Revista 90+10 #43

+43 + On the streets of Barcelona, B-Toy. www.btoy.es

sumario +mundo creativo 012 diseño, art toys, arte, publicaciones, música, green design, videojuegos, arquitectura, lugares, moda, vehículos, eventos, gadgets, branding y diseño, destinos, marketing, concursos,

+personas creativas 068 080

agenda

+especial Moda 048 Una mirada sobre el panorama de la moda local 051 BAFWeek Otoño–Invierno 2013 Aires barrocos 057 Vidriera BAFWeek 058 Inspiraciones 062 La velocidad de la moda con Citroën 064 La Ciudad de Moda Aires buenos

072 084 076

moda OnTheCorner Callecitas de Buenos Aires Paula Ledesma La calidez del oficio

arte Sol del Río Artista multidisciplinaria B-Toy Arte urbano con guiños al pasado

ilustración Istvan Banyai Al borde de la demencia

+ideas creativas 088 096 092 098

diseño Perú, diseño de aventura Cafira Innova Sede del diseño

tecnología Impresoras 3D Hacer realidad los objetos imaginados

vehículos Autos deportivos De comportamientos rabiosos

+portfolio fotográfico 102

Constanza Piaggio

+clásicos contemporáneos 108

+ Ilustración de Istvan Banyai. www.ist-one.com

diseño Santiago Barbuy Diseño por el sendero del sol

112

+english summary

114

+conexión

+43 + Constanza Piaggio, Walden #2, 110 x 140 cm. www.constanzapiaggio.com

staff Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010 Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010

Diseño Gráfico Hernán Patto Leandro Marenzi

Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar

Diseño de Tapa Patricio Oliver www.patriciooliver.com.ar

Producción Fátima Fargas fatima@90mas10.com.ar @fatimafargas

Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar

Departamento Comercial publicidad@90mas10.com.ar

Colaboran en esta edición Adriana Godoy, Aldo Bressi, ArtsMoved, Carola Danza, Celeste Nasimbera, Diego Giaccone, Elvio Orellana, Fátima Fargas, Fernanda Cohen, Germán Andrés, Javier Villa, Jorgelina Peciña, Maia Croizet, María Agustina Iscaro, María Paz Berri, Patricio Oliver, Ricardo Sametband y Wustavo Quiroga Nuestros colaboradores María Paz Berri Vivió toda su infancia en el campo, al sur de Córdoba, donde pasaba largas horas leyendo y escribiendo. Cuando terminó el colegio, viajó a Buenos Aires a estudiar ciencias de la comunicación en la UBA y, desde ese momento, se dedica al periodismo gráfico. Trabaja freelance para revistas del Grupo La Nación, para dos suplementos del diario Clarín (Buena Vida y Countries), para 90+10 –en esta edición, entrevistó a Sol del Río- y Entrecasa. Hoy, todo esto transcurre entre mamaderas y pañales, después del nacimiento de su hija Olivia, hace dos años. Uno de sus últimos placeres es el origami, a través del cual relaja cuerpo y mente. +

María Agustina Iscaro Esposa, madre de Alejandro, artesana y entusiasta del arte en todas sus formas. Después de pasear por varias carreras, se decidió por la fotografía. Colabora como redactora freelance para diversos medios nacionales, y se desempeña como directora de contenidos de su propia casa, donde dedica la mayor parte del tiempo a su familia y busca, todos los días, lograr un equilibrio entre hijo, marido, trabajo y carrera. Se considera una mujer hambrienta, entendiendo al hambre como deseo, y al hambriento como una persona que busca. En esta edición de 90+10, se dedicó a gran parte de las notas de la sección mundo creativo. +

Distribución en kioskos CABA y GBA Vaccaro, Sánchez y Cía. S.C. Moreno 794, Piso 9º Tel. (+5411) 4342-4031/32 Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114

Impresión Help Group Colombres 1333, Piso 1°, Of. 6 Tel. (+54 11) 43973-0217 www.hgprint.com.ar info@hgprint.com.ar Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

Suscripciones Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 cp67@cp67.com Librería Concentra Montevideo 938 Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar

Domicilio Legal: Av. Raúl Scalabrini Ortiz 2553 – Piso 13 “E” (C1425DBG) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina Domicilio Redacción: Cerviño 3814 – Piso 4 “A” (C1425AGU) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | 90mas10.com.ar Revista 90+10. Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas firmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual Nº 943748 | ISSN 1668-6403 Año 9 - Nº43 – Marzo | Abril 2013

+43 + “Campo de Piedra”, de Sol del Río. Óleo sobre lienzo, 60 cm x 120 cm, 2012. www.vimeo.com/soldelrio/videos

editorial La moda es fantasía, imaginación. Sumergirse en el universo propuesto por un diseñador en un desfile es abandonarse a un sueño, un show, una representación teatral.

Como comunicadores de la creatividad, eso nos encanta, y disfrutamos mucho difundiéndolo. Pero también nos gusta leer entrelíneas, encontrar conexiones (o no) con nuestros gustos y necesidades vestimentarias. ¿Quién no se hizo alguna vez de una prenda sólo porque se sintió hechizado ante ella, pero siendo conciente de que jamás la usaría? ¿O quién no se compró un par de zapatos que le quedaba chico o grande (porque no había su número) y, a pesar de las molestias, los lució orgulloso? Hay un ingrediente de fascinación por la ropa que, muchas veces, nos impulsa a poseerla, cualesquiera sean las consecuencias.

+ Desfile de Garza Lobos en BAFWeek. Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

“La moda no incomoda” es una frase que, sonrisa de por medio, le escuché decir varias veces a mi amigo Claudio Martínez. Afirmación de la que siempre interpreté que este fantástico diseñador de indumentaria masculina dudaba. Es que todo tiene un límite, ¿o no? Lograr identificar el propio estilo vestimentario es una de las tareas más complicadas, y un ejercicio que lleva su tiempo. No toda la moda es para todos, y hay que aprender a seleccionar aquello que nos favorece, siempre dentro de nuestros gustos y posibilidades.

Por naturaleza, la moda es efímera. Si nos enamoráramos eternamente de unas pocas prendas, ¿cómo sobreviviría la industria del vestir? En el especial de moda que preparamos en esta edición, verán desplegarse un amplio abanico de propuestas nacionales, que denotan la genialidad y diversidad de nuestros diseñadores, y que se renueva con cada colección. Los invitamos a dejarse llevar por ellas, y también a reflexionar sobre lo que queremos decir cada vez que nos enfrentamos a nuestro guardarropas y elegimos qué ponernos cada día. + Marcela Fibbiani Editora

CONEXIÓN DIGITAL Con los links de 90+10 (9010.co), accedés directamente a la versión digital de la nota (disponible para las secciones: personas creativas, ideas creativas, clásicos contemporáneos, portfolio y especial), para poder compartirla, comentarla, ver más material de fotos y video, y entrar a los todos links vinculados.

Una nueva manera de conectar el medio en papel con el mundo digital. + 90mas10.com

FOTO DE TAPA Maite fue retratada por Javi Obando para OnTheCorner (www.onthecorner.com.ar), con retoque fotográfico de Luis Gaspardo (www.luisgaspardo.com), el 25 de octubre de 2012, durante la presentación para prensa de la feria de cocina argentina Masticar en El Dorrego, Ciudad de Buenos Aires. Al igual que a los chicos de OTC, quedamos encantados con esta señora de 69 años que llegó en bicicleta, con su sweater fucsia y sus grandes anteojos de Carla Di Sí, acompañados de una increíble sonrisa. Cuando le preguntaron sobre su relación con la moda, aseguró que, a su edad, ya tiene un gusto muy definido, y sabe perfectamente lo que le queda bien: “Mi lema es Less is more” (Menos es más). Mi guardarropas es bastante acotado; prefiero usar prendas clásicas, que luego varío con accesorios”. La moda se nos ofrece a todos por igual, pero saber seleccionar de ella lo que es realmente para cada uno de nosotros es el desafío. Maite lo entiende, y por eso la elegimos como tapa de esta edición de 90+10. +

012

+ mundo creativo

Texto: María Agustina Iscaro @iscarlina

diseño

Mole Design

Cómic al mueble Con el principal objetivo de encontrar un equilibrio entre espacio y funcionalidad, nació Mole Design, una empresa dedicada a la fabricación de muebles personalizados. Su objetivo principal es convertir al cliente en el protagonista de la decoración de ambientes con personalidad.

Cada uno de los productos que integran la colección está realizado en multilaminado de guatambú y MDF, una combinación perfecta entre madera y color. “Desmedida” es el nombre de su primera línea de piezas en serie. Pensada especialmente para espacios reducidos, la propuesta consiste en un diseño de vanguardia, inspirado en las historietas de los años 50. Detalles lúdicos, tramas, texturas y colores develan un estilo retro pop. Las vedettes de esta colección son la mesa ratona Isabel, compuesta por tres tapas circulares superpuestas de distinto tamaño; la mesa accesoria Tita, pensada para la notebook, pudiendo ser posicionada sobre un sillón o silla; y el banquito Azucena, ideal

para armar el living, con varios sectores de asiento sin ocupar mucho lugar; entre otros productos.

Una segunda línea es “Viñetas”, formada por estantes que responden al concepto de cómic. Tienen forma de cuadro de diálogo, y se les puede agregar caras de vinilo autoadhesivos para dar un acabado divertido. El estudio también brinda asesoramiento en hogares, oficina y todo tipo de proyectos. En suma, se trata de una propuesta lúdica y funcional, especial para los amantes de las historietas vintage. + www.somosmole.com.

014

+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver (*) @patriciooliver

art toys

Cyborg Nemesis Labbit

Más fuerte y rápido que nunca El veterano y ya icónico artista y diseñador de juguetes Frank Kozik ha mantenido una relación estrecha y muy fructífera con la empresa Kid Robot, durante varios años. Sin lugar a dudas, los Labbits han sigo el resultado más famoso de dicha alianza destinada al éxito.

A fines de los años 90, el Proto Labbit apareció en unos pocos productos fabricados y lanzados por el sello personal de Kozik, Man’s Ruin Records. El personaje apareció en encendedores Zippo, ceniceros de cristal, loncheras de plástico y hasta calcomanías. En 1998, una pequeña tirada hecha a mano en resina fue producida y vendida en Japón.

En 2000, durante una visita a la sede de Bounty Hunter, en Tokio, se le ofreció a Kozik realizar una colaboración para producir al conejo fumador como un juguete de vinilo. La leyenda cuenta que cuando recibió los juguetes terminados, se encontró con que habían japonizado el nombre del personaje en “Smorkin ‘Labbit”. Para Kozik, este error tuvo dimensiones épicas, y lo encontró tan fabuloso que, inmediatamente, decidió que éste debería ser el nombre real del personaje.

Cuando el fenómeno de los juguetes de vinilo finalmente golpeó a los EE.UU. en 2003, Kozik se unió a la entonces nueva Kidrobot, para desarrollar aún más a Labbit, en una gran variedad de tamaños, estilos y personalidades. Hasta la fecha, se han producido

más de 150 versiones diferentes de este conejo.

Entre algunos de los rasgos que más representan a Labbit, está la adicción a los cigarillos, a los de caramelos y a la carne seca.

Es alérgico a trabajar en cualquier forma. Prefiere el término de “huesos grandes” a “gordo como un cerdo”, y es bastante cuestionable su higiene personal…

Su más nueva versión está diseñada por Chuckboy, quien ya ha participado en el pasado con Kidrobot, realizando Dunnies de diverso estilo. Digno ejemplo de cómo la tecnología puede ser usada para el mal, en las manos equivocadas, Cyborg Labbit Nemisis es un oscuro canalla, que no para de fumar. Mide 7 pulgadas, es de vinilo y posee dos terminaciones (su ojo biónico y su cigarro), que siempre brillan. Esta actualización de Chuckboy al clásico de Kozik es más fuerte, más rápido y más fumador que nunca. Sólo mil fueron producidos, y salieron a la venta el 14 de marzo, en las tiendas de Kidrobot, kidrobot.com, y tiendas especiales en todo el mundo. + www.frankkozik.net | http://chuckboy.com/ | www.kidrobot.com

(*) Patricio Oliver es diseñador gráfico por la FADU/UBA, ilustrador y creador de numerosos vinyl toys para Red Magik, Kid Robot, Toy2R, UnboxIndustries y Mugo. www.patriciooliver.com.ar

016 arte

+ mundo creativo

Texto: Javier Villa

Rampante Lamothe y Zorraquín unen cúpulas A veces el arte otorga la posibilidad de acceder a espacios que, de otra forma, sería imposible conocer. Esta oportunidad -la exposición Rampante, de las artistas Luciana Lamothe y Rosario Zorraquín- es una generosa excusa para acceder a una vista privilegiada del microcentro, desde una terraza que une dos tradicionales cúpulas de la ciudad: las del edificio Bencich, en Diagonal Norte y Florida.

La combinación entre las dos artistas podría parecer un capricho poco amalgamado en primera instancia pero, justamente por eso es, sin duda, estimulante. Ambas, con una obra desde su pensamiento formal y composición conceptual sólida y personal, encaran a la cúpula como a un tercero en cuestión. Y no se trata de una batalla “todos contra todos” para ver quién queda mejor parado, o de un “dos contra uno” para dominar al otro, sino de un “threesome”, en donde cada uno puede desplegar sus herramientas, respetando y admirando al otro, para comulgar en un armonioso encuentro (que no quita los momentos de dominio o tensión).

Lamothe aborda la cúpula con un nuevo trabajo, en donde utiliza andamios para la construcción. Si producciones previas con el mismo material dejaban entrever claramente cierta funcionalidad -vehículo para agujerear paredes o palanca para derribar edificios-, en este caso, la cuestión es más compleja. La pieza aborda un objetivo formal al convivir, casi sacramente, con el centro de la cúpula, señalando altura, ortogonales y espacios. A su vez, en lugar de ser el andamio un apuntalamiento o sostén del espacio dado, la gran estructura se apoya en éste, para convertirse en una madeja de ca-

ños flotantes, una pasarela milagrosa que, al ser transitada por el espectador, planea en cuatro direcciones.

Zorraquín presenta, por primera vez, una investigación que lleva al menos un año: una enigmática -y tal vez irresoluble- relación entre pintura, escritura (ideogramas o grafismos) y espacio. Símbolos que podrían ser tanto ancestrales (retomando la intrincada aparición de formas plásticas junto a escrituras, antes de que ambas se separen), como del Buenos Aires esotérico de principios del siglo XX, o secretos encriptados de un presente frenético, que se impregnan en paredes y techos, en composiciones claramente pictóricas, algunas más profusas, gritonas y estridentes; otras, de una escritura para ser leída en voz baja. En cada espacio, se abren ventanas que miran el constante movimiento de la ciudad; tal vez adentro, las artistas hayan logrado una activación del espacio, y una suspensión del tiempo, en una cúpula que ya flotaba sobre la ciudad, abandonada. + Para visitar Rampante en el edificio Bencich (Av. Roque Sáenz Peña 615, Piso 10, CABA), escribir a machete@macheteart.com

018

+ mundo creativo

Texto: María Agustina Iscaro @iscarlina

publicaciones

Northern Delights Scandinavian Homes, Interiors and Design Si hubiera que construir una casa ideal, el arquitecto probablemente sería italiano, el ingeniero tal vez alemán, el jardinero británico, y los artesanos, suizos o japoneses. Pero el diseñador de la casa, sin lugar a duda, debería ser escandinavo. La bloguera Emma Fexeus, nacida en Estocolmo, fue la encargada de editar, junto a Sven Ehmann, un libro dedicado a este tipo de diseño, bajo el atractivo título Northern Delights.

“Las líneas simples y los colores naturales hacen que el diseño escandinavo sea ideal para cualquier ambiente. Además, uno no se cansa fácilmente de verlo”, expresa Fexeus, estilista y diseñadora que, en su blog de diseño y decoración –el más leído de Suecia-, refleja la popularidad de este estilo, que hoy puede encontrarse en hogares, restaurantes y oficinas de todo el mundo. Los trabajos seleccionados en el libro demuestran por qué es tan excepcional. Sus 240 páginas a color recorren distintos ambientes, donde se aprecian los diversos tipos de madera, vidrios y estampados. Estos materiales dan vida a mobiliarios de gran calidad, que contribuyen a crear espacios atemporales, estéticos y, por sobre todo, confortables. + www.gestalten.com Editorial GESTALTEN Autores EMMA FEXEUS, SVEN EHMANN Formato 24 x 28 cm 240 páginas Inglés

INTI Mapa de Diseño, 101 diseñadores de autor Tras cinco años de investigar el mundo de la moda en las distintas regiones de la Argentina, el equipo del Observatorio de Tendencias INTI - Textiles, concluyó su libro INTI Mapa de Diseño, 101 diseñadores de autor. La presentación del flamante ejemplar se llevó a cabo nada menos que en Londres, en la reconocida Feria Internacional de Moda (International Fashion Showcase London Fashion Week AW13).

Editor INTI Autor OBSERVATORIO DE TENDENCIAS INTI Formato Digital Español e inglés

La investigación se basó en las propuestas innovadoras de 101 diseñadores, analizando sus lenguajes expresivos, y dilucidando los elementos que conforman la personalidad creativa del país. El primer capítulo reflexiona en torno a la identidad del diseño argentino en materia de indumentaria y sus influencias geográficas, simbólicas y productivas, todas las cuales pueden ser leídas a través de las prendas que se producen en toda la nación. El segundo apartado incluye los perfiles creativos de los mencionados 101 diseñadores de autor, y allí se analizan sus inspiraciones, materiales y técnicas. El libro, publicado en formato digital, puede descargarse en forma de aplicación para iPad, así como en formato eBook. Ambas ediciones son de acceso libre y gratuito. + www.inti.gob.ar/textiles/

020

+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

música

Daniel “Pipi” Piazzolla Un toque de gracia Pipi Piazzolla es uno de los mejores bateristas de la Argentina, y un personaje muy querido en el ámbito del jazz en Sudamérica.

Ha tocado y grabado con diferentes agrupaciones y artistas de todas las tallas en el mundo. Fue ganador del premio Gardel de Oro 2012 con su grupo Escalandrum, y como músico, fue nominado varias veces a los Grammys.

Nieto del gran Ástor Piazzolla, heredó su talento y pasión por el trabajo. Pipi participó en más de 50 discos y en géneros como el funk, el tango, la fusión con el rock y el latin jazz. Incluso, publicó un libro en 2010, llamado “Batería contemporánea”. Sobre finales de 2012, editó su primer disco en formato trío, curiosamente llamado “Arca rusa” (Ver recuadro).

Con Escalandrum, tiene una interesante carrera entre el jazz y el tango más arriesgado, desde 1999, cuando juntó a un grupo de destacados músicos de la jazzística argentina. Es un sexteto acústico que hace música instrumental de impronta urbana; ya tienen seis discos, innumerables giras por el mundo, y varios premios.

El hombre tras los parches, que le pone ritmo a toda esta vida sonora, nos responde. + ¿Cuál fue tu primer instrumento musical, o con el que despertó la pasión?

PP Mi primer instrumento fue el piano, a los 6 años. Y el que me despertó la pasión fue la batería, a los 15. + ¿Cómo te conectás o relacionás con el tango y su tradición?

PP En verdad, no me relaciono mucho con el tango; sólo escucho a mi abuelo, que me vuela la cabeza. Y cuando tengo que tocarlo, o cuando los bateristas me preguntan cómo tocarlo, así es que me conecto con eso de nuevo. A mí me gusta el jazz… + ¿Cuándo compones, cómo y con qué instrumento lo hacés?

PP A la hora de crear música, siempre lo hago desde el piano, y arranco por la melodía. + ¿Quién es para vos un referente en lo musical?

PP Alguien cualquiera, diría, que compone linda música, y que está entregado a eso. Como los grandes compositores e instrumentistas que nos sorprenden por su búsqueda incansable. + ¿Cuál es tu visión de la escena del jazz argentino actual?

PP Creo que esta escena del jazz local es lo mejor que le está sucediendo hoy a la música argentina. + ¿Qué estás escuchando ahora que quieras compartir?

PP Un disco de Aaron Parks, que se llama “Invisible cinema”. + www.danielpipipiazzolla.com

ARCA RUSA (EPSA Music. Argentina, 2012) Se trata de música jazz argenta, en clave moderna, melódica y atrevida. A la manera del film “El arca rusa”, que se estrenó hace más de diez años, y que fue filmada en un solo plano secuencia, de principio a fin, este disco se grabó en una sola toma, con los temas unidos por “transiciones”, a cargo de los diferentes instrumentos solistas. Pipi compuso gran parte de la obra, y es el guía desde la bata; al trío lo completan Lucio Balduini en guitarra eléctrica y Damián Fogiel en saxo tenor. Los tres aportan temas y transiciones, o solos. Todos son nombres importantes del gran movimiento jazzístico de Buenos Aires, y es uno más de los cruces en los que participa Pipi, aquí, como mentor. El álbum es una suerte de obra conceptual, hecha de un tirón, todo en vivo; y ese aire vivaz, se deja oír libremente. En 16 tracks de inquietante atracción, llena de buenos momentos. +

milAn deSign weeK 9th-14th April 2013

SUPERSTUDIO presents

GLOBAL DESIGN QUALITY AND RESEARCH ART INTERACTIONS INTERNATIONAL BRANDS TOP DESIGNERS EmERGING TALENTS Al SuperStudio più, vIA TORTONA 27: ALCANTARA, BEAU&BIEN, BGA ARQ&DESIGN - ITINERANT STRUCTURES, COTTO, CRISTALPLANT, CROATIAN CENTER FOR DESIGN, DAvID TRUBRIDGE & TSAR, DEL TONGO, DSG CERAmICHE-GIGACER, GAmmA DUE–ORNAmENTA, GISPEN, HOwE, HYUNDAI, ImIB, ImPAkTA LES, INPLES DESIGN, kABILjO INC., kANEkA, LG HAUSYS, mALETTI, mARSHAL OFFICE OF THE wIELkOPOLSkA REGION, mELOGRANOBLU, mOSA, NOvAk, POLISH DESIGN, QUI EST PAUL AND FATBOY, RAPTOR, SAmSUNG ELECTRONICS ITALIA, SwEDISH DESIGN GOES mILAN, TAGINA CERAmICHE D’ARTE, THAILAND’S Slow Hand deSign, Tucano, YoTHaka, Zava, Zollanvari deSign bY SoFarSonear • BASement “diScovering, other tAlentS, other worldS, other ideAS”, vIA TORTONA 27: AIkO TELGEN, ALFREDO GALDI, BADRAUmHOLz EvA mECHLER, CAOSCREO AND ORIGAmI STEEL, CRjOS DESIGN mILANO, DOROLIFESTYLE BY DORODESIGN, ELíAS kABABIE, F. AND D. BERGESE & G. COLTELLA, HELENA DAřBUjáNOvá, kUBICO, LUCA mARIA AROSIO AND PAOLO EmANUELE NAvA, mASAYUkI kUROkAwA AND YOSHITAkA mASUDA, mDAA + SARTEBA, PAOLO FABRI, PEGA PEGA D&E, QUINT ESSENCE, RE-CRAFT DESIGN, roberTo roveTTa, TeSTe di legno, urbo, woodouT • Al SuperStudio 13 “freedomdeSign”, via Forcella 13/via Bugatti 9: AD HOC, AGANAHUEI, AGORà DESIGN, ANA FATIA, ARTBEAT, CHARLES wILSON, CICLOTTE, CLAUDIO PANTANA, DOmENICk DI PIETRANTONIO, DOmUS DESIGN, ELENA ROGNA AND FEDERICA CERIALI, EvERGREEN ORANGE wALL STICkERS, GEN ISHIkAwA, HONEYDEw RABBIT, kATIA vOzzA, k.S DESIGN, LACRImE D’ARTE, LAURA zENI, LAYLA mEHDI POUR, LIFE GEOmETRY, LUINI DESIGN AND mARCO vALENTI, PALO, PIERPAOLO mONACO, PRODUCT DESIGN mADRID, PSYkEA, ROmEO FerrariS, Sdaa, Simona boiardi, Zac glamour deSign • exhiBit: “ARTS & CRAFTS & DESIGN. IL TEmPO SECONDO aleSSandro mendini e i Suoi arTigiani” • SpeciAl proJectS: mOSTRA “ISBU?vIvERE (BENE) IN SCATOLA; ARTINTERACTIONS

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022

+ mundo creativo

Texto: María Agustina Iscaro @iscarlina

green design

Ouef: Productos a conciencia Antes de que la crisis económica azotara al mundo, y mucho antes de que verde y ecofriendly se convirtieran en las palabras de moda, surgió Ouef. La firma, dedicada a la producción de muebles, accesorios y ropa para niños, fue creada por una pareja franco americana. Sophie Demenge y Michael Ryan, como parte de una nueva generación de padres concientes del diseño y comprometidos con el medio ambiente, propusieron el slogan “be good”. Así, sus tres premisas se convirtieron en: buen diseño, buenos con el planeta y buena gente. En este camino, ofrecen diseños simples, funcionales e intuitivos, que reflejan las necesidades de las familias de hoy.

