Revista 90+10 #31 by 90+10

+31

sumario

+ Desﬁle Tramando en BAF. Foto: Basilio Silva

016

+mundo creativo

+ideas creativas moda

106 116

adidas Originals MEGA Entre lo funcional y lo urbano Puma Tatt200 100% hecho en LatAm

diseño

108 110

Feria del Mueble de Estocolmo Innovación y diseño escandinavos Embajadores Nokia Mensajeros de la tecnología

vehículos | Foto: Maia Croizet

114

Salón de Detroit Un salón sobre ruedas

gadgets

+especial moda 056 BAFWeek Otoño-Invierno 2011 Diez años para

Computadoras Más allá de la PC

BAF Lomo Wall

+clásicos contemporáneos 121 Bombay Sapphire Celebrar la imaginación

Ted Polhemus Mr. Streetstyle

diseño

Alta Costura Fábrica de sueños

122 Alessandro Mendini Un patchwork de artes

celebrar

062 068 072 076

118

Oh Heah!

+personas creativas diseño

082 090

Total Tool BA Consumir experiencias Puro Estilo retro en los pies

arte

086 094

LigLab Laboratorio lumínico Core Labs Donde humanos, arte y tecnología se unen

gastronomía

098

Daniel Biber Regreso a los tragos clásicos

ilustración

100

Catalina Estrada Magia pura

música

104

Pablo Dacal Al futuro con la canción

+ Colección Bisazza 1997-2008, Alessandro Mendini

+portfolio fotográﬁco 127 Juan Sebastián Bruno 144 146

+english summary +conexión

+31 staff

+ La naturaleza está conmigo, Catalina Estrada

Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010

Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar

Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010

Producción Dulcinea Sedam dulcinea@90mas10.com.ar @DulcineaSedam

Diseño Gráﬁco Hernán Patto Leandro Marenzi

Colaboran en este número Aldo Bressi, Arts Moved, Axel Chaulet, Carlos Piedrabuena, Diego Giaccone, Elvio Orellana, Fernanda Cohen, Germán Andrés, gt_2P, Javi Eyzaguirre, Javier Villa, Jorgelina Peciña, Leila Mesyngier, Lucrecia Bertani, Maia Croizet, Natalia Iscaro, Patricio Oliver y Ricardo Sametband

Colaboradores Especial Moda Carolina Prioglio Apasionada de la moda, le encanta hablar, escribir y discutir sobre ella. Por eso se convirtió en periodista especializada en el tema, aunque también escribe sobre belleza, destinos y arte. Está terminando Comunicación Social y es docente de historia dea la moda y estilismo. Colabora con 90+10 desde 2009, así como para otros importantes medios de comunicación. Fue la foto argentina de Garance Doré, una de las bloggers de moda más importantes. Disfruta leer, escuchar música, ir a recitales, hojear revistas de moda, ir a museos, hacer entrevistas. Todas las noches mira una película. Está enamorada de París y quiere conocer todo el mundo. @caroprioglio | www.cocochronicles.blogspot.com Basilio Silva Luego de trabajar como reportero gráﬁco de un importante periódico de su país, este fotógrafo colombiano eligió el mundo de la moda y los retratos para generar sus propias ﬁcciones. Su primera colaboración con 90+10 fue en la edición Nº26 (abril 2010), cuando una de sus provocativas imágenes en blanco y negro fue publicada en tapa. Sus imágenes son citadas y expuestas en numerosos blogs de moda y arte, y colabora con publicaciones de todo el globo. Fue elegido recientemente por la agencia Bleed de Noruega para formar parte de su libro “Hunger”, que estará expuesto en las principales capitales del mundo. @basilio_silva | www.basiliosilva.com

Distribución en kioscos Ciud. Aut. Bs. As. y GBA Vaccaro, Sánchez y Cía. S.C. Moreno 794, Piso 9º Tel. (+5411) 4342-4031/32 Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114 Producción Gráﬁca Help Group www.hgprint.com.ar info@hgprint.com.ar

Suscripciones Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 Fax (+5411) 4314-7135 cp67@cp67.com Librería Concentra Montevideo 938Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

Cerviño 3814 – 4º Piso “A” (C1425AGU) Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | www.90mas10.com.ar Revista 90+10. Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas ﬁrmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual Nº 364582 | ISSN 1668-6403 Año 7 - Nº31 – Marzo / Abril 2011

+31

editorial

+ Guangzou Opera House. Foto: Iwan Baan

+ Marcela Fibbiani

En la reciente edición de BAFWeek, 90+10 homenajeó al Diseño de Autor, a través de un video que seleccionó los trabajos de diez diseñadores locales que surgieron alrededor del 2001, desde sus primeras colecciones hasta la actualidad. Kostüme (Camila Milessi y Emiliano Blanco), Unmo (Marcelo Ortega), Nadine Zlotogora, Pablo Ramírez, Mariano Toledo, Tramando (Martín Churba), Valeria Pesqueira, Vero Ivaldi, Cecilia Gadea y Juana de Arco (Mariana Cortés) fueron los diseñadores convocados para festejar los primeros diez años de existencia de esta manera de producir moda.

ia Gad

+ Cecil

Mucho se comenta sobre este grupo de emprendedores (que es aún más amplio que el seleccionado en nuestro video-homenaje); la originalidad de sus propuestas, que exceden las tendencias y las temporadas, su habilidad para mantenerse económica y financieramente en el tiempo, y también sobre las dificultades que afrontan a la hora de producir, que son muchas. Lo que más celebramos de esta generación de diseñadores, y también lo que más nos identifica, es su carácter de emprendedores y sus ganas de hacer, y de hacer con pasión. En 90+10 nos sentimos parte de ese fenómeno, porque también nuestro proyecto surgió de la necesidad de comunicar de otra manera. Y porque apuntamos a inspirar y sorprender a nuestros lectores, pensamos en una cobertura diferente de la semana de la moda. Con la colaboración de Tiendamalba (representante de las cámaras Lomo en Argentina), y junto al fotógrafo Basilio Silva, cubrimos los desfiles más destacados de BAFWeek, con dos modelos de estas simpáticas cámaras analógicas, que dan resultados inesperados: imágenes de acción secuencial y teñidas de colores. Fieles a nuestro espíritu, les presentamos otra mirada de la moda. + Marcela Fibbiani Editora

no Tole

+ Maria

ora

e Zlotog

+ Nadin

FOTO DE TAPA + Fotógrafo Basilio Silva www.basiliosilva.com + Desﬁle de A.Y. Not Dead -Colección “The Beaux Arts”- en la apertura de BAFWeek Otoño-Invierno 2011

016

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

diseño

Luminarias Pétalo “Un mundo de sensaciones, percepciones y emociones”, así se anuncia la nueva línea de luminarias Pétalo, nombre que también se presta a otras interpretaciones. Presentada por Colección, la pieza fue creada por los diseñadores Anabella Branda y Gustavo Maggio, que conforman el estudio Fosko, dedicado al desarrollo de nuevos conceptos en objetos lumínicos. La pieza posee una estética escultural, gracias a la cual, los pétalos reﬂejan internamente líneas curvas que remiten a la natu-

raleza, y genera diversos visuales al contemplar su interior. Está disponible en versiones colgantes, de apoyo y de pie y, además, el material utilizado para su construcción es ecológico, y puede ser reciclado en su totalidad. Según sus creadores: “Nuestro objetivo es movilizar y despertar sentidos en el otro”. En venta en el showroom de Colección: Paraguay 1180, Ciudad de Buenos Aires. + www.fosko.com.ar www.coleccion.com

+ Mugo Tearfang by PO!

Mugo player Es un concepto muy diferente para reproducir MP3. De edición limitada, se trata de la fusión de un reproductor MP3 bajo la forma trendy de un mini juguete de vinilo. Estos art toys cuentan con todas las funciones: Power/Play/Pause, Volume Up, Volume Down, Previous/ Rewind, Next/Fast-Forward, LED y conector USB con su tapa protectora. Pueden almacenar hasta 500 canciones, así como carpetas

digitales de fotos y videos. Los artistas que dieron vida y color a estos Mugo players son: Julie West, Shin Tanaka, Tougui, Yup, Pulco Mayo y nuestro artista local Patricio Oliver (PO!), entre otros. Compatible con Mac y PC, es el nuevo juguete predilecto de los coleccionistas. + www.mugoplayer.com www.patriciooliver.com.ar

018

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

diseño

Asiento encuadernado En el marco de la muestra Design Miami/Basel se presentó la nueva silla Darwin, que actualmente y hasta mayo de 2011, integra en la exhibición “Conectar el pasado con el futuro”, en el Graphic Design Museum de Holanda. La pieza fue creada por Stefan Sagmeister, y comprada y producida por la marca de muebles holandeses Droog. Su estructura de líneas esbeltas alcanza una nueva dimensión, gracias a esta propuesta, formada por 200 impresiones con patrones abstractos, que se pueden ir cambiando (o ir pasando de hoja) a medida que se van ensuciando, arrugando, o simplemente aburriendo a su dueño.

| Foto: Studio Joris Laarman

Sagmeister es un diseñador gráfico austríaco de fama mundial, y sus motivos adhieren al concepto de evolución, con temas que van desde la flora y fauna a la revolución digital que toma lugar hoy en día. “La idea surgió a partir del concepto de diseñar una silla con cientos de hojas de papel para acolcharla. Si rasgas una de ellas, ya tienes otra silla con otro color, otro patrón y otra textura”, explicó Sagmeister. Además, su base es de acero inoxidable en lugar de madera, “así la estructura era más delgada y flexible, y el papel se convertía en el protagonista”, amplió el diseñador. De las piezas más comentadas del Design Miami, ahora esta silla tiene el desafío de renovar, también, nuestras ideas. + www.sagmeister.com www.droog.com

Creaciones articuladas No hay mayor encanto que el poder dar vida al juguete propio. Qubic es la nueva propuesta, nacida y creada en la Argentina, para poder hacerlo posible. Robots, animales, vehículos, imágenes, objetos y posibilidades inﬁnitas cobran vida gracias a este juego de encastre que, a diferencia de otros bloques de construcción, permite crear modelos que, además, son articulados. Vienen en 80, 300 y 800 piezas para potenciar nuestra imaginación. + www.imaginacion-al-cubo.blogspot.com

020

+ mundo creativo

Texto: Jorgelina Peciña

diseño Rediseñando el hogar con Unimate Unimate presenta su nueva colección de mobiliario, de líneas netas y contemporáneas, que consta de piezas para cada sector del hogar: livings, dormitorios y comedores. Entre las texturas predominantes, encontramos las maderas como guatambú, paraíso o incienso, combinadas con tapicería o lacas de colores neutros. La colección presenta variedad y distintos tipos de telas para que los clientes puedan combinar a su gusto. Se destacan el verde pistacho, el berenjena y el amarillo lima. Asimismo, se pueden combinar las telas con cromados o maderas de lustre natural y guindo, enchapados o laqueados. Otra novedad de Unimate es la silla de acrílico curvado, en colores como el cian, magenta y amarillo, que pueden estar combinados entre frente y dorso. + www.unimate.com.ar

Robot aspiradora Poder limpiar la casa sin esfuerzo con la ayuda de un robot. ¿Ciencia ficción? No, realidad. Llegó a la Argentina iRobot, el fabricante de aspiradoras que trabajan por su cuenta, aspirando pisos y alfombras con sólo darles la indicación. Las aspiradoras iRobot Roomba son máquinas inteligentes capaces de limpiar el suelo sin ningún tipo de supervisión. Gracias a sus sensores y su inteligencia artificial, Roomba es capaz de evaluar su entorno hasta cincuenta veces por segundo, y de modificar su comportamiento para adaptarse a él. Además de inteligencia, Roomba dispone de un sistema de limpieza en tres fases, que le permite recoger todo tipo de suciedad, pelo, polvo y pequeños objetos, que luego son ubicados en un depósito o en su filtro. Los robots domésticos de iRobot están revolucionando la forma de limpiar, tanto dentro como fuera de casa. Si bien hay cuatro modelos de iRobot, por ahora se encuentran disponibles en el país para la venta dos modelos: el iRobot Roomba 520, con un costo de $ 2499, que viene en blanco, y el iRobot Roomba 555, a $ 2999, en color plateado. + www.irobot.com

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+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

publicaciones Frank Lloyd Wright, Complete Works Vol. 1. 1885-1916 BRUCE BROOKS PFEIFFER Editorial TASCHEN Formato 40 x 31 cm 528 páginas Edición plurilingüe: alemán, francés, inglés

Una obra ineludible llega al mercado, en el primero de sus diez volúmenes previstos. La obra completa del afamado arquitecto Frank Lloyd Wright (1867-1959) se publica con la edición de Peter Gössel, diseñador de museos y exposiciones y editor de la serie menor de arquitectura de Taschen. A él se suma el autor Bruce Brooks Pfeiffer, aprendiz de Lloyd Wright en la Sociedad Taliesin, en 1949, en estrecha colaboración con los Archivos Frank Lloyd Wright de Taliesin. El resultado es un profundo análisis de los trabajos del arquitecto que supo anunciar la edad moderna, y aún preserva una influencia notable en la arquitectura actual: desde sus tempranas casas unifamiliares -fuertemente integradas en su entorno-, hasta sus edificios de arquitectura orgánica, como es el caso del Museo Guggenheim de Nueva York. Este primer volumen abarca los primeros años en Chicago y las Casas de la Pradera, de gran impacto a la edificación europea. Su gran respeto y conocimiento por los materiales naturales se extiende, también, hacia los demás tomos, los cuales superan los mil, ejecutados y aún en planos. En decoración, edificación y pensamiento, un maestro cuya obra no puede faltar en ninguna biblioteca. + www.taschen.com

Cutting Edges Contemporary Collage R. KLANTEN, H. HELLIGE, J. GALLAGHER Editorial GESTALTEN Formato 24 x 30 cm 224 páginas Inglés

El collage no sólo está de moda. Es, además, una técnica con gran historia, que supo hacer las delicias del surrealismo y el dadaísmo, como también del constructivismo. Es así cómo hoy reaparece con gran vigor en el trabajo de artistas visuales, ilustradores y diseñadores, en tanto su impronta manual adquiere renovados bríos gracias a la ayuda de la tecnología, dando como resultado montajes que permiten composiciones con gran cantidad y variedad de elementos visuales. Este libro pretende ser un estímulo a la creatividad, y reúne una interesante colección de collage de diversas técnicas, que si bien incorporan la tecnología para el montaje, sostienen la importancia del trabajo manual. Los textos pertenecen al curador Dr. Silke Krohn. Su co-editor es el artista asentado en New York James Gallagher, especialista en arte contemporáneo y curador de la exhibición Cutres, que recorrió New York, Berlín e Irlanda, y que pretende redescubrir la forma artística, haciendo uso de las tradiciones. Uno para inspirarse. + www.gestalten.com

Qué. Cómo. Dónde La guía de compras

NARDA LEPES Editorial PLANETA Formato 272 páginas Español

En el bolso o el changuito del cocinero experto o el improvisado, no puede faltar este nuevo tomo mini en tamaño portable, con direcciones, recetas y tips ineludibles para la previa de toda comida. Es un producto de la creación de la cocinera más querida por todos, Narda Lepes, quien ha sabido seducir y educar a público de todas las edades, a fuerza de un lenguaje accesible y un discurso seductor sobre las bondades de cocinar en el hogar. “Es mucho más fácil de lo que piensa. En vez de pasar tanto tiempo en la computadora, hacete un pollo al horno con papas”, dice ella, y ya casi nos convence. El tomo se recorre con facilidad, y va de productos nacionales e importados a un inventario de materias primas para platos de caseros y simples, a étnicos y elaborados. Se suman datos de bazar, y todos los elementos necesarios para vestir la mesa y dar vida a cualquier manjar. Además, se suman los tips de expertos sobre cómo elegir frutas y verduras, carnes y pescados, y qué no podemos olvidar preguntar o tener en cuenta. “Buscá. Probá. Descubrí. Cociná más. Usá la Guía y sacála a la calle, salí y caminá tu ciudad”, dice Narda. Infaltable en toda cocina digna. + www.editorialplaneta.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Carlos Piedrabuena. Foto: Virgile Simon Bertrand

arquitectura

Guangzhou Opera House Pasión fractal Extravagante y refinada, la flamante criatura de Zaha Hadid (1950, Bagdad, Irak) parece desperezarse, lánguida y confiada, mientras curvas de incomparable sigilo y abruptos y elegantes biseles la tallan al unísono. Estas gemas futuristas de facetada morfología albergarán, de ahora en adelante, el Centro de Artes Interpretativas de Guangzhou -antes conocida como Cantón-, en el sur de la República Popular China.

Diseño apabullante -la inﬂuencia de los cómics de anticipación resulta innegable-, clase y estilo incomparables y una visión como sólo Hadid y su equipo pueden desarrollar, componen un sólido mix sustentado por tecnologías emergentes, materiales de última generación e innovadores recursos aplicados con buen gusto e impecable criterio. Un Gran Teatro con capacidad para 1.800 personas sentadas y una sala polivalente con 400 butacas son el núcleo

mundo creativo

+ 025

arquitectura

duro de un completo paquete, que incluye una colosal estructura de servicios y un sinfín de extraordinarias facilidades para residentes y visitantes. Guangzhou, estimulada por su estratégica cercanía con Hong Kong, necesita revalidar su extendido prestigio como epicentro cultural de Asia. Hadid y su equipo responden -en palabras de la propia diseña-

dora- con “...un duradero monumento al nuevo milenio”. Recostada sobre el Delta del legendario Pearl River, la innegable belleza del Guangzhou Opera House prueba con holgura que el propósito de Hadid de facilitar el acceso de las masas a lugares públicos de exquisita concepción y factura es genuino y posible. + www.zaha-hadid.com

026

+ mundo creativo

Crivos: diseños enredados A partir del estudio de las acciones y movimientos del cuerpo humano, Ivana Crivos presenta estos objetos-accesorios que adoptan las formas del contorno humano. Su material surge a partir de seccionar lycra en tiras, que luego son trabajadas artesanalmente en forma de

tejido de dos agujas, generando una irregularidad visual que le otorgan una poética particular a estos bolsos y mochilas que muestran un equilibrio entre lo tecnológico y lo artesanal, lo estético y lo funcional. + ivi_crivos@hotmail.com

Diseño sustentable argentino

Sillón Marz Con diseño de Ana Rascovsky y Max Zolkwer, este sillón de cartón corrugado es liviano, reciclable y muy fácil de armar. Sólo lleva dos tipos de piezas para ser ensambladas por el usuario, las siluetas y las costillas. La rigidez del sillón está dada por la solución estructural adoptada: el doble encastre de piezas. En caso de mudanza, ¡hasta puede llevarse en colectivo! + www.anarascovsky.com

Escrito por las periodistas Yanina Tendlarz y Jimena Laclau, este libro indaga en la realidad del diseño sustentable de la Argentina, a través del relato de 25 casos destacados de los últimos cinco años, elegidos en base a un trabajo de investigación de las autoras, y al aporte de un jurado de expertos compuesto por Ana Lisa Alperovich (eco-diseñadora de la Goldsmiths University of London, creadora del Festival Sustentable, curadora y consultora en diseño sustentable), Enrique Avogadro (director de Industrias Creativas y Comercio Exterior del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y director del Centro Metropolitano de Diseño); Adrián Lebendiker (presidente de la consultora especializada Gloc); Carlos Hinrichsen (director de la Escuela de Diseño DuocUC de Chile, y senador del International Council of Societies of Industrial Design), Fernando Poggio (diseñador y artista plástico), y Ronald Shakespear (fundador del estudio Diseño Shakespear). + www.25latidos.com/disenio

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+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

green design

Recargando vehículos eléctricos General Electric presta su expertise al servicio de una nueva necesidad. Los vehículos eléctricos pueden cargarse en las nuevas WattStation. Algo que naturalmente favorece al planeta, dado que por cada 10 mil vehículos que cambien el insumo de combustible por la electricidad, las emisiones de CO2 se reducirían en un total de 33 mil toneladas por año. Fiel a esta premisa, la WattSation fue diseñada para promover este cambio de tecnología y de con-

ciencia, utilizando tecnología que combina la funcionalidad de una modalidad autoservice. Proyectada por el diseñador Yves Béhar, se calcula que las horas de carga se pueden reducir de las 12 a 18 horas, a un promedio de 4 a 8. Eso sí, habrá que ir a llorar a otro cuando las estaciones de servicio al mejor estilo Route 66 se extingan. + www.ecomagination.com

Renovar el mobiliario Derribemos mitos: el consumo masivo no es ajeno al eco diseño, y el diseño eco no es siempre más caro. Una prueba de ello son los diseños de Hazlo Eco, una empresa que “aporta soluciones eco eficientes al consumo masivo de productos fabricados en cartón reciclado, a un precio muy accesible e inferior a los fabricados en madera”. La materia prima es el producto obtenido de la recolección de los “cartoneros” urbanos, previamente seleccionado y luego reciclado de una a dos veces, según el caso. Todo esto se elabora para dar vida a sillas, sillones, mesas, armarios, estanterías, mesas de PC, pupitres, cajoneras, bancos y cunas. Y es posible gracias a un tratamiento triple faz, que permite soportar cargas superiores a los 1700 kg. A la hora de cuidar estas piezas de mobiliario, ¡no temer!: su uso no requiere mayores atenciones que un mueble común de madera, teniendo en cuenta que, además, este material es resistente al agua, gracias a sus terminaciones posibles: parafinado, plastificado y laqueado en color pino o caoba. Una ecuación cada vez más perfecta, que además de económica, es resistente y consciente. + www.hazloeco.com

mundo creativo

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green design

Fashion eco-beats “Beat Bang intenta ser una marca de moda con un contenido expuesto y positivo”, cuenta Roberto Acosta Gómez, creador de la marca en 2010, y con un historial eco de la mano de Ego Design, ﬁrma de diseño de luminarias. Sus prendas llegan a nuestras vitrinas desde la provincia de Chaco. Son elaboradas a partir de algodón orgánico, cultivado sin agroquímicos, y cosechado a mano por pequeños productores de esta provincia argentina, unidos en cooperativas. El hilo y tejido son convertidos en tela según especiﬁcaciones exclusivas, y con un punto que acondiciona hasta 4 grados la temperatura del cuerpo.

En cuanto a los teñidos y estampados, son realizados con productos atóxicos, controlando el proceso productivo y comercial desde la materia prima hasta el producto terminado. “En esta primera etapa, comencé con básicos del urbano deportivo”, prosigue. “Como primera exploración, propongo una línea simple y básica, buscando funcionalidad, y con una imagen clara y joven”. Así, disponibles en cinco colores, sobre sus textiles orgánicos, se reproducen motivos de autor. Un nuevo aliado del placard, porque vestir también hace bien. + www.beatbang.net

Reutilizar muebles de otra época Los muebles de otra época pueden volver a usarse y, contrariamente a la tendencia (que ya es viral) de remozarlos con nuevos colores, pátinas o decoupage, es posible remendarlos para devolverlos (dentro de lo posible) a su estado original. “Es un emprendimiento de muebles y objetos antiguos y retro, combinando el diseño y el estilo de diferentes épocas”, cuentan desde la firma Instinto. Así, en su blog es posible encontrar piezas de mobiliario de las décadas del 50, 60 y 70, con una oportuna ficha técnica, que incluye el detalle de estilo, medidas y precios, entre otros datos. La garantía está dada, naturalmente, por la calidad de los muebles de antes, que hoy en día ya no es moneda corriente. Más allá de lo ecléctico de la propuesta, la oferta responde al “respeto por nuestro entorno, reutilización de objetos y materiales; lo básico se transforma en lo principal”, afirman ellos. Y claro, a todo esto se le suma el “instinto” para encontrar muebles para usar de nuevo. + www.instintoabc.blogspot.com

030

+ mundo creativo

Texto: Javier Villa

arte

+ En el andén (Sueño Nº 2), 1949. Fotomontaje en blanco y negro sobre papel, 19 x 28 cm. Colección Eduardo F. Costantini, Buenos Aires.

Grete Stern. Los sueños 1948 – 1951 Del 28 de febrero al 25 de abril, Malba – Fundación Costantini - Sala 3 (1º piso), Av. Figueroa Alcorta 3415, CABA. Un tren emerge a toda velocidad desde las profundidades del océano. Lo que debería ser la locomotora es una enorme cabeza de tortuga, prehistórico animal que se lanza, como enorme falo enfurecido, a una –no muy asustada, no muy angustiada, no muy sorprendida- mujer de pretendida clase social acomodada. Es uno de los 150 sueños de una lectora anónima de la revista Idilio, publicado en la sección “El psicoanálisis le ayudará”, que fue ilustrada durante tres años por Grete Stern. Es, también, “En el andén (Sueño Nº2)”, uno de los 46 fotomontajes realizados por la fotógrafa germano-argentina entre 1948 y 1951, que sobrevivió como obra a la revista del corazón y pasó a formar parte de una de las series más importantes de la historia de la fotografía argentina.

emigró a la Argentina como mujer de Horacio Coppola, empacó todas esas ideas estéticas en su valija. Contemporáneamente a “Los sueños”, obra que podría catalogarse como un particular surrealismo popular, se juntaba con la vanguardia del momento -pura abstracción geométrica-, albergando muestras del Movimiento de Arte Concreto Invención en su propia casa y diseñando la famosa imagen collage que promovía al Madí. Además, fue una adicta al rubro retrato, capturando escritores y artistas de su época. Luego de esa productiva esquizofrenia entre las líneas abstractas, la libertad de los sueños y su aﬁción retratística, durante los sesenta viró al trabajo antropológico, fotograﬁando a las comunidades aborígenes del Chaco.

Del 28 de febrero al 25 de abril, Malba vuelve a presentar la colección completa bajo el título Grete Stern. Los sueños 1948 – 1951. Para aquellos que la conocen, es como cruzarse en la tele, nuevamente, con una película como “Hechizo del tiempo”, que se disfruta de principio a ﬁn, como si fuese la primera vez. Los que no la conocen, tienen una posición envidiable: descubrir el trabajo más creativo y delirante de una fotógrafa tan ﬂexible como precisa.

Pero la obra de Stern es más que la versatilidad de una excelente fotógrafa: “Los sueños” fue una de las primeras producciones en la Argentina que abordó la opresión femenina. Como aﬁrmó el investigador Luis Priamo previamente: “La serie de fotomontajes para Idilio fue la primera obra fotográﬁca –y la más importante hasta hoy- radicalmente crítica de la opresión y manipulación que sufría la mujer en la sociedad argentina de la época, y de la humillante consecuencia del sometimiento consentido”. + www.malba.org.ar

Stern se formó en la Bauhaus y, entrados los años treinta, cuando

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+ mundo creativo

Texto: Javier Villa

arte

+ Un beso inﬁnito

Adrián Villar Rojas Representante argentino en la Bienal de Venecia Del 4 de junio al 27 de noviembre, Bienal de Venecia, Giardini / Arsenale, Venecia, Italia. Como adelanto, hay dos buenas noticias sobre la representación argentina en esta nueva edición de la Bienal de Venecia, y eso ya es demasiado. Primera: ¡Hay pabellón! No es una parcela en los Giardini, donde están los pabellones nacionales, sino un espacio en el Arsenale, donde se suele albergar a la exposición curada. Para que se entienda mejor: la audiencia ya no tendrá que buscar al envío argentino en un rincón perdido y alejado de la ciudad, lo cual, ante tanta actividad en simultáneo, requería esfuerzo y un sincero interés por el artista. En esto último reside la segunda buena noticia: el cambio de estrategia en la selección del representante. El proceso para elegir al artista nunca fue claro en nuestro país. A diferencia de otros lugares en donde se forman comités rotativos de especialistas involucrados activamente en las discusiones de la escena internacional, en la Argentina no se sabe si sólo dependemos del humor del diplomático Sergio Baur, sus conﬁdentes y la gente que hace lobby o presión. En la última edición, se había elegido como representante a Luis Felipe Noé. Este año es Adrián Villar Rojas, y el cambio aparece tan esquizofrénico como interesante.

