Revista 90+10 #41

+41 + Uno de los tantos modelos de bicicletas que produce Mµvin. www.muvin.com.ar

sumario +mundo creativo 014 diseño, art toys, tv, publicaciones, música, arte, destinos,

lugares, moda, marketing, branding y diseño, vehículos,

eventos, gadgets, Movistar, agenda Distrito de Diseño, agenda

074 082

ilustración Luci Gutiérrez Decir mucho con muy poco Olaf Hajek Ilustración surreal

+ideas creativas

marketing

+especial 050 Bicicletas Pedalear por una vida mejor en la ciudad 054 Diseño de bicis Ese objeto de tu afecto 057 Accesorios Aliados perfectos 058 Crudos al sol

088

Festival Internacional de Diseño de Buenos Aires

+personas creativas

094

Más allá de los límites Casa FOA 2012 Las tendencias en diseño y

decoración en un solo lugar

086

098 100 108 110 112

104

116

All Originals Represent Gravitying, el grupo más Originals

diseño

London Design Festival Diseño 100% Internacional DArA ID El diseño modifica la realidad Furor Diseño del noroeste Cafira Innova Diseñar un mundo más lindo TRImarchiDG Once años difundiendo el diseño gráfico

vehículos Salón del Automóvil de San Pablo Primicias cariocas

tecnología Auriculares Para oírte mejor

+portfolio fotográfico 120

Taco Rey

+ Lámpara Hat del coreano Mars Hwasung Yoo. www.mars-hwasung.com

+clásicos contemporáneos

066 078

070

arquitectura Paula Herrero El arquitecto como intérprete Claude Cormier Pink balls

arte Collage Lab Arte urbano y comunicación corporativa

124

diseño Feria de América La vanguardia lateral

128 +english summary 130 +conexión

+41 + Taco Rey, Palos en el Agua. http://arquitectorey.blogspot.com.ar/

staff

Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010 Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010

Diseño Gráfico Hernán Patto Leandro Marenzi

Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar

Diseño de Tapa Patricio Oliver www.patriciooliver.com.ar

Producción Fátima Fargas fatima@90mas10.com.ar @fatimafargas

Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar

Departamento Comercial publicidad@90mas10.com.ar

Colaboran en esta edición Adriana Godoy, Aldo Bressi, ArtsMoved, Diego Giaccone, Elvio Orellana, Fátima Fargas, Fernanda Cohen, Flora Grzetic, Germán Andrés, gt2P, Javi Obando, Javier Villa, Jorgelina Peciña, Leila Mesyngier, Maia Croizet, Natalia Iscaro, Observatorio de Tendencias INTI (Alejandra Acosta y Laureano Mon), Patricio Oliver, Ricardo Sametband y Wustavo Quiroga Nuestros colaboradores Natalia Iscaro @Natusfila Antes que cualquier otra cosa, es lectora compulsiva. Por eso estudió letras: para aprender a leer. Se dedicó al periodismo, porque disfruta descubrir personajes fascinantes, diseccionar fenómenos insólitos y ensayar teorías que expliquen por qué somos como somos. Trabajó en las editoriales Perfil, La Nación y Clarín. Hasta hace poco, era directora de la revista Entrecasa. Hoy, mientras espera su primer hijo, colabora para medios como 90+10, Bacanal, D&D y Ohlalá, y se dedica a generar contenidos para redes sociales. Toma el café caliente, odia andar sin reloj, ama cocinar (aunque nunca le salió el creme brulée), su vicio son los blogs ajenos y escribe porque la vida es inspiradora. + Patricio Oliver (PO!) @patriciooliver Nació en la provincia de Neuquén, Argentina, y estudió diseño gráfico en la Universidad de Buenos Aires, donde ejerce como profesor de tipografía desde el año 2000. Como ilustrador y diseñador gráfico, su trabajo ha sido publicado y reconocido por editoriales como Die Gestalten Verlag, Taschen, y Moebius Editora (junto a quienes publicó un libro sobre un concepto original y propio: “Maurice in Love”). Es responsable del rediseño del logo y el interior de 90+10 en 2010 y del diseño de las tapas desde ese momento. Sus mundos y creaciones han traspasado la barrera del papel y la pantalla, y han cobrado vida en forma de muñecos de vinilo, para empresas como Red Magic China, RAJE toys, Toy2R, Unbox, Mugo y Kid Robot. + Distribución en kioskos CABA y GBA Vaccaro, Sánchez y Cía. S.C. Moreno 794, Piso 9º Tel. (+5411) 4342-4031/32 Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114

Impresión Help Group Colombres 1333, Piso 1°, Of. 6 Tel. (+54 11) 43973-0217 www.hgprint.com.ar info@hgprint.com.ar Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

Suscripciones Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 cp67@cp67.com Librería Concentra Montevideo 938 Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar

Domicilio Legal: Av. Raúl Scalabrini Ortiz 2553 – Piso 13 “E” (C1425DBG) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina Domicilio Redacción: Cerviño 3814 – Piso 4 “A” (C1425AGU) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | 90mas10.com.ar Revista 90+10. Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas firmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual Nº 943748 | ISSN 1668-6403 Año 9 - Nº41 – Diciembre 2012

+41 | Crudos al sol. Foto y dirección de arte: Javi Obando. Estilismo y producción: Flora Grzetic para Crudo Management. www.hellocrudo.com Erica. Camisa: Julia Schang-Vitón. Short: Kostüme. Zapatillas: Nike. Bicicleta: DragonFly.

editorial Mi primera bicicleta era roja y tenía rueditas –esas ruedas pequeñitas con una planchuela de hierro que se atornilla al centro de la rueda trasera, para hacer que la bici se mantenga en equilibrio, y que facilita el andar cuando se está aprendiendo a dominarla-. Recuerdo perfectamente el día que dejé de usar estas rueditas y “me volví grande”. Mientras yo pedaleaba, mi papá me seguía atrás, sosteniendo con su mano la bici, para que no me cayera. Una cuadra después le grité: -¡Ya está, soltame!

Pero cuando giré la cabeza, mi papá estaba mirándome desde muy lejos: había aprendido a andar en bici sola.

A partir de ahí, mi relación con las bicicletas siempre estuvo ligada a muy lindos momentos, que generalmente compartía con mi hermano (que tenía una bici azul) y con mi papá, que tenía una color gris plata. Generalmente, los sábados o los domingos a la tarde, nos íbamos los tres bien lejos, hasta otros barrios –siempre por calles tranquilas- y hasta nos metíamos en lugares que, ahora pienso, tal vez no estaba permitido entrar (como la cancha de golf cerca de casa: subíamos esas lomas de pasto que nos parecían altísimas y nos tirábamos a toda velocidad… ¿Eso podía hacerse? Pero nunca nos vinieron a retar, y nosotros, ¡felices!). Era como salir de expedición, a la aventura total; teníamos todo por descubrir.

A medida que fui creciendo, la bici roja empezó a quedarme chica, entonces empecé a usar una de carrera, marrón, de ruedas muy finitas, y con el manubrio a la altura del asiento (que era bastante incómodo); tenía que ir más bien agachada. Más tarde, pasé a usar la bici de mi papá, lo que era más riesgoso, porque casi no llegaba a los pedales y, tanto para subirme como para bajarme, debía apoyarme en alguna reja o pared

CONEXIÓN DIGITAL Con los links de 90+10 (9010.co), accedés directamente a la versión digital de la nota (disponible para las secciones: personas creativas, ideas creativas, clásicos contemporáneos, portfolio y especial), para poder compartirla, comentarla, ver más material de fotos y video, y entrar a los todos links vinculados. Una nueva manera de conectar el medio en papel con el mundo digital. + 90mas10.com

+ Bici de madera para niños Ding-Dong: empujando con los pies, logran su primer contacto con el andar en bicicleta. http://www.facebook.com/dingdongbikes

(muchas veces, directamente, me tiraba al suelo, y de ahí salían tantos raspones, pantalones rotos, rodillas lastimadas. ¿Pero qué importaba? Cuando uno es chico, el miedo no existe, los golpes no duelen…

Hoy sigo usando la bici, pero desde un lugar mucho más “seguro”, entre las paredes del gimnasio. El próximo paso es convertir esa bici fija de una sola rueda en una de dos, y volver a rodar en las calles. Si bien aún se está acondicionando la Ciudad de Buenos Aires para hacer más seguro el uso de la bici, y llevará un buen tiempo para que automovilistas, ciclistas y peatones aprendamos a convivir, llegará el día en que esto sea plenamente posible. Sin riesgos y en armonía. ¡Trabajemos juntos para esto! + Marcela Fibbiani Editora

ILUSTRACIÓN DE TAPA Hacía tiempo que teníamos ganas de que la tapa de 90+10 fuera ilustrada por Fernanda Cohen, ilustradora argentina graduada en la School of Visual Arts of New York y columnista en 90+10 desde hace varios años. ¡Y esta edición era una muy buena oportunidad!

Tras compartir con Fernanda nuestras ideas acerca de la nota principal que queríamos llevar a la tapa (el fenómeno cultural del uso de la bicicleta en la ciudad y el diseño de este objeto que nos resulta tan cálido y nos recuerda a nuestra niñez), comenzaron a ir y venir los bocetos. Este es el resultado, con el que estamos muy contentos. + www.fernandacohen.com

012

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

diseño

Unimate Art Collection El arte del sentar

Son sillones, sofás, sillas, pufs y almohadones. Una apuesta de una firma con diez años en el mercado argentino que, hasta ahora, no tendría nada de particular. Pero sí: lo tiene. Unimate, una empresa dedicada a la producción de muebles para el hogar, empresas, hotelería y retail, apostó en esta oportunidad a una colección diferente, guiada por la forma de arte que hoy pareciera ser la más novedosa, jovial y con límites expansibles al infinito: la ilustración.

Así fue como los artistas Sol Linero (ilustradora de revistas y corporaciones nacionales e internacionales,), Kioskerman (autor de cómics y libros) y Diego Giaccone (ilustrador, especialista en branding y columnista de 90+10), plasmaron su talento en tres modelos de estampas sobre estas piezas de mobiliario (sillones, sofás, sillas, pufs y almohadones), que hoy hacen del sentar una experiencia mucho más creativa.

Para desarrollar estos atractivos objetos, los artistas trabajaron codo a codo con Nicolás Cuello, diseñador de Unimate, que utilizó como materia prima a la madera natural, una compañera perfecta de los géneros estampados. Sumado a esto, cada asiento contiene una plancha de metal grabada, con información sobre la colección (número de serie, artista, procedencia y año), como una auténtica obra de arte.

“Me pareció una excelente oportunidad de llevar el diseño tipográfico y la caligrafía al mundo de la decoración, la moda y el mobiliario.

Esta invitación me permitió poder expresar mi caligrafía en otro mundo apasionante, en otro soporte y con otro destino. Que mis letras pudieran entrar a los hogares y generar una expresión de alegría, relax y diseño, me generaba una gran excitación. Mi trabajo para Unimate Art Collection es un diseño cargado de expresiones positivas, a través de una combinación desectructurada de palabras como amor, belleza, relax, y con un mix cromático sobrio y combinable con otros muebles

y almohadones”, aseguró Diego Giaccone.

La estampa de Pablo Holmberg –más conocido como Kioskermanrepresenta una pareja en la cama, haciendo el amor, y se plantea como una secuencia: desde que comienzan con un juego, hasta que se duermen. Pero todo está contado utilizando sólo las cabezas de los personajes. El origen de esta idea es el libro Edén, que recopila una serie de cómics de su autoría. Finalmente, para Sol Linero, “La estampa que realicé fue uno de mis primeros acercamientos al diseño de tramas. Quise hacer algo que me gustaría tener en mi casa. Una trama linda, fresca y usable. Las hojas las elegí porque me gustan como objeto en sí mismas y, cuando las puse todas juntas, me gustaron aún más. Se generó una trama homogénea, que me pareció acertada para el tipo de mobiliario que tenía que tapizar. Y para que no se sintiera muy otoñal, le di colores vibrantes y veraniegos”.

Quienes quieran llevarse una de estas obras a casa, podrán elegir cualquiera de los tres modelos para cada una de las piezas disponibles; y entonces sí, renovar con un gesto contundente el living del hogar. El fruto de este trabajo en equipo fue presentado en DArA , evento de interiorismo y diseño organizado por Decoradores Argentinos Asociados, en el CMD de Buenos Aires. + www.unimate.com.ar | www.sollinero.com www.kioskerman.com.ar | www.diegogiaccone.com.ar

014

+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver @patriciooliver (*)

art toys

Oso robot argentino

Sin nombre, en edición limitada Resultado de madera recolectada en la calle y con pocos detalles de pintura, esta figura bien geométrica y simple pertenece al fantástico universo del argentino Alejandro Sordi.

Para hablar del argentino Alejandro Sordi es importante entender la diversidad de su obra. Como artista plástico, no duda en recurrir a variadas técnicas y medios para plasmar su obra. Ilustraciones, pinturas, arte digital, esculturas, video… Parece que no hay fin para las posibles vías que este joven artista toma para representar su imaginario.

Al describir su obra, Sordi considera que crea paisajes fantásticos que aparentan ser escenografías teatrales, enfocados en un personaje principal bastante monstruoso o dotado de saber, generalmente, agregando un observador testigo. Este paisaje surrealista rodeado de elementos interconectados, hace de sus pinturas una experiencia digna de descubrir con la vista y la imaginación.

En su recorrido de medios y soportes, el argentino ha experimentado con la intervención de juguetes de comida rápida, logrando resultados visualmente detallados, y totalmente en línea con su universo visual.

Texturas oxidadas, colores llamativos y caracterizaciones que narran historias sin palabras.

En las muestras que ha realizado, esta línea que divide soportes, tampoco es del todo clara, y en los mismos espacios pueden convivir sus obras digitales con escenas dignas de pesadillas y sueños con grandes reminiscencias al surrealismo, y sus juguetes customizados para el

show, junto con las figuras originales de manera seriada.

Es así como en su última muestra realizada en la galería Pasto, a principios del 2012, Sordi presentó todo un ejército de robots de madera. En su mayoría como piezas únicas, pero en el caso de su oso sin nombre, como parte de una tirada de art toys de edición limitada.

Estos robots de madera recolectada en la calle, de unos 25 cm de altura y articulación de brazos y cabeza, realmente le pone el acento al término art toy. La tirada original fue de 15 figuras agotadas rápidamente, y otras 10 más meses después, para aquellos rezagados que no pudieron tener en su poder este muñeco de autor.

La figura cuenta con pocos detalles de pintura, pero desde su morfología, uno puede reconocer esta interpretación más geométrica y simple del fantástico mundo del multifacético creador.

En un universo en donde los mayores representantes parecen provenir de otros países como USA, Inglaterra, Japón y China, resulta muy interesante y estimulante poder ver cómo un joven artista de Buenos Aires recurre a otros medios, para poder crear su versión local de un juguete de autor. + www.alejandrosordi.com.ar

(*) Patricio Oliver es diseñador gráfico por la FADU/UBA, ilustrador y creador de numerosos vinyl toys para Red Magik, Kid Robot, Toy2R, UnboxIndustries y Mugo. www.patriciooliver.com.ar

016 tv

+ mundo creativo

Foto: Rafael Delceggio. Producción y estilismo: Nico Pesce Feijó. Vestido: Unmo

Manifesto!

En busca de inspiración Todos los martes a las 19hs., la señal Glitz transmite Manifesto!, un programa sobre tendencias y la búsqueda de inspiración, conducido por la viajera y fashionista Eglantina Zingg.

Actriz, modelo y activista social, Eglantina Zingg llegó a Buenos Aires para recorrer los lugares más chic y descubrir las últimas tendencias de la moda, el diseño y el lifestyle. Sus vivencias se resumen en Manifesto!, programa que se transmite por las pantallas del canal Glitz, con llegada a toda América Latina.

Manifesto! vive en la constante búsqueda de inspiración y nuevas tendencias en el mundo de la moda, el arte, el diseño, el cine, la gastronomía, la vida nocturna, la música y la arquitectura. El programa muestra la transición de lo underground a lo contemporáneo; lo que hace a cada ciudad única. Un roadtrip por el mundo, a través de los ojos de Eglantina Zingg.

El primer programa incluyó entrevistas al músico Leo García, a la directora de contenidos de BAFWeek Kika Tarelli, a la banda Mompox, al director creativo de la peluquería Roho Oscar Fernández, y a Gonzalo Fargas, director de 90+10. Eglantina participó de una sesión de fotos para la revista, a cargo del fotógrafo Rafael Delceggio y el productor Nico Pesce Freijó, vistiendo prendas de Unmo.

QUIÉN ES EGLANTINA ZINGG Eglantina fue criada en Venezuela, pero vivió y viajó durante mucho tiempo por Norteamérica, América del Sur y Europa, y fue educada en escuelas de Caracas y Estados Unidos. Durante cuatro años, fue la VJ más famosa de Latinoamérica, como conductora del programa “L’Gueveo” (del canal de videos musicales MTV), donde tuvo la oportunidad de presentar espectáculos como los MTV Movie Awards, MTV Video Music Awards y MTV Latin America Video Awards. Asimismo, el canal E! Entertainment TV la puso al frente del programa E! Glam Tour, espacio televisivo producido y diseñado para ella, con el que visitó y reseñó las semanas de la moda más importantes en el mundo.

Eglantina protagonizó el video “Peligro” de la banda mexicana Reik, el más visto del 2011, y ganador al reconocimiento mejor video del año en México. La actriz siempre busca participar en programas que buscan el bienestar social, tanto para crear conciencia para la protección del medio ambiente -como fue la campaña desplegada con la ONU, para motivar la siembra de árboles- o la emprendida al lado de Juanes, donde se alerta sobre las minas anti personas. + www.ezingg.com | www.glitztvla.com

018

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

publicaciones

Patterns and Layering Japanese Spatial Culture, Nature and Architecture

Editores SALVATOR-JOHN LIOTTA Y MATTEO BELFIORE Editorial GESTALTEN Formato 17 x 24 cm 176 páginas Inglés

La belleza y el detalle creativo de la cultura nipona se explayan en este libro, página a página. De una armonía puntillosa, en este tomo, el arte del textil y las tradiciones japonesas ponen toda su tradición al servicio de arquitectos de la talla de Frank Lloyd Wright y Mies van der Rohe, entre otros artistas destacados. Así se demuestra cómo estructuras innovadoras, aún hoy, son inspiradas a partir de las capas frágiles que dan vida a los motivos japoneses. El resultado, como se observa, es siempre delicado y notablemente estable. En este libro se explica, precisamente, cómo se pasa de la idea a la realidad: cómo los patrones funcionan a la manera de herramientas espaciales, con las cuales se pueden crear estructuras extraordinarias, capaces de hacer convivir sin estridencias, naturaleza, personas y cultura. La historia convive así con las últimas innovaciones, hasta llegar al laboratorio del destacado arquitecto Kengo Kuma, quien ha desarrollado una sofisticada metodología que aúna patrones con una estructura conceptual, por primera vez. Una revolución cultural, arquitectónica y de diseño, que se rastrea y celebra en este maravilloso libro que, según Kuma, “tiene el potencial de inaugurar una nueva arquitectura y una revolución en diseño”. + www.gestalten.com

Buenos Aires es tendencia

Autoras MARCELA CHIESA, PAOLA Cirelli Y PAULINA SICILIANI Editorial SUDAMERICANA Formato 22 x 20 cm 240 páginas Español

“La lectura de este libro avanza fluida, sin ecos, ni estribillos; conversa con todos, invita sin pretensiones. Clarifica. Encuentra en el diseño un trayecto, un diálogo que precede, un vértice sin punto, que nos habilita para pensar el rol del diseñador contemporáneo”, aporta desde el prólogo de este libro Turquesa Topper. Marcela Chiesa, Paola Cirelli y Paulina Siciliani –diseñadoras de indumentaria las primeras, socióloga la tercera-, reunieron su curiosidad e intereses profusos al servicio de un ejemplar que se propone responder algunas cuestiones interesantes: ¿Por qué Buenos Aires se convirtió en un referente indiscutible para diseñadores de América Latina y del mundo? ¿Cuál es el diseño argentino? Para llegar al final de estos dilemas, los protagonistas del libro son Martín Churba, Jazmín Chebar, Valeria Pesqueira, Laura Valenzuela y otros tantos diseñadores destacados del suelo local. Ellos buscarán dar su respuesta a estas preguntas, e igualmente plantear sus propios cuestionamientos sobre los nuevos desafíos de la era digital. Junto a ellos, descubriremos el fin de la alta costura, y sus propias aspiraciones para sus firmas, donde el ego se mezcla con la creatividad y, también, con la demanda y la oferta. + www.megustaleer.com.ar

Mapa del Diseño

Director AGUSTÍN MONTES DE OCA Editorial TEMARTE SRL Formato 10,5 x 13,5 cm 128 páginas Español/Inglés

El diseño argentino conjuga talento, innovación, estética y funcionalidad, convirtiéndose en sello distintivo de nuestra cultura alrededor del mundo. La Ciudad de Buenos Aires concentra una amplia oferta de autor entre indumentaria femenina y masculina, mobiliario, iluminación y decoración, distribuida en circuitos de tiendas, showrooms y venta online. Con la intención de revalorizar y difundir esto, Mapa del Diseño se propone reunir lo mejor del diseño local, en una guía de bolsillo bimestral y gratuita, generando un vínculo entre marcas, diseñadores y el público consumidor de tendencias. Entre las temáticas que se tratan en el nuevo Mapa del Diseño, se incluye índice de tiendas, showrooms y marcas online, mapas segmentados por zona con referencias de medios de transporte, información destacada de nuevos productos y entrevistas exclusivas a diseñadores y figuras representativas del diseño en el escenario local e internacional. De los mismos creadores de Mapa de las Artes y Mapa del Teatro. + www.mapadelasartes.com/home

020

+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

música

Rosal Florecimiento en letra y música A punto de cumplir diez años en constante cambio, el grupo creado por la cantante María Ezquiaga, lanzó un DVD en vivo y prepara su quinto disco. A esta altura, son la propuesta grupal del indie más seria y arriesgada con la canción. Coquetean con el rock, suenan folk y trascienden el pop. Con muy buenas letras, un contundente trabajo de producción y cierto glamour romántico, Rosal se ha ganado un lugar distinguido. La mentora nos cuenta aquí algunos detalles del grupo que ha editado discos en Japón, está en el catálogo del sello Pop Art sin hacer rock masivo, y profundiza su idea de una música delicada. + ¿Cómo resumirías la carrera de Rosal hasta hoy?

ME Rosal comenzó siendo un espacio donde poder buscar mi propia estética. En el 2003, cuando terminé de grabar el primer disco “Educación sentimental”, los otros dos integrantes decidieron dejar de tocar. En ese momento, conocí a Ezequiel Kronenberg, y por él, a Martín Caamaño. Con ellos presenté ese disco y luego todo lo demás. Cada álbum cambió nuestro modo de tocar y nuestra visión de la música. En este momento, estamos presentando el primer DVD, que es una muestra de lo que fueron las presentaciones del hasta hoy último disco, “La casa de la noche”. + ¿Desde dónde se gesta la relación del grupo con el mundo literario?

ME Por mi contacto con la fotógrafa y poeta Guadalupe Gaona comencé a leer más poesía. La conocí cuando me hizo fotos para una nota que nunca salió. Nos hicimos amigas y comenzamos a escribir juntas. Ella me pasó muchos libros, uno de Silvia Plath y de otros poetas jóvenes que empezaron a ser parte de nuestros libros de consulta (además del diccionario) en el momento de escribir...

En otra oportunidad, fuimos convocados para compartir un recital con un escritor a elección nuestra, y elegí a Laura Wittner, que es una de mis poetas preferidas. A partir de esa experiencia de trabajo común, quedaron las ganas de hacer algo más, entonces cuando preparábamos el DVD, decidimos incluir su voz, recitando uno de los poemas de su último libro “Balbuceos en una misma dirección”. + ¿Cuál es el trabajo creativo con las canciones?

ME Casi todas las canciones de Rosal son composiciones mías, salvo en “La Casa de la noche”, que trabajé con Guadalupe al-

gunas letras y en algunos temas de Ezequiel, a los cuales les puse letra. Las canciones llegan al grupo con guitarra y voz; en muy pocos casos, con algún que otro arreglo. Los tres (Martín, Ezequiel y yo) funcionamos como productores de cada tema. El que lleva adelante luego todo lo demás -grabaciones, mezcla y definir un sonido- es Ezequiel Kronenberg. Rosal tiene cuatro discos, y hoy estamos en la mezcla del quinto. En cada uno, hubo participaciones diferentes de cada integrante; en los dos primeros discos, se involucró mi hermano Marcelo Ezquiaga en la producción. Ya en “La casa de la noche” la producción, los arreglos de cuerdas y la instrumentación fueron idea de Ezequiel. Confío mucho en su trabajo, me parece un gran productor, no sólo con Rosal, sino también en otros proyectos. + ¿Creés en la canción como una búsqueda, o como el hallazgo final?

ME Para mí, la canción es muy importante, pero la búsqueda empieza ahí. Me resulta muy interesante en lo que se convierte la canción cuando entra al grupo y los demás aportan sus ideas... se vuelve algo más grande, y deja de tener el peso de lo personal. A su vez, en los últimos años, aprendí lo bueno que es escuchar las opiniones de amigos, personas ajenas a la banda, que me han hecho crecer mucho, especialmente, Lucas Martí y Guadalupe. + ¿Están trabajando en algún proyecto nuevo que quieras contar?

ME Estamos trabajando en lo que será el quinto álbum de Rosal, que saldrá en marzo del año que viene. Y ya tienen un adelanto de un tema, en nuestro sitio Web. + www.rosalvirtual.com.ar

ROSAL / ALTAS HORAS (DVD – Pop Art Music. Argentina, 2012) Este trabajo presenta al grupo en su formato actual como trío, tocando en vivo las canciones más representativas de su repertorio, más dos inquietantes versiones. En un plan íntimo, acústico y con un sonido impecable, asombra ver lo mínimo de la propuesta y la calidad de la música que generan.

Salvo por unos poquísimos agregados del operador de sonido, lo que se escucha es muy amplio, tranquilo y abrasador. Con tres guitarras, más la cautivante voz de María Ezquiaga, generan climas y pasajes de gran vuelo poético. A su vez, el trabajo visual es apropiado, en un registro de tipo casual, con ideas que acompañan la música y ponen a los artistas en pantalla, conectados con las canciones. Sumando juegos de imágenes y texturas de cierto enigma o ensoñación, acentúan los conceptos y la búsqueda del grupo, con un planteo distinto para cada canción. Los temas también se pueden ver de a uno, por separado (desde el menú de opciones), como así también ofrecen un link para descargarse el audio sólo para escucha. +

022 arte

+ mundo creativo

Texto: Javier Villa

+ Blow-Up, 2007

Rafael Lozano-Hemmer: Detectores Del 19 de octubre al 19 de diciembre de 2012. Espacio Fundación Telefónica, Arenales 1540, CABA. Al artista mexicano Rafael Lozano-Hemmer, los motes de “arte y nuevas tecnologías” y “arte interactivo” le sientan realmente bien. La tecnología en la era digital, bajo el fetiche de la relación humano-máquina, a partir del goce estético y una cierta reflexión sobre el control y la vigilancia, son el centro de su exposición Rafael Lozano-Hemmer: Detectores, que podrá verse hasta el 19 de diciembre en el Espacio Fundación Telefónica.

La muestra presenta nueve obras de gran escala y producción, de un artista que ha participado de gran cantidad de bienales internacionales, y ha desarrollado proyectos monumentales en el espacio público de diversas ciudades del mundo. Sus obras son en general grandes “espejos” digitales, que capturan una imagen mimética del mundo -particularmente del espectador de sus obras- y la regurgitan modificada, multiplicada, fragmentada, con efectos de humo que siguen los ojos, huellas digitales que palpitan, besos inagotables entre individuos.

Sus proyectos no necesariamente analizan los efectos que causó en la sociedad una vida frente a la pantalla, ni tampoco las relaciones económicas entre tecnología y capital. Lo suyo apunta a la fascinación del Yo frente a sí mismo, remixado, pixelado, hecho a medida de la nueva imagen. Pero con un pequeño llamado de atención, que no debería dejar al espectador relajarse: sí es fascinante, y a la vez, un sistema que empuja al mundo hacia una mayor disciplina e intervención sobre la intimidad.

El público juega; con su presencia y comportamiento controla automáticamente ambientes de luz, grabaciones de video, esculturas cinéticas y animaciones algorítmicas, mientras es él mismo quien materializa la vigilancia computarizada y convierte a la observación tecnológica en una forma tangible. Es en esta dicotomía que reside la potencia de la obra. + www.lozano-hemmer.com www.telefonica.com.ar/espacio

024

+ mundo creativo

Texto y foto: Fátima Fargas para Travel Design (*)

destinos

Hong Kong, la ciudad de los contrastes Situada en la costa sudeste de China, justo en la desembocadura del río de las Perlas, Hong Kong está formada por una península (Kowloon), la isla de Hong Kong y los nuevos territorios (más de 260 islas y parte de continente).

En 1842, China entregó la isla de Hong Kong a Gran Bretaña, a través del tratado de Nanking, para más tarde cederle más territorio de la misma zona, pero sólo por cien años. Por eso mismo, en 1997, Gran Bretaña llevó a cabo la transferencia de la soberanía de Hong Kong a la República Popular de China. Al ser una ex colonia británica se advierte, por un lado, la gran influencia inglesa en la ciudad, con respecto al resto de China. Pero por otro, supo mantener muy fuertemente las costumbres tradicionales de Oriente. En definitiva, Hong Kong es una simbiosis de Oriente y Occidente impecable.

Con unos 552 m de altura, el Pico Victoria (Victoria Peak) es la montaña más alta de la isla. Desde su punta, se pueden obtener unas espectaculares vistas (siempre y cuando la niebla lo permita), ya sea de día o de noche. El traslado hasta la cima se lleva a cabo en funicular, debido a la enorme cantidad de turistas que diariamente pasan por este impactante lugar. A su vez, se han construido dos centros comerciales en la parte más alta del Pico Victoria. Los habitantes de esta gran urbe (más de 7 millones), sólo residen en menos de la mitad del territorio de Hong Kong, ya que el resto es una zona rural y de reservas naturales. Por esta razón, el sector urbanizado se encuentra tan poblado, pasando a ser uno de los lugares más habitados por metro cuadrado.

Los enormes mercados al aire libre son famosos en el mundo, y sus visitas son un paso obligado tanto para locales, como para turistas.

Entre ellos, se encuentra el Ladies Market, el más importante de todos, de extraordinarias dimensiones; y el mercado de Temple, que se destaca sobre el resto por ser un mercado callejero nocturno.

EL GRAN BUDA Situado en lo alto de Ngong Ping, en la isla de Lantau, se encuentra el Gran Buda o el Buda Gigante. Es una majestuosa e impactante estatua de bronce, de unos 34 m de altura y 250 toneladas. El buda está sentado sobre una flor de loto y, alrededor de ella, se encuentran otras estatuas de menor tamaño, que representan a los dioses.

Para llegar a la base del Gran Buda, se debe subir una larga escalinata. Una vez arriba, es posible adentrarse en la estatua, donde se encuentra una muestra permanente. Existen dos maneras de llegar hasta este maravilloso lugar: en un viaje en bus, donde las montañas y los precipicios serán el paisaje común, o en teleférico, mucho más veloz y seguro que el bus.

SIMPHONY OF LIGHTS Es el show más famoso e increíble de la ciudad. Este espectáculo gratuito, organizado por el Departamento de Turismo de Hong Kong, se lleva a cabo todos los días a las 20hs., mientras las condiciones climatológicas acompañen. Se trata de una performance de la que 44 edificios son protagonistas, bailando al son de la música, entre luces de colores y lásers que iluminan el cielo. La duración de esta fiesta imperdible es de 14 minutos. + www.discoverhongkong.com/spanish/

(*) Para dejar de ser turista y comenzar a ser viajero, visitar: www.traveldesign.com.ar | blog.traveldesign.com.ar

026

+ mundo creativo

Texto: Leila Mesyngier

lugares

Tienda Palacio Pequeño paraíso del diseño Tienda Palacio promete, desde 2006, un paseo por los objetos innecesarios más creativos y divertidos de la movida en Palermo y San Telmo. Vartan Mouratian, su dueño, se inspira para sorprender cada semana con productos nuevos, hechos en casa y por jóvenes artesanos. Un recorrido imperdible para los amantes del diseño.

“Cool stuff, unnecesary objects, good prices, vintage nostalgia, bargains, good vibes”. Algunas de las definiciones inscriptas en la entrada del local de Honduras 5272, anticipan qué hay adentro de la tienda. Imanes, ciervos, revistas, libros, tazas, platos, vasos y otros productos de bazar, bolsos, pisapapeles, calculadoras, llaveros, delantales, almohadones estampados, budas, individuales, esferas antiestrés, sillones, cómodas y hasta una cuna.

