Revista 90+10 #33

+33 + Lámpara Cloud del estudio canandiense Molo, presentada en ICFF. www.molodesign.com

sumario +mundo creativo 014 diseño, arquitectura, arte, green design, publicaciones, lugares, música, marketing, destinos, eventos, branding y diseño, fragancias, moda, agenda, gadgets, vehículos, premium

+personas creativas 052 068 074

diseño Paul Priestman Mr. Inventor gt_2P ADN digital Emiliano Godoy “El diseño es más interesante cuando no sólo se nutre de diseño”

056 060 078 064

moda Valeria Pesqueira Un universo kawaii

arte Alex Posada Luz, sonido y movimiento Denis Darzacq Cuerpos en suspensión

ilustración

072

música SRZ La música recrea tu mundo

+ideas creativas 082 088 094 102 124 106 112 128 116

tecnología La revolución de los contenidos digitales De Gutenberg a Jobs Experiencia Full

moda Several Exposures

diseño TYPO Berlín 2011 La evolución de la tipografía Feria PuroDiseño 2011 Dejá que el color guíe tus ideas

arte arteBA 2011 Vidriera del arte contemporáneo Arnet en arteBA Arte sin intermediarios Puma Urban Art 2011 Festival de arte urbano

vehículos Salón del Automóvil de Buenos Aires Tendencias de diseño y tecnología automotriz

Barry Blitt Humor consecuente

+clásicos contemporáneos 131 132

diseño Bombay Sapphire Project Your Imagination César Jannello La modernidad replanteada

+portfolio fotográfico

+ Familia tipográfica hecha de cortes de patatas, por Vette Letters (Holanda), presentada en TYPO Berlín. www.typoberlin.de

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Dino Bruzzone

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+english summary

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+conexión

+33 staff

+ Mesa Flex en contrachapado de abedul y acabado en Livos. Diseño de Emiliano Godoy, 2009. Producida por Pirwi. www.emilianogodoy.com

Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010 Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010

Diseño Gráfico Hernán Patto Leandro Marenzi

Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar

Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar

Producción Dulcinea Sedam dulcinea@90mas10.com.ar @DulcineaSedam

Colaboran en esta edición Aldo Bressi, Andrés de Bontin, Arts Moved, Carlos Piedrabuena, Carolina Prioglio, Catherine Tanazacq de Stigliano, Diego Giaccone, Elvio Orellana, Fernanda Cohen, ffwestudio, Germán Andrés, gt_2P, Javier Villa, Leila Mesyngier, Lucrecia Bertani, Maia Croizet, Martina Flor, Natalia Iscaro, Nicolás Colombo, Patricio Oliver, Pedro Quintans y Wustavo Quiroga

Nuestros colaboradores Jorgelina Peciña Graduada en periodismo y relaciones públicas, y posgraduada en humanidades, Jorgelina descubrió su pasión por difundir el arte y el diseño en 2006, a través de su trabajo en 90+10. A nivel corporativo, cuenta con una rica y amplia experiencia gestionando la comunicación en empresas internacionales y, como periodista, se especializó en arte, creatividad, diseño, tendencias y cultura. Su pasión es escribir, investigar, entrevistar y viajar, para descubrir en cada nuevo destino las voces locales, a través de las actividades artísticas en todas sus variantes. + @jorgelinapecina

Ricardo Sametband Juega con computadoras desde que usó una Texas Instruments 99/4A en 1983, y se enamoró de las computadoras de bolsillo con una Palm en 1996. Es licenciado en Ciencias de la Comunicación de la UBA y cursó la Maestría de Ciencia, Tecnología y Sociedad de la Universidad de Quilmes. Desde 1998, escribe en el suplemento Tecnología del diario La Nación, donde tiene un blog sobre celulares (Movilandia). También hace radio, colabora en revistas (desde 2007 en 90+10) y puede aburrir a su familia hablando por horas -pero sin fanatizarse- sobre estos aparatos, usando siglas y palabras cortas en inglés. + @rsametband

Distribución en kioskos CABA y GBA Vaccaro, Sánchez y Cía. S.C. Moreno 794, Piso 9º Tel. (+5411) 4342-4031/32 Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114

Producción Gráfica Help Group www.hgprint.com.ar info@hgprint.com.ar

Suscripciones Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 Fax (+5411) 4314-7135 cp67@cp67.com

Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

Librería Concentra Montevideo 938Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar

Cerviño 3814 – 4º Piso “A” (C1425AGU) Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | 90mas10.com.ar Revista 90+10. Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas firmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual Nº 827603 | ISSN 1668-6403 Año 7 - Nº33 – Julio / Agosto 2011

+33 + Serie de Bubble Transports, diseñados por gt_2P. www.gt2p.com

editorial En este número de 90+10, hablamos especialmente sobre la incorporación de la tecnología en nuestra vida cultural, creativa y profesional. Analizamos la forma en que ya estamos consumiendo arte, música, libros, películas -que cambió completamente, y en muy poco tiempo- en formato digital y online. Todo esto incentivado por la aparición de distintos tipos de dispositivos electrónicos, que favorecen esta nueva costumbre: las deseadas tablets, los smartphones, las TVs inteligentes… Y el fenómeno nos alcanza a todos, desde los más jóvenes hasta las generaciones intermedias (como la mía), y la de nuestros padres y abuelos. Ni hablar de las redes sociales y la necesidad frenética de comunicarse las 24hs con nuestros amigos virtuales y reales, para compartir minuto a minuto lo que estamos haciendo, práctica que alcanzó hasta a los más reacios.

Varios interrogantes se nos plantean a partir de, por ejemplo, la cada vez más creciente forma de consumir libros digitales (es real que Amazon vende más libros digitales que en papel); o de mirar series de TV “on demand” o películas que aún no se estrenaron en los cines locales, cuando uno quiere y donde quiere; o disfrutar en directo los desfiles de moda europeos con las colecciones del año próximo, sin tener que esperar a verlos publicados en las revistas de moda.

Para los medios de comunicación, esta carrera contra el tiempo nos plantea un verdadero cambio de paradigma, y es verdad que, al día de hoy, ni siquiera los grandes medios internacionales tienen muy en claro cómo navegar en este mar revuelto… Generar contenido multiplataforma pareciera ser la clave, y para los diseñadores gráficos sobre todo, versatilidad es la palabra. Pienso en las reflexiones del holandés Petr Van Blokland en la nota de TYPO Berlín, que reclama un diseño gráfico semi-automático, que admita alternativamente distintas visualizaciones, como Web, iPad o Webphone.

Sin embargo, el papel como soporte sigue siendo uno de los más preciados para leer historias y ver publicadas bellas imágenes.

Nos encanta su textura, su color, su olor. Es por eso que 90+10 seguirá apostando al formato propuesto por Gutenberg, pero también reforzará su pata digital, así podrán disfrutar (dentro de muy poquito) de todo su contenido y mucho más, en forma online, desde el dispositivo que más les guste, pero siempre con la calidad a la que los tenemos acostumbrados. Y esperamos que nos sigan acompañando en esta nueva etapa, que nos llena de ilusión. + Marcela Fibbiani Editora

CONEXIÓN DIGITAL Con los links cortos de 90+10 (9010.co), accedés directamente a la versión digital de la nota (disponible para las secciones: personas creativas, ideas creativas, clásicos contemporáneos, portfolio y especial), para poder compartirla, comentarla, ver más material de fotos y video, y acceder a los todos links vinculados. Una nueva manera de conectar el medio en papel con el mundo digital. + 90mas10.com

TAPA Diseño Patricio Oliver www.patriciooliver.com.ar Fotografía Pedro Quintans www.pedroquintans.com.ar Estilismo y Producción ffwestudio www.ffwestudio.com Modelo Anastasia Mónaco para Visage Models www.visage-models.com Pelo Juan para Estudio Olivera www.estudioolivera.com Make Up Jesica Báez para Estudio Olivera www.estudioolivera.com Retoque digital Melvin Studio www.melvinstudio.com.ar Técnico stroboscópico Gastón Rebora Campera deportiva Flames: Jeremy Scott para adidas Originals. Camisa Nauta: Kostüme

014

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

diseño

Las cosas del quehacer Hoy es un libro, pero es mucho más. Es un proyecto que estuvo liderado por Laureano Mon, del Observatorio de Tendencias INTI (Instituto Nacional de Tecnología Industrial), con la colaboración de Sofía Marré, de Pro Tejer; y que se realizó con el apoyo del propio INTI. A comienzos de mayo de 2010, diseñadores y gestores culturales de todo el país se dieron cita en el Centro Cultural España Córdoba (provincia de Córdoba), para charlar y debatir sobre la creación textil argentina. Con la colaboración del Macro (Museo de Arte Contemporáneo de Rosario), de Cultura Corrientes, del Centro Cultural Eugenio Virla (Universidad Nacional de Tucumán), de la Comisión Organizadora de Jornadas de Diseño y el MEC (Museo En Construcción), esta fue una excusa: un punto de partida para analizar bajo una mirada psicológica, sociológica, antropológica, política y filosófica, la identidad textil argentina. ¿Cómo es que el argentino aprehende, asimila y finalmente aplica su cultura textil? Pero la iniciativa se propuso, no sólo analizar en profundidad el fenómeno del proceso nacional textil, sino además, definir la marca país. Y en este abordaje, se permitió tratar temas como el diseño de autor, la producción sustentable, los derechos de propiedad intelectual, el imaginario colectivo textil, su herencia

y futuro, y su valor cultural. Los talleres de debate se encuentran en el libro, y son el testimonio de estos espacios “pensados como instancias de reflexión, donde los diseñadores y gestores culturales pudiesen intercambiar ideas en torno a ejes temáticos concretos, que representan problemáticas cotidianas vividas en todo el país”, explican en el texto.

Y desarrollan temáticas como los rasgos argentinos y su exigencia a la hora de consumir, el diseñador multifacético, las redes de colaboración, la capacidad de articulación con la industria, e incluso claves para emprendedores independientes (autogestión, asociaciones estratégicas, definir un plan de negocios coherente, diseñar diferentes líneas de producto para diferentes mercados según el target y poder adquisitivo, por citar sólo algunas). Las experiencias personales de casos reales también estuvieron presentes, y aportaron calidez. A todo se sumó una muestra, que reunió el trabajo de 22 diseñadores de indumentaria de autor de 10 provincias del país, que se presentó en abril en el Cabildo Histórico de Salta, y recorrerá durante todo el año las ciudades de Buenos Aires, San Miguel de Tucumán, Rosario, Córdoba y Corrientes. En suma, una iniciativa invaluable y necesaria para explorar nuestra identidad cultural. + www.ccec.org.ar

016

+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver

diseño

Aventuras sabor chicle globo Nadie más idóneo para realizar un designer toy que la icónica tienda boutique londinense Play Lounge. Ubicada en el corazón de Londres, ha sido una de las más importantes en lo referido a la cultura del art toys, y los elementos y productos relacionados con este movimiento, que aún no ha cumplido más de veinte años en el mundo.

Producto de una alianza artística con la talentosa ilustradora y diseñadora de Hong Kong, Bubi Au Yeung -creadora del simpático y adorable personaje Tresson-, decidieron convertir la mascota representativa de la tienda, en una figura de vinilo de 3 pulgadas (7.5cm aproximadamente), llamada The Bubblegum Adventures of Periwinkle: un muchachito de llamativo pelo azul, vestido con pantalones cortos y remera de marinero a rayas.

El estilo naïve e infantil, pero atractivo, de Au Yung, se ve totalmente reflejado en esta figura, manteniendo un diseño escueto desde los elementos, pero no por eso, menos efectivo y único.

La producción de la figura estuvo a cargo de Crazylabel de Hong

Kong, quienes ya han trabajado en el pasado con Bubi en la realización de las figuras de su famoso Treeson y los otros personajes de su universo.

Cada pack individual contiene al personaje, con tres puntos de articulación (tanto los brazos como la cabeza, que puede girar su cuello). Digno de su ciudad de origen, cada modelo trae un accesorio diferente, que incluye una mochila escolar, un paraguas clásico negro, y el ya distintivo bombín inglés o sombrero bowler “para ayudar a Periwinkle en sus aventuras”.

Claro que al ser cajas cerradas o blind boxes -como se las conoce mundialmente-, parte del juego es el azar que implica adquirir un Periwinkle sin saber qué objeto lo acompañará. Por suerte para los coleccionistas, todos los modelos incluyen el chicle globo icónico de Play Lounge y un comic book desplegable. Las figuras ya están disponibles en la tienda, o bien online. + www.playlounge.co.uk | www.milkjar.com www.crazylabel.com | www.milkjar.com/treeson

018

+ mundo creativo

diseño

+ Citrus, de Mariana Villarino

+ Melón, de Martín Fridman

+ Ananá, de Natalia Mercol

+ Durazno y Frutilla, de Marco Mazzeti

+ Frutos del Bosque, de Pamela Escamilla

Concurso de diseño Frizzé

Nuevo Packaging para Frizzé New Touch - Summer Edition Frizzé dio a conocer los ganadores de su primer concurso de diseño de packaging para su línea New Touch - Summer Edition 2011.

En 2010, Frizzé lanzó una edición limitada para el verano, en cuyo packaging se plasmaron los valores de la marca: diversión, música, fiesta, alegría y noche. Dada la gran repercusión, se decidió repetir la acción, pero esta vez, brindando la oportunidad a los propios consumidores de intervenir las botellas, a través de un concurso de diseño. Así, estudiantes y jóvenes profesionales del diseño, arte y publicidad, enviaron sus propuestas para la edición limitada del packaging de los seis sabores de la línea: durazno, frutilla, melón, ananá, frutos del bosque y citrus.

El prestigioso jurado -integrado por Daniel Wolcowicz (titular de la cátedra con su nombre de diseño gráfico en la FADU/UBA), Javier Abiam (director de revista Crann), Gonzalo Fargas (director de 90+10), Charly Moreno (diseñador encargado de la edición limitada 2010), María Cecilia Sanguinetti (jefa de marca de Frizzé) y Alejandro Perrot (gerente de marketing de Frizzé), seleccionó un ganador por cada categoría, correspondiente a cada uno de los sabores.

Para su diseño del sabor Melón, el diseñador gráfico Martín Fridman utilizó una paleta cromática cálida y llamativa, para completar un lenguaje visual que le hace un guiño a la particular estética del artista estadounidense Keith Haring. Por su parte, la diseñadora e ilustradora Pamela Escamilla creó para Frutos del Bosque, un alegre bosque acuático nocturno, con personajes que visten máscaras como si fueran antiparras, que parecen estar buceando.

Una sirena reina del mar y de la noche, rodeada de peces, brillos,

estrellas y un intenso sabor cítrico que la impregna fueron las imágenes que eligió la diseñadora Mariana Villarino para el sabor Citrus; mientras que la diseñadora Natalia Mercol se inspiró en la rumba, los sombreros con frutas y los trajes de baile latinoamericanos para el sabor Ananá. Finalmente, el diseñador Marco Mazzeti planteó una propuesta tipográfica para el sabor Durazno; en tanto que para el sabor Frutilla, optó por imágenes que remiten a estéticas postmodernas, dinámicas y electrónicas.

“Creo que fue una buena idea la apertura a profesionales y estudiantes, ya que permitía niveles de experimentación formal y comunicacional. Las miradas jóvenes, más próximas a la identidad de la marca, dieron versiones de diseño producidas casi desde el usuario.

Y por otro lado, los profesionales marcaron niveles de precisión en la construcción técnica y comunicacional que el brief de convocatoria proponía”, apuntó Daniel Wolkowicz.

Cada ganador recibió un premio de $5000, además de la posibilidad de ver su creación plasmada en cada una de las botellas Frizzé, con la consecuente exhibición en todos los puntos de venta a nivel nacional. “Superamos ampliamente las expectativas, con 2.600 participantes. En lo que respecta a los diseños, estamos muy contentos, porque hemos encontrado trabajos muy distintos entre sí (uno de nuestros objetivos), y con propuestas muy divertidas y creativas”, comentó Alejandro Perrot, gerente de marketing de Frizzé. + www.concursofrizze.com.ar

020

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

diseño

Plywood: elogio a un material El MoMA (Museum of Modern Art) de New York presenta hasta febrero de 2012 “Plywood: Material, Process, Form”, una exhibición dedicada al contrachapado, también conocido como multilaminado, triplay o, el más coloquial, madera terciada. Se trata, en suma, de un tablero elaborado con finas capas de madera, pegadas una sobre otra con resinas sintéticas, mediante fuerte presión y calor.

Todo este proceso lo vuelve más estable y fuerte y, por lo mismo, el predilecto de muchos diseñadores industriales del mundo mo-

derno, algo que se comprueba en piezas icónicas de Alvar Aalto, Charles y Ray Eames, Eero Saarinen y Arne Jacobsen, todas las cuales se descubren en un recorrido por la muestra, que también incluye un modelo arquitectónico prefabricado por Marcel Breuer en 1943, y un diseño experimental para la industria aeronáutica. Liviano, orgánico, resistente, flexible, atractivo, este material -cuyo origen se ubica en el antiguo Egipto y China, y más tarde, conocido como “the wooden wonder” (la maravilla en madera)-, deslumbra y sorprende en esta muestra imperdible. + www.moma.org

Lasdimario: hermanas luminosas Lasdimario es un emprendimiento que nació hace ocho años, impulsado por las hermanas Cecilia y Silvia Di Mario. Hermanadas por el apellido y un gusto original, dieron vida a lámparas de todo tipo, para delicia de decoradores, arquitectos y el público en general, que encontraron en su propuesta una alternativa diferente al minimalismo, el barroquismo o el vintage.

Y así crecieron, de a poquito. Al principio, vendían sus productos en tiendas de decoración e iluminación de todo el país. Hoy, con un largo camino recorrido, presentan su primer local, en el barrio de Chacarita, más precisamente, en la calle Roseti 428.

Lámparas de mesa, techo, pared y pie son las propuestas de esta marca que, además, renueva sus modelos con el correr de las colecciones.

Su último lanzamiento es la colección Altamar, inspirada en los viajes por mar y las navegaciones. Sogas y faroles marinos son conceptos que guían esta línea, en donde los colores, texturas y géneros acompañan, para culminar un efecto siempre estético. Con su calidad habitual y su logrado mix de materiales, hoy también suman una propuesta de almohadones. Y, como si fuera poco, Lasdimario también ofrecen un servicio de asesoramiento sin cargo, además de una prueba de productos a domicilio. + www.lasdimario.com

022

+ mundo creativo

Texto: Leila Mesyngier

diseño

+ Buenos Aires Rorschach de Cabina

Festival de diseño de Berlín Plataforma de lanzamiento

Seis empresas porteñas participaron del DMY, el Festival Internacional de Diseño de Berlín. Allí dieron a conocer sus creaciones, y contribuyeron a posicionar a la ciudad de Buenos Aires como un polo de circulación de las industrias creativas.

La creatividad y el talento argentinos deslumbraron a los participantes del DMY, el Festival Internacional de Diseño de Berlín, Alemania, uno de los principales escenarios culturales del mundo. Hasta allí llegaron Cabina, Estudio Lascano, Grupo Bondi, Indarra, M2 y Nobrand

by Imagen Hb, las empresas porteñas impulsadas por el Centro Metropolitano de Diseño (CMD) para asistir al encuentro europeo. Con trabajos representativos, los emprendimientos elegidos cumplieron con las expectativas y posicionaron alto al diseño local, en el encuentro realizado entre el 1º y el 5 de junio pasado.

“La selección de los participantes se hizo bajo el concepto de pensar a Buenos Aires como un crisol, un portal europeo al diseño latinoamericano. Cada uno de ellos tenía su espacio dentro del stand, que respondía a un modelo colectivo”, explica Eduardo Fuhrmann, representante de DMY para Latinoamérica. El diseñador fue parte del comité de selección junto a Anabella Rondina (Directora Operativa del CMD), Gastón Marando (Director Operativo de Comercio Exterior en la DGCE) y Hugo Kogan (Consultor Internacional especializado en Diseño).

Así, los diseñadores de la Ciudad de Buenos Aires encontraron una oportunidad, no sólo para mostrar sus producciones y generar nuevos negocios, sino también un espacio para ver, mirar y absorber, una “plataforma para hibridar y generar colectivos de diseño internacionales”, agrega el curador de la muestra.

“Lo más importante es lo que produce el encuentro con el mundo del diseño y las tendencias en otros contextos. Por eso, desde el CMD estamos creando un escenario de posicionamiento para futuros negocios de las industrias culturales”, sostiene el representante latinoamericano del festival. Según el Observatorio de Industrias Creativas del Ministerio de Desarrollo Económico porteño, las actividades relacionadas con las industrias culturales responden a un proceso de crecimiento de más del 68 por ciento. Este dato se suma a la imagen que transmite la capital argentina, un lugar “muy cómodo, muy conocido y con raíces familiares en Europa”, reconoce Fuhrmann. Y agrega: “Buenos Aires está de moda. En el contexto del diseño, vienen personas de todas partes, es uno de los principales polos de circulación junto con Berlín y Barcelona”. Por eso, los diseñadores y artistas son tan bien recibidos alrededor del planeta, y la edición 2011 fue la segunda consecutiva en la que participaron representantes porteños. En 2010 habían viajado Diseñaveral, Gaby Horvat, Nobrand, Azzularq, Proyecto Planar, Remolino y Gruba.

Considerado como una plataforma internacional para el diseño contemporáneo, el DMY fue fundado en 2003 por representantes de la escena alemana, con el objetivo de crear una base de lanzamiento y de oportunidades para los creativos más jóvenes, y para las empresas y diseñadores profesionales. Desde entonces, el festival fue creciendo hasta convertirse en una parada obligatoria, que permite forjar vínculos entre Europa, Asia y América. Allí se concentran expositores, empresas e instituciones de más de 30 países. En esta última edición, Finlandia fue el invitado de honor, país que ofrecerá su principal ciudad, Helsinki, como Capital Mundial del Diseño en 2012. + www. dmy-berlin.com

024

+ mundo creativo

Texto: Silvia y Cecilia Di Mario. www.lasdimario.com

diseño

+ Gladis High Chair de Aqua.

ICFF New York

Materiales nobles y formas orgánicas Entre el 19 y el 22 de mayo, más de 25.000 personas visitaron ICFF, la feria internacional de diseño contemporáneo que se realiza anualmente en la ciudad de New York. Cecilia y Silvia Di Mario, responsables de la empresa de iluminación lasdimario, estuvieron allí y nos cuentan lo más destacado.

Durante nuestro recorrido, la feria nos permitió conocer las propuestas de más de 500 empresas y diseñadores de distintas partes del mundo, disfrutar de eventos en showrooms, comprar libros, y participar de charlas y conferencias sobre distintas temáticas relacionadas con el diseño. Materiales nobles, formas orgánicas y acabados naturales se destacaron en las propuestas de varias marcas, que con sus productos de uso cotidiano, nos recordaron a la naturaleza en sus distintas expresiones. El cartón corrugado demostró su resistencia y amplias posibilidades con los diseños de distintas empresas. Las más destacadas: las sillas, mesas, estanterías modulares y objetos de la empresa italiana Kubedesign (kube-design.it), las lámparas realizadas por Graypants (graypants.com) y las asombrosas y detalladas figuras en 3D creadas por la empresa japonesa Aki (wtv.co.jp).

Uno de los materiales protagonistas del evento fue la madera, que se mostró en sus expresiones más crudas, con lustres naturales y terminaciones manuales, y en contraste con materiales fríos como el hierro y el acero. Lo demuestran los muebles de las empresas neoyorkinas Hooker & Co. (hookerandco.com) y From the Source (fromthesourceny.com), la española Arxe (arxe.info), y Cerca Trova (cercatrovadesign.com), entre otras. Para quienes quieren simplemente disfrutar de las características visuales de la madera, la mejor opción la exhibió Sloophout (sloophoutbehang.nl), con sus impactantes wallpapers diseñados por el holandés Piet Hein Eeks quien, además, recibió el premio al mejor producto en la categoría revestimientos de pared.

Uno de los stands que más nos detuvo, fue el de la reconocida empresa canadiense Molo (molodesign.com). En esta ocasión, presentaron diferentes productos realizados con su sistema de pliegos de papel, inspirado en un panal de abejas. Este pliego se expande para convertirse en paneles divisorios, lámparas, bancos y más productos que sorprenden y son un placer para los sentidos.

Si de sustentabilidad se trata, con base en Tel-Aviv, Aqua (aquagallery. com) impactaba por sus muebles e iluminación diseñados a mano con

materiales naturales y formas orgánicas. Lámparas inspiradas en el arte del origami y muebles con fluidas formas que recuerdan a la naturaleza fueron algunos de los productos presentados.

Otra característica destacada fue el uso del color y los productos con sentido del humor. Uno de los stands más coloridos -tanto en su oferta de productos como en las ambientaciones y combinacionesfue el de Jonathan Adler (jonathanadler.com), quienes promulgan la felicidad y el juego en cada uno de sus diseños. Podían verse paredes revestidas con coloridos wallpapers y espacios ambientados con muebles y objetos que no hacían menos que robarle una sonrisa a quien pasaba cerca. Lo nuevo: objetos de bronce inspirados en la decoración tradicional inglesa, y reinterpretados con la estética característica de la marca. Además, imperdibles la selección de creativos objetos de distintos diseñadores realizadas por Areaware (areaware. com), Kikkerland (kikkerland.com), The (thinkofthe.com) y la italiana Seletti (seletti.com).

Invitaban a experimentar las sillas de Flux (fluxchairs.com), realizadas en plástico y con un original sistema de plegado, que facilitan su guardado y traslado. También la alfombra puzzle diseñada por el lituano Nauris Kalinauskas para Contraforma (contraforma.com), que se comercializa en cajas de diez piezas, y permite combinarla de distintas maneras, sumando piezas y agrandándola hasta el tamaño deseado. Y para los fanáticos del fútbol, un divertido metegol rosa con jugadoras femeninas, diseñado por la española RS (rs-barcelona.com).

Una de las partes más gratificantes e inspiradoras de la visita, fue la entrevista al brillante diseñador industrial danés y creador de la empresa Moooi, Marcel Wanders, realizada por Stefano Tonchi, editor de la revista W, en el marco de la presentación de su último libro, “Interiors”. Verborrágico, espontáneo, divertido, y con la naturalidad que brinda la seguridad de saber de qué se habla, Wanders aseguró, entre otras cosas, que “la durabilidad de un objeto tiene más que ver con el deseo de su dueño de mantenerlo, que con la tecnología con la que está fabricado. Cuando alguien compra un objeto, ese objeto deja de ser lo que era, para convertirse en parte de su mundo, de sus emociones, de la belleza que crea al complementarse con otros objetos. El diseño es poesía, por eso está íntimamente ligado al amor”. + www.icff.com

026

+ mundo creativo

diseño

+ Diseño + Escarapela Nacional dan la vuelta al mundo. Representantes de DArA festejan el World Interiors Day: Philippe Deroy, Matty Costa Paz, Javier Iturrioz, Claudia Traverso, Julio Oropel, Laura Ocampo, Alfred Fellinger, Angélica Campi y María Zunino. Foto: Pato Rivero

Los diseñadores festejan su día Cada una de las disciplinas del diseño festeja su día -el que, en algunos casos-, está consensuado internacionalmente, y en otros, sólo en forma local.

Por parte, la Ifi (International Federation of Interior Architects/ Designers) creó el World Interiors Day, un evento internacional que se sucede a fines de mayo (en 2011, el 28 de mayo), como una oportunidad para destacar los méritos de los profesionales interioristas y su influencia en la calidad de vida. Esta celebración es replicada localmente, por las agrupaciones de profesionales alrededor del mundo. En Argentina, la Comisión Directiva de DArA (Decoradores Argentinos Asociados) y diseñadores locales se sumaron a esta propuesta, y eligieron al fotógrafo Pato Rivero para hacer una toma conmemorativa, vistiendo escarapelas.

El 29 de junio es el Día Internacional del Diseño Industrial, declarado por primera vez en el año 2007 por Icsid (International Council of Societies of Industrial Design).En el marco de la 4º celebración de este día, Icsid invitó a diseñadores y entusiastas del diseño industrial

de todo el mundo, a dar a conocer y realizar eventos que reflejen el tema de este año: Diseño Industrial: ¿Cómo mejora tu vida?

Internacionalmente, el Día Mundial de la Arquitectura se celebraba el 1º de julio, pero por decisión de la Unión Internacional de Arquitectos (UIA) en su Asamblea tras el Congreso de Barcelona en 1996, se decidió trasladar el festejo al primer lunes de octubre, en coincidencia con el Día del Hábitat. Sin embargo, la Federación Argentina de Entidades de Arquitectos (Fadea) conservó la original fecha como el Día del Arquitecto Argentino.

Desde el año 1995, todos los 27 de abril se festeja el Día Mundial del Diseño Gráfico, por iniciativa de Icograda (The International Council of Graphic Design Associations), conmemorando el día de su fundación. En nuestro país, se festeja el Día del Diseñador Gráfico el 24 de octubre, recordando el día en que egresó Haydée Stritmatter de la Universidad Nacional de Cuyo, como primera diseñadora gráfica de Argentina. + www.dara.org.ar | www.icsid.org | www.icograda.org

Casa FOA 2011 El sur de la Ciudad de Buenos Aires será nuevamente la sede de Casa FOA, la muestra anual de arquitectura, diseño de interior y paisajismo. En el barrio de Barracas, el CMD (Centro Metropolitano de Diseño) albergará a esta 28 edición, bajo el lema “Mercado del Diseño”. Como todos los años, a beneficio de la Fundación Oftalmológica Argentina Jorge Malbrán, 7700 m² alojarán, del 2 de septiembre al 2 de octubre, 50 espacios para que los visitantes puedan conocer las nuevas tendencias, las propuestas de las marcas y, claro, inspirarse.

“Este año nos inspiramos en un gran Mercado de Diseño por la variedad de propuestas”, relatan Inés Campos y Mercedes Campos, directoras de Casa FOA. “Un espacio en que el color, la innovación, la vanguardia y la exploración serán los protagonistas”. La propuesta tendrá como eje el recorrido de una calle central, en la cual se dis-

pondrán bancos y papeleros seleccionados a través de un concurso de diseño, bajo las consignas “Trabajo y Vivo” y “Trabajo y Descanso”.

La apuesta al sur no es caprichosa: en franco crecimiento, esta área de la ciudad refleja su espíritu en este magnífico edificio, tal como lo sostuvo Francisco Cabrera, Ministro de Desarrollo Económico de la Ciudad.

Además, como cada año, arquitectos e interioristas de todo el país son invitados a participar del concurso de adjudicación de una beca por un espacio en la muestra, bajo la temática de Tienda-Biblioteca, que quedará como huella de Casa FOA para el CMD. Resultaron ganadoras las diseñadoras Stella Lluch, Claudia Mascarenhas y Alexia Baralia por su proyecto “Espacio en movimiento”.+ www.casafoa.com

028

+ mundo creativo

Texto: Carlos Piedrabuena. Fotos: Gentileza MS

arquitectura

Museo Soumaya, México DF Deslumbrante obsequio

Cargado de un simbolismo neorenacentista sin parangón, el elegante e intrincado Museo Soumaya se yergue, rotando sobre sí mismo como si aún estuviera emergiendo de las entrañas mismas de la Tierra, en busca de un lugar en la historia. Custodio del invalorable acervo artístico de la Fundación Carlos Slim -según la última Forbes World’s Billionaires List, el hombre más rico del mundo-, y punta de lanza de un Masterplan destinado a reconvertir el área industrial de Nuevo Polanco, el museo resalta por su estudiada singularidad, concepción futurista e impecable construcción.

El exótico nombre celebra el recuerdo de la malograda esposa del magnate, Soumaya Slim Domit; y la inquietante morfología debe mucho al hechizo que los torsos de Auguste Rodin -también conocido como “el primer moderno”- ejerció sobre el yerno de Slim, el brillante arquitecto mexicano Fernando Romero, autor del proyecto. Éste decidió resolver la compleja estructura con columnas perime-

trales de acero, cada una con distinto radio y espesor, e imaginó la fachada -de doble curvatura- revestida de una piel continua de hexágonos de aluminio pulido, cada uno de ellos con una única punta negativa que jamás se toca, y permite a cada pieza rotar y modificarse de manera independiente, adhiriéndose inmejorablemente a la amorfa silueta del edificio. La diversidad del conjunto -las más de sesenta mil piezas convierten a su colección privada en la más grande de América Latina- podrá ser magníficamente exhibida en este bello coloso de 43 metros de altura, 17.000 metros cuadrados y facilidades de clase mundial.

Ha corrido mucha agua bajo el puente desde que las antiguas civilizaciones comenzaron a reunir objetos de arte en templos, tumbas y palacios. El bello y sugerente Soumaya es un sólido e incontestable recordatorio de ello, además de un portentoso regalo del Tycoon de las telecomunicaciones a la tierra que le permitió prosperar. + www.soumaya.com.mx | www.fr-ee.org

030 arte

+ mundo creativo

Texto: Javier Villa

+ Grace anatomy, fotografía de Axel Chaulet

Grata con otros

La obra de Graciela Taquini Del 19 de agosto al 7 de septiembre de 2011. Centro Cultural Recoleta, Sala Cronopios, Junín 1930, CABA. La Sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta, que desde hace varios años dedica gran parte de su programación a retrospectivas de artistas argentinos, presentará una muestra antológica de la obra de Graciela Taquini. La idea de “obra”, en este caso, es conceptualizada bajo un espectro amplio y abarcador. Taquini forjó al menos dos prácticas en paralelo: curadora (especializada principalmente en videoarte, multimedia y nuevas tecnologías) y artista (actividad que comenzó en su madurez).

La exposición será, entonces, una buena oportunidad para entender cómo ambas prácticas forman un único cuerpo, proveniente de un mismo pensamiento, que comenzó a desarrollarse en las artes visuales, desde hace más de treinta años. Poder tener una mirada crítica sobre sus cruces, retro-alimentaciones y contradicciones.

Comprender la visión de una de las principales figuras que promo-

cionó el videoarte en la Argentina, junto a Rodrigo Alonso, justamente el curador de la curadora-artista de esta muestra.

El título de la exposición, “Grata con otros”, surge de una serie de retratos que diversos artistas hicieron de Taquini, especie de serie en colaboración, que deja entrever cierto tono que tendrá la muestra: probablemente, la retrospectiva será trabajada más como un retrato de una vida, que un conjunto de piezas. Incluirá obras propias de autor, obras como productora y obras realizadas en colaboración con artistas o por artistas. Se exhibirán programas de TV producidos, y programas de videoarte, películas y documentales. Una vida construida -como curadora y artista- por el cruce de la mirada propia y de otros. + www.gracielataquini.info www.centroculturalrecoleta.org

032 arte

+ mundo creativo

Texto: Javier Villa

+ El asesino de tu herencia de Adrián Villar Rojas, en la Bienal de Venecia. Foto: Oliver Haas.

Carlos Herrera y Adrián Villar Rojas Trabajar con la precariedad

Durante fines de mayo y principios de junio, dos proyectos de artistas rosarinos en contextos muy diferentes tuvieron una gran visibilidad. Por un lado, Carlos Herrera se llevó el Primer Premio Petrobrás durante la última feria arteBA; por el otro, Adrián Villar Rojas fue el enviado argentino a la Bienal de Venecia, inaugurando un flamante pabellón.

Los dos proyectos tienen un contenido poético cargado, y se valen de la narración como estructura comunicativa. “Autorretrato sobre mi muerte”, de Herrera, fue una instalación de un par de zapatos y una remera del artista, en una bolsa de plástico; dentro de los zapatos, un par de calamares se fueron pudriendo en el transcurso de la feria, expandiendo la obra sensorialmente y en metros cuadrados, al volverse el olor cada vez más pregnante. “El asesino de tu herencia”, de Villar Rojas, se presenta al público como una súper-producción de Hollywood (en este caso, Venecia): “Dos meses de trabajo in-situ, diez escultores y constructores, seis asistentes, productores y diseñadores, y 25 toneladas de materiales consumió la producción de la instalación”.

Se trata de once esculturas monumentales de arcilla que trabajan desde un futuro apocalíptico; restos después del fin, donde se cruzan múltiples referencias -no necesariamente humanas o reconocibles-, diversas texturas y estrategias visuales, abstracción, animé, expresionismo, ciencia, pasado, futuro. Una obra, sin dudas, espectacular, trabajada con un solo material tradicional y frágil (la escultura en arcilla), que rodea un tema fundacional: la concepción y representación humana del tiempo.