La pregunta no parece ser si Villar Rojas es el mejor artista argentino del momento –sólo una cuestión de gustos-, sino la mejor estrategia para formar parte, aunque sea de a poco, del diálogo que transcurre hoy en el mundo. Por un lado, se asumió un riesgo al elegir a alguien joven que no supera los 30 años. Por otro, dentro del rubro joven, se optó por el artista mejor conectado con el circuito internacional, lo que puede dar dividendos: Villar Rojas está armando, hace al menos tres años, una ascendente y vertiginosa carrera, apoyado por galerías fuertes en Latinoamérica y dos curadores que manejan mucho poder global: Hans Ulrich Obrist y Adriano Pedrosa. Venecia es más política que cultura. La obra de Villar Rojas actualmente toma como medio el objeto, la escritura y la música. Apunta a capturar cierta sensación de lo sublime, algo poderoso que supera nuestra capacidad de comprensión y de percepción de la belleza: estar viviendo el ﬁn del mundo, al mismo tiempo que se lo representa con un romanticismo melancólico de factura perfecta. El trabajo para Venecia está en proceso; mientras la intriga crece, poco se sabe hasta el momento. + www.labiennale.org

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+ mundo creativo

Texto: Javier Villa

arte

+ Ícono-no

Luciana Lamothe Reflejo selector Durante el mes de mayo, Galería Ruth Benzacar, Florida 1000, CABA. La acción es simple: una infiltración que, al mismo tiempo, es vandalismo preciso y deliberado, y situación fugaz y poética. Luciana Lamothe espera en una calle cualquiera, con una cámara que lleva adosada un pequeño espejo. El objetivo es un sujeto anónimo, caminante o automovilista, a quien ilumina con los reflejos del sol, al mismo tiempo que captura el instante provocado por ella misma. Lamothe trabaja llevando al extremo binomios opuestos, buscando puntos de tensión, paradoja o contradicción, provocando cruces que expanden y confunden los límites de cada concepto. Si en un momento apuntó a la acción directa sobre los materiales con la pareja construcción-destrucción, es ahora otro ente, un ser humano, el que se transforma en material a ser puesto en tensión. Y serán paradojas sobre la percepción, entre varias otras cosas, lo nuevo que podrá verse en su exposición individual en la galería Ruth Benzacar, durante mayo. En ese instante que recibe el reflejo, el caminante es atacado, pero

a su vez seleccionado, enfocado y enmarcado. Se lo ilumina o se lo quema; es enceguecido, al mismo tiempo que se le otorga una especial visibilidad dentro de ese contexto. Si es un automovilista, el enceguecimiento permite ver a través de los vidrios del auto. Es decir, el vidrio del auto tiene un reflejo en sí mismo que, a cierta distancia, no permite ver al conductor. Si se enfoca un reflejo más potente, se anula este primer reflejo del vidrio y se puede ver claramente qué pasa dentro del auto. Así, el reflejo del espejo batalla contra el de los vidrios del auto, vence y transforma la opacidad en transparencia. La muestra se completa, entre otras piezas, con una escultura desplazable, construida con ruedas y andamios que terminan en puntas filosas. Sobre esa estructura reposa una lonja de asfalto: es parte de la calle que avanzó y perforó una de las paredes del espacio, buscando continuar su propia dirección, sin dejar que una galería de arte interrumpa su devenir y se transforme en un obstáculo. + www.lucianalamothe.blogspot.com www.ruthbenzacar.com

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+ mundo creativo

Texto: Jorgelina Peciña

arte

Patria Petrona Un día, Doña Petrona llegó al museo Del 12 de junio al 25 de agosto, Fundación PROA, Av. Pedro de Mendoza 1929, CABA. El próximo 12 de junio, Fundación PROA inaugura una muestra multidisciplinaria, que tiene como ﬁgura convocante a un personaje muy particular, Doña Petrona C. de Gandulfo. El proyecto cuenta con la dirección del actor y director Alfredo Rodríguez Arias, en colaboración con el artista Juan Stoppani y la ambientación del diseñador de alta costura Pablo Ramírez. “Se trata de un trabajo sobre la memoria, es la reconstrucción del paisaje de mi infancia”, explica Alfredo Rodríguez Arias sobre su nuevo proyecto, que tiene a la legendaria cocinera Doña Petrona como elemento clave, pero no principal. “Más allá de la importancia de Petrona, no me paro en la temática de la cocina, sino en cómo ella entró en mi familia con su presencia, con su creatividad”. Arias, que desde 1969 reside en Francia, es un consagrado actor y director argentino, miembro de la generación Di Tella, quien participó en numerosas exposiciones, happenings y performances. Este año vuelve a exponer en el país con su muestra Patria Petrona. RECORDANDO UNA ÉPOCA A TRAVÉS DE PETRONA Ubicada en el espacio que ocupa el café de la Fundación PROA, Patria Petrona evocará la infancia del autor a través de Doña Petrona C. de Gandulfo, la cocinera que con su programa de TV de los años sesenta, se convirtió en una ﬁgura clave del imaginario social nacional. Se tratará de una muestra compuesta por quince réplicas de sus tortas clásicas, hechas en porcelana y en tamaño real. “Son tortas que derivan en formas inesperadas, que se pierden en la estratósfera visual. En mi carrera plástica, empecé con la cerámica, y las tortas siempre me quedaron en el cerebro. Es un objeto mítico, un puente entre el adulto y el niño. Después pierde sentido, pero en los años de la infancia, una torta es siempre una celebración”. Acompañando las piezas de arte, se expondrá material audiovisual

de Petrona, videos de sus programas televisivos y ediciones de sus emblemáticos libros de cocina. En charla con Rodríguez Arias, 90+10 indagó todos los detalles de la muestra. + ¿En qué consiste el proyecto? ARA No se trata de una muestra homenaje a Petrona, es más bien un recorrido por mi infancia, el barrio, la ciudad. Es volver a ciertos lugares, donde escucho voces imaginarias. Es una temática que me interesa. Toda la muestra es ir del teatro a las artes plásticas, para expresarse a través de los diferentes medios. + Las tortas fueron hechas en cerámica y convertidas en piezas de arte. ¿Por qué la elección del material? ARA La idea es que la cerámica le da dignidad a la reconstrucción, la neutraliza, la ubica como un objeto de culto. A las tortas les sumamos el contexto humano, a través de los vestidos de Pablo Ramírez. Son vestidos que comentan la época. Alrededor de la torta, viene la ﬁesta. Así, los vestidos recrean el elemento humano. + ¿Por qué tiene el interés de utilizar la ﬁgura de Petrona? ARA El uso de personaje me permite hablar sobre la familia, la patria. No es un homenaje, es una experiencia del autor. A través de las diferentes líneas del arte, creo una secuencia visual que viví en mi infancia. Así, la torta es el vehículo; Petrona facilita ese encuentro con la historia. + ¿Cómo se imagina al público de la muestra y cuál espera que sea su respuesta? ARA Yo creo emoción, secuencias prácticas. Busco hacer un trabajo sensible para que el público llegue al recuerdo o la ironía. Por ejemplo, en mi familia, se decía de Petrona que hacía platos imaginarios... El trabajo de un artista es crear, presentar una imagen. + www.proa.org

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+ mundo creativo

Texto: Fugamanía

los ojos se alimentan Battista propone una mirada del diseño a través de los ojos de distintos diseñadores, quienes vuelcan en esta sección su opinión sobre dos proyectos que consideren de relevancia e inﬂuencia en sus trabajos y visiones profesionales. En esta oportunidad, expone Fugamanía, grupo de diseño formado por Julián Ortiz, Federico Varone y Emilio Britos.

+ Highchair para Droog, por Maartje Steenkamp. Esta silla para chicos invita a los padres a intervenir sobre el producto, “serruchando” sus patas a medida que en niño va creciendo. Crudo y + Ma chambre de Mc Bess. www.mcbess.com

provocativo. www.droog.com

Inspiraciones Fugamanía Droog y Mc Bess Cuando formamos Fugamanía, lo hicimos unidos por la necesidad de escapar de la rutina laboral diaria. La idea era generar un espacio donde permitirnos explorar, compartir, trabajar y depurar aquellas ideas que en nuestro ámbito laboral cotidiano no eran posibles. Lo interesante es que de este acto inicial, casi impulsivo, donde la idea era la “fuga” hacia la expresión sin demasiados ﬁltros, surgió una mecánica colectiva de abordar los problemas, una identidad de grupo que responde a las diferentes situaciones, con una visión alternativa auténtica y poco convencional, con mucha de fantasía, crítica y, sobre todo, humor.

humor, seco y combativo, dan como resultado piezas de diseño, muchas veces, no apta para conservadores. Droog es un claro referente para nuestro grupo; es un caso paradigmático en donde el mensaje o concepto prevalece por sobre el resto de las variables, y da la razón de ser al diseño, obligando al usuario a correrse del lugar común.

De esa forma alternativa concebimos tanto al diseño como a la música, ilustraciones y arte en general. Es nuestra idea entonces aprovechar esta oportunidad y traer al frente -aunque sea, de modo introductorio-, algunos casos donde esa “otra visión” es empleada para ver el mundo y responder con ideas, conceptos y obras refrescantes.

Ahora nos gustaría pasar al campo del arte, más puntualmente a la ilustración: el ilustrador francés Mc Bess (Matthieu Bessudo) se expone a sí mismo en sus obras, mostrándonos sus fantasías, intereses y placeres personales, con un halo nostálgico. Sus composiciones articulan con un lenguaje contemporáneo la música, la tipografía y los personajes de fantasía (con inclusiones del propio Mc Bess en forma de personaje), con fuertes reminiscencias a los clásicos dibujos animados en blanco y negro de los años treinta y cuarenta. Lo que nos inspira en este caso, es su capacidad de explorar y exponer su personalidad en su obra.

En primer lugar, nos volcaremos directamente al campo de diseño de objetos, con Droog, una compañía de diseño conceptual con base en Ámsterdam, Holanda, y que trabaja con la colaboración de más de cien diseñadores. Fundada en 1993 por la historiadora en diseño Renny Ramakers y el diseñador Gijs Bakker, posee un espíritu donde la simplicidad de sus conceptos y su particular

Estos dos casos nos permiten alimentar nuestros ojos y mente con propuestas descontracturantes, de mensaje decidido y personal y, desde allí, nos desafían a participar del acto creativo y conectarnos con nuestra propia expresión. Algo que, desde el comienzo, es el norte de Fugamanía. + www.fugamania.com.ar

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fragancias

Calvin Klein Beuty Un frasco de curvas femeninas y suaves con un anillo plateado metálico que lo rodea, encierra una fragancia con semillas de ambrette como notas de salida, el jazmín en su corazón y la madera de cedro como fondo. El resultado es un aroma fresco, femenino, con un aura magnética. www.calvinklein.com

el primer soplo. Un toque de neroli le da paso al azahar, realzado por el jazmín sambac y la gardenia; ﬁnalmente, toques de pachulí y miel con una estela ambarina de matices envolventes. Creado por el diseñador Noé Duchaufour- Lawrance, el frasco-diamante de líneas puras se posa sobre cualquiera de sus facetas. www.pacorabanne.com

Salvatore Ferragamo Attimo

Coco Mademoiselle

Jean-Pierre Béthouart y Annick Menardo de Firmenich le dieron vida a esta fragancia floral-verde-amaderada. Pera asiática y quinoto para la apertura, y flor de loto para su corazón, a la que se suman la gardenia, flores de frangipani y acentos de peonía. Una mezcla de amizcle suave, madera de cedro refinada y pachuli dejan un rastro de elegancia hechizante. Su frasco curvo y ligeramente asimétrico es obra de la diseñadora Sylvie de France. www.ferragamo.com

A la fragancia Coco nacida en 1984, de notas balsámicas y afrutadas, Jacques Polge sumó una asombrosa cantidad de pachuli en la década del 90, transformándola en Coco Mademoiselle. Hoy reemplaza este ingrediente con una versión fraccionada, aún más lujosa, a la que añadió vetiver, rosa y jazmín puros. Además, alteró la cantidad de notas balsámicas, redujo la vainilla, aumentó el cítrico y le infundió notas de almizcle blanco. Un aroma fresco y oriental, representado por la actriz británica Keira Knightley, que encarna una musa motorizada enfundada en un catsuit beige, en el reciente comercial ﬁlmado en la Place de la Concorde, París, bajo la dirección de Joe Wright. + www.chanel.com

Paco Rabanne Lady Million Una fragancia ﬂoral, amaderada y fresca, en la que la naranja amarga, aderezada con una pizca de frambuesa, sale a relucir en

Texto: Carolina Prioglio. Foto: Adrien de Bontin

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destinos

Chicago The second city Casi ciento cincuenta fue el número de canciones que se compusieron acerca de la ciudad de Chicago en la última mitad del siglo XX. Algo tendrá la capital cultural y económica del Midwest estadounidense, que la vuelve tan atractiva ante los músicos y el mundo. Chicago, también conocida como “The Second city”, “The Windy city”, o “Chi-town”, el mote elegido por la mayoría de sus residentes y turistas -que ascienden a 30 millones por año-, está ubicada a orillas del Lago Michigan, dentro del condado de Cook, en el noreste de Illinois. Para visitarla, lo ideal es elegir el verano, porque durante el crudo invierno las temperaturas se mantienen algunos grados bajo cero. Y a diferencia de lo que las fotos y postales usualmente sugieren, una urbe fría, llena de luces y ediﬁcios, Chicago sorprende con el abundante verde de sus parques, la gente haciendo picnics, sus playas y los 160 kilómetros de bicisenda. Aunque también hay mucha gente que se mueve en auto -mucha más de la que maneja en New York- y, para los que no poseen uno, los medios de transporte transitan la ciudad por entero. Si bien hay buses y trenes que llegan hasta los suburbios, la mejor manera para recorrer el corazón de Chicago es el “El”, el subte que viaja aéreo entre los rascacielos y el río Chicago, otorgando algunas de las vistas más lindas de Chi-town. Y sólo cuesta 2,25 dólares. Como todas las ciudades, Chicago tiene sus clásicos turísticos y ciertas zonas que no se puede dejar de conocer, pero también algunas otras la renuevan con aires de novedad y también merecen una visita. Con el nombre de “The Loop” se conoce al centro ﬁnanciero, político y comercial de Chicago. Allí, la Willis Tower -más famosa como la Sears Tower inaugurada en los 70-, constituye el símbolo perfecto para uno de los centros de negocios más importante del mundo -es una de las cinco potencias económicas internacionales.

También alberga el famoso Chicago Theatre sobre State Street; el Millenium Park, un impresionante parque donde siempre hay algo interesante para ver, ya sean recitales o muestras de arte, y museos como el Art Institute of Chicago, donde la entrada es libre los jueves a la tarde. Otros museos que valen una visita son el Museum of Contemporary Art, el Museum of Science and Industry y el Shedd Aquarium, uno de los más impresionantes del mundo. Otra de las zonas más visitadas es The Magniﬁcent Mile, ubicada al norte de la avenida Michigan. Sobre todo, cuando la idea es ir de compras: allí se encuentran las tiendas de marcas y diseñadores internacionales como YSL, Givenchy, Prada y Chanel; tiendas departamentales como Macy’s, Sacks y Neiman Marcus; lujosos restaurants y hoteles, que se ubican uno al lado del otro. Aunque también alberga otras ediﬁcaciones históricas como el Wrigley Building –sí, la sede de la compañía de los chicles en tira-, el Tribune Tower, y el Old Water Tower. Muy cerca está el área de Golden Coast, donde se hallan algunas de las residencias más importantes de toda Chicago. En el extremo opuesto de la ciudad, se encuentra otra zona muy popular: es el Southside, donde está situada la Universidad de Chicago y donde tiene raíces mucha de la música hip hop del país. Desde hace varios años, el barrio hipster Wicker Park, en el West Town al noroeste de Chicago, recibe peregrinaciones de jóvenes ávidos de moda vintage y vanguardista, nuevos sonidos musicales y mucha vida nocturna. De igual manera, la zona bautizada con el nombre de West Loop reúne las mejores night-clubs y galerías de arte de la ciudad, junto a los estudios donde Oprah Winfrey graba su programa televisivo. + www.cityofchicago.org

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moda

Infinit Details Es la nueva línea de anteojos de receta presentada por Infinit, que fue diseñada para vestir la mirada de hombres y mujeres urbanos que buscan distinguirse por sutiles detalles. El modelo con efecto Vitraux es uno de los protagonistas de la colección, con un marco clásico de acetato italiano y un importante trabajo de diseño en las patillas: piezas de colores translúcidas destacan este armazón y generan un juego visual de contraste con brillos y mates. Disponible en tres combinaciones: colores pasteles, colores fuertes y en la gama de grises, este diseño se convierte en objeto de deseo de aquellos que busquen sumar identidad a su mirada. En sus versiones rojo o violeta, Mandala Style es ideal para mujeres clásicas que quieren diferenciarse con toques delicados, ya que se trata de un marco metálico bien femenino, que con un distintivo diseño en el frente, produce un efecto vitraux que ilumina el marco y deja traslucir el color interior. Además, la línea Vintage se amplía esta temporada, sumando nuevos marcos de receta que rescatan la esencia de armazones antiguos, reeditándose con diseño y color: grandes tamaños de ojo, colores translúcidos –además del infaltable negro- y dibujos aplicados en el interior de las patillas. + www.infinit.la

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moda

Nike Black Pack La elegancia y glamour del color negro se plasmaron en una especial colección de edición limitada de la línea Sportswear de Nike y una campaña teñida de los secretos mejor guardados de algunos de los atletas Nike más destacados: Luciana Aymar, Carla Rebecchi, Juan Martín Hernández, Gonzalo Tiessi y Sergio “Kun” Agüero. Basándose en el concepto “Athletes wear black”, Nike irrumpe la temporada con una serie de productos icónicos como Destroyer, N98, Windrunner, Hoodies AW77,T-shirts y polos en versión negro.También se tiñó de negro la línea de Agustín Pichot, AP9, que propone un gran recorrido

por su historia: amor y odio, rivalidad, pasión, vida y muerte. En cuanto a la campaña, “Black is a secret” es el concepto que inspiró a los atletas que la protagonizaron y a los prestigiosos fotógrafos Rocco Toscani, Patricio Batellini y Santiago Marotto, quienes a través de sus lentes, caracterizaron a cada uno de ellos, plasmando en imágenes situaciones de rock and roll, juego y magia. Gran parte del material producido durante las sesiones de fotos fue compilado en el exclusivo Black Book del que sólo se imprimieron 600 copias. + www.nike.com

Kostüme - Colección # 21 Siguiendo la inspiración geométrica de la marca a lo largo de su historia, la nueva colección del binomio Milessi-Blanco surge de una prenda ícono del mundo de la moda: la parca militar. Utilizando recursos como cordones, capuchas forradas y mega bolsillos, se logra un estilo futurista, sintético y ultraliviano. Como elemento fundamental, el concepto de “Do it yourself” permite al consumidor crear nuevas siluetas y deﬁnir un look ﬁnal personalizado, a través de cierres y mecanismos para abrochar, alargar y acortar las prendas. Esta propuesta invernal incluye tapados con bolsillos grandes y capuchas, sacos de sastrería con detalles combinados y asimétricos, chaquetas cortas y geométricas, parcas impermeables con largos regulables, sacos tejidos con dibujos geométricos largos o cortos con cuellos colgantes combinados o calados, canguros, camisas oversize ultralivianas, faldas en cheviot de sastrería con detalles deportivos, leggins, pantalones amplios con mega bolsillos y angostos con pliegues triangulares, y vestidos largos y cortos con recortes geométricos, en texturas variadas y de la más alta calidad. Toda la colección se presenta en colores negro, dulce de leche, plomo, plata, beige, natural y blanco. + www.kostumeweb.net

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moda

Ojos absurdos Nacida en el departamento de diseño de Interóptica Andina (empresa argentina responsable del diseño, producción y comercialización de anteojos para distintas marcas), Absurda es una nueva propuesta en anteojos de sol y de receta. Los diseñadores Diego Cohen, Consuelo Parga, Daniela Tau, Pablo Grosso, Antonio Asis, Tomás Cabezón, Gabriela Bracco, Martín Acevedo, Matías Stoliar, Ramiro Puebla y Kid Gaucho son los responsables de la totalidad de este proyecto, que excede el diseño propio de los marcos, para abarcar también del nombre de la marca, el packaging, la Web, los exhibidores y hasta la campaña publicitaria.

colores que representan un entretejido de culturas, bien colorido, que creemos es propio de Sudamérica. Usamos Sudamérica al revés como iso, la rosa de los vientos con la S en la parte de arriba, y así fuimos agregando detalles en los productos, gráﬁcas y campañas para representar este concepto”, explica Martín Acevedo, director de arte de Absurda.

La frase de Joaquín Torres García “Nuestro norte es el Sur”, los ayudó a deﬁnir el concepto de Absurda, que se lanzó con gran éxito en diciembre de 2009 en Brasil, y ahora se prepara para conquistar a los argentinos. “En el equipo de diseño hay argentinos, brasileros y chilenos, y la idea era crear una marca que respire un espíritu sudamericano. Y cuando encontramos el texto de Torres García, nos cerró por varias razones, y comenzamos a trabajar a partir de esto en el producto y las gráﬁcas. Usamos tramas de

+ ¿En qué se inspiran a la hora de diseñar para Absurda? ¿Qué materiales utilizan? MA Hoy estamos muy inﬂuenciados por todo lo vintage y retro en general, que nos atrae mucho. Utilizamos los mismos materiales que se emplean en la industria óptica, como acetato, metal y grilamid (inyectado), pero buscando un diferencial con detalles y combinaciones de procesos dentro de la misma fabricación, agregando rebajes en láser, prints especiales o bajo relieves en los moldes. También agregamos detalles en metal o con pinturas especiales, y diseñamos hasta la manera en que se colocan el código y nombre del modelo en el marco. Buscamos crear un producto diferente. + www.absurda.com

Juana de Arco Otoño-Invierno 2011 “Chaco” es la nueva colección de Juana de Arco, inspirada en la esencia de lo humano, lo primitivo, primario, natural y virgen. De allí el nombre de una cultura originaria con pasado y presente indígena habitada por wichis, tovas y guaraníes como lo es la provincia del Chaco, que signiﬁca tierra de cazadores. La colec-

ción consta de diez series que, gracias a su realización artesanal y el cambio constante de las combinaciones de color a lo largo de la temporada, hacen de cada prenda un producto único e irrepetible. + www.juanadearco.net

Texto: Jorgelina Peciña

mundo creativo

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lugares

+ Martello Tower. Fotos: Gentileza UHOTW

Unusual & Unique Hotels Vacaciones distintas alrededor del mundo Unusual & Unique Hotels of the World es una guía online de hoteles, pero no es cualquier guía. Agrupa los hospedajes más inusuales, exóticos y únicos alrededor del planeta. ¿Buscás una atmósfera diferente para pasar tus próximas vacaciones? No dejes de consultar esta Web. Unusual & Unique Hotels of the World (UHOTW) ofrece un abanico de opciones que va desde lo tradicional hasta lo más bizarro. Dividen sus propuestas en tres secciones: New Properties, con todas las nuevas opciones que suman a su porfolio, Top Pick Properties, con destinos y hoteles de alto nivel y, por último, Wow Properties, una lista de espacios que va desde un tren convertido en hotel, hasta un tubo de concreto devenido en habitación single o la réplica del legendario Caballo de Troya como estancia para pasar la noche. Sí, estas son las propuestas más creativas de hospedaje para aquellos que buscan hacer de sus vacaciones algo más que un tiempo de descanso. Dentro de las propuestas más clásicas, UHOTW propone en Italia exquisitas estadías. Por ejemplo, en la Torre Prendiparte, una histórica construcción de novecientos años, ubicada en el caso histórico de Bologna. También, la Masseria Cervarolo, que data del siglo XVI, en Ostuni, y el ecléctico Abali Gran Sultanato, una inspiración de Las Mil y una noches, pero en Palermo. En el Reino Unido, la novedosa guía propone seis nuevos hoteles

miembro, que van desde fortiﬁcaciones, torres de defensa napoleónicas, casas de campo y una mansión de inspiraciones egipcias, hasta una antigua prisión: The Music Room, The Egyptian House, Martello Tower, Luttrell’s Tower, The Pineapple y The House of Correction. Otra de las novedades para 2011 se ubica en Bélgica, el Europa Space Center, cuyo atractivo está en la increíble posibilidad de experimentar un entrenamiento para astronautas. En el mismo país, especíﬁcamente en Bruselas, el ícono arquitectónico The Atonium, construido para la Exposición Universal de 1958, se convirtió en un proyecto educacional, que incluye alojamiento para chicos en sus cápsulas. Asimismo, la guía ofrece una sección denominada Experience, desde la cual el usuario puede elegir si desea unas vacaciones artísticas, con deportes acuáticos o con actividades para chicos, entre otras opciones. Por último, UHOTW abarca propuestas en los cinco continentes y brinda una lista de precios estimados según el destino elegido. + www.uhotw.com

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Baila Se trata del nuevo espectáculo de El Choque Urbano, compañía que fusiona música y acción, generando espectáculos de gran despliegue, impacto y belleza. Investigando la sonoridad de los objetos, sus músicos ejecutan pulso, materia y emoción, creando una gran ﬁesta de los sentidos. Baila resulta una síntesis del devenir de la búsqueda sonora, estética y performática de este grupo de artistas comprometidos con las expresiones urbanas. La suma de sus años de trabajo y experiencia se manifestará a través de esta rotunda obra de arte vivencial. Todo lo

reproducido sonoramente sucede en vivo, de una forma única e irrepetible. El Choque Urbano recicla objetos y los embellece a través de la música, crea ambientes fantásticos en cada una de sus presentaciones, combina de una manera original la música con el teatro y la danza, y se vale del propio cuerpo para crear y recrear sonidos. +

Jueves a domingos desde el 28 de abril Ciudad Cultural Konex – Sarmiento 3131, CABA www.elchoqueurbano.com

TEDxJoven @ Río de la Plata Con licencia de TED, TEDxJoven@RíodelaPlata desembarca por primera vez en Buenos Aires, para revolucionar las ideas de jóvenes entre 16 y 21 años. Con la conducción de Matías Martin, se podrán escuchar las ideas más interesantes de: Adrián Paenza (El placer de tener un problema no resuelto en la cabeza), Juan Pablo Varsky (Último momento: el periodismo tiene otras primicias), Luciana Aymar (La mejor jugadora de hockey del mundo), Santiago Siri (Internet puede hacer que tu idea cambie el mundo), Willy Pregliasco (Física forense), Sidarta Ribeiro (Neurociencia), Gastón Giribet (El espacio-tiempo y los agujeros negros), Galo Soler-Illia (Nanotecnología) y Claudia Piñeiro (Escritora), entre

otros. Además, habrá música en vivo, arte y tecnología. El evento es gratuito, pero hay que registrarse antes del 31 de marzo (hay sólo 1.000 lugares disponible). Luego de esa fecha, se sorteará la mitad de los lugares disponibles, y cada uno de los ganadores tendrá derecho a invitar a un amigo. +

Sábado 7 de mayo, de 14 a 22 hs. Ciudad Cultural Konex - Sarmiento 3131, CABA www.tedxriodelaplata.org

Texto: Germán Andrés

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música como un EP de 4 temas, pero que en total alcanza una duración de 28 minutos, y reﬂeja todo el sonido mixturado, moderno y sutil de Lulacruza. En la propuesta del grupo, se dan desde siempre (tienen con éste 3 discos publicados en Colombia, Argentina, Japón y Estados Unidos) un sinfín de cruces y hallazgos, donde conviven lo ancestral y lo digital en igual importancia, como lo universal y lo local. Aquí, la musicalidad en “tempo medio” es de impronta contemplativa, por momentos naturalista o silvestre, con carácter intimista, pero con un beat atrapante. Sin estructuras formales, manejan con precisión los elementos más inquietantes del lenguaje de la música electrónica, corriendo los límites desde la canción. La encantadora voz de Alejandra Ortiz se abre cósmicamente anclada en la tierra; en algunos casos, esa voz cantante es utilizada apenas como una capa más. La instrumentación suma charango, cuatro, percusiones, ﬂautas, theremin, coros, más todo el trabajo de programaciones y sintetizadores que, con buen gusto y calidad en el audio, desarrolla el productor Luis Maurette. No hay que obviar las texturas ni las variaciones en el ritmo, el juego melódico y armónico, en los que toman riesgos desde la libertad creativa.

Lulacruza: Circular tejido Una original entrega sonora para todos los “open mind”. El dúo argento-colombiano de música electrónica artesanal, acaba de publicar un nuevo trabajo y, otra vez, en simultáneo en algunos países del mundo: ahora en Argentina por el sello Acqua, y en Japón editado por el exquisito netlabel Panai. Circular tejido es el nombre de lo que -según se dijo-, podría ser la primera entrega de una trilogía. Ya se consigue en formato CD

Por esto y otras cualidades, es muy difícil clasiﬁcarlos en un género o etiqueta de referencia; los han tildado de experimentales, world music, folklore urbano, down tempo, etc. Pero en deﬁnitiva, es música actual, independiente en todo sentido, muy bien hecha, y con el condimento especial de la tradición latinoamericana. La tapa del disco es obra de la artista Paula Duró. Disfrutemos entonces, sin prejuicios, de Circular tejido, una hermoso EP conceptual, completo y profundo, como todo buen círculo. + www.lulacruza.com

Radios online Muchas personas no saben todavía dónde o cómo encontrar músicas distintas u otras voces en el volátil contexto musical mundial. Tras varios estudios, parece que ya no es necesario descargarse la música y tenerla guardada en la máquina, sino que está en “la nube” (en la red) y, desde allí, se reproduce para todos, a través de diferentes plataformas o medios. A continuación, dejamos algunas pistas y comentarios de canales locales e internacionales, como para que prueben según su criterio. Los casos emblemáticos a nivel mundial son Grooveshark y Spotify. Sin bien hay otras “librerías” musicales online, éstas son las más usadas para buscar y oír a gusto. La primera (www.grooveshark. com), es un sitio que también funciona como red P2P, lo que le da mayor disponibilidad de artistas. Es muy práctica, y no es necesario crear una cuenta para disfrutar. El caso de Spotify viene en baja, ya que sólo funciona en ocho países (no en Argentina), y se trata de un soft que hay que bajarse, o se limita su disponibilidad a un breve tiempo. Una tercera opción puede ser Last FM (www.lastfm.es), que es una Web abierta, colaborativa para los usuarios, y trabajan con una aplicación que envía información a la red para hacer intercambio de

datos (audio). Y como compañía idea, adaptable a cada momento y estado de ánimo, aparece StereoMood.com, con mucha onda. Las alternativas argentinas más interesantes son radios que ofrecen su propio contenido y elección musical a escuchar. Radiolabel.com.ar es nuevita, y con una fuerte impronta de rock indie internacional. Modularmusica.com es una propuesta integral, más bien de electropop y sonidos emergentes, a cargo de la DJ especializada SRZ. La Oreja Negra (www.orejanegra.com.ar) se focaliza en la canción de autor rioplatense, con énfasis en la nueva camada local de cantautores folk. Por su parte, la escuela de radio más conocida de argentina (RadioEter.com.ar), tiene desde hace varios años su propio medio Web, en el cual muestran las diferentes formas de hacer “la radio”, con programación amplia, muy bien acompañada de música emergente argentina de todos los géneros, curada por el Club del Disco. Otra que lleva un tiempo online es Unaradio.com.ar, que está abierta a quienes deseen hacer un programa desde su propia casa, únicamente si se trata de arte bien independiente. Todas estas propuestas están en Internet para ser descubiertas, y con ellas, un nuevo mundo de música que nadie posee y es de todos. +

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Foto: Maia Croizet

branding y diseño Una manera de conocer qué piensan sobre el diseño y los diseñadores los responsables de marketing de empresas exitosas, quienes deciden y compran diseño buscando sumar valor a sus marcas y productos. La mirada del otro lado del mostrador.

