Revista 90+10 #40

Nยบ 40 Septiembre / Octubre 2012 Arg $35.- Ch $9300.Uy $360.- USA $15.-

+40 + Pae White. Still, Untitled, 2010. Colección Sandretto Re Rebaudengo. www.fsrr.org

sumario +mundo creativo 014 diseño, green design, art toys, arquitectura, publicaciones,

música, arte, destinos, lugares, vehículos, moda, marketing,

branding y diseño, gadgets, eventos, agenda Distrito de

Diseño, agenda

+especial 056 BAFWeek Primavera/Verano 2012-13 Espacio de inspiración 061 Grupo 134 La moda como canal para manifestarse 062 Kika Tarelli Detrás de la escena 063 Concurso Santana Textiles En busca de talentos locales 064 Mapa de Diseño INTI El espíritu de la innovación

084

ilustración Carlos Nine El ilustrador argentino

+ideas creativas

diseño

088 096 098

Encuentro Latinoamericano de Diseño América Latina

discute sobre diseño

arte

092

100 114

Vivir al estilo Gio Ponti Diseño que resplandece XI Salón Diario La Capital Cuando el río suena

El arte de coleccionar

tecnología Smart TV La caja no tan boba Google Imágenes Diccionario visual

moda

vehículos

102 110

Color punch La vanguardia de Ford Tecnología y

diseño revolucionan el manejo

lugares

116

Stgo Makerspace Hacedores del fin del mundo

+clásicos contemporáneos

118 + Mate Ícono de cerámica y bombilla de bronce niquelado de Nobrand. www.nobrand.com.ar

+personas creativas

diseño 066 Aldo Cibic Incubar conceptos 072 Ale Paul Mr. Sript 080 ImagenHB Creadores de íconos argentinos

076

arte Theo Jansen El esquimal

120

vehículos Sergio Pininfarina El ícono del Made in Italy

diseño Osvaldo Borsani Homenaje al trabajo

+portfolio fotográfico 123

Ramiro Chaves

128 +english summary 130 +conexión

+40 + Ramiro Chaves. Tres árboles, serie Miramar. www.chavesphoto.com

staff

Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010 Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010

Diseño Gráfico Hernán Patto Leandro Marenzi

Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar

Diseño de Tapa Patricio Oliver www.patriciooliver.com.ar

Producción Fátima Fargas fatima@90mas10.com.ar @fatimafargas

Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar

Departamento Comercial publicidad@90mas10.com.ar

Colaboran en esta edición Adriana Godoy, Aldo Bressi, Carola Danza, Carolina Prioglio, Celeste Nasimbera, Diego Giaccone, Elvio Orellana, Fabián Laghi, Fátima Fargas, Federico Laboureau, Fernanda Cohen, Florencia Cosin, Germán Andrés, gt2P, Javier Villa, Jorgelina Peciña, Laureano Mon, Leila Mesyngier, Maia Croizet, Natalia Iscaro, Patricio Oliver, Philippe Deroy, Ricardo Sametband y Wustavo Quiroga Nuestros colaboradores Leila Mesyngier Licenciada en ciencia política y periodista, trabaja en medios gráficos desde hace diez años. Da clases en la Universidad de Buenos Aires y en la Universidad de La Plata. Lectora y escritora apasionada, le gusta contar historias de artistas, diseñadores, músicos, escritores y educadores. En su tiempo libre, cursa la Maestría de Antropología Social e investiga el rol de los medios de comunicación alternativos en la protesta social. Adora viajar, escuchar música, hacer yoga y comer helado. Colabora con 90+10 desde 2009. +

Celeste Nasimbera Formada en la Universidad de Buenos Aires, Celeste se dedica al análisis de tendencias, asesorando a comerciantes y emprendedores en sus procesos creativos. Se especializa en la creación de identidad y desarrollo de contenidos para empresas vinculadas a la moda, la joyería y el diseño. Además, se desempeña ocasionalmente como periodista, como cuando cubrió la última edición del Fashion Río o del BAFWeek para 90+10. Es docente en Espacio Buenos Aires. Detrás de sus lentes, caza instantes, intentando decodificar los múltiples lenguajes urbanos. + @SrtaCele Distribución en kioskos CABA y GBA Vaccaro, Sánchez y Cía. S.C. Moreno 794, Piso 9º Tel. (+5411) 4342-4031/32 Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114

Impresión Help Group Colombres 1333, Piso 1°, Of. 6 Tel. (+54 11) 43973-0217 www.hgprint.com.ar info@hgprint.com.ar Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

Suscripciones Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 cp67@cp67.com Librería Concentra Montevideo 938 Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar

Domicilio Legal: Av. Raúl Scalabrini Ortiz 2553 – Piso 13 “E” (C1425DBG) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina Domicilio Redacción: Cerviño 3814 – Piso 4 “A” (C1425AGU) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | 90mas10.com.ar Revista 90+10. Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas firmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual Nº 943748 | ISSN 1668-6403 Año 8 - Nº40 – Septiembre / Octubre 2012

+40 + Ganadora del primer premio del XI Salón Diario La Capital. Objetos de diseño contemporáneo, La Bola. Realizada en goma eva, es obra de Sergio Darío Fasani (BroDBa). www.la-bo-la.blogspot.com.ar

editorial Poner en escena una historia que quiere ser contada, que alguien quiere contar y que otros escuchen. Una historia real, inventada, qué importa. Eso es lo que estuvo haciendo mi papá –iluminador teatral apenas retirado- toda su vida: iluminar las escenas de cada función de ópera, ballet y concierto que subieron al escenario del gran Teatro Colón de Buenos Aires durante los últimos 37 años. Es lo que también hizo mi abuelo, en esa misma casa de ópera, construyendo piezas de mobiliario y herrería necesarios para dar vida a esas mismas representaciones teatrales. Igual funciono yo, como escenógrafa que soy y editora de 90+10: creo escenas desde el papel (y también online) para contar las historias de creativos de distintas disciplinas, que escogimos por diversas razones.

La foto que elegí para acompañar mi editorial es una imagen que me resulta muy familiar: la caja escénica del Teatro Colón, casi desnuda, así como tantas veces la vi y recorrí. El piso sin tapete descubre los límites del escenario giratorio, un decorado (o trasto) semi levantado, practicables (o tarimas usables) plegados contra la pared que da a la calle Cerrito (ubicados justo sobre los límites del ascensor montacargas que va directo a los talleres de realización en los subsuelos). Eventualmente, una ventana abierta deja entrar el sol en este espacio mágico que, por lo general, está bien oscuro. Encendidas, sólo las luces indispensables para cruzar el escenario, el mismo que sólo unos minutos antes estuvo -o tal vez después estará- repleto de personas en ropa de trabajo color negra (maquinistas,

iluminadores, utileros) que en forma coordinada, se pondrán a trabajar para armar la escena que permitirá a cantantes, bailarines y músicos desplegar su arte.

Para mí, el escenario vacío del Colón es un poco como el concepto de 90+10, un contenedor en potencia que con el sentir, la habilidad, la coordinación y el talento de un grupo de personas, crea el ámbito necesario para contar historias. Y poniendo en escena la historia de otros, de paso, contamos la nuestra. Porque cada centímetro de 90+10 tiene un porqué y está íntimamente vinculado, de alguna manera, con quienes hacemos este medio de comunicación.

Y eso, lo hace único. + Marcela Fibbiani Editora

CONEXIÓN DIGITAL Con los links de 90+10 (9010.co), accedés directamente a la versión digital de la nota (disponible para las secciones: personas creativas, ideas creativas, clásicos contemporáneos, portfolio y especial), para poder compartirla, comentarla, ver más material de fotos y video, y entrar a los todos links vinculados. Una nueva manera de conectar el medio en papel con el mundo digital. + 90mas10.com

FOTO DE TAPA Fotografía Fabián Laghi www.fabianlaghi.com Dirección de arte www.flatelier.com Styling Federico Laboureau www.federicolaboureau.com Retoque y arte digital Leo Montes y Diego Grosso www.leomontes.com Modelo Lourdes para Visage Models www.visage-models.com Make up Julia Dalila para Jazmín Calcarami Estudio www.jazmincalcarami.com.ar Pelo Daniela para Jazmín Calcarami Estudio www.jazmincalcarami.com.ar Remera con ositos y botitas Teddy Bear: adidas Originals by Jeremy Scott www.adidas.com/originals/la | Short plata: Uma www.uma.com.ar | Anteojos: Infinit www.infinit.la www.abrilosojos.com

014

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

diseño

Budnitz Bicycles: Diseño rodado La firma nació en 2010. ¿El motivo? La gente no dejaba de parar en la calle a Paul Budnitz, fundador de la productora de art toys Kidrobot, para preguntarle dónde había comprado su bicicleta. Y la respuesta era simple: Paul había comenzado a diseñar sus propias bi-rodadas en 2006. Hoy en día, con su firma consolidada, su aspiración permanece igual que en ese entonces: dar vida a bicicletas para el uso diario, y que sean hermosas, de funcionamiento impecable y diseñadas para durar toda una vida.

Todo se basa en una filosofía que propone llevar una vida simple y de calidad, en el marco de la cual poder comprar objetos que sean

diseñados y construidos especialmente para convivir junto a nosotros muchos años. “Cuando tenés una bicicleta que te hace ver bien y que además disfrutás usar, vas a pasar mucho más tiempo arriba de la bici”, explican desde la compañía. Artista, autor, cineasta, diseñador de producto y emprendedor, Paul es además autor de varios libros, y destacado por sus colegas por el modo en que logra fusionar arte, negocios y un uso creativo de la tecnología. Sus bicicletas están elaboradas en titanio y acero, algo que las vuelve livianas. Se suman otros detalles que les dan un look igualmente vintage e innovador, para un andar suave, disfrutable y para toda la vida. + www.paulbudnitzbycycles.com

Muebles made in Jujuy El diseño local sustentable es el motor de Nobles de Caimán, una firma que suma valor gracias a muebles que, además de ser atractivos, refuerzan el valor de la creatividad local, porque nacen de la cooperativa Cootram, con sede en Caimancito, Jujuy. Gracias a esta iniciativa, se fomenta el crecimiento de 28 carpinterías de artesanos locales que normalmente no accederían a la rentabilidad del circuito mueblero, a producir de manera industrial. Además, los artesanos reciben capacitación, diseño de una línea de interior y otra de exterior, y el desarrollo de una identidad, comunicación y desarrollo de un sitio Web. Para descubrirlos, se puede aprovechar la muestra que armó la

empresa Ustatic en la muestra Tecnópolis (Av. Gral. Paz y Balbín, Villa Martelli), donde se reúne su línea para interiores. Realizados en cedro torneado y palo blanco, ambos en su color natural y de procedencia forestal certificada, se incluye un mueble para televisión, una mesa auxiliar con banqueta, una mesa de arrime con cajón y un modular para LCD. Desde la cooperativa afirman: “La línea tiene su referente en los años 60 y 70, y hace alusión a la memoria emotiva en combinación con un lenguaje moderno y actual, que permita integrar un ambiente en el que conviven múltiples estilos”. Una forma de apoyar la industria nacional, con estética vintage. + www.noblesdecaiman.com.ar

016

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

green design

Eco-Perch: ¿Una casita en el árbol?

Es cierto, es pequeño, pero es mucho más extenso que la casita que podíamos llegar a tener en un árbol cuando éramos chicos, gentileza de algún padre o tío hacendoso. Con una medida de 6 x 8 metros, esta sofisticada estructura está orientada al turista exigente, que quiere decidirse por este hotel particular para su destino, o bien para quien está buscando un espacio innovador que se sume a una estructura existente; en ambos casos, son consumidores que, además, no sólo se inclinan por propuestas sustentables, sino que buscan originalidad, creatividad y funcionalidad.

El Eco-Perch -así se llama esta estructura- formula una propuesta superadora, que transforma por completo el concepto de casita en el árbol, con el eje puesto en el diseño sustentable. Sobre una misma superficie se ubican cocina, comedor, living y un cálido dormitorio –que puede alojar hasta a cuatro personas- con suelos de madera, que le confieren una unidad interior. También tiene estufa, equipo de TV y DVD, iluminación por LED y un sistema de drenaje. De todos modos, el interior puede adaptarse y rediseñarse para usos como oficina, estudio o aula.

Fiel a su filosofía sustentable, cuenta con alternativas para instalar una fuente de energía solar, fosas sépticas, espacio para almacenar agua de lluvia, y una célula con combustible de metanol para abastecer necesidades energéticas. Desde afuera, su forma es ovalada, y cuenta con ventanas que le brindan hermosas vistas desde el interior. Lo novedoso es, además, que el Eco-Perch puede instalarse en un espacio de propiedad privada, como un jardín o espacio abierto, una vez que se cuenta con el permiso para hacerlo. Y, para quienes le tienen miedo a las alturas, también puede instalarse sobre una superficie plana a nivel de la tierra. Toman 5 días dejarla lista para usar y, una vez culminado, cuenta con una vida útil de 15 años.

Desarrollado por la firma inglesa Blue Forest, una compañía ganadora de premios por sus iniciativas en edificios sustentables y además inspiradores, esta estructura modular es ideal para los amantes de la naturaleza. Peter Lamb, uno de los desarrolladores, lo describe así: “Esta es la perfecta solución novedosa para un alojamiento. Es atractiva, posible de pagar y sustentable”. + www.blueforest.com

Spack: Audio portable El consumidor agradece, especialmente, proyectos en los cuales el diseño sustentable convive con una creatividad atrayente. En este caso, música e ilustración –dúo probado e infalible- se dan la cita en una iniciativa nacida en tierra chilena. Se trata de Spack, un altavoz realizado por el Grupo Vibra. Este parlante portátil, además, se convierte en un soporte de cartón, en el cual artistas pueden plasmar sus dibujos a medida. En la primera edición, fueron de la partida tres artistas chilenos y uno colombiano, con diseños que van de una tipología pattern a una más figurativa.

En cuanto a la estructura, ésta se encuentra en un 70% realizada para favorecer la producción local, con el adicional de que el cartón es un material que demora entre 2 y 5 meses en degradarse. El corazón del Spack es, lógicamente, un amplificador, en este caso, de clase AB que, con filtros adecuados, logra un sonido eficiente y con un nivel de distorsión en torno al 4%. Se accede al sonido mediante un plug in: basta con conectarlo a un iPod, MP3 o Smartphone, y controlarlo desde cualquiera de estos dispositivos. Con una batería de 9 voltios, tiene una duración de 2 a 3 horas de música. ¿Lo mejor? El pack de cartón fue diseñado con una manija para llevarlo a todos lados, e improvisar una reunión o una sesión personal. + www.grupovibra.cl

018

+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver @patriciooliver (*)

art toys

Miss Rainbow & Mr. White Cloud

Cuando la imaginación no tiene límites y llega hasta el cielo Un personaje creado por el estudio de Hong Kong Fluffy House, que ama soñar despierto, y cuenta con la compañía de su inseparable hermana.

“Mr. White Cloud ama soñar despierto. Tiene tantas, pero tantas ideas en la cabeza, que ésta se hace más grande y más grande día a día. Esto preocupa tanto a amigos como vecinos. Fue así como le recomendaron volar hasta el cielo, donde se le puedan acomodar sus grandes ideas. Finalmente, el Sr. White Cloud pudo ser capaz de encontrar un espacio en el cielo, que le permitiera estirar su imaginación sin límites. Como no es bueno que el Sr. White Cloud esté solo, una pequeña hermana llamada Miss Rainbow se sumó más tarde”. Es así como Fluffy House, el estudio de diseño integral de Hong Kong fundado en 2007 por Lammy Hui y Lau Ki Yik, describe a los dos protagonistas del universo de Mr. White Cloud who loves daydreaming (El Sr. Nube Blanca que ama soñar despierto).

Miss Rainbow (La Señorita Arco Iris) es uno de los personajes principales de la serie Sr. White Cloud. Es alegre, ingenua, plácida, y un poco tímida. Le encanta jugar con los animales pequeños.

El personaje fue diseñado por primera vez para un libro de ilustraciones. Luego, Macott Station les dio vida, al convertirlos en una figura 3D. Mr.White Cloud es una historia acerca de los sueños y de la imaginación.

Esto llevó a Hui a pensar que una nube podría representar mejor la idea de los sueños. Y al igual que Sr. White Cloud, Lammy de Fluffy House también disfruta de soñar despierta, es por eso que ha creado a este personaje…

En la Web del estudio se puede encontrar una pequeña historia que narra el origen de Mr. White Cloud de manera muy didáctica y simple, aún cuando los textos están escritos en chino. Junto con las figuras, Fluffy House acompaña dichos lanzamientos, con toda una serie de productos relacionados a manera de licencia, desde iPhone cases hasta bolsos y stickers.

Mr. White Cloud tiene un grupo en Flickr, donde sus fans pueden subir imágenes con él en situaciones cotidianas, creadas para el grupo, y una página de Facebook del estudio. Miss Rainbow mide 4 pulgadas y ha sido presentada en el pasado Taipei Toys Festival 2012, mientras que Mr. Cloud lo hizo el año anterior. Ambas figuras de vinilo son producidas por Macott Station de Hong Kong. + www.fluffyhouse.com www.flickr.com/groups/mr_whitecloud www.macottoys.com

(*) Patricio Oliver es diseñador gráfico por la FADU/UBA, ilustrador y creador de numerosos vinyl toys para Red Magik, Kid Robot, Toy2R, UnboxIndustries y Mugo. www.patriciooliver.com.ar

020

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila Foto: Francesco Galli

arquitectura

+ Radix de Aires Mateus en la Bienal de Venecia

Bienal de Venecia

Los canales de la arquitectura En medio de noticias que revelan los esfuerzos de fondos privados para garantizar la subsistencia de Venecia –la ciudad se hunde a mayor velocidad de la que era prevista por los especialistas-, la ciudad de los canales refuerza su vigencia con su XIII Exposición Internacional de Arquitectura que, en el marco de la Bienal, dará cobijo a algunas de las propuestas más promisorias de la actualidad.

Y así, en una edición que se ha dado en llamar “Terreno común” (Common Ground), la muestra dirigida por el británico David Chipperfield, deslumbra con propuestas de la Argentina, Brasil, Chile, México, Uruguay, Venezuela, Estados Unidos y España. El concepto central consiste en respetar el pasado que nos une y nos enseña, para buscar una nueva forma de vida más comunitaria. Aquí, dos propuestas para destacar.

HERENCIA COMPARTIDA: AIRES MATEUS Una estética industrial destaca al trabajo de Francisco y Manuel Aires Mateus, directores de la firma que lleva su apellido. Ubicada en las afueras del Arsenale, frente al canal, Radix es una suerte de arco con apoyo en tres puntos, y con un cuarto extremo suspendido en dirección al agua. Emplazada donde se encontraban los embarcaderos diseñados por Jacopo Sansovino entre 1568 y 1573, esta estructura de acero consigue en efecto dialogar con el entorno, marcando un contrapunto con el agua. Desde el estudio proponen: “Conceptualmente, la estructura combina a la historia con lo contemporáneo y con la tecnología. Radix es una estructura que propone continuidad por sobre la novedad. Sugiere indagar y proponer como actos que permiten el diálogo y las reflexiones”.

En el marco de esta indagación, el espacio da lugar a un pensamiento crítico, que sugiere una herencia compartida. Más que un concepto, los arquitectos buscan un sentido de identidad mediante las formas y el uso del espacio. Que una persona pueda apreciar la

obra en toda su dimensión, y sentir que ésta se vincula a un pasado colectivo. El uso que hagamos de él definirá a los proyectos futuros que, necesariamente, buscarán la integración. El punto de conexión es siempre la base: aquello que vincula a cualquier trabajo de arquitectura. “En la arquitectura, la memoria identifica formas, espacios, materiales, tacto, luz y sonidos”, concluyen los Aires Mateus.

PASADO Y PRESENTE: ZAHA HADID Impactante, la instalación del proyecto liderado por la arquitecta angloiraní Zaha Hadid, con colaboración de Patrick Schumacher, tiene todos los componentes que los amantes de esta destacada arquitecta aman de ella. Bajo el nombre de Arum Shell, esta obra fusiona la evolución técnica con un concepto filosófico que la vuelve aún más fantástica. Se trata de una estructura realizada a partir de mallas complejas de metales, cuyos plisados evocan a estructuras de tracción. Algo que podría traducirse como una enorme flor de aluminio que seduce tanto por su forma como por sus efectos ópticos. El proyecto, que busca fluidez orgánica en espacios y formas, percibe la elegancia de Hadid, y busca indagar en el dominio de la luz que, en este caso, se tiñe de acuerdo al diseño de complejas estructuras.

Bajo el citado lema de “Terreno común”, esta iniciativa nos propone alejarnos del fenómeno de los arquitectos estrella, para recuperar la idea de una investigación colectiva y de linaje histórico. “Mientras más evoluciona nuestro trabajo e investigación en diseño, más nos acercamos a los algoritmos básicos de la creación, más aprendemos a apreciar el trabajo de pioneros como Frei Otto, que ha realizado los diseños más elegantes, basados en los procesos de encontrar la forma estructura-material”, explicó la arquitecta sobre su inspiración en el trabajo geométrico de Otto, que aquí deja su sello para las generaciones futuras. + www.labiennale.org | www.airesmateus.com | www.zaha-hadid.com

022

+ mundo creativo

Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

diseño

+ Sillón Time de Nodo Objetos

Cafira Innova

La deco que viene Uno de los encuentros más importantes de la decoración en la Argentina, Cafira Innova, tuvo lugar del 23 al 26 de agosto, en el predio ferial de Costa Salguero. Contó con la visita de más de diez mil personas y cien stands, que mostraron las tendencias en decoración directamente de mano de los fabricantes.

Cafira, la Cámara Argentina de Fabricantes e Importadores de Regalos y Afines, celebra todos los años Cafira Innova, un encuentro donde sus socios dan a conocer sus productos, y muestran lo que viene a nivel decoración y regalos. Este año, el encuentro presentó las diferentes tendencias que se vienen para la Primavera/ Verano 2012-13, con una fusión casi perfecta entre lo nuevo y lo vintage.

“La feria estuvo maravillosa. Continuando con una política de generar cada vez más servicios a nuestros visitantes, se implementó el Espacio Innova, que toma los mejores productos de nuestros expositores y, por medio de una sabia y profesional tarea, propone situaciones decorativas que ayudan a quienes recorrieron la feria”, comentó Alberto Oszlak, coordinador de la Comisión Directiva en Cafira.

LOS ELEGIDOS DE 90+10 Luego de un exhaustivo recorrido por la expo, 90+10 eligió cuatro expositores que se destacan por sus propuestas, tanto a nivel creativo como por la innovación en los materiales utilizados.

A+V+C. Muebles con estilo retro y aire contemporáneo. Con contraste de colores y tapizados modernos en sus sillones y sillas de estilo. También se destacan los pufs, como el modelo “Donna”, cuyas combinaciones de colores –rojo y verde loro o azul y fucsia- equilibran el brillo de sus patas cromadas. www.avcinteriores.com.ar Arke. Esferas, marcos, cuencos y fuentes forman parte de la colección de piezas que Arke realiza en cemento, un material no convencional a la hora de diseñar objetos de decoración. También producen piezas en hierro y vidrio. www.arke.com.ar Dosmasuno. Iluminación decorativa de alta gama. Sus fundadores, la interiorista Juliana Iglesias y el arquitecto Alejandro Caral, proponen lámparas de pie, de mesa y de techo, realizadas en hierro niquelado, vidrio y cuero. También, piezas de edición limitada. www.dosmasuno.com.ar Nodo Objetos. Sillones para interior y exterior, de polietileno, amigables con el ambiente. Variedad de colores y diseños. + www.nodobjetos.com

NOVEDADES 2012 Los expositores cuentan con un nuevo servicio que brinda Cafira: la ayuda en el armado del stand. Así, se colabora con la estética, la identidad y la personalidad de los productos. Asimismo, en la última edición, se inauguró como punto de encuentro un auditorio, que funciona como espacio de descanso con material de lectura sobre las últimas tendencias en diseño y decoración (donde 90+10 estuvo presente) y acceso a Internet. La próxima edición de Cafira Innova se celebrará en marzo de 2013. + www.cafira.com

024

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

publicaciones

Autor ESTUDIO SERIAL CUT Editorial INDEX BOOK Formato 320 páginas Inglés

ExtraBold Está claro: un libro del estudio madrilense Serial Cut no podía ser un libro normal. En efecto, este ejemplar rompe muchos de los moldes del género, para demostrarnos que el maravilloso universo digital tiene mucho para aportarle al dulce papel. El estudio, dedicado a trabajos de dirección de arte para proyectos internacionales en publicidad, enseña en este tomo su amplio dominio de plataformas y lenguajes a lo largo de 320 páginas, dando una nueva dimensión a los ejemplares publicados por estudios de diseño y publicidad.

Así, hojeando, se suceden distintos tipos de soporte que esconden prodigios de Realidad Aumentada, todos lo cuales pueden disfru-

tarse con una app especial y gratuita para iPhone y iPad. ¿El efecto? Las figuras planas se transforman en virtuales en 3D, videos, efectos zoom y tele-transportación a páginas Web. En total, son más de 150 proyectos, cuyo contenido virtual y multimedia incluye figuras virtuales en 3D, videos “making of”, videos comerciales, imágenes en zoom y Websites navegables. Todo se divide en cuatro partes o capítulos: Life & culture, Process, Digital vs Tactile y Typholics, para acceder más rápido a la información deseada.

Comercializada por Index Book y Page One (en su edición asiática), esta es la primera vez que un libro de diseño utiliza Realidad Aumentada no sólo para mostrar figuras 3D, sino también para conectar el contenido extra. Creado en 1999 por Sergio del Puerto, el estudio recopila aquí algunos de sus mejores trabajos; una autobiografía nada egoísta -vale aclarar-, porque Serial Cut convocó a otros nueve equipos internacionales, quienes conformaron un portfolio denominado “Remix”, y donde pudieron dar una libre interpretación del universo Serial Cut. Los diseñadores convocados fueron Alex Trochut (España), Bartholot (Alemania), Grandpeople (Noruega), HelloHikimori (Francia), Julien Valleé (Canadá), Romain Lenancker (Suecia / Francia), Mr.Oso (España), Plenty (Argentina) y Studio Output (Inglaterra).

En la última parte del libro, además, se enumeran las agencias de publicidad, estudios de diseño, clientes, libros, exposiciones, charlas y agentes internacionales de Serial Cut. “Nuestra meta es ir más allá de lo que está en nuestras mentes y las de nuestros clientes cuando empezamos un proyecto. Tomar el desafío de ir un poco más allá, tanto en técnica como en concepto, y de siempre terminar con un resultado contemporáneo y fresco”, confirma del Puerto, sobre la forma de trabajo y filosofía del estudio. Algo que también se vincula al título del libro: ExtraBold, en alusión a la tipografía, en su versión más destacada. Im-per-di-ble. Un libro que, además, es una experiencia. + www.serialcut.com | www.pageonegroup.com

Marc Newson. Works

Autor ALISON CASTLE Editorial TASCHEN Formato 33 x 44 cm 610 páginas Inglés, francés, alemán

Con una imaginación que se expresa de manera libre y casi surreal, el diseñador australiano Marc Newson (1963) ha logrado hacer de su nombre una marca registrada. Así, sin resignar ni una pizca de rigurosidad técnica, entre sus obras más recordadas, se encuentran la Lockheed Lounge (1986), un diván sensual; la Pod of Drawers (1987), una cajonera metalizada con formas onduladas y tres patas; y la silla Embryo (1988), de acero cromado, con asiento de espuma de poliuretano con cubierta elástica. Pero eso no es todo: también diseñó aviones, espacios interiores de tiendas y restaurantes, relojes, indumentaria, celulares y vehículos. Con muchísimos premios en su haber, y un espacio en museos de la talla del MoMA de New York y el Vitra Design Museum de Weil am Rhein, este libro recorre todas sus obras hasta la fecha, en las categorías: ediciones de arte, muebles, objetos, relojes, transporte y proyectos inéditos; e incluye una entrevista exclusiva realizada por Louise Neri. En una edición limitada de 1000 ejemplares, para entender porqué Newson es considerado una estrella internacional. + www.marc-newson.com | www.taschen.com

026

+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

música

de pueblos originarios muy cerquita de nuestras casas en Chaco.

Encontramos al Coro Toba Chelaalapi, y nos enseñaron cantos ancestrales. Desde allí, participando en sus rondas de música y danza por cuatro años, la idea de integrar esos dos mundos tomó una forma real, adentrándonos exhaustivamente en el mundo del pueblo qom, aprendiendo no sólo sus formas musicales, sino su forma de vida. + ¿Qué creen de la llamada fusión electrónica con los folklores?

CB Hoy ya es todo un género, y representa una camada de músicos de diferentes regiones del país, que nos divertimos compartiendo un cruce de influencias muy diversas. El electro-folk es una buena síntesis lograda por quienes la representamos, en cuanto a integrar un elemento que nos es totalmente contemporáneo -lo digital como medio de composición y búsqueda de sonidos nuevos-, uniéndolo a los cantos de la tierra, las voces de nuestros antepasados.

Esto sería darle un sentido a la tecnología, sin olvidar el concepto de transmitir un mensaje artístico.

Tonolec Música contemporánea con raíz ancestral El dúo de fusión electrónica integrado de Charo Bogarín y Diego Pérez, que trabaja con músicas criollas y lenguajes nativos, cumple diez años, y abre su campo de acción a nuevas posibilidades. Ahora giran por Europa, mientras preparan su cuarto disco sobre las lenguas guaraní y quechua, con hincapié en cantos de carácter infantil. Este dúo del Chaco tiene, además, su formato orquestal acústico, un DVD en vivo, y su opinión sobre el sonido del presente. Aquí unas respuestas de Charo, la voz cantante. + ¿Cómo nace la idea de trabajar con músicas originarias?

CB Fue una necesidad personal y artística que tuvimos con Diego de hacer música de raíz, con identidad argentina. Si bien hoy ya existen diversos grupos que fusionan distintos sonidos con electrónica -con quienes gratamente nos toca compartir escenario-, diez años atrás era una excentricidad. Nuestra idea de ser Tonolec (que significa “caburé” o “cabureí”, en lengua Qom/toba) surge en 2002, luego de haber ganado un concurso de MTV Latinoamérica entre músicos de pop electrónico, y de haber viajado a Madrid como ganadores de dicho concurso. Al estar fuera de nuestro cuadro, nos dimos cuenta de que, si bien la electrónica era parte de nuestra era musical, por sí sola, no mostraba los colores locales de donde proveníamos: de Formosa, del noroeste argentino. Hurgamos en el folclore nuestro, pero quisimos ir más allá de lo convencional, y fue entonces cuando descubrimos la música

+ ¿Cuál es su visión sobre las tradiciones musicales locales?

CB Las tradiciones son hermosas. Tienen algo muy pintoresco, si uno sabe mirarlas. Las tradiciones esconden valores que son necesarios en nuestra era tan pasatista y descartable. Nuestra música tradicional tiene esa célula madre, de donde las nuevas generaciones nos podemos nutrir. Luego de conocerlas, hacemos nuevas lecturas, versionamos, lo resignificamos. Hay que entender que esos sonidos que han sido conservados tan bien en el tiempo son un tesoro, pero no deben quedarse estáticos. Lo tradicional vive a través de la actualización que podemos hacer los artistas en cada tiempo que nos toca vivir. La música ancestral pide movimiento, porque es cultura, y la cultura está en continua transformación.

Lo que en un pasado fue nuevo, hoy es tradición, y así ocurrirá sucesivamente. + ¿Cómo integran las distintas facetas del grupo: lo visual y lo musical, lo eléctrico y lo acústico?

CB Lo hacemos en equipo, y de forma casi natural, pero encargándonos del detalle, como una cuestión inherente al tipo de arte integrador que proponemos. La integración está representada en todos los campos de Tonolec: fundimos la música ancestral al sonido actual, nos ocupamos de lo visual -con un equipo asesor- cuidando todo, desde lo escenográfico y el vestuario, sin descuidar lo musical, tomándonos en serio el hecho de brindar calidad, poniendo todas las vísceras a la hora de interpretar nuestros temas. Y contamos con músicos de excelencia en nuestro formato acústico.

La electrónica se integra a la parte acústica sin ser invasiva; es un trabajo delicado, llevado por Diego, que es un escultor del sonido.

Luego, se encarga de que pueda ser interpretada por el grupo fluidamente. Nos encargamos de la cáscara y del contenido. + www.tonolec.com.ar

ACÚSTICO | DVD Y EN VIVO Además del dúo con impronta eléctrica, Tonolec ofrece desde hace ya dos años, una serie de conciertos en formato octeto acústico. Con esta propuesta, se filmó un DVD en vivo en el teatro principal de la ciudad de Resistencia, se editó en forma independiente a fines de 2011, y se consigue con el nombre de “Tonolec Acústico”. Con esa formación (que incluye charango, acordeón, percusiones, contrabajo, vientos andinos y coro), tienen un ciclo en Buenos Aires, con invitados especiales para cada función.

Las próximas fechas son los sábados 13 y 27 de octubre, y 10 y 24 de noviembre en el CAFF (Sánchez de Bustamante 764), con la participación, entre otros, de Ana Prada y Peteco Carabajal. También anuncian visitas a La Plata y Córdoba para esta primavera. + | Foto: Marcos López

028 arte

+ mundo creativo

Texto: Javier Villa

Lorena Marchetti Microrelieves

Hasta el 30 de septiembre en Studio 488. Galería Patio del Liceo, Av. Santa Fe 2729, 1º Piso, Local 32, CABA. El problema de la fotografía como género fue su transformación en un lenguaje de uso cotidiano. Como con la palabra -donde uno puede escribir, pero sin construir literatura-, al sacar una foto, no necesariamente se construye una imagen. Esta situación se consolidó con la digitalización y el uso de este lenguaje en todas las disciplinas humanas.

comienzos de la técnica, y los combina en una suerte de paradoja: por un lado, la captura de la realidad –la ciudad contemporánea- y, por el otro, como pregonaba el pictorialismo, la creación de una imagen separada del registro de lo real, trabajada con efectos que la acercan a la pintura y a cierto estado de abstracción y onirismo.