El pasillo de entrada ofrece las primeras sorpresas: un estante lleno de coloridas pastillas de azúcar, con inscripciones para armar (“contra los lunes”, “contra los días grises”, “dame un beso”).

Unos pasos más, y el local se abre en un gran galpón, lleno de cosas perfectamente dispuestas. Algunas son útiles, otras no tanto, todas ordenadas, elegidas o diseñadas por Vartan Mouratian, el dueño y creador de Tienda Palacio. Junto a su hermano, lleva adelante la empresa familiar, una gráfica (imprenta, cartelería) a la que sigue yendo cada mañana para empezar el día. Allí dio sus primeros pasos en el mundo del diseño, y allí elaboró la idea de concebir el proyecto que lo hace feliz desde comienzos de 2006.

Fue “casi de casualidad”. Ambos querían hacer algo más, pero no sabían muy bien qué. Por encargo, armaron unos candelabros de acrílico para un cliente, y a Vartan le gustó la idea. Surgió la inspiración, y se tradujo en una búsqueda incansable que aún hoy sostiene. Entre los objetos que le concesionaban al principio, y los diseños que armó con sus propias manos, comenzó a llenar el galpón de Palermo, actualmente convertido en un paseo obligado para cualquiera que disfrute del diseño creativo, original, vintage

y de decoración. En dos o tres meses, la tienda se hizo conocida, tanto que en 2008 abrieron un segundo local en San Telmo y, en 2010, una franquicia en Caballito.

“El criterio estético que usamos para elegir los productos de la tienda responde a lo que me gusta a mí de entre los cientos de ofrecimientos que recibimos por mes. Al principio, pensamos que fueran cosas útiles, y después me di cuenta de que había cosas divinas, pero que no sirven para nada, sólo por el placer de mirarlas. Ahora, nos reunimos cada quince días con mi hermano y los encargados de los locales, para definir qué elegimos. Si es algo para usar, como un mantel, por ejemplo, alguno se lo lleva y lo prueba. Son muchos más escollos a superar”, cuenta divertido el diseñador gráfico.

El 20 % de lo que venden lo hacen ellos mismos: cómodas, mesitas de luz, sillas, discos, el diseño de los empapelados. “Todo el tiempo miro en las revistas, no paro de tomar notas, me mando mails a mí mismo, a la noche me levanto y recuerdo que había visto algo…”, asegura Vartan, y promete que en su pequeño reino, cada semana hay algo nuevo para descubrir. “Es muy común ver a una persona un sábado y volverla a ver al mes siguiente, para conocer las novedades” que comparten en ambos locales. “No hay un hit, cada mes, el producto más vendido cambia” y difiere también en San Telmo, con un público más bohemio y artístico, y en Palermo.

En ambos casos, la sorpresa no se hace esperar, y basta con agudizar la mirada para encontrar el objeto del deseo. + www.tiendapalacio.com.ar

028 arte

+ mundo creativo

Texto: Javier Villa

+ Why I Never Became a Dancer, 1995. Love is a Strange Thing, 2000 y Riding for a Fall, 1998.

Tracey Emin Lo que sentimos Del 15 de noviembre de 2012 al 25 de febrero de 2013. Malba – Colección Costantini, Av. Figueroa Alcorta 3415, CABA. Sala 3, 1º Piso.

El curador canadiense Philip Larratt-Smith, a cargo del flamante programa internacional del Malba, no sorprende. Probablemente, para el beneplácito del público general, sea una buena estrategia continuar así. No es necesaria una profunda reflexión sobre aquello que podría ser importante para estimular a la escena artística local, sino lanzar “blockbusters” que puedan acercar el arte contemporáneo a la mayor cantidad posible de espectadores, cuestión sin dudas necesaria y complicada en Buenos Aires. A esta ciudad le viene bien ver caer a una estrella pesada cada tanto, y desde el 15 de noviembre es el turno de la polémica Tracey Emin, artista salida del famoso grupo de los Young British Artists; una promocionada cantera británica surgida durante los años noventa.

Se publicó a su vez un catálogo, con texto de Fernanda Laguna incluido, referencia local al culto de la intimidad exteriorizada y de la vida misma, nivelada al mismo plano del arte. Si bien con tonos muy distintos -Emin es decididamente más directa, escatológica y provocadora con respecto a su propia intimidad- ambas tienen en común un centro en el amor. Como explica Larrat-Smith: “La seducción y el amor abren una posibilidad de redención para Emin.

El amor es una fuerza que puede transformarla. Estar enamorado es entrar en un grado más alto de consciencia, dependencia y vulnerabilidad extrema. Todo el arte de Emin puede entenderse como una apuesta a la integridad psíquica. Y también como una estrategia para asegurarse la posición del objeto amoroso”.

El huracán Tracey llega a América por primera vez, con Tracey Emin / How It feels, una exposición de cinco videos producidos entre 1995 y 2000: “Why I Never Became a Dancer” (Por qué nunca llegué a ser bailarina), 1995; “How It Feels” (Lo que se siente), 1996; “Homage to Edvard Munch and All My Dead Children” (Homenaje a Edvard Munch y a todos mis hijos muertos), 1998; “Riding for a Fall”, (Tentando a la suerte), 1998; y “Love is a Strange Thing” (El amor es una cosa extraña), 2000.

La polémica suscitada por Emin no hay que centrarla entonces en un tampón usado o el hecho de que tuvo relaciones con su hermano, sino en la pertinencia formal de un biodrama más (en términos de Vivi Tellas), en una era en donde lo íntimo ya no provoca tantas conmociones.

Cómo aborda el amor en la actualidad, si alcanza o no una manifestación post feminista convincente o, simplemente, de qué forma usar la esfera individual para iluminar lo que sienten los demás. + www.traceyeminstudio.com | www.malba.org.ar

030

+ mundo creativo

Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

moda

El verano 2013 según Le Coq Sportif Lo nuevo que la marca del gallito trae para el verano que ya se aproxima, son prendas más definidas para un contexto urbano, donde conviven colores pasteles y ácidos, con el distintivo tricolor de la bandera francesa. También, estampados full print, estampas y bordados con detalles metálicos. La morfología está definida por un mix entre una figura lánguida y ceñida. La nueva colección propone diseños contemporáneos, con una impronta retro y vintage. Es ideal para los que buscan comodidad y calidad en la elección de sus pren-

das y materiales, sin dejar la estética de lado.

La clave de Le Coq radica en la especial atención en la elección de materiales nobles, dando como resultado productos con acabados de gran calidad y detalles que hacen referencia al legado de la marca.

Summer 2013 de Le Coq Sportif es una colección que combina autenticidad, confort y modernidad. + www.facebook.com/lecoqsportif.argentina

Puma Fitness Together: Pensada para ellas Fitness Together es lo nuevo de Puma para mujeres. La nueva colección combina una caprichosa paleta en fucsia y negro, texturas livianas y sutiles transparencias, con la tecnología Ultimate Sports Performance Dry (USP DRY), que transforma las prendas y las hace más respirables, para mantenerse secas durante mucho más tiempo.

Entre las prendas que se destacan, se encuentra el Run Top -clave de esta temporada- ya que, además de ser dos en uno (top y muscu-

losa), las transparencias en la espalda la convierten en una prenda respirable y sexy, mientras que su diseño permite una mayor libertad de movimiento; o las Faas Lab 300, una línea de calzado súper liviano, ideal para salir a correr o hacer gimnasia. Por último, la Lightweight Jacket protege contra el viento y mantiene la temperatura corporal. Se complementa con diferentes elásticos para ajustarla a las necesidades específicas, y viene equipada con un pequeño bolsillo invisible con cierre en uno de los brazos. + www.puma.com

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+ mundo creativo

Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

marketing

+ Shooting de Belén Chavanne en el calendario Mumm by Gaby Herbstein. Fotos: Silvina Frydlewsky

Calendario 2013: Mumm + Gaby Herbstein Protagonizado por Celeste Cid, Sofía Gala, Sabrina Garciarena, Esmeralda Mitre, Jazmín Stuart, Belén Blanco y Belén Chavanne, la marca de espumantes premium presenta la edición 2013 de un clásico, el calendario de Gaby Herbstein.

Luego de casi tres años de relación, Mumm y la talentosa fotógrafa argentina Gaby Herbstein apostaron nuevamente a trabajar en conjunto para desarrollar la súper producción de un calendario para el 2013.

Con más de veinte años de trayectoria, la fotógrafa logra, una vez más, plasmar todo su talento y creatividad en imágenes, a través de los conceptos celebración, autenticidad y espontaneidad, que representan los valores propios de Mumm. La producción reunió a siete actrices y modelos argentinas de primer nivel, dueñas de una personalidad auténtica y de un estilo descontracturado, que no sigue convencionalismos. Celeste Cid, Sofía Gala, Sabrina Garciarena, Esmeralda Mitre, Jazmín Stuart, Belén Blanco y Belén Chavanne son las protagonistas que despliegan su sensualidad y audacia para ilustrar cada mes.

Para ellas, se montaron catorce puestas en escena diferentes con un común denominador: momentos únicos merecen ser celebrados.

El Calendario 2013 de Mumm + Gaby Herbstein es un proyecto sustentable, que promete ser una vidriera de creatividad y exposición para personajes carismáticos que encarnan el espíritu de Mumm, marca que invita a romper con los estereotipos.

EN EXCLUSIVA, BELÉN CHAVANNE Esta joven actriz, que dio sus primeros pasos en MTV como presentadora, cuenta en su haber con participaciones en producciones de Cris Morena. Integró el elenco de Casi Ángeles, y Champs 12, hasta llegar hoy a formar parte de un grupo de elegidas para participar del Calendario 2013 de Gaby Herbstein. + www.pernod-ricard.com.ar | www.gabyherbstein.com

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mundo creativo 033 marketing

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+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

música / discos

Cesária Évora: La vida y el canto Este disco sería el último de música original que grabó la diva de los pies descalzos -como solían llamarla-, que salió en Europa y EE.UU. en el año 2010, y ahora se edita en Argentina, justo a un año de su muerte. Si bien lo último que se publicó de esta cantante caboverdiana fue el álbum “Cesária Évora &”, que incluye versiones de temas con prestigiosos invitados internacionales, “Nha sentimento” representa su testamento final de la música de su isla natal. El morna y otros ritmos tradicionales de Cabo Verde suenan aquí en la voz de Cesária y su grupo. Cantado en portugués -idioma principal de esa isla africana-, estamos ante un gran y verdadero trabajo de música local, un genuino folklore del mundo. En cualquiera otra situación, se lo mencionaría como “world music”.

Se oye una musicalidad de fuerte carácter popular, con influencias rítmicas de África, y una estructura de canción más europea, con algunas similitudes a ciertas músicas del Caribe (pero sólo para que tengan referencia -ya que, en este caso, no es tan festiva). Puramente acústica, con muchos timbres de variados instrumentos, tanto percusivos como melódicos. Una cadencia llevadera y tranquila acompaña el expresivo canto grave y sin gritos, con cierta nostalgia, pero alegre.

Cesária Évora, también conocida como la reina del morna, era una fiel intérprete de las costumbres y tristezas de su tierra, principalmente habitada por descendientes de esclavos africanos. Si bien cantaba desde niña, pudo dedicarse a la música profesionalmente ya de grande, y alcanzó reconocimiento mundial a los cuarenta y tantos años, cuando se radicó en París. Esta mujer tuvo una vida muy difícil, pero incluso, hasta sus últimos días, de gran entrega a su pueblo y al canto. + www.cesaria-evora.com

Juan Stewart: El mensajero apacible Quinto disco del músico y productor argentino, que salió este año, casi desapercibido, pero que bien vale mencionar. Sin título -u homónimo- con el nombre del autor como única referencia, Juan Stewart presenta otra obra bella, tranquila y completa.

Hecha en su totalidad por él mismo, desde la composición y grabación de varios instrumentos, hasta el concepto general en los nueve temas.

El que fuera bajista, tecladista y arreglador de Jaime sin tierra, hace ya varios años que publica discos muy finos. Verdaderas piezas de diseño sonoro, donde no sólo plasma sus claras ideas de composición, su expresividad y talento para crear melodías simples y encantadoras, sino también su esmerada labor como productor, ya que cada disco posee una gran impronta de trabajo en estudio (o post producción), luego de lo que se graba convencionalmente. Con sutileza y cuidados arreglos, manejando siempre pocos elementos, pero con excelentes resultados en su exploración, en este disco genera atmósferas de profundidad luminosa, con rica textura musical y siempre con motivos melódicos que se desenvuelven “in crescendo”.

Se trata de música instrumental de sonido eléctrico, aunque sin estridencias, como de audio etéreo. Suelen llamarla ambient, minimal pop o post rock, pero no se trata de encontrarle nombre, sino disfrute. Stewart eligió para este caso dos pianos eléctricos con una sonoridad particular, y con ellos guiar la idea central del álbum. Tanto el piano Wurlitzer como el Rhodes pueden ser considerados instrumentos vintage. Más bien, acá redondean una excelente obra de música actual. Con temporalidad media y encantamiento universal. + http://myspace.com/juanstewart

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+ mundo creativo

Texto: Diego Giaccone @diegogiaccone (*) Foto: Adri Godis Photography @adrigodis

branding y diseño

+ Una manera de conocer qué piensan sobre el diseño y los diseñadores los responsables de marketing de empresas exitosas, quienes deciden y compran diseño, buscando sumar valor a sus marcas y productos. La mirada del otro lado del mostrador.

Juan Romero | Nokia El diseño como factor de compra Cuando busqué en Google a mi próximo entrevistado, enseguida recordé que habíamos trabajado juntos en la consultora de marcas Interbrand, allá por el 2000. Ese era Juani. Ahora, es Juan Romero, Head of Marketing LTA South de Nokia, pero su esencia es la misma.

La historia de Juan es muy particular, ya que estudió administración de empresas en la Universidad Di Tella, porque proyectaba trabajar en finanzas, en algún banco. “Pero entré, y duré cinco meses”, me cuenta Juan. Es que a él le gustaba aprender de números, pero no trabajar de eso… Luego, entró en una empresa de consumo masivo –donde también duró sólo cinco meses-, y quiso volver a probar suerte en un banco, pero tampoco duró mucho. Es así que armó una puntocom, una página Web de juegos. Pero no le fue bien, e ingresó en Interbrand. A toda esta primera etapa, él la denomina como “de búsqueda”.

Así fue como se decidió a estudiar marketing en la Universidad de San Andrés. Y re-comenzó su carrera. Entre 2001 y 2005, trabajó en Nestlé, como consumer marketing culinarios. Y desde 2005 a 2008, trabajó en Kraft Foods, como brand manager de crackers

y snacks. Fue en 2008 cuando ingresó a Nokia, como marketing manager. Juan suele mirar el negocio completo, antes que meterse en el detalle, y eso se lo deja a la agencia. “Mi paso por Interbrand -si bien fue corto-, fue como un curso acelerado de diseño, para entender cómo se vive el pedido del cliente, y lo que el cliente puede pedir que una agencia haga. La misma agencia puede hacer un trabajo de diez puntos o de tres, dependiendo de cómo se lo pide el cliente”, asegura.

Sostiene que la mejor forma es formar un equipo entre su gente y la agencia. Gracias a esa energía que genera, tiene gente pensando todo el tiempo para la marca, y que ya son parte del equipo. “Lo que una agencia te puede dar, no depende exclusivamente de la agencia”, explica Juan, y eso se lo recalca siempre a su equipo. Relata cómo fue cambiando el proceso interno, ya que antes venía todo de Londres o Finlandia, y era muy difícil aplicarlo localmente. Entonces, formó un equipo de marketing local, que interpreta a la marca global, para hacer acciones locales. Son 17 personas en Argentina, entre marketing, producto y aplicaciones. Cuenta con dos personas de “marca” enfocadas a visual, que todos los días les pasan novedades y tendencias. Como método para refrescar ideas, organizan una reunión mensual sobre tendencias con Chile y Perú.

Uno de los pilares importantes de los smartphones de Nokia es el diseño, por ejemplo, los colores de la línea de celulares Lumia. Y me comenta que de las investigaciones que ellos hacen, surge que entre el 60 y el 70% de la gente elige un smartphone por el diseño como factor de compra. En Nokia se trabaja mucho en cómo hacer que todo entre primero por los ojos. El número uno de diseño de Nokia es argentino, y se llama Axel Meyer.

A la hora de conocer cómo hace para mantenerse fresco y que no lo devore la vorágine, nos cuenta su fórmula: simple, pero efectiva.

“La forma más simple de estar fresco, es involucrarse lo menos posible en el proceso. Estar al principio, en el brief, trabajar con el insight, tomar distancia, y luego ver qué me presentan, pero que lo traigan trabajado. Esa distancia te dá frescura en la devolución. Si no, en el proceso, la perdés”. Además, Juan hace mucho deporte (fútbol, tenis), lee de todo (desde historia hasta clásicos de la literatura), y le gustaría hacer un posgrado en historia. + www.nokia.com

MUNDO ROMERO Un país para ir de vacaciones. Brasil Una ciudad para vivir. Buenos Aires Una ciudad para visitar. New York Un deporte. Tenis Un libro. Los hermanos Karamázov, de Fiódor Dostoyevski Un grupo de música. The Beatles Un auto. Ford Mustang 66 Un producto de tu empresa. Nokia Lumia 900 (*) Diego Giaccone es diseñador gráfico, director de SURe Brandesign. www.surebrandesign.com

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+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

vehículos

Estos autos y más encontralos en

Alfa Romeo MiTO Una nueva versión del coqueto compacto de la marca italiana se presentó para nuestro mercado. Impulsado por un motor 1,4 de 78 caballos y caja manual de 6 marchas, este nuevo Mito se ubica en el primer escalafón de toda la gama ya existente. No obstante, su equipamiento de seguridad no perdió nada, a pesar de ser el más

económico. De modo que viene dotado con 7 airbags (frontales, laterales, de cortina y de rodilla), frenos ABS con EBD, control de estabilidad, control de tracción. El precio de esta nueva versión es de $ 139.500 (U$S 29.400). + www.alfaromeo.com.ar

Fiat Grand Siena y Palio Weekend Desde el pasado 25 de octubre, se encuentra disponible el nuevo sedán compacto de la marca italiana: Grand Siena. Como su nombre lo indica, el modelo es más grande que el actual Siena. De este modo, posee 134mm más de largo, 61 mm más de ancho, 53 mm más de alto y 134 mm más entre ejes. Estará impulsado por el ya veterano motor Fire 1.4 EVO de 87 caballos y el moderno E.torQ 1.6 de 16V, y 115 caballos. Su costo arranca desde los $ 88.500 y asciende a los $ 93.900.

Otro modelo de la marca que también recibió un nuevo rediseño es el Palio Weekend. Sus cambios estéticos son leves, pero le bastan

para posicionarse como la rural familiar más económica del mercado, después de que se discontinuara la Gol Country: nuevo paragolpes delantero con nueva parrilla, mejorado diseño del volante, tablero de instrumentos con gráficas distintas, otra plancha, radio integrada (en versión Adventure) y un moderno diseño de llantas de aleación (en versiones Trekking y Adventure). Así, la renovación de la gama del Palio Weekend queda conformada por tres versiones: Attractive 1.4, Trekking 1.4 y Adventure 1.6 16V. ¿Su precio?

Desde $ 83.600 a $ 99.700. + www.fiat.com.ar

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mundo creativo 039 vehículos Estos autos y más encontralos en

smart Para el agrado de los amantes de los city car, la firma smart sigue sumando modelos al mercado nacional. A tan sólo dos meses de haber lanzado al smart City, ahora presentó una actualización de su modelo Passion, y una nueva versión limitada llamada Sharpred. De este modo, la versión Passion estrena nueva parrilla, junto a los faldones delanteros y traseros. Además, añade las llantas de aleación

de 15 pulgadas y las luces diurnas de LED. Por otra parte, el smart Sharpred cuenta con un look más deportivo, con los espejos exteriores de color rojo, parrilla oscura, y las llantas de 15 pulgadas en negro. Precios: ForTwo Coupé Passion, U$S 24.900; ForTwo Coupé Sharpred Edition, U$S 26.500. + www.smart.com.ar

Mercedes-Benz Clase B

Volkswagen Amarok

Se trata de la segunda generación del monovolumen compacto de la marca de la estrella. Estéticamente, es más bajo que su antecesor (5 cm menos) y su frontal incorporó luces de LED.

La firma Volkswagen sumó a su porfolio de productos a la Amarok cabina simple. Esta versión, fabricada exclusivamente en la Planta VW de Pacheco (Prov. de Buenos Aires) y exportada en la actualidad a 20 países, viene equipada con un motor 2.0 turbo diesel de 140 CV a 4000 rpm, y torque máximo de 340 Nm entre 1.600/2.250 vueltas. La transmisión es manual de 6 marchas. Sus medidas son: 2.205 mm de largo, 1.620 mm de ancho y una profundidad de 508 mm. La carga útil de la nueva cabina simple es de 1180 y 1050 kg para las versiones 4x2 y 4x4, respectivamente.

Sus valores son arrancan desde los $ 156.500. + www.volkswagen.com.ar

Durante una primera etapa, se ofrecerá sólo con un motor naftero 1.6 turbo. Pero todo indica que el año que viene se sumará también una variante turbodiesel, como históricamente ofreció este modelo en Argentina. Su costo: desde U$S 42.500 hasta los U$S 46.500. + www.mercedes-benz.com.ar

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+ mundo creativo

eventos

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1. Los chicos de Il Ballo del Mattone 2. Mariela Brunaux, Carlos Gosci, Pablo Moraca y Macarena Arranz de Finca Las Moras 3. Los chicos de la Agencia de Publicidad La Comunidad 4 y 5. Presentación de Dadá en Beluschi.

Vino Dadá

Nuevo integrante de Finca Las Moras Finca Las Moras presenta un vino que genera un nuevo concepto: Dadá, inspirado en el movimiento artístico y cultural “dadaísmo”.

Dadá invita a desafiar la cultura establecida alrededor del vino, donde los sentidos y la espontaneidad se expresan y se viven libremente.

Nuevo integrante del portfolio de Finca Las Moras, es un vino que va más allá de las estructuras, para invitar al disfrute vital, sensorial y actual.

Se presenta en tres diferentes expresiones: Dadá 1 (inspirado en la vainilla), Dadá 2 (con aromas a Mokka) y Dadá 3 (una versión más especiada). En todos ellos, la combinación de varietales con el uso de madera de distintos tipos y los tostados, dan como resultado vinos únicos, en botellas de 750 ml.

En el caso de Dadá 1, su pasaje por roble americano de tostado medio le entrega aromas a vainilla, que se integran en la boca con frutos rojos maduros y taninos suaves, en un blend de uvas Bonarda y Malbec. Por su parte, Dadá 2 es un vino elaborado con uvas Merlot

de color rojo profundo. Su pasaje por roble francés y americano de tostado fuerte, destaca aromas a Mokka, que se integran con frutas negras, moras y Cassis. Finalmente, Dadá 3 es un blend de Cabernet/Syrah, con aromas a especias, que junto con el pasaje de roble francés de tostado medio fuerte, entrega notas de pimienta y canela, integrados en boca con frutos negros maduros.

La presentación de vinos Dadá se realizó en Belushi, donde personalidades del arte, la cultura, los medios y el mundo del vino se dieron cita en un ambiente distendido. La musicalización estuvo a cargo del DJ Tommy Druetta, quien le agregó su personal estilo, mientras que Jorge Arcagni realizó una proyección audiovisual en pantallas LED, que le agregaron más arte al evento. Edgardo Kevorkian se encargó de la producción fotográfica, registrando cada momento Dadá con su cámara. + www.fincalasmoras.com.ar

042

+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband @rsametband

gadgets

LG Cinema Screen La firma surcoreana amplió la cantidad de equipos que vende en el país, con dos televisores de su línea Cinema Screen, de 47 y 55 pulgadas, cuya principal novedad es carecer casi de borde (apenas un milímetro), mientras muestran imágenes Full HD y en 3D. El televisor también tiene conexión a Internet, y admite la carga de aplicaciones, sobre todo, para ver contenido digital. También puede usarse para

juegos: con anteojos especiales (incluidos en el kit), dos participantes pueden usar el mismo televisor y ver, a pantalla completa, sólo la vista de su personaje. El LM7600 de 55 pulgadas tiene un precio de $ 24.999; el de 47 pulgadas, de $ 18.999. Incluye 4 lentes 3D, 2 lentes Dual Play y un control remoto sensible al movimiento. + www.lg.com/ar

HTC One X

Philips HUE

Representando la mayor innovación y tecnología disponible en el mercado de celulares, el HTC One X cuenta con una cámara con ImageSense, que compite con las cámaras digitales tradicionales en rapidez, calidad y facilidad de uso. Captura foto y video en simultáneo y, al estar integrado a Dropbox, vuelve más fácil el guardar y compartir archivos. Realizado con una sola pieza de policarbonato, es robusto como el metal y súper ligero al mismo tiempo. Con procesador NVIDIA Tegra 3 Mobile, quad-core de 1.5GHz Super 4-PLUS-1 con un ahorrador de batería y GPU 12-Core NVIDIA. Posee pantalla de 4.7 pulgadas y 720p HD, con vidrio Corning Gorilla. + www.htc.com/latam/

Las lámparas LED están ganando adeptos como alternativa para la iluminación hogareña por su durabilidad y bajo consumo, y ahora Philips le da una vuelta de tuerca con una lámpara que puede controlarse a distancia con una aplicación para iPhone: permite subir la intensidad, cambiar el color que proyectan y guardar combinaciones para amenizar distintos tipos de veladas.

Se vende en un kit de tres lámparas, más un sensor que se conecta a la red Wi-Fi. Saldrán a la venta en la Argentina el año próximo. + www.lighting.philips.com.ar

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mundo creativo 043 gadgets

Samsung Smart Camera El gigante de la electrónica develó su nueva línea de cámaras digitales de bolsillo, con dos modelos que tienen Wi-Fi integrado. Esto les permite subir las fotos y videos capturados con el equipo directamente a Facebook, YouTube, Picasa y Photobucket, además de enviarlas por correo electrónico. También tienen soporte para DLNA (para mostrar el contenido en el televisor) y es posible con-

trolar el funcionamiento del equipo con un smartphone o tableta en forma remota. El equipo WB150F ($ 2499) tiene sensor de 14 MP y zoom óptico 18X, mientras que el DV300F tiene una pantalla al frente del equipo (al lado del lente) para autorretratos. Su sensor es de 16 megapíxeles y el zoom es 5X. Su precio es de $ 1999. + www.samsung.com/ar/

Apple iPad Mini La compañía presentó un nuevo modelo de tableta: el iPad Mini, con pantalla de 7,9 pulgadas (1024 x 768 píxeles), procesador de doble núcleo, cámara de 5 megapíxeles capaz de grabar video en Full HD y una batería que permite, según la compañía, hasta 10 horas de navegación por la Web, usando su conexión Wi-Fi. Salió a la venta a principios de noviembre en Estados Unidos y tiene un precio en ese país de entre U$S 329 y 529, según la capacidad (16, 32 ó 64 GB). + www.apple.com

Sony Vaio T La cantidad de modelos disponible en la Argentina de ultrabooks (notebooks muy delgadas) sigue creciendo, y en diciembre le toca el turno a la Vaio T, una línea de Sony con procesadores Intel Core i7 de tercera generación, pantallas de 13,3 ó 14 pulgadas, disco de 500 GB más otro de 32 GB, Windows 8 y carcasa de aluminio. El equipo, además, incluye una herramienta que le permite registrar como órdenes algunos gestos que el usuario hace frente a su pantalla. No se informó todavía el precio que tendrá en el país. + www.sony.com.ar

Microsoft Xbox 360 Llegó algo tarde, pero llegó: la consola Xbox 360 se venderá oficialmente en la Argentina. Es decir, con soporte oficial, acceso a la red Live y al servicio de streaming de música y videos. El equipo posee 4 GB de memoria interna (no tiene disco) y tendrá un precio local $ 1999. El acceso a los servicios de contenidos tendrá un costo anual de $ 499. + www.xbox.com

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+ mundo creativo

Nuevos beneficios, para compartir sin límites Movistar te presenta ONE, una propuesta integral con beneficios exclusivos, los equipos más innovadores, atención diferencial, Internet ilimitado y llamadas gratis a toda la comunidad Movistar.

Con ONE podés disfrutar de la oferta más completa y exclusiva, con cinco alternativas de planes: $199, $229, $299, $399 y $499 (ver detalles de los planes en www.movistar.com.ar/ one) según tus necesidades, y que te permitirán disfrutar de beneficios pensados sólo para vos. Y como para Movistar sos un cliente valioso y fiel, todas las líneas asociadas a tu número de cliente serán parte de la comunidad ONE, con

atención exclusiva llamando al *001, atención online diferencial a través de Mi Movistar y atención prioritaria en los Centros de Experiencia Movistar.

Movistar ONE sigue presentado los mejores equipos del momento: Motorola RAZR i y Sony Xperia S. ¡Conocé sus principales características!

SONY XPERIA S Se trata del primer smartphone Sony de última generación, que brinda conectividad fácil y rápida, además de una experiencia de entretenimiento inigualable. Posee la mejor cámara de fotos del mercado, de 12MP con alta definición, y función de captura rápida para tomar fotos y grabar videos. Cuenta con cable HDMI listo para conectarse con otros dispositivos y procesador de doble núcleo de 1.5 GHz, con una memoria interna de 32GB. + www.sony.com.ar

MOTOROLA RAZR I El Motorola RAZR i es el primer smartphone Intel de Motorola, y el primero en superar la barrera de los 2GHz en un teléfono celular. Posee un procesador Intel Atom de 32nm y una batería de 2000mAh. Además, tiene una pantalla Super AMOLED de 4.3 pulgadas sin bordes, y cámara de 8 megapíxels. + www.motorola.com/ar

mundo creativo

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MÚSICA ILIMITADA One tiene como beneficio exclusivo Sonora bonificado por un año. Los clientes deben pedirlo, llamando al *001.

Sonora en tu Movistar Es la aplicación que te permite acceder a más de dos millones de temas musicales desde el equipo Movistar de manera ilimitada, y así escuchar música y radios on line, crear playlists personalizadas, compartir con amigos los temas preferidos en Facebook y Twitter, acceder a los mejores rankings y disfrutar de lanzamientos exclusivos. Para activar del servicio, se debe contratar el Plan Movistar Sonora, o bien sumar el servicio Movistar Sonora al plan actual. Hoy está disponible para todos los equipos con Android 1.6. + www.sonora.com.ar

Estos son algunos de los discos a los que podés acceder con la aplicación Sonora en tu Movistar:

The Rolling Stones | Doom and Gloom “Doom and Gloom”, el nuevo single de The Rolling Stones, ya es un éxito. El 11 de octubre se estrenó en todo el mundo esta nueva canción de The Rolling Stones y primer adelanto de su álbum GRRR! (ABKCO Music & Records/Universal Music Group), que salió a la venta el 12 de noviembre, para festejar su 50 aniversario.

Doom and Gloom marca la primera vez en siete años que Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts y Ronnie Wood volvieron a juntarse en un estudio. Fue grabada en París y producida por su colaborador de muchos años, Don Was, mientras que su mezcla de radio fue producida por Jeff Bhasker. GRRR! es imprescindible para todos los fans Stones, incluyendo una segunda grabación nueva, “One More Shot”, junto a tracks clásicos. + www.rollingstones.com

Link a la nota: http://9010.co/movistarone2

Rihanna | Diamonds La superestrella mundial Rihanna -persona #1 en Facebook con más de 61,7 millones de Likes- ha vuelto a encender las listas de éxitos de todo el mundo con “Diamonds”, el sencillo de más rápido crecimiento de su carrera hasta la fecha.

Ahora, Rihanna acaba de lanzar mundialmente su séptimo álbum de estudio para Island Def Jam, titulado Unapologetic, el pasado 19 de noviembre.

Merecedora de seis premios Grammy y siete premios Billboard de la Música, Rihanna ha vendido más de 37 millones de álbumes y 146 millones de canciones digitales en todo el mundo. Actualmente, posee el récord de artista digital más vendida de todos los tiempos. + www.rihannanow.com

Adele | Skyfall Adele interpreta “Skyfall”, canción oficial para la última película de James Bond 007, llamada Operación Skyfall, cuyo lanzamiento coincide con el 50 aniversario de 007. Luego de que se filtrara un clip de 90 segundos, fans y críticos han coincidido en los halagos a la canción, proclamando a Adele como “la mejor cantante Bond desde Shirley Bassey”.

Skyfall es la primera grabación de Adele, luego de su exitosísimo segundo disco 21, a comienzos de 2011. 21 ha vendido hasta la fecha 24 millones de copias en todo el mundo, y le dio a Adele 6 premios Grammy, 2 BRIT Awards, y 2 premios Ivor Novello.