Maximiliano Chomnalez (Smart) por Diego Giaccone (*) Maximiliano es licenciado en Comercio Internacional UADE, MBA en el IAE y cuenta con un posgrado en marketing en la misma institución. Hace seis años que trabaja en Daimler/Mercedes-Benz Argentina, primero asesorando estratégicamente a Presidencia, y desde hace cuatro años, como Sales & Marketing Manager Smart. Durante los cinco años anteriores a entrar en Mercedes-Benz, viajó por todo el mundo desarrollando mercados y trabajando en negocios internacionales. Tal vez esa experiencia fue la que lo llevó a ser un apasionado por las diferentes culturas y su gente. “Es bueno hablarle a la gente en su idioma”, comenta, como justiﬁcando su capacidad para poder comunicarse en inglés, alemán o portugués.

La idea de estos encuentros es desmitificar el hecho de que los gerentes sólo piensan en las ventas y no le prestan atención al diseño y a la estética. Y que sólo nosotros, los diseñadores, sabemos de creatividad. Imposible pensar en eso cuando se está frente al gerente de marketing de una marca como Smart, que es uno de los cinco autos que el MoMA de New York adoptó en 1998 para su colección permanente. Desde el punto de vista del concepto y el diseño, la empresa fue una adelantada. Treinta años antes del lanzamiento del auto, pensaron en el mundo de hoy, en las urbes y sus problemas de estacionamiento (que pueden reducirse un 50%), en el consumo de energía y la conciencia ambiental. “Es la única marca de autos que se puede iconizar y es reconocible por sí misma sin poner el nombre. El diseño del auto no genera ostentación y despierta una sonrisa en todos los segmentos”, dice Chomnalez. Pero el concepto no se quedó sólo en la parte estética y lo innovador del diseño. Diseño con confort y seguridad en 2,5 metros de longitud. La empresa debía convencer a todos de que un auto chico también podía ser confortable. Es por eso que no se lanzó hasta lograr cumplir con los estándares de seguridad que pretendía la empresa. Maximiliano sostiene que “Smart es el vínculo entre la persona y la ciudad, una nueva forma de vivirla (city car). Es individualista, para personas sin límites y no convencionales. Cuenta con una fuerte carga emocional, actitudinal. Se compra por lo que el auto habla, por lo que representa”. El concepto y diseño original fueron gestados en ámbitos no convencionales. En los años 90 se formó un equipo de diseño en el sur de California, lejos de la casa matriz. Se reclutaron profesionales del diseño, estudiantes y artistas, que se reunían a trabajar en la playa o en los bakery. Estudiaban la interacción de la gente con sus autos, siempre desde una ruta no convencional. Finalmente, se presentó en Europa en 1998, con una gran fiesta de lanzamiento, con un auto verde, gente en skate y rollers. Smart significa “S” (Swatch), “M” (Mercedes) y “Art”, por el concepto innovador. Es el fruto de un acuerdo inicial entre ambas compañías, que las llevó a conformar una nueva empresa bajo la firme premisa: “Una nueva forma de vivir la ciudad”. A la hora de contratar a una agencia, Maximiliano sostiene que prefiere trabajar con agencias chicas, no tradicionales, que presenten ideas distintas. Pero lo importante es que primero se sumerjan en el “mundo Smart”, respiren la marca y después presenten ideas. Lo principal es siempre vincular el diseño a la marca. + www.smart.com.ar

MUNDO CHOMNALEZ Un teléfono. IPhone Una barrio. Belgrano Una ciudad para vivir. Miami Un lugar de vacaciones. Montaña y lagos Un deporte. Fútbol Un país. Canadá Una película. En busca de la felicidad, de Gabriele Muccino Un diseño de tu empresa. Smart cabrio

(*) Diego Giaccone es diseñador gráﬁco, director de SURe Brandesign. www.surebrandesign.com

mundo creativo

Fotos: Basilio Silva

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eventos

90+10 homenajeó al Diseño de Autor en BAF. En el espacio VIP de Paseo Alcorta en BAFWeek, 90+10 realizó un evento que homenajeó al Diseño de Autor a través de un video que documentó la evolución del trabajo de diez diseñadores locales. Cecilia Gadea, Juana de Arco, Kostüme, Mariano Toledo, Nadine Zlotogora, Pablo Ramírez, Tramando, Unmo, Valeria Pesqueira y Vero Ivaldi fueron los diseñadores convocados para esta acción que mostró en imágenes 1. Marcelo Ortega deuno Unmo Verodesde Ivaldi las 3. Cecilia Gadea 4. Nadinehasta Zlotogora 5. Mariano la identidad de cada de 2. ellos, primeras colecciones la actualidad. + Toledo 7. Federico Platener y Fernanda Cohen 7. Camila Milessi y Emiliano Blanco de Kostüme. www.90mas10.com.ar | www.bafweek.com

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eventos

BAFWeek Otoño-Invierno 2011 1 a 5. Florencia Salvioni desfiló para A.Y. Not Dead, abriendo la semana de la moda en el estacionamiento de Paseo Alcorta. Mica Tinelli en el desfile de Uma. Wally Diamante y Cecilia Roth disfrutaron del desfile de Rapsodia, donde desfiló Romina Lanaro. Ricardo Darín y Florencia Bas conocieron la nueva línea de Candy en el BAF. Leticia Brédice y Jessica Trosman en el back del desfile de Trosman, que cerró el BAFWeek +

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6. María Cher, Dolores Fonzi y Ernestina Pais en la presentación de la nueva colección de María Cher en Patio Bullrich 7 y 8 . Juliana Awada y Geraldine y Jorge Otamendi en la Copa Rolex de Villa La Angostura 9. Dolores Smith y Facundo Garayalde en la Fiesta de Chandon en Villa La Angostura 10. Mary Frietes junto a la diseñadora Lupe Villar, en la presentación de Samsung Lifestyle by Lupe, una edición limitada de mini-bags exclusivos para los smartphones de Samsung +

mundo creativo

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eventos Swatch en BAFWeek Con un exclusivo espacio en el evento de moda de referencia en Buenos Aires, la marca de relojería suiza presentó sus más recientes colecciones: New Gent y Lady Collection. Además, sorprendió durante los cuatro días con microdesﬁles, donde modelos llenos de color y con una estética moderna, llamaron la atención de los presentes. Conocieron y lucieron los relojes de Swatch las modelos Luli Fernández, Chechu Bonelli e Ivana Sacanni, como así también el chef Donato de Santis descubrió los nuevos modelos masculinos. New Gent está compuesta por diez modelos en colores discretos,

inspirados en los legendarios Swatch Gent, pero con una caja más grande y colorida de plástico, con una esfera grande y codiﬁcada con colores, una ventanilla de día/fecha en la posición de tres horas y correas robustas de silicona mate, con colores monocromáticos complementarios. Fueron diseñados tanto para hombres como para mujeres activos, que ponen la mira en las nuevas tendencias en accesorios y arte para la muñeca. Por su parte, la Lady Collection también es una colorida y creativa creación en diez colores para elegir y su novedad radica en su larga correa de silicona para dar dos vueltas en la muñeca, estilo brazalete. + www.swgroup.com.ar

+ Chechu Bonelli

+ Donato de Santis

+ Luli Fernández

+ Ivana Saccani

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+ mundo creativo

eventos

1 y 2. Clemente Cancela y Anita Pauls junto al diseñador Alejandro Ross y Juana Molina fueron algunos de los invitados al show exclusivo de LCD Soundsystem en Buenos Aires, presentado por Converse. www.converseargentina.com.ar 3 y 4. En la ciudad de Carmelo, Uruguay, se desarrolló el Inﬁnit International Film Festival, que exhibió y premió cortos de nivel internacional. Mechi Oviedo y Ricardo Darín (jurado del concurso) apoyaron la iniciativa. www.inﬁnit.la

+ Cerveza Corona en el ATP Patrocinador Oﬁcial de la ATP World Tour, Corona estuvo presente en el ATP de Buenos Aires, Copa Claro 2011, que se jugó en el Buenos Aires Lawn Tenis Club y tuvo como campeón al español Nicolás Almagro. En un espacio que simulaba un bar playero para desconectarse y tomar sol, y en el exclusivo palco de la marca, Lola Scotta (Brand Manager de Corona) recibió a Paola Suárez, Mercedes Paz, Gabriela Sabatini, Merchi Margalot e Ignacio Chela. www.corona.com

1. Leandro Fresco y Oscar Fernández (Roho) en la fiesta post desfile Puma en Río Café 2. El músico Capri y amiga en el desfile de Puma en BAFWeek. www.puma.com 3 y 4. Agustina Córdoba y Mónica Antonópulos pasaron por la tienda Infinit de Palermo para conocer la nueva colección de anteojos. www.infinit.la

mundo creativo

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agenda PANORÁMICA 2011 Artes audiovisuales ejecutadas en tiempo real Espacio Fundación Telefónica Arenales 1540, CABA

Concurso de diseño con el objetivo de integrar los ejes fútbol, educación y salud, promoviendo la construcción de un centro social para la Liga FOS (Fútbol para la Oportunidad Social). Destinado a arquitectos y diseñadores que vivan o estén asociados con un diseñador local, de alguno de los países en la Copa América 2011. Organizado por Architecture for Humanity, Fu.De y Nike

www.panoramica.cc

openarchitecturenetwork.org/competitions/copa_arquitectura

12 al 17/04

FERIA PURODISEÑO 2011

I SALONI 2011 50 Aniversario del Salón Internacional del Mueble, Euroluce (Salón Internacional de la Iluminación), SaloneUfﬁcio (Bienal Internacional del Ambiente de Trabajo), Salón Internacional del Artículo Complementario para la Decoración y SaloneSatellite Fiera Milano, Rho, Italia

Feria PuroDiseño presenta su onceava edición y convoca a diseñadores argentinos y de otros países a participar del 19 al 25 de mayo de 2011, en el Pabellón Amarillo de La Rural

MUESTRAS/EXPOSICIONES/FERIAS

10 al 12/03

Hasta 04 Convocatoria

info@feriapurodiseno.com.ar www.feriapurodiseno.com.ar

www.cosmit.it Hasta 27/05 19 al 23/05 ARTEBA 2011 Edición 20 de la feria de arte contemporáneo La Rural, Sarmiento 2704, CABA

www.arteba.org

LA BIBLIOTECA LATINA 4º concurso de diseño de mobiliario Manifesto – UP para estudiantes. Se deberá diseñar una biblioteca de tipología libre para uso cotidiano hogareño. Se sugiere la incorporación de acrílico como material

concurso.manifesto.up@gmail.com 19 al 25/05 FERIA PURODISEÑO 2011 Onceava edición de la feria que promueve las últimas tendencias en diseño. El eje conceptual de la feria será “colores” La Rural, Pabellón Amarillo, Sarmiento 2704, CABA

www.feriapurodiseno.com.ar

Hasta 27/05 ILUSTRACIÓN LATINA Profesionales y estudiantes de diseño deberán presentar su mejor ilustración del año 2010. Premio en efectivo y la posibilidad de ilustrar una publicación de Pequeño Editor

premio.ilustracion@gmail.com CONGRESOS/ENCUENTROS/SEMINARIOS

Hasta 27/05 11 y 12/04 REALITY DESIGN Conferencias de diseñadores gráﬁcos que trabajan para las empresas más exitosas del mercado Centro Cultural Borges Tucumán esq. San Martín, CABA

SUEÑOS LATINOS 5º concurso de aﬁches. Se espera que los autores reﬂejen una búsqueda expresiva y experimental sobre las perspectivas, las ambiciones y los deseos de los latinoamericanos desde un punto de vista personal

concurso.aﬁches@gmail.com

info@surebrandesign.com CONCURSO INNOVAR 2011

9 al 13/05

Hasta 31/05 Inscripción online

ICOGRADA DESIGN WEEK IN VILNUS 2011, LITUANIA Una oportunidad para que diseñadores, empresarios y miembros del gobierno de reunirse, discutir y explorar el diseño como una base para el desarrollo

7º edición del Concurso Nacional de Innovaciones, una plataforma de lanzamiento de productos y/o procesos que se destacan por su diseño, tecnología u originalidad

www.icograda.org/events

www.innovar.gob.ar

26 al 29/07

2011 ADOBE DESIGN ACHIEVEMENT AWARDS

ENCUENTRO LATINOAMERICANO DE DISEÑO Más de 350 actividades de capacitación gratuita (talleres, laboratorios, conferencias, mesas redondas), dictadas por destacados profesionales del diseño y la comunicación de toda América Latina

Hasta 24/06 Recepción de propuestas

www. ﬁdo.palermo.edu/servicios_dyc/encuentro2010 CONCURSOS/CONVOCATORIAS COPA ARQUITECTURA

Hasta 21/03 Inscripción y presentación de propuestas

Se podrán enviar hasta dos propuestas por persona o grupo, en las categorías: soportes multimedia interactivos, análisis Web y de dispositivos móviles, animación y video y soportes tradicionales (ilustración, packaging, fotografía, comunicaciones impresas). Los tres ﬁnalistas de cada categoría se anunciarán y se les otorgarán los premios en la ceremonia de premios que se celebrará en Taipei, China, en octubre de 2011

www.adaa.adobe.com

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+ Grupo 134

+ Hermanos Estebecorena

Especial Moda

BAFWEEK OTONO-INVIERNO 2011 Diez años para celebrar Del 21 al 25 de febrero, la semana de la moda argentina vivió una interesante y completa edición. Es que la ocasión lo ameritaba: BAFWeek cumplió diez años de Diseño de Autor, y lo festejó sobre la pasarela, presentando las nuevas colecciones de otoño-invierno 2011. | Texto: Carolina Prioglio. Fotos: Basilio Silvia Fueron cinco días en los que hubo de todo: aplaudidos regresos y esperados lanzamientos, once diseñadores de autor y doce marcas conviviendo en dos pasarelas, charlas, seminarios y concursos, y una asistencia casi perfecta, que se observó desde el desﬁle inaugural hasta el de cierre. Todo lo necesario para demostrar que a sus diez años, el diseño más representativo del país en materia de moda, goza de muy buena salud y planea diversiﬁcarse, expandirse y renovarse. A continuación, un resumen de lo más destacado. www.bafweek.com

especial

+ 057 moda

+ A.Y. Not Dead

A.Y. Not Dead Inaugural En las últimas temporadas, A.Y. Not Dead no se conforma con presentar sus colecciones en una pasarela tradicional, sino que busca plataformas alternativas y espaciosas para mostrarlas. Es que la marca tiene sus propios fans y son numerosos. Por eso, a la hora de exponer “The Beaux Arts”, su nueva creación para el invierno 2011, eligió la amplitud del estacionamiento del shopping Paseo Alcorta. Allí inauguraron la grilla de BAFWeek, frente a una primera fila de figuras como Moria Casán, Charly García, Humberto Tortonese, Nicolás Pauls, Emanuel Horvilleur, Leonora Balcarce y el artista plástico Diego Alexandre, que desfiló ropa de la colección. Y cuando marcaron las 21 horas, desde el interior del centro comercial salieron los modelos a desfilar por el pasillo B33, al compás de un tema inédito del nuevo disco de los Babasónicos. Mostraron atuendos con una influencia entre arty y college, en una paleta de negros y marrones, con detalles en rojo, verde, mostaza, naranja y azul: muchas faldas plisadas y blusas con cuello, vestidos a rayas tanto maxi como mini; otros en texturas sofisticadas como el terciopelo, o con estampas de lunares hechos con stencil, motivos a lo Jackson Pollock o collage como el de la artista Valentina Liernur.

+ A.Y. Not Dead

Todo estilizado con una estética que fue y vino entre los 70, los 90 y el 2011. www.aynotdead.com.ar PABLO RAMÍREZ Rojo y negro Diez versiones modernas de Caperucita Roja es lo que preparó Pablo Ramírez para su vuelta a BAFWeek. Fue un pequeño desﬁle para presentar la colaboración que el diseñador realizó con SanCor Sublime, una nueva línea de postres. El diseñador versionó a la heroína del cuento infantil con el binomio negro y colorado, en prendas elegantes y femeninas: pantalones sastreros, bermudas y faldas rectas a la rodilla, donde predominó el cuero. Se combinaron con capas y chalecos que un grupo de modelos, entre las que se encontraban Liz Solari y Mónica Antonópulos, mostró con toda inocencia. www.pabloramirez.com.ar

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+ Tramando

VARANASI Eterno retorno Uno de los momentos más esperados de la semana de la moda de Buenos Aires lo ofreció la vuelta de Varanasi. Pasaron varios años desde la última vez que Mario Buraglio y Víctor Delgrosso se presentaron en una pasarela. Y en este esperado regreso, le recordaron al público la tradición en el diseño argentino que aún ostentan. Con el cine italiano como portavoz de la estética de la colección, y un grupo de modelos que salió a escena con los pelos de punta (así fue el peinado que complementó la propuesta de indumentaria), se disfrutaron vestidos transparentes con dibujos e inscripciones en italiano, y otros con estampas geométricas, blusas y polleras completamente caladas con láser, y abrigos de corte desestructurado. www.varanasi-online.com HERMANOS ESTEBECORENA Confort de autor Si se trata de firmas de autor argentinas para hombres, Hermanos Estebecorena es el primer nombre que aparece en la lista. Con los años, se convirtieron en un clásico para aquellos que valoran la funcionalidad, el confort y los buenos detalles en lo que visten. Y también por sus desfiles, a los que siempre les dan una vuelta de tuerca interesante. Para presentar la nueva colección, HE eligió ubicar en el medio de la pasarela una pantalla circular blanca que reflejaba el logo de la marca y la silueta de los modelos a medida que iban saliendo a escena. Además, mejoraba el trabajo de los fotógrafos, al poderse capturar retratos tipo lookbook de cada conjunto. Se vieron atuendos que surgen de dos inspiraciones muy marcadas.

A partir de la estética militar -que copa la temporada-, sweaters y chaquetas cazadoras con los típicos bolsillos army, pantalones de silueta breech y cargo, más remeras y camisas en el verde característico. Y según el estilo tanguero, se interpretaron atuendos de pantalón, camisas abotonadas hasta el final y chalecos sastreros. En general, se notó una armonía en la paleta: abundan los verdes, marrones, grises, azules y negros. Además, nuevos diseños de los zapatos que respetan la forma del pie. www.hermanosestebecorena.com TRAMANDO Retro Martín Churba también estuvo presente en BAFWeek. Con una puesta en escena llena de ritmo y movimiento, presentó “Retrotramando”, una colección de invierno que revisa y reversiona la indumentaria más característica del siglo XX. Una mirada muy particular que descube nuevos usos y estilos sobre los clásicos de la moda. En pasarela, las modelos mostraron prendas de sastrería con un tratamiento especial sobre las texturas, al igual que prendas más informales como buzos, calzas, vestidos, camperas con los engomados metalizados característicos, y chalecos, estolas y polainas en piel sintética customizada por el diseñador. Estuvieron acompañadas en escena por Romina DÁngelo, una bailarina de tap, y un DJ que musicalizaba desde su box y una camarógrafa que registraba todo lo que acontecía para que el público lo disfrutara en vivo y en pantalla. www.tramando.com GRUPO 134 Hombres reales En un desfile, cuando el mensaje de una marca es claro y contundente, no se necesitan demasiados gestos y detalles que acompañen más allá de los que lleva la propia colección. Con esta frase, se puede resumir el show que dio Grupo 134, a cargo de Romina Cardillo y Diana Muia, el miércoles 23 en el marco de BAFWeek. Despojado

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+ María Vázquez

de elementos en pasarela -excepto por una maraña de luces en el piso y una proyección en la que aparecía Eduardo de la Puente, protagonista de la nueva campaña-, salieron los modelos a la pasarela, mostrando la funcionalidad y la tecnología que caracteriza a las prendas por fuera de la tendencia, muy fácilmente traducibles a la vestimenta de todos los días, y en materiales orgánicos y tonalidades de negro, blanco, gris y marrón. Estuvieron acompañados por un grupo de hombres “reales”, a los que apunta la firma, que quedó seleccionado mediante una convocatoria vía Facebook. www.grupo134.com GARZA LOBOS Algo nuevo bajo el sol Escuchar que una firma de autor abre sus puertas siempre es una buena noticia. Sobre todo porque se trata de una noticia que no suele darse a conocer muy frecuentemente. Debió ser por eso que cuando apareció el nombre Garza Lobos, la nueva firma de diseño a cargo de Rubén Troilo y Constanza von Niederhausern, en la grilla de BAFWeek, la mayoría sonrió con gusto y ansiedad por la novedad. También era de esperarse que su desfile tuviera la convocatoria que tuvo. A sala llena y con una primera fila que se duplicó gracias a una disposición estratégica de los asientos, lo que además facilitó la visión de las prendas desde todos los ángulos –algo que se agradeció, al tratarse de una primera colección. Pero la originalidad no terminó ahí: como la música es primordial para cualquier show, los creativos de la marca convocaron a The Misshapes, los DJ de onda en las semanas de la moda internacionales. Así fue que la presentación tuvo los ingredientes necesarios para hacer sentir que se estaba en alguna de las capitales de la moda.

En cuanto a lo más importante, la colección terminó por confirmar todo lo anterior y también la trayectoria de Troilo y von Niederhausern dentro de la moda local -él fue parte de Trosman hasta el año pasado, y ella se dedicaba a la exportación de lana de camélidos. Un rato después de la hora pautada, las modelos salieron a la pasarela para mostrar una selección de prendas (vestidos cortos de formas envolventes y blusas de seda, pantalones carrot y chaquetas desestructuradas) en las que el hilo conductor lo aportaron los materiales y texturas: en su mayoría camélido sudamericano -guanaco, llama y alpaca-, seda, gasa, algodón y shantung. Y también las estampas, en las que predomina el efecto marmolado, una técnica japonesa que se hace con una sustancia extraída de un hongo irlandés. Tienen su atelier sobre Av. de Mayo 1410, pero en poco tiempo prometen dar el salto comercial que la marca merece. Buena suerte. www.garzalobos.com CORA GROPPO Paquidérmica Cada colección de Cora Groppo es una búsqueda textil introspectiva. La diseñadora parte de una inspiración y realiza un estudio sobre el tema -en este caso, fueron los elefantes y la textura de su piel- para encontrar los recursos y definir los detalles que luego aplicará a sus prendas. Groppo bautizó al resultado de este ejercicio con el nombre de “Paquidérmica,” y lo presentó la jornada del jueves en BAFWeek. Sobre una pasarela despojada, se vio una colección compuesta por camperas de cuero rústico y cierres diagonales, vestidos en géneros contrastantes, faldas con pliegues en los bolsillos para generar volúmenes, pantalones slim fit con frunces, sweaters con dobleces y roturas y abrigos con cuellos XL. www.coragroppo.com MARÍA VÁZQUEZ Pisar fuerte Un buen retorno para María Vázquez en BAFWeek. La marca estuvo presente con una sólida colección que denominó “Urban Chic”,

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+ Trosman

y los atuendos que se vieron en pasarela tuvieron mucho de ambos conceptos. Por entremedio de una instalación que simulaba postes de luz callejeros, las modelos desfilaron todo tipo de prendas para abrigarse durante el frío sin perder la personalidad, y fácilmente traducibles al vestir cotidiano: pantalones slim fit se combinaron con cardigans y sweaters de tejido grueso y tapados de telas italianas oversize, posibilitando un juego de volúmenes. Pero también a la inversa: faldas largas con motivos floreados formaron equipos con remeras intervenidas con láser, y apliques y camperas con cuero o corderito que marcaban la figura. Dentro de la línea de vestidos, abundaron los diseños en satén, encaje, organza y seda. MVZ pronosticó una paleta en la que el color camel lleva la delantera, seguido por tonos naranjas y azules, con destellos rojos y dorados. Atentas en la primera fila, se encontraban Ingrid Grudke y Valeria Bertuccelli, protagonista de la nueva campaña gráfica. www.mvzmariavazquez.com.ar

TROSMAN No wonder whay No es extraño cuando se trata de Jessica Trosman, que el cierre a su cargo de la semana de la moda argentina haya sido sorprendente. Un desfile a sala llena, digno de haber sido presenciado por la prensa internacional especializada. Tras un interesante y prolífico camino recorrido en la moda, tanto nacional como internacional, la diseñadora presentó una de sus colecciones más integradas, donde la esencia experimental de su marca se fusionó perfectamente con cada una de las prendas. Sobre una pasarela apenas iluminada, las modelos salían a escena a través de una gran cortina, a mostrar conjuntos inspirados en la historia de los trajes espaciales desde la llegada a la Luna hasta la actualidad. Una colección que condensa los recursos más significativos de la marca sobre vestidos, sacos, abrigos, remeras y pantalones: la silueta oversize con ciertos puntos de ajuste para delinear el cuerpo, las superposiciones, los recorridos generados con tiras y cierres, el patchwork en distintos géneros y las texturas intervenidas con látex y puffy, un material que origina volumen de base expansiva que por calor se infla. + www.trosman.com

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PUMA EN BAFWEEK Atletas nocturnos Cerca del cierre de BAFWeek, Puma realizó una presentación a todo color y volumen. Frente a lo que proponen las tendencias globales, la ﬁrma optó por crear las suyas, y las mostró sobre una pasarela iluminada bajo el nuevo concepto Puma Social. El mensaje fue claro: la competencia también se disfruta con amigos, a través de juegos sociales como el ping pong, los dardos, el bowling o el metegol. Se trata de una idea que se viene percibiendo en la marca desde hace varias temporadas, a medida que las líneas lifestyle -ropa deportiva con estilo urbano- gana importancia. Y para esta temporada, demostraron todo su esplendor al ritmo que Mecha Iñigo y Leandro Fresco marcaron con la música. Pese a lo que pronosticó el resto de los desﬁles, para Puma el invierno llega tan colorido como un arcoíris, en ropa de corte deportivo que se adapta bien a un estilo más casual: calzas a rayas, minifaldas en tonos estridentes o clásicos, y las camperas y vestidos con estampas estratégicamente ubicadas son algunas de las prendas femeninas. Para ellos, remeras, abrigos y jeans en telas naturales y sintéticas que no permiten pasar desapercibido. Dentro de la línea Pop Art hay, trazos de colores rojo, amarillo, blanco y negro que se apoderan de las prendas como lienzos; mientras que en la línea Mid Punk resaltan el fucsia, amarillo, negro y blanco. El clásico y consagrado Puma Suede es el calzado que acompaña la propuesta, formando parte del “uniforme” de los atletas nocturnos. + www.puma.com

+ Mecha Iñigo y Leandro Fresco

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especial

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moda

BAF LOMO WALL Una cobertura diferente de la semana de la moda argentina, a través de las cámaras Lomo Actionsampler Flash y Colorsplash, y la mirada del fotógrafo Basilio Silva. ¡The avant-gard is analogue! En colaboración con Tiendamalba. +

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TED POLHEMUS Mr. Streetstyle En t茅rminos de estilo callejero, culturas urbanas, moda y anti-moda, Ted Polhemus es un experto. | Texto: Carolina Prioglio. Fotos: Gentileza TP

+ G贸ticos

especial

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moda

+ Punks

El antropólogo estadounidense, radicado en Inglaterra desde hace muchos años, ha dedicado su carrera a estudiar la importancia comunicacional que posee el estilo dentro de las sociedades. Una cuestión que aún puede resultar poco tradicional, pero que en realidad viene con el ADN humano. Y algo sobre lo que Polhemus habla y escribe con conocimiento de causa (ha publicado un interesante número de libros): él mismo formó parte en su juventud de las tribus urbanas que investiga. Durante los 60 fue un beat, un modernista y un hippie. Más tarde, en los 70, se convirtió en un glam rocker y, por último, en punk. En 1994, a raíz de la experiencia vivida y todo lo investigado en las calles, este ﬂâneur posmoderno lanzó “Streetstyle”, para muchos la biblia del estilo urbano, y un libro que ya cuenta con varias ediciones en diversos países e idiomas. Casi al mismo tiempo, organizó una exhibición en el museo londinense Victoria & Albert, que tuvo a este libro como eje. Bautizada también con el nombre de “Streetstyle”, la muestra generó peregrinaciones de curiosos y entendidos acerca de una cuestión que estaba ganando terreno sobre la moda y que más tarde, gracias a los blogs y otros sitios de moda, acabaría por acaparar a los medios. Hoy, Polhemus accedió a una charla exhaustiva con 90+10 sobre cómo

afectan la moda y el estilo a las personas. + ¿Por qué siempre te interesaste en lo que sucede en las calles? TP Soy antropólogo social y siempre me interesó lo que esa gente “real” que camina por las calles crea y hace con sus vidas. El estilo siempre me fascinó de la misma manera. Pero no el que proponen los diseñadores, sino el de chicos que se animaron a cambiarle el look a un traje poniéndole alﬁleres de gancho, por ejemplo. De aquellos que nunca serán parte de la historia, que son héroes desconocidos… o por lo menos, mis héroes. + ¿Qué es una tribu urbana? TP Preﬁero utilizar el término “styletribe” (tribu de estilo), que introduje en mi libro “Styletribe” de 1994. Se trata de un fenómeno que apareció durante los siglos XX y XXI. Y mientras que los miembros de las tribus tradicionales se conocen entre sí, comparten un mismo territorio, y hasta en algunos casos, el parentesco, las tribus de estilo, como los punks o los góticos, pueden extenderse por el mundo. Lo que las une es una estética compartida, que puede residir en la música o la apariencia. + ¿En qué momento apareció la primera? TP Las primeras tribus surgieron inmediatamente después de la

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+ Teddies

+ Punks

Segunda Guerra Mundial. En Estados Unidos, fueron los bikers y los beats, y entre las comunidades afroamericanas e hispanas los hipster-amantes-del-jazz. Y la razón por la que aparecieron en ese momento está relacionada con que las sociedades más tradicionales comenzaron a abrirse, y que los medios de comunicación, como la radio o las revistas, hicieron posible que los estilos y las ideas se extendieran.