La colección “Rhea” está compuesta por una cuna, un convertidor de cama y dos cómodas. Éstos, como todos los muebles de la marca, son fabricados en bosques gestionados ecológicamente en Latvia, un pequeño país europeo. En la cuna Rhea, su diseño elegante, los tonos cálidos de madera, y el blanco mate combinan a la perfección con cualquier tipo de decoración. La posición de la cuna se puede regular en tres alturas, y el kit de conversión permite transformarla en cama, alargando su vida útil. + www.oeufnyc.com

Galería Monde Ruelle: El arte de lo recuperado Cartón, hierro, plástico, vidrio y sintético. Objetos de desecho que son intervenidos, combinados, y vueltos a unir, creando piezas de diseño únicas. Así fue cómo en 2006 la diseñadora Marie-Claude Parenteau-Lebeuf y el artista decorador Hubert Soucy, crearon Monde Ruelle.

El nombre, que se puede traducir como “el callejón de atrás del mundo” hace referencia a los pasadizos y las calles de Montreal, donde los fundadores recolectaban los elementos con los que crearían nuevas piezas. Esta fascinación por desviar a los objetos de lo que alguna vez fue su función original, los llevó a abrir, en 2008, La Galería Monde Ruelle.

Allí artistas, diseñadores y artesanos ponen continuamente muebles, objetos decorativos y artículos para el hogar a disposición del público. Además, la Agencia Monde Ruelle es la encargada de promover los trabajos y a los artistas, así como también cumple con la tarea de administrar la red de distribución, que funciona a través de más de veinte tiendas e instituciones, como ser el Museo de Arte Contemporáneo de Montreal. Una galería que viene a demostrar cómo la producción sustentable y responsable sigue ganando terreno. + www.monderuelle.com

Texto: Ricardo Sametband @rsametband

+

mundo creativo 023 videojuegos

Julia: A Pickup Adventure

Intentar conquistar el corazón de Julia La idea nació, como todas las buenas ideas, después de un asado. Combina el interés por los videojuegos, el mundo móvil y la dinámica social de un grupo de licenciados en computación de la Facultad de Matemática, Astronomía y Física de la Universidad Nacional de Córdoba. Y se trata de una actividad que, en principio, es igualmente atractiva (y potencialmente frustrante) para cualquiera: levantarse a una chica en un bar.

La chica es Julia, y uno llega a ella, munido de una serie de frases que deberá elegir cuidadosamente. No todas tienen el mismo efecto, e irán generando respuestas y comentarios que sumarán o restarán puntos. “Detrás funciona un algoritmo de inteligencia artificial -explica Pablo Pérez de Ángelis, uno de los creadores de Julia: A Pickup Adventure-. Buscamos que cada frase o interacción con Julia (el personaje virtual), dependa de las decisiones y las interacciones anteriores que provocó el jugador. No es lo mismo intentar darle un beso a una chica si hace una hora que estás conversando, que si es lo primero que le decís. Buscamos emular la interacción con una chica, pero sin dejar de lado la diversión”.

El juego funciona sobre dispositivos iOS (iPhone, iPad, iPod Touch) y es gratis: el modelo de negocio plantea la posibilidad de comprar -con dinero real- regalos virtuales para conquistar el corazón de Julia. Este modelo se conoce en la industria como “freemium”, y una enorme cantidad de desarrolladores de software lo están implementando.

“Baja mucho la barrera de entrada de un usuario hacia el producto. No teníamos capital para publicidad, y sin eso, es difícil conseguir descargas. Menos aún, que gente compre tu aplicación -explica-. Con el modelo freemium venimos bien, ganamos 1 dólar por cada 15 usuarios. Tenemos usuarios en Estados Unidos, Gran Bretaña, Canadá, Alemania y Suecia, y en las últimas semanas, el juego fue hackeado y publicado en un foro; hubo sitios chinos de review de juegos que nos calificaron bien; y sumamos mil usuarios de ese país, algo que nos sorprendió, porque no estaba en nuestro mercado objetivo”.

El desarrollo del juego les tomó un año, aunque pasaron tres entre la idea inicial y el título terminado; unas diez personas que formaron LVK Labs (www.lvklabs.com), y le dieron forma y sustancia a Julia, y a su impredecible humor. + Para descargar el juego: http://itunes.apple.com /us /app/julia-a-pick-up -adventure/ id496632104

024

+ mundo creativo

Texto y foto: Marcela Fibbiani @marce9010

diseño

+ Marva Griffin, curadora y organizadora del SaloneSatellite

iSaloni 2013 La defensa del saber hacer “alla italiana” Se acerca una nueva edición del Salón Internacional del Mueble en Milán. Durante el mes de febrero, en una gran conferencia de prensa, Cosmit (la fundación organizadora desde hace 52 años del Salón) brindó un adelanto de las novedades que prepara la feria para este 2013. 90+10 estuvo presente.

La 52 edición del Salón Internacional del Mueble y la 27 edición del Salón del Complemento de Decoración tendrán lugar del 9 al 14 de abril en los enormes pabellones del predio ferial de Rho, en las afueras de Milán. En paralelo, se desarrollarán las muestras bianuales Euroluce (sobre iluminación) y SaloneUfficio (sobre el mueble específico del ambiente de trabajo), y a la edición 16 del SaloneSatellite (espacio dedicado a los jóvenes diseñadores de todo el mundomundo).

El concepto que guía los Salones en esta oportunidad es “A Milano, il mondo che abiteremo” (En Milán, el mundo en el que viviremos), haciendo alusión a que la ciudad milanesa es la única en donde se dictan las tendencias a nivel mundial, en material de diseño de mobiliario e interiorismo. El evento que espera recibir a 300 mil visitantes de 160 países del mundo, tiene confirmados más de 2500 expositores. Para facilitar la visita, está disponible una App para organizar mejor la recorrida de la feria desde smartphones y tablets.

LA OFICINA DEL FUTURO Ufficio da abitare es el nombre del proyecto que presenta Jean Nouvel en el Salón 2013, acaso como una muestra más del carácter internacional de esta feria. El premio Pritzker de arquitectura dará su visión presente y futura del ambiente de trabajo, en el marco de la muestra bianual SaloneUfficio. Distintas configuraciones de oficinas, en una época en donde cada vez más se trabaja en casa –o bien se pasan más horas en la oficina que en el propio hogar-, y donde el modelo de situaciones espaciales repetitivas ya pasó de moda.

CALDO DE CULTIVO El SaloneSatellite, destinado a los jóvenes talentos hasta 35 años, es uno de los más esperados, ya que permite dar un vistazo al dise-

ño del futuro, que ya se está gestando. Esta edición está dedicada a la relación entre artesanía y diseño, a favor de la industria. Es por eso que podrán verse trabajar en vivo a artesanos de la madera, el vidrio y el metal, mientras que el manejo del plástico y de los textiles se mostrarán en video. Esto nos contaba la curadora y organizadora del Salone desde hace 16 años, Marva Griffin: + ¿Por qué eligieron esta temática?

MG Porque es una tendencia de trabajo en los jóvenes diseñadores, que sienten la necesidad de rescatar las tradicionales técnicas artesanales e integrarlas con las modernas posibilidades de producción industrial. Del artesano reciben su saber sobre la manualidad, trabajan juntos, y luego pasan a la industria, que lleva ese objeto a la producción en masa. + ¿Qué actividades especiales ofrecerá el Salone este año?

MG En horarios específicos, se instalarán artesanos especialistas en madera, vidrio y metal, que mostrarán al público cómo trabajan esos materiales. Una forma de rescatar estas profesiones y vincularlas con el diseño, recreando las tradicionales botteghe (o laboratorios artesanales). A su vez, esa artesanía se vinculará con la tecnología, de una forma que no se puede contar, ¡hay que venir a ver el Salone! También habrá charlas y el esperado concurso de diseño; esta vez, relacionado con Euroluce y el SaloneUfficio. + ¿Cómo hacés para que, luego de 16 años, el Salone siga sorprendiendo?

MG …¡Es que por las noches no duermo, pensando en nuevas propuestas para cada edición! (risas).+ www.cosmit.it

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mundo creativo 025 arquitectura

Texto: María Agustina Iscaro @iscarlina

MOCA Un reflejo del arte “Los museos de hoy no son sólo el hogar de obras de arte, sino que, además, sirven como un espacio multifuncional y alojan diversas actividades culturales”, afirma Farshid Moussavi, arquitecta iraní encargada de diseñar el edificio que alberga al MOCA (Museo de Artes Contemporáneas de Cleveland, EE.UU).

En medio de esta ciudad cosmopolita del estado de Ohio, y en pleno circuito universitario, el establecimiento cuenta con cuatro plantas, casi 20 metros de atura y 3160 metros cuadrados. Construido en 2012, el edificio que antes alojaba al museo, tenía menos de la mitad de la superficie. Y aún cuando no se encuentra entre los museos más espaciosos de los Estados Unidos, queda comprobado que, igualmente, puede ser ambicioso en su propuesta artística.

La arquitecta encargada del proyecto pertenece al estudio londinense que lleva su nombre: Farshid Moussavi Architecture. Anteriormente, Moussavi fue cofundadora del estudio Foreign Office Architects, donde junto a United Arquitects, llegó a la final del concurso Ground Zero, y además, fue parte del equipo que diseñó el Masterplan para

los Juegos Olímpicos de Londres 2012.

El edificio del MOCA es de una presencia impactante. Innovador y funcional, visto desde afuera, su vigorosa estructura se alza entre dos avenidas y frente a una plaza. Desde allí, se destaca su base hexagonal que termina en un techo cuadrado. A esta forma particular, se le suma la terminación espejada de cinco de sus seis caras. Así, la fachada refleja el paisaje urbano que la rodea, y cambia de apariencia con las variaciones del clima y la luz. El sexto y último de sus lados está revestido en vidrio transparente, que permite visualizar su interior. Este edificio es un fiel reflejo del crecimiento artístico y la creatividad que impera en la ciudad de Cleveland en los últimos años. + www.mocacleveland.org.

026

+ mundo creativo

Texto: María Agustina Iscaro @iscarlina Foto: Gentileza KM

lugares

Kartell Museum Un legado en plástico “Kartell busca convertirse en la prueba documentada de cómo el espíritu, o quizás el gusto del hombre, han evolucionado a lo largo del tiempo. Las piezas de Kartell son ítems que pueden rastrearse hasta en situaciones cotidianas de las más diversas latitudes, y a través de todas las clases sociales”, afirmó Claudio Luti, actual presidente de Kartell, quien sucedió a Giulio Castelli, fundador de la casa italiana en 1949.

Desde sus comienzos, la firma se convirtió en una relevante promotora de la producción de equipamiento para laboratorio (desde su división Labware) y de piezas mobiliario, objetos y luminarias (desde su división Habitat), siempre en plástico, un material poco explorado en aquella época.

En conmemoración de esta fructífera alianza entre plástico y diseño, Luti creó el Museo Kartell en 1999, para el festejo de los 50 años de Kartell. Ubicado en Noviglio (a pocos kilómetros del centro de Milán, Italia), el edificio fue diseñado por Anna Castelli Ferrieri e Ignazio Gardella, y actualmente ocupa 2500 metros cuadrados. Incluye 15 mil fotos, 5 mil cuadros y casi 4 mil productos, entre ellos, accesorios para vehículos, elementos de bazar, lámparas, instrumentos para laboratorio, mobiliario y piezas decorativas.

El recorrido –ideado por el diseñador Ferruccio Laviani, con la curaduría de Elisa Storace -ocupa tres pisos, y se divide en las siguientes categorías: shows, diseño, tecnología y comunicación, todas ellas con creaciones de Kartell, ordenadas cronológicamente. Así, pueden descubrirse la investigación tecnológica de los años 50, el desarrollo de los espacios de trabajo de los 70 y las

colaboraciones con artistas internacionales en los 80 –como Philippe Starck, Ron Arad, Antonio Citterio, Ferruccio Laviani, Piero Lissoni, Patricia Urquiola, Tokujin Yoshioka, Mario Bellini, Ronan y Erwan Bouroullec, Alberto Meda, Patrick Jouin, Front, Nendo y Rodolfo Dordoni-, que hasta el día de hoy les siguen valiendo premios internacionales.

Imperdibles la famosa silla para niños “4999” de 1964, diseñada por Marco Zanuso y Richard Sapper, primera silla plástica del mundo, de formas redondeadas, que podía armarse, desarmarse y limpiarse fácilmente; o la adorada colección “Componibili” de Anna Castelli Ferrieri, que continúa produciéndose aún hoy, desde que fue diseñada en 1967, y consiste en una serie de módulos cilíndricos que pueden apilarse uno sobre otro, y proponen distintos y prácticos usos; o bien la silla “La Marie” de Philippe Starck, cuya superficie en policarbonato transparente revolucionó la industria del plástico.

En 2000, el museo recibió la prestigiosa distinción “Best Corporate Museum”, del Guggenheim. En conclusión, un espacio digno de visitar, que resume uno de los capítulos más fértiles de la historia del diseño italiano. + www.kartell.it

028

+ mundo creativo

Texto: Cele Nasimbera @SrtaCele

moda

Sylvie Geronimi

Un tango para París Sylvie Geronimi posee una cadencia al hablar que delata su origen francés. En sus zapatos, la diseñadora devela su gusto por las alturas, y una marcada debilidad por los detalles. Viajes personales que disparan caminar por las calles de París.

A través de su trabajo, Sylvie Geronimi cuenta su historia. Expresa sus orígenes como su presente, en un par especial de sus creaciones.

En el taco de un zapato, entre flores, reposa la Torre Eiffel. Bordado a mano se lee “París”. En el otro, el Obelisco describe Buenos Aires.

Juntos, cuentan dos ciudades, una historia.

Sylvie realizó sus estudios en L´Ecole de la Chambre Syndicale de la Haute Couture Parisienne en París, Francia, y en el Instituto San Crispín de Buenos Aires. Comenzó generando trabajos para diferentes marcas como Tramando, Fabián Zitta y Cora Groppo, entre otras. Al mismo tiempo, encontró en el cine y el teatro, un espacio expresivo para recorrer con sus creaciones. Al incrementarse los pedidos especiales, y establecerse un vínculo con sus clientes, decidió inaugurar su primera boutique en el año 2008. Desde su taller en Palermo, comienzan a tomar vida diseños únicos, zapatos pensados a medida.

En su nueva colección, vuelve sobre la Ciudad de la Luz; sus calles sugestionan un andar. Cada zapato es nombrado por una calle parisina, motivado por el estilo de las mujeres que la transitan. Saint Germain, Trocadero, Solférino, Rivoli, Saint Honoré, Lecourbe, Pigalle y Vaugirard, inspiran modelos trabajados en patchwork, con mezclas de charol, lycra y glitter. Ballerinas, stilettos, abotinados y botas conforman la colección “Les Rues de París”.

Sylvie Geronimi se destaca por la exclusividad. Cada zapato surge de varias pruebas, es bordado a mano, y posee un tratamiento único.

Además, a través de pequeños accesorios -como hebillas y moños-, propone un uso lúdico. La clienta puede aportar desde la creatividad, moviendo y combinando complementos. Sylvie no desea imponer, sino ofrecer libertad. Ella -como sus clientas-, busca expresarse.

Encontrar el detalle que nos hace únicos. + www.sylviegeronimi.com

Texto: Javier Villa

mundo creativo

+ 029 arte

+ Collage Mariposa de Dimas Melfi.

Cruzados Catamarca en arteBA Presentado por la galería cstll569 arte contemporáneo, el proyecto “Cruzados” proveniente de la ciudad de San Fernando del Valle de Catamarca, formará parte de la propuesta del Barrio Joven de arteBA 2013, del 24 al 27 de mayo en La Rural, CABA. Cada año, para el Barrio Joven de arteBA, se selecciona a un grupo aproximado de dieciocho espacios emergentes, ya sea con una incipiente veta comercial, cercanos al proyecto gestionado por artistas, o una mixtura entre ambos. La mayoría son de Buenos Aires, algunas galerías vienen de otros países de Latinoamérica, y un puñado de grupos se acercan desde distintas provincias para presentar lo suyo, en esta suerte de centro neurálgico del circuito artístico porteño.

rrollarán en textil los diseños de los artistas Gustavo Piñero, Pablo Peisino y Carolina Paradela, mientras que Florencia Lafuente traducirá en bordados los dibujos de Dimas Melfi.

Este año, del último grupo, hay dos proyectos que nos sorprenden, como los rosarinos de La Hermana Favorita y los tucumanos de Rusia; el tercero, proviene desde una zona de la que aún no se habían visto propuestas, como Catamarca, con una idea conceptual sólida, bajo reglas enmarcadas en tendencias contemporáneas conocidas, pero que tienen una potencialidad visual distinta y estimulante.

Encarando un experimento telúrico-global que activa un intercambio entre disciplinas, sujetos e intereses, Cruzados es un proyecto valiente, si se toma en cuenta que se trata de un proceso con características colectivas y una materialidad ad-hoc, que no suele ser la cotidiana de estos artistas, en un contexto comercial, en donde reina la individualidad y el concierto de nombres. La uniformidad trae aparejada un riesgo (tanto comercial como de reconocimiento de los participantes), que habrá que sostener con diseños realmente potentes y personales, y una puesta formal del proyecto general, que exude una fuerte pregnancia, sin perder los lineamientos conceptuales.

Estas reglas tienen como base un proceso matérico único -uniformando desde la técnica a todos los artistas participantes- con el propósito de construir un diálogo entre lenguaje contemporáneo y prácticas específicas de tradición local. El proyecto Cruzados de cstll569 arte contemporáneo busca entremezclar el oficio del tejedor con el del artista. Es decir, una colaboración donde artesanos locales -Claudia Galíndez y María Castillo, tejedoras de la fábrica de alfombras de la provincia, y Rita Aybar, artesana belicha- desa-

Ojalá tengan una buena acogida en el centro monetario del arte argentino, ya que es importante el aporte a proyectos como el dirigido por el catamarqueño Martín Bormann, junto a Martín Serra, ya que cstll569 arte contemporáneo es el primer y único espacio independiente dedicado a la difusión y el desarrollo del arte contemporáneo en la ciudad de Catamarca, con exhibiciones, talleres, clínicas y charlas, entre otras cosas. + www.arteba.org

030

+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

música / discos

Of Montreal: En las nubes Salió hace muy poco en Argentina (editado por Casa del Puente discos) el álbum de “rarezas” o lados B de la banda norteamericana Of Montreal, con el título de Daughter of cloud. En USA salió a fines de 2012, pues esta compilación hace un recorte en la producción del grupo, desde 2007 hasta el año pasado. Y no es un disco nuevo, en verdad, ya que reúne 17 pistas, de las cuales 10 eran inéditas, más otras 7 que habían salido como caras B, o en ediciones limitadas de vinilos. Todas seleccionadas por el frontman, Kevin Barnes.

Así es como se obtiene un variopinto espectro de esta agrupación tan glamorosa: con momentos más eléctricos, algo de pop psicodélico, otros de corte bien acústico, un tanto de rock con agregados digitales y baladas alocadas. Siempre con su impronta indie, de atractivo carácter y enredos melódicos. Con una cuota justa de experimentación -por llamar de algún modo, a esas formas no convencionales o pasajes de tensión armónica, en que los temas no son canciones directas-, a la vez que dejan disfrutar de su dulzura enrarecida.

Con todo, podría pensarse que es algo desparejo o irregular y, si bien no están aquí sus mejores composiciones, hay muy buenas canciones que podrían ser hits mundiales, si no fuera que son tan alternativos.

Tal es el caso de la entretenida “Our love is senile” con que abren esta placa. Y pasando en el medio por muchos estados, con sensualidad y delirio entrecruzándose, llegan al final con el único cover de este compilado. Eligieron versionar de manera espectral una canción de Neil Young (nada menos que un referente), la alucinante “Expecting to fly” de 1967. Así, se reconfirma que es toda una gran selección. Imperdible para coleccionistas y fans. Ideal para introducirse en su fantástico mundo de música. + www.ofmontreal.net

Lucio Mantel: Unas horas intimistas Mantel es uno de lo cantautores de la escena nacional alternativa que viene del rock, y se mudó al plan solista con guitarra acústica. Una buena elección para aprovechar mejor su talento, que se está dando a conocer con muy buenas canciones, en un punto equilibrado entre erudición musical y carácter popular. Es un muy fino creador, y ya hay pruebas de su capacidad compositiva. Con tres álbums publicados -contando este último en vivo-, se instala en la senda más inquieta y saludable de la canción actual.

Editado por el sello argentino Acqua, Unas horas resulta un repaso por algunos de sus temas más conocidos y algunas versiones, todo con un concepto especial. Se trata de Lucio Mantel (guitarra y voz), más un cuarteto de cuerdas (y piano en un track), tocando en vivo todos juntos -a la vieja usanza de las grabaciones-, con algunos cantantes invitados.

O sea, re-interpretaciones suyas y de temas de Spinetta, Eduardo Mateo y Björk, arregladas para una mini orquesta. Casi una idea de música de cámara (algo que, por suerte, se vuelve a practicar).

Todos los arreglos fueron escritos por Mantel, pensando en que sean el todo para las piezas, como venía sucediendo en los conciertos que la agrupación dio en 2012. Por eso, esta obra se grabó en directo, con el cuarteto de cuerdas dirigido por el maestro Alejandro Terán. Tiene un halo de misterio y sobriedad, a la vez que se abre con mucha calidez e intimidad. Es muy claro y sugestivo el sonido, el ambiente, la expresividad emotiva que plasmaron con sutilezas. Este disco -disponible ahora en formato CD-, saldrá en unos meses más a la venta también en vinilo por el sello Cool du Monde (del ingeniero Andrés Mayo), quien fue coproductor de este registro. Hay dos músicos invitados que ponen su voz: Fernando Cabrera y Tomi Lebrero, dándole otro color en la misma gama. Se trata de una ambiciosa propuesta desde lo autoral, para el oyente exigente. + https://soundcloud.com/luciomantel

032

+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

vehículos

Novedades Citroën

La marca gala Citroën se presentó en el Salón del Automóvil de Ginebra con algunas novedades. Entre las más destacadas, sobresale el anticipo del que será el sustituto del C4 Picasso, al cual denomina provisionalmente Technospace. Un monovolumen compacto que, a falta de leves retoques finales, se venderá con un aspecto muy similar al modelo exhibido antes de que finalice 2013.

Citroën anuncia unas medidas de 4,43 m de largo, 1,83 de ancho y 1,61 m de alto, con un maletero de 537 litros. Su interior vendrá cargado de tecnología, y en él llama la atención la pantalla panorámica de 12 pulgadas, en la que se mostrará la mayoría de la información.

Según Citroën, el Technospace entra en la “era de las tablets”, al incorporar pantallas táctiles y tecnología de última generación.

Asimismo, el Grupo PSA Peugeot Citroën parece haber dado un paso adelante en el desarrollo de un modo de propulsión alternativo.

Se trata de una mecánica híbrida de gasolina y aire comprimido, sobre un C3 VTi de 82 CV. No es novedoso, ya que se ha visto anteriormente en algunos prototipos, como el AIRPod MDI, pero sí que apunta a convertirse en el primer modelo de producción del mercado, allá por 2016, cuando se prevé su llegada.

De este modo, Citroën promete con una mejora del 45% en términos de consumo de combustible y de emisiones de CO2 en ciudad. + www.citroen.com.ar

Toyota FT-86 Open y concept i-Road

Toyota Motor Corporation (TMC) presentó los concepts i-Road y FT-86 Open durante el 83º Salón Internacional de Autos de Ginebra, que se llevó a cabo del 5 al 17 de marzo. El i-Road, un vehículo de tres ruedas, con maniobrabilidad parecida a la de una motocicleta, es ideal para viajes urbanos de corta distancia, y fue diseñado

para disfrutar de la movilidad de una manera innovadora. En tanto, el prototipo FT-86 Open es la versión descapotable del extraordinario vehículo deportivo compacto 2+2 de Toyota, con motor boxer delantero y propulsión trasera. + www.toyota.com.ar

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mundo creativo 033 vehículos

Gol Trend, tres puertas

La firma Volkswagen ya puso a la venta la versión tres puertas del renovado Gol Trend. Las dos puertas delanteras ahora son más grandes –para facilitar el acceso a las plazas traseras-, mientras que el parante central (Pilar B) se corrió 10 cm hacia atrás. El parante posterior (Pilar C) también tiene una mayor inclinación.

Nuevo Chery Tiggo

Su motorización sigue siendo la misma que equipa a la versión de cinco puertas, es decir, un naftero 1.6 de 101 caballos. En cuestiones de costo, esta nueva versión cuesta un promedio de 3 mil pesos menos que la versión de cinco puertas. De este modo, su precio parte de los $68.260. + www.volkswagen.com.ar

La firma Chery presentó la segunda edición de su utilitario deportivo más accesible del mercado. Uno de los cambios más logrados y donde se aprecia la evolución del nuevo modelo, es en su estética.