Skyfall, la película, se estrenó el 26 de octubre en el Reino Unido, el 1º de noviembre en Argentina y el 9 de noviembre en Estados Unidos. + http://home.adele.tv/

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+ mundo creativo

eventos

+ adidas Orignals celebró el cierre de su campa-

ña “All Originals Represent” y presentó al ganador de su concurso: el grupo de acrobacia Gravitying, en un enorme galpón en Saavedra. Numerosas celebrities se acercaron para compartir este evento, como Benjamín Rojas, Nico Riera, Victorio D´Alessandro, Marco Antonio Caponi, Matías Martin y Natalia Graziano, Flor Torrente, Nico Cota (a cargo de la musicalización), Valentino Spinetta, Rochi Igarzábal y Manuela Viale. www.adidas.com.ar/originals/

+ Con una gran fiesta en Bubble Studios, Mumm y Gaby Herbstein presentaron la edición 2013 del calendario que la fotógrafa viene produciendo desde hace 19 años.

Las actrices y modelos protagonistas de cada mes y las celebrities más destacadas del país se hicieron presentes, entre ellos: Celeste Cid y Lucio Canievsky, Daniel Cushnan, Gaby Herbstein, Belén Blanco, Nicolás Pauls, Gastón Ricaud y Gonzalo Bacarat, y Philippe Deroy –íntegramente vestido en Grupo 134- y Belén Chavanne. http://pernod-ricard.com

+ Le Coq Sportif realizó “LA Caravane duCoq”, un even-

to que se realizó por primera vez en París, que recorre el mundo con la bandera tricolor y la bicicleta como emblema.

En su local exclusivo de Armenia 1539, Palermo Soho, esta fiesta reunió a celebridades del espectáculo y el deporte, como José Meolans y Virginia Da Cuhna. www.lecoqsportif.com

Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

mundo creativo

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agenda

www.cmd.gob.ar www.twitter.com/cmdbsas www.facebook.com/creativasycomext 1/12 Inspiration Day Antesala de la 4º edición del ya instalado festival multidisciplinario Inspiration Fest -que se realizará en marzo del 2013 en el CMDInspiration Day propone una jornada dedicada al mundo del “Character Art”. Especialistas en diseño de personajes -desde la gráfica a la animación, pasando por los tan deseados art toys-, brindarán un workshop y conferencias, en un ámbito distendido, íntimo y motivador, que busca generar conectividad y networking entre los asistentes y oradores. El objetivo principal es incentivar a ejercitar la creatividad.

14 a 16hs. Workshop Humatoys por Sael 17hs. Conferencia Luli Bunny - Ilustración (Buenos Aires) 17.30hs. Conferencia Blirp - Animación (Mendoza) 18hs. Conferencia The Tenebrae por Patricio Oliver (Buenos Aires) Entrada libre y gratuita, previa inscripción online. www.inspirationfest.com CMD - Algarrobo 1041, Barracas, CABA 4/12 Desfiles UBA, Cátedra Fiorini-Camargo La cátedra de diseño de indumentaria y textil Fiorini-Camargo presenta la exposición de los trabajos finales de los alumnos de la FADU/UBA. La puesta en tres dimensiones de las prendas

sobre el cuerpo y en el espacio, profundiza la idea del proyecto de cada uno de los estudiantes. En paralelo, habrá una exposición estática de los alumnos de diseño textil 1 y de diseño y producción textil.

18.30hs. Diseño de indumentaria y textil: Creación de una serie de prendas para un diseñador contemporáneo.

19.30hs. Diseño de indumentaria 1: Diseño de una colección a partir del análisis de un film.

20.30hs. Diseño y producción de indumentaria: Generación de una marca propia de diseño de autor. www.ditfiorinicamargo.com.ar CMD - Algarrobo 1041, Barracas, CABA 6/12 – 14hs. Desfile Cosiendo Redes Un evento que condensa todo el año de trabajo del proyecto “Cosiendo Redes”, que se desarrolla en el CMD. Los 670 alumnos que participan de los 30 cursos de formación profesional en el ámbito de la indumentaria textil, confeccionan íntegramente el diseño, la moldería y la costura de prendas, que serán desfiladas por ellos mismos. www.cosiendoredes.com.ar CMD - Algarrobo 1041, Barracas, CABA

Luz verde para el Laboratorio T Buenos Aires continúa consolidando el título de Ciudad de Diseño que le otorgó la Unesco, esta vez, con la propuesta Laboratorio T, un proyecto para diseñadores, dirigido por Mariano Toledo.

Se dieron a conocer los seis diseñadores que forman parte de Laboratorio T. El jurado compuesto por personalidades del diseño, el arte, la comunicación y la industria seleccionó a Aaron Natchtailer, Débora Hanko, Gimena Figueroa, Claudio Suárez Davio, Victoria Díaz Abal y Guadalupe Malter Terrada, como los participantes de la primera edición de Laboratorio T, que se está llevando a cabo en el Centro Metropolitano de Diseño (CMD), sede principal del Distrito de Diseño en Barracas.

Laboratorio T nace como un nuevo espacio de creación colectiva, que invita a diseñadores de indumentaria a experimentar sobre materiales para desarrollar, en conjunto, propuestas innovadoras. El desafío consiste en formar en equipo una colección de prendas con materiales que estarán a disposición (telas, insumos, herramientas, máquinas de coser, etc.) de los participantes, como así también el uso del taller ubicado en el edificio del CMD. El programa colaborará con la formación integral de los profesionales, a través de charlas especializadas en temas relacionados a la comercialización y la industria de la moda, como imagen, estética, comunicación, etc. Al mismo tiempo, los participantes serán asistidos por los referentes de la moda más importantes de nuestro país.

Este programa es gratuito, tiene una duración de cuatro meses y contará con la mentoría de Mariano Toledo, uno de los diseñadores más importantes de Argentina, de gran proyección internacional y director de diseño de marca. “Laboratorio T es la respuesta contundente a las demandas del medio de nuevas imágenes y propuestas que alimenten el motor de la maquinaria llamada moda. El proyecto producirá las imágenes y los objetos que enriquecerán el panorama de la moda en nuestro país y en el exterior. Además, será un espacio de formación de futuros jefes de diseño y directores creativos, entrenados en el trabajo

+ Mariano Toledo y el grupo de ganadores del Laboratorio T

interdisciplinario, y asistidos por quienes definen las estrategias de las empresas de moda más importantes de nuestro país”, sostiene Toledo. El resultado de esta colección será exhibida en la pasarela Desfile Buenos Aires, en el marco de la Ciudad de Moda.

JURADO T El jurado de Laboratorio T está formado por Patricia Marino (Directora INTI Textiles), Marco Meloni (Director de la Fundación Pro Tejer), Sofía Marré (Coordinadora Oficina de Moda del CMD), el artista plástico Diego Gravinese, la periodista especializada en moda Teresa Napolillo y el diseñador y director del Laboratorio T, Mariano Toledo. +

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1. Sabrina Garciarena y Agustina Córdova en la presentación del Festival Internacional de cortos Shnit, del cual Sabrina es madrina 2. Leo Sbaraglia en Guard Polo Club by La Martina en la Embajada Británica 3. Marta Minujín, Franz Ackermann y Ximena Caminos en el pre-opening de la muestra “Walking South” en Faena Arts Center, con el apoyo de HSBC 4. Jenny Williams estuvo presente en la apertura de Osaka Puerto Madero 5. Nacho Figueras, Delfina Blaquier y Wally Diamante en el espacio de Stella Artois de BA Photo, donde Delfina expuso sus fotos 6. Dolores Trull en la presentación de la colección de De María 7. Carolina Oltra pasó por el local de Delaostia 8. Anita Pauls y Clemente Cancela en la presentación de la colección verano 2013 de Them 9. Dolli Irigoyen, Maru Botana y Fernando Trocca en la presentación de la Feria Masticar en El Dorrego 10. Natalia Sly, Lorena Ventimiglia y Larisa Zmud en la inauguración de la muestra Composition #6, titulada “Lovenland” en galería Slyzmud 11. Vero Lozano y Carola del Bianco en el Meet the Designer de Jackie Smith 12. Ginette Reynal y Mora Furtado acompañaron a Delfina Helguera, directora de Lavinia, en la tercera edición de subastas de arte moderno y contemporáneo que se realizó en el Hipódromo de Palermo. +

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+ Samanta Turbiner, ganadora de la smart smile race.

Una sonrisa por un smart Mercedes-Benz y el primer city car de la historia desarrollaron una original y divertida forma de correr para ganar un smart City 0 km.

Porque nueve de cada diez personas sonríen al ver un smart, Mercedes-Benz Argentina regaló uno. ¿El requisito? Sonreír. La carrera constó de un recorrido por la ciudad de Buenos Aires, con el objetivo de recolectar la mayor cantidad de sonrisas para ganar un smart city. Para participar, se invitó a ingresar en facebook.com/ mundosmart, clickear en la aplicación smart smile race, y subir una foto con la mejor sonrisa.

El 25 de octubre se realizó el sorteo ante escribano de las 9 mil sonrisas participantes, de donde surgieron los cinco finalistas que

+ MUESTRAS/EXPOSICIONES/FERIAS 14 al 17/03/13 Cafira Innova Otoño XIII Exposición internacional de fabricantes e importadores de regalos y afines.

Centro Costa Salguero, Av. Costanera R. Obligado y J. Salguero, CABA www.cafira.com 9 al 14/04/13 i Saloni Feria internacional del mueble, Salón Internacional del complemento de decoración, SaloneSatellite, Salón oficina y Euroluce.

Fiera Milano, Rho, Italia www.cosmit.it 24 al 27/05/13 arteBA Edición 22 de la feria de arte contemporáneo.

Predio Ferial La Rural, Sarmiento 2704, CABA www.arteba.org + CONGRESOS/ENCUENTROS/SEMINARIOS 03/13 – Inspiration Fest 4º edición del ya instalado festival multidisciplinario Inspiration Fest

participaron de la carrera. Cada participante fue conducido en un smart y sacó tantas fotografías como le fue posible durante tres horas, con un teléfono móvil. También se pudo ayudar a los finalistas a sumar puntos: a través de Twitter, utilizando el hashtag #smilerace + el color del auto, o bien subiendo una foto de una sonrisa en la aplicación de Facebook. Samanta Turbiner fue la ganadora del smart 0 km, quien recibió su premio en el programa Pura Química de ESPN. Como consecuencia de esta acción, la Fan Page se smart logró superar los 100.000 fans. + www.smart.com.ar

Conferencias, workshops, exposiciones, música y actividades colectivas para estimular la creatividad.

CMD – Algarrobo 1041, CABA www.inspirationfest.com www.cmd.gov.ar 30/07 al 2/08/13 Encuentro Latinoamericano de Diseño Más de 350 actividades de capacitación gratuita (talleres, laboratorios, conferencias, mesas redondas) dictadas por destacados profesionales del diseño y la comunicación de toda América Latina.

En sedes de la Universidad de Palermo y Palais Rouge, CABA http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/encuentro2010/

+ CONCURSOS/CONVOCATORIAS Hasta 28/01/13 Premio arteBA-Petrobras Décima edición, Desplazamientos. Se llama a concurso a quienes, por decisión o necesidad, han partido, arribado o regresado a la Argentina, para constituir una mirada transformada por esos saltos: los portadores de “una maleta espiritual en otras latitudes”. Se elegirán cinco participantes que recibirán un subsidio para la financiación del proyecto inédito o de serie de obras recientes, desde las que desee trabajar para arteBA 2013, cuando se decidirá el ganador. Curaduría de Cuauhtémoc Medina. + www.arteba.org/premioartebapetrobras

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Bicicletas

Pedalear por una vida mejor en la ciudad Hoy en día, la bicicleta es más que simplemente un hobby de fin de semana, un deporte para fortalecer músculos o restar unos kilos de más, una manera de expresar una conciencia ecológica o de generar ahorro. Este birodado implica todo lo anterior, y también mucho más. Porque andar en bicicleta es, en sí mismo, una filosofía de vida. En este especial, te contamos el porqué del fenómeno, el nuevo trazado urbano, las nuevas propuestas colectivas, las iniciativas de marcas internacionales que promueven el fenómeno, y las novedades más originales de una nueva forma de vida que llegó para quedarse. | Texto: Natalia Iscaro @Natusfila Ilustraciones: Fernanda Cohen @fernandacohen

Andar o no andar en bicicleta: esa es la cuestión. ¿Por qué? Porque cuando uno se transporta en dos ruedas, esa elección no es caprichosa ni casual. Es como preferir la lectura a la televisión, priorizar subir las escaleras a usar el ascensor, o comprar verduras orgánicas en lugar de las del supermercado: son elecciones que hablan por uno. Y así, usar bicicleta dice, por ejemplo, que uno elige para sí una forma de trasladarse individual, ecológica, muy fácil de utilizar y sustancialmente más económica que otras alternativas.

Dice, además, que uno disfruta de tener un vínculo más sensitivo con la realidad, vale decir, que voluntariamente opta por experien-

cias vivenciales. Aquella de ese movimiento que fluye, un pedaleo que convive con la brisa contra el rostro, el ruido de los árboles, el corazón bombeando, y una respiración rítmica que contagia de esa sensación saludable que aparece cuando uno está cuidando a su organismo. Pero eso no es todo: la bici nos hace acordar a cuando éramos chicos, a instantes de la vida en los que ésta era más simple, más lúdica, más inocente.

Sus beneficios fueron hechos carne, gracias a un estudio realizado por la Competencia de Medios de Transporte ITDP Argentina. Mediante éste, se compararon una bicicleta, un automóvil y un trans-

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porte público de la Ciudad de Buenos Aires, durante las horas pico. ¿El resultado? Por distancias menores a los 5 km, la bicicleta se impone como la manera más sustentable de movilizarse. Esto se debe a su clima y topografía –que favorecen este medio de transporte-, pero además, por el tiempo: el colectivo tarda mucho más, al igual que el automóvil, al cual se le agrega el gasto extra del estacionamiento.

Así y todo, aunque pudiera parecer mentira, el fenómeno ciclista es relativamente nuevo. Hasta hace no mucho tiempo, utilizábamos a la bicicleta como una forma de deporte, un hobbie que se desempolvaba los fines de semana o, más precisamente, durante aquellos sábados y domingos de primavera o verano. Salir a andar en bici era una actividad destinada a momentos más bien excepcionales, de vínculo estrecho con la naturaleza, un instante de regocijo de, algún modo, catártico.

A pesar de eso, por haber viajado al exterior, o simplemente por escuchar testimonios de viajeros frecuentes, sabíamos que en ciudades como Ámsterdam o Barcelona, este artefacto también podía ser utilizado como una válida manera de trasladarse de un lugar a otro: un reemplazo al tren, el colectivo, el taxi, e incluso al propio auto.

Pero claro, eso era en otro mundo, uno lejano, y donde las cosas de verdad funcionan.

Pero un día, o varios días sucesivos, la ciudad se fue llenando de bicisendas. Al principio, no entendíamos. Como siempre, los cambios más profundos son los más resistidos. Hizo falta un arraigado cambio de mentalidad, para que finalmente entendiéramos que esos palitos amarillos, las líneas punteadas y las doble filas eran, evidentemente, para que nosotros pudiéramos elegir una forma de vida diferente, o al menos, que tuviéramos la opción de probarla, para ver si nos sentíamos inclinados a incorporarla como propia.

También hicieron falta otras cosas: toda una industria decidida a que esta iniciativa funcionara. Diseñadores, productores e importadores de bicicletas y todos sus accesorios. Firmas dedicadas a dar vida a ejemplares reciclados o restaurados. Comunidades gestadas a pulmón, con el fin de difundir las bondades del proyecto, y de sumar nuevos adeptos. Y, cuando el furor alcanzó su pico, artistas, estrellas creativas y hasta marcas de automóviles buscaron aportar su propia versión de este rodado magistral. Porque podremos hablar de filosofía, espíritu y experiencia, pero aquí también cada cual hace su juego, y encontrar la bicicleta justa puede ser el mayor de los desafíos.

Te invitamos a descubrir tu circuito, tu bicicleta y tus accesorios.

CIUDADES RODADAS En su visita por el país el año pasado, el destacado músico escocés, fundador, compositor y ex líder de la banda Talking Heads, David Byrne, opinó que, por su superficie plana, clima templado y calles más o menos ordenadas en cuadrícula, Buenos Aires es “la ciudad perfecta para moverse en bicicleta” y, a la vez, se sorprendió por el hecho de que tan poca gente lo hiciera. La reflexión, más allá de lo pintoresco de su autor, no deja de ser ilustrativa.

Hoy, el ámbito social explora sus límites, y se plantea movimientos diversos, que impulsan el debate intelectual. Estas redes se exploran, urbanísticamente, mediante el fenómeno de la bicicleta urbana. Es la “crème de la crème”: un instrumento de promoción sustentable, y una de las políticas favoritas de los gobiernos locales de ciudades que van de Ámsterdam a Copenhague. Son epicentros mundiales que aspiran a ser inteligentes, interconectados, efectivos al 100%.

En este sentido, los sistemas de bicicletas compartidas ofrecen a los usuarios una serie de bicicletas, para ser utilizadas temporalmente

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+ Bicicletas plegables Tern, a la venta en Mμvin. www.muvin.com.ar

como un medio de transporte. El primer antecedente se remonta a 1960, en Ámsterdam, y consistía en un programa por el cual se ofrecían rodados gratuitos que se utilizaban una vez, y luego se dejaban a otras personas. En 1974, en la ciudad costera de La Rochelle, Francia, se instalaron 350 bicicletas repartidas en estaciones de la ciudad. Exitosa, esta iniciativa comenzó a imitarse, y así surgió en Copenhague, en 1995, ByCyklen, el primer sistema de bicis compartidas a gran escala, que incluían publicidad. Los usuarios pagaban una fianza, con uso limitado.

Siguieron: Bikeabout en Portsmouth, en 1996, y otro sistema en la española Vitoria-Gasteiz, en 2004. Hoy en día, se destaca especialmente Bixi, en Montreal, uno de los más difundidos, y que hasta el día de hoy permite utilizar una bicicleta desde cualquier puesto de servicio hasta otro. Nació en 2009, y desde allí se trasladó a Toronto, Melbourne, Londres, Washington y Mineápolis. Entre sus proyectos, se encuentran la construcción de un túnel para conectar las vías ya existentes. Bicing es el sistema de Barcelona, otra ciudad invadida por las bicis propias y ajenas, y con innumerables locales de reparación y venta de estos rodados. Se utiliza con una tarjeta que se solicita a través de la Web, y se puede combinar con otros medios de transporte.

Y claro, Buenos Aires no se ha quedado atrás. Fiel a la tendencia en las grandes capitales del mundo, el Programa Bicicletas de Buenos Aires de la Ciudad de Buenos Aires Mejor en Bici, fomenta el uso de la bicicleta como un transporte ecológico, saludable y veloz. Su misión es incorporar a la bicicleta como una aliada estratégica para alivianar el tránsito, y promover una ciudad sustentable. Entre sus iniciativas, se cuentan el sistema de transporte público en bicicletas (el registro necesario puede ser en cualquiera de las estaciones de la ciudad u online), el desarrollo de ciclovías protegidas exclusivas y sus señaléticas, y hasta el servicio ¿Cómo llego?, para dispositivos móviles (no requiere de Wi-Fi). En el sitio se incluyen otros tips e informaciones sobre este transporte urbano.

FESTIVALES Y PROGRAMAS: CREAR COMUNIDAD Peatones, conductores y ciclistas nos encontramos en una nueva lógica que tiende a la integración. Para reforzar los valores que subyacen al

fenómeno del birodar, muchas movidas pasaron por la ciudad para dejar sus huellas latiendo, sobre el asfalto. Así, bajo el lema “dos ruedas, mil cosas para ver”, el 27 y 28 de octubre pasados se realizó el primer Festival de la Bici en la Ciudad de Buenos Aires. El Planetario, el Anfiteatro de Parque Centenario y el Distrito Audiovisual, fueron los escenarios al aire libre donde se disfrutaron encuentros de difusión, demostraciones de destreza, presentaciones de novedades de diseño, cine, música y actividades lúdicas, todo con acceso libre y gratuito.

Con el objetivo de promover la bicicleta como medio de transporte y movilidad económico y saludable, a estas actividades se sumó el Bicycle Film Festival, en el marco del cual se proyectó, en el Anfiteatro del Parque Centenario, la destacada película de animación “Las trillizas de Belleville”. Y claro, los asistentes pudieron recorrer la ciudad sobre ruedas, en tres circuitos temáticos: Turismo cultural sobre ruedas, Buenos Aires en bici y La bicicleteada teatral.

Los usuarios van encontrando su movida, y así proliferan propuestas que hacen al espíritu del ciclista. Este es el caso de la destacada Masa Crítica Buenos Aires. Autodefinido improvisado, este movimiento convoca, el primer domingo de cada mes –y una noche de luna llena-, a cientos de usuarios que parten desde el Obelisco. “Los ciclistas se reúnen en un mismo lugar y a una misma hora, y se deciden a pedalear juntos el mismo recorrido por un rato”, explican desde Masa Crítica en su Web, espacio donde también van sumando los próximos cronogramas. Esta comunidad tiene su lógica: los que están adelante son los que dirigen y el resto los sigue, pero es claro que no existe un rumbo predeterminado. Desde este mismo grupo, plantean cuestiones dignas de debate, como la necesidad de entender que las bicicletas pertenecen a una categoría intermedia entre los motorizados y los peatones, y también, en conjunto, procuran generar códigos internos y hábitos de circulación propios.

La vida en bici. Inspiración para pedalear, es un sitio premiado por el programa Climate Generation del British Council, una fuente de información actualizada sobre la bici como un vehículo de cambio en todo el mundo, y el testimonio de una convicción: “Que la bici es la mejor forma de moverse por la ciudad, con alegría y con tu propia energía”, explica Matías Kalwill, su creador, artista y emprendedor ambiental.

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especial 053 bicicletas

+ Bicicleta de paseo para mujer de la línea Primavera de Olmo. www.olmobikes.com

Él fue uno de los que presentó, el pasado junio, en Río+20 (Conferencia de las Naciones Unidas sobre Desarrollo Sostenible), el proyecto Bikestorming.org. Se trata de un proyecto internacional, fundado en la idea de que el cambio no siempre ni necesariamente, surge de los gobiernos, sino en acciones comunitarias. “Bikestorming es un grupo de ciclistas con base en Buenos Aires, que impulsa la meta de convertir a la bicicleta en la principal forma de transporte urbano, en ciudades de todo el mundo, para el año 2030”, explica Kalwill.

Ambiciosa, la proyección se coronó con una pedaleada de 300 personas por las calles de Río. Kalwill agrega que la iniciativa surge “frente a la necesidad de un cambio sistémico en la movilidad urbana global y por su contribución a los principales desafíos que enfrentan las ciudades y el planeta hoy: mejorar la calidad de vida de las personas, promover igualdad social y mitigar el cambio climático”. Testigos de este fenómeno en Buenos Aires y otras ciudades como Córdoba, Mendoza y Posadas, desde Bikestorming proponen cuatro metas para que más personas elijan este medio de transporte: que genere una forma segura, eficiente, accesible y atractiva de trasladarse. El sitio de Bikestorming.org completa la propuesta, y suma info más heteróclita como: casco invisible con airbag para ciclistas en Malmö, peinados bike-friendly testeados por ciclistas mujeres, nuevas escaleras para bicicletas en los subtes de Taiwán y otras curiosidades.

UN NUEVO PARADIGMA “El ciclista no hace colas, no tiene problemas de aparcamiento.

Sigue hacia delante, orgulloso, y su ágil vehículo transmite una tranquila solemnidad. Casi de broma, supera al automovilista estancado en el tráfico, encogido entre respaldo y asiento, y en una regresiva posición fetal”, escribe el francés Didier Tronchet, en su “Pequeño tratado sobre la ciclosofía”.

Así, más allá de la planificación urbana, la ingeniería, la economía y el marketing, andar en bicicleta tiene un costado social, cultural y filosófico. Vale decir: no se trata simplemente de partir de un punto para llegar al otro. En el trayecto, ocurren cosas; y esta práctica implica un movimiento en cadena, que afecta y se ve afectada por peatones, vehículos, veredas, calor, lluvia… Un sinnúmero de moti-

vos, materiales e inmateriales, que habitan al territorio urbano.

Sumado a esto, y según el teórico Phil Jones, cuando un ciclista avanza en su trayecto, ejerce una acción performativa: explora su propio cuerpo. El ciclista pone a prueba una serie de competencias prácticas y perceptivas (ritmo, reflejos, olfato), que le permitirán manejarse con confianza en cada situación. Tal vez por todo eso, muchos teóricos afirman que, más allá del cambio de mentalidad que implica elegir voluntariamente transportarse en bicicleta en un centro urbano, también plantea una nueva tecnología corporal. En términos de seguridad, según los autores de “City Cycling”, John Pucher y Ralph Buehler, las muertes por viajes en bicicleta (10 millones de trayectos), disminuyeron un 65%, entre 1977 y 2009.

De lo cual resulta que los beneficios de este medio de transporte, superarían con creces los riesgos de seguridad.

Igual de optimista es Juan Carlos Kreimer, periodista, fundador y exdirector de la revista Uno Mismo. Autor del libro “Bici Zen”, explica que, en su caso, el día que dejó su auto para comenzar a andar en bicicleta, inauguró una revolución interior: “Es un cambio de paradigma en la manera de entender a la ciudad, y de moverse por ella”. Y agrega: “Al andar en bici se juntan la cadencia del pedaleo, el dejarte llevar, el aire en la cara, la visión panorámica, y ese movimiento natural que es casi como caminar. Eso da lugar a un fenómeno de conexión con uno mismo, por el cual el pensamiento empieza a desacelerarse.

La bici es un fierro y lo que hace es dejar pasar la energía, transformarla en movimiento y transportarte. Algo similar ocurre con la persona. Cuando te alineás y te entregás al andar, al equilibrio, a la cadencia, entrás en un estado que es muy lindo. Creo que si hay un auge en el uso de la bici en la ciudad no es solamente por el transporte, sino también por el bienestar”. Sumado a esto, agrega que la bici le da la posibilidad de descubrir una ciudad nueva porque, mientras en el auto uno tiene un recorrido prefijado, este rodado permite transitar por calles interiores más tranquilas. La sensación que prima es la libertad.

En suma, la ciudad se ofrece al ciclista como un nuevo territorio por descubrir. Distintas experiencias, propuestas e iniciativas plantean este desafío en movimiento, y proponen pedalear por una mejor calidad de vida. +

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Diseño de bicis

+ Bici con Sidecar, diseño de Juan Pablo Cambariere. www.cambariere.com

Ese objeto de tu afecto Lo dicho: la bicicleta se instala como un renovador instrumento de cambio de vida. Más que un medio de transporte, se proyecta sobre innovadoras propuestas urbanísticas, sociales y culturales. Pero, ¿cómo se renueva la herramienta en sí? ¿Qué nuevas formas de diseñar, crear, fabricar y aprender sobre su creación, funcionamiento, materialidad?

Nos ilustra Eduardo Naso, diseñador industrial, profesor titular de diseño industrial en la FADU/UBA y en la Universidad Nacional de la Plata, entre otros tantos cargos y distinciones que incluyen el Premio Konex por su trayectoria (2002), quien nos aporta su mirada especialista sobre la industria y su adaptación a esta nueva y exigente necesidad: “En un inicio, el rápido crecimiento de la demanda de bicicletas fue atendido por la importación, fundamentalmente componentes que, armados localmente en distintas combinaciones, ofrecieron al mercado un amplio espectro de calidad y precio. Sin embargo, paralelamente, la industria local creó un mix entre estructuras construidas localmente y partes mecánicas importadas”.

En este sentido, la actualidad plantea un contexto que, según Naso, significaría lograr “productos fabricados en el país de igual calidad y precio a los importados, con las variantes o aportes de diseño necesarios para adaptarlos a la producción y mercado local”. Así, los diseñadores ponen manos a la obra para representar todas las versiones posibles, buscando entender a este objeto como necesariamente complementario al usuario: “Este no es un objeto autosuficiente, necesita de propulsión y alguien que la genere. Esta particularidad produce una inmensa relación afectiva”.

A la hora de crear, para Naso, los diseñadores contemporáneos no encuentran limitaciones en lo creativo ni en lo industrial. Y agrega que las nuevas tecnologías se han ido incorporando, y generando novedosas versiones. También han surgido, para acrecentar la oferta, nuevas intenciones de sustitución de tecnologías convencionales, como el bambú y la madera. “Si tengo que nombrar un límite a nivel creativo, debería definir únicamente sus condiciones de funcionalidad y ergonomía, que se sintetizan en las distancias antropométricas correctas de cinco puntos: dos ejes de giro, un eje de pedaleado, asiento y manubrio. Fijados estos puntos en el espacio como una constelación, todo puede delinearse y materializarse”, concluye.

Con su experiencia como formador en la conciencia, Naso reafirma la necesidad de que los diseñadores, antes de comenzar cualquier proyecto, tengan un estricto programa de requerimientos, con todos los condicionantes funcionales, comerciales y tecnológicos para el nuevo producto. “Esto significa que los diseñadores tendrán nuevos desafíos creativos como consecuencia de: nuevas tecnologías, nuevas formas de comercialización y, principalmente, nuevos comportamientos de la sociedad respecto al uso de la bicicleta”. Aulas adentro, recupera: “En mi actividad docente, frecuentemente, utilizamos la temática de la bicicleta como soporte académico para

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especial 055 bicicletas

+ Bicicleta DragonFly Jolie. www.dragonflybikes.com

aprender a diseñar (bicicletas, cascos, accesorios). Es notable la estimulación que produce esta temática en los alumnos. Lo más sorprendente sobre los resultados, es que bajo las mismas premisas y requerimientos, surgen tantas variables como alumnos tenemos, particularmente distintas unas de otras”.

MANOS A LA OBRA Ahora bien, ¿quiénes son los diseñadores que ya se han puesto el proyecto al hombro? ¿Cuáles son sus propuestas? Allí vamos.

Como parte de una iniciativa sustentable, las Monochrome ya están instaladas entre el público fan de las bicis. Se trata de una iniciativa creada por Natan Burta, quien abandonó un trabajo en el exterior, para crear su transporte sustentable, con alto contenido de diseño.

Así nació su firma, que ofrece distintos modelos elaborados a partir de rodados descartados o en desuso, incluso partes sueltas, que luego son recreadas y reformadas, para dar vida a los nuevos productos. ¿Su rasgo distintivo? Están siempre pintadas de blanco, y aplican detalles como un manubrio de acero inoxidable y un asiento de cuero artesanal. Sumado a esto, al crear cada una de sus bicicletas, Monochrome emplea el 20% de la energía que se utiliza para crear una bicicleta tradicional.

En Palermo, Mµvin propone soluciones de movilidad para la ciudad.

Esta destacada firma ofrece un cuidado catálogo con modelos de élite, renovados permanentemente con novedosos aportes, como los de ediciones limitadas ilustradas –la más reciente fue la de la artista graffitera Pum Pum. Con estéticas atractivas y funcionamientos por demás aceitados, sus bicicletas ofrecen un producto de calidad a los viajeros más exigentes y conocedores. Entre sus productos (que se pueden comprar tanto en su tienda de Palermo como a través de su Web), se cuentan bicicletas plegables, de paseo y longboards, para chicos y eléctricas. También suman accesorios como bolsos para bicicletas, cascos, luces, candados, indumentaria, soportes y otros. Versátiles y para todas las preferencias, son elegidas por usuarios para ir a trabajar, pero también para hacer ejercicio.

Porque una bicicleta es un compañero y, como tal, puede requerir reparaciones, la Fabribicicleta es un taller ideal para quienes buscan reparar su bicicleta, pero además, una invitación a repararla uno mismo. Su espacio se propone como un sitio de enseñanza,

+ Bicicleta Warrior de Mμvin. www.muvin.com.ar

aprendizaje y socialización. Así, quienes llegan, ponen manos a las herramientas, y de este modo, hacen propia la sensación de ver a su rodado en mejor estado.

DragonFly Bikes arrancó hace un año y medio, y es el emprendimiento de Mauro Camerucci e Ignacio Guiduci. “Siempre anduvimos en bici, y queríamos fabricar una bicicleta como las que nos gustaban. Acá estaba lleno de mountain bikes importadas, y no es lo ideal para andar en la ciudad. Queríamos armar algo más simple”, relata Camerucci. La firma ofrece dos rodados, una 28 y otra 26, urbanas y para todas las edades. “Elegimos hierro en lugar de aluminio, porque es mejor para la ciudad. Y los cuadros se fabrican acá”. Con una estética que fusiona lo actual con lo vintage, asientos de cuero conviven con colores más fuertes. Estas bicis se venden en Facebook, Mercado Libre y, recientemente, en algunas jugueterías.

Aprendizaje y diversión se dan la mano en Ding-Dong Bikes, una iniciativa para chicos de 2 a 5 años, tan deliciosamente estética como segura. La seguridad del niño pone especial atención en los materiales nobles y sustentables. Fabricadas en la Argentina, buscan establecer un vínculo afectivo con los más pequeños de casa, para que puedan andar en bici sin rueditas, manteniendo el equilibrio y con autonomía. Emotivo, lúdico y con un delicioso aire vintage.

