. Concrètement, cela signifie réfléchir chaque fois aux problèmes de l’existence avant de donner vie aux choses. On comprendra alors que le problème, tel qu’il se pose aujourd’hui aux concepteurs, aux industriels et aux designers, n’est pas tant d’adapter de nouvelles formes à de nouveaux produits, mais d’interpréter ce concept de fonction et de forme à la lumière de nouvelles valeurs, que l’on qualifie à présent de post-industrielles. Pour donner un exemple au hasard : qu’entend-on par design “aujourd’hui ?” La réponse à cette question s’avère immédiatement confuse, car elle est confuse, comme on peut le constater en visitant les expositions du Salon justement, le secteur d’où le design tire sa principale justification. D’une part, il renvoie à la tradition millénaire du foyer et, de l’autre, il se réfère à la tradition moderne de l’habitat. Tout le reste semble aller de soi. La conception de la maison comprend toutes les activités de la vie domestique (manger, dormir, prendre soin de soi), tandis que la conception du logement comprend toutes les activités qui concernent la création, la direction et la gestion de l’activité de groupe. En fait, ce qui apparaît immédiatement dans cette duplicité, et ce que ce Salon du meuble 2022 nous a montré d’emblée, c’est, d’un côté, l’immobilité du monde de la maison et, de l’autre, la mobilité de celui de l’habitation. Le premier exprime les valeurs éternelles de l’existence saisies dans leur dimension anthropologique et naturelle, et le second témoigne de l’adaptation continue du comportement humain au progrès et au changement. Pendant des millénaires une casserole est une casserole, elle n’a pas changé, en termes de volume et de forme, alors qu’en quelques années seulement, un appareil de cuisson au four a subi des actions et des changements de plus en plus vertigineux. En fait, les questions posées au design aujourd’hui sont, d’une part, la défense de valeurs anthropologiques authentiques et, d’autre part, l’exploration de toutes les possibilités techniques et scientifiques du moment. Mais c’est précisément cet objectif que le Salon 2022 (et beaucoup d’autres par le passé) a manqué, malgré son étalage de paillettes et d’off-show. Dans ce Salon, il n’y a pas la moindre réflexion sur le mobilier d’aujourd’hui, sur ses rapports avec la culture du moment, ni sur sa fonction dans un monde de plus en plus éloigné des certitudes du passé et d’une forme de plus en plus vague par rapport aux canons triomphants du temps jadis. On devrait accepter l’idée que dans l’histoire, ce ne sont jamais les choses qui changent en premier, mais les êtres humains, auxquels les choses s’adaptent et se plient. Les choses, ou plutôt les objets trouvés, manipulés, inventés au cours d’une longue histoire, à la conclusion provisoire de laquelle se trouve ce Salone del Mobile 2022, planent autour de nous comme de purs esprits, pourtant prêts à se manifester dans leur matérialité et leur indépendance. C’est la nature même de la conception. Il suffit de la saisir, non pas dans sa liberté abstraite, mais dans son obscur, patient, destin quotidien. Somme toute, c’est ce que dit Lucio Dalla dans sa chanson, dont nous avons pris la liberté de lire la fin en guise d’avertissement : “L’année qui vient passera dans un an / Moi je me prépare et c’est là la nouveauté.” 98 l’AI 168
Photo (source www.salone.it): Andrea Mariani
Dear friend, I am writing to you… “Dear friend, I am writing to you to take my mind off things...”. The voice of Lucio Dalla, the famous Italian singer-songwriter, resounds from 1978, from the depths of time, crisp and steady, yet full of anguish for a world that is falling apart and is in a desperate state. If all we have left to do is write to friends to take our minds off the things going on around us, then our hopes are reduced to just the faintest glimmer. Even worse if it comes to serious things like design, the triumphant image of modernity quickly forgotten and reduced to a Capodimonte porcelain figurine, delightful but empty. Is that what the 2022 Furniture Show, which has now reached its 60th edition, has shown us? The Milanese event is focused, as we know, on marketing products that have created new forms and experimented with different materials in the furniture industry, improving manufacturing and offering new functions. It is an exhibition which, by definition, is all about innovation. Or so it would seem, since the exhibition has long since divided into two distinct sections to handle the mass of artefacts and experiments. According to strict classification, today it was the turn of EuroCucina and the International Bathroom Show: in other words, the exhibiting of objects, utensils and spaces that have directly to do with the human body. Accompanying the Salon was, on one hand, cuisine, food and the culture of well-being; on the other, personal hygiene, beauty, grooming and the quest for eternal youth. But, on the whole, this show is like a world which, along the lines of Cartesian philosophy, is split into mind and body, with the former imposing the supremacy of the spirit and the latter that of matter; in practice leaving only its baser needs to the latter. The world of the body is also the world of everyday life, life in which we exist from birth onwards, the life into which we are welcomed and vindicated. That is why this exhibition should not be just an exhibition of industrial or handmade products, it should be a study into the ways in which these products are invented, designed and used. In practice, that means reflecting on the problems afflicting all our lives before bringing things to life. Then we will realise that the problem, as it presents itself to designers and industrialists today, is not so much adapting new forms to new products as interpreting the very concept of form and function in light of new values now classed as post-industrial. To give a random example: what does ‘design’ mean nowadays? The answer to this question seems to be as twisted and tangled because, as can be seen when visiting the exhibitions at the Furniture Show, the industry underpinning design is itself completely tangled up. On one hand, it harks back to the ancient tradition of the home; on the other, it refers to the modernday home. Everything else just follows on naturally. Home design encompasses every aspect of domestic life (eating, sleeping, taking care of oneself); designing a dwelling encompasses everything associated with the creation, running and management of group activities. Well, what immediately emerges in this duplicity, something that the 2022 Furniture Show clearly brings to the fore, is, on the one hand, the static nature of the home and, on the other, the mobility associated with a dwelling. The former embodies expresses the age-old values of life captured in their anthropological and natural essence; the latter illustrates how human behaviour constantly adapts to progress and change. A cooking pot has remained unchanged in its shape and size for millennia; a baking device has undergone increasingly starting modifications and changes in just a few years. So, the issues facing design today are, on the one hand, how to safeguard real anthropological values and, on the other, how to explore all the technical and scientific possibilities of the moment. But that is exactly what the 2022 Furniture Show (and many others in the past) has failed to address, despite all the glitter and glitz and off-the-show events. What is lacking is the very slights attempt to reflect on modern-days furniture and how it relates to the culture of our times, including its function in a world that has lost many of its past certainties and is increasingly vague and blurred compared to the triumphant clear-cut canons of yesteryear. We should accept the idea that it is never things that change first in history but human beings, to whom things adjust and adapt. Things (or rather objects that have been found, manipulated and invented over a long period of time at the provisional end of which we have this 2022 Furniture Show) hover around us like pure spirits, ready, however, to reveal their material nature and independence. This is the nature of design. You just have to know how to grasp it not in its abstract freedom but in its obscure, patient, daily unfolding. That is what Lucio Dalla says in his song, whose ending we have taken the liberty of quoting since it is full of warnings: ‘The year that is coming will be over in a year’s time / I’m getting ready for it and that is the real news’. 100 l’AI 168
Be-On Collection, Segis l’AI 168 101
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inalmente dopo due anni di assenza a Milano si è potuto realizzare nuovamente il Salone del Mobile e relativi Fuorisalone e Design Week. Nuovamente gli alberghi hanno fatto il pieno e migliaia di visitatori, come sempre avvenuto nelle precedenti edizioni, hanno messo a dura prova le infrastrutture della città. Tutto è andato come previsto dagli organizzatori, ma dobbiamo far notare come negli ultimi Saloni non è mancata l’affermazione della qualità formale e costruttiva di tutti i prodotti presentati con successo di mercato, tuttavia non si è segnalata alcuna innovazio-
