Revista 90+10 #30 by 90+10

STAFF Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar Diseño Gráﬁco Hernán Patto Leandro Marenzi Gestión Corporativa Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar Producción Dulcinea Sedam dulcinea@90mas10.com.ar Departamento Comercial publicidad@90mas10.com.ar Colaboran en este número Aldo Bressi, Axel Chaulet, Basilio Silva, Berty Giménez Brotons, Carlos Piedrabuena, Carolina Prioglio, Diego Giaccone, Elvio Orellana, Emilio Lacroze, Federico Laboureau, Fernanda Cohen, Germán Andrés, Javier Villa, Jorgelina Peciña, Leila Mesyngier, Lucrecia Bertani, Movimiento Artes, Natalia Iscaro, Patricio Oliver, Rafael Delceggio, Ricardo Sametband, Sandra Furelos y Watio Distribución en kioscos Ciud. Aut. Bs. As. y GBA Vaccaro, Sánchez y Cía. S.C. Moreno 794, Piso 9º Tel. (+5411) 4342-4031/32 Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114 Suscripciones Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 Fax (+5411) 4314-7135 cp67@cp67.com Librería Concentra Montevideo 938 Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com Producción Gráﬁca Help Group www.hgprint.com.ar info@hgprint.com.ar

Cerviño 3814 – 4º Piso “A” (C1425AGU) Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | www.90mas10.com Revista Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas ﬁrmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual Nº 364582 | ISSN 1668-6403

Año 7 - Nº30 – Diciembre 2010 / Enero 2011

EDITORIAL En su conferencia en Inspiration Fest, el diseñador brasilero Felipe Taborda nos puso un espejo delante de nosotros, y nos explicó cuán complejo se ha vuelto el trabajo creativo en nuestros días, comparando la forma en que The Beatles produjeron la archiconocida tapa de su álbum Abbey Road en 1969. Un equipo reducido de personas y una idea muy simple -como fue la de los integrantes de la banda atravesando una calle un día de verano-, se convirtió en una imagen icónica, recreada hasta hoy innumerables veces en todo el mundo.

Jeremyville, el artista australiano que también visitó Buenos Aires. Reconoce que le tomó años volver su arte simple. Porque claro, añadir trazos y más trazos a un dibujo, puede hacerlo más intrincado y hasta parecer más bello, pero también puede empastarlo…

Qué placer –y qué privilegio- poder contar también en esta edición con las palabras de Eva Zeizel, diseñadora húngara de 104 años, que pasó por las aulas de la Bauhaus y hasta sufrió la cárcel nazi. Sus diseños son tan exquisitamente simples y ¿Qué es lo que nos pasa a los que nos sus palabras tan esclarecedoras, que al dedicamos al trabajo creativo, que en el ver sus obras uno piensa que otra forma afán de superarnos, de ser originales y de vida es posible. cada vez más “profesionales”, nos complicamos tanto en los detalles? Taborda Vivimos en el siglo XXI, en medio de una nos habló de la importancia y necesidad vorágine nunca antes vivida por el ser hude tener una buena idea, sencilla, clara, mano y –seamos sinceros-, nos encanta que pueda ser entendida por todos. Lo esa adrenalina. ¿Pero no creen que poque buscamos, en deﬁnitiva, es comunicar dríamos disfrutar aún más del día a día algo a los demás, y qué mejor resultado si optáramos por buscar las buenas y simples ideas? que lograrlo. Lo mismo nos plantea en su entrevista ¡Qué tengamos un excelente 2011! + Marcela Fibbiani Editora

Agradecemos a: nuestros lectores, a Adam Zeisel, Adriana Roldán, Agustín Castañeda, Agustina Militerno, Alejandra Grignani, Alejandro Czerwacki, Alexis Amitrano, Analía Fabre, Andrés Herrera, Bárbara Bertani, Belén Marty, Brenda Kucy Román, Camila Milessi, Carolina Gómez Carot, Carolina Lemos, Carolina Peschi, Carolina Wartelsky, Cecilia Cabral, Cecilia Conde, Cecilia Crego, Clara Pérez Alati, Cristian Sánchez, Daiana Hitner, Daniela Re, Débora Lachter, Diala Lada, Diego Acosta, Diego Battista, Emiliano Blanco, Erika Uehara, Eugenia Ramírez, Facundo De Falco, Facundo Garayalde, Fareed Ramezani, Fernando Descotte, Florencia Cajide, Florencia Sassone, Gabriel Stabilito, Gabriela Ohanecian, Gisela Lenzo, Gonzalo Rodiño, Guido Guarino, Guillermo Martín, Gustavo Castagnino, Horacio Palermo, Ileana Mangini, Inés Marseillán, Jan Larsson, Javier Vernengo, Jean Richards, Jorge García Puigrredón, Joseﬁna Basaldúa, Judy Ortiz, Julieta López Fondevila, Karina Perrando, Leandro Di Gregorio, Leandro Ferrero, Leandro Maseda, Leo Peydro, Liliana Dabove, Liliana Labonia, Lore Gentile, Lorena Amran, Lorena Marino, Lucía Lanusse, Luciana Antolin, Luciano Tarragó, Magdalena Villemur, Marce García, Marcela Carminio, María Bilotte, María Elena Ricaurte, Mariana Garbers, Mariana Pérez, Marianela Bofﬁ, Marisa Mesquía, Martín Bal, Martín Curia, Martín Pezza, Matías Albaine, Matías Bártoli, Maximiliano Chomnalez, Máximo Aguirre, Melanie Steiner, Mercedes Reinoso, Nadia Martínez Parolin, Natalia Cuevas, Nicolás Bruzzone, Nicolás González Barcia, Patricia O´Shea, Patricio Howlin, Patricio Lynch, Paula Wachs, Paz González Arata, Pía Neira Halliburton, Pía Segura, Ramiro Arosteguy, Ricardo Flammini, Romina Saavedra, Rosario Ariganello, Rosario Toschi, Santiago Perincioli, Sebastián Zajdman, Silvia Soriano, Silvio Roldán, Sol Laiño, Sonia Güerci, Susana Lonetti, Tito Khabie, Tomás Amorena, Tomás Cohen, Valeria Balut, Valeria Magnaldi, Verónica Ciaglia, Verónica Gruñeiro, Verónica Pagniez, Victoria Capellini, Wally Diamante y a todos los entrevistados.

SUMARIO NÚMERO30 12 19 20 22 24 26 30 32 34 36 38 45 46 50 51 54

Noticias +Diseño +Publicaciones +Arquitectura +Recomendados Tiendamalba +Green Design +Arte +Destinos con Diseño +Experiencia Konex +Branding & Diseño +Los Ojos se Alimentan +Música +Lifestyle +Eventos +Fragancias +Empresas +Agenda

56 62 66

Diseñadores y creativos Jeremyville El arte de lo simple Juan Chito Fantasías con aire antiguo Red Nose Studio Donde los sueños se hacen 3D

70 72 86 90 92

Diseños y creatividad DArA ID Diseño puertas adentro Inspiration Fest 2010 Una cita con la creatividad Tron: Legacy Movie alert Premio Arnet a Cielo Abierto 2010 Enriqueciendo nuestro patrimonio artístico ArtFutura 2010 Por amor al arte (y la tecnología)

94 102 108 112

Moda Subzero Observer Jeremy Scott Extravagancia, humor y concepto Diseño de zapatos Arte y oﬁcio Energy we are. Energy je suis

121 122 127

Clásicos contemporáneos Bombay Sapphire 250 años de tradición y diseño Eva Zeisel El carácter circular +Premium

128 130

Autos y vehículos smart ForTwo El más pequeño entre los pequeños +Autos y vehículos

133

Portfolio Jorge Miño

140 142

Tecnología Consolas de videojuegos La batalla del movimiento +Tecnología

144 146

English Summary ¿Dónde consigo 90+10? | Suscripción

DISEÑO DE TAPA Patricio Oliver www.patriciooliver.com.ar Fotografía Basilio Silva www.basiliosilva.com Producción General y Estilismo Emilio Lacroze www.emiliolacroze.com Modelo Belén Bergaña para Lomanagement www.lorenaceriscioli.com Pelo y Make Up Chino Burgos Agradecemos al Centro Metropolitano de Diseño + Campera: Santiago Artemis. Culotte: Complot. Botas: Ricky Sarkany

+DISEÑO

| Texto: Natalia Iscaro

+ Anima-litos de Axoma Diseño (Diego Martín, Daniel Callegari y Germán Sbrascini).

+Argentina en la BID 2010 Desde 2007, cada dos años, Madrid es el escenario de la BID (Bienal Iberoamericana de Diseño). Convocada por la Central de Diseño y Dimad (Asociación de Diseñadores de Madrid y Fundación Diseño Madrid), de a poco se va convirtiendo en una cita obligada para la promoción del diseño de Latinoamérica, España y Portugal. Entre el 22 y el 26 de noviembre pasados, este objetivo se revalidó en la Central de Diseño de Matadero, Madrid. Por supuesto, la Argentina estuvo presente. De Axoma Diseño, la familia de juguetes de arrastre Anima-litos, que imitan el movimiento del animal representado mientras se desplazan, fue el único producto representante de Argentina, de la categoría diseño industrial, que estuvo presente de forma física en la exposición. Gustavo Diéguez y Lucas Gilardi, de a77, presentaron un proyecto de diseño interior destinado a barrios deprimidos de la ciudad, gracias a la reutilización de restos industriales y reciclados para viviendas experimentales y efímeras, con el ﬁn de activar el espacio público. El proyecto propone, además, transformar un contenedor portuario en desuso, en una Escuela de Arte para chicos. En el terreno de los accesorios, Carla Di Sí presentó su marca de anteojos, que diseña para Vitamina, Uma y Las Oreiro, todo fruto del trabajo de su creadora, tercera generación de ópticos en su familia. En anteojos de sol, también estuvo Punta’s, con una versión propia del clásico modelo Jackie, glamoroso y moderno, con toques rosados. En diseño gráﬁco, grupoGrapo (Edgardo Castro, Eduardo

López, Luis Alberto Sarale y Ricardo Colombano) dio el presente con su habitual mirada de reflexión social, en su libro “Metele que son carteles”, seleccionado para la muestra del stand argentino de la Feria del Libro 2010 de Frankfurt. La moda tecnológica corrió por cuenta de Indarra.DTX (firma que ya ha cosechado numerosos premios locales e internacionales), de Julieta Gayoso. La etiqueta presentó una campera para hombre con un módulo fotovoltaico, dotada de un panel solar liviano, flexible y desmontable, que transforma la luz del sol en electricidad, y la almacena en una batería alojada en el bolsillo interno. La joyería contemporánea se lució en modelos con madera y metal, bajo la firma de Tamara Lisenberg. Su colección Sur explota materia prima de la Patagonia, con maderas como el radal y almendro, y plata. El diseñador gráfico Octavio Martino, ganador de premios internacionales y co-director de la revista “i”, presentó la publicación de aniversario del CCEC. Más precisamente, los tomos primero: “Las Palabras”, que incluye entrevistas a 26 artistas, y una portada troquelada; y el segundo: “Las Imágenes”, con fotografías, gráficas y la portada desplegable de un póster, de una imagen desarrollada para el CCEC en 2004. Finalmente, Total Tool BA, de Darío Fischman y Juan Kayser, dio la nota con un bar, ícono de la forma de reunión argentina. Híbrido entre bar y oficina, Urban Station es el espacio ideal para trabajadores móviles. En suma, propuestas para poner un pie argentino en Madrid, en el marco de una iniciativa que se afianza. + www.bid-dimad.org

+DISEÑO

+ Elemental de Fuga Manía, cocina ganadora.

+ Tavola de Rosana Gasparín y Juan Paredes, mención especial.

+Concurso Cocina Compacta

cocina simple, separada en dos áreas: trabajo y servicio, con un sector común denominado “área verde”, que tiene la virtud de aprovechar el agua proveniente del secado de vajilla y excedente de bacha que, combinándose con una iluminación UV cenital, permite cultivar diversas variedades de plantas. Recibieron $10.000 en efectivo, con la posibilidad de producir y comercializar su obra, además de una suscripción anual a 90+10.

Amoblamientos Battista dio a conocer el ganador del Concurso de diseño Cocina Compacta, organizado junto a revista 90+10, con el apoyo de Corian y BGH. El certamen propuso realizar el diseño de una cocina con conceptos contemporáneos, que le permitieran ser adaptada a diversas áreas (como espacios integrados tipo loft, oﬁcinas y lugares de trabajo, entre otros), resolviendo, a su vez, aspectos prácticos que comprendieran desde las funciones propias de la cocina hasta problemas de este espacio (como ruidos, olores, provisión de agua, desagües, electricidad, extracción de aire, etc.), sin dejar de lado el aspecto estético y formal de la marca Battista. “Elemental” fue la propuesta ganadora, creación de Julián Ortiz, Federico Varone y Emiliano Britos de Fuga Manía. Se trata de una

A su vez, se entregó una mención especial para el proyecto “Tavola”, desarrollado por Rosana Gasparín y Juan Paredes: una mesa que contiene la cocina, la guarda y la compone casi como un interior que ordena y organiza el proceso de uso, sin dejar su función principal, de mesa. También recibieron una suscripción anual a 90+10. www.battista.com.ar

1. Branca a la Bauhaus de Danila Moiana, ganadora 1º premio. 2. Placer Único de Pablo Gutiérrez, ganador 2º premio. 3. Momentos Únicos de Silvia Gambarte, ganadora 3º premio.

+Aﬁches únicos Por tercer año consecutivo, se realizó la entrega de premios del Concurso Fernet Branca Categoría Aﬁche 2010, bajo la temática “Momentos Únicos”. En esta edición, hubo 21 obras seleccionadas, entre las más de 350 recibidas de todo el país. El jurado integrado por Ricardo Blanco, Enrique Longinotti, Juan Cavallero y Marina De Caro, bajo la curaduría de Laura Buccellato, otorgó el primer premio a Danila Moiana (Ciudad de Buenos Aires), por su obra “Fernet Branca a la Bauhaus”; mientras que el segundo

premio fue para Pablo Gutiérrez (Tucumán), por su obra “Placer Único”, y el tercero para Silvia Gambarte (Córdoba), por su obra “Momentos Branca”. Los tres recibieron dinero en efectivo. La ceremonia de premiación se realizó en el Hotel Alvear, donde también se exhibieron la totalidad de las obras preseleccionadas. Al igual que en las ediciones anteriores, esta colección estará recorriendo museos y bares de las principales ciudades del país durante todo el año 2011. + www.branca.com.ar

+DISEÑO

| Texto: Natalia Iscaro

+Luminosa sastrería

mientras encara proyectos de diseño e investigación.

“Nos conocimos trabajando para la empresa Brion Design, hace seis años. Hace un año y medio, acordamos dedicar un día en la semana a la experimentación”, cuentan ellos. Son Batti (Diego Battista), argentino formado en artes plásticas, música y diseño, que en 2004 dio a luz al sillón Placentero, mecedor elogiado por la prensa mundial y ganador del concurso Innovar 2007, en la categoría Diseño Industrial, así como elegido para integrar el Hall of Fame del prestigioso premio internacional Red Dot Award; y lo acompaña Darío Stanziano, diseñador industrial que trabajó en estudios como Ideo y Firma, actualmente en el área Innova de Paolini, donde asiste en el desarrollo de nuevos materiales,

De estas dos cabezas creativas nació la línea de luminarias Fractales: “La temática elegida fue textil, por lo cual fuimos a Once, donde compramos de todo, y aprendimos de telas y costuras”. Morfología, geometría y experimentación dieron lugar ﬁnalmente a esta lámpara, cosida y armada íntegramente a mano, donde lo que decanta es calidez, suavidad y transparencia, junto con la ﬂexibilidad y luminosidad propias de la tela. Disponible en tres modelos y dos tamaños, una lámpara para reencontrarse con lo textil. dariostanziano@gmail.com djbatti@hotmail.com

+Diez años de premios Este año, 90+10 se sumó como media partner a los prestigiosos Adobe Design Achievement Awards, que cumplen una década de vida. En diseño gráfico, instalación, mobile design, animación, live action, motion graphics, ilustración, packaging, fotografía y print communications, los ganadores fueron seleccionados por un jurado de expertos compuesto por Lawrence Zeegen (Kingston University), Kevin Slavin (Area/Code), Meg Barbour (The Barbour Shop), Diego Marini (Director de Arte y Diseñador Gráfico en París y New York), Steve Cornwell (Cornwell Design), Bruno Porto (Consultor en Diseño Gráfico y Educación), Eric Spiekermann (Edenspiekermann). El listado de ganadores y sus trabajos se publican completos en la W eb del concurso. + www.adaagallery.com

+ To wait and see, de Natalia Luzenko (Alemania), ganadora categoría fotografía.

+DISEÑO

+Para regalar o regalarse El equipo multidisciplinario de diseño IK, liderado por Martín Irizar y Paloma Kon, presenta Gato, una nueva marca de cool stuff, gadgets, productos prácticos, útiles y divertidos que alegran el espíritu, seleccionados especialmente por ellos, pensados para regalar o regalarse. IK los buscó, los eligió y los vistió para regalo: “son todos aquellos productos que nosotros tendríamos en casa o en el estudio”, aseguran. Así, Big Time es un reloj despertador para grandes momentos, ideal para la mesita de luz, para una biblioteca, un escritorio, o para colgar en la pared; Day2Day es un calendario escastrable día por día, compuesto por dos módulos encastrables, uno para el día y el otro para el número, que se cambia manualmente, apretando una sola vez si están apilados, o ambos cubos si están separados; y Flying Carpet es una auténtica alfombra persa para el mouse, la taza de café o para apoyar los objetos más preciados. Estos y muchos otros productos ya están disponibles en tiendas como

Capital, Tienda Palacio, L´ago, Qualcosa, Manifesto, Unimate, Almacén de Diseño, Silice y muchas otras. www.equipoik.com.ar

+Premios Clarín a la Creatividad 2010 Se anunciaron los ganadores de la 24ª edición de estos premios, cuyo ﬁn es apoyar a la industria publicitaria, reconociendo el talento local, generando un ámbito de intercambio de ideas, y desarrollando un vínculo más cercano con todos sus miembros. Los Grand Prix de Oro fueron para las agencias Young & Rubicam (en la categoría Diarios, por su aviso “Revolcados / Oruga”, desarrollado para la empresa Tulipán), Ponce Buenos Aires (por su pieza “Prima” para Axe, en la categoría Revistas), y Grey Argentina (por su trabajo “Casting Playboy” para Revista Playboy, en la categoría Interactivo). + www.premiosclarin.com.ar + Revolcados / Oruga. Grand Prix Oro Diarios: Agencia Young & Rubicam (Anunciante: Kopelco S.A. / Producto: Tulipán).

noticias

+PUBLICACIONES

| Texto: Natalia Iscaro

+220°C Virus Monobloc: The Infamous Chair

ARND FRIEDRICHSY Y KERSTIN FINGER Editorial GESTALTEN Formato 17 × 24 cm 192 páginas

Patios, jardines, terrazas. No hay terreno público alguno que haya quedado exento de contar con la presencia de la silla Virus, que acaso de esta forma supo expandirse, como una enfermedad contagiosa. Este libro es un homenaje a este modelo “infame”, el cual ha sido rediseñado por diseñadores de la talla de Philippe Starck, Maarten Baas y Jersey Seymour. Con textos de Hajo Eickhoff, Max Küng, Andrej Kupetz y Alice Rawsthorn, este tomo hace honor a esta pieza de diseño, revalidando la teoría de que el buen diseño no es aquél exclusivo, sino más bien aquél que es adoptado por la masa. Documental y completo, este libro se involucra también en el proceso de producción, y de ahí también su nombre: son 220°C de polipropileno caliente los que moldean a este ejemplar, como los más memorables, amado y odiado. www.gestalten.com

+Mondongo

AA.VV. Editorial ARTY LATINO EDITORIAL Formato 23 x 26 cm 160 páginas

Una retrospectiva ineludible para todo aquel amante del arte contemporáneo que se precie. Su nombre no engaña, éste es un recorrido por la obra del team Mondongo, compuesto por Juliana Lafﬁtte, Manuel Mendaha y Agustina Picasso, un célebre trío que comenzó haciendo de materiales impensados su materia prima, y que ya conquistó el mundo. Galletitas, plastilinas, palitos, ﬁambres ahumados y tantos otros materiales de su obra se intercalan en imágenes, con los textos del curador Kevin Power y el escritor Rodolfo Enrique Fogwill (lamentablemente, fallecido este 2010). Se suman un poema de Mariano Llinás y Agustín Mendilaharzu, y el diseño del reconocido Alejandro Ros. Todo en el marco de una poética donde los materiales se confunden con la declaración de principios, y los límites de la materia se entrelazan con la banalidad. Obsesiones muy de este siglo, y un excelente regalo de Navidad. www.artylatino.com.ar

+Collecting Design

ADAM LINDEMANN Editorial TASCHEN Formato 16,8 x 22,6 cm 300 páginas

El coleccionismo: ese afán adictivo por poseer la mejor y más deseable pieza de un mercado, y si es posible al mejor precio, es el protagonista de este libro. Al igual que su anterior suceso, Collecting Contemporary, Adam Lindemann se lanzó de lleno al universo del mobiliario universal. Como consumidor, entrevistó a los más entendidos, para brindar como resultado a esta perfecta introducción al diseño, donde se recorren los principios del Art Déco, el Taller de Viena, la Bauhaus, los Eames y los franceses modernos. Piezas antiguas, ediciones limitadas y grandes nombres se suceden bajo el ojo experto de coleccionistas como Michael Boyd y Peter M. Brant, marchands como Anthony DeLorenzo y Suzanne Demisch, creadores de tendencias como Marc Jacobs y Karl Lagerfeld, y expertos en subastas como Richard Wright y James Zemaitis de Sotheby’s. Confesiones en primera persona, y un tomo ideal para neóﬁtos. + www.taschen.com

+ARQUITECTURA

+Lou Ruvo Clinic | Las Vegas, Nevada

| Texto: Carlos Piedrabuena. Foto: Matt Carbone

Exorcizando la ludodependencia

tura es arte, por lo que la exuberante ciudad de los casinos no parecía resultarle adecuada como marco.

Considerada una verdadera “ciudad dentro de la ciudad”, el área de Symphony Park ha iniciado un proceso de revitalización urbana sin precedentes. Acuciada por la ingente necesidad de crear nuevos y mejores empleos, y con la ﬁrme determinación de diversiﬁcar la economía local -demasiado ligada a los poderosos barones del juego-, Las Vegas encara una reconversión que recuerda los primeros años del “New Dubai”.

Pero nada es deﬁnitivo. Larry Rovo, un millonario empresario del Medio Oeste que perdió a su padre a causa del Alzheimer, logró persuadir a Gehry -que acababa de ver morir a una persona muy cercana debido a la enfermedad de Huntington y era, además, vicepresidente de la Hereditary Disease Foundation- de que, al menos esta vez, valía la pena quebrar su propia regla.

Con el impresionante Smith Center for the Performing Arts -potente declaración de amor al mejor Art Déco- en ciernes, y The Cleveland Clinic Lou Ruvo Center for Brain Health -que pueden disfrutar en la foto- ya en funciones, la ciudad comienza, lentamente, a experimentar un interesante giro. La Lou Ruvo Clinic es un llamativo logro, ya que su autor, Frank Gehry (1929, Toronto, Canadá) se había negado sistemáticamente (pese a residir en la cercana Los Ángeles) a proyectar en Las Vegas. Ganador en 1989 del Pritzker Architecture Prize, y mundialmente reconocido por sus dramáticos aportes a la arquitectura de este siglo, Gehry ha llevado adelante, contra viento y marea, una carrera basada en la convicción de que la arquitec-

El resultado de este peculiar encuentro es un Gehry genuino, sensual y curvilíneo, celebrado y denostado por igual, que contrapone el personalísimo universo del diseñador con la correcta y funcional arquitectura hospitalaria contemporánea. Ya en los tempranos años 80, Frank Gehry advertía, impertérrito: “...me acerco a cada ediﬁcio como a un objeto escultórico. Un contenedor. Un espacio con luz y aire. Una respuesta al contexto y la adecuación de los sentimientos y el espíritu. Para este contenedor -la escultura- el usuario lleva su equipaje, su programa, e interactúa con ella, para dar cabida a sus necesidades. Si él no puede hacer eso, he fallado”. + my.clevelandclinic.org | www.foga.com

+ Hanno El Gorila de David Weeks

+ Pisapapeles de Tibor Kalman

+ Salpimentero pájaro y nube de Daniel Jo

+Destination New York

que destacan la singularidad de cada objeto, tanto por su morfología como por su funcionalidad.

Durante el mes de diciembre, Tiendamalba presenta Destination New York, una selección de objetos de diseño neoyorkino, curada por la ilustradora Fernanda Cohen, con la participación especial de MoMA Design Store. La selección de 19 diseñadores presentes incluye tanto personajes icónicos como emergentes, que marcan el pulso evolutivo de las tendencias existentes y futuras. A su vez, la elección de los 26 objetos que se presentan en Tiendamalba, es producto de una minuciosa búsqueda del diseño más representativo de Nueva York, con fuerte presencia del MoMA Design Store, combinada con un puñado excepcional de productos de diseñadores independientes, como David Weeks, Karl Zahn, Luna Zeo & Rachael Cole, entre otros. A través de objetos de escritorio, cocina, hogar, joyería y accesorios, se presenta una armoniosa síntesis de una variedad de tipologías

Debido a que Nueva York es, en gran medida, una ciudad de paso —especialmente para quienes están vinculados con el campo creativo—, existen ciertos puntos de encuentro en donde se reúnen quienes marcan la personalidad explosiva de esta metrópolis. MoMA Design Store es uno de esos espacios, en donde convergen diseñadores provenientes de diversos países, como Holanda, Inglaterra, Francia, Italia, Japón, Bélgica y Argentina, entre otros. Los diseñadores que logran ser parte de esta dinámica, y destacarse dentro el imán de talentos que es Manhattan, se asimilan al pragmatismo inherente a la naturaleza neoyorquina, y se diferencian del resto, gracias a su talento para saber encontrar el camino más simple, concreto y eﬁciente, en sus soluciones estéticas y funcionales. +

+GREEN DESIGN

| Texto: Natalia Iscaro

+ Oruga. Mueble ahorra espacio de Florencia Gay y Clara Vinuesa.

+ Collar y pulsera bambú y plata 925 deTamara Lisenberg.

+ LaBu. Lámpara colgante realizada con cintas de bambú curvadas por medio de calor y agua. De Adrián Gustavo Pereyra.

+Impacto oriental Es uno de los materiales que más ha crecido en los últimos tiempos. De origen asiático, el bambú no cesa de sorprender con sus inagotables posibilidades. Ligero, rígido, fuerte e incluso hipoalergénico, en la última edición del Festival de Diseño de Buenos Aires, el CMD (Centro Metropolitano de Diseño) expuso los resultados del Workshop de Bambú. En total, los participantes presentaron 17 prototipos elaborados sobre la base de este material, realizados entre mayo y junio de 2010. Fueron más de 40, entre diseñadores, arquitectos, y profesionales de carreras aﬁnes, quienes se reunieron a lo largo

de seis reuniones, en una modalidad de trabajo teórico-práctica, bajo la coordinación de la Dra. Mariana Salgado (diseñadora Industrial con un Doctorado en la Universidad de Arte y Diseño de Helsinki). Al ﬁnal, presentaron sus juegos, accesorios, lámparas, muebles y hasta indumentaria, que hicieron las delicias de los espectadores. Esta actividad forma parte del programa Integrando al futuro (permanente en el CMD), cuyo objetivo es buscar, entre todos, una sociedad más conciente y responsable, especialmente en lo que respecta a las conductas de producción y consumo. www.workshopbambu-cmd.blogspot.com

noticias

+GREEN DESIGN

+El auto, al garaje Que lo ecológico también puede ser estético ya es una obviedad. Pero al agregar que además de eso se puede hacer ejercicio físico, la cosa comienza a tomar otro color. Ni qué decir si en el uso del objeto en cuestión se reducen las emisiones tóxicas al medio ambiente, y así la contaminación. Para no andar con rodeos, esta es la propuesta de Monochrome Recycled Bikes.