Para los niños que alguna vez fuimos, como un guiño a las antiguas Auroritas, la marca Aurora presentó su nuevo modelo plegable. A diferencia de la versión original, el aluminio reemplaza al hierro, incluidas llantas de aluminio y pedales plegables; y se suma un modelo con seis velocidades. La movida, que apela a la memoria, responde a la tendencia a resignificar la idea de plegar la bici, y para manejarse más fácilmente en sitios en los cuales habitualmente no entraría. Ideal como transporte público, para guardar en oficinas, departamentos y claro, para usuarios memoriosos.

Las ediciones limitadas también tienen su lugar entre las birodadas.

Juan Pablo Cambariere es diseñador gráfico, y se inició en el mundo de las bicicletas por una necesidad. Quería diseñar un modelo para sus hijas, Olivia y Nina. Así nació la Bici con Sidecar, hoy licenciada con Creative Commons, para que quien quiera hacer una, con los planos, pueda . Es un carrito de madera que acompaña la bici, que no es para uso comercial, sino simplemente para disfrutar de un día

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+ Trabajos de alumnos de la la cátedra Naso de la FADU/UBA: bicicleta de paseo Art Nouveau de Alejo Bianchi y bicicleta de Martín Mamura.

compartido en familia. Estético y artesanal, cuenta con un asiento trasero rebatible, uno delantero igualmente rebatible, y un volante y tablero desmontables. Quién dirá, esa pieza que todos quisimos tener de chicos.

lanzarse estuvieron igualmente basados en un cuadro de geometría confortable y uso polivalente, aptos para el deporte y especialmente para el cicloturismo. Con componentes de transmisión y frenos Shimano, son de aluminio y están inspirados en los modelos de Ford.

También sustentable, la Bambucicleta es una propuesta que, como su nombre lo indica, incorpora como materia prima al bambú, elemento con una alta tasa de renovación, que contribuye al ahorro energético y que, además, tiene un muy bajo impacto ambiental.

Para fabricarse, estas piezas utilizan la tecnología de la aeronáutica, y están certificadas por el INTI. Artesanía, confort y tecnología se dan cita así, en un modelo de una resistencia equiparable a la del acero, y con un andar cómodo y amortiguado.

ELÉCTRICAS, ¿SÍ O NO? Aún cuando los más fervientes defensores de la movida rodada critiquen la modalidad eléctrica, lo cierto es que cuenta con sus adeptos, si bien no mantiene muchos de los preceptos básicos de la iniciativa original. Sin embargo, sí permiten movilizarse de manera rápida y ágil, a lo cual se suma que los motores, que antes eran de plomo y pesaban entre 10 y 15 kg, hoy se encuentran entre los 2,5 y 4 kg.

CON SELLO DE AUTOR Nadie se quiere quedar afuera del fenómeno. Por eso, marcas deportivas y de vehículos aportan sus versiones de birodadas, y con el fin de deslumbrar al público, ávido de novedades. Puma fue una de esas marcas, y presentó su línea de modelos urbanos, en colaboración con la marca danesa Biomega. Su lanzamiento se compone de cinco modelos básicos: Disko (con sistema antirrobo), Funk (con cambios de velocidades con un solo engranaje a velocidad fija), Nevis Man y Nevis Lady (con una posición más relajada, con un cargador delantero) y Pico (modelo cross, con engranaje Shimano). En tonos de neón a más pálidos, también están disponibles en blanco y negro.

Peugeot tiene una política de investigación afianzada, y algo que evidencia su estudio de diseño, el Peugeot Design Lab en París. Este actúa sobre diferentes áreas, entre ellas, la investigación en torno a las bicicletas, como por ejemplo, las DL121 y DL 122, ambas comercializadas. Más recientemente, se diseñó la concept bike Onyx, basada en el diseño de este vehículo de la marca, destinado a la competición. Esta expresión de futuro es un regreso a las fuentes de Peugeot, con un estilo moderno y eficiente, ideal para la ciudad.

La sofisticada firma británica Aston Martin no se quedó atrás. En colaboración con Factor Bikes, lanzó su modelo One-77. Ésta cuenta con un sistema computarizado, que capta más de 100 parámetros sobre el desempeño del usuario, como por ejemplo, la fuerza del pedaleo y de tracción, aceleración, pulso del ciclista o ubicación vía GPS. La construcción está realizada con materiales de la Fórmula 1, el GP de Le Mans y el torneo de moto GP. En la Argentina, los usuarios de Ford pueden disfrutar de modelos mountain bike, cuya licencia para fabricar y comercializar está en manos de la firma Espíndola; a esto suman repuestos, accesorios e indumentaria de ciclismo de la marca. Los primeros modelos en

Sumado a esto, las baterías de litio permiten viajar unos 60 km. Los modelos más rápidos permiten alcanzar velocidades de entre 40 y 45 kilómetros. En China, Alemania y Suiza, esta tendencia no para de crecer. En este último país, por ejemplo, una de cada siete bicicletas vendidas es a motor. Y si bien en inicio las más interesadas eran las mujeres, hoy se suman los jóvenes y hombres.

Fiel a esta tendencia, Audi presentó su sofisticada versión, en el Wörthersee Tour 2012. Este prototipo cuenta con dimensiones compactas, centro de gravedad muy bajo y es increíblemente ágil.

Con baterías alojadas en el interior del chasis, se recargan en 2,5 horas. Su bastidor y basculante siguen el principio de construcción ligera Audi ultra, realizados de fibra de carbono. Desde el exterior, su chasis se completa con luces LED en el chasis.

Ford, por su parte, tiene su propio modelo: la Ford E-Bike Concept.

Desarrollada para demostrar cómo el diseño de la marca puede trasladarse a un vehículo de movilidad eléctrica, es de aluminio y carbono, por lo cual su cuadro sólo pesa 2,5 kg. Con una sola carga, su batería resiste 85 km de distancia. Su máxima velocidad es de 25 km/h, y cuenta con un panel del control sobre el manubrio, que puede controlarse desde el celular, y sobre el cual se accede a información del recorrido a través de GPS. Confortable y deportiva, cuenta con sensores como los vehículos de Fórmula 1.

Pero lo más novedoso son las bicicletas híbridas, como es el caso de la ebike de smart. Fiel a la filosofía de la marca, cuenta con un diseño poco convencional, propulsión eléctrica, y se jacta de ser libre de emisiones. Con su batería insertada en una carcasa de plástico, marca un contraste con el cuadro de aluminios. Faros y pilotos delanteros se lucen por sus diodos luminosos. Su motor BionX no tiene mantenimiento, y está integrado en el cubo de la rueda trasera, que se conecta cuando el ciclista acciona los pedales. Cuenta con tres velocidades de marcha y su rueda trasera se acciona mediante una correa silenciosa. Atractiva, es sumamente práctica. +

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especial 057 bicicletas

+ Casos Onn Style, bolso para bici Bruselas de Trippin, jean Levi´s Commuters y bolso para bici Dínamo.

Accesorios

Aliados perfectos Las bicis no están solas. Cascos, bolsos, prendas especiales y otro tipo de complementos se suman para hacer de la experiencia rodada única. Así, para que ningún ciclista pueda resignar estilo, Levi´s presentó la segunda colección de su línea de jeans y camperas Commuters, a medida del usuario birodado urbano. La línea incluye el modelo 511 Commuter Trouser, en beige y negro, con bolsillos y terminaciones sastreras; la campera Trucker, para todo tipo de clima, con capucha sellada de nylon; y continúan el original 511 Commuter y el Commuter Jacket. Todas las prendas cuentan con NanoSphere Technology, que transforma la tela para volverla resistente al agua, repelente a la suciedad y con mayor durabilidad.

La línea Urban Mobility de Puma está especialmente pensada para usuarios urbanos de la marca. En conjunto con diseñadores de la talla de Hussein Chalayan, propone bolsos, calzados y camperas que bien podrían ser aliados ideales para ciclistas con estilo. Estéticos, buscan un confort a medida de cada necesidad.

Otra marca que no se queda afuera es Le Coq Sportif, cuya alianza con bicicletas Olmo refuerza su iniciativa de apoyar al ciclismo. Sponsor de atletas en el último Tour de France, la firma presentó su línea de indumentaria La Grande Boucle, prendas informales con un estilo inspirado en el ciclismo, así como en la historia del tour.

Link a la nota: http://9010.co/especialbicis

Para las cabezas protegidas, Onn Style ofrece cascos que suman seguridad y estilo. En diferentes modelos y estampados, se renuevan en cada temporada. Para recorrer la ciudad no sólo en bici, sino también en rollers o skate, un universo fashion para rodar en pura y digna libertad. Para cargar todo lo necesario, la firma Dínamo ofrece bolsos de diversos colores y diseños, todo con estética vintage. Funcionales, sus bolsos-alforjas son ideales para los amantes del ciclismo y la vida en la ciudad. Con ganchos rebatibles, cinta reflectiva y velcro para ajustar la correa, garantizan un traslado en bici cómodo y seguro. Como un extra, una funda despliega un bolsillo trasero para proteger la alforja del roce y la suciedad.

Trippin también tiene lo suyo. En cuero de varios colores, su propuesta se luce por sus cinturones para llevar sujeto a la bici. Se suman los mini maletines de cuero reciclado, y los maletinesmochila de cuero y gamuza. Otro de los favoritos del público ciclista son los bolsos Gorrión. Diseñados inicialmente para viajes, recuperan motivos y modelos de la infancia, bajo el concepto de que todo se renueva. La marca experimenta con el cuero, algodón, fieltro y los tejidos. Con propuestas artesanales y ecofriendly, son ideales para usuarios rodados melancólicos y con mucho estilo. +

Crudos al sol Rodando por la ciudad, bajo los intensos rayos del verano...

Fotografía y dirección de arte Javi Obando Estilismo y producción fotográfica Flora Grzetic para Crudo Management www.hellocrudo.com Retoque digital Luis Gaspardo Modelos Alexis, Andrea, Camila, Cata, Erica, Malena, Paula, Rodolfo y Sebastián para Crudo Management www.hellocrudo.com Make up Caro Merlo Agradecimientos Mauro Camerucci de DragonFly Bikes www.dragonflybikes.com, Diego Parisi & Eighties Bike Co. www.eighties-bmx.com, Martín

DIRECCIONARIO

adidas Originals www.adidas.com/originals/la | Fantasy Seven natifantasyseven@hotmail.com | Grupo 134 www.grupo134.com | Infinit www.infinit.la www.abrilosojos.com | Julia Schang-Vitón schangviton.tumblr.com | Kostüme www.kostumeweb.net | Le Coq Sportif www.lecoqsportif.com | Levi´s www.levi.com.ar | Nike www.nike.com | Prüne www.prune.com.ar | Unmo www.unmonet.com.ar

Link a la nota: http://9010.co/crudosalsol

+ Camila. Bikini: Kosiuko. Remera: Unmo. Zapatillas: adidas + Malena. Bikini: Kosiuko. Remera: Le Coq Sportif. Botitas: Pr端ne. Bicicleta: DragonFly.

+ Malena. Bikini: Kosiuko.

Short Hayley: Grupo 134

+ Rodolfo. Jogging: Kost端me. Camiseta: Tres Ases. Zapatillas: adidas.

Anteojos: Infinit + Alexis. Jogging: Le Coq Sportif. Zapatillas: adidas. Anteojos: Infinit.

Bicicletas: DragonFly

+ Cata. Malla: Fantasy Seven. Zapatillas: adidas.

Anteojos: Infinit

+ Sebastiรกn. Campera: adidas. Zapatillas: Nike.

Bicicleta: Eighties Bike Co.

+ Alexis y Rodolfo.

Bermudas: Levi’s.

Bicicletas: DragonFly

+ Erica. Camisa: Julia Schang-Vit贸n. Short: Kost眉me. Zapatillas: Nike.

Bicicleta: DragonFly

+ Lourdes. Monoprenda con capucha coral: Grupo 134.

Auriculares: Urbanears

+ Paula. Bikini: Fantasy Seven + Cata. Malla: Fantasy Seven. Zapatillas: adidas Bicicleta: DragonFly

+ Alexis. Jean: Levi’ s Commuter. Remera: Levi’ s. Zapatillas: Nike + Andrea. Vestido y short: Kostüme. Zapatillas: adidas

| Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

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personas creativas 067 arquitectura

Paula Herrero

El arquitecto como intérprete Es la reciente ganadora de la Medalla de Plata en Casa FOA 2012, por el desarrollo del auditorio para la muestra, en la ex fábrica de Alpargatas. Es la cara visible de su estudio, el cual se dedica a dar servicios de arquitectura, diseño interior y de mobiliario. Tiene experiencia en viviendas familiares, oficinas, restós, hoteles, anfiteatros y showrooms.

Su estilo es ciento por ciento empático: busca entender a sus clientes, para poder interpretar lo que ellos necesitan.

La arquitecta Paula Herrero tiene su propia forma de trabajar y, hasta ahora, le viene funcionando bastante bien. | Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

Hay profesiones que se ejercen, y otras que se viven. Para Paula Herrero, arquitecta, esteta, apasionada, sensible y cordial, el trabajo es una forma de vida: una pasión, una motivación, un ejercicio de autoconocimiento y experimentación y, ante todo, un desafío de poder entender lo que sus clientes quieren y necesitan –aún cuando ellos mismos no lo tengan demasiado claro-, y poder llevarlo a la realidad. Así vive, sueña y piensa, y así la encontramos en su estudio, en el bajo Palermo, donde techos altísimos y molduras en las paredes blancas ya nos cuentan quién es ella.

No es que necesariamente tenga un estilo demasiado definido, pero para Paula –esbelta, alta, pelo corto y con cuerpo de bailarina clásica-, lo que prima siempre es la función. Algo que permite apreciar el porqué, también, fue complementando su labor con la tarea de interiorismo, esa tercera piel que se proyecta en cada hogar y que, en su opinión, completa su tarea de generar esa vida, soñada y posible, que tenemos todas las personas. “Busco que la gente se sienta bien en los ambientes que les diseño. Que encuentre un momento de pausa, donde se sienta cómoda”, pone en sus palabras. + ¿Cuál es la necesidad básica que tienen las personas en el vivir?

PH Depende; las familias han ido cambiado mucho. Hay gente a la que le gusta recibir gente, otra a la que le gusta ver películas, hay ámbitos para eso, y se puede lograr que ese sea tu lugar. Va variando. Yo trato, especialmente en las casas de la gente, de llegar a entender eso. Porque el otro no te lo dice, y a veces puede ser difícil, porque no soy el psicólogo, en principio. Es muy difícil

que alguien te diga la verdad de lo que le pasa. Te va a decir las cosas obvias, pero la verdad, la tengo que descubrir, y para eso, me gusta tomarme un tiempo. Es una manera que fui encontrando para disfrutar. Creo que hace falta profundizar. Porque cuando no tuviste el tiempo de análisis, se te pasa, y después todo sale mal.

No me gusta mezquinar los tiempos del estudio, y por eso, también soy selectiva con los clientes. + ¿Y cómo entra la inspiración a jugar acá?

PH Es como un proceso alquímico. Por ejemplo, cuando hay un sitio preexistente, como una casa en un jardín que hay que intervenir, lo primero es ir al lugar alerta a lo que siento, en esa primera visita. Tengo mi cuadernito que me acompaña, y a veces, me pasa que estoy en un semáforo cuando salgo, y se me vienen cosas y anoto. Por ahí son sensaciones, algún material, y ese primer momento es muy valioso, porque después se me olvida por completo, y cuando lo leo, pienso: “qué bueno que lo escribí”. + ¿Y la etapa de obra?

PH Me encanta. La materialidad también te devuelve, siempre.

Yo hablaba el otro día con Federico Churba, y le decía que de los diseñadores industriales admiro que tienen un contacto con la materialidad mucho más aguda que los arquitectos. Tienen un dominio notable. Nosotros necesitamos más del intercambio con los especialistas, sabemos poquito de cada cosa, y vamos encontrando herramientas. Yo disfruto de eso. En ese intercambio hay mucho aprendizaje.

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+ mósfera de tranquilidad en la muestra, regalarle eso al visitante.

Después vino el trabajo de texturas, luz, acústica. Y fue bonito, porque se cumplió bastante nuestro objetivo. Me quedé un par de días en el espacio y vi que la gente se sentaba aliviada, chicos, papás, pasaron cosas… y fue hermoso. Dio mucho más de lo que yo esperaba”. + ¿Qué tiene este tipo de trabajos, un poco más libres, en relación a tus trabajos particulares?

PH Para mí, es un espacio de libertad absoluto. Yo lo vivo así; cada estudio tendrá su manera y su estrategia. Para mí, un espacio así en FOA es una plataforma de investigación y desarrollo, de propuesta. Para un cliente particular, trabajás con otros parámetros, por ahí los mismos temas, pero es una familia, una corporación. Lo que más me gusta es que una exposición como FOA te permite descubrir nuevos procesos y modos creativos, que eso luego al estudio le sirve para aplicar a los proyectos particulares.

Este FOA, en particular, nos aportó muchísimo, y luego sí, hay también mayor visibilidad. Además, suceden cosas con los proveedores, generás nuevas formas de trabajo.

+ Restó Barunzit en Ramos Mejía, 2012.

UNA PROFESIÓN GENEROSA Paula es humilde, y parece raro. Raro porque en este mundo en que los arquitectos y diseñadores se han vuelto estrellas, ella elige correr su placa de la última Medalla de Plata de Casa FOA a la Arquitectura y el Diseño Interior, para que no salga en la foto; este premio se suma a otro, del mismo evento, el Premio Casa FOA y Masisa a la Mejor Aplicación de Producto, cuyo premio consiste en un pasaje al Salón Internacional de Milán 2013, y mil euros para viáticos.

El estudio ya había participado de la muestra en 2001, año en que ganó la Beca DArA en Estación Palermo; y luego en 2008, cuando participó con un espacio en el Puerto de Frutos, y se llevó un premio Casa FOA y Rosen a la Mejor Ambientación en zonas de descanso.

También recibió el segundo Premio de Interiorismo Fontenla Design Mall 2008, y el Premio Beca DArA Estilo Pilar 2007. Paula Herrero Arquitectos diseñó casas particulares, la destacada sede de DArA, las oficinas de Emi Music y de Young & Rubicam, del hotel Elan en Bariloche, locales de Solo Ivanka y, más recientemente, el restó Barunzit. Como docente, Paula brinda charlas y conferencias sobre los diseñadores y el ejercicio de su profesión.

De regreso al último casa FOA, junto a ella Masisa, empresa productora de tableros de madera para muebles y arquitectura de interiores, reforzó su compromiso con la sustentabilidad en el desarrollo de este proyecto, a la manera de “un claro en el bosque”, según rezaba la presentación. “La experiencia de FOA de este año fue particular”, cuenta Paula. “En realidad, nace de una investigación nuestra. Queríamos hacer un espacio conceptual, y montamos un desarrollo de pensamiento con un sponsor, Masisa, y en relación al edificio de Alpargatas, la industria, el hormigón. Masisa se entusiasmó y, como la planta baja estaba ocupada, propuse hacer el auditorio. Ahí arrancamos a pensar qué nos interesaba de un auditorio: que se utilizara para charlas, pero que además, el visitante pudiera pasar y descansar un ratito; queríamos una at-

+ Y en tu trabajo más cotidiano, ¿cómo son los procesos?

PH Va mutando, porque yo voy mutando. Somos una estructura pequeña, y esto es lo que ofrezco. Lo primero es que el posible cliente venga acá o ir a visitarlo, y tomarme dos o tres horas, cuatro, charlar, escuchar. Antes que todo, antes de saber si nos vamos a poner de acuerdo o si me van a contratar. Trato de ser muy generosa en ese primer intercambio. Y luego está la intuición, porque trato de cuidar los trabajos que hacemos y los qué no, porque no vendo siempre lo mismo. La intuición tiene que ver con si puedo o no trabajar con un cliente, y a veces, te das cuenta de que no hay manera. Es muy personal. + Además, uno canaliza mucho en la casa.

PH Eso mismo. La casa, lo que es residencial, es el lugar donde más atiendo en la intuición, porque si no, es imposible. Después, en un proyecto gastronómico u hotelero, no es tan personal, pero casi, porque son personas que tienen ese proyecto y están volcando todo ahí, hay mucha energía. Después, la instancia más desapegada para trabajar es la corporativa, porque tenés que cumplir con los parámetros, pero por fuera de eso, siempre lo que proponés está por encima de lo que ellos se imaginan, porque nadie ni se puso a pensar.

ARMAR EL HÁBITAT Precavida e igualmente abierta, Paula ha sabido dar rienda suelta a la reflexión en torno a su carrera. Y esto se nota. En sus palabras, se encuentra la huella de una filosofía meditada y profunda, mediante la cual, la sensibilidad es una herramienta poderosa para llegar a comprender a sus clientes. Luego, seguirán el rigor en el trabajo, la materialización y la labor interdisciplinaria con otros profesionales, siempre desde un lugar de mutuo respeto. En suma, entender al cliente. Ella lo cuenta así: “Nuestra profesión se trata de eso, de armar el hábitat, y de entender lo que el otro necesita, aún sin saberlo. Por eso yo soy una intérprete, no necesito que me cuenten las necesidades reales, sino las profundas. No “quiero una mesa o una silla”, porque en realidad, lo que nosotros vamos a armar es eso que la persona ni pensó que necesitaba”. + ¿Qué viene buscando la gente de vos?

PH No sé, porque no es que yo tengo un estilo en el resultado. Más bien voy a un proceso. Creo que mi estilo es una manera de trabajar, porque me paro más desde lo humano. Cuando me hablan de tendencia, moda, yo no entiendo nada de eso. Hablamos de vos, de tu proyecto, de qué querés para tu casa. Algo más esencial. Creo que hay necesidades que tiene la gente para su casa, y que tienen que ver con otras cosas, con la serenidad, con sentirse cómoda,

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+ Auditorio Masisa en Casa FOA 2012

+ Oficinas EMI, 2011

+ Casa en la barranca, 2010

con el albergue. Y eso, cuando hay presupuesto y ganas, puede tener muchísima tecnología, pero no es que la tecnología tiene que ser la lupa, para mí. De hecho, me ha pasado de hacer casas de gente con muchos recursos, pero vos entrás y eso no está. Sí está robotizado, pero no es protagonista en el sentido de la moda. Porque lo que yo creo es que a una persona, con o sin dinero, lo que le va a dar ganas de estar en su casa es el sentirse cómodo. Sea enorme o sea un rancho. Y yo tengo que ocuparme de eso.

está buenísimo. Me di cuenta de que, en realidad, se revirtió. No es un proceso del volumen desde afuera hacia adentro, sino que voy armando el volumen y, cuando está conformada la totalidad, el interior ya se gestó, nació todo junto. También me ha pasado de trabajar con estudios de interiorismo. Depende de cada situación. El know how te permite un montón de instancias.

+ Y te involucrás también en los muebles…

PH Hasta hace seis años, no hacía muebles; venía de otro proceso y de otro estudio, de arquitectura más comercial. Y en realidad, cuando empecé con este estudio, me era totalmente ajeno, porque tengo formación de arquitecta. Y me empecé a meter, y hoy me doy cuenta de que cuando trabajo, ya no estoy pensando en la caja sola: pienso qué pasa entre tu cuerpo y la caja, qué pasa todo el tiempo. Porque es eso el interiorismo. Se trata de cómo es ese ámbito que está después de tu ropa, y entonces yo ya pienso la arquitectura desde ahí. Y

Link a la nota: http://9010.co/paulaherrero

+ ¿Un proyecto que te haya dado mucha satisfacción?

PH Hay un proyecto que hice para la comunidad armenia, en Palermo, en la plaza Armenia; querían emplazar una escultura tradicional. Fue un proceso muy largo. Finalmente se hizo, y hoy está.

Es un anfiteatro natural: hay una plataforma, la escultura, una fuente y bancos de hormigón. Y hoy salgo en bici y veo a la gente ahí tomando mate, o al sol, o en los banquitos, que es algo que se incorporó al parque. Me encanta, y hace casi diez años que se hizo, y es anónima; me gusta mucho ver a la gente. Ver qué pasa con lo que me imaginé. Y la realidad siempre supera a la ficción. + www.paulaherreroarqs.com.ar

+ El equipo completo de Collage Lab: Ana Fonseca, Florencia Mouriño, Andrés Sbrancia, Martín Kazanietz, Daniel Stroomer, Tamara García Selvood, Gabriella Skoff e Isaak Abraira Galante.

Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

personas creativas

+ 071 arte

Collage Lab

Arte urbano y comunicación corporativa Se conocieron en Barcelona, vivieron en Ámsterdan y fundaron en Buenos Aires uno de los estudios de diseño más artísticos y multidisciplinarios de la ciudad. Tamara García Selvood y Daniel Stroomer combinan amor y trabajo de la manera más creativa posible. | Texto: Leila Mesyngier

Estaba todo escrito, dicen. Fue el destino el que los unió una noche en Barcelona, España, hace casi cinco años atrás. Él terminaba un proyecto para su estudio de diseño holandés y se volvía a casa al día siguiente. Ella, que había viajado desde la Argentina para hacer un curso de cool hunting, tenía pasaje para visitar a una amiga en Ámsterdam. Con la investigación para la tesis a cuestas, y empecinada en abrirse camino en un mundo nuevo, ella lo siguió, lo interrogó y trabajó en su estudio. Así, casi por casualidad, pero digno de una novela, nació el amor, y comenzaron los viajes ida y vuelta a través del océano Atlántico.

Hasta que un día, Tamara García Selvood y Daniel Stroomer eligieron Buenos Aires para fundar Collage Lab, una innovadora agencia de diseño, que busca combinar el arte callejero y urbano con la comunicación corporativa. Hoy le dan forma y contenido a las campañas de imagen de algunas de las marcas más importantes del país, junto a diversos proyectos sociales que realizan “por amor al arte”.

“Cuando empezamos, era algo nuevo acá: un equipo creativo compuesto no sólo de publicitarios sino de artistas, ilustradores, fotógrafos. Casi todos los que trabajan hoy tienen una formación en diseño gráfico, pero todos pintan o están relacionados de algún modo con el arte urbano”, cuentan entusiasmados sus fundadores. Con esa consigna, dieron forma al estudio más multidisciplinario, aquél que mezcla el street art y todas sus disciplinas dentro del diseño.

“Hacemos desde producción de eventos y branding hasta producción de murales y graffiti workshop. Hay una mezcla, pero el eje o el lugar donde todo se conecta es el arte”, explica Tamara.

Desde esa premisa diseñaron, por ejemplo, la tarjeta Citi Women del Citi Bank, con el logo del corazón y letra a mano alzada, toda una jugada para una empresa tan tradicional como un banco. Y para Samsung pintaron un “monstruos gigantes” en el túnel de un subte de Buenos Aires, que tuvo excelentes repercusiones del público y de los directivos de la compañía. “Está bueno sacar el arte de contexto, porque lo que genera es sorpresa”, señalan.

MULTICULTURAL Y MULTIDISCIPLINARIO Desde la escalera de entrada a Collage Lab, ya se puede escuchar el mix de idiomas que le dan al estudio un toque distintivo. Las conversaciones empiezan en español, continúan en inglés y terminan en spanglish, y sus integrantes ya no sienten la diferencia. Una muestra más del buen clima y la pluralidad de nacionalidades que allí conviven; una escena que se vuelve aún más cómica, cuando alguno habla por Skype con su familia en su lengua natal (desde francés hasta holandés), ante la mirada atónica de los demás.

Así como hablan diversos idiomas, también las especialidades de cada uno son distintas. “Tenemos dentro del estudio gente a la que le gusta dibujar, otros que trabajan más con papel, cortando y recortando, y grupos satélite que contratamos de acuerdo al proyecto, como chicas que hacen origami, ambientadoras y escenógrafos”, detalla Tamara, quien se recibió de abogada, pero siempre buscó otros horizontes.

Todo lo que hacen excede la concepción clásica de la publicidad.

“La estética que tratamos de usar tiene que ver con las raíces de

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+ Intervención en el subte de Buenos Aires para Samsung.

lo urbano, del arte callejero. No es sólo usar la computadora, sino trabajar más con las manos, armar nuestra propia tipografía, con un formato más artesanal. Es casi como volver el tiempo atrás, una clave distintiva de lo que hacemos”, sostiene Daniel.

El proceso creativo empieza cuando llega el pedido de algún cliente.

Ahí deciden quiénes participarán del proyecto, qué tipo de artistas necesitan contratar, qué materiales se pondrán en juego. A veces, es algo que los divierte a todos y lo hacen en conjunto, como cuando llega el momento del brainstorming. “Como es un estudio abierto, todos pueden escuchar lo que pasa del otro lado de la mesa y… ¡opinar!”, confiesa entre risas el grafitero holandés que vino a Buenos Aires para conocer la ciudad de su mujer y se quedó a vivir.

“La primera vez que vine quería ver dónde vivía Tamara, cómo era la ciudad. Me pareció gigante, un caos, algo sucia, pero con mucha más libertad que en Holanda. Eso me gustó, y yo siempre estaba buscando y mirando hacia afuera. La gente es copada, hay muchas posibilidades para hacer cosas; eso realmente me llamó la atención: tan grande, tanto para hacer”, narra Dan. Esa mística de la capital argentina –y de otras grandes urbes que conocen o en las que vivieron– es la mayor fuente de energía e inspiración. Por eso, para estar a tono con las novedades y mantener la creatividad intacta, Tamara, Daniel y todo el equipo están constantemente mirando, buscando, anotando. “La calle es lo que más nos

inspira. Casi todos viajamos, entonces volvemos con muchas ideas de otros lugares, de las visitas a las familias. Siempre hay algo que nos llama la atención: el color, las formas, las combinaciones. Sacamos fotos con la cámara, con el teléfono… Una semana después, se nos ocurre algo que tiene relación con esa foto o video que nos intercambiamos previamente”, cuentan a dúo los fundadores. “Creo que lo más importante es hacer lo que nos gusta, de ahí salen cosas buenas”, agrega Daniel.

POR AMOR AL ARTE Como hacen lo que les gusta, también se animan a encarar proyectos por fuera de lo comercial, emprendimientos paralelos, puertas adentro del estudio. “Nos divierte tener otros proyectos. Este año, por ejemplo, hicimos una muestra de arte. Intentamos que lo artístico también tenga piedra libre, y no sea sólo para lo comercial”, explica Tamara. Por eso, salen a la calle para hacer murales, se juntan a pintar y, últimamente, están trabajando mucho con una estética de cartelería antigua: una tendencia que utiliza el diseño gráfico aplicado al muralismo, una de las “últimas vueltas” que le están dando al street art. “Se trata de diseñar una tipografía a mano, pasarla a la computadora, diseñar el mural, y eso pasarlo a la pared. Es una estética de tipografía pintada, que se puede hacer con aerosol, látex, brochas, rodillos, todo”, agrega Dan. Otro proyecto paralelo del estudio es un original y divertido mapa de arte urbano de Buenos Aires y Argentina, a través del cual in-

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+ Mural en la entrada de la última edición de BAFWeek.

vitan al público a subir fotos de los murales que se ve en la calle. “Armamos un mapa con foto, nombre del artista y locación.

Ya tenemos 2500 fotos relevadas. Lo hacemos por amor al arte”, expresan. Los detalles y ubicaciones se pueden consultar en www.streetartmap.com.ar.

A través de Street Art Map también hacen proyectos culturales: pintan en villas y arman workshops de graffitti (con un programa similar al que hacen en Brasil, Alemania y Bélgica). “Fuimos a la villa 1-11-14, al Parque Indoamericano, ahora lo vamos a hacer en La Cava. Es un proyecto para niños, en donde les enseñamos a pintar graffiti. Ellos hacen un dibujo que después se pasa a la pared, y así pueden cuidar más y mejorar el lugar donde viven”, cuentan. Y agregan: “Es muy satisfactorio ver a esos chicos felices. No saben nada y meten sus manos en la pintura y son felices. Es divertido, a todos nos gusta y siempre convocamos a artistas amigos de todo el mundo que quieren participar y ayudar”.

Ellos también están felices por el trabajo que vienen haciendo y lo que esperan del futuro. Tienen ganas de expandirse a nuevos mercados y seguir trabajando con los clientes actuales: Citi, Personal, Nike, Samsung, Positivo, Motorola, Nextel y Feria PuroDiseño, entre muchos otros. “Fue todo un desafío el camino que iniciamos, pero a la vez, muy intuitivo. Y los clientes y el público lo recibieron muy bien”, concluye satisfecha Tamara. + www.collagelab.com.ar

Link a la nota: http://9010.co/collagelab

+ Instalación para Motorola.