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inalement, après une absence de deux ans, le Salon du meuble de Milan, ainsi que son Fuorisalone et la Design week qui y sont associés, a pu rouvrir ses portes. Et de nouveau, les hôtels ont affiché complet et, comme lors de chaque édition précédente, des centaines de milliers de visiteurs ont mis à rude épreuve les infrastructures de la ville. Tout s’est déroulé comme le prévoyaient les organisateurs, mais nous devons préciser que, comme lors des derniers salons, si la qualité formelle et constructive de tous les produits présentés avec succès sur le marché n’a pas manqué, aucune nouveauté significative en
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inally, after two years off the agenda, the Milan Furniture Show and its associated Fuorisalone events and Design Week finally took place. Once again, the hotels were full and thousands of visitors, as has always been the case at previous editions, putting the city’s infrastructure to the test. Everything went as planned by the organisers, but we ought to point out that, although there has been no lack of stylistic/structural quality in the products successfully showcased at the last few shows, there has not been any real sign of any purposeful innovation in terms of forms and materials and,
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ne propositiva di forme e materiali e soprattutto pare ci sia una mancanza di impegno e investimenti nella ricerca su progetto di design. Progetto che deve tener conto dei bisogni e delle necessità della attuale società, che sta tentando di uscire dalla crisi pandemica, e che ha modificato costumi e stili di vita. Il lusso inteso ancora come nel fine secolo scorso ha perso di senso. Forse occorre ritrovare gli entusiasmi nella ricerca che, nei lontani anni Sessanta e Settanta, hanno rivoluzionato tutto l’industrial design. Il Museo del Compasso d’Oro di Milano ne è testimone. Cesare Maria Casati
matière de formes et de matériaux n’a été constatée, mais plutôt, le manque d’engagement et d’investissement dans la recherche en matière de design. Un projet qui doit tenir compte des besoins et des nécessités de la société actuelle, qui tente de sortir de la crise liée à la pandémie, et qui a changé les habitudes et les modes de vie. Le luxe tel qu’on le concevait à la fin du siècle dernier a perdu son sens. Peut-être faut-il retrouver l’enthousiasme pour la recherche qui a révolutionné tout le design industriel dans les années 1960 et 1970. Le musée du Compas d’Or de Milan en est témoin.
most significantly, there seems to be a lack of commitment to and investment in experimentation in design. Design focused on meeting the needs and requirements of modern-day society, which is trying to recover from the pandemic that has changed habits and lifestyles. Luxury treated the way it was at the end of the last century has lost all meaning. Perhaps we need to rediscover the enthusiasm for research and experimentation that revolutionised the whole of industrial design back in the 1960s and 1970s. The Compasso d’Oro Museum in Milan bears witness to this.
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Claudio Silvestrin, fuse bronze table, Minotticucine Sogni shower, Gessi Gwenael Nicolas/Curiosity Tokyo, Fragment, Budri Andrea Boschetti, Teatro La Bella, Lualdi Andrea Anastasio, Intervalli Floreali, Foscarini Paneco installation l’AI 168 103
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Kitchen Frame Marmo, Modulnova Ludocica e Roberto Palomba, Agos table, Fiam Daniel Rybakken, Bislet, Luceplan F. Rota Design, Filo, Paola Lenti (ph: Sergio Chimenti) Alberto Minotti, Maya Oro, Minotticucine Palomba Serafini Associati, Solos, Ideal Standard Rain Shower Dornbracht Studio Meneghello Paolelli, Hug, S-Cab Andrea Boschetti with Ana Lazovic, Epi&Arc, Mirage R.Rizzini design, Altopiano, Paola Lenti (ph: Sergio Chimenti) Enfasi Mistral, Steel Andrea Trimarchi e Simone Farresin/ Formafantasma, FFQT taps collection, Quadrodesign l’AI 168 105
TOSHIYUKI KITA
“TIMELESS FUTURE” L’Otani Memorial Art Museum de Nishinomiya (Osaka) a présenté l’exposition “Timeless Future”, consacrée aux œuvres les plus importantes de Toshiyuki Kita (www.toshiyukikita.com), un designer japonais de renommée internationale. Né à Osaka en 1942, Toshiyuki Kita est titulaire d’un diplôme de design industriel et a ouvert sa propre agence dans sa ville natale en 1967. Le designer japonais, qui depuis 1969 partage sa vie entre Milan et Osaka, a toujours entretenu un lien étroit avec l’Italie où il est venu pour la première fois en 1969, et où il a commencé sa carrière de designer qui le consacrera plus tard parmi les grands noms du design international. En 2011, il a reçu le Compas d’Or pour sa carrière. Les créations de Kita, débordantes d’une sensibilité libre, sont porteuses de valeurs qui dépassent les frontières nationales et sont reconnues non seulement au Japon mais aussi dans le monde entier. Le fauteuil “Wink”, qui présente une forme organique, dont les parties peuvent être déplacées pour épouser la forme du corps, a été immédiatement apprécié en Italie, et a contribué à la renommée de Toshiyuki Kita. Tout en créant de nouveaux produits qui devancent le temps, Toshiyuki Kita respecte également la force de l’artisanat japonais traditionnel, en utilisant des matériaux tels que le papier Mino Washi ou le bambou. Kita propose des concepts pour la sauvegarde de l’artisanat traditionnel afin qu’il puisse être utilisé durablement dans la vie moderne sans paraître décalé. Ces dernières années, l’utilisation de matériaux fortement ancrés dans la communauté locale est également devenue un thème majeur des créations de Kita, dans le cadre de ses efforts pour contribuer à une société durable. L’Otani Memorial Art Museum di Nishinomiya (Osaka) ha dedicato fino al maggio scorso la mostra “Timeless Future” alle più importanti opere di Toshiyuki Kita (www.toshiyukikita.com), designer giapponese di fama internazionale. Nato ad Osaka nel 1942, Toshiyuki Kita ha conseguito il diploma in Industrial Design e nel 1967 ha aperto un proprio studio nella città natale. Il designer giapponese che dal 1969 vive tra Milano ed Osaka ha mantenuto un forte legame con l’Italia dove si recò per la prima volta nel 1969 iniziando lì la sua carriera di designer che lo avrebbe successivamente consacrato tra i grandi nomi del design a livello mondiale. Nel 2011 ha ricevuto il Compasso d’Oro alla carriera. I progetti di Kita, traboccanti di libera sensibilità, hanno valori che trascendono i confini nazionali e sono riconosciuti non solo in Giappone ma anche in tutto il mondo. La sedia “Wink”, che ha una forma organica e le cui parti possono essere spostate per seguire i movimenti del corpo umano, è stata subito apprezzata in Italia, diffondendo il nome di Toshiyuki Kita nel mondo. Nel creare nuovi progetti che anticipano i tempi, Kita rispetta anche la tradizione dell’artigianato giapponese, utilizzando materiali come carta Mino washi o il bambù. Kita propone progetti per la conservazione dei mestieri tradizionali in modo che possano essere utilizzati in modo permanente nella vita moderna senza sentirsi fuori luogo. Negli ultimi anni, l’uso di materiali radicati nella comunità locale è diventato anche un tema importante nei progetti di Kita come parte dei suoi sforzi per contribuire a una società sostenibile. 106 l’AI 168
CYBORG 1986, INTERPROFIL/Aidec Germany
DESIGN Until last May, the Otani Memorial Art Museum in Nishinomiya (Osaka) dedicated the “Timeless Future” exhibition to the most important works of Toshiyuki Kita (www.toshiyukikita.com), an internationally renowned Japanese designer. Born in Osaka in 1942, Toshiyuki Kita graduated in Industrial Design and in 1967 opened his own studio in his hometown. The Japanese designer who lives between Milan and Osaka since 1969 has maintained a strong bond with Italy where he went for the first time in 1969, starting his career as a designer there which would later consecrate him among the great names in design worldwide. In 2011 he received the Compasso d’Oro for his career. Kita’s designs, overflowing with free sensitivity, have values
SARUYAMA WAKAMARU MULTI LINGUAL CHAIR KICK
that transcend national borders and are recognized not only in Japan but also around the world. The “Wink” chair, which has an organic form and whose parts can be moved to follow the movements of the human body, was immediately popular in Italy, spreading the name of Toshiyuki Kita throughout the world. While creating new designs that foresee the times, Kita also respects the power of traditional Japanese craftsmanship, using materials such as Mino washi paper or bamboo. Kita proposes designs for the preservation of traditional crafts so that they can be used permanently in modern life without feeling out of place. In recent years, the use of materials rooted in the local community has also become a major theme in Kita’s designs as part of its efforts to contribute to a sustainable society.
