La revue internationale d’architecture, design et communication visuelle La rivista internazionale di architettura, design e comunicazione visiva The international magazine of architecture, design and visual communication
Précurseur de la photographie de mise en scène, James Casebere (1953) travaille à la convergence entre architecture, photographie et sculpture, explorant de nouvelles dimensions de l’espace et de la lumière qui sous-tendent une vision biomorphique du design et une prise de conscience des problèmes sociaux et environnementaux. Ses œuvres sont le résultat d’une approche créatve partculièrement originale qu’il développe à partr des années 1980. Il s’agit essentellement de photographies de modèles architecturaux que l’artste américain réalise en plâtre, carton et polystyrène et qu’il photographie ensuite en jouant sur des efets de lumière et de clair-obscur partculièrement saisissants. Il s’inspire d’architectures modernes et contemporaines qui, grâce à ce processus de réinterprétaton artstque, se transforment en images bidimensionnelles partculièrement captvantes, souvent entourées d’eau, symbole de l’inconscient, du passage du temps et de la mémoire, mais aussi des préoccupatons environnementales de l’artste. L’expositon “Seeds of Time” organisée par la galerie Sean Kelly à New York en juillet dernier a présenté une série d’œuvres récentes qui explorent le potentel de l’architecture dans la promoton de solutons durables et socialement responsables, de Balconies et Stairs inspirés des logements Aranya de Balkrishna Doshi en Inde, à Pato with Blue Sky et School qui réinterprètent le Startup Lions Campus de Francis Kéré au Kenya.
Precursore della fotografa scenica, James Casebere (1953) opera alla convergenza tra architetura, fotografa e scultura esplorando nuove dimensioni dello spazio e della luce che sotendono una visione biomorfca del design e una presa di coscienza delle problematche sociali e ambientali. Le sue opere sono il risultato di un approccio creatvo partcolarmente originale che ha sviluppato a partre dagli anni Otanta. Si trata sostanzialmente di fotografe di modelli di architetura che l’artsta americano realizza in gesso, cartone e polistrene e che poi fotografa giocando su efet di luci e chiaro scuro partcolarmente scenografci. Punto di partenza sono edifci di architet moderni e contemporanei che grazie a questo processo di reinterpretazione artstca vengono trasformat in immagini bidimensionali partcolarmente pregnant, spesso circondate dall’acqua, simbolo dell’inconscio, del trascorrere del tempo e della memoria, ma anche delle preoccupazioni ambientali dell’artsta. La mostra “Seeds of Time” organizzata dalla galleria Sean Kelly di New York il luglio scorso ha presentato una serie di lavori recent che indagano il potenziale dell’architetura nel promuovere soluzioni sostenibili e socialmente responsabili, da Balconies e Stairs ispirat al complesso residenziale Aranya di Balkrishna Doshi, in India, a Pato with Blue Sky e School che reinterpretano lo Startup Lions Campus di Francis Kéré in Kenya.
A trailblazer in the realm of scenic photography, James Casebere (1953) works on the cusp between architecture, photography and sculpture, exploring new dimensions of space and light that underlie a biomorphic vision of design and an awareness of social and environmental issues. His works are the result of a partcularly original creatve approach that he began developing in the 1980s. They are essentally photographs of architectural models that the American artst makes out of plaster, cardboard and polystyrene, which he then photographs by playing on partcularly striking light and chiaroscuro efects. He starts with buildings designed by modern and contemporary architects, which are then transformed through this process of artstc reinterpretaton into partcularly impressive two-dimensional images, ofen surrounded by water as a symbol of the subconscious, the passing of tme and memory, but also of the artst’s environmental concerns. The Seeds of Time exhibiton organised by the Sean Kelly Gallery in New York last July showcased a collecton of recent works investgatng the potental of architecture to promote sustainable and socially responsible solutons. The works ranged from Balconies and Stairs inspired by Balkrishna Doshi’s Aranya housing complex in India, to Pato with Blue Sky and School reinterpretng Francis Kéré’s Startup Lions Campus in Kenya.
James Casebere, Balconies, 2023, framed archival pigment print mounted to Dibond
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Holcim, leader dans le béton, les granulats et le ciment à faible impact environnemental, en partenariat avec la Norman Foster Foundaton, a présenté un nouveau prototype d’Essental Homes, un concept de maisons modulaires à bas prix imaginé pour être développé en Amérique latne courant 2025. Ce projet permetra de fournir aux communautés dans des situatons d’urgence un abri à la fois confortable, durable, sûr et efcace. Les Essental Homes seront construites avec des matériaux locaux à faible teneur en carbone, notamment le béton ECOPact et le ciment ECOPlanet.
glasitalia.com
Urquiola
Holcim, leader nel setore del calcestruzzo, inert e cemento a basso impato ambientale, in collaborazione con la Fondazione Norman Foster, ha presentato un nuovo prototpo di Essental Homes, un conceto di case modulari a basso costo pensato per essere sviluppato in America Latna nel corso del 2025. Questo progeto fornirà alle comunità in situazioni di emergenza un alloggio confortevole, durevole, sicuro ed efcace. Le Essental Homes saranno costruite con materiali locali a basse emissioni di carbonio, tra cui il calcestruzzo ECOPact e il cemento ECOPlanet.
Holcim, a leading player in the feld of environmentally friendly concrete, aggregates and cement, has unveiled a new prototype of Essental Homes in partnership with the Norman Foster Foundaton, a low-cost modular housing concept designed to be developed on a wide scale in Latn America in 2025. This project will quickly provide communites in emergency situatons with comfortable, durable, safe and efectve housing. Essental Homes will be built out of local, low-carbon materials, including ECOPact concrete and ECOPlanet cement.
“Le Pré Catelan”, constructon de style Napoléon III immergée dans le Bois de Boulogne, est le bâtment choisi par le CONI pour Casa Italia, qui a accueilli les athlètes de l’Italia Team et ses invités lors des Jeux Olympiques Paris 2024. Partenaire de Casa Italia, Glas Italia, fabricant de portes, cloisons et meubles en cristal, a partcipé au projet d’aménagement avec des pièces signées par d’importants designers, les tables Shimmer de Patricia Urquiola, Jabot de Mario Bellini et Hub de Piero Lissoni pour les trois salles d’hospitalité réservées aux athlètes et aux invités, et les tables basses Fountain de Tokujin Yoshioka et Shimmer pour les espaces lounge.
“Le Pré Catelan”, una costruzione in stle Napoleone III immersa nel Bois de Boulogne, è l’edifcio scelto dal CONI per Casa Italia, che ha accolto gli atlet dell’Italia Team e i suoi ospit durante i XXXIII Giochi Olimpici Paris 2024. Supporter di Casa Italia, Glas Italia, produtore di porte, paret divisorie e mobili in cristallo, ha partecipato al progeto di allestmento con pezzi frmat da important designer, i tavoli da pranzo Shimmer di Patricia Urquiola, Jabot di Mario Bellini e Hub di Piero Lissoni per le tre sale hospitality riservate agli atlet e agli ospit, e i tavoli bassi Fountain di Tokujin Yoshioka e Shimmer per le aree lounge.
“Le Pré Catelan”, a Napoleon III-style building immersed in the Bois de Boulogne, is the building that CONI (Italian Olympic Commitee) has chosen for Casa Italia to host the athletes of the Italy Team and its guests at the XXXIII Olympic Games in Paris 2024. Supporter of Casa Italia, Glas Italia, manufacturer of doors, parttons and crystal furniture, supplied the ftng out project with items created by leading designers: the Shimmer dining tables by Patricia Urquiola; Jabot by Mario Bellini and Hub by Piero Lissoni for the three hospitality rooms reserved for athletes and guests; and, for the lounge areas, the Fountain cofee table designed by Tokujin Yoshioka and Shimmer.
Le volet coulissant Vento de Griesser souligne l’architecture des bâtments et met élégamment en scène loggias, balcons et pergolas. Sa concepton refète une nouvelle prouesse technique de Griesser, leader suisse de la protecton solaire : il crée un dialogue avec la luminosité naturelle tout en protégeant parfaitement du vent et autres intempéries, notamment en raison de sa très bonne tenue à la corrosion. Le volet coulissant peut ateindre une hauteur maximale de 3,5 m et une largeur maximale de 1,6 m. En plus de 150 coloris standards, dont dix décors bois, d’innombrables autres couleurs peuvent être obtenues selon les préférences des clients. En combinaison avec des commandes intelligentes Vento garantt à tout moment le contrôle total des balcons ou loggias, même en déplacement, via une applicaton mobile. Comme dans toutes les solutons Griesser, l’aluminium utlisé est entèrement recyclable et provient à 30 % de sources recyclées.
La persiana scorrevole Vento di Griesser esalta l’architetura degli edifci e mete in risalto con eleganza logge, balconi e pergolat. Il suo design rifete una nuova prodezza tecnica di Griesser, leader svizzero nella protezione solare: crea un dialogo con la luce naturale proteggendo perfetamente dal vento e dalle intemperie, in partcolare grazie alla otma resistenza alla corrosione. La persiana scorrevole può raggiungere un’altezza massima di 3,5 m ed una larghezza massima di 1,6 m. Oltre ai 150 colori standard, di cui dieci decori legno, è possibile otenere molt altri colori in base alle esigenze dei cliente. In combinazione alla domotca Vento garantsce il pieno controllo di balconi o logge in ogni momento, anche a distanza, tramite un’applicazione mobile. Come in tute le soluzioni Griesser, l’alluminio utlizzato è completamente riciclabile e proviene per il 30% da font riciclate.
Vento Venetan blinds by Griesser enhances the architecture of buildings and elegantly showcases loggias, balconies and pergolas. Its design refects a new technological development by Griesser, the leading Swiss manufacturer of sunscreens: it creates interacton with natural light while providing perfect protecton from wind and bad weather, mainly thanks to its excellent corrosion resistance. The roller shuters can reach a maximum height of 3.5 m and a maximum width of 1.6 m. In additon to the 150 standard colours, including ten wooden paterns, many other colours can be provide on the customer’s request. In combinaton with Vento home automaton, full control of balconies or loggias is guaranteed at all tmes, even remotely, via a phone app. As with all Griesser products, the aluminium used is fully recyclable and 30% of it comes from recycled sources.
Shimmer, coffee table by Patricia
Des protections solaires au village olympique.
Entreprise familiale depuis 1882, Griesser est fière d’avoir participé aux bâtiments du village olympique de Paris qui servent de logements aux athlètes durant les jeux. Des brise-soleil orientables Lamisol et Grinotex ainsi que les volets roulants Tradi PUR y ont été installés.
Ces produits ont une double vocation : la première est d’optimiser la vue et la lumière naturelle, la deuxième est de maximiser l’efcacité thermique, afin de s’adapter au mieux au contexte urbain. Tous les produits ont une couleur rose unique, spécifiquement créée pour ce projet.
Après les Jeux d’été, les bâtiments seront transformés en logements et en espaces commerciaux.
Découvrez nos produits au salon :
| Stand n°F120
Architectes : Soa, Lambert Lenack, CoBe, KOZ
Pavillon 5.3
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Antolini Couture Collecton née de la collaboraton entre Antolini – entreprise italienne historique spécialisée dans la producton de revêtements en pierre naturelle – et le designer Alessandro La Spada. Une collecton composée de 12 motfs créés et fabriqués selon une méthode de couture, dans laquelle la pierre naturelle épouse des décoratons géométriques et artstques. Les partcularités de chaque pierre naturelle sont mises en valeur par la combinaison avec des matériaux métalliques qui soulignent leurs fnitons et leurs formes. La pierre naturelle est taillée, travaillée et assemblée pour créer de nouveaux motfs, comme s’il s’agissait du tssu d’une robe, donnant vie à une collecton audacieuse et révolutonnaire, dédiée à des projets uniques et exclusifs.
Antolini Couture Collecton nasce dalla collaborazione tra Antolini – storica azienda italiana specializzata nella produzione di rivestment in pietra naturale – e il designer Alessandro La Spada. Una collezione composta da 12 motvi creat e confezionat con metodo sartoriale, in cui la pietra naturale sposa decori geometrici e artstci. Le peculiarità di ciascuna pietra naturale vengono valorizzate dall’accostamento con materiali metallici che ne esaltano fniture e forme. La pietra naturale viene tagliata, lavorata e assemblata per creare motvi inedit, come se fosse il tessuto di un abito, dando vita ad una collezione rafnata e rivoluzionaria, dedicata a proget unici ed esclusivi.
Antolini Couture Collecton is the result of a partnership between Antolini – a famous old Italian company specialising in the manufacture of natural stone claddings – and fashion designer Alessandro La Spada. A collecton composed of 12 paterns created and manufactured using a sartorial method, according to which natural stone combines with geometric, natural and artstc decoratons. The peculiarites of each natural stone are enhanced by juxtaposing them with metallic materials that enhance their shapes and fnishes. Natural stone is cut, processed and assembled to create unusual paterns, as if it were the fabric of a dress, resultng in a bold and revolutonary collecton dedicated to unique and exclusive projects.
Aurora® est la nouvelle collecton de tssus de Bandalux destnée aux stores jour & nuit. Dédiée aux espaces intérieurs, elle se caractérise par ses textures satnées, ses bandes larges ainsi que par ses tssus aux multples aspects naturels et répond aux atentes de bien-être et d’esthétque en résidentel comme en hôtellerie/restauraton et dans les espaces recevant du public. Eco-conçue et 100% recyclable, Aurora® intègre 4 grandes familles et 24 variétés de tssus qui se déclinent en plus de 70 coloris. Les familles s’identfent autour des références Essentals – textles contemporains et mats fltrant élégamment la lumière – Nature – tssus à l’aspect organique – Glamour – toiles sophistquées aux Jacquard métallisés (fls Lurex) – Dimout – pour des espaces à l’abri des regards. Aurora® è la nuova collezione di tessut Bandalux destnata alle tende giorno e note. Pensata per gli spazi interni, si caraterizza per le texture satnate, le larghe fasce e i tessut dai molteplici aspet naturali e soddisfa le aspetatve di benessere ed estetca in ambient residenziali come in hotel/ristorant e ambient pubblici. Ecoprogetata e riciclabile al 100%, Aurora® comprende 4 famiglie principali e 24 varietà di tessut disponibili in oltre 70 colori. Le famiglie si identfcano intorno ai riferiment Essentals – tessut contemporanei e opachi che fltrano con eleganza la luce – Nature – tessut dall’aspeto organico – Glamour – tele sofstcate con Jacquard metallico (fli di lurex) –Dimout – per spazi più intmi.
Aurora® is Bandalux’s latest fabric collecton for day and night curtains. Designed for interior spaces, it features satnised textures, wide stripes and fabrics with multple natural aspects to meet expectatons of well-being and good looks in residental setngs, hotels/restaurants and public spaces. Eco-designed and 100% recyclable, Aurora® comes in 4 main collectons and 24 fabric varietes available in over 70 colours. The collectons are as follows: Essentals –contemporary and opaque fabrics that elegantly flter light; Nature – fabrics with an organic look; Glamour - sophistcated fabrics with metallic Jacquard (lurex threads); and Dimout – for more homely spaces.
La nouvelle piscine de l’hôtel de luxe “Le Sirenuse” de Positano (sur la côte amalftaine en Italie) a été recouverte de mosaïques Bisazza, conçues par l’artste Nicolas Party qui a travaillé en étroite collaboraton avec l’entreprise italienne afn de traduire son œuvre en un motf en mosaïque, créé avec technique numérique. Pour ce projet, l’artste a sélectonné vingt-sept nuances de carreaux de verre de la palete Bisazza, du bleu clair au bleu cobalt en passant par le vert d’eau. Le dessin s’inspire de la beauté du paysage environnant à travers une compositon de formes ondulées, interrompues par un précieux soleil en mosaïque d’or jaune 24 carats.
La nuova piscina dell’hotel di lusso Le Sirenuse a Positano è stata rivestta da mosaici Bisazza, su progeto dell’artsta Nicolas Party che ha lavorato in streta collaborazione con l’azienda vicentna per tradurre il suo disegno originale a pastello in un patern in mosaico, realizzato con la tecnica digitale. Per questo progeto, Nicolas Party ha selezionato dalla palete Bisazza ventsete tonalità di tessere di vetro, dall’azzurro, al blu cobalto al verde acqua. Il disegno si ispira alla bellezza del panorama circostante atraverso una composizione di forme ondulate sovrapposte, interrota da un prezioso sole in mosaico oro giallo 24k.
The new swimming pool of Le Sirenuse luxury hotel in Positano has been covered with Bisazza mosaics designed by the artst Nicolas Party, who worked in close partnership with this Vicenza-based company to convert its original pastel design into a mosaic patern created using digital technology. Nicolas Party selected twenty-seven shades of glass tesserae from the Bisazza palete for this project, ranging from light blue to cobalt blue and aqua green. The design is inspired by the beauty of the surrounding landscape through a compositon of overlapping undulatng shapes featuring a fancy sun made of 24k yellow gold mosaic.
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Polygood® est un matériau de surface polyvalent et haut de gamme fabriqué par The Good Plastc Company à partr de plastque 100% recyclé. Les panneaux Polygood® sont élégants, durables, légers, imperméables et ofrent de nombreuses possibilités d’applicatons. Ils peuvent être utlisés pour créer des meubles et des éléments de décoraton intérieure ou extérieure respectueux de l’environnement. La large gamme de motfs est produite à partr d’une variété de sources de matères premières postconsommaton et post-industrielles, telles que des réfrigérateurs, des appareils électroniques ménagers, des bobines de flm, etc. Polygood® convient pour la réalisaton de plans de cuisine, bureaux, mobilier, revêtements de sol et de murs intérieurs, salles de bains et façades.
Polygood® è un materiale di superfcie versatle e di alta qualità prodoto da The Good Plastc Company con plastca riciclata al 100%. I pannelli Polygood® sono elegant, resistent, leggeri, impermeabili e ofrono numerose possibilità di applicazione. Possono essere utlizzat per creare mobili ecologici ed element decoratvi per interni o esterni. L’ampia gamma di design è prodota a partre da diverse da materie prime postconsumo e post-industriali, come frigoriferi, dispositvi eletronici domestci, bobine di flm, ecc. Polygood® è adato per la realizzazione di piani cucina, ufci, mobili, paviment e rivestment interni, bagni e facciate.
Polygood® is a versatle, high quality surface material made by The Good Plastc Company from 100% recycled plastc. Polygood® panels are elegant, durable, lightweight, waterproof and ofer numerous possible applicatons. They can be used to create environmentally friendly furniture and decoratve elements for indoor or outdoor use. The wide range of designs are made from a variety of post-consumer and post-industrial products, such as refrigerators, household electronics, flm reels, etc. Polygood® is ideal for kitchen tops, ofces, furniture, interior foor and wall surfaces, bathrooms and facades.
ARD Raccanello, entreprise spécialisée dans la producton de systèmes de peinture pour le bâtment, propose une large gamme de produits, allant des peintures murales pour intérieur et extérieur aux peintures et émaux pour bois, en passant par les produits de décoraton intérieure. Pour moderniser la salle de bain, sans travaux de maçonnerie, Idrosmalto ARD Raccanello est un vernis mural à base d’eau spécialement conçu pour les environnements à fort trafc. Produit à faible impact écologique grâce à l’absence de composants toxiques volatls, il se distngue par ses hautes performances techniques et sa haute résistance aux agents atmosphériques. Disponible en fniton satnée, mate ou brillante, il convient également pour une utlisaton en extérieur et dans les pièces peu aérées.
ARD Raccanello, azienda specializzata nella produzione di sistemi verniciant per l’edilizia professionale, ofre un’ampia gamma di prodot, che spaziano dalle piture murali per interni ed esterni alle vernici per legno e smalt, ai prodot decoratvi per interni. Per rinnovare l’ambiente bagno, senza intervenire con pesant opere murarie Idrosmalto ARD Raccanello è uno smalto murale all’acqua appositamente studiato per ambient ad elevata frequentazione. Prodoto a basso impato ecologico grazie all’assenza di component tossiche volatli, si distngue per le sue elevate prestazioni tecniche e l’elevata resistenza agli agent atmosferici. Disponibile in fnitura satnata, opaca o lucida è adato all’impiego anche in ambient esterni e in locali poco aerat.
novacolor.it
ARD Raccanello, a company specialising in the manufacture of paint systems for the professional building trade, ofers a wide range of products ranging from interior/exterior wall paints to wood paints and enamels, and interior decoratve products. Idrosmalto ARD Raccanello is a water-based wall enamel for renovatng bathrooms without the need for heavy masonry work and is specially designed for high-trafc setngs. A product with low ecological impact thanks to the absence of volatle toxic components, it stands out for its high technical performance and notable resistance to atmospheric agents. Available with a satn, mat or gloss fnish, it is also suitable for use outdoors and in poorly ventlated rooms.
Conçu par l’agence 1898 Architects avec son partenaire Novacolor Pieni, le nouveau Deuces Café, dans la ville de Taguig, Philippines, propose des ambiances accueillantes et épurées jouées sur les couleurs chaudes et délicates des fnitons décoratves Novacolor Marmur Fine (pour murs, plafond et bancs) et Wall2Floor Waterproof (pour comptoirs et sols). Le premier, un enduit à la chaux avec une texture matérique, capable de donner profondeur et caractère à l’environnement. Le deuxième, système de résine contnue pour un efet visuel homogène, idéal pour un look moderne et épuré.
Progetato dallo studio 1898 Architects con il partener Novacolor Pieni, il nuovo Deuces Café, nella cità di Taguig, Filippine, ofre ambient accoglient ed epurat giocat sui cromatsmi caldi e delicat delle fniture decoratve Novacolor Marmur Fine (per muri, softo e panche) e Wall2Floor Waterproof (per banconi e pavimento). Il primo, intonachino di calce dalla texture materica, capace di conferire profondità e caratere all’ambiente. Il secondo, sistema contnuo in resina per un efeto visivo senza interruzioni, ideale per un look moderno e pulito.
Designed by 1898 Architects in partnership with Novacolor Pieni, the new Deuces Café in the city of Taguig, Philippines, ofers cosy and clean premises playing on the warm and delicate colours of Novacolor Marmur Fine decoratve fnishes (for walls, ceiling and benches) and Wall2Floor Waterproof (for counters and foors). The former, lime plaster with a material texture, can give depth and character to any setng. The later, a smooth resin system creatng a seamless visual efect, looks clean and modern.
Pour le store Tifany & Co. à Shanghai, MVRDV a conçu une façade serte de 6 988 “diamants” en verre fabriqués à la main, qui évoque la philosophie de concepton de la marque de bijoux historique, telle que la matérialité innovante, un fort sentment de tridimensionnalité et la capacité de susciter l’émerveillement. Pendant la journée, ces éléments refètent et réfractent le paysage environnant, créant un efet chatoyant, tandis que la nuit, l’éclairage LED de la façade permet au magasin de briller dans une gamme infnie de couleurs. Chacun de ces diamants en verre mesure 21 centmètres de large et 13 centmètres de haut et pèse 1,5 kilogramme. Ils sont suspendus à de fns câbles d’acier, recouverts d’une fniton en acier miroir et tendus entre les cadres supérieur et inférieur de la structure. Ces câbles très fns garantssent que les diamants ne bougent ni ne tournent sur leurs supports. Grâce à ses détails extrêmement soignés, la façade utlise uniquement des connexions mécaniques, permetant ainsi d’être entèrement démontée et ses partes réutlisées ou recyclées dans le futur.
Per lo store Tifany & Co. a Shanghai, MVRDV ha disegnato una facciata tempestata da 6.988 “diamant” di vetro lavorato a mano, che evoca la flosofa di progeto dello storico marchio di gioielli, come la materialità innovatva, un forte senso di tridimensionalità e la capacità di suscitare meraviglia. Durante il giorno, quest element rifetono e rifrangono l’ambiente circostante, creando un efeto scintllante, mentre di note l’illuminazione a LED della facciata permete al negozio di risplendere in una gamma infnita di colori. Ciascuno di quest diamant di vetro è largo 21 centmetri e alto 13 centmetri, e pesa 1,5 chilogrammi. Sono sospesi su sotli cavi d’acciaio, rivestt con una fnitura in acciaio a specchio e tesi tra i telai superiore e inferiore della strutura. Quest cavi sotlissimi, assicurano che i diamant non si muovano o ruotno sui loro support. Grazie alla cura dei detagli, la facciata utlizza solo collegament meccanici, permetendo così di essere completamente smontata e le sue part riutlizzate o riciclate in futuro.
MVRDV designed a façade studded with 6,988 handcrafed glass “diamonds” for the Tifany & Co. shop in Shanghai evoking this famous jewellery brand’s design philosophy of innovatve materiality, a strong sense of three-dimensionality and the ability to inspire wonder. During the day, the ‘diamonds’ refect and refract their surroundings, creatng a shimmering efect, while at night, LED lightng on the façade enable the shop to glow in an endless range of colours. Each of these glass diamonds is 21 centmetres wide and 13 centmetres high, weighing 1.5 kilograms. They are suspended on thin steel cables, coated with a mirror steel fnish and stretched between the upper and lower frames of the structure. These very thin cables ensure the diamonds do not move or rotate on their supports. Thanks to the atenton to detail, the façade uses only mechanical connectons, so it can be fully disassembled, and its parts reused or recycled in the future.
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RENOLIT ALKORPLAN Roofng Products, fabricant de membranes synthétques durables pour l’imperméabilisaton des toits et des terrasses, a reçu le prix 2024 de la Single Ply Roofng Associaton (SPRA) pour sa contributon au développement des nouveaux Gradel Quadrangles au New College de l’Université d’Oxford. Conformément à l’objectf du New College d’ateindre zéro émission nete de carbone d’ici 2035, la membrane RENOLIT
ALKORPLAN F Classic a été choisie pour imperméabiliser le toit, combinée au système de montage solaire innovant RENOLIT
ALKORPLAN Solar pour fxer des tuiles personnalisées.
RENOLIT ALKORPLAN Roofng Products, produtore di membrane sintetche durevoli per l’impermeabilizzazione di tet e coperture, si è aggiudicato il Single Ply Roofng Associaton (SPRA) Award 2024 per il suo contributo allo sviluppo dei nuovi Gradel Quadrangles al New College dell’Università di Oxford. In linea con obietvo del New College di raggiungere un livello di emissioni zero carbonio entro il 2035, per l’impermeabilizzazione del teto è stata scelta la membrana RENOLIT ALKORPLAN F Classic, abbinata al sistema di montaggio solare RENOLIT ALKORPLAN Solar per fssare le piastrelle su misura.
Purefn est un revêtement mural gaufrée écologique en oléfne, avec des performances élevées de résistance et de durabilité. Fabriqué aux Pays-Bas par Vescom, une entreprise engagée dans la durabilité environnementale, Purefn est exempt de PVC, de plastfants, de chlore, de métaux lourds, de formaldéhyde, de retardateurs de famme halogénés et de phtalates. Disponible en deux motfs gaufrés, Concreed, brut et résistant qui s’inspire du béton et de l’argile, et Lynn, qui rappelle les revêtements textles traditonnels à base de plantes, comme le lin, le raphia et le rotn, Purefn présente un meilleur impact environnemental, un impact réduit carbone et contribue à une meilleure qualité de l’air grâce à de faibles niveaux de COV, favorisant des environnements plus sains.
RENOLIT ALKORPLAN Roofng Products, a manufacturer of durable synthetc roofng membranes, has won the 2024 Single Ply Roofng Associaton (SPRA) Award for its contributon to the development of the new Gradel Quadrangles at New College, Oxford University. In line with New College’s goal of achieving zero net carbon emissions by 2035, RENOLIT ALKORPLAN F Classic membrane was chosen for the roof’s waterproofng combined with the innovatve RENOLIT ALKORPLAN Solar mountng system to fx the bespoke tles. The new roofng system combines good looks, sustainability and economic constructon work.
Purefn è un rivestmento murale gofrato ecologico in olefn, con elevate prestazioni di resistenza e durata nel tempo. Prodoto nei Paesi Bassi da Vescom, azienda impegnata in materia di sostenibilità ambientale, Purefn è privo di PVC, plastfcant, cloro, metalli pesant, formaldeide, ritardant di famma alogenat e falat. Disponibile in due design gofrat, Concreed, grezzo e resistente che trae ispirazione dal cemento e dall’argilla e Lynn, che richiama i tradizionali rivestment tessili a base vegetale, come lino, rafa e ratan, Purefn ha un migliore impato ambientale, un’impronta di carbonio ridota e contribuisce a una migliore qualità dell’aria grazie ai bassi livelli di VOC, promuovendo ambient più sani.
Purefn is an environmentally friendly embossed wall surface made of olefn, which is extremely tough and durable. Manufactured in the Netherlands by Vescom, a company commited to environmental sustainability, Purefn is free of PVC, plastcisers, chlorine, heavy metals, formaldehyde, halogenated fame retardants and phthalates. Available in two embossed designs, Concreed, a rough and tough design inspired by cement and clay, and Lynn, which calls to mind traditonal plant-based textle coatngs such as linen, rafa and ratan, Purefn has a beter environmental footprint, a reduced carbon footprint and contributes to beter air quality due to its low VOC levels promotng healthier environments.
tectona.net
A l’occasion de Design Parade 2024, le festval internatonal du design et de l’architecture d’intérieur organisé chaque été à la Villa Noailles à Hyères et à Toulon, Tectona, entreprise française spécialisée dans le mobilier de jardin haut de gamme, a confrmé son engagement constant pour l’excellence et le souten aux jeunes talents émergents avec le prix Tectona Design Parade. Gabriel Hafner, diplômé franco-suisse de l’ECAL, est le lauréat de l’éditon de cete année qui était axée sur l’art de la table. Sa propositon de table de jardin est caractérisée par une structure robuste en bois, complétée par une nappe en bois et tssu tressé qui ressemble à des tapis de plage et crée une surface à la fois rigide et fexible.
Design Parade 2024, an internatonal festval of design and interior architecture organised every summer at Villa Noailles in Hyères and Toulon, provided Tectona, a French company specialising in high-end garden furniture, with the chance to reassert its ongoing commitment to excellence and support for emerging young talent through the Tectona Design Parade award.
In occasione di Design Parade 2024, festval internazionale del design e dell’architetura d’interni organizzato ogni estate à Villa Noailles di Hyères e a Tolone, Tectona, azienda francese specializzata in mobili da giardino d’alta gamma, ha confermato il suo costante impegno per l’eccellenza e il sostegno dei giovani talent emergent con il premio Tectona Design Parade. Vincitore dell’edizione di quest’anno incentrata sull’arte della tavola, Gabriel Hafner, franco-svizzero laureato all’ECAL, con una proposta di tavolo intrecciato in legno e tessuto. Questo tavolo da giardino, progetato con una robusta strutura in legno è completato da una tovaglia intrecciata in legno e tessuto che ricorda le stuoie da spiaggia e crea una superfcie rigida e fessibile allo stesso tempo.
The winner of this year’s award focused on the art of table design. Gabriel Hafner, a French-Swiss ECAL graduate, presented an idea for a woven table made of wood and fabric. This garden table, designed with a sturdy wooden frame, is complemented by a woven tablecloth made of wood and fabric that is reminiscent of beach mats and creates a surface that is both rigid and fexible.