¿QUIÉNES SON? Los fundadores de Collage Lab son Daniel Stroomer y Tamara García Selvood, y el equipo está conformado por Martín Kazanietz, Andrés Sbrancia, Isaak Abraira Galante, Ana Fonseca, Florencia Mouriño y una pasante de NYU (New York University), Gabriella Skoff. + www.zzkrecords.com/artists

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Luci Gutiérrez

Decir mucho con muy poco No es inspiración divina lo que hace de las ilustraciones de Luci Gutiérrez una mezcla de fina ironía, exquisita elegancia y humor inteligente. Es, más bien, una capacidad singular para observar cómo nos comportamos, qué sentimos, cuáles son nuestros miedos, deseos y fantasías. O, mejor todavía, es la virtud de decir mucho con muy poco. Aunque lo que le gusta es hablar a través de su obra, es un placer escucharla y leerla. Veréis por qué enseguida. | Texto: ArtsMoved (*)

| Foto: Isolda Delgado (*) ArtsMoved es un proyecto dirigido por la asociación Movimiento Artes (formada en Barcelona), dedicado a la difusión y promoción de la cultura, a través del arte realizado por jóvenes artistas. www.artsmoved.cat

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personas creativas 075 ilustración + ¿Qué dicen de ti tus ilustraciones?

LG En cuanto a la gráfica, probablemente que soy una maniática -mucha gente cree que las ilustraciones son vectoriales, pero están hechas a pulso con pincel, aunque digital-, que puedo tener un problema de daltonismo -que no es el caso- por el uso de colores saturados, y que no me ando por las ramas o que soy vaga, porque sólo hago uso de los elementos estrictamente necesarios para contar lo que quiero contar. En cuanto al contenido, necesitaría psicoanalizarlo; lo que lleva tiempo y algún que otro trastorno. En ello estoy. + ¿Cómo y cuándo decides dedicarte a la ilustración?

LG Siempre he dibujado. En el colegio me recreaba más haciendo las portadas de los trabajos, que en los trabajos en sí. Y en el instituto, en lugar de hacer los trabajos que debía, me dedicaba a dibujar. Así que imagino que llegué a la ilustración de forma natural.

Aunque cuando empecé a estudiar ilustración, diría que tardé todo un curso en entender de qué iba, que no se trataba simplemente de hacer dibujos más o menos bonitos, sino de que era una forma de comunicación. Como soy una persona parca en palabras, me sentí muy cómoda utilizando la ilustración como lenguaje y como vía de escape. + Parecería que en todas tus ilustraciones el concepto es la clave. ¿Dedicas mucho tiempo a pensar antes de coger el lápiz? ¿Cómo describirías tu proceso de trabajo?

LG De hecho, cuando tengo la idea, creo que ya tengo la ilustración, y lo único que me falta es hacerla. Normalmente, cojo el lápiz para pensar, y voy dibujando lo que se me va ocurriendo, aunque sean malas ideas, con la esperanza de que una de ellas abra la vía a algo mejor. Es la parte del proceso en la que dedico más tiempo.

Desafortunadamente, no visualizo rápidamente una imagen tras pensar en el tema. Tengo que dar bastantes vueltas antes de llegar a algo. Y el momento que me parece más difícil del proceso, es escoger o reconocer lo que mejor funciona entre los bocetos. + La manera como creas tus personajes, la riqueza y expresividad que tienen con tan pocos trazos y la capacidad para encontrar el gesto exacto, parece insinuar que dedicas muchas horas a mirarnos con una libreta en mano. ¿Es eso cierto?

LG Lo hago menos de lo que me gustaría, pero sí, soy una voyeur. Me lo paso muy bien observando a la gente. Me gusta mucho sentarme en alguna terraza con el cuaderno en mano. No soy de dibujar rápidamente lo que veo, sino de escrutar, y una vez que retengo algo que me interesa, lo dibujo. Para mí, los cuadernos son una mezcla de diario, laboratorio y álbum de fotos. Como soy nefasta para la

+ Bull Riding at Madison Square Garden, ilustración para The New Yorker.

fotografía, en lugar de cargar con una cámara de fotos, cargo con un cuaderno en el bolso. Y si tengo que hacerme con un bolso nuevo, escojo el que tenga la medida adecuada para llevar el cuaderno. + Sabemos que estuviste un tiempo en Nueva York y, desde entonces, trabajas habitualmente para The New Yorker, The New York Times, Washington Post y The Wall Street Journal, entre otros. ¿Qué destacarías de la relación con estos grandes periódicos? ¿Qué crees que podríamos aprender de los norteamericanos en relación al mundo de la ilustración? ¿Y al revés?

LG El funcionamiento es muy distinto. De entrada, en el mercado norteamericano la ilustración está más aceptada culturalmente, y se toma más en serio. No se vincula a lo infantil, como sucede aquí, con connotaciones peyorativas. Por eso allí hay un mayor respeto hacia los ilustradores. Y en lo funcional, la figura del director de arte tiene un papel importante y decisivo en el proceso de trabajo. Como consecuencia, el ilustrador puede tener menos libertad. Pero en mi opinión, un director de arte capacitado para ello, es indispensable.

Lo que más me sorprendió al empezar a trabajar en el mercado norteamericano, es que muchos de ellos eran ilustradores. Es una opción completamente lógica para un ilustrador; pero aquí, raras veces se ve, y sospecho que tiene que ver con el valor que se le da a la profesión. Sin embargo, creo que en los EE.UU. tienden a confundir la necesidad de llegar a un público muy amplio, con la facilidad y la ausencia de sutileza. Además, allí, la línea de lo políticamente correcto es más estricta. Aunque esto puede variar según el medio.

+ Trabajo personal.

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+ Cartel del congreso Generar Cuerpos.

+ Portada para la colección Textos del Cuerpo, de Cuerpo y Textualidad.

+ Por desgracia (o por otros motivos menos abstractos), cuando buscas artistas de referencia, la mayoría son hombres. Puede que hasta sea más complicado en el ámbito específico de la ilustración, ¿te parece? ¿Nos recomiendas algunas ilustradoras a las que sigues?

LG Creo que esto no pasa en el ámbito de la ilustración, hay muchas ilustradoras de referencia. Muchas están más vinculadas con la ilustración infantil, pero es uno de los campos de más peso de la profesión. Entre las ilustradoras que siento más afines, están Meritxell Durán y, cruzando la frontera, Rutu Modan, Luba Lukova, Anna Sommer, Ruth Gwilly o Maira Kalman.

tengo por las relaciones amorosas, los roles de pareja, la seducción y, en general, el comportamiento humano o sus miserias. Pero como me encuentro con que todo esto encaja difícilmente en los encargos, acabo desarrollándolo en los proyectos personales.

+ De tus colaboraciones con el grupo de investigación Cuerpo y Textualidad, destacan las portadas y el diseño de todas sus colecciones. ¿Es esto de dar la imagen a un libro y crear una imagen a partir de un título un trabajo, especialmente difícil?

LG Cada modalidad –ilustración de prensa, cartel, ilustración de libro, etc.– tiene sus diferencias, pero no encuentro que una sea más difícil que otra. La dificultad puede estar en los temas, que unos pueden dar más juego que otros. En el caso del las portadas de los libros de Cuerpo y Textualidad, me siento más suelta trabajando por la libertad y confianza que me dan. Y esto más bien facilita el trabajo. + Desde tu “Kamasutra” (Artichoque, 2006), que es una joya, hasta ahora, has realizado cada vez más proyectos relacionados con la ilustración erótica, como “La cama de Pandora” (El Mundo, 2010) y “Porno para mujeres” (Melusina, 2008). ¿Te gusta especialmente este terreno? ¿Te permite ser más irónica y sofisticada que en otros ámbitos?

LG Hacer el “Kamasutra” me sirvió para desnudarme sin pudor, dicho sea metafóricamente, lo que al principio, no me fue fácil. Descubrí que era un tema que me daba mucho juego y me divertía, y siendo un tema que de por sí cruza la frontera de lo políticamente correcto, me ha permitido ser más descarada. Pero no es que tenga una especial predilección por la ilustración erótica, aunque sí la

+ ¿Cómo es tu relación con el mundo de la publicidad? ¿Supone, a veces, tener que superar contradicciones?

LG Durante bastantes años trabajé sobre todo para publicidad, y es un terreno en el que me siento cómoda. Tanto en la publicidad, como en otros campos, mi intención es no infravalorar al público, y me gusta pensar que lo logro. No pretendo engañar o vender falsa felicidad, ni dar un mensaje que contradiga mi opinión. Aunque tengo límites; si fuera por ideología, no ilustraría ni algunos libros infantiles. + ¿Qué pregunta no te hemos hecho y, sin embargo, te gustaría responder?

LG De hecho, lo que me gusta es que no me hayáis hecho una pregunta en concreto, que es qué me inspira o de dónde sale la inspiración. Tanto misticismo me hubiera dejado en blanco, porque no tengo ninguna inspiración divina, gracias a Dios. + http://holeland.com/

+ Dibujos para el especial de moda de The New Yorker.

Link a la nota: http://9010.co/luciguti

+ Instalaci贸n Pink balls sobre la Av. Saint Catherine, Montreal. Foto: Marc Cramer

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personas creativas 079 arquitectura

Claude Cormier Pink balls

El arquitecto canadiense Claude Cormier sorprendió a los habitantes de Montreal con su instalación de 170 mil esferas rosas que cubrieron un kilómetro de la alegre y transitada avenida Saint Catherine. Ideas de un cultor y hacedor del paisaje urbano. | Texto: Leila Mesyngier

La reacción del público fue excelente. La avenida Saint Catherine, la más viva y transitada de la ciudad, apareció cubierta de pequeñas esferas rosas que despertaron la curiosidad de sus habitantes y de los turistas que la visitan cada año. Montreal, esa urbe canadiense divida entre dos lenguas y dos culturas, la inglesa y la francesa, brilló de rosa el último verano con el proyecto de Claude Cormier, un innovador arquitecto y urbanista local. Luego de pasar sus primeros veinte años de vida en la granja familiar en Quebec, estudió agronomía, arquitectura e historia y teoría del diseño, para convertirse en uno de los creativos más originales y urbanos de su país.

Cuando le propusieron realizar una intervención para la temporada de “Aires libres” en Saint Catherine (que transforma la avenida en una peatonal durante el verano), la policía de tránsito, la municipalidad y los bomberos le prometieron que la cuidarían. Sin embargo, desde su estudio Claude Cormier + Associés decidieron elevar la instalación por sobre el suelo, para dejar a esas instituciones por fuera del proyecto. “Y funcionó”, asegura el arquitecto. Así, junto a su equipo, diseñó 170 mil bolas similares a las que se cuelgan en el árbol de navidad, pero en lugar de rojas, verdes y blancas, fueron de tres tamaños y cinco tonos de rosa. “Era el color más desafiante para los oficiales de la ciudad, y un tono fuerte para sostenerse durante los tres meses del verano”, advierte.

El desafío era aún mayor, considerando que la avenida elegida alberga algunos “problemas”: “Saint Catherine tiene homeless, prostitutas, drogadictos. Debíamos proponer algo fuerte, persuasivo, algo que los una y que les permita desarrollar un sentimiento de orgullo y pertenencia, que dé forma a un vecindario y a una comunidad”, cuenta Cormier. Ubicada cinco metros por encima de la calle, esta joya visual y artificial, permitió moderar la luz y la sombra que recibieron los peatones a medida que transitaban el tramo de un kilómetro de la zona Este de la avenida. Y sus etapas de diseño, construcción e instalación fueron realizadas en colaboración con miembros de la comunidad, quienes aportaron material reciclado y

la buena voluntad para atar los cables colgantes en las puertas de sus patios, casas y negocios. El escenario urbano quedó teñido de amor, color y colaboración.

CULTO AL PAISAJE URBANO Cuando fundó su estudio en Montreal, Cormier contrató a un equipo de arquitectos y paisajistas amantes de viajar y recorrer el mundo.

Juntos llevan adelante diversos tipos de proyectos, que conjugan reordenamientos en el planeamiento urbano, con instalaciones temporarias para jardines y festivales. El trabajo que realizan es reconocido en todo el mundo, y Cormier fue elegido como la voz emergente de América del Norte, por parte de la Liga de Arquitectos de Nueva

+ Claude Cormier

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+ Clock Tower Beach, una playa artificial a orillas del río. Foto: Marc Cramer

York. La firma, además, obtuvo reconocimientos de las sociedades Americana y Canadiense de Arquitectos Paisajistas y el Instituto de Diseño de Montreal, entre muchas otras.

“El paisaje urbano es un tema bastante amplio, es cada aspecto de la esfera urbana, es la ciudad en todas sus escalas y con todos sus componentes. Es mucho más que sólo la configuración del espacio exterior, es más grande que las dimensiones físicas. Es también el encuentro de lo social, lo cultural, lo político y lo económico”, define Cormier.

Ahí mismo, en el espacio de la ciudad, es donde se plasman sus ideas y múltiples intervenciones, como el rediseño de Dorchester Square, en uno de los barrios más acaudalados de Montreal durante los siglos XVIII y XIX. Rodeada de monumentos y edificios emblemáticos de la historia de la ciudad, la plaza principal del vecindario conserva aún hoy su importancia arqueológica, arquitectónica y paisajística.

Por eso, el proyecto encarado por Cormier entre 2008 y 2010, es una celebración a este sitio histórico, y se propone restablecer y renovar el uso de esa plaza pública victoriana en el siglo XXI. Otra de sus huellas urbanas es TOM (Temporary Overlay Markers), un jardín temporario que transforma la avenida que atraviesa el Museum of Fine Arts Sculpture Garden desde la calle Sherbrooke (paralela a Saint Catherine). Estas señales blancas y amarillas –que se utilizan para demarcar líneas temporales en las autopistas- simulan un campo de margaritas, dan un respiro natural al paisaje urbano y proponen un alegre camino peatonal.

La Parc Hydro-Québec también es una de sus marcas registradas: una plaza entre dos edificios ubicada en el vibrante barrio de los espectáculos, el corazón cultural de su ciudad. Adyacente al Centro para el Desarrollo Sustentable, este espacio contiene condiciones de crecimiento similares a las de un bosque. Esto implica la permeabilidad de sus componentes y la posibilidad para la lluvia de fluir naturalmente en el suelo y protegerlo de los fenómenos climáticos (como la temporada de nieve y el calor extremo). Las plantas utilizadas son especies nativas que rodean un paisaje de algarrobos, transformando una zona de altos edificios en un escenario de frescura y alivio.

Cada uno de estos proyectos es encarado de manera diferente en el estudio, pero todos comparten un método de trabajo similar. “La

idea conceptual aparece rápidamente, y muchas personas pueden participar de ella. El proceso de diseño implica concentrarlo en clarificar esa idea; ése es el desafío. Y la construcción final de las partes se parece bastante a los primeros dibujos que armamos”, explica el arquitecto y conductor del estudio.

AUTÉNTICO MUNDO ARTIFICIAL Montreal suele despertar admiración entre quienes la viven y la visitan. Su dualidad, sus colores, sus estaciones, sus montañas y ríos combinan el encanto de sus dos culturas y una activa vida pública, especialmente cuando comienzan los días de calor. “Adoro Montreal”, dice el arquitecto, “no por sus bellezas, sino por su doble realidad cultural: dos modos de vida, dos actitudes diferentes que coexisten y que la hacen vibrar. Es una ciudad del contraste, tiene una vibrante energía urbana; no es rica, pero tiene un alma que la distingue”.

Desde allí, de esa percepción, viene la inspiración para cada uno de sus proyectos, de la contradicción, de lo artificial que, sin embargo, no es falso. “Estamos rodeados de un mundo artificial, que a menudo es falso. Las cosas que pretenden ser diferentes de lo que son… ahí es donde aparece la falsedad. Cuando digo que lo que hacemos es artificial, pero no falso, me refiero a un concepto de autenticidad que es real y que tiene como valor agregado la honestidad”, explica.

Y pareciera hablar de la playa urbana Clock Tower Beach, ese experimento que creó en Quai de l’Horloge, para sumarse a la remodelación recreativa y cultural del viejo puerto de Montreal.

El proyecto renueva el panorama y la mirada que recibe el visitante: el río San Lorenzo, el puente Jacques Cartier, la isla Sainte-Helene, la icónica escultura de Alexander Calder y la pintoresca zona vieja de la ciudad. Se trata de una playa urbana con sombrillas y reposeras en color cyan vibrante, duchas, una costanera y arena sedosa preparadas para sentir un respiro durante los calurosos meses de verano. Además, posee un área de estacionamiento delimitada con árboles, que reproducen el diseño del muelle. Una ventana al río que invita a los locales y a los turistas a disfrutar de este excepcional sitio y su atmósfera de placer, recreación y relajación. Un nuevo respiro natural en plena selva de cemento, con marca registrada de Claude Cormier. + www.claudecormier.com

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personas creativas 083 ilustración

Olaf Hajek

Ilustración surreal El arte del ilustrador alemán Olaf Hajek se distingue por su belleza excepcional, con un estilo que poco parece tener que ver con los formatos de ilustración que uno mama en las universidades norteamericanas, ni con las páginas ilustradas de The Guardian o Spiegel. Olaf es algo así como un rebelde en paz, donde su arte es el artefacto que comunica el simbolismo de un mundo propio y surreal. | Texto: Fernanda Cohen @fernandacohen

EL DISPARADOR Como todo movimiento, Olaf empezó aprendiendo las bases de la ilustración a través del diseño gráfico en la FH Düsseldorf en Alemania, de donde se graduó en 1994. Acto seguido, se mudó a Ámsterdam, en esa búsqueda incesante que lo caracteriza, con el propósito inherente de comprender otros mundos. Fue ahí que empezó a construir un portfolio sólido pintando, para luego enviárselo a clientes potenciales en el mercado editorial y publicitario. Y, como el que busca, encuentra, dicho y hecho, su primer trabajo comercial, llegó nada más que de la mano de la Playboy holandesa. De ahí en más, su carrera no tardó en establecerse.

Holanda lo recibió con los brazos abiertos, y su escena social lo ayudó a conectarse en las ligas mayores -tanto del mundo del arte comercial, como en el de las artes plásticas-, culminando esta gran etapa, enseñando junto a la legendaria diseñadora de moda Vivienne Westwood. Su estilo, naturalmente, también evolucionó en paralelo con la experiencia y el tiempo: “Mi estilo solía ser más oscuro y más expresivo, usaba muchos tonos marrones y negros. Algunos clientes se asustaban un poco de mi paleta de colores, pero con los años, mi estética se volvió más detallada y profunda, y no me costó asimilar el uso de colores más claros. Aunque, a su vez, siempre procuro mantener el lado oscuro de mis pinturas”.

Sus personajes, principalmente femeninos, protagonizan este mundo, o mejor dicho, esta era en la que Olaf existe plenamente. Cuando le pregunto la procedencia de los mismos, me responde con toda naturalidad: “Creo personajes que son un collage de toda la gente que voy conociendo alrededor del mundo. Me encanta combinar todos los diferentes elementos y estéticas internacionales, con el fin de crear una nueva unidad. Por ejemplo, adapté la idea de Marie Antoinette y creé una ‘Antoinette negra’, que lleva puesto la concepción de toda naturaleza en su cabeza: tanto su belleza, como su nacimiento y su muerte, y hasta su eventual posible desaparición”.

Con un lenguaje fuera de lo convencional, repleto del tipo de alma fundamental que todo director de arte (y ser humano) anhela en la vida, Olaf construyó entre pinceles, acrílicos y paneles de madera,

LA REVOLUCIÓN Poco a poco, pero con una visión innata de un universo propio que emana bastante de la cultura europea post Primera Guerra Mundial y sus inquietudes, Olaf se abrió paso inicialmente en Europa, y eventualmente, en Estados Unidos. Su cabeza es lo que siempre lo destacó, traducida a un caudal de belleza por momentos irresistible, no sólo por sus formas y sus colores, sino que más bien por el voltaje de sus redes de pensamientos mejor soñados.

“Encuentro inspiración en películas, viajes, libros y en la música, y estoy completamente enamorado del arte folclórico y de la señalética de las barberías africanas. Me fascina el poder de la sofisticación y de la simplicidad a la vez”. Los intereses de Olaf acarrean algo sutilmente peculiar, enfocándose muchas veces en todo aquel detalle que humaniza la rutina de un pueblo, enredado entre combinaciones remotas de flora y fauna de un estilo folclórico y, por supuesto, en conjunto con aquellas curiosidades compartidas por todo artista.

Su intuición le allana el camino rumbo a los recovecos de su imaginación, donde nos topamos con nuestras propias fantasías del inconsciente, sumergidas en aquellos miedos y deseos despojados de la realidad, que pocas logramos ver, pero a menudo solemos intuir.

+ Ilustración para la tapa de la revista Art of Eating.

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+ Trabajo personal

universos para Bacardi, Mont Blanc, Apple, Mercedes-Benz, Macy´s New York, Taschen, The New Yorker, The New York Times, Architectural Digest, Wall Street Journal, GQ y Voge Japan, entre muchos otros.

LA EXPANSIÓN A paso firme, Olaf se convirtió en uno de los ilustradores europeos más reconocidos en Estados Unidos, la meca de nuestro mercado.

“Primero y principal, me encanta la idea de trabajar para tantos países y mentalidades diferentes. El mercado americano representó una experiencia increíble al principio de mi carrera, impactado por la calidad y la variedad de artistas que encontraba. Sin embargo, esto cambió un poco con el tiempo; creo que todo se volvió más comercial y menos artístico, manteniéndose dentro de lo seguro, parcialmente, como consecuencia de la crisis de los últimos años.

En Europa, la ilustración se puso de moda mucho más tarde que en Estados Unidos, así y todo se extraña la libertad de expresión americana. Siento que en Europa los ilustradores pueden ser más expresivos conceptualmente, pero menos creativos a la hora de ejecutar y comunicar su arte”.

Suele pasar que el pasto del vecino siempre parece estar más verde, y es así que mientras que Olaf percibe que se lo trata como a un artista en Norteamérica -en vez de meramente un ilustrador, como en Alemania, por ejemplo-, de manera curiosa, lo que se tiende a contemplar desde la mirada americana, es exactamente lo opuesto.

“Cómo trabaja cada país y cada cultura es algo que uno aprende a leer con el tiempo. De todas formas, yo no me considero un artista en el mercado de las Bellas Artes, sino que más bien un ilustrador con un filo artístico”.

El desafío más palpable de la libertad de expresión de un ilustrador es nuestro deber de siempre mantener firme el objetivo de comunicar el mensaje del cliente, en un lenguaje claro y una estética

+ Black Antoinette

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+ Trabajo personal

atractiva, a diferencia de la expresión personal que caracteriza al artista plástico. Olaf es uno de los pocos que logra cruzar, ir y venir, a través de esta frontera pantanosa, y me cuenta que “cuanta más libertad, mejor el laburo para mí. Ese fue el caso con uno de mis trabajos preferidos: ‘Pray the devil back to hell’ (Rezá que el diablo vuelva al infierno). Es un documental dirigido por Gini Reticker, que salió en el 2008, acerca de las mujeres en Liberia, para el cual yo hice una serie de retratos que terminaron inspirando mi próxima exhibición individual en Cape Town (Sudáfrica), en la galería What if the world”.

EL LEGADO La historia continúa, repleta del resplandor similar al de un caleidoscopio, donde la belleza de sus formas muta infinitamente, para dejar al espectador en un estado casi hipnótico. Olaf lleva esa magia en su tacto y, cada vez que la presencio, vuelvo a sorprenderme, casi como si fuese la primera vez. ¿Entonces, qué sigue? “Estoy haciendo el póster para el festival Flower Show de Macy’s, junto a un par de tapas de libros y el packaging del perfume Amor Amor de Cacharel. Mi sueño es meterme más en el mundo de las Bellas Artes, y combinar mi carrera como ilustrador, con el éxito de un artista de galería. Para llegar a esta meta, me estoy preparando para irme a Sudáfrica por tres meses, para terminar mi próxima exhibición.

Necesito un descanso de mi trabajo como ilustrador, que cada vez está más influenciado por mi arte personal, que tiene un carácter más experimental”.

Y, si la inspiración no viene, hay que ir a buscarla, adonde sea, al igual que el medio de transporte y el destino adonde nuestro arte nos lleve. Consejo: “Sé honesto con vos mismo, e inspirate de todo lo que te rodea. Recordá que la ilustración no sólo es un acto creativo, es un negocio también, así que sé abierto a la gente nueva y aprendé a venderte a vos mismo”. ¡No podría haberlo dicho mejor! + www.olafhajek.com

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All Originals Represent

Gravitying, el grupo más Originals El grupo de trampowall Gravitying se consagró como ganador del concurso All Originals Represent y protagoniza la actual campaña publicitaria de adidas Originals en Argentina.

El trampowall es una disciplina que permite explorar y suspenderse en el aire mediante una cama elástica, que le sirve a los integrantes de Gravitying como plataforma para dispararlos más alto con cada rebote y hacer acrobacias en el aire, hacia una pared que los ayuda a potenciar sus saltos.

“Conocimos el trampowall a través del Cirque du Soleil; es una técnica que existe hace tiempo, pero no teníamos la infraestructura como para comenzar a entrenar. Durante varios meses, nos dedicamos a saltar en cama elástica, hasta que Hugo Palma -nuestro entrenador-, construyó una pared y comenzamos a explorar la disciplina. Trampowall combina la cama elástica con una pared que se encuentra en posición perpendicular a la cama, formando un ángulo de 90°, y tiene 4,30 m de altura. Desde el borde de la pared nos lanzamos hacia la cama elástica, donde rebotamos acostados de espaldas, y nos elevamos con el cuerpo en posición horizontal, para caminar por la pared y picar en ella. De esa manera, nos damos impulso para volver a caer en la cama elástica, que nos tira cada vez más alto. En los segundos de vuelo y de caída desde la pared hacia la cama, incluimos piruetas y acrobacias”, explican los integrantes de Gravitying.

El grupo se formó en abril de 2012, y está compuesto por cuatro acróbatas: Lucas Piedras (hace trapecio, acrobacia de piso y cama elástica), Sebastián Afonso (hace cintas, verticales, cama elástica y acrobacia de piso), Alejandro Aquino (hace báscula, cama elástica, acrobacia de piso, zancos y verticales) y Juan Manuel Barreto (acróbata de piso, hace verticales, báscula, cama elástica y zancos).

Para la campaña de adidas Originals, sumaron a Lola Werner, Paula Wittib y Nicola Le Rougetel, que también son acróbatas de piso y hacen cama elástica.

Por esta original habilidad, Gravitying fue elegido como grupo ganador del concurso All Originals Represent, por un jurado integrado por Julieta Pink, Fernando “Ardilla” Borrello, Nicolás Cota y el equipo de Comunicaciones de adidas Argentina, además de recibir 1600 votos del público. De esta manera, los chicos obtuvieron el 1° puesto y son los protagonistas de la actual campaña de adidas Originals en Argentina. El concurso invitó a los consumidores de todo el mundo a representar lo suyo, con su grupo de amigos, para demostrar su originalidad, su estilo propio y sus ganas de ser parte de la marca.

Esta iniciativa formó parte de la campaña adidas is all in, de la que participaron figuras como la cantante Nicki Minaj y el artista de hip hop Big Sean, el fenómeno del pop coreano 2NE1, el jugador más valioso de la NBA Derrick Rose y el exitoso diseñador Jeremy Scott.

Localmente, la campaña fue apoyada por diversos celebrities, como Nicolás Riera, Rocío Igarzábal, María del Cerro, Benjamín Rojas y Manuela Viale, que grabaron videos motivacionales para los grupos argentinos.

EL GRUPO QUE LLEGÓ MÁS ALTO Los integrantes de Gravitying se enteraron del concurso por la campaña que realizó adidas Originals en Facebook. Les resultó interesante vincularse con una marca como adidas, y la consideraron una oportunidad única para generar difusión y mostrar lo que saben hacer.

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ideas creativas 087 marketing

+ Gravitying mostró lo que sabe hacer en un show exclusivo en una fábrica de Saavedra, que representó el cierre de la campaña de adidas Originals.

Subieron su video a la Web de Originals y la suerte estuvo de su lado.

Estos chicos que entrenan de lunes a sábados en la escuela de circo Espacio Zero, de Leandro Aita, en Villa Crespo, bajo las instrucciones de Hugo Palma, hoy integran la campaña local 360°, que cobró vida en diversos medios (TV, cine, gráfica, medios digitales y puntos de venta), reforzada también con eventos, como el que se realizó en la tienda Fitzrovia y en una fábrica del barrio de Saavedra. + ¿Cómo fue la experiencia de filmar el video y hacer las fotos de la campaña?

G La experiencia de realizar el video y las fotos fue nueva, porque ninguno es modelo o actor, entonces no estábamos acostumbrados a ese tipo de producciones. Si bien hemos participado de publicidades y obras de teatro, nunca habíamos protagonizado una campaña publicitaria. Nos sentimos muy cómodos haciéndolo, porque todo el equipo de adidas fue muy amable, y eso generó un buen clima de trabajo. Había cámaras por todos lados, siguiendo cada paso que dábamos. Después de un rato de fotos, empezamos a relajarnos y a disfrutar de lo que estábamos haciendo. + ¿Cómo se sienten al verse parte de la campaña y tener presencia en revistas y en vía pública?

G Realmente, es una sensación indescriptible…Ver tu cara del tamaño de 4 m², no es algo que pase todos los días. Vernos en los locales también fue una sorpresa; algo que le agrega mucho entusiasmo es que cada persona que nos conoce y ve un afiche de Gravitying nos escribe emocionada, asombrada, y nos manda fotos de cada cartel que se cruza. Eso es importante para nosotros, porque

Link a la nota: http://9010.co/alloriginals

el público acompaña nuestro crecimiento y se alegra de cada paso que damos. Para el grupo es fundamental sentir ese apoyo. Constantemente, nos felicitan y suben fotos nuestras a la Fan Page de Facebook www.facebook.com/gravitying y nos mandan mensajes a través de nuestra Web www.gravitying.com. + ¿Creen que la indumentaria de adidas Originals representa al grupo y los ayuda en la práctica de su disciplina?

G La ropa de adidas Originals nos representa porque tiene un estilo particular, como nosotros. Nuestro grupo y nuestra disciplina son algo único, y eso también se transmite a través del vestuario. Además, la indumentaria de adidas es cómoda, y eso es fundamental para poder saltar. Se ocuparon de que nos sintiéramos cómodos con las zapatillas que nos daban, y eso es lo más importante para practicar trampowall. + ¿Está cambiando la vida del grupo a partir de esta experiencia?

G Está pasando todo muy rápido y esperamos que, a partir de esto, haya un cambio importante. En principio, nos estamos exigiendo más como acróbatas profesionales, para realizar más avances en menos tiempo. También nos estamos dedicando a armar números más complejos, que sirvan para montar un show variado y de alto nivel artístico y acrobático. Creemos que es una excelente oportunidad para darnos a conocer, para mostrar la disciplina que nos apasiona, y para que todos disfruten de ver a Gravitying volar. Nuestro objetivo es que Gravitying crezca profesionalmente, seguir trabajando en esto y vivir de esto. + www.adidas.com/Originals | www.gravitying.com

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Festival Internacional de Diseño de Buenos Aires Más allá de los límites

Del 18 al 20 de octubre, el barrio de Barracas fue escenario del IV Festival Internacional de Diseño. Así, Buenos Aires demostró por qué es una de las Ciudades de Diseño según la Unesco. Workshops, seminarios, talleres, ciclos de cine, moda y diseño se sumaron a picnics y charlas de destacados invitados internacionales. ¿La consigna? El diseño en expansión. | Texto: Natalia Iscaro @Natusfila Fotos: Maia Croizet @MaiaWATIO

+ Instalación Pastizales caseros de Martín Huberman sobre la Av. Caseros. Foto: Gentileza FIDBA

ideas creativas

+ 089 diseño

El diseño está en todo. Lejos de ser un dominio exclusivo de industriales, fashionistas ni interioristas, hoy es una red que se expande desde todo lo que observamos, con lo que interactuamos e, incluso, condiciona nuestra manera de pensar. Algo que ya promueve el mentado “design thinking”, y que se ha convertido en un modelo de trabajo para muchas disciplinas. No implica una metodología cerrada y estanca; en cambio, el diseño es permanente renovación, y una que no rechaza sus raíces y que por sobre todo persigue la optimización. Herramienta potente, el diseño puede, incluso, transformar hábitos y estructuras sociales, y hasta mejorar la calidad de vida de las personas.

Este fue la idea madre que guió el IV Festival Internacional de Diseño, que tuvo lugar en el Distrito de Diseño de Barracas, del 18 al 20 de octubre. Su lema, “diseño en expansión”, fue el motor para reforzar la importancia del diseño en nuestra vida cotidiana.

Considerado uno de los encuentros más relevantes del sector, su programación incluyó muestras que fueron desde la industria del transporte urbano, la comunicación y la alimentación, al arte, el trabajo y la cultura. Exposiciones, workshops, talleres educativos, acciones urbanas y eventos especiales se encargaron de teñir al sur de la Ciudad de Buenos Aires, del diseño en todas sus manifestaciones. A continuación, algunas de las acciones más destacadas.

