À Venise, à l’occasion de la 60ème Biennale d’Art, l’Abbaye de San Gregorio a présenté l’expositon “Journeys in Land Art, Towards Wadi AlFann”, AlUla, un aperçu des œuvres de cinq artstes impliqués dans la nouvelle destnaton culturelle et artstque de Wadi AlFann en Arabie Saoudite. Wadi AlFann, “Vallée de l’Art”, fait parte du paysage monumental d’AlUla, un site de la taille de la Belgique situé au nord-ouest de l’Arabie Saoudite, au centre d’un ambiteux projet de développement culturel et paysager promu par le gouvernement saoudien et visant à valoriser le patrimoine archéologique et naturaliste de la région. Réparte sur 65 kilomètres carrés, Wadi AlFann accueillera en permanence les œuvres d’artstes contemporains, parmi les plus intéressants du panorama actuel, notamment Manal AlDowayan, Agnes Denes, Michael Heizer, Ahmed Mater et James Turrell, représentant le début d’un programme de commandes en cours. L’expositon organisée à Venise a permis de découvrir une série d’images de synthèse, dessins et maquetes des œuvres de ces cinq artstes qui se sont inspirés du paysage désertque d’AIULa, en partculier de sa topographie, de son écosystème et de son extraordinaire géologie. L’expositon était complétée par des dessins sélectonnés par Manal AlDowayan – l’artste représentant l’Arabie saoudite à la Biennale de Venise 2024 et des interviews des artstes impliqués.
A Venezia, in occasione della 60° Biennale d’Arte, l’Abbazia di San Gregorio ha presentato la mostra “Journeys in Land Art, Towards Wadi AlFann, AlUla”, un’anteprima delle opere di cinque artst coinvolt nella nuova destnazione culturale e artstca di Wadi AlFann in Arabia Saudita. Wadi AlFann, “Valle dell’Arte”, si inscrive nel paesaggio monumentale di AlUla, un’area grande come il Belgio situata nell’Arabia Saudita nordoccidentale, al centro di un ambizioso progeto di sviluppo culturale e paesaggistco del governo saudita fnalizzato alla valorizzazione del patrimonio archeologico e naturalistco della regione. Estesa su 65 chilometri quadrat Wadi AlFann ospiterà in modo permanente le opere di alcuni tra i più interessant artst contemporanei, tra cui Manal AlDowayan, Agnes Denes, Michael Heizer, Ahmed Mater e James Turrell, che rappresentano l’inizio di programma di commissioni in corso. A Venezia, è stata presentata una serie di rendering, disegni e maquete delle opere di quest cinque artst che hanno trato ispirazione dal paesaggio desertco di AIULa, in partcolare dalla sua topografa, dal suo ecosistema e dalla sua straordinaria geologia. La mostra era completata dai disegni selezionat da Manal AlDowayan – l’artsta che rappresenta l’Arabia Saudita alla Biennale di Venezia 2024 e da interviste agli artst coinvolt.
St. Gregory’s Abbey presented an exhibiton enttled “Journeys in Land Art, Towards Wadi AlFann, AlUla” at the 60th Biennial of Art in Venice, a preview of works by fve artsts involved in adaptng Wadi AlFann in Saudi Arabia to its new cultural-artstc purposes. Wadi AlFann, ‘Valley of Art’, is part of AlUla’s monumental landscape, an area the size of Belgium located in northwest Saudi Arabia, which is at the focus of an ambitous cultural and landscape development project by the Saudi government aimed at promotng the region’s archaeological and natural heritage. Stretching over 65 square kilometres, Wadi AlFann will permanently host the works of some of the most interestng contemporary artsts, including Manal AlDowayan, Agnes Denes, Michael Heizer, Ahmed Mater and James Turrell, marking the start of an ongoing commission programme. A series of renderings, drawings and maquetes of the works of these fve artsts were presented in Venice, inspired by the desert landscape of AIULa, partcularly its topography, ecosystem and extraordinary geology. The exhibiton was complemented by drawings selected by Manal AlDowayan - the artst chose to represent Saudi Arabia at the Venice Biennale 2024 – and interviews with the artsts involved.
Render of Ashab Al-Lal by Ahmed Mater at Wadi AlFann
COmpilation
La gamme de sols en vinyle Alpha Vinyl de Quick-Step est une soluton idéale pour l’aménagement ou la rénovaton de la salle de bain. De la fniton Cemento Ostrica (collecton Illume), aux nuances chaudes de gris et de beige qui se fondent dans une texture fnement grainée, aux fnitons Pietra Vulcanica (collecton Oro Base) et Roccia Corallina (collecton Oro), Alpha Vinil Quick-Step propose un efet pierre 100% naturel. La technologie Hydroseal étanche, combinée au système Uniclic ou Unizip, rend les joints entre les lames et les dalles totalement étanches. De plus, la couche supérieure brevetée Scratch Guard, ofre une protecton supérieure contre l’usure, les taches et les microabrasions.
La gamma di paviment in vinile Alpha Vinyl di Quick-Step è una soluzione ideale per rinnovare l’ambiente bagno. Dalla fnitura Cemento Ostrica (collezione Illume), con sfu¬mature calde di grigio e beige che si fondono in una texture fnemente granulosa, alle fniture Pietra Vulcanica (collezione Oro Base) e Roccia Corallina (collezione Oro), la gamma Alpha Vinil Quick-Step ofre un efeto 100% pietra naturale. Grazie al rivestmento idrorepellente “HydroSeal”, tut i paviment in vinile Quick-Step sono totalmente resistent all’acqua. Inoltre, lo strato superiore è sigillato con la tecnologia Stain and Scratch Guard, che assicura una protezione superiore contro usura, macchie e microabrasioni.
Quick-Step’s Alpha Vinyl fooring range is an ideal way of renovatng your bathroom. From the Oyster Cement fnish (Illume collecton) in warm shades of grey and beige that blend into a fnely grained texture to the Volcanic Stone (Gold Base collecton) and Coral Rock (Gold collecton) fnishes, the Quick-Step Alpha Vinyl range provides a 100% natural stone efect. Thanks to their water-repellent “HydroSeal” coatng, all Quick-Step vinyl foors are totally water-resistant. Moreover, the top layer is sealed with Stain and Scratch Guard technology providing superior protecton against wear-and-tear, stains and micro-abrasions.
Produit par l’entreprise fnlandaise du même nom, Durat est une solid surface 100 % recyclée et recyclable qui réutlise jusqu’à 30 % de matère plastque recyclée. Idéal pour la créaton de baignoires, lavabos, meubles de salle de bains, espaces contract, écoles et espaces commerciaux, Durat est un matériau résistant à l’eau et à la chaleur, disponible dans une palete de plus de 300 couleurs. Nouveauté Durat présentée lors de la Milano Design Week, Durat Plus combine résine PET recyclée et matériau solid surface recyclé. Le résultat est une solid surface avec un aspect distnctf qui content jusqu’à 80 % de matériaux recyclés.
Prodoto dall’omonima azienda fnlandese, Durat è un solid surface riciclato e riciclabile al 100% che riutlizza fno al 30 % di materiale plastco di recupero. Ideale per la realizzazione di vasche, lavandini, arredi per il bagno, spazi contract, scuole e spazi retail, Durat è un materiale resistente all’acqua e al calore, disponibile in una palete di oltre 300 colori. Novità Durat presentata in occasione della Milano Design Week, Durat Plus combina resina PET riciclata e materiale solid surface riciclato. Il risultato è un solid surface dall’aspeto distntvo che contene fno all’80% di materiali riciclat.
Le grès cérame de la collecton SENSI Fantasy d’ABK est né d’une réinterprétaton contemporaine de la décoraton en marbre, ofrant des efets de matère et des motfs décoratfs tridimensionnels, même dans les grands formats, idéaux pour personnaliser les intérieurs résidentels, commerciaux et publics. Imaginée pour exalter le caractère et la personnalité de chaque espace, la collecton Sensi Fantasy inclut des motfs aux suggestons naturalistes de goût tropical-chic, des textures inspirées de l’Art Déco ou de jeux graphiques qui alternent des couleurs contrastées soulignées par la fniton Lux 3D. Disponible en deux tailles – la grande dalle de 120x280 cm et la pratque 60x120 cm – à installer au mur et au sol.
durat.com
Manufactured by the Finnish company of the same name, Durat is a 100%-recycled and recyclable solid surface that reuses up to 30% of recycled plastc. Ideal for bathtubs, sinks, bathroom furniture, contract spaces, schools and retail spaces, Durat is a water and heat resistant material available in a palete of over 300 colours. First presented by Durat at Milan Design Week, Durat Plus combines recycled PET resin and recycled solid surface material. The result is a distnctve-looking solid surface that contains up to 80% recycled material.
ABK’s SENSI Fantasy collecton of porcelain tles is the result of a very contemporary reading of marble decoraton, ofering threedimensional surface efects and decoratve paterns in large format, ideal for customising residental, commercial and public interiors. The Sensi Fantasy range features tropical-chic style efects, textures
Il gres porcellanato della collezione SENSI Fantasy di ABK nasce da una riletura contemporanea della decorazione in marmo ofrendo efet materici tridimensionali e patern decoratvi, anche in grande formato, ideali per personalizzare interni residenziali, commerciali e pubblici. I sogget di Sensi Fantasy spaziano tra le suggestoni naturalistche di gusto tropical-chic, texture ispirate all’Art Déco e giochi grafci che alternano cromie a contrasto sotolineate dalla fnitura Lux 3D, per esaltare caratere e personalità di ogni spazio. Disponibile in due format – la grande lastra 120x280 cm e il pratco 60x120 cm – da posare a parete e a pavimento.
inspired by Art Deco and graphic interplays in alternatng contrastng colours with a striking Lux 3D fnish. Perfect for bringing out the character and personality of any space. Available in two formatslarge 120x280 cm and handy 60x120 cm tles – for installing on both walls and foors.
Durat, Porta dei Colori by Linda Bergroth, Alcova, Villa Bagatti Valsecchi, 2024
PLATFORM
Modular System Platform and Platform Kupé Design:
PUBLIC SPACE
David Karásek, Michael Tomalik
COmpilation
A l’occasion de la Milano Design Week 2024, Saporit Italia a présenté les projets lauréats des laboratoires de recherche “Saporit Design Experience” réalisés à Dubaï en collaboraton avec le Dubai Insttute of Design and Innovaton et à Milan avec POLI.design et l’Académie de Brera. Les étudiants ont été invités à réinterpréter le design et le tssu du fauteuil emblématque Miamina conçu en 1983 par Salvat & Tresoldi. Les prototypes des lauréats ont été exposés au Palazzo Lombardia, à côté de la version du fauteuil Miamina conçu en 1990 par Bob Noorda, à l’intérieur de la spectaculaire structure pyramidale qui sera envoyée à la fn de l’année par l’associaton EVK2-CNR au Népal au camp de base pour les ascensions de l’Everest et K2. La collaboraton de Saporit Italia avec EV-K2-CNR a commencé en 1987 avec la sponsorisaton du laboratoire-pyramide où Saporit a créé les intérieurs avec des matériaux spéciaux ultra-légers et a créé une éditon spéciale du Miamina, avec une structure allégée et le tssu conçu par Bob Noorda. Cete collaboraton se renouvelle aujourd’hui avec la sponsorisaton du projet de recherche EV-K2CNR qui va réaliser une nouvelle structure pyramidale imposante mesurant 25 mètres de côté, qui sera envoyée au Népal à la fn de l’année et superposée à la Pyramide-Laboratoire existante.
In occasione della Milano Design Week 2024, Saporit Italia ha presentato i proget vincitori dei laboratori di ricerca “Saporit Design Experience” realizzat a Dubai in collaborazione con Dubai Insttute of Design and Innovaton e a Milano con POLI.design e l’Accademia di Brera. Gli student erano invitat a re-interpretare il design e il telo della iconica poltrona Miamina disegnata nel 1983 da Salvat & Tresoldi. I prototpi sono stat espost a Palazzo Lombardia accanto alla versione della Miamina disegnata nel 1990 da Bob Noorda all’interno della spetacolare strutura piramidale che sarà inviata a fne anno dall’associazione EVK2-CNR in Nepal al Campo base per le ascensioni al monte Everest e al K2. La collaborazione di Saporit Italia con EV-K2-CNR inizia nel 1987 con la sponsorizzazione del laboratorio-piramide dove Saporit realizza gli interni con materiali speciali ultra-leggeri e crea un’edizione speciale della Miamina, con una strutura alleggerita ed il telo disegnato da Bob Noorda. Questa collaborazione si rinnova ancora oggi con la sponsorizzazione il progeto di ricerca di EV-K2-CNR che realizzerà una nuova imponente strutura piramidale di 25 metri di lato, che a fne anno sarà inviata in Nepal e, sovrapposta alla Piramide-Laboratorio esistente.
Milan Design Week 2024 provided Saporit Italia with the chance to present the winning projects in the ‘Saporit Design Experience’ research workshops held in Dubai in partnership with the Dubai Insttute of Design and Innovaton and also in Milan working with POLI.design and the Brera Academy. Students were invited to re-interpret the design and fabric of the iconic Miamina armchair designed in 1983 by Salvat & Tresoldi. The prototypes were exhibited at Palazzo Lombardia alongside the Miamina version designed in 1990 by Bob Noorda inside the spectacular pyramid structure, which, at the end of the year, the EV-K2-CNR associaton will be sending to the Base Camp in Nepal for ascents up Mount Everest and K2. Saporit Italia’s partnership with EV-K2-CNR began in 1987 with the sponsorship of a pyramid-workshop during which Saporit made the interiors out of special ultra-light materials and also created a special editon of the Miamina with a lighter structure and canvas designed by Bob Noorda. This partnership is now contnuing through the sponsorship of the EV-K2-CNR research project to build a striking new pyramid structure measuring 25 metres along the side that will be sent to Nepal at the end of the year and superimposed on the existng Pyramid-Laboratory.
Ph. Giorgio Giovara
Conçu par l’architecte Dorota Szymaniak-Urban, le complexe sportf Urania Olsztyn à Olsztyn en Pologne est caractérisé par une façade de 2 100 mètres carrés réalisée en HIMACS S028 Alpine White qui combine esthétque et une résistance au feu certfée. Son motf géométrique complexe en nid d’abeille a été réalisée utlisant la technologie de fraisage CNC, chaque élément intègre de manière transparente design et fonctonnalité, y compris la transformaton innovante du joint de dilataton en un élément de design élégant, améliorant l’impact visuel global.
Progetato dall’architeto Dorota Szymaniak-Urban, il complesso sportvo Urania Olsztyn a Olsztyn, in Polonia, è caraterizzato da una facciata di 2.100 metri quadrat realizzata in HIMACS S028 Alpine White che unisce estetca e resistenza al fuoco certfcata. Il suo complesso motvo geometrico a nido d’ape è stato prodoto utlizzando la tecnologia di fresatura CNC, ogni elemento integra perfetamente design e funzionalità, inclusa l’innovatva trasformazione del giunto di dilatazione in un elegante elemento di design, migliorando l’impato visivo complessivo.
Designed by the architect Dorota Szymaniak-Urban, the Urania Olsztyn sports complex in Olsztyn, Poland, features a 2,100-square-metre façade made of HIMACS S028 Alpine White that combines good looks and certfed fre resistance. Its complex geometric honeycomb patern was created out of CNC milling technology, each element perfectly integratng design and functonality, including the innovatve transformaton of the expansion joint into an elegant design feature to enhance its overall visual impact.
MONDIAL DU BÂTIMENT 2024, PARIS
www.batmat.com
Événement internatonal du secteur du bâtment, le Mondial du Bâtment, est de retour à Paris Expo Porte de Versailles du 30 septembre au 3 octobre 2024 avec des innovatons importantes. La recherche de nouvelles solutons pour faire face aux nouveaux enjeux, comme le renouvellement énergétque, la décarbonaton et la performance des bâtments et des systèmes de constructon, fgureront parmi les thèmes centraux de cete éditon qui s’artculera autour de quatre axes principaux : Adaptaton, Innovaton, Territoires, Femme et Hommes du Bâtment. Outre les trois salons traditonnellement réunis, Batmat (halls 1 et 7.2) dédié au secteur du bâtment, IdéoBain (halls 2.2, 2.3, 3), à l’univers de la salle de bains, Interclima (hall 3.), à la performance énergétque des bâtments, et le hall 5.1 dédié aux partcipatons internatonales, la grande nouveauté cete année sera la présence d’Equipbaie & Metalexpo (halls 4, 5.2, 5.3, 6) qui intégreront Batmat avec une ofre dédiée à l’univers de la menuiserie et de la métallerie.
Dans le hall 1, Renodays by Batmat proposera un nouvel espace dédié à la requalifcaton énergétque et performance des bâtments avec conférences, démonstratons et networking.
Enfn, le concours Innovatons Awards récompensera les solutons les plus innovantes présentées par les exposants de Batmat, Idéobain et Interclima.
‘Mondial du Bâtment’, an internatonal trade fair for the building industry, returns with important new features at Paris Expo Porte de Versailles from 30th September-3rd October 2024. Devising new products to meet the challenges of our age, such as energy the renovaton, decarbonisaton and enhanced performance of buildings and constructon systems, will be among the central themes at this year’s event, which will develop along four main lines: Adaptaton, Innovaton, Territories, Men and Women in the Building Industry.In additon to the three main interconnected shows, Batmat (halls. 1 and 7.2) dedicated to the building industry, IdéoBain (halls. 2.2, 2.3, 3), focused on bathrooms, Interclima (hall 3.) centred around the energy performance of buildings, and pav. 5.1 dedicated to the various internatonal players involved, this year’s key innovaton will be Equipbaie & Metalexpo (halls 4, 5.2, 5.3, 6), which will run alongside Batmat and focus on carpentry and windows.Renodays by Batmat in hall 1 will feature a new area dedicated to the energy/performance upgrading of buildings and include conferences, demonstratons and networking. Finally, the Innovatons Awards will reward the most innovatve products presented by exhibitors at Batmat, Idéobain and Interclima.
Evento feristco internazionale del setore dell’edilizia, il Mondial du Bâtment, ritorna con important novità a Paris Expo Porte de Versailles dal 30 setembre al 3 otobre 2024. La ricerca di nuove soluzioni per afrontare le sfde del nostro tempo come rinnovamento energetco, decarbonizzazione e performance degli edifci e dei sistemi costrutvi, saranno tra le tematche centrali di questa edizione, che ruoterà atorno a quatro assi principali : Adatamento, Innovazione, Territori, Uomini e donne dell’edilizia.
Oltre ai tre saloni tradizionalmente riunit, Batmat (pad. 1 e 7.2) dedicato al setore della costruzione, IdéoBain (pad.2.2, 2.3, 3) , all’ambiente bagno, Interclima (pad. 3.), alle prestazioni energetche degli edifci, e il pad. 5.1 dedicato alle partecipazioni internazionali, la grande novità di quest’anno sarà la presenza di Equipbaie & Metalexpo (pad. 4, 5.2, 5.3, 6) che integreranno il Batmat con un’oferta dedicata al mondo della falegnameria e della fnestra.
Nel padiglione 1, Renodays by Batmat proporrà una nuova zona dedicata alla riqualifcazione energetca e performante degli edifci con conferenze, dimostrazioni e networking.
Infne il concorso Innovatons Awards premierà le soluzioni più innovatve presentate dagli espositori di Batmat, Idéobain e Interclima.
COmpilation
sunbrella.com
(re)Material Culture, réalisée par Sunbrella, marque spécialisée dans la fabricaton de tssus performants pour l’ameublement intérieur et extérieur, en collaboraton avec Liz Collins et Gloster, à l’occasion de la Milano Design Week 2024, est une installaton qui a ofert une interprétaton poétque de la transformaton des déchets textles en de nouvelles formes. A travers un paysage captvant et texturé, conçu telle une grote, cete installaton était composée de plusieurs panneaux carrés fabriqués à la main par Liz Collins, à partr des lisières recyclées de Sunbrella. Les lisières, un sous-produit du processus de fabricaton, étaient présentées dans une nouvelle dimension esthétque qui interrogeait la noton du “beau” sous l’angle de la fabricaton circulaire.
In occasione della Milano Design Week 2024, (re)Material Culture, realizzata da Sunbrella, produtore di tessut innovatvi per arredamento indoor e outdoor, in collaborazione con Liz Collins e Gloster, è un’installazione che ha oferto un’interpretazione poetca della trasformazione dei rifut tessili in nuove forme. Atraverso un paesaggio accatvante e struturato, progetato come una grota, l’installazione era composta da diversi pannelli quadrat realizzat a mano da Liz Collins, utlizzando cimose riciclate di Sunbrella. Le cimosse, un sotoprodoto del processo produtvo, sono state presentate in una nuova dimensione estetca che permesso di proietare la nozione di “bello” nell’otca della produzione circolare.
(re)Material Culture, a stylish interpretaton of the conversion of textle waste into new forms showcased suring Milan Design Week 2024, was made by Sunbrella (a brand specialising in innovatve indoor and outdoor furnishing fabrics) in partnership with Liz Collins and Gloster. Featuring an eye-catching, structured landscape designed like a cave, the installaton consisted of several square panels handmade by Liz Collins using selvedges recycled by Sunbrella. The selvedges, a by-product of the manufacturing process, were given a new aesthetc dimension enabling the noton of “beauty” to be projected along the lines of circular producton.
Le concept Domino imaginé par l’entreprise belge Woodstoxx spécialisée dans les produits en bois, permet de créer des parements de façades joués sur la profondeur et le dynamisme. En proflant judicieusement les diférentes poutres en bois les unes contre les autres et contre le mur, le bardage Domino permet de façonner un relief et un jeu de lumière uniques où la distance entre les diférentes poutres varie et s’adapte à l’architecture existante. En plus, le choix de combinaisons diférentes d’épaisseurs et de longueurs des poutres en bois, donne non seulement une touche architecturale aux façades, mais ofre également une protecton supplémentaire contre le soleil en préservant l’intmité des espaces intérieurs.
Il conceto Domino proposto dall’azienda belga Woodstoxx, specializzata in prodot in legno, permete di realizzare rivestment di facciata caraterizzat da profondità e dinamismo. Proflando sapientemente le diverse travi in legno tra loro e contro la parete, il rivestmento Domino permete di creare rilievi e giochi di luce unici dove la distanza tra le diverse travi varia e si adata all’architetura esistente. Inoltre, la scelta di diverse combinazioni di spessori e lunghezze delle travi in legno non solo conferisce un tocco architetonico alle facciate, ma ofre anche un’ulteriore protezione dal sole preservando la privacy degli spazi interni.
vescom.com
Vescom enrichit sa collecton de revêtements muraux textles haut de gamme, avec 10 nouveaux revêtements muraux en soie tssée, refétant ses facetes diférentes. Avec leur aspect brut, leurs irrégularités intentonnelles et leur slub plus prononcée, Chandra et Madhura célèbrent les matériaux naturels et artsanaux. Le motf Ravi accentue la brillance de la soie, tandis que d’autres, comme Nirmala, sont plus mats. Certains comme Bodhi, Dipt ou Khilana soulignent en revanche leur lien avec la nature par des motfs imprimés qui produisent diférents aspects et sensatons, de la tridimensionnalité aux efets métalliques.
The Domino concept proposed by the Belgian company Woodstoxx, which specialises in wooden products, can be used to create facade cladding of notable depth and dynamism. By skilfully profling the various wooden beams with each other and against the wall, Domino cladding creates unique relief/light efects as the distance between the diferent beams varies and adapts to the existng architecture. Moreover, choosing diferent combinatons of thickness and length for the wooden beams not only adds an architectural touch to the façades, it also creates extra protecton against the sun while maintain the privacy of interior spaces.
Vescom arricchisce la sua collezione di rivestment murali tessili di alta gamma, con 10 nuovi rivestment murali in seta, che rifetono le sue diverse sfaccetature. Con il loro aspeto grezzo, le irregolarità intenzionali e lo slub più pronunciato, Chandra e Madhura celebrano i materiali naturali e artgianali. Il design Ravi accentua il lustro intrinseco della seta, mentre altri come Nirmala sono più opachi. Alcuni come Bodhi, Dipt o Khilana sotolineano invece il loro legame con la natura atraverso motvi stampat che riproducono efet diversi, dalla tridimensionalità alle fniture metalliche.
Vescom is enhancing its collecton of high-end textle wall coverings with 10 new silk wall coverings refectng its various propertes and facets. With their raw look, deliberate irregularites and more pronounced slub, Chandra and Madhura celebrate natural, handcrafed materials. Ravi designs accentuate the inherent lustre of silk, while others like Nirmala are more opaque. Others like Bodhi, Dipt or Khilana, on the other hand, emphasise their connecton to nature through printed paterns generatng a range of efects from three-dimensionality to metallic fnishes.
COmpilation
La gamme de tssus métalliques architecturaux PC-ALU de GKD est reconnue pour ses qualités de protecton acoustque, protecton incendie, protecton solaire, combinées aux nombreuses possibilités créatves tant pour des applicatons en intérieur que pour les façades de bâtments. Pour adapter les prestatons des tssus métalliques PC-ALU à chaque applicaton, GKD a présenté cinq nouveaux degrés de perméabilité et une large gamme de couleurs. Ces optons ofrent de nouvelles solutons personnalisées par exemple lorsque certaines perméabilités des tssus sont requises afn d’optmiser l’acoustque des espaces ou de répondre à des réglementatons spécifques en matère de sécurité incendie.
gkd-group.com
La gamma di tessut metallici architetonici PC-ALU di GKD è riconosciuta per le sue qualità di protezione acustca, protezione antncendio, protezione solare, combinate con numerose possibilità creatve sia per applicazioni interne che per facciate di edifci. Per adatare le prestazioni dei tessut metallici PC-ALU a ciascuna applicazione, GKD ha introdoto cinque nuovi gradi di permeabilità e un’ampia gamma di colori. Queste nuove soluzioni ofrono maggiori possibilità di personalizzazione, ad esempio quando sono richieste determinate permeabilità dei tessut per otmizzare l’acustca degli spazi o per soddisfare specifche normatve di sicurezza antncendio.
GKD’s PC-ALU’s range of architectural metal fabrics is recognised for its acoustc protecton, fre protecton and sun protecton propertes combined with its numerous creatve possibilites for both interior and building façades. To adapt the performance of PC-ALU metal fabrics to each of its diferent applicatons, GKD has introduced fve new grades of permeability and a wide range of colours. These new products can be customised to an even greater extent, for instance when certain fabric permeabilites are required to optmise spatal acoustcs or to conform with specifc fre safety regulatons.
Nagomi, qui en japonais symbolise l’équilibre et la sérénité, est une nouvelle collecton de carreaux née de la collaboraton entre Mirage et Hadi Teherani dans le cadre du projet Atelier Mirage visant à rechercher de nouvelles formes expressives de la céramique italienne. En incorporant un pourcentage important de verre issu du recyclage des tubes cathodiques des moniteurs et écrans de télévision, Nagomi renouvelle le concept de mosaïque, alliant simplicité des formes, imperfectons de l’artsanat, précision industrielle dans une optque d’innovaton durable.
Nagomi è una nuova collezione di piastrelle nata dalla collaborazione tra Mirage e Hadi Teherani nel quadro del progeto Atelier Mirage volto alla ricerca di nuove forme espressive della ceramica italiana. Incorporando una percentuale signifcatva di vetri derivat dal riciclo di tubi catodici di monitor e schermi televisivi, Nagomi rinnova il conceto di mosaico, coniugando semplicità delle forme, imperfezioni dell’artgianato, precisione industriale in un’otca di innovazione sostenibile.
Nagomi is a new tle collecton based on a partnership between Mirage and Hadi Teherani as part of the Atelier Mirage project aimed at developing new forms of expression in Italian ceramics. Incorporatng a signifcant percentage of glass taken from recycled cathode ray tubes of monitors and television screens, Nagomi has updated the concept of mosaics, combining simplicity of form, imperfectons of crafsmanship and industrial precision in the name of sustainable innovaton.
Terrae-Calce d’Ideal Work® est la nouvelle gamme de revêtements à base de chaux hydraulique pour murs intérieurs composée de matériaux naturels hautement sélectonnés, disponible en trois fnitons (Matera, Venezia, Siena). Parmi les premières réalisatons, les intérieurs du Lof Mol, un moderne appartement en Belgique. Pour donner contnuité et luminosité aux ambiances intérieures, les murs ont été recouverts de Terrae-Calce dans la fniton Matera, tandis que pour le sol, les architectes ont choisi d’utliser Microtopping® Ideal Work® dans la même tonalité, un revêtement qui permet de créer des surfaces contnues en seulement 3 mm d’épaisseur.
Terrae-Calce di Ideal Work® è la nuova linea di rivestment a base di calce idraulica per paret indoor composta da materiali naturali, altamente selezionat, disponibile in tre fniture (Matera, Venezia, Siena). Tra le prime realizzazioni, gli interni del Lof Mol, un moderno appartamento in Belgio. Per dare contnuità e luminosità agli ambient, le paret sono state rivestte con Terrae-Calce nella fnitura Matera, mentre per il pavimento è stato utlizzato Microtopping® Ideal Work® nella stessa tonalità, un rivestmento che consente di creare superfci contnue in soli 3 mm di spessore.
Terrae-Calce by Ideal Work® is a new range of hydraulic lime cladding for indoor walls composed of natural, highly selected materials available in three fnishes (Matera, Venezia, Siena). One of the frst applicatons of this product was on the interiors of Lof Mol, a modern fat in Belgium. To instl a sense of contnuity and brightness to the rooms, the walls were clad with Terrae-Calce with the Matera fnish, while Microtopping® Ideal Work® in the same colour was used for the foor. This coatng that can be used to create seamless surfaces that are just 3 mm thick.
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Les panneaux tridimensionnels insonorisants
Isolspace SKIN permetent de combiner les couleurs et les géométries, donnant vie à des compositons personnalisées. La ligne ofre diverses possibilités d’applicaton. Wall est pensée pour une installaton au mur, tandis que les panneaux Bafe sont suspendus perpendiculairement au plafond et Ceiling parallèlement à celui-ci. La nouveauté de cete année est Isolspace SKIN Up, le panneau insonorisant pour faux plafonds qui permet de créer des compositons colorées, avec un confort acoustque élevé. Les panneaux Isolspace SKIN sont fabriqués en FIBTEC, une fbre de polyester spéciale non toxique et hypoallergénique, obtenue à partr de PET recyclé par un processus de surcyclage. Dans sa version “totally green”, Isolspace SKIN est recouvert de tssu Trevira® 100% recyclé.
Le piastrelle quadrate fonoassorbent tridimensionali Isolspace SKIN, permetono di accostare i colori e le geometrie dando vita composizioni personalizzate. La linea propone diverse possibilità di applicazione. Per la posa in aderenza alla parete c’è Wall, mentre i pannelli Bafe vengono appesi perpendicolarmente dal softo e Ceiling parallelamente ad esso. Novità di quest’anno Isolspace SKIN Up, il quadroto fonoassorbente per controsoft che crea un decoro colorato, dall’elevato comfort acustco. I pannelli Isolspace SKIN sono realizzat in FIBTEC, una speciale fbra di poliestere atossica e anallergica, otenuta da PET riciclato tramite un processo di upcycling. Nella sua versione “totally green”, Isolspace SKIN è rivestto con tessuto riciclato al 100% Trevira®.
Isolspace SKIN three-dimensional sound-absorbing square tles allow a combinaton of colours and paterns to create customised designs. The range can be used for a variety of applicatons. For installaton on walls there is Wall, while Bafe panels can be hung perpendicularly from ceilings and the Ceiling product atached parallel to them. New this year is Isolspace SKIN Up, sound-absorbing ceiling tles available in decoratve colours with notable acoustc comfort propertes. Isolspace SKIN panels are made of FIBTEC, a special non-toxic and non-allergenic polyester fbre made from recycled PET through an upcycling process. In its ‘totally green’ version, Isolspace SKIN is covered with 100% recycled Trevira® fabric.
Structurellement polyvalent et léger, CIMENTO® est un produit innovant pour l’architecture et l’ameublement, entèrement fabriqué en Italie, qui utlise plus de 90 % d’agrégats minéraux mélangés à un liant ciment. Grâce à ses caractéristques et à la large gamme de couleurs et de fnitons disponibles, CIMENTO® trouve de nombreuses applicatons pour les revêtements intérieurs, les sols, les façades extérieures, l’ameublement et les objets de design. En 2024, la directon créatve de l’entreprise est confée à Patricia Urquiola qui a conçu la nouvelle collecton de meubles présentée au Salone del Mobile Milano 2024.
Structurally versatle and light, CIMENTO® is an innovatve product for architecture and interior design made entrely in Italy using over 90% mineral aggregates mixed with a cement binder. Thanks to its propertes and the wide range of colours and fnishes available, CIMENTO® has innumerable applicatons for interior cladding, fooring, external facades, furniture and design objects. In 2024 the company’s creatve directon was placed in the hands of Patricia Urquiola, who designed the new furniture collecton showcased at the 2024 Milan Furniture Show.
verde1999.com
Struturalmente versatle e leggero, CIMENTO® è un prodoto innovatvo per l’architetura e l’arredamento, completamente made in Italy, che impiega per oltre il 90% aggregat minerali mescolat ad un legante cementzio. Grazie alle sue carateristche e all’ampia gamma di colori e fniture disponibili, CIMENTO® trova innumerevoli applicazioni per rivestment interni, paviment, facciate esterne, ogget di arredo e design. Nel 2024 la direzione creatva dell’azienda viene afdata a Patricia Urquiola che ha disegnato la nuova collezione di arredi presentata al Salone del Mobile 2024.
