Revista 90+10 #39

+39 + Desparramados de Animaderos, ganador del premio Revelación PuroDiseño 2012. www.animaderos.com.ar

sumario +mundo creativo 012 diseño, green design, moda, art toys, arquitectura, lugares, destinos, publicaciones, vehículos, música, branding y diseño, marking, gadgets, tecnología, eventos, arte, agenda Distrito de Diseño, agenda

+personas creativas 056 060 064 076

diseño Vacavaliente La vaca domada Laura Varsky Diseño de autogestión

arte Kazunori Matsumura (Re) encontrarse con la naturaleza Onionlab La experimentación como cultivo

072

ilustración Sara Fanelli Un cuento incoherente

+ideas creativas 078 081 084 104 108 110 114 086 092 096 112

tecnología La tecnología de pasado mañana Google I/O Sacando la tecnología del medio

diseño Distrito de Diseño Buenos Aires piensa el diseño desde el Sur PuroDiseño 2012 Nuevos talentos, eco y futuro Piezas innovadoras en PuroDiseño Los colores de La Selección Glob-All Mix Carteles sustentables TYPO Berlín “Si no es sustentable, no es diseño”

arte arteBA 2012 Ventana al arte contemporáneo Arnet en arteBA 2012 La oportunidad de ser artistas

moda “El arte es lo que dejás salir”

vehículos Pick ups Segmento al rojo vivo

+clásicos contemporáneos 117

cine Bombay Sapphire & Tribeca Film Festival Descubriendo a los cineastas más imaginativos

118

arte Julio Le Parc El disfrute de las estrellas

+portfolio fotográfico + Silla Cabaret de No Pánico, presentes en PuroDiseño 2012. www.nopanico.com.ar

066 070

moda Mariana Dappiano Uniendo patrones

música Zizek Una cultura del baile

122

Camila Marconi

128

+english summary

130

+conexión

+39 + 9 Lives. Ilustración de Laura Varsky para BBDO – China. www.lauravarsky.com

staff

Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010 Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010

Diseño Gráfico Hernán Patto Leandro Marenzi

Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar

Diseño de Tapa Patricio Oliver www.patriciooliver.com.ar

Producción Fátima Fargas fatima@90mas10.com.ar @fatimafargas

Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar

Departamento Comercial publicidad@90mas10.com.ar

Colaboran en esta edición Adriana Godoy, Aldo Bressi, ArtsMoved, Carola Danza, Carolina Prioglio, Charly V Real, Diego Giaccone, Elvio Orellana, Fátima Fargas, Fernanda Cohen, Germán Andrés, gt2P, Jorgelina Peciña, Leila Mesyngier, Luján Penacca, Lyla Peng , Maia Croizet, Martina Flor, Natalia Iscaro, Nicolás Colombo, Pablo Pérez De Angelis, Patricio Oliver, Ricardo Sametband y Wustavo Quiroga Nuestros colaboradores Carola Danza Fotógrafa egresada de IMDAFTA, estudió también diseño de imagen y sonido en la UBA, pero se definió por la foto fija como profesión y vía de expresión. Da clases y participa como fotógrafa y productora en trabajos publicitarios, de moda y producto para diversas campañas e institucionales de grandes marcas. Como camarógrafa y directora de fotografía, formó parte de producciones audiovisuales, como el último videoclip de Leo García. Desde 2010, trabaja a dúo en un ensayo fotográfico sobre la apropiación ilegal de niños en la última dictadura militar. Colabora con 90+10 desde el #37. + www.facebook.com/carola.danza Adriana Godoy Estudió fotografía, Bellas Artes, dirección de cine, guión y arte digital, pero la fotografía se convirtió en su gran pasión y profesión. La necesidad de hacer fotos la llevó por varios caminos: la fotografía artística, de moda, producto y recitales, siendo los retratos y la captura de un momento espontáneo sus favoritos. Registrar un instante único, logrando interpretar la luz y la escena, para finalmente atraer la atención del espectador, es lo que fascina a esta fotógrafa que comenzó a colaborar este año con 90+10. + www.adrianagodoy.com.ar | @adrigodis

Distribución en kioskos CABA y GBA Vaccaro, Sánchez y Cía. S.C. Moreno 794, Piso 9º Tel. (+5411) 4342-4031/32 Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114

Producción Gráfica Help Group www.hgprint.com.ar info@hgprint.com.ar

Suscripciones Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 Fax (+5411) 4314-7135 cp67@cp67.com

Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

Librería Concentra Montevideo 938Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar

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+39 | Foto: Charly V Real. Estilismo y Producción: Lyla Peng. Modelo: Ger Asselborn para K- mgmt. Cinturón como accesorio en el cuello: Grupo 134. Campera torera: adidas Originals by Jeremy Scott.

editorial Estar conectados a Internet las 24hs., chequear el mail y las redes sociales a cada momento, hacerse del último dispositivo tecnológico que resista a este entrenamiento virtual y físico.

Ahora, Google nos propone incorporar a nuestros anteojos de lectura –porque al estar expuestos a tanta pantalla, casi todos los necesitamos-, una pequeña pantallita de cristal que, con cámara incorporada, micrófonos, sensores y la posibilidad de conectarse a la Wide World Web, nos da información precisa, a cada instante, sobre nuestro entorno cotidiano, y nos facilita algunas tareas. Por ejemplo, sacar fotos o filmar en HD, sin tener que interrumpir el mágico momento que estamos viviendo para ir a buscar la cámara, y así registrarlo sin mayores complicaciones.

Como si fuera poco, los Google Glass prometen no ser intrusivos. A ese tipo de beneficios de la era digital nos referimos en nuestra nota de tapa, además de muchos otros, como autos que se manejan por control remoto, o parlantes que se conectan por Bluetooth a cualquier dispositivo en que se encuentre alojada nuestra música.

Todo esto, sin dudas, verdaderas maravillas de nuestro futuro próximo, y que nos apasionan. Pero entre tanta Realidad Aumentada, smartphones, tabletas, cámaras y conexión Wi-Fi ultra veloz, también nos seduce enormemente la simplicidad.

Es por eso que elegí mostrarles, por un lado, la delgada, simplísima y bella cámara de fotos de cartón que Ikea entregó

como regalo de prensa en la última Milan Design Week, y cuyas características podrán leer unas páginas más adelante. En definitiva, para capturar ese momento inolvidable, sólo nos hace falta hacer un click, sin tantas posibilidades técnicas y configuraciones precisas, conservando la ansiedad que nos provoca el no saber cómo habrá salido nuestra imagen, hasta tanto podamos descargarla…

Y así, conservar y defender la capacidad de sorprendernos, con las cosas simples.

Y por otro lado, les acerco un compilado de historias que elegimos contarles en esta edición, que esperamos también los sorprenda, inspire y anime a despertar en ustedes la curiosidad, las ganas de hacer y de pensar cosas bellas para -como el diseño, la tecnología y, en resumen, las buenas ideas- mejorar nuestro día a día. + Marcela Fibbiani Editora

CONEXIÓN DIGITAL Con los links de 90+10 (9010.co), accedés directamente a la versión digital de la nota (disponible para las secciones: personas creativas, ideas creativas, clásicos contemporáneos, portfolio y especial), para poder compartirla, comentarla, ver más material de fotos y video, y entrar a los todos links vinculados. Una nueva manera de conectar el medio en papel con el mundo digital + 90mas10.com

IMAGEN DE TAPA La foto de tapa pertenece al proyecto Google Glass, presentado en la reciente reunión anual de desarrolladores Google I/O 2012, que se llevó a cabo en San Francisco, EE.UU. Se trata de un prototipo de lentes que, sin ser intrusivo, permite tomar registro y recuperar información de todo lo que nos va sucediendo en nuestra vida diaria. Para ésto, posee una pequeña pantalla de cristal, cámara incorporada, conexión a Internet, micrófonos y otros sensores. +

010

+ mundo creativo

Texto: Leila Mesyngier

diseño

Vasërdelona

Colores, texturas y estampados Los diseñadores Lucas Vedronik y Marina Neuman crearon en 2010 Vasërdelona, una marca de muebles y objetos de decoración. Se inspiraron en las formas y paisajes de la India, y proponen un proceso de producción y de atención personalizados, casi artesanal.

Nadie podría dudar de que ciertos objetos de la arquitectura y el diseño se convierten, con el paso del tiempo, en piezas de arte clave de la historia moderna, en objetos que despiertan el deseo y la admiración. A veces, es por su funcionalidad u originalidad; otras, por su aspecto; y casi siempre, porque circulan entre artistas, intelectuales y personajes consolidados como marcas propias. La silla Barcelona, creada a principios de siglo XX y remodelada en la década del 50 por Ludwig Mies Van Der Rohe es uno de ellos. Con su diseño armónico, de líneas simples y materiales como el acero y el cuero, es hoy un ícono de la arquitectura moderna.

En este objeto-deseo pensaron Lucas Vedronik y Marina Neuman, cuando comenzaron a elaborar su marca, Vasërdelona, dos años atrás. Quería rehacer la silla con un diseño más “relajado y cálido”. Casi como en un juego de palabras, aseguraron: “Va a ser de lona”. Así surgió el nombre de este emprendimiento colorido, estampado, elegante y artístico, que estuvo presente en la Feria PuroDiseño 2012.

Los diseñadores habían viajado a la India, un país deslumbrante en el cual encontraron inspiración para sus creaciones. “India es la tierra de los contrastes, lo humilde convive con lo rico, es el caos dentro de un orden. Lleno de colores, texturas, olores, fue un espacio de encuentro y creación para nosotros. Dentro del viaje, recolectamos imágenes con la cámara y después, en la Argentina, comenzó el proceso de diseño de los muebles y las estampas”, relata Vedronik.

Entonces, cautivados por las formas, los colores y las texturas,

por los paisajes y las vestimentas, pusieron manos a la obra. Primero estampan la madera, que luego atraviesa el mismo proceso que un mueble tradicional, pero siempre cuidando cada paso de la producción, con el ojo experto de lo artesanal hasta la instancia final. Todo se elabora en nuestro país.Así hacen sillones, mesas, aparadores, mecedoras, bibliotecas y mesas de luz. También incorporaron almohadones, cuadros y otros objetos de decoración y ambientación y, hace poco, una línea dedicada a los niños con guardajuguetes, espacios para dibujar y mesitas de luz.

“El trabajo en conjunto entre diseñadores es clave. Nuestro trabajo en equipo es importante, ya que le otorga diferentes puntos de vista y opiniones a los diseños. El trabajo en equipo retroalimenta las habilidades y el gusto de los que componemos Vasërdelona”, continúa Vedronik. El proceso de diseño y elaboración es tan cuidado como la relación con los clientes, que es personalizada, y busca estar en todos los pasos, desde la compra hasta la entrega.

“Se podría decir que somos una empresa atendida por sus dueños.

Creemos que una atención personalizada es la clave de nuestra marca, conocer al cliente y saber lo que busca es la ecuación de una venta exitosa”, asegura el diseñador industrial recibido en la Universidad de Buenos Aires.

Luego de haber participado en PuroDiseño, y con dos años de trayectoria, definen a su marca como “fresca, relajada, con una estética muy marcada, en plena expansión. Un marca feliz. Que disfruta y siente lo que hace”. Y eso, sin duda, se refleja en sus creaciones. + www.vaserdelona.com.ar

012

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila Fotos: Adri Godis Photography @adrigodis

green design

Corcho: Genialidad al desnudo Hay ocasiones en que aparece una pieza de diseño y uno piensa algo parecido a: “¡Pero claro, qué buena idea, cómo no lo había pensado!”. Y entonces, uno sabe que se encuentra frente a una muy buena idea que, además, ha cumplido uno de los objetivos más fundamentales de la creación humana: menos es más. Si además, esta pieza logra ser estéticamente agraciada, y si todavía reúne la condición de ser sustentable, no sólo merece estar incluida en esta sección, sino que merece ser recordada por mucho tiempo.

Algo así nos sucedía a muchos en esta última edición de PuroDiseño, frente a la lámpara de corcho de la firma Corchetes. Bajo el apropiado nombre Lámpara Pin, es colgante y circular, y toma

la personalidad de su dueño, que se “apropia” de ella, haciéndola un lienzo sobre el cual pinchar tarjetitas, imágenes, fotos y un ilimitado etcétera, a la manera de un cuadro de corcho, un material biodegradable, disponible, renovable y natural, cuya obtención tiene un impacto negativo nulo sobre el medio ambiente, dado que se extrae de la corteza del alcornoque, pero sin dañar el árbol. La colección se completa con macetas, lapiceros y floreros de distintos tamaños. Los fundadores, Erika Salerno y Lautaro Leonardi, se interesaron en el proceso de fabricación de este material para incorporarlo a la vida cotidiana, y fomentar su elección por sobre los nuevos corchos sintéticos. + www.corchetes.com | www.remadeinargentina.com.ar

Bambú: La madera del futuro También vegetal es la inspiración de otro material que ya, desde hace unos años, se posiciona como uno de los predilectos de toda una camada de diseñadores industriales jóvenes. Se trata del bambú. Para Agustín Albarracín, que también se presentó en la última edición de PuroDiseño en el Espacio Sustentable, el bambú es “la madera del futuro”. Artista plástico, Agustín estudió Bellas Artes y arquitectura, y hoy diseña muebles y objetos con bajo impacto ambiental, entre ellos, descartes de todo tipo. Hasta que se topó con el bambú, y entonces sintió que se encontraba frente al material del futuro.

Perteneciente a la familia de las gramíneas, este material permite realizar estructuras sólidas y durables. Además, regula el agua que absorbe (en épocas de lluvia la retiene y la guarda para las de sequía), devuelve más oxígeno al medio ambiente que la madera, abona la tierra donde se encuentra, al cosecharla crece sola (sin necesidad de volver a sembrar), y es de simple sembrado y mantenimiento. Además de utilizada para la construcción, es comestible (sus brotes son los palmitos). En el caso de Agustín, aprovecha su resistencia al combinarla con acero, para realizar estructuras de

unión modular. En la feria, presentó una silla realizada con madera de bambú, tapizada en fieltro industrial por la firma Matra. Un binomio que funciona, y un material para tener en la mira. + www.agustinalbarracin.com | www.remadeinargentina.com.ar

016

+ mundo creativo

Texto: Marcela Fibbiani @marce9010

green design

Cámara de cartón Knäppa Una sola pieza de cartón plegado, una placa de circuito, sensor y conector USB integrado, al que sólo hace falta agregarle dos pilas AAA para formar esta simpática cámara digital ultraliviana, simple y económica.

Además de su formato y simplicidad asombrosos, lo que más apasiona de esta cámara diseñada por Jesper Kouthoofd -al frente del estudio Teenage Engineering, con base en Estocolmo-, es que nos conecta con la experiencia de sacar fotos con cámaras analógicas, ya que no podemos verlas hasta tanto las descarguemos en una computadora, a través de su puerto USB. CÓMO FUNCIONA El manual de la cámara -que viene en varios idiomas, en un pdf imposible de borrar en la memoria de Knäppa- muestra lo fácil que es armarla y comenzar a usar. Aunque promete una capacidad de almacenamiento de 40 fotos, hemos podido sacar 75.

Para prenderla, es necesario mantener apretado durante 5 segundos el botón de encendido de la parte delantera de la cámara, debajo del logo de IKEA. Cuando el diodo al dorso de la cámara junto al visor se enciende, ya está preparada para sacar fotos, siempre que se pulse nuevamente el botón de encendido durante 2 segundos, hasta que la luz verde del diodo empiece a parpadear. Es importante mantener bien firme la cámara para lograr enfocar, y elegir ambientes muy iluminados -o mejor, al aire li-

bre-, ya que la cámara no posee flash.

El diodo parpadeará unos 8 segundos durante el procesamiento de los datos de la imagen, y se debe esperar a que termine este paso para tomar una nueva foto. Para apagarla, sólo se debe presionar el único botón nuevamente durante 5 segundos, hasta que el diodo se apague completamente.

Este proyecto desarrollado en conjunto con IKEA (el hipermercado de artículos para el hogar a precios accesibles y para armar uno mismo, con tiendas en Europa, Norteamérica, Asia, Medio Oriente y el Caribe), fue entregada a la prensa durante la muestra de IKEA en la Milan Design Week, y presentada con motivo del lanzamiento de una campaña online del hipermercado, que incentiva a la gente a sacar fotos de sus propias casas decoradas, y así inspirar a los demás.

Si bien la cámara digital Knäppa se proclama como la más barata del mundo, todavía no se conoce su precio ni fecha de lanzamiento oficial, pero estamos ansiosos de llegue a la Argentina. + www.teenageengineering.com www.ikea.com

Texto: Carolina Prioglio @caroprioglio

mundo creativo

+ 017 moda

Casa Textil

Experimentar con telas En el barrio de Boedo, la diseñadora Araceli Pourcel coordina Casa Textil, un espacio, como un laboratorio, donde las telas y otros materiales se reformulan y adquieren nuevos sentidos y apariencias, mediante técnicas tradicionales de tejido, bordado y composición.

Son talleres en los que el textil estimula la creatividad y el reciclaje, y premia con la innovación. “Para mí no hay secretos, se comparten por completo… Cuando enseñás, todo lo que sucede es bueno”. + ¿Qué es Casa Textil?

AP Un proyecto educativo en formato taller, donde se crean piezas para el desarrollo de proyectos de diseñadores y artistas visuales.

Trabajamos con todas las técnicas textiles artesanales y semi industriales, sobre materiales tradicionales y alternativos. La sustentabilidad está siempre presente, así como la experimentación: reciclamos cuando se puede, y no generamos basura. La idea es reflexionar acerca del uso de todos los materiales, incluso, los de descarte industrial o casero. + ¿Cómo surge?

AP Trabajé en investigación de procesos textiles y de materiales a lo largo de mi carrera, desde hace 20 años. Así fue que desarrollé mi propia identidad textil y me interesaba compartir esa experiencia profesional. + ¿Qué es lo mas interesante de Casa Textil?

AP A mí me costó mucho aprender ciertas técnicas, porque no en-

contraba un espacio donde estudiarlas. Existen muy pocos cursos y talleres en el área y, sobre todo, es muy difícil encontrar a alguien que te enseñe cómo interpretar una idea sobre un tejido “tradicional”. A veces, se trata de ideas tan “contemporáneas”, que no cualquiera sabe entenderlas y realizarlas. + ¿Qué valor se le da hoy a la tela?

AP Todos los diseñadores en la Argentina y en otros países están intentando diferenciarse, y en ese sentido, hay un amplio campo en la experimentación textil. Yo puedo trabajar con una tela, puedo construir una superficie o una estructura para plantear luego -o en paralelo- una construcción morfológica. Para crear algo realmente nuevo, hay que conocer cada vez más técnicas, vinculando lo contemporáneo con lo antiguo. Ya no alcanza la mezcla de lo retro y lo moderno, hay una búsqueda mucho más profunda de significado, construcción y materialidad, pues al vivir, hoy en día, rodeados de imágenes, parece que ya conocemos todo, que nada va a sorprendernos. + ¿A quién apunta?

AP Apunta a diseñadores y artistas visuales que estén interesados en trabajar con nuevas superficies y estructuras textiles en su obras, objetos, diseños y mobiliario. También, a quienes estén interesados en sentarse a disfrutar bordando, dibujando a mano una estampa y tejiendo con una hebra infinita. El tiempo se detiene y todo el mundo la pasa muy bien. + www.casatextil.blogspot.com.ar

018

+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver @patriciooliver (*)

art toys

Mr. Pinkerton

Un señor liebre, ahora con gafas Para su nueva serie de personajes, el californiano Scott Tolleson ha revuelto en el arcón de lo recuerdos, tomando como referencia dos íconos de la historia de los juguetes.

Por un lado, los conejos producidos por la ya desaparecida empresa Knickerbocker -un referente en lo que respecta a muñecos de plásticos relacionados con personajes de Walt Disney-, y por otro, los clásicos muñecos de lata de la vieja escuela.

A menudo, Scott Tolleson se ha preguntado cómo hubiera sido recibir uno de estos juguetes de regalo, y su nuevo mini Qee para Toy2R es la respuesta a este interrogante. Scott describe a Preston T. Pinkerton (o simplemente, Mr. Pinkerton para sus amigos cercanos), como la más inteligente y querible liebre del bosque.

Siempre alegre y ávido de experimentar un sinfín de aventuras, Preston va a los saltos, usando su par de lentes mágicos.

En el año 2010, Toy2R introdujo el formato Mini Qee, una figura de vinilo de 5 pulgadas, con 3 puntos de articulación, que cuenta con varios modelos con cabezas diferentes: el Toyer (una calavera ícono de la marca), Sprayee (en forma de tapa de pintura spray en aerosol), el cerdito Pigee, el oso Bear, el gato Kat, el simio Mon

y, finalmente, el conejo Bunee. ¡Hasta se produjo una cabeza de calabaza!

Dicha figura fue presentada como plataforma en blanco para customizar a mano, y como soporte para diseños de producción, hechos por varios representantes del mundo del art toy. Contando ya con más de 20 modelos diferentes, y siendo éste el segundo creado para esta línea por el californiano, el Mini Qee claramente se instauró como la figura de cabecera de la marca.

Mr. Pinkerton está disponible en dos tipos de colores. Su versión rosada, que tiene una variante con lentes, bigote en forma manillar y cambios de tonos en su vestimenta infantil retro, y una versión color gris antiguo, con las mismas variaciones. Con fecha de salida para fines de julio, Tolleson finalmente podrá cumplir su sueño de la infancia, y todo gracias a una de sus propias creaciones. + www.toy2rusa.com | www.stolleart.com

(*) Patricio Oliver es diseñador gráfico por la FADU/UBA, ilustrador y creador de numerosos vinyl toys para Red Magik, Kid Robot, Toy2R, UnboxIndustries y Mugo. www.patriciooliver.com.ar

020

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila Foto: Gentileza FP

arquitectura

Dazzler Tower Recoleta Viaje a los sueños

Residencias señoriales, calles arboladas y tiendas boutique enmarcan al Dazzler Tower Recoleta, un hotel cuatro estrellas, cuya última innovación ha sido su lobby y comedor, para lo cual se convocó al arquitecto Fabián Parra.

Mesas de comedor recubiertas en fórmica con la fotografía de la serie fotográfica “Mujer que sueña el espacio”; volúmenes lumínicos prismáticos sobre el comedor, a la manera de un reloj de arena, que marca la asimetría entre el tiempo real y el de los sueños; cilindros cromados como transición entre el lobby –cuyas paredes se pliegan y transforman, adquiriendo luz propia- y el comedor –donde las ventanas hacen referencia a las de un avión deformadas-; y un muro de poesía, negro, sobre el cual en blanco se imprimen frases que generan dinámica y curiosidad…

Todos son elementos que nos llevan al universo de Fabián Parra, que ya nos ha dejado boquiabiertos con sus proyectos de viviendas, exposiciones en Casa FOA (de la mano de la firma Roca), y más recientemente, sus tiendas de ropa (Garza Lobos). Su arquitectura es conceptual, encierra historias. Así, al primer impacto de sorpresa que generan sus espacios, uno suma el relato de su hacedor y su filosofía, que impregna y resignifica lo visual, llevándolo a un nivel espiritual.

Convocado para este proyecto puntual por el grupo Fën Hoteles, Parra se inspiró en la muestra fotográfica de Jacky Parisier, llamada “Dreams”, en la cual una mujer duerme bajo las sábanas.

Así, el espacio se ocupa de involucrar al visitante desprevenido del

hotel en un sueño peculiar. “En lo personal, viví desde siempre la estadía en un hotel como un espacio sin tiempo ni lugar. Un sueño, que se convirtió en la idea rectora de la obra”, contó el arquitecto.

Además de Parisier, el arquitecto convocó al pintor Jorge Sarsale y a la escritora Ernestina Anchorena, para enriquecer con su aporte a la propuesta.

En el lobby, una columna generosa se revisitó con la imagen de la mujer durmiendo, como un tornado que se apropia del espacio.

Sarsale fue el encargado de un mural ubicado detrás del frontdesk, con más de mil piezas recubiertas con papeles de guías de teléfono, que magnifican su efecto de relieve con juegos de luz.

Anchorena aportó juegos de palabras que se imprimieron sobre un muro negro, que comunican al espectador con el comedor, donde cilindros cromados devuelven la imagen de los espectadores, inmersos en un espacio onírico.

Ya en el comedor, donde las mesas toman las imágenes del sueño, las ventanas se deforman en giros y el espacio total parece levitar, longitudinal. Completa el conjunto un entrepiso destinado a Internet, con un logrado mueble que contiene silla y mesa, y que integra al mueble en este universo hecho de arquitectura. Y de sueños. + www.dazzlerhoteles.com

022

+ mundo creativo

Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

lugares

Trippin

Con aire retro Hay un lugar en donde todo es lindo. Y se llama Trippin, un multiespacio que combina el diseño de hoy con lo retro, donde toys, libros y cámaras fotográficas conviven con remeras, bolsos, gafas y revistas. Todo muy cool y absolutamente lindo.

Desde el fondo de la tienda-galería, una cuidada y antigua heladera Siam color verde es la encargada de presidir el espacio. A partir de ella, se ensambla el resto del lugar, cuya sucesión de objetos es interminable. Desde libros de diseño, toys nacionales e importados, remeras, bolsos y carteras de autor, revistas y gafas, pasando por cuadros, muebles para niños, billeteras, cámaras fotográficas, indumentaria femenina y masculina.

con zapatillas exclusivas, y la marca de anteojos Infinit, que expone sus colecciones completas. Asimismo, artistas y diseñadores independientes dan a conocer sus creaciones en Trippin. Entre ellos, el portfolio de productos de autor de Monoblock, que incluye agendas, cuadernos y latas decoradas; la línea de billeteras de papel de Confitte, la colección de alpargatas Páez, además de prendas de Rethink y Lindo Killer, entre muchos otros.

Trippin es la apuesta que, en 2007, hizo Sergio Kleiman de la mano de su pareja y socia Cecilia Capurro. Ambos oriundos de Bariloche, decidieron echar raíces en el barrio de Palermo, y crearon una tienda que cuenta entre sus asiduos visitantes a numerosos artistas.

“Queríamos crear un espacio para reunir todas las cosas y el diseño que nos gustaba”, comenta Sergio, 28 años, chef de profesión y fotógrafo aficionado, a lo que Cecilia, 26, productora de televisión, agrega: “Siempre nos gustó le diseño, el arte urbano, así que cuando surgió la idea de abrir esta tienda, nos pareció que podía funcionar”.

En 2010, Trippin se animó, y lanzó su propia línea de carteras y bolsos, diseñados en cuero, gamuza y cuero ecológico. La propuesta comprende carteras y bolsos, donde herrajes de calidad y una cuidada combinación de cueros y colores dan como resultado piezas altamente atractivas y diferentes a los modelos estandarizados del mercado. Hay bolsos para ciclistas, que se adaptan a los diferentes modelos de bicicletas y, también, opciones para transportar cámaras fotográficas con mucha onda, sin dejar de lado la comodidad y funcionalidad.

La inspiración para el proyecto vino a través de un libro del artista y diseñador Jeremyville, titulado “Sessions”. “Hace unos años, fuimos al festival Puma Urban Art, y me compré el libro. Siempre nos llamó la atención el street art, la cultura urbana. En la exposición vi el libro, que es muy difícil de conseguir, y ahí surgió la idea de abrir un local, con paredes decoradas con graffitis y objetos de diseño…

Luego, el concepto se fue desarrollando con el tiempo, a medida que fuimos conociendo diferentes autores y artistas”.

+ ¿Cuál es el criterio de selección de objetos, qué línea siguen?

CC Vemos lo que tiene potencial, investigamos. También, nos caen muchas propuestas. A todas las miramos, y después decidimos qué nos viene bien. El modelo de negocio es doble: a veces compramos cosas, otras las tenemos en concesión.

El objetivo de Trippin es ser un polo de diseño argentino, un espacio que vincule el diseño actual con objetos inspirados en las tendencias de los años sesenta y setentas, street art, ilustración y moda. Diferentes marcas consagradas eligieron la tienda como un punto de venta de sus productos de edición limitada, como el caso de Puma,

+ ¿Qué tienen pensado hacer en el futuro próximo?

SK El próximo proyecto a salir es una línea de cerámicas, con ítems de colección numerados, con trabajos de varios artistas. De colección.

CC ¡Tenemos miles de ideas! Pero no podemos avanzar en todas, por eso tomamos nota y las dejamos en pausa, para ver qué pasa.

También, estamos trabajando en un proyecto de franquicias. + www.trippin.com.ar

024

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila Foto: Gentileza Gestalten

lugares

Gestalten Space

La belleza imperfecta Un artista que busca objetos sin relación, que crea revoltijos con tesoros ancestrales y los vuelve obras carnavalescas, enmarcados en desiertos selvas y bosques. Una editorial histórica, que ha sabido plasmar en sus tomos las creaciones de grandes artistas, diseñadores y creadores vivos, en tomos siempre originales y distintivos. Una galería nacida para acompañar el desarrollo de esta editorial, que se inspira en las publicaciones para dar lugar a muestras temáticas y conceptuales, artísticas y rupturistas y que, además, prolonga su efecto con la venta de objetos diversos que refuerzan el efecto dilatante de una obra que, cuando es buena, jamás se extingue. En suma, una tríada creativa que, esta vez, se funde en la propuesta de un artista: el alemán Olaf Hajek, aquél que dice y repite: “Soy un apasionado de la imperfección de la belleza”.

Pero vamos por partes. La editorial es Gestalten: alemana, y especializada en arte, arquitectura, diseño gráfico, diseño de producto, ilustración, fotografía, tipografía y estilo. Una usina creativa, una plataforma de expresión y una búsqueda incesante por detectar a los fenómenos, creadores, artistas y corrientes que han marcado, y marcan, nuestra huella creativa como humanidad.

El espacio de la editorial está ubicado en Berlín. Se trata de una librería, galería y tienda amplia, en un edificio antiguo, con pisos de madera clara y muros aleatoriamente blancos y negros, mesas grandes alargadas y exhibidores. Sobre éstos, lámparas colgantes negras iluminan los objetos y libros. ¿Su premisa? Explorar la cultura visual, y puntualizar y materializar su propuesta editorial en un espacio geográfico.

Con oficinas en Londres, Nueva York y Tokio, éste es, sin embargo, el primer sitio que permite a la casa tener un contacto directo con su

público para ofrecerle, además, productos y muestras de arte vinculadas a cada lanzamiento en especial, con exhibiciones temáticas y presentaciones celebradas. En este caso, se ofrece una muestra del trabajo de Hajek: ilustraciones y piezas de arte que han signado su carrera; en suma, una oportunidad perfecta para poder apreciar su trabajo en vivo y directo. Se suma una edición limitada de obras firmadas por el artista, y claro, la venta del libro.

La belleza en cualquier rincón del planeta es la inspiración de este artista nacido en Alemania, en 1965. Las vestimentas de unas mujeres indias, la exuberancia de una diosa africana, y la vegetación latinoamericana se funden en sus piezas, donde folclore, fauna y flora encuentran una expresión; donde el color se expresa, entre furioso y delicado. El dominio de una destreza compositiva que no se resiste a ningún espectador es parte de la magia de Hajek, que reinventa escenarios y personajes mediante una lógica que nos hace acordar a los arquetipos jungianos; esos receptáculos compartidos por toda la humanidad, donde se funden conceptos de la vida que nacen junto a nosotros: alma, sombra, madre, padre, hombre, mujer, naturaleza.

Carnavalesco, grotesco y seductor, en “Black Antoniette” (La Negra Antonieta), el autor recopila su más reciente trabajo, con un estilo pictórico que trabaja sobre superficies como el cartón y la madera.

Son trabajos creados para exposiciones puntuales, pero también encargos para campañas publicitarias o para publicaciones internacionales –como el New York Times, la Rolling Stone y la revista Time-.

La editorial Gestalten acompañó este lanzamiento con una muestra, con una cuidada selección de los originales incluidos en el tomo. El prefacio está escrito por Philippe Demandt, director de la Old National Gallery de Berlín. Un libro de colección y un espacio para celebrar. + www.gestalten.com/space | www.olafhajek.de

026

+ mundo creativo

Texto y foto: Fátima Fargas para Travel Design (*)

destinos

Budapest

La perla del Danubio Con una historia única, y de una belleza impactante, Budapest inspira a quien la visite.

Ubicada en Europa Central, es la capital de Hungría. En realidad, Budapest es una ciudad creada, a su vez, por dos ciudades: Buda y Pest, ambas divididas por el río Danubio. Su unificación se llevó a cabo recién en el año 1873. Es por eso que, aún hoy, sus habitantes la tienen muy dividida.

Pest es la parte más poblada, ocupando más de la mitad de la ciudad, y es donde se encuentra el punto neurálgico de Budapest; mientras que Buda (antigua capital húngara), sale de entre las colinas y los bosques, siendo un barrio residencial de clase acomodada, que posee un castillo de medidas descomunales, y antigua residencia de los reyes de Hungría, que se eleva con toda su grandeza. Ambas ciudades se diferencian a simple vista, sin tener que mirar el mapa...

Además de sus balnearios de aguas termales -reconocidos a nivel mundial-, Budapest cuenta con una gran lista de actividades y monumentos imperdibles. Entre ellos, se puede nombrar al Parlamento de Hungría, que se encuentra a orillas del río, y es la típica postal de la ciudad. Por su parte, la Ópera de Budapest es, sin dudas, un lugar mágico de estilo neo renacentista, por donde pasaron y seguirán pasando, las mejores óperas, ballets y conciertos.

Emblemática no sólo para Budapest, sino también para toda Hungría, la Plaza de los Héroes ostenta un impactante monumento en conmemoración a sus fundadores; mientras que con sólo caminar por la Avenida Andrássy, se comprende porqué es reconocida

como Patrimonio de la Humanidad.

También se encuentra el Puente de las Cadenas -el más antiguo y pintoresco de Budapest-, que atraviesa el Danubio. A lo largo de sus aguas descansan algunas islas, como la de Obuda, muy pequeñita, pero que se transforma, cada año, en sede del “Sziget Festival”, uno de los mega festivales de música más renombrados, y el mejor al aire libre de toda Europa.

SZIGET FESTIVAL Sziget significa “isla” en húngaro; de ahí el nombre de este festival que se lleva a cabo todos los años en la isla de Obuda. En 2012, se celebrará del 6 al 13 de agosto, en plena época estival. Su precio tan accesible, unido a la posibilidad de acampar, es la razón por la cual es tan popular entre los jóvenes que acuden para disfrutar de las bandas internacionales que se presentan, distribuidas entre los cinco escenarios que se arman para el evento, cada uno destinado a un tipo de música, lo que aporta al encuentro una gran variedad de estilos musicales.

Entre los grupos que se harán presentes en esta edición, están: Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra, Korn, Molotov, Placebo, The Ting Tings, Figli di Madre Ignota, Snoop Dogg, y muchos otros más. El cierre estará cargo de la banda The Killers, que tocará en el escenario principal. + www.budapest.com | www.sziget.hu/fesztival

(*) Para dejar de ser turista y comenzar a ser viajero, visitar: www.traveldesign.com.ar | blog.traveldesign.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

publicaciones

+ On Hold de Theo Deutinger y Barbara Weingartner para la revista Mark, 2009, Holanda.

Autora SANDRA RENDGEN Editor JULIUS WIEDEMANN Editorial TASCHEN Formato 24.6 x 37.2 cm 480 páginas Alemán, francés, inglés

Information Graphics Con el advenimiento de lo medios periodísticos digitales, la infografía se ha convertido en una pieza fundamental para organizar información, para facilitar y agilizar su comprensión, y para adaptarse a las nuevas necesidades de un lector cuyo tiempo es preciado, y cuya capacidad –o deseo- de concentración es relativamente escaso. En este escenario, en el cual pululan herramientas online, donde es posible generar piezas infográficas desabridas y puramente funcionales, el departamento infográfico de diarios y revistas ha visto su espacio magnificado, y los editores han entendido que los profesionales dedicados a este arte no son ya sólo artistas o diseñadores frustrados, sino hacedores de la más nueva y efectiva forma de comunicación.

