Revista 90+10 #36 by 90+10

+36 + I´m romantic de Izak Zenou. www.izakzenou.com

sumario +mundo creativo 010 diseño, art toys, experiencia konex, arquitectura, arte, publicaciones, green design, lugares, publicidad, marketing, moda, música, destinos, eventos, branding&diseño, agenda, premium, gadgets, vehículos

+especial 048 Inspiration Fest Buenos Aires 2011 058 060

096

vehículos Skating El boom de patinar

+clásicos contemporáneos 103 104

diseño Bombay Sapphire “Keepsake” Massimo Vignelli La eternidad concreta

Un encuentro que despierta los sentidos Serial CutTM Conectado con el mundo Leonardo Eyer Tan cerca, pero tan lejos

+personas creativas 062 070 066 072

diseño Inga Sempé ¿Qué tiene Inga? Franc Vila El lujo como consigna

ilustración Nathan Jurevicius Creando personajes y universos Izak Zenou Una historia de amor

+ideas creativas 082 088 094 082 090 092

moda Bipolar

tecnología Ford Kinetic Summer Attraction De vacaciones con tecnología

diseño Revolución material en el diseño Primavera del diseño en Santiago

arte ArtFutura 2011 Repasando el futuro

+ Lámparas de mimbre plástico de La Feliz. www.lafeliz.com

+portfolio fotográfico 108

Lucila Godoy

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+english summary

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+conexión

+36 + Wall of birds de Nathan Jurevicius. www.scarygirl.com | www.nathanj.com.au

staff

Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010

Asistente Editorial Laura Piasek laura@90mas10.com.ar @laurapiasek

Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010

Diseño Gráfico Hernán Patto Leandro Marenzi Diseño de Tapa Patricio Oliver www.patriciooliver.com.ar

Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar Departamento Comercial publicidad@90mas10.com.ar

Colaboran en esta edición Aldo Bressi, Carolina Prioglio, Cecilia Fibbiani, Diego Giaccone, Elvio Orellana, Fátima Fargas, Fernanda Cohen, Germán Andrés, gt2P, Javiera Eyzaguirre, Javier Villa, Jorgelina Peciña, Lucrecia Bertani, Maia Croizet, Natalia Iscaro, Patricio Oliver, Ricardo Sametband, Rodrigo Farías y Wustavo Quiroga Nuestros colaboradores Diego Giaccone Diseñador gráfico UBA. Presidente y fundador de SURe Brandesign, empresa especializada en diseño y consumer brand. Fue Premio Konex 2002, como uno de los cinco diseñadores destacados de la década. Editó el libro “QueBranding!”, y es uno de los fundadores del colectivo tipográfico Sudtipos.com. En 2011, creó el evento de diseño “Reality Design”, con lo mejor del “diseño real”. Las fotos que saca en sus viajes, son tapa de la publicación Carta de Publicidad, bajo la colección Street Trends. En 90+10, hace hablar de diseño a los gerentes de marketing. + @diegogiaccone

Wustavo Quiroga Diseñador industrial y gestor cultural. Se especializa en el planteo de identidad y comunicación institucional, y en el desarrollo de empresas creativas. Fundador de instituciones y proyectos de gestión independiente, coordina el área de diseño del Centro Cultural de España en Buenos Aires y es el presidente de la Fundación del Interior - Museo En Construcción, responsable de la formación de colecciones argentinas de arte, diseño y arquitectura, bajo lineamientos de rescate patrimonial y puesta en valor. Se desempeña como curador, coordinador editorial e investigador en el área de diseño argentino. Colabora con 90+10 desde 2011, entrevistando a reconocidos diseñadores locales. +

Distribución en kioskos CABA y GBA Vaccaro, Sánchez y Cía. S.C. Moreno 794, Piso 9º Tel. (+5411) 4342-4031/32 Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114

Producción Gráfica Help Group www.hgprint.com.ar info@hgprint.com.ar

Suscripciones Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 Fax (+5411) 4314-7135 cp67@cp67.com

Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

Librería Concentra Montevideo 938Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar

Domicilio Legal: Av. Raúl Scalabrini Ortiz 2553 – Piso 13 “E” (C1425DBG) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina Domicilio Redacción: Cerviño 3814 – Piso 4 “A” (C1425AGU) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | 90mas10.com.ar Revista 90+10. Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas firmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual Nº 943748 | ISSN 1668-6403 Año 8 - Nº36 – Enero / Febrero 2012

+36 + Muestra de ilustración Ecléctico 01 y de skates intervenidos por artistas Retro Skate Art en Inspiration Fest. Foto: Nicolás Colombo. www.inspirationfest.com

editorial Luego de un intensísimo año como fue el 2011, la mente y el espíritu reclaman un poco de tranquilidad, para descansar, analizar y proyectar los días que se vienen; es ahí donde hacen su entrada triunfal las tan ansiadas vacaciones. Tiempo de reencontrarse con uno mismo, de compartir momentos con la gente querida, de despejarse, de dejarse seducir por un hermoso paisaje, de conocer nuevas personas, de perder la mirada en el horizonte, y soñar con lo que queremos para nuestras vidas el nuevo año, y también para los que siguen. Expectativas, entusiasmo, ansiedad y, por qué no, un poco de susto también, por el futuro que sí podemos intuir, pero que siempre nos sorprende, enhorabuena, más allá de nuestros cálculos. “No podemos bañarnos dos veces en el mismo río”, dijo el filósofo presocrático. Y como en este mundo, lo único constante es el cambio, luego de tanta profecía maya para este 2012, vivamos con alegría cada una de las etapas de nuestras vidas. Así que hora, en vacaciones (y después también), ¡a divertirse! Por eso, para acompañarlos en ese “break” tan necesario, desde el lugar en que cada uno elija para recargar sus energías, es que extendimos un poquito más nuestro trabajo, y les acercamos esta edición de 90+10, para disfrutar en los días de calor. +

+ Foto: Lucila Godoy www.lucilagodoy.com

Marcela Fibbiani Editora

CONEXIÓN DIGITAL Con los links de 90+10 (9010.co), accedés directamente a la versión digital de la nota (disponible para las secciones: personas creativas, ideas creativas, clásicos contemporáneos, portfolio y especial), para poder compartirla, comentarla, ver más material de fotos y video, y acceder a los todos links vinculados. Una nueva manera de conectar el medio en papel con el mundo digital. + 90mas10.com

IMAGEN DE TAPA Le pedimos al ilustrador australiano Nathan Jurevicius, conferencista invitado de Inspiration Fest 2011, que creara una imagen exclusiva para la tapa de esta edición de 90+10. Le sugerimos que usara alguno de sus personajes, en un contexto argentino. Y esto fue lo que Nathan nos devolvió: un diálogo entre el búo reina Peléda y el mito de la región del noroeste argentino Orco Mamman (o madre de la colina), descripta como una hermosa mujer que custodia el oro y la plata en la alta montaña, que se enoja si los mineros se exceden en la extracción de metales preciosos. El trabajo se completó con la incorporación de texto por Patricio Oliver. ¡Un excelente trabajo de equipo, del que estamos muy orgullosos! +

010

+ mundo creativo

Texto: Fernanda Cohen. Foto: Gentileza IC

diseño

CityBench

Bancos neoyorquinos Nueva York está lleno de argentinos -me vienen diciendo hace años-, ¡pero nunca me cruzo a ninguno! Ya no más. Ignacio Ciocchini, diseñador industrial argentino radicado en la gran manzana, fue elegido recientemente por la administración de Bloomberg, para liderar el CityBench Program y hacer historia como creador de los primeros bancos diseñados especialmente para las veredas de toda la ciudad de Nueva York. Los bancos públicos neoyorquinos hasta el día de la fecha -excepto el World’s Fair Bench, desarrollado en 1938 por Robert Moses y Kenneth Lynch- son de diseño de catálogo, y sólo se encuentran en parques, plazas y proyectos con alcance barrial. Aunque parezca ridículo, Nueva York nunca tuvo un banco hecho a su medida. El objetivo detrás de esta iniciativa, es complementar el incentivo del uso del transporte público (junto también a la adición de 600 estaciones urbanas nuevas para bicicletas), y proveer confort a los peatones neoyorquinos, con un enfoque más específico en la gente mayor y en los discapacitados. Ignacio, quien ya había estado a cargo del diseño de equipamiento urbano para el barrio de Chelsea en Nueva York en el 2008, me cuenta que “Cuando empecé a diseñar el banco, lo primero que hice fue salir a la calle a observar a la gente, para ver cómo estaban usando los bancos existentes, y noté que los asientos no estaban ofreciendo el suficiente `espacio social´ para sentirse cómodo y poder moverse, sin molestar al vecino. El ancho del asiento tomó muchísima importancia como requerimiento ergonómico. Por eso, cada asiento individual tiene un ancho de 67 centímetros, con una separación de seis, en los que se encuentran los apoyabrazos. El diseño fue inspirado por el constante movimiento de Nueva York, así es que

la textura de los asientos -lograda por corte láser-, parece estar en movimiento. Este efecto se logró combinando cuidadosamente el uso de la asimetría y una falta de alineación coreografiada de las perforaciones, que también tienen la función de disipar el calor en verano, dejar caer la nieve en invierno, y asegurar que no se junte agua sobre el asiento cuando llueve”. Los bancos son de tres cuerpos, con un diseño que es elegante, informal, moderno y universal a la vez, hechos de metal carbónico doméstico, en dos modelos diferentes: con y sin respaldo. El costo aproximado de cada uno es U$S1.800, y la Federal Transportation Administration costeará el 80% de los tres millones de dólares que saldrán los mil bancos a distribuirse estratégicamente por toda la ciudad, entre el 2012 y el 2015. Con el fin de incentivar la participación comunitaria y el entusiasmo por semejante emprendimiento, la administración de Bloomberg abrió la posibilidad de que el público también pueda sugerir, a través de un formulario online, dónde le gustaría tener CityBenches. Mis sugerencias: Union Square y Plaza Francia, cosa de explotar el talento nacional local e internacionalmente… ¡Y con mucho orgullo! + www.nyc.gov

012

+ mundo creativo

Texto: Laura Piasek

diseño

Minimum Kids House

Diseños icónicos a medida La casa de mobiliario moderno Manifesto, alberga en un mismo espacio, diseños internacionales de la talla de los de Kartell –la empresa italiana que instaló materialidades, modelos y colores en el mundo de la decoración- y los de Haworth –uno de los líderes en muebles de oficina-, junto con obras de diseñadores locales. Es así que ahora presenta Minimum Kids House: una recreación de los clásicos, pero esta vez, en tamaño reducido. Y es que en su afán por acercar el diseño a la mayor cantidad de gente posible, la marca redujo sus formas, y extendió su alcance a los más chicos. Con piezas de vanguardia, que ostentan dosis proporcionadas de arte y diseño, la nueva propuesta incluye objetos en los que la calidad es la norma, y la atracción,

inmediata. La cruzada, llevada adelante por la diseñadora Vanesa Berelsona, contó con la participación de diseñadores, ilustradores y artistas locales, que hicieron su aporte con piezas altamente personalizadas. La cuna Nido by Krethaus, el puff Honguito by Sabe Bonito, las postales by Yael Frankel for minimum, el perchero Árbol y la silla Lou Lou by Philippe Starck para Kartell -una adaptación de la versión “baby” de la famosa silla Louis Ghost, fabricada también en policarbonato transparente como su antecesora-, son algunas de las creaciones que se pueden visitar en el showroom de Manifesto en Palermo, Humboldt 2160. + www.manifestoweb.com

Anna Gong, por Alessandro Mendini Explorar en el campo de la estética, porque en términos de funcionalidad, está todo inventando. Ésa es la convicción que guía el proceso creativo de la firma italiana Alessi, referente internacional en materia de diseño, y que se pone en práctica cuando de acobijar nuevos proyectos se trata. Anna Gong, la frutera del diseñador italiano Alessandro Mendini, es uno de esos objetos que responden a esa premisa. La frutera plegable de acero inoxidable, además de ser un guiño al sacacorchos del mismo Mendini, bautizado con el mismo nombre de mujer, es un homenaje al “art. 898”, el frutero clásico que fue un

éxito de ventas de Alessi en la década del sesenta. La inclusión de Anna Gong en el catálogo de la productora, se da en el marco de un ajuste en el proceso de selección de objetos por parte de la empresa. Es que el responsable de la marca, ha declarado que se ha “acostumbrado al público a un número excesivo de propuestas, corriendo el riesgo de que se pierda la visión del valor de cada uno de los proyectos”. Todo esto, con el objetivo de ganar en calidad. Menos, pero mejor. + www.alessi.com

014

+ mundo creativo

Texto: Laura Piasek

diseño

+ Segundo Premio: “Un lugar único” de Ana Kazaroff.

+ Primer Premio: “Un lugar en el mundo” de Erika Elizabeth Vines.

4° Concurso Fernet Branca Arte Único Fernet Branca realizó la entrega de premios de la cuarta edición del concurso nacional de afiches Arte Único, en el Malba-Fundación Costantini. Bajo la temática “Un lugar en el mundo”, se presentaron 21 obras que serán parte de la Muestra Itinerante 2012, que recorrerá los museos y bares más importantes del país. La ganadora del primer premio fue Erika Vine, de Neuquén, con “Un lugar en el mundo”: un collage fotográfico con técnicas digitales, que emula un mundo de fantasía, en el que una isla tiene la forma de una botella de Fernet Branca. “Me concentré en buscar un lugar en el mundo que no dijera nada a simple vista, sino que lo esencial estuviera más allá. Entonces, pensé en una isla: en los mapas, hay muchas que parecen iguales entre sí por su superficie, pero nunca vemos su forma submarina”, comentó Erika, sobre el disparador que inspiró su afiche. “¿Qué me motivó a participar? Intento estar conectada con el circuito del diseño y el arte, además, tengo un cariño particular hacia esa bebida, que nunca falta en ninguna reunión”, agregó la ganadora, egresada de la carrera de diseño gráfico de la UBA en el 2009, que eligió la técnica de su trabajo en función de crear una atmósfera que fuera lo más real posible. El jurado encargado de seleccionar a los premiados, entre los 300 trabajos recibidos, estuvo integrado por Juan Cavallero (fotógrafo), Omar Panosetti (artista y director de arte), Carolina Antoniadis (artista plástica), Julio Suaya (docente y degustador de arte) y Enrique Longinotti (arquitecto y docente). Con la conducción especial de Lalo Mir, además del primer premio de $10.000, se entregó el segundo a Ana Kazaroff, de la Ciudad de Buenos Aires, y el tercero

+ Tercer Premio: “Un lugar único en el mundo” de Manuel López Arambarri.

a Manuel López Arambarri, de Bahía Blanca, quienes recibieron $ 8.000 y $ 6.000 respectivamente. Una vez más, Fratelli Branca reafirmó, a través de su Muestra Itinerante en distintos museos del país, y su concurso de afiches Arte Único, su compromiso con el arte y la promoción de las obras de jóvenes promesas a lo largo del país. + www.arteunico.com.ar

016

+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver

art toys

Monster Toytem El tótem del horror

En tiempos donde la pequeña industria de los art toys se ve fuertemente golpeada por la crisis mundial, los artistas y diseñadores encuentran maneras de seguir creando estos objetos de colección, sin perder en el camino, originalidad o factor sorpresa. El norteamericano Gary Ham es un vivo ejemplo de esto, al crear el Monster Toytem, una amalgama perfecta entre los elementos que componen al art toy. Por un lado, esta pieza de más de 14 pulgadas de alto, se encuentra realizada en su totalidad en madera, que el mismo Ham talló, y a la que luego dio color con pinturas vinílicas. Se trata de una pieza única, y forma parte de la exhibición del colectivo artístico Circus Posterus, que se realizará en el salón de invierno de la galería Strange Factory de los Estados Unidos. Por otro lado, lejos de sólo ser una obra de arte, el tótem cuenta con 7 piezas individuales de 2 pulgadas aproximadamente cada una. Cada uno de los módulos, representa varios personajes, que Ham ha creado a lo largo del año 2011. Contando con un alto valor lúdico (cada parte es intercambiable de lugar), y una temática que parece recorrer la totalidad del bestiario de monstruos populares, hace pensar seria-

mente cuánto tiempo pasará hasta que este tótem cobre forma como una figura en vinilo, o como una serie de blind box. Ham es conocido por su versatilidad a la hora de utilizar materiales para crear sus criaturas, manteniendo siempre su sello característico. Desde peluches -que dicho por el mimo Ham, “aprendió a hacer especialmente para un show hace pocos meses”- a figuras de madera de serie limitada, como muñecos de vinilo producidos por él mismo, sin recurrir a las grandes compañías ya conocidas. Ham personifica, de manera muy clara, la imagen del “hazlo tú mismo” y la autogestión, lo quel le ha dado un espacio muy destacado y reconocido, inclusive entre sus pares de la escena del designer toy. Cabe aclarar que aquél que quiera adquirir esta monstruosidad tan simpática, deberá contemplar que su precio será bastante elevado, dado su carácter de pieza única. O simplemente, conformarse con alguno de los otros productos que el señor Ham vende en su tienda virtual. + www.strangerfactory.com www.haminals.blogspot.com

018

+ mundo creativo

Dancing Mood bajo las estrellas

El verano hace que Dancing Mood se mude al aire libre y toque bajo las estrellas, todos los jueves, del 19 de enero al 22 de marzo inclusive, en el patio de Konex. Una banda instrumental que reivindica a grandes maestros de la música de los años 40, 50, 60 y 70, principalmente, standards de jazz. Hugo Lobo y los suyos editaron el disco triple “Non Stop” con 47 temas, que fueron cerrados definitivamente en el mes de junio en el estudio MSL, grabado por Juan Armani y masterizado por Mario Breuer. Dennis Bovell y Clifton “Bigga” Morrison fueron los encargados

de seleccionar a algunos de los cantantes que grabaron, según los temas que Hugo Lobo presentó. Contando con la orquesta “deluxe” armada para acompañar a Dancing Mood desde el 2007 y como invitados en nuestro país, Rubén Lobo, Pablo Lezcano, Damas Gratis, Flavio Cianciarulo, Juan Valentino, Miguel “Maike” de Luna Campos, Nicolás Ottavianeli, Germán Windows, Débora Dixon, Ibón Guzmán y Ernesto Conrado, en dirección y arreglos de orquesta. + Jueves a las 21 hs. Ciudad Cultural Konex – Sarmiento 3131, CABA.

Combinado Argentino de Danza Cronómetro es el espectáculo presentado por C.A.D. (Combinado Argentino de Danza), un grupo abierto, inestable, caótico, heterogéneo y espontáneo, formado por bailarines contemporáneos, de hip hop y de malambo. Cronómetro es una performance regida por la medida del tiempo de bailar juntos. La imaginación del cuerpo en acción, para bailar hasta quedar exhaustos. Todos están invitados a ver, sentir y bailar, también en el patio de Konex. Con la creación e interpretación de Jimena Perez Salerno, Nelson (Wizard) Simonelli, Marcelo (Coco) Martines, Gabriela Pastor, Laura Aguerreberry, Laura Zapata, Braian (Millo) Moya, Bruno Lil’Dragon Klewzyc, Agustín Franzoni, Ramiro Magozzi, Mariela Puyol, Flor Bogado, Lucía Disalvo, Cautivo, Jesús Guiraldi y Nelson Barrios, entre otros. + Viernes 10, 17, 24 de febrero y 2 de marzo a las 21 hs. Ciudad Cultural Konex – Sarmiento 3131, CABA.

Cine al aire libre: Noches Fantásticas Un ciclo de cine argentino de suspenso, terror, fantasía y ciencia ficción, y al aire libre. Todos los martes, del 10 de enero al 13 de marzo inclusive, el patio de Konex ofrecerá al público la posibilidad de ver una selección de películas argentinas de estos géneros, y de encontrarse con destacados invitados relacionados con las mismas. El patio estará ambientado con sillones y reposeras. Una actividad ideal para las noches de verano en la ciudad, y dejarse llevar por el placer de lo inesperado, la irrupción de lo extraño, las especulaciones temporales, los sucesos fantásticos, el humor y el miedo. El multifacético artista Diego Recalde oficiará de anfitrión y presentador, animando la velada, junto a los invitados especiales y el público. + Martes a las 20.30 hs. Ciudad Cultural Konex – Sarmiento 3131, CABA.

020

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro. Foto: DavidLotric

arquitectura

Sports Park Stozice Horizonte deportivo

Lejos, muy lejos, más precisamente en Eslovenia, una obra ha sabido confirmar por qué las instalaciones deportivas son una oportunidad perfecta para ver hasta qué punto la naturaleza y tecnología pueden convivir en obras magnánimas. Se trata del Sports Park Stozice, proyecto diseñado y ejecutado por los arquitectos Sadar + Vuga. En la ciudad de Ljubljana, la primavera de 2010 vio nacer a este estadio y espacio deportivo que, además, ha sabido redefinir las actividades de la ciudad que la acoge. Gracias a una sociedad entre el ámbito privado y el público, la obra resulta en 187.500 m² de superficie, espacio multi deportivo, con capacidad para 12 mil personas, estadio de fútbol con 16 mil asientos, y un parque abierto a la orilla del río Sava. Su mayor logro es acompañar la llanura del entorno, en tanto las monolíticas estructuras del estadio emergen del plano para continuar con la línea que, más al fondo, trazan los Alpes al norte. Sin dudas, la estrella es el estadio de fútbol, elaborado de acuerdo a las condiciones económicas, sociológicas y ambientales definidas por organismos internacionales y, como sumergido en el entorno –sólo su techo se distingue a la distancia-, hace pensar en un cráter que, alguna vez, hizo erupción. La edificación es baja y circular, con aperturas sucesivas a los lados en forma de ondas, una superior y otra inferior, que se encuentran equidistantes. Recientemente, el complejo ha sumado un shopping center de dos plantas con estacionamiento, el cual se integra desde el interior,

con aperturas generosas que hacen penetrar el verde, y con una conexión fluida con el estadio y el espacio multi deportivo. El estudio Sadar + Vuga, ganó la licitación para realizar la obra en 1997, e inició su trabajo en la zona en 2008. La firma es, asimismo, responsable por otros creativos enclaves edilicios en la ciudad, como la Cámara de Comercio e Industria de Eslovenia, todo lo cual ha transformado la fisonomía de la ciudad, y ha puesto a Sadar + Vuga en el radar mundial. + www.sadarvuga.com

022 arte

+ mundo creativo

Texto: Javier Villa

+ Cabeza de joven muchacho, 2011. Grafito y carbón de quebracho, 35 x 25 x 25cm.

Vicente Grondona Artista carbonero

Hasta el 25 de febrero de 2012. Galería Alberto Sendrós, Pasaje Tres Sargentos 359, CABA. Paisaje nervioso, la primera muestra individual de Vicente Grondona en la Galería Alberto Sendrós, podría ser considerada como un proyecto “season specific”. Es que su obra tiene algo de traslado exquisito de diversos géneros vacacionales a la sala de exposición: el boceto fumón, de trance obsesivo y enmarañado, de cierto neo-barroquismo eléctrico y “hippón”, robado a algún paisaje del interior argentino en un momento de cuelgue solitario, largo y estirado, que fue parte de una caminata de verano, y que en el taller terminará sobre una tela de otra escala y materiales –tintas, anilinas, cloro, crayón, acrílico y óleos- sobre diversos tipos de telas. O la talla de sobremesa de mediodía bajo la media sombra, con la Victorinox en mano, y un pedazo de carbón que sobró del asado, la cabeza atiborrada de vino y la actividad manual pre-siesta. Pero esta lectura pertenece sólo a una mirada manipulada por los calores y colores estivales. Grondona es, sin dudas, un investigador de la materia y un gran escultor (en estos momentos de su carrera, su escultura es, incluso, mejor que su pintura, la actividad default de su práctica) sin indicios de amateurismo y, menos aún, de artista improvisado de temporada. Elige de manera muy

precisa los trozos de carbón y, de forma miguelangelesca, libera del material los rostros, bichos o elementos arqueológicos de cierto neo-clasicismo carbónico, tomando como guía morfológica no sólo a sus apetitos creativos, sino a la forma predeterminada por el material, sus accidentes, texturas y porosidades, su tosquedad y fragilidad. Sin perder su humor y la irreverencia hacia el academicismo, existe en la exposición, como en su obra, un pasaje desde lo naif pictórico, más popular, hacia la densidad escultórica. Por un lado, su producción tridimensional se abre a referencias históricas múltiples: cabezas que pueden dar Grecia o máscara aborigen, Egipto o esoterismo de fogón, biología ígnea, pedazo de rama o columna, y que se mezclan, sin desentonar, en las repisas de un arqueólogoescultor poshistórico. Por el otro, la narrativa escultórica gana en complejidad, gracias a la carga simbólica que ya arrastra el carbón vegetal -desde el criollismo parrillero al primer lápiz sobre caverna del dibujante Neandertal- y a la carga emocional, dramática y expresiva de sus caprichos morfológicos. + www.albertosendros.com

024 arte

+ mundo creativo

Texto: Javier Villa

+ Obra de Gastón Pérsico

Doce (12)

Los doce del cubículo Hasta el 28 de febrero de 2012. Nora Fisch Arte Contemporáneo, Güemes 2967 PB, CABA. Las colectivas veraniegas de galería comercial no suelen ser más que un rejunte sin visión curatorial, destinado al olvido; una obra de cada artista del staff para hacer la plancha durante enero y febrero, meses en los que la escena local muere, para revivir hacia principios de marzo. Sin embargo, estas exposiciones ad hoc develan, de forma transparente, en una misma sala, hacia dónde está yendo una galería, qué identidad estética construye, cómo entiende y proyecta el arte contemporáneo y su mercado. Y la visita a una de estas muestras se vuelve aún más interesante, cuando se trata de una galería nueva, que empieza a tejer un cuerpo de artistas con un grupo donde la mayoría son conocidos, algunos más consagrados, otros en pleno estallido, algunas promesas y otros ignotos. Este último caso es el de la muestra Doce (12) en Nora Fisch, galería que abrió en mayo de 2010, y fue bien recibida por el circuito, gracias a algunos aciertos en la selección de artistas y la simpatía de su galerista, más allá de lo profesional. Si bien la exposición cuenta con un par de invitados (Víctor Florido y Ana Wingeyer) y otro par de la galería que no están presentes (Marisa Rubio y Marcelo Galindo, cuya obra es posible ver sólo si el visitante la solicita), doce es el número con el que trabaja Fisch actualmente, un grupo manejable de artistas, que ya implica una postura laboral. En vez de juntar número y ver qué funciona, dejando a un gran porcentaje en el olvido y trabajando sólo con la tendencia de mercado, Fisch optó por el camino correcto: un pequeño plantel,

donde cada artista, potencialmente, tiene su lugar, y puede ser trabajado según sus necesidades. Su selección, si bien no se ve mal en sala -la magia del cubo blanco-, es bastante ecléctica. Artistas que tienen armada su carrera y que sólo necesitan un acompañamiento responsable como Leonel Luna, Esteban Álvarez, Cynthia Kampelmacher, Amadeo Azar y Lux Lindner (dibujos). Otros que vienen trabajando desde hace un tiempo, pero no tuvieron visibilidad suficiente, algo que deberá empujar la galerista, como Natalia Cacchiarelli, Guido Ignatti y Julián Terán. Y, por último, las apuestas más interesantes de Fisch, que pueden formar un núcleo sin techo dentro de la galería: por un lado Rubio y Galindo, dos artistas tan excepcionales como difíciles de trabajar comercialmente, donde Fisch deberá ingeniárselas para introducirlos al mercado y demostrar que está a la altura del desafío, y que no los tiene sólo de vidriera por el prestigio que esta dificultad arrastra. Por el otro, Gastón Pérsico y Tiziana Pierri: el primero, de giro exquisito dentro de su obra en el último tiempo, abriendo su producción con una inteligencia formal y conceptual más afilada; la última, la más joven del conjunto, una pintora deliciosa y compleja, con una obra tan irreverente como madura, que tiene la frescura para darle nuevo aire a un circuito pictórico local que, a veces, puede resultar repetitivo. + www.norafisch.com