TAKE stool 2009, stile LIFE
SARUYAMA & SARUYAMA ISLAND, MOROSO
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TOSHIYUKI KITA
“TIMELESS FUTURE”
WINK 1980, CASSINA
FLAT BAMBOO 2016
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HANA 2002, stileLIFE
DESIGN
SING&SONG 1996, SAPORITI ITALIA
KYO (Floor Lamp) 1983, stileLIFE
NUPRI 2019, CONDE HOUSE
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STEVE LEUNG DESIGN GROUP Steve Leung Design Group Ltd (www.sldgroup.com) a célébré son 25e anniversaire en juin 2022, avec une série d’événements. À l’occasion du 65e anniversaire de Steve Leung, fondateur de SLD, le groupe publiera la nouvelle monographie de Steve fin 2022. Parmi les événements marquants, citons notamment l’ouverture officielle du centre culturel SLD+
Ying Hero, Lualdi
de SLD, prévue pour le dernier trimestre de cette année, ainsi que des dîners de gala à Hong Kong, Shanghai et Guangzhou, prévus en décembre. Steve Leung a présenté ses nouveaux projets au Salon du meuble 2022, résultats de ses collaborations exclusives avec les marques de mobilier italiennes Visionnaire, Lema et Lualdi.
Ying Hero, Lualdi
Demos Sofa, Visionnaire
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DESIGN Steve Leung Design Group (www.sldgroup.com) pone una pietra miliare significativa in quanto ha segnato ufficialmente il suo 25° anniversario con una serie di celebrazioni nel giugno 2022. In contemporanea col 65° compleanno di Steve Leung, fondatore di SLD, il Gruppo pubblicherà la nuova monografia di Steve entro la fine del 2022. Gli eventi salienti includono anche l’inaugurazione ufficiale del centro di
cultura aziendale SLD+, che dovrebbe aver luogo nell’ultimo trimestre di quest’anno, nonché, a dicembre, le cene di gala a Hong Kong, Shanghai e Guangzhou, per festeggiare insieme alla comunità del design. Steve Leung ha presentato al Salone del Mobile 2022 i suoi nuovi progetti frutto di collaborazioni esclusive con i marchi di mobili italiani Visionnaire, Lema e Lualdi.
Eureka, Lema
Steve Leung Design Group (www.sldgroup.com) enters a significant milestone as it officially marks its 25th anniversary with a series of celebrations since June 2022. In conjunction with Steve Leung, Founder of SLD’s 65th birthday, the Group will release Steve’s new monograph by the end of 2022. Highlighted events also include the official grand opening of SLD’s corporate culture centre SLD+,
expected to take place in the last quarter of this year, as well as Gala Dinners in Hong Kong, Shanghai and Guangzhou, planned for December, to celebrate with the design community. Steve Leung presented his new projects at the Salone del Mobile 2022, the result of exclusive collaborations with the Italian furniture brands Visionnaire, Lema and Lualdi. l’AI 168 111
A+B/ DOMINONI QUAQUARO DESIGN SNOWKING Prod. Caimi www.caimi.com
La nouvelle collection de sièges Snowking est imaginée pour s’adapter et interpréter les problèmes acoustiques. La finesse et la pureté des lignes permettent de minimiser les dimensions de l’assise. Le dossier est très haut pour développer une grande surface insonorisante ainsi que pour assurer plus d’intimité et de protection.
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La collezione di sedute Snowking è concepita per adattarsi e interpretare le problematiche acustiche. Lo schienale è molto alto per consentire una maggiore privacy e protezione, oltre a sviluppare un’ampia superficie fonoassorbente; la forma riesce a sdrammatizzare le dimensioni, facendo risaltare l’esilità delle linee.
In the new seating collection Snowking, design shows an understanding of acoustic issues, adapting itself accordingly. Greater privacy and protection are achieved through a very high back, which also provides an extensive sound-absorbing surface; the shape renders its size less dramatic, highlighting the grace of its lines.
BULGARI
OCTO FINISSIMO WATCH
DESIGN
Prod. Bulgari www.bulgari.com
Montre Octo Finissimo Ultra à mouvement mécanique, de fabrication ultra-mince, à remontage manuel, boîtier (1,80 mm d’épaisseur) et bracelet (1,50 mm d’épaisseur) en titanium sablé et cliquet en acier inoxydable gravé d’un code QR qui renvoie à une œuvre d’art exclusive de NFT. Édition limitée à 10 unités.
Orologio Octo Finissimo Ultra con movimento meccanico di manifattura ultrapiatto, carica manuale, cassa e bracciale (spessore 1,80 mm) in titanio sabbiato (spessore 1,50 mm) e cricchetto in acciaio inossidabile con inciso un codice QR che rimanda a un’esclusiva opera d’arte NFT. Edizione limitata 10 PZ.
Octo Finissimo Ultra watch with mechanical manufacture ultrathin movement, manual winding, sandblasted titanium case (1.80 mm thick) and bracelet (1.50 mm thick) and stainless steel ratchet engraved with a QR code that links to an exclusive NFT artwork. Limited edition 10 PCS.
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PHILIPPE STARCK
TALLEYRAND BY STARCK
DESIGN
Prod. Baccarat www.baccarat.it
Depuis une vingtaine d’années, Philippe Starck transmet son regard visionnaire à Baccarat, en guidant les icônes de la marque vers un nouveau destin. Fou d’Harcourt, qu’il a revisité avec humour et poésie au fil du temps, il rend à présent hommage à Talleyrand, une autre collection iconique de Baccarat.
Da 20 anni, Philippe Starck trasmette a Baccarat il suo sguardo visionario, dirottando le icone del brand verso un nuovo destino. Pazzo per Harcourt, che nel tempo ha rivisitato con umorismo e poesia, il creativo rende ora omaggio a Talleyrand, un’altra emblematica collezione di Baccarat.
Éminence grise
Stravaganza - Flûte champagne
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For 20 years, Philippe Starck has been transmitting his visionary gaze to Baccarat, hijacking the icons of the brand towards a new destiny. Crazy for Harcourt, who over time has revisited with humor and poetry, the creative now pays tribute to Talleyrand, another emblematic Baccarat collection.