Así, esta edición 2013 se presenta con una nueva parrilla y nuevas ópticas. Estas últimas disponen ahora de faros con máscara cristalina, sistema lenticular y luces LEDs diurnas. Estrena también nuevo capot, el cual adoptó una forma más marcada y redondeada. Su propulsor sigue siendo el mismo de su generación anterior, es decir, un motor naftero de 2 litros de diseño Mitsubishi, que entrega una potencia de 138 caballos de fuerza. Precio: $116.300. + www.cheryargentina.com.ar

Nuevo Chevrolet Spark

La Ferrari, híbrida

Presente en nuestro mercado desde 2008, este simpático modelo de forma redondeada se asemejaba mucho al Daewoo Matiz (Daewoo es la filial surcoreana de General Motors). Pero, tres años después de su comercialización en nuestro país, la marca lo relanzaría con un formato y un equipamiento totalmente nuevos. Ahora, la marca mostró una nueva edición de este pequeño, que ha recibido mejoras –principalmente- en su estética. Así, se destacan su frontal afilado de siempre pero, esta vez, con una nueva grilla y ópticas delanteras también renovadas. En sus laterales, sobresalen unas nuevas molduras, que realzan su aspecto deportivo. Lo que se mantiene inalterado en esta última edición del Spark es su motor: vuelve a aparecer debajo del capot el ya conocido motor 1.2 litros de 16 válvulas y 81 caballos, acoplado a una caja manual de 5 velocidades. Precio: $90.800. + www.chevrolet.com.ar

El sólo hecho de saber que Ferrari presentó un nuevo modelo, emociona a cualquiera. Pero enterarse de que en su proyecto colaboraron los pilotos de Fórmula Uno Fernando Alonso y Felipe Massa, genera más expectativa aún. Bautizado como La Ferrari, este ejemplar italiano es dueño de un diseño futurista. No obstante, lo más llamativo viaja oculto: nos referimos a su motor V12 de 6,3 litros de 800 caballos de fuerza, el que se complementa con otro motor eléctrico de 163 caballos. Se trata de una Ferrari híbrida, la primera de todas.

Esta combinación de motores, le permite al modelo alcanzar los 963 caballos y acelerar de 0 a 100 km/h, en sólo 3 segundos. Su velocidad máxima supera, según la marca, los 350 km/h. Se fabricarán 499 unidades y, aunque costará alrededor de 6 millones de pesos (según cotización Euro), ya fue solicitado por más de 700 clientes, entre ellos, cuatro argentinos. + www.ferrari.com

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+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

vehículos

Alfa Romeo 4C

Presentado en la última edición del Salón de Ginebra, el Alfa Romeo 4C se trata de un pequeño cupé (menos de 4 metros de largo), que está fabricado con fibra de carbono y aluminio en gran proporción.

Por ello, su peso total es de apenas 895 kilos. Esto, combinado a su motor de 4 cilindros turbo de 1.750cc de 240 caballos, le permite acelerar de 0 a 100 km/h en sólo 4,5 segundos, y alcanzar los 250 km/h como velocidad máxima. Es de destacar su diseño netamente italiano, que queda plasmado por sus sensuales curvas. Con respecto a su comercialización, sorprendió el anuncio de Centro Milano -único representante de la marca con sede en Buenos Aires-, sobre la confirmación del desembarco de este modelo a nuestro mercado durante 2013. + www.alfaromeo.com.ar

Nueva Kia Sorento

La firma Kia lanzó en el mercado argentino la nueva Gama 2013 del exitoso Sorento. Está disponible con el mismo motor de 2,4 litros de gasolina, pero sólo con tracción 4x2. La versión anterior 2.4 6AT Premium 4x4 sigue a la venta.

La Sorento mide 4,68 m de largo, 1,88 m de ancho y 1,70 m de alto.

La capacidad del baúl es de 258 litros. La gama 2013 incorpora nuevos grupos ópticos delanteros y traseros, nueva parrilla cromada, nuevo paragolpe, nueva toma de aire con panel de abeja, nuevas luces rompeniebla, llantas de nuevo diseño, nuevo paragolpe trasero, y un interior similar al nuevo Cee’d. Tiene una estructura más resistente, y una dirección recalibrada.

Su precio: $332.620 pesos (al cambio oficial). + www.kia.com.ar

Nuevo Ford Fiesta KD

Ford lanzará en la Argentina el restyling del Fiesta KD. Esta nueva edición seguirá fabricándose en México para los Estados Unidos y otros mercados regionales, entre ellos, Argentina. A pesar de ello, la versión hatchback del modelo empezará también a producirse en Brasil.

El restyling del Fiesta KD -que se aplica tanto a la versión hatch como sedán- consiste, principalmente, en un rediseño frontal, con nuevo capot, ópticas, parrilla y paragolpes, y también con reformulados faros traseros. Otro detalle importante es que elimina las luces de posición de LED y las reemplazará por faros antiniebla, más funcionales que aquéllos. Además, el sedán promete incorporar luces de giro traseras amarillas. + www.ford.com.ar

Nissan Frontier

Nissan presentó la renovación de su modelo pick-up Frontier MY13.

Se presenta con un nuevo equipamiento, en el que se destaca la incorporación del sistema de manos libres (Bluetooth), barras porta equipaje en el techo, ganchos de amarre con posición adaptable, y una serie de detalles que potencian su personalidad Nissan 4x4.

La generación 2013 de este modelo en el mercado local dispone de una única motorización Nissan 2.5L Turbodiesel de 172 C, con dos opciones de selectoras de marchas (manual de 6 velocidades y automática de 5 velocidades), y caja reductora de doble tracción.

De su equipamiento, se destaca su seguridad, ya que dispone de frenos ABS, airbags frontales para conductor y pasajero, sistema electrónico de distribución de frenado (EBD), refuerzo de colisiones laterales por barras en las puertas, y la construcción del “Zone Body”, que protege la cabina de pasajeros. + www.nissan.com.ar

Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

mundo creativo

+ 035 moda

Viene el frío, llega Levi’s Levi’s presentó para el invierno 2013 una colección basada en los principios artesanales, la innovación y la sustentabilidad. La propuesta se inspira en la India, en las historias escuchadas, los antiguos oficios, el color y lo que cada uno de ellos simboliza.

Inspirada en Kayakalp, un espíritu de transformación entre lo viejo y lo nuevo, la propuesta de Levi´s se destaca por su elegancia natural, con detalles de diseño que incluyen bordados en guardas, bordes rústicos, teñidos naturales vegetales y estampas artesanales. Esta transformación de lo viejo en nuevo está tanto en encontrar una nueva mirada sobre un jean como el 501, que cumple 140 años; el relanzamiento de una línea inspirada en el pasado, como Duck & Denim; o transformando botellas usadas en un par de jeans, como en la línea Waste<Less.

Para ellas, el uso de color, las estampas y las molderías son disparadores de la colección. Grandes y coloridos cuadros en camisas, estampas estilo shibori y grabados digitales son algunas de las técnicas aplicadas.

Los detalles de diseño incluyen mezclas de tejidos rústicos y artesanales tipo aguayo, con denim y gabardina, bordados y apliques metálicos, bolsillos y costuras utilitarias, dibujos étnicos en tejidos y estampas.

Los jeans legging y skinny con color y detalles artesanales son los calces más destacados. El Boyfriend Skinny ha sido transformado, ajustando la pierna y manteniendo una caja como de 501, en azul desgastado. Los vestidos continúan creciendo en la colección, con el índigo presente en denim y chambray.

La propuesta femenina maneja las proporciones de manera divertida, en la mezcla y combinación de siluetas skinny, contra otras de gran tamaño. Un look ultra femenino en el uso de tejidos y acabados modernos: leggings en denim engomado, vestidos y shorts en coated tencel, grafismos en láser, cuero con tachas. La cintura alta acentúa esta silueta femenina. Rayas y lunares, y combinaciones de bloques de color se destacan en los colores mostaza, coral y rojo, combinados con los neutros azul, negro y gris.

Para ellos, el 511 es el mejor calce slim, y viene en una gama enorme de lavados y en corderoy. Se usa en looks más tailored, o en versión desgastado, para un look más rockero. Yendo a los extremos, está el 510 skinny o el 508, más skater. Lo más novedoso son los pilotos, camperas con o sin abrigo, con capucha, en varios tejidos y colores.

Los mismos se diferencian por sus detalles, como cierres y alamares.

En la colección se destaca el look refined & tailored, con líneas limpias y de moderna tradición: juego en las proporciones, con tops largos y sueltos, y bottoms bien angostos en la pierna. Siluetas tradicionales en tejidos innovadores, combinación de colores y la camisa como pieza fundamental en el look. + www.levi.com.ar

WHAT’S YOUR INTERPRETATION? #501 ¡Podemos apropiarnos del jean! Es por eso que Levi’s te invita a ser parte de la campaña llamada “501 Interpretation”, para celebrar los 140 años de los icónicos jeans. Tener la capacidad de transformarlos en nuestro propio discurso, para reinventarnos todos los días. Hasta el 10 de mayo, la marca irá proponiendo distintos premios para todos aquellos que ingresen a http://90mas10.com/levis501 y suban fotos creativas en donde aparezca un Levi’s 501, galardonando a aquellas que hayan sabido reinterpretar mejor este ícono de la moda. +

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+ mundo creativo

eventos

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1. Mike Amigorena –avocado a su papel protagónico en la futura tira “Vecinos en guerra” de Sebastián Ortega- pasó por el preopening de Luxury Outlet e hizo algunas compras 2. Cande Tinelli en la tienda de Complot 3. Mariana Arias y Roberto Gálvez, festejando San Valentín en Buenos Aires Grand Hotel 4. Rossy de Palma, Humberto Tortonese y Franco Bordoni 5. Claudia Fontán festejó el día de la mujer en Elena, el nuevo restaurante del Four Season Hotel Buenos Aires 6. Leticia Brédice y Carolina Peleritti en el desfile de Tramando, con el auspicio de HSBC 7. Mónica Antonópulos en la presentación de la colección invierno de Huija 8. María Eugenia Vidal, María Kodama y Leonor Benedetto participaron del desfile de Fabián Zitta, en el marco de La Ciudad de Moda, en el Planetario de la Ciudad de Buenos Aires 9. Dolores Fonzi estuvo presente en el lanzamiento de la colección otoño invierno de María 10. Juan Cruz Bordeu, Ileana González y su hija María Jesús probaron el alfajor Body Vida durante el desfile de Mishka, en el marco de BAFWeek 11. Guillermina Valdés se acercó a conocer la nueva colección de Ginebra 12. Emmanuel Horvilleur pasó por el local de A.Y. Not Dead 13. Nacha Guevara y Esmeralda Mitre en el Carnaval de Venecia en el Delta, organizado por Jorge Telerman, presidente del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires 14. Pablo Massey disfrutando de una cerveza Patagonia en su restaurante de San Telmo +

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+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband @rsametband

gadgets

Nokia Asha 311 Para los que no buscan un smartphone, pero sí tener mail, chat y acceso a las redes sociales en el móvil, una opción económica es el Asha 311, con pantalla táctil (capacitiva) de 3” y cámara de 2 megapíxeles. Usa la última versión del clásico S40 como sistema

operativo, e incluye un navegador Web, que comprime las páginas para consumir menos datos (al estilo del Opera). El precio local ronda los $ 500. + www.nokia.com/ar-es/

Google Chromebook Pixel

Lenovo Thinkpad Twist

Google insiste con su plataforma computacional basada en el navegador Chrome, y expandió su línea de Chromebooks (portátiles que sólo tienen Linux y el navegador Chrome preinstalado), con un nuevo modelo de alta gama: se trata de Pixel, un equipo hecho en aluminio, con una pantalla táctil de 12,5” y 2560 x 1700 píxeles, chip Intel Core i5, 4 GB de RAM y un terabyte de almacenamiento gratis por tres años, además de puertos USB y 32 GB de almacenamiento interno propio. El precio del equipo es de U$S 1299. + www.google.com

Windows 8 trajo consigo una revitalización de diseños de PC, con múltiples formatos que exploran las posibilidades que da tener una PC con pantalla táctil. Así, la Twist es una notebook normal, que tiene una pantalla de 12,5”, capaz de rotar 180º para usarse como tableta. Suma un chip Intel Core i5 o i7, hasta 8 GB de RAM y disco SSD (de estado sólido), además de puertos USB y Wi-Fi. Su precio ronda los U$S 1900. + www.lenovo.com/ar/es/

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mundo creativo 039 gadgets

Samsung Galaxy S4

BlackBerry Z10

El mayor fabricante de celulares del mundo presentó su equipo estrella, con pantalla Full HD de 5” (es decir, tiene un poco más del doble de puntos de color en pantalla que su antecesor), 2 GB de RAM y chip de 8 núcleos, además de una cámara de 13 megapíxeles, batería de 2600 mAh y un tamaño igual al S3, pero más delgado (7,9 mm). El smartphone, además, usa la cámara frontal y otros sensores para permitir el paso de fotografías en pantalla, sin tocar el equipo (con un gesto en el aire). Tiene un puerto infrarrojo para emular un control remoto. Llega a la Argentina en la segunda mitad del año. + www.samsung.com/ar/

Después de bastante ir y venir, la compañía presentó el primer smartphone de la línea con la que espera sobrevivir a la tormenta Android. El Z10, que usa un sistema operativo totalmente renovado, basado en la interacción táctil, tiene una pantalla de 4,2” (1280 x 768 píxeles), 2 GB de RAM, un chip Qualcomm Snapdragon de doble núcleo a 1,5 GHz (el mismo que está en el corazón del Samsung Galaxy SIII estadounidense), cámara de 8 megapíxeles, batería de 1800 mAh, 16 GB internos y ranura para microSD, además de una interfaz de usuario sencilla y elegante. + http://ar.blackberry.com/

Sony PlayStation Network

Acer Iconia W510

El 1º de abril fue la fecha elegida por Sony para comenzar a ofrecer PSN, su servicio online de distribución de videojuegos y contenidos digitales.

Esta tableta con Windows 8 cuenta con una pantalla táctil de 10,1” (1366 x 768 píxeles), 2 GB de RAM, procesador Intel Atom Z2760, hasta 64 GB de almacenamiento interno, puerto USB y HDMI, cámara frontal y trasera, y un teclado desmontable que la convierte en una notebook. La batería tiene una autonomía aproximada de 9 horas (y el teclado suma una segunda batería, que duplica la autonomía).

En modo tableta pesa 580 gramos. Precio local: $ 4499. + www.acer.com

La llegada al país de este servicio habilita en forma oficial la posibilidad de competir con contrincantes de todo el mundo y acceder a demos, juegos, videos y demás material digital. + www.sony.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

moda

Grupo 134 cree en los milagros Lo nuevo de Grupo 134 para otoño-invierno 2013 se llama “I believe in miracles” (Creo en los milagros), inspirada en el tema clásico de la banda americana Ramones.

Este tema fue elegido por la diseñadora Romina Cardillo, la cual encontró su fuente de inspiración para esta colección. Cardillo además de ser diseñadora, toca el bajo y tiene su propia banda, la misma que tocó en el último BAFWeek de 2012, durante la presentación de su colección para la temporada de verano.

eléctricos, los rojos intensos, los neutros, como el gris y el camel, y la combinación clásica de blanco y negro.

Los materiales utilizados fueron el punto Roma, neopreno, paños, gasas estampadas, engomados y terciopelos. La combinación entre ellos es parte de la identidad de la marca.

Para esta colección, se convocó a los músicos Vera Spinetta y a su novio Ezequiel, no sólo para que representen lo nuevo de Grupo 134, sino que también puede vérselos en el papel de modelos y como músicos, cantando juntos el tema de la colección.

La colección de hombre como también la de mujer, se destaca por la variedad de diseños de sacos, camperas y buzos, que pueden ser usados tanto para el uso diario como para la noche. +

La paleta de color elegida para esta temporada son los azules

www.grupo134.com

Texto: Diego Giaccone @diegogiaccone (*) Foto: Adri Godis Photography @adrigodis

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mundo creativo 041 branding y diseño

+ Una manera de conocer qué piensan sobre el diseño y los diseñadores los responsables de marketing de empresas exitosas, quienes deciden y compran diseño, buscando sumar valor a sus marcas y productos. La mirada del otro lado del mostrador.

Carmelo Ferrante | Garbarino “Necesitamos de los creativos” Esta es la primera frase que me dice Carmelo Ferrante, director de marketing y ventas de Garbarino. Está en la empresa desde hace ocho años, pero los primeros cinco fue gerente general de Compumundo. Estudió marketing, y tiene un programa de alta dirección en el IAE. Pero antes, se recibió en sistemas; le encanta la tecnología aplicada a los clientes, y es por eso que se especializó en marketing, apoyado en las tecnologías. Hace cinco años, el atributo tecnología no estaba en las empresas de electrodomésticos; pero hoy, Garbarino dejó de ser una casa de venta de electrodomésticos, para ofrecer también intangibles, como el futuro o el bienestar para tu vida.

Carmelo me comenta que la tendencia en el mundo son los productos cada vez más tecnológicos, portables, más chicos, y que había que emprezar a exhibirlos de otra manera, y comenzar a hablarles a la gente desde un lenguaje mucho más cercano. Es así que arrancaron con las nuevas campañas que hablaban del disfrutar, como la llamada “Sólo se vive una vez”, nutriendo de sentimientos a la marca. Después del disfrutar, comenzaron a instalar el hecho de

vender tecnología, y el “Te la ofrezco de la mejor manera”. Luego, en tercer lugar, trabajaron el eje “futuro”: te ofrezco presente, pero a la hora de pensar en el futuro, yo soy una alternativa que te lo cambia. Es por eso que lanzaron la excelente campaña “Volver al Futuro”, súper premiada local e internacionalmente. Confianza, tecnología y futuro fueron los tres grandes drivers para generar el nuevo posicionamiento de Garbarino, y eso lo lograron de una manera creativa.

Siguiendo con lo que piensa sobre los creativos, sostiene que “El creativo es el que desafía permanentemente, el que cuestiona y lo necesitamos. Las marcas necesitan a los creativos”. También piensa que, a veces, los creativos hacen la apología de la creatividad, y eso es lo que los aleja de las marcas. Pero sus desafíos son los que hacen que las marcas vuelen; por eso es tan apasionante el marketing como tal, ya que provoca que la gente se conecte con la marca de una manera innovadora y creativa.

“Realmente disfruto las reuniones con las agencias. Se viene una reunión y sé que voy a aprender ese día y qué vamos a generar juntos. Algo distinto, innovador”, remarca. Garbarino es una empresa que está en el mundo físico, pero latiendo en el mundo digital.

“En comunicación, hoy en día, la velocidad es más importante que la perfección”, sostiene Carmelo.

En Garbarino recurren al diseño permanentemente: aplican diseño tanto en una pieza de email, un flyer o un stand, hasta la creación de un nuevo modelo de sucursal que lea los comportamientos de la gente. “No se puede concebir el marketing sin el diseño”.

Carmelo es un enamorado de esta disciplina, y me cuenta que al comprar un auto, primero compra diseño; segundo, potencia; y tercero, funcionalidad. Si no pasa la barrera del diseño, no llega al segundo paso.

Hace hincapié en que el gran desafío es sostener la experiencia de la marca, que sea la misma más allá del soporte, que no haya una división entre el mundo real y el virtual. “La marca es lo que te genera”, finaliza. + www.garbarino.com.ar

MUNDO CARMELO Algo para leer. Revistas de management Una marca de autos. Ferrari Un lugar para vacacionar. Los archipiélagos del Pacífico Una ciudad para vivir. Barcelona Una marca de ropa. Boss, Giesso Un equipo. Boca Juniors Un producto que venda tu empresa. Tablets

(*) Diego Giaccone es diseñador gráfico, director de SURe Brandesign. www.surebrandesign.com

042

+ mundo creativo

eventos

+ Para cerrar el Personal Fest Verano 2013, la banda internacional Jonas Brothers se presentó en la ciudad de Córdoba. www.personal.com.ar

+ La banda mexicana Molotov estuvo de visita en Argentina y, antes de su show, pasó por el local que adidas Originals tiene en Palermo para elegir su look. http://molotovoficial.com | www.adidas.com.ar/originals

+ Nico Pauls, Ailín Brisi y Naomi Preizler en la presentación de la colección

+ En el Pony Line -el exclusivo bar del Four Season Hotel- Calu Rivero deleitó

invierno 2013 de Levi´s, en un moderno loft de San Telmo. www.levi.com.ar

con su música en los ciclos Happy Endings, acompañada por Gancia. Laurencio Adot y Priscila Privocapich disfrutaron de su trago Spritz by Gancia. www.gancia.com.ar | www.fourseasons.com/es/buenosaires/

+ Con un evento en la Galería Mattone de Palermo, la firma de indumentaria Bolivia presentó

su propuesta para este invierno 2013, con un desfile bien descontracturado, que arrancó con un viaje en el trencito de la alegría. Dante Spinetta, Oscar Fernández, Magalí Montoro, Priscila Prete, Pía Marcollese, Barbie Vélez y Gastón Soffritti acompañaron a la marca. www.boliviaparatodos.com.ar

Texto: Fátima Fargas para Travel Design (*) Foto: Brian Snelson www.flickr.com/photos/exfordy/

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mundo creativo 043 destinos

La Habana Musa de la literatura El “sabor” cubano entre habanos y ron, detenidos en el tiempo.

Ubicada en la parte noroeste del archipiélago cubano, La Habana se destaca por su papel como capital de Cuba. Es la ciudad más grande e importante de ese país, además de ser la que cuenta con mayor población. Con un sobresaliente puerto, tanto la economía como la cultura se centran en este punto del archipiélago. Fundada a principios del 1500 bajo el nombre de “Villa de San Cristóbal de La Habana”, su casco antiguo fue declarado por la Unesco como Patrimonio de la Humanidad.

A medida que uno se va introduciendo por sus callecitas, La Habana vieja se va abriendo mágicamente, y entregando al transeúnte sus encantos, junto a su arquitectura colonial española. Como si se tratase de un viaje al pasado, los autos que circulan por sus vías, los edificios y, por sobre todo, sus residentes, son los que logran que La Habana tenga ese toque que marca la diferencia con el resto de las capitales del mundo.

Dentro del casco antiguo, es posible encontrarse con un sinfín de espacios que hicieron historia, y hasta algunos que, aún hoy en día, siguen haciéndola. Entre ellos, podemos nombrar al Capitolio Nacional de La Habana -construido en 1929, dicen que es una réplica del de los Estados Unidos- ; la Plaza de Armas –creada a mediados del 1500, es la plaza más antigua-; la Plaza de la Catedral –imperdible, es una de las postales típicas de esta maravillosa ciudad-; y la Plaza de la Revolución –principal escenario de la Revolución Cubana, allí se ubica un monumento a José Martí, además de la

famosa imagen de Ernesto “Che” Guevara con la leyenda “Hasta la Victoria Siempre”.

Un recorrido obligado, tanto para turistas como para locales, es el renombrado Malecón, un paseo costero que une La Habana vieja con la nueva. Mientras se camina sintiendo la brisa directa del mar, pueden apreciarse los edificios de estilo colonial que se encuentran en primera línea, y a los residentes disfrutando de su naturaleza.

La personalidad única con toque bohemio que caracterizan a La Habana, fueron inspiración de numerosos nombres de la literatura.

Entre ellos, uno de los más famosos habitués de la capital cubana e ícono de la misma, sin dudas, es Ernest Hemingway.

DE BARES Y LEYENDAS Existen dos bares que son un clásico de La Habana: La Bodeguita del Medio se destaca por sus mojitos, mientras que La Floridita por sus daikiris. Ambos fueron escenarios fijos de las noches cubanas del premio Nóbel de Literatura, Ernest Miller Hemingway. Hoy en día se puede seguir apreciando en ambos sitios la magia que obnubiló al escritor, logrando viajar a esa época en un abrir y cerrar de ojos. Por su parte, el Cabaret Tropicana es el más famoso de todo el archipiélago, siendo reconocido a nivel internacional, ya que ofrece un espectáculo increíble e imperdible, cuando docenas de artistas se concentran entre plumas y lentejuelas, al ritmo del Caribe, para demostrar el porqué se ganaron el respeto del público del mundo entero. +

(*) Para dejar de ser turista y comenzar a ser viajero, visitar: www.traveldesign.com.ar | blog.traveldesign.com.ar

044

+ mundo creativo

Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

marketing

Autodesk Design y Autodesk Creation, las novedades Las nuevas suites de Autodesk, Autodesk Design y Autodesk Creation, ofrecen acceso sin precedente al portafolio de software Autodesk 2014, que abarca el escritorio y la nube, y permiten innovar más en el diseño de edificios, productos, plantas y fábricas. Por primera vez, incluyen nuevo software de captura de realidad y servicios, que incorporan con más facilidad digitalizaciones láser y fotografías digitales del mundo real al diseño 3D y los procesos de ingeniería.

Las suites Autodesk representa para diseñadores e ingenieros una paleta más amplia de herramientas: pueden elegir la mejor para el trabajo inmediato, y responder con más eficiencia a los cambiantes requisitos del negocio. Los clientes de suites con Autodesk Subscription tendrán, además, acceso a elegir servicios de nube de Autodesk 360, que amplían los flujos de trabajo de diseñadores e ingenieros, para explorar más alternativas de diseño, colaborar con mayor eficiencia y experimentar una gran movilidad.

CAPTURANDO LA REALIDAD Un aporte clave al portfolio de suites 2014 es Autodesk ReCap, una familia de software de captura de la realidad y servicios de nube, que simplifica el proceso de creación inteligente de datos 3D de objetos y entornos físicos, mediante digitalizaciones láser y fotografías, lo que permite a los clientes trasladar el sitio real de trabajo y objetos físicos a su proceso de diseño e ingeniería.

“Unite All Originals”: Nueva campaña global de adidas Originals Se trata de una iniciativa mundial liderada digitalmente, activa desde el mes de marzo, con piezas que van rotando y muestran enfrentamientos creativos de artistas internacionales de distintas disciplinas: productores de música, diseñadores, artistas digitales y escultores. Además, esta campaña se destaca por ofrecer una novedosa aplicación, adidas collider. Para acceder a ella, se debe entrar a http://www.adidas.com/ unite y sumergirse en un universo de contenido muy original, donde los artistas seleccionados se fusionan para crear algo inesperado y único.