Éclectque et rafnée, Cosmpolitan est la nouvelle collecton de Verde 1999, une marque du Gruppo Romani, qui rappelle la pierre agglomérée, interprétée de manière contemporaine. Le grès cérame émaillé recrée la surface d’une roche naturelle composée de galets de diférentes tailles, enrichie d’intrusions et de veines rafnées de diférents matériaux. Le résultat est un carrelage à la texture variée et au goût vintage, qui rappelle les sols de palais historiques exclusifs actualisés dans une version cosmopolite et métropolitaine. Cosmopolitan se décline en trois teintes chaudes – Crema, Taupe et Tortora – et autant de nuances froides – Ghiaccio, Grigio et Nero et se compose d’un large choix de formats, dont un élégant hexagone XXL (Grand Hex) avec des pièces en forme d’étoile, ainsi qu’une sélecton de mosaïques à coupe droite pour créer des compositons personnalisées et soignées.
Ecletca e rafnata, Cosmpolitan è la nuova collezione di Verde 1999, brand del Gruppo Romani, che richiama la pietra agglomerata, interpretata in modo contemporaneo. Il gres porcellanato smaltato ricrea la superfcie di una roccia naturale composta da ciotoli di varie dimensioni, arricchita da intrusioni e rafnate venature di materiale diverso. Il risultato è una piastrella dalla texture variegata dal sapore vintage, che richiama i paviment di esclusivi palazzi storici atualizzata in una versione cosmopolita e metropolitana. Cosmopolitan è proposta in tre tonalità calde – Crema, Taupe e Tortora – e altretante nuance fredde – Ghiaccio, Grigio e Nero ed è composta da un’ampia scelta di format, tra cui un elegante esagono XXL (Grand Hex) con tozzet a stella, e pezzi speciali, oltre a una selezione di mosaici a taglio dirito e idrogeto, per realizzare pose personalizzate e rifnire con cura ambient residenziali e pubblici.
Eclectc and elegant, Cosmpolitan is a new collecton by Verde 1999, a Romani Group brand that evokes agglomerated stone given a contemporary twist. The glazed porcelain stoneware recreates the surface of natural rock made of pebbles of various sizes, enriched with intrusions and refned veins made of diferent materials. The resultng tles have a variegated texture with a vintage favour, reminiscent of the foors of exclusive historical buildings updated along cosmopolitan and metropolitan lines. Cosmopolitan is available in three warm shades – Crema, Taupe and Tortora – and three cooler shades –Ghiaccio, Grigio and Nero – and comes in a wide range of formats, including an elegant XXL hexagon (Grand Hex) with star-shaped tozzetos and special designs , as well as a selecton of straight-cut and water-jet mosaics designed to create customised laying for customising residental/public setngs.
Inaugurato nell’aprile 2024, il nuovo centro vinicolo Maison Krug ad Ambonnay, nel cuore della Champagne, completa e mete in prospetva il progeto “Krug Maison de Famille” realizzato nel 2017 sempre da AW² a Reims. Joseph 2.0 si propone di riorganizzare e concentrare l’atvità enologica all’interno di una strutura moderna e funzionale; gradevole per chi vi lavora e permetendo ai visitatori di essere accolt nelle migliori condizioni. La sua posizione e il suo orientamento rifetono il legame che il progeto si prefgge di materializzare tra i vignet e la cità. L’insieme si caraterizza per due coperture dalle forme curvilinee, che identfcano le due grandi cantne metendo in evidenza la tecnica di vinifcazione specifca della Maison Krug: la vinifcazione in bot. La corte centrale è proteta da copertura in membrana tessile che collega i due edifci delle cantne, generando uno spazio di lavoro aperto su Place Barancourt e verso il villaggio. La copertura delle due grandi navate è costtuita da una strutura in legno lamellare incollato ricoperta da un rivestmento in alluminio lavorato tnta rame. Due grandi “K” metalliche in tonalità Corten identfcano i front delle cantne lato villaggio. La scelta dei colori riprende la gamma cromatca del paesaggio circostante. I toni del rame richiamano le tegole del tet, mentre gli infssi marrone scuro riecheggiano il contesto paesaggistco. Il progeto ha otenuto la certfcazione HQE Eccellente, che evidenzia le buone pratche e la qualità sostenibile del progeto.
Client: KRUG / MHCS
Project: AW2 (www.aw2.com)
Photo: Romain Berthiot
Joseph 2.0, Ambonnay, France
AW² Reda Amalou and Stéphanie Ledoux
Livré en avril 2024, le nouveau centre de vinifcaton de la Maison Krug à Ambonnay complète et met en perspectve le projet “Krug Maison de Famille” inauguré en 2017 par AW² à Reims. Joseph 2.0 a pour ambiton de réorganiser et de concentrer l’actvité œnologique au sein d’un bâtment moderne, fonctonnel ; agréable pour ceux qui y travaillent et permetant d’accueillir les visiteurs dans les meilleures conditons. Son implantaton et son orientaton refètent le lien que le projet souhaite matérialiser entre les vignes et la ville. Ainsi, il met en évidence deux toitures aux formes courbes, symboles des deux grands celliers du projet, soulignant ainsi la technique de vinifcaton spécifque à la Maison Krug : la vinifcaton en fûts. En protecton de la cour, un auvent en toile tendue vient relier les celliers, générant un espace de travail côté village avec la cour de travail ouverte sur la place Barancourt. La toiture des deux grandes nefs est composée d’une structure bois lamellé collé revêtue d’un bac en aluminium texturé, ton cuivre. Deux larges motfs “K patern” métalliques en ton Corten viennent habiller les pignons des celliers côté village. Cete palete de couleurs répond à la gamme chromatque du paysage environnant. Les tons cuivrés répondent aux tuiles de toitures, tandis que les menuiseries marron foncé entrent en écho avec le contexte paysager. Le projet a obtenu une certfcaton Haute Qualité Environnementale (HQE) “Excellent”, qui valorise les bonnes pratques et la qualité durable de la réalisaton.
Afer ofcially opening in April 2024, the new Maison Krug wine centre in Ambonnay completes and sets into perspectve the “Krug Maison de Famille” project also carried out by AW² in Reims in 2017. Joseph 2.0 sets out to rearrange and concentrate wine-making operatons in a modern and functonal structure; pleasant for those who work there and extremely warm and welcoming to visitors. Its locaton and positoning refect the link that the project aims to create between the vineyards and city. The overall constructon has two curve-shaped roofs over the two large cellars, highlightng the winemaking method specifc to Maison Krug: vinifcaton in barrels. The central courtyard is sheltered by a textle membrane roof that connects the two cellar buildings to create a workspace opening onto Place Barancourt and the local village. The roof over the two large aisles is made of a glued laminated tmber structure covered with copper-tnted machined aluminium cladding. Two large metal “K”s in Corten shades identfy the fronts of the cellars over on the village side. The choice of colours echoes the palete of colours of the surrounding landscape. The copper tones evoke the roof tles, while the dark brown window frames refer to the surrounding landscape. The project has been awarded “Excellent” High Environmental Quality (HQE) certfcaton confrming the project’s good practces and sustainable quality.
COmpilation
sable-vert.com
Les bétons végétaux sont des matériaux biosourcés confectonnés à partr de granulats issus de la biomasse et de liants (ciments, chaux, argile, etc.). Ces matériaux sont caractérisés par de nombreux atouts techniques (performances thermiques et hygrothermiques, acoustques et mécaniques), environnementaux (stockage carbone, “renouvelabilité”, énergie grise) et socio-économiques (synergies locales, développements des territoires, créaton d’emplois). La Guilde Sable Vert, associaton française consttuée de professionnels et d’experts de la constructon, et ses partenaires, a révélé les résultats du programme NG2B – Normalisaton des granulats pour bétons biosourcés. Cete prénorme fournit aux professionnels une base fondamentale afn d’établir des corrélatons entre les caractéristques et les performances des bétons biosourcés.
I calcestruzzi vegetali sono materiali di origine biologica costtuit da aggregat di biomassa e legant (cemento, calce, argilla, ecc.). Quest materiali sono caraterizzat da numerosi vantaggi tecnici (prestazioni termiche e igrotermiche, acustche e meccaniche), ambientali (stoccaggio del carbonio, “rinnovabilità”, energia pulita) e socio-economici (sinergie locali, sviluppo territoriale, creazione di post di lavoro). La Guilde Sable Vert, un’associazione francese composta da professionist ed espert dell’edilizia, e i suoi partner, ha rivelato i risultat del programma NG2B – Standardizzazione degli aggregat per calcestruzzo di origine biologica. Questo strumento fornisce ai professionist una base fondamentale per stabilire correlazioni tra le carateristche e le prestazioni dei calcestruzzi di origine biologica.
Spécialisé dans les surfaces en aggloméré de marbre et de quartz, Quarella est un fabricant de dalles, blocs et carreaux pour intérieurs à résistance et durabilité élevées. Ces matériaux à haute teneur éco-durable, naissent des déchets des carrières qui sont transformés en granulés de diférentes tailles et formes liés entre eux grâce à une présence minimale de résine pour être ennoblis et adaptés aux projets architecturaux contemporains. L’installaton présentée par Quarella en collaboraton avec Kengo Kuma dans le cadre de l’expositon “Interni Cross Vision” à la Milan Design Week a permis de valoriser la résistance et les qualités de compositon de l’agglomérat de marbre et de quartz dans une œuvre à forte valeur architecturale.
Vegetable-based concretes are materials of biological origin consistng of biomass aggregates and binders (cement, lime, clay, etc.). These materials ofer numerous technical (thermal and hygrothermal, acoustc and mechanical performance), environmental (carbon storage, “renewability”, clean energy) and socio-economic (local synergies, territorial growth, job creaton) benefts. Guilde Sable Vert, a French associaton of building professionals and experts, and its partners unveiled the results of the NG2B programme – Standardisaton of aggregates for concrete of biological. This tool provides professionals with a fundamental means of establishing correlatons between the propertes and performance of concretes of biological origin.
Specializzata in superfci in agglomerato di marmo e quarzo, Quarella è produtrice di lastre, blocchi e marmete per interior dall’elevata resistenza e durevolezza. Materiali ad alto contenuto eco-sostenibile, nascono dal materiale di risulta delle cave che viene trasformato in granulat diverse pezzature e forme legat tra loro grazie a una minima presenza di resina per essere nobilitato e recuperato a nuova vita. L’installazione presentata da Quarella in collaborazione con Kengo Kuma nell’ambito della mostra “Interni Cross Vision” alla Milano Design Week ha permesso di valorizzare le qualità di resistenza e compositve dell’agglomerato di marmo e di quarzo in un’opera dalla forte valenza architetonica.
materica.eu
Superfci Venice Collecton by Materica, entreprise italienne spécialisée dans la métallisaton au fl pour diverses surfaces, a présenté sa première collecton de boiserie à la Milan Design Week 2024. La métallisaton, obtenue grâce à la fusion et à la micronisaton à grande vitesse de métaux purs –du laiton au bronze, du cuivre au maillechort, de l’aluminium au zinc –est combinée avec des opératons d’oxydaton, de laser, de résinage et de pigmentatons naturelles donnant des efets esthétques inatendus.
quarella.com
Specialising in agglomerated marble and quartz surfaces, Quarella manufactures slabs, blocks and marble tles for interiors that are extremely strong and hard-wearing. These materials with a high eco-sustainable content are created from quarry waste material that is transformed into granules of various shapes and sizes bound together by a small amount of resin ready to be ennobled and injected with fresh life. The installaton presented by Quarella in partnership with Kengo Kuma as part of the “Interni Cross Vision” exhibiton at Milan Design Week showcased the strength and compositonal propertes of this marble and quartz agglomerate in a highly architectural design.
Superfci Venice Collecton by Materica, azienda specializzata nella metallizzazione a flo delle superfci, ha presentato alla Milano Design Week 2024 la sua prima collezione di boiserie. La metallizzazione, realizzata atraverso la fusione e micronizzazione ad alta velocità di metalli puri – dall’otone al bronzo, dal rame all’alpacca, dall’alluminio allo zinco – si unisce di volta in volta a intervent di ossidazione, laseratura, resinatura e pigmentazioni naturali con efet estetci inaspetat.
Superfci Venice Collecton by Materica, a company specialising in the wire metallisaton of surfaces, presented its frst boiserie collecton during Milan Design Week 2024. Metallisaton through the high-speed castng and micronisaton of pure metals – from brass, bronze and copper to nickel silver, aluminium and zinc – is combined with oxidaton, laser-etching, resin-coatng and natural pigmentatons to create surprising visual efects.
ALPI DESIGN AWARDS è il premio internazionale dell’Associazione ALPI+MILANO APS in partnership con l’Arca International, che vogliono assegnare un importante riconoscimento ai designer, professionisti e aziende che realizzano progetti e prodotti per la sostenibilità della Montagna.
ALPI DESIGN AWARDS est le prix international de l’association ALPI+MILANO APS qui, en partenariat avec l’Arca International, souhaite décerner une reconnaissance importante aux concepteurs, aux professionnels et aux entreprises qui réalisent des projets et des produits durables pour la montagne.
ALPI DESIGN AWARDS is the international award of the ALPI+MILANO APS Association in partnership with l’Arca International, who want to assign an important recognition to designers, professionals and companies that create projects and products for the sustainability of the mountains.
Con il patrocinio di:
STEFANIE WALDEK
150 giardini da vedere almeno una volta nella vita 24 ORE Cultura, Milano 2024, 256 pp
Le livre présente une sélection des 150 jardins les plus spectaculaires du monde, comprenant d’immenses jardins botaniques avec des milliers de spécimens, de petits espaces verts pour méditer en silence, des musées réunissant des cultures différentes et des œuvres d’art, des projets originaux et des vues saisissantes. Du Sacro Bosco en Italie aux Kew Gardens à Londres, du jardin botanique de Singapour au jardin de Monet à Giverny en passant par le jardin zen du temple bouddhiste Ryoan-JI à Kyoto, ce livre invite le lecteur à une promenade autour du monde à la découverte de ces coins de nature fascinants.
Il libro presenta una raccolta dei 150 giardini più spettacolari del mondo, tra immensi orti botanici con migliaia di esemplari, piccoli spazi verdi per meditare nel silenzio, musei che uniscono culture diverse e opere d’arte, progetti fantasiosi e scorci suggestivi. Dal Sacro Bosco in Italia ai Kew Gardens di Londra, dal Botanic Garden di Singapore al giardino di Monet a Giverny fno al giardino zen del Tempio Ryoan-JI di Kyoto, il volume trasporta il lettore in una passeggiata intorno al mondo alla scoperta di questi affascinanti angoli naturali.
MARIO BOTTA
Introduction Fulvio Irace
The book presents a collection of the world’s 150 most spectacular gardens, including immense botanical gardens with thousands of plants and fowers, small green spaces for meditating in silence, museums that bring together different cultures and works of art, imaginative designs and striking views. From Sacro Bosco in Italy to Kew Gardens in London, from the Botanic Garden in Singapore to Monet’s garden in Giverny and the Zen garden of Ryoan-JI Temple in Kyoto, the book takes the reader on a world tour to discover all these fascinating nature spots.
Il Cielo in Terra. Un secolo di chiese e cappelle nell’architettura moderna e contemporanea Libri Scheiwiller, Milano 2023, 80 colour photos, 176 pp
Un tour d’horizon des édifces sacrés des différentes confessions chrétiennes des années 1920 à nos jours, qui examine leur évolution avec l’originalité et la fnesse d’analyse de l’architecte tessinois. Comme l’indique Mario Botta lui-même, ce livre se penche “sur la tentative des églises et des chapelles d’apporter un ‘fragment de ciel sur terre’ et interprète la nécessité d’avoir, même à notre époque, des témoignages ‘au-delà du fni’”, pour lesquels l’architecture se propose comme un outil approprié, dans le prolongement d’une histoire millénaire.
Rassegna degli edifci sacri delle diverse confessioni cristiane dagli anni ’20 del ‘900 ai giorni nostri, che ne indaga l’evoluzione con l’originalità e l’acutezza di analisi del maestro ticinese. Come dichiara lo stesso Mario Botta, il volume si sofferma “sul tentativo di chiese e cappelle di portare un ‘frammento di cielo in terra’ e interpreta la necessità di avere, anche in questi tempi, delle testimonianze ‘oltre il fnito’”, per le quali l’architettura si propone come uno strumento appropriato, nel solco di una storia millenaria.
A review of religious of various Christian denominations from the 1920s to the present day, which looks at how they have evolved thanks to this Ticino-born master’s originality and meticulous precision. As Mario Botta himself has said, the book focuses “on the way churches and chapels attempt to bring a ‘fragment of heaven down to earth’ and, even nowadays, meet the need for something ‘beyond the fnite’”, interpreted through architecture over its millennial history.
Entièrement illustré, ce livre raconte l’histoire de la transformation en cours d’Oulan-Bator et examine les défs posés par l’architecture dans ce contexte en rapide évolution. Travaillant depuis huit ans sur des projets de design, des ateliers et des recherches spatiales, l’architecte Joshua Bolchover met en lumière les caractéristiques des “Ger districts”, et l’urgence d’améliorer leur situation actuelle. L’histoire racontée dans ce livre ne concerne pas seulement la Mongolie. Au XXIe siècle, les impératifs de la crise climatique et des pandémies mondiales montrent que les questions de savoir pourquoi et comment nous vivons ensemble sont tout aussi cruciales et urgentes pour la condition urbaine contemporaine qu’elles le sont pour la Mongolie. Ce livre défend l’idée que l’architecture est un acte social et affrme que le rôle de l’architecte dans le processus d’urbanisation est vital.
This extremely well illustrated book tells the story of Ulaanbaatar’s ongoing transformation and explores the challenges of design and building architecture in this fast-changing setting. Working for the last eight years on design projects, workshops and spatial experimentation, the architect Joshua Bolchover focuses on the Ger districts’ distinctive features and traits and the urgent need to improve the predicament they are in at the present.
JOSHUA BOLCHOVER
Becoming Urban: The Mongolian City of Nomads Applied Research+Design Publishing, San Francisco 2024, 192 pp
Il libro, ricco di immagini, racconta la storia della trasformazione in corso a Ulan Bator ed esplora le sfde legate alla realizzazione di architetture in questo contesto in rapida evoluzione. Lavorando negli ultimi otto anni a progetti di design, workshop e ricerche spaziali, l’architetto Joshua Bolchover porta alla luce le caratteristiche dei distretti di Ger e l’urgenza di migliorare la loro situazione attuale. La storia raccontata in questo libro non riguarda solo la Mongolia. Nel XXI secolo, l’urgenza della crisi climatica e delle pandemie virali globali fa sì che le domande sul perché e come viviamo insieme siano altrettanto crude e urgenti per la condizione urbana contemporanea quanto lo sono per la Mongolia. Questo libro sostiene che l’architettura è un atto sociale e afferma il contributo vitale dell’architetto al processo di divenire urbano.
The story told in this book is not just about Mongolia. Such urgent 21st-century issues as climate change and global pandemics mean that questions of why and how we live together are just as crucial and urgent to contemporary urban life everywhere as they are in Mongolia. This book advocates making architecture a social practice and affrms the architect’s vital contribution to the process of ‘becoming urban’.
I Protagonisti est la collection de monographies d’architecture que l’ARCA INTERNATIONAL consacre à la recherche conceptuelle et à la créativité des architectes qui expriment actuellement leur talent professionnel et créatif se démarquant sur la scène internationale.
I Protagonisti est la collection de monographies d’architecture que l’ARCA INTERNATIONAL consacre à la recherche conceptuelle et à la créativité des architectes qui expriment actuellement leur talent professionnel et créatif se démarquant sur la scène internationale.
Chaque volume, grand format, d’une qualité graphique soignée et de 200 pages, comprend un commentaire critique, une interview de l’auteur et une sélection raisonnée de ses œuvres les plus signifcatives avec images et dessins.
Chaque volume, grand format, d’une qualité graphique soignée et de 200 pages, comprend un commentaire critique, une interview de l’auteur et une sélection raisonnée de ses œuvres les plus signifcatives avec images et dessins.
Pour information : arcainternational@groupep.mc
Pour information : arcainternational@groupep.mc
I Protagonisti è la collezione di monografe di architettura che l’ARCA INTERNATIONAL dedica alle ricerche concettuali e alla creatività degli architetti che attualmente esprimono il loro talento professionale e creativo distinguendosi nel panorama internazionale.
I Protagonisti è la collezione di monografe di architettura che l’ARCA INTERNATIONAL dedica alle ricerche concettuali e alla creatività degli architetti che attualmente esprimono il loro talento professionale e creativo distinguendosi nel panorama internazionale.
Ogni volume, di grande formato, di accurata qualità grafca e di 200 pagine, include un commento critico, un’intervista all’autore e una selezione ragionata delle opere più signifcative con immagini e disegni.
Ogni volume, di grande formato, di accurata qualità grafca e di 200 pagine, include un commento critico, un’intervista all’autore e una selezione ragionata delle opere più signifcative con immagini e disegni.
Informazioni: arcainternational@groupep.mc
Informazioni: arcainternational@groupep.mc
I Protagonisti is the collection of architecture monographs that l’ARCA INTERNATIONAL Is dedicating to the conceptual research and creativity of architects whose professional expertise and creative talent make them stand out on the international scene.
I Protagonisti is the collection of architecture monographs that l’ARCA INTERNATIONAL is dedicating to the conceptual research and creativity of architects whose professional expertise and creative talent make them stand out on the international scene.
I Protagonisti is the collection of architecture monographs that l’ARCA INTERNATIONAL is dedicating to the conceptual research and creativity of architects whose professional expertise and creative talent make them stand out on the international scene.
I Protagonisti is the collection of architecture monographs that l’ARCA INTERNATIONAL
Is dedicating to the conceptual research and creativity of architects whose professional expertise and creative talent make them stand out on the international scene.
Each of these large-format 200-page books of notable graphic quality includes a critical commentary, an interview with the author and a carefully thought-out selection of their most signifcant works supported by pictures and drawings.
Each of these large-format 200-page books of notable graphic quality includes a critical commentary, an interview with the author and a carefully thought-out selection of their most signifcant works supported by pictures and drawings.
For further information: arcainternational@groupep.mc
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For further information: arcainternational@groupep.mc
PROTAGONISTI www.arcadata.com
ICO MIGLIORE, MARA SERVETTO Museum Seed. The Futurability of Cultural Places Electa, Milano 2024, 90 ill., 160 pp
Ce livre donne un aperçu de l’avenir du projet architectural et de l’aménagement intérieur des espaces culturels. “Il présente une nouvelle conception des lieux de culture et d’agrégation, qui tourne autour du concept que nous aimons appeler ‘Museum Seed’. Un appel à la responsabilité culturelle en termes de design : comme une graine, un lieu de culture doit pouvoir être transplanté dans le tissu urbain et social environnant pour devenir le déclencheur de nouveaux comportements”, nous expliquent les auteurs.
Il volume offre una visione sul futuro del progetto di architettura e di design degli interni per gli spazi di cultura. “In questo libro prende forma una nuova concezione dei luoghi di cultura e aggregazione, che ruota attorno al concetto che amiamo defnire ’Museum Seed’. Una chiamata alla responsabilità culturale in termini di design: un luogo di cultura, come un seme, deve essere capace di innestarsi nel tessuto urbano e sociale del territorio circostante per rendersi attivatore di nuovi comportamenti” spiegano gli autori.
Ce livre présente la tournée d’information de Mitsubishi Electric sur la régénération urbaine et les nouveaux styles de vie. L’architecture de la ville, en ce millénaire, est invitée à trouver des solutions à de nouveaux problèmes, qui se traduisent par de nouvelles déclinaisons des critères vitruviens : Solidité, Utilité, Beauté. L’industrie 4.0 impose des projets de plus en plus différents pour les nouvelles familles et les nouvelles « tribus », qui sont justement à la recherche d’une nouvelle façon de vivre dans les villes. La régénération urbaine est un sujet particulièrement pertinent dans la pratique de l’urbanisme, mais il doit être compris à tous les égards comme une politique visant à développer les villes dans un esprit écologique et global. La récupération des espaces abandonnés par les processus de production et la restitution d’une nouvelle qualité territoriale, économique et sociale aux quartiers dégradés répondent parfaitement au concept de la ville durable, en réduisant les impacts environnementaux propres à l’environnement bâti.
The book offers a vision of the future of architecture and interior design for cultural spaces. “This book helps shape a new notion of places of culture and aggregation focused on the concept we like to call ‘Museum Seed’. A call to cultural responsibility in terms of design: a place of culture, just like a seed, must be able to graft itself onto the urban and social fabric of the surrounding area to trigger new behaviour,” so the authors explain.
LEOPOLDO FREYRIE, GIANNI BIONDILLO
Vitruvio 4.0, dialoghi sulla città e sull’abitare innovativo
Mitsubish Electric, Milano 2024, photos Marialuisa Montanari “Architetture Impossibili”
Il libro che racconta il roadshow voluto da Mitsubishi Electric sulla rigenerazione urbana e i nuovi stili di vita. All’architettura della città, in questo millennio, è chiesto di trovare soluzioni a problemi nuovi, che si traducono in nuove declinazioni dei parametri vitruviani: Solidità, Utilità, Bellezza. L’industria 4.0 impone progetti sempre più differenti per famiglie e “tribù” nuove, che cercano proprio nelle città un nuovo modo di essere. La rigenerazione urbana è un tema particolarmente rilevante nella pratica urbanistica, ma deve essere intesa a tutti gli effetti come una politica per lo sviluppo delle città in ottica green, a 360 gradi. Recuperare gli spazi abbandonati dai processi produttivi e restituire nuova qualità territoriale, economica e sociale a quartieri degradati risponde perfettamente al concetto della città sostenibile, riducendo gli impatti ambientali insiti nel costruito.
This book is about a roadshow organised by Mitsubishi Electric on the subject of urban regeneration and new lifestyles. City architecture in our millennium is expected to come up with solutions to new problems, which translate into new versions of our ancient Vitruvian parameters: Solidity, Utility, Beauty. Industry 4.0 is imposing increasingly different projects designed for new families and ‘tribes’, who are, indeed, looking to our cities for a new way of life. Urban regeneration is a particularly relevant theme in urban planning, but it must be understood to all intents and purposes as a policy for the development of cities from an all-round green perspective. Recovering spaces abandoned by old manufacturing processes and restoring a new form of territorial, economic and social quality to degraded neighbourhoods responds perfectly to the concept of a sustainable city, reducing the environmental impact inherent in the built environment.
ROBERTO GARGIANI
Simple Architecture – Villa Baizeau à Carthage, Le Corbusier et Jeanneret Roberto Gargiani ed. 2004, bilingual edition (French/English), 456 pp; Associate editor: Carlo Menon, Brussels
Questo importante catalogo accompagna la mostra ʺVilla Baizeau Carthage, Le Corbusier & Jeanneret: Actualité de l’architecture simple” organizzata presso lo spazio 32Bis, a Tunisi, sotto la direzione di Roberto Gargiani. Il volume mette in luce il valore storico di questa villa, costruita nel 1930 sulla collina di Sainte-Monique a Cartagine su richiesta di Lucien Baizeau, imprenditore nel settore edilizio stabilitosi in Tunisia dagli inizi del 1900. Il libro si articola attorno a due assi di rifessione, il primo dedicato alla storia di Villa Baizeau, solo progetto di Le Corbusier nel continente africano, con l’obiettivo di raccogliere anche le conoscenze necessarie al suo restauro come fondamentale architettura del Novecento; il secondo è aperto ad alcuni dei più grandi protagonisti dell’architettura odierna e rientra nella strategia culturale di Le Corbusier.
This important catalogue accompanies the exhibition entitled “Villa Baizeau Carthage, Le Corbusier & Jeanneret: Actualité de l’architecture simple” being held at the 32Bis space in Tunis under the direction of Roberto Gargiani. The book highlights the historical value of this house built in 1930 on Sainte-Monique hill in Carthage after being commissioned by Lucien Baizeau, an entrepreneur in the building industry who
Cet important catalogue accompagne l’exposition ʺVilla Baizeau Carthage, Le Corbusier & Jeanneret : Actualité de l’architecture simple” organisée à l’espace 32Bis, à Tunis, sous la direction de Roberto Gargiani. Il met en lumière la valeur historique de cette villa, construite en 1930 sur la colline Sainte-Monique à Carthage, à la demande de Lucien Baizeau, un entrepreneur de travaux publics établi en Tunisie depuis le début des années 1900. L’ouvrage s’articule autour de deux axes de réfexion, le premier est consacré à l’histoire de la Villa Baizeau, seul projet architectural de Le Corbusier sur le continent africain, dans le but également de rassembler les connaissances nécessaires à sa restauration en tant qu’architecture fondamentale du vingtième siècle ; le second est ouvert à certains des plus grands protagonistes de l’architecture d’aujourd’hui et s’inscrit dans la stratégie culturelle de Le Corbusier.
settled in Tunisia back in the early 1900s. The book is structured around two lines of thought, the frst focused on the history of Villa Baizeau, Le Corbusier’s only project in Africa, also aimed at gathering the know-how and information required for its renovation as a key work of 20th century architecture; the second is directed at some of the greatest exponents of modern-day architecture and was part of Le Corbusier’s cultural strategy.
N° de commission paritaire : n. 0226 T 87573
Dépôt légal : à parution
N° ISSN : 1027-460X
N° TVA Intracommunautaire : FR 66000037266
Imprimé en Italie - Printed in Italy
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INDEX
Cover
MAD Architects, Nanhai Art Center, Foshan City, Guangdong, China
EDITORIALE/EDITORIAL/EDITOR’S TEXT
La bellezza
La beauté
Beauty
Cesare M. Casati
MONITOR
Michele Bazan Giordano
Maurizio Morgantini, Claudia Donà
Blue Theater #6
Project by DIOTIMA Society & TTI
FUTURE
- MIROKA & MIROKI ROBOTS
Enchanted Tools
- HEX PROGRAM
Sikorsky
- LIFE™ INFLATABLE SPACE STATION
Sierra Space
- HYDROGEN OUTBOARD
Yamaha Motor Corporation
COMPETITIONS
HOUSE IN NISHIZAKI
Okinawa, Japan
Studio Cochi Architects
La revue internationale d’architecture, design et communication visuelle
La rivista internazionale di architettura, design e comunicazione visiva
The international magazine of architecture, design and visual communication
Juillet-Août/Luglio-Agosto/July-August
LEAP HOME – FRAME
Chamois (AO), Italy
Leap Factory
179 2024
UNIVERSIDAD DE PSICOLOGÍA Y LOGOPEDIA
Malaga, Spain
Llps arquitectos
MOSHE KATZ ISRAELIAN ARCHITECT
- DANCING SPACE
Santo Domingo, Dominican Republic
- ETERNAL BLOOM ECO-CITY
Varna, Bulgaria
- SANDSTONE RESIDENCES SOFTADES BEACH
Larnaca, Cyprus
NANHAI ART CENTER
Foshan City, Guangdong, China
MAD Architects
ALPI DESIGN AWARDS 2025
Maurizio Vitta
Jacqueline Ceresoli 60. BIENNALE ARTE VENEZIA FOREIGNERS EVERYWHERE 02 04 42
via privata Martiri Triestini, 6 20148 Milano tel. +39 344 28 38 786 redazione@groupep.mc
Rédaction de Monaco
Redazione di Monaco
Editorial staff in Monaco
Elena Cardani
31, av. Princesse Grace MC 98000 Monaco tél. +377 92 16 51 54 redaction@groupep.mc
SHORT
- AYA BUILDING
Cidade Matarazzo, São Paulo, Brazil
Rudy Ricciotti
Luigi Prestinenza Puglisi, Giulia Mura
TOPOI Temi chiave e protagonisti del prossimo
futuro: Diele Kerciku Architecture
Questions clés et protagonistes du proche avenir
Key issues and players in the near future
DESIGN
- HEAVY METAL
Gianluca Milesi, Michiko Yamada, Jasmine Parodi, Kaiserin Alen Panganiban Alessandro Recchioni in collaboration with Offcina Stefano
Nava
- GRUUVE AND ONE PAGE
Patricia Urquiola and Ron Arad for Moroso
- GIO PONTI 2024 VENINI
- TOPOS CHAIR AND SUNLOUNGER
Zaha Hadid Architects for Isimar
- MICELIO AND MINIMAL M6
Atelier Oï and Nespoli e Novara for Neutra
AGENDA
Comptabilité et logistique événements
Amministrazione e logistica eventi
Administration and logistics events mdo@groupep.mc
Correspondant au Japon / Corrispondente in Giappone / Correspondent in Japan
Toshyuki Kita
Correspondant IFI / Corrispondente IFI
Correspondent IFI
Sebastiano Raneri sabastiano.raneri@gmail.com
Communication / Comunicazione
Communication Alda Mercante comunicazione@groupep.mc
Mise en page / Impaginazione / Page layout
Giorgio E. Giurdanella
Traductions / Traduzioni / Translations Isabelle-Béatrice Marcherat, Martyn J. Anderson
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La bellezza Beauty La beauté
In questi tempi di guerre sparse e di confitti sempre più acidi tra nazioni per mantenere predomini sempre più materiali e sempre meno ideologici e cuturali, parlare di architettura, arte e bellezza diventa molto problematico. Viviamo una situazione internazionale assurda perché mentre vogliamo dimenticare che le mutazioni climatiche ed energetiche del pianeta, se non mutiamo presto atteggiamento, diventeranno irreversibili.