+ Beatniks

TP Por deﬁnición, las tribus de estilo se oponen a lo masivo, a la norma, tanto estilística como ideológica, dentro de la sociedad. Por eso, lo extraño es la manera en que grupos como los bikers, mods, rockabillies o punks –que al principio fueron recibidos con desdén, horror y pánico moral-, pronto fueron absorbidos por la moda y los valores de la mayoría.

+ ¿Cuál es la tribu urbana que más contribuyó al estilo de la historia de la moda? TP Se suele decir que “todo sucedió en los años 60”. Pero, de hecho, las bases para las revoluciones de la cultura pop y la creación del mundo contemporáneo, se dieron en los años 50. Por eso, quisiera destacar a los bikers, los beats, los hipsters, los folkies y los modernists que surgieron en Estados Unidos, al igual que los teddy boys, los mods y los rockers en Inglaterra. Estas son las tribus que cambiaron el mundo, y sólo se hicieron más visibles en los 60. De entre todo, fueron los punks los que más contribuyeron a cambiar la historia de la moda. Y no fue por su pelo color rosa, sus piercings, o lo que más tarde se conocería como “deconstrucción”, sino por su aﬁción posmoderna para mezclar distintos estilos en un mismo look. Algo que hoy en día se volvió muy común.

+ ¿Cómo describirías a ciudades como Londres, París, Milán, New York, Tokio, Los Ángeles y Buenos Aires en cuanto al estilo de sus calles? TP Londres y New York tienen una inmensa importancia en la evolución del streetstyle. París y Milán un poco menos, porque siempre estuvieron más enfocados en la moda y el buen gusto. Tokio se convirtió en el centro del estilo en los 90, pero como sucedió en Londres y NY, recibió tanta atención, que fue perdiendo su creatividad. En cambio, Los Ángeles nunca fue importante en términos de estilo en las calles, simplemente porque casi nadie las camina. Gracias a Internet y la globalización, el futuro del streetstyle estará en todos lados. Seguramente, Buenos Aires será importante, pero el foco de interés irá de una ciudad a la otra: de Bs.As. a Zagreb, de Austin a Helsinki, o de Delhi a Jakarta. Donde sea que los cool hunters no estén mirando.

+ ¿Por qué en la mayoría de los casos las tribus urbanas no son muy aceptadas por el resto de la sociedad?

+ ¿Por qué en algunas ciudades se tiende a juzgar menos lo que la gente lleva puesto que en otras?

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+ Lolitas

TP Nuevamente, New York y más aún Londres, son ciudades con una tolerancia visual de larga data. Lo negativo es que pueden ser lugares muy solitarios; y lo positivo, es que han servido como líneas de montaje que manufacturaron muchísimos looks, los cuales primero nos shockearon, y luego enriquecieron nuestro vocabulario visual. + ¿Qué pensás de los conceptos “Alta Moda” y “Baja Moda”? TP Para mí, la distinción más importante está entre los conceptos de moda y estilo. La moda es un sistema de movimiento continuo que reemplaza el nuevo look del año pasado por el nuevo look de este año. En los 80, al mismo tiempo que se comenzó a hablar de los fashion victims, surgió una nueva apariencia que giraba en torno a la creatividad individual. Pienso que es hora de dejar de hablar tanto de la moda y de prestarle más atención al concepto de estilo, celebrando esa nueva individualidad. Antes se decía que un look o un color habían pasado de moda. Ahora es la moda misma la que ha pasado de moda. Es hora de disfrutar de la diversidad, aplaudir al consumidor común que se rehúsa a ser una víctima pasiva, y mirar tanto a la calle como a la pasarela en busca de inspiración. + ¿Se puede seguir siendo original en el mundo globalizado de hoy? TP Sí, la originalidad está en la mezcla, en la combinación. Nunca

+ Ravers

antes en la historia las personas tuvieron la libertad y la variedad para elegir que existe hoy. En algún momento fue el trabajo del diseñador, de la estilista o del periodista decirle al resto cómo coordinar un estilo. Ahora nos deleitamos creando nosotros mismos. + ¿Qué podría ser llamativo y original hoy? TP El otro día vi por las calles de Londres a una mujer de color con la cabeza afeitada y un importante aro de plata colgando de la nariz. Lo realmente llamativo es que había combinado este look tribal con un elegante vestido negro, que asumo era de Armani. + En las sociedades actuales, ¿el estilo tiene el mismo valor que tenía en el pasado? TP Excavaciones en la Cueva de Blombos en el sur de África desenterraron recientemente elementos para pintar el cuerpo y collares, demostrando que el estilo ha sido parte del comportamiento humano desde hace cien mil años. En ese momento, el estilo definía quién podía identificarse como uno de “nosotros” y quién no y, además, jugó un papel crucial en el desarrollo de las culturas. En el mundo posmoderno, estamos más preocupados por la individualidad, pero todavía, en el fondo, buscamos identificar al igual que nuestros antecesores a la gente como uno. Y el estilo proporciona las claves visuales para hacerlo de forma instantánea por la calle o en la pista de baile. El estilo es el ADN de la interacción social. + www.tedpolhemus.com

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+ Chanel Primavera-Verano 2011

ALTA COSTURA Fábrica de sueños Una mirada a la Alta Costura, la tradición esencialmente parisina que encontró sus orígenes oﬁciales en medio del siglo XIX, y aún en el XXI sigue cortando tela y dando que hablar

| Texto: Carolina Prioglio

especial

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moda

+ Chanel Primavera-Verano 2011

Es innegable. El término Alta Costura -o Haute Couture, si se la nombra en francés- es uno de esos que se usan y escuchan hasta el cansancio, en todo tipo de contextos. Una expresión que usualmente se utiliza para referirse a la alta moda, y se ubica, sin mucho reparo, junto a nombres y marcas que poco se ajustan a lo que la Alta Costura realmente representa. Sobre todo para Francia, donde su significado es un poco más complejo. Por eso, para empezar, es fundamental conocer qué es, dejando en claro que su valor no es el mismo hoy en día, del que supo tener en el pasado, particularmente, entre finales del 1800 y mediados del 1900. Dentro de la moda, la Alta Costura designa a un tipo de diseño de indumentaria y accesorios de altísima gama, con un costo prohibitivo para la mayoría, y de discutible influencia en la actualidad, pero con un indudable valor cultural para Francia y otros países del mundo. La Haute Couture nació en 1868 en París, a través de un “couturier” inglés. Charles Worth, preocupado por la copia de creaciones y por singularizar el diseño, bautizó con ese nombre a este tipo de confección, y de paso, estableció la categoría de “diseñador de moda”. La moda nunca volvió a ser la misma. Además, creó la Cámara Sindical de la Alta Costura Francesa (Chambre Syndicale de la Couture Parisienne), que pasó a ostentar legíti-

mo poder para clasiﬁcar los criterios que hacían de un diseñador un “couturier”. Pero para que una maison pudiera ostentar ese título, legalmente protegido y sinónimo de tendencia y originalidad pura hasta mitad del siglo XX, debían cumplirse ciertos requisitos. Lo principal es que la realización de las prendas diseñadas fuera a mano, a la medida del cliente, y con los mejores materiales y terminaciones. Además, para ser parte de ese selecto grupo era necesario -y sigue siendo- tener un taller propio, con un número mínimo de artesanos contratados, presentar ante la prensa dos colecciones anuales de 75 atuendos por temporada (en enero y julio), y ofrecer a la clientela la posibilidad de presenciar hasta 45 veces la colección en privado. Pese a que actualmente esto último fue reemplazado con el envío de lookbooks en DVD. En este contexto fue que comenzaron a surgir nuevos diseñadores, que abrían sus boutiques y sus diseños puertas a la calle: Callot Soeurs, Jacques Doucet, Jeanne Lanvin, Maison Redfern, Mariano Fortuny y Paul Poiret, por nombrar sólo a algunos de los precursores. Si bien hoy en día sigue siendo necesario cumplir con todo aquello para ser catalogado oﬁcialmente como creador de Alta Costura,

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+ Gaultier París Primavera-Verano 2011. Fotos: P. Stable

también es cierto que ésta dejó de ser lo que era. La Couture ya no atesora el monopolio de las tendencias. El lujo evolucionó. Sin embargo, sí mantiene el monopolio de la fantasía y la tradición. Aquello la vuelve única e irremplazable. Toda aquella exigencia es lo que genera el prestigio y la exclusividad que pocas personas hoy en día pueden darse el lujo de comprar. Los precios que marcan las etiquetas dependen, claro, de la marca, la prenda, sus materiales, y el tiempo que lleva realizarla, pero generalmente parten de los 50 mil euros. Actualmente, este segmento de la moda es consumido por un grupo reducido: son alrededor de 4.000 personas, entre ricos, miembros de la realeza y famosos, quienes en muchas ocasiones no pagan por esas prendas, a cambio de vestirlas en importantes eventos. Todos, además del dinero para comprar Haute Couture, también tienen ocasiones en las cuales lucirla. Porque la realidad es que este tipo de moda no va con el vestir cotidiano de la mayoría. Para casas como Christian Dior, Chanel o Givenchy, el departamento de Alta Costura es el que les permite mantener la llama del lujo encendida. Un anacrónico artilugio marketinero. Porque hoy en día, aunque casi no genera ganancia y sus creaciones son muchas veces inasequibles, el valor de mística y glamour que su

imagen concede resulta inestimable. Y es lo que permite que el resto de las creaciones de la maison -y ciertas asociaciones lucrativas- sean el éxito que sostiene a esos imperios, ya sean líneas de prêt-à-porter, fragancias, cosméticos o accesorios. Pero aún así, del centenar de firmas de Alta Costura que existían a mediados del siglo pasado, hoy son sólo treinta, entre miembros oficiales, firmas extranjeras, invitados, joyería y accesorios. El prêtà-porter, que llegó en los 60 para heredar el imperio de la innovación y cuestionar el rol de la Haute Couture, es el principal responsable. Muchas casas dejaron su línea de costura para concentrarse en un tipo de moda más accesible y práctica para distintos públicos que conquista, incluso, a los más exigentes clientes de Alta Costura. www.modeaparis.com DE TEMPORADA Para la temporada Primavera-Verano 2011, se presentaron a fines de enero las colecciones de Alta Costura de veintiuna firmas, entre miembros oficiales, invitados y extranjeros. Alexis Mabille, Christophe Josee, Bouchra Jarrar, Christian Dior, Alexandre Vauthier, Armani Privé, Chanel, Stéphane Rolland, Atelier Gustavo Lins, Maison Martin Margiela, Givenchy, Adeline André, Maurizio Galante, Julien Fournié, On Aure Tout Vu, Franck Sorbier, Elie

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+ Dior Primavera-Verano 2011

Saab, Jean Paul Gaultier, Maxime Simoens, Maison Rabih Kayrouz y Valentino. De todos ellos, hay algunos nombres que marcan el pulso de la semana, y generan inﬁnidad de prensa: John Galliano, todavía a la cabeza de Dior, vistió a las modelos a imagen y semejanza de las ilustraciones que René Gruau creó para la maison en los dorados años 40 y 50. Con una pluralidad de detalles que aludían al acto de dibujar, el diseñador coloreó sobre las prendas tonalidades de rojo, gris, beige, azulado, verde, rosa y amarillo pastel. En cambio, Karl Lagerfeld propuso desde Chanel un antídoto de sencillez. Una pasarela iluminada con vestidos y trajecitos, en los que

la única particularidad la imprimieron los bordados en cuentas y lentejuelas -se usaron diez millones-, sobre una paleta de grises, naturales y rosas lavados. Jean Paul Gaultier optó por un punk couture de silueta sinuosa y pocos colores, e incluyó entre sus embajadoras en la pasarela a la argentina Milagros Schmoll. Y Riccardo Tisci para Givenchy se inspiró para su colección en Japón. Más exactamente en los robots toys y el bailarín japonés Kazuo Ohno. Las modelos, también de origen nipón, mostraron diez piezas que oscilaban entre el clasicismo y la modernidad, y que bien podrían ser parte del vestuario de un ﬁlm de ciencia ﬁcción. +

ACERCA DE LA ELEGANCIA Por Christian Dior La elegancia es un concepto que necesitaría de un libro entero para llegar a su correcta deﬁnición. Lo único que diré por ahora, es que se trata de una correcta combinación entre distinción, naturalidad, cuidado y simplicidad. Por fuera de esto, no hay elegancia. Sólo pretensión. Ésta no depende del dinero. Y de las cuatro cosas que mencioné antes, la más importante es el cuidado. Cuidado al elegir tu ropa. Cuidado al vestirla. Cuidado al preservarla. (*) (*) Fragmento del libro “The Little Dictionary of Fashion”, Cassell & Co., 1954

Fotografía Javi Eyzaguirre www.fotoeyzaguirre.cl Producción Rodrigo Farías H. www.rodrigofarias.carbonmade.com Modelo Carla Moure para Civiles www.civiles.com Make Up Taly Waisberg para MAC www.talymakeupartist.com | www.maccosmetics.com Pelo Luciano Dodero

+ Top y pulseras: Nostalgic DIRECCIONARIO Caffarena www.caffarena.cl | Claudio Mansilla. Sor Úrsula Suárez 293, Las Condes, Chile www.claudiomansilla.cl | H&M. www.h&m.com | Luciano Brancoli. Orrego Luco 087, Providencia, Chile | Nostalgic. Nva. de Lyon 059, Providencia, Chile www.nostalgic.cl | Rapsodia. www.rapsodia.com.ar/chile.php | Tienda Vintage. Av. Providencia 2182, Chile www.vintage.cl

+ Sombrero: Tienda Vintage. Aros: Nostalgic. Vestido: Luciano Brancoli

+ Sombrero y zapatos: Nostalgic. Aros y collar: H&M. Pollera: Claudio Mancilla

+ Blusa: Luciano Brancoli. Short: Rapsodia. Zapatos: Nostalgic

+ Sombrero: Tienda Vintage. Vestido: Nostalgic. Mini medias: Caffarena. Zapatos: colecci贸n personal modelo

+ Pa単uelo: Tienda Vintage

| Juan Kayser, Darío Fischman y Analía Cervini. Foto: Axel Chaulet

Total Tool BA Consumir experiencias Con sede fundadora en Milán, Total Tool BA es un estudio dedicado al análisis de los comportamientos de consumo, y a la creación de espacios que respondan a las necesidades de empresas y clientes en permanente renovación, frente a una generación de consumidores cada vez más exigentes y soﬁsticados. ¿Cómo lo hacen posible? | Texto: Natalia Iscaro

Casi una metáfora de su propia actividad, este estudio se ubica algo escondido, en un Pasaje del barrio de Belgrano. Y, tal vez, llegar a este sitio accesible, pero escurridizo, sea un punto de partida para comprender esta actividad donde el fondo es la investigación, y la forma, la multidisciplina. Satélites adiestrados en la detección de nuevas tendencias, los diseñadores industriales Juan Kayser, Analía Cervini y Darío Fischman son especialistas en dar respuestas a sus clientes, fuera de todo esquema preﬁjado, y adatándose a un mercado en permanente evolución. “El estudio arrancó como asociado al que fundó Giulio Ceppi en Milán. Y la metodología que buscamos aplicar es la misma; si bien varían el tipo de proyectos por el país, no tanto en temática como en escala”, relata Juan, amante de los paseos en los cuales puede curiosear, y explorador de nuevos cabos sociales y económicos para atar. Especialista en el área de diseño estratégico y comunicación, se radicó en Italia y se desempeñó en la sede Total Tool de Milán, donde pudo absorber la forma de trabajo de la sede fundadora. Nacida en 2000, Total Tool Milano es la creación del citado Guilio Ceppi, arquitecto, diseñador y docente, y el motor de proyectos

donde intervienen el diseño, la innovación y las estrategias de la identidad. Además, cuenta con una sede en Tokio, Japón. “La sede en Tokio interactúa mucho más con la de Milán, es una representación de proyectos que se hacen en Italia. En cambio, la sede de Milán y de Buenos Aires hacen trabajos de diseño conjunto: ellos hacen cosas para nosotros y nosotros cosas para ellos”, explican. Analía Cervini es oﬁcialmente la “investigadora de la agencia”, y es una apasionada de la industria y de la empresa. Además de su experiencia dictando cursos y seminarios de especialización en América Latina, sus trabajos fueron publicados en Italia y Argentina, y fue responsable de la concepción y coordinación de IMDI (espacio interno del Centro Metropolitano de Diseño, CMD, dedicado al estudio del diseño estratégico). Su mirada e impronta aportan a la actividad de sondeo de Total Tool: “Un cliente puede llegar a nosotros para detectar nuevas oportunidades para productos existentes, y entonces se hace un trabajo de investigación, o se convocan a otras disciplinas que participan en procesos de metaproyectos, detectando oportunidades que existan en el mercado. Después, la pata que tenemos con Italia nos

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+ Flagship store Urban Station (Palermo), un espacio híbrido, entre bar y oﬁcina temporaria, orientado a los trabajadores móviles.

permite hacer un flujo de dependencias y de información, y de nuevas experiencias de consumo que están ocurriendo, algo que siempre se vuelca de algún modo en los proyectos. Y si bien en ocasiones no nos convocan concretamente para la investigación y el desarrollo de nuevos conceptos, en un nuevo proyecto ejecutivo terminamos volcando esas ideas, porque estamos empapados”. En la oficina se respira un aire tranquilo, relajado y de una creatividad que se refleja en la charla meditada, antes que en las alocuciones estruendosas. El tercer socio de este engranaje disímil es Darío Fischman, quien trabajó en diseño de producto, consultoría y dirección de arte en empresas como Lievore Altherr Molina, en Barcelona, desde donde imprimió su sello al desarrollo de nuevas piezas de diseño. Él nos cuenta lo que más le gusta de su trabajo: “Para los fóbicos de la rutina, como soy yo, lo bueno es que no la hay, y que cada proyecto es distinto al anterior, y cada uno es, además, un mundo donde hay que curiosear y aprender”. Veamos de qué se trata esto. MUCHO MÁS QUE COMPRAR Ir al sector de panadería en un supermercado y sentir que los productos son artesanales. Tomar un yogurt helado y percibir lo natural de su composición en cada detalle del local. Entrar a un local de ropa y sentir que está direccionado a chicas adolescentes. Todas estas son apreciaciones nada caprichosas, y en gran medida orquestadas por este team en diversos proyectos. Y, además, con el plus de que el diseño, a diferencia de la arquitectura, prioriza a la función, sin detrimento de la estética. Algo que se detecta con facilidad en el proyecto de Urban Station. Definido como “un refugio para mobile workers”, este flagship store nació como un híbrido entre un bar y una oficina temporaria, destinado a una creciente cantidad de trabajadores móviles. Un concepto que, como tal, no existe en ningún lugar del mundo.

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+ Desarrollo de local para yogurtería Zog en Palermo.

“Trabajamos el diseño más allá del punto de vista físico, sino también del concepto”, explica Darío. “Después, nos encargamos de todo: desde el anteproyecto al desarrollo de todo el espacio, y de todos los elementos que necesita un espacio así. Se diseñaron muchos elementos especíﬁcos, algunos por funcionalidad, como tener electricidad en la mesa, otros por estética, como las lámparas”. La idea de Urban Station nació de ex empleados de empresas multinacionales, que reincorporados al mercado como independientes, se dieron cuenta de que había una necesidad no resuelta. Acudieron a Total Tool con un estudio de mercado y un proyecto de negocio teórico bajo el brazo. “Funcionamos como intérpretes de lo que ellos estaban visualizando”, completa Darío. ¿Dónde enchufar la computadora cuando la energía se agota? ¿Cómo dejar la cartera para ir al baño? Estas fueron tan sólo dos de las preguntas que el estudio debió hacerse, para dar nueva vida a una tipología inexistente. El local (en Salvador y Malabia, Palermo) nació con la idea de expandirse en forma de franquicias, de modo que cada uno de los elementos se concibió como parte de la identidad. “No es sólo diseño, es un negocio repetible”, explica Juan. Otro de los casos del estudio fue Jumbo, para el que se desarrollaron nuevas identidades para “mundos interiores en el supermercado”, aporta Juan. Espacios como el de la panadería, que apuntan al recambio de diversas situaciones de consumo, con una política de darle más identidad individual a cada uno de esos mundos. “Fontana Diseño generó el aspecto visual, y nosotros acompañamos con el

diseño de los elementos físicos de mobiliario y equipamiento, para generar esos mundos. Algo que se está implementando en etapas”, agrega Juan. La idea de generar elementos repetibles que valoricen la marca, se replicó en su proyecto para la yogurtería Zog, una marca que ya existía, a la cual el estudio hizo ajustes. “Tenían corners de productos en locales de terceros, y lo que se hizo fue el desarrollo del local propio, en Palermo, también con el concepto de que sea repetible”, amplía Juan. “En este sentido, la experiencia de consumo tiene que ver con encontrar nuevos sabores y nuevas situaciones de consumo”, aporta Analía. Juan reﬂexiona: “Hoy, lo natural está tan banalizado, que no es necesario pintar todo de verde para que uno entienda que es natural. Nuestra búsqueda fue la de un diseño despojado, acético”. Revisando los proyectos, se observan casos que se inician desde cero, donde el cliente sólo tiene el nombre, y otros un poco más de historia. En el caso de Te lo juro, una marca de indumentaria de chicas de 10 a 14 años, “se acercaron por una necesidad identitaria, desde la generación gráﬁca de la marca hasta los elementos que acompañan a los productos, y hace dos años desarrollamos el local”, explica Analía. Y completa: “No existía la marca ni el producto, de modo que trabajamos en qué valores iba a tener para ofrecer a estas adolescentes. Empleamos una metodología de brainstorming y workshops, haciendo participar al cliente. Porque no se trata de imponerles conceptos, sino que tiene que ver con lo que ellos van a

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+ Desarrollo de punto de venta para Panorama Pisos: es posible modiﬁcar el layout y las colecciones de pisos por temporadas, mediante un sistema de carros.

tener que cargarse. A partir de ahí, se extrajeron una serie de valores e identificaciones que tenían ellos y que nosotros proponíamos, y finalmente llegamos al perfil de la chica Te lo juro, y recién ahí hicimos el diseño gráfico de la marca”.

vuelta atrás. Más allá de la crisis del 2001, con la cual cambiaron las situaciones de producción, el consumidor no cambió. Y lo ves en los locales comerciales. Hay dinamismo, hay oferta, y el público detecta y valora los cambios rápidamente”, detalla Analía.

LA MIRADA CLÍNICA “Tenemos un defecto: no podemos dejar de investigar”, conﬁesa Analía. “Aunque sea un trabajo ejecutivo, lo hacemos porque nos apasiona esa parte del trabajo, e incorporar nuevos conceptos en los proyectos. Generamos un manual de ideas conceptuales que a veces no se materializan en el momento, pero quizá después aparecen en otra etapa, por ejemplo, en la Web”.

“Lo otro que no hay que perder de vista es que el consumo hoy es una actividad de entretenimiento. Con lo cual, a menos que cambie radicalmente el paradigma, va a seguir existiendo cierto tipo de consumo físico, que tiene que ver con el paseo. El tema es quiénes van a morir en el intento y quiénes van a ser capaces de hacer el paso”, amplía Juan. “Y además, el consumidor tiene claro con qué humor va a consumir. Por un lado, puede llenar shoppings cuando va a buscar un tipo de experiencia, y por otro lado, puede generar clusters de sectores, cuadras y cuadras de un mismo rubro. Es capaz de moverse cuando busca precios, y eso es una particularidad. En otros lugares del mundo es más por conveniencia: vas adonde tenés cerca. Es interesante el chip que nos ponemos los argentinos como consumidores”.

Aparece la pregunta inevitable: ¿El consumo en Internet puede reemplazar al consumo físico? Juan toma la posta: “Creo que, en cierta medida, en algunos productos lo puede reemplazar. El problema es que existen ciertos productos con los que uno, como consumidor, sí o sí querría tener contacto. Es lo que le está pasando a muchas empresas en retail, que tienen que evitar ahorrar en vidrieras para que la compra no sea por otro canal. Por un lado, para no perder la convergencia, y por otro, porque muchas veces aunque el consumo sea por Internet, el contacto con el producto es físico”. Analía completa: “Por eso, la relación del sitio virtual con el sitio real tiene que ser parte de un trabajo integral”. A la hora de analizar al consumidor argentino, los expertos opinan: “Después de los años 90, el consumidor se soﬁsticó y ya no hubo

Analía pone el moño: “El objetivo ﬁnal es colaborar, o provocar el impacto positivo para ﬁdelizar con la marca. Algunos elementos pueden ser para llamar la atención, ser más directivos, y otros tienen más que ver con un discurso homogéneo y de contención. El consumidor sabe lo que espera, pero siempre quiere algo nuevo: un conocimiento o una sensación, pasa por distintos lugares, y eso tiene que ver con la marca”. + www.totaltool.com.ar

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LigLab Laboratorio lumínico Pintura, danza, malabares, fotografías y grafﬁtis dan forma a un colorido y poderoso colectivo artístico que impacta en la escena local. Obras de arte que combinan cámaras digitales, software de última generación, música y técnicas de las artes visuales y performáticas. | Texto: Leila Mesyngier. Foto: Maia Croizet para www.watio.com.ar

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Clavas blancas lisas, adornadas, coloridas y lumínicas, para principiantes y profesionales, y hasta con control remoto. Aros simples, dobles y estampados. Diábolos rojos, amarillos, azules y verdes. Antorchas, cadenas y más clavas, esta vez para fuego. Pelotas, rodados, varas, galeras y narices de clown. Así es el escenario de K8, el local al cual van llegando, de a poco, los integrantes de LigLab: Diego Altabas, Miguel Masllorens, Nahuel Pianetti, Alberto Brescia, Eliana Moscovich, Francisco Ciprian y los Bboys de la Breaking Juggling Krew. Todo comenzó casi como un juego: un cuarto oscuro y un grupo de artistas –varios malabaristas y una fotógrafa profesional– dedicados a probar, investigar e imaginar las miles de formas y colores posibles, los rastros fugaces de las luces atrapados en el papel. Retratos multicromáticos, donde el lenguaje de lo lúdico ingresa en el mundo del arte y establece su lugar propio. Así, audaz y creativo, surgió este el colectivo de experimentación visual, que indaga en el desarrollo de expresiones plástico-lumínicas en el espacio. “LigLab empezó hace dos años como un proyecto fotográfico, de estudio. Nos juntábamos en un lugar cerrado, oscuro, a investigar los juegos de luces; nos dedicamos a jugar, a hacer malabares con elementos de LEDs, a dibujar en el aire y probar a ver qué surgía sin retoque digital, con toma directa. Lo que salía era el trabajo final. Eso generó muchos encuentros y mucho material de estudio”, recuerda Diego. Después comenzaron a salir, a probar en la calle, en el contexto urbano, y también en el paisaje y la naturaleza de Bariloche, de donde es oriundo Miguel. Una vez experimentado el escenario fotográfico, y realizadas varias muestras (en el Centro Cultural Carlos Gardel, la Fundación Hampatu, la Sociedad Central de Arquitectos, Alto Palermo Shopping y el EspacioArte de Aeropuertos 2000), les llegó el momento de poner los contenidos en acción. Así, luces y colores tomaron vida y dieron paso a la incorporación de Nahuel, especialista en video y filmación. Esta transición de la foto al video le aportó al grupo nuevas técnicas, computadoras, filmadoras y programas de VJ. El juego ahora se volvió tridimensional y hasta fue posible repetirlo una y mil veces. Un camino que los condujo directamente hacia las presentaciones en vivo junto con la Breaking Juggling Krew, una compañía de danzas urbanas vinculadas al Hip Hop y fusionada con elementos de malabar.