LA GRANDE HALLE DE LA VILLETTE PARIS
PRÉ-ENREGISTREMENT
OBLIGATOIRE AVEC CODE D’INVITATION
ÉVÉNEMENT EXCLUSIF présentant les dernières innovations d’industriels de la construction
PRODUITS SÉLECTIONNÉS par un comité technique
THÈME 2024 : imPACT CLIMAT
EXPOSITION MATÉRIAUX
EXPOSITIONS PHOTOGRAPHIQUES
CONFÉRENCES
LIBRAIRIE
ART
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isoplam.it
Micro Grip est le nouveau revêtement contnu d’Isoplam qui transforme le ciment en une surface texturée. La rugosité marquée est sa caractéristque, encore plus dans la version Micro Grip XL qui présente un grain plus gros, conférant à la surface une tactlité partculière. Cela se traduit également par une haute résistance antdérapante, idéale pour les environnements extérieurs soumis à un trafc moyen. Le revêtement, uniforme et durable, est également respirant et imperméable, ce qui le rend adapté à une utlisaton dans des espaces très humides, tels que les salles de bains, les piscines et les spas. Grâce à l’absence de joints, Micro Grip XL est extrêmement hygiénique et facile à netoyer.
Micro Grip, è il nuovo rivestmento contnuo di Isoplam che rielabora la materia cementzia in una superfcie texturizzata. La spiccata ruvidità è il suo trato distntvo, ancor più nella declinazione Micro Grip XL che presenta una grana di maggiori dimensioni conferendo alla superfcie una partcolare tatlità. Ciò si traduce anche in una elevata tenuta antscivolo, ideale per ambient outdoor, sotopost al medio trafco. Il rivestmento, uniforme e duraturo, si dimostra inoltre traspirante e impermeabile, tale da poter essere impiegato in spazi ad alto tasso di umidità, come bagni, piscine e spa. Grazie all’assenza di fughe o giunt, Micro Grip XL risulta anche estremamente igienico e facile da pulire.
Micro Grip is Isoplam’s new curtain coatng that reworks cementtous material into a textured surface. Its notable roughness is its distnguishing feature, even more so in the case of Micro Grip XL, which has a larger grain size giving surfaces a special feel. This also translates into a notably non-slip grip, ideal for outdoor setng subject to medium foot trafc. The uniform and durable coatng is also breathable and waterproof, so it can be used for spaces with high humidity levels, such as bathrooms, swimming pools and spas. Thanks to the absence of any gaps or joints, Micro Grip XL is also extremely hygienic and easy to clean, perfect for sensitve environments such as kitchens and bathrooms.
La nouvelle collecton Beat de Refn combine traces naturelles et signes graphiques à travers des transitons chromatques sophistquées créant une compositon équilibrée. Les détails tridimensionnels des galets et le délicat clair-obscur donnent profondeur et réalisme aux surfaces. Dans la version Ribbed, fruit de la technique de producton innovante 3Deep™ développée par l’entreprise, des graphiques spécialement conçus pour recréer les nuances de l’épaisseur se superposent à la surface avec une tridimensionnalité marquée qui souligne la profondeur et le volume. Beat comprend également deux propositons en kits multformats : Linear, qui combine de grandes dalles de diférentes tailles, et Carved, caractérisée par le bord sculpté partculier qui rend chaque pièce unique et diférente l’une de l’autre.
La nuova collezione Beat di Refn unisce tracce naturali e segni grafci atraverso sofstcat passaggi cromatci creando una composizione equilibrata. I detagli tridimensionali dei sassolini e i chiaroscuri delicat conferiscono profondità e realismo alle superfci. Nella versione Ribbed, risultato dell’innovatva tecnica produtve 3Deep™ sviluppata dall’azienda, viene sovrapposta alla superfcie una grafca studiata appositamente per ricreare l’ombreggiatura dello spessore con una marcata tridimensionalità che esalta profondità e volume. Beat include anche due proposte in Kit multformato: Linear, che combina grandi lastre di dimensioni diverse, e Carved, caraterizzata dal partcolare bordo scolpito che rende ogni pezzo unico e diverso dall’altro.
Refn’s new BEAT collecton combines natural traces and graphic signs through sophistcated colour transitons to create a balanced compositon. The three-dimensional details of the pebbles and delicate chiaroscuro efects give depth and realism to the surfaces. The Ribbed version, the result of the innovatve 3Deep™ manufacturing technique developed by the company, superimposes specially designed graphics on the surface to recreate the shading in a very three-dimensional way to enhance the sense of depth and structure. “Beat” also includes two mult-format kits: Linear, which combines large slabs of diferent sizes, and Carved, characterised by a special sculpted edge that makes each piece unique and diferent from all the others.
Parmi les nouveautés de Luce di Carrara, spécialisée dans l’art du travail de la pierre naturelle, la collecton Lucinato XL conçue par Atla Veress, est un revêtement qui utlise le sablage pour créer des séquences de marbre bicolore qui traversent la dalle. Appliquées au mur, ces zones de transiton créent la percepton d’une texture, même si elles sont complètement plates au toucher. Avec Lucinato XL, l’alternance de diférents territoires de marbre permet de sublimer la couleur de la pierre, laissant entrevoir son côté le plus pur et le plus brut. Ses grandes dimensions soulignent la percepton de deux matériaux diférents côte à côte, tout en créant un revêtement mural unique, fuide et facile à poser.
Among the latest products by Luce di Carrara, specialising in the art of working natural stone, the Lucinato XL collecton designed by Atla Veress is a cladding drawing on sandblastng to create sequences of two-tone marble across slabs of stone. When installed in walls, these transiton areas create a sense of texture, although they feel completely fat. In the case of Lucinato XL, alternatng types of marble allows the colour of the stone to stand out even more to reveal its purer, rougher side. Its large size creates an even greater sense of there being two diferent materials side by side, while creatng one single, fowing wall coatng that is easy to install.
Tra le novità di Luce di Carrara, specializzata nell’arte della lavorazione della pietra naturale, la collezione Lucinato XL disegnata da Atla Veress, è un rivestmento che utlizza la sabbiatura per creare sequenze di marmo bicolore che atraversano la lastra. Applicate a parete, queste aree di transizione creano la percezione di una texture, benché al tato risultno completamente piate. Con Lucinato XL l’alternanza di diversi territori di marmo permete al colore della pietra di risaltare ancora di più, lasciandone intravedere il lato più puro e grezzo. Le sue ampie dimensioni enfatzzano la percezione di avere due materiali diversi afancat, pur creando un unico e fuido rivestmento per paret facile da istallare.
segreteria@alpidesignawards.it
ALPI DESIGN AWARDS 2025
ALPI DESIGN AWARDS è il premio internazionale dell’Associazione ALPI+MILANO APS in partnership con l’Arca International, che vogliono assegnare un importante riconoscimento ai designer, professionisti e aziende che realizzano progetti e prodotti per la sostenibilità della Montagna.
ALPI DESIGN AWARDS est le prix international de l’association ALPI+MILANO APS qui, en partenariat avec l’Arca International, souhaite décerner une reconnaissance importante aux concepteurs, aux professionnels et aux entreprises qui réalisent des projets et des produits durables pour la montagne.
ALPI DESIGN AWARDS is the international award of the ALPI+MILANO APS Association in partnership with l’Arca International, who want to assign an important recognition to designers, professionals and companies that create projects and products for the sustainability of the mountains.
Con il patrocinio di:
COmpilation
A la pointe de plus de 30 ans de recherche, Arketpo est un nouveau type de surface qui puise son inspiraton dans de multples références pour créer un ensemble innovant de textures, de combinaisons graphiques et de gammes de couleurs. La collecton est caractérisée par un mélange de grains, de pailletes et de sables dont la densité, la taille et la couleur défnissent le mouvement et déterminent 2 versions graphiques distnctes : la première, disponible dans l’iconique 14 mm et dans la variante outdoor 20 mm, est plus hétérogène et expressive, la seconde, disponible en dalles fnes KERLITE, est plus uniforme et met en valeur la couleur.
The culminaton of over 30 years of deeply developed knowhow, Arketpo is a new project in studying surfaces that draws on multple inspiratons to create an innovatve combinaton of texture, graphic mix and colour range. The resultng collecton is a mix of grains, fakes and sands, whose density, size and colouring defnes the paterns and creates 2 distnct types of graphics: the frst, which comes in a classic 14 mm version and 20 mm outdoor version, is less regular and more expressive, while the second, which comes in the form of thin sheets of KERLITE, is more uniform and brings out colour to the maximum.
Stonetech est la nouvelle collecton en grès cérame technique de Casalgrande Padana inspirée des roches magmatques typiques des massifs centraux des Alpes. Ses surfaces reproduisent fdèlement la texture partculière de la roche: des fragments de marbre, des pailletes de quartz et des feldspaths de diférentes tailles s’amalgament de façon aléatoire et fotent à l’intérieur de la dalle, faisant corps avec elle. Caractérisée par une haute résistance au piétnement, à la fexion, au gel et aux variatons de température, Stonetech est disponible en cinq couleurs (Stonewhite, Stonegrey, Stonepearl, Stonesand et Stoneblack), dans les formats 60x120 cm, 60x60 cm, 30x60 cm avec une épaisseur de 9 mm et une surface naturelle ou antdérapante bouchardée.
Apice di oltre 30 anni di profondo know how, Arketpo rappresenta un nuovo flone di indagine delle superfci che atnge da molteplici ispirazioni per creare un insieme innovatvo di texture, mix grafco e gamma cromatca. La collezione che ne deriva è così un mix di grani, scaglie e sabbie la cui densità, dimensione e colorazione defnisce il movimento e determina 2 distnte versioni grafche: la prima, declinata nell’iconico 14 mm e nella variante outdoor da 20 mm, è più disomogenea ed espressiva, la seconda, declinata nelle lastre sotli KERLITE, è più uniforme e valorizza al massimo il colore.
Stonetech è la nuova collezione in gres porcellanato tecnico di Casalgrande Padana ispirata alle rocce magmatche tpiche dei massicci centrali delle Alpi. Le sue superfci ne riproducono fedelmente la partcolare tessitura materica: framment marmorei, scaglie di quarzi e feldspat di diverse dimensioni si amalgamano in modo casuale futuando all’interno della lastra e diventando un tut’uno con essa. Caraterizzata dall’elevata resistenza al calpesto, alla fessione, al gelo e alle escursioni termiche Stonetech è proposta in cinque colori (Stonewhite, Stonegrey, Stonepearl, Stonesand e Stoneblack), nei format 60x120 cm, 60x60 cm, 30x60 cm in spessore 9 mm e in superfcie naturale e antscivolo bocciardata.
Stonetech is the new full-body Technical tle collecton by Casalgrande Padana inspired by the rocks of the central alps. These new technical porcelain stoneware tles replicate the texture and efects of the rocks: marble, quartz, and feldspar fragments of diferent sizes blend within the slab, becoming one with it. It stands out for its high resistance to footall, fexure, fro st, and temperature fuctuatons, and is comes in fve colours (Stonewhite, Stonegrey, Stonepearl, Stonesand and Stoneblack) and three formats (60x120, 60x60, 30x60 cm) and 9 mm thick and with a natural, non-slip bush-hammered surface.
Flake Stone et Sapien Wood, de RAK Ceramics, sont des innovatons techniques importantes dans un concept Mix and Match qui combine diférents matériaux au sein d’un même projet. Flake Stone présente des écailles dans le corps de la dalle grâce à la nouvelle technologie Flaketech, tandis que Sapien Wood est réalisée avec une structure numérique Sync Efect, toutes deux développées par les laboratoires Innotech de Rak Ceramics. Le format 160x320 en 12mm est également innovant.
Flake Stone and Sapien Wood by RAK Ceramics are important technical innovatons as part of a Mix and Match concept that combines diferent materials in one single project. Flake Stone also features fakes through the body of the slab, thanks to the latest Flaketech technology, while Sapien Wood is made with a digital Sync Efect structure, both developed by Rak Ceramics’s Innotech laboratories. Another innovaton is the 160x320 format that is 12mm thick.
Flake Stone e Sapien Wood, di RAK Ceramics sono important innovazioni tecniche nell’ambito di un conceto di Mix and Match che accosta materiali diversi nell’ambito dello stesso progeto. Flake Stone presenta le scaglie anche nel corpo della lastra, grazie alla nuova tecnologia Flaketech, mentre Sapien Wood è realizzato con una strutura digitale Sync Efect, entrambe sviluppate dai laboratori Innotech di Rak Ceramics. Innovatvo anche il formato 160x320 in 12mm.
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Con la partecipazione di:
GIUSI CIOTOLI
Faber. Processualità dell’architettura tra origine e fallimento
Editore Silvana Architettura, Milano 2024, ills. b/n, 120 pp
Un aspect de l’architecture qui n’a été que partiellement examiné concerne les obsessions des maîtres. De John Soane à Le Corbusier et Isozaki Arata. L’esprit est suggéré par Louis Isidore Kahn dans “J’aime les commencements” (1972): J’adore les commencements, je suis émerveillé par les commencements /Je pense que c’est le commencement qui confrme la suite / Si ce n’était pas le cas, rien ne pourrait être ni ne serait. Tout commence par la cabane, archétype originel et refuge. L’anthropologie représente l’évolution de la construction naturelle vers la construction rationnelle. Nous passons par Vitruve, Laugier, Rykwert et Vidler jusqu’au Cabanon de Le Corbusier avec un raisonnement intéressant stimulé par Renato Rizzi : l’absence de la pensée a généré la crise de la culture et de la forme architecturale que nous vivons actuellement. L’historien Mircea Eliade constate : “On ne change pas de maison à la légère, car il n’est pas facile de quitter son propre ‘monde’. La demeure n’est pas un objet, ‘une machine à habiter’, c’est l’Univers que l’homme se construit en imitant la création divine, la cosmogonie. La maison
comme ‘machine à habiter’ naît du constat que la maison ‘vieillit’ et ne répond plus aux besoins qu’elle doit satisfaire au cours de la vie des gens”. En fait, Le Corbusier parle d’une religion de la maison identique depuis des siècles. Dans le passage du mythos au logos, c’est-à-dire, quand la pensée mythique a été remplacée par la pensée rationnelle, des traits communs sont tracés entre le processus idéatif, préfguratif et constructif, distinguant “le caractère visionnaire de la prévision par rapport aux topoï de la ruine et de son esthétisation, la destruction en tant qu’action créatrice et enfn la poétique de l’échec”. Les présences du dæmon, angéliques ou démoniaques, proviennent de choix critiques. Pour Arata Isozaki, l’origine et la fn sont vérifées dans une dimension postapocalyptique qui lie l’effacement de chaque artefact à la totalité. Pour Franco Purini, “origine” renvoie au lever du soleil et concerne le moment où se forme mentalement l’embryon d’une image, la naissance de l’intuition architecturale avec les caractéristiques de l’ouvrage. Commencement, composé de cum et de ĭnĭtĭāre, “initier” en latin classique, c’est “se mettre en route”, commencer un voyage, et identife la naissance de la confguration primaire pour la développer. Cela se termine par le “projet de ruine”, d’échec dont la conscience annonce la possibilité de recommencer à zéro. L’abandon, la destruction et l’échec sont les différentes facettes d’une réalité unique et multiforme.
Un aspetto solo parzialmente indagato del fare architettura: le ossessioni dei maestri. Da John Soane a Le Corbusier e Isozaki Arata. Lo spirito è suggerito da Louis I. Kahn dei Pensieri sull’architettura: Amo gli inizi. / Provo meraviglia davanti a loro. / Penso che l’inizio sia la conferma/ Di ciò che viene dopo. /Altrimenti – nulla sarebbe o potrebbe essere Si parte dalla capanna, archetipo originario e rifugio. L’antropologia indica l’evoluzione da costruzione naturale a razionale. Si attraversa Vitruvio, Laugier, Rykwert e Vidler fno al cabanon di LC con un interessante ragionamento stimolato da Renato Rizzi: l’assenza del pensiero a generare la crisi della cultura e della forma architettonica che stiamo vivendo. Mircea Eliade nota: “Non si cambia casa a cuor leggero, perché non è facile abbandonare il proprio ‘mondo’. L’abitazione non è un oggetto, ‘una macchina da abitare’, è l’Universo che l’uomo si costruisce imitando la creazione divina, la cosmogonia. La maison come machine à habiter nasce dalla constatazione che la casa ‘invecchia’ e non risponde alle esigenze che deve assolvere nella vita degli uomini”. LC parla infatti di una religione della casa identica da secoli. Nel passaggio da mythos a logos, da una narrazione a ragione, si traggono caratteri comuni tra processo ideativo, prefgurativo e costruttivo distinguendo “la visionarietà della previsione rispetto ai topoi della rovina e della sua estetizzazione, la distruzione come azione creativa e infne la poetica del fallimento”. Le presenze del daimon, angeliche o demoniache, provengono da scelte critiche. Per Isozaki l’origine e la fne sono verifcate in una dimensione posta pocalittica che lega la cancellazione del singolo manufatto alla totalità. Per Purini “origine” rinvia al sorgere del sole e riguarda il momento in cui si forma nella mente l’embrione di un’immagine, la nascita dell’intuizione architettonica con i caratteri dell’opera. Inizio, dal verbo inire, è “mettersi in cammino”, cominciare un percorso e individua la nascita della confgurazione primaria per svilupparla. Si termina col “progetto di rovina”, di fallimento la cui consapevolezza annuncia la possibilità di ricominciare ex novo L’abbandono, la distruzione e il fallimento sono sfaccettature diverse di un’unica molteplice realtà. Mario Pisani
Light designer génoise qui travaille depuis quarante ans dans le domaine de la lumière au niveau artistique et qui est professeur aux Académies des beaux-arts de Brera à Milan, Albertina à Turin et Ligustica à Gênes, Liliana Iadeluca reprend “ces aspects de la réalité qui échappent souvent à l’observation superfcielle, en faisant de la lumière le moyen de les révéler”. Ce livre captivant est également un guide précieux pour ceux qui souhaitent mettre en pratique les techniques testées par Liliana Iadeluca.
One aspect of designing architecture that has only partially been examined is the obsessions of master architects. From John Soane to Le Corbusier and Isozaki Arata. The idea basically comes from Louis I. Khan’s and his Thoughts on Architecture: I love beginnings. / I am amazed by them. / I think the beginning is the confrmation / Of what comes later. / Otherwise – nothing would or could be It starts with a hut, the original archetype and means of shelter. Anthropology points to the evolution from natural to rational construction. We go through Vitruvius, Laugier, Rykwert and Vidler up to LC’s cabanon with an interesting argument suggested by Renato Rizzi: the absence of thought caused the crisis in architectural form and culture that we are going through. Mircea Eliade notes: “Nobody moves home lightly, because it is not easy to abandon one’s ‘world’. The dwelling is not an object, ‘a machine to inhabit’, it is the universe that man builds for himself by emulating divine creation, cosmogony. The ‘maison come machine à habiter’ comes from the observation that a house ‘grows old’ and no longer meets he needs it must fulfl in people’s lives of”. LC actually talked about a religion of the home that has never changed across the centuries. In the transition from mythos to logos, from narrative to reason, common features are established in the various creative, prefgurative and constructive processes, distinguishing “the visionary nature of foresight from the topoi of ruins and their aestheticisation, destruction as a creative act and, in the end, a poetics of failure”. The presence and angelic or demonic daimon is the outcome of critical choices. For Isozaki, origin and end are verifed along post-apocalyptic lines that connect the cancellation of individual artefacts in favour of totality. For Purini, “origin” refers to the rising of the sun and concerns the moment when the embryo of an image is formed in the mind, the birth of an architectural intuition with the distinctive traits of an architectural work. To begin, which come from the verb inire, means “to set out”, to start a journey and marks the formation of a primary confguration ready to be developed. It ends in “ruins”, a failure awareness of which points towards the possibility of starting afresh. Abandonment, destruction and failure are different facets of one kind of multiple reality.
LILIANA IADELUCA
Light painting. Tecniche di base per dipingere con la luce Dino Audino, Roma 2021, 144 pp
Light designer genovese che opera da quarant’anni nel campo della luce a livello artistico e docente alle Accademie di Brera, Albertina e Ligustica, Liliana Iadeluca riprende “quei lati della realtà che spesso sfuggono ad una osservazione superfciale, facendo della luce il mezzo per rivelarli”. Il volume, affascinante, è anche un prezioso manuale per chi fosse interessato a mettere in pratica le tecniche sperimentate da Iadeluca.
A lighting designer from Genoa who has been working for forty years in the realm of light both as an artist and as a lecturer at Brera, Albertina and Ligustica Art Academies, Liliana Iadeluca captures “those sides of reality that often escape superfcial notice, so that light becomes a means of revealing them”. This fascinating publication is also an invaluable handbook for anybody interested in putting Iadeluca’s experimental techniques into practice.
I Protagonisti est la collection de monographies d’architecture que l’ARCA INTERNATIONAL consacre à la recherche conceptuelle et à la créativité des architectes qui expriment actuellement leur talent professionnel et créatif se démarquant sur la scène internationale.
I Protagonisti est la collection de monographies d’architecture que l’ARCA INTERNATIONAL consacre à la recherche conceptuelle et à la créativité des architectes qui expriment actuellement leur talent professionnel et créatif se démarquant sur la scène internationale.
Chaque volume, grand format, d’une qualité graphique soignée et de 200 pages, comprend un commentaire critique, une interview de l’auteur et une sélection raisonnée de ses œuvres les plus signifcatives avec images et dessins.
Chaque volume, grand format, d’une qualité graphique soignée et de 200 pages, comprend un commentaire critique, une interview de l’auteur et une sélection raisonnée de ses œuvres les plus signifcatives avec images et dessins.
Pour information : arcainternational@groupep.mc
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I Protagonisti è la collezione di monografe di architettura che l’ARCA INTERNATIONAL dedica alle ricerche concettuali e alla creatività degli architetti che attualmente esprimono il loro talento professionale e creativo distinguendosi nel panorama internazionale.
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Ogni volume, di grande formato, di accurata qualità grafca e di 200 pagine, include un commento critico, un’intervista all’autore e una selezione ragionata delle opere più signifcative con immagini e disegni.
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Informazioni: arcainternational@groupep.mc
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I Protagonisti is the collection of architecture monographs that l’ARCA INTERNATIONAL Is dedicating to the conceptual research and creativity of architects whose professional expertise and creative talent make them stand out on the international scene.
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Is dedicating to the conceptual research and creativity of architects whose professional expertise and creative talent make them stand out on the international scene.
Each of these large-format 200-page books of notable graphic quality includes a critical commentary, an interview with the author and a carefully thought-out selection of their most signifcant works supported by pictures and drawings.
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For further information: arcainternational@groupep.mc
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PROTAGONISTI www.arcadata.com
MICHAEL PEPPIATT, COLM TÓIBÍN
Francis Bacon: A Self-Portrait in Words Thames & Hudson, London 2024, 209 ills., 480 pp
Les documents sélectionnés témoignent la vivacité d’esprit de Francis Bacon et sa capacité à exprimer des idées complexes dans un langage très personnel et inoubliable. On y trouve non seulement des lettres adressées à des amis, à des mécènes et à des collègues artistes, mais aussi des notes curieuses et des listes de tableaux. Elles sont souvent accompagnées d’un croquis en guise d’aide-mémoire ou d’injonction qu’il se faisait à lui-même lorsqu’il travaillait dans son atelier, et beaucoup d’entre elles n’ont été retrouvées qu’après sa mort. Parmi ces documents fgurent plusieurs lettres qu’il avait adressées à Michael Peppiatt. En plus des photographies, des documents d’archives et des œuvres de l’artiste, de nombreuses reproductions de l’écriture caractéristique de Bacon sont présentées.
I documenti selezionati illustrano lo spirito acuto e la capacità di Bacon di esprimere idee complesse in un linguaggio altamente personale e memorabile. Qui non sono incluse solo lettere ad amici, mecenati e colleghi artisti, ma anche note intriganti ed elenchi di dipinti. Spesso vengono forniti con uno schizzo come promemoria o un’ingiunzione a se stesso mentre lavorava in studio, e molte sono venuti alla luce solo dopo la sua morte. Nella rassegna sono incluse diverse lettere che scrisse a Peppiatt. Insieme a fotografe, materiale d’archivio e opere dell’artista ci sono numerose riproduzioni della caratteristica calligrafa di Bacon.
Le livre “100 vasi di design italiano” se propose d’analyser et de donner une réponse possible au concept de “style” italien, en abordant l’une des typologies les plus courantes et qui dure dans le temps. Matériaux, formes, tradition et invention se présentent au lecteur page après page, et l’accompagnent dans la recherche d’un sens au déf contenu dans le titre : la sélection comprend des vases au cours des cent dernières années, de Galileo Chini à Fabio Novembre, en passant par la grande saison qui va des années 1930 à 1970 : Tobia et Carlo Scarpa, Ettore Sottsass, Enzo Mari.
100 vasi di design italiano a cura di Marco Meneguzzo ed Enrico Morteo Skira, Milano 2024, 100 ils. Col., 160 pp
The documents selected illustrate Bacon’s sharp wit and ability to express complex ideas in highly personal, memorable language. Included here are not only letters to friends, patrons and fellow artists, but also intriguing notes and lists of paintings. They often come with a sketch as an aide-mémoire or an injunction to himself as he worked in the studio, and many have only come to light since his death. In the survey are included several that he wrote to Peppiatt. Together with photographs, archive material and works by the artist are numerous reproductions of Bacon’s characteristic handwriting.
100 vasi di design italiano intende analizzare e dare una risposta possibile al concetto di “stile” italiano, cimentandosi con una delle tipologie più comuni e longeve. Materiali, forme, tradizione e invenzione si dipanano di fronte al lettore pagina dopo pagina, accompagnandolo a cercare un senso alla sfda insita nel titolo: la scelta comprende vasi degli ultimi cento anni, da Galileo Chini a Fabio Novembre, passando per la grande stagione che va dagli anni trenta ai settanta del secolo scorso: Tobia e Carlo Scarpa, Ettore Sottsass, Enzo Mari.
This book entitled “100 Italian-designed vases” sets out to analyse and give a possible answer to the notion of Italian ‘style’, tackling one of the most common and long-lived design artefacts. Materials, forms, tradition and invention unfold before the reader’s eyes, page after page, taking them on a journey in search of the sense of the publication’s very title: the range of objects includes vases designed over the last hundred years by artists like Galileo Chini, Fabio Novembre and designers from that illustrious period from the 1930s-1970s: Tobia and Carlo Scarpa, Ettore Sottsass, Enzo Mari.
Itinerari a fumetti per una giornata in città 24 ORE Cultura Comics, Milano 2024, 112 pp
Dans le livre consacré à Naples, Cristina Portolano nous guide, au moyen de ses bandes dessinées, dans les rues de la ville au bord du golfe. Les huit itinéraires présentés ne se limitent pas aux célèbres attractions touristiques, mais offrent également une vision plus étendue sur le panorama architectural et culturel de Naples. Sans oublier, par exemple, les pages consacrées aux joyaux naturels de la ville, au street art, aux spécialités culinaires et à l’artisanat.
Nel volume dedicato a Napoli è Cristina Portolano a fare da guida, con i suoi fumetti, tra le strade della città sul golfo. Gli otto itinerari non si limitano alle celebri attrazioni turistiche, ma presentano uno sguardo più ampio al panorama architettonico e culturale di Napoli. Non mancano, ad esempio, sezioni dedicate ai gioielli naturali della città, alla street art, alle tradizioni culinarie e all’artigianato.
ELENA TRIOLO
24 Ore a Firenze
Dans ce guide en bande dessinée, les planches d’Elena Triolo accompagnent les lecteurs le long de huit itinéraires à la découverte des paysages et des saveurs de Florence, tout en laissant de la place aux histoires populaires et même à un peu de shopping. Chaque itinéraire est conçu pour mettre en valeur un aspect de Florence : non seulement la magnifque architecture du centre historique, mais aussi les lieux associés à Dante et Béatrice, les jardins, les monuments voulus par la famille Médicis et bien d’autres choses encore.
CRISTINA PORTOLANO
24 Ore a Napoli
In the publication dedicated to Naples, it is Cristina Portolano who acts as guide with the help of her comic strips taking us through the streets of the city set on a gulf. The eight itineraries are not confned to just famous tourist attractions, they also present a broader view of the architectural and cultural panorama of Naples. There are, for example, sections devoted to the city’s natural beauties, street art, culinary traditions and handicrafts.
In questa guida a fumetti, le illustrazioni di Elena Triolo accompagnano i lettori attraverso otto percorsi alla scoperta delle viste e dei sapori di Firenze, lasciando spazio anche per le storie del folklore e persino per un po’ di shopping. Ogni itinerario è studiato per esaltare un aspetto differente di Firenze: non solo la splendida architettura del centro storico ma anche i luoghi associati alle fgure di Dante e Beatrice, i giardini, i monumenti voluti dalla famiglia Medici e molto altro.
In this cartoon guide, Elena Triolo’s illustrations take readers along eight routes through the cuisine and sights of Florence, leaving room for plenty of folklore and even a little shopping. Each itinerary is designed to showcase a different aspect of Florence: not only the splendid architecture in the historic city centre, but also key places associated with the historical fgures of Dante and Beatrice, as well as gardens, monuments commissioned by the Medici family and much more.
N° de commission paritaire : n. 0226 T 87573
Dépôt légal : à parution
N° ISSN : 1027-460X
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Un grande rimpianto Un grand regret
Devo confessare che è sempre più diffcile completare un numero della rivista contenente il massimo delle informazioni e delle rifessioni necessarie a dare un’idea abbastanza precisa della situazione attuale dell’evoluzione del progetto: sia in architettura che nel design industriale e trasferire il tutto anche in carta stampata.
Sembra che le nuove generazioni non abbiano più tempo a disposizione per leggere e necessariamente introitare nuovi pensieri altrui e concetti professionali innovativi e di ricerca.
Questa mancanza di interesse è dovuta in parte alla disponibilità di ciascuno di informarsi e di comunicare con tutto il mondo in tempo reale, con mezzi informativi personali e individuali, e del mutato sistema di comunicazione generale basato per lo più sui video e sulle emozioni forti e dirette, Questa situazione di rifesso ha inaridito il dibattito culturale al punto che i saggi e i testi formativi sulle arti che a noi interessano sono diventati rari per originalità e profondità.
In generale i progettisti, e parlo per la mia esperienza di cinquanta anni di attività, apprendono e si informano sempre meno tramite i mezzi tradizionali, a cui noi siamo abituati, e dimostrano poco tempo da dedicare alla ricerca e alla sperimentazione.
Occorre anche dire che oggi condurre uno studio professionale di livello internazionale diventa molto impegnativo perché si è abbandonato completamente il concetto di “atelier” per diventare una vera e propria impresa.