Forse è il momento adatto per riconsiderare la possibilità che, ancora una volta, la buona architettura ha di ripensare la sua utilità in una ricostruzione intelligente, non ideale ma effciente nel creare nuovi ambienti urbani ricchi di stimoli anche culturali che facilitino la possibilità di vivere assieme in pace e tranquillità. Nuovi nuclei abitativi dove i trasporti siano risolti in modo pubblico e ciascuno abbia la possibilità di lavoro e di svago.
Bisognerà forse iniziare a considerare nella giusta misura l’apparenza e l’originalità dei progetti adeguandosi ai nuovi valori di bellezza.
La bellezza, in particolare, ha subito enormi mutamenti nel corso del tempo, passando da periodi in cui era qualcosa di certo a periodi più recenti in cui il bello è diventato relativo.
Oggi, nel XXI secolo, i canoni di bellezza sono più diversifcati che mai. Grazie alla globalizzazione e alla diffusione dei media digitali, l’idea di bellezza è diventata sempre più inclusiva e diversifcata, celebrando la diversità di forme, colori e culture. Il mondo è alle prese con questo concetto di limite e di diversità e si sta interrogando sulla possibilità di abbattere tanti convincimenti legati a una visione più tradizionale del mondo. In conclusione, la bellezza nell’architettura e negli oggetti oggi è un concetto fuido e in continua evoluzione, infuenzato da molteplici fattori, tra cui il contesto ambientale e culturale, le tecnologie disponibili e le esigenze degli utenti.
En ces temps de guerres éparses et de confits de plus en plus âpres entre les nations désireuses de préserver un leadership toujours plus matériel et de moins en moins idéologique et culturel, parler d’architecture, d’art et de beauté devient très problématique. Nous vivons une conjoncture internationale absurde car nous voulons oublier que les changements climatiques et énergétiques de la planète deviendront irréversibles si nous ne changeons pas rapidement nos comportements.
C’est peut-être le bon moment pour reconsidérer la possibilité que la bonne architecture repense, une fois de plus, à son utilité dans une reconstruction intelligente, non pas idéale mais effcace, en créant de nouveaux environnements urbains riches de stimuli, y compris culturels, qui permettent de vivre ensemble dans la paix et la tranquillité. De nouveaux lotissements où le problème des transports est résolu de manière publique et où tout le monde a la possibilité de travailler et de se distraire.
Nous devrons peut-être commencer à prendre en compte l’apparence et l’originalité des projets en nous adaptant aux nouvelles valeurs de la beauté.
La beauté, en particulier, a connu d’énormes changements au fl du temps, passant de périodes où elle était quelque chose de sûr à des périodes plus récentes où le beau est devenu relatif.
Aujourd’hui, au XXIe siècle, les canons de beauté sont plus diversifés que jamais. En raison de la mondialisation et de la diffusion des moyens numériques, la notion de beauté devient toujours plus inclusive et variée, en valorisant la diversité des formes, des couleurs et des cultures. Le monde est aux prises avec ce concept de limite et de diversité et s’interroge sur la possibilité de faire tomber un grand nombre de convictions liées à une vision plus traditionnelle du monde. En conclusion, la beauté dans l’architecture et les objets est aujourd’hui un concept fuide et dans les constante évolution, infuencé par une multitude de facteurs, tels que le contexte environnemental et culturel, les technologies disponibles et les besoins des gens.
At a time of wars across the globe and increasingly sour conficts between nations to hold onto increasingly material rather than ideological/cultural dominance, talking about architecture, art and beauty becomes very problematic. We live in an absurd international situation in which we are trying to ignore the climate and energy changes afficting the planet, but unless we change our attitude soon, it will be too late to take counter action.
Perhaps this is the right time to reconsider the possibility that, once again, good architecture has to reconsider its usefulness through intelligent reconstruction work that may not be ideal but will at least be effective in creating new and culturally stimulating urban environments that facilitate the possibility of living together in peace and tranquillity. New living hubs based around public transport provide work and leisure opportunities for everyone.
We may have to start paying due heed to the appearance and originality of design projects, adapting to the latest values and canons of beauty.
Beauty, in particular, has undergone enormous changes over time, going from periods when it was something certain to more recent times when beauty has become relative.
Now, in the 21st century, the canons of beauty are more diverse than ever. Thanks to globalisation and the spread of digital media, the idea of beauty has become increasingly inclusive and diverse, celebrating a diversity of shapes, colours and cultures. The world is grappling with this concept of limits and diversity and is questioning the possibility of breaking down many beliefs linked to a more traditional view of the world. In conclusion, beauty in architecture and artefacts is now a fuid and evolving concept, infuenced by multiple factors, including the environmental and cultural setting, technologies available and the needs of users.
EDITORIALE / EDITORIAL / EDITOR’S TEXT
Cesare Maria Casati
PRIX CARLO SCARPA À LA SAUCE MEXICAINE
Le comité scientifque de la Fondation Benetton Studi
Ricerche a décidé à l’unanimité de dédier la trente-troisième édition du Prix international Carlo Scarpa pour le Jardin à l’Espacio Escultórico de Pedregal de San Ángel, à Mexico, “un lieu constitué d’une grande œuvre d’art collective qui émerge de la surface de lave sur laquelle, au siècle dernier, vers la fn des années 1940, sont nés et se sont développés de nouveaux quartiers et, surtout, toute une cité universitaire”. Nous en sommes donc à la 33e édition de ce prix qui porte le nom du grand architecte vénitien, décédé en 1978 au Japon. “Le prix veut être l’expression d’une proximité et d’une reconnaissance pour toutes les personnalités qui, à travers leur travail, ont témoigné et continuent de témoigner de la nécessité de développer une relation consciente” avec leur territoire.
PREMIO SCARPA IN SALSA MESSICANA
Il Comitato scientifco della Fondazione Benetton Studi Ricerche ha deciso, all’unanimità, di dedicare la trentatreesima edizione del Premio Internazionale Carlo Scarpa per il Giardino all’Espacio Escultórico nel Pedregal de San Ángel, a Città del Messico “un luogo costituito da una grande opera d’arte collettiva che emerge dalla stessa superfcie lavica sulla quale, nel secolo scorso, a partire dalla fne degli anni Quaranta, nascono e si sviluppano nuovi quartieri e soprattutto un’intera città universitaria”. E siamo così alla trentatreesima edizione di questo riconoscimento intitolato al grande architetto veneziano scomparso nel 1978 in Giappone. “Il Premio vuole essere espressione di vicinanza e riconoscimento per tutte quelle fgure che hanno testimoniato e testimoniano, con il proprio lavoro, la necessità di sviluppare una relazione consapevole” con la propria terra.
UN BARRAGE TITANESQUE
En supposant que les déboires judiciaires de la Ligurie ne le balayeront pas d’une vague scélérate, et bien que controversé le nouveau barrage anti-tempête de Gênes sera le plus profond d’Europe et l’ouvrage qui, selon la société internationale Webuild qui a remporté le concours, augmentera considérablement la compétitivité et le rôle du port de Gênes. Ce barrage (dont les travaux ont déjà commencé) est objectivement un ouvrage de grande envergure qui repose sur le fond marin à une profondeur record de 50 mètres, pour une longueur totale de 6,2 kilomètres. Sept millions de tonnes de pierre sont nécessaires pour construire le soubassement “sur lequel seront posés des éléments préfabriqués en béton armé composés de près d’une centaine de caissons cellulaires” de 33 mètres de haut, 35 mètres de large et 67 mètres de long. La première étape des travaux devrait être achevée en 2026 (300 mètres de large à l’entrée est), tandis que 2030 devrait voir l’achèvement de l’élargissement du canal ouest (à la Sampierdarena) de 400 mètres de large. Le tout sera consolidé par “70 000 colonnes de gravier offshore de 7 à 12 mètres de long pour garantir la stabilité de la base sur laquelle reposera la barrière”. Ces colonnes seront réalisées en adoptant la Wet Top Feed – Blanket Method, une technique complexe qui fonctionne à l’aide d’une sonde vibrante. Piero Silva, professeur d’université en Planifcation portuaire qui a démissionné de l’équipe du projet, s’est toutefois dit convaincu, outre les différentes critiques de nature technique, que le barrage “ne coûtera pas un, mais 2,5 milliards d’euros et qu’il ne sera pas achevé en 2026, mais en 2035, soit une durée de construction de 12 à 15 ans.”.
UNA DIGA TITANICA
Sempre che i problemi giudiziari liguri non la travolgano con un’onda anomala, la nuova (pur contestata) diga foranea di Genova sarà la più profonda d’Europa e l’opera che, secondo l’impresa vincitrice del concorso, la internazionale Webuild, incrementerà notevolmente la competitività e il ruolo del porto di Genova. Opera obiettivamente di grande impatto ingegneristico, la diga (i lavori sono già cominciati) poggia su fondali fno a una profondità record di 50 metri e raggiungerà una lunghezza complessiva di 6,2 km. Per realizzare il basamento occorrono 7 milioni di tonnellate di materiale roccioso “sul quale verranno
posizionati elementi prefabbricati in cemento armato composti da quasi 100 cassoni cellulari” alti fno a 33 metri, larghi 35 e lunghi 67. La prima fase dei lavori dovrebbe terminare nel 2026 (300 metri di larghezza l’ingresso levante) mentre il 2030 dovrebbe vedere ultimati l’ampliamento del canale a ponente (a Sampierdarena) largo 400 metri. Il tutto consolidato da “70.000 colonne di ghiaia lunghe tra i 7 e i 12 metri per garantire stabilità al basamento su cui poggerà la barriera”. Le attività di consolidamento del fondale marino prevedono la realizzazione di 70.000 colonne di ghiaia lunghe tra i 7 e i 12 metri (per sostenere il basamento realizzato con l’impiego di 7 milioni di tonnellate di materiale roccioso). Le colonne saranno realizzate con la complessa tecnica del Wet Top Feed – Blanket Method che funzione attraverso una sonda vibrante. Piero Silva, docente universitario di Pianifcazione portuale dimissionario dal pool del progetto, però, si è detto convinto, fra le varie critiche di carattere tecnico, che la diga “non costerà un miliardo ma 2,5. Non sarà ultimata nel 2026, ma nel 2035, con tempi dai 12 a 15 anni di lavori”.
SCARPA PRIZE IN MEXICAN SAUCE
The Scientifc Committee of the Fondazione Benetton Studi Ricerche has unanimously decided to dedicate the thirtythird edition of the Carlo Scarpa International Garden Prize to the Espacio Escultórico in the Pedregal de San Ángel, Mexico City, “a place that is actually a great collective work of art emerging from the same lava surface on which, starting from the late 1940s, new neighbourhoods and, above all, an entire university city have been designed and developed”. And so, this is the thirty-third edition of this award named after the great Venetian architect who died in 1978 in Japan. “The Award is intended to pay tribute to and express recognition for all those people whose work pays testimony to the ongoing need to develop a conscientious relationship” with their own land.
A GIGANTIC DAM
Provided Ligurian judicial problems do not sweep it away under a tidal wave, Genoa’s new (albeit contested) breakwater will be the deepest in Europe and a construction, which, according to the international company Webuild that won the competition, will signifcantly increase the competitiveness and role of the port of Genoa. Objectively a work of great engineering impact, the dam (work has already started) will rest on the seabed at a record depth of 50 metres and will reach a total length of 6.2 km. 7 million tonnes of rocky material will be needed to build the base ‘on which prefabricated reinforced concrete elements composed of almost 100 cellular caissons will be placed’ measuring up to 33 metres high, 35 metres wide and 67 metres long. The frst phase of the works should be completed in 2026 (300 metres wide at the east entrance) while 2030 should see the completion of the enlargement of the channel to the west (at Sampierdarena) that will be 400 metres wide. All this will be consolidated by “70,000 gravel columns between 7-12 metres long to guarantee the stability of the base on which
the barrier will stand”. The consolidation of the seabed involves the construction of 70,000 gravel columns between 7 and 12 metres long (to support the basement built using 7 million tonnes of rock material). The columns will be constructed using the complex “Wet Top Feed – Blanket Method”, which works by means of a vibrating probe. Amond the criticisms made by Piero Silva, a university lecturer in Port Planning who resigned from the project pool, is the claim that the dam “will not cost 1 billion but 2.5. It will not be completed until 2035 not 2026 and take 12 -15 years to build”.
POST-MUSK TRIUMPH
BlueArch, a frm based in Alto Adige, is now a star name. After building Elon Musk’s chalet in San Cassiano in Badia, Trentino, complete with a suspended swimming pool and ffteen bathrooms, Costanza & Montesi were showered with prizes (four) at the sixth edition of the international Golden Trezzini Awards in St Petersburg with a panel of judges of no less than 32 world archistars, the most famous of whom now in their 80s: including Norman Foster, Santiago Calatrava, Daniel Libeskind, Mario Botta and Massimiliano Fuksas. Costanza & Montesi were awarded a statuette depicting Domenico Trezzini (16701734), the Swiss architect whose statue was erected in the square of the same name in St. Petersburg, where he worked from 1703 until his death, to celebrate his magnifcent Baroque architecture.
ACES HIGH IN MADRID
Too many fats owned by one single person. That is what is happening in Madrid in the Puerta del Angel district where an investment fund bought 30 buildings right after the COVID pandemic. An operation facilitated by the expiry date of the leases. If one of the remaining tenants looked out of the window today all the buildings they would are owned by the same real-estate company, BRWE, with US, British, Oriental and (only to a small extent) Spanish partners. They called it Operation Madlyn (from the fusion of the words Madrid and Brooklyn), carried out in just nine months. The district’s 42,000 or so inhabitants located along the Manzanares River (made famous by Manzoni have all gradually been forced to leave. New rents (mostly temporary for tourists) are 40 percent higher compared to a 20 percent increase in Spanish wages. ‘We are the perfect villains,’ BRWE’s CEO ironically declared to the newspaper El Pais, later saying he was convinced that he had done something good for the neighbourhood by raising the standard of the neighbourhood to compensate for a lack of public intervention. Even the old shops have closed down to make way for chic bars. A phenomenon that threatens to become almost a “pandemic” in Spain if you bear in mind that 1507 real-estate companies now own property.
APRÈS MUSK, LE TRIOMPHE
BlueArch, une agence d’architecture au cœur du Trentin-Haut-Adige, est devenue une star après avoir réalisé le chalet d’Elon Musk à San Cassiano in Badia, dans le Trentin, avec une immense piscine suspendue en verre et quinze chambres à coucher et autant de salles de bain. Pour ce projet les architectes Alessandro Costanza et Alberto Montesi ont été comblés de prix (quatre) lors de la sixième édition des International Golden Trezzini Awards à Saint-Pétersbourg, par un jury d’experts composé de près de 32 archi-stars, dont les plus connus sont des octogénaires, comme Norman Foster, Santiago Calatrava, Daniel Libeskind, Mario Botta et Massimiliano Fuksas. Costanza et Montesi ont dans les mains une statuette représentant Domenico Trezzini (1670-1734), l’architecte d’origine suisse dont la statue a été érigée sur la place du même nom à Saint-Pétersbourg où il a travaillé de 1703 jusqu’à sa mort, en hommage à sa magnifque architecture baroque.
DOPO MUSK, IL TRIONFO
BlueArch, studio alotoadesino, è ormai una star. Il duo Costanza & Montesi, infatti, dopo aver realizzato a San Cassiano in Badia, in Trentino, la baita di Elon Musk con piscina sospesa e una quindicina di bagni, è stato ricoperto di premi (quattro) alla sesta edizione del premio internazionale Golden Trezzini Awards di San Pietroburgo con una giuria di ben 32 archistar mondiali, fra cui, i più noti, ai confni degli 80 anni: da Norman Foster a Santiago Calatrava, da Daniel Libeskind a Mario Botta a Massimiliano Fuksas. Nelle mani di Costanza & Montesi una statuina che riproduce Domenico Trezzini (1670-1734), architetto svizzero cui Pietroburgo, dove lavorò dal 1703 fno alla sua morte, ha eretto una statua nella omonima piazza per celebrare la suo magnifcente architettura barocca.
Michele Bazan Giordano
À MADRID L’AS PREND TOUT
Trop d’appartements pour un seul propriétaire. Cela se passe à Madrid, dans le quartier de Puerta del Ángel, où un fonds d’investissement a acheté trente immeubles juste après la pandémie de Covid-19. Une opération qui a été possible grâce à l’expiration des contrats de location. Aujourd’hui, si un locataire regarde par la fenêtre, il ne voit autour de lui que des bâtiments appartenant à un seul propriétaire, la société immobilière BRWE, ayant des partenaires américains, britanniques, orientaux et, dans une moindre mesure, espagnols. Cette opération a été baptisée “Madlyn” (terme composé de la première syllabe de Madrid et de la dernière syllabe de Brooklyn), et a été réalisée en neuf mois seulement. Sur la rivière Manzanares, citée par Manzoni, les 42 000 habitants du quartier ont été contraints à un exode progressif. De nouveaux contrats de location (principalement temporaires destinés aux touristes) proposent des loyers qui ont augmenté de 40 %, alors que les salaires espagnols n’ont augmenté que de 20 %. “Nous sommes les méchants par excellence”, a déclaré ironiquement le PDG de BRWE au journal El País, et s’est dit ensuite convaincu d’avoir amélioré le quartier grâce à un réaménagement qualitatif qui compenserait le peu d’intervention publique. Même les petits commerces historiques ont cédé la place à des cafés branchés. Un phénomène qui risque de devenir quasiment “pandémique” en Espagne si l’on considère qu’il y a déjà 1507 promoteurs immobiliers propriétaires d’immeubles.
A MADRID ASSO PIGLIATUTTO
Troppi appartamenti per un solo padrone. Succede a Madrid nel quartiere Puerta del Angel dove un fondo d’investimento ha acquistato, subito dopo il COVID, 30 edifci. Operazione consentita dalla scadenza d’afftto dei contratti. Se un inquilino residuale si affaccia alla fnestra oggi osserva intorno a sé solo palazzi dello stesso padrone, l’immobiliare BRWE, con soci statunitensi, inglesi, orientali e, solo in piccola parte, spagnoli. L’hanno chiamata operazione Madlyn (dalla fusione delle parole Madrid e Brooklyn), realizzata in soli 9 mesi. Sul fume Manzanarre, di manzoniana memoria, i circa 42 mila abitanti del quartiere sono stati costretti ad un graduale esodo. Nuovi afftti (per lo più temporanei per turisti) con canoni lievitati del 40% contro un 20% dell’aumento dei salari spagnoli. “Siamo i perfetti cattivi”, ha dichiarato ironicamente l’AD di BRWE, al quotidiano El Pais, dicendosi poi convinto di aver fatto del bene al quartiere, attraverso un riassetto qualitativo che avrebbe compensato lo scarso intervento pubblico. Anche i negozietti storici se ne sono andati per lasciare il posto ai bar chic. Un fenomeno che rischia di divenire quasi “pandemico” in Spagna se si pensa che ci sono già 1507 immobiliari padrone di edifci.
Telematic Ulysses fu ideato a Chicago nel 1984. L’antico eroe dal multiforme ingegno divenne nome, logo, traccia e trama della Ricerca Internazionale che lanciammo alla University of Illinois at Chicago per esplorare l’imminente metamorfosi techno che premeva alle porte del futuro; vi convergevano il digitale, reti di connessione e satelliti TLC, teleporti, telefonia cellulare, sistemi esperti, criptotecnologie e molto altro. Telematic Ulysses, il nuovo umano empowered, avrebbe quindi disegnato la forma evanescente di inediti oggetti e, indossandoli, avrebbe interiorizzato poteri e rituali mutuati da antichi dei e da sogni ancestrali: l’ubiquita’, l’onniscenza, l’istantaneita’ delle comunicazioni e l’azzeramento del tempo tra domande e risposte.
Nel logo di Telematic Ulysses, disegnato con Chris e Patty Garland, privilegiammo tre simboli: il proflo irreversibilmente digitalizzato del volto, l’elmo immersivo della nascente VR e l’anticipazione del gemello virtuale che preludeva alla doppia condizione esistenziale del futuro nomade telematico affacciato contemporaneamente, come oggi tutti noi, sullo spazio fnito delle cose tangibili e sullo spazio infnito delle informazioni. Il suo –e il nostro destino – si sarebbe attuato nel “Grand Bleu Oceanico della Rete”, tra correnti, gorghi e maree di tecnologie e dati da dominare in quel www che di lì a breve sarebbe emerso al CERN di Ginevra e che avrebbe innescato conseguenze impreviste, come il progressivo declino dei confni territoriali e la nascita di infniti metaterritori.
Tante le convergenze spazio-temporali: nell’altra sede di Urbana Champaign della University of Illinois Larry Smarr autore della Black Proposal arrivò in breve a fondare il National Center for Supercomputing Applications, esteso poi ad altre università – da
#6
Cornell a Princeton a San Diego – per poi concepire e realizzare in pochi anni il Blue Waters Project, il petascale supercomputer più potente al mondo. In Ericsson prendeva invece forma un altro decisivo progetto: superare le barriere linguistiche, fsiche e di sistema, tra device diversi, fno ad allora collegati via cavo: quel progetto prese il nome di Bluetooth, il leggendario re di Danimarca di 1000 anni fa, costruttore di ponti e unifcatore del grande regno del Nord con Svezia e Norvegia. La storia dei sogni e delle aspirazioni – dunque il gene egoista del Progetto – interviene a simboleggiare un percorso, a comunicarlo e ad armonizzare le sue repentine accelerazioni: Chicago e i suoi intrecci internazionali furono l’epicentro di questa rivoluzione culturale e tecnologica, l’outpost tower e il campo base di spedizioni oltreconfne guidate da antiche mappe del futuro e dal gusto dell’inaspettato.
Nel 2024, in una distopia orwelliana posticipata di 40 anni, stiamo assistendo al ridisegno del mondo, tra confitti bellici evidenti e altri latenti o soltanto meno visibili. Il perpetrarsi della cultura dei domini (geopolitici, industriali e fnanziari) – oggi in crescita sull’orlo del Mare e del Tempo – continua a prevalere sulla fragilità dell’intero pianeta e dei sistemi chiusi: tutti registriamo la latitanza delle competenze necessarie a misurare e confrontare valore e disvalore, opportunità e rischi, creazione e sottrazione di ricchezza.
Il Progetto hypertech del Blue MetaDomain supera i limiti dei domini separati: il suo Blue Theater sarà l’impianto scenico dove ricomporre il mosaico della conoscenza, mentre l’iperstato delle città costiere, la Pure City Alliance, sarà la nuova frontiera della Responsabilità.
(
Computer Shell (private collection) Self-moving EMF Feather (private collection) Wearable MPAR Bow (private collection) photo credits: Alberto Fossa, François Robert
2. FAUSTINE EYE, the National Control Center of RAI Radio Televisione Italiana (detail of the Supervisor dashboard console). Control Center Global Design Project: Maurizio Morgantini Inauguration and operating start on October 1984, attended by Mr. Sandro Pertini, President of the Italian Republic.
3. TELEMATIC ULYSSES, the UIC International Research Project led by Maurizio Morgantini and Claudia Dona’ at the AAUP Department, Chicago Ill. 1984-1988.
Maurizio Morgantini, Claudia Donà
1. logo
by Chris Garland, XENO design) hyperobjects selection (by various TU team designers):
Telematic Ulysses a été conçu à Chicago en 1984. Le héros antique au génie multiforme devint le nom, le logo, la piste et la trame du projet de recherche internationale en design que nous avions lancée à l’Université de l’Illinois à Chicago pour explorer l’imminente métamorphose technologique qui se pressait aux portes de l’avenir; numérique, réseaux et satellites TLC, téléports, téléphonie cellulaire, systèmes experts, crypto-technologie et bien d’autres encore y convergeaient. Telematic Ulysses, le nouvel humain empowered, aurait alors dessiné la forme évanescente d’objets inédits et, en les portant, aurait intériorisé des pouvoirs et des rituels empruntés à d’anciennes divinités et aux rêves ancestraux : l’ubiquité, l’omniscience, la communication instantanée et la réduction à zéro du temps entre questions et réponses. Dans le logo de Telematic Ulysses, dessinée con Chris e Patty Garland, nous avions privilégié trois symboles : le profl irréversiblement numérisé du visage, le casque immersif de la RV naissante et l’anticipation du jumeau virtuel qui préfgurait la double condition existentielle du futur nomade télématique tourné simultanément, comme nous tous aujourd’hui, sur l’espace fni des choses tangibles et sur l’espace infni des informations. Son destin – et le nôtre – devait se réaliser dans le “Grand Bleu océanique du Web”, au milieu des courants, des tourbillons et des marées de technologies et de données à maîtriser dans ce www. qui allait bientôt voir le jour au CERN à Genève et qui allait entraîner des conséquences imprévues, telles que le déclin progressif des limites territoriales et la naissance de méta-territoires infnis.
Les convergences spatio-temporelles sont nombreuses : à Urbana Champaign dans l’autre siège de l’Université de l’Illinois, Larry Smarr auteur de la Black Proposal a rapidement fondé le National Center for Supercomputing Applications, qui a ensuite été étendu à
d’autres universités, de Cornell à Princeton en passant par San Diego, puis en l’espace de quelques années, a conçu et réalisé le projet Blue Waters, le superordinateur pétascale le plus puissant au monde. Un autre projet crucial prenait également forme chez Ericsson : dépasser les barrières linguistiques, physiques et systémiques, entre dispositifs différents, jusque-là reliés via câble. Ce projet fut baptisé Bluetooth, en hommage au légendaire roi du Danemark du Xe siècle, Harald Blåtand, bâtisseur de ponts et unifcateur du grand royaume du Nord en étendant son infuence en Norvège et en Suède. L’histoire des rêves et des aspirations – donc le gène égoïste du Projet – intervient pour symboliser un parcours, le communiquer et harmoniser ses accélérations soudaines : Chicago et ses interactions internationales furent l’épicentre de cette révolution culturelle et technologique, la tour de l’avant-poste et le camp de base d’expéditions transfrontalières guidées par d’anciennes cartes du futur et le goût de l’imprévu. En 2024, dans une dystopie orwellienne différée de quarante ans, nous assistons à la reconfguration du monde, entre guerres ouvertes et confits latents ou seulement moins visibles. La perpétuation de la culture des domaines (géopolitique, industriel et fnancier) – qui se développe aujourd’hui aux confns de la Mer et du Temps – continue de prévaloir sur la fragilité de la planète entière et des systèmes fermés : nous constatons tous le manque de compétences nécessaires pour mesurer et comparer la valeur et la dé-valeur, les opportunités et les risques, la création et la soustraction de richesse. Le projet hypertechnologique du Blue MetaDomain dépasse les frontières des domaines séparés : son Blue Theater sera l’installation scénique où recomposer la mosaïque de la connaissance, tandis que l’hyper-État des villes côtières, la Pure City Alliance, sera la nouvelle frontière de la responsabilité.
5. BLUE WATERS, one of the most powerful supercomputers in the world, located at the NCSA, founded in 1986 by Larry Smarr at the University of Illinois (UrbanaChampaign Campus). Blue Waters ended operations on January 1, 2022. Image: February 2013.
6. BLUE WORLDS TASK FORCE, presented at the Sustainable Ocean Summit 2019 by ESA to cover all topics linked to the oceans, after 37 years fr the previous study User Segment of Navsat. ESA launched the frst telecom satellite to be extensively reprogrammed in orbit, the frst to power its way to geostationary orbit, 36.000 km up (2014)
7. BLUE GENE, IBM supercomputer operating speeds in the petaFLOPS range, with low power consumption. Awarded with the 2009 National Medal of Technology, the Blue Gene family has ended in 2015.
4. APOLLO’s DIGITAL LYRE (design: Tony Kobrinetz) for Telematic Ulysses Videoart produced by the Electronic Visualization Laboratory at the University of Illinois (Chicago Campus) directed by Dan Sandin. Music by Xavier Callobre (Arrival) and Ray Linch (Deep Breakfast). First public presentation: Museum of Contemporary Art at Chicago, June 1986.
6.
Telematic Ulysses was devised in Chicago in 1984. The ancient hero of multifaceted ingenuity became the name, logo, track and plot of the International Research we launched at the University of Illinois in Chicago to explore the imminent techno metamorphosis that was on the horizon back then; it was a combination of digital technology, TLC networks and satellites, teleports, cellular telephone systems, cutting-edge systems, crypto-technology and much more. Telematic Ulysses, a new empowered kind of human, would then design the evanescent form of unseen objects and, by wearing them, internalise powers and rituals borrowed from ancient gods and ancestral dreams: ubiquity, omniscience, instantaneous communication and zero time between questions and answers.
The logo of Telematic Ulysses, designed with Chris and Patty Garland, was focused around three symbols: the irreversibly digitised profle of a face, the immersive helmet of nascent VR and a forerunner of the virtual twin as a foretaste of the dual existential condition of the telematic nomad of the future simultaneously facing, as we all do today, the fnite space of tangible things and the infnite space of information. Its – and our – destiny would be realised in the “Oceanic Grand Bleu of the Web”, amidst currents, eddies and tides of technologies and data to be dominated in the www world that would soon emerge at CERN in Geneva triggering unforeseen consequences, such as the progressive decline of territorial borders and the birth of infnite meta-territories.
There were many spatio-temporal convergences: the other Urbana Champaign campus of the University of Illinois, Larry Smarr, author of the Black Proposal, soon went on to found the National Center for Supercomputing Applications, which was then extended to other universities – from Cornell to Princeton and San Die-
go – and in just a few years went on to design and carrying out the Blue Waters Project, the world’s most powerful petascale supercomputer. At Ericsson, however, another decisive project was taking shape: to overcome language, physical and system barriers between different devices, hitherto connected by cable: that project took the name of Bluetooth, the legendary king of Denmark 1000 years ago, builder of bridges and unifer of the great kingdom of the North with Sweden and Norway.
A story of dreams and aspirations – i.e the Project’s selfsh gene –came to symbolise a path focused on communicate this gene and harmonise its sudden accelerations: Chicago and its international entanglements were the epicentre of this cultural and technological revolution, the outpost tower and base camp of cross-border expeditions guided by ancient maps of the future and a taste for the unexpected.
Now in 2024 (in an Orwellian dystopia postponed by 40 years) we are witnessing the redesigning of the world amidst open war conficts and other latent or simply less visible conficts. The perpetuation of a culture of domains (geopolitical, industrial and fnancial) – now growing on the crest of the Sea and Time – is continuing to prevail over the fragility of the entire planet and of closed systems: we can all see the absence of the skills necessary to measure and compare value and disvalue, opportunities and risks, the creation and subtraction of wealth.
Blue MetaDomain’s hypertech Project transcends the boundaries of separate domains: its Blue Theatre will be the stage where a mosaic of knowledge is recomposed, while the hyperstate of coastal cities, the Pure City Alliance, will set the new frontier of Responsibility.
9. BLUE THEATER, concept sketch of the immersive space surrounded by 8 self-adaptive led gigascreens (by M.Morgantini). Blue Theater is the Ocean Instant Connexion Program, supported by Pure City Alliance, both under the guide of the Blue MetaDomain Project by Diotima Institute
10. LANDER ODYSSEUS spacecraft by Intuitive Machines, the private company granted by NASA with a120 millions US$ budget for the mission. The lander was slated to be operational for only nine to 10 days (starting fr February 22, 2024). After that, Intuitive Machines knew the sun would set on the landing site, and Odysseus’ radios and batteries would not survive the extremely cold lunar nights.
11.
8. HIGHLANDER unit of the gigantic (100 units) underwater Chinese Data Center. Each unit has the ability to process over four million high-defnition images in 30 seconds (that’s about the power of 6 million PCs).
APOLLO’s DIGITAL LYRE (design: Tony Kobrinetz) for Telematic Ulysses Videoart (see previous page).
MIROKA & MIROKI ROBOTS
ENCHANTED TOOLS
WWW.ENCHANTED.TOOLS
Miroka et Miroki associent une ingénierie de niveau international à une animation attrayante et à un récit captivant pour remédier à des problèmes concrets et à des tâches répétitives dans les domaines de la santé, de l’hôtellerie, des voyages et d’autres secteurs d’activité centrés sur les besoins des clients. Des capacités de navigation et de manipulation avancées, alimentées par l’intelligence artifcielle (IA), permettent aux robots de reconnaître, de comprendre et d’interagir dans leur environnement. Un globe roulant qui leur permet de se déplacer plus rapidement et plus librement, des pouces opposables et une poignée universelle qui peut être attachée à n’importe quel objet permettent aux robots d’assurer de manière fable des fonctions à la fois délicates et banales avec un taux de réussite de 97 % par rapport aux 60 % habituels sur le marché. L’intelligence artifcielle gère également le comportement des robots et des caractéristiques semblables à celles des mammifères, ce qui leur permet de répondre aux personnes en remuant les oreilles ou en changeant d’expression faciale, créant ainsi une expérience attrayante et réaliste.
