Revista 90+10 #29

STAFF Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar Diseño Gráfico Hernán Patto Leandro Marenzi Gestión Corporativa Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar Producción Dulcinea Sedam dulcinea@90mas10.com.ar Departamento Comercial publicidad@90mas10.com.ar Colaboran en este número Aldo Bressi, Berty Giménez Brotons, Carlos Piedrabuena, Carolina Prioglio, Esteban Kenny, Fernanda Cohen, Germán Andrés, Javier Villa, Jorgelina Peciña, Juan Ponieman, Leila Mesyngier, Lucrecia Bertani, Mora Kantor, Movimiento Artes, Natalia Iscaro, Nazareth Táccari, Patricio Oliver, Rafael Delceggio y Ricardo Sametband Distribución en kioscos Ciud. Aut. Bs. As. y GBA Vaccaro, Sánchez y Cía. S.C. Moreno 794, Piso 9º Tel. (+5411) 4342-4031/32 Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114 Suscripciones Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 Fax (+5411) 4314-7135 cp67@cp67.com Librería Concentra Montevideo 938 Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli mgattelli@fibertel.com.ar Producción Gráfica Help Group www.hgprint.com.ar info@hgprint.com.ar

Cerviño 3814 – 4º Piso “A” (C1425AGU) Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | www.90mas10.com.ar Revista Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas firmadas son responsabilidad de sus autores.

Registro de la propiedad intelectual Nº 364582 | ISSN 1668-6403

Año 6 - Nº29 – Octubre / Noviembre 2010

EDITORIAL Con esta edición se cumplen seis años de 90+10, y muy oportunamente recibimos la invitación de May Groppo para participar de la edición especial de diseño y arquitectura de Pecha Kucha Night.

Este evento reúne artistas y creativos de distintos ámbitos, para presentar ante el público, y en sólo 6:40´, sus ideas y proyectos en 20 imágenes por 20 segundos cada una.

Quisimos aprovechar esa oportunidad para contar brevemente la historia de 90+10, y seleccionar esas imágenes fue un ejercicio más que interesante para nosotros, porque nos permitió revisar todo lo que habíamos hecho en estos años, y reflexionar sobre cómo el fenómeno 90+10 fue gestándose, creciendo, madurando y consolidándose hasta el día de hoy. Un medio de comunicación está más acostumbrado a contar las historias de otros que contarse a sí mismo, pero es algo muy necesario, para darse cuenta de que nada es casualidad.

El relato puede ser contado desde dos perspectivas: la de Gonzalo Fargas (director y generador de la idea de la revista) y la mía, que desde el inicio decidí

apoyarlo, y que con el tiempo me fui involucrando definitivamente en el proyecto.

Muchas veces me pregunto de dónde saco las herramientas para editar una revista, ya que mi formación viene de las artes plásticas y la escenografía. Pero inmediatamente enumero que soy amante del teatro, del diseño, de las letras, de la ópera y el cine. Y soy el resultado de todo esto: ésas son mis herramientas.

Es así que me vienen a la mente las palabras de Julien Vallée -que leerán en su entrevista-, quien como artista, cuenta historias para que otros las experimenten y que el papel que usa en sus obras es sólo una herramienta para lograrlo...

Para expresar mi arte, cambié la carbonilla y el papel de escenografía por una revista, y ojeando el pdf de esta edición (porque en este momento todavía no se imprimió), tengo una sensación mucho más fuerte que otras veces: descubro cómo cada imagen, cada texto y hasta cada publicidad están en el lugar justo; cada página está diagramada siguiendo una composición visual. Están contando una historia, la que quiero que otros experimenten. +

Marcela Fibbiani Editora

Agradecemos a: nuestros lectores, Adriana Kalekin, Adriana Roldán, Agustina Amores Fonrouge, Agustina Militerno, Alejandro Czerwacki, Alexis Amitrano, Alfredo Fierro, Ana Clara Prilutzky, Analía Fabre, Anni Ahonen, Arabella Lumsden, Ashley Woodfield Belén Rey, Camila Milessi, Carla Rodríguez, Carolina Laschera, Carolina Oldani, Carolina Peschi, Carolina Wartelsky, Carolina Weissman, Catalina Vieyra Urquiza, Cecilia Cabral, Cecilia Forti, Cecilia Passalacqua, Cecilia Tear, Chris Jackson, Christian Menges, Constanza Szuster, Daiana Hitner, Daniela Re, David Pessacg, Diana Muia, Diego Acosta, Diego Balboa, Diego Battista, Diego Cortese, Elsa Nicotra, Emiliano Blanco, Erika Uehara, Eugenia Ramírez, Fabiana Cabral, Facundo De Falco, Facundo Garayalde, Fernando Descotte, Filippo Ricci, Florencia Camacho, Florencia Dopazo, Francisco Estruga, Gabriel Hanfling, Gabriel Stabilito, Gabriela Massolo, Gabriela Ohanecian, Gilda Suárez, Gisel López, Gisela Lenzo, Gisela Rosell, Gisela Sabin, Graciela Raponi, Guadalupe Requena, Guarino Guido, Guillermina Sáez Germain, Guillermo Martín, Gustavo Castagnino, Heliana Carames, Iván Amadeo, Iván Martins, Jan Gunnar Larsson, Javier Vernengo, Jess Tully, Jessica Poole, Jo Corfield, Jorge García Puigrredón, Juan Pablo Arcucci, Judy Ortiz , Julián Mallea, Juliana Lacava, Karina Perrando, Kimberly Carroll, Laura Sandoval, Leandro Di Gregorio, Leandro Ferrero, Leandro Maseda, Leo Peydro, Liliana Dabove, Liliana Labonia, Lore Gentile , Lorena Marino, Lourdes Pereyra, Luciana Antolin, Luciana Moraña, Luciano Tarragó, Macarena Rudman, Magdalena Villemur, Malena Roggiano, Marce García, Marcela Macía, María Elena Ricaurte, María Eugenia Archimbal, María Eugenia Cataldi , Mariana Dobovsek, Mariana Eleta, Mariana Pelliza, Mariana Pérez, Mariana Sturniolo, Marisa Mesquía, Martín Pezza, Matías Albaine, Matías Bártoli, Matías Correa, Maximiliano Chomnalez, Máximo Aguirre, Mercedes Córdova, Mercedes Reinoso, Nadia Kunawicz, Naomi Li, Narmin Mohammadi, Natalia Cuevas, Nicolás Bruzzone, Nicolás González Barcia, Patricia Adelchanow, Patricia Gilardoni, Patricia O´Shea, Patricio Carvajal, Ramiro Arosteguy, Ricardo Flammini, Romina Cardillo, Romina Saavedra, Rosario Ariganello, Rosario Toschi, Roxana Dubar, Roxana Umansky, Sabrina Romero, Samanta Gómez, Santiago Perincioli, Sebastián Zajdman, Sergio Vera, Silvia Soriano, Silvina Doallo Ilvento, Sofia Rey Petit, Sol Laiño, Soledad Carranza Casares, Sonia Güerci, Tito Khabie, Tomás Cohen , Valentina Solari, Valeria Magnaldi, Verónica Ciaglia, Verónica Gruñeiro, Verónica Pagniez, Victoria Capellini, Victoria Gowland Acosta, Wally Diamante y a todos los entrevistados.

SUMARIO NÚMERO29 10 20 22 24 26 28 30 36 38 40 42 48 50 52 54 55

74 78 82 86

Noticias +Diseño +Publicaciones +Arquitectura +Recomendados Tiendamalba +Green Design +Destinos con Diseño +Arte +Lifestyle +Los Ojos se Alimentan +Experiencia Konex +Música +Empresas +Eventos +Agenda +Fragancias Especial London Design Festival 2010 Tendencia en diseño y buenos negocios Ilse Crawford El diseño emocional Paul Cocksedge El poder de la transformación Diseñadores y creativos Julien Vallée El explorador MemSiSurt I+D en la cocina Juan Manuel Díaz Reinterpretar un mito Milton Glaser El diseñador gráfico más influyente del siglo XX

90 96 100 102 108 110 112

Diseños y creatividad Casa FOA 2010 Enclave colonial Whirlpool en Casa FOA 2010 Tecnología y buen diseño se unen Buenos Aires Design en Casa FOA 2010 Apostando al diseño y la decoración Puma Urban Art 2010 La cita obligada con el arte urbano Sudala La apuesta del diseño trasandino Colección de Arte Absolut Absolutamente creativo TRImarchiDG Nueve años de diseño gráfico

116 120 128 134

Moda London Fashion Week London calling Iron dreams ¿Había una vez?

Fashion Edition BA 2010 La moda argentina editada

137 138 143

Clásicos contemporáneos Bombay Sapphire Diseño y solidaridad John Pawson La expresión minimal +Premium

144 146

Autos y vehículos Citroën C3 Aircross Tecnología creativa +Autos y vehículos

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Portfolio Florencia Blanco

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Tecnología Hay tabletas para entretenerse +Tecnología

160 162

English Summary ¿Dónde consigo 90+10? | Suscripción

DISEÑO DE TAPA Patricio Oliver Foto Rafael Delceggio www.rafaeldelceggio.com Styling Esteban Kenny para www.vincentt.com.ar Retoque digital Groupdolly.com Modelo Gabriella para Visage Models www.visage-models.com Pelo y Make Up Lorena Urcelay para Jazmín Calcarami Studio con productos MAC www.jazmincalcarami.com.ar Asistente fotografía Martín Dellegiovanna Agradecemos a Natalia Dardano

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+DISEÑO

| Texto: Natalia Iscaro

+ Calle interna del CMD

+El mundo a Buenos Aires Justo a tiempo para el Buenos Aires Festival Internacional de Diseño, el Centro Metropolitano de Diseño inauguró nueva sede. Se trata de un edificio ubicado en el barrio de Barracas, y reconstruido sobre el antiguo Mercado del Pescado. Así, la zona sur sigue creciendo, gracias a esta obra de 14.000 m² proyectada por el arquitecto Gastón Flores mediante Concurso Nacional.

Con un lenguaje contemporáneo y la morfología de la antigua construcción (referente barrial), el nuevo edificio promete contar con programas y servicios para fomentar el desarrollo de la industria del diseño y convertirse en un espacio referente de diseño. Es por eso que, del 22 al 31 de octubre, ésta fue la sede del Festival Internacional de Diseño, la Primera Cumbre de Ciudades del Diseño de la Unesco en Buenos Aires . “Diseño para todos” fue el lema del evento, que contó con la presencia de funcionarios y expertos de todas las ciudades de diseño (Kobe, Nagoya, Montreal, Berlín, Shenzhen, Shangai, Seúl y Buenos Aires), así como muestras internacionales de países como Italia, Colombia, México, Chile y el Uruguay.

Más de cien actividades programadas incluyeron el anuncio del ganador del Concurso Code de afiches de diseño; el circuito de diseño Palermo Viejo; un Circuito de Vidrieras Sustentables; una edición especial de Pecha Kucha en el Konex; la exhibición de los proyectos que reciban Mención Especial en el Concurso Señalética, en el Parque de la Memoria; la 2º Jornada de Diseño y Educación del Foro de Instituciones Educativas de Diseño de la Ciudad de Buenos Aires; y conferencias y workshops de un grupo de selectos, entre otras actividades.

Como frutilla del postre, se sumó la avant premiere de Inspiration Fest, el 27 de octubre en Ciudad Cultural Konex, cuando Julien Vallée, renombrado artífice de maravillosas instalaciones y collages a base de papel, brindó una conferencia con entrada libre y gratuita.

Luego Gonzalo Fargas (director de IF) realizó un recorrido por las diferentes actividades que participarán de la segunda edición del festival (26 y 27 de noviembre, también en el Konex) que promueve lo mejor del diseño, la animación, la fotografía, el arte y las industrias creativas en sus infinitas expresiones. www.buenosaires.gob.ar/fid

+Excelencia premiada Promover el desarrollo de empresas nacionales en su creación industrial: éste el objetivo de los Premios Presentes a la Excelencia en Diseño. Los ganadores fueron exhibidos en un lugar de privilegio durante la 21 Exposición Presentes Primavera 2010 en La Rural, del 19 al 22 de agosto. El jurado de selección estuvo conformado por el arquitecto Ricardo Blanco, los diseñadores industriales Eduardo Naso y Adrián Cohan, la arquitecta María Luisa Musso, la diseñadora textil Rosa Skific, el diseñador gráfico Diego Giaccone, el diseñador industrial Carlos Mathov y, como director, el diseñador Sebastián Ackerman. + www.presentesonline.com + Banco Sr. Costanero, del Arq. Adrián Prieto Piragine. Ganador Producto Sustentable.

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+DISEÑO

| Texto: Natalia Iscaro

+Estudiantes premiados

demandas de sustentabilidad.

Un jurado de notables se encargó de premiar al ganador del Concurso de Diseño para Estudiantes Masisa 2010. El arquitecto Ricardo Blanco y los diseñadores industriales Eduardo Nasso y Eduardo Simonetti hicieron uso de su atribución al nombrar al sillón Dumbo (de Gisela Mónica Funes, de la Universidad de Mendoza) como merecido vencedor. De reminiscencia clásica y elaboración contemporánea, este objeto confortable fue realizado íntegramente en Fibrofácil Masisa de 18 mm, con un armado por encastre y terminación laqueada o impresa en serigrafía. En su confección, el aprovechamiento estimado del producto es del 95%, fiel a las

En tanto, la medalla de plata fue para el proyecto Fluid (de Javier Lupin, de la Universidad de Mar del Plata) y la de bronce para Mesa Asiento X (de Romina Svegliati, de la Universidad Nacional de Rosario). Alfredo Gili Canadell, Gerente General de Masisa Argentina, hizo la entrega de los galardones: un viaje a Brasilia para participar de la premiación Internacional, junto con los ganadores de otros países donde Masisa tiene presencia. El triunfador en esa instancia recibirá un viaje para el Salón del Mueble de Milán, en 2011. www.masisa.com

+ArtFutura La cultura y la creatividad digital tienen cita obligada en ArtFutura, un festival que desde hace veinte años explora los proyectos más interesantes en new media, motion graphics, videojuegos y animación digital. En su tercera presentación en la Argentina, el país será por primera vez sede de las conferencias y exposiciones principales (habitualmente en España), que tendrán lugar en Malba, Centro Cultural Recoleta, Fundación Telefónica y Centro Cultural de España en Buenos Aires.

Así, del 3 al 7 de noviembre, se destacará la presencia de invitados internacionales de la talla de Michael Adamo (productor ejecutivo de Passion Pictures, firma inglesa que realiza los videos de Gorillaz), Pablo Helman (especialista en efectos especiales argentino

que trabaja en Industrial Light & Magic, la compañía de George Lucas) y Tono Errando (director y guionista español que presenta la película de animación Chico & Rita, dirigida junto a Fernando Trueba y Javier Mariscal, un retrato de La Habana de los años cuarenta y una historia de amor), así como Josh Harris y Jeff Gompertz (protagonistas del documental “We Live in Public”, sobre las redes sociales y la privacidad en Internet, ganador de la última edición de Sundance).

Otras 16 ciudades compartirán el programa audiovisual en red, que incluirá documentales, selecciones de animación y de World Wide Work (creatividad en Internet) y Futura Graphics (motion graphics, virales y videoclips). ¿La mejor noticia? La entrada es gratuita. + www.artfutura.org

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+PUBLICACIONES

| Texto: Natalia Iscaro

+Diseñar hoy

PABLO HAMRA Y SERGIO DE PRIETO Editorial NOBUKO Formato 17,5 x 23,5 cm 210 páginas

El diseño, ese concepto aún hoy tantas veces indescifrable o incluso desvirtuado. Ese magma que se resignifica a la velocidad de la luz y que encuentra en este siglo XXI tantos seguidores como estudiosos (más y menos serios), es la materia prima sobre la cual se centra este libro, escrito por Pablo Hamra y Sergio De Prieto. Diseñador argentino residente en Israel el primero, arquitecto dedicado al asesoramiento estratégico radicado en Buenos Aires el segundo, unieron su experiencia y conocimiento al servicio de un tomo que ya se hacía esperar. Una fuente de consulta obligada e ideal para workshops de capacitación, recorre los últimos 25 años de la disciplina, siguiendo su desarrollo a nivel sistémico y multidisciplinar. Sobre esta base, el libro se estructura de lo micro a lo macro, tocando temas como el método de pensamiento y de análisis, la importancia de la gestión del diseño, la figura del diseñador como innovador y la revisión de los métodos de aprendizajes y las políticas actuales. Además, dimensiona cuestiones como la sustentabilidad y la investigación como generadoras de valor y desarrollo. Para diseñadores, comunicadores, emprendedores del diseño y público en general. www.gestalten.com

+Bifocal

PABLO BERNASCONI Editorial EDHASA Formato 17 x 23 cm 128 páginas

“Un libro en dos dimensiones”, anuncia desde su tapa Bifocal. Se trata, nada menos, del segundo libro del ilustrador Pablo Bernasconi. El tomo, que viene a suceder al muy prensado y exhibido Retratos, se propone, según Pablo, como: “Un libro que involucra los dos estados de ánimo de un autor. Bifocal plantea en su estructura la dualidad del pensamiento, a veces contradictorio, a veces armónico, de un individuo, en este caso yo”. Nacido en San Carlos de Bariloche en 1973, este diseñador gráfico comenzó como ilustrador en Clarín, en 1998. Sus dibujos se han publicado en el New York Times, entre otros medios internacionales. En Bifocal, frases escogidas son disparadores que conviven con su obra en collage. Con un refinamiento y un detalle propios de su estilo, el artista recrea historias que se leen de un lado y del otro (al dar vuelta la tapa), como un doble punto de entrada a preguntas, ensayos y errores de una búsqueda interior. Hay sentencias que plantean diálogos, e ideas que devienen en conceptos, luego en dibujos, y finalmente en un juego que es una exploración de la imaginación.

+Trespass Historia del arte urbano no oficial

CARLO MCCORMICK, MARC Y SARA SCHILLER, ETHEL SENO Editorial TASCHEN Formato 23.5 x 32 cm 320 páginas

Es un fenómeno mundial, sí. Ya nadie puede negarlo y, sin embargo, algo subsiste en el género urbano del graffiti en torno a “lo no aceptable”, “lo rebelde” o “lo indecente”. Algo, acaso, que le da un poco de todo ese encanto con el que cuenta. Definido en este libro como “el hijo problemático de la expresión cultural” y “el último forajido de las disciplinas visuales”, lo innegable es que el graffiti se ha convertido en un fenómeno global imparable. De este modo, Trespass examina este auge, a la vez que repasa las figuras más destacadas, los acontecimientos, los movimientos de expresión, y las historias de reclamos, protestas e intervenciones ilícitas urbanas. Escrito por Carlo McCormick, crítico especializado en cultura pop, a lo largo de estas páginas de descubren, además, imágenes inéditas del arte urbano de Keith Haring y Jean-Michel Basquiat, fotografías nunca publicadas de artistas seleccionados, así como de la experta en arte de metro Martha Cooper, y se suman ensayos y artículos especiales. El desafío es, finalmente, enfrentarse al fenómeno desde una perspectiva histórica de alcance mundial, que plantee su evolución.

Biografía esencial, coronan esta obra los trabajos de 150 artistas mundiales entre ellos, Jean Tinguely, Spencer Tunick, Os Gemos, Jenny Holzer y Guerrilla Girls. +

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+ARQUITECTURA

+Serpentine Gallery Pavilion 2010 Escarlata absoluto Cada año -desde hace ya una década-, la legendaria galería de arte de Kensington Gardens deslumbra al mundo con sus extraordinarios pabellones de verano. La receta es simple, pero eficaz: sobresalientes íconos de la arquitectura contemporánea -sin obras anteriores en suelo inglés- deben completar la construcción de un pabellón para eventos al aire libre, en un plazo máximo de seis meses desde el encargo formal. La impresionante lista de convocados incluye a Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa (SANAA), Frank Gehry, Olafur Eliasson + Kjetil Thorsen, Rem Koolhaas + Cecil Balmond, Álvaro Siza + Eduardo Souto de Moura con Cecil Balmond, Oscar Niemeyer, Toyo Ito, Daniel Libeskind y Zaha Hadid.

Celebrando sus cuarenta años de existencia, la Serpentine Gallery nos regala el apasionado poema visual del ganador del Pritzker Architecture Prize 2008, Jean Nouvel (1945, Fumel, Francia).

Inspirado en el rojo furioso de los autobuses y cabinas telefónicas londinenses, el creador del Institut du Monde Arabe compone -con

| Texto: Carlos Piedrabuena. Foto: Philippe Ruault

el solvente soporte técnico de los ingenieros de Arup (responsables del diseño estructural de la Ópera de Sydney), un espacio de líneas depuradas y poderosa e incomparable monocromía.

El acusado contraste entre la atrevida visión magenta del arquitecto y los apacibles tonos rurales del antiguo y encantador coto de caza real -la galería ocupa la vieja residencia del guardaparque- refresca y predispone, acentuando eficazmente la irrepetibilidad del momento. El inteligente diseño contrapone una sencilla y eficiente caja a un gran plano inclinado de enorme protagonismo, y funcionales estructuras retraíbles unen a ambos, facilitando la rápida y necesaria adaptación a las cambiantes condiciones del clima estival londinense.

Potente y elegante, el pabellón de este año puede ser discutido, pero de ninguna manera ignorado. La ilustre tradición de experimentación de la convocatoria ha sido, una vez más, magníficamente servida. + www.serpentinegallery.org www.jeannouvel.com www.arup.com

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+ Sillón Cake

+ Sillón Vitória Régia

+Hermanos Campana en Tiendamalba Por primera vez en Buenos Aires, Tiendamalba exhibe y comercializa del 22 de octubre al 15 de noviembre, una selección de diez productos de los célebres diseñadores brasileños Humberto y Fernando Campana: objetos para el hogar y para el escritorio, realizados en papel, goma eva y cuero, en múltiples colores. También se incluyen dos célebres piezas de mobiliario: los sillones Cake (realizado con animales de peluche) y Vitória Régia (con tiras de goma eva tejidas artesanalmente en forma circular, dentro de una estructura de metal).

En el marco de la segunda edición de DArA ID (Encuentro Internacional de Interiorismo y Diseño), los célebres diseñadores brasileños firmaron ejemplares de su último libro retrospectivo “Campana Brother´s”, editado por Random House.

En sus trabajos, los Campana buscan establecer un diálogo entre emoción y funcionalidad. Apuestan a la incorporación de lo artesa-

nal en la producción en masa y sólo ven pequeñas diferencias entre el diseñador y el artista. Sus creaciones hablan un lenguaje internacional de transformación y reinvención, de pluralismo e hibridación.

La curiosidad por reutilizar materiales mundanos o descartables, sumada a la necesidad de buscar nuevos métodos de tapizado, los llevó a experimentar con retazos de telas, goma eva y juguetes de peluche.

Descubrieron que los materiales banalizados por el uso diario, como sogas, mangueras y gomas, les daban a sus diseños mayor comodidad. Cuando eligen tapizar un taburete con animales de peluche, nos están interpelando acerca de ese incómodo límite que existe entre el surrealismo y lo kitsch. A su vez, las piezas de la serie Vitória Régia (2002), inspiradas en la curiosidad por las formas propias de la botánica, recrean el encanto de la vitória régia, una gigantesca planta acuática típica de la Amazonia brasileña. + www.campanas.com.br

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+GREEN DESIGN

| Texto: Natalia Iscaro

+ Tetra Pack Vase de Stephen Bretland. Foto: Gonzalo Fargas.

+Hacelo vos mismo

+ Triada

El diseño no necesita de grandes firmas ni de materiales complejos de última tecnología. Y no requiere, tampoco, de estrambóticas fórmulas de elaboración. Requiere, en primera y última instancia, a un usuario. Con el objeto de darle la batuta a esta figura y, además, de volverlo hacedor de los productos que él mismo consume, en el pasillo central de la feria 100% Design, del 24 al 27 de septiembre, diez diseñadores presentaron diez diseños para que uno pueda recrear por sí mismo.

En esta, su quinta presentación en la feria, la colección de objetos de TEN PLAN incluyó proyectos que tuvieron como premisa reducir el impacto ambiental. Entre ellos, Héctor Serrano presentó Mr. Cube, un divertido e intercambiable formato cuadrado para dar vida a infinitos personajes. En luminarias, Chris Jackson propuso una mesa con dos lámparas, la C-Lamp, cuya silueta efímera está hecha de aluminio reciclado. Para los más pequeños, los Skapa son una creación de Sam Johnson, quien se reapropió de productos de Ikea para generar unos divertidos monstruos montables.

En clave vegetal, Stephen Bretland hizo lo propio con un tetra packaging desechado, a modo de florero, para su Tetra Pack Vase. Materiales sustentables y explorar la longevidad de los objetos fueron parte de las propuestas, donde se sumaron los diseñadores Tomoko Azumi, Alex Hellum, Michael Marrito, Nina Tolstrup, Carl Clerkin y Gitta Gaschwendtner. Se trata, en suma, de una exploración sobre las complejas posibilidades de la sustentabilidad. En palabras de sus creadores: “Un proyecto con sinceridad e integridad”. www.ten-plan.com

+ C-Lamp de Chris Jackson

noticias

+GREEN DESIGN

+ From Somewhere

+Pasarela sustentable No sólo el diseño copó las calles londinenses el pasado mes de septiembre. También lo hizo la moda, de la mano del London Fashion Week, evento organizado por el British Fashion Council. Este organismo fue creado en 1983, con el objetivo de promover la moda de diseñadores locales. Y efectivamente se tomaron su trabajo a pecho: desde entonces, la capital inglesa ha pasado a ser una de las obligadas para los diseñadores más destacados, y asimismo, ha sabido convertirse en una plataforma de proyección de diseñadores que hoy son los grandes protagonistas de la moda mundial.

En esta sintonía, la organización lanzó, fiel a las tendencias actuales, un show de moda sustentable. El pasado 17 de septiembre, el primer día de la citada Semana de la Moda, y bajo el lema “una fiesta de jardín, para hacer una diferencia”, los jardines de la Clarence House, Marlborough House y Lancaster House abrieron sus puertas al público.

Como un aporte para concientizar sobre las formas de llevar una vida verde, la pasarela incluyó diseños de Vivienne Westwood, Stella McCartney, From Somewhere, People Tree, Junky Styling, Henrietta Ludgate y Christopher Raeburn, entre otros. En suma, el evento convocó a 400 personas, entre celebridades, diseñadores, retailers y periodistas. La productora My Beautiful City fue la encargada de asegurar la sustentabilidad de las prendas que desfilaron por la pasarela donde, además, no se resignó una pizca de sofisticación. + www.britishfashioncouncil.com www.londonfashionweek.co.uk + Henrietta Ludgate. Foto: Pete Repka. Modelo: Chrystal Holgate.

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+DESTINOS con Diseño

+ Roma: Ciudad eterna Cuna de mitos y leyendas, de ruinas y monumentos milenarios, y dueña de un ritmo de vida relajado, con sus tiendas de diseño y trattorias a cada paso, Roma ostenta con orgullo su fama de ser la ciudad más turística del mundo, la ciudad del amor.

Hay de todo para hacer, y de todo para ver: desde el monumento de sus fundadores, Rómulo y Remo, pasando por el glorioso Coliseo, el silencioso Panteón -el mejor preservado de todos los edificios romanos- y la borboteante Fontana De Trevi, hasta el Foro Romano y la Ciudad del Vaticano. Roma es una ciudad para transitar a pie: su red de subtes es acotada y el clima generalmente bueno, pero, sobre todo, la ciudad en sí es un gran espectáculo que merece ser recorrido a fondo.

Sus angostas callecitas invitan a perderse para luego encontrarse contemplando magníficas perspectivas y esculturas a la vuelta de cada esquina. Cada cien metros todo parece repetirse: las pia-

| Texto: Carolina Prioglio

zzas, las tradicionales pizzerías o gelaterías -el helado romano tiene fama mundial de ser el mejor, y un buen sitio para comprobarlo es el Giolitti Café cerca del Panteón-, las fuentes barrocas y las monumentales iglesias.

No está de más saber que a la hora de ir de compras, Roma también ofrece variadas opciones según la zona. Alrededor de Piazza di Spagna, sobre via Condotti, via Borgognona y via Bocca di Leone, se encuentran la mayoría de las tiendas de diseñadores internacionales.

Y cerca de allí, sobre la concurrida Via del Corso -que va desde Piazza Venezia hasta Piazza del Popolo-, tienen su sede las marcas y cadenas más populares y masivas. El área de Campo di Fiori se llena de turistas constantemente, al ofrecer un mix de diseño independiente, y la zona de Trastevere, al sur, es conocida por su arquitectura medieval y por la onda bohemia que le imprime a una de las ciudades más antiguas del mundo. +

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+ARTE

| Texto: Javier Villa

+ Performance “Lo dado“, de Gabriel Baggio, 2005. Foto: Nicolás Humbert

+Relatos de resistencia y cambio Del 20 de agosto al 31 de octubre, Frankfurter Kunstverein, Steinernes Haus am Römerber, Markt 44, Frankfurt, Alemania Una nueva exhibición dentro del género “artistas de la Argentina”.

El seleccionado local fue curado por Rodrigo Alonso, y formó parte de los eventos organizados alrededor de la feria del libro de esta ciudad –una de las más importantes del mundo-, cuyo invitado de honor es la Argentina.

El eje propuesto por el curador fue acercarse a distintas modalidades de la producción plástica local surgidas a partir de 2001. Si bien la elección pareciera obvia, podría ser acertada para intentar analizar cierto rumbo de la práctica local en la última década, sobre todo si es tomada desde una perspectiva flexible y abierta, cargada de contradicciones y tensiones, intentando trasladar a la sala cierta experiencia física y comprometida con las obras y la historia reciente.

tamaño natural con sus armas); o el trabajo tan delicado como potente que realiza Mónica Millán a partir de un contacto duradero con una comunidad indígena del Paraguay, entre otros. A su vez, el curador incluye a un grupo de tres “exiliados”: Alessandra Sanguinetti (Nueva York), Sebastián Díaz Morales (Ámsterdam) y Tomás Saraceno (Frankfurt). Los dos primeros abordan la crisis desde un costado más bien poético; el último, tal vez indirectamente, desde uno utópico. + www.fkv.de

Pero poco de eso ocurre en este caso: si bien se eligieron algunos proyectos importantes, la puesta es fría y bastante seca. No obstante, la exhibición sirve para presentar a un circuito ajeno un grupo de experiencias comunitarias que, aún perdiendo su energía al volverse meros objetos o documentos en una situación museográfica, fueron fundamentales en estos últimos años si se quiere comenzar a entender una reacción particular –tal vez local- ante la crisis: Eloísa Cartonera, el Taller Popular de Serigrafía (TPS) y Proyecto Nido.

La muestra, también, abarca una serie de producciones individuales ya conocidas por el circuito local, como “Lo dado”, performancecomida de Gabriel Baggio; “Potencial”, probablemente la mejor serie de fotografías de Ananké Asseff (ciudadanos retratados en

+ Eloísa Cartonera

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+ARTE

| Texto: Javier Villa

+Charlie Squirru 30 años después Del 4 al 14 de octubre, Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires, Perú 160, CABA 1965: en la esquina de las calles Florida y Viamonte, un cartel publicitario presenta a tres sujetos sonrientes, mezcla de actores de revista con cierta tipología de freak colorido, que producía locuras demasiado originales para la época. El póster pregunta -¿retóricamente?, ¿al transeúnte?– por qué son tan geniales.

La respuesta probablemente haya estado encerrada, como si se tratara de una tautología, en la misma obra: un emblema del pop local de aquella década, del trabajo con estrategias de comunicación de masas y el espacio público, un símbolo de la ruptura que acontecía en el Centro de Artes Visuales del Instituto Torcuato Di Tella –a sólo media cuadra del cartel- y una ironía sobre cómo el público general tomaba a esos “locos” de la calle Florida.

Este 4 de octubre, como si la genialidad preanunciada del artista fuera reconocida con 45 años de retraso por la política cultural pública, Charlie Squirru -uno de los tres autores del cartel- fue reconocido por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires como Personalidad Destacada de la Cultura.

“Porque fuimos absolutamente honestos y originales, se necesitaron décadas para legitimizar estas imágenes que han entrado en la historia”. Palabras de Squirru, que acompañara el reconocimiento con una muestra de obra histórica, realizada en 1964, exhibida una única vez en Nueva York, perdida durante décadas en los depósitos de la OEA en Washington, y recientemente recuperada.

+ El Círculo de la Muerte, 1964

Se trata de una serie de siluetas (iconografía que casi veinte años más tarde tendrá un pico simbólico con la acción artística popular, conocida como “El siluetazo”). En otra época, y con una idea distinta a la de hacer visible la ausencia de los treinta mil desaparecidos sobre el vértice del giro democrático, la obra con siluetas de Squirru, en sus propias palabras, “Nace de mis estudios ocultistas, hablo del cuerpo astral, como en mi obra `La sombra húmeda´ hablo del Aura. Son también premoniciones de los clones humanos que pronto vendrán. Para ello, utilicé lo que hoy es el lenguaje cotidiano de los graffitis, los spray de esmaltes sobre fondos muy despojados de materia. También como medio de expresión en una década tan ávida de fluorescencias y grandes gestos, habla de un convencimiento en la búsqueda de mi propio abecedario”.+

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+ARTE

| Texto: Javier Villa

+Guillermo Faivovich y Nicolás Goldberg Meteorit “El Taco” Del 24 de septiembre al 14 de noviembre, Portikus, Alte Brücke 2, Maininsel, Frankfurt, Alemania El proyecto “Una guía a Campo del Cielo” de Guillermo Faivovich y Nicolás Goldberg comenzó en 2006, pero el relato que busca abrir se inicia hace 4.500 millones de años, es decir, 500 millones antes de la formación de nuestro planeta.

Los artistas argentinos trabajan con materia extraterrestre que, a su vez, es la misma que forma el núcleo de la Tierra: un asteroide que salió de su órbita, ubicada entre Marte y Júpiter, aproximadamente 10 millones de años atrás, y que en su largo recorrido hacia el Sol, hace sólo 4.000, penetró la atmósfera y cayó en el Chaco argentino, como una de las lluvias de meteoritos más extensas registradas por el hombre.