La necessità, nel concepimento di un nuovo progetto, di corrispondere a tutti i parametri richiesti di sostenibilità nella defnizione materiale dei contenitori lascia spazi solo alla loro apparenza esteriore, sempre più emozionale e stravagante, e trascura necessariamente i contenuti nella defnizione di nuovi ambienti confortevoli ed esteticamente adeguati agli abitanti che dovranno ospitare.
Forse nel futuro anche i periodici culturali di carta spariranno e lasceranno a tutti coloro che li hanno conosciuti un grande rimpianto.
Je dois admettre qu’il devient de plus en plus diffcile de boucler un numéro de la revue avec toutes les informations et les réfexions nécessaires pour donner une idée assez précise de l’évolution de la conception de projets à l’heure actuelle, tant en architecture qu’en design industriel, et de transposer le tout sur le papier. Il semble que les nouvelles générations n’aient plus le temps de lire et d’acquérir nécessairement les nouvelles idées d’autrui et les concepts professionnels novateurs et fondés sur la recherche. Ce manque d’intérêt est en partie dû à l’envie de chacun de s’informer et de communiquer en temps réel avec le monde entier, en utilisant des moyens d’information personnels et individuels, ainsi qu’à la transformation du système de communication en général, qui repose principalement sur des vidéos et sur des émotions fortes et directes.
Indirectement, cette situation a tellement appauvri le débat culturel que les essais et les textes didactiques sur les arts qui nous intéressent, en termes d’originalité et de profondeur, sont devenus rares.
Globalement, et je parle en connaissance de cause après cinquante ans d’expérience, les architectes apprennent et s’informent de moins en moins par les moyens traditionnels auxquels nous sommes habitués, et consacrent peu de temps à la recherche et à l’expérimentation.
Il faut dire aussi qu’aujourd’hui, diriger une agence professionnelle de niveau international devient extrêmement diffcile, car le concept d’“atelier” a été complètement abandonné et remplacé par celui d’entreprise à proprement parler.
Lors de la conception d’un nouveau projet, la nécessité de répondre à tous les critères de durabilité requis dans la défnition matérielle des volumes ne laisse de place qu’à leur aspect extérieur, de plus en plus émotionnel et extravagant, et néglige forcément les contenus dans la défnition de nouveaux espaces confortables et esthétiquement adaptés aux habitants qu’ils devront accueillir.
Peut-être qu’à l’avenir les revues papier à caractère culturel disparaîtront elles aussi et, à notre grand regret, manqueront à tous ceux qui les ont connues.
Imust confess that it is becoming more and more diffcult to complete an issue of the magazine containing the maximum amount of information and thoughts necessary to give a fairly precise idea of the current situation of the latest developments in both architectural and industrial design and to convey all this in print.
It seems that the latest generations no longer have the time to read and inwardly digest other people’s new thoughts and innovative professional/research concepts.
This lack of interest is partly due to everyone’s keenness to be informed and communicate with the whole world in real time by means of personal/individual means of information with the latest system of general communication being based mostly on videos and powerful, direct emotions.
This situation has dried up cultural debate to the point that essays and educational texts on the arts that interest us have become rare in terms of their originality and depth.
In general, designers (and I speak from my own experience of ffty years in the business) learn and inform themselves less and less through the kind of traditional means we are accustomed to and now seem to have little time to devote to research and experimentation.
It should also be said that nowadays running a professional frm on an international level is becoming extremely demanding, since the concept of an ‘atelier or workshop’ has been completely abandoned in favour of business enterprises. When working on a project, the need to meet all the required parameters of sustainability when materially designing ‘containers’ means everything is focused on outward appearance along increasingly emotional and extravagant lines. This means the contents are necessarily overlooked when designing comfortable new living spaces that meet the needs of the people who will inhabit them. Perhaps in future even printed cultural journals and magazines will disappear, much to the regret of those people who used to read them.
Cesare Maria Casati
PAR AMOUR DES LOUTRES
Michael Wen est le fondateur de ZOO Architects (qui a des bureaux à Shanghai, Tianjin et Londres) et on ne pouvait rêver d’un nom plus approprié, vu la conception de la Otter’s Stone House, une idée d’enclos pour l’habitat des loutres (et après les loutres, des abris arriveront pour d’autres animaux sauvages). Bien entendu, il ne s’agit pas de terriers improvisés conçus au hasard, mais d’endroits qui s’inspirent de “formes naturelles” qui “remontent aux racines mêmes de l’architecture” et qui sont fabriqués “à partir de matériaux organiques tels que les pierres, la terre et la paille pour créer des habitats spécialement adaptés à la taille et aux besoins des loutres, sur la base d’une connaissance précise de leurs environnements préférés, de leur comportement social, de leur régime alimentaire et de leurs capacités cognitives”. En somme, des “habitats biomorphiques” qui seront très utiles aux mustélidés, qui remercient chaleureusement.
PER AMORE DELLE LONTRE
Michael Wen è il fondatore di ZOO Architects (sedi a Shanghai, Tianjin e Londra) e mai nome fu più appropriato, vista l’ideazione dello Otter’s Stone House, una proposta di recinti per habitat di lontre (e dopo le lontre giungeranno rifugi per altri animali selvatici). Chiaramente non si tratta di tane ideate a caso, ma di luoghi ispirati “alle forme naturali” che “risalendo alle radici stesse dell’architettura”sono realizzati con “materiali organici come roccia, terra e feno per creare case appositamente su misura per le dimensioni e le esigenze delle lontre sulla base di una profonda conoscenza dei loro ambienti preferiti, comportamento sociale, dieta e capacità cognitive”. In defnitiva, “abitazioni biomorfche” che faranno un ottimo servizio ai Mustelidi che, sentitamente, ringraziano.
MICHEL-ANGE AUTEUR
Si vous passez par Florence cette année, manquer la visite de la chambre secrète de Michel-Ange serait un péché mortel. Il s’agit d’une pièce minuscule (10 m x3 m, et de 2,50 m de haut au sommet de la voûte), située sous la Nouvelle Sacristie du Musée des Chapelles Médicis de Florence : un mini trésor, découvert il y a seulement une cinquantaine d’années, dont les murs présentent des dessins attribués à Michel-Ange par l’historien de l’art Paolo dal Poggetto. En raison de la fragilité des lieux, les visites ne sont possibles que sur réservation (operalaboratori.com) et pour un maximum de quatre personnes à la fois, accompagnées de guides. Les dessins sont “tracés avec des bâtons de bois carbonisés et à la sanguine, de différentes tailles, souvent superposés”. Il semble que Buonarroti se soit réfugié dans cette petite pièce en 1530, sous la protection du prieur de San Lorenzo. En effet, le pape Clément VII était furieux contre l’artiste “au cours de la période où les Médicis furent chassés de la ville”. Michel-Ange a transformé les murs en véritables carnets de croquis qui présentent des ébauches d’œuvres destinées à la Nouvelle Sacristie (par exemple, les jambes de Julien de Médicis, la tête du Laocoon et d’autres dessins représentant “des sculptures et des fresques, y compris pour la chapelle Sixtine”). Prix du billet 32 euros, comprenant la réservation et l’entrée aux Chapelles Médicis. Une visite qui vaut bien le prix du billet.
MICHELANGELO WRITER
Perdersi, quest’anno, per chi passi da Firenze, una visita alla Stanza Segreta di Michelangelo, è un peccato mortale. Si tratta di un minuscolo ambiente (10x3 m, alto al culmine della volta 2,50 m), situato sotto la Sagrestia Nuova del Museo delle Cappelle Medicee: un mini-tesoro, scoperto solo una cinquantina d’anni fa, che offre, sui muri, disegni attribuiti a Michelangelo dallo storico dell’arte Paolo dal Poggetto. Data la fragilità del luogo, le visite sono possibili solo su prenotazione (operalaboratori.com) e a un massimo di quattro persone per volta, accompagnate da guide. I disegni sono “tracciati con bastoncini di legno carbonizzato e sanguigna, di dimensioni varie, in molti casi sovrapposti”. Pare che Buonarroti si fosse rifugiato in quella stanzetta nel 1530, grazie alla protezione del Priore di San Lorenzo. Papa Clemente VII, infatti, s’era infuriato con l’artista “durante il periodo in cui i Medici furono cacciati dalla città”. I muri vennero trasformati da Michelangelo in veri e propri sketchbook che raccontano abbozzi per le opere della Sagrestia Nuova (ad esempio le gambe di Giuliano de’ Medici la testa di Laocoonte e altri disegni legati a “sculture e affreschi, tra cui la Cappella Sistina”. Costo della visita 32 euro, compresa la prenotazione e l’ingresso alle Cappelle Medicee. Una visita che, comunque, vale il prezzo del biglietto.
FOR THE LOVE OF OTTERS
M
ichael Wen is the founder of ZOO Architects (offces in Shanghai, Tianjin and London) and never was a name more appropriate, given the nature of the Otter’s Stone House, a series of enclosures for otter habitats (and after otters, there will be shelters for other wild animals). Clearly, these are not randomly designed dens, but places inspired by “natural forms” that “go back to the very roots of architecture” and are made from “organic materials such as rock, earth and hay to create homes specifcally tailored to the size and needs of otters based on an in-depth knowledge of their preferred environments, social behaviour, diet and cognitive abilities”. All in all, ‘biomorphic homes’ that will do a great service to the Mustelids who are more than grateful.
MICHELANGELO WRITER
It is a mortal sin for anyone passing through Florence this year to miss out on visiting Michelangelo’s Secret Room. It is a tiny room (10x3 m, with a maximum height at the apex of the vault of 2.50 m) located under the New Sacristy of the Museum of Medici Chapels: a mini theatre discovered only about ffty years ago with drawings on the walls attributed to Michelangelo by the art historian Paolo dal Poggetto. Due to the delicate nature of the location, visits are only possible by appointment (operalaboratori.com) with a maximum of four people at a time accompanied by guides. The drawings are “traced with charred wooden sticks of various sizes, in many cases overlapping”. It seems that Buonarroti had taken refuge in that little room in 1530, thanks to the protection of the Prior of San Lorenzo. Pope Clement VII was furious with the artist “during the period when the Medici were driven out of the city”. The walls were transformed by Michelangelo into veritable sketchbooks with sketches for the works in the New Sacristy (e.g. the legs of Giuliano de’ Medici, the head of Laocoon and other drawings related to “sculptures and frescoes, including the Sistine Chapel”. The cost of a visit is 32 euros, including booking and entrance fees to the Medici Chapels. A visit that is certainly worth the price of a ticket.
SAUDI AEROTROPOLIS
At 57 square kilometres, King Salman Airport in Riyadh, Saudi Arabia, is set to be the largest in the world. It should be ready by 2030 with “six parallel runways, residential and recreational ancillary facilities ‘and retail outlets’. It will be able to accommodate ‘up to 120 million passengers by 2030 and 185 million by 2050, with a handling capacity of 3.5 million tonnes of cargo by 2050”. Saudi Arabia is also expected to achieve LEED platinum certifcation for sustainability, given its use of renewable energy. With a cost of SAR 187, 5 trillion (USD 50 billion) and a commission to 89-year-old architect Norman Foster (and his team). it will make Riyadh as one of the world’s top ten economic cities, growing its population to 15-20 million by 2030. It is also expected to generate SAR 27 billion (USD 7.1 billion) per year in non-oil GDP and employ 103,000 people. Will it succeed in beating Singapore’s Changi Airport, which was named the world’s best airport for the 12th time?
DINNERS UP ON HIGH
Aplatform suspended from the ground held up by a 50-metre-high crane: up on high, Michelin-starred chefs prepare their delicacies (accompanied by unlimited wine and live music), while diners gradually sample the exquisite dishes (or have breakfast or an aperitif) while enjoying (so to speak) a superb aerial panorama. It is a franchise (Dinner in The Sky) that is travelling around 70 cities worldwide including Las Vegas, Dubai, London, Brussels and Genoa. But what if it rains? “In the event of bad weather with light to moderate rain we will still go up on high”, so the organisers announced, who specify how the height “could vary for safety reasons depending on the wind”. No lunch or dinner, however, if “the wind” is “greater than 15 m/s” of if a thunderstorm hits. Good thing.
Selected by Forbes as “the world’s most unusual restaurant”, Dinner in The Sky is reserved for strong stomachs. As the Latins say, de gustibus non est disputandum.
L’AÉROTROPOLE SAOUDITE
Avec ses 57 Km2, l’aéroport international King Salman de Riyad, en Arabie saoudite, a pour ambition de devenir le plus grand aéroport du monde. Il devrait être prêt d’ici 2030 avec “six pistes parallèles, installations de support aéroportuaires, résidentielles et récréatives, et de commerces de détail”. Il pourra accueillir “jusqu’à 120 millions de passagers d’ici 2030 et 185 millions de passagers d’ici 2050, avec une capacité de traitement de 3,5 millions de tonnes de fret d’ici 2050”. L’Arabie saoudite prévoit également d’obtenir la certifcation LEED platine car l’aéroport a été conçu dans un souci de durabilité et utilisera des énergies vertes et renouvelables. Son coût est estimé à plus de 187,5 billions de SAR (50 milliards de dollars USD). Le projet, qui a été confé à l’architecte Norman Foster (89 ans) et à son équipe, devrait faire de Riyad l’une des dix premières villes économiques du monde, et portera sa population à 15 ou 20 millions d’habitants d’ici 2030. Il devrait également générer 27 milliards de Riyals saoudiens (soit 7,1 milliards de dollars USD) par an pour le PIB non pétrolier et emploiera 103 000 salariés. Parviendra-t-il à détrôner l’aéroport Changi de Singapour qui a été nommé meilleur aéroport du monde pour la douzième fois ?
L’AEROTROPOLI SAUDITA
Con i suoi 57 Km2, l’aeroporto King Salman di Riyadh, Arabia Saudita, si propone come il più grande del mondo. Dovrebbe essere pronto entro il 2030 con “sei piste parallele, strutture di supporto” residenziali e ricreative “e punti vendita al dettaglio. Potrà ospitare “fno a 120 milioni di passeggeri entro il 2030 e 185 milioni entro il 2050, con una capacità di lavorazione di 3,5 milioni di tonnellate di merci entro il 2050” L’Arabia Saudita dovrebbe inoltre ottenere anche la certifcazione LEED platinum per la sostenibilità, visto l’uso di energie rinnovabili. Con un costo di 187, 5 trilioni di SAR (50 miliardi di dollari) e un incarico all’archistar ottantanovenne Norman Foster (e al suo team) affermerà Riyadh come una delle prime dieci città economiche del mondo, facendo crescere la popolazione fno a 15-20 milioni entro il 2030. Si prevede inoltre che genererà 27 miliardi di SAR (7,1 miliardi di USD) all’anno per il PIL non petrolifero e darà lavoro a 103.000 persone. Riuscirà ad offuscare il primato dell’aeroporto di Changi a Singapore che, per la dodicesima volta, è stato nominato miglior aeroporto del mondo?
DÎNERS DANSANTS
Une plate-forme suspendue au-dessus du sol, soutenue par une grue de 50 m de haut : là-haut, des chefs étoilés préparent leurs délices (accompagnés de vin à volonté et de musique live), pendant que les clients dégustent lentement les plats raffnés (ou prennent leur petit-déjeuner ou un apéritif) tout en proftant (pour ainsi dire) d’une superbe vue aérienne. Il s’agit d’un franchising (Dinner in The Sky) qui se déplace dans 70 villes du monde entier, dont Las Vegas, Dubaï, Londres, Bruxelles, Gênes, etc. Et s’il pleut? “En cas de mauvais temps avec des pluies légères à modérées, nous irons quand même en hauteur”, expliquent les organisateurs qui précisent que la hauteur “pourrait varier pour des raisons de sécurité en fonction du vent”. Pas de déjeuners ni de dîners, en revanche, si “le la vitesse du vent dépasse 15 m par seconde”, et en cas d’orage. Heureusement. Sélectionné par Forbes comme “le restaurant le plus insolite du monde”, Dinner in The Sky est réservé aux estomacs bien accrochés. Pour le dire à la manière des Latins : de gustibus non est disputandum.
CENE BALLONZOLANTI
Una piattaforma sospesa da terra, sostenuta da una gru alta 50 metri: lassù chef stellati preparano i propri manicaretti (accompagnati da vino illimitato e musica dal vivo), mentre gli avventori degustano via via i raffnati piatti (oppure fanno colazione o prendono l’aperitivo) mentre si godono (si fa per dire…) un superbo panorama aereo. Si tratta di un franchising (Dinner in The Sky) che si sposta in 70 città di tutto il mondo fra cui Las Vegas, Dubai, Londra, Bruxelles, Genova. E se piove? “In caso di maltempo con piogge leggere e moderate saliremo comunque in quota”, spiegano gli organizzatori che specifcano come l’altezza “potrebbe variare per ragioni di sicurezza a seconda del vento”. Niente pranzi e cene, invece, se “il vento” è “superiore a 15 m/s” e se capita un temporale. Meno male. Selezionato da Forbes come “il ristorante più insolito del mondo”, Dinner in The Sky è riservato a stomaci forti. È proprio il caso di dire, come i latini: de gustibus non est disputandum
FUTURE COSMOFIT EXOSUIT
Conçue par Minwoo Lee, étudiant de l’Université Hongik, pour aider les astronautes à se maintenir en forme grâce à des mouvements réguliers, la Cosmoft Exosuit a été imaginée pour les astronautes qui iront sur la Lune dans le cadre de la mission de SpaceX dont l’objectif est d’établir une base lunaire pour remplacer l’ISS en 2030. La combinaison se compose de deux parties principales : la combinaison elle-même et les extensions mécaniques qui se fxent dans le dos et autour de la taille, c’està-dire la partie “exo” de la combinaison. La combinaison est dotée d’électrodes à disposer autour de différents groupes de muscles, pour les stimuler afn de les maintenir actifs et sains, tout en facilitant la récupération musculaire après des séances d’entraînement éprouvantes. Grace à la génération d’impulsions électriques, la combinaison peut favoriser la reconstruction du tissu musculaire et faciliter le processus de récupération. L’exosquelette, porté par-dessus, utilise des moteurs pour ajouter de la résistance aux mouvements, transformant ainsi les activités quotidiennes en véritables entraînements.
PMINWOO LEE
WWW.BEHANCE.NET/MINWOOLEE811
rogettata da Minwoo Lee, studente dell’Università di Hongik per aiutare gli astronauti a mantenersi in forma attraverso movimenti regolari, la Cosmoft Exosuit è stata immaginata per gli astronauti diretti verso la Luna con la missione di SpaceX che mira a creare una base lunare per sostituire la ISS nel 2030. La tuta è composta da due parti distinte: la tuta stessa e i potenziamenti meccanici che si attaccano alla schiena e intorno alla vita, cioè la parte “exo”. La tuta è dotata di elettrodi disposti attorno a diversi gruppi muscolari, che forniscono stimolazione elettrica a diversi muscoli del corpo per mantenerli attivi e sani, aiutando anche il recupero muscolare dopo allenamenti stressanti. Fornendo impulsi elettrici, la tuta può aiutare a ricostruire il tessuto muscolare e favorire il recupero. L’esoscheletro esterno utilizza una serie di motori per fornire resistenza meccanica per aiutare a esercitare una maggiore pressione mentre ci si muove.
Designed by Minwoo Lee, a student at Hongik University to help astronauts stay ft through regular movements, the Cosmoft Exosuit was imagined for astronauts making their way to the moon with SpaceX’s mission that aims to set up a lunar base to replace the ISS in 2030. The bodysuit is made of two distinct parts – the suit itself, and the mechanical augmentations that attach onto the back and around your waist, or the “exo” part of the suit. The suit features electrode pads laid out around different muscle groups, providing electrical stimulation to different muscles in the body to keep them active and healthy, while also helping with muscle recovery after stressful workouts. By providing electrical pulses, the suit can help rebuild muscle tissue and help with recuperation. Meanwhile, the exoskeleton on the outside uses a series of motors to provide mechanical resistance to help you exert more pressure while moving around.
Concept de taxi aérien, cette solution innovante de mobilité verticale électrique (eVTOL) se distingue par sa conception compacte et une approche “pragmatique” qui vise à accélérer l’adoption du transport aérien urbain et à le rendre plus accessible au grand public. L’adoption d’un système de propulsion électrique coaxial, avec deux hélices contrarotatives, réduit la complexité mécanique de l’avion et améliore son effcacité énergétique. Ce qui, combiné à une conception optimisée pour en réduire le poids, permet à l’eCopter d’offrir une autonomie de batterie pouvant aller jusqu’à 50 km, à une vitesse de croisière de 130 km/heure. Il peut supporter une charge maximale de 200 kilos.
Concept di taxi aereo, questa innovativa soluzione di mobilità elettrica verticale (eVTOL) si distingue per il design compatto e per un approccio “pragmatico” che punta ad accelerare l’adozione dei viaggi aerei urbani e di renderli più accessibili al grande pubblico.
L’adozione di un sistema di propulsione elettrico coassiale, con due eliche controrotanti riduce la complessità meccanica del velivolo e ne migliora l’effcienza energetica. Questo, unito a un design ottimizzato per ridurre il peso, permette all’eCopter di vantare una portata di batteria che potrebbe raggiungere i 50 km, a una velocità di crociera di 130 km/h. Ha un carico massimo di 200 chili.
An air taxi concept, this innovative electric vertical mobility (eVTOL) solution stands out for its compact design and a “pragmatic” approach that aims to accelerate the adoption of urban air travel and make it more accessible to the general public.
The adoption of a coaxial electric propulsion system, with two counter-rotating propellers, reduces the mechanical complexity of the aircraft and improves its energy effciency. This, combined with a design optimized to reduce weight, allows the eCopter to boast a battery range that could reach 50 km, at a cruising speed of 130 km/h. It has a maximum load of 200 kilos.
eVolo Magazine a annoncé les lauréats du concours Skyscraper 2024. Le jury a sélectionné 3 lauréats et décerné 14 mentions honorables parmi les 206 projets reçus. Ce prix annuel, crée en 2006, récompense des idées visionnaires qui, grâce à l’utilisation novatrice de nouvelles technologies, de matériaux et de programmes, de l’esthétique et d’organisations spatiales remettent en question notre façon d’interpréter l’architecture verticale et son rapport avec les environnements naturels et bâtis.
Le jury était composé de Jose Luis Campos Rosique (PDG, Crystalzoo), Zhe Huang, Li Huang, Yao Zhang (Président, Offce Off Course), Chang Lu, Duo Wang, Chufeng Wu, Shuxiao Zhang, Bozhi Zheng (lauréats du concours Skyscraper 2023 ) et Dirk U. Moench (Président, INUCE).
La première place a été attribuée à URBAN INTERCROPPING, projet développé par Penghao Zhao, Hanyu Sun, Sinuo Jia, Jingxuan Li, Songping Jing, Yibo Gao, YuJie Zeng et An Jiang de Chine. Ce projet propose une solution pour introduire l’agriculture dans les villes. Il intègre le système traditionnel de culture intercalaire à un nouvel aménagement de l’espace urbain.
La deuxième place a été attribuée à Jianwei Zhu, Haoyu Liu, Yi Liu et Yanchu Liang, Chine, pour leur projet intitulé THE STREAMLINE CONCERTO. Ce projet prévoit la possibilité de revitaliser le feuve Jaune en Chine, en restaurant ses berges et en construisant un nouveau type d’architecture le long de celles-ci. La fore et la faune seraient rétablies tandis que de nouvelles infrastructures autonomes seraient incorporées pour des millions d’habitants. Le projet OCEAN LUNGS conçu par Mohammed Noeman Coutry, AbdelRahman Mahmoud Badawy, Toka Hassan Taman, Amr Khaled Mahmoud AbdElsstar, Hend Mahmoud Hassan Rashad, Menna Tallah Mahmoud Fouad, Mohamed Mahfouz Abdelaziz Abdelwadoud, Nagwa Khaled Mohamed Mohamed, Norhan Mohammed Abdel-Hamid Abdel-monem, et Omar Ahmed Salah Mohamed, Égypte, a décroché la troisième place du concours. Ce projet propose un gratte-ciel sous-marin situé à mille mètres de profondeur, conçu pour fltrer l’excès de CO2 dans les océans en utilisant la dernière technologie de captage du carbone.
eVolo Magazine ha annunciato i vincitori del Concorso Skyscraper 2024. La Giuria ha selezionato 3 vincitori e 14 menzioni d’onore tra 206 progetti ricevuti. Il premio annuale istituito nel 2006 riconosce idee visionarie che, attraverso l’uso innovativo di tecnologia, materiali, programmi, estetica e organizzazioni spaziali, sfdano il modo in cui comprendiamo l’architettura verticale e il suo rapporto con gli ambienti naturali e costruiti.
La giuria era formata da Jose Luis Campos Rosique (CEO, Crystalzoo), Zhe Huang, Li Huang, Yao Zhang (Preside, Offce Off Course), Chang Lu, Duo Wang, Chufeng Wu, Shuxiao Zhang, Bozhi Zheng (vincitori 2023 Skyscraper Competition ) e Dirk U. Moench (Preside, INUCE).
Il primo posto è stato assegnato a URBAN INTERCROPPING progettato da Penghao Zhao, Hanyu Sun, Sinuo Jia, Jingxuan Li, Songping Jing, Yibo Gao, YuJie Zeng e An Jiang dalla Cina. Il progetto propone una soluzione per portare l’agricoltura nelle città. Integra il tradizionale sistema di piantagioni consociate con una nuova pianifcazione dello spazio urbano.
I vincitori del secondo posto sono Jianwei Zhu, Haoyu Liu, Yi Liu e Yanchu Liang dalla Cina per il loro progetto THE STREAMLINE CONCERTO. Questo progetto indaga come rivitalizzare il Fiume Giallo in Cina ripristinando le sue sponde e costruendo lungo di esse una nuova tipologia architettonica. La fora e la fauna verrebbero ripristinate e vi sarebbero incorporate nuove infrastrutture autosuffcienti per milioni di abitanti.
OCEAN LUNGS progettato da Mohammed Noeman Coutry, AbdelRahman Mahmoud Badawy, Toka Hassan Taman, Amr Khaled Mahmoud AbdElsstar, Hend Mahmoud Hassan Rashad, Menna Tallah Mahmoud Fouad, Mohamed Mahfouz Abdelaziz Abdelwadoud, Nagwa Khaled Mohamed Mohamed, Norhan Mohammed Abdel-Hamid Abdel-monem, e Omar Ahmed Salah Mohamed dall’Egitto ha ricevuto il terzo posto nella competizione. Questo progetto propone un grattacielo sottomarino profondo 1 chilometro pensato per fltrare l’eccesso di CO2 negli oceani utilizzando la più recente tecnologia di cattura del carbonio.
eVolo Magazine announced the winners of the 2024 Skyscraper Competition. The Jury selected 3 winners and 14 honorable mentions from 206 projects received. The annual award established in 2006 recognizes visionary ideas that through the novel use of technology, materials, programs, aesthetics, and spatial organizations, challenge the way we understand vertical architecture and its relationship with the natural and built environments.
The Jury was formed by Jose Luis Campos Rosique (CEO, Crystalzoo), Zhe Huang, Li Huang, Yao Zhang (Principals, Offce Off Course), Chang Lu, Duo Wang, Chufeng Wu, Shuxiao Zhang, Bozhi Zheng (Winners 2023 Skyscraper Competition), and Dirk U. Moench (Principal, INUCE).
The First Place was awarded to URBAN INTERCROPPING designed by Penghao Zhao, Hanyu Sun, Sinuo Jia, Jingxuan Li, Songping Jing, Yibo Gao, YuJie Zeng, and An Jiang from China. The project proposes a solution to bring agriculture into cities. It integrates the traditional intercropping planting system with novel urban spatial planning.
The recipients of the Second Place are Jianwei Zhu, Haoyu Liu, Yi Liu, and Yanchu Liang from China for their project THE STREAMLINE CONCERTO. This project investigates how to revitalize the Yellow River in China by restoring its bank and building a new architectural typology along it. Flora and fauna would be restored while new self-self-sutsainable infrastructure would be incorporated for millions of inhabitants.
OCEAN LUNGS designed by Mohammed Noeman Coutry, AbdelRahman Mahmoud Badawy, Toka Hassan Taman, Amr Khaled Mahmoud AbdElsstar, Hend Mahmoud Hassan Rashad, Menna Tallah Mahmoud Fouad, Mohamed Mahfouz Abdelaziz Abdelwadoud, Nagwa Khaled Mohamed Mohamed, Norhan Mohammed Abdel-Hamid Abdel-monem, and Omar Ahmed Salah Mohamed from Egypt received the Third Place in the competition. This project proposes a 1 kilometer deep underwater skyscraper designed to flter the CO2 excess in the oceans by using the latest carbon capture technology.
First Place Urban Intercropping
Penghao Zhao, Hanyu Sun, Sinuo Jia, Jingxuan Li, Songping Jing, Yibo Gao, YuJie Zeng, An Jiang China
Second Place
The Streamline Concerto
Jianwei Zhu , Haoyu Liu, Yi Liu, Yanchu Liang
China
Third Place
Ocean Lungs Skyscraper
Mohammed Noeman Coutry, AbdelRahman Mahmoud Badawy, Toka Hassan Taman, Amr Khaled Mahmoud AbdElsstar, Hend Mahmoud Hassan Rashad, Menna Tallah Mahmoud Fouad, Mohamed Mahfouz Abdelaziz Abdelwadoud, Nagwa Khaled Mohamed Mohamed, Norhan Mohammed Abdel-Hamid Abdel-monem, Omar Ahmed Salah Mohamed (Egypt)
Honorable Mention Cloud Net Above The Three Gorges Zhengsheng Pu, Bingrui Liu, Jingxiang Hong, Yunqian Wang, Yujie Feng, Kehan Sun (China)
Honorable Mention Air Catcher Skyscraper Kai Xu, Fangyuan Wang, Shuyang Lin, Gaole Wei, SongLin Liu, YuHan Zhang, Jiayi Feng, Chengshuai Liu, Zijie Gao China
Honorable Mention Memory Drop Skyscraper
Pablo Allen Vizan, Inma Herves González Germany
Honorable Mention Urban Framing Depot
Yifan Shen, Yue Zhuo, Xiong Fei USA
Honorable Mention
Vertical Mega Region
Lee Sang-min, Baek Changheon, Kim Yong Hee, Jung Chang Gyun, Kang Somang, Jo Youngjae, Seo Chaebin South Korea
Honorable Mention
Middle Land Skyscraper
Xinyu Ma, Shengming Li, Zehui Li, Changyu Lu, Xinyu Ma China
Honorable Mention Disaster Response And Regeneration Island In Japan
Yinuo Zhang, Jialu Huang, Binbin Ye, Ya Yu China
Honorable Mention Skycrafted Glacier Pinnacle
Taigyoun Cho, Yejin Hwang, Subin Lee, Seoyoon Jang, Seungyeon Kim (South Korea)
United Kingdom
Honorable Mention
The Weave Skyscraper
Void Studio Architecture + Research
Honorable Mention
Heritage Mirage: Digital Heritage Archive Skyscraper Based On Classifcation System YiWei Chen (China)
Fondation Maeght Extension
Saint-Paul de Vence, France
Silvio d’Ascia
Cette année, la Fondation Maeght à Saint-Paul de Vence, première fondation d’art moderne et d’art contemporain en France, fondée en 1964 par Marguerite et Aimé Maeght, fête son 60e anniversaire. Lieu unique et raffné, plongé dans la végétation méditerranéenne, elle est accueillie au sein d’une architecture moderniste conçue par l’architecte catalan Josep Lluis Sert, avec la contribution d’artistes tels que Braque, Miró, Matisse et Giacometti, qui faisaient partie du cercle des Maeght. L’ensemble architectural et le parc qui l’entoure témoignent du lien étroit qui existait avec les artistes et qui fut à l’origine de la Fondation, du parcours dans le parc dessiné par Miró (le Labyrinthe) à la cour Giacometti, en passant par les vitraux de Miró ou de Braque. L’idée, déjà esquissée en 1973 par Aimé Maeght, de disposer d’espaces supplémentaires pour réunir des présentations par roulement d’œuvres de la collection (qui compte plus de 13 000 chefs-d’œuvre) et des expositions temporaires s’est concrétisée à l’occasion des célébrations du soixantième anniversaire avec la création de deux nouvelles salles et d’une galerie communicante pour un total de 500 m2 supplémentaires, en plus de la reconversion de 80 m2 d’espaces existants.