Lo que vuelve interesante la comparación entre ambos proyectos, es que los artistas se paran en veredas –poéticas y políticas- diferentes,

para trabajar con la precariedad; un elemento que no sólo aborda problemáticas de presupuesto e infraestructura en regiones como Latinoamérica, sino que trabaja desde lo conceptual como estructura de lenguaje, como posición política.

El análisis de la obra de Villar Rojas abarca más de lo que exuda: es la postura que elige como artista argentino para discutir dentro del circuito internacional. Y si bien la obra resultó efectiva, ganando premios y teniendo muy buena recepción crítica, la comunicación del proyecto a través de su prensa -algo fundamental en este tipo de eventos, donde la información circula globalmente, y es mayor el público que lee a distancia que el que asiste a Venecia- cae en un enunciado sin dudas problemático: “Las dificultades financieras, la ausencia de espacios de producción, y la existencia de un mercado muy reducido para el arte latinoamericano, han empujado a la creación artística local hacia los medios tradicionales, los pequeños formatos y las soluciones low-tech. Villar Rojas, en cambio, piensa su producción como una alternativa a la imagen tradicional del arte de la región, ligada a la simplicidad y las prácticas ready-made. Por tal motivo, emprende proyectos ambiciosos y complejos, que buscan dialogar con la obra de sus pares internacionales, al mismo nivel de potencialidad y riesgo”.

La simplicidad y el uso del ready-made en el proyecto de Herrera, no lo vuelve menos ambicioso y complejo, ni tampoco le quita potencialidad y riesgo, elementos que no pueden cuantificarse en niveles, y no sólo aparecen en los artistas del circuito internacional, con proyectos de gran escala y espectacularidad. Un tema sin dudas complejo, que requiere más que un pequeño artículo. + www.labiennale.org

034

+ mundo creativo

Texto: Darío Stanziano

los ojos se alimentan

Battista propone una mirada del diseño a través de los ojos de distintos diseñadores, quienes vuelcan en esta sección su opinión sobre personalidades o proyectos que consideren de relevancia e influencia en sus trabajos y visiones profesionales. En esta oportunidad, expone el diseñador Darío Stanziano.

+ Silla Hal de Jasper Morrison para Vitra, 2001. www.vitra.com

+ Espejo Déjà-vu de Naoto Fukasawa para Magis, 2011. www.magisdesign.com

Diseño sincero Si tuviera que hacer una selección de diseñadores o estudios cuyos trabajos me interesen, creo que no alcanzaría este espacio para enumerarlos. Podría agruparlos según diferentes criterios: los conceptuales, los que priorizan la funcionalidad, los innovadores, aquellos que buscan una comunión con el arte, o quizá, los más experimentales. Pero si tuviera que elegir pensando en que eso mismo me resulte interesante aún con el paso del tiempo, elegiría a aquellos proyectos que no pertenecen a ninguna tipología más que a la simpleza.

Aquí, dos diseñadores que rigen su trabajo por este concepto y son consecuentes con ello. Por un lado, propongo el trabajo de Jasper Morrison, quien además de ser uno de los diseñadores más reconocidos es, sin duda, un actual y claro modelo del diseño sencillo. La mayoría de sus trabajos son visiblemente auténticos. Sus sillas, por ejemplo, como objetos funcionales, no pretenden ser percibidas más que como tales. Lo mismo sucede con sus productos; sean grandes o pequeños, todos son formalmente depurados, están desprovistos de ornamentos y dejan ver los materiales con los que están fabricados.

Siguiendo esta línea, Naoto Fukasawa posee una amplia experiencia en el diseño de productos electrónicos y de consumo masivo. Parte de su filosofía, plantea el control del ego del propio diseñador; filoso-

fía que se ve reflejada en sus diseños totalmente equilibrados, puros, y en búsqueda de la armonía con sus usuarios. En todos sus diseños, se destaca la economía de materiales, formas y color.

Estos dos diseñadores tienen muchas cosas en común, además de haber trabajado juntos en algún momento (Super Normal). Ambos cuentan con la capacidad de eliminar el despilfarro de recursos, buscando la belleza en la esencia de lo simple. Ninguno de los dos se preocupa por encontrar formas nuevas; trabajan con aspectos comunes de los objetos, los refinan y los fortalecen.

Esto consiguen llevarlo a cabo, tanto en el diseño de mobiliario, como en el desarrollo de productos de electrónica, en productos de alta o baja complejidad. Sus resultados no son comunes ni tampoco lujosos; son objetos funcionales y universales.

Pero ellos no son los únicos que comparten estas ideas, como tampoco es ésta la única forma de dar respuesta a un proyecto de diseño. Sin embargo, la considero -sin duda-, una postura humilde e inteligente de entender el diseño de productos. + www.jaspermorrison.com www.naotofukasawa.com www.stanziano.com.ar

036

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

green design

+ Proyecto social Matra en PuroDiseño. www.remadeinargentina.com.ar

PuroDiseño color verde Como cada año, la feria PuroDiseño fue un semillero de buenas ideas, y una convocatoria ineludible para diseñadores, productores, artistas, creativos y público en general. Al menos, así lo atestiguaron las largas colas que se vieron por la Av. Sarmiento, incluso los días en que la lluvia amenazó con disminuir la convocatoria. Esta vez del 19 al 25 de mayo, fueron más de 350 expositores los que estuvieron presentes en La Rural; la inspiración fue el color, y la ecología estuvo más que nunca presente, con los espacios Puro Verde y el Museo Sustentable.

En primer lugar, se destacó el estudio Qué! Diseño, que demostró que con un solo listón de madera se pueden hacer muchas cosas.

Por ejemplo, un perchero Brote, pieza que ganó el Premio Sustentabilidad del Concurso Internacional de Diseño de Muebles Fedema 2010. Creado por los diseñadores Moriana Abraham, Federico de la Fuente y Leonardo Cagliero, este mueble está inspirado conceptualmente en los brotes y frutos que se desprenden de un árbol. Y que a su vez se transforman, para dar vida a este objeto, destinado a colgar abrigos, sombreros, carteras y otras prendas, sea en el hogar o la oficina y que, además, viene en su versión especial para chicos.

Elaborado en madera de eucalipto cultivada maciza de forestación, su costo es moderado, y sus características son perfectas para la producción de muebles. Es de una sola pieza de esta madera, que se pueden lograr los siete elementos que componen el perchero, demos-

trando así su eficiencia en términos de racionalización y optimización de la madera. Las medidas son: 2 m de alto y 0,30 m de ancho para chicos; 1,50 m de alto y 0,25 m de ancho para adultos. Para vestirse fácil, rápido y con responsabilidad.

Por su parte, Not Off nace de la inspiración de su diseñadora, que afirma: “Empecé a observar que había una gran cantidad de materiales, con un proceso industrial con alto grado de elaboración, que eran desechados y transformados en basura. Esto genera una contaminación que no es menor”, cuenta. “Entonces, sin tener bien en claro que de esa manera estaba entrando en el terreno de lo sustentable, y muy interesada en reutilizar esos desechos y hacer que adquieran una nueva función, empecé diseñando en el taller con lo que tenía, con lo que me iba encontrando”, concluye.

Y su trabajo se concreta en piezas de mobiliario, que son una posibilidad conciente de hacer reuso. Entre ellas, Mantis, un modelo realizado con descartes de hierros que fueron pulidos, y cuya tulipa está conformada por el descarte de un filtro de aire que usan los camiones. O Rule, que nació de un volante, y hoy es una mesa giratoria, que utiliza como base un disco de frenos, y un caño cromado descartado en un taller. Ohu, por su parte, es también una lámpara, diseñada con descartes de hierro en la base, y filtros de aire de camiones en la tulipa. Singulares y atractivas, alternativas sustentables para hogares y oficinas.

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mundo creativo 037 green design

+ Perchero Brote para niños de Que! Diseño. www.quediseno.com

+ Lámpara de pie Mantis de Not Off. www.not-off.com

Y no faltó el team de Green Gift, la primera empresa dedicada a los regalos ecológicos de la Argentina. Nacida hace dos años de la mano de la licenciada en publicidad María Paula Pereiro, el proyecto cobró vida sondeando materiales orgánicos, productos reciclados y reciclables, elaborados por artesanos, corporativas y fabricantes responsables. Hoy, el sitio provee de regalos a particulares y empresas, con una búsqueda que también se adapta a regalos para chicos y que, por sobre todo, busca profundizar en el impacto de la importancia de la sustentabilidad, el comercio justo y el trabajo respetado.

El fieltro de lana es el protagonista de un proyecto social que tiene como objetivo articular el diseño en este material, para generar valor social y económico en toda la región de la Argentina. Matra es el nombre de la iniciativa, y fue creada por Remade in Argentina, en conjunto con el Estudio Zatloukal. Presentado en PuroDiseño, propone una línea de productos creados sobre la base de este material noble y versátil, con múltiples propiedades ecológicas. Natural, el fieltro cuenta con la capacidad de absorción del sonido, resistencia al fuego, variedad de colores y texturas. Además, a pesar de tratarse de un material contemporáneo, revaloriza la labor artesanal, dado que éste era un elemento utilizado por el hombre hace siglos. Para arquitectura, moda, diseño industrial y muchos etcéteras, este proyecto social reivindica un material muy nuestro, y las costumbres de nuestros antepasados. Todo en uno. +

+ Kit Plantación de Green Gift. www.greengift.com.ar

038

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

publicaciones

101 casi historias

Novelas inconclusas sobre gente común

Autor MARTINA FLOR Editorial DEL NUEVO EXTREMO Formato 10 x 15 cm 128 páginas Español

“Todos miran de frente a la cámara, ignorando las dos o tres líneas que sobre sus cabezas los desnudan”, cuenta en un “Casi prólogo”, el dibujante Tute, sobre el recientemente lanzado libro de Martina Flor. Este discreto tomo cumple lo que presagia su tapa: “101 casi historias. Novelas inconclusas sobre gente común”. Y esa gente común son hombres, mujeres, jóvenes, lechuzas y hasta perros.

Como esbozos de documentos de identidad, un dibujo de frente sitúa al personaje en escena, y una leyenda explica lo que a la tinta le excede. De lo irónico a lo humorístico –y por momentos, rozando lo dramático-, los textos proponen: “Roberto es abogado penalista. Tiene ganas de experimentar el sexo con un hombre”, o “Eduardo es nuevo rico. Le gusta que su novia tenga tetas grandes”, o “Cintya y Lautaro son pareja. Cuando lo conoció él ya era muy pirata”, o “Fermín es un perro salchicha. Es impresentable”. Y son, en efecto, inconclusos, y este es uno de los rasgos que más interesantes los vuelven, dado que en este registro caprichoso de cada protagonista se detecta, también, algo de lo que la propia autora y dibujante quiere plasmar.

Y ella es Martina Flor Arce, de 30 años, graduada en diseño dráfico (UBA) y experta tipógrafa. Trabajó como directora de arte, vivió en Barcelona (España), La Haya (Holanda), y actualmente lo hace en Berlín (Alemania), algo que no le impide preservar intacto ese instinto pícaro del ser argentino.

Lo que dice, lo que calla y especialmente lo que dibuja, se disfruta y reflexiona, como dice Tute, preguntándose “qué dirían las líneas de uno”. + www.delnuevoextremo.com | www.martinaflor.com.ar

Cosmic Communist Constructions Photographed Autor FRÉDÉRIC CHAUBIN Editorial TASCHEN Formato 26 x 34 cm 312 páginas Edición plurilingüe: Español, Italiano, Portugués

Más de 90 edificios aparecen fotografiados en este libro, que bien podría ser una declaración de principios. Pareciera que el futuro no sólo ya está aquí, sino que ya pasó. De apariencia por momentos estrambótica e incluso futurista, estos edificios son el último suspiro de un sistema en su decadencia.

Una riqueza visual que no tiene escuela, sino un tiempo, y muy concreto: de 1970 a 1990, este renacimiento de la imaginación, campamentos de verano, palacios, campos de rehabilitación y hasta un hotel que los Estados Unidos pensó era un sitio de lanzamiento de misiles, integra a este crisol que lleva la firma de arquitectos destacados.

Este majestuoso registro fotográfico lleva la firma de Fréderic Chaubin. Nacido en Camboya, fue durante los últimos quince años, redactor en jefe de la revista francesa Citizen K. Sumado a esto, desde el año 2000, expone trabajos fotográficos que logran reunir arquitectura y viajes. Éste es uno de sus trabajos, que le tomó de 2003 a 2010, y que logra hacer convivir un instinto aguzado y una búsqueda histórica, que aquí logra sorprender por la audacia de las obras. La creatividad o la osadía rompen con todos los esquemas, como hacen las grandes obras cuando anuncian el fin de una era, y el choque de dos esquemas contrapuestos. En este libro, el fin de la Unión Soviética se lee desde la primera página hasta la última, en el lenguaje único y siempre deslumbrante de la arquitectura. Imperdible. + www.taschen.com

Texto: Jorgelina Peciña

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mundo creativo 039 lugares

Isabel

Basta con un nombre Muchos abren sus puertas y, por una temporada, se convierten en el espacio de moda, visitado por celebrities y amantes del buen vivir, hasta que, de pronto, un nuevo emprendimiento les roba el estrellato. ¿Será éste el caso de Isabel? Se trata del restaurante que se posiciona como una combinación de clásicos, con una dosis de rock & roll.

Su nombre lo dice todo, tiene personalidad, y lo demuestra con su decoración: un salón principal que invita al encuentro, la diversión y hasta algún paso de baile. Su distribución es clásica, con sillones estilo art decó signé, hechos en raíz de piopo y tapizados en terciopelo verde esmeralda. Completan la estancia, soberbias mesas de caoba y ébano con tachas macizas cromadas, y paredes cubiertas con paneles de terciopelo azul, sostenidos por fustes de ébano Macassar.

Quizá, lo más impactante de Isabel, sea su techo, inspirado en el del Whitney Museum of American Art, en Nueva York, que actúa como modelador sensorial, al cambiar sus luces al son de la música, combinando la última tecnología de escenario en shows de rock & roll.

Por su parte, la barra y el patio de Isabel no se quedan atrás. La primera, con siete metros de largo, está hecha íntegramente en espejo y bronce, y con estaciones para cinco barmen. Cuenta con un estante de acrílico retroiluminado, que sostiene los mejores licores del mundo, y los vinos argentinos más representativos. El patio es

de piedra blanca, revestida por jazmines y enredaderas, con un gran fuego bajo un árbol. Las altas paredes brindan privacidad bajo el cielo porteño.

BEBEMOS Y COMEMOS Para armar la carta de tragos de Isabel, se seleccionaron los más representativos tragos de la historia. Se destacan algunas mezclas e ingredientes no tan conocidos, despertando la curiosidad de los visitantes. Asimismo, los platos son elegantes, sanos, ricos y sencillos, servidos al mejor estilo hotel cinco estrellas europeo.

La gastronomía se complementa con la propuesta musical. La music designer Soledad Rodríguez Zubieta combina desde inesperados tracks de los 80 a lo más actual del nü disco, con un concepto de timeless groove, que se ha convertido en todo un estilo, el estilo Isabel. El salón fue preparado acústicamente como un estudio de grabación. Asimismo, el escenario cuenta con torres de parlantes de alta performance, para reproducir con absoluta fidelidad la voz y los instrumentos de los artistas invitados.

Isabel abre sus puertas de martes a jueves de 21 a 4hs. Viernes y sábados hasta las 5hs. Todos los jueves, el Ciclo Velvet Nights, con DJs invitados y muestras de arte. + www.isabel.bz

040

+ mundo creativo

Experiencia sensorial Llega por primera vez a Buenos Aires, la más impactante exhibición internacional, que ofrece una experiencia sensorial, imaginativa y educacional: Diálogo en la oscuridad.

Se trata de una entretenida propuesta de integración social dirigida a todo público, que busca despertar nuevas sensaciones, ofreciendo una particular forma de percibir el mundo. Anulando la vista y potenciando el oído, el olfato, el tacto y el gusto, el público es guiado a través de diferentes escenarios que reproducen situaciones de la vida cotidiana, en total oscuridad.

Hasta ahora, se ha presentado en más de 110 ciudades alrededor del mundo, desde el año 1988, convocando a más de 6 millones de visitantes que han vivido esta experiencia inolvidable y profundamente transformadora.

Diálogo en la oscuridad es una experiencia sensorial integral, compuesta por distintos escenarios, en total oscuridad, que simulan lugares y entornos cotidianos. Los visitantes ingresan en

pequeños grupos, y son orientados por guías ciegos, a través de los variados espacios especialmente diseñados. De esta forma, los sonidos, olores, sabores, temperaturas y texturas, ayudan a reproducir las características de ambientes habituales (como un paseo por el parque, un viaje en lancha, un cruce de calle en la ciudad, una visita al mercado para hacer las compras y una cafetería).

Los guías no videntes acompañan al público, dándoles contención y seguridad, generando un intercambio de roles, que induce a la reflexión y a un cambio de mentalidad, en relación con la discapacidad y la diversidad humana. Las fronteras sociales se reducen, la ignorancia se transforma en apertura e interés, y la compasión se convierte en respeto.

Alrededor del mundo, más del 98% de las personas han indicado que no han vuelto a ser las mismas, luego de participar de Diálogo en la oscuridad. + www.dialogoenlaoscuridad.org

La temporada 2011 se lanza el 16 de julio, con funciones en distintos horarios: a la mañana y tarde, para escuelas y empresas; y los fines de semana, para todo público.

Ciudad Cultural Konex – Sarmiento 3131, CABA

mundo creativo

Texto: Germán Andrés

+ 041

música acabamos de editar, así que de lo próximo hablaré cuando esté listo. + ¿Cómo llegaron al concepto de producción de éste último álbum?

LM Nos pudimos dar el gusto de hacer un disco muy conceptual en cuanto al sonido, quizás por el hecho de que las canciones ya estaban muy armadas, y sentíamos que cada una transmitía con fuerza su mensaje, por eso unificamos toda la parte de instrumentos en una textura más bien fría, con la idea de que las voces fueran lo único humano que hay en todo el disco. Hay elementos que se repiten en cuanto a lo estético; tratamos de mantener un poco la línea visual del primer álbum (Papá, de 2007), también en los arreglos. + ¿Cuál es tu forma de trabajo para crear música?

LM No hay una sola manera ni un mismo momento para generar cosas. El formato, en mi caso, es más bien con la guitarra, la voz y algún grabador portátil. Una vez que tengo la canción, de tanto escucharla, voy generando ideas de lo que podría suceder a nivel producción. Y ya en el estudio, con Ezequiel Kronenberg, nos ponemos a producirla. Tenemos muy buena sintonía, así que trabajamos rápido, y cada uno se ocupa de algo en especial.

Lucas Martí

El cancionero total Se trata de uno de los músicos más talentosos y, simultáneamente, errático del pop alternativo argentino. Es muy prolífico, y crea canciones de manera simple, que seducen hasta al más exigente.

No es reconocido como su hermano (Emma Horvilleur), ni como su padre, el fotógrafo (Eduardo Dylan Martí), pero tiene su propio don: la genialidad siempre lo encuentra trabajando. El compositor, guitarrista, cantante y productor, hace obras con diferentes improntas. Además de crear temas para otros, en pocos años y con poderosas canciones, ya produjo cinco discos con su ex banda A Tirador Laser, cinco discos como solista, y ahora salió la segunda parte de “Varias Artistas”. + ¿En qué proyecto estás trabajando ahora?

LM En este momento, estamos presentando el disco de Varias Artistas 2, y pensamos dedicarle el año a eso, haciendo shows y generando algunos contenidos visuales y notas. Trato siempre de estar con algo nuevo, pero no me gustaría restarle importancia a lo que

+ ¿Qué rol te sienta mejor: grabar tus discos como solista, producir otras propuestas, o tocar en vivo con banda?

LM Cada cosa puede ser un gran momento. Puedo decir que componer es lo que más me gusta; el resto me gusta todo por igual: hacer una pausa, y grabar un disco como éste -con Julieta Venegas, Javiera Mena, María Ezquiaga, entre otras-, también me contagia y me inspira a volver a lo mío a su vez. Es una energía circular que me ubica siempre en un lugar distinto, pero dentro de ese círculo que, intento, sea muy mío. + ¿Creés formar parte de alguna tradición musical, o de cierta escena de cantautores actuales?

LM Soy consciente de que tengo pares generacionales, y también de que tengo una línea con un pasado de la música local y extranjera, que me gusta mucho. Soy de esos tipos que intentan no sólo hacer un disco, o una carrera, pues también pretendo generar un espacio, donde la gente se encuentre con varios elementos que lo rodeen al momento de estar allí. En ese sentido, intento ser una isla donde hay mucho de mí: desde la música, hasta una foto o un dibujo. + www.lucasmarti.com.ar

VARIAS ARTISTAS – SE PUEDE (PopArt music. Argentina, 2011) Quince canciones de Martí, un excelente co-equiper (Ezequiel Kronemberg), diecisiete mujeres cantantes (de muy distinto origen y perfil), un instrumento (en verdad, una interfase digital), y un concepto claro. Con talento y trabajo fino, una idea pudo convertirse en una bella realidad sonora y posmoderna de casi una hora de duración, hecha solamente utilizando un teclado con MIDI. Para resumirlo, digamos que todo lo que se escucha en el segundo disco del proyecto Varias Artistas no tiene ningún instrumento real “tocado”, sino seteos de un controlador de audio, con algunos sonidos pasados de moda. Pero fue una elección premeditada de Lucas y Ezequiel, para crear el acompañamiento estético a las expresivas voces que cantan y le dan sentido a Varias Artistas - Se puede.

Al igual que su antecesor, cada tema tiene una voz femenina distinta como intérprete central: Emme, Déborah de Corral, Mariana Baraj, Isol, Daniela Herrero, Florencia Ruíz, Javiera Mena y Julieta Venegas, entre otras, le ponen calor, humor, sabor y amor, con desparpajo sensual. Un cuidado producto del más puro pop, atractivo, sutil, ganchero y misterioso a la vez. Con un carácter seductor y un sonido único, el resultado final es muy sensible, a pesar de haber sido hecho todo digitalmente. Música con muy buen gusto, delirio y cierto capricho, como un perfume tremendo.

042

+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés

música

un disco muy rico por el vuelo musical que expone, lo cual no sorprende y alegra al mismo tiempo, por tratarse de un talento argentino de exportación. Si tuviéramos que enumerar la cantidad de artistas (famosos y no tanto) con los que tocó o grabó, sería un lista larguísima, en la que aparecerían nombres reconocidos.

Pero hablemos de las virtudes del álbum, que lo presenta muy bien.

Desde el comienzo, muestra su impronta latina para sentir el jazz, ya que todas sus composiciones dicen mucho, con aires y elementos que no necesariamente son de la jazzística tradicional. Sobre todo, se dejan oír influencias caribeñas y de Brasil. A la vez, la orquestación, la grabación y los arreglos, tienen un cuidado y un concepto de sonido del tipo “old school”.

Lua / Hernán Jacinto Jazz latino de lujo

Hernán Jacinto es uno de esos músicos con lo que todos -o casi todos- quieren tocar, o ya tocaron. Con apenas treinta años, su nombre resuena fuerte en el ámbito más alto del jazz local y de proyección internacional. En su primer disco “Lua” (BAU Records, Argentina, 2011), el pianista y tecladista que se presenta como compositor, es acompañado por un seleccionado de figuras locales, entre ellas, Javier Malosetti.

Esta obra llevó años de estudio, trabajo y experiencias compartidas en la vida musical de Hernán Jacinto, pero sobre todo es

Así se da un cruce interesante, con audio impecable y una apertura singular del género. Jacinto usa su gran técnica como pianista, para organizar la música desde su instrumento, pero no como centro de todo, sino que la deja fluir liviana, en melodiosas corrientes. Tiene sus momentos ligeros y cadenciosos, otros más sutiles, pero todos abiertos a la orquestación, con pausa o pulso bailable, sin aburrir con solos eternos. Incluso hasta hay temas cantables, muy accesibles y de carácter universal.

Jacinto grabó teclados, percusión, voces y piano, en diez tracks de los cuales siete son de su autoría. Incluye versiones muy personales de otros autores, como el caso de “Cuchillos”, de Charly García. El nivel es de una súper producción de jazz hecha en Nueva York. Así, el primer disco de Hernán Jacinto ofrece belleza, talento y frescura para todos los gustos. + www.myspace.com/hernanjacinto

Xul Solar: un músico visual

Un libro sobre la música en su vida y obra El éxito de esta atractiva publicación hizo que se agote la primera edición de 2008. Y acaba de salir la segunda tirada en Argentina, de la editorial Gourmet musical. Se trata de una minuciosa tarea en orden cronológico, sobre la vinculación directa entre la plástica y la música, en la vida personal y en la obra del genial artista argentino.

La autora Cintia Cristiá describe a Xul Solar con una formación musical muy diversa; por ejemplo, se devela que de niño estudiaba violín, pero que dejó de hacerlo a causa de una lesión en un hombro, tras caerse de un caballo. Datos y anécdotas como esa y muchas otras, profesionales y familiares, son plasmadas y corroboradas por los testimonios de allegados y por los cuadernos de anotaciones privadas del propio Xul. Algo se sabía sobre su relación con la música, sobre la creación del famoso piano de colores y la utilización de simbolismos musicales en sus obras. Entonces, el interesante trabajo de Cristiá nos detalla cómo éstas y otras inquietudes -incluso la composición musical concretamente-, formaban parte del proceso creativo de Xul Solar, en diferentes etapas y por diversos caminos.

En 140 páginas, el libro incluye fotos, manuscritos, citas, figuras y análisis comparativos de cuadros y partituras. Se hace entretenida la lectura, por estar planteado como un recorrido por su vida en forma conceptual, sin caer en el rigor académico, ni olvidar el costado esotérico y científico de Xul Solar, su particular personalidad y su amor por la música. + www.gourmetmusicalediciones.com

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mundo creativo 043 marketing

+ Presentación de “Vivir más liviano” by Andy Cherniavsky en las escalinatas de la Facultad de Derecho.

+ Colección de seis botellas de Coca-Cola light de edición limitada by Andy Cherniavsky.

Vivir más liviano by Andy Cherniavsky Íconos de la moda internacional como Karl Lagarfeld, Nathalie Rykiel, Roberto Cavalli o Patricia Fiel, ya han plasmado sus creaciones en ediciones limitadas de botellas de Coca-Cola light, que son verdaderas obras de arte. En Buenos Aires, la fotógrafa Andy Cherniavsky se suma a esta tendencia, gracias a la colección “Vivir más liviano”.

Coca-Cola light invita a vivir de forma más descontracturada, con una perspectiva libre de prejuicios, que busca rescatar la alegría y el disfrute de todo aquello que hace bien. El andar más liviano tiene que ver con una elección de vida, de atravesar la cotidianeidad, tomándose las cosas con humor y sin renunciar a aquello que queremos ser o hacer. Así, bajo la premisa “necesitamos menos reglas y más imaginación”, Andy Cherniavsky desarrolló seis piezas, cada una de las cuales integra la campaña publicitaria y forma parte de la colección de seis botellas, de edición limitada.

El lanzamiento de colección se festejó con un espectáculo que incluyó la intervención artística de las columnas de la Facultad de Derecho de la Universidad de Buenos Aires, con obras de 14 metros de altura, que presentaban en todo su esplendor las producciones de Andy. Además, la Orquesta del Centro Cultural Rector Ricardo Rojas acompañó con su repertorio. El cierre del evento fue acompañado por atractivos fuegos artificiales.

Sobre las creaciones de la fotógrafa, María Belén Colombo (Brand Manager de Coca-Cola light) comentó: “Su visión de nuestra campaña, reinterpretada en las obras que conforman la colección, es la mejor síntesis de lo que queremos transmitir. Sostenemos que necesitamos más imaginación y que vivir más liviano nos permite disfrutar más de cada momento”. + www.coca-colalight.com.ar

044

+ mundo creativo

Fotos: Noelia Fernández

marketing

Diseño, moda y arte de la mano de Swatch El espacio de Swatch en La Rural fue uno de los más atractivos y convocantes de la última edición de PuroDiseño. Durante los siete días que duró la Feria, la marca de relojería suiza presentó su nueva colección New Gent Coloured Collection, que combina diseño de vanguardia, moda y arte. Es por eso que en su espacio, se invitó al público a expresarse artísticamente, realizando sus propios dibujos, los que decoraron las columnas del stand.

En simultáneo, el artista visual Sael creó un mural por día, bajo el concepto “It´s Time”, inspirado en la colección New Gent. Así, se generaron en total siete obras-murales-instalaciones, que continúan la premisa “Live on Line” de las últimas creaciones del artista, siempre construidas en vivo, a partir de infinitas cintas que se suceden, con las que genera un mundo mágico de colores sobre una superficie. + www.swgroup.com.ar | www.eluniversosael.com

+ Sael creó en vivo un mural por día.

Texto: Jorgelina Peciña

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mundo creativo 045 marketing

+ Stand de Audi en el Salón del Automóvil de Buenos Aires. Foto: Gentileza SR

Scarlet Red

Con nombre de película El negocio denominado ferias y convenciones no sólo ha crecido en los últimos años, sino que también la presencia de las marcas invitadas, quienes invierten mayores presupuestos en hacer que sus espacios no pasen desapercibidos. Es por eso que recurren a estudios de arquitectura y diseño, como es el caso de Scarlet Red, expertos en convertir un stand, en una experiencia de marca recordable.

bajan actualmente?

GB Scarlet tiene la vocación de expresar creativamente la personalidad y esencia de una marca en entornos espaciales: traducimos en espacios y volúmenes la imagen de marca. Debido a eso, trabajamos con marcas muy cuidadosas de su presencia. Actualmente, contamos entre nuestros clientes a Audi, LG, Aluar y Nobleza Piccardo, entre otras.

Scarlet Red es una compañía de arquitectura y comunicación, especializada en el diseño y la realización de stands para exposiciones, eventos de marketing y retail. Presidida por el arquitecto Gabriel Berman, y dirigida por las arquitectas Claudia Leboeuf (diseño) y Gisela Busoni (producción), con un equipo de colaboradores también arquitectos y diseñadores, su objetivo es brindar a cada marca, una arquitectura efectiva en showrooms, oficinas, exposiciones y museos. La singularidad de la propuesta de Scarlet es que cuenta con oficinas en Buenos Aires y también en París, las cuales interactúan en cada proyecto, para la realización de exposiciones y mobiliario para empresas de ambos continentes. De esta manera, ambas filiales se nutren, comparten información y creatividad, para alcanzar los mejores resultados.

+ ¿Qué pueden contar sobre su trabajo para Audi en el Salón del Automóvil?

GB A partir de un proyecto de Feferbaum-Naszewski Arquitectos, desarrollamos en detalle su implementación, para la construcción y la producción integral del stand de Audi en el último Salón del Automóvil (del 18 y el 26 de julio en La Rural). El espacio estaba dividido en dos partes, por eso, el “leitmotiv” del proyecto fue una cinta iluminada, que unía ambos espacios. Fue obra de Scarlet el desarrollo de esta cinta iluminada, que conjugó en la realización, complejas y grandes estructuras escenográficas. En el espacio más grande, se ubicaron varios modelos de la marca alemana, y fue allí donde la cinta remató en un podio con el modelo Audi A6. Por su parte, en el espacio menor, se ubicaron otros modelos de autos, y también el sector VIP o Lounge, el cual se materializó con una gran síntesis, donde un cubo revestido en tela Barrisol negro mate, albergó las proyecciones y la iluminación especial.

En 2006, Scarlet, conjuntamente con sus socios en París, BizouardPin Architectes, diseñó y produjo con un cuerpo de artesanos de la comunidad Wichi de la provincia de Salta, el equipamiento del Hotel de Normandoux en Francia, cuyo proyecto también fue realizado por Bizouard-Pin Architectes en Terce, del mismo país. En una entrevista con 90+10, Gabriel Berman brindó más detalles sobre sus trabajos, especialmente uno de los últimos, realizado para su cliente Audi, en el Salón del Automóvil de Buenos Aires 2011. + ¿Cuál es la forma de trabajo de Scarlet? ¿Con qué clientes tra-

+ ¿Cómo es el camino creativo que utilizan para encarar un nuevo proyecto?

GB Para Scarlet, la presencia de sus clientes en una exposición es la oportunidad de crear un sitio físico preciso y pertinente y, a la vez, una verdadera “embajada de marca”. En síntesis, crear el lugar donde se comunican los valores tangibles e intangibles de cada marca. + www.scarletred.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Jorgelina Peciña

destinos

+ El Parque México (también conocido como Parque San Martín) es uno de los más famosos de la Ciudad de México, por su arquitectura art decó. Foto: Omar Bárcena

La Condesa

Estilo y buen gusto mexicanos Ya desde su nombre aristocrático, el barrio La Condesa, ubicado en el DF mexicano, promete estilo y buen gusto para todo aquel que lo visite. Cumple su promesa, ya sea por sus callecitas tranquilas y arboladas, hasta por sus barcitos y casas de diseño, transformándose en una parada obligada para aquellos que busquen conocer la cara del diseño emergente mexicano.

Los límites de La Condesa, el barrio de moda y diseño del Distrito Federal mexicano, se ubica entre las avenidas Insurgentes Sur, Baja California, Diagonal Patriotismo y José Vasconcelos. En su interior, se albergan dos espacios verdes, el Parque México y el Parque España y varias plazoletitas, de las cuales nacen sus típicas callecitas salpicadas por bares y locales de diseño, que exponen su oferta, que va desde muebles, decoración e indumentaria, hasta galerías de arte, joyerías y hoteles boutique.

Diseñadores nóveles y otros en vías de consagrarse, han optado por abrir las puertas de sus tiendas en La Condesa. Es el caso de Ocho, la marca que se vende como alta costura en ropa de la calle. Su visión es dar a conocer la moda urbana, con una propuesta diferente, realizada con manufactura cien por ciento mexicana. Allí se encuentran diseños sobrios, como clásicos conjuntos en blanco y negro, hasta detalles de color y estampados en formas geométricas.

Otra tienda que marca tendencia en este barrio es Love is Back, un laboratorio de diseño que se destaca por combinar en sus trabajos texturas y telas únicas. Forman parte de su propuesta, remeras, pantalones y chaquetas para ambos sexos.

Suite 66 apuesta al diseño de autor, plasmado en ropa y accesorios para hombres y mujeres. Abundan las carteras y los morrales de ingeniosos formatos y colores. Por su parte, Nest propone colecciones de diseñadores locales e internacionales. Allí se encuentran acceso-

rios únicos y piezas vintage de Alternative Apparel, Urban Renewal, A.Y. Not Dead y Melissa shoes, entre otros. Otras tiendas que vale la pena visitar si se buscan prendas bajo el sello de La Condesa, son Ricardo Seco, Good Bye Folk, Vestal y Play, todas ellas con una nutrida oferta en ropa vintage y con diseño de autor.

ARTE AL DÍA EDS Galería y Fifty24MX son las galerías de arte encargadas de marcar el pulso del arte mexicano contemporáneo en La Condesa.

La primera, se especializa en discursos conceptuales de creación interdisciplinaria, como fotografía, video, instalaciones y escultura, representando a un grupo de artistas que se distinguen por la nitidez y la contundencia de sus trabajos. Si bien apoya a artistas jóvenes mexicanos, su programa también incluye talentos internacionales, con el fin de incentivar el intercambio cultural. Por su parte, Fifty24MX expone mayormente obras de artistas internacionales, aunque también hay espacio para artistas locales.