Asimismo, el lanzamiento de “Unite All Originals” está acompañado por un spot de 90” de duración, dirigido por el francés SoMe, donde se muestra al DJ/Productor A-Trak reformulando su single “Landlines”, con sonidos ambientales provenientes de imágenes, para crear una canción exclusiva, nueva y única. + www.adidas.com.ar/originals/

En lugar de comenzar con una pantalla en blanco, los diseñadores e ingenieros pueden añadir, modificar, validar y documentar sus procesos de diseño en el contexto. Por ejemplo, un ingeniero civil puede, de manera digital, desviar un puente existente o ampliar la carretera que corre debajo, y comprobar la viabilidad con datos de inspección precisos. En la fase de construcción, los constructores pueden ejecutar detecciones de conflictos digitales, para comprender enteramente si las instalaciones de servicios actuales se encuentran en la trayectoria proyectada. Los planificadores de ciudades pueden obtener la respuesta a preguntas de diseño específicas en relación con grandes áreas, por ejemplo, la superficie del techo de un edificio que está cubierta por sombra o vegetación.

ESCRITORIO + NUBE Para mostrar la potencia de combinar la nube con el escritorio, Autodesk Infrastructure Design Suite 2014 y Autodesk Building Design Suite 2014 introducen el software Autodesk InfraWorks y los servicios de nube de Autodesk InfraWorks 360. Estas nuevas herramientas aceleran la adopción del Modelado de Información de Edificios (BIM) y los flujos de trabajo de nube para tareas de planeación, diseño, construcción y gestión de proyectos de infraestructura civil. Así, permiten colaborar con un amplio conjunto de interesados en plataformas de dispositivos móviles y de escritorio, y hacen posibles nuevas y atractivas alternativas de comunicación.

La disponibilidad varía según el país. + www.autodesk.com

Texto: Ricardo Sametband @rsametband

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mundo creativo 045 gadgets

+ Samsung Galaxy Note 10.1 y su opción multipantalla, utilizando la aplicación Smart Remote como control remoto universal, y Twitter a la vez.

Tabletas y TV: Ampliamente compatibles Un estudio reciente del Pew Internet & American Life Project, indica que un cuarto de los adultos estadounidenses tiene una tableta. Y según la firma IPanel Data, un 34% de los televidentes entra a las redes sociales desde algún dispositivo mientras mira televisión, mientras un 28% busca información adicional a lo que ve en pantalla, y un 25% navega por la Web.

Usar Twitter y Facebook en la tableta mientras se está viendo un partido de fútbol, una película u otro programa, es un clásico. Pero no son las únicas opciones. TOK.tv (para iPad, www.tok.tv) es una suerte de Skype, dedicado a los deportes: la idea es que el usuario pueda conversar con amigos ausentes, y discutir los pormenores de un partido en tiempo real. Mientras, la aplicación Miso (gomiso.com, gratis, para el iPhone) permite crear puntos de encuentro referidos a un programa en particular, en el que otros usuarios participan.

Hay más: la aplicación gratis para Android e iOS de Imdb (www. imdb.com/apps/), una muy completa base de datos sobre películas, series y actores, puede saldar discusiones sobre quién está en pantalla.

Lo mismo que la versión móvil de Wikipedia: si no hay tiempo para descargar una aplicación (hay muchísimas para todas las tabletas), entrando a http://es.m.wikipedia.org se accede a todos sus contenidos.

Shazam (www.shazam.com/music/web/getshazam.html, gratis) permite reconocer qué canción están pasando por la tele (sea un videoclip o música de fondo), con sólo lograr que escuche un pedacito. Otras aplicaciones, como SPB TV (disponible para Android, iOS y otros sistemas operativos, http://spbtv.com) permite ver en streaming canales de todo el mundo, para cuando la tele local no tiene nada que ofrecer.

EL CONTROL REMOTO UNIVERSAL La inteligencia de las tabletas permite aprovecharlas para controlar un televisor. Si tenés un smart TV que tenga conexión a la red hogareña, podés instalarle una aplicación que permite transformar tu tableta en un control remoto. Samsung tiene una herramienta para sus smartphones y tabletas, lo mismo que Sony, LG y Philips: podés controlar la reproducción de un video, cambiar de canal y mucho más. Pero claro, no todos tienen una tele tan avanzada: por eso, el Samsung Galaxy S4 (que llega a la Argentina en la segunda mitad del año) y el HTC One tienen un puerto infrarrojo inteligente, y ahí sí lo podés usar como control remoto de todos los dispositivos de tu casa.

La tableta Samsung Galaxy Note de 10.1 pulgadas tiene un puerto infrarrojo también (lo mismo que la tableta Sony Tablet S, más antigua). Para la primera, está disponible la aplicación Peel (www.peel.com), que permite usar el equipo como un control remoto gigante, al tiempo que ofrece contenido sobre películas y series de TV. Para los que tienen un dispositivo inteligente -o una PC- conectado al televisor, hay controles remotos de VLC, iTunes, Windows Media Player, Western Digital HD TV, Roku y otros reproductores multimedia. +

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+ mundo creativo

Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

concursos

Los ganadores del concurso Hiii de Fotografía La plataforma de ideas creativas Hiiibrand anunció a los ganadores de su concurso anual de fotografía, el Hiii Photography 2012. Se trata de un concurso abierto a fotógrafos, profesionales del área creativa, publicistas, agencias, estudiantes y profesores de todo el mundo, que en su última edición, recibió los trabajos de más de mil participantes, de 26 países diferentes. Finalmente, resultaron premiadas 121 propuestas, que van desde un Grand Prix, 4 premios del jurado, 10 mejores trabajos y 110 menciones especiales.

El certamen de fotografía se divide en dos partes, Published y Unpublished. La primera de ellas incluye trabajos encargados por agencias, en forma de editoriales, pósters, avisos, CDs, paquetes, libros, revistas, entre otras. En cuanto a la categoría Unpublished, se trata de trabajos que no han sido encargados ni publicados previamente.

Todos los trabajos que participaron de la edición 2012 del premio serán publicados en la aplicación para iPad que Hiii Photography lanzará en junio de ese año.

El Grand Prix quedó en manos de Pavel Titovich, de Rusia, por su trabajo “Monologue”. Los 4 premios especiales del jurado, fueron para Xavier Dumoulin, de Francia, con “Night Passenger”; Ilya Sigachev de Rusia, por “World War II”; nuevamente Pavel Titovich, con “Monologue” y Sergey Romashev, también de Rusia, con “Pain”. + www.hiiibrand.com

+ Monologue de Pavel Titovich, Grand Prix.

Talento Brother: Moda eco y viaje a París En el marco del 38° BAAM Argentina Fashion Week, el sábado 16 de marzo de eligió el ganador del concurso Talento Brother, creado por Héctor Vidal Rivas y desarrollado con alumnos de la Escuela Argentina de Moda. La consigna que los 21 diseños finalistas que desfilaron en la pasarela del Salón San Isidro del Sheraton Hotel debían respetar, fue tecnología+moda+conciencia. Un valioso espacio para descubrir los jóvenes talentos que surgen de la Escuela Argentina de Moda, que desarrollaron propuestas de moda que colaboran con el cuidado del medio ambiente.

Así, se trabajó con técnicas de reciclaje de materiales, elementos en desuso y técnica de patchwork, utilizando las ventajas de las máquinas de coser y bordar Brother, organizadora del concurso. El proyecto de Victoria Mugica resultó ganador del primer premio -consistente en un viaje a París para visitar las exposiciones más importantes de moda-, al trabajar delicadamente la técnica de patchwork, con telas de descarte. Además, se distinguió a 4 diseñadores con menciones de honor: Mariel Medina (1º mención, ganadora de un máquina de coser Brother, modelo CE5500), Carla Rosatti (2º mención, ganadora de 1 año de beca de estudio para la carrera de diseño de indumentaria y textil en eamoda), María Eugenia Groisman (3º mención, ganadora de un curso de patchwork) y María Florencia Pérez Fonseca (4º mención, ganadora de un curso de patchwork).

El jurado estuvo integrado por Luciano Margionte (Presidente de Brother Argentina), Andrea Torres (Directora de Ventas de Brother Argentina), Fernando Hecker (Gerente de Marketing de Brother Argentina), Marcela Fibbiani (Editora de 90+10), Romina Giangreco (Productora de Moda), Simona Martínez Rivero (Productora General de Moda de la Revista Harper´s Bazaar), Paula Gray (Diseñadora sustentable. Fair Trade & Ethical Fashion Consultant), Maricruz Luzar (Periodista especializada en moda), Alejandro Bondone (CEO de la Escuela Argentina de Moda), Manuela Vidal Rivas (Productora de moda) y César Rolon Jr. (Co Fundador del Fashion Week Latino). + http://vidalrivas.com/ | www.brother.com.ar | www.eamoda.com.ar

+ Victoria Mugica, ganadora del primer premio.

mundo creativo

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agenda

+ muesTras/eXPosiciones/Ferias 29 al 14/04 i saloni Feria internacional del mueble, Salón Internacional del complemento de decoración, SaloneSatellite, SaloneUfficio y Euroluce.

Fiera Milano, Rho, Italia www.cosmit.it

4/05 PreTrimarchiDG + Buenas noches Trimarchi Un adelanto del congreso internacional de diseño gráfico, a realizarse en Mar del Plata, en octubre de 2013.

CMD, Algarrobo 1041, CABA www.trimarchidg.net

21 al 26/05 Feria PuroDiseño 2013 Edición 13 de la feria que reúne a los diseñadores argentinos y de otros países.

La Rural, Sarmiento 2704, CABA www.feriapurodiseno.com.ar + Lámparas Up de Deesewat. www.deesawat.com

9 al 14/04 TemPorary museum For new DesiGn Diseño global, de calidad y de investigación, arte interactivo, marcas internacionales, diseñadores top y talento emergente.

Superstudio Più (via Tortona 27) - Superstudio 13 (via Forcella 13 y via Bugatti 9), Milán, Italia www.superstudiogroup.com 11 al 14/04 mica 2013 2º Edición del Mercado de Industrias Culturales Argentinas Reunión de actividades de las industrias culturales (artes escénicas, audiovisual, diseño, editorial, música y videojuegos), para generar negocios, intercambiar información y presentar la propia producción ante referentes de todo el mundo.

Tecnópolis, Av. Gral. Paz (entre Constituyentes y Ricardo Balbin), Villa Martelli www.mica.gob.ar

24 al 27/05 arTeBa Edición 22 de la feria de arte contemporáneo.

Predio Ferial La Rural, Sarmiento 2704, CABA www.arteba.org

+ conGresos/encuenTros/seminarios 9 al 27/04 cenTral sainT marTins y lonDon colleGe oF Fashion season 2013 Los referentes académicos más importantes de ambas escuelas dictarán cursos de capacitación en las distintas disciplinas de la industria de la moda: el proceso creativo y el research para el diseño, fashion design, fashion business, retail, comunicación de moda, y marketing y branding de moda. www.arts.com.ar 30/07 al 2/08 encuenTro laTinoamericano De Diseño Más de 350 actividades de capacitación gratuita (talleres, laboratorios, conferencias, mesas redondas) dictadas por destacados profesionales del diseño y la comunicación de toda América Latina.

En sedes de la Universidad de Palermo y Palais Rouge, CABA http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/encuentro2010/

+ concursos/conVocaTorias 01 al 31/07 V Premio cc De la memoria harolDo conTi. caTeGoría: FoToGraFía Convocatoria de ensayos fotográficos, enmarcado en la temática de la memoria y los derechos humanos. www.derhuman.jus.gob.ar/conti

4 y 5/05 Puma urBan arT Sexta edición del festival de arte urbano.

Centro Cultural Recoleta, Junin 1930, CABA www.pumaurbanart.com

hasTa 19/06 reD DoT awarDs: DesiGn concePT 2013 Diseñadores, inventores, estudiantes, profesores, institutos de investigación, departamentos de diseño, arquitectos e ingenieros, pueden presentar sus conceptos en diseño y prototipos para su evaluación. www.red-dot.sg

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+ Desfile Garza Lobos

Especial Moda

Una mirada sobre el panorama de la moda local Tomando como puntos de partida las pasarelas de BAFWeek y La Ciudad de Moda -donde dise単adores de autor y marcas comerciales desfilaron su oto単o-invierno 2013-, analizamos el panorama actual de la moda argentina. | Fotos: Maia Croizet @MaiaWATIO

Link a la nota: http://9010.co/modalocal

especial

+ 049 moda

+ Desfile Mapa de Diseño INTI - Hue

Los lenguajes del diseño argentino | Texto: Sebastián Rodríguez, del Observatorio de Tendencias INTI (*) @OdtINTI

El lenguaje creativo que define la esencia de cada diseñador es consecuencia de su búsqueda conceptual, así como del proceso proyectual y productivo que emprende ante cada colección. El carácter innovador de los desarrollos depende no sólo de la intencionalidad del creador, sino también de la alta dosis de experimentación en el abordaje de los recursos disponibles –materiales, humanos y tecnológicos- con los que cuenta.

La configuración de esos lenguajes personales es también producto de circunstancias históricas y culturales -tan diferentes como inspiradoras- de nuestro país, que propician la diversidad de los trabajos. Esa pluralidad y riqueza de los diseñadores, impiden agruparlos bajo una estética común. Sin embargo, podemos precisar algunas líneas de trabajo que nos posibilitan observar a la heterogeneidad como valor sustancial de la identidad.

Denotando una coherencia conceptual a lo largo del tiempo, y a la vez que abren nuevos horizontes en el diseño de indumentaria, los discur-

Link a la nota: http://9010.co/lengdiseno

sos originales se plasman en inéditas posibilidades en las texturas de los tejidos, el modo en que se construyen las piezas, la redefinición de tipologías y en las proyecciones simbólicas de las prendas, enfatizando en uno de estos aspectos, sin descuidar los otros.

La primera lectura que podemos hacer sobre las producciones de los diseñadores de autor es la manera en que trabajan las formas como fuerza dominante. A partir de conceptos que implican desarrollos morfológicos, los autores plantean una percepción escultórica de las prendas. La constante alteración de las proporciones, el diálogo que imponen el volumen, el espacio y el trazo de la silueta deseada, se afirman como valores que subyacen en su pensamiento.

En una línea de trabajo, podemos situar a los diseñadores que se basan en una moldería compleja, envolvente y orgánica, pero condensan una imagen visual depurada y minimalista, nacida de un proceso de diseño que fluctúa entre el trabajo directo sobre el maniquí y el desarrollo de patronaje clásico. Formas netas fluyen

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+ Desfile Mapa de Diseño INTI - Kalu Gryb

alrededor del cuerpo, reformulando tipologías tradicionales. La morbidez de la silueta es alcanzada a partir de la deconstrucción de modelos tradicionales, y la utilización de tejidos con diferentes estructuras y pesos, en colores neutros. La superposición de capas es una constante, y también los detalles sectorizados, que aportan delicados volúmenes con nudos, pliegues y módulos retorcidos.

Ejemplo de ello, son firmas como Garza Lobos, Luz Ballestero, Jessica Trosman y Mariana Dappiano.

La investigación con las formas también puede resultar en una configuración estética dominada por la arquitectura y la geometría, el preciso cálculo de la estructura corporal y sus movimientos. En este sentido, se trabaja a partir de los ejes que se pueden trazar sobre el cuerpo, líneas, planos netos, vínculos antagónicos entre curvas y contracurvas, ángulos rectos y oblicuos, diagonales, recortes estratégicos que direccionan lecturas visuales, o esconden recursos constructivos. Min Agostini, Kostüme y Varanasi, son exponentes de esta búsqueda proyectual.

La funcionalidad y el bienestar como premisas fundamentales que definen aspectos constructivos, materiales y estéticos, es otro rasgo que exploran los diseñadores al momento de imaginar una prenda.

Indagar en la anatomía y el carácter ergonómico en pos de dinamismo, movilidad y protección, donde imperan los tecnicismos sobre lo meramente ornamental, incorporando recursos deportivos, podemos hallar la labor de Langg, Quier y Hermanos Estebecorena.

La influencia de la sastrería como inspiración primaria y rubro especifico de producción es amplia entre los diseñadores argentinos, pero radica en un sentido rupturista de las técnicas tradicionales, a las que desestructuran, redefinen y vuelven a componer, para ahondar en diversos rasgos estéticos. Reinterpretaciones de patrones tradicionales, proponen una evolución constante y experimental, manifestando conceptos como síntesis, pureza y austeridad, que se sostienen en paletas de colores desaturadas. Pablo Ramírez, Daniela Sartori, Desastrería Ichaso / Walmsley y Fernando More, son un claro ejemplo de ello.

La producción de diseño nacional también se compone de una fé-

+ Desfile Mapa de Diseño INTI - Las Déboras

rrea corriente de diseñadores que entienden a la experimentación textil como un proceso capaz de perpetuar su discurso personal.

La capacidad expresiva, el poder simbólico y el valor agregado de sus prendas, residen en la creación de sus propios géneros o en la intervención de las superficies de tejidos industriales y artesanales.

Las variaciones en trama y urdimbre, fibras, hilados y materiales en busca de distintas texturas y efectos visuales, la construcción de piezas a partir de la combinación original de diversos puntos elaborados con técnicas artesanales e industriales, llevando al límite las posibilidades formales, son recursos que incorporan diseñadores como Manuela Rasjido, Paula Ledesma y Jezabel Gerik.

Del mismo modo, una corriente de autores plasma sobre las superficies, dibujos, trazos y textos, mediante técnicas de estampación, como serigrafía, transferencia, pintura manual y estampado digital, descubriendo un abanico de posibilidades visuales infinitas.

Imágenes figurativas y abstractas de enfático contenido gestual e intensidad en su colorido, se definen en piezas de formas simples. Su valor expresivo dialoga directamente con otras disciplinas creativas netamente artísticas, incrementando su belleza. Por otro lado, se asientan las composiciones visuales complejas en los tejidos, a partir de la superposición, repetición y acumulación de imágenes, componiendo narraciones continuas, que referencian los imaginarios más disímiles. En este último grupo, hallamos la labor de Pesqueira, Hue y Miriam Millán, entre otros.

Tomando como base fundamental el ensamble de técnicas y materiales, algunos creativos desarrollan como sello de diseño la generación de collages, imponiendo composiciones eclécticas, prolíficas en la amalgama de texturas, simbologías y referencias.

Los relatos que se articulan sobre la superficie de los tejidos, trascienden los cánones de la indumentaria, adquiriendo otros valores estéticos y semánticos, imponiendo una composición que desafía las lecturas posibles. Santos Liendro, Josefina Luna y Bandoleiro son firmas de autor que desafían los conocido, realizando ensambles inéditos. + www.inti.gob.ar/textiles/

(*) El Observatorio de Tendencias de INTI brinda información actualizada sobre macro y microtendencias de indumentaria y consumo a la industria textil. Está integrado por un equipo interdisciplinario de profesionales del diseño, las ciencias sociales y el marketing.

especial

+ 051 moda

+ Backstage desfile Muaa by Pablo Ramírez

BAFWeek Otoño–Invierno 2013 Aires barrocos Todos corren. Ellas en fila esperan, las maquillan hasta el último instante. Las libretas aguardan abiertas, las cámaras apuntan listas para gatillar. Se encienden las luces. La pasarela se transforma en escenario. Salen las modelos, una tras otra; las colecciones cobran movimiento. La mirada se encuentra frente al deseo. Durante cuatro extensas jornadas, del 26 de febrero al 1º de marzo, se desarrolló BAFWeek en el predio La Rural. Análisis de pasarela por jornada, búsquedas y anotaciones al margen. Comenzamos a delinear nuestro andar, bajo cielos plomizos. | Texto: Cele Nasimbera @SrtaCele

PRÓLOGO En instancias preliminares, Las Pepas presentó mujeres urbanas, quienes recorrieron la pasarela, jugando con el armario masculino en el estacionamiento del Paseo Alcorta como escenario principal. La marca apostó por un estilo ecléctico, sumando a formas más clásicas, estampas de tendencias. Se destacó un cuidado trabajo de incrustaciones en piedras. Los conceptos de la colección: barroco, naval, college, años setenta y block color se expresaron en vestidos, trajes, blazers y camisas. Los clásicos de la casa estuvieron presentes en camperas y chaquetas de cuero. La paleta de colores recorrió tonos bordó, exquisitos verdes petróleo, azules y violetas. La consigna fue mezclar desprejuiciadamente.

Ricky Sarkany hizo lo suyo, poniendo a nuestros pies el rock,

apostando a las plataformas eternas como al binomio blanco–negro. El espacio físico se limitó al Faena Arts Center, pero a través de las posibilidades brindadas por el mapping 3D, las paredes transportaron al glaciar Perito Moreno. El frío convocaba, el rock quemaba. En pasarela, las alturas se incrementaron, destacándose plataformas y borcegos. Como elementos para un conjuro, se sumaron los opuestos, los aires creativos propios de la colección Sofía (hija del diseñador), y el impacto en la presentación. ¿El resultado? Una fórmula convocante.

En los días previos al calendario oficial, Las Pepas como Ricky Sarkany actuaron a modo de adelanto. Ambas propuestas desafiaron con fuerza femenina, y coquetearon con cierto exceso. Una brisa barroca se posa sobre nuestro próximo invierno.

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+ Backstage y desfile Visentini

+ Bacsktage y desfile HE

+ Backstage desfile Mua by Pablo Ramírez

DÍA #1: UNIFORME URBANO La primera jornada de BAFWeek presentó funcionalidad. Las prendas pensadas para su uso, las telas sobre el cuerpo, y éstos recorriendo la ciudad. Un dejo de nostalgia recreó una atmósfera inocente. La constante de faldas, vestidos y trajes, uniformaron la pasarela. Propuestas urbanas que seducen sutilmente.

Ellas, con sus boquitas pintadas, guiñan un ojo cómplice. De La Ostia, sobre una remera blanca básica, inscribe “Born to rock”, resumiendo así el concepto de su colección. El negro para seducir, el rojo para impactar. Prendas prácticas, como calzas y chaquetas, que funcionan como básicos para un armario desestructurado.

Una silueta collage, que se confirmó durante el resto de la jornada.

En “Ciclotimia”, Visentini se nutrió del inestable contexto social, para crear una colección equilibrada. Con reminiscencias a la infancia, trascurrieron los vestidos línea A, combinados con camisas, e incluso corbatines. Los aires colegiales juegan a la seducción en cortos pícaros, acompañados de medias eternas. La inocencia del primer amor, seguida de recreos con los básicos de la indumentaria

masculina. El traje se lleva con falda. El gusto geométrico se expresó en cómodos monos, mientras la funcionalidad se incorporó en bolsillos y cierres, presentes en la mayoría de las prendas, facilitando su uso cotidiano. El uniforme urbano busca acompañar a la mujer en su quehacer, sin perder una pizca de sensualidad.

La colección cápsula Muaa por Pablo Ramírez se robó las miradas, presentando una ensoñación adolescente cinematográfica.

En perpetuos tacos negros, con una silueta ajustada, el diseñador sedujo con su dominio del negro, embrujó con el rojo, y se arriesgó en verdes, naranjas y amarillos.

Hombres y mujeres recorren diariamente la ciudad. Mariana Dappiano ofrece para ellas la seguridad del pantalón en todos los conjuntos. Propone superposición para envolverse. He de Hermanos Estebecorena apuesta a la practicidad; para ellos, suma chaquetas y chalecos. Prüne retoma la ciudad de Buenos Aires y su fascinante arquitectura. El uso como prioridad, la construcción pensada desde el cuerpo que significa, y el constante movimiento como marco de acción. En la calle, convivirán todas las propuestas.

especial

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+ Desfile Tregua. Fotos: Gentileza BAFWeek

+ Desfile y backstage Paula Ledesma

DÍA #2: EXPRESIÓN CORPORAL La segunda jornada de BAFWeek fue atravesada por una misma temática, una exploración sobre la vinculación entre el cuerpo y las prendas. Diferentes respuestas, disímiles propuestas. La moda es una invitación que traspasa las nacionalidades, incluso, en ocasiones, los géneros. No importa qué estés usando, mientras estés expresando, bailando en las calles.

Con su colección “Dérmica”, Tregua fue la primera en rastrear sobre pasarela la relación entre indumentaria y piel. Dibujó líneas sobre el cuerpo, utilizando la anatomía como punto de partida.

Recorta y construye, apenas sobrepasando los límites físicos, en negros y tierras claros.

Daniela Sartori recorrió del concepto al uso práctico. En negro, verde esmeralda y bordó, avanzó en su propuesta, generando abrigos, vestidos, monos y faldas en líneas orgánicas. Envolvió la silueta femenina, destacándola, sin robarle movilidad. Luz Ballestero presentó “Denouer”, desanudar el cuerpo, el material. Creó desde el concepto de estiramiento, utilizando como disparador la propia musculatura humana. El nudo traspasado a la tela. Las potencialidades físicas acom-

pañadas por las prendas. La búsqueda abstracta logró transformarse en un real abanico de posibilidades, tanto para el uso diurno como nocturno. Superposiciones, pliegues y plisados que imitan el organismo humano, y lo acompañan en el desenvolverse cotidiano.

Paula Ledesma dotó al cuerpo femenino de poder, recreando en pasarela “Guerreras imaginarias”. Construyó un imaginario atemporal, aportando misterio a través de máscaras, y experimentando con la lana, al punto de hacernos olvidar las limitaciones del material. Erigió mujeres enigmáticas, con una silueta delgada, generando formas en los hombros, y resaltando la cintura con peplums. Una armadura natural.