L’auteur du nouveau projet, l’architecte italien Silvio d’Ascia, installé à Paris depuis 2001, a proposé une intervention discrète, presque “invisible”, mais à la fois forte et raffnée. Un choix courageux qui ajoute du volume grâce à la soustraction de matière, un geste minimaliste conçu en totale harmonie avec l’architecture de Sert et avec le paysage naturel. Fort de son expérience dans la conception de gares et de pôles d’échanges intermodaux (de la gare TGV de Turin Porta Susa à la gare de Kénitra au Maroc ou à la gare du Pont de Bondy du Grand Paris Express), Silvio d’Ascia a creusé le sol sous les cours Giacometti et Miró pour créer deux nouveaux espaces reliés par une galerie et ouverts avec deux grandes baies vitrées sur une nouvelle terrasse-jardin obtenue grâce aux travaux d’excavation. Les deux volumes ne sont visibles que depuis le nouveau parcours extérieur qui rejoint le Labyrinthe Miró, encadrés par deux structures en béton “blond” qui s’harmonise avec la pierre du soubassement et le travertin des sols. À l’intérieur, un escalier mène à la salle principale (de 390 m2) qui se dévoile dans toute son extension minimaliste, éclairée de manière naturelle, avec la pinède en toile de fond. Le même effet est obtenu dans la salle mineure (66 m2) qui est reliée à la salle principale par une galerie de 44 m2. Les salles, dépourvues de toute structure apparente, sont conçues pour offrir la plus grande polyvalence possible aux expositions temporaires ou aux collections permanentes, aux concerts ou aux spectacles de danse. À l’occasion de ce 60e anniversaire, la très belle exposition “Amitié, Bonnard-Matisse”, qui se tiendra jusqu’au 6 octobre prochain, célèbre l’amitié entre les deux artistes et le lien qui les unissait à la famille Maeght.
La Fondation Maeght a Saint Paul de Vence, prima fondazione d’arte moderna e contemporanea in Francia fondata nel 1964 da Marguerite e Aimé Maeght celebra quest’anno i suoi sessant’anni. Luogo unico e raffnato, immerso nella vegetazione mediterranea, è ospitata in un’architettura modernista frmata dall’architetto catalano Josep Lluis Sert con il contributo di artisti, quali Braque, Miró, Matisse o Giacometti, che facevano parte della cerchia dei Maeght. L’intera architettura e il parco che la circonda trasmettono la stretta relazione con gli artisti che fu all’origine della fondazione, dal percorso nel parco disegnato da Miró, alla corte Giacometti fno alle vetrate dello stesso Miró o di Braque. L’idea, già tratteggiata nel 1973 da Aimé Maeght di disporre di spazi supplementari per far convivere presentazione in rotazione delle opere della collezione (che conta oltre 13.000 capolavori) e mostre temporanee si concretizza in occasione delle celebrazioni per i sessant’anni con la creazione di due nuove sale e di una galleria di connessione per un totale di 500m2 supplementari, oltre alla riconversione di 80 m2 di spazi esistenti.
Autore del progetto, Silvio d’Ascia, architetto italiano, dal 2001 titolare di uno studio a Parigi, che ha proposto un intervento discreto, quasi “invisibile”, ma al contempo forte e raffnato. Una scelta coraggiosa che aggiunge volumetria attraverso un’opera di sottrazione di materia, un gesto minimalista pensato in totale sintonia con l’architettura di Sert e in osmosi con il paesaggio naturale.
Forte dell’esperienza nel progetto di stazioni ferroviarie e poli di scambio intermodali (dalla stazione TGV di Torino Porta Susa, a quella di Kenitra in Marocco o la Gare Pont de Bondy del Grand Paris Express) d’Ascia scava nel terreno al disotto delle corti Giacometti e Miró, per creare due nuovi volumi uniti da una galleria e aperti con due grandi vetrate su una nuova terrazza giardino ricavata dai lavori di scavo. I due volumi sono visibili solamente dal nuovo percorso esterno che si collega al Labirinto Miró, inquadrati da due cornici in cemento “biondo” che si sposa con la pietra del basamento e con travertino delle pavimentazioni. All’interno una scalinata conduce alla sala principale (390 m2) che si svela in tutta la sua estensione minimalista, illuminata naturalmente con la pineta che fa da sfondo. Stesso effetto nelle sala minore (66m2) collegata alla principale da una galleria di 44 m2. Le sale, prive di ogni struttura a vista, sono pensate per garantire un massimo di fessibilità per esposizioni temporanee o di collezioni permanenti, concerti o spettacoli di danza. In occasione dei 60 anni una bellissima mostra “Amitié, Bonnard-Matisse” in corso fno al 6 ottobre celebra l’amicizia tra i due artisti e la relazione che li unì alla famiglia Maeght.
The Fondation Maeght in Saint Paul de Vence, France’s frst modern and contemporary art foundation founded by Marguerite and Aimé Maeght in 1964, is celebrating its 60th anniversary this year. A uniquely elegant place surrounded by Mediterranean vegetation, it is housed in a modernist work of architecture designed by the Catalan architect Josep Lluis Sert with the help of artists like Braque, Miró, Matisse or Giacometti, who were all members f the Maeght cilub. The entire architectural work and the park surrounding it convey the close relationship with the artists that underpins the foundation, from the path through the park designed by Miró to Giacometti courtyard and the stained-glass windows designed by Mirò himself and Braque.
The idea, already sketched out in 1973 by Aimé Maeght, of having additional spaces to bring together rotating displays of works from the collection (which encompasses over 13,000 masterpieces) and temporary exhibitions has been brought to fruition in conjunction with the 60th anniversary celebrations through the creation of two new rooms and a connecting gallery covering a total of 500 m2 in addition to a conversion measuring 80 m2 of extisting spaces.
The project designer, Silvio d’Ascia, an Italian architect who has run a frm in Paris since 2001, came up with a discreet, almost “invisible” design that is also powerfully elegant. A courageous option that adds volume through a process of subtracting matter, a minimalist gesture designed in total harmony with Sert’s architecture and in osmosis with the natural landscape. On the basis of his experience in designing railway stations and intermodal interchange centres (from the Turin Porta Susa TGV station to Kenitra Station in Morocco or Gare Pont de Bondy for the Grand Paris Express), d’Ascia has dug into the ground beneath Giacometti and Miró courtyards to create two new structures joined by a gallery with two large windows opening onto a new garden terrace created by the excavation work.
The two structures are only visible from the new external pathway connected to the Miró Labyrinth framed by two light-coloured concrete frames that match the stone of the basement and travertine of the fooring. Inside, a staircase leads to the main hall (390 m2) that spectacularly reveals itself in all its minimalist force and is naturally lit with the pine forest as a backdrop. The same effect reappears in the smaller hall (66 m2) connected to the main hall by a 44 m2 gallery. The halls, devoid of any visible structure, are designed to provide maximum fexibility for hosting temporary exhibitions or permanent collections, concerts or dance performances. On the occasion of their 60th anniversary, a wonderful exhibition entitled “Amitié, Bonnard-Matisse” running until 6th October celebrates the friendship between the two artists, a relationship that united them with the Maeght family.
E-Building Ferrari
Maranello (MO), Italy
MCA - Mario Cucinella Architects
Le nouveau e-building, dont MCA a développé les façades extérieures et les principaux espaces intérieurs, est un exemple d’architecture industrielle respectueuse de l’environnement et en harmonie avec lui : un exemple d’avant-garde en matière de conception durable, situé dans la nouvelle zone nord du site de production en expansion de Maranello, qui marque le début d’un processus de régénération pour toute la zone. Le nouveau e-building est dédié à la fabrication de véhicules dotés de moteurs à combustion interne conventionnelle, de véhicules hybrides et de la future Ferrari électrique. Il s’agit d’un volume en forme de prisme d’une hauteur maximale de 25 m, composé de deux étages principaux et de deux entresols, pour une superfcie totale de 42500 m2. La façade continue et lumineuse est composée de baies vitrées opalescentes et de parties vitrées transparentes. Ainsi, la lumière naturelle est diffusée à l’intérieur de manière effcace et offre un haut niveau de confort visuel, tout en refétant une image conforme aux critères esthétiques de Ferrari. De plus, le revêtement extérieur translucide sert à dématérialiser la présence massive du bâtiment. Au cours de la journée, il refète le paysage environnant et, la nuit, il transforme le bâtiment en une lanterne lumineuse.
Pour la façade, MCA a suivi les orientations du DfMA® (pour Design for Manufacturing and Assembly) qui optimisent les opérations d’assemblage des composants sur place et facilitent les opérations d’entretien régulier, ce qui augmente l’effcacité et réduit l’impact sur l’environnement des matériaux et des processus utilisés. Cette volonté de réduire l’impact sur l’environnement a motivé non seulement la conception de la façade, mais aussi celle de l’ensemble du bâtiment. L’usine est située sur un site industriel où les bâtiments d’origine étaient devenus obsolètes et présentaient une grande dispersion d’énergie, et a été construite sans devoir occuper de nouveaux terrains. Elle a été conçue pour obtenir le niveau de performance énergétique de la classe A2 du NZEB, grâce à l’utilisation de matériaux recyclables certifés pour leurs faibles émissions de substances nocives dans l’environnement ; plus de 3 000 panneaux solaires installés sur le toit, d’une capacité totale de 1,3 MW, fournissent de l’énergie au bâtiment. L’enveloppe extérieure du bâtiment garantit des performances thermiques élevées, caractéristiques des immeubles de bureaux les plus modernes, mais inhabituelles pour un site de production. Enfn, un réservoir d’eau récupère l’eau de pluie et la recycle pour l’utiliser à l’intérieur du bâtiment. Ferrari a conçu les espaces intérieurs du bâtiment de manière à garantir le bien-être du personnel. Les postes de travail ergonomiques et les espaces de pause créés par l’équipe Ferrari, où les matériaux et les couleurs ont été choisis pour donner une sensation de confort visuel, sont deux des particularités qui caractérisent le bâtiment. Les espaces verts s’étendent à la fois à l’intérieur et à l’extérieur de l’usine et comprennent un grand jardin sur le toit qui surplombe les activités de production, et environ deux cents nouveaux arbres pour atténuer l’effet d’îlot de chaleur l’été. En outre, la conception judicieuse des routes a permis de minimiser les interférences entre les allées piétonnes et la circulation des poids lourds.
Il nuovo edifcio, per cui MCA ha sviluppato le facciate esterne e i principali spazi interni, è un esempio di architettura industriale che rispetta l’ambiente e dialoga con esso. Un’avanguardia della progettazione sostenibile che sorge all’interno della nuova area nord di espansione dell’insediamento produttivo di Maranello e pone le basi per un processo rigenerativo della stessa.
Il nuovo e-building, destinato alla produzione di vetture con motore termico, ibrido e della futura Ferrari elettrica, è di forma parallelepipeda e di altezza complessiva di 25 m, si sviluppa su due livelli principali e due piani ammezzati, per una superfcie totale di 42.500 m2. La facciata continua e luminosa è costituita da vetrate opaline intervallate da porzioni vetrate trasparenti, che garantiscono un’elevata diffusione interna della luce naturale e alto comfort visivo. Richiamando un’immagine riconoscibile in linea con i canoni estetici di Ferrari, inoltre, il rivestimento esterno traslucido permette di smaterializzare la massa imponente dell’edifcio, che rifette di giorno il paesaggio circostante, mentre di notte si trasforma in lanterna luminosa.
Per il concept della facciata MCA ha seguito le logiche del Design for Manufacturing and Assembly (DfMA) che facilita l’assemblaggio in sito dei componenti e le operazioni di manutenzione, creando effcienza e riducendo gli impatti ambientali legati ai materiali utilizzati e ai processi. L’attenzione per la riduzione dell’impatto ambientale ha guidato la progettazione non solo della facciata ma dell’intero edifcio. Lo stabilimento sorge, infatti, su un’area industriale di edifci obsoleti ad alta dispersione di energia ed è stato, quindi, sviluppato senza consumo di nuovo suolo. Il complesso è stato progettato per raggiungere un livello di prestazione NZeb di classe A2, grazie all’uso di materiali riciclabili e certifcati per le minime emissioni di sostanze nell’ambiente e agli oltre 3.000 pannelli solari con una potenza massima complessiva di 1,3 MW installati sul tetto che ne garantiscono l’alimentazione. L’involucro edilizio assicura, inoltre, elevate prestazioni termiche, tipiche dei più moderni edifci direzionali ma inusuali per un edifcio produttivo. Una vasca di accumulo, infne, permette la raccolta delle acque piovane e il loro utilizzo nell’edifcio. All’interno dell’edifcio, Ferrari ha pensato a degli spazi che massimizzino il benessere delle persone. L’edifcio, con linee di produzione disposte su due livelli principali così da dimezzare il consumo del suolo, si caratterizza, in particolare, per la presenza di postazioni di lavoro ergonomiche e aree relax, concepite dal team Ferrari con l’utilizzo di materiali e cromie che trasmettono una sensazione di benessere visivo. Aree verdi si trovano sia all’interno sia all’esterno dello stabilimento, come l’ampio giardino pensile sul quale si affacciano le attività produttive e le circa 200 nuove alberature atte a mitigare l’isola di calore estiva. Inoltre, grazie a una specifca progettazione della viabilità, sono state ridotte le interferenze tra i percorsi pedonali e il traffco pesante.
The new building, for which MCA developed the external facades and the main internal spaces, is an example of industrial architecture that respects the environment and is in equilibrium with it: a cutting-edge example of sustainable design, situated in the new northern area of the expanding production site in Maranello, that marks the beginning of a regenerative process for the whole area.
The new e-building will produce vehicles with internal combustion engines, hybrids, and the future electric Ferrari. It is a prism-shaped volume rising to a maximum height of 25 metres, on two main foors plus two mezzanine levels, with a total area of 42,500 m2.
The continuous, luminous facade consists of opalescent windows interspersed with transparent glazed portions. This ensures that natural daylight is well diffused internally and gives a high level of visual comfort, whilst evoking an image that is in line with Ferrari’s aesthetic standards. Furthermore, the translucent external cladding serves to dematerialise the substantial presence of the building. During the day, it refects the surrounding landscape and, at night, it transforms the building into a bright lantern.
For the concept of the façade, MCA applied the engineering methodologies of Design for Manufacturing and Assembly (DfMA) which streamline on-site assembly of the components and facilitate ongoing maintenance, increasing effciency and reducing the environmental impact of the materials and processes. This focus on reducing environmental impact guided not only the design of the facade but the entire building. The factory is located on an industrial site where the original buildings were outdated with high energy dispersion, and it was developed without consuming new land. It has been designed to achieve the NZEB Class A2 performance level, using recyclable materials certifed for low emissions of harmful substances into the environment; more than 3,000 solar panels installed on the roof, with an overall maximum power capacity of 1.3 MW, provide energy to the building.
The external envelope of the building ensures high thermal performance that is typical of modern offce buildings but is unusual for a manufacturing site. Finally, a water reservoir collects rainwater and recycles it for use within the building.
Within the building, Ferrari has envisioned the spaces to maximise people wellbeing. Two particular features that characterise the building are the ergonomic workstations and the break areas created by the Ferrari team, where the materials and colour schemes have been chosen to promote a sense of visual comfort. The green areas extend both inside and outside the factory, and include a large rooftop garden that overlooks the production activities, as well as approximately 200 new trees to mitigate the summer heat island effect. Additionally, thoughtful road design has minimised interference between pedestrian paths and heavy traffc.
Client: Ferrari S.p.A.
Project: MCA – Mario Cucinella Architects (www.mcarchitects.it)
Project Leader: Mario Cucinella, Alessandro Gazzoni
Project Manager: Michele Roveri
Design Leader: Michele Olivieri
Team: Benedetta Mingardi, Maria Beccaria, Paolo Greco, Andrea Rossi, Lucrezia Rendace
R&D Unit Manager: Lori Zillante
Senior R&D Specialist: Lorenzo Porcelli, Valentina Porceddu
Visual Unit Manager: Alessia Monacelli
Visual Artist Specialist: Walter Vecchio, Lorenzo Mancini, Gianlorenzo Petrini, Vincenzo Metafora
Structures: Planning Ingegneria
Plants and Fire Prevention: Pool Progetti, SY.TEC, Planning Ingegneria
Pengzhou, une ville de la province chinoise de Sichuan, placée sous la juridiction administrative de la ville de Chengdu, est réputée pour son abondance d’herbes médicinales, utiles pour revitaliser la médecine traditionnelle chinoise.
En 2019, à l’occasion de la fondation de la Cité de la médecine chinoise, l’agence MUDA Architects a été chargée d’en concevoir le musée qui couvre 13 000 m2 près du lac Huitong.
Grâce à son emplacement, le musée entend exprimer et constituer l’emblème spirituel de la région, une synthèse de culture et d’écologie qui fait revivre les principes de la médecine chinoise et diffuse ses connaissances dans un contexte plus large. La culture sous-jacente représente un système théorique complet axé sur l’harmonie et la correspondance entre homme et nature, en considérant que l’homme est une composante de la nature dans son ensemble, constituée du “Yin” et du “Yang”, les éléments primaires de la philosophie chinoise qui les voit comme formes opposées mais complémentaires, constamment en mouvement et avec des changements réguliers qui soulignent la vision holistique de l’unité de la nature et de l’homme.
Les architectes de l’agence MUDA se sont directement inspirés de la philosophie de la médecine traditionnelle chinoise, à commencer par le concept d’“intégrité et dialectique” qui imprègne la théorie Yin-Yang, et ont développé un projet basé sur la combinaison vide-plein qui génère une architecture paysagère qui capture l’essence de la médecine chinoise et intègre harmonieusement sa philosophie ancestrale. Une passerelle circulaire se déploie le long de la structure principale du musée surplombant le lac et évoquant la forme du diagramme Taiji. Les personnes qui marchent et l’eau qui coule transmettent de l’énergie et du dynamisme à l’architecture immobile. Le ciel, la terre et l’homme se fondent pour interpréter l’unité harmonieuse de la nature et des choses.
L’entrée se trouve à l’ouest, reliée par une place arborée à la rue principale. Des panneaux courbes en aluminium perforé ont été utilisés sur la façade pour mettre le paysage en valeur. Ils protègent également du soleil en réduisant la consommation d’énergie. Tournée vers le lac, la façade en verre à double courbure estompe la frontière entre architecture et paysage. Le bâtiment mesure 22,4 m de haut et compte trois étages hors sol et un niveau en sous-sol. Les espaces publics tels que le hall d’entrée, la salle de conférence, l’espace d’exposition interactif, le café et la zone de restauration se trouvent au rez-de-chaussée. La zone d’exposition principale, avec des expositions sur la médecine traditionnelle chinoise, celle de science et technologie et les laboratoires de médecine chinoise se trouvent aux deuxième et troisième étages, le parking et les services au sous-sol. L’espace souterrain combiné à la place extérieure offre des espaces interactifs et commerciaux, ainsi que des activités récréatives destinées aux visiteurs. Dans le hall, la plate-forme courbe dilate l’espace intérieur et offre des espaces d’exposition. Des puits de lumière et des façades rideaux diffusent la lumière naturelle et le paysage à l’intérieur, permettant aux visiteurs d’interagir avec la nature depuis différentes perspectives à chaque étage tandis que les courbes sinueuses qui s’inscrivent à l’intérieur renforcent l’idée maîtresse du projet qui a conçu une forteresse spirituelle dans le parc, offrant un exemple de la manière dont ce bâtiment peut exprimer l’esprit et la vision de l’architecture contemporaine. Mario Pisani
Pengzhou, una città-contea della Cina nella provincia di Sichuan, governata dalla città di Chengdu, è nota per l’abbondante crescita di erbe medicinali, utili per rivitalizzare la tradizionale medicina cinese.
Nel 2019 si fonda la città della medicina cinese e lo studio MUDA riceve l’incarico di progettarne il Museo che si estende per 13.000 m2 nei pressi del lago Huitong.
Grazie alla sua posizione il museo si pone l’obiettivo di esprimere e costituire l’emblema spirituale della regione, una sintesi di cultura ed ecologia che rianima i principi della medicina cinese e ne diffondere la conoscenza in un contesto più ampio.
La cultura che ne è alla base rappresenta un sistema teorico completo che sottolinea l’armonia e la corrispondenza tra uomo e natura, ritenendo che l’umanità sia una componente dell’intera natura, costituita da “Yin” e “Yang”, elementi primari della flosofca cinese che indicano il dualismo che li vede antagonisti ma interdipendenti, costantemente in movimento e con regolari cambiamenti che evidenziano la visione olistica dell’unità della natura e dell’umanità.
Gli architetti di MUDA si ispirane proprio alla flosofa della medicina tradizionale cinese a partire dal concetto di “integrità e dialettica” che permea la teoria Yin-Yang e sviluppano una ipotesi basata sulla combinazione vuoto-pieno che genera un’architettura paesaggio che cattura l’essenza della medicina cinese e incorpora armoniosamente la sua flosofa antiquata.
Una passerella circolare si snoda lungo la struttura principale del museo e il paesaggio acquatico, evocando la forma di Taiji. Le persone che camminano e l’acqua che scorre trasferiscono energia e propulsione all’architettura immobile. Cielo, terra e umanità si fondono interpretando l’armoniosa unità della natura e delle cose.
L’ingresso è a ovest e una piazza lo unisce alla strada principale. I pannelli curvi in alluminio perforato vengono utilizzati sulla facciata per valorizzare il paesaggio. Inoltre schermano il sole riducendo il consumo energetico. Il fronte a est è rivolto al lago con una facciata in vetro a doppia curvatura che rompe il confne tra architettura e paesaggio. Il volume si innalza per 22,4 m e contiene tre piani fuori terra e un livello sotterraneo.
Aree pubbliche come l’atrio, la sala conferenze, l’area espositiva interattiva, il caffè e la zona ristorazione, si trovano al piano terra. Quella espositiva principale con mostre di medicina tradizionale cinese, quelle di scienza e tecnologia e laboratori di medicina cinese, sono al secondo e al terzo piano.
Il parcheggio e i servizi nel piano interrato. L’area sotterranea combinata con la piazza esterna fornisce spazi interattivi e commerciali e attività ricreative per il pubblico.
Nell’atrio la piattaforma curva dilata lo spazio interno e offre spazi per mostre. Lucernari e facciate continue immettono la luce solare e il paesaggio all’interno, consentendo ai visitatori di interagire con la natura da diverse prospettive su ogni piano mentre le curve sinuose immesse all’interno, rafforzano l’idea forza del progetto che ha concepito una fortezza spirituale nel parco offrendo un esempio di come questo volume può esprime lo spirito e la visione dell’architettura contemporanea.
Mario Pisani
Pengzhou, a city-county in China’s Sichuan Province governed by Chengdu City Council is renowned for its abundant growth of medicinal herbs used to revitalise traditional Chinese medicine. In 2019, the ‘City of Chinese Medicine’ was founded and the MUDA frm was commissioned to design its 13,000 m2 museum near Huitong Lake. Thanks to its location, the museum is designed to embody and act as the spiritual emblem of the region, a synthesis of culture and ecology that revives the principles of Chinese medicine and spreads its knowledge to a wider audience.
The underlying culture is a comprehensive theoretical system that emphasises the harmony and correspondence between man and nature in the belief that mankind is one component of the whole of nature according to the principles of “Yin” and “Yang”, the primary elements of Chinese philosophy indicating a dualism views them as antagonistic yet interdependent, constantly in motion and with regular changes emphasising an holistic vision of the unity of nature and mankind.
The architects at MUDA were inspired by the philosophy of traditional Chinese medicine, starting with the concept of ‘integrity and dialectics’ that permeates the Yin-Yang theory. They developed a hypothesis based on a combination of solids and spaces that generates a landscape of architecture that captures the very essence of Chinese medicine and harmoniously incorporates its ancient philosophy.
A circular walkway winds along the museum’s main structure and waterscape evoking the form of Taiji. People walking and fowing water transfer energy and drive to the motionless architecture. Heaven, Earth and people merge to embody the harmonious unity of nature and things. The entrance is over on the west side, and a square joins it to the main road. Curved perforated aluminium panels have been set on the façade to enhance the landscape. They also provide shelter from the sun and reduce energy consumption. The east front overlooks the lake with a double curved glass façade that breaks the boundary between architecture and landscape.
The structure rises up to a height of 22.4 m and has three foors above ground and an underground level. Public areas such as the atrium, conference hall, interactive exhibition area, café and food court are located on the ground foor. The main exhibition area featuring exhibits on traditional Chinese medicine, science and technology and the Chinese medicine workshops are on the second and third foors. Parking and services are in the basement. The underground area combines with the outdoor plaza to host interactive/commercial spaces and recreational activities for the public.
The curved platform in the lobby expands the interior space and provides space for exhibitions. Skylights and curtain walls bring sunlight and landscape into the interior, enabling visitors to interact with nature from different perspectives on each foor, while the sinuous interior curves reinforce the design’s idea of a spiritual fortress in a park, highlighting how this structure expresses the spirit and vision of contemporary architecture.
Mario Pisani
Client: Pengzhou Planning and Natural Resources Bureau, Chengdu Mengjiang Investment Group
Design Team: He Fan, Xu Jiandan, Li Hao, Li Aidong, Fu Yao, Rong Dian, Liu Bin, Lv Chenyu, Zhan Ziqi, Cheng Shiyun
Curtain Wall Design Consultant: Ji Li Creative Curtain Wall Structural Deisgn Consultant: iStructure
Building Construction Drawing: China Southwest Architectural Design and Research Institute
Photo: Archi-Translator, Arch-Exist
Archi-Translator
Archi-Translator
Al Jadidah Athr & Design Gallery
Al-Ula, Kingdom of
Saudi Arabia
Giò Forma Architects and Black Engineering
L’agence Giò Forma a été créée en 1998 et a son siège à Milan. Elle soutient la culture et la pensée créative dans les domaines des loisirs et de l’architecture. Les trois associés Florian Boje, Cristiana Picco et Claudio Santucci et une équipe de plus de trente collaborateurs qui travaillent dans le monde entier sont devenus des leaders européens dans les domaines de la culture et du design. L’agence milanaise opère dans des secteurs allant de l’opéra aux grands événements, en pasant par les musées et les expositions, sans oublier la conception de spectacles, l’architecture et l’urbanisme.
Giò Forma travaille partout dans le monde, de Dubaï à l’Arabie saoudite, de Singapour à Sydney et à Chicago.
La galerie Al Jadidah Athr & Design, conçue en collaboration avec Black Engineering, a été inaugurée en février dernier à Al-Ula.
En 2021, Samantha Cotterell, directrice exécutive du design de la Commission royale d’Al-Ula à l’époque, a fait appel à Giò Forma et Black Engineering en tant que partenaires de la division Design et leur a demandé de développer le projet et de soutenir l’entrepreneur (Craft Group KS) en charge de la conception et de la construction pour défnir les détails du projet fnal.
Design Space Al-Ula est appelé à devenir un catalyseur pour une communauté variée de créateurs, qui favorise le dialogue entre les réseaux de designers, d’architectes et d’urbanistes, locaux et internationaux.
Al Jadidah Arts District est le premier espace expositif permanent d’une galerie contemporaine en Arabie Saoudite, dédié à la présentation de nombreuses et incroyables initiatives en matière de design dans toute la région.
Le bâtiment se développe autour de la place, créant des cours typiques et lumineuses pour l’espace public. Des vues proflées prolongent l’expérience des visiteurs depuis la passerelle Wadi jusqu’au cœur de la galerie. Le bâtiment est revêtu d’un modèle familier mais modernisé de blocs de brise qui reprend l’un des motifs les plus reconnaissables d’Al Jadidah. Après la recherche de motifs d’Al Jadidah traditionnels, quatre d’entre eux ont été choisis et intégrés dans un algorithme. L’algorithme consiste à prendre les quatre éléments du motif et à les répartir à l’intérieur d’une grille qui couvre la façade. Le motif choisi est un dessin dynamique et moderne, riche de tradition. Des écrans en acier corten fabriqués sur mesure soulignent la transparence et la perméabilité du bâtiment, reliant le musée en plein air à la galerie intérieure en hauteur dans le quartier artistique d’Al Jadidah.
Giò Forma nasce nel 1998 e ha sede a Milano, sostenendo la cultura creativa e il pensiero progettuale per l’intrattenimento e l’architettura. I tre soci Florian Boje, Cristiana Picco e Claudio Santucci e un team di oltre 30 professionisti che operano in tutto il mondo sono diventati europei leader nel mondo della cultura e del design.
Lo studio milanese è attivo in settori che vanno dal dall’opera ai grandi eventi, dai musei alle mostre, dallo spettacolo all’architettura e all’urbanistica.
Giò Forma lavora in tutto il mondo, da Dubai, Arabia Saudita, Singapore a Sydney e Chicago.
Lo scorso febbraio è stata inaugurata ad Al-Ula la Al Jadidah Athr & Design Gallery, progettata in collaborazione con Black Engineering.
Giò Forma e Black Engineering sono stati chiamati nel 2021 da Samantha Cotterell, all’epoca direttore esecutivo del design della Commissione Reale per Al-Ula, che li ha assunti come partner del Dipartimento di Design e ha chiesto di sviluppare il concetto e supportare la progettazione con l’appaltatore di costruzione (Craft Group KS) per dettagliare il progetto fnale.
Design Space Al-Ula è destinato a diventare un catalizzatore per una comunità diversifcata di menti creative, generando dialoghi tra reti locali e internazionali di designer, architetti e urbanisti.
Al Jadidah Arts District, è il primo spazio espositivo permanente di gallerie contemporanee in Arabia Saudita, dedicato a mostrare le numerose incredibili iniziative di design in tutta la regione.
L’edifcio si modella attorno alla piazza, creando tipici e luminosi cortili per lo spazio pubblico. Le viste sagomate continuano l’esperienza dei visitatori dalla passerella Wadi al cuore della Galleria.