La historia continúa en tiempos precolombinos, con la relación que los indígenas de la zona -a la que llamaron Piguem Nonralta (Campo del Cielo)- tuvieron con las rocas de hierro. Y, durante la colonia, con la búsqueda de minas en un terreno sin montañas, que diversas expediciones españolas realizaron con el objetivo de encontrar la fuente de dicho material.

Luego de cuatro años de una investigación profunda y sostenida, Faivovich y Goldberg lograron contar parte de esta historia en Portikus, Frankfurt, donde presentaron Meteorit, “El Taco”, una exposición compuesta por dos procesos. Por un lado, reunieron a El Taco,

una piedra trasladada por una comitiva de científicos norteamericanos desde Argentina a los Estados Unidos y, posteriormente, a Alemania, para ser cortada a la mitad con el objetivo de ser estudiada en los años 60. Mitad de dicha pieza (895.80 kg) fue guardada en los depósitos del Smithsonian Institution de Washington; la otra (677.85 kg) volvió a la Argentina para ser exhibida a un costado de la entrada del Planetario.

La segunda pieza es un libro, “The Campo del Cielo Meteorites – Vol. 1: El Taco”, editado por Hatje Cantz y producido por dOCUMENTA (13). La publicación recopila toda la información diseminada y nunca publicada sobre este meteorito, que no sólo abarca desde la formación de nuestro sistema solar hasta la colonia, sino que involucra problemas de política patrimonial mezclados con un poco de imperialismo norteamericano durante la Guerra Fría y preguntas sobre el objeto artístico y las modalidades actuales de la práctica.

El proyecto ya tiene programada dos presentaciones en el futuro: en MIT, Boston, uno de los institutos de ciencia y tecnología más relevantes en el planeta, y en Documenta, Kassel, una de las exhibiciones más resonantes del circuito de arte internacional, que se realiza cada cinco años. + www. portikus.de

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+LIFESTYLE

+Un hotel como en casa La moda de los hoteles boutique llegó para quedarse y consolidarse como una oferta de alojamiento competitiva frente a la hotelería tradicional. En el barrio trendy de Palermo, la oferta de este tipo de emprendimientos continúa en crecimiento y a lleno total durante todo el año. Uno de ellos es el Home Hotel, cuya exquisita decoración brinda una opción moderna en hotelería en Buenos Aires.

Ubicado en la calle Honduras al 5800, el Home Hotel se renueva con una propuesta que brinda lo mejor en decoración del ayer, con lo más práctico de la tecnología del hoy. Empapelados originales y únicos, mesas tulipas Saarinen y cortinados especiales para mejorar la aislación en las estancias que dan a la calle, conviven con reproductores de DVDs y iPod docks en todas las habitaciones superiores, detalles que hacen de Home un espacio moderno y exclusivo.

Una de las características distintivas en la decoración del hotel es su empapelado, de origen francés de 1930 y pintado a mano, oriMonotennis A partir del 5 de noviembre, vuelven las monotennis de los viernes de Home hotel, con música de DJ Tom Rixton, Miguel Castro de Victoria Mil y Jay Pace (UK). Hasta las 00hs, con happy

+Desayunando con vista al río Algo de la buena fama y atmósfera de los restaurantes y tiendas de Nueva York tiene su espacio en Buenos Aires, en su barrio más joven, Puerto Madero. Se trata de i Central Market (Pierina Dealessi, esquina Machaca Güemes), donde se puede desayunar o almorzar y hacer compras en decoración para la casa.

Este espacio gastronómico multioferta es un mimo para los sentidos. Allí se puede disfrutar de un completo desayuno con pan recién

| Texto: Jorgelina Peciña

ginal de William Morris, un activista político, pintor y diseñador británico, fundador del movimiento Arts and Crafts, que pretendía volver a la manufactura artesanal para llevar la cultura a la gente con menos recursos.

El diseño de la remodelación estuvo en manos de uno de los dueños de Home, Tom Rixton, y del arquitecto Sergio Peralta. También, invitaron a la artista urbana Pum Pum, quien trabajó en las paredes del vestuario de la piscina y el pasillo de entrada al sector de lofts.

“En una industria cada vez más competitiva, es crucial mantener nuestra posición de líderes en la hotelería boutique. Con ese objetivo, es necesario reinvertir, implementar nuevas ideas, mantener la frescura y la capacidad de sorprender al huésped”, asegura Patricia O’Shea, también dueña de Home hotel, distinguido recientemente como Mejor Hotel Boutique de Argentina 2010 por The Best Boutique Hotels y seleccionado por los lectores de la prestigiosa revista Conde Nast Traveler, entre los mejores hoteles de Sudamérica. www.homebuenosaires.com hours de 7 a 9pm, y gran variedad de tragos de autor realizados con bebidas importadas, acompañados con tapas, picadas y riquísimos sandwiches: una combinación única de estilo y placer para compartir con amigos en el jardín del hotel.

horneado y mermeladas caseras, o bien almorzar una ensalada de lo más sofisticada, todo con vista a los docks de Puerto Madero.

Resulta indispensable darse una vueltita por su bazar, para enterarse de las ofertas de productos de decoración más variada, que incluye desde velas y macetas hasta candelabros, cortinas y flores.

Y si quedaron ganas de llevar algo de los sabores degustados, es posible comprarlos en el sector del almacén. + www.icentralmarket.com.ar

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+LOS OJOS se Alimentan

| Texto: Leonardo Sarra

Battista propone una mirada del diseño a través de los ojos de distintos diseñadores, quienes vuelcan en esta sección su opinión sobre proyectos que consideren de relevancia e influencia en sus trabajos y visiones profesionales. En esta oportunidad, expone el diseñador industrial Leonardo Sarra, director del Estudio Sarra, especializado en diseño estratégico.

+ Mesa Engine de Jaime Hayón para Bisazza

+ Eames Wire-Base Side Chair (1951)

+Eames, Droog y Jaime Hayón Son muchas y de distinto tipo y áreas las influencias en mi trabajo como diseñador, y más aún que otros diseñadores lo son la música, el arte y el cine. Pero si de diseñadores se trata, puedo contarles por qué Charles & Ray Eames, Droog y Jaime Hayón son tres casos diferentes que me hicieron prestarles mucha atención y estudiarlos más en detalle que a otros. Estos tres casos inspiran de una manera u otra mi trabajo y marcan cómo una postura (¡no confundir con pose!) en el diseño, y hasta en la vida, generan identidad.

Creo que Charles Eames y Ray (su segunda esposa) definieron hace sesenta años cómo serían los hábitats de los próximos cien.

Con su concepto “Design is life”, crearon un mundo de objetos populares y de calidad que aún hoy usamos y admiramos. A partir de la exploración de las diferentes tecnologías y materiales, marcaron un camino del diseño de hábitat contemporáneo que aún se recorre con ellos y sus objetos como faro. Fusionaron como nadie calidad, calidez y modernidad. Y aunque sus creaciones sean de las más diversas, siempre persiguieron la satisfacción del usuario y nunca ostentaron del más mínimo capricho, un pilar ético casi “demodé” en nuestra profesión.

En contraposición a esto último, existe desde hace ya varios años la figura del diseñador-artista, más cercana a una concepción fetichista del diseñador. Ya no se espera consumir un objeto enfocado en la satisfacción ergonómica y estrictamente funcional del mismo, sino que represente parte de una obra con una fuerte impronta de su creador. Creo que el español Jaime Hayón es uno de los últimos exponentes de esta tendencia: pareciera crear siempre el mismo objeto, salido de un mundo fantástico de glamour y locura, que los hace imposible de no mirar. Sus piezas parecen mofarse irónicamente del mundo objetual aristócrata y burgués europeo, siendo a su vez eso mismo.

+ Aceitera y vinagrera Salad sunrise XL de Arnout Visser para Droog

Por último, me gustaría destacar al colectivo holandés Droog, fundado a principios de los años noventa, ineludible para los que nos gusta jugar con el sentido de los objetos. Aquí aparece otra vez la experimentación (esta vez semántica), y la forma en que un fuerte concepto editorial prevalece y marca el camino, para que diseñadores con diferente carga puedan participar, generando una identidad innegable. El juego de los usos y los significados están aquí expuestos brutalmente, mientras que la estética y la materialidad pasan a un rol secundario y hasta anecdótico; conceptos lúdicos y ácidamente irónicos en objetos austeros. Midiendo sus diseños con la vara de lo estético, seguramente se los tildaría de feos, y es ahí donde Droog nos muestra que ésa sería una mirada superficial de las cosas. + www.eamesoffice.com www.hayonstudio.com www.droog.com

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+Santiago Vazquez y La Grande Se trata del nuevo proyecto de Santiago Vazquez, creador de La Bomba de Tiempo, una banda de músicos en estado de creación permanente; una coctelera eléctrica y rítmica en la que se mezclan en vivo todos los estilos. Usando las señas para dirección de improvisación que creó para La Bomba, Vazquez va tramando ritmos y grooves en un viaje en el que cada músico de este súper seleccionado aporta su propio enfoque: afro beat, electrónica, funk, jazz, música

balcánica, rock y lo que aún no se sabe... Una nueva experiencia cien por ciento para bailar.

Viernes 19 de noviembre 23.30 hs.

Ciudad Cultural Konex – Sarmiento 3131, CABA www.santiagovazquez.com www.myspace.com/santiagovazquezylagrande www.santiagovazquezylagrande.blogspot.com

un set acústico (cajón flamenco, guitarra criolla, cuatro venezolano, trompeta) con canciones propias, para tocar en los bares del balneario uruguayo. En mayo del 2007, de vuelta en Argentina, Onda Vaga suma un nuevo integrante, Germán Cohen, quien aporta su voz y el timbre de su mágico trombón a la banda.

+Sigue la Onda Vaga….

Una Onda Vaga recorre Sudamérica y Europa. Un movimiento sin forma, un canto suave –podrás oírlo si estás atento. Punk sin micrófono, rock sin sponsors, candombe propio de tango alegre. Esta banda comienza a existir en enero de 2007, en las mágicas playas de Cabo Polonio, Uruguay. Nacho Rodríguez y Marcelo Blanco, junto con Marcos Orellana y Tomás Gaggero (Michael Mike) preparan

Desde ese momento, Onda Vaga no para de girar y crecer. Las letras profundas, sencillas y soñadoras, y los arreglos corales y armónicos de las canciones, así como la clara intención de relajarse a la hora de tocar en vivo esta mezcla de rumba-cumbia-reggae-folk-rocktango alegre, genera una respuesta unánime del público que es cada vez mayor. Estos cinco músicos provenientes de la cultura rock se desembarazan de sus cables y distorsiones para brindarse a su público de la manera que mejor les sale: divirtiéndose. + Domingos 12 y 19 de diciembre 20 hs.

Ciudad Cultural Konex - Sarmiento 3131, CABA ondavaga.net www.facebook.com/ondavaga

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+MÚSICA

| Texto: Germán Andrés. Foto: Celina Eslava

+Leo García Tan siemple y tan especial El multifacético y polémico cantautor está presentando un disco nuevo, y aprovechamos para charlar con él sobre su forma de vivir y crecer con el don de la canción. + ¿Qué formato preferís o te sienta mejor para trabajar, grabar y tocar?

LG Todos, en verdad me gusta ir probando cosas. Para la presentación del nuevo disco quise sumar una banda para dar otra sonoridad. Y sí, suelo tocar con banda, pero mayormente me presento en un set más electrónico, con Ignacio Molina, con computadoras, samplers, instrumentos electrónicos y guitarra. Ese sería mi formato convencional, con el que toco y viajo mucho; lo disfruto. Muchas canciones las modifico para un perfil más dance, pero con un toque de rock nacional, digamos... Me gusta mucho también agarrar la guitarra y desempeñarme solo, porque si sos solista tenés que saber manejarlo bien. Pero nunca pienso si mi disco tiene que ser más o menor rokero. Voy tratando de mostrar facetas. Y ahora aprendí a relajarme un poco, a ser más amplio y disfrutarlo. Por ejemplo, en este disco hay temas producidos por tipos grosos que trabajan produciendo cantantes melódicos o de folklore, y eso se nota. Y también hay otras cosas hechas por diferentes productores con otra impronta, hasta hay dos canciones que las grabé yo en mi casa. + Contame de tus inspiraciones y tus influencias.

LG Me inspiran obviamente las vivencias, la vida. Me inspiran

diferentes enfoques de la vida, el dolor que puede provocar la vida, o esa cosa rozagante que tiene creer en algo, porque sí.

Todo eso sirve. Y también me inspira dejar de hacer cosas, poner un paréntesis, no componer más, abandonar un poco el instrumento. El vacío es muy inspirador, porque luego me redescubro como compositor, como buscador de sonidos... Y escucho de todo: me gusta mucho el techno, el pop, cosas del pasado o de ahora... No busco una música que me ponga en una élite; no necesito tanta identidad con la música. Creo que, además, es aburrido eso de querer ser un “moderno” toda la vida. Hay veces que tengo ganas de escuchar zambas, de cantar un tango, estar abierto a todo. Es importante darse el tiempo para descubrir cada artista, comprender todo el universo sonoro, lo visceral de la música, aprendiendo canciones. + Sos un gran hacedor de canciones, ¿sos de esperarlas, de abrirte y que lleguen, o las vas a buscar?

LG Y, simplemente hago... Hasta que, a veces, ya me canso también de componer. Si de repente me viene la necesidad, busco la guitarra, veo qué me sale o hablo con Pablo Schanton; nos juntamos (él hace letras), compartimos canciones, dejamos que cada una crezca por sí sola. No busco una estrategia, nunca pienso un formato para que pegue. Hago cosas que tienen como un acertijo adentro, por ahí algo personal, pero lo transformamos en plural, en personal para todos. Y hay canciones que tienen historias atrás, asuntos simples o fantasías. + www.leogarcia.com.ar

COMÚN Y ESPECIAL (PopArt/Sony music. Argentina 2010)

Sexto álbum en la carrera de Leo que, una vez más, deja claro su talento para crear piezas que puedan ser atemporales y universales. Con todos los elementos del techno y el pop actual, en un intento por unificar varias ideas sonoras de estos géneros, el disco ofrece dos planos bastante opuestos: uno más bien acústico, con formación de banda y carácter intimista (quizás lo que mejor le queda a García); y la otra faceta es de sonido digital, con influencias de los ochenta. La obra en su totalidad tiene un acabado desparejo, ya que trabajaron varios productores de distinta estirpe, que pusieron improntas muy diferentes a cada canción. Hay baladas, momentos que apuntan al baile, y un buen trabajo en los textos. Como siempre, Leo canta muy bien, sabe cómo usar su voz, lo que lo diferencia del resto de los cantantes del pop local. Una colección de canciones -como su nombre bien lo indica- comunes y, a su vez, especiales.

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+MÚSICA

| Texto: Germán Andrés

+El justiciero cha cha cha Homenaje internacional a Os Mutantes (Ultrapop. Argentina 2010)

El mítico grupo brasilero Os Mutantes (que supo integrar Rita Lee en los años 60), referente mundial de la fusión entre el tropicalismo y el rock psicodélico, ya tiene un álbum tributo lleno de sorpresas y bellas canciones. Particular homenaje a una banda, que si bien sigue en la actualidad con una formación renovada, fue en sus primeros años de existencia cuando marcó una senda de apertura, llena de riesgo artístico, rock experimental y locura sudamericana, hoy retomada con respeto por una selección de artistas de distintos géneros y posición: los nombres que conforman “El Justiciero, cha, cha, cha”, reflejando toda esa buena mezcla.

Hay versiones de Aterciopelados, Martín Buscaglia, Café Tacvba, Pablo Dacal y la Pequeña Orquesta Reincidentes, entre músicos españoles y muchos más. Aparecen cruces interesantes como el de Liliana Herrero y Arnaldo Antunes, haciendo un dúo muy emotivo; o la desopilante versión por La Manzana Cromática Protoplasmática, que abre el disco elocuentemente. En esta obra de singular eclecticismo, hay espacio para todos, desde el minimalismo encantador y solitario del uruguayo Fernando Cabrera, pasando por la intimidad que le ponen Rosal y Ana Prada, o un aire tanguero, hasta el hit “A minha menina” que reinterpreta Fito Páez con su banda.

El disco suena a pop directo, con muchos climas distintos, donde cada artista participante pone su sello, lo que le da riqueza sonora, de arreglos y formatos. Así se hace llevadera la escucha de los 18 temas que lo completan. Este disco tributo que involucró un arduo trabajo de varias personas en Brasil y Argentina, se edita en ambos países en forma independiente y en sintonía con las ideas de los homenajeados, que además participaron de manera activa, cantando, o como Arnaldo Baptista, autor de la pintura de la tapa del CD. La influencia del movimiento tropicalista (y de Os Mutantes en particular) sobre las distintas generaciones de músicos populares en toda Latinoamérica es significativa, y este disco es una cabal muestra de eso, con el amplio abanico de artistas y países que lo conforman. www.myspace.com/eljusticierochachacha

+Recoil Un ex Depeche Mode en Argentina Alan Wilder, uno de los creadores de Depeche Mode, visita por primera vez el Cono Sur, presentando su proyecto personal llamado “Recoil”, que ya tiene más de veinte años de vida y siete discos.

Ahora llega en el marco de la gira “Selected”, vinculada con su último lanzamiento discográfico en todo el mundo por EMI, que se trata de una recopilación doble, de clásicos del grupo.

Reconocido como director musical, tecladista, programador y productor de los primeros quince años de Depeche, Alan Wilder nos visitará con esta propuesta que se la juega por un sonido más directo y de perfil experimental con la electrónica, con una puesta sensorial multimedia. Las dos fechas en nuestro país son el jueves 4 de noviembre (Niceto Club, Buenos Aires, 20hs.) y el viernes 5 (Willie Dixon, Rosario, 20hs). Las entradas ya se pueden conseguir en Ticketek. + www.recoil.co.uk

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+MÚSICA

| Texto: Berty Giménez Brotons

+Yes Giantess Felices debemos de sentirnos porque el manantial musical no cesa. Toda parecía perdido, luego de que MGMT irrumpiera en las radios de todo el globo, mientras fielmente le siguieron Empire of the Sun, Miami Horror –recientemente por aquí- y un mar de bandas entre las cuales destacamos a Passion Pit, reseñada anteriormente.

Yes Giantees fueron en parte propulsados por estos últimos, quienes ayudaron a los jóvenes del Berklee College of Music a salir adelante entre tanta competencia. Relativamente en “mint condition” y de la nueva camada, estos novatos de Boston, Massachusetts, se lanzan con su nuevo álbum –sin discográfica y accessible via iTunes- denominado “Sirens”. Mucho synth pop y ratatat riffs, junto a voces filtradas y algunos efectos dan salida a melodías frescas y ciento por ciento de pista, como su destacado corte veraniego “You were young”. En su reciente trayectoria, ya acompañaron a la pelirroja La Roux en su gira por Estados Unidos y remixaron su venerado hit “Im not your toy”; “Miley Cirus” también fue tocada por la misma suerte. Una rica banda nueva, con proyección. www.myspace.com/yesgiantess

+The Sound of Arrows En Suecia pecan de no poder ver lo suficiente el sol y es por esto que junto a miles de alemanes e ingleses –que sufren la misma dicha- suelen poblar ciudades y balnearios como la Costa Brava o la del Sol. Precisamente esta gran luz es la que proyectan este dúo de Stockholmo. Algunos quizás hayan tarareado sus melodías que nos impregnaron recientes campañas publicitarias con grandes cabezotas de smile de proveedores de Internet o camionetas 4x4. Y son realmente unos todo terreno de la electrónica, ya que se bastan con una docena de teclados Moog, Roland y Korg para generar sinfónicos compases que podrían enamorar hasta al más escéptico.

Demorados en su producción, se jactan de puntillosos más que de vagos, como los tildan algunos. Supieron adelantarnos su nostálgico y dichoso corte “Magic” y, como si fuera poco, más artillería pesada con “Into the clouds”, su reciente creación, donde navegamos legendarias constelaciones rodeados de unicornios y palacios de cristal. Tu más fantástico sueño hecho realidad. + www.thesoundofarrows.com www.myspace.com/thesoundofarrows

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+EMPRESAS

+Arte en etiquetas Otro Mundo Art Series II es la segunda muestra de arte presentada por la cerveza de alta gama Otro Mundo en las etiquetas de sus tres variedades: Strong Red Ale, Nut Brown Ale y Golden Ale. Así, las creaciones de los ilustradores Fernanda Cohen, Jorge Alderete y

+Directo a Londres Desde marzo de 2011, British Airways volará sin escalas desde Buenos Aires a Londres, Heathrow, utilizando un Boeing 777, con la opción de tres cabinas y Club World (Business), con camas completamente horizontales y un servicio individualizado, que incluye mostradores de facturación/check-in específicos y la opción de cena previa al vuelo.

Una vez en Heathrow, la Terminal 5 (casa exclusiva de esta compañía aérea) brinda a sus pasajeros un nuevo concepto en aeropuertos, con 96 puestos que agilizan notablemente el check-in, sistema de equipajes de última generación, variedad de servicios gastronómicos, el mayor complejo de salas de espera y las tiendas

Pablo Bernasconi se combinan con el sabor de la cerveza. Además, es posible recorrer una galería virtual, donde se exhiben las obras de los tres ilustradores, junto con material para descargar como wallpapers y distintas aplicaciones para dispositivos móviles. www.otromundo.com/artseries

de las más prestigiosas firmas británicas, además de una nueva torre de control, amplio estacionamiento y hasta un hotel con 600 plazas. El techo ondulado de cristal en una sola pieza y sus muros transparentes –obra de los arquitectos del grupo Richard Rogers Partnership-, destacan al aeropuerto internacional con mayor tráfico del mundo.

Los viajeros VIP de British Airways tienen acceso a la exclusiva sala de espera Galleries, que con sofisticados interiores diseñados por Davies+Baron, ofrecen una gama de servicios de lujo, como restaurants, bares, spas y salas de duchas, áreas de trabajo y también de ocio para relajarse. www.britishairways.com

+Oficina virtual

+Luminaria de diseño Ecomoods es una de las nuevas líneas de iluminación de bajo consumo para el hogar presentada por Philips Argentina, que combina lo último en diseño y tecnología. Un disco invisible de luz cálida y confortable logra un efecto relajante y acogedor. La belleza y sencillez de sus formas puras se trasmiten gracias a bloques de vidrio de gran calidad y un pie aluminio pulido. www.philips.com

Bar, oficina y casa en un mismo lugar, y con diseño de vanguardia.

Una alternativa para quienes buscan un espacio donde trabajar, en un ambiente confortable y a bajo costo, con seguridad, Wi-Fi, salas de reuniones equipadas con pantallas y proyectores, y locks para laptops. Además, servicios de recepción y cadetería, y la posibilidad de imprimir documentos. Esta es la propuesta Urban Station y sus oficinas virtuales en el barrio de Palermo (El Salvador 4588), que cuentan con una capacidad máxima de 70 personas, distribuidas en mesas individuales, cinco livings, una barra, dos salas de reuniones para seis y ocho personas, y una mesa comunitaria. www.urbanstation.com.ar

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+EVENTOS

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1 y 2. El Camarín presentó su nueva colección verano 2011. Florencia Raggi, Andrea Bursten, Julieta Díaz y Paula Robles acompañaron a la diseñadora de la marca Yanina Solnicki 3 . Orly Benzacar, María Cher, Tini de Boucourt y Susana Trimarco participaron del 2º Encuentro María Cher. Mujeres que inspiran, en el Salón Versailles del Hotel Alvear. La temática del encuentro giró en torno a la mujer auténtica y real detrás de sus desafíos profesionales 4. Menage à Trois presentó su verano 2010 en su boutique de la Av. Alvear. Verónica Lozano y Juliana Awada fueron algunas de las invitadas 5. Déborah de Corral y Wally Diamante en la apertura de The Food Factory, el nuevo restaurant de Tomás Kalika en Palermo Hollywood 6. Evangelina Bomparola y Teresa Frías fueron invitadas a la comida de Madero Harbour 7. Leo Balcarse en la presentación del reality Project Runway Latin America 8. María Del Cerro asistió al show de Vicentico en el Samsung Studio 9 y 10. Martín Barrantes, Mike Amigorena y Carla Peterson, invitados especialmente por Iván de Pineda a la fiesta de Bully en L´Abeille +

noticias

+EVENTOS

Latitud 33 In the Sky. La marca de vinos varietales Premium propuso una experiencia inédita: disfrutar de sus vinos y de una sugestiva comida, suspendidos a 50 metros de altura. Entre los invitados se encontraron: Florencia Torrente, Facundo Pieres, Mike Amigorena y Chino Darín. www.chandon.com.ar/latitud33

Infinit Sring Day. Recreando el espíritu de su campaña Play, Infinit propuso para el comienzo de la primavera, un festejo al aire libre a puro ping pong, DJ sets, street art en vivo y sorteos para los que se acercaron en su bicicleta a la boutique de la marca en Palermo. Malena Solda, Adriana Salonia y Alejandro Fiore participaron de la original convocatoria. www.infinit.la

MINI Countryman en Buenos Aires. El nuevo integrante de la familia MINI hizo su primera aparición en la Ciudad, en las escalinatas de la Facultad de Derecho de la UBA. Celebrities, clientes, fans y demás amigos de la marca se acercaron para sacarse fotos junto al auto, como Martín Churba e Iván de Pineda. www.mini.com.ar

Esmeralda Mitre y Rosario Ortega fueron invitadas por Personal para disfrutar de la presentación del último disco de la cantante y pianista ruso americana Regina Spektor en el teatro Gran Rex. www.personal.com.ar

Nike Air Party. Emmanuel Horvilleur y Calu Rivero, Maju Lozano y Chechu Bonelli fueron algunos de los invitados a esta fiesta que celebró los treinta años de la tecnología Nike Air. www.nikeairshow.com

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+AGENDA

MUESTRAS/EXPOSICIONES/FERIAS

dibujos, fotografías, reproducciones de croquis y videos Museo Castagnino, Av. Pellegrini 2202, Rosario

3/11 al 18/12

www.museocastagnino.org.ar

MEDIALAB PROYECTOS 2008-2010 Muestra de las obras desarrolladas durante los tres años de trabajo del Laboratorio de Producción (programa del MediaLab del CCEBA) CCEBA Sede Balcarce 1150, CABA

www.cceba.org.ar

1 al 5/12 DESIGN MIAMI Exposiciones, performances, conferencias y entrega del The Designer of the Year Award Miami Beach Convention Center, Miami, EE.UU.

www.designmiami.com Hasta el 14/11 CASA FOA LA DEFENSA Muestra anual de arquitectura, diseño interior y paisajismo La Defensa, Defensa 269, CABA

www.casafoa.com

10 al 13/03/2011 CAFIRA INNOVA IX Exposición internacional de fabricantes e importadores de regalos y afines Centro Costa Salguero, Av. Rafael Obligado y Salguero, CABA

www.cafira.com CONGRESOS/ENCUENTROS/SEMINARIOS

4 al 7/11 ARTFUTURA 2010 3º edición del festival de cultura y creatividad digital, con un amplio programa audiovisual nacional e internacional, conferencias, muestras y premios Malba Malba, EFT, CCEBA y CCR, CABA

www.artfutura.com.ar 10 y 11/11 Hasta el 15/11 HERMANOS CAMPANA EN TIENDAMALBA Muestra y venta de una selección de diez productos de los diseñadores brasileños Humberto y Fernando Campana Av. Figueroa Alcorta 3415, CABA

FORO REGIONAL PYMES Foro Regional sobre la propiedad industrial como herramienta de competitividad empresarial: las oportunidades y los desafíos de las PYMES Palacio San Miguel, Suipacha 84, CABA

www.inpi.gob.ar | fororegional.pi@inpi.gob.ar

www.malba.org.ar | www.campanas.com.br 22 al 24/11 19 al 28/11 INNOVAR Exposición de proyectos del Concurso Nacional de Innovaciones

www.innovar.gob.ar Hasta el 30/11 OSCAR NIEMEYER. UN INVENTO DEL TIEMPO La trayectoria del arquitecto brasileño en una muestra de

EL OJO DE IBEROAMÉRICA 2010 XIII Festival internacional sobre creatividad, innovación y búsqueda de nuevas y diferentes miradas sobre la publicidad, la comunicación, el marketing y el entretenimiento. Conferencias internacionales, exposiciones y entrega del premio El Ojo Hotel Hilton, Macacha Güemes 351, CABA

www.elojodeiberoamerica.com

noticias

+AGENDA

22 al 26/11 II BIENAL IBEROAMERICANA DE DISEÑO Presentación de empresas que aplican diseño de manera creativa e innovadora a su producción, entrega de premios,exposiciones, conferencias, debates, clases magistrales y workshops Central de Diseño, Matadero, Madrid, España

www.bid-dimad.org

26 y 27/11 INSPIRATION FEST 2010 2º edición en Buenos Aires del festival dedicado a la inspiración y la creatividad. Un lugar de inspiración para todos aquellos que emplean su talento en el ámbito de las Industrias Creativas: conferencias nacionales e internacionales, workshops, instalaciones, muestras, proyecciones y espacios de creatividad colectiva.

Entre los conferencistas: Ronnie del Carmen (EE.UU.) -animador de storyboards y director de películas de Pixar Animation Studios; Jeremyville (Australia) -ilustrador y primer diseñador en publicar un libro sobre vinyl toys-; y los locales Estudio Bosque (diseño gráfico), Patricio Lixklett (diseño industrial), Juan Molinet (animación), Gonzalo Berro (branding) Ciudad Cultural Konex, Sarmiento 3131, CABA

CONCURSOS/CONVOCATORIAS CONCURSO COCINA COMPACTA

Hasta el 6/11 Presentación de proyectos Estudiantes y profesionales del diseño deberán imaginar la nueva cocina compacta, que solucione el problema: menos espacio, menos tiempo. Los autores de las 10 propuestas pre-seleccionadas participarán de una jornada de capacitación intensiva, para incorporar conocimientos vinculados al diseño de cocinas, tendencias, procesos de producción y materiales.

Luego tendrán hasta el 25 de noviembre para mejorar sus propuestas y presentarlas en la etapa final de selección. Estos trabajos finales serán exhibidos del 26 al 29/11 enel Museo de Arquitectura y Diseño (Marq), día en el que se anunciará el ganador y se le hará entrega del premio de $10.000.- en efectivo Con el apoyo de Corian y BGH. Organizado por Amoblamientos Battista y 90+10

www.battista.com.ar/concurso mkt@battista.com.ar INFINIT INTERNATIONAL FILM FESTIVAL

Hasta el 20/11 Presentaciones Realizadores y directores de todo el mundo podrán presentar sus cortos, en las categorías: Corto ficción, Corto documental, Video clip, Video arte, Corto con celular o cámara fotográfica y Corto animado. Éstos serán proyectados de manera itinerante, la primera semana de diciembre de 2010, mientras que en enero de 2011, el jurado y los finalistas tendrán la oportunidad de viajar a Uruguay, donde se realizará la entrega de premios y se podrá disfrutar de tres días de proyección de cortos de primer nivel.

www.inspirationfest.com

www.infinit.la info@infinit.la

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CONCURSO POSTALES NEXO 2011

CÍCLOPE INTERNATIONAL ADVERTISING CRAFT FESTIVAL 1º edición del festival que premiará a los mejores profesionales y empresas en materia de producción de cine publicitario A bordo de una embarcación en Puerto Madero, CABA

Hasta el 30/11 Recepción de propuestas Diseñadores gráficos o estudiantes deberán diseñar postales originales que puedan ser utilizadas como saludo de fin de año, orientadas a empresas.

Premio principal: iPod Touch

www.ciclopefestival.com

www.nexoconcursopostal.com

w w w.9 0 m a s10 .com . a r

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+FRAGANCIAS

| Texto: Marcela Fibbiani

Pour Monsieur fue el único Eau de Toilette masculino creado por Henri Robert por deseo de Coco, en 1955. Otros aromas para hombres surgieron luego del talento de Jacques Polge, nariz de Chanel desde hace más de treinta años: Antaeus (1981), Egoiste (1990), Pour Monsieur Concentré (1991), Platinium Egoiste (1993), y Allure Homme (1999) en sus distintas versiones. Y desde hacía once años que Chanel no lanzaba una fragancia masculina. ¡Llegó el momento de que Polge sorprendiera a los hombres nuevamente!

Es así que nos presenta la fragancia Bleu de Chanel, con un frasco de líneas puras, que continúa el estilo minimalista de los perfumes Chanel: en vidrio coloreado azul marino (el otro color chic según Coco), pero translúcido al mismo tiempo, y con tapón de metal imantado, coronado por la doble C. Las frutas cítricas como la naranja y el limón se combinan con el pomelo, acompañadas de pipermín, pimienta y nuez moscada. Un toque de jengibre se mezcla con el pomelo, exacerbando su amargura. Estas son las notas de apertura de la fragancia, que toma forma a medida que fluye dentro de la madera, pues en su corazón se encuentra el cedro, que de la mano del jazmín se combina discretamente con el vetiver. Unos pequeños toques de pachuli e incienso terminan de configurar una fragancia aromática, amaderada e imponente, que evoca la naturaleza e interpreta la masculinidad libremente.

+Bleu de Chanel En 1921, Coco Chanel encargó a Ernest Beaux la creación del primer perfume de la Casa. Mademoiselle deseaba “Un perfume de mujer, con olor a mujer, que no se pareciera a ningún otro”.

Y así surgió en 1921 el Nº5, una fragancia que incluía cuerpos sintéticos nunca antes usados, que marcó un antes y un después en la historia de la perfumería, al tratarse de un aroma abstracto.

+Calizo Esta nueva fragancia de María Vázquez se inspira en los recursos de la naturaleza y todas aquellas cosas que aún no han sido alteradas por el hombre o que persisten a pesar de su intervención.