Es por eso que el lugar de esta profesión se ha destacado e incentivado, al mismo tiempo que se ha priorizado a quienes han sabido –y saben- crear piezas que, más allá de su diseño agraciado, gráficos logrados y tipografías innovadoras, tienen la capacidad reunir y organizar la información, de modo tal que su función no sea solamente ilustrar, sino también dar una mirada particular, ideológica y relevante. Acaso por ésto, los nuevos estudiosos presagian que los infógrafos serán los nuevos periodistas, o que los nuevos periodistas serán infógrafos.

Así, el libro Information Graphics es más que agradecido. Reúne 200 proyectos y más de 400 ejemplos de infografía contemporánea de todo el mundo, no sólo realizados para medios periodísticos, sino también para arte, gobierno, educación y negocios. Se suman, además, cuatro ensayos sobre el desarrollo de esta actividad desde sus comienzos, y un póster de 673 mm x 475 mm, diseñado por Nigel Holmes, a quien se le atribuye haber revolucionado la infografía en la revista Time.

Este tomo está escrito por Sandra Rendgen, historiadora del arte que trabajó para medios impresos e interactivos y que, además, ha sido editora gráfica en revistas y diarios alemanes de la talla de Vanity Fair, Die Welt am Sontag y Interiors Now! Rendgen presentó el libro en la Cumbre de Infografía de Pamplona (Malofiej), la cual

otorga premios que son considerados los Pulitzer de la infografía.

Allí, afirmó: “La infografía se trata de complejidad y claridad a la vez. Crear una requiere no sólo de destrezas creativas, sino también de un pensamiento analítico. Creo que es crucial que una infografía tenga un foco muy claro. El mensaje debe ser rápidamente accesible, en una estructura visual clara. Además, el rigor es esencial. Y más allá de estas reglas generales, lo que todos queremos, al final, es una visual increíble”. + ¿Cuál pensás que es el próximo desafío de la infografía?

SR Actualmente, estamos lidiando con muchos canales y dispositivos mediáticos. Cada día, aprendemos sobre nuevos softwares, tecnologías y dispositivos. En el futuro, la infografía y visualización de data nos van a permitir una exploración interactiva como usuarios, y emergerán nuevos formatos de media, así como de texto, imagen, sonido y números. + ¿Hubo una época dorada de la infografía?

SR Creo que esa era recién está comenzando. En los medios digitales, los largos bloques de texto no son la forma más eficiente de comunicar la información. Las infografías y visualizaciones de datos se están convirtiendo en importantes, porque se acomodan a los nuevos hábitos mediáticos. En el libro, intentamos mostrar cómo las infografías y la visualización de datos son populares en muchos campos, como por ejemplo en educación, ciencias e investigación, política y artes. Hay una increíble variedad de aproximaciones a la información gráfica, y pienso que tratamos de encontrar ejemplos de muy variados escenarios.

Information Graphics está destinado a cualquier persona interesada en la historia y la práctica de comunicar visualmente, y que esté lista para comprender el sideral alcance de esta herramienta en una era cuyos medios de comunicación se encuentran transitando una etapa de profunda reinvención. + www.taschen.com

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+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

vehículos

Estos autos y más encontralos en

Honda City 2013 El sedán mediano de la marca nipona que empezó a ser producido en Brasil en 2009, y que ahora se fabrica en la planta de Honda de Campana (Provincia de Buenos Aires), fue sometido a una actualización. Estos nuevos aires con los que ahora se muestra el City, involucraron principalmente su diseño exterior. Es por ello que ahora, su parte delantera estrena una nueva parrilla cromada, nuevo paragolpes, junto a su grupo óptico y a su toma de aire en forma de U, ambas rediseñadas. Los retoques se trasladaron también a su parte posterior, donde se observan leves mejoras, tanto en su paragolpes como en el dibujo de las ópticas. Se trata, en definitiva, de cambios leves, pero que sirven para mantenerse actualizado frente a competidores como el Ford Fiesta Kinetic Design y el Chevrolet Sonic, en sus versiones de 3 volúmenes.

Esta nueva versión del City seguirá siendo impulsada por el ya probado motor de 1.5 litros con 16 válvulas de 120 caballos, y se comercializará en dos versiones. La LX está equipada con aire acondicionado, levantavidrios delanteros y traseros, volante regulable en altura y profundidad, computadora de abordo, y el indicador “Modo Eco”, que indica cuál es el manejo más eficiente), entre otros. La EXL suma faros auxiliares, tapizado de cuero, sistema de climatización automática digital, sensores de estacionamiento trasero y cruise control. El nuevo City se ofrece con una garantía transferible de 3 años ó 100 mil kilómetros. Sus precios: LX U$S 22.600, EXL manual U$S 26.400 y EXL automático a U$S 28.100. + www.honda.com.ar

Chevrolet Spin

Renault Fluence Sport 2.0 Turbo

La marca del moño ya dejó entrever la silueta de su próximo familiar monovolumen que se llamará Spin. Y hablamos en potencial, porque el nuevo integrante se presentará en el último trimestre de este año en Argentina, aunque en breve se lanzará en Brasil.

La firma Renault sigue con su tendencia de presentar versiones deportivas de sus modelos ya consagrados. Lo hizo a finales del año pasado con el Mégane III RS, y ahora acaba de lanzar el Fluence Sport.

Esta versión más “rabiosa”, se diferencia de su Fluence convencional por sus nuevas llantas de aleación de 17 pulgadas, manijas de puertas y espejos color carrocería, faros xenón con lavafaros, y por su interior de cuero negro. Pero el principal cambio se encuentra debajo de su capó, donde reside su motor de 2.0 16V turbo de 180 caballos, el cual fue adaptado por RTA, Renault Technologies America. Para aquellos “tuercas” que quieran tener un Fluence con un poco más de pimienta, deben invertir $ 158.700 para acceder a esta versión. + www.renault.com.ar

De todos modos, la marca oficializó datos, como que habrá dos versiones para 5 y 7 pasajeros, que es la plataforma del Chevrolet Cobalt sobre la cual se concibió a este modelo, y que será un motor de 1.8 litros el encargado de impulsar a este familiar que seguramente reemplazará a las ya veteranas Chevrolet Zafira y Meriva. + www.chevrolet.com.ar

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mundo creativo 031 vehículos Estos autos y más encontralos en

Volkswagen Scirocco Luego de haberse exhibido en la última edición del Salón de Buenos Aires en 2011, la coupé Scirocco finalmente arribó a los concesionarios de la marca en Argentina. Denominado de la misma manera que su antecesor de 1974, este nuevo integrante es dueño de un look netamente deportivo y vanguardista. Esto se aprecia sobre todo en su frontal, donde sus ópticas con faros xenón se proyectan sobre el lateral, ampliándose en la grilla inferior. Si se lo mira de costado, lo primero que se destaca son sus llantas de aleación de 18 pulgadas.

Su elevada línea de cintura -algo característico de las coupé- es otro de sus rasgos estilísticos, y lo hace dueño de una personalidad muy deportiva.

El interior mantiene la esencia deportiva que exterioriza, pero combinada con el confort de una verdadera berlina. Así, se encuentran detalles como: el Keyless Access (evita tener la necesidad de manipular la llave para interactuar con el auto), el climatizador bizona y el control de velocidad crucero, entre otros elementos. Un punto a destacar es su sistema de audio que, además de su excelente fidelidad gracias a sus 8 altavoces, cuenta con una pantalla táctil.

Dos diferentes motorizaciones son las que se pueden optar para que impulsen a este VW: un motor naftero de 4 cilindros 1.4 TSI de 160 caballos, acoplado a una caja manual de 6 velocidades, o automática DSG de 7 marchas; o un motor de 2,0 litros 16 válvulas con turbo comprimido de 250 caballos, con transmisión manual de 6 velocidades. El nuevo integrante de VW ya se encuentra a la venta desde $ 192.500. + www.volkswagen.com.ar

Hyundai Genesis

Honda Fit

Convertida en un ícono del segmento de las coupé, la Hyundai Genesis siempre fue objeto de deseo y admiración, gracias a su estirpe agresiva. No conforme con ello, y como respuesta al avance de la competencia, la firma coreana sometió a su coupé a un leve rediseño.

El otro integrante de la firma japonesa que también se presenta con nuevo rediseño es el Fit. Su particular frente tirado hacia atrás, se conjuga ahora con un paragolpes delantero más amplio, nueva parrilla cromada y pequeños cambios en las ópticas delanteras.

Mirándolo de costado, se destaca ahora su guardabarros delantero más musculoso, mientras que en su vista posterior presenta un paragolpes de apariencia más robusto, con sensores de estacionamiento para sus versiones EX y EXL.

Es por ello que ahora la Genesis tiene una mirada más agresiva, lograda por su nueva parrilla exagonal, un renovado paragolpes delantero, rediseñadas ópticas delanteras, y un juego de faros antiniebla que suman tecnología LED. Se agregan a la lista de novedades unas llantas rediseñadas que siguen siendo de 18 pulgadas, mientras que atrás también cambia el diseño de las ópticas y llegan las luces de LEDs. La renovada Genesis se presenta con el motor 2.0 turbo de 274 caballos. Hay que recodar que su motorización V6 de 3.8 litros dejó de ofrecerse. $ 206.091 es lo que cuesta este producto. + www.hyndai.com.ar

El nuevo Fit ofrece dos motorizaciones: una de 1.4 litros de 16 válvulas de 100 caballos asociada a una caja manual de 5 cambios para su versión LXL; su otro propulsor es el mismo que posee el Fit -es decir, un naftero de 1.5 litros de 120 caballos-, y equipa a sus versiones EX y EXL, ambas con opción a una transmisión manual o automática de 5 velocidades. Sus precios van desde los U$S 22.100 hasta los U$S 26.900. + www.honda.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

vehículos

Peugeot 308 GTI y 3008 HDI FAP A falta de uno, la firma Peugeot presentó dos modelos a la vez. El más esperado de los dos era, sin dudas, el 308 GTI, la versión más rabiosa del nuevo hatchback de la marca del león. Importado desde Francia, se viste con llantas oscuras de 18 pulgadas, emblema GTi en puertas delanteras, baguetas laterales, alerón sobre la luneta trasera, doble salida de escape sobre la izquierda, difusor de aire en negro brilloso, y franja cromada sobre el portón. Puertas adentro, como todo buen deportivo, dispone de apliques de aluminio (volante, pedalera, puertas, etc.), butacas deportivas y volante con base plana, entre otros.

El conocido motor 1.6 THP turbo de 200 caballos de potencia (el mismo que el RCZ), es el que impulsa a este modelo, a una velocidad

máxima de 237 km/h, de acuerdo a los datos oficiales. $ 197.000 es el valor de este 308 con garantía de tres años o 100 mil kilómetros.

Factor Bikes por Aston Martin

Riva 63 Virtus

Es cada vez más fuerte la tendencia de los fabricantes de automóviles a presentar creaciones exclusivas de un rubro al que no pertenecen. Este es el caso, por ejemplo, de la glamorosa firma Aston Martin, quien en colaboración con la especialista Factor Bikes, acaba de lanzar una bicicleta denominada One-77.

La otra novedad de la marca recae sobre su crossover, el 3008, el que ahora incorpora a su versión equipada con motor HDI, una tecnología identificada con las siglas FAP. Se trata de un filtro anti partículas con el que se reduce hasta el 20 % las emisiones de CO2 y los gases efecto invernadero (40% de monóxido de carbono, 50% de hidrocarburos y 60% de partículas). El precio sugerido al público de esta edición es de $ 209.000. + www.peugeot.com.ar

La reconocida marca de embarcaciones de lujo, Riva, con más de 170 años de trayectoria en el mundo de la náutica, ha develado a su última creación: el 63 Virtus. Se trata un yate deportivo abierto -el más grande fabricado hasta aquí por el prestigioso astillero-, que combina clase, elegancia y líneas limpias. Entre sus espacios abiertos, se destacan sus dos grandes terrazas y su puesto de mando, Está claro que el sólo hecho de tener el logo de la exclusiva firma en el que se ubica un sofá de tres cuerpos, que permite al conductor británica, ya la convierte en una bici especial, pero además de ello, compartir el placer de conducir con sus invitados. Esta embarcación dispone de un sistema computarizado que recoge más de 100 pará- está impulsada por dos motores Man 1360HP de 12 válvulas, que metros sobre la performance del usuario, como la fuerza de pedaleo, ofrecen una velocidad máxima de 40,5 nudos, y una velocidad crufuerza de tracción, aceleración, el pulso del ciclista, o la ubicación cero de 35, gracias a su casco aerodinámico. “Riva es una marca vía GPS. Además, están construidas con materiales utilizados en la que siempre se las arregla para innovar, crear únicos y vanguardFórmula 1, el GP de Le Mans y el torneo de Moto GP. Sólo son 77 istas modelos, manteniendo el encanto y la magia que la han carlas unidades que se ofrecen, al precio de U$S 29.000. Un costo alto acterizado desde hace más de 170 años”, dijo Norberto Ferrati, sin dudas, pensado sólo para clientes fanáticos de la marca. + presidente del grupo que lleva el mismo nombre. + www.factorbikes.com/astonmartin/ www.riva-yacht.com

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+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

música

varias formas de hacerse del material, en vinilo y en CD (con envío desde el Reino Unido y bonus tracks en mp3; o su versión en digital, que viene con extras también).

Otra vez es un disco de canciones con inclinación al baile, de sonido más bien eléctrico y con sus ya típicos, pero buenos arreglos vocales. El quinteto sigue la huella que abrió en su tercer y cuarto trabajo: “Made in the dark” (2008), que los lanzara al mundo con sus hits, y “One life stand” (2010), con su inquietante postura de pop intelectual. Y en rigor de verdad, este álbum pareciera estar en el mismo punto de partida que hace cuatro años atrás, o sea, no hay mayor exploración en ninguna dirección nueva.

Los dos mejores momentos de la placa son, no casualmente, las dos canciones que se toman más tiempo en ser: “Flutes”, y “Let me be him” tienen algo que se va armando en capas, y crecen de a poco, libremente. Ambas ostentan una duración mayor a los 7 minutos, y es allí donde Hot Chip despliega mejor su esplendor. Sus intenciones de componer con mucha textura musical, rinde mejores frutos cuando se dan espacio para jugar con las melodías y la armonía, que cuando intentan meter un hit de 3 minutos y medio.

Hot Chip en la cabeza El nuevo álbum de los ingleses Hot Chip -que salió en el hemisferio norte en junio último-, aquí en el Cono Sur no se editó aún, y difícilmente suceda, ya que para este quinto disco llamado In our heads, el quinteto firmó por primera vez con el sello Domino, que no tiene subsidiaria local. Pero en su Website, el grupo ofrece

Siempre tuvieron y tendrán buen gusto para encontrar algunos timbres llamativos dentro del pop y arremeter con el beat, sin dejar de ser sutiles. Con todo, este trabajo resulta antes un compilado de canciones sueltas, que una obra conceptual. Linda la tapa del artista Nick Relph, y ojalá prontamente puedan tocar en vivo por estas tierras. + www.hotchip.co.uk

disco con este seudónimo que suele usar como DJ, pues su interés es la música para la pista de baile. Y aquí utiliza varios ritmos tradicionales de Sudamérica, como la cumbia, bombas y, principalmente, lo que se conoce como sonidos del altiplano (huaynos, tinkus, charangueda, carnavalitos).

A su vez, Mati Zundel procesa todo electrónicamente, y crea unas bases poderosas en las líneas de bajo -los graves son su fuerte-; encima hay capas de charango y sampleos de sonidos e instrumentos varios, pero todo decorativo. Al igual que las voces, hay un poco de rap, alguna canción en tempo medio, unas pistas instrumentales. Así se completan 13 tracks bastante disímiles, pero que en esa sonoridad cadenciosa (fusión de claves latinas y dubstep) casi viscosa, y que está muy en boga entre los productores de música dance del “tercer mundo” (desde México hasta la Patagonia). Todo parece fluir.

Mati Zundel: mestizaje urbano Amazónico gravitante es el título del primer trabajo de este productor y músico nacido en Dolores (provincia de Buenos Aires), que también se hace llamar Lagartijeando. Ya había editado un

Con buen groove y audio actual, inspirado por los paisajes del norte argentino, Bolivia, Perú y Ecuador, este trabajo de mestizaje sonoro huele más a ciudades y cables, que a monte. Hay varios invitados claves para el disco, pues ponen las voces y el color de cada lugar: la local Miss Bolivia, el uruguayo El Socio, Ciudad Satélite de Bolivia, y Boogat, músico canadiense de sangre mexicana. Editado aquí por ZZK Records, también sale en USA y Japón. Un primer paso que va por otro, y así se convierte en baile. + www.myspace.com/elmatizundel

Texto: Germán Andrés @vermirando

mundo creativo

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música

Casa Del Puente discos: 10 años El sello de Mar del Plata creado por el baterista de Altocamet, cumple y festeja su primera década de selección y trabajo en el medio independiente argentino. Aquí hacen un repaso de su rica y sonora historia, Cecilia Amenábar (alma máter del proyecto), el fundador Pedro Moscuzza, y su principal activista, Cristian Jofre. + ¿Cómo fue que nació el sello Casa del Puente?

CJ Casa del Puente nace en la crisis del 2002, con el objetivo de difundir artistas electrónicos independientes, nuevos. El nombre del sello es de la obra del arquitecto Amancio Wiliams, que en ese momento, se encontraba abandonada y destruida, y pensamos que era una buena forma de que exista el recuerdo y la conciencia de esta hermosa obra en desuso. + ¿Cuál es el mayor aprendizaje en estos 10 años de experiencia?

PM Saber que el poder de la música ayuda a las personas a ser más cultas, creativas, y que puede generar sensaciones, para una mayor felicidad en nuestras vidas. Por eso, pienso que es importante poder dejar un catálogo de discos editados, que reflejen un legado artístico-cultural de nuestra generación para los jóvenes del futuro que les interese descubrir otros sonidos. Eso es lo más importante que un sello discográfico puede lograr.

CJ El cambio en la industria de la música, los nuevos formatos, las herramientas digitales, el cambio en los hábitos de consumo musical, y afrontar que existe un nuevo método de comercialización, también significaron un gran aprendizaje en estos años. + ¿Qué destacan de la escena de la música electrónica local hoy?

PM Siempre destacamos la altísima calidad de los artistas electrónicos argentinos; se maneja un nivel de composición y de propuestas a la altura de Berlín o Londres, New York o Chicago.

Prueba eso lo admirados que son los discos de Leandro Fresco, Altocamet, Gustavo Lamas, o la rebeldía de Emisor y BK. Creo que la electrónica argentina se caracteriza por tener una frescura

distinta que sorprende en el exterior; y siempre es bueno apoyar las propuestas locales.

CA Pienso que hoy está bueno lo que hace gente como Villa Diamante, Diosque en su faceta electro Yolatecno, Mikel/metal... Y los que combinan electrónica y acústica es lo que hoy disfruto. + ¿Con quién/es hacen el trabajo gráfico y la cuestión visual del sello?

CJ Maximiliano Dreson diseñó el logo, y él es quien propuso una estética para el sello. En la parte virtual, el que trabaja es Nicolás Aguero (a.k.a. Sumergido).

CA Además, cada artista colabora con sus gustos y diseñadores: Silvia Canosa, Ale Ros, Acampante. En CdP hay muy buena gráfica, muchos colores y propuestas. Hemos editado en digipack, sobrecitos, vinilos... Cuando vamos con el sello de gira al exterior y también para la venta online, la gente aprecia las tapas. Siempre lo bueno primero entra por los ojos. + ¿Cuál es su próximo desafío, o qué desean desarrollar en este nuevo escenario musical?

PM Nuestro desafío sigue siendo poder mostrar al mundo que aquí se sigue haciendo buena música, moderna y sorprendente. A su vez, poder ir descubriendo nuevos talentos. Tratamos de mantenernos en la industria musical, editando no más de cuatro discos anuales, ya que nuestra estructura es bastante chica (nunca fuimos más de cuatro personas). De esta forma, podemos dedicar nuestra atención a cada artista, y hacerlo sentir como en su hogar, Casa del Puente. + www.casadelpuentediscos.com

EL CÁTALOGO Casa Del Puente Discos es responsable, en gran parte, de la más fina electrónica argentina. Tiene un selecto catálogo de pop, electrónica experimental y para bailar, dubstep y down tempo, ya con 34 títulos, principalmente de Argentina. Además, tiene convenios de distribución e intercambio con músicos y sellos de Alemania, Chile, Perú y México. Todos sus lanzamientos están disponibles en iTunes, y algunos de ellos se consiguen en vinilo en Argentina, en USA y Europa. Cuentan con toda la discografía de Altocamet, y discos de artistas como Flavio Echeto, Emisor, Leandro Fresco, Gustavo Lamas, Acampante, Audioperú y Jerónimo Escajal, entre otros. Para este año, planean publicar el EP de remixes de “Dulce calor” (última obra de Altocamet), y la reedición del primer disco del grupo, “Velada Bristol Casino” (1998); además, lo nuevo de la banda de electrorock Manta Raya. +

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+ mundo creativo

Texto: Diego Giaccone (*) Foto: Adri Godis Photography @adrigodis

branding y diseño

+ Una manera de conocer qué piensan sobre el diseño y los diseñadores los responsables de marketing de empresas exitosas, quienes deciden y compran diseño, buscando sumar valor a sus marcas y productos. La mirada del otro lado del mostrador.

Santiago Murray | PepsiCo “En el diseño no hay reglas” Santiago Murray es un personaje entrador, carismático, y que enseguida se hace querible. A pesar de su exitosa y completa carrera en empresas, sigue teniendo la frescura de sus comienzos, y se nota. Es licenciado en administración por la Universidad Católica Argentina, y trabajó durante diez años en Unilever. Se inició en esa empresa en 1998 como joven profesional, y durante esos años tuvo la posibilidad de conocer todos los negocios de la compañía: pelo, desodorantes, alimentos. “Pude ver todo tipo de negocios y marcas, y los drivers de porqué consumen esas marcas”, explica Santiago.

En 2009 entró a PepsiCo como gerente de marketing del Cono Sur de sabores (gaseosas no colas), para Argentina, Uruguay, Paraguay, Bolivia y Chile. Nos cuenta que la filosofía de las marcas se mantienen más allá de las fronteras; el ADN no cambia, pero sí las historias que se cuentan, según las distintas idiosincracias.

Con respecto a su relación con las agencias, trabajan con las de primer nivel, y con gente profesional, que conoce la marca. Para él, lo más importante es que se respete el brief. Pero también quiere que lo sorprendan; no quiere que le vendan lo que quiere ver, sino que le encanta que lo desafíen. A la hora de elegir una idea, nos cuenta que aprendió a escuchar y a dar su opinión desde el estómago, pero aclarando que no es el feedback final. Nunca toma la decisión solo, sino en equipo, junto a distintas personas de la empresa. “Nunca pensamos igual, y eso me gusta”, remata Santiago.

A la hora de mantenerse fresco, nos cuenta que a él lo refresca el mismo mercado, lo que está pasando. Y tener la cabeza puesta hacia afuera, no sólo en uno. Y el aire libre, correr, dar clases, el cine, el mar…. Desde que tiene uso de razón, Santiago es un coleccionista de caps (gorras). Siempre usa dos -algunas tienen hasta treinta años. Le gusta tenerlas, aunque no las use todo el tiempo. + www.pepsico.com.ar

Hablar con Santiago sobre diseño me resulta fácil y accesible. Tal vez sea porque se casó con una diseñadora, que le enseñó a entendernos y a consumir diseño. “En mi casa se consume diseño, pero diseño que debe ser lindo y, a su vez, funcional”. Y nos cuenta que en su caso -y en la compañía- el diseño está en todo, y se le dá mucha importancia: desde la oficina, el ambiente de trabajo, la flexibilidad y clima relajado y divertido. En PespiCo trabajan duro, pero también se divierten, y aclara que “no hay oficinas cerradas, todo está abierto, sin paredes. Es parte del diseño de la compañía.

Podés trabajar en la cocina o en cualquier lugar”. Allí también juegan al ping pong, ¡y hay muy buen nivel!

“En el diseño no hay reglas; no hay una verdad absoluta. Es sentido común, y saber comunicar o no la marca”, asegura. En el punto de venta se define todo, y el diseño es parte del desafío, ya que deben transmitir la experiencia de la marca en locales que no son propios. Y para eso, investigan mucho para saber qué deben comunicar; la esencia, no sólo un diseño lindo. No cree que el consumidor elija todo, sino que confía mucho en su equipo de trabajo, con el que está en contacto permanentemente, y el que aporta diferentes puntos de vista.

Santiago entró hace tres años a PepsiCo, y en los últimos dos renovaron todo el portfolio (Pepsi, Mirinda, 7Up, Paso de los Toros). “Uno no persuade sólo con la publicidad. Creer eso es un error, hay que balancear todas las variables. Y el mejor diseño para la filosofía de la marca, muchas veces, no el que más me gusta”, aclara.

MUNDO MURRAY Una ciudad para estar. New York en invierno Una ciudad para vivir. Buenos Aires Una marca de tecnología. Blackberry Una película. The Game (David Fincher, 1997) Un auto. Audi A4 Una marca de ropa. Pengüin Un bar. Mott (El Salvador 4685, Palermo) Un producto de tu empresa. 7Up y su nuevo logo (*) Diego Giaccone es diseñador gráfico, director de SURe Brandesign. @diegogiaccone www.surebrandesign.com

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+ mundo creativo

Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

marketing

+ Chevrolet Sonic en Instagram

Chevrolet Sonic

Listos para la diversión, también online Chevrolet presentó su nuevo modelo Sonic con una estrategia de comunicación digital que busca asociar las cualidades del producto con el vértigo de los videojuegos y la interactividad de las redes sociales.

Como parte de la ampliación de su portfolio, Chevrolet presentó en el mercado local su nuevo modelo Sonic, un auto que se comercializa en dos versiones: un deportivo de cinco puertas y un sedán cuatro puertas. Y a la hora de la comunicación, apostó por lo digital, y lo hizo de la mano de un spot publicitario, que simula ser una persecución dentro de un clásico videojuego, y acciones online en las redes sociales más difundidas.

Twitter, se creó el usuario @SonicInky, desde donde se comparte información y detalles del nuevo Chevrolet Sonic. Bajo el mismo nick, pero esta vez en Instagram, se realizó un video con cerca de cuatrocientas fotografías tomadas con un smartphone, que muestran al Chevrolet Sonic en diferentes puntos de la ciudad y resaltan su diseño moderno, que reviven en una persecución por las calles, temática que surge de la campaña publicitaria.

“El punto de partida de la campaña digital del Chevrolet Sonic fue el target al que apuntábamos: hombres en constante búsqueda de oportunidades, que valoran su trabajo, su vida social, que tienen interés por todo lo nuevo, valoran el prestigio, el diseño y la tecnología, y que viven conectados, informados de las últimas novedades tecnológicas”, comenta Rafael Eugenio Figueroa, coordinador regional de marketing digital en General Motors de Argentina. “Desde el origen de la campaña, entendimos que debía tener una fuerte presencia online, de forma que complementara los esfuerzos que íbamos a hacer desde el offline con una campaña bien sólida”.

Sobre el lugar dado a las redes sociales en este lanzamiento, Figueroa explica: “Desde hace un par de años venimos poniendo especial foco en Facebook y Twitter, con una fuerte estrategia de monitoreo y moderación de nuestra comunidad, incluso integrando el Centro de Atención al Cliente en el proceso, desarrollando aplicaciones y proponiendo activaciones y promociones para nuestra comunidad. Para 2012, nuestro objetivo principal es YouTube: generar contenido de gran impacto audiovisual, asumiendo que el consumo de video se ha transformado en una de las principales fuentes de consulta para quienes se encuentren en el proceso decisorio de compra de un automóvil”. La campaña digital incluye un micrositio, una aplicación para Android con acceso vía un código QR, y diversas iniciativas en Facebook, Pinterest, Foursquare, Vimeo y YouTube.

TODOS LO JUGAMOS ALGUNA VEZ Imposible no reconocer el clásico videojuego al que hace referencia el spot publicitario que se realizó bajo el concepto mundial “Ready for fun, Ready for life”, utilizado para el nuevo Chevrolet Sonic. Titulado “Pacman”, fue el puntapié inicial de la campaña de lanzamiento del Sonic, un auto orientado a un público joven que, en los años 90, seguramente, jugaba al emblemático videojuego. La agencia responsable por el spot de TV y las piezas gráficas fue McCann Erickson Argentina, mientras que el micrositio chevroletsonic.com.ar y la estrategia digital quedaron en manos de Webar Argentina. Asimismo, el spot contó con la dirección de Charlie Mainardi, para la productora MondoCine.

En cuanto a la comunicación, se tuvo en cuenta una de las características más importantes del Sonic, la innovación. De acuerdo a esto, se delineó una estrategia online, utilizando las redes sociales del momento, como Twitter e Instagram, entre otras. En

En el micrositio, el comercial de TV se vuelve interactivo, donde los usuarios pueden detener la acción para ingresar en varias de sus escenas. Sobre una posible segunda parte de la campaña, Figueroa comenta: “La campaña va a tener continuidad en el tiempo, apoyándonos fundamentalmente en activaciones digitales, a través de piezas que vamos a desarrollar para YouTube e inversión en medios, ya que contamos con estrategia de `always on´ -presencia constante a lo largo del tiempo - en determinados medios, y desde el offline, a través de las Sonic Sessions: un ciclo de shows que acerca al público argentino algunas de las bandas más vanguardistas de los últimos tiempos, siguiendo con el espíritu del nuevo modelo de la marca: Ready for fun, Ready for life”. + www.chevroletsonic.com.ar

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mundo creativo 039 marketing

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Volcom invita a darle una oportunidad a los jeans Donar un jean para ayudar a los más necesitados. Ése es el objetivo del programa de donación de Volcom Brand Jeans, denominada “Give Jeans a Chance” (Dale una oportunidad a tus jeans).

A partir del 1º de junio, y durante dos meses, más de cien skate shops y surf shops de todo el país poseen una cesta de donación, para que quienes se acerquen a los locales adheridos, puedan donar un jean de cualquier marca, siempre que estén en buenas condiciones de uso.

Una vez finalizada la campaña, se realizará un sorteo entre todos los que hayan donado su jean. El premio consiste en un viaje a California para el ganador y un acompañante, durante el mes de noviembre, para conocer las oficinas centrales de Volcom, en EE.UU. En 2011, la campaña Volcom Give Jeans a Chance recolectó más de 50.000 jeans en todo el mundo, que fueron distribuidos a refugios para personas sin hogar de cada país. “Este año, con la ayuda de clientes, personalidades, amigos y referentes, aspiramos a recolectar la mayor cantidad posible de jeans para donar a diferentes hogares y

fundaciones. Juntos podemos hacer la diferencia”, comentó Fernando Hermida, Gerente General de Volcom Argentina.

Para lanzar esta campaña, Volcom Argentina realizó un evento en Dain - Usina Cultural, al que asistieron amigos de la marca, para impulsar la propuesta solidaria. Entre ellos, los actores Gonzalo Valenzuela, Benjamín Amadeo y Gastón Grande, el tenista Mariano Zabaleta, el basquetbolista Fabricio Oberto, las modelos y conductoras Caro Di Nezio y Carola Kirkby, la periodista Jowi Campobassi, Belén Chavanne, Lolo de Miranda!, Flavio Cianciarullo (ex Cadillacs), Fico de Masacre y la banda Infierno 18. En www.facebook.com/ volcomargentina puede consultarse el listado completo de skate shops y surf shops adheridos en todo el país.+ www.volcom.com.ar

1. Zeta Bosio estuvo a cargo de la musicalización 2. Mariano Zabaleta 3. Flavio Cianciarullo 4. Fabricio Oberto 5. Carola Kirkby 6. Jowi Campobassi 7. Belén Chavanne 2|

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+ mundo creativo

Texto: Leila Mesyngier. Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

marketing

+ Elena Roca (notera), Jerónimo Oriana y Tenchi Oddino (conductores) de Puma Social TV.

Puma TV

Atletas de la noche Puma lanzó el primer programa de cultura urbana en formato live streaming: media hora de arte, música, juegos y tendencias que se transmite en vivo desde Congo Bar por Internet. Tenchi Oddino y Jerónimo Oriana derrochan sintonía en la conducción, mientras presentan a los artistas más novedosos y originales de la escena local.

LUZ El cartel de neón azul se enciende y, de a poco, se deja leer: Puma Social TV. Mirando hacia las cámaras y detrás de las banquetas que pronto ocuparán los conductores, da la bienvenida a esta nueva experiencia que llevan adelante desde la marca deportiva Puma.

Técnicos, productores, camarógrafos, directores y maquillador ultiman detalles antes la largada.

Teléfonos inteligentes, computadoras y otros dispositivos móviles circulan junto con los protagonistas por Congo Bar, escenario elegido para la transmisión, en pleno barrio porteño de Palermo. Hasta ahora, todo suena igual al backstage de un típico programa de televisión. Se trata, en cambio, del primer show de cultura urbana en formato live streaming: se transmite en vivo por Internet, todos los miércoles de 20.30 a 21hs.

Este innovador proyecto fue pensado para darle continuidad al Puma Urban Art, el festival anual de tendencias que muestra qué está pasando en materia de música, pintura, diseño y arte urbano, y que va por su quinta edición. “La idea es generar un espacio para que los artistas que se presentan en el Urban Art sigan vigentes todo el año, y tengan un lugar donde mostrar lo que hacen”, explica Bárbara Bertani, Lifestyle Marketing Manager de Puma y productora general del ciclo.

Además, es la oportunidad para linkear la plataforma de campaña Puma Social, que remite a los atletas nocturnos, con un espacio como el de Congo Bar, que permite la interacción con el público durante y después del programa. Por otro lado, el show se transmite online “porque el target al que apuntamos puede estar mucho más tiempo en la computadora que frente a la televisión. Queríamos generar un espacio donde la gente pueda interactuar con nosotros a través de las redes sociales, por eso es en vivo, para que el consumidor se sienta parte”, explica Fiorella Bonfiglioli, PR & Media de Puma.

CÁMARA La misión está en manos de Jerónimo Oriana y Tenchi Oddino, los conductores de esta iniciativa, quienes tienen “cosas en común”, se conocen hace mucho, y se “complementan muy bien”. Ahora, se preparan, maquillan y conversan cómplices en la previa del show. “No existe diferencia con un programa de televisión. Se trata con serie-

dad y respeto, y la apuesta de Puma es que tenga la misma calidad que un programa de tele, sea de cable o de aire. La comunicación en el futuro va a pasar más por Internet y nosotros apostamos a eso”, asegura Tenchi.

“Hay un concepto de Internet asociado a las webcams, una posibilidad que se abrió para mostrarse. Esto es diferente, no es improvisado. Tenemos un guión, se estudia, se investiga, ponemos lo mejor de cada uno, hay un equipo técnico de profesionales que trabaja en esto hace un montón. Toda la fuerza y la buena onda que hay entre nosotros genera algo explosivo”, dice la conductora. Y su coequiper agrega: “No es ninguna noticia que Internet es el futuro, y Puma está apostando a eso. Es una oportunidad de entrar en contacto con un montón de gente conocida, artistas increíbles. Es difusión, es entretenimiento y, sobre todo, darle espacio a gente que se lo merece”.

ACCIÓN Un invitado en vivo, la historia de un artista, el video musical de una banda en ascenso y el desafío donde la notera Elena Roca juega a algún deporte de los atletas de la noche con un personaje. Música, arte, juegos y tendencias. De eso se trata Puma Social TV, de salir del rol de espectadores y pasar a ser protagonistas. “Atletas de la noche tiene ese condimento que no tiene que ver con la competencia sino con la diversión, el entretenimiento y con la salida grupal. No se trata de hacer cosas para que otro fracase, sino de hacer equipos y competir contra la misma diversión. El entorno es el bar, el boliche, los lugares de encuentro, todos espacios sociales”, refuerza Tenchi.