L’edifcio è rivestito con un design familiare ma modernizzato del modello a blocchi di brezza che celebra uno dei design più riconoscibili di Al Jadidah. Dopo aver ricercato i modelli tradizionali di Al Jadidah, ne sono stati scelti quattro e inseriti in un algoritmo. L’algoritmo consiste nel prendere i quattro semi del modello e distribuirli all’interno di una griglia che riempie la facciata.
Il modello scelto è un design dinamico e moderno, ricco di tradizione. Pareti in acciaio corten realizzate su misura esplorano la trasparenza e la permeabilità dell’edifcio collegando il museo all’aperto allo spazio espositivo interno di alto livello all’interno del quartiere artistico di Al Jadidah.
Giò Forma was born in 1998 and is based in Milan, supporting creative culture and design thinking for entertainment and architecture. The three partners Florian Boje, Cristiana Picco and Claudio Santucci and a team of over 30 professionals operating all over the world have become European leaders in the world of culture and design. The Milanese studio is active in sectors ranging from opera to major events, from museums to exhibitions, from show design to architecture and urban planning.
Giò Forma works all over the world, from Dubai, Saudi Arabia, Singapore to Sydney and Chicago. Last February, the Al Jadidah Athr & Design Gallery, designed in collaboration with Black Engineering was inaugurated in Al-Ula.
Giò Forma and Black Engineering where called upon by Samantha Cotterell in 2021, the Executive Design Director of The Royal Commission for Al-Ula at the time, who engaged them as partners to the Design Department and requested to develop the concept and support the design-build contractor (Craft Group KS) to detail the fnal design.
Design Space Al-Ula is set to become a catalyst for a diverse community of creative minds, generating dialogues between local and international networks of designers, architects and urban planners.
Al Jadidah Arts District, is the frst permanent contemporary gallery space in Saudi Arabia, dedicated to showcasing the many incredible design initiatives across the region.
The building is shaped around the plaza, creating typical and luminous courtyards for the public realm. Shaped views continue the visitors experience from the Wadi walkway to the heart of the Gallery. The building is cladded with a familiar yet modernised design of the breeze blocks pattern celebrating one of the most recognisable Al Jadidah designs. After researching traditional Al Jadidah patterns, four were chosen and entered within an algorithm. The algorithm consists of taking the four pattern seeds and distributing them within a grid that flls the façade. The choosen pattern is a dynamic and modern design rich in heritage.
Custom made corten steel curtains explore the transparency and permeability of the building linking the open air museum to the indoor high level gallery space within the Al Jadidah art district.
Cross section – courtyard
Cross section – building
Croos section – passage
Mezanine floor plan
Bonfglioli HQ
Calderara di Reno (BO), Italy
Peter Pichler Architecture
Signé par Peter Pichler Architecture, le siège de la société Bonfglioli, récemment achevé, est situé à Calderara di Reno, à Bologne, en Italie. Le projet est né de la nécessité de réaliser un immeuble de bureaux fonctionnel et performant qui exprime le professionnalisme, l’innovation et l’histoire de cette entreprise italienne. Fondée en 1956, la société Bonfglioli est l’un des principaux fabricants et fournisseurs d’une gamme complète de motoréducteurs, de systèmes d’entraînement, de réducteurs planétaires et d’onduleurs. Les solutions Bonfglioli sont une force motrice dans les secteurs de l’automatisation industrielle, des machines mobiles et des énergies renouvelables dans le monde entier. Le siège central est le dernier volet d’un projet plus vaste baptisé EVO, le plus grand site industriel du groupe en Italie. Le projet EVO a été conçu pour répondre aux normes les plus récentes en matière d’effcacité énergétique et offre des performances exceptionnelles en termes d’impact environnemental. Il est alimenté par une centrale photovoltaïque d’une puissance de crête de 3 MW, installée non seulement sur les toits des nouvelles usines, mais aussi sur les auvents du parking du personnel. Le nouveau quartier général est conçu comme bâtiment à énergie quasi nulle (nZEB) et est équipé de pompes à chaleur géothermiques et de plafonds radiants pour économiser l’énergie et améliorer le confort à l’intérieur. Il s’agit donc d’un point de repère reconnaissable qui s’élève au-dessus de l’environnement tout en s’y intégrant, d’une approche innovante de la durabilité grâce à une géométrie intelligente. En faisant référence aux cours intérieures des bâtiments existants, la création d’une cour/jardin au cœur de l’ensemble facilite la ventilation naturelle grâce à l’effet de cheminée. En tenant compte des conditions d’ensoleillement locales, le toit du bâtiment a été incliné, élargissant la façade nord pour optimiser l’espace de travail avec un éclairage naturel indirect. Les façades exposées au sud et le toit du siège sont recouverts d’une seconde peau réalisée sur mesure avec un treillis plissé en aluminium qui fltre la lumière directe et offre un espace intérieur confortable tout en économisant l’énergie. La géométrie plissée s’inspire des engrenages produits par l’entreprise, tandis que le treillis en aluminium rappelle les copeaux produits quotidiennement comme sous-produits de la chaîne d’approvisionnement de l’entreprise. Conçu dans une perspective de polyvalence future, le bâtiment présente des espaces ouverts sans piliers avec une façade exosquelettique. À l’intérieur, le bâtiment présente un design moderne pour les espaces de travail, qui favorise la connectivité et la collaboration. L’agencement est soigneusement organisé, avec des services répartis sur différents niveaux pour une interaction optimale avec le public et une excellente synergie avec les bâtiments environnants. Les deux escaliers sculpturaux en colimaçon réalisés en acier sont bien plus qu’un lien physique entre les étages, ils sont aussi un tourbillon symbolique d’échanges créatifs, qui stimulent la circulation continue des idées. Au troisième étage, une passerelle qui traverse la cour intérieure relie les différents services pour faciliter le fux de travail et la communication. La conception du bâtiment met l’accent sur la santé et le bien-être, en intégrant des espaces verts et en maximisant la lumière naturelle indirecte pour améliorer les espaces de travail. La conception originale de son toit incliné donne sur six terrasses, toutes orientées vers le sud. Ces terrasses offrent des espaces extérieurs paisibles propices à la réfexion et à la pause, avec vue sur le célèbre sanctuaire de Madonna di San Luca. Ce lien avec l’extérieur, ainsi que les panoramas, sont autant d’éléments qui enrichissent l’expérience quotidienne des personnes qui y travaillent.
Peter Pichler Architecture inaugura la sede Bonfglioli recentemente completata, situata a Calderara di Reno, Bologna, Italia. La nuova sede nasce dall’esigenza di creare un edifcio per uffci effciente e funzionale che esprima la professionalità, l’innovazione e l’orgogliosa storia dell’azienda italiana. Fondato nel 1956, Bonfglioli è un produttore e fornitore leader di una gamma completa di motoriduttori, sistemi di azionamento , riduttori epicicloidali e inverter. Le soluzioni Bonfglioli sono una forza trainante nei settori dell’automazione industriale, delle macchine mobili e delle energie rinnovabili in tutto il mondo. La sede centrale è l’ultimo tassello mancante in uno sviluppo più ampio chiamato EVO, il più grande sito industriale del Gruppo in Italia. EVO è progettato per soddisfare i più recenti standard di effcienza energetica, offrendo prestazioni eccezionali in termini di impatto ambientale, alimentato da un impianto fotovoltaico da 3 MW di potenza di picco, montato oltre che sulle coperture del nuovo stabilimento esistente anche sulle tende del parcheggio dipendenti . Il nuovo quartier generale è concepito come nZEB (nearly Zero Energy Building) e presenta pompe di calore geotermiche e sofftti radianti per risparmiare ulteriormente energia e ottenere ulteriore confort interno. Si distingue come un punto di riferimento riconoscibile che si eleva e si integra con l’ambiente circostante: un approccio radicale alla sostenibilità con una geometria intelligente. Il punto di partenza del progetto è stato quello di incorporare nella volumetria la tipologia a cortile degli edifci esistenti del masterplan. Questo cortile ospita un giardino verde al piano terra e favorisce la ventilazione naturale attraverso un effetto camino. In risposta alle condizioni locali di luce solare, il tetto dell’edifcio è stato inclinato, allargando la facciata nord per massimizzare lo spazio di lavoro con luce naturale indiretta. Le facciate esposte a sud e il tetto della sede centrale sono rivestiti con una seconda pelle realizzata con una rete di alluminio plissettata continua personalizzata, che fltra la luce intensa e garantisce un ambiente interno confortevole risparmiando energia. La geometria plissettata si ispira agli ingranaggi dell’azienda mentre la rete di alluminio ricorda i trucioli prodotti quotidianamente come sottoprodotto della catena di fornitura dell’azienda. Progettato pensando alla fessibilità futura, l’edifcio presenta spazi aperti privi di colonne attraverso una facciata esoscheletrica. All’interno, l’edifcio testimonia il design moderno del luogo di lavoro, favorendo la connettività e la collaborazione. Il layout è attentamente orchestrato, con dipartimenti distribuiti su vari livelli, per un’interazione ottimale del pubblico e una sinergia con gli edifci circostanti. Due scale a chiocciola scultoree, realizzate in acciaio, sono più di un connettore fsico tra i piani, ma un vortice simbolico di scambio creativo, che invita un fusso continuo di idee. Al 3° piano, un ponte che attraversa il cortile interno collega il dipartimento per facilitare il fusso di lavoro e la comunicazione. L’edifcio pone un’enfasi particolare sulla salute e sul benessere, incorporando spazi verdi e massimizzando la luce naturale indiretta per migliorare l’ambiente di lavoro. Il suo esclusivo design del tetto spiovente culmina in sei terrazze, tutte orientate verso sud. Queste terrazze offrono spazi esterni sereni per la rifessione e la pausa, offrendo viste sull’iconico Santuario Madonna di San Luca. Questo legame con l’esterno, insieme ai panorami, arricchisce l’esperienza quotidiana di chi ci lavora.
Peter Pichler Architecture unveils the recently completed Bonfglioli Headquarters located in Calderara di Reno, Bologna, Italy. The new Headquarters arose from the need to create an effcient and functional offce building that expresses the professionalism, innovation, and proud history of the Italian company.Founded in 1956, Bonfglioli is a leading manufacturer and supplier of a complete range of gearmotors, drive systems, planetary gearboxes, and inverters. Bonfglioli’s solutions are a driving force in industrial automation, mobile machinery, and renewable energy sectors worldwide.The headquarters is the last missing piece in a larger development called EVO, the Group’s largest industrial site in Italy. EVO is designed to satisfy the most recent energy effciency standards, offering outstanding performance in terms of environmental impact, powered by a 3 MW peak power photovoltaic plant, mounted not only on the existing new plant roofs but also on the awnings of the staff car park. The new HQ is conceived as nZEB (nearly Zero Energy Building) and features geothermal heat pumps and radiant ceilings to further save energy and obtain additional internal comfort. It stands out as a recognizable landmark that both rises above and integrates itself with the surroundings – a radical approach towards sustainability with intelligent geometry. The starting point of the design was to incorporate the courtyard typology of the existing masterplan buildings into the massing. This courtyard houses a green garden on the ground foor and enhances natural ventilation through a chimney effect. In response to local sunlight conditions, the building’s roof has been tilted, enlarging the north facade to maximize workspace with indirect natural light. The south-facing facades and roof of the headquarters are clad in a second skin made from a custom continuous pleated aluminum mesh, which flters intense light and ensures a comfortable indoor environment while saving energy. The pleated geometry is inspired by the company’s gears while the aluminum mesh recalls the shavings that are produced daily as a byproduct of the company’s supply chain. Designed with future fexibility in mind, the building features column-free open spaces through an Exoskeleton façade. Inside, the building is a testament to modern workplace design, fostering connectivity and collaboration. The layout is thoughtfully orchestrated, with departments distributed across various levels, for optimal public interaction and synergy with surrounding buildings. Two sculptural spiral staircases, crafted from steel, are more than a physical connectors between foors, but a symbolic vortex of creativity exchange, inviting a continuous fow of ideas. On the 3rd foor, a bridge through the internal courtyard connects the department to facilitate the workfow and communication. The building places a special emphasis on health and well-being, incorporating green spaces and maximizing indirect natural light to enhance the work environment. Its unique sloped roof design culminates in six terraces, all oriented towards the south. These terraces provide serene outdoor spaces for refection and pause, offering views of the iconic Santuario Madonna di San Luca. This connection to the outdoors, together with the views, enriches the daily experience of those who work there.
1. Presidency room
Reception
Meeting room
Toilets
Kitchenette
Client: Bonfglioli
Project: Peter Pichler Architecture (peterpichler.eu)
PPA Principals: Peter Pichler, Silvana Ordinas
PPA Team: Peter Pichler, Niklas Knap, Simona Alù, Ugo Licciardi, Cem Ozbasaran, Filippo Ogliani, Giovanni Paterlini, Domenico Calabrese, Nathalia Rotelli, Angela Ferrari, Alessandro Cardellini, Simone Valbusa.
Jenchieh Hung et Kulthida Songkittipakdee ont fondé HAS design & research à Bangkok et à Shanghai. HAS explore le langage architectural asiatique selon une approche parallèle “conception + recherche” et HAS met l’accent sur l’analogie entre nature spontanée et nature créée par l’homme, en recherchant un autre type de nouvelle architecture naturelle par le biais des produits dérivés de la ville, appelés “The Improvised, MANufAcTURE and Chameleon Architecture”. Le travail de HAS comprend les bâtiments culturels, l’architecture religieuse, les installations artistiques, la conception d’expositions et les projets expérimentaux. Outre la réalisation de leurs projets, Hung et Songkittipakdee se sont activement engagés dans le monde universitaire en tant que critiques d’architecture et professeurs invités à l’université Tongji (Shanghai), à l’université Chulalongkorn (Bangkok) et à l’université de technologie King Mongkut de Thonburi (Thaïlande). Ils ont également été invités à jouer le rôle de curateurs et de critiques pour l’architecture thaïlandaise contemporaine, et ont réalisé une série d’expositions, de publications et de forums.
Jenchieh Hung e Kulthida Songkittipakdee hanno fondato HAS design e ricerca a Bangkok e Shanghai. HAS esplora il linguaggio architettonico asiatico attraverso un approccio parallelo “design + ricerca”; enfatizza l’analogia tra la natura e la natura creata dall’uomo, cercando un altro tipo di nuova architettura naturale attraverso i derivati della città, chiamati “L’Improvvisazione, la MANufAcTURA e l’Architettura Camaleontica”. Il lavoro di HAS comprende edifci culturali, architettura religiosa, installazioni artistiche, design espositivo e progetti sperimentali.
Oltre alla pratica, Hung e Songkittipakdee sono stati attivamente coinvolti nel mondo accademico come professori in visita e critici di design in architettura per la Tongji University, la Chulalongkorn University e la King Mongkut’s University of Technology Thonburi. Sono stati anche invitati a servire come curatori e critici per l’architettura contemporanea tailandese, realizzando una serie di mostre, pubblicazioni e forum.
Jenchieh Hung and Kulthida Songkittipakdee founded HAS design and research in Bangkok and Shanghai. HAS explores Asia’s architectural language through a “design + research” parallel approach; it emphasizes the analogy of nature and man-made nature, looking for another kind of new natural architecture through the city’s own derivatives, named “The Improvised, MANufAcTURE and Chameleon Architecture”. HAS work encompasses cultural buildings, religious architecture, installation art, exhibition design and experimental projects. Besides practice, Hung and Songkittipakdee have been actively involved in academia as visiting professors and design critics in architecture for Tongji University, Chulalongkorn University, and King Mongkut’s University of Technology Thonburi. They were also invited to serve as curators and critics for Thai contemporary architecture, executing a series of exhibitions, publications, and forums.
Sketch of Aluminium Grotto and Public Ground, Bangkok, Thailand
Lead Architects: Jenchieh Hung, Kulthida Songkittipakdee
Lighting Consultant: Light Is Aluminum Production: KIN Thailand
Aluminum Grotto and Public Ground Bangkok, Thailand
Aluminium Grotto and Public Ground est un projet architectural soigneusement conçu qui intègre un intérieur tridimensionnel, une structure permanente et une surface de façade artisanale. Il a été développé à l’occasion du 90e anniversaire de The Association of Siamese Architects sous le patronage royal (ASA). Lancé par la société thaïlandaise d’aluminium S-ONE Group and KIN, le projet a été confé à HAS design and research.
HAS souhaitait que ce bâtiment refète le statut de la Thaïlande comme principal exportateur de métaux en Asie du Sud-Est, mais aussi qu’il constitue un lieu de détente pour le public à l’occasion de l’ASA 90th Anniversary Architect Expo.
Les architectes ont proposé un projet innovant pour la réalisation d’une grotte qui ressemble à une vallée et qui donne une impression de naturel au milieu d’une exposition très fréquentée. Cette grotte en aluminium et ce jardin public ne recréent pas seulement les scènes du passé où les Thaïlandais tenaient compte du paysage naturel pour construire leurs maisons et y vivre, mais refètent également la situation actuelle où la surface moyenne d’espace vert par habitant à Bangkok n’est que de 6,99 m2, ce qui est nettement inférieur aux 9 m2 recommandés par l’Organisation mondiale de la santé (OMS).
En temps normal, la structure surélevée crée un espace ouvert au-dessous, générant plus “d’espace gris” pour attirer le public et étendre les espaces intérieurs et extérieurs. Cette conception fait également écho à l’espace multifonctionnel “Tai toon” des maisons traditionnelles thaïlandaises construites sur pilotis. À certains moments, la lumière naturelle qui éclaire l’espace en forme de grotte permet non seulement d’accueillir des activités didactiques, d’apprentissage et des forums, mais crée également un esprit de cérémonie, offrant ainsi une expérience sensorielle sans précédent. Le projet est réalisé à partir de centaines de milliers de tiges d’aluminium, avec une confguration qui intègre la peau à l’espace, l’espace à la structure et la structure à plusieurs fonctions, connue sous le nom de “Total-ness Design”. Aucune de ces tiges d’aluminium n’est de la même longueur, et chaque tige est minutieusement coupée et assemblée par des artisans, ce qui rappelle l’artisanat raffné des temples thaïlandais. Dans un contexte de développement industriel rapide, la grotte d’aluminium et le terrain public allient tradition et futur grâce à un concept non conventionnel, qui permet aux Thaïlandais de redécouvrir le potentiel de l’artisanat local.
Le projet Aluminum Grotto and Public Ground a reçu le “Thematic Pavilion of the Year Award” lors de l’exposition de l’Association of Siamese Architects under Royal Patronage (ASA Architect Expo).
Structure Production: Pacifc Pipe Co., Ltd.
Lighting Production: Motion Tech Thailand Co Ltd, Neowave
Technology Constructor: Bangkok Canvas
Photo: DOF Sky|Ground
Aluminium Grotto and Public Ground è un’opera architettonica meticolosamente progettata che integra un interno tridimensionale, una struttura permanente e una superfcie della facciata artigianale. È stato creato in occasione del 90° anniversario dell’Associazione degli architetti siamesi sotto il patrocinio reale (ASA). Su iniziativa della società tailandese di alluminio S-ONE Group e KIN, il progetto è stato commissionato a HAS Design and Research.
HAS ha mirato a che questo edifcio rifettesse non solo lo status della Thailandia come il più signifcativo esportatore di produzione di metalli nel sud-est asiatico, ma anche a fornire un luogo di riposo pubblico all’ASA 90th Anniversary Architect Expo. Lo spazio consente al pubblico di partecipare gratuitamente ad attività come l’apprendimento pubblico, gli scambi artistici e le conferenze educative, che servono funzioni senza scopo di lucro.
HAS Design and Research ha proposto un design innovativo per creare una grotta simile a una valle con un’impressione naturale in mezzo all’esposizione affollata e densamente affollata. Questa grotta di alluminio e terreno pubblico non solo ricrea scene del passato in cui i tailandesi facevano affdamento sui paesaggi naturali per le loro abitazioni e vite, ma rifette anche la situazione attuale in cui lo spazio verde aperto medio pro capite a Bangkok è di soli 6,99 m2, molto inferiore alla media L’Organizzazione Mondiale della Sanità (OMS) raccomanda 9 m2
Durante i periodi regolari, la struttura sopraelevata crea uno spazio aperto sottostante, generando più “spazio grigio” per attirare il pubblico ed estendere gli ambienti interni ed esterni. Questo design riecheggia anche lo spazio multifunzionale “Tai toon” delle tradizionali palaftte tailandesi. In momenti speciali, la luce naturale che illumina lo spazio simile a una grotta non solo fornisce funzioni per l’istruzione, l’apprendimento e i forum, ma crea anche un senso di cerimonia, offrendo un’esperienza sensoriale senza precedenti.
Il progetto è costruito con centinaia di migliaia di aste di alluminio, con un design che integra la pelle nello spazio, lo spazio con la struttura e la struttura con diverse funzioni, noto come Total-ness Design. Nessuna di queste aste in alluminio ha la stessa lunghezza; ogni asta è meticolosamente tagliata e assemblata da artigiani, che ricorda l’intricata lavorazione artigianale vista nei templi tailandesi. Nel mezzo del rapido sviluppo industriale, l’Aluminium Grotto e il Public Ground integrano tradizione e futuro con un concetto non convenzionale, consentendo ai tailandesi di riscoprire il potenziale dell’artigianato locale.
L’Aluminium Grotto and Public Ground ha ricevuto la più alta onorifcenza, il “Premio Padiglione Tematico dell’Anno”, presso l’Associazione degli Architetti Siamesi sotto il Royal Patronage Exposition (ASA Architect Expo).
Aluminum Grotto and Public Ground is a meticulously designed architectural work that integrates a three-dimensional interior, a permanent structure, and a craftsmanship façade surface. It was created on the 90th anniversary of The Association of Siamese Architects under Royal Patronage (ASA). Initiated by Thailand’s aluminum company S-ONE Group and KIN, HAS Design and Research was commissioned for the design.
HAS aimed for this building to not only refect Thailand’s status as the most signifcant metal manufacturing exporter in Southeast Asia but also to provide a public resting place at the ASA 90th Anniversary Architect Expo. The space allows the public to participate for free in activities such as public learning, art exchanges, and educational lectures, serving non-proft functions.
HAS Design and Research proposed an innovative design to create a valley-like grotto with a natural impression amidst the busy and densely packed exposition. This Aluminum Grotto and Public Ground not only recreates past scenes where Thai people relied on natural landscapes for their dwellings and lives, but also refects the current situation where the average green open space per capita in Bangkok is only 6.99 m2, much lower than the World Health Organization’s (WHO) recommended 9 m2.
During regular times, the elevated structure creates an open space underneath, generating more “gray space” to attract the public and extend the indoor and outdoor environments. This design also echoes the multifunctional “Tai toon” space of traditional Thai stilt houses. At special moments, the natural light illuminating the grotto-like space not only provides functions for education, learning, and forums but also creates a sense of ceremony, offering an unprecedented sensory experience.
The project is constructed from hundreds of thousands of aluminum rods, with a design that integrates the skin into the space, the space with the structure, and the structure with diverse functions, known as Total-ness Design. None of these aluminum rods are of the same length; each rod is meticulously cut and assembled by craftsmen, reminiscent of the intricate craftsmanship seen in Thai temples. Amidst rapid industrial development, the Aluminum Grotto and Public Ground integrates tradition and future with an unconventional concept, allowing Thai people to rediscover the potential of local craftsmanship.
Aluminum Grotto and Public Ground has been awarded the highest honor, the “Thematic Pavilion of the Year Award,” at The Association of Siamese Architects under Royal Patronage Exposition (ASA Architect Expo).
Museum of Modern Aluminum (MoMA)
Nonthaburi, Thailand
Le projet est né de la volonté d’un groupe de clients ambitieux de relancer l’importance de l’aluminium en Thaïlande. À la fn du XXe siècle, la Thaïlande était le plus grand producteur d’aluminium du Sud-Est asiatique. Sa multitude de proflés d’aluminium ne satisfaisait pas seulement le marché local, mais était aussi connue pour son exportation vers les marchés étrangers. Toutefois, en 1997, la crise fnancière asiatique a frappé le pays sans préavis. Pour survivre, l’industrie thaïlandaise de l’aluminium a donc été amenée à vendre à bas prix des proflés d’aluminium sur les marchés de tout le pays, ce qui a entraîné une prolifération d’enseignes publicitaires, de clôtures et d’extensions au niveau du sol qui constituent aujourd’hui le paysage urbain de Bangkok.
Le MoMA (abréviation de Museum of Modern Aluminum) est né de ce type de contexte. Il se trouve au carrefour le plus fréquenté de la banlieue de Bangkok, où le trafc intense a engendré l’apparition d’une multitude d’enseignes commerciales le long de la Ratchaphruek Road. Le bâtiment prolonge le paysage naturel de la petite île de Ko Kret vers le site du projet. Le jour, le MoMA ressemble à un pissenlit, avec ses éléments en surplomb qui se balancent au gré du vent, apportant douceur et légèreté à la très animée Ratchaphruek Road. La nuit, il se transforme en luciole qui ajoute une impression de nature et de tranquillité à la Ratchaphruek Road.
Le MoMA n’utilise pas seulement les bandes d’aluminium comme éléments de décoration, mais il les laisse se prolonger
dans l’architecture, le paysage, ainsi que dans l’éclairage et le mobilier, créant ainsi une impression de continuité à l’intérieur et à l’extérieur. La façade est revêtue de dizaines de milliers de bandes d’aluminium, chacune d’une couleur et d’une texture légèrement différentes, comme les aigrettes de pissenlit. Les bandes d’aluminium, dotées d’un éclairage LED, s’étendent de la façade anterieure aux deux façades latérales, puis traversent directement l’espace “tunnel” du côté ouest, en fltrant et en atténuant le bruit du contexte urbain et en guidant les visiteurs vers l’espace d’exposition au calme. Les bandes d’aluminium de la façade remplissent non seulement différentes fonctions d’éclairage, mais elles protègent également l’intérieur contre la lumière directe du soleil afn de maintenir le confort des ambiances intérieures. La polyvalence de l’espace d’exposition permet de répondre à une multitude de besoins en matière d’exposition, d’accueil et d’activités. Au dernier étage, le paysage clos ressemble à une île fottante avec des plantes saisonnières et crée un espace écologique urbain où les lucioles peuvent prospérer.
Le processus de conception du MoMA a commencé par l’étude des enseignes en aluminium que l’on voit couramment dans les rues, après quoi l’aluminium a été utilisé comme élément unifcateur de l’ensemble du bâtiment. L’étude et la recherche de proflés en aluminium permettent de créer une texture architecturale distincte et de découvrir une nouvelle dimension vernaculaire dans la jungle de béton thaïlandaise.
Il progetto è nato da un gruppo di clienti ambiziosi con l’obiettivo di far rivivere l’importanza dell’alluminio in Thailandia. Alla fne del XX secolo la Tailandia era il più grande produttore di alluminio del sud-est asiatico. I suoi diversi e abbondanti profli in alluminio non solo soddisfacevano il mercato locale, ma un tempo erano noti per l’esportazione verso i mercati esteri. Tuttavia, la crisi fnanziaria asiatica colpì senza preavviso nel 1997. Ciò spinse l’industria dell’alluminio tailandese a vendere profli di alluminio a prezzi bassi ai mercati dell’hardware in tutto il paese per sopravvivere, con conseguente disordine di cartelli pubblicitari, recinzioni di balconi ed estensioni del piano terra. che compongono l’attuale panorama stradale di Bangkok.
Il MoMA è nato da un ambiente del genere. Si trova nel nodo del traffco più traffcato alla periferia di Bangkok, dove il traffco intenso ha portato a una serie di segnali commerciali lungo Ratchaphruek Road.
L’edifcio estende il paesaggio naturale dell’isola di Ko Kret al sito del progetto. Di giorno il MoMA è un dente di leone, con i suoi elementi sovrastanti che ondeggiano al vento, donando morbidezza e leggerezza alla traffcata Ratchaphruek Road; di notte, si trasforma in una lucciola, aggiungendo un senso di natura e tranquillità alla Ratchaphruek Road.
Il MoMA non solo utilizza nastri di alluminio come elementi espositivi, ma consente loro di continuare anche nell’architettura, negli interni, nel paesaggio, così come nell’illuminazione e nei mobili, creando un senso di totalità all’interno e all’esterno. La facciata è rivestita da decine di migliaia di strisce di alluminio, ciascuna con un colore e una consistenza leggermente diversi, proprio come le piume di un dente di leone. Le strisce di alluminio, abbinate all’illuminazione a LED, si estendono dalla facciata anteriore alle due facciate laterali, per poi attraversare lo spazio “tunnel” sul lato ovest, fltrando e smorzando il rumore dell’ambiente esterno e guidando i visitatori nella silenziosa mostra posto.
Le strisce di alluminio sulla facciata non solo forniscono una varietà di funzioni di illuminazione, ma proteggono anche gli interni dall’eccessiva luce solare per mantenere un ambiente interno confortevole. La fessibilità dello spazio espositivo permette di soddisfare diverse esigenze espositive, di accoglienza e di attività. All’ultimo piano, il paesaggio racchiuso ricorda un’isola galleggiante con piante stagionali, creando un sito ecologico urbano dove foriscono le lucciole.
Il processo di progettazione del MoMA è iniziato con lo studio delle insegne in alluminio comunemente viste per le strade, per poi utilizzare l’alluminio come elemento di collegamento dell’intero edifcio. Attraverso l’indagine e la ricerca sui profli in alluminio, viene creata una trama architettonica distinta e viene scoperto un nuovo senso del vernacolare nella giungla di cemento della Thailandia.
The project originated from a group of ambitious clients with the goal of reviving the signifcance of aluminum in Thailand. Thailand was once the largest aluminum manufacturer in Southeast Asia at the end of the 20th century. Its diverse and abundant aluminum profles not only satisfed the local market but were once known for exporting to overseas markets. However, the Asian Financial Crisis hit without warning in 1997. This prompted Thailand’s aluminum industry to sell aluminum profles at low prices to hardware markets around the country in order to survive, resulting in the clutters of advertising signs, balcony fences, and ground foor extensions that make up the present-day Bangkok streetscape.
MoMA was born out of such an environment. It is located at the busiest traffc hub on the outskirts of Bangkok, where heavy traffc has led to a variety of commercial signs lining Ratchaphruek Road.
The building extends the natural landscape of Ko Kret Island to the project site. During the day, MoMA is a dandelion, with its overhanging elements swaying in the wind, bringing softness and lightness to the busy Ratchaphruek Road; at night, it transforms into a frefy, adding a sense of nature and peacefulness to Ratchaphruek Road. MoMA not only uses aluminum strips as display items, but also allows them to continue in the architecture, the interior, the landscape, as well as the lighting and furniture, creating a sense of totality inside and outside. The façade is clad with tens of thousands of aluminum strips, each with a slightly different color and texture, just like the feathers of a dandelion. The aluminum strips, combined with LED lighting, extend from the front façade to the two side façades, and then straight through the “tunnel” space on the west side, fltering and dampening the noise of the external environment and guiding visitors to the quiet exhibition place.