026 arte

+ mundo creativo

Texto: Laura Piasek. Foto: Cecilia Fibbiani

Movistar Arte Joven 2011 Tiempo de arte novel

Hasta el 15 de enero de 2012. Centro Cultural Borges, Viamonte 525, CABA. El maridaje entre redes sociales y arte puede tener desenlaces afortunados. Es el caso de la exposición de Movistar Arte Joven 2011, que bajo una convocatoria con dos instancias temáticas, “compartir”, y “comunidad”, reunió a 30 artistas que, sirviéndose de distintas poéticas, utilizaron estos dos conceptos como disparadores. El resultado: una muestra que abarca diversas disciplinas, como el diseño, la pintura, la ilustración, el collage, el dibujo y la fotografía, entre otras. Durante la selección, las redes sociales cumplieron un papel clave en la exhibición y selección de los ganadores. “Movistar desarrolló una aplicación para Facebook, a través de la cual los artistas podían subir sus obras junto con sus datos personales”, cuentan Magdalena Mosquera y María Menegazzo Cané, de la consultora de arte Pulpa Bureau, curadoras de la exhibición. “Fue una herramienta fundamental para darle al Programa visibilidad, estructura y masividad”, agregan. Los finalistas de esta segunda edición de Movistar Arte Joven fueron elegidos por Pulpa Bureau y Grabmedia para Movistar, excepto dos de ellas, que resultaron las más votadas por el público, vía Facebook. Cada mes, a cuatro de los artistas se les

imprimieron 15 mil señaladores con sus obras, que fueron distribuidos en los exhibidores de postales de Grabmedia, en más de 30 universidades y centros culturales de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. “La muestra tiene cierto halo innovador, que deja de manifiesto la potencia creadora de los artistas jóvenes. Nuestra intención, dentro de los parámetros con los que jugábamos, fue seleccionar obras que tuvieran muy buena calidad, tanto en su resolución formal, como en su capacidad para disparar otros significados, además de los previstos”, revelan Mosquera y Cané. A partir de la misma temática, los planteos se diversifican: hay obras que se proponen dar cuenta de la influencia de la existencia humana sobre el paisaje urbano, y otras, por ejemplo, reflejan la celebración de la amistad, como espacio de conexión y reciprocidad. “Nos sorprendió muy gratamente la respuesta multitudinaria a la convocatoria, y la posibilidad de hacer convivir tantas obras, tan diversas, en un montaje armonioso, dinámico y atractivo”, concluyeron las curadoras. Un espacio para el arte joven, digno de ser visto. + www.movistar.com.ar

mundo creativo 027 publicaciones

Texto: Laura Piasek

Imágenes Compartidas

Cine argentino - Cine español Director Editorial RICARDO RAMÓN JARNE Curadores DIEGO GALÁN, JOSÉ MIGUEL ONAINDIA Coordinación general ELVIRA AMOR, WUSTAVO QUIROGA Editorial CCEBA/ AECID Formato 23 x 24,5 cm 408 páginas Español

La idiosincrasia de un país queda al desnudo, cuando de materia cinematográfica se trata. Pero cuando en una cinta de celulosa dejan su impronta, no uno, sino dos universos culturales, el resultado es todavía mucho más complejo. Bajo este supuesto es que nace el proyecto Imágenes Compartidas, un repaso por la prolífera colaboración entre las industrias cinematográficas de los dos países: Argentina y España. El libro, que no está a la venta, pero puede verse online en la página Web del CCEBA (Centro Cultura de España en Buenos Aires), es fruto de más de un año de investigación, en manos de expertos argentinos y españoles, que rescataron, adentrándose en los archivos, fotografías de rodajes, de actores, directores y vestuarios en las distintas épocas de las coproducciones hispano-argentinas. Una muestra acabada de cómo el cine ha reflejado los vaivenes en las relaciones políticas y económicas entre estos dos países, signados por una historia, también compartida, de exilio –forzado por el franquismo, en España, y por la dictadura militar en los setenta, en Argentina- y repatriación. + www.cceba.org.ar

Project Japan

Metabolism Talks…

Autores REM KOOLHAAS, HANS ULRICH OBRIST Editorial TASCHEN Formato 17.3 x 23.7 cm 720 páginas Inglés

Autores S. SIGRIST, B. VARNHOLT, S. ACHERMANN, M. WANNAZ, G. FOLKERS FÜR W.I.R.E. Editorial GESTALTEN Formato 19,8 x 13,8 x 9 cm 70 postales en caja de cartón Inglés

Japón de posguerra. Un grupo de arquitectos, artistas y diseñadores, hacen del contexto fatídico que los rodea, su fuente de inspiración. Así nace el metabolismo, la primera vanguardia no occidental fundada en Tokio en 1960, que promovió una imagen radical en la nación entera, y traspasó los alcances de un movimiento meramente arquitectónico. Durante seis años, Rem Koolhaas, el arquitecto holandés y director de la firma OMA, y el curador de arte Hans Ulrich Obrist entrevistaron a los miembros sobrevivientes de esta corriente -Arata Isozaki, Toshiko Kato, Kiyonori Kikutake, Noboru Kawazoe, Fumihiko Maki, Kisho Kurokawa, Kenji Ekuan, Atsushi Shimokobe y Takako y Noritaka Tange-, y los resultados quedaron plasmados en Project Japan. Con una interesante propuesta gráfica, en manos de la diseñadora holandesa Irma Boom, cientos de imágenes inéditas —planes maestros desde Manchuria a Tokio, instantáneas de los metabolistas trabajando, modelos arquitectónicos, extractos de revistas y asombrosas visiones urbanas— salen por primera vez a la luz, para narrar la historia de Japón en el siglo XX, a través de su arquitectura. + www.taschen.com

Mind the Future Compendium for Contemporary Trends Una publicación en forma de postales, que resume los sucesos más importantes del último tiempo en materia de economía, sociedad, tecnología, política, demografía y ecología. Creado con la colaboración de la organización suiza Web for Interdisciplinary Research & Expertise (W.I.R.E.), es un compendio que, a partir de una aproximación interdisciplinaria, repasa los cambios que se están dando en el mundo, y se propone desarrollar nuevos conceptos e ideas para el futuro. En cada área, se presentan con rigor científico –información estadística incluida- e imágenes, diez tendencias contemporáneas relevantes. Una propuesta que pone en crisis a las ideas y pronósticos prestablecidos, y da rienda suelta a distintas formas de pensamiento lateral. + www.gestalten.com

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+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

green design

Canisse: elegancia exterior “Cada alma tiene un espacio de calma. Imagino espacios en los cuales mis objetos den un sentido de paz y belleza en un ambiente natural. Ese es el sueño que guía mi trabajo diario”, expresó alguna vez Marco Serralunga, fundador que dio su nombre, en 1825, a una de las fabricantes de mobiliario más destacadas del mundo. Con este habitual ímpetu por romper las barreras de los materiales, tecnologías y estética, para dar vida a proyectos que inspiren y deleiten, nació el sillón de exterior Canisse.

Co-creado junto al diseñador francés Philippe Nigro, en él, elegancia y confort conviven sin estridencias. De aspecto natural, su nota destacada es que, siendo para outdoor, parece una creación para el interior del hogar. Inspirado en las costas del Mediterráneo, de donde es oriundo Nigro, su respaldo asemeja a una hilera de juncos de alturas irregulares, a lo cual se suman almohadones. Toda la pieza fue elaborada en polietileno de baja densidad, y es en un 100% reciclable. + www.serralunga.com

Confeti: celebración creativa Con un aire vintage, la firma Perfectos Dragones lanzó su nueva colección de accesorios ecológicos, bajo el nombre Confeti. El lanzamiento no llega solo: acompaña la celebración de 10 años de trabajo de la marca, y es un perfecto homenaje a su filosofía. Realizadas con papel reciclado de postales y tarjetas de la marca, las piezas estarán a la venta en la tienda de Malba. “Quisimos hacer algo diferente, innovador, con diseño y divertido”, cuentan las diseñadoras. La línea, que incluye collar, aros y broche, emplea muchas de las técnicas que utilizan para sus desarrollos. En una edición limitada, Confeti expresa, con su nombre, el tono festivo de la celebración; y representa, con cada detalle, fragmentos de la historia gráfica de Perfectos Dragones, cuyos objetos han dado vueltas al mundo, y cuyas creaciones siguen sorprendiéndonos. + www.perfectosdragones.com

Texto: Laura Piasek

mundo creativo 029 lugares

Nuna

Con sabor a Perú El boom de la gastronomía peruana se sigue propagando, y esta vez, desembarca en Punta del Este, Uruguay. Nuna –alma o espíritu, en quechua- es el nombre de esta nueva propuesta de cocina de autor, que llega de la mano del chef internacional Jaime Pesaque, y que se propone recuperar la cocina peruana, en su versión más osada. Considerada hoy una de las más variadas y originales del mundo, es el resultado de una fusión de sabores más que interesante: la riqueza de la comida autóctona, la española de influencia árabe, junto con la más reciente influencia de las cocinas china y japonesa. Reconocido como uno de los mejores chefs de Perú, Pesaque tiene escuela: estudió en Le Cordon Bleu y en el Italian Culinary Institute for Foreigners. Haciendo uso de sofisticadas técnicas, rescata ingredientes olvidados y los devuelve a escena, incorporándolos a sus platos de una manera sorprendente. Los protagonistas: las distintas variedades de arroces y exóticas especies de pescado. El proyecto arquitectónico estuvo a cargo de la arquitecta Aldana

Blizniuk del Estudio Selaya – Blizniuk, de Uruguay, y fue concebido completamente en madera. Nuna ofrece a sus clientes un ambiente acogedor, con un fondo de privilegio: los bosques de eucaliptos, al lado de La Barra. La decoración, en manos de Carolina Aguilar, buscó transmitir rusticidad y confort con detalles decorativos, mimbre incluido, que dieran carácter y textura al conjunto. Con capacidad para 95 cubiertos, el espacio está diseñado en livings privados, que no renuncian a la integración con la totalidad del ambiente. Para quienes van en busca de mayor formalidad, hay también mesas convencionales. El restaurant tiene, además, un guiño a la cultura esteña: una barra en el interior, que ofrece una gran variedad de bebidas, que incluyen cócteles frescos de temporada, con frutas de la zona, así como tragos peruanos aromáticos, a base de macerados de frutas y hierbas dormidas en pisco. + www.nuna.com.uy

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+ mundo creativo

Texto: Jorgelina Peciña

El Ojo 2011

Crecimiento, inspiración e integración El festival de publicidad El Ojo de Iberoamérica celebró en noviembre su edición número catorce, con más de tres mil visitantes. Nuevamente, en el Hilton Hotel de Buenos Aires, se dio cita la creatividad en publicidad regional. Tal como explican sus organizadores, El Ojo de Iberoamérica es mucho más que un encuentro sobre publicidad. Se trata de un festival con un perfil centrado en la búsqueda de nuevas y diferentes miradas sobre la publicidad, la comunicación, el marketing y el entretenimiento, que reúne a los mejores profesionales de la región y el mundo, convirtiéndose en un lugar único de intercambio de ideas, experiencias y proyectos. Asimismo, El Ojo también es una plaza para el encuentro, el debate y la generación de negocios a nivel local e internacional, sin perder de vista la premiación a los mejores de la industria, a aquellos que día a día se esfuerzan para hacer de la región un líder en comunicación publicitaria. El ciclo de conferencias y capacitación, contó con la presencia de treinta y tres profesionales de nivel internacional, quienes compartieron su visión, ideas y conceptos con una audiencia fiel, que concurre cada año. “BRASIL NECESITA DESCUBRIR Y CONFIAR EN LA REGIÓN” Luciano Deos es diseñador y arquitecto de profesión y también, fundador y presidente de GAD, una de las consultoras de diseño y branding más reconocidas de Brasil. A lo largo de sus 25 años de carrera, cuenta con más de 90 premios, entre ellos, las prestigiosas distinciones que otorgan Cannes Lions y The New York Festival. Estas credenciales le valieron su espacio como orador en la última edición de El Ojo, para hablar del poder del diseño como herramienta para la construcción de las marcas. + Contamos cómo trabaja GAD, tu consultora de diseño en Brasil. LD GAD es una consultora de servicios para marcas, que tiene una propuesta de valor para ayudar a las empresas a transformar sus negocios, actuando en tres grandes dimensiones: estrategia, experiencia y comunicación. Nuestro modelo de operación se da a través de cinco empresas -Gad’Branding, Gad’Innovattion, Gad’Retail, Gad’Red (comunicación) y Gad’Brivia (digital), que de manera integrada, apoya a los clientes en el proceso de construcción. Con más de 26 años en el mercado, contamos con tres

oficinas, trabajando con clientes como Vivo, Claro, Samsung y 3M, entre otros. + ¿Qué significa el nombre? LD Fundé GAD cuando estaba estudiando arquitectura, con el propósito de trabajar en ambientes comerciales, integrando comunicación visual, sobre una perspectiva de diseño total. De ahí surgió la idea de nombrar la empresa como Grupo de Arquitectura y Diseño o GAD. + ¿Qué método creativo utilizan para trabajar con los clientes? LD Tenemos una metodología de construcción de marca que orienta todo el proceso de trabajo a partir de cinco grandes etapas: diagnóstico, estrategia, creación/diseño, implementación y gestión. + Sobre tu experiencia en el Ojo, ¿qué nos podés contar? LD Me quedé muy impresionado con el festival, principalmente por la organización y los contenidos. Me sentí muy bien tratado, y lo que me dejó muy feliz y motivado, fue participar como jurado y orador. Puedo afirmar que me marcó profesionalmente. Creo que El Ojo es uno de los mejores y más importantes festivales de comunicación en América Latina, y deseo que la participación brasileña crezca en los próximos años. Brasil necesita descubrir y confiar en la región, además de entender que es parte de ella. + Si tenés que comparar el diseño y la publicidad de Brasil con el resto de América Latina, ¿qué nos dirías? LD Quizá, algunos países de América Latina, en especial la Argentina, que pasaron por fuertes crisis económicas en los últimos años, fueron obligados a reinventar su industria, lo que los llevó a un abordaje creativo, para lograr un producto diferenciado y con trazos muy particulares, hecho que no sucedió en Brasil. + www.elojodeiberoamerica.com www.gad.com.br

Fotos: Nicolás Colombo y Maia Croizet

mundo creativo 031 marketing

Times Producciones en Inspiration Fest Por segundo año consecutivo, la productora de eventos corporativos Times Producciones –bajo la dirección de Horacio Palermo y Martín Weigel- estuvo a cargo de la producción técnica del festival de inspiración y creatividad Inspiration Fest 2011. Con un servicio de primera línea, el sonido, iluminación y visuales del evento llevaron la impronta del concepto de diseño que caracteriza a Times. La ambientación fue funcional y estética, y se

logró a base de elementos lumínicos -como esferas de alambres tejidos y estrellas inflables-, que vistieron cada una de las salas de Ciudad Cultural Konex. Times brinda a sus clientes atención personalizada e infraestructura a medida, en manos de personal especialmente capacitado, para garantizar el éxito del evento. + www.timesproducciones.com

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+ mundo creativo

marketing

Bebida que marca tendencia GÉAU vitaminwater es una bebida con vitaminas y minerales nacida en 1996 en Nueva York, y se presenta como una opción baja en calorías, sin sodio y sin conservantes, para disfrutar en cualquier momento del día. Cada una de sus seis variedades se distingue por sus atractivos colores y sabores, que ofrecen distintas vitaminas, que cumplen diversas funciones en el organismo. Bebida funcional número uno en Estados Unidos, es un ícono entre los trendsetters y celebrities de todo el mundo. Una marca alegre y positiva, que ya está presente en más de 20 ciudades del mundo, entre ellas, París, Londres, Tokio, Sydney, México DF, y ahora también en Buenos Aires. +

Puro by Cereza de Menta La marca de zapatillas y bolsos de colección Puro, lanza su nuevo calzado de verano, Frescas, y lo celebra con una producción gráfica en manos de Cereza de Menta, a cargo de la diseñadora Geraldine De San Bruno. Las Frescas pueden pensarse como un simple calzado, o bien, como un objeto que habla por sí mismo. Esto último hizo la responsable de la realización para disparar todo el universo de ideas y materialidades que rodea al nuevo diseño de la firma. “El proceso creativo fue bastante intenso. Trabajamos a partir de conceptos que nos presentó Puro y, en función de ello, trazamos varios caminos posibles: distintas paletas de colores, ideas conceptuales, materialidades, delirios y factibilidades”, explicó esta diseñadora que ve inspiradas sus creaciones en la naturaleza, la primavera, y el mundo japonés. Las flores, las mariposas, los estampados vintage y los colores llamativos conquistan este paisaje fantástico y alegre, que resume la esencia de la marca, en donde el juego con las mezclas –principalmente el de telas originales, de diferentes géneros y épocas- tiene un rol protagónico. Las Frescas están hechas en cuero y telas, y tienen agujeros en sus capelladas, para que el pie respire. Hay para todos, hombres y mujeres, y vienen en tres modelos: Donna, Noche y Torta. + www.zapatillaspuro.com.ar www.cerezadementa.com.ar

mundo creativo 033 marketing

Alba Studio

Decorar desde el celular y las tablets Una nueva aplicación para elegir y combinar colores, aprovechando los recursos de las aplicaciones para eMobile. Su descarga es gratuita, y se puede llevar en los iPhone, iPad y tablets compatibles. Se trata de Alba Studio. Además de darle al usuario la posibilidad de tener siempre disponibles las paletas de colores de Alba, esta nueva herramienta digital permite saber qué productos están disponibles, cuáles son las combinaciones de tonos más armónicas, y calcular cuánta pintura es necesario comprar, de acuerdo a la su-

perficie. La aplicación también incluye campañas, imágenes y videos con las últimas tendencias, para compartir con amigos. Alba Studio está disponible gratis en todas las tiendas APP Store en Argentina, Uruguay, Brasil y Estados Unidos. En muy poco tiempo, la aplicación también será compatible para los equipos de la generación Android. Además, se puede descargar desde el Facebook Alba Pinturas. + www.alba.com.ar www.facebook.com/AlbaPinturas

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+ mundo creativo

moda

Puma Faas Lab Es el nombre con el que Puma bautizó a su nueva línea de calzado para correr, inspirada completamente en Jamaica: el país donde nació el hombre más rápido del mundo, Usain Bolt y, además, semillero de los más reconocidos atletas a nivel internacional. La firma montó un laboratorio en la isla para estudiar los hábitos físicos de sus deportistas, y el resultado final es este calzado de alta tecnología, compuesto por tres propiedades: Groove, Flex y Rocker. Groove ofrece una ranura en la entresuela, que genera estabilidad natural; Flex facilita ranuras flexibles, colocadas biomecánicamente para dar una mejor respuesta; y Rocker presenta

una forma curvada que otorga un impacto centralizado y sin esfuerzo en la punta del pie. La colección combina la alegría de la cultura jamaiquina –reflejada en los colores de las zapatillas-, con la ciencia de la velocidad, que permite ritmo, movimiento y velocidad más naturales. Con un diseño minimalista, concebido a base de materiales livianos, Puma Faas Lab es una opción para los amantes del entrenamiento, la competencia y el running. La colección ya está disponible en las principales tiendas de Puma, junto a la línea de indumentaria Para Correr – Complete Collection. + www.puma.com

+ Infinit in Love y Ginger

Ojos de gato

Bolsa Originals blue Tote by adidas

Hace varias temporadas que los modelos de gafas “cat eye” pisan fuerte en los escenarios de la moda internacional. Este verano, Infinit le da una nueva vuelta de tuerca a esta tipología -que en la década del 50 decoró los rostros de figuras como Grace Kelly y Marilyn Monroe-, y presenta Infinit in Love, una línea de anteojos de sol que rescata la elegancia y sofisticación de los clásicos, que tiene al dorado como protagonista. De tamaño mediano y patilla alta, ganan en adaptabilidad. Se pueden conseguir en versión caramelo, negro o leopardo. + www.infinit.com

Una nueva propuesta dentro de la colección adidas Originals Mujer, adidas originals blue/denim: una línea descontracturada, con prendas y accesorios inspirados en los viejos modelos de la firma, pero reinterpretados desde el presente. La bolsa Originals blue Tote, de lona resistente, con un bolsillo interno para organizar los artículos de uso diario, es un ejemplo de cómo los toques elegantes pueden convivir en armonía con los deportivos. Adaptarse a la mujer moderna, con sus diferentes necesidades y estilos, es el objetivo que guía a la colección, en donde los detalles son protagonistas. + www.adidas.com

mundo creativo

Texto: Carolina Prioglio. Fotos: Gentileza GV

+ 035 moda

+ Colección Alta Costura Nº1

Giambattista Valli Costura italiana

El diseñador Giambattista Valli abre su espectro creativo hacia la Haute Couture, al convertirse en el nuevo miembro oficial de la Federación Francesa de la Costura. Cultor del perfil bajo y de la elegancia máxima, Giambattista Valli es la nueva adquisición de la Alta Costura. El diseñador italiano es, desde diciembre de 2011, miembro de la Federación Francesa de la Costura, y podrá presentar sus colecciones como tal, en el marco de la semana de la Alta Costura, que se realiza en los meses de enero y julio de cada año. No será la primera vez para Valli: en julio pasado, mostró su colección como miembro invitado, y aquellos diseños despertaron el interés de las autoridades de la Federación. El nombre “Alta Costura” es muy codiciado dentro del mundo de la moda, porque implica excelencia máxima en el diseño. Por eso, no cualquiera puede ostentarlo (son solamente alrededor de 11 miembros oficiales); es un nombre legalmente protegido que implica, entre otras cosas, presentar dos colecciones de 50 piezas al año, emplear a un mínimo de 20 personas en taller, manufacturar trajes únicos con telas exclusivas, y realizar varias pruebas antes

de la entrega de la prenda. Si bien Giambattista Valli es italiano y considera a su marca como tal, la base operativa se encuentra, desde los inicios en el 2005, en París, ciudad que lo vio crecer, también, como creador. El diseñador es conocido por su juego con los volúmenes y las proporciones en cada prenda, vestidos, faldas o blusas, llenas de detalles y terminaciones muy femeninas. Y por su fusión entre lo casual y lo exclusivo. Una visión de diseño que comenzó a fines de los 80 en Roma, de la mano del couturier Roberto Capucci, y continuó afianzándose durante los 90 en Fendi, Krizia y, por último, Ungaro. Pero sea en su firma o para otra marca, la inspiración siempre proviene del mismo sitio: las películas de Federico Fellini y sus vestuarios, la mujer italiana, Andy Warhol, Halston, Louise Bourgeois, Jane Birkin y las tapas de la revista Interview. + www.giambattistavalli.com

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+ mundo creativo

moda

Swatch Touch Ahora, el dominio de lo táctil también conquista el mundo de los relojes. En este sentido, la firma Swatch lanzó el Swatch Touch. Mediante toques en la pantalla, se puede cambiar de zona horaria, acceder al cronómetro, las alarmas o los tonos. Respetando los estándares de calidad y diseño que caracterizan la industria relojera suiza, la pantalla de cristal de plástico, con alta resolución,

garantiza la legibilidad de los números, en cualquier situación. La nueva colección -disponible en todos las Swatch Stores-, celebra la variedad de colores, y ofrece sus modelos en seis tonos diferentes: negro, rosa, azul, blanco, violeta y una versión camuflada. Piezas de vanguardia, funcionales y urbanas, al alcance de la mano. + www.swatch.com

Jack Purcell by Converse Conservando el espíritu que rodea a todas sus creaciones, la marca de zapatillas Converse presentó su línea Premium Jack Purcell, un modelo que nació vinculado al circuito deportivo, y terminó por convertirse en un ícono de la moda urbana. En 1935, Jack Purcell –un reconocido jugador canadiense de bádminton y tenis-, diseñó estas zapatillas de lona y goma, reforzada en la punta, para brindar protección y comodidad en las canchas. Más tarde, Converse compró su licencia, y sacó las zapatillas a la calle. Experimentando con diferentes texturas, colores y materiales, el diseño, simple en sus orígenes, fue adquiriendo una identidad propia. Hoy, esta marca que representó el estilo de personajes célebres, de la talla de Elvis Presley, James Dean, y Los Ramones, sigue siendo una opción para quienes buscan zapatillas con personalidad y autenticidad. + www.converse.com

mundo creativo

Texto: Carolina Prioglio

+ 037 moda

+ Pablo Ramírez, Benito Fernández y El Camarín

Fashion Edition BA Diseño en proyección

Una nueva edición del Fashion Edition BA, la cita más internacional que tiene la moda local. Una tarde de moda en el Faena Arts Center, el nuevo reducto para el arte de Puerto Madero, fue lo que trajo la cuarta y más reciente edición del Fashion Edition BA, el jueves 10 de noviembre. Como un evento que busca exponenciar el diseño argentino y proyectarlo a nivel mundial, de la mano de Faena Hotel+Universe y MercedesBenz, esta edición tuvo como editor y jurado al diseñador inglés Giles Deacon, quien recorrió hasta la fecha un interesante camino en la moda internacional: comenzó su carrera en los 90 junto a Jean-Charles de Castelbajac, pasó por la italiana Bottega Veneta a principios del 2000, para después trabajar bajo el ala de Tom Ford en Gucci, luego abrir su propia firma en 2003 y colaborar, más recientemente en el 2010, con Ungaro. Con la experiencia que tal travesía le dio y un riguroso criterio basado en la individualidad, la visión de diseño, el uso de la tela, el color y las proporciones, y la viabilidad como negocio, Deacon eligió a cuatro diseñadores locales que presentaron un extracto de sus colecciones sobre una pasarela delimitada por una instalación del artista brasileño, Ernesto Neto.

Fueron: Benito Fernández, con su explosión textil y cromática, de pasteles y flúos; El Camarín, que hizo foco en el vintage, mediante los encajes y las transparencias; Laura Valenzuela y seis prendas blancas con un puntilloso trabajo en cuanto a la tela: combinaciones y reciclaje de encaje antiguo, tul y gasa de seda natural; y Cora Groppo, que mostró prendas inspiradas en los hongos, resaltando sus colores, su morfología circular y textura. Estuvieron presididos, claro, por un resumen de la colección que Pablo Ramírez, ganador de la edición 2010, presentó en agosto, en la semana de la moda de Estocolmo. Luego llegó el veredicto a la distancia de Deacon, ya que el diseñador no estuvo presente en el evento. Yanina Solnicki, creadora de El Camarín, fue la ganadora, y viajará el año que viene a la semana de la moda de Beijing, en China, como premio. Una buena oportunidad para la marca, de mostrar su propuesta a un mercado que, en la última década, se volvió el más significativo del mundo en cuanto al diseño de alta gama y el lujo. Así cerró el calendario de la moda nacional para el verano 2012. + www.fashioneditionba.com

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+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés. Foto: Gerardo Lazzari

música

Orquesta Típica Fernández Fierro Diez años y más

Cumple una década de música y trabajo cooperativo, la agrupación que hace del tango una experiencia de vida alternativa. Decimos esto no sólo por la interesante propuesta artística con mucha actitud rockera que plantean, sino también por la fuerte idea de colectivo autogestionado que, entre otras cosas, lleva adelante, exitosamente, su propio lugar, el Club Atlético Fernández Fierro, en el Abasto, desde febrero de 2004. Festejando los 10 años de la Orquesta, lanzaron una radio Web, y acaban de re-editar su último disco en formato vinilo. Así los presenta El Ministro, bandoneonista de la Orquesta.

+ ¿Creen en la noción de música nacional? ¿Hay una que pueda ser tomada como tal? EM No sé, pero de lo que no caben dudas, es que existen músicas regionales: la chacarera, la tonada, el chamamé, el tango y otras, con muchísimas variantes. Todas podrían ser consideradas músicas nacionales, porque pertenecen a la nación. Pero en verdad, “música nacional” es una categorización que no me interesa mucho. Somos argentinos porque nacimos acá, y no porque éste sea el mejor país del mundo.