EL CARRITO: LA ESTRELLA El arquitecto Martín Huberman fue, acaso, quien mejor exploró la capacidad del diseño y su poder transformador. Con la idea de generar un dispositivo que pudiera recorrer las calles de Barracas, creó al proyecto “Carrito”, a partir del cual buscó generar el acceso del público general a eventos, nuevas experiencias y objetos de diseño que por precio o desconocimiento, no forman parte del lenguaje de los habitantes de la ciudad. Tal vez por eso mismo fue que Huberman

+ El Carrito de Martín Huberman en la entrada del CMD.

recurrió a este ícono de la idiosincrasia local, el carrito, que aquí se mostró mejorada, con un diseño contemporáneo y atractivo.

El citado vehículo llegó hasta la Av. Caseros, la que fue intervenida con islas de pastos, en una instalación que se llamó “Pastizales caseros”. Así, los visitantes podían disfrutar de un picnic especial, a lo cual se sumó que varios restaurantes del barrio sirvieron menús a medida de la ocasión. Asimismo, este mismo carro se fue trasladando a lo largo de los días que duró en festival, y ofreció al público distintas actividades. La primera, “tuneá tu bici”, fue realizada en conjunto con la Dirección General de Movilidad Sustentable del Gobierno de la Ciudad. Se invitó a quienes tuvieran bicis tuneadas a participar de una recorrida y desfile, y se entregó dos premios para las categorías: decorativas y equipadas. Luego, “Canjeá tu lámpara y sé feliz”, desarrollada en conjunto con el estudio La Feliz, por la cual el público podía llevar sus lámparas viejas para canjearlas por otras diseñadas por el estudio. En suma, nuevas formas de acercar el diseño al público en general.

ACTIVIDADES E INVITADOS La calle principal del CMD alojó a la muestra “Acá hay diseño”, una exhibición interactiva con productos de la vida cotidiana. Desfiles de indumentaria, shows en vivo de nuevas bandas y lecturas, se ubicaron en este mismo corredor. La Fábrica Sustentable fue una iniciativa que generó objetos a partir de materiales de descarte de las escuelas de capacitación del CMD, y funcionó durante los tres días del festival, en el Museo del Sitio del CMD. Además, la ONG Cosiendo Redes dio un taller en vivo, durante el cual el público realizó intervenciones en pañuelos de sublimado.

Por su parte, la marca Kontracorriente realizó intervenciones con telas y descartes textiles, y la escuela de marroquinería (CIMA),

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+ Masisa Lab presentó los proyectos ganadores de su primer workshop dedicado al desarrollo de mobiliario listo para ensamblar.

+ La marca de indumentaria Kontracorriente realizó intervenciones con telas y descartes textiles en el CMD.

+ La asociación Creativida Ética propuso una exhibición audiovisual y de maniquíes de la muestra DesignAbroad 2012 que realizó en Turín, Italia, con portfolios de 25 empresas creativas argentinas.

brindó un taller en vivo de armado de fundas para celulares y accesorios de cuero. El CAFYDMA, escuela de tapicería con sede en el CMD, armó sillas en vivo que luego fueron sorteadas, y la editorial cooperativa Eloísa Cartonera prestó su ayuda para el diseño de cuadernos. Bajo el lema “La ciudad siempre fue parte del cine”, se presentó la primera edición del Ciclo de Cine de Arquitectura y Diseño “Expansiones”, en el cual se recorrieron ciudades y prácticas de arquitectos y diseñadores, con el apoyo del ADFF (Architecture Design Film Festival) de Nueva York.

La movilidad urbana fue la consigna que guió las presentaciones de invitados internacionales, quienes acudieron a nuestra ciudad para disertar sobre desplazamientos, información y conectividad en las ciudades latinoamericanas, el modelo de la ciudad legible y el diseño de las calles. Estuvieron presentes Isabel Arteaga (Bogotá), Bernardo Navarro (México DF), Juan Carlos Dextre (Lima), Oscar Figueroa (Santiago de Chile), Juan Pablo Bocarejo (Bogotá), Fabiana Izaga (Río de Janeiro), Marcel Smets (Bélgica) y Eric Le Breton (Francia), entre otros. A las conferencias se sumaron las de dos figuras de la talla de Eames Demetrios (nieto de los míticos Ray y Charles) y el destacado diseñador de moda brasileño Ronaldo Fraga.

En una de las terrazas del CMD, la empresa Colección -licenciataria de Herman Miller- presentó “50 años anticipando el futuro”, una exposición de diseño, en la que se pudo interactuar con mobiliario histórico agrupado por épocas, décadas o evolución en su diseño y tecnología. Asimismo, se expusieron los proyectos seleccionados del Premio Citroën Creative Technologie, que propuso como tema la creación de “Colecciones con esencia argentina”, que transformen el espíritu Citroën en productos portables, indumentaria y accesorios con carácter local.

Y el diseñador Guillaume Sasseville hizo su aporte con la presentación de “Monogram Vase”, desafiando la producción en masa. Todo confabuló para hacer de estos tres días una experiencia a puro diseño, un diseño en expansión. Gracias a ello, el IV Festival Internacional de Diseño reforzó su vigencia como una plataforma de vivencias, a partir de los vínculos interpersonales, y también de las vivencias de todos los días. + www.fidbsas.com

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+ Eames Demetrios en el CMD

EAMES: EL VALOR DE LAS IDEAS “Creo que, así como los objetos de los Eames son hermosos, las ideas también lo son”, explica Eames Demetrios, nieto de los célebres Ray y Charles Eames, un matrimonio de dos creativos que supo crear de míticos muebles del siglo XX, que todavía hoy sirven como modelo e inspiración, y que en el país son licenciados y comercializados por Colección. Cineasta y emprendedor creativo, Demetrios es, además, uno de los encargados de preservar el legado de su familia. En su paso por Buenos Aires, convocado para el IV Festival Internacional de Diseño, su objetivo fue difundir las ideas de sus abuelos, y presentar el documental de la práctica del trabajo en lo que fue la fábrica de los Eames, un film que fue inspirado en un libro escrito por él. De todo esto pudimos dialogar. + Venís a dar una charla sobre las ideas de tus abuelos, ¿cuáles son estas ideas? ¿Son para diseñadores?

ED No, ayudan a todo el mundo. Charles decía que el rol de un buen diseñador es ser un buen anfitrión. Es poder anticipar los deseos de los demás. En diseño, hay preconceptos como “menos es más”, “forma vs. función”, pero la filosofía de Charles era poner a la persona en el centro. Si sos un anfitrión, querés que tu casa tenga muebles atractivos, pero también funcionales, y que no se rompan en los próximos diez años. Hoy muchas publicaciones usan las palabras “diseño” y “estilo” como sinónimos, pero desde un punto de vista del diseño, lo que se busca siempre es solucionar un problema. Charles y Ray tenían estilo, pero ante todo, dejaron un legado de problemas resueltos. El alma de un diseñador está en todo lo que hace, no hace falta pensarlo demasiado. El estilo de los Eames varía mucho de un proyecto a otro, incluso, siendo contemporáneos.

+ En uno de sus films, Eames Demetrios cuenta la historia de una familia de elefantes, protagonizada por el diseño de asiento infantil Elephant de sus abuelos.

+ ¿Cómo te hiciste cargo de viajar por el mundo preservando su legado, además de tu trabajo?

ED Bueno, pasó que mi abuela se murió rápidamente. En ese momento, yo estaba en Los Ángeles, trabajando en una película, y me di cuenta de que si no prestábamos atención, las cosas que nos importaban, rápidamente desaparecerían. Mi idea fue ayudar a promover las ideas que ellos tenían, y el espíritu de su trabajo.

Y quería estar seguro de que los muebles fueran elaborados correctamente. Cuando te sentás en una silla de Ray y Charles, sos su invitado. Y muchas veces, la gente es engañada, y piensa que tiene un original y no es así. Además, siguen siendo soluciones muy contemporáneas. Quería que la gente entienda que la autenticidad en el diseño no es lo mismo que en el arte. En arte, una obra de Picasso es única; en diseño, la multiplicidad es válida, pero tiene que ser la original. + ¿Cómo fue para vos ser el nieto de los Eames?

ED Eran fabulosos, nosotros no nos dábamos cuenta de que eran famosos, además, la idea del diseñador como un rockstar es bastante nueva. Eran dos personas fascinantes, íbamos a su oficina y siempre había magia; íbamos a su casa y siempre había cosas increíbles para chicos. Mi abuelo murió cuando yo tenía 16, y mi abuela cuando tenía 26, así que cuando fui a la universidad, me di cuenta de lo talentosos y reconocidos que eran. Porque cuando estábamos con ellos, estaban más curiosos de lo que hacíamos nosotros.

+ Vas a presentar algunas de sus ideas en el Festival.

ED Sí, hay muchas ideas valiosas. Por ejemplo, ellos nunca delegaban, ellos querían que el aprendizaje sucediera dentro de su oficina, para que el aprendizaje ocurriera puertas adentro.

+ Contame un poco a qué te dedicás.

ED Tengo un universo paralelo. Creé Kymaerica y el Kcymaerxthaere, una historia alternativa del mundo. Ficciones tridimensionales, que exploran distintas culturas del mundo, espacios que intervengo y fotografías que tomo, que me ayudan a recuperar y soñar esas historias. También soy curador del DASFilmfest.com, un festival online sobre diseño, arquitectura y sustentabilidad.

+ Sobre el documental, parece que era muy divertido trabajar con ellos.

ED Sí, incluso muchas de las personas que trabajaron con ellos vieron el documental, y me contaron que incluso era más divertido de lo que se ve, porque la película tiene sus partes más serias. Para ellos era mágico. Era como un circo.

Desde India a África, Eames relata sus historias y va trazando las ideas para el recuerdo de su familia. Leyendas reales y ficticias, que marcan su rumbo y que, el pasado octubre, lo trajeron al país. + www.eamesdemetrios.com | www.eamesoffice.com | www.kcymaerxthaere.com

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+ En la muestra Monogram Vase, se les pidió a los participantes que ayudaran al diseñador Guillaume Sasseville a tallar su florero. Fotos: Gentileza SSDVLL

GUILLAUME SASSEVILLE: IDEAS SIMPLES En el marco del IV Festival Internacional de Diseño, el diseñador canadiense Guillaume Sasseville presentó “Monogram Vase”, una muestra que transformó floreros comunes en piezas únicas de colección, elaboradas a medida. Basado en la técnica del monograma, los participantes pudieron grabar sus nombres y apellidos en las piezas. El estudio de Sasseville, SSSVLL, se dedica al diseño de objetos únicos, en contra de la producción en serie. En su paso por la ciudad, pudimos tener una charla con él. + ¿Cómo surgió Monogram Vase?

GS Fue desarrollado especialmente para el festival. Se planeó como una performance, que involucrara la participación del público. + ¿En qué te inspiraste?

GS Hace poco, un cliente me preguntó cómo podía hacer que mi producto fuera único y personalizado para mis clientes. La discusión derivó en la noción de monograma, que es la noción de gravar o bordar las iniciales de alguien para marcar sus pertenencias.

Quería explorar con este proyecto cómo la personalización puede definir la forma de un objeto en sí mismo. Paralelo a este proyecto, estoy trabajando en una colección de vasos. Al hacerlo, me di cuenta de qué simple es la tecnología del soplo de vidrio. Utilizando el enfoque del tallado de los moles de vasos, a partir de un torno de madera, vinculé esta técnica con la idea de moldear con un alfabeto de monogramas. Otra cosa importante fue involucrar a las personas en el proceso de creación. Se les pidió a los participantes que ayudaran al diseñador a tallar su florero. + ¿Cómo definirías a tu estilo?

GS Mi estilo está guiado por la idea de “comportamientos de to-

dos los días y objetos comunes”. Me gusta jugar con los íconos básicos: el vaso común, el florero común, la soga común. La colaboración con artesanos especializados es una parte muy importante de mi trabajo, donde combino este enfoque con tecnologías industriales. Trabajar con ideas simples que requieren un alto nivel de sofisticación. + ¿Qué es lo que más disfrutás de tu trabajo?

GS Hacer que las cosas sucedan, discutir nuevas posibilidades, materiales, técnicas, tecnologías, observar nuevos comportamientos y siempre tratar de dirigirse a ellos de manera certera. + ¿Cuál es el próximo desafío del diseño?

GS Crear interacciones entre las personas y el diseño de manera inteligente. Disminuir el consumo y crear productos que la gente se quede, que los respete y esté orgullosa de ellos. + ¿Cómo encontraste a la ciudad?

GS ¡Asombrosa! La ciudad y toda la gente que conocí. Por todos lados, hay una experiencia gráfica sin fin, desde los colectivos a letreros vernáculos. Desde ya ruidosa, pero con espacios ocultos impresionantes. + ¿Y cómo viste su diseño?

GS Encontré intervenciones urbanas muy interesantes: bancos, luminarias urbanas y una gran cantidad de diseñadores del espacio talentosos, bares, tiendas y cafés muy bien diseñados. Espero volver y conocer mejor la ciudad. + www.sssvll.com

Link a la nota: http://9010.co/fid2012

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+ La Cafetería de Julio Oropel recibió la Medalla de Oro a la Arquitectura Mercedes Malbran de Campos.

Casa FOA 2012

Las tendencias en diseño y decoración en un solo lugar Bajo el nombre de Casa FOA Molina Ciudad, se llevó a cabo la edición número 29 de la exposición nacional de arquitectura, industria, diseño interior y paisajismo, del 7 de septiembre al 14 de octubre, en la ex fábrica textil Alpargatas, ubicada en el barrio de La Boca. | Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

Casa FOA 2012 eligió una sede emblemática, el edificio Molina Ciudad, en la ex fábrica Alpargatas, en un barrio que acumula historia y cultura, La Boca. Así, en la planta baja, en honor a aquellos que hicieron de su oficio un estilo de vida, se instaló Casa FOA Artes y Oficios de Buenos Aires, un sector dedicado al artesanato, con el objetivo de concientizar al público acerca del valioso aporte de la actividad para la rica tradición y evolución de la arquitectura y la fisonomía porteñas.

Además de sus clásicos espacios, que este año fueron cuarenta, la edición 2012 de Casa FOA convocó a profesionales de distintas disciplinas a participar de sus concursos de diseño, cuyos protagonistas

fueron los bancos urbanos. La consigna fundamental fue que los objetos creados pudieran usarse durante la exposición, para permitir que el público interactúe con ellos. En cuanto a los premios, el Espacio #2, Molina Cafetería, intervenido por el arquitecto Julio Oropel, recibió la Medalla de Oro a la Arquitectura Mercedes Malbran de Campos. Por su parte, el espacio #32, Espacio Molina Ciudad, desarrollado por Alfred Fellinger y Team Fellinger, ganó la Medalla de Oro de Paisajismo. El espacio #13, Auditorio, intervenido por la arquitecta Paula Herrero, recibió la Medalla de Plata a la Arquitectura y Diseño de Interior, mientras que el espacio #36, Loft con Terraza, creado por Judith Babour, obtuvo la Medalla de Plata de Paisajismo.

ideas creativas

+ 095 diseño

+ Una sala de baño moderna, propuesta por Angélica Campi.

LOS ELEGIDOS DE 90+10 Como todos los años, 90+10 recorre y analiza todos los espacios de Casa FOA, para elegir a aquellos que se destacan por la innovación en el uso de los materiales y la combinación de arte y diseño.

Espacio #16: Para comenzar bien el día El espacio #16, titulado Breakfast, de las arquitectas Daniela Kalika y Licia Falicoff, apuntó a crear una estancia cómoda, fresca, multifuncional y, especialmente, práctica. Una mesa-barra domina el espacio y es el punto de partida a partir del cual se conforman diferentes elementos que lo completan, como son las grillas para la vajilla y la mesada que conecta a la cocina. Predomina el blanco en muebles de Qidea y vajilla que contrasta con los toques de color, entre ellos, celeste y bordó, como parte de la decoración moderna. Dos destacados de la estancia son las luces, cuya forma de huevo remite a lo gastronómico, y las sillas altas tipo bar, que le dan una personalidad moderna y a la vez funcional. El breakfast es un espacio de estar, de reunión familiar. Dado esto, se diseñó un panel multifunción, pensado para diferentes usos. Los colores y los materiales utilizados, así como también las líneas modernas, conforman un ambiente alegre y joven, para ser vivido por una pareja o una familia con hijos de diferentes edades. El espacio recibió el Premio Casa FOA y BGH a la mejor exhibición de producto y el Premio Casa FOA y Alba Tendencias del Color 2013.

Espacio #27: Un spa personal El espacio #27, de la arquitecta Angélica Campi, presenta una sala de baño moderna, pensada para un matrimonio que dedica mucho tiempo al cuidado personal. Cuenta con un lugar para darse un baño de inmersión o ducha, un sauna, un sauna seco, una ducha de sensaciones y una ducha escocesa. Las bachas de apoyar tienen un asiento para poder maquillarse, higienizarse, etc. Hay lugares de guardado y un cubículo cerrado en carpintería de vidrio satinado, que aloja un inodoro sustentable, para el ahorro de agua. La caja se completa con carpinterías vidriadas para dejar pasar la luz natural del balcón, con especies vegetales colocadas en forma vertical. El cielorraso es un inmenso artefacto de luz para producir el efecto de estar en un exterior. Completan este equipamiento un cómodo sillón para hacer una pausa después de un baño reparador.

Espacio #19: Allí nos vemos El espacio #19, bautizado Natural Meeting Point, de María Cordero y Malena Perkins, apunta a un sentimiento de serenidad, invitando a vivir una experiencia que transmita algo más allá de lo visual, para reír y soñar. Con la madera como protagonista, el espacio remite a un viaje hacia la Cordillera de los Andes, un paraíso natural donde se respira la vida salvaje, rústica, austera. Ese entorno natural fue la fuente de inspiración para rescatar tiempos de vida más apacibles, apreciar el valor de lo hecho a mano, de los sonidos de la

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+ Un loft con terraza, diseñado para un hombre soltero, por Judith Babour.

naturaleza. Para representar este mundo, se montó una ilustración a gran escala, que muestra la escena de una manera sutil, con un trazo etéreo. Además de estar presente en el piso, la madera invade el pórtico, las paredes, la columna, el cielorraso y gran parte del mobiliario; se combinó el roble de Eslavonia y la madera de pinotea. Para el piso, se eligieron unas baldosas de parquet de madera de roble. Parte de los paneles fueron tonalizados y colocados en forma de damero.

Espacio #32: Definir espacios exteriores Dentro del espacio #32, Oficina Cornejo Achával, Bulla Paisaje, un colectivo de jóvenes paisajistas, propuso un jardín bien en sintonía con la sede de la muestra. La propuesta fue generar un lugar de encuentro y socialización como expansión del Espacio Oficina Cornejo Achával, desde donde percibir la totalidad del emprendimiento. La estancia se construye a partir del vacío conformado por un perímetro de naturaleza metálica que lo envuelve. Existe un diálogo directo con el edificio; se vinculan a través del color, los materiales, la visual y la emoción. El desafío estuvo dado por la reinterpretación funcional y estética de los materiales que se encontraban en el lugar –desechos de obra y materiales de construcción- para definir el sector exterior. Los elementos clave de la escena son un bosque metálico, conformado por hierros de construcción 8mm, modulados y con una terminación de manguera de nivel. También, una platafor-

+ Breakfast, un espacio de estar y de reunión familiar, por Daniela Kalika y Licia Falicoff.

ma de madera, suspendida sobre una línea de luz y, por último, un soporte de piedra partida. El mobiliario es de la firma Move, hecho de alquina, una fibra sintética altamente resistente al exterior y de acero inoxidable.

Espacio #36: Sólo para solteros El espacio #36, Loft con Terraza, de Judith Babour, muestra un loft diseñado para un hombre soltero de mediana edad, con mucha vida social, reflejada en cada uno de los detalles de la estancia. La distribución de los espacios fue muy bien aprovechada, generando una vivienda abierta, moderna y funcional, con un diseño simple, de carácter lineal, con el que los interiores se unifican, a través de la combinación de diferentes materiales nobles y texturas que marcan solidez y sobriedad. Un tabique chimenea revestido en madera de lapacho y mármol con textura, y ubicado en el centro del loft, es el protagonista de este proyecto, al delimitar los ambientes. Crea un amplio living, formado por un juego de sillones livianos, tapizados en la gama de los grises, con almohadones al tono y una mesa baja en madera y metal.

A la derecha de la chimenea, se presenta una biblioteca lineal de doble altura, realizada en melamina Teca y chapas de metal y, a la izquierda, se encuentra la cocina con una barra en madera y mármol,

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+ El espacio #40 de Pía Cernadas y Juan Caram, con equipamiento desarrollado especialmente con Industrias Solano.

con banquetas tapizadas. En el dormitorio, el tabique funciona como respaldo de una cama de diseño contemporáneo, vestida con almohadones y mantas de diferentes texturas, que la hacen sumamente confortable. El piso y las paredes están revestidos con microcemento alisado grisáceo. En el ventanal principal, se colocaron cortinas rollers screen, y para el cielorraso se pensó en una bandeja de madera suspendida en el centro, para unir los espacios e iluminarlos.

Espacio #40: Para verte mejor El espacio #40, de los arquitectos Pía Cernadas y Juan Caram, propone una mejor forma de trabajar, a través de un ambiente cálido, amigable, que genere bienestar y múltiples modos de estar en la oficina. Para tal fin, desarrollaron muebles de formas orgánicas y flexibles, con materiales nobles, autóctonos y en sintonía con la naturaleza, como maderas y tejidos de la Puna. Se destaca una de las paredes revestida con un mural multicolor de tejidos de origen autóctono, realizado por la artista plástica Flor Viton, que remiten a los dibujos y colores que se encuentran en la naturaleza. Este material textil también está presente en los almohadones del banco.

LOS COLORES QUE MARCAN TENDENCIA BY ALBA Casa FOA es la plataforma elegida año tras año para el lanzamiento de las Tendencias en Color, resultado de la investigación, el pronós-

Link a la nota: http://9010.co/casafoa12

tico y el desarrollo mundial que realiza Alba, sobre las tendencias en decoración con color. La paleta, especialmente seleccionada para 2013, estuvo presente en todos los rincones de la última edición de Casa FOA, donde desde los espacios hasta las escaleras funcionaron como escenario para acercarles a los visitantes lo que se viene para el próximo año. Para el 2013, el concepto inspirador es Conexiones y el color clave es el Violeta Inspirado, de la familia de los azules, que actúa como un bálsamo visual, un relax en nuestras ajetreadas vidas.

ESPACIOS CON EL SELLO MASISA Junto a los principales referentes del mundo de la decoración, Masisa presentó en Casa FOA 2012 nuevos diseños de tableros, además de ser el sponsor principal de dos de los espacios clave de la muestra: Auditorio, materializado por Paula Herrero -que pensó en un bosque que trabaja el módulo, la repetición, la textura, el montaje y la serie de tableros Masisa, dejando a la vista los detalles originales del edificio, como las losas armadas sin vigas y las columnas de hormigón octogonales- y Confitería, a cargo de Julio Oropel. Este último, cautivó con un espacio en el que los asistentes disfrutaron de un momento de descanso y recreación, donde utilizó una audaz combinación de los diseños roble americano, correspondiente a la línea de enchapados melamínicos y melamina negra. + www.casafoa.com

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London Design Festival Diseño 100% internacional

La multiplicación de las exhibiciones internacionales que tomaron Londres durante el pasado mes de septiembre, hizo de la ciudad un verdadero encuentro de culturas alrededor del diseño. | Texto: gt2P (*) @gt2P

+ Colección de piezas de bronce Royal Mahuida de gt2P.

Este año, la muestra 100% Design –parte del London Design Festival- abrió el espacio para que once países y regiones del mundo instalaran un pabellón con sus mejores exponentes del diseño, entre ellos, Chile y Argentina. Esto se sumó a las iniciativas de otras delegaciones que vienen realizando muestras nacionales desde hace algunos años, aportando entre todas al encuentro de diversas culturas de diseño.

capacidad de hacer confluir la innovación con la industria, actividad predominante en este país. En él se destacaron los diseños experimentales de estudios que se han establecido en Europa, como parte del aprendizaje de la cultura del diseño.

Estas muestras dan una idea de la situación del diseño en todo el mundo. Cada una habla de su relación particular con el contexto social o económico en el que se desarrolla, a pesar de que es evidente la multiplicación de influencias en un mundo globalizado. Si bien cada exhibición contó con una diversidad de propuestas, es posible descubrir algunos rasgos comunes que hablan de los valores locales, la producción de contenidos y la industria en cada país.

El estudio InBetween, formado por Kiseung Lee, pone énfasis en los materiales y las formas, como elementos esenciales para descubrir nuevas posibilidades. Tal como lo dice su nombre, One piece of lamp es una pantalla hecha con una sola lámina de madera, PVC o PET, cortada con un patrón que le da flexibilidad al material. Otro estudio coreano destacado durante el Festival fue Bymars, creado por Mars Hwasung Yoo. Simultáneamente, trabaja con diseños funcionales para grandes firmas y presenta en ferias y galerías proyectos más experimentales. Con su lámpara Hat, al mismo tiempo, brinda satisfacción práctica e invita a crear nuevas experiencias visuales.

El pabellón de Corea en 100% Design estuvo orientado a la difusión de los valores creativos que están implícitos en el diseño y a su

Los holandeses de Connecting the Dots comenzaron como una publicación para difundir el trabajo de los representantes de su país,

(*) gt2P es un estudio chileno de dseño y arquitectura que participa de eventos de diseño internacionales, y comparte con 90+10 sus experiencias, hablando sobre nuevos diseñadores y tendencias. www.gt2p.com

ideas creativas

+ 099 diseño

+ One piece of lamp de InBetween es una pantalla hecha con una sola lámina de madera, PVC o PET, cortada con un patrón que le da flexibilidad al material. www.leekiseung.com

+ Silla apilable Dove 44 de Anon & Co. http://anonandco.com/

que exhibían en la Semana del Diseño de Milán. Ahora, son los encargados de llevar la cultura de diseño holandesa a los eventos internacionales más importantes. Durante el pasado Festival, se instalaron en Tent –otra de las muestras del London Design Festival- con diseños que están en la frontera con el arte, desafían los sentidos humanos y tienen una profunda consciencia de su capacidad para revertir el consumismo en la sociedad actual.

colección de pequeños contenedores modulares, fabricados con madera nativa y cobre. Resultan especialmente atractivos, gracias a las distintas combinaciones de nueve cuerpos, completando 40 objetos diferentes con distintas capacidades y formas.

Brian Steendyk, diseñador de Anon & Co presentó la silla Dove 44.

Un diseño apilable con aire escultural, que explora las posibilidades de las líneas, las formas y los colores, utilizando materiales reutilizables. Por su parte, Imme van der Haak se convirtió en el ícono de la exhibición con Beyond the body, una apuesta por intervenir la figura humana a través de fotografías impresas en sedas traslúcidas. Éstas crean capas diferentes que distorsionan la percepción y dan origen a una figura nueva en cada movimiento.

Chile estuvo presente en un pabellón de 100% Design, con diseños que se caracterizaron por recurrir a procesos creativos de producción, incorporando oficios tradicionales y materiales nativos que representan al país. El estudio Bravo! presentó La Familia, una

Link a la nota: http://9010.co/londondesign12

Nuestro aporte a la exhibición fue el lanzamiento de la colección Royal Mahuida. Un conjunto de piezas de bronce realizadas a partir de modelos impresos en 3D, que rinden tributo al Imperio Inca, a sus historias y sus tradiciones artesanales.

Estos casos permiten ejemplificar tres tendencias del diseño en el mundo. Una de aquellos países que tienen una tradición industrial y recurren a las raíces de su cultura para agregar valor a sus productos; los que ya han consolidado una tradición alrededor del diseño y están enfocados en la experimentación y la generación de nuevos contenidos; y los que no han consolidado una industria local de diseño y ponen en valor los conocimientos que tienen a mano para impulsarla. Un evento como el London Design Festival permite que todas ellas entren en contacto, e intercambien conocimientos que les ayuden a proyectarse hacia el futuro. + www.londondesignfestival.com

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+ María Zunino, presidente de DArA. Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

DArA ID

El diseño modifica la realidad El Distrito de Diseño fue sede del 3º Encuentro Internacional de Interiorismo y Diseño DArA iD, que se llevó a cabo en el edificio del Centro Metropolitano de Diseño, en Barracas, el 24 y 25 de octubre, con invitados de lujo, entre ellos, el multipremiado diseñador norteamericano Karim Rashid.

Durante dos únicos días, DArA ID convocó a los profesionales internacionales más destacados del mundo del diseño y la decoración.

Este año, fueron parte de los oradores internacionales figuras como el norteamericano Karim Rashid, Hugo Haas del estudio Ciguë de Francia, Alberto Martínez de la firma CuldeSac de España, Shashi Caan de India y Arthur Casas y Diana Radomysler de StudioMK27 de Brasil.

Bajo el lema “Cómo el diseño modifica la realidad”, DArA iD fue el espacio de encuentro de prestigiosos profesionales de distintas culturas, quienes expusieron proyectos internacionales de éxito y, también, experiencias locales, con el fin de reflexionar y arribar a conclusiones con fines prácticos y aplicables a la realidad local, interactuando y debatiendo ideas, estilos, movimientos y direcciones sobre interiorismo y diseño. DArA iD está organizado por DArA -Decoradores Argentinos Asociados-, una asociación sin fines de lucro, constituida para desarrollar y promover la temática afín al interiorismo y el diseño, siendo la primera entidad que nuclea a decoradores, profesionales y empresas del sector en la Argentina.

LAS VOCES DEL INTERIORISMO INTERNACIONAL Según explica María Zunino, presidente de DArA, el proceso para

la elección y la invitación de los oradores internacionales comienza varios años antes: “Siempre buscamos que la figura de cierre sea un número uno mundial. Por eso, para esta edición elegimos a Karim Rashid. Tenemos una lista de gente que queremos traer. Generalmente, los que organizamos DArA viajamos mucho a las distintas ferias del mundo, vamos viendo qué pasa y hacemos una preselección para luego invitar. Hoy estamos considerados como muy buenos en diseño. El diseño argentino tiene su posición en el mundo, nos miran. Por eso, los oradores que invitamos están interesados en venir”.

Sin duda, la edición 2012 del congreso se lució con los invitados internacionales, entre ellos, el multipremiado y excéntrico diseñador Karim Rashid. Se trata de uno de los diseñadores más prolíficos de su generación. Con más de tres mil diseños en producción, su fama asciende día a día. Cuenta con colecciones permanentes y exposiciones de arte en galerías alrededor del mundo.

Completaron la grilla de oradores, Alberto Martínez de CuldeSac, un laboratorio creativo con sede en España, que trabaja en diferentes disciplinas del diseño y la comunicación. También, Hugo Haas, del estudio Ciguë, con base en París, Francia. Ciguë está compuesto por seis arquitectos que trabajan desde el 2003. El

ideas creativas

+ 101 diseño

+ Línea Kubo de Karim Rashid para Meritalia

objetivo común de Ciguë es producir arquitectura, interiores, obras de arte y objetos que combinen la intelectualidad con la artesanía y la intuición.

Con una visión diferente y novedosa para el diseño local, Shashi Caan llegó desde India. A la vanguardia en la defensa del rol del diseño en la sociedad, Caan mantiene las más altas posiciones en materia de promoción internacional de diseño. Actualmente, es presidente de la Federación Internacional de Arquitectos y Diseñadores de Interiores, que representa a más de doscientos mil diseñadores en todo el mundo.

Las voces de Brasil estuvieron representadas por Diana Radomysler y Arthur Casas. Radomysler es arquitecta y participa en Studio MK27 desde 1994, donde firma conjuntamente todos los proyectos de diseño de interiores. Por su parte, desde la misma firma, el trabajo de Casas se encuentra en una búsqueda constante de conceptos modernistas, de atemporalidad clásica y de una creación que pone de manifiesto una forma original de estilo brasileño. + www.daraid.com KARIM RASHID: EL ROCKSTAR DEL DISEÑO Vestido íntegramente de rosa, hizo su aparición en el espacio destinado para la entrevista con los medios como un auténtico rockstar.

Cuenta que vive viajando y que utiliza todos los momentos para trabajar, especialmente, en los aviones. Dueño de una personalidad excéntrica, juega el papel de querer ser un hombre común, pero sabe que no lo es. Sus diseños recorren el mundo y hoy es una figura aclamada en los ámbitos del arte y del diseño por igual, convocado para trabajar para las marcas más prestigiosas. Su objetivo es democratizar el diseño, para que llegue a todos lados y a todas las personas.

+ Karim Rashid. Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

+ ¿De dónde viene tu inspiración en las formas orgánicas?