+Elogio al cartón Su textura -rugosa, maleable, pero resistente, e inexplicablemente estética-, ha sido objeto de inspiración de diseñadores como Frank Ghery, quien en los años 70 introdujo la morfología del corrugado. Desde entonces, las búsquedas en torno al cartón han sido fantásticas. Y aún prosiguen. En este caso, Estudio Pomada (de Antonela Dada y Bruno Sala) se inclina por sus tubos, para dar vida a asientos de diversas formas. Es el caso de los Chupitos, banquitos apilables

Y como para recibir, hay que dar, el team de diseñadores recibe los cuadros (estructura metálica de la bicicleta) en desuso o mal estado (del usuario o de la industria), y sobre esta base realiza sus modelos customizados. A esto agregan manubrios y asientos desarrollados y fabricados exclusivamente por ellos, y bajo procesos cuyos desechos pueden ser reutilizados. El resultado son ejemplares que decantan diseño y estilo, donde lo que se destaca son las líneas puras, y los colores blanco y negro. www.monochromerecycledbikes.com

con ocho motivos diferentes, elaborados a partir de tubos de cartón descartados, con tapas de aglomerado. La terminación es con raﬁa, yute e hidrolaqueado. Sopeti, por su parte, es el nombre de un banco bajo y horizontal realizado con tubos de cartón terciado, y una terminación hidrolaqueada. Con respaldo y mayor altura se transforma en Peque, con igual material y terminación. Se suman otras curiosidades e inventos, realizados también a partir de descartes industriales, de una ﬁrma que llegó para quedarse. + www.pomadaweb.com.ar

+ARTE

| Texto: Javier Villa

+ All the lovely people, 2010

+Minujín. Obras 1959-1989 Del 26 de noviembre al 7 de febrero de 2011. Malba – Fundación Costantini (Av. Figueroa Alcorta 3415, CABA – Salas 3 y 5 y terraza). Si se atraviesan las esculturas facetadas de inﬂuencia griega y el personaje mediático, y se pone particular foco en las dos décadas y media que van desde principios de los sesenta hasta mediados de los ochenta, cualquiera podría ver en Marta Minujín a una de las artistas más radicales y lúcidas del arte argentino, cuya ruptura de lenguajes plásticos transitó en paralelo a una sincera preocupación por lo social. No habría necesidad entonces de justiﬁcar la pertinencia de conmemorar su carrera con una retrospectiva de más de cien piezas, que puede verse hasta el 7 de febrero en Malba – Fundación Costantini, pero sí de entender lo complejo que el objetivo arrastra. Si bien resulta casi imposible recrear las diversas experiencias que desarrolló la artista en el pasado, ya sean performances, happenings y acciones efímeras (como “La destrucción”, “Suceso plástico” o “Simultaneidad en simultaneidad”, entre otros) u objetos, instalaciones y ambientes posteriormente destruidos (como “La Menesunda”, “El Batacazo” o los obras de participación masiva como “El Partenón de Libros”), sí es posible intentar contar la historia de una trayectoria, basándose en una profunda investigación que tiene como núcleo el archivo Minujín, trabajando con documentación en

video y fotografía, textos, restos, bocetos, ciertas obras y objetos, y la posibilidad de recrear alguna experiencia de otra época. De manera muy simplificada, éste fue el arduo y profundo proceso de investigación que encaró la curadora Victoria Noorthoorn para construir “Marta Minujín. Obras 1959-1969”. “El objetivo principal de esta exposición es acercar al público la complejidad, coherencia y densidad crítica de una obra que conocemos poco; y enfatizar su pertinencia contemporánea”, como sostiene la curadora. Minujín es, paradójicamente, una artista que todos creen conocer, pero de cuya enorme producción se sabe poco, sobre todo de las acciones y performances desarrolladas en París y Nueva York en los años 60 y 70, respectivamente. Tempranas pinturas, obras informales, happenings apoteósicos, ambientaciones multicolores, trabajos sobre los medios de comunicación, experiencias hippies, óperas ficcionales, proyectos con raíces latinoamericanistas, grandes producciones de participación masiva. Como se infiere a partir del título de la muestra, las obras hablan solas, sin necesidad de arbitrarias invenciones o categorizaciones curatoriales. + www.martaminujin.com | www.malba.org.ar

+ARTE

| Texto: Javier Villa

+ Arch of hysteria, 1993. Pieza colgante en bronce con pátina brillante, 83.8 x 101.6 x 58.4 cm. Gentileza: Louise Bourgeois Trust. Foto: Allan Finkelman

+Louise Bourgeois El Retorno de lo reprimido Del 26 de marzo al 26 de junio de 2011, Fundación Proa, Av. Pedro de Mendoza 1929, CABA. Por segunda vez en menos de dos años, Philip Larrat-Smith, el joven curador canadiense con base en los Estados Unidos, regresa a la Argentina para curar otro “blockbuster”. El primero fue Andy Warhol en Malba-Fundación Costantini; esta vez se trata de una retrospectiva de la recientemente fallecida Louise Bourgeois. Ambas exhibiciones abordan la producción de estos artistas desde una mirada curatorial y crítica con base en el psicoanálisis. Se exhibirán alrededor de 90 obras de los diversos períodos de la artista franco-americana, desde 1946 hasta 2009: instalaciones, esculturas y objetos, incluida una de sus famosas arañas, titulada “Maman”. Ésta, de 9 metros de altura, fue realizada en 2000 para el Turbine Hall de Tate Modern, como tributo a su madre. La obra de Bourgeois, durante sus 98 años de vida, giró en torno a una catarsis simbólica de sus traumas personales. Tuvo como centro la inﬁdelidad de su padre con su niñera, rozando la fantasía de asesinato, las ideas de nacimiento y muerte, trabajando con la sexualidad para romper las distancias entre hombre y mujer, a través de genitales dobles y otros símbolos. Bourgeois se mudó permanentemente desde París a Nueva York

en 1938, donde desarrolló una obra con inﬂuencias del surrealismo, el primitivismo y escultores como Alberto Giacometti y Constantin Brancusi. Si bien participó activamente del circuito neoyorkino, su obra fue masivamente reconocida recién a sus 70 años, cuando el MoMa homenajeó su trayectoria con una retrospectiva, la primera exposición de ese calibre dedicada a una mujer en dicha institución. “Louise Bourgeois. El retorno de lo reprimido”, abrirá sus puertas al público a partir del 26 de marzo en Fundación Proa. Durante el verano, la programación de la institución girará en torno a una exhibición organizada por Sigismond de Vajay, en ocasión del libro “Of Bridges and Borders”, incluyendo artistas como Carlos Garaicoa, Fabrice Gygi, Thomas Hirschhorn, Jorge Macchi, JosepMaria Martín y Gianni Motti. En paralelo, entre enero y marzo, se presentará la tercera edición de “Art in the Auditorium”, programa itinerante e internacional de video, con artistas seleccionados por once instituciones alrededor del mundo. Proa eligió presentar, para esta edición, dos capítulos del proyecto “Lucía, Luis y el lobo” (2007-2008), del colectivo de artistas chilenos integrado por Joaquín Cosiña, Niles Atallah y Cristóbal León. + www.proa.org

+DESTINOS con Diseño

+New York, New York Arte, diseño, tendencias, historia, Wall Street, grandes empresas, multiplicidad de culturas, el Central Park, la 5ta Avenida, el China Town… Todo eso, al mismo tiempo, es Nueva York, una pintura frenética y perfecta que inspira al resto del mundo desde la pequeña isla de Manhattan. Desde las colecciones de arte más ricas, como las que se alojan en el MoMA (Museum of Modern Art) y el Guggenheim, pasando por las grandes marcas de indumentaria, como Dona Karan, Armani y Louis Vuitton, hasta llegar a los barrios con ofertas en diseño más modernas, como Soho, Chelsea y el MeatPacking District. Uno de los barrios imprescindibles para conocer es el Soho, el que más creció en arte, diseño, moda y celebridades en los últimos años. Subiendo por la calle Broadway hasta la 6ta Avenida, las tiendas de marcas famosas y diseñadores independientes se suceden unas tras otras. Allí, se emplazan las clásicas Armani Exchange, Victoria Secret, Pink, Banana Republic y Prada. También, una marca recién llegada vía Japón, Uniqlo. Algo así como el H&M japonés, esta tienda ofrece pasillos y estanterías ordenados al mejor estilo oriental, y si bien sus diseños no son muy jugados, ganan puntos por su alta calidad. También en Soho, se destaca la oferta de la calle Lafayette, donde se agrupan las casas de muebles y antigüedades. La tienda Gallery 440 ofrece muebles vintage y artículos de iluminación de artistas locales y también europeos. Otra que se destaca es Other Music, una disquería como las de antes, con una amplia oferta de CDs y discos de vinilo. Chelsea y MeatPacking District Si bien ambos barrios están prácticamente pegados y la oferta de lugares de moda se confunden entre sí, Chelsea ha sido bautizado como

| Texto: Jorgelina Peciña. Foto: NYC & Company

un nuevo distrito de arte, ya que cuenta con más de doscientas galerías, repartidas entre las calles 20 y 26, entre las avenidas 10 y 11. El Chelsea Market funciona en un antiguo ediﬁcio recuperado, ubicado en la en la 9na. Avenida, entre las calles 16 y 17. Sin dudas, es un lugar de visita obligada, para hacer un alto y disfrutar de un café acompañado de un clásico cupcake, más si es en Eleni´s. Se trata de una tienda que exhibe coloridos cupcakes y galletitas de jengibre como si se tratase de una galería de arte. Asimismo, dentro del mercado se pueden comprar verduras y vinos orgánicos, entre otros productos. En el Dickson’s Farmstand se venden productos de granja, provenientes de establecimientos sustentables, y en el Chelsea Wine Vault se expone una selección con los mejores vinos del mundo. Si se busca cerrar el día lejos del ambiente turístico y, al mismo tiempo, experimentar algo de la auténtica noche neoyorkina, nada mejor que una cena en Buddakan, uno de los restó más trendy de todo Manhattan: comida asiática en un espacio que simula ser el escenario de un teatro. Deliciosamente decorado, siempre está completo, con lo cual es imprescindible hacer reserva previa. Se ubica en la misma manzana del Chelsea Market, ingresando por la 9na. Avenida. El MeatPacking District es el antiguo sector de mataderos de la ciudad de Nueva York. Sin embargo, gracias a la lavada de cara que sufrió un par de años atrás, supo atraer a diseñadores independientes y otras marcas de alto vuelo, además de galerías de arte y agencias de publicidad. En su lado fashion, se ubican las tiendas de Stella McCartney, Christian Louboutin y Alexander McQueen. La buena noticia es que estas tiendas siempre cuentan con un sector de salas, en los cuales es posible encontrar prendas de temporadas pasadas a un precio increíblemente ventajoso. +

+La Isla desierta En su décima temporada de éxito, continúa La isla desierta, la obra de Roberto Arlt que inauguró la técnica del Teatro Ciego en 2001. El Grupo Ojcuro, conformado por actores no videntes y videntes, realiza una interpretación de auténtica integración, con una novedosa puesta basada en la ausencia total de luz. Desde que ingresan en

la oscuridad de la sala, los espectadores son llevados a experimentar sensaciones táctiles, sonoras y olfativas, haciendo de esta obra una experiencia inolvidable. Últimas funciones: miércoles de diciembre a las 21 hs. Ciudad Cultural Konex - Sarmiento 3131, CABA www.teatrociego.blogspot.com

+Dancing Mood Cumple diez años y quiere festejarlo este verano en Ciudad Cultural Konex, con una propuesta diferente al aire libre. Dancing Mood es una banda instrumental, que reivindica a grandes maestros de la música de los años 40, 50, 60 y 70 -principalmente standards de jazz-. Dirigida y creada por Hugo Lobo, quien supo plasmar mejor que nadie las enseñanzas de los jamaiquinos Skatalites, y combinar el reggae y el ska con las armonías y el humor del jazz de los 40 ó 50, en una Big Band liderada por vientos. +

Todos los jueves, desde el 20/01 hasta el 25/02, a las 21 hs. Ciudad Cultural Konex - Sarmiento 3131, CABA www.dancingmood.com

+BRANDING y DISEÑO Una manera de conocer qué piensan sobre el diseño y los diseñadores los responsables de marketing de empresas exitosas, quienes deciden y compran diseño, buscando sumar valor a sus marcas y productos. La mirada del otro lado del mostrador.

+Juan Manzioni (Bodega El Esteco) por Diego Giaccone (*) Juan Manzioni es licenciado en publicidad y cuenta con un master en management y marketing estratégico. Hace diez años que trabaja en el Grupo Peñaflor, donde fue Gerente de Marketing de Michel Torino y Santa Ana. Actualmente, es Gerente Comercial de El Esteco, la bodega Premium del grupo, que nació en el 2004, fruto de un gran trabajo de branding, marketing y diseño que él mismo lideró junto a su equipo. “Fue un trabajo de laboratorio de un año y medio, definiendo la familia de productos, el posicionamiento y el rol de cada marca, los conceptos y diseños que lanzaríamos en breve al mercado”, dice Manzioni. La idea de estos encuentros es desmitificar el hecho de que los gerentes sólo piensan en las ventas y no le prestan atención al diseño y a la estética. Y que sólo nosotros, los diseñadores, sabemos de creatividad. Nada más alejado en el mundo de Juan, que no pasa un sólo día sin que hable de diseño en su empresa, ya que todo el

tiempo está pensando con su equipo en crear nuevos estuches, actualizar packagings, piezas de comunicación para fechas especiales, corrigiendo, chequeando y decidiendo. El diseño forma parte de la empresa todo el tiempo, como así también en su vida personal. Le encanta incorporar piezas de diseño en lo cotidiano, en los ambientes en donde vive, los muebles y la ropa. A la hora de elegir un estudio o agencia para trabajar, sostiene que el universo es enorme, y que las primeras veces eligió por recomendación, por “feeling”, y otras veces por reconocer en el mercado lo que alguien hizo. “Prefiero las relaciones a largo plazo, siempre y cuando me acompañen con mi marca, y me ayuden a pensar en el hoy y en lo que viene. No es bueno ser reactivo, hay que anticiparse a las tendencias”, dice Manzioni. Y comenta que las veces que fue por alguien que lo sorprendiera, no le fue bien: “Si debo probar, reafirmo que estoy bien con lo que tengo y lo valoro. Es muy difícil que alguien que no te conoce dé en el clavo, que te comprenda y sepa los objetivos a cumplir”. ¿Qué valora de un profesional del diseño? Justamente que sea profesional, que entienda que detrás del diseño hay un producto que hay que tratar de vender, que el arte y sus recursos deben utilizarse para descontracturar los diseños en las marcas. Y es fundamental que entiendan para qué producto o categoría están trabajando. Asegura que el mundo del vino es sensorial: se trabaja con todos los sentidos, el aroma, el sabor, el color; y que el diseño no debe quedarse atrás. El diseñador debe tener sensibilidad y entender al consumidor del vino, que primero elige la marca, el nombre, y luego se detiene en los detalles, el papel, los relieves, la calidad y personalidad de la etiqueta. En el difícil momento de seleccionar un diseño, Juan afirma: “me llevo una primera impresión cuando lo veo, y en general no falla. Pero no doy respuestas ahí, lo veo con el equipo para reafirmar. Me pongo en la cabeza del consumidor, pero no sólo por los vinos que consume, sino también por su estilo de vida, los lugares que elije para salir, las películas que ve, etc.”. Y cree que el principal defecto que ve en los diseñadores es que les cuesta escuchar en la primera reunión. “Uno no espera un juicio de valor del brief; el mejor creativo es el que desde ese brief crea e interpreta las necesidades de marketing y comerciales. En la primera reunión prefiero que escuchen, y me gusta que me tapen la boca con el trabajo”, dice Manzioni. + www.elesteco.com.ar

MUNDO MANZIONI Un auto. Audi A3 Una película. Laberinto, de Jim Henson Una comida. Ostras Un barrio. Palermo Un lugar de vacaciones. Caribe Una banda. Depeche Mode Un libro. Los pilares de la tierra, de Ken Follett Un perfume. Bulgari Aqua Un diseño de tu empresa. Ciclos Ícono | Foto: Axel Chaulet (*) Diego Giaccone es diseñador gráﬁco, director de SURe Brandesign. www.surebrandesign.com

+LOS OJOS se Alimentan Battista propone una mirada del diseño a través de los ojos de distintos diseñadores, quienes vuelcan en esta sección su opinión sobre proyectos que consideran de relevancia e inﬂuencia en sus trabajos y visiones profesionales. En esta oportunidad, expone el grupo BCK.

+ Table program 010, de Dieter Rams y Thomas Merkel.

+ One laptop per child XO, de Fuseproject.

+Dieter Rams, Naoto Fukasawa y Fuseproject Hace algunos años, cuando decidimos formar un grupo de trabajo, los BCK (por entonces, Javier Bertani, Ezequiel Castro y Vera Kade) tomamos como premisa el especializarnos en el área del diseño de productos industriales y el orientarnos a prestar el servicio de diseño y desarrollo a empresas. El primer referente que surge de esta premisa es Dieter Rams. Fiel a los preceptos de la escuela de Ulm, Rams se convirtió en una pieza clave dentro de la cadena de valor de las empresas. Esto es lo que nos inspira día a día desde el punto de vista de nuestra actividad profesional y es, en deﬁnitiva, el principal argumento para que las empresas accedan a trabajar con nosotros. Desde el punto de vista del diseño de los productos y la relación con los usuarios, creemos que las premisas de la “Gute Form”, pese a tener ya unos cuarenta años, también siguen siendo más actuales que nunca: el buen diseño es innovador, hace útil a un producto, es estético, ayuda a entender un producto, no molesta, es honesto, es duradero, es minucioso hasta el último detalle, se preocupa por el medio ambiente y es tan poco diseño como sea posible. Si este primer referente es el ícono de la racionalidad, el segundo referente que nombraremos nos conmueve por lo contrario. Se trata de Naoto Fukasawa, cuyo trabajo nos atrae por su acercamiento poético al diseño del producto y su capacidad de estimular a los usuarios desde un punto de vista sensible. Nadie explica mejor su trabajo que el propio Fukasawa: “Desarrollé la capacidad de encontrar este mundo de acciones que los humanos realizamos inconscientemente. El diseño necesita conectar con el comportamiento humano natural. Me gusta decir, el diseño disolviéndose en el comportamiento”. Muchas veces, en BCK hablamos sobre el hecho de que el diseño es una práctica de alquimia y nos preguntamos qué es lo que ﬁnalmente convierte a materiales, tecnologías y funciones, en productos que resuenen mágicamente en las personas. Fukasawa lo logra a partir de un lenguaje formal minimalista, pero a la vez orgánico, y la capacidad de depurar del diseño en torno al gesto del usuario.

+ Reproductor de CD para Muji, de Naoto Fukasawa.

El tercer referente de nuestra larga lista de inspiraciones es Fuseproject. Se trata de un grupo de trabajo joven, que presta servicios de diseño a empresas y desarrolla proyectos independientes, cuyo sello es poner al usuario en medio de la escena de los productos, usando a las personas como inspiración real en sus trabajos. De esta forma, se propone eliminar el estigma de los productos “de diseño”. Tuvimos la oportunidad de conocer a Yves Béhar, fundador de Fuseproject, cuando en 2007 nuestra cocina solar fue ﬁnalista junto a uno de sus productos en el INDEX Award en Dinamarca. En esa ocasión, él nos comentaba acerca de su convicción de que el diseño era un agente transformador de las sociedades. Por lo pronto, la notebook orientada a la educación que presentó en esa oportunidad, actualmente ya se usa en varios países en vías de desarrollo. Parece estar en buen camino. + www.naotofukasawa.com | www.fuseproject.com

+MÚSICA

| Texto: Germán Andrés

+Altocamet El dulce mar El cuarteto de Mar del Plata profundiza en sus propios pasos para afianzar su carrera desde esas playas. Con su nuevo disco “Dulce calor”, sostiene su discurso independiente y su visión de la canción, tras ganar un Premio Gardel con su anterior obra. Aquí, unas respuestas del baterista, Pedro Moscuzza. + ¿Qué idea conceptual es la base del nuevo disco? PM El disco refleja cómo suena Altocamet hoy, canciones donde mezclamos diferentes estilos musicales que nos gustan y, a la vez, en una constante búsqueda de nuevos sonidos. El concepto de “Dulce calor” es un agradable bienestar, un disco para celebrar la música. + ¿Cómo lo sentís en relación con sus discos anteriores? PM Es un disco con un mensaje más directo en las letras, en comparación con trabajos anteriores, y creo que eso puede acercarnos a un nuevo público, más masivo. Desde el sonido, siento que llegamos a lo que queríamos junto con el productor Graham Sutton. Al repetir la experiencia con él, esta vez hubo mayor confianza y fluidez en las sesiones, y momentos inolvidables donde realmente disfrutamos mucho del audio que logramos. Cada tema es un mundo de sensaciones en sí mismo, y eso le da mucho vuelo al todo. + ¿Cuál es el trabajo compositivo? PM Siempre es diferente, a veces Canu (voz, guitarras) trae sus

ideas y las trabajamos entre todos en la sala, o partimos de cero, zapando sin un rumbo preciso, y luego se van encadenando las diferentes partes; dejamos que cada uno aporte lo que crea necesario para el tema. Nos conocemos desde hace tiempo y hay una total conﬁanza a la hora de expresarse. + ¿Creés que ya se han ganado un lugar dentro del pop sudamericano? JM Ojala que así sea, con la banda hacemos todo lo posible para generarnos nuestro lugar en el mundo, a base de buenas canciones e intentando tocar por todas partes... Todavía nos quedan muchos lugares por recorrer en esta hermosa Sudamérica. + ¿Cómo logran sostener la autogestión y el no estar completamente en Buenos Aires? JM Estamos muy contentos con la situación actual del grupo, de haber terminado un nuevo disco y esperando compartirlo con la gente. No dependemos de nadie para movernos y desde ese punto está buenísimo ser independientes. Quizás, manejando todo desde Buenos Aires, podríamos haber accedido a un plano más mainstream, pero disfrutamos mucho de la tranquilidad que te brinda llevar una vida junto al mar y respirar aire puro. Considero que lo más importante es que nuestras relaciones se mantengan con energía positiva, y a partir de ahí se van a ir concretando nuestros sueños. + www.altocamet.com

DULCE CALOR (Casa del Puente Discos. Argentina, 2010)

Este último álbum de la agrupación confirma su claro perfil pop, bien actual. Con excelente audio y buena presentación gráfica, en doce canciones y una pieza instrumental de cierre. Si bien podría decirse que su propuesta es electro-pop, aquí suenan más rockeros en algunos pasajes, bien climáticos en otros, o apenas tecno, pero siempre atrapantes, donde la melodía, la voz y el groove son los pilares de cada tema. Toda la obra gravita en atmósferas que van desde lo más sutil y pequeño, o la repetición y la temporalidad media, a momentos de beat acelerado y muchas capas de sonido. Sin dejar de lado su impronta misteriosa -algo oscura-, la música busca intimidad; y en cierto punto, deja oír buenas influencias de los 80. Dulce calor tiene algunos invitados como Richard Colemen y Fernando Nalé. Fue masterizado en Londres, y está disponible en CD y en LP de vinilo doble.

+MÚSICA +Sexteto irreal El súpergrupo que parecía un fantasma resonante de la élite musical porteña se decidió, y dejó un registro divertido de su musicalidad. Inclasificable y bailable, la propuesta de Axel Krygier, Alejandro Terán, Manuel Schaller, Christian Basso y Fernando Samalea ya está entre nosotros bajo el título “Jogging”, por el Sexteto Irreal. Este verdadero “dream team” de cinco multi-instrumentistas talentosos, se transformó en un sexteto irreal allá por el 2004, y desde entonces alimentó la fantasía a su alrededor, con algunos pocos shows en vivo muy especiales, y muchos buenos comentarios. Podemos decir que por tratarse de músicos tan bien valorados, y tan ocupados en distintos proyectos, se demoraron... Pero el Sexteto nunca desapareció del todo, y aquí está su primera obra grabada. Un cocktail de frescura y ritmo, basado en los múltiples aportes musicales de cada uno de sus integrantes, con la calidad y el buen gusto que han sabido conseguir en años de experiencia con el arte sonoro. Una música juguetona, pero muy bien hecha, desprejuiciada y ligera, que fluye valiéndose del toque sin mayores artificios; de impronta vintage, mucho groove y riqueza tímbrica dada por la polifuncionalidad de todos los músicos. El disco alcanza momentos de sutileza emotiva, en medio de toda una expresividad rítmica elocuente y extrovertida, que contagia de manera tal que los doce tracks se pasan bailando. Son temas instrumentales, pero no se trata de un disco de free jazz, o improvisaciones, ni de una música deliberadamente compleja. Por el contrario, logran dar forma a piezas con atractivos motivos melódicos, con desenlace o estructura de canción. Tienen una fuerte influencia de la rítmica latina, pero con ideas y armonías de toda la música negra americana y de los folklores de la Europa mediterránea. Todo tiene pulso efervescente y sabroso; carácter irónico sin mayores pretensiones, pero que conquista por simpatía y se disfruta con alegría. Un gran trabajo colectivo de suma: las composiciones musicales, la grabación, y también la gráfica contenedora, con ilustraciones y diseño de los propios artistas. www.myspace.com/sextetoirreal

+Les Mentettes Orchestra En principio, Les Mentettes es un grupo de rock porteño que hace canciones simples, cantadas en inglés, con amplio sentido del humor, de sonido setentoso y aires folk, con inﬂuencias del pop inglés y cierta impronta de burdel, lo que les da un tono más alegre. Han alcanzado cierta notoriedad a fuerza de tocar mucho en vivo, y su primer disco homónimo recibió buenas críticas de la prensa. Pero ahora van por más, al plantear su idea primal de las canciones bien directas, con el agregado de arreglos para cuerdas y vientos, y grabar su segundo disco, concretamente llamado “Les Mentettes Orchestra”, con un carácter retro, apoyo orquestal en la instrumentación, más acústico y profundo en los climas. Este nuevo álbum acaba de salir en forma independiente, y trae trece composiciones del cantante y líder Adrián Rivoira, todas grabadas con su banda; mientras que los arreglos y la dirección musical estuvieron a cargo de Manuel Adduci Spina (Manuloop). Las voces de Rivoira y su compañera Eugenia Brusa aportan un color que pinta muy bien el entorno casual y alegórico de cada una de las canciones, que se suceden con liviandad, pero sostenidas por su propio peso. Con un interesante trabajo de mezcla y producción, lograron darle forma a una experiencia que no suena pretenciosa, tiene su grado de fantasía y se la siente muy disfrutable. + www.myspace.com/mentettesorchestra

+MÚSICA

| Texto: Berty Giménez Brotons

+Thieves like us ¿Qué podría salir de un picnic en donde se encuentren dos suecos y un americano, en el Este de Berlín, allá por el 2002? Bien, una banda –léase trío-, cuyos integrantes no viven en sus correspondientes países de origen, sino entre París, Berlín y Milán. Andy Grier (voz y guitarras), Bjorn Berglund (sintetizador) y Pontus Berghe (percusión) formaron este grupo mientras iniciaron sus aventuras por clubes de Londres y Nueva York. Thieves like us es su nombre, con reminiscencias de New Order (¿o quizás de la película de Robert Altman de 1974?). Ya en el 2007, la frenchy label Kitsuné -incubadora de cientos de hits y del sonido “filter house”- los descubre, y lanzan bajo su ala su primer trabajo: el single “Drugs in my body”, resonado por todas las emisoras de buen ver. Faltó firmar el contrato con sangre, como hicieran Peter Hook y Bernard Summer con Factory Records, pero aquí la historia no es tan siniestra, ya que en el 2008 publicarían su primer álbum “Play Music”, el que la BBC calificaría dentro de los mejores del año. Luego llegaría “Again and again”, un delicado álbum algo bucólico y repetitivo, que requiere ser escuchado varias veces para digerirlo, pero que vale la pena. Más tarde, su extensa tournée mundial de festivales y clubes correspondientes. Su sonido, en esencia, tiene una mezcla de origen pop y naive, como Hot Chip, con algo del viejo krautrock alemán. www.thieves-like-us.com | Foto: Maciej Landsberg

+Kids of 88 Este dúo del país del kiwi -que viene siendo una buena cuna de incontables bandas y sellos por estos tiempos- nos retrae, al menos por su nombre, a un sonido de los maquillados años 80. Jordan Arts y Sam McCarthy son amigos desde hace más de una década y ambos nacieron en el año que lleva el nombre del grupo. Con un vertiginoso ascenso, logran llegar al top 2 de las listas de ventas con su debut “Sugarpills”, y más tarde dar la cam-

panada con un disco de oro en el 2008 con “My House”. Por momentos, pueden sonar a lo Gary Numan, a los Visage de “Fade to grey”, aunque luego se despluman y emparentan más a unos MGMT del primer disco (“Time to pretend”). Sus “Just a little” y “My house” parecen renovar un poco su sonido, para sacarlos de la escuela OMD. Canciones catchy y pegadizas, que seguro enamorarán a ﬁeles y beatos de esta nueva-vieja escuela. + www.kidsof88.com

+MÚSICA

| Texto: Leila Mesyngier. Foto: Gentileza Getty Images

una sección que se encarga de conectar músicos independientes de todas partes del mundo con empresas que necesitan utilizar música para sus producciones. El directivo estadounidense estuvo por primera vez en Buenos Aires para impulsar la apertura de la oﬁcina Argentina y conversar sobre su trabajo. “Puede ser estresante y hasta muy frustrante grabar un disco de manera independiente. Hoy, sin embargo, puedo ayudar a miles de músicos en ese proceso. Es muy satisfactorio”, asegura asegura Mills, al frente de un equipo de expertos en los más diversos géneros que todos los días escucha y clasiﬁca en categorías las grabaciones de los más de 10.000 artistas con los que trabajan. El objetivo es encontrar la melodía perfecta para acompañar un documental sobre animales en África, sorprender al usuario de un sitio Web o encantar al público con un jingle pegadizo en un comercial de una tarjeta de crédito, formatos propios de algunos de los principales clientes: MTV, VH1, Nickelodeon, Discovery Channel, CNN y National Geographic. Mills funciona como nexo entre esos artistas y las empresas, dando forma a un “mapa que los conecta”. Para eso, necesita estar atento a cuáles son las exigencias del mercado, los requerimientos de los clientes (“en una época fue U2 o El Rey León, ahora Lady Gaga”) y también enseñarles a esos músicos algunos trucos para venderse mejor. “Es un proceso de educación constante, de explicar que nosotros podemos facilitarles muchas cosas y también hacerles ganar mucho dinero”, explica.