Kostüme creó superando las diferencias; el concepto de unisex se volvió absoluto. Desde una mirada de vanguardia, las prendas se pensaron desde el uso. Es el cuerpo quien terminará de definirlas.

Ella, él, el mismo conjunto. Pero es distinto. En cuero, lana, algodón y viscosa se construyó una colección para ambos.

El cuerpo y su movimiento construyen la moda. Las líneas se dibujan, se cosen las formas. Pero es cada individuo en el rito urbano, en la combinación, en la expresión, quien define el proceso creativo.

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+ Desfile Lisobono. Fotos: Gentileza BAFWeek

+ Desfile Quier. Fotos: Gentileza BAFWeek

DÍA#3: PUNTADAS DEL MAÑANA Quien no puede esperar, tiene la opción, en la velocidad de la moda, de correr al mañana. El mapa comienza a dibujarse, espiando en los diseñadores, en la construcción de sus prendas y las atmósferas generadas. Entender su sensibilidad como una herramienta única para decodificar en presente y crear en futuro. ¿Escapamos?

Lisobono es una marca que busca diferenciarse por su estilo urbano y futurista. En “Conextitud” explora la energía humana como fuerza generadora de energía. El desfile se inició con un breve video, en donde desde el cosmos nos trasladamos, casi sin escalas, a la mano que dibuja. En ese cielo distante, conviven nuestros esbozos del futuro, nuestras creaciones humanas como expresiones de deseo. Lisobono presentó cuerpos deportivos, generando curvas y contracurvas en negros, grises, azules y rojos. ¿Qué podemos ver allí?

Quier, con su colección “Fragto”, sumó fragmentos de la ciudad portuaria de Rosario. Vuelve hacia atrás, para construir ade-

lante. Se alimenta del lunfardo, para aprender de lo transitado, generando caminos nuevos. En clave despojada, reconstruye un internado del futuro. La soberbia de la funcionalidad y el diseño, edifican un aire de uniformes urbanos. ¿El mañana se esconde en el ayer?

Cora Groppo vuelve sobre la naturaleza; “Chicarino” es un conjunto de elementos. Es una capucha imitando al animal, es una búsqueda morfológica, es la ciudad como selva. En tonos negros y grises, caminan las modelos, una detrás de la otra, generando líneas que envuelven el cuerpo, lo acompañan en el desplazarse.

La superposición de prendas genera una percepción macro de la colección. La unidad estética alimentándose del rinoceronte. ¿En la sabiduría natural hay respuestas eternas?

De existir un modo de leer el mañana, en las manifestaciones creativas, podemos encontrar un laboratorio de ideas. Funcionan como espacios, en donde escribimos mapas de todo aquello que pensamos, queremos, soñamos que vendrá. La moda es uno de esos portales para observar.

especial

+ 055 moda

+ Desfiles Semillero UBA BAFWeek y Daniela Sartori. Fotos: Gentileza BAFWeek

DÍA #4: VIAJAR EN LA MODA En la última jornada de BAFWeek, reconocemos Argentina. La pasarela da cuenta de potencialidades en Semillero UBA BAFWeek, mientras recorre caminos propios en Mapa de Diseño INTI. Dos espacios de visibilidad.

presentaron “Veralaguna”. Inspirados en la llegada de los españoles al Paraná, erigen mujeres fuertes, rodeadas de cierto imaginario acuático. Las texturas imitan escamas, y en negros como azules descubrimos sirenas protectoras del Litoral. El medio natural, la historia personal, y el relato nacional, como fuentes de creación.

Semillero UBA BAFWeek posibilita acceder al diseño que emerge, las búsquedas y los imaginarios que recorren hoy la universidad pública. El futuro pensando, construyendo, proponiendo, creando.

Mapa de Diseño INTI permite viajar, recorrer el país. Diseño en potencia, diseño federal.

Las Déboras (Natalia Badie y Andrea Ibarra) recrean “Caminos misioneros” por medio del tejido, el hilado y el bordado natural.

Una mano que conoce el oficio, crea una colección accesible. La naturaleza se cuela en todas sus tonalidades, destacándose el rojo.

Los paisajes comienzan a delinearse como origen inagotable de creación nacional.

Iniciamos el viaje con “Wanderer” de Débora D´Amico, tomando como disparador el actual nomadismo y, como inspiración, la primera travesía por Sudamérica de Ernesto “Che” Guevara. Caminar para encontrar. Una colección de corte militar, funcional, de prendas superpuestas, sumando como constante elementos propios del viajero. En los detalles se observa el fin práctico, se destacan mochilas incorporadas, capuchas y cierres.

Latinoamérica es un espacio de conocimiento, como nuestra propia infancia. Los recuerdos construyen y proyectan. María Noel Pepe compone “Puppet” en una declaración estética, con una propuesta conceptual. Crea estructuras, remitiendo a las marionetas y a sus articulaciones. Incorpora volumen y encastra. Juega.

Dos jóvenes diseñadoras, formadas en la Universidad de Buenos Aires, nos permiten reconocer cómo germina nuestro diseño, cuáles son los mapas que se delinean, los caminos para andar. La frescura adolescente se combina con cierto desenfado callejero.

Reminiscencias a los 90, jean, y flúor. Como quieres que te quiera pone la camisa, arremanga un buzo a la cintura, y el sombrero a la cabeza. Los colores de la juventud.

Mapa de Diseño INTI celebra la identidad nacional, generando un espacio real de visibilidad y vehiculización de posibilidades reales de crecimiento. Hue, conformado por Karina Budassi y Juan Benon,

Kalu Gryb en “Harapos de una tierra sin savia” retoma su Chaco natal, e investiga en las morfologías, a través de las tierras quebradas. El encanto de lo imperfecto se revela en una silueta holgada, donde el abrigo excede sus límites y la lana protege. La practicidad se pinta en marrones, rojos y naranjas. Lucía Beláustegui recorre el Litoral con “Cabalgatas peregrinas”. La colección se inició con una pieza que remite a los herrajes. Sentimos que abre las puertas al jardín del país. Cada provincia como un camino de expresión. Las flores, los tejidos y la sutileza se destacan en la diseñadora correntina.

Por su parte, en una atmósfera quirúrgica, Emilse Benítez se expresa desde la piel. “Quitar la carne” exalta la cultura popular; goza del cuerpo como carnaval. La celebración del cuero deja el negro para expresarse en tonos nude, marrones y blancos. Una propuesta visualmente desafiante, con prendas absolutamente accesibles. Abundan camisas, calzas y vestidos.

Cada propuesta da cuenta del mapa nacional; cada paisaje es un horizonte creativo. Santa Fe muestra sus cuencas, Chaco su sequía. La identidad en permanente transformación. Definir el diseño argentino es una empresa perpetua. Existen constantes que nos representan, así como innovaciones que responden o intentan saber por dónde continuar.

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+ Backstage desfile Mariana Dappiano

+ Desfile Emilse Benítez

EPÍLOGO: DE BÚSQUEDAS Y ATMÓSFERAS BAFWeek reúne, en un mismo espacio de visibilidad, diferentes propuestas en indumentaria. Conviven variadas miradas, construyendo desde la diferencia. Un abanico de posibilidades para vestir la calle, donde los interrogantes resultan prendas. La moda argentina da cuenta de sus búsquedas.

Existen constantes, producto de sensibilidades captando el mismo tiempo que transitamos. Temáticas, imaginarios, identidades. Recorriendo las colecciones de BAFWeek, detectamos aires que cubren la pasarela. La vinculación con el cuerpo fue una de las exploraciones más destacadas. Como fuente de inspiración, como lienzo o reapropiación, nutrió las propuestas. Desde la piel, Tregua presentó “Dérmica”, utilizando la corporalidad como punto de partida, mientras que Lisobono utilizó como disparador la energía humana y, desde allí, construyó un cuerpo deportivo. Luz Ballestero investigó el movimiento, el estiramiento, traspasando las tensiones corporales a los nudos de la superposición de prendas.

El cuerpo en su entorno. Visentini analizó el inestable contexto que nos rodea, para uniformar con prendas lúdicas. La indistinción de géneros es el juego propuesto por Kostüme, en donde la enunciación es dada por el uso. Nuestra corporalidad como espacio de investiga-

+ Desfile Kostüme

ción, como fuerza de creación, como modo de expresión.

El cuerpo viaja. HE de Hermanos Estebecorena propuso un hombre urbano, atravesando las ciudades. Una mirada cosmopolita con estampas de camuflaje. Débora D´Amico de Semillero UBA BAFWeek, una mujer que crece recorriendo Latinoamérica, anexando mochilas y morfologías prácticas.

El cuerpo se vincula. Dialoga con la naturaleza. Paula Ledesma construyó “Guerreras imaginarias” en lana, mientras Hue de Mapa de Diseño INTI, sirenas del Litoral. Mujeres que mutan en el entorno y se nutren de la tierra. Cora Groppo presentó, detrás de una capucha, una “Chicarino”. Desde una carga más erótica, disfrutando y complejizando, Emilse Benítez ostentó “Quitar la carne”. La celebración del carnaval, con un cuerpo intervenido, reconstruido, atravesado.

Una búsqueda recorre las colecciones. El diseño piensa el cuerpo y su contexto. Lo viste para recorrer. Se percibe en el aire una expansión; los opuestos se vuelven uno. Continúan las líneas de sastrería urbana, el sportwear y cierto imaginario barroco. El invierno invita a sobrecargar, a abrigar. A pintar el cielo de rojos, azules y violetas. + www.bafweek.com.ar

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especial

+ 057 moda

Vidriera BAFWeek Debajo de la pasarela, corre una alternativa. BAFWeek se transforma en la excusa ideal para comunicar desde la más descarada individualidad. A continuación, una selección. | Texto y fotos: Cele Nasimbera @SrtaCele

BAFWeek construye un espacio lúdico. Un carnaval de la moda, donde se pierden posibles restricciones y hay vía libre para la expresión. El cuerpo es una fiesta. Cada cual cuenta quién es, busca los elementos para comunicarlo, suma, superpone. Es una calle de color.

Todo vale.

Los fotógrafos disparan sobre vinchas, trenzas, flores y sombreros. Todos llevan algo en la cabeza. El sportwear convive con cierta elegancia. Más es más, gana siempre el mix and match.

Se recrean estilos, se refuerzan tendencias, se busca atención. La moda está de moda. ¡A disfrutarla! +

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+ Desfile Mariana Dappiano

Inspiraciones Minutos antes de comenzar sus desfiles en BAFWeek, aprovechamos para entrevistar a referentes de la moda local de diseño de autor. Mariana Dappiano, Kostüme, Cora Groppo y Garza Lobos nos cuentan qué los inspiró para generar sus colecciones otoño-invierno 2013. | Texto: Cele Nasimbera @SrtaCele

MARIANA DAPPIANO: “ME ENCANTA LA LIBRE INTERPRETACIÓN” El viaje de la imagen a la tela. El proceso creativo como instancia de conocimiento y reconocimiento de la labor del diseñador. Mariana Dappiano nos cuenta del caos a la colección, cómo desarrolló “Refractado”.

como alimento. Relata su interés por experimentar con nociones sobre lo infinito, y de ahí se inicia el proceso de investigación, para darle un soporte conceptual a esa necesidad personal. “Para saber de dónde agarrarme”, cuenta ataviada en sus propias prendas.

Sus rulos acompañan un estampado en tonos violetas y naranjas, que no pasa desapercibido. Posee un refinado gusto geométrico.

Mariana Dappiano surge como empresa en el inestable año 2001, cuando el diseño de autor encontró un inesperado tiempo de crecimiento. Su obra posee una identidad en la constante búsqueda de recursos nuevos, por sus prendas construidas para el uso, para el disfrute. Para todas aquellas mujeres sin preconceptos ni edades preestablecidas, que deseen expresarse. “Refractado”, su nueva colección, surge del concepto matemático fractal, el cual hace referencia a objetos geométricos de una estructura fragmentaria que se repite, una y otra vez, en diferentes escalas. Un punto cae sobre la tela y se disparan las hipnóticas estampas que envuelven en capas, en tonos azules, violetas, rojos y naranjas.

+ ¿Cómo transformás la idea en diseño textil?

MD Es la parte más artística, más disfrutable y más larga del proceso, es el momento de probar.

+ ¿En qué preciso momento surgió “Refractado”?

MD La inspiración siempre surge en el momento de caos, en la colección anterior, de muchas cosas que voy dejando afuera.

Una vez más, da cuenta de sus creencias. Piensa en la función, en el uso, en la comodidad de las mujeres que deseen utilizar sus prendas. Las imagina, determina sus necesidades y les ofrece soluciones.

Esto explica Mariana, mientras está atenta a los últimos detalles, que suelen dispararle ideas previamente al proceso de creación.

Nunca llega con las manos vacías, ya hay anotaciones al margen para investigar, trabajar y crear. “Voy anotando en papeles sueltos”, revela divertida. + ¿Dónde nace inspiración?

MD Siempre surge de una imagen.

Lo visual como el principal espacio de creación, las imágenes

Es el tiempo de la experimentación, donde las abstracciones comienzan a dibujarse, a materializarse. Uno puede recrear imágenes, calidoscopios, funcionando como disparador para la colección. La importante es “generar la idea de modo macro”. + ¿Qué contás por primera vez en esta colección?

MD Todos los conjuntos tienen pantalón, para ofrecer seguridad.

+ ¿Cómo deseás que sean utilizadas tus prendas?

MD Me encanta la libre interpretación.

Mariana Dappiano toma un vestido, muestra un punto de inicio, y uno entiende cómo, de manera viral, el resto toma forma. Crea prendas para ser utilizadas, para ser gozadas. Genera texturas, estampas y prendas para superponer, mezclar y crear. Es una invitación a la expresión personal. + www.marianadappiano.com

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especial

+ 059 moda

+ Desfile Kostüme

KOSTüME: “CADA UNO hACE LO QUE QUIERE” Ella. Él. Ambos utilizan las mismas prendas. En una definitiva declaración unisex, Camila Milessi y Emiliano Blanco presentaron la colección #25 de Kostüme. Al ritmo de David Bowie, nos adentramos en su proceso creativo.

tura nunca debe ser lineal; sólo observando el todo, se pueden unir las partes.

Las luces rojas posan de manera intermitente sobre la pasarela.

Dos modelos, sendos vestidos plisados: una va de bordó, otra de azul. Comienza el juego de los contrastes. El estilo neto, puro y funcional de Kostüme da el presente, recordando el objetivo de construcción arquitectónica que distingue a la marca. En esta ocasión, el glam de los años 70 sube en colores metalizados, mientras un aire medieval se esparce en negros y grises. En un juego de opuestos y complementarios, tres parejas cierran la presentación, utilizando los mismos conjuntos. Idénticas piezas, para la mujer, para el hombre. No hay distinción, hay libre elección.

El oficio, más la atmósfera, generan una colección que se representa en pares, bajo luces rojas, ante el recuerdo sonoro de Ziggy Stardust.

+ ¿En qué instante surge la inspiración para #25?

CM Todavía la estamos buscando…

Apenas finaliza la pregunta, y sin tomarse tiempo para pensar, Camila Milessi expulsa sus palabras. Sabe lo que quiere. Su actitud denota su clara concepción del proceso creativo, es infinito, y no depende sólo de ellos. “La inspiración siempre surge de una mezcla de temas, en esta colección, hay algo de glam, de David Bowie, lo vas a ver en los metalizados; también trabajamos los planos de Malevich, además de una silueta de los años 70”, aporta Emiliano Blanco. Así lo explican, complementándose, que quieren generar un mix, pero nunca de manera evidente. La lec-

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+ ¿Cómo traspasan la idea a la prenda?

EB La tenés, sabés construir.

CM Construís la sensación que querés generar.

+ Siguen desarrollando una mirada vanguardista sobre la diferenciación de género, ¿de qué se nutre?

EB Lo empezamos a leer en los clientes europeos.

Emiliano honda sobre un consumidor sueco que adquirió un vestido originalmente creado para la mujer, y lo llevaba borrando por completo la distinción. De allí comenzó a surgir la necesidad de superar la barrera del género a la hora de crear. Entonces, Camila llama a su asistente. Sólo al verlos uno al lado del otro, se revela la asociación. Tienen puesta idéntica prenda. Pero es diferente. El cuerpo de cada uno termina por definirlo. + ¿Cómo desean que sean utilizadas sus prendas?

CM Cada uno hace lo que quiere, tenemos clientes creativos, me gusta que use las prendas mezclándola con su placard.

La creatividad propia, ajena, en constante diálogo, en permanente retroalimentación. + www.kostumeweb.net

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+ Desfile Cora Groppo. Fotos: Gentileza BAFWeek

CORA GROPPO: “LA NATURALEzA ES INSPIRACIÓN EN ESTADO BRUTO” Las mujeres recorren la ciudad. Las prendas se superponen. El animal como referencia. Cora Groppo nos cuenta cómo la inspiración se convierte en un proceso inconsciente, que decanta en una unidad estética.

En BAFWeek, Groppo mostró su colección “Chicarino”. La presentación se inició con un video; en él, una joven mujer se prueba. Se saca, se cambia. Cada pieza es funcional al todo. Ella busca cómo vestirse. Se encienden las luces, y una tras otra, las modelos corren la pasarela como manada urbana. El germen es natural; el rinoceronte es fuente de inspiración, pero el resultado es un lenguaje propio de metrópolis. + ¿En qué instante surge la inspiración para Chicarino?

CG Siempre me inspiró la naturaleza, es constante, porque creo que es inspiración en estado bruto, eso es lo que más me gusta.

Todas mis colecciones anteriores tienen que ver con ella. A partir de una observación muy minuciosa de las cosas, te van pasando cosas, se genera un proceso inconsciente, que posteriormente se va plasmando.

Cora lleva en la mano una capucha, hace pocos minutos jugó con ella. Es gris, imita los cuernos del rinoceronte. Para ella, la

moda es un juego, la naturaleza el espacio lúdico. “Chicarino es la capucha que hice casi al principio de la colección. Comencé con la capucha, apliqué cuernos, porque es lo que le da el carácter al rinoceronte. Dije, voy a hacer un cuerno, para entender qué es un cuerno”. La capucha es la constante, que una tras otra, las modelos erigen en sus cabezas, generando un rito urbano.

La lectura no es evidente, es una imagen inicial, transformada, reproducida, superpuesta. + ¿Cómo pasás de la abstracción a la construcción de la prenda?

CG Para mí, es un proceso natural, porque yo a diario estoy generando prendas. + ¿Tenés alguna fantasía sobre cómo serán utilizadas tus prendas?

CG Mi ropa tiene un look. Siempre me imagino el conjunto, nunca la prenda sola. Las capas, me gusta mucho lo que resulta de esa combinación.

Las líneas envuelven una silueta delgada. Blusas, vestidos, calzas y abrigos, realizados con un mix de materiales, se superponen. Las piezas se suman, no se distinguen en particular. Como reza una de las leyes de Gestald, “El todo es más que la suma de las partes”, y el resultado es unidad. La inspiración se hizo tela y las prendas colección. + www.coragroppo.com

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especial

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+ Desfile Garza Lobos

GARzA LOBOS: “QUEREMOS QUE SE ANIMEN” Abrigos de ensueño, sastrería con pinceladas de color, y vestidos que buscan nuevas formas, transcurrieron en la última noche de BAFWeek. Rubén Troilo y Constanza Von Niederhäusern de Garza Lobos nos cuentan cómo realizaron el proceso creativo de su nueva colección, dónde invirtieron los momentos, trabajando desde la tela, y buscando la perfección en lo elemental.

Mujeres elegantes caminan pausadamente. Sin más pretensiones, Garza Lobos trabaja desde el material. Exquisitos tonos azules, morados y naranjas; gazas que vuelan y brocatos que seducen, se transformaron en el punto de partida, en la búsqueda de una sastrería depurada. + ¿En qué instante surge la inspiración?

RT Esta colección la encaramos distinto desde el primer momento, más como rebote, porque la colección anterior te deja como una resaca. Todo lo que viste en esa colección, te hace pensar la nueva. De colecciones anteriores, arrastramos un proceso donde pensábamos mucho, tratando de resolver formas. En esta colección, fuimos a lo básico, a lograr cosas más elementales, pero que quedaran perfectas.

CV Trabajar desde las telas, los colores, las texturas. La sastrería femenina, que quede bien.

RT Cuando teníamos todo logrado, pensamos en cómo renovar. La

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colección tuvo dos momentos: uno de precisión, y otro en donde buscamos refrescar. La verdad es que está bueno, nunca habíamos trabajado así. Esta fue la primera colección no temática. + ¿Cómo traspasaron la búsqueda al armado de la prenda?

CV Primero vimos las telas y, en base a las telas que teníamos, íbamos decidiendo lo que íbamos a hacer con ellas.

RT Con sentido común sobre todo. Pensamos cómo le queda mejor al cuerpo. + ¿Tienen alguna fantasía sobre el uso de sus prendas?

RT La colección tiene una parte muy clásica, que te diría no inventamos nosotros, pero en la manera en cómo están combinadas, hay algo nuevo, y nos gustaría que la gente adopte de esta colección ciertas ideas. Por ejemplo, los pantalones son transparentes.

CV Claro, estaría bueno que la gente se anime a usar los transparentes.

RT Lo que está bueno de esta colección es que tiene cosas que son innovadoras, y otras que no. Es amigable.

Al ritmo de los palazos, y envueltas en abrigos que recuerdan los años 60, las mujeres de Garza Lobos tienen un paso firme.

Hay indagación tanto en forma como en color, se busca la perfección. + www.garzalobos.com

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+ El Citroën DS3 intervenido por Sofía Sarkany

La velocidad de la moda con Citroën El diseño, el arte y la moda se unieron en el Espacio Citroën de la Moda y el Diseño en BAFWeek. | Texto: Cele Nasimbera @SrtaCele. Fotos: Maia Croizet @MaiaWATIO y gentileza Citroën

Citroën fue el sponsor oficial de BAFWeek por segundo año consecutivo. En esta ocasión, exhibiendo en un exclusivo espacio dos modelos vinculados a la moda: el Citroën DS3 y el seductor Concept Car Survolt. Dos propuestas de estilo.

Durante el evento de inauguración del Espacio Citroën de la Moda y el Diseño en BAF, Sofía Sarkany posaba junto al DS3. Valentina Solari (Directora de Marketing Citroën Argentina) nos explica que eligieron vincularse con Ricky Sarkany porque “es un referente, marca tendencia, y se encuentra siempre a la vanguardia”.

Sofía es la hija del reconocido diseñador de zapatos, quien presentó su propia colección en el Faena Arts Center. Su juventud, rebeldía y creatividad se transformaron en pinceladas de color. Las mismas que fueron estampa en seductores zapatos, intervinieron el Citroën DS3, expuesto en La Rural. Un modelo que se destaca por su espíritu innovador y el alto grado de personalización. Sofía contó su alegría al poder combinar su pasión por la moda y la tecnología. Una propuesta única.

Por otra parte, Naomi Preizler, junto al Concept Citroën Survolt, representaba la conexión entre el futuro automotriz y la alta costura.

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+ Durante el evento de inauguración del Espacio Citroën de la Moda y el Diseño en BAFWeek, estuvieron presentes Valentina Solari (Directora de Marketing de Citroën Argentina), Verónica Haro (Responsable de Promociones y Eventos de Citroën Argentina), Ricky y Sofía Sarkany y Julieta Rotger (Directora de Comunicaciones de Citroën), Naomi Preizler, Úrsula Vargues, Esmeralda Mitre, Nazareno Casero y Gloria Carrá, Luis Basavilbaso (Director General de Citroën Argentina), Gabriel Corrado y Luciano Cáceres.

Ambos constituyen espacios de innovación, creación refinada, funcionan como un laboratorio de ideas para determinar que vendrá. Esta combinación única e inédita, comparte la búsqueda de la excepción, de la personalización absoluta.

Además, Valentina nos contó que, dentro de las actividades de lifestyle, Citroën generó contenidos para conocer y dar visibilidad a un estilo de vida definido por la innovación. Es así que la automotriz francesa presentó Citroën – Episodios de Moda, un registro visual donde acompaña a distintos diseñadores (Kostüme, Hermanos Estebecorena, Ricky Sarkany y entrevistas a los responsables del maquillaje y peinado para los distintos desfiles), mostrando el detrás de escena, y el proceso de creación de las colecciones. Los videos se encuentran disponibles en el canal de YouTube de Citroën.

“La moda, para nosotros, al igual que Citroën, es diseño e innovación”, asegura Valentina. Por eso, con el objetivo de acercar la moda a la gente, en el Espacio Citroën durante todo el BAF, se pudo disfrutar de un DJ en vivo y se transmitieron los desfiles en una enorme pantalla LED de alta definición. Una vez más, la moda encuentra nuevos espacios para inspirar y generar diferenciación.

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Es tiempo de vanguardia.

ALIANzA DE MODA Gracias a una nueva alianza en el mundo de la moda, la marca de zapatos Ricky Sarkany se unió a Citroën, que se convirtió en sponsor oficial de su desfile otoño-invierno 2013. La tarde del lunes 25/02, en el Faena Arts Center, se llevó a cabo el desfile de Ricky Sarkany, en el marco de BAFWeek. Allí presentó su colección “Rock and Army Style - Fall Winter 2013”, dentro de la cual se destaca la línea Premium, a cargo de Sofía Sarkany, con modelos que fusionan arte y moda, rindiendo homenaje a una larga tradición familiar dedicada al diseño de zapatos.