Aurore rosée
Verre Cocktail
Comme de l’or noir caviar bowl
FABIO NOVEMBRE, FERRUCCIO LAVIANI, PIERO LISSONI, RODOLFO DORDONI
DESIGN
EYEWEAR DESIGN COLLECTION Prod. Kartell www.kartell.it
Les designers appelés à interpréter la nouvelle ligne de lunettes ont apporté chacun leur approche personnelle, mais tout en respectant l’identité de Kartell, et en utilisant des éléments et des matériaux qui font partie de son projet industriel. Les collections adoptent la transparence, caractéristique symbolique du style Kartell pour de nombreuses créations, combinée à la recherche continue de nouveaux matériaux durables tels que KartellBio, un matériau écologique appliqué pour la première fois à ce projet, qui répond au souci de durabilité manifesté depuis plusieurs années, mais qui utilise également le métal, respectant ainsi la tradition des montures de lunettes. I designer chiamati a interpretare la nuova linea di occhiali hanno portato la propria personale visione nel rispetto identitario di Kartell, utilizzando elementi e materiali che fanno parte del suo progetto industriale. Le collezioni mutuano la trasparenza, materia simbolo del design Kartell, unita alla continua ricerca di nuovi materiali sostenibili come KartellBio, un materiale green applicato per la prima volta a questo progetto che risponde alla scelta di sostenibilità portata avanti ormai da diversi anni, ma utilizza anche il metallo, nel rispetto della tradizione dell’occhialeria. The designers called to interpret the new eyewear line brought each his personal vision but in full respect of Kartell’s identity, using elements and materials that are part of his industrial project. The collections borrow transparency, a symbolic material of Kartell design for many of the proposals, combined with the continuous search for new sustainable materials such as KartellBio, a green material applied for the first time to this project that responds to the choice of sustainability carried out for several years now. , but also uses metal, respecting the tradition of eyewear.
Fabio Novembre, SHIELD K Blue
Ferruccio Laviani, SEGMENTI Square Dark Green
Piero Lissoni, EYELINER Round Tortoise
Rodolfo Dordoni, LOO-K Black l’AI 168 115
AGENDA MILANO CIMITERO MONUMENTALE Maurizio Cattelan. Lullaby Through 6/11/2022 www.museodelnovecento.org
VENEZIA FONDAZIONE VEDOVA Rainer – Vedova: Ora Through 30/10/2022 www.fondazionevedova.org
œuvre intitulée Lullaby réalisée par Maurizio Cattelan en 1994, pour commémorer le massacre de la Via Palestro, perpétré par la mafia, où une formidable explosion avait causé la mort de cinq personnes, est exposée dans le hall du Temple Crématorium du Cimetière monumental de Milan. Dans les jours qui suivirent l’attentat, Maurizio Cattelan avait récupéré des débris de l’immeuble détruit dans un dépôt de gravats, et c’est avec ces derniers qu’il a réalisé l’œuvre, en versant le matériel trouvé dans un sac de voyage et en l’exposant par la suite à la Laure Genillard Gallery de Londres et, parallèlement, lors d’une exposition collective au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, où ce matériel de démolition était réparti dans quarante sacs en plastique blancs. Après l’exposition en cours au Cimetière Monumental, l’œuvre, que Maurizio Cattellan a léguée au musée, ira s’ajouter aux prestigieuses collections du Museo del Novecento.
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n mostra nella sala del Tempio Crematorio del Cimitero Monumentale, l’opera Lullaby, da Maurizio Cattelan realizzata nel 1994 e dedicata al ricordo della strage mafiosa operata in via Palestro, dove una tremenda esplosione causò la morte di cinque persone. Nei giorni successivi al fatto, Cattelan aveva recuperato presso una discarica per macerie, i resti dell’edificio andato distrutto, e fu con quelli che realizzò l’opera, scaricando il materiale trovato in un borsone da viaggio ed esponendolo successivamente alla Laure Genillard Gallery di Londra e contemporaneamente in una mostra collettiva al Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, dove il materiale della demolizione venne invece distribuito in 40 sacchi di plastica bianca. A conclusione della mostra in corso presso il Cimitero Monumentale, l’opera, donata da Cattellan al Museo del Novecento, andrà a completarne le prestigiose collezioni.
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n display in the hall of the Crematorium Temple of the Monumental Cemetery, the work Lullaby, by Maurizio Cattelan created in 1994 and dedicated to the memory of the mafia massacre carried out in via Palestro, where a tremendous explosion caused the death of five people. In the days following the event, Cattelan had recovered the remains of the destroyed building from a rubble dump, and it was with them that he created the work, unloading the material found in a travel bag and subsequently exhibiting it at the Laure Genillard Gallery in London and at the same time in a group exhibition at the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, where the demolition material was instead distributed in 40 white plastic bags. At the end of the current exhibition at the Monumental Cemetery, the work, donated by Cattellan to the Museo del Novecento, will complement its prestigious collections.
Arnulf Rainer, Federkreuz, 1989 (©Christian Schepe, Linz)
algré leurs différences d’âge et de formation, Arnulf Rainer (Baden bei Wien, 1929) et Emilio Vedova (Venise, 1919-2006) ont entretenu une longue amitié et partagé des expériences artistiques similaires liées à leurs vicissitudes humaines respectives et à leur identité de naissance et de génération (l’un autrichien et l’autre vénitien). Ils sont actuellement réunis dans le cadre de ce dialogue artistique qui continue celui entamé à Baden bei Wiener, au Musée Arnulf Rainer, où les deux artistes ont discuté et travaillé pour interpréter les relations qui marquèrent l’histoire de Venise et de Vienne. rnulf Rainer ed Emilio Vedova (scomparso nel 1919) furono amici che condivisero esperienze artistiche simili pur se nella diversità formativa determinata dalle rispettive vicende umane e nelle identità di nascita e generazionali (austriaco l’uno e veneziano l’altro). E sono le ragioni che hanno spinto la Fondazione Vedova a condividere questo progetto e introdurlo nella mostra realizzata in collaborazione con l’Arnulf Rainer Museum, collegando idealmente Vienna e Venezia attraverso le opere di due sommi artisti del nostro tempo, testimoniandone l’umanità attenta e profonda, che seppe indagare ed esprimere la fragilità del vissuto e la sua bellezza come entità consapevole della propria imperfezione.
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PARIS, FONDATION CARTIER POUR L’ART CONTEMPORAIN Mirdingkingathi Juwarnda Sally Gabori Through 6/11/2022 www.fondationcartier.com onsidérée comme l’une des plus grandes artistes australiennes contemporaines de ces vingt dernières années, Sally Gabori a commencé à peindre en 2005, à l’âge de quatre-vingts ans, et atteint rapidement une renommée artistique internationale. En quelques années d’une rare intensité créative, jusqu’à sa disparition en 2015, elle a produit une œuvre unique aux couleurs vibrantes sans lien apparent avec d’autres courants esthétiques, notamment au sein de la peinture aborigène contemporaine. Cette exposition, qui réunit une trentaine de peintures monumentales, est organisée en étroite collaboration avec la famille de l’artiste et la communauté Kaiadilt, ainsi qu’avec les plus grands spécialistes de l’art et de la culture Kaiadilt.
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rnulf Rainer and Emilio Vedova (who passed away in 1919) were friends who shared similar artistic experiences albeit in their own distinctive way due to their different backgrounds, birthplaces and ages (one Austrian and the other Venetian). These are the main reasons why Fondazione Vedova decided to share this project and incorporate it in an exhibition organised in partnership with Arnulf Rainer Museum, ideally linking Vienna and Venice through the works of two supreme artists of our age, testifying to their deep-rooted humanity that enabled them to investigate and express the fragility and beauty of life as a kind of entity aware of its own imperfection.