La idea es “no quedarte en tu casa, salir, recorrer, compartir. La noche es un lugar especial para divertirse y donde te podés encontrar con un montón de cosas: graffitis, arte, una banda nueva; todas cosas que están en el programa”, dice Jero, quien se reconoce como un atleta de la noche.

Ya superaron las expectativas: más de 6.000 visitas en los primeros tres programas, con un promedio de entre 7 y 10 minutos continuados. Además, el 50 por ciento vio la emisión entera. “Una persona mirando por media hora un programa en Internet… ¡nosotros mismos nos hemos sorprendido del efecto!”, concluyen orgullosas las productoras. + www.pumasocialtv.com

Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

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mundo creativo 041 marketing

+ Mike Amigorena, Marcela Kloosterboer y Agustín Agraz (Director de Asuntos Corporativos de LAN Argentina), disfrutando del espacio de LAN en arteBA.

LAN en arteBA

El arte también se escucha LAN Argentina presentó por sexto año consecutivo su propuesta de audioguía gratuita para arteBA 2012, que los visitantes pudieron también descargarse de antemano de Internet junto con el mapa, y así disfrutar de un recorrido especialmente diagramado por la curadora Florencia Braga Menéndez y locutado por Lalo Mir. Sobre el trabajo, la artista plástica y curadora de arte Florencia Braga Menéndez comentó: “Me invitaron de LAN y estaba muy feliz porque, además de estar hace años, estas guías tienen una personalidad, y ya son una institución en arteBA. Tienen mucha más penetración de lo que uno se imagina. Hay mucha gente que necesita ayuda, tener una guía, que haya alguien que medie y los invite a acercarse a una obra para ver qué está pasando allí. Brinda la posibilidad de acercarse y conocer cosas de las obras y de los artistas, anécdotas, que hace que la gente se acerque y comience a vincularse”.

Además, LAN presentó en su espacio una serie de auriculares intervenidos por los artistas plásticos Marcela Mouján, Edgardo Giménez y Rafael González Moreno. Dichos auriculares fueron expuestos junto a las obras seleccionadas por cada artista, que fueron inspiradoras para la intervención de los mismos. Así, Mouján

mostró una extensión de una obra de su colección “Pampaparaíso”, Edgardo Giménez exhibió su auricular intervenido inspirado en su obra “Gato Secretaire”, y Rafael González Moreno expuso su extensión a partir de su obra “Los girasoles de Monet”, trabajada con materiales reciclados.

A su vez, la aerolínea oficial de arteBA 2012 invitó a todos los fanáticos del arte a participar de un divertido concurso, con el que pudieron ganar uno de estos tres auriculares, para lo cual debían intervenir ellos mismos un auricular, decidiendo el color, el fondo y los accesorios que lo decoraban, tanto desde la Facebook Fan Page de LAN como en el espacio de arteBA. Florencia Braga Menéndez fue la encargada de seleccionar los tres auriculares más originales como ganadores del concurso. + www.audioguialan.com.ar | www.lan.com

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+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband @rsametband

gadgets

Asus TaiChi ¿Tableta o netbook? Ya pronto será muy difícil diferenciarlas. Con la llegada de las ultrabooks, los accesorios para tabletas y los dispositivos como la nueva Asus TaiChi, la distancia entre estas dos categorías es cada vez más corta. Como muchas otras PC que se vienen, la Asus está preparada para aprovechar las funciones táctiles de Windows 8, cuyo arribo se estima entre octubre y noviembre. Tiene

dos pantallas sensibles al tacto de 11,6”: una interna, para usar el equipo como una notebook, y otra externa, para que se comporte como una tableta. Internamente, este chiche tiene un chip Intel Core i5, 4 GB de RAM, y todo lo necesario para cumplir las dos funciones sin inconvenientes. + www.asus.com

Apple MacBook Pro con Retina

Microsoft Surface

Los fanáticos de la manzana pueden estar tranquilos. Las novedades en los equipos de la empresa no se detienen aunque Steve Jobs no esté para marcar el ritmo.

Parece imposible, pero no. Microsoft venderá una tableta con marca propia, compitiendo con sus socios históricos. Se trata de la Surface, y vendrá en dos versiones, ambas con pantalla de 10,6” y carcasa de magnesio. La versión más económica tendrá un chip Nvidia Tegra 3 de 4 núcleos y usará el Windows 8 RT, para competir con la iPad y las tabletas con Android; el modelo Pro, un chip Intel Core i5 y un Windows 8 convencional. Ambas tienen una cubierta para la pantalla que se puede usar como teclado ultra delgado. Sale a la venta en octubre. + www.microsoft.com

La última MacBook Pro de Apple ya salió a la venta con una gran novedad: una pantalla de calidad Retina, lo que quiere decir, que tiene una alta densidad de píxeles: 2880 x1800 en una pantalla de 15”, casi tantos como los del iPhone. Un chip Intel, disco de estado sólido y el resto del hardware usual en Apple, con un precio que arranca en los U$S 2199 en Estados Unidos. + www.apple.com

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mundo creativo 043 gadgets

Nintendo Wii U

Sony Live with Walkman

A la hora de jugar, la competencia se vuelve voraz, también para los fabricantes. Y la nueva Nintendo Wii U no sólo tendrá que enfrentarse a otras consolas: también, a tabletas y smartphones. Presentada oficialmente en la última expo E3 -luego del adelanto que se había conocido un año atrás-, la Wii U aumenta el poder gráfico de su predecesora, y viene con una novedad: GamePad, un control remoto con pantalla táctil de 6,2”, que se puede usar para jugar o como pantalla secundaria para tener información complementaria a la que aparece en la tele. Llega en noviembre. + www.nintendo.com

Vuelve el Walkman de Sony, pero en formato smartphone, como antes lo hizo con los celulares convencionales. El modelo Live with Walkman es un equipo sencillo, con pantalla táctil de 3,2”, chip a 1 GHz y Android 2.3; tiene un control de audio xLOUD, que según su fabricante, ofrece una alta fidelidad. En la Argentina, Movistar lo ofrece a $ 849, con parte de su servicio de streaming de música Sonora ($ 35 por streaming ilimitado de 2 millones de canciones). + www.sony.com.ar | www.movistar.com.ar

BenQ LM100

Google Nexus 7

Hay cámaras normales y sumergibles, pero en general, están pensadas para un chapoteo y nada más. No es el caso de la BenQ LM100, con sensor de 14 megapíxeles y zoom óptico 4x. Hasta ahí, nada raro. Pero la LM100 puede sumergirse hasta 5 metros de profundidad durante 2 horas y continuar operativa, algo inusual en una cámara de bolsillo. Además, funciona aún a una temperatura de 10 grados bajo cero. Precio: U$S 175 en Estados Unidos. + latam.benq.com

Google tiene tableta propia: pantalla de 7” y 1280 x 800 píxeles, chip Nvidia Tegra 3 de cuatro núcleos, 1 GB de RAM, 8 GB de almacenamiento y 340 gramos de peso, para tener su equipo bandera.

Viene con Android 4.1 y todos los servicios de contenidos de la compañía (al menos en Estados Unidos), como alquiler de películas, compra de música y de libros, revistas y demás. Tiene un precio de U$S 199 en Estados Unidos, salió a la venta a mediados de julio, y su principal competidor es el Kindle Fire de Amazon. + www.google.com.ar

Sennheiser HD800 Los nuevos auriculares dinámicos circumaurales de la firma alemana están hechos a mano, con aluminio, plástico y goma; los trasductores dinámicos son de acero inoxidable, y las almohadillas están cubiertas a mano con una tela de microfibra, para hacerlos más cómodos en la oreja. Tienen un precio en la Argentina de U$S 1500. + www.sennheiserstore.com.ar

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Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

tecnología

Nuevo Corel

Más y mejor diseño La última versión del programa de Corel trae muchas novedades, entre ellas, armonías de color personalizadas, nuevas fuentes y tipografías, además de atractivas herramientas pensadas para agilizar el trabajo de diseño, sin perder calidad.

En junio, Corel presentó en Argentina el CorelDRAW Graphics Suite X6, la nueva versión de su solución de diseño, que trae como novedades principales un motor tipográfico renovado, armonías de color y eficaces herramientas de asignación de forma, que permiten a los diseñadores optimizar el tiempo y la calidad en sus trabajos. Las funciones incluidas en la última versión fueron diseñadas teniendo en cuenta las necesidades de los usuarios de CorelDRAW, de una amplia variedad de sectores. “Las nuevas versiones y mejoras del software se hacen en base a las solicitudes y sugerencias que se recogen directamente de los usuarios del producto, cada uno en sus respectivas áreas de trabajo”, explica Óscar Velázquez, gerente de producto en Corel México. “De esta manera, la suite de CorelDRAW se ha convertido en una plataforma gráfica de trabajo que atiende múltiples verticales, y no sólo en una aplicación especializada de un mercado”.

CONTENIDO MULTIPLICADO POR SEIS La nueva versión del programa cuenta con seis apartados: CorelDRAW X6 (aplicación intuitiva de ilustración vectorial y diseño de páginas), Corel PHOTO-PAINT X6 (para la edición de imágenes), Corel PowerTRACE X6 (permite convertir mapas de bits en gráficos vectoriales editables, de forma rápida y precisa), Corel CONNECT (permite realizar búsquedas en el contenido digital), Corel CAPTURE X6 (captura de pantalla con un sólo click) y, por último, Corel Website Creator X6 (creación de sitios Web).

Respecto de las herramientas que permiten vectorizar en un sólo click, Velázquez comenta: “La tecnología de PowerTRACE permite que cualquier persona, independientemente de su habilidad en el dibujo de vectores, pueda lograr resultados de manera prácticamente instantánea. Por ejemplo, se puede escanear la imagen de un logotipo o una ilustración, o tenerla en un archivo de mapa de bits, y el programa lo trazará en vectores de manera automática, eliminando el problema de los píxeles. También se puede eliminar el fondo y controlar el formato de color para obtener, en segundos, una ilustración o logotipo con colores directos Pantone”.

Asimismo, la última entrega de Corel cuenta con diez mil imágenes clip art de alta calidad, mil fotografías digitales profesionales de alta resolución, mil fuentes OpenType (incluye fuentes profesionales como Helvética) y dos mil plantillas para rotulación integral de vehículos, entre otras cosas. Todas las versiones de licenciamiento en Argentina§ incluyen un mantenimiento por dos años y el soporte de Corel. Además, quienes quieran probar CorelDRAW Graphics Suite X6 gratis durante treinta días, podrán hacerlo a través de www.corel.com/coreldraw. Para obtener más información acerca de los precios y las condiciones de actualización, visitar Nexsys, el mayorista oficial de Corel para Argentina. + www.nexsysla.com | www.coreldraw.com

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Fotos: Nicolás Colombo

It´s Miller time en Buenos Aires!

La exclusiva cerveza Miller Genuine Draft anunció su llegada a la Argentina, con un evento inolvidable en el hotel Four Seasons de Buenos Aires.

En su búsqueda por reflejar toda la energía y el brillo de la noche de las mejores ciudades del mundo, Miller Genuine Draft desembarcó en el país, y lo hizo con una gran fiesta, que reflejó el dinamismo y las posibilidades ilimitadas de la noche porteña.

En el hotel Four Seasons, la exclusiva cerveza dejó su sello en una presentación que convocó a figuras del mundo de la moda, el arte y del espectáculo. The Twelves, el dúo compuesto por los DJs brasileros João Miguel y Luciano Oliveira especialmente invitado para

el evento, musicalizó una pista de baile que supo capturar y sacar perfecto provecho de las refacciones que atraviesa el salón principal del hotel de Retiro.

Un equipo de hábiles proveedoras –vestidas como obreras para la ocasión- se aseguró de que a nadie le faltara en ningún momento una Miller Genuine Draft bien fría en la mano, detalle que convirtió a la noche en una experiencia única y muy divertida, e hizo de la fiesta un momento distintivo en la escena de Buenos Aires. +

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1, 2 y 3. Ford Argentina presentó en la ciudad de Salta la nueva generación de Ranger, con la que apunta al liderar el segmento de las pick ups, con un mega evento al que invitó a más de 350 periodistas de la región. Para festejar el lanzamiento, Ford deleitó a la prensa con los shows en vivo de El Choque Urbano, Los Nocheros, la banda Catupecu Machu y la DJ Cata Spinetta. www.ford.comar 4 y 5. La familia de cervezas Quilmes se agranda, con su nueva “bavarian pilsener lager”, que se elabora a partir de una antigua receta de finales del siglo XIX, que fusiona distintas maltas. La presentación de Quilmes 1890 se realizó con una exclusiva cena en la que el Maestro Cervecero Raúl Falcón, realizó una propuesta de maridajes ideales para acompañar esta nueva variedad de cerveza, que posee un color dorado y un sabor intenso. www.quilmes.com.ar 6, 7 y 8. Se realizó una nueva edición de Networking de moda, el encuentro informal organizado por 90+10 y presentado por Corel, que busca conectar a personas creativas y emprendedoras de indumentaria, marketing y editorial, con el objetivo de compartir experiencias, y generar nuevos contactos y oportunidades de negocios. Más de 40 personas se hicieron presentes en el Ultra Hotel Buenos Aires, donde también conocieron, en exclusiva, las novedades de CorelDRAW X6, a cargo de Óscar Velázquez, especialista en el soft. www.facebook.com/networking.de.moda

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Pony en PuroDiseño 2012

+ Desfile colección verano 2013

La marca de zapatillas Pony estuvo presente en la feria PuroDiseño de Buenos Aires, con un enorme espacio que incluyó un escenario por el que pasaron bandas, grupos de teatro, de stand up y hasta magia.

Construido completamente con pallets eco-friendy, y decorado con diferentes matices e intensidades de luces, el espacio de Pony en PuroDiseño irradió dinamismo durante la semana que duró la feria.

Además del sector de venta y el espacio Vip, el escenario Pony fue el lugar al que llegaron numerosos artistas para compartir con el público lo que mejor saben hacer.

Se presentaron los integrantes de Casi Normales, con una serie de canciones de su obra musical, así como los grupos teatrales de comedia stand up Señales de Humor y Snorkel Standup, con sus divertidos monólogos de humor. En cuanto a la música, el Grupo Play interpretó sus clásicos y movidos temas, al tiempo que Benja-

mín Rojas, Felipe Colombo, Tomás Fonzi, Ezequiel Tronconi, Mikky Lusardi y Los Utopians aportaron su toque de rock en cada uno de sus shows.

Además de presentar un nuevo modelo de zapatillas de edición limitada, exclusivamente diseñado para PuroDiseño, Pony realizó un desfile para presentar su colección verano 2013, al que asistieron amigos de la marca y celebrities, que quedaron encantados con las nuevas propuestas. El cierre de la fiesta estuvo a cargo de Cucho (vocalista de Los Auténticos Decadentes), quien ofició de DJ y cantó varios temas remixados. + www.ponyarg.com

+Fierita, Felipe Colombo, Segundo Cernadas, el Grupo Play, Marley y Laly Espósito visitaron el espacio de Pony en PuroDiseño. Como DJ, Cucho estuvo a cargo del cierre.

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eventos

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1 y 2 . Dolores Trull, Abril Pereyra Lucena y Ginette Reynal junto a su hija Mía Flores Pirán, se encontraron en Casa Garza Lobos, la marca de indumentaria liderada por Constanza Von Niederhäusern y Rubén Troilo www.garzalobos.com 3. Julia, Alberto y Juan Tonconogy acompañaron a Margarita en su muestra de “Tu basura, mi tesoro”, que estuvo expuesta entre el 8 y el 11 de junio en la Galería Fundación Mundo Nuevo www.margaritatonconogy.com 4 y 5. Lali Espósito, Cande Vetrano y Romina Ricci disfrutaron de las instalaciones de Bace Spa www.bacespa.com 6. El Four Seasons Hotel Buenos Aires comenzó la renovación más amplia de su historia, incluyendo lobby, restaurant, bar, habitaciones, suites y jardín. Sin embargo, el hotel continuará operando normalmente, con nueva entrada por La Mansión, Cerrito 1455. Así lo aseguraron Rebeca Selley (gerente general del hotel) y Gabriel Oliveri (director de marketing) www. fourseasons.com 7. Matías Martin acompañó a Luciano Podcaminsky en su primera muestra de artes plásticas en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires, denominada “Thank you very much!” y compuesta por cinco interesantes instalaciones, que se acercan al arte conceptual y la cultura POP www.thankyou-verymuch.com 8 y 9. La gala anual de la Fundación Make-A-Wish Argentina tuvo lugar, una vez más, en el Hotel Alvear de Buenos Aires, a la que asistieron Mariano Hillar, Ernesto Gutiérrez, Gabriel Martino, Wally Diamante, Milli Schmoll, Mónica Parisier y Evangelina Bomparola www.makeawish.org.ar

mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

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+ Return the World, 2012, instalación de Adrián Villar Rojas. Realizada para Documenta 13 y coproducida por kurimanzutto, México. Foto: Nils Klinger

Documenta 13

Fronteras del pensamiento Del 9 de junio al 16 de septiembre de 2012. En varias locaciones de Kassel, Alemania.

Es Kassel, Alemania. Un recorrido por los jardines devuelve unas extrañas figuras en arcilla. Parece una película de Tim Burton. Tapizada de un verde brillante, una lomada en bajada tiene encallada una embarcación que es gris, pero parece de madera, y a bordo se encuentran dos muchachas de prendas desmejoradas y siluetas esqueléticas, que también son grises, pero podrían no serlo. Uno ya sabe que está en Documenta, uno de los eventos artísticos más relevantes del calendario internacional.

Pero, lo que uno no sabe, es que esta obra fue creada por un argentino: el rosarino Adrián Villar Rojas (1980), quien el año pasado se presentó en la Bienal de Venecia -bajo la curaduría de Rodrigo Alonso-, y que en 2009 expuso en la Bienal del Fin del Mundo, en Ushuaia.

Todas éstas, definiciones temporales y geográficas, que no alcanzan a delinear la trayectoria de un artista que plasmó la poderosa presencia de monumentos sin color y sin sonido, cuyas figuras parecen restos de un tiempo futuro, o mensajeros de un pasado cuya corporalidad se resiste al paso del tiempo. Fiel a la independencia de su propuesta, la elocuencia de la materia se agrieta; un hallazgo del artista en su proceso de trabajo y que, además, habla de los detalles ajenos a la voluntad del hombre. Una obra contemporánea que refuerza la incertidumbre humana, y cuya reflexión se adapta a la consigna de la feria de este año.

Pero no es el único nativo de estas tierras presente en Documenta 13: Guillermo Faivovich y Nicolás Goldberg también se dieron cita en esta ciudad alemana, con el espíritu de un intento que no prosperó,

pero que igualmente está presente, en fuerza y espíritu. Los artistas intentaron hacer transportar el meteorito El Chaco –el segundo más grande del mundo, pesa 37 toneladas-, desde el campo del Cielo en el norte de la Argentina, hasta Kassel. El proyecto no pudo realizarse, debido a la protesta de los pueblos indígenas de la región. Sin embargo, en el Fridericinaum es posible ver un video del dúo creativo, así como cuatro cartas dedicadas a la discusión.

Como una invitación a la reflexión y al descubrimiento de otras vías de conocimiento, la 13 edición de Documenta en Kassel contó con la presencia de 297 participantes, incluidos científicos o artistas fallecidos, como Salvador Dalí. Nacida en 1955, la feria hoy tiene lugar cada cinco años (en sus inicios, era cada cuatro), con una duración de 100 días: por eso, muchas veces se la llama “museo de 100 días”. Esta temporalidad particular le permite alejarse de las tendencias del mercado artístico, y reforzar un concepto curatorial bien direccionado y dirigido, todo lo cual se plasma en obras que se disponen a lo largo de diversos edificios y espacios artísticos de la ciudad, y hasta en una vieja estación de tren, un búnker, un hotel con salón de baile, una gran tienda u oficinas vacías…

Su directora, la norteamericana Carolyn Christov-Bakargiev afirmó: “Lo que se expone podrá ser arte o no. Las fronteras están perdiendo importancia”. Epicentro del arte, pero también del pensamiento contemporáneo mundial, hoy Documenta también tiene un sello argentino. + www.documenta.de

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Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

Gaby Herbstein

Potenciando las ideas En agosto, la fotógrafa argentina Gaby Herbstein será parte de las actividades de capacitación del CMD, y dictará un seminario que repasa sus veinte años de carrera. En él, espera compartir con los asistentes su experiencia y visión de la actividad.

Con dos décadas de trabajo en el campo de la fotografía, hoy Gaby Herbstein ocupa un lugar de privilegio en la actividad. Diferentes marcas y compañías la convocan como artista, porque saben que su trabajo va más allá de las imágenes. Cuenta en su haber con múltiples muestras individuales en museos y salas nacionales. A nivel internacional, participó en uno de los eventos de arte internacionales más prestigiosos, como es el Art Basel de Miami, y hasta una de sus muestras, titulada “Aves del Paraíso”, llegó al Darwin Museum de Moscú, Rusia.

Además de la actividad comercial -que la ha posicionado entre los profesionales de la fotografía más destacados, desde hace varios años dedica buena parte de su tiempo a proyectos personales- que luego vuelca en muestras y calendarios, que ya son un clásico de la cultura urbana argentina. Temas como la ecología, el HIV y las mujeres en la historia argentina, son recurrentes en su obra. La clave de su éxito tiene que ver con su método de trabajo. + Contanos en qué estás trabajando actualmente.

GH Estoy trabajando en campañas, que es lo que hago habitualmente dentro de mi actividad comercial. También, en proyectos personales con diferentes artistas, tratando de desarrollar y ampliar mi parte más artística, que es algo que me tiene muy feliz. Estoy formando diferentes grupos y equipos de trabajo de varias temáticas. Por ejemplo, continúo con el tema de la ecología, que es algo que hago hace tiempo.

Estoy en la búsqueda de respuestas que me ayudan a desarrollar el tema, trato de transmitir conciencia a través de las imágenes. + ¿Qué tenés en cuenta cuando armás equipos de trabajo?

GH Pienso en el concepto que quiero transmitir. Una sola persona no puede. Lo alucinante es hacer los proyectos participativos; convocar

a gente de la cual te retroalimentás, te permite hacer más potente la idea. Me rodeo de diseñadores, escenógrafos y vestuaristas que admiro, y que siento que pueden aportar a mi visión y ampliar el proyecto.

Trabajamos en equipo, en libertad.

SEMINARIO DE FOTOGRAFÍA En agosto, Gaby brindará un seminario gratuito en el CMD para aquellas personas que estudien o trabajen en artes visuales. Allí compartirá sus experiencias, a través de un recorrido de imágenes, donde expondrá el proceso de creación de varios de sus proyectos. El proceso de selección para participar estuvo a cargo de Gaby y su staff. Si bien se trata de una actividad gratuita, se invita a realizar una donación a voluntad, que puede ser de materiales de uso artístico, como pinturas, pinceles, etc., los que serán donados al Proyecto de Conciencia Comunitaria del Centro de Kabbalah (Argentina), para realizar actividades con chicos de la Villa 31 y Ciudad Oculta. + ¿Qué esperás compartir con los asistentes al seminario?

GH Tendrá una introducción rápida. El eje es transmitirles a los que asistan -la mayoría estudiantes- que es importante ponerse uno de lado y formar equipos. Eso potencia mucho el trabajo. Las cosas no se hacen solas. Que piensen en transmitir conceptos, porque las imágenes transmiten por sí mismas. Entonces, la idea es transcender la belleza en sí, yendo a lo conceptual. Las imágenes que se destacan son las que transmiten un sentimiento. Hablan. En una época donde hay mucha saturación visual, hay que destacar la idea. La técnica es sólo el soporte. Y me entusiasma poder devolver mis experiencias a los chicos. Que les sirva, que se lleven inspiración, energía y entusiasmo para sus proyectos. + www.gabyherbstein.com

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agenda

www.cmd.gov.ar www.twitter.com/cmdbsas www.facebook.com/creativasycomext 02/08 Seminario de fotografía de gaby HerbStein Dirigido a personas que estudien o se desarrollen en las artes visuales. Gaby compartirá su experiencia en 20 años de carrera.

CMD - Algarrobo 1041, Barracas, CABA cmd.programacion@gmail.com | www.gabyherbstein.com 3, 10, 8, 17, 24 y 31/08 WorkSHop de comercio juSto Taller teórico-práctico apoyado en casos empresariales reales sobre comercio justo, y la nueva ética de los negocios. A cargo de Katherine Martínez Montoya y Giselle Murillo Hudec.

CMD - Algarrobo 1041, Barracas, CABA cmdsustentable@gmail.com 7 al 10/08 cmd en bafWeek - La ciudad de moda A través de las pasarelas “Desfile Buenos Aires”, se mostrará una colección de diseñadores: cuatro consagrados y cuatro emergentes, seleccionados por convocatoria abierta.

La Rural, Sarmiento 2704, CABA pasarelaba@gmail.com www.bafweek.com.ar Hasta 10/8 convocatoria programa de aSeSoramiento en negocio y eStrategia para empreSaS de diSeño La Oficina de Moda del CMD convoca a empresas de la Ciudad de Buenos Aires, que producen indumentaria, textiles, calzado y/o accesorios, incorporando una alta dosis de creatividad y experimentación, con más de un año en el mercado.

CMD - Algarrobo 1041, Barracas, CABA oficina.modaba@gmail.com

15/08 al 28/11 Seminario “diSeño y negocioS, conceptoS que Se unen” (1º niveL) Se cursará los días miércoles, de 9.30 a 13.30hs, o bien de 16 a 20hs., con inscripción gratuita. Los temas: Consultoría en diseño, Asesoramiento en negocios, Diseño + Negocios, Escuela de Marroquinería, de Peletería y Cosiendo Redes.

CMD - Algarrobo 1041, Barracas, CABA capacitacioncmd@gmail.com 18 al 20/08 eL cmd en buenoS aireS moda - ediciÓn 51º El CMD participará de la exposición profesional de moda por mayor, presentando nuevas propuestas comerciales de diseñadores profesionales y/o marcas reconocidas en moda íntima.

Centro Costa Salguero, Av. Rafael Obligado y Salguero, CABA www.buenosairesmoda.com 19 al 21/10 iv feStivaL internacionaL de diSeño de buenoS aireS El eje temático de esta cuarta edición será las diferentes formas y expresiones en las que el diseño se interrelaciona con otras disciplinas y sectores. Durante tres días consecutivos, se desarrollarán distintas actividades que convocarán a los públicos más diversos, profesionales y empresarios del sector. El CMD presentará espacios recreativos para grandes y chicos, expondrá productos de diseñadores y artistas, organizará workshops, charlas, mesas redondas, conferencias, espacios de negocios, acciones en vivo y eventos especiales.

CMD - Algarrobo 1041, Barracas, CABA fid.cmd@gmail.com

Convocatoria Incuba VIII

Impulso a las industrias creativas El programa de incubación de emprendimientos de diseño, creatividad e innovación del Centro Metropolitano de Diseño (CMD) abre una nueva convocatoria.

El objetivo del programa Incuba -que se viene desarrollando desde hace siete años-, es apoyar el proceso de creación y consolidación de nuevos proyectos, así como favorecer el intercambio de experiencias y el networking entre emprendedores y especialistas en las diferentes temáticas.

Los emprendimientos se incuban en el edificio del CMD, y pueden participar aquellos que poseen menos de 24 meses de antigüedad, y que se desarrollan dentro de la Ciudad de Buenos Aires, en los ámbitos del diseño, la creatividad y la innovación, en las categorías: moda (textil, marroquinería, calzado), diseño industrial (mobiliario, decoración, juguetes), diseño gráfico, industrias culturales/creativas (producción editorial, audiovisual, radio), diseño digital/ interactivo (contenidos 3D, multimedia) y biotecnología.

Un módulo de incubación física por un año con posibilidad de hasta una renovación, en un entorno de innovación y trabajo colaborativo; servicios de telefonía fija, Internet Wi-Fi, seguridad y limpieza; asistencia técnica y tutoría por parte de la entidad patrocinante; capacitación permanente y participación en actividades de networking con emprendedores de otros programas del MDE y las entidades participantes son algunos de los convenientes beneficios que ofrece Incuba, indispensables para los jóvenes emprendimientos.

Diseñaveral, Gruba, Pomada, Carro, ArtisticSoft, Control DVD, Sol Rojo y Replicantes son algunas de las empresas que han participado de este programa. Para aplicar en Incuba VIII, los emprendedores interesados deberán presentar sus proyectos a través de alguna de las entidades patrocinantes. El primer llamado es hasta el 3 de agosto, mientras que el segundo finaliza el 28 de septiembre de 2012. Las bases, condiciones y el listado de entidades patrocinantes pueden consultarse en la Web. + www.incuba-cmd.blogspot.com.ar

054 arte

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila Foto: Gentileza FP

+ Américas, 2005. Tinta sobre papel, 30 x 21 cm. Serie de 44 dibujos.

Fernando Bryce

La representación de la memoria Del 29 de junio al 20 de agosto. Malba – Fundación Costantini, Av. Figueroa Alcorta 3415, CABA. Sala 5 (2º piso) Desembarca en uno de los epicentros del arte porteño, una muestra que nos conduce a Lima, Perú. Se trata de Fernando Bryce.

Dibujando la historia moderna, que se expondrá en Malba hasta el 20 de agosto. Curada por Natalia Majluf y Tatiana Cuevas, esta exposición antológica reúne el trabajo de uno de los artistas peruanos más reconocidos, nacido en 1965, que actualmente vive y trabaja en Berlín.

Organizada por el Museo de Arte de Lima (el MALI), la muestra permite acercarse al sistema de trabajo del artista, que desde fines de los años 90 produjo una gran cantidad de trabajos, a partir de investigar archivos bibliográficos y documentales, buscando construir una nueva representación de la memoria. “Lo que los dibujos pretenden, en tanto hecho estético, es dar otra visibilidad a todo este mundo de imágenes entendidas como evidencias de la historia colectiva y social, pero también como representaciones y construcciones ideológicas”, explicó tras su participación en la

feria norteamericana Basel, en 2006. Y agregó: “Al final, lo que pasa es que las revistas son como mi naturaleza muerta. Lo que hago es como un lentísimo fax. Hay toda una reflexión sobre la representación, sobre la imagen como esa cosa poderosa, sobre la mediatización”.

Y así, como un bicho de biblioteca, el artista disfruta de adentrarse en archivos con su cámara fotográfica y revisar el material –revistas, archivos, publicidades, propagandas y documentos- que más tarde serán su fuente de inspiración. A este método, él lo llama “análisis mimético”, y es a lo cual responden las series y subseries que recuperan conquistas, revoluciones, guerras y debates históricos de la humanidad. Además, el artista donará al museo la pieza “The World Over” (2010), permitiendo al público local continuar en contacto con la obra de este artista regional. + www.malba.org.ar

mundo creativo

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agenda + mueStraS/expoSicioneS/feriaS 7 al 10/08 bafWeek primavera-verano 2012/13 Pabellón Amarillo, La Rural, Sarmiento 2704, CABA www.bafweek.com.ar 23 al 26/08 cafira innova primavera 2012 XII Exposición Internacional de fabricantes e importadores de regalos y afines. Una selección de las mejores propuestas en artesanías, cristalería, cerámica, complementos para la mesa, decoración, iluminación, muebles y petit muebles, platería, regalos y textiles para el hogar.

Centro Costa Salguero, Pabellones 1 al 4 y Auditorio Av. Rafael Obligado y Salguero, CABA www.cafira.com 15/09 al 23/09 London deSign feStivaL Londres, Inglaterra www.londondesignfestival.com 27 al 30/10 buenoS aireS pHoto Exposición de fotografía.

Palais de Glace, Posadas 1725, CABA www.buenosairesphoto.com + congreSoS/encuentroS/SeminarioS 31/07 al 3/08 encuentro Latinoamericano de diSeño 2012 Actividades de capacitación gratuitas (talleres, laboratorios, conferencias y mesas redondas) dictadas por profesionales del diseño y la comunicación de América Latina. http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/encuentro2010/ del 14/08 al 25/09 primer WorkSHop maSiSa Lab Masisa Lab y el CMD convocan a profesionales del diseño industrial, decoradores y arquitectos a diseñar productos de equipamiento para el hogar y la oficina, en base a muebles RTA (Ready to Assamble). El taller promoverá el desarrollo de las líneas, familias y/o sistemas de productos para el ámbito doméstico, distinguidos por abordar la problemática del guardado y el orden. Para los 7 encuentros, se seleccionarán hasta 5 de los mejores proyectos.

Masisa, junto a empresas del sector, evaluará la posibilidad de viabilidad de su producción y comercialización. Los profesionales elegidos recibirán un total de $16.000, y conservarán la propiedad intelectual de sus proyectos.

CMD, Algarrobo 1041, CABA masisalab.argentina@masisa.com.ar 31/08 al 2/09 pixeLationS 2012 7º edición del festival de diseño gráfico, industrial y sustentable.

Nuevas tecnologías, bandas, DJ & VJ sets, mapping, proyecciones, exposiciones, workshops, instalaciones, pintadas y fiestas.

Pabellón Argentina, Universidad Nacional de Córdoba www.pixelations.com.ar 12 al 14/10 trimarHidg 2012 Estadio Polideportivo de Mar del Plata www.trimarchidg.net 15/10 al 21/10 icograda deSign Week SaraWak 2012 Una plataforma para compartir e inspirarse, entre diseñadores locales e internacionales. El tema de esta edición es “Rediscovery”, y apunta a reconocer las prácticas de la población local. www.icograda.org 24 y 25/10 dara id 2012 3º encuentro internacional de interiorismo y diseño. Karim Rashid, Ilse Crawford, Cul de Sac - Alberto Martínez, Shashi Caan, Arthur Casas y StudioMK27 - Diana Radomysler son algunos de los invitados al Encuentro, que brindará un amplio programa de conferen-

cias, bajo el lema “Cómo el diseño modifica la realidad”.

CMD - Algarrobo 1041, CABA www.daraid.com 26/10 reaLity deSign roSario 2012 Una experciencia real de diseño, desarrollada por sus propios protagonistas.

Hotel Solans Presidente, Corrientes 919, Rosario www.realitydesign.com.ar + concurSoS/convocatoriaS Hasta 31/08 Hiii iLLuStration internationaL competition Ilustradores, creativos profesionales, publicistas, agencias, estudiantes y profesores de todo el mundo, pueden participar con sus ilustraciones en dos categorías: “The Published” y “The Unpublished”. www.hiiibrand.com Hasta el 31/08 convocatoria SaLoneSateLLite 2013 Diseñadores y arquitectos de hasta 35 años podrán presentar sus soluciones innovadoras de diseño, a través de proyectos, prototipos y propuestas, tendientes a encontrar empresas productoras. Hasta 3 fotografías deben enviarse por correo o por mail para ser evaluadas por el jurado de selección, que decidirá su participación en la próxima muestra SaloneSatellite, del 9 al 13 de abril de 2013, en Milán. www.cosmit.it | cghilardi@cosmit.it Hasta 3/09 convocatoria arqadia 2012 Arquitectos y diseñadores menores de 35 años, con menos de 10 años de ejercicio profesional, pueden participar de este programa cultural de selección y promoción de arquitectura y diseño joven de Argentina, que aspira a paliar la brecha existente entre los jóvenes profesionales que están empezando a ejercer y los canales habituales de difusión del diseño y arquitectura. http://arqadia.arqa.com/ Hasta 15/09 concurSo de arquitectura baar – buenoS aireS aLto rendimiento Estudiantes de arquitectura deberán desarrollar el edificio principal de un centro de tecnificación deportiva de fútbol, dentro de las inmediaciones del parque Julio A. Roca, aprovechando la prexistencia de una serie de campos donde se practica este deporte. www.es.archmedium.com Hasta 17/09 concurSo de aficHeS arte Único Fernet Branca invita a participar de este concurso a todos los jóvenes artistas del país, para que plasmen en una obra su talento bajo la temática “Conectados”, asociada al espíritu de Fernet Branca, utilizando cualquier disciplina artística o la combinación de varias. Aquellos seleccionados, integrarán la Muestra Itinerante Arte Único 2013.