Miroka e Miroki combinano un’ingegneria di livello mondiale con un’animazione affascinante per affrontare problemi concreti e compiti ripetitivi nel settore sanitario, dell’ospitalità, dei viaggi e in altri settori incentrati sul cliente. Le capacità avanzate di navigazione e manipolazione, alimentate dall’intelligenza artifciale consentono ai robot di riconoscere, comprendere e manovrare. Un globo rotante che consente loro di muoversi più velocemente e più liberamente, i pollici opponibili e una maniglia universale che può essere attaccata a qualsiasi oggetto consentono ai robot di assistere in modo affdabile con funzioni critiche ma banali con una percentuale di successo nella presa del 97%, rispetto al 60% del mercato. standard. L’IA gestisce anche il comportamento dei robot consentendo loro di rispondere agli individui con un movimento delle orecchie o un cambiamento nell’espressione facciale che crea un’esperienza coinvolgente e realistica.
Miroka and Miroki combine worldclass engineering with charming animation and compelling storytelling to tackle concrete issues and repetitive tasks in health care, hospitality, travel, and other customer-centric industries. Advanced navigation and manipulation capabilities, powered by artifcial intelligence enable the robots to recognize, understand, and maneuver within their surroundings.
A rolling globe that lets them move faster and more freely, opposable thumbs, and a universal handle that can attach to any object enable the robots to reliably assist with critical yet mundane functions with a 97% grasping success rate, compared to the 60% market standard. AI also manages the robots’ behavior and mammal-like features, allowing them to respond to individuals with a wiggle of the ears or a change in facial expression that creates an engaging, lifelike experience.
PROGRAM
L’autonomie et l’électrifcation vont transformer la sécurité des vols et l’effcacité opérationnelle des grands avions VTOL. Sikorsky, une société du groupe Lockheed Martin, a dévoilé son projet de construction, d’essai et de vol d’un démonstrateur hybride-électrique à décollage et atterrissage verticaux (HEX / VTOL) avec une confguration à aile basculante.
Il s’agit du premier projet d’une série de grands avions VTOL de la prochaine génération, allant d’hélicoptères plus traditionnels à des confgurations ailées, qui présenteront différents degrés d’électrifcation et un système d’autonomie avancé pour un vol piloté en option. Sikorsky Innovations, le groupe de prototypage de l’entreprise, et GE Aerospace fnalisent les plans de construction d’un banc d’essai de systèmes de puissance hybride-électrique avec un moteur électrique de 600 kW pour évaluer les performances de vol stationnaire du prochain démonstrateur HEX : un avion ayant une masse brute maximale de 4,5 tonnes, équipé d’un turbogénérateur de classe 1,2 mégawatt et d’une électronique de puissance associée.
L’autonomia e l’elettrifcazione apporteranno cambiamenti radicali alla sicurezza del volo e all’effcienza operativa dei grandi velivoli VTOL.
Sikorsky, una società della Lockheed Martin, ha svelato il suo piano per costruire, testare e far volare un dimostratore ibrido-elettrico di decollo e atterraggio verticale (HEX / VTOL) con una confgurazione ad ala inclinata.
Il progetto è il primo di una serie di grandi velivoli VTOL di prossima generazione, che vanno dagli elicotteri più tradizionali alle confgurazioni alate, che presenteranno vari gradi di elettrifcazione e un sistema di autonomia avanzato per il volo pilotato opzionalmente. Sikorsky Innovations, il gruppo di prototipazione dell’azienda, e GE Aerospace stanno fnalizzando i progetti per costruire un banco di prova per sistemi di alimentazione ibridi-elettrici con un motore elettrico da 600 kW per valutare le prestazioni di volo stazionario del successivo dimostratore HEX: un aereo di peso lordo massimo di 4,5 tonnellate con 1,2 Turbogeneratore di classe MW e relativa elettronica di potenza.
Autonomy and electrifcation will bring transformational change to fight safety and operational effciency of large VTOL aircraft.
Sikorsky, a Lockheed Martin company, unveiled its plan to build, test and fy a hybrid-electric vertical takeoff and landing demonstrator (HEX / VTOL) with a tilt-wing confguration.
The design is the frst in a series of large, next generation VTOL aircraft, ranging from more traditional helicopters to winged confgurations, which will feature varying degrees of electrifcation, and an advanced autonomy system for optionally piloted fight.
Sikorsky Innovations, the company’s prototyping group, and GE Aerospace are fnalizing designs to build a hybrid-electric power systems testbed with a 600KW electric motor to evaluate hover performance of the follow-on HEX demonstrator: a 4.5-ton maximum gross weight aircraft with 1.2MW-class turbogenerator and associated power electronics.
Sierra Space a franchi une étape décisive en concevant, en fabriquant, en assemblant et en testant avec succès sa première structure d’habitat spatial extensible grandeur nature, en collaboration avec ILC Dover, son partenaire technologique exclusif pour les produits softgoods.
L’enveloppe pressurisée de LIFE™ (Large Integrated Flexible Environment) est constituée de “softgoods” extensibles, c’est-à-dire de textiles qui se comportent comme une structure rigide une fois gonfés. LIFE™ est logé dans une carlingue de fusée standard de 5 mètres et se gonfe en orbite pour atteindre la taille d’un immeuble résidentiel de trois étages. Avec trois lancements seulement, les unités modulaires LIFE™ peuvent créer un habitat et un environnement de travail dans un espace plus grand, en termes de volume, que la station spatiale internationale (ISS) tout entière.
Sierra Space ha raggiunto un traguardo rivoluzionario progettando, producendo, assemblando e testando con successo la sua prima struttura di stazione spaziale espandibile su vasta scala, insieme all’esclusiva tecnologia softgoods partner ILC Dover.
Il guscio a pressione di LIFE™ (Large Integrated Flexible Environment) è costituito da “softgoods” espandibili, ovvero tessuti che si comportano come una struttura rigida una volta gonfati. LIFE™ è racchiuso all’interno di una carenatura standard per razzi da 5 m e si gonfa in orbita fno alle dimensioni di un condominio di tre piani. In soli tre lanci, le unità modulari LIFE™ possono creare un ambiente di vita e di lavoro in uno spazio più grande, in termini di volume, dell’intera Stazione Spaziale Internazionale (ISS).
Sierra Space has achieved a groundbreaking milestone by successfully designing, manufacturing, assembling and testing its frst full-scale expandable space station structure, together with exclusive softgoods technology partner ILC Dover.
The pressure shell of LIFE™ (Large Integrated Flexible Environment) is made up of expandable “softgoods”, i.e. fabrics that behave like a rigid structure once infated. LIFE™ is encased inside a standard 5m rocket fairing and infates in orbit to the size of a three-story apartment building. In just three launches, LIFE™ modular units can create a living and working environment in a space larger, in terms of volume, than the entire International Space Station (ISS).
HYDROGEN OUTBOARD
Yamaha a dévoilé le premier moteur horsbord à hydrogène au monde destiné aux bateaux de plaisance, ainsi qu’un prototype de système d’alimentation en carburant intégré à un bateau, que l’entreprise prévoit de perfectionner en vue d’essais dans le courant de l’année. Yamaha s’est associé à Roush pour développer le système d’alimentation en carburant du nouveau moteur hors-bord et a collaboré avec Regulator Marine, constructeur de bateaux partenaire de longue date, pour construire un bateau approprié pour tester le prototype du moteur hors-bord. Ensemble, ces entreprises prévoient de commencer à tester la viabilité du prototype sur l’eau au cours de l’été 2024.
Il primo fuoribordo al mondo alimentato a idrogeno per imbarcazioni da diporto insieme a un prototipo di sistema di alimentazione integrato in un’imbarcazione che l’azienda prevede di perfezionare ulteriormente per i test entro la fne dell’anno.
Yamaha ha unito le forze con Roush per sviluppare il sistema di alimentazione per alimentare il nuovo fuoribordo e ha collaborato con Regulator Marine, per costruire una barca adatta a testare il prototipo del fuoribordo.
Insieme, le aziende prevedono di iniziare a testare la fattibilità del prototipo in acqua nell’estate del 2024.
The world’s frst hydrogen-powered outboard for recreational boats along with a prototype fuel system integrated into a vessel that the company plans to further refne for testing later this year.
Yamaha joined forces with Roush to develop the fuel system to power the new outboard and collaborated with long-time boat builder partner Regulator Marine to build a boat suitable for testing the prototype outboard. Together, the companies plan to begin testing the prototype for viability on the water in the summer of 2024.
COMPETITIONS
WT SMART CITY AWARD 2024
Promoter
WT Studio Architectural Offce
www.well-tech.it
Brief
Le WT SmartCity Award est un concours d’idées, une occasion d’expérimenter et d’explorer les limites de l’architecture contemporaine. L’édition 2024 est centrée sur Milan, en Italie. Les critères de sélection comprennent les mesures durables, l’utilisation d’énergies et de matériaux renouvelables, les formes et les technologies innovantes présentant des caractéristiques de durabilité.
WT SmartCity Award è un concorso di idee, un’occasione per sperimentare ed esplorare i limiti dell’architettura contemporanea. L’edizione 2024 è focalizzata su Milano, Italia.
I criteri includono misure sostenibili, applicazione di energie e materiali rinnovabili, forme e tecnologie innovative con caratteristiche sostenibili.
WT SmartCity Award is an ideas competition, an opportunity to experiment and explore the limits of contemporary architecture. The 2024 edition is focused on Milano, Italy.
The criteria include sustainable measures, application of renewable energies and materials, forms, and innovative technologies with sustainable characteristics.
Jury Maria Berrini, Chiara Cantono, Roberta Capello, Cesare Maria Casati, Paola Dezza, Dalia Gallico, Giampaolo Nuvolati, Davide Ponzini
1st Prize
Fondazione BEIC / Onsite Studio SRL
BEIC European Library
La BEIC est une bibliothèque non conventionnelle dédiée à la préservation du patrimoine culturel et à la promotion de la culture contemporaine. Son nouveau bâtiment de 30 000 mètres carrés présente un design qui privilégie la clarté et la fonctionnalité, avec des extérieurs en verre et en métal et des espaces intérieurs en bois. L’installation comprend des espaces consacrés aux activités pour enfants, un auditorium souterrain, des salles polyvalentes et des espaces administratifs. Une serre couronne un volume, tandis qu’une terrasse offre un espace de lecture à ciel ouvert dans un autre volume. En outre, un entrepôt robotisé peut stocker 2,5 millions de volumes, garantissant ainsi la conservation et l’accessibilité aux futures générations.
La BEIC è una biblioteca non convenzionale dedicata alla conservazione del patrimonio culturale e alla promozione della cultura contemporanea. Il suo nuovo edifcio di 30.000 m2 presenta un design incentrato su chiarezza e funzionalità, con esterni in vetro e metallo e interni in legno. La struttura comprende spazi per attività per bambini, un auditorium sotterraneo, sale versatili e aree dipartimentali. Una serra corona un volume, mentre una terrazza offre uno spazio di lettura aperto in un altro. Inoltre, un magazzino robotizzato può immagazzinare 2,5 milioni di volumi, garantendo conservazione e accessibilità per le generazioni future.
The BEIC is a non-conventional library dedicated to preserving cultural heritage and promoting
2nd Prize
3rd Prize
1st Prize
contemporary culture. Its new 30,000 m2 building features a design focused on clarity and functionality, with glass and metal exteriors and wooden interiors. The facility includes spaces for children’s activities, an underground auditorium, versatile rooms, and departmental areas. A greenhouse crowns one volume, while a terrace provides open reading space in another. Additionally, a robotic warehouse can store 2.5 million volumes, ensuring preservation and accessibility for future generations.
2nd Prize
Progetto CMR
The Sign
The Sign, un projet de régénération urbaine d’un ancien site industriel des années 1950, redonne vie à l’ancienne zone de la fonderie Vedani et la transforme en un quartier d’affaires pour la ville. Il se compose de trois immeubles de bureaux, d’une place publique, d’espaces verts et de plusieurs commerces. Les bâtiments présentent une alternance de baies vitrées et panneaux métalliques dorés, alliant l’esthétique au fonctionnel. Le projet privilégie la durabilité, en intégrant les normes de certifcation environnementale LEED et en obtenant le statut de bâtiment à consommation d’énergie quasi nulle (NZEB) en classe énergétique A, avec la certifcation LEED Platine, qui garantit l’effcacité et la responsabilité environnementale.
The Sign, un progetto di rigenerazione urbana di un ex sito industriale degli anni ‘50, rivitalizza l’area dell’ex Fonderia Vedani trasformandola in un quartiere degli affari per la città. Si compone di tre edifci adibiti ad uffci, una piazza pubblica, spazi verdi e vari punti vendita. Gli edifci vantano fnestre in vetro alternate e facciate rifnite in
oro, fondendo estetica e funzionalità. Il progetto dà priorità alla sostenibilità, integrando gli standard di certifcazione ambientale LEED e ottenendo lo status di Near Zero Energy Buildings (NZEB) in classe energetica A, con la certifcazione LEED Platinum, garantendo effcienza e responsabilità ambientale.
The Sign, an urban regeneration project of a former industrial site from the 1950s, revitalizes the former Vedani Foundry area into a Business District for the city. It consists of three offce buildings, a public square, green spaces, and various retail outlets. The buildings boast alternating glass windows and gold-trimmed facades, blending aesthetics with functionality. The project prioritizes sustainability, integrating LEED environmental certifcation standards and achieving Near Zero Energy Buildings (NZEB) status in energy class A, with LEED Platinum certifcation, ensuring effciency and environmental responsibility.
3rd Prize
Luxottica Group / Park Associati
Luxottica Digital Factory
En quête d’excellence architecturale et d’innovation, la rénovation de la Digital Factory passe d’une approche axée sur l’énergie à une approche axée sur la technologie. Tout en conservant les volumes et le caractère d’origine du site, le projet intègre des éléments contemporains tant en façade qu’à l’intérieur, en mettant l’accent sur la qualité de la construction. Le projet respecte les normes de qualité et de durabilité LEED et a obtenu la note “Gold”. La Digital Factory contribue à la revalorisation de la zone urbaine environnante, la transformant d’un site périphérique en un pôle dynamique intégré au tissu social de la ville.
Alla ricerca dell’eccellenza architettonica e dell’innovazione, la ristrutturazione della fabbrica digitale passa da un approccio incentrato sull’energia a uno guidato dalla tecnologia. Mantenendo i volumi e il carattere originali del sito, l’intervento integra elementi contemporanei sia nella facciata che negli spazi interni, sottolineando la qualità costruttiva. Il progetto aderisce agli standard di qualità e sostenibilità LEED, ottenendo il rating Gold. La Fabbrica Digitale contribuisce alla rivitalizzazione dell’area urbana circostante, trasformandola da ambiente periferico a polo vivace e integrato nel tessuto sociale cittadino.
In pursuit of architectural excellence and innovation, the Digital Factory Remodelation transitions from an energy-focused approach to one driven by technology. Retaining the site’s original volumes and character, the intervention integrates contemporary elements into both the façade and interior spaces, emphasizing construction quality. The project adheres to LEED quality and sustainability standards, achieving a Gold rating. The Digital Factory contributes to the revitalization of the surrounding urban area, transforming it from a peripheral environment to a vibrant hub integrated into the city’s social fabric.
Honorable Mentions
1. ACPV ARCHITECTS Antonio Citterio
Patricia Viel – Cascina Merlata Masterplan
2. Marzorati Architettura – Le Nuove Terme (Teatro delle Terme)
3. Coima (Developer) – Scalo di Porta Romana
4. Stefano Boeri Archittects – Bosconavigli
5. Stefano Belingardi Clusoni Architect – Primo Milano
6. Open Building Research – Casa BFF
COMPETITIONS
GLOBAL AWARD FOR SUSTAINABLE ARCHITECTURE™
Promoter/Founder
Jana Revedin globalawardforsustainablearchitecture.com
Brief
Les cinq lauréats de l’édition 2024 ont été désignés par un jury international composé d’architectes et de chercheurs autour du thème “L’architecture est éducation”. Le prix a récompensé une approche éducative innovante, capable d’envisager et de pratiquer l’architecture d’une autre manière, en promouvant une compréhension éthique et responsable de la profession auprès des nouvelles générations.
I cinque vincitori dell’edizione 2024 sono stati identifcati da una giuria internazionale di architetti e ricercatori sul tema “Architecture is Education”. A essere premiato è stato un approccio pedagogico innovativo, in grado di pensare e praticare l’architettura in modo diverso, promuovendo tra le nuove generazioni una comprensione etica e responsabile della professione.
The fve winners of the 2024 edition were identifed by an international jury of architects and researchers on the theme “Architecture is Education”. The prize was awarded for an innovative pedagogical approach, capable of thinking and practicing architecture in a different way, promoting an ethical and responsible understanding of the profession among the new generations.
Jury
Jana Revedin, Marie-Hélène Contal, Jacopo Galli, Spela Hudnik, Deniz Incedayi, Salma Samar Damluji, Werner Sobek
Winner
1.Iyas Shahin e Wesam Al Asali, founders of IWLAB Laboratory (Siria)
2. Andrés Jaque of the Offce for Policy Innovation, Dean of Columbia University School of Architecture (Spain/USA)
3. Marina Tabassum, Architetto (Bangladesh)
4. Ciro Pirondi, co-founder of Escola da Cidade (Brazil)
5. Klaus K. Loenhart, architect and landscape architect at Institute of Architecture and Landscape Graz (Germany/Austria)
Cette maison est conçue pour un couple avec enfant. Le site se trouve dans une zone résidentielle nouvellement développée dans la partie sud de l’île principale d’Okinawa, anciennement une décharge et qui a été assainie. La zone environnante se compose d’un mélange d’activités commerciales, de zones industrielles, de résidences, d’écoles, de terrains de sport, de ports de pêche et d’autres bâtiments d’utilisations et de tailles variées. Au nord du site se trouve une zone résidentielle divisée en quartiers, et au sud, une zone commerciale traverse une grande autoroute. Par conséquent, le côté nord est relativement calme tout au long de la journée, mais le côté sud est parfois bruyant en raison de la circulation intense. Par ailleurs, les côtés est et ouest du site se trouvent à proximité des maisons voisines.
Les zones développées sont densément construites et le nombre de logements vacants ne cesse d’augmenter. Alors qu’Okinawa jouit d’un environnement naturel unique et majestueux, les zones urbaines présentent un paysage chaotique. En outre, il y a des typhons tout au long de l’année et il faut être prêt à faire face à des conséquences désastreuses. Dans un tel contexte, le déf consistait à maintenir la distance par rapport à la ville et à garantir un espace intérieur confortable.
Le client souhaitait pouvoir y vivre sans se soucier de la vue des alentours, et laisser entrer autant d’air et de lumière que possible. Le bâtiment a un plan rectangulaire qui correspond à la forme du site, avec des salles communes au premier étage donnant sur la ville, et des chambres et des salles de bains au deuxième étage. La cour et le puits de lumière sont situés dans la direction nordsud, où il est facile d’obtenir à la fois de la lumière et une bonne aération. La cour du côté nord, qui fait face à l’espace résidentiel, sert de zone tampon avec un dégradé progressif ouvert sur la ville et qui la transforme en un espace continu avec les abords et la salle de tatami, qui est aussi un salon, tout en tenant compte de la vue vers l’intérieur. Par ailleurs, la cour du côté sud fonctionne comme une zone tampon massive et solide entre la ville et la cage d’escalier, ce qui améliore le confort de la cour et de la salle de séjour. L’escalier est également conçu pour servir d’espace, même si faiblement éclairé, il est donc un peu plus spacieux qu’un escalier normal pour pouvoir accueillir des chaises et d’autres objets. En créant une zone tampon à la fois forte et faible avec la ville, le Studio Cochi Architects, dirigé par Toshiyuki Igarashi, espère avoir réalisé une maison tridimensionnelle avec de l’air et de la lumière, pouvant accueillir les différentes activités de la vie quotidienne dans une zone résidentielle densément peuplée. En outre, la plupart du mobilier et des accessoires ont été fabriqués dans l’atelier d’Igarashi afn de développer les possibilités d’un artisanat qui ne soit pas dépendant du continent, mais qui provienne de la préfecture.
Questa casa è una residenza per una coppia con un bambino. Il sito si trova in una zona residenziale di recente sviluppo nella parte meridionale dell’isola principale di Okinawa, che è stata bonifcata da una discarica. L’area circostante è costituita da un mix di strutture commerciali, parchi industriali, residenze, scuole, parchi sportivi, porti pescherecci e altri edifci di vario uso e scala. A nord del sito si trova un’area residenziale suddivisa in zone, mentre a sud un’area commerciale si estende attraverso una grande autostrada. Di conseguenza, il lato nord è relativamente tranquillo durante il giorno, ma il lato sud è talvolta rumoroso a causa del traffco intenso. Inoltre, i lati est e ovest del sito sono in prossimità delle case vicine.
Nelle aree sviluppate le case sono densamente costruite e il numero di case sftte è in aumento. Mentre Okinawa ha un ambiente naturale unico e maestoso, le aree urbane hanno questo paesaggio caotico. Inoltre, i tifoni si verifcano durante tutto l’anno e bisogna essere preparati ai disastri. In un ambiente del genere, la sfda era mantenere la distanza dalla città e garantire un ambiente interno confortevole. Il cliente ha richiesto di vivere senza preoccuparsi della visuale dell’ambiente circostante e di far entrare quanta più luce e vento possibile. L’edifcio ha una pianta rettangolare che si adatta alla conformazione del sito, con ambienti comuni al primo piano collegati alla città e camere da letto e bagni privati al secondo piano. Il cortile e il lucernario sono disposti in direzione nord-sud, dove si può facilmente ottenere luce e ventilazione. Il cortile sul lato nord, rivolto verso l’abitato, funziona come una zona cuscinetto con una graduale gradazione che non si chiude troppo alla città rendendolo uno spazio continuo con l’accesso e la sala tatami, che è anche un salotto, tenendo conto della linea visuale verso l’interno. Il cortile sul lato sud, invece, funziona come una densa e solida zona cuscinetto tra la città e il vano scala, migliorando la vivibilità del cortile e del soggiorno. La scala è destinata anche a essere utilizzata come stanza sebbene poco illuminata, quindi è un po’ più spaziosa di una scala normale per ospitare sedie e altri oggetti. Creando una zona cuscinetto forte e debole con la città, lo Studio Cochi Architects, guidato da Toshiyuki Igarashi, ritiene di aver creato una casa tridimensionale con vento e luce in grado di accogliere le diverse attività della vita quotidiana in un’area residenziale densamente popolata . Inoltre, la maggior parte dei mobili e degli accessori sono stati realizzati nel laboratorio di Igarashi per espandere le possibilità dell’artigianato che non dipende dalla terraferma ma viene fornito all’interno della prefettura.
This house is a residence for a couple and a child. The site is located in a newly developed residential area in the southern part of the Okinawa main island, which was reclaimed by landfll. The surrounding area consists of a mix of commercial facilities, industrial parks, residences, schools, sports parks, fshing ports, and other buildings of various uses and scales. To the north of the site is a zoned residential area, and to the south, a commercial area stretches across a large highway. As a result, the north side is relatively quiet throughout the day, but the south side is noisy at times due to heavy traffc. Furthermore, the east and west sides of the site are in close proximity to neighboring houses. In developed areas, houses are densely built and the number of vacant houses is on the increase. While Okinawa has a unique and majestic natural environment, urban areas have this chaotic landscape. In addition, typhoons occur throughout the year, and one must be prepared for disasters. In such an environment, the challenge was to maintain distance from the city and to ensure a comfortable indoor environment.
The client requested to live without worrying about the line of sight from the surrounding area, and to let in as much light and wind as possible. The building has a rectangular plan that matches the shape of the site, with public rooms on the frst foor connected to the town, and private bedrooms and bathrooms on the second foor.
The courtyard and skylight are located in the north-south direction, where light and ventilation can be easily obtained. The courtyard on the north side, which faces the residential area, functions as a buffer zone with a gradual gradation that does not become too closed to the town by making it a continuous space with the approach and the tatami room, which is also a parlor, while taking into consideration the line of sight to the interior. On the other hand, the courtyard on the south side functions as a thick and solid buffer zone between the town and the staircase room, enhancing the livability of the courtyard and the living room. The staircase is also intended to be used as a dimly lit room, so it is a little roomier than a normal staircase to accommodate chairs and other items.
By creating a strong and weak buffer zone with the city, the Studio Cochi Architects, led by Toshiyuki Igarashi, believe they have created a three-dimensional house with wind and light that can accommodate the various activities of daily life in a densely populated residential area. In addition, most of the furniture and fttings were made in Igarashi’s workshop to expand the possibilities of craftsmanship that is not dependent on the mainland but is provided within the prefecture.
Project Principal: Toshiyuki
Igarashi
Photo: Ooki Jingu
1st floor
Civic Art Centre Zhuhai, Jinwan, China
Zaha Hadid Architects
Intégrant trois institutions culturelles distinctes pour la ville (un centre pour les arts du spectacle avec un grand théâtre de 1 200 places et un théâtre de 500 places de type Black Box multifonctionnel et escamotable, un centre scientifque interactif et un musée d’art), chaque bâtiment du Zhuhai Jinwan Civic Arts Centre présente des caractéristiques uniques qui créent des expériences différentes pour les visiteurs, mais tous sont unis par une logique formelle et structurelle cohérente qui s’étend sur 170 mètres de large d’est en ouest et sur 270 mètres de long du nord au sud. Disposées symétriquement par rapport à la place centrale, les deux salles les plus grandes et les deux salles les plus petites sont reliées par une place centrale qui sert de hall d’entrée ouvert et partagé.
S’inspirant des géométries en V des oiseaux migrateurs qui volent en formation au-dessus de la Chine méridionale, une couverture particulière en chevron, en treillis acier, constituée d’éléments modulaires obtenus à travers des jeux de répétitions, de symétries et de variations d’échelle des modules, protège chaque bâtiment. La structure originale de la toiture réunit les bâtiments sous un réseau de coques réticulées qui enveloppent les quatre pétales ou ailes du complexe. Des ponts et des vides interconnectés créent une place publique à plusieurs niveaux au cœur du complexe, avec une vue sur les intérieurs ainsi que sur les promenades environnantes avec leurs cafés, leurs restaurants et leurs établissements d’enseignement.
L’intérieur du grand théâtre suit la composition de la toiture extérieure du centre, l’emplacement et l’angle des éléments de plafond étant optimisés pour servir de réfecteurs acoustiques.
Le musée d’art adapte les géométries en chevron du toit pour encadrer le hall principal qui apporte de la lumière naturelle à l’intérieur du musée tout en créant une surface verticale continue où exposer les œuvres d’art. En fusionnant l’architecture et l’expérience en matière d’exposition, un ruban blanc continu de circulation verticale et de parcours d’exposition constitue la caractéristique principale du musée.
L’intérieur du centre scientifque traduit également la géométrie du toit du complexe pour présenter l’innovation scientifque à l’aide d’expositions interactives. L’amphithéâtre est conçu pour
accueillir des présentations publiques d’expériences et de découvertes scientifques.
Le podium du Zhuhai Jinwan Civic Art Centre forme une île dans le lac ZhongXin. Des rampes et des galeries piétonnes invitent les visiteurs à traverser le lac jusqu’à la place publique centrale où des passerelles relient chaque bâtiment. Les façades vitrées protégées par la toiture modulaire apportent de la transparence et accueillent la communauté locale via les promenades et les places en bordure du lac, sous la grande structure du toit. Un amphithéâtre extérieur sur le côté ouest permet d’organiser des spectacles et des activités en plein air.
Construit en béton, le complexe se compose de cinq bâtiments différents sur le plan structurel, chacun étant doté d’une toiture extérieure autoporteuse en acier. Soutenus par 22 colonnes seulement, ces toits en acier de forme libre sont composés de géométries symétriques qui permettent de préfabriquer hors site leurs structures modulaires et répétitives et de les assembler à partir de seulement deux types de colonnes.
L’aménagement paysager fait partie intégrante du projet de “ville éponge” de Zhuhai, qui vise la perméabilité naturelle, le stockage et la réutilisation d’au moins 70 % des eaux de pluie de la ville, en utilisant la fore et la faune aquatiques pour fltrer naturellement les substances polluantes. Les capteurs d’humidité à l’intérieur du système d’irrigation contrôlent et réduisent la consommation d’eau.
Le double vitrage de l’enveloppe est optimisé pour les performances thermiques et protégé par la toiture en treillis qui intègre des panneaux d’aluminium perforé pour la protection solaire. La taille des perforations des panneaux varie afn que les espaces intérieurs puissent bénéfcier de différents degrés d’ensoleillement en fonction des besoins de programmation, de l’orientation et de l’apport solaire. Les systèmes de surveillance de la consommation d’énergie et de la qualité de l’air intérieur, dotés de contrôle intelligent, assurent un confort optimal et réduisent la consommation d’énergie dans les espaces intérieurs. La récupération de la chaleur résiduelle permet de répondre aux besoins en eau chaude avec des appareils économes en eau reliés au système de recyclage de l’eau.
Integrando tre distinte istituzioni culturali per la città (un Centro per le arti dello spettacolo con un Gran Teatro da 1200 posti e un teatro Black Box multifunzionale da 500 posti a scomparsa, un Centro scientifco interattivo e un Museo d’arte), ciascuna sede all’interno del Centro per le Arti civiche di Zhuhai Jinwan, il complesso incorpora caratteristiche uniche che creano diverse esperienze, ma tutte unite da una logica formale e strutturale coerente che si estende per 170 m di larghezza da est a ovest e 270 m di lunghezza da nord a sud. Disposti simmetricamente lungo un asse centrale, gli edifci sono collegati da una piazza centrale che funge da foyer esterno condiviso. Facendo eco alle formazioni a cuneo degli uccelli migratori che volano sulla Cina meridionale, le tettoie in acciaio a traliccio che proteggono ogni edifcio sono confgurate attraverso la ripetizione, la simmetria e la variazione di scala per ottimizzare la prefabbricazione, il preassemblaggio e l’uso della costruzione modulare. La caratteristica struttura del tetto unisce le diverse sedi sotto una rete di gusci reticolati che avvolgono le quattro ali del centro. Ponti e vuoti interconnessi creano una piazza pubblica a più livelli nel cuore del Centro con vista sugli interni e sulle passeggiate circostanti con i loro caffè, ristoranti e strutture educative.
L’interno del Grand Theatre continua la composizione della tettoia esterna del centro con la posizione e l’angolazione dei pannelli del sofftto ottimizzati come rifettori del suono. Il Museo d’Arte adatta le geometrie del tetto per incorniciare l’atrio principale che fornisce luce naturale all’interno e allo stesso tempo crea una superfcie verticale continua per esporre le opere d’arte. Fondendo architettura ed esperienza espositiva, un nastro bianco continuo, che costituisce la circolazione verticale e il percorso espositivo del museo, è la sua caratteristica distintiva.
L’interno dello Science Centre traduce la geometria del tetto per evidenziare l’innovazione scientifca con mostre interattive. L’aula magna è progettata per dimostrazioni pubbliche di esperimenti e scoperte scientifche.
Il podio dello Zhuhai Jinwan Civic Art Center defnisce un’isola all’interno del lago ZhongXin. Rampe pedonali e tunnel invitano i visitatori ad attraversare la superfcie del lago fno alla piazza pubblica centrale del podio, dove le passerelle si collegano attraverso i vuoti a ciascuna sede. Le facciate vetrate riparate dalla tettoia modulare forniscono trasparenza e accolgono la comunità locale sulle passerelle in riva al lago e sulle piazze sotto l’ampia struttura del tetto. Un anfteatro esterno sul lato ovest consente spettacoli e attività all’aperto.
Costruito in cemento, il centro è composto da cinque edifci strutturalmente separati, ciascuno con la propria tettoia esterna autoportante in acciaio. Supportate da sole 22 colonne, queste tettoie in acciaio a forma libera sono composte da geometrie simmetriche per consentire la pre-fabbricazione delle loro strutture modulari e ripetitive e assemblate solo da due diversi tipi di colonne.
Il progetto paesaggistico è elemento integrante dell’iniziativa “città spugna” di Zhuhai che mira alla permeazione naturale, allo stoccaggio e al riutilizzo di almeno il 70% dell’acqua piovana della città utilizzando fora e fauna acquatiche per fltrare naturalmente i contaminanti. I sensori di umidità all’interno del sistema di irrigazione controllano e riducono il consumo di acqua.
I vetri a doppio isolamento dell’involucro sono ottimizzati per le prestazioni termiche e protetti dalla tettoia a traliccio che incorpora pannelli in alluminio perforato per la schermatura solare. Le perforazioni all’interno dei pannelli variano di dimensione per consentire diversi gradi di luce solare all’interno in base alle esigenze di programmazione, all’orientamento e al guadagno solare. I sistemi di monitoraggio del consumo energetico e della qualità dell’aria interna con controllo intelligente regolano automaticamente gli ambienti interni per un confort ottimale e una riduzione dei consumi energetici. Il recupero del calore di scarto è utilizzato per soddisfare la domanda di acqua calda con apparecchi per il risparmio idrico collegati al sistema di riciclaggio dell’acqua.
Integrating three distinct cultural institutions for the city (a Performing Arts Centre with a 1200-seat Grand Theatre and a 500-retractable-seat multifunctional Black Box theatre; an interactive Science Centre; and an Art Museum) each venue within the Zhuhai Jinwan Civic Arts Centre incorporates unique characteristics that create differing visitor experiences, yet all are united by a coherent formal and structural logic that spans 170 m wide from east to west and 270 m long from north to south.
Arranged symmetrically on a central axis, the two larger and two smaller venues are connected by a central plaza that serves as a shared external foyer.