+ ¿Cómo conviven en el mismo equipo (la cooperativa), la parte musical (creativa) y la organizacional? EM Las partes cooperativas-creativas-organizativas forman una especie de organismo que, sólo conservando armonía, puede mantenerse sano. Esa interdependencia puede simplificarse diciendo, por ejemplo, que: sin parte musical (creativa), el equipo de trabajo (la cooperativa, en este caso), que son los músicos y el personal del lugar, no tendrían razón de ser. De la misma manera, si falla la organización, la cooperativa no podría funcionar correctamente. Y si la cooperativa no funciona correctamente, el equipo de trabajo se vería afectado, etc.

+ ¿Qué hay de nuevo en el tango hoy? EM Muchas veces, con el grupo nos preguntamos qué hay de nuevo o qué es lo nuevo en el tango; las conclusiones fueron polémicas y arraigadas, muy personales, íntimas. Preferimos un acuerdo, quizás simplista, para que cada uno saque sus propias conclusiones. Dijimos: “el tango nuevo es el que hacen las bandas que se pueden ir a escuchar hoy en vivo”. Y con ese concepto hicimos una radio online: www.radiocaff.com.ar, la única radio de tango actual.

+ ¿Cuál es la tradición musical que más los nutre y refleja? EM Somos una orquesta típica, por lo tanto, debería ser una tautología decir que lo que principalmente nos nutre es el tango. Aunque, a la vez, es imposible omitir la presencia de otras músicas en nuestras vidas y su influencia en nuestra forma de expresar. Al nutrirnos de diferentes expresiones, y por no ser tradicionalistas, en la música de la OTFF pueden verse reflejadas presencias muy variadas que van, por ejemplo, de Pugliese a Piazzolla, y empatizan con AC/DC, Ramones y Nirvana.

+ ¿Cómo llegaron a ser una orquesta no típica? EM Somos una orquesta típica en el sentido estricto de la denominación, al igual que “orquesta sinfónica” o “cuarteto de cuerdas” son nombres técnicos que refieren al tipo y cantidad de instrumentos que incluye la formación, y no a la música que hagan. Más allá de los juegos de palabras, es cierto que, en muchas cosas, no somos tan típicos, pero esa no es una decisión premeditada. Somos muchos, vivimos en Argentina y estamos todos locos. + www.fernandezfierro.com

FERNÁNDEZ FIERRO (Edición de los autores. Argentina 2011) El que sería el sexto álbum de la Orquesta con música nueva, ahora se convierte en su octavo lanzamiento independiente. Cuentan en el medio con un DVD en vivo, y ahora este nuevo vinilo, que se fabricó en Europa durante su última gira por allí, la que incluyó un show en Womex (Copenhagen 2011), representando a la Argentina. Fernández Fierro había salido en CD durante 2009 y, para esta reedición, se hizo un nuevo tratamiento del audio, especial para vinilos. El disco tiene ocho temas de la OTFF, con su más fervoroso espíritu: agudeza y actualidad en las letras, profundidad en el lado oscuro para los arreglos, pulso intenso y atrevidas armonías. Interpretan tango como si tocaran punk, con una energía avasallante. Son once músicos y un cantor que no quieren ser modernos ni arrabaleros; expresan la pasión tanguera con inteligencia, y muy buena performance. Recomiendo la experiencia de verlos en vivo en su lugar (el CAFF), siempre lleno de gente joven, bailarines y turistas. Tocan todo el año desde febrero, siempre los miércoles por la noche, en Sánchez de Bustamante 764, CABA.

Texto: Germán Andrés

mundo creativo

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música lo largo del tiempo- en el IDM, el down tempo, cierto minimal house, el trip hop, algo experimental, a veces un poco bailable y, sobre todo, muy amplio en influencias dentro del techno más fino y original. Desde mediados de los 90 que compone, edita y forma parte de la escena alternativa más creativa de la electrónica argentina; con diez discos muy parejos, y que lo muestran en constante crecimiento. Para este soundtrack, Ramella utiliza una paleta innumerable de timbres y formas musicales, recrea ambientes, propone diferentes estados y situaciones, siguiendo el relato del film. Para eso, también toma extractos del audio mismo de la película, con lo que va generando un hilo conductor, que acentúa la idea de obra conceptual. Así es que aparecen piezas muy disímiles, que van desde el ambient o el deep house, hasta algo más tribal y sugestivo, o pequeñas gemas melódicas de un encantamiento especial.

Emisor: una banda de sonido El décimo disco de Leonardo Ramella (a.k.a. Emisor), es la música que compuso para la película independiente “Antes del estreno”. La obra de este prolífico e interesante productor de música electrónica, podríamos enmarcarla -sin límites fijos, y a

En 18 tracks instrumentales que se suceden como pasajes encadenados, la escucha fluye sin necesidad de conocer la película; es una propuesta entretenida y emotiva, que se sostiene compositivamente por sí sola. Con esta obra, Emisor trasciende con acierto su propio lenguaje hasta hoy, pues no se trata exclusivamente de un disco de electrónica. Muestra su visión ampliada como autor y redondea una pieza rica en ideas sonoras. Música de la película: Antes del estreno está editado por el sello Casa del Puente discos. + www.emisor.com.ar

casi en desuso o precaria, si se quiere. Partiendo de un concepto lúdico y de reciclaje, todo lo que escuchamos es una suerte de deconstrucción o minimalismo digital -para los cánones de la música que oímos habitualmente, por lo general, con sobregrabaciones o mucha edición del audio-. Coleco no se limita a un género en particular -si bien la sonoridad es puramente electrónica, y ya hay como un estilo de música 8 bits en el mundo-; en su obra pueden escucharse influencias del synthpop, el techno, el dancehall o el electrorock. Y como todo este movimiento ya viene dándose desde hace varios años, con adeptos en diferentes partes del mundo, hay intercambio, proyectos audiovisuales, festivales y netlabels dedicados a estas propuestas. Así, Coleco editó en 2006 su primer trabajo, un EP llamado “Confessions in a chatroom”, por el sello virtual internacional 8bitpeoples; y del cual se desprendieron remixes también realizados por otros productores de este movimiento global. En Sudamérica, existe una comunidad multidisciplinaria denominada BlipBlop, artistas orientados a la micro programación sobre dispositivos de juego en tecnologías obsoletas.

Coleco Music: Jugando a sonar en 8 bits Coleco es el nickname de Pavlo, como creador de música con videojuegos y sintetizadores antiguos, usando como soporte (instrumento) compositivo, los sonidos low-fi de los microprocesadores en 8 bits de las consolas o gameboys. Es decir, composición de música actual (de sonido electrónico), hecha con tecnología ya

Pavlo está trabajando actualmente en los temas de un nuevo disco con perfil cumbiero digital y, entre sus herramientas de trabajo, además de videojuegos de los 80 y 90, hay teclados de juguete, un vocoder y softs de programación pasados de moda. Con todo esto, y su vez limitado por los pocos sonidos que pueden ir en simultáneo, logra una música atractiva, bailable y de singular carácter. + www.facebook.com/colecomusica www.myspace.com/colecoremixed

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+ mundo creativo

Texto: Fátima Fargas para Travel Design (*) Foto: Andrés Bermúdez

destinos

Essaouira | Marruecos Mezclando culturas

Un paraíso cerca del bullicio de Marruecos y del desierto africano. En Marruecos, más específicamente, en la costa occidental atlántica, se encuentra Essaouira, una preciosa y tranquila ciudad portuaria africana, compuesta por unos 70.000 habitantes. Su medina o casco antiguo, fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. Sus playas de arena fina, que se extienden por más de 8 kilómetros, la convierten en un lugar aún más encantador. Con su continuo viento por las corrientes que soplan todo el año (los vientos alisios), es el lugar ideal para practicar deportes como surf, kite y windsurf.

El arte se encuentra por toda la ciudad, pero más que nada, dentro de la medina, donde podemos encontrar desde una artesanía típica bereber, hasta una pintura de un artista contemporáneo. Una vez al año, se realiza el Festival Gnaoua: un acontecimiento que gira en torno a los músicos magos de Essaouira (que suelen ser encantadores de serpientes, médiums y videntes), que se mezclan con músicos provenientes de los cinco continentes, y que tocan diferentes estilos musicales, tales como jazz, pop, rock y reggae.

En el pasado, esta hermosa ciudad estuvo dominada por culturas diferentes: en sus inicios, se encontraba bajo las órdenes de los fenicios y de los cartagineses. Luego, formó parte del Imperio Romano, hasta que quedó en manos del Imperio Bizantino. Más tarde, fue habitada por los bereberes (en esa época, bajo el poder árabe), los que fueron invadidos por los portugueses y los españoles. Hasta que, finalmente, quedó en manos de los árabes. Gracias a su salida al mar, Essaouira actuó, en numerosas oportunidades, como lanzadera desde África hacia el resto del mundo.

Su primera presentación fue en 1998, cuando se juntaron unas 20.000 personas, llegando a 400.000 en sus últimas ediciones. En cada oportunidad, se suman seguidores, en su mayoría del extranjero, que llegan para vivir una experiencia única y enriquecedora. Y no sólo a nivel musical, ya que durante los tres días que dura el festival, se vive en contacto con personas de diversas partes del mundo. La entrada es gratuita, y eso lo hace aún más popular entre sus habitantes.

Todo este pasado de constantes invasiones hace que en Essaouira, hoy en día, conviva un crisol de culturas al mismo tiempo. Esto y la sensación de la detención del tiempo, son el mix perfecto para llamar la atención de muchos artistas y músicos, que se concentran en este lugar en búsqueda de nuevas sensaciones, que les sirva de inspiración y creación. Gracias a ellos, entre otras cosas, se convirtió en una de las ciudades culturales más reconocidas de Marruecos y, de a poco, también a nivel mundial.

Por último, y no menos importante, está su gastronomía. Si bien el plato principal -por la región en la que se encuentra- es el couscous, uno debe tener en cuenta que es una ciudad portuaria, por lo tanto, se destaca el pescado fresco, que puede consumirse en cualquier puesto o restaurant del puerto. Y a su vez, es posible deleitarse con unas increíbles vistas del mar, el puerto con los barcos de madera pintados con diferentes tonos de azules y, por supuesto, sus gaviotas. + www.festival-gnaoua.net

(*) Para dejar de ser turista y comenzar a ser viajero, visitar: www.traveldesign.com.ar | blog.traveldesign.com.ar

mundo creativo 041 eventos

+ Alina Gandini y su banda Hotelera

RoofTop BBVA Francés: encuentro Vip en las alturas Como parte del Ciclo de Encuentros que BBVA Francés ofrece a sus clientes VIP, se realizó el RoofTop Buenos Aires, un evento especial en el piso 21 de la Torre Hollywood 1 Suites&Lofts. La delicada decoración con muebles de estilo, faroles con velas y una piscina en el deck de madera, se potenció aún más con el atarceder que dejaba ver el Río de la Plata de fondo. Buena música, sabores en 10 pasos y hasta un armador de puros especialmente traído de República Dominicana. Alina Gandini con su banda Hotelera propuso un rico repertorio de la historia del rock nacional, en formato de jazz: canciones como “Jet Set” de Soda Stereo, “Un amor en Avellaneda” de Andrés Calamaro o “No Bombardeen Buenos Aires” de Charly García, fueron algunas de las delicias que los invitados pudieron disfrutar animadamente. Hacia el final de la noche, hubo una sorpresa más: el sorteo de 5 estadías completas de una semana para los destinos de Puerto Plata y Punta Cana. + www.bancofrances.com.ar + Traído especialmente de República Dominicana, un armador de puros.

+ Soledad Solaro, Paula Morales y Soledad Ainesa fueron algunas de las invitadas al RoofTop BBVA Francés.

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+ mundo creativo

eventos

Opening Inspiration Fest 2011 El viernes 1 de diciembre se realizó la apertura para invitados y prensa de la tercera edición del festival de inspiración y creatividad Inspiration Fest en el Ciudad Cultural Konex. Allí se pudieron ver todas las muestras e instalaciones, acompañados por ricos tragos de Gancia, Septiembre y Quilmes. Para musicalizar la noche, se subieron al Septiembre Stage, los DJs Horario Palermo y Diego Miola, además de Slalom. Fotos: Nicolás Colombo www.inspirationfest.com 1. Sven Patrick Simon, Mariana Vetre y Pablo González de edding Argentina 2. Gonzalo Fargas (director del festival), junto al diseñador Federico Laboureau y Dulcinea Sedam (productora) 3. Tito Khabié de Sixfeet y Gabriel Pozner de Puro 4. Marcela Fibbiani, Dulcinea Sedam y Sabrina Norato, del equipo de producción de Inspiration Fest

1 y 2. Esta temporada, Personal cuenta con dos paradores exclusivos en la costa argentina: Personal Beach Peralta Ramos en Mar del Plata y Personal Beach UFO Point en Pinamar. Además, está presente en Punta del Este en La Barra, donde se acercaron las actrices Leonora Balcarce y Esmeralda Mitre, para disfrutar de la propuesta de música, entretenimiento, deportes y beneficios para socios de Club Personal. www.personal.com.ar 3. El actor Luciano Cáceres visitó el local de Palermo de la ecobrand Grupo 134, y retiró varios conjuntos de la colección Primavera-Verano 2012. www.grupo134.com 4 y 5. Inspirada en las paradisíacas playas de la isla de Waimea, Chandon recreó una verdadera fiesta hawaiana en Laguna Escondida, en Punta del Este, durante la sexta edición de su tradicional Fiesta de Blanco, esta vez, titulada “Une Nuit à Waimea”. Entre los 800 invitados, estuvieron presentes Facundo Pieres y Agustina Wernicke, así como Davide Marcovich (presidente de Moët Hennessy para América Latina y Ramiro Otaño, director general de Moët Hennessy Argentina). www. bodegaschandon.com.ar 6 y 7. La leyenda del running y ganador de nueve medallas olímpicas Carl Lewis, y Oscar Pistorius, la joven promesa en búsqueda de la clasificación, visitaron Casa Este, el pop up store de Nike, en La Barra, Punta del Este, donde también Agustín Pichot, en un evento exclusivo, presentó “Revolution”, la cuarta edición de su línea AP9 de Nike, que refleja el espíritu deportivo de Agustín y los valores del rugby fuera de la cancha. www.nike.com

mundo creativo 043 eventos lugares

Mumm de fiesta En una celebración especial, en el estudio de la fotógrafa Gaby Herbstein, la Bodega Mumm lanzó su nueva variedad, el Mumm Cuvée Reserve Brut Nature, y presentó el nuevo diseño de la línea súper Premium Mumm Domaine, que resalta los atributos del producto, y se alinea a la nueva estética de la marca. Los invitados pudieron disfrutar de la recreación de una cava, en el subsuelo del lugar, donde se pudo ver cómo funciona el tradicional método francés Champenoise, el mismo que se utiliza para el tratamiento de la nueva variedad de la bodega. Además, Gaby Herbstein aprovechó la ocasión para presentar una selección de fotos de su calendario anual “Uno”, un recorrido de imágenes que indaga sobre la naturaleza y la necesidad de la búsqueda interior.

La DJ Cecilia Amenábar y las actrices Gabriela Sari y Florencia Ortiz, fueron algunas de las artistas que estuvieron presentes y pudieron degustar del catering, a cargo de la chef Juliana López May, y disfrutar de las nuevas variedades del espumante. La nueva etiqueta Mumm Cuvée Reserve se hace eco de las tendencias en burbujas, elaboradas con vinos de alta calidad, y ofrece las variedades Extra Brut, Demi Sec, Brut Rosé y el nuevo Brut Nature; mientras que en la línea Domaine, se puede optar por las variedades Extra Brut y Brut Nature. El nuevo espumante, con la frescura que caracteriza al Brut Nature, es la opción perfecta para el aperitivo, las comidas de verano y todos los momentos intensos. + www.mumm.com.ar

1. La fotógrafa Gaby Herbstein y Daniel Cushnan (Director de Marketing & Exportación de Pernod Ricard Argentina) 2. La chef Juliana López May estuvo a cargo del catering del evento 3. Florencia Ortiz, una de las actrices invitadas a disfrutar de la fiesta de Mumm 4. Cecilia Amenábar, DJ exclusiva para Mumm 5. La actriz Gabriela Sari 6. Mumm Cuvée Reserve Brut Nature se suma al portfolio de productos de la marca, junto al rediseño de la línea Mumm Domaine.

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eventos

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1. JRichard Mille, Francis Mallmann y Pablo Mac Donough en el evento de Richard Mille en Olsen 2. Karina El Azem acompañó a Roberto Pettinato en la presentación de su libro “La Isla Flotante” 3. Mónica Antonópulos, Teté Coustarot y Pampita estuvieron presentes en el lanzamiento del árbol de navidad en Galerías Pacífico by Swarovski 4. Claudia Fontán visitó el local de Jackie Smith en Alto Palermo, donde eligió un sobre de la colección Primavera-Verano 2012 5. Déborah de Corral cantó en el evento de relanzamiento de las zapatillas Converse by Jack Purcell 6. Evangelina Bomparola y Juliana Awada se encontraron en la comida organizada por Rochas en el Hotel Faena 7. Leonora Balcarce presenció el lanzamiento de Them, donde aprobechó para elegir algunos conjuntos para este verano 8. Andrea Frigerio visitó el consultorio del Dr. Miguel de Herrera, para llegar espléndida al verano 9. Mariana Fabbiani y Mariano Chihade en la gala de Verónica Cangemi 10. Rogelio Polesello, Florencia Raggi y Wally Diamante junto a María Zunino (presidente de DArA) asistieron el picnic solidario organizado por esa asociación 11. Francis Btesh, Giussepe Vianini y Rufino Escasany invitados por Stella Artois a los partidos del Abierto de Polo 12. Calu Rivero y Oscar Fernández de la peluquería Roho asistieron al desfile solidario Sr. Amor 2011

mundo creativo 045 branding y diseño

Foto: Maia Croizet para www.watio.com.ar

+ Una manera de conocer qué piensan sobre el diseño y los diseñadores los responsables de marketing de empresas exitosas, quienes deciden y compran diseño, buscando sumar valor a sus marcas y productos. La mirada del otro lado del mostrador.

Alejandro Chain | Absolut por Diego Giaccone (*) Desde que estamos en la facultad, Absolut es una de esas marcas a las que siempre admiramos, por esa combinación de publicidad, arte y diseño. Sus avisos reflejan arte, partiendo del producto como ícono. Poder entrevistar al brand manager de esta marca en Argentina, me generaba muchas espectativas. Lo primero que me vino a la mente, es si puede una persona de marketing manejar una marca con tanto diseño. Después de conocer a Alejandro Chain, me pregunto: ¿puede un diseñador hacer todo lo que él hace, para manejar la marca en sus 360º?

Justamente es esa combinación la que le permite trabajar con una marca tan abierta a los sentidos, con un aspiracional tan alto, internacional, pero real y cercana. El ejemplo perfecto de esta combinación, es la reciente campaña “Blank”, en la que la marca vuelve a los orígenes, pone la botella en el lugar central, y se relaciona con el arte. Es así que convocaron a artistas locales para que intervinieran la botella, con diferentes técnicas. Y luego organizaron el Art Gallery, donde expusieron esas obras, e invitaron a líderes de opinión a vivir la experiencia Absolut.

Tal vez por sus comienzos en el mundo de la publicidad -primero estudiando la carrera en la UCA, y luego trabajando en cuentas en la agencia Euro-, Alejandro tiene una gran relación con las agencias, y se pone en los zapatos de los creativos: “Para mí, si existe diferencia entre agencia y empresa, está mal. Es un equipo, somos socios estratégicos, y se tienen que retroalimentar las ideas”, sostiene. “Contexto (buen clima, diálogo) y contenido (mejores ideas) es la clave”, agrega Chain. Además, complementó su carrera con un posgrado en marketing. También trabajó cuatro años en Unilever. Y todo eso, con sólo 28 años.

La “experiencia de marca Absolut” es lo que se cuida en cada detalle, desde la invitación al evento, hasta las redes sociales que hablan de él. La campaña Blank incluyó, además, degustaciones y fiestas, donde los artistas pintaban una botella grande, armada con muchas botellitas; la gente se llevaba una pintada, con el texto que explicaba el “easy mix” de lo que estaban tomado. Y gracias al código QR de esas botellas, se podían ver las fotos del evento en un smartphone. Absolut tiene gran trayectoria en el mundo del arte. Organiza el concurso global “Art Awards”, y siempre estuvo relacionada con artistas como Andy Warhol, Mariscal o Liniers. Pero el ícono más importante de la marca es su botella, que debe ser protagonista de todas sus campañas, algo que, a priori, parecería un obstáculo para los artistas, pero que, en realidad, hace que sean verdaderas obras de arte, que reflejan 100% el espíritu y la identidad de la marca. Alejandro sostiene que la creatividad y la innovación son los pilares de Absolut. ¿Y el diseño? “No vas a ver nada que no esté diseñado, y con unidad de diseño. Que la campaña Blank tenga fondo blanco y la botella, es una decisión de diseño”, me aclara. Mi inquietud es saber cómo hace él para estar siempre atento a la innovación, para manejar esta marca Premium. Lee y consume diseño (revistas, foros de diseño y de coolhunters). Su cuarto está lleno de libros de design, muebles, sillas y lámparas. Frecuenta bares y boliches, camina por Palermo, ve películas, viaja. Y juega al polo: “Me desenchufa de la Tierra, con los pies sobre la Tierra”, remata Alejandro. + www.absolut.com

MUNDO CHAIN Un producto de tu empresa. Absolut Original Un deporte. Polo Un bar. Isabel (Uriarte 1664, CABA) Una marca de tecnología. Apple Un auto. MINI Cooper antiguo Un lugar. Chicago, EE.UU. Una película. Big Fish (Tim Burton, 2003)

(*) Diego Giaccone es diseñador gráfico, director de SURe Brandesign. www.surebrandesign.com

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+ mundo creativo

agenda

+ MUESTRAS/EXpOSICIONES/FERIAS

+ CONGRESOS/ENCUENTROS/SEMINARIOS

28/02 al 3/03 bAFWEEk OTOñO / INVIERNO 2012 La Rural, Pabellón Amarillo, Sarmiento 2704, CABA www.bafweek.com.ar

05/03 al 09/03 WORkShOp SATORIlAb EN El DElTA DEl TIGRE Satorilab invita a jóvenes profesionales y estudiantes de todas las carreras de diseño -industrial, gráfico, textil, indumentaria y arquitectura- a pasar una semana en la isla para explorar la vegetación, el río y la materialidad única del lugar (junco, mimbre, semillas, hojas, cañas, bambú, madera), en el marco de una interesante práctica colectiva. Cupos limitados inscripcionsatori@gmail.com | www.satorilab.blogspot.com

2 al 4/03 pUMA URbAN ART Festival de cultura urbana Centro Cultural Recoleta, Junín 1930, CABA www.urbanartfest.com

15 al 18/03 CAFIRA INNOVA OTOñO 2012 Exposición internacional de fabricantes e importadores de regalos y afines Centro Costa Salguero, Av. Rafael Obligado y Salguero, CABA www.cafira.com 17 al 22/04 I SAlONI Salón internacional del mueble, del baño, del artículo complementario de la decoración, Eurocucina y SaloneStatellite Fiera Milano, Rho, Italia www.cosmit.it

18/05 al 22/05 ARTEbA 2012 Feria de arte contemporáneo argentino y latinoamericano La Rural, Pabellones Azul y Verde, Av. Sarmiento 2704, CABA www.arteba.org 14 al 20/06 FERIA pURODISEñO Vidriera del diseño latinoamericano La Rural, Av. Sarmiento 2704, CABA www.feriapurodiseno.com.ar

31/07 al 3/08 ENCUENTRO lATINOAMERICANO DE DISEñO 2012 Actividades de capacitación gratuitas (talleres, laboratorios, conferencias y mesas redondas) dictadas por profesionales del diseño y la comunicación de América Latina http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/encuentro2010/ + CONCURSOS/CONVOCATORIAS hasta 05/02 DESIGN AbROAD. ARTE y DISEñO ARGENTINO EN ITAlIA Creatividad Ética, a través de su Programa DesignAbroad, convoca a productores de bienes y servicios de diseño en las áreas del diseño gráfico, industrial, audiovisual y de indumentaria, a participar en el proyecto “Arte & Diseño Argentino en Italia”, a desarrollarse del 2/05 al 3/06 en Torino, Italia www.creatividadetica.org hasta 21/02 pREMIO ARTEbA-pETRObAS DE ARTES VISUAlES La novena edición del premio, dirigida por la curadora Victoria Noorthoorn, brinda a los artistas argentinos una oportunidad para financiar y producir proyectos de carácter experimental, concebidos en colaboración www.arteba.com | premio@arteba.org

Testigo Silencioso Un arquitecto que homenajea a otro, y así, se abre un espacio para repensar una obra que es insignia de una ciudad. De eso se trata Testigo Silencioso, la exhibición que celebra los 75 años de la creación del Obelisco de la Ciudad de Buenos Aires, y que puede verse durante todo enero en la casa de mobilario Colección, en Paraguay 1180, CABA. Convocados por el arquitecto y curador de la muestra, Néstor Otero, 124 artistas –entre ellos, Clorindo Testa, Alejandro Leveratto y Marcela Camu- produjeron obras con diferentes técnicas, en las que imprimieron referencias personales y subjetivas, sobre el hito porteño que diseñó el arquitecto Alberto Prebisch. Con una complejidad arquitectónica asombrosa para la época -y construido en casi treinta días-, el Obelisco es, como lo definió el curador de la muestra, el “centro de nuestro centro imaginario” y, además, un disparador de diversas lecturas sobre la ciudad y su devenir histórico. + www.coleccion.com

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+ El espacio edding invitó al público a expresarse con marcadores flúo

Inspiration Fest Buenos Aires 2011 Un encuentro que despierta los sentidos

El 3 de diciembre, en Ciudad Cultural Konex, se celebró la tercera edición de Inspiration Fest Buenos Aires, el encuentro que promueve las industrias creativas en todas sus expresiones. Cerca de dos mil personas participaron de las más de treinta actividades, entre ellas, conferencias y workshops, con destacadas personalidades del ambiente creativo local e internacional. | Texto: Jorgelina Peciña. Fotos: Maia Croizet y Nicolás Colombo

El objetivo del festival es claro: inspirar. ¿Y cómo lo logra? A través de conferencias, workshops, instalaciones, muestras, proyecciones y espacios de creatividad colectiva. La edición 2011, la tercera del festival, logró superar este objetivo, gracias a la respuesta del público, que participó activamente de todas sus propuestas. Las charlas y las actividades grupales se realizaron con su capacidad completa, y en un entorno de intercambio, que define el espíritu del encuentro. “Con esta nueva edición, Inspiration Fest se consolidó como un evento inspirador y, lo más importante, como espacio de expresión creativa para todo tipo de público”, comentó Gonzalo Fargas, director del festival. Las conferencias internacionales tuvieron como protagonistas a

tres artistas que, cada uno desde su lugar y entorno cultural, aportaron diferentes miradas y nutrieron de inspiración al auditorio. Uno de los invitados especiales de la edición 2011 fue el ilustrador australiano Nathan Jurevicius, quien brindó dos actividades. La primera fue un workshop sobre la creación de toys de edición limitada. Luego, dio una charla sobre sus trabajos con especial foco en dos de sus proyectos más exitosos, Scarygirl y Peléda. Por su parte, Leonardo Eyer llegó desde Brasil para hablar sobre cómo es hacer diseño para grandes marcas; mientras que el español Sergio del Puerto, fundador del estudio Serial CutTM, expuso en su conferencia su experiencia como hacedor de imágenes de motion, trabajos de motion graphics y 3D.

especial 049 inspiration fest

+ Muestra Pequeño Mundo de Personajes!