CUANDO EL HAMBRE LLAMA… Tan popular como su oferta en diseño es la propuesta gastronómica de La Condesa. Coquetos barcitos y restaurantes decoran las calles, invitando a hacer un alto para disfrutar de una bebida y los platos más deliciosos de comida regional y fusión. Se desatacan Thai Garden Condesa, cocina tailandesa con toques contemporáneos, y Tori Tori, gastronomía japonesa con ingredientes directamente importados desde el Japón. Si se buscan los sabores autóctonos, valen la pena visitar Charro y Canneo. Charro propone cocina mexicana contemporánea con un toque de arte y moda, en un entorno pensado desde el diseño y la arquitectura. Canneo, en cambio, se postula como la experiencia infaltable para los que deseen descubrir lo mejor de la cocina mexicana, acompañada por una selección de mezcales y tequilas. +

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mundo creativo 047 eventos

Kinetic Design Hall. Así se denominó el exclusivo espacio de Ford en el Salón del Automóvil de Buenos Aires, donde la automotriz presentó los modelos Fiesta Kinetic Design, Kuga, Ranger, además de concept cars y el Nuevo Mondeo Ecoboost. Enrique Alemañy (presidente de Ford Argentina), Ricardo Flammini (gerente de marketing) y Rosario Ariganello (relaciones públicas de Ford), junto a Karina Rabolini, Dolores Trull, Liz Solari y María Eugenia Álvarez. + www.ford.com.ar

iPad2 en Argentina. La apertura del iPoint de Garbarino en Unicenter sirvió de marco para la presentación de iPad2 en Argentina. Entre otros, estuvieron presentes el diseñador Martín Churba, la diseñadora Jessica Trosman y Pablo Sandrigo, junto a la cantante Déborah de Corral. + www.ipoint.com.ar

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1. Sofía Zámolo posó junto al 8C Spider en el espacio de Alfa Romeo en el Salón del Automóvil de Buenos Aires. www.alfaromeo.com.ar 2. Julieta Ortega enMarcelo la presentación deUnmo la Colección liviano

by Andy Cherniavsky” de 5.

Coca-Cola light. www.coca-colalight.com.ar 3 y 4.Cohen Luli Fernández Benja-y 1.

Ortega de 2. Vero “Vivir Ivaldi más 3. Cecilia Gadea 4. Nadine Zlotogora Mariano Toledo 7. Federico Platener y Fernanda 7. Camila yMilessi Emiliano de el Kostüme. mín RojasBlanco visitaron stand de Swatch en PuroDiseño. www.swgroup.com.ar. +

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eventos

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1 y 2. Con récord de visitas, arteBA llevó a cabo su 20 edición, recibiendo a las figuras más reconocidas del país, como Graciela Borges, Ricardo Darín y Marta Minujín. Por su parte, Grupo Mass Pr montó su propio espacio dentro de la feria, donde Wally Diamante recibió a Juliana Awada. 3. Benjamín Rojas y Nico Riera junto a Pato Dalpra en el evento de presentación de la nueva línea Denim de adidas Originals. 4. Rosario Ortega fue invitada por A.Y. Not Dead al recital de Cut Copy. 5. BlackBerry recibió a Dolores Barreiro y Matías Camisani en su espacio de arteBA. 6. Andy Kusnetzoff y Flor Fabiano no se quisieron perder la primera Block Party del país organizada por Converse, cuando una multitud de jóvenes se dieron cita en Palermo, para disfrutar de pistas de skate, recitales, graffitis y juegos de kermés. 7. Leticia Bredice fue la elegida este año por La Rural, para llevar adelante la campaña “Yo Impulso”, que busca acercar a los jóvenes al mundo artístico. 8. Como todos los años, Mimo&Co lanzó la campaña “Tu Peso Pesa” (se dona un porcentaje de cada compra a los niños del país que menos tienen). El padrino de esta edición fue Mariano Martínez. 9. Ludivico Di Santo, Martín Seefeld y Luciano Cáceres se acercaron para conocer las nuevas instalaciones de Rochas en Galerías Pacífico. 10. María Cher presentó el encuentro “Mujeres que inspiran” junto a Dove, con el objetivo de comunicar relatos e historias de mujeres conmovedoras. Calu Rivero se acercó al evento para apoyar a la diseñadora en esta iniciativa. 11. Leo Balcarce visitó el nuevo local de A.Y. Not Dead en el shopping Alto Palermo.

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mundo creativo 049 branding y diseño

Texto: Diego Giaccone (*) Foto: Maia Croizet para www.watio.com.ar

Una manera de conocer qué piensan sobre el diseño y los diseñadores los responsables de marketing de empresas exitosas, quienes deciden y compran diseño, buscando sumar valor a sus marcas y productos. La mirada del otro lado del mostrador.

Verónica Ciaglia (Colección SACIF) Verónica es decoradora de interiores y diseñadora industrial de la UBA, y es una de las directoras de Colección, la marca de mobiliario licenciataria exclusiva de la prestigiosa Herman Miller en Argentina.

La idea de entrevistar a Verónica fue conocer cómo una diseñadora puede dirigir una empresa, y conocer su mirada con respecto al negocio y comercialización de objetos de diseño, en medio de esta tendencia del “diseñador industrial como generador de sus propios productos”.

Su padre, Jorge Ciaglia -cuyo conocimiento del diseño viene desde la escuela de Bellas Artes, en la cual se formó-, fue el que obtuvo la licencia Herman Miller en el año 62. Verónica recuerda que su padre, “obteniendo los datos de la compañía en las revistas de diseño que consultaba, realizó un llamado telefónico a Herman Miller, en USA, quienes lo derivaron a su representante para Latinoamérica. Es así que viajó a San Pablo, donde se concretó la licencia. Gracias a ese llamado, el año próximo, celebramos el 50 aniversario de nuestra unión con Herman Miller, representándolos como licenciatarios y distribuidores exclusivos para Argentina”.

Ella recuerda que, cuando era chica, jugaban en su casa usando de calesita la Eames Chaise Lounge de Charles Eames. Y usaban las sillas Bertoia, que eran clásicos en su vida cotidiana.Y reconocía que las casas de sus amigos eran diferentes. Desde chica también aprendió todas las funciones de la empresa, estuvo en proyectos, en ventas, en recursos humanos, en tendencias, en producto, y hoy dirige la imagen de marca y publicidad.

Gracias a su experiencia “del otro lado del mostrador”, nos cuenta que, generalmente, el diseñador no escucha las necesidades del cliente y, además, no sabe vender sus productos, porque no tiene la pata comercial, una falla que trae de la formación universitaria. Por eso, nos cuenta que le encanta la cabeza del “inventor”, que hace exactamente al revés: busca la necesidad, crea, patenta y lanza. Verónica sostiene que hay que investigar, ver las necesidades reales y trabajar para ellas.

“Por ahí, no es una gran innovación, sino que con detalles, podemos mejorar la calidad de vida”. O sea que “el inventor busca la necesidad y el diseñador industrial hace lo que le gusta, y después lo quiere vender”. Y es una admiradora de Herman Miller, ya que utilizan la innovación y la investigación para lanzar productos a largo plazo y confortables. Como así también, están preocupados por el medio ambiente y la ética.

Cuando le preguntamos cómo es ella como cliente, nos cuenta que es exigente, por acumulación de conocimientos. Pero que cree en las relaciones a largo plazo: tienen la misma agencia de publicidad desde hace cuarenta años, y el mismo diseñador desde hace cuatro. Igualmente, está todo el tiempo trabajando para que lo “clásico” no quede desactualizado. Y su secreto para mantener a la marca fresca, es estar conectada con lo que desea, y es así como aflora la creatividad. “Te gusta lo que hacés y pensás que tenés la mejor marca”, dice Verónica.

Es coleccionista de todo, colecciona por tipologías (lápices, tarjetas de teléfonos, juguetes a cuerda, art toys, clips de papeles, pins, imanes, máscaras chanés), o por temas (corazones, animales, autos escarabajos viejos y furgonetas VW escala 1:87). Un requisito, últimamente, es que deben ser miniaturas, para que entren en cajones de tipografías viejos, que usa como estantería. Es fanática de escribir en libretas ideas y proyectos; tiene una libreta por cada proyecto.

Y como despedida, nos deja un consejo para los diseñadores: “Mantengan la frescura de los comienzos, la pasión por la profesión y, sobre todo, crean en lo que hacen, en que pueden hacer la diferencia. Pueden mejorar la calidad de vida de las personas diseñando, trabajando y cuidando el planeta en donde vivimos”. + www.coleccion.com

MUNDO VERÓNICA Un auto. Escarabajo 81 Brasilero Un estilo de música. Negra, Jazz viejo Un teléfono. iPhone Una película. Casino Royal (la primera) Un barrio. Palermo Un lugar de vacaciones. Sierras Un perfume. Play de Givenchy Un diseño de tu empresa. Silla Sayl, diseñada por Yves Béhar para Herman Miller

(*) Diego Giaccone es diseñador gráfico, director de SURe Brandesign. www.surebrandesign.com

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+ mundo creativo

fragancias / moda

Un Jardin sur le Toit

Vanitas

Es la cuarta fragancia de la colección de los perfumes-jardín Hermès, colección que relata el encuentro entre el alma de un lugar, el espíritu de Hermès y el perfumista Jean-Claude Ellena, quien se inspira en el tema anual de la Casa. Para este 2011, la propuesta fue “Artesano contemporáneo”, es así que la fragancia redescubre un lugar conocido y amado: el jardín del último piso de Hermès en París, que posee una espléndida vista de los talleres, en los que trabajan los artesanos guarnicioneros y de la ciudad. Así, la naturaleza que resplandece en este jardín: un manzano, un peral sobre el tejado, un magnolio y hierbas salvajes, se reflejan en esta esencia vegetal, floral y afrutada. + www.hermes.com

La vanidad y la belleza están representadas en esta nueva fragancia seductora y brillante de Versace, que evoca sensaciones táctiles y etéreas. Vanitas es la nueva expresión de la feminidad, con un aroma resultado de la unión de elementos puros, elegidos y combinados con armonía: la flor del tiaré, rica y voluptuosa, ensalzada por la lima y la fresia, y envuelta por los acentos sensuales de madera de cedro y haba tonka. El frasco, exclusivo como una creación de alta costura del taller Versace, posee suaves líneas de brillante metal dorado, que fluyen sobre el cuerpo de vidrio translúcido, suavizando el diseño y evocando seducción y feminidad, como la esencia que contiene en su interior. + www.versace.com

Chanel Nº19 Poudré El perfumista de la Casa Chanel, Jacques Polge, nos trae una versión más contemporánea del clásico Nº19, perfume de reflejos verdes creado por Henri Roset en 1970, que celebra el día en que nació Gabrielle Chanel: el 19 de agosto. Heredero de la composición original –con el iris en su corazón-, el Chanel Nº19 Poudré despliega sensaciones aterciopeladas y aéreas, al incorporar la última generación de amizcles más sofisticados y algodonosos. El frasco se mantiene cuadrado, abstracto, extremadamente sobrio, pero al que se le suma un ribete plateado, para recordarnos hasta qué punto es un perfume precioso. + www.chanel.com

Carteras para todo el día CH Carolina Herrera pensó en una colección de accesorios que acompañaran a la mujer durante todo el día: la All Day Long Collection. Ideal para la mañana, propone la Telmo Bag, inspirada en el mercado argentino de San Telmo, donde pueden encontrarse todo tipo de objetos singulares, bajo una arquitectura bellísima de estilo italiano. Así, este bolso hondo, de líneas claras, está pensado para ir de shopping, y es capaz de contener todo aquello que tiente la curiosidad femenina.

Ya para el mediodía, Bistrotheque (que toma su nombre de un reconocido restaurant londinense), sigue siendo una shopping bag, pero de cuero muy flexible, y detalles que le añaden sofisticación.

Cuando cae la tarde, el sobre alargado y sencillo Kaspia (en recuerdo al lujoso restaurante parisino) es la propuesta para el cocktail.

Y diseñado para la noche, el elegante y cómodo sobre Boom Boom está provisto de una fina cadena, y su nombre se identifica con la muy de moda disco del Standard Hotel de New York. + www.carolinaherrera.com

mundo creativo

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agenda +mUESTRAS/EXPOSICIONES/FERIAS 8 al 10/08 BAFWEEK PRImAVERA-VERANO 2010/2011 La Rural, Sarmiento 2704, CABA Desfiles y showrooms de destacados referentes de la moda nacional

www.bafweek.com.ar

118 al 21/08 CAFIRA INNOVA X Exposición internacional de fabricantes e importadores de regalos y afines – Primavera 2011 Centro Costa Salguero, Pabellones 1 al 4 y auditorio Av. Rafael Obligado y Salguero, CABA

www.cafira.com

18 al 21/08 PRESENTES! XXIII Exposición internacional de decoración, iluminación, muebles, bazar, cocina, marroquinería, textil para el hogar - Primavera 2011 La Rural, Sarmiento 2704, CABA www.presentesonline.com

17 al 25/09 LONDON DESIgN FESTIVAL 2011 www.londondesignfestival.com 19 al 22/09 TRENDATION BUENOS AIRES Primer evento de moda de alta gama de Argentina Tribuna Plaza del Hipódromo de Palermo Av. del Libertador 4401, CABA

www.trendation.com.ar

2/09 al 2/10 CASA FOA 2011 Muestra anual de arquitectura, diseño de interior y paisajismo, bajo el lema “Mercado del Diseño” CMD – Algarrobo 1041, CABA

30/09 al 2/10 TrimarchiDg X Encuentro internacional de diseño gráfico Conferencias, workshops, exposiciones, fiestas Polideportivo de Mar del Plata

www.trimarchidg.net

+CONgRESOS/ENCUENTROS/SEmINARIOS 26 al 29/07 ENCUENTRO LATINOAmERICANO DE DISEÑO Más de 350 actividades de capacitación gratuita (talleres, laboratorios, conferencias, mesas redondas), dictadas por destacados profesionales del diseño y la comunicación de toda América Latina

www. fido.palermo.edu/servicios_dyc/encuentro2010 24 al 26/10 2011 IDA CONgRESS TAIPEI

Congreso sobre el aspecto multidisciplinario del diseño, que analiza los límites entre las prácticas de diseño y otros campos como la ciencia, tecnología, gobierno, empresas y organizaciones no gubernamentales humanitarias Taipei International Convention Center, China

www.2011idacongress.com

+CONCURSOS/CONVOCATORIAS Hasta 15/07 PREmIO ARNET A CIELO ABIERTO – ESCULTURAS E INSTALACIONES Artistas visuales deberán proyectar obras escultóricas o instalaciones urbanas para un espacio al aire libre, dentro del Parque de las Tejas en la ciudad de Córdoba www.arnet.com.ar premioarnet@arnet.com.ar

www.casafoa.com www.cmd.mdebuenosaires.gob.ar

24 al31/10 BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE DISEÑO

fid.mdebuenosaires.gob.ar 26 al 30/10 BUENOS AIRES PHOTO 2011 Exposición de fotografía Palais de Glace – Posadas 1725, CABA

www.buenosairesphoto.com

Hasta 16/09 PREmIO PETROBRAS BUENOS AIRES PHOTO 2011 Concurso fotográfico correspondiente a la séptima edición de la feria de fotografía. Se seleccionarán 20 finalistas, entre los cuales se elegirán el 1º y 2º premio adquisición y tres menciones especiales

www.buenosairesphoto.com

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Es fundador y director de Priestmangoode, empresa dedicada al desarrollo de proyectos que van desde el diseño de aviones y trenes, hasta el desarrollo de sensores de consumo de agua y radiadores con diseño. Paul Priestman es, además, un firme creyente en que el diseño, antes que estético, debe ser práctico; y que los objetos sustentables no deben generar ni molestia ni estrés. Así nos lo contó en su oficina en Londres. | Texto: Natalia Iscaro. Fotos: Gentileza Priestmangoode

personas creativas

+ 053 diseño

+ Los radiadores Hot Spring desafían las formas habituales.

+ A través de un sistema de luces, Waterpebble informa cuándo es hora de cerrar el grifo, para ahorrar agua durante un baño.

Una ducha semáforo. A través de un sistema de luces (del verde al rojo, pasando por el amarillo), Waterpebble informa cuándo es hora de cerrar el grifo, para ahorrar el agua utilizada durante un baño. Funciona con una pequeña batería.

Una niñera electrónica. Destinada a atender a las mascotas japonesas Tamagotchi (juguetes electrónicos), al colocarla en el interior de estos artilugios asiáticos, esta niñera aprende de la forma en que uno atiende a su mascota, a darle el cuidado habitual mientras uno se ausenta. Se activa cuando el Tamagotchi pide atención.

Un teléfono para enviar por correo. Realizado en cartón o plástico reciclable –casi una hoja de papel-, Post A Phone es un teléfono para líneas de tierra, que se puede enviar por correo con tranquilidad. Se desprende, como troquelado, de un sobre A5 con 4mm de profundidad, y permite recibir llamadas a precio económico.

Liviano, además, reduce el costo de envío.

Estas son algunas de las creaciones del estudio de Paul Priestman, fundado junto a su socio y compañero de la Universidad, Nigel Goode. Así, Priestmangoode rápidamente adquirió una destacada reputación internacional en disciplinas que van del 3D y el packaging hasta el diseño de interiores de hoteles, trenes y aeronaves. Entre sus clientes de Europa, Asia y los Estados Unidos, se cuentan Lufthansa, Turkish Airlines, Jet Airways, Airbus, Ma-

lasya Airlines, Gatwick Airport, Norwegian Cruise, Virgin Trains, Motel 6, Etap Guestroom (ganador del prestigioso European Hotel Design Award), Ibis Hotels, Bang&Olufsen, Heathrow Terminal 5, M&S Food Advertising Restaurant, Enoc Petrol Stations, y muchos otros.

Con numerosos premios y reconocimientos, Priestman y Goode se autodefinen creadores de soluciones de las más pequeñas a las más colosales, y se consideran creyentes de que “el diseño no es sólo dar vida a objetos que se vean bien, sino también sobre hacer productos y servicios considerablemente mejores”. Paul Priestman es, además, desde 2006, miembro del Design Council y Presidente del Design Business Association.

A los 45 años, este diseñador industrial con un Master del Royal College of Art, nos cuenta: “Cuado egresé del Colegio de Arte, quise moverme en la arena del gran diseño, pero me di cuenta de que para eso tenía que delegar. Por eso decidí poner una consultora. Y porque realizar esos grandes proyectos me dio la posibilidad de hacer lo que realmente amo: diseñar. Y en el medio también me distraje, y me interesé mucho por los negocios”.

Al poco tiempo, contará en su voz suave y su cadencia casi embriagadora, cómo dio vida, por ejemplo, a su destacado radiador con diseño, el Hot Spring. En tuberías de distintos tamaños y

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+ Exterior, primera clase y standard del Mercury Train, el futuro tren de alta velocidad que recorrerá las vías británicas.

curvaturas, en blanco y aluminio, desafían las formas habituales, si bien parecen mucho más naturales, contemporáneas y elegantes.

“Me gustan las cosas naturales. No me gusta imponer formas forzadas”, afirma quien, además, se interesa especialmente por “objetos de producción masiva, y que de verdad afectan la vida de las personas”, y que “observados fuera de contexto, pueden ser muy hermosos”.

hoy en día muchas operaciones se realizan de día, tuvimos la idea de un recovery lounge, con puestos similares a los de un avión: semi cerrados, que contemplen el cuidado general, y no hagan que los usuarios se sientan aislados. Y que también cumpla con el objetivo de limpieza visual, y ante todo, de ahorrar dinero, ganar eficiencia, y hacer que la experiencia de estar en un hospital sea mejor para la gente”.

CUESTIÓN DE FILOSOFÍA El centro neurálgico del manifiesto Priestman es estimular el proceso creativo, y creer en las influencias que algunos proyectos, conceptos y desarrollos pueden tener unos sobre otros. Es así como en Priestmangoode, con 30 diseñadores y 2 directores, cada trabajo va dejando lecciones que siempre se recuperan.

Priestman ilumina: “Trabajamos mucho con aeroplanos. El concepto de crear espacios privados en ambientes públicos es muy interesante porque, además, tienen que incluir desde un espacio de trabajo, uno para dormir y un lounge para mirar tele. Son espacios complejos, y pensamos que sería interesante trabajar eso en otros ambientes, como hoteles. Así creamos un pequeño dormitorio de lujo, y nos embarcamos en un proyecto de un hospital, y encontramos similitudes en sus funcionamientos. Como

Las líneas limpias y los materiales cuidados son parte de la estética Priestmangoode, que además de decantar sofisticación, se destaca por la tecnología, y ante todo, funcionalidad en cada detalle.

Precisamente de estos dos rasgos habla otro de sus productos estrella: el Virtual Keybord, un pequeño artefacto cuya sutil presencia esconde un láser que, proyectado sobre una superficie, cobra la forma de un teclado. A través de Bluetooth, puede sintonizarse con la computadora que se desee. Casi como un chico, Priestman contará de este proyecto y de Decibel, artilugio que protege de los niveles riesgosos de ruido, por ejemplo, en transportes públicos, y que puede conectarse al celular, laptop o MP3 Player.

PUERTAS ADENTRO Plantar árboles. Ese fue el deseo profundo de Paul Priestman y su

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+ El Virtual Keybord esconde un láser que, proyectado sobre una superficie, cobra la forma de un teclado.

+ Uno de los más recientes proyectos de Priestmangood para Luftthansa, la primera clase de su aeronave A380.

mujer, Tess. Es por eso que en 2005 decidieron buscar terrenos en Northumberland, lugar de donde es originaria la familia de Tess. “¡Terminamos con 80 hectáreas!”, cuenta Paul, tras aclarar que pedían mucho, y que ellos ofrecieron comprar la mitad del terreno que se ofrecía. Para 2006, ya habían plantado 60 mil árboles. La pareja visita a sus árboles tres veces al año, alquilan una Van y la estacionan en algún lugar de su superficie. “Es fascinante ver a los árboles crecer”, cuenta este mago de la tecnología.

Hace dos años, la Forestry Commission les dio una subvención y les aconsejó qué árboles plantar, y este es uno de los proyectos de los que Paul menos habla. “Son pocas las cosas en las que uno simplemente invierte, sabiendo que no obtendrá nada a cambio.

No es por la ganancia, no es un lugar que vaya a vender. Es simplemente algo que va a estar allí para siempre”. Tal vez esto de cuenta del impacto que la sustentabilidad tiene hoy en sus productos, algo que es parte de sus creaciones ya sin pensar.

“Uno de los grandes problemas de los llamados productos verdes es que hacen tu vida peor. Hacen la vida menos divertida, como por ejemplo, tener una ducha que restringe el agua, o una bombita de luz que no te da suficiente energía como para leer. Hay

Link a la nota: http://9010.co/paulpri

que crear objetos que te hagan tomar conciencia, pero no de una forma negativa”. Y seguidamente, critica los diseños habituales de objetos sustentables. “Horribles”, explica. “Parecen como herramientas para la agricultura”.

Junto a su socio, comparten la idea de que “no nos gusta la palabra styling: el diseño se trata de hacer las cosas mejor. De otra manera ¿cuál es el punto de hacerlo?”. Y agrega: “A la hora de trabajar en aeroplanos, trenes u hospitales, nuestra diferencia tiene que ver con que no somos arquitectos ni ambientadores, y tal vez por eso, nuestra mirada sea más funcional”. Así, esta firma de diseño no se quedó en su “comfort zone”, y salió a buscar proyectos “significativos y excitantes”.

A la hora de hablar de sus secretos del éxito, Priestman detalla: “Tener un gran equipo de diseñadores que están con nosotros desde hace mucho tiempo. Y además, no tenemos secretarias, tratamos con los clientes cara a cara, sean grandes compañías o pequeñas empresas”. Ambicioso en el mejor sentido de la palabra, Priestman deja al descubierto que es un hombre de ideas y también de mucha acción. + www.priestmangoode.com

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personas creativas

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Valeria Pesqueira Un universo kawaii

Mientras la firma de Valeria Pesqueira continúa expandiéndose en el exterior, la diseñadora aumenta su apuesta en Buenos Aires, reubicando su tienda en el corazón de Palermo Soho. | Texto: Carolina Prioglio. Foto: Adrien de Bontin

Hasta hace diez años, la palabra Pesqueira sólo hacía referencia a una localidad del norte de Brasil y a un general mexicano. Y no había nada que la relacionara directamente con la moda. Eso hasta que en el 2001, en Buenos Aires, la diseñadora de autor Valeria Pesqueira se lanzó a diseñar las primeras prendas de la marca que lleva de nombre su apellido y, como impronta, una especial atención en el desarrollo de estampas con referencias infantiles e imágenes tiernas. Diseños amenos y ponibles, embellecidos por animales en

+ Colección Verano 2011

situaciones cotidianas y vegetación en tonalidades frescas, que la diseñadora crea junto a varios artistas e ilustradores.

Así es como hoy Pesqueira también es sinónimo de ropa kawaii -el equivalente de “bonito” dentro de la cultura japonesa- y del diseño argentino de exportación, que visten famosas como Theodora Richards, la hija de Keith, y Katy Perry, y que conquistó mercados difíciles y remotos como Estados Unidos y Japón. En ellos, Pesqueira tiene fija presencia a través

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+ La bandolera Bombón, el sobre Burbuja y la mochilla Bellota son los tres accesorios inspirados en los personajes de Las chicas superpoderosas de Cartoon Network

de tiendas multi-marca tops como Open Ceremony, Bird y Steven Alan en New York y California, y en United Arrows, HP France, Marble y Vis de Tokio. Una muestra de que cuando un producto es original y de calidad, los centros de la moda se interesan por él.

Sin embargo, después de varios años de crecimiento constante en el exterior, Pesqueira buscó redoblar su apuesta en su Buenos Aires natal, reubicando su tienda de Palermo Soho, en un espacio más amplio y visible, sobre Gurruchaga al 1750 y Pasaje Russell. Y dentro de ella, hay algo que no cambia. Es la sensación de calidez, inocencia y sorpresa que da la bienvenida al entrar, y la sonrisa incesante que genera hurgar los percheros con sus colecciones. + ¿A qué se debe la mudanza?

VP A un crecimiento. Le debía una apuesta más grande a la Argentina. Hacía mucho que venía trabajando en el exterior, y sentí era el momento de dar un paso acá. Dejamos la tienda de la calle Armenia, a la cual le estamos sumamente agradecidos, para abrir un local tres veces más grande en Gurruchaga y Pasaje Russell. Estamos contentos con este crecimiento local y apostamos a ir sumando puntos de venta en el interior del país. + ¿Cómo definirías al universo Pesqueira en este momento?

VP Este año, la marca cumple una década, y siento que evolucionó mucho más este último tiempo. El 2009, 2010 y 2011 fueron años de crecimiento constante, de evolución, de cambio y de aprendizaje, y fueron muy importantes para la marca. Eso se refleja mucho en su universo. Dejamos la niñez para pasar a una nueva etapa, mucho más adulta, pero sin perder la esencia del juego y los colores. Llena de diseño, de mundo, de arte, de música, de arquitectura y de nuevos

rumbos; de lo cual nos vamos nutriendo y transformándolo en lo que hoy ves en la nueva tienda. + ¿Por qué creés que tu marca gusta tanto en el exterior?

VP Creo que nunca perdí el foco del motivo por el cual me emprendí en este proyecto: pensar a mi marca como un medio de comunicación con el mundo. Entonces, el mercado externo pasa a ser la gasolina. Es lo que realmente me motiva a seguir y a evolucionar. Creo que sin eso, ya la hubiera dejado. + Seguís vendiendo mucho en Japón, ¿y en qué otros mercados?

VP Japón es mi mercado más fuerte, y también vendo en New York, en tres multimarcas que adoro: Bird, Steven Alan y Opening Ceremony. El mes próximo presentaré la marca en la feria Bread & Butter de Berlín; éste sería el primer pie en el mercado europeo. Así que estamos ansiosos de ver cómo resulta. + ¿Qué tiene que tener un producto nuevo, por ejemplo nacional, para llamar la atención en los centros de la moda?

VP Ser fresco y sincero. Afuera odian las copias y les agrada encontrarse con algo nuevo. Aunque al principio no sepan si les gusta o no. Pero valoran eso de dejar la globalización de lado, para meterse en un universo nuevo. Más fresco, más relajado. Me parece que eso es lo que hace que hoy Buenos Aires guste tanto en el mundo. Se encuentran con una mezcla de primer mundo y de tercer mundo al mismo tiempo. En Buenos Aires hay diseño, hay contenido, hay historia, hay cultura, y eso los flashea. + ¿Cuál es tu diseño o estampa favorita de todas las que desarrollaste hasta ahora?

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+ Colección Invierno 2011

VP El diseño de los accesorios es lo que más me gusta desarrollar en este momento. Pensar en sus usos y tratar de generar una relación con la vida actual. También, las estampas que hacemos en conjunto con la ilustradora Ana Laura Pérez, al sentirme sumamente identificada con su línea de dibujo. Las de trazo manual de color gris grafito con animalitos y vegetación de la selva son unas de mis favoritas. + ¿Cuál es el diseño más elogiado de tus colecciones?

VP El más elogiado fue el que hicimos en conjunto con la diseñadora industrial María Mata, que es la famosa bandolera Oso, que tuvo gran repercusión en el mundo, por ser la elegida de Katy Perry y Theodora Richards. También varios de los pilotos -o trenchcoatsque venimos haciendo desde el comienzo de la marca. + ¿Y el menos?

VP Los diseños menos elogiados fueron la musculosa Chancho o la cartera Elefante. Pasa algo muy fuerte con eso, es como que las mujeres no quieren verse relacionadas con ciertos tipos de animales y con otros sí. Eso me sorprendió muchísimo. + ¿Cuál es el diseño o estampa más internacional -que más se consume en el exterior- que tiene Pesqueira?

VP Los diseños bien simples, pero de buen calce y calidad. Esto último es uno de los puntos más importantes para el mercado externo. También el tema del cumplimiento de fechas pactadas y la perseverancia: cuanto más te ven, más van a confiar en tu marca.

Las estampas y accesorios de animales gustan mucho, sobre todo en Japón, donde adoran lo kawaii. + www.pesqueiratm.com

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+ Colección Invierno 2010

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| Foto: Isolda Delgado

personas creativas

+ 061 arte

Alex Posada

Luz, sonido y movimiento Ya lo hemos dicho: se llama Alex y lleva años entre máquinas, ordenadores, circuitos y cables. Siempre con una idea, la de generar experiencias acústicas y visuales o, mejor aún, todo a la vez. Trabaja en Hangar –centro clave en Barcelona, de desarrollo de proyectos multimedia e interactivos–, como coordinador y desarrollador de proyectos. Le damos paso, pues tiene mucho que contar. | Texto: ArtsMoved www.artsmoved.cat

+ ¿Cómo le explicarías tu trabajo a un profano de las artes digitales?

AP Me gusta definirme como autodidacta multidisciplinar y creador digital. El término “artista” no me parece adecuado en mi caso, ya que para mí tiene más que ver con aquellos grandes maestros del pasado. De formación, soy ingeniero electrónico, y llegué a Barcelona a principios del año 2002, buscando una manera de materializar todas las ideas y proyectos que, hasta el momento, sólo cabían en mi imaginación. Decidí no ir por el camino fácil de trabajar para otros y empecé a buscar mi propio destino. + ¿Cómo fueron los comienzos?

AP Al principio fue duro. Luchas por algo en que crees con todas tus fuerzas y que parece no llegar nunca. Pero, poco a poco, y no sin ayuda de la gente que tenía alrededor, las cosas fueron surgiendo.

Empecé colaborando con artistas y músicos locales, desarrollando herramientas tecnológicas para sus obras y espectáculos. Después comencé a trabajar en algunas compañías de teatro y danza como responsable técnico. Obtuve algunas becas para proyectos de investigación propios y, a partir de ahí, empecé a desarrollar mis propios trabajos relacionados con diseño de interacción, arte electrónico, arte sonoro, y siempre entrelazando disciplinas como la arquitectura, la música, el arte o el diseño. Cada proyecto nuevo es una experiencia enriquecedora y divertida. Por eso, intento siempre hacer cosas diferentes. + ¿En qué estás trabajando actualmente?

AP Estoy trabajando en varios proyectos y colaborando con diferentes artistas y desarrolladores en otros tantos. Desde el año 2006 y gracias a la oportunidad que me dio Pedro Soler, formo parte del equipo de Hangar.org (centro de producción de arte en Barcelona).

+ The Particle, producido por Strobe Festival con la colaboración de Hangar.org

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+ Proyecto de Chicks On Speed, desarrollado por Hangar.org, en colaboración con Max Kibardin y MID.

Mi primera labor fue idear un espacio de I+D para los artistas digitales, que llamamos “Laboratorio de Interacción”, donde ocurren la mayor parte de las cosas que estoy haciendo ahora. Aquí es donde trabaja mi equipo, y donde cada día ayudamos a la comunidad artística a materializar sus ideas y hacerlas posibles, igual que me ocurrió a mí al llegar a esta ciudad. Digamos que mi sueño se ha hecho realidad.

ARTE INTERACTIVO Alex ha trabajado para la banda Chicks on Speed, en la creación de trajes-instrumento y zapatos guitarra, que permiten disparar sonidos y videos remotamente, a través de las cuerdas de guitarra y sensores que incorpora.

También trabajó en la programación de un festival de música interactiva a través de la red. Anteriormente, preparó un espectáculo multimedia, basado en sistemas e instrumentos digitales (Mitosis).

Su última creación, The Particle, logra transportar al espectador a un estado de hipnosis, en el que uno no puede dejar de admirar las nuevas mutaciones con las que le sorprende la pieza. Esta obra se reinventa continuamente a sí misma, transformando el espacio que habita, en un lugar lejano a cualquier cosa antes conocida… + ¿Puedes contarnos cómo llegaste a The Particle?

AP Hacía tiempo que tenía ganas de dedicarme a esculturas cinéticas. He trabajado mucho con LEDs, pero nunca en movimiento. Por otro lado, siempre me ha interesado mucho el giroscopio de círculos concéntricos, que giran unos sobre otros. Un día, vi un video de un giroscopio de éstos y me pregunté, ¿por qué no ponerle LEDs? A partir de ahí, todo se fue hilando solo, mágicamente. Me llamaron

de Strobe Festival en Amposta para producir una pieza nueva, y lo propuse. Esta fue la primera exposición. + ¿Podríamos decir que The Particle es una pieza de arte abstracto? ¿Explicarías a los lectores su funcionamiento?

AP En cierta manera, tiene un punto de abstracción, porque no representa nada que tenga una referencia del mundo real. Lo que abstrae son algoritmos y funciones matemáticas que interpreta y visualiza a través de la luz y el sonido. En este sentido, me gusta más describirla como una pieza de arte generativo, cercana a muchas piezas de software, que se basan en algoritmos matemáticos para crear patrones visuales. La diferencia es que aquí se plasma en formas tridimensionales, ya que el medio de expresión no es una pantalla, sino una estructura en movimiento. El funcionamiento es sencillo. Cuatro aros de luz LED giran a toda velocidad, creando esferas de color, que pueden cambiar sus patrones en tiempo real, en función de los parámetros generados en ese instante. Esto es posible trabajarlo a nivel de composición, como si fuera una partitura, pero también se pueden crear comportamientos interactivos que pueden responder a los movimientos de los visitantes. + ¿Qué opinas del estado actual de arte interactivo?

AP Digamos que el arte interactivo, para mí, tuvo un “boom” a principios de la década pasada, al igual que a la música electrónica le ocurrió en los 90. Actualmente, no hay grandes novedades ni nuevas propuestas rompedoras, pero lo que sí está cambiando es el acceso democratizado a las tecnologías interactivas, haciéndolas mucho más abiertas y sencillas para los nuevos “artistas digitales”.

Antes, debías de ser ingeniero para trabajar con microcontroladores o programar. Ahora lo puede hacer cualquiera, con un par

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+ Mitosis, concierto audiovisual a base de instrumentos musicales interactivos de fabricación propia. Realizado con el grupo Neuronoise. www.neuronoise.org

de semanas de aprendizaje. Así, plataformas “open source” como Arduino, Processing o Pure-Data, que tienen relativamente poco tiempo de vida, están cambiando la manera de trabajar de los artistas actuales. + Sabemos que desde hace un tiempo andas metido en un proyecto que pronto verá la luz… ¿Nos puedes adelantar de qué se trata?

AP Sí, se trata de un nuevo estudio de diseño interactivo que estamos creando en Barcelona entre varias personas. Yo desempeño mi trabajo como freelancer desde hace ya ocho años, y el hecho de querer hacer cosas más grandes e interesantes, implica asociarse con más gente. Este es el motivo por el que decidimos montar MID (www.mediainteractivedesign.com), un estudio multidisciplinar, que trabaja en el diseño de nuevos productos interactivos, y crea proyectos expositivos, museísticos, aplicaciones y experiencias interactivas, espacios sensibles, arquitectura, e investiga ampliamente en comunicación interactiva aplicada al sector cultural. MID va de la mano de varios partners, tanto a nivel local como a nivel internacional. Debido a esto, tenemos pensado expandirnos muy pronto a Argentina, México y, posiblemente, Brasil. En el caso de Argentina, concretamente, trabajamos con artistas locales como Eduardo Imasaka, que está creando su propio equipo, que será la base de MID en ese país. + El tipo de trabajo que haces requiere casi siempre trabajar en equipo. ¿Qué ventajas y desventajas tiene?