Echoing the chevron patterns of migratory birds fying in formation over southern China, the latticed steel canopies sheltering each venue are confgured through repetition, symmetry and scale variation to optimise pre-fabrication, pre-assembly and the use of modular construction.
The distinctive roof structure unites the different venues under a network of reticulated shells that envelop the four wings of the centre. Interconnecting bridges and voids create a multi-layered public plaza at the heart of the centre with views to the interiors as well as to the surrounding promenades with their cafés, restaurants and educational facilities.
The Grand Theatre’s interior continues the composition of the centre’s external roof canopy with the location and angle of ceiling panels optimised as sound refectors.
The Art Museum adapts the chevron geometries of the roof to frame the main atrium which provides natural light to the museum while at the same time creating a continuous vertical surface to display artworks. Merging architecture with exhibition experience, a continuous white ribbon of museum’s vertical circulation and exhibition route is its defning feature.
The Science Centre’s interior also translates the geometry of the centre’s roof to showcase scientifc innovation with interactive exhibits.
The lecture hall is designed for public demonstrations of sci-
entifc experiments and discovery.
Zhuhai Jinwan Civic Art Centre’s podium defnes an island within ZhongXin Lake. Pedestrian ramps and tunnels invite visitors to cross the lake’s surface to the podium’s central public plaza where footbridges connect through voids to each venue. Glazed façades sheltered by the modular roof canopy provide transparency and welcome the local community onto lakeside boardwalks and plazas beneath the sweeping roof structure. An external amphitheatre on the west side allows for outdoor performances and activities.
Constructed in concrete, the centre consists of fve structurally separate buildings, each with its own self-supporting external steel canopy. Supported by only 22 columns, these free-formed steel roof canopies are composed of symmetrical geometries to enable their modular, repetitive structures to be fabricated off-site and assembled from only two different column types.
The landscaping is an integral element within Zhuhai’s “sponge city” initiative that targets the natural permeation, storage and re-use of at least 70% of the city’s rainwater using aquatic fora and fauna to naturally flter contaminants. Humidity sensors within the irrigation system control and reduce water consumption.
The double-insulated glazing of the envelope is optimized for thermal performance and protected by the latticed roof canopy which incorporates perforated aluminum panels for solar shading. The perforations within the panels vary in size to allow differing degrees of sunlight within the interior spaces in accordance to their programming requirements, orientation and solar gain.
Energy consumption and indoor air quality monitoring systems with intelligent control automatically adjust the interior environments for optimal comfort and energy reduction. Waste heat recovery is used to meet the hot water demand with water-saving appliances connected to the water recycling system.
Interior Contractor: Shenzhen Weiye Decoration Group
Leap Home – Frame Chamois (AO), Italy
Leap Factory
Nel mondo delle costruzioni le consuetudini operative rappresentano un forte freno ai processi d’innovazione tecnologica e di sperimentazione sui materiali. Se, dunque, da un lato la realtà del cantiere sembra riprodursi uguale a se stessa da tempo immemore, dall’altra anche la mentalità degli utenti stenta a concepire l’architettura come un’espressione dello spirito del proprio tempo.
Leap Factory ha sviluppato progetti in ambienti estremi, lontani dall’ordinario, dove i dati del contesto risultano condizionanti: i territori dell’alta quota o delle regioni polari, sganciati da qualsiasi rete infrastrutturale. Il know-how maturato in questi contesti, basato sulla totale codifcazione del processo costruttivo, sulla prefabbricazione integrale e su una logistica di montaggio ottimizzata, viene trasferito nel processo progettuale e produttivo destinato anche ai contesti ordinari.
L’ambizione è rivoluzionare l’idea del cantiere e dei suoi tempi lunghi e indefniti: esso diventa un luogo di semplice e ordinato assemblaggio, dove i componenti arrivano in un kit che, come fosse un Meccano, può essere montato in base a semplici istruzioni in poche settimane di operatività. Il concetto di prefabbricazione integrale dei componenti, realizzati a controllo numerico, è esteso anche agli impianti, agli allestimenti e agli arredi integrati.
Tra l’estate del 2018 e l’autunno del 2023 Leap progetta e costruisce tre esemplari del modello “Frame” nel borgo montano di Chamois, in Valtournenche (AO), destinati ad abitazione privata. Posto a 1815 metri di quota, Chamois è un caso pressoché unico in Italia di Comune in cui è precluso l’accesso alle auto-
mobili. Raggiungibile solo a piedi o in funivia dal fondovalle, posizionato su un soleggiato balcone naturale che schiude la vista su un vasto settore dell’arco alpino, il borgo è vivacemente abitato ed ottimamente conservato.
L’accessibilità limitata ai mezzi motorizzati si rifette anche sulla logistica dei lavori edili in sito: tutte le componenti costruttive e allestitive sono state trasportate unicamente tramite una funivia e piccoli dispositivi di movimentazione e sollevamento. Viene qui presentato l’esemplare “Chamois 2”, realizzato durante l’estate 2022 in circa otto settimane di lavoro: la casa si articola per 137 m2 complessivi su due piani, a partire da un grande soggiorno a doppia altezza, una cucina e tre camere da letto, organizzati intorno a un nucleo centrale di servizio che ospita le scale, la cucina e un bagno per ogni piano.
La struttura portante è realizzata in legno microlamellare di faggio e carpenteria metallica; l’involucro in pannelli sandwich compositi e serramenti in larice; i rivestimenti esterni sono costituiti da scandole d’alluminio preverniciato in fnitura antracite goffrata e doghe in larice al naturale.
Gli allestimenti interni e gli arredi, completamente realizzati su misura ed integrati alla struttura e alle pareti, sono realizzati con pannelli nobilitati montati a secco.
Grazie alla logica combinatoria degli elementi, tra le numerose confgurazioni possibili, la soluzione ha preso forma con grandi vetrate che incorniciano il paesaggio, mentre il caratteristico proflo a capanna della costruzione ne rende rassicurante la percezione di manufatto contemporaneo all’interno del contesto ambientale e costruito preesistente.
Dans le monde de la construction, les habitudes de travail représentent un frein important aux processus d’innovation technologique et au développement de nouveaux matériaux. Donc, si d’une part la réalité du chantier semble se reproduire depuis des temps immémoriaux, d’autre part la mentalité des usagers peine elle aussi à concevoir l’architecture comme une expression de son temps. Au fl du temps, Leap a acquis de l’expérience en développant des projets dans des milieux extrêmes, loin de l’ordinaire, où les données du contexte sont déterminantes : territoires de haute altitude ou régions polaires, isolés de tout réseau d’infrastructure.
Le savoir-faire acquis dans ces contextes, basé sur la codifcation totale du processus de construction, sur la préfabrication intégrale et sur l’optimisation de la logistique d’assemblage, est transféré au processus de conception et de production également destiné aux contextes ordinaires.
L’ambition du processus de Leap Factory est de révolutionner l’idée même de chantier et ses délais longs et indéfnis : il devient un simple lieu d’assemblage ordonné, où les composants arrivent en kit qui, tel un Meccano, peut être monté en quelques semaines seulement à partir d’instructions simples.
Le concept de préfabrication intégrale des composants, réalisés par contrôle numérique, s’étend également aux systèmes, aux accessoires et à l’ameublement intégré. Entre l’été 2018 et l’automne 2023, Leap a conçu et construit trois exemplaires du modèle “Frame” à Chamois, un village de montagne en Valtournenche (Vallée d’Aoste), destinés à la résidence privée.
Situé à 1815 mètres d’altitude, Chamois est un cas presque unique en Italie de commune où l’accès aux voitures est interdit. Accessible uniquement à pied ou en téléphérique depuis le fond de la vallée, situé sur un balcon naturel et ensoleillé qui donne sur une vaste portion des Alpes, le village est animé et très bien conservé.
La limitation de l’accès aux véhicules à moteur se refète également dans la logistique des travaux de construction sur le site: toutes les parties de construction et d’aménagement n’ont été transportées que par téléphérique et par de petits engins de manutention et de levage.
Voici l’exemplaire Chamois 2, construit durant l’été 2022 en à peu près huit semaines de travaux : la maison couvre une surface totale de 137 m2 sur deux niveaux, à commencer par un grand séjour à double hauteur, une cuisine et trois chambres à coucher, organisés autour d’un noyau central qui abrite l’escalier, la cuisine et une salle de bain à chaque étage.
La structure porteuse est réalisée en bois de hêtre micro-lamellé et charpente métallique ; l’enveloppe est constituée de panneaux sandwichs composites et de chambranles en mélèze ; le revêtement extérieur est constitué de panneaux en aluminium prépeints avec une fnition gaufrée anthracite et de lattes en mélèze naturel.
L’aménagement intérieur et le mobilier, entièrement réalisés sur mesure et intégrés à la structure et aux murs, sont réalisés en panneaux mélaminés montés à sec.
Grâce à la combinaison logique des éléments, parmi les nombreuses confgurations possibles, la solution a pris forme avec de grandes fenêtres qui encadrent le paysage, tandis que le profl caractéristique en pignon fait que ce bâtiment contemporain est perçu comme rassurant dans le contexte bâti et environnemental préexistant.
Project and Construction: Leap Factory (www.leapfactory.it)
Surfaces for interior: Cleaf
Outmoded operating methods really hold back processes of technological innovation and experimentation into different materials. So, while, on the one hand, building work seems to have been going on since time immemorial, on the other hand, on the other hand users struggle to see architecture as an expression of the spirit of the age.
Over time, Leap has gained experience developing projects in extreme out-of-the-ordinary environments highly infuenced by data from the surroundings: high-altitude settings and polar regions disconnected from any infrastructural network.
Know-how gained in these settings based on the complete coding of the construction process, total prefabrication and optimised assembly logistics is transferred to the design/manufacturing process in ordinary settings.
Leap Factory’s process is aimed at revolutionising the idea of building work and the (often unknown) time it takes: it is envisaged as a place of simple and orderly assembly processes, whose components come in a kit, which, like Meccano, can be assembled according to simple instructions in just a few weeks’ work.
The concept of totally prefabricated components, manufactured by means of numerical control, also extends to the systems, fttings and integrated furnishings.
Between the summer of 2018 and the autumn of 2023, Leap designed and built three examples of its “Frame” design in the mountain village of Chamois in Valtournenche (Aosta) for the purposes of private housing.
Located at an altitude of 1815 metres, Chamois is an almost unique case in Italy of a town that has banned cars. It can only be reached on foot or by cable car from the bottom of the valley. Set on a sunny natural balcony with a view across a vast expanse of the Alpine chain, the village is lively and well-kept. Limited access for motor vehicles is also refected in the logistics of the on-site building work: all the construction/ftting components were transported solely by cable car and small manoeuvring/lifting devices.
Here we have a presentation of the exemplary “Chamois 2” built during the summer of 2022 after about eight weeks’ work: the house covers a total of 137 m2 over two foors, starting with a large double-height living room, a kitchen and three bedrooms set around a central utilities core accommodating the stairs, kitchen and a bathroom on each foor.
The load-bearing structure is made of micro-lamellar beech wood and metal carpentry; the shell is made of composite sandwich panels and larch frames; the external cladding consists of pre-painted aluminium shingles with an embossed anthracite fnish and natural larch slats.
The interior fttings and furnishings, completely made-to-measure and integrated into the main structure and walls, are made of dry-mounted melamine panels.
Due to the combinatory way in which the elements can be assembled, one of the many possible confgurations features large windows framing the landscape, while the distinctive gabled profle of the building’s hut-style design makes it reassuringly perceived as a modern-day artefact in a pre-existing environmental setting/builtscape.
Photo: Andrea Gallo
1st floor plan
Ground floor plan
Facade
Cross section
Universidad de Psicología y Logopedia
Malaga, Spain
Llps arquitectos
Ce projet architectural présente une nouvelle conception contextuelle en adhérant étroitement à la parcelle faisant l’objet de l’intervention, ce qui résout l’aspect urbain de l’extension du campus Teatinos. En outre, il propose une solution radicale consistant à diviser le programme en deux corps : un corps suspendu, en céramique blanche et hermétique, abritant l’enseignement, la recherche et les activités de la faculté, et un corps vitré et perméable en contact avec le sol, accueillant toutes les fonctions publiques de la faculté. C’est ainsi que naît l’idée d’un grand arbre ou d’une forêt architecturale, dont les branches abritent l’enseignement et la formation.
Par conséquent, le complexe immobilier s’adapte parfaitement au contour en retrait de la parcelle sur son versant sud-ouest, ce qui permet de libérer de l’espace et de reproduire, à l’échelle du bâtiment, les mêmes caractéristiques et les mêmes solutions urbaines que sa géométrie urbaine.
La parcelle se compose de deux parties bien distinctes: la partie est, à travers un pavillon transparent abritant les espaces communs du programme, et la partie ouest, qui comprend les espaces récréatifs couverts à l’extérieur. Ces espaces sont reliés par un grand jardin lumineux non couvert qui relie la partie extérieure couverte à la partie intérieure vitrée de toute la surface d’accès. La partie surélevée du bâtiment accueillera le développement du reste des installations didactiques du programme, telles que les salles de cours, les salles de conférence, les laboratoires de recherche et les bureaux des enseignants.
La particularité du revêtement extérieur de cette forêt est d’imiter les feuilles d’un arbre qui, en se bougeant avec le soleil, captent différentes caractéristiques et natures de lumière, générant un ensemble de sensations lumineuses et d’aspects matériels allant de l’aspect naturel à des tons plus métalliques, parfois même semblables à ceux de la pierre, selon la lumière du soleil. Ainsi, l’ensemble des céramiques ressemble à un muscle qui se contracte et se dilate, pour maintenir l’équilibre de l’ensemble du corps du bâtiment, comme s’il s’agissait de la peau d’un serpent. Cet univers de lumières a été obtenu grâce à un travail minutieux et technologique réalisé en usine et à des essais de morphologie concave et de développement d’émaux mats liés à la géométrie fnale et à ses joints. Ce bâtiment de 9,5 m, compact et surélevé, se ferme sur l’extérieur et, en même temps, s’ouvre sur l’intérieur grâce à des cours distribuées uniformément dans tout le bâtiment, ce qui organise l’espace et offre une grande fexibilité dans la distribution des programmes. Ainsi, l’espace intérieur est traversé par ces murscours lumineux, offrant des conditions d’éclairage naturel et d’utilisation bioclimatique à l’ensemble du bâtiment. L’ensemble du complexe est traversé par des cours-murs légères qui relient le niveau inférieur couvert et extérieur au niveau supérieur ouvert sur le ciel, favorisant ainsi tous les courants de convection et les conditions climatiques que présente le sud de l’Espagne.
La proposta architettonica presenta una nuova concezione contestuale aderendo strettamente al lotto oggetto di intervento, risolvendo questa area urbana per l’ampliamento del Campus. Inoltre, propone la soluzione radicale di dividere il programma in due corpi: uno sospeso, in ceramica bianca ed ermetico, che ospita attività didattiche, di ricerca e di facoltà, e un corpo vetroso e permeabile a contatto con il suolo, che ospita tutte le funzioni pubbliche della Facoltà. Emerge così l’idea di un grande albero o foresta architettonica, tra i cui rami avviene l’insegnamento e l’apprendimento.
Di conseguenza, il complesso edilizio si adatta perfettamente al perimetro arretrato del lotto sul suo versante sud-occidentale, elevandosi per liberare spazio e riprodurre, con la scala dell’edifcio, le stesse caratteristiche e soluzioni urbane della sua geometria urbanistica. Il lotto è costituito da due parti chiaramente differenziate: la parte orientale, attraverso un padiglione trasparente di altezza che ospita le aree comuni del programma, e la parte occidentale, comprendente le aree di relazione esterne coperte. Tali ambienti sono collegati da un ampio giardino luminoso scoperto che collega la parte esterna coperta con quella interna vetrata dell’intera metratura di accesso. La parte sopraelevata dell’edifcio ospiterà lo sviluppo delle restanti funzioni didattiche del programma, come aule, seminari, laboratori di ricerca e uffci della facoltà. Lo scopo del rivestimento esterno con questa foresta è quello di emulare le foglie di un albero che, muovendosi con il sole, catturano diverse qualità e natura della luce, generando un crogiolo di sensazioni e aspetti luminosi e materici che vanno dall’aspetto naturale smaltato a quello più metallico o anche toni pietrosi nei momenti di luce solare tangente. In questo modo l’insieme delle ceramiche assomiglia a un muscolo che si contrae e si espande, mantenendo l’equilibrio dell’intero corpo edilizio, come fosse la pelle di un serpente. Questo universo di luci è stato realizzato attraverso un attento e tecnologico lavoro in fabbrica e prove di morfologia concava e sviluppo di smalti opachi in concomitanza con la geometria fnale e le sue stuccature. Il bordo di 9,5 metri, compatto e rialzato si chiude verso l’esterno e, allo stesso tempo, si apre verso l’interno attraverso cortili distribuiti uniformemente in tutto l’edifcio, organizzando lo spazio e offrendo grande fessibilità nella distribuzione del programma. Pertanto, lo spazio interno è perforato da queste leggere pareti-cortile, che forniscono condizioni di illuminazione naturale e utilizzo bioclimatico all’intero edifcio. L’intero programma è attraversato da leggeri muri-cortile che collegano il livello inferiore coperto ed esterno con il livello superiore aperto verso il cielo, favorendo tutte le correnti convettive e le condizioni climatiche che il clima del Sud della Spagna presenta.
The architectural proposal presents a new contextual conception by closely adhering to the plot subject to intervention, resolving this urban area of the Campus Extension. Furthermore, it proposes a radical solution of dividing the program into two bodies: one suspended, white ceramic and hermetic, housing teaching, research, and faculty activities, and a glassy and permeable body in contact with the ground, hosting all the public functions of the Faculty. Thus, the idea of a large architectural tree or forest emerges, where teaching and learning take place among its branches.
Consequently, the building complex perfectly adapts to the setback perimeter of the plot on its southern-western slope, rising to free up space and reproduce, with the scale of the building, the same characteristics and urban solutions of its urban planning geometry.
The release of the plot consists of two clearly differentiated parts: the eastern part, through a transparent pavilion of a height housing the common areas of the program, and the western part, including the covered outdoor relationship areas. These areas are connected by a large uncovered light garden that links the covered exterior part with the glazed internal part of the entire access floor area. The elevated part of the building will host the development of the rest of the teaching uses of the program, such as lecture halls, seminars, research laboratories, and faculty offices.
The purpose of the exterior cladding of this forest is to emulate the leaves of a tree that, moving with the sun, capture different qualities and natures of light, generating a crucible of sensations and luminous and material aspects ranging from natural glazed appearance to more metallic or even stone-like tones at moments of tangents of sunlight. In this way, all the ceramics together resemble a muscle that contracts and expands, maintaining the balance of the entire building body, as if it were the skin of a snake. This universe of lights was achieved through careful and technological work in the factory and trials of concave morphology and development of matte enamels in conjunction with the final geometry and its grouting. The 9.5-meter, compact, and elevated edge closes to the outside and, at the same time, opens to its interior through courtyards distributed evenly throughout the building, organizing the space and providing great flexibility in program distribution.
Thus, the interior space is pierced by these light courtyard-walls, providing natural lighting conditions and bioclimatic utilization to the entire building. The entire program is crossed by light courtyard-walls that connect the covered and exterior lower level with the upper level open to the sky, promoting all convection currents and climatic conditions that the climate of the South of Spain presents.
Moshe Katz a fondé son agence d’architecture en 2017 en Israël.
Il fournit des services de développement de projets, de planification architecturale aux investisseurs privés et aux entreprises, des services de planification et de conception pour des agences d’architecture internationales, de l’étude conceptuelle à la planification détaillée et aux concours.
“Plutôt qu’un architecte classique, je me considère comme un artiste ayant une approche multidisciplinaire et créative en dehors des sentiers battus. Fort d’une longue expérience internationale en matière de conception architecturale, de planification conceptuelle et de développement de projets, j’ai eu la chance de pratiquer, d’enseigner et de jouer un rôle majeur dans des activités professionnelles qui nécessitaient un haut niveau de perspective et d’imagination.” Moshe Katz
Moshe Katz ha fondato il suo studio di architettura nel 2017 in Israele.
Fornisce servizi di sviluppo di progetti e pianificazione architettonica per investitori privati e aziendali. Servizi di pianificazione e progettazione per studi di architettura internazionali dal disegno concettuale alla progettazione dettagliata e concorsi.
“Invece di essere un architetto classico, mi considero un artista con un modo di pensare creativo multidisciplinare e fuori dagli schemi. Con una vasta esperienza internazionale nella progettazione architettonica, nella pianificazione concettuale e nello sviluppo di progetti, ho avuto la fortuna di esercitare, insegnare e svolgere un ruolo di leadership in iniziative professionali che richiedevano alti livelli di immaginazione e visione.”. Moshe Katz
Moshe Katz founded his architect office in 2017 in Israel.
He provides services of project development, architectural planning for private and corporate investors. Planning and design services for international architecture studios from conceptual design to detailed planning and competitions.
“Instead of being a classical architect I consider myself to be an artist with a multidisciplinary ‘out-of-the-box’ ways of creative thinking. With extensive international experience in architectural design, conceptual planning, and project development, I was fortunate to practice, teach and play a leadership role in professional ventures that required high levels of imagination and vision. Consistently inspired by the new creative and innovative synergies.” Moshe Katz
Dancing Space
Santo Domingo, Dominican Republic
Dancing Space est un complexe de développement urbain de 55000 m 2 situé dans le centreville de Saint-Domingue, sur l’un des principaux boulevards de la ville, Av. 27 Février. Une tour de 40 étages représente le Premier Danseur ou la Fleur car se développe à partir du rez-dechaussée avec ses courbes et ses volumes fuides et sensuels. L’autre tour (de 25 étages) représente la fgure masculine, et renforce la synergie entre elles. Ce projet a été développé à partir d’une interprétation de l’identité, des signes et des symboles locaux. Les couleurs, les textures et la nature, ainsi que les danses traditionnelles, sont toutes devenues des volumes et des espaces architecturaux. L’idée principale était de reconnecter la ville et le centre-ville aux particularités locales, de les faire revivre et de réintégrer la nature dans la ville. Le langage stylistique du projet s’inspire de la nature unique de l’île, de ses structures et de ses formes..
Sur le toit végétalisé et urbain, une promenade entre installations pop up et agriculture urbaine, une petite “forêt” sur le toit créée à partir d’une sélection de plantes locales. www.moshekatz.net
Dancing Space
Santo Domingo, Dominican Republic
Dancing Space è un complesso di sviluppo urbano di 55.000 m2 nel centro di Santo Domingo, in uno dei viali principali della città, Av. 27 Febbraio. Una torre di 40 piani rappresenta la Ballerina o Fiore principale poiché si sviluppa dal piano terra con le sue curve e volumi liberi e sensuali. L’altra torre (25 piani) rappresenta la fgura maschile, rafforzando la dinamica tra loro.
Questo progetto si è sviluppato come risultato di un’interpretazione dell’identità, dei segni e dei simboli locali. I colori, le texture e la natura, insieme alle danze tradizionali, sono diventati volumi e spazi architettonici. L’idea principale era ricollegare la città e il suo centro alle qualità locali, riportarli in vita, riportare la natura in città. Il linguaggio del progetto è stato ispirato dalla natura unica dell’isola, dalle strutture e dalle forme.
Sul tetto verde urbano, una passeggiata tra installazioni pop up e agricoltura urbana, una piccola “foresta” pensile crea una combinazione di vegetazione locale.
Dancing Space is a 55,000 m2 urban development complex in the downtown area of Santo Domingo in one of the main boulevards of the city, Av. 27 Febrero. One 40-foor tower represents the main Dancer or Flower as it develops from the ground foor with its free, sensual curves and volumes. The other tower (25 foors) represents the male fgure, strengthening the dynamics between them.
This project developed as a result of an interpretation of the local identity, signs and symbols. The colors, textures, and nature, together with the traditional dances, all of which became volumes and architectural spaces. The main idea was to re-connect the city and downtown area to local qualities, bring them back to life, bring nature back into the city.
The design language was inspired by the unique nature of the island, the structures and shapes.
On the green urban roof, a promenade between pop up installations and urban farming, a small roof “forest” made a combination of local vegetation.
1st floor plan
2nd floor plan / roof park Roof floor plan
Typical floor plan – residence
Eternal Bloom Eco-City
Varna, Bulgaria
Le complexe écocité Eternal Bloom, d’une superfcie de 200 000 m2, s’inspire de la richesse de la nature, des couleurs et de la faune locales, en fxant le plus beau moment de la nature (la foraison), où la structure dynamique s’ouvre vers le ciel, et met en valeur la lumière, la richesse des couleurs et des textures. Trois dômes de verre accueillent des activités commerciales et récréatives (ouvertes 24 heures sur 24, 7 jours sur 7, tous les jours de l’année). Les hôtels et les résidences, le lac central en tant que “square d’eau”, les parcs culturels et les jardins avec des activités en plein air, donnent tous sur la mer. Le projet est celui d’une ville verte et intelligente avec des espaces polyvalents destinés aux habitants et aux visiteurs de la ville de Varna. Les lignes courbes des bâtiments s’ouvrent vers le ciel comme le ferait une feur au moment de son éclosion, les couleurs vives et les textures s’inspirent de la richesse de la nature et de la faune bulgares. L’écocité comme tout le complexe sont construits autour d’un lac central où se déversent des rivières qui relient l’ensemble du site par des sentiers publics au bord de l’eau. Le concept est une combinaison des expressions magiques de la nature, de l’ancienne culture locale et du langage formel des bâtiments. Actuellement, le projet est encore en cours de développement et de planifcation, dans l’attente des différentes approbations.
Il complesso eco-urbano Eternal Bloom di 200.000 m2 si ispira alla ricca natura, ai colori e alla fauna locale. Congelando il momento più bello della natura (foritura), dove la struttura dinamica si apre verso il cielo, enfatizzando la luce, i colori e le trame. Tre cupole di vetro ospitano funzioni commerciali/ricreative (aperte 24 ore su 24, 7 giorni su 7, 365 giorni l’anno). Hotel e residence, lago centrale come “piazza d’acqua”, parchi e giardini culturali con attività a cielo aperto, sono tutti affacciati sul mare. Il progetto è una città verde e intelligente con spazi a uso misto per la popolazione locale e i visitatori della città di Varna. Le linee curve degli edifci si aprono verso il cielo come farebbe qualsiasi fore nel suo sbocciare. i colori vivaci e le trame si ispirano alla ricca natura e fauna bulgara. La città e l’intero complesso sono costruiti attorno a un lago centrale dove scorrono fumi, collegando tutto il sito con percorsi pubblici lungo l’acqua. Il concetto è una combinazione tra le espressioni magiche della natura, l’antica cultura locale e il linguaggio edilizio. Il progetto è attualmente ancora in fase di sviluppo e pianifcazione, in attesa di diverse approvazioni.
Eternal Bloom
Eco-City Varna, Bulgaria
Eternal Bloom 200,000 m2 eco-city complex is inspired by the local rich nature, colors, fauna. Freezing the most beautiful moment in nature (bloom) where the dynamic structure opens towards the sky, emphasizing the light, rich colors and textures. Three glass domes host commercial/recreation purposes (open 24/7x365 days). Hotels and residences, central lake as “water square”, cultural parks and gardens with open sky activities, are all facing the sea. The project is a green, smart city with mixed used spaces for the local and visitors from Varna city. The curved lines of the buildings open towards the sky as any fower would in its bloom. the vivid colors and textures are inspired by the rich Bulgarian nature and fauna. The city and the whole development id built around a central lake with rivers fowing, connecting all the site with waterside public paths. The design concept is a combination between natures magical expressions and the ancient local culture and building design language. The project is currently still in development and planning phases, awaiting different approvals.
Sandstone Residences
Softades Beach, Larnaca, Cyprus
Le projet concerne un complexe innovant de 200 appartements avec théâtre/cinéma ouvert, jardin viticole, parc lumineux, spa Zen Garden, zones commerciales avec restaurants et plage privée.
Les pierres en tant que bâtiments superposés et l’effet qu’elles créent autour d’elles ont été le principal concept qui a inspiré la conception de l’ensemble du complexe. Le paysage et l’aménagement naturel ont eux aussi repris le même concept comme expression fondamentale du site, avec des espaces ouverts pour wine-beer-garden, une forêt avec ses installations lumineuses, un jardin écologique où sont cultivés des fruits et des légumes naturels, un théâtre et un cinéma en plein air avec d’immenses espaces verts pour différentes activités de jour comme de nuit. Les bâtiments sont tous situés autour de piscines principales et de bassins d’eau/jardins qui soulignent le concept principal du projet, et se prolongent également dans le bâtiment et son intérieur. Les ouvertures, les éléments architecturaux et les décorations sont tous issus du monde des pierres et des rochers et de l’effet qu’ils produisent sur l’eau. Le complexe dispose d’une plage et d’une promenade privées.
La natura diventa spazio: l’idea dell’architettura come pietre posate sul campo che creano increspature ed echi dell’acqua, che poi diventano spazi. Le pietre come edifci posti uno sopra l’altro e l’effetto che creano intorno a loro è stato il concetto principale con cui è stata realizzata la progettazione dell’intero complesso. Anche il paesaggio e lo sviluppo naturale hanno assunto lo stesso concetto come espressione fondamentale del sito con aree aperte per wine-beer garden, foresta con installazioni luminose, un eco-giardino dove vengono coltivate frutta e verdura biologica naturale, un teatro e un cinema all’aperto con i suoi enormi spazi verdi per diverse attività diurne e notturne. Gli edifci sono tutti situati attorno alle piscine principali e alle increspature dell’acqua/giardino che sottolineano il concetto progettuale principale, che prosegue anche al’interno. Le aperture, gli elementi architettonici e le decorazioni provengono tutti dal mondo delle pietre e delle rocce con il loro effetto sull’acqua. Il complesso dispone di una spiaggia privata e di un lungomare.
Nature becomes space: the idea of architecture as stones laid in the feld creating their water ripples and echoes, which then become spaces. Stones as buildings put on top of each other and the effect they create around them was the main concept with which the design of the whole complex was made. Even the landscape and natural development took the same concept as its basic expression of the site with open areas for wine-beer gardens, a forest with light installations, an eco-garden where natural organic fruits and vegetables are being grown, an openair theatre and cinema with huge green spaces for different activities day and night.
The buildings are all located around main pools and water/ garden ripples which underline the main design concept, following also in the interior. The openings and architectural elements and decorations are all coming from the world of stones and rocks with their effect on water. The complex has a private beach and promenade.
Ground
1st
Nanhai Art Center
Foshan
City, Guangdong, China
MAD Architects
Le Nanhai Art Center a trois fonctions principales : le grand théâtre, le musée et le centre de sport. Une fois achevé, il offrira aux habitants de Guangzhou et de Foshan un nouvel accès public au bord de mer, en harmonisant les caractéristiques sociales, créatives et naturelles.
Le projet se situe dans le district culturel de Nanhai, au cœur de la zone de la grande baie de Guangdong-Hongkong-Macao, un site urbain important qui relie les villes de Guangzhou et de Foshan. Ma Yansong, fondateur de MAD et autrefois artiste participant au Nanhai Art Field (le plus grand festival de land art de la ville de Foshan), a déclaré : “La culture traditionnelle de Nanhai se retrouve dans le rythme des tambours et la course des bateaux lors de la régate du festival du dragon, ainsi que dans le kung-fu de la danse du lion. En les regardant, on peut ressentir le dynamisme et l’esprit d’innovation qui l’imprègne depuis les temps anciens jusqu’à nos jours. Nous voulons le faire revivre ici dans la vie moderne.”.
Le Nanhai Art Center ressemble à une vague d’eau continue, avec trois bâtiments principaux qui se dessinent sous l’auvent fottant. L’espace semi-extérieur fusionne le paysage central du lac invitant les communautés locales à se plonger dans le paysage du bord de mer.
Le projet est de construire un environnement spirituel en créant un axe visuel harmonieux vers le lac. Les programmes fonctionnels sont prévus de part et d’autre de l’axe central. La surface totale du Grand Théâtre et du Musée est d’environ 89 269 m2, où le Grand Théâtre comprend un amphithéâtre de 1 500 places et une salle polyvalente de 600 places, pour une multitude de spectacles et de conférences. Une fois terminé, le musée
répondra aux standards d’un musée national. Le centre de sport se trouve de l’autre côté du site, et couvre une surface brute d’environ 32 006 mètres carrés incluant des piscines, des terrains de basket-ball, de badminton et d’autres types d’espaces et d’installations sportives.
Les façades sont perméables et permettent à la nature de traverser le site pour revenir vers la ville. La plateforme paysagère sur deux niveaux s’étend vers l’extérieur, en reliant de manière naturelle le lac central, le parc riverain et l’espace urbain, réalisant ainsi un équilibre harmonieux entre la nature et l’architecture. Les espaces commerciaux sont disposés le long du lac, apportant une texture architecturale à la promenade paysagère du bord du lac. Des espaces culturels s’y succèdent. Les plateformes d’observation du deuxième étage et les patios extérieurs relient les trois parties principales, ainsi que l’espace commercial et de restauration situé en dessous, pour compléter l’expérience des visiteurs et la circulation en boucle. La zone supérieure de la plateforme sert d’espace piétonnier qui mène aux entrées des espaces culturels.