+ Larry Mills

+Getty Images/Productos Musicales Colección de artistas independientes Getty Images se presenta como una galería de fotografías, videos y música capaz de satisfacer a los más exigentes clientes. Desde 2009 están en la Argentina y buscan acaparar el mercado de producción multimedia, espacio en el que se destaca el país. Cuando era estudiante universitario, su compañero de habitación, que había trabajado un verano con Peter Gabriel, le propuso formar una compañía de grabación de discos. Larry Mills aceptó, y recuerda que el primer artista con el que ﬁrmaron contrato fue el creador de Pump Audio, la biblioteca musical virtual con la que trabaja hoy en su oﬁcina neoyorkina de Getty Images. Joven, proactivo y talentoso, Mills dirige Productos Musicales,

Una tarea ardua, pero entendida, que requiere estar al tanto de las tendencias musicales, pequeños descubrimientos que pueden provenir del hip hop francés, el metal alemán, la música japonesa o el pop latinoamericano. Son las agencias y los productores locales los que se encargan de dar a conocer las novedades y, con ellas, la naturaleza de cada lugar. “No hay una esencia de América Latina, hay muchas. Por eso tratamos de captar lo local, enfocándonos en los mercados más importantes: México, Brasil y Argentina”, sostiene Marina Engels, responsable de Getty Images para la región. “La idea es abrir el abanico y contar con fotos, videos, música, productos multimedia, contenidos y distribución. Nos guiamos mucho por la demanda de los clientes y lo que nos ayuda es tener gente de producción en cada lugar que conoce, que sabe dónde buscar, que habla el idioma. Somos, en deﬁnitiva, como una galería de arte, un lugar de encuentro entre el artista y el comprador”, explica Engels con su acento neutro, producto de haber vivido y viajado por todo el continente. + www.gettyimages.com

noticias

+LIFESTYLE

+Village + Hotel de lujo Luego de conocer el Hotel Selenza en España, y de quedar deslumbrada con sus instalaciones, la modelo Valeria Mazza se inspiró para dar origen a un nuevo emprendimiento inmobiliario, que ya está llevando adelante junto con Alejandro Gravier y Félix Abánades, presidente del Grupo Rayet, empresa propietaria de la cadena de Hoteles Selenza. Es así cómo Selenza Village + Hotel desembarcará en Punta del Este, sobre un terreno de 28.637 m² frente al mar, en el corazón de Manantiales, con exclusivas residencias y los servicios de un

hotel de lujo. Las unidades residenciales que saldrán a la venta, estarán distribuidas en cuatro ediﬁcios, de los cuales cada bloque tendrá doce apartamentos de dos y tres dormitorios, y complementarán esta oferta doce casas de tres dormitorios con dependencias. Además, Selenza Village + Hotel tendrá un exclusivo hotel boutique cinco estrellas, que contará con 32 habitaciones, y los propietarios de las unidades residenciales tendrán acceso preferencial a las instalaciones y los servicios del hotel. www.selenzahoteles.es

Ott, ícono en la arquitectura uruguaya, y uno de los arquitectos latinoamericanos más reconocidos del mundo, autor, entre otras obras, de la moderna Ópera de la Bastilla en París (1989). Se construirán 35 boutiques de alta gama sobre la Ruta 10, con vista abierta al mar y a la ciudad, con una plaza central que oﬁciará de meeting point. La propuesta gastronómica será muy variada y de primer nivel, y se sumarán galerías de arte y habrá opciones para niños. Se utilizarán materiales nobles y soﬁsticados, armónicos y amigables con el medio ambiente, para completar una arquitectura de líneas simples y bohemias, siempre apuntando a lograr un espacio no invasivo, que se fundirá con el entorno natural.

+De compras en Punta del Este En Punta del Este, destino vacaciones privilegiado para turistas exigentes, se proyecta OH La Barra, el paseo de compras más glamoroso del Uruguay. El encargado de llevar a cabo esta obra es Carlos

Un suntuoso y a la vez cálido lugar de compras, en donde prevalecerán los jardines tropicales, invitando a un paseo íntimo y tranquilo en familia. + www.carlosott.com

+Aceite de oliva Premium La plantación de Sierra Pura, el aceite de oliva virgen extra de Traslasierra, Córdoba, está ubicada a una altura promedio de 1000 m.s.n.m., y equipada con un moderno sistema de riego por goteo. Allí se cosechan a mano las aceitunas Premium para producir mediante extracción en frío, el aceite de oliva de calidad virgen extra que acaba de ser premiado en el concurso latinoamericano Olivinus 2010. En este certamen, un jurado de catadores profesionales seleccionó de entre más de 240 aceites internacionales, los mejores aceites oliva virgen extra, y otorgó a Sierra Pura el premio Prestigio Oro. www.sierrapura.com.ar

+EVENTOS

9| 10|

11|

1. Adolfo Cambiaso en el stand de LÒréal en la final de la Copa Zafiro, organizada por La Dolfina 2. Déborah De Corral en el recital de Passion Pit presentado por Converse 3. Evangelina Salazar junto a sus hijas Rosario y Julieta Ortega, visitó la nueva tienda de Pozzi, la casa de belleza que acaba de reabrir sus puertas gracias a Perfumerías Rouge 4. Flor de la V en el desfile de sombreros de autor “De la cabeza”, organizado por DArA 5. Florencia Bas y Boy Olmi en el Gran Premio Nacional del Hipódromo de Palermo 6. Marta Minujín en la apertura de su muestra “Marta Minujín: Obras 1959-1989” en el Malba 7. Milagros Resta y Josefina Helguera en la presentación de la nueva colección de Milagros Deco 8. Valeria Mazza y Alejandro Gravier en la presentación de Selenza Village + Hotel, emprendimiento inmobiliario que combina apartamentos y casas de alto nivel, con el Hotel Boutique Selenza de 5 estrellas en Punta del Este 9. Fresia Carnota en la presentación de Coleccionables en la galeria Holz 10. Lara Bernasconi en el desfile de la colección 40 kilates de Jorge Ibáñez, inspirada en la elegancia, el glamour y distinción de Mirtha Legrand en la época de oro del cine argentino, llevadas al 2011 11. Mariana Fabbiani y Mariano Chiada en la comida que organizó Rochas París en Algodón Mansión +

noticias

+EVENTOS

| Fotos: Pato Sado

Chic & Coolture. En las fiestas de todo el mundo, hoy en día, los fotógrafos han tomado el mismo protagonismo que los DJs en sus bandejas, siendo “bookeados” alrededor del globo para fiestas, desfiles, shows y eventos. Las redes sociales fueron las propulsoras de esta modalidad del shooting nocturno, por la cual las personas publican instantáneamente sus fotos en la Web. Es por eso que, a través de un ciclo de fiestas trendy e innovadoras durante el mes de noviembre, Puma se propuso penetrar en el mundo de la fotografía, creando el concepto Chic & Coolture, e invitó a tres fotógrafos para que realicen un shooting en cada fiesta, con el objetivo de subir el material a Internet en ese mismo momento. El viernes 12 fue el turno de Rony’s Photobooth en Visionnaire, mientras que el jueves 18 fue el de Pato Sado en Jet Lounge, y finalmente el martes 23, Gerard Estadell fue el encargado de “shootear” en Isabel. + www.puma.com

+EVENTOS +El Ojo de IberoamĂŠrica 2010 Se celebrĂł una nueva ediciĂłn del festival El Ojo de IberoamĂŠrica, el encuentro que congrega a los integrantes de la industria publicitaria de AmĂŠrica Latina, EspaĂąa y Portugal, dejando como conclusiĂłn principal que la integraciĂłn es la protagonista de la industria creativa mundial. Pasan los aĂąos y El Ojo de IberoamĂŠrica continĂşa con su misiĂłn de exponer lo mĂĄs destacado de la publicidad regional e internacional. Y lo logra, gracias a las charlas que brindan los mĂĄximos referentes de la comunicaciĂłn mundial, las proyecciones de casos de publicidad y comunicaciĂłn mĂĄs exitosas y las clĂĄsicas muestras de piezas grĂĄficas, que confirman el lugar de liderazgo que ocupa la industria publicitaria de IberoamĂŠrica en el mapa mundial. De esta manera, la decimotercera entrega de El Ojo impuso su sello y se convirtiĂł en un encuentro donde la integraciĂłn regional y las ideas fueron las estrellas. Uno de los puntos fuertes de El Ojo 2010 fue la votaciĂłn a travĂŠs de un jurado presencial. A pedido de muchos de los profesionales que participan cada aĂąo, El Ojo sumĂł una nueva instancia en su proceso de votaciĂłn. Un jurado especial, compuesto por los presidentes de cada una de las categorĂas, fueron los responsables de elegir entre los Oros de cada premio, los Grand Prix de cada disciplina.

| Texto: Jorgelina PeciĂąa

gio, de Ogilvy Latina (VĂa PĂşblica); Luiz Sanches, de Almap BBDO (GrĂĄfica), Chacho Puebla, de Leo Burnett Iberia (Radio); Manuel Techera, de JWT MĂŠxico (Innovador); Bruno Lambertini, de Circus MĂŠxico (Promo); Fernanda Romano, de Euro RSCG Worldwide (Interactivo) y Rui Piranda, de Giovanni + Draftfcb (Directo). Ojos que ven, oĂdos que escuchan El ciclo de conferencias y capacitaciĂłn de El Ojo contĂł con la presencia de dieciocho profesionales de nivel internacional, quienes compartieron su visiĂłn, ideas y conceptos sobre la publicidad con el pĂşblico que, como cada aĂąo, no se perdiĂł la oportunidad de poder capacitarse, inspirarse e intercambiar ideas con otros miembros de la industria. Entre los conferencistas de la ediciĂłn 2010 se destacaron Mark Tutssel, de Leo Burnett Worldwide; Bob Greenberg, de R/GA; Lars Bastholm, de Ogilvy Nueva York & Ogilvy NorteamĂŠrica; Rishad Tobaccowala, de VivaKi Worldwide; Neil Dawson, de DDB Worldwide; Leandro Raposo, de McCann Erickson EspaĂąa y Chavo Dâ&#x20AC;&#x2122;Emilio, de TAG BUE.

Formaron parte de este reciĂŠn estrenado jurado Leandro Raposo, de McCann Erickson EspaĂąa (Cine/TV); Juan Carlos Ortiz, de DDB Latina (El Tercer Ojo y El Ojo CampaĂąas Integradas); GastĂłn Bi-

Una vez mĂĄs, el evento que cada aĂąo se compromete a reconocer y premiar los mejores productos desarrollados por los profesionales y las empresas de la regiĂłn, demostrĂł su solidez y convocatoria de los trabajos, profesionales y empresas de la publicidad latinoamericana mĂĄs relevantes. La lista de ganadores 2010 en todas las categorĂas, puede visitarse en la Web. + www.elojodeiberoamerica.com

+ Cientoveintenario de Young & Rubicam Argentina para CervecerĂa y MalterĂa Quilmes, ganadora El Ojo Bicentenario de Oro en Cine/TV.

+ Arquero de Sancho BBDO para Pepsico Colombia, ganadora El Ojo Mundial de Oro en GrĂĄďŹ ca.

EL OJO EN NĂ&#x161;MEROS t 1JF[BT JOTDSJQUBT t 1JF[BT FYIJCJEBT t "TJTUFOUFT OBDJPOBMFT F JOUFSOBDJPOBMFT t 1SFTJEFOUFT EFM +VSBEP FMJHJFSPO MPT (SBOEFT 0KPT t $POGFSFODJBT JOUFSOBDJPOBMFT Z XPSLTIPQT t )PSBT EF QSPZFDDJPOFT t 1SFNJPT FTQFDJBMFT &M 0KP .VOEJBM &M 0KP #JDFOUFOBSJP Z &M 0KP 4VTUFOUBCMF

+ Sr. Amor de JWT Argentina para EjĂŠrcito de SalvaciĂłn, ganadora El Ojo Sustentable de Oro.

noticias

+EVENTOS

Passion Pit en Buenos Aires. En un recital para más de dos mil personas, Converse presentó de manera exclusiva a la banda de rock indie Passion Pit. La ﬁesta se realizó en Groove y, para esta ocasión, se convocó además al DJ Fabián Dellamónica, quien pasó música el resto de la noche. Entre los invitados, Anita Pauls, Mike Amigorena y Jazmín de Grazia. www.converse.com.ar

1. El diseñador colombiano Jorge Duque, ganador de la primera temporada de Project Runway Latin America, junto a su musa inspiradora, Rebecca de Alba (conductora del ciclo), el diseñador Ángel Sánchez y la periodista especializada en moda Claudia Pandolfo (miembros del jurado) y el diseñador Mariano Toledo, coach y mentor del reality que se transmitió por FTV. www.projectrunwayla.com 2. Chechu Bonelli disfrutó de las comodidades del Espacio Movistar en el Campeonato Argentino Abierto de Polo del Bicentenario Movistar. www.movistar.com.ar 3 y 4. Fabio Posca y Roberto Pettinato fueron algunos de los invitados de la mega fiesta organizada por Mercedes-Benz para festejar el lanzamiento del smart en Argentina. www.smart.com.ar 5. Paula Trapani, Mariano Toledo y Romina Ortuño (Gerente de Marketing de Revlon) en el brindis de fin de año que la compañía de cosmética realizó en la Tienda Tornado del diseñador argentino en Palermo. www.revlontrends.com.ar | www.marianotoledo.com 6. El diseñador Pablo Ramírez participó de las fiestas “Romper el hielo”, que Gancia organiza para adelantarse al verano: una experiencia diferente, con mucho hielo, performances, música y los mejores tragos, que ya comenzó a vivirse en Buenos Aires, y que seguirá durante todo el verano en Punta del Este, la Costa Atlántica y en las principales ciudades del interior del país. www.gancia.com.ar 7 y 8. Brenda Gandini y Nicole Neumann y Fabián Cubero estuvieron presentes junto a Samsonite en el cocktail de lanzamiento de la nueva agencia de representación de talentos Life Chekka. www.samsonite-argentina.com.ar +

+FRAGANCIAS

+Chanel Nº5 Para celebrar la Navidad, Chanel presenta una versión renovada de su enigmática y legendaria fragancia Nº5, en un nuevo frasco más femenino y lujoso, con tapón imantado y pulsador. Creada en 1921 por pedido de Gabrielle Chanel (“No quiero ni rosa ni muguet, quiero un perfume compuesto”), las notas de salida de la fragancia que se fabrica minuciosamente en Compiègne, cerca de París, son el ilang-ilang de las Comores y el nerolí, realzado por los aldheídos, moléculas que hacen vibrar estas notas. El corazón se despliega en torno a la rosa de mayo y el jazmín de Grasse, de exclusiva producción de los campos de jazmín de Chanel. La estela, donde vibran las notas de la madera de sándalo, se prolonga en ondas de vainilla bourbon y vetiver de la reunión. Para disfrutar con los cinco sentidos de este perfume abstracto, se recomienda vaporizar todos aquellos lugares en donde nos gustaría recibir un beso, y hacerlo varias veces al día, colocándolo directamente sobre la piel o en nubes sobre la ropa, para crear una relación aún más intensa con el perfume. www.chanel.com

+Ámbar Es la nueva fragancia de Jesús del Pozo: cálida, envolvente, sensual y sugestiva, creada por la joven perfumista Marie Salamagne, quien ha sabido traducir la personalidad y talento del diseñador español, homenajeando sus 35 años con la moda, al colocar el ámbar en el corazón mismo de la fórmula, componente esencial de la alta perfumería. El frasco en forma de amuleto, se sella con un medallón en donde se leen el nombre de la fragancia y el del diseñador, con una tipografía de estilo art nouveau. www.jesusdelpozo.com

+Kenzo Homme Boisée Una eau de toilette amaderada para hombre, firmada por Olivier Polge, exaltada por el aroma intenso de un ramillete de hojas frescas de menta y albahaca, y atravesada por una vibración de pimienta negra de Madagascar y romero de Túnez. Sus notas de salida: dos esencias amaderadas, el cedro del atlas y el vetiver de Haití. El frasco se inspira en una vara de bambú, adoptando el color pardo mate de su corteza, junto con dos hojas grabadas. + www.kenzo.com

noticias

+EMPRESAS

+Nueva imagen Mumm 1BSB GFTUFKBS FM MBO[BNJFOUP EF TV OVFWB JNBHFO FM FTQVNBOUF EF 1FSOPE 3JDBSE TF VOJÃ&#x201A; B MB DSFBUJWJEBE EF MB GPUÃ&#x201A;HSBGB (BCZ )FSCTUFJO QBSB EFTDVCSJS MB OVFWB CPUFMMB EF .VNN &M DPODFQUP BSUÂ½TUJDP i-JWF 4IPPUJOH CZ (BCZ )FSCTUFJOw TF QSPQVTP EFWFMBS MB OVFWB JNBHFO EF MB NBSDB EF VO NPEP EJTUJOUP Z PSJHJOBM FM FTUVEJP EF MB SFDPOPDJEB GPUÃ&#x201A;HSBGB GVF FM FTDFOBSJP QBSB VO TIPPUJOH FO WJWP DPO VO HSVQP EF NPEFMPT RVJFOFT JOUFSBDUVBSPO FO WJWP DPO MPT BTJTUFOUFT -B BNCJFOUBDJÃ&#x201A;O EFM MVHBS TF JOTQJSÃ&#x201A; FO MB FTUÂ¹UJDB EFM FTUVEJP EF BSUF i5IF 'BDUPSZw EF "OEZ 8BSIPM EPOEF MPT PVUmUT BUSFWJEPT MB QJOUVSB EF DPMPSFT FTUSJEFOUFT MBT Ã&#x2C6;MUJNBT UFOEFODJBT Z VOB WJTJÃ&#x201A;O BWBOU HBSEF FSBO MPT QSJODJQBMFT FTUBOEBSUFT &M TUZMJOH Z MPPL EF MBT NPEFMPT TF EFTBSSPMMÃ&#x201A; FO CBTF B MB EÂ¹DBEB EF NBZPS FTQMFOEPS EF 8BSIPM Z NPNFOUP EF OBDJNJFOUP EF FTUB POEB GBCSJM i&T VO IBMBHP RVF IBZBO FMFHJEP NJ FTUVEJP DPNP FTDFOBSJP QSJODJQBM QPSRVF FT UBNCJÂ¹O NJ DBTB -B QSJNFSB SB[Ã&#x201A;O QPS MB DVBM BDFQUÂ¹ FTUF QSPZFDUP FT QPSRVF TJFNQSF UVWF UPUBM MJCFSUBE QBSB DSFBS Z FYQFSJNFOUBSw DPNFOUÃ&#x201A; (BCZ )FSCTUFJO 1BSB (PO[BMP #BDBSBU #SBOE .BOBHFS EF MB NBSDB FM DBNCJP EF JNBHFO EF .VNN TF EFCF B VOB BGVFSUF BQVFTUB BM DBNCJP i4PNPT DPOTDJFOUFT EF RVF FTUBNPT FO VO NFSDBEP FO EPOEF MB JOOPWBDJÃ&#x201A;O FT TJOÃ&#x201A;OJNP EF DSFDJNJFOUP EF FYQBOTJÃ&#x201A;O Z EF SFDPOPDFS FM UFSSJUPSJP FO FM RVF FTUBNPT Z BGSPOUBS OVFWPT EFTBGÂ½PTw + www.mumm.com.ar

+EMPRESAS +El color del año 2011 Con el propósito de añadir color a la vida de las personas, Alba inspira y permite a la gente decorar más fácilmente sus espacios. Expertos en color, poseen un compromiso con la difusión del efecto estimulante que el color puede tener sobre la parte espiritual de las personas, y cada año propone sus Tendencias del Color, resultado de una exhaustiva investigación desarrollada por el Centro de Estética Akzo Nobel, que ofrece el estilo y las tendencias mundiales del diseño y las influencias que posteriormente se traducen en paletas de colores para su uso en todo el mundo. La visión general de Alba sobre las Tendencias del Color para el 2011 es un trabajo sobre la valoración, y alrededor de este concepto, se desenvuelven los estilos que combinan sus paletas de colores más relajadas, cercanas, y a la vez optimistas. Y el color del año 2011 resulta ser “toque de limón”: un amarillo cítrico claro y liviano, que simboliza un espíritu libre, el sentido de la diversión y la energía positiva. En términos de la psicología del color, el amarillo se asocia siempre con la calidez y el sol, y los amarillos claros y livianos son reconocidos como refrescantes, alegres y edificantes. Son buenos para fomentar la comunicación y el aprendizaje, ayudando a combatir la fatiga y la depresión, al mismo tiempo que generan sentimientos de bienestar y pensamiento positivo. También se cree que favorecen un ambiente de relajación, y ayudan a minimizar la ansiedad y el estrés. Dado que es esclarecedor, animado, refrescante y estimulante, toque de limón tiene la capacidad de mejorar, definir y clarificar el espacio interior y exterior, con una nota de esperanza y optimismo para el futuro. www.alba.com.ar

+Viajar liviano Samsonite presenta B-Lite, la línea de valijas más liviana del mundo, que con un diseño minimalista y moderno, representa una gran ventaja para los viajeros frecuentes, dadas sus dimensiones y peso. Todos sus elementos fueron pensados para ser innovadores y soﬁsticados, como las agarraderas integradas (tanto superiores como laterales), que contribuyen a la increíble ligereza de la colección. La durabilidad es otro factor clave, ya que esta serie está confeccionada con telas de alta resistencia en los costados del equipaje, reforzada en los lugares críticos y con un panel frontal de material increíblemente liviano. Además, Samsonite utiliza procedimientos meticulosos para comprobar la calidad de todas las valijas, desarrollando todo tipo de pruebas de resistencia para mantener intacto su diseño y durabilidad. Esta revolucionaria colección -que incluye cinco valijas verticales y tres spinners- ya está a la venta en todas las tiendas Samsonite del país. www.samsoniteargentina.com.ar

+Chandon 50 Aniversario Para conmemorar sus primeros 50 años en la Argentina, Chandon ha creado una Edición Aniversario de partida limitada, compuesta por dos botellas de Cuvée Especial, una Chardonnay y otra Pinot Noir, cepas emblemáticas de la Champagne, que denotan el origen francés de los vinos espumosos de la bodega. Ideal para regalar en estas ﬁestas. + www.bodegaschandon.com.ar

noticias

| Texto: Jorgelina Peciña

+Home & Cook Una nueva experiencia de compra Otra manera de elegir y equipar la casa ahora es posible con Home & Cook, la tienda de electrodomésticos francesa que ya llegó a Buenos Aires con una propuesta y experiencia de compra diferentes a las grandes casas de electrodomésticos tradicionales. No se trata de un nuevo restaurante de comida fusión ni de una tienda de indumentaria de vanguardia. Sin embargo, la puesta en escena de los locales de Home & Cook se destaca por ser ciento por ciento diferente a la convencional que se encuentra en grandes tiendas de electrodomésticos. Se trata de una propuesta novedosa, donde la oferta de productos está especialmente dispuesta para que el cliente viva una experiencia de compra diferente. Home & Cook es una cadena de electrodomésticos del Grupo SEB, de origen francés, que en Argentina ya cuenta con tres locales, ubicados en las zonas comerciales de Caballito (Av. Acoyte 96), Barrio Norte (Av. Santa Fe 1302) y Belgrano (Av. Cabildo 873). El objetivo de esta cadena es brindar una nueva experiencia a la hora de adquirir electrodomésticos y otros productos para el hogar,

+EMPRESAS

durante la cual los clientes se tomen el tiempo necesario para conocer las diferentes propuestas y hacer una elección acertada. Esto es posible gracias a la asistencia personalizada de los ejecutivos de ventas que recorren el lugar con el cliente, explicando los detalles de cada producto e, inclusive, haciendo demostraciones de su uso. En los locales de Home & Cook en Argentina, se comercializan productos de las marcas Tefal, Rowenta, Moulinex y Krups, entre otras. Allí, se exhiben desde cafeteras y tostadoras, hasta diferentes líneas de enseres para cocina. La arquitectura y el diseño de los locales Home & Cook estuvo a cargo del equipo de Sudamericadesign, responsables por proyectos como el Nike Factory Store y las tiendas Topper. Si bien el master plan de las tiendas Home & Cook fue realizado por Quai Indigo en Francia, fue tarea de Sudamericadesign el adaptarlo a las arquitecturas y necesidades comerciales de cada espacio. De esta manera, el diseño de equipamiento fue ajustado a las tecnologías y los formatos de producción local, manteniendo la calidad y la terminación visual acordes al estándar internacional. + www.groupeseb.com www.sudamericadesign.com

+AGENDA MUESTRAS/EXPOSICIONES/FERIAS

CONGRESOS/ENCUENTROS/SEMINARIOS

3 y 4/01/11

9 al 13/05/11

INFINIT INTERNATIONAL FILM FESTIVAL Proyección y elección de los mejores cortos, en las categorías: Corto ﬁcción, Corto documental, Video clip, Video arte, Corto con celular o cámara fotográﬁca y Corto animado Teatro Uamá, Carmelo, Uruguay

ICOGRADA DESIGN WEEK IN VILNUS 2011, LITUANIA Una oportunidad para diseñadores, empresarios y miembros del gobierno de reunirse, discutir y explorar el diseño como una base para el desarrollo

www.inﬁnit.la | info@inﬁnit.la

www.icograda.org/events

10 al 13/03/2011

26 al 29/07/11

CAFIRA INNOVA IX Exposición internacional de fabricantes e importadores de regalos y aﬁnes Centro Costa Salguero, Av. Rafael Obligado y Salguero, CABA

ENCUENTRO LATINOAMERICANO DE DISEÑO Más de 350 actividades de capacitación gratuita (talleres, laboratorios, conferencias, mesas redondas), dictadas por destacados profesionales del diseño y la comunicación de toda América Latina

www.caﬁra.com

www. ﬁdo.palermo.edu/servicios_dyc/encuentro2010 CONCURSOS/CONVOCATORIAS FERIA PURODISEÑO 2011

Hasta 04/2011 Convocatoria Feria PuroDiseño presenta su onceava edición y convoca a diseñadores argentinos y de otros países a participar del 19 al 25 de mayo de 2011, en el Pabellón Amarillo de La Rural

info@feriapurodiseno.com.ar www.feriapurodiseno.com.ar 12 al 17/04/11

LA BIBLIOTECA LATINA

I SALONI 2011 50 Aniversario del Salón Internacional del Mueble, Euroluce (Salón Internacional de la Iluminación), SaloneUfﬁcio (Bienal Internacional del Ambiente de Trabajo), Salón Internacional del Artículo Complementario para la Decoración y SaloneSatellite Fiera Milano, Rho, Italia

Hasta 27/05/11 Presentación de projectos 4º concurso de diseño de mobiliario Manifesto – UP para estudiantes. Se deberá diseñar una biblioteca de tipología libre para uso cotidiano hogareño. Se sugiere la incorporación de acrílico como material

www.cosmit.it

concurso.manifesto.up@gmail.com

19 al 23/05/11

2011 ADOBE DESIGN ACHIEVEMENT AWARDS

ARTEBA 2011 Edición 20 de la feria de arte contemporáneo La Rural, Sarmiento 2704, CABA

Hasta 24/06/11 Recepción de propuestas

FERIA PURODISEÑO 2011 Onceava edición de la feria que promueve las últimas tendencias en diseño. El eje conceptual de la feria será “colores” La Rural, Pabellón Amarillo, Sarmiento 2704, CABA