Pero la digitalización trajo aparejada al menos dos problemas más: al poder sacar 300 fotos del mismo suceso y editar, ya no se puede hablar de fotografías bellas o feas y, paradójicamente, si bien existió una democratización del medio, la híper reproductibilidad no trajo al arte una democratización de su objeto. La fotografía como obra sigue siendo un fetiche con pocos “originales” para algunos afortunados. Entonces, la pregunta sería si la fotografía contemporánea es un género pertinente dentro del arte, o si es sólo una herramienta más que tiene el artista para producir una imagen.

Marchetti es una observadora, y no realiza sus composiciones en la computadora; logra producir esas imágenes -entre la captura de lo real y aquello más allá- con elementos que tiene alrededor a la hora de disparar: el encuentro de paletas armónicas en una ciudad, esfumados dados por componer el encuadre detrás de una ventana, la atmósfera como protagonista.

Trabajar sobre este lenguaje, como lo hace Lorena Marchetti, implica necesariamente preguntarse qué es una foto hoy, y cómo repensar el rol del fotógrafo como creador de imágenes. La respuesta de Marchetti es simple, pero a su vez, precisa y efectiva.

Se para sobre dos géneros clásicos: la fotografía de ciudades y el pictorialismo, es decir, vuelve al siglo XIX para repensar los

Pero no sólo la artista responde a la fotografía a partir de sus inicios, sino que trabaja con uno de sus grandes problemas del siglo XX, aquella famosa dicotomía entre el aura y la reproductibilidad benjaminiana. Y lo resuelve por fuera del encuadre: para cada imagen, consigue un marco antiguo y particular, que vuelve a la imagen reproductible en objeto único, y realza sus cualidades pictóricas. Marchetti es una gran pintora cuando hace fotografía, y una gran fotógrafa al hacer pintura. + www.lorenamarchetti.com.ar www.studio488.com.ar

030

+ mundo creativo

Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

diseño

+ Los ganadores del Concurso de Diseño Masisa: Carlos Foncea Maturana (medalla de oro), Maximiliano Carbonell (medalla de plata) y Leandro Irigoin (medalla de bronce).

Concurso de Diseño Masisa Apuesta al futuro

Masisa Argentina presentó los proyectos ganadores de la 5ta edición de su Concurso de Diseño para Estudiantes. A partir del certamen “Diseñá el futuro”, Masisa promueve la creación de proyectos que potencien la creatividad y la integración de eficiencia energética en el diseño.

El participante Carlos Foncea Maturana, con su proyecto “Librero Eiffel”, se consagró ganador de la medalla de oro en la instancia nacional del concurso. La propuesta “Nexo”, de Maximiliano Carbonell, obtuvo el segundo lugar, mientras que Leandro Irigoin con el diseño “IVK”, fue distinguido con la medalla de bronce. El ganador de la medalla de oro representará al país en CasaCor de Santiago de Chile, donde competirá por un pasaje y mil Euros para visitar una de las ferias de diseño más importantes del mundo, a elegir entre las ciudades de Colonia, París, Londres, Milán y Nueva York.

“La selección de los ganadores está íntimamente relacionada con uno de los objetivos del Concurso de Diseño Masisa, que consiste en la búsqueda de proyectos que se destaquen por ofrecer una solución inteligente, optimista y funcional para enfrentar las necesidades del futuro. Los ganadores cumplieron con la consigna que impulsamos desde Masisa de materializar un mueble RTA (Ready to Assemble o listo para armar) que sea estético y funcional”, destacó Francisco Estruga, gerente de marketing de Masisa Argentina.

Por su parte, el diseñador industrial y miembro del jurado, Eduardo

Simonetti, agregó: “Es notable la evolución de los proyectos presentados a lo largo de las ediciones del Concurso y, año a año, me siguen asombrando con la innovación en el uso de los materiales y el diseño sustentable”. El jurado, especializado en diseño y arquitectura, responsable de elegir a los ganadores del certamen, estuvo compuesto por María Zunino (presidente de DArA), Enrique Avogadro (director de Industrias Creativas y Comercio Exterior del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, a cargo del CMD), el DI Eduardo Simonetti (FADU/UBA) y los DI Ricardo Blanco y Eduardo Nasso. En representación de Masisa, Alfredo Gili (gerente general de Masisa Argentina), Francisco Estruga (gerente de Marketing de Masisa Argentina) y Matías Correa (jefe de producto de Masisa Argentina).

TAMBIÉN EN FACEBOOK El público tuvo la posibilidad de votar su proyecto favorito, a través de la fan page de Masisa en Facebook, resultando ganador el trabajo de Leandro Cáceres y César Romy, titulado “Office Desk Triangle”, que obtuvo 1.362 votos. El equipo ganador fue premiado con un iPod touch de Apple. + www.masisa.com

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+ mundo creativo

Texto y foto: Fátima Fargas para Travel Design (*)

destinos

Sharm el-Sheikh

Un oasis en el medio del desierto El relax y la diversión se combinan entre trajes de neoprene y shishas.

Sharm el-Sheikh es una paradisíaca ciudad de Egipto, situada en el extremo meridional de la península del Sinaí, en la provincia de Janub Sina. Originalmente, era un pequeño pueblo pesquero, que más tarde se convirtió en una base naval, debido a su estratégica situación geográfica. Entre 1956 y 1957 fue ocupada por Israel, y posteriormente entre 1967 y 1982 hasta que, gracias a sucesivos acuerdos, volvió a pertenecer a Egipto desde 1982, convirtiéndose en un destino de playa exclusivo.

Sus costas bañadas por el mar Rojo congregan a miles de turistas que llegan en busca de sol, playa y, sobre todo, buceo. Sharm elSheikh es el balneario más elegante y exclusivo del país, y el punto turístico más desarrollado de la zona, y en continuo crecimiento.

Es así que ostenta una gran cantidad de hoteles y numerosas ofertas para comer afuera, con una activa vida nocturna, en donde las shishas o pipas de agua -objetos característicos para fumar un tipo de tabaco especial, de distintos sabores- se encuentran por doquier.

La zona con más movimiento es Na’ama Bay, tanto de día en sus playas y restaurantes, como de noche, con su discotecas y bares.

Al norte de Na’ama Bay se encuentran Shark Bay y Napq, zonas exclusivas y de mucho glamour que fueron imponiéndose, gracias a los hoteles de lujo extremo que se instalaron allí. Otro lugar para disfrutar -tanto dentro como fuera del agua- es el Parque Nacional Ras Mohammed. Situado a unos kilómetros de Sharm el-Sheikh, se encuentra entre los golfos de Aqaba y Suez, y está catalogado a

nivel mundial como uno de los mejores sitios del mundo para practicar buceo o snorkel. Allí se encuentra un mundo submarino único, con una gran variedad de peces que viven junto a la barrera de coral.

Otro de los atractivos de este parque son las aves migratorias (golondrinas, gaviotas y águilas) que lo sobrevuelan.

BUCEANDO EN EL MAR ROJO Es uno de los lugares predilectos para todas aquellas personas a las que les apasiona bucear o hacer snorkel. De hecho, la mayoría de los hoteles de categoría cuentan con sus propios centros de buceo.

Existe una gran variedad de opciones para los diferentes niveles de buceo, tanto para principiantes como profesionales, cubriendo todas sus expectativas, y cada bajada se convierte en una experiencia única e irrepetible. Es que dentro del mar Rojo, la flora y la fauna no tienen fin: se pueden apreciar espectaculares arrecifes. Y para los más arriesgados, es posible nadar entre tiburones y barracudas.

Para los menos audaces, visitar el fondo del mar Rojo viajando en submarino o en las lanchas que disponen de piso de vidrio por el cual se puede apreciar la maravillosa vida acuática.

Todos los años, durante el mes de octubre, acuden a Sharm elSheikh buceadores intrépidos y preparados, de todas partes del mundo, para participar de la Competencia Internacional de Buceo, para intentar conseguir el primer puesto. Las condiciones del mar Rojo en esa época del año son óptimas para la competencia, ya que la temperatura de sus aguas es la ideal para sumergirse. +

(*) Para dejar de ser turista y comenzar a ser viajero, visitar: www.traveldesign.com.ar | blog.traveldesign.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Leila Mesyngier. Foto: Carola Danza

lugares

Galería Patio del Liceo Despertar artístico El Patio del Liceo, un elegante y antiguo edificio que fue escuela y centro comercial, aloja hoy una de las escenas alternativas más originales y bohemias de la Ciudad de Buenos Aires. Moda, arte, ferias americanas y música a pasos de la avenida Santa Fe. Las callecitas de Buenos Aires tienen ese “no se qué”, un sentimiento de nostalgia que se despierta cuando partimos, una sensación de familiaridad que se reaparece cuando llegamos. Cada tanto, nos sorprendemos con esos lugares de la ciudad en la que vivimos, del barrio en el que nos criamos, aquellos frente a los que pasamos miles de veces, y en los que nunca reparamos. Esos que un día descubrimos y de los que nos volvemos habitués.

El Patio del Liceo podría, perfectamente, ser uno de eso sitios.

Ubicado en pleno Barrio Norte, se esconde sobre la avenida Santa Fe 2729, entre Laprida y Anchorena. En sus tiempos dorados, supo alojar un liceo de señoritas que, todavía hoy, alguna dama curiosa visita con melancolía y un poco de curiosidad por saber qué fue de aquel elegante edificio. En plena década de los 90, su destino fue el de una coqueta galería comercial, justo cuando aparecían los primeros shopping de Buenos Aires, pero sólo duró una temporada, y terminó con un conflicto judicial y los locales vacíos.

Fue gracias a la lucha de Antonio Varela (dueño de varios locales y anterior portero), que El Patio del Liceo revivió: despertó al arte, moda y música, y hoy es hogar de diseñadores, artistas emergentes, galeristas, pintores, conductores y productores de radio. Varela se encargó de renovar “la cueva de arte”, como le gusta llamar al lugar. Arregló los techos, cambió los pisos, puso a punto los locales y, en algunos casos, hasta se ocupó de contactar a los inquilinos.

“Esto resurgió de una guerra mundial. Es una lucha permanente para buscarle la vuelta”, dice sentado en una cocina abierta en el patio del fondo. Tiene rastros de obra en su ropa: se pasó toda la

tarde trabajando en el sótano que, aparentemente, esconde tesoros ancestrales y pasillos que conectan la ciudad por abajo.

Ahora, luego de la ardua lucha, se respira arte en cada rincón.

Pasto, Mite, Studio 488 y Fiebre son algunas de las galerías que muestran las producciones de jóvenes pintores y escultores en ascenso. La librería Purr y la disquería Mercurio, el local de Moebius y de Cultra, las tiendas de indumentaria Unmo, Bandoleiro, Greens y Daka conviven con tapiceros, restauradores de muebles y una modista japonesa. Un par de ferias americanas, talleres, algo de diseño de joyas y un bar de tragos se asoman en los pasillos, junto con un pequeño local que vende “objetos mágicos y religiosos”. Un recorrido que vale la pena para sumergirse en uno de los espacios alternativos más novedosos y originales del universo artístico porteño.

Los vericuetos del tradicional edificio y sus laberínticas escaleras confluyen en el patio del fondo, un área abierta de encuentro y reunión. Bancos y mesas ocupadas, bicicletas estacionadas y plantas, muchas plantas (las que colocó y cuida Varela), acompañan el espíritu renovador y algo bohemio que adquirió el lugar. La quietud y tranquilidad van transformándose en movimiento, juventud y multitud, a medida que va cayendo el sol. Los pasillos y locales se llenan de visitantes, las luces se encienden, la música suena y Varela, satisfecho, festeja el cierre de una nueva jornada. “Me llevo de lo mejor con los jóvenes, soy uno más de ellos, y no noto la diferencia de edad. Esto tiene vida de día y de noche”, celebra Antonio con una sonrisa, mientras planea una nueva reforma para embellecer un espacio que se convirtió en su hogar. +

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+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

vehículos

Estos autos y más encontralos en

Jeep Grand Cherokee Overland Comercializada desde el año pasado en nuestro mercado, la cuarta generación del Jeep Grand Cherokee acaba de sumar una nueva versión a su gama. Se trata del Overland, una edición que estéticamente no mantiene casi diferencia con la versión convencional. Y esto era de esperarse. Así, se sigue destacando su parrilla frontal de siete ranuras, sus pasaruedas trapezoidales y su chasis agrandado con mayor aerodinámica, además de estar impulsado por el ya conocido motor V6 3.6 de 286 CV. Lo que si sumó el Overland fueron sus nuevos faros bi-xenón y llantas de aluminio de 20 pulgadas.

Además de ello, incorpora una suspensión neumática denominada “Cuadra Lift”, que permite variar la altura de la carrocería en cinco niveles diferentes. Este sistema trabaja en conjunto con el “Select Terrain”, una tecnología que permite elegir configuraciones de conducción en diferentes terrenos. Como si esto no fuera demasiado, el Overland dispone de un sistema de tracción “Quadra Trac II”, que reparte la tracción de manera permanente entre ambos ejes. Su valor es de U$S 85.900. + www.jeep.com

Fiat Siena EL

Mercedes-Benz C63 AMG

Luego de haberlo sometido a una cirugía menor, la firma italiana presentó a su ya clásico Siena, con un leve retoque estético. Así, esta versión denominada Siena EL, dispone de nuevos paragolpes delanteros, acompañado con nueva grilla delantera y grupos ópticos monoparábola.

La firma alemana sumó a su porfolio de productos al C63 AMG. Se trata de la versión coupé del Clase C, que llega importado desde Alemania. Debajo de su capó, sigue escondiendo al ya conocido V8 con 6.203cc de 457 caballos. Esta versión se ofrece sólo con caja automática de 7velocidades Speedshift MCT AMG. Esta bestia alemana viene de serie con llantas de 18 pulgadas, techo corredizo panorámico, faros bi-xenón adaptativos, butacas deportivas en cuero bicolor, molduras interiores en aluminio, climatizador bizona, navegador con pantalla color de 17,8 cm y equipo de audio Harman Kardon Logic ¿Su precio? U$S 169 mil. + www.mercedes-amg.com

De este modo, su imagen se presenta ahora más moderna, mientras que en su interior incorporó un nuevo cuadro de instrumentos, renovados tapizados y un volante más moderno. $ 74.700 es lo que cuesta. + www.fiat.com.ar

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mundo creativo 037 vehículos Estos autos y más encontralos en

Smart Fortwo Ice Shine Desde el mes de octubre, la gama Smart ForTwo dispondrá de una edición limitada denominada “Ice Shine”. Su nombre responde a los colores blanco y azul blue, que los clientes pueden elegir para su carrocería. Estará disponible en versiones coupé y cabrio, con motor 1.0 de 3 cilindros con 71 y 84 caballos. En el exterior, el Ice Shine se destaca por sus llantas de aleación de color blanco, las luces LED y el logotipo con diseño especial que identifica la edición. El interior cuenta con un ambiente fresco, con la combinación de colo-

res gris y blanco, y el volante está forrado en piel, al igual que los asientos. Este modelo cuenta con ventanas eléctricas, aire acondicionado, control automático de temperatura y techo panorámico.

Como extra, se pueden incluir los asientos climatizados, guantera con sistema de bloqueo, sistema de sonido de 5 bocinas y sistema de navegación. Un total de 1.800 unidades son las que se producirán de este modelo. + www.smart.com.ar

Citroën C3 Segunda Generación

Peugeot 208

La firma Citroën acaba de presentar oficialmente al C3 segunda generación en tierras brasileras. En sus características generales, esta versión es muy similar a aquella que se lanzó en Europa en el 2010.

Es decir, tiene 9 cm más de largo que la versión actual que todos conocemos, llegando a los 3,9 m, y dispone de mayor espacio interior, además de una capacidad de baúl también superior.

Los preparativos para esperar al nuevo integrante de la firma del león por estas latitudes están llegando a su fin. La marca francesa ya anunció que el 208 se fabricará en Brasil para el año 2013, en la planta de Porto Real de Río de Janeiro, donde ya empezó a producirse el nuevo C3. El flamante Peugeot se ofrecerá en versiones de tres y cinco puertas. El 208 es más corto que el 207 (7 cm menos de longitud), pero eso no le impide ofrecer un habitáculo más que generoso. Peugeot anunció, además, un rendimiento mejorado de todos sus motores, ya que esta carrocería es 110 kilos más livianas y mucho más aerodinámica. En su interior, la estrella del conjunto es una pantalla táctil, desde donde se podrán comandar el audio, la climatización y algunas configuraciones. Su lanzamiento para el Mercosur está previsto para el venidero Salón de San Pablo en octubre; en tanto que saldrá a la venta en Argentina durante el año que viene. + www.peugeot.com.ar

Por otra parte, según la versión, puede contar con un parabrisas panorámico, que se extiende casi hasta la mitad del techo. En su interior, el nuevo pequeño de la marca francesa que ya se está fabricando en la planta de Porto Real (Río de Janeiro), es mucho más moderno y funcional, lo que brinda la sensación de ser un auto un poco más grande de lo que es. Su llegada a nuestro país se hará efectiva durante el mes de noviembre. + www.citroen.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

vehículos

Chery Skin

Chevrolet Cruze Diesel 2.0 AT LTZ

Mientras que la empresa china Chery-Socma busca aliados para poder empezar a producir autos en nuestro país (la firma había anunciado en el 2008 una inversión de 500 millones de dólares para construir autos en Argentina), el portfolio de la marca acaba de sumar a un nuevo modelo. Se trata del Chery Skin, un mediano de imagen sobria, que se ofrece con dos siluetas diferentes: sedán y hatchback. Uno de los pilares en donde se apoya la marca para poder alcanzar comercializar 300 unidades del Skin en nuestro mercado hasta fines del 2012, es su dotación de seguridad. Para ello, se equiparon a las dos variantes con frenos ABS, doble airbag frontal, control de estabilidad, faros antiniebla delanteros y traseros, inmovilizador de motor y sensores de estacionamiento traseros. Su costo es de U$S 21.050. + www.cheryargentina.com.ar

Presentado por primera vez en sociedad durante el año 2010, el Chevrolet Cruze es el modelo más comercializado de la marca a nivel mundial (alrededor de 1.3 millones de vehículos hasta el segundo trimestre del 2012). No conforme con ello, la marca acaba de sumar una nueva versión con motorización diesel. Recordemos que el motor que equipaba al Cruze era un 2.0 litros de 150 caballos, el que no era de los más modernos. Ahora, su corazón Turbo diesel posee 163 caballos de potencia. Esta nueva generación, además de proponer una mayor potencia, se ofrece acoplada a una caja automática secuencial de 6 marchas. $ 178.340 pesos es el valor de la versión LTZ con este nuevo propulsor. + www.chevrolet.com.ar

Hyundai Veloster

Nuevo Kia Picanto

Oriundo de Corea del Sur, lo más novedoso de este coupé es que dispone de tres puertas, en vez de dos. Para su creación, sus diseñadores se basaron en las dificultades para acceder a las plazas traseras en las coupés tradicionales. Propusieron entonces una configuración asimétrica, donde los parantes laterales están desfasados, y uno se encuentra con una puerta de mayor tamaño del lado del conductor (coupé típica), y dos puertas más pequeñas del lado del acompañante.

Intrépido, estéticamente moderno, con buen espacio en su interior pero, por sobre todo, de bajo consumo. Estos son los principales rasgos de la nueva generación del Kia Picanto.

El diseño exterior del Veloster se sirve del concepto “Carving Ray” (esculpido por rayos de luz), logrando un aspecto agresivo, robusto, y con un alto grado de detalle; en tanto que para su interior, se inspiraron en el concepto “Extreme motion” (movimiento extremo), que toma elementos dinámicos de las motocicletas de alta performance.

El Veloster cuenta con un motor naftero 1.6 de 16 válvulas, que entrega una potencia de 130 caballos, y está asociado a dos opciones de caja: manual o automática-secuencial, ambas de 6 velocidades. Su costo parte desde los U$S 34.900. + www.hyundai.com.ar

Entre sus principales características, vale destacar que se trata de un auto de reducido tamaño, que mide 3,59 m de largo, 1,59 de ancho y 1,48 de alto, con una distancia entre ejes de 2,38 m. Desde su exterior tiene mucha personalidad, con grandes ópticas y faros antinieblas, manijas cromadas, guiños en los espejos exteriores y llantas de 14 pulgadas, entre otros detalles.

Es de destacar su alto nivel de seguridad, conformado por airbags para el conductor y acompañante, Programa Electrónico de Estabilidad (ESP), y frenos ABS. Es impulsado por un motor de 1.2 litros de 85 caballos, que tiene un consumo promedio homologado de sólo 4,5 litros cada 100 km. Su costo es de U$S 17.600. + www.kia.com.ar

Texto: Carolina Prioglio @caroprioglio

mundo creativo

+ 039 moda

Unmo

A su manera “Estoy recién empezando” es la frase con la que Marcelo Ortega comienza el relato sobre su historia en el diseño de indumentaria.

Está sentado en una banqueta blanca de madera, justo en el medio de la tienda que acaba de estrenar en el primer piso de la galería Patio del Liceo.

Hace poco, lo llamó el dueño de la galería para avisarle que el local número 35 se había desocupado. Marcelo no dudó un instante en adueñarse del lugar, pintarlo de blanco inmaculado, para luego colgar de los percheros las prendas de Unmo, la etiqueta con trayectoria en el under porteño, que creó hacia finales de los 90.

cal, que recién daba sus primeros pasos. “En ese momento, comencé a tomar seguridad como diseñador”, confiesa.

Marcelo Ortega pertenece a la segunda camada de diseñadores de indumentaria surgidos en la UBA, pero no se inscribe bajo el rótulo del diseño de autor. Hacia 1997 debutó con Unmo: “En esos años, la escena nocturna de las discos premiaba la creatividad a la hora de vestirse. Los desfile que se hacían en Ave Porco fomentaban la experimentación y las nuevas estéticas”, cuenta con un dejo nostálgico, y amplía el relato. Poco después, llegó la tienda en la galería Bond Street, otro de los templos del under porteño. Esa fue la etapa inicial de la marca que Marcelo define como high tech y minimalista, muy influenciada por los nuevos sonidos en la música, y que ya tenía sus propios groupies.

En el Patio de Liceo (una ex escuela, más tarde un pequeño centro comercial, devenido ahora en un reducto de diseño y arte sobre la avenida Santa Fe, en la Ciudad de Buenos Aires), cada vecino se conoce y se saluda. El trabajo de todos está siempre a la vista, en las vidrieras.

Los locales son pequeños, todos distintos, pero lo importante es lo que sucede puertas adentro. La artista de la galería de enfrente cuelga cuadros; la diseñadora gráfica del costado crea en silencio en su computadora. Dentro de Unmo, Marcelo termina de acomodar algunas prendas en un perchero, al mismo tiempo que las describe: “Me gusta jugar al componer la ropa, por eso abunda la combinación de texturas y colores. El negro es el color principal, pero hay otros como el azul, el crudo y el rojo. También juego bastante con los detalles o terminaciones geométricas. Aunque la principal característica de la ropa es la comodidad. Hoy el paradigma es estar cómodo”.

El 2001 llegó, y la crisis golpeó fuerte. Al mismo tiempo, se pusieron de moda otras estéticas, y Marcelo sintió la necesidad de renovarse. Él y su marca. Sus referentes siempre habían sido Jean Paul Gaultier y Diesel, pero sabía que para generar algo distinto, no había que mirar para afuera, sino para dentro de sí mismo. Volvió a irle bien.

Empezó a vender en Estados Unidos, sobre la calle Lafayette, en el SoHo. Y lo convocaron para participar en la semana de la moda lo-

Marcelo es de los que creen que en diseño “está todo inventado”, y así aprendió a crear sin tanta pretensión, desde la espontaneidad. “Dejé de lado la vanidad de la moda como parte de una nueva etapa… El diseñador no es un gran gurú que inventa cosas, menos con lo globalizado que está todo. Hoy, cualquier tipo de diseño tiene que ser una respuesta a lo que la gente pide”. + www.unmonet.com.ar

040

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

música

Paloma del Cerro Música desde las raíces de la tierra Nominada a los Premios Gardel 2012 por Mejor Álbum Nuevo Artista de Folklore, por su trabajo “Gozar hasta que me ausente”, Paloma Kippes -más conocida como Paloma del Cerro- nos cuenta de su trayecto hasta el día de hoy, y del estilo que ella define como “étnico electrónico”.

Hay que animarse a seguir la vocación. Eso es algo que se aprende al recorrer la historia de la carrera de Paloma Kippes (o Paloma del Cerro, su nombre artístico). Ella encontró a su música en la cima de un cerro, tras abandonar el mundo vertiginoso de la producción de cine y publicidad. Hoy, su primer disco, Gozar hasta que me ausente, fue nominado a los Premios Gardel en la categoría Mejor Álbum Nuevo Artista de Folklore y, en menos de un año, ya agotó su primera edición. Este trabajo lo grabó junto a Gerardo Morel, Migma (bandejas), Rafa D’Andrea (guitarra) y Maximiliano Arzani (percusión).

De herencia coplera, el disco es un homenaje a géneros musicales del altiplano fusionados con una experimentación, y coronados por su voz. + ¿Cómo nace “Gozar hasta que me ausente”?

PdC El disco nace de un momento de mi vida en el que comencé a ver el poder de la música, de las palabras, y de direccionar la energía. Para capitalizar mi encuentro en esta vida con Grod Morel (ndr: Gerardo Morel), con quien venimos haciendo música juntos hace diez años en varios proyectos. El primero fue open source, música electrónica de protesta, y luego siguieron Las Chaquetas de Cuero rockabilly, y después de dos años sin hacer nada, llegaron de la mano de Miriam García las coplas. Luego, en el camino, conocí a Remo Leaño, con quien nos entendimos rápidamente, y comenzamos a trabajar el profundo mensaje de las palabras. + ¿Cómo definís tu estilo musical?

PdC Música de mundo, étnica electrónica.

+ ¿Qué expresás mediante el canto?

PdC Las cualidades sonoras de la voz tienen la peculiaridad de acariciar, envolver, tocar. Y también, dependiendo de las frecuencias en que se cante, de curar. + ¿Cómo formaste la banda que tenés hoy?

PdC La banda que tenemos hoy es el equipo ideal humano y talentoso, con el que siempre quise trabajar. Cada uno sabiendo lo que hace y entregándolo todo. Grod en la producción general sonora, Lucas Penayo en la percusión, Migma y el tocadisco haciendo scratch con sonidos de la naturaleza, Remo Leaño con su escritura metafísica, Guille Porro en la posproducción y mezcla, la negra e Ivi Kiss con el styling, y yo, que gracias a mi incursión en el mundo del cine y la publicidad, aprendí a producir y, con cariño, saber transmitir. + ¿Qué recuperás de nuestra música ancestral?

PdC Tratar de reconectar con lo divino, con nuestra Madre Tierra.

Ahí están todas las melodías: trascender el enredo de las notas y dejarse llevar por lo que el entorno propone. + ¿Qué propone tu música de diferente?

PdC El trabajo con la palabra y las frecuencias. También las mezclas de ritmos con los que trabajamos. Un drum and bass coplero una chacarera step. El porqué atrae es parte del misterio del arte, esa magia hermosa que nos hace artistas.

GOZAR HASTA QUE ME AUSENTE (Acqua Records. Argentina, 2011) Este primer trabajo discográfico propone una revisita a las raíces de algunos ritmos sudamericanos, con la tradición precolombina como eje, principalmente, las antiguas músicas de los Andes, trabajando en esa fusión con el lenguaje de la electrónica y las músicas urbanas.

Se trata de canciones con una mínima intención bailable, a partir de composiciones simples (propias y ajenas), con buena producción de audio, que logra una amalgama casi acústica y sensible en la sonoridad total. Así, redondean el concepto de música hecha en la ciudad por jóvenes amantes de la vida silvestre, y que revalorizan la idea de tradición sonora de los pueblos originarios, con su mensaje positivo. Otra obra de folktrónica con voz femenina al frente, buscando un lugar en esa creciente escena alternativa. + | Texto: Germán Andrés @vermirando

Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

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mundo creativo 041 marketing

Topper + Churba

La unión hace al deporte Topper y Martín Churba se unieron para crear 2, una línea de indumentaria y calzado deportivo especialmente diseñada para las mujeres que buscan verse bien, también cuando hacen deporte. ¿El resultado? La línea Topper por Martín Churba.

El diseño llegó a la ropa deportiva para quedarse. Hoy, a la hora de elegir indumentaria para hacer ejercicio físico, además de buscar cualidades imprescindibles y necesarias, como ser comodidad y calidad para soportar las exigencias propias de cada actividad, también se busca estilo y buen diseño. Atrás quedaron las remeras desteñidas o los pantalones más viejos, los descartados, para salir a correr. Actualmente, hacer deporte es una parte clave en la vida de las personas, por eso la elección de la ropa cobró gran importancia.

Con esta tendencia en mente, llega la nueva colección de Topper, bautizada 2, la cual une dos ingredientes clave: moda y deporte. Ambos se conectan para marcar el camino hacia la vida sana y deportiva, ofreciendo tecnología especialmente aplicada al running y al training.

Topper, la marca de calzado deportivo, eligió aliarse con un diseñador consagrado y conocido por ser un innovador de tendencias, Martín Churba, alma mater de Tramando, la marca de indumentaria y laboratorio textil que él mismo fundó y lidera desde 2003.

“Hace tiempo que espero una alianza fuerte entre las ideas de diseño que generamos en Tramando y la industria argentina. A este desafío se le suma, además, el condimento del deporte y sus fuertes inversiones en desarrollos de envergadura de negocios. Topper es una

de las marcas que representan la identidad argentina en lo referido al diseño de indumentaria deportiva, por eso es un gran desafío y un enorme privilegio que me hayan convocado para ser parte del equipo de Topper”, cuenta el diseñador Martín Churba.

Por su parte, Silvia Di Mario, gerente de Publicidad de Topper, confirma las ideas de Churba y hace referencia al vínculo que la marca busca generar con las mujeres: “Topper continúa entendiendo las necesidades de las mujeres y su rol en la sociedad actual, donde se mueven con mucho dinamismo y exigencia, pero también donde el disfrute juega un papel esencial. Ya no sólo buscan cumplir con sus obligaciones y verse bien físicamente, sino también disfrutar y sentirse bien en el proceso. Por eso, Topper por Martín Churba es una colección que fusiona moda y tecnología aplicada al deporte en sus prendas y calzado”.

La propuesta incluye remeras, calzas, buzos, camperas, shorts y calzado deportivo diseñados con tecnología, que permite a la mujer disfrutar de sus actividades, sin descuidar la imagen y la comodidad.

Texturas, estampados, líneas, brillos y colores acompañan la actitud activa y el equilibrio necesario en la búsqueda del bienestar. + www.topper.com.ar/churba

042

+ mundo creativo

moda

Puma Suede by Ron English La nueva colección de Puma Suede lleva la firma de Ron English, considerado uno de los padres del arte moderno en la calle, y conocido por acuñar el término “popaganda”, su técnica fotorrealista y el uso inventivo de color. Habiendo sido invitado a participar de la última edición del festival de cultura urbana Puma Urban Art, el artista que se vale de los íconos de la cultura e historia norteamericana para sus creaciones, visitó por segunda vez la ciudad de Buenos Aires.

Tres son los diseños de calzado que forman parte de la colección

Puma Suede by Ron English, con dos variantes cada uno (botita y baja), texturas perforadas y estilo “reptil”, una paleta de color que oscila los entre verdes, negros y violetas, y una serie de buzos y remeras. “Elegí aplicar una calavera RockStar para reflejar mi mundo y mi estilo de manera clara… Me siento muy identificado con las Puma Suede, creo que serán productos transgresores.

Me encantó haber tenido la posibilidad de transmitir mi impronta en unas zapatillas con tanta historia”, aseguró English. + www.latam.puma.com www.popaganda.com

Infinit verano: Esperando al sol Infinit presenta su propuesta para el verano, una colección que tiene varios ingredientes. Desde elementos alusivos al arte del manga hasta una propuesta ecológica en bamboo, la marca presenta su apuesta para la temporada Primavera/Verano 2012-13, con propuestas elegantes y femeninas.

Infinit Bardot es una gafa oversized que, como su nombre lo indica, está inspirada en Brigitte Bardot, la actriz francesa ícono de cine de los años 50. Este tipo de anteojo solar de gran tamaño, es el estilo que la diva elegía para ocultarse de los paparazzi cada vez que hacía una aparición pública. Bardot es una gafa de acetato italiano, que viene en sus versiones negro y carey, ambos colores combinados con nacarado en su interior, lo cual convierten el modelo en una pieza sofisticada y objeto de deseo de las mujeres.

El nuevo modelo solar Amy fue creado como homenaje a la cantante londinense Amy Winehouse, cuya estética muy personal resaltaba las pin ups de los años 60. Se trata de un modelo súper femenino, oversized, de acetato italiano y patilla alta, que incorpora decoración metálica en sus laterales. Los colores y las texturas seleccionadas también remiten a los que elegía la artista: leopardo, brillos y nacarados como protagonistas. Valentine, así se llama el nuevo modelo de Infinit inspirado en los modelos que vestía Audrey Hepburn en la clásica “Desayuno en Tiffany’s”.

Una gafa súper femenina y romántica como su nombre, con las cejas en leopardo o glitter, y el aplique metálico lateral, que realza las patillas. + www.infinit.la + Infinit Bardot, Amy y Valentine

Texto: Diego Giaccone @diegogiaccone (*) Foto: Adri Godis Photography @adrigodis

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mundo creativo 043 branding y diseño

+ Una manera de conocer qué piensan sobre el diseño y los diseñadores los responsables de marketing de empresas exitosas, quienes deciden y compran diseño, buscando sumar valor a sus marcas y productos. La mirada del otro lado del mostrador.