AP Constantemente, te ves forzado a colaborar con gente diferente.

Algunas veces, las experiencias son buenas y repites, y otras no lo son tanto. La ventaja principal es obvia: puedes hacer cosas que solo, te serían imposibles. Me viene a la cabeza una frase de Barrio Sésamo: “solo no puedes, ¡con amigos sí!”.

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+ ¿Qué parte del proceso de creación te hace disfrutar especialmente?

AP Sin lugar a duda, hay dos: el principio y el fin, como la vida misma.

La fase creativa es donde mejor me lo paso, puesto que es la más emocionante. Es donde intentas exprimir todo lo que has absorbido durante tu trayectoria y plasmarlo en un documento. El momento en el que se presenta tu trabajo, después de meses de sufrimiento, también es muy bonito, hace que todo ese esfuerzo haya merecido la pena. + Con un trabajo tan intenso a nivel tecnológico, suponemos que, cuando terminas, no te dedicas a bajarte aplicaciones para el celular. ¿Qué es lo que haces para desconectar, si es que desconectas?

AP Me hace gracia esta pregunta, porque realmente la palabra “terminar” no es precisamente algo que vaya conmigo. Siempre estoy dándole vueltas a la cabeza, incluso cuando me voy a dormir, pienso en cómo solucionar aquél problema que me ha tenido toda la tarde pegado a la pantalla. Lo que sí intento, es desconectar de vez en cuando, para dar un poco de descanso a mi mente. Tengo la suerte de vivir en el campo, y de tener una familia fantástica, que me apoya cada día. Aparte tengo mi huerto, y le dedico varias horas a la semana a trabajar duro con la tierra, lo cual me hace sentir más en contacto con el mundo real. Al mismo tiempo, practico yoga, una de las mejores decisiones que he tomado en mi vida. Entre otras cosas, mantiene mi nivel de estrés por debajo del mínimo. + ¿Alguna pregunta que no te hayamos hecho y que te gustaría contestar?

AP ¡Creo que ya he hablado demasiado! ¿Me vais a recortar la entrevista? + www.alexposada.net/blog | www.mediainteractivedesign.com

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Barry Blitt

Humor consecuente El arte conceptual -siempre con un guiño de ojo- de Barry Blitt, hace ya unos cuantos años que es protagonista recurrente tanto de las tapas de la revista The New Yorker, como de las páginas políticas de The New York Times, manteniendo el relativo anonimato común de todo ilustrador. Hasta que el 21 de julio del 2008, su polémica ilustración del presidente Barack Obama y la primera dama, marcó un antes y un después, que lo catapultó a una fama internacional no buscada. | Texto: Fernanda Cohen

EN CONTEXTO El estilo caricaturesco de Blitt es tan familiar en el campo editorial de Estados Unidos, como ver una ilustración de Sábat, Quino o Fontanarrosa en Argentina. Su línea en tinta y acuarela, por momentos más bien nerviosa, se destaca por usar un lenguaje visual tradicional, que comunica temáticas contemporáneas con un dejo entre naïve, introspectivo y ácido. Su tono, en cambio, pertenece a una era atemporal y universal del humor gráfico, que se caracteriza por explotar el uso de la parodia, lo cliché y lo literal, para ridiculizar lo obvio y resaltar lo implícito.

Blitt me cuenta que estudió primero en Concordia University, en su nativa Montreal, pero que a los dos años de carrera, decidió mudarse a Toronto -donde se recibió como ilustrador del Ontario College of Art-, porque era una ciudad que le permitíría ganarse la vida como ilustrador. “La verdad, no me acuerdo qué planeaba hacer con mi carrera en ese entonces. Creo que sólo trataba de retrasar lo más posible el tener que ser adulto”.

Sin embargo, en sus principios, su estilo no tenía la definición que conocemos hoy, o más bien, no tenía consistencia estética alguna.

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personas creativas 065 ilustración

+ Tapa para The New Yorker, 2008

+ The adventures of Mark Twain by Huckleberry Finn. Autor: Robert Burleigh Editorial: Atheneum Books for Young Readers, 2011

“Empecé a mostrarle mi portfolio a revistas locales durante mi último año antes de graduarme, y así me entró el primer trabajo editorial. Como todavía no me había decidido por un estilo, tomaba trabajos muy diversos: algunos eran tiras cómicas, otros, foto-realistas en carbonilla, y hasta hacía cosas en collage”.

de la comunicación visual, humorística y conceptual entre su arte y el espectador. Así es que recuerda que “tuve que ser persuadido por varios directores de arte para los que trabajaba cuando recién empecé, para convencerme de que mi sentido del humor era mi mejor punto de venta. Creo que pensaba que a las ilustraciones graciosas les faltaba dignidad o algo”.

Desde lo conceptual, a Blitt lo inspiran personajes televisivos como Jon Stewart y Stephen Colbert, y mismo hasta el popular diario satírico The Onion, entre tantas otras cosas. Visualmente, me dice que “me encanta el buen dibujo, como John Cuneo, Joe Ciardiello, Jeffrey Decoster y vos misma (¡gracias!). Y después, hay ilustradores, como Ed Sorel y Steve Brodner, que me inspiran en ambas categorías. Dentro de la historia del arte, siempre me inspiraron Thomas Rowlandson, William Hogarth y Goya”.

EL HUMOR COMO EJE Hacer reír al público es un gran desafío, aún haciendo uso de todos nuestros sentidos. Ni hablar de la limitación que implica la misma tarea, a través de una simple hoja de papel. El escritor americano Max Eastman decía que los nueve mandamientos del humor gráfico debían incluir: ser interesante, desapasionado, natural, entender la diferencia entre la broma vulgar popular y la interpretación del ridículo, ser convincente, repentino, prolijo, entender bien tus tiempos y saber medir correctamente la satisfacción seria.

Blitt nunca mencionó, en el contexto de esta nota, la pequeña biblia de Eastman, pero parece compartir cien por ciento esta percepción

Otro ingrediente del combustible diario que alimenta sus ideas, “además de fumar y tomar”, incluye el navegar constantemente páginas de noticias en Internet, para estar al día con la actualidad. “Es una adicción que me provee absurdidades frescas, pero que muchas veces, no me permite dibujar. Mi computadora es, por supuesto, una bendición y una maldición a la vez”.

THE NEW YORKER Todo ilustrador que logra entrar en el selecto grupo de artistas que ilustra para la legendaria revista The New Yorker -en mayor o menor escala-, se siente consagrado. Yo me acuerdo muy bien de la primera vez que me llamaron en el 2006, después de dos largos años de tener reuniones trimestrales con uno de sus directores de arte, sin resultado aparente alguno…

Dentro de la jerarquía, muy marcada, del rango de ilustraciones que uno puede hacer para la New Yorker, la tapa está -lejos- a la cabeza.

La única persona responsable de la dirección de arte de sus tapas es Françoise Mouly, la célebre esposa del artista Art Spiegelman, ganador de un premio Pulitzer por su novela gráfica “Maus”.

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+ Band, pieza personal

“The New Yorker siempre me incentiva a que proponga ideas, y que no tenga miedo (soy un animal miedoso). Françoise me ruega que no me auto-edite demasiado, así que por eso le muestro una pila de ideas que, de otra forma, las consideraría impublicables, y me las quedaría para mí solo. Esto ayudó con el tiempo a construir una muy buena relación creativa y, en lo que se refiere a mi carrera, ser visto en la New Yorker es difícil de superar”.

de serie para la tapa. Me pareció que la idea era demasiado ridícula para ser tomada en serio. A mí, todavía me parece una ilustración graciosa, pero obviamente a mucha gente no. Creo que el porqué tiene que ver con un período muy sensible, después de ocho años de George W. Bush. La gente estaba nerviosa y sentía que cualquier mínima cosa –hasta una caricatura- podía arruinar el buen clima que se estaba generando alrededor de Obama”.

LA FAMOSA TAPA QUE HIZO HISTORIA Me acuerdo patente que yo estaba en Canadá cuando salió aquel famoso dibujo de los Obama como terroristas y, sentada en un restaurant que justo tenía un televisor prendido, vi en el medio de un contexto tan ajeno, a Barry siendo entrevistado por un noticiero local. Esta historia, en diferentes versiones y ciudades del mundo, nos pasó a la gran mayoría de ilustradores que estamos acostumbrados a encontrarnos con Barry dentro de un marco informal en la Society of Illustrators of New York. De repente, uno de los nuestros se había transformado en el centro de una de las tantas polémicas que estamos acostumbrados a ilustrar, pero nunca a protagonizar.

BARRY 101 Nuestras rutinas nos definen y se nos escapan por entre los poros de nuestro trabajo, más de lo que muchas veces nos gustaría.

Barry me confiesa que “no puedo trabajar, a no ser que tenga una fecha de entrega inmediata. Así que tiendo a postergar mis entregas, toco el piano, me relajo y no hago nada. Cuando me llama un director de arte desesperado porque todavía no le mandé algo que era para la semana pasada, ahí recién me acomodo y, de algún modo, termino algo. Creo que tiene que ver con siempre estar decepcionado con lo que produzco; mi instinto es re-dibujar una ilustración hasta que me la saquen de las manos, por lo que cuanto más tarde empiezo, menos tiempo tengo para torturarme a mí mismo”.

Barry en persona es más bien tímido, gentil, considerado y sumamente modesto. Cuando le pregunto si se considera un hombre controversial, enseguida me responde: “¡¿Yo?! No como persona. Hasta me da vergüenza si estoy en el supermercado y tienen que chequear el precio de la sopa que estoy comprando, y ven qué tipo de sopa me gusta tomar. Pero como dije antes, Françoise ve bocetos míos que a veces hago sólo para hacerla reír, sólo que éste lo publicó”.

“En este caso en particular, no pensé que era una imagen tan fuera

Blitt parece vivir en un mundo de una esencia bastante volátil, más bien bohemia, e indiscutiblemente desinteresada. Estas son todas características que determinan que su arte se decodifique bajo los mismos códigos, que mezclados con una visión nítida y una actualidad global cada vez más absurda, logran un resultado de un aspecto cálido, pero con un contenido filoso. + www.barryblitt.com

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+ Hearing, pieza personal

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gt_2P

ADN digital Un grupo de arquitectos chilenos recorre el mundo con sus creaciones. Estuvieron en la feria de diseño de Estocolmo y en el SaloneSatellite de Milán, y acaban de inaugurar los bares Soe y Circus en el nuevo casino Enjoy de Santiago.

Combinan artesanías y formas digitales, como base de su metodología de trabajo. | Texto: Leila Mesyngier

+ Proyecto de habilitación de oficinas centrales y showroom de la empresa Infodema. Foto: Aryeh Kornfeld

personas creativas

+ 069 diseño

Lámparas curvilíneas, bibliotecas en espiral, mesas onduladas y floreros ramificados se unen y se diversifican a través de familias de productos. Una forma de organización que permite crear y diseñar sobre bases y procesos pre-elaborados. Reglas, algoritmos o cadenas de ADN que sistematizan el conocimiento adquirido en cada etapa del proceso. Así definen su trabajo los integrantes de gt_2P, un estudio de arquitectura, diseño paramétrico y fabricación digital, con base en Chile.

que complementamos el conocimiento del estudio en su conjunto, cada uno se ha dedicado a las áreas que más le interesan, sea el diseño, la fabricación, la gestión, etc.”, relatan en conjunto.

Todo comenzó en 2009, cuando Guillermo Parada y Tamara Pérez elaboraban ideas para crear una cama para su hija, mientras cursaban el Magíster de Arquitectura en la Universidad Católica local. En aquel momento, conocieron a Sebastián Rozas y Alexy Narváez, y descubrieron que tenían intereses afines en los procesos productivos, como la fabricación, la manufactura y la construcción de objetos, generados a partir de medios digitales.

La combinación de saberes e intereses los condujo a establecer una metodología que describen con la frase “crear ADN para construir familias de productos”, y que se enfoca en la acumulación de lo aprendido, a través de algoritmos generativos. Esto les permite identificar las variables (geometría, tamaño, materialidad) y reproducirlas cuantas veces sea necesario, y en la escala requerida: en un proyecto arquitectónico, en un mobiliario, en objetos o en intervenciones en el espacio público. El diseño paramétrico, entonces, les resultó un instrumento eficaz para integrar las etapas de formulación, desarrollo y producción, para sistematizar una idea y luego realizar las modificaciones deseadas, con el objetivo de obtener nuevos resultados.

Así, este grupo de jóvenes, curiosos y apasionados arquitectos -entre los que también participan Diana Duarte, Álvaro Pineda Ancieta y Juan Pablo Ugarte-, abrieron las puertas de un estudio basado en el trabajo colectivo. “Hemos creado un equipo de trabajo con personas que vienen de diferentes disciplinas, lo cual permite complementar todo lo que hacemos, tanto el trabajo como la empresa en sí. De esta manera, logramos mejores procesos de aprendizaje y de especialización, según los intereses individuales. Y al mismo tiempo

ARTESANÍAS EN LA ERA DIGITAL “Tenemos también un interés por la investigación y experimentación permanente de nuevos procesos y materiales, llegando hasta los más tradicionales en Chile, como la cerámica, el gres y el vidrio soplado. Esto nos ha permitido profundizar en el concepto de `digital crafting´ o artesanía digital, fundamentado en el diseño asistido por conocimiento computarizado, y en la experiencia y el know how de artesanos chilenos, quienes alimentan y contribuyen a cualificar

+ Mesa de café Sectionimal. Foto: B-Side studio

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+ Florero Heart Days en cerámica, diseñado con el ADN G-Branch

cada uno de nuestros algoritmos generativos o ADN”, explican.

El resultado de trabajar con metodologías de “digital crafting” y diseño paramétrico, es la obtención de productos originales, que utilizan de manera eficiente los recursos, y se ajustan a las necesidades formales, funcionales y presupuestales del cliente. + ¿Cuán importante es la influencia de lo digital en su trabajo? g Bastante. Las metodologías digitales de diseño y fabricación nos permiten desarrollar el proceso de sistematización, tanto de la idea como de los procesos productivos. Y podríamos decir que hemos construido un archivo de reglas, al cual recurrimos cuando tenemos nuevos proyectos. Estas reglas nos brindan información que atraviesa todas las fases del proceso del diseño, y que nos permite optimizar nuestro trabajo, alimentar el conocimiento que vamos adquiriendo y plantearnos desafíos constantes.

+ Botellero Circle Rackwine, diseñado con el ADN C-Packing. Foto: B-Side studio

+ ¿Cuáles son las ventajas de customizar los productos? g Por la versatilidad de nuestra forma de trabajo, siempre va a ser posible que el cliente intervenga en el proceso de diseño de su encargo. Más allá de lograr un resultado, queremos generar una relación con el producto. Nuestro catálogo o nuestra página Web muestran sólo aplicaciones de lo que podemos lograr, pero la idea es dar a entender que las posibilidades son tan amplias como los deseos de cada uno.

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+ Bar Circus del nuevo Casino Enjoy, Rinconada de los Andes. Foto: Aryeh Kornfeld

Posibilidades y deseos que son enriquecidos en el proceso creativo en conjunto. “Generalmente, las ideas parten de manera individual, pero se consolidan de forma grupal. Cada uno ha adquirido una experiencia en alguna fase específica del proceso, así que puede participar más o menos en cada proyecto, pero siempre hay intervención grupal en cada producto”, detallan los integrantes de gt_2P. LA VUELTA AL MUNDO Desde que se postularon al “Capital Semilla Línea 2” de Corfo (Corporación de fomento a la producción) a mediados de 2010, entendieron, estudio de mercado mediante, que su trabajo cuenta con ventajas competitivas en el exterior. “Al enfocarnos en el diseño orientado a la manufactura, el uso de algoritmos y apoyarnos en tecnologías CAM (Computer-Aided manufacturing), se nos facilita la producción internacional por la compatibilidad tecnológica y el ahorro en los tiempos de producción”, aseguran.

Por eso decidieron empezar a mostrarse en los centros internacionales del diseño. Este año, participaron de la feria de Estocolmo y en el SalneSatellite de Milán. “Fueron dos experiencias muy enriquecedoras para el estudio. Ambos lugares son dos de los principales escenarios del diseño europeo y mundial. Participar en ellos, nos permitió encontrarnos con otras realidades desde las que se aborda el diseño y las tendencias más destacadas, así como enfrentar diferentes facetas del circuito expositivo, que difícilmente conoceríamos desde nuestro país”, destacan.

Link a la nota: http://9010.co/gt_2p

En el encuentro sueco, presentaron un espacio ambientado de manera integral, ideal para exhibir la versatilidad de sus trabajos y las aplicaciones de la metodología que emplean. “Quisimos mostrar una repisa, un revestimiento y una alfombra, diseñados todos con el mismo ADN `Convex cell´, pero logrados con diferentes procesos”, aseguran. A la feria italiana, llevaron nuevas creaciones: la mesa Sectionimal, el florero Heart Days, la repisa Cracked y la lámpara Pear App. “Esta última, desarrollada en cerámica, nos permitió abrirnos camino en el mercado europeo, y entrar a negociar con una empresa italiana fabricante de productos en vidrio”, comentan. + ¿Cómo se produce el salto internacional, viniendo de mercados más pequeños, como los sudamericanos? g Si bien venimos de un mercado menos enfocado en el consumo de diseño, la calidad e innovación de nuestros productos, así como una gran capacidad de autogestión que hemos desarrollado, nos han permitido avanzar rápidamente en Chile y proyectarnos hacia el exterior. Además, nuestra participación internacional comenzó con el premio a! Diseño, y desde entonces, se ha despertado nuestro interés por conocer y participar en mercados internacionales. Estamos convencidos de que tenemos algo que decir, gracias al método con el que trabajamos, la particularidad estética y la relación que establecemos con el conocimiento tradicional de nuestro país. + www.gt2p.com

| Foto: Maia Croizet para www.watio.com.ar

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personas creativas 073 música

SRZ

La música recrea tu mundo Soledad Rodríguez Zubieta (SRZ) es musicalizadora, por práctica y disfrute. Le gusta bailar, pero no es DJ. Desde hace varios años, se ha ganado un lugar como curadora musical para distintas propuestas, en las que pone al sonido en un lugar distinguido y para distinguir. | Texto: Germán Andrés

Su trabajo de selectora musical comenzó hace varios años. Y desde su adolescencia trabajó en radios FM allá por la zona sur del Gran Buenos Aires, donde se crió rodeada de músicos y bailando. Con los años y mucha escucha, ha forjado la amplitud de criterio, su amor por los sonidos, y una relación con la música como condimento esencial en los espacios, o como contenido sensible en la comunicación.

Hoy tiene su propio método de trabajo, en un proyecto que es muchas cosas al mismo tiempo, pero que está centrado en el valor agregado de la música y sus posibilidades como aporte en la identificación.

Creó Modular Música (el emprendimiento que dirige), tras muchas experiencias musicalizando bares (como el del Faena hotel), desfiles de moda y radios: durante siete años, lo hizo para “La hora señalada”, los sábados por Rock & Pop, un programa de cine y libros.

Además, tuvo y tiene su propio envío en Metro 95.1.

fines. Desde el sentido común y una fina sensibilidad estética, pone atención en lo que la música genera en cada ambiente, y en lograr amalgamar las cualidades sonoras con cada experiencia. + ¿Qué te inspira del trabajo con la música?

SRZ Me inspira la música en sí, como lo que siento yo al escucharla. También como herramienta de comunicación, para mí, es fundamental; por eso la radio siempre me pareció tan atractiva. Además, el desarrollo de la idea de “decoración sonora” tiene que ver con eso también. Me imagino las situaciones, voy a los lugares, veo la arquitectura... La música como parte de eso. A su vez, una cosa es en la radio y otra cosa es cómo la música interactúa con el espacio; eso me parece muy interesante. Es algo que observo y me llama la atención. Escucho músicas, y es un trabajo permanente de estar pensando para qué me puede servir: si para la radio, o para dar marco a algo más.

“Venía haciendo cosas relacionadas con la producción artística y con la comunicación, también ligadas a la publicidad, eventos, o cosas que tenían que ver con la música, pero desde otro lugar. Hice durante años “Day life” en radio Metro, y eso me gustaba porque era mi espacio. En verdad, soy psicóloga, pero nunca ejercí. Terminé la carrera en 2002, momento difícil del panorama laboral. Pensé en probar algunos contactos que tenía de cosas que había hecho, y empecé por las radios. Mientras tanto, estudié gestión cultural en Flacso. Digamos que estuve buscando la unión de alguna manera con lo que hacía. La formación te da una base, y creo que lo que hoy hago tiene que ver en algún punto con lo estudiado”.

DISEÑO SONORO Soledad trabaja desde su casa, conectada a la red. En Internet, cuenta con algunas herramientas que le permiten estar actualizada de las nuevas tendencias musicales a nivel global, además de ciertas referencias más allá de lo musical (asuntos como consumos culturales o innovación tecnológica). Pero en todos los casos, hace su propio recorte, y se ha vuelto una referente para muchos, de algo que podría resumirse como “diseño sonoro”. Entre los que confían en sus servicios, están las marcas de ropa Uma y Vitamina, para las cuales integra totalmente la música como parte de sus identidades.

+ ¿Hallaste cómo fusionar la psicología con la música, o con lo musical, sería?

SRZ Sí, quizás tiene que ver con la capacidad de decodificar situaciones. Es, principalmente, una cuestión de sensibilidad, y que va más allá de hacer la carrera de psicología. Porque podés estudiarla y no tenerla tampoco. Sucede desde distintos lugares, no de la teoría que aprendés de libros, sino una cosa más de formación general; un poco de eso hay, creo. Es algo más natural de uno mismo. Se ejerce, por ejemplo, en poder tener mi propio proyecto, y tratar de llevarlo adelante, que no es fácil. Mi trabajo pasa mucho por la sensibilidad, por poder analizar la música o su poder.

“Creo que las propuestas con Modular están buenas, porque es distinguir y conceptualizar. Trabajamos con cosas sutiles, porque no es un estilo musical, tiene que ver con algo más general, con la elegancia, la sensibilidad, a veces la delicadeza, que eso se traduce de mil maneras distintas. No hay muchos que hagan esto tampoco, y a veces pienso, que el hecho de que decidan invertir en esto, implica ya que entienden de qué se trata y le dan valor. Entonces hay como un diálogo abierto, aunque el cliente no entienda nada de música.

Se me ocurre que tiene que ver un poco con la dirección de arte, o no tan ambicioso igual, pero que tiene que ver con esa visión ampliada”.

LA SELECCIÓN MUSICAL SRZ se autodefine como musicalizadora, y dice que no estudió música, porque nunca tuvo la paciencia para dedicarse a eso. Tomó clases de piano de muy chica, pero más que nada aprendió investigando, leyendo revistas musicales, viajando y escuchando de todo, como hasta hoy. Cuando habla de música, se apasiona y le gusta compartirla. Entre sus actividades, se cuenta una columna en la revista Rolling Stones, donde cada mes recomienda novedades musicales que están sucediendo online. Con todo, su labor se basa en acciones con música para marcas o para proyectos especiales, en círculos privados o domésticos. Su particularidad es la creación de ambientación sonora conceptual para locales, compañas, o curaduría artística en salas y radio. Con buen gusto y atención en la novedad, trabaja casi artesanalmente, seleccionando música para los más variados

Para cerrar, SRZ nos deja uno de sus sueños: “me gustaría hacer, en algún momento, el soundtrack de una película”. + www.modularmusica.com

Link a la nota: http://9010.co/srzsrz

DÓNDE ESCRUCHAR A SRZ Radio Metro 95.1 FM. Musicalización de: “Su atención por favor” (lunes a viernes de 21 a 23hs.), “Brunch” (domingos de 11 a 1hs.) y “Fresh” (sábados y domingos, de 8 a 11hs, espacio 100% musical).

Isabel Bar & Restaurant. Programación artístico-musical diaria, y musicalización en vivo, una fecha por mes.

Spa Faena Hotel+Universe. Creación de ambiente sonoro, especialmente diseñado para el espacio de relax y en salas de masajes.

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Emiliano Godoy tiene 37 años y nació en México, donde actualmente reside y desarrolla su carrera como diseñador de muebles y objetos. Cuenta con una licenciatura en diseño industrial, obtenida en la Universidad Iberoamericana de la Ciudad de México, y con una maestría en la misma disciplina, esta vez, con el sello del prestigioso Pratt Institute de Nueva York. | Texto: Jorgelina Peciña

| Foto: Maia Croizet para www.watio.com.ar

personas creativas

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Hasta acá, la versión corta de la biografía de este creativo mexicano que desde muy joven coqueteó con la música y la escritura, pero que, finalmente, eligió el diseño como su profesión de cabecera. Y no se equivocó, ya que no sólo su nombre aparece en publicaciones internacionales como un referente del nuevo diseño regional y mexicano, sino que también sus creaciones circulan en el ambiente como un “must know”. Todos saben quién es Emiliano Godoy y cuál es su línea de trabajo. Nada mal para un muchacho treintañero que, en realidad, quería ser músico.

CONJUGANDO ELECCIONES Y AZAR Emiliano Godoy recibió a 90+10 en su estudio de Colonia Roma, un barrio del DF Mexicano, que bien puede ser el primo hermano del Palermo porteño. El paisaje de calles tranquilas, casas bajas y aire a barrio familiar, se completa con las tiendas de diseño salpicadas por aquí y allá. Sin duda, el lugar ideal para abrir las puertas de GodoyLab, el centro creativo y de operaciones de Emiliano. Desde allí, cuenta sus primeros pasos en la actividad y las anécdotas que lo llevaron por el camino del diseño sustentable.

+ Técnica con azúcar: ¿cómo fue que apostaste a este producto natural como material para tus diseños?

EG El proyecto del azúcar surgió de la búsqueda de materiales apropiados para la fabricación de productos desechables, es decir, aquellos que estuvieran bien diseñados para su muerte. En esta búsqueda, las calaveritas de azúcar que se usan en México para el festejo del Día de Muertos fueron una síntesis excelente de lo que necesitaba. De ahí, refiné la receta y desarrollé el material y los productos, pero el inicio fue justamente una calavera perfectamente diseñada para el desecho. + ¿Con qué materiales estás trabajando actualmente?

EG Uno de los últimos materiales con los que he experimentado fue el estambre y la técnica de tejido con ganchillo (crochet). En un diseño que hice en colaboración con Andrea Navarro, diseñamos lámparas con geometrías hiperbólicas, utilizando el estambre y el ganchillo para crear grandes tiras de tejido que envuelven un foco.

+ ¿Cómo fue el camino para la elección de tu carrera? ¿Por qué diseño?

EG En realidad, es parte elección y parte azar. No había decidido entre la escritura, la música y el diseño, así que apliqué a todo. El programa de diseño comenzaba antes. Me enrolé pensando que, si no me gustaba, podría cambiar de rumbo. + ¿Hay alguna anécdota de tu infancia o adolescencia que tenga que ver con tu elección profesional más tarde?

EG Un recuerdo recurrente es el de sufrir mucho los muebles mal diseñados. Estar en una cafetería y sentir cómo crecía el dolor de espalda. Creo que eso ha alimentado mucho mis ideas del diseño. + Diseño ecológico: ¿cómo lo definirías? ¿Qué te llevó a elegirlo para tu carrera?

EG Creo que el diseño, más que ecológico, debe ser un diseño bueno o benéfico. La ecología es sólo uno de los criterios que considero importantes. El año pasado, participé junto con un grupo de amigos en una exposición para el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, donde la pieza giraba, justamente, en torno de establecer estos criterios. Planteamos que un buen diseño debe ser ambientalmente regenerativo, socialmente equitativo, funcionalmente innovador, políticamente activo, económicamente distributivo, simbólicamente progresista y tecnológicamente evolutivo. + Los medios te posicionan como un diseñador que trabaja bajo los lineamientos de la responsabilidad social del diseño (diseño sustentable y económicamente viable). ¿Qué nos podés contar de esto?

EG La responsabilidad, o el hacerse responsable sobre la actividad profesional y sus impactos es un concepto básico en mi trabajo.

Creo que el diseño debe ser entendido como una actividad intelectual que define sistemas completos y, como tal, debe tomar en cuenta las consecuencias de su implementación en la sociedad y el medio ambiente. O más claramente, creo que definitivamente el diseño debe ser responsable, ya que de lo contrario, ¡corre el riesgo de ser irresponsable!

+ Corola, lámpara de techo o pared, en contrachapado de abedul, tela y componentes eléctricos, 2010

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+ El trabajo en módulos es una de las características de tus diseños. Contanos por qué, qué te atrae y cuáles son las ventajas a la hora de crear utilizando esta modalidad.

EG Creo que esto viene de mi parte musical. Soy bajista y, en consecuencia, me gustan mucho las repeticiones, las progresiones y las variantes sobre una misma idea. En formas tridimensionales, esto se puede traducir en texturas, construcciones modulares y ensambles repetitivos. + De todos los premios y distinciones que obtuviste, ¿cuál es la más significativa y por qué?

EG Una pieza mía acaba de ser incorporada a la colección de diseño del MoMA en Nueva York. Esto sí que no lo esperé nunca.

PRESENTE DOBLE: GODOYLAB Y PIRWI Muy común en las mentes creativas es tener múltiples proyectos y varias ocupaciones simultáneas, casi siempre con vinculaciones en

común, pero que permiten evitar el aburrimiento o la rutina. Emiliano no es la excepción, por eso pasa de su trabajo en GodoyLab a Pirwi, un segundo emprendimiento que le permite vivir de sus ideas. + ¿Cómo es la estética de GodoyLab? EG Hay realmente pocos proyectos donde la forma del objeto dicta el camino a seguir. Casi siempre, hay un proceso muy claro de cómo se llegó a una solución y el desarrollo formal es más bien un refinamiento de una idea que surgió de otro lado. + ¿Cómo describirías el estilo y la trayectoria de GodoyLab? EG La idea de Godoylab es la de ser un espacio para la prueba y el error. Muchos de los proyectos no tienen cliente ni salen a la luz pública. Son ideas, pruebas y conceptos solamente. Esto me parece esencial cuando uno está buscando nuevas formas de atacar los mismos problemas. De ahí, la parte del laboratorio: asumir que se necesita probar y arriesgar, sabiendo que habrá muchos errores, pero por lo mismo, mucho aprendizaje. Como decía una gran amiga, “mock it up before you fuck it up!” (en español, probalo antes de echarlo a perder). + Sobre Pirwi: ¿cuál es tu función allí?

EG Pirwi es una marca de muebles que inicié junto con un colega, Alejandro Castro, en 2007. Decidimos montar una empresa de fabricación y venta de mobiliario para casas, que siguiera todas las normas ambientales y sociales que nos parecían correctas para probar que se podía fabricar responsablemente. La marca se planteó, desde un inicio, como una plataforma en la que debían poder colaborar muchos diseñadores, es decir, no sólo fabricar cosas de nosotros dos.

Hoy en día, soy el director de diseño, y tenemos piezas de dieciséis diseñadores.

+ Silla Snowjob, realizada con etiquetas pre-consumo para empaque, papel postconsumo y madera con certificación FSC, 2009. Producida por Ecoist

SOBRE EL DISEÑO EN AMÉRICA LATINA Siempre es interesante conocer las visiones acerca de su propio entorno, que tienen los creativos y diseñadores, e ir más allá, pidiendo comparaciones y similitudes con el diseño regional. ¿Por qué? Quizá, esta sea una manera más de enriquecer la mirada personal. Las opiniones siempre son un nuevo aporte. Y Emiliano Godoy nos brinda la suya. + ¿Qué papel le ves a México en el mapa del diseño latinoamericano?

EG El panorama del diseño en México está comenzando a cambiar para bien, con más oficinas de diseño, más exposiciones y más conocimiento. Sin embargo, mucho del trabajo todavía es producto de iniciativas del gremio, y no de requerimientos de la industria y el gobierno. Por eso, el mejor trabajo que se ve del diseño mexicano es en pequeñas producciones de talleres a baja escala.

+ Banco Quito, en madera de haya, 2011

+ ¿Podemos hablar de un estilo mexicano en diseño lejos de los estereotipos?

EG No creo que exista y, la verdad, no me resulta interesante buscar un estilo nacional o promover una identidad nacional. Creo que el diseño responde a muchos factores -productivos, de mercado, financieros, etc.-, y sólo si el resultado es correcto y deseable, entonces una comunidad se identifica con él y lo hace propio. Diseñar a partir de la búsqueda de una identidad nacional lo que generará es, muy probablemente, propuestas obsoletas que refuercen estereotipos inútiles.

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+ ¿Qué comentario te merece el auge del diseño en la región?

EG En realidad, de los viajes que he hecho por Latinoamérica, siempre he regresado gratamente sorprendido por lo que he visto. De ahí, deduzco que lo que necesitamos como región es una mejor documentación y difusión del buen trabajo que ya se está haciendo. + ¿A qué otro diseñador admirás o seguís? ¿Hay referencias de otros creadores en tu trabajo?

EG Creo que siempre tenemos referencias, muchas. En Latinoamérica, sigo mucho el trabajo de Rodrigo Alonso, Alejandro Sarmiento, Mana Bernardes, Héctor Esrawe y muchos más. Pero en general, dedico más tiempo a personas de otras disciplinas, como los libros de Haruki Murakami y Malcolm Gladwell, la música de Asaf Avidan o los documentales de medioambiente y política. Creo que, como en todas las disciplinas, el diseño es más interesante cuando no sólo se nutre de diseño. + www.emilianogodoy.com | www.godoylab.com | www.pirwi.com

+ Contenedor Guarida, en vidrio reciclado, 2011. Producido por Nouvel Studio

Link a la nota: http:// 9010.co/emigo

DISEÑO PILOTO EN EL MAM Diseño Piloto es el nombre de la instalación presentada por Emiliano Godoy, Jimena Acosta, Andrés Altesor, Antonio Gurrola y Rodolfo Samperio, para la exposición Asteroide b612, Diseño Regenerativo y Balances Ambientales, en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México (MAM). Esta instalación aborda el diseño de sistemas de fabricación de superficies, a partir de desechos de la industria del mueble, los cuales generalmente tienen formatos, tamaños y características muy diferentes entre sí.

La estrategia fue establecer módulos pequeños que se puedan conseguir a partir de los desechos irregulares de tableros y unir estos módulos en diferentes configuraciones para generar superficies, mobiliario, paredes o habitáculos completos. www.a-seis.com/2010/05/diseno-piloto

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| Foto: Maximiliano Ríos

El fotógrafo francés Denis Darzacq presentó en el mes de mayo su serie “La chute” (La caída) en la Alianza Francesa de Buenos Aires. Esta exposición fue la oportunidad de acercarse a su trabajo y ampliar la mirada, no sólo para entender el significado y la construcción de sus fotografías, sino también para descubrir algunas de sus series, que tienen como común denominador la relación entre el cuerpo y su entorno. | Texto: Catherine Tanazacq de Stigliano. Fotos: Denis Darzacq / Galerie VU

personas creativas

+ 079 arte

+ La chute, 09

En la serie “La caída” -por la que obtuvo el prestigioso premio World Press-, Denis Darzacq pone en escena el movimiento de los cuerpos en el espacio urbano: en París y sus suburbios, los cuerpos parecen caer del cielo o del balcón; ángeles caídos o suicidas. Algunos parecen levitar, recordándonos a los superhéroes de la cultura pop, videojuegos y películas de ciencia ficción. Otros crean una composición, confrontando orgánico y mineral, cuerpo vivo y materia inerte, acercándose a la abstracción.

La analogía con el “Saut dans le vide” (Salto al vacío) de Yves Klein, resulta evidente. Sin embargo, en este caso, no hay truco, tampoco intervención digital de las imágenes. Se trata de bailarines y deportistas que realizan saltos que el fotógrafo captura al vuelo, en un contexto previamente elegido. Nada queda librado al azar en la construcción de la imagen, y sin embargo, todo está fuera de control: ningún salto será el mismo que el anterior. El tiempo queda suspendido, el instante que habitualmente desaparece en el movimiento queda registrado en la película.