+ Lab, Serie Liquen. Foto: Eliana Moscovich

La incorporación de performers con soportes, les permitió armar un jam en vivo: técnicas de baile urbano, break dance, malabares, grafﬁtis, la imagen del video en tiempo real y, claro, la música electrónica como marcador rítmico. “Se armó un colectivo muy completo, con muchas disciplinas. Así que estamos en esa instancia, por eso todo tiene un carácter bastante experimental o explorador, mezclando tecnología con diferentes disciplinas”, aseguran entre todos. + ¿Qué materiales y tecnologías usan? LL Estamos muy vinculados a K8, una empresa que fabrica productos nacionales, y que tiene una línea de clavas con LEDs. La + Lab, Serie Coiron. Foto: Eliana Moscovich

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tecnología, además, se hace cada vez más accesible, tenemos más a mano determinados soportes y elementos con los que empezamos a probar, como cámaras digitales y LEDs que no queman, computadoras y software. La incorporación de la tecnología es algo de lo que todos participamos. Y si bien no es algo nuevo, el resultado es un laboratorio de video lumínico exploratorio. Ya con la incorporación de la Breaking, se convirtió en algo muy interesante también en vivo: la cruza de malabar con danza y el soporte de video. + ¿Cuánto de lo que hacen está premeditado y cuánto es improvisado? LL Es medio experimental lo que hacemos. Cada uno usa la técnica de su disciplina y, a la hora de mostrar, cada uno sabe lo que hace. También vale improvisar y ver qué surge en el momento. Es todo muy reciente; por ahora sólo tuvimos tres experiencias todos juntos y en vivo. IDENTIDAD EN CONSTRUCCIÓN La primera presentación que desarrollaron en vivo fue en el festival Día Libre III, un encuentro de arte y deporte urbano realizado en el Rosedal porteño. “Fue más energético que artístico o técnico, más power en la pista, los chicos bailando y la gente arengando”, recuerda Diego. Le siguió la del Medialab del CCEBA, a principios de noviembre pasado, “donde, por el entorno, pudimos poner las pantallas y el sonido donde queríamos y se produjo algo muy interesante”. Por último, en el Inspiration Fest Buenos Aires 2010 en la Ciudad Cultural Konex, incorporaron un sistema inalámbrico para controlar los elementos de luz a distancia, lo que les permitió jugar con las clavas de colores e ir produciendo nuevas experiencias. “Cada una de las tres apariciones con público fueron muy distintas de las demás, y de todas se rescatan cosas diferentes”, asegura Nahuel. Y agrega: “Es muy difícil poner todo en un solo lugar, con todo el montaje, con toda la gente, toda la estructura y la técnica. Somos muchos, y es difícil llevarlo a cabo para ensayar. Entonces, las veces que lo hicimos en vivo para el público fueron eventos puntuales; es toda una movida. Lo que hacemos en el laboratorio es más chico”. + Lab, Serie Colihue. Foto: Eliana Moscovich

En definitiva, lo que ocurre en esos grandes eventos en que malabaristas, bailarines, fotógrafos y videastas se juntan al ritmo de las luces y efectos que se dibujan en el aire “termina siendo una obra de arte en vivo, que puede ser grabada y reproducida. Justamente, porque tiene el valor de volver a ser mostrada, como un cuadro, es que lo consideramos arte”, define Nahuel. La combinación de las experiencias previas de cada uno más la multidisciplinariedad que los caracteriza, no siempre les permite transmitir una identidad unificada. En cambio, sostienen que están en un proceso permanente de construcción. “No sabemos para dónde vamos, no hay una identidad desarrollada, no hay un director; es gente que se va encontrando y van surgiendo cosas. Estamos abiertos al que se quiera sumar y al que se quiera bajar también. Todo el tiempo estamos buscando sumar gente. Somos un grupo en estado caótico, pero organizado: tenemos reuniones semanales y una estructura metódica”, concluye con énfasis Diego. + www.flickr.com/photos/liglab + LigLab + BJK

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Puro Estilo retro en los pies Con una combinación de telas retro única, su diseño limpio y soﬁsticado y una calidad que se luce en cada detalle, las zapatillas y los bolsos de Puro se han ganado un lugar en el guardarropa de creativos y alternativos, como también de aquellos más clásicos a la hora de vestirse. El secreto es ser parte de una comunidad que aprecia el buen diseño y lo artesanal como atributos de un producto con personalidad. | Texto: Jorgelina Peciña. Fotos: Maia Croizet para www.watio.com.ar

Puro es el resultado de dos mentes creativas e inquietas, que allá por el 2004 se animaron a hacer realidad un sueño en común: unir creatividad, diseño y moda en un producto poco explorado a nivel local, zapatillas. Así fue cómo la pareja formada por Itatí Montechiani -diseñadora gráﬁca- y Gabriel Pozner -modelista de calzados-, extendieron su sociedad sentimental al plano de lo laboral. Y nació Puro. Puro es hoy una de las marcas de zapatillas y bolsos de diseño independiente más creativa a nivel local, cuyos atributos de calidad y buen diseño la posicionan muy cerquita de las propuestas de las grandes marcas extranjeras. “Coleccionaba zapatillas importadas. Buscaba zapatillas que no había en el mercado, y justamente buscando lo que no había, fue que surgió la idea de fabricar zapatillas”, explica Gaby sobre el germen del proyecto que más tarde le dio vida a Puro. Por su parte, su socia Itatí agrega: “Sabíamos que queríamos hacer algo referido al diseño y a la moda. Hacíamos remeras, las pintábamos a mano. Cuando Gaby quiso hacer zapatillas, yo pensé que no era posible, pero lo vi tan seguro y conﬁado, que aposté. Siempre nos llamó la atención lo artístico y lo artesanal, lo comercial estuvo en un segundo lugar. En un principio, era como un laboratorio, hacíamos combinaciones en zapatillas que eran invendibles… Todo fue el resultado de la experiencia”.

INCLUIR A TRAVÉS DE UN DISEÑO CON IDENTIDAD 90+10 entrevistó a los creativos detrás de Puro en el local que poseen en barrio de Palermo, en Buenos Aires. Allí, repasaron el devenir de la marca desde sus primeros pasos hasta el día de hoy, los nuevos proyectos y adelantaron algo de lo que está por venir. + El germen de la idea surge de la colección de zapatillas importadas de Gaby. Pero, ¿cómo fueron los primeros pasos de Puro? P Arrancamos con zapatillas. Los dos primeros años fueron de experimentación. Nos reinventamos como diseñadores. Empezamos sin conocimientos, a conocernos con fabricantes, con artesanos. Luego, Gaby hizo la carrera de modelista para meterse en el tema, y con esas ideas comenzamos a desarrollar el primer producto, pero salía bastante caro. Investigamos otros proveedores, materiales, etc. Así, descubrimos que todo lo que se reﬁere a calzado está muy diversiﬁcado. De todas formas, nos jugamos e hicimos los primeros veinte pares de zapatillas. + ¿Cómo pusieron en marcha las ventas y cómo se plantaron frente a la competencia? P En ese momento, por el 2004, estábamos trabajando en otras cosas, así que con pocos recursos arrancamos con los primeros veinte pares en la feria de Tazz, en Plaza Serrano. Luego apareció el Dorrego, Código País… Era la época de las ferias. Participábamos en todas las ferias y eventos que podíamos. La verdad es que nuestro estilo es

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bastante particular, no teníamos mucha competencia. Participar en las ferias fue una exposición bastante grande para nosotros.

en arteBA, y tenemos en capeta trabajar con muchos otros. En algunos casos, nosotros los convocamos; en otros casos, se ofrecen.

+ ¿Cuándo y cómo llegó el local? P Abrimos el local en 2008. En principio, teníamos un espacio dentro de un showroom con presencia de varios diseñadores. Vendíamos un producto por día, pero igual estuvo bueno. En ese momento, nosotros hacíamos todo, desde dibujar hasta cortar las zapatillas y lo hacíamos en nuestro departamento. Ahí teníamos el stock, atendíamos a la gente… Era muy difícil disfrazarlo de showroom, ¡era una casa! Fue difícil en los primeros tiempos, porque no teníamos grandes cantidades, contábamos con pocos números y sin publicidad.

+ ¿Siguen algún método creativo? ¿Cómo o en qué se inspiran para cada nueva colección? P En algún momento surge el concepto de la colección, y ahí decidimos por dónde vamos. Puede que surja un boceto, algún dibujo, y sobre esa base avanzamos. No tenemos un método ﬁjo. Puede ser que nos inspiremos en otra cosa, en una idea, en colores, en ver cosas… De repente, ves una lata, te gustan los colores y pensás en cómo volcarlo en tu colección. Es bueno sacar las cosas de contexto, trabajamos mucho así. También tenemos algunas ideas vinculadas a la música, pero hoy por hoy, estamos con proyectos experimentales para Puro.

+ ¿Cuál fue el salto que le dio más visibilidad a Puro? P Las ferias. Lo de los bolsos también nos dio un poco más de aire y abrir el local fue dar el gran salto, estar en Palermo. También, vender a otros locales. Vendemos en Chile, en Alemania y, en su momento, en Uruguay. También en Francia: le vendemos a una tienda en París que tiene productos de diseño argentino independiente. + ¿Cómo arman sus colecciones? ¿Qué tanto espacio o atención le prestan a las tendencias que vienen del exterior? P Miramos muy poco. Bueno, cuando compramos los materiales vemos qué se viene. Por ejemplo, si vemos mucho marrón, entonces sabemos que ese color marcará tendencia. Tampoco es que estamos fuera del circuito de la moda, pero tratamos de que el producto tenga una identidad propia. Puro se caracteriza por las telas retro y la mezcla de estampas en un mismo producto. Además, tenemos una línea de productos que se renueva constantemente. Hacemos entre cuarenta o cincuenta piezas con una combinación determinada por línea. Se mantiene el modelo, pero cambia el diseño. Cada quince días se renueva el stock, con nuevas telas. + ¿Qué hay de nuevo en Puro para el 2011? P Desde el año pasado, comenzamos a trabajar con otros artistas para hacer productos en conjunto, colecciones paralelas. Por ejemplo, trabajamos con Vicky Musotto, una artista plástica que expone

+ ¿Qué es lo que más disfrutan de todas las tareas de Puro? P Particularmente, nos gusta trabajar sobre colecciones con artistas. Te brinda la posibilidad de trabajar en muchos aspectos y el resultado del producto está bueno. Además, trabajar en diseños que son desafíos, ver si a la gente le gustan… En estos dos últimos años crecimos y nos organizamos más que nada en la parte comercial. Siempre está la parte del diseño, que es la que más nos gusta, obvio. + ¿Qué hay detrás del nombre Puro como marca? P Para el nombre buscábamos algo genuino, que sea íntegro, que no se diluya, corto, recordable… Nuestra visión de la marca es tratar de mostrar la esencia del que consume, su carácter, su filosofía de vida. Mostramos color, mezcla, alegría. Es una marca que trata de ser simple, más inclusiva que exclusiva, porque nos gusta que la gente variada nos use, no un sector específico. Por ahí, tu trabajo no da para vestirte muy creativo, pero en tu tiempo libre sí, y ahí uno puede mostrar algo, un aspecto que no está tan a la vista. + Para cerrar, ¿podrían definir el espíritu de Puro en tres palabras? P A ver, pensemos… Mezcla, alegría e inclusión. Está muy de moda todo lo que es exclusivo, o lo ponen a un precio que hace que no lo puedas comprar. Y no es la idea, Puro es para todos. + www.zapatillaspuro.com.ar

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+ Oﬁcinas de Core Labs en Beijing.

Core Labs Donde humanos, arte y tecnología se unen Entramos en el distrito artístico de Huantien, lugar de trabajo de muchos artistas locales. Estamos en China, más concretamente, en Beijing. Allí se encuentran las instalaciones de Core Labs. Una vez dentro, la sensación de estar en un país tan lejano desaparece. Casi el cien por ciento de la plantilla de artistas son españoles. Su trabajo consiste básicamente en experimentar, investigar, producir y difundir la cultura digital; han sido contratados para eso.

| Texto: ArtsMoved www.artsmoved.cat. Fotos: Gentileza Core Labs

Entre sus proyectos, encontramos desde video mapping y realidad aumentada hasta hardware y software experimentales, desarrollados entre los tres laboratorios de sus instalaciones: HackLab, VideoLab y AudioLab. Los hay con suerte… + ¿Por qué Core Labs, un centro dedicado a la cultura digital y creado por españoles, está en Beijing? CL En un principio, fuimos invitados (Rez y Marula) por Jorge Faus para dar inicio a un proyecto artístico. Nuestra estancia estaba planeada para un par de meses, pero pasado este período nos involucramos cada vez más, y nos vimos atraídos por el reto que supone vivir y desarrollar un proyecto desde cero en este país. Así que decidimos dejar todo lo que teníamos en Barcelona y establecernos en Beijing para dar forma e iniciar la aventura de lo que hoy es Core Labs: un equipo de seis personas, que se va ampliando poco a poco con el apoyo incondicional de Jorge como inversor y como amigo.

+ Arte interactivo, realidad aumentada, VJing, mapping, audiovisuales, videojuegos… ¿Cómo conseguís abarcar tantas disciplinas? CL Nuestra formación y experiencia artística es multidisciplinar. Ingenierías, artes plásticas, video creación, música, gestión cultural... Todo forma parte del mismo motor, dirigido a enlazar diferentes disciplinas artísticas que, en nuestro caso, están siempre relacionadas con las nuevas tecnologías. Nos gusta saltar de un proyecto a otro para no quedarnos estancados. Así, tenemos tres laboratorios bastante deﬁnidos (Hack Lab, Video Lab y Audio Lab) para que los desarrollos e investigaciones vayan en diferentes direcciones, y luego acabar mezclándose y complementándose. + ¿Hay algún campo en el que aún no estéis trabajando actualmente, pero que tengáis planeado dedicaros en un futuro? CL Estamos a punto de saltar al campo del audiovisual narrativo con la producción de dos cortometrajes. Es algo que nos ilusiona mucho, y donde vemos que podremos trabajar con muchas ideas

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+ ARWired. Dispositivo de experiencia inmersiva de construcción propia, integrado por un sistema audiovisual sincronizado (Wired), un casco de realidad aumentada (AR Helmet) y una superﬁcie de control compuesta por sensores, arduinos y markers.

que hasta ahora no encontraban un vehículo de expresión adecuado. También nos gustaría comenzar a desarrollar instalaciones artísticas más elaboradas, en las que podamos dedicar más tiempo y recursos. + Es sabido el caso de una conocida empresa que, por contrato, concede a sus trabajadores una hora de recreo al día para que desconecten y se diviertan, pues están convencidos de que aumenta la productividad y creatividad de los empleados. Viendo que tenéis un futbolín en vuestras instalaciones, nos imaginamos que también os relajáis en equipo. ¿Resulta productivo? CL El trabajo en el estudio requiere de una gran concentración, y es frustrante cuando algo no sale a la primera, ni a la segunda, ni a la tercera. Tener la capacidad para desconectar un rato te permite ver el problema desde otro punto de vista y encontrar soluciones que antes pasaban desapercibidas. Otras veces, no estar delante del ordenador es la única forma de no coger el equipo y lanzarlo contra el suelo para pegarle fuego. Además, una vez leímos en un blog de psicología que es mejor jugar al futbolín que destrozarse la cabeza contra la pared. Así que lo practicamos más que nada para no dejar el estudio perdido de sangre… + Parece que el arte digital, a pesar de estar en pleno auge, tiene una salida difícil en cuanto a la venta. Parece más sencillo invertir en un objeto que en algo más abstracto como una instalación interactiva o una pieza de videoarte. En este sentido, ¿cómo veis el futuro del arte digital? CL Al igual que ocurre con otros medios como el cine o la música, el arte digital debe encontrar la forma o modelo de distribuirse. Ahora mismo creemos que el arte digital es el medio de expresión actual y,

por lo tanto, no debe pensarse en su venta. Su duración y caducidad en el tiempo no lo permite, y debería dejar de pensarse en “ventas”, pues este término se ha quedado un tanto anticuado. El arte digital a veces puede llegar a estar en un entorno des-objetualizado, en el que el valor no está en la “cosa”, sino en la experiencia. A partir de este axioma, veremos nacer formas de distribución y consumo más adecuadas a un nuevo formato de arte. + Todo nuestro entorno está cada vez más digitalizado. A la vez que se consolidan los DNI electrónicos, salen los teléfonos multitouch y parece que ya no se es nadie sin un iPhone. ¿Creéis que es buena tanta tecnología aplicada a nuestra cotidianidad? CL La tecnología no es buena o mala por sí misma. Es el uso de la misma el que puede ser perjudicial para los propios usuarios o aquellos que sufran las consecuencias de dicho uso. La sociedad debe aprender cuál es el uso correcto de la tecnología, y por supuesto -la historia lo demuestra-, para que este punto llegue, deberemos pasar por experimentar en nuestras carnes las consecuencias negativas de un uso no adecuado o exagerado de la tecnología. Las generaciones que nos sobrevivan serán las que aprendan de nuestras experiencias y errores. + ¿Qué aporta la capital china a vuestra manera de trabajar y cómo se reﬂeja en el resultado? CL Beijing sintetiza la esencia de la cultura China y gran parte de la asiática. Para un occidental, vivir en Pekín es como para un astrónomo vivir a pie de telescopio: tomas consciencia de cuán complejas y diferentes son las culturas del planeta Tierra, de que nuestra forma de ver y entender la realidad no tiene nada que ver con la que se tiene en China. Que todo depende de dónde naces y que todo es rela-

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+ Minimal Networks. Sistema que crece orgánicamente según los “clicks” del usuario en el sistema, traduciendo los movimientos del mundo físico a una estructura digital que se hace cada vez más compleja.

tivo. Todo es correcto, depende desde dónde lo mires. Todo esto tiene repercusiones en nuestro trabajo; nuestra forma de ver el mundo cambia y nuestro discurso también lo hace. Evoluciona, por decirlo de alguna forma, o se expande, por decirlo de otra. + ¿Realizáis también trabajos por encargo (que sean 100% comerciales) y, de ser así, conseguís tener el control sobre la creación o suelen ser proyectos muy acotados? CL En ocasiones se nos presenta la oportunidad de realizar proyectos comerciales. El que los aceptemos siempre depende de que exista una motivación creativa, y que nuestro criterio y libertad se respete al 100%. En este caso los disfrutamos, pues suelen ser proyectos que nos permiten utilizar unos medios y equipo que de otra manera estarían fuera de nuestras posibilidades. + ¿Tenéis alguna anécdota relacionada con el trabajo que pudiera añadirse a una versión de la película “Lost in translation” ubicada en Bejing? CL Muchas, muchísimas. Casi todos los días hay una. Generalmente, relacionadas con el concepto de “acabado” que tienen aquí en China y con la flexibilidad del “más o menos” aplicado a unidades del sistema internacional de medidas, colores o formas. Pero al final, todo se soluciona con voluntad, paciencia, flexibilidad y una sonrisa por ambas partes. Hay una frase muy útil para expresar estas situaciones: “Màn Man Lái Péngyou”, que se puede traducir como: “con calma, amigo”. + ¿Alguna pregunta que no os hayamos hecho y que os apetezca contestar? CL Méiyou. Xièxiè! + www.corelabs.cn

+ Arduinome. Instalación de mapping interactivo que se manipula a través de un dispositivo físico (Arduinome), con el que el espectador interactúa y compone el sonido y las visuales.

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Daniel Biber Regreso a los tragos clásicos El bartender del hotel Home cuenta cómo es el proceso de creación de sus cocktails más exóticos, y asegura que la tendencia mundial es reconstruir el origen de tragos como el Old Fashioned o Negroni. Subcampeón nacional de cocktelería, participó el año pasado de la competencia mundial en Singapur y deslumbró con su mix de vodka, licor de cassis y cardamomo. | Texto: Leila Mesyngier. Fotos: Maia Croizet para www.watio.com.ar

Coloca cuatro o cinco cubitos de hielo en la copa, toma una botella de tequila dorado y sirve una medida dentro de la coctelera. Agrega jugo de limón, almíbar, clara de huevo, aceite de oliva y rúcula. Mezcla al ritmo de las caras sorprendidas de una pareja de habla inglesa. Pero sabe lo que hace. Está preparando un Albert’s Rocket (denominado en honor al primer mono que viajó al espacio), un cocktail de su autoría que, a pesar de lo extraño de sus ingredientes, termina en ﬁnal feliz cuando la joven estadounidense que lo pidió sonríe satisfecha. Es Daniel Biber, el bartender del hotel Home, ubicado en pleno Palermo Hollywood. Es joven, tiene 27 años, y se mueve amable y

atento detrás de la barra en la que prepara sus creaciones. Entre la carta del bar y la pizarra de sugeridos, hay al menos 13 tragos que le pertenecen y que inventa mirando de reojo la alacena de al lado. “Me gusta meterme en la cocina, investigar de qué se trata, qué hay de nuevo y con qué puedo acompañar una nueva botella que adquiero; voy probando”, asegura. Descubrió que ésta era su vocación en la ﬁesta de una amiga, casi por casualidad. Debía tener 19 ó 20 años, había muchas bebidas y nadie se animaba a mezclarlas. Probó, se divirtió y decidió cambiar sus estudios en ingeniería electrónica en la UTN por varios cursos de barman en la

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gastronomía

Unión Gastronómica Argentina, el Club del Barman y Cocktail Group. “En mi familia no les gustó la idea, decían que me iba a hacer alcohólico, hasta que mi mamá aceptó, me dijo: `si te gusta, sé feliz´, y me pagó y me pagó los primeros estudios”, recuerda. Enseguida empezó como barman en Wrangler’s, luego Portezuelo y The Magic Pub, y un día decidió probar de qué se trataba la vida de “civil”. Así, trabajó de 9 a 18 en una oficina y los fines de semana se daba el gusto, haciendo barras móviles para eventos. Y como los trabajos previos, el actual también apareció casi sin buscarlo. Tuvo una entrevista de una hora y 45 minutos en inglés con el dueño del hotel y al día siguiente empezó. Ahora tiene libertad para definir el armado de la carta, la elección de bebidas y demostrar su experiencia detrás de la barra. Biber es el subcampeón nacional de cocktelería. El podio adquirido en el certamen marplatense lo llevó a participar de la Competencia Mundial en Singapur, en la que representantes de 55 países debían preparar un trago de autor, cinco veces en seis minutos. Daniel deslumbró con su Scarlet The Tart (a base de vodka, licor de cassis, lima, cardamomo y jugo de peras) y hasta llevó hinchada propia. Los viajes, reflexiona, sirven para conocer gente nueva, intercambiar ideas con bartenders de otras partes del mundo y para actualizarse

respecto a las nuevas tendencias, especialmente teniendo en cuenta que el público que mayormente lo visita en el bar del Home es extranjero. Inevitablemente, surgen las comparaciones. “Los argentinos son más reacios a probar cosas tan jugadas, aunque después les gusten. Los extranjeros piden cerveza, whisky, tragos clásicos y mojitos y caipiriñas. ¡A veces piensan que somos Brasil! Pero toman mucho: cuando vuelven de pasear, antes de cenar y antes del descanso nocturno”, advierte. Biber, por su parte, reconoce que no es un “gran tomador”, pero si tiene que elegir, el podio se disputa entre tres tragos: Old Fashioned, Negroni y Mojito. Son clásicos, la tendencia en cocktelería a nivel mundial. “Hay un regreso a lo clásico, a la búsqueda de lo que se tomaba a ﬁnes de 1800 y principios de 1900, a tragos que sobrevivieron, pero que fueron cambiando con el tiempo. Se busca rastrear su origen y lograr reproducir los sabores”, asegura, al mismo tiempo que señala una pequeña botella de Angostura con aspecto de antigua. Y concluye: “Son clásicos porque con dos o tres ingredientes crean sabores más complejos y balanceados que cualquier otra mezcla”. + www.homebuenosaires.com

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+ Coelho Love Book

Catalina Estrada Magia pura Si tuviese que elegir vivir en el mundo de un artista que no sea el mío, no dudo ni un instante que el universo de la ilustradora colombiana Catalina Estrada me haría sentir que estoy tocando el cielo con las manos. Sus imágenes irradian una luz que hipnotiza, causando una adicción a una red de patrones coloridos, orgánicos y preciosos que nos envuelve y acoge en el inﬁnito. | Texto: Fernanda Cohen, ilustradora argentina www.fernandacohen.com

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Ilustración

Su historia empieza en la casa donde se crió y mamó el amor por la naturaleza, los animales y la decoración. Catalina me cuenta que “La casa estaba llena de cosas muy especiales, y pintada de muchos colores […]. Mi madre siempre ha tenido un concepto muy personal de la estética, y así fue llenando su casa de objetos fascinantes, que tal vez en otro lugar no se habrían visto lindos, pero en mi casa todo cobraba vida y belleza”. Escuchar su descripción parece como un déjà vu, que nos transporta de inmediato de los recuerdos de su infancia a su mundo artístico actual… A Catalina siempre le gustó jugar con colores, como suele pasar con gente como nosotros, lo cual la llevó a estudiar arte y luego diseño gráfico en la Universidad Pontificia Bolivariana de Medellín, donde se graduó en 1998. Allí aprendió a trabajar en moda, tipografía, ilustración e ingeniería de papel, lo que le sirvió para ser freelancer por un par de años, hasta que decidió explorar otras opciones y, de viaje en viaje, terminó en Barcelona. “Me encontré con una linda escuela de arte, la Lotja, donde decidí matricularme en litografía. En principio, la idea era sólo quedarme un semestre, pero poco a poco me fui enamorando de la ciudad, y me fui quedando sin pensarlo mucho”. Ya estaba llegando al 2000, y con el objetivo de juntar arte y comercio, Catalina se compró una laptop que la devolvió al mundo del diseño gráfico, pero esta vez, con una voz mejor definida y más propia. Entre trabajos de caridad para fundaciones colombianas y amigos DJs que le daban un espacio para expresar su arte, logró tener la visibilidad necesaria para que la encontraran futuros clientes. Se emociona cuando dice que “Fue una gran sorpresa cuando me escribieron desde la editorial alemana Die Gestalten Verlag para decirme que querían publicar mis trabajos en un anuario de ilustración. Para mí, ese fue el principio de mi carrera como ilustradora. Hasta ese momento, no sabía que era algo de lo que se podía vivir”. DE ESTILO LIBRE El estilo de Catalina viene de una fuente de inspiración tan profunda y auténtica, que se percibe como un laberinto eterno e indescifrable. Sus ilustraciones incentivan la libertad, el vuelo, y una magia que sólo se comprende cuando se está enamorado. Me interesa saber cómo fue su evolución, si es que se puede describir en pasos, a lo que me responde que “fueron bastante cruciales los trabajos voluntarios + Foto: Pancho Tolchinsky