Los ganadores serán premiados con $15.000 (1º puesto), $10.000 (2º puesto) y $6.000 (3º puesto). La ficha de inscripción, bases y condiciones se encuentran en el sitio Web. www.arteunico.com.ar 30/09 rivaLation: veStir a Lady gaga para un funeraL Este desafío para estudiantes consiste en imaginar que se ha sido seleccionado para formar parte del equipo de The Haus of Gaga y, como primer encargo, la propia cantante solicitó el diseño de un vestido muy especial: un vestido funerario. www.rivalation.com Hasta 31/10 Hiii pHotograpHy internationaL competition Fotógrafos, creativos profesionales, publicistas, agencias, estudiantes y profesores de todo el mundo pueden participar de este certamen, que se divide en dos partes: “Published” y “Unpublished”. Se elegirá 1 Gran Prix, 20 Best Works y 200 menciones. Todos estarán compilados en la app para iPad de Hiii Photography. www.hiiibrand.com/competion | hi2012@hiiibrand.com

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+ Matías Fernández Moores, uno de los socios de Vacavaliente. Foto: Carola Danza

Vacavaliente La vaca domada

El MoMA de Nueva York los eligió junto a otros 12 diseñadores argentinos, y los recibió con un mega póster en su frente, de su producto estrella: el canguro. Desde entonces, Vacavaliente no deja de cosechar logros. Sus directores, Matías Fernández Moores y Pablo Fernández Moores, hacen del trabajo una pasión, involucrándose en cada paso de la creación y la comercialización, y comprendiendo que ser diseñador no alcanza para ser emprendedor. | Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

“Yo pienso con el pizarrón”, dice Matías Fernández Moores. Se pone de pie y toma el marcador. Sobre la superficie blanca y brillante se dibujan palabras como “emprendedor”, “CEO”, “diseñador”, “equipo de trabajo”… Flechas se suman, y Matías va trazando una cosmogonía personal. Su recorrido desde que comenzó como un pasante, en estas mismas oficinas de Villa Urquiza. Junto a su hermano, Pablo Fernández Moores, son el motor de Vacavaliente, un emprendimiento que nació de experimentar con el cuero, un producto tan argentino como interesante y, contrariamente a lo que pudiera parecer, poco explorado.

La empresa fue fundada inicialmente por el arquitecto Pedro Reissig, antaño profesor de Matías en la universidad, quien lo invitó a realizar una pasantía en la empresa. “Vacavaliente era una de las ideas que se estaba desarrollando, trabajando mobiliario y con ganas de lanzar líneas propias. Todo fundado en el concepto de la tecno morfología, que tiene que ver con entender cómo los materiales pueden alcanzar su pico máximo de inteligencia, logrando exactamente lo que se espera de ellos, en cada pieza y situación”.

Un paradigma que aún hoy persiste. ¿El lema? Un tributo a la vaca, como símbolo de una vida sin miedo y sin prisa.

personas creativas

+ 057 diseño

+ ¿Cuál fue, al principio, la consigna de Vacavaliente?

MFM Trabajar con cuero. Vaca es cuero, valiente, innovación. El hecho de que sean piezas de escritorio salió después. Vacavaliente nace cuando desde Nudo, Pedro estaba explorando el sillón BKF, al que se le hizo un homenaje, el primero en la Argentina. Fue una colección piloto de muebles que tomaban la esencia del BKF, y una de las cosas que a Pedro más le llamó la atención fue que a la membrana del BKF, en algún punto, le faltaba inteligencia. ¿Por qué al cuero es uniforme en toda su superficie, aún cuando hay lugares donde necesita más tensión, y otros donde requiere ser más blando? De ahí descubrir la posibilidad de pensar al cuero como un material más inteligente. + ¿A qué le llamás inteligente?

MFM Ser más eficiente. Si hay puntos de carga que tienen que resistir la tracción, y otros de apoyo, que casi quisieras que sea una lycra, ¿por qué vas a tratar todo de la misma manera? Fue como un disparador. Si valía la pena ir a fondo con eso o no, es relativo. Es la esencia de Pedro, cuestionar un poco todo, para generar cosas que terminen siendo innovadoras. Lo interesante de ahí es que salió la pregunta creativa de cuál es la oportunidad para el cuero en el mundo del diseño. Y ahí nace Vacavaliente, como un camino. Indaguemos todas las alternativas para que el cuero salga de su camino habitual.

+ Esta mamá Canguro protege en su bolsa todos aquellos elementos que queramos confiarle.

+ ¿Y cómo nació la idea de las piezas de escritorio, y que sean animales?

MFM Que sea para escritorio viene desde el principio, porque todo lo que es de escritorio tiene una escala manejable: fácil de prototipar y de explorar. En la mitad de ese recorrido, se encontró el cuero reciclado. Ese fue un cambio de cara de Vacavaliente, porque al principio era todo morfológico, académico, abstracto, nada que ver con la cara que tiene hoy. Era un material que se conocía hace 80 años, pero que estaba escondido… + ¿Cómo es el proceso?

MFM Se toman todos los sobrantes de las industrias que trabajan con cuero (curtiembres, manufactureros, talabarteras), se llevan a una fábrica, se lo muele, se lo lleva a fibra, se le agrega un ligante para generar una pasta nueva, y se lamina en un proceso similar en el cual se obtiene el papel, donde se le extrae el agua, se lo seca y se lo lleva a una plancha. + ¿Es más costoso que el cuero natural?

MFM No es más costoso, ni más barato. Hay distintos tipos de calidades y densidades, depende de los ligantes y de los procesos posteriores. Tenés muchas más posibilidades, pero no lo comparo con el cuero natural. Es como comparar el aglomerado de madera con el roble; no tiene sentido. Son materiales distintos, con propiedades distintas, y los elegís por motivos diferentes.

+ Directo desde el jardín, esta hoja que ha cumplido su ciclo en el árbol se transforma en bandeja, acercándonos nuestros objetos vitales.

+ Bote es otro organizador de escritorio.

+ ¿Y por qué dirías que es sustentable?

MFM El cuero representa el 3% del valor de una vaca. Lo que significa eso es que jamás se mata a una vaca por el cuero. No es rentable. El cuero es un biproducto de la industria alimenticia. Si no se utilizara, sería un descarte. El aprovechamiento de algo que está aceptado mundialmente que es parte de la cadena alimenticia, genera un subproducto. Esto lo vuelve súper sustentable. Lo que no fue sustentable fue el proceso de curtido, que usaba cromo y efluentes muy contaminantes. El reciclado que encapsula lo que antes iba a desechos sanitarios con ese cromo, lo vuelve ambientalmente positivo. + ¿Y Las tinturas?

MFM Las tinturas que utilizamos no son al solvente. Los pigmentos son biodegradables, traídos de Alemania. De todos modos, es cierto que todo proceso de pintura no es lo más ambientalmente ideal, pero en este punto no es un problema.

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+ Vinoteca

ANIMALITOS FOR EXPORT Villa Urquiza. Un portón de casa chorizo. Un pasillo con mosaicos de antaño. Y el cuero ya se ve, en planchas de colores que se apilan.

Una escalerita conduce a la oficina de este PH, una típica casa chorizo remodelada para convertirse en una usina creativa que, ya hoy, al team Vaca le queda chico.

El esquema incluye también a la mamá y al hermano de Matías, que se sumaron justo para que la empresa siga funcionando cuando la mitad del año pasado el emprendedor se la pasó viajando, reforzando las bases de una firma que apostó a salir de la zona de confort, para refundar un zoológico cuerino que hoy se muestra vigoroso.

Energético, apasionado y contagioso, Matías y sus sorprendentes 31 años van trazando la charla con claridad y oraciones bien formadas.

Ante cada pregunta, medita y luego arranca. Sabe escuchar y elige, con el sello de su experiencia, cuál es la historia que quiere contar.

La fórmula es infalible. + ¿Cómo nace cada una de las piezas? ¿Cuál es el proceso creativo?

MFM Cada uno nació de una manera distinta. A veces son el resultado de exploraciones formales con el cuero, que llegan a una forma, que se vuelven identificables, y eso dispara una línea de pensamiento.

Y a veces es la búsqueda de un objetivo. Con la primera línea, Mascotas, queríamos encontrar a esos productos. + ¿Productos que cumplan esas funciones, o esos animales?

MFM Esos animales, que se los pensó para esas funciones. La primera línea fue para unas oficinas, y el concepto era “llevar la pampa a la oficina”. Una de las piezas fundamentales era un perro Caddy grande: un mueble de madera con ruedas, que se le daba a cada empleado para su puesto de trabajo. Luego nos encargaron un regalo corporativo, para esa misma oficina, donde teníamos el primer perrito a escala para escritorio, que gustó muchísimo. Hicimos una caja que tenía agujeros, y cuando la entregábamos en cada oficina, los de seguridad pensaban que teníamos animales vivos. Fue una experiencia espectacular, que nos llevó a idear esta primera línea. El foco era generar productos que creasen un vínculo emocional con las personas en la oficina, emulando un poco lo que pasa con una mascota en tu casa. Luego pensamos que el concepto podía ser más abarcativo:

¿qué animales nos interesa hacer, y qué funciones pueden estar asociadas a estos animales? + ¿A partir de entonces la llevaron a locales comerciales?

MFM Sí, eso fue en diciembre de 2005. La estrella fue el canguro, que se convierte en un hit más adelante, cuando fuimos al MoMA de New York. Seleccionaron 12 diseñadores argentinos en el Malba, para la muestra que se llamó “Destination: Buenos Aires”. Nosotros fuimos con tres productos y, de alguna manera, el MoMA tomó al canguro como uno de los tres productos íconos de la muestra. Y cuando llegamos a New York, en los dos stores del MoMA, había en la vidriera una gigantografía del canguro, de dos metros de altura. Eso nos dio mucha prensa y nos generó un montón de tracción internacional. De la mano de distribuidores con los que estábamos empezando a mostrar nuestros productos en Europa, se generó un pico de demanda en 2007. + ¿Qué se piensa en un momento así, es como “bueno, la pegué”?

MFM Primero, pánico absoluto. Pedro estaba de viaje y me tranquilizó, me pasó los primeros contactos, y así arranqué, y me fui metiendo. Fue una alegría bárbara, porque veníamos luchando hace mucho por hacer las cosas bien. Y cuando se da, tenés que estar a la altura.

Armé un equipo productivo de casi 15 personas, de un día para otro.

El proceso productivo no estaba preparado para esos niveles que, a partir de entonces, viró totalmente. + ¿En qué sentido?

MFM Invertimos roles. Tercerizamos lo que antes hacíamos nosotros. Y empezamos a hacer nosotros lo que nos daba la flexibilidad necesaria para abarcar picos de crecimiento. Es un mercado que tiene muchísima variación todo el tiempo, y tuvimos que diseñar un modelo productivo específico para eso. Nosotros no sabemos cuántos canguros amarillos vamos a producir este año, pero lo que tenemos que hacer es estar preparados para poder absorber lo que surja. + ¿Actualmente adónde exportan?

MFM Hoy exportamos a 40 países. Los destinos principales son los Estados Unidos y Brasil, aunque con algunos problemas. A Europa hemos exportado mucho, pero ahora está un poco más quieto. Estamos en movimiento con el Sudeste Asiático, Singapur, Taiwán; en Japón estamos haciendo un par de cosas, pero no en tanto volumen

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+ El mejor amigo del hombre, lo ayuda a organizar su escritorio, sosteniendo lápices en sus patas, papel en su lomo, el celular en su barriba y mensajes en su boca.

como antes. Estamos explorando un par de oportunidades en China, que es un desafío grande. Y Australia y Nueva Zelandia siempre han tenido su cuota estable.

de los indicadores económicos financieros y lo que dicen de tu negocio. Y después encontré que todo eso viene desde hace ya un tiempo, y se llama `design thinking´, y me parece fantástico”.

+ Acá y en el mundo, ¿cómo es el consumidor de Vacavaliente?

MFM Es una persona colorida. Una persona a la cual le divierte poner una pieza con mucha personalidad y simpatía.

+ ¿Cuál dirías que es la filosofía de Vacavaliente?

MFM Ponerle cariño y corazón a lo que hacemos. Para mí, lo más importante de amar lo que hacés, es no sólo tomarse el tiempo de hacerlo bien, sino tener dentro de tu horizonte que siempre vas a buscar hacer lo mejor. No es que encontramos un modelo y se acabó, sino que es un modelo que está dentro de nuestro ADN. Nos encanta llevar a fondo todo lo que hacemos.

UN CAMBIO DE ACTITUD Es difícil pensar a Matías sin pensar en Vacavaliente, y viceversa.

Como diseñador, ha sabido convertirse en un emprendedor con un compromiso que puede lograrse, pero que ciertamente nace de su propia personalidad. Una fórmula que se potencia con su facilidad natural para la resolución, la operatividad y los números, y que tamiza una simpatía dotada de cierta inocencia sutil, exenta de prejuicios y segundos sentidos. Una química inteligente y comprometida, que se escapó de las propias predicciones.

“Cuando arranqué como diseñador, tenía una sola certeza: que jamás iba a poder vender nada. Pero post luna de miel del MoMA, cuando la demanda naturalmente empezó a caer, nos encontramos con el desafío de rearmarnos. Agarré a la gente que estaba en el equipo de diseño conmigo, y les dije: “Esto es un desafío de diseño, no es un tema comercial. Tenemos un problema o una oportunidad, que es cómo hacemos llegar esto a toda la gente que queremos llegar: hay que generar opciones creativas, pensarlas, hacer brainstorming, y salir a testear y ejecutar. Cuando eso se convirtió en un proyecto de diseño interno, nos cambió la cabeza y salimos a hacer cosas distintas.

TOMARLO COMO PARTE DE LA PROFESIÓN “Sí, yo lo hice. Y es un cambio de actitud, hay que mentalizarse. Y hoy, si me preguntás qué es lo que más me gusta hacer, cualquier cosa que nazca desde acá. Si hay que ocuparse de la logística internacional, me fascina. Hay que ponerse a diseñar los caminos donde se consolidan exportaciones, genial. Hay que diseñar, por supuesto, lo tengo en la sangre. Hay que rearmar el modelo productivo, me encanta. Hay que pensar el packaging, hagámoslo. Hay que cerrar balances con los contadores, y sí, es parte. Y te empezás a enamorar

Link a la nota: http://9010.co/vacavaliente

+ En su Web hablan de la “ecología emocional”, ¿a qué se refiere?

MFM A una forma de hacer negocios, basada en nutrir las relaciones humanas. Las empresas son las que terminan pagándose unas a otras, pero los negocios se cierran entre personas, sean proveedores, gente interna, o clientes de afuera. El éxito o fracaso de esas relaciones está en la relación misma, y esto terminó siendo nuestra estrategia de servicio al cliente. Hemos invertido (inversión de dar vuelta, e inversión de realmente invertir) mucho en dar el mejor servicio al cliente. Que comprar a Vacavaliente sea un placer. Nuestro objetivo es ser el proveedor con el cual más te gusta trabajar. Y que la tienda se enamore de mi producto, porque entonces lo van a exhibir mejor, lo van a vender mejor, y van a contar mejor su historia. + ¿El próximo paso para Vacavaliente?

MFM Estamos armando el área de nuevos productos y haciendo alianzas con señores muy importantes de afuera, como Harry Allen y Brunno Jahara, que quieren diseñar para Vacavaliente. Estamos volviendo a la comercialización internacional con mucha más agresividad. Para eso, estamos consolidando un equipo de management muy fuerte, socios nuevos, que traen más apuesta. Y vamos a salir a hacer el branding nuevo, a cambiar un poco la imagen. Siempre plasmamos la esencia como un canvas blanco, para ir descubriéndonos, pero hoy necesita ser más natural, más dinámica, más fresca, que dialogue más. + ¿Y por ahora siguen con el cuero?

MFM Sí, Vacavaliente va a seguir con el cuero. + www.vacavaliente.com

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| Foto: Carola Danza

personas creativas

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Laura Varsky

Diseño de autogestión Uno de los desafíos más palpables de todo diseñador gráfico es lograr mantener un enfoque tal, que su voz conviva en armonía tanto con el envase, como con el contenido que le toca comunicar. Y que, a su vez, este ideal se repita exitosamente a través del tiempo, sin perder inspiración ni popularidad. La diseñadora Laura Varsky recorrió este camino y le encontró su propia vuelta: diseñar primero para ella, y disfrutar después con los demás. | Texto: Fernanda Cohen @fernandacohen (*)

DE LA UBA AL GRAMMY LATINO Todo empezó a los 16 años, cuando vio un ejercicio de diseño de un amigo de la familia que estaba cursando la carrera. “Lo que sentí de inmediato fue que era maravilloso que eso pudiera significar estudiar y que, incluso, en un futuro, se convirtiera en trabajar”. Así fue que Laura Varsky decidió estudiar diseño gráfico en la Universidad de Buenos Aires, una carrera que le llevó un total de seis años, los que culminaron en su primer trabajo profesional, allá por 1996.

Para ganar experiencia en el mundo real y maximizar su tiempo, Varsky dedicó sus veranos de estudiante a hacer pasantías cortas en diferentes estudios de diseño, que le permitieron empaparse de la dinámica que lideraría su vida más adelante. No es casualidad que tal iniciativa la llevara eventualmente a involucrarse en el diseño de discos de la escena del rock clandestino en sus pagos: “Vivo en el oeste bonaerense; de mi barrio emergieron muchas bandas de rock. A mediados de los 90, bastantes amigos y vecinos tenían proyectos musicales independientes.

Yo era un eslabón más de una cadena de buenas intenciones. Sabíamos poco sobre lo que hacíamos, pero lo hacíamos con muchas ganas”.

Influenciada por el encanto ornamental del Art Nouveau, el peso conceptual de una mente muy propia y curiosa, el eco de fondo de próceres como Aubrey Beardsley, Mucha, Gustav Klimt, Giambattista Bodoni y Herb Lubalin, pluma en mano y tinta china de por medio, Varsky marchó firme nomás. Entre clases, pasantías y colaboraciones barriales -joven e inexperta, pero llena de entusiasmo-,

fue desarrollando ese sexto sentido que no se copia ni se compra y que, a la larga, es lo único que nos genera el motor necesario para saber instintivamente que hay luz al final del túnel.

“Mi entrada al campo profesional fue a través de un proyecto para la UBA. Se trataba del diseño de un falso disco para la banda Caballeros de la Quema. Ellos lo vieron de casualidad, y así empecé a colaborar con el grupo, y llegué a diseñar mi primer disco editado por un sello discográfico”. De a poco, aunque a paso ligero, los diseños de Varsky se abrieron paso hasta caer en las manos del prestigioso músico y productor argentino Gustavo Santaolalla, junto a quien en el 2006 recibió un Grammy Latino a Mejor Dirección de Arte por el disco “Café de los Maestros”. Varsky cuenta con emoción que “el premio inauguró la categoría Diseño, siento mucho orgullo y agradecimiento por semejante reconocimiento”.

PASO A PASO, SIEMPRE PROPIO Sin dormirse en los laureles, ni saciarse con un solo fruto, Laura Varsky continuó desarrollando herramientas que le permitieran expandirse -y reinventarse- como comunicadora visual. Ya siendo una profesional, siguió tomando talleres y cursos de fotografía, caligrafía, dibujo, ilustración, curaduría, bordado y todo aquello que enriqueciera su percepción como diseñadora. Esta búsqueda recurrente, es uno de los ingredientes que la destaca en un mundo sumamente competitivo donde el lujo del diseño está presente en cada rincón de nuestro entorno urbano y, a la vez, tal redundancia, muchas veces,

+ Portada e interior de Cuatro gatos negros flacos, con texto de Didi Grau, ilustraciones de Christian Montenegro y Laura Varsky. (*) Fernanda Cohen es ilustradora, graduada de la School of Visual Arts de New York. Recientemente, lanzó su primer libro: “Guía ilustrada del orgasmo femenino”, editado por Ediciones de la Flor. www.fernandacohen.com

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+ Perfume. Trabajo personal, con texto de Maeterlinck.

+ Alicia. Trabajo personal sobre el texto de Lewis Carroll.

termina devaluando la profesión a la hora de ganarse la vida con ella. A no ser que multipliquemos nuestras opciones…

nacieron sus libros “Peleonas, mentirosas y haraganas” (editado por Ediciones del Eclipse), seguido de “Cuatro gatos negros flacos” ambos junto a Christian Montenegro y Didi Grau. “A muchos editores, Cuatro Gatos… les resultaba difícil de catalogar pero, por sobre todo, muy caro para imprimir. Tres años después de haberlo creado, apelamos al sistema de financiamiento colectivo a través del sitio Idea.me, y así fue como pudimos juntar los fondos para editarlo nosotros mismos. Fue increíble, porque una vez que el libro se volvió real, tuvimos varias propuestas de editoriales para producirlo”.

Como todo diseñador, Varsky transitó por los pasos iniciales necesarios, trabajando en medios editoriales y publicitarios como BBDO, Maxime, Bodega Cielo y Tierra, y Editorial Retina, muchas veces, plasmando sus diseños en objetos, a modo de “diseño de autor”, como la campaña que ilustró para la cadena de ropa Ver en el 2011, y los cuadernos que hizo para Monoblock.

Probamos, nos tropezamos, aprendemos, nos levantamos y continuamos, lo que me lleva a cuestionar este proceso de crecimiento constante e incesante, y a preguntarme qué le despertó diseñar discos en su momento, y porqué no lo sigue haciendo. “Me interesaba el packaging de un disco como objeto integral, porque genera un ritual de lectura y descubrimiento en el espectador. El diseñador debe sumergirse en una obra musical, analizarla y reinterpretarla gráficamente.

Sin embargo, hoy no tengo mayor interés en el soporte. Creo que pude canalizar ese mismo entusiasmo en otro tipo de proyectos que me permiten desarrollar un lenguaje personal, en lugar de proponer una voz gráfica al servicio de otras voces”.

Astuta y visionaria, logró mutar como una mariposa a través de los años, por más de que su ADN estético siempre mantuvo su esencia.

“Hoy solamente encaro proyectos propios; en su mayoría, diseños de libros que genero en conjunto con otro profesional (ilustrador, escritor, historiador, etc.). Una vez desarrollada la idea y cerrada la propuesta, buscamos un editor interesado en hacerla realidad”. Así

EL ENVIÓN La base estética y conceptual del trabajo de Varsky nace, en gran parte, a raíz de más de diez años de experiencia dictando clases de tipografía en la UBA, lo cual juega un rol fundamental en su estilo.

El nexo más evidente en estos últimos proyectos parece ser, aparte de su autogestión, un eje protagonizado por el uso de la ilustración como recurso complementario, tratando a la forma con el mismo lenguaje que modela en sus conocidos diseños de lettering.

En ilustración, las fuentes de inspiración más convencionales suelen surgir de lo que mejor conocemos, sea nuestra propia cara, o el jardín de nuestros padres. Esto explica el uso visceral del delineado de letras al que Varsky recurre constantemente cual oso de peluche de la infancia. “Cuando ilustro, descubro en la palabra escrita una herramienta poderosa a la hora de comunicar en imágenes, y comienzo a evocarla. Me gusta pensar, creer y proponer que una palabra vale más que mil imágenes. Cuando hago lettering, disfruto dibujando cada letra, entendiéndola en cada curva y reconociéndola en sus de-

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+ Dirección de arte del disco Café de los Maestros, por el que recibió en 2006 un Grammy Latino.

talles. Encuentro el placer justamente en ese transcurrir del dibujo, en la construcción del sentido a través de la forma”.

Lady René es su primera y -por poco tiempo-, única tipografía disponible en el mercado. “Ale Paul, a quien considero de los mejores diseñadores contemporáneos de tipos, me sugirió que podíamos desarrollar una fuente tipográfica basada en las morfologías que estaba creando para mis dibujos”, cuenta Varsky. “Me parecía un desafío mantener la espontaneidad que posee un trabajo de lettering, bajo un sistema tan cerrado como el de la tipografía. La solución fue trabajar para que la tipografía ofreciera un abanico de signos lo suficientemente amplio, como para que haya una libertad lo más cercana posible a la del dibujo manual. También desarrollamos un conjunto de misceláneas, palabras conectoras y signos alternativos, que apuntaban hacia el mismo objetivo, teniendo en cuenta que la base partió del dibujo con pluma y tinta china”.

Mientras, Laura Varsky se prepara para lanzar con todo su segunda tipografía a través de Sudtipos, en paralelo a un libro para adultos ilustrado y escrito por ella (a editarse en Chile en el 2013), y el diseño de un libro ilustrado por su pareja (el ilustrador Christian Montenegro), con textos del historiador Gabo Ferro (también a editarse en el 2013, pero en Argentina). “Apuesto muy fuerte a la autogestión por varias razones: me conecta con el hacer por el sólo placer de hacer, me obliga a preguntarme qué quiero decir y, por si fuera poco, ayuda en el día a día profesional a atraer proyectos en sintonía con mis intereses personales”. ¡Aplausos para ella! + www.lauravarsky.com.ar

Link a la nota: http://9010.co/lauravarsky

+ Diseño de tapas de discos: Guau! + Miau! para Árbol.

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+ Bokusho es el nombre del tipo de caligrafía japonesa impresa y escrita en estas 120 piezas de tela transparente que cuelgan, creando un collage suspendido, un “bosque brumoso virtual”. Foto: Kenta Hasegawa

Kazunori Matsumura

(Re) encontrarse con la naturaleza Moviéndose en los límites entre arte, diseño y artesanía, el trabajo de este japonés recupera la importancia de ser consciente del inconsciente, y de acercarse a los detalles más pequeños de la vida cotidiana. | Texto: gt2P (*)

Al encontrarse con espacios como The Aram Gallery en Londres, Tools Galerie en París o Rossana Orlandi en Milán -sólo por nombrar algunos-, se descubren un sinfín de propuestas que se mueven entre el arte y diseño, entre diversas culturas de todo el mundo.

Estos lugares representan también una nueva oportunidad para presentar nuestro trabajo, pero asimismo, nos exigen encontrar nuevas maneras de presentarlo. Esto significa dejar la funcionalidad un poco de lado, y atreverse a desarrollar piezas e instalaciones que transmitan un sentido, o establezcan una relación o una experiencia con el observador.

Este camino también nos ha impulsado a generar exploraciones y aprendizajes de propuestas de los más variados orígenes. Una con la que hemos creado empatía se encuentra al otro lado del mundo. Es la propuesta de Kazunori Matsumura, un japonés que se presenta a sí mismo como diseñador/artista. A través de su trabajo, desea crear experiencias que llamen a las personas a detenerse un poco, y reencontrarse con bellos detalles de la vida cotidiana.

Conocimos a Kazunori en el SaloneSatellite de Milán 2011 con el proyecto “Wafft”, desarrollado en conjunto con t/m, pero este año,

(*) gt2P es un estudio chileno de diseño y arquitectura que participa de eventos de diseño internacionales, y comparte en 90+10 sus experiencias, hablando sobre nuevos diseñadores y tendencias. www.gt2p.com

personas creativas

+ 065 arte

+ Letter to you, letter from you fue una vitrina diseñada junto al estudio Tymote, utilizando papel y sobres de correo. Foto: Kenta Hasegawa.

+ Instalación The Voice of Winds. Foto: Kazunori Matsumura.

comenzó su propio proyecto creativo “Firm”. Junto con el diseño de mobiliario, también se dedica a investigar la espacialidad y a crear obras de arte tridimensional, dando siempre un papel importante a la fotografía.

lucen como huesos. Cuando el viento recorre los tubos, la voz de la naturaleza se abre paso. La experiencia adquiere otra dimensión gracias a los sonidos que se incorporan en la instalación, grabados por él mismo, en un desierto de la India.

Durante la pasada Semana del Diseño de Milán volvimos a encontrarlo en Nime Studio, en donde participó de la exhibición de Diseño Japonés Contemporáneo, fundamentada en el concepto de “diseño moderno con materiales naturales y técnicas artesanales consagradas”. La muestra tuvo un énfasis especial en la particularidad del diseño japonés a partir de su condición de aislamiento geográfico, y en la conservación de tradiciones ancestrales que se entrecruzan con tecnología altamente desarrollada en la electrónica, la industria y la robótica, entre otras.

En este mismo sentido, Kazunori creó “Full of Empty”, un dispositivo espacial para crear un fenómeno de luz y sonido. Toma la forma y la espacialidad interior de los santuarios sintoístas japoneses, que siempre están vacíos para aceptar un número de espíritus insustanciales de la naturaleza. Posee una estructura de hierro que soporta tubos de cartón de diámetros y longitudes variados, apilados para crear diversos patrones de luz y sonido. El fenómeno cobra sentido cuando una persona entra en el dispositivo, se encuentra con el vacío, y se concentra en la información sensorial que traspasa los tubos. Es una medida para contrarrestar los flujos de información y ruidos artificiales del mundo actual. Las fotografías de este proyecto fueron exhibidas en la Galería de PostDesign (Memphis) de Milán, a comienzos de este año, en la exhibición “Imaginature”.

LA VOZ DE LOS VIENTOS La instalación de Kazunori en este espacio fue “The Voice of Winds”, una apuesta por conciliar la relación entre el hombre y la naturaleza, utilizando el arte, el diseño y la creatividad. Se trata de un dispositivo de sonido que recoge la voz de la naturaleza, basado en la creencia ancestral de que el viento es una voz sagrada que hay que atender.

Está formada por una serie de tubos con formas de ramas de árboles, ramas blancas de barro que están dispersas en el espacio, y

Link a la nota: http://9010.co/matsumura

En el trabajo de Kazunori es evidente que lo funcional cede el paso a la expresión de una idea, y el diseño es un vehículo para la expresión cultural. A través de sus instalaciones, pretende establecer nuevas relaciones con la naturaleza, creando siempre una experiencia en relación al objeto dispuesto. + www. firm-mkz.com

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| Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO | Foto: Carola Danza

personas creativas

+ 067 moda

Mariana Dappiano Uniendo patrones

Mariana Dappiano siempre supo que iba a ser diseñadora de moda. Se crió en un cuarto de costura, jugando con carreteles, ovillos y botones, y se formó en los albores de la carrera de indumentaria y textil de la Universidad de Buenos Aires. En el 2001, con una colección de verano, su marca nació en simultáneo al diseño de autor, fundamental en la historia de la moda argentina más reciente. | Texto: Carolina Prioglio @caroprioglio

Su aporte fueron las texturas, estampas y colores, el sello inconfundible sobre una pasarela, en un perchero o en la calle, de Mariana.

Hoy, ella recibe en su tienda de Palermo Viejo, con la sonrisa a flor de piel, para monologar sobre un estilo, el suyo, que armoniza entre lo clásico y lo contemporáneo.

EL COMIENZO DE LA HISTORIA “Cuando era chica dibujaba mucho. Vengo de una familia en la que el tejido y la costura siempre estuvieron muy presentes en manos de mis abuelas. Yo las ayudaba todo el tiempo, por lo cual crecí rodeada de hilos y botones. De ahí proviene ese gusto y el interés inicial por la elaboración, los tejidos y las estampas. Nunca dudé que en un futuro seguiría ese camino”.

+ Colección Invierno 2012

EXPERIMENTACIÓN EN LA UBA “Con toda la intención de convertirme en diseñadora, me dirigí a la Universidad de Buenos Aires para anotarme en arquitectura. Sabía que nunca iba a construir una casa, pero era lo que más se acercaba a lo que yo quería dedicarme. La carrera de diseño de indumentaria y textil todavía no era una realidad. Y cuando lo fue, mientras cursaba el CBC, me cambié automáticamente. No me arrepiento. Fue una experiencia muy enriquecedora, sumamente experimental. Soy de la segunda camada de egresados”.

EL PRIMER TRABAJO “Empecé a trabajar en el primer año de la carrera. Me había ganado una beca de DuPont para entrar al departamento de marketing

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+ Mariana Dappiano en BAFWeek Otoño-Invierno 2012

y fibras textiles de la empresa. Luego, trabajé para Charlie Grilli, como su asistente. Ya en el segundo año de diseño, comencé la colaboración con marcas de ropa”.

PRIMEROS PASOS DE UN ESTILO “El 2000 fue un año de cambios en todo sentido. El más importante tuvo que ver con la creación de mi marca, luego de varios años trabajando para firmas de moda locales. Pero no fui la única: el contexto de la época favoreció a otros diseñadores -hoy colegas- para que iniciaran, también, el propio camino en la moda. De hecho, el primer showroom lo compartí con Pablo Ramírez en el Bajo Belgrano. Era un perchero de color y uno de monocromía negra detrás de otro. De quién era cada cuál, resulta medio obvio”.

NUEVA GENERACIÓN DE AUTOR “Hoy, los nuevos diseñadores comienzan desde otro lugar, con una vi-

sión menos romántica. Saben lo que necesitan a la hora de crear una marca: un plan de negocios, inversores… Y aún así, es más difícil dar los primeros pasos. En cambio, en el 2000, mi generación tuvo a favor que la crisis había dejado a muchas de las grandes marcas en la lona, y con hacer una pequeña inversión, ya te posicionabas en un lugar dentro del mundo de la indumentaria. No teníamos mucho que perder”.

LA TRAMA OCULTA “El tiempo que pasé trabajando para otras marcas en los 90 resultó ser un segundo aprendizaje para mí. Experimenté con todo: diseño del hilado, fabricación y teñido, diseño de géneros, de colecciones de punto, siempre dándole mucha importancia a la paleta de colores. Y si observás mi estilo ahora -como el de otros colegas-, tiene mucho que ver con lo que aprendimos. A mí me cuesta desarrollar telas planas y prendas de noche, porque me formé en empresas en las que se hacía todo lo contrario. Disfruto al arrancar las colecciones desde

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el diseño textil, mucho más que partiendo de la morfología”.

PROCESO DE DISEÑO “Cada temporada, busco una inspiración que me de pie para diseñar los géneros de la colección. Recién después viene la morfología de las prendas, siempre más sencilla, porque, en mi caso, el textil se lleva el protagonismo. Disfruto de estar en todos los procesos del diseño. Aunque cada tanto me aburro de mi metodología, y hago el cambio. Es difícil no repetirse: si alterás la fórmula, todo el tiempo perdés identidad; y si no lo hacés, la gente se cansa. Con el tiempo, aprendí a profundizar las colecciones, a no ponerle la misma carga a todos los recursos compositivos (textura, color, construcción) porque, si no, termina siendo algo difícil de usar”.

GUARDARROPA DE DISEÑADORA “Como diseño lo que me gusta, no suelo comprar mucha ropa. Y

Link a la nota: http://9010.co/dappiano

cuando hago una colección y no saco muchas prendas para usar, empiezo a pensar que hay algo que tengo que cambiar para la próxima.

Entonces, en la colección siguiente me dirijo hacia otro lado”.

LO MÁS ELOGIADO EN LOS PERCHEROS “La gente vuelve por los colores y las texturas, la comodidad y la posibilidad de estar vestido de la mañana a la noche con una prenda de diseño (dos conceptos, los últimos, que no siempre van de la mano)”.

CICLOS DE LA MODA “Lo que tiene el diseño de indumentaria es que cada seis meses tenés que proponer algo nuevo. Cuando empecé, lo sentía como una presión. Pero después de once años, con más de veintidós colecciones, pienso: `Voy a jugar un poco´. Total, ¡todo vuelve a empezar dentro de seis meses!”. + www.marianadappiano.com

| Grant Dull y Villa Diamante. Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

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personas creativas 071 música

Zizek

Una cultura del baile Desde Buenos Aires, Zizek es una plataforma de promoción musical que hoy lleva adelante la mayor escena de impacto internacional desde la independencia, con la fuerza colectiva de un sonido tan variado como poderoso. | Texto: Germán Andrés @vermirando

Con su vinculación con el mundo del diseño, la cultura pop y fuerte apoyo en Internet, Zizek (ZZK) es un punto de referencia en cuanto a la producción musical urbana y bailable de Sudamérica. Desde sus computadoras en diferentes lugares, de gira o remixando, haciendo sonar nuevas voces o creando flyers divertidos, un colectivo de músicos, diseñadores, videastas y productores han ido dándole forma a esa ensaladera de cosas que brinda exposición y cierta experimentación, con el baile como eje y activación cultural.

colorido y mutante, abierto incluso a expresiones más folklóricas o de fusión con lo digital.