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onsiderata una delle più grandi artiste australiane contemporanee degli ultimi due decenni, Sally Gabori ha iniziato a dipingere nel 2005, intorno agli ottant’anni, e ha rapidamente raggiunto fama internazionale. In pochi anni di rara intensità creativa, e prima della sua morte nel 2015, ha sviluppato un corpus di opere unico e vivacemente colorato senza legami apparenti con altre correnti estetiche, in particolare all’interno della pittura aborigena contemporanea. Riunendo una trentina di dipinti monumentali, questa mostra è organizzata in stretta collaborazione con la famiglia dell’artista e la comunità Kaiadilt, insieme ai massimi specialisti dell’arte e della cultura Kaiadilt.
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onsidered one of the greatest contemporary Australian artists of the past two decades, Sally Gabori began painting in 2005, around the age of eighty, and rapidly achieved international renown. In just a few short years of a rare creative intensity, and prior to her death in 2015, she developed a unique, vibrantly colorful body of work with no apparent ties to other aesthetic currents, particularly within contemporary Aboriginal painting. Bringing together some thirty monumental paintings, this exhibition is organized in close collaboration with the artist’s family and the Kaiadilt community, alongside the foremost specialists in Kaiadilt art and culture.
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Sally Gabori, Nyinyilki – Main Base, 2009 (©The Estate of Sally Gabori. Private collection, Adelaide, Australia. Photo ©Simon Strong)
FIRENZE MUSEO NOVECENTO Alfonso Femia. Architettura e Generosità Through 5/10/2022 www.museonovecento.it a loggia intérieure du Museo Novecento se transforme en lieu d’exposition pour accueillir le dixième épisode de “Il tavolo dell’architetto”. Ce dixième volet explore l’univers conceptuel et intime de l’architecte Alfonso Femia et de son(ses) Atelier(s) à partir de la représentation d’une figure zoomorphe, la Baleine, choisie comme symbole des contenus et des valeurs fondatrices de l’agence, s’inspirant du travail de Pino Pascali, et résume une série de réflexions qui “viennent des abysses les plus profonds de la mer, capables d’émerger et de créer un dialogue fructueux avec les différentes époques de l’humanité”, a déclare Laura Andreini, commissaire de l’exposition. Le “Réalisme imaginaire” de Femia accompagne le visiteur parmi une trentaine de maquettes en céramique, dessins, textes, croquis, vidéos et sons provenant des profondeurs de la mer, sans oublier le Bestiario Mediterraneo (Bestiaire méditerranéen) conçu par Alfonso Femia en 2011 à l’occasion du projet des OGR de Turin, et réalisé par le maître céramiste Danilo Trogu, qui a toujours accompagné ce voyage.
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Installation view (photo: Serge Domingie)
l loggiato interno del Museo è trasformato in occasione della mostra – decimo appuntamento della rassegna Il tavolo dell’architetto – che esplora il mondo intimo e progettuale di Alfonso Femia e dei suoi Atelier(s) a partire dalla rappresentazione della Balena. Rappresentazione immaginifica e zoomorfa dei contenuti e dei valori dello studio, questo simbolo, che trae ispirazione dell’opera di Pino Pascali, riassume i valori fondativi degli Atelier(s) Femia attraverso una serie di pensieri che “provengono dagli abissi più profondi del mare, in grado affiorare e creare un dialogo proficuo con i diversi Tempi dell’umanità”, dichiara Laura Andreini, curatrice della mostra. Il “Realismo Immaginario” di Femia accompagna il visitatore tra circa 30 tra modelli, oggetti di ceramica, disegni, parole, schizzi, video e suoni provenienti dalla profondità dei mari, oltre al Bestiario Mediterraneo ideato da Femia nel 2011 in occasione del progetto delle OGR di Torino e realizzato dal Maestro ceramista Danilo Trogu, che da sempre accompagna questo viaggio.
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he internal loggia of the Museum is transformed into the occasion of the exhibition – 10th appointment of the Il tavolo dell’architetto series – which explores the intimate and design world of Alfonso Femia and his Atelier(s) starting with the representation of the Whale. Imaginative and zoomorphic representation of the contents and values of the studio, this symbol, which draws inspiration from the work of Pino Pascali, summarizes the founding values of the Atelier(s) Femia through a series of thoughts that “come from the deepest abysses of the sea, able to emerge and create a fruitful dialogue with the different times of humanity ”, declares Laura Andreini, curator of the exhibition. Femia’s “Imaginary Realism” accompanies the visitor among about 30 models, ceramic objects, drawings, words, sketches, videos and sounds coming from the depths of the seas, in addition to the Mediterranean Bestiary created by Femia in 2011 on the occasion of the OGR project of Turin and created by the ceramic master Danilo Trogu, who has always accompanied this journey.
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MAXXl Roma 2022/2023 www.maxxi.art
travers une série d’expositions, le MAXXI explore les relations entre l’art, l’architecture, la science, les nouvelles technologies et l’intelligence artificielle, une initiative qui concerne l’exposition “What a Wonderful World”, organisée par MAXXI Arte, qui se tiendra jusqu’en mars 2023, et l’exposition “Technoscape. Architecture of Engineering” organisée par Maristella Casciato et Pippo Ciorra, prévue du 30 septembre 2022 au 10 avril 2023. “What a Wonderful World” met en lumière la nouvelle présentation de l’Arte Collection, avec des installations signées par quatorze artistes internationaux, et notamment Rosa Barba, Carsten Holler, Liliana Moro et Jon Rafman, tandis que “Tecnoscape. Architecture of Engineering” parle de l’ingénierie traditionnelle de la construction et de la nouvelle technologie, c’est-à-dire celle qui utilise des outils numériques pour concevoir des bâtiments et des villes. “Ingenio. Visionary ideas from the Archive”, une petite sélection de projets d’ingénierie issus des archives du MAXXI, sera également présentée, sous la direction de Tullia Iori, à partir du 30 septembre. La série thématique se termine avec “Architetture Fatte ad Arte”, la nouvelle installation de la Collezione Architettura consacrée aux archives BBPR, Costantino Dardi, Luigi Moretti, Vincenzo Monaco et Amedeo Luccichenti sous la direction du MAXXI Architettura, qui sera présentée d’octobre 2022 à l’automne 2023.
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l MAXXI si indaga, con una serie di mostre, il rapporto tra arte, architettura, scienza, nuove tecnologie e intelligenza artificiale, iniziativa che riguarda la mostra “What a Wonderful World”, a cura del MAXXI Arte e in corso sino a marzo 2023, e la mostra “Technoscape. Architettura dell’Ingegneria”, a cura di Maristella Casciato e Pippo Ciorra, in programma dal 30 settembre 2022 al 10 aprile 2023. “What a Wonderful World” evidenzia il nuovo allestimento della Collezione Arte, con le installazioni di 14 artisti internazionali, tra cui Rosa Barba, Carsten Holler, Liliana Moro e Jon Rafman, mentre “Technoscape. Architettura dell’Ingegneria” racconta l’ingegneria delle costruzioni tradizionale e la “nuova” tecnologia, ovvero quella che si serve di strumenti digitali per progettare edifici e città. Dal 30 settembre sarà inoltre presentata la rassegna “Ingenio. Idee visionarie dall’Archivio”, piccola selezione di progetti ingegneristici provenienti dagli archivi del MAXXI, a cura di Tullia Iori. Conclude il filone tematico “Architetture Fatte ad Arte”, il nuovo allestimento della Collezione Architettura dedicato agli archivi BBPR, Costantino Dardi , Luigi Moretti, Vincenzo Monaco e Amedeo Luccichenti a cura del MAXXI Architettura, previsto da ottobre 2022 all’autunno 2023.