Leo Piccioli | Staples Reinventarse periódicamente Cuando pensaba que la próxima nota sería al gerente general de Staples -que maneja 180 empleados en Argentina-, pensaba que íbamos a hacerla en cinco minutos, en el taxi y a las corridas, pero estuvimos comiendo y hablando durante más de dos horas, y era imposible dejar de escucharlo y grabar…

Leo es economista y se considera un “nerd”, que aprendió a programar a los doce años y es amante del Excell. En el año 83 ya tenía computadora y no jugaba, programaba. Hasta la cocina, para él, es algo matemático y de proporciones. Es una persona que desde hace muchos años pone especial foco en la usabilidad: que las cosas sean fáciles, que lo pidas hoy, y que te llegue mañana, ¡y que funcione!

“Estoy hace siete años como gerente general de Staples (compañía que vende artículos de oficina). Y me tengo que reinventar periódicamente: `¿Cuánto más puedo agregar?´ y encontrarle soluciones a problemas viejos o, incluso, inventar problemas para encontrarles soluciones a esos problemas. Todo el tiempo hay que estar buscando y buscando”, dice Leo.

constante en él es el desafío. Es por eso que, en lo personal, elegió hacer stand up, y parece que lo hace muy bien. Actúa junto a un grupo. Considera esta forma de teatro como una venta: “Con humor se vende mejor que sin humor. Es más probable que me compres, que me creas”.

Pero también hay algo que se está poniendo de moda en la corporaciones, el “work life balance” y, consecuentemente, también lee, va al gimnasio, estudió cuatro años de saxo, y hasta se tiró en paracaídas.

Otra de sus grandes pasiones es -desde hace diez años- la cocina, que le permite relajarse y experimentar; hizo cursos de pastelería con Gato Dumas. “En una época cocinaba y llevaba a la oficina carrot cake, hasta que me dijeron que no lleve más…”, bromea Leo. + www.staples.com.ar

“Nosotros pautábamos sólo lo que podíamos medir; la tele era difícil y no me gustaba trabajar con las agencias. He tenido agencias que no se comprometían conmigo, me pedían el brief y hacían eso mismo. No me gusta el facilismo, ¡jugate, conoceme! Que la agencia sea cliente, que me conozca”, sentencia Piccioli. Pero esto empezó a cambiar hace seis meses, cuando conocieron a la agencia David, que le propuso una solución para su empresa, y cambiaron de estrategia.

“Vinieron un día y me dijeron: `Creemos que encontramos qué es lo que les pasa como compañía´. Ellos descubrieron un espacio en el que nadie estaba trabajando, en el hecho de que las oficinas son feas. De que nadie se ocupa de la belleza de ellas, pero más del 50% del tiempo que estamos despiertos lo pasamos en la oficina. Y podemos hacerte la vida más linda en ese lugar”, sostiene Leo. Fue una jugada arriesgada y la primera vez que hacían televisión. La campaña fue muy exitosa, y la oficina de Buenos Aires fue felicitada a nivel mundial.

Cuando le pregunto cómo hace un gerente general para refrescarse y mantenerse creativo para aprobar campañas, nos cuenta que lo

MUNDO PICCIOLI Un país para ir de vacaciones. Italia Una ciudad para vivir. Boston Una marca de tecnología. Bose Una película. V de venganza, de James McTeigue Un libro. Fundación, de Isaac Asimov Música. The cure, U2, Blondie, Queen Un producto de tu empresa. Sillón Staples Citiz

(*) Diego Giaccone es diseñador gráfico, director de SURe Brandesign. www.surebrandesign.com

044

+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband @rsametband

gadgets

Sony PS Vita La nueva consola portable de Sony llegó a la Argentina después de su lanzamiento internacional. Chip de cuádruple núcleo, pantalla táctil de 5” y un touchpad trasero, sticks analógicos duales, sensores de movimiento y cámaras al frente y atrás. Además de videojuegos, permite acceder a In-

ternet, Facebook,Twitter, Skype y demás.Tiene conexión Wi-Fi para juegos multiusuario y GPS. El precio local sugerido es de $ 3499 (incluye el juego Modnation Racers: Roadtrip, una tarjeta de 8 GB y un estuche de cuero). + www.sony.com.ar

Samsung Galaxy Note 10.1

Nikon Coolpix S800c

La nueva tableta de Samsung tiene un chip de 4 núcleos a 1,4 GHz, 2 GB de RAM y una pantalla táctil de 10 pulgadas, un lápiz para dibujar en la pantalla hecho por Wacom (registra trazos y la presión sobre la pantalla, para lograr mayor fidelidad) y permite correr algunas aplicaciones lado a lado en la pantalla.

El nuevo modelo de Nikon presentado en Europa llega con una particularidad: es la primera cámara de la marca que usa Android.

Por eso, a su sensor de 16 MP, lente de 25-250 mm, su pantalla OLED de 3,5”, su zoom óptico 10x, su flash de lámpara de Xenon y su capacidad para grabar video en Full HD, la cámara suma todas las aplicaciones que le ofrece la tienda de Google para Android 2.3. Tiene GPS, Wi-Fi y es compatible con todas las aplicaciones de edición de fotos. Su precio en Estados Unidos es de U$S 350. + www.nikon.com

Corre Android 4, y su precio en Estados Unidos es de U$S 499. + www.samsung.com/ar/

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mundo creativo 045 gadgets

Logitech Ultrathin Keyboard Cover

Wacom Cintiq 24HD Touch

Las tabletas suelen traer una funda o tapa para proteger el cristal de la pantalla del equipo. Algunas fundas, además, sirven como teclado, como es el caso de la última tapa de Logitech, compatible con iPad 2 y 3: usa los imanes de la carcasa para “pegarse” al equipo en dos posiciones (como tapa o como teclado), lo que también permite bloquear la tableta con sólo cerrar la tapa.

Los amantes del dibujo y la ilustración en versión digital ya tienen una alternativa más para plasmar su arte en la pantalla: la nueva tableta de Wacom, que a la vez es un monitor, permite dibujar directo sobre la pantalla de 24” y 178º de ángulo de visión (y resolución de 1920 x 1200 píxeles), además de manipular objetos 3D. La tableta detecta 2048 niveles de presión, una inclinación del lápiz de hasta 40º, el toque de dedos en pantalla y viene con un soporte para calibrar a gusto su inclinación. Saldrá a la venta en septiembre en América Latina. + www.wacom.com

El precio en la Argentina es de $ 599. + www.logitech.com

Mighty Text

Logitech Washable K310 y Solar Keyboard K760

La premisa es simple: una aplicación te permite enviar y ver tus SMS en la pantalla de la PC, sin tocar el teléfono (aunque es él quien los envía y recibe). Es una extensión para el navegador (Chrome, Firefox o Safari), que se conecta con una aplicación para un móvil Android (disponible en la tienda Play).

A todos nos pasó alguna vez: puro trabajo frente a la computadora, un poco de torpeza, y el líquido de nuestra preferencia (agua, jugo, mate, café, etc.) se derrama y baña el teclado, con efectos diversos.

Para evitar el enchastre, Logitech presentó su nuevo teclado, que es resistente al agua: incluso se puede sumergir para lavarlo y quitar pelusas, miguitas y demás. Las letras están impresas con láser para que no se gasten. Su precio: U$S 40 en Estados Unidos. La compañía también presentó un teclado solar para Mac, iPad o iPhone: el K760 no usa batería, ya que funciona con la luz del sol o luz de interior (como las calculadoras solares), y permite cambiar entre tres dispositivos vía Bluetooth, sin tener que emparejarlos. El precio en la Argentina es de $ 699. + www.logitech.com

Si se suele mensajear mucho, esto simplifica las cosas. Se necesita, eso sí, que el teléfono esté conectado a Internet. Las aplicaciones son gratis; el costo de los SMS depende del abono que se posea. + www.mightytext.net

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+ mundo creativo

Compartir de una manera única Movistar te presenta ONE, una propuesta integral con beneficios exclusivos, los equipos más innovadores, atención diferencial, Internet ilimitado y llamadas gratis a toda la comunidad Movistar.

Con ONE podés disfrutar de la oferta más completa y exclusiva, con cuatro alternativas de planes: $199, $299, $399 y $499 (ver detalles de los planes en www.movistar.com.ar) según tus necesidades, y que te permitirán disfrutar de beneficios pensados sólo para vos. Y como para Movistar sos un cliente valioso y fiel, todas las líneas asociadas a tu número de cliente serán parte de la comunidad ONE, con atención

exclusiva llamando al *001, atención online diferencial a través de Mi Movistar y atención prioritaria en los Centros de Experiencia Movistar.

A continuación, Movistar One te presenta los equipos más importantes del año: el Nokia Lumia 900 y el Samsung Galaxy SIII. ¡Conocé sus principales características!

NOKIA LUMIA 900 Más fácil y más rápido son los dos conceptos en los cuales se basó el nuevo Nokia Lumia 900. Con un procesador de 1.4 GHz y sistema operativo Windows Phone, la nueva estrella de Nokia promete versatilidad, velocidad, y una interfaz mucho más intuitiva y dinámica.

Posee pantalla AMOLED de 4.3” con tecnología ClearBlack y Gorilla Glass; 16 GB de memoria interna y Skydrive para almacenar información online; cámara de 8 MP con lente Carl Zeiss y navegación GPS guiada por voz gratuita. Además, refuerza su funcionalidad con lo mejor de Windows Phone como el People HUB, que te permite agrupar a tus amigos, enviar twitts o sms, subir y etiquetar fotos, o ver actualizaciones y comentar en Facebook, directamente desde tu agenda de contactos. + www.nokia.com.ar SAMSUNG GALAXY SIII Gracias a su tecnología intuitiva y diseño ergonómico inspirado en la naturaleza, ofrece una experiencia móvil personalizada sin precedentes. Posee una pantalla de alta resolución de 4.8 pulgadas, y cuenta con dos cámaras: una de 8MP y la frontal de 1.9MP, ambas con funciones inteligentes. Además, tiene la potencia de Android 4.0 (Ice Cream Sandwich) y un procesador de 4 núcleos de 1,4GHz y 1GB de RAM para mayor velocidad. Utiliza software inteligente que responde de forma interactiva al rostro, los gestos y la voz.

También cuenta con características adicionales para compartir contenidos y mejorar la experiencia del usuario en formas completamente nuevas con Smart Stay, Best Photo y AllShare Play, entre otros. + www.samsung.com/ar/

mundo creativo

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APLICACIONES RECOMENDADAS ¡Para disfrutar al máximo de tu equipos Movistar!

Sonora en tu Movistar Es la aplicación que te permite acceder a más de dos millones de temas musicales desde el equipo Movistar de manera ilimitada, y así escuchar música y radios online, crear playlists personalizadas, compartir con amigos los temas preferidos en Facebook y Twitter, acceder a los mejores rankings, y disfrutar de lanzamientos exclusivos. Para activar del servicio, se debe contratar el Plan Movistar Sonora, o bien sumar el servicio Movistar Sonora al plan actual. Hoy está disponible para todos los equipos con Android 1.6 y, en adelante, para BlackBerry y equipos iPhone. + http:sonora.terra.com.ar

Estos son algunos de los discos a los que podés acceder con la aplicación Sonora en tu Movistar:

Taylor Swift | We are never ever getting back together Se trata del primer single del cuarto disco de estudio “Red”, de la la actriz, cantante y compositora estadounidense de música country Taylor Swift. Compuesta por ella misma, esta canción abarca los géneros pop y bubblegum pop, y posee una fuerte producción electrónica y estilo de música vocal pop. + http://taylorswift.com/

Linkin Park | Living things Quinto álbum de Linkin Park, banda californiana conocida por su estilo musical característico, que mezcla rock, rap y sonidos electrónicos. + www.linkinpark.com

Adobe Photoshop Touch para Android (Android 3.1 o superior) Utilizá las funciones más populares de Photoshop adaptadas exclusivamente para tu smartphone, como las capas, las herramientas de selección, los ajustes y los filtros, para crear imágenes impactantes.

Además. podés compartir las imágenes en Facebook y ver los comentarios directamente en la aplicación, buscar imágenes con la función integrada de búsqueda de imágenes de Google y sincronizar proyectos con Adobe Creative Cloud. + https://play.google.com/store/apps/

Assassin’s Creed para Windows Phone (7.5 o superior) El referente de los juegos de acción y aventuras para consolas ya está disponible para tu smartphone.

El juego ofrece una mezcla de sigilo, acción caótica y acertijos, en un mundo en 3D ambientado en las Cruzadas en Oriente Medio. + www.windowsphone.com/es-AR/apps/

Link a la nota: http://9010.co/movistarone

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+ mundo creativo

Texto: Javier Villa

Osías Yanov

La dinámica del encaje Del 10 de octubre al 10 de noviembre. Galería Inmigrante, Perú 1064, CABA. Dinámica de encaje, I (uno) es la primera muestra individual de Osías Yanov, luego de un período en el cual se abocó al trabajo colectivo junto a Rosa Chancho y a la producción de experiencias en espacios privados como su taller, o becas y residencias.

Este proyecto parte de dos líneas de investigación: por un lado, experimentaciones sobre sadomasoquismo sin su componente sexual con una colega artista, en las cuales buscaba poner en tensión la resistencia del cuerpo, para pasar a un estado más allá del dolor, donde el cuerpo pone un alerta sensorial sobre su contexto, y logra una ubicuidad donde puede sentirse el presente. Y, por el otro, un acercamiento a las teorías de post género de la pensadora española Beatriz Preciado; y otro acercamiento, si se quiere, de campo, al mundo de travestis y transexuales y las políticas de género en la ciudad.

A partir de este primer momento, Yanov comenzó a diseñar y cons-

truir máquinas que trabajan sobre la resistencia del cuerpo. Ya como observador y no protagonista directo de la experiencia, invitó a distintas personas con políticas muy específicas sobre su cuerpo y el problema de género, a usarlas en su taller, mientras él tomaba nota de las respuestas físicas, para ir ajustando los artefactos.

Lo que finalmente podrá verse en Galería Inmigrante –nuevo espacio comercial dirigido por artistas- es una serie de extraños objetos activados por humanos en turnos, de acuerdo a sus resistencias. Una maquinaria compuesta por distintas piezas con movimientos automáticos y prefijados en una cadena de repetición. Engranaje oscuro –que será ablandado por un personaje de mayor flexibilidad e improvisación- que busca la luz, alertarnos sobre lo que está pasando en ese preciso momento, e intentar que reflexionemos sobre cómo activar representaciones prefijadas, cómo crear un arte con función. + www.galeriainmigrante.com

Texto: Germán Andrés @vermirando

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mundo creativo 049 música/discos Lucas Martí: Otro gran acto de canción Se trata del nuevo disco del autor y productor más prolífico y hacedor de canciones, en lo que sería el pop argentino más arriesgado. Lucas Martí (quien fuera responsable de A Tirador Láser y el mentor de Varias Artistas), presenta una nueva obra en su carrera solista: Tercer y último acto de noción. Esta entrega de la saga -actos de noción- que ya tiene dos actos/discos anteriores es, una vez más, un trabajo fino y en solitario que hace Martí desde su afán de cancionista. En cada uno de estos álbums (intercalados con el resto de su producción), propone una aguda intimidad con la canción, encargándose él mismo de toda la música y la grabación.

Principalmente, compone desde la guitarra, pero en este caso, hay una búsqueda y una creación de ambientes y acompañamiento sutiles (sin necesidad de una banda); así enriquece la textura, para darle expansión armónica a sus composiciones, que ya vienen con un peso específico importante.

El sonido de la propuesta general es casi acústico, pero con impronta eléctrica, utilizando sintetizadores para generar un marco apropiado de capas, que se suman a las guitarras y su voz. Los textos que canta y cómo los canta, pueden incomodar a primera escucha, pero bien vale darles más de dos o tres escuchas, para desentrañar el encanto que vienen a decir. Estamos, quizás, ante el más completo de los cantautores argentinos actuales. Y es claro que no es de consumo masivo, ni quiere serlo. Cierta incomprensión a primera vista es lo que hay que sortear en este caso. Nada de lo que hace Martí es leve o fácil de llevar, pero tampoco es inaccesible. Si se aventuran a sus actos de amor a la canción, descubrirán un interesante mundo resonante. + www.lucasmarti.com.ar

Animal Collective: Hipnotizadores lisérgicos Centipede Hz es el título del noveno disco del grupo experimental de música oriundo de Baltimore, USA. Bajo el sello Domino de Inglaterra, salió el 3 de septiembre pasado, y ya se pudo ver un video adelanto del primer corte, el enérgico “Today´s Supernatural”. En la página oficial de Animal Collective puede escucharse el disco completo de dos maneras, como anunciaron ellos mismos: eligiendo los tracks por separado, o en una misma pista los 11 temas que lo conforman, seguidos y pegados como fue hecho, y así se obtiene la experiencia completa. No hay hasta ahora novedades de que se edite físicamente en esta región del mundo, pero claro, puede conseguirse en formato digital, por las vías que ya todos conocemos.

Este trabajo viene con un carácter más fresco; con mayor uso de frases melódicas claras, y estructuras más formales para las canciones. Dicho de otro modo, no se cuelgan en climas de noise progresivo. Es claramente más rítmico y tribal que sus antecesores. Suena a una jungla alocada por shocks eléctricos. Tiene, como siempre, ese audio desentrañable, punzante y hecho de miles de capas de sonidos extraños, que no representan a ningún instrumento en particular. Cada canción es un submundo en ese mar psicodélico de ritmo alterado que avanza, a veces con calma o cierto encantamiento y, en otros pasajes, más acelerado. Alternan las voces del canto principal. Igualmente, hay un concepto que lo engloba todo, un mix entre etéreo y digital, en el que comulgan las ideas pícaras de Avey Tare (David Portner), Panda Bear (Noah Lennox), Deakin (Josh Dibb) y Geologist (Brian Weitz). + www.myanimalhome.net

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+ mundo creativo

marketing

all originals represent adidas Originals presenta un nuevo capítulo de su campaña global “adidas is all”, de la que participan importantes personajes del arte y el deporte. La cantante Nicki Minaj, el artista de hip hop Big Sean, el fenómeno del pop coreano 2NE1, el reconocido jugador de la NBA Derrick Rose y Jeremy Scott -diseñador que viene colaborando con adidas Originals desde hace un largo tiempo-, forman parte de esta nueva edición de la campaña global de la marca de las tres tiras.

Las calles de todo el planeta y su espíritu creativo se despliegan en el spot “all originals represent”, y pretende ser fuente de inspiración para todos aquellos que deseen expresarse y mostrar lo que saben hacer, individualmente y con su grupo de amigos, para compartirlo en la Web y tener la oportunidad de convertirse en protagonista de la próxima campaña de adidas Originals de Argentina.

Durante todo el mes de septiembre, los grupos de amigos pueden subir su video, imágenes, audios y mantras a la Web de Originals y participar en los constantes retos del 2012 para convertirse en el grupo más original del mundo. + www.adidas.com.ar/originals

smart: Un pequeño con muchos premios Precursor y creador de tendencias, smart vuelve a poner a la marca en lo más alto, con el anuncio de los premios ganados a raíz de su campaña de publicidad. Su campaña realizada en Twitter fue un éxito. En una semana, alcanzó once millones de cuentas en Twitter, logró más de 126 mil vistas de su video en YouTube y posee más de 4 mil seguidores en la cuenta @smartArg. Por esta razón, el primer city car de la historia recibió numerosos premios, entre ellos, el Lápiz de Oro que entrega Editorial Dossier. También, en la edición número 59 del festival de Cannes Lions, smart se alzó con un León de Plata en la categoría Direct Marketing y un León de Bronce en Design en Media. Ambas categorías premian el mejor uso en redes sociales e Internet. Para completar, la campaña de smart también recibió el reconocimiento del Interactive Advertising Bureau (IAB), principal organismo representativo de la industria publicitaria online en el mundo. El primer comercial en Twitter de smart ganó la distinción Mejor Campaña Interactiva. + www.smart.com.ar

Quilmes agranda la familia La marca de cerveza preferida por los argentinos presenta Quilmes Night, una nueva variedad de cerveza rubia con un toque más de alcohol y un sabor diferente, con notas herbales y frutales. Esta nueva integrante se suma a la familia Quilmes, formada por Quilmes Cristal, Bajo Cero, Lieber, Red Lager, Stout, Bock y 1890.

Quilmes Night tiene un atractivo envase de vidrio azul. El estudio liderado por el diseñador argentino Adrián Pierini fue responsable del trabajo. Desde el azul atrapante del vidrio hasta el intenso resplandor provocado por el soporte metalizado, todo su packaging transmite innovación. “El packaging de Quilmes Night fue pensado para no pasar desapercibido. En ese objetivo nos concentramos y hoy, al verlo en los puntos de venta, estamos convencidos de que lo logramos”, comentó Pierini. + www.cerveceriaymalteriaquilmes.com

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mundo creativo 051 eventos lugares

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1, 2 y 3. Puma Suede by Ron English. En un evento exclusivo en Niceto Club, Puma presentó una edición limitada de las clásicas zapatillas Suede, esta vez, intervenidas por el artista Ron English. Acompañó el show de la banda de electropop canadiense Dragonette. El actor Guillermo Pfening y la DJ SRZ participaron del encuentro. www.puma.com 4 y5. Expresiones Sesión de Tendencias AW 2013. Veinte artistas se inspiraron para interpretar en obras de arte las tendencias identificadas por la fibra Lycra de Invista, las que fueron expuestas en la galería Braga Menéndez. www.invista.com 6 y7. Nokia Lumia en Argentina. La llegada de la línea Lumia de Nokia se festejó con un gran evento en el Galpón de La Boca, donde 600 invitados pudieron disfrutar de un mapping proyectado sobre un cubo de 6 metros de altura, compuesto por cuadrados similares a los tiles de la pantalla de los equipos Nokia Lumia 900 y 710 con SO Windows Phone. Estuvieron Agustina Ruiz (gerente de comunicaciones de Nokia para América Latina Sur) junto a Ronnie Arias (conductor del evento), Gastón Gaudio y Mirko Aksentijevic (Vicepresidente de Nokia para América Latina Sur), quien realizó la presentación de los nuevos celulares. www.nokia.com.ar 8. Grupo 134 en BAFWeek. Los integrantes de la banda Catupecu Machu en la primera fila del desfile que la marca de Romina Cardillo presentó en BAF. www.grupo134.com 10 y 11. Skyy vodka night. El vodka Premium celebró que será la bebida oficial de la Mercedes-Benz Fashion Week de New York, con una exitossa fiesta en el edificio Lahusen, musicalizada por los DJs Justin Miller, Jonas Kopp y SRZ. Laurencio Adot y Pablo Massey estuvieron entre los invitados. www.skyy.com

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+ mundo creativo

Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

moda

Mariano Toledo

Diseñar, innovar, descubrir Consagrado a nivel internacional y referente de la moda local, el diseñador Mariano Toledo no para de generar nuevos proyectos. Actualmente, además de ser el diseñador de una etiqueta chilena, tiene una alianza con la local Muaa, participa en un programa de TV y lidera el Laboratorio T, un proyecto que él mismo concibió junto con el CMD, destinado a impulsar el desarrollo y la gestión de producto en la industria de la moda.

Quizá, fue su formación académica la responsable de marcar un estilo particular e inconfundible en sus creaciones. Mariano Toledo estudió arquitectura en la Universidad de Buenos Aires, donde también fue docente y titular asociado en la carrera de diseño de indumentaria. De ahí en más, se lo conoce por ser uno de los diseñadores de indumentaria más creativos y originales de los últimos años.

Con una estética particular y un estilismo cuidado, logra las respuestas más disímiles, menos la indiferencia. En sus colecciones, busca mostrar el lado más audaz y seductor de la mujer, y sabe cómo hacerlo. Al igual que un escritor crea un lector determinado, así también lo hace Toledo: le brinda a su público nuevas propuestas, los hace partícipes de un universo único, el universo Mariano Toledo.

El presente del diseñador es variado en proyectos. Actualmente, es el director de diseño en una marca de indumentaria chilena, Dimensión Azul, además de participar del programa de TV Project Runway Latin America, del canal Glitz. A nivel local, cuenta con dos proyectos. El primero se trata de una colaboración con la firma Muaa, para quienes diseña colecciones específicas, como la que presentó en el último BAFWeek. Titulada Muaa by Mariano Toledo, la línea tiene por heroína al personaje de Uma Thurman en Kill Bill, la película clave de Quentin Tarantino. Así, la colección, que refleja la fusión entre una marca comercial y el diseño de autor, combina diferentes estilos, entre ellos, lo oriental, la cultura china y el touch motoquero, en prendas hechas en cuero, sedas estampadas y gasas. A nivel color, mucho saturado y toques de dorado. Se trata de un trabajo de edición limitada, de sólo treinta piezas, exclusivas para la noche.

En segundo lugar y, quizá, su proyecto más ambicioso es el programa denominado Laboratorio T, que llevará a cabo junto con el CMD. “La moda argentina está en una meseta. No hay nada nuevo o, mejor dicho, no veo todo lo que espero encontrar. Creo que hay que seguir generando imágenes, poner a la Argentina en un lugar de referencia”, comenta Toledo, y eso mismo se propone a través del programa que realizará con el CMD, generar nuevas imágenes, compartiendo con otros su experiencia. “En cuanto al futuro cercano, tengo todo puesto en el éxito del Laboratorio T”, confirma. www.marianotoledo.com.ar LABORATORIO T Mediante una convocatoria abierta, se seleccionarán a seis diseñadores de indumentaria y/o textil, que se capacitarán de manera intensiva y gratuita en procesos productivos, herramientas comerciales, de comunicación y de producción de modas. Bajo la dirección y la estética de Mariano Toledo, ejercitarán dichos conocimientos desarrollando y gestionando una colección que será presentada en la Pasarela Desfile Buenos Aires, en el marco de La Ciudad de Moda 2013.

El proyecto se focalizará en generar una estrategia innovadora para impulsar la actual oferta de diseño en la industria. La propuesta posibilitará a los seleccionados experimentar con diferentes materiales, que el CMD pondrá a su disposición, como entrenarse en el uso de los tiempos, las maquinarias y los procesos productivos. También, con capacitaciones en herramientas comerciales, de comunicación y de producción de modas y desarrollarse de manera interdisciplinaria, respondiendo a los desafíos del sector, en un taller de costura cedido por el CMD, con la dirección y el “expertise” de Mariano Toledo. + www.cmd.gob.ar | texperimentacion.cmd@gmail.com

mundo creativo

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agenda

www.cmd.gob.ar www.twitter.com/cmdbsas www.facebook.com/creativasycomext 20 al 22/09 BAFIM (Buenos Aires – Feria Internacional de Música) El espacio donde los profesionales más destacados de la escena internacional, expertos en las tendencias de la industria de la música, artistas, managers, productores, empresarios y proveedores de otras industrias creativas y de contenidos se reunirán para generar vínculos, difundir a sus artistas y concretar negocios. http://bafim.mdebuenosaires.gob.ar 27/09 Laboratorio T Un proyecto para diseñadores de indumentaria y textiles, que será dirigido por el diseñador Mariano Toledo. Se brindarán clases, conferencias y entrenamiento con herramientas comerciales durante seis meses, para que puedan experimentar como si fueran una verdadera empresa. El objetivo es formar Gerentes de Diseño, capaces de trabajar de manera interdisciplinaria y responder a los desafíos actuales del sector. Inscripción hasta el 19/09. Se seleccionarán 6 diseñadores. Apertura en octubre. texperimentacion.cmd@gmail.com 24 y 25/10 Congreso de Diseño de Interiores DaRA iD 3º Encuentro Internacional de Interiorismo y Diseño, organizado por DArA - Decoradores Argentinos Asociados. Un marco de reflexión para prestigiosos profesionales de distintas culturas, quienes expondrán proyectos que fueron éxitos internacionales, que permitirán sacar conclusiones con fines prácticos y

aplicarlas a nuestra realidad, interactuando y debatiendo ideas, estilos, movimientos y direcciones sobre interiorismo y diseño.

CMD – Algarrobo 1041, Barracas, CABA www.daraid.com 29/10 Buenos Aires al mundo Dirigido principalmente al ecosistema empresarial y al sector universitario, BA al Mundo pretende dilucidar cómo piensan los grandes referentes locales e internacionales del mundo de los negocios y líderes de opinión, sobre la economía, comercio internacional y la relación del país con el mundo en términos de negocios.

CMD – Algarrobo 1041, Barracas, CABA ESCUELA DE MARROQUINERÍA Se brindan cuatro cursos de capacitación y formación integral en costura, modelaje, corte y rebajado del cuero y de técnicas para la incorporación de hábitos laborales con el fin de insertarse en el mercado laboral, abasteciendo de esta manera al mercado especialista de marroquinería. De duración trimestral, los cursos se repiten tres veces en el año en dos turnos de entre 15 y 20 alumnos por curso. Desarrollado en el edificio del CMD en alianza con la Cámara Industrial de las Manufacturas del Cuero y Afines de la República Argentina (CIMA). En el mes de octubre.

CMD – Algarrobo 1041, Barracas, CABA cima@cuerocima.com.ar | oficina.modaba@gmail.com www.cuerocima.com.ar

IV Festival Internacional de Diseño Del 19 al 21 de octubre, el Distrito de Diseño de Buenos Aires presenta la cuarta edición del Festival Internacional de Diseño, bajo la consigna “Diseño en expansión”.

Nuevamente se desarrollará en el Centro Metropolitano de Diseño (CMD), corazón del Distrito, con una amplia oferta de actividades, organizadas en seis zonas en las que el diseño se expande.

El diseño en pleno uso. En la calle principal del CMD, se verá una exposición de diseño interactiva en la que el público podrá participar, junto con desfiles y espectáculos relacionados a las industrias creativas: shows en vivo de nuevas bandas musicales, lecturas, etc.

Festival Móvil. Una casa rodante intervenida por diseñadores, recorrerá las calles del Distrito de Diseño, con diseñadores y artistas de las más variadas disciplinas, deteniéndose en distintos espacios, para realizar operaciones de diseño planificadas, que luego serán exhibidas en el CMD. Negocios en expansión. Se realizarán charlas y jornadas de capacitación para emprendedores sobre comercio internacional y negocios.

Expansión virtual. El Festival trasciende las fronteras físicas, y toma el plano virtual con streaming en vivo, sitio Web 2.0 y aplicación FID para celular (agenda de actividades + key notes).

Expansión educativa. Un ciclo de conferencias, presentaciones, seminarios, mesas redondas, y clases abiertas para universidades y escuelas de diseño públicas y privadas, dan el marco teórico al Festival.

Expansión creativa. El diseño se expande a todas las industrias culturales, a través del cine, los libros, los discos, los medios de comunicación y la publicidad. +

fid.cmd@gmail.com

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BAFWeek Primavera/Verano 2012-13. La semana de la moda argentina presentó las propuestas de marcas comerciales y

diseñadores de autor en una serie de pasarelas en La Rural y en Paseo Alcorta Shopping. www.bafweek.com.ar 1. Concepción Cochrane Blaquier dijo presente en el desfile de Vitamina 2. Dolores Fonzi en el desfile de Lupe 3. Julieta Kemble no quiso perderse el desfile de Chocolate 4. Luz Cipriota se acercó al desfile de Uma 5. Bárbara Lombardo acompañó el desfile de Allo Martínez 6. Mónica Antonopulos en el desfile de Mishka 7. La recién casada Paulina Trotz asistió al pre-lanzamiento de los esmaltes OPI en BAFWeek 8. Nancy Dupláa, Catherine Fulop y Flor de la V acompañaron a la diseñadora Evangelina Bomparola en su desfile 9. Julieta Spina en el espacio Paseo Alcorta de BAF 10. Liz Solari y María Kodama en la primera fila del desfile de Garza Lobos, con el apoyo de Tecno en La Rural.

mundo creativo

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agenda + MUESTRAS/EXPOSICIONES/FERIAS 26 al 29/10 Buenos Aires Photo Exposición de fotografía.

Palais de Glace, Posadas 1725, CABA www.buenosairesphoto.com Hasta 14/10 Casa FOA Molina Ciudad 29 Edición de la expo de diseño, arquitectura, industria, diseño interior y paisajismo.

Av. Regimiento de Patricios 1052, CABA www.casafoa.com + CONGRESOS/ENCUENTROS/SEMINARIOS 12 al 14/10 TRImarhiDG 2012 XI Edición del congreso internacional de diseño gráfico. Recitales, talleres, mesas redondas, fiestas audiovisuales, exposiciones, conferencias, workshops y pintadas colectivas. Conferencias de Niklaus Troxlerniklaus Troxler, Kimera, 2veinte, PS.2 Arquitetura + Diseño, The Firehouse Kustom Rockart Co., Catalina Estrada, 123KLAN y Inderrumbable.

Estadio Polideportivo de Mar del Plata www.trimarchidg.net 15 al 21/10 Icograda Design Week Sarawak 2012 Una plataforma para compartir e inspirarse, entre diseñadores locales e internacionales. El tema de esta edición es “Rediscovery”, y apunta a reconocer las prácticas de la población local. www.icograda.org 19 al 21/10 IV Festival Internacional de Diseño Nueva edición del Festival presentado por el Distrito de Diseño de Buenos Aires, esta vez bajo la consigna “Diseño en expansión”.

CMD – Algarrobo 1041, CABA www.cmd.gov.ar 24 y 25/10 DArA iD 2012 3º encuentro internacional de interiorismo y diseño. Karim Rashid, Ilse Crawford, Cul de Sac - Alberto Martínez, Shashi Caan, Arthur Casas y StudioMK27 - Diana Radomysler son algunos de los invitados al Encuentro, que brindará un amplio programa de conferencias, bajo el lema “Cómo el diseño modifica la realidad”.

CMD - Algarrobo 1041, CABA www.daraid.com 26/10 Reality Design Rosario 2012 Una experiencia real de diseño, desarrollada por sus propios protagonistas. Conferencias de Julio Ferro (Coca-Cola), Ale Paul (Sudtipos), Ariel Di Lisio (Negro) y Diego Giaccone (Sure).

Hotel Solans Presidente, Corrientes 919, Rosario www.realitydesign.com.ar 8 al 10/11 ArtFutura 2012 Festival de cultura y creatividad digital que explora los proyectos y las ideas más importantes surgidas en el panorama internacional del new media, el diseño de interacción, los videojuegos y la animación digital.