Para reforzar esta línea, Sofía intervino un Citroën DS3, el que estuvo expuesto en el patio seco del Faena Arts Center y cautivó la mirada de los presentes. Entre éstos, Catherine Fulop, Nicole Neumann, María Kodama, Rogelio Polesello, Milo Locket, Karina Rabolini, Graciela Borges, Florencia Torrente y Mike Amigorena. Todos los invitados se llevaron una exclusiva remera Sarkany by Citroën de edición limitada, con el monograma de la línea DS. + www.citroen.com.ar

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+ Desfile Laboratorio T

La Ciudad de Moda Aires buenos

Buenos Aires es La Ciudad de la Moda. Exposiciones, desfiles, capacitaciones y espacios de negocios consolidaron un espacio común, donde actores públicos, privados y académicos dialogaron sobre el diseño porteño. | Texto: Cele Nasimbera @SrtaCele. Fotos: Maia Croizet @MaiaWATIO

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+ Desfile Proyecto Cuadrilla: Ladrón de Guevara

+ Desfile Proyecto Cuadrilla: deSastería

La moda es expresión cultural: un territorio de construcción identitaria, como un sector destacado de la economía. Para forjar espacios de visibilidad, contacto y crecimiento, la Dirección de Industrias Creativas y Comercio Exterior lleva adelante La Ciudad de Moda. Una plataforma para impulsar a la Ciudad de Buenos Aires como capital creativa de Latinoamérica.

Una de las acciones más destacadas del evento fue Desfile Buenos Aires, donde se exhibió novedad como continuidad. El jueves 7 de marzo se realizó Diseñadores Emergentes en el Predio del Distrito Audiovisual; allí se dieron cita Joan Martorello, Belén Amigo, Proyecto Cuadrilla y Laboratorio T. Iniciativas disímiles, a través de las cuales se busca dar trascendencia, secuencia y formación.

Nuevos modos, búsquedas y proyectos colectivos superponen imaginarios, creaciones y declaraciones. En paralelo, interrogando y prolongando, Fabián Zitta fue elegido como diseñador de tra-

+ Desfile Joan Martorello

+ Desfile Proyecto Cuadrilla: DeCrisci

yectoria, presentando su última colección en el Planetario Galileo Galilei.

Palermo Viejo – Circuito de Diseño se destacó por generar contacto con el público masivo, ya que transformó el barrio en peatonal, permitiendo en cada esquina intervención creativa. Durante la tarde del sábado 9 de marzo, en los alrededores de la Plaza Palermo Viejo, se cerraron el paso a los automóviles para que todos los participantes pudieran transitar libremente entre las calles Costa Rica, El Salvador, Honduras, Gurruchaga, Armenia y Malabia.

El barrio se convirtió en epicentro de actividades vinculadas con el diseño, la moda, el medio ambiente y la música. La mayoría de los locales presentaron acciones, shows musicales, concursos de street style, bicicleteadas con diseñadores, etc. Por las calles de adoquines, se llenó de transeúntes que desprevenidos, que se encontraron con música, bicicletas y color. Una celebración urbana.

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+ Backstage Desfile Buenos Aires

DESFILE BUENOS AIRES: DIÁLOGOS EMERGENTES De la ciudad, de su arquitectura, de sus universidades como de sus políticas públicas, emergen novedades en busca de diferenciación. Toman la superficie para refrescar e instalarse. Brota la exploración, la superposición, diferentes atmósferas. Hay diálogo, hay suma.

El diseño emergente en Joan Martorello se expresa en una necesidad de provocación. Valoriza la mano de obra; es por eso que recupera el oficio, cosiendo personalmente cada una de sus prendas.

Superpone buscando la comodidad, recompone ponchos, suma bolsillos. Las telas rodean el cuerpo en una pensada desprolijidad.

No finaliza los ruedos, desafiando la sastrería. Una búsqueda ante la repetición en serie.

Con exactitud, disciplina y gusto geométrico, Belén Amigo viste.

“La mujer rota” investiga formas en aquellas mujeres dedicadas a Dios, limitadas en los espacios de clausura. Desde imágenes de restricción, crea libertad, movimiento, sensualidad. Continúa la línea de vestidos derivados de la morfología del poncho, como la combinación de sus prendas con ciertos modos del sportwear. Una búsqueda en la forma, en la femineidad, en la practicidad.

Por su parte, Proyecto Cuadrilla es una apuesta a la multiplicidad,

a la continuidad. Un grupo de diseñadores que desde lo individual como lo grupal, prosiguen en su búsqueda de consolidación.

Fernando More, desde “Crudo”, deconstruye el traje. Retoma la sastrería como símbolo del deber social, que impone una determinada estructura rígida. A través de la búsqueda morfológica, recrea en hombres y mujeres, aportando renovación. De Crisci suma frescura en “Nevadita”, abre la puerta e ingresa la calle. La cultura del hip hop como referencia estética, que se combina con paisajes nevados. El blanco de la naturaleza, el brillo del glitter.

Mixturas atrevidas que bailan sobre pasarela. La modelo levanta las manos, da la vuelta y, sobre su espalda, señala la inscripción “Alto saquito”.

Ladrón de Guevara retoma el “Contexto”, el edificio como unidad física, que demuestra la influencia de las metrópolis en nuestras vidas. Motivo por el cual, decide incluir las estampas del artista belga Filip Dujardin. Líneas geométricas, superposición, mamelucos y bufandas que recorren los brazos, para finalizar como guantes. Un lenguaje urbano que aporta nuevas resoluciones. En “Manifestación vegetal”, deSastrería retoma lo urbano como espacio de convivencia entre lo orgánico y lo geométrico. El verde encontrando vida en el gris cemento. En abrigos, vestidos y pantalones se dibujan delicadas naturalezas. Urenko cerró con “Silenciosa destrucción”, con un aire de desprolijidad, e inspirándose en

especial

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+ Desfile de Fabián Zitta en el P lanetario de la Ciudad de Buenos Aires

científicos nucleares, aportando resoluciones en cierres y bolsillos aplicados.

Laboratorio T es innovación, es pluralidad. Mariano Toledo, obrando como mentor, acompañó el trabajo de Aaron Natchailer, Débora Eunice Hanko, Gimena Figueroa, Claudio Suárez Davio, Victoria Díaz Abalene y Guadalupe Malter Terrada, para decantar en una única entidad creativa. El alimento de imágenes provenientes de tribus africanas, así como de la arquitectura de Clorindo Testa, generó una colección de impacto. Buzos holgados con rostros, trajes con estampados geométricos, clutches de colores y zapatos con apliques, recrearon en pasarela la fuerza de la suma.

Desfile Buenos Aires delineó un mapa de novedosas propuestas, disímiles exploraciones, nuevos modos del crear. El diseño que brota de nuestra ciudad, que cuenta nuestro presente y fantasea con su futuro.

FABIÁN zITTA: LAS NEREIDAS La noche se posa sobre las luces del Planetario. Se encienden.

Ellas, desafían con la mirada. Seducen en negro. El Planetario es el escenario. Por detrás, en el telón natural del cielo, conviven destellos provenientes de las estrellas, como de aviones en incipientes despegues.

Link a la nota: http://9010.co/ciudadmoda

En una escena natural, intervenida por la creación humana, Fabián Zitta irrumpe con su colección invierno 2013. Cada una de sus prendas, poseen un 20% de realización a mano, como también procesos propios de industrialización. Demi couture que se nutre de la observación de los glaciares, y la consecuente preocupación del diseñador por los peligros de su desaparición. Disparador por el cual dibuja mujeres que caminan sobre el deshielo. Una inquietud que se complementa con una búsqueda estética en la fotografía de Peter Lindbergh.

En fila, desde la altura, las modelos se posan en los pasillos. Son iluminadas mientras nos observan desafiantes. En organza y gasas, caminan cautivando en la noche. La celebración se borda en delicados vestidos, blusas y pantalones. Se estructura en péplums, como se sugiere a través de estratégicas transparencias. Capas que vuelan sobre la pasarela, piedras aplicadas que denotan lujo.

Los calados textiles se vuelven constantes. En sus pies, Sylvie Geronimi; en sus tocados, futuristas como retros, Yan Hats.

Las sombras se cuelan en sus cuerpos, el misterio es develado, las sirenas saben de su poder. En “Odisea” de Homero, Ulises pide que lo amarren para oír sus cantos y no arrogarse al vacío en la tentación. Su poder de encantamiento, no es sólo mitología. Esa noche, Fabián Zitta las convocó en tules. +

| Autorretrato de OTC, con fotografĂ­a de Fernando Arditi.

personas creativas

+ 069 moda

OnTheCorner

Callecitas de Buenos Aires Logran captan la atención para transformarse, involuntariamente, en un registro fotográfico. Personajes porteños cuentan sus historias a través de imágenes que circulan en la red. Detrás de ellas, relatos que se cruzan en nuestro andar cotidiano. | Texto: Cele Nasimbera @SrtaCele

Una mirada entrenada, una búsqueda incorporada al quehacer, la cámara siempre encima. En cada disparo, un estilo. OnTheCorner (OTC) caza instantes porteños desde el año 2007; Flora Grzetic (estilista) y Javi Obando (fotógrafo), actualizan desde entonces su blog, con fotografías tomadas en la ciudad. Anticuarios 2.0.

El street style se sustenta en lo urbano, en los múltiples lenguajes cosmopolitas. A comienzos del siglo XX, los hermanos Séeberger retrataban la burguesía parisina. Con el correr del tiempo, desde las páginas del The New York Times, Bill Cunningham captó el estilo neoyorquino.

En 2005, Scott Schuman utiliza la Web como plataforma, y con su blog The Sartorialist, termina de definir un fenómeno que hoy nos invade. De la élite a las calles, del papel a Internet, la moda se transforma.

Flora y Javier se conocieron en la Universidad de Palermo, mientras estudiaban publicidad. De la mirada curiosa, surgió OnTheCorner, un blog de estilos. Ella, con sus colores. Él, con sus rulos. Ambos recorren en bicicleta Buenos Aires. Encuentran personajes, los retratan y lo suben a su blog. De allí, el viaje infinito de los retratos a través de la Web. + ¿Cómo nace OnTheCorner?

FG Acá no pasaba nada similar, pero sí estaba ocurriendo en España, Estados Unidos, en muchos otros países. Recuerdo que lo veía todo el tiempo en Vogue y, de un día para el otro salió, surgió hacer algo entre los dos.

JO Estábamos recién recibidos, y ninguno de los dos quería entrar a una agencia de publicidad. Eso creo que fue determinante. Nos pareció una buena idea: a ella, sacar fotos de la gente; a mí, seguir con Internet. Pero creo que antes de sacar la primera foto, ya mirábamos… + Recuerdan la primera fotografía?

FG Salió como un accidente. Fuimos a Puerto Madero, hicimos una pareja de punkies, y después terminamos comiendo hamburguesas.

Pero esa foto no la subimos, no nos gustó…

JO La primera foto que subimos al blog fue una chica con paraguas, la encontramos en Santa Fe y Callao, un día que llovía. ¡El rojo se veía muy bien! + ¿De dónde surge la búsqueda?

JO La motivación termina siendo lo que nos llame la atención. Puede ser cualquier persona. Hay algo en la forma de vida, en el sentido.

FG Nosotros nunca tuvimos la intención de catalogarnos, ni armar un blog de coolhunting, porque para eso deberías tener otro respaldo. Sabemos que se usa el material en agencias, para informes de tendencias. Nosotros no buscamos las tendencias; está más bien ligado a la percepción, cómo se mueve la persona. Cuando hablás con ella, ahí te termina de cerrar.

OnTheCorner vio la luz en el año 2007. En el transcurso de estos años, las plataformas se multiplicaron y los dispositivos móviles posibilitaron la publicación instantánea. Las herramientas se extendieron, y la actividad se propagó. Se desparramó por la Web. La calle se transformó en material de consulta obligada, y las redes sociales en un espacio cotidiano de información. + ¿Cómo mantienen la identidad ante la multiplicación de propuestas similares?

FG Para mí no son lo mismo. Lo vemos en el BAFWeek. Al principio, estábamos nosotros solos, y sacábamos 20 fotos. Todo nos llamaba la atención. Con el tiempo, cada vez éramos más. Entonces, empezamos a quedarnos del otro lado. Mirando, seleccionando, buscando lo genuino. Nosotros ya tenemos afinado el ojo, y encontramos eso que estamos buscando. No queremos una foto de temporada, algo que vuele.

JO La legitimidad viene de que hace seis años que hacemos OnTheCorner, y siempre desde donde queríamos. Incluso, cuando quisimos darle un salto comercial, no funcionó. Intentamos un cambio, pero

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+ Algunas de las imágenes que pueden verse en la Web de OT: Agustina, Germán, Agustina, Guido, Stella y hasta el cheff Fernando Trocca.

no funcionó, y volvimos. Hacer lo que quieras, de ahí surge y se sostiene. + ¿Cómo arman el mapa de exploración?

JO Al principio, íbamos a lugares específicos. Después compramos las bicis.

FG Antes hacíamos todo caminando. Por ahí, Belgrano; de ahí a Microcentro, todo caminando, te daba mucho tiempo para ver.

JO Teníamos otro ritmo. Ahora es parte de nuestras actividades diarias. Vamos con la cámara todo el tiempo.

CRUDO, AGENCIA DE MODELOS A través de OnTheCorner, surgió la necesidad de crear Crudo, la agencia de modelos que llevan adelante en sociedad. Allí, los rostros se reconocen por la actitud. De modo informal, comenzó con una campaña para Personal, donde la empresa de telefonía móvil incorporó la calle. Bajo el slogan “Cada persona es un mundo”, crearon imágenes verosímiles, frescas, donde cada detalle da cuenta del personaje construido. Luego le siguieron Levi’s, Ford, Converse (Corea) y producciones de piezas editoriales, como las realizadas para revista 90+10. + ¿Cómo dieron vida a Crudo?

FG Nos llamó un productor: -Estoy con este casting, hay mucha gente de tu blog que podría ir… Surge así, arrancó. La primera fue una campaña para Personal, y de ahí fue creciendo mucho de boca en boca.

JO Empezaron a llegar mails…

FG Los clientes comenzaron a ser más importantes. Cuando comenzó a crecer, le dimos la estructura necesaria, más seria. Armamos Crudo para mandar gente a castings. Ahora, también hacemos producciones fotográficas. Nos llamaron también; fue genial porque vinieron a buscarnos a nosotros, y no a alguien que nos imite.

+ ¿Qué queda detrás de cada fotografía tomada?

JO A nosotros nos interesan los personajes más rebuscados. Un día, estábamos bajo la lluvia, y conocimos a un hombre que tenía un poncho de caucho. Nos acercamos y nos contó cómo lo hizo. Tenemos debilidad por esos personajes. Propios de esta ciudad.

FG Tal vez, con una foto te quedás corto, porque cuando hablás, conocés más.

Cada foto surge del encuentro fortuito. De la causalidad de cruzarse con las historias que recorren las callecitas de Buenos Aires.

OnTheCorner es un cajón online, donde encontrar fotografías que dan cuenta de nuestro propio tiempo. + www.onthecorner.com.ar

IMAGEN EN MOVIMIENTO Cuando una fotografía no basta, hay que sumar algunas más, y ponerlas a correr. Lo audiovisual surge como necesidad para alcanzar el relato completo. Del diálogo con los transeúntes, se ramifican las explicaciones, las maneras, todo el ser detrás del modo.

Jorge Williams, el “Sastre de Palermo” y Teo, un filólogo de 50 años, son las dos personas elegidas para ahondar en sus estilos, más allá de lo que lleven puesto.

Perfiles, especiales BAFWeek, y un par más de videos realizados al pasar, conforman un nuevo modo de retratar la calle. Todos ellos pueden verse en www.onthecorner.com.ar +

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+ Los modelos de Crudo y el estilo de OTC para campa単as publicitarias de Personal.

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| Foto: Carola Danza

| Foto: Carola Danza

personas creativas

+ 073 arte

Sol del Río

Artista multidisciplinaria Compone sus propias melodías, canta y pinta. Y presenta obras audiovisuales en tiempo real, que son el resultado de un largo camino que sabe de pinceles, tecnología, y mucha experimentación. Pasen y conozcan la obra de Sol del Río, una artista que hace que sus creaciones se muevan al ritmo de su buena música. | Texto: María Paz Berri

“Todo se fue dando, sin pensar en cómo, cuándo y dónde. Voy abriendo puertas, y van saliendo cosas”. Así de natural define su recorrido y presente Sol del Río, una diseñadora gráfica que entrelazó el diseño con el arte plástico, visual y sonoro, y los hizo convivir a la perfección.

¿Qué hace Sol? Mezcla y canta su música, con videos y pinturas de producción propia, en tiempo real. Cada performance es única e irrepetible. Porque por más que haya un trabajo previo, lo que sucede en el momento de cada “live audiovisual”, nunca más vuelve a repetirse de la misma manera. Y esto es, sin dudas, lo más misterioso de sus presentaciones.

Casi sin darse cuenta, y a partir de la necesidad de experimentar con diferentes medios, de probar distintas técnicas, y de seguir las corazonadas que marcaban su curiosidad, se convirtió en una artista que combina varias disciplinas, y puede vivir de lo que ama hacer: “Pantallas, impresiones, parlantes, máscaras, pista de baile, lienzo o escenario, forman parte de mis obras, en las que creo -mediante técnicas de VJ-, sonido en vivo y diversas expresiones digitales, espaciales y pictóricas”.

UNA ARTISTA, UNA HISTORIA Estudió diseño gráfico en la Universidad de Buenos Aires (UBA), y está convencida de que fue el diseño el que le permitió abrir muchas puertas. De todas formas, la música siempre estuvo presente en su vida. Su mamá es profesora de piano; su papá ponía vinilos todos los fines de semana y cantaba la familia entera; y a los 15 años, tuvo su primera banda, que se llamaba

+ “Cristaliza Pirita”, óleo sobre lienzo, 60 cm x 60 cm, 2012.

+ ”Vaca Magnetica”, óleo sobre lienzo, 100 cm x 100 cm, 2012.

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+ Distintas visuales de Sol del Río (2011-2013).

“Wanted”, donde tocaba la guitarra eléctrica. Cuatro años después, armó otro grupo con su hermano Hernán y dos amigos. Ahí cantaban y tocaban en bares, teatros y fiestas.

Pero la vida tiene mil vueltas (o más), y un día, Sol sintió que algo debía cambiar. En 2005 dejó la música de lado, se sumó al taller de artes visuales del artista Patricio Larrambebere, y armó su propio taller de arte -que se llamó “TallerTaller”- con Ana Montecucco, en la Galería Patio del Liceo. Vivió cuatro años de pura experimentación, y con una gran necesidad de sacar afuera la artista que habitaba en ella.

Investigando y curioseando, empezó a interesarse cada vez más por la música electrónica. Y esta nueva pasión fue la que la llevó a componer, cantar, y poder presentar su propio proyecto audiovisual: “Cuando conocí el laburo del VJ (que tiene que ver con un trabajo de mucha improvisación, y manipulación de imagen y música en vivo), descubrí un mundo nuevo, que fue lo que me acercó a la música de nuevo. Pero esta vez, en formato digital”.

Inspirada por la naturaleza, la geometría, los viajes, los animales, el cosmos, la humanidad, las distintas culturas, y todo lo que va apareciendo y la conmueve para detenerse a observar y crear, su obra artística empezó a pensarse en el formato audiovisual, y la clave de su trabajo comenzó a ser la de llevar la pintura a la pantalla: “Se trata de una propuesta visual y sonora, en

donde todo sucede en vivo (canto en vivo y paso las imágenes).

El trabajo lo hago desde mi computadora, trabajando con un programa de música, un controlador que maneja audio e imagen, y un programa de visuales”.

SE HACE CAMINO AL ANDAR Algo que marcó un “antes y un después” en su carrera, e hizo que este proyecto se convirtiera en una propuesta mucho más propia, fue cuando en 2011 debutó como solista audiovisual en el Festival Mutek Montreal en Canadá, con su live audiovisual “MonsterShine” (que durante todo el 2012 se presentó en diversas salas, museos y festivales de Córdoba, Mar del Plata y Buenos Aires).

Sol piensa un rato antes de contestar cuando le preguntan a qué se dedica. Si bien su trabajo abarca una disciplina que no es nueva, está claro que no hace mucho tiempo que está empezando a mostrarse, y la mayoría de las galerías de arte aún no la tienen como propuesta. Además, sólo hay un festival importante en nuestro país que lo da a conocer: Panorámica (en Fundación Telefónica, CABA), en donde en marzo presentó “Sol del Río Live Audiovisual”, una experiencia en vivo y en constante transformación.

“Todo esto nos da la posibilidad de acercarnos más a la tecnología y de experimentar con cosas que antes no todos teníamos al alcance”, cuenta. Y agrega: “A veces, un tema hace que me ins-

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pire con una visual, o la visual es la que me hace crear el tema.

O las dos cosas al mismo tiempo. No sé bien cómo funciona. Lo que sí sé es que, en cada trabajo, hay mucho de lo que siento y me pasa”.

Ella está ahí, en cada una de sus obras. No hay dudas. + www.vimeo.com/soldelrio/videos

+ Sol del Río Live Audiovisual en Panorámica. Foto: Ana Dmar.

Link a la nota: http://9010.co/soldelrio

ALGUNAS DE SUS EXHIBICIONES -“Elementos” (Pintura, instalación) Mite Galería (2008) -“Flotante” (Live audiovisual) Shared canvas, Centro Cultural San Martín y Centro Cultural Konex (2009) -“Coraltech” LeBar (Serigrafía, instalación con mapping y live audiovisual) -“acuático.espacial” (“Coraltech”, Live audiovisual, set de música por SRZ) Panorámica, Fundación Telefónica (2009) -“El ojo del Leopardo” (Pintura y paper craft) - Mite galería (2010) -“Formas de ver” (“El ojo del Leopardo”, Live udiovisual, set de música por Universildo & Daleduro) - Museo Malba, ArtFutura (2010) -“MonsterShine” (Live audiovisual por Sol del Rio) - Mutek, Montreal, Canadá (2011) - BNTrimarchi, Mar del Plata - Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires- Videofest, Museo de la Mujer, Córdoba (2012) -“Imaginary” de Alemania-Argentina (Exibición multidiciplinaria del colectivo “Surferinvaders”, que mezcla arte y matemáticas) - Planetario Galileo Galilei, Buenos Aires (2012) -“Sol del Rio, Live Audiovisual” (Live audiovisual) - Panorámica, Espacio Fundación Telefónica (2013) -Lo que se viene: El 23 de mayo de este año, sale un RMX de la productora y DJ argentina Violett Feat. Sol del Río en vinilo edición limitada por el sello alemán Lebensfreude Records.

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Istvan Banyai

Al borde de la demencia (*) Los dibujos del ilustrador húngaro Istvan Banyai fluyen con la espontaneidad de quien vuelca un frasco de tinta china y se deja seducir por esa magia hipnótica que lidera al accidente más fructífero, logrando el tipo de impacto que nos invita inesperadamente a interpretar la aparición de un mensaje revelador que aparece y desaparece, según nuestra lucidez del momento. | Texto: Fernanda Cohen (**) @fernandacohen

(*) Según las palabras del célebre director de arte y diseñador gráfico Steve Heller. (**) Fernanda Cohen es ilustradora, graduada en la School of Visual Arts de New York. Hace muy poco, lanzó su primer libro: “Guía ilustrada del orgasmo femenino”, editado por Ediciones de la Flor. www.fernandacohen.com

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personas creativas 077 ilustración

EL FIN DE LA CORDURA Istvan nació en Budapest en 1949, donde comenzó estudiando arquitectura, para luego pasarse a diseño gráfico e ilustración, con una especialización en animación en su último año de carrera. En sus primeros años, después de graduarse, hizo desde pósters para películas de directores emergentes, hasta tapas de discos de música clásica, libros para chicos y apenas algo de animación, un trabajo arduo que, eventualmente, le dió sus frutos. “¡Mi trabajo más viejo apesta!”-afirma sin compasión, “…¡¿Pero yo qué sabía en ese entonces?! Es una re-evaluación mental constante, sumado a una herramienta que evoluciona y continúa construyéndose eternamente, gracias a la práctica. Dibujar es una lucha, aunque pueda aparentar ser fácil”.

Influenciado inevitablemente por sus raíces en una Europa del Este en pleno cambio, Istvan usó su arte a modo de terapia: “Dibujar es mi religión, mi estilo de vida. Me ayuda a construir mapas en mi mente, ¡y me mantiene cuerdo y fuera de la cárcel!”. Su rebeldía se puede apreciar, sobre todo, en el contraste de su trazo ligero y estilizado, en comparación con la gran camada de artistas de su mismo continente y generación que optaron, en vez, por seguir la corriente del momento, en dirección a la estética de la propaganda comunista que regía el arte gráfico- y político- en ese entonces.

Así fue que con un estilo que él describe como “una combinación orgánica de arte vienés retro de principios de siglo, más una pizca del europeo absurdo, servido en bandeja en una paleta de colores prestada del cómic”, decidió mudarse a Nueva York para que se lo viera, con nombre y apellido… junto a los miles de inmigrantes europeos -muchos de ellos, también dotados con un talento ilustrativo extraordinario-, que dicidieron hacer lo mismo en la misma época.