Su envase simula la textura de una roca que sufre modificaciones con el tiempo, pero se mantiene firme en su esencia. Un aroma imponente que define a la mujer e impide que pase desapercibida. www.mvzmariavazquez.com.ar

En presentaciones de 50 y 100 ml, este Eau de Toilette se lanzó el 1º de septiembre a nivel mundial. Es contemporáneo, urbano, dirigido a un hombre joven que sabe lo que quiere, y al mismo tiempo sorprende con sus reacciones inesperadas. Como dice el actor francés Gaspard Ulliel al final de comercial dirigido por el genial Martin Scorsese: “I’m not going to be the person I’m expected to be anymore”. www.chanel.com

+Boss Bottled Night Boss presenta un nuevo perfume que va mas a allá de los desafíos a los que se enfrenta el hombre durante el día y explora la conquista de su universo nocturno. Su aroma es suave, ligero y sofisticado, con una suave base de vainilla y una combinación de enérgicas y frescas notas aromáticas de salida. Las hojas de abedul y el cardamomo son sus principales componentes, mezclados con una base amaderada de almizcle, mientras que las maderas exóticas como el louro amarelo africano son la clave del carácter de esta fragancia. Este olor, unido al aroma volátil del almizcle, crea un halo de masculinidad que cautiva. + www.hugoboss.com

+ Instalación Outrace, de Reed Kramm y Clemens Weisshaar, en Trafalgar Square. Foto: David Levene

Especial

L O N D O N D E S I G N F E S T I VAL 2 0 1 0 Tendencia en diseño y buenos negocios

Desde manos de robot en Trafalgar Square hasta muros de desechos en el Victoria & Albert Museum, el eje del London Design Festival estuvo en demostrar que evolución y sustentabilidad van de la mano, a la vez que anticipar nuevos talentos de todo el mundo. | Texto: Natalia Iscaro Fotos: Gonzalo Fargas Con más de 240 eventos planeados, la capital británica se trasformó por unos días en una meca de creatividad, para demostrar que Londres marca tendencia en diseño, y claro, para hacer buenos negocios. 90+10 estuvo ahí para contarles lo más destacado, gracias al apoyo de la Embajada Británica en Argentina y de la UK Trade & Investment (institución que vincula empresas con base en el Reino Unido con mercados internacionales), uno de los principales sponsors del Festival.

Como un retorno a la niñez, la apertura del London Design Festival 2010 fue todo menos discreta. Con la noche sobre el histórico escenario del Trafalgar Square, una instalación a cargo de los diseñadores alemanes Reed Kramm y Clemens Weisshaar (expertos del sponsor, Audi AG) hizo las delicias de los allí presentes, en un típico atardecer otoñal londinense.

Outrace (www.outrace.org) fue el nombre de esta presentación, que tuvo como protagonistas a una estructura conocida como el pulpo, compuesta por ocho tentáculos o brazos robotizados sobre una plataforma cuadrada. Con un peso de más de diez toneladas, estas extensiones contaban con faros de LEDs tomados del Audi R15.

Así, mediante la Web de Outrace, fue posible enviar mensajes de una extensión de hasta 80 caracteres desde una computadora o celular, que al azar se seleccionaban y emitían, proyectados en cuadros luminosos. El puntapié del festival fue auspicioso, y lo que siguió (del 18 al 26 de septiembre) no disminuyó su intensidad.

En esta, su octava edición, el London Design Festival se presentó en simultáneo con el London Fashion Week (ver sección Moda) y con la muestra retrospectiva John Pawson: Plain Space, en el Design Museum (ver sección Clásicos Contemporáneos). Y llegó hasta escenarios prestigiosos (como el Serpentine Gallery y el Pavilion, ver sección Arquitectura), así como estudios de artistas y diseñadores, galerías de arte, tiendas y hasta los barrios o reductos off (esos que prometen ser pronto los puntos obligados de las guías de viaje).

Todos se sumaron a una propuesta que reveló a un Londres heteróclito y ecléctico, con ansias de seguir creciendo, y de captar la “crème de la crème” del diseño mundial. ¿Verlo todo? Naturalmente, imposible. Aquí, un resumen de lo más destacado.

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+ Blow and Roll, instalación de Oskar Zieta en los jardines del V&A Museum www.zieta.pl

+ Frame, intervención del artista inglés Stuart Haygarth en las escalinatas del V&A Museum www.stuarthaygarth.com

V&A MUSEUM: UNA FECUNDA SOCIEDAD Por segundo año consecutivo, el festival trabajó en sociedad junto con el Victoria & Albert Museum, referente mundial en arte y diseño. Esta antigua residencia se convirtió en el escenario de instalaciones, muestras y eventos especialmente diseñados para el London Design Festival. Entre ellos, A Gust of Wind, una instalación que sólo duró un día, elaborada por Paul Cocksedge y, quizá, en una de las muestras más osadas en términos de exploración de material. Tres mil piezas de Corian curvadas fueron talladas a mano por el diseñador, para representar hojas de papel, y con la función de convertirse en cestos de basura y así recordar la importancia de guardar y reciclar.

Para renovar la experiencia de subir escalones, la intervención del artista inglés Stuart Haygarth (www.stuarthaygarth.com) a las escaleras de acceso recibió el nombre de Framed, y fue uno de los favoritos. Gracias a él, las escaleras de mármol recibieron la aplicación de marcos de cuadros a lo largo de toda su extensión, señalando un nuevo recorrido al usuario.

Blow and Roll fue la instalación del polaco Oskar Zieta (www.zieta.pl), que se presentó en el jardín del museo, gracias a una técnica de-

+ Plastic Monolith, obra de Max Lamb www.maxlamb.org

sarrollada por su estudio, por la cual se infla hierro con aire comprimido. Con 10 metros de largo y 5 de ancho, las piezas debieron ser transportadas utilizando agua. Además, el HSBC Private Bank se presentó este año junto con el diseñador inglés Max Lamb (www.maxlamb.org). Tomando al museo como inspiración, el creador diseñó una pieza basada en la fachada de un edificio del banco (sobre St. James Street), una construcción diseñada en 1840 por el arquitecto británico Sydney Smirke, y una herencia arquitectónica y cultural de la ciudad. El trabajo final, Plaster Monolith, es un banco pensado para el público, elaborado con antiguas técnicas de construcción de fachadas y de remoción de material.

Tampoco faltó aquí la exhibición de Giulio Capellini (www. cappellini.it), quien presentó a sus mejores obras realizadas con íconos del diseño inglés, entre ellos los renombrados Tom Dixon y Jasper Morrison, en una muestra para refrescar la memoria y reconocer el aporte de la firma al diseño local. De impronta sustentable, el museo también fue anfitrión de Wasted. Con el apoyo de Elvis & Kresse (www.elvisandkresse.com), compañía especializada en hacer de los desechos alto diseño, su instalación estuvo íntegramente elaborada con los restos de envases de té. Uno de muchos gestos que dejaron ver que en Londres la

especial

+ Moooi en The Dock www.moooi.com

conciencia ambiental no es un tema menor. www.vam.ac.uk THE DOCK: DISTRITO DE AUTOR Ladbroke Grove, donde alguna vez se ubicaron las oficinas centrales de Virgin Records, es una zona con pasado y futuro promisorios.

Como parte del programa Global Industry at The Dock, el diseñador Tom Dixon abrió su tienda en este escenario citadino, en un magnífico edificio blanco: The dock (www.portobellodock.com), definido por él mismo como un imperio de talento creativo”.

El espacio del diseñador inglés recalcó el espíritu industrial de la locación, donde pululaban sus propios diseños, así como muebles del diseñador holandés Piet Hein Eek (www.pietheineek.nl), las bicicletas plegables de la inglesa Brompton (www.brompton.co.uk), y Fine Cell Work (www.finecellwork.co.uk), emprendimiento social que vende almohadas elaboradas por presidiarios, entre muchos otros.

Tom Dixon completó la experiencia de visita con Flash Factory, iniciativa por la cual los visitantes podían comprar la lámpara “Etch” (la más reciente creación de Dixon), recién producida. O bien presenciar la elaboración de una bicicleta parte de una edición

+ La nueva creación de Tom Dixon, la lámpara Etch, fue fabricada en vivo en The Dock, permitiendo a los visitantes comprarla apenas producida www.tomdixon.net

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+ Integrantes de 100% Norway, Juvet Hotel chair de Anderssen & Voll www.anderssen-voll.com, Alto desk de Andreas Engesvik para Fjordfiesta www.fjordfiesta.com y el reloj tejedor 365 de Siren Wilhemsem www.sirenelisewilhelmsen.com

limitada de Brompton Bike, y tal vez llevarla a casa. Para terminar la propuesta, un pabellón temporario ocupó la terraza, con los ganadores de los premios Metamorphosis, de Metropolitan Works (www.metropolitanworks.org), parte de la London Metropolitan University.

Pero no fue el único que se instaló en The Dock: se le sumaron, por ejemplo, la reconocida firma Moooi (www.moooi.com), con su primer local en la ciudad, y que durante el festival exhibió su última colección. Para terminar el paseo, muchos visitantes se daban una vuelta por el Dock Kitchen (www.dockkitchen.co.uk), donde gracias a un avezado chef podían disfrutarse de almuerzos, tés y cenas, mirando al espejo del Grand Union Canal. www.tomdixon.net 100% DESIGN: SELLO DE ORIGEN Como su nombre lo indica, este evento es la celebración de lo mejor del diseño de interior contemporáneo. Con más de cuatro mil diseñadores en esta edición, los nuevos talentos mostraron sus dotes en proyectos orientados al futuro, con nuevos desarrollos tecnológicos y materiales aún inexplorados. Además, la muestra

es el marco para 100% Detail, 100% Materials y 100% Futures.

La Argentina dio aquí el presente, con una muestra curada por Carolina Muzi. A su vez, como desde hace dos años, el Korea Institute of Design Promotion presentó Korea Design 2010. Corea es una de las naciones de mayor crecimiento en términos de diseño, gracias a un fuerte apoyo estatal, y de las más celebradas por la prensa internacional. A la fructífera cultura de esta nación, se le suma un apetito por la sutileza, y una reivindicación del trabajo manual, que convive en sus piezas junto a la sustentabilidad, y hasta la tecnología. Entre las nueve firmas presentadas, se destacaron instalaciones lumínicas comerciales, bowls cerámicos con bases redondeadas y hasta luces de algodón.

Con ocho diseñadores del North East, el evento Design Event North East (www.design-event.co.uk) contó con dos productos destacados. En primer lugar, la “Chair Kit” de Studio Civico (www.dancivico.com), una edición limitada de sillas y mesas a la venta en paquetes planos, para elaborarlas una vez en el lugar en que van a ser utilizadas. Y, también con eje en el envase, los “Cardboard Clock” y “Pendulum Clock” de Amy Levinson

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+ De la muestra Korea Design 2010, la biblioteca Tree de Designartist Soh www.designartist.co.kr, la lámpara Ta-rae de Design Virus www.design-virus.com, y la Undulating Salad Bowl de Design Now

(www.amylevinson.co.uk). También vendido en paquete plano y en cartón previamente troquelado, este objeto invita a disfrutar del proceso de construcción, contando con cierta personalización por parte del usuario.

El espacio de Noruega (www.norway.org.uk) fue otro de los destacados. Con la curaduría de Henrietta Thompson, editora de arte y diseño de la revista Wallpaper, el marco fue una típica estructura noruega, utilizada para llamar a los peces, y elaborada íntegramente en una madera típicamente local, que además es de larga duración. Entre los talentos conocidos estuvieron Anderssen & Voll (www.anderssen-voll.com) y Andreas Engesvik (www. andreasengesvik.no). Entre los menos renombrados, Hallgeir Homstvedt (www.hallgeirhomstvedt.com) presentó una nueva versión de sus bowls espejos, y Siren Wilhemsen (www.sirenelisewilhelmsen. com) lanzó “365”, un reloj tejedor con una estructura interna que, a medida que pasa el tiempo, va dando puntadas que se traducen en un tejido que va saliendo por detrás. Una metáfora, según su autora, que cuestiona la percepción que tenemos del tiempo, y cómo un minuto puede parecer igualmente un nanosegundo o una hora. www.100percentdesign.co.uk

+ Cardboard Clock de Amy Levinson para la muestra Design Event North East www.amylevinson.co.uk

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+ Diseño argentino en 100% Design

100% ARGENTINA “Inicialmente, a la muestra le pusimos el nombre de Traditional Innovation (Innovación Tradicional) como provisorio, pero después lo dejamos porque nos pareció que es el que mejor retrata qué es lo que sucede en la Argentina a nivel diseño”, nos cuenta Carolina Muzi, recién llegada del London Design Festival 2010, donde fue curadora del espacio argentino en 100% Design.

En efecto, esta dualidad también estaba presente en los 40 m² sobre los cuales se ubicaron los ocho diseñadores seleccionados, tras una convocatoria abierta, por la propia Muzi, la Cancillería y el CMD (Centro Metropolitano Argentino). De este modo, la tradición se coló en la representación de un fragmento de la Pampa Argentina, con pisos de cuero Flex blanco, un cielo limpio y hasta vacas de cuero como espacio de soporte y guardado, todo elaborado por el estudio Diseñaveral (www.diseniaveral.com).

La tecnología, por su parte, apareció gracias al expertise de la firma

de Eduardo Fuhrmann y Mónica Pujol Romero (FBG InnovationLab), quienes sobre ese cielo límpido y en la llanura proyectaron imágenes de códigos QRs, que permitían descargar información a los usuarios a través de sus dispositivos tecnológicos. Algunos conducían a blogs de diseño argentino, Webs con información de Buenos Aires como Ciudad de Diseño por la Unesco, o de regiones y personajes típicamente nacionales, entre otros. “Nos pareció muy de época, pero a la vez es una propuesta interactiva e ideológicamente sustentable, porque permite ahorrar en ploteado y papel”, retoma Muzi.

Ante todo, el objetivo fue “abrir nuevos mercados y promover a Buenos Aires como punto de intercambio internacional, no sólo con Londres; por ejemplo, hay una gran empatía entre los productos argentinos y los consumidores orientales”. De los 64 productores que se presentaron en abril, finalmente quedaron ocho. Éstos cumplieron con varias condiciones, como la de ser empresas (no diseñadores particulares), contar con piezas en producción o con posibilidad de

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+ Boogie Lounge Chair de Coconut Lounge www.coconutlounge-design.com

+ Sillón para exterior Togo de Kotta www.kotta.com.ar

+ Chicago vag de la Metro Line de VAG www.vagconcept.com.ar

+ Pencil Dock de Yamila Garab www.tec-art.com

dar una respuesta comercial ante una gran demanda y poder pagarse su propio pasaje.

De Santa Fe, Estudio Bringas (www.estudiobringas.com) presentó su mobiliario urbano y de exterior, con aceptación entre el público europeo adepto al camping. Por su parte, Kotta (www.kotta.com.ar) adelantó su línea de mobiliario con materiales nobles y procesos tanto artesanales como industriales. Tec Art ofreció sus productos de diseño industrial como lápices mecánicos y productos de escritorio.

Y finalmente uno de los más aclamados, VAG, cuyos bolsos fueron, además, obsequiados a funcionarios y gozaron de alta aceptación, elaborados con tejidos en lana, a la vez que goma para pisos de alto tránsito en correa y refuerzos.

La prensa internacional destacó especialmente al Estudio Lascano (www.estudiolascano.com), de Patricia Lascano, quien además de dos modelos de lámparas sumó la parrilla “Ronda” para el interior de los hogares, fiel a la tradición europea de cocinar en la chimenea. También Grupobondi (www.grupobondi.com.ar), con su premiado banco, del que tuvieron muchos interesados en comprar la metodología de elaboración (por lo poco sustentable que sería su exportación).

Especialmente destacado fue el sillón “Poncho” de Manifesto (www.manifestoweb.com), diseñado por Leonardo Sarra, que fue nominado a los premios de la revista Blueprint al diseño y la arquitectura, en la categoría Mejor Nuevo Producto. Coconut lounge (www.coconutlounge-design.com) también tuvo buena respuesta, en compradores del nicho que proponen, entre ellos, españoles.

Según Muzi, la tarea pendiente local es “ponerse a tiro y tono con el uso racional de materiales y con procesos más limpios. Pero en términos de diseño, estamos muy bien posicionados y con posibilidades de competir en cuanto a precios”. Con respecto a la feria y su lugar en el calendario internacional, opinó: “Creo que, a diferencia de Milán, esta feria tiene una escala mucho menor y con mayor variedad, por eso fue tan interesante la presencia local”.

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+ Basurero 100% reciclado de Rodrigo Alonso para la empresa chilena de mobiliario urbano Fahneu www.fahneu.cl

+ Rompecabezas Play Shapes de Miller Goodman www.millergoodman.blogspot.com

+ Radio Magno de Areaware en diferentes tamaños www.areaware.com

TENT LONDON: MECA DEL TALENTO “Sudamérica piensa simple”, decía, en inglés, el cartel que el estudio del chileno Rodrigo Alonso exhibía en Tent London, uno de los espacios más comentados, en parte porque las piezas que se exhibían (a la manera de un museo, y donde el nombre del autor cobraba gran importancia) tenían la firma de los diseñadores más destacados. Y a la vez, porque los desconocidos que se mostraban en este entorno de lujo, brillaban como promesas dignas de respeto.

para imaginar que todo era posible en el Designersblock, ubicado en la Oxo Tower Wharf de la zona de South Bank. La mesa en cuestión fue elaborada por Hendzel and Hunt (www.hendzelandhunt.com), con madera desechada. Al seguir el trayecto en estos 1500 m², ubicados a lo largo y ancho de un total de cinco pisos, lo que se descubría era, por ejemplo, la muestra de la Kongju National University (www.kongju.ac.kr), con los trabajos de siete diseñadores, algunos estudiantes y otros miembros de la facultad.

Una vez traspasada la puerta de ladrillo, con un cuadrado inclinado pintado en turquesa, este antiguo sitio industrial (Old Truman Brewery) cobraba nueva vida. A la muestra se sumó Tent Digital, con líderes exponentes en términos de diseño de interacción y realidad amplificada, así como Tent Selects, con el trabajo de la nueva generación de diseñadores a escala mundial, quienes (se espera) crearán los “must have” ítems, o sea, los futuros clásicos. Finalmente, también se sumaba un sector de Lab Craft, con aventuras digitales en proyectos manuales, donde 26 diseñadores lograron desafiar la mente, combinando una sensibilidad estética y material con tecnologías como cortes con láser, escaner con láser e impresión digital.

Coloridos asientos de piso, plegables, mesas, estantes y bancos se permitieron cuestionar la forma y los materiales interiorizados que tenemos de las cosas. A su vez, se robaron las miradas los tres módulos de ladrillos elaborados por Choi-leng Tan (www.chooileng.com), los cuales incluyen bowls y refugios para plantar y animales, como parte de la estructura que así quedaba dispuesta como parte de la misma pared. “Escape” es el nombre del sillón presentado por Cristina Ionescu: de punta en rojo, este objeto soporta a quien quiera entregarse a una posición de lectura relajada, así como se propone estimular sueños y, en suma, dejar que los pensamientos vayan más allá de la computadora.

De regreso a Alonso, el chileno exhibió sus mobiliarios realizados en plástico reciclado, rotomoldeado, de su estudio Musuc House (www.musuchouse.com). Gracias a esta técnica, el material (obtenido de desechos como aparatos electrónicos, juguetes, bebidas, asientos de estadios de fútbol, etc.) se transforma en piezas finales estéticas, resistentes y sustentables. www.tentlondon.co.uk

También aquí se presentó el proyecto Furuhaelvetica (www.furuhaelvetica.blogspot.com), en el marco del cual un grupo de diseñadores noruegos mostró, por ejemplo, mesas y banquetas de la línea “Awkward”, de Marte Frøystad, quien señaló cómo un material tan desdeñado como el pino puede lograr hermosas superficies veteadas. En términos de tecnología textil, “Unstitched”, de Celine Marq (www.celinemarcq.com), es un papel para pared reactivo, que cambia de color al tiempo que la energía corre a través de él, gracias a stickers termoreactivos que se adecuán perfectamente a su diseño contemporáneo. www.verydesignersblock.com

DESIGNERSBLOCK: PURA EXPERIMENTACIÓN Creatividad, creatividad, creatividad. Bastaba ver un árbol tallado emergiendo del mismo bloque de madera de la tapa de una mesa,

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+ Sillón Escape de Cristiana Ionescu www.cristianaionescu.com

+ Sofá modular y bancos de Claire-anne O’Brien www.claireanneobrien.com

TRADICIONES DEL MUNDO Aún fuera del circuito del London Design Festival, una muestra de la galería Flow valió la pena una visita. “The Shape of Things” (www.theshapeofthings.org.uk) presentó el trabajo de nueve artistas, como parte de un programa nacional del Arts Council England. La exhibición estará abierta hasta el 6 de noviembre, y allí se encuentran los trabajos de Seiko Kinoshita (que introdujo técnicas textiles japonesas en una instalación

+ Mesa Pica Pica de Hendzel & Hunt www.hendzelandhunt.com

contemporánea), Alinah Azadeh (que utilizó rituales de su Irán natal, en un trabajo que incluye pintura y video), Tanvi Kant (que influenciado por la cultura hindú, exploró atuendos típicos con joyas que nacen del reciclado), y la autobiográfica Maggie Scott (con un trabajo textil que sumó fotografías de su niñez en la Londres de 1950). Tradición y realidad, un poco de historia y sustentabilidad. www.flowgallery.co.uk

DESIGN MUSEUM: TIEMPO DE PREMIOS Además de la muestra retrospectiva de John Pawson, el museo abrió sus puertas al premio Brit Insurance Design of the Year. El ganador de este concurso fue el estudiante británico Min-Kyu Choi, quien fue acreedor del galardón gracias a su reinterpretación del enchufe. Su trabajo, “Folding Plug”, es nada menos que un enchufe plegable.

+ Folding Plug, enchufe pleagable de Min-Kyu Choi, ganador del Brit Insurance Design of the Year

El jurado, presidido por el artista Antony Gormley, junto al diseñador Tom Dixon, el editor de la revista Icon Justin McGuirk, el diseñador Morag Myerscough, la directora estilística de la revista Grazia Paula Reed, el editor de la revista Wired Danid Rowan, y la escritora y presentadora Janet Street-Porte, declaró al objeto “el más adecuado y progresivo diseño de los últimos doce meses”. Y ampliaron que se trata de una pieza inteligente, elegante e inventiva, que puede hacer una diferencia en la vida de todas las personas. El “Folding Plug”, junto al resto de los trabajos finalistas, se exhiben en el museo hasta el 31 de noviembre. www.designmuseum.org

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+ Cocina de Peter Klint www.peterklint.dk

+ Silla Lillys de We Do Wood www.wedowood.dk

+ Mesa Timber de Julian Kyhl www.juliankyhl.dk

SHOWHOW: MANOS A LA OBRA Traducible como “mostrar cómo”, Showhow fue el elocuente nombre de la muestra de diseño sustentable danés. Allí, los vistantes podían tocar, probar y hasta andar en bicicleta, bajo un concepto basado en la fe en un futuro que, según parece, cuenta con nuevos materiales y tecnologías basados en una nueva ética del consumo.

sólo con precisión en la carpintería y elegancia; o el trabajo del reconocido diseñador Fritz Hansen (www.fritzhansen.com), basado en la producción de objetos con una estética y materiales que duren toda la vida, y que aquí presentó una línea de sillas.

El lema de la muestra fue “Possibility not Limitation” (Posibilidad no limitación), y quedó plasmado en trabajos como “AQSEP” (www. aqsep.dk), una máquina que transforma agua salada en agua bebible; la mesa de Julian Kyhl (www.juliankyhl.dk), elaborada con madera certificada y sin tornillos, pegamentos ni ningún otro artilugio,

DESIGN DISTRICTS: CARTOGRAFÍA LONDINENSE Imposible pensar una muestra que copó Londres, sin demorarse un poco sobre los barrios de esta ciudad. Algunos clásicos, otros en boga desde hace unos años, y otros que recién comienzan a desperezarse, y que desde una impronta off o trash, ya comienzan a anticipar un futuro nicho londinense.

Entre los clásicos, naturalmente, el Brampton Design District, en la zona de South Kensington, donde su ubican el Victoria & Albert Museum, el Royal College of Art, la Serpentine Gallery, y otros, y donde la diseñadora Faye Toogood (www.studiotoogood.com) fue la

Además, se destacó la cocina de Peter Klint (www.peterklint.dk): sobre la base “menos es más”, se trata de una mesa sin ningún tipo de electrodomésticos o aplicaciones, con los ingredientes crudos dispuestos en sus estantes inferiores, y con las canillas y bacha adosadas a una estructura simple y sustentable, de alta calidad y durabilidad. www.showhow.dki

encargada de curar los puntos de información y las zonas de reunión.

Para moverse, nada mejor que subirse a la bicicleta para circular por los Brampton Bicycle Tours.

Ineludible Covent Garden, con muestras en el Hospital Club, el London Transport Museum y la muestra del Design Council. Por su parte, en el corazón del West End, la tienda Liberty alojó a una instalación creada por el grupo sueco Acne (www.acnestudios.com), que se sumó a otras muestras e instalaciones artísticas, sobre la base del diseño textil. También están las zonas de Clerkenwell, Hoxton y Shoreditch, con espacios innovadores como el de Tent London.

especial

+ Espacio de Matthew Hilton en Tramshed www.matthewhilton.com

+ Instalación en Antidesign Festival

ANTIDESIGN FESTIVAL: DECLARACIÓN DE PRINCIPIOS Por extraño que pueda parecer, esta vez, el London Design Festival encontró una crítica, y la alojó en el centro mismo de la feria, en el área del Shoreditch. Antidesign Festival se presentó como una forma de discutir ideas, que estuvo a cargo del afamado Neville Brody (tipógrafo y diseñador gráfico involucrado en la revista de culto The Face), quien presentó, justamente, eso que naturalmente nunca estaría en un festival. ¿Su lema? Que ha habido un “enfriamiento cultural” en los últimos 25 años, y que el dinero y el marketing han reemplazado a la creatividad y la inspiración. Así, para combatir los estereotipos contemporáneos, las propuestas fueron, según su presentador “anticonvencionales, peligrosas y anti establishment”.

Exhibiciones, instalaciones, workshops y performances cumplieron con su objetivo de hacer reflexionar. www.antidesignfestival.com

Designers (2004) según la revista Wallpaper, con un lenguaje lúdico y basado en la experimentación; y los destacados trabajos de los ingleses de Benchmark (www.benchmarkfurniture), con 25 años de historia, quienes produjeron piezas in situ y hasta llevaron un bar, que entre sus proyectos cuentan el Soho House y The London Library. www.thetramshedevent.co.uk

THE TRAMSHED: CREATIVIDAD COLECTIVA Quien deseaba ver muebles contemporáneos de buena calidad, no podía dejar de pasar por The Tramshed, un gran especio industrial en Shoreditch, que contaba con la presencia, por ejemplo, de Matthew Hilton (www.matthewhilton.com), uno de los diseñadores ingleses más destacados, nombrado Royal Designer (2005) y Designer of the Year (2008) en los British Design Awards. Con su trabajo en exposición en el V&A Museum, sus piezas ya son consideradas clásicos modernos.

OPEN STUDIOS: EN LA COCINA Fueron muchos los diseñadores que abrieron sus estudios al público.

Entre ellos, dignos de destacar fueron los de Established & Sons (www.establishedandsons.com), una afamada firma que vende muebles con las firmas de Jaime Hayón y Jasper Morrison. Allí, una performance en vivo de los artistas Richard Woods y Gavin Turk participaban de la creación de objetos en vivo. Por otro lado, Barber Osgerby (www.barberosgerby.com), de Edward Barber y Jay Osgerby, que trabajan para Flos, Cappellini y Sony, mostrando el proceso de cómo una idea se vuelve realidad. Y finalmente Rolf Sachs (www.rolfsachs.com), diseñador suizo que creaba en vivo objetos de una pieza destinados a colecciones privadas. + www.londondesignfestival.com

Además, Ilse Crawford, que con una mirada humana crea marcas de identidad duradera, entre ellas el Soho House New York e Inn brand; la empresa turca Autoban (www.autoban212.com), Best Young

SIZE + MATTER: TIEMPO DE INSTALACIÓN Es el cuarto año en que esta propuesta se presenta, en el marco del London Design Festival. Con el objetivo de desafiar la percepción que tenemos de los materiales que utilizamos todos los días, estructuras dramáticas (y temporarias) se ubicaron en las afueras del Royal Festival Hall, sobre el río Tames. Este año fue el turno del trabajo del diseñador Paul Cocksedge con su muestra “Drop”, una instalación que, además, tiene un fin solidario.

ARTE ARGENTINO La residencia oficial del embajador argentino en Londres fue escenario de una muestra contemporánea de talento for export.

La edificación, diseñada por Thomas Cubbit (1788-1855), fue adquirida por la Argentina en 1983, y desde entonces ha promovido la imagen local en el exterior. Así, en el 49 de Belgrave Squeare, y en el año del Bicentenario, “Casa Abierta/Open House 2010” fue el nombre de la exhibición curada por Fernando Farina, que del 18 al 26 de septiembre acogió a las obras de artistas argentinos de la talla de León Ferrari, Antonio Seguí, Pablo Reinoso, Marta Minujín, Liliana Porter, Pablo Siquier, Marcos López, Nicola Constantino, Javier Barilaro y Graciela Sacco, entre otros. Esta última, intervino el edificio con proyecciones que, por las noches, bañaron las ventanas como parte de una obra titulada “Metro cuadrado”. www.argentine-embassy-uk.org

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+ Ilse Crawford y su propuesta para el 75 aniversario de Artek, quien la invitó junto a un grupo de diseñadores a vestir la icónica Armchair 400 diseñada por Alvar Aalto Foto: David Lundberg www.artek.fi

I L S E C R AW F O R D El diseño emocional

Fue la glamorosa editora de Elle Decoration UK, hoy es la cara de uno de los estudios más renombrados de Londres. Consultoría, diseño de marca, diseño de interiores y diseño de productos se cuentan entre sus actividades, a las que además suma su tarea como docente y escritora. | Texto: Natalia Iscaro. Fotos: Gentileza SI

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+ Arquitectura y ambientación del Mathias Dahlgren restaurant, en el Grand Hotel Stockholm, Suecia www.mathiasdahlgren.com

Dicen, quienes saben, que ella fue quien les enseñó a los británicos a amar lo moderno, cuando dirigió el lanzamiento de la Elle Decoration UK en 1989. Más tarde, siguó su exitoso instinto en el imperio fashion de Donna Karan, el lugar en el cual decidió que no era una “criatura corporativa”. Luego de ese interín revelatorio, sería nombrada jefa de departamento del Eindhoven Design Academy de Holanda (para muchos, el mejor colegio de diseño del mundo), y en simultáneo, lanzaría la revista Bare, un breve homenaje a la “buena vida”.

Nadie sabe cómo, en medio de todo esto, Ilse Crawford se hizo el tiempo para dar vida a Studio Ilse, el mismo lugar donde 90+10 se dio una vuelta, en pleno día laboral, para una charla informal con esta creadora del nuevo gusto inglés.

En estas oficinas, donde los edificios londinenses se cuelan en el espacio de trabajo a través de grandes ventanales, largas mesas blancas alojan a los diseñadores, que para inspirarse no tienen más que levantar las miradas y toparse con alguno de los estudiados detalles de una ambientación que se encarga de remarcar el entorno fabril.

En tanto, las bibliotecas (atiborradas de tomos de los más variados) tienen un lugar de privilegio, acaso desmintiendo ese saber arcano de que “el saber no ocupa lugar”. Eso mismo habrá pensado Crafword, cuando en 2005 publicó su libro “Home is where the heart is” (El hogar está donde está el corazón), el segundo después de “The sensual home” (El hogar sensual), publicado en 1997. Todo esto la convierte, ciertamente, en un bicho raro del

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+ Ambientación de la tienda Aesop en Londres www.aesop.net.au

mercado, y muchas veces sus productos son desdeñados por la alta alcurnia diseñadora londinense.

Ella, sin embargo, no hace caso. “Estoy levemente enterada de esto, pero simplemente debo ignorarlo”, expresa. Y agrega: “Además, si pensé en esto fue precisamente porque había un nicho en el mercado”. Así nos cuenta que, como usuaria, ella no lograba dar con muebles cálidos al mismo tiempo que modernos, como si ambos conceptos fueran contrapuestos.

De modo que, naturalmente, ella misma debió hacerlos. Hoy, entre sus creaciones se cuentan una original colección de copas de champagne, una lámpara de mesa “resistente, pero sin pretensiones”, una línea de sillas y bancos pensados “para que las personas se reúnan” y gabinetes espejados que, simplemente, hay que ver para querer tener. Estos últimos responden a una de sus grandes preocupaciones: el guardado. Ella afirma: “Es algo que todos necesitamos, pero aún hoy es necesario pensar modalidades que sean realmente prácticas”.

Entre sus trabajos de ambientación se destacan el Grand Hotel Stockholm, en Suecia, donde una elegancia algo voluptuosa se logra sin recargar, con fuerza en muebles o detalles con impronta teatral.

También el Kranzbach Spa Hotel, en los Alpes Bávaros alemanes, una muestra de creatividad al servicio de grandes espacios que nunca quedan opacados. Eso sumado a tiendas, espacios de trabajo (entre ellas, la afamada agencia de publicidad Mother) y casas particulares, todas ellas dignas de mención.

Destacables son, asimismo, sus trabajos de diseño de marca, donde se roba los laureles su alabado trabajo en Soho House New York, un hotel que no escatima en detalles impensados sin ser insólitos, donde diseño y arte conviven sin competir, y donde se reafirma la teoría de que el público norteamericano ha tomado la propuesta de Crawford, tal vez, con mayor fuerza que sus coterráneos.

PUERTAS ADENTRO Danesa, la madre de Crawford fue la artista y pianista Jill Rendall.