Malba – Av. Figueroa Alcorta 3415, CABA www.artfutura.com.ar 14 al 16/11 El Ojo de Iberoamérica XV edición del festival internacional de publicidad, comunicación y entretenimiento. www.2012.elojodeiberoamerica.com + CONCURSOS/CONVOCATORIAS Hasta 17/09 Concurso de Afiches Arte Único Fernet Branca invita a participar de este concurso a todos los jóvenes artistas del país, para que plasmen en una obra su talento bajo la temática “Conectados” asociada al espíritu de Fernet Branca, utilizando cualquier disciplina artística o la combinación de varias. Aquellos seleccionados, integrarán la Muestra Itinerante Arte Único 2013. Los ganadores serán premiados con $15.000 (1º puesto), $10.000 (2º puesto) y $6.000 (3º puesto). La ficha de inscripción, bases y condiciones se encuentran en el sitio Web. www.arteunico.com.ar Hasta 30/09 Rivalation: Vestir a Lady Gaga para un funeral El desafío consiste en imaginar que fuiste seleccionado/a para formar parte del equipo de The Haus of Gaga, y como primer encargo, la propia cantante decidió confiar en tu talento para el diseño de un vestido muy especial: un vestido funerario. www.rivalation.com Hasta 31/09 Convocatoria ArtFutura Artistas argentinos y latinoamericanos, sin límite de edad, pueden presentar sus cortometrajes, videoclips musicales, motion graphics, videojuegos, trabajos en 3D, clips para Internet, y otras piezas de autor o por encargo, cuya duración no exceda los 10 minutos, para participar del concurso. Las obras ganadoras serán proyectadas en ArtFutura. www.artfutura.com.ar info@milproducciones.com.ar Hasta 24/10 Galerías Hasta 23/11 Barrio Joven Convocatoria arteBA 2013 La feria de arte contemporáneo más importante de la región convoca a participar de su edición 22 (24 al 24/05/2013) a las galerías establecidas para su sección Galerías, así como también a galerías y emprendimientos jóvenes, nacionales e internacionales, que representen principalmente a artistas latinoamericanos, a postularse para el Barrio Joven. www.arteba.org Hasta 31/10 Hiii Photography International Competition Fotógrafos, creativos profesionales, publicistas, agencias, estudiantes y profesores de todo el mundo pueden participar de este certamen que se divide en dos partes: “Published” y “Unpublished”. Se elegirá 1 Gran Prix, 20 Best Works y 200 menciones. Todos estarán compilados en la app para iPad de Hiii Photography. www.hiiibrand.com/competion hi2012@hiiibrand.com

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+ “Los años locos” es el nombre de la colección firmada por Tramando, que se presentó en la Usina del Arte. Con música en vivo del maestro Terán y puesta coreográfica de Martín Churba y Ana Frenkel, las modelos vistieron prendas de inspiración art decó, con textiles creados junto al artista plástico Pablo Siquier.

BAFWeek Primavera/Verano 2012-2013 Espacio de inspiración

La semana de la moda argentina presentó las colecciones Primavera/Verano 2012-13 del 7 al 10 de agosto en el Pabellón Azul de La Rural de Buenos Aires, mientras que algunas marcas eligieron sus propias tiendas en Paseo Alcorta Shopping. Bajo el nombre “Desfile Buenos Aires”, el Gobierno de la Ciudad puso en escena ocho pasarelas, en las que se dio a conocer las propuestas de diseñadores emergentes y de trayectoria. El Semillero UBA BAFWeek seleccionó a dos estudiantes ganadoras: Cintia Gabris y Noelia Miguenz. Santana Textiles tuvo su desfile de la mano de los doce finalistas de su Concurso de Diseño y eligió ganadores. Segunda edición de la pasarela Mapa de Diseño INTI. Análisis de tendencias, día por día. | Texto: Celeste Nasimbera @SrtaCele. Fotos: Maia Croizet @MaiaWATIO

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especial 057 BAFWeek

+ Desfile Tramando

+ Backstage Grupo 134

+ Backstage desfile Levi´s

DÍA 1: CREAR TENDENCIA Concluida la primera jornada de BAFWeek, nos hacemos de la excusa ideal para iniciar el análisis de nuestra pasarela nacional, reconocer marcas, sus nuevas propuestas, y descubrir diseño emergente. Empezamos a delinear en nuestra mente temperaturas elevadas, mientras esperamos disfrutar del próximo verano.

La moda es cíclica, tiene fechas estipuladas y se reinventa puntualmente cada seis meses. Entre paraguas y abrigos, vemos moverse frente a nuestros ojos la liviandad como el goce veraniego.

Arranca la temporada Primavera/Verano 2012-13. Los diseñadores poseen un calendario atípico, piensan en otras estaciones y crean pensando en qué vendrá. Como toda actividad creativa, son personas que poseen una sensibilidad especial para decodificar el momento histórico que los rodea. Su cultura visual les otorga la posibilidad de entender por dónde vamos a caminar. La inspiración surge del entorno y propone un discurso que llevaremos puesto sobre la piel.

Espacios como Desfile Buenos Aires, impulsado por el Gobierno de la Ciudad, nos permiten espiar por la rendija de la puerta.

Diseño en desarrollo, que aún no llega a transformarse en discurso masivo. Su gestación nos da pistas sobre nuestro presente, pero también sobre nuestro futuro. Las musas en la primera jornada de BAFWeek son originarias de lugares distantes. El arte óptico se presentó en impecable sastrería en Evangelina Bomparola, como el graffiti en eternos vestidos de Juana de Arco. Schang Viton coló el movimiento a pasarela, mientras que 12- NA corrió los límites, coqueteando con la performance.

Todas las propuestas se nutrieron de modos de vivir, ya que serán finalmente utilizadas para desplazarnos en la ciudad. Schang Viton buscó entender la adaptación del hombre a su entorno. Su colección “Metamorfosis” expresó comodidad en prendas con materiales combinados, transparencias y plisados. Juana de Arco contó el disfrute de una tarde de verano. Repitió en sus estampas corazones, paraguas y bicicletas. Propone entonces vestir colores, para disfrutar la calle y el sol. Su presentación, acompañada de la musicalización de Catalina Spinetta, transmitió la celebración de lo cotidiano.

12-NA propuso cuestionamiento. La moda como expresión de

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+ Backstage desfile Vero Ivaldi

+ Backstage desfile Vero Ivaldi

necesidades urgentes. Reutilizar, reciclar. Experimentaron con videos, música y modelos-actores para realizar una experiencia creativa. La finalidad juega entre la propuesta estética y la concientización ecológica. Las luces esperan la siguiente jornada, los fotógrafos estarán listos para disparar. Es el momento, lo sabíamos con anticipación.

DÍA 2: LA PASARELA ES EL CONCEPTO La segunda jornada de BAFWeek fue teatral: las modelos coquetearon con la actuación y las prendas obraron de vestuario. Se abre el telón.

Un patio trasero, una casa sin puerta, un bote y bicicletas. Levi’s ofreció una performance para recrear una tarde de verano. En lugar de un orden, cierto azar. La propuesta de la estilista Dani Stahl (Nylon) desestructura. No existe la primera fila, ni la segunda; menos la tercera. Todos están en la no-pasarela, conviven modelos, prensa, fotógrafos y público. Cada uno en su paso, conforma la presentación. ¿Qué es entonces la pasarela? Inicialmente, el espacio donde el diseñador pone a correr su colección. Una vidriera donde espiamos las prendas. Pero su configuración nos cuenta mucho más de lo que creemos. El estímulo nos puede trasladar a una calle soleada; Levi’s nos lleva en su bicicleta. O a un paisaje onírico de colores, si al levantar la vista, encontramos cientos de paraguas Seco.

La pasarela es el concepto. Allí marcas y diseñadores dejan pistas sobre su inspiración. Podemos comprender de dónde se nutren y qué desean develar. La indumentaria se pone a disposición de la historia. Por eso, deben mantener un ritmo. Tanto Visentini como Vero Ivaldi ordenaron para conservar la intriga. Abren los básicos. En el movimiento progresivo, ingresan los colores, las capas y las figuras asimétricas.

La pasarela es el escenario. La moda seduce, tomando recursos de diversas actividades creativas. Emilse Benítez reinterpreta cierta cultura del rock con tachas y cadenas, utilizando el cuero como bastidor. Amores Trash Couture apuesta por la música de los años ochenta. Vero Ivaldi se nutre del séptimo arte, para pensar la puesta en escena como una realización cinematográfica.

La pasarela es la excusa, el lugar permitido. Allí, la moda se viste en ocasiones de arte. Juega a ser algo más. Es la vía de escape.

El diseñador puede transmitir su sensibilidad, sus miedos, sus miserias. Todo aquello que necesite. La fantasía se construye en el devenir de las modelos, donde podemos identificarnos, alejarnos o enamorarnos. Pero no ser indiferentes, porque siempre habla de nosotros, nos conoce, surge de nuestra temporalidad. La pasarela es la hoja en blanco donde la moda escribe sus letras, el bastidor donde pinta color, las imágenes donde cose el concepto. Se prenden las luces una vez más. Va a comenzar.

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especial 059 BAFWeek

+ Backstage y desfile Juana de Arco

+ Backstage desfile Mariana Dappiano

+ Desfile Dam

DÍA 3: ESPACIOS DE RECONOCIMIENTO Recorrer para conocernos. Mediante diferentes políticas públicas, se ha incrementado la búsqueda del diseño de autor. Un disparador para pensar en el diseño argentino. Aunque probablemente no nos alcance el tiempo para abarcarlo, será suficiente para disfrutarlo.

como usos posibles. Troyer, en cambio, se enamora del negro. En diseños orgánicos, recorta cuero, se arriesga a polleras y se vuelve soberbia en capas. Hombres síntesis, con una presencia simple como trascendental. No hay excusas para esperar. El diseño argentino se expresa. Es también aquel con quien recorremos nuestras calles.

Mapa de Diseño INTI sube a pasarela la búsqueda del imaginario nacional. El Observatorio de Tendencias INTI genera un espacio de visibilidad, crecimiento y apoyo al diseño de autor. Cuatro diferentes diseñadores; en cada uno de ellos se encuentran presentes signos de nuestro ser argentino. Estampas portuarias recuerdan la arquitectónica Rosario. Tejidos chaqueños nos envuelven en una cálida paleta de colores. Sentimos la inmensidad del sur, como el encandilamiento del sol de Santiago en horas de la siesta. Mapa del Diseño INTI nos permitió recorrer nuestro extenso territorio, una bocanada de aires federales.

DÍA 4: PENSANDO MODA Lápiz en mano, los diseñadores bosquejan prendas. Aquellas que se expresaran en pasarela. Las mismas que, en un acto cotidiano, vestiremos. ¿Qué es la moda? Cada diseñador hace una propuesta, una invitación. Su investigación, el desarrollo de su colección y el vínculo que generamos con ella, nos permite preguntarnos sobre la moda. ¿La moda es una narrativa personal?

Semillero UBA BAFWeek permite vislumbrar el diseño en gestación, la multiplicidad de discursos que debaten en el seno de la universidad. La impronta académica y la ejercitación permanente, confluyen en individualidades que pretenden contar su modo de hacer moda.

Desfile Buenos Aires, organizado por el Gobierno de la Ciudad, nutrió la grilla con diseñadores reconocidos y emergentes, generando un espacio de autor. En la tercera jornada, se pudo disfrutar de las estampas pícaras de Benedit Bis y la impecable sastrería masculina de Troyer. Suena “All you need es love” para marcar el ritmo de boquitas pintadas, tacones de colores y simpatía. Benedit Bis tiene estampas. Sobre la tela, combinaciones morfológicas únicas, sobre la piel vestidos con diferentes cortes

¿La moda es un collage? Carola Besasso de Dam creó una colección de piezas únicas, donde el disfrute era la consigna a seguir.

En sus estampas, mujeres oníricas pintadas a mano, convivían con paisajes de verano. En los materiales, la mezcla producía armonía. Dam sumó en vestidos y monos. La diseñadora se presentó bailando, transmitiendo la alegría del crear y el amor por el oficio.

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+ Backstage Semillero UBA BAFWeek

+ Backstage Grupo 134

¿La moda es una reinterpretación de nuestra herencia? Marcelo Giacobbe presentó “Marina”. Un viaje hacia las profundidades, jugando con las formas, creando figuras eternas y sensuales. De igual modo, se nutrió de referencias históricas argentinas. Volvió hacia las playas de Mar del Plata en los años 50, continuando su marcha sobre la mitología nacional. Resignificándola, una vez más. La moda puede ser todo aquello que encontramos cuando cerramos los ojos. Nos permite soñar despiertos. El diseñador se busca a sí mismo, se plasma en tela y crea. Nos sentimos parte de esas narrativas, las combinamos para reinterpretarlas. Nos encontramos en el acto cotidiano de vestirnos.

VESTIDAS DE MAR Luego de ver más de veinte colecciones, el diseño argentino creó una tarde de verano. El desarrollo de BAFWeek nos permite analizar las líneas estéticas que expresan nuestra actualidad. En formas, texturas y colores, dibujamos el horizonte.

La principal búsqueda, aquella constante tanto en diseñadores como en marcas, fue el disfrute del entorno. El hombre conviviendo, buscando armonía y coherencia con su alrededor. Formas orgánicas para divertirse al sol, como enamorarse con los pies en la arena. La fuente de inspiración provino de tres espacios diferentes: la calle, la naturaleza, el mar. Escenarios donde nos desplazamos cotidianamente.

Las calles se expresaron en el uso constante del arte urbano. El graffiti fue robado de las paredes, para cambiar de soporte. No sólo fue la imagen institucional del evento, sino hilo conductor de colecciones. Juana de Arco transformó la pasarela en una seduc-

tora esquina de color y música. Levi’s en una performance, donde podíamos imaginar un barrio residencial, en una sumatoria de expresiones urbanas. La bicicleta como elemento visual recurrente, demuestra el equilibrio que buscamos incorporar en la ciudad.

Allí donde el pavimento se pierde, se conforma otro espacio de inspiración. La naturaleza, su flora, su fauna, su atmósfera. Sobre las telas se posaron lechuzas en Desiderata; loros en Uma. Las estampas tropicales tentaron en monos como trajes en Ona Saez, mientras tomaron ritmo con Dam. El mar, como horizonte creativo, llegó a nuestras costas. Fabián Zitta continuó su análisis sobre las morfologías del agua y las formas que ella genera. En figuras orgánicas, envolventes, jugó con plisados volumétricos en tonos celestes y claros tierras. Marcelo Giacobbe viajó en los mitos de la ciudad de Mar del Plata, explorando sus contradicciones. Enamoró en sutiles siluetas, en recortes y estrellas.

Las tipologías recurrentes demostraron la búsqueda de la comodidad.

Se repitieron monos en Juana de Arco, Evangelina Bomparola y Visentini. Los pantalones pijamas llegan en Desiderata, Uma y Vitamina. La paleta de colores es tan contradictoria como alegre. El neón se expresa de modo vibrante en amarillos, rosas y naranjas, mientras los pasteles generan atmósferas más románticas. Sirenas urbanas, amazonas, mujeres reales que transitan la ciudad. El diseño argentino buscó expresarse de modo federal en Mapa de Diseño INTI, rescatando los recuerdos de la niñez y el oficio en Semillero UBA. En las constantes, y en las variaciones la moda argentina expresó nuestras búsquedas. Las respuestas se encontrarán en el uso, en la apropiación diversa de las propuestas. +

Link a la nota: http://9010.co/bafWeek2012

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especial 061 BAFWeek

Grupo 134

La moda como canal para manifestarse Romina Cardillo es la creativa detrás de Grupo 134, una propuesta de indumentaria unisex no convencional, que no sigue el dictado de la moda internacional de manera obligatoria y que, sin embargo, logra que sus propuestas sean tan actuales y atractivas como para crear su propia tendencia. Así, para ellas, se ven vestidos cortos con formas geométricas, en algunos casos combinados en gasa y lentejuelas. Mucho negro y toques de naranja rabioso. Para ellos, bermudas y pantalones ajustados, combinados con camisas y suéteres de corte retro. | Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

Grupo 134 estuvo en BAFWeek, y su desfile fue uno de los más buscados. ¿Por qué? Porque al igual que su colección, no fue un desfile tradicional, sino una invitación a vivir la moda de manera diferente. Una banda de rock sonando bien fuerte acompañó el ir y venir de los modelos. Sobre el escenario, la misma Cardillo al mando de una guitarra furiosa presentó su colección.

+ Buscás cambiar el orden de las cosas. ¿Cómo lo reciben los organizadores del BAF? RC Están acostumbrados. Anteriormente, hicimos una manifestación.

En otra oportunidad, hubo gente que salía del público. Me gusta ir a un desfile y que haya cosas diferentes. Como nosotros tenemos una identidad bien marcada, eso se espera. Los organizadores ya nos conocen y están preparados. Esta vez, tocamos durante todo el show.

+ Contanos sobre la propuesta de Grupo 134 para la próxima temporada.

RC La colección se llama “Una voz enojada” y tiene que ver con el desfile anterior y la muerte de un amigo mío en la tragedia de Once. A partir de eso, me dije `¿qué hago con todo eso, con tanta bronca y tanto dolor?´. La respuesta fue hacer lo que mejor sé hacer, que es diseñar. Para esta colección nos inspiramos en el constructivismo ruso, con mucho panfleto, muchas diagonales y frases, tipologías que quizá no son tan complejas, pero que morfológicamente son bastante escenográficas.

+ ¿Cómo esperás que sea la respuesta del público sobre la colección y su mensaje?

RC Que tomen un poco de conciencia sobre la tragedia de Once, que no terminó. Estamos a seis meses, no avanza la causa, los trenes siguen descarrilando… Siempre vamos a estar para comunicar que así no podemos vivir. No quiero seguir perdiendo gente que quiero. Jonathan no va a volver, pero al menos que no haya otro como él. Cuando uno vive estas cosas, te das cuenta de que, cuando se pide que estas cosas no pasen, es en serio.

+ Tu desfile es uno de los más esperados. ¿Qué preparaste para esta oportunidad?

RC La idea de hacer un recital es para que la gente viva una experiencia diferente a los desfiles tradicionales, donde uno tiene que estar sentado en la gradas. Quería relajarme y relajar a la gente, que viva algo diferente.

+ Desde la moda, levantás una bandera pesada…

RC Siempre lo comunicamos. Durante el show, también hablamos del tema. Lo que siempre espero es que se tome conciencia. La moda es un canal para manifestarse. Además de ver el color que se usa, sirve para que la gente haga protesta. + www.grupo134.com

Link a la nota: http://9010.co/grupo134baf

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+ Desfile Visentini

Kika Tarelli

Detrás de la escena Detrás de todo evento hay un equipo que se ocupa de la organización y, detrás de ese equipo, una mente encargada de diseñar todos los detalles. BAFWeek no escapa a esta regla, y tiene a Kika Tarelli como directora de contenidos. ¿Su objetivo? Hacer de la semana de la moda local el gran evento que marque la tendencia de todas las temporadas. | Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

Se autodefine súper movediza, en contaste búsqueda de nuevos proyectos y nuevas iniciativas. “No paro nunca”, dice, y le creemos. KiKa Tarelli lidera desde el 2000 la puesta en marcha de uno de los eventos más importantes de la industria de la moda nacional, BAFWeek. Tamaña empresa necesita de una persona enérgica, capaz de llevar adelante múltiples desafíos. “Desde el 2001, tengo una fuerte vinculación con el diseño de indumentaria, desde los inicios de Grupo Pampa, donde estuve desde el 2000 hasta el 2006 como directora general de la Semana de Moda. También fui directora de Pasarela Santiago, un proyecto de Santiago de Chile con diseñadores chilenos, que estuvo buenísimo, y fui directora de moda de la revista Ohlalá. Actualmente, soy directora de contenidos de BAFWeek y, la vez, madrina de Sr.Amor, un proyecto solidario del Ejército de Salvación”, explica. + ¿Cómo fue el trabajo de selección de los diseñadores para el último BAF? KT La selección estuvo a cargo del equipo de producción de BAFWeek, con la intención de buscar un contenido interesante, ya sea con marcas comerciales o con diseñadores ya consagrados, o que

recién estén arrancando. La idea es mostrar lo más destacado del diseño de indumentaria de nuestro país. Cada nueva edición comienza a planearse apenas termina la edición anterior; es decir, tenemos seis meses de trabajo para que todo salga perfecto. + ¿Por qué crees que el evento tiene cada vez más convocatoria?

KT Porque todo el mundo quiere ser parte de la semana de la moda más importante de Argentina. BAFWeek es el evento donde se lanzan las colecciones ready to wear. Creo que el concepto de la campaña de este último BAFWeek generó muchísimo contenido, por lo que la gente quiere incorporar estos conceptos. Es un evento que inspira, es una usina generadora de ideas, del cual la gente quiere enterarse. + ¿Qué se viene para el próximo encuentro? ¿Nos podés adelantar algo?

KT ¡Sí, claro! En la próxima edición, con la idea de continuar con la línea del arte, vamos a trabajar con duplas de diseñadores de indumentaria + ilustradores para el concepto de campaña. + www.bafweek.com.ar

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especial 063 BAFWeek

+ Diseño de Nicole Tarrab, ganadora del concurso.

Concurso Santana Textiles En busca de talentos locales

Santana es la empresa que produce tela de jean o demin, la materia prima que llega a las manos de los diseñadores para convertirse en pantalones, camisas y camperas, entre otras prendas que abundan en los guardarropas. En su desfile en BAFWeek, Santana anunció a los ganadores del concurso que busca crear una plataforma de lanzamiento de talentos argentinos. | Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina Fotos: Maia Croizet @MaiaWATIO

Doce finalistas presentaron sus prendas en denim, pero sólo dos de ellos se fueron con el premio. Se trata de Nicole Tarrab y Agustina Troyer. Ambas podrán viajar a la planta de la empresa, ubicada en la provincia de Chaco, donde recibirán una capacitación sobre el proceso productivo de la tela con la que se fabrican los jeans. Además, Tarrab, quien se llevó el primer puesto del certamen, recibirá 7 mil pesos en efectivo y la tela suficiente para iniciar su proyecto de colección. Alejandro Ogando, coordinador del Departamento de Producto en Santana Textiles, charló con 90+10 sobre los resultados del concurso que busca posicionarse como la plataforma de lanzamiento de diseñadores locales. + ¿Cómo viste el nivel de los participantes del concurso?

AO Realmente muy bueno. Algo interesante es que se eligió a la ganadora por unanimidad. Además, participó gente de varias universidades, de distintas provincias también. La ganadora del primer puesto, Nicole Tarrab, es de la Universidad de Palermo, y Agustina Troyer de la UBA. Esto es bueno, porque estamos llegando a la meta, que es unir los eslabones: la universidad con las empresas. Así, la universidad saca diseñadores que ingresan en la

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industria y así se generan propuestas comerciales. Este fue el objetivo del concurso, que los trabajos sean creativos y comerciales a la vez, vendibles. + ¿Qué aspectos clave tienen los trabajos ganadores, por qué se destacaron?

AO En el caso de la ganadora, como te dije, fue elegida de forma unánime. Sabía lo que quería, tenía una claridad impecable; no dudó en ningún momento de que su propuesta marcaba tendencia.

Esa fue la clave. En cuanto al segundo puesto, Agustina Troyer tiene más recorrido. Su propuesta tuvo un muy buen trabajo de lavadero y, en general, en todo el proceso morfológico y de moldería. + ¿Cuál es tu balance del concurso?

AO El balance es positivo. Queremos que cada vez más universidades participen, de distintos puntos del país. Apuntamos a que el concurso crezca y se convierta es una plataforma de lanzamiento de diseñadores profesionales. + www.santanatextiles.com www.facebook.com/santana.textiles.1

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+ Desfiles Bossini Pithod y PQTZ Diseños

Mapa de Diseño INTI El espíritu de la innovación | Texto: Laureano Mon @LaureanoMon (*)

Al pie del cerro Catedral, en San Carlos de Bariloche, Uchi utiliza la técnica del calado láser para plasmar en textiles industriales figuras de la flora y fauna patagónica. En Resistencia, Chaco, Emilia emplea hilos y tejidos de algodón para generar a mano texturas voluminosas en un homenaje poético al Yuchán, nombre que le da la comunidad Qom al palo borracho. Débora elige sublimar las telas imprimiendo en sus superficies imágenes que remiten a la historia de su Rosario natal, en un ejercicio que la acerca a la etnografía urbana. Y en Santiago del Estero, Agustín retoma la tradición local de la siesta para dar forma a complejas prendas masculinas capaces de resistir al calor que no da tregua. Todos ellos forman parte de un movimiento colectivo que cobra fuerza en toda Argentina, y que tiene al diseño como protagonista.

El escenario de la innovación en la industria de la indumentaria plantea nuevos desafíos asociados a problemáticas específicas que toda empresa enfrenta en un contexto altamente dinámico. Es así como una mayor competencia por posicionarse en el mercado con productos diferenciados capaces de generar un mayor nivel de identificación con los consumidores marca las actuales estrategias de comunicación y comercialización. No sólo los usuarios reclaman productos con una marcada cuota de originalidad, sino que también exigen que los mismos posean una rica trazabilidad, que incluya

aspectos innovadores en la realización -en este caso, de las prendas-, como así también un relato capaz de imbuir de una experiencia inédita la compra y el uso de esa pieza.

En este marco, las empresas de diseño de indumentaria de autor –en su gran mayoría micro y pequeñas- deben hallar los caminos adecuados para comunicar sus colecciones a través de combinar estrategias tradicionales y alternativas que se adapten a sus posibilidades económicas. El objetivo último de un diseñador que gestiona su propia empresa será el de vender, como todos. La explosión de las redes sociales como canal de comunicación y comercialización –el aumento de ventas por este medio alternativo es evidente- sumada a nuevas experiencias de consumo –la sensorialidad comienza a reinar tendiéndose puentes con otras disciplinas como el arte y la gastronomía, por ejemplo-, se erigen en variables que pueden desarrollarse trascendiendo la geografía.

Estos caminos alternativos deben complementarse, a la vez, con plataformas tradicionales de comunicación que la industria posee, como son las presentaciones de temporada en las semanas de la moda, instancia donde es posible llegar de manera directa a la prensa especializada y a referentes del diseño, aumentando las posibilidades de difusión de los trabajos creativos. En este sentido, la

(*) Laureano Mon es Licenciado en Ciencia Política, investigador del Observatorio de Tendencias INTI.

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especial 065 BAFWeek

+ Desfiles Uchi Bolcich y Velasco

pasarela Mapa de Diseño INTI –proyecto desarrollado por el Observatorio de Tendencias del INTI- elige BAFWeek como espacio donde exhibir, en cada edición, las colecciones de cuatro diseñadores de diferentes provincias, colaborando en su posicionamiento en el mercado. A la vez, esta acción busca trazar un escenario de innovación, donde la diversidad de lenguajes creativos esté presente.

“Nuestro objetivo es difundir, con una visión federal, a empresas de indumentaria que trabajen innovando en sus desarrollos con el diseño como valor estratégico”, sostiene la Ing. Patricia Marino, directora de INTI Textiles.

Para la edición BAFWeek Primavera/Verano 2012-13, el Mapa de Diseño INTI dio a conocer cuatro propuestas que combinan de manera original elementos culturales y productivos. Uchi Bolcich, de Río Negro, presentó “Jardín Sur”, cuya protagonista fueron piezas de líneas simples, construidas por superposición de capas en géneros livianos, combinando gasas, sedas y tafetas, intervenidas a través del calado láser, sumando alforzas y puntillas caseras como complementos de cada diseño.

Velasco, de la provincia de Chaco, exhibió la colección “Poesía al Yuchán”, donde predominaron prendas en voile de algodón junto con lienzos elastizados, planos y de trama abierta, con texturas voluminosas logradas por anudados de sogas, costuras expuestas y detalles en crochet, que dialogaban con tipologías contemporáneas.

Por su parte, la colección “Registro Urbano” de PQTZ Diseños, de Santa Fe, hizo hincapié en la manipulación de las superficies con recursos de costura, arrugados y volúmenes sectorizados, sumado a la impresión de fotografías y planos históricos de la ciudad de Rosario, aplicados a través de la técnica de sublimación en polleras, remeras y vestidos.

Link a la nota: http://9010.co/mapainti

Por último, Bossini Pithod, de Santiago del Estero, presentó “Siesta santiagueña”, destinada principalmente al público masculino, con piezas de líneas amplias, construidas a partir de módulos articulados, cortes diagonales y movimiento de ejes, dando como resultado nuevas estructuras y morfologías geométricas; añadiendo texturas focalizadas con la incorporación de estampas de dibujos con imágenes aniñadas y planos de color flúo. En conjunto, la presentación evidenció la diversidad de lenguajes creativos que conviven en el joven segmento de diseño de autor.

Respecto del impacto real de esta acción de promoción, los diseñadores que participaron de la primera edición de la pasarela Mapa de Diseño INTI –quienes eran de Salta, Tucumán, Santa Fe y Mendoza- lograron no sólo incrementar el nivel de conocimiento de sus productos frente a nuevos públicos, sino también aumentaron sustancialmente sus ventas. Es así como las empresas capitalizan esa mayor exposición, pudiendo dar respuesta a un sustancial incremento de la demanda –que en algunos casos llega al 500%-, para lo cual deben tener capacidad productiva para hacerlo, convirtiéndose en uno de los criterios necesarios que se utilizan para seleccionar a los diseñadores a desfilar.

El dato interesante es que ese incremento en la demanda provino del público local, que comprende que en su propia ciudad existen diseñadores originales; claro que ello sucede una vez que estos se posicionan en el mercado nacional. La firma Quier, de Rosario, es un claro ejemplo de ello: participaron de la primera edición Otoño/ Invierno 12 del Mapa de Diseño INTI, capitalizaron su exposición en crecimiento de ventas y, seis meses después, lograron financiar su propia pasarela en la edición Primavera/Verano 2013 de BAFWeek. Los desafíos están planteados. +

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| Foto: Florencia Cosin

Aldo Cibic

Incubar conceptos Fue uno de los fundadores del mítico Grupo Memphis, que se animó a desafiar el diseño minimalista post Bauhaus.

Autodidacta, tuvo el privilegio de iniciar su carrera laboral con Ettore Sottsass. Fue distinguido en todo el mundo por sus obras de diseño y arquitectura. Es profesor en la Domus Academy, en el Politécnico de Milán y en el Instituto Universitario de Venecia, y Profesor Honorario en la Tongji University de Shanghai. Hoy viaja por todo el mundo desarrollando la faceta de su estudio que más lo atrae: Cibic Workshop, un espacio donde generar proyectos comunitarios para mejorar la calidad de vida. Con esta misión llegó al país, y charló con 90+10. | Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

personas creativas

+ 067 diseño

+ Microrealidades, un proyecto sobre lugares y personas.

“El peor enemigo de la democracia es la indiferencia”, la frase no la dice Aldo Cibic, pero tranquilamente, podría ser suya.

El diseñador y pensador italiano la lee desde la pantalla de su cámara de fotos digital, y cuenta que esta imagen la tomó de un cartel en algún lugar de Buenos Aires, y que siente que representa perfectamente lo que él piensa. A esta altura, ya nos ha mostrado imágenes de su hermosa casa de Vicenza en su iPad, así como muchos de los proyectos de Cibic & Partners, y de su paso por el Grupo Memphis, movimiento de arquitectura y diseño industrial fundado por Ettore Sottsass, que fue furor en los años 80.

Nacido en Vicenza en 1955, actualmente reside en esa misma ciudad, pero viaja permanentemente a Milán y, entre estos dos puntos, se dedica a dar vida a proyectos que van de la arquitectura y el diseño interior, hasta la investigación y exhibición. Y luego viaja por todo el mundo, evangelizando sobre una nueva forma de hacer arquitectura: más humana, compasiva, humanitaria y participativa. Una profesión poética.

A pocos días de llegado a la Argentina, conversamos con Cibic en el marco de su participación del Primer Programa Internacional de Posgrado en Diseño Avanzado en la Universidad Nacional de

San Martín (ver recuadro). El diseñador presentó un workshop y una conferencia magistral, y se explayó sobre las ideas que desarrolla en el marco de la división Cibic Workshop de su compañía.

Junto al diseñador industrial invitado Tommaso Corá, plantearon la necesidad de encontrar espacios para el intercambio cultural de las generaciones futuras, y de generar nuevas oportunidades de negocios.

Para describir su filosofía, Cibic nos propone un viaje, una aventura: imaginar un espacio abandonado, anticipar una actividad que pueda dar vida a esta comunidad, y proyectar arquitectura, alimentación, hábitos y propuestas sustentables. La felicidad, en sus palabras, está en esta búsqueda, tan personal como profundamente comunitaria. + Parece que hoy todo el mundo está en busca de la felicidad, ¿cómo pueden la arquitectura y el diseño contribuir para alcanzarla?

AC Nosotros proponemos una forma de felicidad distinta. Normalmente, tenemos una idea de felicidad como una forma de disfrutar la vida de una manera pasiva, pero esto es exactamente lo contrario. Es pensar qué podemos hacer nosotros para tener un futuro mejor. Así que es una felicidad que es una reacción. Podemos ser felices, si estamos involucrados en un proyecto que está focalizado

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+ Un nuevo concepto para la clásica habitación de hotel.

+ Proyecto Rethinking happiness: Tratar a los demás como nos gustaría que nos trataran a nosotros. Pensar nuevos espacios que se adapten a las nuevas realidades, para cambiar estilos de vida. www.rethinkinghappiness.info

en generar ese futuro mejor. Comenzamos con un proyecto que estuvo presente en la Bienal del 2004, que se llamaba “Microrealidades”, y el subtítulo era “la acción de la gente que genera lugares”, y no viceversa, con una idea de interacción. + Tiene un sentido comunitario.

AC Exactamente. La felicidad es un proyecto de nuevas comunidades. Y es interesante porque cuando hablás de comunidades en Italia o Europa, hay una reacción que lo vincula al comunismo o a los hippies. Como resultado de esta investigación que hicimos, la comunidad se convirtió en algo que necesitamos refundar. Porque para lograr esta felicidad, es necesario trabajar en conjunto. Uno de los proyectos incluía una industria, y mucha gente de todo el mundo llegaba a este espacio en el medio de la nada, para vivir y trabajar. En este contexto, la comunidad se vuelve una necesidad.