Se podrán enviar hasta dos propuestas por persona o grupo, en las categorías: soportes multimedia interactivos, análisis Web y de dispositivos móviles, animación y video y soportes tradicionales (ilustración, packaging, fotografía, comunicaciones impresas). Los tres ﬁnalistas de cada categoría serán anunciados y recibirán sus premios en la ceremonia que se celebrará en Taipei, China, en octubre de 2011

www.feriapurodiseno.com.ar

www.adaa.adobe.com

www.arteba.org 19 al 25/05/11

w w w.9 0 m a s10 .com

Jeremyville El arte de lo simple Jeremyville es en sĂ mismo un proyecto conceptual, que busca transmitir mensajes sencillos con dibujos y pocas palabras. Entre Sydney y Nueva York, este multifacĂŠtico artista despliega sus caricaturas, sus juguetes y otras creaciones, que pueden verse en libros, remeras, mochilas, skates, zapatillas y, por supuesto, online. | Texto: Leila Mesyngier

+ Jeremyville y Megan Mair (productora creativa de su estudio) visitaron Buenos Aires para participar de Inspiration Fest 2010. Foto: Watio

diseñadores y creativos

+ My Days in Bondi

En su mochila tiene todo lo que necesita para trabajar: un cuaderno de dibujo y una caja de lápices que despliega en cualquier parte del mundo. En su Sydney natal, en su adoptiva Nueva York y hasta en Buenos Aires, donde estuvo de visita para la segunda edición de Inspiration Fest, en noviembre pasado. Le alcanza para desarrollar, así de simple, las variadas y divertidas ideas que dan forma a su trabajo cotidiano. Es que Jeremyville es el proyecto de un artista verdaderamente multifacético, de esos que dibujan, pintan, diseñan, producen, animan, se involucran, pero sostienen lo más simple posible su mensaje. “Lo que trato de manifestar es lo más importante. El `look´ y el medio son tan sólo formas para expresar un sentimiento, una emoción o un concepto. Me gusta combinar diversión

con el lado oscuro de la humanidad, con su complejidad”, deﬁne el australiano. Por eso, compone pequeñas historias sobre la vida, la muerte, la eternidad, los sueños y el amor, con caricaturas sencillas y poco texto. Relatos cargados de inocencia y, a la vez, de mensajes universales en el que simpáticos personajes se muestran vulnerables ante situaciones cotidianas. Narrativas con múltiples signiﬁcados y referencias, que contienen interpretaciones variadas y que exploran nuevos medios. Por eso, creó el Jeremyville Community Service Announcements,

+ The Last Rays

una iniciativa en Facebook para comunicarse lo más directamente posible con su público y plasmar sus propias inquietudes. “Empecé como respuesta a un amigo, que estuvo mandando mensajes de texto mientras manteníamos una conversación. Entonces, armé un dibujo en el que tres chicos sentados en un sillón no se hablan ni se miran, sino que están con sus celulares, y escribí: `Stop texting & start connecting´”. Enseguida, amigos y fans comenzaron a compartir la imagen en sus propias páginas y el mensaje se fue lentamente expandiendo. Las repercusiones fueron tan buenas que, desde aquél momento, agrega un comic cada mañana. La pasión por lo que hace comenzó, sin dudas, en la infancia. Recuerda el momento preciso, a los cinco años, cuando tomó un pedazo de madera y delineó un conejo en la arena de la playa de su ciudad. Hoy, continúa diseñando y planeando constantemente: tiene cuadernos llenos de ideas que le llevarían “cinco vidas” volverlas realidad. “Me gusta mantenerme ocupado, con diferentes proyectos al mismo tiempo. Hace poco me tomé un día libre, tal vez el primero en tres años, y descansé, pedí comida, miré películas y hasta dormí la siesta. Al otro día, me desperté a las cinco de la mañana con toda la energía ¡para seguir trabajando!”, conﬁesa. Pero aún aprovechando al máximo su creatividad laboral, busca equilibrar horas de relax, una caminata al costado del río Hudson, cenas con amigos, bandas en vivo y la creación de arte

callejero y nocturno con el tiempo de trabajo, que parece ser parte de lo que deﬁne su personalidad. + ¿Qué es lo que más disfrutás de tu actividad? J Siempre trabajé para mí mismo, por lo que creo que lo que más disfruto es la independencia de crear mi propio futuro y ser responsable por mi propio destino. Además, así, puedo inventar, jugar y crear cada día. ¡Pienso que tengo un maravilloso trabajo! ENTRE EL MAR Y LA CIUDAD El viaje, sin embargo, es agotador, entre la concurrida y atractiva playa Bondi en Sydney, Australia, y el deslumbrante Soho neoyorquino, en Estados Unidos, separados por océanos y miles de kilómetros. Desde 2003, Jeremyville viajaba ida y vuelta, entre notas, entrevistas y presentaciones, con su estudio “portátil”. Pero ahora tiene un espacioso loft en la capital del mundo. “Nueva York es una gran ciudad para hacer base, tiene una excelente infraestructura y soluciones para volver eﬁciente la vida cotidiana y laboral. Seguimos atados a nuestro Oz, pero era sensato mudarnos, porque la mayoría de nuestros clientes están en este hemisferio, y las llamadas telefónicas a la 1 de la mañana ya no resultaban tan divertidas”, asegura. Además, esto le permite otro acercamiento con su público, al que

diseñadores y creativos

+ Apocalypse

respeta y apela con inteligencia. “Espero que encuentren múltiples capas de significado en mi obra, y que se tomen el tiempo para realizar sus propias interpretaciones”, sostiene. Y trata de ser muy simple en lo que quiere comunicar, pero a la vez busca resaltar las posibilidades otorgadas por la mirada de personas diferentes, que contemplan sus creaciones en ciudades multiculturales y también a través de Internet. “Mi trabajo le habla a mucha gente en muchos niveles. Cuanto más simple es el dibujo, más personas pueden leer a través de él. Una simple línea dibujada es una invitación a ser explorada”, enfatiza. DECENAS DE ELEMENTOS Jeremyville construyó un estilo propio, bien definido, una voz única, asegura, y revela que trabajó duro para lograrlo. “Me llevó años volver mi trabajo tan simple. Me gusta refinar una idea o una línea hasta que muestra la esencia para transmitir el mensaje”, analiza. Siempre empieza con una libreta y una lapicera, pero se siente cómodo con la pintura, el óleo, las paredes, los pinceles, las biromes, el collage, el aerosol, las tizas y hasta una rama sobre la arena, aquella misma con la que descubrió su talento. Ese conocimiento de sí mismo, ese registro de su naturaleza, tan seguro, tan evidente, le permiten involucrarse en proyectos con otros artistas, sin perderse a sí mismo. “Te abre la cabeza aprender de

lo que pasa alrededor, pero primero hay que encontrar la voz propia, el estilo individual, para asegurarse de que es una colaboración exitosa”, advierte Jeremy respecto a sus proyectos con colegas de todas partes del globo. El más reciente es el libro “Jeremyville Sessions”, donde reúne a más de 300 diseñadores internacionales para crear de manera conjunta y analizar el proceso de colaboración a través de juguetes, accesorios, sketchels, instalaciones y animaciones. Antes, había lanzado “Vinyl Will Kill!”, una publicación en conjunto con IdN, sobre el fenómeno de diseño de juguetes. “Fui entrenado como arquitecto, por lo que siempre el 3D y los juguetes parecen ser una extensión natural de mi obra. Inventé el primero en 1995, un perro inﬂable llamado Air Puppy, y ahora mis diseños son comercializados por Kidrobot”, asegura. + Desde el comienzo de tu carrera trabajaste con cientos de artistas. ¿A quién admirás y por qué? J A Andy Warhol por su ética laboral, su fortaleza y tenacidad. También porque como artista exploró y triunfó en varios géneros del arte, desde la ilustración publicitaria, hasta las bellas artes, pasando por el mundo editorial, la televisión, el cine y la producción musical. Fue un artista del siglo XXI, creo que estaba adelantado en su tiempo.

JEREMYVILLE & MEGAN MAIR UNA DUPLA CREATIVA | Texto: Sandra Furelos

El diseñador Jeremyville y Megan Mair (productora creativa de su estudio), desembarcaron en Buenos Aires, invitados a participar de Inspiration Fest 2010, donde los recibió un público interesado en conocer más sobre sus creaciones y proyectos. Desde hace diez años, forman un equipo eficiente, que le permite a cada uno de ellos desplegar lo que mejor sabe hacer de manera natural. + ¿Qué vinieron a presentar en Inspiration Fest? MM Vinimos a presentar nuestro estudio, para dar a conocer nuestro trabajo, nuestros desarrollos creativos y compartir nuestra trayectoria. J Nuestro trabajo nos permitió abrir oficinas primero en Australia y luego en la Costa Este de Nueva York, y queremos contarles que realmente es fácil operar en todo el mundo con una computadora, y así poder expandirse. + ¿Cómo comenzaron su carrera y cómo decidieron trabajar juntos? J Siempre fui un artista. A nivel profesional, comencé como ilustrador a los 18 años en el Daily Newspaper, y en ese momento, estaba estudiando arquitectura. Pero después descubrí que la arquitectura llevaba mucho tiempo, y que a través del arte obtenía resultados más inmediatos. Para construir un edificio se demora mucho tiem-

po, mientras que como ilustrador, en treinta minutos o un poco más, se realiza el trabajo, se entrega al editor e inmediatamente se publica. MM Por mi parte, estudié diseño gráﬁco y comencé a trabajar en publicidad como directora creativa. Formábamos parte de un grupo de amigos, artistas y creativos. En un momento nos juntamos y decidimos que podíamos empezar a realizar colaboraciones, para ﬁnalmente trabajar juntos. Mi tarea consiste en conceptualizar las ideas como productora creativa, y Jeremyville como artista las hace realidad. + ¿De sus trabajos destacan alguno en especial? MM Estamos muy contentos con los proyectos editoriales. Nuestros libros son álbumes como los de los músicos, que consisten en compilaciones de nuestros distintos trabajos, y los fuimos distribuyendo a nivel internacional, a través de diferentes empresas, y compartiendo con otros artistas a quienes invitamos a participar de ellos. Además, el trabajo en el estudio cada día es distinto, único, diferente. Esto es lo bueno de no hacer lo mismo todos los días. Por ejemplo, podemos estar trabajando en un proyecto para Converse, en unas zapatillas, o en un proyecto para una marca en Pekín. Sin embargo, la pasión que tenemos y la energía que ponemos en todos los trabajos es siempre la misma. J Ponemos toda nuestra energía en cualquier cosa que hagamos. Es difícil decir cuál es el mejor proyecto. La verdad es que son todos como bebitos, y es difícil decir a qué hijo queremos más…+ www.jeremyville.com

dise帽adores y creativos

+ The Nightmare in Jeremyville, Dunny producido por Kidrobot.

+ Converse x Jeremyville (Blue). Una edici贸n limitada de la zapatilla All Star para Converse (PRODUCT) RED.

+ Jeremyville Sessions, editado por IdN, examina el proceso de colaboraci贸n entre artistas para crear toys, remeras, accesorios, animaciones, exposiciones de arte y mucho m谩s.

+ Lower East Side snowboard

Juan Chito Fantasías con aire antiguo Creador mallorquín, ilustrador de gran talento. Con esta entrevista, pretendemos adentrarnos poco a poco en el imaginario de un artista que cada vez que se pone a dibujar nos sorprende con una nueva entrega de auténtico “savoir faire”. | Texto: Movimiento Artes www.movimientoartes.com. Foto: Iñigo Vega

diseñadores y creativos

Paisajes exuberantes, trazos perfectos, equilibrio, humor, y un mundo interior repleto de fantasía. Os presentamos a Juan Chito, un auténtico diamante en bruto que muy pronto, seguro, va a dar que hablar. + ¿Qué imagen utilizarías para presentarte? JC Es difícil presentarse a uno mismo con una imagen o un dibujo, pero si así lo hiciera, sería la imagen de algún animal o una herramienta de trabajo. Es muy cierto que en mi tarjeta personal, mi logotipo es mi propia cara de perfil, pero aún así, no siento que me represente tal y como soy en realidad. Al crear mi logo pensé: “Qué mejor manera de presentarme que mostrar mi propia cara”. Creo que simplemente es una forma de que el receptor sepa cómo soy físicamente sin conocerme… Un barbudo simpático. A decir verdad, parece una moneda antigua y eso me hace mucha gracia. + ¿Cómo crees que ha influido tu historia personal en tus ilustraciones? JC Inevitablemente, las vivencias y experiencias personales de cada uno siempre influyen en lo que hacemos; no nos damos cuenta, pero es así. Mis ilustraciones son muy variadas, pero está claro que el

mar o las formas de aspecto ﬂuido son unas de esas cosas que pueden verse a menudo en mi trabajo. Mi relación con el mar es muy estrecha: es una relación de amistad, respeto y amor. Crecí a dos manzanas de un barrio de pescadores, e iba a pescar casi cada tarde. Aprendí, jugué y crecí junto al mar, sus gentes, los barcos. Vivo en una isla rodeado de mar por todas partes, voy a navegar y buceo cuando puedo. Además, desde muy chico el cine hizo mella en mi vida, sobre todo las películas de piratas o relacionadas con el mar y, por supuesto, las obras de Patrick O´Brian. + ¿Hay algo que te cueste dibujar especialmente, o que te salga muy fácil y bien? JC Me cuesta dibujar a los humanos, y creo que me salen más o menos bien los animales. No me interesa para nada dibujar a estos primeros, pero me encanta satirizarlos mediante interpretaciones cómicas o personajes. + Nos gustaría mucho adentrarnos un poco en tu mundo interior, ¿nos guías? JC No soy guía experto para esto y sólo puedo darte alguna pista, ya que sólo reparo en mi mundo interior cuando me preguntan. Me gus-

+ I-mar. Ilustración decorativa para establecimiento comercial. Tinta negra sobre canvas.

+ Animal Glam. Ilustración exposición conmemorativa siete años “Piel de Gallina”. Tinta negra y color digital.

diseñadores y creativos

tan los sonidos melódicos, el tacto suave y las fragancias culinarias. Mi mundo interior es simple y colorista. Exceptuando una ocasión en que casi me ahogo en el mar y alguna que otra decepción, apenas he vivido episodios que lo hayan podido marcar negativamente. Interpreto las cosas de una forma muy básica, soy de familia humilde, trabajadora y no muy religiosa. Nací en la España de la transición, Elvis Presley aún vivía y a la guerra de Vietnam le quedaban todavía cinco años, así que tengo un pasado generacional algo sobrio, sin ordenadores ni teléfonos móviles, sin aditivos y lleno de vivencias sencillas.

+ Tus ilustraciones están repletas de detalles. ¿Nos explicas cómo lo consigues? JC Es más la cantidad de trazo que lo meticuloso de éste, lo que caracteriza algunas de estas ilustraciones; hay muchos elementos, pero no están muy detallados… Creo que sería casi enfermizo si así fuera. Al principio, deseaba hacerlo todo en el mismo soporte, sea cual fuera el tamaño, pero poco a poco me di cuenta que creaba algunas de estas obras como si de un escultor de basura se tratase. O sea, comenzaba a dibujar objetos sin parar y cuando tenía una cantidad importante, empezaba a componer la estructura de la imagen. Si más tarde notaba que faltaba algo, lo dibujaba y añadía más tarde; me parecía mucho más divertido. + ¿Qué técnicas utilizas? JC Normalmente, utilizo rotuladores y tinta negra con bocetos previos, también mesa de luz. Sorprende, pero regla y compás también uso. Suelo colorear digitalmente, aunque estoy empezando a hacerlo con medios menos electrónicos. Hay ilustraciones en las que he utilizado hasta cincuenta Din A4, que más tarde compongo digitalmente. Éste es el método que empleo para las grandes composiciones, murales e ilustraciones de gran formato, que superan los doscientos centímetros de ancho. + ¿Estás de acuerdo con la aﬁrmación de que tu obra es un caos ordenado? JC Quizás toda mi obra no sea así, pero hay muchas de ellas que llevan ese estilo sobrecargado y enmarañado que, a primera vista, puede parecer un caos, pero a medida que entras en detalles y te ﬁjas en el conjunto, ves que cada elemento puede estar ahí por un motivo y esto sugiere múltiples lecturas. Normalmente, utilizo las creaciones físicas u objetos diseñados por el ser humano para componer las ilustraciones que hacen referencia a un tema en concreto. Si es sobre música, dibujo instrumentos. Y si es sobre el mar, son barcos o peces. Es simple.

+ Kids Guide. Ilustración para libro-guía de viajes familiar.

+ Todas tus ilustraciones tienen un aire antiguo, una estética vintage. ¿Cuáles son tus inﬂuencias? JC He de confesar que soy admirador de la ilustración clásica de toda la vida: ilustración americana (sobre todo en la publicidad) e ilustración Occidental y Oriental de propaganda. No soy de esos que piensan que cualquier tiempo pasado fue mejor, pero me atrae mucho este tipo de ilustración casi realista, que suplía con creces el lento avance de la fotografía dentro de la comunicación. Hoy, la fotografía es para mí la gran asignatura pendiente; me encanta. Algunas de mis ilustraciones que parecen vintage, lo son por exigencia del cliente, y otras porque lo sugería el tipo de proyecto o target al que va dirigido. + ¿Qué parte hay de don y qué de técnica en la ilustración? JC Para mí, siempre ha sido complicado responder a esta pregunta, la gente cercana a mí siempre decía, “¡Este chico tiene un don!”. Pero yo siempre he pensado que se me daba bien y nada más. Creo que tener un “don” simplemente es hacer algo bien, sin que te cueste un gran esfuerzo, casi por intuición o como acto reﬂejo. Para ello, debe crearse una técnica, que se desarrolla mediante la práctica y algo de paciencia, pero hay que disfrutar haciéndolo. + Si no fueras ilustrador, ¿a qué te gustaría dedicarte? JC Apenas puedo decidirme por algo en concreto, pero me hubiera encantado ser futbolista, fotógrafo de la National Geographic o capitán de la Marina Mercante… + ¿Alguna pregunta que no te hayamos hecho y que te apetezca contestar? JC ¿Te apetece tomar algo? Sí, pero quizás más tarde. + www.joanchito.com

+ Tapa del libro “Here Comes The Garbage Barge!”.

diseñadores y creativos

Diálogo entre ilustradores por Fernanda Cohen

Red Nose Studio Donde los sueños se hacen 3D Todo dibujante tiende a crear un universo propio, donde sus componentes encastran a la perfección y sus personajes complementan su contexto con una armonía sólo conocida en sueños. Y Chris Sickels, el artista detrás de Red Nose Studio, es un experto en el tema.

Con sus personajes de arcilla y sus sets hechos de materiales que varían desde comida, papel y madera, hasta cera, alambre y telgopor, Chris logra que sus ilustraciones se asemejen más a una película de Tim Burton que a los dibujos de Quino y Caloi. Parte de la diversión de estas charlas entre ilustradores, es que me dan una excusa ideal para preguntar todas las dudas que no puedo descifrar yo misma desde mi experiencia, especialmente cuando se trata de un artista con un proceso tan diferente a lo convencional. Red Nose Studio es el ilustrador dimensional con más visibilidad en el medio, por lo que mis primeras preguntas fueron: ¿dónde estudiaste y qué?, ¿qué medio usabas en este entones? The Art Academy of Cincinnati, Diseño y Comunicación con especialización en ilustración, pintaba. UN PIONERO CON NICHO PROPIO Hay gente que trabaja digitalmente, en acuarela, óleo, tinta, pastel, en color o blanco y negro; hay artistas con estilos más ﬁgurativos y otros más abstractos; existen los que se especializan en lo conceptual y los que están inmersos en un mundo creado sólo para niños. Dentro de todas estas categorías de estilos y medios, es un gran desafío arriesgarse y destacarse, creando un nicho inexistente y, por ende, propio. Chris es una de estas pocas excepciones. Me cuenta que pintó por varios años después de que se graduó en 1996, y que su trabajo creando muñecos creció gradualmente a partir de 1999. “La transición fue muy gradual. En el 2000 me puse el nombre Red Nose Studio y empecé a promover todo el trabajo 3D, junto a mi estilo

ya establecido de pintura. Al tiempo, finalmente algunos de mis clientes regulares se arriesgaron a usar el trabajo 3D, y creció de a poco a partir de ahí. El primer año, tuve sólo un par de encargos, pero para el 2003/4, la mayoría del trabajo era 3D, y ahí decidí no hacer más pinturas 2D exclusivamente”. Como todo creador de tendencias, Chris no sólo tuvo que pavimentar una nueva ruta, sino que también es la inspiración de cualquier talento emergente que quiera seguir sus pasos en 3D. “Hay algunos ilustradores dimensionales que son muy buenos, y lo que yo hago no es tampoco tan nuevo; hasta existen tapas de la revista Esquire de 1930 que ya usaban fotos de sets y personajes dimensionales como ilustración. Vi algunos artistas jóvenes que están muy influenciados por mi trabajo, pero espero que sea sólo una etapa por la que están pasando, para poder encontrar su propio estilo”. Así y todo, como me dijo una vez mi gran amigo y colega James Jean, hay una parte de la fuente de inspiración de uno a la que nadie puede llegar; por eso, los que copian estilo se quedan en la superficie de lo que imitan, a no ser que encuentren su propia fuente oculta de inspiración que les de una cuarta dimensión a su trabajo. RECETA COMPLEJA, PERO SIMPLE Parte de lo que vemos en la superficie de lo que hace Red Nose Studios es lo que un observador le describió a Chris como si fuese la cocción de un chorizo: “Si vieras el proceso de cómo hago lo que hago, no lo comerías”. Así y todo, la calidad del detalle de sus maquetas,

compuestas tanto de elementos tangibles como de iluminación fotográfica, ángulo y una cinematografía más bien melancólica, hace que uno quiera devorar sus imágenes en un abrir y cerrar de ojos. Y como es el caso también con las recetas, lo más importante es, por cierto, ese ingrediente extra que le da el cariño que uno le pone a la mezcla; cosa que en el caso de Chris se refiere a su gran colección de cajones, donde cada elemento tiene su espacio y un destino predeterminado. A pesar de su ejecución poco convencional, su proceso creativo a la hora de interactuar con directores de arte es bastante similar al resto de nosotros: “Intento mantener la base de lo que hago dentro de como se trabaja en ilustración, para simplificárselo al cliente. Mando bocetos, hago revisiones si es necesario y, en general, hago un estudio en acuarela para mi propia exploración, que de vez en cuando comparto con el cliente. Después de que los bocetos son aprobados, paso directamente al armado del personaje, el posicionamiento de la cámara, y la construcción del set con su atmósfera, para encajar bien en el visor de la cámara. No mando fotos del proceso, porque la mayoría de las veces no termina de cerrar la idea hasta la última etapa”. LOS CLIENTES MÁS AUDACES La clase de cliente que se anima a usar el trabajo de Chris, incluye tanto el campo editorial, que es uno de los más tradicionales, como etiquetas de vino, publicidad, ilustración institucional, packaging, pósters y libros para chicos, con ansias de algún día hacer una película de stop motion de Wes Anderson. “Muchos clientes me comen-

+ Los personajes creados por Chris Sickels descansan en los estantes del Red Nose Studio.

tan que lo que les atrae es el componente humano y sentimental de los personajes en mis imágenes. La gente parece que se identiﬁca con los aspectos más toscos e imperfectos de los personajes que habitan mis pequeños mundos”. Uno de sus últimos proyectos incluye el libro para chicos “Here Comes The Garbage Barge!”, escrito por Jonah Winter y editado por Schwartz & Wade: “Está basado en una historia real de 1987, acerca de una carga de basura que nadie quería y que el capitán del barco arrastró por 6000 millas. Ya que este evento es lo que hizo que América empezara a reciclar, la mayoría de los sets y accesorios están hechos de basura reciclada”. UN PERSONAJE CON VIDA PROPIA En el medio de este remolino de proyectos plagados de detalles arduos con una magia de telaraña, Chris tiene una vida 3D propia en Greenﬁeld, Indiana, fuera del lente de su cámara, con su mujer Jennifer y sus tres hijos como protagonistas. También tiene tiempo de desarrollar proyectos personales “que exploran los personajes en mis libros de bocetos y la poesía sin sentido con la que me gusta jugar. Se enfocan en temáticas de mi interés, que son sobre todo aventuras relacionadas con mi fascinación con volar”. Lo más hermoso de sumergirme en el mundo Red Nose durante estas páginas es entender que, en el fondo, todo lo que hace Chris es personal en su esencia, ya que volar es lo que uno siente cuando mira cada una de sus creaciones. + www.rednosestudio.com

+ Ilustración para la tapa de la revista Plan Adviser.

dise単adores y creativos

+ The Seeder, trabajo personal.

+ Bravo, restaurante de autor del Hotel W de Barcelona, de Isabel López Vilalta.

DArA ID Diseño puertas adentro El 2º Encuentro Internacional de Interiorismo y Diseño se celebró en el Auditorio Buenos Aires, donde se dieron cita diseñadores y arquitectos locales y extranjeros para hablar de la disciplina que busca salir de los espacios cerrados para conquistar el espacio público.

| Texto: Jorgelina Peciña

Durante dos días en octubre, en el encuentro DArA ID se desarrolló un amplio programa de conferencias con profesionales nacionales e internacionales del diseño y la decoración. Bajo el lema “¿Para quién diseñamos?”, fue el ámbito de reflexión para que prestigiosos profesionales expusieran proyectos con éxito internacional y, también, experiencias locales, con el objetivo de obtener conclusiones con fines prácticos para aplicarlas a nuestra realidad, interactuando y debatiendo ideas, estilos, movimientos y direcciones sobre interiorismo y diseño. DArA ID fue organizado por DArA (Decoradores Argentinos Asociados), una asociación sin fines de lucro, constituida para desarrollar y promover la temática afín al interiorismo y el diseño.

del FAD y profesora en la Escola Eina de Barcelona. En 2009, creó su propio estudio dedicado a proyectos multidisciplinarios de interiorismo, diseño integral y arquitectura. Fue la diseñadora encargada del interiorismo de los hoteles Eme de Sevilla y Omm de Barcelona.

Fueron parte del encuentro representantes internacionales como los Hermanos Campana, quienes desde Brasil se han destacado internacionalmente como reyes del diseño industrial, aunque también han dado sus pasos en el ámbito de diseño de interiores. La representante española fue Isabel López Vilalta, interiorista y vicepresidenta

En cuanto a las voces nacionales, se dieron cita Manuel Sáez, Germán Carvajal, Rodolfo Machado, Martín Gómez y las arquitectas Enrica Rosellini, María Cecilia Curcio y Andrea Mielnichuk del estudio Rosellini. www.daraid.com

También del exterior, pero esta vez del área del Caribe, estuvo Miguel Rodríguez Casellas. El trabajo del portorriqueño trasciende la mera definición de un estilo. Más que un arquitecto de proyectos, es conocido por sus posturas. Desde 1996, se ha desempeñado como profesor en la escuela de arquitectura de la Universidad Politécnica de Puerto Rico, de la cual también fue decano.

diseños y creatividad

+ Silla Sushi III. Foto: Luis Calazans

+ Fernando y Humberto Campana. Foto: Watio

HERMANOS CAMPANA EL ESCENARIO DONDE VIVEN LAS PERSONAS En el marco del encuentro DArA ID, 90+10 tuvo la oportunidad de entrevistar a los Hermanos Campana. Humberto es abogado, pero eligió dejar de lado los juzgados y las leyes para diseñar. Fernando estudió arquitectura y se sumó a los proyectos del hermano mayor, que ya comenzaba a ser conocido en los 80. De allí en más, comenzaron a transitar juntos un camino que los llevaría a ocupar un lugar propio en el mundo del diseño internacional. Sus trabajos fueron expuestos en las galerías y museos más reconocidos del mundo y parte del éxito de sus creaciones tiene que ver con el uso de materiales naturales y económicos, que le imprimen a cada una de sus creaciones una personalidad indiscutida.

ropa, qué si la tienen. Hoy, en Argentina y otros países de la región, los diseñadores jóvenes se sienten más fortalecidos, cuentan con la ventaja de tener trabajos en los cuales apoyarse, porque el mundo está más cerca.