Fue en las noches porteñas, donde tuvo sus primeros acontecimientos a finales de 2006, como pequeño espacio de baile. Y es aquí donde está su base de operaciones. ZZK es liderada por dos incansables gestores, Grant Dull y Villa Diamante, DJs y directores ejecutivos del proyecto que hoy se abre con proyección internacional.

+ ¿Cómo ven la industria musical actual y su lugar en ella?

GD Minuto a minuto, la industria está cambiando, y nosotros estamos tratando de sobrevivir y seguir para adelante con esos cambios.

Logramos lo que logramos con un montón de talento y trabajo. Y mucha “energía positiva” que nos acompaña de toda la gente que nos ayuda día a día, sean artistas, bookers, diseñadores, pasantes, empleados... Todos se copan porque sienten que acá pasa algo especial. Eso también sucede en la pista de baile, en los DJ sets, en los shows en vivo de los artistas de Zizek.

+ ¿Qué es hoy Zizek, en sus diferentes áreas?

VD Zizek representa parte de la música argentina, y no sólo algo de Buenos Aires. Fauna y Súper Guachín son de Mendoza, los Frikstailers vivieron en Córdoba, pero son de otras provincias, Mati Zundel es de Dolores, Chancha Vía Circuito, DJ Nim y yo somos del sur del Gran Buenos Aires, y Grant de EE.UU. Y creo que también influenciamos a otros artistas de Latinoamérica y el mundo.

Y es así de variada y de informal la consolidación de esta Pyme, que en su estructura básica, es un grupo de gente joven interesada en el arte. Además de Grant y Diego (a.k.a. Villa Diamante), trabajan algunas personas más (sobre todo amigos), en las distintas ramas en que se bifurcan: la producción de fiestas, la venta de artistas, la edición de discos (acá y en USA), la difusión y la coordinación de giras por el país y en el exterior. En ese equipo, hallamos argentinos y extranjeros, algunos ya radicados acá hace varios años, como el propio Dull, nacido en Texas, creador también de la Web de arte y cultura emergente “Whats Up Buenos Aires”.

Pero la materia prima de Zizek en todas sus facetas (club, ZZK Records y la productora) es la música. Una música muy particular que resulta difícil de encasillar, de sonido digital y que, principalmente, es hecha en Buenos Aires dentro de la escena emergente del dance, desde hace unos diez años. Hay que decir, a su vez, que si bien el club Zizek unió a estas expresiones, algunas ya existían de antes.

Además, desde hace unos años, se da un fenómeno peculiar en casi toda Latinoamérica, e incluso en New York, y se trata de la revalorización de la cumbia, en sus diferentes formas y países.

Así es que en este panorama, y con mucha incitación al baile, gráficas atractivas y apertura artística, fue gestándose lo que muchos llamaron “la movida Zizek”, o la “cumbia electrónica”. Y allí este proyecto apretó el acelerador, y fue conformando un cuadro muy

Link a la nota: http://9010.co/zizekrecords

Si a esto sumamos la explosión global del reggaetón y todos esos sonidos cadenciosos de Centroamérica, el cocktail se vuelve irresistible. Pero en Zizek han sabido elegir bien a los artistas que apadrinan fuertemente (Ver recuadro) y otros que han ido pasando. Pero todo suma.

Lo que más destaca a Zizek en todas sus facetas, es la capacidad de asimilar cruces, de artistas, de influencias y de propuestas. En sus fiestas han participado desde Pablo Lescano (de Damas Gratis), hasta Mariana Baraj o Diplo. Apoyando la cultura del remix y el mash up, las colaboraciones entre sus huestes y la posibilidad de exportar estas expresiones, la empresa Zizek no para de hacer bailar acá y allá. Este año, firmó un acuerdo y ya editó un compilado con el sello californiano Waxploitation (impulsor, entre otros, de Gnarls Barkley y Danger Mouse).

Y nos quedamos con las palabras de Diego sobre sus planes futuros: “Queremos sobrevivir como sello, pues tenemos mucho material nuevo. Es un momento raro para toda estrategia, pero nadie arriesga nada; la industria musical típica ya caducó en la actualidad. Pero me da mucha ilusión tanta música que está en nuestras computadoras, y que pronto va a llegar a la gente. Por eso queremos subsistir, para seguir editando lo que nos da placer compartir. + www.zzkrecords.com

MÚSICOS ZZK Los artistas (DJs, grupos y solistas) que hoy le ponen música al mundo ZZK son: La Yegros, Tremor, Chancha Vía Circuito, King Coya, El G, Súper Guachín, Frikstailers, Lagartijeando, El Remolón, Fauna y Villa Diamante. + www.zzkrecords.com/artists

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+ Ilustraciones para el libro First Flight. Jonathan Cape, 2002.

Sara Fanelli

Un cuento incoherente La ilustradora italiana Sara Fanelli es como una gran utopía auto expirada -en lo que a frescura y creatividad se refiere-, por el sólo hecho de haber trascendido, siempre en ascenso, a través del desgaste del tiempo, la rutina, las fórmulas viciosas, el comercio y la vida misma, sin jamás perder ese vuelo desinteresado que suele caracterizar exclusivamente al estudiante universitario, hasta el preciso momento en el que empieza a lucrar con su arte. Su primer libro infantil ilustrado, “Button” (Botón), recibió el prestigioso Primer Premio Macmillan for Children’s Picture Book Illustration, cuando todavía era estudiante en 1994. Hoy ya lleva 17 libros ilustrados, y una docena de premios bajo el brazo. | Texto: Fernanda Cohen @fernandacohen (*)

PRINCIPIO REVOLTOSO Fanelli nació y se crió en Florencia, Italia, donde empapó su percepción inicial del universo de esa tinta renacentista del siglo XIV que caracteriza a esta ciudad tan icónica, combinándola con sus propios ingredientes, cargados de influencias del folklore internacional, el arte japonés, la Bauhaus, el constructivismo ruso, el movimiento de arte surrealista y el arte pop.

Ahí recibió un Diploma de Maturità del Liceo Classico Michelangelo, antes de decidir mudarse a Londres para estudiar diseño gráfico e ilustración en el Camberwell College of Art, seguido de un posgrado en ilustración en el Royal College of Art. Nunca más volvió a su Italia natal. Durante su último año de carrera, entre 1993 y 1994, Fanelli creó dos libros para chicos que la lanzaron -casi sin darse cuenta- al mundo del ilustrador profesional. “Tuve la suerte de re-

(*) Fernanda Cohen es ilustradora, graduada de la School of Visual Arts de New York. Recientemente, lanzó su primer libro: “Guía ilustrada del orgasmo femenino”, editado por Ediciones de la Flor. www.fernandacohen.com

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personas creativas 073 ilustración

+ Ilustraciones para el libro Pinocchio. Walker Books, 2003.

cibir semejante premio (Macmillan) cuando todavía era estudiante, y el hecho de que se haya dado estando en la universidad, a través de un trabajo sumamente experimental, me permitió continuar trabajando en ese estilo. Hoy, los editores ya saben que ése es el único tipo de trabajo que me interesa hacer”.

A esta buena racha de principiante, le siguieron aquellos méritos que establecen con más firmeza la carrera de un ilustrador: premios, muchos premios, intercalados con el puñado de libros que los merecieron. “Dear Diary” (Querido Diario) y “Mythological Monsters of Ancient Greece” (Monstruos Mitológicos de la Antigua Grecia) fueron reconocidos con el premio Bologna Ragazzi Award; “Pinocchio” recibió el National Art Library Illustration Award, y tanto “Wolf!” (Lobo!), como “It’s Dreamtime” (Es hora de Soñar) también tuvieron su momento de gloria. De la mano de un estilo bastante ecléctico y poco convencional, desde bien temprano, Fanelli se fue abriendo su propio camino en el mundo de libros infantiles ilustrados, con la ayuda de aquellas editoriales que apostaron a su magia, como ABC, Heinemann, Walker Books, Tate Publishing y, más recientemente, Phaidon Press.

Sus personajes -creados siempre a mano, usando una técnica mixta de recortes fotográficos, papeles texturados, crayones de colores y pinturas de todo tipo- pertenecen al mundo de lo incoherente, donde la naturaleza muerta estrena de lleno una vida completamente desconocida hasta entonces. “Cuando pienso en mis libros, los veo más como ejemplos de realidades diferentes. Hay un elemento muy liberador en poder de pronto convertirte en un animal y permitirte ser salvaje, lo cual puede resultar tenebroso o peligroso, ambos aspectos igual de interesantes. En general, la lógica entra en mi

trabajo para ser burlada; el universo que uno crea en un libro tiene sus propias reglas. Por ejemplo, en ‘Dear Diary’ las sillas y las arañas escriben un diario íntimo y los zorros hacen una fiesta de disfraces”.

Esta forma de expresión tan particular en la que Fanelli nos envuelve hasta a nosotros, supuestos adultos, habla el idioma de los

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+ historia no me gustaba mucho cuando era chica, me parecía demasiado moralista y llena de culpa sin sentido. Pero cuando volví a leer el cuento original, me sorprendieron las increíbles escapadas de la marioneta y el inmenso entorno que la rodeaba. La editorial Walker Books convocó a Emma Rose para esta nueva traducción de Pinocho, y en cuanto me junté con ella, enseguida estuvimos de acuerdo en que queríamos respetar la versión original lo más posible, pero suavizándole un poco el tono moralista. Creo que lo logramos, y me encantó la tarea de hacer un libro que tuviera una estética contemporánea, sin abandonar el espíritu del cuento tradicional”.

+ Ilustraciones del libro Dear Diary. Walker Books, 2000.

niños, en el que las convenciones de la madurez no tienen ni voz ni voto, porque el destino final de cada historia creada es siempre un mundo nuevo, donde lo racional pierde toda credibilidad; una especie de reino del revés. La técnica que eligió, o que la eligió a ella, provee un contexto ideal para sus pequeños mundos de papel numerado: “Cada pedacito que agrego, viene con su propia historia, su propia huella, entonces el collage final siempre contiene muchos relatos en uno. También disfruto el agregado del accidente y del factor sorpresa, que es como un regalo del proceso mismo de la creación, especialmente haciendo collage a mano… Cortar mal un papel, derramar la tinta, tapar errores y demás”.

DESENLACE INCESANTE Con una carrera en marcha y a todo vapor, ya instalada y establecida por completo en Londres, Fanelli no tardó en ser contactada por una agencia de ilustración que le permitiera concentrarse más en su trabajo, y no tanto en encontrar dónde venderlo. Así logró darle protagonismo a su día a día como fuente de inspiración principal, devorando constantemente textos de Ítalo Calvino, Jorge Luis Borges, José Saramago, Vladimir Nabokov, Laurence Sterne y Flann O’Brien, que la reencarnaran una y otra vez, para seguir cultivando ideas frescas, sin tanta interrupción innecesaria.

De tal proceso, surgió en el 2007 el libro “Sometimes I Think, Sometimes I am” (A veces pienso, a veces soy), basado en las citas y aforismos preferidos de Fanelli en la literatura de escritores como Goethe, Calvino y Beckett, entre otros, con una halagadora introducción del legendario diseñador gráfico y director de arte de The New York Times, Steve Heller. Para compatibilizar el desafío de juntar un grupo de mentes tan fuertes, pero tan diferentes, Fanelli cuenta que “cambiar la técnica, me ayudó a maniobrar los textos más dificultosos. Como las citas de Dante, que están salpicadas a lo largo de todo el libro y, por momentos, son intimidantes por el peso histórico que tienen, sobre todo para los italianos. Así que, en ese caso, opté por usar grabados en blanco y negro, para acentuar su tono más dramático”. El resultado es una combinación de contenido sólida y minuciosamente elaborado, con un sutil sentido del humor, y una estética que se lleva, literalmente, el mundo por delante.

Fanelli no sólo empezó su trayectoria imponiendo una voz auténtica y memorable, escuchando e ilustrando a su vez aquellas voces que mejor le hablaban al oído, sino que, además, tuvo la oportunidad (y el enorme desafío) de interpretar uno de los clásicos más trascendentes en la historia de la literatura infantil: Pinocho. “Este es el único libro que hice por encargo, a diferencia de mi usual autogestión con las editoriales. Al principio, no me convencía, porque la

La búsqueda continúa, y se renueva con cada proyecto narrativo que Fanelli encara. Una mente inquieta, curiosa, incesante y notablemente positiva, que se refleja sin pudor en cada historia que nos relata y en cada imagen que nos proyecta. Aunque, si contemplamos con atención, de tanto en tanto, podemos encontrar un hueco de realidad donde no todo es color de rosas. “Creo que soy una persona feliz por naturaleza, pero de vez en cuando, siento que la vida diaria es demasiado demandante y me supera. A veces, mi trabajo puede ser menos feliz que lo que la gente quisiera que fuese, pero por otro lado, muchas veces, la gente siente que mis ilustraciones dan más miedo que lo que yo creo. Para mí, el mundo es surreal, y son sus absurdidades y sus sorpresas las que hacen que valga la pena lidiar con todo el resto. Hay algo del orden de lo lúdico en lo surreal, una cualidad que considero fundamental para vivir”.

CONTINUARÁ...

Además de la pila de libros infantiles que la dieron a conocer a través de los años, Fanelli también incursionó en el mundo de la ilustración editorial. Trabajando para The New York Times, The New Yorker y The Independent, dibujó sobre las paredes del famoso museo inglés Tate Modern, ilustró una estampilla oficial para el Royal Mail, y diseñó pósters e invitaciones para varios teatros y galerías en Europa. Su estilo, sin embargo, se mantiene fiel a sus raíces, fluctuando solamente en el equilibrio de la cantidad de collage que elige combinar con otras técnicas, destacando la pintura, el dibujo o los recortes de papel, cada uno a su debido momento, según la alineación de los planetas en el momento.

El contenido de su trabajo, en paralelo, y por puro sentido común, se guía cada vez más por los intereses personales que conmueven a la artista, alimentando un mensaje que, cuanto mejor se entiende, más simple se torna. “En una especie de viaje visual personal -donde creo el trabajo que no me encargan, pero que eventualmente forma gran parte de mi trabajo a comisión- me pasa seguido que termino eligiendo textos que tienen que ver con mis emociones o vivencias actuales. Es otra manera de comprender un sentimiento, en vez de volcar la emoción sobre el trabajo mismo. Es como si pudiera observar la cuestión desde varias perspectivas diferentes, procurando hacerla y deshacerla para que, de algún modo, cobre sentido”. Sin darse cuenta siquiera, Fanelli acaba de definir una intercepción muy común entre la ilustración y las Bellas Artes, dos disciplinas protagonizadas por gente que nunca deja de ser gente y que, por ende, tiene la necesidad de revelar (y aliviar) su interior por donde mejor le sale, sean las páginas de un libro o las paredes de una galería.

Su último libro, “The Onion’s Great Escape” (El gran escape de la cebolla), se acaba de editar en Estados Unidos y Europa, y está siendo adaptado para una futura edición brasileña. Esta vez, Fanelli nos invita a jugar junto a ella a través de una serie de preguntas atrapantes, con el fin de involucrarnos en su cuento de la cebolla acorralada, y completar las actividades que propone durante el recorrido, culminando en un personaje tridimensional que salta del libro sorpresivamente.

“Dibujar, muchas veces, nos obliga a ver aquellas cosas comunes de una forma atípica, al menos, cada tanto”. Yo siempre digo: creer para ver. Sara está, sin duda, cien por ciento de acuerdo. + www.sarafanelli.com

Link a la nota: http://9010.co/sarafarinelli

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+ + Mapping Guimarães. Foto: Tai Lomas

Onionlab

La experimentación como cultivo Hablamos con Aleix Fernández, director creativo de Onionlab, un estudio de Barcelona que cultiva aquel terreno que queda entre el arte, el diseño y la tecnología. | Texto: ArtsMoved (*)

El campo de los interactivos y el motion graphics fue el lugar en el que empezó todo, pero poco a poco, la investigación llevó a Onionlab a labrar nuevas parcelas como la iluminación, el diseño de espacios y el mapping. No se lo hemos preguntado, pero nos atrevemos a decir que su nombre se justifica, por un lado, por lo que tiene de laboratorio, con una base técnica que les permite experimentar y crear, por ejemplo, su propio software. Y por otro lado, porque con sus proyectos consiguen, sin saber exactamente por qué, emocionar.

Como la cebolla. + Onionlab es muchas cosas, pero ¿cómo definiríais el estudio en una frase? Y, para no decirlo con palabras, ¿qué trabajo escogeríais para representaros?

AF Es muy difícil representar el estudio en un solo trabajo, pero uno de los que nos identifica mejor, podría ser el mapping que hicimos para el estudio de arquitectura A-cero. Tiene una base tecnológica importante, el desarrollo gráfico es muy conceptual, roza la abs-

tracción, y tiene una banda sonora muy potente, creada por nuestro estudio de sonido favorito, Leiko. Con este trabajo y la serie de diseños de escenario que hicimos para Eristoff Internative Festival -donde experimentamos mucho con LEDs e interactividad remota usando software propio-, tendríamos una buena fotografía de los que es Onionlab. + ¿Qué lenguajes y tecnología usáis en vuestros proyectos?

AF Además del 3D y las herramientas de composición de imagen en movimiento, usamos mucho Processing, que es un entorno de programación que nos ayuda a crear herramientas de control y generación de imágenes. En algunas oportunidades, usamos openFrameworks o Cinder, pero son casos más limitados. También hemos jugado en algunos proyectos con Kinect, los acelerómetros de la Wii, o tonteado con tecnología móvil. En la vertiente tecnológica más “dura”, como la programación de placas o la electrónica, tenemos un partner y amigo muy potente, Alex Posada, que de hecho ya fue entrevistado

(*) ArtsMoved es un proyecto dirigido por la asociación Movimiento Artes (formada en Barcelona), dedicado a la difusión y promoción de la cultura, a través del arte realizado por jóvenes artistas. www.artsmoved.cat

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por ustedes en un número anterior. De todas formas, los lenguajes y la tecnología cambia cada día y en cada proyecto; lo importante es saber combinar las herramientas y tecnologías que ya existen con las herramientas que puedas crear tú, y para ello, necesitas estar al día e investigar un poco. + La pieza de Nike Euroleague (http://v3.onionlab.com/NikeEuroleague), ¿es un anuncio, unos visuales, una instalación, o todo a la vez? ¿Cómo está hecha?

AF Pues efectivamente tiene un poco de todo: parte de instalación, de anuncio, y de mapping. Lo de Nike Euroleague fue un experimento, se buscaba un mapping pequeño que estuviera relacionado con Euroleague –que a la vez, estaba patrocinado por Nike–, para mostrar en la sala VIP del Palau Sant Jordi durante la Final Four de 2011. Bajo estas premisas, y en ocho días intensísimos, produjimos esta pieza. La realización es sencilla: se trata de una proyección sobre una pelota de baloncesto pintada de blanco, e incrustada en una estructura de madera hexagonal, que usamos como superficie para situar el balón en diferentes escenarios y situaciones. Este tipo de piezas tienen mucho potencial, y creo que no están lo suficientemente explotadas a nivel comercial. + La técnica de mapping parece auténtica magia, ¿es una manera de materializar los sueños, o lo imagináis de una manera mucho más racional?

AF ¡Ojalá pudiéramos materializar los sueños usando mapping! ¡Nos forraríamos! Efectivamente, el mapping es una técnica, y como toda técnica, tiene sus pros y sus contras. El mayor pro es precisamente eso, su magia, que te transporta a un estado especial de incredulidad. Tus ojos lo ven, pero tu cerebro no lo cree, y hace que te preguntes: ¿cómo han hecho eso? Y si esa situación se produce delante de un edificio de 90 x 20 metros con 60.000 W de sonido, la pregunta se te puede llegar a atragantar; en algunos casos, es realmente espectacular. Por otro lado, uno de los contras es que tiene limitaciones a nivel narrativo, no te permite hacer cambios de plano o zoom outs.

+ ¿Cómo se vive el montaje de un proyecto de la envergadura del mapping de Guimarães?

AF Fue toda una experiencia. El mapping que dirigimos junto a Judy Lomas era parte del espectáculo “Tempo de Encontros” de La Fura dels Baus, en motivo de la ceremonia de inauguración de la Capital de la Cultura Europea y, como todo espectáculo de La Fura, fue a lo grande. Afortunadamente, La Fura nos ayudó mucho en la producción técnica y la organización del evento. Fue increíble: cerca de 25 mil personas vieron el espectáculo en una plaza completamente abarrotada, proyectando en una fachada de 90 m de ancho, con un público completamente entregado. + ¿Crees que el mapping pueda llegar algún día a formar parte activa de la arquitectura?

AF No sé si exactamente el mapping tal y como lo conocemos ahora, pero definitivamente la imagen en movimiento mapeada sobre superficies arquitectónicas sí lo será de forma muy activa en un futuro próximo. De hecho, ya lo podemos ver actualmente en numerosos proyectos de Jean Nouvel. Sólo es cuestión de tiempo que la tecnología permita conseguir una definición óptima, a un precio aceptable. Definitivamente, es una de las aplicaciones a tener más en cuenta. + ¿Cuál es vuestra metodología de trabajo para lograr dedicar tantas horas a la investigación al tiempo que realizáis los proyectos que os encargan?

AF Generalmente, integramos la investigación en los mismos proyectos. Afortunadamente, cada día tenemos más libertad creativa, y eso nos permite introducir nuevos conceptos y técnicas, sin tener que dar muchas explicaciones. Esta política también es una de las razones por las que pasamos tantas horas trabajando: por un lado, tenemos que aprender y, por el otro, aplicar lo aprendido. Pero creo que es algo normal, si quieres aspirar a hacer algo un poco diferente.

+ Cuando los visuales empezaban su eclosión ya estabais trabajando en ellos, igual que con el mapping. Como estudio pionero, ¿qué creéis que dará que hablar en un futuro próximo?

AF Tanto los visuales como el mapping buscan potenciar la inmersión visual, pero en un entorno real, físico. El sonido y la música, por sus características, lo han conseguido desde el inicio de los tiempos. Quizás, ahora estemos muy cerca de poder hacer lo mismo con la imagen.

Quizás, el futuro está aquí, en seguir potenciando esa inmersión –o mejor, alteración–, investigando en formas de representación visual.

+ ¿Alguna pregunta que no os hayamos hecho y que os gustaría contestar?

AF Sí, de hecho, nos gustaría hacer referencia a que recientemente hemos tenido la suerte de participar en la creación del contenido del Pabellón Español en la World Expo de Yeosu en Corea, junto con un equipo de profesionales increíble como Chu Uroz, Pablo Robalo o los arquitectos External Reference, entre otros. Concretamente, en el estudio hemos producido una serie de piezas audiovisuales que combinan mapping, visuales, iluminación LED, etc. ¡Toda una experiencia! Al que le caiga cerca, se lo recomiendo enérgicamente. Si no, podréis encontrar más información en nuestra Web. + www.onionlab.com

+ Expo Yeosu en Corea. Foto: Aleix Fernández

+ Onionlab. Foto: Isolda Delgado

Link a la nota: http://9010.co/onionlab

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+ Google Glass, anteojos con una pequeña pantalla de cristal, cámara incorporada, conexión a Internet, micrófonos y otros sensores para darnos información al instante.

La tecnología de pasado mañana Cómo son los avances en computadoras, celulares y otros dispositivos que están cambiando la manera de usarlos, y que ya están próximos a llegar al mercado masivo. | Texto: Ricardo Sametband @rsametband

A fines de junio pasado, durante su conferencia anual para desarrolladores (Google I/O 2012) en San Francisco, California, Google hizo una impresionante demostración de sus anteojos Glass, unos dispositivos que cuentan con una cámara incorporada, conexión a Internet, micrófonos y otros sensores.

Un grupo de paracaidistas se tiró desde un dirigible que sobrevolaba el edificio donde estaban los periodistas, aterrizó sobre su techo, bajó en rapel por uno de sus frentes y entró en bicicleta al recinto en el que se había visto todo lo que habían hecho en pantalla grande. Pero no con cámaras profesionales: transmitieron todo el descenso con sus anteojos, conectados con un enlace 3G a las antenas de la ciudad. Fue una caída libre, registrada en primera persona.

Los anteojos de Google, que cuentan con una pequeña pantalla ubicada por encima de uno de los ojos, ofrecen información contextual al usuario y, eventualmente, una suerte de Realidad Aumentada. No son un mero prototipo: saldrán a la venta a mediados del año próximo en una partida reducida, con un costo de U$S 1500. La compañía presentó además Now, una suerte de asistente digital para dispositivos móviles al estilo del Siri de Apple, que es capaz de interpretar una orden verbal en lenguaje natural (es decir, como hablamos usualmente, y no apelando a palabras clave).

LA PALABRA ES MÁS FUERTE Lo interesante del caso es que ese mismo mes, Apple había hecho dos

anuncios importantes: el primero, que de aquí a un año espera poner en práctica acuerdos que tiene con varios fabricantes de automóviles, y que le permitirán incluir un botón en el auto para activar Siri sin sacar las manos del volante, y controlar con la voz todo lo que no tiene que ver con la conducción del auto: atender llamadas, responder mensajes de texto, reproducir -o pausar- la música. No son los únicos: Microsoft y Nokia -entre otros- están trabajando en el tema hace años y con ideas similares, y Ford es uno de los fabricantes que está implementando estos sistemas en sus modelos de alta gama.

La ventaja es obvia: no perder el control del auto porque estamos mirando una pantalla y no la ruta. Aunque múltiples proyectos apuntan a sobreimprimir información en el parabrisas -para crear una suerte de pantalla de Realidad Aumentada, que nos de información instantánea sobre lo que estamos viendo-, todavía es una idea de laboratorio.

Para lo que no falta nada es para poder subir a un auto y hablar por teléfono, mandar SMS y jugar videojuegos sin mirar adónde vamos, y sin chofer: el estado de Nevada, en Estados Unidos, ya le concedió a Google una licencia que le permite circular por la calle a su auto autónomo, es decir, a un coche que se maneja solo, usando cámaras, radares, GPS y acelerómetros. Volvo, a su vez, está probando convoyes de autos: se ponen varios equipos en fila, y dejan el control a un chofer profesional que hace de locomotora, mientras una computadora los mantiene en fila, a una distancia adecuada unos de otros, etc. Es parte de un proyecto europeo que esperan tenerlos operativos en cinco años.

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+ La cámara Lytro posee lentes capaces de capturar todo el campo lumínico de una imagen y cambiar el foco de la foto luego de que fue tomada. www.lytro.com

Y si podemos controlar un auto con las manos y con la voz, ¿por qué no hacerlo con la mente? Falta para eso, aunque no tanto: desde hace un par de años, se venden en el mercado unos cascos que registran las ondas alfa del cerebro y las convierten en órdenes. Los más cancheros están pensados para videojuegos. Otros, para controlar una silla de ruedas, un brazo biónico (tanto para pacientes postrados como para control de maquinaria en ambientes hostiles a los humanos, como ofrece la compañía Festo), o lograr que pacientes cuadripléjicos escriban un texto en una computadora, como divulgó en forma reciente una investigación de la universidad holandesa de Maastricht.

ALTA DEFINICIÓN Otro terreno donde Apple es uno (pero no el único) de los protagonistas es el de las pantallas de alta definición, que también están viviendo cambios. Así, Apple presentó un modelo de portátil MacBook que tiene una pantalla del tipo que denomina Retina, es decir, con la misma densidad de puntos de color que el iPhone 4 o la nueva iPad; esto implica que los píxeles no son visibles a simple vista. No es la única: Asus (que ya tenía notebooks con pantalla de alta definición) presentó su tableta Transformer Pad Infinity, que cuenta con una pantalla de 10” y resolución Full HD (1920 x 1080 píxeles), que se acerca a la definición de la iPad 3 (2048 x 1536 píxeles).

Parece demasiado, sobre todo teniendo en cuenta que las películas en formato digital se venden como mucho en Full HD, pero eso cambiará en unos años: la Unión Internacional de Telecomunicaciones ya definió los dos próximos estándares televisivos de ultra alta definición (UHD, según sus siglas en inglés): 4K (3840 x 2160 píxeles) y 8K (7680 x 4320 píxeles, es decir que los videos vistos en esas teles tendrán fotogramas de 33 megafonía cada uno).

Eso, como puede imaginarse, es mucha información siendo transmitida. Ya la nueva iPad y las tabletas de alta definición están influyendo en el diseño Web: muchos sitios están modificando su contenido para lograr que se vea bien en una pantalla de esa resolución. Esto es algo que ya se vivió (cuando superamos las pantallas de 800 x

+ Tableta Asus Transformer Pad Infinity, con pantalla de 10” y resolución Full HD, cercana a la definición de la iPad 3. www.asus.com

600 píxeles, una resolución que hoy se ve en teléfonos móviles), pero su impacto se sigue sintiendo. Más resolución implica más datos, lo que obliga a tener un mayor ancho de banda, si se quiere evitar las descargas lentas.

CÁMARAS Y SUPERFICIES Para registrar esas imágenes de muy alta definición serán necesarias, claro, nuevas cámaras. Además del Nokia PureView -un teléfóno convencional con una cámara excepcional que tiene un sensor de 41 megapíxeles-, hay otras tecnologías que están cambiando la fotografía digital, como la Lytro, una cámara con lentes capaces de capturar todo el campo lumínico de una imagen y cambiar el foco de la foto luego de que fue tomada; o los desarrollos de Scalado -hoy en manos de Nokia-, que permiten tomar una tanda automática de fotos y luego elegir o combinar la que tiene a todos los fotografiados en foco y sonrientes. Pero la clave es que ya hay equipos de bolsillo que son capaces de registrar video 3D de alta definición.

Todo este contenido se disfruta en dispositivos donde la pantalla es cada vez más protagonista, y donde buena parte de la interacción (la que no es verbal o por gestos) se hace tocando la pantalla. Sí, las pantallas táctiles son hoy la norma de los dispositivos móviles, y con la llegada de Windows 8 también lo serán para las PCs nuevas; la mayoría de las ultrabooks nuevas tienen pantallas sensibles al tacto, para aprovechar la interfaz Metro del nuevo Windows.

Hay un problema: la marca de los dedos. Por ahora, no hay mejor remedio que una franelita -o la punta de una remera de algodón-, pero varias compañías están trabajando en coberturas hidrofóbicas o superhidrofóbicas, materiales que cubren una pantalla (o un parabrisas) y repelen el agua, el aceite o el hielo; los harían sumergibles y evitarían que se llenen de la grasa de los dedos. La compañía Liquipel ya ofrece en Estados Unidos un baño protector a pedido para diversos móviles (tiene un costo que ronda los U$S 60), pero se espera que los fabricantes comiencen a integrarlo en sus productos en los años venideros, y tiene atractivas aplicaciones en otros ámbitos (autos, maquinaria, etc.).

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+ Nokia Play 360, el parlante portátil al que podemos conectar dispositivos a través de Bluetooth. www.nokia.com

+ Volvo está probando convoyes de autos: se ponen varios equipos en fila, y dejan el control a un chofer profesional que hace de locomotora, mientras una computadora los mantiene en fila, a una distancia adecuada unos de otros. www.volvo.com

+ TV Toshiba Regza LCD, LED y con DVD integrado. www.toshiba.com

TRANSFERENCIA DE DATOS Por el lado de la banda ancha hogareña no hay mucho para decir, excepto que 2011 fue el año que más rápido creció, y ya suma 600 millones de usuarios en el mundo, según el Broadband Forum. Y aunque las compañías siguen aumentando la velocidad disponible (en Hong Kong ofrecen abonos hogareños de 300 mbps), el crecimiento en América Latina llega con cierto rezago, ya que tiene el promedio de precios por megabit más alto de mundo para una región, según un estudio reciente de la CEPAL (Comisión Económica para América Latina y el Caribe).

una canción, o una foto desde un celular a un televisor, usando la red Wi-Fi. Pero mientras que ahora hay que bucear en un menú del dispositivo hasta lograr que encuentre el equipo destino, en el futuro próximo bastará con hacer que los dos equipos (un teléfono y el televisor, o un par de parlantes) se toquen.

Para cada vez más usuarios, sin embargo, la clave está en la conectividad móvil, y las redes 4G LTE (evolución de largo plazo, según sus siglas en inglés) están ganando adeptos en todo el mundo, felices de lograr conexiones de entre 6 y 12 mbps, en promedio, desde sus celulares o tabletas. En la Argentina, algo semejante deberá esperar, ya que no se licenciaron las frecuencias para dar servicio.

Las conexiones inalámbricas de tipo Wi-Fi (que, no está de más recordar, no implica un acceso a Internet, sino una conexión a una red local) también esperan un nuevo aumento en su capacidad de transferencia de archivos: para 2015 se espera que la norma más popular sea la 802.11ac, que admite conexiones de hasta 1 gigabit por segundo (algo disponible hasta hoy en redes Ethernet cableadas), y que será vital para transmitir video de ultra alta definición entre un televisor y una tableta o notebook.

La transmisión se hará usando alguno de los estándares ya existentes en el mercado, como DLNA o AirPlay; permiten enviar una película,

Esto se logra cortesía de una tecnología denominada NFC (comunicaciones de corto alcance, según sus siglas en inglés), que se usa hace años en Japón, y que permite exactamente eso: vincular dos dispositivos gracias a su cercanía física y lograr que compartan información.

En el mundo se lo está implementando como uno de los métodos para poner en vigencia la billetera digital, que permite pagar usando el teléfono de monedero; pero no es el único uso.

Hay cada vez más teléfonos con chips NFC, y tanto Nokia a principios de año como Google en junio último, presentaron dispositivos que, con un toque, permiten conectarlos y comenzar la reproducción inalámbrica de la música almacenada en el teléfono en el dispositivo tocado.

Es, por así decirlo, como el emparejamiento en Bluetooth debió haber funcionado desde el primer día.

La buena noticia es que hay cada vez más accesorios con NFC: parlantes, manos libres inalámbricos, teclados, etc. La mala es que en la Argentina no se pueden vender equipos con esa función habilitada -oficialmente, al menos- por un tema reglamentario, aunque los equipos que vengan del exterior podrán usar los chips NFC sin inconvenientes, y acceder a una de las tantas tecnologías que, paso a paso, están cambiando la tecnología con la que lidiamos todos los días. +

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ideas creativas 081 tecnología

Google I/O Sacando la tecnología del medio Google I/O es el encuentro anual de desarrolladores de Google de todo el mundo, que se realiza en San Francisco, EE.UU., en el que se descubren los últimos avances en tecnología Web, móvil y social. | Texto: Pablo Pérez De Angelis @arkatPDA (*)

Organizado en una serie de eventos que van desde conferencias, labs, hackathons hasta after hours, el gigante de Internet presentó sus más recientes productos y plataformas, del 27 al 29 de junio. Este evento de tres días que se desarrolla en el centro neurálgico de la innovación en IT, convocó a más de seis mil desarrolladores de todo el mundo, mientras que superó el millón la cantidad de personas que los siguieron en vivo por YouTube.

Desde el primer día, una gran fila aguarda desde las 7.30 am en la entrada del Moscone Center. No son fanáticos esperando un nuevo gadgets, sino un selecto grupo de desarrolladores ansiosos de conocer las novedades que nos traerá el keynote con el que comienza Google I/O. Vic Gundotra (Vicepresidente Senior de Ingeniería de Google) dirige el evento, y junto a los directores de cada proyecto, nos pasea por una numerosa cantidad de interesantes novedades en los productos estrella de la compañía.