+ Ilustraciones para Camper

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+ Ilustraciones para Coca-Cola y Microsoft

para esas fundaciones en Colombia. La gran ventaja que le veo a este tipo de comisiones es que, al no ser pagas, tienes más libertad a la hora de decidir cómo quieres hacerlas; y la mejor compensación en esos casos, es cuando quedás absolutamente satisfecho con los resultados. El hecho de que las editoriales quisieron publicar esas mismas imágenes, también me dio mucha seguridad para seguir trabajando de la manera en que me gustaba, y de reafirmar mi estilo para poder seguir desarrollándolo”. Su estilo particular, toma de Colombia la obsesión por el color, la naturaleza y las formas orgánicas; y de Barcelona el modernismo catalán, la cultura cosmopolita, y su riqueza inherente que te toca todos los sentidos. Ella lo describe como “Obsesivo por los detalles, colorido, saturado y equilibrado. Mi inspiración viene de las artes y oficios, la música, el cine, salir al mercado a hacer las compras, hablar con amigos, comer, cocinar, hacer jardinería, salir de paseo al campo el fin de semana, viajar, visitar la familia… Casi encuentro inspiración en todas partes”. PATRONES INCONFUNDIBLES Todo artista tiene sus cositas que lo identifican, lo persiguen y lo distinguen del resto. Tales se refieren a esas pequeñas repeticiones que arrastramos de imagen a imagen -en parte sin poder evitarlo-, y en parte con toda la intención de crear un estilo que sea reconocible con la ayuda de la perseverancia y el correr del tiempo. Las ilustraciones de Catalina llevan muy marcado este tipo de sello, usando el diseño de estampado como uno de los líderes de su dulce batalla. “Trabajo bastante para el mundo textil, me encantan las modulaciones, los caleidoscopios, las simetrías… creo que es bastante obvio en mi trabajo. Y no sé por qué, pero me encanta crear estampados, sea para telas, para papeles, o para donde sea que puedan aplicarse”. Su proceso de creación, donde estas repeticiones cobran vida, me intriga, me da cosquillas, me entretiene el sólo imaginarlo. Catalina describe que “Cuando es para clientes, voy directo a la computadora, bocetos y todo; muy pocas veces tengo tiempo de hacer bocetos a mano. Intento siempre presentar la primera idea, lo más desarrollada y cercana posible a lo que tengo en mente. Creo que mi lenguaje y mi trabajo están mucho en los detalles, las texturas, los colores; y estas cosas no siempre son fáciles de imaginar para los clientes, así que intento ir directo al grano con los detalles, sin importar el

tiempo que requiera para enriquecer la imagen que he de presentar. Algunas veces, esta imagen es la final, con algunos cambios y pequeños ajustes”. SU MUNDO PROPIO A pesar de mantenerse bastante ocupada con clientes como Paul Smith, Coca-Cola, Nike, Levi’s, Sony y Paolo Coelho, entre tantos otros, Catalina se las ingenia para hacerse de tiempo extra para elaborar proyectos personales que eventualmente son exhibidos en galerías de arte en España, Estados Unidos y Colombia. Lo que suele pasar, es que lo que uno hace para uno, se enfoca en lo que uno mejor conoce y, por ende, saca lo que uno mejor tiene para dar, lo que es seguido por aquellos clientes que pueden reconocer esa luz interna y buscan reproducirla para su marca. “Cada exposición tiene un tema diferente, algo que me mueve en una época; un tema que tengo dándome vueltas en la cabeza y decido materializarlo. Entonces, me pongo en ello como si fuera un proyecto para un cliente, con fecha de entrega y todo, si no, nunca encontraría el tiempo para hacerlo. La diferencia con los proyectos comerciales, es que cuando trabajo en estas piezas, no estoy intentando darle el gusto a nadie, no me importa si se venderán o no, porque por suerte para eso tengo los proyectos comerciales. Así que son piezas caprichosas en las que lo único que me importa es que yo quede satisfecha, que logre materializar esas imágenes, esas ideas e historias que tengo en la mente”. QUÉ SE VIENE Antes de partir del mundo de Catalina en el que me siento como un Teletubby cabalgando un Pequeño Pony, le pido que me adelante un poco del próximo capítulo de sus aventuras ilustradas. “Últimamente, estoy bastante dedicada a formar mi propia marca. Pronto saldrán algunas colecciones de ropa de cama, de maletas de viaje y de vajilla, pero al mismo tiempo, sigo trabajando para clientes cuando son proyectos que me ilusionan. Justo ahora, me ha llamado la Alcaldía de Barcelona para encargarme el Cartel de las Fiestas de la Mercè, que son las fiestas mayores de Barcelona, ¡un gran honor! En lo que es mi arte personal, estoy investigando intensamente el universo del ganchillo (crochet), para empezar a trabajar en mi próxima exposición”. Ahí estaremos para apoyarte entre flores multicolores, animales silvestres, y personajes encantados. + www.katika.net

+ Estampas para Paul Smith

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música

Pablo Dacal Al futuro con la canción En su nuevo disco El Progreso, Pablo Dacal nos ofrece una visión hacia adelante. | Texto: Germán Andrés. Foto: Jorge Aragón

personas creativas

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música

Cantautor nacido en Buenos Aires, vivió en Rosario y tiene más de cinco discos publicados, en banda o como solista. Bohemio y político, viene de la cultura rock, pero siempre ha sabido ubicarse por fuera de esa escena, en un lugar personal. Pablo Dacal es un trovador urbano, que ya se ganó el respeto de sus pares y contemporáneos, además de un público fiel y cada día más heterogéneo. Todo a base de andar los caminos de la canción, no sonar en las radios, vivir la urbanidad poética y no callarse nada. + ¿Cómo es el proceso de creación de una canción? PD Las canciones son para mí una condensación del cotidiano: las ideas de los días, conversaciones, lecturas y escuchas, algún hecho las detona y pone en acción, una melodía o frase aparece y el camino se traza. Después viene el trabajo, por supuesto: tomar la guitarra, pasar al piano, escribir, cantar, y la canción se construye. El desarrollo del oficio y la escucha atenta de la inspiración; estar preparado cuando algo acontece. A veces quiero decir algo en particular o trabajar sobre un tipo de canción que comienza a sonar dentro mío en forma más consciente. Pero claramente distingo un momento en que la canción existe, cobra una identidad determinada y hay que saber escucharla, tomar una cierta distancia para darle lo que necesita. Y al trabajar como productor, como en este caso, hay un distanciamiento mayor. Esa máquina de sentido expuesta ante otra mirada, tiene cosas nuevas para decir. + ¿Y cómo llegás a darle forma a un disco? PD Con respecto al disco, el proceso es el mismo en una escala más amplia: lo veo un poco como las cajas chinas o las muñecas rusas, una dentro de otra formando un cuerpo más grande. Física y matemática para liberar el espíritu. + ¿Cuánto de la música en este álbum te aleja o diferencia de tus trabajos anteriores? PD En cuanto a la composición, creo que es más urbano y crudo que los anteriores, menos inocente, más distorsionado y lleno de palabras, lugares, historias y opinión crítica. En cuanto al sonido, hay una diferencia notoria: abandoné los instrumentos y colores clásicos con que venía entretejiendo las canciones para condensar toda la rítmica en guitarra, batería y voz, y sobre eso y algunas líneas melódicas, dejé que el maestro Cutaia -Ezequiel, productor del disco- derrame su pintura lisérgica. Comenzamos a sumar timbres y a invitar músicos que aporten su estilo y determinados sonidos. El resultado es bastante psicodélico y atípico, comprimido y estallado, con muchos elementos y vacío a la vez, no del todo cuantizado y con grandes agujeros temporales, pasado y futuro confluyendo en el presente mismo. + ¿A qué tradición creés pertenecer en el marco local? PD No veo a la tradición como un linaje en el que inscribirme o un club del que pueda formar parte. Lo mío es la canción porteña. Soy un chico de Almagro, pero conozco los estilos del continente, soy viajero, y atesoro las huellas que cada autor deja en mí, cada intérprete y artista del mundo. Busqué una identidad en la canción de autor de aquí, de Europa y América. Ahora quiero hacer algo con ella, intervenir lo establecido con mi garganta. Me gustan los cantores de comienzos de siglo, la pasión liberada de los años sesenta, nuestro aullido en los ochenta, y la voz de mi generación.

+ ¿Cuál es tu idea del progreso? PD Una bastante diferente a la que impera en el mundo: prefiero el riesgo a lo seguro, el movimiento a lo estable, la libertad a la propiedad. Ni viejo ni nuevo, por fuera del tiempo. El único progreso posible duerme dentro nuestro, y estoy buscando despertarlo. EL PROGRESO – PABLO DACAL (Ojo! música. Argentina, 2011) Esta obra empieza con una canción llamada “Desorientado”, y cierra con “Canción de hoy”, lo cual no es un detalle menor, teniendo especialmente en cuenta el nombre del disco; y nada en la música de Dacal es menor o leve. La pasión bohemia, el carácter crítico y la idea poética del momento presente pujan en cada paso de este trabajo, y es su principal valor. El talento de este autor de canciones no radica en un gran despliegue rítmico o estilístico. Y está bien, pues hace música popular. Tampoco hay que esperar o buscar un sonido novedoso ya que, si bien en la carrera discográfica de Dacal este disco significa cierto cambio estético dejando atrás la instrumentación –digamos, orquestal y bien acústica-, para usar una formación más típica del pop/ rock, no hay en El Progreso una idea pretenciosa con el audio; es correcto. Podríamos decir que es el álbum del cantautor en el que más se deja oír la influencia Beatles. Tiene su impronta de folk actual, con cierta oscuridad, pero que no tapa el optimismo. Esta producción sale simultáneamente en España y aquí; con sus diez canciones autoría de Pablo (en algunos casos, compartida con su esposa, y en uno con el escritor Pipo Lernoud), más un fragmento instrumental en el medio, que funciona como separador. Entre los músicos invitados que participan, se destacan las intervenciones en canto de Fito Páez y Palo Pandolfo. La gran estrella del disco son las canciones como células de un universo mayor, las palabras y lo que dicen como un todo. Pues el gran alcance a futuro que posee El Progreso está en lo que sus canciones generan. + www.myspace.com/salonerias

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adidas Originals MEGA

+ MEGA Torsion RSP II

Entre lo funcional y lo urbano En marzo de 2011, adidas Originals lanzó a nivel mundial un nuevo concepto de calzado: MEGA, que ofrece dos de las más icónicas tecnologías de adidas, reinterpretadas para el joven de hoy. Inspirándose en las tecnologías funcionales “Torsion” y “Soft Cell”, que tienen sus orígenes en el calzado deportivo de los años 80, el concepto MEGA los amplía y moderniza para lograr un estilo urbano, respondiendo a la necesidad del consumidor actual, que busca calzado de tiempo libre con una apariencia deportiva. La tecnología Torsion surgió a ﬁnes de los años 80 con los modelos ZX, y ofrecía al atleta una mejor adaptación al suelo mientras hacía deporte. Una parte integral del sistema fue llamada la barra Torsion, que actúa como un mecanismo de plástico ﬁrme y estable debajo de la suela media, para asegurar que el pie descanse sobre una plataforma estable mientras se empuja. El modelo adidas Originals MEGA Torsion toma la misma idea y la amplía, para ofrecer mayor comodidad y diseño en las calles.

Por su parte, MEGA Soft Cell apareció a principios de la década del 80. Esta tecnología de capellada ﬂexible para deportes de alto impacto como correr o jugar al básquet, posibilitaba la amortiguación necesaria para desempeñarse al más alto nivel. Hoy, adidas Originals saca este sistema de amortiguación a las calles y lo combina con mayor amortiguación, comodidad y estilo, logrando un estilo visual renovado. Además, para la temporada primavera 2011 – verano 2012, la línea extenderá su oferta, con la introducción de MEGA Vario como un tercer pilar, que reﬂeja la continuidad de la exitosa historia de MEGA y está dirigido al público masculino. Este modelo capitaliza las tecnologías históricas y les agrega valiosos detalles. Para la mujer, también introduce MEGA Dance, reviviendo los años 80, con una versión en caña baja y otra balerina. + www.adidas.com

ideas creativas

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moda

+ MEGA Soft Cell BHM

+ MEGA Soft Cell RH

+ MEGA Soft Cell RL

+ MEGA Soft Cell RL W

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+ La serie Take & Make del colectivo escandinavo Aker Collective propone a los consumidores crear sus propias luminarias. www.akercollective.com

Feria del Mueble de Estocolmo Innovación y diseño escandinavos Entre el pasado 8 y 12 de febrero, se celebró la Stockholm Furniture Fair, punto de encuentro del diseño nórdico por 60 años. Greenhouse es el espacio que destina esta feria para presentar propuestas innovadoras de diseñadores independientes y escuelas de diseño desde una mirada sueca. | Texto y fotos: gt_2P, estudio chileno de arquitectura y diseño paramétrico y fabricación digital.

La Semana del Diseño de Estocolmo se ha ido consolidando como un gran evento que logra reunir exponentes del diseño, tanto nuevos como experimentados, en diversos puntos de esta ciudad que se posiciona como la capital del diseño escandinavo. Durante esta semana, la ciudad entera se ha convertido en un “showroom”, con múltiples eventos y exhibiciones en museos, galerías y tiendas, para celebrar el diseño como expresión cultural y en su sentido más comercial, en torno a las Stockholm Furniture Fair y Northern Light Fair, las dos exhibiciones más potentes de diseño nórdico.

quien diseñó el hall principal, buscando incitar sensaciones físicas, mentales y emocionales en los asistentes. Él mismo lo describió como “un lugar enfocado en la gente, en donde pueda ser sociable, relajarse, conectarse a Internet y conocer a otros”.

Este año, la Feria del Mueble de Estocolmo logró reunir cerca de 750 expositores, entre diseñadores, ﬁrmas reconocidas, escuelas y fabricantes, y más de 38.000 visitantes. Aunque predominó la presencia de países escandinavos (Suecia, Noruega, Finlandia y Dinamarca), asistieron visitantes de más de 50 países del mundo, a pesar de las tormentas de nieve que se repitieron durante la semana.

Una de las novedades de la Feria fue el lanzamiento del proyecto Hello. Una exhibición de productos de expositores de la feria, acompañada de conferencias que analizan el dónde, cuándo y cómo se desarrollan las reuniones, en un mundo de rápida evolución tecnológica y nuevas estructuras de trabajo. Hello aborda desde el comportamiento y las formas de comunicación, hasta las tendencias en diseño y materiales que generan un entorno propicio para desarrollar reuniones laborales exitosas. El montaje de la exhibición estuvo a cargo de la agencia Uglycute, y entre los panelistas se destacaron reconocidos arquitectos, diseñadores, investigadores, futurólogos y empresarios de Synovate, FX Palo Alto Laboratory, Form Us With Love y Monica Förster.

Por octava vez, contó con la participación de un invitado internacional para crear un área lounge. En esta oportunidad, fue Arik Levy

Designboom Mart, por su parte, también hizo su aporte como ha hecho en otras ferias alrededor del mundo. Éste se ha convertido en un

ideas creativas

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diseño

+ Espacio de gt_2P en Greenhouse. www.gt2p.com

+ Diseños de alumnos de la Linköping University, Suecia. www.liu.se

verdadero mercado patrocinado por el reconocido blog, en donde 35 estudios jóvenes presentan y venden personalmente sus productos de fabricación propia y edición limitada. Cinco de los participantes de este stand eran latinoamericanos: Grupovibra Spa (Chile), Oiti Design (Brasil), Matías Perrier (Uruguay), The Andes House (Chile), Siammes Estudio (Ecuador). JÓVENES TALENTOS Un pabellón que logra cautivar la atención del público es el de Greenhouse, la plataforma para diseñadores independientes y escuelas de diseño de esta Feria. Es fácil identiﬁcar este pabellón por la innovación en los productos y conceptos que allí se presentan. Además, abre el espacio para que jóvenes diseñadores de todo el mundo adquieran experiencia, se acerquen a fabricantes y clientes potenciales, y expandan su red de contactos. El único representante latinoamericano en esta muestra fue nuestro estudio gt_2P, seleccionado por sus productos basados en diseño paramétrico y el concepto de “ADN para generar familias de productos”. Así como nosotros, los diseñadores y estudios participantes fueron seleccionados por un reconocido jurado, compuesto por Anna von Schewen, Matti Klenell, David Carlsson y Louise Campbell. Muchos reconocidos diseñadores han impulsado sus carreras con su presentación en Greenhouse, entre ellos: Nendo, Front, Folkform, Save our Souls y Jens Fager. Este último diseñador sueco, inspirado en el color, el humor, la alegría y el toque de locura del circo, creó el espacio destinado para la exhibición de Greenhouse. De igual manera, estuvo a cargo de UNG8, una muestra itinerante que por octavo año presenta una selección de productos desarrollados exclusivamente por jóvenes diseñadores suecos. La Stockholm Furniture Fair es una gran muestra de diseño, mezcla de nuevos talentos y ﬁrmas consolidadas, en donde unos y otros presentan, buscan y están atentos a propuestas innovadoras en diseños, materiales y conceptos. Éste es el potencial que tiene la feria para ofrecer al que busca la vanguardia o una oportunidad en el mundo del diseño, siempre con una perspectiva escandinava. + www.stockholmfurniturefair.se

+ Buckle Up de Heidi Borthne para DesignStudio. www.heidiborthne.com

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Embajadores Nokia Mensajeros de la tecnología Tres originales emprendimientos se coronaron ganadores entre más de 1.500 proyectos y se convirtieron en Embajadores Nokia. Utilizaron lo último de la tecnología para mejorar el medio ambiente, concretar anhelos y hasta viajar por el continente. | Texto: Leila Mesyngier

Viejas bicicletas rediseñadas de manera artesanal y bajo un proceso más ecológico que industrial, que permite recargar la batería del celular al pedalear. Un vehículo eléctrico de tres ruedas para personas con discapacidad que posee una computadora para controlar los consumos, un GPS y mapas de OVI. Un colectivo reciclado con plasmas, cámaras de parking y estéreo con Bluetooth, preparado para viajar por toda América Latina. Estos tres originales y creativos proyectos resultaron ganadores del Programa de Embajadores Nokia, una iniciativa desarrollada por la empresa de celulares ﬁnlandesa en la Argentina. “¿Qué te gustaría hacer con la tecnología?” fue el lema que convocó a más de 1.500 proyectos y 15.000 participantes a través de las redes sociales. Un jurado multidisciplinario que representó al cine, la tec-

nología, la cultura y el arte fue el encargado de seleccionar a los diez ﬁnalistas y los usuarios, con más de 43.000 votos, deﬁnieron los primeros tres puestos. Los 50.000 pesos que recibió cada equipo vencedor fueron utilizados para armar los prototipos de sus inventos y colocarles lo último de la tecnología de Nokia. Fue una decisión difícil para el jurado, integrado por Lalo Zanoni, periodista digital, blogger y director de Tercer Click; Esteban Seimandi, director, creador del proyecto Cartele; Eduardo Lizaso, Music Resources Manager; y Ana Lisa Alperovich, directora de la organización Diseño Sustentable. Debían preseleccionar diez iniciativas que respetaran la consigna de factibilidad en un corto tiempo y con la cantidad de dinero estipulada. Además, debían ser creaciones que utilizaran la tecnología y que involucraran disciplinas representativas de distintas áreas.

+ Javier Natan Burta y su equipo obtuvieron el primer premio como Embajadores Nokia por su proyecto Monochrome, que consiste en reciclar bicicletas y convertirlas en piezas sustentables a través de la tecnología.

ideas creativas

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diseño

“Ya habíamos trabajado con la comunicación en las redes sociales en un proyecto de 2009 y ahora queríamos buscar la manera de hacerlo desde un punto de vista más tecnológico, desde un lugar aspiracional. Queremos que el Embajador sea una persona que represente a Nokia por sus valores y nosotros somos una compañía muy humana, que acercamos a la gente a las cosas que le gustan a través de la tecnología”, explica Mariela Arce, Gerente de Campañas de Consumo de Nokia. Así surgió la idea de convocar a diferentes tipos de proyectos, en diversas disciplinas, “donde la tecnología hiciera una diferencia importante en la vida de las personas”, agrega Arce. + ¿Cuál es la evaluación de este segundo Programa de Embajadores? MA Fue una sorpresa. Cuando iniciamos la acción pensé que íbamos

a tener muchísimos menos participantes porque la convocatoria pedía un registro importante de la idea y se iban ﬁltrando para que sean reales y no locuras. Lo más agradable fue ver el nivel de respuesta de la gente, darse cuenta de que hay un montón de personas en la Argentina que están desarrollando cosas interesantes y que necesitan el apoyo y el aporte de empresas y del Estado. + ¿Cuál fue la respuesta respecto a la tecnología? MA El uso de la tecnología nos sorprendió, venían con ideas muy buenas. Una de las cosas que más me llamó la atención es que además de la multiplicidad de ideas, hubo muchas originales. Tenemos un target deﬁnido que tiene que ver con los jóvenes, pero dentro de ellos, los que adoptan la tecnología más tempranamente y que están a la vanguardia de estas ideas y del manejo de las nuevas herramientas de comunicación.

+ Trimove (de Maximiliano Carella y equipo, segundo premio) es un vehículo eléctrico para personas con discapacidad, que posee una computadora que controla los consumos y la autonomía del equipo y el GPS de Nokia en un N97 mini dentro del tablero con los mapas de OVI y los puntos accesibles para discapacitados.

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+ Junto a nueve amigos, Ezequiel Lago desarrolló Motorhome, un colectivo reciclado, con toda la tecnología necesaria para viajar por Latinoamérica.

+ ¿Cómo fue el encuentro con los ganadores? MA Es la primera vez que esta actividad tiene un costado un poco más social; nos gustó mucho hacerlo. Entre los proyectos había cosas muy interesantes y fue muy difícil para nuestro jurado votar. Los ganadores son muy distintos y el mensaje de la tecnología es que sirve para que un proyecto tenga una instancia comercial o simplemente sea para divertirse. PEDALEANDO SIN PARAR La combinación de una vida sana y al aire libre, los valores de la sustentabilidad y lo artesanal y la pasión por las bicicletas fue lo que llevó a Javier Natan Burta y su equipo a obtener el primer premio como Embajadores de Nokia. El proyecto Monochrome se fue desarrollando mientras investigaban cuál era la situación actual de las bicicletas en Buenos Aires. Se encontraron con partes amontonadas en las bicicleterías de barrio, que hasta se vendían como relleno de terrenos. Entonces, para comenzar a recuperarlas, se plantearon varias premisas: la implementación de procesos de fabricación respetuosos del medio ambiente, la utilización de recursos nacionales que fomenten la industria local, la simplicidad del producto ﬁnal, y la calidad en tanto mayor vida útil y consumo responsable. Así, dieron marcha al emprendimiento con ayuda de las herramientas innovadoras. “La tecnología inﬂuyó mucho a la hora de desarrollar uno de los modelos de Monochrome, que cuenta con la posibilidad de cargar el celular a medida que uno va pedaleando. La idea consta de un dínamo central ubicado en la masa de la rueda delantera que, a través de un conector mini USB, brinda energía para poder cargar el celular. Esto le permite al usuario poder disfrutar de andar en bici utilizando la navegación con GPS, sin necesidad de consumir batería o ir recargándola a medida que pedalea. Así, cuando se sube a la bici no sólo se está utilizando un medio de transporte sustentable, sino que también se está recargando el celular de igual forma”, explica Burta. Con el premio de Nokia comenzaron a producir las primeras bicis y accesorios para lanzar al mercado. TODO SOBRE RUEDAS La idea del Trimove surgió cuando Maximiliano Carella fue diagnosticado con un problema en la columna que requería una operación con riesgo de discapacidad motriz. Finalmente, nada de esto ocurrió, pero el protagonista de la historia junto a tres amigos, decidió construir un vehículo de tres ruedas que pudiera ser conducido desde una silla de ruedas, y que tuviese acceso y salida autónomos. “La clave de la

innovación de Trimove tuvo foco en la aplicación de diversas tecnologías para la materialización de la idea. Por un lado, la vinculada a los motores y electrónica, que son muy novedosos, y, por el otro, la integración al mundo de las comunicaciones. El uso del celular y otros equipos de Nokia nos permitió incluir un medio de interacción para mejorar la movilización de las personas. Usamos un equipo Nokia y el servicio de Mapas en Ovi, a través del cual agregamos otros con puntos accesibles para personas que usan silla de ruedas. De este modo, mediante el GPS del equipo, sumamos interacción y direccionamiento para las ciudades”, explican sus creadores, quienes primero realizaron algunos bocetos y luego trabajaron en 3D. “Ganar el concurso nos dio la posibilidad de acceder a capital para el desarrollo del producto y, sobre todo, el gran prestigio que implica que la empresa de tecnología N°1 del mundo apoye nuestro proyecto, que tiene incluso un valor simbólico mucho mayor. Parte de nuestra misión es contribuir con la integración social y el medioambiente, y resulta importante contar con el apoyo de Nokia”, concluyen. RUTAS LATINOAMERICANAS Una noche cualquiera, durante una comida, Ezequiel Lago y sus nueve amigos elaboraron un plan que se empeñaron en lograr: querían viajar juntos y pensaron que la única manera de hacerlo era en un colectivo que los albergue a todos. El Motorhome debía ser un vehículo lo suﬁcientemente grande y con toda la tecnología necesaria para convertirlo en un lugar funcional y cómodo para diez personas. Y así como el proyecto surgió en un espacio informal, también el proceso creativo comenzó de manera impulsiva. “Miles de ideas y agregados para transformar el colectivo surgían a diario y había que organizarse. Por eso, nos dividimos las tareas de acuerdo a las fortalezas de cada uno. Algunos simulaban ser mecánicos, otros tomaban el proyecto como si fuese un trabajo práctico para su carrera de arquitectura y diseñaban el interior. Nos delegamos las tareas y nos conectábamos para investigar sobre todo, para conocer la mejor opción ante cada problema. El desafío fue aprovechar el premio de la mejor manera posible. La creatividad era un factor común a la hora de realizar cualquier reforma o diseño, ya que debíamos combinar practicidad y complejidad con bajos costos”, cuentan. Finalmente, durante el verano, el Motorhome los llevó por América Latina y todavía “funciona como excusa para mantener una amistad viva y conectada”. + www.nokia.com.ar/embajadores

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Salón de Detroit Un salón sobre ruedas La última edición del Salón Internacional del Automóvil de Norteamérica (NAIAS), que se celebró del 10 al 23 enero en Detroit, fue el escenario donde más de sesenta lanzamientos mundiales se realizaron. | Texto: Elvio Orellana

+ GM Sierra All Terrain HD

Luego de dos ediciones (2009 y 2010), en donde la ausencia de muchos fabricantes de automóviles estuvo signada por una marcada crisis mundial, el Salón del Automóvil de Detroit parece haber recuperado su pulso habitual para este 2011. Así lo dejaron entrever una marcada asistencia de público y una nutrida presencia de stands, plagados de novedades y adelantos que pronto llegarán por estas latitudes. A continuación, las primicias automovilísticas más resonantes de la mano de sus respectivas marcas. BMW presentó varias novedades a nivel mundial, pero hubo dos que nos cortaron la respiración. La primera de ellas fue el Serie 1 M Coupé, un deportivo con chasis de competición, de bajo peso y soluciones aerodinámicas poco convencionales para este mercado. Se trata del modelo más chico de la familia M, y está impulsado por un motor 6 cilindros en línea de 350 CV, capaz de alcanzar los 250 km/h. El otro modelo de la ﬁrma bávara que promete seducir a los amantes del viento en la cara, es el Serie 6 Cabrio, un deportivo de cuatro plazas con capota de lona. Dueño de una imagen mucho más deportiva que su antecesor y con medidas retocadas (4,89 metros de longitud, 1,89 metros de ancho y 1,36 metros de

+ BMW Serie 6 Cabrio

ideas creativas

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vehículos

+ Kia KV7 Concept

+ MINI Peaceman

+ Ford C-Max Energi

+ BMW Serie 1 M Coupé

alto), el Serie 6 Cabrio con su motor V8 Twin Power Turbo de 400 HP, se ubica en la cima de los coches de lujo de la marca alemana.

de alto) y su potente motor V8 diesel de 6.6 litros, capaz de alcanzar 397 CV de potencia.

Como dueños de casa, Ford presentó diez novedades para el mercado estadounidense, de las cuales la mayoría llegará a nuestro país a partir del 2012. Lo más destacable de todo, fue la nueva familia de productos derivados de la plataforma global del Segmento C, que llegará a más de 120 países con las mismas conﬁguraciones. Entre ellos, sobresalieron el Focus 3 y el C-Max, un monovolumen muy similar el Gran C-Max europeo, pero con nuevo grupo óptico, una parrilla cromada, llantas de 17 pulgadas y dos nuevos motores: un 2.5 de 168 CV y un 1.6i Turbo de 180 CV. También hubo lugar para adelantar lo nuevo de la marca en lo que a energía alternativa se reﬁere, destacándose el Focus Electric, el C-Max Energi y el C-Max Híbrido.

Desde el lado de la ﬁrma surcoreana Kia, la novedad más reveladora estuvo centrada en el KV7 Concept, un monovolumen que tiene puertas traseras con apertura de alas de gaviota, puertas delanteras convencionales, piso plano, faros alargados y asientos que giran 360 grados. Su paso a la producción por el momento se desconoce, pero se especula que el KV7 sería el futuro hermano mayor del Kia Soul, el cual también nació como prototipo, para luego convertirse en auto de serie.

General Motors, la otra marca local que preparó una sorpresa para esta edición del Salón, exhibió un vehículo por el que el público estadounidense tiene debilidad. Se trata de una versión extrema de su pickup Sierra, llamada Sierra All Terrain HD. Entre los atributos de esta bestial camioneta, que por ahora es un prototipo, se destacan sus grandes dimensiones (5 metros de largo, 1,8 de ancho y 2 metros

Por último, otro stand que demandó muchos ﬂashes de cámaras fotográﬁcas fue el de MINI, donde se exhibió un prototipo de dos plazas llamado Monor, que será aún más pequeño que el MINI actual. Además de este prototipo, también se presentó el MINI Paceman Concept, una nueva carrocería de MINI que se asemeja al nuevo Countryman, pero en versión de tres puertas. El Paceman contará con llantas de 19 pulgadas, y una silueta lateral muy deportiva y agresiva. Respecto de su motorización, la misma será de 1.6 litros de 211hp, con tracción 4x4. +

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+ Baldomero Braga y Mariano Antonio de American Tattoo (Argentina) plasmaron su arte en la colección de Puma.