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AXXI is investigating, through a series of exhibitions, the relationship between art, architecture, science, new technologies and artificial intelligence, an initiative that concerns the “What a Wonderful World” exhibition, curated by MAXXI Arte and running until March 2023. and the “Technoscape” exhibition. “Architecture of Engineering”, curated by Maristella Casciato and Pippo Ciorra, scheduled from 30 September 2022 to 10 April 2023. “What a Wonderful World” highlights the new staging of the Art Collection, with installations by 14 international artists, including Rosa Barba, Carsten Holler, Liliana Moro and Jon Rafman, while “Technoscape. Architecture of Engineering” tells about traditional construction engineering and the new technology, that is, the one that uses digital tools to design buildings and cities. The “Ingenio. Visionary ideas from the Archive” review, a small selection of engineering projects from the MAXXI archives, curated by Tullia Iori, will also be presented from 30 September,. The thematic line is completed by “Architectures Fatte ad Arte” the new display of the Architecture Collection dedicated to the BBPR, Costantino Dardi, Luigi Moretti, Vincenzo Monaco and Amedeo Luccichenti archives curated by MAXXI Architecture, scheduled from October 2022 to autumn 2023.
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AGENDA VENEZIA MAGAZZINI DEL SALE Emilio Vedova e i Magazzini del Sale Through 30/10/2022 www.fondazionevedova.org est dans le sillage du concept « Arrêtons la boule de la démolition » (pour sauver les Magazzini del Sale), exprimé par Emilio Vedova dans un article de presse de 1974, qu’a été définie cette mise en valeur d’un lieu, dont la Fondation Emilio & Anna Bianca Vedova avait chargé Renzo Piano qui était lié à Emilio Vedova par une longue amitié, et qui avait pu exposer et partager avec lui de son vivant, une idée de projet extraordinaire qu’Emilio Vedova avait approuvée avec enthousiasme. En effet, l’espace occupé par les anciens entrepôts de sel a été respecté à ce titre, sans prévoir la moindre intervention sur les murs de briques d’origine, ni sur les charpentes de bois qui soutiennent la couverture, tandis qu’une terrasse légèrement inclinée en lattes de mélèze brossées a été posée sur le sol en pavé de pierre, accentuant ainsi la perception de la perspective des etrepôts sous lesquels ont été logées des installations alimentées par des sources d’énergie renouvelables. Au centre des charpentes en bois et sur toute la longueur du bâtiment se trouve un rail le long duquel se déplacent dix navettes robotisées contrôlées électroniquement, équipées de bras mobiles et extensibles et d’un treuil qui permet de accrocher les œuvres à différentes hauteurs dans les archives et de les porter dans l’espace d’exposition, pour les positionnant à l’endroit prévu.
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el solco del concetto “Fermiamo il piccone demolitore“ (per salvare i Magazzini del Sale), espresso da Emilio Vedova in uno scritto giornalistico datato 1974, si è determinata questa valorizzazione di un luogo, che la Fondazione Emilio e Annabianca Vedova ha commissionato a Renzo Piano. Lo spazio del Magazzino è stato rispettato senza prevedere alcun intervento sulle originarie pareti in mattoni, né sulle capriate che sostengono la copertura. Mentre sul pavimento in masegni di pietra è stato appoggiato un impalcato in doghe di larice spazzolato, leggermente inclinato dove sotto sono stati alloggiati gli impianti che utilizzano fonti di energia rinnovabili. Nella parte iniziale due grandi pareti divergenti, asimmetriche e diagonali rivestite di doghe di larice come il pavimento, accolgono i visitatori e contengono le attività di servizio. Nella parte finale sono invece state archiviate, e perfettamente allineate nella apposita struttura metallica, le opere. Al centro delle capriate e per la lunghezza dell’edificio è stato fissato un binario lungo il quale si muovono dieci navette robotizzate, comandate elettronicamente, dotate di bracci mobili ed estensibili e di un argano che ne permette differenti altezze per prelevarne le opere dall’archivio, e portarle nello spazio espositivo, posizionandole nel punto previsto.
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rawing inspiration from an article Emilio Vedova wrote back in 1974 calling for a “Stop to the demolition process” (to save the Magazzini del Sale), this project to redevelop a location that the Fondazione Emilio e Annabianca Vedova was commissioned to Renzo Piano. It fully respects the the Magazzino premises without in any way altering the original brick walls or the trusses supporting the roof. While on the stone masegni floor, a slightly sloping deck of brushed larch slats has been placed on the stone floor. Two large, asymmetrical, diagonal walls covered with larch slats at the building entrance welcome visitors and hold the utility services. The end section is, on the other hand, used for storing the artworks that are set perfectly in line inside the metal structure. A track has been installed in the middle of the trusses along the entire length of the building with ten robotic shuttles moving along it. The shuttles are electronically controlled and fitted with movable and extendable arms and a winch that can pick up the works from the archive and take them into the exhibition space, carefully positioning them in their designated spots.
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MILANO, TRIENNALE XXIII Mostra Internazionale Triennale di Milano Through 11/12/2022 triennale.org a XXIIIe édition de l’Exposition internationale de la Triennale de Milan, organisée autour du thème “Inconnu inconnus. Une introduction aux mystères”, présente des installations, des interventions et des projets spéciaux développés pour s’interroger sur “ce que nous ne savons pas que nous ne savons pas”. L’édition de cette année présente une série d’œuvres d’art et d’installations conçues par d’éminents architectes et designers originaires de 40 pays, tels que Francis Kéré, lauréat du prix d’architecture Pritzker 2022, avec une installation rassemblant les voix de l’Afrique et de sa diaspora. L’exposition thématique est organisée par Ersilia Vaudo, astrophysicienne et responsable de la diversité de l’Agence spatiale européenne. Deux expositions majeures sont conçues avec la Fondation Cartier pour l’art contemporain. Une série d’installations et de projets spéciaux impliquant les historiens de l’art Giovanni Agosti et Jacopo Stoppa sont également exposés, ainsi que des œuvres musicales, cinématographiques et éditoriales d’artistes internationaux, tels que le célèbre architecte et designer Andrea Branzi. Stefano Boeri, président de la Triennale de Milan, précise que, dans un moment dramatique comme celui que nous traversons, il est absolument nécessaire de préserver et de promouvoir les occasions de dialogue entre les différents pays, les cultures et les peuples, et rappelle que l’objectif de cette 23e exposition internationale est principalement de susciter de nombreux débats et des échanges importants.
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a XXIII Mostra Internazionale di Triennale Milano, ispirata al tema “Sconosciuto sconosciuti. An Introduction to Mysteries”, pone in evidenza installazioni, interventi e progetti speciali ideati per “generare discussioni su ciò che non sappiamo di non sapere”. Presenti nell’Esposizione una serie di opere d’arte e installazioni progettate da importanti architetti e designer provenienti da 40 paesi, con Francis Kéré, vincitore del Pritzker Architecture Prize 2022 che crea una mostra tematica curata da Ersilia Vaudo, astrofisica e Chief Diversity Officier dell’Agenzia Spaziale Europea. Due notevoli mostre sono invece ideate con la Fondation Cartier pour l’Art Contemporain. Presente anche una serie di installazioni e progetti speciali che coinvolgono gli storici dell’arte Giovanni Agosti e Jacopo Stoppa, unendosi a pezzi musicali, cinematografici ed editoriali di artisti internazionali, tra i quali il noto architetto e designer Andrea Branzi. Stefano Boeri, Presidente di Triennale Milano, sottolinea che, in un momento drammatico come quello attuale, sia assolutamente necessario preservare e promuovere opportunità di dialogo tra Paesi, culture e popoli diversi e ribadisce che l’obiettivo di questa XXIII Mostra Internazionale sia principalmente creare molteplici dibattiti e importanti discussioni.