Una dinámica especial se desprende de estas imágenes. Si no sabemos lo que se oculta detrás de su creación, el paisaje urbano parece desierto, abandonado, nadie camina por la calle o corre la cortina de la ventana para espiar a los transeúntes. La soledad del cuerpo

que cae se amplifica, la ciudad se torna opresiva, los grises de la imagen nos invaden. El silencio sólo se romperá con el choque del cuerpo con el suelo.

Sin embargo, una vez que sabemos cómo han sido construidas las imágenes, una vez que el truco es revelado, todo adquiere otra dimensión. El silencio opresivo da lugar a la concentración, y una relación casi sensual se crea entre el cuerpo y el decorado. Este cuerpo pesado, vínculo entre el hombre y su entorno, pasa a ser un instrumento de libertad, de creación. No se cae, emprende vuelo.

DEJARSE CAER Otra lectura puede hacerse a partir de estas imágenes. De hecho, este punto es importante para el fotógrafo, al que le agrada la idea de que su trabajo permita varios niveles de lectura, varios puntos de entrada que enriquezcan a la imagen y la transformen en obra. “Una foto de Maradona con un nuevo corte de pelo, la olvidas tan rápido como la miraste, porque sólo está para transmitir una información”, dice Darzacq. Cuando la riqueza y la complejidad de una imagen nos dan ganas de detenernos frente a ella, hacen que ésta quede impregnada en nuestra memoria y desafíe el paso del tiempo.

En el caso de La caída, puede hacerse una lectura social de la serie.

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+ Hyper, 05

Cuando las fotografías fueron sacadas en el 2006, aún estaban frescos los recuerdos de los amotinamientos en los suburbios de Paris, donde jóvenes encapuchados quemaban autos. Darzacq -como muchos otros- sentía que se “dejaba caer” a una generación (traducción literal de la expresión francesa “laisser tomber”, que significa “olvidarse”) que se olvidaba a todos los jóvenes de los suburbios, asociándolos a unos pocos y tildándolos de incapaces. Fue entonces que decidió ir a buscar a jóvenes bailarines en los gimnasios y en las salas de baile de su barrio, y les pidió saltar, volar frente a su cámara. Esta serie demuestra que estos jóvenes sí son capaces, y sí pueden ser creativos y disciplinados, cuando cuentan con un espacio de expresión y un poco de atención.

CONSUMO VS. MOVIMIENTO En la serie “Hyper”, Darzacq retomó el concepto de La caída, reemplazando la ciudad por un hipermercado. Este prefijo “hyper”, además de hacer referencia a un supermercado de grandes dimensiones, es un modismo muy utilizado por los jóvenes en Francia. Los supermercados son lugares familiares para los jóvenes de los suburbios y pueden, a veces, representar su único espacio de distracción. Este ambiente es sinónimo de tensiones y contradicciones entre la precariedad económica de muchos de ellos y la abundancia de la oferta de mercadería, que promete salud, belleza y amor en un frasco.

El supermercado es un universo barroco, sobrecargado de signos, de colores, de mensajes. Un lugar con un orden preestablecido, donde la alineación de los productos lleva a la alienación, producto de la uniformización de las prácticas. Un orden roto por la presencia incongruente de estos cuerpos en movimiento, ya que el espacio del supermercado, por definición, está concebido para facilitar el desplazamiento con el objetivo de maximizar las compras. Los movimientos de los protagonistas quiebran esta función original con total libertad. La lógica del consumo se opone a la poesía del movimiento.

En una de las fotografías, uno de los protagonistas parece aspirado por las góndolas de productos, perdiendo toda posibilidad de control. En otra, una mujer parece haber sido expulsada hacia las flores (¿de plástico?), eyectada con violencia, mientras alguien levita tranquilamente en el sector de los lácteos.

Al igual que en la serie La caída, los movimientos de los cuerpos son reales. Para perturbar la lectura de las imágenes, el fotógrafo pide expresamente a los participantes no demostrar ninguna expresión en sus caras. “Estamos todos acostumbrados a ver imágenes de deporte -comenta el artista-, donde el esfuerzo aparece en la expresión del deportista, en la deformación de la cara. Cuando se quita esa

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+ Nu, 06

+ Nu, 05

expresividad, dejamos de comprender el esfuerzo físico, no entendemos que el cuerpo está en movimiento”. Los colores saturados del universo de esta serie la hacen parecer más animada que la serie La caída. Sin embargo, en ambas, el silencio es el mismo.

tas y la uniformidad de los decorados (podría tratarse de cualquier parte del mundo).

CUERPOS GLOBALIZADOS Es este silencio el que también encontramos en la serie “Nu” (Desnudos), donde los personajes solos deambulan completamente desnudos, en medio de una zona residencial desertada. Entre las casas idénticas, cerradas, los cuerpos inanimados, sin adornos, se desplazan. ¿Están paseando? ¿Se dirigen a algún lugar? ¿Se trata de habitantes de estas casas que un buen día decidieron rebelarse y romper el orden social? Una vez más, uno se interroga, se sorprende, no entiende quiénes son estas personas o cómo fue construida la imagen. Hasta que el fotógrafo nos revela la incógnita: los personajes son modelos artísticos contratados, y la producción de las fotografías se hizo temprano durante la mañana, antes de que el barrio despertara.

Ya en esta serie, anterior a las otras dos, encontramos elementos que aportan confusión a la imagen, y que Darzacq volverá a usar en las series siguientes: la casi-ausencia de sombras que remite a un collage digital, la falta de expresión en las caras que borra las pis-

Link a la nota: http:// 9010.co/denisdar

Su trabajo hace referencia a una cierta forma de globalización. Por un lado, las fotos muestran la normalización de las culturas, casas prefabricadas, alineadas en barrios sin alma, idénticos en los cuatro rincones del mundo y supermercados con una estética global. Por otro, estas fotos tienen una ambición universal con referencias comunes a muchas sociedades y la posibilidad, para muchos, de identificarse. Esto se debe a que la elección de la ubicación de la foto y del entorno, no quedó librada al azar. Darzacq borra voluntariamente las marcas distintivas de un lugar, trata de mostrar una ciudad genérica, que puede ser París, Nueva York o Buenos Aires. Porque si bien ciertas problemáticas cambian de un país a otro, el lugar que ocupa el cuerpo en la ciudad, el individuo en el entorno urbano, es el mismo en todas partes.

La obra de Denis Darzacq nos permite detenernos un instante, durante un suspiro, y entender al cuerpo como herramienta y espacio de libertad, como uno de los únicos elementos que podemos controlar, al menos hasta cierto punto, y como un medio de expresión para los jóvenes, a los que les permite desafiar la gravedad, en todo sentido. + www.denis-darzacq.com

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+ Ideal para leer libros electrónicos, el Kindle de Amazon. Y para todo tipo de contenidos digitales, el iPad2 de Apple

Cómo Internet y las computadoras están cambiando la industria editorial, de la música y del cine, al permitir que los contenidos circulen casi sin trabas por todo el planeta. Qué futuro les espera a la obras artísticas. | Texto: Ricardo Sametband

Estamos ante una revolución similar a la que inició Johannes Gutenberg en 1450 con la primera imprenta de tipos móviles. Pero no tiene que ver con un medio específico (el papel impreso), sino con lo que el escritor William Gibson (el autor de Neuromante) denominó, en la novela Todas las fiestas de mañana, la “infinita plasticidad de lo digital”.

Gutenberg revolucionó la manera de imprimir libros y, por ende, la circulación de la información: abarató el libro, lo hizo confiable gracias a la copia serial, y ayudó a la difusión de las ideas. Con la digitalización la información, se independizó del medio físico (un MP3 es igual, no importa dónde esté almacenado), permitió el acceso independiente de la ubicación geográfica (si está en un servidor conectado a Internet, está disponible en casi todo el mundo), y se volvió maleable, como sugiere Gibson: una foto, un video, un texto, son una cadena de unos y ceros que se modifican a voluntad. Un caso concreto: hay aplicaciones que hacen música a partir de una imagen.

ñía anunció recientemente que la próxima versión del Mac OS X, la 10.7, ya no estará disponible en cajas en los locales. No tiene sentido: es más eficiente descargar un archivo de la Red. En la Argentina, la operadora Personal también ofrece una tienda de música digital.

Amazon, que nació como una librería online, desde fines del año pasado, que vende más textos digitales para su libro electrónico Kindle que obras en papel, tanto de tapa dura como de bolsillo. En video, el rey hoy es Netflix, al que se le atribuye la quiebra mundial de Blockbuster, el servicio de alquiler de VHS y DVD. Netflix tiene 20 millones de usuarios y nació como un servicio de distribución de películas en DVD por correo, pero supo reconvertirse, y hoy es totalmente digital. Con un abono mensual, el usuario accede, sin limitaciones, a su vasta colección de películas y series, tanto estrenos como obras que de otra manera serían difícil de encontrar, que llegan a su computadora (tradicional o móvil) o a un reproductor de medios, como un archivo que se descarga por streaming desde un servidor.

La informática e Internet contribuyeron, además, a la distribución digital de contenidos. La conveniencia de lo digital es múltiple y hoy, si es posible, todo se crea o convierte en unos y ceros: películas, fotos, música, textos, dibujos y, por supuesto, el software que los transforma en algo comprensible para los humanos. Y es posible ofrecer una obra digital de gran calidad, evitando los problemas que tiene la producción tradicional. No importa qué soporte físico se usará, ni su durabilidad, ni el costo de fabricación o la logística de su distribución. Tampoco interesan los inventarios, aduanas u horarios comerciales. Ni siquiera las ediciones agotadas, porque la copia del original se crea en el momento de la venta.

El streaming (transmitir un archivo en pedazos, permitiendo su reproducción inmediata) es lo que hizo grande a YouTube: 2000 millones de videos vistos por semana, 35 nuevas horas de video subidas a sus servidores cada minuto, y ahora transmite eventos en vivo. Es la joya en la estrategia de distribución digital de contenidos de Google, que abarca la provisión de software (Android y Chrome), la digitalización de libros, la vuelta de tuerca a la TV (con un dispositivo que mezcla la transmisión tradicional con YouTube, la Web y más), pasando por el almacenamiento online de correo, fotos, documentos, presentaciones, etc.

La mayor disquería del planeta es el sitio iTunes, de Apple, que en enero de 2010 llegó a los 10 mil millones de canciones descargadas. Apple también tiene la mayor tienda de software para móviles, con 500 mil aplicaciones disponibles para descarga. Y la compa-

También surgieron servicios que no existirían sin la digitalización, como Last.fm, Spotify, Grooveshark, Musicuo o Pandora: permiten acceder a una discoteca casi inagotable, sin almacenar nada en el dispositivo propio, y ofrecen recomendaciones y comentarios

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ideas creativas 083 tecnología

+ El boom de las tablets: LG Optimus Pad, PlayBook RIM , HP Touchpad, X-View Proton y Samsung Gallaxy Tab

de otros usuarios. Y hay servicios que permiten crear en Internet un canal de televisión o de radio en directo (como Justin.tv o Qik).

Además está OnLive, que procesa en línea videojuegos de gran riqueza gráfica, y transmite la imagen resultante a una consola muy modesta o una tableta, que no necesita hardware potente; el usuario ve el resultado en pantalla, en una suerte de película interactiva.

Hay ejemplos locales, como FlipZu, que crear una radio instantánea en la Web; Cuevana, que ofrece películas y series en streaming, gratis, para ver en un navegador (y tiene un estado legal difuso); la transmisión en Internet que hacen las radios y canales de televisión de la Argentina; y apuestas como la de Terra.tv, con streaming de videos a los usuarios de su portal.

El grupo Telefónica tiene en la Argentina una plataforma de aplicaciones para móviles (Blue Vía), una tienda de música (Sonora), de videos (OnVideo) y de libros electrónicos. “No queremos ser el tubo que da conexión y nada más, y no poder aportar nada -explica Andrés Tahta, director de marketing de Speedy-. Por eso, lo que queremos es dar contenido diferencial, porque gracias a la digitalización, cambió la forma de consumir contenidos. Para un chico de 15 ó 20 años, el contenido es todo digital, desde Facebook a leer el diario en línea. Para una persona de 50 ó 60 es más difícil, pero más que nada, por una cuestión de costumbre”.

LA DIGITALIZACIÓN DEL ARTE Un productor independiente también se beneficia de esta nueva situación, como el fotógrafo Andrés Pérez Moreno. Hoy toda la fotografía profesional es digital, y vender una imagen en cualquier parte del mundo, equivale a algo tan sencillo como enviar un archivo en formato RAW. “Tenés tu sitio Web, que es tu carta de presentación, y es mucho más fácil participar de búsquedas de material -dice-. Si te piden algo de prueba, les pasás una carpeta con fotos a un servi-

dor y listo. Y hay agencias de fotos que son, en rigor, un sitio Web y un par de socios cada uno en su casa, que a su vez, reciben material de otros fotógrafos en forma digital. Y podés mostrar cosas que el mercado tradicional no llega a absorber. Es muy liberador”.

La digitalización del arte implica, sin embargo, algo más que una cuestión de logística. “El desafío está en ir más allá. Un primer paso en la transformación de un producto físico en uno digital es reproducir el modo de uso tradicional; y un segundo paso es la versión Web, más flexible. Pero la clave está en hacer cosas que con el medio tradicional no son posibles -afirma Iván Adaime, profesor de la materia Procesamiento de Datos de la carrera de comunicación en la UBA, y gerente de contenidos y comunidad en Lanacion.com-. No usar la gramática anterior, la metáfora de uso que conocés, sino otra cosa, como la banda Arcade Fire, que hizo un videoclip usando Google Maps y que cambia según el usuario, o My Morning Jacket, que en cada archivo de audio de su álbum pone un arte de tapa diferente. A la vez, tenemos mucha inercia: hablamos del arte de la tapa de un disco que ya no existe físicamente, o de pasar con el dedo las hojas de un libro electrónico. Pero creo que el cambio más grande, del que todavía no tomamos verdadera dimensión de su impacto, es el del “on demand”, el tener el contenido a pedido, cuando queremos”.

Es el fin del intermediario tradicional. Rovio, la compañía detrás de Angry Birds, alcanzó el éxito recién con las tiendas de software centralizadas que no dependían de las operadoras móviles (más conservadoras), sino del desarrollador de la plataforma, más interesado en expandirlo y darle valor. La banda independiente OK Go alcanzó la fama por sus hiper producidos videos de YouTube; Radiohead ofreció un disco “a la gorra” por Internet; y nunca falta la historia del adolescente que amasa fortunas con aplicaciones para iPhone o Android desde su dormitorio; o escritores que crean editoriales personales para participar en tiendas de ebooks.

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+ Los smartphones también reproducen contenido de alta definición. Es el caso del LG Optimus 2X, el Nokia N8 y el Atrix de Motorola, entre otros equipos

+ Los últimos televisores Sony Bravia y el Samsung Smart TV son capaces de acceder a Internet

“Vivimos en una estructura conceptual que nació en el siglo XIX. Como cambia el modo de distribución, esto choca contra los que pretenden que la obra sea un objeto de comercialización atado a un soporte físico -afirma Beatriz Busaniche, de la Fundación Vía Libre-. Lo que hacía la industria del arte, era generarle una audiencia al artista. Ahora, estos dos se conectan de manera directa. A la vez, la lógica de lo digital, implica que el artista tiene cada vez menos control sobre su obra. En la medida en que los artistas pretendan controlar lo que pasa con la obra, van a conseguir un mar de frustraciones y antipatías, pero a la vez, ¿qué sería del artista sin un público que populariza su obra? Nadie se opone a que el artista gane dinero con su talento, pero el desafío es encontrarle la vuelta y aprovechar lo que ofrece la era digital”.

LOS DISPOSITIVOS La distribución digital de contenidos es liberadora, pero requiere -claro-, de una serie de dispositivos que puedan acceder a ella. En términos generales, cualquier computadora moderna (de escritorio o portátil) puede acceder a ellos, pero es en la aparición de equipos especializados que se nota su impacto.

Las consolas de videojuegos (en particular, la Xbox 360 de Microsoft y la PS3 de Sony) permiten reproducir películas en una pantalla de alta definición, usarlas para mostrar fotos, controlar una discoteca digital, etc. Para los libros electrónicos, por ejemplo, el dispositivo por excelencia es el Kindle de Amazon, aunque el Nook de Barnes & Noble también tiene buena reputación. En la Argentina, además, la firma española Grammata ofrece varios modelos de su línea Papyre, todos con tinta electrónica.

El iPad de Apple, la Xoom de Motorola, la Playbook de RIM, la TouchPad de HP, la Proton de X-View y la Galaxy de Samsung, entre otras tabletas, también sirven para leer libros electrónicos y tienen, además, la ventaja de ofrecer acceso a la Web, tiendas con cientos de miles de aplicaciones y sofisticados reproductores de audio y video.

También hay smartphones con funciones similares (más allá de la limitación que implica la pantalla de menor tamaño), que incluso tienen salida HDMI para reproducir contenido de alta definición en una pantalla grande, como el Nokia N8, el LG Optimus 2X, el Galaxy S de Samsung, el Atrix de Motorola y otros equipos. Y tanto Western Digital como Iomega tienen reproductores digitales del tamaño de un libro, que se conectan al televisor para reproducir películas y música, mostrar fotos y hasta descargar contenido de Internet (YouTube, películas por el servicio Torrent, etc.).

Todos los fabricantes de televisores modernos tienen modelos de alta gama, que son capaces de conectarse a Internet, para mostrar videos de YouTube y acceder -en los países en que está disponible- a servicios de alquiler digital de películas, además de desplegar un perfil de Twitter y Facebook en la pantalla grande. Los últimos Sony Bravia también tienen un cliente de Skype.

Y así como hay sistemas de parlantes dedicados al iPhone, los iPods y -con un cable- a cualquier reproductor de música portátil, la firma local Just Listen fabrica muebles con parlantes internos, para ofrecer una alternativa con una estética diferente a la musicalización hogareña. +

+ 085 Adiós al retail

Tan sólo unos pocos años atrás, las disquerías, las librerías, los videoclubs y las tiendas de videojuegos eran un negocio rentable, tanto que los locales se multiplicaban en barrios y centros de las ciudades por igual. Si bien hoy no han desaparecido por completo -ya que todavía quedan las disquerías y tiendas de video y libros de culto-, la realidad muestra que la venta de música, películas, series, libros y videojuegos se ha transformado, sumándose al universo del creciente mercado de descargas digitales. | Texto: Jorgelina Peciña

¿Todo tiempo pasado fue mejor? Referentes de la actividad nos cuentan la actualidad y el futuro del negocio de las descargas digitales. El tiempo dirá si se trata de una moda adoptada por sectores que marcan la tendencia, o de una nueva forma de consumir contenidos y hacer negocios. son smartphones y el 15% featured phones (que cuentan con algún tipo de funcionalidad multimedia extra). Los nuevos sellos son los operadores de telefonía celular, con ganancias millonarias por descargas de simples, tanto en México como en Brasil y Argentina. Asimismo, creo que el futuro del consumo de música, en general, va hacia un modelo de streaming (distribución de audio y video por Internet) móvil freemium (gratis en un principio, pero luego con costos por extras, como sincronizar música en varios dispositivos). + ¿Qué tipo de contenidos están hoy a la venta a través de Limbo Music?

FI Limbo es un agregador oficial de iTunes en Argentina, distribuyendo varios sellos discográficos de música emergente independiente, entre ellos, FuerzaBruta, Gaby Kerpel, Mariana Baraj y Orquesta Típica Fernández Fierro.

LIMBO MUSIC “EL CLIENTE BUSCA ACCESO DIRECTO” Fundado en el 2005 como sello discográfico de lanzamientos físicos, Limbo Music es actualmente una productora integral de contenidos musicales, con eje en el negocio 360º: distribución digital, producción de ferias, festivales y conciertos, distribución física mínima anual de lanzamientos muy específicos y de alta producción artística, marketing digital para lanzamiento de discos y shows, y sincronización del catálogo para comerciales en Estados Unidos, entre otros. Fernando Isella, productor a cargo de Limbo, cuenta más detalles sobre el negocio. + ¿Hacia dónde va hoy el negocio de las descargas de música digital?

FI Hacia ningún lado, salvo en vías móviles. En este momento, Latinoamérica cuenta con 550 millones de celulares, de los cuales el 10%

+ ¿Cómo es el consumidor argentino de música online?

FI Busca acceder de manera rápida al contenido, sea vía legal o ilegal, no le importa. Lo que espera es tener acceso directo y, en este momento, no hay un solo modelo de contenido amplio actual que satisfaga esa necesidad de la audiencia. Por eso crece la piratería discográfica, aunque en contraposición, la gente paga cada vez más por ir a shows en vivo. + ¿Cuál fue la ventaja competitiva que vieron en este tipo de negocios y qué los impulsó a lanzarse en Argentina?

FI Argentina es un mercado aún sin explorar en el área digital y plagada de contenidos súper interesantes para distribuir. El desafío está en no detener el proceso de transformación que conlleva la industria y las formas de consumo de la misma audiencia. + ¿Perspectivas para el 2011?

FI Seguir apoyando el modelo de difusión digital de todos los artistas del catálogo y, cada vez más, desarrollar conciertos en vivo. + www.myspace.com/musiclimbo | www.ferisella.com

AMABOOK “LA TECNOLOGÍA SÓLO REEMPLAZA EL PAPEL” Lanzada a finales de 2009 conjuntamente con el proyecto Digital Books (orientado a brindar servicios digitales al sector editorial), Amabook es la primera cadena de librerías especializadas en libros digitales en español, presente en España, Argentina, México, Colombia, Uruguay, Perú, Chile, Venezuela y EE.UU. Lucio Arrillaga, vocero de Amabook, habla sobre la actualidad del negocio en el país. + ¿Hacia dónde va hoy el negocio de las descargas de libros digitales?

LA Por un lado, encontramos un escenario dominado por novedosas prácticas de comunicación y de consumo, mientras que, por otro, debemos observar que la tecnología sólo reemplaza al papel. En este sentido, la digitalización posibilita la desmaterialización del flujo comercial, ya que no circulan libros, sino sólo sus metadatos. Esto permite estrategias efectivas de micromarketing, segmentación de público o fidelización de clientes, por ejemplo, pero no cuestiona en

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+ absoluto el modelo tradicional del libro. Por eso, el negocio continúa orientándose a la comercialización de contenidos protegidos, respetando el modelo más clásico y efectivo: el de venta individual por precio único, fijado por el editor. + ¿Qué tipo de contenidos están hoy a la venta a través de Amabook?

LA En la actualidad, todos los títulos disponibles en Amabook se encuentran en formato epub (acrónimo para electronic publication, en español, publicación electrónica), por lo cual, son redimensionables, y se adaptan a los diferentes tamaños de pantalla. Todos los contenidos se encuentran protegidos con DRM (Digital Rights Management, un sistema que evita la copia del contenido) de Adobe.

En cuanto al catálogo, Amabook se caracteriza por presentar una amplia cantidad de novedades y títulos fuertes, que abarcan todos los géneros. + ¿Cómo es el consumidor argentino de libros digitales?

LA El consumidor de libros digitales no es fácil de definir. Por eso, es tan decisivo el lugar que ocupan hoy los editores. Porque si bien es difícil determinar lo que los lectores buscan específicamente, en cambio sí es posible anticiparse a sus expectativas, dado que, en realidad, esperan lo que esperamos todos: contenidos de calidad en-

TERRA TV Y SO NORA “EL USUARIO QUIERE ELEGIR” Jonatan Fasano es gerente de móviles y servicios de valor agregado en Terra TV y Sonora. Ambas compañías brindan contenidos digitales, como películas, series y música. Fasano, en charla con 90+10, explica el modelo de negocio que llegó para quedarse. + ¿A qué tipo de contenidos se accede a través de Sonora?

JF En Sonora, ofrecemos contenido mediante dos tipos de suscripciones: Sonora Free y Sonora Plus. Para acceder a Sonora Free, se puede crear un usuario o loggearse con algún usuario existente en redes sociales. Esto permite que el usuario tenga a su disposición veinte horas mensuales de música a elección y acceso ilimitado a las radios Sonora. La suscripción Sonora Plus permite acceso ilimitado a todo el catálogo de temas y diez descargas, cada treinta días.

Recientemente, añadimos una nueva función: el modo degustación, que permite que el usuario pueda escuchar diez temas por día, sin necesidad de estar registrado. + Y sobre Terra TV, ¿qué podés comentar?

JF Para Terra TV, el usuario no necesita estar loggeado o registrado. Basta con entrar a la plataforma de videos, y seleccionar

riquecidos y nuevas relaciones de precio. + ¿Cuál fue la ventaja competitiva que vieron en este tipo de negocios y qué los impulsó a lanzarse en Argentina?

LA El proyecto Digital Books, del cual Amabook forma parte, es impulsado por editores. Contar con una larga trayectoria, permitió comenzar esta nueva etapa, partiendo de fuertes relaciones preexistentes, que en definitiva, es el mayor capital que se puede trasladar al entorno digital. Operativamente, esto se traduce en la posibilidad de brindar servicios para un negocio global, trabajando localmente en cada uno de los países. + ¿Perspectivas para el 2011?

LA Muy posiblemente, no será éste el año en que el libro digital comience a ganar su parte proyectada del mercado, porque tal vez, aún nos encontremos realizando algunos pasos previos, pero sin duda, estará marcado por la digitalización y el ingreso de los catálogos editoriales a los nuevos canales. Tampoco hay que olvidar que estamos transitando un período de redefinición, en el cual posiblemente comencemos a observar nuevas modalidades de diálogo con los lectores, no sólo en tanto consumidores de contenidos, sino también como usuarios de tecnologías. + www.amabook.com.ar

el contenido que uno desea ver on demand o en vivo. El modelo es similar al de Sonora, ya que Terra TV tiene contrato con los principales “majors” y eventos deportivos. Tanto para Terra TV como para Sonora, podemos decir que no vendemos contenido, sino que ofrecemos una suscripción flat o freemium. Lo llamamos freemium, ya que le damos al usuario contenido Premium, pero no debe estar comprando cada canción que quiere escuchar o el capítulo de la serie que quiere ver. + ¿Hacia dónde va hoy el negocio de las descargas digitales?

JF La tendencia es reemplazar las descargas digitales por streaming en vivo u on demand. Gracias a las nuevas tecnologías -tanto las mejoras en la conectividad como la calidad de los dispositivos-, para el usuario es mucho menos atractivo realizar una descarga, que insume tiempo y ocupa espacio, mientras que el streaming le da al usuario la posibilidad de elegir, cambiar y experimentar muy rápidamente. + ¿Qué es lo que más se vende o espera vender en el futuro cercano?

JF Tenemos que pensar que el usuario, cada día, es más exigente con los contenidos que quiere recibir. Quiere elegir, quiere entretenimien-

+ 087 to en vivo, diferenciado y on demand. En los próximos años, se espera que cada usuario tenga, en promedio, seis pantallas de contacto. Por este motivo, es súper importante poder adaptar los contenidos a formatos multipantalla, y tener una amplia diversidad de aplicaciones que resulten novedosas y atractivas. + A nivel tecnología, en Argentina, ¿qué se necesita para estar al nivel de Estados Unidos y/o Europa?

JF En Estados Unidos y Europa, los formatos multipantalla son una realidad. Tanto los contenidos como los auspiciantes, tienen su material listo para estar en contacto con el usuario, en todo momento y lugar. + ¿Cómo es hoy el consumidor de contenidos digitales, especial-

mente en Argentina y comparándolo con otros países de la región?

JF El consumidor argentino es muy volátil, ya no es fiel, y no se casa con una marca. Quiere los contenidos de forma fácil y rápida y, en caso de no encontrarlos, cambiar inmediatamente. El perfil del usuario es tan variado como los contenidos que consume. Por este motivo, en Terra TV y Sonora pensamos, día a día, en cómo quitar barreras de entrada, y simplificar nuestros productos. + ¿Perspectivas para el 2011?

JF Claramente, la perspectiva para 2011 y los próximos años, es la movilización de productos. Ya no es suficiente tener una buena plataforma en versión Web, hay que trasladarla y adaptarla a dispositivos móviles, tablets y televisores conectados. + www.terra.tv | www.sonora.terra.com.ar

+ Creado por Gameloft, el juego BackStab puede disfrutarse en iPhone y iPad

GAMELOFT “LAS COSAS SE ACELERARON” Dedicada a la publicación de videojuegos digitales y sociales, Gameloft es una de las compañías más innovadoras del sector. Crea videojuegos para todas las plataformas digitales, incluyendo teléfonos móviles, smartphones, iPhone, iPod touch, tablets (inclusive Apple iOS y dispositivos Android), set top box, televisiones con conexión a Internet y consolas. Paula Haurie, directora de ventas para Cono Sur, explica cómo funciona uno de los negocios de descargas digitales más competitivos en la actualidad. + ¿Cómo evolucionó el mercado de videojuegos, desde la venta vía WAP a través de los operadores móviles hasta los múltiples canales actuales?

PH La evolución del mercado de descargas de videojuegos ha crecido de manera sorprendente. En Argentina, son los operadores móviles el canal principal de ventas. Sin embargo, con la irrupción del primer iPhone y el desarrollo de la venta de contenidos vía la tienda online de Apple, las cosas se aceleraron. Ahora, también los fabricantes de celulares quieren participar de ese mercado, y es por eso que en el último tiempo, vimos cómo también ellos abrieron sus propias tiendas, como el BlackBerry App World o el Samsung Apps. + ¿Cómo está preparada Gameloft para moverse en este nuevo ecosistema de tiendas de aplicaciones, donde hoy hay múltiples oferentes?

PH Gameloft continúa con su negocio exitoso con los operadores móviles, ya que representa la mejor oferta en videojuegos para todos los usuarios de teléfonos móviles y, en el último tiempo, de smartphones y tablets. Asimismo, ofrece sus videojuegos para iPhone, iPad y iPod touch a través del App Store. De esta manera, busca cubrir el amplio espectro para llegar a todos los usuarios po-

Link a la nota: http://9010.co/disdigi

tenciales, es decir, a todos aquellos que cuenten con un dispositivo móvil, más allá de la marca. + A nivel videojuegos, ¿qué es lo que se viene?

PH La creación de smartphones cada vez más avanzados y completos, representa un desafío interesante, ya que las capacidades de los nuevos teléfonos nos permiten desarrollar videojuegos aún mejores, desde todos sus aspectos. + ¿Cómo es hoy el consumidor de contenidos digitales, especialmente a nivel videojuegos?

PH A nivel videojuegos, en Argentina, es marcada la tendencia: la mayoría son hombres, de entre 15 y 45 años, y buscan juegos de deportes, acción y guerra. Sin embargo, vemos una creciente participación de las mujeres, que optan por títulos de ingenio, rompeladrillos y simulación. Ellas también buscan diversión, y se acercan a los videojuegos de manera creciente. + ¿Desafíos para la industria?

PH A nivel videojuegos móviles, creo que uno de los temas que aún es importante es la mejora de las redes y la conexión, que posibilitará el poder jugar en red, a través de los terminales. Por otro lado, también es importante que los costos de los nuevos teléfonos sean más accesibles, para masificar la oferta. De esta manera, con mejores teléfonos, los usuarios podrán acceder a contenidos de calidad a un costo mínimo. + ¿Perspectivas para el 2011?

PH Las perspectivas son buenas. La nueva generación de tablets ha generado movimiento y nuevas oportunidades para el negocio de las descargas digitales, que beneficia tanto a los desarrolladores de videojuegos como de otros contenidos, a saber, libros, películas, etc. + www.gameloft.com.ar

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+ ExperienciaFULL

El mundo en tus manos Todos aquellos clientes individuos de Movistar que posean planes Full, pueden acceder a Experiencia Full, un nuevo servicio diferencial, con importantes beneficios.

UN NUEVO CONCEPTO EN SERVICIOS Experiencia Full es un nuevo concepto que busca potenciar los servicios y planes Full de los clientes Movistar, ya que permite vivir una experiencia completa con equipos smartphone de alta gama.

Renovación del equipo con beneficios, asesoramiento personalizado siempre en el *611, acceso a eventos exclusivos Movistar, entradas gratis a recitales y beneficios en el plan (mail y redes sociales gratis e ilimitadas), son algunas de las ventajas de este nuevo servicio.

Ingresando al micrositio www.movistar.com.ar/experienciafull/ es posible encontrar toda la información ampliada sobre Experiencia Full: los servicios y planes más convenientes, asesoramiento exclusivo y la posibilidad de descargar contenido a través de las tiendas virtuales, tanto en forma gratuita como paga.

Así, es posible disponer de una biblioteca virtual en cualquier momento y lugar, gracias a la Tienda eBooks; encontrar las aplicaciones más convenientes para tu equipo en la Tienda de Aplicaciones:

diccionarios, entretenimientos, mapas, fotos y videos, etc.; o bien descargar tonos reales, polifónicos, canciones o álbumes completos a través de la Tienda de Música. Además, es posible inscribirse a cursos presenciales o virtuales de distintos equipos. Actualmente está disponible un curso presencial y virtual del equipo Nokia N8 y se puede acceder al paso a paso de las configuraciones de mail y redes sociales de todos los equipos.

A su vez, la Experiencia Full también puede vivirse en los Centros de Atención de la Ciudad de Buenos Aires: Palermo (Honduras 5473 esq. Juan B. Justo) y Callao (Av. Santa Fe 1844 e/Callao y Riobamba); así como en la ciudad de Junín, en Roque Saenz Peña 49, donde los clientes reciben una atención diferencial, que incluye la configuración de su equipo en el momento por un asesor especializado, para salir del Centro de Atención con su equipo configurado totalmente y así poder usarlo al 100% desde el primer instante. + www.movistar.com.ar/experienciafull/

NOVEDADES EN SMARTPHONES Para empezar a vivir la Experiencia FUll, Movistar ofrece los equipos Movistar Sony Ericsson Xperia X8 y Movistar LG Optimus One P500 con planes muy convenientes, que incluyen el acceso a mail y redes sociales ilimitado.

Movistar Sony Ericsson Xperia X8 El diseño de sus cuatro esquinas permite su uso con una sola mano y acceso a las aplicaciones mediante un toque. Es ideal para disfrutar de juegos, video e Internet en su pantalla de 3 pulgadas. Su cámara de 3.2 MP permite capturar el momento y subir las imágenes al instante a Facebook. Disponible en colores blanco y negro. +

Movistar LG Optimus One P500 Su pantalla full touch y teclado Qwerty virtual hacen que navegar y compartir contenido sea muy fácil. Ofrece la máxima velocidad de navegación y viene con reproductor MP3, MP4 y radio FM, con entrada universal de auriculares y tarjeta micro SD de 2GB, además cámara de 3MP. Posee conectividad 3G, Wi-Fi Bluetooth y GPS. +

ideas creativas

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ExperienciaFULL

TIENDAS VIRTUALES MOVISTAR NUESTROS RECOMENDADOS De las tres Tiendas virtuales de Movistar, es posible descargar los más interesantes contenidos: ya sean los últimos eBooks, la música preferida o las aplicaciones más útiles y entretenidas. A continuación, nuestros recomendados.