Puma Tatt200 100% hecho en LatAm Puma sorprende nuevamente con un proyecto multidisciplinario y regional, que combina el arte del tatuaje, la música, el documental y el diseño de nuevos productos. Con exponentes latinoamericanos, Tatt200 abre las puertas de manera novedosa a una disciplina que da para hablar: el tatuaje. | Texto: Jorgelina Peciña

Ya sea como estrategia de marketing y posicionamiento, las marcas saben que trabajar en acciones creativas y artísticas tiene un impacto en sus consumidores. Sin embargo, utilizar estas disciplinas representa un desafío. Ya no vale hacer acciones aisladas, sino que la marca debe asumir un real compromiso con el movimiento artístico. Mientras algunas compañías se quedan en el camino, otras marcan tendencia, como es el caso de Puma. Como una forma de celebrar la identidad y representar el espíritu de América Latina, Puma diseñó un proyecto creativo, llamado Tatt200, inspirado en cuatro importantes capitales de la región: Buenos Aires, Ciudad de México, Santiago y San Pablo. Ideado, diseñado y producido en su totalidad en Latinoamérica, el proyecto cuenta con el desarrollo de una colección de vestuario, calzado y accesorios realizada por destacados tatuadores. Ellos son: Baldomero Braga y Mariano Antonio de American Tattoo, ambos de Argentina; Markone de Brasil; Gabriel Púas de Chile y Lalo Silva de México. Todos ellos plasmaron su arte en la disciplina en los productos de la colección, combinando al mismo tiempo su visión particular de cada ciudad, donde se destacan elementos de la historia y la idiosincrasia de cada cultura.

ideas creativas

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moda

+ Markone (Brasil)

+ Gabriel Púas (Chile)

+ Lalo Silva (México)

+ Calzados estampados por los tatuadores de Brasil, Chile y México.

La colección de siete productos por país -compuesta por hoodies, t-shirts, zapatillas y bolsos-, representa un tributo a cada ciudad y a todos aquellos que han sido parte del desarrollo histórico y cultural de cada una de ellas. Se trata de una colección de edición limitada, que cuenta con setenta unidades por producto, convirtiéndose cada uno en una pieza de colección. VER PARA CREER Junto con la ejecución de la colección, se elaboraron cuatro documentales que plasman el desarrollo del proyecto, que llevó a los equipos de Puma en Argentina, Brasil, Chile y México a trabajar en conjunto y sin descanso por más de un año. La productora chilena Sólo por las niñas fue la encargada de ﬁlmar y coordinar esta producción. El proyecto estuvo a cargo de Álvaro Ceppi, director de la serie de documentales Puma Tatt200 y su equipo. Dichos documentales se presentaron durante el mes de febrero y, actualmente, están disponibles en el minisitio desarrollado por Puma para esta colección, tatt200.puma.com. Allí también se exponen los perﬁles de los tatuadores convocados, el proceso de diseño y los resultados de sus trabajos, junto con la posibilidad de descargar la música especialmente compuesta para el proyecto por los chilenos New Kids on the Noise y DJ Caso, y de participar en un concurso por un exclusivo tatuaje de la colección. Al igual que el proyecto, la venta de la colección estará limitada a la región. La distribución será exclusivamente en las tiendas American Haus en Argentina (preventa escribiendo a info@americantattoo.com.ar), Visionaire y King Sneakers en Brasil, Zoo en Chile y Sicario en México, a partir de marzo de 2011, luego de la gira de lanzamiento que contempla eventos en las cuatro ciudades representadas. + www.puma.com | tatt200.puma.com

DE PROFESIÓN, TATUADOR Baldomero Braga y Mariano Antonio (Argentina). El viaje iniciático para Mariano fue hace veinte años, a Los Ángeles. Volvió y fundó American Tattoo, el estudio de tatuajes más famoso el país. Hace sólo tres años, se unió Baldo para empujar desde líneas de ropa hasta acciones de prensa que transmitan el espíritu de la cultura del tatuaje. www.americantattoo.com.ar Markone (Brasil). Marcos Vinicius Gonçalves arrancó haciendo graffitis en las calles de San Pablo, allá por 1995. Luego de hacer trabajos para bandas y marcas, incursionó en el mundo del tatuaje, donde parece estar más que cómodo. Sigue pintando, muchas veces usando como tela la piel de algunos famosos. www.markone.com.br Gabriel Púas (Chile). Su primer tatuaje fue casi por casualidad, y tuvo suerte, porque al poco tiempo se fue de viaje por Canadá, donde aprendió el oficio de la mano de especialistas en el tema: Waycool Tatoos y Tat-A-Rama Tattos. www.puastatuajes.cl Lalo Silva (México). Tatuador precoz, comenzó en la actividad a los 17 años. Estudió diseño gráfico y cuenta en su haber con varios reconocimientos a su trabajo, entre ellos, el 1º puesto en la Expo Internacional Monterrey Nuevo León. www.evolutiontattoo.com.mx

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+ De Motorola, la tableta Xoom y el teléfono Atrix, que posee como accesorio un teclado con pantalla que lo transforma en notebook.

Computadoras Más allá de la PC El avance de las tabletas y los smartphones muestran un futuro en el que la computadora creada por IBM hace treinta años deja de ser el centro de la escena informática.

| Texto: Ricardo Sametband

Cuando en junio de 2010 Steve Jobs proclamó el fin de la era de la PC, pocos dudaron de sus palabras. Después de todo, era un tema que se venía debatiendo desde hacía tiempo, pero nadie supuso que habría tantas novedades al respecto tan rápido. Desde su nacimiento, hace casi treinta años (el 21 de agosto de 1981), la computadora personal ha crecido bajo el signo de dos compañías: Intel y Microsoft. La primera, definiendo el cerebro electrónico que llevan los equipos, comenzando por el procesador modelo 8086 (y que define a su arquitectura, es decir, a la manera en que funciona ese chip, como x86); y la segunda, ofreciendo siempre un sistema operativo desarrollado para esos chips. A mediados de la década pasada, Apple también se sumó a la arquitectura x86 al comenzar a usar los productos de Intel, abandonando

el PowerPC de IBM. Por eso es que hoy es posible usar Windows en una Mac sin problemas (y con un poco de esfuerzo, usar el OS X en una PC convencional): las computadoras de Apple son, esencialmente, una PC. Así, se dice que la PC ha sido históricamente una plataforma denominada Wintel: el sistema operativo Windows corriendo sobre la arquitectura x86 creada por Intel, y a la que luego se le sumó AMD, Via y, fugazmente, #CRUSOE#. De lo que Jobs hablaba con el ﬁn de la era PC, era de la aparición popular de otro tipo de dispositivos, esencialmente móviles, que ofrecen, en principio, la misma gama de aplicaciones básicas y servicios que hoy es posible lograr con una computadora de escritorio, pero usando un hardware distinto, es decir, con otros componentes que los provistos históricamente por Intel o AMD. Lo hacía en el

Ideas creativas

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gadgets

+ LG Optimus 2X

+ HP TouchPad

marco de la llegada al mercado de la tableta iPad, pero el concepto no queda limitado a este tipo de dispositivos, como se vio en los últimos meses.

para los móviles y las tabletas, que también ofrecen cada vez más herramientas multimedia, que se suman a sus tareas tradicionales.

A mediados de diciembre, LG presentó en sociedad su móvil Optimus 2X, célebre por incluir un chip de doble núcleo, al estilo de las PC modernas. ¿Qué signiﬁca que es de doble núcleo? Que tiene en su interior, literalmente, dos cerebros electrónicos que trabajan en paralelo y se reparten las tareas encomendadas por el usuario. Esto redunda en un mayor rendimiento general, con un consumo de energía más bajo, y es especialmente útil en todo lo que tiene que ver con multimedia (reproducción, generación y edición de audio y video, uso de videojuegos, etc.). Hubo un tiempo en el que la carrera de los microprocesadores pasaba por la velocidad de su reloj (el ritmo al que el cerebro electrónico procesa las instrucciones de los programas), pero hace varios años que los procesadores nuevos no superan los 3,5 GHz; los fabricantes encontraron que sortear esa barrera era más costoso y menos eﬁciente que sumar un segundo cerebro electrónico a la PC (hoy hay chips con tres y cuatro núcleos). Esto resultó especialmente efectivo al aumentar la presencia de elementos multimedia en la PC (desde los videojuegos a las películas digitales, pasando por algo tan simple como los efectos visuales de Windows o Mac OS X), que requieren de un procesamiento masivo de datos. Para esta situación, los chips de múltiples núcleos son los más adecuados. Lo mismo se aplica

Así que el teléfono de LG fue el primero de una andanada de dispositivos presentados en el último Consumer Electronics Show (CES) de Las Vegas, en enero, y en el Congreso Mundial de Móviles de Barcelona, en febrero, en usar chips de doble núcleo, en su gran mayoría de Nvidia. El mundo móvil usa en un 95% chips de arquitectura ARM. Como la x86 de Intel, deﬁnen dos maneras de hacer lo mismo, con sus fortalezas y debilidades. A grosso modo, son como dos motores de auto de dos fabricantes diferentes: el resultado general es el mismo (mueven un vehículo), pero con sus particularidades. Los de Intel/ AMD son más rápidos, pero consumen bastante energía; los de ARM tienen un rendimiento ﬁnal que es comparativamente menor, pero son mucho más amables con las baterías (y por eso son tan populares entre los dispositivos móviles). A la vez, en ARM están continuamente sacando nuevos modelos con mayor performance, y en Intel siguen progresando en la reducción del consumo de electricidad de los procesadores. La cuestión es que los chips de arquitectura ARM han progresado tanto como para cubrir con creces las necesidades computacionales básicas del usuario común: administrar la mensajería escrita y de videollamada, acceder a la Web convencional, reproducir películas

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+ Samsung Galaxy Tab 10.1, un poderoso dispositivo inteligente de doble núcleo Android 3.0 (Honeycomb)

de alta deﬁnición, permitir juegos 3D, etc. Para cada vez más gente, de hecho, alcanza con un celular y una tableta, y la PC comienza a quedar relegada a situaciones en las que el tamaño de la pantalla, el almacenamiento o su mayor performance son cruciales. Por ejemplo, Motorola presentó en la CES dos equipos que usan el chip ARM de doble núcleo que fabrica Nvidia (y que llegarán a la Argentina en los próximos meses): la tableta Xoom, que usa Android 3.0 y competirá con la iPad de Apple, y el teléfono Atrix (que también usa Android). Este último es notable por tener, como accesorio, un teclado con pantalla que lo transforman en una notebook. Cuando el celular se conecta a este accesorio, comienza a funcionar en el modo denominado webtop, que anula el Android y carga un navegador Firefox convencional (el mismo que se usa en la PC) con Flash y demás funciones avanzadas. También se le pueden conectar un monitor y un teclado convencionales, y con esto permite el acceso a la mayor parte de las herramientas que puede necesitar un usuario, contenido en un dispositivo tan pequeño como un celular. Es decir: ofrece las mismas herramientas que una PC modesta, pero con el agregado de la ultraportabilidad, y el uso de otro procesador. A eso apunta también Nvidia con otro chip que anunció que desarrollará en el futuro próximo, y que estará orientado a servidores y equipos de alto rendimiento. Mientras, ni Microsoft ni Intel se quedan quietos. El primero anunció que la próxima versión de Windows (la 8) será compatible, al mismo tiempo, con procesadores x86 y

ARM, conﬁrmando así que planea llevar el concepto de la computadora personal más allá de su hábitat histórico, es decir, el equipo de escritorio y la notebook. Intel, por su parte, continúa desarrollando chips que usan cada vez menos energía y resultan adecuados para tabletas y smartphones de alta gama. A todo esto se suma la estrategia de HP, revelada a mediados de febrero, que es aún más ambiciosa: usar un sistema operativo móvil, WebOS (que desarrolló la compañía Palm, a la que adquirió en abril último) para teléfonos primero, con la línea Pre; para una tableta luego, llamada TouchPad, y que saldrá a la venta en Estados Unidos a mediados de este año; y por último en impresoras, computadoras y notebooks. El anuncio de HP no es menor: es el mayor fabricante de PC del mundo y, por lo tanto, el mayor cliente tanto de Intel como de Microsoft. Otros fabricantes están estudiando el terreno: Samsung, Acer, Asus, Dell y Lenovo. Todos ellos tienen tabletas y teléfonos móviles y otros dispositivos focalizados en las funciones históricamente asociadas –y atadas- a la PC, y que hoy pueden resolverse con igual o más sencillez en un smartphone o una tableta de mano, y que están extendiendo los conceptos que hicieron popular a la PC. Quizá el dato más claro al respecto sea el que aportó la consultora IDC a mediados de febrero: en el último trimestre de 2010 se vendieron 100 millones de smartphones y 92 millones de computadoras PC, remarcando la tendencia de que la computación es más personal que nunca. +

clásicos contemporáneos

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diseño

Bombay Sapphire

Celebrar la imaginación

Bombay Sapphire lanzó Project your imagination, un concurso que celebra la imaginación alrededor del mundo. Bombay Sapphire invita a liberar la imaginación para inspirar a los demás, y brinda la posibilidad de trabajar con los mejores creativos del mundo, para proyectar imágenes 3D utilizando tecnología de avanzada, sobre la fachada de uno de los edificios más emblemáticos de la ciudad de Londres: el Queen’s House en el Old Royal Naval College. Durante el lanzamiento del certamen, los invitados al evento pudieron disfrutar de una asombrosa proyección creada por Bombay Sapphire, que muestra un océano azul zafiro y las criaturas del mar –que se inspiran en la historia naval del edificio-, para luego pasar a un estallido de mariposas y finalizar con una explosión de miles de zafiros. Cinco finalistas por país fueron elegidos y sus proyectos sometidos a la votación del público en el Facebook de la marca. El ganador global recibirá un premio en efectivo de £ 5000, y será el invitado de honor para revelar su imaginación en la gran proyección durante el mes de mayo. Se tendrán cuenta lo imaginativo de las imágenes, su innovación, estética e inspiración en la personalidad del gin.

John Burke, Director Global de Bombay Sapphire, anunció: “El concurso Project your imagination está diseñado para inspirar a la gente y dar una salida a los pensamientos imaginativos, de una manera espectacular. Estamos encantados de ser los primeros en tratar de capturar la imaginación del público de esta manera, y de ser anﬁtriones de esta competencia abierta”. + www.bombaysapphire.com www.facebook.com/bombaysapphire www.youtube.com/watch?v=jHHFejQSgcI

BOMBAY FARHINI Incorporar 50 ml de Bombay Sapphire, 25 ml de licor de melocotón, 25 ml de jugo de arándanos y 35 ml de jugo de naranja rojo rubí en una coctelera con abundante hielo. Agitar bien y ﬁltrar en un vaso de cocktail helado. Este trago fue creado por Nicole Farhi, reconocida diseñadora de indumentaria y miembro de la Bombay Sapphire Foundation. Beber con moderación. Prohibida su venta a menores de 18 años. Enjoy BOMBAY SAPPHIRE Responsibly. Bombay Sapphire, su botella y logos son marcas registradas. www.bombaysapphire.com

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+ Alessandro Mendini y los muebles para hombre de la colecci贸n Bisazza.

clásicos contemporáneos

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diseño

Alessandro Mendini Un patchwork de artes Considerado un teólogo del diseño, Alessandro Mendini es un artista completo. Arquitecto, diseñador, pintor y editor, fue uno de los históricos gestores de la generación más prolíﬁca de su nación, y supo poner a Italia en el centro de la escena mundial. Además, fue editor de míticas publicaciones de arquitectura y diseño, de la talla de Domus. | Texto: Natalia Iscaro. Fotos: Gentileza Atelier Mendini

+ Guerrero de vidrio, escultura en cristal de Murano, Venini, 2000.

Si Alessandro Mendini fuera un vino, probablemente sería uno añejo, noble y robusto. Elegante, pero sutil. Es que fue gracias a él, entre tantos otros de su generación, que Italia supo convertirse en la meca del diseño. Porque aún hoy, en un mundo “Made in China”, existen piezas emblemáticas que han sabido y saben modelar el gusto universal. Entre ellos, su sacacorchos para Alessi, y creaciones indelebles como el Fiat 500, la máquina de escribir Olivetti, las motos Vespa y la cafetera Moka. Y si con esta misma pieza (digna de lo que hoy conocemos como sommelier) descorcháramos el vino de su vida, descubriríamos a un hombre cuya obra fue, además, una provocación. Con trabajos actualmente en museos como el MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) y el Centro Georges Pompidou de París, este arquitecto, diseñador, interiorista, pintor, ideólogo y teórico, fue además editor de publicaciones respetadas, y autor de trabajos que hoy se han convertido en auténticos manifiestos, como The manifiesto of farewells (El Manifiesto de las despedidas). Escueto, humilde y sucinto, el propio Medini pareciera haberse adecuado a los tiempos que corren: “Italia ya no es del todo la capital del mundo del diseño. Hoy, los baricentros son muchos”, afirma el milanés que hizo historia con el estudio Alchimia, cuando el minimalismo todavía no había dado ni una sola puntada. Del otro lado del mundo, el diseñador se hizo un tiempo para contestar a nuestras preguntas. + ¿Cómo se siente que su trabajo esté expuesto en museos de todo el mundo? AM Parece el destino.

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+ Galería Mendini, centro polifuncional. Lörrach, Alemania, 2002 (Alessandro y Francesco Mendini).

+ ¿Cómo ajusta sus creaciones a los diferentes países en donde se localizan? AM Conectarse con las culturas de diversos lugares es fundamental, y difícil al mismo tiempo. + ¿Crea objetos que eran prácticos, hermosos o simplemente inesperados? ¿O todo eso al mismo tiempo? AM Todos mis objetos hablan. Algunos deben funcionar, otros no. + ¿Cómo deﬁniría su estilo? AM Un patchwork de signos y de alfabetos. Una historia. + ¿Podría nombrar un reconocimiento del cual esté especialmente orgulloso? AM Tengo varios premios, pero no soy fanático. + ¿Cómo es su trabajo con los materiales? AM Amo a todos los materiales, y a menudo me inspiran.

+ ¿Qué es lo que más disfruta de su trabajo de todos los días? AM Hacerlo en compañía. + ¿En qué está trabajando ahora? AM En tantas cosas distintas, como siempre… + ¿Cuál es el próximo desafío de la arquitectura? ¿Y del diseño? AM Aprovecharse de la larga crisis mundial para encontrar novedades radicales. DE LA TEORÍA LA PRÁCTICA Corría 1959, y un joven Alessandro Mendini se veía de pronto con un título de arquitecto bajo el brazo. Aún dubitativo frente a su pujante deseo de ser artista, comenzó a trabajar en la empresa Nizzoli Associates, el que sería su primer trabajo. Para 1970, su ánimo teórico, filosófico y reflexivo lo llevaron a lanzarse a la aventura del periodismo especializado en arquitectura y diseño. Con notable éxito, dirigió la revista Casabella,

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+ Sillón Proust para Cappellini, 1978.

+ Mueble contenedor Qui, Galería Paolo Curti / Annamaria Gambuzzi & Co, Milán, 2009.

más tarde Modo, y finalmente Domus. “La revista es un objeto de diseño industrial que se produce en miles de copias”, afirmó más de una vez este amante de los proyectos híbridos. De sus experiencias en editoriales, concluye: “Estudiar, razonar, discutir y divulgar son las cosas importantes”. Esta fue, acaso, la época que cimentaría su futuro, hoy histórico. “Con la dirección de revistas hubo una especie de divorcio, un fuerte recorte, y en un momento tuve muchas ganas de diseñar”, explica él. Y así, la década de los 70 lo encontraría nuevamente en el ámbito de los mobiliarios y los objetos. Para 1979, ya formaba parte del mítico estudio Alchimia, el cual había sido fundado por Alessandro Guerriero en 1973. Fue en este espacio, pionero en el diseño neomoderno y contemporáneo, que Mendini colaboró con prestigiosas campañas internacionales de firmas como Alessi, Philips, Swarovski y Swatch, y fue, además, consultor artístico de diversos fabricantes. Las piezas de Alchimia eran caras, y estaban a favor del sentimentalismo, la nostalgia y la emoción. Permeables al pasado (y en oposición al diseño racional), aplicaban a sus objetos un decorativismo casi extremo. Ejemplos de ello fueron la silla Wassily de Marcel Breuer, y el sillón Proust del propio Mendini. Históricas y atrevidas, en respuesta a este movimiento, surgiría más tarde el (apodado por estos creadores) “antidiseño minimalista”, que aún no ha conseguido opacar el legado y el sostenido vigor del estudio italiano. + Sillón Appiani, Byblos Art Design – Errestudio Edizioni, 2006.

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+ Sacacorchos sommelier Proust decorado a mano para Alessi, 2008.

+ Sacacorchos Anna G. para Alessi, 1994.

DISEÑO QUE HACE REÍR Crear objetos de puro placer artístico. Este es uno de los máximos objetivos de Mendini, quien en 1989 abrió su propio estudio con su hermano Francesco: Atelier Mendini. Localizado en Milán, es hoy el escenario de la obra del mismo niño que soñaba con ser caricaturista, y admiraba a Walt Diseny. “De mi niñez recuerdo la casa años treinta donde nací, de estilo modernista”, nos cuenta él, una enciclopedia de la estética.

+ ¿Qué es el Atelier Mendini? AM Es un grupo de proyectistas con actitudes eclécticas.

Y conocido por moverse cómodamente en un territorio donde todo es permeable de inﬂuencias, explica: “El pasaje de la disciplina del arte al diseño, y viceversa, fue muy positivo para mí”. En efecto, no en vano sus objetos han sido considerados por la crítica especializada como irónicos, divertidos, sensuales, especulativos, iconoclastas, pero por sobre todo, artísticos. Algo que se comprueba al descubrir su amor por la pintura. “Me interesan todos los sistemas productores de imágenes”, sostiene seguidamente, y remata: “El arte se esconde en todos lados”.

+ ¿La mejor lección que aprendió? AM Escuchar a todos.

+ ¿Cómo es trabajar con su hermano? AM ¡Maravilloso! + ¿A quién admira? AM A las personas humildes y generosas…

+ ¿Un sueño aún por cumplir? AM Perfeccionar aún más la calidad de mi trabajo. + ¿Su misión en este mundo? AM Hacer pensar, pero también sonreír a las personas. + www.ateliermendini.it

QUALI COSE SIAMO Hasta febrero pasado, el Triennale Design Museum alojó una muestra de diseño italiano, curada por Alessandro Mendini. Inaugurada en marzo de 2010, la exhibición propuso un camino a través de las “siete obsesiones del diseño italiano y las series”, según Mendini. Así, esta nueva interpretación en torno a “las cosas que somos” ubicó a más de 700 objetos sobre ocho plataformas. De modelos arquitectónicos a piezas de diseño, obras de arte, prendas textiles, fotografías, souvenirs y, simplemente, cosas. En el texto curatorial, el “Scientiﬁc Director”, Alessandro Mendini, aﬁrmó, a la manera de los devaneos descartianos: “Estoy mirando a los objetos que se encuentran frente mío […]. Sus situaciones fueron arregladas de manera casual […]. Fueron ideadas y fabricadas en Italia”. Y concluye: “Uno tiene la hipótesis de que a partir de esta nebulosa productiva, tomando acción de la tradición a la novedad, puede emerger una propuesta de diseño italiano, más dilatada y diferente, no sólo en la imagen y la ética, sino también en la sensibilidad hacia los usos y comportamientos”. www.triennaledesignmuseum.it

+ De la serie “Rápido vos”, 2009/2010

Porfolio fotográfico

Sebastián Bruno | Curador: Aldo Bressi

Diseñador gráﬁco durante casi diez años de la materia Morfología 2 de la Cátedra Longinotti en la UBA, Juan Sebastián Bruno estudió fotografía con Guillermo Ueno y realizó una clínica con Ernesto Ballesteros. Desde 2001, viene participando en diversas muestras colectivas e individuales en Buenos Aires y el exterior. En 2010 montó la muestra individual “Rápido vos” en Baltar Contemporáneo, al mismo tiempo que participó de las muestras colectivas “Retratos” y “Naturaleza Muerta” en Chez Vautier y, junto a Nadia Lawson, presentó “Ya no te quiero” en Mundo Dios. También formó parte de las muestras colectivas “Work in progress” en la galería Mite y “Opening ceremony” en Baltar - Lawson. Además, recibió el Premio Foster Catena 2010 de Fotografía Contemporánea. Juan Sebastián trabaja con una cámara compacta Canon PowerShot SD950 que lleva siempre consigo, y le sirve como medio para analizar y registrar ideas, que luego relaciona con otras disciplinas como el dibujo, la música, textos y hasta objetos, siempre con el propósito de cambiarle su relato o función. + www.ﬂickr.com/photos/vicentebruno

+ Sin tĂtulo, 2011

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+ mundo creativo

vehículos

Texto: Elvio Orellana Estos autos y más encontralos en Deautos.com

+ El primer auto y el Aesthetics, una escultura que muestra los futuros pasos estilísticos de la marca.

125 aniversarios de Mercedes-Benz La casa teutona celebra más de un siglo diseñando autos y desarrollando tecnología en pos de la seguridad y el confort. Por este motivo, repasamos su historia con sus obras más destacadas.

do, y presentó el motor Diesel Common Rail con turbo compresor, de mayor potencia, y con un consumo diez veces menor del motor presentado en 1926.

Con sólo veinte años de edad, Karl Benz construyó un triciclo con motor de combustión interna de 1 cilindro y 0.88 CV. Este modelo fue patentado el 29 de enero de 1886, como el primer vehículo capaz de moverse por sí mismo, con un motor de combustión interna. Concebido en el año 1901, el 35 CV fue el primer vehículo que se llamó Mercedes-Benz, y fue el que marcó la transición de los carruajes motorizados a los autos. Este modelo sobresalió por su forma alargada y el radiador de panal integrado en el frontal.

La marca también fue precursora en materia de seguridad, al patentar el habitáculo rígido con zonas de deformación programada en 1951, y el cinturón de seguridad. Los sistemas ABS (antibloqueo de frenos) en 1978, el airbag (bolsa de aire) en 1981, y el ESP (programa electrónico de estabilidad) en 1995, también fueron inventiva de la marca.