Casada con Malcolm Crawford, editor de economía del Sunday

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+ Para comer en familia, Seating for Eating para De La Espada es una colección que incluye distintos modelos de sillones, bancos y una mesa extensible www.delaespada.com

Times, tuvieron a Ilse en 1962. La familia vivía en Notting Hill, cerca de Portobello Road (la misma del dixoniano The Dock), que por ese entonces estaba muy lejos de ser un barrio en boga. La pequeña asistió a escuelas estatales, donde tuvo que aprender a defenderse por sí misma.

Eventualmente, la familia se mudó a Crookham Hill en Kent, a una casa venida a menos que había pertenecido a un vicario. Más tarde, recordando su trabajo para Soho House Hotel, ella traería a su memoria esta casona laberíntica. “Nos recuerdo a mis hermanos y a mí durmiendo enmarañados en las mismas camas, y también a nuestros amigos, que venían a casa porque ahí se divertían más”.

De ese instante, su relato pega un salto a una primaria en Tunbridge Wells, y tardes en la biblioteca leyendo Vogue. Y luego, una vez egresada de la universidad, a su primer trabajo en una firma de arquitectura. Siguió un empleo como subeditora en The Architects’ Journal, y finalmente su consagración como editora de Elle Decoration, en

sus palabras, “porque era joven y barata”.

Hoy en día sería difícil percibir el impacto que este medio tuvo en el gusto de su época, donde la flamante editora se animó a sembrar por sus páginas los diseños de promisorios talentos (y hoy amigos de Crawford) como Tom Dixon, Nigel Coates, Neisha Crossland y hasta diseñadores extranjeros como el mexicano Luis Barragán. “Estaba obsesionada con la idea de que la revista fuera relevante para la vida de las personas, y que diera más vida a sus casas, y que no se convirtiera en un mero catálogo de compras”, retoma. “Quería que les generara el deseo de querer vivir allí”.

Acaso el mismo efecto que se logra en el propio hogar de Crafword, publicado además en su último libro. Éste representa el espíritu de lo que ella transmite. Un loft londinense diseñado por el arquitecto belga Vicent Van Duysen, donde vive con su esposo, el colombiano Oscar Pena Angarita. Un reflejo de que el buen gusto tal vez sea cosa de pocos. + www.studioilse.com

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+ Paul Cocksedge contempla su instalación A Gust of Wind en el V & A Museum

PAU L C O C K S E D G E

El poder de la transformación Fue uno de los diseñadores estrellas del London Design Festival 2010. Junto a su socia, Johana Pinho, presentaron dos instalaciones, en The South Bank y en el Victoria & Albert Museum. Cómo piensa y cómo siente el nuevo hijo mimado inglés. | Texto: Natalia Iscaro. Fotos: Gentileza PCS

especial

+ Instalación Drop en The South Bank

+ Instalación navideña Kiss para el Comune de Milano, Italia

“Me gusta el concepto de transformarnos el uno al otro”, cuenta Paul Cocksedge, en una charla a lo largo de la cual su entusiasmo no decaerá ni un segundo. Socio de Johana Pinho desde que se graduaron del Royal College of Arts en 2002 (donde fueron alumnos de Ron Arad), y pusieron alma y nombre a Paul Cocksedge Studio.

Considerado por muchos un “alquimista contemporáneo”, en sus diseños los materiales hablan por sí mismos, y también lo hacen los premios. Ha sido distinguido con el Brit Insurande Designs of the Year nomination (2008), el Crafts Council Development Award (2005), el Design Museum Designer of the Year Award nomination (2004) y el Bombay Shappire Glass 1st Prize (2003), entre otros. Además, sus trabajos integran las colecciones del Victoria & Albert Museum y de la Pinacoteca del Mederne Die Nueue Sammlung; y muchos han sido expuestos en Londres, España, Milán, Tokio y Francia, naciones que pudieron comprobar su inusual talento para crear proyectos lumínicos visualmente espectaculares y técnicamente ingeniosos.

Hoy son una usina creativa que produce desde ingeniosas lámparas (algunas de las cuales le valieron su salto a la fama) hasta ambientes libres de lluvia gracias a la electrostática, pasando por experimentos con fibra óptica. Con un concepto interdisciplinario que incluye instalaciones, intervenciones de espacios públicos y diseños para el interior, toda su producción es guiada por una firme política de “clima de libertad” en el trabajo.

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+ Lámpara Pole para Established & Sons. Foto: Mark Cocksedge

+ Lámpara Skin para Flos

POR UNA MONEDA “Parece una moneda gigante, pero cuando te acercás, es una pieza interactiva de arte”, nos cuenta Paul Cocksedge, en charla con 90+10, sobre “Drop”, una de las instalaciones que presentó durante el London Design Festival. Ubicada sobre el The South Bank y ligeramente torneada, “como caída a la tierra desde la palma de un gigante”, esta pieza magnética invitaba a los visitantes a acercar sus propias monedas. “Todas las monedas que quedaron fueron dejadas por las personas, algo hermoso que la gente empezó a hacer”, cuenta él, dado que por cada centavo pegado, un pound inglés será donado a la institución caritativa Bernardo. “En realidad, un penny no es un penny, es un pound”, cuenta él, que además, afirma que hay ocasiones en las que, simplemente, se deja llevar a una tierra de fantasía.

van a ser destinadas a caridad.

+ ¿Qué lugar ocupa la imaginación en tu trabajo?

PC A veces simplemente dejo que mi mente vuele. Es una muy interesante forma de inspiración. Pero incluso antes de esto, estaba investigando las formas de los objetos, y buscando una pieza que requiriera la interacción del público. + ¿Y por qué magnético?

PC Porque siempre me interesó, desde chico. La otra capa del proceso es que las monedas que la gente deje en la instalación

+ ¿El diseño tiene la obligación de ser social?

PC Sí, tiene que serlo. Creo que hasta hace unos años el concepto fundamental era la economía y la función del objeto. Hoy, que ya contamos con cosas de muy buena calidad alrededor nuestro, se ha vuelto más relevante introducir proyectos interactivos y sociales, porque la gente quiere eso: quiere ser parte, estar más involucrada en cómo vivimos nuestras vidas. Como las bicicletas que hoy dan vueltas por Londres: eso es una pieza de diseño. + ¿Y qué pensás de la sustentabilidad?

PC Es muy importante. Los materiales que usamos, cómo los usamos, cuánto duran. Soy del tipo de diseñador que ama buscar la belleza y experimentar cómo trabaja una pieza de diseño. En este sentido, debo decir que a veces perdono cosas que no son sustentables, porque son cosas que no vi nunca, y me encanta ver algo que nunca existió. Eso desafía a las personas de una manera diferente.

Creo que algunas veces hay que perdonarlo, porque tiene mayor impacto su existencia que su no existencia. + ¿Cuál fue la mejor lección que aprendiste en el Royal College?

PC Aprendí cómo ser creativo, cómo desarrollar nuevos trabajos

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+ Lámpara Sapphire Light para Bombay Sapphire. Foto: Tom Vack

+ Lámpara Life para Flos

y cómo ir más allá de los límites de mi trabajo. Mi aproximación hacia el trabajo tiene que ver con la ciencia, y en este sentido, mi objetivo es capturar la emoción del descubrimiento y la experimentación, y comunicarlo mediante piezas de diseño inteligibles. Me gusta estar al tanto de lo que sucede en el mundo científico. Creo que la tecnología utilizada en la investigación científica es increíble. Hay mucha creatividad en la tarea de los científicos.

Pienso en metal, en plástico, pero también en la electricidad, que es un material: lo veo y quiero mostrarlo. Tiene que ver con eso, y con la gente sintiéndose viva. Amo los materiales tradicionales también; lo más importante para mí es el concepto, y acercar el material a la gente de la forma más pura.

EOLO PODEROSO En el Victoria & Albert Museum, el viento pareció más poderoso que nunca. También con una impronta lúdica, la instalación “A Gust of Wind” fue, para Cocksedge, una oportunidad de jugar, esta vez, con Corian. “Fui a la fábrica y me mostraron lo que uno puede hacer con el material, que una vez caliente puede moldearse con las propias manos”. Así, una vez definido que cada pieza cobraría la forma de “una pieza de papel volado por el viento”, la idea fue curvarlas, para que, además, cada una se transformara en un objeto funcional: un tacho de basura. “Me gusta porque la mayoría de los tachos son rígidos, y este es todo lo contrario”. + ¿Cómo describirías tu trabajo?

PC Hay un link entre las piezas y el trabajo que implica electricidad.

+ ¿Trabajás en equipo?

PC Sí, con Joana. Somos un buen cóctel. Yo llevo las ideas locas y ella los negocios. Además, tenemos dos trainees. Somos un equipo chico, pero con ganas de crecer. Londres es un poco fría, pero nos permite hacer grandes cosas. Todo tiene que ver con mantener la creatividad bien en alto y los costos bajos. + ¿Dónde encontrás inspiración?

PC ¡En tantas cosas! Vos me inspirás, todo me inspira. Es difícil llevarlo a una cosa. La tecnología, la ciencia, las cosas invisibles, los extremos, la transparencia, el calor, el misterio, la confusión.

Así lo dejamos a Cocksedge, entre pícaro y reflexivo, y con una última frase: “Me gusta sorprender. Me gusta desafiar. Me gusta divertirme, ¿sabés?”. + www.paulcocksedge.co.uk

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+ Julien Vallée y su creación A is for Award para los premios YCN 2009. Foto: Simon Duhamel

Julien Vallée El explorador Diseñador gráfico canadiense y artista del papel, Julien Vallée estuvo de visita en Buenos Aires con motivo del PreInspiration Fest. Quién es y qué hace este mago de las tijeras y la animación, premiado y exhibido desde Berlín a Shangai y desde Londres a Seúl.

| Texto: Leila Mesyngier

Simple, llano y fácil de moldear. De características únicas e ideal para jugar. Con una concepción irreversible: una vez que se corta, se dobla o se pega, no se puede deshacer. Así define el artista Julien Vallée al papel, el material con el que realiza sus creativas obras que combinan diferentes técnicas y que le permiten dar rienda suelta a su imaginación. Basta con contemplar sus instalaciones para los YCN Award y para encuentros internacionales de arte o las motion graphics que hizo para MTV o New York Times Magazine -entre otras megaempresas-, para notar que este joven diseñador gráfico canadiense es pura luminosidad.

aunque reconoce haberse interesado siempre por el arte y las manualidades. ¿Cómo llegó entonces el papel a ser su herramienta de trabajo?

“Es algo que está siempre alrededor nuestro, y yo decidí usarlo con un propósito distinto que el de escribir notas”, explica. Y enfatiza: “No creo que tenga algo especial, es sólo que me gusta probar cosas diferentes, observar el contraste de la mezcla de técnicas variadas”.

Por eso, su elaboración manual se completa con el uso de la tecnología, a través de la cual logra darles movimiento y animación a sus figuras. Pero su visión es similar a la del papel: es un medio para lograr un fin, no lo que determina o caracteriza su obra. “La

En 2009, su hermano y colaborador Guillaume Vallée visitó Buenos Aires en el marco del festival Inspiration Fest, cuando dictó un workshop sobre máscaras de papel y brindó una conferencia. Este año fue el turno de Julien, quien llegó a nuestra ciudad para participar del PreInspiration Fest, donde también ofreció un workshop de paper design, en esta oportunidad, bajo la temática “Alphabets”, y compartió con los participantes diferentes técnicas y tips para realizar un alfabeto en papel y otros materiales. También dio una conferencia inspiradora, mostró su trabajo y explicó cuáles son las nuevas tendencias en diseño de papel que lo elevaron a la categoría de referente en la escena mundial.

Letras grandes, pelotas de colores, formas y objetos cotidianos variados que se caen y se levantan, que aparecen y desaparecen y que confluyen en una situación-collage, una mezcla de realidad y fantasía. Una experiencia de comunicación visual deslumbrante que resulta de una combinación aparentemente inocente, casi infantil, parte de un rompecabezas de emociones.

Esa concepción un tanto naif, sin embargo, no se corresponde con lo que su discurso expresa. Vallée no tiene recuerdos de haber jugado más que otros niños con papel, no siente haber sido especial en ese sentido,

+ El skate We are contributors fue subastado a beneficio de organizaciones sin fines de lucro de Canadá, dedicadas a proteger niños de barrios carenciados

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+ Offf Paris Sponsors tiles, video para la edición París del festival de cultura digital Offf Barcelona, junio 2010

computadora actúa como una herramienta que puede ser útil en diferentes momentos del proceso creativo, pero odio ser esclavo del próximo software disponible para que haga las cosas por mí. Me gusta usarla igual que cuando elijo una lapicera para hacer una línea. Veo al papel en el mismo nivel y ambos pueden coexistir”, dice humilde y con naturalidad.

Esa sencillez es la misma con la que encara su rutina diaria. “Sigo una guía no oficial de líneas de trabajo, pero es siempre diferente de un proyecto a otro. Y creo que eso es lo divertido”, reconoce el canadiense. Cambiar la forma de encarar algo nuevo le permite probar nuevas técnicas, poner en práctica ideas originales, reciclarse a sí mismo y hasta prevenir “quedarse atrapado en una esfera de confort”. Es más, “deshacerme de mis hábitos y volverme inestable me permite dar forma a la creatividad. Si todo está planeado desde el principio hasta el final, entonces es sólo producción”.

Lo único que sí sabe es que cuando empieza un proyecto, éste va a tener un resultado al llegar al final del camino y que puede permitirse ser creativo durante todas las fases, incluso incorporando aspectos que no habían sido considerados previamente. Justamente de eso se trata, de explorar todas las posibilidades.

PONER EL CUERPO En algunos de sus trabajos, tanto gráficos como audiovisuales, Vallée aparece en primer plano con sus manos, su cara y su cuerpo.

Su sencilla presencia, su look informal y desprolijo -pero a la vez cuidado-, sus rasgos delgados y sus zapatillas gastadas le otorgan una sensación de realidad a sus trazos de fantasía. + Afiche promocional para la muestra Rankin leaves in the wind en el Create Berlin Gallery de Berlín, 2008

+ ¿Tu aparición en las obras es planeada o simplemente ocurre?

JV La mayoría de las veces, simplemente ocurre. Cuando me

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encuentro transitando los últimos pasos del proceso de filmación, me doy cuenta de que falta el aspecto humano, ahí es generalmente donde surge la idea. Otras veces, está planeado y es parte de la historia, como en las imágenes de “A is for Award” que hice para YCN. En cierto sentido, me gusta aparecer porque le da una buena noción de escala al montaje. + ¿De dónde surge la inspiración para tus obras?

JV Pienso que estoy todo el tiempo absorbiendo cosas de todos lados.

En cualquier lugar adonde voy, me reconozco pensando en un proyecto o en una imagen para crear; incluso cuando leo las noticias se me ocurren ideas. Pero me gusta no tomarme las cosas tan en serio. Es importante mantener siempre la creatividad y la mente abierta. Es decir, lo que veo me sirve para mi trabajo, pero también me permite ver la vida en clave de diversión, algo que considero que es muy importante.

Tal vez esa concepción de la vida la busca también en los artistas a quienes admira, como el inglés David Shrigley, con un humor atrevido y una mirada introspectiva. “Es posible sentir su imaginación en su trabajo, y además todo lo que escribe o dibuja es una parte de su vida. ¡Me dan ganas de vivir esos momentos!”, se entusiasma.

+ La instalación Supernova intenta materializar el breve instante de una explosión estelar

Apasionado, curioso y muy humilde en su relato, de bajo perfil en cuanto a su talento, pero de gran capacidad creativa, Julien Vallée disfruta de contar historias para que otros las experimenten. “Me interesa que el público descubra una historia de la que sólo ve la mitad, que pueda imaginarse qué paso antes y qué va a pasar a continuación. Siempre trato de ilustrar un momento en el tiempo, en donde ocurre una situación específica”, afirma, dando espacio a la mirada ajena. “Me gusta cuando los demás dan sus propias interpretaciones de cómo sucedió la historia”, concluye. + www.jvallee.com

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MemSiSurt I+D en la cocina MemSiSurt trabaja desde su cocina-laboratorio en Palma de Mallorca, España, para dar vida a la comida, innovar y experimentar con alimentos procedentes de la isla.

| Texto: Movimiento Artes www.movimientoartes.com. Fotos: Iñigo Vega

+ Mousse de trampó esferificada, yema de huevo de codorniz cocida a baja temperatura, caviar de té y papel de oro

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Logran así sorprender con su nueva gama de productos gastronómicos como, por ejemplo, “Sabors de sa Terra”, un producto gourmet hecho a base de escamas de sal combinadas con sobrassada, licor de hierbas o tomate de Ramallet. El nombre –MemSiSurt– es una expresión mallorquina, que traducida sería algo así como “AVerSiSale”. Y sí, sale.

En breve, por ejemplo, sacarán al mercado sabrosos inventos que podrían llevarnos a degustar algo tan extravagante como un rico helado de medusa. Teniendo en cuenta que trabajan con especies autóctonas, hará la delicia tanto de los golosos como de los bañistas. + Contadnos un poco sobre vosotros: ¿cómo y cuándo nace MemSiSurt?

MSS La empresa MemSiSurt nace de la mano de Nono Martínez, a finales del año 2008, con unos objetivos fundamentales: la investigación e innovación en el campo de la gastronomía. Al poco tiempo me incorporé yo, Abraham Artigas, y tiempo después se sumó Agustí Solà, que venía de ser jefe de I+D+I a nivel internacional, de una de las empresas más potentes de la industria alimentaria. Como él dice, vino “a jugar un poco”. + Trabajáis sobre todo en base a productos de vuestra isla –Mallorca–, e investigáis sobre nuevas aplicaciones que, por cierto, están teniendo mucho éxito, como las sales. ¿Qué podéis contarnos sobre este proyecto?

MSS Bueno, lo de las sales con sabores típicos de nuestra isla surgió cuando elaborábamos los menús degustación, en los que casi siempre procuramos utilizar los productos de Mallorca y, si es posible, de agricultura y ganadería ecológica. Nos dimos cuenta de que había infinidad de sales, pero ninguna con la que se pudiera identificar nuestra tierra. Buscábamos una sal perfecta para maridar con nuestros platos y, para encontrarla, nos inventamos una nueva forma de elaboración, que combina la cocina tradicional con productos de muy alta calidad. Nos percatamos de que podía ser un muy buen producto para la venta al consumidor final y, de hecho, así está siendo. Ya vendemos nuestras sales en casi toda España y, en breve, daremos el salto al extranjero.

interesar a la prestigiosa Fundación Alicia (dedicada a la alimentación y la ciencia) o a la gran cocinera catalana Carme Ruscalleda?

MSS La idea de las medusas vino de Nono, que en una visita a Tokio las comió en un restaurante. Pensó que siendo Mallorca un lugar en el que cada verano hay plagas, una buena idea sería hacer algo con ellas, pues no sólo se obtendría un nuevo recurso alimentario sino que, además, ayudaría a reducir la población de medusas en nuestras playas. Llevamos tiempo trabajando en este proyecto para el que nos han concedido una subvención, y recientemente hemos firmado un acuerdo con la Fundación Alicia para llevar el proyecto a nivel nacional. De momento, hemos elaborado bastantes productos: desde galletas hasta helados, algo muy parecido al Dashi japonés (un concentrado para elaborar caldos), golosinas y pastas para cocinar. ¡Y ahora estamos intentando desarrollar un licor de medusa! + ¿Creéis que después del boom de las espumas y la cocina molecular habrá una tendencia a recuperar los alimentos y las cocciones de toda la vida?

MSS Creemos que eso fue un carro que partió de los chef más importantes en cocina creativa, al que se quisieron subir muchos, haciendo cosas que no sabían hacer, y pretendiendo cobrarlo como si supieran. Al final, ha terminado pareciendo un circo, y la gente se ha cansado. Se están recuperando los sabores de siempre, pero utilizando técnicas modernas que dan tan buen resultado como las cocciones al vacío. De hecho, en nuestros menús empezamos con los entrantes moleculares, y terminamos con los platos de pescado y carne, en los que intentamos rescatar sabores muy tradicionales.

Queremos que la gente conozca los sabores originales de los productos que está comiendo.

+ Otro de vuestros proyectos (quizás el más innovador) es el de llevar las medusas al plato. ¿Cómo surgió esta idea que ha llegado a

+ Ferrán Adrià fue invitado como creador a una de las ferias de arte más importantes del mundo: Documenta 12, de Kassel. Según vuestra propia experiencia, ¿qué hace que un cocinero sea un artista?

MSS La mejor respuesta a esa pregunta la leí hace algunos años de la mano de Carlos García Schatzle, y dice así: “Artistas son aquellos con inspiración. Dominan las técnicas y saben mezclarlas para causar impresiones imborrables en los comensales. Son quienes entienden que un plato exitoso es aquel que estimula todos los sentidos positivamente. Es como pintar un cuadro musical en tres dimensiones. Con los ingredientes en su paleta, el artista pinta en un

+ Abraham Artigas, uno de los chefs de MemSiSurt

+ Sal de sobrassada de Mallorca

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+ Gelificaciones de consomé de alga Kombu, yema de pimientos del piquillo, nieve de zanahoria en N2O, helado de tomate de Ramallet, huevo “”Kinder” con sorpresa, aire de agua de medusa

plato que usa como lienzo, con la ventaja de poder construir una arquitectura tridimensional, que además juega con aromas, sabores, texturas y temperaturas. La obra se presenta ante los huéspedes, evocando emociones que sólo la música puede repetir. Un chef es un artista cuando elige sus ingredientes como un compositor sus instrumentos, conoce las combinaciones de colores tan bien como un pintor y se inspira en la vida para elevar su creatividad”. Creo que mejor no se puede describir, ¿no? + ¿Cómo son los procesos creativos de vuestro trabajo y en qué os inspiráis?

MSS Lo de los procesos creativos en nuestra empresa es un tema bastante peculiar: no tenemos reuniones de “brainstorming”, ni nada parecido. Principalmente, nos basamos en ideas que salen disparadas primero del cerebro de Nono, y después, en conjunto, las matizamos y decidimos si son o no viables. Luego creamos el mapa de trabajo y empezamos con las pruebas. No tenemos ninguna fórmula para que nos visiten las musas, la inspiración puede venir de muchos factores, desde algo que hemos comido a algo que surge de repente. Es muy variable. + ¿Ser cocinero está de moda?

MSS ¿Moda? Lo de ser cocinero es vocacional, o te encanta cocinar o no te gusta nada. Creo que simplemente lo que pasa es que ahora tiene muchísima más repercusión mediática. Sobre todo en España,

desde que hace unos cuantos años varios de nuestros chefs están entre los diez mejores del mundo. Esto ha animado a que en las escuelas de hotelería haya muchos más alumnos que quieren emular a los grandes cocineros. + ¿Qué tendencias de cocina veis aproximándose con fuerza?

MSS Estamos observando una vuelta a las raíces gastronómicas locales, para recuperar los sabores originarios, así como un interés por los productos orgánicos y de producción ecológica. Según la lista S. Pellegrino, el mejor restaurante del mundo este año es Noma, de René Redzepi, que aboga por una cocina reivindicativa de los productos de la tierra. En sus platos utiliza cosas que crecen alrededor de su local, desde bayas a hierbajos, productos que eran comunes en la mesa nórdica, y que se dejaron de usar por la internalización de su cocina. De hecho, en uno de nuestros proyectos, junto con un ingeniero agrónomo, estamos intentando rescatar hortalizas autóctonas para nuestros menús. + ¿Alguna pregunta que no os hayamos hecho y que os apetezca contestar?

MSS La verdad es que hemos echado de menos una que siempre nos suelen hacer cuando hablamos de las medusas: ¿a qué saben?, ¿están buenas? La respuesta es que sí, están muy buenas, tienen un gusto muy de mar, entre una ostra, percebe y algún tipo concreto de algas. + www.memsisurt.es

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Juan Manuel Díaz Reinterpretar un mito Joven y prometedora, la atareada y compleja vida de este diseñador argentino se encuentra al borde del éxito absoluto: de él depende la reestructuración estética de la empresa italiana con mayor proyección internacional. | Texto: Juan Ponieman

Para el diseñador Juan Manuel Díaz, la creación se encuentra en cada momento de su vida: amante del urbanismo y todas las formas que involucren la movilidad, relata sus vivencias en Europa –donde reside desde 1998– como un trayecto acelerado, pero repleto de complicaciones. Su arribo se presentó cuando su tesis fue aprobada por el prestigioso Instituto Europeo de Diseño. Luego de pasar por los tableros de Renault y Pininfarina, fue convocado para trabajar en los interiores de Alfa Romeo. Sus proyectos fueron incrementando al tiempo que la responsabilidad crecía, hasta alcanzar recientemente el máximo sillón dentro de la compañía: es el responsable de diseño de exteriores de Alfa Romeo en Italia.

Encabezar un equipo multifacético de profesionales trabajando en el factor fundamental (el diseño), que puede construir o derribar el futuro de la más fascinante insignia del mercado, presiona a Díaz hasta el límite de sus capacidades como diseñador, pero también como director orgánico y motivador de un grupo.

No es ajeno para él que el diseño sea el elemento fundacional en un Alfa Romeo. Tal vez, para otras empresas el factor estético esté presente, pero algo dormido; un Alfa Romeo es una obra de arte que precisa del movimiento para vivir, y para ello, un arduo trabajo fue emprendido años antes de ser visto en las calles.

Durante la entrevista, Díaz relata este proceso y cuenta sobre un día convencional en su vida: “Alrededor de las 9 ya estoy en la

+ Alfa Romeo MiTo

oficina. ¡Sé a qué hora llego, pero no siempre a qué hora me voy!

Chequeo la casilla de mails, y en poco tiempo ya damos comienzo a las reuniones con ingeniería, marketing y los distintos equipos. El día transcurre junto con el trabajo de mi equipo de diseñadores, modelistas e ilustradores. Conformamos un equipo grande de trabajo y multidisciplinario. Mi función es motivarlos y estimularlos para que cada uno saque lo mejor de su talento. Seguimos los modelos en escala real y discutimos sobre las soluciones que se pueden aplicar a las ideas que tuvimos y que, en muchos casos, la ingeniería no puede resolver por tema de costos. Alrededor de la 1 almorzamos en el comedor de la empresa, y entre las 7 y las 8 suele terminar mi día de oficina”. + ¿Cuáles son los valores que un Alfa Romeo firmado por Juan Manuel Díaz debe presumir?

JMD Un diseño hecho por mí, antes que nada debe respetar la cultura de la marca. Alfa Romeo tiene una personalidad muy fuerte; nunca la mano de un diseñador debe prevalecer por sobre Alfa Romeo, pero sí puede brindar una interpretación. Alfa Romeo es muy tierra, muy pasional, y trabajamos sobre eso. Hay que expresar esa pasión en formas. Para cada auto hay distintas interpretaciones. En Alfa Romeo no se hacen todos los autos iguales, de manera que el más chico se parezca al más grande. Son expresiones de una marca legendaria, de cien años espectaculares, con una cultura de diseño de carrocerías única en el mundo. Los Alfa son autos deportivos y elegantes, con pasión, presencia e innovación.

diseñadores y creativos

I Foto: Sergio Toriggino

+ ¿La inspiración existe?

JMD ¡Claro que existe! Pienso que la inspiración se manifiesta luego de un gran proceso de pensamiento. No creo en la inspiración instantánea; al menos, no es así la que yo vivo. Soy de meterme en el problema, tratar de entenderlo y buscar una solución. La creatividad tiene que ver con crear algo nuevo, y luego poder soportarlo en el proceso de industrialización. Inspiración, creatividad y la capacidad de llevar las cosas a producción van de la mano. La tecnología tiene que permitir lo que estás diseñando; los costos también. Pero no tengo fuentes de inspiración precisas: un animal, una mujer, una música, todo puede ser inspirador. Incluso uno puede encontrar inspiración en momentos no favorables. + Cuando un vehículo está diseñado, ¿cuánto cambia cuando los distintos equipos revisan los planos y costos?

JMD Ingeniería abarca todo lo que es costos y producción, que son

factores determinantes que existen y que se encuentran en cualquier proyecto. Con la experiencia, vas adquiriendo noción de diferentes cosas y sabiendo dónde se puede “calcar” la mano y dónde no. Uno ya sabe dónde renunciar y qué guerras puede ganar. + ¿Cuánto influyen las normas de seguridad al momento de diseñar un vehículo?

JMD Muchísimo. Existen infinidad de normas de seguridad, ya sea de choque como del asegurador. Un auto se vende por estética, por mecánica, por cómo lo sepas vender y por la cantidad de piezas que rompés al chocar. Hay muchos ratings que respetar.

DISEÑANDO EL MITO Un punto de inflexión en la vida laboral de Díaz ha sido la concreción comercial del MiTo, el automóvil compacto de Alfa Romeo.

Diseñado integralmente por Díaz, el proyecto situó al diseñador

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+ Algunos bocetos del exterior del Alfa Romeo MiTo

rosarino en un plano diferente respecto a sus compañeros, y logró puntualizar el sueño que amasaba desde pequeño: que un automóvil de su autoría rodase por las calles del mundo.

es marcador de tendencia, y es para gente que se quiere distinguir a partir de la deportividad, la sensualidad y la elegancia. Alfa Romeo es la esencia de lo que puede ser la pasión. Es innovación”.

+ ¿En qué modelos te inspiraste para diseñar el MiTo? JMD Me remonto al año 2002… Venía de trabajar en el 8C Competizione, mi primer gran desafío en Alfa. Mi padre había fallecido por ese entonces, y yo me aboqué mucho al trabajo, quizás como modo de distracción. Tenía 28 años, y una noche en el trabajo, mirando el 8C, me puse a bocetar una versión que pudiera estar a mi alcance. Se trató de un boceto cuyas líneas remiten al 8C, pero en otro formato y en versión de calle. En el 2005 la empresa pide un proyecto basado en el segmento B Europeo; Alfa Romeo no competía en ese espacio de mercado, y se quería buscar un “entry level”: automóviles compactos del tamaño del Fiat Punto, VW Fox, etc.

Presentamos muchas propuestas y costaba la decisión. Mi jefe me pidió reinterpretar un dibujo que había hecho del MiTo en 2002.

Ese dibujo era como un sueño. Luego avanzó muy rápido, no se paró nunca… Los proyectos suelen tener un momento de stand by y aquí eso no pasó. Fue un boceto instantáneo.

+ ¿Cuál es la tendencia mundial en diseño vehicular? Últimamente se diseñan automóviles con rostros y cierta personalidad humanizada, ¿cuál es tu opinión?

JMD Las tendencias de hoy son muy variadas… Se percibe una tendencia general de hacer cosas grotescas, llenas de líneas sin sentido. No aportan nada a lo que es el diseño de un auto. Luego están otras más conservadoras, utilizadas por muchas marcas Premium, que mejoran el producto para hacerlo evolucionar, no revolucionar. Otras marcas, como Alfa Romeo, respetan su cultura de la belleza sin tiempo. Todo depende de la visión de cada marca: algunas se inclinan más hacia la tecnología, otras a la inspiración felina, otras a la armonía. En los años 80, muchos concept se inspiraban en los insectos, por ejemplo. Alfa Romeo se inspira en muchos gestos animalescos o femeninos porque sus líneas son muy sensuales.

Sensualidad, el concepto ideal para la vida que promueve Juan Manuel Díaz en su excursión con Alfa Romeo. Él no vende sensualidad, la crea. + www.juanmanueldiaz.blogspot.com | www.alfaromeo.com.ar

Presentado en 2008, el MiTo representa el momento más importante de Díaz como chief designer. Ideado como un modelo tan popular como fuese posible (en Europa se consigue desde €14.700), la cuota “chick” y artística se aprecia en cada espacio interior y en sus formas exteriores. Versiones deportivas y otras ecológicas se acomodan bajo la carrocería.

LO QUE VENDRÁ PARA ALFA ROMEO El futuro tendrá en Alfa nuevas interpretaciones de los segmentos actuales. Díaz opina sobre ello: “Alfa no mira a los competidores para seguir una tendencia, sino que mira su historia y lee su biblia, que es la de autos muy sensuales y emotivos. No hay una receta base.

Se sintetiza en diseño italiano, emoción y proporciones. Alfa Romeo

+ Boceto del interior del Alfa Romeo MiTo

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+ Dylan. Columbia Records, 1967

diseñadores y creativos

Diálogo entre ilustradores por Fernanda Cohen

Milton Glaser El diseñador gráfico más influyente del siglo XX Hay voces que nos guían a través de la seguidilla de decisiones que tenemos que tomar a medida que nos formamos profesionalmente. Algunas voces son familiares y otras son estelares, transformándose en los parámetros más altos -y sentenciosos- con los cuales medimos nuestros objetivos de mayor ambición. Milton Glaser hace por lo menos diez años -desde que me mudé a Manhattan y me empapé de él, entre tantos otros genios neoyorquinos-, que me lleva de la mano por caminos empinados que encaré sin saber bien qué esperar, pero con la seguridad de que si él se había animado, por qué no yo.

UN MUNDO APARTE Así que hoy, con un terreno propio bien ganado y la seguridad necesaria para inspirar firmeza, me puedo sentar con el legendario creador de “I (corazón) New York” y de la famosa tapa de Bob Dylan, y hacerle el tipo de preguntas que hace una eternidad que vengo amasando a través de mi propia experiencia.

SUS COMIENZOS Hace más de sesenta años que Glaser trabaja como diseñador gráfico, ilustrador y pensador de conceptos. Su estética se remite a un tiempo que nunca empieza ni termina, donde la elegancia y la soltura son inseparables, avaladas por la idea y el pensamiento de manera incondicional. Me cuenta que estudió en la prestigiosa y exclusiva universidad Cooper Union en Nueva York, y que su carrera no avanzó a pasos agigantados hasta que fundó Pushpin Studios de la mano de Seymour Chwast, Reynold Ruffins y Edward Sorel.

Durante dos décadas, Pushpin revolucionó un mundo ilustrativo -que si no fuese por Norman Rockwell, hubiese sido inexistente-, plagándolo de conceptos irreverentes, estilos innovadores, y muchas ganas de hacerlo todo; combinando diseño e ilustración en una fórmula novedosa. Simultáneamente, Glaser co-fundó la famosa revista New York Magazine en 1968, la cual dirigió hasta 1977 y sigue siendo un influyente urbano de La Gran Manzana hasta el día de hoy.