+ Trabajan juntos hace más de treinta años. ¿Cómo fue el comienzo? HC Cuando comenzamos, Brasil vivía una crisis importante. Hacer diseño conceptual en medio de un contexto de dictadura y de crisis no fue sencillo (estamos hablando del año 1983). Mucha gente desistía en seguir una carrera en el mundo del diseño, y trabajaba en cosas más seguras. + ¿Cuál es la actualidad de los Campana? HC Hoy nos interesa investigar varios tipos de disciplinas en el mundo de la creación: diseño, paisajismo, arquitectura. Estamos terminando un hotel en el centro de Atenas, Grecia, para un coleccionista de arte contemporáneo. También, estamos con la reforma de un área del museo d’Orsay de París. No nos interesa circular por un sólo campo de creación, sino pasear por universos diferentes y volvernos más maduros. + Sobre su presencia en DArA ID, ¿qué me pueden contar? HC Dimos una conferencia sobre nuestra trayectoria; hablamos de cómo llegamos hasta la actualidad: desde salir de un país que no tenía una tradición de diseño hasta cómo llegamos a países de Eu-

+ ¿Cómo ven el interiorismo hoy? HC Es importante porque las personas viven en un lugar, sus casas son parte de sus sueños; allí ponen personajes para vivir, que son los muebles. El espacio se transforma en algo así como el escenario en donde viven. El interiorismo debe poseer la capacidad de ser preciso y entender cómo es la vida del cliente, su historia, interpretar a la persona que vive en ese espacio. + ¿Qué opinan del interiorismo en Brasil? HC En Brasil hay un movimiento de interiorismo, pero más cerca del aspecto comercial. Hay muy buenos decoradores, pero también hay otros que compran una cultura. Buscan hacer diseños como si vivieran en un castillo o en una casa en la Toscana… + ¿El interiorismo quiere conquistar el espacio público? HC Hay un pasaje del interiorismo hacia el exterior y viceversa. Es posible llevar el diseño del interior de las casas hacia el espacio público; crear un diálogo entre el interior y el exterior es muy importante. Las personas que pasan por la puerta de nuestras casas, por ejemplo, también pueden disfrutar del diseño de esa casa, que éste sea un punto de encuentro. + ¿Cuál es la característica distintiva del diseñador en nuestra región? HC La improvisación es una característica positiva de América Latina, que nos da la agilidad para resolver varias situaciones al mismo tiempo. En otros países, quizá, son más rígidos, más compartimentados. Eso nos da una frescura a los latinoamericanos que nos permite explorar nuevos universos. + www.campanas.com.br

+ Conferencia Jeremyville

I N S P I R AT I O N F E S T 2 0 1 0 Una cita con la creatividad

Con la Ciudad Cultural Konex como escenario ideal, el 26 y 27 de noviembre se llev贸 a cabo Inspiration Fest Buenos Aires 2010, el festival de inspiraci贸n y creatividad que promueve las industrias creativas en todas sus expresiones. | Texto: Jorgelina Peci帽a. Fotos: Watio

diseños y creatividad

+ Espacio La Estampa

+ Workshop Grafﬁti por Collage Lab

+ Les Mentettes

Fueron dos días a pura inspiración, bajo una atmósfera creativa que inundó todos los rincones del Konex. En 2010, Inspiration Fest redobló la apuesta e inspiró a más de 3 mil asistentes ávidos de escuchar a los conferencistas nacionales e internacionales, participar de los workshops y de la creación de las instalaciones, ver las muestras, las proyecciones y los espacios de creatividad colectiva. La segunda edición del Inspiration Fest fue una ﬁesta, y sus participantes los responsables activos de que así fuera de principio a ﬁn. Este año, el abanico de actividades propuestas fue amplio e interdisciplinario. Uno de los participantes internacionales fue Ronnie del Carmen, director de películas en Pixar Animation Studios, quien voló desde Estados Unidos para ser parte del festival. En su charla, compartió algunos secretos acerca de su trabajo y

explicó el signiﬁcado y la importancia de ser un buen contador de historias. Otras de las actividades destacadas y más buscada por el público fueron las charlas que brindaron el artista australiano hoy radicado en Nueva York, Jeremyville, y el creativo diseñador brasileño Felipe Taborda. El primero mostró con ilustraciones en vivo y una colección de sus mejores trabajos sus diferentes inspiraciones; mientras que Taborda habló sobre la curiosidad, la simpleza y la inspiración que se necesitan para trabajar en el campo creativo. Además, expuso sobre su proyecto Oi Kabum! Mix, una muestra que reﬂexiona sobre los derechos humanos, bajo la mirada de jóvenes que viven en las periferias urbanas de grandes ciudades brasileñas. Ambos artistas no sólo cosecharon gran cantidad de asistentes en sus charlas, sino que también fueron de los más aplaudidos.

+ Workshop Diseño de personajes por Jeremyville

+ Espacio Rasti

+ Workshop Tipografía 3D por Espacio Virgen

+ Workshop Diseño de storyboards por Ronnie del Carmen

+ Pintada colectiva de artistas en vivo

También participó del ciclo de conferencias de Inspiration Fest 2010 el brasileño Marcos Kulenkampff, a cargo de las producciones fotográﬁcas de Getty Images en América Latina y, entre las voces nacionales, estuvieron presentes Gonzalo Berro, fundador y director del Grupo Berro, quien habló sobre identidad de marca, mientras que Pedro Panigazzi, director de la agencia digital Publiquest, habló sobre creatividad digital y nuevos medios. El multipremiado arquitecto Andrés Remy brindó una charla sobre arquitectura, y Patricio Lixklett, director del estudio La Feliz y Federico Churba expusieron sobre diseño industrial. También, brindaron charlas Estudio Bosque, conocidos por unir en sus trabajos lo manual con lo digital; PepperMelon, expertos en animación y 12-NA, proyecto artístico de reciclado textil liderado

por Mercedes Martínez y Mariano Breccia. El historietista Liniers presentó su nuevo proyecto de animación Liniers Animado, junto a los directores Esteban Sapir (La Doble A) y Gabino Calónico (Gazz), quienes contaron cómo surgió el proyecto, quiénes son sus participantes y proyectaron el capítulo piloto en el marco del Inspiration Fest. Asimismo, y al igual que el año pasado, destacados diseñadores presentaron lo mejor de su trabajo creativo y realizaron un “open work” en vivo en las Sharing Conferences: Hernán Berdichevsky (diseño gráﬁco), director de Nobrand; Eduardo Blacher (música), director de La Pirada; Estado Lateral Media Lab, Javier Saldeña (animación) y la editorial Moebius, Moosgo Digital Publishing y Opción Libros brindaron una conferencia

+ Workshop Diseño de personajes en Rasti por DGPH

+ Workshop Grafﬁti por Collage Lab

+ Workshop Origami por Romina Goranski

+ Workshop Reciclado textil, dirigido por Marcelo Ortega

sobre edición de libros electrónicos (ebooks).

realizadas íntegramente con Rasti.

CREATIVIDAD APLICADA AL INSTANTE Durante las dos jornadas del Inspiration Fest, se llevaron adelante diferentes actividades con la participación directa del público. Una de las más concurridas fue la realizada en el Espacio Rasti, un rincón lúdico con miles de ladrillos para expresar la imaginación libremente. La técnica Rasti consiste en piezas y accesorios fabricados en material plástico que, por un sistema único de encastre, permiten armar las más diversas formas: desde pequeñas esculturas hasta enormes ciudades. En este ámbito, República Rasti -un grupo de fanáticos del clásico juguete que se reúne desde el año 2005 para despuntar su pasión por la construcción de mundos, personajes y ciudades imaginados desde su infancia- exhibió obras

A la hora de los workshops, se destacó el dirigido por Collage Lab, donde se crearon dos grafﬁtis gigantes en uno de los muros del patio central del Konex. En cada caso, participaron del trabajo treinta personas. Los grafﬁtis se realizaron durante los dos días que duró el festival. Además, los asistentes al festival pudieron intervenir ropa donada por el Ejército de Salvación y convertirlas en nuevas piezas de moda en el workshop de Reciclado Textil, guiados por el diseñador de indumentaria Marcelo Ortega. Entre otras actividades, se destacó la realizada por el colectivo multimedia LigLab VJ Set + Breaking Juggling Krew, responsable de una performance en vivo, donde se combinaron recursos del

+ Muestra Design Politics

+ Muestra Getty Images

+ Performance LigLab VJ Set + Breaking Juggling Krew

+ Instalación Lasertoys de Los amigos de la imagen

+ Muestra The world is our playground

+ Espacio La Estampa

malabar, la danza urbana y el grafﬁti con objetos lumínicos. También se realizó la segunda edición del Encuentro Dorkbot Buenos Aires, un encuentro informal abierto y gratuito entre artistas, ingenieros y ciudadanos en general, interesados en el arte electrónico. Y el blog sobre street style On The Corner participó con un shooting, identiﬁcando a aquellas personas que utilizan su indumentaria como vehículo de expresión.

el taller de Diseño de personajes por Rasti, de la mano de DGPH + Rasti. También, la actividad denominada Anarconomía, a cargo de Future Lounge, y Diseño de estampado, realizado por muchatela. Por su parte, Romina Goransky enseñó a hacer Origami y Espacio Virgen expuso el tema Tipografía en 3D.

VEO, ESCUCHO, APRENDO Y APLICO Además de las conferencias y actividades colectivas, una parte importante de Inspiration Fest estuvo dada por los talleres con artistas invitados. Se destacaron los dos workshops internacionales que realizaron Ronnie del Carmen sobre Diseño de storyboards y Jeremyville sobre Diseño de personajes a mano alzada. En cuanto a las actividades con artistas nacionales, la oferta incluyó

Entre las muestras e instalaciones, se exhibieron los pósters de Oi Kabum! Mix (Brasil) y Design Politics (Chile), fotografías de América Latina por Getty Images LatAm, Inﬁnit Play, The world is our playground por Monoblock, una selección de obras de artistas de la galería de arte Espacio 6.0, y en el espacio de La Estampa se experimentó con telas. Además, Los amigos de la imagen presentaron la instalación interactiva Lasertoys, Estado Lateral montó su Spray Virtual Painting para pintar con aerosoles de pintura virtual, y el artista marplatense Sael realizó en vivo la obra mural Live on Line.

+ Conferencia Ronnie del Carmen

+ Beat the Kids

+ Instalación Spray Virtual Painting de Estado Lateral Media Lab

+ Le Microkosmos

+ DJ Campeón

+ Army of Dub

+ Acompañaron el festival: Tienda Linda, librería CP 67, Monoblock y Espacio Moebius

Las artes audiovisuales también dijeron presente en Inspiration Fest 2010. En la sección Films, se presentó el festival Animarte, una muestra que reúne los trabajos más destacados del género a nivel mundial, para presentarlos en diferentes ciudades de Sudamérica. Luego de la proyección, se realizó una votación abierta para elegir al ganador de la edición 2010, que se dará a conocer a principios de 2011. Otra primicia fue la presentación de los veinte mejores videos de cada categoría del Vimeo Festival + Awards, que premia a los videos más creativos y originales compartidos online.

street art regional.

Asimismo, se exhibieron los documentales Favela on Blast, que se sumerge en el mundo de las favelas de Río de Janeiro y sus ﬁestas; Megunica, un trabajo que recorre América Latina en busca de inspiraciones; y Paredes que hablan, una producción original de I-SAT de nueve episodios, con foco en los principales exponentes del

En lo que respecta a animación, Caloi en su tinta, ciclo del reconocido historietista Carlos Loizeau, presentando un programa dedicado a la difusión del cine de animación argentina; y Stash Media, un compilado anual de cortos de animación con lo más destacado de la industria internacional, presentado por Stash Magazine. En cuanto a la agenda musical, el festival contó con las presentaciones de las agrupaciones Le Microkosmos y Les Mentettes. Además, DJ Cisco, Army of Dub, Selector Lucho, Chancha Vía Circuito, DJ Campeón, Selecter Vintage, Radio Royale, Cabeza Showcase, DJ Gone, Beat the Kids, VJ Mano y VJ Naif fueron los encargados de musicalizar el ambiente durante los dos días que duró el festival. + www.inspirationfest.com

+ Jeremyville pintó en vivo un mural junto a otros artistas.

C E L E BRANDO LA O RIGINALIDAD adidas Originals celebró la originalidad en Inspiration Fest, convocando a varios artistas locales a expresar, a través de sus estilos únicos, sus particulares formas de interpretarla. De esta manera, cuatro artistas argentinos -Lucas Varela (diseñador gráﬁco, infograﬁsta, ilustrador y artista de cómics), Lucas Nine (dibujante, ilustrador, historietista y animador), Marcelo Albinati (artista plástico) y el grupo de diseño RDYAse sumaron a la campaña internacional “Celebrate Originality”, aportando su singular visión creativa, y produciendo una obra artística cada uno. Además, compartieron sus trabajos e inspiraciones en las adidas Originals Conferences. La presentación pública de estas obras se realizó dentro del marco del festival, en un ambiente que rindió tributo a la moda, el arte, la música, el diseño y la vida urbana. Las obras están

siendo exhibidas y expuestas en diferentes lugares de la ciudad y alrededores, y podrán disfrutarse en los locales de adidas Originals. En el Espacio adidas Originals en Inspiration Fest, fue posible dibujar, pintar, escribir, garabatear y celebrar la originalidad en un muro especialmente montado para tal actividad. En el mismo sector, también se realizó una pintada colectiva con la participación de los artistas Jeremyville, Nase y Diego Roa, junto a Estudio Moko, Borneo y Luna, ganadores del concurso realizado a través del perﬁl que Inspiration Fest tiene en Facebook. www.adidas.com.ar/originals

diseños y creatividad

+ Lucas Varela y Lucas Nine durante su adidas Originals Conference.

+ Dos muñecos HammerHead gigantes (desarrollados a partir de la reinterpretación de las cabezas de los martillos) fueron intervenidos por el público en una acción colectiva.

+ “Ser original forma parte la libertad que tenemos de mirar el pasado y enfocarnos en el futuro. Celebrar la originalidad es disfrutar la creación, de despertar y abrir los ojos a lo que nos rodea”. Grupo RDYA www.rdya.com.ar

+ “Retornar a los orígenes es rememorar el pasado; transponerlo al presente es el comienzo de la originalidad y por lo tanto el leitmotiv o intención de toda actividad creadora”. Marcelo Albinati

+ “La originalidad por sí sola me parece algo complicado de deﬁnir. Puede ser parte del resultado, pero como meta elegida de antemano la siento una impostura. Por eso la única celebración de la originalidad real que se puede hacer es póstuma”. Lucas Nine www.lucasnine.com.ar

+ “Una obra original no puede obviar la sociedad en la que fue concebida, así que cerrar los ojos ante lo que nos rodea o aislarse en la cueva no va a ser de mucha ayuda. Por eso celebrémosla con los ojos abiertos”. Lucas Varela www.lucasvarela.com.ar

M A R COS KULENK A MP FF

Un profesional inquieto y creativo Ingeniero y responsable de las producciones creativas de Getty Images Latin America de Brasil para América del Sur, Marcos Kulenkampff estuvo en Inspiration Fest para explicar cómo funcionan hoy las producciones fotográficas en Brasil y en el mundo. | Texto: Sandra Furelos. Foto: Watio Voy a explicar qué necesitan las empresas hoy, cómo son las locaciones y los modelos, qué produce que los buenos fotógrafos estén dejando de trabajar para bancos de imágenes, y hablar del futuro de la fotografía y de los bancos de imágenes, su funcionamiento y su rentabilidad”, anunció Kulenkampff al comenzar su conferencia en Inspiration Fest. Pero, además, habló de su trayectoria, qué lo llevó de ser ingeniero a productor experto en el mercado fotográfico, a la vez que desarrolla toda una faceta creativa de manera personal, ya que él mismo comenzó poco a poco a realizar como fotógrafo producciones para books y también el trabajo de retoque de imágenes de manera profesional. + ¿Cuál es tu función en Getty Images Latin America? MK Si bien soy ingeniero, cambié de profesión hace unos cuatro o cinco años. Básicamente, soy el responsable de todas las producciones creativas de Brasil y de América Latina. Entonces, cuando marcas como Coca-Cola me llaman y me piden una producción fotográfica con un determinado fotógrafo, soy la persona que hace la logística. Busco las locaciones, tengo los registros de actores, el vestuario, el maquillaje, etc. Organizo todo para que la producción funcione correctamente. + ¿Cómo fue el cambio de ingeniero a productor? MK El cambio fue algo raro, porque yo era un ingeniero que trabajaba en logística, en una transportadora de carga, y un día me llamaron y me dijeron que tenían un trabajo para mí, cerca de mi casa, en el que ganaría dos veces más, y estaría rodeado de mujeres lindas. Entonces pensé que era un chiste, ya que no tenía experiencia en el área, pero me ofrecieron entrenarme, ya que necesitaban a una persona que conociera de matemática, de costos,

y que fundamentalmente tuviera un pensamiento muy rápido, y así fue que comencé a trabajar como productor. + ¿Cómo se realiza la selección de fotógrafos? MK Muchas veces, los clientes quieren un fotógrafo específico, mientras que otras solicitan determinadas fotografías. Cuento con profesionales que trabajan habitualmente conmigo, y que tienen diferentes estilos para cumplir con cada pedido. Separo dos o tres portfolios, pido presupuestos y los presento. Siempre tengo en claro qué profesional podría ser el adecuado en cada caso, y los recomiendo de acuerdo a lo que solicitan. + ¿Cuáles son tus proyectos? MK Me interesa la fotografía, y hace un tiempo comencé a realizar fotografías para books de algunos amigos. También aprendí a usar el Photoshop, y me gusta mucho trabajar con esa herramienta. Así que también realizo tratamiento de imágenes de manera profesional. + ¿Se puede decir que tenés una faceta artística? MK Sí. Tuve que aprender a hacer fotografías para las diferentes locaciones posibles. A veces no se puede trabajar con locaciones que signifiquen altos costos, pero las fotografías tienen que quedar bien de todas maneras, entonces fue necesario que aprendiera a realizar buenas producciones fotográficas con locaciones de bajo costo, para invertir ese dinero en otros aspectos de la producción. Otras veces debía presentar algún trabajo y faltaban pequeños retoques. En esos casos, esperar a que los hagan otros demandaba mucho tiempo, por eso aprendí a manejar herramientas como el Photoshop porque necesité hacerlo, pero también porque me gusta. + www.marcoskulen.com www.gettyimages.com

diseños y creatividad

LIVE ON LINE, BY SAEL Live on Line es una obra-mural-instalación, que fue construida en vivo durante el Inspiration Fest 2010, a partir de una sucesión continua de puntos interminables e inﬁnitos, generando un mundo mágico de colores, que se extendió al nuevo Ford Fiesta Kinetic Design, el auto que sirvió como base y material para el trabajo. El responsable de la obra fue el artista Sael, conocido por buscar en cada una de sus propuestas la ambiciosa simpleza

de hacer cosas inesperadas. Sobre el trabajo ﬁnal, su autor explica: “la obra es pura improvisación, por eso fue realizada en vivo, no hubo un boceto previo. Con las líneas materiales fui creando y construyendo lo que mi corazón, mi imaginación y la forma del auto y el entorno me inspiraban”. + www.eluniversosael.com

+ Felipe Taborda en su conferencia

+ Sida. Diseño: Jefferson Borges / Roberta Castro. Foto: Elias Nunes. Oi Kabum! Escola de Arte e Tecnologia – Salvador.

O I K ABUM! MIX

Diseño, educación y compromiso social Inspiration Fest recibió el sábado 27 de noviembre al diseñador brasilero Felipe Taborda, quien presentó el proyecto Oi Kabum! Mix, que también se exhibió durante el festival. | Texto: Sandra Furelos. Foto: Watio La iniciativa, que comenzó en Brasil y hoy se extiende a diferentes países de todo el mundo, entre los que se encuentran Argentina e India, tiene como finalidad seleccionar chicos de entre los más pobres de las diferentes ciudades, para capacitarlos en el manejo de herramientas de diseño, que les permitan generar piezas visuales para ser exhibidas en la vía pública. Este desafío propuesto por Taborda brindó resultados asombrosos, ya que a partir de temáticas de interés social como embarazo precoz, sida, derechos humanos y cuidado del agua, los chicos participantes lograron profundidad conceptual y armonía visual en cada una de las piezas gráficas, que han sido colocadas en las calles de cada ciudad como afiches y expuestas en muestras de diversos países del mundo, entre ellas, Inspiration Fest. Felipe Taborda suma a su reconocida trayectoria y talento trabajando principalmente en el área cultural, editorial y fotográfica,

un proyecto que es un aporte para pensar los problemas de la sociedad actual y una herramienta para la educación. + ¿Cómo se gestó y realizó el proyecto Oi Kabum! Mix? FT Se trata de un proyecto que he desarrollado con los chicos de las favelas de cuatro ciudades de Brasil, que consiste en un taller de cinco semanas, donde crean piezas de diseño gráﬁco para ser expuestas en la vía pública. Los chicos hacen todo, yo solamente coordino el resultado. Fue un proyecto exitoso, que se llevó a cabo durante dos años en Brasil, y también se ha replicado en Chile, México y Argentina. Acabo de desarrollar el mismo proyecto en Córdoba, con los chicos de la periferia de esa ciudad. + ¿Esta iniciativa cuenta con el apoyo de instituciones? FT Sí, tenemos el apoyo de instituciones de cada lugar, como las universidades. Por ejemplo, en Córdoba contamos con el apoyo del Centro Cultural de España en Córdoba, nos apoyaron bus-

diseños y creatividad

+ Futuro. Diseño: Thom Lopes / Línic Diogo / Giovana Morais. Oi Kabum! Escola de Arte e Tecnologia – Salvador.

+ Amor. Diseño: Glaice Kely de Azevedo / William Felismino da Silva. Oi Kabum! Escola de Arte e Tecnologia – Río de Janeiro.

cando a los auspiciantes y lo pudimos concretar. Fue muy bueno el resultado. + ¿Cómo se seleccionan los grupos de chicos? FT La selección depende de las instituciones que intervienen en cada caso. En Córdoba, el Centro Culturall buscó y seleccionó a los chicos, junto con un centro comunitario de la periferia de la ciudad. + ¿De dónde son los aﬁches expuestos en Inspiration Fest? FT Son de cuatro ciudades de Brasil: Río de Janeiro, Recife, Salvador y Belo Horizonte. Los chicos que los realizaron tienen entre 16 y 17 años, y están todos escolarizados. Se les exige que estén matriculados en colegios como alumnos regulares para poder participar. + ¿Cómo es la dinámica de trabajo? FT Yo propongo los temas, que en el caso de los afiches expuestos en Inspiration Fest, fueron: derechos humanos, sida, embarazo precoz y cuidado del agua. A partir de allí, se desarrolla el trabajo en grupos, capacitando a los chicos en el uso de la computadora y en herramientas de diseño. Finalmente, el resultado es expuesto en las calles de cada ciudad en la vía pública. + ¿Cómo sigue el proyecto? FT La idea es llevarlo próximamente a Colombia, Perú y también a Nueva York, y el próximo año a la India. + www.oikabum.com.br www.felipetaborda.com.br

+ Amor. Diseño: Ewerton de Oliveira / Magda Mariama / Ubirajara Machado. Oi Kabum! Escola de Arte e Tecnologia – Recife.

RONNIE DEL CARMEN Animador por azar

Comenzó a trabajar en el famoso estudio Pixar Animation casi por casualidad, donde hoy es coordinador de storyboards y consultor de guión. Ronnie del Carmen llegó desde California para ser parte de Inspiration Fest. | Texto: Sandra Furelos. Foto: Watio Es integrante de los equipos de casi 300 personas que colaboran para realizar películas como Up, Buscando a Nemo, Ratatouille o Wall-e. En su conferencia en el festival, el filipino Ronnie del Carmen explicó que cada película es una apuesta muy grande, ya que se invierte mucho de uno mismo en ellas, y destacó el sentido de colaboración y solidaridad que se genera en el grupo de trabajo: “Las películas demoran mucho tiempo en hacerse, se trabaja en conjunto con un montón de personas, se discute y se discrepa mucho, pero al final, cuando la película sale a la luz, vale la pena, porque es el resultado de la colaboración de todos, lo que da un sentido de comunidad muy gratificante”.

+ ¿Cómo fueron tus inicios en la animación? RdC Comencé a trabajar en animación por accidente. Hasta 1999, fui director de arte en publicidad, y si bien lo intentaba, no podía conseguir trabajo en Burbank, California. Hasta entonces, sólo había hecho pósters para películas y había gente que me decía que debía buscar trabajo en animación. Pero no me parecía adecuado, porque no sabía nada del área. De hecho, no quería trabajar en animación… + ¿No querías? RdC No, no quería. Hasta que después de un tiempo, un amigo me

diseños y creatividad

convocó para trabajar con él en un estudio de animación, y le dije “bueno, pero no sé si conseguiré hacerlo, no sé si lograré serte útil”. Había visto mi trabajo, y pensó que como yo ya era director de arte, podía enseñarme a cumplir el mismo rol, pero en animación. Trabajé con él como su asistente por dos meses y medio, y en ese lapso aprendí muchísimo. Luego, conseguí mi segundo trabajo en animación, para realizar la serie Batman para TV en la Warner Bros. ¡Realmente fui muy afortunado! Más tarde, entré a Dreamworks, y posteriormente en Pixar, donde soy coordinador de storyboards y consultor de guión. Además de trabajar en la realización del cómic y la serie de TV de Batman, desarrolló su propio cómic Paper biscuit, y forma parte del grupo de ilustradores internacionales que realizan exposiciones y remates de obras a beneficencia del “Totoro Forest Project”, que tiene como finalidad proteger el bosque Sayama en Japón. “La mayoría de las exhibiciones las hacemos Enrico Costarrosa de Italia, Tatehiro Osuki de Japón, algunos amigos más y yo, que soy de Filipinas. Trabajamos con el estudio Gihbli, creador de Totoro, y juntos recreamos diferentes obras con el personaje. Lo que recaudamos en los remates, lo destinamos a financiar la protección del bosque. Lo hacemos de manera gratuita, y es muy bueno colaborar con un grupo grande de artistas por una buena causa. + ¿Cuáles fueron los proyectos de animación más grandes en los que participaste?

RdC Para mí, el más grande fue la última película Up de Pixar, porque invertí mucho de mí mismo en ella. Antes de Up, ya había participado en Buscando a Nemo, que fue maravilloso, porque fue mi primera película en Pixar. También fueron importantes todas las otras donde trabajé, como Ratatouille y Wall-e; mi primer trabajo ﬁgurando en los créditos fue Príncipe de Egipto. Todos son muy importantes. Pero por otro lado, mi carrera en la TV la hice con Batman, ¡mi personaje de TV favorito! + ¿Cómo surgió tu interés por el cómic? RdC Desde chico soñaba con dibujar cómics, y cuando trabajé en la serie Batman, tuve la oportunidad de realizar los del héroe para la editorial DC Comics. Además, hice Dark Horsey la novela gráﬁca Aliens, que fue maravilloso porque me gusta dibujar esos monstruos. También tengo mi propio libro, Paper biscuit, con el personaje Nina. + ¿Cuál es la próxima película en la que estás trabajando? RdC Estoy trabajando en un proyecto ahora, pero desafortunadamente no puedo hablar de eso. Toma cuatro o cinco años hacer una película de animación y todavía estamos en el inicio, así que no sabemos si la idea va a funcionar. También colaboro en otros proyectos de Pixar, pero tampoco puedo decir nada, porque son películas que todavía no se anunciaron en público. Realmente estamos bastante ocupados… + www.ronniedelcarmen.com www.pixar.com

Tron: Legacy Movie alert Del mundo cibernĂŠtico a la realidad, Tron: Legacy inspira al mundo del diseĂąo. | Texto: Carolina Prioglio

diseños y creatividad

+ Fotografía: Joakin Fargas. Estilismo: Gabriel Moncayo. Make Up: Andrea Fernandez para Regina Kuligovsky con productos Regina Cosmetics. Pelo: Daiana Saucedo para Mala Peluquería. Idea original, producción y dirección: Grupo PM.

Hay ciertos ﬁlms que interesan a la moda porque retoman una época pasada o futura. También, porque idean una historia más allá de los límites de lo posible, y proponen una nueva estética con originalidad y detalle. Eso los convierte en clásicos que permanecen en el imaginario colectivo y que, a veces, merecen que una remake los vuelva a la vida. Es el caso de Tron: Legacy, la secuela de Tron, la película de culto de los 80 que se estrenó el 16 de diciembre de la mano de un nuevo director, Joseph Kosinski, y Walt Disney Pictures. Si bien la película no fue un éxito de taquilla, con el tiempo se volvió un título de cabecera para el público amante de historias de ciencia ﬁcción que, en este caso, plantea una visión sobre cómo sería introducirse en el mundo digitalizado de las computadoras -en la versión 2010, mucho más tecnológicas.

de los nombres que más suena, si de innovación y diseño visual se trata. En cada uno de sus trabajos, ya sean películas o publicidades, logra mezclar elementos reales y otros puramente digitales, de una manera muy personal, gracias a su formación en arquitectura, diseño industrial, ingeniería y música. “Una de las cosas que más me entusiasma de esta película, es la posibilidad de crear un mundo nuevo de cero”, explica Kosinski. En la historia, como todo el entramado fue creado por Kevin Flynn, el protagonista, al representarlo para la película, cada detalle debía parecer producido por una sola persona, por un solo diseñador: vehículos,

Brevemente, el argumento de Tron: Legacy reanuda la historia de Kevin Flynn, interpretado en la película original por un joven Jeff Bridges que, veinte años después, continúa atrapado en el éter digital de un juego que él mismo inventó, sólo que en la secuela, nuevamente protagonizada por Bridges, se suma la compañía de su hijo para aventurarse en ese mundo. En los 80, la película supuso la incorporación de efectos especiales inéditos para la época, y esta nueva versión sigue por el mismo camino mediante el 3D. El nombre de Joseph Kosinski, director de la remake de Tron, es uno

+ Foto: Gentileza Disney Enterprices, Inc.