La primera novedad viene de la mano de Android. El sistema operativo para dispositivos móviles de Google que ya cuenta con 400 millones de dispositivos activados hasta la fecha, y con 1 millón más activándose cada día, tiene su nueva versión Jelly Bean 4.1. Dentro

del equipo de Android, se desarrolló el Project Butter: trae una interfaz más rápida, fluida y suave. El renderizado de las aplicaciones, la composición de las pantallas y el sistema de touch screen funciona al mismo ritmo, comandado por VSync y el triple buffer, brindando una mejor experiencia de usuario.

Por su parte, Android Beam nos permite transmitir una foto o un video con sólo aproximar hasta tocarse dos dispositivos Android con NFC (Near Field Communication), o asociar en un segundo unos auriculares o parlantes Bluetooth. Y sólo con realizar este simple gesto.

Tareas simples nunca deben demandar acciones complejas. En esta nueva versión de Android, las notificaciones nos permiten observar las primeras líneas de todos nuestros nuevos emails, devolver la llamada que no pudimos atender, avisar que llegamos tarde a una reunión, darle “like” a una notificación de Foursquare, o ver una foto que nos compartieron en Google Plus. Todo desde la lista de notificaciones, sin tener que abrir la aplicación para realizar estas tareas.

En Jeally Bean, también llega la posibilidad de utilizar la búsqueda por voz offline, es decir, sin necesidad de contar con conexión a In-

(*) Pedro Pérez de Angelis es Lic. en Ciencias de la Computación por la FaMAF/UNC, y gerente y fundador de Google Developer Group Córdoba.

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ternet para utilizarla, eliminando de esta manera uno de los puntos negativos de este servicio, que se tornaba poco usable en conexiones a Internet de poca calidad.

Integrando Knowledge Graphs con la búsqueda por voz, el buscador de Google nos responderá a preguntas como: ¿Quién es el presidente de Japón?, con información sobre Yoshihiko Noda, o ¿Dónde queda el Starbucks más cercano?, mostrándonos un mapa y las direcciones, al mismo tiempo que escuchamos la respuesta generada con una voz sintetizada. Entendiendo que las palabras que ponemos en nuestra búsqueda no son sólo palabras, sino cosas reales de nuestro mundo, nos dará una respuesta concreta a nuestra pregunta.

GOOGLE NOW: CAMBIANDO LA DINÁMICA Cuando necesitamos una información, tenemos que acceder a nuestro dispositivo móvil y buscarla. Google Now nos da la información que necesitamos en el momento que preciso, y de manera totalmente automática. Si decidimos usar este servicio, combinará la historia de nuestras búsquedas, de nuestras ubicaciones y nuestro calendario, para predecir qué información vamos a necesitar y en qué momento.

Como ejemplo, el sistema aprende cuál es la ruta y la hora a la que vamos a nuestro trabajo, así que nos informará la ruta más corta para llegar, o bien la más rápida, si es que hay mucho tránsito. Al encontrarnos en una estación de subte o en una parada de colectivo, el sistema nos informará cuánto falta para que llegue el próximo transporte.

Cuando estemos en un restaurante, Google Now nos recomendará el plato más popular.

TABLETA ASUS NEXUS 7 En cuanto al hardware relacionado con Android, se presentó Asus Nexus 7. Se trata de una tableta de 7 pulgadas, que cuenta con una pantalla con resolución de 1280 x 800 píxeles, un procesador quadcore Tegra 3, y la sorpresa de un GPU con 12 cores. Posee Wi-Fi (pero no 3G), cámara frontal de 1.3 MP y dos modelos, con 8GB ó 16GB. Cuenta con salida para auriculares y USB. Éste será el primer device que será vendido con Jelly Bean, y los modelos costarán U$S 199 y U$S 249 la versión de 8 GB y 16 GB respectivamente. Inicialmente, estará disponible en EE.UU., Canadá, Australia e Inglaterra, y se puede ordenar en Google Play. Las primeras unidades se comenzaron a enviar a mediados de julio.

CENTRO MULTIMEDIA NEXUS Q Una gran novedad -de la que no se habían filtrado rumores previos al I/O-, es Nexus Q, un centro multimedia que pretende hacer de la reproducción de música y video una experiencia más social, facilitando la reproducción colaborativa.

El Nexus Q reproduce nuestro contenido directamente desde “la nube”, utilizando nuestra tableta o teléfono Android para controlarlo. Una de las características más sobresalientes es la posibilidad de socializar nuestra lista de reproducción. Esto es, que nuestros amigos nos visiten utilizando sus teléfonos, manejen el Nexus Q en nuestro living, y así puedan reproducir música, películas, etc., que compraron y pertenecen a su colección. Toda la reproducción se realiza por streaming desde los servicios de Google.

El Nexus Q cuenta con la salidas digitales habituales de video y sonido digitales, y tendrá un precio de venta de U$S 299 en los Estados Unidos. Y es el primer artefacto electrónico que Google ha construido desde cero, tanto su hardware y como su software. Un detalle en el que no se hizo hincapié en la presentación es que el Nexus Q no fue fabricado en China -como sucede con la mayoría de los aparatos electrónicos-, sino en EE.UU. GOOGLE GLASS Sin duda, el momento más importante del evento, junto con la mayor reacción por parte de los desarrolladores, fue provocado por la irrupción de Sergey Brin (co-fundador de Google) durante el keynote del primer día, para realizar la presentación del proyecto Google Glass en un hangout (videoconferencia mediante Google Plus) con tres paracaidistas, usando sus lentes Google, mientras realizaban un salto en vivo desde un avión hacia el techo del Moscone Center, donde unos 6 mil desarrolladores los recibieron aplaudiendo de pie, luego de poder vivir la experiencia de un salto en paracaídas a través de los mismos lentes de los paracaidistas.

Google Glass es un prototipo de lentes que pretende no ser intrusivo, y permitir tomar registro y recuperar información de lo que nos va sucediendo. Por ejemplo, usando Google Glass, una madre que está jugando con su bebé puede sacar fotos y registrar videos sin tener que buscar la cámara, y lograr registros únicos. Todo gracias a que posee una pequeña pantalla por encima del ojo derecho, un micrófono y un auricular. Los desarrolladores que asistieron al Google I/O de este

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año, y viven en USA, pudieron pre-ordenar un ejemplar de desarrollo de Google Glasses por un monto de U$S 1500, a entregarse a principios del año entrante.

GOOGLE COMPUTE ENGINE En el keynote del segundo día, Urs Holzle -uno de los diez primeros empleados de Google, y actual Vicepresidente de Ingeniería- presentó Google Compute Engine (GCE), un servicio que nos permite ejecutar nuestras máquinas virtuales Linux en la infraestructura propia de Google, junto con almacenamiento de alta performance y conectividad a través de la red de Google.

GCE fue principalmente diseñado para ejecutar procesos que requieran una performance alta, y sean computacionalmente intensivos en clusters virtuales en la nube. También puede ser utilizado como recurso de cómputo, combinado con otros productos de Google. Con este producto, Google pretende competir con el jugador que domina ampliamente el mercado: Amazon Web Services (AWS).

Las características de las máquinas virtuales (VM) que podemos contratar, van desde las que cuentan con 1 core y 3.75 GB de memoria, hasta los 8 cores con 30 GB de RAM. En estas VM podemos utilizar imágenes listas de Ubuntu 12.04 (Precise Pangolin) o CentOS 6.2, o bien construir una nosotros mismos.

PROYECTO MOVI.KANTI.REVO Como muestra de la capacidad de Chrome, fue presentado el proyecto experimental que llevó a cabo el Cirque du Soleil, con el objetivo de tener una experiencia interactiva e inmersiva, que nos evoque emociones. El término Movi.Kanti.Revo proviene del idioma esperanto, y significa “en movimiento, cantando y soñando”. Este proyecto permite a los usuarios recorrer un hermoso mundo virtual mediante gestos y sonidos, disfrutar de los shows en vivo del Cirque du Soleil y vivir “un viaje emocional hecho de amor, dudas, esperanzas y sueños”. Este proyecto creado utilizando HTML y posicionándose en el espacio de 3 dimensiones utilizando CSS, funciona realmente rápido, gracias a la utilización de la aceleración por hardware, según comentó su diseñador durante la conferencia.

GOOGLE DRIVE Entre otras novedades, encontramos la tan esperada característica de Google Drive, edición offline de nuestros documentos (en esta versión,

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sólo los documentos de texto y, en el corto plazo, las planillas de cálculo y las presentaciones). Con esta actualización, se agrega, además, el soporte de dispositivos iPad y iPhone. En la demo realizada con iPad, se mostró la búsqueda de la palabra “pyramide”. Drive devolvió como resultados imágenes de las pirámides egipcias que se encontraban guardadas en el Google Drive, sin que los archivos contaran con ningún tipo de nombre o tag que identificara su contenido.

TECNOLOGÍA NFC Durante el tercer día de Google I/O, se comentaron nuevas características de NFC (Near Field Communication), una tecnología que nos permite transferir información entre dispositivos, con sólo acercarlos hasta menos de 5 cm. Así, se presentó la capacidad de iniciar la transferencia de archivos entre diferentes dispositivos móviles Android. El NFC se encarga de autorizar y comenzar la transferencia de archivos vía Bluetooth y nos permite, por ejemplo, conectar nuestro teléfono a nuestra tablet, y continuar utilizando una aplicación, de un dispositivo a otro.

Con un millón de dispositivos móviles que ya cuentan con NFC vendiéndose por semana, Google espera que el uso de esta tecnología y de las plataformas que la utilizan crezca muchísimo. Google Wallet es una de estas grandes apuestas. Este sistema que permite realizar un pago con sólo aproximar nuestro celular a una plataforma NFC, está creciendo fuertemente en EE.UU. ACLARANDO LAS DUDAS Otra de las secciones interesantes que se realizó durante el tercer día del evento -y de forma exclusiva para Managers de GDG- fue Unicorn, donde un panel de 15 Googlers (ingenieros de Google) respondió preguntas técnicas a los más de 100 managers de todo el mundo que se encontraban en esta sesión. La mayoría de las preguntas giraron en torno al proyecto Google Glass, las posibilidades de desarrollar aplicaciones sobre esta plataforma, características, fecha de lanzamiento, etc. El otro proyecto que recibió mucha atención fue Google Plus, y su nueva función para organizar eventos.

El Googler Timothy Jordan recibió decenas de sugerencias de mejoras. Con todo, Google pretende -y lo logra- que Google I/O sea un evento tecnológico con alto impacto a escala global, en el mundo de la tecnología de la información. + https://developers.google.com/events/io/

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+ Interior del CMD

Distrito de Diseño

Buenos Aires piensa el diseño desde el Sur Buenos Aires fue una de las primeras ciudades del mundo en ser nombrada por la Unesco como “Ciudad del Diseño”, gracias al fuerte crecimiento que tiene desde hace años en esta área, tanto desde el ámbito público, como empresarial, académico, entrepreneur y cultural. Y, además, por ser un centro urbano creador de tendencias y nuevas expresiones. Como parte de este movimiento, hoy la ciudad impulsa el Distrito de Diseño, ubicado en el tradicional barrio de Barracas, que busca ser el polo generador de energía en esta materia, y que tiene como sede central y usina creativa al CMD (Centro Metropolitano de Diseño). | Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

EL DISTRITO Quizá, Barracas sea uno de los barrios porteños más pintorescos.

Escenario de muchas obras literarias, conserva lo histórico como pocos. Justamente, fue el barrio elegido para ubicar la sede del CMD, un edificio que fue reciclado a nuevo, con una superficie de 14 mil m². Cuenta con áreas gubernamentales de promoción del diseño, industrias creativas y comercio exterior, aulas y laboratorios, un auditorio con capacidad para 250 personas, y 3 mil m² disponibles para exposiciones y muestras, entre otras cosas.

Con el edificio ya emplazado y funcionando hace años, el CMD va por más, y apunta a ser el corazón del Distrito de Diseño en el barrio de Barracas. Si bien el proyecto de distrito está todavía en la etapa de formación, aspira al desarrollo del Sur de la Ciudad de Buenos Aires, y a consolidar su estatus de Ciudad del Diseño. Asimismo, a mediano plazo, busca la radicación en la zona de empresas vinculadas con el diseño.

Laura Salles (Coordinadora General del Distrito de Diseño), explica que “El proyecto de Distrito de Diseño de Barracas da escala a la

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+ Distrito de Diseño en Barracas, en la Ciudad de Buenos Aires.

visión de promover la incorporación de diseño como herramienta de competitividad, a la par de vincular el desarrollo de un sector económico con el desarrollo de un territorio. El concepto de `Distrito´ es la concentración, en un espacio geográfico delimitado, de profesionales y empresas dedicadas a una misma actividad, y de infraestructura necesaria para dicha actividad. Durante los últimos años, en distintas ciudades del mundo, han surgido estos proyectos urbanos como iniciativas en las que interviene el sector público, el privado y la comunidad, y que tienen como principales objetivos el desarrollo económico local y la revitalización urbana”. Ejemplo de esto, son el Meatpacking District y el Fashion District de New York, el Miami Design District, Brick Lane Londres y el Distrito de Diseño Helsinki. La estrategia de distritos es la política pública clave del Ministerio de Desarrollo Económico de la ciudad.

“Una de las claves del proyecto de Distrito de Diseño -continúa Salles-, es convertirlo en política de estado, mediante una ley que fije condiciones favorables para este ecosistema, y que promueva por 15 años el perímetro de Barracas, como una zona libre de impuestos municipales (ABL, sellos, IIBB) para empresas de indumentaria y equipamiento del hogar que compiten en base a diseño, y para servicios de diseños, estudios y agencias de publicidad. Nuestra ambición es que la etiqueta que hoy identifica al distrito, identifique a los productos y servicios de diseño que, con un alto perfil exportador, saldrán al mundo. Distrito de Diseño es un paraguas de marca exportable, que promueve el valor del diseño local”.

EL CMD El Centro Metropolitano de Diseño (CMD) es una entidad pública de la Ciudad de Buenos Aires, que depende del Ministerio de Desarrollo Económico porteño, y que es reconocida en toda la región por impulsar la incorporación del diseño a las empresas de Buenos Aires y generar, a partir de esto, más trabajo y una mejor calidad de vida para los vecinos.

“El CMD es un nuevo espacio en el sur de la ciudad, que debe enorgullecer a todos los porteños, por ser un reflejo de nuestro talento y creatividad. Es también la oportunidad de desarrollo para un barrio que ha sido históricamente postergado. Finalmente, es un lugar para aproximarnos a las distintas facetas del diseño, para entender cómo el diseño mejora nuestra vida, transforma nuestro trabajo y el mundo en el que vivimos.

El CMD es un lugar para ver, para aprender y para ser protagonista”, describe Enrique Avogadro, Director General de Industrias Creativas y Comercio Exterior, quien es también el Director del CMD. Para cumplir con sus objetivos, el CMD trabaja sobre cuatro ejes estratégicos: emprendedores, diseño en empresas, internacionalización, investigación y difusión. Los objetivos clave son apoyar y

Link a la nota: http://9010.co/distritodiseno

estimular iniciativas privadas o públicas vinculadas al diseño que se desarrollen en la ciudad, y promover y coordinar la interacción entre diseñadores, gerentes de diseño, ejecutivos, empresarios, directores de políticas públicas y académicos. Asimismo, busca estimular la internacionalización del sector, acompañar a los emprendedores locales que quieran desarrollar empresas con participación del diseño e incubar, a través de instituciones intermedias, aquellas que posean mayor capacidad de crecimiento. También, importante en la lista de objetivos del CMD, está el esfuerzo en formar una red nacional de centros, institutos y organizaciones de diseño, además de elaborar, organizar y difundir conocimientos que sirvan para la gestión de la actividad. En síntesis, la función del CMD es trabajar para que la ciudad sea un punto de referencia del diseño en Latinoamérica.

“El CMD, principal promotor público de la importancia económica y cultural del diseño, tiene como objetivo central lograr que el diseño se inserte en el sistema productivo. Para lograrlo, ha diseñado el Programa de Incorporación de Diseño, que cuenta con diferentes herramientas pensadas de acuerdo a los actores con los cuales se trabaje”, amplía Anabella Rondina, Gerente Operativa del CMD. “Este programa fue concebido pensando el diseño como una herramienta que agrega valor, empleo y productividad a la industria, y que aporta soluciones concretas a empresas e instituciones. En el marco de este programa, el CMD articula a empresas e instituciones con especialistas en diferentes ramas del diseño, para que trabajen en conjunto, mejorando su competitividad a través del diseño y la innovación”.

Otro de los pilares del CMD es la Oficina de Moda -que cuenta con Sofía Marré como Coordinadora-, y se encarga de apoyar, promover y desarrollar la industria de la moda porteña, a nivel local e internacional. Es así que brindan seminarios y talleres, desarrollan canales de comercialización para emprendimientos de diseño a nivel nacional, en ferias sectoriales como Cemca, Mabyn, Efica y Buenos Aires Moda, y muestran las colecciones de diseñadores emergentes y consagrados, a través de exclusivas pasarelas en BAFWeek, denominadas “Desfile Buenos Aires”, entre muchas otras actividades.

EL FESTIVAL Uno de los eventos más importantes del Distrito de Diseño es el Festival Internacional de Diseño de Buenos Aires (FID 2012), que este año realizará su cuarta edición, del 19 al 21 de octubre, que tiene como tema central las diferentes maneras y expresiones en las que el diseño expande su relación con las otras disciplinas y sectores. El CMD será la sede protagonista de exposiciones, workshops, conferencias, rondas de negocios, shows en vivo y espacios recreativos para grandes y chicos, entre muchas otras actividades ue convocarán a los más diversos públicos. + www.cmd.gov.ar

+ Obra de Claudio Roncoli, Galería Elsi del Río. www.elsidelrio.com.ar

arteBA 2012

Ventana al arte contemporáneo Del 18 al 22 de mayo, se llevó a cabo en el Predio Ferial de La Rural de la Ciudad de Buenos Aires, la XXI edición de arteBA, la feria de arte contemporáneo clave del país y la región. Participaron más de noventa galerías de Argentina, América Latina y Europa, que exhibieron trabajos de artistas contemporáneos jóvenes y consagrados. En esta nota, las actividades más destacadas de esta edición. | Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina Fotos: Maia Croizet @MaiaWATIO

A lo largo de los últimos veintiún años, arteBA evolucionó rápidamente. De ser una feria de galerías, pasó a convertirse en uno de los principales eventos de la región; el encuentro clave de artistas, galeristas, coleccionistas, críticos, curadores, directores de museos y referentes internacionales de la cultura. Para celebrar dichos logros, en 2012 se estrenó una nueva infraestructura expositiva, con paneles altos simulares a los que se utilizan en los museos, que permitió una mejor apreciación de las obras expuestas.

El comité de selección de galerías lo presidió Laura Batkis (crítica de arte, docente y curadora independiente argentina), y lo integraron Sonia Becce (curadora independiente, Argentina), Luisa Duarte (crítica de arte y curadora independiente, São Paulo, Brasil) y Estela Totah (directora de la galería Del Infinito, Buenos Aires, Argentina, en representación de las galerías argentinas). En el cuerpo

general de la feria, se presentaron 68 galerías -50 de ellas argentinas y 18 extranjeras-, provenientes de Brasil, Chile, Colombia, Estados Unidos, México, España, Uruguay, Holanda y Perú.

Según Julia Converti, gerente general de arteBA, “arteBA se volvió a consolidar como la feria de arte contemporáneo más concurrida de las Américas. El foco en esta edición estuvo puesto en el coleccionismo y en la internacionalización de la feria. Gracias a la segunda edición de U-TURN Project Rooms by Mercedes-Benz, la feria contó con galerías europeas que visitaron por primera vez arteBA. Fue el caso de Supportico López y Wentrup de Alemania, Nils Staerk de Dinamarca, RabervonStenglin de Suiza y Travesía Cuatro de España. Seguiremos en esa misma línea, con el foco puesto en convertir arteBA en una feria internacional en todos sus aspectos”.

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+ Obras de Alfredo Londaibere, Galería Cosmocosa. www.cosmocosa.com

+ Serie Lexius de Juan Becú, Galería Alberto Sendrós. ww.albertosendros.com

Queda claro que la organización de unos de los eventos culturales más importantes de la temporada comienza muchos meses antes, con una selección compleja, cuyo objetivo clave es elegir a los mejores. Laura Batkis, presidente del Comité de Selección de galerías en arteBA 2012, hizo hincapié en la importancia de contar con una curaduría profesional: “En la evaluación, se tuvieron en cuenta factores como la presentación general, los artistas, el diseño de montaje y el perfil de la galería. Se trabajó con la dificultad que implica elegir un conjunto limitado a un espacio acotado, y haciendo una selección con un criterio curatorial profesional”.

Una vez más, y distribuidas en los Pabellones Verde y Azul de la Rural, las galerías fueron las grandes protagonistas de arteBA. Este año, estuvieron ubicadas en el cuerpo principal de la feria, en el sector U-TURN Project Rooms by Mercedes-Benz, Arcos

+ Garrafa de Javier Bernasconi, Galería Aldo de Sousa. www.aldodesousa.com.ar

+ Instalación Sueños de vidrio de Nushi Muntaabski en el espacio de Patio Bullrich.

Dorados Solo Show y en el Barrio Joven Chandon, la sección de la feria destinada a los artistas emergentes.

La sección Arcos Dorados Solo Shows fue la apuesta de McDonald’s, que convocó en el marco del Concurso Arcos Dorados de Pintura Latinoamericana a jóvenes talentos de la región y sus galerías representantes. Pablo León de la Barra -curador independiente, crítico, investigador y editor mexicano- seleccionó a cinco artistas jóvenes de Brasil, Chile, México, Perú y Venezuela para este nuevo formato. Los jóvenes talentos concursaron por el Premio Adquisición de U$S 15 mil y, también, participaron junto a sus galerías representantes en la nueva sección Solo Show de Pintura Latinoamericana. El ganador fue Iosu Aramburu, artista peruano representado por la galería 80m² Arte & Debates, de Perú.

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+ Serie Back to the future 2 2011 de Irina Werning, Galería Miau Miau. www.miaumiauestudio.com

JUVENTUD, ARTÍSTICO TESORO Año tras año, el Barrio Joven Chandon estimula la producción de arte joven, apoyando aquellos emprendimientos nuevos, diferentes o alternativos al esquema tradicional de exhibición y venta de obras de arte contemporáneo. De este modo, se alienta al crecimiento y profesionalización de los espacios/galerías dentro del ámbito cultural.

El comité de selección de Barrio Joven Chandon 2012 estuvo integrado por Akio Aoki (director galería Vermelho, San Pablo, Brasil), Diego Bianchi (artista, Argentina) y Eva Grinstein (curadora independiente, Argentina), el cual seleccionó diecisiete galerías/ espacios para exhibir las obras de más de ochenta artistas latinoamericanos.

Marina Alessio y Nicolás Barraza son los directores de Mite, una de las galerías del Barrio Joven, quienes comentaron: “Estuvimos por tercera y última vez en el Barrio Joven, el año que viene esperamos pasar hacia el otro lado. En esta edición, expusimos las obras de cinco de nuestros artistas, entre ellos, Marcela Sinclair, Sol del Río y Octavio Garabello”.

Barrio Joven Chandon suele contar con grupos que exponen sus obras, como es el caso de Rayo Lázer, un colectivo de artistas que se presentó por segunda vez en arteBA. Nicolás Sarmiento, uno de sus miembros, comentó sobre el resultado de estar en la feria: “Sirve como cualquier muestra; cada vez que participo me doy cuenta de cómo funciona según el contexto, si es una galería,

o una muestra. Las obras entran en diálogo con el contexto. Eso, en cuanto a lo que producís. Es como cualquier instancia de exposición”. Respecto del aprendizaje entre su primera experiencia en arteBA y la edición 2012, dijo: “Hay mucho aprendizaje, de todos lados, cómo montar, cómo presentar. El año pasado éramos ocho artistas. Pero había algo en el montaje que no funcionó. Luego, el grupo se modificó y, esta vez, la muestra se volvió más específica.

No es una galería, es una muestra que organiza Rayo Lázer”.

Eva Grinstein, una de las curadoras del Barrio Joven Chandon, comentó sobre el resultado de su trabajo: “Recibí comentarios muy buenos. Varios me dijeron algo que coincide con el objetivo que se tuvo a la hora de seleccionar, que es articular las propuestas muy jóvenes y descontracturadas, con las que quieren ser más serias.

Logramos mantener el equilibrio entre estas dos tendencias. Me parece que este año, el barrio joven no fue completamente hippie, como pasó en otros, ni lo contrario. Yo, desde adentro, te puedo decir que buscamos hacer este balance y lo logramos”.

Otro de sectores destacados fue el Bar Chandon, que eligió a un artista plástico consagrado, Pablo Reinoso, para exhibir la obra “Reflejos del Infinito”. Si bien se trató de un trabajo especialmente desarrollado para esta edición es, al mismo tiempo, un eslabón más dentro de la cadena significante del artista. En la obra de Reinoso abundan las curvas y los firuletes, dando como resultado intervenciones que se articulan con el espacio público. En esta oportunidad, el trabajo construyó un espacio, el Espacio Chandon, que también funcionó como bar dentro de la feria.

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+ Obra de Johanna Calle, Galería Casas Riegner. www.casasriegner.com

+ Obras de Eduardo Basualdo y Daniel Jackson en PSM Gallery. www.psm-gallery.com

U-TURN PROJECT ROOMS BY MERCEDES-BENZ Mercedes-Benz presentó por segundo año este proyecto que busca promover el intercambio creativo, y fomentar el mercado del arte en la región, no sólo para dar visibilidad a la producción de artistas jóvenes y consolidados, sino también para romper con el confinamiento de los espacios expositivos cerrados, mediante la inclusión de medios como la escultura y la intervención.

Con este objetivo, Mercedes-Benz invitó por segunda vez a Abaseh Mirvali, curadora de arte norteamericana, quien realizó la selección de galerías que formaron parte del proyecto y del programa artístico completo presentado en arteBA 2012. Este año, U-TURN reunió la obra de veinticuatro artistas, representados por doce galerías de Argentina, Brasil, España, México, Dinamarca, Suiza, Colombia y Alemania.

Entre ellos, los argentinos Sofía Bohtlingk, Diego Bianchi y Mauricio Lupini; la colombiana Johanna Calle; los españoles Jorge Méndez Blake, Jose Dávila y Gonzalo Lebrija; los mexicanos Tercerunquinto (Julio Castro, Gabriel Cázares, Rolando Flores); y los suizos Saâdane Afif, Alexander Wagner y Kilian Rüthemann. “El concepto que conduce U-TURN es la exploración de la línea y sus posibilidades, traducidas en dispositivos expresivos que van de lo poético a lo gestual. Además, U-TURN se plantea como un juego sobre la delgada línea que demarca la apariencia, la ilusión y la realidad del objeto material”, comentó Abaseh Mirvali. + www.mercedes-benz.com.ar

+ Instalación de Mauricio Lupini, Galería Ignacio Liprandi. www.ignacioliprandi.com

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+ SPLATTER MORFOGENÉTICO/ARLT MASCHINE de Silvina Aguirre, Laura Bilbao, Roberto Conlazo y Lux Lindner, ganador del Premio arteBA Petrobras de Artes Visuales: UNÁNIME.

RECONOCIMIENTOS También se presentó la novena edición del Premio arteBA Petrobras de Artes Visuales: UNÁNIME. Bajo la dirección de Victoria Noorthoorn, se convocó a artistas argentinos de todas las disciplinas a explorar las posibilidades de la colaboración y la experimentación, generando proyectos inéditos, a partir del diálogo entre tres o más artistas, cuya colaboración fuese, asimismo, inédita.

En concordancia, se convocó a un comité de selección de intelectuales, todos ellos creadores de punta dentro de sus ámbitos, desafiándolos a ponerse de acuerdo. El comité estuvo integrado por los artistas visuales Fernanda Laguna y Patricio Larrambebere, la escritora y crítica María Gainza, la escritora e investigadora Ana Longoni, el curador independiente Javier Villa, el escritor Rubén Mira, y los directores de teatro y dramaturgos Emilio García Wehbi, Mariana Obersztern y Rafael Spregelburd.

El ganador de la novena edición del Premio fue SPLATTER MORFOGENÉTICO/ARLT MASCHINE, presentado por Silvina Aguirre, Laura Bilbao, Roberto Conlazo y Lux Lindner.

Otro de los reconocimientos celebrados en arteBA 2012 fue el realizado en el stand EspacioArte de Aeropuertos Argentina 2000. Allí, se rindió homenaje al artista plástico Julio Le Parc, con dos de sus obras más importantes, material de archivo, fotos, videos, libros y entrevistas inéditas.

Se trata de uno de los artistas más importantes de la década

del sesenta. Es cofundador del Grupo de Investigación de Artes Visuales (GRAV), creado en 1960 en París, Francia. En 1966, el jurado de la Bienal de Venecia le otorgó el gran premio a la pintura. Julio Le Parc, artista geométrico y cinético, trabaja desde hace más de cincuenta años con la luz, el movimiento y la participación del público. Su arte cinético y monumental lleva consigo una dinámica comparable con la de los aeropuertos, donde el movimiento de las personas, las grandes superficies vidriadas y los cambios de luz producen secuencias visuales de continua transformación.

A modo de resumen, Coverti comenta: “La nueva infraestructura de la feria, que se estrenó en 2012, permitió una mejor apreciación de la oferta presentada por las galerías, y alineó a arteBA con eventos internacionales de estas características.

Hubo una importante presencia de coleccionismo internacional, que aprovechó la feria para incorporar piezas a sus colecciones, y participó activamente del VIP Program, que ofrece la Fundación arteBA. A puertas cerradas, se iniciaron las compras de empresas y museos que, cada vez, se suman más a los programas de adquisiciones en los días previos a la apertura oficial de la feria, momento en el cual se hizo el mayor volumen de compras, tanto de las empresas como de los coleccionistas particulares”. + www.arteba.org Para ver la cobertura completa de arteBA 2012 por 90+10, visitar www.90mas10.com/arteba-2012

Link a la nota: http://9010.co/arteba-12

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Arnet en arteBA 2012 La oportunidad de ser artistas

Como en ediciones anteriores, también en 2012 la banda ancha de Telecom fue parte de arteBA, con una serie de experiencias lúdicas y participativas en torno del Premio Arnet a Cielo Abierto, con una propuesta de fuerte dimensión tecnológica. | Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina Fotos: Maia Croizet @MaiaWATIO

En el marco de su programa cultural, Arnet convirtió su stand en arteBA 2012 en un taller lúdico, donde los visitantes trabajaron codo a codo con los artistas ganadores de las ediciones anteriores del Premio Arnet a Cielo Abierto – Esculturas e Instalaciones, para imaginar y proyectar una obra en vivo. Con este objetivo, el espacio fue ambientado con las reproducciones a gran tamaño de las tres obras ganadoras del certamen, en sus ediciones 2009, 2010 y 2011.

La propuesta fue imaginar una escultura para la cuarta edición del Premio Arnet y la ciudad elegida fue Rosario, en Santa Fe. Con dicho objetivo, cada uno de los artistas convocados realizó dos talleres, donde se trabajó a partir de los elementos que hacen

a su lenguaje y trabajo habituales.

Entre los artistas convocados, estuvo Marcela Cabutti, quien obtuvo el 1º Premio Arnet en 2009. Su propuesta tuvo que ver con proyectar esculturas a partir de pequeños pétalos de flores. Luego, Juan Carlos Ochoa, ganador en 2010, trabajó con varillas de acero de distintos tamaños y, por último, el artista Miguel Ángel Rodríguez, galardonado en 2011, construyó juguetes escultóricos con la gente.

Estos talleres dieron como resultado distintos modelos posibles de proyectos para la próxima edición del Premio Arnet. Luego, cada una de las propuestas fue fotografiada frente a una imagen de la

ideas creativas

ciudad de Rosario que ambientaba el espacio, para luego ser grabado y proyectado en forma permanente en el stand, además de pasar a formar parte de los proyectos imaginados a cielo abierto en el Website de Arnet.

Sin duda, se trató de una propuesta creativa, integradora y participativa, donde los visitantes de la feria tuvieron la oportunidad de crear y, al menos por unos momentos, dejar de lado el papel de espectadores, para pasar a ser artistas. Esta atractiva propuesta dio como resultado una gran fila de artistas en potencia listos para participar.

ARTE + TECNOLOGÍA Asimismo, el espacio Arnet en arteBA 2012 también contó con una pantalla “touch screen” de gran tamaño, que mostraba la imagen del espacio al aire libre de la ciudad de Rosario, próximo destino de la obra ganadora de la cuarta edición del Premio Arnet a Cielo Abierto 2012.

Los visitantes fueron invitados a dibujar con su dedo índice sobre la misma pantalla un proyecto escultórico para ese espacio público, imaginando una posible escultura para el certamen. Mediante un programa especial, cada usuario creó distintas formas, utilizando variedad de texturas y colores, que otorgaron materialidad y mayor veracidad a su proyecto virtual. El boceto de cada proyecto fue grabado y proyectado en forma permanente en el

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Espacio Arnet.

CONOCIENDO A GUSTAVO BRUZZONE En el marco del ciclo cultural de Arnet y como parte de las actividades en arteBA 2012, se llevó a cabo una entrevista pública a Gustavo Bruzzone que, además de ser juez, es un referente para la nueva generación de coleccionistas, ya que modificó los preconceptos sobre la actividad, democratizándola. El curador Máximo Jacoby fue el encargado de entrevistarlo, y hablaron sobre las nuevas formas de coleccionar arte, con gran asistencia de público.

A CIELO ABIERTO El Premio Arnet A Cielo Abierto - Esculturas e Instalaciones sigue recorriendo el país, afirmando su carácter federal. Abierto a artistas plásticos y audiovisuales, fotógrafos, diseñadores y arquitectos, el premio busca no sólo destacar la labor de los creadores, sino también embellecer el espacio público, mediante la donación de la obra ganadora, para que forme parte del al patrimonio cultural de todos los argentinos.

Su primera edición fue en 2009, y resultó ganadora la obra “Pasionaria”, de la artista Marcela Cabutti, la cual fue donada a la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, y hoy se encuentra emplazada en forma definitiva frente a la Colección Fortabat, en el Dique 4 de Puerto Madero. Al año siguiente, la obra “...de la orilla”, del artista Juan Carlos Ochoa, obtuvo el primer premio, y fue donada

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al Municipio de Tigre. Hoy, puede ser apreciada en el predio que, sobre el Río Luján, ocupan el Museo de Arte de Tigre y el Honorable Concejo Deliberante de ese municipio.

Por último, en 2011, la sede del premio fue la provincia de Córdoba, lugar donde se ubica el proyecto ganador “Paisaje Ambulante”, cuya autoría pertenece al arquitecto y artista Miguel Ángel Rodríguez. La obra fue emplazada en el Parque las Tejas de la capital cordobesa y fue inaugurada en noviembre del año pasado. Para 2012, el premio se muda a la ciudad de Rosario, provincia de Santa Fe, y contará con el marco institucional del Municipio de Rosario y su Secretaría de Cultura, el Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino y el Centro de Expresiones Contemporáneas (CEC).

LAS OBRAS POR SUS AUTORES La obra “...de la orilla”, del arquitecto y escultor Juan Carlos Ochoa, obtuvo el primer premio en 2010 y fue donada al Municipio de Tigre. Sobre el trabajo, una escultura que simula juncos, realizada en metal, Ocho comenta: “La pretensión fue resaltar la identidad del junco de Tigre, que pasa inadvertido, es un espectador constante, no relevante. Mi idea fue llamar la atención sobre el junco como personaje importante del paisaje del Delta, destacarlo”.

Miguel Ángel Rodriguez nació en 1959 en Córdoba, pero vivió toda su infancia en La Rioja. Se recibió de arquitecto en la Universidad Nacional de Córdoba, donde también estudió arte, y participó en laboratorios y clínicas con artistas reconocidos. Fue el ganador del Premio Arnet a Cielo Abierto - Escultura e Instalaciones en

2011, con su trabajo “Paisaje Ambulante”.