LA FÓRMULA DEL ÉXITO… Y DEL FRACASO Lo más notable y sorprendente acerca de su carrera no es sólo su portfolio repleto de estrellas que hicieron historia, sino también la diversidad de estilos en los cuales supo destacarse. Ahora, la gran diferencia entre Glaser y el ilustrador común, es que él desarrolla

cada proyecto como diseñador, por lo cual su estilo se adapta de la mejor manera posible al concepto a desafiar. Mientras que nosotros, los ilustradores, estamos obligados a apropiarnos -y a no abandonar- de un estilo propio que sea reconocible, e idealmente vendible, al cual el cliente acepta adaptarse en cuanto nos elige.

Glaser también me explica que “es una pena que el gran problema del ilustrador sea que su trabajo no es lo que lo ayuda a evolucionar en su visión. Lo que nos lleva a desarrollar nuevos caminos es trabajar en proyectos diferentes, en diferentes momentos, con la posibilidad de fracasar. Pero como en la vida profesional no podés equivocarte, entonces inventás un producto, y lo hacés una y otra vez de manera exitosa, hasta que perdés interés”. Lo cual me recuerda a una lección de vida que aprendí también de Glaser cuando produje su conferencia en la Society of Illustrators of New York el año pasado: el artista comercial se destaca a través del éxito (profesional), mientras que el artista plástico es exitoso a través del fracaso (en su medio y estilo artístico) y la búsqueda.

EL ARTE DEL DISEÑO Siempre me pregunté cómo se definía Glaser como ilustrador, una carrera que para muchos parece ser un componente menor del gran campo de diseño gráfico. “No separo ilustración y diseño; el profesionalismo lo hace. Uno aprende a dibujar porque así es como entendemos la morfología, y cuando comprendemos lo que estamos mirando, desarrollamos una actitud acorde para cada forma, lo cual es tan útil al dibujar una figura humana como lo es al crear un logo. Se trata de acomodar formas sobre una superficie; por eso dibujar es como limpiar los canales neurológicos del cerebro, extendiéndose hacia los brazos, para poder entender lo que estamos mirando. Para mí, esta es la única forma de producir algo visual,

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+ 10th Anniversary Holocaust Museum of Houston, 2006

+ Angels in America. Tony Kushner, 1995

sea chato, abstracto o realista. Si no, es imposible mostrar lo que estás pensando”.

EL MENSAJE MADURO A medida que vamos madurando, tanto en lo personal como en lo profesional, nuestros intereses cambian a la par de lo que le ofrecemos a nuestros clientes. Con sólo un humilde puñado de años de trabajo, me doy cuenta de que mi ángulo artístico se va modificandoun promedio de diez a quince grados cíclicamente, gracias al camino recorrido y a aspectos de mi vida personal.

Cuando tocamos el tema de cómo resolver un problema visual, uno de los desafíos clave en la ejecución ideal del artista gráfico, Glaser me describe una circunvalación que incluye leer, digerir y relajar los sentidos para que el inconsciente se haga cargo. Le pregunto cómo hace para que su inconsciente trabaje con algo tan intangible y me responde: “Soltás lo que estás listo para dejar atrás”.

COLABORACIÓN CREATIVA En cuanto entro a las oficinas de Milton Glaser Inc., en un segundo piso del lado Este de la calle 32, en Manhattan -lo que solía ser la base de Pushpin-, veo por lo menos a cinco diseñadores jóvenes rodeados de muestras de alfombras, estampados pinchados en las paredes, posters y cajoneras de madera desgastada entre máquinas, scanners e impresoras, que le dan un toque contemporáneo a un hombre que ya en sus ochenta años podría haberse dado por hecho.

Pero lo que más me intriga del contexto de Glaser es su método de colaboración, un hábito que muchos artistas desearían poder asimilar, pero que pocos logran adoptar. “Hoy en día hago todo (excepto ilustración) en colaboración. Es un círculo con algunos elementos que se tornan en una conversación, como bailar de a dos, donde hay un ping-pong de: ‘Muy chico. Deamasiado grande. Poco azul. Mucho amarillo, etc’. Es una experiencia que te permite producir cosas que solo no harías”. Claro que se requiere de bastante seguridad e infinita generosidad para llegar a una colaboración armoniosa, y explotar la posibilidad de usar múltiples cerebros en vez de sólo el propio, “sumado al mito del genio que tiene que trabajar siempre en soledad para encontrar una solución a su obra”.

Glaser, con suficientes kilómetros ya como para correr una maratón, dice: “Mi mensaje fundamental es tratar de no hacer daño, seguido de la comunicación eficiente de ideas para que sean bien recibidas. Por ejemplo, no me gusta la estupidez cuando es expresada a través de la publicidad, y no me gusta manipular a la gente para que haga cosas que no son buenas, lo cual me fuerza a ser un conspirador. El querer cambiar el mundo a través de las ideas es un poco pretencioso, por lo que siempre hay que prestar atención a lo que la gente hace y no tanto a lo que dice. Es preferible evocar pensamientos, ideas y percepciones, y usarlo para hacer que la gente sea más consciente, por más que digan que ‘lo bueno es malo y lo malo es bueno’; y al menos si se va a hacer daño, hay que entender el mensaje que uno está enviando”.

PIES EN LA TIERRA Muchas veces me pregunto si la fuente de inspiración, la ansiedad de siempre querer hacer más, la energía inagotable, ese motor que nunca se duerme y el flujo de proyectos que me permiten expresar todas estas inquietudes son eternos. Verlo y escucharlo a Glaser me alivia el alma y me llena de vida, a mí, que de tanta vida a veces me ahogo.

Más aún, cuando ya llegando al final de nuestra entrevista, le pregunto cuál es su mayor objetivo, y me responde: “Es una sensación

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+ Secret of Art, SVA, 2007

extraordinaria el venir a la oficina y darme cuenta de que puedo aprender algo hoy, que puedo hacer algo que nunca hice. Que existe la posibilidad de descubrir el significado de todo esto, y de hacer algo más brillante que lo anterior. Realmente me siento que recién estoy llegando al principio del entendimiento”. Mi objetivo más grande es llegar a sentir lo mismo a la edad de Milton Glaser, un eterno explorador. + www.miltonglaser.com

+ We are all African. SVA, 2005

FUENTES DE INSPIRACIÓN + Literatura + El cerebro humano + Sociología + Respuestas humanas visuales y sentimentales + Conciencia pública + Mecanismos de comunicación + Psicología

+ I Heart NY. State of New York, 1977

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+ Dormitorio principal, Estudio Kalika-Falicoff

Casa FOA 2010 Enclave colonial La muestra anual de arquitectura, diseño y paisajismo más visitada del país, celebra el Bicentenario argentino con la apertura de Casa FOA La Defensa. En su edición número 27, sus cerca de 40 espacios estarán abiertos al público hasta el 14 de noviembre. | Texto: Jorgelina Peciña. Fotos: Watio Este año, los organizadores de la muestra de decoración más importante y concurrida del país, han elegido como enclave para una nueva entrega de Casa FOA una de las zonas más antiguas de Buenos Aires. Sobre la calle Defensa, a pocas cuadras de la plaza más emblemática del país, Plaza de Mayo, se ubica Casa FOA La Defensa que, según sus responsables, es una muestra viviente de la protección del patrimonio histórico, fiel al espíritu de la exposición de reciclar edificios que cuentan la historia nacional. La elección de la calle estuvo bien pensada, ya que no sólo es una de las más transitadas del casco histórico, sino que también conecta los barrios más antiguos de la Ciudad de Buenos Aires: San Telmo, Montserrat y Barracas.

El edificio elegido para hacer realidad Casa FOA La Defensa surgió del proyecto de recuperación a cargo del arquitecto Daniel Silbarfaden, con la coordinación comercial y el desarrollo del ingeniero Gustavo Ortolá Martínez, director de GO Real Estate. Pasada la muestra, el complejo funcionará como La Defensa Lofty Suites, un conjunto de oficinas y viviendas del siglo XXI, en donde lo antiguo y

las nuevas tendencias se funden en un mismo lugar.

La edición 27 de Casa FOA fue pensada como un homenaje al Bicentenario patrio y por esa razón se caracteriza por una especial mirada a lo clásico, a lo local. Además de los ya conocidos espacios que reúnen el talento y el buen gusto de destacados arquitectos, diseñadores de interiores, artistas y decoradores, la versión 2010 de FOA también cuenta con un concurso en el que se intervinieron artísticamente veinte sillas materas.

LOS ELEGIDOS DE 90+10 Casa FOA es algo así como un semillero con las mejores ideas en decoración de casas, hoteles, spas y cualquier otro emprendimiento donde los denominadores comunes sean el buen gusto y la creatividad, sin olvidar el uso inteligente de los materiales, la incorporación de los supuestos básicos de sustentabilidad y la elección correcta en lo que a tecnología se refiere. 90+10 recorrió la muestra y seleccionó entre todos los espacios aquellos que se destacaron por su creatividad y vanguardia en diseño.

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SPA WELLNESS Estudio López + Penas En inglés, “wellness” significa bienestar.

Actualmente, muchas personas lo buscan a través de un estilo de vida con actividad física regular, alimentación equilibrada y actitud mental positiva. Con esta idea en mente, la propuesta de los responsables del Spa buscó llevar el bienestar también al hogar, con un espacio que reúne dos dimensiones complementarias y necesarias: el relax y el ejercicio físico.

ESTUDIO Lavalle Cobo y Russo Las funciones de un estudio varían de hogar a hogar. Para algunos, es un lugar para pensar, trabajar y relajarse, aprovechando las nuevas tecnologías. En esta oportunidad, la propuesta busca mezclar lo tradicional con lo moderno. Se puede entrever el techo original de bovedillas y hierro, a través de las placas entrelazadas, utilizadas para albergar la iluminación.

PATIO HOMENAJE Arq. Julio Oropel El concepto de este espacio es un homenaje al célebre escritor argentino Manuel Mujica Láinez, en el centenario de su nacimiento.Una biblioteca de metal contiene la obra del escritor, sintetizada a través de libros con el nombre de cada obra en el lomo. Tres sillones de estilo Berger invitan a la lectura de la obra. Complementan el espacio artefactos de iluminación en chapa negra (de Patricia Garrido) y esculturas en madera negra y clara (de Jardiel Valente).

Para alcanzar el bienestar, cuenta con distintas áreas con contrastes de temperatura y humedad: un sauna, una bañera de inmersión y un área para la práctica de actividad física. Asimismo, presenta una estancia nutrida en velas, olores y texturas suaves, imágenes de la naturaleza y música. El resultado es Wellness, un espacio de diseño proyectado para alcanzar el bienestar.

Completan la estancia dos confortables sillones de cuero, que tienen incorporados los controles de todos los equipos electrónicos. El escritorio es una valija apoyada sobre un atril, que puede cerrarse para su traslado a cualquier parte. La biblioteca envuelve una chimenea, coronada por un espejo que se usa, también, como pantalla del plasma y la computadora. Una propuesta armónica, con dosis justas de color y comodidad. www.laventanadecoracion.com.ar

El techo se conforma con troncos a modo de estalactitas, que se abren en el centro y permiten la observación de la gran lucarna superior.

Desde el piso, una gran alfombra multicolor domina el espacio. Un banco de madera contorneada con la forma abstracta del perfil orográfico del país se ubica fuera del módulo central. La madera del piso y de la pared cuenta con la estampa de textos y grafismos. En síntesis, un espacio de recogimiento y silencio, que invita a la reflexión. www.juliooropel.com

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BAÑOS PÚBLICOS Gálvez – Autunno Arqs.

Una de las propuestas de baños públicos presentes en Casa FOA 2010 presenta un espacio tipo vagón autónomo, que contiene todos los recintos individuales ubicados en fila. A dicho vagón se adhieren los lavatorios, los espejos y las gráficas, concentrando todos los elementos en un solo lugar. El espacio que se genera entre el vagón y la pared medianera sirve como ingreso a los recintos y acceso a los lavatorios, pero además es utilizado como un dispositivo de perspectiva infinita, mediante la posición de dos espejos enfrentados en cada extremo.

De esta forma, pared, piso y cielorraso se transforman en un espacio de dimensiones indefinibles, que sorprende al espectador.

La pared de fondo cuenta con dos imágenes facetadas y superpuestas, que son percibidas una u otra, dependiendo del sentido de circulación que se adopte. www.galvez-autunno.com.ar

DORMITORIO PRINCIPAL Estudio Kalika-Falicoff Según comentan sus creadores, tomaron el dormitorio como un espacio de vida, en el cual una pareja transita por diferentes situaciones dentro de su mundo íntimo. El objetivo a destacar fue recuperar algunos elementos, texturas y colores que transmitan calidez, sencillez de diseño y, por sobre todo, lograr un espacio habitable.

El dormitorio se diseñó en relación a la sucesión de texturas, colores y materiales para generar armonía en el ambiente.

Funcionalmente, se describe como un lugar donde se suceden distintos sectores a partir de un volumen de mármol perlado pulido, eje del foco visual y divisor virtual de las diferentes situaciones. Por un lado, se genera el sector de descanso y de esparcimiento y, por el otro, el de resguardo, donde se ubican el vestidor y el escritorio. Una alfombra de diseño propio sintetiza y unifica la gama de colores elegidos, generando la sensación de movimiento y profundidad. www.kfarqs.com

CAVA - MALBEC Arq. Marcelo Joulia Este espacio retoma el concepto general de Casa FOA 2010, el Bicentenario patrio, para proponer una cava de vinos, elemento que según su autor, es indispensable en la mesa de los argentinos. De esta manera, el espacio remite a un solo objeto central, que invita a una experiencia de sabores, colores, texturas, imágenes y olores inolvidables. Un ambiente único, íntimo, acogedor, para compartir encuentros y buenos momentos.

La estructura es de madera laqueada, donde en alguno de sus lados es traslúcida, permitiendo ver el esqueleto que la compone. La luz es el artífice principal de la sensación de calidez y sobriedad, bañando las paredes desde el techo e iluminando el piso, a través del mármol utilizado. El vino se ubica sobre una de las paredes principales, con una variedad de etiquetas y cepas. En el centro del espacio, se encuentran dos mesas de mármol, una de ellas más alta que la otra, con luz central, para la exhibición de los vinos más importantes. www.naco.net

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LIVING DE LECTURA María Elena y Mandy Coelho Las decoradoras Coelho diseñaron una biblioteca constructivista, en madera caoba pomelé, cuyo color óxido y textura expresan la nobleza de un material en estado virgen.

Las paredes estucadas ofrecen un aspecto rústico, mientras que su color opaco y oscuro inspira una atmósfera envolvente, donde las escrituras toman vida en homenaje a las letras argentinas y rioplatenses.

Un sofá quebrado de importante volumen y líneas puras invita a sentarse, a disfrutar de la lectura. Los brazos en metal y el género arrugado del tapizado brindan un aspecto desestructurado. Junto al sofá se ubica una mesa de apoyo y una lámpara de pie en color plata. Sobre una pared, se recuesta una elegantísima cómoda antigua del siglo XVIII de estilo lombardo, con algunos adornos antiguos y una lámpara. El piso en tablones de roble fue patinado en color humo.

El espacio se completa con una escultura. www.coelho-coelho.com.ar

ESTUDIO DEL DISEÑADOR CITROËN Mauro Bernardini y Cecilia Timossi El espacio está pensado como un openspace, ligado a la flexibilidad, para generar la atmósfera propicia para la creación. Un ámbito despojado, moderno y sofisticado, con materiales nobles, innovadores y de alta gama.

El loft está enmarcado en dos planos en sentido longitudinal, generando un muro entelado y forrado en una red textil, donde aparece el logo del último modelo de la marca que se intenta evocar. Frente a este muro, se ubica una superficie compuesta por espejos con formas blandas, que encastran visualmente formando otra gran textura. Este plano está ligeramente separado de la pared, donde se plantea una situación de luz como back de este tramado de piezas espejadas. www.planarquitectura.com.ar

TERRAZAS DE SAN FRANCISCO Marta Carena “Este espacio fue concebido a partir de la imponente imagen que nos ofrece la cúpula de la Basílica de San Francisco. Con este escenario preexistente, planteamos el proyecto dirigiendo las visuales hacia ella”, explica Carena sobre su propuesta en FOA 2010.

La terraza del espacio cuenta con un jardín en altura y se apoya en una trama clásica, dividida por un eje central. Dos alineaciones perimetrales de cipreses piramidales, con su forma columnar, abrazan el espacio dando escala y, principalmente, enmarcando la visual hacia la cúpula.

En el corazón de esta terraza se dispuso un espejo de agua, para reflejar y devolver esa imagen. Alrededor de este espejo, se dibuja el recorrido, con sectores de descanso definidos por decks de madera, equipados con bancos de cemento intervenidos en colores rojo y blanco. El agua está rodeada de macizos bajos con jazmines y pasto inglés, que permiten el reflejo del entorno. www.martacarena.com.ar

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| Foto: Sonia Caputo

KITCHEN FOR RENT María Zunino y Geraldine Grillo Concebido para ofrecerle un lugar de privilegio al cocinero, Kitchen for rent cuenta con una caja de vidrio que aísla el calor y los olores y, a la vez, convierte al protagonista en un artista en su escenario. De esta manera, el espacio como caja y estructura original queda inalterable, conservando el hormigón del techo, resaltándolo y convirtiéndolo casi en un material único. Uno de los muros contiene los muebles para la vajilla, los utensilios y las heladeras.

Visualmente dominante y funcionalmente central se ubica la despensa, contenida den-

tro de la caja de vidrio que, a modo de escultura, penetra el espacio. Frente a ésta se encuentra la isla, el lugar de la acción, y dos espacios para comer. www.zuninogrillo.com ESPACIO BICENTENARIO Silvia Cordero Vega y Gustavo Godoy Fue pensado como homenaje al imaginario argentino, ya que es el lugar donde se exhiben las sillas materas intervenidas para el concurso de Casa FOA. Para enfatizar la mística del lugar, los artistas Silvia Cordero Vega y Gustavo Godoy generaron una caja negra utilizando látex satinado, donde la luz y el color se enfocan solamente en los

objetos exhibidos.

Esta caja negra se completa gracias a las cortinas blackout, que ayudan a oscurecer el espacio. En una de las esquinas, una instalación a cargo de Gustavo Godoy representa una escena que evoca el tipo de retrato de los daguerrotipos: telón con paisaje en perspectiva, sillón estilo portugués, mesas de costado con tintero, libro y pluma, enmarcado por un cortinado que introduce a la mística del Bicentenario. Completando esta escena, se desarrolla una pared intervenida por la artista Cordero Vega, con estrofas del Himno Nacional Argentino. Un gran mueble de placa de fibrofácil exhibe las sillas del concurso.

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ESPACIO PARA NIÑOS Picnic Kids Fue el único espacio para niños de la exposición y mostró lo último en tendencias para la decoración y los juegos infantiles a nivel local.

Un ambiente lúdico y creativo, que acompañe el crecimiento del niño desde la cuna hasta la etapa andadora, donde comienza a disfrutar del espacio por sus propios medios.

Una biblioteca con forma de reno es el punto de atracción del espacio que, además, cuenta con paredes curvas sobre los ángulos rectos. Los muebles acompañan y forman parte de la estética con impronta escandinava. Lenga, colores pastel, formas puras, estampas y colores conviven con este espacio armónico, ganador del Premio Alba a la mejor interpretación de la paleta Tendencias del Color2011 que otorgó la marca de pinturas. www.picnicdecor.com/kids

ACOMPAÑANDO A LOS NUEVOS TALENTOS Desde 1988, Casa FOA otorga una beca que permite a arquitectos y diseñadores participar de la adjudicación de un espacio dentro de la exposición. Este año, y en el marco del Bicentenario, Casa FOA decidió que el concurso se extendiera a arquitectos e interioristas de todo el país y los invitó a participar por la asignación de un espacio, el Loft Joven para Casa FOA La Defensa.

El jurado estuvo integrado por el arquitecto Daniel Silberfade, presidente de la Sociedad Central de Arquitectos, María Zunino, presidente de DArA (Decoradores Argentinos Asociados) y un representante de Casa FOA. Los ganadores de la beca de

SALÓN DE EVENTOS Cecilia Nigro y Mariana Rapoport Según las autoras del espacio, su objetivo fue: “concebir un espacio institucional para Casa FOA, que atrape al visitante desde la arquitectura y el interiorismo, pero principalmente a través de los cinco sentidos, para generar una conexión emocional. La propuesta para el visitante es simple: debe dejar su rol pasivo, de mero espectador, para participar y completar nuestra obra.

Elegimos trabajar con la madera, la luz y las transparencias, y con telas comúnmente utilizadas en la construcción, que presentamos de maneras novedosas, recurriendo a tramas tejidas que despertarán las ganas de tocar y sentir”. El espacio cuenta con una caja de acceso en madera que sirve como visor, encuadrando la perspectiva hacia la pantalla que remata en el fondo. www.nidolab.com.ar

la edición 2010 fueron Sergio Coluccio y Leandro Artigala.

El jurado destacó “la buena resolución del espacio, a través de un volumen único que genera las funciones del loft, la resolución clara y contundente de la propuesta en donde se diseñó cada sector en sí mismo, con una excelente presentación y nivel arquitectónico”.

A su vez, se entregó una mención especial a los arquitectos Carola Pirovano Krieger y Tomás Magrane, responsables del espacio Loft para un escritor, por su estética, buen gusto, calidez y armonía espacial. + www.casafoa.com

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Whirlpool en Casa FOA 2010 Tecnología y buen diseño se unen Whirlpool anticipó el lanzamiento 2011 de su línea All Black, que conjuga tecnología y diseño. | Texto: Jorgelina Peciña Whirlpool elige una vez más Casa FOA como marco para presentar en exclusiva sus próximos lanzamientos, reafirmando su vocación de darle a los profesionales del diseño la oportunidad de crear espacios únicos, funcionales e inteligentes y, a la vez, materializar su compromiso con la Fundación Oftalmológica Argentina Jorge Malbrán.

En esta edición, el espacio de Whirlpool fue desarrollado por el diseñador Alfred Fellinger y el arquitecto Nazareno De Souza, donde

se presentó en exclusiva y como adelanto del lanzamiento 2011, la impactante línea de electrodomésticos All Black –compuesta por un lavarropas, un microondas y una heladera-, que combina la elegancia y la sofisticación del color negro con el diseño y la Tecnología Sexto Sentido de Whirlpool. Esta tecnología intuitiva de última generación controla los procesos de manera automática, asegurando el mejor resultado en el menor tiempo, a la vez que optimiza el uso de la energía.

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+ Nazareno De Souza y Alfred Fellinger, creadores del espacio Cocina Contemporánea en 15x15

UN ESPACIO CON MUCHOS SENTIDOS Cocina Contemporánea en 15x15 es el espacio creado por Fellinger y De Souza en Casa FOA 2010. Es una cocina-lavadero, que tiene como protagonista el color negro, en profunda unión con el entorno, logrando una ambientación diferente, a través de un clima austero y limpio, creando el escenario perfecto para que Whirlpool presente su nueva línea de electrodomésticos All Black.

El juego cromático fue el eje conceptual de esta cocina, que conjugó elementos retro y avant-garde para dar vida a un espacio con mucho carácter. Alfred Fellinger y Nazareno De Souza, nos cuentan en qué se basaron a la hora de crear este espacio. + ¿Cuáles fueron las inspiraciones para crear este espacio?

Nos inspiramos en la elegancia de la línea All Black, que fue nuestro punto de partida para crear una cocina diferente, donde el negro es el galán indiscutido.

+ ¿A qué materiales les dieron más importancia?

El material más destacado de nuestro espacio es, sin dudas, el azulejo blanco de 15X15, que reviste de modo envolvente las paredes, el cielorraso y las cajas arquitectónicas de luz que de él suspenden. + ¿Cuál es el mensaje que desean comunicar con este espacio?

La cocina es el lugar que agasaja todos los sentidos y propicia el encuentro, por ello este espacio fue diseñado para crear, compartir y trabajar. La gran superficie de la mesada permite disfrutar el espacio con otras personas al mismo tiempo, realzando el carácter social de esta cocina-lavadero. + El color negro es clave en el espacio, pero también lo es el amarillo...

Un rasgo muy destacable de esta cocina-lavadero es el tono amarillo cítrico, que recubre el interior de las cajas de luces. El objetivo es potenciar la luz cálida que irradia y transformarla en el hilo conductor de la estancia.

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+ Mario Fioretti, gerente general de Diseño e Innovación de Whirlpool Home Apliances Latinoamérica

DISEÑO DE ELECTRODOMÉSTICOS Para presentar esta nueva línea, estuvo presente en Casa FOA Mario Fioretti, gerente general de Diseño e Innovación de Whirlpool Home Apliances Latinoamérica, quien llegó desde San Pablo, Brasil, no sólo para conocer el espacio y lo nuevo en decoración que trae la exposición, sino también para brindar una charla sobre las nuevas tendencias en diseño de electrodomésticos.

Fioretti lidera el equipo responsable del desarrollo de proyectos de diseño e innovación de los electrodomésticos comercializados por la compañía en América Latina. Nació en 1957, se graduó en la Universidad de Mackenzie en San Pablo e inició su carrera hace treinta años, dedicándose al diseño de productos y trabajando principalmente en el área de electrodomésticos. Es parte del equipo de Whirlpool desde hace veintitrés años, siempre en áreas vinculadas al diseño. + ¿Cuál ha sido la historia del color en los productos Whirlpool?

MF La incorporación del color en los electrodomésticos ha seguido caminos muy interesantes. En el pasado hubo una oferta variada, que comprendía desde los azules y celestes y el blanco, hasta el amarillo claro y el verde claro, todos colores importados de los catálogos americanos. Sin embargo, el blanco se consolidó por mucho tiempo como la única alternativa para los electrodomésticos de gran porte. El ace-

ro inoxidable llegó como una novedad asociada a la limpieza, imitando los productos encontrados en restaurantes y cocinas gourmet. + En cuanto a la nueva línea de electrodomésticos, ¿qué nos podés contar sobre la inclusión del negro?

MF Desde Whirlpool buscamos desarrollar un color neutro, como puede ser el blanco y el acero inoxidable, pero que enfoque la atención sobre el electrodoméstico, permitiendo también que combine con otros electrodomésticos pequeños de colores más divertidos, como una procesadora o una licuadora. En esta búsqueda, concebimos la línea All Black, que combina la sofisticación y la elegancia del color negro (como la ropa de gala y los smokings), con lo más avanzado de la Tecnología Sexto Sentido de Whirlpool, logrando una línea de electrodomésticos suntuosa, de lujo. + La línea All Black, ¿logrará que los hombres se acerquen más a la cocina?

MF Lejos de ser visto como algo femenino, cocinar es una forma de demostrar la sensibilidad masculina, a través de todos los sentidos. Este fenómeno hace que el hombre esté mucho más involucrado en la elección de los electrodomésticos y, sin duda, All Black logrará cautivarlos. + www.whirlpool.com.ar

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de un ecosistema integrado, el cual se obtiene a través de la sinergia entre los electrodomésticos, con el fin de ahorrar agua, calefacción y electricidad. De esta manera, el proyecto es uno de los puntos de referencia más importantes que muestran el compromiso de Whirlpool en el desarrollo de productos con alta eficiencia y bajo impacto ambiental.

En 2010, Greenkitchen 2.0 fue presentado en la muestra bianual Eurocucina 2010, como la evolución del concepto inicial. Se trata de un sistema de cocina que optimiza la energía de los electrodomésticos de Whirlpool, adaptando, reduciendo y reciclando. A simple vista, la Greenkitchen luce como cualquiera otra cocina. Sin embargo, su tecnología eco-system es la que marca la gran diferencia. A través del uso integrado de los electrodomésticos, optimiza el consumo de la calefacción y el agua, aumentando la eficiencia de la energía al setenta por ciento.

GREENKITCHEN 2.0 UNA COCINA PENSADA PARA AHORRAR En el marco de la reciente exposición Eurocucina, en el Salón del Mueble de Milán, Italia, Whirlpool presentó el proyecto Greenkitchen 2.0.

Whirlpool sabe que el desafío del futuro comienza también en los hogares. El uso eficiente de la energía incluye no sólo innovaciones tecnológicas, sino también cambios del día a día, para mejorar la calidad de vida de las personas.

El proyecto Greenkitchen 2.0, cuya traducción al español es “cocina verde”, vio la luz en Europa, en 2008. Representa el concepto

“Nos inspiramos en lo que la misma naturaleza hace: adapta, reduce y recicla. Greenkitchen 2.0 es un ecosistema artificial, diseñado para integrar diferentes electrodomésticos para ahorrar energía y recursos. Lo innovador en este proyecto es el concepto que combina la tecnología existente con el resto de la red”, comenta Alessandro Finetto, director del área Global Design Europe en Whirlpool.

Además de Greenkitchen 2.0, Whirlpool ofrece una amplia gama de electrodomésticos que cumplen con los requerimientos en ahorro de energía. Se trata de la línea con Tecnología Sexto Sentido, compuesta por heladeras, lavarropas y microondas, que ayudan a reducir el consumo de recursos como agua y energía, brindando el mejor resultado.+

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Buenos Aires Design en Casa FOA 2010 Apostando al diseño y la decoración Buenos Aires Design vuelve a participar como sponsor oficial de Casa FOA 2010 y sorprende auspiciando el espacio “En Volver”.

Buenos Aires Design, el primer mall temático dedicado enteramente al diseño, acompaña una vez más como sponsor oficial a la muestra anual más importante en decoración y diseño, en su 26 aniversario.

Y al mismo tiempo, invita al público a recorrer el espacio que auspicia especialmente: “En Volver” de los arquitectos Mónica Kucher y Esteban Barranco, un lugar concebido para la lectura, la investigación y la reflexión. Dentro de esta sala de lectura se exhiben algunos de los diseños exclusivos que se pueden encontrar en el shopping que ofrece las mejores alternativas de las marcas de primer nivel de diseño y decoración, que imponen las tendencias del mercado.

Además, Buenos Aires Design propone importantes beneficios y descuentos promocionales durante la muestra. Los “Días de Design” en FOA (7 y 8 de noviembre), se entregará a los visitantes junto con la entrada de ingreso, una cuponera para acceder a descuentos en los locales de decoración y disfrutar de las ofertas gastronómicas de las Terrazas del shopping, además de horas en estacionamiento gratuito.

EN VOLVER En el marco del Bicentenario argentino, los arquitectos Mónica Kucher y Esteban Barranco planearon un espacio específicamente equipado para un arquitecto historiador, dedicado al estudio e in-

vestigación de la ciudad. En el interior del ambiente, se despliegan sucesivamente dos cáscaras envolventes.

La primera de ellas sostiene una gran biblioteca, que representa el patrimonio cultural (obras literarias, documentos históricos, técnicos, testimonios y objetos de arte). Enfrentada a ella y sustentada por una segunda cáscara plegada, surge una pantalla que exhibe material fotográfico, cartográfico y audiovisual, donde se reconstruye el devenir histórico de la ciudad.

Este valioso material forma parte del proyecto de investigación “Memoria Visual de Buenos Aires”, un trabajo realizado por UBACyT (Universidad de Buenos Aires Ciencias y Tecnología), de la FADU-UBA, dirigido por los arquitectos investigadores Graciela Raponi y Alberto Boselli, con el objetivo de construir una narración visual de la historia de la ciudad y una mayor concientización sobre nuestro patrimonio e identidad cultural.

La sala de lectura En Volver también fue domotizada mediante un sistema inalámbrico que permite controlar y programar desde un touch screen, smartphone o tablet, diferentes escenas lumínicas, apertura y cierre de cortinas motorizadas y elegir la climatización del ambiente. También es posible controlar el acceso a través de una cerradura digital y se integran las funciones de audio y video.+ www.designrecoleta.com.ar

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BUENOS AIRES: 200 AÑOS, 20 IMÁGENES Luego de haber sido expuesta durante un mes en el Museo de Arquitectura y Diseño de Buenos Aires, la muestra “Buenos Aires: 200 años, 20 imágenes” llega a Casa FOA de la mano de Buenos Aires Design.

Se trata de una selección de fotografías y videos que surge del

proyecto “Memoria Visual de Buenos Aires” y reúne asombrosos montajes que incurren en anacronismos intencionales, fotos intervenidas digitalmente para recargar de memoria visual los lugares, transparentando su pasado. Son imágenes de un mismo sitio, que comprimen el tiempo. Con todo el rigor documental posible, yuxtaponen arquitecturas y contextos en la memoria de cada lugar. Allí estuvieron, aunque nunca coexistieron. www.memoriabuenosaires.com.ar

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Puma Urban Art 2010 La cita obligada con el arte urbano Luego de dos exitosas ediciones y con la asistencia de más de 13 mil personas, Puma Urban Art, el festival de arte urbano más importante de los últimos años de Argentina, tuvo su tercera edición el 28 y 29 de agosto en el Auditorio de Buenos Aires. | Texto: Jorgelina Peciña. Fotos: Watio www.watio.com.ar

Puma Urban Art es un festival de arte que reúne a referentes nacionales e internacionales de diferentes disciplinas, entre ellas música, pintura y cine, todas ellas atravesadas por un mismo hilo conductor, el arte de las calles. En su tercera edición, miles de personas disfrutaron de las conferencias y proyecciones brindadas por los invitados internacionales, así como también de una amplia muestra de trabajos con el sello del talento local.

sa perfecta para presentar su primer CD, titulado “Illumination”.

A lo largo de los dos días que duró el Urban Art, artistas locales expusieron sus obras, esculturas e instalaciones. Fueron parte de este grupo Uriel Valentín, Hammerhead (Martín Diez), Falu (Fabricio Carolei), Juan Molinet, Leo Liberti, Juan Abba, La Wife (Marianela Leguizamón), Fernanda Cohen, Borneo y Mariana Fioramonti. www.urbanfest.com

Entre las figuras destacadas de la edición 2010 estuvo Leslie Iwerks (EE.UU.), afamada directora de los filmes “The Hand Behind The Mouse” y “The Pixar Story”. También, mostraron sus trabajos los Clayton Brothers, dos hermanos que trabajan cada obra de manera conjunta, conocidos por ser los realizadores del videoclip “All Around The World”, de la banda Oasis. Otro de los documentales que se pudieron ver fue “Newbrow”, que explora el trabajo de los artistas más destacados del movimiento Lowbrow (Surrealismo Pop), y que cuenta con entrevistas a figuras como Camille Rose García, Gary Baseman, Robert Williams y Mike Giant, entre otros.