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he 23rd Triennale Milano International Exhibition, inspired by the theme “Unknown unknown. An Introduction to Mysteries”, highlights installations, interventions and special projects designed to “generate discussions about what we don’t know we don’t know”. Present in the exhibition a series of works of art and installations designed by leading architects and designers from 40 countries, with Francis Kéré, winner of the Pritzker Architecture Prize 2022 who creates a thematic exhibition curated by Ersilia Vaudo, astrophysicist and Chief Diversity Officer of the European Space Agency. Two notable exhibitions have instead been conceived with the Fondation Cartier pour l’Art Contemporain. There is also a series of installations and special projects involving art historians Giovanni Agosti and Jacopo Stoppa, joining musical, cinematographic and editorial pieces by international artists, including the well-known architect and designer Andrea Branzi. Stefano Boeri, President of Triennale Milano, underlines that, in a dramatic moment like the present one, it is absolutely necessary to preserve and promote opportunities for dialogue between different countries, cultures and peoples and reiterates that the objective of this 23rd International Exhibition is mainly to create multiple debates and important discussions.
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BARCELONA MUSEU NACIONAL D’ART DE CATALUNYA Maternasis Through 25/9/2022 www.museunacional.cat
MILANO PALAZZO REALE Oliviero Toscani. Professione Fotografo Through 25/9/2022 www.palazzorealemilano.it
exposition “Maternasis”, du nom d’un livre culte de l’artiste Núria Pompeia, publié par Kairós en 1967, permet de redécouvrir des créateurs extraordinaires, dont certains étaient oubliés jusqu’à récemment, tels que Mari Chordà, Roser Bru, Parvine Curie et Núria Pompeia elle-même. Parmi les œuvres de ces artistes, certaines traitent de questions personnelles et intimes dont, paradoxalement, les femmes ont souvent été privées. L’un de ces thèmes, exceptionnel dans un corpus iconographique qui a été dominé par les hommes, est la grossesse, moment crucial de la maternité, qui concerne intimement les femmes et possède une dimension mystérieuse et profonde, et en même temps, sociale. Cette exposition permet d’aborder les multiples dimensions d’une expérience à la fois quotidienne et transcendante.
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aternasis”, dal nome di un libro iconico dell’artista Núria Pompeia, pubblicato nel 1967, permette di riscoprire creatrici sorprendenti, alcune fino a poco tempo fa dimenticate, come Mari Chordà, Roser Bru, Parvine Curie e la stessa Núria Pompeia. Tra le opere, ci sono quelle che trattano questioni personali e intime di cui, paradossalmente, le donne sono state spesso private. Uno di questi temi, eccezionale in un corpus iconografico che è stato dominato dagli uomini, è la gravidanza, tappa fondamentale della maternità, che riguarda intimamente la donna e ha una dimensione misteriosa e profonda, e insieme sociale. La mostra permette di affrontare le molteplici dimensioni di un’esperienza che è sia quotidiana che trascendente.
exposition, présentée par Nicolas Ballario, réunit 800 clichés réalisés par Oliviero Toscani, qui mettent en lumière à la fois ses œuvres emblématiques et d’autres moins connues, qui illustrent son long parcours professionnel et intérieur, ainsi que cette singulière force déductive et émotionnelle que Toscani sait transmettre par l’image et évoquer avec une provocation déconcertante. Un hommage de la ville de Milan à l’occasion de son 80e anniversaire, qui rassemble les œuvres qu’il a réalisées du début des années 1960 à nos jours.
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Núria Pompeia. Original for the book Maternasis, 1967
aternasis”, named after an iconic book by the artist Núria Pompeia, published in 1967, allows to rediscover amazing creators, some until recently forgotten, such as Mari Chordà, Roser Bru, Parvine Curie and Núria Pompeia herself. Among the works of these creators are those that deal with personal and intimate issues that, paradoxically, women have often been deprived of. One of these issues, exceptional in an iconographic corpus that has been dominated by men, is pregnancy, a key stage of motherhood, which concerns women intimately and has a mysterious and profound dimension, and at the same time, social. The set allows to tackle the multiple dimensions of an experience that is both everyday and transcendent.
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ROMA, MACRO Lisa Ponti. Il disegno di una mostra Through 30/10/2022 www.museomacro.it xposition d’une série d’œuvres de Lisa Ponti (1922-2019), figure féminine au talent créatif et poétique singulier, fille bien-aimée de Gio Ponti, qu’il appelait “la lumière de mes yeux”, aux côtés duquel elle est restée et a travaillé dans différents contextes artistiques et culturels, notamment en tant que rédactrice en chef de publications telles que Stile et Domus (1940-1979), en se distinguant particulièrement pour sa compétence et le soin et qu’elle apportait à l’art. Les œuvres présentées dans cette exposition se distinguent par la légèreté délicate et imaginative d’un trait libre et rapide (généralement exécuté au stylo ou au crayon), qui savait saisir l’instant fugace d’une suspension poétique évoquée avec la vivacité de l’impulsion artistique, qui devenait langage et mémoire imprimés dans la petite feuille de papier blanc tout juste effleurée. Et nombreuses sont les œuvres légères, semblables à des pétales de rose et à des souvenirs, qui jalonnent cette exposition.
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ono in mostra una serie di opere di Lisa Ponti (19222019) che, figura femminile di singolare talento creativo e poetico, è stata la beneamata figlia di Gio Ponti, da lui chiamata “luce dei miei occhi”, al fianco del quale sostò e operò in vari contesti artistici e culturali, anche come caporedattrice di testate quali Stile e Domus (1940 -1979), distinguendosi particolarmente per la cura e la competenza dedicata all’arte. i suoi lavori esposti in rassegna si evidenziano per la leggerezza delicata e immaginifica di un tratto libero e veloce (solitamente eseguito in penna o matita) che sapeva cogliere l’istante fuggente di una sospensione poetica evocata con la vivacità dell’impulso d’arte, che diveniva linguaggio e memoria impressi nel piccolo foglio bianco appena sfiorato. E sono numerose le opere lievi, simili a petali di rose e rimembranze, che affollano questa mostra.
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a mostra, curata da Nicolas Ballario, espone 800 scatti realizzati da Oliviero Toscani ponendone in evidenzia sia le opere iconiche sia altre meno note, che ne illustrano il lungo percorso professionale e interiore, nonché quella singolarissima carica deduttiva ed emozionale che Toscani sa trasmettere con immagini ed evocare con sconcertante provocazione. L’occasione è un omaggio della Città di Milano ai suoi 80 anni, che riunisce ed espone i lavori realizzati dai primi anni ’60 fino a oggi mediante le immagini e campagne pubblicitarie che lo hanno celebrato in tutto il mondo.