+ Mural Hazte a ti mismo por DGPH

+ Workshop Graffiti por CollageLab

+ Taller de diseño en acrílico por Fugamanía

PARA VER Y HACER En esta edición 2011 de Inspiration Fest, las estrellas fueron los workshops. Las actividades grupales se desarrollaron con asistencia completa y el apoyo de Staples, que colaboró con los materiales de materiales utilizados. Del abanico de propuestas, se destacó el workshop brindado por el invitado internacional Nathan Jurevicius, destinado a analizar el proceso creativo para diseñar toys. Durante el mismo, se trabajó en la creación de las figuras necesarias en dicho proceso, utilizando plantillas proporcionadas por Kidrobot. También, se realizaron con muy buena convocatoria las actividades de Espacio Virgen, para aprender caligrafía, y la de la origamista Noelia Ávila, para hacer origami. Ya un invitado clásico de Inspiration Fest fue Monoblock, la compañía editora de objetos, que propuso crear un juego de naipes en forma colectiva. Al comienzo del taller, se propusieron diferentes temas para desarrollar un mazo. Cada participante recibió una carta en blanco, donde plasmar su personaje, acorde al tema elegido grupalmente. Hacia el final del día, se seleccionaron veinticuatro naipes, los cuales ya pueden descargarse en forma gratuita desde el Website: http://monoblock.tv/lang-es/60-games

También, bajo la dirección de CollageLab, se trabajó en un graffiti de principio a fin. Y de la mano del juego de mesa de bloques Qubic, la gente aprendió a armar objetos funcionales, como lámparas, lapiceros, etc. www.collagelab.com.ar | www.qubic.com.ar | www.monoblock.tv www.espaciovirgen.com.ar | www.chicaorigami.com Mientras tanto, en otro sector de la Ciudad Cultural Konex, muchos se animaron y participaron de la creación de una lámpara Nido, que fue ensamblada en vivo y expuesta en el evento. Esta actividad estuvo dirigida por el estudio Fugamanía, utilizando acrílico de descarte cedido por la empresa Paolini. A su vez, ayudados por diseñadores del Instituto de Diseño Industrial Ucrono y con herramientas Dremel, se crearon objetos en madera, cuyos orgullosos creadores pudieron llevar a sus casas. Ambos talleres fueron coordinados por Plan Point. www.planpoint.com.ar | www.paolini-sa.com | www.dremel.com www.fugamania.com.ar | www.ucrono.com.ar OTRO LADRILLO EN EL MURO Bajo la modalidad denominada actividades colectivas, se realizaron entretenidas acciones con la participación abierta a todos los asistentes al festival. Hazte a ti mismo, fue la propuesta del

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+ Muestra de diseño industrial inédito Veta

+ Workshop Humatoy by Sael

+ Espacio Qubic y mural Ahora de Estudio Bosque

+ Workshop Origami por Noelia Ávila

estudio DGPH, formado por Andrés y Diego Vaisberg, y Martín Lowenstein, cuyo objetivo fue llevar el concepto personalización a un plano diferente. En este caso, la búsqueda pasó por retratarse tal como uno se ve o imagina, creando entre todos un gran mural con los visitantes del festival. www.dgph.com.ar

Amigos de la Imagen es un laboratorio visual que experimenta y desarrolla entrelazando diseño, arte y tecnología. El proyecto surge de la inquietud por las nuevas formas de expresión, la experimentación con diversas tecnologías aplicadas a la comunicación, y el desarrollo de entornos multimedia. www.losamigosdelaimagen.net

También con formato de mural, el Estudio Bosque propuso realizar una intervención colectiva, donde el público participó libremente, reinterpretando algunas bases tipográficas a gran escala. Se experimentó con materiales y diferentes técnicas, colores y texturas, para crear de forma manual diferentes tipografías para una frase final. www.holabosque.com.ar

HUMATOY by SAEL ARMÁ TU PROPIO JUGUETE HUMANO Bajo la dirección creativa del artista Sael, se llevó a cabo el workshop Humatoy, que contó con dos partes. La primera fue el taller, que invitó a sus participantes a convertirse ellos mismos en personajes de papel. Así, munidos de diferentes materiales, los asistentes crearon piezas únicas, totalmente originales y creativas, con las cuales posaron, durante la segunda parte de la actividad, en un shooting de fotos, capitaneado por la fotógrafa Adriana Godoy.

¡A JUGAR SE HA DICHO! Otra de las mesas donde se realizaron actividades grupales libres, que tuvo un nutrido flujo de visitantes, fue la comandada por la marca Qubic y sus bloques de encastre. Allí, la gente volvió por un ratito a la infancia, para armar personajes y coloridos objetos en 3D. También para jugar, pero ahora de manera digital, Los amigos de la Imagen presentaron el videojuego Tinga Fighter e invitaron a los visitantes de Inspiration Fest a desafiar a su protagonista, Lucho. Tinga Fighter se encuentra en etapa de testeo, y fue desarrollado íntegramente con herramientas de código abierto. Los

Sobre la respuesta del público, Sael comentó: “Fue increíble, el público disfrutó muchísimo haciendo los Humatoys. La gente tenía ganas de crear, de inspirarse, y ver que podía transformar cosas simples en algo creativo”. www.eluniversosael.com | www.adrianagodoy.com.ar FILMS VER PARA CREER Es una de las secciones del festival, que se consolida año tras año. En la edición 2011, se proyectaron cuatro trabajos con orígenes y

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+ Muestra Retro Skate Art

+ Slalom

+ Muestra de Ilustradores Argentinos Ecléctico 01

+ Mompox cerrando el festival

temáticas bien diferentes. Uno de ellos, fue el corto español dirigido por Pedro Rivero y Alberto Vázquez, titulado Birdboy, y basado en la novela gráfica “Psiconautas”, de Alberto Vázquez. El argumento de Birdboy presenta a la pequeña Dinki, quien camino a la escuela se topa con un terrible accidente industrial que cambiará la vida del lugar donde habita para siempre. El destino de Dinki depende de su excéntrico amigo Birdboy, un desarraigado e introvertido chico pájaro que se oculta en el bosque, abandonado a sus fantasías. www.birdboy.net

Por su parte, los Nokia Shorts 2011 mostraron el corto ganador y tres más seleccionados en la competencia que organizaron junto a Vimeo. Ocho directores de cine contaron con un presupuesto de producción de cinco mil dólares, dos celulares Nokia N8 con cámara HD y sólo unas pocas semanas, para convertir sus ideas en una película terminada. El jurado de los Nokia Shorts 2011 estuvo integrado por figuras del cine y las industrias creativas, entre ellos, Steven Overman, vicepresidente de marketing de la creación en Nokia y Jeremy Boxer, director creativo de cine y director de Vimeo Festival and Awards. www.stashmedia.tv | www.vimeo.com/nokia

El turno de los documentales estuvo en manos de Super Use, un trabajo sobre el diseño y la arquitectura sustentables. Narrado por Brad Pitt, es uno de los capítulos de la sección Diseño de e2-Series, y está dedicado a los integrantes de 2012 Architecten de Rotterdam, Países Bajos, quienes reutilizan desde vigas, pisos de madera y neumáticos, hasta láminas de molinos de viento como materiales de construcción en sus creaciones. El trabajo de 2012 Architecten sugiere no sólo un nuevo tipo de estética y funcionalidad en la arquitectura sostenible, sino también, un nuevo enfoque de diseño. www.e2-series.com Completaron el apartado Films, dos proyecciones: Stash y Nokia Shorts 2011. El primero es un compilado de dieciséis cortos innovadores, que van más allá de los límites de la estructura narrativa, especialmente seleccionados de la biblioteca de más de cien horas de video de Stash, la revista de animación, motion graphics y efectos visuales, referente en animación mundial.

LA HORA DE LAS MUESTRAS Dentro de las actividades de la edición 2011, se destacó la muestra Pequeño Mundo de Personajes!, que reunió veinte personajes seleccionados en una convocatoria abierta a estudiantes y profesionales de la ilustración, del diseño gráfico, artistas, creativos y dibujantes en general, quienes enviaron creaciones de su autoría, los cuales fueron evaluados por un jurado compuesto por los ilustradores Patricio Oliver, Fernanda Cohen, Laura Varsky, y la editora de 90+10, Marcela Fibbiani. Fueron seleccionados los personajes de los artistas Agustina Jouandon, Alejandro Sordi, Cristian de Souza, Damián Conci, Felipe Niño, Florencia Arce, Graciela Goncalves, Horacio Abdala, Jéssica Argarate, Juan Carlos Pereyra, Lucas Savelli, Magalí DG, Maikol de Sousa a.k.a. Borneo, Mako Fufu, María Victoria Robado, Martín

+ Creación de un juego de naipes colectivo por Monoblock

+ Mural Hazte a ti mismo por DGPH

+ Taller de diseño en madera por Ucrono

+ Workshop de caligrafía por Espacio Virgen

+ Mural de Caramba Estudio

Laksman, Nicolás Levy, Pedro Pit. Baldriz, Pelon Cho y Luly Bunny. También, se sumaron otros diez personajes, en este caso, creados por diseñadores invitados. Ellos fueron: Christian Montenegro, Cristian Turdera, Juan Molinet, Laura Varsky, Patricio Oliver, Agustín Viguera, DGPH, Pablo Bisoglio, Punga y Seniorita Polyéster. Los personajes tuvieron su versión en 3D, gracias al apoyo del estudio Eje3, encargado de reproducir las figuras en prototipado rápido.

Khabie, Fernanda Cohen, Acampante, Chu Julián Manzelli, Nacho Cattaneo, Fabricio Carolei, Andrés Agosín, Pacheco, Tercer Artista, Yo Amo La Leche, Hernán Cagliano, Tempe Hernández y Mark Rechax fueron los artistas que participaron. www.sixfeet.com.ar

El mundo del skate también fue parte del menú de la tercera edición de Inspiration Fest. La razón es que siempre ha sido inspirador para el arte emergente, probablemente, porque ambos poseen un espíritu rebelde y un carácter fuera de las reglas. Ambas disciplinas, arte y skate, estuvieron presentes con el trabajo de treinta artistas argentinos y sus tablas de skate de los años 70, 80 y 90, intervenidas por ellos mismos. La muestra Retro Skate Art fue presentada por Sixfeet y Don Juan Skate Boards, con la curaduría de Federico Platener. Milo Lockett, Pedro Cuevas, Pablo Fontes, Guillermo Irmscher, Marcelo Balquinta, Ricardo Crespo, Alejandro Thornton, Felipe Giménez, Kilomba, Collage Lab, Julia Padilla, Gallo Art, David Sisso, Alan Berry Rhys, Pedro Perelman, Paco Savio, Tec, Tito

Ecléctico 01 fue la primera muestra curada por IlustradoresArgentinos.com, que presentó una mezcla de estilos, técnicas y temáticas, en el trabajo de veinte ilustradores locales, algunos de amplia trayectoria, y otros que están dando sus primeros pasos por el mundo de la ilustración. Los nombres detrás de cada trabajo fueron Agustín Graham Nakamura, Álvaro Fernández Villa, Andrea Jen, Cobrinha, Dante Ginevra, Estrellita Caracol, Eva Mastrogiulio, Florencia Delboy, Gabriel Molinari, Juan Pablo Caro, Julián Totino Tedesco, Lucas Varela, Marcelo Grassi, Maru Ardanaz, Pablo Pino, Poly Bernatene, Raisa Irurzun, Salavador Sanz, Scuzzo y Tony Ganem. www.ilustradoresargentinos.com ¿QUÉ HAY DE NUEVO EN DISEÑO INDUSTRIAL? Veta fue una selección de doce productos de diseño industrial emergente, que se presentó por primera vez en el marco de Ins-

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+ Conferencias internacionales: Leonardo Eyer y Nathan Jurevicius

piration Fest 2011. Con el objetivo de reunir en un mismo lugar a los diseñadores más destacados de la escena actual, Veta se presentó como una plataforma de productos nuevos, creatividad y talento, que refleja el proceso y el trabajo constante del diseñador industrial emergente. Veta exhibió desde prototipos hasta producciones en comercialización, recientemente lanzadas al mercado. La selección de las piezas participantes se realizó haciendo especial hincapié en lo inédito, la exploración de nuevas formas, el uso de la tecnología y la materialidad, entre otros factores, que hacen al diseño de un objeto. CONFERENCIAS TEMÁTICAS Las conferencias temáticas también lograron una muy buena convocatoria. Uno de los temas del momento, las redes sociales, tuvo su espacio en Inspiration Fest. El periodista Lalo Zanoni habló sobre nuevas técnicas de social media. “Mi charla se trató sobre las nuevas estrategias de social media para una marca. El mercado de agencias, blogueros, etc., está saturado de ofertas, ideas y acciones virales. Entonces, mi charla se basó en cómo diferenciarse”, explica Zanoni, quien comentó sobre los asistentes a su exposición:

Link a la nota: http://9010.co/ifest11

“Me sorprendió el público, por la cantidad (casi sala llena), y por la buena recepción que tuvo la charla. Después, se acercaron varios a saludarme, presentarse, o a seguir charlando de estos temas”. Una actividad más académica, si se quiere, fue la brindada por el Observatorio de Tendencias del INTI, sobre nuevas maneras de generar valor en diseño. La charla denominada “Construcciones colectivas, diálogos fluidos y espacios de encuentro: nuevas maneras de generar valor en diseño”, trató sobre el cambio de rol de los consumidores en los últimos años, quienes se han convertido en hacedores, incentivando el perfil creativo de las personas, modificando su relación con los objetos, y estableciendo nuevas interacciones con los procesos productivos de las empresas. La charla estuvo a cargo de Laureano Mon y Natalia Nupieri. A modo de síntesis de lo que representó una nueva edición de Inspiration Fest Buenos Aires, su organizador concluye: “Fue espectacular la buena onda y la energía que recibimos del público y de todos los que participaron de Inspiration Fest. Todos estaban muy contentos y agradecidos de que suceda algo así en Buenos Aires, ¡y eso es impagable!”. + www.inspirationfest.com

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ESPACIO EDDING EXPRESÁ TU MUNDO… DE LA MANO DEL COLOR Bajo la consigna “Expresá tu mundo”, se convocó a los visitantes de Inspiration Fest a contar historias sobre su mundo, siempre de mantera creativa, a través de dibujos e ilustraciones, hechas con marcadores edding.

La actividad se desarrolló en un ambiente oscuro, iluminado con luz negra, utilizando marcadores especiales fluorescentes, bajo la coordinación de los integrantes de Moko Estudio. El resultado fue una obra colectiva con variados paisajes, objetos y personajes ilustrados, sobre un gran mural de veinte metros de largo y dos de alto. + www.edding.com.ar | www.mokoestudio.com

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ESPACIO PURO DISEÑÁ LA ZAPATILLA QUE VOS QUERÉS Puro es una marca argentina de zapatillas y bolsos de colección, creada por Gabriel Pozner y María Itatí Montechiani, cuyos primeros modelos salieron a la venta en enero de 2004. Cuenta con modelos de zapatillas y bolsos unisex realizados en cuero, materiales sintéticos y textiles, todos con diseños muy creativos, que se despegan de lo usual, para lograr un look diferente y personal.

A todo esto, se debe sumar la inesperada aparición de simpáticas zapatillas a control remoto, encargadas de interceptar a los visitantes para invitarlos a participar de las actividades del stand, y de un video especialmente creado para contar la historia de una zapatilla Puro que busca su par, atravesando la ciudad y viviendo las más locas aventuras.

En el espacio de Puro en Inspiration Fest, ambientado como un cálido y relajado jardín de invierno estilo vintage (especialmente creado por Cereza de Menta), se vivieron diferentes actividades en simultáneo. Por un lado, se presentó la nueva colección verano 2012 y, por el otro, sus visitantes pudieron ser diseñadores de calzado por un día, participando de la intervención de diferentes

Para los creadores de Puro, “Inspiration Fest estuvo bueno por la gran interacción con la gente. Para nosotros, la acción de enchular zapatillas acercó a gran cantidad de público, promoviendo un vínculo con la marca y el espíritu Puro. Tuvimos un saldo positivo, en un evento de prestigio”. + www.zapatillaspuro.com.ar

modelos de zapatillas con marcadores edding.

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+ Mompox

+ Intervención del Septiembre Stage

+ Dañel Mirkin Frois DJ Set

+ The Calefons

SEPTIEMBRE STAGE PONELE MÚSICA Otra novedad de Inspiration Fest 2011 fue la puesta en marcha de un escenario, el Septiembre Stage que, estratégicamente ubicado, dominó toda la escena de Ciudad Cultural Konex. Así, Septiembre, uno de los principales sponsors del festival, fue el responsable de la propuesta musical. Durante la noche de apertura del festival, se turnaron en el recién estrenado escenario la banda Slalom, con su propuesta de música electrónica e instrumental, y los DJs Diego Miola y Horacio Palermo. Al mismo tiempo, como aprovechando el ritmo y la música reinante, un grupo de fanáticos de las dos ruedas brindó un show de BMX Flatland o estilo libre sobre BMX, con trucos y acrobacias imposibles a la vista de los invitados.

la largo de la jornada del sábado, con diferentes sets diseñados especialmente, para acompañar la atmósfera creativa y contagiosa del festival.

Durante la jornada del sábado, subieron al escenario las bandas Mompox y The Calefons. Mompox es un inusual colectivo de artistas, que se formó en el verano del 2008, cuando Ignacio de Andrés, Juan Tobal y Ezequiel Spinelli decidieron crear una banda conformada por varios cantantes-compositores, en la que conviviera la búsqueda compositiva y arreglística del pop norteamericano de los 50 y la psicodelia de los 60, junto a la experimentación sonora actual. Por su parte, las chicas de The Calefons pusieron su toque fresco y creativo, con una actuación aplaudida por todos. También, varios DJs invitados, entre ellos, DJ Dañel Mirkin Frois y Cuchodubsystem, tuvieron la oportunidad de mostrar su arte a

Se destacó la actuación de Coleco Music, otro de los artistas invitados para participar de la sección Música de Inspiration Fest. Se trata de una búsqueda de espacios creativos desde contextos lúdicos, utilizando sintetizadores de baja fidelidad, para deconstruir sus influencias de synthpop, new wave y electro. Su particular sonido 8 bit fue definido como el tipo de música que harían Soft Cell o Gary Numan si tocaran en un Atari. Por último, vinculando arte y música, se presentó la Convocatoria Septiembre Stage Art, donde dieciséis artistas seleccionados de una convocatoria abierta y realizada a través de Facebook, intervinieron en vivo todo el escenario. La elección de los ganadores estuvo a cargo de los artistas de CollegeLab -Doez, Grolou, Martín Kazanietz, NASE y Negro Flores- que, además, brindaron las pautas para realizar el trabajo. + www.myspace.com/slalomar www.deck.fm www.mompox.net www.myspace.com/thecalefons www.derrochedeleche.bogspot.com www.facebook.com/colecomusica www.myspace.com/cuchodubsystem ww.facebook.com/horaciopalermo

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NUEVO FORD FIESTA KINETIC DESIGN ATTRACTION LIVE ON SPACE by SAEL Una continuación del proyecto “Live on Line” del artista y diseñador Sael, que tiene como soporte un auto, el Nuevo Ford Fiesta Kinetic Design. En la edición 2010 de Inspiration Fest, Sael presentó un obra-mural en vivo, construida a partir de una sucesión continua de puntos infinitos, generando un mundo mágico de colores sobre este modelo. En esta edición 2011, sorprendió con “Live on Space”, una nueva intervención conceptual sobre el Nuevo Ford Fiesta Kinetic Design, pero esta vez, la superficie del auto representó el universo, sobre el cual trabajó el artista, uniendo diferentes puntos a través de líneas ploteadas y dibujos a mano alzada. Así, las líneas construidas en vivo, conectaron el auto con las estrellas del universo, generando formas con movimiento. Para este trabajo, se utilizaron imágenes de Getty Images. “Inspiration Fest se va consolidando como un festival súper creativo, y lo que más me gustó de esta edición, es que te despierta todos los sentidos, ésa es la palabra. Estás en un festival, atento para aprender, crear, expresarte, jugar y llevarte muchas experiencias táctiles y sensoriales”, concluyó Sael. + www.ford.com.ar/nuevofordfiesta www.eluniversosael.com www.gettyimages.com

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| Foto: Maia Croizet para www.watio.com.ar

Serial Cut™

Conectado con el mundo Sergio del Puerto es el fundador de Serial Cut™, un estudio de diseño gráfico madrileño especializado en dirección de arte, con creativos proyectos realizados para gigantes, como Coca-Cola y MTV. Visitó por primera vez nuestro país, invitado por Inspiration Fest, donde fue uno de los conferencistas internacionales. | Texto: Jorgelina Peciña

Se crió en un entorno donde nada hacía pensar que Sergio se convertiría en un profesional de la creatividad. “En mi familia nadie es creativo, tan sólo a mi padre le gustaba mucho la fotografía y la música, pero no desarrollaba nada parecido a lo que yo hago ahora”, comenta. Sin embargo, hay detalles de su infancia que sí marcaron su camino, por ejemplo, cuando ganaba los concursos de dibujo de la escuela, o cuando armaba sets caseros y sacaba fotografías. El tiempo pasó, y le tocó elegir qué estudiar: “Estudié comunicación audiovisual en la Universidad Complutense de Madrid. Realmente, la carrera no sirvió de mucho, o al menos para lo que ahora hago, pero sí me dio una amplitud de conocimiento en otras asignaturas. Más bien, me considero autodidacta, aunque con una formación en comunicación”, explica del Puerto.

+ ¿Cuál fue tu primera experiencia profesional y qué aprendiste de ella? SDP Mi primera experiencia profesional fue haciendo flyers para clubes muy conocidos de Madrid, y que ahora se han convertido en muy grandes. El promotor de estos clubes fue una de las primeras personas que confió en mí… Luego vino mi primer trabajo serio, en la revista de tendencias, llamada Vanidad. Aprendí mucho. Desde luego, comencé en el puesto más bajo, y luego terminé como director de arte, trabajando con fotógrafos de moda, diseñadores gráficos, etc. + ¿A qué se dedican en Serial Cut™, qué clientes tienen, cómo está formado el equipo? SDP Serial Cut™ se puede definir como un pequeño estudio, con clientes grandes. Tiene una proyección internacional, nunca nos con-

especial 059 inspiration fest

+ Plant Station para Sony Playstation

+ La más grande campaña jamás realizada por Serial Cut™, encargada por Saatchi & Saatchi L.A. para Toyota USA.

+ Apps Factory para Computer Arts Projects UK

+ Typoburger para Burger King Alemania

formamos con trabajar sólo para España. Por aquí han pasado diseñadores franceses, daneses y, ahora, tenemos en plantilla a Jimmy Andersson (sueco) y Benjamín Simon (alemán), Aloma es mexicana, y yo soy español. Esta es la base, porque luego crecemos según el proyecto. Ahora, estamos buscando sumar a dos miembros más. Luego, tenemos agentes que nos representan en España, Estados Unidos, Inglaterra, Francia, Italia, Asia, Alemania, Suiza, Bélgica y Países Bajos. Como veis, estamos bien cubiertos.

que vinieron a verme. Uno siempre tiene nervios, sobre todo, porque piensas que te vas a equivocar, o si gustará esto o lo otro… Es como salir a actuar…

+ ¿Siguen algún camino creativo específico? SDP Sí, en realidad, depende mucho del cliente y sus peticiones, pero siempre hay una charla con el equipo y siempre se hace un sketch, que luego se mejora en el trabajo final. Hay trabajos más fáciles que otros. Todo depende de la exigencia nuestra y del cliente. + ¿De qué se trató tu charla en Inspiration Fest 2011? SDP En mi charla, mostré una selección de los últimos proyectos que hemos hecho en el estudio, junto con muchos videos de making of, mostrando el proceso, que es algo que interesa mucho siempre. Mucha gente se piensa que algunos proyectos están hechos en 3D cuando, en realidad, son fotográficos y viceversa… Como siempre, me quedé corto de tiempo. Hubiera necesitado una hora más para contar estos proyectos y otros. Luego, presenté en primicia la campaña que hicimos para Toyota USA, con un making of de ocho minutos, y otro proyecto muy interesante, que es la publicación del libro de 320 páginas, que recopila todos los trabajos del estudio desde sus comienzos, en 1999. El libro tiene el nombre de “BidiBook”. + ¿Cómo fue la respuesta del público? SDP ¡Fue buena, como siempre! Agradezco desde aquí a todos los

Link a la nota: http://9010.co/serialc

+ ¿Qué te pareció Inspiration Fest, participarías nuevamente? SDP Me pareció un festival ideal para ir todos los años, donde no sólo las conferencias eran un plato fuerte, sino todos los workshops y demás actos que se desarrollaron. Lo vi bastante completo y muy bien organizado, sobre todo, por el intercambio de creatividad entre las diferentes áreas que se mostraban. Por supuesto que repetiría, es muy agradable estar en el Konex, que es un sitio con mucha onda, ideal para este tipo de eventos. + ¿Qué diferencias notaste entre la forma de hacer diseño en Argentina y España? SDP Tuve ocasión de ver en los posteriores días a diferentes estudios argentinos, y la verdad, es que hacemos cosas similares. Hoy en día, las diferencias no son tan grandes como hace unos años. Con Internet, ahora da igual dónde te encuentres. Si estás conectado, estás actualizado con el mundo. + Imaginemos que tenés que empezar la carrera de nuevo, ¿en qué te enfocarías y qué descartarías? SDP Si la empezara de nuevo, no hubiera hecho falta ir tanto a la biblioteca, y hubiera consultado más Internet. Cuando empecé a estudiar, Internet apenas tenía información. Ahora, los chicos que estudian lo tienen más fácil, sin duda. Pero bueno, no descartaría nada, porque siempre me han valido todos los cursos extra que hice y la forma de aprender me ha dado muy buenos resultados, ¿o no? (risas). + www.serialcut.com

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| Foto: Maia Croizet para www.watio.com.ar

Leonardo Eyer

Tan cerca, pero tan lejos Leonardo Eyer es director general creativo del estudio de diseño Boldº, con base en Brasil. Con formación en diseño, recibió varios premios y realizó exposiciones tanto en su país como en el extranjero. Invitado como conferencista internacional, fue la voz del diseño brasileño en la 3º edición de Inspiration Fest. | Texto: Jorgelina Peciña

Serio y un poco tímido al principio de la entrevista. Así se presentó Leonardo Eyer, uno de los invitados internacionales del Inspiration Fest 2011. Antes de su charla, prefirió estar en silencio absoluto, para repasar todos los detalles de su presentación. Luego, a su término, se lo vio mucho más distendido y listo para recorrer y disfrutar del festival, donde él también fue en búsqueda de la materia prima de todos los creativos, cualquiera sea su lugar de origen, la inspiración. Eyer es el fundador del estudio de diseño Boldº Design, con base en San Pablo, Brasil. Según él mismo explica, con su grupo de trabajo busca hacer diseño estratégico, que venda, que inspire, que comunique. Así, con la ayuda de un equipo multidisciplinario, lleva

adelante grandes proyectos, con condimentos varios. Desde trabajos digitales, hasta arquitectónicos. Todo se puede hacer realidad de la mano de Boldº. + Contanos cómo empezó tu historia con el diseño. LE En la secundaria, me gradué en programación de computadoras. Luego, decidí ir a la universidad, para estudiar ingeniería electrónica. Al mismo tiempo, tomé un curso en gráficos para computadoras, en 1987. En el 90, tuve la oportunidad de mudarme a Estados Unidos, aprender inglés y estudiar arte. Me quedé casi un año. Después de esto, tuve la idea de que sería bueno combinarlo todo. El diseño gráfico me pareció una muy buena forma de hacerlo. Volví a Brasil y me anoté en la universidad, nuevamen-

especial 061 inspiration fest

+ Una selección de trabajos de Boldº Design

te, para estudiar diseño y, antes de graduarme, conseguí una beca en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, donde terminé los estudios. + ¿Cuál fue tu primera experiencia profesional? ¿Recordás alguna anécdota? LE Mi primera experiencia fue haciendo la identidad visual para un documental indie sobre diseño gráfico, a través del cual conocí mejor el trabajo de Gringo Candia. Me encantó, entonces me contacté para ver si necesitaba un asistente. Lo llamaba todos los días, y la respuesta era siempre la misma: “está muy ocupado hoy, llamalo mañana”. Y lo llamé durante cuatro meses. Yo pensaba: “si me dijeron que llame mañana, llamaré hasta que un día me digan que no llame más”. Terminó siendo mi primer jefe, trabajamos juntos por siete años. Fue la mejor escuela que tuve en mi vida. + ¿Cuál es tu función en Boldº y a qué se dedica el estudio? LE Soy el director creativo, desarrollo estrategias y conceptos creativos. Nuestros clientes más grandes son Coca-Cola, Souza Cruz y Oi Futuro, entre otros. En cuanto a Boldº, es el brazo creativo de WDG Group. Desarrollamos desde branding estratégico hasta diseño de productos y editorial. Tratamos de tomar aquellos trabajos de diseño que nos desafíen, para desarrollar un buen concepto mientras nos divertimos. Hoy somos veinte personas, con oficinas en Río y San Pablo.