Así que nos planteamos cómo podíamos crear un espacio en donde las familias quisieran vivir, y sin quejarse porque quisieran volver a Milán, a la gran ciudad. Poder ir más allá de la ciudad y generar comunidades que sean igualmente interesantes. + Hay un mito instalado de que uno tiene una mejor calidad de vida cuando vive en las afueras de la ciudad.

AC Sí, pero no es verdad. Esto es básicamente algo que también desarrollamos en otros proyectos. De una monocultura a una policultura. Otro de los proyectos era para una nueva compañía de tecnología. Un “startup” en un área rural con una laguna. Tuvimos que generar las condiciones para fusionar este espacio de negocio con la comunidad rural del área, logrando integración y no exclusión. Que interactúen. Esto tiene que ver con la dinámica social. Son muchas piezas, distintas capas que tienen que convivir de manera multidisciplinaria para lograr éxito. Y lo hacemos con un equipo con personas de marketing, antropología, sociología, negocios, y somos todos productores de conceptos. Incubadores de conceptos. Nos ponemos en los zapatos de todo el mundo. + Y de una manera más filosófica, además de la idea de comunidad, ¿qué sería vivir mejor?

AC Vivir mejor es vivir de acuerdo a lo mejor que un espacio te puede ofrecer. En Italia, por ejemplo, tenemos muchos inmigrantes. Hay otro proyecto que hicimos en las afueras de Milán. Era un espacio abandonado, venido abajo, y diseñamos edificios con pequeños departamentos y muchos servicios: biblioteca, jardín de infantes, pequeño almacén y parque. Y ese espacio es atrayente para inmigrantes jóvenes y estudiantes, es decir, dos sectores

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+ Colección de alfombras Happy Carpets, diseñadas por Cibic Workshop y realizadas por Moret.

sociales que no son conflictivos, que tienen más o menos los mismos ingresos. Así que siempre se trata de mirar cómo se puede generar complicidad, empatía, comunidad. Y al final, tanto en el proyecto en el medio del campo como en el que está en las afueras de la ciudad, no estamos discriminando dónde se vive, estamos más concentrados en la cualidad de la comunidad. Tiene que haber un número crítico de personas para que se quiera ir a vivir ahí; es la masa crítica que permite que una comunidad exista. Y muchas veces, hay que afilar la mirada y ver los posibles conflictos. Porque más allá de que el espacio sea hermoso, lo que importa es esa sensación de comunidad. De eso estamos hablando acá en la Argentina, porque no hay un cliente para esto. Y así, cuando sabés que hacés algo que mejora la situación, eso te da felicidad.

LA DINÁMICA SOCIAL Durante demasiado tiempo, la arquitectura se concentró en un objeto. Por fortuna, hoy ya está instalada la idea de que es necesario pensar la relación entre este objeto y la sociedad. En este marco, se establece una dinámica social que arquitectos, diseñadores e incluso ingenieros deben incorporar a su forma de encarar cada uno de sus proyectos. Al menos así lo cree Aldo Cibic.

+ Juguera Foxy para Paola C.

En este sentido, la educación cobra un rol fundamental. Algunas de las obras mejor intencionadas, y ciertamente atractivas y elegantes, fallan en un nivel social elemental. “Nosotros no estamos pensando en el diseño de un objeto de arquitectura, estamos diseñando un tema. Estamos trabajando en un proceso, en una estrategia”, afirma Cibic.

Y parte de esta estrategia se asienta en la actividad educativa, en mentalizar a las nuevas generaciones de profesionales.

Acaso por eso, este inquieto pensador desarrolla actividades de enseñanza en la Domus Academy, en el curso de Licenciatura en Diseño Industrial de la Facultad de Arquitectura del Politécnico de Milán y el curso de Licenciatura de Diseño Industrial de la Facultad de Diseño del Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia. Además, es Profesor Honorario en la Tongji University de Shanghai. + ¿Y te encontrás con alumnos receptivos a estas ideas?

AC Sí, y tenemos tan lindo intercambio en Internet. Muchas veces, no soy consciente de lo que generamos. Tomasso está más convencido, porque yo lo veo desde afuera. Siempre digo “somos un desastre, no podemos seguir así”. Y Tomasso me dice “No, eso no es verdad”.

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+ Juego de construcción Andrea Palladio, sobre la obra del arquitecto italiano.

UNA NUEVA FILOSOFÍA Fue un movimiento que se animó a rechazar la filosofía de una época. Grupo Memphis fue fundado por Ettore Sottsass, en diciembre de 1980, y estuvo integrado por figuras de la talla de Michele de Lucchi, Matteo Thun, Javier Mariscal, Marco Zanini y Andrea Branzi. Su salto a la fama fue en 1981, en el Salón del Mueble de Milán. Nació en contra del minimalismo de la época, en busca de que los objetos tuvieran su personalidad.

Así propusieron creaciones estridentes, coloridas, brillantes, que tomaban como inspiración a movimientos como el Art Déco y el Pop Art, sin hacerle asco al Kitsch. Su mezcla de estilos y materiales planteaba que el posmodernismo había fracasado, y que la mejor solución era buscar el renacimiento del Modernismo.

Hoy, sus piezas de diseño incluyen colecciones de objetos para cocina en cerámica, vidrio y metal, muebles, sofás, sillas y mesas con plantas incrustadas en su base -en su mayoría, realizadas en conjunto con otros diseñadores-, frutos de una filosofía de trabajo abierta. Una metodología que heredó de su maestro, el brillante Sottsass. + ¿Cómo impactó el Grupo Memphis en tu vida?

AC Yo soy autodidacta. Fui a la escuela de arte, pero nunca lo digo. Empecé a los 22 años con Ettore Sottsass; estaba virgen (risas). Así que mi primer diseño fue Memphis. En el estudio, no había el tipo de proyectos de Cibic Workshops, pero él siempre tuvo una idea de tener una mirada de 180 grados, de no especializarse en “know hows” muy específicos, sino más bien en tener una mirada muy abierta de la realidad. Una cultura muy humanista y, en este sentido, sigo igual, porque todos estos trabajos son humanistas, compasivos, narrativos.

+ A la hora de elegir tus piezas de diseño, ¿hay algún proyecto que te haga sentir orgulloso?

AC Amamos hacer objetos. Para Paula C, estamos diseñando con vidrio para una gran compañía, y también luminarias. También trabajamos con artesanos con el estudio indio Mumbai, e hicimos un proyecto de alfombras con un estudio turco. +Tenés un libro de esto.

AC Sí. Es una expresión poética; también hicimos otros proyectos, con un pensamiento más estético, y también nos gusta. + Leí que buscás poética en tus proyectos, ¿qué significa exactamente?

AC Es muy simple. Es darle un alma bella a algo. Es tener fe en que se puede dar alma a los proyectos. Siempre hay algo que uno disfruta, que es cálido. Algo que es humano. Es movilizar, y eso te hace más rico como persona, y te da un placer sutil, un mensaje. + Eso tiene que ver con distintas culturas.

AC Sí, con las mujeres haciendo estas alfombras. La calidez tiene que ver con las personas. + La profesión está cambiando…

AC Sí, por completo. Y habiendo aprendido con Sottsass, él era realmente un hombre muy valiente. Tuve mucha suerte de haber tenido esa experiencia de tan joven. Memphis fue un impacto increíble. Me dio herramientas y una idea de cómo pensar. Porque en un momento no había nada, y en el otro nació una idea. + www.cibicpartners.com www.cibicworkshop.com

EDUCACIÓN DE LUJO Bajo el nombre de UNSAM + 6D, el Primer Programa Internacional de Posgrado en Diseño Avanzado en la Universidad Nacional de San Martín está dirigido por el artista argentino Leopoldo Maler. Destinado a diseñadores, arquitectos, ingenieros, autoridades académicas, graduados de carreras afines y profesionales con trayectoria, su premisa es promover la investigación como una herramienta de búsqueda creativa, sustentable y espiritual. El de Aldo Cibic fue el primero de los seis workshops semanales dictados, y llevó el nombre de “Diseñar nuestro futuro. Un lugar donde encontrarse, comprar, vender e intercambiar”. Cibic estuvo acompañado del diseñador industrial invitado Tommaso Corà, y coronó su visita con una conferencia magistral, “Repensar la felicidad + Cultivar una comunidad”.

En el marco de este programa, le seguirán otros workshops dictados por Clino Trini Castelli (Castelli Design), Giulio Ceppi (Total Tool) y Mario Trimarchi (Fragile), entre otros. La actividad es arancelada y cuenta con cupos limitados. + www.unsam.edu.ar

Link a la nota: http://9010.co/aldocibic

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(*) Fernanda Cohen es ilustradora, graduada en la School of Visual Arts de New York. Recientemente, lanzó su primer libro “Guía ilustrada del orgasmo fe|menino”, Foto: Carola Danza editado por Ediciones de La Flor. www.fernandacohen.com

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+ 073 diseño

Ale Paul Mr. Sript

Es uno de los fundadores de Sudtipos, un colectivo creativo que se dedica a generar, programar y comercializar tipografías, para que diseñadores de todo el mundo puedan darle una estética original a sus trabajos. Con numerosos premios internacionales y locales en su haber, el argentino Ale Paul complementa su labor diaria con un ejercicio académico en el suelo extranjero y local, donde transmite e incentiva la búsqueda de nuevos horizontes y el respeto del derecho de autor. Sus trabajos se destacan por ser caligráficos y artesanales, y son utilizados por marcas como Levi’s, por medios de comunicación como el New York Times, y hasta por consumidores para ser tatuados sobre su propia piel. Con ustedes, Mr. Script. | Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

Hay decisiones que son capitales, aunque uno no lo sepa. Cuando abrimos un Word, un Illustrator o un Indesign, por citar algunos, hay otra decisión igual de capital. Una que, al igual que las anteriores, se verá afectada por nuestro género, edad, hora del día, contexto, soporte, nivel de cansancio, vicios, gustos musicales. No es un impulso automático, existe un mejunje de ADN que determina que hagamos click en la Times, la Verdana o la Gill Sans. Y, por fortuna, hay quienes dedican su vida a multiplicar el abanico de tipografías a elegir: que dibujan, programan y comercializan alternativas a la Helvética –Dios Salve a la Reina-.

Una iniciativa que los diseñadores de todo el mundo agradecen y utilizan como herramienta fundamental para aplicar en packagings, publicidades, revistas, diarios y más. Ale Paul lo sabe bien, él ya creó más de 120 familias tipográficas. Nacido en la Argentina, fue elegido el año pasado como miembro de la Alliance Graphique Internationale –el primero en nuestro país-, es miembro de AGI (a-g-i.org) -con la posibilidad de proponer miembros argentinos-, ganó cuatro premios del Type Deirectors de NY, y su tipografía Piel Script, especial para tatuajes, recibió el Premio Letter.2 como una de las 53 mejores de la última década.

Parece mentira, pero todo empezó casi por casualidad. “Yo era director de arte para el diseño de etiquetas, cuando en febrero de 2002, con la crisis, me echan. Por ese entonces, yo ya diseñaba tipografías como algo experimental. Como tenía mucho tiempo, decidí fusionar el `expertise´ que tenía en packaging, y lo que sabía hacer en diseño y programación de tipografía. Me junté con varias personas y fundamos Subtipos”. Esas personas eran Ariel Garófalo, Claudio Pousada y Diego Giaccone, que hoy trabajan en otros rubros.

“En el momento en que ellos se abrieron, yo intenté hacer de esto un negocio. La imagen de Sudtipos se empezó a hacer conocida, y terminó siendo un gran colectivo donde la cabeza soy yo, pero donde mucha gente que se suma al proyecto”. Entre los profesionales de diversas disciplinas que se sumaron a diseñar junto con Paul, se cuentan Ángel Koziupa, que trabajó en agencias en logos como los de Quilmes y Vieníssima, y la ilustradora Laura Varsky. La meta del estudio permanece intacta: que los diseñadores puedan lograr un efecto único en sus creaciones.

UN PACTO SENSORIAL Son cuatro segundos, pero pueden ser menos. Cuatro segundos frente a la góndola de un supermercado o almacén, para elegir una sola marca de dulce de leche o jabón para la ropa. Y, en ese lapso, explica Paul, una serie de impulsos sensoriales nos definen por uno solo entre todos. “Lo que yo me propuse fue crear algo para un nicho

que nadie hasta ahora en la historia de la tipografía decidió definir como tal. No es que antes no hubiera tipografías que sirvieran para packaging, sino que yo tomé ciertos valores, los hice explícitos y lo comuniqué. A partir de ahí, derramó”, relata Paul.

En efecto, su propuesta se expandió del packaging a profesionales en el área del branding, editorial, y hasta para consumidores que quisieron tatuarse sus tipografías en la piel. Una aventura que devino en premio. Paul lo cuenta así: “Empecé a ver que muchas personas se tatuaban mis letras caligráficas. Me mandaban fotos, y a mí muchas veces no me gustaba cómo quedaban. Eso tenía que ver con que la piel es distinta al papel, y que el impresor (el tatuador) es un humano y no una máquina alemana que dibuja perfecto, de manera que cualquier mínimo error afecta al tatuaje. Entonces, decidí crear una tipografía para gente que quería diseñarse sus propios tatuajes”.

Una experimentación que se comercializa como todas sus creaciones: cada vez que alguien licencia la tipografía, el autor cobra una regalía. La tipografía también es un software en sí mismo, y si quieren una A, pueden elegir entre diez alternativas, y así con todas las letras, para armar su propia palabra. También hay casos en los que “gente que no es diseñadora, y no sabe usar estos programas de diseño, me contrata para que les haga los diseños que ellos no pueden hacer. Pero en general, el mayor porcentaje son diseñadores que no tienen tiempo para contratar a alguien que le dibuje letras a mano, pero que quieren transmitir algo parecido a cuando se dibujaban las tipografías a mano”, resume Mr. Script. + ¿Cómo definís a una tipografía?

AP Es un recurso más que tiene el diseñador, sin el cual no puede diseñar, pero que muchas veces se dice que tiene que ser invisible.

+ Piel Script

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+ Calgary Script

+ Affair

Ahora, dentro del packaging y en determinados lugares, no tiene que ser tan invisible: tiene que llamar la atención.

+ ¿Es aconsejable que una tipografía tenga una familia numerosa?

AP Para rubros como el editorial, la posibilidad de lograr distintos colores, más negrita, más liviana, es importante, para lograr los distintos niveles de información. En otros rubros, es importante tener alternativas: por ahí no tenés una variable de color, pero tenés dos mil signos (letras) dentro de una tipografía. Así podés formar una palabra de muchas formas distintas, porque tenés varias H, varias E. Eso tiene que ver con una tecnología que se llama OpenType, que apareció hace algunos años, que permite que una tipografía que antiguamente no podía tener más de dos mil signos, hoy pueda tener 65 mil.

+ Porque además tiene la doble función: una gráfica y otra comunicativa.

AP Lo que comunica son valores del producto. Además del rasgo artesanal, mis tipografías son legibles y manipulables. Porque los diseñadores manipulan mucho: la tipografía tiene una sombra, la sombra tiene un volumen, el volumen tiene un color, el color tiene un filete; miles de efectos para que un envase se destaque de la competencia. Todo eso traté de digerir, primero en el mercado norteamericano, para que después descienda hacia el latinoamericano. Porque así funciona: acá tenemos la mirada muy puesta en el norte. Primero tiene que probarse que funciona afuera para que lo adoptemos. + ¿Qué se le puede pedir a una tipografía y qué no?

AP Lo que no puede pasar es que un signo se lea como otro. Pero en general, el problema no es de la tipografía, es del diseñador que la elije. Una tipografía gordita, con terminación de punta pincel, muy “cute”, no debería usarse para un libro de filosofía. + ¿Qué tipos de demandas tipográficas hay?

AP Hay que diferenciar los distintos tipos de letras. Hay tipografías de texto, para ser impresas en un papel de baja calidad, como en un diario. Hay personas que experimentan con señalizaciones de autopista, para identificar hacia dónde vas a una determinada velocidad. Otros que trabajan con tipografías que puedan ser leídas por personas con dislexia. Después, hay gente que trabaja en tipografías para ser leídas en pantalla, que ahora están muy de moda. Y está el rubro de tipografías display: más pintorescas, más decorativas, para marcas, tarjetas, packaging, logos de revistas, y ese es un mundo más amplio, donde uno tiene muchas menos limitaciones. Pero una A se tiene que leer como una A.

+ ¿Y las tipografías nobles?

AP A mí siempre me causó mucha gracia esa denominación. En general, los diseñadores las entienden como las que los profesores les dijeron que estaban bien. El diseñador en general no arriesga, porque es más fácil trabajar con lo que ya se probó que funciona.

Pero hay miles de letras; deben salir al mercado más de 100 por semana. + ¿Y eso con qué tiene que ver?

AP Es académico. Tenemos un acostumbramiento audiovisual, y cualquier cambio lo vemos como algo que no funciona. Terminaron las Olimpíadas, y sigue habiendo un revuelo con la tipografía del logo. Fue un caso controvertido, porque rompía el paradigma de lo que Inglaterra tenía que dar como tipografía de su país. Podemos discutir mil cosas, pero identitariamente, funcionó perfecto. Ahí se animaron a algo distinto. Era más fácil usar una Gill Sans o la del metro londinense.

UNA PROFESIÓN ARTESANAL De los gestos a los ruidos, de los ruidos a las palabras. El pensamiento se traduce en un lenguaje que depende de la geografía, la religión, el origen. La palabra es la cultura, y la escritura es historia.

+ 075 Tantas veces repetido: la historia nace con la escritura. Y el origen de los tipógrafos podría situarse en el momento en que Gutenberg inventa el tipo móvil. “Cuando se pasa de la palabra escrita a mano a un método de impresión y a la composición de un texto a través de la tipografía”, define Paul.

Pero en su estudio, no sólo hablan las palabras. También hablan los toys de colores, piezas de goma y cerámica, un atril con tipografías a mano, un escritorio revuelto de papeles, una valija a medio deshacer, una biblioteca hasta el techo rebosante de libros y, como mesa ratona, una con tapa de letras de molde. Frente a ella nos sentamos enfrentados en dos sofás, para reflexionar sobre una profesión tan rica como relativamente joven. “La tipografía publicitaria, como la entendemos ahora, seguramente nació a fines del siglo XIX. Después, a medida que las tendencias fueron surgiendo, aparecieron necesidades de distintos tipos de tipografías, y en los años 30, cuando los Estados Unidos tuvieron que recuperarse de la crisis, hubo una necesidad de comunicar publicitariamente un montón de cosas que requerían de diseños nuevos. Ya en los 80 nace la Macintosh, que recupera tipografías que habían dejado de existir por cambios tecnológicos, para pasarlas al medio digital”. + ¿Cuál es el momento de la tipografía hoy?

AP Es un momento muy particular. Hay que entenderlo como un período de cambio en las formas de impresión, como lo fue cuando el tipo de metal pasó a una impresión en offset por tipografía. Hoy casi no se imprime, se lee en pantalla. Entonces, hay que producir tipografías que se lean bien para ese nuevo medio, que cambia tan rápido, que es muy difícil seguirle el ritmo. + En Sudtipos, ¿hay un estilo que predomine?

AP En el mundo está visto como un estudio de tipografías scripts, caligráficas o display, que parecen hechas a mano. Hace poco, la revista inglesa Computer Arts eligió los 200 momentos claves de diseño durante los 16 años que tiene la publicación, y uno de ellos fue la aparición de Sudtipos, y la vuelta de la tipografía script al diseño.

Porque la tipografía script, académicamente, había sido considerada letra de fantasía, y nadie podía aprobar un trabajo de facultad utilizándola. A partir de este fenómeno, empezaron a surgir nuevas en la Argentina y todo el mundo, y hoy son las más populares del mercado. + ¿Hay modas en tipografías?

AP Sí, como la script, y las imponen los grandes usuarios. Yo tengo una tipografía que se llama Burgues Script, que la usó la sección de moda de la revista New York Times para todos sus titulares, y seguramente por eso la terminó usando Levi’s para una marca de diseños nuevos. Lo mismo con la revista Martha Stewart Weddings, que utiliza una tipografía mía en la tapa y en los interiores, y hoy muchísimos negocios que venden stationary para bodas incorporan tipografías mías. Los grandes estudios de diseño generan tendencias, que después se atomizan y explotan. + ¿Una tipografía tuya que la sigas viendo y te encanta?

AP Soy muy crítico, pero a la Burgues la vi en muchos lugares y de maneras diversas, y me encanta encontrar situaciones de uso que no me esperaba. Puedo verla en un disco de Annie Lennox, en la revista de Martha Stewart o en una tarjeta de casamiento, y me sigue emocionando. Otras que hice las veo y digo ‘¿cómo pude haber hecho esto?’. Pero bueno, trato de trabajar hacia delante. + ¿Qué puede inspirar una tipografía?

AP Siempre trato de buscar nichos no explotados, o de generarme desafíos propios. En algún momento dije: ‘Quiero generar una tipografía que sea caligráfica, y que sea la más finita en el mercado’. Y eso me sirvió de inspiración. Otra vez viajé a Brooklyn, vi todo un trabajo con hierros en las barandas y las ventanas, y pensé: ‘Quiero

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+ Candy Script

hacer una tipografía que remita a esto’, y terminé haciendo una tipografía de palo seco, la Brownsone. Me puede inspirar la arquitectura, el trabajo de un ilustrador, un disco de jazz de los años 60.

Todo lo que me estimula me inspira. + ¿Cuánto tiempo te puede llevar una tipografía?

AP Si pudiera evitar la procastinación… (risas). Me puede llevar desde dos meses hasta cinco años, pero tiene que ver con que trabajo en paralelo en muchos proyectos a la vez. Muchas veces pasa el tiempo y el proyecto queda, y cuando lo vuelvo a agarrar le cambio cosas. Trato de ponerme ciertos plazos para que sea productivo, porque el cliente soy casi siempre yo mismo. + ¿Hay demandas a pedido?

AP En la Argentina, he hecho algunas para la agencia Madre para Nextel o el Banco Hipotecario; cosas muy puntuales, donde creé un alfabeto. Pero en realidad, no hay una demanda, o no hay un entendimiento de la necesidad de una tipografía para cada proyecto.

Entonces, lo que hago es generar tipografías que pongo a la venta, y que son un recurso que tienen los diseñadores para elegir, comprar, licenciar y utilizar. + ¿Por qué hay tantas tipografías gratis?

AP Hasta hace poco, eran de muy mala calidad. En general, una tipografía gratis no te da garantía de calidad. Y esto te das cuenta cuando imprime, o cuando la llevás a un tamaño grande y se ve toda rota. Cuando vos tenés algo gratis, nadie es responsable de nada.

También hay gente que puede diseñar tipografías y darlas gratis en su sitio para generar tráfico, pero históricamente la tipografía se vendió como un recurso para diseñar. Una herramienta para diseñadores, no generadores de estética. Porque consumir estética no es diseño. El diseño es lo que está detrás, y ese es el diferencial. + www.estudiopaul.com.ar

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Theo Jansen El esquimal

Vino a Buenos Aires para presentar sus animales de playa en Tecnópolis. Quién es este holandés que combina arte, ciencia y tecnología, y sueña con que la vida artificial de sus Strandbeest adopte una existencia autónoma. | Texto: Leila Mesyngier. Fotos: Gentileza TJ

Los ojos celestes brillantes de Theo Jansen relucen en el bar del hotel de barrio de Belgrano donde se aloja. Alto, elegante y muy caballero, saluda y cuenta que es su primera visita a la Argentina.

Quedó deslumbrado con la mística local, cuando participó de la reinauguración de Tecnópolis –la mega muestra de ciencia y tecnología emplazada en el Parque del Bicentenario-, donde se exhiben las increíbles bestias de mar que fabrica. Las Strandbeest son una especie de esqueletos parecidos a los dinosaurios, que habitan las playas de su Holanda natal, y que recorren el mundo mostrando las destrezas de la vida artificial.

“La vida artificial nos hace más sabios acerca de la existencia, nos hace pensar en nuevas creaciones, en los principios de la vida, y nos

volvemos más conocedores de la vida existente. Esa es una de las motivaciones, no en el principio, pero sí más adelante, en el proceso de trabajo. Cuando se empieza, no siempre se sabe por qué lo estás haciendo. Pero luego, descubrí que esa es una de las razones para hacerlo”, cuenta apasionado por su obra.

Este hombre simpático y con marcado acento holandés en su correcto inglés, es considerado uno de los artistas más relevantes en la convergencia entre arte, ciencia y tecnología. Empezó a construir sus Strandbeest 22 años atrás, cuando era escritor de columnas de ciencias para un diario de su país. Contaba todo tipo de ideas extrañas, y ésta era una de ellas: “Unos esqueletos que caminaban por la playa y podían refugiarse de la subida del nivel del mar”, recuerda.

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+ 077 arte

| Strandbeest. Foto: Loek van der Klis.

El proyecto le quedó dando vueltas en la cabeza, hasta que un día pasó por un local en el que vendían tubos y compró algunos. Eran unos tubos amarillos y flexibles que en Holanda se utilizan para las instalaciones eléctricas en las casas y en las calles, y hasta los niños juegan con ellos. “Estuve yo también toda la tarde jugando con los tubos y, al final del día, vi tanto del futuro, que me prometí dedicar un año al trabajo con ellos. Eso fue hace 22 años, y nunca me pude deshacer de esos tubos”, rememora.

Cada una de sus criaturas tiene un nombre en latín, que Theo elige de un diccionario, aún sin conocer el idioma. Una de las que trajo a Tecnópolis es el “Animaris umerus”, una obra de 12 metros de largo, con fisonomía y estructura orgánica, armada con esos tubos flexibles y con la libertad de moverse a partir del clima. Las prueba en las playas holandesas y las bestias viven allí durante todo el verano. Para moverse utilizan sus alas, mientras bombean aire a las botellas. Así llenan lo que Jansen considera el estómago, y donde almacenan energía para cuando no sopla el viento. Es decir, que pueden moverse por sí mismas, sin necesidad de controles remotos ni alimentación. Además, poseen una suerte de sistema de desagüe, hecho con esas mismas botellas de plástico recicladas que les permiten evacuar lo que absorben del mar o de las tormentas.

Para construirlas, Jansen trabaja desde temprano a la mañana hasta tarde en la noche. Tiene un estudio cerrado en el que también vive,

y uno abierto, en el que arma las partes de sus criaturas. “Soy un adicto. Usualmente, tardo medio año en crearlas; empiezo en octubre, noviembre y, en primavera, comienzo a probarlas en la playa y las tengo ahí todo el verano. ¡En septiembre ya me quiero deshacer de ellas y empezar una nueva! En el trascurso de un año las declaro fósiles y las dejo de usar”.

Muchas de ellas quedan en el predio de su estudio al aire libre, tal como si fueran restos de animales. Otras son trasladadas a exhibiciones en Japón, Taiwán, Estados Unidos, etc. Las manda como fósiles que pueden volver a armarse en los museos o exposiciones, asegura el artista de pelo blanco y piel dorada que da conferencias en diferentes partes del mundo, acompañando a sus criaturas. + ¿Cómo recibe el público tu obra? ¿Qué mensaje buscás transmitir?

TH En realidad, no tenía un mensaje. Básicamente, comencé a trabajar y las creaciones que hacía, parecían tener cierto efecto en la gente, que empezaba a sonreír cuando las observaba. Parecía que veían algo optimista o con esperanza y los hacía felices. Es un efecto extraño, porque yo sólo trabajo en la funcionalidad de la bestia, y no trato de hacer animales bellos; los hago funcionar y, al final, me sorprendo de lo hermosos que son. La gente parece entender mi trabajo. Y eso es un privilegio que no todos los artistas tienen, el ser entendidos por la audiencia y hacerla feliz. Pero, reitero, es un efecto y no un mensaje.

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| Strandbeests en las playas holandesas.

ARTE + CIENCIA + RELIGIÓN Estudió física durante siete años en la Universidad de Delf. No era un buen estudiante, nunca se recibió, pero reconoce que aprendió “algo”. “Eran los tiempos hippies y todos hacíamos otra cosa. Yo pintaba grandes cuadros, lo hice hasta principios de los 80, cuando diseñé un dispositivo que voló por mi ciudad y me hice famoso por un tiempo. Después de eso, no pude pintar más”, cuenta entre la risa y la nostalgia. Otra vez sus ojos celestes brillan.

un milagro. Hay muchas cosas que no podemos explicar: el porqué uno viene en un cuerpo determinado y otro en uno distinto. Admiro a (Charles) Darwin, pero la teoría de la evolución no tiene ni idea de porqué eso ocurre. Eso me fascina, cómo las cosas son posibles”, dice. Vuelve a enfatizar, “la vida es un milagro”, pero no necesita a la religión, y en ese punto, parece retornar a la ciencia. Una combinación de saberes y técnicas que él prefiere depositar en las habilidades de un esquimal.

+ ¿Sos un artista o un científico? ¿Se combinan ambas disciplinas en tu trabajo?

TH No veo la diferencia entre arte y física, considero que es lo mismo. De hecho, la palabra arte la inventaron las personas, los museos, las universidades. Yo no me considero ni artista ni científico, me veo más como un esquimal.

Así descubrió que las criaturas más pequeñas sobreviven mejor que las grandes a las tormentas. Por eso, ahora tiene en las playas de su país un grupo de “hermanos y hermanas” de solamente tres metros de largo, que pasan los días y las noches de verano sobre la arena. “Nunca destruyeron un animal, la gente es muy respetuosa”, dice.

Un esquimal haciendo esculturas, aprovechando lo que ofrece la naturaleza; un esquimal que no sabe lo que es un museo, pero que al mismo tiempo, puede hacer un aporte tecnológico a su forma de vida y mejorarla. Así se define Theo Jansen, ni científico ni artista, aunque reconoce con honestidad que, para sobrevivir, los museos lo llaman artista y le pagan por eso.

Como buen adicto al trabajo, solitario y pensador del futuro, no le gusta mucho viajar: le quita tiempo para estar con sus criaturas. “Sólo tengo unos 20 años más por delante, y estoy apurado por continuar construyendo”, asegura. Y espera, desea, sueña con que antes de morirse sus animales vivan por sí mismos. “Que no haya que cuidarlos, que vivan su propia vida, que mis cenizas estén ahí, en la playa, con ellos. Sería perfecto si tuviera más tiempo para lograrlo”, confiesa el esquimal. Sonríe, agradece y vuelve a pensar en sus bestias. + www.strandbeest.com

De pronto, se mueve hacia lo místico, y considera la vida misma como inspiración. “El hecho de existir, de que yo exista, lo considero

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ImagenHB

Creadores de íconos argentinos ImagenHB es una productora de imaginario popular y estrategias visuales, que funciona desde 1995 entre Buenos Aires y Nueva York. Sus ideólogos diseñan con la misma pasión desde un mate hasta complejas infografías. En los últimos diecisiete años, hemos visto sus resultados visuales en algunas ciudades argentinas y en ciertos países como Venezuela, Canadá o Alemania. | Texto: Wustavo Quiroga

Quizás, su mayor virtud sea encontrar respuestas a grandes problemáticas con sentido común, o sorpresivas soluciones resueltas en formas bellas. Algunos ejemplos son la clásica escarapela que mutó en una renovada imagen para festejar los 200 años de Independencia Nacional, o el choripán popular, embajador de la firma de regionales contemporáneos Nobrand.

Para conocer más a estos hiperquinéticos artífices, dialogamos con Hernán Berdichevsky y Gustavo Stecher, directores de ImagenHB. Nacidos ambos en Buenos Aires hace un poco más de cuatro décadas, se formaron en la FADU/UBA como diseñadores gráficos.

Docentes, conferencistas, hacedores culturales, emprendedores y entusiastas consultores. Ganadores de numerosos premios, desde la capital porteña van por más. + ¿Qué los caracteriza como proyecto?

IHB Lo más importante que nos identifica es nuestro entusiasmo y energía. Nos apasionan los desafíos, cualquiera sea el tamaño, desde el diseño de una moneda para el gobierno argentino, pasando por el proyecto de iconografía para la ciudad de Berlín, hasta el diseño de una colección de libros infantiles. + ¿Quiénes conforman el equipo de ImagenHB? IHB En todos estos años nos acompañaron grandes personas, seres humanos únicos que han contribuido enormemente al desarrollo de nuestro universo gráfico, aportando su tiempo, capacidad y diseño para que ImagenHB crezca en nivel y compromiso laboral.

Nombrar a cada uno sería imposible. Queremos agradecer por su apoyo a Pablo Pietrafesa, Hernán Altamiranda, Jorge Conti, Carlos Sandoval, a Juan Pablo Tredicce (con el cual diseñamos el logo del Bicentenario) y, especialmente, al genial Gustavo Contreras Dvorak, asociado del estudio.

+ Libro Idarg / Identidad Argentina de Hernán Berdichevsky y Gustavo Stecher.

LA IDENTIDAD ARGENTINA EN SÍMBOLOS Entre las propuestas que aglutina esta productora visual, se encuentra la firma Nobrand que, a partir de iconografía basada en personales, lugares, comidas y otros elementos identitarios, recrea el argentinismo en merchandising patrio. Además, los casos de servicios en estrategia, marca, branding, editorial o stands comerciales e institucionales se multiplican con altos niveles de rendimiento. + ¿Cúal es el destino de Nobrand?

IHB Nobrand surgió de la crisis del 2001. Surgió desde las tripas.

Fue nuestra catarsis. En ese momento, necesitábamos hablar de + Hernán Berdichevsky, Gustavo Stecher y Gustavo Contreras Dvorak.

Foto: Carola Danza

+ Llavero Vaca

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+ Desarrollo de identidad visual para el Museo Judío de Buenos Aires.

+ Estampilla Año del Trabajo.

+ Moneda del Bicentenario Argentino.