EBOOKS La Gracia, de Inés Estévez Se trata de la primera novela de la reconocida actriz argentina, que desde hace un tiempo decidió dedicarse a la literatura y dar clases de actuación. Después de veinte años de ausencia, la protagonista de la novela, Eugenia Sosto -que ha cambiado su nombre huyendo del pasado-, se ve obligada a salir de la vida urbana para regresar a su pueblo natal. Allí tendrá que enfrentar un juicio a causa de la publicación de un libro que devela la intensidad de las vidas de sus habitantes. La dicotomía entre la hipocresía y la compasión, las habladurías y la solidaridad habitan las páginas de esta obra literaria. + https://ebooks.movistar.com.ar/

MÚSICA The Time, de The Black Eyed Peas El single Dirty Bit que forma parte del álbum The Time de la popular banda estadounidense integrada por la bella Fergie, junto a Will.i.am, apl.de.ap y Taboo, puede formar parte de tu biblioteca musical, cualquiera sea tu smartphone. + www.movistar.com.ar/emocion/musica/

APLICACIONES IM+ Instant Messenger Para comunicarse entre amigos con una simple vista, una interface amigable, emoticons y smiles, pop-ups, sonidos y vibraciones de notificaciones. En idioma inglés, esta aplicación es compatible con los equipos LG Optimus One P500. +

Link a la nota: http://9010.co/expfull

Google Maps Imposible perderse con Google Maps para móviles, que acerca información local, rutas y mapas. Esta aplicación gratuita es compatible con el equipo Movistar Sony Ericsson Xperia X8. Sólo requiere registrarse para poder descargarla. + http://www.movistar.com.ar/emocion/aplicaciones/

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+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband

gadgets

Apple OS X 10.7 e iOS 5 Steve Jobs volvió de su licencia médica y, en la última WWDC, mostró cómo será el nuevo OS X 10.7 y iOS 5, para sus equipos portátiles. El Lion para Mac suma más gestos en el touchpad, autoguardado de los documentos (cualquiera sean) y del estado de una aplicación cuando se cierra, y una tienda centralizada de aplicaciones, entre otras cosas. Para el iOS 5 (compatible con las iPad, iPhone 3GS y 4, y iPod Touch de 3° y 4° generación) lo más novedoso está en la barra de notificaciones al estilo Android (se desenrolla desde el borde superior), en el mensajero instantáneo iMessenger, y en la integración de Twitter al sistema operativo. OS X 10.7 estará disponible en julio; el iOS 5 en la primavera próxima. + www.apple.com

Sony PlayStation Vita

Positivo BGH

Sony sigue extendiendo la línea PlayStation, y ahora anunció la sucesora de la PSP. Llamada Vita, tiene una pantalla táctil de 5”, un chip Cortex-A9 de cuádruple núcleo, Wi-Fi, 3G, dos sticks analógicos, cámara frontal y trasera, giróscopo, acelerómetro y compatibilidad con los títulos disponibles para la PSP. Su precio será de U$S 250 en Estados Unidos. Sale a la venta a fin de año. + www.sony.com.ar

Dos compañías regionales se unieron para crecer: son la argentina BGH y la brasileña Positivo, que comenzarán a comercializar notebooks ensambladas en la planta de Tierra del Fuego de BGH. Esto incluye el uso del primer motherboard fabricado en el país, y portátiles como la A-470, un equipo con chip Intel Core i3, pantalla LED de 14”, hasta 4 GB de memoria y hasta 500 GB de disco. + www.positivobgh.com.ar

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mundo creativo 091 gadgets

Nokia N9

X-View Proton 3G

Mientras cambia el curso de su historia apuntando a Windows Phone 7, Nokia se dio el lujo de mostrar un nuevo equipo con MeeGo, un sistema operativo que, como Android, está basado en Linux. El móvil es el N9, con pantalla táctil de 3,9”, chip a 1 GHz, 1 GB de RAM, 3G pentabanda, Wi-Fi, cámara de 8 MP con doble flash LED y una interfaz con tres vistas: aplicaciones activas, aplicaciones instaladas y novedades (SMS, llamadas, Twitter, etc.). Sale a la venta a fin de año. + www.nokia.com

La firma local X-View renovó su línea de tabletas. Al modelo original le suma la Proton 3G, que está disponible para la venta desde principios de julio en Ace Game Store, y que ofrece una pantalla táctil de 7”, un chip de doble núcleo a 800 MHz, 256 MB de RAM, Android 2.1, conectividad Wi-Fi y 3G (el equipo se vende desbloqueado), 4 GB de memoria interna, ranura para tarjetas microSD, puerto USB para transferir archivos, y batería de 8 hora de duración promedio. + www.x-view.com | www.acegamestore.com

Adobe CS5.5

Google Music

Adobe renovó su suite de software de diseño con la versión CS 5.5, que ofrece soporte para creación de sitios en HTML5, eBooks, revistas digitales interactivas usando InDesign y aplicaciones para smartphones y tabletas con iOS, Android, PlayBook OS, usando las plataformas Flash o Air. La suite amplía el soporte de placas de video para incluir los GPU de muchas notebooks y permitir su uso profesional. + www.adobe.com

El sitio es music.google.com, y está en período de prueba en Estados Unidos. Ofrece la posibilidad de almacenar música en línea y hacer streaming a dispositivos varios; compite con un servicio similar de Amazon, y también con iTunes. El servicio permite subir también la música que el usuario ya tiene en su computadora, y sincronizar el contenido a través de varios equipos. + music.google.com

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+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana / Ricardo Sametband

gadgets

La conectividad, según Ford “Subime el volumen del estéreo”, “Activame el aire acondicionado”, “Buscame un restaurante cercano para ir a almorzar” o, directamente, “Envíale un mensaje texto a mamá, que la busco en quince minutos”. Este pequeño listado de directrices ya son algunas de las tantas órdenes, dentro de un listado de más diez mil, que los conductores argentinos ya pueden solicitar mientras conducen su Ford Fiesta Kinectic Design. Y no se trata de que el público local se haya vuelto más mandón, sino que todo se debe a una nueva experiencia interactiva, que se produce directamente entre conductor y vehículo, gracias a la implementación de un sistema inteligente denominado Sync.

Soportado por la plataforma tecnológica de Microsoft Windows, esta innovadora tecnología ha sido diseñada para ofrecer una manera sencilla, segura e inteligente, de controlar los dispositivos mó-

viles dentro del auto, y mantener el contacto con el mundo exterior mientras se está al volante, simplemente mediante la voz. De este modo, a través de este sistema de reconocimiento de voz, se pueden controlar diferentes funciones del auto, entre: el sistema de climatización, el sonido, funciones de entretenimiento, navegación, y otros dispositivos conectados al vehículo, a través de las opciones de conectividad vía Bluetooth o puertos USB. Este gran avance que va a revolucionar todo lo que se conoce hasta el momento en materia de conectividad, llegó primero a Europa en el año 2010, y en la actualidad, ya se expandió a diferentes continentes, incluido el nuestro, gracias a que fue adaptado para funcionar con 19 diferentes idiomas. + www.ford.com.ar

Asus UX21 Ultrabook En mayo último, Intel anunció su intención de promover una nueva línea de portátiles. Así como las netbooks son equipos modestos y pequeños, las nuevas Ultrabook (de la que ya tenemos un modelo anunciado, la UX21), poseen un grosor de 2 cm en la carcasa y pantallas de hasta 13”. El modelo de Asus tiene un chip Intel Core i7, un rígido SSD, cuerpo de aluminio y batería no removible; estará disponible a fin de año. No se sabe el precio, pero un requisito para ser Ultrabook es estar por debajo de los mil dólares. + www.asus.com

HP ePrint El fabricante presentó un nuevo servicio, que permite pasar a papel un archivo que fue enviado a una impresora compatible por correo electrónico, sin requerir una computadora que haga de intermediario, ya que la impresora se conecta en forma directa a Internet. Son dos los equipos de inyección de tinta que ya son compatibles con esta función: la Photosmart Plus B210 ($ 699, especializada en fotos) y la Photosmart D110 ($ 599), un equipo multifunción. + www.hp.com

Several Exposures Fotografía Pedro Quintans www.pedroquintans.com.ar Estilismo y Producción ffwestudio www.ffwestudio.com Modelo Anastasia Mónaco para Visage Models www.visage-models.com Pelo Juan para Estudio Olivera www.estudioolivera.com Make Up Jesica Báez para Estudio Olivera www.estudioolivera.com Retoque digital Melvin Studio www.melvinstudio.com.ar Técnico stroboscópico Gastón Rebora

+ Camisa y zapatillas: adidas Originals. Vestido largo: María Vázquez

+ Remera demidov: Kost端me. Vestido Salo turquesa: Amores Trash Couture. Sandalias glitter plateadas: Paruolo

+ Campera deportiva Flames: Jeremy Scott para adidas Originals. Camisa Nauta: Kost端me

+ Vestido largo: MarĂ­a VĂĄzquez. Camisa y zapatillas: adidas Originals

DIRECCIONARIO adidas Originals. Malabia 1720 y Paseo Alcorta Shopping www.adidas.com/ar | Amores Trash Couture. Pasaje Santa Rosa 4909 y Ángel Carranza 1979 www.amorestrashcouture.com.ar | Kostüme. República de la India 3139 y Gurruchaga 1585 www.kostumeweb.net | María Vázquez. Alto Palermo Shopping + Remera: adidas Originals. Pantalón dorado: María Vázquez. Zapatos glitter negros: Paruolo

Link a la nota: http://9010.co/sevexpo

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+ Elementar, sistema paramétrico de tipografía diseñado por Typotheque para resolver el problema de la visualización de tipografías en pantalla.

TYPO Berlín 2011

La evolución de la tipografía En su 16ava edición, TYPO Berlín reunió nuevamente a la comunidad de diseñadores gráficos. Desde el 19 al 21 de mayo, profesionales de todo el mundo discutieron acerca del diseño, la tipografía y su dirección en los años futuros. | Texto: Martina Flor. Fotos: gentileza TB.

La conferencia internacional de diseño gráfico, con un especial énfasis en el diseño de tipografía, propone cada año un tema distinto. La temática de este año fue “shift” (que en inglés significa cambio, movimiento, desplazamiento), y fue el subtexto de todas las presentaciones. Cada uno de los expositores habló sobre cómo llevar el diseño al próximo nivel, y cómo eso se relaciona con nuestro contexto, con los nuevos medios y tecnologías.

Su organizador FontShop -la librería de tipos más grande de Europa, fundada por Joan y Erik Spiekermann en 1989-, presenta este evento desde 1995. La conferencia, que reúne cerca de 1600 asistentes de las industrias creativas de todo el mundo, se sucede tradicionalmente en la Haus del Kultur den Welt (o la Casa de las Culturas del Mundo), un emblemático edificio de Alemania del Este, ubicado en el corazón de Berlín, y diseñado por Hugh Stubbins a finales de los años 50.

En esta edición, TYPO Berlín abordó la temática con una amplia selección de especialistas, desde profesionales del branding y la comunicación visual, diseñadores gráficos, diseñadores de tipografía y tipógrafos, hasta especialistas en nuevas tecnologías, medios y producción tipográfica. En lo que a tipografía se refiere, las presentaciones abarcaron distintos enfoques: desde la manufactura y el proceso de investigación para hacer una fuente, hasta los métodos para mejorar la lectura en la pantalla en un iPhone o iPad. Tim Ahrens y Peter Bil´ak, presentaron su visión sobre las

tipografías en la Web y las soluciones posibles o existentes. Como contrapunto, la fundidora holandesa Vette Letters presentó sus ideas acerca de cómo conectar la comida con la tipografía y construir un alfabeto a través de papas o de masa de galletas.

También se presentaron ejemplos de branding integral, como el diseño de la señalética para el aeropuerto internacional de Brandenburgo en Berlín, realizado por la agencia Moniteurs GmbH, con una explicación extensiva del proceso de la creación de una tipografía específica y la investigación detrás del resultado. El evento, además, integró contenidos de la tipografía oriental: Pascal Zoghbi presentando su libro acerca de graffiti árabe, y Christopher Çolak presentando Istambulin, una tipografía inspirada en la ciudad de Estambul.

Entre las presentaciones destacadas, se encuentra la de Kris Sowersby, un emergente joven diseñador de tipografías de Nueva Zelanda, con una explicación completa sobre sus flamantes fuentes tipográficas Calibre y Metric, inspiradas en la tipografía utilizada para señalética en las calles de Berlín. TYPO cerró con risas al unísono en el auditorio, gracias a Christoph Niemann, un ilustrador alemán que vivió once años en Nueva York, y que con inteligencia, ilustró los tópicos de la vida de un diseñador. Una selección de presentaciones fue transmitida online, y aún puede visualizarse desde el blog del evento. + www.typoberlin.de/blog | www.typoberlin.de

ideas creativas

+ 103 diseño

+ Petr van Blokland

+ Notas sobre la presentación de Petr Van Blokland por Eva-Lotte Lamm.

PETR VAN BLOKLAND: ¿QÚE ES LO PRÓXIMO? Petr van Blokland es un diseñador holandés, creador de tipografías ampliamente utilizadas como Proforma (1988) y Productus (2000). En 1988, recibió el Premio Charles Peignot de la Asociación Tipográfica Internacional. Además, enseña diseño gráfico y tipográfico en la Real Academia de Arte en La Haya y en la Academia St. Joost en Breda. Vive en Delft, en donde maneja un estudio de diseño junto a su esposa Claudia Mens, realizando diseño corporativo y proyectos tipográficos para Robofog, ICIM, ING Nationale Nederlanden y aplicaciones Web para webtype. com, The Font Bureau y RTL. Petr es, desde mi perspectiva, un educador, y su valor está definido por su claridad para explicar conceptos abstractos, y por echar un poco de luz sobre esta disciplina aún indefinida, que es el diseño. “El diseño es demasiadas cosas”, dice Petr, y nos invita a definir qué es para nosotros o, aún más, qué queremos hacer como diseñadores. Tiene una gran capacidad para relacionar elementos aparentemente inconexos. Con él, por primera vez, relacioné la matemática y el diseño, mediante el mundo de los fractales.

Su exposición en TYPO Berlín fue una sesión intensiva, que cuestionó principios y clichés acerca de esta disciplina, desplegando sus diagramas simples, dibujados a mano, para definir el trabajo del diseñador. Su presentación nos instó a hacernos preguntas constantemente: ¿podemos predecir lo que viene? Hace cinco años, no había ni rastro de que hoy tendríamos acceso a un iPad. La realidad está cambiando apresuradamente, y debemos estar siempre dispuestos al cambio. Si no, no estamos pensando como diseñadores: “si creen que lo saben, probablemente están equivocados”.

Petr exploró lo viejo y lo nuevo, definió a InDesign (una de las principales herramientas de los diseñadores) como obsoleta, y presentó al WebPhone como la pantalla para la que debemos diseñar hoy en día. Mostró casos exitosos de diseño semi-automatizado. En primer lugar, cómo desarrolló una interfase que posibilita a varios empleados de una empresa trabajar en una publicación de gran cantidad de contenido, imágenes y en distintos lenguajes, permitiendo a la empresa ahorrar tiempo y dinero, y mejorando el resultado último de este proceso.

Un segundo caso de estudio fue una publicación online en la que desarrolló una interfase adaptable a las distintos tipos de previ-

+ Proceso de diseño según van Blokland.

sualizaciones de esa publicación (Web, iPad, WebPhone). En lugar de resolver un diseño distinto para cada soporte, el diseño se adapta a éstos. La solución del diseñador, en este caso, está constituida por elaborar una herramienta adecuada, que luego tendrá un aspecto funcional y apropiado.

En este contexto, propone una nueva forma de trabajo, en donde el diseño, el contenido y las técnicas funcionan de forma separada.

Con el diseño automatizado, ¿en dónde reside el rol del diseñador?

En buscar la mejor manera de preservar estos tres elementos. Las herramientas de las que disponemos se desactualizan rápidamente, y es allí en donde los diseñadores debemos mirar más allá de nuestras posibilidades. ¿Podemos definir cómo será un diseñador en 30/50 años? Teniendo en cuenta el modo en que las cosas se desarrollan actualmente, podríamos esbozar una idea. Sin embargo, la naturaleza cambiante de nuestro trabajo, no permite una definición, porque apenas lo definamos, ya habrá cambiado. “Como diseñadores, nunca haremos lo mismo por un tiempo prolongado”, dice Petr. Y eso tenemos que celebrarlo. + www.petr.com

104

+

+ Peter Bil´ak

+ Proceso de diseño de Kohinoor Gujarati, una familia tipográfica de Indian Type Foundry.

PETER BIL´AK EXPANDIENDO LAS POSIBILIDADES EN TIPOgRAfíA Peter Bil´ak es un diseñador gráfico y de tipografías. Oriundo de Eslovaquia, está establecido en la ciudad holandesa de La Haya, desde donde maneja su fundidora Typoteque, y enseña en el Máster de Diseño de Tipografía Type & Media, en la Real Academia de Arte. Es, además, co-fundador de Dot Dot Dot magazine y de Indian Type Foundry, una librería de tipografía india.

El trabajo de Bil´ak está definido por un entendimiento absoluto del lenguaje en el sentido amplio de la palabra: no sólo como formas geométricas, que organizadas pueden formar palabras y textos, sino también como elementos, cualquiera sean éstos, que pueden organizarse para comunicar un mensaje. Como diseñador, Peter no sólo empuja los límites de las ideas, sino también los límites de la técnica, creando herramientas que lo ayuden a realizar sus proyectos.

En su presentación, Bil´ak definió la tipografía como la conjunción de tres áreas: la manufactura, el lenguaje y la tecnología. Mientras que esta última ha sido la fuerza motora detrás del desarrollo de la tipografía durante siglos (el cincel para el tallado en piedra, luego los tipos móviles y los caracteres tallados en metal para su uso en la letterpress), Bil´ak sostiene que esta relación hoy en día se ha invertido: “el diseñador ya no tiene que esperar a que determinado software integre la solución que está buscando, sino que crea sus propias herramientas”.

Un ejemplo de esto es History, una fuente que consiste en diversos sets de alfabetos estilísticamente distintos, pero con métricas idénticas, que de acuerdo a su combinatoria, configuran tipografías diferentes. La tipografía incluye una interfase para trabajar con

las capas: “sin esa interfase que creamos, este proyecto no hubiera sido tan exitoso en términos de diseño, pues sería muy complicado de usar”.

Otro ejemplo es una de las tipografías recientemente lanzadas por su fundidora, y diseñada por el diseñador libanés Kristian Sarkis, primera fuente digital de Diwani Script, un antiguo alfabeto arábico, cuya característica es la inclinación de su línea base. “Los softwares actuales para diseño de tipografía están pensados para trabajar con alfabetos occidentales (alfabetos latinos), de manera que, para poder hacer funcionar esta tipografía, tuvimos que escribir nuestro propio programa, para que la haga funcionar como fuente en todas las computadoras”.

Peter esboza una razón más para seguir diseñando tipografías: “De las 7000 lenguas habladas alrededor del mundo hoy en día, cerca de la mitad estarán en extinción antes del final de este siglo”.

El diseñador eslovaco diseña hace tiempo tipografías multilingües, como un principio fundamental de su trabajo. “La inexistencia de fuentes con las que representar determinados lenguajes, provoca indefectiblemente la pérdida de éstos y, por ende, la pérdida de la identidad de cierto grupo que habla ese lenguaje”, dice Bil´ak, y explica el proceso que tuvo que seguir para entender la lógica de un alfabeto indio y poder diseñar tipografías en ese idioma. Un trabajo que lleva a cabo junto a Satya Rajpurohit, con quien ha fundado recientemente Indian Type Foundry.

Como respuesta a la pregunta, ¿necesitamos más tipografías?, Peter demostró que los límites del diseño pueden expandirse, y su trabajo es un ejemplo de que se pueden tener nuevas ideas y todas distintas. ¡Bienvenidas! + www.peterbilak.com

Link a la nota: http://9010.co/typober

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+ “Calamidad Cósmica”, de Luciana Rondolini, obra seleccionada para el Premio arteBA-Petrobrás. www.lucianarondolini.com

arteBA 2011

Vidriera del arte contemporáneo En su cumpleaños número 20, la feria de arte contemporáneo de Buenos Aires refuerza su presencia internacional y apuesta a la renovación. Aquí, cuatro claves para adentrarse en el -muchas veces críptico- recorrido de la muestra de arte más convocante de la ciudad. | Texto: Natalia Iscaro. Fotos: Maia Croizet para www.watio.com.ar

El paso del tiempo es irreversible. Acaso éste haya sido el lema que guió la última edición de la feria internacional de arte contemporáneo de Buenos Aires, arteBA 2011. En ésta, la celebración a sus 20 años de vida, la cita abundó en galerías locales e internacionales, donde la apuesta fue, no sólo ofrecer propuestas de calidad que reflejen el espíritu actual, sino también “mantener la feria alineada a los estándares internacionales”, según afirmaron desde la Fundación arteBA. Del 19 al 23 de mayo, los pabellones Azul y Verde de La Rural –donde funciona desde 1999, antes pasó por el Centro Cultural Recoleta y el Centro Municipal de Exposiciones-, más de 120 mil personas fueron testigos de un evento que ha venido creciendo tanto en iniciativas artísticas como en la presencia de museos y fundaciones, y el ineludible apoyo de empresas del sector privado, que encuentran en el terreno del arte un canal ideal para posicio-

narse y vincularse a sus consumidores y clientes.

En palabras del Presidente de la Fundación arteBA, Facundo Gómez Minujín (hijo de la artista Marta Minujín), “uno de nuestros grandes logros fue el haber incentivado a la gente que no estuviera necesariamente vinculada al arte, a animarse a tener un primer acercamiento con el arte contemporáneo. Muchos de ellos se animaron también a comprar sus primeras obras de arte argentino y latinoamericano en el marco de arteBA”.

Por su parte, el Premio arteBA-Petrobrás de Aisuales, como siempre, no escatimó en controversias, marcando el rumbo del arte local hacia una “austeridad estética profunda”, y una “búsqueda moderna de radicalidad”, en palabras de sus curadores. En este sentido, la feria se afianza en aspiración rupturista, donde el cuestionamiento permanente y las propuestas jóvenes cobran un lugar de privilegio.

ideas creativas

+ 107 arte

+ La obra ganadora del Premio arteBA-Petrobrás de Artes Visuales 2011: “Autorretrato sobre mi muerte”, de Carlos Herrera.

Se suma, además, una creciente convocatoria al público coleccionista, tanto local y regional como internacional, en vías de posicionar a la Ciudad de Buenos Aires dentro del calendario artístico mundial.

Algo que a su vez se refleja en la presencia de artistas nacionales en galerías extranjeras, como es el caso de Martín Girolamo (en la brasilera Oscar Cruz) y Nicola Constantino (en la española Sicart).

En palabras de Gómez Minujín, “desde el año pasado especialmente, pudimos apreciar una nueva tendencia a nivel mundial: los ojos están puestos en el arte de Latinoamérica, y por extensión, en nuestros artistas argentinos. Cada vez son más las muestras itinerantes por el mundo, museos que incorporan obras latinoamericanas a sus colecciones, cursos de arte latinoamericano en los mejores centros educativos del mundo, coleccionistas que viajan por Latinoamérica en busca de un arte nuevo que no se vea en otros lados”.

Fuera del repertorio obligado, pero ciertamente agradecido, fue emotivo el homenaje a Luis Fernando Benedit, arquitecto y artista recientemente fallecido. Ahora sí, dispuestas las reglas del juego, artistas, galeristas, coleccionistas, críticos, curadores, directores de museos y referentes internacionales de la cultura salen a la cancha para disputar este clásico del arte anual.

GALERÍAS: ANTE TODO, ARTE Aunque todo pareciera estar dicho en materia de exhibición de los stands, siempre hay lugar para la renovación. Las galerías no sólo apuestan a la variedad de soportes, estilos y épocas; también se inclinan por las puestas originales. Y en eso contrastan con las apuestas de las galerías internacionales, especialmente las alema-

nas, más dadas a las puestas minimalistas, despojadas y con obras contadas (en este sentido, habrá que considerar qué peso tienen los costos de traslado y trámites de aduana). En Daniel Abate, las paredes revestidas en madera son un hallazgo de exposición; en tanto, en la uruguaya Sur apostaron a una iluminación más puntual, ofreciendo un aire teatral; y no faltaron los muros negros de Rubbers, un clásico, por citar sólo algunos ejemplos.

Durante esta edición, el Comité de Selección de Galerías -encargado de elegir cada año las propuestas que se inscriben en el enfoque y objetivos de la feria- estuvo dirigido por Fernando Farina (curador y crítico santafesino), y conformado por Rodrigo Alonso (curador), Laura Batkis (crítica de arte, docente y curadora), Luisa Duarte (crítica de arte y curadora paulista), y Fernando Entín (director de la galería argentina Elsi del Río). Tres de sus galerías seleccionadas han salido del semillero que es el Barrio Joven Chandon: Sapo, Chez Vautier y Jardín Oculto.

De entre las propuestas, dos femeninas siempre interesantes son las de Karina Peisajovich y su instalación de luces en Vasari; y Flavia Da Rin, quien esta vez, le puso el rostro y la inspiración a una serie que tiene mucho de carnaval y un aire a los años 60, en Ruth Benzacar. Las esculturas de mujeres semi denudas de Martín Girolamo, esta vez, se hicieron presentes en una galería del otro lado de la frontera: la brasileña Oscar Cruz, que también presentó las fotografías de mujeres de Fabiana Barrera.

Entre el pop y el kitsch, Claudio Roncoli se hizo presente en Pabellón

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+ “Somos el límite de las cosas” de Mariana Tellería, obra seleccionada para el Premio arteBA-Petrobrás.

+ Giftshop: reproducción de obras de arte en objetos seriados, para llegar al público masivo. www.proyectogiftshop.com.ar

+ Paula García Duró en Big Sur. www.big-sur.com.ar

4; e igual de estridente los juguetes coloridos de Rafael González Moreno, en Teresa Anchorena. Con una audiencia ya consolidada, no faltó el chaqueño Milo Lockett, casi copando el espacio de Holz.

Promotor de la democratización del arte, el artista generó pins de su obra para llevarse a casa. En tintas y capas de papel de color, demostró porqué es siempre interesante Manuel Ameztoy, en Chez Vautier, donde Mariana Sissia y sus dibujos no se quedaron atrás.

Mención aparte merece el video del dibujo animado de Aili Chen en Sapo, galería que hace eje en el recurso del dibujo, con gran aceptación. En Jardín Oculto, las buenas ventas de Rosalba Mirabella se apreciaban cerca de los encantadores universos pictóricos de Agustín Sirai. En la española Sicart, la instalación de la argentina Nicola Constantino retuvo a muchos paseantes con su instalación, recreando el aparador de una mujer, con un video autorreferencial de una rutina de belleza.

En fotografía, se destacaron los derrumbes de Ariel Ballester y una serie intervenida con muñecos de torta en una metáfora del matrimonio por Patricia Salas, ambos en Carla Rey; las naturalezas muertas de Cecilia Lenardón y los retratos de una niña oriental en blanco y negro de Guillermo Ueno, en Foster Catena; las intervenciones fotográficas de Rosana Schoijett, y el siempre reflexivo Santiago Porter, en Zavaleta Lab.

Alto punto de la feria fue sin duda la instalación de Julio Le Parc, con un espejo circular en el suelo y una cortina colgante en forma de rombo, conformada por 1561 pequeños cristales –vendido a un coleccionista por 300 mil dólares- en Del Infinito, donde también se apreciaban los coloridos cuadros de Carolina Antoniadis y el reloj cucú de Benito Laren. No faltó Marta Minujín, en un stand exclusivo, con obras como Freaking on Fluo, de pintura cinética: un cuadro recortado y pegado durante días, y luego deformado con una computadora.

Muy atractivo para coleccionistas extranjeros, Eduardo Stupía se lució en Jorge Mara, y también en Van Riel, donde al tercer día ya tenía puntito rojo. En este “raid de compra”, los más expertos prestaron mucha atención a las obras de los jóvenes y promisorios Daniel Joglar, Manuel Esnoz, Lola Goldstein y Magdalena Jitrik, cuya obra fue adquirida por Malba, todos en Dabbah Torrejón.

E igualmente magnética fue la obra de Sofía Bothlink, Nicanor Aráoz y Diego Bianchi, además de una generosa instalación de la ganadora del Premio arteBA-Petrobrás, Catalina León, todo en Alberto Sendrós. Y a no olvidar a la pictórica, a gran escala, Cinthia de Levie, en 713 Arte Contemporáneo.

BARRIO JOVEN CHANDON: SIN CIRUGÍAS Seis años después de su primera edición, el Barrio Joven Chandon sigue siendo una de las propuestas más interesantes, frescas y convocantes de la feria. Para esta edición, el Comité de Selección estuvo compuesto por Ana Paula Cohen (curadora, editora y escritora paulista), Leopoldo Estol (artista) e Inés Katzenstein (directora del departamento de arte de la Universidad Torcuato Di Tella). Según éstos, la consigna fue no presentar más de cinco artistas por galería, y la selección tuvo en cuenta propuestas bien distintas.

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+ “Kolonihavehus”, obra del artista estadounidense Tom Fruin, sirvió de inspiración para ambientar el bar del Barrio Joven Chandon. www.tomfruin.com

+ “Guitar Legend” de Cochetinas en Miau Miau. www.miaumiauestudio.com

+ Carolina Antoniadis en Del Infinito. www.carolinaantoniadis.com | www.delinfinitoarte.com.ar

Por un lado, las galerías nuevas que aspiran a la profesionalización; por el otro, proyectos curatoriales creados para ganar visibilidad en el contexto de la feria; y, finalmente, propuestas generadas a partir de la amistad, identificación y necesidad de reflexión de un grupo de artistas. En opinión de Gómez Minujín, “el surgimiento del Barrio Joven Chandon tuvo que ver con una necesidad del circuito, que necesitaba de la ayuda de una institución como arteBA para encontrar un incentivo importante para iniciar sus espacios”. Así, Argentina, Brasil, Colombia, Venezuela y México estuvieron presentes en un espacio con instalaciones audiovisuales y digitales, así como esculturas a gran escala. Mucho colorido, obra pequeña, y soportes y formatos a precios asequibles, guiaron la brújula de esta edición.

Se destacó especialmente Giftshop, proyecto impulsado por quince jóvenes argentinos que trabajan la producción masiva, traducida en la reproducción de las obras en objetos seriados, para llegar al público de manera más accesible. Mates, almohadones y pins se vendían así, desde los 2 pesos; y las obras, hasta los 200.

En su segundo año en la feria, desde Miau Miau, Mariano López Seoane destacó “la variedad geográfica y regional de los proyectos” y “la cantidad de público, que si bien puede resultar agobiante, nos permite entrar en contacto con gente que nunca hubiera pisado nuestro espacio”. Y agrega: “arteBA es una suerte de viaje de egresados del mundo del arte. Funciona como un seminario intensivo: entrás en contacto con gente con ideas y trayectorias distintas, y entendés mejor cómo funciona el circuito”.

Si de artistas se trata, vale la pena mencionar a Fernanda Laguna, ex directora y creadora de la mítica galería de arte Belleza y Felicidad –acaso la primera galería “joven” de la Ciudad de Buenos Aires-, en Mite; los dibujos de Jeanne Jiménez, en la venezolana Carmen Araujo; las pintura de Kitty Faingold y las fotografías de Federico Paladino, en la mendocina Costado; con buena venta, Nicolás Sarmiento y Franco Ferrari en Rayo Lázer; las fotografías de Martín Pisotti y Sofía Abboud en Big Sur; la historieta gigante de Mónica Potenza y Esteban Rivero en Modo 7; María Guerrieri y Geraldine Schwindt en Cobra; Suayi Otaño y Gaby Messuti en Giftshop.

Quien quería descansar, podía hacerlo en el Bar Chandon, inspirado en la obra “Kolonihavehus” -que evoca el espíritu del vitraux-, del artista estadounidense Tom Fruin, convocado especialmente por la marca. Allí, gracias a planchas de plexiglás, se recreó el efecto de esta técnica de componer con vidrios de colores, realzado por un atinado trabajo lumínico. Además, el artista trabajó en vivo sobre plexiglás, con un ícono de la Ciudad de Buenos Aires, el obelisco, y los visitantes pudieron votar para elegir el lugar al cual la obra fue donada.

U-TURN PROJECT ROOMS: APUESTA INTERNACIONAL La nueva niña mimada de arteBA es un espacio auspiciado por Mercedez-Benz, nacido bajo la premisa de acercar lo mejor del arte contemporáneo internacional. Las once galerías participantes llegaron desde Alemania, Brasil, Colombia, México y la propia Argentina, y estuvieron seleccionadas por Abaseh

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+ “Roto” de Belén Romero Gunset, obra seleccionada para el Premio arteBA-Petrobrás. www.belenromerogunset.blogspot.com

Mirvali, productora independiente de proyectos culturales en EE.UU., México, Berlín y Medio Oriente. Formada en políticas de desarrollo y mecenazgo, esta iraní criada en EE.UU. fue, entre 2005 y 2008, directora ejecutiva de la Colección Jumex, una de las iniciativas privadas más importantes de América latina.

En sus palabras, “lo que arteBA ha hecho con U-TURN no solamente es traer las galerías extranjeras para que el público latinoamericano se acerque a artistas del exterior, sino también abrir un diálogo para que los galeristas jóvenes se fijen en artistas locales”, y reforzó: “La única manera de que los artistas argentinos estén en la mira internacional, es que los representen también otras galerías internacionales, que tienen la posibilidad de hacer una feria en otro lugar del mundo. Es un beneficio mutuo”. Mirvali seleccionó a seis galerías latinoamericanas y cinco de Alemania, más precisamente de Berlín, porque en su opinión, “es una ciudad donde se ha concentrado gran número de artistas internacionales, y donde la escena emergente de arte contemporáneo es más viva”.

Darse una vuelta por estos espacios, permitía distinguir una predominancia de la influencia arquitectónica y las experiencias sobre el espacio, las líneas y perspectivas, y la esencia de las formas que nos rodean. Y acaso en un choque de culturas, sorprendía ver el contraste entre los recargados espacios locales y una concentración de pocas propuestas en las internacionales.

PREMIO ARTEBA-PETROBRÁS: SIEMPRE CONTROVERTIDO ¿Una escultura viviente? ¿Una instalación en degradación? ¿Una declaración de principios? Una bolsa de nylon traslúcida con los objetos preferidos del artista en su interior, además de calamares en proceso de descomposición, invitaron a los espectadores a descubrir que el arte es mucho más que lo que se ve. “Autorretrato sobre mi muerte” es el nombre de la obra ganadora del Premio arteBA-Petrobrás de Artes Visuales 2011.

Por octavo año consecutivo, y como parte del Programa Cultural Petrobrás, esta vez, fue el artista rosarino Carlos Herrera, quien recibió el Premio Estímulo (no adquisición), por un total de $50.000. A la propuesta se sumaron otras, igual de interesantes.

Como por ejemplo, la de la también rosarina Mariana Tellería, “Somos el límite de las cosas”, una calesita con luces brillantes,

dejando su estructura a la vista.

La ganadora del público indiscutida fue “Roto”, de Belén Romero Gunset, con una performance que duró 7 días, 7 horas por día, durante los cuales la misma artista, en una espacio pequeño, fue rompiendo y destrozando piezas que iban desde sillas a computadoras, pasando por autopartes, bicis y prendas de vestir, entre otros. “Me propuse desarrollar una acción, romper, y así lo hice desde el martes a las 13 hasta el lunes a las 21. A veces paraba unos segundos para tomar agua o comer algo, pero por lo general no paraba, perdía la noción del tiempo”, relata la artista. ¿El concepto? La irreversibilidad. “Al romperse, un objeto se libera de su forma-contenido para siempre, no vuelve a ser lo que era, y se libera de energía”.

Por su parte, “Calamidad Cósmica”, de Luciana Rondolini, era una escultura a gran escala de un helado en palito acostado sobre una superficie blanca, derritiéndose y llevándose con ella todos los colorantes artificiales, como arrastrados sin remedio. Se sumaron, además, Pablo Accinelli (Buenos Aires), Santiago Villanueva (Azul), y Victoria Colmegna y Valentina Liernur (Buenos Aires).

Todos ellos artistas de menos de 35 años, cuyos trabajos debían reflexionar sobre el espacio-tiempo de la feria misma. La consigna fue, como todos los años, presentada por los directores del certamen: Sonia Becce (curadora) y Claudio Iglesias (crítico de arte y curador). En tanto, el jurado de selección estuvo integrado por los directores del Premio y el diseñador gráfico Alejandro Ros. Este último, opinó que el criterio de selección de obras apuntó “a pasar los cómodos límites del gusto”.

Pero, pasando en limpio, ¿qué se premia? Según el ganador: “Lo que el jurado considera la mejor condición, que no tiene normas muy claras a priori”. Y agrega que su obra fue la ganadora precisamente porque “en mi obra estaba yo, entregado, dispuesto a todo, muerto”.