“Como resultado de haber elaborado una serie de objetos en pequeño formato acerca de la identidad y del paisaje, tomó fuerza en mí la idea de realizar algunos proyectos a gran escala para espacios públicos, al verificar que el cambio de dimensiones los cargaba de una fuerza y de una potencia que los hacían factibles si se los ubicaba en un espacio estratégico como un elemento más o un equipamiento”, explica Rodriguez sobre su trabajo. “Entonces, concebí este proyecto, quitándole la carga y la connotación de la obra plástica. La propuesta que planteo es la de emplazar un objeto de gran tamaño, en el que pretendo trabajar, por un lado, con una morfología simple y despojada, con una estructura formal significativa, sin detalles ni intenciones de representar sino de significar, es decir, un juguete de grandes proporciones, inserto en el paisaje de un parque urbano”.

Para el artista, “Paisaje Ambulante” es una obra pensada para que quien la observe encuentre distintos significados y se conmueva al relacionarla con vivencias personales. Sus ruedas tienen la intención de insinuar un paisaje que se mueve, que cambia, que se traslada, que es pasible de ser mejorado y planificado.

PASIÓN POR LAS FLORES La artista plástica y escultora Marcela Cabutti fue la ganadora del Premio Arnet a Cielo Abierto del 2009, con su trabajo “Pasionaria”, una flor gigante construida en metal, que hoy se encuentra emplazada en Puerto Madero. Fue parte de las actividades de Arnet en arteBA, con dos propuestas que remiten a los barcos y, nuevamente, las flores.

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+ Paisaje Ambulante, de Miguel Ángel Rodríguez (premio Arnet a Cielo Abierto 2011).

+ Pasionaria, de Marcela Cabutti (ganador Premio Arnet a Cielo Abierto 2009).

+...de la orilla, de Juan Carlos Ochoa (ganador Premio Arnet a Cielo Abierto 2010).

+ Contanos sobre la obra que te valió el premio Arnet en 2009.

MC Fui la ganadora del primer concurso de Arnet Esculturas a Cielo abierto durante el año 2009. Mi experiencia luego de este premio fue realizar, durante dos años consecutivos, talleres de acciones participativas, dirigidos al público durante la feria de arteBA.

cada una de sus partes, fragmentos o módulos, para reproducirla materialmente a partir del uso de caños, tapas y termomoldeados plásticos. Estos últimos, fueron realizados en el Taller de Utilería y Escultura del Teatro Argentino, con la colaboración de Julio Ricciardi y Mariano Rómulo.

+ ¿En qué consistieron los proyectos presentados en arteBa 2011?

MC El primero de ellos es un proyecto que se llamó “Barcos_ Deseos”, donde se exhibía un barco de madera que simulaba ser de papel. El público fue invitado a recordar cómo se hacían los barcos de papel y, luego de hacerlos, se les pidió que escribieran un deseo en uno de sus lados, como si el arte tuviera la capacidad de hacer realidad los deseos de las personas. Los mismos eran botados simbólicamente en una urna. + ¿Cuál fue el cierre de la obra?

MC Dichos deseos son copiados y guardados para hacer un libro, “El Libro de Deseos”, que será un libro de artista, donde se incluirán todas las experiencias y los deseos acumulados durante un largo período de años. Finalmente, los barcos fueron botados en el río, frente a la ciudad de Itatí, en la provincia de Corrientes. + Contanos sobre el trabajo con pétalos de flores.

MC La actividad denominada “Juego de Pasionarias - Acción participativa” consta de 440 piezas plásticas rojas. Dichas piezas surgen de la obra “Pasionaria”. Parto de una observación minuciosa de la flor de la pasionaria y de la escultura, y la simplifico en

Link a la nota: http://9010.co/arnetarteba-12

+ ¿Cuál es el objetivo del juego, si es que lo tiene?

MC “Juego de Pasionarias” es un juego de combinación muy indeterminado en cuanto a lo que realizará cada espectador con los distintos módulos o partes de la planta pasionaria. La idea es generar otras asociaciones, más allá de la flor original. La división formal de la morfología de la pasionaria -como lo son las corolas, los pistilos, los ápices, las hojas, los pétalos y los tallos- busca simplificar, para que sean piezas formales válidas por sí mismas. La actividad se completó con la toma fotográfica de estas nuevas morfologías delante de un fondo de la rotonda de la Av. Francia y Av. de la Costa, en la ciudad de Rosario, donde será emplazada la próxima obra ganadora del concurso Arnet 2012, estimada para noviembre. + ¿Qué nos podés contar sobre tu experiencia dentro del espacio Arnet de arteBA 2012?

MC Mi experiencia en la feria y en el espacio Arnet siempre es muy auspiciosa y genera mucha energía, no sólo por la manera en la que la gente participa, sino también por las reflexiones que obtengo a nivel del proceso de trabajo como artista. El marco de la feria es un lugar de encuentro con artistas y público de todo el país, por lo cual siempre disfruto con mucho compromiso mi trabajo. + www.arnet.com.ar

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PuroDiseño 2012

Nuevos talentos, eco y futuro Una curaduría afianzada, una fuerte presencia de provincias ajenas a Buenos Aires, el compromiso ambiental de siempre y una experimentación con vistas al futuro, fueron los ejes de la feria PuroDiseño 2012. Del 14 al 20 de junio, La Rural volvió a ser una meca de inspiración para los 100 mil visitantes que pasaron por el pabellón amarillo. Aquí, los destacados. | Texto: Natalia Iscaro @Natusfila Fotos: Adri Godis Photography @adrigodis

“Vení a ver el trabajo de los que ven lo que nadie ve”, proponía la publicidad de PuroDiseño de este año. Entre promesa y provocación, la consigna supo poner el foco en lo que los profesionales y público en general esperan de una feria que se presenta como el espejo del diseño latinoamericano: un sitio donde encontrar lo mejor, lo más destacado, lo distinto.

deció la ausencia de propuestas repetidas, y celebró notables productos de creación provincial, una propuesta sustentable que se supera año a año, el compromiso de artistas de diversas disciplinas para esbozar una mirada al futuro, y las diversas –algunas más logradas que otras- ideas para los más chicos, que en esta edición pisaron fuerte.

“Viví la inspiración hecha diseño”, agregaba la doceava edición de una feria que no cesa en recabar adeptos, locales y extranjeros. Y así, en una época en que el “hand made” se impone como una actividad de ocio –capaz, incluso, de transformar al hacedor en emprendedor-, el evento pone su eje, también, en cómo el público que la visita puede sentir que aquí se “inspiran” sus mejores ideas.

Y acaso la joyita fue La Selección, con piezas innovadoras, por primera vez curada por el INTI, sumado al espacio de Masisa Lab con la Corporación Tarugo, junto a la experimentación de un destacado trío de arquitectos. Todo en el pabellón amarillo de La Rural, el mismo espacio céntrico que del 14 al 20 de junio, tiñó su entrada central una muchedumbre ansiosa por encontrar “lo último”, y que para eso formó fila, largo y tendido. ¿Qué vieron una vez adentro?

400 expositores, charlas, talleres, mesas redondas, y una experiencia que invita a regresar en la próxima edición.

Puede decirse que la feria reiteró su compromiso con su origen autoproclamado: “puro diseño”. En este sentido, el público agra-

ideas creativas

+ 105 diseño

+ Corporación Tarugo. Foto: Gentileza Masisa Lab www.facebook.com/masisalab

CURADURÍA PUNTILLOSA El Comité Curador se asentó en su labor. El trabajo de selección fue minucioso, e incluyó más de diez jornadas de trabajo en Buenos Aires y el interior del país, todo lo cual resultó en una feria más puntillosa, prolija y equilibrada, algo que el resultado de la feria de este año agradeció.

El team selector estuvo integrado por Benito Fernández (creador de su marca textil homónima), Enrique Avogadro (director de Industrias Creativas y del CMD), Mónica Cohen (arquitecta y directora de Remade in Argentina), Julio Oropel (arquitecto), Luz Arias (diseñadora de joyas), Min Agostini (diseñadora de indumentaria) y Marina Massone (diseñadora industrial y de joyas), encargados de seleccionar a cada uno de los 400 stands que se recorrieron en La Rural.

UNA FERIA FEDERAL El citado comité selector no sólo reclutó diseñadores del interior del país que pudieran estar presentes en el evento, sino que además se complementó con charlas y devoluciones sobre cada propuesta particular. Una iniciativa con resultados palpables en los espacios de cada provincia, pero además, un compromiso con la creatividad a nivel nacional.

Entre las propuestas más destacables, estuvo la de Corrientes, donde los hermosos tejidos de Lucía Beláustegui, en prendas y carteritas, invitaban a experimentar el sentido del tacto. No se quedaron atrás Jujuy, Salta, Santiago del Estero y Chaco. Por su parte, Tucumán tuvo su momento de celebración, cuando la firma Margarita Tejidos, de Margarita Velázquez, fue elegida como la Mejor Diseñadora de las Provincias. Sus piezas fueron destacadas por utilizar lanas locales -tejidas en telar, y complementadas con otros materiales-, las cuales tiñe a partir de cebolla y remolacha.

A ella se sumaron otros 27 diseñadores, de rubros diversos, con el

apoyo del IDEP (Instituto de Desarrollo Productivo de Tucumán).

STANDS DESTACADOS Los stands también buscaron lucirse. La ambientación más llamativa –donde los caminadores frenaban la caminata de lleno, para procurar entender el concepto, fue la propuesta de Visceral. Como en una carnicería de barrio, carteras, zapatos y accesorios se disponían bajo la mirada del público. ¿La materia prima? El mondongo.

“Transformamos algo desagradable en un objeto de deseo”, aportan Lori Carini y Nahuel Correa, socios y creadores que, con delantal y gorra de carnicero, atendían a los visitantes.

Por su parte, en Doris Viñas –desde hace poco en el SFMoMA (Museo de Arte Moderno de San Francisco), el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y el MoLAA (Museum of Latin American Art) de California- se reforzó el concepto de sus petos, colgantes, aros y anillos elaborados a partir de cierres, con una ambientación que también sumó la misma premisa. Y los joyeros se unieron a la interactividad con la propuesta “Joyeros en acción”, donde el público pudo crear collares, anillos y aros.

En Vacavaliente, el negro del armado contrastó con los coloridos animalitos de escritorio de la firma, elaborados con cuero reconstituido y tintes naturales. Los ganadores de los premios de Mejor Stand fueron Steampunk Deco, para menos de 9m², con un muro tapizado de páginas de libros antiguos, como marco para la presentación de sus muebles antiguos reciclados; y para más de 9m², la firma Cozito, creadora de accesorios para tener cerca la cartera.

LA REVELACIÓN El Premio Revelación PuroDiseño, de los más esperados, se lo

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+ Espacio Sustentable. www.remadeinargentina.com.ar

llevó Animaderos, firma creadora de unos simpáticos animales sobre la base de maderas recuperadas o provenientes de eucaliptos de reforestación, clavos, imanes y descartes del proceso de fabricación de arandelas. “Fue una gran sorpresa, aunque después de las palabras de introducción de Gonzalo Fargas (NdA: director de 90+10 y encargado de seleccionar el Premio PuroDiseño Revelación), empecé a fantasear con que el premio podía ser para Animaderos. Después fue todo alegría y emoción”, cuenta Flavio Siganda, diseñador de estos animales y gatos que, además, suman la cualidad de poder transformarse, invitando así al usuario a intervenir lúdicamente al objeto.

nueva vida y se volvían más accesibles para el público.

“Son objetos difíciles de clasificar, pero que despiertan la atención por su expresividad, lograda con mínimos recursos formales y materiales, potenciada a partir del movimiento”, agrega Siganda, quien ya trabaja en bocetos y prototipos para extender el reino animal de Animaderos, y también para sumar seres imaginarios. Y concluye: “Esta propuesta nació y se hizo a pulmón, y con mucho corazón.

Es la manera que encontré de expresar sentimientos profundos. El resultado es auténtico, verdadero, y esto es fundamental para mí”, concluye feliz, el ganador.

EL FUTURO Un lugar especial mereció la consigna de pensar cómo será el diseño en el futuro. Así, los participantes de la consigna Espacio del Futuro, donde diseñadores consagrados mostraron sus creaciones, y también dieron una clínica interesante. En la muestra propiamente dicha, los diseñadores presentaron un producto que para ellos definía la tendencia, para que el público puediera ver cómo cada diseñador aprecia el futuro a través del objeto elegido. Ellos fueron: Celedonio Lohidoy, Cora Groppo, Federico Churba, Sandra Rudelir (Humawaca), Celeste Bernardini, Cristián Mohaded, Patricio Lix Klett (La Feliz), Leticia Churba, Débora Hirsch, Gustavo Stekolschik, Mara y Matías Zuckermann (Perfectos Dragones) y Martín Churba (Tramando).

LA TRAYECTORIA Quien dice merecido, en este caso dice eso, y más también. El team Monoblock fue el digno ganador del Premio Oro PuroDiseño 2012, además del Premio al Objeto. Una consigna que supo entender el boom de la ilustración como disciplina artística, pero que, además, aportó su vuelta de rosca: sumando a las creaciones de destacados ilustradores y artistas jóvenes, del país y el exterior, un nuevo soporte: objetos y piezas de la vida cotidiana, que de esta forma, cobraban

Autodefinida como “Industry of Imagineering”, Monoblock nació en 2004, de la mano de Vik Arrieta (ilustradora) y Pablo Galuppo (diseñador y emprendedor), pareja creativa y de corazón, que encontraron un modelo editorial distinto, con una mirada lúdica y siempre esperanzadora, en su búsqueda de un mundo superador y feliz. Algo que plasmaron en sus cuadernos y más tarde en latitas, pins, bolsos, carteras, remeras, portavasos, individuales, juegos y skins. Se sumó otro homenaje a Ron Arad, con un espacio con algunos de sus productos y un video donde se mostraba su trayectoria.

SUSTENTABILIDAD Por cuarto año consecutivo, la arquitecta Mónica Cohen y la feria presentaron el Espacio Sustentable, que fusiona creatividad, sustentabilidad y responsabilidad social. Bajo la inspiración del concepto “Mandala”, se creó un espacio para exhibir las últimas tendencias en eco-diseño.

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+ Carteras de Humawaca en el Espacio del Futuro. www.humawaca.com

¿El objetivo? Que este arte milenario brinde las herramientas para el centramiento y la integración, para vivir mejor todos los días.

Se propuso como material al bambú, para demostrar toda su potencialidad con un nuevo sistema constructivo mediante conectores, que fue presentado por el estudio de Agustín Albarracín. La propuesta incluye el reúso de los CDs “scrap” de la empresa Bronway Technology, y las bases de cemento se presentaron como un nuevo paradigma en diseño. Entre los expositores eco, se lució la propuesta de Corchetes, firma que desarrolló una lámpara pin, elaborada a partir de corcho. Y Chuzza, con una especie de triciclo XL, elaborado a partir de su experimentación con el bambú. Wé Diseño, con su propuesta original, se quedó con el Premio a Diseño Sustentable.

Masisa Lab, laboratorio de innovación de la empresa productos de tableros de madera y arquitectura interior, se presentó junto a Corporación Tarugo. Julio Oropel, Eduardo Aldacour y Juan Azcue fueron los arquitectos que convocaron para intercambiar experiencias y potenciar energías para realizar proyectos de exploración de oportunidades. Las piezas de mobiliario resultantes de la iniciativa fueron presentadas en el espacio de la firma: 12 prototipos únicos con nuevas metodologías.

LOS NIÑOS En esta edición, el diseño para los más chicos fue una de las categorías que más sorprendió por sus apuestas y propuestas. Se lució Vasërdelona, en su debut en la feria, con muebles de estilos nórdicos de terminación impecable. También Intorno, con unas prácticas y estéticas barandas para camas y cunas. En mobiliarios, Ático Deco y Textiles para Niños también presentó cunas, estantes y cajoneras de terminación prolija y estética cuidada. Algunos lindos banquitos

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pintados y juguetes de madera en Champignon, y los hermosos textiles y estampados de Lalala Kids. Muebles, textiles, deco y juegos de una propuesta que se afianza.

DISEÑO ESPIRITUAL En el Espacio Sustentable, Mónica Cohen presentó su Manifiesto de Diseño Eco-Espiritual, una forma de compartir una línea de pensamiento y una filosofía para el diseño actual. ¿La propuesta? Diseñar para el propio ser interior, de manera positiva, eco-consciente, pacífica, solidaria y eco-artesanal. Aprender a inspirarse en la naturaleza y en sus procesos. Producir en escala humana y fiel a nuestra propia belleza interior. Integrar materia y espíritu en una nueva forma de diseño. Diseñar en libertad, y encarnar uno mismo el cambio, permitiendo que los acontecimientos nos modifiquen. Estar abiertos. El manifiesto puede descargarse de: www.cienporciento.net/remadeinargentina BALANCE Con una presencia auspiciosa, la feria PuroDiseño crece año a año.

Acaso tironeada por sus dos tipologías de visitantes: un púbico no especialista, que busca encontrar las novedades del mercado y, por otro lado, un público experto, que busca herramientas para seguir trabajando; y procurando encontrar el equilibrio para no resignar asistentes, ni tampoco perder calidad. Experimentaciones y propuestas novedosas siempre serán bienvenidas, con la búsqueda de marcas que puedan estar presentes –al fin de cuentas, la feria debe ser rentable-, pero desde un lugar innovador y creativo. Nuevos talentos, eco y futuro: un mix, hasta hoy, interesante. Estrellas consagradas y talentos nóveles se cruzan en los pasillos de una Rural donde las colas llegaron a la Av. Santa Fe. Que así siga, en la próxima edición. + www.feriapurodiseno.com.ar

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Piezas innovadoras en PuroDiseño Los colores de La Selección

El Observatorio de Tendencias INTI, en conjunto con el Centro INTI Diseño Industrial, desarrolló el proyecto curatorial y montaje de la edición 2012 de La Selección, espacio que anticipa a los futuros referentes del diseño en todas las disciplinas en la Feria Puro Diseño. | Texto: Natalia Nupieri @natinupieri, investigadora del Observatorio de Tendencias INTI

Conscientes de que la innovación en Argentina abarca todo el mapa, la elección de los participantes buscó desplegar un panorama del diseño contemporáneo a nivel federal, para seis rubros de diseño: indumentaria, calzado, accesorios, joyería, objetos y mobiliario.

niendo sus productos una relación muy coherente con el contexto y lenguaje cultural de la región a la que pertenecen. En este sentido, la convocatoria reunió a diseñadores que producen en ocho de nuestras provincias, más la Ciudad de Buenos Aires.

Entre los diseñadores que integraron este espacio de difusión, hallamos a Victoria Romero, de Rosario, Jezabel Gerik, de Córdoba, y Uchi Bolcich, de Bariloche, Río Negro (indumentaria); Lorena Sosa, de Tucumán, Oliva, de Salta, y Lucía Belaústegui, de Corrientes (accesorios); Augusta Peterle Joyas Diseñadas, de Mendoza, Grama, de Buenos Aires, y Ansiosa Hormona, de Tucumán (joyería);

By Juana, de Rosario, Pilo y Hermanas Águila, de Buenos Aires (calzado); Jannello Editora, de Buenos Aires, y Sinapsis, de Córdoba (mobiliario); Silo Fieltros, de Provincia de Buenos Aires, y Alejandro Morassi, de Mendoza (objetos).

La Selección fue pensada como un juego de módulos cúbicos: seis boxes de madera, cada uno compuesto de seis productos pertenecientes a cada rubro, organizados por colores y/o materialidad, que generaron una lectura homogénea de los productos. Asimismo, un contrapunto en los tonos elegidos, donde juegan pares de opuestos complementarios: blanco/negro, dorado/plateado, madera rústica/ acrílico transparente, apuestan a una paleta diferente, sorprendiendo por lo depurado y sobrio de su imagen. Esta elección de colores y materialidades -sumada al requerimiento de innovación en torno a esos materiales-, logró despegar a cada diseñador de su zona de confort, dando como resultado productos descontextualizados, con una nueva mirada sobre las texturas y estructuras, sin dejar de lado las técnicas y el sello de cada uno.

Estos diseñadores crecen inmersos en el entorno y el mercado local; su impronta recombina tanto elementos propios como globales, te-

+ 109 Los dieciséis diseñadores trabajaron sus productos habituales de una forma nueva, alterando materiales, modificando texturas, desafiándose a sí mismos en la construcción de esta propuesta, destacando la innovación de sus desarrollos y la originalidad de sus lenguajes creativos. Y fue así como Lorena Sosa creó una cartera acrílica inspirada en el anillo más emblemático de su marca, con el que se juega a desarmar el patrón, reordenando, trasformando y embelleciendo. Una silueta imperceptible. La belleza de mostrar cuando no hay nada que ocultar.

A su vez, Carola Orduña de Grama, que utiliza cuero y metal en su producción, resolvió hábilmente la tarea de incluir madera laminada en un accesorio de joyería; mientras que Silo, que normalmente trabaja en fieltro, experimentó con los acabados metálicos sobre el material, sumando así a su producción otra técnica innovadora para su proceso. También Hermanas Águila expandió la mirada creativa, al generar un par de botinetas transparentes que resignificaron el producto.

Victoria Romero incursionó en prendas que llevaban al extremo el uso de la técnica de apliques textiles con recorridos orgánicos. Para Ansiosa Hormona, el desarrollo de productos monocromo fue un paso lógico para mostrar texturas y cambios de escala, donde los tonos de blanco fueron una agradable sorpresa en su producción.

Por su parte Augusta Peterle, siempre fiel al manejo de materiales lúdicos como el acrílico, desarrolló una línea especial de peinetones llamada “Contempo”, que puso en evidencia el exitoso diálogo entre la tradición y la vanguardia.

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En mobiliario, las sillas de Jannello son una reedición de los íconos clásicos del diseño argentino en una versión moderna, donde la producción se optimiza al máximo, sin perder valor escultórico y funcional.

En el diseño de objetos de Alejandro Morassi, inspirado en las vasijas andinas precolombinas, el pico, asa y contenedor se integran en un solo volumen, logrando una unidad formal. Pilo, por su parte, creó calzados con apliques metálicos y materiales que remiten a la madera, integrando en dos piezas diferentes un mismo lenguaje de diseño.

Uchi Bolcich, con sus calados láser característicos sobre gasas, descubrió que era posible aplicar la técnica a un material sintético como el PVC, con resultados sumamente interesantes. Las carteras de Oliva cambiaron de materialidad, focalizando el trabajo en piel y metales. Y por último Jezabel, en su producción de tejidos morfológicos innovadores que redefinen al cuerpo llamada “Conciencia”, habló de la importancia de los recursos naturales como el oro y el petróleo, y sus potenciales daños a futuro.

Todos los detalles coincidieron con el espíritu de cada caja. Las texturas, materiales y colores, incluidos los avíos, remaches y terminaciones, debían cumplir con el box de premisa. Y de esta manera, cada cubo fue un mundo recreado, una experiencia creativa para el público y para los diseñadores participantes. Estas acciones son importantes tanto para conectar a los diseñadores con sus mercados potenciales, como para relacionarlos entre sí. Es en estos escenarios donde se generan las oportunidades de saber que en otras latitudes argentinas hay jóvenes talentos que también construyen todos los días un país con diseño. + www.feriapurodiseno.com.ar

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Glob-All Mix

Carteles sustentables El diseñador gráfico brasileño Felipe Taborda reeditó, para Río+20, la exposición de 30 afiches que promueven el cuidado del medio ambiente, que ya había creado 20 años atrás. El resultado es Glob-All Mix, una muestra de la que participaron artistas de todo el mundo. | Texto: Leila Mesyngier

+ Isidro Ferrer (España)

+ Hernán Berdichevsky (Argentina)

Todos somos responsables por todo que está pasando con el mundo. Todos somos parte de un todo que debemos cuidar. Este fue el mensaje que inspiró en 1992 y resurgió en 2012 en manos de Felipe Taborda, un diseñador gráfico brasileño preocupado por las transformaciones que sufre el medio ambiente.

como una forma de tener una idea mundial sobre un tema que nos es muy caro: el medio ambiente. Como funcionó muy bien hace 20 años, pensé en reeditarlo ahora, con un nuevo tema, con nuevos diseñadores y, además, aprovechando toda la tecnología de hoy”, cuenta entusiasmado Felipe.

Su proyecto “30 carteles para un mundo sustentable” fue presentado hace 20 años en la Cumbre Río-92, y reeditado semanas atrás en Río+20. Esta vez, también contó con la participación de diseñadores de todo el mundo, quienes transmitieron sus preocupaciones respecto a la salud del planeta. Así surgió Glob-All Mix, una exhibición que muestra la evolución del diseño gráfico y la sustentabilidad en las últimas dos décadas, como un modo de revelar las conquistas sociales y ambientales logradas por la humanidad.

El diseñador gráfico eligió, en ambas oportunidades, el cartel como soporte del mensaje: “Para mí y mi generación, el cartel es la forma más noble de pasar una idea visual, por eso lo elegí como base”.

Esta vez, la exposición principal se realizó en el Jardín Botánico, en Río de Janeiro, y simultáneamente se expusieron los afiches en 25 ciudades alrededor del mundo.

“Era una época de cambios globales. Así pensé en crear la muestra,

Los artistas elegidos debían cumplir con algunas características: haber aparecido en la escena artística y cultural en sus respectivos países, participar en causas sociales y ambientales, y ser internacio-

ideas creativas

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+ Jamila Varawala (India)

+ Fidel Sclavo (Uruguay)

nalmente reconocidos y premiados. En esas categorías, ingresaron Alejandro Magallanes (México), André Stolarski (Brasil), Jamila Varawala (India), David Tartakover (Israel), Diego Bermúdez (Colombia), Fidel Sclavo (Uruguay), Gitte Kath (Dinamarca), Isidro Ferrer (España), Jonathan Barnbrook (Inglaterra), Gunter Rambow (Alemania) y Hernán Berdichevsky (Argentina), algunos de los diseñadores que participaron de los 30 carteles para Río+20.

espacio azul, pero la imagen está toda rayada por encima, en diversos sentidos. Como si estuviera gastada, agredida, usada, manchada, violentada. Y en el ángulo superior izquierdo, aparece lo que simula una ventana o cuadro desplegado de computadora, donde de la variedad de ítems aparece seleccionado el Save as”, cuenta Sclavo.

Fidel Sclavo es un pintor surgido de la escena uruguaya. Obtuvo varios reconocimientos, como el Gran Premio del Salón Municipal de Montevideo, el Premio VIII Bienal de Salto y el Primer Premio en el Salón Nacional. En 1985 fue becado para estudiar en París, y luego en Nueva York. “En el afiche no me quise apartar mucho de mi expresividad plástica como pintor, donde la grafía, el rayado, las tachaduras y los garabatos son elementos recurrentes en mi obra.

Así es que en la ilustración del afiche, se ve al planeta flotando en el

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El diseñador gráfico Hernán Berdichevsky, por su parte, asegura: “El mensaje fue lo más difícil. Taborda nos pidió a todos que diseñáramos un mensaje positivo, y creo que eso fue un gran condicionante, por lo menos para mí. Mi mensaje fue claro y directo. Hay esperanza, si el sol sigue saliendo cada mañana. Mi afiche intenta mostrar eso”. Creador de diversas imágenes de marcas, reflexiona: “Aunque la gráfica del afiche esté construida por marcas políticamente incorrectas, creo que si todos podemos ver que hay esperanza en el futuro, mi misión está cumplida”. + www.globallmix.com

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Pick ups

Segmento al rojo vivo La categoría de las pick ups medianas es una de las que mayor crecimiento tuvo en este último tiempo. Toyota Hilux, Volkswagen Amarok, Chevrolet S10 y la recién lanzada Ford Ranger, son los principales actores de esta contienda. | Texto: Elvio Orellana @emorellana33

+ Nueva Ford Ranger

Nos encontramos transitando por la segunda mitad del año, y la guerra en el segmento de las pick ups ya está librada. Sólo basta con dar un breve pantallazo entre el pasado y el corriente año, para comprender cuánto ha proliferado este segmento, que tiene como principales actores a la Toyota Hilux, la Volkswagen Amarok, la nueva Chevrolet S10 y la Ford, quien fue la última de las marcas en poner a la venta a su nueva Ranger. A continuación, los argumentos más fuertes de los cuatro principales modelos que compiten por liderar la categoría de las pick ups.

DEFENSORA DEL TRONO Dice el famoso refrán “más vale prevenir que curar”. Y este podría ser un buen parangón para referirnos a la pick up de Toyota, modelo que es líder indiscutido del segmento por sexto año consecutivo, y lo que va del corriente año (1606 unidades de Hilux se patentaron en junio, según ACARA - Asociación de Concesionarios de Automotores de la República Argentina-, manteniendo el primer puesto en su categoría). Fabricada en la planta que la marca dispone en Zárate desde 1997, la Hilux revolucionó el segmento de las camionetas cuando se presentó en el 2006 totalmente renovada, con nuevo diseño, mayores proporciones y tecnología inédita.

Desde entonces, conserva prácticamente su misma estética, salvo un ligero restyling estético, allá por noviembre del 2011. Pero la irrupción de nuevos competidores, exigieron a Toyota renovar a la líder del mercado de las pick ups. Entre los elementos más importantes de la nueva Hilux 2012 se destacan, por ejemplo, los electrónicos.

De este modo, ahora se presenta con control de estabilidad (VCS) y de tracción (TRC). El otro gran cambio es el incremento en la potencia del motor de 163 a 171 CV, una modificación que mejoró

la performance del modelo. El precio de la Hilux arranca desde los $ 150 mil y asciende hasta los $ 272 mil de su 4x4 cabina doble SRV 3.0 TDI AT c/cuero.

LA GRAN RETADORA Está claro que para hablar de una batalla debe haber contrincantes, y el primero en presentarle ofensiva a la líder del segmento, fue la Volkswagen Amarok. Una contienda que empezó a principios del año 2010, cuando Volkswagen presentó a su primera pick up fabricada en su planta de Pacheco. Hace poco, VW reforzó sus ansias de ganar el tal ansiado primer puesto, con una renovada Amarok.

Entre sus actuales dotes, el principal protagonista es su motor 2.0 turbo diesel, el cual incrementó 17 caballos más de potencia y genera así una entrega total de 180 caballos (la edición conocida ya por todos tenía una potencia de 163). Esto influyó en la sensible reducción de los niveles de ruido y vibraciones. Su otra gran novedad es su flamante caja de 8 marchas, algo inédito para un vehículo en nuestro mercado. Se trata de una caja automática fabricada en Alemania, que se puede usar en modo automático, manual-secuencial, y una opción sport. Entre lo más destacado de su tecnología, se puede nombrar a su convertidor de par, a la asistencia electrónica de la misma, y a sus tres embragues, combinación que le permite ofrecer un paso de marcha veloz y preciso.

Por ultimo, en esta nueva versión de la VW se pone en estreno un sistema de tracción integral permanente 4Motion, que envía el torque al eje de mayor adherencia. Así, por ejemplo, en condiciones normales, reparte el 60% del torque en el eje trasero, y el 40% restante en el delantero. Además, la Amarok viene equipada con

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ideas creativas 113 vehículos un diferencial central que compensa distintas velocidades y fuerzas, y el sistema EDL, un bloqueo electrónico de diferencial. Todo esto permite utilizar el vehículo en cualquier superficie, siempre en condición 4×4, y le concede la soltura para poder aventurarse a trepar por empinadas pendientes, aún si dispone de una marcha reductora.

El precio de la Amarok arranca desde los $ 155 mil y asciende hasta los $ 257.900 con caja automática de 8 marchas con equipamiento full, denominado Highline.

NUEVAMENTE COMPETITIVA Por mecánica, equipamiento, tecnología y diseño, después de mucho tiempo, Chevrolet vuelve a tener un producto en condiciones de pelear el liderazgo del segmento de las pick ups. La nueva generación de esta S10 nada tiene que ver con su antecesora, y en ella se ven los claros rasgos del nuevo ADN de la marca. Es por ello, que una de las primeras cuestiones que ahora llama la atención es su diseño exterior, de líneas robustas y elegantes. Puertas adentro, y basándose un poco en el éxito que alcanzó VW de implementar confort y lujo de un auto en su camioneta, la nueva S10 repite la fórmula.

Es decir, uno encuentra detalles como computadora de viaje, control de velocidad crucero, levanta vidrios eléctricos delanteros y traseros, tapizado y volante de cuero, asiento del conductor con regulación eléctrica en 6 posiciones, columna de dirección regulable en altura, climatizador automático delantero, radio con comando en el volante con CD, MP3, mini USB y Bluetooth, entre otros. El otro argumento fuerte de la S10 se encuentra oculto debajo de su capó. Nos referimos a su nuevo motor de 2.8 litros turbo diesel CTDI de 180 caballos, el cual le otorga una robustez de marcha, con una considerable dosis de suavidad. $ 186.460 es el precio de la S10 4x2 2.8 LT, que asciende hasta los $ 258.400 en la versión 4x4 LTZ AT.

ellas, el control anti-vuelco, control de balanceo de trailer, de carga adaptativo, y de tracción/estabilidad y ascenso/descenso, entre otros.

Desde Ford, señalan que el gran secreto de la fortaleza de Nueva Ranger está en el flamante chasis de perfil cerrado, que duplica la rigidez torsional del modelo anterior. Otro plus que distingue a la nueva pick up del óvalo azul son los 80 cm de capacidad de vadeo. La Nueva Ranger se ofrecerá al mercado en 13 versiones diferentes, y su valor parte desde los $ 138.300 de su versión de cabina simple 4x2 con motor naftero de 2.5, y trepa hasta los $ 284.600 de la cabina doble 4x4 denominada Limited, con caja automática de 6 marchas. + www.chevrolet.com.ar | www.ford.com.ar/nuevaranger/ www.toyota.com.ar | www.volkswagen.com.ar

+ Volkswagen Amarok

EL QUE RÍE ÚLTIMO… Se presentó por primera vez en público mientras se desarrollaba la última edición del Salón del Automóvil en Buenos Aires, y hace semanas atrás en la pintoresca ciudad de Salta pudimos tomar contacto con ella. Dueña de un look más musculoso y moderno, la nueva Ranger es un producto global, que se encuentra enmarcado en el denominado plan One Ford, lo que significa que se fabrica en distintas partes del mundo (Tailandia, Sudáfrica y la Argentina), pero siempre sobre la misma plataforma y lineamientos similares.

Por algo más de 100 km de manejo por ciudad, ruta, ripio, trepadas y vados, pusimos a prueba a la versión más completa de la Ranger denominada Limited, aquella que viene equipada con el motor Puma turbo diesel de 3.2 litros. Y aquí hay que detenerse, porque éste es uno de sus grandes pilares, ya que con este propulsor, la Ranger pasó a ser la más potente de segmento, gracias a su motor de 5 cilindros, que genera 200 caballos de fuerza, con un torque de 470 Nm entre 1.750 y 2.500 rpm. Este motor viene acoplado a una caja automática de 6 marchas. Pero no es su única motorización, ya que se ofrece otros dos propulsores más: uno diesel de 2.2 litros de 125 caballos, y un naftero (Ford es la única marca que ofrece pick up con motor naftero) de 2.5 litros de 166 caballos.

+ Chevrolet S10

Puertas adentro, la Nueva Ranger es cómoda, está bien insonorizada y ofrece una calidad de terminaciones por encima de sus rivales.

En equipamiento, la Limited propone diferenciales como: cámara de asistencia al estacionamiento, un sistema que permite operar ciertas funciones mediante órdenes de voz, y un navegador satelital integrado. En el apartado de seguridad, no hay otra camioneta del segmento con una dotación de 6 airbags, como sí ocurre en la Nueva Ranger, en las versiones XLT y Limited.

Aunque es justo aclarar que, en contrapartida, la versión de entrada de gama (XL) no tiene ni airbags ni frenos ABS. Al margen de ello, la Ranger se destaca por una serie de asistencias electrónicas. Entre

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+ Toyota Hilux

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TYPO Berlín

“Si no es sustentable, no es diseño” La conferencia internacional de diseño de tipografías reunió a diseñadores de todo el mundo. Desde el 17 al 19 de mayo, se discutió en Berlín sobre el diseño que vale la pena hacer. | Texto: Martina Flor @MartinaFlor (*)

+ Tipografías para el proyecto Daily Drop Cap de Jessica Hische.