+ Interior de la tienda Nobrand en Gorriti 5876, Palermo. Foto: Luis Ponce

lo que estaba sucediendo, y lo hicimos a través de una simbología gráfica que muestra nuestra iconografía. Pronto, esa simbología se convirtió en un libro, y luego en una compañía que diseñaba, producía, distribuía y vendía los íconos argentinos. Esa compañía tiene un local de bandera en el barrio porteño de Palermo, vende en más de sesenta puntos en toda la Argentina y se exporta en museos de Europa y USA. Nobrand crece de la mano de la realidad argentina, de allí nos nutrimos para crear. Con el tiempo, diseñamos más de 200 íconos y una gran familia de productos, a la que pronto se sumará la lámpara “Tango”.

Humanos de Winnipeg (Canadá), con 25 íconos que pasarán a la historia por su uso y difusión global.

+ ¿Cómo fue la apropiación popular de su marca conmemorativa más conocida: el Bicentenario Argentino?

IHB Creemos que fue maravilloso que un pueblo se adueñe de un ícono y lo convierta en un símbolo. Un símbolo que identifica a 40 millones de argentinos, pero que no está teñido de ninguna bandera política. La gente recibió muy bien el ícono del Bicentenario y eso, seguramente, tendrá que ver con que fue presentado durante un festejo, un festejo monumental, donde la marca cumplía la función de adornar, gráfica y conceptualmente, un guión magnífico de nuestra historia reciente. Al terminar el festejo, el ícono dejó de ser tal, y se convirtió en un símbolo, gracias a la gente. + De la amplia variedad de clientes ¿qué casos de branding consideran exitosos?

IHB El branding es una herramienta que funciona en conjunto con otras. Una buena estrategia trae beneficios notables, como percepción de marca, venta de productos y fidelización de clientes. En estos casos, implementamos una estrategia de branding a la medida de la empresa y sus futuros horizontes: heladerías Chungo con el desafío de competir con cuatro grandes y encontrar un nicho insospechado; TEDX Río de la Plata, donde hay que diferenciarse sin salir de un esquema clásico; el Instituto Cardiovascular de Buenos Aires, con una comunicación médica renovada; o el Museo de los Derechos

+ Editorialmente, ¿en qué proyectos sintieron mayor empatía con el contenido?

IHB En el libro de concursos encargado por la SCA/CPAU (Sociedad Central de Arquitectos/Consejo Profesional de Arquitectura y Urbanismo), desarrollado bajo la edición de Hernán Bisman y la investigación de Rolando Schere; la empatía fue inmediata. El libro ha cosechado varios premios internacionales; es un “ladrillo amarillo” de más de 900 páginas y 2,5 kg de peso, en donde se detalla toda la información de los concursos de arquitectura desde 1825. Otro caso más reciente es el libro que editó la Universidad de Palermo, con 17 casos de emprendedores. Cada emprendedor tiene un ícono que lo representa, diseñado solamente con 5 líneas y 3 colores. La edición es muy elegante, un libro de gran formato y delicada gráfica. + ¿A qué otros territorios accedieron desde la identidad gráfica?

IHB Nombraría dos nuevos territorios que nos llenan de conocimiento y de desafíos. Somos parte del comité organizador de TEDX Río de la Plata, donde intercambiamos ideas, conocimientos y experiencias, con las mentes más brillantes e increíbles, desde científicos de nombre mundial, hasta maestros de escuelas rurales. Como parte de este comité, llevamos a cabo la tarea de crear y diseñar una identidad única e inspiradora para cada uno de los eventos. Un trabajo maratónico y maravilloso. Otro campo que comenzamos a utilizar es la radio. Tenemos una columna semanal en la Radio Metro 95.1 en el programa “Metro y Medio” de Sebastián Wainraich y Julieta Pink. Desarrollamos una columna gráfica radial, que se llama “El ícono de la semana”. Diseñamos un ícono sobre lo que sucede en Argentina y el mundo, lo subimos a las redes sociales, y lo contamos en público. De esta manera, estamos haciendo que el diseño gráfico se haga masivo, que sea consumido por más gente, que sirva de canal de opinión, y que transmita belleza. + www.imagenhb.com | www.nobrand.com.ar

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+ Campaña Moderna Buenos Aires para CPAU (Consejo Profesional de Arquitectura y Urbanismo). Un sistema de iconografía a través de la síntesis de un grupo de edificios representativos del movimiento moderno en Buenos Aires.

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Carlos Nine

El ilustrador argentino La meca de la ilustración suele estar asociada a ciudades como Nueva York, Londres o Berlín, en donde la formación académica ayuda a que se genere tanto una comunidad activa de ilustradores como un mercado productivo para los mismos. Sin embargo, en Argentina, albergamos a uno de los mejores: Carlos Nine -nacido en el barrio de Haedo-, un referente nacional e internacional del dibujo, desde hace ya medio siglo. | Texto: Fernanda Cohen @fernandacohen (*). Foto e imágenes: Gentileza CN

LA ACADEMIA “Jamás me formé como ilustrador, estudié en la Escuela Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires, y de allí egresé como Maestro Nacional de Artes Visuales, y eso es lo que soy”, me cuenta, sin balbucear, estableciendo desde el vamos un espectro artístico -sin dudas abarcativo- que es indiferente al destino final de la obra o a la técnica del artista… siempre y cuando se trate de artes visuales.

culminó a principios de los 80, retornando al dibujo fortalecido, y aún convencido de que sólo tener una vocación era de por sí un gran regalo. “Hasta que un día, un vendedor de libros le mostró mis dibujos al director de la revista Humor, y así fue que me invitó a colaborar en su editorial. Yo estaba bien así, sin publicar nada. Hay gente que está más obsesionada por publicar que por dibujar; esos no son dibujantes, son publicantes”.

Así empezó, dibujando exclusivamente por amor a su arte, a lo largo de siete años de estudios, que fueron interrumpidos por la muerte del Che Guevara, seguidos de un período de militancia política que

De pronto, Nine se encontró dando sus primeros pasos en el mundo de la ilustración, donde muchas veces, su intercepción inherente con las Bellas Artes puede llevar una carga algo controversial, por definición.

(*) Fernanda Cohen es ilustradora, graduada en la School of Visual Arts de New York. Recientemente, lanzó su primer libro “Guía ilustrada del orgasmo femenino”, editado por Ediciones de La Flor. www.fernandacohen.com

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personas creativas 085 ilustración Cuando empezó, los historietistas lo consideraban un infiltrado y los pintores lo echaban del ghetto, porque descubrían que lo que quería era contar historias. Su reconocido estilo intercala principalmente, la acuarela con el pastel, el óleo, la tinta y la carbonilla, con una estética de época que data de la elegancia de los años 20, 30 y 50, que se caracteriza por revelar de manera innata su naturaleza 100% pictórica, a pesar de moverse al ritmo del motor de la comunicación, sea a través de historietas, tapas de libros, o ilustraciones editoriales.

“Lo primero que debe preguntarse alguien que se dedica a este trabajo, es cuál es su característica personal; mi trabajo siempre remite al volumen. Entonces, pasar a la escultura era inevitable. Además, la luz que utilizo para iluminar mis criaturas o mis situaciones es muy teatral; tiene alusiones tridimensionales. De esta manera, obtengo verosimilitud, que no es lo mismo que realismo”.

Como todo artista plástico, Nine siempre vuelve al nido: “Tener que publicar algo para que todos lo vieran, me provocó una crisis bastante grande, porque tuve que incorporar elementos desconocidos para mí hasta entonces: fechas de entrega y la opinión de la gente.

Mis preferencias no se encuentran en el campo de la ilustración, sino en pintores como Velázquez, Goya, Monet, Daumier y Ensor, entre otros”. Es por eso que prefiere entrar y salir de diferentes territorios como el cine, la fotografía, la escultura y demás, para lograr explorar y capturar a su antojo, con la mira fija de un cazador y la determinación implacable de un detective. “Lo que pasa, es que para eso, tenés que tener cierto dominio del oficio, y ahí entra la escuela.

Creo que ese espíritu renacentista hoy ya no está”.

POR ALGO SE EMPIEZA En la editorial La Urraca, responsable de editar la legendaria revista Humor por más de dos décadas, Nine encontró durante doce años un nicho que, a pesar de no adecuarse a su ideal artístico, le permitió desarrollar una voz propia y, por sobre todo, sumamente popular.

Hablando de esta experiencia, me cuenta que “No lo pasé muy bien, ya que no compartía los presupuestos políticos de la dirección. Aunque debo reconocer que fue un entrenamiento formidable; era como si me pagaran por aprender. Hice muchas tapas, caricaturas (una especialidad que detesto). Algunos experimentos técnicos que descubrí allí, luego los apliqué para desarrollar lo que verdaderamente me interesaba, que era contar historias en otra publicación de la misma editorial, la revista Fierro. Ahí sí fui verdaderamente feliz”.

puede hacer escuchar cuando realmente se tiene algo trascendente que decir; lo que como consecuencia -y sumado a su impecable trayectoria-, lo transforma en un referente tanto para ilustradores establecidos como yo, como para ilustradores emergentes contemporáneos. Sus primeros pasos le entraron por los ojos, gracias al consumo de toda la gráfica popular impresa a la que pudiera acceder en sus comienzos. “Los artistas gráficos fueron mi primer estímulo, y por eso mi gratitud es enorme. Les agradezco que se hayan dirigido a la masa, al pueblo común del cual yo formaba parte, y no a un público especializado que concurre a las galerías de arte”.

LOS PILARES FUNDADORES Como quien no quiere la cosa, a fines de los 80 recortó una serie de publicaciones suyas locales que, más que un portfolio, conformaban una especie de pegote de un aspecto bastante amateur, y se las envió a un editor francés que supo ver más allá de la primera impresión.

En poco tiempo, le había enviado un contrato por correo, que resultó en la edición de su primer álbum de historietas Asesinatos y Castigos (1991), seguido de Fantagás (1995) y, finalmente, su gran éxito El Patito Saubón (2000). Así y todo, sus ediciones preferidas son “Meurtres et Chatiments (1991) y Hommage a l’Arriére Cour (2008). También me gustan Gesta Dei (2001) y Prints of the West (2004), todos ellos posibles gracias a la mentalidad abierta de los editores franceses”.

No me sorprende que el primero de los álbumes que menciona se refiera a uno de sus referentes propios más palpables de ese mundo que transcurre en un tiempo atemporal, liderado por hilos narrativos, de un carácter al borde de lo disparatado e irreverente, y rebal-

De hacer un paralelismo de lo que simboliza la trayectoria artística de Nine como ilustrador en nuestro país, se podría decir que en Nueva York pertenecería a la escuela de Push Pin Studios, allá por los años 50, de la mano de Edward Sorel, Milton Glaser y Seymour Chwast. ¿Por qué? Porque fue uno de los pioneros al imponer el uso popular de la ilustración localmente con un estilo singular, una voz fuerte, y una visión sólida y propia.

Pero el tiempo pasa, y la excepción, como lo es Nine, nunca puede transformarse en norma, por lo que es natural que desde su posición, sienta algo de frustración frente al mercado que hoy nos rodea: “La ilustración en Argentina fue reemplazada por la fotografía, y está refugiada casi exclusivamente en los libros infantiles, con imágenes rigurosamente digitales. Por otro lado, y ya hablando a nivel mundial, lo que veo no me entusiasma. Todos se parecen un poco, y casi nadie puede liberarse de las tendencias que se ponen de moda, y que son reemplazadas una tras otra, como las olas del mar. Estuve y estoy harto de Neodisneys, Frazettas, Crumbs, Greenaways, etc. En semejante desierto, un dibujante tan espantoso como el de Los Simpsons aporta una cierta novedad con su ineptitud explícita.

Claro, siempre aparecen algunos salvajes que se apartan del rebaño, como Edward Gorey o Bill Plympton, pero son francotiradores, como actúo yo”.

Más que hablar, Nine grita sin pudor, de la única manera que uno se

+ Uno de los dibujos que se expusieron en la muestra “El Teatro de los Animales”, del 16/08 al 12/09/12 en la galería Moebius Liceo (Patio del Liceo, CABA).

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+ El Patito Saubón, 2000.

+ Ilustración para la revista Humor.

sado por una pizca de crueldad, que nos invita a jugar sin inhibiciones, como en los dibujitos animados de aquellos tiempos, cuando la prevención adulta no intercedía con la libertad más pura de nuestra niñez. Su segundo en preferencia, en cambio, Homenaje al Patio Trasero, se remite a un universo personal, que traduce la identidad del sello Carlos Nine, usando la herramienta más básica y vulnerable del lápiz sobre el papel, desde lo más fiel a sus raíces, resultando en algo así como un catálogo que abarca su ascendencia, su barrio y las influencias de sus alrededores, en un contexto gobernado por la rutina del verdadero sentido común.

Siempre digo que todo artista se destaca en expresar lo que mejor conoce, o sea, la composición de su propia vida. “Me interesan particularmente las imágenes que encierran algún contenido o relato, que es en lo que yo trabajo. Me gusta contar historias. Lo que quiero decir es que, además de los dibujos, traté de encontrar un estilo literario que se correspondiera con esas imágenes específicas. […] Es muy difícil detectar mensajes, por lo menos en forma clara, desde las imágenes, pero algunas personas reaccionan en forma que podríamos llamar `sentimental´ frente a determinados dibujos. A mí me pasa. Hay gente que es totalmente indiferente frente a lo que yo hago. Otros, en cambio -seguramente los menos-, se conmueven. Yo objetivo mi subjetividad (a través de un dibujo), para conectarme con la subjetividad del espectador”. El arte es un lujo subjetivo y, como tal, tiene un efecto tan humano y espontáneo, como el que produce que nos vaya a caer bien -o no- un perfecto extraño, independientemente de cuántas cualidades positivas pueda llegar a tener.

Como destaqué al principio, Nine percibe a las artes con la amplitud mental de quien lleva un camino recorrido en todos sus recovecos, comprendiendo que la definición del arte suele estar delimitada por la experiencia personal de quien lo describe. Esta es una percepción que se asimila a la libertad de expresión que distingue a la costa oeste de los Estados Unidos, en ciudades como Los Ángeles y San Francisco, donde el sólo crear nos transforma en algún tipo de artista, sin necesidad de definición. Contrario a la costa este, como Nueva York, donde el arte está tan ramificado -y por ende, limitado-, como es muchas veces el caso en Buenos Aires. Nine coincide: “Tomo todas estas disciplinas en un sentido horizontal, democrático. En un sentido realista y práctico, nosotros somos simplemente trabajadores de la imagen, y

+ Cubierta de Muertes y Castigos (Meurtres et Chatiments), 1991.

ahí entra todo. Entre la historieta, la pintura, el cine, la animación, la ilustración, la escultura y hasta el teatro, no hay diferencia alguna.

LA YAPA Entre historietas y libros editados -principalmente en Francia y Ar-

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+ El libro Le livre du petit amour fue ilustrado con relieves coloreados.

+ Ilustración para la revista Fierro.

ria incluyen el Silver Clio internacional, el Caran D’Ache de Roma y el Premio al Mejor Libro de Autor Extranjero Traducido al Español del Festival d’Angoulême (Le Canard Qui Aimait Les Poules).

Sin embargo, uno pensaría que el extenso material de semejante referente de la ilustración argentina -a quien recuerdo que hasta el mismísimo joven y venerado ilustrador americano James Jean quiso conocer puntualmente en 2007, cuando estuvo brevemente en Buenos Aires-, sería más fácil de acceder tanto en Argentina como en el exterior, sobre todo, con la inmensa ayuda de la globalización online. Pero no, la realidad es que, en mi opinión, Nine continúa siendo parcialmente un fenómeno del boca en boca, gracias a la alta capacidad de impacto que sus imágenes generan que, a esta altura, ya merecen un pedestal de difusión popular.

Por eso es que sonreí con mucho orgullo cuando, hace un par de años, la Society of Illustrators of New York lo eligió para ilustrar el póster de su legendario concurso anual. Me sorprendí (ridículamente) de que un ilustrador argentino -y ¡viviendo en Argentina!- fuera reconocido por la institución de ilustración más prestigiosa del mundo. De todos modos, reconozco que esto implicaría la materialización de una utopía en sí: la apreciación de las masas de la sutileza brillante de pocos.

+ Interior de Muertes y Castigos (Meurtres et Chatiments), 1991.

gentina-, Nine también hizo ilustración editorial para Clarín, La Nación, Noticias, Le Monde,The New Yorker y The New York Times, entre tantos. A su vez, tuvo la oportunidad de ilustrar para el ganador del premio Pulitzer y editor de la revista americana de vanguardia Raw, Art Spiegelman. Algunos de los premios que galardonan su trayecto-

Link a la nota: http://9010.co/carlosnine

“Actualmente, estoy trabajando en tres libros al mismo tiempo: Barba Azul (Libros del Zorro Rojo, Barcelona), Cahiers de Buenos Aurès (Rackham, París), e Informe Visual del Tango (Orsai, Barcelona/ Buenos Aires). Es un sistema interesante, porque permite entrar y salir de técnicas y contenidos diferentes, y entonces se activa la destreza, y se estimula la reflexión sobre el propio trabajo. Después de todo, el nuestro es un trabajo intelectual”. Nine disfruta del movimiento constante, inspirado por la creatividad inevitable que nace del cambio impredecible. La historia nos demuestra que, de toda crisis, surge un movimiento creativo, lo cual confirma la fuente de inspiración y entusiasmo artístico del que Nine habla: “Una cultura tan marcada por la inmigración como la nuestra, deja siempre intersticios por donde circulan ráfagas de aire muy parecidas a la creatividad, ya que las piezas nunca terminan de acomodarse y están en perpetuo movimiento. Esta situación, muy parecida al caos, es también una gran influencia, y yo le debo mucho porque provengo de ahí. La libertad nunca es tranquila, se mueve”. Nos deja algo en qué pensar o, mejor dicho, una cosa más que nos quita el sueño. + www.carlosnine.com

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+ Muestra Vivere alla Ponti en el Palazzo Corner Spinelli, sede de Rubelli en Venecia. Foto: Philippe Deroy

Vivir al estilo Gio Ponti Diseño que resplandece

En el contexto de la Bienal de Arquitectura de Venecia, la textil Rubelli y la productora de mobiliario Molteni & C reeditan icónicas piezas de Gio Ponti, que nos permiten gozar del estilo único, lúdico, alegre y siempre contemporáneo del editor fundador de la revista Domus. | Texto: Philippe Deroy @philderoy (*)

Empecé mi viaje en la increíble estación de trenes de Florencia, que fue proyectada por un grupo de arquitectos italianos a la cabeza de los cuales se encontraba Giovanni Michelucci, y es considerada una de las obras maestras del racionalismo italiano de los años 30.

Luego de un rápido y cómodo viaje a bordo del ferrocarril de alta velocidad, mi experiencia arquitectónica e histórica seguía sorprendiéndome con mi llegada a Venecia.

Al cruzar el umbral de la estación -un edificio carente de todo tipo de interés arquitectónico- lo primero que el viajero capta de la ciudad es el Gran Canal, con un marco de edificios de los siglos XV a XVIII, y el muy cuestionado puente de Calatrava. “La Biennale” es una institución en Venecia que fue creada en 1895 para promover las artes plásticas e industriales. Luego vino el cine con el Festival del film; en 1980 la arquitectura y, desde hace poco, la música contemporánea, el teatro y la danza. Desde los años 20, empresas locales como Rubelli -una de las textiles más antiguas e importantes de la región del Véneto- han participado de la Bienal, mostrando creaciones exclusivas de grandes artistas; Gio Ponti es uno de ellos.

GIO PONTI ALLA RUBELLI Mi amable guía Rosanna Busetto, una veneciana que actualmente vive en Buenos Aires y es encargada en Rubelli en los mercados latinoamericanos, me acompañó por las calles sinuosas de la ciudad lacustre, en una visita express, para repasar los principales centros turísticos, antes de llegar al real y fabuloso Palazzo Corner Spinelli, que da sobre el Gran Canal. Ese edificio del siglo XVI es un típico palacio veneciano, con su entrada principal sobre el agua y la terrestre en un costado. La planta baja consta -como era la costumbre- de un enorme vestíbulo de doble altura, ya que las familias propietarias eran mercantes, y ese piso servía de depósito de los productos que comerciaban. Por la escalera principal se accede al “piano nobile” donde vivían los amos, teniendo a la servidumbre y la cocina en el primer piso.

El Palazzo es la sede de Rubelli, que ocupa los apartamentos principales con su magnífico showroom. Me recibieron Loredana Di Pascale (directora de marketing) y el director comercial Nicoló Favaretto Rubelli, descendiente de los creadores de la casa. Ahí, en la

(*) Philippe Deroy estudió decoración en la Escuela del Louvre en París. Es Lic. en Ciencias de la Comunicación por la Universidad de la Sorbonne y miembro de la Comisión Directiva de DArA.

ideas creativas

+ 089 diseño

+ Silla D 153 tapizada con Punteggiato y Rattoppato Rubelli.

antigua habitación de quien fuera la reina de Chipre, descubrí los curiosos muebles de Gio Ponti, reeditados por Molteni & C y retapizados con géneros Rubelli.

cerámica para sus edificios, y decorando las paredes de sus hoteles con grandes estampas en colores atrevidos. Como muchos de los artistas y diseñadores que trabajaron en la primera mitad del siglo XX, su objetivo era crear obras de arte íntegras, que sumaban la arqui-

Ponti era un poeta, un pintor, un artesano, un diseñador industrial, un periodista y editor fundador de la revista “Domus” (que inició en 1928) y, sobre todo, un arquitecto. Fue el convincente promotor de esa idea maravillosa de que el buen diseño italiano era parte íntegra de la “dolce vita”, y usó su revista para publicitar sus inspiraciones, ideas y estilo. Participó en la Biennale delle Arti Decorativi en Venecia, la exposición ideal que supo convertirse en el muestrario de lo mejor del diseño italiano y de las artes decorativas. Ávido de usar sus preciosos bocetos en todas las disciplinas de la artesanía, Ponti empezó dibujando cerámicas en los años 20, y pronto empezó a crear con una amplia variedad de otros materiales. Creó vidrios para el maestro soplador de Murano Paolo Venini, decorados y trajes para La Scala de Milán y dibujos para géneros para Rubelli, que fueron presentados en la Bienal de Venecia de 1934.

Su pasión para con las artes decorativas lo convirtió en un experto en la arquitectura decorativa, dibujando revestimientos exteriores en

+ Detalle Punteggiato Rubelli

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+ El Penthouse del 49 de via Dezza, obra maestra del estilo de vida “alla Ponti”. Foto: Gentileza Archivos Gio Ponti.

tectura, la decoración y los diseños textiles e industriales, para crear la idea de un estilo de vida, antes de que el término fuese creado.

CREAR UN ESTILO DE VIDA Dos de las tres telas reeditadas por Rubelli usan las seculares técnicas de tejido en terciopelo. La referencia Punteggiato muestra una secuencia de círculos alineados y declinados en tres colores sobre un fondo neutro, lo que se llama en lenguaje textil un “soprarizzo”.

Rattoppato es una serie de dibujos gráficos que parecen tajeados en un terciopelo tramado, que fueron inspirados en caligrafías japonesas. El último es un raso tejido con dibujos de jarrones y vasijas de cerámica, con una leve visión asiática, cuya disposición en la tela refleja tan bien el ritmo, las ansias y la exuberancia que caracterizaban a Ponti.

Su estilo se extendió, por supuesto, a la arquitectura, donde dejó obras maestras. El edificio de oficinas Montecatini en Milán -construido entre 1936 y 1938 junto a Fornaroli y Soncini, en la esquina de via della Moscova y via Turati- es un emblema del modernismo italiano. Esa “opera omnia” fue enteramente dibujada, desde la arquitectura, hasta los sistemas eléctricos, hidráulicos y de comunicación, sin olvidar el mobiliario.

La silla D.235.1 que reeditó Molteni & C en fundición de aluminio pulido, es un magnífico ejemplo de ese trabajo. Francesca Molteni, nieta de los fundadores de la compañía, me explicó que investigaron mucho antes de encarar el proyecto Ponti. La colección de mobiliario que consta de piezas diseñadas para uso doméstico, es el resultado de un estudio, selección, análisis y preparación de prototipos hechos en colaboración con los herederos del legado Ponti y curadores de los Archivos Gio Ponti. Inclusive, la fábrica participó de un debate en la Ordine degli Architetti (Sociedad Central de Arquitectos) de Milán, sobre el delicado y complejo tema de las reediciones, cuando obras de arte se transforman en productos realizados a gran escala.

Las otras piezas de mobiliario pertenecen a los años 50: se trata de una biblioteca, una cómoda con cajones, una mesa baja, un sillón, marcos y una alfombra; todos fueron usados en la casa que pensó y realizó Ponti para su familia en 1957. Esa obra fue construida luego de haber terminado en 1956 la Torre Pirelli, quizás, el edificio más famoso y mundialmente reconocido de su creación, frente a la esta-

ción de ferrocarril milanés. El Penthouse del 49 de via Dezza es la obra maestra del estilo de vida “alla Ponti”: un espacio abierto dividido por paneles corredizos, con las ventanas ambientadas (Ponti solía poner estantes delante de las aberturas para así tener espacios de guardado y de exhibición de objetos), muebles iluminados, y los respaldos de cama con mesas incorporadas.

Además de todo tipo de mobiliario y objetos decorativos creados a lo largo de su carrera, ahí estaba la cómoda pintada de blanco, con frentes de cajones aplicados como un relieve, en distintas esencias de madera sin herrajes, y patas de bronce pulido mate. La biblioteca es un elemento fundamental para el arquitecto: “Porque quiero poner una biblioteca en esa casa, como un elemento esencial y regulador, e insisto en que esté incluida en la construcción. La vida moderna lleva sustancialidad y no apariencia” (Gio Ponti, Domus, 1936).

Además, una mesa baja con una tapa en forma de estructura cuadricular laqueada en distintos colores que forman un caleidoscopio según de donde se la mire. Pero también unos marcos que responden a las composiciones murales que Ponti inventó para colgar cuadros y exponer objetos. Él consideraba a las pinturas como objetos, con sus marcos que aparentan cajas, y pueden ubicarse en la pared en forma geométrica no simétrica. Muebles devenidos clásicos de diseño tal como sus amadas colaboraciones con otros artistas, con resultados tan rigurosos como divertidos.

Era un genio en la ambientación con motivos figurativos a escala monumental; junto a Fornasetti decoraron las paredes de un casino con cartas de jugar, y los muebles de una oficina pintados con motivos de lápices, biromes, papel y computadoras. Falleció a los 88 años en 1979 y, como dice su hija Lisa Licitra, Ponti había terminado “60 años de obras, edificios en 30 países, conferencias en 24, 25 años de docencia, 50 años como editor, artículos en cada una de las 550 revistas que publicó, encargos para 120 empresas y 1000 bocetos arquitectónicos”.

Gracias a las reediciones de Rubelli y Molteni & C, podemos gozar de ese estilo único, siempre contemporáneo, muy lúdico y alegre, para embellecer nuestras casas, tal como profecía el mismo Ponti. “Diseña algo bello”, solía decir a sus alumnos. Él lo logró muchas veces. + www.rubelli.com | www.molteni.it

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+ Obras pertenecientes a la colección Sandretto Re Rebaudengo. Foto: Maurizio Elia

El arte de coleccionar La última edición de arteBA reunió a pintores, escultores, galeristas, curadores y también coleccionistas, dueños de tesoros consagrados y otros por descubrir. Tres visiones de cómo, por qué y para qué reunir variadas piezas de arte contemporáneo y recorrer el mundo con ellas. | Texto: Leila Mesyngier

El universo de los objetos que una persona puede coleccionar es tan variado como inabarcable: cajas de fósforos, botellas, estampillas, historietas, monedas, soldaditos de plomo y primeras ediciones de libros son sólo algunos de los rubros que se destacan en manos de quienes son capaces de recorrer largas distancias y de invertir grandes cantidades de dinero por sostener y aumentar su pasión.

Los coleccionistas de arte, sin embargo, no se parecen completamente a quienes deben su vida a las camisetas de fútbol o entradas de conciertos. Son los responsables, en cambio, de introducir a los nuevos artistas, presentarlos a los galeristas, combinarlos con pintores, escultores o fotógrafos más consagrados, de modo que se conviertan en atractivos para quienes no los conocen. Y también se dedican a conocer y descubrir cómo es su proceso creativo y, en algunas ocasiones, participar de él. Recorrer galerías de arte, visitar exposiciones y museos y, especialmente, interiorizarse en el mundo de los artistas que elige, entonces, son algunas de las actividades que debe cumplir un coleccionista que así se considere. A continuación, la voz y la trayectoria de tres expertos que visitaron arteBA, con la ilusión de descubrir y hacer brillar a las promesas del arte local.

SER FIEL A UNO MISMO “No hay que tener miedo a no saber. Es necesario acercarse primero a

un coleccionista y preguntar. Todos empezamos sin saber”, reconoce Patricia Vergez, profesora de literatura inglesa y traductora de la lengua británica. Hace 25 años comenzó, junto a su marido Juan, a coleccionar obras de artistas argentinos, aunque luego extendió su interés hacia referentes de Brasil y Latinoamérica en general.

“No nos interesa mucho la nacionalidad, sino que compramos lo que nos gusta; no nos limitamos. Además, creemos que tener artistas internacionales permite que los extranjeros que nos visitan también puedan conocer a los argentinos, a quienes tal vez no hubiesen visto.

Es una puerta de entrada amistosa para ver lo desconocido”, se entusiasma durante la conferencia que dio en arteBA. Vergez vive en Buenos Aires, es vicepresidenta de la fundación Trends And New Tendencies In Contemporary Art (Tantica) y socia fundadora de Villa Ocampo, la casa de Victoria Ocampo en San Isidro, provincia de Buenos Aires, donde se realizan actividades culturales y educativas. Para ella, un coleccionista no accede a esa condición sólo por adquirir una obra, sino que es muy importante difundir y lograr una conexión entre el artista y una galería. “Si creemos que puede andar muy bien, debemos presentarlos, porque tal vez, de otra manera, no lleguen a conocerse. Hay que mostrarles los artistas locales a los curadores extranjeros y llevarlos a los ateliers. Y a quienes empiezan, animarlos a coleccionar”, afirma esta elegante mujer que no suele hablar en público.

ideas creativas

+ 093 arte

+ Instalación Bidibidobidiboo de Maurizio Cattelan, 1996. Colección Sandretto Re Rebaudengo.

+ Love is great de Damien Hirst, 1994. Colección Sandretto Re Rebaudengo.

+ Instalación La rivoluzione siamo noi de Maurizio Cattelan, 2000. Colección Sandretto Re Rebaudengo.

+ Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, presidenta de la fundación Sandretto Re Rebaudengo.

Como todo paso inicial, ingresar al mundo del coleccionismo provoca “un poco de miedo”, admite Vergez con un tono nada aterrador.

Frente a eso, asegura que no hace falta saber de arte, sino “ser fiel a uno mismo, pedir un poco de ayuda y animarse. Con las obras hay que sentir rechazo o atracción, pero no indiferencia”, aclara con una sonrisa.

Un cuarto de siglo después de dedicarse a la colección, Patricia considera que para conformar una buena serie es importante “que las obras dialoguen y se sostengan”. Recomienda comprar lo que a uno realmente le gusta, porque esa premisa ayuda a que la compilación “tenga una identidad”. “No hay que dejarse influenciar por lo conocido o por lo que tienen los demás. Todos los que empezamos a coleccionar comenzamos por lo local, por lo que conocemos, porque es el mismo lenguaje, lo que tenemos cerca”, destaca.

ENCUENTRO CON LOS ARTISTAS “Creo que coleccionar es un poco parte de mi ADN, porque cuando era niña recogía pastilleros, tenía mis cuadernos…”, recuerda con una sonrisa infantil Patrizia Sandretto Re Rebaudengo. Hace veinte años decidió incursionar en el arte contemporáneo, y adquirió sus primeros cuatro cuadros, que habían sido pintados entre fines de 1950 y principios de 1960.

+ Patricia Vergez, vicepresidenta de la fundación Tantica.

“Empecé a coleccionar, a viajar y a leer porque no tenía ninguna idea. Visité museos y galerías, pero sobre todo, comencé a conocer a los artistas. Entablé una relación directa con muchos de ellos. Tengo que decir que encontrarme con los artistas es lo que me ha hecho sentir la necesidad de coleccionar”, expresa con entusiasmo. Sandretto Re Rebaudengo decidió establecer su primera exposición en una casa que su padre tenía en las afueras de la ciudad italiana de Turín. Los elegidos para aquella muestra fueron dieciséis artistas ingleses. Después, encaró un viaje hacia Los Ángeles, Estados Unidos, para dialogar con otros exponentes del arte norteamericano, e interiorizarse sobre el modo en que encararon sus proyectos de obras.

El arte contemporáneo –dice en una conferencia en arteBA- es su “gran amor”, pero no el único. “Tengo, además, una colección de fotografías, con obras desde 1840. Tengo más de tres mil fotos antiguas. Si bien no es arte contemporáneo, es algo importante para mí”, reconoce. A la coleccionista italiana también le interesa “poder confrontar las temáticas de las mujeres” en su colección, que es muy amplia, y abarca artistas de Rusia, China e India. En 1995 creó la fundación que lleva su nombre para compartir su colección y, especialmente, para “sostener a los artistas. No sólo comprarlos, sino producir las obras, tener una relación más cercana y fuerte con ellos”, indica orgullosa de su trabajo.

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+ El próximo New Miami Art Museum en Museum Park. Obra del estudio de arquitectura Herzog & de Meuron.

La Fundación se transformó rápidamente en un nuevo espacio expositivo en Turín, un centro de prestigio internacional para el estudio, la experimentación y la comparación de los artistas, coleccionistas y curadores de todo el mundo. Su trabajo allí le permitió a Sandretto Re Rebaudengo llegar, en 2011, a la vicepresidencia del jurado de los Rothschild. Ese mismo año, además, se incorporó al Consejo de Administración de la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lyon.

“Hay una insuficiencia de museos en Italia. Cuando empecé hace veinte años no había museos de arte contemporáneo en el país. Esa fue una de las fuerzas que me empujaron a estar con los artistas.

Todo esto me impulsó a darle vida a la Fundación. Es una cosa propia, no vendo obras de arte, sino que hago actividades para promover a los artistas. La Fundación y la colección son cosas distintas”, señala.