The aluminum strips on the façade not only provide a variety of lighting functions, but also shade the interior from excessive sunlight to maintain a comfortable interior environment. The fexibility of the exhibition space can meet a variety of display, reception, and activity needs. On the top foor, the enclosed landscape resembles a foating island with seasonal plants, creating an urban ecological site for frefies to fourish.
The design process of MoMA began with the study of aluminum signboards commonly seen on the streets, and then used aluminum as an element to link the entire building. Through the investigation and research of aluminum profles, a distinct architectural texture is created, and a new sense of vernacular is discovered in Thailand’s concrete jungle.
Lead Architects: Jenchieh Hung, Kulthida Songkittipakdee
Innovation, Aluminum Production Consultant: Goldstar Metal
Landscape Design: TROP : terrains + open space
Lighting Design: Light Is
Lighting Product: Neowave Technology
Constructor: SL Window
Photo: W Workspace
Facade: Thierry Guetta (Brainwash)
Muraless Art Hotel
Idea: Gianmaria Villa
Room 278
Section: Architecture
Coquelicot Maflle: Andrea Palladio
Ce lo ha insegnato Andy Warhol: ogni icona viene consumata e poi devitalizzata. Il che vale anche per la street-art, al momento in cui l’iconografa un tempo defnita vandalica (si fa per dire) diventa oggetto di marketing. È il caso del Muraless Art Hotel di Castel d’Azzano, città a 12 chilometri da Verona, “primo albergo al mondo” che a questa pratica artistica è totalmente dedicato.
La facciata è decorata dal noto street-artist Thierry Guetta, in arte Brainwash, prolifco writer francese cinquattotenne, ma anche video-maker e persino attore: ha esordito a Los Angeles per poi creare la copertina dell’album Celebration di Madonna. E oggi collabora con numerose band virali. Insomma, mica roba da poco, niente a che fare con un comune ‘imbrattatore’ metropolitano. Del resto il caso Banksy insegna: il più famoso e gettonato street artist al mondo si è trasformato oggi in un vero e proprio brand miliardario. Come Brainwash, del resto, che ha partecipato al documentario di Banksy Exit Through the Gift Shop
L’idea dell’hotel Muraless, comunque, lungi da considerazioni moralistiche, è originale e apprezzabile, anche se nulla ha a che fare con i signifcati politico-ideologici-urbani delle origini.
Diamo un’occhiata alla facciata principale dove campeggia oltre al faccione di Elvis (Artist is not a crime) il poliusurato viso della Gioconda (da quello con i baff di Marcel Duchamp in avanti…), contornato, come avviene sulla posteriore, accanto a un Einstein che mostra un cartello (Love is the answer), da “grafftacci” di stampo stradale palesemente falsi (nel senso che sono ideati insieme al tutto, non apposti dopo da grafftari di passaggio).
Poi ci sono le camere (non care: si va dai 119 euro per una doppia standard ai 155 di una “superior”), alcune delle quali mostrano opere di street-artist apertamente sponsorizzate (Trussardi, Moschino ecc.), mentre altre sono legate a un tema specifco (fashion, design, musica, cinema – camere dedicate a Monica Vitti, Anna Magnani, Massimo Troisi, Sergio Leone, Federico Fellini e Pier Paolo Pasolini – e vanti gastronomici nazionali come pizza, mozzarella, gelato, caffè, tortellini e il pandoro veronese… che non ha a che fare con il caso Ferragni…).
E ancora si potrà dormire su letti contornati da glorie italiche come Giulio Cesare, Dante Alighieri, Guglielmo Marconi. Hanno partecipato street-artist come Coquelicot Maflle, Nais, Senso, Octofy, Joys, Etnik, Wubik, Frode, Gatto, Mister Thoms, MrFijodor; i nomi affermati della Street Art e del Muralismo: Neve, Cheone, Vesod, Seacreative, Refreshink, Casciu, Luca Font, Ufo5, Ale Puro, Federico Unia; e alcuni esponenti delle nuove generazioni come Chill Surrealism, Luogocomune, Rise, Soler. La parte artistica delle camere l’ha curata Chiara Canali. Un’idea, quella del Muraless Hotel, venuta in mente all’imprenditore Gianmaria Villa che ha praticamente ricostruito un vecchio albergo in disuso trasformandolo in una sorta di museo della street-art, quella attuale dei ricchi brand. “Cambiare tutto per non cambiare niente”, diceva il Principe di Salina ne Il Gattopardo di Tomasi di Lampedusa. Ma, oggi, al di là del travisamento ideologico, va un plauso a chi recupera un vecchio rudere mutandolo in un’ opera compiuta e attraente. E va bene così.
Michele Bazan Giordano
Andy Warhol nous apprend que toute icône est consumée puis dévitalisée, ce qui vaut également pour le street art à une époque où l’iconographie, autrefois qualifée de vandale (pour ainsi dire), devient objet de marketing. C’est le cas du Muraless Art Hotel de Castel d’Azzano, une ville située à douze kilomètres de Vérone, le “premier hôtel au monde” entièrement dédié à cette pratique artistique. La façade a été décorée par le célèbre street-artiste Thierry Guetta, alias Brainwash, écrivain français prolifque âgé de cinquante-huit ans, également vidéaste et même acteur : il a fait ses débuts à Los Angeles et a ensuite créé la pochette de l’album Celebration de Madonna. Aujourd’hui, il collabore avec de nombreux groupes populaires. Bref, ce n’est pas rien, rien à voir avec un vulgaire “barbouilleur” de murs. Après tout, le cas Banksy nous l’enseigne : le street artiste le plus célèbre et le plus populaire du monde s’est transformé en une véritable marque milliardaire, comme Brainwash du reste, qui a participé au documentaire de Banksy Exit Through the Gift Shop. Quoi qu’il en soit, audelà des réfexions moralistes, l’idée de l’hôtel Muraless est originale et appréciable, même si elle n’a rien à voir avec les notions politiques, idéologiques et urbaines des origines. Jetons un coup d’œil à la façade principale où, à part le grand visage d’Elvis (Artist is not a crime), se détache le visage multiforme de la Joconde (à partir de la moustache de Marcel Duchamp...), entouré, comme sur celle arrière, à côté d’un Einstein arborant une pancarte (Love is the answer), de “grafftis” de rue manifestement faux (en ce sens qu’ils sont conçus avec l’ensemble, et non pas posés après coup par des graffeurs de passage). Ensuite, il y a les chambres (pas chères : elles vont de 119 euros pour une standard pour une ou deux personnes à 155 euros pour une “superior”), dont certaines affchent des œuvres de street artistes explicitement sponsorisées (Trussardi, Moschino, etc.), tandis que d’autres se réfèrent à un thème spécifque (mode, design, musique, cinéma – comme les chambres dédiées à Monica Vitti, Anna Magnani, Massimo Troisi, Sergio Leone, Federico Fellini et Pier Paolo Pasolini). – et aux feurons de la gastronomie nationale tels que la pizza, la mozzarella, la glace, le café, les tortellini et le pandoro de Vérone... mais qui n’a rien à voir avec l’affaire Ferragni...). Et il est aussi possible de dormir sur des lits entourés de glorieux Italiens tels que Jules César, Dante Alighieri, Guglielmo Marconi. Des street artistes tels que Coquelicot Maflle, Nais, Senso, Octofy, Joys, Etnik, Wubik, Frode, Gatto, Mister Thoms, MrFijodor y ont participé, ainsi que des grands noms du Street Art et du Muralisme tels que Neve, Cheone, Vesod, Seacreative, Refreshink, Casciu, Luca Font, Ufo5, Ale Puro, Federico Unia; et certains représentants de la nouvelle génération tels que Chill Surrealism, Luogocomune, Rise, Soler. La partie artistique des chambres a été réalisée par Chiara Canali. Une idée, celle du Muraless Hotel, qu’a eue l’entrepreneur Gianmaria Villa qui a pratiquement reconstruit un vieil hôtel désaffecté, pour le transformer en une sorte de musée du street-art. “Il faut que tout change pour que rien ne change”, disait le Principe de Salina dans Le Guépard de Giuseppe Tomasi di Lampedusa. Mais aujourd’hui, au-delà de la déformation idéologique, il faut féliciter ceux qui récupèrent une vieille ruine pour la transformer en une œuvre aboutie et séduisante. Et c’est bien comme ça.
Michele Bazan Giordano
Room 264
Section: Art
TACKLE ZERO: Amedeo Modigliani
Room 262
Section: Art Mr. Savethewall: Antonio Canova
As Andy Warhol taught us: every icon is consumed and then devitalised. This also applies to street-art, where iconography once defned as vandalism (so to speak) becomes an object of marketing. This is the case with Muraless Art Hotel in Castel d’Azzano, a town 12 kilometres from Verona, “the frst hotel in the world” totally dedicated to this form of art.
The façade was decorated by the well-known street-artist Thierry Guetta, aka Brainwash, a prolifc 58-year-old French writer, but also a video-maker and even an actor: he began his career in Los Angeles and then went on to design the cover of Madonna’s Celebration album. He currently works with numerous viral bands. In short, no small feat, anything but an ordinary urban “graffti artist”. After all, Bansky, the most famous and popular street artist in the world, has now turned himself into an authentic billionaire brand. Like Brainwash, as well, who took part in Bansky’s documentary entitle Exit
Through the Gift Shop.
Nevertheless, ethical considerations aside, Muraless Hotel is an original and admirable idea, even though it has connection with the political-ideological-urban meanings initially underpinning it.
Let’s take a look at the main façade where, in addition to a big Elvis face (Artist is not a crime), there is yet another eye-catching image Mona Lisa’s face (in the wake of Macel Duchamp’s Mona Lise with a moustache etc...) and an image of Einstein holding a sign (Love is the answer) and lots of blatantly fake street-style “graffti” (in the sense that they are designed to be part of the whole design and not added on afterwards by random street artists).
Then there are the rooms (not expensive: ranging from 119
euros for a standard double to 155 for a ‘superior’), some of which display openly sponsored street-artist works (Trussardi, Moschino, etc.), while others are linked to a to a specifc theme (fashion, design, music, cinema – rooms dedicated to Monica Vitti, Anna Magnani, Massimo Troisi, Sergio Leone, Federico Fellini and Pier Paolo Pasolini – and such Italian gastronomic glories such as pizza, mozzarella, ice cream, coffee, tortellini and the Veronese pandoro... no reference to Ferragni intended...).
You can even sleep on beds adorned with such famous Italians as Julius Caesar, Dante Alighieri and Guglielmo Marconi. Street-artists like Coquelicot Maflle, Nais, Senso, Octofy, Joys, Etnik, Wubik, Frode, Gatto, Mister Thoms and MrFijodor were all involved in the project; as well as established names in the realms of Street Art and Muralism: Neve, Cheone, Vesod, Seacreative, Refreshink, Casciu, Luca Font, Ufo5, Ale Puro, Federico Unia; and even certain exponents from the younger generations, such as Chill Surrealism, Luogocomune, Rise and Soler. The artistic part of the rooms was curated by Chiara Canali.
The idea for Muraless Hotel may be attributed to the entrepreneur Gianmaria Villa, who basically rebuilt an old, abandoned hotel, transforming it into a sort of museum for the street art of the latest rich brands. “Change everything to change nothing,” so the Prince of Salina said in Tomasi di Lampedusa’s The Leopard. But, nowadays, ideological misrepresentation aside, credit should go to anybody who redevelops an old ruin by converting it into an accomplished and attractive work of architecture. Nothing wrong with that.
Michele Bazan Giordano
Michelangelo
Room 212
Section: Liric Music
La180: Madama Butterfy
Room 230
Section: Motors Devil69: Ferrari
Room 278
Section: Architecture
Coquelicot Maflle: Andrea Palladio
Room 222
Section: Cinema
Nello Petrucci: Federico Fellini
Section: History
Ale Senso: Dante Alighieri
short
RÉFLEXIONS
Paris, France
Atelier Barrois with Bollinger+Grohmann
Réfexions est une œuvre d’art unique et étonnante réalisée en verre posée dans la grande fontaine centrale qui trône dans la cour au cœur du Jardin du Palais-Royal à Paris. Cette sculpture monumentale, conçue dans l’esprit des œuvres extraordinaires de Kapoor et Stella, invite le visiteur à entrer dans une dimension contemplative de l’essence de la matière, grâce au pouvoir de transformation de la lumière par le biais de refets et d’étonnants effets de réfraction qui projettent des arcs-en-ciel sur le sol. Le design est une expression de la convergence de la créativité et de l’art de l’ingénierie, fruit de la collaboration entre Atelier Barrois et Bollinger+Grohmann (B+G) au cours d’un processus de développement de trois ans. La structure spatiale tridimensionnelle, faite de verre, crée une composition qui rappelle les échafaudages, et confère une valeur artistique entièrement nouvelle grâce au choix du matériau et à l’utilisation du bâtiment pour d’autres usages. Tout au long du processus, ils ont réussi à mettre en valeur une simplicité de forme résultant de la maîtrise de nouvelles techniques, où des barres de verre prismatiques, entrelacées de nœuds en acier inoxydable, créent un spectacle de jeux de lumière qui s’étend sur les onze niveaux et atteint une hauteur de quinze mètres. Dans le cadre de cette collaboration avec l’Atelier Barrois, l’équipe spécialisée de B+G a tout d’abord cherché à comprendre la vision de l’artiste. B+G a étudié attentivement ses premières ébauches, et les a soumises à des tests numériques et pratiques. Une analyse approfondie de ces premiers tests a fait apparaître les points à améliorer, ce qui a permis de proposer de nouvelles idées. En intégrant ces propositions retouchées et en les évaluant de manière rigoureuse, les concepteurs ont fnalement obtenu une forme défnitive qui s’adapte parfaitement à l’ensemble du projet.
Réfexions è un’opera d’arte in vetro unica e sorprendente nel cuore dei giardini del Palais-Royal di Parigi, posizionata al centro della grande fontana circolare che domina la corte. La scultura monumentale, progettata nello spirito delle straordinarie sculture di Kapoor e Stella, invita i visitatori a entrare in un rapporto contemplativo con l’essenza della materia, il tutto attraverso il potere trasformativo della luce grazie ai rifessi e ai sorprendenti effetti di rifrazione che proiettano arcobaleni sul terreno.
Il progetto è l’espressione della fusione tra creatività e arte ingegneristica, frutto
della collaborazione tra Atelier Barois e Bollinger+Grohmann durante il progetto di sviluppo di tre anni. La struttura spaziale tridimensionale, realizzata in vetro, crea una composizione che ricorda le impalcature, conferendo un valore artistico del tutto nuovo attraverso il cambio di materiale e l’utilizzo dell’edifcio per uno scopo diverso. Durante tutto il processo, si è riusciti a elevare una semplicità di forma derivata dalla padronanza delle nuove tecnologie, dove barre di vetro a forma di prisma, intrecciate con nodi in acciaio inossidabile, creano uno spettacolo di effetti di luce livello dopo
livello, estendendosi su tutti gli 11 livelli e raggiungendo un altezza di 15 metri. Nell’ambito di questa collaborazione con l’Atelier Barrois, il team dedicato di B+G si è inizialmente concentrato sulla comprensione della visione dell’artista. B+G ha studiato attentamente i suoi schizzi iniziali, sottoponendoli a prove digitali e pratiche. Un’analisi approfondita di questi primi test ha evidenziato aree di miglioramento, spingendoli a proporre nuove idee. Integrando queste rielaborazioni e valutandole rigorosamente, si è infne ottenuta una forma fnale che si adatta perfettamente al progetto complessivo.
Glass Project and Realization: Atelier Barrois (www.atelierbarrois.com)
Réfexions is a unique and surprising artwork of glass in the heart of the Palais-Royal Garden in Paris, positioned in the centre of the large circular fountain that dominates the courtyard. The monumental sculpture, designed in the spirit of the extraordinary sculptures by Kapoor and Stella, invites visitors to enter a contemplative relationship with the essence of matter, all through the transformative power of light via refections and astonishing refraction effects that cast rainbows on the ground. The design is an expression of the fusion of creativity and the art of engineering, fruit
of the collaboration between Atelier Barois and Bollinger+Grohmann during the threeyear development project.
The three-dimensional spatial structure, made of glass, creates a composition reminiscent of scaffolding, giving an entirely new artistic value through the change of material and the use of the building for a different purpose. Throughout the process, they managed to elevate a simplicity of form derived from mastering new technologies, where prism-shaped glass bars, interwoven with stainless steel knots, create a spectacle of light effects level by level, extending over
the entire 11 levels and reaching a height of 15 metres.
As part of this collaboration with Atelier Barrois, B+G dedicated team initially focused on understanding the artist’s vision. B+G studied his initial sketches carefully, subjecting them to digital and practical tests. An in-depth analysis of these initial tests revealed areas for improvement, prompting to propose new ideas. By integrating these reworked propositions and evaluating them rigorously, we fnally achieved a fnal form that fts seamlessly into the overall project.
Photo: Sergio Grazia
THE ROUCAS-BLANC MARINA
Marseille
Rougerie+Tangram + Carta - Reichen
et Robert associés
Conçue par l’agence Rougerie+Tangram, avec Carta - Reichen et Robert associés, la nouvelle Marina Olympique du Roucas Blanc à Marseille, qui a accueilli les athlètes lors des épreuves de voile des Jeux Olympiques et Paralympiques de Paris 2024, se compose de 6 bâtiments organisés de manière rayonnante autour du plan d’eau comme une arène nautique, reliés par des débords de couvertures et des coursives évoquant le vocabulaire maritime, dans une cohérence fonctionnelle globale. L’ensemble présente une matérialité forte sur laquelle la lumière s’accroche, s’y réféchit et illumine le littoral. La minéralité de la construction dialogue avec les masses calcaires des massifs voisins et des îles de la baie. A l’échelle du paysage et du parc balnéaire du Prado, l’équipement de la Marina s’intègre harmonieusement vis-à-vis de sa topographie vallonnée permettant de conserver des vues sur le Stade Nautique et au-delà sur la baie. Cette continuité visuelle et paysagère est renforcée par le traitement végétalisé de la toiture. Ancrée dans le sol, tout en s’ouvrant vers l’horizon, la marina reconnecte la ville à la mer. Elle crée de nouvelles perspectives qui se voient tant de la terre vers la mer, que de la mer vers la terre et dresse le Pôle France Voile comme une proue visible du grand large.
Progettata dallo studio Rougerie+Tangram, con CartaReichen e Robert Associés, la nuova marina olimpica Roucas Blanc a Marsiglia, che ha ospitato gli atleti durante le manifestazioni veliche dei Giochi Olimpici e Paralimpici di Parigi 2024, si compone di 6 edifci organizzati in modo radiante attorno allo specchio d’acqua come un’arena nautica, collegati dal susseguirsi di passerelle e coperture leggermente aggettanti che evocano il vocabolario marittimo, coerentemente alla funzionalità complessiva del progetto.
L’insieme presenta una forte matericità che capta la luce del mediterraneo e dialoga con le masse calcaree delle rocce vicine e delle isole della baia. In armonia con il paesaggio naturale e con il parco balneare del Prado, le attrezzature della Marina si integrano con la topografa collinare anche grazie al trattamento vegetalizzato delle coperture aprendo la vista verso lo Stadio Nautico e la baia. Ancorata al terreno, pur aprendosi verso l’orizzonte, la marina riconnette la città al mare, creando nuove prospettive sia dalla terra verso il mare, sia dal mare verso la terra, e segnala il Pôle France Voile come una prua visibile dal mare aperto.
Designed by the Rougerie+Tangram frm in partnership with Carta - Reichen and Robert Associés, the new Roucas Blanc Olympic Marina in Marseille, which will host athletes during the sailing events of the 2024 Paris Olympic and Paralympic Games, consists of six buildings set out radiantly around a stretch of water like a nautical arena.
The buildings are connected by a sequence of walkways and slightly projecting roofs designed along maritime lines in keeping with the project’s overall functionality. The entire design has a distinctly material feel, capturing Mediterranean light and dialoguing with the limestone masses of the nearby rocks and islands in the bay.
In harmony with the natural landscape and Prado beach park, the Marina’s facilities integrate with the hilly topography partly due to the landscaping of the roofs opening up views towards the Nautical Stadium and bay. Anchored to the land, while opening up towards the horizon, the Marina reconnects the city to the sea creating new perspectives both from the land towards the sea and from the sea towards the land. Pôle France Voile now looks like a ship’s prow visible from the open sea.
Client: Ville de Marseille
General Contractor: Travaux du Midi
Project: Rougerie + Tangram (www.rougerie-tangram.com) and Carta - Reichen et Robert associés (www.reichen-robert.fr)
Landscape: Stoa
Engineering: Bg Ingénieurs Conseils
Acoustic: Marshall Day
Economist: R2M.
ΤΟΠΟΙ
Temi chiave e protagonisti del prossimo futuro
Questions clés et protagonistes du proche avenir
Key issues and players in the near future curated by
Luigi Prestinenza Puglisi, Giulia Mura
TRASVERSALITÀ
Dire che l’architettura debba essere aperta alle molteplici suggestioni e agli infniti stimoli che provengono dal mondo esterno, potrebbe apparire come una banalità. Ogni persona di buon senso concorderebbe che una buona costruzione non possa non essere ecologicamente sostenibile, rispondente agli standard funzionali più avanzati, solida, accessibile, semplice da mantenere e dotata di tutte quelle caratteristiche che la rendano utile e desiderabile. Insomma, essere trasversale rispetto a molteplici saperi tanto da intercettare e risolvere aspettative di ogni tipo: funzionali, ambientali, sociali, economiche, estetiche. Le cose in realtà non sono cosi scontate. C’è stato, per esempio, un periodo in cui la rifessione disciplinare si è mossa in direzione contraria, sostenendo che l’architettura debba essere autonoma, cioè sostanzialmente chiusa in se stessa. Un buon edifcio, secondo questa impostazione, non si misura tanto per la abilità nel rispondere agli stimoli e alle sollecitazioni che provengono dal mondo esterno ma per la sua capacità di non derogare alle consuetudini e alle norme della tradizione. Per Giorgio Grassi, il quale scrisse un libro dal titolo La costruzione logica dell’architettura, addirittura, la buona architettura si caratterizza per la capacità di essere tautologica, cioè di dire sostanzialmente sempre le stesse cose, rifutando la contaminazione offerta dalla contemporaneità e, in particolare, dalla tecnologia. L’autonomia disciplinare, in altre parole, si oppone alla trasversalità, che viene così vista come una commistione e, a tratti, un inciucio mortifcante. Non è questa la sede per ricordare i mali di un approccio fondato sul principio dell’autonomia, ma per ricordare le sfde di un approccio trasversale all’architettura. Essere trasversali signifca disporsi obliquamente rispetto a una qualsiasi linea di riferimento, per allargare il campo nel quale ci muoviamo e ampliare conseguentemente il nostro orizzonte. Vuol dire anche che ogni operazione progettuale è diversa dalle altre perché richiede un approccio metodologicamente originale, priorità differenti, strategie ad hoc. E, tra queste, oltre che un legame con tecnologie sempre più complesse, anche un rapporto con il cliente e le sue aspettative che non può essere ridotto a formule prestabilite. Si pensi al ruolo sempre maggiore assunto nel processo costruttivo dalla componente economica: per esempio dall’intermediazione fnanziaria e dalle aspettative di soggetti che si muovono su uno scenario internazionale. Oppure alla domanda di elevati standard qualitativi e prestazionali richiesti da una committenza multietnica e multiculturale. In questa ricerca di approccio empirico e trasversale, credo che i lavori di Fabio Mazzeo Architects possano raccontarci alcune storie interessanti.
Luigi Prestinenza Puglisi
TRANSVERSALITÉ
Dire que l’architecture doit être ouverte aux innombrables suggestions et aux stimuli infnis venant du monde extérieur peut sembler une banalité. Toute personne sensée conviendra qu’un bon bâtiment ne peut manquer d’être écologiquement durable, de respecter les critères fonctionnels les plus avancés, d’être solide, accessible, facile à entretenir et doté de toutes les caractéristiques qui le rendent utile et attractif. Autrement dit, être transversal par rapport aux multiples savoir-faire de manière à capter et résoudre les attentes en tout genre : fonctionnelles, environnementales, sociales, économiques, esthétiques, etc. En réalité, ce n’est pas si évident. Il y a eu, par exemple, une période où la réfexion méthodologique est allée dans la direction opposée, en affrmant que l’architecture doit être autonome, c’està-dire essentiellement repliée sur elle-même. Selon cette approche, un bon bâtiment se mesure moins à sa capacité de répondre aux stimuli et aux sollicitations provenant du monde extérieur qu’à celle de ne pas s’éloigner des usages et des codes de la tradition. Pour Giorgio Grassi, auteur d’un livre intitulé La costruzione logica dell’architettura, la bonne architecture se caractérise même par sa capacité à être tautologique, c’est-à-dire, en substance, de dire toujours les même choses, en refusant la contamination induite par la contemporanéité et, en particulier, par la technologie. En d’autres termes, l’autonomie disciplinaire s’oppose à la transversalité, qui est ainsi perçue comme un amalgame et, parfois, comme un accord mortifant. Il ne s’agit pas ici de rappeler les méfaits d’une approche basée sur le principe d’autonomie, mais de rappeler les défs d’une approche transversale de l’architecture. Être transversal signife se placer en oblique par rapport à une quelconque ligne de référence, pour élargir le champ dans lequel nous évoluons et, par conséquent, élargir notre horizon. Cela signife également que toute opération relative au projet est différente des autres parce qu’elle requiert une approche méthodologique originale, des priorités différentes, des stratégies ad hoc et, parmi celles-ci, non seulement un lien avec des technologies de plus en plus complexes, mais aussi une relation avec le client et ses attentes qui ne sauraient se réduire à des formules toutes faites. Il sufft de penser au rôle de plus en plus important que joue la composante économique dans le processus de construction : par exemple, l’intermédiation fnancière et les attentes d’acteurs qui opèrent sur la scène internationale, ou la demande de normes de qualité et de performance élevées requises par une clientèle multiethnique et multiculturelle. Dans cette quête d’une approche empirique et transversale, je crois que les réalisations de l’agence Fabio Mazzeo Architects peuvent nous raconter des histoires intéressantes.
Luigi Prestinenza Puglisi
TRANSVERSALITY
To say that architecture should be open to all the miscellaneous input and ideas coming from the outside world might seem like a platitude. Anybody with common sense would agree that a good building has to be ecologically sustainable, comply with the most advanced functional standards, and be solid, accessible, easy to maintain and endowed with all those features that make it useful and desirable. In short, to embrace all kinds of knowledge and know-how to cater for and resolve expectations of all kinds: functional, environmental, social, economic, aesthetic. But things are not actually quite so obvious. There was, for example, a period when architectural thinking moved in the opposite direction, arguing that architecture should be autonomous, i.e basically closed in on itself. A good building, according to this approach, is measured not so much by its ability to respond to input and ideas coming from the outside world but by its ability not to conform to the customs and norms of tradition. For Giorgio Grassi, who wrote a book entitled La costruzione logica dell’architettura (The Logical Construction of Architecture), good architecture can be recognised by its tautological nature, in other words the way it basically says the same things over and over again, rejecting any contamination coming from contemporary life and technology in particular.
In other words, being an independent discipline is the opposite to transversality, which is seen as a mortifying form of mixing or mingling. This is not the place to point out the evils of an approach based on the principle of autonomy, we simply want to point out the challenges facing a transversal approach to architecture.
To be transversal means to stand obliquely to any line of reference, to widen the feld in which we operate and consequently broaden our horizons. It also means that all design projects are different because they require their own distinctive and original approach and focus on different priorities and ad hoc strategies. And that does not just include links with increasingly complex technologies, but also interaction with clients and their expectations, which cannot be confned to pre-set formulas. Take, for instance, the increasingly important role played by economic factors in the building process: for example, the role of fnancial intermediation and the expectations of players operating on the international scena or the demand for the kind of high-quality performance standards required by a multi-ethnic or multicultural clients. In this attempt to develop an empirical, transversal approach, I believe the work of Fabio Mazzeo Architects has something interesting to say.
Pugliese di nascita ma romano d’adozione, Fabio Mazzeo è architetto e direttore creativo della frma Fabio Mazzeo Architects, società di architettura e ingegneria operante a livello internazionale. Classe 1966, dopo aver conseguito la laurea presso l’Università degli Studi di Chieti nel 1994 e un Dottorato di Ricerca in Disegno e Rappresentazione dell’Architettura presso l’Università di Genova, nel 1995, fonda il suo studio di progettazione a Roma Fabio Mazzeo Design Studio, diventato Fabio Mazzeo Architects nel 2019. Trasversale – la sua carriera spazia dal design di prodotto all’architettura, dagli yacht agli interni – e particolarmente sensibile al tema artigianato e innovazione, nel 2008 fonda Exclusiva, società specializzata nel project management e nel contract internazionale per l’interior design, e nel 2015 la Fondazione Exclusiva, ente non proft dedicato, invece, a programmi culturali internazionali e interdisciplinari a sostegno di giovani creativi.
Né en 1966, apulien de naissance mais romain d’adoption, Fabio Mazzeo est architecte et le directeur créatif de la société Fabio Mazzeo Architects, une agence d’architecture et d’ingénierie internationale. Il obtient son diplôme à l’université de Chieti en 1994 et un doctorat en design et représentation de l’architecturale à l’université de Gênes. En 1995, il fonde sa propre agence de design à Rome, la Fabio Mazzeo Design Studio qui devient l’agence Fabio Mazzeo Architects en 2019. Transversale – sa carrière va de la conception de produits à l’architecture, des yachts aux intérieurs ; particulièrement sensible au thème de l’artisanat et de l’innovation, en 2008 il fonde Exclusiva, une société spécialisée dans la gestion de projets et de contrats internationaux pour l’architecture d’intérieur et, en 2015 la Fondazione Exclusiva, un organisme à but non lucratif cette fois, dédié à des programmes culturels internationaux et interdisciplinaires en faveur des jeunes créateurs.
Born in Puglia but now living in Rome, Fabio Mazzeo is an architect and creative director at Fabio Mazzeo Architects, an international architecture and engineering company. Born in 1966, after graduating from the University of Chieti in 1994 and being awarded a PhD in Architectural Design and Representation from the University of Genoa, he set up his own design studio in Rome called Fabio Mazzeo Design Studio in 1995, which was renamed Fabio Mazzeo Architects in 2019. An acrossthe-board operator – his career has ranged from product design and architecture to yachts and interiors – who has always focused on the issue of craftsmanship and innovation, he founded Exclusiva, a company specialising in project management and international contracting for interior design, in 2008 and then set up the Exclusiva Foundation in 2015, a non-proft organisation dedicated to international and interdisciplinary cultural programmes to support creative young people.