Otra de las áreas donde la ﬁrma marcó varios hitos fue el de la propulsión. Así, en 1898 presentó el primer auto con motor de 4 cilindros: El Daimler “Phaeton” de 8 CV. Luego de ello, en el año 1923 se presentaría el primer camión con motor diesel y, posterior a ello, aparecería el Mercedes-Benz 260D en 1926, convirtiéndose en el primer auto diesel de serie del mundo. Y la ﬁrma siguió innovan-

El modelo 300 SL, concebido para la competición en 1952, es el auto más distintivo de la marca hasta la actualidad. Este deportivo se destacaba por su chasis tubular y motor 3.0 de 6 cilindros de 215 CV. Debido a su éxito en las competencias, Mercedes-Benz lo produjo en serie de 1954 a 1963. En el 2010, volvió a la vida con el nuevo SLS AMG, que conserva las puertas al estilo alas de gaviota, pero supera al original en cuanto a potencia, diseño y tecnología. + www.mercedes-benz.com.ar Peugeot 508 y 308 En el segundo semestre de este año, desembarcará a nuestro mercado el 508, modelo que ya habíamos visto en el último Salón de París. La oferta del nuevo León, que viene a reemplazar al 407 y al 607, se presentará con dos siluetas (tricuerpo y familiar) y cuatro motorizaciones: un naftero de 1.6 litros y tres diesel, de 1.6 y 2.0 y 2.2 turbo diesel. La otra gran novedad, viene de la mano de la sutil actualización que se aplicará a las tres versiones que conforman la gama del 308 que se vende en Europa (el bicuerpo, el CC –coupé cabriolet- y el familiar S). De este modo, nuevos faros de xenon, parrilla cromada, llantas de 16 pulgadas, un portón trasero más limpio y una mayor aerodinámica, destacan al nuevo 308 que fue exhibido en la reciente edición del Salón de Ginebra (Suiza). + www.peugeot.com.ar

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Fiat Freemont En Fiat, la gran noticia ronda alrededor del Freemont, el primer producto nacido de la alianza entre el fabricante italiano y Chrysler. Se trata de un monovolumen basado en el Dodge Journery, que mantiene su aspecto exterior y sus dimensiones, y estrena una nueva insignia y algunos retoques estéticos. Cuenta con una carrocería de 4,89 metros de largo, por lo que dispone de tres ﬁlas de asiento y

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siete plazas. Estará disponible con tracción simple y motores turbo diesel (2.0 Multijet en versiones de 140 y 170 CV), con caja manual. Posteriormente, se sumará la gama 4x4 con dos motores (2.0 Multijet de 170 CV y 3.6 naftero V6 de 276 CV), ambos con caja automática. + www.ﬁat.com.ar

BMW F650 GS Desde la ﬁrma bávara, la novedad más resonante que llegará este año a nuestro mercado durante el primer semestre, está centrada en el profundo restyling que recibió su moto más pequeña: la BMW F650 GS. Dueña de una imagen más moderna, esta nueva edición estrena nuevos plásticos, faro asimétrico, instrumentación analógica y digital, y llantas de fundición ligera. En cuestiones de cirugía mayor, se destaca la reconﬁguración de partes de su carrocería y el tanque de nafta más delgado. Se mantiene de la edición anterior, gran cantidad de los componentes de la parte del ciclo, y su motor monocilíndrico de 652 cc. + www.bmw.com.ar

Audi TT Roadster 1.8 La casa de los cuatro anillos presentó un nuevo integrante para el mercado local. Se trata del TT Roadster 1.8, una versión de entrada de gama, que ahora estará impulsado por un motor 1.8 TFSI de 4 cilindros en línea con inyección electrónica, que rinde 160 CV (hasta ahora sólo había llegado el 2.0 TFSi de 211 CV) y que, acoplado a una caja manual, podrá ser adquirido por 53.960 dólares. Con cuatro años de trayectoria encima, esta nueva edición de techo de lona conserva la esencia de su antecesor, pero agrega más deportividad a través de nuevas luces de LED, butacas deportivas y llantas de 17 pulgadas. + www.audi.com.ar

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VW Touareg El SUV (Sport Utility Vehicle) más representativo de la ﬁrma alemana se renovó por dentro y por fuera, para hacer su desembarco en abril en nuestro país. A primera vista se percibe un frontal con el nuevo ADN de diseño de la casa, destacándose sus faros Bi-Xenon con luz de marcha diurna. En tanto que debajo de su capot, el Touareg sumará un nuevo motor diesel 3.0 V6 TDI de 204 CV, mientras

que mantiene las variantes 3.6 V6 FSI de 280 CV y 4.2 V8 FSI de 350 CV, todos ahora asociados a una nueva caja de cambios automáticos de 8 velocidades Tiptronic. La versión Híbrida (motor naftero de 333 CV y otro eléctrico de 47 CV) llegará a ﬁnales de este año. + www.volkswagen.com.ar

Citroën DS4 A poco de presentarse a nivel mundial, la exclusiva línea DS de la ﬁrma del doble chevrón ya suma adeptos por doquier. Por lo menos, así sucedió con el segundo modelo de la línea, el DS4 (el primero es el DS3 que se comercializará este año en Argentina), el cual se adjudicó el título del “Auto más bonito del año”, tras haber sido votado por 60 mil internautas de 162 países. El premio que fue recibido por el mismo Frédéric Banzet, director general de Citroën, deja a las claras el acierto de la nueva imagen que la ﬁrma busca plasmar a los modelos más exclusivos de la casa francesa. + www.citroen.com.ar

Renault Captur Renault deslumbró a todos en el Salón de Ginebra con su última invención: el Captur, un prototipo de cuatro plazas al que sus diseñadores describen como “un crossover divertido y deportivo, ideal para una pareja joven a punto de descubrir el mundo”. Entre sus aportes futuros para la marca, se destacan su diseño musculoso off-road y su motor diesel Twin turbo dCi de 160 caballos, del cual sobresale su bajo nivel de emisiones, 99 gramos de CO2 por kilómetro recorrido. + www.renault.com.ar

Texto: Natalia Iscaro. Fotos: Gentileza Hermès

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Reedición de lujo francés “Una vuelta al pasado para entender las raíces futuras”. Así definió Pierre-Alexis Dumas, director artístico de Hermès y sexta generación de la familia propietaria, el relanzamiento de una colección elaborada para la compañía por el mismísimo diseñador Jean-Michel Frank (1895-1941), en 1924. La colección, que se convirtió en una de las más admiradas de todo el siglo XX, se destaca por sus modelos elegantes con formas cúbicas. Este mes, y con motivo de la inauguración de la nueva división de Maison Hermès, las piezas se presentaron, reinventadas. Al contemplar cada una de ellas, queda claro cómo la firma sigue siendo, como desde su nacimiento en 1837, una garantía de lujo, bajo una ecuación infalible: materiales excelentes y fabricación artesanal. En sintonía con este concepto, Frank fue uno de los pioneros en el uso de la rafia y la piel de topo en el mobiliario. Promotor del minimalismo, buscó rehuir de lo superfluo de los objetos, privilegiando la pureza y simplicidad. Fue, además, un apasionado del art decó, algo que plasmó en los trabajos que dedicó a clientes de la talla de Nelson Rockefeller, Salvador Dalí y Jean-Pierre Guerlain (y entre los argentinos, las familias Errázuriz, Pirovano y Elizalde). No hace falta imaginarse por qué: en el caso de esta colección exclusiva, sus mobiliarios se parecen a una serie de piezas de arte. Elegantes sofá y sillones, sillas y mesas altas y bajas, y escritorios se lucen por su impronta purista y la delicadeza de sus formas. La presentación oficial será en el Salón del Mueble de Milán, en abril, y más tarde estarán disponibles en quince tiendas del mundo, las que irán en aumento. “Estas piezas han sido diseñadas para dar confort, discreta elegancia y un poco de alma a la vida diaria de los hogares”, retoma y concluye Dumas, acaso haciendo eco de lo que el propio Frank bautizó como “lujo austero”, algo que aquí, por fortuna, persiste. + www.hermes.com

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Ford Fiesta Kinetic Energía en movimiento en Punta del Este Durante la última semana del 2010, un grupo de periodistas unió Colonia y Punta del Este (Uruguay) en un test drive exclusivo, a bordo del último producto presentado por Ford en el segmento de los autos chicos: el Ford Fiesta Kinetic Design. Y allí estuvo 90+10. Diseño, tecnología y seguridad son los tres pilares que destacan al nuevo Fiesta, y fueron comprobados por los conductores de esta travesía que involucró 48hs de energía en movimiento, como propone el nuevo lenguaje de diseño de Ford llamado Kinetic Design. Además de participar de diferentes encuentros y recorrer la movida esteña, los invitados se acercaron al stand de Ford ubicado en el Complejo La Barra, donde pudieron comprobar la atracción y el interés que despierta el Ford Fiesta Kinetic Design y el crossroad Kuga. Ambos vehículos estuvieron disponibles en el stand para realizar test-drives, junto a la distinguida S-Max y el siempre ponderado Focus. El RR.PP. Wally Diamante fue quien organizó el recorrido de los invitados a bordo de su Ford Kuga. También, Yanina Screpante, Cintia Zabaljauregui y Ale Lacroix fueron algunos de los que se sumaron a esta propuesta, disfrutando y recorriendo las playas y eventos de Punta del Este, conduciendo el Fiesta Kinetic Design. + www.ford.com.ar

+ Test drive Colonia-Punta del Este

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marketing

+ Cintia Zabaljauregui

+ Yanina Screpante

+ Ale Lacroix

+ Wally Diamante

+ En el stand de Ford en Punta del Este: Marcelo Ramos (Gte. Producto), Miguel Vitelli (Ing. Producto), Yanina Screpante, Rosario Ariganello RRPP, Enrique Alema単y (Presidente Ford Argentina y Chile) y Jorge Di Nucci (Director RR.II.)

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Texto: Jorgelina Peciña

marketing

Primera plaza iluminada con LEDs Philips fue la elegida para iluminar la Plaza Serrano con su tecnología de LEDs. El proyecto consta de un sistema de veintitrés luminarias de LEDs, que iluminan tanto el interior de la plaza como también las calles que la circundan. En la actualidad, existe una alternativa entre las soluciones de alumbrado público, que supera en calidad y eﬁciencia a la clásica luz amarilla: la luz blanca. Gracias a esta solución, el ambiente se percibe como un lugar más luminoso y natural. Al mismo tiempo, la claridad proporciona una sensación general de mayor segu-

ridad, ya que facilita el reconocimiento de las personas. Por otro lado, el aumento de la visibilidad de los conductores, peatones y ciclistas, contribuye a que las calles sean más seguras en términos de vialidad, y el espacio público comienza a tomar mayor preponderancia. La luz blanca emitida por los sistemas de LEDs Philips es de alta calidad y brinda mayor eﬁciencia energética, lo cual impacta positivamente en el cuidado del medio ambiente. + www.philips.com

Chevrolet festeja su centenario con nueva cara En noviembre de 2011, Chevrolet cumplirá cien años y, para celebrarlo, estrena un logo especial que estará presente en las distintas comunicaciones y celebraciones que realizará la marca de automóviles a lo largo del año. “Para celebrar los cien años de Chevrolet, quisimos crear un logo que fuese simple y atemporal al mismo tiempo, que celebrara los logros alcanzados hasta ahora, así como las innovaciones futuras”, explicó Matthew Scarlett, gerente de publicidad de Chevrolet y coordinador del equipo que diseñó el logo del centenario. “La combinación de los elementos de este logo nos permitieron hacer una reverencia al pasado y también un guiño a los próximos 100 años de la marca”, concluyó Scarlett. + www.chevrolet.com.ar

Nueva imagen para la bodega Terrazas de los Andes Pioneros en cultivo en altura, Terrazas de los Andes renueva su imagen visual. Fiel a su espíritu y compromiso fundacional de elaborar vinos de alta calidad y destacada tipicidad varietal, la bodega renueva la estética de las tres líneas que componen su porfolio. Terrazas de los Andes Reserva y Terrazas de los Andes Aﬁncado, cosecha 2008 y 2007 respectivamente, llegan a los consumidores con una estética más elegante y contemporánea, que reﬂeja el estilo de los productos. Asimismo, se incluye en estos cambios la jerarquización de la línea de varietales jóvenes que, con el respaldo de Terrazas de los Andes, adquiere un nuevo nombre: Altos del Plata. Bodega Terrazas de los Andes, integrante del grupo de lujo líder del mundo LVMH (Moët Hennessy – Louis Vuitton), fue inaugurada en 1999. Ubicada en Perdriel, Mendoza, cuenta con más de quinientas hectáreas de viñedos propios de altura, lo que la convierte en una de las principales propietarias de las mejores uvas de Mendoza. + www.terrazasdelosandes.com

Texto: Jorgelina Peciña

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Geneva Sound System De cuna suiza, Geneva Lab le suma simplicidad a soﬁsticados productos electrónicos. Sus creaciones son consideradas por los expertos en diseño y alta tecnología como poseedoras del mejor balance en performance, simplicidad, estilo y sustentabilidad. En 2010, Geneva Lab desembarcó en Sudamérica, después de haber aprobado todos los requerimientos exigidos por la casa matriz en Suiza. Entre su oferta de productos, encontramos un sistema de sonido que brinda todas las funciones que se encuentran en equipos de au-

dio convencionales, pero en este caso, ingeniosamente embebidas en un simple gabinete, incluyendo un reproductor de CD, radio FM y una entrada auxiliar. Asimismo, posee un dock para iPod/iPhone, subwoofers stereo y un amplificador digital que consume 80% menos de energía que otros equipos de convencionales. Proyecta una imagen stereo uniforme en todo el ambiente, evitando la necesidad de buscar el punto óptimo de posicionamiento del usuario respecto del equipo. + www.glabsa.com círculo, la cruz, el cuadrado y el triángulo. Asimismo, el procesador optimizado Snapdragon de Qualcomm con CPU de 1Ghz y el procesador de gráficos Adreno GPU ofrecen una reproducción fluida de juegos móviles 3D de 60fps y navegación Web con un consumo de energía mínimo, ideal para disfrutar de muchas horas de juego. Sony Ericsson se ha asociado con editores clave en la industria de los juegos para ofrecer un ecosistema entretenido y con imágenes enriquecidas para los títulos líderes disponibles, a través del AndroidTM Marketplace. Las principales concesiones que llegan a Xperia Play incluyen títulos de Gameloft, como Splinter Cell y Assassin´s Creed, entre otros.

Playstation Xperia Play Con el nuevo PlayStation Xperia Play, los usuarios ingresan en un nuevo mundo de juegos móviles. El teléfono cuenta con controles táctiles analógicos y los cuatro inconfundibles íconos de PlayStation: el

La desarrolladora de videojuegos descargables Gameloft, apoya el lanzamiento del Sony Ericsson Xperia Play, anunciando la disponibilidad de diez de sus juegos más vendidos. Asimismo, dos de esos diez juegos, el Asphalt 6: Adrenaline y Star Battalion, vendrán preinstalados en el dispositivo. También, estarán disponibles para el nuevo celu gamer los siguientes títulos: UNO, Let’s Golf! 2, SpiderMan: Total Mayhem, Modern Combat: Black Pegasus, Real Football 2011 y Brothers in Arms 2, todos de Gameloft. + www.gameloft.com.ar | www.youtube.com/Gameloft

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Texto: Ricardo Sametband

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Samsung Galaxy S II Después de vender 10 millones de Galaxy S, la ﬁrma coreana no se iba a perder la oportunidad de doblar la apuesta: el S II es un celular con pantalla de 4,3”, Android 2.3 y un chip de doble núcleo a 1 GHz, además

de incluir una cámara de 8 megapíxeles que graba video en Full HD. Su grosor es de 8,49 mm. Sale a la venta en marzo en el hemisferio norte. + www.samsung.com.ar

INQ Cloud Touch La empresa INQ, poco conocida en el país, pero con presencia internacional, sigue ampliando su línea de teléfonos con integración de redes sociales. En este caso, el modelo Cloud Touch, pensado para gente que usa Facebook como su principal herramienta de comunicación. Agrega Android y una suscripción al servicio de música Spotify. + www.inqmobile.com

HTC Flyer El fabricante HTC se sumó a la competencia por tener una alternativa a la iPad con Flyer, una tableta con pantalla de 7” y carcasa hecha de una pieza de aluminio. La pantalla es capacitiva (como la de la iPad), pero igual tiene un lápiz especial, sensible a la presión, que permite escribir mensajes en pantalla. Además, tiene un procesador a 1,5 GHz y acceso a un servicio de videojuegos en línea (OnLive). Saldrá a la venta en Europa durante el segundo trimestre del año. + www.htc.com Lite-On eNAU108 La grabadora externa eNAU108 de Lite-on permite quemar DVD con una velocidad de hasta 8x, sin requerir más alimentación eléctrica que la que le provee un puerto USB convencional. Permite grabar los formatos más populares de CD y de DVD. Tiene un precio local de $ 259. + www.liteonit.com

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gadgets

Sony PlayStation NG Ya está casi lista la consola que será la sucesora de la PlayStation Portable de Sony. Se llama, por ahora, NGP (Next Generation Portable), y tiene una pantalla táctil de 5”, un chip de 4 núcleos con acelerador gráﬁco, además de Wi-Fi, 3G, GPS, giróscopo y dos cámaras, una frontal para videollamadas y otra trasera de mayor resolución, además de una tienda de juegos (PlayStation Suite), que también ofrecerá títulos para móviles con Android de la compañía, como el Xperia Play. La PlayStation NGP saldrá a la venta a ﬁn de año. + www.sony.com.ar

Canon EOS Rebel T3i Canon anunció un nuevo modelo de su familia EOS Rebel, pero esta vez, orientando esta cámara reﬂex al usuario común, uniendo un sensor de 18 megapíxeles con lentes intercambiables y la posibilidad de grabar video Full HD, combinándolos con un asistente digital para la captura de fotos y varios modos preconﬁgurados. Su precio en Europa: € 900. + www.canonarg.com.ar

X-View Proton No tiene el glamour o el hardware de los equipos anunciados en el reciente Congreso Mundial de Móviles, pero al menos proviene de una compañía argentina: se trata de Proton, la tableta que X-View vende en el país, con Android 2.1, pantalla de 7” y chip de doble núcleo a 600 MHz, 4 GB de memoria interna, Wi-Fi y puerto USB. Su precio local es de $ 1299. + www.x-view.com.ar

Logitech HD Pro Webcam C910 Esta cámara de Logitech no es una webcam común: es capaz de grabar video en Full HD con sonido (gracias a su micrófono incorporado), por lo que además puede aprovechar las videollamadas de alta deﬁnición de Skype y otros servicios similares. Es compatible con Windows y Mas OS X. Incluye software de edición de video. Precio en la Argentina: $ 699. + www.logitech.com

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+ english summary Fashion Special Pages 56-81 BAFWeek Autumn-Winter 2011 Celebrating Ten Years From February 21st to February 25th, the Argentinean Fashion Week lived an interesting and really complete edition. This occasion deserved it: BAFWeek turned ten years old in author’s design and celebrated it presenting the new autumn-winter collections on the runway. It lasted five days, where everything was included: applauded comebacks and eagerly awaited launches; eleven author’s design and twelve brands coexisting in two runways, talks, seminars and competitions and an almost perfect attendance, which could be seen since the opening runway show until the closure one. This was all it took to prove that the most representative fashion design in the country, while being ten years old, enjoys great health and plans to diversify, expand and renew itself. Ted Polhemus Mr. Streetstyle In terms of street style, urban cultures, fashion and anti-fashion, Ted Polhemus is an expert. The North American anthropologist, who has been living in England for many years now, has devoted his career to study the importance that this style possesses in different societies as a means of communication. During the sixties he was a Beat, a Modernist and a Hippie. Later, in the seventies, he turned into a glam rocker and lastly, into a Punk. In 1994, as a result of the experience and all he had researched in the streets, this postmodern flâneur launched “Streetstyle”, the urban style bible for many, a book that has already been published many times in various countries and languages. “It is fashion itself that has gone out of fashion. It is time to enjoy diversity, to applaud the common consumer who refuses to become a passive victim, and to look in the streets as well as in the runway in the search for inspiration.” High Couture Dreams Factory Within fashion, High Couture designates a certain type of fashion design and accessories from the highest end, with a prohibitive cost for most, and of debatable influence nowadays, but with an unquestionable cultural value for France and other countries in the world. In order for a maison to be able to flaunt such title, legally protected and a synonym of trend and pure originality until mid 20th Century, some requirements had to be fulfilled. The main thing was that the making of all designed garments were handmade, custom-made, and with the best materials and finishings. Although nowadays this are still the requirements in order to officially acquiere the title of High Couture creator, it is also true that it is not what it used to be. Couture does not hold the trend monopoly. Luxury has evolved. Nevertheless, it still keeps the monopoly of fantasy and tradition and both turn it unique and irreplaceable. Total Tool BA Pages 82-85 To Live Experiences With its founder head office in Milan, Total Tool BA is a studio devoted to the analysis of consumer’s behaviour and the creation of spaces that answer to the needs of companies and clients who are in constant renewal, while facing a generation of consumers who have become more and more sofisticated and demanding. Trained satellites in the detection of new trends, the designers Juan Kayser, Analía Cervini and Darío Fischman, are specialists in responding to their clients, as they work without any preconceptions and they can adapt themselves to a market in permanent evolution. “The main objective is to contribute, or to cause a positive impact in order to create loyalty with the brand. Some elements might have more to do with getting attention and to be more directive, and others are more related with an uniformed speech of containment. Consumers already know what to expect, but they always want something new: a knowledge or a feeling, they will go through different places, and that has to do with the brand”, Analía explains. LigLab Pages 86-89 Light Lab Paint, dance, juggling, photographs and graffitis, all give shape to a

Translated by: Lucrecia Bertani

powerful artist collective full of colour, that makes an impact in the local scene. These works of art combine digital cameras, state of the art software, music and visual and perfomance art techniques. The members of LigLab are: Diego Altabas, Miguel Masllorens, Nahuel Pianetti, Alberto Brescia, Eliana Moscovich, Francisco Ciprian and the Bboys from the Breaking Juggling Krew. The combination of their previous experiences, together with the multidisciplinarity that characterizes them, does not always allows them to transmit a unified identity. On the other hand, they believe that they are in a constant process of construction. “We do not know where we are heading, there is no developed identity, there is no director, this is about people who meet and things come up. We are open to anyone who wants to join us and to anyone who wants to leave us as well. We are always looking for new people. We are a group in a chaotic but organized state: we have weekly meetings and a methodical structure”, Diego says. Puro Pages 90-93 Retro Style in Our Feet With a unique combination of retro fabrics, a clean and sofisticated design and quality that can be seen in every detail, the bags and footwear from Puro have won a place in the wardrobes of creatives and alternatives, but also in those of more conservative and classical when chosing their clothing. The secret is to be part of a community that appreciates good design and being handmade as attributes of a product with personality. Puro is the result of two enterprising and creative minds: Itatí Montechiani –graphic designer– and Gabriel Pozner –shoemaker–. That is why today, Puro is locally considered one of the most creative independent design shoes and bags brand, whose characteristics and great design position it really close to the offer of the big international brands. Pages 94-96 Core Labs Where Humans, Art and Technology Meet Core Labs’ installations are found in Beijing, China. Nevertheless, almost everyone in its artistic staff is Spanish. Their work mainly consists in experimenting, investigating, producing and spreading the digital culture. Among their projects, we can find video mapping and magnified reality, as well as experimental software and hardware, all developed in the three labs of their installations: HackLab, VideoLab and AudioLab. “Digital art must find the way or model to spread, as it happens with other media such as cinema or music. We believe that digital art is the current means of expression, thus, we should not think in its sale. Its life and expiration in time does not allow it. Digital art can sometimes be in an objectless environment, in which the value is not within the object itself but in the experience. Having this axiom as a starting point, we will witness how new ways of distribution and consumption will arise, which will be more suitable for this new art format”, they point out. Daniel Biber Pages 98-99 Back to Classic Drinks The bartender of the Home hotel describes to us the creation process of his most exotic cocktails and assures that the global trend is to reconstruct the origin of drinks such as the Old Fashioned or the Negroni. National runner-up in Cocktail Bar, he was part of the world competition in Singapore, where he dazzled everyone with his vodka, cassis liquor and cardamom mix. “We are returning to classics, to the search of what was drank at the end of the 18th Century and the beginning of the 19th, to those drinks that survived, but which changed in time. The idea is to go back to their origins and try to reproduce their flavours”, he says. Catalina Estrada Pages 100-103 Pure Magic Catalina has always liked to play with colours, which was why she studied art and later graphic design in the Universidad Pontificia Bolivariana of Medellín, where she graduated in 1998. There, she learned how to work in fashion, typography, illustration and paper engineering, which was useful for her when she decided to become a freelancer for a couple of years, until she wanted to explore other options, and while travel-

english summary ling, she ended up in Barcelona. Catalina’s style comes from a source of inspiration so deep and authentic, that is perceived as an endless and indecipherable labyrinth. Her illustrations encourage freedom, flying, and a kind of magic that can only be understood when being in love. She takes the obsession of colour, nature and organic shapes from Colombia, and Catalan modernism, the cosmopolitan culture and the inherent richness that affects all five senses from Barcelona. She describes her work as “Obsessive for details, colorful, saturated and well-balanced”. Pablo Dacal Pages 104-105 To the Future with Songs Singer-songwriter born in Buenos Aires, he lived in Rosario and has more than five records published, both with a band and as a soloist. Bohemian and political, he comes from the rock culture, but he has always known how to find his personal way outside that scene. Pablo Dacal is an urban troubadour, who has already won his pairs’ and contemporaries’ respect besides a faithful audience, which is becoming more and more heterogeneous. All based in the grounds of songwriting, not being played on radio, living the poetic urbanity and never keeping his thoughts to himself. In his new record “El Progreso” -Progress-, he offers a vision of what is ahead. adidas Originals MEGA Pages 106-107 Between Urban and Functional In March 2011, adidas Originals launched worldwide a new concept for shoewear: MEGA, which offers two of the most iconic technologies, reinterpreted for today’s youth. Inspired in the functional technologies “Torsion” and “Soft Cell”, that have their origins in the sport shoes of the eighties, the concept of MEGA expands and modernizes them in order to achieve an urban style, that answers to the needs of today’s consumer, who looks for a sparetime shoe with a sporty look. Stockholm Furniture Fair Pages 108-109 Scandinavian Innovation and Design Between the past 8th and 12th of February, the Stockholm Furniture Fair, a meeting point of Nordic design for the last 60 years, took place. It is considered a huge design show, a mix of new talents and consolidated companies, where all of them present, look and are in the search of innovative proposals in design, materials and concepts. This is the potential that this fair offers to everyone that is looking for the avantgarde or an opportunity in the design world, always with a Scandinavian perspective. Nokia Ambassadors Pages 110-112 Technology Messengers Among more than 1,500 projects, three originals undertakings were crowned the winners turning into Nokia Ambassadors. They used the latest in technology from this Finnish company in order to improve the environment, to make longings become a reality and even travel throughout the continent. Javier Natan Burta and his team won the first prize as Nokia Ambassadors for their project named Monochrome, that consists in recycling bicycles to turn them into sustainable pieces by means of technology. Trimove –from Maximiliano Carella and his team, second prize winners- is an electric vehicle for people with disabilities, that works with a computer that controls its consumptions and the autonomy of the equipment and also with the Nokia GPS in a N97 mini inside the car dashboard with the OVI maps and the accesible spots for the handicapped. Together with nine of his friends, Ezequiel Lago developed Motorhome, a recycled bus, with all the necessary technology to travel throughout Latin America. North American International Auto Show - Detroit Pages 114-115 A Show on Wheels The latest edition of the North American International Auto Show (NAIAS), which was held from January 10th to January 13th in Detroit, was the scene where more than sixty international launches took place. While BMW presented many innovations worldwide, there were two that were the most amazing: the 1 M Coupé Series, a sports car with competition chassis and the 6 Cabrio Series, a 4-seater sports car with roll-back textile roof.

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Ford presented ten novelties for the North American market, where the Focus 3 and the C-Max stood out among them. General Motors showed an extreme version of their Sierra Pickup, named Sierra All Terrain HD. From the South Korean company Kia, the most revealing news was centered in the KV7 Concept, a mono-volume with rear gullwing doors open. The MINI stand got the attention of all flashes, as the MINI Paceman Concept was presented; a new bodywork for MINI which looks like the new Countryman, but in a 3-door version. Puma Tatt200 Pages 116-117 100% made in LatAm As a way to celebrate the identity and represent the spirit of Latin America, Puma designed a creative project named Tatt200, inspired in four of the main capital cities of the region: Buenos Aires, Mexico DF, Santiago and São Paulo. Conceived, designed and produced completely in Latin America, the project counts with the development of a clothing line, footwear, and accessories, produced by distinguished tattoo artists. Baldomero Braga and Mariano Antonio of American Tattoo, both from Argentina, Markone from Brazil, Gabriel Púas from Chile and Lalo Silva from Mexico. All of them expressed their art in this discipline into the products of the collection, combined with their own vision of each city where elements of the history and the idiosyncrasy of their culture can be valued. Computers Pages 118-120 Beyond PC’s Nowadays, all manufacturers have tablets and mobile phones and other devices, focused in all the functions that were historically related and attached to PC’s. All these, can be solved today with the same or more simplicity, in a smartphone or a hands-on tablet, while the concepts that once made the PC popular are spreading. Probably, the clearer piece of information related, is the one given by IDC Consultants in mid February: in the last 2010 trimester 100 million smartphones and 92 millions PC computers were sold, emphasizing the trend in which computers have become more personal than ever before. Bombay Sapphire Page 121 Celebrating Imagination The blue bottled Premium gin launched “Project your imagination”, a competition that celebrates the imagination around the globe. It allows the possibility to work with the best creatives in the world, in order to project 3D images, using state of the art technology, over the façade of one of the most emblematic buildings of London: the Queen’s House in the Old Royal Naval College. Five finalists of each country were chosen, and their projects were subjected to public voting in the brand’s Facebook. The global winner will receive a prize of £ 5000 and will be the guest of honour when revealing his imagination in the great showing during May. Alessandro Mendini Pages 122-126 A Patchwork of Arts While being considered a theologian in design, Alessandro Mendini is a really complete artist. Architect, designer, paintor and publisher, he was one of the historic promoter of most prolific generation of his nation, and he was able to establish Italy as the centre of the world scene. Besides, he was the publisher of mythical publications of architecture and design, such as Domus. As he is known to confortably move around a territory where everything is permeable of new influences, he explains: “The change from the art discipline to design and vice versa was really positive for me.” In fact, not in vain, his objects have been considered by specialized critics as ironic, fun, sensual, speculative, iconoclastic, but artistic above all. Something that can be checked when discovering his love for painting. “I am interested in all systems that can produce images,” he often says, and he concludes: “Art is hidden everywhere”. Photographers Portfolio Pages 127-133 Juan Sebastián Bruno Since 2001 Juan Sebastián Bruno has been working in photography. He works with a Canon PowerShot SD950 Compact Camera that he always carries and is his means to analyse and record ideas. He then relates them with other disciplines such as drawing, music, texts and even objects, always with the purpose of changing their account of the world or function. +

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Anteojos premiados Luciano Faramiñán es diseñador industrial y vive en Mar del Plata. Acaba de recibir una mención especial de manos del italiano Alessandro Mendini en el concurso internacional de diseño de anteojos Opus Design Award 2010. Sus anteojos de lectura “Box Glasses” fueron seleccionados entre 743 trabajos de 50 países alrededor del mundo. El concepto de diseño de su propuesta está basado en una construcción novedosa y simple, que conjuga una idea innovativa, en cuanto a la disposición de cierre y conformación del estuche protector, ya que las propias patillas dan origen a una caja contenedora. + www.lucianofara.blogspot.com | www.opus-award.com