SENTIRSE PARTE DE LA CREACIÓN “La primera obra que compré fue una litografía de Man Ray, y todavía la tengo. Y después compré un scketch de una de las esculturas de Giacometti. Jugaba al póker en la universidad y era bueno, así que ganaba dinero y me compraba las obras”, rememora Jorge Pérez durante su visita a Buenos Aires. Aquellas primeras adquisiciones dieron paso a una colección clásica de artistas latinoamericanos: Diego Rivera, Frida Kahlo, Rufino Tamayo, Joaquín Torres García y Tarsila do Amaral. Aunque también se deslumbró con Max Ernst. “Me gustaba lo figurativo, esas partes en las que había algo humano, quizás una figura, que me hacía comprender más el cuadro. Después me empezó a entrar la abstracción. Uno de los grandes artistas ingleses es Anthony Caro. De él me encantó una obra que era un still live, una fruta, y la compré antes de que me dijera que era su favorita”, recuerda.

Las obras adquiridas durante años serán expuestas próximamente en el Museo de Arte de Miami, para cuya construcción Pérez donó 35 millones de dólares. “Estoy limpiando las paredes y empezando una colección diferente de artistas contemporáneos vivos. Quiero conversar con ellos y entender lo que están haciendo”, reflexiona.

Pérez considera que coleccionar obras “es un trabajo con placer, pero un trabajo al fin”, y destaca que con el paso de los años cambió el modo en el que elige a los artistas. “No sólo miro lo que me gusta, sino que antes de comprar tomo nota, hago fotografías y converso con los curadores”, explica este cubano-argentino.

En esa búsqueda también llegó a arteBA, donde pudo apreciar las obras de diversos artistas como Eduardo Stupía y Matías Duville.

+ El coleccionsta Jorge Pérez.

Foto: Adri Godis Photography @adrigodis

“Quizá sean los nuevos Guillermo Kuitca, aunque hay arte contemporáneo de jóvenes argentinos que es muy bueno”, opina mientras recorre el catálogo de la feria de arte porteña. En su estadía en Buenos Aires, Pérez mantuvo reuniones con representantes de galerías para reservar la próxima producción de los nuevos artistas nacionales. “Tengo muchos Berni y Xul Solar, pero ya son clásicos.

Cuando uno empieza a comprar arte, trata de separarse un poco de lo que te gusta al principio, del estilo arte decorativo… Escoger arte es algo difícil”, sostiene.

Para afrontar esa complicada misión, Pérez busca conocer cómo los artistas encaran el proceso de creación. “Tuve el placer de conocer a Roberto Matta, y siempre me imaginaba qué estaba pensando. Lo mismo con Dalí. Para mí, el artista es la interpretación de nuestra cultura, de nuestra sociedad, de qué es el pasado y de qué forma está viendo cómo será el futuro”, propone. ¿Se puede aprender a reconocer una obra de arte? “Claro, hay que estudiar, observar las diferentes etapas de la pintura, los cambios de los artistas. Cuando uno está con los pintores y conversa, parece que sus cuadros tienen un valor mayor, porque no estás comprando sólo una obra. Parte del artista es tuyo, no sólo el cuadro. Aunque uno no es creador, se siente parte estando con la mente que crea”, resume el coleccionista que también encara grandes proyectos inmobiliarios en Estados Unidos.

Pérez se reconoce, por sobre todo, como una persona “muy visual”, un admirador tanto de la arquitectura como del cine: en una semana, puede llegar a ver diez películas, y fue productor de varios films, algunos de ellos, premiados a nivel internacional.

Desde niño, sus padres lo llevaban a museos, y así se le fue “creando el ojo” del coleccionista “sin esfuerzo”. En la actualidad, cada vez que llega a un país, lo primero que hace es “ver cuáles son las mejores galerías y las exhibiciones que tienen los museos”. Así, se pasa la mitad del viaje, cuenta. En Barcelona, por ejemplo se reserva un día para contemplar la obra de Antoni Gaudi, a quien considera “el genio más grande de la arquitectura del mundo”.

Las recorridas por los museos y las ciudades, y las charlas con artistas y curadores, son las claves para el coleccionista. “No creo que el arte lo puedas ver por Internet; es magnífica, pero deshumaniza un poco. La conexión humana nunca se debe perder, y debe ser aún más cuando haya más tecnología. La experiencia del museo no la puedes poner en una pantalla”, concluye. +

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+ Muestra en proceso del Estudio Nosten, en las instalaciones del Museo Castagnino.

XI Salón Diario La Capital Cuando el río suena

Hasta el 15 de octubre, el Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino vuelve a ser casa del Salón Diario La Capital. Objetos de diseño contemporáneo, cita obligada para conocer la producción local, su evolución y los vínculos asumidos con otros casos nacionales. | Texto: Wustavo Quiroga

Es la onceava vez que se realiza este certamen nacido en 2002.

Fernando Farina, uno de sus fundadores y actual director del Fondo Nacional de las Artes, asegura que: “Su creación fue durante una de las peores crisis que sufrió el país, en un momento en donde había que pensar en reconstruir, refundar y reflexionar acerca de cuestiones tan elementales como el significado de una nación”. El diseño como posibilidad de concebir cosas que facilite la calidad de vida, que sea herramienta de cambio para el desarrollo social, cultural y económico, son aspectos que requieren ser analizados, además de premiados, a fin de fomentar su crecimiento en la región.

Para los rosarinos, expertos en transgredir fronteras, el acercamiento al diseño desde la producción artística o desde la arquitectura es algo frecuente. Más aún, al no contar con una casa universitaria de estudios en diseño, todas las maneras de hacerlo

son posibles y festejadas. Marcela Römer, directora del Museo Macro-Castagnino, y una de las impulsoras del modelo de “nuevo museo”, reflexiona: “El proceso de creación de una pieza de diseño no difiere en demasía de lo que es pensar la práctica artística contemporánea, considerado esto en el amplio sentido de sus posibles acepciones”.

DE LA CREACIÓN A LOS PREMIOS Para no salir del plan funcionalista, y cuidar la cualidad estética de los productos, las propuestas federales que se presentaron en el Salón fueron procesadas por un jurado de expertos con diferentes enfoques, incluidos los aspectos constructivo y comercial. Quienes transitaron este trayecto fueron Diana Cabeza (arquitecta especializada en diseño de equipamiento urbano), Gerardo Glusman (director de Interio, Talleres Chicago), Arturo Grimaldi (arquitecto,

ideas creativas

+ 097 diseño

+ En goma eva, La Bola de Sergio Darío Fasani (BroDBa), ganadora del primer premio. www.la-bo-la.blogspot.com.ar

+ La agencia Remolino desarrolla wallpaper con animación, presentado en DYM Berlín y en Rosario. www.remolino.org

+ Dulce de leche attacks, proyecto para DYM Berlín, presentado en Rosario. www.fuhbrand.com

fundador de tiendaMalba), Marcela Römer y quien escribe, Wustavo Quiroga (en representación del Centro Cultural de España en Buenos Aires).

legas para nutrir el recorrido expositivo: los multipremiados Tridimage con sus propuestas de packaging (generando la expectativa a una futura área de premiación), los hermanos Forcen del Estudio Nosten con mobiliario moderno, el envío argentino para la DYM en Berlín y la colección de diseño del Museo Macro, comandada por su gestor Mauro Guzmán.

De los 19 proyectos seleccionados, se premió a Sergio Darío Fasani por su producto “La Bola”, en la categoría “diseño para mejorar la calidad de vida”; Fabiana Gadano por sus joyas con materiales reciclados de la serie “H2O”, en la categoría joyería contemporánea; Diseñaveral por su mesa de acrílico “Tecno”, realizada con una placa intervenida con cortes y encastres; y Nana González por sus objetos de ready made de la serie ilustrada “Fairy tales little ladies”. Además, obtuvieron menciones especiales: Krethaus por la calidad constructiva de su mobiliario hogareño, y María Boggiano, por la investigación morfológica realizada para sus accesorios “Suculentas y Vertebrados”.

“La Bola”, el objeto lúdico-infantil que recibió el primer premio, deja comprender algunos de los objetivos de este concurso. La multiplicidad de beneficios que ocasiona este proyecto fue la principal causa de su premiación; un estímulo a la investigación y desarrollo de objetos para sectores sociales descuidados, como muchas veces ocurre con los niños. El juego responde a diferentes necesidades: permite el disfrute psicomotriz -incluidos los niños con capacidades cognitivas y motoras diferentes-, estimula el juego abierto sin reglas, resuelve el guardado y transporte de otros juguetes. Constructivamente, se conforma con materiales de fabricación nacional con un alto aprovechamiento del recurso y soluciona la demanda de su cliente, la ONG Lekotek.

UN SELECCIONADO EXTRA Como la motivación es la vitamina del Salón, se sumaron otros co-

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Nosten es un caso de empresa local a cargo de dos jóvenes arquitectos, nietos de ebanistas. Su visión proyectual crea piezas en diferentes escalas con los mismos parámetros: función, proporción, posición y entorno. Su ojo crítico está en los encuentros y las bellezas de éstos, en el sentido amplio de la palabra. Conscientes de ello, expusieron el proceso que va desde el planteo y maqueta de una pieza con sus etapas conformativas hasta el producto final que, como dicen Javier y Juan Forcen, “debe verse con las manos”.

Otro caso es el envío argentino al festival DMY en Berlín, curado por Eduardo Fuhrmann y coordinado por Mónica Pujol, donde se aprecian diseños de vanguardia en clave conceptual. Dos experiencias genuinas son el wallpaper con personajes de la fauna porteña (mitad animales, mitad humanos), creado por la agencia Remolino y la acción food design “Dulce de leche attacks”, en la que se vivencia con un sentido diferente al acostumbrado por los diseñadores, el ADN criollo.

El recorrido circular sigue tantas veces como vueltas le queramos dar. Pero, una vez adentro, con el agua hasta las rodillas, es fácil darse cuenta de que el río trae muchas cosas, aquellas que se pueden ver a simple vista y otras, como las estrategias, que ocultan insospechadas maneras de fertilizar una tierra próspera como Rosario. + www.fundacionlacapital.org.ar | www.museocastagnino.org.ar

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Encuentro Latinoamericano de Diseño América Latina discute sobre diseño

La Facultad de Diseño y Comunicación de la Universidad de Palermo (UP) organizó la séptima edición del Encuentro Latinoamericano de Diseño, espacio creado para la formación, la vinculación y el intercambio de experiencias entre profesionales, académicos, estudiantes y empresas. Entrevistamos a Esteban Salgado, uno de los invitados de honor, y te contamos sus impresiones. | Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

Este año, la cita fue del 31 de julio al 3 de agosto, a la cual asistieron más de cinco mil participantes de varios países de la región, que disfrutaron de las trescientas actividades de capacitación gratuitas, entre ellas, talleres, seminarios y conferencias dictadas por destacados profesionales del diseño y la comunicación.

Actualmente, es director creativo de Velesi Branding y dirige Grafitat.com, organización de gestión cultural en comunicación visual de Ecuador. Visitó Argentina para ser parte del Encuentro Latinoamericano de Diseño de la UP, experiencia que le ha dejado muy buenas impresiones. Y las cuenta en esta entrevista con 90+10.

ESTEBAN SALGADO: MIRAR DENTRO NUESTRO Uno de los invitados de honor fue Esteban Salgado, quien nació en Ecuador y estudió en la School of Visual Arts, de Nueva York, Estados Unidos. Su carrera profesional cuenta con variadas experiencias.

Se desempeñó como director de arte en Estados Unidos, el Caribe y Ecuador, donde tuvo la oportunidad de trabajar con clientes de primer nivel, como Saks Fifth Avenue, Ralph Lauren, Revista ESPN, St. Regis Hotel y Apple, entre otros. Su trabajo ha sido publicado en varios libros de la editorial Taschen, trabajó como gestor cultural, y dictó talleres sobre el proceso creativo, de tipografía y branding.

+ ¿Sobre qué temas hablaste en tu exposición en la UP? ES En el Encuentro dicté dos charlas. La primera se llamó “Desconectando el piloto automático”. Cuando se habla de diseño gráfico, estamos acostumbrados a ver y admirar los proyectos terminados de otros. Medimos sus resultados desde la óptica de la función o la estética. Vivimos en la era en la que mirar hacia afuera nos inspira.

Sin embargo, pocas veces nos detenemos a analizar o reflexionar sobre cómo se crean estos proyectos y, casi siempre, nos olvidamos de mirar dentro nuestro para descubrir la verdadera fuente de inspiración. Esta charla habla sobre la investigación y la puesta en prác-

+ Asistencia perfecta en la conferencia de los invitados de honor de la VII Edición del Encuentro Latinoamericano de Diseño: Esteban Salgado (Ecuador), Norberto Chaves (Argentina), Giulio Ceppi (talia), Felipe Taborda (Brasil) y Ernesto Rinaldi (Argentina).

ideas creativas

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tica del proceso creativo como herramienta de creación. Mediante una reflexión personal sobre la forma en la que abordo los procesos de creación en el diseño gráfico, planteo diferentes métodos o experiencias que me permitieron crear alfabetos, afiches, ilustraciones y libros, todos desde una óptica poco convencional, pero adaptada con honestidad a mi talento. Al final de la charla, planteo la posibilidad de que debemos mirar el diseño gráfico desde otro ángulo, y no sólo enfocarlo como un servicio de relación diseñador-cliente, sino que puede ser explorado para investigar o abordar temas sociales, que salen del contexto del consumismo. Planteo la posibilidad de que el diseñador puede ser autor de sus propias experiencias, inclusive comerciales.

+ ¿De qué se trata Grafitat, en qué año la creaste, y cuál es su objetivo?

ES Grafitat fue creada en el 2007. Es una organización que busca potenciar el valor del diseño y la comunicación visual en el Ecuador y Latinoamérica, generando espacios de intercambio y aprendizaje en toda la región. Grafitat se ha convertido en un referente para estimular a la comunidad de diseñadores, ilustradores, animadores, catedráticos, artistas, comunicadores, publicistas y creativos, motivándolos a expandir sus talentos. Nuestro moto es: el conocimiento compartido es el mejor recurso del futuro.

+ ¿De qué se trató la segunda charla?

ES Mi segunda charla fue “Gestión cultural y nuevos medios”. Diseñadores investigadores, diseñadores autores, diseñadores artistas, diseñadores gestores, diseñadores internautas. En la nueva era de la comunicación digital, el paradigma sobre lo que está bien o lo que es correcto para la profesión ya no cuenta. Lo único que importa es la capacidad de tomar ventaja de las oportunidades que están a la mano, y diseñar con ellas nuevos destinos que sean rentables para sus creadores. Por eso, esta charla trata sobre el proyecto Grafitat. com, la primera y más importante comunidad de la comunicación visual en Ecuador. De forma detallada y concisa, cuento cómo empezó el proyecto con $1 en el bolsillo, conocimientos en branding y contactos en todo el mundo, con el fin de potenciar el talento de diseñadores y artistas ecuatorianos. Luego, hablo sobre la importancia de la gestión cultural y cómo lograr que un emprendimiento cultural tenga réditos económicos, dejando de lado el amor al arte, y creando una estrategia clara, que permita construir proyectos culturales sostenibles. Al final, dejo abierta la posibilidad de que propuestas como éstas sean aplicables a diseñadores que quieran incursionar en otras áreas ya que hoy, más que nunca, vivimos en un época en la tenemos todas las herramientas para hacer esto realidad.

+ Por tu trabajo, estás en constante intercambio con creativos y diseñadores de la región. ¿Cómo ves el nivel de capacitación entre los países? ¿Alguno que se destaque? ¿Qué puntos en común creés que tienen?

ES Considero que el nivel educativo en la mayoría de la región está atrasado en relación a lo que sucede en el resto del mundo. Todos los días veo nuevos talentos de nuestros países que no necesariamente provienen de una formación académica; por el contrario, son autodidactas o continuaron su formación fuera de las carreras afines. Veo poca investigación, poca experimentación en las aulas (excepciones hay en Brasil, Chile, Argentina y México), y mucha complacencia con lo que supuestamente quiere el mercado. La relación diseñadorcliente, en mi opinión, no es el único camino que los diseñadores pueden seguir. El diseñador como autor de sus propios proyectos abre una puerta enorme para emprendedores que se dan cuenta de que nuestros mercados son vírgenes en muchas áreas. En general, es difícil generalizar, pero lo que está clarísimo es que en la nueva economía, las oportunidades que ofrece la tecnología son enormes, y con ellas, nuestras profesiones están cambiando drásticamente.

Nosotros, los latinos, somos expertos en adaptarnos a los cambios.

Quizás seamos los que mejor provecho saquemos. + www.estebansalgado.com | www.grafitat.com www.palermo.edu/encuentro

+ Esteban Salgado

+ Afiche diseñado por Esteban Salgado

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+ Philips 42PFL6007G

Smart TV

La caja no tan boba Es el futuro de la televisión. O la transformación del televisor en una computadora más. | Texto: Ricardo Sametband @rsametband

Es que, en rigor, un televisor es una computadora. Como el microondas o la parte que controla el funcionamiento de la mayoría de los autos modernos. Hasta ahora, sin embargo, el televisor era una computadora altamente especializada: mostraba sólo el video que recibía de los canales de televisión. Hace no demasiado, incorporó la posibilidad de reproducir películas en DivX (fue en aquella época en que el DivX era la única alternativa para ver películas en formato digital, sin un soporte físico particular), y hoy también permite ver fotos y reproducir música.

A partir de 2010, se hizo popular un nuevo concepto, el del Smart TV (un poco para asociar su nombre con el del smartphone como dispositivo superador del teléfono tradicional). Se trata de un televisor capaz de conectarse a Internet y, en su forma inicial, acceder de manera rudimentaria a Facebook, Twitter y algunos sitios. Además, estos equipos son capaces de integrarse a la red hogareña, para reproducir en el televisor contenidos almacenados en una computadora o un celular, por lo general, apelando al estándar DLNA de transmisión inalámbrica: se puede comandar desde el smartphone un show de diapositivas en pantalla, usando fotos guardadas en el teléfono o en una computadora.

Pero no es lo único, y una de las muestras más cabales de que los televisores son cada vez más una computadora multipropósito está en el Samsung Smart TV 3D ES6800, presentado recientemente en la Argentina. Su mayor distintivo: además de la pantalla de 40 ó 46 pulgadas ($ 9999 o $ 14.999, respectivamente), tiene un procesador de doble núcleo como cerebro electrónico, similar al de las tabletas o celulares modernos. Y encima de todo, ese módulo, según la compañía, se podrá actualizar en el futuro, conservando la pantalla en sí, pero mejorando el rendimiento de las otras partes.

Según Samsung, esto le permite una navegación Web más veloz desde el televisor, y más agilidad en la descarga, instalación y uso de las aplicaciones (porque, claro, tiene una tienda de aplicaciones propia, con juegos, herramientas, accesos directos a los servicios de streaming de video, etc.). Samsung tiene también modelos más modestos, de 32 a 46 pulgadas, con precios que comienzan en $ 3999. El equipo con chip de doble núcleo, como la mayoría de los Smart TV, es capaz de reproducir video 3D en calidad Full HD, y Samsung provee un servicio gratis, llamado Explore 3D, para reproducir streaming de contenidos tridimensionales.

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ideas creativas 101 tecnología

+ LG LW5700, Samsung Smart TV 3D ES6800 y Sony HX752 SEN.

Samsung, además, tiene un acuerdo en la Argentina para integrar los contenidos digitales de OnVideo (el servicio de streaming de películas y series de Telefónica). Sony integra su servicio Crackle, con películas y series gratis de su estudio de cine (también ofrece aplicaciones para ver ese contenido en móviles); Philips ofrece Vesvi (películas gratis) y LG los contenidos de Qubit.tv (que también tiene aplicaciones para otros dispositivos). Otro servicio muy popular entre los fabricantes de Smart TV es Netflix.

La mayoría de los modelos, además, suma un sintonizador de TV digital terrestre: es el sistema satelital que reemplazará al analógico tradicional, y que en la Argentina tiene hoy una veintena de canales.

Mientras Samsung apuesta al doble núcleo, Philips anunció que de ahora en más, todos los televisores LED y LCD de 32 pulgadas o más, que venda en la Argentina, serán del tipo Smart. Los modelos más bajos tienen sólo Wi-Fi, luego incorporan la posibilidad de acceder a YouTube, y las líneas 5000, 6000 y 7000 permiten la instalación de aplicaciones, además de tener acceso a Skype para hacer videollamadas usando el televisor (otros equipos de Samsung, Sony, LG y Panasonic también permiten esto último). Los precios de los equipos van de $3.000 a $25.000, según el tamaño de la pantalla y las prestaciones.

Uno de los problemas que surgen con este tipo de dispositivos es que el control remoto tradicional queda demasiado limitado, sobre todo para ingresar texto (en Facebook o en YouTube, por ejemplo).

En el caso de LG, le suma al control remoto de su TV Cinema 3D LW5700 un acelerómetro, que permite navegar por los menús y demás, con un movimiento del brazo. Esta compañía, al igual que

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Philips, Samsung o Sony, ofrecen aplicaciones para Android y dispositivos iOS, que permiten controlar el televisor desde un celular o una tableta. Los televisores de LG, de 42 y 47 pulgadas, tienen un precio que va de $ 12.999 a $ 16.999.

Sony también ofrece en el mercado local ocho modelos que a Facebook, Twitter, YouTube y Skype le suman una tienda de aplicaciones y 39 canales propios de contenidos digitales, que complementan las señales de televisión tradicionales (cable y TV abierta). Los equipos de 32 a 40 pulgadas, tienen precios que van de $ 3.599 a $ 8.999.

El tema de las aplicaciones no es menor, porque es lo que hace que un televisor moderno sea algo más que un monitor con sintonizador de TV, y es por eso que LG y Philips fundaron en junio último la Alianza Smart TV, para estandarizar el entorno de desarrollo de aplicaciones; ya se sumó Toshiba, y esperan que otros jugadores del mercado participen en esto. En el caso de Philips, además, ofrece aplicaciones con contenidos locales como Clarín, La Nación, Olé, canal Trece, Caras y Brando, entre otras.

Su principal amenaza son los dispositivos intermediarios, que permiten ver toda clase de contenido en pantalla: son computadoras especializadas en el streaming de video y la reproducción de contenido digital. Algunos, modestos como la familia de Western Digital HD TV y Apple TV sólo suman clientes para servicios de películas online a la reproducción local y de red hogareña; otros, más ambiciosos, tienen una tienda de aplicaciones, y buscan ser el intermediario perfecto entre los contenidos digitales y las pantallas bobas. Esa es la apuesta de Google, aunque todavía no ha tenido demasiado éxito con su Google TV. Como fuere, los fabricantes de televisores buscan diseñar sus equipos con cada vez mayor inteligencia. +

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La vanguardia de Ford

Tecnología y diseño revolucionan el manejo La firma del óvalo es una de las marcas generalistas que está marcando tendencia en cuestiones de diseño y tecnología. Sus últimos lanzamientos así lo demuestran. No conforme con ello, Ford sigue desarrollando nuevos avances que están revolucionando el hábito de conducir un automóvil. | Texto: Elvio Orellana @emorellana33

A través de la historia del automóvil, hubo marcas destacadas que supieron adelantarse de alguna u otra forma a su tiempo. Ford, por ejemplo, fue una de ellas, y lo hizo allá entre el 1908 y 1927, cuando presentó al Ford T. Este modelo revolucionaría el proceso de fabricación de los autos a través de las líneas de producción, y fue tal su éxito, que llegaron a producirse más de 15 millones de unidades.

de 2010, el Fiesta KD representó un salto cualitativo gigantesco en cuanto a diseño, equipamiento y tecnología, dentro de los productos que venía ofreciendo la marca. Dos años después de ello, la firma enmarcó a la Ford Ranger dentro de los lineamientos de su plan, y presentó en julio de este año a la primera pick up de plataforma global que se produce en Argentina.

Hoy, a más de cien años de aquél acontecimiento, la firma norteamericana se encuentra en plena etapa de ejecución de una nueva estrategia de producción. Se trata del plan One Ford que, en resumidas cuentas, es la estrategia de la marca de producir autos que se puedan vender en todo el mundo, y que cumplan con las expectativas de los clientes de diferentes mercados. Bajo este concepto, la firma viene presentando modelos que representan verdaderas plataformas móviles de lo último en lo que a materia de diseño y tecnología se refiere.

Ahora, quien acaba de alistarse al portfolio de modelos concebidos sobre plataformas globales, es el SUV compacto de Ford: la EcoSport, la cual fue presentada en un megaevento en Natal (Brasil), donde no sólo pudimos conocerla, sino también conducirla. De este modo, la firma del óvalo ya dispone de tres productos globales. Dos ya vigentes en nuestro mercado (Fiesta KD y Nueva Ranger) y un tercero con fecha de desembarco en noviembre, la segunda generación de EcoSport. Con este panorama, nos animamos a desentrañar lo más destacable de los últimos lanzamientos de la marca.

LOS TRES ÓVALOS GLOBALES Si hay que encontrar un primer eslabón en este nuevo proceso de producir autos iguales para diferentes mercados, éste es el Ford Fiesta Kinectic Design (KD). Presentado en nuestro país a fines

+ Interior de la Nueva Ford Ranger.

LA ERA DEL MOVIMIENTO Uno de los primeros aspectos a destacar de los nuevos productos de Ford es la nueva estética que comparten. Este diseño tiene una

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ideas creativas 111 vehículos denominación: Kinetic Design o Energía en Movimiento. Su mentor fue Martin Smith –director de diseño de Ford Europa desde 2006–, y a partir de allí, se inició una nueva era en el diseño de Ford. ¿Cómo se plasma este nuevo concepto en la práctica? El KD se basa en transmitir movimiento a pesar de que el auto se encuentre detenido. Así, uno de los aspectos en común que uno encuentra en los últimos lanzamientos de la marca es el frontal mucho más agresivo y aerodinámico. Si se observa a la nueva Ranger, se destaca su trompa imponente con su parrilla cromada y el ángulo del parabrisas muy inclinado, más que en cualquier otra pick up del segmento. Este último efecto se reitera en la nueva EcoSport, tomando protagonismo, además de ello, su gran parilla cromada, sus faros rasgados con luces de LED y su capó corto.

Todos esos recursos agudizan la sensación de movimiento y aceleración. Lo mismo ocurre con el perfil de ambos modelos. Es decir, desaparecen las líneas rectas y los filos, para dar paso a una línea de cintura elevada, desde la rueda delantera hasta el grupo óptico trasero, lo que les otorga una mayor aerodinámica. El resultado de la sumatoria de todos estos elementos es una nueva Ford Ranger, en la que sobresalen sus líneas robustas e imponentes, muy similar al estilo de vehículos americanos. Y en el caso de la EcoSport, un urbano que se emparentó mucho más con el carácter de un SUV. LA MÁS AVANZADA DE TODAS El segundo gran pilar de la marca norteamericana dentro del proceso One Ford es el desarrollo de tecnología en pos de la seguridad y comodidad de sus conductores. Un claro ejemplo lo representa la nueva Ranger, la cual dispone ahora de un kit de seguridad inédito para su segmento: control de carga adaptativo (LAC), control de balanceo de trailer (TSM), asistente de frenado en emergencia (EBA) y asistente de partida en pendiente (HLA).

recolectan datos sobre el peso de la carga en la caja y el centro de gravedad de la camioneta. A partir de allí, se calibra el sistema de seguridad y se adapta el comportamiento dinámico del vehículo. La Ranger dispone también del sistema TSM, que detecta el balanceo del trailer y frena las ruedas independientemente, para reducir el torque del motor y estabilizar el trailer. A esto se le suman dos tecnologías de frenado. Una de ellas, reconoce una frenada de emergencia y distribuye la fuerza del frenado sobre las ruedas, para que la camioneta no pierda estabilidad (EBA). La otra solución, se basa en un sistema que mantiene accionado los frenos durante dos segundos, mientras que el conductor deja de pisar el freno y acelera en una subida.

EVOLUCIÓN TOTAL El otro modelo de Ford que evolucionó ampliamente en su aspecto tecnológico es la nueva EcoSport. Una de sus grandes novedades lo representa el sistema SYNC (debutó en nuestro mercado en el 2010 con el Fiesta KD), que permite operar mediante órdenes por voz distintas funciones. Desarrollado por Ford y Microsoft, el SYNC se ofrece en toda la gama de la Eco, por lo que el conductor puede realizar llamadas, recibir mensajes de texto y responderlos, y hasta reproducir música desde su MP3, solamente con una orden impartida por su voz.

Asimismo, se ponen de manifiesto otros tipos de avances tecnológicos, como el sistema inteligente de ingreso sin llave (Keyless) y el de arranque mediante el botón “Ford Power”. También es digno destacar que se trata del único vehículo de su segmento dotado de dirección asistida eléctrica. Pero no sólo eso, también se suman otras soluciones, como encendido automático de luces (sensor crepuscular), sensor de estacionamiento trasero y de lluvia, y climatizador automático, entre otros. De este modo, la EcoSport se equipó de los últimos avances de la marca, con el plus de que muchos de ellos están presentes desde las versiones más económicas.

La primera de ellas está conformada por una serie de sensores que

UN VISTAZO A LO QUE VENDRÁ Dentro del departamento de investigaciones de Ford, los avances

+ Sensor crepuscular en la Nueva Ford Ranger.

+ Control de carga adaptativo (LAC) en la Nueva Ford Ranger.

+ Control de audio y teléfono en la nueva Ford Ranger.

+ Conexión para iPod, USB en la nueva Ford Ranger.

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+ tecnológicos continúan profundizándose de manera vertiginosa. Muchos de ellos están empezando a utilizarse, mientras que otros se encuentran en etapa experimental. A continuación, un breve repaso por los más destacados avances de la marca.

Autos que hablan entre sí. Puede sonar alocado, pero lo cierto es que Ford está desarrollando una tecnología que permite que los autos se contacten unos con otros, utilizando señales Wi-Fi. Algunas de sus aplicaciones permitirán a los conductores recibir un alerta ante un riesgo de choque al cambiar de carril, al aproximarse a un automóvil, o si algún otro vehículo pierde el control.

SYNC AppLink. Se trata de un software más evolucionado del SYNC propiamente dicho, que permite controlar las aplicaciones de celulares inteligentes o tablets a través de la voz, mientras se conduce. Una aplicación que ofrece este sistema y que está dirigida para ayudar a los conductores a cuidarse a sí mismos y a sus pasajeros, es acceder a información acerca del índice de riesgo de alergia, asma, gripe, resfrío y hasta de los rayos ultravioleta, en el sitio al que se está llegando.

funciona? La activación del airbag o de la bomba de emergencia de cierre de combustible provoca que el auto inicie una llamada de emergencia, emitiendo un mensaje pregrabado a través del teléfono móvil del ocupante que, a su vez, estará conectado al auto por Bluetooth. El mensaje será transmitido en la lengua local del lugar en donde se encuentre, basado en las coordenadas GPS del vehículo.

Al ritmo del corazón. Los ingenieros de Ford desarrollaron una butaca que puede monitorear los latidos del corazón del conductor, a través de seis sensores embutidos en ella, y que pueden detectar los impulsos eléctricos generados por el corazón. Con este desarrollo, queda inaugurada una nueva era de vehículos en los que la salud de los pasajeros también será susceptible de ser monitoreada con el potencial, incluso, de salvar vidas. + www.ford.com.ar

My Key. Permite personalizar diferentes opciones de cada vehículo.

Por ejemplo, los padres pueden limitar la velocidad máxima a la que puede circular el vehículo, o bloquear contenido explicito en la radio, mientras conducen sus hijos.

Cinturón y airbag. Uno de los últimos desarrollados por la marca es el cinturón trasero inflable, que combina los atributos de los cinturones de seguridad tradicionales con los de los airbags, lo que provee de una mayor protección para los ocupantes de las plazas traseras, en caso de accidente.

Asistencia programada. Utilizado en algunos de los últimos modelos de Ford en Europa, como el B-Max, se trata de un alerta a los servicios de emergencia locales después de un accidente. ¿Cómo

+ Cinturones traseros inflables.

+ Nueva EcoSport.

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Google imágenes Diccionario visual

Cómo buscar en Internet sin palabras, cómo aprovechar al máximo las miles de imágenes con las que contamos para trabajar o divertirnos cada día, cómo exprimir las bondades de la tecnología. Google Imágenes permite encontrar de todo, utilizando solamente fotografías. Cuando una imagen vale más que mil palabras. | Texto: Leila Mesyngier

Buscar información en Internet muchas veces puede resultar un misterio: nuevas puertas que se abren y nos conducen a nuevas búsquedas, links que nos llevan a otras páginas y nos muestran nuevos datos que nos aportan a nuestro propósito. A veces encontramos lo que queremos; otras, sólo nos quedamos con más preguntas. Pero siempre, siempre, podemos sorprendernos de todo lo que hay detrás de la pantalla. Ahora, ¿qué ocurre cuando lo que queremos buscar no podemos ponerlo en palabras? ¿Cuántas veces tenemos imágenes que dicen más que el diccionario entero? ¿Cómo podemos aprovechar todas esas fotos que sacamos en algún viaje o en un evento, pero que no recordamos de dónde son?

Lo más llamativo de estas preguntas es que la respuesta está ante nuestros ojos y muchos no la conocemos. Google lo hizo posible y ofrece, entre sus múltiples aplicaciones, la posibilidad de hacer búsquedas en la Web a partir de Google imágenes (images.google. com). Es fácil y práctico, y no hace falta ser un experto. Una primera alternativa de exploración es utilizar una imagen propia o ajena que tengamos en nuestro escritorio, o una URL de una imagen alojada en la Web, e introducirla en el ícono de la cámara de fotos del cuadro de búsqueda. Allí podremos averiguar de qué lugar se trata o a quién pertenece el dibujo o cuadro, su historia y su página oficial, si la tuviera. Esto funciona con espacios geográficos reconocidos, pinturas famosas y personajes célebres.