La durabilité et la réduction des émissions de carbone sont pleinement intégrées dans le projet dès le départ et forment un exemple de technologie et d’innovation dans le secteur de la construction. Sous son toit translucide réalisé en membrane ETFE, le Nanhai Arts Center intègre des solutions d’économie d’énergie, respectueuses de l’environnement, telles que la production d’énergie photovoltaïque, la récupération des eaux de pluie, et des systèmes de végétalisation vertical.
La construction du Nanhai Arts Center devrait commencer cette année et s’achever en 2029.
Il Nanhai Art Center comprende tre funzioni principali: il Gran Teatro, il Museo e il Centro sportivo. Una volta completato, fornirà ai cittadini di Guangzhou e Foshan un nuovo accesso pubblico sul lungomare, armonizzando gli attributi sociali, creativi e naturali.
Lo sviluppo è situato nel distretto culturale di Nanhai, nel cuore della Greater Bay Area di Guangdong-Hongkong-Macao, un importante sito urbano che collega le città di Guangzhou e Foshan. Ma Yansong, socio fondatore di MAD e un tempo artista partecipante al Nanhai Art Field (il più grande festival di land art nella città di Foshan), ha dichiarato: “La cultura tradizionale di Nanhai è nel ritmo dei tamburi e nella deriva delle barche durante il festival del drago. corsa in barca e nel kung-fu nella danza del leone. Guardandoli, puoi sentire lo spirito dinamico, vibrante e innovativo dai tempi antichi fno a oggi. Vogliamo riportarlo alla vita moderna qui”.
Il Nanhai Art Center ricorda un’onda d’acqua continua, con tre edifci principali che si proflano sotto la tettoia galleggiante. Il semi-esterno fonde il paesaggio centrale del lago con i programmi, invitando le comunità locali a immergersi nel paesaggio del litorale.
Il progetto intende costruire un campo spirituale creando un asse visivo coerente con il lago. I programmi sono pianifcati su entrambi i lati dell’asse centrale. La superfcie totale del Gran Teatro e del Museo è di circa 89.269 m2 su un lato dell’asse centrale, di cui il Gran Teatro comprende un anfteatro da 1.500 posti e una sala polivalente da 600 posti, per spettacoli di vario genere e conferenze; una volta completato, il Museo soddisferà gli standard di un museo di livello nazionale. Sul lato opposto del lotto si trova il Centro Sportivo, con una superfcie lorda di circa 32.006m 2 che ospita piscine, campi da basket, campi da badminton e altre tipologie di spazi e strutture sportive. Le facciate permeabili consentono alla natura di fuire attraverso il sito verso la città. La piattaforma paesaggistica a due piani si estende verso l’esterno, collegando organicamente il lago centrale, il parco lungo il fume e lo spazio urbano, raggiungendo un equilibrio armonioso tra natura e architettura.
Gli spazi commerciali sono posizionati lungo il lago, irradiando la struttura architettonica alla cintura paesaggistica della riva del lago.
Gli spazi culturali sono intervallati. Le piattaforme panoramiche al secondo piano e i cortili esterni collegano insieme tre funzioni principali, anche con lo spazio commerciale e di ristorazione sottostante per completare le esperienze dei visitatori e la circolazione circolare. La parte superiore della piattaforma funge da spazio pedonale che conduce agli ingressi degli spazi culturali.
La sostenibilità e la riduzione del carbonio verde sono completamente integrate nel concetto di design fn dall’inizio e formano una narrazione di tecnologia edilizia e innovazione. Sotto il tetto con struttura in membrana ETFE bianca traslucida, il Nanhai Arts Center incorpora tecnologie di risparmio energetico e rispettose dell’ambiente, tra cui la generazione di energia fotovoltaica, la raccolta dell’acqua piovana e sistemi di inverdimento verticale.
La costruzione del Nanhai Arts Center dovrebbe iniziare quest’anno ed essere completata nel 2029.
The Nanhai Art Center includes three major functions: the Grand Theatre, the Museum, and the Sports Center. When completed, it will provide the citizens of Guangzhou and Foshan with a new public gateway on the waterfront, harmonizing social, creative, and natural attributes.
The development is located in Nanhai Cultural District, the heart of the Guangdong-Hongkong-Macao Greater Bay Area, an important urban site that bridges the cities of Guangzhou and Foshan.
Ma Yansong, the founding partner of MAD and once a participating artist in the Nanhai Art Field (the biggest land art festival in Foshan City), said: “The traditional culture of Nanhai, is in the drum beat and boat drift during the dragon festival boat race and in the kung-fu in the lion dance.
Watching them, you can feel the dynamic vibrant and innovative spirit from ancient times till today. We want to bring it back to modern living here.”
The Nanhai Art Center resembles a continuous wave of water, with three main buildings looming underneath the foating sun canopy.
The semi-outdoor merges the central landscape of the lake with the programs, inviting the local communities to immerse themselves in the waterfront landscape.
The design intends to build a spiritual feld by creating a coherent visual axis to the lake. The programs are planned on both sides of the central axis. The total foor area of the Grand Theater and the Museum is about 89,269 m2 on one side of the central axis, of which the Grand Theater includes a 1,500-seat amphitheater and a 600-seat multi-purpose hall, for a variety of performances and conferences; the Museum will meet the standards of a national-level museum upon completion.
The Sports Center is located on the other side of the site, with a gross foor area of about 32,006 m 2 containing swimming pools, basketball courts, badminton courts, and other types of sports spaces and facilities.
The permeable facades allow nature to fow through the site back to the city. The two-story landscape platform extends outward, organically linking the central lake, riverfront park and urban space, achieving a harmonious balance between nature and architecture.
Commercial spaces are placed along the lake, radiating architectural texture to the lakeshore landscape belt. Cultural spaces are interspersed.
The second-foor viewing platforms and outdoor patios connect three main functions together, also with the commercial and F&B space below to complete the visitor experiences and loop circulation.
The top of the platform serves as a pedestrian space leading to the cultural spaces entrances.
Sustainability and green carbon reduction are fully integrated into the design concept from the start and form a narrative of building technology and innovation. Under the translucent white ETFE membrane structure roof, the Nanhai Arts Center incorporates energy-saving and environmentally friendly technologies, including photovoltaic power generation, rainwater collection, and vertical greening systems.
Construction of the Nanhai Arts Center is scheduled to begin in 2024 and to be completed in 2029.
Masterplan Exploded diagram
ALPI DESIGN AWARDS 2025
per informazioni: pour information: for information: arcainternational@groupep.mc segreteria@alpidesignawards.it
ALPI DESIGN AWARDS è il premio internazionale dell’Associazione ALPI+MILANO APS in partnership con l’Arca International, che vogliono assegnare un importante riconoscimento ai designer, professionisti e aziende che realizzano progetti e prodotti per la sostenibilità della Montagna.
ALPI DESIGN AWARDS est le prix international de l’association ALPI+MILANO APS qui, en partenariat avec l’Arca International, souhaite décerner une reconnaissance importante aux concepteurs, aux professionnels et aux entreprises qui réalisent des projets et des produits durables pour la montagne.
ALPI DESIGN AWARDS is the international award of the ALPI+MILANO APS Association in partnership with l’Arca International, who want to assign an important recognition to designers, professionals and companies that create projects and products for the sustainability of the mountains.
CATEGORIE – CATÉGORIES – CATEGORIES
ARCHITETTURA E AMBIENTE
• Architettura per l’Abitare e l’Accoglienza
• Architettura per il Paesaggio ed Exhibition Design
• Design per lo Sviluppo Inclusivo e Sociale
ARCHITECTURE ET ENVIRONNEMENT
• Architecture pour l’habitat et l’accueil
• Architecture pour le paysage et la conception d’expositions
• Conception pour un développement inclusif et durable
ARCHITECTURE AND ENVIRONMENT
• Architecture for Living and Hospitality
• Architecture for the Landscape and Exhibition Design
• Design for Inclusive and Sustainable Development
COMUNICAZIONE E GRAFICA
• Design per i Servizi, la Comunicazione e il Web
COMMUNICATION ET GRAPHISME
• Design pour les services, la communication et le Web
COMMUNICATION AND GRAPHICS
• Design for Services, Communication and the Web
PRODOTTO E IMPRESA
• Design e Packaging per il Food
• Design per la Persona e il Benessere
• Design per la Ricerca d’Impresa, dei Materiali, dei Sistemi Tecnologici degli Insediamenti Produttivi e della Mobilità
• Design per la Sicurezza e il Lavoro
• Design per lo Sport e Tempo Libero
PRODUIT ET ENTREPRISE
• Design et Packaging pour le food
• Design pour la personne et le bien-être
• Design pour la recherche en entreprise, matériaux, systèmes technologiques pour les installations de production et la mobilité
• Design pour la sécurité et le travail
• Design pour le sport et les loisirs
PRODUCTS AND BUSINESS
• Design and Packaging for Food
• Design for the Person and Well-being
• Design for Business Research, Materials, Technological Systems of Manufacturing Sies and Transportation
• Design for Security and Work
• Design for Sport and Leisure
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Architettura e montagna
Maurizio Vitta
Non sono molti, credo, a ricordare che il nome Dolomiti, con il quale chiamiamo una catena montagnosa delle Alpi orientali, è quello dello studioso francese che per primo ne catalogò la composizione delle rocce. Dieudonné Sylvain Guy Tancrède, Deodat de Gratet de Dolomieu fu un nobile del XVIII secolo che dedicò tutta la sua vita agli studi di mineralogia, sebbene la sua esistenza movimentata lo portasse a vivere le esperienze più svariate. Esploratore, avventuriero, uomo di mondo, scienziato, odiato dalla regina di Napoli, che lo condannò all’ergastolo, e protetto da Napoleone, egli lasciò una cospicua eredità di opere di metallurgia e, non ultima, la scoperta della natura rocciosa di quelle Alpi, che lui, per brevità, chiamò “dolomieu”. Ma “nomen omen”, come dicevano i latini. Un paio di secoli dopo Le Corbusier, un maestro dell’architettura moderna, si soffermò dinanzi alla bellezza di quelle formazioni alpestri e defnì le Dolomiti “la più bella architettura naturale del mondo”, conferendo al nome scientifco un valore d’arte.
Dolomieu e Le Corbusier rivelarono così, senza volerlo, la natura segreta della montagna. Colosso di pietra o luogo di conquista, spirito titanico o solitario abitatore di mondi lontani, essa si impose sul paesaggio tanto per la sua forza quanto per la sua grazia. Petrarca la indicò come rifugio dello spirito; Cézanne vi intravide l’immagine del mondo. Tuttavia le segrete geometrie e i nascosti equilibri delle rocce montane trovano la loro corrispondenza nei calcoli sempre più sofsticati delle costruzioni architettoniche. “La storia della natura terrestre”, ha scritto Luigi Zanzi, un insigne studioso di questi problemi, “diviene così teatro e orizzonte della formazione di ‘individualità naturali’, che si distinguono a sé nell’orizzonte del mondo. La montagna, questa meraviglia formale del disordine creativo della vita terrestre, costituisce appunto il ‘regno della individualità’”. Ma questo è, per defnizione, il destino dell’architettura: creare un’individualità laddove predomina il disordine.
L’architettura e la montagna scoprono la loro segreta identità non tanto nella loro funzione di delineare lo spazio intorno a sé, quanto nella loro nascosta forma, che dà loro una presenza viva e attiva. La montagna conferisce, insieme all’architettura, il senso dell’altezza. La torre – castello, fortino, campanile, minareto, gentilizia – fu espressione di
un potere geloso della propria superiorità e disposto a difenderla con l’oro, con le armi o con la devozione. Ma al di là della forza che l’altezza può attribuire alla costruzione, essa tenderà ad essere, come scrive Eliade, “una categoria inaccessibile all’uomo in quando tale”. L’idea di “altitudine” e quella di “superiore” rinviano al “trascendente” o al “sovrumano”. Forse è per questo che la civiltà moderna ha affdato alla fgura slanciata del grattacielo la sua immagine più viva, quella che ricorda il senso della scalata, la tensione verso l’altezza, la conquista dell’elevazione, che furono fn dal principio le sue doti. “‘L’altissimo’ diventa, nel modo più naturale, un attributo della divinità”, osserva Eliade. Naturalmente, il processo può essere invertito, come dimostrano la leggenda della torre di Babele o la distruzione delle due torri di New York. Ma la montagna o l’architettura in ogni caso non scompaiono: semplicemente vivranno nel ricordo. Più complicato è il rapporto tra la fgura architettonica della montagna e l’immagine che la montagna ha nel tempo fornito di sé. In principio furono le case basse di sperduti paesi cresciuti nelle valli o l’aristocratica povertà dei radi rifugi a testimoniarla. Poi venne la smania delle vacanze e tutto subì un mutamento. Dapprima si aprirono i grandi alberghi, poi le case in stile alpino, campi da sci e divertimenti.
Il rapporto tra architettura e montagna cambiò. La prima ha rinunciato a farsi interprete tra la natura e la cultura, accettando per lo più un puro ruolo di mercato; la seconda si è chiusa nei suoi impenetrabili segreti, indifferente alla vita che si svolge intorno a sé. La montagna, si potrebbe dire, si è ritirata nella celestialità delle sue altezze, lasciando dietro di sé una ”scala d’oro” simile a quella intravista da Dante nel Paradiso, unica via verso la salvezza.
Dolomieu affrontò la montagna riducendola in piccoli pezzi per studiarne i comportamenti scientifci. Le Corbusier la guardò da lontano, scoprendo nelle sue ombre e le sue luci il miracolo della bellezza. Ma questo gioco fra l’infnitamente piccolo e l’infnitamente grande è proprio dell’architettura. Ciò che la montagna esprime nel silenzio delle sue valli, l’architettura insegue nel mormorio dei suoi progetti. “Corro dietro a delle idee”, confessò una volta Dolomieu. Ma questo è per l’appunto il destino del progetto: inseguire un sogno nascosto nella chiusa materia.
Architecture et montagne
Maurizio Vitta
Peu de gens, je pense, se souviennent que le nom Dolomites, qui désigne une chaîne de montagnes des Préalpes orientales, est celui du savant français qui fut le premier à répertorier la composition des roches de ce massif montagneux. Dieudonné Sylvain Guy Tancrède de Gratet de Dolomieu dit Déodat de Gratet est un noble du XVIIIe siècle qui a consacré toute sa vie à l’étude de la minéralogie, bien que son existence mouvementée l’ait amené à vivre les expériences les plus disparates. Explorateur, aventurier, homme du monde, scientifque, détesté par la reine de Naples qui le condamna à la prison à vie, protégé par Napoléon, il laissa un héritage considérable fait de travaux de métallurgie et, surtout, la découverte du minéral de ce massif montagneux des Alpes qu’il appela simplement “dolomieu”, selon la locution latine “nomen [est] omen” [le nom est un présage]. Deux siècles plus tard, Le Corbusier, l’un des grands maîtres de l’architecture moderne, s’arrêta devant la beauté de ces formations alpines et qualifa les Dolomites de “plus belle architecture naturelle au monde”, conférant une valeur artistique au nom scientifque. Ainsi, sans le savoir, Dolomieu et Le Corbusier révélèrent la nature secrète de la montagne. Colosse de pierre ou lieu de conquête, esprit titanesque ou habitante solitaire de mondes lointains, elle s’impose dans le paysage autant par sa force que par sa grâce. Pétrarque y vit un refuge pour l’esprit, Cézanne y entrevit l’image du monde. Cependant, les géométries secrètes et les équilibres cachés des roches de la montagne trouvent leur correspondance dans les calculs de plus en plus sophistiqués des constructions architecturales. “L’histoire de la nature terrestre devient ainsi le théâtre et l’horizon de la formation d’‘individualités naturelles’ qui se distinguent sur l’horizon du monde” écrivait Luigi Zanzi, éminent spécialiste en la matière. “La montagne, cette merveille formelle du désordre créatif de la vie terrestre, constitue justement le ‘règne de l’individualité’”. Mais tel est, par défnition, le destin de l’architecture : créer de l’individualité là où le désordre prévaut.
L’architecture et la montagne découvrent leur identité secrète non pas tant dans leur rôle de délimitation de l’espace qui les entoure, mais plutôt dans leur forme cachée, qui leur confère une présence vivante et dynamique. La montagne donne, avec l’architecture, le sens de la hauteur. La tour – château, forteresse, campanile, minaret, noblesse – est l’expression d’un pou-
voir soucieux de sa supériorité et prêt à la défendre avec l’or, avec les armes ou la dévotion. Mais au-delà de la force que la hauteur peut donner à la construction, elle tendra à être, comme l’écrit Mircea Eliade, “une catégorie inaccessible à l’homme en tant que tel”. La notion d’“altitude” et celle de “supérieur” renvoient au “transcendant” ou au “surhumain”. C’est peut-être pour cette raison que la civilisation moderne a confé à la silhouette élancée du gratte-ciel son image la plus vivante, celle qui rappelle le sens de l’escalade, la quête de la hauteur, la conquête de la verticalité, qui ont été ses qualités dès l’origine. “Le ‘très élevé’ devient, de la manière la plus naturelle, un attribut de la divinité”, ajoute Eliade. Naturellement, le processus peut être inversé, comme le prouvent la légende de la tour de Babel ou la destruction des tours jumelles de New York. Mais la montagne ou l’architecture ne disparaissent pas pour autant : simplement, elles vivront dans le souvenir.
Le rapport entre la fgure architecturale de la montagne et l’image que la montagne a donnée d’ellemême au fl du temps est plus compliqué. Au début, ce sont les maisons basses des villages reculés apparues dans les vallées, ou la pauvreté aristocratique des rares refuges, qui en ont témoigné. Puis, l’avènement des vacances d’hiver a changé la donne. D’abord de grands hôtels sont apparus, puis des maisons de style alpin, des pistes de ski et des loisirs. Le rapport entre l’architecture et la montagne changea. L’architecture a renoncé se faire l’interprète de la nature et de la culture, en acceptant le plus souvent un simple rôle de marché, tandis que la montagne s’est enfermée dans ses secrets impénétrables, indifférente à la vie qui l’entoure. La montagne, pour ainsi dire, s’est retirée dans ses hauteurs célestes, en laissant derrière elle un “escalier d’or” semblable à celui que Dante a entrevu au Paradis, seule voie de salut.
Dolomieu s’attaqua à la montagne en la réduisant en petits morceaux pour en étudier le comportement scientifque. Le Corbusier la regarda de loin, découvrant dans ses ombres et ses lumières le miracle de la beauté. Mais ce jeu entre l’infniment petit et l’infniment grand est bien le propre de l’architecture. Ce que la montagne exprime dans le silence de ses vallées, l’architecture le poursuit dans le murmure de ses projets. “Je cours après les idées” avoua un jour Dolomieu. Mais c’est justement là le destin du projet: poursuivre un rêve caché dans la matière close.
Architecture and the mountains
Maurizio Vitta
I do not think many people are aware that the name Dolomites, which we use to refer to a mountain range in the eastern Alps, actually comes from a French scholar, who frst catalogued its rock formations. Dieudonné Sylvain Guy Tancrède, Deodat de Gratet de Dolomieu was an 18th-century nobleman who dedicated his entire life to studying mineralogy, although he also managed to live an extremely eventful life. An explorer, adventurer, man of the world and scientist (who was hated by the Queen of Naples who sentenced him to life imprisonment, but protected by Napoleon), he left a considerable legacy of metallurgical works and, not least, discovered the rocky nature of the Alps, which he, for brevity’s sake, called “dolomieu”: “nomen omen” , as the Latins used to say. A couple of centuries later, Le Corbusier, a master of modern architecture, was transfxed by the beauty of those alpine formations and called the Dolomites “the most beautiful natural architecture in the world”, adding an artistic note to its scientifc name.
So, Dolomieu and Le Corbusier unwittingly revealed the secret nature of the mountains. Stone giants or places of conquest, titanic spirits or the lonely inhabitants of distant worlds, they imposed themselves on the landscape as much by their power as by their grace. Petrarch referred to the mountains as a refuge for the spirit; Cézanne glimpsed an image of the world in them. Yet the secret geometric forms and hidden balances of mountain rocks are more reminiscent of the increasingly sophisticated computations underpinning architectural constructions. “The history of the earth’s nature,” so Luigi Zanzi wrote, a distinguished scholar of these problems, “thereby becomes the theatre and horizons for the formation of “natural individualities” that stand out for themselves on the world’s own horizon.
The mountains, formal marvels of the creative disorder of terrestrial life, actually constitute the “realm of individuality’’. But this is, by defnition, architecture’s destiny: to create individuality where disorder reigns supreme.
Architecture and mountains reveal their secret identity not so much in the way they shape the space around them, but in their hidden form, which gives them a living, active presence. The mountains, just like architecture, convey a sense of height. The tower – castle, blockhouse, bell tower, minaret – used
to be an expression of how power jealously guards its own superiority, which it is ready to defend with the help of gold, arms or devotion. But beyond the power that height can bestow on a a construction, it tends to be, as Eliade wrote, “a category inaccessible to man as such.” The idea of “height” and that of being “superior” evoke the “transcendent” or “superhuman.” Perhaps that is why modern civilisation has focused its image on the slender form of skyscrapers, conveying a sense of climbing, upwards thrust or gaining elevation, which have always been its most distinctive traits right from the beginning. “‘Great height’ naturally becomes an attribute of divinity,” so Eliade noted. Of course, the process can be reversed, as shown by the legend of the Tower of Babel or the destruction of the twin towers in New York, but the mountains or architecture never really disappear: they simply live on in memory.
The relationship between the architectural form of mountains and the image mountains themselves have projected across the ages is more complex. At frst low houses were built in remote villages in the valleys surrounded by the occasional mountain huts with its own distinctive aristocratical simplicity. Then came the holiday craze and everything changed. First came the big hotels, then alpine-style houses, ski slopes and entertainment.
The relationship between architecture and the mountains changed. The former no longer acted as an interpreter of nature and culture, for the most part accepting to server a purely marketing role; the latter shut itself away in its impenetrable secrets, indifferent to the life unfolding around it. It might be said that the mountains have retreated into the celestial realms of its great heights, leaving behind a “golden staircase” similar to the kind Dante glimpsed in Paradise, the only way to salvation.
Dolomieu tackled the mountains by breaking them down into small pieces to be studied scientifcally. Le Corbusier observed them from afar, discovering the miracle of beauty in their shadows and light. But this interplay between the infnitely small and infnitely large is distinctive of architecture. What the mountains express in the silence of their valleys, architecture pursues in the murmurs of its own designs. “I chase ideas,” Dolomieu once confessed. But that is precisely the fate of any project: to chase a dream hidden away in solid matter.
60. Biennale Arte Venezia Foreigners Everywhere
Text Jacqueline Ceresoli
Photo Paolo Emilio Sfriso
“Étrangers Partout – Foreigners Everywhere” est le titre de la 60e biennale d’art de Venise 2024, organisée par Adriano Pedrosa, à laquelle participent 43 pays, qui présente des œuvres réparties entre l’Arsenale, les Giardini et le centre historique de Venise, provenant principalement d’Amérique latine, dont beaucoup d’artistes indigènes (étrangers dans leur propre patrie), des artistes queer et des outsiders (dont le langage n’est pas conforme aux canons de l’histoire de l’art). Le pavillon israélien, gardé par deux soldats, est fermé ; la Russie, quant à elle, a cédé son pavillon à la Bolivie, sans expliquer les raisons de cette décision. Le pavillon italien, qui présente Due qui/ToHear, une installation sculpturale et sonore de Massimo Bartolini, sous la houlette de Luca Cerizza, a plu aux critiques et aux initiés, mais moins aux visiteurs. D’une manière générale, cette modalité d’exposition, propre au 19e siècle, devrait être revue, mais nous espérons que la prochaine édition sera actuelle. Près de 200 artistes sont présentés aux Giardini, 300 à l’Arsenale (dont 60 % sont morts), avec des expositions parallèles et des installations plus ou moins décoratives, de remplissage et réalisées avec différents matériaux ou accessoires usagés qui racontent des micro-histoires, des traumatismes personnels d’artistes. En fait, le sous-titre devient l’œuvre elle-même, car dans les arts visuels d’aujourd’hui, tout est idéologie et narration plutôt qu’invention; et dans cette optique, les “objets” exposés contiennent des informations sur l’actualité de notre temps, même s’ils sont mal faits ou déjà vus, ils devraient à tout le moins transcender la subjectivité de l’artiste pour devenir collectifs, ce qui n’arrive que très rarement. Trouver des œuvres “engagées”, refétant les questions liées à la crise environnementale, à la marginalisation, à l’exploitation, au racisme, au transnationalisme, au pansexualisme, etc. n’est pas nouveau, et dans cette Biennale, les peintures naïves ne suffsent pas à remédier à une situation inquiétante de l’art qui, depuis quarante ans, se concentre sur la chronique du présent, poursuivant l’actualité par mode. L’art ne peut se réduire à de simples traités d’éthique, de sociologie, de pédagogie ou de dénonciation politique, il manque une lueur d’espoir de beauté! Et dans cette perspective d’égalité globaliste, cette Biennale qui regorge d’œuvres réalisées avec des tissus et des paillettes, aux couleurs vives ou inspirées de la nature, déçoit justement parce qu’elle montre ce que nous connaissons déjà. En résumé, Adriano Pedrosa continue dans le sillage de Cecilia Alemani dans “The Milk of Dreams” (2022), de récupérer des œuvres perdues et sous-évaluées si elles sont signées par des femmes du sud du monde. Aux Giardini, se trouvent les œuvres les plus belles et les mieux présentées, inoubliables comme les Bamboos de l’artiste brésilienne Ione Saldanha, l’Arsenale, quant à lui, est plus désordonné. Les peintures post-picassiennes de Louis Fratino (New York, 1993), avec des scènes de la vie quotidienne queer, sont puissantes. L’installation du “chevalet en verre” de Lina Bo Bardi (Rome 1914 – San Paolo 1992), conçue en 1968, et exposée dans la partie dénommée Nucleo Storico Italiani Ovunque, à l’Arsenale, est encore stupéfante. Les questions liées à la fuidité des genres sont le sujet d’un grand nombre d’œuvres, Le Lion d’or pour l’ensemble de la carrière a été décerné à Anna Maria Mailino (1942. Scalea, Italie), pour une œuvre réalisée à partir de végétation et des petites sculptures. Surprenantes sont les œuvres végétales qui habillent la façade du Pavillon central, entièrement redessinée cette année, aux vives couleurs tropicales, œuvre du collectif MAHKU (Mouvement des Artistes Huni Kuin, un peuple autochtone amazonien vivant entre le Brésil et le Pérou, dans la région du haut Rio Jordao). La Biennale passera et on n’en retiendra pas grand-chose.
France (Giardini), Julien Creuzet, Attila cataracte ta source aux pieds des pitons verts fnira dans la grande mer gouffre bleu nous noyâmes dans les larmes marées de la lune
“Stranieri Ovunque” è il titolo della 60. Biennale Arte 2024, a cura di Adriano Pedrosa che include 43 Paesi partecipanti con opere diffuse tra Arsenale, Giardini e centro storico veneziano, provenienti soprattutto dall’America Latina, molti indigeni (stranieri nella propria patria), artisti queer e gli outsider (con linguaggi non conformi ai canoni della storia dell’arte). E’ chiuso il Padiglione Israele presidiato da una coppia di militari, la Russia invece ha ceduto il suo edifcio alla Bolivia, senza spiegare il perché di questa scelta. Piace ai critici e agli addetti ai lavori, meno al pubblico il Padiglione italiano che presenta Due qui/ToHear una installazione scultoreo-sonora di Massimo Bartolini, curato da Luca Cerizza. In generale questa modalità espositiva ancora Ottocentesca, andrebbe revisionata, ma confdiamo nella prossima edizione. Ai Giardini ci sono circa 200 artisti, 300 all’Arsenale (di cui il 60% sono morti), con mostre collaterali e installazioni più o meno decorative, riempitive e realizzate con diversi materiali o accessori usurati che narrano microstorie, traumi personali degli artisti. Succede che la didascalia diventa l’opera stessa, poiché nelle arti visive del presente, tutto è ideologia e narrazione più che invenzione; e in quest’ottica gli “oggetti” che vediamo esposti contengono informazioni sull’attualità del nostro tempo, seppure fatti maluccio o già visti, almeno dovrebbero trascendere la soggettività dell’artista per diventare collettivi, ma ciò avviene in rari casi. Non è una novità trovare lavori “impegnati”, specchio di problematiche della crisi ambientale, emarginazione, sfruttamento, razzismo, transnazionalismo, pansessualismo eccetera, e in questa Biennale i dipinti naif non bastano a porre rimedio a una situazione preoccupante dell’arte che da quarant’anni è concentrata sulla cronaca del presente, inseguendo l’attualità per moda. L’arte non può solo ridursi a trattati etici, di sociologia o pedagogia o di denuncia politica, manca uno spiraglio di speranza di bellezza! E in questa ottica di uguaglianza globalista, questa Biennale carica di opere realizzate con tessuti e lustrini, dalle cromie vivaci o ispirate alla natura, delude proprio perché nei contenuti mostra ciò che conosciamo già. In sintesi, Pedrosa continua sulla scia di Cecilia Alemani ne “Il latte dei Sogni” (2022), a recuperare opere perdute e più sottovalutate se frmate da donne del sud del mondo. Ai Giardini ci sono le opere migliori e ben allestite, indimenticabili sono i Bamboos della brasiliana Ione Saldanha, invece è più pasticciato l’Arsenale. Sono potenti i dipinti post-picassiani di Louis Fratino (New York,1993), con scene di vita quotidiana queer. E’ ancora stupefacente l’allestimento con il “cavalletto di vetro” di Lina Bo Bardi (Roma 1914-San Paolo 1992), ideato nel 1968, esposto nel Nucleo Storico Italiani Ovunque, all’Arsenale. Le questioni di gender -fuid sono il tema di molti lavori, Il Leone d’oro alla Carriera è andato a Anna Maria Mailino (Scalea 1942), con un’opera realizzata con la vegetazione, e piccole sculture. Sorprendono le quinte vegetali per la facciata del Padiglione Centrale, quest’anno completamente ridisegnato dai vivaci colori tropicali, opera del collettivo MAHKU ( il movimento degli Artisti Huni Kuin, una popolazione amazzonica che abita tra Brasile e Perù, nella Regione dell’alto Rio Jordao). La Biennale passerà e poco si ricorderà.
Jacqueline Ceresoli
“Foreigners Everywhere” is the title of the 60th Biennial of Art 2024 curated by Adriano Pedrosa, which includes 43 participating countries with works spread across the Arsenale, Giardini and Venice’s historic city centre, mainly from Latin America, many indigenous artists (foreigners in their own homeland), queer artists and outsiders (with stylistic idioms that do not conform to the canons of art history). The Israel Pavilion, manned by a pair of soldiers, is closed, while Russia has ceded its building to Bolivia, without explaining why. The Italian Pavilion presenting Due qui/ToHear, a sculptural-sound installation by Massimo Bartolini curated by Luca Cerizza, is a hit with the critics and insiders but less popular with the public. In general, this 19th century style of exhibition needs to be updated, hopefully by the next edition of the event. There are around 200 artists at the Giardini, 300 at the Arsenale (60% of whom are dead), with collateral exhibitions and installations that are more or less decorative inflls made of different materials or used accessories that narrate micro-stories, personal traumas the artists themselves have been through. What has happened is that the captions describing the projects have become the works themselves, since everything is ideology and narration rather than invention in today’s visual arts; and from this perspective, the “objects” we see on display contain information about the age in which we live, and even if they are poorly made or have already been seen, they should at least transcend the subjectivity of the artist to become collective, but this only happens in rare cases.
There is nothing new about “engaged works”, refecting the problems of the environmental crisis, marginalisation, exploitation, racism, transnationalism, pan-sexualism and so on, and (in this Biennial) naive paintings are not enough to compensate for a worrying situation in art that for forty years has concentrated on chronicling the present and following trendy current events. Art cannot only be reduced to ethical treatises, sociology, pedagogy or political denunciation, it lacks any glimmer of hope of beauty! And from the perspective of globalist equality, this Biennale laden with works made of fabrics and sequins, in bright colours or inspired by nature, disappoints precisely because its content confrms and shows what we already know. In short, Pedrosa has continued in the wake of Cecilia Alemani’s “The Milk of Dreams” (2022), recovering lost and highly underrated works by women from the global south. The best, well-displayed works are at the Giardini; the Bamboos by the Brazilian artist Ione Saldanha are simply unforgettable, while the Arsenale is all a bit messy. The post-Picassian paintings by Louis Fratino (New York,1993) are really powerful with scenes of queer everyday life. The installation featuring Lina Bo Bardi’s (Rome 1914-San Paolo 1992) “glass easel”, designed in 1968 and exhibited in the Nucleo Storico Italiani Ovunque section of the Arsenale, is quite astonishing. Gender-fuid issues are the theme of many works and the Golden Lion for Lifetime Achievement was awarded to Anna Maria Mailino (Scalea 1942) with a work made of vegetation and small sculptures. The vegetal backdrops for the façade of the Central Pavilion are eye-catching and, this year, have been completely redesigned in bright tropical colours. They are the work of the MAHKU collective (a movement of Huni Kuin artists, an Amazonian population living in the upper Rio Jordao region of Brazil and Peru). The Biennial will pass and little of it will be remembered.