APOYANDO EL EVENTO Una vez más, la marca de indumentaria deportiva Puma fue el sponsor principal del festival y, como tal, contó con un espacio exclusivo, dedicado a su modelo de calzado 917 que, convertido en atracción del Urban Art, fue inspirado en el mundo del cómic.

El viernes 27 de agosto, en un evento para invitados, tocó en vivo y por primera vez en Argentina, Miami Horror, una banda australiana cuyos hits ya suenan en la radio local. El minirecital fue la excu-

Para darlo a conocer, se diseñó una promoción exclusiva: quienes compraron zapatillas 917 y una Tracket Jacket en las tiendas Puma adheridas a la promo, obtuvieron un cupón de canje por un Art Doll de edición limitada. También, en el espacio de Puma se exhibió la obra original del artista Liniers y los trabajos de El Niño Rodríguez, Salvador Sanz, Lucas Varela y Juan Bobillo, entre otros.

Hubo espacios de entretenimiento con juegos de tiro al blanco, ping pong, metegol y flipper. www.puma.com

diseños y creatividad

INVITADOS ESPECIALES La tercera edición del Puma Urban Art contó con las voces y las visiones de qué es el arte urbano, a través de representantes de Brasil, Estados Unidos y Australia. Fueron ellos los encargados de darle el toque internacional, cada uno desde su especialidad.

CLAYTON BROTHERS Los hermanos Rob y Christian Clayton son graduados del Art Center Collage of Design en Pasadena, California, Estados Unidos. Sus obras fueron exhibidas alrededor del mundo, incluyendo grandes shows en China, Inglaterra y Dinamarca. Acerca de su participación en el Urban Art, comentan: “Venir a Buenos Aires y mostrar nuestro trabajo es una oportunidad única. Amigos que fueron parte del Urban Art en otras oportunidades, como Gary Baseman, nos han hablado muy bien de este encuentro, por eso no dudamos en venir”.

“Creamos historias a través de imágenes”, así describen los hermanos su trabajo. Vienen trabajando juntos desde 1996. Pertenecientes a una familia de artistas (su papá era fotógrafo), ambos crecieron dentro de una atmosfera creativa. Todo comenzó cuando decidieron compartir un espacio en común, su estudio. Así, comenzaron poco a poco a compartir sus obras, con buena respuesta de la gente.

“Todo se dio natural, así que continuamos trabajando juntos. Como hermanos y amigos compartimos muchas cosas, las influencias, las imágenes. Siempre buscamos el apoyo y el consejo del otro. Claro que también hay peleas y diferentes puntos de vista”, comentan.

En cuanto a las fuentes de inspiración de los Clayton, ambos coinciden que es el mundo entero, los diferentes países, las culturas, todo.

Suelen viajar mucho, aunque ésta fue la primera vez que visitan la Argentina. Y tienen muchos mensajes que comunicar: “Nuestro objetivo es hacer cosas reconocibles para los espectadores. Buscamos generar preguntas para que creen con nosotros los trabajos. Claro

que hay múltiples lecturas de lo que hacemos y no las cuestionamos, dejamos que fluya. Algunos se quedan contentos, otros confundidos, otros tristes… La gente se divierte con lo que hacemos”, concluyen.

Entre septiembre y diciembre de este año, los Clayton Brothers son protagonistas de la muestra “Inside out”, en el Madison Museum of Contemporary Art. www.claytonbrothers.com

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LESLIE IWERKS Cansada por el largo viaje desde Los Ángeles a Buenos Aires, pero con la mejor predisposición y entusiasmo, Leslie charló con 90+10 sobre su trabajo y las expectativas de su visita a la Argentina.

Leslie Iwerks es productora y directora cinematográfica norteamericana, proveniente de dos generaciones de directores de cine y dos veces ganadores de un premio Oscar. “Ya me habían invitado para ediciones anteriores el Urban Art, pero no pude venir por temas de agenda. Sin embargo, esta vez sí pude y estoy muy contenta, tengo muchas expectativas”, comentó Iwerks el jueves previo al festival.

Con un look sobrio, quizá más cerca del clásico modelo de ejecutiva de negocios que de una productora y directora de cine, Leslie habló de su carrera cinematográfica y de cómo la ha marcado el pertenecer a una familia ligada al mundo del cine y la animación.

La realizadora es nieta de Ub Iwerks, aquel animador y técnico cinematográfico que, junto a Walt Disney, le dio vida a nada menos que al ratón más famoso del mundo, Mickey.

Semejante herencia llevó a Iwerks a registrar la vida de su abuelo en un documental de 1999, “El hombre detrás del ratón” (The Man Behind the Mouse), uno de los trabajos presentados en el festival Puma Urban Art. “Tenía sólo un año cuando mi abuelo murió, así que lo conocí muy poco, pero crecí sabiendo y escuchando sobre su contribución y trabajos en el mundo de la animación. Entonces, mi primer film fue sobre él. Crecí en el mundo de Disney, lo que ha sido mi verdadera inspiración”.

Luego de esta experiencia, su lazo con Disney hizo que, en 2007, dirigiera un nuevo trabajo: “La Historia de Pixar” (The Pixar Story), algo así como el detrás de escena del estudio de animación creador de producciones taquilleras como Toy Story y Monsters Inc. En dicho film, se repasa el devenir del estudio y el trabajo de su creador, John Lasseter, desde sus inicios hasta ser adquirido por Disney.

Sin embargo, su relación con Disney no es todo en la carrera de esta productora estadounidense. Cuenta con un porfolio de películas que indagan en otras temáticas, como el cuidado del medio ambiente.

Los títulos son “Petróleo sucio” (Dirty Oil) y “Vida reciclada” (Recycled Life).

“Hice muchas cosas sobre temas variados, que me han llevado a diferentes partes del mundo. Así llegué a Guatemala, para contar la vida de las familias que viven en la basura para trabajar el reciclado. Estuve trabajando en este tema durante varios años, investigando, y ha sido una experiencia muy importante que me cambió la vida. Me llevó casi dos años y medio de filmación, entre los distintos viajes”.

Sobre su participación en el Puma Urban Art, Leslie comentó: “Mi objetivo es ponerme en contacto y aprender de la comunidad artística local. Busco incentivar a las personas a hacer cosas. Más allá de las decisiones de negocios, que las personas se sientan inspiradas a hacer cosas con su arte”. www.leslieiwerks.com

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CALMA Stephan Doitschinoff, más conocido como Calma, es un artista brasileño con una particular concepción del mundo y del arte religioso.

Con una actitud que, por momentos, puede ser interpretada como cercana a la arrogancia, explica su mirada del mundo como si se tratase de la verdad absoluta. “Fui criado en un ambiente religioso, pero luego, de más grande, comencé a estudiar otras religiones para entender cómo impactan en lo social, en la creación de las sociedades”.

Como artista, Calma desarrolló un lenguaje y estilo únicos, que combina el folklore afro-brasileño con iconografía barroca y religiosa, junto a la brujería y el simbolismo pagano. Sin embargo, cuando se le consulta por el significado o mensaje a transmitir en sus trabajos, define: “Pinto para no tener que explicar sobre mi trabajo. No intento comunicar nada, está ahí, para que otros lo miren y saquen sus propias conclusiones”.

Calma no trabaja para empresas ni con marcas. Comenzó a pintar cuando tenía tres años; quería hacer cómics. Más tarde, hizo desde tapas de CD y escenografías, hasta llegar al mundo del arte. “Mi escuela fue trabajar con escenografías. A los 16 años comencé como asistente, trabajando en shows de Black Sabbath y Alice Cooper, entre otros”.

Hoy, Stephan produce pinturas en telas de grandes dimensiones. En 2008, publicó el libro titulado “Calma”, un repaso por sus pinturas y murales realizados en casas, iglesias y muros de distintas ciudades

de Brasil. Su participación en el Urban Art 2010 se vio plasmada en una muestra, la presentación de su libro y un documental llamado “Temporal”, que describe su trabajo en las comunidades carenciadas de Bahía, con descendientes de esclavos. Asimismo, realizó un mural especialmente para este festival. www.stephandoit.com.br

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MIAMI HORROR Si bien se trata de un cuarteto, sólo dos de sus integrantes, Ben Plant y Daniel Whitechurch, le hicieron frente a la entrevista. Los ausentes, Josh Moriarty y Aaron Shanahan, aún dormían, luego del largo viaje que los trajo desde su Australia natal hasta Buenos Aires. “Estamos con la mejor actitud y felices de estar en Argentina para presentar nuestro disco en el Puma Urban Art”, así describieron su ánimo Josh y Aaron sobre la visita a nuestro país.

Miami Horror es una banda compuesta por cuatro músicos, originaria de Melbourne, Australia. Denominados como los sucesores de MGMT o Empire of the Sun, cultivan un sonido house con toque francés y reminiscencias indie y vintage, como Giorgio Moroder o Jan Hammer (banda de sonido de Miami Vice). “Nuestras influencias tienen que ver con las imágenes, el arte digital, todo aquello que hoy circula en la Web, en los blogs, más allá de los artistas.

Y el cine”. Todo eso sirvió como inspiración y fue parte de este nuevo álbum, “Illumination”, trabajo que presentaron en un evento exclusivo para la prensa e invitados especiales, en la apertura de la tercera edición del Puma Urban Art. Aunque sus edades van de los 22 a los 25, estos chicos hablan y se conducen como auténticos rock stars consolidados. Cuentan que todo comenzó con Ben, quien durante los años del secundario hacía algunos remixes de otras bandas y un poco de DJing, pero esto no le resultaba suficiente: “Quería hacer música en vivo, así que busqué a los chicos, amigos de la secundaria. Me junté con Josh y Aaron, hoy cantante y baterista respectivamente, y decidimos armar la banda”.

Así de simple, así de fácil parece ser el germen de Miami Horror en palabras de Ben. + www.miamihorror.com

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Sudala 2010 La apuesta del diseño trasandino Durante el 27 y 28 de agosto, en la ciudad de Santiago de Chile se celebró Sudala, el congreso de diseño y cultura gráfica organizado por creativos chilenos, que ya va por su segunda edición. 90+10 fue parte de encuentro que busca conectar la comunidad creativa chilena con la del resto de América Latina. | Texto: Jorgelina Peciña

+ Stop Motion Installation de Multitouch Barcelona

En agosto de 2009 se realizó el primer congreso de diseño y cultura gráfica en Chile. El evento contó con una amplia convocatoria, más de tres mil personas, las cuales pudieron vivir y conocer las experiencias de varios exponentes del diseño nacional e internacional. Este año se redoblaron los esfuerzos para realizar la segunda versión, Sudala 2010, con invitados de primer nivel de España, México, Brasil, Argentina y Chile. Asimismo, el evento contó con exposiciones, instalaciones y una feria de diseño independiente, todo esto coronado por una gran fiesta de clausura.

EL ORIGEN Sudala fue ideado y producido por un grupo de jóvenes creativos independientes chilenos, apasionados por el diseño en todas sus ramas. Según sus propias palabras, el objetivo que los mueve “es crear un evento unificador del quehacer creativo, que sirva como plataforma de exhibición de Chile e Iberoamérica hacia el resto del mundo”. Son responsables por la idea y la dirección del festival Carolina Villanueva, Pablo Lobos y Nolo Chacón. + ¿En qué consistió Sudala 2010?

S Fue el segundo congreso de diseño y cultura gráfica realizado en Santiago de Chile. Un punto de encuentro y conexión de todos los que pertenecen al círculo del diseño, la publicidad, la arquitectura,

el arte y las comunicaciones. Es un espacio único en Chile, donde se reúnen estudiantes y profesionales de todas las áreas, para compartir experiencias, aprender y, sobre todo, vivir Sudala durante 48 horas de puro diseño. Este año, tuvimos una fuerte presencia del público de todos los puntos del país, desde Arica hasta Punta Arenas. También de Colombia, Ecuador, México, Perú, Bolivia, Paraguay y Argentina. + ¿Qué se le ofrece al público en Sudala?

S El público puede asistir a las conferencias, que son el eje central del encuentro. Además, visitar la gran feria de diseño con más de cuarenta puestos de diseñadores independientes, los stands de marcas amigas que apoyan la propuesta, la exposición con artistas nacionales y, obviamente, la fiesta de clausura que, este año, contó con tres escenarios y más de veinte artistas en escena. + ¿Cuáles fueron las diferencias con respecto a la primera edición?

S En su segunda versión, Sudala consolidó la explosión de ideas que se dio en la versión 2009. El evento se organiza bajo la mirada de “Diseñador para Diseñador”. Todo está pensado para que, desde que compras tu entrada hasta el día de clausura de la fiesta, sea una gran experiencia. Este año tuvimos muchas mejoras. Por ejemplo, el registro del evento fue realizado en Full HD. Se le dio un

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espacio más importante y más ordenado a la feria y zona de exposiciones. Asimismo, tuvimos a LG como auspiciante principal y creció la cobertura de prensa. En un gran esfuerzo de producción, pudimos montar el lanzamiento mundial de “Stop Motion Installations”, una instalación interactiva creada por Multitouch Barcelona. + ¿Cómo fue la respuesta del público?

S Una respuesta muy positiva, ya que el evento está hecho con mucho cariño. La gente viene de todo Chile con mucho esfuerzo y la buena onda se siente. Todos felices, muy positivos a todas las sorpresas que podemos darles como producción. + ¿Cuál fue el gran desafío de Sudala 2010?

S Para la producción fue un año muy difícil. El terremoto afectó muchas zonas del país y acortó los presupuestos de todos, incluyendo el de las empresas, pero aún así, el evento fue un éxito. Tuvimos lleno total. Nos queda seguir creciendo. + ¿Qué se viene para el 2011?

S Sí o sí se viene la tercera versión del evento. Fecha exacta no hay todavía, pero será similar a la de las últimas dos versiones.+ www.sudala.cl

STOP MOTION INSTALLATION Además de contar su joven experiencia en el medio, los tres responsables del estudio español de diseño interactivo Multitouch Barcelona presentaron por primera vez la instalación “Stop Motion Installation”, una de las atracciones principales del encuentro.

+ Conferencia Christian Montenegro

+ ¿Cómo surgió la idea de esta instalación y en qué consiste?

MB La idea nació hace más de un año y recién ahora se dio la oportunidad de llevarla a la práctica. Es tan simple como diseñar un espacio en donde la gente pueda crear con toda libertad y sin la necesidad de contar con herramientas tecnológicas.

Cuando te quedas quieto frente a la cámara, te hacen una foto, y a partir de eso se genera un video en stop motion. + ¿Cómo reacciona el público?

MB La gente tiene muchas ganas de probar, ven lo que hicieron otros antes y parten desde allí. Entran con sus amigos, hablan entre ellos qué hacer, se van imaginando diferentes situaciones para crear movimiento y lo que generan es muy rico. Si no les va bien, hacen otro video. Y así van creando la instalación. + ¿Cómo imaginan la evolución de “Stop Motion Installation”?

MB La idea es que vaya creciendo, porque tiene muchas variables que puedes añadir a los videos, como sonidos o algún efecto. Pensamos llevarla a otros sitios del mundo, donde intentaremos darle un pequeño cambio con respecto al anterior, para que no siempre sea lo mismo, sino que vaya avanzando. Y si en algún sitio la gente es más tímida, crearemos un espacio más íntimo para que no se sienta cohibida cuando le hacen fotos. Si vamos a una fiesta, donde la gente está más abierta, pues haremos una cosa más colaborativa. Pero la base es siempre esta interacción: el hecho de que te quedas quieto y te hacen una foto y, a partir de ahí, se genera algo creativo. + ¿Qué busca Multitouch con sus obras?

MB Lo que queremos potenciar son las relaciones entre las personas y explotar su perfil creativo, para que puedan crear cosas. No nos gustan las obras puramente estéticas, que te quedes mirándolas y ya está. Nos gusta que la gente se mueva, que se quede con algo después de haber interactuado con la instalación; que se cree una experiencia. www.multitouch-barcelona.com

+ Conferencia Juliana Pedemonte

EXPOSITORES Y CHARLAS Mr. Kone. Contó sus procesos de trabajo, su historia personal y cómo triunfar en el diseño mexicano. www.mrkone.com.mx Laura Alejo. Esta española que actualmente reside en Nueva York presentó sus trabajos e interactuó con el público vía Twitter. www.sudala.heyhush.com Nando Costa. Un grande del diseño brasilero mundial. Vino directamente desde Portland, EE.UU., para mostrar sus videoclips y estilo gráfico tan particular. www.nervo.tv Playful. Desde Argentina, este estudio dirigido por Pablo Alfieri se especializa en diseño gráfico, ilustración y tipografía. www.pabloalfieri.com Christian Montenegro. Reconocido ilustrador argentino. www.christianmontenegro.com.ar Colorblok. Fundado por la artista gráfica argentina Juliana Pedemonte, quien desarrolla proyectos de diseño de personajes y dirección de motion graphics. www.colorblok.com Locales. Entre los participantes chilenos, se contaron a Pancho Gálvez www.tipografia.cl, delrancho.org, StgoUnder www.stgoundercrew.com y DAf www.daf.cl.

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+ I´m Here de Spike Jones

Colección de Arte Absolut Absolutamente creativo Uno de los vodkas más refinados y pedidos a lo largo de las barras del mundo es, sin duda, Absolut Vodka. Este año, la marca celebra nada menos que 30 años de existencia y colaboración con el arte. Y lo hace de la mejor manera posible, redoblando la apuesta y yendo aún por más. | Texto: Jorgelina Peciña

Desde la primera vez en que fue embotellado, hace ya treinta años, la historia de Absolut Vodka ha discurrido de la mano de la creación y el arte en todas sus expresiones. Su primera colaboración con el arte fue en asociación con un grande, el genial Andy Warhol, quien fue el responsable de la primera publicidad de la bebida, en 1985.

Hoy, luego de tres décadas, existe la Colección de Arte Absolut, que cuenta con más de ochocientas piezas en su haber, de artistas como Keith Haring, Damien Hirst y Louise Bourgeois. Por primera vez, la colección completa será reunida en Suecia, donde establecerá su domicilio permanente nada más ni nada menos que en el Museo Histórico de Vinos y Bebidas Espirituosas (Historical Museum of Wine and Spirits).

“Absolut siempre encontró inspiración en el arte y la creatividad, expresiones que han conducido a nuestra marca hacia el futuro. Las ochocientas piezas que hoy conforman la Colección de Arte Absolut han permanecido guardadas en París y Nueva York por muchos años, para ser exhibidas sólo en ocasiones especiales. Sin embargo, se trata de una colección que no debería estar almacenada, por eso

hoy contará con su hogar permanente en Suecia”, comenta Anna Malmhake, vicepresidente de marketing global en Absolut.

LA HISTORIA DETRÁS DE LA COLECCIÓN A partir de la adquisición de Absolut Vodka por parte de la firma Pernod Ricard, el gobierno sueco ha sido el responsable por la Colección de Arte Absolut. Recientemente, la ha puesto en manos del Museo Histórico de Vinos y Bebidas Espirituosas para administrarla y acercarla al público, en Estocolmo. Se espera que el nuevo museo abra sus puertas entre finales de 2011 o principios de 2012, con la colección Absolut como uno de sus principales atractivos.

Al respecto, Ingrid Leffler, directora del museo, indica: “Nos sentimos privilegiados con esta oportunidad. Por un lado, Absolut Vodka ha creado una colección de arte muy especial y el museo cuenta con esta nueva ubicación en Estocolmo. Tenemos un desafío por delante para mostrar esta colección al público”.

NUEVO ESPACIO, NUEVA APUESTA La Colección de Arte Absolut incluye trabajos de Andy Warhol,

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+ Absolut Wolgers de Dan Wolgers (1999)

+ Absolut Warhol de Andy Warhol (1985)

Keith Haring, Helmut Newton, Damien Hirst, entre otros cien artistas, fotógrafos y diseñadores destacados del último siglo. El trabajo de todos ellos, que hoy forma parte de la colección de arte, representa la historia creativa de la marca. ¿Y qué hay de nuevo para el futuro?Para festejar la apertura de la colección, la apuesta fue al arte del futuro, y el representante elegido para llevar a cabo la tarea fue Spike Jones, quien sorprendió con un corto de treinta minutos, titulado “Estoy aquí” (I´m Here, www.imheremovie.com).

El estadounidense Spike Jones es director y productor de cine. Entre sus trabajos se encuentran la dirección de la comedia negra “¿Quieres ser John Malkovich?”, que le valió la nominación al Oscar al mejor director en el 2000, y “El Ladrón de Orquídeas”, que fue nominada para el Globo de Oro en dirección, en 2003. Es también reconocido por dirigir videoclips para bandas famosas, entre ellas Chemical Brothers, y por participar en varias películas como actor.

+ Absolut Ofili de Chris Ofili (1996)

+ Absolut Fleury de Sylvie Fleury (2002)

El corto “Estoy aquí”, realizado por Jones en colaboración con Absolut Vodka, narra la historia de amor entre dos robots que viven en la ciudad de Los Ángeles actual. Allí, el robot Sheldon trabaja en una librería, llevando una vida metódica y solitaria, hasta que conoce a la robot Francesca, totalmente creativa y divertida. La historia de amor se desarrolla como cualquier romance, con un final impredecible.

“Este trabajo marca la evolución de un compromiso con la creatividad. Estoy muy orgullosa de que este corto llegue a la audiencia global. Spike Jones ha logrado concretar una historia mágica, lo cual ubica nuestra colaboración en lo más alto. Podríamos haber hecho un comercial o una campaña gráfica, pero esto es mucho más interesante y mucho más Absolut”, comenta Malmhake. + www.absolut.com | www.pernod-ricard.com.ar

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+ Pattern

TRImarchiDG Nueve años de diseño gráfico Una vez más, el diseño gráfico invade la ciudad de Mar del Plata, del 1º al 3 de octubre. | Texto: Marcela Fibbiani

Ya es un clásico. El primer fin de semana de octubre, el diseño gráfico se instala en el Estadio Polideportivo de la ciudad de Mar del Plata, y es la excusa para que estudiantes y profesionales intercambien experiencias, contactos, muestren lo que saben hacer y también se diviertan. TRImarchiDG es uno de los formatos más convocantes que la comunidad del diseño gráfico viene eligiendo desde hace nueve años para juntarse.

Este encuentro internacional de diseño ofrece a las cinco mil personas que llegan de todas partes del globo cada año, tres días intensos de conferencias, workshops, exposiciones, los Espacios TRImarchi (donde se venden y exponen libros, ropa, discos y objetos de diseñadores) y fiestas. Pablo Pacheco y Sebastián Valdivia, sus creadores, han sabido mantener el espíritu original de la convocatoria -la generación de un punto de encuentro desinteresado,

donde la gente se congrega a aprender y pasarla bien- y también extenderse a otros públicos de Latinoamérica y Europa, donde se han presentado.

CONFERENCIAS & MÁS Un público atento e interesado escuchó cada una de las conferencias que se fueron sucediendo durante los tres días que duró el encuentro. El viernes 1/10, la apertura a cargo de Seba y Pablo dio lugar al primer invitado, Santiago Idelson, director de la productora y estudio Pattern (www.pattern.tv). Desde hace diez años, su trabajo está enfocado en la combinación de live action y motion graphics, utilizando diseño, fotografía y recursos gráficos en función de la narración audiovisual. Amante de la tecnología vintage, trabajó como director en proyectos para importantes marcas y ha diseñado la postproducción de series de TV.

diseños yy creatividad creatividad diseños

+ Omar Tiraboschi

+ Gustavo Borges

Luego fue el turno del canadiense Eric Karjaluoto, quien luego de hacer una amplia introducción sobre la importancia y necesidad de adoptar prácticas sustentables en nuestra vida diaria, presentó “Design Can Change” (www.designcanchange.org), su proyecto de concientización para el mundo del diseño gráfico. A continuación, el artista plástico e ilustrador Omar Tiraboschi (omartiraboschi.blogspot.com) habló sobre la importancia del dibujo como herramienta para entender, resolver y desarrollar trabajos, para crear y, en definitiva, para divertirse.

de esta anécdota simpática, habló sobre sus principales influencias (la música y la cultura pop) y la importancia de los símbolos en el diseño gráfico.

El venezolano Gustavo Borges contó su experiencia como integrante del movimiento de hip hop latinoamericano “HipHopRevolución” y su trabajo en el 23 de Enero -un barrio humilde del Oeste de Caracas, donde pasó su infancia y adolescencia-, plasmado en la Web www.el23.net. También dirige documentales con el proyecto EPATU (Escuelas Populares para las Artes y Tradiciones Urbanas), reflejando problemas sociales de la actualidad. Además, junto con el argentino Ariel Di Lisio, posee el laboratorio de diseño Negro TM. Musicalizando los recreos entre charla y charla, en la explanada a la entrada del Polideportivo se montó un escenario, donde se presentaron las bandas The Ovnis, Animales Súper Forros, y Apolo y los amigos de Apolo. Como invitados de lujo, también Army of Dub tocó en continuado durante la primera jornada.

AL SEGUNDO DÍA El sábado 2/10 el sol salió en Mar del Plata y volvió más amable el frío cemento con que está construido el Estadio Polideportivo de la Ciudad Feliz. Sobre todo para favorecer la ambientación de la ponencia de Michael Robinson (www.nowherenyc.com), que con su charla titulada “El diseñador como chamán”, ya anunciaba una presentación diferente. Antes de comenzar a hablar, preparó el ambiente prendiendo inciensos, pidió bajar las luces y hacer silencio absoluto, para luego invitar a la audiencia a cerrar los ojos, a relajarse y a concentrase en el sonido monótono de su voz. A partir

La emoción del público llegó a su punto más alto cuando el equipo de L´Orange Gutan, dirigido por Tomi Diéguez, llegó al escenario para presentar Glucko & Lennon, una nueva serie animada para grandes y chicos, que cuenta la historia de dos simpáticos personajes en busca de aventuras. Y para reafirmar que los argentinos tenemos talento, siguió la conferencia de Martín Tibabuzo (www.mundofase.com) que, habiendo estudiado diseño gráfico en la UBA y formando parte del colectivo Fase, trabaja desde hace tres años para adidas en Alemania. Está a cargo del diseño de camisetas de fútbol y, por consiguiente, fue el responsable del diseño de la camiseta que usó la Selección Argentina en el último Mundial.

Desde Colombia, Popular De Lujo (www.populardelujo.com) llegó para seducir con el mundo de las gráficas populares, que reflejan tan claramente la forma de pensar de los ciudadanos de Bogotá.

AL TERCER DÍA Las fiestas en el Complejo Sobremonte que cada noche formaron parte del Festival Buenos Noches TRImarchi, con una importante selección de proyectos audiovisuales, VJs y productores, no fue excusa para que las conferencias del último día no estuvieran completas. Así, Sven Ehmann, director creativo de la editorial alemana Die Gestalten Verlag (www.gestalten.com) presentó “Latino-gráfico”, uno de sus últimos títulos.

También se proyectaron el film Odisea, sobre el muralismo y la estética de las villas de emergencia, y Ruta 9, el corto que documenta el proyecto de arte urbano desarrollado a lo largo de esta ruta argentina por el artista TEC. Con una personalidad avasallante, el diseñador gráfico y escritor

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+ Micah Lidberg para H&M

+ Martín Tibabuzo y la camiseta de la selección argentina junto a Leo Messi

+ Mario Hugo para H&M

neoyorquino Chip Kidd (www.goodisdead.com) brindó una conferencia muy dinámica, didáctica y divertida. El proceso de diseño de sus últimos trabajos fue acompañado de una verdadera performance, plagada de los gestos y voces del conferencista, y la risa cómplice del público agradecido.

El argentino Hernán Ordoñez (www.hernan.tv) compartió su experiencia como docente de diseño y tipografía en España, donde reside desde 2003. Cree en la importancia de brindarles a los alumnos la oportunidad de realizar sus primeras experiencias laborales en estudios de prestigio internacional.

Para finalizar, los llegados desde Nueva York Hugo & Marie (www.hugoandmarie.com), explicaron cómo funciona su agencia creativa, que vincula artistas -principalmente ilustradores- con marcas como Nike y Swarovski, generando interesantes encargos comerciales, plasmados tanto en piezas gráficas como en objetos y accesorios de moda. + www.trimarchidg.net

+ Jules Julien para H&M

MANOS A LA OBRA Las conferencias se complementan con una serie de workshops reducidos, que hacen posible un intercambio más práctico y directo con los invitados especiales. Así, el Club del Dibujo ofreció un taller teórico-práctico para experimentar el dibujo en toda su expresión, mientras que Hugo Santarsiero dirigió una actualización en desarrollo y producción de packaging. Laura Varsky y Hernán Ordoñez se dedicaron al diseño de fanzines, y el estadounidense Tyler Jhonson propuso una experiencia plástica sobre afichismo, tipografía y caligrafía.

Por su parte, Michael Robinson planteó un viaje-taller hacia el lugar donde se originan los alfabetos, para aprender a crear un conjunto de símbolos personal. Y Chip Kidd compartió en una mesa redonda los detalles sobre su trabajo y participación en el cortometraje animado para la première mundial de Batman en Japón. www.trimarchidg.net/workshops.php

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London Fashion Week London calling Cada mes de septiembre, la Semana de la Moda de Londres congrega a toda la prensa especializada, compradores internacionales y algún que otro curioso que logra colarse para poder ver la moda más innovadora de todo el mundo.

| Texto: Carolina Prioglio. Fotos: Gonzalo Fargas

Una semana de la moda es un evento que se realiza en diversas ciudades y reúne a distintas marcas y diseñadores, y sirve como plataforma para que éstos den el presente cada temporada, dos veces al año, y exhiban sus nuevas colecciones de primavera-verano y otoño-invierno, respectivamente. Las principales son la de París -la más tradicional-, Milán -que aporta el savoir faire italiano-, New York -el ready-to-wear con mayúsculas-, y Londres, que imprime la vanguardia joven e irreverente por excelencia.

Y la última edición de la London Fashion Week para la temporada estival 2011 no fue la excepción: la cita se dio del 17 al 22 de septiembre en el predio del Somerset House, donde se presentaron

más de sesenta etiquetas de distintas nacionalidades -que un evento de moda se realice en una ciudad, no quiere decir que todos los que participen en él sean nativos-, que tuvieron como denominador común el carácter transgresor y la diversidad de las propuestas.

Imperdibles las colecciones de Paul Smith -un clásico dentro de la grilla-, Christopher Kane -que siempre se las ingenia para sorprender y marcar tendencia, y bautizó su nuevo trabajo “Princess Margaret on acid”-, Mark Fast, Richard Nicoll, Peter Pilotto, House of Holland, Marios Schwab, Burberry, Vivienne Westwood y Matthew Williamson. www.londonfashionweek.co.uk

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PROFILE: UP-AND-COMING El perfil de cuatro diseñadores egresados de la reconocida escuela Central Saint Martins de Londres, que modernizaron el ímpetu innovador de la moda británica.

CHRISTOPHER KANE KING OF SURPRISE Se lo conoce como el Gianni Versace escocés. Se llama Christopher Kane (Glasgow, 1982) e irrumpió en la moda británica en el 2006, con un estilo que articula lo más destacado de creadores como Versace y Azzedine Alaïa: un culto por la figura femenina sobre diseños sofisticados y estridentes al mismo tiempo, pero desde una visión contemporánea y preocupación por el trabajo textil y de estampación.

Las críticas llovieron y fueron todas positivas, y al poco tiempo Donatella Versace lo reclutó primero como colaborador y desde el 2009 como diseñador de Versus, su línea joven. Hoy, Kane continúa potenciando el carácter único de sus diseños mediante diversas influencias: en la última colección se inspira en la Princesa Margarita de Winsor, la hermana más joven de la Reina Isabel.

Y, por si fuera poco, el diseñador recibió varios reconocimientos como el Lancôme Colour, el Harrods Design Award, y el New Designer of The Year en los British Fashion Awards. En la actualidad, es uno de los referentes que marca la dirección de las tendencias de la moda a nivel mundial, lo que no es poco para sólo cinco años de carrera y 28 de edad.

| Fotos: Gentileza CK

RICHARD NICOLL KING OF TEES Graduado en el 2002 en la Central Saint Martins, Richard Nicoll (Londres, 1977) se suma a la lista de diseñadores de indumentaria que la prestigiosa escuela de arte y diseño londinense ha forjado con los años, como fórmulas magistrales con estilo propio. Por eso, ese mismo año, el dúo italiano Dolce & Gabbana adquirió su colección de graduación completa y, por eso también, ganó varios premios en lo que va de su corta carrera: tres ANDAM prizes, el British Fashion Council’s Fashion Forward Award, y el Elle Style Award al mejor diseñador del año en el 2009.

Así, toda la prensa se ha posado en este joven que se especializó en moda masculina, para luego dedicarse al diseño de ropa femenina, y que ostenta desde sus inicios el mote de “rey de las camisetas”.

Son su marca registrada, junto a los estampados, los delicados drapeados y una interesante búsqueda en la construcción de las prendas que coquetean sutilmente con lo futurista, lo étnico y el minimalismo -como en su última colección-, sin perder de vista el carácter ponible de las mismas. Actualmente, Nicoll se desempeña como director creativo de la firma italiana Cerruti y diseña las colecciones de mujer para Fred Perry, en paralelo con su propia marca. www.richardnicoll.com

| Fotos: Gentileza RN

moda

ASHISH GUPTA KING OF SEQUINS Al diseñador indio Ashish Gupta bien podría definírselo como el Andy Warhol de la moda inglesa. Él mismo se reconoce como un amante de la cultura pop occidental -sobre todo la norteamericanaque fusiona con elementos de Oriente, y termina plasmando en la ropa a través de su material favorito: las lentejuelas.