+ Ambientación de Tron:Legacy

arquitectura, paisajes, objetos y muebles”. Es una buena manera de rendir tributo a un clásico que hoy resulta algo fuera de lo común para la época, al tratar de lograr un mundo digital realizado a mano. La trama está acompañada por un código visual y sonoro distintivo, a través de la paleta de colores que resalta tonos ﬂuorescentes sobre una base oscura; de la banda de sonido a cargo del dúo francés Daft Punk -que a su propuesta electrónica característica le agregó una orquesta en vivo para la ocasión-; y de un vestuario de trajes con iluminación eléctrica propia, realizados a partir de molde digitales, que seguramente inspirarán al mundo de la moda.

+ Foto: Gentileza Disney Enterprices, Inc.

Y eso fue lo que sucede en Argentina, donde este estreno no pasa desapercibido, y un grupo compuesto por gente de la moda, el diseño y la estética formó el “Colectivo Tron”. Son las marcas A.Y. Not Dead, Pony, Inﬁnit, la maquilladora Regina Kuligovsky, la peluquería Roho, la diseñadora de joyas Naye Quiros y Mariano Airaldi para Industria Lalalandia. La idea fue generar ediciones limitadas inspiradas en la película: A.Y. Not Dead confeccionó un par de jeans, una campera, cuatro modelos de estampas de remeras, pins y parches; Pony diseñó dos modelos de zapatillas, uno negro y otro blanco, con una trama en azul que los recorre; Inﬁnit diseñó un modelo de lentes especial y súper futurista; y Regina K desarrolló una línea de maquillajes compuesta por una sombra, un delineador líquido, un lápiz delineador y dos tonos de esmalte en la gama de los azules. Por su parte, Naye Quiros realizó una mini colección de brazaletes, anillos, aros y collares en base de plata con baño de oro amarillo, blanco y rosa, o de acrílico, con los colores que predominan en la película: verde, azul, amarillo y naranja. Mariano Airaldi generó una instalación para las vidrieras de las marcas que participaron en la iniciativa y, por último, los creativos de la peluquería Roho aportaron lo suyo en el marco del Hot Festival, donde estuvieron creando peinados vanguardistas en consonancia con la estética de Tron. + www.disneylatino.com

+ La escultura “...de la orilla” de Juan Carlos Ochoa, emplazada en los jardines del Museo de Arte Tigre.

Premio Arnet a Cielo Abierto 2010 Enriqueciendo nuestro patrimonio artístico Se inauguró la escultura ganadora del Premio Arnet a Cielo Abierto 2010: “… de la orilla”, de Juan Carlos Ochoa. Atravesado por los festejos del Bicentenario de nuestro país, el ciclo cultural 2010 de Arnet se desarrolló en la Ciudad de Buenos Aires, Rosario y Salta, e incluyó diferentes acciones en las áreas de artes visuales, música, danza, plástica y literatura. Entre ellas, se realizó la segunda convocatoria del Premio Arnet a Cielo Abierto – Esculturas e Instalaciones, cuyo Primer Premio Adquisición fue otorgado al arquitecto y artista plástico Juan Carlos Ochoa por su obra “… de la orilla”. Este proyecto, donado al Municipio de Tigre por Arnet, acaba de ser emplazado en forma definitiva en un espacio al aire libre, dentro del predio que ocupan el Museo de Arte Tigre y el Honorable Concejo Deliberante, sobre el Río Luján, para ser exhibido en forma permanente, y así enriquecer el patrimonio artístico del país. “…de la orilla” es una obra de acero, hierro y hormigón, que pretende recrear las esbeltas figuras de los juncos del Delta del Paraná,

y materializar la transición entre el río y el continente. Su autor, Juan Carlos Ochoa, es arquitecto, y se formó en las artes plásticas en distintos talleres de reconocidos maestros de la escultura argentina, participando de numerosas exposiciones individuales y colectivas. La convocatoria del Premio fue más que exitosa: recibió cerca de un centenar de proyectos, provenientes de toda la Argentina. El jurado, integrado por el crítico de arte Alberto Giudici, el escultor Jorge Gamarra, la artista visual Marcela Cabutti (ganadora del Premio Arnet 2009), la Arq. Diana Saiegh (Directora del Museo de Arte Tigre) y la Arq. Graciela López Latapié (Subsecretaria de Servicios Públicos y Directora de Urbanizaciones Especiales del Municipio de Tigre) seleccionó trece propuestas, las que recibieron una Mención Honorífica, y entre ellas se seleccionó a dos, que obtuvieron Mención especial del Jurado y al Premio Adquisición, que recibió la suma $ 50.000.- para su realización.

diseños y creatividad

+ Juan Carlos Ochoa junto a su obra, “…de la orilla”, recién inaugurada.

+ Los miembros del jurado: Diana Saiegh, Jorge Gamarra, Marcela Cabutti, Graciela Latapie y el artista Juan Carlos Ochoa.

+ Proyectos seleccionados del Premio Arnet a Cielo Abierto 2010.

La decisión unánime del jurado con respecto a la elección de la obra de Ochoa, obedece a “una interesante reinterpretación del paisaje que ofrece el Delta del Paraná en un proyecto que actúa con gran armonía entre los edificios de su entorno, como son el Museo de Arte de Tigre y el Honorable Concejo Deliberante, sobre la ribera del Río Luján. A su vez, se destacó la síntesis de la obra en su diseño, que logra a la vez su imponencia en un espacio público de gran escala”. Respecto de esta iniciativa, Stefano Core (Director de la Unidad de Telefonía Fija de Telecom), afirmó: “Esta segunda edición pone de manifiesto el propósito de Arnet en cuanto a la generación de emprendimientos anclados en valores significativos como la promoción y el acceso al arte y a la cultura. En este sentido, es importante destacar cómo dichas iniciativas, factibles merced al posicionamiento logrado por la marca, adquieren valor en sí mismas, se instalan en la comunidad y en ocasiones, incluso, trascienden las fronteras de la compañía que les dio su origen. Prueba de ello es también el ciclo Arnet, Cultura para todos, contexto que alberga al Premio. Concebido con la intención de forjar espacios comunes que fomenten la creatividad e incentiven la participación, al transitar su quinto año de vida revela, no sólo el cumplimiento de estos objetivos, sino también la conformación de su impronta, fundada en una positiva y genuina recepción”.

En cuanto al lugar de emplazamiento de la escultura, el Museo de Arte Tigre, cuenta con probada experiencia en la realización de exposiciones de esculturas de distintos artistas en sus espacios abiertos, y ha logrado posicionarse en poco tiempo como una de las principales instituciones culturales que promueven el arte público contemporáneo. Diana Saiegh, su Directora, destacó: “Una nueva obra de arte pasa a formar parte del patrimonio de la ciudad de Tigre. Una obra que aporta identidad y reconocimiento a nuestro espacio de manera significativa. En la actualidad, varios museos del mundo se han incorporado a esta tendencia, en búsqueda de nuevos emblemas que contribuyen a identificarnos, y el Museo de Arte Tigre avanza en esa misma dirección, porque aunque no lo sepamos aún, las esculturas de hoy son los monumentos del mañana”. En el entorno de la obra, y hasta el 15 de diciembre, se exhibieron, además del proyecto ganador, los otros proyectos finalistas, correspondientes a los artistas: Elisa Dall’Occhio –primera mención-, Alfredo María Williams –segunda mención-, Ana Lizaso, Guillermo A. Tazelaar, Gabriela Galassi, Juan José Pezzani, Marcela Oliva y Pablo De Laguarigue, Marcelo Gutman, Santiago Luis Luppi, Javier Augusto Ugalde y Andrea SilvinaWinter, Natalia Abot Glenz, Beatriz Moreiro, Pablo Curutchet y Margarita García Faure. + www.arnet.com.ar

ArtFutura 2010 Por amor al arte (y la tecnología) Arte, nuevos medios y tecnología van de la mano. Para conﬁrmarlo nació, hace ya más de una década, ArtFutura, el festival de cultura y creatividad digital español, que ya cuenta con su versión hermana en Buenos Aires. | Texto: Jorgelina Peciña.

+ Passion Pictures: The Lost Thing

Desde enero de 1990, el festival español ArtFutura explora los proyectos y las ideas más importantes surgidas en el panorama internacional de los nuevos medios, el diseño de interacción, los videojuegos y la animación digital. El mapa de sus actividades incluye desde conferencias, talleres e instalaciones interactivas hasta exposiciones y actuaciones en vivo. ¿La novedad? No hay que irse a España para ser parte de este encuentro, ya que acaba de celebrarse –del 3 al 7 de noviembre- la 2º edición argentina en paralelo con la española. En esta oportunidad, la novedad estuvo dada por la multiplicidad de sedes donde se desarrollaron las actividades: Museo de Arte Latinoamericano (Malba), Centro Cultural Recoleta, Fundación Telefónica y Centro Cultural de España en Buenos Aires. Además de las proyecciones, la versión 2010 del festival en Buenos Aires contó con invitados internacionales de primer nivel, quienes participaron de charlas y actividades abiertas al público. Entre ellos, cabe destacar las visitas de Javier Mariscal, Josh Harris y Michael Adamo. VIVIMOS EN PÚBLICO La edición 2010 de ArtFutura tuvo como protagonista principal el documental “We Live in Public” (en español, Vivimos en público).

Se trata de un filme controversial sobre las redes sociales y la privacidad en Internet, que fue ganador de la edición 2009 del festival de cine Sundance y que forma parte de la colección permanente del Museum of Modern Art de Nueva York. Dirigido por la directora de cine norteamericana Ondi Timoner, el documental explora la experiencia de Josh Harris, un visionario de las punto-com de los años 90, y su compañía Pseudo. Harris no sólo fue responsable de la primera red de televisión por Internet, sino que también adelantó las consecuencias que esta creación traería para la vida de las personas en el futuro. En pocas palabras, predijo hace diez años un comportamiento que es moneda corriente hoy: el uso de Internet y las redes sociales, como Facebook, Twitter y los blogs, para transmitir la propia vida, sin diferenciar a los famosos de entre los demás mortales. El documental, presentado en exclusiva en ArtFutura 2010, contó también con material exclusivo facilitado por el propio Harris, quien además participó en las conferencias de Buenos Aires. Otro de los proyectos destacados de esta edición fue la presentación de la película de animación “Chico & Rita”, dirigida por Javier

diseños y creatividad

Mariscal y Fernando Trueba. El trabajo versa sobre el retrato de la Habana de los años 40, con una historia de amor entre un pianista y una cantante, ambos cubanos, como testimonio de la efervescencia del jazz de aquella época. Con música de Charlie Parker y Dizzy Gillespie, entre otros, el filme muestra el colorido y la pasión de Cuba, en una de sus mejores épocas.

culas “La Guerra de las Galaxias”, “Terminator 3”, “La Guerra de los Mundos” e “Indiana Jones 4”, entre otras. Además, ArtFutura 2010 contó con un amplio programa audiovisual en transmisión simultánea con dieciséis ciudades, incluyendo más de ocho horas de imágenes de alto impacto, con los últimos aportes en animación 3D, motion graphics, videojuegos y efectos especiales.

Entre las charlas destacadas, estuvo la de Michael Adamo, miembro del equipo de Passion Pictures, una productora independiente líder en Europa. Con base en Londres y sucursales en París y en Melbourne, esta compañía produjo un sinfín de videos espectaculares que han cosechado premios en festivales alrededor del mundo. Entre sus producciones, se contabilizan desde trabajos de animación en 2D y animaciones por computadora hasta stop frame o live-action. Ganadores de un premio Oscar y con gran reconocimiento dentro de la industria, han participado en la creación del grupo virtual Gorrillaz, quizás, uno de sus logros más conocidos, aunque tienen muchos otros, como el documental sobre britpop “Live Forever” y el haber participado en la producción del videojuego “The Beatles: Rock Band”. Otro de los invitados que brindó una charla fue el argentino Pablo Helman, especialista en efectos especiales y dos veces nominado para los premios Oscar. Helman trabaja, hace ya más de una década, en Industrial Light & Magic, la compañía que George Lucas fundó en 1975. Presentó tomas e ideas de arte inéditas de las pelí-

MICHAEL ADAMO UN SUEÑO HECHO REALIDAD Se hizo fanático de la banda virtual Gorillaz y de ahí en más no paró hasta llegar a trabajar en Passion Pictures, el estudio londinense de animación de fama internacional responsable por su creación. Sin duda, un sueño hecho realidad, que llevó a Michael Adamo de su California natal hasta Londres. + Hablamos de Passion Pictures y de cómo lograste ser parte de ella. MA Soy productor en Passion Pictures, donde empecé como animador hasta llegar a ser productor y director. Tenemos oficinas en varias ciudades, Londres y París, entre otras, y trabajamos en diferentes tipos de animación y una sección de documentales. Mi rol es únicamente en el área de animación; hoy me ocupo de buscar nuevos negocios, nuevos directores y asignar los proyectos según las diferentes oportunidades. En cuanto a mi llegada a Passion, tuvo que ver con el trabajo de Gorillaz. Hace algunos años, cuando salió el primer disco, me sorprendió tanto que quise conocer la empresa y ser parte de ella. Años después, lo logré. Todo sucedió muy rápido y fue buenísimo, ya que me uní a una empresa de la cual era fanático. + ¿En qué estás trabajando actualmente? MA Una de las últimas cosas en las que trabajé fue el nuevo disco de Gorillaz, en todas las piezas involucradas en la promoción del álbum. También, en algunos comerciales, una promoción sobre Windows 7 para Microsoft y en una nueva versión del videojue-

+ Passion Pictures: The Lost Thing

+ “Chico & Rita”, dirigida por Javier Mariscal y Fernando Trueba.

go American McGee’s Alice, trabajando en los traileres para el lanzamiento. + ¿Qué más me podés contar de su colaboración con la industria de los videojuegos? MA Muchos de los últimos trabajos que hicimos y que fueron exitosos fueron para la industria de los videojuegos. Hicimos los dos trailers para Rock Band, y también para American McGee’s Alice, entre otros. En sí, es una de las industrias con mejores ganancias, inclusive más que la industria del cine. Entonces, el desafío está en hacer cosas que hagan que te destaques. Tenemos mucha libertad para trabajar en esta área, lo que lo hace muy interesante. + Contamos sobre tu visita a Buenos Aires y tu presentación en ArtFutura. MA Hablé sobre la compañía, las diferentes cosas que hacemos, trabajos, etc., cómo encaramos la creación de nuevos personajes en animación y el proceso que lleva a desarrollarlos, entre otras cosas. + ¿Qué pensás sobre el diseño y la animación locales? MA No fue una sorpresa para mí ver el alto nivel de calidad que tienen los trabajos locales, ya que los vengo siguiendo a través de Internet. La calidad y el talento de los artistas argentinos son muy buenos, y hemos trabajado con varios directores locales. Este viaje ha sido una gran oportunidad para reunirnos y explorar nuevas posibilidades. + www.artfutura.com.ar

+ Passion Pictures: Gorillaz -MH5

Subzero Obser ver Fotografía Basilio Silva www.basiliosilva.com Producción General y Estilismo Emilio Lacroze www.emiliolacroze.com Modelo Belén Bergaña para Lomanagement www.lorenaceriscioli.com Pelo y Make Up Chino Burgos Agradecimientos Centro Metropolitano de Diseño www.cmd.gov.ar

+ Campera: Santiago Artemis. Culotte: Complot. Botas: Ricky Sarkany

+ Enterito: Mariano Toledo. Zapatos: Paruolo

+ Body: Santiago Artemis. Chaleco: Ricky Sarkany

+ Vestido: Santiago Artemis

+ Vestido: Mariano Toledo. Collar: De la Ostia. Botas: Ricky Sarkany DIRECCIONARIO | Complot. Solar de la AbadĂa, Alto Palermo | De la Ostia. El Salvador 4627, Paseo Alcorta | Mariano Toledo. Armenia 1450, Alver 718 (MartĂnez) | Paruolo. Alto Palermo, Paseo Alcorta | Ricky Sarkany. Abasto, Alto Palermo | Santiago Artemis. www.artemiscarrington.blogspot.com

moda

Jeremy Scott Extravagancia, humor y concepto Jeremy Scott es una estrella de la moda internacional aunque su imagen -y todo a su alrededor- armonice más con la de una estrella de la música.

| Texto: Carolina Prioglio

Una estrella de la música que no se ajusta a ningún estilo en especial, pero un poco a todos en particular -tiene algo pop, algo glam, algo de rock, algo de hip hop- y los mezcla de forma creativa. Así es este diseñador estadounidense, y así es el producto de su trabajo: sus colecciones de ropa, por momentos “ponibles”, en otros, menos. Y no sólo para la ﬁrma que lleva su nombre y es sinónimo de extravagancia, humor y concepto, sino también las que surgen como resultado de las distintas alianzas creativas en las que participa con otras marcas. Justamente una de ellas, la que tiene desde hace varios años con adidas para la línea Originals by Originals, es la que lo trajo de gira por Latinoamérica. En Buenos Aires, en la suite presidencial del

hotel Faena + Universe -una habitación de varios ambientes con una estética que le hace gala al estilo de Scott-, el diseñador recibió a 90+10 como en el living de su casa, para tomar el té rodeado por percheros con la nueva colección para la ﬁrma alemana, en la que predominan el blanco y el negro, el brillo en prendas deportivas, la experimentación con las estampas y sus clásicos para adidas reversionados, que ya se consiguen en la tienda de Malabia 1720. + ¿Qué es lo que te llevó a convertirte en diseñador? JS Siempre me sentí atraído por la ropa. Ya desde chico tuve un gusto muy particular y deﬁnido sobre cómo vestirme, experimentando distintas combinaciones y looks. Era mi pasión; me la pasaba

103

104

hablando sobre el tema, dibujando prendas y comprando ropa vintage para reformularla en algo nuevo. Al principio, no lo veía como un posible trabajo, pero eventualmente, me di cuenta que me quería dedicar a esto. Y hoy sigo diseñando de la misma forma: baso mis colecciones en la ropa que me gustaría ponerme y no tengo en mi guardarropa, y la que mis amigos quisieran tener. + ¿Qué importancia le das a la funcionalidad a la hora de diseñar? JS Es importante desde el punto de vista que la indumentaria viste al cuerpo humano, y si una prenda no cumple con esa función básica porque su diseño no lo permite, no tiene mucho sentido. La funcionalidad tiene que estar presente, pero al mismo tiempo, en mi caso, diseño prendas especiales para los desﬁles o para los shows de artistas que sólo se usan en esas ocasiones, que son parte de una fantasía. De cualquier manera, para mí, el principal desafío es poder hacer converger ambas cosas: que la gente se pueda poner la ropa que creo, que sea accesible en todo aspecto (porque eso es lo que más necesitan), y que ésta, al mismo tiempo, sea divertida, novedosa e interesante. + ¿Cuáles son las tres premisas principales para tu trabajo? JS El glamour siempre está presente en mis colecciones, es algo

inherente a ellas. Lo mismo sucede con el humor y la diversión que propongo a través de lo diseños y, por último, diría que mi ropa es accesible y confortable, y eso se pone de manifiesto, sobre todo, en el tipo de texturas que se utilizan. + ¿Cuánto de “ponibilidad” se debe sacrificar en pos de un diseño conceptualmente innovador? JS Para ocasiones especiales como los shows o desfiles, no hay límites ni impedimentos. + ¿Cuál fue la manera más inesperada en que viste a alguien llevando tu ropa? JS Fueron muchísimas maneras muy distintas, y lo más interesante es que para mí es una especie de feedback. Es inspirador ver cómo la gente hace suya la ropa que yo propongo, cómo la combina con otras prendas suyas, o hasta la modifica. Son todas interpretaciones que enriquecen mi trabajo futuro. + ¿Qué pensás sobre la atención que reciben los blogs de moda y street style (moda de calle)? JS Significan nuevas posibilidades para que la gente se informe, conozca y se inspire en relación al tema. Creo que su aparición le es

moda

105

106

moda

de gran ayuda a la moda. No soy de entrar demasiado porque no soy tan amigo de Internet, pero reconozco su importancia. + ¿Podrías nombrar un film, un libro y un artista que representen en cada uno de sus ámbitos lo que vos para la moda? JS Esa es definitivamente una pregunta compleja (risas). Me parece que el film que más me representa es “Blade Runner”: es futurístico y antiguo al mismo tiempo, y creo que mi ropa también tiene mucho de eso. “Holy Fire” es un buen libro para comparar con mis colecciones; y en el ámbito del arte, creo que Cindy Sherman y sus imágenes proponen algo que de alguna manera se identifica con mi trabajo en la moda. + Por último, ¿por qué formás parte de tantas alianzas creativas con otras firmas? JS Porque me dan la posibilidad de diversificar mis diseños e incursionar en esferas en las que solo no podría hacerlo. El ejemplo más claro es mi colección para adidas: no podría crear sin la marca, zapatillas que estuvieran tan bien hechas más allá del diseño. Justamente eso es lo que le da fuerza a esas líneas: que las personas que están implicadas son buenas en lo que hacen, y cada una aporta lo suyo. Me encanta jugar con la iconografía, y las firmas con las que colaboro son icónicas. Y lo mejor de todo, es que el resultado está al alcance de todo tipo de públicos. Puedo vestir a una mayor cantidad de personas, sin comprometer mi espíritu ni por un segundo.

COLECCIÓN ADIDAS-JS Descubrir una nueva colección de Jeremy Scott es siempre como abrir una caja de sorpresas; en este caso, glamorosa y deportiva al mismo tiempo. Y para la primavera verano 2011 preparó nuevamente sus versiones de los clásicos de adidas Originals e incorporó algunos de su línea propia, inspirándose en el Medievo. Para ellos, llenó las prendas de detalles en tachas de metal, cuentas y lentejuelas: una de ellas es la camiseta de baloncesto en tamaño maxi, estampada con el logo de la marca y recubierta con lentejuelas; otra, una chaqueta que se inspira en las armaduras de los caballeros medievales, con un cuello extraíble, así como una tela reﬂectante. También están presentes los conjuntos Firebird (campera y pantalón), con estampas e impresiones llamativas, recurrentes en el repertorio del diseñador, y las alas, creadas en exclusiva para la línea de zapatillas de adidas Originals, que ahora se despliegan en remeras y pantalones. Otros de los diseños de Scott son una campera de cuero estilo cross bike, y un vestido con corsé y múltiples botones para la línea femenina. También incluye el modelo de zapatilla JS Bear, que lleva un osito de peluche inspirado en Kanye West. Y reintroduce el modelo JS Boots, una bota de tacho chino que Scott realizó en colaboración con la ﬁrma deportiva para una gira pasada de Madonna. + www.jeremyscott.com | www.adidas.com.ar/originals

107

108

Diseño de zapatos Arte y oficio La zapatería es uno de los oﬁcios más tradicionales en Argentina, y sumergirse en su mundo resulta una buena manera de conocer sus métodos, mañas y secretos. | Texto: Carolina Prioglio

Así de contradictoria es la naturaleza del calzado. Por un lado, es uno de los objetos más funcionales que el hombre ha desarrollado a lo largo de la historia y, al mismo tiempo, uno de los que más elaboración artesanal y artística implica. Nació casi con la necesidad del hombre de caminar y desplazarse y, por ende, de proteger los pies. Con todo esto, el oﬁcio fue poco a poco estableciéndose, desarrollando un método y un “savoir faire” que logró introducirlo en la esfera del arte. Y entendiendo al arte, por un lado, como una habilidad y un

talento, y por otro, como una creación singular y estética, en ambos casos, la zapatería podría ser considerada como tal. De más está decir que, como con todo buen oficio, durante muchos años no cualquiera pudo ejercerlo y los que lo hacían gozaban de prestigio. Pero con el paso del tiempo, nada permanece quieto, incluida la zapatería, que ha sido un fiel reflejo de los cambios sociales, que aún conserva algunos de sus trucos y procedimientos (ver recuadro), y que hoy en día también manifiesta modas y tendencias. Aunque no deja de estar presente en su diseño -como en todo tipo de diseño-, la

moda

idea de traspasar constantemente las barreras de la utilidad primaria de las cosas, para convertirlas en objetos de deseo, decoración y belleza. Ni tampoco pierde importancia la calidad, la artesanía y el estilo en este oficio que para esto se vale de toda una extensa y cada vez más osada variedad de materiales, estilos y técnicas. En Argentina, el diseño de calzado recorrió su propia historia, y en la actualidad hay algunos nombres que la definen con propuestas individuales. Ellos abrieron las puertas de sus talleres, tiendas y ateliers para contar de qué se trata dedicarse al diseño de zapatos en el país. LUZ PRÍNCIPE La diseñadora, que primero fue periodista, dio el puntapié inicial en la zapatería a fines de los 90, cuando le regaló a una amiga un par de ojotas plásticas que bordó con galones y piedras. Pronto comenzaron a llover los pedidos que ella mandaba a fabricar casi sin conocimiento, hasta que pudo formarse en el tema. “Me gusta estar en todo, aunque no siempre se puede; es indispensable saber delegar y encontrar la gente adecuada y especializada en cada rubro para poder crecer”, establece Príncipe. En general, es un oficio que se hereda, o se aprende trabajando. Y a grandes rasgos, es igual que en el pasado, sólo se han seriado y modernizado algunos procesos que pueden acelerar y hasta mejorar el método de confección de un zapato artesanal. Lo que sí considero que no podría industrializarse es el empaque, que es el acabado a mano, el toque final donde se pulen detalles de fabricación que solamente la mano y el gusto del hombre pueden realizar”. A Luz Príncipe le interesa pensar cada modelo como único, por eso trabaja con ediciones limitadas partiendo de la comodidad, y la combinación de formas y colores. Y si bien las tendencias son importantes porque marcan el rumbo del mercado, la diseñadora trata de no tomar por completo los colores de moda, sino de mezclar con libertad. Y la mejor explicación acerca del resultado, se la brindó

+ Luz Príncipe

una clienta: “Me dijo que mis zapatos son felices”. www.luzprincipe.com.ar JOSEFINA FERRONI “Me gustan los zapatos desde que recuerdo. Y si bien tengo una relación laboral con ellos, no me canso de buscar, mirar y aprender”, cuenta Ferroni, que comenzó con su marca en el 2002, en medio de la crisis nacional. “Busqué trabajar en algo que pudiera exportar, y que al mismo tiempo faltaba aquí en el país: zapatos con diseño, hechos a mano y de buena calidad”. Casi una década más tarde, su nombre es sinónimo de zapatería de autor, que se fabrica dentro de un taller propio y se vende en dos tiendas en Capital Federal: una en Recoleta y otra en Palermo. Y aunque ella está involucrada en prácticamente todos los pasos -el diseño, la elección y combinación de los materiales y colores-, de la construcción se encargan trabajadores de oficio. “El zapato necesita de una estructura básica que no se puede obviar y luego pasa por el arte que cada uno le imprime –explica Josefina. En el taller elegimos los cueros que se utilizarán para la capellada, para el forro de la plantilla, los colores de los hilos, el ancho y el tipo de suela, pero creo que es fundamental la mano de quien lo realiza”. Sobre si existen límites a la hora de pensar el diseño de un zapato, ella asegura que el único margen es el que pone la incomodidad para caminar, después se trata de “observar las tendencias y de estar atento a lo que la gente quiere, imaginación y técnica pura, de prueba y error”. www.josefinaferroni.com.ar HERMANOS ESTEBECORENA Javier y Alejo Estebecorena son ambos diseñadores: de indumentaria e industrial. Y vienen de una familia con curtiembre: “Por eso nos es tan natural trabajar con cuero”, expresa Javier. El material es un básico dentro del repertorio de su marca para hombres, que incluye indumentaria, accesorios y calzado: “Porque el cuero es muy maleable

109

110

y resistente, y con las técnicas de curtido actuales se pueden lograr buenos materiales con muchísimo menos impacto ambiental”. Los diseños siempre parten de ellos (en lápiz y papel, y por computadora), pero los zapatos son realizados por un proveedor. “Estamos muy presentes en todo el proceso, y las técnicas y materiales que utilizamos cambian según el modelo. La idea es combinar tradición y novedad”, agrega. Además, cuenta que en Argentina, la producción de zapatos sigue siendo bastante artesanal: “Nuestros proveedores hacen casi todo a mano. Muchas operaciones que en otras partes del mundo fueron automatizadas, acá se siguen haciendo de manera tradicional. Existe esa herencia y al mismo tiempo nuevas ideas”. Los Hermanos Estebecorena son también conocidos por el aspecto funcional de su propuesta. Por eso, es difícil sentirse incómodo en sus zapatos: “Es fundamental a la hora de cubrir el pie tener en cuenta su forma y los lugares donde se articula. Si no, el zapato puede ser una gran herramienta de tortura para el usuario”, explica el diseñador que cree que la zapatería puede ser un arte, pero desde su óptica, es primero diseño, forma y función. www.hermanosestebecorena.com TERÁN Gonzalo Terán es diseñador de indumentaria, pero decidió dedicarse a la zapatería para hombres. Fundó una marca con su nombre, porque entiende al zapato como “un objeto que no necesita del cuerpo para verse”. Y revela el secreto para conseguir un buen producto: “excelentes artesanos, los mejores materiales y una atención constante al detalle. Mejor si raya la obsesión”, asegura.