DESIGN + DECORAZIONE
Mazzeo crede fermamente nella fusione tra tecnologia avanzata e artigianato tradizionale. Il suo approccio al design è infatti caratterizzato da una costante sperimentazione nel campo della decorazione contemporanea e dei materiali, con soluzioni e fniture custom. A tutte le scale. La sua trasversalità si esprime non dal cucchiaio alla città, ma dallo specchio scultura ad uno yacht. Bolide, frutto di un anno di ricerca, è un aggraziato “oggettino” che galleggia di 72 m, progettato secondo tre principi: le grandi superfci vetrate, che sembrano fondersi con l’acciaio dello scafo e che raggiungono una superfcie di oltre 500m2, assicurando un contatto ininterrotto col mare e il panorama. La funzionalità degli spazi interni, pensati per garantire il massimo comfort, privacy e un certo grado di trasformabilità degli ambienti. E l’interazione tra esterni e interni con impressionanti superfci utili, fno a 1500m2. Molto diversi i progetti Anamorphosis e Mirror of Wonders; prove d’autore compiute con l’ausilio della falegnameria su misura, creazioni architettoniche tridimensionali che mettono in mostra le lavorazioni del legno, da quelle più tradizionali a quelle più innovative. Un confronto tra stilemi volutamente dissonanti, dove la frammentazione grafca del progetto irrompe emergendo tridimensionalmente da superfci e ambienti dal carattere classico in un contrappunto di materiali, tessiture e decorazioni.
DESIGN + DÉCORATION
Fabio Mazzeo croit fermement en la fusion de la technologie de pointe et de l’artisanat traditionnel. Son approche du design se caractérise par une expérimentation constante dans le domaine de la décoration contemporaine et des matériaux, avec des solutions et des fnitions personnalisées. À toutes les échelles. Sa transversalité s’exprime non pas de la cuillère à la ville, mais de la sculpture-miroir au yacht. Le projet Bolide, résultat d’une année de recherche, est un “objet” fottant élégant de 72 m, conçu selon trois principes : les grandes surfaces vitrées, qui semblent se fondre avec l’acier de la coque et représentent une surface de plus de 500 m2, pour garantir un contact ininterrompu avec la mer et le panorama. La fonctionnalité des espaces intérieurs, conçus pour garantir un maximum de confort, d’intimité et un certain degré de modularité. L’interaction entre l’extérieur et l’intérieur avec des surfaces utiles impressionnantes allant jusqu’à 1 500 m2 . Les projets Anamorphosis et Mirror of Wonders sont très différents. Il s’agit d’épreuves d’auteur réalisées à l’aide de la menuiserie sur mesure, de créations architecturales tridimensionnelles qui mettent en avant le travail du bois, du plus traditionnel au plus innovant. Une confrontation d’éléments stylistiques délibérément dissonants, où la fragmentation graphique du projet surgit, pour émerger en trois dimensions des surfaces et des espaces à caractère classique, dans un contrepoint de matériaux, de textures et de décorations.
DESIGN + DECORATION
Mazzeo frmly believes in combining cutting-edge technology and traditional craftsmanship. His approach to design is, in fact, characterised by constant experimentation in the feld of contemporary decoration and materials in the form of customised features and fnishes: on all scales. His transversality is not inspired by the idea of “from the spoon to the city” but by a mirror sculpture of a yacht. “Bolide”, the result of a year’s experimentation, is a graceful 72-metre foating “object” designed according to three principles: large glass surfaces, which seem to merge with the steel of the hull and cover an area of over 500m2 to ensure seamless contact with the sea and surrounding landscape. Functional interior spaces designed to guarantee maximum comfort, privacy and a certain degree of transformability of the rooms. And, thirdly, interaction between the exteriors and interiors with impressive usable surfaces measuring up to 1500m2. The “Anamorphosis” and ‘Mirror of Wonders’ projects are very different; masterpieces made with the help of custom-designed carpentry; three-dimensional architectural creations showcasing woodwork, from the most traditional to the most innovative. A clash of deliberately dissonant stylistic features whose graphic fragmentation combines with a sense of three-dimensionally emerging from classic-style surfaces and spaces in a blend of different materials, textures and decoration.
Render Fabio Mazzeo Architects
Anamorphosis e Mirror of Wonders
Bianca Puleo
A fare da comun denominatore, in entrambi questi progetti residenziali –uno in Francia e uno in Sardegna – è la ricerca di una relazione stretta, mimetica, di connessione profonda con il paesaggio. Il primo, ispirato alle famose dune di sabbia di Arcachon, ha un design total white caratterizzato da linee curve che si fondono con l’ambiente circostante. Situato nel cuore del suggestivo Parc Pereire, il progetto è un tributo alla serenità e alla bellezza dei luoghi in cui sorge: una villa su tre livelli, con una superfcie totale di circa 2000 m2, organizzata per massimizzare la connessione tra gli spazi interni ed esterni, offrendo ambienti luminosi e aperti, linee organiche e materiali naturali. Il secondo progetto invecepremiato con “International Design & Architecture Award” nel 2015 – è costituito da una villa di circa 1200 m2 e un giardino di 5000 con ulivi secolari e piscina a sforo, adagiato sul promontorio con vista mozzafato su Cala di Volpe, vicino Arzachena. Modellata con forme stereometriche disegnate dal vento, la villa è interamente realizzata in travertino, con un grande portale che ne inquadra l’ingresso e grandi vetrate che catturano il panorama, proiettandolo in ogni parte della casa.
Le dénominateur commun de ces deux projets résidentiels – l’un en France et l’autre en Sardaigne – est la recherche d’un lien profond, mimétique avec le paysage. Le premier projet, qui s’inspire des célèbres dunes d’Arcachon, présente un design entièrement blanc caractérisé par des lignes courbes qui se fondent dans le paysage environnant. Situé au cœur du pittoresque Parc Pereire, le projet est un hommage à la tranquillité et à la beauté de son environnement : une villa sur trois niveaux, d’une superfcie totale d’environ 2 000m2, organisée de manière à optimiser la relation entre les espaces intérieurs et extérieurs, en offrant des espaces lumineux et ouverts, des lignes organiques et des matériaux naturels. Le second projet, lauréat du “Prix international du design et de l’architecture” en 2015, est une villa d’environ 1 200m2 avec un jardin de 5000m2, planté d’oliviers centenaires et agrémenté d’une piscine à débordement, située sur un promontoire qui offre une vue imprenable sur Cala di Volpe, près d’Arzachena. Modelée selon des formes stéréométriques dessinées par le vent, la villa est entièrement réalisée en travertin, avec un grand portail qui encadre l’entrée et de grandes baies vitrées qui embrassent le panorama et le projettent dans toutes les pièces de la maison.
The common denominator in both of these residential projects – one in France and one in Sardinia – is the attempt to blend in with the landscape. The frst, inspired by the famous sand dunes of Arcachon, has an all-white design characterised by curved lines that blend into its surroundings. Located in the heart of striking Parc Pereire, the project pays tribute to the serenity and beauty of its surroundings: the house is built over three levels covering a total surface area of approximately 2000 m2 organised to maximise the link between indoor and outdoor spaces, offering bright and open rooms, organic lines and natural materials. The second project, on the other hand – winner of the “2015 International Design & Architecture Award” – is for a house covering about 1200 m2 with a 5000 m2 garden planted with centuries-old olive trees and an infnity pool set on a promontory with a breathtaking view across Cala di Volpe near Arzachena. Modelled around stereometric forms shaped by the wind, the house is made entirely of travertine with a large entrance door framing the entrance and large windows to embrace the panorama and project it into every part of the house.
Negli ultimi venticinque anni, Fabio Mazzeo ha lavorato in Europa, Cina, Sudafrica, Medio Oriente e Russia. Per il progetto di interior del Business Center di Gazprom Neft Group, a San Pietroburgo, il punto di partenza è stato realizzare un’opera innovativa, dando a questi uffci una rappresentazione in chiave architettonica del concetto di energia. Per conseguire l’obiettivo, trattandosi di quasi 11.000 m2 ricavati dalla ristrutturazione di una preesistenza, molta attenzione è stata posta sia alla funzionalità che all’estetica, orientando la progettazione verso una contrapposizione tra caos e ordine, discontinuità e continuità, frammentazione e sintesi. Linee continue, superfci avvolgenti, contrasti cromatici e chiaro-scuri netti, masse rigorose che affermano la volontà di dare vita, attraverso la metafora della complessità, a una regola che tende all’unità. Nel fagship Ferrari a Shanghai, invece, il progetto ha puntato sulla rappresentazione della dinamicità. Linee curve disegnano pareti del tipico rosso, accompagnando i clienti lungo un percorso fuido e ricco di episodi che raccontano una delle storie italiane più belle: la storia della Ferrari. Presente e futuro convivono in questo spazio attraverso immagini storiche riprodotte su un grande LED wall all’ingresso, un’opera d’arte lunga sei metri, realizzata con metalli liquidi e un’installazione tridimensionale in acciaio che riproduce il circuito di Fiorano con modelli in scala delle ultime Ferrari.
Au cours des vingt-cinq dernières années, Fabio Mazzeo a travaillé en Europe, en Chine, en Afrique du Sud, au Moyen-Orient et en Russie. Pour le projet d’aménagement intérieur du Centre d’affaires du Groupe Gazprom Neft à Saint-Pétersbourg, l’idée de départ était de réaliser un ouvrage innovant, en donnant à ces bureaux une représentation architecturale du concept d’énergie. Pour réaliser cet objectif, s’agissant de près de 11 000 m2 issus de la rénovation d’un bâtiment préexistant, une grande attention a été accordée à la fois à la fonctionnalité et à l’esthétique, en orientant la conception vers une confrontation entre chaos et ordre, discontinuité et continuité, fragmentation et synthèse. Des lignes continues, des surfaces enveloppantes, des contrastes de couleurs et des clairs-obscurs nets, des masses rigoureuses qui affrment la volonté de donner vie, à travers la métaphore de la complexité, à une règle qui tend à l’unité. Dans le fagship Ferrari de Shanghai, en revanche, le projet misait sur la représentation de la dynamique. Des lignes courbes dessinent les murs du rouge emblématique, qui accompagnent les clients le long d’un parcours fuide jalonné d’épisodes qui racontent l’une des plus belles histoires italiennes : l’histoire de la Ferrari. Le présent et l’avenir cohabitent dans cet espace grâce à des images historiques reproduites sur un grand mur LED à l’entrée, une œuvre d’art de six mètres de long réalisée avec des cristaux liquides et une installation tridimensionnelle en acier qui reproduit le circuit de Fiorano avec des modèles à l’échelle des dernières Ferrari.
Over the past twenty-fve years, Fabio Mazzeo has worked in Europe, China, South Africa, the Middle East and Russia. His inspiration for the interior design of the Gazprom Neft Group’s Business Centre in St. Petersburg was to create an innovative work so that these offces were almost an architectural representation of the concept of energy. In order to achieve this goal (bearing mind the project covered almost 11,000 m2 resulting from the renovation of an old building), considerable attention was given to both functionality and aesthetics, focusing the design around a contrast between chaos and order, discontinuity and continuity, fragmentation and synthesis. Continuous lines, enveloping surfaces, sharp colour contrasts and meticulous chiaroscuro section asserting a desire to use the metaphor of complexity to create a sense of unity. In contrast, the project for the fagship Ferrari fagship store in Shanghai focused on embodying dynamism. Curved lines shape Ferrari-red walls taking customers along a fuid path full of references to one of the most successful stories in Italian industry: the history of Ferrari. The present and future coexist in this space through historical images reproduced on a large LED wall at the entrance, a six-metre-long work of art made of liquid metals, and a three-dimensional steel installation replicating the Fiorano race circuit with scale models of the latest Ferraris.
Le prix Compasso d’Oro (Compas d’Or) fête ses soixante-dix ans. Son évolution refète celle du design italien,tant dans la conception que dans la production, et confrme aujourd’hui son avenir international. Créé en 1954, le prix Compasso d’Oro ADI est le plus ancien et surtout l’un des prix de design les plus prestigieux décernés dans le monde. Né d’une idée de Gio Ponti, il a été organisé pendant des années par le grand magasin La Rinascente afn de mettre en lumière la valeur et la qualité des produits du design italien, qui n’en étaient alors qu’à leurs débuts. Par la suite, il a été donné à l’ADI, qui se charge de son organisation depuis 1958, en veillant à son impartialité et à son intégrité. Les plus de 350 projets primés au cours des plus de soixante ans d’existence du prix, ainsi que les presque deux mille sélectionnés avec la mention honorable, sont rassemblés et conservés dans la Collection historique du Prix Compasso d’Oro ADI, dont la gestion a été confée à la Fondation ADI, créée à cet effet par l’ADI en 2001.
Dans le cadre d’une initiative sans précédent dans le secteur du design international, le ministère des Biens culturels – Surintendance régionale de Lombardie a déclaré, par voie d’ordonnance du 22 avril 2004, que la “Collection historique du Prix Compasso d’Oro ADI” présentait un “intérêt artistique et historique exceptionnel” et l’a donc inscrite au patrimoine national. Le prix Compasso d’Oro est décerné sur la base d’une présélection effectuée par l’Observatoire permanent du Design de l’ADI, qui se compose d’une commission d’experts, de designers, de critiques, d’historiens, de journalistes spécialisés, de membres de l’ADI ou non, qui s’emploient tous à recueillir des informations, chaque année, et à évaluer et sélectionner les meilleurs produits, qui sont ensuite publiés dans les annuaires de l’ADI Design Index. À l’occasion de la XXVIIIe édition du prix, 20 prix Compasso d’Oro ont été décernés. Par ailleurs, 9 personnalités italiennes et 2 personnalités internationales ont reçu le prix Compasso d’Oro pour l’ensemble de leur carrière, en raison de leur importance dans le domaine du design, et 3 prix Compasso d’Oro ont été attribués à des produits long seller, des produits design qui ont réussi à s’imposer sur le marché et dont la durée de carrière s’étend sur plus d’une décennie, tous trois nés du travail de Gio Ponti. En plus des prix, 39 mentions honorables ont été attribuées à des produits choisis pour leurs qualités, tandis que pour la Targa Giovani – la récompense réservée aux projets des étudiants des universités italiennes de design – 3 prix et 9 attestations ont été remis. 311 autres produits fgurent dans le catalogue. Enfn, pour la première fois, l’ADI et la Fondation ADI ont également rendu hommage à des personnalités qui ont récemment disparu grâce à des plaques commémoratives, créées pour célébrer ceux qui se sont distingués par leur grande contribution à la culture du projet. La récompense a été décernée à Manlio Armellini, décédé en 2020, qui, avec FederlegnoArredo, a été l’un des créateurs et des promoteurs du Salon du meuble de Milan, ainsi qu’aux architectes et designers Gaetano Pesce et Italo Rota (tous deux décédés au mois d’avril de cette année). Lors de la cérémonie de remise des prix, une nouveauté importante a été annoncée : une nouvelle édition du Compasso d’Oro International Award, réservée aux designers des pays qui participeront à l’Expo Osaka 2025, qui sera lancée en septembre et se conclura par une présentation des lauréats dans le Pavillon italien.
Il Compasso d’Oro compie 70 anni. La sua evoluzione ha rispecchiato quella del design italiano, nel progetto come nella produzione, e oggi conferma il suo futuro internazionale.
Istituito nel 1954, il Premio Compasso d’Oro ADI è il più antico ma soprattutto il più autorevole premio mondiale di design. Nato da un’idea di Gio Ponti fu per anni organizzato dai grandi magazzini la Rinascente, allo scopo di mettere in evidenza il valore e la qualità dei prodotti del design italiano allora ai suoi albori. Successivamente esso fu donato all’ADI che dal 1958 ne cura l’organizzazione, vigilando sulla sua imparzialità e sulla sua integrità.
Gli oltre 350 progetti premiati in oltre sessant’anni di vita del premio, insieme ai quasi duemila selezionati con la Menzione d’Onore, sono raccolti e custoditi nella “Collezione Storica del Premio Compasso d’Oro ADI” la cui gestione è stata affdata alla Fondazione ADI, costituita all’uopo dall’ADI nel 2001.
Con un’iniziativa che non ha precedenti nell’ambito del design internazionale il Ministero dei Beni Culturali - Soprintendenza Regionale per la Lombardia, con Decreto del 22 Aprile 2004, ha dichiarato “di eccezionale interesse artistico e storico” la Collezione Storica del Premio Compasso d’Oro ADI, inserendola conseguentemente nel patrimonio nazionale.
Il premio Compasso d’Oro viene assegnato sulla base di una preselezione effettuata dall’Osservatorio permanente del Design dell’ADI, costituito da una una commissione di esperti, designer, critici, storici, giornalisti specializzati, soci dell’ADI o esterni a essa, impegnati tutti con continuità nel raccogliere, anno dopo anno, informazioni e nel valutare e selezionare i migliori prodotti i quali vengono poi pubblicati negli annuari ADI Design Index. Il XXVIII Compasso d’Oro ADI ha visto l’assegnazione di 20 premi Compasso d’Oro. Inoltre a 9 personalità italiane e 2 internazionali è andato il Compasso d’Oro alla carriera per l’importanza della loro fgura nel mondo del design, e 3 Compassi d’Oro sono stati riconosciuti a prodotti long seller, successi di design presenti sul mercato con una carriera ultradecennale, tutti e tre nati dal lavoro di Gio Ponti. Oltre ai premi sono state assegnate 39 Menzioni d’onore a prodotti scelti per le loro qualità, mentre per la Targa Giovani – il riconoscimento riservato ai progetti degli studenti delle università di design italiane – sono stati assegnati 3 Premi e 9 Attestati. 311 gli altri prodotti inclusi nel catalogo. Per la prima volta, infne, ADI e Fondazione ADI hanno anche ricordato alcune fgure recentemente scomparse grazie alle Targhe Memorabili, immaginate per celebrare chi si è distinto per il grande contributo alla cultura del progetto. Il riconoscimento è andato a Manlio Armellini, scomparso nel 2020, che con FederlegnoArredo fu tra i creatori e i promotori del Salone del Mobile di Milano, e ai designer Gaetano Pesce e Italo Rota (scomparsi nell’aprile di quest’anno). Nel corso della premiazione è stata annunciata una novità importante: una nuova edizione del Compasso d’Oro International Award, aperta a designer dei Paesi partecipanti all’Expo Osaka 2025, che sarà lanciata a settembre e si concluderà con una mostra dei vincitori nel Padiglione Italia.
The Compasso d’Oro Awards (Golden Compass Awards) are celebrating their 70th anniversary. They have grown in unison with Italian design in terms of their creativeness and organisation and are destined to become an even bigger international event.
Established in 1954, the ADI Compasso d’Oro Awards are the oldest and, above all, the most authoritative world design awards. Based on an idea of Gio Ponti’s, for years they were organised by La Rinascente department store to showcase the standard and quality of Italian design products, which were then still in their infancy. They were then taken over by the ADI (Italian Design Agency), which has been organising them since 1958, overseeing its impartiality and integrity.
The over 350 projects that have received awards over the last sixty years or more, together with the almost two thousand given commendations, are collected and preserved in the “ADI Compasso d’Oro Awards’ Historical Collection”, whose management has been entrusted to the ADI Foundation that was set up for this purpose by the ADI in 2001.
As part of an unprecedented project in the feld of international design, a decree issued by the Ministry of Cultural HeritageRegional Superintendency for Lombardy on 22nd April 2004 declared the ADI Compasso d’Oro Awards’ Historical Collection to be of ‘exceptional artistic and historical interest’, consequently including it in the national heritage.
The Compasso d’Oro Awards are awarded on the basis of a pre-selection process carried out by ADI’s Permanent Design Observatory, which is made up of a committee of experts, designers, critics, historians, expert journalists, members of the ADI and outsiders, all of whom are constantly involved in collecting information year after year and assessing/selecting the best products, which are then published in the ADI Design Index yearbooks.
The XXVIII ADI Golden Compass Awards saw the awarding of 20 Compasso d’Oro Prizes. In addition, 9 Italian and 2 international designers were awarded the Compasso d’Oro for lifetime achievement for the importance of their design work, and 3 Compasso d’Oro Prizes were awarded to long-selling products, big hits on the design market for a period of over ten years, all three of which came from Gio Ponti’s work.
In addition to the prizes, 39 commendations went to products chosen for their notable qualities, while 3 Prizes and 9 Certifcates were awarded for the Targa Giovani – an award reserved for projects by students at Italian design universities. 311 other products were included in the catalogue.
Finally, for the frst time ever, the ADI and ADI Foundation also commemorated some recently deceased leading fgures by awarding them “Targhe Memorabili” for their outstanding contribution to design culture. These awards went to Manlio Armellini, who passed away in 2020 and who, together with FederlegnoArredo, was one of the creators and promoters of the Milan Furniture Show, and to the designers Gaetano Pesce and Italo Rota (who passed away in April this year). During the awards ceremony, an important new project was announced: a new edition of the Compasso d’Oro International Awards, open to designers from countries participating in Expo Osaka 2025, which will be launched in September and will conclude with an exhibition of the winners to be held in the Italian Pavilion.
Manlio Armellini
Targhe Memorabili:
Italo Rota
Gaetano Pesce
Compasso d’Oro for Lifetime Achievement
1. Paolo Rizzato, 2. Roberto Gavazzi, 3. Francesca Planeta, 4. Piero Lissoni, 5. Roberto Ziliani, 6. Umberto Cassina, 7. Paola Antonelli, 8. Maurizio Riva, 9. Anna Ferrino, 10. Tadao Ando (ph: Phkinji Kanno), 11. Rei Kawakubo (ph: Paolo Roversi)
Compasso d’Oro
12. Acea Waidy® Management System Company: Acea Design: Tangity – Part of NTT DATA Design Network
13. CELLIA
Company: Focchi Design: Progetto CMR
14. ANIMA
Company: Davide Groppi
Design: Davide Groppi, Giorgio Rava Tipologia: Apparecchi di illuminazione
15. COSTUME Company: Magis Design: Stefan Diez
16. ARIA
Company: Optimares Design: Goood
17. EMSI Company: REA Design: Flavio Augusto Gentile
32. DEMETRA Student: Andrea Ceschin ISIA Roma Design, Sede di Pordenone
33. ESTATE
Students: Luca Costa, Stefania Russo
Università degli Studi di Palermo
Collaborator: WayPoint
34. LACCIO
Student: Irene Ferrari
Accademia di Belle Arti di Bologna
Long Seller
35. COLLEZIONE BLU
Company: Ceramica Francesco De Design: Ponti Gio
DESIGN
CERAMICS COLLECTION
KYOKO KITA
Des cinq sens, c’est le toucher qui me fascine le plus.
Lorsque je touche l’argile, je sens que tout ce qui s’est accumulé au fond de mon cœur passe dans mes mains et retourne à la Terre-mère.
J’ai réalisé ces œuvres d’art en espérant transmettre ce sentiment particulier à d’autres personnes. Alors, touchez-les et appréciez cette sensation.
Tra i cinque sensi, quello che mi affascina di più è il senso tattile. Quando tocco l’argilla, sento che tutto ciò che si è accumulato nel profondo del mio cuore passa attraverso le mie mani e ritorna alla madre terra.
Ho prodotto queste opere d’arte con la speranza di trasmettere questa sensazione speciale agli altri. Per favore toccate i miei lavori e godete la sensazione.
Among the fve senses, I am the most fascinated in the tactile sense. When I touch the clay, I feel that everything that has accumulated deep within my heart is passing through my hands and going back to the mother earth.
I produced these art pieces with the hope of conveying this special feeling to others.
Please touch my works and enjoy the feeling.
DESIGN
ARBA LOUNGE CHAIR
ERWAN BOUROULLEC for raawii
La chaise ARBA se compose de deux éléments en contreplaqué moulé, d’une structure en croix de proflés métalliques courbés et d’une base en aluminium moulé sous pression. L’assise et le dossier sont parfaitement formés et positionnés, la partie centrale apporte le mouvement dynamique propre à la tôle plate, auquel la base ajoute une agréable fonction de pivotement. La chaise conserve la pureté formelle d’un prototype expérimental, alors qu’il s’agit d’un produit industriel fabriqué avec soin, livré dans une boîte plate et pouvant être monté facilement.
La Lounge Chair ARBA è una composizione di due elementi in compensato sagomato, una struttura a croce di profli metallici piegati e una base in alluminio pressofuso. Seduta e schienale sono perfettamente sagomati e posizionati, la spina centrale conferisce il movimento dinamico tipico della lamiera piana, a cui la base aggiunge una piacevole funzione girevole. La sedia mantiene la purezza formale di un prototipo sperimentale ma è un prodotto industriale realizzato con precisione, che viene fornito in una scatola piatta e può essere montato con poche semplici azioni.
The ARBA Lounge Chair is a composition of two molded plywood elements, a cross-like structure of bent metal profles and a die cast aluminium base. Seat and back are perfectly shaped and positioned, the central spine adds the dynamic movement typical of fat sheet metal, to which the base adds a pleasant swivel function. The chair keeps the formal purity of an experimental prototype while it is a precisely made industrial product that comes in a fat box and can be mounted with a few simple actions.
ZEN TABLES
DRAGA & AUREL (Draga Obradovic, Aurel K. Basedow)
Les tables Zen, qui font partie de la collection Transparency Matters, sont entièrement fabriquées en Lucite. Cette résine acrylique est sculptée et fabriquée à la main par Draga & Aurel avec la collaboration de maîtres artisans opérant à Côme, en Italie. Chaque pièce est unique. Caractérisées par une géométrie d’éléments entrecroisés, amplifée par un traitement de surface qui produit un effet satiné givré, ces tables ressemblent à des sculptures de glace. Grâce à un traitement original de la couleur, les teintes pastel et les détails fuo semblent emprisonnés dans les formes, ce qui crée des jeux de réfractions originaux.
I tavoli Zen, parte della collezione Transparency Matters, sono realizzati in lucite, una resina acrilica che viene scolpita e lavorata a mano da Draga & Aurel con il supporto dei Maestri artigiani operanti a Como, in Italia. Ogni pezzo è unico. Caratterizzati da geometrie a piani intersecati, esaltate dal trattamento della superfcie con effetto satinato e smerigliato, questi tavoli sembrano sculture di ghiaccio. Grazie a un originale trattamento del colore, le tonalità pastello e i dettagli fuo appaiono intrappolati all’interno delle forme, generando giochi di rifrazione.
Part of the Transparency Matters collection, the Zen tables are made entirely from Lucite. This acrylic resin is sculpted and handcrafted by Draga & Aurel with the support of master craftspeople operating in Como, Italy. Each piece is unique. Characterized by ageometry of intersecting planes, intensifed by a surface treatment producing a frosted satin effect, these tables look like ice sculptures. Thanks to an original color treatment, the pastel hues and fuoro details appear trapped inside the shapes, producing playful refractions.
DESIGN
MANTLE Free Standing Fridge PATRICIA URQUIOLA
for SIGNATURE KITCHEN SUITE
Le meuble modulaire et autonome pour réfrigérateur convertible sous plan est un électroménager encastrable doté de deux tiroirs frigorifques avec gestion programmable de la température. Le module de base, avec le réfrigérateur, peut être agrémenté de compartiments de rangement supplémentaires, en version horizontale ou verticale. Mantle est proposé avec le revêtement exclusif en carreaux Cimento (également conçus par Patricia Urquiola), un composé en ciment léger qui utilise plus de 90% d’agrégats minéraux mélangés à un liant de ciment.
Les carreaux, dans les couleurs Vanille, Bleu, Bourgogne, Vert, personnalisent le réfrigérateur avec une répétition des formes.
Il cabinet modulare e free standing per il frigorifero convertibile sottopiano, è un elettrodomestico da incasso caratterizzato da due cassetti refrigeranti personalizzabili nella gestione delle temperature.
E’ disponibile in tre modularità: il modulo base, con il frigorifero, può essere integrato con ulteriori spazi contenitori nelle versioni a sviluppo orizzontale o verticale.
Mantle è proposto con l’esclusivo rivestimento in formelle Cimento (anch’esse frmate Patricia Urquiola) realizzate utilizzando l’omonimo materiale, un composto cementizio leggero, ottenuto da componenti naturali. Le formelle – nelle colorazioni Vanilla, Blue, Burgundy, Green –personalizzano il frigorifero con una ripetizione delle forme.
This modular, free-standing undercounter convertible fridge is a built-in appliance featuring two refrigeration units that can be customised for temperature management.
It is available in three styles: a base unit with a refrigerator can be integrated with additional storage spaces in either a horizontal or vertical version.
Mantle comes with an exclusive Cimento tiled surface (also designed by Patricia Urquiola) made using the material of the same name, a light cement compound made from natural components. The tiles – in the colours Vanilla, Blue, Burgundy, Green – customise the fridge in reiterated pattern.
LESS ROBERTO PAOLI for MIDJ
Inspiré de la célèbre phrase “Less is more” de Ludwig Mies van der Rohe, Less incarne le principe minimaliste de l’embellissement de l’indispensable.
Simplicité et praticité résument les caractéristiques de Less : à partir de quatre points d’appui et d’un seul pied qui relie le repose-pieds à l’assise, Less devient un tabouret presque invisible grâce à sa structure légère. La structure en métal coloré est dotée d’une assise en cuir, similicuir, tissu, bois massif ou frêne teinté.
Figlio dell’iconica frase “Less is more” di Mies van der Rohe, Less incarna il principio minimalista dell’impreziosire l’indispensabile.
Semplicità e praticità riassumono l’identità di Less: partendo da quattro punti di appoggio per continuare con un’unica gamba che unisce il poggiapiedi alla seduta, Less diventa uno sgabello quasi invisibile grazie a una struttura leggera. La struttura in metallo colorato si accompagna a una seduta in pelle, similpelle, tessuto, legno massello o frassino tinto.
Taking its name from Mies van der Rohe’s famous saying “Less is more”, Less embodies the minimalist principle of embellishing what is indispensable.
Simplicity and practicality sum up ‘Less’: starting with four supports and continuing with a single leg that joins the footrest to the seat, ‘Less’ turns into an almost invisible stool thanks to its lightweight structure. The coloured metal frame comes with a seat made of leather, imitation leather, fabric, solid wood or stained ash.
AGENDA
BORDEAUX, FRANCE
GALERIE ET MUSÉE DES BEAUX-ARTS
Valérie Belin. Les visions silencieuses
Through 28/10/2024
www.musba-bordeaux.fr
Organizzata in collaborazione con la Galerie Nathalie Obadia (Parigi, Bruxelles), la mostra riunisce un centinaio di opere che coprono tutta la produzione di questa artista (1964) considerata una delle più importanti della sua generazione e una delle poche rappresentanti della fotografa plastica. Attraverso immagini sature di segni visivi, Valérie Belin gioca sui codici della rappresentazione e confonde i confni tra realtà e immaginario, accompagnando i cambiamenti tecnologici e ontologici della fotografa, dall’analogico al digitale, pur iscrivendosi nella tradizione delle avanguardie del periodo tra le due guerre.
NICE
MUSÉE MATISSE
Organisée en partenariat avec la Galerie Nathalie Obadia (Paris, Bruxelles), l’exposition rassemble une centaine de pièces couvrant toute la production de cette artiste (1964), considérée comme l’une des plus importantes de sa génération et comme l’une des rares représentantes de la photographie plasticienne. À travers des images saturées de signes visuels pour les plus récentes, Valérie Belin joue sur les codes de la représentation et trouble les frontières entre réalité et imaginaire. Elle accompagne ainsi les mutations technologiques et ontologiques de la photographie, de l’analogique au numérique, tout en s’inscrivant dans la tradition des avant-gardes de l’entre-deux-guerres en s’appropriant des techniques de surimpression ou de solarisation.