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+ Sobre tu participación en Inspiration Fest, contanos cómo fue la respuesta del público a tu conferencia y qué opinión tenés sobre el festival, ¿fue lo que esperabas? LE La respuesta del público fue realmente excelente, mucho mejor de lo que yo esperaba. Creo que el festival es una oportunidad única para conocer gente nueva y muy interesante, inspirarse, y también, para conocer la escena creativa de Argentina un poco mejor. + ¿Qué te gustó más, qué destacarías? LE Me encantó y disfruté mucho ver a tanta gente joven y creativa reunida en un lugar tan inspirador, hambrientos de conocimiento y nuevas experiencias. Cuando conocés gente nueva, con métodos creativos diferentes, ayuda mucho a tu propia visión de la creatividad. Más aún si tenemos en cuenta la asistencia de gente joven. + Si tenés que invitar al público de Brasil al festival, ¿qué les dirías? LE Nosotros, Brasil y Argentina, estamos tan cerca y, al mismo tiempo, tan lejos. Ambos tenemos una comunidad creativa muy fuerte, que no intercambia experiencias como debería. Más allá de eso, Buenos Aires es una gran ciudad para visitar, nunca me canso de venir. Entonces, les diría que es una gran oportunidad para inspirarse por el festival y por la ciudad también. + www.bolddesign.com.br

+ Inga Sempé sobre su sillón Moël para Ligne Roset. Foto: Sofía Sánchez y Mauro Mongiello

personas creativas

+ 063 diseño

Inga Sempé Qué tiene Inga?

Su trabajo es visto, por muchos, como contradictorio, poco convencional y difícil. Y sin embargo, es elegida por empresas líderes francesas, italianas, suizas, suecas y hasta chinas. Delicada y personal, sin caer en reduccionismos sexistas ni materialistas, esta diseñadora francesa es considerada una de las mejores de la nueva generación. | Texto: Natalia Iscaro. Fotos: Gentileza IS.

Lo primero que se sabe de Inga Sempé, francesa de cuna, es que se negó a ser pianista. Nacida en 1968, sus padres, el ilustrador JeanJacques Sempé –creador de muchas de las más famosas tapas de The New Yorker- y la artista danesa Mette Ivers, querían un destino musical para ella. Pero Inga, que se crió en ese universo donde los bocetos, dibujos y colores trazaban un hogar lúdico, onírico y siempre cambiante, eligió otro camino. Dejó el piano a los 12 años, y hoy se confiesa orgullosa, porque lo hizo “en contra de todo el mundo”. De esa misma niñez, data su interés por los objetos y por su proceso de construcción, aún cuando todavía no supiera que existía el trabajo de diseñador. Pero una vez perfilado este interés, Inga estudió en la École Nationale Supérieure de Création Industrielle (ENSCI-Les Ateliers), en París, de donde egresó en 1993. Sin embargo, su período de aprendizaje más intenso fue en los talleres de algunos de los personajes más legendarios del diseño, como Marc Newson, George Sowden y la interiorista Andrée Putman. Durante sus dos años como discípula de esta última, descubrió que lo suyo era, definitivamente, el diseño industrial. “Cuando estoy creando un objeto, no pienso en el espacio que ocupará, sólo pienso en el objeto. De hecho, no me preocupa cómo coloque el usuario mis objetos en su espacio, cómo se vea el conjunto o cómo le pegue la luz. Ése no es mi trabajo”. Y aún cuando hoy confiesa que le costó abandonar el trabajo en relación de dependencia, también sabe que disfruta trabajar en sus propios proyectos, un camino que inició en 1999, cuando abrió su propia oficina. Hoy en día, con un largo trayecto recorrido, sus creaciones llevan la firma de casas como Baccarat, Edra, Ligne Roset,

VIA, Moustache, Domestic, LK Hjelle, Artecnica, Cappellini y LucePlan, entre otras. Se trata de trabajos que se distinguen por su especial atención en la comercialización y producción de cada pieza. “La libertad de diseño está limitada por el fabricante”, declara Inga con firmeza. “Me interesa la producción, no necesariamente que sea a gran escala”. Recordada por su ingenioso diseño del Reloj analógico-digital (las agujas llevan números en LED que contabilizan, en simultáneo, el paso del tiempo), en 2002 recibió el Grand Prix de la Creation, otorgado por el gobierno de su ciudad natal; en 2003 expuso sus creaciones en el Museo de Artes Decorativas de París, y recientemente, fue distinguida como Diseñadora del Año, en los premios EDIDA 2011. Ella, rigurosa y sencilla, se entrega a esta charla sin demoras. + ¿Cómo fue crecer en un hogar artístico? ¿Tus padres influenciaron tu futura profesión? IS Crecer en un hogar artístico fue simplemente normal, porque la forma en la que uno es criado, es lo que uno siente como normal siendo chico. Es cuando crecés que te das cuenta de las partes menos normales que tal vez hubo. Mis padres, especialmente mi madre, eran muy atentos a los objetos y mobiliarios, y por la forma en la que estaban dispuestos en casa, de modo que la belleza de todos los días eran un gran tema. + ¿Cómo moldeó tu creatividad tu formación académica? ¿Qué aprendiste en ENSCI? IS En esa época, mi formación estaba realmente orientada a productos técnicos. De modo que aprendí sobre la concepción de un

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+ Estante Balcon para Moustache, 2011.

+ Lámparas Vapeur para Moustache, 2009.

objeto, siempre manteniéndolo realista para su industralización. Es una escuela especial, realmente pequeña, con muchas posibilidades, pero además, con una mente tiránica; por esa época, realmente influenciada por algunos pensamientos caricaturescos de 1968. Por ejemplo, estaba prohibido diseñar muebles que eran considerados para ricos, y siempre nos decían: “Es sólo estilo, y el estilo es fácil”. Pero yo no estaba de acuerdo con esos pensamientos lineales.

(2011), colección elaborada con una estructura delgada de madera de haya, sobre la cual descansa un edredón de un entramado tupido, que pareciera casualmente tirado arriba, y que envuelve toda la estructura, incluido respaldos y apoyabrazos. Ella, en tanto, confiesa: “Estoy en contra de las reglas sobre la belleza”, y sobre su profesión, amplía: “Hoy es difícil hablar de diseño europeo o americano. En términos de diseño, creo que ya no se puede hablar de países”. Dama de honor de la última edición de la Feria Internacional del Mueble de Estocolmo, confiesa que no ha perdido sus orígenes: “Como persona, tengo mis raíces en Francia, me siento muy francesa”.

+ ¿Y cómo fue trabajar con diseñadores como Andrée Putman y George Sowden? IS Fui una muy mala asistente, porque yo sólo quería trabajar en mis proyectos, pero a su vez, no me animaba a trabajar de manera independiente. Al menos con George Sowden y Bruno Vigano, aprendí italiano, que más tarde sería el país y el lenguaje más importantes para mí en términos de diseño. Con Marc Newson aprendí mucho; aún cuando me quedé en su estudio menos de seis meses, comprendí la importancia esencial de entender todos los procesos industriales. Con Andrée Putman, que es una de las personas más graciosas y originales que he conocido, aprendí cómo nunca trabajaría, porque nunca podría: en una compañía con más de cinco personas, y haciendo interiores, mientras que a mí lo que me gusta es concebir objetos y muebles. MÁS ALLÁ DE LA BELLEZA Delicados y fuertes, sus diseños reflejan su temperamento. El de una mujer hermosa, de una manera sutil, asexuada y sumamente poética. Son piezas sensibles, como su unidad de guardado Brosse para Edra (2003), de aluminio, en color blanco o negro, con la forma de sucesivos cepillos industriales que se corren para introducir o quitar elementos, como una alternativa a las habituales puertas. O sus encantadoras lámparas Vapeur para Moustache (2009), de techo y escritorio, livianas y con un aspecto de papel, que utiliza sus cualidades mecánicas para crear volúmenes de luz, elaborada en metal laqueado y Tyvek. O la lámpara de escritorio de LED para Wästberg (2010), con una pantalla de aluminio que permite dirigir el haz de luz donde sea necesario, según sus tres posiciones, y con una versión tipo pinza, que en lugar de incorporar la base fija, permite ubicarla donde se necesite. O los más recientes y elegantes sofá y cama Ruché para Ligne Roset

+ ¿Por qué finalmente elegiste diseño industrial como tu disciplina? IS Me metí en diseño porque estaba (y estoy) interesada en la vida diaria, sus objetos y muebles, más que en el arte. De niña, me gustaba construir objetos pequeños, y siempre cuidaba a todos los objetos que estaban a mi alrededor. Era bastante evidente que iba a terminar siendo una diseñadora. + ¿Cómo empieza un proyecto? IS Comienza con bocetos, muchos bocetos, seguidos de pequeños modelos aproximados en 3D, luego dibujos técnicos, y finalmente, los proyectos son llevados a prototipos por la compañía. + ¿Cómo elegís los materiales? ¿Cuáles son tus favoritos? IS No tengo un material favorito, depende del proyecto. Nunca comienzo un proyecto con la idea de usar un material en especial; lo hago tratando de encontrar un nuevo uso a formas nuevas. Luego, intento encontrar el material que se adapte a mi idea. + ¿Tenés en cuenta la ecología cuando diseñás? IS Por supuesto que siento cierta responsabilidad por mi medio ambiente. Desde el punto de vista ecológico, desafortunadamente, no estoy en condiciones de pretender que mis objetos lo sean. Esto es ciencia real. Por ejemplo, elaborar sillas de madera no significa que sean necesariamente ecológicas, es algo que depende de tantos factores… Además, no puedo obligar a una compañía a seguir reglas ecológicas si no quieren hacerlo; no soy lo suficientemente poderosa. Creo que esto cambiará cuando los políticos decidan cambiar las normas de producción. Por el momento, mi objetivo es, al menos,

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+ Mesa Ruché para Ligne Roset, 2011.

fabricar objetos de calidad, que uno pueda tener durante un largo tiempo. + ¿Cómo te inspirás? IS La manera de inspirarme es dibujando. Es la única forma en que tengo una idea, y es el comienzo fundamental de cualquier trabajo. + ¿Cuánto puede cambiar un proyecto del papel hasta que se termina? IS Cambia por detalles, por procesos de producción técnicos, materiales algunas veces; pero cuando mirás el primer boceto que elegí para convertirse en un objeto, no existen grandes diferencias. ESTILO FRANCÉS Camisa de seda amarilla, pantalón violeta, pelo recogido, flequillo desmechado, apenas un toque de máscara de pestañas. Inga tiene ese estilo desentendido de las mujeres franceses, personal, desafectado, y con mucho porte, casi sin querer. Con un inglés de acento marcado, describe cómo su estudio está ubicado al lado de su departamento parisino. En un cuarto, colmado de prototipos pequeños, paredes blancas y escritorios atiborrados, trabaja junto a sus tres asistentes, con el furioso tráfico parisino como telón musical. De sus trabajos, se destacan especialmente las luminarias, entre ellas, candiles y lámparas de pie realizados en poliéster plegado, de diferentes colores. “Con pliegues se puede dar forma a la luz, mantener la flexibilidad y crear sensación de volumen”, afirma, y cuenta que cuando Cappellini le pidió hacer una lámpara de pie alta, ella se preguntó ¿cuánto es alto?: “No creo que una lámpara de pie tenga que medir necesariamente 1,20 ó 1,50 metros de altura. En Francia, los techos, generalmente, tienen 2,70 metros de alto. Entonces, ¿por qué tenemos que seguir haciendo lámparas de 1,18? No encuentro razones técnicas para ello”. Así nació, para la firma italiana, una lámpara plegable en tres tamaños, pequeño, mediano y grande. + ¿Qué es la funcionalidad para vos? IS Si yo fuera un director de cine, no preguntarías qué es más importante, si la imagen o el sonido. Así que, para un diseñador, es lo mismo tenés que lidiar con la forma y la función, para crear un balance; que no decrezca en ninguno de sus componentes, ni que destroce la belleza en pos del confort.

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+ Sofá Ruché para Ligne Roset, 2010.

+ ¿Cómo fue tu experiencia en la última Feria Internacional del Mueble de Milán? ¿Qué mostraste? IS Mostré una versión pequeña de la lámpara Ecran para LucePlan, llamada In&Out, un pequeño estante llamado Balcon para Moustache; una silla de madera, Osterlen, para una productora sueca de madera llamada Gärsnäs; la cama Ruché, el sofá y pequeñas mesas con compartimentos de cuero para Ligne Roset. Y finalmente, mostré un estante de corcho con bowl de una nueva empresa portuguesa: Material. La exhibición fue muy linda. Tuve muchos productos nuevos el año pasado, así que me la pasé en los stands de los productores. No pude ver nada más, es agotador. Siempre me alegra ir a Italia y trabajar con italianos, pero siempre me alegra dejar la Feria de Milán… + ¿Creés que ser parisina afecta tu manera de pensar o diseñar? IS Siempre te afecta lo que sucedió en tu niñez: o querés mantenerlo, o querés abandonarlo. Yo estoy en el medio, porque ser parisina significa más que vivir en una ciudad convertida en museo e ícono de la moda para spots y turistas. + ¿Algún trabajo desafiante o interesante que aún no hayas hecho? IS Recientemente, hice algunos objetos y muebles, de modo que todavía tengo que trabajar en diferentes campos, como papelería, herramientas, cocinas, complementos para cocinar… + ¿Cómo juzgás que una obra tuya ha sido exitosa? IS Algunos proyectos son muy difundidos por la prensa, pero eso no significa que las personas lo compren. Creo que lo más importante es lo que pienso yo misma del producto final. Si baso mi opinión en los royalties que consigo de ellos, debería abandonar este trabajo. + ¿Cuándo es el próximo desafío del diseño? IS Las industrias francesas recién comienzan a meditar sobre los diseñadores que conciben sus productos, utilizándolos principalmente para su comunicación, no con el objetivo de generar un producto mejor. Piden trabajar con un diseñador cuando él o ella tienen un poco de renombre, porque ha trabajado en muchas oportunidades con compañías italianas. De modo que el desafío sería que las empresas francesas tomaran el riesgo de trabajar con diseñadores, sin esperar tener un buen feedback de países extranjeros. + www.ingasempe.fr

+ Nathan con su versión de Dunny de 8” para Kidrobot, una reinterpretación de la divinidad lituana Dievas. Foto: Maia Croizet para www.watio.com.ar

personas creativas 067 ilustración

Nathan Jurevicius

Creando personajes y universos Vino desde Canadá para estar presente en la edición 2011 de Inspiration Fest. Sabía que lo esperaba un evento donde la creatividad era la clave. Sin embargo, lo que encontró en el Konex lo sorprendió. Se trata de Nathan Jurevicius, un artista y creador de personajes y universos, que vino a compartir su trabajo y, a cambio, se llevó una de las experiencias más importantes de su vida. | Texto: Jorgelina Peciña

Muy amable, con una forma de hablar pausada y atenta a los detalles, Nathan Jurevicius recorrió las galerías de Ciudad Cultural Konex, sorprendiéndose a cada paso. Es que tanta creatividad junta, tanta gente compartiendo arte en diferentes actividades y soportes, terminó por dejarlo maravillado. “¡Me encanta Buenos Aires!”, comentó entusiasmado, y dijo sobre el festival que lo trajo hasta nuestra orilla: “Es muy diferente a los festivales en los que participé anteriormente. Se vive una atmósfera realmente relajada, la gente comparte sus ideas, y son todos muy positivos y entusiastas”. Nathan es australiano, pero desde hace unos años, su domicilio está en la ciudad de Toronto, Canadá. Ha trabajado como ilustrador y artista, mayormente para publicaciones internacionales. Una de sus creaciones más conocidas es Scarygirl y su universo de personajes, que cuenta con miles de seguidores en el mundo, a través de su comic online, vinyl toys de edición limitada, productos de diseñador y exposiciones itinerantes. Pero hay mucho más para conocer del trabajo de este artista. 90+10 lo cuenta en esta entrevista. EL ARTISTA DETRÁS DEL PERSONAJE + Contanos cómo elegiste esta carrera. ¿Hay alguna anécdota de la infancia que recuerdes relacionada con el tema? NJ Fui muy afortunado de chico, al haber vivido rodeado de arte y música. Mi abuelo era artesano y mi padre artista. Con mi hermano, pasábamos mucho tiempo en su estudio, usando diferentes materiales para dibujar y pintar. Me acuerdo que una vez, cuando tenía entre seis y siete años, mi padre me llevó a una feria en una escuela, y vendí dibujos de mi autoría a la gente que pasaba. Desde ese día, lo único que quise, fue estar relacionado con el arte de alguna manera. + Y luego, ¿cómo encaraste tus estudios, tu formación? NJ Estudié en Australia, obtuve mi diploma en diseño, mayormente haciendo ilustración. No tuve demasiado acceso a la computación en ese entonces, en los comienzos de los 90, así que luego de gra-

+ Scarygirl

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+ Los personajes del universo Scarygirl en versión toys

duarme, aprendí por mi cuenta a usar programas como Photoshop, Illustrator y lo básico de Flash. + Cuando llegó la hora de trabajar, ¿cuál y cómo fue tu inicio profesional? NJ Durante la secundaria, tenía mi propio negocio de serigrafía, donde hacía pequeños trabajos para clientes, pero mi gran salto fue durante la universidad, cuando me ofrecieron ilustrar una serie de cuentos para chicos para una editorial religiosa local. Esto me ayudó a, una vez graduado, ingresar a las agencias de publicidad y diseño. Luego, conseguí un puesto como editor de ilustración en la editorial McUsar en Estados Unidos, lo que me trajo muchos clientes.

+ Contanos sobre tus dos personales, Scarygirl y Peléda, el proceso creativo y cómo surgieron. NJ Scarygirl comenzó como la idea de un videojuego online, casi diez años atrás. Inicialmente, esta pequeña niña y su mascota buscarían la aprobación de sus amos para realizar diferentes tareas. La puntuación obtenida la haría mejorar sus habilidades y circunstancias en la vida. Este concepto se puso en pausa y, en cambio, se convirtió en un mundo de toys y artículos con su imagen. El universo de Scarygirl se inspira en mi amor por el océano y la vida en el mar. Ella es parte niña y parte pulpo, y tiene algunas actitudes de mi hija y cuentos de todas partes del mundo. Mi otro personaje, Peléda, se basa sobre mi herencia lituana, por parte de mi padre. La palabra Peléda significa búho en lituano, y es un símbolo muy fuerte en esa

+ ¿Cómo es un día de trabajo? NJ Mi rutina es bastante estructurada, aunque puede cambiar si algo ocurre. Generalmente, paso la mañana contestando e-mails y organizando las tareas que tengo que hacer durante el resto del día. Luego de varias tazas de té verde, ya estoy listo para trabajar. Actualmente, estoy trabajando en un proyecto que incluye hacer un film animado basado en mi personaje Scarygirl. Así que me la paso aprobando diseños y creando conceptos creativos para el juego del mismo personaje en Xbox y PSN. También, organizando mi último proyecto, llamado Peléda. + ¿Cómo es trabajar con clientes? ¿Tenés algún método en especial? NJ Mucho de mi trabajo son proyectos propios. Trato todos los trabajos de la misma manera, pero generalmente mi filosofía, cuando trabajo con clientes, está basada en una mentalidad de solucionar problemas. Esencialmente, un cliente me entrega un problema para solucionar, y yo le ofrezco varias soluciones. Luego, llegamos juntos a una respuesta que nos deje a todos contentos. En cambio, con mis proyectos, arranco con un sueño que no tiene una respuesta potencial. Cada paso es un hito que puede caerse con otra nueva idea. Mis trabajos personales son orgánicos, nunca finalizan.

+ Peléda versión bronce

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+ Old man mountains

cultura. Quise incorporar mi interés en las historias de Europa del Este y mi amor por los búhos, y así inventé un mundo de fantasía, donde unos hermanos se unen para salvar el medioambiente de las garras de una reina malvada, llamada Giltine. + ¿Tenés planes de crear nuevos personajes? NJ Habrá muchos nuevos personajes en los mundos de Scarygirl y Peléda. También, tengo un par de ideas para una nueva historia, muy diferente a lo que hice hasta el momento, basada en un perrito. Tengo muchas ideas, ¡pero yo soy sólo uno! + Si hablamos de negocios, una vez que tenés un personaje, ¿cómo hacés para hacerlo rentable? NJ No hay que tener miedo de llevar un personaje más allá de una idea o un dibujo. Vivimos en un mundo funcional y táctil, y nuestros personajes deben tener esos beneficios también. Se debe desarrollar un ambiente y una historia de fondo para el personaje, pensar en las posibilidades de diseño y los medios que mejor se adapten. Si el creador logra hacer algo que es realmente atractivo y cree en su proyecto, otros también lo harán y se sumarán, para hacer de esos planes una realidad.

+ Sobre tu visita a la Argentina y tu participación en Inspiration Fest, ¿qué nos podés contar? NJ ¡Me encantó Buenos Aires! Realmente, me sorprendió lo cómodo que me sentí y pude ver que podría ser un lindo lugar para vivir y explorar. Fue fantástico ser parte de Inspiration Fest, un encuentro muy diferente a los festivales en los que participé anteriormente. La gente tenía ganas de compartir sus ideas, de hablar sobre sus trabajos; realmente, muy entusiastas todos. + Entonces, si tenés que hacer un balance sobre tu presentación en el festival, ¿qué nos dirías? NJ En lo personal, me dio una visión sobre el talento que hay en la Argentina y los obstáculos que deben enfrentar. Espero que mi charla haya inspirado a las personas, para que vean lo que pueden conseguir con su arte, que sepan que deben persistir en sus ideas. De pequeñas semillas, crecen grandes árboles…+ www.scarygirl.com | www.nathanj.com.au

“SER PARTE DE INSPIRATION FEST FUE FANTÁSTICO” Feliz por haber sido invitado a formar parte de Inspiration Fest, Nathan se tomó muy en serio su visita y actividades. Además de la charla que brindó, también dictó un workshop, donde se analizó el proceso creativo para diseñar toys. Durante el mismo, se trabajó en la creación en papel de las figuras necesarias en dicho proceso, utilizando plantillas proporcionadas por Kidrobot. Por último, Nathan le entregó a cada uno de los registrados en su workshop un regalo. Se trató del personaje que creó inspirándose en su herencia familiar, el búho Peléda, cuyo pack no revela ni el diseño ni el color del toy. Así, cada caja guardó el misterio, que fue ampliamente celebrado por los felices alumnos.

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+ Universo Scarygirl

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Franc Vila

El lujo como consigna Creador de una marca de relojes que lleva su nombre, este valenciano radicado en Suiza visitó Buenos Aires para presentar su última edición ultra limitada. Un artista en la búsqueda incansable del modelo perfecto. | Texto: Laura Piasek. Fotos: Gentileza FV

+ FVa Nº6 Tourbillon Planétaire Skeleton SuperLigero Concept

Para Franc Vila, el lujo es sinónimo de exclusividad. Y bajo esta premisa, con piezas en las que los estándares de la calidad tradicional conviven con la esencia de lo contemporáneo, ha logrado hacerse un lugar en el mundo de la alta relojería. Empezó como coleccionista, sin pretensiones de montar una marca, y con el objetivo de fabricar un reloj para su uso personal. Pero en el 2005, en BaselWorld –el punto de encuentro más importante para el sector de la relojería y la joyería en Basel, Suiza-, presentó al público su primera creación, y descubrió que lo que había empezado como un desafío personal, podía devenir en una aventura comercial exitosa. Desde ese momento, bajo una base conceptual que bautizó con el nombre de «Esprit Unique», las distintas ediciones se fueron sucediendo una detrás de la otra: todas diferentes entre sí, pero con la impronta inconfundible del diseño inicial. ¿El secreto para reinventar los clásicos desde el presente? Vila diría: primero, conocer las reglas, para después, pervertirlas. Es que gracias a su formación multidisciplinar - estudió química y filosofía, además de bellas artes-, pudo desarrollar técnica y creativamente, la identidad de su marca, con una complejidad asombrosa. En las producciones Franc Vila, con series que van de entre ocho a 88 piezaspiezas (cada una de las cuales cuesta entre 10 y 15 mil dólares), dependiendo del modelo, la destreza técnica se pone al

servicio del arte, y el resultado no pasa inadvertido: creatividad y lujo al rescate de la tecnología del reloj mecánico que, contra todos los pronósticos, no pasa de moda. +Trabaja con un grupo selecto de profesionales que colaboran con usted en la fabricación de sus relojes. ¿Cuál es la filosofía que acompaña a esta modalidad? FV Es lo que yo llamo «manufactura abierta». Partiendo de la base de que los mejores relojeros, artesanos e ingenieros especialistas en alta relojería son independientes, mi idea es crear un equipo con los mejores profesionales, de forma que trabajamos todos interconectados. Siguiendo esta filosofía, me aseguro de que todos los implicados en el desarrollo de cualquiera de mis relojes tengan los conocimientos, la excelencia y la pasión imprescindibles para crear un Franc Vila. Viene a ser como formar una orquesta con los mejores músicos, y mi papel es el de director, para coordinarlos y lograr una interpretación sublime. +Sus piezas responden a conceptos estrictos. Pero sin embargo, no pierden la adaptabilidad. ¿Cómo se conjuga la sujeción al carácter que define su marca con la necesidad de indagar con nuevos materiales? FV Esto es precisamente porque la investigación de nuevos materiales está fuertemente arraigada en el ADN de Franc Vila. ¡No puedo siquiera imaginar que no fuera así! Para mí, la creatividad no incumbe

personas creativas

+ 071 diseño

+ FVa Nº7

+ FVa Nº9

sólo a la estética; y en mi marca está presente en todos los procesos, desde la idea inicial hasta las decisiones estéticas, pasando por la búsqueda de nuevos materiales y la forma de utilizarlos y aplicarlos. Por otro lado, el tener una filosofía de marca tan fuerte, permite cierta flexibilidad, porque la pervivencia de lo esencial está asegurada. + ¿Cuál es el perfil del cliente al que apuntan sus producciones? FV En el mundo contemporáneo, tan globalizado, es complicado concretar el perfil tipo de los clientes, especialmente en este sector. Creo que lo único que tienen en común los clientes de Franc Vila es un alto poder adquisitivo. Quizás podría añadir que son personas sofisticadas, amantes del arte, y capaces de percibir y valorar la creatividad y la innovación, pero me parece poco realista creer que puedes categorizar a tus clientes, sobre todo hoy en día, que las personas tenemos gustos y afinidades transversales, de forma que podemos comer en un McDonald’s, vestir mezclando ropa de marcas de diferentes segmentos, llevar un reloj de gran complicación un día y, al siguiente, uno sencillo. REINVENTAR LA TRADICIÓN El tourbillon –uno de los más intrincados mecanismos de la alta relojería, inventado a principios de 1800 por el relojero suizo Abraham Louis Bregue-, es uno de los dispositivos, junto con el cronógrafo, el repetidor de minutos y el calendario perpetuo, que componen el grueso de las colecciones. Vila se sirve de estas complicaciones

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relojeras clásicas como soportes, para desplegar otra de sus grandes preocupaciones: la necesidad de transmitir, en cada una de sus creaciones, el espíritu de la época en que ha sido realizada. + En este sentido, ¿cómo definiría su producción: el Tourbillón SuperLigeroFVa Nº6? FV El Tourbillon SuperLigero es un buen paradigma de la base conceptual de Franc Vila. El planteamiento de su desarrollo fue ¿cómo puedo hacer un Tourbillon que, como todos sabemos, es un movimiento clásico muy delicado, con un aspecto contemporáneo y capaz de resistir el día a día de una persona de nuestro tiempo? Esta pregunta inició la búsqueda de un nuevo material que lo permitiera, el Lightnium, que resultó ser idóneo para construir toda una colección basada en el concepto SuperLigero: piezas ligeras y resistentes, para poder disfrutar en la vida contemporánea, de complicaciones clásicas tradicionalmente delicadas. + ¿Qué proyectos tiene la marca para el futuro? FV Mi marca tiene siempre el mismo proyecto en marcha que, paradójicamente, siempre es un proyecto de futuro: crear el reloj perfecto en cada momento. Así pues, los proyectos futuros pasan por seguir investigando nuevos materiales y expresiones creativas y la forma de aplicarlos, para hacer mañana el reloj que hoy soñamos como perfecto, y que ayer no podíamos ni imaginar. + www.francvila.com