Los primeros pasos no fueron fáciles, ya que esa rebeldía que hoy lo distingue y lo ayudó a trascender con el tiempo, no era precisamente el camino más corto para establecerse como ilustrador en Estados Unidos. Hubiese sido más sencillo adaptarse al estilo de sus colegas europeos que The New York Times ya se estaba acostumbrando a adoptar o, como alternativa rápida, asimilarse a la movida americana del aerógrafo, allá por mediados de los 80. Pero no. Lo que sí sabía que tenía a su favor, era la capacidad innata de sugerir, sin decir nada directamente, gracias al comunismo al que estaba acostumbrado. Un código que, de manera curiosa, los medios americanos también explotaban sin cesar.

De a poco, sintiéndose como sapo de otro pozo, pero con la invaluable ayuda del famoso estudio de diseño de Milton Glaser Pushpin, se

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abrió camino al andar, trabajando con todo diario y revista habido y por haber, incluyendo The New Yorker, Rolling Stone, Playboy, The Atlantic Monthly y National Geographic, entre otros.

EL MANICOMIO Lápiz sobre papel -hasta el día de hoy-, se refugió en su imaginación para imitar con belleza y simbolismos propios, lo que su entorno no parecía ofrecer: esa cuota de incoherencia que da lugar al sexto sentido que nos permite ver -y dibujar- lo que el común de la gente generalmente no sabe distinguir por sí sola.

del cómic y la animación digital. Sin embargo, la adición de la tecnología no parece ser la evolución más relevante en su trabajo con el correr de las décadas, el cambio radical de contexto y su experiencia de vida. “Mi perspectiva cambió mucho, disfruto dibujar lo que pienso. Me gusta ilustrar opiniones, y uso los trabajos que me encargan como excusa para hacerlo. Perdí la fe en la autoridad muy temprano en la vida, en cualquier tipo de líder o figura paterna.

Como consecuencia, me cuesta muchísimo obedecer reglas que no cierran en mi criterio. Creo que crecí, maduré, y hoy entiendo lo que es tener responsabilidades, pero no necesito un guardia, un cura, ni nadie más que a un amigo a mi lado”.

Istvan no se cansa de invitar al observador a sumarse a esta especie de locura civilizada, entre secuencias de personajes tan ficticios (y bizarros), como el recuerdo distorcionado que muchas veces nos queda de aquellas caras con las que convivimos en la realidad más nítida que conocemos. “No me gusta narrar historias; más bien me aburre. El aura de todo héroe desaparece en el instante en que éste muere, sea Hamlet o Darth Vader. Me fascina, en cambio, lo que hay detrás de cada historia, el verdadero esquema de la cuestión; el resto, es pura decoración”.

Misterioso y subversivo, aunque contradictoriamente 100% accessible a un amplio público, Istvan se permite escurrir sus ideas más siniestras por los poros más mundanos de una sociedad universal, casi sin que nos demos cuenta, si no fuera por esa leve cosquilla que muchas veces sus imágenes nos generan entre las piernas. Es una de esas poderosas cualidades que en el discurso verbal suele permitirle a un gobernador liderar las masas… Y en el discurso gráfico, nos permite hacer exactamente lo mismo.

Hoy continúa escaneando sus dibujos a mano, en blanco y negro, para luego colorearlos en Photoshop, siguiendo el lenguaje visual

EL CHALECO DE FUERZA Los 90 trajeron un gran cambio en la carrera de Istvan: “Zoom”,

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su primer libro, editado por Picture Puffins en Estados Unidos en 1995. Sin decir una sola palabra, de pronto, construyó una narrativa escrupulosamente detallada, compleja y simple a la vez, materializando lo que el ojo humano puede descifrar, componer y descomponer por sentido común, pero que tantas veces no podemos articular con semejante grado de nitidez.

“Zoom se dió por accidente. Tenía un dibujo viejo colgado sobre la pared de mi estudio; un boceto para un cliente, y me la pasaba mirándolo. Era un arquitecto que jugaba con una maqueta arquitectónica en una mesa. Me preguntaba qué pasaría si lo mostraba a él donde estaba, con la maqueta, donde a su vez, pasaba algo dentro del edificio. Y así nació la secuencia. Le sumaba más y más marcos, y entonces, cada escena se convertía en un detalle en el próximo cuadro, como las muñecas rusas. Eso es todo, un universo sin márgenes, ni siquiera un centro, un campo continuo y unificado, que existe en todas partes y en ninguna a la vez; es todo una misma cosa. Representa mi estado mental como inmigrante: un hombre sin tierra, pero que se siente en casa, donde sea que esté.

Es una búsqueda de identidad, por más grande o chica que resulte ser, ¡¿Qué importa?! Aunque fuera tan sólo un punto, puede que lo tenga todo. ¿Es realmente tan chico? La escala es indiferente, al final de cuentas”.

Link a la nota: http://9010.co/ibanyai

A Zoom le siguieron “Re-zoom”, “R.E.M.” (Rapid eye movement) y “The other side”, acercando el arte de Istvan a una audiencia de adultos y pequeños por igual, interconectando dos mundos que parecen tan diferentes, pero que son en verdad parte de un mismo todo. De ahí también surgieron trabajos animados para Nickelodeon y MTV, convirtiendo a este ilustrador de origen húngaro en uno de los pilares de la cultura americana en los medios gráficos. ¿Y ahora qué? “Me gustaría hacer más Bellas Artes, libros experimentales que me permitan seguir explorando. Algo menos comercial, o cero comercial. Ya probé todo en lo que a impresión se refiere, ahora me faltaría incursionar en el mundo digital. Tal vez aplicaciones, en donde pueda volcar mi experiencia en animación”. Istvan, ya con 64 años recorridos con toda intensidad, parece insaciable. Es como si nunca hubiese dejado de ser chico, y simplemente siguiera jugando (ahora) a ser grande… Como deberíamos hacerlo todos.

El Norman Rockwell Museum en Massachusetts (EE.UU.) inauguró su nueva serie de “Ilustradores destacados”, con la exhibición “Istvan Banyai: Stranger in a strange land” (Istvan Banyai: Un extraño en una tierra extraña), con fecha de cierre el 5 de mayo de 2013. + www.ist-one.com

| Foto: Carola Danza

personas creativas

+ 081 moda

Paula Ledesma La calidez del oficio

Paula Ledesma proviene de un universo en donde se entretejen los negocios con la familia, el oficio con la educación formal, la búsqueda morfológica con la docencia. Un prototipo realizado en sus años universitarios es la prenda fetiche de “Guerreras imaginarias”, su última colección. Cada punto realizado marca el camino. | Texto: Cele Nasimbera @SrtaCele

Cruzando Avenida Córdoba, Scalabrini Ortiz muta en sinónimo de lanas. Por un par contado de cuadras, se ofrece al transeúnte una variedad impensada para quien desconoce. Entre la diversidad, se destaca por su sencillez Paula Ledesma Knitwear. Una tienda en donde los hilados son prendas, accesorios, decoración; incluso, bailarinas. El material se transforma en un lienzo, en donde se puede plasmar lo que se desee expresar. Sonriente, y acomodando sus rulos al hablar, Paula Ledesma conversó con 90+10. + ¿Recordás tu acercamiento inicial a la moda?

PL Tengo una empresa familiar de hilados, así que mi mamá tejió toda la vida. Previo a eso, ella era modista, y hasta la adolescencia me hizo toda la ropa. Para todos los cumpleaños me hacía un vestido, y en la torta, la muñeca tenía el mismo. + ¿Tu primer recuerdo de contacto con la lana?

PL Aprendí a tejer a los ocho años. Mi primera prenda fue un top naranja de algodón con flores blancas. Mi mamá me enseñó; la veía, y quería hacer lo mismo. Me gustaba copiarla. Mi abuela vivía a la vuelta del negocio; estábamos acá. Yo estaba en el negocio, mis hermanos corrían por el depósito. A mí me gustaba estar en la venta.

Era parte de mi vida cotidiana. Y después, más de adolescente, mi papá me dejaba hacer las vidrieras. Se dio naturalmente: empecé

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a trabajar, no había arrancado a estudiar, pero ya armaba prendas para el negocio con mi mamá.

Paula relata su infancia en Led – Lan, el emprendimiento familiar.

En su relato, se borra el límite, el oficio es juego. El hacer, parte de la crianza. Aprende en el taller, participa en el negocio. Terminado el secundario, se dedica a estudiar diseño de indumentaria en la FADU/UBA. + ¿Qué te enseñó la Universidad de Buenos Aires?

PL Más que nada, creo que me enseñó a conceptualizar. A pensar, a crear un concepto, a llevar adelante una idea. La facultad te moviliza y te empieza a dar muchas cosas de la autogestión; uno hace todo. El contacto con gente de tu carrera, de otras, con docentes; eso es un caudal de conocimiento enorme.

Paula continúa recorriendo los pasillos de Ciudad Universitaria, ahora como docente, en la cátedra de Morfología. Para ella, la cercanía al objeto es una ventaja de la carrera por sobre otras. No se crean proyectos, sino que se realizan prendas.

BUSCANDO LA FORMA + Contanos sobre tu búsqueda a través de la forma.

PL Trabajo mucho con el maniquí, con partes, voy poniendo y vien-

do cómo reacciona el material, la afinidad. Voy generando los volúmenes y los plegados. Casi un trabajo de modista. Después, saco y traduzco, para hacer un producto más simple. Básicamente, es el contacto del material con el cuerpo.

Hacia el año 2007, la diseñadora se encontraba realizando un desfile para Ámbar, su marca de hilados, cuando sus prendas se cruzaron con la mirada experta de la productora de moda Florence Argüello. La idea original era crear un catálogo de lanas, pero el destino quiso que fuera parte de la gráfica de BAFWeek. Ante la posibilidad, decidió armar una mini colección, y presentarse en uno de los showrooms del evento. Así nace Paula Ledesma Knitwear.

PAULA LEDESMA KNITWEAR + ¿Cómo describís tu marca?

PD Es una colección de prendas tejidas; ahí ya se diferencia. Es una marca para todo tipo de mujeres. Más que nada, para mujeres amantes del tejido. Trata de ser una propuesta innovadora en el ámbito de los tejidos, en la forma y en las texturas. + ¿Dónde hallás inspiración?

PL Me gusta resaltar la silueta. Estudio el cuerpo humano. Me gusta también la naturaleza. Miro mucho cine, tengo mucha conexión con el séptimo arte.

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“Guerreras imaginarias” fue presentada en la última edición de BAFWeek, donde se complementó video con pasarela, creación con tendencias, y misterio con funcionalidad. Cuerpos envueltos en líneas anatómicas a través sweaters, vestidos y leggins. Un universo que se nutre de armaduras, dialoga con la naturaleza, y se tiñe en blancos, negros, marrones, dorados, como excepcionales azules. Como Rapunzel, detrás de sus máscaras, enredados en sus cabellos, las mujeres de Paula Ledesma tienen fuerza. + ¿Qué te inspiró para tu última colección?

PL Para esta colección, retomé tipologías de trajes, traducidos.

Me favorecía la tendencia barroca. Hay cosas que no sigo de la tendencia, pero miro mucho. Hice una ilustración en una de mis clases, donde se planteó hacer un vestuario de un personaje.

Realicé a una guerrera, y después vi que todo eso estaba en las prendas que estaba haciendo. Sin pensarlo, apoyé el concepto.

Ahí busco qué me gusta, qué puedo poner. Al principio, es más espontáneo. + ¿Cómo incorporás la tendencia?

PL No me asocio al tema, la marca tiene una imagen. Si vienen tipologías que me sirven, ahí sí lo tomo. Me di cuenta de que venía algo más barroco, más estructurado, de vestuario de teatro. Y desde ahí, arranqué con la búsqueda.

Link a la nota: http://9010.co/pledesma

+ ¿Cómo te gustaría que se usen tus prendas? ¿Tenés alguna fantasía al respecto?

PL La única fantasía es que les guste a las clientas. Todo lo que me dice el cliente, lo tomo y lo incorporo. Es re útil, y me parece importante prestarle atención, escuchar qué te piden, qué necesitan. + ¿Qué es lo que más amás de tu trabajo?

PL Yo vengo a trabajar feliz. La verdad es que me gustan muchas cosas: me gusta llegar, trabajar con las manos, el contacto con la gente, la parte creativa. Me propone desafíos. Eso me gusta, me interesa. Además, trabajar con mi familia. + Describí tu prenda preferida.

PL De la última colección, el sweater “Atenea”, que claro, además, tiene nombre de diosa guerrera. Empecé a tejerlo hace como diez años, cuando cursaba Morfología, pensando en formas anatómicas.

Quería hacer algo 3D, generándolo a través del tejido. Fue un prototipo, estuvo dentro del placard esperando su momento, y quise hacer algo con este sweater. Lo retomé sin pensarlo.

Un prototipo tejido camino a la universidad protagoniza hoy su colección, los puntos se unen, repasando hacia atrás. Mientras tanto, continúa entretejiendo calidez. + www.paulaledesma.com.ar

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| Foto: Isolda Delgado

personas creativas

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B-Toy

Arte urbano con guiños al pasado Andrea Michaelson es B-Toy, una artista urbana de Barcelona con raíces en Uruguay, y una de las pocas mujeres graffiteras que ha recorrido las calles de ciudades de medio mundo (Ámsterdam, Lisboa, Varsovia…) con sus stencils y sprays. Ha logrado también exponer en galerías de Indonesia, Italia, Alemania, México. Su talento la llevó a colaborar nada más y nada menos que con Bansky. No nos extraña. | Texto: ArtsMoved (*)

+ Una curiosidad, ¿por qué B-Toy? B Es un juego de palabras, un guiño al “slang” del graffiti, que crea normas no escritas… + ¿Es difícil ser una mujer en un mundo tan masculino como el del street art? ¿Cuál crees que es el motivo de que haya tan pocas mujeres conocidas en este sector?

B La Asociación de Mujeres en las Artes Visuales (MAV) ha hecho varios informes sobre la situación de las mujeres artistas y galeristas en el arte contemporáneo en España. Uno confirma que, en los museos, sólo un 10% de las obras son de mujeres; otro cuantifica el porcentaje de artistas: un 24% son mujeres, frente al 76% de hombres, cifras que materializan una realidad de desigualdad en el sector del arte. Las Guerrilla Girls hicieron de esto protestas bastante polémicas, y está claro que aún las cifras no han cambiado demasiado… ¡Y encima se intenta justificar! + Aquí, en tu estudio, vemos que hacer arte en la calle no es sólo coger los sprays y lanzarse a buscar una pared. ¿Hay siempre un proceso de creación previo? ¿Nos explicas cómo es el tuyo?

B En general, en un proceso creativo de trabajo, pueden haber diferentes niveles de improvisación. En mi obra, siempre hay un trabajo previo en el estudio en la preparación de las plantillas o “stencils”, que se materializa en alguna pared o puerta de la calle. + Podemos intentar definir tu estilo, pero nada mejor que pedírtelo directamente a ti. ¿Qué es lo que quieres expresar con la técnica que usas y los retratos de mujeres de entre los años 20 y 40, que siempre protagonizan tu obra?

B Hacer un guiño al pasado, porque no hay tanta diferencia con el presente; esa sensación de estar condenado a vivir hacia adelante.

(*) ArtsMoved es un proyecto dirigido por la asociación Movimiento Artes (formada en Barcelona), dedicado a la difusión y promoción de la cultura, a través del arte realizado por jóvenes artistas. www.artsmoved.cat

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Pero cuando miras hacia atrás, tienes la impresión de hacer el camino en vano, porque te encuentras la misma ruina del principio…

ciedad, que es lo que le da vida. El orden excesivo se convierte en algo inerte y aséptico, que es todo lo contrario a lo que busco en mi trabajo.

+ ¿Nos puedes explicar cómo fue tu colaboración con Banksy, y qué es lo que más te llamó la atención de tu experiencia con él?

B Fue una experiencia bonita, pintando un montón de gente en un túnel muy céntrico de Londres; fue una sensación como subir a una torre muy alta, y bajar en tobogán.

+ ¿Cuál es el graffiti del que te sientes más orgullosa?

B ¡El último que haga siempre!

+ Imaginamos que es muy diferente crear para exponer tu obra en la calle, que hacerlo por el encargo de una galería. ¿Es así? ¿Puede el street art salir de su medio natural, es decir, de la calle?

B Está claro que son dos trabajos distintos, pero como todo, de ahí se puede evolucionar a algo más positivo, o convertirse en un souvenir. + Entre las paredes de una galería, no hay dudas: el público contempla con cierta distancia las obras expuestas, tú eres la artista y tu trabajo es arte. Sin embargo, la misma obra en la calle despierta reacciones inconcebibles en una galería: quizá alguien intente borrarla, o le añada algo, etc. ¿Tienes alguna anécdota al respeto con alguna obra tuya?

B El hecho de pintar en la calle de forma ilegal, comporta que otras personas o medios climáticos participen en ese cambio. La ciudad es un lugar en donde conviven muchas personas, cierto abandono y su-

+ Si te dicen que puedes pintar en cualquier rincón, monumento, plaza, etc. del mundo, ¿qué lugar escogerías? ¿Para pintar qué?

B ¡Uff, hay tantos lugares interesantes, a los que no he ido nunca!

Me hubiera gustado hacer una vuelta al mundo express, o crear una maqueta gigante de los lugares más emblemáticos, con los monumentos más importantes e intervenirlos, y hacerles la foto, el souvernir. Aunque preferiría escaparme a algún lugar más inaccesible, donde no tuviese la necesidad de pintar para imponer mi mirada. + ¿Alguna pregunta que no te hayamos hecho, y que te gustaría contestar?

B Sí, alguna pregunta sobre mi nuevo proyecto, relacionado con mi pasión por Cleopatra. Uno de mis sueños sería encontrar su tumba, que aún podría estar escondida en algún templo de Osiris, cercano a Alejandría. Para saciar en parte mi ansia con la reina del Nilo, este próximo julio, se inaugura una exposición en el Bundeskunsthalle de Bonn, un museo de arte y cultura de la antigua capital alemana. ¡Participo interpretando con cuatro cuadros a la eterna diva! + www.btoy.es

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ideas creativas

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Perú, diseño de aventura Al conocer la fuerza y el entrecruce histórico que existe en la República del Perú, ingresamos a una geodiversidad rica en manifestaciones sociales y tensiones culturales. | Texto: Wustavo Quiroga

Como los valores de la alta gastronomía reinventados con el sabor de los alimentos populares (ceviche, chicha morada, leche de tigre), los diseñadores peruanos hacen uso de las raíces culturales, para nutrir un variado campo material, que va desde vestimentas hasta caligrafías y sistemas de mobiliario.

Para hablar del diseño de este país, es necesario que viajemos al pasado, y profundicemos acerca de los saberes milenarios de sus aborígenes, en especial, los incas. El esplendor constructivo de las ruinas, nos permite estudiar los ideales de las civilizaciones andinas que utilizaron materiales de su entorno, y veneraron a la naturaleza como fuente principal de energía. Construcciones en

piedra y barro, plantaciones en terrazas, uso del recurso hídrico, aprovechamiento de la luz solar, y hasta conocimientos astrales aplicados para deducir datos del tiempo, fueron las vitales estrategias de estos ancestros.

No obstante, esta potencia cultural se transformó abruptamente con la conquista española, que dio como resultado el asentamiento de ciudades coloniales mestizas, repletas de iconografías cusqueñas. A su vez, la modernidad aportó construcciones de un molde global, algunas pocas con valor cultural, y el resto, involucradas a un descontrolado planeamiento urbano, propio de las nuevas metrópolis latinoamericanas.

+ Pinturas y letreros callejeros. Aquí, una obra situada en Lima. Un investigador de referencia es Alfredo Villar, quien recopila los grafismos amazónicos en diferentes ediciones fotográficas.

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+ Mobiliario sustentable por Ricardo Geldres: el banquito Bugui y la silla Totora.

Todo esto, sumado a la fuerza viva de la naturaleza, genera actualmente una cantera infinita de recursos, que los diseñadores utilizan para sus propósitos. Ejemplos como Meche Correas en moda, o Elliot Tupac en gráfica “chicha”, son indispensables para entender el rol social del diseño como operador cultural en este ambiente de manifestaciones diversas.

Lima es la capital en donde lo inédito sustituye lo remoto, y donde sus arquitectos hacen la vista a un lado a la problemática local, creando edificios sin identidad. Sergio Guzmán, con el libro “Lima”, marca una excepción. La edición publicada en 2012, aporta con discusiones abiertas sobre la memoria y los procesos de cambio en la ciudad, mientras establece relaciones entre las capas temporales y simbólicas que componen el tejido urbano.

PARTICULARIDADES A TONO La gráfica tiene un cruce muy interesante entre publicidad y diseño. La marca país realizada por los extranjeros Future Brand y Gustavo Koniszczer fue una estrategia de visibilidad internacional exitosa. A partir de la campaña audiovisual implementada por Young & Rubican Perú, los propios peruanos la adoptaron como suya debido a su ADN simbólico.

En la segunda dimensión, expertos locales como MA+GO, un estudio de imagen para empresas creativas, el ilustrador gráfico Cherman -un activista político y comunicacional- y HUB_ideasathome -nuevo colectivo de diseñadores dirigido por Juan Carlos Vega- forman parte de la generación visual.

La moda de expresión retoma los nexos históricos para actuali-

zar su legado. Es el caso de Sergio Dávila, que supo reinventar el uso de las fibras textiles en sus prendas, o de Edward Venero, de la firma VNRO que, por medio de la colección interdisciplinaria “Héroes peruanos”, trae al presente imágenes de su tradición, al mismo tiempo que redefine los arquetipos identitarios.

Los productos mantienen un nexo casi indivisible con la artesanía, en la que los muebles y objetos utilizan la manualidad como principal método de producción. Tal es el caso de Klaud, una empresa que articula con nativos Adel interior, para originar cestería y textiles en un marco de comercio justo, y el de Ricardo Geldrez, hacedor de mobiliario realizado con materiales naturales o reutilizados.

AGITACIÓN CULTURAL Desde los 80, la Pontificia Universidad Católica del Perú es el epicentro de formación. Allí, el argentino Santiago Barbuy sentó las bases proyectuales; hoy en día, esta labor es continuada por referentes como el peruano Ricardo Geldres, con un enfoque en diseño sustentable, y el cubano Noel Gonzales, con diseño empresarial.

En otra latitud, aparecen el Instituto Toulouse Lautrec, responsable de cursos y seminarios; el Centro de la Imagen, con su espacio expositivo “El ojo ajeno”; y el Instituto Peruano de Arte IPAD, fundador del encuentro “Perú Visual”. De forma independiente, se suma el centro de cultura experimental Domingo, como agitador de nuevas expresiones y métodos colectivos de trabajo.

La Bienal Iberoamericana de Diseño es una vidriera internacional para el país. En las diferentes ediciones de la BID, se destaca

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+ La diseñadora Kristie Arias, junto a la comunidad de Pucallpa, realizan productos con paja y caña brava para la firma Klaud, 2013.

el diseño de espacios, con Costa + Herrera Arquitectos, leondelima, Vicca Verde / Chiara Machiavello; de productos, con Álvaro Chang y Fav Lab Perú; de moda y accesorios, con Pepe Corzo, Vacide Erda Zimic y Lorena Pestana; y de gráfica, con Fábrica de ideas y Arturo Higa, por sólo nombrar a algunos.

La Bienal Tipos Latinos también dejó entrever a los ojos del mundo excelentes ejemplos de lettering, como el calígrafo Jaime de Albarracín y el joven letrista Diego Sanz Salas, quienes escriben parte de esta historia.

El blog Diseño Perú (http://disenoperu.blogspot.com.ar/) -comandado por Gabriel Rodríguez- es un portal a los últimos ocho años de manifestaciones locales. Allí, es posible hallar información sobre realizadores como Lucho Chumpitazi, Studio A, Gräal, Taller 4, Goster, Claudia Gastaldo, Juan Luis Gargurevich y Felipe Cortázar.

También, encontrar particularidades, como un equipo de infógrafos peruanos trabajando en tierras árabes: Liz Ramos, Karina Aricoché, Germán Fernandez, Luis Chumpitaz y Maher Al johari.

EL ORO DE “EL DORADO” El diseño peruano comienza a vincularse entre sí, derribando las barreras sociales que antes no le permitían fortalecer sus lazos internos. Al igual que la legendaria diseñadora Elena Izcue, que supo encontrar en los motivos precolombinos una identidad local, mientras conmovía al mundo moderno; o el fotógrafo Mario Testino, que le dio al universo contemporáneo de la moda una mirada multiétnica, los peruanos cuentan con toda la fuerza del pasado, para proyectarse al futuro como una potencia creativa enorme, que les permitirá identificarlos como su gastronomía y sus paisajes lo hacen hoy. +

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PARA CONOCER MÁS www.alvarochang-say.com/ http://chermanperu.blogspot.com.ar/ www.diegosanzsalas.com www.domingo.pe www.elliottupac.com www.fabricadeideas.pe/blog/ http://felipecortazar.pe www.geldres.com www.imagika.net www.infinito.pe www.klaud.pe http://laclinika.com/ www.lorenapestana.pe www.magoconcept.com www.mariotestino.com www.mechecorrea.com www.mectamo.com www.noelgonzalez.biz http://pepecorzo.com/ www.sputnik.pe www.studioa.com.pe www.vacideerdazimic.pe

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+ Listos para tomar el café: pocillos realizados con impresoras 3D de Tridimaker.