Jacqueline Ceresoli
USA (Giardini), Jeffrey Gibson, The space in which to place me
Giardini entrance
Switzerland (Giardini), Guerreiro do Divino Amor, Super Superior Civilizations
Japan (Giardini), Yuko Mohri, Compose
UK (Giardini), John Akomfrah, Listening All Night to the Rain
Germany (Giardini), Yael Bartana, Light of the Nations
Italy (Arsenale), Massimo Bartolini, DUE QUI / TO HEAR
Turkey (Arsenale), Gülsün Karamustafa, Vuoto e Rotto: Uno Stato del Mondo
Luxembourg (Arsenale), Francelle Cane e Marija Marić in collaboration with Armin Linke e Lev Bratishenko, Down to Earth
Argentina (Arsenale), Luciana Lamothe, Ojala se derrumben las puertas
South Africa (Arsenale), MADEYOULOOK– Molemo Moiloa and Nare Mokgotho, Terra muta
Philippines (Arsenale), Mark Salvatus, Waiting just behind the curtain of this age
Mataaho māori Collective, Takapau (Arsenale,Leone d’Oro Best Participant)
Lauren Halsey (Arsenale)
Pablo Delano, The Museum of the Old Colony (Padiglione Centrale)
Nil Yalter, Exile is a Hard Job (Padiglione Centrale
Claire Fontaine, Foreigners Everywhere (Arsenale)
Macao (Eventi Collaterali, Istituto Santa Maria della Pietà), Wong Weng Cheong, Above Zobeide
Au cœur de São Paulo, Cidade Matarazzo est le fruit d’un projet ambitieux dirigé par l’entrepreneur français Alexandre Allard qui s’est entouré d’architectes de renommée internationale, tels que Jean Nouvel, Philippe Starck et Rudy Ricciotti, afn de transformer un site abandonné de 30 000 m2, au milieu de trois hectares de forêt atlantique, dans un lieu inspirant ou cohabitent constructions contemporaines et bâtiments du début de XX siècle soigneusement réhabilités.
Dans le programme de transformation, un Hôtel 5 étoiles, le Rosewood São Paulo, des résidences privées, des boutiques, des espaces culturels, des bureaux et des lieux de divertissement.
S’inspirant de la végétation luxuriante du parc, le bâtiment de bureaux signé Rudy Ricciotti est enveloppé de “lianes” en béton allant de 5 à 8 cm de diamètre. Pour bâtir le projet, l’architecte a puisé dans les ressources locales, matérielles et humaines du lieu. “…un lieu qui parle d’une nostalgie.. de résistance. Résistance à une modernité épuisée.
Évidemment ce projet culturel s’accompagne d’un projet politique, économique et social qui a pour objet de défendre des emplois territorialisés…Il rappelle au Brésil, comme il peut rappeler à d’autres pays, à la France aussi, qu’il faut travailler avec ses ressources propres, du point de vue de l’industrie de la construction. Je trouve formidable de travailler avec du bois brésilien, de travailler avec de la pierre brésilienne, de travailler avec du béton brésilien, de travailler avec des tissus brésiliens, de travailler avec des artistes brésiliens. C’est un projet pour le Brésil”.
Nel cuore di San Paolo, Cidade Matarazzo è il risultato di un ambizioso progetto guidato dall’imprenditore francese Alexandre Allard che si è circondato di architetti di fama internazionale, come Jean Nouvel, Philippe Starck e Rudy Ricciotti, per trasformare un sito abbandonato di 30.000 m2, nel mezzo di tre ettari di foresta atlantica, in un luogo stimolante dove convivono costruzioni contemporanee ed edifci dell’inizio del XX secolo accuratamente riabilitati. Nel programma di trasformazione, un Hotel 5 stelle, il Rosewood São Paulo, residenze private, negozi, spazi culturali, uffci e luoghi di intrattenimento. Ispirato alla rigogliosa vegetazione del parco, l’edifcio per uffci di Rudy Ricciotti è avvolto da “liane” di cemento che vanno dai 5 agli 8 cm di diametro. Per realizzare il progetto, l’architetto ha attinto alle risorse materiali e umane del luogo. “…un luogo che parla di nostalgia…di resistenza. Resistenza a una modernità esausta. Ovviamente questo progetto culturale si accompagna a un progetto politico, economico e sociale che mira a difendere i posti di lavoro territorializzati...Ricorda al Brasile, come può ricordare ad altri Paesi, e anche alla Francia, che è necessario lavorare con le proprie risorse, dal punto vista del settore edile. Trovo fantastico lavorare con il legno brasiliano, lavorare con la pietra brasiliana, lavorare con il cemento brasiliano, lavorare con i tessuti brasiliani, lavorare con artisti brasiliani. È un progetto per il Brasile”
Cidade Matarazzo In the heart of São Paulo is the result of an ambitious project led by French entrepreneur Alexandre Allard, who surrounded himself with internationally renowned architects, such as Jean Nouvel, Philippe Starck and Rudy Ricciotti, to transform an abandoned 30,000 m2 site in the middle of three hectares of Atlantic forest into an inspiring place where contemporary constructions and carefully renovated early 20th century buildings coexist. The transformation programme includes a fve-star hotel, the Rosewood São Paulo, private housing, shops, cultural spaces, offces and entertainment venues.
Inspired by the lush vegetation of the park, Rudy Ricciotti’s offce building is wrapped in concrete ‘lianas’ ranging from 5-8 cm in diameter. The architect built this project with the help of the location’s own material and human resources. “...a place that speaks of nostalgia... of resistance. Resistance to exhausted modernity. Obviously, this cultural project moves hand-in-hand with a political, economic and social project that aims to defend local jobs...It reminds Brazil, as it can remind other countries, including France, that you need to work with your own resources as regards the building industry. I fnd it fantastic to work with Brazilian wood, Brazilian stone, Brazilian cement, Brazilian textiles and Brazilian artists. This is a project for Brazil.”
Appoggiandosi a solidi concetti flosofci, sembra che l’architetto americano Peter Eisenman abbia affermato che nella costruzione di un progetto architettonico la dimensione estetica debba prevalere, anche a scapito della funzionalità. L’argomentazione sembra un po’ bislacca ed è la seguente: se stiamo in una poltrona comoda, questa ci fa dimenticare di essere seduti e soprattutto non ci invita a guardarla come oggetto. Quindi, paradossalmente, una tale poltrona è più intrigante e stimolante perché ci costringe continuamente a ragionare del rapporto, sia pure complicato, tra la sua forma e il nostro corpo. Follie intellettuali, si dirà. Eppure non c’è architetto che cerchi di fotografare la casa prima che sia usata e fatta propria dai suoi abitanti. Quando questi entrano, infatti, sembra svanire gran parte del valore estetico, un po’ metafsico, che traspirava dai disegni di progetto. Cioè il valore dell’oggetto in sé e per sé, indipendente dal suo uso. Dire, quindi, che il benessere degli utenti ha la priorità non è una affermazione così scontata, anche se, ovviamente, non troverete nessun architetto che osi contestarla apertamente. Nessuno, infatti, eccettuato forse Peter Eisenman, dichiarerebbe mai che un progetto, per perseguire un’idea formale, possa essere scomodo, pericoloso e poco accessibile. Eppure basta sfogliare le riviste di architettura per accorgersi del contrario, e non solo perché le persone non hanno quasi mai posto nelle fotografe delle loro case, dei loro uffci, dei loro spazi pubblici. Ma, soprattutto, perché vi accorgete che le idee progettuali spesso sono state mosse da altri concetti: una buona composizione di fgure geometriche, una metafora azzardata, una citazione all’architettura del passato, un richiamo a una corrente flosofca, come fu per il postmodernismo e il decostruttivismo, il perseguimento di uno stile, come per esempio il brutalismo o il minimalismo. Per progettare per le persone, ovviamente, non occorre abbandonare queste ricerche. Ma solo saperle ridimensionare e metterle in secondo piano. Perché la ricerca prevalente diventa il fare la cosa giusta, perdendo in astrazione e acquistando in concretezza. Rifutando di dare eccessivo valore a canoni teorici. Per puntare al benessere, alla piacevolezza, alla gradevolezza, al colore e a un felice rapporto con i materiali e con l’ambiente. In questa direzione stanno muovendosi, forse perché stanchi dell’ubriacatura decostruttivista e postdecostrttivista, alcuni giovani studi, e tra questi Diele Kerciku Architetture, che per questo motivo vi presentiamo.
Luigi Prestinenza Puglisi
Il paraît que l’architecte américain Peter Eisenman a affrmé, en s’appuyant sur de solides concepts philosophiques, que dans le développement d’un projet architectural, la dimension esthétique doit primer, même au détriment de la fonctionnalité. L’argument, qui semble un peu tiré par les cheveux, est le suivant : si nous nous installons dans un fauteuil confortable, celui-ci nous fait oublier que nous sommes assis et surtout, il ne nous invite pas à le considérer comme un objet. Ainsi, paradoxalement, un tel fauteuil est plus attrayant et plus stimulant parce qu’il nous oblige continuellement à réféchir au rapport, même s’il est compliqué, entre sa forme et notre corps. Folie intellectuelle, pourrait-on dire. Et pourtant, aucun architecte n’essaie de photographier la maison avant que ses habitants ne l’utilisent et se l’approprient. En effet, lorsqu’ils entrent, une grande partie de la valeur esthétique, et quelque peu métaphysique, qui se dégageait du projet semble s’évanouir, c’est-à-dire la valeur de l’objet en soi, indépendamment de son utilisation. Par conséquent, dire que le bien-être des utilisateurs a la priorité n’est donc pas une affrmation si évidente, même si, bien sûr, vous ne trouverez aucun architecte qui ose le contester ouvertement. De fait, personne, à l’exception peutêtre de Peter Eisenman, ne prétendrait jamais qu’un projet, dans la quête d’une idée formelle, peut s’avérer inconfortable, dangereux et peu accessible. Néanmoins, il sufft de feuilleter les magazines d’architecture pour se rendre compte du contraire, et pas seulement parce que les personnes n’ont presque jamais de place dans les photographies de leurs maisons, de leurs bureaux, de leurs espaces publics, mais surtout parce que l’on se rend compte que les idées de conception sont souvent dictées par d’autres concepts : une bonne composition de formes géométriques, une métaphore audacieuse, une citation de l’architecture du passé, une référence à un courant philosophique, comme ce fut le cas avec le postmodernisme et le déconstructivisme, la recherche d’un style, comme, par exemple, le brutalisme ou le minimalisme. Pour concevoir des projets destinés à des personnes, il n’est évidemment pas nécessaire d’abandonner ces recherches, il faut simplement savoir les réduire et les faire passer au second plan, car la recherche principale consiste à faire ce qu’il faut, en perdant en abstraction et en gagnant en réalisme, en refusant d’accorder trop d’importance aux canons théoriques. Pour rechercher le bien-être, le plaisir, la couleur et un rapport harmonieux avec les matériaux et l’environnement. Un certain nombre de jeunes agences d’architecture s’engagent dans cette voie, peut-être parce qu’elles sont lasses de l’intoxication déconstructiviste et post-déconstructiviste, et parmi elles Diele Kerciku Architetture, que nous vous présentons pour cette raison.
Luigi Prestinenza Puglisi
Drawing on solid philosophical concepts, it seems that the American architect Peter Eisenman has stated that in the construction of an architectural project, aesthetics must prevail, even at the expense of functionality. The argument seems a bit odd and is as follows: if we sit in a comfortable armchair, it makes us forget that we are sitting and, above all, we do not even realise we are dealing with an object. So, paradoxically, this kind of armchair is more intriguing and stimulating because it constantly forces us to think about the relationship, albeit complicated, between its form and our body. Intellectual follies, we might say. And yet no other architect tries to photograph a house before it is used and made their own by its inhabitants. When they enter, in fact, much of the aesthetic and somewhat metaphysical value that could be found in the design drawings seems to vanish. In other words, the value of the artefact in and of itself, independent of its use. To say, therefore, that the wellbeing of the users takes priority is not such an obvious statement, although, of course, you will not fnd any architect who dares to openly contest it. Indeed, no one, with the possible exception of Peter Eisenman, would ever claim that a project based around a formal idea can be uncomfortable, dangerous and inaccessible. Yet you only have to leaf through architecture magazines to realise otherwise, and that is not just because people hardly ever appear in photographs of their homes, offces or public spaces. It is mainly because you realise that design ideas are often driven by other concepts: a good composition of geometric fgures, a daring metaphor, a reference to architecture of the past, an allusion to some philosophical school of thought, as was the case with postmodernism and deconstructivism, or the pursuit of a style, such as brutalism or minimalism. You can, of course, design for people without abandoning these goals. You just need to be able to scale them down and put them on the back burner, because the prevailing aim is to do the right thing, losing something in terms of abstraction but gaining in concreteness. Refusing to give excessive value to theoretical canons. Focusing on wellbeing, pleasantness, colour and a happy relationship with materials and the environment. Some young frms are moving in this direction, perhaps because they are tired of the deconstructivist and post-deconstructivist frenzy. One of these frms is Diele Kerciku Architetture, which is why we are presenting them to you.
Luigi Prestinenza Puglisi
ETÀ MEDIA 30 ANNI
Fondato nel 2018 dall’architetto Vincenzo Diele e l’Ing. Arch. Eljor Kerciku, il giovane studio romano con spirito internazionale sta affrontando una fase di accelerazione esponenziale con progetti che si fanno sempre più grandi, importanti e internazionali. A oggi il team – a netta prevalenza femminile e con 30 anni di età media – è composto da circa 10 collaboratori, ma anche questo si sta ingrandendo velocemente. Di loro stessi dicono “Tutto ciò che facciamo è incentrato sulla ricerca della qualità: del progetto, delle relazioni umane intorno al progetto, della vita all’interno dello studio. In questo momento l’obiettivo
è far crescere la struttura, aumentare le competenze del team e la sua soddisfazione. Fare bene il lavoro che fortunatamente abbiamo”. Concretezza, concentrazione, ambizione dunque. Ma anche attenzione ai progetti solidali, come i numerosi interventi portati avanti per il World Food Programme delle Nazioni Unite, realizzando ed ingegnerizzando le combinazioni di 3 prototipi con 3 tecnologie differenti e diverse dimensioni per costruire mense nelle scuole dei villaggi rurali del Mozambico. Ad oggi, grazie a questa tecnologia semplice e replicabile che usa materiali locali, ne verranno realizzate più di 50 unità.
Fondée en 2018 par les architectes Vincenzo Diele et Eljor Kerciku, la jeune agence romaine à l’esprit international connaît une phase de développement exponentiel avec des projets de plus en plus grands, importants et internationaux. À ce jour, l’équipe – composée d’une majorité de femmes dont la moyenne d’âge est de 30 ans – se compose d’une dizaine de collaborateurs, mais elle s’agrandit rapidement. Ils affrment : “Tout ce que nous faisons vise la recherche de la qualité : celle du projet, des relations humaines autour du projet, de la vie au sein de l’agence. L’objectif actuel est de développer la structure, d’augmenter les compétences et la satisfaction de l’équipe. Bien faire le travail que nous avons la chance d’avoir”. Concret, concentration, ambition donc. Mais aussi se concentrer sur des projets solidaires, tels que les nombreuses interventions menées pour le Programme alimentaire mondial des Nations Unies, en réalisant et en développant les composition de trois prototypes avec trois technologies différentes et plusieurs tailles pour la construction de cantines dans les écoles des villages ruraux du Mozambique. Aujourd’hui, grâce à cette technologie simple et reproductible qui utilise des matériaux locaux, plus de 50 unités seront réalisées.
AVERAGE AGE OF 30
Founded in 2018 by the architect Vincenzo Diele and engineer/architect Eljor Kerciku, this new Roman frm with an international spirit is booming at the moment with its projects getting bigger, more important and more international. To date, the team – mainly women with an average age of 30 – consists of about 10 staff, but the number is growing fast. They say of themselves: “Everything we do is focused on quality: in terms of projects, human relationships associated with projects, and life at the frm. Right now, the goal is to grow the structure, increase the team’s skills and satisfaction levels. To do the work we are lucky to have as well as possible”. In a nutshell, concreteness, concentration and ambition, but also attention to solidarity projects, such as all the projects carried out for the United Nations World Food Programme, creating and engineering combinations of 3 prototypes with 3 different technologies and different sizes to build canteens in schools in rural villages in Mozambique. To date, more than 50 units will be made with this simple and replicable technology using local materials.
QUALITÀ, RISPETTO, TERRITORIO
Dare sostanza al sogno di una famiglia – già parte del settore hospitality, che in questo recupero sta mettendo il cuore – è l’obiettivo di questo progetto pugliese. Un piccolo borgo privato composto da una serie di fabbricati, una masseria, una piazzetta e perfno una minuscola chiesa, che DKA trasformerà in un Rural Resort, luogo dell’esperienza turistico-culinaria di alto livello. Un progetto di ricucitura su misura, capace di mettere in relazione il territorio – i suoi usi, i suoi materiali – con un approccio decisamente più contemporaneo verso il tema ricettivo di lusso: 14 suite, spa e un ristorante bistrot che verrà gestito da uno chef già 3 stelle Michelin, trattati come spazi eleganti ma informali. Un luogo di charme e tradizione, autentico e non patinato.
QUALITÉ, RESPECT, TERRITOIRE
Donner corps au rêve d’une famille – qui fait déjà partie du secteur de l’hôtellerie et de la restauration et qui s’investit dans cette réhabilitation – tel est l’objectif de ce projet situé dans les Pouilles. Un petit hameau privé qui comprend une série de bâtiments, une ferme, une petite place et même une église minuscule, que DKA transformera en un “Rural Resort” où vivre une expérience touristique et culinaire de haut niveau. Un projet de confection sur mesure, pouvant faire le lien entre le territoire, ses usages, ses matériaux, selon une approche résolument plus contemporaine en matière d’hôtellerie de luxe : 14 suites, un spa et un bistro-restaurant qui sera dirigé par un chef déjà récompensé par 3 étoiles Michelin, conçus comme autant d’espaces à la fois élégants et informels. Un lieu de charme et de tradition, authentique et naturel.
QUALITY, RESPECT, TERRITORY
This Apulian project is focused on giving substance to a family dream – already part of the hospitality industry, which is putting its heart into this recovery programme. A small private village consisting of a collection of buildings, a farmhouse, a small village square and even a tiny church, which DKA will be converting into a Rural Resort, a place for enjoying a top-notch tourist-culinary experience. A tailor-made project that links the local territory – its uses and materials – to a decidedly more contemporary approach to luxury accommodation: 14 suites, a spa and a bistro restaurant to be run by a 3 Michelin starred chef, all treated as elegant yet informal spaces. A place of charm and tradition, authentic and unpolished.
INTERVENTI CULTURALI: ROMA E AL AIN (ABU DHABI)
Due interventi – entrambi in progress – che, pur nella loro diversità, dimensionale e formale, toccano punti simili: entrambi hanno a che fare con il recupero in chiave contemporanea di spazi pubblici a vocazione culturale di eredità storica. Entrambi sono monumenti che insistono in siti UNESCO, il che, ça va sans dire, comporta un approccio alla progettazione più complesso, sofsticato e attento. Per Castel Sant’Angelo, a Roma, l’intervento riguarda il rifacimento degli spazi pubblici al piano terra, della biglietteria – cinque ambienti voltati, disposti radialmente, che saranno trasformati in un elegante visitor center, per far fronte alle esigenze future nella gestione dei fussi turistici e della digitalizzazione, con tecnologie interattive, schermi touch e proiezioni immersive per migliorare l’esperienza educativa dei visitatori – dei bagni e uno shop. Per Al Ain invece – partner ARS Progetti Spa, cliente Dipartimento Cultura e Turismo di Abu Dhabi – la trasformazione di un simbolo storico, la casa dello Sceicco Zayed bin Sultan Al Nahyan, l’ideatore dell’unifcazione degli Emirati, in casa museo. Dei 27 edifci totali DKA, a fanco di un complesso team internazionale, cura l’architettura e l’interior di 5 per un totale del 20% delle superfci totali: non solo conservation ed exhibition ma nuovi uffci, auditorium, ticket offce, spazi food e retail. Il progetto recupera colori e linee dello stile transitional (modernismo ad Abu Dhabi), considerato dai locali come il momento di inizio del grande sviluppo.
INTERVENTIONS CULTURELLES : ROME ET AL-AÏN (ABOU DABI)
Deux interventions – toutes deux en cours, qui ont des points communs malgré leur différence de taille et de forme : toutes deux concernent la réhabilitation, selon une approche contemporaine, d’espaces publics à vocation culturelle, appartenant au patrimoine historique. Dans les deux cas, il s’agit de monuments qui se trouvent sur des sites UNESCO, ce qui, ça va sans dire, implique une approche plus complexe, plus sophistiquée et plus prudente en termes de conception. En ce qui concerne Castel Sant’Angelo, à Rome, l’intervention porte sur la rénovation des espaces publics du rez-de-chaussée, de la billetterie – cinq pièces voûtées, disposées radialement, qui seront transformées en un centre d’accueil élégant, pour répondre aux futurs besoins en matière de gestion des fux touristiques et de numérisation, avec des technologies interactives, des écrans tactiles et des projections immersives pour améliorer l’expérience didactique des visiteurs –des toilettes et une boutique. Concernant Al Aïn en revanche – partenaire ARS Progetti Spa, client du Département Culture et Tourisme d’Abou Dabi – il s’agit de la transformation en maison-musée d’un symbole historique, la demeure du feu Cheikh Zayed bin Sultan Al Nahyan, fondateur des Émirats Arabes Unis. DKA, avec une équipe internationale de spécialistes, est chargée de l’architecture et de l’aménagement intérieur de 5 des 27 bâtiments pour un total de 20% des surfaces totales : non seulement de la conservation et de la présentation, mais aussi de nouveaux bureaux, auditorium, billetterie, restaurants et commerces de détail. Le projet reprend les couleurs et les lignes du style transitionnel (modernisme à Abou Dhabi), considéré par les habitants comme le point de départ du grand développement.
Visitor Center e servizi pubblico Castel Sant’Angelo Rendering and site plans: @DKA
CULTURAL PROJECTS: ROME AND AL AIN (ABU DHABI)
Two projects – both in progress – which, despite their size and stylistic diversity, touch on similar issues: both are related to the renovation in a contemporary key of public spaces with a cultural heritage. Both are monuments located on UNESCO sites, which, it goes without saying, implies a more complex, sophisticated and careful approach to design. For Castel Sant’Angelo, in Rome, the project involves the renovation of the public spaces on the ground foor, the ticket offce – fve vaulted rooms, arranged radially, which will be converted into an elegant visitor centre to meet future needs in the management of tourist fows and digitalisation, featuring interactive technologies, touch screens and immersive projections to improve the educational experience of visitors – the restrooms and a shop. In contrast, the project for Al Ain – partner ARS Progetti Spa, client Department of Culture and Tourism of Abu Dhabi – concerns the conversion of a historic landmark, the house of Sheikh Zayed bin Sultan Al Nahyan, the man who unifed the Emirates, into a house museum. Of the total of 27 buildings, DKA is working with a complex international team on the architectural/interior design of 5 of them for a total of 20% of the total surfaces: not only the conservation and exhibition facilities, but also new offces, auditoriums, ticket offces, food and retail spaces. The project will restore the colours and lines of the transitional style (modernism in Abu Dhabi), which locals consider to have been the start of major development/growth.
Al Ain Palace Museum Rendering interiors-architecture: @DKA Team Leader: ARS Progetti SPA Architecture and Interior Project Manager: Diele Kerciku Architetture
Questo di McKinsey&Company Milano, progetto vinto con deStudio Srl nel 2018 a seguito di un concorso ad inviti, rappresenta il punto di svolta: 1280 m2 al secondo piano della sede storica di rappresentanza, un fabbricato del XIX secolo tra Via Agnello e Piazza del Duomo. La proposta ha riguardato il design degli uffci che, per esplicita richiesta, dovevano essere dotati di spazi destinati alla socialità, ambienti per l’accoglienza dei clienti e per ospitare momenti di collaborazione e confronto interni. Il concept – sviluppato dal team come una “piazza”, un luogo di incontro – riconfgura gli spazi per mettere in stretta relazione gli uffci alla città, trasformandoli, idealmente, in un’estensione dello spazio pubblico. Ambienti permeabili, eleganti ed informali, e 9 team-room, pensate per gruppi di lavoro da tre a cinque consulenti (4 chiuse con pareti in legno e 5 aperte con doppie vetrate). I green-buffer sono la vera e propria invenzione del progetto: non avendo balconi, è stata creata una fascia di vegetazione tra gli ambienti di lavoro e il perimetro esterno, da utilizzare come “quiet room”, spazio di privacy in cui prendere una pausa o telefonare.
FUTUR ESPACE DE TRAVAIL
Ce projet de McKinsey & Company Milan, lauréat en 2018 avec deStudio Srl d’un concours sur invitation, représente un véritable tournant : 1 280 m2 au deuxième étage du siège historique, un bâtiment du XIXe siècle situé entre la Via Agnello et la Piazza del Duomo. Ce projet concernait l’aménagement des bureaux qui, sur demande expresse, devaient être dotés d’espaces de convivialité, d’accueil des clients et pour des moments de collaboration et de débats. Le concept, développé par l’équipe comme une “place”, un lieu de rencontre, redéfnit les espaces afn de mettre les bureaux en relation étroite avec la ville, en les transformant en une extension de l’espace public. Des espaces perméables, élégants et informels et neuf team-room, conçues pour des groupes de travail de trois à cinq personnes (quatre fermées avec des parois en bois et cinq ouvertes avec double vitrage). Les green-buffer sont la véritable innovation du projet : comme il n’y a pas de balcons, une bande de végétation a été créée entre les salles de travail et le périmètre extérieur, pour servir de “quiet room”, un espace tranquille où l’on peut faire une pause ou passer un coup de téléphone.
This 2018 project designed by McKinsey&Company Milan in partnership with deStudio Srl won an invitation-only competition and marks a real turning point: 1280 m2 on the second foor of the old headquarters, a 19th century building located between Via Agnello and Piazza del Duomo. The project involved the design of the offces, which, by explicit request, had to be equipped with spaces for socialising, greeting clients and hosting internal operations/ discussions. The concept – developed by the team in the form of a “piazza”, a meeting place – reconfgures the spaces so they are closely related to the city, ideally transforming them into an extension of public space. Permeable, elegant, informal spaces and 9 team-rooms designed for work groups of three to fve consultants (4 enclosed behind wooden walls and 5 open with double glazing). The green-buffers are the real innovation in this project: since there are no balconies, a strip of vegetation was created between the workspaces and the external perimeter to be used as a “quiet room”, a private space for enjoying a break or making a phone call.
Gianluca Milesi, Michiko Yamada, Jasmine Parodi, Kaiserin Alen Panganiban Alessandro Recchioni in collaboration with Offcina Stefano Nava
Le fer est lourd, il est dur, il est synonyme de force, de résistance et, si l’on veut, aussi de violence ou d’agression. Ce n’est pas un hasard si on dit ʺferrerʺ quelque chose pour signifer que l’on accomplit un acte pas si gentil. Pour l’équipe Milesi, le fer, peut être également poésie, grâce, beauté et charme. Surtout s’il est laissé dans son état naturel, brut, sincère, jamais déguisé ni caché. Ce fer aime les soudures, le pliage, le fraisage, les taches et les imperfections “humaines” qu’il véhicule. Il a beau être lourd, il ne le cache pas, mais il peut aussi être léger, voire doux. Les Heavy Metal sont des objets constitués de tôles brutes de différentes épaisseurs, toujours pliées et soudées de manière strictement linéaire. Ce sont des lignes de fer. Ce sont des objets artisanaux reproductibles mais uniques, car aucune pièce ne sera jamais la même que la précédente.
Il ferro è pesante, è duro, è sinonimo di forza, resistenza e se si vuole anche di violenza o aggressività. Non a caso si usa dire “mettere a ferro e fuoco” qualcosa per dire che si compie un atto non propriamente gentile.
Per il team di Milesi il ferro, se capito, può essere poesia, grazia, bellezza e fascino. Soprattutto se lasciato al suo stato naturale, grezzo, sincero, mai mascherato o nascosto.
Al questo ferro piacciono le saldature, le piegature, le fresature, le macchie e le “umane” imperfezioni che si porta addosso. Sarà pesante, non lo nasconde, ma sa essere anche leggero, addirittura morbido. Gli Heavy Metal sono oggetti in lamiera grezza di diversi spessori, piegata e saldata sempre in maniera rigorosamente lineare. Sono delle linee di ferro.
Sono oggetti artigianali ripetibili ma unici in quanto nessun pezzo sarà mai uguale a quello precedente.
Iron is heavy, it is hard, it is synonymous with strength, endurance, and if you want, also with violence or aggression.
It is no coincidence that it is used to say “ironing” something to mean that one performs a not-so-kind act.
But for Milesi’s team it is different. For us, iron, if understood, can be poetry, grace, beauty and charm. Especially if left in its natural, raw, sincere state, never disguised or hidden. This iron likes the welds, the bends, the millings, the stains, and the “human” imperfections it bears. It may be heavy, it does not hide it, but it can also be light, even soft.
The Heavy Metal are rough sheet metal objects of different thicknesses, bent and welded always in a strictly linear way. They are iron lines.
They are repeatable but unique handcrafted objects in that no piece will ever be the same as the previous one.
DESIGN
GRUUVE and ONE PAGE
PATRICIA URQUIOLA and RON ARAD for Moroso
Gruuve reprend l’esprit des années 1970, en réinterprétant de manière contemporaine l’idée anticonformiste du canapé qui peut être assemblé à votre gré. Les lignes fuides et irrégulières des quatre modules de la collection, dont les profls arrondis s’étendent jusqu’au sol, sont conçues pour donner une sensation de dynamisme et de souplesse. Le canapé est également disponible dans un tissu imprimé personnalisé avec des motifs conçus par Patricia Urquiola.
Gruuve cattura lo spirito degli anni ‘70, reinterpretando in chiave contemporanea l’idea anticonformista del divano a composizione libera. Le linee fuide e irregolari dei quattro moduli della collezione con profli arrotondati che si estendono fno al pavimento sono progettate per trasmettere un senso di dinamicità e fessibilità. Il divano è presentato anche in un tessuto stampato su misura con grafca di Patricia Urquiola.
Conçu idéalement selon la modélisation d’une simple feuille pliée, ce fauteuil est un clin d’œil à la continuité des formes qui caractérise la poétique sculpturale de Ron Arad. L’idée de la “feuille” a été développée en modélisant une structure porteuse en polyuréthane rigide pour la partie externe et un rembourrage en polyuréthane fexible pour la partie interne.
Gruuve captures the spirit of the 1970s by rereading a non-conformist idea of a freestanding sofa in a contemporary way. The fuid, irregular lines of the collection’s four units with rounded profles that extend to the foor are designed to convey a sense of dynamism and fexibility.
The sofa is also available in a custom-printed fabric with graphics by Patricia Urquiola.
Concepita seguendo idealmente la modellazione di un unico foglio di carta, la poltrona loungeOne Page è un tributo alla conti nuità delle forme che esaltano la poetica scultorea di Ron Arad. Il “foglio” si sviluppa su un doppio livello: la struttura portante in poliuretano rigido per la parte esterna e l’imbottitura in poliuretano fessibile per quella interna.
Designed along the lines of a single sheet of paper, One Page lounge chair is a tribute to the continuity of forms characterising Ron Arad’s sculptural stylistics. The sheet is developed over two levels: a rigid polyurethane support structure for the external part and fexible polyurethane padding for the internal part.
GIO PONTI 2024 VENINI
Née de la collaboration entre Gio Ponti et Paolo Venini, l’aventure de Ponti dans le monde du verre souffé a commencé après la Seconde Guerre mondiale.
La volonté d’apporter un renouveau stylistique, tout en restant fdèle au grand savoir-faire de la tradition italienne, constitue la base solide sur laquelle s’est fondée cette collaboration qui a donné lieu à la création d’une multitude de projets.
Pour honorer cette relation créative, Paolo Venini a choisi de présenter une collection de produits, inédits ou réédités, conçus par l’architecte à la fn des années 1940.
Dal sodalizio tra Gio Ponti con Paolo Venini, prese il via nel secondo dopoguerra l’avventura pontiana nel mondo del vetro soffato.
La volontà di apportare un rinnovamento stilistico, pur rimanendo fedeli all’alta artigianalità della tradizione italiana, costituisce la solida base su cui si è fondata questa collaborazione che portò all’ideazione di una ricchissima quantità di progetti.
Per rendere omaggio a questa liaison creativa, Venini ha scelto di presentare una collezione di prodotti, inediti e riedizioni, disegnati dall’architetto alla fne degli anni ‘40 del secolo scorso.
Gio Ponti’s partnership with Paolo Venini at the end of the 2nd World War marked the start of Ponti’s venture in the world of blown glass.
The desire for stylistic renewal while remaining faithful to traditional high-quality Italian craftsmanship provided a solid basis for their joint venture that resulted in a wealth of designs.
To pay tribute to this creative liaison, Venini has chosen to present a collection of products, both new creations and re-editions, designed by the architect in the late 1940s.
DESIGN
TOPOS Chair and Sunlounger ZAHA HADID ARCHITECTS for ISIMAR
S’inspirant du concept géographique de topographie, cette collection de mobilier d’extérieur traduit en design industriel les lignes de contour représentant les vallées et les collines sur les cartes géographiques. Pour garantir leur durabilité dans des environnements extérieurs corrosifs, Topos est fabriqué en acier galvanisé, matériau choisi pour sa résistance. L’acier est recyclé à 100% et les composants de chaque pièce peuvent être récupérés et réutilisés ou recyclés à la fn de leur cycle de vie.