El tema propuesto por la conferencia internacional de diseño más grande del mundo fue “Sustain”. En su invitación, TYPO Berlín 2012 invita a descubrir la larga vida y lo constante en el diseño, presentando la discusión sobre el llamado “diseño sustentable”.

Jürgen Siebert, organizador de la conferencia, describió: “Este año, discutiremos sobre ideas, el valor más importante de las industrias creativas. Las ideas son recursos inagotables, y lo bueno de eso es que si las compartimos, se multiplican”.

El tema es definitivamente sensible, complejo e indefinido, y fue con dificultad abordado por algunos de los presentadores, y expresamente ignorado por algunos otros. Muchas veces confundido con “diseño verde” o “enviromentaly friendly”, el diseño sustentable se refiere al diseño a conciencia, con sustento; es el diseño en el que vale la pena invertir tiempo, energía y esfuerzo en llevar a cabo. O más radicalmente, como dijo el profesor Michael Hardt en su charla sobre el tópico, “Si no es sustentable, no es diseño”.

La selección de conferencistas fue variada: especialistas del branding y del diseño corporativo, ilustradores y tipógrafos, especialistas en Web y educación. El evento se alojó nuevamente en la Haus der Kulturen der Welt; el auditorio estuvo dividido en tres salas: una principal y dos periféricas, una de ellas con acceso abierto y gratuito, todas presentando conferencias simultáneas.

Las salas pequeñas presentaron charlas más específicas, relacionadas con el diseño de tipografía. Entre ellas, se pueden destacar las de dos diseñadores que explicaron el proceso detallado de la realización de sus fuentes: por un lado, la charla de la diseñadora suiza Nina Stöessinger, presentando su recién publicada tipografía “Ernestine” y, por el otro, Hanif Kureshi, con su proyecto “handpaintedtype.com”, en donde el diseñador indú busca revivir las tipografías hechas a mano por los cartelistas de India, un oficio en extinción.

La diseñadora libanesa Nadine Chahine también presentó su tra-

(*) Martina Flor es diseñadora gráfica por la FADU/UBA, con un máster en diseño de tipografía por la KABK de Holanda. Es argentina y reside en Alemania. www.martinaflor.com

ideas creativas

+ 115 diseño

bajo como especialista en scripts árabes en la fundidora Linotype, y se hicieron demostraciones de nuevos softwares para el diseño de tipografía: “Robofont” por Frederik Berlaen y Petr van Blokland, y “Glyphs” por Georg Seifert.

Hubo charlas con un enfoque más educativo, como la de la diseñadora Shoko Mugikura, que hizo una introducción al alfabeto japonés, explicando su funcionamiento y las distintas direcciones de lectura, de acuerdo a su uso. También los diseñadores y profesores de diseño de tipografía Erik van Blokland y Paul van der Laan hicieron una sesión de corrección con ojo filoso de diseños tipográficos hechos por estudiantes y profesionales, usando un juego online creado por ellos para dibujar tipografía, llamado “Type Cooker”.

En el auditorio principal, se presentaron charlas de diseño con un carácter más integral. Estuvo el estudio de diseño gráfico con base en Barcelona Two Points, que mostró su portfolio a través de la analogía entre el proceso de diseño y cómo preparar una tortilla de papas. Andy Altman, uno de los integrantes del estudio británico Why not Associates, contó el proceso de “The Comedy Carpet”, un monumento a la comedia en la ciudad de Blackpool; un proyecto increíble que duró cinco años, y fue realizado con una perfecta integración de concepto, tipografía, arquitectura y varios bloques de concreto.

Por su lado, Lärs Müller -el diseñador, tipógrafo y fundador de la editorial con el mismo nombre- presentó una serie de libros realizados integralmente por la editorial, desde el concepto hasta el diseño, mostrando y explicando su visión de porqué el libro como objeto es sustentable. Como cierre, estuvo la charla de la talentosa diseñadora Jessica Hische que, con un sinfín de palabras, habló de la relación entre el lettering y la ilustración, partes fundamentales de su trabajo.

TYPO Berlín 2012 es organizado por Font Shop, un empresa especializada en tipografía con base en Berlín y San Francisco, y forma parte de un proyecto más grande, llamado TYPO International Design Talks, una serie de conferencias a lo largo del año, incluyendo TYPO London, TYPO San Francisco y TYPO Day, convirtiéndolo en la serie de conferencias más grande del mundo. Una selección de presentaciones fue transmitida online en vivo, y aún pueden visualizarse desde http://typotalks.com/video/ El evento comenzó con una fiesta pre-conferencia, organizada por la galería tipográfica Mota Italic, un centro de reunión para la escena tipográfica berlinesa, y culminó con la habitual TYPO Night, que este año ocurrió en Alphalt Club, en donde además de la audiencia y los conferencistas, otros asistentes externos pudieron disfrutar de una noche de baile. +

+ Two Points en TYPO Berlín

+ Tapas para I Love Type Series de Two Points

TWO POINTS: EL PROCESO ES TODO La charla del estudio de diseño con base en Barcelona se centró en la premisa “El proceso es todo”, y lo hizo a partir de la analogía entre el proceso de diseño y el de hacer una tortilla de papas española.

Así, la pareja de diseñadores (Martín Lorenz y Lupi Asensio), mostró las partes fundamentales de su trabajo: un partido conceptual, la definición de elementos gráficos con los que jugar, y una serie de parámetros y reglas en los que ese juego se desarrolla. “El secreto de la tortilla de papas está en cómo se cortan las papas”, y el secreto del trabajo de este estudio está también en el proceso.

Un ejemplo de esto es la identidad creada para el Helsinki Design Lab, un laboratorio de diseño en donde convergen distintas áreas de la ciencia, para crear proyectos resultantes de la combinatoria de los distintos individuos. La identidad visual desarrollada por el estudio también presenta esta dinámica: “El trabajo realizado por Two Points para la identidad visual de Helsinki Design Lab captura la esencia del objetivo de este laboratorio: es sistemática, ágil, y se basa en un análisis preciso de los distintos medios a los que debe acoplarse”, dice su cliente, Sitra.

En su charla, mostraron un amplio portfolio de trabajos enfocado mayormente en identidades visuales y proyectos editoriales. Hablaron también de su rol como educadores, a cargo del Posgrado de Tipografía Aplicada en la Escuela de Diseño de Barcelona, Elisava.

Una parte característica del trabajo de este estudio son sus identidades visuales flexibles, que por el contrario de lo que habitualmente se entiende por identidad, su característica principal es cambiar, mutar dentro de los parámetros definidos por el sistema de diseño.

El estudio se presenta como un estudio que “quiere hacer diseño excepcional para los clientes de sus clientes”. Martín Lorenz cuenta que, muchas veces, debe aclararle a sus clientes: “puede ser que no le guste lo que ve y por lo que va a pagar, pero no lo hacemos para usted, lo hacemos para sus clientes”. Lupi Asensio remarcó un punto importante en nuestro rol como profesionales: “Debemos luchar contra el miedo de nuestros clientes a ser diferentes, a destacarse”.

Entre sus proyectos editoriales se encuentra “The one weekend book series”, un proyecto independiente cuyo concepto era producir y edi-

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+ tar a mano trabajo gráfico durante 48 horas, sin la ayuda de la computadora. Otro proyecto fue “German Graphic Design”, publicado por la Editorial ACTAR, en donde el encargo no fue sólo hacer el libro, sino definir qué era el diseño alemán y qué contenido iba a tener.

Presentaron también la serie de libros “I love”, bajo un concepto simple, pero concreto: recolectar piezas diseñadas con determinada tipografía. Así existen ya “I love Futura”, “I love Avant Garde”, “I love Avant Bodoni”, “I love Avant DIN”, “I love gill Sans” y “I love Avant Franklin Gothic”, editados en colaboración con Viction:ary.

Con respecto a su trabajo editorial, Martín Lorenz dijo que “Lo más importante de hacer un libro hoy, es que debe diferenciarse de lo que se puede encontrar en Internet, y eso se logra con la perspectiva del editor y la reflexión hecha sobre el tema. El libro tiene que ser un objeto, tiene que tener un buen tacto, tiene que estar bien producido”. En medio de una conferencia buscando definir qué es el diseño sustentable, Two Points contó, a partir de su portfolio, cómo hacer diseño con sustento. + www.twopoints.net

+ Jessica Hische en TYPO Berlín

+ Afiche para la ADC Spring Paper Expo de Jessica Hische

JESSICA HISCHE: PROCASTIWORKING Autodefinida como letrista, ilustradora, mujer loca por los gatos y secreta diseñadora Web, Jessica Hische dio una charla energética y divertida, que cerró los tres días de conferencias, con auditorio completo. La diseñadora americana con base en Brooklyn, desfiló por su portfolio compuesto por ilustración y lettering, con trabajos por encargo y proyectos personales.

Hische mostró, además, un increíble volumen de trabajo en lettering.

Empezó su carrera en Louise Filli Ltd, un estudio especializado en lettering y diseño de packaging, en donde trabajaba full time durante el día, y hacía sus proyectos personales y trabajo freelance por las noches, hasta que en 2009 decidió que su trabajo nocturno reemplazaría su trabajo diurno, y “potencialmente, podría dormir más de cuatro horas por día”.

Hische contó que posee un motor principal para trabajar llamado “procastiworking”, una combinación del término procastination (distracción, dilación) y working (trabajar), que lo define como “el acto de estar haciendo trabajo personal, cuando deberías estar haciendo otra cosa”, y explica que, en lugar de hacer ese trabajo aburrido para el ciente X, puede divertirse haciendo este otro proyecto que tanto tiene en su cabeza y que a la vez hace crecer su portfolio.

De esta manera, Jessica guarda una sección en su portfolio para varios proyectos personales. Uno de los más conocidos es “The Daily Drop Cap”, un blog en donde diariamente se compromete a hacer una entrega de una letra distinta, obligándola a la vez, a producir un volumen de diseños tipográficos que, de otra manera, no haría. Entre otros de sus trabajos conocidos, está la página “Should I work for free?” (¿Debería trabajar gratis?), una tabla digital navegable que ayuda a responder a la pregunta de muchos diseñadores y trabajadores de las industrias creativas, en donde la llamada “colaboración” e “intercambio” es moneda corriente.

Jessica considera que la mayoría de sus proyectos personales crecen a partir de “algo que me gustaría que existiera”, pero que aún no está ahí, como “Inker Liker”, una Web que reúne a todos las agencias de impresión en Estados Unidos, o un blog que enseña a diseñadores a no tener miedo a Internet, “Don’t fear the Internet”, con tutoriales sencillos para manejar construir sitios y manejar código HTML.

La diseñadora americana fue de su trabajo de ilustración al lettering y de vuelta a la ilustración, aplicado en distintos soportes, como el editorial y el cinematográfico. Uno de sus proyectos es una serie de tapas de libros a la vieja usanza, de tapa dura en cuero, realizados completamente con lettering para la editorial Sterling Publishing.

El lettering también fue el recurso que utilizó para desarrrollar una estampilla para The United States Postal Service, con letras construidas a través de una cinta, que luego atrajo a varios clientes que pedían el mismo tratamiento tipográfico. “Usé la cinta para escribir cientos de palabras a lo largo de un año”, dice la diseñadora.

El último y más reciente proyecto que mostró la letrista es el encargado por el director americano Wes Anderson para su película “Monnrise Kindom”, en donde realizó una tipografía completa y varios letterings específicos para los pósters y los títulos de presentación. Hacia el final de la charla se puso seria, e invitó a la audiencia a defender y educar para que la gente valore el diseño, y que nos comprometamos a defender nuestra práctica “no haciendo un logo por U$S 100”, o explicando porqué cuesta tanto diseñar una tipografía.

De la misma manera, Jessica nos invitó a tener una actitud proactiva como diseñadores, y a no esperar al cliente perfecto para crear ese proyecto soñado, sino a hacerlo nosotros mismos, ser nuestros propios clientes y mostrarlo al mundo, porque “lo mejor que puede pasar, es que a la gente le guste”. + jessicahische.is/awesome/

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clásicos contemporáneos

+ 117 cine

Bombay Sapphire & Tribeca Film Festival Descubriendo a los cineastas más imaginativos A través de un concurso de cortometrajes, el gin Bombay Sapphire junto al Tribeca Film Festival invita a cineastas de todo el mundo a usar toda su imaginación, para interpretar un guión escrito por el ganador del premio Oscar, Geoffrey Fletcher.

+ Geoffrey Fletcher

La competencia titulada The Bombay Sapphire Imagination Series tiene como objetivo celebrar la creatividad sin límites, creyendo en el gran poder de la imaginación. Es así que desde el 26 de abril y hasta el 1º de agosto, aquellos cineastas interesados en la convocatoria, pueden ingresar a www.imaginationseries.com y seguir las instrucciones para presentar sus ideas para un corto, según su interpretación del guión escrito por Geoffrey, que puede descargarse del mismo Website.

Un jurado internacional –que incluye al mismo Geoffrey Fletcher y otros líderes del mundo del cine-, seleccionará a cinco ganadores que podrán producir y dirigir sus propias películas, a las que se les

promete un estreno internacional a principios de 2013. “El poder de la imaginación es infinita, por lo que he desarrollado un script que puede ser interpretado en un caleidoscopio de formas. Es despojado de detalles como la descripción de los personajes y de lugares. Se deja espacio para que los cineastas puedan completar las distintas partes de la historia a su gusto. Los personajes pueden ser humanos o no, y la acción puede desarrollarse en este planeta o en otro lugar.

Todas las técnicas son válidas, hasta la animación y cualquiera de las formas que mejor expresen el concepto”, señaló el escritor de “Precious”. + www.imaginationseries.com | www.bombaysapphire.com

SAPPHIRE DRY MARTINI En un vaso mezclador con hielo, verter una parte de Martini Dry y agregar nueve partes de Bombay Sapphire. Revolver rápidamente por 20 segundos y colar en una copa cocktail.

Presentar con dos aceitunas verdes, o con un twist de limón. +

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Julio Le Parc El disfrute de las estrellas El homenaje a Julio Le Parc en arteBA, realizado en el stand de Aeropuertos Argentina 2000, ha convertido a la figura del artista en goce artístico y ocasión de estudio.

| Texto: Wustavo Quiroga. Fotos e imágenes: Gentileza Yamil Le Parc.

clásicos contemporáneos

+ 119 arte

+ Serie Desplazamientos.

Cabe mencionar su inolvidable aparición con una esfera roja en Galería Del Infinito, y su destacada participación en el Museo Nacional de Bellas Artes para la muestra “Real-Virtual”. Y aquí, es cuando se vuelve imperioso subrayar que hace tiempo Argentina tiene una deuda con su prolífera carrera.

Aún con tres retrospectivas nacionales, es muy poca la obra disponible junto con el material de aprendizaje, que se encuentra en el país, y que permite abarcar el valor multifacético de este artista. Para quienes no hayan vivido una experiencia directa con su obra, las reproducciones posibilitan tan sólo uno de los miles puntos de vista generados por su arte, precisamente, porque la mayoría de sus creaciones se componen con la presencia del espectador interactuando.

EL CAMINO DEL OBRADOR Le Parc nace en 1928 en la ciudad de Mendoza, dentro del seno de una familia trabajadora. Su padre, obrero ferroviario, le otorga una visión del mundo que para aquel chico de provincia es reveladora: el viaje como acercamiento a otras dimensiones.

Transita su adolescencia en Buenos Aires, donde comienza sus es-

tudios en la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. En 1958, llega becado a París, y descubre las vanguardias ópticogeométricas de la mano de Vasarely, Vantongerloo y Delaunay.

Radicado finalmente en Francia, funda en 1960 el GRAV (Groupe de Recherche d’Art Visuel), con quienes trabaja durante ocho años en el replanteamiento de la experiencia con el arte. Temas como la creación grupal, obras abiertas que requieren la participación pública, obras en situación que -a diferencia de la obra definitiva- existen durante el ensayo, son algunas de las revolucionarias propuestas desarrolladas en plena década del sesenta.

En esta etapa, representa a la Argentina en la Bienal de Venecia (1966), donde obtiene el Gran Premio Internacional de Pintura.

Igualmente, en el Instituto Torcuato Di Tella (1967) realiza una exposición, cuyo afiche -diseñado por Juan Carlos Romero y Rubén Fontana- es hoy patrimonio visual e ícono tipográfico. Allí, muestra su serie de trabajos conocida como “Desplazamientos”, en la que el público modifica su mirada mientras ocurre la sucesión del espacio.

En 1968, durante la revuelta del Mayo Francés, Le Parc es expulsado de París debido a su implicancia política. Sus acciones en torno a la defensa de los derechos humanos, especialmente

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+ Continuel lumière mobile, 1960 - 1966.

+ Continuel-lumière cylindre, 1962. Daros Latinamerica Collection, Zürich.

Foto: Adrian Fritschi.

contra los procesos dictatoriales en América Latina, la práctica de las actividades democráticas, y el cambio de un sistema hegemónico por otro participativo, son algunos de los tópicos que conforman su pensamiento. No obstante, meses después, el artista es recibido en la capital parisina merced a los reclamos de otros artistas e intelectuales.

En este último tiempo, sus acciones son registradas por Claudio Groppo en “Le Parc quién”, un largometraje sobre la obra del artista y la incidencia en su país natal. La filmación adquiere intervenciones realizadas en cámara por el mismo artista, con las que logra, nuevamente, distorsionar el sentido de la realidad esperada.

De joven, capta la atención e interés de críticos y artistas europeos, por lo que en 1978 consigue llevar a cabo su primera retrospectiva en Alemania. Aunque lo hace posteriormente, América no es indiferente a esta valoración. Importantes colecciones, como la de Ella Fontanals-Cisneros, del Museo de Bellas Artes de Houston o del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, se encargan de ubicar al autor con su debida importancia.

POLÍTICA DE LA IMAGINACIÓN Pensar un arte social, en términos visualmente abstractos, podría parecer lejano. En su misión por crear un arte popular, Le Parc abate las categorías estéticas, y genera un vínculo directo entre la obra y sus espectadores; tan fuerte es esta relación, que ambos existen en un mismo momento: el de la experiencia. Su planteo vanguardista genera rupturas conceptuales de la percepción, observadas en el espacio-tiempo, el color y el valor de la materialidad. Su trabajo crea una emancipación cultural y material. Utiliza la definición de arte experimental para liberarse de los términos reduccionistas como arte óptico, cinético, tecnológico o mecanisista, y permitir así, crear en absoluta libertad.

Su actual regreso a la Argentina es fomentado por su hijo Yamil. Algunos comparan esta repatriación con la acción realizada con el rosarino Lucio Fontana, cuya carrera culmina en Italia, y permite diagramar un puente que une pensamiento y obra argentina-europea. De este modo, en 2010, y por iniciativa de Lía Cristal, Le Parc realiza un trabajo en Galerías Pacífico de Buenos Aires, con los murales de los grandes maestros (Berni, Castagnino, Guimerás, Spilimbergo y Urruchúa). En esta oportunidad, crea un sistema de paneo refractario, que permite ver las cúpulas desde un sector lejano y con un movimiento giratorio, donde también suspende un móvil acrílico de apariencia etérea, que con el juego de las luces, delimita su forma romboidal, mientras se contagia del espacio circundante.

Es la liberación del sentido lo que hace a sus obras democráticas. No son piezas que únicamente puedan degustarse por especialistas, más bien son piezas que se construyen con la vivencia y la interacción colectiva. Sus investigaciones resultan transformadoras: el espectador libera sus inhibiciones, capta la inestabilidad de la realidad, conoce otras formas de acercamiento y reflexiona a partir de su propia sensibilidad, sin importar su cultura, educación o nivel social. Es mediante el juego que se

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+ Espejos, Bienal de Venecia 1966.

+ Serie Torsión.

amplía el modo en que se percibe y se construye el mundo, al mismo tiempo que deja de ser consecuente con la “realidad”. De este modo, surge una relación más directa con la sensibilidad, con la manera de vincularse a otras personas.

gor que lo caracteriza. Su humor es incansable. Posee guiños que desestructuran su elegante presencia. Al brindar con vino orgánico, sonríe y comenta: “qué bien, de uvas vegetarianas”, y retorna de manera lúdica al espíritu infantil con que casi ingenuamente nos deja mutar en nuestra propia experiencia del mundo.

ALQUIMIA VISUAL Pinturas, móviles, inventos, juegos, intervenciones, esculturas, textos, proyectos e ideas, se establecen como diferentes maneras con las que Le Parc trata los vínculos entre la vida y la comunicación. Su simpleza material, casi intangible, esconde complejas ideas sobre la desmaterialización del objeto. La economía de recursos, inicialmente debida a su disponibilidad, y luego, como un modo de hacer/pensar, no limita los alcances de su obra.

Por el contrario, fundamenta una operatoria que nos permite pensar y comparar estos resultados con elevadas inversiones “hight tech” que, muchas veces, no alcanzan el contenido deslumbrante y atractivo de algo tan simple, como resortes espejados o bandas ondulatorias. Los métodos que utiliza provienen de la física material y perceptiva: obturaciones, desplazamientos, distorsiones, torsiones, reflejos, refractancias, juegos ópticos y cromáticos. Son maneras eficaces con las que, minuciosamente, crea un evento físico y psíquico en los espectadores.

LAS PROESAS DEL FUTURO A sus 84 años, Julio demuestra que no existe edad para honrar la existencia. Su actividad es prometedora, recrea obras anteriores, adapta proyectos, diagrama nuevas ideas con la vocación y el ri-

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En el 2013, nos espera una gran exposición monográfica en el Palais de Tokio de París, otra con su trabajo con la luz en Casa Daros de Río de Janeiro, una mega escultura en Puerto Madero, y el gran Centro Cultural que llevará su nombre en Mendoza.

El interés de tenerlo cerca en Latinoamérica crece, pero no es nuevo. En palabras de Pablo Neruda: “Soy un entusiasta del arte cinético, o como se llame; de esa pintura y escultura con movimiento, electricidad y luz, que han proliferado en los últimos años, y tienen ardientes seguidores entre nuestros latinoamericanos. La verdad es que nunca me entusiasmó la pintura o el arte por el arte. No habría sabido qué hacer con un Rembrant en casa, mientras que un Le Parc me habría colmado de satisfacción. Admiro enormemente a Le Parc. Lo único que siento, es que no haya más obras suyas. Cuando me pongo a pensar en los grandes artistas, o en los objetos bellos, me gustaría que estuvieran esparcidos por toda América Latina, por mi país, mi país americano. Me gustaría que hubiera una Casa Le Parc, un Museo Le Parc y una Galería Le Parc. Una en Buenos Aires, otra en Chile, otra en Caracas, en Guayaquil, en México, en todas partes”. + www.julioleparc.org

+ Camila Marconi

portfolio fotográfico

Camila Marconi | Curador: Aldo Bressi Desde hace cinco años, Camila Marconi se dedica a la fotografía. Tiene 23, y ya ha realizado distintitos talleres de fotografía, además de estudiar Bellas Artes y dirección de arte. Para captar sus bellas imágenes, utiliza cámaras de 35 mm, analógica y digital, en forma indistinta. + www.chikicamcam.tumblr.com

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+ Camila Marconi

+ Camila Marconi

+ Camila Marconi

+ Camila Marconi

+ Camila Marconi

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+ english summary Vacavaliente The tamed cow

Translated by: Luján Penacca

Pages 56-59

The Musem of Modern Art in New York (MoMA) chose them, together with other 12 Argentinian designers, and received them covered with a mega-poster of their flagship product: the kangaroo. Since then, Vacavaliente has been a huge success.

Its directors, Matías Fernández Moores and Pablo Fernández Moores turn work into passion, get involved in each stage of creation and marketing and understand that being a designer is not enough to be enterprising. Vacavaliente is leatherworking.

All the remaining leather from industries is collected, taken to a factory where it is ground; a binder is added so as to generate a new paste which is laminated in a process similar to paper production in that water is removed, this paste is dried and leather sheets are made. Vacavaliente office stuff (mostly in animal-shapes) is exported today to 40 countries.

Laura Varsky Self-management design

Pages 60-63

Trying to keep such an approach that can live in harmony with both the packaging and the contents which it tries to communicate is one of the most tangible challenges of all graphic designers. And, in turn, repeating successfully this ideal through time, losing neither inspiration nor popularity. Designer Laura Varsky did all this way and found her own twist: designing, first for herself, and enjoying with other afterwards. Today, she is getting ready to launch her second typography and, at the same time, a book for adults illustrated by her partner (illustrator Christian Montenegro), and texts by historian Gabo Ferro. “I completely trust self-management for several reasons: it connects me with doing just because of the mere pleasure of doing, it obliges me to wonder what is it that I want to convey and, as if this wasn’t enough, day by day, professionally, it helps me to attract projects in tune with my personal interests”.

Kazunori Matsumura (Re) discovering nature

Pages 64-65

Moving within the limits of art, design and handicraft, the work of this Japanese artist recovers the importance of being conscious of the unconscious, and of getting closer to the subtlest details of everyday life. In his installation “The Voice of Winds”, he goes for reconciling the relationship between men and nature, by using art, design and creativity. It is a sound device which captures the voice of nature, based on the ancestral belief that wind is a sacred voice that has to be listened to.

It consists of a series of tubes in the shape of tree branches, white clay branches which are scattered in space and look like bones. The voice of nature makes its own way when the wind goes through the tubes. Experience acquires another dimension thanks to the sounds added to the installation, recorded by himself at an Indian desert.

Mariana Dappiano Combining patterns

Pages 66-69

Mariana Dappiano always knew that she would become a fashion designer. She was raised in a sewing room, playing with coils of thread, yarns and buttons and was trained at the birth of the Textile and Clothing Design course of studies, at the University of Buenos Aires. In 2001, with her winter collection, her brand was born simultaneously with author’s design, essential for the most recent Argentinian fashion history. Being hallmarks of her design in a clothes rack, catwalk or on the street, textures, prints and colours were her contributions. “Each season, I seek the inspiration that will give rise to fabric design in that collection. Only after this comes the design of the items of clothing, always simpler because, in my case, textile design takes a prominent part.

Zizek A dancing culture

Pages 70-71

From Buenos Aires, Zizek is a music promotion platform that

today represents the biggest scene of international impact, with independence and the collective strength of not only varied but also powerful sounds. ZZK is a reference point as regards urban music production and dance music because of its relationship with the fashion world, pop culture and strong support on the Internet. From their computers at different places, on tour or remixing, playing new voices or creating amusing flyers, a group of musicians, designers, videographers and producers have been shaping that blend that gives exposition and certain experimentation, being music the crux and cultural activation.

ZZK is led by Grant Dull and, Villa Diamante, DJs and executive directors from the project with attractive international prospects.

Sara Fanelli An incoherent tale

Pages 72-74

Italian illustrator Sara Fanelli is like a great self-expired utopia- as far as freshness and creativity are concerned- due to the sheer fact of having gone, always rising, beyond the wear and tear of time, routine, vicious formats, businesses and life itself, without having lost that disinterested idealism which tends to exclusively characterize university students, until the exact moment when they start profiting from art. Her first illustrated children’s book, “Button”, was prestigiously awarded Macmillan for Children’s Picture Book Illustration first prize, when she was still a student in 1994. So far she has published 17 illustrated books and has been awarded a dozen prizes. Her last book, “The Onion’s Great Escape”, has just been edited in the USA and Europe, and is being adapted for a future Brazilian version.

Onionlab Encouraging experimentation

Pages 76-77

We talked to Aleix Fernández, Creative Director of Onionlab, a studio in Barcelona where that area that lies among art, design and technology is developed. All began in the interactive field and in motion graphics and, little by little, research led Onionlab to new grounds such as lightning, space design and mapping.

We dare to say that its name is justified, on the one hand, by its laboratory, with a technical basis which allows, for instance, the try-out and design of its own software. On the other hand, because it is like an onion: their projects evoke tears for unknown reasons.

The Day After Tomorrow Technology

Pages 78-83

We have analyzed the advances in computers, cell phones and other devices that have led to a change in the way they are used and that are about to be on the market. At the end of last June, during the annual Google I/O 2012 developer conference in San Francisco, California, Google demonstrated its glasses Glass.

This device includes a built-in camera, an Internet connection, microphones and other sensors Apple made two important announcements during the same month. The first one stated that in one year’s time, it expects to be able to implement agreements with some car manufacturers to include a button in cars to activate Siri with the hands on the wheel, using the voice to control everything that is related to driving a car: answering calls and text messages, playing or pausing music.

Apple is also a strong competitor- but not the only one- in the field of high definition screens, which is also experiencing changes. A portable MacBook was launched, with a “Retina display” (it has the same point density for each color as iPhone 4 or the new iPad). This implies that pixels are not seen at first sight.

It is not the only one: Asus launched its tablet, Transformer Pad Infinity, which has a 10-inch screen at full resolution, similar to the iPad 3 definition.

So as to capture those high-definition images, new cameras

english summary

will be required and there are plenty of options. And yes, touch screens are standard for mobile devices and, with the arrival of Windows 8, they will also be a requirement for new PCs. Most new ultrabooks have touch screens, in order to make use of the Metro interface included in new Windows. As far as connectivity, most users consider mobile connectivity of paramount importance, and 4G LTE networks are getting supporters all over the world.

Design District Pages 84-85 Buenos Aires considers design from the south Buenos Aires was one of the first cities in the world baptized

by Unesco as “the City of Design”. This is thanks to the strong growth it has had for the last years in this field, within the public, business, academic, entrepreneurial and cultural spheres and because it is also an urban centre where new expressions and trends are developed.

As part of this movement, the city boosts the Design District, located in the traditional neighbourhood of Barracas, trying to be the energy generating pole in this area and that has the Metropolitan Centre of Design (Centro Metropolitano de Diseño) as the creative factory and headquarters. One of the most significant events of the Design District is the Buenos Aires International Design Festival, being this year its fourth edition, from October 19th to October 21st. The Metropolitan Centre of Design will be the main venue for exhibitions, workshops, conferences, business rounds, live shows, and recreation areas for adults and children, among other activities attended by different audiences. arteBA 2012 A window into contemporary art

Pages 86-90

The 21st edition of the contemporary art fair arteBA was held in La Rural, from May 18th until May 22nd. This fair is very significant for both the country and the region. More than ninety galleries from Argentina, Latin America and Europe took part, displaying the work of acclaimed and contemporary young artists.

This year, galleries U-TURN Project Rooms by Mercedes-Benz, Arcos Dorados Solo Show and Barrio Joven Chandon were located in the main area of the fair, assigned to emergent artists.

According to Julia Converti, General Manager of arteBA, “arteBA has grown to become the most popular contemporary art fair in America. Internationalizing the fair and collecting were the focus of this edition”.

Arnet at arteBA 2012 The chance to be artist

Pages 92-95

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can be stated that the fair reaffirmed the commitment it has had from its beginnings: “pure design”.

In this sense, the public appreciated the absence of some repeated proposals and welcomed other remarkable ones, of provincial origin, a sustainable proposal that gets better each year, the commitment of artists from different disciplines with an eye on the future, and various ideas- some developed more successfully than others - for younger kids who also made a significant impact. La Selección was the jewel, an area with innovative pieces, curated by the National Institute of Industrial Technology (INTI), together with Marisa Lab, Corporación Tarugo and the experimentation of a threesome of outstanding architects.

Glob-All Mix Sustainable posters

Pages 110-111

Brazilian graphic designer Felipe Taborda has reprinted, for Rio+20, 30 posters that foster environmental care, which had already been created 20 years ago. The result is Glob-All Mix, an exhibition involving artists from all over the world, displaying graphic design evolution and the sustainability from the last two decades so as to reveal humanity’s social and environmental achievements.

Pickups Red-hot sector

Pages 112-113

The medium-pickup sector has had a rapid growth rate for the last years. Toyota Hilux, Volkswagen Amarok, Chevrolet S10 and the recently launched Ford Ranger are the main competitors.

TYPO Berlin If it is not sustainable, it is not design

Pages 114-116

The international conference of typography design got together designers from all over the world. From May 17th - May 19th Berlin discussed what kind of design is worth doing. “Sustain” was the theme proposed by the biggest international design conference of the world. As explained Jürgen Siebert, the conference organizer: “Ideas, which have great value for creative industries, will be discussed. Ideas are renewable resources and, the advantage is that, when shared, they are multiplied.”

The selection of the speakers for the convention was varied: branding and corporate design specialists, illustrators and typographers, Web and education specialists.

Julio Le Parc Enjoying stars

Pages 118-121

Arnet, Telecom broadband, was again present at arteBA 2012, with a series of participatory and entertainment activities.

Imagining a sculpture for the fourth edition of the Arnet Prize was the purpose and Rosario, in Santa Fé, was the city chosen. Considering such an aim, every invited artist organized two workshops. Marcela Cabutti, who won the first Arnet Prize in 2009, attended arteBA and her ideas had to do with designing sculptures from flower petals. Then, Juan Carlos Ochoa, the winner in 2010, worked with steel bars in different sizes and, lastly, artist Miguel Ángel Rodríguez, prizewinner in 2011, sculpted toys with the people at the fair. Each suggestion was photographed with a picture of the city of Rosario that was livening up the place, so as to be later recorded and shown permanently at the stand, becoming part of the open-air inspired projects on Arnet website.

The homage to Julio Le Parc at arteBA, which took place at the stand of Aeropuertos Argentina 2000, turned the figure of this artist from Mendoza into artistic pleasure and analysis. Paintings, mobiles, inventions, sculptures, texts, projects and ideas are exhibited as different ways in which Le Parc tackles the connection between life and communication. Its material simplicity, almost intangible, conceals complex ideas about object dematerialization. The economy of resources, initially owing to his possibilities, and later, as a means for reflection, doesn’t limit the impact of his work. His methodology comes from material and perceptive physics: obstructions, displacement, distortion, torsion, reflection, reflectance, optical and chromatic illusions.

At the age of 84, Le Parc proves that there is no ideal age to honour existence. His promising work recreates previous art pieces, adapts projects, arranges new ideas, all this with care and vocation, major characteristics of his style.

Puro Diseño Fair, 2012 New talents, ecology and future

Photography portfolio Camila Marconi

Pages 104-109

With good curatorship, and the strong presence of some provinces, the usual environmental commitment and experimentation with a view to the future were the crux of Puro Diseño Fair 2012. From June 14th to June 20th, La rural became an inspiration mecca for the 100 thousand visitors to the yellow pavilion. It

Pages 122-127

Camila Marconi has devoted herself to photography for five years. At the age of 23, she has already taken a number of photography workshops. Moreover, she is studying Fine Arts and Art Direction. To capture her beautiful pictures, she uses, in different ways, 35mm analogue and digital cameras. +

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conexión ¿Dónde consigo 90+10?(*) En kioskos de revistas y en las librerías: Ciudad de Buenos Aires Librería técnica CP67 Florida 683 Local 18 Librería Concentra Montevideo 938 Librería Prometeo Honduras 4912 Tienda Malba Av. Figueroa Alcorta 3415

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Diego N. Goncalves (alias Darknightglow) es ilustrador autodidacta y vive en Buenos Aires. Investigando diferentes tendencias artísticas, descubrió a grandes maestros, como Vincent Marcone (alias Mypetskeleton), Dave McKean, Ben Templesmith y Ashley Wood, quienes con sus collages digitales lo ayudaron a definir su propia identidad artística. Además del arte fantástico y el retrofuturismo, son sus fuentes de inspiración la moda vintage, la estética steampunk, el cine de terror clásico y las novelas gráficas, así como las publicaciones científicas y los avances tecnológicos. La temática paranormal, ocultista y la filosofía oriental son sus lecturas recurrentes; todo un bagaje heterogéneo que marca el rumbo surrealista de su comunicación con el mundo. Sus obras comienzan en el papel, o boceta directamente con su tableta Wacom, para finalizar con Photoshop. También experimenta con la madera como soporte, mezclando acrílicos, óleos y transfers. + www.darknightglow.com | www.facebook.com/darknightglowarts