En conclusión, con un nuevo récord de ventas y de precios, arteBA se impuso definitivamente como un evento regional con vistas a una proyección internacional. El desafío sigue siendo cautivar a los coleccionistas y “aggiornarse” al ritmo de las ferias del mundo. Según Gómez Minujín, “logramos consolidar nuestra identidad como la feria de arte contemporáneo más relevante de Latinoamérica”. Ahora, el desafío será ir un paso más allá. + www.arteba.com

Link a la nota: http://9010.co/arteba11

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+ El espacio de Arnet en arteBA fue un taller multisensorial, donde los visitantes pudieron, además de observar obras de arte, interactuar con sus creadores en pleno proceso creativo.

Arnet en arteBA Arte sin intermediarios

Ya como todo un clásico en arteBA, Arnet, la banda ancha de Telecom, dijo presente en el encuentro artístico anual más importante del país, donde expositores y galeristas salen a mostrar lo mejor de sus colecciones, brindado al público una fiesta donde el arte es el protagonista indiscutido. | Texto: Jorgelina Peciña. Fotos: Maia Croizet para www.watio.com.ar y gentileza Arnet

ideas creativas

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+ Roberto Padilla presentó una serie de videos interactivos, en base a imágenes del público tomadas al azar y de las propuestas de sus colegas.

Luego de cinco años de estar presente en arteBA, Arnet volvió a sorprender con su espacio en la edición número 20 del evento, titulado Arnet te conecta con el arte, que se convirtió en algo más que una presencia institucional dentro de la feria más importante de Latinoamérica. ¿Cómo lo hizo? Con un espacio transformado en taller multisensorial, donde la clave fue la interacción entre los visitantes y los artistas, quienes se encontraban en pleno proceso creativo.

El curador a cargo de la propuesta fue Máximo Jacoby, quien en el marco del programa Arnet, Cultura para todos, eligió la presencia de cuatro artistas: Romina Orazi, Marcela Cabutti, Elisa Strada y

Roberto Padilla. Cada uno de ellos trabajó en pequeñas escenas y situaciones que, lejos de ser contempladas por el público en forma pasiva, lograron una conexión sin intermediarios entre los artistas y los visitantes al espacio de Arnet.

El mismo Jacoby reflexionó sobre las actividades: “Creo que la propuesta asumió el riesgoso camino de lo inesperado y cambiante de la experiencia estética y sensorial. La imposibilidad de describir con anterioridad las obras de manera definitiva, transformó el stand de una feria en una plataforma, para encontrarse cara a cara con los artistas, interactuar con sus obras y ser parte de una experiencia artística irrepetible”.

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+ El mural de Elisa Strada y el barco símbolo de la actividad de plegado de barcos de papel reciclado, propuesta por Marcela Cabutti.

EL GERMEN El espacio de Arnet de este año comenzó a gestarse mucho antes de la exposición, en el marco de una serie de clínicas realizadas en el Centro Cultural Recoleta, en las cuales los artistas invitados trabajaron en acciones concretas. Ya desde su inicio, el proyecto contempló la participación del público que visitó la feria. “Ese fue el principal objetivo: una experiencia de conexión y link entre el arte y la gente”, completó Jacoby.

Marcela Cabutti es licenciada en artes plásticas por la UNLP, y cuenta con un máster en diseño por el Instituto Europeo de Diseño de Milán, Italia. Propuso una actividad de plegado de pequeños barcos de papel reciclado, en el que cada espectador escribió un deseo personal. Una vez terminados, los barcos fueron depositados en un recipiente transparente que, hora tras hora, fue tomando la dimensión de una obra escultórica en sí misma. “La verdad es que estoy sorprendida. La gente se prestó generosamente a colaborar con el proyecto. Por ejemplo, una mujer me trajo una poesía de su marido escritor, para incluir en el futuro libro de los deseos. Esa participación espontánea de amigos, artistas, galeristas, críticos y de público en general es a lo que aspirábamos”, señaló Cabutti.

Asimismo, esta obra continúa, ya que los barcos de papel fueron arrojados en el mes de junio, en las ciudades de Empedrado e Itatí, en la provincia de Corrientes.

Por su parte, el artista visual Roberto Padilla presentó una serie de

videos interactivos, desarrollados a partir de imágenes del público tomadas al azar, y de las propuestas de sus colegas. Estas imágenes fueron procesadas como material artístico, con el que realizó proyecciones por las mismas paredes del stand de Arnet. Esta lúdica acción dio como resultado un diálogo novedoso con las obras de los otros artistas que compartieron el espacio. Según explica Padilla, “mi propuesta artística se basó en la producción de una pieza de video que conectara la obra de las otras tres artistas convocadas y, a la vez, conectara al público, habilitando una experiencia directa y participativa con el arte. El cruce con las obras del stand se produjo a través de clips de video e imágenes fijas trabajadas en capas, que refieren a barcos de papel y deseos (Cabutti), el crecimiento de las plantas (Orazi), y marcas corporativas (Strada). El público, por su lado, aportó sus propias imágenes y deseos, subiéndolos a través de su e-mail, cuenta de Twitter o de Facebook, desde las computadoras del stand”.

Romina Orazi es licenciada en artes visuales con orientación en pintura, del IUNA. Fue otra de las artistas convocadas por Jacoby, quien generó un pequeño hábitat artificial denominado “Humedal”, donde los visitantes pudieron vivir la sensación de estar en un bosque o selva natural. Para experimentar la propuesta de Orazi, los visitantes debían ingresar a una estructura especialmente diseñada por la artista, con plantas y germinaciones, que se abrieron paso a través de todas las grietas posibles. De esta forma, la obra propuso una reflexión acerca de la acción del hombre sobre la naturaleza y las ideas del desarrollo sostenible.

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+ En el pequeño hábitat artificial “Humedal” de Romina Orazi, el público pudo vivir la sensación de estar en un bosque o selva natural.

Por último, y realizado con la superposición de vinilos de corte, la santafecina Elisa Strada, diseñadora gráfica por la UBA, creó un mural, cuyo objetivo fue “reflexionar sobre la superpoblación de imágenes gráficas, señalética y publicidad en la vida diaria”, según explicó la artista. En su performance, los visitantes pudieron sentir la experiencia de atravesar un bloque de globos con helio, que hicieron festiva y vivencial una obra bidimensional.

Link a la nota: http://9010.co/arnetarteba

Sin duda, la clave del éxito del espacio de Arnet en arteBA 2011 fue el plantear un camino dominado por lo inesperado de la acción y el intercambio, en contraposición con el estatismo de una grilla de obras cerradas. De esta manera, las propuestas independientes lograron cruzarse y complementarse, para que los espectadores pudieran vivenciarlas y, cumpliendo con una de las máximas del arte, completarlas. + www.arnet.com.ar

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Salón del Automóvil de Buenos Aires Tendencias de diseño y tecnología automotriz

Después de cuatro años, volvió a realizarse el Salón porteño en el predio de La Rural. Hasta allí fuimos en busca de los modelos que dictan las nuevas tendencias de diseño y tecnología de las marcas. | Texto: Elvio Orellana

+ Nuevo Ford Mondeo con motor Ecoboost

Tras una antesala que estuvo signada por un velo de incertidumbre -por las trabas a las importaciones y la posible ausencia de importantes marcas-, pero salpicada, a su vez, de una gran expectativa por el gran momento que transita la industria automotriz, el día de estreno del evento automovilístico más importante de nuestro país, finalmente llegó.

Así fue que el pasado 17 de junio, las míticas puertas de La Rural de Palermo, volvieron a desplegarse luego de cuatro años de haber estado cerradas (el 2007 fue el último año en que se organizó el Salón del Automóvil allí), para dar cabida a cerca de setenta novedades sobre ruedas. No obstante dicha pluralidad, nuestros ojos se centraron en aquellos modelos por medio de los cuales, las marcas se animaron a exhibir la trastienda de lo que serán los autos en un par de años, tanto en lo que a diseño como a tecnologías alternativas se refiere.

LA IMAGEN A SEGUIR Bajo la directriz de encontrar los adelantos estilísticos más relevantes que proponen las marcas para sus futuros modelos, empezamos a recorrer la muestra automovilística, y así fue que nos detuvimos primero en el stand de General Motors. Allí, nos encontramos con el Cobalt, un concept que adelanta las líneas de un próximo sedán chico global de la marca. Un parabrisas inclinado, un techo acristalado, ópticas de LEDs y un rico interior con pantallas hasta en los apoyacabezas delanteros, fueron las novedades más relevantes de este modelo.

La otra primicia de la marca fue un provocativo prototipo denominado Colorado Rally Concept, por medio del cual, GM anticipó la nueva pick up mediana global. De laterales robustos y frontal agresivo, la Colorado servirá de base para la próxima generación de la S10, que se fabricará en Brasil a partir del año que viene.

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ideas creativas 117 vehículos

+ Renault DeZir

+ Chevrolet Cobalt Concept

+ Renault Fluence Z.E

Nuestro recorrido por el predio continuó, y los anticipos de las marcas siguieron apareciendo. En este caso, en color rojo brillante con destellos en plateado y sobre una plataforma giratoria ubicada en el stand de Renault: fue el concept Dezir el que nos cautivó. Dueño de un diseño en donde se entremezclan líneas fluidas y aerodinámicas con total naturalidad, esta coupé de dos plazas, representa la nueva expresión de diseño de la firma del rombo, que marcará el camino de futuras carrocerías de la marca.

Kinetic Design, es decir, el actual lenguaje de diseño de Ford, y como tal, fue una de las estrellas del stand de la marca del óvalo.

Otro de los modelos más fotografiados por el público por su diseño exterior fue el Ford Iosis Max, un prototipo que fue exhibido por primera vez en el 2009, y que sirvió para adelantar las líneas de los nuevos B-Max, C-Max y Gran C-Max, que fueron presentados a principios de año en Europa. Este llamativo monovolumen con perfil tipo coupé y dueño de un sistema de apertura de puertas traseras muy particular (corredizas hacia atrás), es la representación más evolucionada del

La otra marca que tampoco quiso quedarse afuera de este selecto grupo que descolló con los avances de las futuras líneas que plasmarán los venideros diseños de sus modelos fue Peugeot. Y realmente nos sorprendió, ya que si bien pensábamos que su novísimo coupé 2+2 RCZ era la expresión más fresca del nuevo Family Feeling (estilo de diseño) de la firma de los próximos años, nos equivocamos.

El responsable de tirar nuestra teoría por la borda fue el SR1, un deportivo de tres plazas descapotable, que está equipado con el sistema HYbrid4, compuesto por un motor naftero de 1.6 litros sobre el eje delantero (218CV), y otro eléctrico que impulsa las ruedas traseras (95 CV). Este atlético y sensual concept car, nos sirvió para colmar las expectativas de nuestra búsqueda de prototipos que exhi-

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+ Ford Iosis Max Concept

+ Toyota Prius Plug-in y FT-EV

bieran los futuros rasgos de las marcas, los cuales si bien no fueron muchos, bastaron para calmar nuestra sed de ver algo diferente.

HACIA LA CONTAMINACIÓN CERO Satisfechos de encontrar bosquejos con las nuevas identidades que las marcas buscan plasmar en sus modelos en un futuro no muy lejano, decidimos deambular por la muestra en busca de aquellas marcas que se esmeran por presentar soluciones que reduzcan el impacto medioambiental de los autos.

Qué mejor, entonces, que dirigirnos al lugar que preparó Toyota en el Salón, el cual justamente tuvo una importante presencia de vehículos amigables con el medio ambiente. Dueña del Prius, el primer auto híbrido (un motor naftero y otro eléctrico), que circula desde hace un año por nuestras calles, tiene sentido empezar refiriéndonos al Prius Plug-in, una versión que, a diferencia de la que ya se vende, dispone

de baterías de iones de litio que se pueden recargar enchufando el auto a un tomacorriente convencional. Esto le permitiría aumentar la autonomía del Prius actual (3 km) a 20 km de recorrido.

Pero la firma nipona también viene incursionando en la impulsión por electricidad, y el FT-EV es uno de sus máximos exponentes. Este pequeño con futura vocación citadina -que circuló por varios otros salones en años anteriores-, podría llegar a producción este año. Esto implica que la marca se jactará, en breve, de disponer de su primer auto de serie equipado con un motor eléctrico de 45 kilowatts, que le permitirá alcanzar una velocidad máxima de 110 km/h, y circular 80 km de distancia, después de una recarga en un tomacorriente convencional de dos horas y media.

Otra de las marcas que se sumó a esta experiencia ecológica fue Peugeot, y lo hizo de un modo inédito hasta el momento. Para ello, presentó al 3008 HYbrid4, que tiene el estandarte de ser el primer vehículo

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+ Chevrolet Colorado Rally Concept

+ Peugeot 3008 HYbrid4

+ Peugeot SR1

híbrido con motor diesel del mundo. El ya reconocido crossover del león suma, así, una nueva alternativa que combina un motor diesel 2.0 HDI (163 CV) junto a otro eléctrico (37CV), lo que le otorga una potencia final de 200 caballos y motricidad en ambos ejes. Todo esto se traduce en un 35% menos de contaminación que un vehículo de igual potencia, el cual podría estar llegando en el 2012 a nuestro país.

eléctrico de 70 kilowatts (95CV), capaz de hacerlo recorrer al Fluence cerca de 160 kilómetros de distancia, sin necesidad de recargar.

La otra francesa, Renault, también exhibió diferentes modelos que anticiparon cómo la marca se avecina a un futuro más limpio. Uno de ellos, el concept Dezir (al cual ya nos referimos más arriba por su diseño), se caracteriza también por ocultar debajo de su exclusivo ropaje, un motor eléctrico de 150 CV, capaz de alcanzar una autonomía de 160 km. Pero no caben dudas que la muestra más palpable de que la marca del rombo va camino hacia motores menos contaminantes, se concretó en el Fluence Z.E, el cual fue lanzado a principios de este año en Europa, y que ya mira de reojo a nuestro continente, con su motor

Link a la nota: http://9010.co/autoba11

Otra de las terminales que sorprendieron en este aspecto, con una nueva gama de motores ecológicos -que son la antesala de la introducción definitiva del motor eléctrico o híbrido-, fue Ford con su flamante tecnología Ecoboost. Esta nueva era de propulsores que se caracterizan por reducir hasta un 20% el consumo de combustible y las emisiones de CO2 en igual medida -sin que ello afecte las prestaciones del motor-, fue otra de las galas del stand, que equipa ahora a un renovado Mondeo. De este modo, esta berlina y su inédito motor Ecoboost de 2.0 litros naftero de 240 CV, acoplado a una caja Powerfisht de doble embrague y 6 velocidades, es ahora capaz de recorrer 100 km con apenas 7,7 litros de nafta, y alcanzar prestaciones como: 246 km/h de velocidad máxima y 7,5 segundos para acelerar de “0 a 100”. + www.elsalondelautomovil.com.ar

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+ mundo creativo

vehículos

Texto: Elvio Orellana Estos autos y más encontralos en Deautos.com

+ Renault Duster

Renault Renault aprovechó el escenario del Salón de Automóvil para exhibir dos grandes novedades. La primera de ella fue el Duster, un SUV liviano (Sport Utility Vehicle), que fue presentado como “el 4x4 accesible para todos”. De proporciones amplias, (4,30 metros de largo), la nueva apuesta de Renault se posiciona por encima del Sandero Stepway y por

debajo de la Koleos. La incorporación a nuestro mercado del Duster está prevista para fines de este año, y lo hará con dos configuraciones: una 4x4, con motor naftero de 2.0 litros de 143 CV; y otra de tracción simple, con motor también naftero de 1.6 litros y 105 CV. + www.renault.com.ar

+ Alfa Romeo Giulietta

+ Audi A3 Cabrio 1.8T

Alfa Romeo

Audi

Uno de los stands más visitados de la muestra fue el de la marca italiana, cuyo importador local es Centro Milano. ¿Los motivos de tanto esplendor? Dos exuberantes modelos: el Giulietta Quadrifoglio (235 cv) y el espectacular 8C Spyder. Este último fue, sin dudas, la gran estrella del stand por su exquisito diseño, y su potente corazón de genética Ferrari V8 de 4,7 litros, con una potencia infartante de 450 CV. + www.alfaromeo.com.ar

La firma de los cuatro anillos desplegó un portfolio de grandes primicias para nuestro mercado, empezando por la séptima generación del Audi A6, el cual se exhibió con una nueva carrocería realizada en acero y aluminio, y equipado por un motor 3.0 TFSI de 333 CV. La otra gran novedad fue el A8 Long Whellbase, destacándose por medir 13 cm más de largo que el A8 convencional, lo que se traduce en la berlina con mayor habitabilidad en las plazas traseras. Por otra parte, también se exhibió el bestial R8 Spyder V10, junto al A3 Cabrio 1.8T y al menor de la familia Audi: el A1 1.4 TFSI con el paquete S-Line. + www.audi.com.ar

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Estos autos y más encontralos en Deautos.com

mundo creativo 121 vehículos

Ford Una de las más esperadas de la mega muestra automovilística fue, sin dudas, la firma del óvalo. El motivo principal: la tan ansiada nueva Ford Ranger. Así, llegó el momento de conocer la pick up global de la marca, que se producirá en la planta de Pacheco, a partir del 2012. Además de

conocer su novísimo diseño, se adelantó que, inicialmente, estará impulsada por un motor diesel TDCI 2.2 de 126 CV, acoplado a una caja de 6 velocidades, tracción 4x4 y llantas de aluminio de 18 pulgadas. + www.ford.com.ar

Citroën

+ Citroën DS4

La marca francesa presentó en primicia para toda Latinoamérica al DS4. Se trata del segundo exponente de la línea Premium DS, la cual quedó inaugurada tras el lanzamiento del DS3 a principios de este año. Con fecha prevista de desembarco en nuestro país para el mes de marzo, el DS4 es una mezcla de una berlina de alta gama -por su funcionalidad y sus proporciones (4,27 metros de largo, 1,81 de ancho y 1,53 de alto)-, con un coupé deportivo, tanto por sus líneas aerodinámicas como por sus puertas traseras ocultas, por medio de las cuales se accede a las plazas de atrás. La otra novedad del doble chevrón, fue el monovolumen compacto C3 Picasso, presentado en avant premier en Córdoba, el cual se lanzó a la venta en julio, con un precio base aproximado de $ 80 mil. + www.citroen.com.ar

Peugeot El segmento de las grandes berlinas espera su llegada para principios del 2012, y cuando ello suceda, muchos de sus competidores se pondrán nerviosos. Nos referimos al 508 en su versión GT (sedán) y SW (rural), las cuales fueron exhibidas por primera vez por estas latitudes en el Salón de Buenos Aires, y ya causaron mucho revuelo.

Su diseño semejante al concept RS1, la calidad de sus materiales y el nivel de su equipamiento son sus mayores atributos, y representan sus pilares fundamentales, a través de los cuales, la marca pretende conquistar a los clientes más selectos. Una motorización de un 1.6 litros de 163 CV para la SW, y otra de 2.2 litros HDi de 204 CV para la 508 GT, son las opciones con las que llegarán. Ambos motores estarán acoplados a una caja automática-secuencial de 6 velocidades, con levas al volante. + www.peugeot.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana

vehículos

+ Mercedes-Benz SLK

Mercedes-Benz La alemana Mercedes-Benz presentó como grandes novedades el nuevo C-Coupé con motor de 1.8 litros con 184 CV en la versión C200, y 204 CV en la C250. El roadster SLK también fue expuesto en la única versión que estará disponible en el mercado argentino, con el motor 1.8 y 184 CV. Además, se exhibió el Clase

E, con su nuevo motor 250 CGI, y la imponente SLS AMG, que fue acompañada con una de las sorpresas del stand: el triciclo inventado por Benz, que se trata del primer automóvil patentado en la historia. + www.mercedes-benz.com.ar

smart Compartiendo el mismo stand que Mercedes-Benz, la exclusiva marca smart con sus pequeños modelos citadinos smart Fortwo coupé Passion y el cabrio Passion, fue otra de las importadoras que no quiso estar ausente en esta feria. Allí, el mismo Maximiliano Chomnalez, Sales & Marketing Manager de smart, fue quien irrumpió el stand a bordo de un smart Cabrio, y si bien no anunció ninguna novedad relacionada a la marca, se mostró más que satisfecho por ya disponer de 300 unidades comercializadas desde que el smart fue lanzado a fines del 2010. Recordemos que el smart es el auto más pequeño del mercado actualmente, con apenas 2,69 metros de largo y un peso de solo 850 kilogramos, atributos más que necesarios para circular por las grandes urbes. + www.smart.com.ar

Nissan Una de las pocas niponas que estuvo presente en esta edición del Salón porteño fue Nissan, (la otra fue Toyota), quien se jactó no sólo de firmar la lista de asistencia, sino también de presentar dos novedades. Se trata de dos compactos denominados March y Versa, ambos concebidos a partir de la plataforma “V”, desarrollada en conjunto por Nissan y Renault. Los dos modelos compartirán motorización: un naftero 1.6 de 109 CV, asociado a una caja manual de 5 velocidades. + www.nissan.com.ar + Nissan Versa

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mundo creativo 123 vehículos

+ Fiat 500 by Gucci y Qubo

Fiat La marca italiana vistió su stand con diferentes propuestas, cada una de ellas destinadas a diferentes segmentos. Así, se exhibió el Bravo, el cual llegará con un motor naftero 1.4 de 16 válvulas Multi Air de 140 CV, directamente desde Italia, y no el motor E-TorQ de 1.8 litros que se fabrica en Brasil. La otra gran novedad -en este caso, para el segmento de los multipropósitos-, fue el Qubo, que llegará antes de finales de año, proveniente de la planta de Turquía, con motor naftero 1.4 Fire de 73 CV.

Por último, el pequeño Cinquecento vuelve a ser noticia, tras una nueva edición especial, esta vez vestido de color negro lux, denominada 500 by Gucci. Exteriormente, se destaca por una banda en colores rojo y verde que se extiende a lo largo de la parte baja de las ventanillas. En su interior, el glamour también se hace presente, destacándose su consola central, cubierta de un barniz aterciopelado. El 500 by Gucci está equipado con el motor 1.4 de 100 CV. + www.fiat.com.ar

+ Chevrolet Cruze

+ Volkswagen Sirocco

General Motors

Volkswagen

De las primicias automovilísticas del stand del moño, la primera que se llevó nuestra atención fue un sedán pequeño denominado Prisma, el cual vendría a ser la variante sedán del recién lanzado Chevrolet Celta (conocido antes como Suzuki Fun). Este modelo, empezará a comercializarse en el mes de agosto, y lo hará con la conocida motorización de 1.4 litros de 92 CV, y dos niveles de equipamiento: LS y LT. Luego de ello, le siguió la actualización del Chevrote Cruze, el cual fue exhibido en una inédita versión hatchback de cinco puertas, que sumará a la carrocería tradicional con baúl, antes de fin de año. + www.gm.com

Fiel a su estilo de presentar un nutrido portfolio de novedades, la marca alemana anunció grandes primicias, todas con fecha próxima de desembarco en nuestro país. La más admirable fue, sin dudas, la coupé deportiva Scirocco, la cual se comercializa en Europa con motores de hasta 265 caballos, y que llegará a nuestro mercado en el 2012. Otros anuncios más cercanos (antes de fin de año), estuvieron dirigidos al SuranCross, que viene a reforzar la apuesta comercial de la marca, en un segmento donde no tenía presencia; al Golf GTI y al Touareg Híbrido, su primer paso hacia el desarrollo de una movilidad sustentable. + www.volkswagen.com.ar

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+ Billetera de Confitte por Rodrigo Suárez. www.confitte.com.ar

+ Bolso tejido Diversión de Colombas. www.colombas.com.ar

Feria PuroDiseño 2011 Dejá que el color guíe tus ideas

Una vez más, se celebró la feria que reúne a creativos, artistas y diseñadores bajo un mismo techo, quienes mostraron en tan sólo siete días, más de trescientas propuestas, que van desde equipamiento a indumentaria y joyería. Todo esto formó parte de la edición número 11 de la feria de diseño y tendencias PuroDiseño. | Texto: Jorgelina Peciña

Al igual que en ediciones anteriores, los diseñadores participaron con stands en las diferentes categorías: los clásicos Equipamiento, Indumentaria y Joyería, y los temáticos: Verde, que agrupa las propuestas sustentables; el área Sabor, con espacios de gastronomía; y Provincias, como los de Salta, Tucumán y Santiago del Estero, entre otros. Todos ellos, funcionaron bajo el concepto “colores”, como hilo conductor de todas las propuestas. “La tendencia de color que sigue la Feria este año surge del estilo internacional de color del 2011. La idea es transmitir a los visitantes el efecto animador que los colores tienen sobre el espíritu de las personas. Los colores que proponemos son optimistas, frescos, tienen un carácter claro y dan esperanza con los climas que crean”, comentó Marcela Molinari, directora de contenidos de la Feria.

Como todos los años, la feria contó con varios espacios temáticos: Puro Verde, Museo Sustentable, Plaza Seca, Paseo de las Artes, La Selección y Joyeros en acción. Se destacó Puro Verde, como una plataforma de difusión para los diseñadores ecosustentables. Algunas de las premisas expuestas fueron el uso de materias primas naturales y orgánicas, materiales y técnicas de reciclado, y el cuidado y respeto por el medio ambiente. Entre las marcas que participaron, se encontraban Foxy y Ni Chicha ni Limonada, el primero con muebles y objetos decorativos en materiales ecológicos; mientras que el segundo, con accesorios en plástico reciclado.

También, al igual que en las ediciones anteriores, se realizaron

workshops y rondas de negocios, y actividades clave para los expositores, ya que la feria se trata de eso, generar negocios, abrir puertas para que la actividad salga a competir no sólo a nivel nacional, sino también regional. Una de las charlas fue Proyecto Solidario de Ecobolsas, con el objetivo de ofrecer una salida laboral a familias de bajos recursos, confeccionando bolsas a partir de papel de descarte (revistas, afiches, etc.). La charla estuvo en manos de Gabriel Glusman. Otra actividad fue el Laboratorio de Fieltro, coordinado por la arquitecta Mónica Cohen.

El objetivo fue revalorizar el fieltro como material ecológico, retomando las costumbres artesanales e incorporando la industria al proceso de fabricación, explorando nuevas variantes de uso, tanto en arquitectura como en moda y diseño industrial.

Los Premios PuroDiseño buscan reconocer el talento y la innovación en la producción local y regional de todas las categorías del diseño. Fueron once premios en total, de los cuales el máximo galardón, el Premio Oro, quedó en manos de Pomada, de Antonela Dada y Bruno Sala, quienes realizan muebles y objetos en materiales sustentables.

Y HUBO MÁS… Claro que hubo mucho más. Entre ellos, las propuestas de Chapa, objetos varios diseñados en chapa, como lo anuncia su nombre.

Entre ellos, bibliotecas y estantes de pared en varios formatos y colores, ideales para ponerle onda a ambientes chicos. También, para decorar espacios, pero esta vez con un toque más artístico, está la propuesta de Maby Rob: sillas y banquetas tapizadas con

ideas creativas

+ 125 diseño

+ Vinilla, vinilos impresos para decorar que pegan por estática. www.vinilla.com.ar

+ Silla Brunch en mdf de Foxy. www.foxyweb.com.ar

diseños que salen de fotografías y cuadros que conjugan instantáneas con pintura. Para completar y llenar la estancia de colores, Estilo Turuleca propone almohadones de colores y diseños eclécticos, muchos de ellos, haciendo juego con pantallas para lámparas.

En accesorios e indumentaria, la oferta fue muy variada, pero destacamos por su originalidad y calidad a tres: Cuarto Colorado, especialmente por su línea de lluvia, que combina impermeables y paraguas confeccionados en diseños únicos y de edición limitada; Paula y Agustina Ricci, una línea de ropa femenina que mezcla toques vintage con encajes y telas románticas; y las propuestas de Valeria Nicali en bolsas, billeteras y carteras en rafia y su recién estrenada colección de chatitas y carteras de lona, que impactan por un diseño muy simple y armónico en cuanto a los colores.

También fueron parte de PuroDiseño la línea de cuadernos y objetos de autor de Monoblock, las billeteras de papel y con diseños de autor de Confitte, y los accesorios y tejidos de Lúa Chea y Colombas, con detalles hechos a mano. Por último, las creaciones de Vinilla, diseños decorativos reutilizables, que sirven para decorar ventanas, laptops y hasta rotular los frascos de la cocina, todo con mucha onda y color. Y, ya que estamos por la cocina, ¿qué tal premiarse con unos ricos cupcakes y cookies deliciosamente decorados? Habrá que visitar Flor´s Bakery y darse un gusto con toques de diseño incluidos. + www.feriapurodiseno.com.ar

+ Collar Lúa Chea. www.luachea.com.ar

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+ LOS ELEGIDOS DE 90+10: LO QUE SE VIENE Recorrimos la feria paso a paso, indagando cada rincón. Y si bien muchos fueron los creativos y diseñadores que nos gustaron, esta vez, optamos por elegir a cuatro nuevos emprendedores, para que sean ellos mismos quienes cuenten quiénes son, qué hacen y qué prometen en el mundo del diseño local.

PILÓN CUESTIÓN DE VOLÚMENES Melina Pilón, diseñadora de indumentaria (UBA) es la responsable del proyecto. Su espíritu sediento por el diseño, el arte y la comunicación, la llevó a una búsqueda constante de imágenes, materiales, colores y texturas. Recorrió un largo camino en el rubro, pasando por los departamentos de producción, producto y diseño hasta llegar a la producción independiente de accesorios. El salto final lo dio al construir una marca propia, dedicada al diseño contemporáneo en cuero natural. A fines del 2009, nace Pilón.

Pilón en FPD 2011 “Se presentó toda la actual colección, incluyendo las piezas más innovadoras como el Collar Ovo, en su versión corto y largo, de la línea Composición Orgánica I. Este producto es uno de las más destacados por su construcción volumétrica, lograda con un material tan particular como es el cuero”. ¿Por qué apostar al diseño en Argentina?

“Apostamos al diseño nacional porque considero que Argentina es una tierra joven, donde todavía hay mucho por hacer. Dentro del diseño, hay mucho camino por recorrer, y eso es un verdadero desafío.

Creo que hay muchas oportunidades, si lo que se hace es diferente y aporta a la construcción de un carácter propio de nuestra tierra; si dejamos de mirar hacia afuera y construimos nuestra propia identidad”.

Próximos proyectos y trabajos “Comencé a bocetar los nuevos diseños, aunque es algo que siempre estoy trabajando. Desde hace meses, varias ideas inspiradoras ricas en información entran en la posibilidad de ser materializadas en accesorios, y quizás, en otro tipo de productos”. + www.pilonweb.com

también cuenta con oficinas en Tucumán. dsbarcelona en FPD 2011 “Mostramos Broo: módulo multifuncional, creado bajo el concepto de muebles vivos, es decir, que convive con las personas e interactúan con ellas, acompañándolas en las diferentes etapas de su vida. Es un mueble con una visión más humanística, tiene como razón de ser al ser humano”. ¿Por qué apostar al diseño en Argentina?

“Creo que hay muchas razones, como mejorar la productividad, ser más eficientes, agregar valor, pero sin duda, el más importante, es mejorar la vida de las personas. Por lo menos, esa es la razón que me hace más feliz”.

DSBARCELONA EL SER HUMANO COMO CENTRO DEL DISEÑO dsbarcelona es una compañía de diseño industrial, fundada en 2009, en Barcelona, España. Su actividad es el diseño y la dirección creativa de muebles, lámparas y productos para el hogar. Daniel Sánchez, arquitecto por la Universidad Nacional de Tucumán, es el fundador del proyecto, que desde el año pasado,

Próximos proyectos y trabajos “Actualmente, estoy trabajando sobre otros proyectos que más adelante serán públicos. Destaco un set de porcelana, llamado Montse”. Se trata de un diseño inspirado en el Montserrat, una formación montañosa de formas sinuosas muy particulares, ubicada en las afueras de Barcelona. + www.dsbarcelona.net

+ 127 funcionales, tienen que ser lindas o llamativas”, explica Mariana Peluffo, creativa publicitaria y fundadora de Dear Tota. “Nuestros productos apuntan a mujeres y hombres que quieren que lo más imprescindible y típico de un hogar no sea tan típico. Que su gusto y su sentido común estén alineados, encontrando diseño, sin perder funcionalidad ni calidad”.

Dear Tota en FPD 2011 “En PuroDiseño expusimos toda nuestra línea de productos.

Los más destacados fueron: delantal New Look, además de útil y práctico, más que un delantal parece un vestido de fiesta, en el que se puede recibir a los invitados sin tener que cambiarse.

También, el delantal Dream, un delantal de organza, sumamente sexy, que juega con las transparencias y la feminidad, para que la comida siga entrando por los ojos. Y las servilletas Magic Napkins, con ilustraciones muy divertidas y reales, que simulan una camisa y un pantalón que pasan tan desapercibidas, que ni las manchas se enteran que, en vez de manchar la ropa, mancharon las servilletas”. ¿Por qué apostar al diseño en Argentina?

“Apostamos al diseño porque creemos que acá hay mucho por hacer y mucho por brindar. El público argentino es un público que valora el detalle, lo diferente y el diseño. Nuestros productos surgen de la necesidad de la gente. La necesidad de poder elegir o de, simplemente, poder reemplazar esos elementos tan comunes y necesarios, por cosas lindas, útiles y con diseño”.

DEAR TOTA EL GLAMOUR DE LA COCINA MODERNA “Dear Tota nace porque sentíamos que el sector cocina no estaba explotado, que faltaban las ganas de jugar, de hacer de ese lugar tan común y diario, un lugar lúdico, desde lo glamoroso o desde lo creativo. Siempre creímos que las cosas, además de ser

Lo nuevo en el universo de Dear Tota “Actualmente, estamos desarrollando nuevos productos, algunos de ellos ligados al sector cocina, y otros siguen dentro de la casa, pero para otros ambientes”. + www.deartota.com

FOXY DISEÑO SIN DESPERDICIOS Foxy es propiedad de Nicolás Fossatti, diseñador industrial, oriundo de Mar del Plata, provincia de Buenos Aires. “El proyecto Foxy surge a partir de intentar sacar de la computadora varios diseños que tenía dando vueltas. La idea fue diseñar objetos capaces de ser producidos en serie, en vez de ofrecer servicio de diseño para terceros, a veces demasiado complejos y sin una posterior producción industrial. A fines de 2010, Foxy se transformó en un proyecto comercial, cuando gané el desarrollo de un plan de negocio por parte de UCIP (Unión del Comercio, la Industria y la Producción de Mar del Plata). A partir de ese momento, se sumó a Foxy Sebastián Ianantuony, licenciado en marketing”.

Foxy en FPD 2011 “Presenté toda la línea de productos Foxy, compuesta por trece objetos para el hogar. El objetivo es la creación de piezas económicamente accesibles e innovadoras. Las características principales de los productos son la utilización de un solo material, casi nulo desperdicio durante su producción y un único proceso constructivo. El mobiliario es capaz de ser transportado en cualquier tipo de

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vehículo y de ser ensamblado por el usuario, sin necesidad de herramientas ni accesorios. Es un mobiliario que brinda la posibilidad de ser personalizado. Puede ser lustrado, pintado, tapizado, teñido y hasta ploteado”. ¿Por qué apostar al diseño en Argentina?

“Creo que a diferencia de otros lugares, los diseñadores de acá hacemos de todo. Debemos diseñar, hacer nuestros prototipos, las gráficas, producir y vender. Eso nos lleva a que el camino sea más largo y complicado. De esta manera, uno aprende más, pero también, a veces, son muchos los obstáculos a superar y no siempre se logra el objetivo”.

Próximos proyectos con sello Foxy “Trabajamos para mejorar lo que deba mejorarse, y con expectativas de que siga en ese camino.

En agosto, expondremos en Movelsul, ya que Foxy fue seleccionado para el Salão Design, Casa Brasil 2011”.