A la hora de diseñar, no sólo tiene en cuenta la comodidad. También le interesa quién lo va a usar, dónde y con qué. “La idea para un modelo puede partir de un material, una horma o un diseño anterior. A veces, se dibuja sobre papel; otras, sobre la horma, probando materiales”. Acerca de las tendencias, comenta que en calzado masculino, los cambios son más paulatinos que en el femenino. “Mi rol como diseñador es entender la tendencia como un reﬂejo de la actualidad, ofrecer mi punto de vista particular sobre el tema y adaptarlo a las particularidades del cliente. Y el hombre argentino es bastante clásico. Apuesta fuerte al negro y a los marrones; solamente unos pocos se animan al color”. www.teran.com.ar LUCILA IOTTI Por amor a los tacos altos y porque no encontraba muchas opciones en el país, es que Lucila Iotti incursionó en el oﬁcio de la zapatería, y abrió su tienda en el barrio de Palermo. El diseño de sus zapatos siempre parte de ella, pero se confeccionan en diferentes talleres, y pasan por distintas manos hasta llegar a tener ese acabado y colorido tan característico. “Para mí, es un juego de seducción entre piezas en un mismo modelo, que me permiten mezclar muchos colores y texturas, sin que el resultado sea empalagoso; ésa es la identidad de mi marca”, explica.

moda

Iotti trabaja con una paleta por momentos sobria, y por momentos ácida y estridente. “El charol es un material que adoro, también el cuero de cabra y oveja. Lo más importante es que los zapatos sean de calidad, y que cumplan con lo que buscan las mujeres: verse lindas, femeninas y cómodas arriba de un par de tacos”. www.lucilaiotti.com

HUIJA Comenzó siendo un pequeño emprendimiento de calzado y accesorios con fábrica propia, a comienzos del 2000. La premisa más importante siempre estuvo clara: “Lograr artículos con personalidad propia, y la mejor relación entre diseño, precio y calidad que se pueda alcanzar”, cuenta Gustavo Manfre, uno de los creadores de Huija. Y justamente el valor agregado de la marca, que cuenta con un local en Palermo y otro en San Isidro, pasa por aquellos puntos: “Nuestros pilares son el diseño y la experimentación con materiales, y en un punto creo que eso fue lo que nos diferenció en los inicios”, agrega Mariana Marrari, diseñadora de la ﬁrma. “Para mí, un zapato puede ser de cualquier material que se lo banque, además de cuero: hemos hecho zapatos con la lona vinílica de cartelería que se usa en la vía pública. También, botas de lana, de caucho y de trapo de piso. Todo eso debe ser probado, y muchas veces queda descartado en el intento, ya que los zapatos requieren de una estructura comprometida con el pie y el uso”. + www.huijaonline.com.ar

HECHO A MANO En la construcción de un zapato, se pueden identiﬁcar como mínimo seis pasos posteriores a su diseño, a la elección de los materiales (cueros, tacos, hormas, plantillas, suelas y apliques), y a la realización del molde sobre la horma. Son el corte de todas las piezas: la capellada, el forro, la entretela, las punteras, los contrafuertes y refuerzos. Luego, viene el aparado, el cementado y la costura de cada parte. Después se sigue por el armado y la preparación de plantillas, para más tarde armar el zapato sobre esa horma correspondiente según la numeración.

+ 10

Una vez hecho esto, se coloca la suela, se realiza el deformado, pulido y teñido de la misma. Por último, llega el empaque, se saca la horma, se limpia el zapato, se pegan las plantillas de vista, se clava el taco y se corrigen los detalles. Pero no termina ahí: todavía hay que lustrar, numerar y guardar la obra maestra en una caja. Cabe destacar que si bien todos los diseñadores conocen estos pasos, en la actualidad, pocos se encargan personalmente de todos ellos. Por lo general, el trabajo está segmentado, y hay una persona para llevar a cabo cada uno.

+ 1, 2 y 3. Hermanos Estebecorena + 4 y 5. Joseﬁna Ferroni + 6 y 7. Terán + 8 y 9. Lucila Iotti + 10 y 11. Huija

+ 11

111

En ergy we are. En ergy j e suis Fotografía Rafael Delceggio www.rafaeldelceggio.com Director de arte & styling Federico Laboureau www.federicolaboureau.com Modelos Marcia, Nathalia y Tiziano para Visage Models www.visage-models.com Make Up Grisel Bernatan con productos L’Oréal Pelo Juan Bonavera para JBpeluqueros con productos Schwarzkopf Professional www.jbpeluqueros.com.ar Retoque digital Sofía Temperley www.estudiotemperley.com Asistente de fotografía Gabriel Meschengieser

+ Marcia. Vestido: María Vázquez. Zapatos: Prüne

+ Tiziano. Pantal처n y camisa: Kost체me. Zapatillas: Puma + Nathalia. Vestido: Kost체me. Zapatillas: Puma

+ Marcia. Vestido: María Vázquez. Zapatos: Prüne + Tiziano. Pantalón: Sixfeet. Camisa: Levi´s. Saco de lino: Grupo 134

+ Marcia. Vestido: Tramando. Anteojos: Inﬁnit + Nathalia. Remera: Tramando. Falda y ciclistas: María Vázquez

+ Tiziano. Camisa: Grupo 134. Anteojos: Inﬁnit + Nathalia. Enterito: María Vázquez. Anteojos: Inﬁnit

clásicos contemporáneos

Bombay Sapphire

250 años de tradición y diseño Para celebrar el 250 aniversario de su receta secreta, Bombay Sapphire lanza una botella de lujo de edición limitada, en colaboración con Garrard, la joyería más antigua del mundo. Los orígenes de la receta de Bombay Sapphire se remontan a 1761, cuando el destilador inglés Thomas Dakin creó una ginebra Premium, cuya fórmula y método de destilación se transmitieron hasta nuestros días, siempre en absoluta confidencialidad, incorporando diez ingredientes botánicos que le dan su aroma y sabor suaves y complejos. Para festejar los 250 años de esta tradición artesanal, es que Bombay Sapphire presenta una exclusiva línea de botellas de cristal realizadas a mano en Inglaterra, por calificados artesanos del vidrio. Lo novedoso y único de su diseño es que encierra una botella dentro de otra, lo que se logró gracias a innovadores métodos del soplado de vidrio. Más atractivo resulta aún, cuando se descubre que los diez ingredientes botánicos fueron grabados con láser en las caras de la botella, como imágenes tridimensionales que parecen flotar en el vidrio. Además, el tapón es una verdadera joya, diseñada por Garrard, la casa de joyería más antigua del mundo, responsable de la famosa corona de pequeños diamantes de la Reina Victoria. Así, el diseño del tapón de esta exclusiva botella en forma de corona se inspiró en la reconocida imagen de la Reina Victoria que se encuentra al frente de la botella de Bombay Sapphire, y combina un aro de oro, múltiples facetas de cristal y un brillante zafiro azul en el centro que le da el toque final. Sólo 350 de estas botellas fueron distribuidas en la tienda Selfridges de Londres, y en algunos puntos de venta en Nueva York y Madrid. Cada una fue llenada a mano y empaquetada en una caja de regalo de lujo, especialmente diseñada. El precio de esta pieza de arte es de £ 1.250. + www.bombaysapphire.com

BOMBAY MARY Añadir en una coctelera con hielo: 50 ml de Bombay Sapphire, 15 ml de jugo de limón, 1 pizca de sal y de pimienta negra recién molida, 1/4 de cucharadita de rábano picante, un toque de salsa inglesa (Worcestershire) y de salsa de Tabasco, 5 ml de oporto, 5 ml de jerez y 75 ml de jugo de tomate. Agitar vigorosamente y servir en un vaso alto con hielo. Puede decorarse con un tomate cherry y una ramita de apio.

Beber con moderación. Prohibida su venta a menores de 18 años. Enjoy BOMBAY SAPPHIRE Responsibly. Bombay Sapphire, su botella y logos son marcas registradas. www.bombaysapphire.com

121

122

Eva Zeisel El carácter circular Se codea con Marcel Wanders y Karim Rashid, ha producido piezas hermosas, muchas de ellas ganadoras de numerosos premios y distinciones que aún cosecha, gracias a una vitalidad que hace caso omiso de sus 104 años. La húngara Eva Zeisel, quien sobrevivió a la cárcel nazi y el exilio, hoy sigue creando sus diseños como el primer día, y nos sorprende en esta entrevista exclusiva. | Texto: Natalia Iscaro. Foto: Gentileza Talisman Photo

clásicos contemporáneos

+ Candelabros de bronce, realizados a mano con materiales 100% reciclados.

Como expulsada del paraíso, esta Eva no tiene nada que envidiarle a la mujer de Adán. En primer lugar, porque Eva Zeisel –cuyo verdadero nombre es Eva Amalia Sricker- lleva nada menos que 104 años de vida, a lo largo de los cuales ha sabido cosechar los frutos de una profesión que adoptó con pasión, y que aún hoy le vale la aceptación de la crème del diseño mundial. En segundo lugar, porque sus trabajos curvilíneos derrochan una sensualidad que, tamizada por una elegancia sin ostentación, se revela por momentos con un tono juguetón, haciendo eco de la irreverencia

de su homónima bíblica. Y ﬁnalmente porque su vida es casi épica: escapó de una cárcel nazi para exiliarse junto con su marido, Hans, en los Estados Unidos, y con 64 dólares en el bolsillo. Hoy en día, con más de 60 años en el mundo del diseño, Zeisel es una de las creadoras mejor vendidas en diseño para gastronomía. Tal vez sea por eso que entre sus adeptos se cuentan, además de los consumidores, coleccionistas que buscan su trabajo por su originalidad, y acaso ese “no sé qué” de las piezas que uno sabe harán historia.

123

124

+ Centennial Set. Diseñado a principios de 2001, este set se compone de seis copas de cocktail Martini creadas exclusivamente para la campaña publicitaria del gin Bombay Sapphire.

Y como la historia de Zeizel parece salida de una película, el director Jyll Johnstonela la hizo realidad junto a Canobie Films, en su documental “Throwing Curves – Eva Zeisel”, en ocasión del 95 aniversario de vida de esta fascinante mujer. Allí se incluye, además de su carrera en los centros neurálgicos del diseño de su tiempo -su estadía en la Berlín de los años 20, la Unión Soviética de los 30 y la Nueva York de los 50-, su temporada en una prisión soviética, su escape de los nazis, y su nueva vida como inmigrante, en la Norteamérica posterior a la Guerra. Entre estas coordenadas de tiempo y espacio se revela su ánimo creativo. Y de a poco se rastrea una vocación que nació en los pequeños gestos que la vida sabe darnos, cuando estamos abiertos. + ¿Qué objetos recuerda de su niñez en Budapest? EZ Mi tía, a la que visitaba seguido, tenía una hermosa colección de platos húngaros y cerámica colorida, decorada con ﬂores y pájaros, que fue una de las inﬂuencias en mis diseños posteriores.

+ ¿Y la Bauhaus tuvo efectos sobre su trabajo? EZ No. La geometría estaba en el aire, y esto influenció a la Bauhaus del mismo modo en que me influenció a mí. En los años 20, usé la geometría en mis diseños, con una estética juguetona. + ¿Y qué recuerda de su temporada en la prisión? ¿Considera que afectó la forma en que diseña hoy? EZ Escribí mis memorias sobre mi estadía en una prisión stalinista durante 16 meses, pero recientemente comencé a olvidarme de algunos detalles. Sin embargo, el haber estado presa, definitivamente no influenció en el modo en que diseño (diseñaba igualmente antes que después de la cárcel). Lo que sí modificó fue mi actitud hacia la vida: me hizo saborear cada momento. DE LA PINTURA A LA CERÁMICA Eva nació en 1906, en Budapest, Hungría, en el seno de una familia judía adinerada. Como es esperable, su madre fue una

clásicos contemporáneos

+ Salero y pimentero. Originalmente diseñados para la Western Stoneware Company, 1953.

mujer de gran tesón y carácter: Laura Polanyi, historiadora y huelguista nacida en una familia culta y comprometida, fue además la primera mujer en graduarse de la Universidad de Budapest. Su hija adorada no se quedó atrás, y buscó desde siempre la independencia, ante todo. Lo hizo cuando estableció, recién llegada a los EE.UU., la primera escuela que dictaba cursos para cerámicas como diseño industrial en la Universidad de Pratt. Cuando abrió su estudio en un ático de Riverside Drive, y luego de una interrupción, retomó su trabajo en 1983. Su obra incluye al día de hoy platos, vasos, copas, lámparas, juegos de té y accesorios para oﬁcinas. + ¿Cuándo se dio cuenta de que quería ser diseñadora? EZ Desde muy temprana edad quise ser una pintora. De hecho, empecé como pintora. Para poder ser independiente, decidí empezar una manualidad (la cerámica) para mantenerme como pintora. Para el tiempo durante el cual trabajé en Schramberg, diseñando para una fábrica, a ﬁnales de los 20, me di cuenta de que el

diseño le estaba ganando a la pintura. Y uno agrega: por fortuna. En su trabajo actual se lee, en efecto, el legado de Schramberg Majolikafabrik, en la región del bosque negro de Alemania, donde ella trabajó durante dos años. Allí aprendió el proceso de creación de juegos de té, floreros y demás artículos de cerámica. En 1935, a los 29, tras trabajar en la inspección de fábricas ucranianas y crear diseños de su autoría, fue nombrada directora artística de la industria soviética de la cerámica. Un año más tarde sería acusada de diagramar un asesinato contra Stalin, luego de lo cual fue arrestada. El resto es el escape y su final llegada a los EE.UU., donde reiteraría una estética que ya le era propia. “No creo cosas angulares. Soy una persona circular, tiene que ver con mi carácter”, afirma hoy la autora de trabajos que se alojan en museos como el MoMA de Nueva York y el Victoria & Albert de Londres.

125

126

+ Lounge Chair, 1993.

+ Trestle Table, 1993.

EL DON DE LA UTILIDAD “Soy una fabricante de cosas útiles”, dice y repite Eva desde Nueva York, donde actualmente reside. Entre los diseños de su autoría que se encuentran actualmente en comercialización, se destacan el juego de mesa de Royal Stafford, donde blanco y negro se funden en diseños que parecen más que contemporáneos, futuros; sus piezas de mobiliario como la Coffe Table, con base de madera y tapa de vidrio, cuyo delicado trabajo en la base le conﬁere un gesto rococó, sin perder vigencia; y sus memorables juegos de té, entre los cuales cabe destacar la más reciente tetera disponible en Chantal, moderna, curva y ergonómica, con agarradera revestida en silicona y cuerpo de acero inoxidable. A esto se suman sus jarras, ﬂoreros y alfombras, que decantan creatividad a la vez que simpleza. Algo que no pierde al referirse sobre sí misma.

+ ¿Cómo elige los materiales con los cuales trabaja? EZ Trabajé con cerámica, madera, vidrio, metal y textiles (para alfombras). Generalmente, el material es especiﬁcado por la persona que ordena el diseño. Ocasionalmente, tengo acceso a un artesano de la madera particular, o a un soplador de vidrio, y eso me inspira a utilizar esos materiales.

+ ¿Tiene un diseño favorito de su autoría? EZ No, son todos mis hijos.

+ ¿Cómo nace un diseño? EZ Usualmente con un requerimiento de un cliente. Debo cumplir con ese pedido. La idea del diseño comienza en mi mente, y lo lúdico es importante desde el inicio. Tomo el diseño que está en mi mente y lo formo en el aire con mis manos, o bien hago un borrador o lo corto en papel. Luego pasa por cambios y reﬁnamientos. Eventualmente, mi asistente hace un modelo y un dibujo detallado que es enviado a la fábrica. Cuando veo la muestra de la fábrica, en el material ﬁnal, sugiero los últimos retoques. Una vez que apruebo la muestra, la fábrica debe reproducirlo con exactitud.

+ ¿Por qué le atraen tanto los juegos de té? EZ Alguien me hizo esa pregunta una vez. Decían que yo, que había diseñado tantas teteras, debía amar el té. Yo contesté: ‘También diseñé saleros, y eso no signiﬁca que ame la sal´. De hecho, amo las dos cosas: el té y el café.

Y así la dejamos, al Norte, donde hoy el frío acecha. Nadie sabe si la longevidad le dio su perseverancia, o al revés, pero lo que nadie duda es que Eva Zeisel tiene su propio jardín del Edén. + www.evazeisel.org www.evazeiseloriginals.com

clásicos contemporáneos

| Texto: Natalia Iscaro

+PREMIUM

+Manual de savoir vivre El lujo no está sólo en viajar, el lujo está en cómo se viaja. Y si una firma sabe de esto, no es otra que Louis Vuitton. Para dar cuenta de ello, la etiqueta francesa editó un libro de colección, con 100 baúles y equipajes legendarios elaborados para medios como trenes, cruceros, automóviles y aviones. Con un prólogo de Patrick Louis Vuitton, más de 150 años de creación se recrean en sus 496 páginas, con más de 800 fotografías en color e ilustraciones. Pragmatismo y elegancia se distinguen en piezas increíbles, con sus historias de creación, las cuales luego viajarían con figuras emblemáticas como Ernest Hemingway, Jeanne Lanvin, Damien Hirst y Sharon Stone. Con edición en inglés, esta edición exclusiva lleva una cubierta serigrafiada con diseño Monogram (original de 1896), y está disponible en las tiendas Vuitton. Todo fiel a su eslogan de 1921: “Muéstrame tu equipaje y te diré quién eres”. www.louisvuitton.com

+Ojos denim La elegancia sutil no puede llevar otro nombre que Chanel. El apellido de Gabrielle, esa fabulosa mujer que mostró al mundo que durante la guerra las mujeres debían ir a trabajar con prendas confortables, sin por eso perder elegancia. Liberadas del corset, su diseño ligero y fluido sobrevive al día de hoy, gracias al impecable instinto de Kart Lagerfeld. Esta vez, para su colección otoño-invierno 2010/2011, la Casa presentó gafas de sol donde los que se luce son detalles de denim o camelia, patillas afinadas y colores dulces. En los primeros, detalles en las patillas en esta fibra eterna conviven con medias patillas en oro, plata, negro o azul. Modelos aviadores se suman a otras con cristales espejo o degradados. En el caso del que lleva una camelia, un delicado sello se plasma en la unión entre el cristal y la patilla, aportando feminidad, junto al rosa empolvado, burdeos, negro, blanco y chocolate. Accesorios para destacarse, con el sello Chanel. + www.chanel.com

127

128

smart ForTwo El más pequeño entre los pequeños La marca del Grupo Daimler lanzó oﬁcialmente a la venta en nuestro país al smart ForTwo, un biplaza de dos butacas que mide apenas 2,69 metros de largo. | Texto: Elvio Orellana

Finalmente, el smart Fortwo, cuya traducción signiﬁca “inteligencia para dos”, ya se encuentra entre nosotros. El modelo que llega exclusivamente de la mano del concesionario Autolíder, es el más pequeño ejemplar de vehículo del grupo Daimler, que se caracteriza por ser el primer auto de ciudad de la historia del automóvil. Comercializado actualmente en 41 diferentes países -entre ellos, Brasil y Estados Unidos desde el 2009, y ahora en Argentina desde el 2010-, este comprimido auto fue creado en 1994, a partir de

un acuerdo entre el fabricante de relojes Swatch y Mercedes-Benz. Desde allí, éste ha recibido innumerables premios por su diseño, tecnología y conciencia ecológica, por lo que su llegada a la Argentina es todo un avance para nuestra industria. COMPRIMIDO A MÁS NO PODER Para adquirir una magnitud de lo pequeño que es el auto, se puede recurrir naturalmente a sus medidas, las cuales son apenas de 2,69 metros de largo y 1,55 metros de ancho, y aclarar que se trata un auto

autos y vehículos

sólo para dos personas. Pero también podemos agregar algunos datos más, como por ejemplo, que se trata del único coche autorizado a estacionar de manera perpendicular a la vereda en las zonas de estacionamiento paralelo, un permiso que en Argentina deberá ser aprobado. Además de su tamaño, su peso de sólo 850 kilogramos, es otra de las cualidades que hacen de este mini auto el modelo más liviano y pequeño de entre otros pequeños con los que competirá, como el Mini Cooper, el Fiat 500 y el Audi A1. GIGANTE EN SEGURIDAD Si de seguridad se reﬁere, vale destacar de este “pequeñín” su célula de seguridad Tridion, construida de acero altamente resistente, y reforzada a base de componentes de acero. Sus elementos de deformación en la parte delantera y trasera de la carrocería, tienen como objetivo que la célula de seguridad Tridion quede intacta ante cualquier impacto. Adicionalmente, gracias a la construcción de la carrocería tipo “sandwich”, la posición de manejo es elevada y en una posible colisión lateral, el ocupante se encuentra por encima de la zona directa de impacto. CON Y SIN TECHO Las versiones a las que ya se puede acceder, son las Coupé y Ca-

brio (descapotable), las cuales más allá de sus diferencias estéticas, ocultan en su parte trasera (el motor se ubica atrás), el mismo propulsor naftero de 1.0 litros, turbo alimentado de 84 caballos. Esto, en resumidas cuentas, le va a permitir a su futuro dueño: acelerar de 0 a 100 km/h en 10,8 segundos, alcanzar una velocidad máxima de 145 km/h y, lo que es más importante, recorrer 100 kilómetros con sólo 5 litros de nafta. Por otro lado, y en lo que al equipamiento se refiere, los dos ForTwo vienen dotados con: sistema de frenado ABS, programa de estabilidad ESP, Airbag para conductor y copiloto, bloque automático de puertas, célula de seguridad Tridion y transmisión semi-automática de cinco velocidades. Dejamos para el final del informe el dato sobre los costos, los cuales son de 24.900 y 26.400 dólares para las versiones Coupé y Cabrio respectivamente. Sin duda alguna, valores que resultan elevados, pero que no obstante a ello, no se alejan del precio de sus competidores más próximos. Por este motivo, desde la filial de MercedesBenz Argentina estiman alcanzar las 800 unidades vendidas a partir del 2011, cuando se sumen dos versiones más. + www.smart.com.ar

129

130 Estos autos y más encontralos en Deautos.com

+AUTOS Y VEHÍCULOS

| Texto: Elvio Orellana

+Ford Fiesta Kinectic Design Se trata de un fuerte competidor que llegó al segmento B Premium para rivalizar con modelos como Honda Fit, Fiat Punto, y Peugeot 207, entre otros. El nuevo Fiesta Kinectic Design es el último auto de Ford que se sumó a la zaga de modelos que transpiran a flor de piel el ADN de aquella “Energía en Movimiento”, que justamente evoca esta línea de diseño que ya caracteriza al Focus, Mondeo, S-Max y Kuga.

una apariencia musculosa, que según el área de Marketing de la marca, se ajusta a la perfección a un público masculino de entre 27 y 35 años de edad.

Fabricado en la planta mexicana de Cuautitlán, el nuevo Fiesta representa el primer auto global de la marca introducido al mercado europeo en el año 2008, y que como resultado de la estrategia del plan “One Ford”, está desembarcando en los mercados de todo el mundo, incluido el nuestro.

Equipado con un nivel de dotación de primer nivel, tanto en lo que a seguridad (7 airbags, frenos ABS, control de tracción y control de estabilidad, entre otros) como a confort se refiere (columna de dirección regulable en altura y profundidad, computadora de a bordo de seis funciones, control de audio al volante, espacio guardaobjetos, y levanta vidrios eléctricos, entre los más destacados), el nuevo Fiesta se ofrece al público a un valor de 80.900 pesos. La garantía es de tres años o 100 mil kilómetros. www.ford.com.ar

Distinguido por sus líneas fluidas y aerodinámicas en forma de trapecio invertido, sus pronunciados pasa-ruedas y sus llantas de aluminio de 16 pulgadas, el diseño de este Ford devuelve a la vista

En concomitancia con lo que exterioriza, un liviano propulsor naftero hecho en aluminio de 1.6 litros y 16 válvulas, capaz de desarrollar 120 CV a 6.300 revoluciones, complementa el carácter de esta séptima generación del Fiesta.