Izak Zenou

Una historia de amor La ilustración de moda es un nicho que tiene una dinámica bastante errática, ya que suele fluctuar desde lo popular e intrascendente, hasta el extremo opuesto de un glamour casi incoherente que -muy de vez en cuando-, cumple el rol de acompañar y embellecer a los famosos. Izak Zenou, el ilustrador oficial de la legendaria tienda Henri Bendel desde hace catorce años, es un ejemplo perfecto de esta elite de artistas, que tiene el don de saber captar la esencia más pura que hace a la belleza, gracias a un sexto sentido que, simplemente, no se aprende. | Texto: Fernanda Cohen

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PRIMERA CITA La historia del uso popular, tanto de la ilustración de moda publicitaria, como de los clásicos figurines aún vigentes, se remite a principios del siglo XX, cuando la elegancia y el buen vestir, más que una actitud envuelta en seda natural, eran toda una filosofía de vida. El estilo art nouveau del reconocido artista checo Alfons Mucha, seguido de las mujeres inmaculadas art déco de grandes ilustradores como Georges Lepape, son excelentes testigos ilustrativos de una era que nunca parece dejar de enamorarnos e influenciarnos. Objetivamente hablando, la belleza en su forma más pura, se destaca por ser atemporal y universal por naturaleza, una cualidad con tal poder de seducción, que inspira desde fanatismo hasta obsesión absoluta. Izak -y todo ilustrador de moda que perduró a través del tiempo-, tiene el don de entender la belleza por instinto, no solamente con los ojos. “La ilustración de moda es un nicho donde es fundamental saber sentir la belleza, el estilo y la conciencia social de nuestra apariencia física. Por eso, no tenemos tanto que ver con la ilustración convencional, ya que el objetivo es muy diferente. El éxito de nuestro arte no pasa tanto por la calidad de su ejecución, sino por el alma que lo alimenta. Creo que éste es uno de los motivos por los que la ilustración de moda nunca llegó a tener una repercusión masiva. Por falta de contenido, por intimidante, o porque, quizás, tanta perfección está destinada a ser comprendida por esos pocos que nos sentimos felices”.

didacta!”. Al poco tiempo, portfolio de ilustración en mano, se mandó de puerta en puerta, buscando trabajo en agencias de publicidad por todo París, hasta que la agencia boutique Brigit Advertising lo tomó como asistente del director de arte. Izak no tenía academia ni experiencia; ni siquiera una lógica que justificara su persistencia como ilustrador, pero él sabía que era eso lo que tenía que hacer. “Mientras tanto, buscaba a alguien que me representara como ilustrador freelance. Después de mil reuniones, mi agente en Europa hasta el día de hoy (¡y mi ángel guardián!), Virginie Challamel, me dio una chance. Ese fue el principio de todo. De pronto, ya estaba ilustrando campañas para Chanel, Monoprix, Franck et Fils y demás”. I LOVE NEW YORK En 1998, Izak se mudó a Nueva York, con el mismo brillo en los ojos

Sin embargo, retrocediendo a los años 50 de Andy Warhol, la ilustración de moda sí conquistó a las masas una vez, y bien a lo grande. Warhol fundó su existencia artística, haciéndole un tributo obsesivo a todo lo bello, tanto como uno de los mejores ilustradores de moda de su época, como en su protagonismo revolucionario en el movimiento de arte pop. Usando una misma fuente de inspiración, Warhol marcó un nexo inédito entre ilustración y bellas artes, dos mundos que apenas se miran de reojo, a pesar de ser primos hermanos. PARÍS, OH PARÍS… Izak Zenou nació en las afueras de París, donde se mudó cuando era adolescente, para estudiar literatura en la École des Arts Appliqués. Fue en una de sus aulas, casualmente, donde se cruzó con la profesora Vareille que, impactada por su talento innato, lo incentivó a seguir su arte de tal forma que, dos décadas más tarde, se lo sigue agradeciendo. Así nació un Izak de 17 años, con vocación a estrenar, y con un rumbo nítido, entusiasta y desbordante de futuro. Con el fin de explorar sus posibilidades, Izak tomó clases de diseño de moda en la École Jeoffrin Byrs, sin siquiera considerar estudiar ilustración ni bellas artes: “¡Puedo jactarme de ser un artista auto-

+ Ilustración para catálogo Henri Bendel, 2001.

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+ Curly, trabajo personal.

+ 075 que lo hice yo dos años más tarde, pero con un tremendo as en la manga, que le dio una valiosa ventaja: la tienda de la Quinta Avenida Henri Bendel lo había contratado como ilustrador, justo antes de abandonar París por Manhattan, y nunca más paró ni volvió. “El desafío más grande con un cliente de tantos años, es que mis ilustraciones sigan siendo tan frescas y expresivas como al principio. Ya pasé por la prueba mortal de tres directores ejecutivos y tres diseñadores diferentes, que me obligó a hacer un esfuerzo extra para impactarlos, a ellos y a mí mismo. Creo que la clave es mantener una visión clara, y permitirte tomar nuevos riesgos”. Desde el 2008, Henri Bendel lanza ediciones limitadas de pañuelos de seda, carteras y accesorios ilustrados por Izak y, actualmente, se está editando un mega libro repleto de sus ilustraciones, con motivo de un aniversario más de la tienda, fundada en su ubicación actual, en 1895. CUESTIÓN DE PIEL Cuando Izak apenas empezó a ilustrar, su estilo era más literal conceptualmente, y su estética se tambaleaba en el borde de lo caricaturesco, por más que su trabajo siempre se caracterizó por su elegancia inherente, y su sentido del humor ocurrente y sutil. “De algún modo, la intención detrás de mis ilustraciones continúa siendo la misma, sólo que con un ajuste de línea que ahora es bastante más realista, y que está guiada por un enfoque marcado en función de la moda. La ciudad donde vivo y la gente que me rodea también tiene una influencia palpable: mis mujeres parisinas adoptaron con el tiempo un estilo neoyorquino, aunque la actitud es siempre la misma”.

es la combinación excepcional de un hermoso ser humano y un inmenso talento”. …Y COMIERON PERDICES Entre cientos de mujeres de ojos penetrantes, bocas peligrosas y piernas infartantes, Izak escurre tiempo y energía creativa suficientes para, ante todo, nunca dejar de lado su trabajo personal. “Cuando dibujo para mí, procuro que se dé un proceso inesperado, permitiéndome observar a la gente -y a la mujer, en especial-, a través de una lente muy diferente a la que uso con el cliente”. La curiosidad de Izak no se queda quieta, a pesar de que, a veces, sienta que lo encasillan como ilustrador. Sueña en voz alta, con empezar a ilustrar para animaciones, comerciales y largometrajes como Persépolis o Les Triplettes de Belleville. “Sigo desarrollando mi marca, e intento mantenerme enfocado y honesto conmigo mismo”. Sabias palabras de un eterno romance… “No se puede vivir del amor”, asegura Andrés Calamaro en uno de sus clásicos, pero a la hora de explicar el corazón del arte, Los Beatles lo resumen sin vueltas: “All You Need Is Love”. Es de artistas como Izak que se aprende primero a sentir y, recién después, a dibujar. “No tengo duda de que la mía es una historia de amor, tan sólo amor. Amá lo que ves. Amá lo que hacés”, me dice como si estuviera cantando. Imposible no enamorársele, con un efecto mágico, como el de “Love Potion No. 9”. + www.izakzenou.com

Cuando le pregunto qué lo inspira, Izak me responde, sin balbucear: “La belleza, punto”, en la música, el cine, la pintura, la fotografía, la escultura, la gente, los sonidos, las fragancias, la comida y, claro, la belleza de la mujer en todos sus colores y sabores. También lo inspira (y lo desafía) una gran admiración por tantos de sus pares, como Toulouse-Lautrec, René Gruau, Mats Gustafsson, Jean-Philippe Delhomme, Pierre Le-Tan y “Fernanda Cohen, ¡por supuesto!”. Me sonrojo mientras recuerdo con una sonrisa, cuando nuestra gran amiga Laurence nos presentó en su galería de TriBeCa en 2004: fue, sin duda, amor de ilustrador a primera vista. Las tendencias que modelan las hermosas mujeres de Izak se traslucen en sus materiales de trabajo -tinta de color, tinta china, acuarela y pincel-, liderados por una pincelada frágil y pasional, sobre un delicado papel levemente texturado. Es interesante observar cómo, siglo tras siglo, ésta continúa siendo la metodología de trabajo de los mejores ilustradores de moda por excelencia, superando la popularidad de cualquier medio analógico o digital. UNA RELACIÓN ABIERTA Aparte de ilustrar para campañas, diseñadores y revistas, Izak también trabaja para editoriales como Byron Preiss Book, que lo convocó en el 2005 para ilustrar las 32 páginas del libro infantil del cantante Billy Joel, titulado “New York State Of Mind”. “Trabajar con Billy Joel me dio mucha visibilidad, y me amplió la posibilidad de colaborar con varios autores literarios, por más que, indefectiblemente, siempre esté ligado a la moda. Todos mis clientes me buscan por lo mismo: la elegancia, el encanto y el sentido del humor que ven en mi trabajo. Ahora, estoy pensando en sacar mi propio libro para chicos”. Al año siguiente, Izak ilustró un libro de 256 páginas de la maquilladora Laura Mercier, “The New Beauty Secrets: Your Ultimate Guide to a Flawless Face”, editado por Atria Books. Como complemento, a su vez, ilustró todo el packaging de una línea exclusiva de maquillaje Laura Mercier. “Trabajar con Laura fue una experiencia inolvidable;

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+ Ilustración para Henri Bendel, 2011.

Fotografía Javiera Eyzaguirre para www.estudiofe.cl Estilismo y Arte Rodrigo Farías www.rodrigofarias.carbonmade.com Modelo Anelise Rufine para ID Chile www.idmodels.cl Pelo Luciano Dodero Make Up Taly Waisber para Mac www.talymakeupartist.com Retoque Digital Estudio FE www.estudiofe.cl Tipografía título nota Circled Font de Paula Cárdenas

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+ Remera, pollera con lentejuelas y pulseras: Nostalgic www.nostalgic.cl | Medias: La Media Panty | Patines: RollerVar www.rollervar.cl

+ Vestido: Engracia www.engraciaindumentaria.blogspot.com | Pulsera y cartera: Nostalgic www.nostalgic.cl

+ Vestido: Adolfo Domínguez www.adolfodominguez.com | Anteojos: D&G (Óptica GMO www.gmo.cl)

+ Vestido: Jean Paul Gaultier www.jeanpaulgaultier.com | Sobre: Alexander McQueen www.alexandermcqueen.com | Pulsera: Nostalgic www.nostalgic.cl

+ Remera: Paula Cahen D麓Anvers www.paulacahendanvers.com.ar | Pantal贸n: Moschino www.moschino.it | Reloj: Nixon www.nixonnow.com | Patines: RollerVar www.rollervar.cl

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+ Grupo Bondi: Iv谩n L贸pez Prystajko y Eugenio G贸mez Llambi

ideas creativas

+ 083 diseño

Revolución material en el diseño Dos equipos de trabajo manifiestan en sus creaciones una concepción de diseño lúdica y comprometida, que les permite encontrar productos, sin salir a buscarlos. Los estudios La Feliz y Grupo Bondi son emprendedores creativos que, mediante la experimentación ingeniosa con materias primas, el desarrollo de técnicas y la creación de nuevos materiales, realizan productos innovadores para el mercado argentino e internacional. | Texto: Wustavo Quiroga. Fotos: Maia Croizet para www.watio.com.ar

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+ Grupo Bondi en su taller.

+ Asientos de concreto para espacios públicos de Grupo Bondi.

+ Floreros Cristal de Maciel de Grupo Bondi.

LAS CUADRILLAS CREADORAS Ambos grupos encuentran la fuerza motriz en el trabajo de equipo, y sus talleres son las bases de operaciones donde someten a los materiales técnica y emocionalmente, para devenir en hallazgos objetuales. Sus miembros coinciden en el paso por Tramando, donde convivieron con una filosofía descontracturada, que les permitió entender al diseño sin absolutos, y como una labor divertida de ejecutar, experiencia que les ayudó a desdibujar el modelo académico, y mancharse las manos haciendo.

nombraron colección “La Feliz”. Luego, a la propuesta comandada por Lix, se une Celeste Bernardini, quien diversifica el emprendimiento, y pasa a ser una usina de proyectos, donde se acopla Cristián Mohaded.

La Feliz no tiene un momento exacto de nacimiento, podría considerarse como la coagulación de varios episodios que dieron origen a este cuerpo productivo. Un acontecimiento relevante en su génesis fue el trabajo conjunto entre Patricio Lix Klett y Federico Churba, quienes indagaron en las técnicas de cestería con fibras naturales, para luego transferir el conocimiento a un nuevo material: el plástico acerado. Esto les permitió potenciar una técnica milenaria y obtener estructuras tejidas con morfología autoportante, a las que

En el caso de Bondi, Ivo (Iván López Prystajko) y Oke (Eugenio Gómez Llambi) fueron compañeros universitarios en la FADU/UBA y coincidieron en sus primeras experiencias laborales, donde también participan en el inicio de La Feliz. En enero de 2008, deciden fundar su agrupación colectiva que, como una banda de rock, en vez de componer canciones, crea muebles y objetos, e invita a diseñadores a subir a tocar. MECANISMOS COMPARTIDOS Ambos equipos diseñan y producen, utilizan sus talleres como laboratorios de experimentación, donde perciben el valor potencial de materiales “ordinarios”, rediseñan el “know how”, al descubrir inesperados modos de fabricación con recursos simples y econó-

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+ La Feliz en su taller.

+ Colección Tablas de La Feliz. Detalle constructivo de incrustaciones de acrílico en madera.

+ Colección Piel de La Feliz.

micos, y amplían las posibilidades de un producto, con novedosas tipologías.

terial, nos permite pensar en nuevas formas de trabajarlo, inciertas, pero más gratificantes. Queremos contribuir a generar las nuevas identidades culturales, la nueva industria argentina”.

Ivo comenta: “tomamos materiales que nos resultan interesantes, realizamos pruebas y experimentos, sometiéndolos a procesos propios, o no, para ver cómo se comportan. Tratamos de dialogar, sin forzarlos a hacer lo que nosotros queremos, dejando que transmitan sus posibilidades y, en base a ellas, intervenir como diseñadores, para designarle una forma y un uso. El resultado, en general, es algo inédito que, por la manera de aceptar las propiedades y formas del material, economiza recursos de producción”. Oke agrega: “La única manera de avanzar es ser menos `caretas´, no podemos ser un estudio de diseño europeo, que inyecta sillas de acrílico en una matriz de 50 mil pesos, porque el nivel de frustración sería cada vez mayor. Es importante no reproducir maneras de operar preestablecidas, para llegar a un resultado esperado. Nuestra ignorancia y, por lo tanto, nuestra falta de prejuicios para con el ma-

Para Patricio Lix Klett, “la generación de sistemas materiales es la metodología que se mantiene a lo largo de todos los procesos y colecciones. En cada caso, tomamos materiales aislados y, por unión o intersección con materiales y procesos, los hacemos devenir en uno nuevo que, a su vez, da múltiples productos. Estos resultados se testean en el mercado y, si resultan exitosos, continuamos su lógica, y la hacemos crecer y evolucionar. A medida que avanzamos en la técnica de fabricación, vamos tomando nuevos conocimientos, que devienen en patentes, modelos industriales o derechos de autor”. Celeste aporta: “inclusive, el desarrollo de nuestro logo lo trabajamos en equipo, como otro de nuestros productos, junto a Sofía Mackenney y Ariel Di Lisio. Partimos de un material y, teniendo en mente la idea del tejido (lo que le dio origen a La Feliz), generamos la marca”.

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+ Osito Cementoso de Grupo Bondi.

HALLAZGOS APLICADOS La Feliz tiene su colección homónima en tejidos plásticos, con variantes de terminaciones cromadas y multifilamentos formateados en asientos y lámparas; Tablas, formada a partir de maderas con incrustaciones de acrílico con el diseño de mesas, trompos y candelabros; Eva, desarrollada a partir de láminas de goma troqueladas y vinculadas entre sí, generando volúmenes flexibles y livianos, compuesta de contenedores, fruteras y luminarias; Piel, creada a partir de laminados en frío sin maquinaria, con cuero 100% reciclado y descarte de chapas de madera, compuesta por objetos de escritorio y lámparas; y la línea Cabos, que genera productos a través de la rigidización de sogas. Por otro lado, Grupo Bondi experimenta con cerámicas junto al grupo “Materialidades para el tercer milenio”; con juguetes de piñata derretidos genera una serie de cuencos; con botellas de PET re-soplado como vidrio, realiza los floreros Cristal de Maciel; con pintura de aislamiento moldeada en matrices de

+ Selección de lámparas de La Feliz.

cerámica, produce unos “mantelitos” símil crochet, que aprovecha la cualidad gomosa del material; y con cemento, produce su línea más significativa. Con este material propio de la construcción investigaron, en primera instancia, el encofrado con moldes de plástico reforzado, hasta descubrir mayores posibilidades en matrices flexibles, que generan una terminación superficial enriquecedora para el producto, de la que devienen el M. Banquito, el M. Almohadón, el Don A y el Banco Buenos Aires, asientos de concreto para espacios públicos. GERMINAR EL FUTURO Estas industrias creativas proponen una renovación en la producción nacional, superan las limitaciones materiales y tecnológicas, para borrar cualquier límite reduccionista. Atienden un campo que se mueve por pasiones, y superan cualquier falta de inversión, crecen en el hacer, generan trabajo y bienes para la sociedad. + www.lafeliz.com | www.grupobondi.com.ar

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+ En el Ford Kinetic Summer Attraction Pinamar es posible experimentar la Realidad Aumentada.

Ford Kinetic Summer Attraction El verano, las vacaciones y la playa son el momento y el entorno ideal para encontrarse con nuevas experiencias. Más allá de todas las alternativas que esta época del año ofrece, 2012 trae una oportunidad única para encontrarse con lo último de la tecnología en el Ford Kinetic Summer Attraction que, en esta edición, suma su presencia en Cariló a las ya conocidas de Pinamar y Punta del Este. | Texto: Ricardo Sametband. Fotos: Cecilia Fibbiani

En estos tres puntos estratégicos de veraneo, Ford ofrece una experiencia que empieza en la Web y sigue en la arena. Entrando a www.ford.com.ar/verano2012 se puede conocer todo lo que estos espacios tecno ofrecen y, además, acceder a contenido exclusivo como la aplicación que permite experimentar la Realidad Aumentada, para interactuar con todas las alternativas del Nuevo Ford Fiesta Kinetic Design. Y desde la Web, es posible descargar la aplicación móvil que Ford desarrolló para leer códigos QR y acceder a toda la información en los

stands de la playa, con cualquier smartphone. Los códigos QR son la evolución de los tradicionales códigos de barra, y permiten embeber una dirección Web en un pequeño cuadrado blanco y negro. CARILÓ EN CÓDIGO QR Este año, el Ford Kinetic Summer Attraction estrena presencia en Cariló, con 800 m² de atracciones, en la esquina de Cerezo y Divisadero. En un ambiente casi minimalista, la empresa automotriz pone a sus modelos más importantes al alcance de todos los visitantes. La Nueva Ranger es la estrella, pero sus coprotagonistas

ideas creativas 089 tecnología

+ Stand en Pinamar

+ Información digital interactiva sobre el diseño, la tecnología y la seguridad del Fiesta Kinetic Design, gracias a la tecnología de Realidad Aumentada.

+ Ford Kinetic Summer Attraction Cariló y los códigos QR para acceder a información de cada modelo expuesto en el stand.

no pierden brillo: también se exhiben los modelos Mondeo, Kuga, S-Max, Focus, Nuevo Ford Fiesta Kinetic Design y EcoSport, cada uno acompañado por un atril con los códigos QR, para acceder a toda la información. Además, para quienes quieren una experiencia más directa y emocionante, el stand de Cariló ofrece test drives y travesías 4x4.

guardarlo como recuerdo, o sorprender a nuestros amigos.

Otro de los atractivos es el espacio Ford Posventa, donde una pantalla touchscreen nos convierte en diseñadores del Nuevo Ford Fiesta Kinetic Design, al que se le pueden poner todos los accesorios deseados, un video 3D provee información sobre la aplicación Mobile, y una trivia desafía nuestros conocimientos sobre seguridad vial. PINAMAR En la paradigmática esquina de Bunge y Libertador, Ford abre las puertas de un espacio que invita a conocer las últimas novedades de la tecnología y el diseño. El nuevo Fiesta Kinetic Design se exhibe en sus versiones 4 y 5 puertas, junto a otros modelos, con todas las novedades tecnológicas de la marca para el manejo inteligente, y un diseño que expresa energía en movimiento. Junto a cada vehículo, los códigos QR permiten acceder a un sitio optimizado para móviles, y así consultar detalles y características. Al igual que el de Cariló, Ford Kinetic Summer Attraction de Pinamar ofrece pruebas de manejo y travesías 4x4 por los médanos. Y en el Ford Posventa, una pantalla touchscreen permite personalizar un Fiesta Kinetic Design con llantas, alerones, colores y otros elementos. Como detalle extra, el diseño puede mandarse por e-mail para

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En este espacio, además, los visitantes pueden experimentar la Realidad Aumentada, gracias a una postal entregada por las promotoras. La misma tiene unos códigos tipo QR que reconoce una computadora al ponerse el cartón frente a una cámara de video, como una suerte de capa digital sobre la realidad cotidiana. Al enfocar sobre la postal, se transforma en una ventana hacia un mundo que combina lo digital con lo real, y muestra en la pantalla del dispositivo en uso (por ejemplo, una tableta) información digital interactiva sobre el diseño, la tecnología y la seguridad del Fiesta Kinetic Design, y brinda acceso a los contenidos para móviles que ofrece la compañía. PUNTA DEL ESTE Hace falta cruzar el Río de la Plata para conocer el Ford Kinetic Summer Attraction de Punta del Este, que tiene su escenario privilegiado en La Barra, José Ignacio. Allí, Ford exhibe sus productos de alta gama: el Kuga y el Nuevo Mondeo EcoBoost. Junto a una atractiva construcción, estos vehículos esperan a los visitantes que quieran manejarlos. En el stand, no faltan los códigos QR, para conocer más de los autos desde cualquier teléfono inteligente, además de una atención personalizada. En cualquiera de los tres puntos, a la belleza de los autos y la tecnología disponibles, se suma la presencia de otras grandes protagonistas del verano: promotoras que recibirán a los visitantes y dispondrán de tablets, con toda la información de los autos. + www.ford.com.ar/verano2012

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+ Repisa Cracket de gt2P en Stgo.Diseño. Foto: Gentileza Revista Ambientes www.gt2p.com

Primavera del diseño en Santiago Les presentamos cuatro eventos que, por su importancia, marcaron la temporada de 2011 para el diseño chileno: Raíz Diseño, Stgo.Diseño, Sudala y Semana Chile Diseño. | Texto: gt2P www.gt2p.com

Entre septiembre y noviembre de 2011, Santiago de Chile, además de atravesar por el más encantador ambiente primaveral, vivió cuatro importantes eventos que ponen en evidencia el florecimiento del diseño en Chile. Distintas áreas, diferentes organizadores, pero los cuatro con iniciativas notables por su esfuerzo en reunir representantes de todos los sectores, gobierno, empresas, asociaciones y profesionales, con el objetivo de promover el diseño como un puente entre la cultura y el emprendimiento, acercarlo a la sociedad y a lo cotidiano, y promover la identidad del diseño chileno ante el mundo. Durante la primavera, en Santiago, se respiró diseño. RAÍZ DISEÑO Del 30 de septiembre al 2 de octubre, la cuarta edición de este festival (bautizada “Inspiración Diseño”), creado y producido por la consultora Blink Design, reunió a destacados exponentes del diseño latinoamericano de diversas áreas. Pasarelas, workshops, showrooms y foros centraron su atención en economías creativas, tendencias, moda y diseño.

Argentina fue el país homenajeado, es así que el evento contó con la presencia de una comitiva, con integrantes de diversos sectores, como Kika Tarelli, directora de contenidos de la semana de la moda de Buenos Aires (BAFWeek); la periodista especializada en moda Carmen Acevedo Díaz; los diseñadores de indumentaria Poty Hernández y los integrantes de 12-na; el arquitecto Martín Huberman; y Rodolfo Hamawi, director de la Secretaría de Cultura de la Nación Argentina. Este evento, hasta ahora enfocado en el segmento de la moda, incorporó, por primera vez, una muestra de diseño de producto, con autores locales de mobiliario, joyas e iluminación. Más que una exhibición de diseño, tendencias, comunicación y mercado, Raíz Diseño se ha consolidado como una plataforma de transferencia de conocimientos y experiencias sobre negocios creativos, moda ética, innovación social y sustentabilidad. Desde 2012, se realizará dos veces al año, y su próxima edición será en el mes de marzo. www.raizdiseno.cl

ideas creativas

+ 091 diseño

+ Pouf de mimbre Zap de Ruka en Raíz Diseño. Foto: Omar Faundez Carvajal www.ruka.cl

+ Stgo.Diseño. Foto: Gentileza Revista Ambientes + Mesas Origami de Ángeles Tuca en Raíz Diseño. Foto: Omar Faundez Carvajal www.angelestuca.cl

STGO.DISEÑO Basado en la identidad latinoamericana del diseño con producción nacional, esta bienal creativa, organizada por la revista Ambientes, se llevó a cabo la primera quincena de octubre, en la Fundación Telefónica de la ciudad de Santiago de Chile, y reunió a reconocidas oficinas de diseño, universidades, empresas y profesionales de trayectoria, alrededor de la innovación en el desarrollo de soluciones para el espacio de uso cotidiano.

Con idea y dirección de los diseñadores gráficos Carolina Villanueva, Nolo Chacón y Pablo Lobos, y sede en el Centro Cultural Chimkowe, los días 7 y 8 de octubre, el público pudo disfrutar de exposiciones, clases magistrales, workshops y de la esperada fiesta de cierre, originando un espacio para reunir diferentes visiones del diseño gráfico y promover la conciencia de su valor. www.sudala.cl

Brasil fue el invitado especial, para demostrar la identidad, ritmo, forma y color que tiene cada rincón del país, y que se ven reflejados en sus muebles y objetos. Los diseñadores Guto Requena y Bernardo Senna formaron parte de esta delegación. Dentro del evento, los espacios Experimenta el Material y Zona de Autor presentaron las propuestas colaborativas entre empresas del rubro y arquitectos y diseñadores, recreando un panorama del diseño contemporáneo chileno, y las posibilidades de diversificación productiva. En el espacio Univercitas, las instituciones educativas también fueron protagonistas, a través de sus experiencias en desarrollo de productos e investigación, para facilitar la interlocución entre el diseño y la sociedad. http://ambientesdigital.com/category/stgodiseno/ SUDALA La conferencia internacional de diseño y cultura gráfica, en su tercera edición, tuvo como invitados a tres argentinos: Ale Paul, Peppermelon y Pogo; además de los canadienses de 123Klan y Julien Vallée; Vasava de España y Cristián Ordóñez, Diego Quintana, Alvarejo y Joia Magazine como cuota chilena, quienes compartieron sus experiencias con los más de 4.500 asistentes.