Foxy ganó el premio PuroDiseño 2011 al Mejor Diseño Sustentable. + www.foxyweb.com.ar

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Dicen que lo bueno dura poco. Y en el caso del festival Puma Urban Art 2011, duró dos días, el sábado 28 y el domingo 29 de mayo, y tuvo lugar en el Centro Cultural Recoleta, con entrada libre y gratuita. | Texto: Carolina Prioglio

El festival comenzó con una fiesta inaugural el viernes 27, en la que tocaron bandas como Modex, Adicta y la neoyorkina y ascendente Class Actress, cuando se abrió el juego para que un grupo de artistas encabezado por el inglés D*Face y los estadounidenses Frank Kozik y Mark Veca Dean enseñaran algo del trabajo que los vuelve tan respetados en la escena del arte contemporáneo internacional.

sobre el impacto del uso indiscriminado de plásticos. Así como también se expusieron instalaciones generadas por Estudio 2veinte y Segundo Ciclo, que reflexionaron sobre la misma cuestión. + www.urbanartfest.com

En el plano local, también presentaron sus obras artistas como Patricio Oliver, Bosque, Axtor Espeluzland, Álvaro Ortega Bianchi, Joaquín Croxatto, Juan Abba, For Better Days, Clarimus, Pablo Gamba y Fabricio Calorei. Además, hubo proyección de documentales como “Exit Through The Gift Shop” (ópera prima del artista inglés Banksy), la presentación de varios cortos, panel talks y más bandas diseminadas por una abultada e interesante grilla: Esencial, Vetamadre, Kim, Dietrich, Glaciares, Bardot, Spit on BPM, Coiffeur, Maxi Trusso, Les Mentettes, Nairobi, Niña Dioz y No Lo Soporto, entre varias otras.

En consonancia con la temática medioambiental de la que el arte también se hace eco, durante el festival se exhibió el film de Suzan Beraza, “Bag It, ¿Es tu vida demasiado plástica?”, que trata

+ La banda americana Class Actress en la apertura del festival.

ideas creativas

+ 129 arte

| Foto: Nicolás Colombo

FRANK KOZIK ARTE CON SONIDO PROPIO Frank Kozik es el artista gráfico de la música. Sobre todo de la de los años 80 y 90, momento en que empezó a diseñar los flyers y tapas de los discos de muchas bandas que hoy son emblemas de aquella época: Soundgarden, Pearl Jam, Nirvana, Red Hot Chili Peppers y Beastie Boys, entre otras. Para algunos de ellos, también dirigió videos, y luego se dedicó a editar discos de nuevas bandas (Queens of the Stone Age, Melvins, The Hellacopters y los argentinos Natas) a través de su propio sello, Man’s Ruin Records.

Desde hace diez años, Kozik está abocado al diseño de juguetes que coquetean con el street art, el rock y la política. Además, es de esas personas que uno se las imagina, por la naturaleza creativa y particular de su trabajo, distintas a lo que realmente son al conocerlas. Kozik es callado y serio, de sonrisa prudente y oportuna. La efervescencia y la expresividad queda reservada para sus obras. + ¿Qué viniste a presentar al Puma Urban Art 2011?

FK Me invitaron a hablar y a mostrar mi trabajo, desde los inicios hasta la actualidad, haciendo hincapié en los juguetes que vine creando en los últimos diez años. + ¿Qué es lo que debe tener una creación para ser considerada una pieza de arte?

FK No lo sé, porque para mí, una pelota de fútbol vieja tirada en el piso bien podría ser considerada una obra de arte. A mi entender es perfecta, y cumple las condiciones necesarias para serlo. Por el contrario, una pintura colgada en la mejor galería, no necesariamente es arte. Yo creo que es muy cierta la frase “El arte está en el ojo del que lo mira”. Concretamente, yo no me considero un artista… Me gusta crear cosas un poco con mis manos y un poco con mi cerebro, que generen una sonrisa en el que las está mirando, y hagan su vida cotidiana más amena. + ¿Hay algún mensaje que guíe tus obras?

FK Vengo de la vieja escena del punk de los 70 y los 80, y en ese momento, lo importante era “hacer algo”, lindo o feo, bueno o malo, pero hacerlo. Hoy sigo creando con esa filosofía en mente y ese es el mensaje también.

+ ¿Qué es la tapa del CD para el disco? ¿Y el flyer para el show?

FK Hace treinta años, en el momento en el que comencé a diseñar las primeras tapas de discos para bandas, éstas tenían mucha importancia porque no existían Internet, ni videos o revistas especializadas como ahora. Las imágenes o dibujos que representaban a una banda sólo podían verse en los flyers o en las tapas de los discos.

Actualmente se siguen haciendo, porque representan un determinado álbum de una banda, pero ya no tienen el mismo peso. + www.fkozik.com

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| Foto: Nicolás Colombo

MARK DEAN VECA ARTE VISCERAL Además de ser uno de los artistas contemporáneos más reconocidos, Mark Dean Veca es un gran observador. Antes y después de una entrevista en la que habló acerca del carácter visceral y polémico de muchas de sus obras, Dean Veca se tomó su tiempo para indagar acerca del arte argentino y mirar con atención todo lo que sucedía a su alrededor. Seguramente, como un ejercicio de asimilación, que en algún momento plasmará a través de las líneas curvas y los personajes que envuelven repetitivamente su trabajo.

Con más de veinte años de carrera y numerosas exposiciones en Europa, Estados Unidos y Japón, el artista presentó una selección de obras -sus favoritas- a un público atento y ávido de arte, en el marco del Puma Urban Art.

+ ¿Qué expectativas tenés con respecto al evento y al público?

MDV En realidad, no estoy demasiado familiarizado con el arte argentino y lo que el público consume en materia artística. Pero para mí, es bárbaro poder visitar el país y presentarle mi trabajo a la gente. Es una nueva experiencia y me encanta.

+ ¿Hay algún mensaje que guíe tus obras?

MDV Yo no creo que haya necesariamente un solo mensaje. Más bien, creo que depende del trabajo que estoy realizando, su contenido y su inspiración. Por ejemplo, hace poco, hice unos dibujos basados en el colapso de la economía de los Estados Unidos, y al hacerlos, me apoyé en ciertas imágenes relacionadas con ella (el signo del dólar o el sello presidencial), pero que dibujé con el estilo que me representa, para mostrar ese estado de decadencia.

Sí existe un hilo conductor en mi trabajo en cuanto a las líneas y las formas, y eso es justamente lo que me nace en forma natural.

+ ¿Qué es lo que debe tener una creación para ser considerada una pieza de arte?

MDV Me parece que debería tener integridad. Ser el producto de una meta planteada por el artista que lo movió a generar tal obra, sin preocuparse, en ese momento, de la reacción posterior del público frente a ella. También tendría que ser única, sobre todo en un mundo como el de hoy, tan marcado por las constantes influencias y lo comercial.

+ ¿Pensás que tu trabajo seguirá teniendo la misma relevancia que tiene hoy con el pasar del tiempo?

MDV Es difícil decirlo, como lo es también saber qué tipo de arte va a seguir siendo reconocido con el paso del tiempo. Hay muchos artistas que hace cien años fueron muy populares y ahora nadie sabe de ellos. Por ahora, estoy contento con haber podido hacer una carrera internacional y vivir de ella. + www.markdeanveca.com

+ ¿Qué venís a presentar al Puma Urban Art 2011?

MDV Voy a presentar algunas reproducciones de mis pinturas favoritas y a hablarle al público acerca de ellas.

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clásicos contemporáneos

+ 131 diseño

Bombay Sapphire Project Your Imagination

La imaginación se vuelve realidad Bombay Sapphire hizo realidad la imaginación, a través de impactantes proyecciones 3D, sobre un icónico edificio de la ciudad de Londres.

La Battersea Power Station, a orillas del río Támesis, en Londres, fue el “lienzo” sobre el cual se proyectaron las imágenes propuestas por la albanesa Erjola Veliaj, ganadora del concurso Project Your Imagination, impulsado por Bombay Sapphire en diciembre pasado. El certamen invitó a liberar la imaginación para inspirar a los demás, brindando la posibilidad de trabajar con los mejores creativos del mundo, para proyectar imágenes 3D, utilizando tecnología de avanzada.

El proyecto de Erjola fue elegido por votación del público en el Facebook de Bombay Sapphire, entre cinco finalistas por país, y mostró una particular versión del cubo mágico, junto a otras imágenes que representaron el universo azul, innovador e inspirador, que forma parte de la personalidad del gin. Todo esto se produjo

en el marco de un evento nocturno, del que formaron parte invitados especiales que pudieron observar las proyecciones desde un inmejorable punto de vista: embarcados en el lujoso buque The Silver Sturgeon -que flotaba sobre las aguas del Támesis-, y bebiendo los mejores cocktails preparados con Bombay Sapphire.

“Estoy muy contenta por haber ganado este concurso y ver que mi idea cobra vida en esta noche fantástica. Se ve mejor de lo que podría haber imaginado”, comentó entusiasmada Erjola. “A través de este concurso, hemos sido capaces de inspirar la imaginación de los demás, algo que estamos dispuestos a continuar”, concluyó John Burke, Director Global de Bombay Sapphire. + www.bombaysapphire.com

Enjoy BOMBAY SAPPHIRE Responsibly. Bombay Sapphire, su botella y logos son marcas registradas. w w w.bombaysapphire.com

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+ César Jannello (1918-1985, Buenos Aires).

César Jannello

La modernidad replanteada César Jannello es un recuerdo anónimo. En nuestros días, su legado está diseminado en un puente que atraviesa la Av. Figueroa Alcorta de Buenos Aires, un pabellón que extiende el Museo Nacional de Bellas Artes -y en otro extremo es un bar-, una silla que forma parte de la colección de diseño argentino del MAMbA, un libro de morfología y muchos conocimientos académicos reconocidos con una placa que lleva su nombre en un aula de la FADU-UBA. | Texto: Wustavo Quiroga

clásicos contemporáneos

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+ “Beautiful Bridge #1” de los artistas L/B. Intervención en el plano inferior del puente (68 x 10 m) ubicado sobre Av. Figueroa Alcorta, Recoleta, Ciudad de Buenos Aires, 2011.

Aunque falta completar su panorama profesional, armar el mapa de sus acciones y, por qué no, actualizar su legado, su revisión implica solidificar las bases proyectuales en Argentina. Abarcar su figura parece una tarea inagotable. Desde sus comienzos de estudiante de arquitectura en la UBA, junto a Colette Boccara y Juan Butler, colabora en proyectos de Amancio Williams. El “edificio para oficinas”, un proyecto realizado en 1947 para un terreno en la calle Viamonte (perteneciente a la familia Jannello), y el “aeropuerto para el Río de la Plata”, coincidente con una idea bocetada por Le Corbusier, son desarrollos que nunca llegaron a materializarse.

Durante su época de estudiante, se ve influenciado por diferentes movimientos como impresionismo, cubismo, futurismo, abstracción, modernismo bauhausiano, racionalismo, arte concreto suizo y neoplasticismo. Comienza a realizar sus propias búsquedas

en dibujo, pintura y objetos de cerámica, donde refleja el resultado de sus búsquedas; al mismo tiempo que inicia sus ensayos teóricos sobre arte, diseño y arquitectura, que darán paso a una carrera de investigador y profesor académico de alcance internacional. Uno de sus primeros trabajos fue publicado en la Nueva Visión #1, revista dirigida por Tomás Maldonado, con quien colabora en formulaciones teóricas como los tópicos del curso: “arquitectura y diseño” y “mueble y diseño”, por aquel entonces.

PRIMEROS PASOS DEL DISEÑO Durante los años cuarenta, el mercado nacional se proveía en su mayoría de muebles importados. En Argentina, con el efecto de la reactivación industrial de posguerra y la necesidad de resolver el nuevo estilo de vida, arquitectos y artistas comienzan a proyectar muebles y objetos de factura artesanal o semiartesanal.

La silla “W”, cuyo prototipo nació entre 1943 y 1945 en Mar

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+ Silla “exterior”. Estructura de hierro y encordado de soga plástica. Reedición firma Jannello 2011.

+ Silla “W”, pieza de la colección Jannello, MEC Museo en Construcción.

del Plata durante la construcción de la “Casa del Puente” proyectada por Amancio Williams, es una pieza pionera del diseño argentino. Este asiento se mantuvo en transformación durante todo su período de producción, hasta lograr un poder de síntesis formal y funcional, que lo convirtió en un ícono del diseño latinoamericano.

dio de nudos. Su venta se realizó desarmada, en un embalajeencuadernación, a un precio económico, prometiendo al usuario un montaje rápido y fácil. Inicialmente, se fabricó en Mendoza por el carpintero francés Talvá, y se comercializó en Buenos Aires por intermedio de OAM, estudio de diseño, arquitectura, decoración y urbanismo; luego en Tucumán, de la mano del arquitecto Hilario Zalba; y en París, por el decorador Raoul Guys, quien la integra a su catálogo internacional de mobiliario “Style AA”, por sugerencia de André Bloc, editor de L’architecture d’aujourd’hui.

La silla potencia los recursos materiales disponibles, y hace de la limitación su mayor virtud. Además de su aporte formal, cuenta con la particular característica de montarse y desarmarse por calce, sin la necesidad de utilizar tornillos, y aprovechar la elasticidad de la estructura como cualidad ergonómica para el apoyo de la espalda.

Otras fueron las experiencias productivas que realizó Jannello para crear su ecosistema objetual: cuchetas y sillas para sus niños, bibliotecas y escritorios para el espacio de trabajo, mesas y jarrones de cerámica para su casa, incluso el espacio y equipamiento de un taller, que dio origen a la fábrica de cerámica Colbo dirigida por su –por entonces– mujer, Colette Boccara. Algunas de estas creaciones alcanzaron la producción seriada y la comercialización nacional e internacional.

Uno de estos casos es la silla “K” o “desarmable”, creada en 1953 con maderas de Vivaró y Raulí, trabajadas de manera simple y precisa con máquinas. Su armado se realiza por medio de tirafondos sin encoladura, y el asiento se forma con soga o cuerda plástica, que se ajusta a un travesaño inferior por me-

ARQUITECTURA PARA SIEMPRE Y DE MOMENTO En Cuyo, proyectó cinco viviendas (en Mendoza y San Juan), junto a los arquitectos Arístides Cottini, Ricardo Cuenya, Carlos Vallhonrat Bou y Enrico Tedeschi; y fue director técnico con Gerardo Clusellas de “Feria de América”, la primera feria industrial internacional que se realizó en Argentina.

Ubicada en el parque San Martín de la Ciudad de Mendoza, la feria marcó en 1954 un hito en arquitectura de exposiciones, y la obra efímera “Torre de América”, ubicada en la entrada del parque como alegoría a la industria, es recientemente valorizada por su importancia en las vanguardias latinoamericanas. La torre de cincuenta metros de altura, con una estructura metálica vertical rodeada en elicoide por cubos que contienen dos pirámides invertidas, fue proyectada por los directores técnicos en base a un módulo gráfico ideado por Tomás Maldonado, y sonorizada e iluminada por el músico Mauricio Kagel. Dicha obra constituía

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+ Silla “K”, diseñada y producida desde 1953 en Mendoza, Buenos Aires, Tucumán y Francia.

un espectáculo nocturno demasiado novedoso para la época y el lugar.

Actualmente, permanece en un triste estado, en el pabellón de Cuba, actual comisaría policial del parque, donde se ubican oficinas administrativas, en cuyo primer piso un gimnasio sobrecarga la estructura y el piso flotante de madera. El espacio fue reformulado con una construcción carente de diseño arquitectónico y en discordia con la forma inicial. Sin duda, este edificio merece un destino acorde a su nivel e importancia histórica.

Al terminar su período en el oeste argentino, regresa solo a la capital porteña. En 1960, por su experiencia, es nombrado director técnico de la Oficina de Planificación y Arquitectura de la “Exposición Nacional del Sesquicentenario de la Revolución de Mayo”, feria en la que se promocionaban avances tecnológicos y comerciales con un enfoque desarrollista. Esta vez ubicada en Recoleta, sobre el predio verde que costea Figueroa Alcorta, la feria dejará al presente el pabellón de la Comisión Nacional de Cultura anexo al Museo Nacional de Bellas Artes, proyectado en conjunto con Rubén Fraile y Jorge Gómez Alais; y el puente, reubicado en 1978, cerca de la Facultad de Derecho de la UBA, proyectado junto a Silvio Grichener y calculado por el ingeniero Atilio Gallo.

Este puente fue en 2011 coloreado artísticamente por Sabina Lang y Daniel Baumann “L/B”, en el marco del proyecto “Of bridges and borders”. La acción, que puso en valor la estructura

+ Esquema de disposición de las piezas que componen la silla “K” o “desarmable”.

de hormigón maltratada con avisos políticos, levantó discusiones públicas acerca de la conservación del patrimonio moderno y los límites de la intervención urbana.

DE LA INTUICIÓN A LA RAZÓN Durante su segunda etapa en el diseño de muebles, luego de abandonar el pensamiento moderno a ultranza, replantea la manera de concebir un producto, ya no desde postulados funcionalistas, el equilibrio entre lo bello, lo bueno y lo útil, sino desde búsquedas formales, en las que se permite hacer concesiones.

Tal es el caso en 1964 de la silla “mariposa”, o en 1971 del sillón “copa”, donde utiliza de manera virtuosa para la época, materiales como planchuelas de acero curvadas en doble sentido. De este período de escasas producciones, Exedra fue productora de algunas piezas en muy baja serie.

Desde los sesenta y hasta su muerte en 1985, Jannello desarrolla investigaciones sobre la semiótica del arte, el diseño y la arquitectura, donde plantea sus pertinencias, alcances y metodologías; profundiza en temas de visión como color, textura, estructura y forma; y establece contacto con Umberto Eco, Roland Barthes y Oscar Masotta, con quienes comparte inquietudes teóricas. Varias de sus conclusiones fueron publicadas en revistas especializadas y ediciones universitarias; sus bases metodológicas y modelos semiológicos visuales forman parte de la formación proyectual en Argentina, Chile y Francia.

Su herencia teórica continuó en revisiones como los sofisticados

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+ Dibujo abstracto de César Jannello, 1944.

+ Vista nocturna de la “Torre de América” de César Jannello, Gerardo Clusellas y Mauricio Kagel. Instalada de enero a marzo de 1954 en Mendoza.

que realizar un exhaustivo estudio del proceso formal y constructivo; recrear modos de producción de la época, como trabajar con un ebanista”.

Respecto al desarrollo de identidad gráfica y comunicación, la tarea fue encaminada por el joven Marcos Winter, quien partió de los diseños gráficos de Jannello y los referentes del movimiento concreto en Argentina, hasta lograr una síntesis formal, que vincula espíritu vanguardista y actualidad. La editora trabaja una línea curatorial, que implica desde la elección de piezas y análisis de sus contextos históricos, hasta el nivel de operatoria de rediseño e identidad.

+ Diseño de marca realizado por Marcos Winter para la editora Jannello.

En el catálogo lanzamiento de la firma, se puede apreciar la silla “W modelo original” edición limitada (sólo cien unidades producidas con idéntico proceso a la original), y la versión seriada, con policromados o enchapados en madera; y la silla “K” con sogas de colores, y su nueva versión criolla, con soportes de cuero tensado.

artículos de Claudio Guerri “Semiótica de la arquitectura, el diseño y el espacio en Argentina” de 1988, y “El nonágamo semiótico: un ícono diagramático y tres niveles de iconicidad” de 2003; el libro base “Diseño como poética, el pensamiento de CJ” de Germán Carvajal en 2005, o los conceptos académicos aplicados por Lucrecia Escudero en Francia. Los diseños guardan el significado de sus planteos teóricos, son manifiestos materiales en los que plasmó su proceso intelectual e ingenio.

Un caso a destacar por el resguardo patrimonial es la “colección Jannello”, creada por sus herederos y la Fundación del Interior, como parte del proyecto Museo en Construcción. Piezas originales, maquetas y prototipos de estudio, documentación institucional y personal conforman este maravilloso archivo. El archivocolección se encuentra en proceso de formación, y cuenta con numerosos aportes de quienes han tenido un cruce en la vida de este autor.

LA RUTA DEL LEGADO Actualmente, la firma Jannello Editora de Diseño reproduce y recrea la herencia objetual. Es dirigida por su nieta María, quien nos cuenta: “Para reproducir los modelos originales, tuvimos

Como resumidamente se puede entrever, la figura multifacética de César Jannello se amplía más allá de su desempeño como arquitecto, diseñador o artista, y abarca como operador cultural sus vínculos con la industria, la política y la educación. +

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+ Nave Jungla, 2007

portfolio fotográfico

Dino Bruzzone | Curador: Aldo Bressi Dino Bruzzone nació en Paraná, provincia de Entre Ríos. Es arquitecto, y ha realizado exposiciones de fotografías, individuales y colectivas, a nivel nacional e internacional. Su obra fotográfica se caracteriza por la realización de maquetas, que él mismo minuciosamente construye, para después ser fotografiadas con una cámara de placa con negativo de tamaño 20 x 25 cm. A través de la maqueta, hace una reconstrucción escenográfica, reproduciendo en escala lugares que forman parte del imaginario colectivo, como por ejemplo: el Italpark, la bandera argentina del mundial de fútbol 78, Kiss, etc. + www.dinobruzzone.com

Link a la nota: http://9010.co/dinod

+ Valentina, 2009

+ Valentina, 2009

+ Baba Yaga, 2010

+ Venus, Historia de O, 2008

+ Kiss Alive, 2011

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mundo creativo 143 premium

Texto: Natalia Iscaro

La hora más lujosa En Ginebra, el “savoir faire” se dice Rolex. Y este concepto se expandió al mundo. Es por eso que fue tan esperado el último lanzamiento, durante Baselword 2011, de los nuevos cinco modelos de su reconocida gama Oyster. Con la precisión, el rendimiento y la elegancia de siempre, la marca incorpora su herencia histórica, acompañada de las últimas innovaciones técnicas y estéticas. Explorer II celebra, este año, los 40 de su lanzamiento. En su nueva versión, presenta una caja ampliada de 42 mm, y está dotado de un nuevo movimiento calibre 3187, que integra amortiguadores de golpes Paraflex y una espiral antimagnética Parachrom, dos tecnologías exclusivas de Rolex.

Luego está el Yacht-Master II, cuyo revolucionario cronógrafo de regata cuenta con un sistema de cuenta programable. Por su parte, Cosmograph Daytona, posee un innovador bisel que evoca sutilmente al de 1965. Estas dos últimas novedades se presentan también en Everose, una aleación exclusiva de oro rosa de 18 quilates, de un color y brillo únicos, patentado por Rolex.

Del Date Just Special Edition puede decirse que cuenta con un bisel liso, adornado con 12 brillantes engastados y esferas Goldust Dream, decoradas con motivos en oro sobre nácar, y es el primer modelo de 34 mm en Everose de 18 quilates. Y finalmente, el Lady-Date Just, de 26 mm, en Rolesor amarillo o blanco, y con un bisel engastado y sus exclusivas esferas Gold Crystals, que dejan ver los cristales de oro, únicos en cada reloj. + www.rolex.com

Homenaje a Bizancio Una marca como Chanel no se hace desde las cenizas. Más bien, se hace a partir de artesanos que han sabido cultivar la riqueza de la elaboración de cada pieza, como los custodios de un tesoro invaluable ¿Quiénes son? El joyero de vestuario Desrues, el especialista en plumas Lemarié, el bordador Lasage, el zapatero Massaro, el sombrerero Michel, el orfebre Goossens, y el especialista en accesorios florales Guillet.

Este año, por novena ocasión desde 2002, Karl Lagerfeld les dedica una colección exclusiva. “La inspiración no es una copia, sino un punto de partida, que nos lleva a un lugar nuevo”, afirmó el diseñador. Así, en una ambientación propia de un palacio otomano, el creador revisitó los colores vivos, oros antiguos, esmaltes e íconos de Bizancio y su esplendor. Túnicas y togas cobraron nueva vida en drapeados asimétricos, con paneles sueltos en la parte delantera y trasera, dando vida a una nueva silueta femenina, igualmente contemporánea.

Oro, satén de cuero, terciopelo, casimir, gasa de encaje y tul fueron los materiales que dieron nacimiento a tramas ásperas, aunque sofisticadas. Cinturones y joyas acompañaron con filigranas de metal dorado, esmalte y cuentas. Piernas con medias largas y diseños geométricos terminaban en sandalias, botas a la altura de los muslos o zapatillas de ballet, en colores vivos u oros. ¿Las bolsas? Junto con los monederos, en reflejos dorados con incrustes y apliques. Un homenaje a puro glamour, como sólo puede hacerlo Chanel. + www.chanel.com

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+ english summary Paul Priestman Pages 52-55 Mr.Inventor He is the CEO and founder of Priestmangoode, a company devoted to the development of projects as varied as the designing of airplanes and trains, and the production of design water flow meters and radiators. Founded by Priestman and his college mate Nigel Goode, Priestmangoode has quickly gained a worldwide reputation in disciplines that include from 3D and packaging to interior design of hotels, trains or airplanes. Priestman and Goode, who have won many contests and awards, define themselves as solution makers, from the smallest to those of colossal dimensions. They believe that design is not only the creation of good looking objects, but also the making of products and services that are considerably better.

Valeria Pesqueira Pages 56-59 A Kawaii Universe In 2001, designer Valeria Pesqueira embarked on the design of the first garments for the brand that has her surname as a name and, as a special feature, a unique attention to childlike, tender prints. Pleasant and wearable designs enhanced by sweet animals in daily life situations and plants in fresh tones that Valeria creates with different artists and illustrators. At present, Pesqueira is a synonym of kawaii clothes -meaning “nice” in the Japanese culture- and of argentine design for export that celebrities such as Katy Perry wear. The brand has managed to enter tough and remote markets like the US and Japan. This is a clear sign that when a product is original and of good quality, it finally calls the attention of the world’s fashion centers.

Alex Posada Pages 60-63 Light, Sound and Movement This electronic engineer has lived between machines, computers, electric circuits and cables for many years. He is always exploring ideas in order to create new acoustic and visual experiences, or even better, to accomplish both at the same time. He works in Hangar.org – a key center for multimedia and interactive developments in Barcelona-, as coordinator and developer of projects. “My first task in Hangar was planning a new Investigation and Development space for digital artists that we called “Interaction Lab” and where most of the things I am doing presently take place. This is where my team works and where we help artists make their ideas happen every day. I can say that my dreams have come true”.

Barry Blitt Pages 64-67 Consistent Sense of Humor For several years, Barry Blitt’s concept art has been a usual main feature in The New Yorker magazine cover or in the politics section of The New York Times. He had always kept the relatively common anonymity of an illustrator, until on July 21st 2008, his controversial drawing of Barack Obama and the First Lady accidentally catapulted him to fame and set a before and after in his life. His sometimes nervous lines in ink or watercolours stand out, as he uses a traditional visual language that communicates contemporary subjects in a sort of naïve, introspective and acid way. However, his tone belongs to a timeless and universal era of graphic humor that uses parody, clichés and the literal to ridicule the obvious and to highlight the implicit. gt_2P Pages 68-71 Digital DNA They were present at Stockholm’s Design Fair and in Milan’s SaloneSatellite, and they have just opened the Soe and Circus bars in Santiago’s new casino Enjoy. They mix handicrafts with digital forms as their main working methodology. Curvilinear lamps, spiral bookshelves, undulating tables and ramified flow-

Translated by: Lucrecia Bertani

erpots coexist and diversify in several lines of products. Rules, algorithms or DNA chains systematize the acquired knowledge in each step of the process. This is how the members of gt_2P, a Chilean studio of architecture, digital production and parametrical design, define their work. Their operational base is in Chile and it is formed by Guillermo Parada, Tamara Pérez, Sebastián Rozas, Alexy Narváez, Diana Duarte, Álvaro Pineda Ancieta and Juan Pablo Ugarte.

SRZ Pages 72-73 Music Recreates your World Soledad Rodriguez Zubieta (SRZ) enjoys musicalizing. She likes dancing but she is not a DJ. She has definitely earned her place as a music curator using distinguished sounds to make distinguished occasions. She has now her own working method in a project which is many things at the same time, but that is clearly centred in the added value of music and its power of identification. She created Modular Música (the new project she directs) after many experiences in setting music in bars (such as the one in the Faena Hotel, for example), fashion runways and radio shows. Moreover, she has her own section in Radio Metro 95.1.

Emiliano Godoy Pages 74-77 “Design is much more interesting when it is not only nurtured by design” He is 37 years old and was born in Mexico, where he nowadays lives and he develops his professional career designing furniture and objects that are part of the movement of sustainable design. “I think that more than ecological, design ought to be good and beneficial. Ecology is just one of the values I consider to be fundamental”. Pirwi is the second project which enables him to live from his ideas. It is a furniture brand he started with Alejandro Castro in 2007. “We made the decision of creating home furniture that followed all the environmental and social norms we thought were correct, to prove that responsible production is possible. Nowadays, I am the Designing Director and we have pieces from sixteen different designers”.

Denis Darzacq Pages 78-81 Hanging Bodies Last May, in the Alianza Francesa of Buenos Aires, the French photographer Denis Darzacq presented his work called La Chute (The Falling), for which he got the prestigious World Press Award. He shows the movement of bodies in the urban space: in Paris and its suburbs, the bodies seem to be falling from the sky or from a balcony; fallen or suicidal angels. They seem to be in levitation, making a reference to superheroes from pop culture, videogames or science fiction. The amazing fact is that there are no tricks or digital interventions. They are all dancers and sportsmen shot when doing great jumps in previously chosen contexts. Nothing was left to chance in the construction of these images and, nevertheless, everything was out of control: no jump will ever be the same again. Time is in suspension and the camera catches an instant that is usually lost in movement.

The revolution in digital content Pages 82-87 From Gutenberg to Jobs Gutenberg revolutionized the way books where printed and, therefore, how information was spread: he made books cheaper and more reliable thanks to serial copying while contributing to the distribution of ideas. Today, with digitalization, information has become independent of its physical container (an MP3 file is exactly the same no matter the place of storage), accessible from any geographical location (if it is in a server connected to the Internet it is available from almost anywhere in the world), and malleable: any picture, video or text, are made of ones and

english summary zeros that can be modified at will.

Computers and Internet made the digital distribution of contents easier. Digital media has many convenient advantages and today everything is made of binary code: movies, photos, music, texts, drawings, and of course, software that transforms this language into something comprehensible for humans. It is now possible to offer a really good quality piece of art avoiding those problems of traditional production methods. The choice of a physical medium, the durability, and the monetary cost are no longer things to worry about. “We live in a conceptual structure that was created in the 19th century. Distribution has changed while confronting those who expect the pieces of art to be a commercial good attached to a specific physical medium -Beatriz Busaniche, from Fundación Via Libre, assures-, the challenge is to find a way around it and make the most of the digital era”.

2011 Berlin TYPO Pages 102-104 The Evolution of Typography The international conference of Graphic Design in Berlin, with a special emphasis on typography, proposes a different main subject every year, being “shift” the chosen one for its 2011 Edition.

Each of the expositors talked about how to take design to the next level and in which ways this relates to our context, new media and technologies. Regarding typography, the presentations covered different approaches: from the manufacture and investigation process to make a font, to the ways of improving the reading in an iPhone or iPad. Examples of comprehensive branding works and issues of the oriental typography were also included. arteBA 2011 Pages 106-110 A Window of Contemporary Art In its 20th anniversary, the contemporary art fair of Buenos Aires strengthens its international presence and bets on renovation. The venue was full of local and international galleries that did not only care about offering good quality proposals but also paid special attention to “keeping the fair aligned to the international standards,” according to members of the arteBA Foundation. More than 120 thousand visitors witnessed this event that has been growing in artistic initiatives, in the presence of museums and charities, and with the permanent support of private companies.

Moreover, the arteBA-Petrobras Visual Arts Award spared no controversies once more, showing the path for local art into a “profound aesthetic austerity” and to a “modern search of the extreme,” in words of the curators. In addition, there was an increasing attendance of collectors, both local and international, in the search of establishing Buenos Aires as a must in the artistic world calendar.

Arnet in ArteBA Pages 112-115 Art without Intermediaries After five years of being present in arteBA, in this 20th Edition, once again Arnet was able to amaze us with its special space called “Arnet connects you with art”. A stand transformed into a multisensory workshop where the key point was the interaction between visitors and artists in their creative processes.

The curator in charge of this proposal was Máximo Jacoby who, within the program “Arnet, Culture for All”, chose four different artists for this occasion: Romina Orazi, Marcela Cabutti, Elisa Strada and Roberto Padilla. Each of them worked in different scenes and situations, which, far from being passively observed by people, were able to create a direct connexion between the artists and the visitors.

Buenos Aires Automobile Salon Pages 116-119 Design Trends and Automotive Technology After four years, the exhibition took place again in La Rural

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premises. We were there in the search of those models of cars that set new trends in design and technology. General Motors presented Cobalt, a car concept that works as a preview of the lines for an up coming small global sedan, as well as the provocative Colorado Rally Concept, a preliminary showing for a new medium sized pickup. Renault introduced the concept car Dezir, a design that mixes fluid and aerodynamic lines in the most natural way. Ford’s Iosis Max is a van that calls one’s attention. It has a coupé style and it counts with a backwards sliding doors system. Peugeot surprised us with its SR1, a convertible sports car for three people, equipped with both a gasoline and an electric engine.

2011 PuroDiseño Fair Pages 124-127 Let Color Guide your Ideas Once again, the fair that gathers artists, creatives and designers in just one place, was held. In seven days, more than three hundred proposals, as varied as equipments, clothes or jewels were shown. All this was part of the 11th edition of the design and trends fair PuroDiseño, which had the “colors” concept as guideline. Besides, the fair had several thematic spaces: Pure Green, Sustainable Museum, Dry Park, Art Walk, The Selection, and Jewellers in Action. Pure Green stood out as a spreading platform for eco-sustainable designers. In addition, several workshops and business rounds were held.

2011 Puma Urban Art Pages 128-130 Street Art Festival The 2011 Edition of Puma Urban Art festival that took place in the Centro Cultural Recoleta, lasted for two days -May 28th and 29th-, and was free and open to the public.

It started with an opening party on Friday 27th, where music bands such as Modex, Adicta and the New Yorker growing band Class Actress played. At that moment, everything was set up for artists -led by the English D*Face and the Americans Frank Kozik and Mark Veca Dean- to show some of their work that has established them in a well known position in the international contemporary art scene. From the local art world, Patricio Oliver, Bosque, Álvaro Ortega Bianchi, Juan Abba, Pablo Gamba and Fabricio Calorei, also presented their works. In addition, there were documentaries, short films, panel talks and more music bands, spread on an interesting and complete grid.

César Jannello Pages 132-136 Redefined Modernity The versatile figure of César Jannello goes further than his job as an architect, designer or artist; and covers his relationship with the industry, Politics and Education as a cultural operator.

Nowadays, his legacy is scattered on a bridge that crosses Av. Figueroa Alcorta in Buenos Aires, a pavilion of the Bellas Artes National Museum, a chair that is part of an argentine design collection of MAMbA Museum, a morphology book and many prestigious academic papers, acknowledged by a metal plaque that reads his name in a classroom of FADU-UBA. At present, the firm Jannello Design Editor reproduces the substantial inheritance.

His granddaughter María, who directs the Studio, tells us: “In order to reproduce the original models, we had to study exhaustively the formal and constructive processes; recreating production methods of that time, such as working with a cabinetmaker”.

Photographic Portfolio Pages 137-142 Dino Bruzzone He was born in Paraná, Entre Ríos Province. He is an architect and he has held exhibitions of individual and collective photos at national and international venues. His photography is known for its use of scale models that he himself meticulously produces and shoots. +

+33 90mas10.com.ar info@90mas10.com.ar

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Costa Rica 4767 Librería Temas - UADE Lima 767 – Hall Central Galería Ernesto Catena Honduras 4882, 1º Piso Online - Tienda Linda www.tiendalinda.com.ar Interior El Pasillo Libros Diagonal 78 Nº 680, La Plata Biblioteca Central (Univ. Nac. de Mar del Plata) Funes 3350- Subsuelo, Mar del Plata Librería Metavisual 1º de Mayo 2746 PB, Santa Fe Santiago de Chile Cómodo Tienda de Diseño Drugstore Providencia 2124 - Local7 Tienda Lovit Drugstore Providencia 2124 - Local 25A

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Muebles con historia Sabrina Merayo Nuñez es artista plástica, y trabaja restaurando e interviniendo muebles de estilo o de época con material de descarte, y antigüedades como hormas de zapatos, ruletas, bijouterie, relojes, billetes antiguos, libros, discos, corchos, etc. También gusta de hacer ensambles con los más disímiles materiales, como es el caso del pequeño Gamper, un sillón armado con una campana de cocina, cajones de bidu, cola, corchos, perlas, patas de discos y un hasta un sweater como almohadón. Es así como se generan piezas únicas, de colección, que cuentan una historia. + www.merayonuniez.com