+Renault Fluence Lo habíamos visto este año en la última edición del Salón del Automóvil de San Pablo, Brasil. Pero finalmente en noviembre pudimos probarlo en Bariloche, durante su lanzamiento. Estamos hablando del Fluence, el nuevo sedán de Renault, que se fabrica en la planta cordobesa de Santa Isabel. Dueño de una línea que expresa robustez y deportividad, y dotado de un alto nivel de equipamiento, el Fluence sale al ruedo con precios muy competitivos, que van desde los 86.900 hasta los 127 mil pesos. Con dos motores, uno de 1.6 litros de 110 CV y otro de 2.0 de 143 CV, la marca abre el juego a sus competidores. www.renault.com.ar

autos y vehículos

+AUTOS Y VEHÍCULOS

Estos autos y más encontralos en Deautos.com

+Volkswagen Jetta y Amarok cabina simple

Luego de cumplir con la promesa de anunciar doce presentaciones durante los doce meses que conformaron el 2010, la firma Volkswagen ya anunció los próximos arribos a nuestro mercado. De este modo, uno de sus principales jugadores que entrarán al ruedo es el nuevo Jetta (Vento para nosotros), el cual se produce en México, y que para mediados del 2011 ya circulará por nuestras calles. Lo hará con un look mucho más deportivo, que transmite el nuevo ADN de diseño de la marca, y con diversas motorizaciones nafteras y diesel, que van a ir desde los 105 hasta los 200 CV. El otro modelo de la firma que también debutará en nuestro país, será la pick up Amarok cabina simple, y lo hará durante la primera parte del año. Esta versión, al igual que su hermana de doble cabina, se producirá en Argentina, y estará equipada con un motor turbo diesel de 2 litros y 122 CV. De su nueva configuración, se destacará naturalmente su nueva caja de 2.2 metros, es decir 65 cm más larga que la cabina doble. www.volkswagen.com.ar

+Peugeot Coupé RCZ Desde la firma francesa, se decidieron a patear el tablero para el 2011, y un claro ejemplo de ello es la introducción en nuestro mercado de este nuevo león que se concibió sobre la plataforma del 308. Decidido a convertirse en un hito, el RCZ es un deportivo compacto que saldrá inicialmente a la venta con un motor naftero 1.6 de 156 CV, con caja manual de 6 marchas. Este exclusivo auto llama la atención por ser el primer modelo de Peugeot que no usa números para su denominación, y aunque su frontal mantiene el “family feeling” de la marca, su diseño tiene una mayor cuota de agresividad. www.peugeot.com.ar

+Kia Sportage No queríamos dejar fuera de este informe a las firmas coreanas que tuvieron un 2010 plagado de novedades y de productos cada vez más competitivos. Es por ello que decidimos abordar a la tercera generación de la Sportage de Kia, un SUV (Sport Utility Vehicle) de gran carácter, que tiene miles de seguidores en

nuestro mercado. Concebida a partir de una nueva plataforma, se diferencia de su predecesor por las atractivas líneas que luce y su frontal más afilado. Se estima que el Sportage llegue a mediados del 2011, con motor naftero 2.0 de 163 CV y con CRDI de 136 CV. www.kia.com.ar

131

132 Estos autos y más encontralos en Deautos.com

+AUTOS Y VEHÍCULOS

+Mini Cooper Countryman El clásico Mini Cooper ya no será tan “mini” para el 2011, o por lo menos ya no dispondrá de la misma carrocería de las versiones Cabrio y Clubman que ya conocemos. Es que por primera vez en la historia de la marca, se presentó un Mini de cuatro metros de largo, de cuatro puertas, que está pensado para cuatro adultos,

+Fiat Bravo Luego de experimentar un año 2010 signado de éxitos que vinieron de la mano de sus dos más recientes modelos: el Fiat Uno, y el nuevo Idea, Fiat ya busca desembarcar durante el segundo semestre del 2011 con el Bravo, el modelo que reemplazará al Stilo. Este hatchback mediano estará dotado de un moderno equipamiento (navegador incorporado, doble techo solar, butacas de cuero ergonómicas, etc.) y podría estar impulsado con el moderno motor ETorQ de 1.6 litros de 16 válvulas, que ya equipa a varios modelos de la marca en el país. www.fiat.com.ar

| Texto: Elvio Orellana

valga la redundancia. Para quienes son fanáticos de este auto, les comentamos que tendrán cuatro versiones para elegir, que van desde los 35.900 dólares, todas ellas con el motor 1.6 de 98 CV, y con tracción delantera, excepto la Cooper S All 4, de tracción integral. www.mini.com

+BMW X3 Si existe un modelo de trayectoria en el segmento de las SUV (Sport Utility Vehicle), no caben dudas de que el X3 es uno de ellos. Concebido en el año 2004 y actualizado por última vez durante el 2008, este exitoso modelo se merecía un nuevo restyling, que de hecho finalmente le llegó. Quienes estuvimos en su avant premier en Brasil en octubre, pudimos ver una X3 de nuevas dimensiones (7 cm más larga y 3 cm más ancha que su antecesor), y con una estética similar a la X5. Llegará a fines marzo del 2011 con un motor naftero 3.0 de 6 cilindros y 306 CV, y con un turbodiesel 2.0 de 4 cilindros y 184 CV. + www.bmw.com.ar

+ Toys, segunda parte, 75 x 100 cm, 2010

Portfolio Jorge Miño | Curador: Aldo Bressi Nacido en la provincia de Corrientes, Argentina, en 1973, se formación artística se desarrolló en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Rogelio Yrurtia” y la Escuela Superior de Bellas Artes “Carlos Morel”, ambas en Buenos Aires. Estudió fotografía con Alejandro Kuropatwa, Martín Weber y Alberto Goldenstein, entre otros, realizando numerosos talleres y clínicas de arte. Su trabajo fue expuesto en muestras individuales y colectivas, tanto en Argentina como en el exterior, y ha recibido importantes premios, entre los que se destacan el 3º premio Banco Itaú Argentina y una mención del jurado en el Salón Nacional, ambos durante el 2010. Utiliza sus cámaras Nikon D300 y Canon G10 para registrar “todo lo que veo y me interesa: arquitectura y máquinas, desde muy pequeñas hasta una escalera mecánica. Mi computadora es mi gran base de datos, todo se crea y se resuelve desde ahí. El paso siguiente es deﬁnir el tamaño de la obra: me interesa particularmente que tenga una presencia importante en donde se muestre”. Sus fotos surgen de la necesidad de establecer una relación compleja entre la idea y la técnica. Cada una de sus series logra tener esa individualidad y una tensión al mirar los volúmenes, la forma, el espacio físico, la anatomía que posee cada uno de los objetos y lugares que fotografía. El proceso que las imágenes desarrollan es el que intenta poner en cuestión; esa naturaleza plena, a través de estrategias tácticas y conceptuales. Lo que Jorge se propone es que la escena o el momento de fotograﬁar algo, gane un protagonismo mayor al de su propia creación. + www.jorgeminio.com

+ Descanso del silencio, 110 x 170 cm, 2010

+ Sostener la mirada, 110 x 160 cm, 2010

+ L铆neas de contenci贸n, 110 x 160 cm, 2010

+ Sostener la mirada, 110 x 160 cm, 2010

+ Formas propias, 110 x 160 cm, 2009/10

140

+ Microsoft Xbox 360S Kinect

+ Sony PlayStation Move

Consolas de videojuegos La batalla del movimiento Kinect de Microsoft, y Move de Sony son los nuevos accesorios que buscan superar el éxito de la Nintendo Wii, usando los brazos y el cuerpo para controlar los videojuegos.

| Texto: Ricardo Sametband

Interactuar en forma eficiente con el mundo virtual, estando inevitablemente anclados en el físico, es complicado. El mayor logro en este arte es, quizá, el invento de Douglas Engelbart de mediados de la década de 1960: el mouse, que con bastante fidelidad y flexibilidad, reproduce en pantalla los movimientos de la mano. El mouse está bien para manipular objetos virtuales en dos dimensiones, como ventanas, archivos en una carpeta o íconos en un escritorio. Pero sólo podemos mover el puntero en forma vertical y horizontal. Si es necesario interactuar con un mundo tridimensional, esto resulta más complicado. Una alternativa que encontraron los desarrolladores de videojuegos realistas (típicamente, los de acción en primera persona) fue combinar, a fines de la década de 1990, el mouse y el teclado, para permitir un movimiento más flexible de los personajes en el mundo virtual. Con una mano se controla el desplazamiento grueso (hacia adelante y a los costados, saltar y agacharse), mientras el mouse permite cambiar la vista del usuario con gran precisión. Tan realista se volvió ese mundo, tan creíble para nuestros cerebros, que

más de uno se encontró frente a la esquina de un pasillo virtual, tratando de adivinar qué había detrás de la pared digital, moviendo su cabeza real (sin éxito, por supuesto). Junto a la combinación de teclado y mouse, las consolas de videojuegos permitieron el desarrollo de otro control, el gamepad, que tiene dos joysticks y múltiples botones para controlar los personajes virtuales, y se usa con ambas manos. Pero esto no alcanza, aún después de que incluyeran retroalimentación por vibración (el gamepad vibra si nos alcanza un proyectil, si nos salimos del pavimento a la tierra, etc.). Todo cambió el 19 de noviembre de 2006, hace apenas algo más de cuatro años (aunque parece que fue ayer): ese día salió oﬁcialmente a la venta la consola Wii de Nintendo, con un control remoto totalmente diferente a lo disponible antes. El Wii Remote, como se lo conoce oﬁcialmente, incluye en su interior acelerómetros, y tiene un sensor óptico en una punta para detectar el movimiento del mismo en tres dimensiones. Funciona como el mango real de instrumentos

tecnología

+ Emotiv Neurosky MindSet Headsets

+ Auriculares Neurosky MindSet

virtuales: una raqueta de tenis, una espada, una bola de bowling, un volante, etc.

Kinect detecta el movimiento de todo el cuerpo, la posición en la habitación, y hasta la cara del usuario (es decir, se pueden habilitar los juegos y los usuarios según la cara de cada uno). Incluso entiende órdenes verbales, y las distingue del ruido ambiente (música, la charla de otros jugadores que esperan, etc.). Si el jugador mueve los brazos, su versión virtual hará lo mismo; si se agacha, si salta, si se balancea: todo se digitaliza en tiempo real. La experiencia, dicen los que la probaron, es fantástica y muy liberadora: no hay que recordar la posición de los botones en un control y la función de cada uno. Todo se hace con el cuerpo que venimos usando desde nuestro nacimiento.

Tan atractiva resultó la invención de Nintendo, que a noviembre último se habían vendido 77 millones de unidades en todo el mundo, contra los 42 millones de PlayStation 3 que Sony vendió en el mismo período (salieron a la venta con días de diferencia), o los 46 millones de consolas Xbox 360 que Microsoft lleva vendidos desde noviembre de 2005, es decir, un año antes que las otras. Y estos números llegaron, además, aunque la consola contiene un hardware más modesto que su competencia actual: no puede generar gráficos tan complejos o de alta definición. En el último semestre, las ventas de la Wii se estancaron, y el haber llegado a alguna clase de techo, no es la única fuente de preocupación para Nintendo: tanto Sony como Microsoft presentaron en los últimos meses sus accesorios que compiten (y mejoran) lo que ofrece la Wii. La primera en responder a Nintendo fue Sony con Move, que se vende en todo el mundo desde septiembre de este año (incluyendo la Argentina). Como la Wii, ofrece controles con sensores inerciales, pero que además tiene una bola de luz en la punta que permite, gracias al uso de una cámara digital, una mayor precisión en la detección de movimientos, y la posibilidad de usar dos controles para un mismo jugador: una espada y un escudo, por ejemplo, o las dos manos en un match de box. El uso de la luz en una punta, además, permite determinar dónde está el usuario respecto de la pantalla, mientras que los sensores del control detectan no sólo el movimiento (como en la Wii), sino la rotación del dispositivo. El resultado está en la traslación de movimientos más precisos de la muñeca del usuario al personaje digital. Desde septiembre hasta fines de noviembre la compañía envió 4,1 millones de Move a clientes de todo el mundo. Mientras, en los primeros días de noviembre último salió a la venta Kinect, el accesorio de Microsoft que le da una vuelta de tuerca a todos estos comandos, al permitir el control de los videojuegos usando el propio cuerpo: ya no es necesario tener un dispositivo en la mano. Kinect se monta frente al televisor e incluye una cámara digital, un proyector infrarrojo, cuatro micrófonos y varios sensores más, todos sobre una barra que está motorizada, lo que le permite rotar sobre su eje para orientarse de manera más eficiente frente a los jugadores.

Los 2,5 millones de Kinect vendidos en todo el mundo en sus primeras cuatro semanas en el mercado atestiguan el interés y la buena prensa que recibió. A la vez, el prescindir de un control remoto con botones limita la variedad de juegos; hay cosas que simplemente no se pueden hacer sin ellos, o al menos los desarrolladores de videojuegos todavía no le encontraron la vuelta. En este sentido, la creación de Sony parece ofrecer lo mejor de dos mundos. La otra contra de Kinect (y en menor medida de Move) respecto de la Wii, es la necesidad de usarlas en un ambiente amplio y bien iluminado, pero sin exceso de luz, y con una distancia mínima respecto de la pantalla: Kinect requiere que los jugadores se ubiquen, como mínimo, a una distancia de entre 1,8 y 2,5 metros, con el 1,5 a 2,7 metros de Move. La más flexible es la Wii (entre 1 metro y 1,5 metros mínimo). Es decir: no se tendrán buenos resultados usando Kinect en un ambiente chico. Los expertos afirman, sin embargo, que el futuro de las consolas ya llegó, y que aunque las primeras versiones recibieron algo de prensa, falta que se integren a las grandes consolas para asegurar su éxito. Hablamos, por supuesto, de los controles neuronales, en los que un casco especial identifica las ondas generadas por nuestro cerebro y las traduce en una acción virtual. No hay que operar un mando ni mover el cuerpo. Tan sólo pensar en lo que queremos hacer. Son al menos dos las compañías que ya venden estos cascos: Emotiv (www.emotiv.com) y Neurosky (www.neurosky.com), con aplicaciones y juegos para la PC, además de accesorios de Mattel y otros. Todavía, sin embargo, no son capaces de registrar la gran variedad de movimientos y acciones que permiten los controles convencionales para videojuegos. + www.nintendo.com | www.sony.com.ar | www.xbox.com

141

142

+TECNOLOGÍA

| Texto: Ricardo Sametband

+Panasonic Lumix GH2 Hay un nuevo integrante de la familia de cámaras digitales semi profesionales: la Lumix GH2, con lentes intercambiables, sensor Micro Cuatro Tercios (más grande que el de una cámara de bolsillo) de 18 MP, que además permite grabar video FullHD (1080p) en su tarjeta SD, incluye salida HDMI y una pantalla de 3” sensible al tacto y con bisagra (se puede cambiar su orientación para autofotos o capturar imágenes con trípode con mayor comodidad). www.panasonic.com.ar

+Philips CE150 Para musicalizar el auto, bien puede ser una alternativa el CE150, un equipo con una potencia máxima de 50 watts, con doble salida RCA, Bluetooth para usar con manos libres y reproducir música almacenada en un celular, radio AM/FM, entrada USB y tarjetas SD, es compatible con archivos MP3 y WMA. Su precio: $ 849. www.philips.com.ar

+LG BX580 Ya está disponible en el país el BX580 ($ 2299), el reproductor de Blu-ray que permite ver películas de alta definición (Full HD) y efecto 3D. El equipo también lee DVD, e incluye enchufes USB y HDMI, y una antena Wi-Fi que le permite usar el servicio NetCast,

para acceder a Twitter, Facebook, Google Maps y otros servicios, usando un televisor como pantalla. El Wi-Fi también le permite dar soporte a DLNA, el estándar de streaming hogareño de música y videos. www.lg.com/ar

+Motorola Spice El fabricante de móviles Motorola sigue ampliando su línea de equipos Android en el país y el mundo. En este caso, se trata del Spice, un equipo con pantalla táctil de 3” y teclado Qwerty deslizante. Tiene Android 2.1, 3G, Wi-Fi, GPS, Bluetooth, cámara digital de 3,2 MP y una aplicación que centraliza el registro de llamadas, mensajes, correo electrónico y demás, con los diferentes contactos. Estará en la Argentina a fin de año. www.motorola.com

tecnología

+TECNOLOGÍA

+Kodak EasyShare M590 Las cámaras digitales siguen evolucionando y sumando funciones, y la miniaturización de la tecnología permite que lo hagan sin crecer en tamaño. La M590 de Kodak, por ejemplo, es (según su fabricante) el equipo con zoom óptico 5x más delgado del mundo: 1,5 cm. Incluye un sensor de 14 MP, graba video en alta definición (720 p), tiene reconocimiento de rostros y software para subir el video a YouTube, Facebook y servicios similares. Precio local: $ 1499. www.kodak.com

+Samsung NF310 El mercado de las netbooks se sigue actualizando: en este caso, la primera en ofrecer la versión 2011 de esta clase de portátiles es Samsung, con el modelo NF310 ($ 2599): tiene un chip Atom N550, 2 GB de RAM DDR3, 320 GB de disco, Wi-Fi, Bluetooth 3.0, pantalla LCD con iluminación LED de 10,1” (1280 x 720 píxeles) y Windows 7 Starter. Su batería le permite tener 10,5 horas de autonomía. www.samsung.com/ar/

+Nokia N8 El gigante finlandés presentó en nuestro país su última creación, el móvil N8, el primero de la compañía en ofrecer una cámara de 12 MP, carcasa de aluminio, pantalla táctil de 3,5”, sistema operativo Symbian 3 (una versión muy mejorada de lo disponible en el N97), y 3G pentabanda (es decir, funciona en cualquier parte del mundo). Su precio con Personal es de $ 2199, con un plan de $ 199. www.nokia.com.ar

+AppBrain Si hay algo que le falta a Android -el sistema operativo promovido por Google, y que ya es el segundo más popular del mundo en el segmento de los smartphones- es una manera de ver las más de 100.000 aplicaciones disponibles en otro lugar que no sea el móvil. Para eso está AppBrain, un servicio gratis que permite ver, analizar y elegir las aplicaciones que se quieren tener en el teléfono, pero desde la comodidad de una PC. Se instala una aplicación en el móvil y se sincronizan los contenidos. + www.appbrain.com

143

144

ENGLISH SUMMARY Jeremyville Pages 56-61 The art of simplicity It is a conceptual project in itself that seeks to pass on simple messages with drawings and a few words. Between Sydney and New York, this multifaceted artist spreads his caricatures, toys and other creations that can be seen in books, t-shirts, backpacks, skates, trainers and of course, online.

There’s everything he needs for work in his bag pack: a sketchbook and a box of pencils he uses anywhere in the world. Jeremyville built up a style of his own, well defined, a unique voice that guarantees and reveals that he has worked hard to achieve it. “It took me years to make my work so simple. I am keen on polishing an idea or a line until it shows the essence of the message”, he analyses. He always starts with a notebook and a pen, but he feels comfortable with paint, oils, walls, brushes, ballpoint pens, collages, spray cans, chalks and even a branch over sand, with which he first discovered his talent. “I was trained as an architect, so that is why 3D and toys seem to be a natural extension of my work. I created the first toy in 1995, an inflatable dog named Air Puppy, and now my designs are commercialized by Kidrobot”, he says. Juan Chito Pages 62-65 Imagination with an antique air He is a Majorcan creator and greatly talented illustrator. Exuberant landscapes, perfect lines, balance, a sense of humour and an internal world filled with fantasy. His illustrations possess an antique air, a vintage aesthetics, as he confesses to be a classic illustrations admirer since forever: American illustration -especially of advertising- and East and West propaganda illustration. He normally uses felt-tip pens and black ink in preceding sketches and he usually colours them digitally. Red Nose Studio Pages 66-69 Where dreams become 3D Every draftsman is prone to create a world of his own, where its components fit to perfection and its characters complete its context with a harmony only possibly known in dreams. Chris Sickels, the artist behind Red Nose Studio, is an expert in this subject. With his clay characters and his sets made of materials that can vary from food, paper and wood; to wax, wire and Styrofoam, he accomplishes illustrations which look a lot more like a Tim Burton’s movie, rather than Quino’s and Caloi’s drawings.

One of his latest projects includes the children’s book “Here Comes The Garbage Barge!” written by Jonah Winter and published by Schwartz & Wade: “It is based in a true story from 1987. It is about a load of garbage that nobody wanted and the captain of the ship dragged for 6000 miles. As this event was the reason why America started to recycle, most of the sets and accessories are made out of recycled garbage”. DArA ID Pages 70-71 Design behind closed doors The 2º International Interior Decoration and Design Meeting took place in the Buenos Aires Auditorium, where both local and foreign designers and architects met to discuss the discipline that seeks to leave the indoors in order to conquest the public space. International representatives such as the Campana brothers were part of this. From Brazil, they have been able to stand out internationally as the kings of industrial design; besides, they

have also started to work in the interior design ﬁeld. Inspiration Fest 2010 Pages 72-85 A date with creativity With the Ciudad Cultural Konex as the perfect setting, on November 26th and 27th the 2010 Buenos Aires Inspiration Fest took place; the inspiration and creativity festival that promotes all kinds of creativity industries, in all its expressions. These were two days of pure inspiration, under a creative atmosphere. In 2010, the Inspiration Fest doubled the bet and inspired more than 3 thousand attendants who were eager to hear both national and international members of the panels, to be part of all workshops and the creation of the installations, to check out the exhibitions, projections and collective creativity spaces.

This year, the option of activities was vast and interdisciplinary. One of the international participants was Ronnie del Carmen, film director for Pixar Animation Studios. Other outstanding and awaited activities were the talks given by the Australian artist Jeremyville, who now lives in New York, and the Brazilian creative designer Felipe Taborda. Jeremyville showed illustrations and a collection of his best works to portray his different inspirations, while Taborda talked about the curiosity, simplicity and inspiration that are needed for working in the creative field. Tron: Legacy Pages 86-88 Movie alert From the cybernetic world to reality, Tron: Legacy -the sequel of Tron, the 80’s cult film that opened December 16th by the hand of a new director, Joseph Kosinski, and Walt Disney Pictures- inspires the design world. The plot appears together with a distinctive visual and sound code, by means of a color palette that highlights fluorescent shades over a dark base, a soundtrack in charge of the French duet Daft Punk, and a wardrobe filled with garments with electric light of their own made from digital patterns, that are bound to inspire the fashion scene.

And this is excatly what happened in Argentina, where this movie did not pass unnoticed. A group composed by people from the fashion, design and aesthetics worlds created “Colectivo Tron” -Tron Collective-. The brands taking part are A.Y. Not Dead, Pony, Inﬁnit, the make-up artist Regina Kuligovsky, Roho hair salon, the jewel designer Naye Quiros and Mariano Airaldi for Industria Lalalandia. 2010 Outdoor Arnet Award Pages 90-91 Enriching our artistic patrimony Together with the Bicentenary celebrations of our country, the 2010 Arnet’s Cultural Series included different actions in visual arts, music, dance, plastic arts and literature areas. Among them, the second Outdoor Arnet Award Session - Sculptures and Installations, took place. The First Acquisition Award was given to the architect and plastic artist Juan Carlos Ochoa for his work: “... de la orilla” (“...from the riverbank”). This project, donated to the Tigre Council by Arnet, has just been sited, within the space where the Museo de Arte Tigre and the Honorable Concejo Deliberante are located, to be shown permanently, thus enriching the artistic patrimony of the country. ArtFutura 2010 Pages 92-93 For the love of art (and technology) Since January 1990, ArtFutura -the Spanish Festival- explores

english summary

| Translated by: Lucrecia Bertani

the projects and the most important ideas that have emerged from the international scene of new media, interaction design, videogames, and digital animation. The list of activities includes from conferences, workshops, and interactive installations to exhibitions and live performances. And there is no need to go to Spain to be part of it, as the second Argentinian edition, parallel to the Spanish one, has just been held -from November 3rd to the 7th-. Besides the projections, the 2010 version of the festival in Buenos Aires had ﬁrst class international guests, who were part of the talks and activities for all public. Among them: Javier Mariscal, Josh Harris and Michael Adamo. Jeremy Scott Pages 102-107 Extravagance, concept and a sense of humor He is a celebrity in international fashion although his image -and everything around him- harmonizes better with that of a music star. There is something pop, something glam, something rock, and a bit of hip-hop about this American designer who blends all these aspects in the most creative way. This is how he is, and so is the product of his work: his collections are sometimes wearable, sometimes not so much. This is not only for the brand that takes his name and is a synonym of extravagance, concept and a sense of humour, but also for the ones that come up as the result of the different creative alliances in which he works with other brands.

Precisely one of these, the one he has had with Adidas for several years for the line Originals by Originals, is the one he brought on tour around Latin America. In Buenos Aires, he showed the new collection for the German company, in which black and white, glitter in sport wear, experimentation with prints and his reversioned classics for Adidas predominate. Shoe Design Pages 108-111 Art and craft Shoe making is one of the most traditional crafts in Argentina, and immersing oneself in its world turns out to be a great way to know its methods, tricks and secrets. So contradictory is the nature of shoes. On one hand, it is one of the most functional objects that man has ever developed throughout history and at the same time, it is one of the objects that most requires craftwork and artistic skills.

Eva Zeisel Pages 122-126 The circular temper She rubs shoulders with Marcel Wanders and Karim Rashid. She has produced beautiful pieces, many of which have won numerous awards and distinctions that she still achieves, thanks to a vitality that seems to ignore the fact that she is 104 years old. The Hungarian Eva Zeisel, who survived both the Nazi prison and living in exile, is still able to create her designs as when she ﬁrst started and she surprises us in this exclusive interview.

Nowadays, with over 60 years in the design world, Zeisel is one of the best-selling creators in gastronomy design. Maybe this is why among her followers, in addition to consumers, many collectors seek her work for its originality and that indeﬁnable quality of the pieces that are bound to be part of history. Nobody can tell whether her longevity gave her perseverance or the other way round, but what nobody can deny is that Eva Zeisel has her own Garden of Eden. smart ForTwo Pages 128-129 The smallest among the small ones The brand from the Daimler Group has ofﬁcially launched in our country the smart ForTwo, a two-seater that is only 2.69 meters long. This is the only authorized car that can park perpendicular to the sidewalk, a permit that is still to be passed in Argentina. Besides its size, its weight of only 850 kilograms is another quality that makes this mini car the lightest and smallest among others small competitors, such as the Mini Cooper, the Fiat 500 and the Audi A1. The Coupé and Cabrio are the two versions already available. Portfolio Pages 133-139 Jorge Miño Born in Corrientes province, he studied plastic arts and photography. He received many awards and he has been present in both individual and collective exhibitions in the country and abroad. He uses his Nikon D300 and Canon G10 cameras to register “everything I see and I am interested in: architecture and machines, from small ones to an escalator”.

With these characteristics, the trade established itself little by little, developing its own method and a “savoir faire” that enabled it to be introduced in the art sphere. In Argentina, shoe design has made its own path, and nowadays there are some names that deﬁne it with individual proposals. These names opened their workshops doors, stores and ateliers to tell us about what shoe design is all about in this country: Luz Príncipe, Joseﬁna Ferroni, Lucila Iotti, Terán, Hermanos Estebecorena and Huija.

Video game consoles Pages 140-141 The movement battle Kinect from Microsoft and Move from Sony are the new accessories that seek to exceed the success of the Nintendo Wii, using arms and body to control the video games. Move offers inertial sensor controllers, which have a ball on top that brightly lights up, enabling better precision in the movement detection due to the use of a digital camera. Besides, this technology provides the possibility to use two controllers for the same player: a sword and a shield for example or both hands for a boxing match.

Bombay Sapphire Page 121 250 years of tradition and design To celebrate their 250 years, Bombay Sapphire presents their exclusive line of handmade crystal bottles, all made in England by qualiﬁed glass artisans. The innovative and unique feature of its design is that it contains one bottle inside another, which was achieved by new methods of glassblowing. Besides, the top is a real jewel, designed by Garrard, the oldest jewellery house in the world. Only 350 of these bottles were distributed in London, New York and Madrid stores.

Kinect is the Microsoft accessory that gives a twist to all these commands, by allowing the body to be the video game control: it is now not necessary to have a device in hand. It includes a digital camera, an infrared projector, four microphones and a few more sensors all over a motorized rail that is set in front of the television. This allows it to rotate in its axis, and position itself easily in front of all players. Kinect detects the movement of the whole body, the position in the room and also the user’s face. It understands verbal orders and can separate them from the noises in the room. +

145

146

¿DÓNDE CONSIGO

SUSCRIPCIÓN

En kioskos de revistas y en las librerías: Ciudad de Buenos Aires Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Librería Concentra Montevideo 938 Librería Prometeo Honduras 4912 Tienda Malba Av. Figueroa Alcorta 3415 La U de Palermo Mario Bravo 1295/1076 Fedro San Telmo Carlos Calvo 578 Librería de la Universidad de Belgrano Zabala 1837, 1º Subs. Paidós del Fondo Av. Santa Fe 1685 Tienda de Diseño Konex Sarmiento 3131 Rayo Rojo Galería Bond Street Av. Santa Fe 1670 Locales 20-22 Tienda Palacio Honduras 5272 / Defensa 926 Libros del Pasaje Thames 1762 Crack-Up Costa Rica 4767 Librería Temas - UADE Lima 767 – Hall Central

Ciudad de Santa Fe Librería Metavisual 1º de Mayo 2746 PB Ediﬁcio Alﬁl Ciudad de Córdoba Tienda Fuencarral Buenos Aires 956 Uruguay Dardo Sanzberro Arrascaeta 1485 Apt.201 Santiago de Chile Cómodo Tienda de Diseño Drugstore Providencia 2124 Local7 Tienda Lovit Drugstore Providencia 2124 Local 25A A través de Librería técnica CP67 se puede conseguir por pedido en las librerías:

La Plata El Pasillo Libros Diagonal 78 Nº 680

La Plata Éxodo Calle 1 Nº 713 Rayuela Libros Plaza Italia Nº 10 Librería Arq. Nélida Lugo Calle 47 Nº 162

Mar del Plata Biblioteca Central (Univ. Nac. de Mar del Plata) Funes 3350Nivel subsuelo

Mar Del Plata Fray Mocho Libros Rivadavia 2702 Brecher Moreno 2623

¿Dónde consigo los números anteriores de 90+10? Info: www.90mas10.com

Libros de la Arena Güemes 2717 Rosario Librería técnica Binetti Córdoba 981 Librería Ross Córdoba 1347 Librería técnica 3 Córdoba 1354 Villa Gesell Casa Bohm Av. 3 Nº 464 Ciudad de Córdoba Amerindia Caseros 253 Amerindia Dos Vélez Sarsﬁeld 252 El Mundo del Libro Obispo Trejo 4 Maidana Libros Dean Funes 175 y 199 Ciudad de Mendoza Librería técnica Mendoza Rivadavia 24 Mauro Yardin Librerías San Martín 2551 Chaco Librería de la Paz 9 de Julio 359-361 Chipako Juan B. Justo 90 S.M.de Tucumán La Feria del Libro Muñecas 260 El Griego Libros Muñecas 285 Librería Universitaria Ayacucho 401

Los que se suscriban a reciben como obsequio un pack de 6 Posavasos de Autor de la nueva serie de productos de cocina creada por Monoblock, bajo el concepto Bon Appetit! (*) La primera serie limitada de Posavasos de Autor cuenta con las participaciones de Sol Linero y Santi Idelson (Argentina), Anke Weckmann (Alemania), Gemma Correll (UK) y Nate Williams (US). Los autores interpretaron sus escenas culinarias ideales, con diseños de patterns. www.monoblock.tv (*) Los que se suscriban a 90+10 entre el 01/11/2010 y el 28/02/2011 recibirán como obsequio un pack de 6 Posavasos de Autor de la línea de cocina de Monoblock, hasta agotar stock de 30 packs.

Para suscribirte comunicate con alguna de las siguientes librerías: Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18, CABA. Teléfono (+54 11) 4311-8988 / 4314-6303 Fax (+54 11) 4314-7135 cp67@cp67.com | www.cp67.com Librería Concentra Montevideo 938, CABA. Tel./Fax (+54 11) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar | www.concentra.com.ar

PROMOCIÓN AMERICAN EXPRESS Por ser socio de American Express Card podés disfrutar de un 10% de descuento en la suscripción anual (*), además de recibir un regalo de acuerdo a la promo vigente. (*) Exclusivamente para suscripciones en CABA y GBA, llamando al (+54 11) 4803-5912/5922 o por mail a suscripcion@90mas10.com.ar