KR De la naturaleza. El ser humano es mágico, su forma. Por años, diseñamos en dos dimensiones. Ahora que podemos diseñar en 3D, podemos darle la proporción correcta y, más aún, cuando trabajemos en 4D. + ¿Qué diferencia hay entre hacer diseño y hacer arte?

KR Luego de treinta años de diseño, puedo decir que el diseño es un acto social; cuando uno diseña, piensa en los otros, piensa en todos.

De ahí la democratización del diseño. En cambio, el arte es egoísta, uno piensa en uno mismo. Pero si hago diseño, pienso en vos, cuando estoy hablando por teléfono, en un hotel. Si no tuviéramos diseño, nuestro mundo sería muy banal. Nada funcionaría demasiado bien, nada sería inteligente. Entonces, cuando diseño, tengo una personalidad, un mensaje que entregar, pero al mismo tiempo, necesito que sean cosas que realmente funcionen. Podés hacer una pieza de arte y ser muy social, pero la realidad es que una cosa es el diseño y otra el arte. El diseño debe ser democrático. + ¿Cuáles son tus influencias?

KR Creo que tengo un collage. Soy contemporáneo, no estoy muy interesado en hacer cosas del pasado. Me gusta hacer cosas que sirvan, que vayan hacia adelante. Al mismo tiempo, tengo influencias de cuando era chico que vienen de la pintura, de la pintura avant-garde, de mis estudios en Italia… Creo que la inspiración es la acumulación de toda tu experiencia. + Símbolos, ¿qué tan importantes son para vos?

KR Para mí son importantes. Creo que el lenguaje es una barrera para el mundo. Pero los símbolos son universales. + ¿Dónde trabajás generalmente?

KR Donde puedo. En el avión, en el hotel… Mucho en el avión,

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+ Hugo Haas, estudio Ciguë. Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

cuando viajo. Siempre encuentro cosas que no encajan. Hay que tener en cuenta al consumidor, y muchas veces no encuentro eso.

Una vez, trabajé en el diseño de una tarjeta de crédito. Debía ser rectangular y no podía cambiar las dimensiones, para que pudiera funcionar en los cajeros. Luego de pensar, vi el tema de las bandas magnéticas. Entonces, la ubiqué en ambos lados de la tarjeta, para evitar tener que buscar de qué lado ingresarla al cajero. Esa fue mi idea, simple. Hay que ser pragmático. Hacer que las cosas sean más simples y cómodas, así tendríamos un mundo más confortable. + ¿Qué opinás del diseño sustentable?

KR Hay muchas empresas trabajando en la conciencia verde hoy.

El tema de la basura es un problema, porque estamos llenos de basura, con lo cual hay que buscar una solución. La presión viene de los consumidores, que tienen todo el poder para hacer el cambio.

Si ellos deciden no volver a comprar un objeto, no lo hacen y ya. + Cuando comenzaste, quisiste cambiar el mundo. Hasta ahora, ¿cómo te fue?

KR No sé, creo que algunas cosas sí sucedieron. La gente está interesada en el diseño, el diseño se volvió un objeto social. Cuando comencé, no había mucha gente haciendo diseño industrial. Creo que todo cambió en el momento en que la gente comenzó a amar el diseño. Por mi parte, viajo, doy conferencias, charlo con los periodistas. Creo que cuanto más hablo, más genero el cambio. También cambió la apreciación del diseño. + www.karimrashid.com CIGUË: DISEÑO DE VANGUARDIA CON TOQUE ARTESANAL Educado al extremo, el arquitecto francés Hugo Haas, miembro del estudio Ciguë, con base en París, dice estar muy contento con su visita a Buenos Aires, un lugar que siempre quiso conocer, dado que es la ciudad en donde nació su padre, de casualidad, durante una asignación laboral de su abuelo. En entrevista con 90+10, explica el trabajo del estudio de diseño que forma junto con otros cinco arquitectos, su filosofía e idea rectora: el diseño de la mano de lo artesanal.

+ Diseño de interior para Aesop por Ciguë

+ Contanos de qué se trató tu charla en DArA ID. HH Básicamente, hablé de Ciguë y de los proyectos que hicimos. Me focalicé en dos proyectos, una tienda de ropa y otra de cosméticos.

La primera está en Tokio, entonces comenté sobre la diferencia de trabajar con los japoneses, la atención que ponen en los detalles de cada trabajo. Para mí, fue una oportunidad para aprender sobre su cultura. Respecto de la charla, había mucha gente y creo que fue muy bueno, se mostraron curiosos de saber sobre nuestro trabajo. + ¿Cuáles te parecen que son las diferencias entre hacer diseño y arquitectura en Latinoamérica y en Europa?

HH Básicamente, no creo que haya muchas diferencias. Mi estudio tiene muchas influencias de las técnicas del siglo pasado, más que de los avances técnicos de hoy. Buscamos hacer algo más auténtico; no necesitamos muchas herramientas para ello. Sobre la diferencia entre Latinoamérica y Europa, creo que puede ser la pasión que le ponen localmente. + ¿Con qué tipos de materiales suelen trabajar en sus diseños?

HH Nos gusta trabajar con materiales nobles, como la madera, el metal. La madera es un material que podés trabajar, tiene muchos detalles propios, como marcas y juntas, que lo hacen único. En Ciguë, creemos en la poesía de cada espacio, lo que te dice el lugar donde vamos a trabajar. Por eso, nos interesa el lado artesanal, para que lo que hagas tenga una personalidad. Podés comprar una mesa barata que tiene miles de copias, o hacer algo más artesanal, que te dure años y que hable más de vos. + ¿Qué buscan destacar cuando trabajan en un espacio destinado a vender?

HH Cuando trabajamos en el diseño de una tienda, buscamos que la gente y los clientes vivan una experiencia estética, más allá de entrar y comprar un producto. La idea es que los locales no sean corporativos. Que los visitantes los recorran, caminen, disfruten del diseño. Me encanta cuando la gente se toma el tiempo de mirar a su alrededor y disfruta el estar allí, las luces, la música, hace algo más que solamente shopping. + www.cigue.net

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+ Ford Evos Concept

Salón del Automóvil de San Pablo Primicias cariocas

La ciudad brasilera de San Pablo fue el escenario de una edición más del Salón del Automóvil. Un aluvión de novedades para el Mercosur, y una gran cantidad de prototipos, fue lo más destacado que dejó la mega muestra. | Texto: Elvio Orellana @emorellana33

Decir San Pablo siempre fue sinónimo -por lo menos, para el imaginario colectivo-, de una mega ciudad de cemento, con altísimos edificios, autopistas recargadas de automóviles y de miles de personas que viven con un ritmo vertiginoso. Todo esto, no está nada alejado de la realidad, o por lo menos es lo que experimentamos cada vez que viajamos al Salón del Automóvil de dicha ciudad. En concomitancia con todo el contexto antes mencionado, esta feria automovilística es la más grande y concurrida de Sudamérica. Todo lo que se exhibe en ella, funciona a modo de anticipo de las grandes novedades que estarán por Argentina. Además, es el lugar donde las terminales aprovechan para exhibir sus futuros proyectos a través de prototipos. Por todo ello, recorrimos al detalle cada uno de los stands y mostramos a continuación lo más destacado que dejó el salón paulista.

General Motors fue una de las marcas que mayor despliegue escénico generó alrededor de sus lanzamientos. Así fue, que entre un multitudinario grupo de cantantes y bailarines, se presentó el Chevrolet Onix. Se trata de un nuevo modelo global que llegará a nuestro país

durante el primer semestre del 2013. Su diseño de líneas curvas y su cintura elevada, gustan apenas uno lo ve. Se ofrecerá en principio con un motor 1.4 litros de 104 caballos, con una caja manual de 5 marchas o automática de 6 velocidades. El otro modelo de GM que será también de la partida el año que viene, es la TrailBlazer.

Es nada menos que la versión SUV de la nueva S10, y llegará para competir con la Toyota SW4. Para ello, presentará varios argumentos concretos, entre ellos, su motor 2.8 Turbodiesel, con una caja automática de 6 marchas y un enorme espacio interno, que incluye una tercera fila de asientos.

Del stand de la casa del rombo, Renault, se destacaron varios modelos. El más esperado era el nuevo Clio, que ahora se apellida Mío.

Este nuevo apelativo responde a que ofrecerá muchas posibilidades de personalización. Otro modelo conocido que también se presentó con nuevo ropaje fue el Fluence. Es que se exhibió su versión GT, la más rabiosa del sedán, y que ahora aprovechará las bondades de un motor 2.0 de 180 caballos de potencia.

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ideas creativas 105 vehículos

+ Chevrolet Onix

+ Volkswagen Voyage

+ Gol Trend

+ Toyota Etios

Desde el recinto de la marca alemana Volkswagen, los más fotografiados por la prensa argentina fueron el Gol Trend y el Voyage.

Ambos se presentaron con nueva expresión, ayudada por nuevas ópticas, ahora con luces de LEDs. En lo que a motorizaciones respecta, llegarán equipados con el conocido motor 1.6 L de 101 caballos, con caja manual y automatizada I-Motion, ambas de 5 marchas.

Sus precios ya fueron difundidos: desde $ 67.500 para el Trend y desde $ 72.300 para el Voyage. El pequeño Up!, ocupó también un destacado lugar en el stand de la marca, vehículo que podría llegar a Argentina durante el 2013.

climatización, entre otros. El único motor confirmado fue el 1.6 16v de 115 caballos.

Un modelo que se esperaba con ansias y que no defraudó fue el nuevo Citroën C3. Concebido sobre la misma plataforma que su par europeo, el C3 ganó confort interior, y se apropió de una imagen más a tono con los últimos modelos de la marca. De este modo, dispone de detalles inéditos para el segmento, como por ejemplo, su parabrisas, que se extiende hasta la mitad del techo. Se ofrecerá con dos motores naftenos: de 1,6 litros de 115 caballos, y otro de 1,5 litros, aspirado de 89 caballos. La caja manual será de 6 marchas. Su costo: desde los $ 91.600 en etapa de preventa durante todo noviembre.

La marca del león tuvo su gran estrella en el salón. Ésta fue el Peugeot 208, modelo que se empezó a fabricar en Brasil, y que llegará a nuestro mercado en septiembre del 2013. El flamante Peugeot, se ofrecerá en versiones de 3 y 5 puertas, y en su carrocería se pueden ver giros muy modernos, que marcan una nueva tendencia de estilo que adoptará la marca en los sucesivos modelos. Peugeot anunció un rendimiento mejorado de todos sus motores, ya que esta carrocería es 110 kilos más liviana y aerodinámica. En su interior, sobresale una pantalla táctil, desde donde se podrán comandar el audio y la

Por otra parte, la atención de Ford estuvo dirigida sobre el Focus III. Este nuevo integrante se exhibió en su versión sedán, con un motor de 1.6 litros Ecoboost, y una caja automática powershift de 6 marchas. No se precisó fecha de llegada, ni el país que lo fabricará.

La otra estrella del stand fue el Fusion, que se llamará Mondeo en Argentina. Se trata de un sedán de lujo que podría llegar durante el 2013, al igual que el renovado Fiesta Kinectic Design, que también se exhibió durante la exposición.

Finalmente, con fecha de lanzamiento prevista para principios del 2013 en nuestro mercado, el Toyota Etios ya es todo un hecho. Llegará procedente de la planta de Sorocoba (San Pablo, Brasil), y tendrá dos siluetas: hatch y sedán. Puertas adentro, lo más llamativo es su velocímetro y el cuentavueltas, que se ubican en el centro del panel de instrumentos.

LABORATORIOS DE IDEAS Convertidos en un clásico de los salones, los concept cars o prototipos son el ejemplo vivo de las ideas a futuro que tienen las marcas.

En San Pablo se exhibieron varios. Aquí, los más representativos.

Nissan Extreme es un SUV (Sport Utility Vehicle) de dos puertas, con líneas vanguardistas y agresivas. Fue diseñado en Estados Unidos y fabricado íntegramente en Brasil. El Extreme mide 3,8 metros de largo y lleva un motor 1.6 naftero, con turbo e inyección directa, que puede combinarse con tracción 4x2 ó 4x4. Por ahora, no hay una decisión tomada para su fabricación, aunque se dejó entrever que algunos elementos serían utilizados en futuros modelos de la marca.

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+ Renault Captur

+ Nissan Extreme

+ Peugeot 208

+ Citroën Survolt

Hace rato que Renault viene presentando adelantos de diseño sorprendentes. Esta vez, se enalteció con el Captur, un prototipo de crossover de formas absolutamente futuristas. Tiene dos plazas y puede transformarse de un coupé a un convertible, gracias a su techo rígido plegable.

Está equipado con un motor diesel dCi 160 Twin Turbo, que alcanza una potencia máxima de 160 CV. Esto le permite acelerar hasta los 210 km/h, con emisiones contaminantes bajísimas. Tiene llantas de 22 pulgadas y dos puertas de apertura tipo tijera, entre otros avances.

litros turbo comprimido de 211 caballos de potencia, que se asocia a una caja automática de 7 marchas. La transmisión se distribuye a las cuatro ruedas mediante el sistema de tracción integral 4Matic.

Cuenta con llantas de aleación de 21 pulgadas y el diseño de su interior es futurista y con un marcado acento deportivo.

La marca americana Ford se robó todas las miradas gracias a su imponente berlina amarilla –el Evos Concept- de 4,5 m de largo.

En ella se puede ver el nuevo lenguaje de diseño de la marca. Sus distintivas líneas se basan en seis aspectos: silueta innovadora, eficiencia aerodinámica, superficies refinadas, imagen y apariencia de calidad Premium y la grilla trapezoidal que rubrica su naturaleza Kinetic Design. Se destacan sus cuatro puertas de alas de gaviota y un sistema de propulsión de plug-in híbrido, con una autonomía de 800 kilómetros, entre otros avances.

Para concluir, el Volkswagen Taigun es la antesala de un futuro SUV liviano con el que la marca alemana se meterá en la pelea por el segmento del que participan la Ford EcoSport y el Chevrolet Trax. Mide 3,86 m de largo por 1,73 de ancho y 1,57 de alto. El motor es un naftero de 3 cilindros con inyección directa, que entrega 110 caballos. De acuerdo a lo informado por la marca, puede alcanzar 186 km/h y acelerar de 0 a 100 km/h en 9,2 segundos. +

Survolt es el nombre del deportivo dos puertas de 3,85 metros de largo, con el que Citroën adelanta lo que podría llegar a ser la base de un futuro deportivo de propulsión totalmente eléctrica. Dispone de dos baterías de litio que se recargan con una toma de 220 volts, en sólo dos horas. Creado en su totalidad con fibra de carbono, pesa 1.150 kilos y dispone de dos motores eléctricos que dan 223 kW (300 CV). Esto le permite acelerar de 0 a 100 km/h en menos de 5 segundos y alcanzar una velocidad máxima de 260 km/h.

Musculoso y de perfil bien deportivo -aunque con la tradicional elegancia de la marca de Münich- es el Mercedes-Benz Concept Styile Coupé. Así es este concept que posee un motor naftero de 2

+ Citroën C3

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Furor

Diseño del noroeste La producción de diseño en la región noroeste de Argentina –comprendida por las provincias de Salta, Tucumán, Santiago del Estero, Jujuy y Catamarca- ha tomado un ímpetu significativo en los últimos diez años. De manera innata, cientos de diseñadores han comenzando a desarrollar piezas contemporáneas con grandes dosis de originalidad, en un ejercicio creativo que reinterpreta tanto su contexto productivo como cultural. | Texto: Alejandra Acosta y Laureano Mon, del Observatorio de Tendencias INTI @OdtINTI

Los límites se cruzan en una urgencia por imaginar trayectos inéditos. En ese camino, la innovación en torno a aspectos constructivos, estéticos y funcionales de los productos, entabla diálogos fructíferos con los horizontes geográficos y simbólicos del entorno. Y un modo de hacer las cosas emerge naturalmente de fusionar los saberes ancestrales con los procesos industriales. Las piezas de diseño adquieren, entonces, una trazabilidad compleja, que integra en su concepción aspectos racionales y emocionales: la visión del norte.

Un rasgo que nos permite intuir una identidad es la habilidad que poseen los diseñadores para trabajar los materiales propios de la región, incorporando fibras naturales de ovinos y camélidos, metales como la alpaca y cobre, maderas de cedro, cardón y palo borracho;

+ Colección de metal de Juárez de la Cámara.

y cuero vacuno. Los elementos autóctonos funcionan como anclaje para referenciar territorialmente la producción de los creativos, a la vez que su particular manera de hacer, impregnada por la picardía de la cultura local, introduce elementos desconcertantes que traen un relato elocuente y contemporáneo.

Así, podemos hallar la colección de metal de Juárez de la Cámara, en la que sus objetos tienden a desafiar la percepción del espectador, donde una vasija de gran tamaño trabajada en alpaca oscurecida con técnicas de envejecimiento prematuro nos remite al encanto de una vasija de barro. También es de su autoría el conjunto de piezas en alpaca pulida con burbujas moldeadas sobre la superficie, en un guiño a la ciencia ficción. Ambos trabajos son perfectos exponentes

ideas creativas

+ 109 diseño

del juego vertiginoso de texturas que los hacedores hacen, fusionando el saber del diseño con el de los oficios tradicionales, como la orfebrería.

Del mismo modo, Renzo Strada Estudio Emergente propone “Quirquincho”, una banqueta de forma orgánica –similar al animal al que hace referencia su nombre- desarrollada en arandelas de descartes, revestimiento interior de piel sintética, estructura interior de caño, patas de acero tubular en forma cónica y terminación con baño de platil. Interesante es ver que esa utilización de materiales como el metal, y su capacidad de transformación, escapan a los rubros donde habitualmente solemos verlos, como en el mobiliario y la joyería.

Tal es el caso de la cartera “Quri” de Oliva, hecha de alpaca, en una estructura rígida y geométrica con incrustaciones de bronce y fuelle de malla de trébol, labrada enteramente a mano. Asimismo, el calzado de Santos Liendro con plataformas y cerramientos de metal cincelado, combinado con barracanes y pieles, dan cuenta de esa experimentación.

En torno al uso de fibras animales, Maloca desarrolla el chaleco “Alpacuno”, realizado con picote de fibra de llama, en dos piezas únicas en delantera y espalda, compuesta por un pachtwork de retazos y uniones en crochet. Objetos de Agrado propone collares de fieltro con tachas metálicas, así como lámparas tejidas; mientras que Ansiosa Hormona explora la posibilidad de un contenedor de lana tejido manualmente, configurando formas orgánicas y asimétricas. Puisca desarrolla petos de alpaca texturada, combinada con lana pura de oveja teñida con tintes naturales; y Organza Rústica trabaja piezas de morfologías simples en pelo de camélidos, como vicuña y llama, con detalles de avíos geométricos en metal.

La posibilidad de incorporar materialidades diversas en una misma pieza, trabajadas con técnicas que fusionan armónicamente procesos industriales y artesanales, es una constante del diseño del noroeste, siendo uno de sus rasgos más innovadores. “Pachacuti”, la colección de zapatos de la firma Mafe, seduce por sus prodigiosas terminaciones, su inevitable respeto para con el modo tradicional de confeccionar el calzado y sus delicados juegos de materiales, combinando barracán, descarne gamuzado, cuero flor, en sus interiores badana de oveja y suela de cuero. Por último, una serigrafía sella su estilo juvenil con un dibujo simplificado de una llama, el animal insignia de su zona. Puro Postigo propone collares de base geométrica de cuero vacuno con apliques de alpaca, e ilustraciones sobre cuero de cabra pintadas con tinta. Josefina Luna desarrolla vestidos compuestos por algodones de tres tra-

+ Santos Liendro y Bebel Mauri.

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mas diferentes, combinados con cordones de algodón en distintos tonos y teñidos artesanalmente.

La Primitiva y Koka Andina conciben prendas a partir del pachtwork de barracanes y tejidos de planos industriales, como friza y denim, pintados sobre la superficie por artistas de Tilcara y avíos de cerámica en arcilla. Por su parte, El Chulita desarrolla mobiliario en madera envejecida combinados con laja esculpida, caña silvestre, hueso de caballo, asta, tiento, cuero crudo, lonja sobada, tejidos autóctonos y apliques de cerámica con figuras de los antepasados de la región.

Fiad Rita crea “Espíritu del Palo borracho”, un conjunto de jarrones de cerámica esmaltada en color negro, con una morfología orgánica con protuberancias que simulan las espinas del árbol al cual rinde tributo, complemento de vajillas de cerámica esmaltada, con terminaciones en fibra vegetal tejida. Gonzalo Verasaluse desarrolla una lámpara de estructura de madera, recubierta de abobe con luces dicroicas. Alfonso Vallejos, a través de su firma Conserva, trabaja la fusión de metales a reciclar, combinados con materiales naturales como madera, bambú, lana y alpaca, para crear piezas decorativas con una gran simbología, como cuando incorpora dibujos Wichís a través de la pintura, o de tejidos que aplican a la superficie de los objetos.

La rica trazabilidad de las piezas de los diseñadores del noroeste enlaza referencias a la naturaleza y a la simbología de la región, pero esa marcada territorialidad incorpora en su relato elementos contemporáneos, que permiten establecer diálogos con consumidores de diferentes latitudes. Esos relatos nos invitan a pensar acerca de las interacciones que se generan entre las diferentes tecnologías que tienen disponibles los diseñadores, a partir de las cuales producen cruces y reinterpretaciones, generando valor agregado en los bienes.

La muestra “Furor, diseño del noroeste” -curada por el Observatorio de Tendencias INTI, organizada por la Secretaría de Industria, Comercio y Financiamiento de la Provincia de Salta, y realizada en el Museo Histórico del Norte y el Museo Pte. José Evaristo Uriburu de la ciudad de Salta- buscó configurar un panorama del diseño contemporáneo del noroeste, explorando el trabajo de treinta y cinco diseñadores. La posibilidad de interactuar con los objetos y edificios históricos, como el Cabildo y la casa Uriburu (sitios donde se desarrolló la muestra en forma simultánea), permitió construir escenas en donde el patrimonio tangible entabló diálogos fructíferos con el patrimonio inmaterial que los diseñadores reactualizan en su labor cotidiana. +

+ Oliva.

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Cafira Innova

El diseño que te compra, vende Este es el objetivo de Cafira Innova, uno de los encuentros más importantes de la decoración en la Argentina, que se realiza en dos oportunidades durante el año, para mostrar las tendencias para el otoño y la primavera.

Más de 10.500 personas visitaron la última edición Primavera de Cafira Innova, que se llevó a cabo del 23 al 26 de agosto de 2012, en su ya tradicional espacio de Costa Salguero, ocupando una superficie total de 12 mil m², y con la presencia de 118 stands de expositores.

Es que se trata de una excelente oportunidad para conocer las diferentes tendencias en decoración, ya sea para la estación primaveraverano o para otoño-invierno, siendo una fusión casi perfecta entre productos nacionales e importados, entre lo nuevo y lo vintage, creando un interesante equilibrio para cada ambiente.

El Espacio Innova –uno de los protagonistas de la reciente exposición- mostró una selección de los mejores productos elegidos entre los expositores y, por medio de una sabia y profesional tarea, se montaron diferentes situaciones en las que se pudieron apreciar distintos estilos: desde lo ecléctico hasta el minimalismo, pasando por todas las tendencias del momento. Tal fue el éxito de esta idea que, en las próximas ediciones, será ubicado dicho espacio en el hall central.

Esa misma selección de productos generó, a su vez, el original espacio

La Vidriera, donde profesionales del rubro de la exposición comercial propusieron en forma permanente durante los cuatro días que duró la muestra, sus alternativas de vidrieras. Diferentes estilos y combinaciones se fueron generando, en un show de armado y desarmado para que quienes recorrían Cafira Innova, pudieran tomar ideas y ver soluciones, para aplicarlas al regresar a sus comercios en sus propias vidrieras.

Entre sus numerosos expositores, la muestra Primavera presentó los muebles antiguos, vintage y contemporáneos de A+V+C, las velas y accesorios de Adagio, los muebles que combinan caño y madera de Adamobile, los objetos en metales de Alalata, los productos en cemento de Arke, las luminarias de Brimpex, Ciudad Luz y Dosmasuno, y los textiles de Estudio V, Home Time e Indias Argentinas.

La siguiente oportunidad para disfrutar de la muestra ya se acerca: del 14 al 17 de marzo de 2013, no faltarán las sorpresas y referencias del mundo de la decoración para el público asistente a Cafira Innova Otoño. + www.cafira.com

+ Surabaya Arg. ofrece su línea de diseños clásicos en teca, mahogany y seagrass, así como también una gran variedad de objetos de decoración oriental e iluminación marroquí. www.surabayamueble.com.ar

ideas creativas

+ 111 diseño

+ Muebles de rattan, madera y metal. Objetos decorativos como vasijas, espejos, relojes, cestería, cajoneras, iluminación, apliques de pared y regalos. Todo esto puede encontrarse en Intermobili. www.intermobili.com.ar

+ Extremo Oriente se especializa en muebles en fibras naturales, petit muebles, cuadros, espejos, relojes, baúles y objetos de decoración. www.extremooriente.com.ar

+ Este set de valijas pertenece a For You, importador mayorista de muebles y objetos de decoración, con más de 40 años de experiencia. www.foryoush.com.ar

+ Lámpara Copenhagen, mesa Ink y silla matera con almohadón en fieltro de Grupo Madera Pura, empresa compuesta por diseñadores, arquitectos, carpinteros y artesanos que trabajan con pinotea reciclada para fabricar muebles, objetos y piezas luminarias. www.grupomaderapura.com.ar

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+ + Foto: www.santiñaque.com.ar

TRImarchiDG

Once años difundiendo el diseño gráfico Del 12 al 14 de octubre pasado, se celebró la edición número once del congreso internacional de diseño gráfico TRImarchiDG, ya un encuentro clásico nacional y regional, con sede en el Estadio Polideportivo de la ciudad de Mar del Plata. | Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

TRImarchiDG cumplió once años. Para los conocedores de la numerología, se trata de un número maestro, un momento clave en la secuencia lógica numérica, cuando el uno se vuelve a encontrar con sí mismo, por primera vez. Para algunos, significa aprendizaje; para otros, un momento de replanteo, de volver a empezar. Para quienes integran TRImarchi, es una ocasión muy significativa. Es el rencuentro de los primeros asistentes al festival, apenas cuatrocientas personas, que once años después ven un estadio lleno de personas. “La búsqueda colectiva, este aprendizaje que nos sigue formando, aún no sabemos muy bien en qué. Pero sabemos que la excusa que nos conecta nos encanta, el diseño gráfico, y ese lugar digno de perderse, que es el campo visual”, definen desde su Web los organizadores del evento.

TRImarchiDG o TMDG es un encuentro internacional de diseño gráfico, donde estudiantes y profesionales del mundo del diseño se encuentran a hablar sobre diseño gráfico. También, es una búsqueda colectiva de desarrollo en el amplio campo visual, una gran formación, donde miles de personas, año a año, se reúnen en calidad de pares a indagar sobre su profesión. Como parte de esto, también se celebran otras actividades, como recitales audiovisuales, talleres, mesas redondas, debates, fiestas audiovisuales, exposiciones, confe-

rencias y pintadas colectivas. El evento fue mutando hasta convertirse en el mayor encuentro de diseño en Latinoamérica, también considerado por varios medios especializados como el de mayor convocatoria en el mundo.

En su desarrollo, TMDG dio a conocer diferentes ramas, como TMTV, el primer programa televisivo orientado al diseño gráfico de habla hispana y el Espacio TRImarchi, las galerías de exhibición para diseñadores emergentes y punto de venta de productos de diseñadores y librería. TRImarchi Ediciones es la editorial de TMDG, que ya cuenta con un DVD compilatorio de entrevistas a diseñadores y el libro que resume los primeros diez años de TMDG, con participaciones de Rubén Fontana, Stefan Sagmeister, ShoboShobo, Ronald Shakespear, Psyop y Doma, entre muchos otros. Por último, el Buenas Noches TRImarchi, el festival de cultura audiovisual que congrega a cientos de músicos, VJs y artistas audiovisuales como Destruct, Gangpol and Mit, Akufen, Motomichi Nakamura, DD tour y Fase miusic sender, entre otros.

INVITADOS TMDG #11 Entre los invitados internacionales del TMDG 2012, estuvieron Niklaus Troxler, el equipo de Firehouse, Catalina Estrada, Inderrum-

ideas creativas

+ 113 diseño

+ Inktrilogy covers

bable, 123Klan, Emory Douglas y Gabriel Martínez Meave, líder del estudio de diseño Kimera, ubicado en México.

DISEÑO VÍA MÉXICO En charla con 90+10, Gabriel Martínez Meave habló sobre su participación en TMDG y, también, sobre las diferencias y puntos de encuentro del diseño mexicano y regional. + Contanos de qué se trata Kimera, cómo nació y sus objetivos.

GM Kimera es mi estudio de diseño, del cual soy director desde 1998. Nació en 1994, en la ciudad de México, como el despacho de diseño de cuatro amigos de la universidad, un espacio donde juntar habilidades e intereses y ejecutar proyectos en común. Poco a poco fuimos creciendo, pero por diversos motivos académicos y profesionales, mis socios originales salieron de México, de tal manera que quedé como el único socio fundador. Llegué a tener hasta diez diseñadores en el estudio hace algunos años, pero ahora trabajo individualmente en proyectos de diseño, tipografía, caligrafía e ilustración, así como en asesorías especializadas para otros estudios y empresas. Kimera es ahora el nombre de mi estudio personal, manteniendo la firma que se volvió un referente del diseño mexicano. Por otro lado, mi trabajo se ha ido volviendo cada vez más autoral, por

lo que actualmente, sobre todo en la ilustración, mis obras las firmo como “Meave” y no como Kimera. Sin embargo, las fuentes originales que he diseñado a lo largo de los últimos 16 años, pertenecen a mi fundidora digital de tipos, que lleva el nombre de Kimera Type Foundry (KTF). + ¿Existe alguna anécdota que hable de los inicios de Kimera?

GM Tal vez, la mejor anécdota es el origen del mismo nombre de Kimera. Éramos tres amigos, en un principio, así que decidimos usar las dos primeras letras de nuestros apellidos: Kimura, Meave y Ra… (no diré su apellido). Curiosamente, generaba una palabra atractiva y recordable. Una quimera, monstruo híbrido, mítico y fantástico.

Un sueño imposible. Nos gustó y lo dejamos. + ¿Qué tipo de trabajos hacen en Kimera? ¿Cuál es su diferencial y cuál es la característica clave para hacer diseño?

GM Kimera ha pasado por muchas etapas. Empezamos haciendo diseño editorial, por ejemplo. Actualmente, mi estudio se concentra en trabajo tipográfico y caligráfico especializado: fuentes hechas a la medida para clientes, caligrafía y lettering para firmas, logos y marcas. Asesoramos a otros estudios y empresas en refinar sus logotipos y diseño, y optimizar su selección y utilización de fuentes.

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+ Cybertoltecayotl, ilustración para revista

La ilustración es otra de las principales actividades, tanto publicitaria como editorial y cultural. En estos tiempos, me especializo en técnicas tradicionales y digitales, desde el dibujo a pluma y plumilla (que ya casi nadie ejecuta), hasta color y acabados digitales. Varios clientes y editores buscan este tipo de ejecución, y otros estilos personales que actualmente ejecuto. Adicionalmente, imparto talleres, conferencias y cursos con regularidad. + ¿De qué trató tu conferencia en TRImarchiDG y cuál fue la respuesta del público?

GM Hablé, a grandes rasgos, de mi trabajo, pero desde el punto de vista de aquello que inspira mis proyectos. Conversé con cierto detalle de la historia visual de mi país, de sus escrituras, de las culturas prehispánicas, que tienen un universo visual inmenso y poco comprendido aún por los mexicanos. Mostré muchos ejemplos de tipografías originales y para clientes, así como proyectos de ilustración y caligrafía. Hablé de la historia y sus proyecciones hacia el futuro del diseño, y algunas reflexiones sobre la fantasía, el rigor y el estilo personal en el diseño actual. No voy a ocultar que estaba un poquito nervioso, pero me parece que el público respondió bien. Cuando interrumpen la charla para aplaudir, ¡uno sabe que la cosa no va mal!

Además, muy lindo y atento el público; me sentí como en casa. + ¿Qué conocés del diseño argentino y qué opinión te merece?

GM Conozco varias cosas. Personajes como Fontana o Shakespear son

referentes importantes para toda Latinoamérica, y son muy conocidos en México. Y diseñadores, ilustradores y académicos como Alejandro Paul, Laura Varsky, Alejandro Lo Celso, Pablo Cosgaya, Ana Sanfelippo, Christian Montenegro y otros. Todos ellos, en particular los tipógrafos, han influido en mi trabajo sin reservas. Me parece que Argentina es uno de los puntos fuertes del trabajo gráfico en nuestra región. + Puntos de encuentros y diferencias con el diseño mexicano, ¿qué opinás?