MARK FAST KING OF KNIT-WEAR El ascenso de Mark Fast (Winnipeg, Canadá, 1981) dentro de la moda fue rápido -como si su apellido lo hubiera presagiado. Se graduó en el 2008 en la Central Saint Martins, y pronto comenzó a presentar colecciones que tienen como denominador común a los géneros de punto en la Semana de la Moda de Londres.

Hilvana imágenes icónicas y humorísticas sobre las prendas con precisión de artesano, y el resultado se ve sobre las pasarelas del London Fashion Week desde el 2004: viste a las modelos como heroínas de lo excéntrico, el glamour y el brillo, en siluetas por momentos cercanas al sport-wear.

A través de materiales como la lana y la lycra, Fast compone -teje a mano- prendas intrincadas y sensuales sobre el mismo cuerpo humano. Así, sus diseños se moldean según la figura y crean una relación más profunda con el que las viste. Un concepto interesante que el diseñador canadiense continuó indagando en las sucesivas colecciones.

Comenzó en la moda en el 2001, un año después de graduarse en diseño en la Central Saint Martins, y hoy en día es elegido por personalidades como Madonna, M.I.A y Jerry Hall. Además, ha colaborado en una colección con la firma inglesa Topshop. www.anish.co.uk

| Fotos: Gonzalo Fargas

Su inquietud y respeto por la forma natural de la silueta se puso de manifiesto -aunque muchos también lo tomaron como una estrategia de marketing- en su desfile para la primavera verano 2010, en la que convocó a modelos de talles más grandes de lo que la moda comúnmente propone. Mark Fast ha colaborado también con la firma española Loewe y el diseñador francés de zapatos Christian Louboutin en distintas colecciones. + www.markfast.net

| Fotos: Gentileza MF

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Iron dre ams Foto Rafael Delceggio www.rafaeldelceggio.com Styling Esteban Kenny para www.vincentt.com.ar Modelos Gabriella y Agustín para Visage Models www.visage-models.com Pelo y Make Up Lorena Urcelay para Jazmín Calcarami Studio con productos MAC www.jazmincalcarami.com.ar Retoque digital Groupdolly.com Asistente fotografía Martín Dellegiovanna Agradecemos a Natalia Dardano

+ Agustín. Campera negra con cierres y pantalón hueso: Grupo 134.

Camisa de jean azul: A.Y. Not Dead. Zapatillas: Reebok. Anteojos: Orbital + Gabriella. Chaleco de cuero: Doma. Musculosa blanca: Kostüme.

Vestido estampado: María Cher. Cinturón con cadenas: María Vázquez

DIRECCIONARIO | A.Y. Not Dead. Gurruchaga 1617 | Ayres. Paseo Alcorta, Alto Palermo | Blackfin. Unicenter Shopping | Christian Lacroix. Alto Palermo | Converse. Humboldt 1665 | Diesel. El Salvador 4801 | Doma. El Salvador 4792 | Garçon García. Honduras 4702 | Grupo 134. Honduras 4709 | Infinit. Thames 1602 | Kostüme. República de la India 3139 | Le Coq Sportif. www.lecoqsportif.com/ar/ | María Cher. El Salvador 4722 | María Vázquez. Honduras 4709, Dot, Alto Palermo | MNG para Falabella. Florida 202, 343, 665 | Nike. Av Santa Fe 1665, Gurruchaga 1615 | Orbital. Armenia 1572 | Paruolo. Paseo Alcorta, Alto Palermo | Reef. Tiendas Cristóbal Colón: Alto Palermo, Galerías Pacífico | Sixfeet. Gurruchaga 1287, Malabia 1220

+ Agustín. Remera amarilla y remera coral: Sixfeet. Pantalón gris: Kostüme. Anteojos: Infinit

+ Gabriella. Musculosa verde: A.Y. Not Dead. Vestido estampado: María Vázquez. Zapatos con brillos: Paruolo + Agustín. Musculosa: Converse. Camisa escocesa azul: Reef. Pantalón azul: Kostüme. Zapatillas: Diesel

+ Gabriella. Musculosa gris con lentejuelas: MarĂ­a Cher. Musculosa manga larga red blanca: A.Y. Not Dead. Short de seda estampado: Ayres. Anteojos: InďŹ nit

+ Agustín. Camisa roja: Garçon García. Traje de baño estampado: Sixfeet. Cadena plateada: Grupo 134

+ Agustín. Campera: Converse. Remera: Le Coq Sportif. Jean negro: A.Y. Not Dead. Zapatillas graffiti: Converse + Gabriella. Campera: Camisa escocesa verde: Blackfin. Bikini animal print: Converse. Mini con metales: María Vázquez. Aros turquesa: MNG

+ Gabriella. Saco negro: Kostüme. Pañuelo y collar: María Vázquez. Short verde: Nike. Zapatos: Paruolo

¿Habí a u n a vez ?

Fotografía y dirección de arte Nazareth Táccari www.nazarethtaccari.com Estilismo Beauty Buffet www.beautybuffet.com.ar Modelo Emilia Przepiora para Rebel Management www.rebel-management.com Make up y pelo Paola Gandini www.perkesgandini.com.ar Asistente de Fotografía Belén Segura Agradecimientos Campanópolis www.campanopolis.com.ar

+ Sombrero: Cecil Sain. Vestido y blusa: A.Y. Not Dead. Cintur贸n con mo帽o: Amores Trash Couture. Zapatos tornasolados: Lucila Iotti

+ Tocado: Vintage. Vestido: Vintage (Kate Moss / Topshop.com). Cintur贸n: Amores Trash Couture. Zapatos: Lucila Iotti

+ Vestido plata y faja negra: Amores Trash Couture. Zapatos: Lucila Iotti

+ Tocado: Vintage. Capa, top y falda: Amores Trash Couture. Zapatos: Lucila Iotti

+ Tocado: Cecil Sain. Vestido: A.Y. Not Dead DIRECCIONARIO | A.Y. Not Dead. Gurruchaga 1617 | Amores Trash Couture. ﾃ］gel Carranza 1979 | Cecil Sain. Quintana 591 1ﾂｺC | Lucila Iotti. Malabia 2212

Fashion Edition BA 2010 La moda argentina editada Para festejar su tercera edición, el Fashion Edition BA -iniciativa generada por Mercedes-Benz y el Faena Hotel + Universe- invitó a Scott Schuman, el fotógrafo y blogger más conocido del mundo, a conocer y editar las colecciones de un grupo de diseñadores argentinos. | Texto: Carolina Prioglio

+ Vero Alfie

moda

El evento, con desfile incluido, se llevó a cabo el miércoles 20 de octubre en el edificio Los Molinos de Puerto Madero. Y a pocos minutos de las 8 de la noche se presentó un extracto de las colecciones de los cinco creadores preseleccionados: Vero Alfie, Evangelina Bomparola, Cecilia Gadea, Cora Groppo y Pablo Ramírez, previa pasada de la diseñadora mexicana Lidia Lavin y de Max Mara.

Alfie, fiel a su estilo, mostró prendas femeninas y románticas. La siguió Evangelina Bomparola con una selección de vestidos y trajes con cortes y detalles muy sensuales en blanco y negro. Gadea, una vez más, jugó en la confección de las prendas con volados, recortes y calados generados con la técnica láser, y Groppo trabajó con los volúmenes y las texturas sobre la ropa. Cerró el desfile la pasada de Ramírez, que despertó una mezcla de clasicismo, dramatismo y modernidad al mismo tiempo.

De entre ellos, Schuman, sentado en la primera fila con varias personalidades locales -Patricia Della Giovampaola, Mariana Arias y Anita Álvarez de Toledo-, eligió al diseñador del año, que resultó ser el varias veces premiado Pablo Ramírez. De perfil bajo e inconfundiblemente vestido de negro, el diseñador agradeció el reconocimiento y recibió la noticia que participará de la próxima semana de la moda de Estocolmo como premio. www.fashioneditionba.com

que tiene influencia no sólo en cómo se viste la gente común, sino también en lo que crean los diseñadores que direccionan la moda.

Trotamundos por definición, uno de sus tantos viajes lo trajo hasta Buenos Aires para curar un evento de moda y lo encontró sentado en un restaurant francés en pleno San Telmo para una entrevista. Y al conocerlo no sorprende: Schuman es inevitablemente elegante, pero de una manera espontánea, casi inconsciente. También, es inevitablemente observador: de las prendas, de los detalles y de los gestos.

Eso fue lo que lo capturó de la ciudad, sobre todo, de su barrio más colonial: volvió una y otra vez a San Telmo junto a Garance Doré, su novia, la otra blogger que marca el pulso de la moda internacional, no sólo en busca de street looks, sino de detalles arquitectónicos e historias de habitantes de la zona iluminados todos por un sol generoso que brilló durante toda su estadía. + ¿Qué sería de Scott Schuman sin Internet?

SC Creo que sería fotógrafo igualmente y sacaría el mismo estilo de fotos. Lo que no existiría es el feedback inmediato que permite tener un blog, o Internet en general, y que se volvió tan importante en mi trabajo. Lo que trato de crear es una conversación con la gente, que no sea yo el único que se comunica con ellos, como sucedía con las revistas y los diarios en el pasado. En mi blog, doy mi punto de vista

SCOTT SCHUMAN UNIVERSAL TRAVELLER Scott Schuman es el dandy posmoderno del momento, reconocido en el mundo entero por el sello fotográfico -y estilístico- que imprime su blog “The Sartorialist” en la moda. Estuvo de paso por Buenos Aires invitado por Mercedes-Benz, para ser jurado de la tercera edición del Fashion Edition Buenos Aires. Paseó mucho por San Telmo, se enamoró del Tango y, también, sacó alguna que otra foto.

La palabra inglesa “sartorial” habla de una persona que es reconocida por su elegancia al vestirse. Refiere de la sastrería tradicional y artesanal, con un toque que la hace singular. En ella pensó Scott Schuman a fines el 2005 al buscar un nombre que pudiera definir las fotografías que había comenzado a tomar en las calles de New York, y que tenía intenciones de compartir con el resto de los internautas a través de un blog.

Así, “The Sartorialist” resultó el mejor título para resumir un puñado de imágenes de hombres y mujeres anónimos con estilos que lo dejaban casi sin palabras. Casi, porque se guardaba algunas para pedirles si podían posar para su cámara, y muchos comenzaron a hacerlo. Cinco años después, Schuman, que antes se dedicaba al marketing de moda, y su blog han dado la vuelta al mundo dejándose sorprender por looks tan diversos como elegantes y románticos, generando miles de clicks y comentarios diarios.

Para el fotógrafo, que se convirtió en un ícono del estilo -tiene columnas en los sitios Style.com y GQ.com, y ha realizado varias editoriales de moda- parece que ya no es tan necesario estar en el lugar correcto en el momento indicado. Todos lo buscan y quieren ser protagonistas de su imagen del día en el blog. Sin embargo, lo más interesante de todo es

+ Scott Schuman, creador del blog “The Sartorialist”

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+ Desfiles de Evangelina Bomparola, Cecilia Gadea, Cora Groppo y Pablo Ramírez

inicial a través de las imágenes y de allí queda abierto a que el resto de la gente diga lo que piensa de ellas. + ¿Alguna vez alguien se rehusó a que lo fotografiaras?

SC ¡Sí, todo el tiempo! Al viajar tanto por distintos países y ciudades, es imposible que todo el mundo me conozca. Hay mucha gente que dice “no” cuando me acerco a preguntarle, porque no le interesa o le da vergüenza. Y aunque trato de abordarlos de distintas maneras, a veces siento que esos “no” significan que no me estoy esforzando lo suficiente. + Podría decirse que sos como un flâneur o dandy posmoderno con un estilo muy definido…

SC Sí, es verdad… es una buena definición. De hecho, creo que mi estilo personal tiene algo de la vieja escuela italiana y algo muy norteamericano también, del cual Ralph Lauren podría ser un ejemplo. Y ahora también me parezco a un militar malo, como me dice Garance (Schuman tiene el pelo rapado). + ¿Qué significado tiene para vos la imagen personal?

SC Es una forma de comunicación no verbal que cada persona tiene con el resto del mundo. La mayoría de las veces antes de hablar con otras personas, ellas ya tienen una idea de lo que sos a través de tu imagen, de la manera en como te movés, tu postura. Da señales visuales de cómo es una persona y, también, ayuda a poder encajar dentro un grupo determinado a través de lo que a nivel visual une a sus miembros. Es importante. + ¿Creés que existe una tribu urbana de hombres y mujeres “sartorialists”?

SC Creo que sí, y lo que más orgulloso me pone es su diversidad.

No hay una sola forma de verse “sartorial”, sino que tiene que ver con tratar de lograr la versión más singular de uno mismo que se pueda. + Pero igualmente existe una estética en “The Sartorialist”…

SC Sí, y creo que reside en mi forma de fotografiar. Yo no retrato a las personas buscando mostrar cómo son realmente, sino de la

manera en que me imagino que son. Es mi idea sobre ellos, porque la realidad es que hay mucha gente que no conozco y los capturo de una manera romántica. Pero a nivel fotográfico, todo pasa a través de mi visión: mi iluminación, mi idea del espacio, mi ángulo… Ése es mi aporte, pero depende finalmente del sujeto sacar su individualidad. Y lo más interesante de todo es que cada imagen es un momento real en el tiempo que fue creado: yo no vestí a ninguna de esas personas, ni tampoco creé la situación en la que se encontraban y eso es lo que justamente estampa el instante. + ¿Creés que contribuiste a que ahora nos inspiremos tanto por los estilos de la pasarela y revistas, como por los de la calle?

SC Siempre pensé que existía una desconexión entre ambos. Y pese a que mucha gente dice que yo sólo expongo lo que veo en las calles, para mí, es una combinación de ambas. En “The Sartorialist” hay tomas de pasarela, de looks en la calle, y tribus y personajes de todo tipo. No me interesa de dónde venga la inspiración porque me gusta que sea bien diverso y rico. + Para derribar el mito de que el estilo tiene que ver con estar bien vestido…

SC Es que muchas veces hay mujeres divinas, muy bien vestidas, a las que no me dan ganas de fotografiar porque no hay nada romántico o encantador acerca de ellas. En ocasiones me señalan personas para retratar porque piensan que me van a gustar, y a mí no me atrapan. + Por último, ¿pensás que ya sos parte de la historia de la moda?

SC Bueno, hace poco en una cena con Suzie Menkes (periodista de moda del International Herald Tribune, una de las más respetadas en el medio) me dijo que me había convertido en un ícono de la moda. Y creo que si ella lo dice es porque es así. Yo pienso que estoy marcando un cierto momento en el tiempo con el blog y sus imágenes, y quiero seguir haciéndolo por muchos años más. Espero que en el futuro, cuando la gente piense en el nombre “The Sartorialist”, sepa que se está hablando de la expresión personal a través de grandes estilos. + www.thesartorialist.blogspot.com

clásicos contemporáneos

Bombay Sapphire

Diseño y solidaridad En un evento a beneficio, se subastaron copas de cocktail ganadoras de las diferentes ediciones de la Bombay Sapphire Designer Glass Competition.

Con el objetivo de recaudar fondos para la lucha contra el cáncer, Bombay Sapphire realizó la subasta de 19 copas ganadoras de las distintas ediciones de la Bombay Sapphire Designer Glass Competition, el concurso internacional que desde el año 2000 convoca a los talentos emergentes del diseño para crear una copa de cocktail Martini inspirada en el gin de la botella azul.

El evento se realizó en el prestigioso Palazzo Colonna en Roma y fue organizado por el príncipe Stefano Colonna y Sotheby’s, y coincidió con la celebración del 10º aniversario de la competencia de

+ Cáliz de Peter Crisp

diseño de Bombay Sapphire. Es por eso que se subastaron las copas ganadoras de las ediciones de Rusia (2005), Reino Unido (2006), Portugal (2007), Tailandia (2008) y Alemania (2009).

La atracción de la fiesta fue la copa “Cáliz” donada por el artista australiano Peter Crisp, realizada a partir de la fusión de 226 zafiros azules en vidrio, una verdadera joya que fue subastada en ˡ 13.000.

Al final de la noche, Bombay logró recaudar ˡ 25.000, los que fueron donados a organizaciones que investigan la cura del cáncer. + www.bombaysapphire.com

+ Dweck’s retro-classic de Stephen Sweck

DRY MARTINI Verter 10 ml de vermouth Martini Dry en un vaso mezclador con hielo. Agitar bien y colar.

Luego agregar 60 ml de Bombay Sapphire y remover antes de colar en una copa de cocktail Martini, enfriada previamente. Presentar con una aceituna o un twist de limón.

Beber con moderación. Prohibida su venta a menores de 18 años. Enjoy BOMBAY SAPPHIRE Responsibly. Bombay Sapphire, su botella y logos son marcas registradas. www.bombaysapphire.com

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John Pawson La expresión minimal Desde septiembre y hasta enero, el Museum Design presenta una retrospectiva del célebre arquitecto británico John Pawson, quien además fue seleccionado como arquitecto del nuevo edificio de la entidad, en Holland Park. Maestro del minimalismo, teórico conciente, hoy amplía su espectro y afianza su preocupación por atender todos los detalles de la vida diaria de la experiencia humana, a la vez que sostiene que necesitamos muchos menos objetos de los que tenemos. | Texto: Natalia Iscaro. Foto: Orla Connolly

clásicos contemporáneos

+ Sackler Crossing. Royal Botanic Gardens, Kew, Londres. Foto: Richard Davies

“No soy un santo, tengo demasiadas cosas, cada vez más”, dispara John Pawson, del otro lado de la línea, y ríe. En pleno alud de trabajo y en medio de su retrospectiva en el Design Museum de Londres, el arquitecto estrella del minimalismo nos atiende, y casi parece que se encontrara en una casona en pleno campo desierto, en lugar de en la tórrida capital inglesa. “Estoy tranquilo, ahora puedo hablar”, anuncia al principio de la charla, casi un bálsamo para una entrevista que transcurrirá serena, no sin celebradas dosis de humor y acidez.

“A los primeros monjes budistas les permitían tener ocho objetos, pero como con esa cantidad no podían vivir, los subieron a dieciséis”, retoma él, explayando sus nociones favoritas: simplicidad en la vida,

simplicidad en el pensamiento, simplicidad en la arquitectura. “La simplicidad tiene una dimensión moral que incluye el desapego a los bienes materiales. Lo importante es desarrollar la serenidad posteriormente”. Coherente con su obra y sus escritos, Pawson se revela como un arquitecto tan preocupado por los planos como por la forma de vida. Para algunos falsa modestia, para otros rústica humildad y, para una amplia mayoría, factores que lo convierten en uno de los arquitectos más demandados del momento.

Nacido en Halifax (Reino Unido), en 1949, Pawson recibió su educación en la tradicional escuela de Eton. Una vez graduado, trabajó en la fábrica textil de su familia en Yorkshire, hasta que en 1973 se trasladó a Japón, donde se desempeñó como profesor de inglés en la

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+ Monasterio de Nuestra Señora de Novy Dvur, República Checa. Foto: Hisao Suzuki

Universidad de Ciencias Empresariales de Nagoya. Fue en la nación nipona -donde discreción y sutileza son sinónimos de belleza- donde colaboró durante un año con el diseñador Shiro Kuramata, uno de sus mentores confesos. Dos años después regresó a Inglaterra, donde se matriculó en la Architectural Association de Londres, en 1979.

Su estudio propio llegaría en 1981, y el resto es historia. La historia que hoy se recorre por los muros y pasillos del Design Museum de Londres, bajo el nombre de “Plain Space” (espacio sencillo), y que hasta el 30 de enero de 2011 podrá ser visitado por concurrentes que ya ascienden a miles.

Entre sus más destacados proyectos se cuentan la propia casa de Pawson en Londres (1999), un espacio Zen donde paredes falsas esconden espacios de la visión, y donde la luz natural y el espacio abierto se encargan de no enturbiar la imaginación; El Monasterio de Nuestra Señora de Novy Dvur, en la República Checa (2004), elegante y seductor, a la vez que ligeramente gélido; y el Flagship Store de Calvin Klein de New York (2005), una construcción prolija, que responde a las necesidades de una mirada dirigida y vectorial del espacio a recorrer.

Distinguido en numerosas ocasiones, durante la última Feria Internacional del Mueble de Milán el arquitecto presentó, en conjunto con la casa italiana Salvatori, el pabellón “House of Stone” (casa de piedra), una construcción en la cual utilizó piedra natural reciclada en un 99% y resina natural como elemento de unión. En su inerior, una iluminación lineal con LEDs marcaba la estructura y destacaba la textura mineral de un tono gris en toda la construcción. Otra síntesis de la ideología de quien alguna vez afirmó: “Existen 50 tonos

+ Casa privada, Alemania. Foto: Todd Eberle

diferentes de blanco, pero sólo pueden verse en un cuarto vacío”. + ¿Qué se siente estar en el Design Museum, y con una retrospectiva de su trabajo?

JP Es un shock. La verdad, al prinicipio no me había dado cuenta de que el museo quería una retrospectiva, y cuando lo entendí fue un impacto. Después, la sorpresa fue darme cuenta de todos los edificios que hice, y de lo rápido que pasa la vida. + ¿Siente el paso del tiempo?

JP No, siento que todavía tengo treinta años. Y de lo otro que me di cuenta es que cuando mirás atrás, lo que recordás no es tanto los edificios, sino más bien la gente que participó en cada uno de ellos.

Esta es también una retrospectiva de personas. + ¿Cómo fueron seleccionados los trabajos para la retrospectiva?

JP La muestra está curada por el director del museo, Deyan Sudjic, quien tiene un íntimo conocimiento de mi trabajo, pero con una mirada independiente y más objetiva. Quería más cosas y más caminos, más anécdotas con un enfoque más humano. + ¿Cuál fue, hasta ahora, la respuesta del público?

JP Nunca tuve la intención de hacer esto necesariamente para otra gente, sino más bien para mí mismo y, consecuentemente, para los demás. Después empezó a crecer, y nunca me puse a pensar en la cantidad de personas que lo verían. + ¿Y ahora que sabe que la gente fue y le gustó?

JP Es muy gratificante. La muestra tiene récord de visitas. Eso es

clásicos contemporáneos

+ Exterior Baron House, Sweden. Foto: Åke E-son Lindman

extraño, yo sólo estaba feliz haciendo lo que me gusta. + Además, tendrá a su cargo del diseño de la nueva casa del Design Museum…

JP Sí, hubo una competencia internacional y la ganamos. Construiremos en lo que antes era el Commonwealth Institute Building in Kensington, que se muda. El museo hoy necesita cuatro veces más espacio, así tendrá más gente, más shows, más todo. + Y lanzó un libro con todo su trabajo, bajo el mismo nombre de la muestra, “Plain space”. ¿Cómo fue este proceso?

JP Sí, el libro recién salió, y por fortuna fue escrito por alguien que trabaja conmigo, Alison Morris. O sea que es la historia de nuestra forma de trabajo, escrita desde adentro.

LA EXPRESIÓN MÁS SENCILLA La simplicidad extrema. Acaso esta sea la forma más clara de definir el minimalismo, una de las tendencias arquitectónicas dominantes de los últimos tiempos, y un movimiento estético que no sólo afecta a la arquitectura, sino también a una sensibilidad por la esencia de las cosas, compartida por múltiples culturas a lo largo de los años.

Pero este vocablo (minimalismo), ha prestado a malos entendidos que afectaron tanto a la arquitectura en general como a John Pawson, considerado uno de sus principales gestores, en particular. En un reciente artículo publicado en el diario británico The Guardian, el periodista especializado Rowan Moore apuntó: “Pawson, de 61 años, es un arquitecto que ha sido tanto bendecido como maldecido por la etiqueta ‘minimalista’”. El inglés, que emergió en los años

80, durante una época de postmodernismo gaudiano, revival clásico y colapso de las ideas del modernismo fue, según el experto: “Una bocanada de aire fresco que removió lo superficial en los interiores, de modo que pudieran apreciarse mejor las cualidades de la luz, la proporción y el material”, concluye Moore.

Así, en Pawson, las líneas son rectas, los ángulos de noventa grados y los acabados negros, grises, blancos o naturales. Uno de los escritos más celebrados de nuestro entrevistado es “La expresión sencilla del pensamiento complejo” (en honor a Donald Judd), donde plantea: “El minimalismo no es un manifiesto que aboga por una vida espartana. Este recurrente malentendido surge, en parte, porque dicha corriente ha sido asociada con movimientos de renuncia”. Y luego amplía: “Se trata de crear contextos idóneos para las cosas que importan en la vida, de reducir las capas superpuestas de apariencia y comportamiento a lo esencial: el esplendor no proviene del acto de desprenderse, sino de experimentar lo que queda. La viviencia profunda –y placentera- radica en la experiencia cotidiana: en el acto de darse una ducha o de preparar la comida”. + Usted escribió: “El minimalismo no es la arquitectura de la abnegación, la privación o la ausencia”, ¿podría desarrollar esta noción?

JP Traté de captar que construimos un edificio a partir de la gente que va a vivir ahí, y no simplemente esperando que la gente viva sobre lo que se construyó. No les decimos que no tienen que tener nada. Creo que es un malentendido: uno debería tener todo lo que necesita, no debería haber abnegación. En un edificio con claridad

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+ Plain Space, la mayor muestra retrospectiva de John Pawson, actualmente en el Design Museum de Londres

podés ver la luz, pero yo no digo que es una mejor manera de vivir, sólo trato de hacer algo confortable.

+ Piedra, bronce, madera… ¿Cómo piensa en los materiales?

JP Son mi punto de partida.

+ En este sentido, ¿usted es minimalista?

JP Si por eso entendemos dar vida a un espacio claro, confortable, limpio y luminoso, desde luego que sí.

+ ¿Qué es lo que más disfruta de su trabajo?

JP El proceso creativo. Somos muy afortunados por trabajar de lo que nos gusta, y lo que más me gusta es el proceso de diseño: hacer modelos y usar crayones, mi mesa está llena de ellos.

+ ¿Qué lugar ocupa el espacio abierto en su trabajo?

JP Me inspira. Veo un espacio limpio y no pienso que necesita agregados. + ¿Cuál es el lujo de este siglo?

JP El espacio y el agua. + ¿Cuándo se dio cuenta de que quería ser arquitecto?

JP Me resistí durante mucho tiempo, era algo que me gustaba para otras personas. No me daba cuenta de que me gustaba para mí mismo.

EL INDIVIDUO EN EL CENTRO Fiel a su filosofía de adaptación personal, y lejos de las críticas sobre su unicidad de estilo, hoy Pawson comienza a ahondar nuevas posibilidades. Con un total de 27 proyectos entre manos en la actualidad, superficies más rústicas y brillantes, y ángulos menos puros comienzan a entrar en su repertorio. Así, en escenarios imponentes (“consigo las mejores locaciones del planeta”, afirmó una vez), se preocupa por que estructura y entorno convivan de modo equilibrado, y aquí sí, fiel a su habitual disciplina monástica.

“En mi obra el individuo está siempre en el centro”, afirma, y detalla: “Cada vez que alguien me comenta lo linda que es mi casa, pero argumenta que no podría vivir así, me quedo perplejo. Yo lo pienso en modo inverso: como nuestra forma de vivir es tal, nuestra arquitectura se configura de este modo. Es decir, la arquitectura es la expresion física de un modo de ser: la forma no está sujeta a una tendencia, sino que se adapta a una forma de vida en particular”.

+ De residencias a tiendas de bandera, ¿cómo lidia con tanta variedad?

JP Es esa variedad la que me mantiene andando. Pero la aproximación es la misma. + ¿Su próximo desafío?

JP Me gustaría terminar los proyectos en los que estoy trabajando. ¡Son bastantes! +¿Y cuál piensa que es el futuro de la arquitectura?

JP El desafío será repensar la forma en que fabricamos los edificios; o mejor, repensar por qué hacemos tantos edificios tan grandes.

La arquitectura no sólo se trata de hacer algo nuevo, sino también de repensar aquello que ya existe, y de repensar cómo vivimos o queremos vivir. + ¿Y usted cómo quiere vivir?

JP Me gusta mi trabajo, me gusta estar en casa con mi mujer e ir al campo, a veces, con amigos. El próximo fin de semana, por ejemplo, mi mujer me convenció de hacer un evento de caridad para el cual tenemos que andar en bicicleta 280 km en tres días. + ¡Qué activa!

JP ¡Sí, ella sí! Yo, por mi parte, trato de seguirla, dentro de lo posible… + www.johnpawson.com www.designmuseum.org

clásicos contemporáneos

| Texto: Natalia Iscaro

+PREMIUM +Clásico recargado “Una de las complicaciones relojeras más difíciles de realizar”, se dijo de él cuando nació. Es que el Tourbillon J12 tenía, por primera vez, platino de cerámica, a lo cual se le sumaba un centro móvil de fibra óptica. Por entonces, el creador de esta serie limitada de relojes Chanel, Jacques Helleu, afirmó: “Quise hacer un reloj de hombre.

Un reloj que imitase el aspecto de la laca negra y que resistiera los golpes del día a día”.

Esta pieza, de evidente inspiración automovilística y marítima, se convirtió en un clásico. Y como todo clásico que se precie, resurge de sus cenizas, y lo hace en este competitivo siglo XXI. Así nace el J12 Marine. Negro, blanco y azul son los colores de las tres presentaciones de este diseño, con el ineludible sello de Chanel. A la cerámica microbillée y la correa de caucho, se suma el fondo en acero con motivo grabado. Los máximos conocedores sabrán apreciar el bisel giratorio unidireccional en acero, el disco en cerámica high-tech o en zafiro graduado, el cristal de zafiro con tratamiento antirreflejos en caras interior y exterior, su movimiento suizo mecánico de carga automática y su hebilla ardillón en acero pulido y satinado, grabada Chanel. www.chanel.com

+Lo que ellas quieren Nadie podrá negar que las mujeres sabemos más de mujeres, al igual que los hombres saben más de hombres. Acaso por eso, el último lanzamiento de S.T. Dupont goce de tanta aceptación entre el público femenino. Dominique Tissier le pone la firma a ésta, la primera lapicera de la marca especialmente pensada para ellas.

Esta francesa, que comenzó su carrera de joyería en una taller parisino, creando modelos para prestigiosas marcas como Van Cleef & Arpels, Bulgari y Tiffany, ha sido también desarrolladora de modelos propios y fue la ganadora del Premio Jacques Lenfant de Francia (entregado a maestros joyeros). No en vano fue especialmente seleccionada por la firma S.T. Dupont para este nada desdeñable desafío, cuyo nombre responde a un concepto afilado, y a una declaración de principios.

Liberté es un homenaje a mujeres como Simone de Beauvoir, Catherine Deneuve y Laetitia Casta. Hermosas, inteligentes y liberadas, todas cuentan con una nueva herramienta para expresar, en clave femenina “libertad, igualdad y fraternidad”. Contemporánea y elegante, esta pluma adopta los contornos definidos que han dominado las últimas tendencias en diseño para la escritura. Su figura estilizada culmina en extremos redondeados, para dar vida a un objeto donde el lujo no está dado por la ostentación, sino por la sensualidad. El metal forjado y la laca son los materiales elegidos por Tissier, con la D de metal adornando la tapa. Los orfebres han sabido lucirse en su tallado del plumón, con hoja laminada en oro de 14 quilates. De un blanco iridiscente, este objeto de colección no recarga el bolso de la mujer, y es el aliado perfecto de cualquier ocasión. + www.st-dupont.com

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Citroën C3 Aircross Tecnología creativa Diseñado en el Mercosur para los mercados latinos, Citroën expone su concepción artística integrada a la practicidad citadina y el confort de la escuela automotriz francesa. | Texto: Juan Ponieman

El constructor de automóviles menos rectilíneo, pero más creativo y vetado de la industria, creador de bellos y paradigmáticos sedanes de cuatro puertas y jóvenes y populares compactos de dos volúmenes, ha presentado en Río de Janeiro su última creación: el C3 Aircross. Un estilo innovador y renovado revitaliza el segmento de los compactos latinoamericanos, aplicando una imagen nunca vista y detalles de la vanguardia europea fusionada con los lineamientos territoriales.

Su carrocería combina el estilo práctico de un monovolumen de cinco plazas con el riesgo de los utilitarios deportivos, osados y revolucionarios. Desde las visuales técnicas, el parabrisas inaugura su forma, imitando los cuadros trípticos del arte clásico francés, generando un ingreso lumínico sin precedentes e impulsando el concepto de luz natural.

En su frente, los faros han sido elevados, relegando los grupos ópticos antiniebla y las protecciones plásticas por debajo. Erguida, esbelta y muy segura, la sección frontal favorece la protección de un peatón al momento del temido impacto. A su vez, los pilares delanteros preceden las barras de techo y delinean un pequeño “touch” de diseño. Por detrás, y en función de liberar espacio en el baúl, el neumático sustituto ha sido colocado del lado izquierdo. Junto a él, los elevados faros traseros, nervaduras laterales y el spoiler trasero hablan el mismo idioma: el Aircross es un vehículo diseñado con pasión por los detalles.

Antes de subir, es grato apreciar el trabajo del equipo de ingenieros para optimizar el habitáculo y maximizar la habitabilidad: el espacio para los ocupantes traseros –sitio de controversia en los automóviles compactos– fue diagramado un millar de veces hasta

+ Citroën C3 Aicross frente al Museo de Arte Contemporáneo de Niterói, obra del arquitecto Oscar Niemeyer

autos y vehículos

conquistar la silueta idónea: el eje trasero, principal factor de incomodidad para los pasajeros traseros fue retrasado, esquinando los neumáticos y permitiendo butacas confortables y decímetros extra de espacio para las piernas.

Asientos kinesiológicamente pensados, texturas suaves y sobrias, y materiales perfectamente unidos superan el promedio de fabricación latina y posicionan al producto de Citroën como el automóvil mejor construido de la región. A su vez, la ecología se mantiene entre los estándares mundiales, siendo sus piezas reciclables en un 85%.