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SEMANA CHILE DISEÑO Organizado por la Asociación Chilena de Empresas de Diseño (QVID), la Semana Chile Diseño surgió para inspirar, revolucionar y sorprender. Su evento central fue la entrega del “Premio Chile Diseño”, la máxima distinción nacional de la industria. Tres importantes actividades acompañaron la Semana, del 12 al 20 de noviembre: el Circuito de Tiendas Open, el Simposio Internacional sobre protección del diseño, y el Taller Diseñar, Innovar y Emprender. En el primero, tiendas asociadas de Barrio Italia, Drugstore, Isidora Goyenechea y Alonso de Córdova abrieron sus puertas con actividades y horarios especiales. El segundo, fue un espacio de discusión sobre tendencias en la protección del diseño industrial; mientras que el tercero, reunió a entidades del gobierno y empresas para dialogar en torno al papel del diseño en la innovación y la competitividad, a través de la agregación de valor en servicios y productos, y como herramienta estratégica de negocios. La Semana cerró con un balance positivo, demostrando el valor del diseño para el desarrollo de la cultura y la economía nacional. + www.schd.cl

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ArtFutura 2011 Repasando el futuro

En Buenos Aires, y del 11 al 13 de noviembre, se celebró la cuarta edición de ArtFutura, el festival de cultura digital y creatividad español, que ofrece en Argentina un lugar para compartir, potenciar, e ir más allá del arte que hoy se conoce. | Texto: Jorgelina Peciña

+ Dirigida por Tiffany Shlain, Connected es un fascinante documental donde Shlain (una de las pioneras de Internet) crea vínculos sorprendentes entre las abejas de la miel y el estrés, las hormonas y la felicidad, la tecnología y la naturaleza, y el progreso y sus consecuencias en el mundo actual.

ArtFutura nació en Barcelona, en la década del noventa, y se convirtió, a lo largo de estos últimos veinte años, en el festival referente de cultura y creatividad digital en Iberoamérica. Uno de sus logros ha sido demostrar que no sólo el arte y la ciencia van de la mano, sino que, también, existe una relación entre éstos y los nuevos medios, Internet y la tecnología digital, relación que hoy, más que nunca, se debe alentar. Nuevamente en Buenos Aires, ArtFutura dijo presente, para reunir a los protagonistas y las obras de avanzada en animación digital, motion graphics, mapping, videojuegos, efectos visuales y 3D. La novedad estuvo dada por la elección de las sedes: el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) y la feria de arte, ciencia y tecnología Tecnópolis. En ambas sedes, se realizaron las proyecciones del programa audiovisual y las conferencias nacionales e internacionales, que este año abordaron desde distintas perspectivas la cultura digital, bajo la premisa “Repasando el Futuro”. Formaron parte del programa audiovisual dos nuevos documentales sobre la cultura digital “Connected” y “PressPausePlay”, y dos apartados especiales: ArtFutura Show, para trabajos en 3D, y Futura Graphics, sobre motion graphics. Además, el festival contó con conferencias de oradores locales e internacionales, entre las que se destacaron

+ Conferencia de Miguel A. Fuentes en ArtFutura.

ideas creativas

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las del arquitecto y artista visual catalán Enric Ruiz-Geli y el animador español Miguel A. Fuertes. Entre las voces locales, uno de los elegidos fue el estudio de animación Gazz, para presentar “Liniers Animado”, un trabajo hecho en conjunto con el humorista gráfico Liniers. LA ANIMACIÓN Y SU GRAN PODER INSPIRADOR 90+10 entrevistó a Miguel A. Fuentes, uno de los oradores internacionales invitados en ArtFutura 2011. Su hoja de vida lo muestra como supervisor de animación y director, que empezó a dibujar e ilustrar profesionalmente hace 26 años. “Me encanta la animación, debido a su poder de inspirar, educar y despertar sentimientos, a través de la narración y la belleza”, explica. Su conocimiento de la animación en 2D, las ideas, la pasión y las habilidades de enseñanza, pronto lo hicieron supervisor de animación y director de la compañía de George Lucas, donde tuvo la oportunidad de trabajar con directores como Stephen Sommers, Steven Spielberg, Ang Lee y el mismo Lucas, entre otros. + ¿Cómo empezaste a trabajar en este medio? MF Desde que tengo memoria, quise hacer animación. Siempre veía los programas de Disneylandia o cualquier dibujo animado que pusieran en la TV. Ingresé en la Universidad de Ciencias de la Información, que encontré tremendamente masificada; éramos casi trescientos en la clase, y todo el mundo quería dirigir cine. Un profesor nos hizo escribir lo que queríamos ser y, al día siguiente, cuando preguntó quién escribió animación, sólo yo levanté la mano. Sin embargo, al salir de la clase, vinieron a presentarse un par de chavales que también querían hacer animación, pero que habían sido demasiado tímidos para decirlo. Uno de ellos llegó a trabajar en Disney, y hasta ganó un Goya por un largometraje que dirigió.

mejor forma de interpretar la escena. La vida misma es la fuente de inspiración principal. Y los otros miembros del equipo. Siempre hay alguien que tiene muy buenas ideas, de quien se puede aprender. Es importante estudiar la realidad y, también, entender en qué momento emocional se encuentra el personaje dentro de la película. Las referencias más importantes que tenemos es la de rodarnos en video nosotros mismos, o estudiar videos de YouTube, que ya se ha convertido en una herramienta indispensable para muchos animadores. + ¿Cuál es tu opinión sobre ArtFutura 2011 y tu visita al país? MF De ArtFutura, me fascinó la pantalla de LEDs, muy brillante. Nunca di una conferencia en una pantalla así, y estaba en un sitio increíble como Tecnópolis. Buenos Aires me parece una ciudad fascinante, llena de contrastes y de gente muy amable y abierta. La posibilidad de hablar con las personas en la calle no es una característica que se vea a menudo en otras partes del mundo. + www.artfutura.com.ar | www.miguelfuertes.com AVENTURAS PSICODÉLICAS Como parte de su programación, todos los años, ArtFutura convoca a artistas locales a presentar sus trabajos y luego, con la participación de un jurado integrado por los artistas Rodrigo Alonso y Patricia Saragüeta, y el director de 90+10, Gonzalo Fargas, elige al ganador. Este año, el premio se lo llevó el trabajo Glüco & Lennon, de Tomi Diéguez y Federico Rodero. Se trata de una obra que narra las psicodélicas aventuras de dos mejores amigos, que exploran el mundo surrealista en el que viven, mientras encuentran las más ridículas soluciones a problemas absurdos. Asimismo, el jurado otorgó una mención especial para Marinela Rolls – Escarabajos, de Javier Lourenço. +

+ ¿Hay alguna anécdota que haya marcado tu camino profesional? MF Walt Disney murió cuando yo tenía seis años, y mi madre me contaba que yo estaba tan triste que no quería comer. Se me vino el mundo encima, porque hubiera querido conocerlo personalmente. Aún así, saqué fuerzas para continuar dibujando, que era lo que más me gustaba, pero se me había marchado un gran aliciente. + Contanos más sobre tu trabajo en 2D y 3D: diferencias, desafíos, futuro de la actividad. MF El cambio del 2D al 3D me pareció tremendamente fácil. El 2D es mucho más difícil, ya que uno tiene que ser muy buen dibujante y, además, un buen técnico y actor, y saber mantener los volúmenes y los parecidos durante cientos de dibujos. En 3D, eso es mucho más fácil, porque es como animar muñecos. Pero el 2D es más dinámico, y acepta otros tipos de interpretación artística, que el 3D no puede realizar. El 3D es ahora un desafío, por la cantidad de gente muy buena que hay en el medio, y con la que es difícil mantenerse o, incluso, superar. + ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración o el camino creativo para realizar un trabajo? MF Siempre es hablar con el director y entender su visión. O la discusión con los otros miembros del equipo, para llegar a un acuerdo en la

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+ The Monster of Nix, la nueva obra de animación digital del diseñador, realizador y músico Rosto.

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+ Parlantes Philips SBA1500

De vacaciones con tecnología Equipos y servicios para colaborar en estas vacaciones, sin que se conviertan en protagonistas de las mismas. | Texto: Ricardo Sametband

Verano: calor, aire libre, descanso, siestas y sobremesas sin apuro. Y tecnología, claro: aunque muchas veces, las vacaciones permiten tomarse un respiro para estar unos días lejos de la computadora y el e-mail, existe una gran cantidad de dispositivos que pueden ayudar a que nuestras vacaciones sean más placenteras, sobre todo porque la computadora y el teléfono móvil pueden servir para otros menesteres que los laborales.

bosque o en un jardín, lo ideal es acompañarlo con parlantes potenciados, es decir, que tengan una fuente propia de energía (porque se enchufan, o porque usan pilas). De otra manera, son simplemente auriculares sobredimensionados, y su volumen no vencerá el ruido de las olas. Unos parlantes Philips SBA1500, que se cierran uno sobre el otro para proteger sus bocinas cuando no se usan, tienen un precio local que ronda los $ 150.

Cualquier smartphone moderno (y también unos cuantos que no lo son), puede servir de discoteca de bolsillo. Y alcanza con un autoestéreo con puerto USB, para conectarlo y amenizar el viaje en auto al destino estival. Una alternativa, si cuenta con una entrada de línea (comúnmente indicada como Line In o Aux en el panel frontal), es sólo cuestión de comprar un cable que sea miniplug en ambas puntas, para conectar el teléfono o un reproductor de MP3 convencional. Si el autoestéreo es más canchero y cuenta con Bluetooth estéreo (A2DP), se podrá transmitir la música, sin necesidad de cables.

A propósito: nada como la arena, la sal, la tierra o el agua para arruinar un dispositivo electrónico. Una funda puede protegerlo; los más osados pueden invertir en un móvil resistente al polvo, agua y caídas, como el Motorola Defy (y su sucesor, el Defy+, que llegará a principios de este verano). Samsung también tiene un modelo, el Galaxy Xcover, que no se vende en el país. Lo mismo vale para las cámaras digitales: con la Olympus TG-310 ($ 1600) o la Pentax Optio WSi, entre otros modelos, es posible tomar fotografías bajo el agua en una pileta, en las Cataratas, bajo la lluvia, o en una tormenta de polvo, sin resignar calidad en la imagen, ya que ambas son sumergibles.

En el mundo también existen transmisores FM (que transforman al móvil o al MP3 en una mini radio FM, para que el autoestéreo lo sintonice), pero en la Argentina la ley no los permite. Aquí será clave, además, un cargador USB para el auto; la estandarización del enchufe para cargar su batería simplifica la compra. Si vamos a usar el móvil como fuente de música en la playa, en un

Un tema no menor, es el de la energía que consumen todos estos dispositivos. Al cargador del auto se suma, como alternativa más o menos universal, el puerto USB. Muchos cargadores de móviles permiten usar uno como fuente de alimentación. Pero atención: si se usará el de una computadora portátil, hay que recordar que en

ideas creativas 095 tecnología la mayoría de los casos, si el equipo está apagado o en suspensión, no ofrece energía. Si estaremos al aire libre, una alternativa son los cargadores solares para móviles y pequeños dispositivos. Si el equipo lo permite, antes que una caja de pilas, es preferible invertir en baterías recargables, llevar un cargador, y hacer que recuperen energía durante la noche. Aquí lo ideal son unas pilas que, por ahora, sólo vende Sony en el país, que casi no pierden carga con el correr de los días, algo ideal para un viaje largo. Un cargador y cuatro pilas AA tienen un precio local cercano a los $ 120. Y si queremos ser muy cancheros, podemos usar un cargador solar, aprovechar el perihelio (en enero es cuando el Sol está más cerca de la Tierra), y darle energía a las baterías de un modo ecológico; los cargadores tienen un precio local que ronda los $ 100.

+ Olympus TG-310

Los celulares pueden funcionar como GPS para el auto o para volver a la zona conocida, luego de perderse por alguna ciudad extraña. Los equipos de Nokia con Symbian o MeeGo permiten cargar gratis los mapas completos de una ciudad o país en el teléfono, para tenerlos aún si no hay conexión a Internet (y suma contenidos de las guías Lonely Planet). Los usuarios de iPhone o móviles con Android pueden usar Google Maps (también gratis), que aunque, en general, descarga dinámicamente los datos de Internet, ahora permite almacenar primero una zona predefinida (en Opciones>Labs>Almacenar en pre-caché la zona del Mapa). En ambos casos, la aplicación ofrece navegación guiada para usarlo en el auto como guía callejera. Además, estos equipos, sobre todo el iPhone y los que usan Android, disponen de una enorme cantidad de juegos para entretenerse durante las vacaciones (los equipos de otros sistemas operativos también cuentan con videojuegos, pero con menor variedad). Aquí el modelo por excelencia es el Sony Ericsson Xperia Play ($ 2500 a $ 3000, según la operadora), que a un smartphone convencional con Android le suma un gamepad incorporado y una tienda de juegos exclusiva.

+ Cargador solar Suntrica Solar Strap

Muchos de estos móviles, además, cuentan con una salida de TV (HDMI o analógica), lo que permitirá conectarlos a un LCD y usarlos de consola de bolsillo como alternativa a dispositivos más tradicionales, como una Nintendo DS. A propósito, la nueva Sony PS Vita (la sucesora de la PlayStation Portable) sale a la venta en la región el 22 de febrero. Estos equipos, lo mismo que las tabletas (sea el iPad, la PlayBook o los modelos con Android) permiten ver películas en alta definición, en su pantalla o en un televisor, aunque el soporte para formatos y subtítulos varía en cada equipo. Además de chequear esta característica en cada modelo, puede resultar útil el reproductor Good Player en el iPad (U$S 2,99) o BSPlayer para Android (gratis). Hay más alternativas de software en ambas tiendas. Los Nokia con Symbian^3 y la actualización Anna, tienen un buen reproductor con soporte para subtítulos incorporado. Si las películas están en Full HD, ocuparán más memoria; una opción es optimizar su tamaño, convirtiéndolos a un formato y resolución que estén más acordes al dispositivo en uso; para estos menesteres, una opción excelente es la aplicación Handbrake (http://handbrake. fr, corre sobre Windows, OS X y Linux, gratis). La alternativa a todo esto es el DVD portátil, que incluye su propia pantalla de 7”, lee archivos DivX y MP3, etc. La oferta local es variada, con equipos de entre $ 650 y $ 1200, dependiendo de la marca, la batería interna, si incluye salida de video o control remoto, etc. Así, permitirá pasar el tiempo en una tarde lluviosa, o ponerse al día en cualquier lado con alguna serie atrasada, sumando un poco de tecnología a las vacaciones para hacerlas más amenas, pero sin transformarla en protagonista. +

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+ X-View PD-830

+ Sony Ericsson Xperia Play

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Skating

El boom de patinar Cada vez son más los adeptos que se animan a dejar las zapatillas por unas horas y practicar skating. Desde los rollers hasta los excéntricos patines Skorpion integran esta disciplina recreativa, que ya forma parte de nuestra cultura. | Texto: Elvio Orellana. Fotos: Gentileza Buenos Aires Roller.

+ Buenos Aires Roller 2011, la carrera de rollers en Puerto Madero. www.buenosairesroller.com

Se vino el verano, y con ello, las ganas de realizar actividades al aire libre se acrecientan. Desde salir a caminar o trotar, hasta montarse a una bicicleta suelen ser, en este contexto, dos de las acciones más populares que elige el grueso de las personas. Pero no son las únicas, y en un país como el nuestro, donde rápidamente se pone a tono con lo que es moda en las grandes capitales, la lista de lo que es furor a nivel deportes recreativos parece nunca tener fin. Así, por ejemplo, desde hace un par de años atrás, viene tomando fuerza la tendencia de practicar skating, para recorrer la ciudad de otra manera. Es por ello, que salimos a deambular por los principales parques de la Ciudad Buenos Aires, y visitamos diferentes tiendas especialistas, para poder descubrir lo último y lo más novedoso de esta temática, que aglutina desde los rollers hasta novedades como los LandRoller y Skorpion, entre otros.

LA FIEBRE DEL ROLLER Ya sea por amor al deporte o para escaparle a la rutina, las calles de la ciudad y aquellos espacios verdes que disponen de ciclovías y amplios playones, se conglomeran día a día de cientos de patinadores. Uno de los grupos más fuertes en presencia de esta comunidad que se mueve sobre ruedas, son los denominados “rolleros”. Apelativo que se les asignó por trasladarse en rollers. Es decir, aquellos patines que evolucionaron de los de cuatro ruedas para, en su lugar, dar paso a unas botas flexibles o rígidas, de plásticos con fijaciones, que se montan sobre una hilera de ruedas. Esta tendencia, que tuvo su gran momento de irrupción durante la década del 90 en nuestro país, y que pasado el 2001 fueron desapareciendo por tornarse una adquisición costosa, ha vuelto a tomar envión en este tiempo. No por nada, Argentina ya es considerada la capital latinoamericana

ideas creativas 097 vehículos

+ Patines todo terreno Skorpion

+ Rollerblade

del roller, colocándose detrás de España, Alemania, y algunos países de Asia, sitios donde la actividad es una verdadera fiebre que suma adeptos de todos los sexos y edades. Uno de los ejemplos más palpables y cercanos que ratifican a este deporte como parte de la cultura urbana porteña, fue la tercera edición del Buenos Aires Roller, que se denominó “Desafío Puerto Madero presented by Nuevo Fiat 500”. Este certamen constó de un sinuoso recorrido de cinco kilómetros por vuelta, al que los participantes debieron completar en cinco ocasiones. El dato más trascendental del Buenos Aires Roller -más allá del buen nivel entre los patinadores que ocuparon los primeros puestos- fue su gran concurrencia: dos mil personas, entre grandes y chicos, desde los cuatro años. Esto superó ampliamente las dos ediciones que se habían realizado en el Obelisco y en los Bosques de Palermo los años anteriores, entre las cuales se habían sumado 2500 amantes del roller. MARCAS QUE VAN SOBRE RUEDAS Dentro de la disciplina del roller, es posible encontrar un universo de marcas que se especializan en fabricar este tipo de patines en línea. Action, Bont, K2 Fila, Powerslide, Rollerblade, Roces, Roxa, Seba y Kappa, entre otros, son algunas de las más populares. La mayoría de ellas, son de procedencia norteamericana, y cada una ofrece, por lo general, una gran variedad de modelos dentro de las categorías existentes. Así, se destacan los modelos para fitness de la firma K2 Fila, la cual fue una de las primeras en concebir botas blandas y flexibles, a partir de la década de los 90. Con el paso del tiempo, la demanda de este tipo de rollers empezaría a cambiar, y la tendencia fue apuntando hacia patines con ruedas grandes y con mejor sujeción. Así fue que surgió el modelo RB8 de la firma Rollerblade, que sacó un patín liviano, algo más flexible, y con un robusto chasis de aluminio, con cuatro ruedas de 90mm. El modelo actual, el RB 10, es una versión evolucionada con ligeros cambios, siendo uno de los patines de fitness avanzado más valorado por los patinadores de ruta de nivel. La otra gran marca que suele ser elegida por los más profesionales es Powerslide, que compite al más alto nivel en velocidad, street y freestyle. De los patines de Powerslide, se puede destacar el modelo Phuzion 6, que ganó en 2009 y 2010 el test que realiza la prestigio-

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+ Fila Skates

sa revista alemana Skate-In Magazine. Para aquellos que, en cambio, se estén iniciando en la actividad, modelos como el Bladerunner Pro 80 Men de Rollerblade o el Kappa Milano con bota acolchonada y base de aluminio, son unos de los más buscados. Y a no olvidar las protecciones que, generalmente, se consiguen en forma de kit, e incluyen rodilleras y coderas (las que deben ajustarse correctamente) y las muñequeras, la protección más importante, ya que todos tendemos a colocar las manos ante una caída. De esta manera, amortiguamos los posibles golpes, raspaduras, esguinces y fracturas. NUEVAS FORMAS DE DESPLAZARSE Si de novedades se trata, dentro del mundo del skating, encontramos diferentes productos que, por estética y modalidad de uso, son verdaderos revolucionarios dentro de esta temática. Uno de ellos son los denominados Landroller. Los mismos se caracterizan por utilizar una configuración innovadora con ruedas en ángulo y fuera de la línea. Esto le permite al que se monte sobre ellos, rodar por encima de superficies como pavimento, césped, o bien pasar sin problemas por grietas u obstáculos, gracias a su gran estabilidad, y a que sus grandes ruedas absorben todo tipo de vibración. Los Landroller están fabricados en aluminio, equipados con ejes de acero y bota de nylon, en tanto que las ruedas están recubiertas por un caucho de alto rendimiento. Otro de los modelos que encontramos, y que pese a su escaso tiempo de estar en el mercado se perfilan a revolucionar el mundo del skating, son los patines Skorpion. De concepción robusta y aspecto todo terreno, los Skorpion se montan sobre un sistema de cuatro amortiguadores, que permite que el patín sea ligero para su envergadura, y resistente para ciertos tipos de obstáculos. Están formados por cuatro ruedas colocadas de forma paralela dos a dos, para ofrecer mayor estabilidad y hacer frente, de esta forma, a los ligeros desniveles y diversos obstáculos que pueden existir en el suelo. Pero no caben dudas que, si de aspecto novedoso se refiere, los patines Orbital Whell son los que mejor representan este calificativo. Estos originales patines en forma de anillos, permiten al patinador un deslizamiento lateral, similar al de un monopatín, pero con las piernas separadas, como si se estuviera montado en patines tradicionales. +

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+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband

gadgets

Philips SoundSphere DS9800 Estos parlantes inalámbricos son compatibles con AirPlay (la tecnología símil DLNA de Apple para transmitir música sin cables). Cuentan con un tweeter flotante cubierto por un woofer, y una cubierta posterior de madera hecha a mano, con un diseño que elimina vibraciones y ofrece, según la compañía, una

gran fidelidad al audio original. El equipo es compatible con una aplicación para iPhone, que permite sintonizar radios online, analizar discotecas y demás. Su precio en la Argentina es de $ 4899. + www.philips.com.ar

Bose Companion 20 A veces, menos es más. Algo de eso hay en la apuesta de Bose por estos sutiles parlantes potenciaos para PC. Con una cápsula de control que cuenta con entrada y salida de audio (indendiente de la conexión general a la computadora) y procesamiento de datos que crea la ilusión de sonido envolvente, el precio de estos parlantes de 22 x 12 cm es de $ 2099. + www.bose.com

Sony MHC-GTR333 Este minicomponente, fabricado en Tierra del Fuego, tiene lectora de 3 CD, 2 puertos USB (para leer o copiar música en formato MP3, WMA o AAC), radio AM/FM, varios modos predefinidos de ecualización y parlantes de dos vías con 500 watts RMS de potencia. Su precio es de $ 2799. + www.sony.com.ar

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Motorola Razr

Nokia N9

Motorola quiere repetir el impacto que tuvo el RAZR original de 2004 con este equipo que usa Android 2.3, de 7,1 mm de grosor y tapa de kevlar, pantalla táctil de 4,3”, chip de doble núcleo, 1 GB de RAM, cámara de 8 megapíxeles que graba FullHD y 16 GB de almacenamiento interno. Su precio local con Personal es de $ 2299. + www.motorola.com/ar

Con su cuerpo de policabornato, su pantalla levemente curva y su frente sin botones, no son pocos los que se soprenden con el N9, un smartphone que corre Linux (una distribución llamada MeeGo) y una interfaz gráfica muy novedosa, basada en el uso de gestos en pantalla (las aplicaciones se deslizan hacia los costados). Con 16 GB de almacenamiento, 1 GB de RAM, pantalla táctil de 3,9”, cámara de 8 megapíxeles (Nokia dice que es la más rápida del mercado) y chip a 1 GHz. Tiene un precio local de entre $1799 y $1999, según la operadora (lo ofrecen Personal, Claro y Movistar). + www.nokia.com.ar

Samsung Multiview MV800

Kodak EasyShare M532

Esta cámara sigue la postura de Samsung de permitir al usuario ver qué fotos captura, sin importar su posición. No cuenta con una pantalla al frente, como otros modelos, sino con un display sensible al tacto rebatible de 3”, con 180° de movimiento. La cámara es de 16 megapíxeles y tiene un zoom óptico 5x. Su precio en la Argentina es de $ 2299. + www.samsung.com/ar/

Este equipo, parte de la oferta que la compañía tiene en el país, cuenta con un sensor de 14 megapíxeles, zoom óptico 4x, estabilización de imagen, reconocimiento de caras y graba video en alta definición. Su precio: $ 1199. + www.kodak.com.ar

Positivo BGH Xpert Net El fabricante argentino-brasileño de computadoras presentó su nueva línea de netbooks; el modelo más reciente cuenta con una pantalla 10,1” e iluminación LED, chip Atom N455, 2 GB de RAM y disco rígido de 320 GB. Viene instalado con Windows 7 Starter e incluye una batería de 3 celdas (2200 mAh), 3 puertos USB y un lector de tarjetas SD. El precio: $ 2499. + www.positivobgh.com.ar

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+ mundo creativo

vehículos

Texto: Elvio Orellana Estos autos y más encontralos en Deautos.com

Fiat y Fiorino Qubo Dueñas de un diseño moderno y con una calidad interior que se percibe a simple vista. Así son la Fiat Qubo (versión pasajero) y Fiorino Qubo (versión de carga), que se presentaron para nuestro mercado el pasado 19 de diciembre. Importadas desde Turquía, vinieron para rivalizar directamente con la Renault Kangoo, Peugeot Partner y Citroën Berlingo. Ambas estarán impulsadas por una sola motori-

zación: la 1.4 naftera de 8 válvulas, con 73 caballos de potencia. Aquellos que quieran acceder a estos modelos que ofrecen tres años de garantía o 100 mil kilómetros, lo podrán hacer desde los $ 85.800 hasta los $ 93.200 para la versión de pasajeros, y desde $ 68.000 hasta $ 72.000 para la versión para el trabajo. + www.fiat.com.ar

Renault Mégane III RS Luego de haber sido exhibido durante la última edición del Salón Internacional del Automóvil de Buenos Aires, el Mégane III RS, ya es oficialmente un modelo que forma parte de la oferta vehicular en nuestro mercado. Proveniente desde España, (Palencia), el nuevo bólido de la firma del rombo dispone de un motor naftero de 2,0 litros 16 válvulas turbo comprimido de 250 caballos, acoplado a una caja manual de 6 relaciones. Entre las soluciones que más lo emparentan con el mundo de la competición, se destacan: el dispositivo R.S. Dynamic Management (ESP tri-modo); su sistema de frenos, que además de ABS, contempla pinzas de 4 pistones Brembo, con discos ventilados ranurados; Chasis Cup con diferencial de deslizamiento limitado; butacas Recaro; y llantas de 18 pulgadas, entre otros. + www.renault.com.ar

Apoyacabezas ecológicos

Comienza un nuevo año, y Ford sigue renovando su compromiso de utilizar materiales sustentables en todos sus vehículos. En este caso, le tocó el turno a los apoyacabezas. Para ello, la firma del óvalo -junto a Lear Corporation-, presentó un nuevo compuesto para este elemento de seguridad, confeccionado con un 25% de espuma de soja. Esto le permite ser hasta un 24% más renovable, y reducir en un 67% las emisiones de compuestos orgánicos volátiles, en comparación con la espuma convencional, basada en petróleo. Pero esto no termina aquí, ya que también se le añadió la utilización de trigo en las juntas de los depósitos de almacenamientos, y fibra natural de plástico para otros componentes del habitáculo. Todo esto permitió que Ford obtenga junto a Lear, varios reconocimientos en Estados Unidos, como el Premio a la Innovación, otorgado por la Sociedad de Ingenieros Plásticos, y el R&D 1000 Award de la revista R&D. + www.ford.com.ar

Estos autos y más encontralos en Deautos.com

mundo creativo 101 vehículos

Alfa Romeo MiTo El pequeñín de la firma italiana ya es dueño de una imagen moderna y deportiva, es por ello que ahora le tocó el turno de renovarse a sus propulsores. De este modo, ahora se presenta con un motor dos cilindros TwinAir de 0.9 litros, capaz de llegar a los 85 caballos de potencia. Con esta nueva motorización, se sustituye al viejo 1.4 de 78 caballos, y se baja mucho el nivel de consumo y de emisiones en el MiTo (sólo 98 g/km de CO2). La otra novedad mecánica, se trata del nuevo 1.3 Multijet II con 85 CV, y que también llega al nuevo Punto. Con 200 Nm de par máximo y sistema Stop&Start de serie, homologa unas emisiones de 90 g/km de CO2 y un consumo medio de sólo 3,5 L/100. + www.alfaromeo.com.ar