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his exhibition, curated by Nicolas Ballario, displays 800 shots taken by Oliviero Toscani highlighting both his most iconic and other lesser-known works as an overview of his long professional career and the inner journey he has been on. It also illustrates that very singular deductive/ emotional charge that Toscani manages to convey in images and cleverly evoke with such a disconcerting sense of provocation. This event is also a tribute by the City of Milan for his 80th birthday that brings together and exhibits works he has created from the early 1960s to the present day in the form of images and advertising campaigns that have given him world renown.
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n display are a series of works by Lisa Ponti (1922-2019). A female figure of singular creative/poetic talent, she was the beloved daughter of Gio Ponti, whom he referred to as the “apple of my eyes”. She lived and worked alongside him in various artistic and cultural guises, including as editor-in-chief of publications such as Stile and Domus (1940 -1979), notably distinguishing herself for the skill and care she devoted to art. Her works on display at this exhibition stand out for the delicate and imaginative lightness of free and fast strokes (usually with a pen or pencil) that captured fleeting instants of poetic suspension evoked with great artistic verve. This was the hallmark of her own stylistic language and the memories she left imprinted on small white sheets of paper barely brushed over by the artist. The exhibition features plenty of gentle works reminiscent of rose petals and remembrances.
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AGENDA MOSS (NORWAY) GALLERI F 15 Katie Paterson – Evergreen Through 5/10/2022 gallerif15.no
MELBOURNE HEIDE MUSEUM OF MODERN ART Bruce Munro – From Sunrise Road Through 16/10/2022 www.heide.com.au
atie Paterson, née à Glasgow en 1981, est considérée comme l’une des principales artistes de sa génération qui travaillent à la frontière de l’art et de la science. Collaborant avec de grands scientifiques et des chercheurs du monde entier, les projets poétiques et conceptuels de Katie Paterson examinent notre place sur Terre en tenant compte du temps et des changements géologiques. Ses œuvres d’art font appel à des technologies sophistiquées et à l’expertise de spécialistes afin de créer des relations intimes, poétiques et philosophiques entre les personnes et l’environnement naturel. Mille arbres ont été plantés dans la forêt de Nordmarka, qui fourniront du papier pour une anthologie spéciale de livres qui sera imprimée dans cent ans.
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Bruce Munro, Time and Again, 2019 (©2019 Bruce Munro. All rights reserved. Photo: Serena Munro)
a lumière est un élément essentiel de la pratique de l’artiste britannique Bruce Munro, surtout connu pour ses installations immersives de grande envergure, principalement inspirées par son intérêt pour l’expérience humaine partagée. L’exposition révèle la profondeur de la pratique de l’artiste et la richesse de ses sources, qu’elles soient personnelles, littéraires, philosophiques ou spirituelles. À la fois contemplative, ludique et stimulante, l’exposition offre une expérience interactive qui éveille les sens et enrichit l’esprit.
a luce è un elemento essenziale della pratica dell’artista britannico Bruce Munro, noto soprattutto per le sue installazioni immersive su larga scala ispirate in gran parte dal suo interesse per l’esperienza umana condivisa. La mostra rivela la profondità della pratica dell’artista e l’ampiezza delle sue fonti, da quelle personali e letterarie a quelle filosofiche e spirituali. Allo stesso tempo contemplativa, giocosa e stimolante, la mostra offre un’esperienza interattiva che coinvolge i sensi e arricchisce la mente.
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Katie Paterson,100 Billion Suns (Installation view in Venice), 2011 (Photo: ©MJC Courtesy of the artist) atie Paterson, nata a Glasgow nel 1981, è considerata una delle principali artiste della sua generazione che lavora al nesso tra arte e scienza. Collaborando con i principali scienziati e ricercatori di tutto il mondo, i progetti poetici e concettuali di Paterson considerano il nostro posto sulla Terra nel contesto del tempo geologico e del cambiamento. Le sue opere si avvalgono di tecnologie sofisticate e competenze specialistiche per creare impegni intimi, poetici e filosofici tra le persone e l’ambiente naturale. Mille alberi sono stati piantati nella foresta di Nordmarka, che fornirà la carta per una speciale antologia di libri da stampare tra cento anni.
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atie Paterson, born in Glasgow 1981, is regarded as one the leading artists of her generation working at the nexus of art and science. Collaborating with leading scientists and researchers across the world, Paterson’s poetic and conceptual projects consider our place on Earth in the context of geological time and change. Her artworks make use of sophisticated technologies and specialist expertise in order to create intimate, poetic and philosophical engagements between people and the natural environment. A thousand trees have been planted in the forest of Nordmarka, which will supply paper for a special anthology of books to be printed in one-hundred years’ time.
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ight is an essential element of the practice of British artist Bruce Munro, best known for his immersive, large-scale installations inspired largely by his interest in shared human experience. The show reveals the depth of the artist’s practice and the breadth of his sources, from the personal and literary to the philosophical and spiritual. At once contemplative, playful and thought-provoking, the exhibition offers an interactive experience that engages the senses and enriches the mind.
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MILANO TRIENNALE - GIARDINO GIANCARLO DE CARLO Mind the Stem Gap – A Roblox Jukeblox Through 31/10/2022 www.triennale.org onçue par la Fondation Bracco et développée par Space Caviar, l’installation dialogue avec la 23e Exposition internationale de la Triennale de Milan intitulée “Inconnu Inconnus – Une introduction aux mystères” (jusqu’au 11 décembre 2022) et propose une extraordinaire expérience immersive et interactive aux joueurs à partir de dix ans. Cette installation, qui se trouve dans le Jardin Giancarlo De Carlo, ressemble à première vue à un vaisseau spatial circulaire, évoquant le design italien, et permet d’accéder au jeu vidéo éducatif à travers 16 stations équipées de visionneuses optiques et de joysticks, destinées aussi bien aux filles (généralement peu intéressées) qu’aux garçons et à toute personne invitée à se lancer dans un voyage virtuel qui commence dans le jardin de la Triennale.
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installazione, ideata da Fondazione Bracco e progettata da Space Caviar, dialoga con i temi della 23ª Esposizione Internazionale di Triennale Milano dal titolo “Unknown Unknowns. An Introduction to Mysteries” (in corso sino all’11dicembre 2022) e propone un’esperienza di edutainment immersiva. Si tratta di un’installazione situata presso il Giardino Giancarlo de Carlo che allude al design italiano e consente di accedere al videogioco didattico attraverso 16 postazioni dotate di visori ottici e joystick. Utilizzando la piattaforma Roblox, ogni livello del gioco è dedicato a un sapere scientifico con sfide interattive, dalla fisica all’astronomia, in un percorso che dall’infinitesimale della molecola introduce il viaggiatore nell’immensità dello spazio, guidato da una “Virgilia”, che interpreta una scienziata del passato distintasi in quella disciplina.
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he installation, devised by Fondazione Bracco and designed by Space Caviar, dialogues with the subject matter of the 23rd Triennale Milano International Exhibition entitled “Unknown Unknowns. An Introduction to Mysteries” (running until 11th December 2022) and proposes an immersive and extraordinary edutainment experience. It is an installation located in the Giancarlo de Carlo Garden which provides access to an educational video game through 16 stations equipped with optical visors and joysticks. Using the Roblox platform, each level of the game focuses on specific scientific knowledge with interactive challenges covering everything from physics to astronomy. Travellers are taken from the infinitesimal smallness of molecules to the immensity of space guided by “Virgilia”, who plays a scientist from the past that has distinguished herself in this specific realm.
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WWW.CARMINATISERRAMENTI.COM PROJECT: CHRIS BRIFFA ARCHITECTS PHOTOGRAPHY: ALDO AMORETTI LOCATION: LA VALLETTA, MALTA
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WE DESIGN THE INVISIBLE