GM Puntos de encuentro: el idioma español, la latinidad, las historias similares de nuestros países, los argentinos que están en México y los mexicanos que están en Argentina, la música, grandes ciudades paralelas como el DF y Buenos Aires, la literatura. En cuanto a las diferencias, el lenguaje coloquial, la cultura mestiza de México, en contraste con la cultura inmigrante de Argentina, lo plano de la Pampa contra lo montañoso de mi país, lo europeo de Argentina en relación a lo indígena de México, la comida, tan diferente en cada lado… De todo esto, se derivan actitudes muy específicas sobre el diseño, algunas muy parecidas, algunas muy contrastantes. En lo personal, valoro mucho la calidad y el buen nivel del diseño argentino, sobre todo, en tipografía. Tal vez, el punto fuerte de México es la riqueza de la iconografía, los colores y los referentes históricos, si bien en cuanto a calidad, todavía tenemos trabajo que hacer. + www.meave.org | www.kimera.com.mx | www.kimeratype.com www.TRImarchidg.net

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+ Philips SHQ4017, SHQ1017 y SHL5800

Auriculares Para oírte mejor

Los auriculares son, como las pantallas, uno de esos elementos a los que no solemos prestarle demasiada atención.

No, al menos, hasta que nos topamos con un exponente de gran calidad y ahí entendemos que, quizá, hay todo un mundo del que nos estamos perdiendo. | Texto: Ricardo Sametband @rsametband

En el caso de las pantallas, las posibilidades se dirimen entre tecnologías (LCD, OLED, plasma) y configuraciones (resolución, brillo, contraste, velocidad). En el caso de los auriculares, el tema es complejo, porque los factores externos influyen muchísimo.

En términos generales, hay varios tipos de auriculares, aunque no todos coinciden en cuál es el mejor. Los que suelen ofrecer una mayor calidad de audio y más potencia (entre otras cosas, porque su mayor tamaño lo permite) son los auriculares circumaurales. Es el típico auricular con vincha (también llamada diadema) y bocinas o tazas grandes, que cubren por completo la oreja, en general, apelando a un borde acolchado que se apoya en la piel alrededor de la oreja. Son, además, lo preferidos para implementar soluciones de cancelación de ruido, porque su sola forma facilita la aislación acústica.

Más modestos, los auriculares supraaurales están experimentando un revival. Alguna vez, fueron los elegidos para reproductores de audio portátiles. También tienen vincha y van encima de la oreja, pero no la tapan por completo. Esto implica que se filtra ruido y se escapa la música, pero suelen tener buena fidelidad y potencia. Ambos tipos de auriculares, sin embargo, pueden resultar molestos si su uso es prolongado, porque se calienta la zona, y a algunas personas les aprieta el cartílago de la oreja, lo lleva a una posición poco natural, y el uso termina siendo incómodo.

Así, se hicieron más populares como alternativa básica los clásicos auriculares que se cuelgan de la oreja. En este caso, hay dos opciones: los que se colocan en la antesala del canal auditivo, en esa especie de horquilla blanda que forman el trago y el antitrago del

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ideas creativas 117 gadgets

+ Bose

+ Urbanears Plattan

+ Pioneer SE-MJ151

+ Apple Earpods

pabellón auricular, y que deja al pequeño parlante apuntando al interior del canal. Luego están los que se insertan en él, usando unos adaptadores de goma para mejorar el aislamiento acústico, llamados intrauriculares o interauriculares (o “In Ear Monitor”, en inglés).

si la exposición es mayor a una hora diaria seguida. Un concierto de rock ronda los 110 ó 120 decibeles; las voces de una conversación relajada a un metro de distancia, 50/60 decibeles. Además de la pérdida de audición (es decir, el oído deja de percibir ciertas frecuencias), el otro efecto común de escuchar música con un volumen alto (con o sin auriculares) es el tinnitus, también conocido como acúfeno, un fenómeno que nos hace escuchar un zumbido inexistente, aún si estamos en un ambiente con total silencio.

¿Son mejores? Depende. Algunos audiófilos argumentan que un modelo intrauricular ofrece aislación sonora pasiva, por lo que es posible escuchar mejor la música, lo que implica hacerlo a un volumen más bajo (ya que no hay ruido que interfiera), que a su vez termina siendo beneficioso para el oído. Pero el sonido parece venir del centro de la cabeza y no de la periferia (es decir, de adentro, no de afuera). Además, si se los usa con el volumen muy fuerte, su daño al oído puede ser aún mayor que el que provocaría un auricular externo o un ruido ambiente, ya que el sonido se genera dentro del canal auditivo.

Algunos estudios sugieren, además, que al quedar tanto más adentro del oído, la posibilidad de daño es mayor.

En general, igual, los modelos intrauriculares están diseñados para no superar los decibeles que podrían dañar el oído, y la mayoría de los reproductores de música (sobre todo los portátiles) también limita la energía que suministra a los auriculares, es decir, el volumen que emite por sus parlantes. El daño del oído no depende sólo del volumen, sino también de la duración y frecuencia del sonido.

A partir de los 70/80 decibeles, ya puede dañarse el tejido del oído interno (las células ciliadas que transforman las vibraciones de aire del sonido en impulsos eléctricos para nuestro cerebro), sobre todo,

¿Cuál es el mejor auricular? Sólo nuestros oídos lo saben. No todas las orejas tienen la misma forma, y el modelo que a uno le calza perfecto, a otro se le cae de la oreja con cualquier movimiento, o le hace doler si lo usa más de diez minutos. Un dato a tener en cuenta, no obstante, es la impedancia, marcada en las especificaciones técnicas del auricular: una mayor impedancia implica un menor volumen (algo bueno para el oído). Después, el registro de graves y agudos que permite el auricular (más frecuencias implican un sonido más rico, con graves y agudos distinguibles). Aquí no hay mucha ciencia: las bocinas de mayor tamaño permiten una fidelidad sonora mayor, gracias a diafragmas de mayor tamaño. En general, la alternativa más económica y de menor fidelidad acústica está en los auriculares sin vincha, y los de mejor calidad en los circumaurales.

Hay muchísimas marcas de auriculares. Todos los fabricantes de dispositivos portátiles incluyen un par de auriculares (en los celulares, típicamente) que suelen ser intrauriculares o los que quedan frente

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+

+ Skullcandy

+ Shure

+ Marshall

al canal auditivo (en inglés se les dice “earbuds”). Apple cambió recientemente los suyos, con un nuevo diseño que, en teoría, permite un mejor posicionamiento dentro de la oreja, manteniendo la circulación de aire. Los llama earpods y en Estados Unidos tienen un precio de U$S 29.

En la Argentina están presentes múltiples marcas. Algunas, como Philips, ofrecen modelos circumaurales que rondan los $ 549, supraaurales por $ 319 e intraurales por $ 219, incluyendo algunos resistentes al agua, para usar haciendo deportes. Otra compañía que tiene buena presencia local es Skullcandy, que a una buena calidad de sonido le suma colores y diseños variados, con modelos supraaurales que rondan los $ 400 (con diadema plegable) e intraurales con micrófono -para usar con el celular- por un precio similar.

La firma de parlantes Marshall vende en el país varios modelos, con micrófono y control de reproducción integrado en el cable, con precios que van de $ 400 a $ 800, según el tamaño y sofisticación de la versión. Bose presentó recientemente en la Argentina sus SIE2i, auriculares deportivos con tres tamaños de puntas, para ajustar las bocinas al canal auditivo y no salirse de su posición ante movimientos bruscos. Ofrece control de volumen y micrófono, es resistente al sudor y suma un brazalete para llevar el teléfono o reproductor durante el ejercicio. Su precio local es de $ 999.

Mientras, Sennheiser ofrece en el país su modelo HD 800, de tipo

circumaural, con cable desmontable y un diseño que separa lo más posible las bocinas de las orejas, además de ofrecer una gran amplitud de frecuencias de respuesta (para una mayor amplitud tonal).

Su precio es de U$S 1500.

Otro equipo con un diseño similar, pero un precio más bajo, es el Shure SRH750DJ ($ 1300, aproximadamente), con un diseño circumaural de alta impedancia, buen soporte para graves, diadema plegable y tazas que rotan 90º, una opción que suele agradar a los disc jockeys (para monitorear el audio con un solo oído) y cable de 3 metros, que permiten moverse libremente mientras se escucha la música.

Mientras, Pioneer ofrece en el país el modelo SE-MJ151, con almohadillas acolchadas y drivers de 40 mm, para una más amplia respuesta de frecuencias. El SE-MJ551T-H, por su parte, tiene una diadema plegable, micrófono y buen soporte para bajos, además de una entrada de 1500 mw. El modelo MJ551-R/G, intraural, tiene cuatro tamaños de audífonos para adaptarse a la ergonomía del oído.

Y se le suman las cuatro líneas de Urbanears: Plattan (supraurales, con una entrada de audio para conectar otros auriculares), Tanto (supraurales de diseño clásico, muy portátiles), Medis (que le dan una vuelta de tuerca al auricular moderno, con dos puntos de apoyo en el pabellón de la oreja, reduciendo su tamaño y aumentando su estabilidad, sin que sea necesario convertirlo en intraural) y Bagis (auriculares intraurales que se enganchan entre sí, algo ideal para que no queden colgando libres del cuello cuando no se los usa). +

Link a la nota: http://9010.co/deauriculares

+ Taco Rey, Palos en el Agua

portfolio fotográfico

Taco Rey | Curador: Aldo Bressi Taco Rey es arquitecto y saca fotos desde 1990. Trabaja con cámaras analógicas y digitales. Su mirada está enfocada hacia la fotografía de paisajes y naturaleza. Actualmente, se encuentra desarrollando un proyecto de fotolibro sobre el Delta, donde vive desde hace muchos años. Las imágenes que presentamos en esta edición pertenecen a la serie Palos en el Agua, y fueron tomadas en Cohyaique, al sur de Chile, donde el autor construyó un complejo turístico. + http://arquitectorey.blogspot.com.ar/

Link a la nota: http://9010.co/tacorey

+ Taco Rey, Palos en el Agua

+ Taco Rey, Palos en el Agua

+ Taco Rey, Palos en el Agua

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+ Torre de América

Feria de América La vanguardia lateral En el centro-oeste argentino sucedía, a comienzos de 1954, un episodio revolucionario para la sociedad del momento: el diseño tomaba la ciudad de una provincia, con una moderna feria industrial que pretendía abrir camino al futuro.

| Texto: Wustavo Quiroga

clásicos contemporáneos

+ 125 diseño

+ Pabellón de Tucumán, proyectado por Hilario Zalba

Fue ubicada en el Parque San Martín de Mendoza, donde un grupo de visionarios -los arquitectos César Jannello, Gerardo Clusellas, el industrial Iván Baczinsky, el músico Mauricio Kagel y el gráfico Tomás Maldonado, entre otros,- ponían en práctica metodologías proyectuales propias de la modernidad. El trabajo en equipo e interdisciplinario, el arte aplicado en todos los aspectos, la metodología proyectual, la coherencia en el sistema de comunicación y en las construcciones, la claridad conformativa, son algunos de los principios desarrollados en el evento. Sin embargo, cabe destacar que sus búsquedas llegaron a otros destinos dentro del canon moderno, como dotar la producción de una identidad americanista, e integrar las construcciones espaciales íntimamente con la naturaleza.

ACCIONES EN EQUIPO Y EN PROCESO César Jannello -quien fue director de arquitectura (y por entonces, esta disciplina era quien invitaba a las otras a colaborar)-

llamó a participar a sus colegas de Buenos Aires, agrupados en el ideario vanguardista. Este conjunto de personas se albergaba en el mítico edificio ubicado sobre calle Cerrito al 1300, dentro de las concentraciones Nueva Visión, Organización de Arquitectura Moderna y Agrupación Nueva Música. Estos colegas se encontraban particularmente influenciados por el pensamiento desarrollado en Europa, por referentes como Mies Van de Rohe y Max Bill, por nombrar sólo algunos.

Tomás Maldonado, director del estudio Axis y de la editorial Nueva Visión, participó tangencialmente como diseñador gráfico. Su influencia estuvo limitada a la marca compuesta por un módulo gráfico (dos triángulos cruzados que sintetizan la figura del continente americano) y la tipografía Etrusca. Estos elementos visuales fueron aplicados en las piezas de comunicación por René Barbuy, un dibujante discípulo de Jannello en la Universidad Nacional de Cuyo.

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+

+ Cámara Argentina de Industrias Metalúrgicas

+ Maqueta para la Torre de América

En recientes palabras de Maldonado: “En 1948, fui el primero de mi generación en volver a Europa después de la Guerra, para entablar contacto con la cultura de vanguardia europea. Mi itinerario se desarrolló entre Milán, Zurich y París. Después de cinco o seis meses, retorno a Buenos Aires en barco, llevando conmigo un juego completo de caracteres para imprenta (grotescos o sans serif, que eran pocos conocidos en Argentina). Es a partir de mi retorno, en el 48, que comienzo a ocuparme intensamente de los problemas teóricos relativos al arte concreto, pero también a todos los derivados. Yo sostenía que se debía abrir el área relativa al arte, y entrar en otros ámbitos, como el diseño industrial y la arquitectura”.

Y el diseñador prosigue: “Es en el 48 cuando vienen a visitarme un grupo de estudiantes quienes me invitan a publicar un artículo en la revista de la Facultad de Arquitectura sobre diseño industrial. Teorizo sobre la perspectiva del diseño industrial y su importancia y, además, realizo la gráfica de ésta, la que se llamaba CEA (Centro de Estudiantes de Arquitectura). Luego, con ese grupo de estudiantes comenzamos a trabajar en diversos proyectos y, en ese contexto, nace (en el 50 ó 51), el grupo de arquitectos OAM, del que no participo activamente, pero con los que tengo una relación de amistad. Con ellos, se toma una gran casa en la calle Cerrito, donde posee mi estudio y luego comienzo también a vivir... Lentamente, después de una serie de viajes a Brasil, en 1954, decido partir definitivamente a Europa, invi-

+ Pabellón Industrias Regionales, proyectado por César Jannello y Gerardo Clusellas

+ Vitrina, diseño de César Jannello

tado por Max Bill, para ser parte del cuerpo de profesores de la escuela de diseño de Ulm, en la Alemania Occidental”.

Respecto de su relación con César Jannello, comenta: “He conocido a César Jannello antes de mi partida para Europa, pero mi relación con él se desarrolla más tarde, a mi regreso, porque él tenía una relación muy estrecha con Amancio Williams, y yo en ese período trabajaba con Williams en diversos proyectos en el estudio, donde se estaba realizando el proyecto de la casa Curutchet de Le Corbusier en la provincia de Buenos Aires. Luego, Jannello, antes de mi partida para Alemania, me invita a participar de la iniciativa de la Feria de las Américas. No tengo un recuerdo preciso de esta Feria, pero me puedo imaginar que he tenido una influencia en parte directa, a través de Jannello, pero también indirecta; sobre todo, se ve en el catálogo, una influencia en ese período de todo el material que traje de Europa, y la utilización de la tipografía suiza. En particular, se me atribuye la autoría del símbolo (los triángulos). Es probable, pero no estoy seguro de que yo sea el autor… De cualquier manera, hay una gran influencia de toda esa cultura tipográfica de la cual Nueva Visión era el símbolo, era quien marcaba una serie de orientaciones para la gráfica. Por lo tanto, sí reconozco que ha existido una influencia de mi parte y de mi trabajo gráfico en la Feria de las Américas”.

Su expresión se consolida con una carta del 11/7/53 que él

clásicos contemporáneos

+ 127 diseño

+ Maqueta gráfica para estampilla

+ Carnet de visitante de la Feria

mismo envía a Jannello, antes de comenzar el trabajo: “Mi querido César, sin duda, tu proposición me interesa, pero no exactamente en las condiciones por ti formuladas... Mi tiempo hoy es muy escaso, y debo atender tantas y tan diversas cuestiones, que solamente podría viajar a Mendoza por una semana. En este término, podría resolver el problema del señalamiento e interiorizarme de las necesidades y preferencias publicitarias del comité organizativo de la feria. De regreso a Buenos Aires, proyectaría todo el trabajo pedido, y en cinco o seis días, te lo enviaría por correo...”.

REVISAR, VALORAR, REPLANTEAR El módulo gráfico se convirtió en el leitmotiv para la comunicación del evento, con piezas propias y publicidades en medios masivos; la torre alegórica que como las ferias industriales europeas del siglo XIX y XX era el emblema de atracción aunque, en este caso, con sonidos e iluminación interactiva; los pabellones o stands desmontables y el equipamiento mobiliario realizado para cada situación de uso. Lo particular de este macro proyecto realizado para promocionar las industrias y entidades gubernamentales de Argentina -como también, de otros países de América- fue la consistencia de un diseño integral para un evento de carácter político, en este caso, bajo la presidencia de Juan

Domingo Perón.

El teórico en diseño Gui Bonsiepe comenta sobre la importancia de este suceso olvidado en la historia nacional e internacional: “Habría que ver en aquel momento dónde hay eventos públicos de cierta envergadura en la cual se enfocan todos sus componentes. Ver cuáles fueron los inventores que históricamente tienen el mérito de haber planteado el diseño de identidad de un evento o institución”.

IDEALES PARA VOLVER A CREAR Parece sorprendente que casi 60 años más tarde, esta especie de Tecnópolis vanguardista haya sido olvidada, silenciada. Son varias las causas que se aúnan: los golpes militares que prohibieron material peronista, la lejanía de Mendoza respecto a la capital argentina (desde donde se oficializa la historia), junto a la idiosincrasia local conservadora, que se contraía a nuevas formas de vida. Hoy, es posible reconstruir el ideal de cambio, y repensarlo casi medio siglo después, con sus fallas y aciertos. La labor en conjunto e interdisciplinaria, los objetivos sociales, los programas de acción integral y, sobre todo, la visión de futuro, ayudan a llevar a cabo un compromiso con el cambio y con mejores condiciones de vida para una humanidad en plena evolución. +

HUBO UNA VEZ UNA FERIA DE AMÉRICA Recientemente editado por la Fundación del Interior, bajo la coordinación de contenidos del diseñador e investigador Wustavo Quiroga y gráfica de Tite Barbuzza, el libro Feria de América: Vanguardia invisible es el resultado de la recopilación y análisis de materiales inéditos sobre la Feria de América, realizada en 1954, en la ciudad de Mendoza. Cada uno de los aspectos de la exposición es abordado por especialistas: Roxana Jorajuria toma el contexto sociopolítico local y la introducción de las vanguardias; Rodrigo Alonso, la Torre de América; Martha Levisman, Alejandro Crispiani y Wustavo Quiroga desarrollan el planeamiento arquitectónico de los stands y pabellones; Claudio Guerri analiza las piezas gráficas; Carolina Muzi y Silvia Fernández toman el diseño y la industrialización; y Eliana Bormida, los vestigios arquitectónicos presentes en la actualidad. Se trata de una publicación de carácter divulgativo, que se distribuirá a docentes, académicos, críticos, periodistas y especialistas. Luego de la presentación, la versión en pdf está disponible para su circulación en todos los ámbitos, a través de este link: www.museoenconstruccion.org.ar/feriadeamerica +

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+ english summary

Translated by: Lucrecia Bertani @lulubertani

special issue Pages 50-65 Bicycles Cycling for a Better Life in the City

Today, bicycles mean much more than a weekend hobby, or a sport to strengthen the muscles or to lose some extra pounds, or a way to express an ecological conscience or to save some money. This means of transport entails all these, and lots more.

Riding a bicycle is, in itself, a philosophy of life. We analyse the phenomenon, the new urban layout, the new collective proposals, the initiatives of international brands that follow this trend, and the most original innovations of this new way of life that is here to stay.

When one travels on two wheels, the choice is neither whimsical nor accidental. Choosing a bike means, for instance, that one chooses a way of moving that is individual, ecological, very easy to use, and considerably cheaper compared to other alternatives.

It also means that one enjoys a vehicle that is in touch with reality, that enables real experiences. Those of flowing movement, of a pedalling that brings the breeze on one’s face, the sound of the moving trees, the heart pumping, and a rhythmic breathing that spreads from the feeling of health that emerges when one is taking care of one’s body. However, that is not all: the bike reminds us of when we were children, of moments when life was much simpler, more playful, and more innocent.

Paula Herrero The Architect as an Interpreter

Pages 66-69

She has recently won the Silver Medal at Casa FOA 2012 for the development of the auditorium for the exhibition in the former Alpargatas factory. She is the face of her studio, which provides services of architecture, interior and furniture design. She has a vast experience in designing family homes, offices, restaurants, hotels, arenas, and showrooms. Her style is one hundred percent empathetic: she seeks to understand her clients, so as to construe what their needs are.

The architect Paula Herrero has her own way of working, and so far, it has been going quite well. She considers work as a way of life: a passion, a motivation, an exercise in self-knowledge and experimentation, and above all, a challenge to understand what her clients want and need. “My aim is that people feel at ease in the rooms I design for them; that they can find a moment of pause, where they feel comfortable”, she expresses in her own words.

Collage Lab Urban Art and Corporate Communication

Pages 70-73

They met in Barcelona, lived in Amsterdam and founded in Buenos Aires one of the most artistic and multidisciplinary design studios of the city. Tamara García Selvood and Daniel Stroomer combine love with work in the most creative possible way.

Collage Lab is an innovative design agency that seeks to bring together urban street art and corporate communication. Today, they give shape and content to the image campaigns of some of the biggest brands in the country, along various social projects that they develop ‘for the love of art’.

“When we first started, it was something new: a creative team made up of not only advertising people, but of artists, illustrators, and photographers. Almost everyone in the team today has a background in graphic design, but everyone paints or is related to urban art in some way”, say the founders with delight. Bearing this in mind, they shaped the most multidisciplinary studio, one that mixes street art with all the other areas within design. “We do from events production and branding to the creation of murals and graffiti workshops. It is clearly a mixture, but art is the centre or the place where everything is connected”, Tamara explains.

Luci Gutiérrez Saying a Lot with Very Little

Pages 74-76

It is not divine inspiration that makes the artwork of Luci Gutiérrez a mixture of fine irony, exquisite elegance, and intelligent humour.

It is, rather, a unique ability to perceive how we behave, what we feel, and what our fears, desires, and fantasies are. Or, better yet, it is the virtue of saying a lot with very little. Although she rather speaks through her work, it is a great pleasure to listen to her and to read her.

“As for the graphic aspect, I am probably a maniac, as many people

believe that my illustrations are vectorial when in fact they are digitally done with a freehand brush; or that I suffer from colour blindness –which is not the case-, as I use saturated colours; and that I go straight to the point or that I am really lazy, as I only use the elements I consider strictly necessary to tell what I want to. In terms of content, I would need to psychoanalyze it, which takes time and some other disorder. I am on it”.

Claude Cormier Pink Balls

Pages 78-80

The Canadian architect Claude Cormier surprised the inhabitants of Montreal with his installation of 170 thousand pink spheres that covered one kilometre of the lively and busy Saint Catherine Avenue. These are the ideas of an enthusiast and maker of the urban landscape.

His studio Claude Cormier + Associés carries on various types of projects, which combine rearrangements in urban planning with temporary facilities for gardens and festivals. Their work is appreciated around the world, and Cormier was chosen as the emerging voice of North America by The Architectural League of New York.

The firm has also won awards from the American and Canadian Societies of Landscape Architects, and the Montreal Design Institute, among others.

Olaf Hajek

Surreal Illustration

Pages 82-85

The art of the German illustrator Olaf Hajek stands out for its exceptional beauty, with a style that seems to have little to do with the illustration formats students learn in American universities, or with the illustrated pages of either The Guardian or Spiegel. Olaf is something of a rebel in peace, as his art is the device that communicates the symbolism of his own surreal world.

“I get inspired by films, travels, books, and music. I am now completely in love with folk art and the African barbershop signage. I love the power of simultaneous sophistication and simplicity”. Olaf’s interests have something subtly peculiar, with a focus on the details that humanize the daily life of a village, entangled with remote combinations of flora and fauna of a folk style, and of course, along with those interests that all artists share. His intuition paves the way towards the recesses of imagination, where we get in touch with our own unconscious fantasies, submerged in fears and desires deprived of reality that we rarely see but we often tend to apprehend.

All Originals Represent Gravitying, the Most Originals Group

Pages 86-84

The Gravitying trampowall group was crowned the winner of the All Originals Represent Contest, and is currently starring the advertising campaign of adidas Originals in Argentina. For their original ability, Gravitying was chosen as winner by a jury composed by Julieta Pink, Fernando “Ardilla” Borrello, Nicolás Cota and the Communications team of adidas in Argentina, in addition to receiving 1600 votes from the public. The contest invited consumers around the world to show their own abilities along with their friends, to show their originalities, their own style and their desire to be part of the brand.

International Design Festival of Buenos Aires Beyond Limits

Pages 88-92

From 18th to 20th October, the neighbourhood of Barracas was the scene of the IV International Design Festival. Thus, Buenos Aires showed why it is one of the Unesco Cities of Design. Workshops, seminars, films, fashion, and design joined the picnics and talks by prominent international guests. The subject was the expansion of design.

Considered one of the most important events of the sector, the festival included exhibitions of the urban transport industry, communications and food, art, work, and culture. Exhibitions, workshops, educational workshops, special events, and urban actions were what portrayed design in all its forms in the south of the City of Buenos Aires.

Pages 94-97 Casa FOA 2012 Design and Interior Design Trends All in One Place Under the name of Casa FOA Molina City, the 29th edition of the national exhibition of architecture, industry, interior design, and

english summary landscaping was held from 7th September to 14th October, in the former Alpargatas textile factory, located in the neighbourhood of La Boca.

In addition to its traditional spaces, which were forty this year; the 2012 edition called professionals of different areas to be part of their design contests that had urban banks as protagonists. The basic instruction was that all created objects could be used during the exhibition, so as to allow the public to interact with them. As for the awards, the #2 space, Molina Cafeteria, designed by the architect Julio Tinsel, received the Gold Medal for Mercedes Malbran de Campos Architecture.

Meanwhile, the #32 space, Molina City, developed by Alfredo Fellinger and Team Fellinger, won the Gold Medal for Landscaping. The #13 space, Auditorium, created by the architect Paula Herrero, received the Silver Medal for Architecture and Interior Design; while the #36 space, Loft with Terrace, created by Judith Babour, won the Silver Medal for Landscaping.

London Design Festival 100% International Design

Pages 98-99

The proliferation of international exhibitions that were held in London during the past September made the city a true meeting of cultures around design. This year, the exhibition 100% opened a space where eleven countries and regions of the world installed a pavilion with their best exponents in design, including Chile and Argentina.

This added to the efforts being made by other delegations in recent years, to hold national exhibitions and allow different cultures to gather around design. All these exhibitions portray the situation of design around de world.

DArA ID Design Changes Reality

Pages 100-102

The Design District hosted the 3rd International Meeting of Interior and Design DArA iD, held in the Metropolitan Design Center building in Barracas, on 24th and 25th October. The event brought together the leading international professionals from the world of design and décor.

This year, figures such as the American Karim Rashid, Hugo Haas from the French studio Ciguë, Alberto Martínez of CuldeSac from Spain, Shashi Caan from India and Arthur Casas and Diana Radomysler from Studio MK from Brazil, were part of the international speakers. Under the theme “How design changes reality” the aim was to think about this and reach conclusions with practical and adjustable purposes for the local reality, by interacting and discussing ideas, styles, movements, and directions of interiors and design.

São Paulo International Automobile Trade Show Pages 104-106 Brazilian Novelties The Brazilian city of São Paulo was where the new edition of the International Automobile Show was held. Lots of news for the Mercosur region and a large number of prototypes were the highlights of this mega show. This car exhibition is the largest and busiest in South America. Everything that is exhibited works as a preview of the great new features that will later arrive in Argentina. It is also the place where the manufacturers have the opportunity to showcase their future projects through their prototypes.

To Be All the Rage Northwest Design

Pages 108-109

The production of design in the north-western region of Argentina -which includes the provinces of Jujuy, Salta, Tucumán, Santiago del Estero, and Catamarca -, has taken significant momentum in the past ten years. Innately, hundreds of designers have started to develop contemporary pieces with large doses of originality in a creative exercise that reinterprets both the productive and the cultural contexts. The boundaries are crossed in an unprecedented urgency to imagine new paths. In that way, all the innovation in construction, aesthetics, and functional aspects of the products engages in fruitful dialogue with the geographical and symbolic horizons of the environment. The way of doing things naturally comes from combining ancestral knowledge with industrial processes. The pieces of design then acquire a complex traceability that shows in its conception both rational and emotional sides: the view from the North.

Cafira Innova Design a Nicer World

+ 129

Pages 110-111

This is the aim of Cafira Innova, one of the most important events in interior design in Argentina. It is held twice during the year, and shows the trends for fall and summer. More than 10,500 people visited the last edition Cafira Innova Spring, which took place from 23rd to 26th August 2012, in its traditional space of Costa Salguero, with a total area of 12,000 m² and the presence of 118 exhibitors’ stands. It was an excellent chance to learn about the different trends in décor, either for the spring-summer season or the autumn-winter one, being the perfect fusion between domestic and imported products, including new and vintage, thus creating an interesting balance for each room.

TRImarchiDG Pages 112-114 Eleven Years Spreading Graphic Design

The eleventh edition of the International Congress in Graphic Design TRImarchiDG took place from October 12th to 14th. It is already a national and regional classic, based in the Sports Centre Stadium in Mar del Plata City.

In addition to the lectures, it held other activities such as audiovisual performances, workshops, panel discussions, debates, audiovisual parties, exhibitions, conferences, and collective paintings. Niklaus Troxler, the team of Firehouse, Catalina Estrada, Inderrumbable, 123Klan, Emory Douglas, and Gabriel Martínez Meave -leader of Kimera design studio in Mexico- were present among the international guests of TMDG 2012.

Headphones The Better to Hear You With

Pages 116-118

Headphones are like screens, one of those items that we do not usually pay much attention to. Not until we encounter with a high quality exponent and then we understand that, perhaps, we had been missing a whole world. Overall, there are several types of headphones, although not everyone agrees on which kind is the best.

Those offering higher quality audio and more power (among other things, as their larger size allows it) are circumaural headphones.

These are the typical with a headband and speakers that cover the external part of the ear. More modest, the supra-aural headphones are experiencing a revival. They also have a headband, and go over the ear, but they press against it rather than around them. This means that noise seeps and music escapes, but they often have good fidelity and power. The classic headphones that hang from the ear have become quite popular as well. In this case, there are two options: those fitting quite deep into the ear canal, and those which are placed in it using a rubber adapter to improve sound insulation, called intra-auricular headphones.

Photography Portfolio Taco Rey

Pages 120-123

Taco Rey is an architect who takes photographs since 1990. He works with analogue and digital cameras. His focus is mainly on landscapes and nature. He is currently developing his photobook project about the Delta, where he has lived for many years. The images we showcase in this edition belong to the series Palos en el Agua -Poles in the Water- that were taken in Cohyaique, South of Chile, where the author has built a resort.

Fair of America The Lateral Avant-garde

Pages 124-127

In the west-centre of Argentina, in early 1954, a revolutionary episode occurred according to the society of the time: design took the town of a province with a modern industrial fair that intended to open the way into the future. The Fair of America was located in Parque San Martín de Mendoza, where a group of visionaries: the architects César Jannello, and Gerardo Clusellas, the industrialist Iván Baczinsky, the musician Mauricio Kagel, and the graphic designer Tomás Maldonado, among others, put into practice the typical project methodologies of modernity.

Team and interdisciplinary work, applied arts, project methodology, consistency and clarity in the communication systems and in construction, were some of the principles developed in the event.

However, their research also reached other destinations within the modern canon, such as giving production an Americanist identity, and integrating intimately the construction of spaces into nature. +

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conexión En kioskos de revistas y en las librerías: Tienda Palacio Honduras 5272 / Defensa 926 Tienda Kabinett Gurruchaga 1744 Interior El Pasillo Libros Diagonal 78 Nº 680, La Plata

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NUESTROS LECTORES ofrece a sus lectores un espacio para compartir lo que mejor saben hacer. Contanos qué estás haciendo a info@90mas10.com.ar DRIPPINGCHAIR Inspirándose en una de las técnicas pictóricas creadas por el gran artista Jackson Pollock (dripping), el diseñador Sebastián Charras pensó en la DrippingChair, una silla que emula esta técnica, remplazando los tarros con agujeros que utilizaba Pollock para que la pintura goteara, por un tejido de PVC que, al fundirlo y ayudado por una malla de alambre, genera una textura elástica, pero capaz de soportar el peso de una persona. La estructura, bien simple, está construida con caños de hierro 20x20, de 1,2 mm de espesor. Charras terminó de cursar la carrera de diseño integral en 2004 en el Instituto Superior C.E.P.E.C., en la ciudad de Rosario, y desarrolla distintos proyectos, desde el boceto al prototipo funcional y final, involucrándose en todo el proceso creativo. + www.sebastiancharras.com.ar