Organised in partnership with Galerie Nathalie Obadia (Paris, Brussels), this exhibition brings together some one hundred works covering the artist’s entire career (born 1964) considered one of the most important of her generation and one of the few exponents of plastic photography. Through images saturated with visual signs, Valérie Belin plays on the codes of representation and blurs the boundaries between reality and the imaginary, embracing all the technological and ontological changes in photography from analogue to digital, while remaining in the wake of the avant-garde art of the inter-war period.
MIRÓMATISSE. Au-delà des images
Through 28/9/2024
musee-matisse-nice.org
Consacrée aux rapports entre les œuvres d’Henri Matisse et de Joan Miró, l’exposition donne à voir les relations profondes, durables et constructives entre les deux artistes, leurs conceptions de l’art et leurs œuvres. Même s’ils appartiennent à deux générations différentes (Matisse est né en 1869, Miró en 1893) ils ont fondé leur création sur une critique approfondie de la tradition des images en Occident. Leurs pratiques élargies de la peinture et du dessin ont été animées par cette inquiétude. C’est pour cette raison qu’ils se sont reconnus et admirés mutuellement. Partant d’une base biographique, le parcours de l’exposition revient sur les moments décisifs où les regards des deux artistes sur leurs œuvres respectives ont été particulièrement productifs.
DILE DE PORQUEROLLES – HYÈRES
VILLA
CARMIGNAC
The Infnite Woman Through 3/11/2024 www.fondationcarmignac.com
Puisant dans les mythes originels jusqu’aux représentations les plus contemporaines ou subversives des corps féminins, l’exposition met en lumière leur potentiel émancipateur, de la réappropriation du désir jusqu’à l’élévation des corps désobéissants qui bouleversent les conventions occidentales de la beauté et du pouvoir. Des œuvres majeures de la Collection Carmignac (Sandro Botticelli, Andy Warhol, Roy Lichtenstein) sont associées à des prêts exceptionnels (Louise Bourgeois / Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Mary Beth Edelson / TATE), ainsi qu’à des productions réalisées spécifquement pour l’exposition (France-Lise McGurn).
Drawing from everything from ancient myths to more contemporary or subversive representations of female bodies, the exhibition highlights their emancipatory potential, from the reappropriation of desire to the showcasing of more rebellious bodies overturning Western conventions of beauty and power. The exhibition brings together important works from the Carmignac Collection (Sandro Botticelli, Andy Warhol, Roy Lichtenstein), exceptional loans (Louise Bourgeois / Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Mary Beth Edelson / TATE) and works created especially for the exhibition (France-Lise McGurn).
edicata ai rapporti tra le opere di Henri Matisse e Joan Miró, la mostra mette in luce le relazioni profonde, durature e costruttive tra i due artisti, tra le loro concezioni dell’arte e tra le loro opere. Pur appartenendo a due generazioni diverse (Matisse è nato nel 1869, Miró nel 1893), entrambi hanno basato la loro poetica su una critica approfondita della tradizione delle immagini in Occidente. Le loro pratiche allargate di pittura e disegno erano animate da questa preoccupazione. È per questo motivo che si riconoscevano e si ammiravano. Partendo da una base biografca, la mostra ripercorre i momenti decisivi in cui lo sguardo dei due artisti sulle rispettive opere fu particolarmente produttivo.
Attingendo dai miti originari fno alle rappresentazioni più contemporanee o sovversive dei corpi femminili, la mostra ne evidenzia il potenziale emancipativo, dalla riappropriazione del desiderio all’elevazione di corpi più ribelli che ribaltano le convenzioni occidentali di bellezza e potere. La mostra riunisce importanti opere della Collezione Carmignac (Sandro Botticelli, Andy Warhol, Roy Lichtenstein), prestiti eccezionali (Louise Bourgeois / Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Mary Beth Edelson / TATE) e produzioni realizzate appositamente per la mostra (France-Lise McGurn).
Dedicated to the relationship between the works of Henri Matisse and Joan Miró, the exhibition highlights the deep, lasting and constructive relationship between the two artists, their conceptions of art and their individual works. Although belonging to two different generations (Matisse was born in 1869, Miró in 1893), they both based their artistry around an in-depth critique of traditional painting in the West. This concern was always at the focus of their lengthy careers in the realms of painting and drawing. That is why they admired and respected each other so much. Working from their biographies, the exhibition traces those key moments when they were both so productively infuenced by each other’s work.
Presentando opere chiave di tutte le principali serie fotografche dell’artista, questa mostra mette in luce l’indagine flosofca ma giocosa di Sugimoto sulla nostra comprensione del tempo e della memoria, e sulla capacità della fotografa di documentare e inventare. Utilizzando una fotocamera di grande formato e mescolando i prodotti chimici della propria camera oscura, Sugimoto ha spesso rivisitato idee e pratiche della fotografa del XIX secolo, catturando soggetti come diorami, fgure di cera e architettura. Il suo lavoro ha ampliato e riorganizzato i concetti di tempo, spazio e luce che sono parte integrante del mezzo. Per Sugimoto, la fotografa è particolarmente adatta a preservare e immaginare il passaggio del tempo, funzionando come una forma di macchina del tempo.
BILBAO
GUGGENHEIM MUSEUM
Yoshitomo Nara
Through 3/11/2024 www.guggenheim-bilbao.eus
YSYDNEY
MCA AUSTRALIA
Hiroshi Sugimoto: Time Machine Through 27/10/2024 www.mca.com.au
En présentant des œuvres clés fgurant dans toutes les grandes séries photographiques de l’artiste, cette exposition met l’accent sur l’interrogation philosophique et enjouée de Hiroshi Sugimoto, sur notre compréhension du temps et de la mémoire, et sur le pouvoir qu’a la photographie tant de documenter que d’inventer. En utilisant un appareil photo grand format et en mélangeant ses propres réactifs chimiques dans la chambre noire, Sugimoto a souvent revu les idées et les pratiques de la photographie du XIXe siècle, en photographiant des sujets tels que les dioramas, les statues de cire et l’architecture. Son travail a développé et réorganisé les concepts de temps, d’espace et de lumière qui font partie intégrante de la photographie. Pour Sugimoto, la photographie est particulièrement adaptée pour préserver et imaginer le passage du temps, car elle fonctionne comme une forme de machine à remonter le temps.
Featuring key works from all of the artist’s major photographic series, this survey highlights Sugimoto’s philosophical yet playful inquiry into our understanding of time and memory, and photography’s ability to both document and invent. Employing a large-format camera and mixing his own darkroom chemicals, Sugimoto has often revisited ideas and practices from 19th-century photography, capturing subjects such as dioramas, wax fgures and architecture. His work has stretched and rearranged concepts of time, space and light that are integral to the medium. For Sugimoto, photography is uniquely suited for preserving and picturing time’s passage, functioning as a form of time machine.
oshitomo Nara est très connu pour ses dessins audacieux d’enfants aux grandes têtes et aux grands yeux attachants, tantôt menaçants, provocateurs et insolents, tantôt mélancoliques et inquiets, mais, au fl des ans, de plus en plus calmes et pensifs. Ses personnages, ses animaux et ses êtres hybrides sont l’expression visuelle de ses réfexions et de ses émotions les plus intimes et traduisent la profondeur de son humanisme. Nara Yoshitomo se considère comme un peintre, mais il explore chaque sujet à travers une gamme d’autres moyens et formats, tels que le dessin, la sculpture et les installations. Cette exposition est un voyage à travers les quarante dernières années de la production artistique de Nara Yoshitomo et permet de découvrir son évolution stylistique.
PARIS
FONDATION DUBUFFET
Fondation Dubuffet : chronique de 50 ans d’activités Through 20/12/2024 www.dubuffetfondation.com
Al’occasion de ses 50 ans, la Fondation Dubuffet organise une exposition scénographiée en trois temps, une salle est consacrée à une chronologie visuelle (time line) chroniquant les 50 ans d’activités de la fondation ; deux salles sont dédiées à des œuvres majeures de la collection, axées sur le portrait et la fgure : dons de l’artiste, legs de sa flle et acquisitions plus récentes ; une dernière salle évoquant l’atelier de la Cartoucherie de Vincennes se focalise sur la dotation initiale, apport essentiel lors de la constitution de la Fondation.
In conjunction with its 50th anniversary, the Dubuffet Foundation is organising an exhibition developed in three stages: one room is focused on a visual time line covering the foundation’s activities over the last ffty years; two other rooms are devoted to the main works in the collection, focusing on portraits and fgures: gifts from the artist, bequests from his daughter and more recent acquisitions; a fnal room, centred around the Cartoucherie de Vincennes workshop, focuses on its initial endowment that was such an essential part of the foundation from when it was frst established.
Yoshitomo Nara è ampiamente riconosciuto per le sue immagini audaci, simili a cartoni animati, di bambini con teste grandi e occhi grandi e accattivanti: a volte minacciosi, provocatori e provocatori, oppure malinconici e incerti, ma, nel corso degli anni, sempre più calmi e meditativi. Le sue fgure, animali ed esseri ibridi forniscono un’espressione visiva dei suoi pensieri ed emozioni più intimi e trasmettono la profondità del suo umanesimo. Nara si considera un pittore, ma esplora ogni tema con una gamma di altri mezzi e formati: disegno, scultura e installazione. Questa mostra è un viaggio attraverso gli ultimi quattro decenni dell’immaginario di Nara e serve a evidenziare il suo sviluppo stilistico.
In occasione dei suoi 50 anni di esistenza, la Fondazione Dubuffet organizza una mostra sviluppata in tre fasi, una sala è dedicata a una cronologia visiva (time line) che racconta i 50 anni di attività della fondazione; due sale sono dedicate alle opere principali della collezione, incentrate su ritratti e fgure: doni dell’artista, lasciti della fglia e acquisizioni più recenti; un’ultima sala, che evoca il laboratorio della Cartoucherie de Vincennes, si concentra sulla dotazione iniziale, contributo essenziale durante la creazione della Fondazione.
Yoshitomo Nara is widely recognized for its bold, cartoon-like images of children with large heads and big, engaging eyes – at times menacing, challenging, and defant, or else melancholic, and uncertain, but, over the years, increasingly calm and meditative. His fgures, animals, and hybrid beings provide a visual expression of his innermost thoughts and emotions and convey the depth of his humanism. Nara views himself as a painter, but he explores each theme within a range of other mediums and formats – drawing, sculpture, and installation. This exhibition is a journey through r the last four decades of Nara’s imagery and serves to highlight his stylistic development.
Ashley Hans Scheirl and Jakob Lena Knebl: Passage Through 15/9/2024 www.deichtorhallen.de
Dans les installations sensuelles et esthétiques du duo autrichien Jakob Lena Knebl et Ashley Hans Scheirl, rien n’est comme il semble : à tous les étages du bâtiment de la collection, des mondes accessibles et séduisants se créent dans un mélange de sculpture, de peinture, de design, de mise en scène, de photographie et de flm qui subjugue les visiteurs. Dans ces “espaces du désir”, Knebl et Scheirl remettent en question les hiérarchies de l’art et du design ainsi que les identités de genre stéréotypées : ils démontent les corps, les recomposent et jouent avec le fétichisme pour créer des œuvres et des êtres divers qui défent les limites du bon goût et des conventions, représentations de l’identité. Le duo puise dans une large gamme de références : de Mary Shelley et Ada Lovelace à Barbapapa, en passant par Hans Bellmer et Luigi Colani, jusqu’à Hector Guimard et l’esthétique cybernétique.
elle installazioni sensuali ed esteticamente molto cariche del duo austriaco Jakob Lena Knebl e Ashley Hans Scheirl, nulla è come sembra: su tutti i piani dell’edifcio della collezione si creano mondi accessibili e seducenti in un mix di scultura, pittura, design , messa in scena, fotografa e flm che affascinano i visitatori. In questi “spazi del desiderio”, Knebl e Scheirl mettono in discussione le gerarchie dell’arte e del design così come le identità di genere stereotipate: smontano i corpi, li riassemblano e giocano con il feticismo per creare opere ed esseri diversi che s dano i con ni del buon gusto e delle convenzioni. rappresentazioni dell’identità.. Il duo attinge a un’ampia gamma di riferimenti: da Mary Shelley e Ada Lovelace a Barbapapà, Hans Bellmer e Luigi Colani, da Hector Guimard all’estetica cyber.
RODEZ, MUSÉE SOULAGES
LUCIO FONTANA. Il y a bien eu un futur. Un futuro c’é stato Through 3/11/2024 https://musee-soulages-rodez.fr
Dans le cadre de la célébration pour ses dix ans, le Musée Soulage propose un voyage dans l’ensemble de l’œuvre de Lucio Fontana (1899-1968) évoquant sa variété créatrice à travers des peintures, sculptures, céramiques et installations lumineuses et spatiales. L’exposition se fonde sur le concept d’intuition du futur dans l’œuvre de Fontana, pour présenter un parcours singulier centré sur l’idée des oppositions dialectiques entre le matériel et l’immatériel, vis-à-vis de la réalité concrète.
In occasione delle celebrazioni per il decennale, il Museo Soulage propone un viaggio attraverso l’opera di Lucio Fontana (1899-1968) sottolineando la pluralità creativa dell’artista, attraverso dipinti, sculture, ceramiche e installazioni luminose e spaziali. La mostra si basa sul concetto di intuizione del futuro nell’opera di Fontana, per presentare un singolare percorso centrato sull’idea delle opposizioni dialettiche tra il materiale e l’immateriale, rispetto alla realtà concreta.
Nothing is as it seems in the sensual and aesthetically charged installations by the Austrian artists, Jakob Lena Knebl and Ashley Hans Scheirl: every foor of the building hosting the collection reveals accessible and seductive worlds created through a mix of sculpture, painting, design, staging, photography and flm that visitors fnd fascinating. In these ‘spaces of desire’, Knebl and Scheirl question the hierarchies of art and design, as well as stereotypical gender identities: they disassemble and then reassemble bodies, playing with fetishism to create different works and beings that challenge the boundaries of good taste and convention. The two artists draw on a wide range of references: from Mary Shelley, Ada Lovelace and Barbapapa to Hans Bellmer, Luigi Colani, Hector Guimard an even cyber aesthetics.
MARTIGNY
FONDATION PIERRE GIANADDA
Cézanne – Renoir. Regards croisés Through 19/11/2024 www.gianadda.ch
L’Fontana, Concetto spaziale, Attese, 1965-66 (c) Tornauboni Art. (c) Fondation Lucio Fontana, Milano by SIAE Adagp Paris 2024
As part of the 10th anniversary celebrations, Soulage Museum is organising a journey through the work of Lucio Fontana (1899-1968) showcasing the artist’s multifaceted creativity in the form of paintings, sculptures, ceramics and light/space installations. The exhibition is based on the concept of a sense of the future in Fontana’s work in a unique layout centred on the idea of dialectical oppositions between the tangible and intangible, the concept of utopia deriving from contradictory relationship between attraction and repulsion in relation to concrete reality.
exposition rassemble une soixantaine de chefs-d’œuvre de Cézanne et de Renoir provenant de la collection du grand marchand d’art Paul Guillaume, qui appartient aujourd’hui aux deux musées. La première partie présente une introduction basée sur une comparaison de Cézanne et de Renoir, en soulignant les sujets les plus représentatifs et en proposant une réfexion sur leur manière de peindre les natures mortes, les paysages, les portraits et les baigneuses. Dans la deuxième partie, une approche chronologique des deux artistes souligne la singularité de leur parcours. L’exposition met également l’accent sur le rôle central joué au cours de ces années par Paul Guillaume, un autodidacte passionné d’“art nègre” qui fut l’un des premiers à reconnaître la nature artistique des objets africains.
La mostra mette in dialogo circa 60 capolavori di Cézanne e Renoir provenienti dalla collezione del grande mercante Paul Guillaume e ora patrimonio dei due musei. La prima parte mette a confronto coppie di dipinti di Cézanne e Renoir, evidenziando i temi più tipici e proponendo una rifessione sul loro modo di dipingere nature morte, paesaggi, ritratti e bagnanti. Nella seconda parte, un approccio cronologico ai due artisti mette in luce la loro evoluzione stilistica, mentre la parte fnale mostra il passaggio ai posteri di Cézanne e Renoir. La mostra sancisce anche il ruolo centrale che ebbe in quegli anni Paul Guillaume, autodidatta, appassionato di “arte negra” che fu tra i primi a riconoscere il carattere artistico degli oggetti africani.
CÉZANNE RENOIR
The exhibition brings together some 60 masterpieces by Cézanne and Renoir from the collection of the legendary art dealer Paul Guillaume that are now kept at the two museums. The frst part compares pairs of paintings by Cézanne and Renoir, highlighting the most distinctive themes and analysing their peculiar ways of painting still lifes, landscapes, portraits and bathers. In the second part, a chronological study of the two artists highlights their stylistic evolution, while the fnal part showcases Cézanne and Renoir’s artistic legacy.
The exhibition also focuses on the central role played in those years by Paul Guillaume, a self-taught “black art” enthusiast, who was among the frst to recognise the artistic nature of African objects.
Ashley Hans Scheirl, Two Heads, 2023 (courtesy of the artist and Galerie Loevenbruck Paris; photo: Christian Benesch)
ne exposition qui transforme toutes les salles du musée en un espace dynamique et sensible fait de récits et de visions, de mémoire de la terre et de nouveaux horizons. Diorama est un terme qui vient du grec et qui signife “voir à travers” ou “à l’intérieur de quelque chose”. Dans ce cas, il s’agit d’aperçus de mondes naturels et non naturels, peuplés de créatures et de végétation réelles ou recréées, selon une perspective qui rend de plus en plus ambiguë la frontière entre ce qui est authentique ou ce qui est généré par l’intelligence artifcielle, entre possible ou impossible. À travers leurs œuvres, qu’il s’agisse de peintures, de sculptures, d’installations ou de vidéos, les artistes sélectionnés, italiens et du monde entier, proposent une palette d’interprétations allant de la créativité mimétique au traitement du post-naturel, de l’hybridation interspécifque à la taxidermie wunderkammer, de l’invention du paysage naturel à des visions inexplorées de l’intelligence artifcielle générative.
Una mostra che trasforma tutte le sale del museo in uno spazio dinamico e sensibile, fatto di narrazioni e visioni, memorie della terra e nuovi orizzonti. Diorama signifca “vedere attraverso” o “all’interno di qualcosa”. In questo caso, attraverso spaccati di mondi naturali e innaturali, popolati di creature e vegetazioni reali o ricreate, in una prospettiva che rende sempre più ambiguo il limite fra autentico o generato dall’intelligenza artifciale, possibile o impossibile. Gli artisti selezionati, italiani e internazionali, offrono attraverso le loro opere, fra dipinti e sculture, installazioni e video, un ventaglio di interpretazioni che spaziano dalla creatività mimetica alla trattazione del post-naturale, dall’ibridazione interspecifca alla tassidermia da wunderkammer, dall’invenzione del paesaggio naturale alle inesplorate visioni dell’intelligenza generativa.
MACERATA, MUSEI CIVICI
PALAZZO BUONACCORSI
Vis-à-vis
Through 12/1/2025 www.musei.macerata.it
Une réfexion inédite sur le portrait au XVIIIe siècle et contemporain, sous la direction d’Elsa Barbieri, Massimo Francucci et Giuliana Pascucci, avec plus de 60 œuvres mettant en parallèle des artistes du passé et des artistes d’aujourd’hui, italiens et étrangers. L’exposition présente des œuvres d’artistes du XVIIIe siècle, tels que Pier Leone Ghezzi, Sebastiano Ceccarini, Carlo Magini, d’artistes contemporains comme Eduardo Arroyo, Joseph Beuys, Marco Cingolani, Enzo Cucchi, Thomas De Falco, Jiri Kolar, Mark Manders, Annette Messager, Fulvio Morella, Laura Paoletti, Vettor Pisani, Carol Rama, Kiki Smith, ainsi que les collections du musée, et notamment d’artistes du XXe siècle tels que Nanda Vigo, Osvaldo Licini et Aligi Sassu.
Una rifessione inedita sulla ritrattistica settecentesca e contemporanea, a cura di Elsa Barbieri, Massimo Francucci e Giuliana Pascucci, con oltre 60 opere che accostano maestri del passato e artisti del presente, italiani e internazionali. In mostra dialogano opere di autori settecenteschi quali Pier Leone Ghezzi, Sebastiano Ceccarini, Carlo Magini, artisti contemporanei – tra cui, Eduardo Arroyo, Joseph Beuys, Marco Cingolani, Enzo Cucchi, Thomas De Falco, Jiri Kolar, Mark Manders, Annette Messager, Fulvio Morella, Laura Paoletti, Vettor Pisani, Carol Rama, Kiki Smith, insieme alle collezioni del museo, in particolare autori del ‘900 fra cui Nanda Vigo, Osvaldo Licini, Aligi Sassu.
An unprecedented study of eighteenth-century and contemporary portraiture curated by Elsa Barbieri, Massimo Francucci and Giuliana Pascucci, featuring over 60 works juxtaposing masters of the past and artists of the present, both Italian and international. The exhibition includes works by18th-century artists like Pier Leone Ghezzi, Sebastiano Ceccarini, Carlo Magini, contemporary artists - including Eduardo Arroyo, Joseph Beuys, Marco Cingolani, Enzo Cucchi, Thomas De Falco, Jiri Kolar, Mark Manders, Annette Messager, Fulvio Morella, Laura Paoletti, Vettor Pisani, Carol Rama, Kiki Smith, and also works from the museum’s own collections, notably by such 20th century artists as Nanda Vigo, Osvaldo Licini and Aligi Sassu.
An exhibition that transforms all the museum rooms into a dynamic and sensitive space for telling stories, illustrating visions and conserving memories of the earth and new horizons. Diorama means “to see through” or “inside something”. In this case, through glimpses of natural and unnatural worlds populated with real or recreated creatures and vegetation in a way that blurs the boundary between what is authentic and what is generated by artifcial intelligence. The works (which include paintings and sculptures, installations and videos) by the selected artists, both Italian and international, can be interpreted in a number of different ways as anything from mimetic creativity, post-naturalism, interspecifc hybridisation, wunderkammer taxidermy, natural landscape invention and even unexplored visions of generative intelligence.
BARCELONA, CCCB CENTRE DE CULTURA CONTEMPORÀNIA DE BARCELONA
Agnès Varda. Photographing, Filming, Recycling Through 8/12/2024 www.cccb.org
Agnès Varda (Bruxelles, 1928 - Paris, 2019) est l’une des rares femmes cinéastes de sa génération. Pionnière de la Nouvelle Vague, Agnès Varda s’est affranchie des normes et des clichés, en cherchant toujours à renouveler son approche. Elle a réalisé plus de 40 flms, dont des longs métrages, des courts métrages, des fctions et des documentaires, en adoptant à la fois le cinéma analogique et le cinéma numérique. Varda a participé activement à l’effervescence sociale et politique de son époque : féminisme, mouvement hippie et mouvement des Black Panthers. Cette exposition rend hommage au talent et à la carrière d’une artiste à la fois audacieuse et originale, qui a expérimenté et joué avec les nombreux supports et langages de l’art.
Agnès Varda (Bruxelles, 1928 - Parigi, 2019) è stata una delle poche registe donne della sua generazione. Precorrendo il movimento cinematografco della Nouvelle Vague, Varda ha rotto con norme e cliché, puntando sempre a rinnovare il suo approccio. Ha realizzato oltre 40 flm, tra lungometraggi e cortometraggi, fction e documentari, abbracciando sia il cinema analogico che quello digitale. Varda fu attiva nell’effervescenza sociale e politica del suo tempo: il femminismo, il movimento hippie e le lotte delle Pantere Nere. Questa mostra celebra il talento e la carriera di un’artista audace e originale che ha sperimentato e giocato con i molteplici supporti e linguaggi dell’arte.
Agnès Varda (Brussels, 1928 - Paris, 2019) was one of the few women directors of her generation. A precursor in the Nouvelle Vague flm movement, Varda broke with norms and clichés, aiming always to renew her approach. She made over 40 flms, including feature flms and shorts, fction and documentary, and embracing both analogue and digital cinema. Varda was active in the social and political effervescence of her time: feminism, the hippie movement and struggles of the Black Panthers. This exhibition celebrates the talent and career of a bold, original artist who experimented and played with art’s multiple supports and languages.
AGENDA
HUMLEBAEK
LOUISIANA MUSEUM OF MODERN ART
Franz Gertsch
Through 10/11/2024
louisiana.dk
Première présentation complète de Franz Gertsch (1930-2022) en Scandinavie. Une facture éblouissante, des formats gigantesques et un réalisme si extrême qu’il en devient dérangeant. Il faut s’approcher pour se convaincre qu’il s’agit bien de peinture. Au cours de la seconde moitié du XXe siècle, l’artiste suisse a élaboré une nouvelle conception particulière du réalisme et a acquis une renommée internationale grâce à ses peintures photoréalistes et à ses xylogravures.
Franz Gertsch est arrivé au réalisme à la fn des années 1960, après avoir expérimenté une peinture plus romantique, puis des collages de style Pop art. Il a utilisé des tirages photographiques et des projections avant de transformer les sujets en peintures grâce à une méthode spéciale et à son grand savoir-faire.
Prima presentazione completa in Scandinavia di Franz Gertsch (1930-2022). Artigianato abbagliante, formati giganteschi e un realismo così estremo da sembrare inquietante. Bisogna avvicinarsi per convincersi davvero che si tratta in realtà di pittura. Nella seconda metà del XX secolo l’artista svizzero ha dato forma a un nuovo e particolare concetto di realismo ed è diventato famoso a livello internazionale per i suoi dipinti e le sue xilografe fotorealistiche. Gertsch arrivò al realismo alla fne degli anni ‘60, dopo aver firtato prima con una pittura più romantica e poi con i collage in stile Pop Art. Ha utilizzato stampe fotografche e proiezioni prima di trasformare i motivi in dipinti utilizzando un metodo speciale e grazie alla sua grande maestria.
First comprehensive presentation in Scandinavia of Franz Gertsch (1930-2022). Dazzling craftsmanship, gigantic formats and a realism so extreme that it seems disturbing. You have to step up close to actually convince yourself that this is in fact painting. In the second half of the 20th century, the Swiss artist shaped a new, special concept of realism and rose to international fame for his photorealistic paintings and woodcuts.
Gertsch came to realism in the late 1960s after frst firting with a more romantic painting and then collages in the Pop Art style. He used photographic prints and projections before transforming the motifs into paintings using a special method and thanks to his great craftmanship.
BIOT, FERNAND LÉGER
NATIONAL MUSEUM
Léger and the New Realism
Through 18/11/2024
www.mamac-nice.org
Le Musée national Fernand Léger de Biot et le Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain (MAMAC) de Nice rendent hommage à la création artistique avec une exposition réunissant l’œuvre de Fernand Léger (1881-1955) et des œuvres emblématiques provenant du MAMAC. Grâce à un partenariat exceptionnel entre deux grandes collections de la Côte d’Azur, des œuvres de Niki de Saint-Phalle, Arman, Yves Klein, Raymond Hains, Martial Raysse et César se confrontent, dans un esprit de liberté totale et de dialogue entre les arts, aux innovations plastiques de Fernand Léger. En présentant près de 110 œuvres, dont une une soixantaine provenant du MAMAC, l’exposition aborde de manière amusante et créative un certain nombre de thèmes, tels que le détournement d’objets, la représentation du corps et des activités de loisir, ainsi que la place de l’art dans l’espace public.
Il Museo Nazionale Fernand Léger di Biot e il Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain (MAMAC) di Nizza celebrano la creatività artistica con una mostra che riunisce l’opera di Fernand Léger (1881-1955) e opere chiave del MAMAC.
Grazie a un partenariato senza precedenti tra due grandi collezioni della Costa Azzurra, le opere di Niki de Saint-Phalle, Arman, Yves Klein, Raymond Hains, Martial Raysse e César si confrontano, in uno spirito di totale libertà e dialogo tra le arti, con le innovazioni plastiche di Fernand Léger. Con circa 110 opere, tra cui una selezione di 60 provenienti dal MAMAC, la mostra adotta un approccio giocoso e creativo a una serie di temi, tra cui l’uso improprio degli oggetti, la rappresentazione del corpo e le attività del tempo libero, e il posto dell’arte nel mondo. spazio pubblico.
he Fernand Léger National Museum in Biot and the Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain (MAMAC) in Nice celebrate artistic creativity with an exhibition bringing together the work of Fernand Léger (18811955) and key works from the MAMAC.
Thanks to an unprecedented partnership between two major collections on the Côte d’Azur, works by Niki de Saint-Phalle, Arman, Yves Klein, Raymond Hains, Martial
Solo exhibition of the Spanish artist (Barcelona 1955), curated by Adriano Berengo, which transforms the ffteenth-century church of San Gallo with the staging of a sculptural group in glass and alabaster. Composed of three large blocks of alabaster from which three female faces emerge “Janus”, it uses the duality of the ancient myth of Janus. Three other sculptures in Murano glass complete the project: three portraits of young women with their index fngers resting on their lips, a universal symbol of silence.
Raysse and César come face to face, in a spirit of total freedom and dialogue between the arts, with the plastic innovations of Fernand Léger. Featuring around 110 works, including a selection of 60 from the MAMAC, the exhibition takes a playful, creative approach to a number of themes, including the misuse of objects, the representation of the body and leisure activities, and the place of art in the public space.
VENEZIA
ITALY
“JANUS” – Jaume Plensa Chiesa di San Gallo Through 30/9/2024 www.berengo.com
Exposition personnelle de l’artiste espagnol (Barcelone 1955), organisée par Adriano Berengo, qui transforme l’église de San Gallo du XVe siècle avec la mise en scène d’un groupe sculptural en verre et albâtre. Composée de trois grands blocs d’albâtre d’où émergent trois visages de femmes, ”Janus” exploite la dualité du mythe antique de Janus. Trois autres sculptures en verre de Murano complètent le projet : trois portraits de jeunes femmes avec l’index posé sur les lèvres, symbole universel du silence.
Personale dell’artista spagnolo (Barcellona 1955), curata da Adriano Berengo, che trasforma la chiesa Quattrocentesca di San Gallo con la messa in scena di un gruppo scultoreo in vetro e alabastro. Composta da tre grandi blocchi di alabastro da cui emergono tre volti di donna ”Janus”, utilizza la dualità dell’antico mito di Giano. Altre tre sculture in vetro di Murano completano il progetto: tre ritratti di giovani donne con l’indice appoggiato sulle labbra, simbolo universale del silenzio.
Jaume Plensa, JANUS, ph. Francesco Allegretto, courtesy Berengo Studio, Plensa Studio
Franz Gertsch, Huaa, 1969
ÉVADEZ-VOUS EN HÉLICOPTÈRE AU
TIARA MIRAMAR
Une journée exceptionnelle au bord de mer pour savourer l’authentique cuisine méditerranéenne du Moya Beach.