Ispirata al concetto geografco di topografa, questa collezione di mobili da esterno traduce le linee di contorno delle mappe che indicano valli e colline in design industriale. Garantendo la longevità in ambienti esterni corrosivi, Topos è realizzato in acciaio zincato scelto per la sua durata. L’acciaio è riciclato al 100% e i componenti di ciascun pezzo possono essere recuperati e riutilizzati o riciclati una volta raggiunta la fne della sua vita utile.
Informed by the geographical concept of topography, this outdoor furniture collection turns the contour lines of valleys and hills on maps into industrial design. Ensuring longevity in corrosive outdoor settings, Topos is crafted out of galvanised steel chosen for its durability. The steel is 100% recycled and the components of each piece can be recovered and repurposed or recycled after reaching the end of their lifecycle.
MICELIO and MINIMAL M6
ATELIER OÏ and NESPOLI E NOVARA for NEUTRA
Micelio: système modulaire de tables basses qui dévoile un paysage organique, dont le nom s’inspire de l’appareil végétatif des champignons. La longueur et la profondeur des compositions sont variables, et la hauteur est de 42/63 cm.
Les plateaux de la table basse et les bases se combinent dans un jeu dynamique.
Micelio: sistema componibile di tavoli bassi che rivela un paesaggio organico e, nel nome, l’ispirazione all’apparato vegetativo dei funghi.
La lunghezza e la profondità delle composizioni sono variabili, per un’altezza di 42/63 cm. I piani del tavolino e gli elementi a ponte si combinano in un dinamico gioco.
Minimal réinterprète le concept du lavabo monolithique (d.45xh.85cm) à partir de matériaux, de fnitions et d’une fabrication artisanale, associés à des techniques industrielles de pointe. Deux versions sont proposées: la première, en marbre Vert Antigua, est obtenue par un procédé spécial de fractionnement qui crée une surface nervurée et texturée ; la seconde est un lavabo monolithique en marbre Cipollino mélangé, avec une fnition polie.
Minimal reinterpreta il concetto di lavabo monolitico (d.45xh.85cm) attraverso materiali, fniture e lavorazioni artigianali e avanzate tecniche industriali. Due le versioni proposte: la prima in marmo Verde Antigua, con una speciale lavorazione a spacco che dà vita a una superfcie cannettata e materica; la seconda vede il lavabo monolitico realizzato in marmo Cipollino misto, con una fnitura levigata.
Micelio: modular system of low tables designed along organic lines and named after the root-like structure of mushrooms. The length and depth of the compositions are variable and are 42/63 cm high.
The table tops and bridge elements combine in dynamic interplay
Minimal is a fresh twist on the concept of a monolithic washbasin (d. 45 x h. 85 cm) based on materials, fnishes and tailor-made craftsmanship, combined with advanced industrial techniques. Two versions are available: the frst made of Verde Antigua marble draws on a split-work process that creates a ribbed and textured surface; the second version features a monolithic washbasin made of mixed Cipollino marble with polished fnish, .
AGENDA
LEUVEN
M LEUVEN
Alias
Through 1/9/2024 www.mleuven.be
Exposition collective consacrée à un phénomène croissant dans l’histoire récente de l’art, à savoir les artistes “fctifs”. Un artiste fctif est plus qu’un simple pseudonyme. Il s’agit de la construction délibérée d’une personnalité artistique avec une biographie inventée qui diffère, dans une mesure plus ou moins grande, de celle de son créateur. De plus, les artistes fctifs peuvent tout aussi bien constituer un collectif – tout comme les artistes qui les inventent peuvent avoir des identités à la fois individuelles et collectives. L’exposition présente pour la première fois près de 80 œuvres d’art provenant de collections publiques et privées, nationales et internationales, illustrant les stratégies que les artistes contemporains utilisent pour faire coïncider fction et réalité, et la manière dont ils troublent notre perception de la vérité.
VENEZIA
PEGGY GUGGENHEIM COLLECTION
Jean Cocteau. La rivincita del giocoliere Through 16/9/2024 www.guggenheim-venice.it
MPostra collettiva dedicata a un fenomeno crescente nella storia dell’arte recente: gli artisti immaginari. Un artista immaginario è più di un semplice pseudonimo. È la costruzione deliberata di una personalità artistica con una biografa inventata che differisce, in misura maggiore o minore, da quella del creatore. Inoltre, gli artisti immaginari possono ugualmente costituire un collettivo – proprio come gli artisti che li inventano possono avere identità sia individuali che collettive. La mostra riunisce circa 80 opere provenienti da collezioni pubbliche e private nazionali e internazionali che illustrano le strategie utilizzate dagli artisti contemporanei per fondere fnzione e realtà e confondere la nostra percezione della verità.
CASTELLO DI RIVOLI
MUSEO D’ARTE CONTEMPORANEA
Expanded With Through 25/8/2024 www.castellodirivoli.org
remière grande rétrospective organisée en Italie consacrée à Jean Cocteau (1889-1963). Placée sous le commissariat de Kenneth E. Silver, éminent expert de l’artiste français et historien de l’art à l’Université de New York, l’exposition met en lumière la polyvalence – ou la dextérité de jongleur – qui caractérise le langage artistique de Cocteau et pour laquelle l’artiste a souvent été critiqué par ses contemporains.
Prima, grande retrospettiva realizzata in Italia dedicata a Jean Cocteau (1889-1963). Curata da Kenneth E. Silver, autorevole esperto dell’artista francese e storico dell’arte presso la New York University, la mostra getta luce sulla versatilità – o destrezza da giocoliere – che caratterizza il linguaggio artistico di Cocteau e per la quale l’artista è stato spesso criticato dai suoi contemporanei.
GTroup exhibition dedicated to a growing phenomenon in recent art history: fctional artists. A fctional artist is more than just a pseudonym. It is the deliberate construction of an artistic persona with an invented biography that differs, to a greater or lesser extent, from the creator’s own. Moreover, fctional artists can equally well constitute a collective – just as the artists who invent them can have both individual and collective identities. The exhibition brings together some 80 artworks from national and international public and private collections illustrating the strategies contemporary artists use to confate fction and reality, and how they confound our perception of the truth.
TORINO
GAM
Expanded – I Paesaggi dell’Arte Through 1/9/2024 www.gamtorino.it
L’ exposition organisée au château de Rivoli dans le cadre de la série Expanded présente des œuvres dans lesquelles la photographie est le point de départ d’une recherche sur les différents types de relations avec le paysage, avec des œuvres de pionniers du Land Art, de l’Arte povera et du Body art.
La GAM de Turin propose les clichés de photographes qui ont su représenter les multiples aspects de l’art et dépeindre au sens large des paysages composés d’œuvres et d’architectures, du visage des artistes et de leurs séances de travail dans leur atelier ou dans le paysage naturel.
he frst major retrospective in Italy dedicated to Jean Cocteau (1889-1963). Curated by Kenneth E. Silver, an authoritative expert on the French artist and an art historian at New York University, the exhibition sheds light on the versatility – or juggling dexterity –that is such a distinctive feature of Cocteau’s artistic language and for which the artist was often criticised by his contemporaries.
La mostra al castello di Rivoli della serie Expanded presenta opere nelle quali il medium fotografco è il punto di partenza per indagare diversi tipi di relazione con il paesaggio, con opere di pionieri della Land Art, dell’Arte Povera e della Body Art.
La GAM di Torino propone gli scatti di fotograf che hanno saputo restituire i molteplici aspetti dell’arte e ritrarne nel senso più ampio i paesaggi composti di opere e architetture, del volto degli artisti e dei loro momenti di lavoro nello studio o nel paesaggio naturale.
The exhibition at Rivoli Castle from the ‘Expanded’ series presents works in which photography provides the starting point for investigating different types of interaction with the landscape, including works by pioneers of Land Art, Arte Povera and Body Art. The GAM in Turin features shots taken by photographers capable of rendering the multiple aspects of art and portraying landscapes (in a broad sense) consisting of architectural works, the faces of artists and excerpts from their studio work or work out in nature.
Claire Fontaine, Headless Man, 2016 (courtesy of the artist and Galerie Neu, Berlin; ph: Guillaume Vieira)
DIFFERENT LOCATIONS
FRANCE
Un artiste, un monument. Summer 2024 www.monuments-nationaux.fr
Dans le cadre du programme ʺUn artiste, un monumentʺ, le Centre des monuments nationaux présente cette été les expositions de l’artiste lituanien Tadao Cern à l’abbaye de Beaulieu-en-Rouergue (jusqu’au 5/1/2025), de Suzanne Husky au château de Châteaudun (jusqu’au 3 novembre 2024), du duo franco-britannique
Daniel Dewar & Grégory Gicquel au Palais Jacques Cœur de Bourges (jusqu’au 22/9/2024), de Fabrice Hyber à la villa Cavrois (jusqu’au 15/9/2024) et de Sean Scully au Château d’Oiron (jusqu’au 6/10/2024).
Grâce à un politique de carte blanche, les artistes sont invités à concevoir des œuvres éphémères in situ, appelées à faire dialoguer patrimoine et création contemporaine.
Nell’ambito del programma ʺUn artiste, un monumentʺ, il Centre des monuments nationaux presenta quest’estate le mostre dell’artista lituano Tadao Cern all’abbazia di Beaulieu-en-Rouergue (fno al 1/5/2025), di Suzanne Husky al Château de Châteaudun (fno al 3 novembre 2024), del duo franco-britannico Daniel Dewar & Grégory Gicquel al Palais Jacques Cœur di Bourges (fno al 22/9/2024), di Fabrice Hyber a Villa Cavrois (fno al 9/ 15/2024) e di Sean Scully al Château d’Oiron (fno al 10/6/2024).
Grazie a una politica di carta bianca, gli artisti sono invitati a progettare opere effmere in situ, facendo dialogare patrimonio e creazione contemporanea.
Milan a approuvé et adhéré aux orientations qui l’introduisent dans le Circuit des Cités napoléoniennes, établi par la Fédération Européenne des Cités Napoléoniennes, permettant au Palazzo Reale d’appartenir à un réseau européen, en partageant les perspectives de développement de l’héritage culturel de l’époque napoléonienne et en appréciant son soutien dans la conservation et la restauration de son patrimoine. En rejoignant le Circuit des Palais Royaux d’Europe, le Palazzo Reale fait désormais partie d’un nouveau réseau qui a pour vocation de valoriser le complexe architectural non seulement en tant que lieu d’expositions temporaires, mais aussi en tant que résidence-musée à visiter en parcourant les salles et le mobilier qui y sont exposés. Entre-temps, des travaux de restauration sont en cours, en vue du grand événement qui aura lieu en 2026, et qui concernent le recensement et la restauration du mobilier prêté dans des lieux institutionnels du monde entier, en rapport avec les nombreux éléments majeurs des œuvres de l’époque napoléonienne appartenant au Palazzo Reale.
MHUMEURS FABRICE HYBER
As part of the “Un artiste, un monument” programme, this summer the Centre des monuments nationaux is organising exhibitions by the Lithuanian artist Tadao Cern at Beaulieu-en-Rouergue Abbey (until 1/5/2025), Suzanne Husky at Château de Châteaudun (until 3/11/2024), the Franco-British duo
Daniel Dewar & Grégory Gicquel at Palais Jacques Cœur in Bourges (until 22/9/2024), Fabrice Hyber at Villa Cavrois (until 9/15/2024) and Sean Scully at Château d’Oiron (until 10/6/2024). Thanks to a carte blanche policy, artists are invited to design ephemeral works in situ, bringing together art heritage and contemporary creation.
Palazzo Reale nella
rete Europea Delle Città Napoleoniche www.palazzoreale.it
Milano ha approvato e aderito alle linee di indirizzo che la introducono nel Circuito delle Città Napoleoniche, stabilito dalla Federation Europenne des Cités Napoléniennes, abilitando Palazzo Reale ad appartenere a una reta europea condividendo le prospettive di sviluppo dell’eredità culturale dell’epoca napoleonica e apprezzandone il sostegno nell’attività di conservazione e restauro del relativo patrimonio. Dopo l’adesione al Circuito della Regge d’Europa, Palazzo Reale fa quindi parte di un nuovo network che mira a valorizzare e rendere il complesso architettonico non solo come sede di mostre temporanee, nonché come residenza-museo da visitare lungo le sale e gli arredi esposti. Nel frattempo sono in corso i lavori di recupero, in vista dell’evento importante che si svolgerà nel 2026, riguardanti la ricognizione e il restauro degli arredi prestati in luoghi istituzionali distribuiti in tutto il mondo, relativi ai molti importanti elementi delle opere di epoca Napoleonica appartenenti a Palazzo Reale.
ilan has approved and conformed with the guidelines that incorporate it into a Circuit of Napoleonic Cities established by the Federation Europenne des Cités Napoléniennes. Palazzo Reale is now part of a European network sharing the prospects for growth offered by the cultural heritage of the Napoleonic era and enjoying its support for the conservation and restoration of its heritage. After joining the Circuit of the Palaces of Europe, Palazzo Reale is now part of a new network that aims to boost this architectural complex’s function not only as a venue for temporary exhibitions, but also as a residence-museum whose halls and furnishings are well worth visiting. In the meantime, restoration work is underway ready for an important event that will take place in 2026 involving the offcial recognition and restoration of furnishings loaned out around the world, notably numerous important pieces from the Napoleonic era belonging to Palazzo Reale.
Grammatology
Through 15/7/2024 www.podgorny.fr
L’exposition revient sur la grammaire du langage volumique d’Ora Ïto: ligne, cercle, carré, rectangle. Constituées de plaques d’aluminium noires ou colorées, fxées sur une base composite blanche, les œuvres déclinent, élément par élément, son vocabulaire formel. Leur sobriété minérale et géométrique, leur monochromie vive renvoient tant à une pureté moderne qu’à un détournement pop qui sont les deux visages de l’univers visuel d’Ora Ïto. À travers ce corpus, Ora Ïto révèle au spectateur l’alphabet qui fonde son langage, qu’il exprime depuis 25 ans à travers le design industriel et l’architecture.
La mostra ripercorre la grammatica del linguaggio volumetrico di Ora Ïto: linea, cerchio, quadrato, rettangolo. Costituite da lastre di alluminio nere o colorate, fssate su una base composita bianca, le opere mostrano, elemento per elemento, il suo vocabolario formale. La loro sobrietà minerale e geometrica, la loro vivace monocromia rifettono sia una purezza moderna che una diversione pop che sono le due facce dell’universo visivo di Ora Ïto. Attraverso questo corpus di lavori, Ora Ïto rivela allo spettatore l’alfabeto su cui si fonda il suo linguaggio, che esprime da 25 anni attraverso il design industriale e l’architettura.
he exhibition takes a look at the grammar of Ora Ïto’s structural language: lines, circles, squares, rectangles. Constructed out of black or coloured aluminium plates fxed on a white composite base, the works reveal his formal vocabulary, piece by piece. Their mineral and geometric sobriety and striking single colours refect both a modern kind of purity and pop infuence that are the two sides of Ora Ïto’s visual universe. Ora Ïto’s body of work reveals to onlookers the alphabet on which his language is based that he has been using for 25 years to create how own brand of industrial design and architecture.
Exposition du 12 juin au 15 septembre 2024
SAINT PAUL DE VENCE PODGORNY GALLERY
AGENDA
MONACO
GRIMALDI FORUM
Turner, the Sublime Legacy
Through 1/9/2024 www.grimaldiforum.com
L’ exposition présentée au Grimaldi Forum Monaco, en collaboration avec la TATE, invite à un voyage à travers les représentations sublimes de Joseph Mallord William Turner (Londres 1775), de ses paysages aux explorations élémentaires de la lumière et de l’atmosphère dont il fut précurseur et maître. Provenant de la collection de la Tate, la sélection de 38 huiles sur toile et 40 œuvres sur papier (aquarelles et gouaches) dialogue avec des œuvres d’artistes modernes et contemporains majeurs tels que John Akomfrah, Olafur Eliasson, Richard Long, Cornelia Parker, Katie Paterson, Mark Rothko ou encore Jessica Warboys mettant en lumière l’infuence déterminante de Turner sur la peinture et par extension sur la représentation du sublime dans l’art.
La mostra presentata al Grimaldi Forum Monaco, in collaborazione con la TATE, invita in un viaggio attraverso le sublimi rappresentazioni di Joseph Mallord William Turner (Londra 1775), dai suoi paesaggi alle esplorazioni elementari di luce e atmosfera fu un precursore e maestro. Proveniente dalla collezione della Tate, la selezione di 38 oli su tela e 40 opere su carta (acquerelli e gouaches) dialoga con le opere dei maggiori artisti moderni e contemporanei come John Akomfrah, Olafur Eliasson, Richard Long, Cornelia Parker, Katie Paterson, Mark Rothko o Jessica Warboys evidenziano l’infuenza determinante di Turner sulla pittura e per estensione sulla rappresentazione del sublime nell’arte.
The exhibition on display at Grimaldi Forum Monaco in partnership with the TATE invites us on a journey through the sublime works of Joseph Mallord William Turner (London 1775) from his landscapes to his masterly trailblazing explorations of light and mood. On loan from the TATE collection, thus selection of 38 oils on canvas and 40 works on paper (watercolours and gouaches) dialogues with the works of major modern and contemporary artists like John Akomfrah, Olafur Eliasson, Richard Long, Cornelia Parker, Katie Paterson, Mark Rothko and Jessica Warboys to highlight Turner’s decisive infuence on painting and, by extension, on how the sublime is represented in art.
LUGANO
MUSEO D’ARTE DELLA SVIZZERA ITALIANA-SEDE LAC Calder. Sculpting Time Through 6/10/2024 masilugano.ch
En introduisant le mouvement dans une forme d’art statique telle que la sculpture, Alexander Calder a étendu ce médium au-delà du visuel, dans la dimension temporelle. Puisant dans d’importantes collections publiques et privées internationales, dont la Fondation Calder à New York, d’où provient un grand nombre d’œuvres, l’exposition présente plus de 30 chefs-d’œuvre de l’artiste, réalisés entre 1931 et 1960. L’exposition, conçue comme un espace ouvert et sans cloisons, offre aux visiteurs la possibilité d’admirer des œuvres allant des premières abstractions ou sphériques de Calder à une sélection de mobiles plus récents, de stabiles et standing mobiles de différentes tailles. Une sélection de constellations, terme proposé par Marcel Duchamp et James Johnson Sweeney pour désigner les sculptures en bois et en fl de fer réalisées par l’artiste en 1943, y est également présentée.
IBntroducendo il movimento in una forma d’arte statica come la scultura, Calder ha esteso questo medium oltre il visivo, nella dimensione temporale. Attingendo da importanti collezioni pubbliche e private internazionali, tra cui la Calder Foundation di New York dalla quale proviene un ampio corpus di opere, la mostra presenta oltre 30 capolavori dell’artista creati tra il 1931 e il 1960. La mostra, concepita come spazio aperto, libero da pareti, offre al pubblico l’opportunità di ammirare opere che vanno dalle prime astrazioni o sphériques di Calder fno a una selezione di mobiles più recenti, stabiles e standing mobiles di varie dimensioni. Viene inoltre presentata una selezione di constellations, termine proposto da Marcel Duchamp e James Johnson Sweeney per le sculture dell’artista realizzate in legno e flo metallico nel 1943.
y introducing movement into a static art form like sculpture, Calder projected this medium beyond the visual realm into the dimension of time. Drawing on important international public and private collections, including the Calder Foundation in New York from which a large body of works has been borrowed, the exhibition features over 30 masterpieces by the artist created between 1931-1960.
PARIS
CITÉ DE L’ARCHITECTURE ET DU PATRIMOINE
Il était une fois les stades
Through 16/9/2024
citedelarchitecture.fr
Àl’occasion des Jeux olympiques et paralympiques que la France accueille durant cette été 2024, la Cité de l’architecture et du patrimoine questionne l’un des lieux emblématiques du sport: le stade. L’exposition propose d’en retracer l’évolution depuis sa réinvention au début du XXe siècle jusqu’à sa mondialisation.
TThe exhibition, designed to be an open space with no walls, provides the public with the chance to admire works ranging from Calder’s early abstractions or sphériques to a selection of more recent mobiles, stabiles and standing mobiles of various sizes. Also on display is a selection of constellations, a term Marcel Duchamp and James Johnson Sweeney coined to describe the artist’s sculptures made of wood and wire from 1943.
In occasione dei Giochi Olimpici e Paralimpici che la Francia ospita questa estate 2024, Cité de l’architecture et du patrimoine esplora uno dei luoghi emblematici dello sport: lo stadio. La mostra ripercorre la sua evoluzione a partire dalla sua reinvenzione all’inizio del XX secolo fno alla sua globalizzazione.
o celebrate the Olympic and Paralympic Games that France is hosting in summer 2024, Cité de l’architecture et du patrimoine is exploring one of the emblematic sports locations: the stadium. The exhibition traces its evolution from its reinvention at the beginning of the 20th century to its globalisation.
Le ossa della terra. Primo Levi e la montagna Through 13/10/2024 www.museomontagna.org
L’ exposition s’articule autour de paroles de Primo Levi, mais aussi de photographies historiques, d’objets, de documents, de volumes et d’extraits vidéo provenant d’archives publiques et privées, ainsi que de la famille de l’écrivain et du musée.
Une exposition pour découvrir le lien méconnu de Primo Levi avec la montagne, un lien né au cours de son adolescence et qui a été tragiquement mêlé au destin de l’écrivain. En effet, c’est dans la vallée d’Aoste qu’il a été arrêté en décembre 1943, ce qui entraînera sa déportation au camp de concentration d’Auschwitz. Au lendemain du 8 septembre 1943, l’expression “partir à la montagne” est devenue synonyme de choisir son camp, en l’occurrence rejoindre les partisans. Après la guerre, c’est encore la montagne qui a favorisé et consolidé l’amitié de Primo Levi avec deux autres protagonistes du XXe siècle : Mario Rigoni Stern et Nuto Revelli.
AUn percorso espositivo articolato attorno alle parole di Levi, ma anche a fotografe storiche, oggetti, documenti, volumi ed estratti video provenienti da archivi pubblici e privati, oltre che dai familiari dello scrittore e dal Museo.
Una mostra per scoprire il legame poco conosciuto di Primo Levi con la montagna, nato negli anni dell’adolescenza e tragicamente legato al destino dello scrittore. Fu infatti in Valle d’Aosta che avvenne il suo arresto nel dicembre 1943, che lo condurrà alla deportazione nel campo di Auschwitz. All’indomani dell’8 settembre 1943, l’espressione “andare in montagna” era infatti diventata sinonimo di una precisa scelta di campo, quella di aderire alla lotta partigiana. Dopo la guerra, sarà ancora la montagna a favorire e consolidare l’amicizia di Levi con altri due protagonisti del Novecento: Mario Rigoni Stern e Nuto Revelli.
WEIL AM RHEIN
VITRA DESIGN MUSEUM
Transform! Designing the Future of Energy Through 1/9/2024 www.design-museum.de
n exhibition focused around both Levi’s words and also historic photographs, artefacts, documents, books and video clips from public/private archives, the writer’s family and the museum.
An exhibition to showcase Primo Levi’s little-known ties with the mountains dating back to his teenage years and tragically linked to the writer’s own destiny. It was, in fact, in Valle d’Aosta that he was arrested in December 1943, which led to his deportation to Auschwitz concentration camp. In the aftermath of 8th September 1943, the expression ‘going to the mountains’ became synonymous with the decision to join the partisan struggle. After the war, it would again be the mountains that helped forge Levi’s friendship with two other key 20th-century fgures: Mario Rigoni Stern and Nuto Revelli.
L’ énergie est le principal moteur de notre société ; l’énergie est politique, l’énergie est invisible, l’énergie est omniprésente. Tout bâtiment, infrastructure et produit lié à la production, à la distribution et à l’utilisation d’énergie est créé par des êtres humains. Par conséquent, le design joue un rôle essentiel dans la transition actuelle vers les énergies renouvelables. L’exposition met en lumière la transformation du secteur de l’énergie du point de vue conceptuel : des produits quotidiens utilisant des énergies renouvelables à la conception de maisons à énergie solaire et de centrales éoliennes, en passant par des systèmes de mobilité intelligents, jusqu’aux visions futuristes de villes autosuffsantes.
EKÖLN
MUSEUM LUDWIG
Roni Horn: Give Me Paradox or Give Me Death Through 11/8/2024 www.museum-ludwig.de
L’ exposition explore le travail de l’artiste américaine (New York, 1955) à travers une centaine d’œuvres, qui vont de la photographie au dessin, en passant par les livres d’artiste, la sculpture et l’installation. Derrière cette ouverture se cache la conscience de l’artiste que tout dans le monde est changeant et ne peut être soumis à des défnitions fxes. L’exposition au Musée Ludwig examine cette idée à travers trois thèmes récurrents dans l’œuvre de Horn : la nature, l’identité et le langage.
The exhibition explores the work of the American artist (New York, 1955) through around a hundred works, which ranges from photography to drawing, artist books, sculpture and installation. Behind this openness is the artist’s awareness that everything in the world is changeable and cannot be subject to fxed defnitions. The exhibition at the Ludwig Museum examines this idea through three recurring themes in Horn’s work: nature, identity and language.
nergy is the main driving force of our society; energy is political, energy is invisible, energy is omnipresent. All of the buildings, infrastructure and products related to the generation, distribution and utilization of energy are created by human beings. Consequently, design plays a key role in the current transition to renewable energy.
La mostra esplora attraverso un centinaio di opere il lavoro dell’artista americana (New York, 1955) che spazia dalla fotografa al disegno, ai libri d’artista, alla scultura e all’installazione. Dietro questa apertura c’è la consapevolezza dell’artista che tutto nel mondo è mutevole e non può essere soggetto a defnizioni fsse. La mostra al Museo Ludwig esamina questa idea attraverso tre temi ricorrenti nell’opera di Horn: natura, identità e linguaggio.
L’energia è il principale motore trainante della nostra società; l’energia è politica, l’energia è invisibile, l’energia è onnipresente. Tutti gli edifci, le infrastrutture e i prodotti legati alla generazione, distribuzione e utilizzo dell’energia sono creati da esseri umani. Di conseguenza, il design gioca un ruolo chiave nell’attuale transizione verso le energie rinnovabili. La mostra mette in luce la trasformazione del settore energetico dal punto di vista del design: dai prodotti di uso quotidiano che utilizzano energia rinnovabile alla progettazione di case solari e centrali eoliche; dai sistemi di mobilità intelligente alle visioni futuristiche di città autosuffcienti.
The exhibition shines a light on the transformation of the energy sector from the perspective of design: from everyday products that use renewable energy to the design of solar houses and wind power stations; from smart mobility systems to futuristic visions of self-suffcient cities.
Roni Horn, Portrait of an Image (with Isabelle Huppert) (Detail), 2005-2006 (ph: Genevieve Hanson, Courtesy the artist and Hauser
Primo Levi alla Capanna Regina Margherita (Monterosa, 4.553 mslm), 1960 (Archivio Eredi Primo Levi)
AGENDA
HELSINKI
AMOS REX
Kim Simonsson: Moss Giants Through 20/10/2024 amosrex.f
Les Moss Giants de Kim Simonsson, créés à l’origine pour le festival lille3000, forment une communauté d’enfants exceptionnels. L’artiste a confé à chaque enfant une tâche, toutes aussi nécessaires les unes que les autres pour préserver la coexistence harmonieuse entre les géants. Certains portent des outils divers sur leur dos, d’autres sont accompagnés d’animaux.
Les thèmes de l’enfance préoccupent l’artiste depuis le début de sa carrière, lorsque ses personnages d’enfants remettaient en question les normes culturelles en matière de comportement souhaitable ou inapproprié. Les géants refètent l’expérience de l’artiste qui a dû apprendre la langue des signes fnlandaise pour parler avec l’un de ses deux enfants.
IMoss Giants di Kim Simonsson, originariamente creati per il festival francese Lille3000, formano una comunità di bambini eccezionali. L’artista ha assegnato a ogni bambino un compito, tutti ugualmente necessari per mantenere l’armoniosa convivenza dei giganti. Alcuni portano sulla schiena vari strumenti, altri sono accompagnati da animali.
I temi dell’infanzia hanno preoccupato l’artista fn dalle prime fasi della sua carriera, quando i suoi personaggi infantili sfdavano le norme culturali di comportamento desiderato e inappropriato. I giganti rifettono l’esperienza dell’artista nell’imparare la lingua dei segni fnlandese per parlare con uno dei suoi due fgli.
Kim Simonsson’s Moss Giants, originally created for the French festival Lille3000, form a community of exceptional children. The artist has given each child a task, all of which are equally necessary to maintain the giants’ harmonious coexistence. Some carry various tools on their backs, others are accompanied by animals. Themes of childhood have preoccupied the artist since the early stages of his career, when his child characters challenged cultural norms of desired and inappropriate behaviour. The giants refect the artist’s experience of learning Finnish sign language to speaks with one of his two children.
ao Fei (née en 1978 à Canton, en Chine) vit et travaille a Pékin. Dans ses vidéos, ses photographies et ses installations multimédias, elle aborde les changements économiques et sociaux de notre époque. La numérisation, la mondialisation, la transformation des structures urbaines et suburbaines, et donc de nos espaces de vie, sont au cœur de son art. Pour ses œuvres, Cao Fei passe beaucoup de temps dans la communauté virtuelle en utilisant son avatar China Tracy et décrit sa perception des réalités numériques à travers des images individuelles et des espaces artistiques particuliers. Invention et réalité, fantastique et documenté, numérique et humain se combinent pour créer des images surréalistes et dystopiques et des visions esthétiques individuelles que le public peut apprécier.
Cao Fei (nato a Guangzhou, 1978) vive e lavora a Pechino. Nei suoi flm, fotografe e installazioni multimediali, affronta i cambiamenti economici e sociali del nostro tempo. La digitalizzazione, la globalizzazione, la trasformazione delle strutture urbane e suburbane e quindi dei nostri spazi abitativi sono al centro della sua arte. Per le sue opere, la stessa Cao Fei trascorre del tempo nella comunità virtuale utilizzando il suo avatar China Tracy e documenta la sua percezione delle realtà digitali in immagini individuali e spazi artistici distintivi. Invenzione e realtà, fantastico e documentato, digitale e umano si combinano per creare immagini surreali e distopiche ed estetiche individuali che possono essere vissute dal pubblico.
GENOVA, PALAZZO DUCALE
Nostalgia.
Cao Fei (b. Guangzhou, 1978) lives and works in Beijing. In her flms, photographs, and walk-in multimedia installations, she addresses the economic and social changes of our time. Digitalization, globalization, the transformation of urban and suburban structures and thus our living spaces are at the heart of her art. For her works, Cao Fei herself spends time in the virtual community using her avatar China Tracy and documents her perception of digital realities in individual imagery and distinctive artistic spaces. Invention and reality, the fantastic and the documented, the digital and the human combine to create surreal, dystopian images and individual aesthetics that can be experienced by the public.
Modernità di un sentimento dal Rinascimento al contemporaneo Through 1/9/2024 palazzoducale.genova.it
Le projet d’exposition concerne plus de 120 œuvres qui tracent un itinéraire à travers les arts fguratifs du XVe siècle jusqu’à l’époque contemporaine, dont le fl conducteur est le sentiment de nostalgie décliné en différentes acceptions et modes d’expression. Parmi les chefs-d’œuvre exposés pour l’occasion, prêtés par de prestigieux musées italiens et internationaux et des collections privées, fgurent des œuvres d’Albrecht Dürer, Luca Giordano, Jean Auguste Dominique Ingres, Francesco Hayez, Giovanni Boldini, Evelyn De Morgan, Giacomo Balla, Giorgio De Chirico, Florence Henri, Lucio Fontana, Yves Klein et Anish Kapoor.
Il progetto espositivo coinvolge oltre 120 opere che tracciano un itinerario tra le arti fgurative dal Quattrocento al Contemporaneo, il cui flo conduttore è il sentimento della nostalgia declinato in diverse accezioni e modalità espressive. Tra i capolavori in mostra per l’occasione, provenienti da prestiti di prestigiosi musei e collezioni private italiane e internazionali, fgurano opere di Albrecht Dürer, Luca Giordano, Jean Auguste Dominique Ingres, Francesco Hayez, Giovanni Boldini, Evelyn De Morgan, Giacomo Balla, Giorgio De Chirico, Florence Henri, Lucio Fontana, Yves Klein e Anish Kapoor.
The exhibition project involves more than 120 works that provide an overview of the fgurative arts from the 15th century to the modern day, whose common thread is a feeling of nostalgia in all its various meanings and modes of expression. The masterpieces on show at this event, on loan from prestigious Italian and international museums and private collections, include works by Albrecht Dürer, Luca Giordano, Jean Auguste Dominique Ingres, Francesco Hayez, Giovanni Boldini, Evelyn De Morgan, Giacomo Balla, Giorgio De Chirico, Florence Henri, Lucio Fontana, Yves Klein and Anish Kapoor.
Kim Simonsson, Friendship, 2022 (photo: Mika Huisman / Amos Rex)
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For over 50 years, millions of LS 990 light switches and sockets have been in use around the world. Reasons for this include not only LS 990’s timeless design, but also the durable quality of the products and the materials used. In the „Material Reutilization“ category, JUNG has even achieved the „Gold“ score in the Cradle to Cradle certification.