Toyota GT 86 Siempre que el calendario marca una nueva edición del Salón de Tokio -como sucedió el pasado mes de diciembre-, las marcas niponas buscan no pasar desapercibidas. Una de las que logró con creces dicho objetivo fue Toyota, y lo hizo de la mano del GT 86. Un deportivo de pura cepa, con el que la marca volvería, luego de mucho tiempo de ausencia, después de haber participado con el Toyota Celica. Como todo auto deportivo, su tracción es trasera, y allí van los 200 caballos que eroga su motor boxer de inyección directa de 2.0 litros. Un detalle curioso es el diámetro del volante (de tan sólo 365 milímetros), casi similar al de una consola de videojuegos. Se desconoce la fecha en la que el modelo arribará a nuestro continente. + www.toyota.com.ar

Volkswagen Tiguan Luego de haber irrumpido en la oferta local de los SUV (Sport Vehicle Utility) en el año 2008, el Volkswagen Tiguan contraataca en uno de los segmentos que más evolucionó en este último tiempo. Conocido como el hermano menor del Touareg, el nuevo Tiguan incorpora leves retoques estéticos. Así, lo más trascendental pasa por su frontal, que adoptó nuevas ópticas y parrilla. Puertas adentro, los cambios son poco relevantes, sólo se encuentra como novedad absoluta la introducción de un navegador satelital con pantalla táctil. El Tiguan sigue ofreciendo el motor naftero turbo 2.0 TSi de 200 caballos (con caja manual o automática Tiptronic de seis velocidades) y el turbodiesel 2.0 TDi de 140 caballos (sólo con Tiptronic). + www.volkswagen.com.ar

BMW Z4

Siempre que BMW anuncia la llegada de un nuevo modelo, a quienes admiramos los autos deportivos, se nos produce un cosquilleo en el estómago. Y mucho más aún, cuando el modelo que viene, se trata de una nueva edición del Z4. Impulsado con un motor de 4 cilindros de 1997 centímetros cúbicos, este flamante roadster dispone de 184 caballos, que son los responsables para que el Z4 alcance los 235 km/h, y llegar de 0 a 100 km/h en sólo 7 segundos. De estética agresiva y laterales musculosos, el nuevo BMW de techo corredizo y llantas de 17 pulgadas, se posiciona como la entrada de gama de la zaga y reemplaza, definitivamente, al Z4 2.3i. Su costo en nuestro mercado parte desde los U$S 73.500 y U$S 77 mil, para sDrive 20i con caja manual y automática respectivamente. + www.bmw.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

premium

San Valentín deluxe, gracias a Louis Vuitton Fiel a su habitual sofisticación, Louis Vuitton lanzó al mercado una nueva línea de productos que demuestran que todo lo que esta marca toca, inmediatamente se convierte en glamour. Inspirada en el 14 de febrero, el día de los enamorados, el habitual monograma de la firma, en su versión barnizada, tomó un nuevo color en forma de rayas, en tonos radiantes de rojo, Amarante y Pomme d’Amour, los dos últimos colores registrados de la firma, sinónimos de pasión y seducción, que conviven perfecto con el espectro de la celebración, aunque sin caer

en el trillado y desestimable rosa. Así, desde enero de 2012, este motivo a medida, se plasma en piezas pequeñas de cuero como Alma BB y Whilshire PM, clásicos de LV, y una pequeña colección de artículos, que incluye una billetera, cartera, juego de cosméticos y un estuche con espejo. Para un regalo de San Valentín personalizado, de lujo, y para recordar por siempre. + www.louisvuitton.com

Ferragamo World: estilo solidario Sinónimo de distinción, Salvatore Ferragamo lanzó Ferragamo World, una iniciativa de productos diseñados para realizar donaciones a fundaciones y ONGs, y así poder ampliar la misión social y ecológica de la clásica firma italiana. En este sentido, el lanzamiento del mocasín Space se nutre del estilo de vida único de la marca: armoni oso, sustentable y socialmente responsable con el medio ambiente. Además, su suela ergonómica y deportiva, lo vuelve ideal para el invierno. Como todos los productos de la firma, se luce por su confort, pero además, suma un concepto ecológico. Las piezas de Ferragamo cuentan con suela de goma biodegradable

en cinco meses, pieles curtidas y pegamentos en base de agua, aplicadas además, a botas casuales, mocasines y zapatos náuticos de alto rendimiento, que también integran la propuesta Ferragamo World. Gracias a esta iniciativa, un porcentaje de las ganancias recaudadas por las ventas de sus líneas es donado a la fundación Acumen, organización sin fines de lucro, dedicada a apoyar a pequeñas empresas y comunidades locales en países en desarrollo como India, Pakistán y zonas de África Oriental. Con su espíritu “Italian city casual”, los modelos artesanales y elegantes de la firma, ideales para un tipo de vida urbana, han sumado un atractivo de concientización y respeto. + www.ferragamo.com

clásicos contemporáneos

Texto: Laura Piasek

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Bombay Sapphire “Keepsake” En esta ocasión, una bolsa de terciopelo, digna de ser atesorada, se convierte en objeto de deseo, para acompañar la nueva edición limitada Bombay Sapphire “Keepsake”.

Es que la marca líder en materia de gin, trabajó conjuntamente con House Of Hackney, una joven firma británica de artículos de lujo para el hogar, para componer una estampa que transmitiera los valores de Bombay Sapphire, las cualidades de la bebida y, al mismo tiempo, reflejara la procedencia de sus ingredientes. Para eso, los fundadores de House of Hackney, Frida Gromley y Javvy M. Royle, reelaboraron uno de sus estampados más reconocidos -el Hackney Empire-, para ser parte de la bolsa, especialmente concebida para guardar en ella recuerdos de viaje. El motivo de la impresión está inspirado en los animales exóticos que habitan en los países en los que se obtienen los ingredientes botánicos con los que se realiza Bombay Sapphire. Un pavo real se luce con un turbante, haciéndose eco del lujo y la sensualidad

de la marca. Por otro lado, un loro africano y una rana simbolizan los granos del paraíso de África, y un león dorado, sobre una tetera marroquí, hace referencia al regaliz de China y el cilantro de Marruecos. Tanto Bombay Sapphire como House of Hackney, transmiten en sus creaciones un espíritu innovador, pero que conserva el respeto por la tradición. La marca de artículos para el hogar es famosa por alterar los estampados más conservadores, a partir del uso de imágenes irreverentes y sobrecargadas. En el mismo sentido, Bombay Sapphire está más allá de las convenciones; así lo demuestra su innovador envase, su proceso de destilación único y sus creativas recetas para cocktails. + www.bombaysapphire.com

BOMBAY SAPPHIRE “KEEPSAKE” COCKTAIL A raíz del lanzamiento de la edición limitada de Bombay Sapphire “Keepsake”, David Waddington, fundador del restaurant londinense Bistrotheque, y el embajador de la marca en el Reino Unido, Sam Carter, crearon este trago. Poner en una cubetera con hielo 50ml Bombay Sapphire. Agregar 10ml de jarabe de almendras, 10ml de Blue Curaçao, 15 ml de jugo de lima recién exprimido y agitar bien. Para terminar, decorar con cáscara de naranja. +

Enjoy BOMBAY SAPPHIRE Responsibly. Bombay Sapphire, su botella y logos son marcas registradas. w w w.bombaysapphire.com

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Massimo Vignelli La eternidad concreta Es el autor de logotipos como el de American Airlines y United Colors of Benetton, y de la identidad y señalización del Metro de Nueva York. Es, además, creador de muebles, joyas y cubiertos. Con la vigencia como una de sus búsquedas rectoras, Massimo Vignelli es un hacedor legendario, que también tiene el don de la teoría. | Texto: Natalia Iscaro. Fotos: Gentileza MV

clásicos contemporáneos

+ 105 diseño

+ Afiche para Knoll, 1965.

“Me gusta el diseño visual e intelectualmente poderoso y, por sobre todo, eterno”, afirmó Massimo Vignelli, diseñador nacido en Italia en 1931, y quien se instaló a trabajar en los Estados Unidos cuando el diseño aún era una vaga idea. “La gente está fascinada con las modas, pero lo que está de moda hoy, se va mañana, y si sos un diseñador responsable, no podés diseñar cosas que mañana pasen de moda: tenés que diseñar cosas que duren mucho tiempo”. Hoy, presidente de Vignelli Associates, y con una larga carrera que incluye proyectos legendarios y multipremiados, mantiene su acento de raíz europea, uno que dota de fuerza todo lo que afirma, con una seguridad propia de la experiencia, y con un humor por momentos contagioso, por momentos crítico, de quien sabe que enseña con cada palabra que pronuncia. “Hay dos maneras de entender qué es el diseño: la manera popular dice que el diseño es estilo, y eso es equivocado. El diseño no es estilo, es un proceso, una actitud particular sobre el proceso que se dedica a la búsqueda de lo que es útil, y no a lo que es decorativo”, afirma, para confirmar cuánto hay de cierto en su don nato de docencia. “Todo diseño, el bueno, es funcional, y adopta las formas de funcionalidad, no sólo materialmente, sino psicológicamente, y

es una cosa compleja”. Autor de logotipos como el de American Airlines, United Colors of Benetton y Bloomingdale’s, así como de la identidad y señalización del Metro de Nueva York y de Washington, afirma: “Lo que más me apasiona de mi trabajo es la posibilidad de resolver problemas concretos. Para mí, el cliente es un paciente que necesita una cura, y hay que darle una solución que mejore su situación. No es crear de la nada: es resolver problemas. El diseño me permite crear un lenguaje que, en cierta medida, puede ser hablado por diferentes personas”. Algo de esto nos contó en una entrevista, donde sus ideas reforzaron su coherencia. + ¿Cómo describiría su trabajo? Siendo como es de heterogéneo, ¿hay una identidad en común? MV Hay una búsqueda constante de disciplina, apropiación y fuerza de la imagen en todo lo que hacemos, en dos o tres dimensiones. + En este sentido, ¿pertenecen al mismo universo creativo el diseño de mobiliario y de productos? MV El diseño es uno. La misma disciplina se aplica a cada proyecto. Pueden cambiar las especificaciones, pero la sustancia permanece.

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+ Identidad corporativa para Cosmit, organizadora del Salón Internacional del Mueble de Milán.

+ Entonces, ¿utiliza los mismos procesos en todo su trabajo? MV Depende del proyecto y lo que es apropiado para él. No hay soluciones estándar. + Uno de sus trabajos más difundido es el mapa del subte de Nueva York. ¿Cómo surgió? ¿Por qué le interesó? ¿Por qué se retomó? MV Hace cuarenta años, me pidieron que lo haga y esa fue mi manera. Más recientemente nos pidieron que lo rediagramemos para un sitio Web, e hicimos uno basado en el mismo concepto, pero adaptado a las necesidades de la Web; se llama MTA Weekender. Fue realizado con mis asociados, Cifuentes y Waterhouse. MÁS ALLÁ DE LA VULGARIDAD Vignelli se refiere, una y otra vez, a la idea de vulgaridad. Para él, “el diseño es la oportunidad de borrar la vulgaridad y sustituirla por algo bien pensado, por el interés de la gente. Para mí, la belleza es lo opuesto a lo vulgar”. Modernista por generación, interés y forma de trabajo, su búsqueda está orientada hacia la elegancia. “Para ser diseñador, tenés que tener visión, coraje y determinación”, sentencia.

+ Identidad corporativa y branding para American Airlines, 1967.

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+ Gráfica para los parques nacionales de Estados Unidos, 1977.

Nacido en Milán, estudió arquitectura y viajó a los Estados Unidos en 1957, para continuar su formación en el Instituto de Diseño de Massachusetts. Tres años después, volvía a su tierra natal para abrir, junto a Lella Vignelli (su mujer y socia de toda la vida), su estudio de arquitectura y diseño, seguida de otras aperturas con asociados, en 1971 y 1978. Pero volvió a los Estados Unidos: “Cuando llegamos, la calidad del diseño era bastante básica, hoy es mucho mejor, al igual que la educación”. Cuando el matrimonio brinda entrevistas en conjunto, uno a otro van terminando las oraciones, como en una sinfonía personal. Ambos brillantes diseñadores, Lella suele ser la crítica que edita las ideas, en tanto Massimo cumple el rol del soñador que se focaliza en lo imposible. Una retroalimentación feliz, que aún persiste. Desde que llegaron a los Estados Unidos, ambos vienen realizando un arduo trabajo en gráfica, identidad corporativa, diseño de publicaciones, diseño de planos arquitectónicos, diseño interior, y diseño mobiliario y productos corporativos. Sus obras son parte de las colecciones de museos como el MoMA de Nueva York, e integran numerosas asociaciones profesionales.

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Su trabajo se destaca, ante todo, por traer orden al caos. Algo que se comprueba en su estudio de trabajo, donde Massimo ostenta un escritorio geométrico y limpio, que aguarda el comienzo del día: “Me gusta empezar el día fresco, sin nada en el escritorio. Si está lleno de papeles, es como empezar la cena con restos del día anterior: eso mata a tu apetito”. Y muestra su iPad, pero aún así, confiesa: “Aunque sea medieval, todavía uso mi lápiz”. + ¿Cómo es su rutina de trabajo? ¿De dónde obtiene la inspiración? MV La inspiración llega del proyecto en sí mismo, y de entender su significado. + ¿Hay algo que todavía no hizo y que le gustaría? MV No realmente, cada proyecto es diferente e igualmente interesante. Cuanto más, mejor. + ¿Cuál debería ser la función del diseño? MV Hacer al mundo que nos rodea mejor de lo que es. El diseño tiene que ver con el microcosmos. + www.vignelli.com

portfolio fotográfico

Lucila Godoy | Curador: Aldo Bressi Lucila Godoy tiene 21 años y empezó a sacar fotos a los 17, época en la cual comenzó a viajar por el mundo. En cada viaje que realiza, capta la energía del lugar, fijando en imágenes sus experiencias vividas: momentos de la vida cotidiana, paisajes, panoramas y personas. Utiliza una cámara Nikon D80 y una Canon t2i, ambas con lente de 50mm. Acaba de ganar el primer premio del concurso fotográfico de la Alianza Francesa edición 2011. + www.lucilagodoy.com

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+ english summary Special Issue Inspiration Fest Buenos Aires 2011 A Gathering that Awakens All Senses

Translated by: Lucrecia Bertani

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On December 3rd, the third edition of the Inspiration Fest Buenos Aires, the gathering that promotes all creative industries in all their expressions, took place in the Ciudad Cultural Konex. Around two thousand people were part of the more than thirty activities, with conferences and workshops with well-known personalities of the local and international creative field. The goal of the festival is clear: to inspire. And how does the festival achieve this? Through the conferences, workshops, installations, displays, projections, and collective creative spaces. The 2011 edition, the third of the festival, was able to surpass this goal thanks to the response of the public, who were actively part of all the proposals. The talks and group activities took place with full capacity, and in an exchange atmosphere that defines the spirit of this festival. “With this new edition, the Inspiration Fest has grown to become an inspiring event, and most importantly, a space for creative expression for all kinds of public,” said Gonzalo Fargas, the festival Director.

Shorts 2011 contest produced together with Vimeo; and the documentary Super Use about sustainable design and architecture. Music was also present in the Inspiration Fest, in the Septiembre Stage, where many bands played: Mompox, The Calefons, and also Coleco Music and guests DJs, such as Dañel Mirkin Frois, Cuchodubsystem and Horacio Palermo. “The good vibe and energy that we received from the public and from all the people involved in the Inspiration Fest was great. Everyone seemed glad and thankful of something like this happening in Buenos Aires, and that is of great value!”, Gonzalo Fargas concluded. Inga Sempé What is it that Inga has?

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Her work is seen by many as contradictory, unconventional and hard to understand. However, she is chosen by leading French, Italian, Swiss, Swedish and even Chinese companies. Delicate and personal without having to fall in material or gender based reductionisms; this French designer is considered one of the best of the new generation.

The International conferences had as main figures three artists who, each from their own place and cultural background, contributed with different views and nourished the inspiration of the audiences. One of the special guests of the 2011 edition was the Australian illustrator Nathan Jurevicius, who offered two activities. The first one was a workshop on the creation of limited edition toys. He later gave a lecture about his work, focusing in two of his most successful projects, Scarygirl and Peléda. Leonardo Eyer, on the other hand, came from Brazil to talk about how to design for the big brands. The Spanish Sergio del Puerto, founder of the Serial CutTM Studio, gave a conference about his experience as a video creator, working in motion graphics and 3D.

She studied in Paris in the École Nationale Supérieure de Création Industrielle (ENSCI-Les Ateliers), graduating in 1993. Nevertheless, her most intense learning period happened in the workshops of some of the most legendary figures of design, such as Marc Newson, George Sowden and the interior designer Andrée Putman. Nowadays, with a long road travelled, her creations have the names of boutiques such as Baccarat, Edra, Ligne, Roset, VIA, Moustach, Domestic LK Hjelle, Artecnica, Cappellini and LucePlan, among others. Her pieces stand out for the special attention given to their marketing and production approach. Delicate while strong, her designs reflect her temperament, that of a beautiful woman in a subtle, sexless and extremely poetic way.

The Thematic Conferences also achieved great attendance: the one given by the journalist Lalo Zanoni on new techniques for Social Media, and the one regarding the INTI Observatory Trends on new ways to create value in design.

Nathan Jurevicius Creating Characters and Universes

In this 2011 edition of the Inspiration Fest, the stars were the workshops and group activities. The attendees crowded in order to be part of the different proposals, many of which stood out: Nathan Jurevicius’ workshop, where the creative process of a toys designer could be analysed, and in which it was also possible to create the characters in paper; learning calligraphy and design with Espacio Virgen, or origami with Noelia Ávila, while also having the chance to learn how to graffiti under the supervision of Collage Lab, or creating 3D characters with the small pieces of the construction game Qubic. Regarding the participatory installations, two stood out: the Puro space with the possibility of creating on the sneakers, and Mundo edding –a space with black light where, with the help of the Moko Estudio, everyone could express their own world when drawing with fluorescent markers. The two activities carried out by the artist and designer Sael also had wide acceptance and participation. The first was a conceptual live intervention on the surface of the new Ford Fiesta Kinetic Design. The second, the workshop Humatoy by Sael, was to turn oneself into a paper character. There were many other exhibitions: Pequeño Mundo de Personajes! that gathered the 20 selected characters in 2D and 3D versions – in fast prototyped– from an open call to artists and creatives. Retro Skate Art: 30 skate boards from the seventies, eighties and nineties, artistically created on by Argentinean artists and presented by Sixfeet. Also present: the exhibitions of contemporary Ilustradores Argentinos (Argentinean Illustrators), and of unprecedented industrial design. Regarding Films, the festival projected the Spanish short-film Birdboy; a compilation of 16 animation shorts selected by the magazine Stash; the winning short-film and 3 others selected from the Nokia

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He came from Canada to be part of the 2011 Inspiration Fest. He was expecting an event where creativity was key. However, what he found in the Konex (venue of the festival) surprised him. This is about Nathan Jurevicius, an artist creator of characters and universes, who came to share his work and in exchange he had one of the most meaningful experiences of his life. Nathan is Australian, but his home has been in Toronto, Canada for the past years. He has mainly worked as illustrator and artist for international publications. One of his most well known creations is Scarygirl and her universe of characters, which has thousands of followers around the world, through its online comic, its limited editions vinyl toys, its designer products and its travelling exhibitions. About his plans for the future, he comments: “There will be many new characters in the worlds of Scarygirl and Peléda. I also have some ideas for a new story, very different from what I have been doing so far, based on a dog. I have plenty of ideas!”. Franc Vila Luxury as an Earmark

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He is the creator of a wristwatch brand that takes his name. This Valencian designer who lives in Switzerland came to Buenos Aires to present his latest and ultra limited collection. He is an artist in the tireless search for the perfect model. He started as a collector, with no plans to start a brand, with just the main goal to create a watch for his personal use. However, in 2005, in the BaselWorld –the most important meeting point for the watch and jewellery sector in Basel, Switzerland– he presented his first creation and discovered that what had started as a personal challenge could become a successful business adventure. In this way, under a conceptual basis that he named “Esprit Unique”, the different editions happened one after the other: all different from one another but with the unmistakeable imprint of his initial design. In his productions, with series that go from eight to eighty-eight piec-

english summary es depending of the model, his technical skill is at the service of art, and the result does not pass unnoticed: creativity and luxury at the rescue of mechanic watch technology, that against all odds, never goes out of fashion. Izak Zenou A Love Story

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Izak Zenou, the official illustrator of the legendary fashion store Henri Bendel for the past fourteen years, belongs to that artist elite that has the gift of knowing how to grasp the most pure essence of beauty, thanks to a sixth sense that cannot be learnt. “Fashion illustration is a niche where it is essential to learn how to feel beauty, style, and the social awareness of our physical appearance. This is why we do not have so much in common with conventional illustration, as the main goal is quite different. The success in our art has more to do with the soul that feeds it, rather than the quality of its execution. I believe this is one of the reasons why fashion illustration has never achieved massive impact: maybe because of its lack of content, or because it is intimidating or because perhaps so much perfection is destined to be understood by few of us who feel happy”. Material Revolution in Design

Pages 082-086

Two work teams express a playful and committed conception of design in their creations that allows them to find products without having to go out to look for them. La Feliz and Grupo Bondi are creative entrepreneurs that, by means of ingeniously experimenting with raw materials, developing new techniques and creating new materials, they create innovative products for the local and international market. Both groups find their driving force in teamwork, and their workshops are the operational bases where materials undergo technical and emotional tests in order to become new findings. All members have been part of Tramando, in which they were part of an unfettered philosophy, which allowed them to conceive design with no absolutes and as an entertaining task to carry out. This experience was of great help when blurring the academic model and getting their hands dirty. They are part of La Feliz: Patricio Lix Klett, Celeste Bernardini and Cristián Mohaded. They are part of Grupo Bondi: Ivo (Iván López Prystajko) and Oke (Eugenio Gómez Llambi). Design Spring in Santiago

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Between September and November of 2011, Santiago de Chile underwent the most charming spring atmosphere, while it also witnessed four important events that showed how design has flourished in Chile: Raíz Diseño, Stgo.Diseño, Sudala and Semana Chile Diseño. The four were in different areas and with different organizers. However, all of them had proposals in which it was outstanding the effort in gathering representatives of all sectors, government, companies, associations and professionals, with the main aim to promote design as a bridge that unites culture and ventures. All focused on bringing design closer to society, to everyday life, and to promote the Chilean design identity worldwide. ArtFutura 2011 Reviewing the Future

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In Buenos Aires, from November 11th to the 13th, the fourth edition of ArtFutura took place. This Spanish festival of digital culture and creativity offers in Argentina a place to share and foster talent, and go beyond the art that is widely known today. Thus, it gathered the leading artists and avant-garde pieces in digital animation, motion graphics, mapping, videogames visual effects and 3D. The news was the election of the venues: the Malba museum and Tecnópolis, the art, cience and technology fair. In both locations, there were projections of the audiovisual program and the national and international conferences, which this year addressed digital culture from new perspectives, under the motto “Reviewing the Future”.

On Holidays with Technology

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Pages 094-095

Summer: heat, outdoors, rest, naps and after-dinner relaxed conversations. And technology, of course: although most of the times, the holidays allow us to take a break from the computer and emails, there are a great number of devices that can help make our holidays better, especially because the computer and the mobile phone can be useful for different tasks other than those related to work. For instance, any modern smartphone (and many others that are not) can become a great pocket discotheque. Any car stereo with a USB port to connect it works, and makes the ride to the summer destination more enjoyable. Mobile phones can work as a GPS for the car or also to go back to a known area, after losing oneself in a new city. Skating The Skating Boom

Pages 096-097

Everyday there are more and more followers who dare to leave their shoes for a couple of hours to practice skating. From classic rollerblades to the eccentric Skorpion skates, they all are part of this recreational discipline that has become part of our culture. Argentina is already considered the Latin-American capital of roller-skating. Worldwide speaking, it is just positioned after Spain, Germany and some Asian countries where this activity is a real obsession that gathers more and more adepts from all ages and gender. One of the clear examples that show that this sport is already part of Argentine life was the 3rd edition of Buenos Aires Roller, the roller-skating race that has recently took place in Puerto Madero. Within the discipline of roller-skating we can find a world of brands that are specialists in the making of this kind of skates. Action, Bont, K2 Fila, Powerslide, Rollerblade, Roces, Roxa, Seba, and Kappa among others, are just some of the most popular ones. There are also the Skorpion skates: of a robust conception and an off-road appearance, they stand on a system of four shock absorbers that makes the skate light and able to go through certain kind of obstacles; or the Orbital Whell: in a ring form, that allows the skater to make lateral movements, similar to that of the skateboard but while having the legs free for movement. Massimo Vignelli The Concrete Eternity

Pages 104-107

He is the author of various famous logotypes such as American Airlines´ or United Colors of Benetton´s, and of New York City Subways´ identity and signage. He also creates furniture, jewellery and cutlery. With validity as one of his ultimate goals, Massimo Vignelli is one legendary doer who also has the gift of theory. “I like the visual and intellectually powerful design but, above all, I like the eternal one,” comments this designer who was born in Italy in1931 and who began his work in USA when design was just a vague idea. “People are fascinated with trends but, what is in today, is out tomorrow. If you are a responsible designer, you cannot create things that will be outdated in the near future. You got to design things that can last”. He is nowadays the president of Vignelli Associates and counts with an extensive career that includes legendary and awarded projects. He still maintains his European accent that feeds with strength all that he states. He shows a self-confidence brought by his experience, and a contagious and sometimes critical sense of humour, as he is aware that he is probably teaching with each word he speaks. “Every good design is functional and adopts the forms of functionality, not only materially but also psychologically. It is a complex matter”. Photo Portfolio Lucila Godoy

Pages 108-111

Lucila Godoy is 21 years old and she started to take pictures at 17, when she began to travel around the world. In every journey, she captures the places’ energy and saves her experiences in the form of images: everyday life moments, views, landscapes and people. She uses a Nikon D80 camera and a Canon t2i, both equipped with 50mm lenses. She has recently won the 1st place in 2011 photography contest organized by the Alliance Française. +

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Interior El Pasillo Libros Diagonal 78 Nº 680, La Plata Biblioteca Central (Univ. Nac. de Mar del Plata) Funes 3350- Subsuelo, Mar del Plata Santiago de Chile Cómodo Tienda de Diseño Drugstore Providencia 2124 -Local7 Tienda Lovit Drugstore Providencia 2124 - Local 25A

A través de Librería técnica CP67, se puede conseguir por pedido en las librerías: La Plata Éxodo Calle 1 Nº 713 Rayuela Libros Plaza Italia Nº 10 Librería Arq. Nélida Lugo Calle 47 Nº 162 Mar Del Plata Fray Mocho Libros Rivadavia 2702 Brecher Moreno 2623 Libros de la Arena Güemes 2717 Rosario Librería técnica Binetti Córdoba 981 Librería Ross Córdoba 1347 Librería técnica 3 Córdoba 1354 Villa Gesell Casa Bohm Av. 3 Nº 464 Ciudad de Córdoba Amerindia Caseros 253

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Feel Fashion Así se titula la muestra de la fotógrafa Romina Ressia, totalmente dedicada a la moda, que tendrá lugar del 1º al 25 de marzo en la Sala 23 B del Centro Cultural Borges, San Martín esq. Viamonte, CABA, y que contará con la curaduría de Martha Nogueira. “Las obras buscan no sólo mostrar algo bello desde el punto de vista estético, sino también provocar sensaciones. Mis imágenes están dotadas, en muchos casos, de misterio, soledad, melancolía; son fotografías con mucha fuerza, que intentan movilizar al observador, más allá de lo evidente”, asegura Romina, quien siempre se sintió atraída por el arte en sus diferentes manifestaciones. Si bien estudió en numerosas instituciones, su mayor aprendizaje lo obtuvo admirando a grandes fotógrafos como Helmut Newton, Steven Meisel y Eugenio Recuenco. + www.rominaressia.com