Disponible en tres versiones de equipamiento (C3 Aircross 1.6i 16v, SX y Exclusive), el alto de gama cumple su cometido, involucrando seguridad, sofisticación en la conducción y un amplísimo equipa-

miento de confort. Opcionalmente, bolsas de aire laterales y un navegador satelital integrado al tablero puede ser ordenados.

Para crear la imagen off-road, el conjunto de suspensiones fue realzado y los guardabarros dimensionados. Alejado del balanceo característico que obliga la citada elevación, el Aircross se desliza enfilado y raudamente, gracias a su motor de 1600 cc y 110 cv.

Disponible por el momento con una transmisión manual de cinco velocidades, el conjunto mecánico entusiasma por el silencio y progresividad de marcha.

Una vez más, la creatividad de Citroën ha conseguido distanciarse por propio mérito, guiando conductores hacia trayectos seguros, divertidos y placenteros. + www.citroen.com.ar

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146 Estos autos y más encontralos en Deautos.com

+AUTOS Y VEHÍCULOS

+Peugeot 408 Lanzado en China en abril, la planta argentina de Peugeot iniciará la producción del 408. Presentado en octubre en el Salón Internacional de San Pablo, el nuevo sedán competirá con el Cruze de GM y el Vento de Volkswagen. Próximo a lanzarse en Argentina, dispondrá de las máximas calificaciones en seguridad pa-

| Texto: Juan Ponieman

siva, contando una carrocería innovadora. Respecto al proceso de producción, Peugeot declara que ha rodado todas las pruebas por más de un millón de kilómetros. El diseño continúa el trabajo hecho por el 307 de cuatro puertas: contornos fluidos, ópticas estiradas y líneas suaves. www.peugeot.com.ar +Chevrolet Cruze El segmento de los sedanes de gran tamaño incorporó la moderna y estilizada propuesta de GM: el Cruze. Disponible en dos versiones de equipamiento -LT y LTZ-, se trata de un cuatro puertas con capacidad para cinco ocupantes y un baúl también voluminoso.

El equipamiento es completo, incluyendo múltiples bolsas de aire, asientos en cuero y techo solar.

El apartado mecánico está protagonizado por dos impulsores: el primero dispone de 141 cv y 1,8 litros que, alimentado por nafta, permite superar los límites con facilidad. La opción Diesel desarrolla 150 cv, elevadas cifras de torque y bajísimos consumos. www.chevrolet.com.ar

+Chery QQ Catalogado por Chery como un automóvil muy, pero muy simpático, el QQ promueve con sus diseños cómicos y líneas simplificadas el máximo aprovechamiento del espacio interior con el mínimo exterior. Con cinco puertas e importado de China, el pequeño Chery es el automóvil más económico del mercado local. Desde U$S 9700 es posible adquirir la versión Basic. Su único motor de 68 cv y 1,1 litros se combina con una caja manual de cinco marchas. www.cherysocma.com

autos y vehículos

+AUTOS Y VEHÍCULOS

+Mercedes-Benz SLS AMG

Leer las características técnicas de los modelos más rápidos del planeta suele traer preguntas existenciales sobre cuál es la necesidad real de cifras tan abultadas en rendimiento mecánico, carrocerías cruzadas o precios de venta prohibitivos. No obstante, existen millones de fanáticos alrededor del globo abiertos a disfrutar de los datos y, otros tantos, envidiados por los primeros, capaces de pagar por ellos. El caso de SLS de Mercedes-Benz se iguala con esta teoría. Ideal para promocionar la marca el lanzamiento programado en septiembre motivó un revuelo mediático y, claro, varias unidades vendidas.

Desarrollado integralmente por la división deportiva que vive dentro de Mercedes-Benz, AMG estuvo a cargo del diseño y producción del último deportivo de vanguardia. Inspirado ideológicamente en el clásico 300 SL de 1954, algunos detalles presentes en el SLS representan aquel tímido homenaje: desde la forma de apertura de las puertas, las branquias laterales y el inmenso logotipo de tres puntas asentado en su frente, la reinterpretación ha sido completa. +MINI Scooter E Concept Espontánea, divertida y ecológica, la propuesta de MINI para el mercado ciudadano divide a la mitad la cantidad de ruedas y propone un motor eléctrico para alimentar la rueda trasera. Su diseño retro, variedad de colores de carrocerías y espacios para dos personas, conservan el espíritu MINI, añadiendo versatilidad y un touch cool.

Conectable al sistema eléctrico hogareño convencional, sus baterías podrán alimentarse completamente en pocas horas y permitir decenas de nuevos kilómetros. A su vez, será posible enlazar un iPhone al manubrio, el cual tomará las funciones de central de información y navegador satelital. www.mini.com

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La tapa del baúl, corta y redondeada, ahora alberga un alerón escondido, el cual se eleva al superar los 120 km/h.

Su figura, caracterizada por un cockpit retrasado, explica cómo el extenso capó ha permitido la instalación retrasada del motor: ideal para balancear el peso y reducir la inercia, un detalle puramente estético se ha convertido en uno necesario dinámicamente. El interior, protagonizado por la tecnología en sus comandos (desde la caja de siete velocidades hasta el equipo de música Bang & Oluffsen) combina sabiamente sectores revestidos en cuero, aluminio y fibra de carbono.

Decididamente sobrio, pero atractivo y práctico, la capacidad de Mercedes-Benz muestra su veterana experiencia en el diseño de habitáculos. Disponible desde U$S 330.000, el SLS es un estudio técnico de la velocidad, un proyecto exitoso desde el diseño deportivo y, fundamentalmente, un clásico eterno. Su motor de 571 cv y 317 km/h termina la obra. www.mercedes-benz.com.ar

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148 Estos autos y más encontralos en Deautos.com

+AUTOS Y VEHÍCULOS

| Texto: Juan Ponieman

+Ford Fiesta y EcoSport Freestyle Sumamente atractivo y extremadamente seguro, el Ford Fiesta Kinetic Design es el nuevo representante de la familia Ford, que arriba al mercado argentino desde México. Asentado en los siete airbags, el control de estabilidad y su motor de 1,6 litros nafta y 120 CV, el Plan Ford continúa rentabilizando las inversiones iniciadas en 2008. Complemento del Fiesta actual –fabricado en Brasil–, el nuevo modelo sumará sus cualidades para reforzar la estrategia local y personalizar aún más, un segmento en pleno crecimiento: sedanes compactos con gran espacio interior e inmensos baúles.

Unidos por el deporte, Ford y Nokia muestran la nueva edición de la exitosa EcoSport. Se trata de la primera camioneta dirigida hacia aquellos que disfrutan del entrenamiento al aire libre y la tecnología. Un Nokia 5620 se une al conjunto: tendrá programado el sistema de navegación GPS y cargado con “Ford Personal Trainer”, una aplicación que le permite a cada usuario sincronizar los datos recopilados durante su rutina de entrenamiento. www.ford.com.ar

+Fiat Idea 2010 El Idea 2010 se renueva para seguir sumando clientes felices. La ecuación propuesta por el monovolumen de Fiat agrega equipamiento (faros con LEDs, techo solar, sensores de estacionamiento y crepuscular), un motor más eficiente (1,6 litros de 16 válvulas y 115 cv) y nuevo diseño en su frente. Los faros fueron renovados, del mismo modo que la parrilla y el portón trasero. Por último, para la versión Sporting se creó un conjunto de elementos estilísticos, con una imagen más seductora y deportiva. Incluye faldones laterales, spoilers delantero y trasero, alerón y llantas de diseño exclusivo, además de los faros y ópticas traseras con máscara negra. www.fiat.com.ar

+smart ForTwo en Argentina Luego de doce años de producción para Europa y una distribución muy acotada en el resto del mundo, la filial perteneciente a Mercedes-Benz fue presentada en Argentina. De los modelos comercializados, a partir del 14 de octubre está disponible para nuestro país el ForTwo: sus dos versiones –cerrada y descapotable– disponen de un idéntico propulsor nafta de 1.0 litros con turbo, el cual eroga 84 cv y 145 km/h de velocidad máxima. Con espacio para dos ocupantes y un pequeño baúl, el ForTwo es un éxito rotundo en Europa, donde puede ser estacionado en forma perpendicular debido a su reducido tamaño. + www.smart.com.ar

+ María y Andrés Pedro, 2008

Portfolio Florencia Blanco | Curador: Aldo Bressi Florencia Blanco nació en Montpellier, Francia, en 1971. Pero inmediatamente se trasladó a la Argentina: vivió en Bahía Blanca y Pedro Luro, en la Provincia de Buenos Aires. Más tarde llegó a Salta, y desde 1989 alterna entre esta última ciudad y Buenos Aires, donde actualmente vive y trabaja.

Estudió cine y fotografía. Realiza sus tomas con cámara analógica Rolleiflex de medio formato y con luz natural. El ensayo que presentamos en esta edición pertenece a una investigación sobre la técnica de fotografía al óleo (procedimiento muy popular en las clases bajas rurales en la década del 50), que Florencia está llevando a cabo desde hace más de diez años. La autora fotografía las imágenes que encuentra en aquellas casas cuyos dueños aún conservan esas fotos tan particulares y atractivas. + www.florenciablanco.com.ar

+ Erika, 2008

+ Foto al óleo sin identificar. 2008

+ Mercedes Vicenta y Miguel Antonio, 2008

+ Jesús, Rubén y Adrián, 2008

+ Foto al óleo sin identificar. 2008

tecnología

+ Samsung Galaxy Tab. A la venta en la Argentina en el primer trimestre de 2011. Pantalla de 7”, sistema operativo Android, chip a 1 Ghz, 8 ó 16 GB más tarjeta microSD, Wi-Fi, 3G (permite llamadas), GPS, cámara digital de 3,1 MP, más una segunda cámara al frente para videollamadas. Se venderá con sintonizador de TV, 380 gramos www.samsung.com/ar/

Hay tabletas para entretenerse Con la llegada al país de la iPad de Apple, está disponible una nueva forma de acceder a la computación y al entretenimiento sin estar atado a un cable o un escritorio. Libros, videos, música y la Web: la tableta busca cambiar cómo los usamos. | Texto: Ricardo Sametband

Las tabletas ya llegaron a la Argentina. La iPad de Apple se vende en el país desde mediados de septiembre ($ 3400 la más económica), Samsung planea ofrecer en el país su modelo Galaxy Tab, en 2011 llega la Streak de Dell y una enorme cantidad de fabricantes presentará antes de fin de año, en los principales mercados del mundo, sus propias versiones de este nuevo modo de usar una computadora.

Al develar la iPad en enero de este año, Steve Jobs volvió a hacer lo que mejor le sale: tomar un concepto ya existente, perfeccio-

narlo y, sobre todo, esperar hasta que la tecnología que requiere hacerlo realidad esté lista. Porque las tabletas no son un invento de Apple. Por el contrario, el concepto y su traslación a la realidad existen desde hace ya un tiempo. Sin ir más lejos, con su némesis en el mundo de las PC: Microsoft hizo realidad (y le puso nombre) al concepto de la computadora de mano, que se maneja con los dedos con la Tablet PC, que nació en 2001. Aunque tuvo (y tiene todavía) varios adherentes, y reencarnaciones en dispositivos conocidos como UMPC (PC ultra móvil, según sus siglas en inglés), algo

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+ Apple iPad. A la venta en el país desde $ 3400. Pantalla de 9,7”, sistema operativo iOS, chip A4 a 1 GHz, 16 a 64 GB de almacenamiento, Wi-Fi, 3G, GPS, 680 gramos www.apple.com

fallaba con las Tablet PC: eran simples notebooks con pantallas sensibles al tacto.

Esto no está mal en sí, y algunos modelos tuvieron un éxito relativo, pero eran dispositivos comparativamente caros; y en el afán de los fabricantes en hacerlos más livianos, debían resignar capacidad. Y usaban Windows XP, un sistema operativo que no estaba pensado para estos menesteres ni, sobre todo, para ser usado con los dedos.

Por suerte para nosotros, un proceso paralelo se estaba llevando a cabo: el crecimiento de las palmtops primero, y de los smartphones después, que culminó en el estado actual: 1200 millones de teléfonos móviles vendidos en 2009 y, según la firma IDC, este año se venderán 270 millones de equipos inteligentes, contra los 170 millones de 2009. Los smartphones en general, sumados a la tecnología que ayudaron a desarrollar, y el iPhone que Apple presentó en 2007 en particular, le dieron una segunda oportunidad a dos conceptos que, Tablet PC mediante, no tenían el buen nombre que merecían: la operación de un dispositivo con los dedos en pantalla, y la computación ultra móvil.

3G y Wi-Fi, GPS, cámaras digitales para fotografía, realidad aumentada o videoconferencias, acceso a la tienda de aplicaciones, conexión HDMI para la TV, etc.). Algo que diferencia al equipo de Samsung es que fue presentado en la Argentina y se espera que esté presente en el mercado local en los primeros meses de 2011; otra cosa atractiva de este modelo es que incluye un sintonizador de TV digital y analógica. El año próximo, además, llegará al país la Dell Streak, otro equipo Android, pero con pantalla de 5”.

También está en desarrollo WeTab, la tableta con sistema operativo MeeGo (que están desarrollando en conjunto Intel y Nokia), fabricada por la compañía alemana del mismo nombre; y se espera que el resto de los grandes fabricantes de móviles o PC (Motorola, RIM,

El timing de Apple para presentar la iPad fue muy acertado: recién ahora el hardware (los procesadores, las pantallas, las alternativas de conectividad, la energía que consumen) está a la altura de lo que demanda una interfaz que se usa sólo con los dedos. Ya no es la única, claro: en la feria IFA de Berlín, que se realizó a principios de septiembre, se develaron varios equipos que compiten con la iPad. Todos usan Android, el sistema operativo propulsado por Google, que en la Argentina está representado por LG, Motorola, Samsung y Sony Ericsson.

Así es la ViewSonic ViewPad 7, una tableta de 7”; la Toshiba Folio 100, con pantalla de 10,1”, varios modelos de Archos (con diferentes tamaños de pantalla) y la Samsung Galaxy Tab, con pantalla de 7”. Todas usan Android y ofrecen funciones similares (conectividad

+ Toshiba Folio 100. Pantalla de 10,1”, sistema operativo Android, chip Nvidia Tegra 2,16 GB más tarjeta microSD, Wi-Fi, 3G, GPS, 760 gramos www.toshiba.com

tecnología

+ Dell Streak. A la venta en la Argentina para fin de año. Pantalla de 5”, sistema operativo Android, chip a 1 Ghz, 16 GB más tarjeta microSD, Wi-Fi, 3G (permite llamadas), GPS, cámara digital de 5 MP más una segunda cámara al frente para videollamadas, 220 gramos www.dell.com

+ ViewSonic ViewPad 7. Pantalla de 7”, sistema operativo Android, chip a 600 Mhz, almacenamiento por tarjeta microSD, Wi-Fi, 3G (permite llamadas), GPS, cámara digital de 3,1 MP, más una segunda cámara al frente para videollamadas www.viewsonic.com/la/

Nokia, LG, HP) también presenten su versión de la computación móvil en los próximos meses.

se pueden embeber una película, una infografía interactiva, etc.

En diciembre, Amazon informó que, por primera vez, las ventas de títulos digitales para el Kindle habían superado las de papel en su librería online. La tienda de libros (que también está disponible en la iPad y en equipos con Android) ofrece 500.000 títulos; no hay librería de ladrillo y cemento capaz de ofrecer un inventario semejante.

Según datos de septiembre de la consultora NPD, en Estados Unidos el mercado de netbooks pasó de meses con un crecimiento de 30% promedio a caer en los últimos ocho o nueve meses, hasta tener números negativos en agosto último, atribuidos a las 3 millones de tabletas vendidas por Apple en sus primeros 80 días en el mercado.

LLEVAR EL ENTRETENIMIENTO A OTRA PARTE Pero ¿qué implica la computación en una tableta? ¿Por qué se le está dando tanta importancia? Primero, porque le da todavía más validez al concepto del dispositivo siempre encendido (o de disponibilidad instantánea), pero llevándolo más allá de las funciones básicas de un teléfono. Con una pantalla de 10” compite con cualquier notebook o netbook, ofreciendo diversas ventajas, sobre todo en el consumo multimedia.

En esto, las tabletas están yendo un paso más allá de lo que permitían las notebooks y las netbooks, al presentar un dispositivo que ofrece múltiples opciones de entretenimiento en un formato compacto y portátil, y que a la vez es lo suficientemente flexible como para permitir crear contenido y no sólo consumirlo. +

No por nada la iPad y las tabletas con Android incluyen aplicaciones para leer libros electrónicos, ver (y alquilar) películas, fotos, jugar, navegar por la Web desde cualquier parte de la casa (si los sitios no usan Flash, claro), etc. Son un gran negocio, además; revistas como Wired, Time, Sports Illustrated o diarios como el New York Times, Wall Street Journal o Financial Times encontraron una manera de cobrar por contenido digital de gran calidad, en oposición al modelo tradicional de la Web, donde el contenido usualmente es gratis.

Incluso DC Comics y Marvel está ofreciendo sus comics en forma digital, lo que les permite ahorrarse costos de impresión, inventario, logística y demás, mientras ofrecen una versión digital de alta definición, de sus historietas.

Y están, por supuesto, los libros: ayudadas por el éxito reciente del Kindle y otros lectores de libros electrónicos, las tabletas son una excelente alternativa para disfrutar de un libro y, sobre todo, de manuales estudiantiles con contenido multimedia: en un libro de texto

+ WeTab. Pantalla de 11,6”, sistema operativo MeeGo, chip Intel Atom N450, 16 ó 32 GB más tarjeta de memoria, Wi-Fi, 3G, GPS, webcam, 800 gramos wetab.mobi/en

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+TECNOLOGÍA

| Texto: Ricardo Sametband

+Samsung Wave El segundo mayor fabricante de móviles del mundo ya vende en el país su equipo Wave, un móvil con pantalla táctil Super Amoled de 3,3”, chip a 1 GHz, 11 mm de grosor y cámara de 5 megapíxeles (además de Wi-Fi, 3G y GPS). El equipo usa el sistema operativo Bada de Samsung y tiene un precio local que oscila entre $ 1499 y $ 2189, según la operadora. www.samsung.com/ar/

+Apple iPhone 4 Después de algo de espera, ya está en la Argentina el iPhone 4. El móvil de Apple está disponible con las tres operadoras en sus versiones de 16 y 32 GB, e incluye la pantalla de 3,5” y mayor resolución a las anteriores, cámara de 5 megapíxeles con flash, una cámara secundaria para videoconferencias, 3G, Wi-Fi, GPS, acceso a las 250.000 aplicaciones disponibles para el equipo y más. Los precios oscilan entre los $ 2100 y $ 3500, según el plan y la operadora elegidos. www.apple.com

+IE9 Alguna vez Microsoft dominó el acceso a la Web con el Internet Explorer, pero ya no es el caso, y hoy tiene apenas un tercio de los usuarios. La compañía está intentando recuperar terreno perdido, y por eso presentó la versión de prueba de la versión 9 de su navegador. Más moderno y ágil, consume menos recursos del sistema y suma características presentes en otros navegadores (accesos directos a páginas favoritas, la posibilidad de despegar una pestaña del resto y hacer que se comporte como una aplicación Web). Se descarga gratis de: www.labellezadeinternet.com

+YouTube.com.ar Google presentó recientemente la versión local del sitio de videos YouTube, que permite acceder de manera más rápida a contenidos argentinos o en español y, en cualquier caso, puede verse el resto también. Uno de los hechos destacables del anuncio es que Google hizo un acuerdo con Sadaic para compartir parte de las ganancias que genere la vista de avisos en los videos. www.youtube.com.ar

tecnología noticias

+TECNOLOGÍA

+HP Mini 210-1130LA HP renovó su línea de netbooks; en este caso, con el modelo Mini Preppy Pink ($ 2599), que incluye un chip Intel Atom N450, 2 GB de RAM, pantalla de 10,1”, 320 GB de disco rígido, batería de 3 celdas, webcam Windows 7 Starter y un look muy femenino. www.hp.com

+Intel AppUp La compañía sigue apoyando la netbook como plataforma, y develó AppUp, una tienda de aplicaciones especialmente desarrolladas para netbooks, o que se llevan muy bien con ellas, y que fue creada en el centro de software que Intel tiene en la provincia de Córdoba.

Hay aplicaciones gratis y pagas, juegos, software para redes sociales, herramientas de productividad y más, todas optimizadas para el tamaño de pantalla de las netbooks. www.appup.com

+BGH e-Nova Netbox 30 La compañía argentina presentó recientemente su PC multimedia de tamaño reducido (19 cm de ancho), pensada para usar conectada a un LCD. Tiene un chip Atom, gráficos ION de Nvidia, 2 GB de RAM, 250 GB de disco rígido, salida HDMI y DVI, Wi-Fi, Windows 7. No usa fuente con ventilador, por lo que es muy silenciosa. Incluye una lectora de DVD externa que se adosa al gabinete y permite ver películas en pantalla, acceder a la Web, a videojuegos, etc. Su precio local es de $ 2499. www.bgh.com.ar

+Sony PlayStation Move Con la llegada de la primavera, comenzó la venta en Argentina de Move, los controles remotos inerciales para la consola PlayStation 3, con los que Sony sale a competir con la Nintendo Wii. Los controles requieren de una cámara que sigue su movimiento (también tienen acelerómetros para ofrecer más precisión en la reproducción de los gestos), y en algunos títulos pueden combinarse para que un mismo jugador use dos controles en simultáneo. El pack base con un solo control, un juego y la cámara de seguimiento tiene un precio local de $ 899. + www.sony.com.ar

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ENGLISH SUMMARY Special 2010 London Design Festival Pages 55-65 Design trend and good business From hands of robots in Trafalgar Square to walls made from waste in the Victorian & Albert Museum, the core of the London Design Festival -from September 18th to the 26th- was to portray that evolution and viability go hand in hand, at the same time anticipating new talents from all over the world. With more than 240 planned events, the British capital became a creativity mecca for a couple of days, in order to show that London sets the trend in design and of course, is the best place to make a good deal.

Like a journey back to childhood, the opening of the 2010 London Design Festival was everything but modest. With night falling over the historical stage of Trafalgar Square, an artistic installation in charge of the German designers Reed Kramm and Clemens Weisshaar was a delight to everyone there, in a classical autumnal London dusk.

In this eighth edition, the 2010 London Design Festival was held simultaneously with the London Fashion Week and the retrospective exhibition John Pawson: Plain Space, in the Design Museum.

It could also reach prestigious stages, as the Serpentine Gallery, as well as artists and designers studios, art galleries, stores and even neighbourhoods and redoubts, those that have promised to soon become required spots in travel guides.

Everyone was interested in this offer that revealed a rare and eclectic London, seeking to continue growing and attracting the crème de la crème of global design.

Pages 66-69 Ilse Crawford Emotional design She was the glamorous UK Elle Decoration publisher, today she is the visible face of one of the most popular studios in London.

Consultancy, brand design, interior design, and product design are among her activities, to which she adds her jobs as teacher and writer. Nowadays, among her creations, we can find an original champagne glass collection, a “resistant yet non pretentious” nightstand lamp, a line of chairs and benches thought “for people to gather”, and mirrored cabinets, that are desired when seen. All these respond to one of her main concerns: storage: “It is something we all need; however today it’s essential to consider methods which should be truly practical.”

Pages 70-73 Paul Cocksedge The power of transformation He was one of the star designers in the 2010 London Design Festival. Along with his partner, Joahan Pinho, they showed two artistic installations in The Sputh Bank and the Victoria & Albert Museum. Today, they are a creative factory that produces from ingenious lamps to rooms free of rain thanks to electrostatics, going through experiments with optical fibre. As their approach is an interdisciplinary concept that includes artistic installations, concepts, modifications of the public spaces, and interior design, all their production is guided by a firm policy of “freedom atmosphere” at work.

Julien Vallée Pages 74-77 The explorer The Canadian graphic designer and paper artist visited Buenos Aires on the occasion of the Pre-Inspiration Fest. A magician in the use of scissors and animation, he is awarded and exhibited in places such as Berlin, Shangai, London and Seoul. Big typography, colour balls, shapes and daily varied objects that fall and rise back again, that appear and disappear, and that come together in a collage-situation, a mix of reality and fantasy. His work is a stunning experience in visual communication as a result of a seemingly innocent almost childlike combination, part of a jigsaw puzzle of emotions.

MemSiSurt Pages 78-80 I+D in the kitchen MenSisurt works from their lab-kitchen in Palma de Mallorca, Spain, to bring food to life, to innovate and experiment with food coming from the island. In this way, they surprise us with their new range of gastronomic products, such as “Sabors de sa Terra”, a gourmet product made with salt flakes combined with sobrassada, herbs or “Ramallet” tomatoes liquor. They will soon launch tasty inventions that might allow us to try something so extravagant as a jellyfish ice cream. Considering that they work with local species, the delight will do both for the sweet-toothed and the swimmers.

Juan Manuel Díaz Pages 82-84 Reinterpreting a legend Young and promising, the busy and complex life of this Argentinean designer is next to absolute success: he is in charge of the aesthetic restructuring if the Italian company with the biggest international renown, Alfa Romeo, where he is the responsible of the exterior design. The commercial concretion of Mi.To, the compact car from Alfa, has been a turning point in his work experience. Completely designed by Díaz, this project made its designer, born in the city of Rosario, to be placed in a special position among his colleagues. He was able to fulfil a childhood dream: a car of his authorship that will be driven everywhere in the world.

Milton Glaser Pages 86-89 The most influencing graphic designer of the 20th Century It’s been more than sixty years since Glaser started working as a graphic designer, illustrator and concept thinker. His aesthetics relates to a certain time when nothing begins nor ends, where elegance and looseness are inseparable, always unconditionally supported by idea and thought. He studied in the prestigious Cooper Union University in New York, and his career did not scale up until he founded Pushpin Studios, together with Seymoir Chwast, Reynold Ruffins and Edward Sorel.

During two decades, Pushpin revolutionized the illustration world, filling it with irreverent concepts, innovative styles and lots of will to do it all; combining design and illustration in an original formula.

Simultaneously, Glaser cofounded the well-known publication New York Magazine in 1968, which he directed until 1997 and it is still nowadays an urban influence in the big apple. The most surprising and remarkable aspect of his career isn’t just his portfolio filled with stars that made history but also his diversity of styles in which he was able to stand out.

Casa FOA 2010 Pages 90-95 Colonial enclave The most visited architecture, design and landscape annual exhibition celebrates the Argentine Bicentenary with the opening of Casa Foa La Defensa (The Defense). In its 27th edition, some 40 spaces were opened to the public until November 14th, all conceived as a tribute to the national Bicentenary. Apart from the already known spaces that gather the talent and taste of prominent architects, interior designers, artists, and decorators; the 2010 FOA version includes a contest where twenty chairs to drink “mate” were artistically modified.

Whirlpool in Casa FOA 2010 Pages 96-99 Technology and great design meet Once more, Whirlpool chooses Casa FOA as the frame to exclusively present their next launches, reasserting their vocation of giving the chance to design professionals of creating unique spaces, both intelligent and functional. In this edition, the Whirlpool space was developed by the designer Alfred Fellinger and the architect Nazareno De Souza, where the striking new line of electrical appliances called All Black was exclusively presented as an preview of their 2011 launch.

This new line includes a washing machine, a microwave oven, and a fridge; all combining the elegance and sophistication of the black colour with Whirlpool’s great design and 6th Sense Technology.

english summary

| Translated by: Mora Kantor and Lucrecia Bertani

Buenos Aires Design in Casa FOA 2010 Pages 100-101 Placing a bet for design and interior decoration Buenos Aires Design, the first thematic shopping mall entirely devoted to design, equipment and interior decoration, sponsors once again the annual and most important design exhibition, in its 26th anniversary. At the same time, they back Mónica Kucher and Esteban Barranco’s proposal “En Volver”. These architects conceived a space for reading, investigation and reflection.

Puma Urban Art 2010 Pages 102-106 A must in urban art After two successful editions and with the attendance of more than 13 thousand people, Puma Urban Art, the most important urban art festival in Argentina in the past years, held its third edition on August 28th and 29th in the Buenos Aires Auditorium. An art festival that gathers both national and international leaders in different disciplines; music, painting and cinema among others all intertwined by the same thread, art from the streets. Some of the most important figures in this edition were: the film director Leslie Iwerks, the Clayton Brothers and the Brazilian Calma, as well as the band Miami Horror that played live for the first time in Argentina.

Sudala Pages 108-109 The bet in transandine design During August 27th and 28th in the city of Santiago de Chile, Sudala, a design and graphic culture congress organized by creative Chileans, was held for the second time. This gathering seeks to connect the creative Chilean community with the ones of the rest of Latin America. There were first class guests from Spain, Mexico, Brazil, Argentina and Chile. Moreover, the event counted with exhibitions, artistic modifications, and an independent design fair, all crowned with a great closure party.

Pages 110-111 Absolut Art Collection Absolutely creative This year, Absolut Vodka celebrates thirty years of existence and collaboration with art, which started with the great Andy Warhol, who was responsible for the first advertisement of this drink in 1985. Today, after three decades, there is the Absolut Art Collection, gathering more than eight hundred pieces, from artists such as Keith Haring, Damien Hirst and Louise Bourgeois. For the first time, the complete collection will be put together in Sweden, in the Historical Museum of Wine and Spirits, where its permanent location will be established.

TRImarchiDG Pages 112-114 Nine years in graphic design The first weekend of October, graphic design sets up in the Estadio Polideportivo of Mar del Plata, which works as an excuse for students and professionals to exchange experiences, and contacts, to show what they can do, and also to have fun. TRImarchiDG is one of the most popular formats that the graphic design community chooses to participate in for over nine years. This international summit meeting offers three days of conferences both national and international, workshops, exhibitions and more, to the five thousand persons that come from all over the world each year.

London Fashion Week Pages 116-119 London calling Each September, the London Fashion Week brings together all the specialized press, international buyers, and some other visitors that are able to gatecrash and see the most innovative fashion in the whole world. In this last edition, more than sixty brands from different countries were presented, having as a common factor the transgressor character and the diversity in their proposals. The must-see collections were Paul Smith’s -a classic in the schedule-, Christopher Kane’s -who always manages to surprise us and set trends, and named his latest work “Princess Margaret on Acid”- Mark Fast, Richard Nicoll, Peter Pilotto, House of Holland, Marios Schwab,

Burberry, Vivienne Westwood y Matthew Williamson.

Pages 134-136 2010 Fashion Edition BA Published Argentinean fashion To celebrate its third edition, Fashion Edition BA invited Scott Schuman, the most well known photographer and blogger in the world, to know and edit the collections of a group of Argentinean designers.

The event, which included a runway show, took place in Los Molinos building in Puerto Madero on October 20th, where part of the collections of a pre-selected group of five designers was shown: Vero Alfie, Evangelina Bomparola, Cecilia Gadea, Cora Groppo and Pablo Ramírez. From among them, Schuman selected the designer of the year, who turned out to be the many times awarded Pablo Ramírez, who as a prize will be part of the next Stockholm Fashion Week.

Page 137 Bombay Sapphire Design and solidarity In a fundraising event, cocktail glasses from the different editions of Bombay Sapphire Designer Glass Competition were auctioned with the aim to raise money for the fight against cancer. The main attraction in the party turned out to be the “Cáliz” -Chalice- glass, donated by the Australian artist Peter Crisp, made from the fusion of 226 blue sapphires in glass, a true jewel which was auctioned in € 13,000.

John Pawson Pages 138-142 Minimal Expression From September to January, the Design Museum presents a retrospective of the famous British architect John Pawson. Master of minimalism, conscious theorist, he now extends his spectrum and consolidates the importance to pay attention to all the details of the daily life in human experience, while he supports the idea that we need less objects than we have. Among his most outstanding projects, the Pawson house in London (1999) is included; a Zen space where false walls hide spaces from our eyes and where sunlight and open space are responsible for not clouding our imagination; the Novy Dvur Monastery in Czech Republic (2004), elegant and alluring while still slightly gelid; and Calvin Klein’s Flagship Store in New York (2005), a neat construction that responds to the need of a vectorial and directed look to the space to be gone around.

Citroën Aircross Pages 144-145 Creative Technology The less rectilinear but most creative and backed automobile constructor in the industry, creator of beautiful and paradigmatic fourdoor sedans, and young and popular doubled volumed compact cars, has presented in Rio de Janeiro its latest creation: the C3 Aircross.

An innovative and renewed style revitalizes the compact LatinAmerican sector, applying an unseen image and European avantgarde details mixed with territorial lineament.

Pages 149-154 Portfolio Florencia Blanco Florencia Blanco was born in Montpellier, France, in 1971. However, she immediately moved to Argentina, where she studied cinema and photography. She creates her shots with an analogue medium format Rolleiflex camera and with sunlight. The essay we present is part of an investigation about the oil painted photographic technique that she has been doing for over ten years.

There are tablets to amuse ourselves Pages 155-157 With Apple’s iPad arrival in Paris, a new way to access computing and entertainment is now available without having to be attached to a wire or a desk. Compared to what notebooks and netbooks offer, these tablets go beyond them, as they have a device that allows multiple options of entertainment in a compact and portable format while they are still flexible enough so as to enable the creation of content and not just its consumption. +

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La Plata Éxodo Calle 1 Nº 713 Rayuela Libros Plaza Italia Nº 10 Librería Arq. Nélida Lugo Calle 47 Nº 162

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Los que se suscriban a reciben como obsequio un pack de 6 Posavasos de Autor de la nueva serie de productos de cocina creada por Monoblock, bajo el concepto Bon Appetit! (*) La primera serie limitada de Posavasos de Autor cuenta con las participaciones de Sol Linero y Santi Idelson (Argentina), Anke Weckmann (Alemania), Gemma Correll (UK) y Nate Williams (US). Los autores interpretaron sus escenas culinarias ideales, con diseños de patterns. www.monoblock.tv (*) Los que se suscriban a 90+10 entre el 01/10/2010 y el 30/11/2010 recibirán como obsequio un pack de 6 Posavasos de Autor de la línea de cocina de Monoblock, hasta agotar stock de 30 packs.

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