Pero eso no es todo. Además, la aplicación permite encontrar imágenes similares o parecidas, con tamaños y formatos diferentes (jpg, pdf, svg, etc.), en blanco y negro o a color, y hasta con

la posibilidad de bajarlas de sitios que cuentan con imágenes de uso libre. Otra opción es ingresar con palabras la imagen que se necesita, por ejemplo, para un brochure, un trabajo de diseño o hasta una invitación de cumpleaños o casamiento. Si lo que queremos es encontrar un ramo de flores rojas, colocando esas palabras en el buscador, aparecerán todas las imágenes asociadas. Para especificar aún más, podemos ingresar en “búsqueda avanzada” y filtrar por idioma, región, tipo de archivo, derechos de autor, colores, últimas actualizaciones, etc. Así llegaremos, al fin, al retrato deseado.

De acuerdo con Florencia Bianco, Gerente de Comunicaciones de Google Argentina, esta aplicación es un avance en el campo de la visión artificial. “En Google nos dimos cuenta de que la búsqueda no debería limitarnos a expresar lo que estamos buscando de una sola manera. Si una imagen lo define mejor, ¡debería poder usarse!

La búsqueda por imágenes hoy es posible, gracias a los enormes avances que venimos haciendo en el campo de la visión artificial.

No es fácil para una computadora igualar la capacidad humana de ver y entender, pero es justamente eso a lo que queremos llegar con la visión artificial. Hoy se puede realizar una búsqueda usando nada más que una imagen, sin necesidad de contexto, etiquetas ni el nombre del archivo”, comentó.

Se trata, en definitiva, de un diccionario visual, una forma única de inspirarnos a través de las imágenes, de encontrar nuevas formas de búsqueda y de seguir sorprendiéndonos de las posibilidades que nos ofrece la tecnología.

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ideas creativas 115 tecnología

GOGGLES: BÚSQUEDA INTELIGENTE El teclado se vuelve prescindible. Ya podemos ahorrarnos el tiempo de escribir para buscar algo. Sólo hace falta bajarse la aplicación Goggles de Google en el celular y listo.

drán tomar fotos a libros, DVDs, lugares famosos, logotipos, información de contactos personales o laborales, material gráfico, datos de empresas, productos, códigos de barras y textos. Esto implica que lee las imágenes y también los textos.

Entraste a la librería más linda de París, te entusiasmaste mirando los libros y encontraste uno de tu autor favorito o, mejor aún, ese que pensaste que estaba agotado. Querés saber si está publicado en español, dónde conseguirlo y quién lo tradujo. En un restaurante de Tailandia el menú era inentendible y comiste cosas que nunca creíste posibles. En una reunión de trabajo, te llenaron de tarjetas personales que debés pasar una por una a los contactos del teléfono o de la computadora. En un supermercado del barrio chino de Buenos Aires te deslumbró una botella, pero querés saber qué es y para qué sirve. Una obra de un museo te sorprendió y le tomaste una foto, pero olvidaste de quién es la obra.

4- Después de tomar la fotografía, el dispositivo la analiza y ofrece varias opciones asociadas para elegir la que más se acerca a nuestras preferencias. ¿Encontraste lo que buscabas? Listo, así de sencillo funciona Google Goggles. + www.images.google.com

¿Cuántas veces ocurre que una imagen nos queda grabada en la mente sin encontrar palabras para describirla? Otras veces, la memoria nos juega una mala pasada y olvidamos los nombres de las calles, los pintores o una palabra que nos permite comunicarnos en otro idioma. Todo esto, ahora, tiene solución. Sin ni siquiera usar el teclado y hacer el esfuerzo de recordar los términos justos. Ahora, basta con descargar Goggles en tu celular y ¡todo resuelto!

“Google siempre quiere dar los mejores resultados posibles y busca constantemente que el proceso requiera el mínimo esfuerzo posible para los usuarios. La aplicación Google Goggles pretende resolver ambas cuestiones para tratar de descubrir qué hay más allá de una imagen en cualquier lugar en que nos encontramos”, contó Florencia Bianco. ¿Cómo aprovechar las ventajas que ofrece esta herramienta de búsqueda inteligente? Estos son los pasos para utilizar Goggles: 1- Descargar la aplicación en el smartphone a través de la Web www.google.com/mobile/goggles/.

2- Recordar que es gratuita, y está disponible para dispositivos con Android 2.1 (o versiones posteriores), y para iPhone con iOS 4.0 (en la aplicación de búsqueda de Google).

3- Cuando se utilice, se abrirá en la pantalla la cámara, y ya se po-

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ideas creativas 117 lugares

Stgo Makerspace

Hacedores del fin del mundo Conocidos como makerspaces, hackerspaces o fablabs, los espacios creativos en donde se reúnen personas que comparten intereses alrededor de la tecnología, la ciencia, el diseño y el arte digital se han multiplicado en todo el mundo. En esta oportunidad, queremos compartir esta nueva iniciativa desarrollada en Santiago de Chile. | Texto: gt2P @gt2P. Fotos: Sara Rojas Fuentes

En un poco más de cuatro meses de funcionamiento, Stgo Makerspace ya ha logrado consolidar una nueva comunidad creativa en medio de Barrio Italia, en Santiago de Chile. En sus instalaciones se comparten espacios de trabajo y talleres equipados, en donde se genera e intercambia conocimiento entre personas de diferentes disciplinas orientadas a “hacer”.

El reencuentro de tres amigos, Tiburcio de la Cárcova, Macarena Pola y Alejandra Mustakis, fue el punto de partida de esta iniciativa.

En la cabeza de cada uno de ellos, ya rondaba la idea de demostrar que en Santiago hay una comunidad de innovadores, mentes creativas que necesitaban un espacio para realizar sus ideas y proyectos.

Cada uno de ellos, desde sus áreas de experiencia e interés, estaba interesado en ver y reconocer emprendimientos, tenerlos cerca y desplegar sus recursos para apoyarlos en su ejecución.

Al hacerse miembro de Stgo Makerspace, es posible acceder a un espacio de trabajo y al uso del taller equipado con máquinas de prototipado rápido (cortadora láser, impresora y escáner 3D, entre otros). Esta maquinaria generalmente es considerada de difícil acceso y está concentrada en fábricas. Acá es puesta a disposición de la comunidad, para desarrollar cualquier tipo de invento, al mismo tiempo que promueve un cambio de paradigma en los procesos de aprendizaje, individual y colectivo.

Además de “hackear” y desarrollar software y hardware, en este espacio se promueve lo que Macarena explica como “la cultura del hacer, la cultura de la locura y de la invención”, así como la capacidad de concretar los proyectos. El poder creativo se conecta con el hacer. Igualmente, nos explica que la gente que se siente sola o que cree que no puede hacerlo, encuentra allí una comunidad multidisciplinaria. Por ahora, está compuesta por artistas, ingenieros,

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arquitectos y diseñadores, pero aún no se cierra a que lleguen profesionales y aficionados de otras áreas, para consolidar una plataforma más diversa.

Entre los proyectos que se han instalado en Stgo Makerspace, pudimos ver el trabajo de Claudia y Chimbalab, un laboratorio de integración entre arte y tecnología; Liebre longboards, hechos a mano con maderas nativas; Andrés Stein, quien está desarrollando una máquina para realizar terapias de rehabilitación para personas con lesiones de médula; y Corazón de Chileno, un equipo de robótica formado por jóvenes de colegios de Santiago.

Su público es muy diverso e, incluso, han creado talleres para niños sobre programación de videojuegos, creación gráfica y de robots.

Esta es una iniciativa desarrollada en conjunto entre los miembros, con la idea de ir más allá de la enseñanza de los colegios y dar a los niños algunas herramientas que les permitan cambiar sus paradigmas en relación con las posibilidades de generar e intercambiar conocimiento. En el futuro, esperan llevar esos talleres de manera gratuita, a diferentes colegios de la ciudad.

En su corta trayectoria, Makerspace ya comprobó que en Santiago hay mucha gente interesada en inventar y producir sus propias ideas.

También logró instalar un sistema de difusión de conocimiento y estimular la locura, la invención y el emprendimiento. Más adelante, esperan generar nuevas estrategias de aceleración de proyectos.

Desde ya, están preparando una para fin de año, la “Fiesta de la invención”, con la versión en Santiago de la “Make Faire”, un concurso en donde nuevos inventores presenten sus ideas para ser producidas, y un “Maker móvil”, algún tipo de vehículo que lleve este proyecto por todo el país. + www.stgomakerspace.com

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+ Alfa Romeo Spider 2009

Sergio Pininfarina El ícono del Made in Italiy Fue el autor de innumerables autos emblemáticos que marcaron la historia del automóvil. Uno de sus mayores éxitos fue la profunda relación estilística que alcanzó con Ferrari y Alfa Romeo. Hoy lo recordamos a través de sus obras. | Texto: Elvio Orellana @emorellana33. Fotos: Gentileza Alfa Romeo

No son muchos los casos en los que el nombre del autor o creador llega a superar a su propia obra o invención, convirtiéndose éste en el principal referente. Tampoco es muy común el hecho de que su seudónimo trascienda las fronteras de su propia especialidad, de modo tal que, con sólo enunciarlo, las personas sepan identificarlo rápidamente. Precisamente, este fenómeno fue el que envolvió -desde su muy temprana edad- al diseñador Sergio Pininfarina, y al que seguirá circundando ahora que se convirtió en leyenda. Es que el eximio carrocero dejó de existir a sus 85 años de vida, el pasado mes de julio. Atrás dejó un legado incalculable de obras de arte sobre cuatro ruedas, las cuales serán las encargadas de inmortalizar su nombre, de generación en generación.

SUS PRIMEROS ESBOZOS Si se quieren encontrar los inicios de Sergio Pininfarina en el mundo de los autos, es necesario remontarse hasta el año 1937, cuando tan sólo tenía once años. A esa edad empezó a trabajar en el taller de su padre, Giovanni Battista “Pinin” Farina, en Turín, quien se dedicaba a la producción de carrocerías bajo pedidos específicos. Así fue que empezaron a ver la luz, modelos como el Fiat Ardita 527 (1935), Alfa Romeo 6C 2300 GT (1935), Alfa Romeo Pescara (1936), Fiat 6C 1500 (1936) y Lancia Aprilia (1936-1937). Se trataba de autos en donde se conjugaban la

creatividad pura con los requerimientos industriales de aquella época.

La devoción que tenía por los autos, llevó al joven “Pinin” (sobrenombre que heredó de su padre y que, por un decreto de la presidencia italiana, pudo utilizarlo para conformar su apellido como Pininfarina) a estudiar ingeniería mecánica en el Politécnico de Turín, donde en 1950 obtuvo su licenciatura. Pero fue el año 1966 el que marcaría el punto de inflexión en la vida del ingeniero, ya que tras el fallecimiento de su padre, fue nombrado presidente de Carrozzeria Pinin Farina. A partir de allí, la firma de carácter familiar y artesanal, pasó a funcionar como una empresa internacionalizada.

ARTE SOBRE RUEDAS Intentar hacer un repaso sobre los modelos que fueron diseñados por este ícono del diseño italiano, parece una tarea de nunca acabar. Y el motivo es que la empresa Pininfarina diseñó más de 1.500 modelos de producción, y cerca de 200 prototipos durante 75 años. No obstante, hubo algunos que fueron verdaderos en íconos de su época. Uno de ellos, fue el Ferrari Testarossa. De diseño agresivo y dueño de la famosa línea sexy, enamoró a todos en su debut en el Auto Show de París en 1984. Su look no era

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clásicos contemporáneos 119 vehículos

+ Alfa Romeo Spider 8C, una edición limitada de 500 ejemplares.

+ Las sucesivas versiones del Alfa Romeo Spider.

sólo cosmético, sino también funcional. Así, su ancho trasero era mayor que el delantero, algo que lo hacía más estable en altas velocidades. En tanto que las costillas tan particulares de sus laterales, además de otorgarle la sensación de movimiento, servían como entradas de aire a los radiadores traseros laterales.

Pero antes del Testarossa, hubo otro auto, catalogado por muchos como uno de los más bellos de todos los tiempos. Nos referimos al Alfa Romeo Spider, el que empezó a producirse en serie en 1966, y que por su buena aceptación ante el público, se fabricó hasta el año 1993. Su cuarta y última generación, la Serie 4, se fabricó entre 1990-1993, y estaba equipada con un motor de 2 litros 4 cilindros en línea, que lograba 124 hp.

Esta versión se generó con motivo de la celebración del octogésimo aniversario de la fundación de la marca. En cuanto al diseño, prescindía de los alerones, lo que le daba un aire mucho más ligero y suave. Pero para sorpresa de muchos, la marca revivió el nombre Spider en el Salón de Ginebra de 2008. Así se develó el Spider 8C, una edición limitada de 500 ejemplares, que se distinguió por sus superficies modeladas en fibra de carbono. Equipado con un potente motor de 8 cilindros de 4,7 litros y 450 caballos, el 8C Spider pudo revivir el estilo único e irrepetible que caracterizó

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desde siempre a la creación de Pininfarina.

POPULAR Y DIFERENTE El apellido Pininfarina no sólo estuvo ligado a modelos suntuosos y marcas emblemáticas como Cadillac, Jaguar, Rolls-Royce, Audi y los ya nombrados Ferrari y Alfa Romeo; sino también a otras más populares, como Peugeot, para la cual, por ejemplo, diseñó el 406 Coupé, uno de los deportivos más elegantes y mejor valorados que ha fabricado hasta ahora una marca generalista. A esa lista se suman también marcas como la coreana Daewoo, Honda, Lancia, Mitsubishi y Fiat, entre otras más.

Dentro de este grupo, hubo un modelo que tuvo mucho que ver con nuestro mercado automotor, ya que entre sus invenciones figura el Torino, fabricado por Ika-Renault entre 1966 y 1981 en Argentina. Asimismo, es bueno recordar que Sergio Pininfarina dejó entre su legado diferentes obras en otras áreas creativas. En su faceta de emprendedor, diseñó muebles, cascos de moto, y hasta incursionó en el arte sacro. Una de las creaciones más sorprendentes y menos conocidas de su estudio es la Cappella Madonna Della Stella, un encargo de una familia de Caserta (Italia), cuya cúpula parece inspirada en un avión de combate, y el campanario en el alerón trasero de un Fórmula 1. +

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+ Fulgencio y Osvaldo Borsani, fundadores de Tecno.

Osvaldo Borsani Homena je al traba jo Con un compromiso con los materiales más nobles y con la innovación tecnológica como modus operandi, Osvaldo Borsani fue cofundador de la renombrada firma Tecno, creó piezas de mobiliario para oficinas que hicieron historia, y trabajó junto a los arquitectos más destacados del mundo.

| Texto: Natalia Iscaro @Natusfila. Fotos: Gentileza Tecno

clásicos contemporáneos

+ 121 diseño

+ Sistema de oficinas Graphics.

Se equivocan quienes piensan que la arquitectura corporativa no tiene nada para ofrecerle a los arquitectos, ingenieros y diseñadores más creativos e innovadores. Osvaldo Borsani es uno de los más claros ejemplos que existen al respecto. Con casi 60 años de historia, sus piezas se exhiben en muchos de los principales museos del mundo (como el MoMA de New York y San Francisco, y el Victoria & Albert de Londres). Osvaldo Borsani (1911-1985) fue fundador, junto con su hermano Fulgencio, de la firma Tecno, que nació en 1953 en Italia. La misma que hoy cuenta con representación en 35 países, reúne un millón de puestos de trabajo en todo el mundo, trabaja con los arquitectos y diseñadores más destacados del escenario mundial (entre ellos, Norman Foster, Emilio Ambasz, Jean Nouvel y Renzo Piano) y fue ganadora de importantes premios y distinciones internacionales (como el premio Red Dot de diseño 2010).

Pero el nacimiento de esta marca no fue casual. Los hermanos mellizos Osvaldo y Fulgencio fueron formados por su padre, Gaetano, un talentoso artesano de mobiliario. Ya de adulto, Osvaldo estudió en el Politécnico de Milán, tras lo cual se unió al negocio familiar. Durante la década del 40 y hasta los comienzos de los 50, este joven y futuro empresario diseñó una gran cantidad de piezas, incluyendo sillas y espacios de guardado (se destacan especialmente unos estantes de pared). Pero, y como es natural, llegado un punto, los hermanos necesitaron volar del nido, y lo hicieron juntos. Así fundaron Tecno.

Durante el período de posguerra, Osvaldo contaba entre sus amistades con artistas de la talla de Lucio Fontana, Fabbri Agenore, Aligi Sassu, Roberto Crippa, Fausto Melotti y Arnaldo Pomodoro, + Mesitas T1 y T2

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+

+ Sofá D70

+ Lounge chair P40

con quienes emprendió proyectos creativos para mobiliario y arquitectura de interiores. Sumado a este estatus que le dieron estas obras compartidas, el estudio de los hermanos saltó a la fama en 1968, cuando Osvaldo diseñó, junto a Eugenio Gerli, el que aún hoy es considerado de los mejores sistemas de oficinas del mundo: Graphics. Para ese entonces, Borsani ya se había hecho conocido por piezas como el sofá D70 (1954) y la lounge chair reclinable P40 (1955), ambos diseñados por él. Y otros clásicos como las mesitas T1 y T2 (1949 y 1950). Hitos en el diseño de oficinas de todas las dimensiones y continentes del mapamundi. Tecno desembarcó al país en 1978, donde perpetúan sus rasgos distintivos: innovación, calidad y artesanía.

lujo, a la vez que piezas de mobiliario e instalaciones de todo tipo de empresas.

ANTE TODO, PROYECTOS Quienes más saben, afirman que la empresa ha sabido lograr un estatus de privilegio entre los más destacados creadores de la arquitectura y el diseño industrial, debido a su motivación de impulsar proyectos, antes que productos. De este modo, con una metodología flexible, Tecno ha sabido superar las limitaciones estructurales para satisfacer las necesidades de Norman Foster al diseñar el Museo Británico, y de Jean Nouvel para la Torre Agbar en Barcelona, entre tantos otros talentos. Es así como hoy llevan su sello laboratorios, hoteles y tiendas de marcas de

La calidad del producto final permite crear espacios contemporáneos, flexibles, cuyo estilo se adapta a instalaciones que van de lo minimalista y neto, a lúdico e interactivo. Piezas que pueden funcionar bien individualmente, por su entidad física distintiva y, del mismo modo, interactuar para crear espacios agradables y especialmente diseñados para el espacio y las emociones que se quieran generar. Forma y función conviven, como desde hace casi sesenta años, en esta búsqueda que es tan humana como universal. Un homenaje al trabajo, y un legado que persiste. + www.tecnospa.com

Además, la firma ha sabido dedicar agradecidas energías a la investigación, al punto de llevar a su máxima expresión, materiales como los metales, cueros, telas, plásticos, metales, tratamientos químicos y maderas. Fruto de estas exploraciones, sus avances han desembarcado en Latinoamérica, Estados Unidos, Europa, Asia y Medio Oriente. Para seguir a tono con su nivel de desarrollo, desde 2001, Tecno tiene el objetivo de desarrollar, producir, exportar e instalar el equipamiento de tiendas de alta gama como Louis Vuitton, Burberry, Bulgari, Ermenegildo Zegna y Mont Blanc.

HISTÓRICA BUENOS AIRES En 2011, la productora Tecno abrió su primer Retail Store en Buenos Aires, más precisamente en el barrio histórico de San Telmo.

En México 337, la empresa ofrece a los clientes, arquitectos y gerentes de instalaciones, servicios y productos de calidad, y especialmente desarrollados a medida. Así, los proyectos pueden involucrar algunas piezas de mobiliario, como también un proyecto “llave en mano”. En este sentido, se destaca su línea de productos atemporales, concebidos hace veinte o treinta años atrás, permanente actualizados y renovados para satisfacer a las necesidades del mercado del trabajo. Y también están las piezas más innovadoras, en forma y función, que reinterpretan el futuro según la línea. Formas que producen un estilo de vida y de trabajo, también en el país. + tecnosudamericana.com.ar

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+ Ramiro Chaves. Torre, 2008, serie Miramar.

portfolio fotográfico

Ramiro Chaves | Curador: Aldo Bressi Ramiro Chaves nació en Córdoba, tiene 33 años y desde hace diez vive en México, donde se dedica a las artes visuales, con la fotografía como principal herramienta de trabajo. Su proyecto fotográfico lo desarrolla con cámaras de medio formato: Hasselblad 500C y con una Rolleiflex. Su trabajo consiste en series que ha desarrollado en distintos lugares del mundo. + www.chavesphoto.com

Link a la nota: http://9010.co/rchaves

+ Ramiro Chaves. Ventana, 2007, serie Miramar.

+ Ramiro Chaves. Puente, 2009, serie Miramar.

+ Ramiro Chaves. Palmeras, 2010, serie Miramar.

+ Ramiro Chaves. Regla, 2010, serie Miramar.

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+ english summary

Translated by: Lucrecia Bertani @lulubertani

BAFWeek Spring-Summer 2012/13 Special Issue Pages 56-65 Space for inspiration

Having seen over twenty different fashion collections during the local fashion week, we analyze the aesthetic design lines that portray our current trends. Seen in both designers and brands, the main search seems to be about enjoying the environment. All humans coexist, in search of harmony and coherence with its surroundings. Organic shapes to have fun in the sun, as falling in love barefoot in the sand. The source of inspiration comes from three different spaces: the streets, nature, and the sea. Sceneries in which we daily move around.

The streets were shown in the use of urban art. Graffiti was stolen from walls to be seen in other surfaces. Not only was this the image of the event, but also the main guideline of all the collections.

Juana de Arco turned the runway into an alluring corner of color and music. Levi’s turned it into a performance, where a residential neighborhood could be seen as a sum of urban expressions. The repeated visual element of the bicycle showed the balance that we all seek to bring into the city life.

Where pavement is nowhere to be seen, a new inspiration space was created. Nature, with its flora and fauna, and its environment.

Owls alighted on the fabrics of Desiderata and parrots on Uma’s.

Tropical prints were tempting in monos and suits in Ona Saez, while they gained pace with Dam. The sea reached our shores as a creative horizon. Fabián Zitta continued his analysis on the morphology of water and the shapes it creates. In organic and wraparound figures, he played with volumetric pleats in light-blue and pale earth tones. Marcelo Giacobbe made a journey into the myths of the city of Mar del Plata and explored its contradictions.

We fell in love with his subtle silhouettes, in cuttings and stars.

The most frequent typologies showed the search for comfort.

Monos and pajama pants were seen again. The color palette was as contradictory as lively. Neon is vibrant in yellows, pinks, and oranges, while pastels create a more romantic atmosphere. Urban mermaids, Amazons, real women who live in the city. The Argentinian design sought to express itself as federal in the Mapa de Diseño INTI, as it recovered childhood memories and the trades in the Semillero UBA. In the constant and in the varying features, Argentinian fashion expressed all of our searches. Answers will be found in its use, in making all the proposals our own diverse expressions.

Aldo Cibic Incubating concepts

Pages 66-70

He was co-founder of the mythical Memphis Group, which had the courage of challenging the minimal design post Bauhaus. Aldo Cibic was self-taught and had the privilege of starting his career with Ettore Sottsass. He was awarded all over the world for his works in design and architecture. He is a professor at the Domus Academy, in the Technical College of Milan and in the University Institute of Venice. He is also Professor Emeritus in Shanghai´s Tongji University. At present, he constantly travels around the world developing the part of his studies that he enjoys the most: Workshop Cibic, a space to create community projects in order to improve people´s quality of life.

For a long time, architecture had focused in the object. Luckily, at present, it is crucial to consider the relationship between this object and society. With this concept, a social dynamic is established, which architects, designers, and even engineers have to add to their own approach in all new projects. At least, this is what Aldo Cibic thinks. ‘We can be happy as long as we are part of a project that aims to produce a better future’ Ale Paul Mr. Sript

Pages 72-75

He is co-founder of Sudtipo, a creative group that creates, programs, and commercializes typographies so that designers from

all over the world can give an original look to their works. With many international and local awards to his credit, the Argentinian Ale Paul complements his daily work with an academic exercise.

Locally and abroad, he tries to spread and motivate the search for new horizons and the respect for copyrights. His works are known for being calligraphic and handcrafted. They are used by brands such as Levi´s, by media companies such as the New York Times, and even by regular people in their tattoos. With you, Mr. Script. + What is the situation of typography at present?

AP It is a very particular moment. We need to understand it as a period of changes in the printing methods, as it was when metal typos where replaced by offset printers. Nowadays, almost everything is read from a screen instead of being printed. We have to produce typographies that can be easily read in this new platform that is constantly and quickly changing, making it hard to keep up with.

Theo Jansen The esquimaux

Pages 76-78

He came to Buenos Aires to show his beach animals in Tecnópolis. Theo Jansen is a Dutch artist that combines art, science, and technology. He dreams with the moment when the artificial life of his Strandbeest has an autonomous existence. The Strandbeest are a kind of dinosaur-like skeletons which inhabit beaches in the Netherlands and travel around the world showing the skills of the artificial life.

ImagenHB

Creators of Argentine icons

Pages 80-83

ImagenHB works since 1995 between Buenos Aires and New York producing popular imagery and visual strategies. Its creators -the graphic designers Hernán Berdichevsky and Gustavo Stecher-, design from complex infographics to mates all with the same passion. In the last 17 years, their visual results have been seen in some cities of Argentina and in some countries such as Venezuela, Canada or Germany. Probably, their biggest virtue is to find the answer to different problems by means of common sense or surprising beautiful solutions. Some examples are: the renewed image for Argentina´s rosette in the 200th Independence Day or the “choripan popular”, ambassador for the contemporary regional products firm Nobrand.

Carlos Nine The Argentine illustrator

Pages 84-87

Born in the neighborhood of Haedo, Carlos Nine is a national and international leader in the illustration world. It all started when a book seller showed his drawings to the director of Humor magazine who invited Nine to collaborate with the publishing house.

‘I am particularly interested in images that involve some kind of content or story, which is what I do. I love storytelling. What I mean is that, apart from the illustrations, I have tried to find a literary style that could match those images. Between comics and edited books, especially in France and in Argentina, Nine has also illustrated for Clarín, La Nación, Noticias, Le Monde, The New Yorker and The New York Times. Some of the awards he has received are the International Silver Clio, the Caran D’Ache of Rome and the Award to the Best Translated Book from a Foreign Author in the d’Angoulême Festival (Le Canard Qui Aimait Les Poules).

Living Gio Ponti Style design that shines

Pages 88-90

In the context of the Venice Architecture Biennale, the textile Rubelli and the furniture production company Molteni & C reissue Gio Ponti’s iconic pieces, allowing us to enjoy the unique, playful, cheerful, and always contemporary style of the founding editor of the journal Domus. Two of the three fabrics Rubelli reissued use the age-old techniques of weaving in velvet. The Punteggiato reference shows a sequence of aligned circles, declined in three colors on a neutral background, which is called a “soprarizzo” in

english summary textile language. Rattoppato drawings are a series of graphics that seem to be slashed in a velvet weave, which were inspired by Japanese calligraphy. This last is a satin fabric with a slight Asian view, patterned with vases and pottery vessels. Their arrangement on the fabric clearly reflects the pace, the desire, and the exuberance that were typical of Ponti. “Design something beautiful,” the artist used to say to his students. He did it many time.

The art of collecting

Pages 92-94

The latest edition of arteBA gathered painters, sculptors, art gallery directors, curators, and art collectors, owners of consecrated treasures and others yet to be discovered. Art collectors are responsible for promoting new artists, by introducing them to art gallery directors, and mixing them with well-known painters, sculptors, or photographers so as to make them more attractive in the eyes of those who haven´t heard of them yet. They are also in charge of getting to know and discovering the artist’s creative process and sometimes even becoming part of it. Going round art galleries, visiting exhibitions and museums, and in particular, acquainting themselves with the artist’s world, are some of the tasks that a collector must perform in order to consider himself as such.

La Capital Newspaper 11th Salon When the river runs

Pages 96-97

The Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino (The Local Museum of Fine Arts Juan B Castagnino) is housing again the La Capital Newspaper Salon, until October 15th. Objects of contemporary design are a must to get to know the local production, its evolution, and the links made with other national examples.

Of the 19 projects that were selected, Sergio Darío Fasani was awarded for his product “La Bola” in the “improving the quality of life design” category. Fabiana Gadano was awarded in the contemporary jewelry category for her jewelry made with recycled materials from the series “H2O”. Diseñaveral was awarded for its acrylic table “Tecno”, created from a sheet with cuts and inserts. Nana González was awarded for her ready-made objects of the illustrated series “Fairy tales little ladies”. Besides, others won Special Mentions: Krethaus for the quality construction of their home furnishings, and María Boggiano for the morphological research conducted for her accessories “Succulents and Vertebrates”.

Latin American Design Conference Latin America discusses design

Pages 98-99

The College of Design and Communication at the University of Palermo (UP) organized the seventh annual Latin American Design Conference from July 31st to August 3rd, a space created for the training, connecting and sharing of experiences among professionals, academics, students and companies. The event was attended by over five thousand participants from several countries in the region, who enjoyed three hundred free training activities, including workshops, seminars and lectures by leading designers and communication professionals.

Smart TV The not so idiot box

Pages 100-101

It is now the future of television. Or the transformation of the TV into another computer. In fact, the television set is a computer.

Since 2010, a new concept became popular: the Smart TV (its name to enable the association with smartphones as the device that outstripped the traditional phone). This is a TV capable of connecting to the Internet, and in its initial format it can rudimentary access Facebook, Twitter and other sites. In addition, this device is able to integrate into the home network, to reproduce on a TV contents stored in a computer or a cell phone, usually using the DLNA wireless technology: it can be controlled from the smartphone in a slide show using photos stored in a phone or in a computer.

Pages 110-112 Ford: At the forefront Technology and design revolutionize the driving experience

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The brand of the oval logo is one broadline firm that is setting trends in design and technology. Its latest releases prove it. In addition to this, Ford continues to develop new advances that are rethinking the habit of driving. One of the great pillars of the brand is the development of technology in pursuit of the safety and comfort of drivers.

A clear example of this is the new Ranger, which has a new safety kit for its segment: adaptive load control, trailer sway control, emergency brake assist and hill-start assistant. The other Ford model that greatly evolved in the technological aspect is the new EcoSport, which is equipped with the latest brand developments, with the bonus that many of these are present in the cheaper versions of the model.

Google images Visual Dictionary

Pages 114-115

How to search on the Internet without words, how to make the most of the thousands of images that we now have to work or have fun with every day. Google made it possible and offers, among its many applications, the possibility to search the Web using Google images (images.google.com). It’s easy and convenient, and it doesn’t take an expert.

Stgo Makerspace Makers at the end of the world

Pages 116-117

Known as makerspaces, hackerspaces or flababs, the creative spaces that gather people who share interests about technology, science, design and digital art have spread all over the world. In just four months of operation, Stgo Makerspace has established a new creative community in the Italia neighborhood in Santiago de Chile. In its facilities, workspaces and equipped workshops are shared, where knowledge is built and exchanged among people from different areas focused on “doing”.

Sergio Pininfarina The icon Made in Italy

Pages 118-119

He is the author of many iconic cars that are part of the history of the automobile industry. Designer Sergio Pininfarina passed away last July at 85. He left behind a legacy of priceless works of art on four wheels, which is why his name will be immortalized from one generation to the next. The company Pininfarina designed over 1,500 production models and almost 200 prototypes in 75 years.

Even so, some of these were true icons of their time. This is the case of the Ferrari Testarossa and the Alfa Romeo Spider, which was revived in the Geneva Motor Show 2008 with the name of 8C Spider. It was a limited edition of 500 cars, distinguished for a patterned surface in carbon fiber.

Osvaldo Borsani A tribute to work

Pages 120-122

With a commitment to the finest materials and having technological innovation as modus operandi, Osvaldo Borsani was co-founder of the world renowned company Tecno. He created office furniture pieces that made history and he worked with the world’s foremost architects. Together with Eugenio Gerli, he designed Graphics that is still today considered one of the best office systems in the world.

Back then, Borsani had already become known for pieces like the D70 sofa (1954) and P40 recliner lounge chair (1955) and other classics like the tables T1 and T2 (1949 and 1950). All of these are milestones in the design of offices of all sizes and continents of the world map. Tecno landed in Argentina in 1978, where it perpetuates its distinctive features: innovation, quality and craftsmanship. photographic portfolio Ramiro Chaves

Pages 123-127

Ramiro Chaves was born in Córdoba. He is 33 years old and for the past ten years he has been living in Mexico, where he works in visual arts, with photography as the main tool of his work. His photo project is developed with medium format cameras: a Hasselblad 500C and a Rolleiflex. His work mainly consists of series of photos that he has taken in different parts of the world. +

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Formato papel. Los que se suscriban a reciben como obsequio un ejemplar del CD Sampler 4 de Casa del Puente Discos, con los más recientes lanzamientos nacionales e internacionales del exquisito catálogo del sello. Altocamet, The Radio Dept., BK, Asobi Seksu, Emisor, Deerhoof y Jerónimo Escajal son algunos de los artistas que participan de este compilado que, además, incluye tracks inéditos de Altocamet, Doma Tornados y Flavio Etcheto. www.casadelpuentediscos.com Escribir a suscripcion@90mas10.com.ar o comunicarse con las siguientes librerías: Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18, Ciud. Bs. As. Tel. (+54 11) 4311-8988 / 4314-6303 Fax (+54 11) 4314-7135 cp67@cp67.com | www.cp67.com Librería Concentra Montevideo 938, Ciud. Bs As. Tel./Fax (+54 11) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar | www.concentra.com.ar

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ofrece a sus lectores un espacio para compartir lo que mejor saben hacer. Contanos qué estás haciendo a info@90mas10.com.ar MESAS POP Martín Callegari está al frente de Clásico & Moderno, un equipo apasionado por el diseño de mobiliario, con la intensión de reversionar piezas clásicas, experimentando con nuevas tecnologías, texturas, colores y materiales. La colección “Pop Design” surge de la fusión entre los juguetes de la infancia de Martín -como los bloques Lego y el sistema de construcción Meccano-, la herencia paterna en diseño industrial y su pasión por la industria automotriz. Las estéticas pop y cómic de la obra de los artistas Andy Warhol y Roy Lichtenstein son las principales influencias de esta completa línea de mesas. + www.facebook.com/clasicoemoderno