Impresoras 3D

Hacer realidad los objetos imaginados Es, dicen, uno de esos inventos que cambiarán al mundo. Mejor: es un desarrollo que hoy está cambiando al mundo.

Es la promesa del mundo industrial elevado a la enésima potencia. Implica -ni más, ni menos- tener una fábrica en casa, capaz de crear cualquier objeto que se nos ocurra, cortesía de una impresora 3D. | Texto: Ricardo Sametband @rsametband

Se trata de un equipo que no usa tinta ni papel, sino plástico derretido o cera; y que no se mueve en dos dimensiones (izquierda a derecha, en un papel que se mueve) sino en tres dimensiones; en un punto se parece a un torno de control numérico (un instrumento programable de gran precisión). Es decir: permite crear -sin usar un molde- un objeto que luego se puede agarrar con la mano, usar, etcétera.

Una mano se mueve en el lugar en el que se irá haciendo el objeto, y va depositando un filamento de plástico, que es el que le va dando la forma. La impresión varía con el material usado, claro; también hay equipos que usan resina, u otros materiales líquidos de rápido endurecimiento. El plástico es la tecnología con la que se hizo popular, cortesía de RepRap, un diseño creado en la universidad de Bath, a mediados de la década pasada. RepRap (www.reprap.org) es la

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ideas creativas 093 tecnología

+ Numerosos objetos pueden surgir, gracias a las impresoras 3D de Tridimaker.

tecnología de código abierto que permite crear una impresora 3D (es decir, las piezas necesarias para construir el dispositivo), y luego comenzar a “imprimir” los objetos.

Es, como dice Jorge Chernoff, de Punta Diseño (el representante local de la firma Bits from Bytes, que vende en el país impresoras 3D profesionales y semiprofesionales, www.printers3D.com.ar), “Un fenómeno nacido gracias a Internet; de otra forma, no hubiera crecido con esa rapidez. La tecnología se usa hace más de veinte años para hacer prototipado rápido, pero con equipos que cuestan 200 mil dólares. La industria necesitaba verificar un diseño antes de un lanzamiento de algo caro y complejo, y con la pieza prototipo, se anticipan los problemas de diseño o cuestiones productivas, podés probar si funciona. A medida que fue progresando la tecnología, y se fueron venciendo unas patentes básicas, se abrió la posibilidad de crear impresoras de formato pequeño”.

Con ellas, por ejemplo, es posible imprimir las piezas... para crear más impresoras 3D. Pero no es lo único. El uso más popular es el de las maquetas y prototipos de productos, ya que es un método económico y rápido, para crear un objeto que tendrá el tamaño exacto al deseado (y veces, algunas de sus características físicas). Se usa

+ Impresora 3D de Tridimaker.

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+ Algunos ejemplos de piezas creadas con las impresoras 3D de Kikai Labs.

también como reemplazo de piezas de maquinaria que puedan ser de plástico; se pueden hacer a medida, con una precisión que, por ejemplo, va de 0,2 a 0,065 milímetros (es decir, 65 micrones).

En un caso de máxima, un arma. Caramba: con las piezas de plástico es posible construir una pistola, cortesía del polémico DefCad, un repositorio de diseños que permiten imprimir un arma de fuego en plástico.

Más: dos aficionados al diseño crearon una prótesis de mano para un chico de cinco años (y funciona). Ni siquiera se conocen: su creación es un trabajo colaborativo, conectado a través de Thingiverse, un sitio que almacena diseños para que cualquiera con una impresora 3D se los baje, y genere el objeto en la cocina de su casa. Con la misma tecnología, la firma Oxford Performance Materiales permitió reemplazar parte del cráneo de un hombre, usando un plástico especial.

Se hacen engranajes, vasos, macetas, palancas y hasta vestidos, como el que lució la actriz Dita Von Teese en Estados Unidos a principios de año. Tiene 2633 anillos que, al unirse, crean el vestido (que no es para ir al súper a comprar yerba, pero marca una tendencia).

Nokia publicó los modelos digitales de las carcasas de sus últimos celulares, para que la comunidad pueda crear sus propias versiones, y así decorar el celular a su antojo. La firma Teenage Engineering,

que hace consolas para mezclar audio, decidió que es más barato permitirle a sus clientes imprimir las perillas de reemplazo.

El único límite es la imaginación y, por ahora, la capacidad de las impresoras y el material que pueden manipular. La Agencia Espacial Europea analiza el uso de impresoras 3D para crear un hábitat lunar o marciano. Alcanzaría con enviar una impresora como adelantada, que creara otras más en el planeta de destino, y que entre todas, fueran imprimiendo los bloques para construir una base que permitiera albergar a los astronautas.

UN HORNO DIGITAL Alcanza con obtener el archivo que tiene el diseño (hecho con software como AutoCAD u OpenSCAD, por ejemplo; Autodesk tiene una aplicación de diseño para iPad específicamente para eso), y luego crear el elemento en cuestión con la impresora. La mayoría de las impresoras tiene el tamaño de un televisor de tubo grande, o una suerte de microondas enorme, aunque han creado una versión que entra en una valija. Y tiene un brazo mecánico que se mueve en dos ejes horizontales, como si fuera un plotter (izquierda-derecha, adelante-atrás), y un inyector va depositando el material en uso sobre una plataforma, que se mueve hacia arriba y hacia abajo.

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Dependiendo de la sofisticación del equipo, puede tener más de un inyector (para poner material de soporte, por ejemplo, o diferentes colores). Fabricar una pieza puede ser cosa de minutos o de horas, dependiendo de su complejidad, del material usado y de la impresora en sí. Según explica Marcelo Ruiz Camauër, gerente general de Kikai Labs (una firma nacional que produce impresoras 3D en el país, www.kikailabs.com.ar) una impresora tiene un precio local que ronda los 8 mil pesos. Hay más de un modelo.

“La mayoría usa PLA, que es un plástico derivado del maíz, o ABS, que es un derivado del petróleo, y que es el que se usa en impresoras industriales (y es el plástico que normalmente vemos en los productos comerciales). Nosotros estamos investigando el uso de cáscara de maní mezclada con el plástico -una idea que nació en el país-, para darle un aspecto de madera; en otros lados, se está usando una mezcla de aserrín”.

Otra alternativa es el uso de una resina líquida que se polimeriza con un haz de luz, la tecnología elegida por Tridimaker (www.tridimaker. com), una compañía que está fabricando impresoras de diseño nacional. “A mitad de año, estaremos entregando los primeros equipos -explica Maximiliano Bertotto, uno de sus fundadores-. La ventaja de usar resina es que tiene más resolución de impresión (el filamento

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es más delgado) y el proceso es más rápido. También se usan goma, cera y otros materiales”.

La tecnología tiene, no obstante, sus límites: en el caso de las impresoras 3D hogareñas o semiprofesionales, el tamaño del objeto.

Y no son eficientes para hacer cosas en masa; no harán que las fábricas tradicionales desaparezcan. Pero sí permiten que alguien que quiere salir de lo artesanal, pero tiene producciones en serie pequeñas (300, 500 objetos) pueda hacerlas a un costo razonable, y manteniendo la calidad de su creación. +

+ Impresora 3D Kikai Labs y los filamentos que ésta utiliza para crear objetos.

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Cafira Innova Sede del diseño

Entre comerciantes y visitantes profesionales, 11.700 personas visitaron Cafira Innova, uno de los encuentros más esperados de la decoración en Argentina. La cita fue del 14 al 17 de marzo, en el Centro Costa Salguero de la Ciudad de Buenos Aires.

+ Bandejas de cama y de mesa en acrílico de Siri. www.siriproductos.com.ar

En su última edición, Cafira Innova presentó en sus 12 mil metros cuadrados de superficie, un nutrido recorrido con 118 stands divididos en cuatro pabellones, donde se expusieron las diferentes tendencias Otoño-Invierno 2013, con una fusión entre productos nacionales e importados, entre lo nuevo y lo vintage, creando un interesante equilibrio en el ambiente.

El estilo rústico glam, una propuesta de materias primas casi al descubierto y una producción cuidada, invitó a la comodidad de lo práctico y lo noble, y fue el protagonista de la exposición.

DESCANSO DISEÑADO Para facilitar la concreción de buenos negocios y el esparcimiento, Cafira sorprendió con una serie de bares temáticos, en donde la creatividad y la originalidad dieron como resultado espacios únicos, musicalizados y ambientados especialmente.

Así, el pabellón 1 propuso El Cafetín de Buenos Aires, un espacio ambientado como en los años 30, donde se pudo disfrutar de espectáculos de tango, pasando desde Gardel hasta Piazzola y el más reciente electrotango. Su barra ofreció tradicionales jugos frutales, además de ginebra con jugo de naranja y agua tónica.

El Pop Star´s Café se ubicó en el pabellón 2. Un lugar rockero y pop, con bolas de espejos, musicalizado por una escenográfica DJ que animó el espacio, pasando desde Elvis y The Beatles, hasta la reina del pop, Madonna. El whisky sour y la electric lemonade fueron los tragos que ofrecía este bar.

Entrando ya en el pabellón 3, un bar hacía tributo al Buena Vista Social Club, con un ambiente tropical y un maravilloso trío que deleitó con boleros, bossa nova, sones y toda clase de sonidos que recordaban las raíces latinas. Caipirinhas y mojitos fueron el alma de este bar.

ideas creativas

+ 097 diseño

+ Lámpara colgante Blume de Traum. www.lamparastraum.com.ar

+ Orgánicas escobillas para el baño, con mango de PVC de Siri. www.siriproductos.com.ar

+ Servilleteros de Solo para mí. www.soloparamideco.com

Finalmente, los amantes del buen cine pudieron detenerse en el Hollywood Drinks, situado en el pabellón 4, espacio que homenajeó al séptimo arte, ambientado con todo el glamour de una entrega de los premios Oscar de la Academia. Alfombra roja, sillones de famosos directores y los nombres de las estrellas brillando a sus pies, fueron acompañados por un fastuoso piano de cola, que revivió entrañables melodías de películas, mientras el público pudo degustar los infaltables Martinis y Margaritas.

ques y veladores de Traum, realizadas en madera chapa natural de guatambú (www.lamparastraum.com.ar); las macetas de fibra de vidrio de La Cioppa (www.macetaslacioppa.com.ar); la vajilla decorada con imágenes de animales de Ars Divinis (www.arsdivinis.com.ar); los simpáticos muebles para niños –mesitas, sillitas, guardajuguetes, bibliotecas, camas y banquitos con formas de sonrientes animales- de Arbolito (www.arbolitokids.com.ar); las coloridas bandejas de acrílico y demás objetos para el baño, la cocina y el hogar de Siri (www. siriproductos.com.ar); los elegantes sillones de Magenta Interiores (www.magentainteriores.com); los muebles listos para armar de Mole (www.somosmole.com); o los almohadones, manteles y demás textiles estampados de Cosa Bonita (www.cosabonita.com.ar).

REGALOS PARA TODOS Organizada por la Cámara de Fabricantes e Importadores de Regalos y Afines, Cafira Innova planteó un recorrido por la oferta creativa de diseño en Argentina, con importantes propuestas de decoración para la temporada, y regalos para hacer y para hacerse.

Entre ellas, nos encontramos con las lámparas de techo, de pie, apli-

Link a la nota: http://9010.co/cafirainnova13

La próxima cita es del 22 al 25 de agosto de este año, donde no faltarán las sorpresas y referencias del mundo de la decoración. + www.cafira.com

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+ Nuevo Fiat Punto

Autos deportivos

De comportamientos rabiosos El mercado automotor se nutrió, en estos últimos años, de diferentes variantes de autos deportivos. Están aquellos que sólo tienen estética deportiva, los que ofrecen prestaciones más “racing”, y los verdaderos pura sangre . | Texto: Elvio Orellana @emorellana33

Si hay un segmento dentro del mercado de los autos que siempre despertó admiración y aspiración de poder llegar a conducir uno de ellos, ése -sin dudas- fue el de los deportivos. De diseños agresivos, vistosos y de comportamientos rabiosos, este tipo de autos se ubicaron desde siempre en la punta de la pirámide de la industria automotriz. Pero desde hace un par de años atrás, el concepto de deportividad empezó a tentar a las marcas generalistas. Desde entonces, ya son varias las versiones de autos que se ofrecen con un plus de deportividad. Es por eso que hacemos un repaso por los modelos que se comercializan en nuestro país.

LOS QUE SÓLO APARENTAN Dentro de los modelos que hoy se pueden catalogar como deportivos, existe un grupo de autos que, sin dejar de tener un comportamiento urbano, disponen de una estética más atlética. Una de las primeras firmas en sumar a su portfolio este tipo de versiones fue Fiat. Así, clásicos modelos citadinos, como el Uno, Palio y hasta

el Idea, disponen en la actualidad de sus ediciones denominadas “Sporting”. El último modelo de la marca que sumó este acabado fue el Punto, a finales del 2012.

Otra de las marcas que sumó un look deportivo a una versión de calle, fue Renault. Así, presentó al Sandero GT, una edición especial que se diferencia del Sandero a secas, por sus llantas de aleación negras de quince pulgadas, las ópticas con máscara negra, y la salida del escape cromada. Por dentro, tiene volante y palanca de cambios en cuero cosido con hilos rojos, y un tablero de instrumentos exclusivo.

Dentro de este grupo, también se puede incluir al Toyota Corolla XRS, una versión que se presentó a principios del 2012, y que dejó un poco de lado la elegancia clásica del modelo, por un corte más deportivo. De esta forma, este Corolla dispone de varios cambios estéticos. Entre ellos, sumó en su trompa una parrilla con un solo

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ideas creativas 099 vehículos

+ Renault Sandero GT

filete (en lugar de dos) y un spoiler más grande. En los laterales, lleva llantas pintadas en grafito y zócalos. Detrás, calza un alerón sobre la tapa del baúl, con luz de freno incorporada. Por dentro, tiene butacas de cuero con costuras rojas, volante con base plana, y palanca de cambios revestidos en cuero. El resto del equipamiento, al igual que su motor (un naftero 1.8 litros de 136 caballos), es el mismo que el Corolla XE-i Pack manual.

deslizamiento limitado, el mismo que utilizan los autos de carrera.

Entre sus dotes de competición, podemos resaltar su sistema de frenos ABS con pinzas de cuatro pistones Brembo, las butacas Recaro, sus guardabarros ensanchados, la protuberante salida central de escape, y sus llantas de aleación de 18 pulgadas. Termina por coronar el espíritu guerrero de este deportivo, un propulsor de 250 caballos.

CON CARÁCTER MÁS RABIOSO En un escalafón más alto de las versiones que sólo se relacionan con lo deportivo desde su estética, se encuentra otro sub segmento.

Se trata de ediciones especiales que, además de tener un look más agresivo, disponen de un carácter más rabioso. Un ejemplar de este grupo es el Renault Fluence GT, una versión que se equipa con un motor 2.0 litros Turbo de 180 caballos (el resto de las versiones se equipan con motor 2.0 de 143 caballos). Fabricado en la planta de Santa Isabel (Córdoba), este Fluence está equipado con spoilers delantero y laterales, alerón posterior, llantas y butacas deportivas, entre otros.

Otra de las firmas generalistas que dispone de modelos “tuercas” es Peugeot. Así, el sedán 408 y el hatchback 308 -ambos producidos en la planta del Palomar de Peugeot-, cuentan con sus ediciones Sport, ambas alimentadas por el mismo motor: un 2.0 litros de 163 caballos. Pero no son los únicos de la marca, ya que también se encuentra el 308 GTi. Proveniente desde Francia, este león desarrolla una potencia de 200 caballos, y se distingue por sus giros deportivos, como ópticas delanteras bi-xenón dentro de una máscara oscura, spoiler delantero, llantas de 18 pulgadas, alerón trasero, doble salida de escape y butacas envolventes, entre otros detalles.

Pero si de modelo “racing” en Renault se trata, el mayor referente es el Mégane III RS. Desarrollado por Renault Sport Technologies, este bólido se montó sobre un chasis Cup con diferencial de

Por último -y quizás, el más antiguo de este grupo-, se encuentra el Volkswagen Golf Gti. Proveniente desde Europa, esta sexta generación del Golf es dueña de una personalidad inconfundiblemente deportiva. Responsable de ésto, en gran parte, es su estética. En

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+ Toyota Corolla XRS

+ Renault Fluence GT

+ Audi TT

+ Peugeot 308

ella, se destaca su silueta musculosa y detalles como sus llantas de aleación de 17 pulgadas, sus faros delanteros de bi-xenón y luces de tecnología LED. Debajo del capó de este Golf GTI, se encuentra un motor naftero de 2.0 litros turbo con 211 caballos.

volante regulable en altura/profundidad, e instrumental más completo. En la actualidad, se ofrece con motor 2.0 de 274 caballos (antes, de 214 caballos), aunque ya es oficial que la marca planea reingresar a la Genesis V6 de 303 caballos. Es decir, aquella versión que dejó de venderse hace más de un año, cuando el Gobierno impuso las Licencias No Automáticas para los vehículos de gran cilindrada.

DEPORTIVOS DE PURA CEPA Caracterizados desde siempre por sus formatos aerodinámicos y ropajes deportivos, el segmento de las cupé no podía estar ausente en este informe. Considerado como una de las categorías más exclusivas dentro de los modelos con estirpe deportiva, en él conviven verdaderas máquinas rabiosas. Entre las más potentes de todas, podemos encontrar al Audi TT, el cual se ofrece con mecánica de 2.5 litros Turbo, que desarrolla 340 caballos de potencia, y dispone de tracción integral Quattro.

Le sigue, en cuanto poderío, el Nissan 370Z, comercializado en nuestro mercado desde el año 2009, y que en la actualidad está impulsado por un potentísimo motor V6 de 3.7 litros, capaz de entregar 333 caballos. Otro gran exponente de los deportivos 2+2 plazas es la Hyundai Genesis. Precedente de Corea del sur, esta cupé mediana recibió su último rediseño a mediados del 2012.

Allí, sumó luces de LEDs delanteras y traseras, nuevos tapizados,

LAS ÚLTIMAS EN DESEMBARCAR Desde hace dos años atrás, el segmento D (el de las cupé) empezó a nutrirse de nuevos ejemplares. Uno de los primeros en irrumpir allá, a principios del 2011, fue el Peugeot RCZ. Desde entonces, se convirtió en el modelo más seductor y atractivo de los últimos tiempos de la marca. Lo más vistoso de su estética -y que más llamó la atención apenas salió- fue esa suerte de burbuja que tiene en el techo. Nos referimos a la doble joroba con una hendidura central, por donde se canaliza el aire a alta velocidad, el cual desemboca en la cola de auto, donde se encuentra un alerón. Se trata de un auto muy bajo (1,36 metros) y de una longitud de 4,3 metros, que impacta por sus líneas muy originales, aunque con un innegable aire al Audi TT. El RCZ está impulsado por el conocido motor 1.6 litros con turbo compresor, que tiene una potencia de 200 caballos.

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+ Renault Mégane III RS

+ Hyundai Genesis

+ Nissan 370Z

+ Peugeot RCZ

Pero no fue la única cupé que provino de una marca generalista, con el fin de dar pelea a las ya establecidas, ya que a mediados del 2012, la alemana Volkswagen presentó al Scirocco, una cupé basada sobre la plataforma del Golf V, con un look netamente vanguardista y deportivo. Debajo de su capot, este modelo alemán ofrece dos diferentes motorizaciones. La primera de ellas es un motor naftero de 4 cilindros 1.4 TSI de 160 caballos. Este propulsor puede estar acoplado a una caja manual de 6 velocidades, o automática DSG de 7 marchas. Para los que quieren un poco más de pimienta al acelerar, VW ofrece otro motor de 2,0 litros 16 válvulas con turbo comprimido de nueva generación. Este motor desarrolla una potencia de 211 caballos. En este caso, la transmisión disponible es una manual de 6 velocidades.

La última en sumarse a esta lista fue Toyota, de la mano de GT 86. Un cupé con cuatro plazas, motor delantero y tracción trasera, que marca el regreso de Toyota a la producción de deportivos. De trompa larga, con ópticas rasgadas, guardabarros abultados y un voladizo trasero corto y robusto, el deportivo japonés es dueño de una figura sencillamente arrolladora. Acompaña su sugestivo diseño un motor Boxer, es decir, con los cilindros opuestos y acostados de 2.0 litros, y una potencia de 200 caballos. +

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+ Volkswagen Scirocco

+ Constanza Piaggio, Recueils # 3, 2009.

portfolio fotográfico

Constanza Piaggio | Curador: Aldo Bressi

Constanza Piaggio (Buenos Aires, 1982) ha desarrollado su carrera desde el 2004, participando hasta el momento en numerosas ferias de arte, muestras individuales y colectivas alrededor del mundo, incluyendo Argentina, México, Chile, Brasil, Colombia, Estados Unidos, España, Francia, Suecia, Corea del Sur y China.

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+ Constanza Piaggio, Recueils # 2, 2009

Desde sus comienzos, inspirada en la historia del arte y el cine, la artista se interesa por dominar la técnica de la fotografía analógica, concentrándose especialmente en la fotografía de gran formato, medio de suma importancia en su búsqueda estética y conceptual, que le permite obtener un máximo control de la luz y del detalle. Asimismo, en los últimos años, el videoarte ha cobrado una gran importancia en su obra, formando parte inseparable de su lenguaje.

Ha ganado importantes premios, como el Primer Premio Argentino de Artes Visuales de la Fundación OSDE (2005), la beca de la Clínica de Artes Visuales del Centro Cultural Rojas/UBA (2005), y la beca Intercampos II de la Fundación Telefónica (2006). Ha realizado las residencias Appelboom La Pommerie en Francia (2009) y Gyeonggi Creation Center en Corea del Sur (2011). Además, sus obras forman parte de grandes colecciones públicas y privadas.

Desde 2010 vive en París, enfocándose en su carrera internacional, pero sin dejar de exponer en Argentina, como lo demuestra su última y exitosa muestra en la sala Prometeus del Centro Cultural Recoleta, el pasado mes de marzo. + www.constanzapiaggio.com

+ Constanza Piaggio, Serie Bicicletas

+ Constanza Piaggio, Serie Bicicletas

+ Constanza Piaggio, Untitled #4. Serie La Trampa, 2007.

+ Constanza Piaggio, Untitled #1. Serie La Trampa, 2007.

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Santiago Barbuy Diseño por el sendero del sol Recorrer la trayectoria de este maestro del diseño latinoamericano sólo resulta posible con la ayuda de Leonardo, su hijo, quien nos propone comenzar en Córdoba, atravesar Mendoza, y subir por Chile hasta Perú, conociendo los hallazgos y aportes que realizó un artista integral como su padre. | Texto: Wustavo Quiroga

clásicos contemporáneos

+ 109 diseño

+ Maqueta del escenario para “Los Magos, adoración y fiesta”, evento realizado en el viejo Hogar y Club Universitario de la Universidad Nacional de Cuyo.

Leonardo lo recuerda multifacético: “Probablemente, el perfil más cercano que conozca de un hombre ‘renacentista’. Inventor, interesado en temas de física, biología, ergonomía, antropometría, sociología, filosofía, sociología, pedagogía, poesía, pintura, escultura, diseño industrial, arquitectura, entre muchos otros.

Hábil y creativo en todos esos campos”.

COMIENZOS INICIÁTICOS Santiago nace en Córdoba en 1926. Este hijo de emigrantes italianos crece rodeado de naturaleza, mientras interactúa con su padre, creador por oficio de máquinas, herramientas e inventos.

En los años cincuenta, se traslada a Mendoza, para estudiar y trabajar en la Universidad Nacional de Cuyo, circunstancia que lo vincula al profesor César Jannello, como también a colegas vanguardistas, como Leonor Rigau, Filomena Moyano, Marcelo Santángelo, José González y, quien será su esposa por varios años, Julia Salo.

De joven, se involucra en la pedagogía, y participa de la fundación del “Taller infantil de estética”, para el que crea diseños de mobi-

liario, juguetes, material didáctico y decoraciones. De forma independiente, produce una variada cantidad de muebles como sillas, sillones, estanterías y mesas. En 1952, realiza para la Universidad Nacional de Cuyo la obra “Los Magos, fiesta y adoración”, en la que proyecta diseño gráfico, escenografía, y experimenta con el teatro no convencional, al mejor estilo Bauhaus. Diseña afiches y programas para el “Ciclo de Música Contemporánea” donde, al igual que en la implementación de la Feria de América, se destaca por una elevada síntesis formal y calidad comunicativa.

CRUZAR LA COORDILLERA, AMPLIAR LOS LÍMITES Cuentan en el pueblo que “René estaba en cosas raras, que trataba de ampliar su campo espiritual”. En los años setenta, Barbuy conoce a Santiago Bovizio, italiano iniciador del movimiento espiritual CAFH (Caballeros Americanos del Fuego Hess). “Mi padre se hace discípulo suyo, convirtiéndose luego en uno de los tres representantes más importantes del movimiento emergente, junto con Jorge Waxemberg. Viajan a Chile para fundar la sede del CAFH, y luego a Perú con el mismo objetivo”, explica Leonardo. Tiempo después, Barbuy se retira de la orden, para seguir su propio camino.

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+ Silla realizada en Argentina, en la década del 50. Su simpleza constructiva le permite la producción en serie con variantes de acolchados sobre las superficies de apoyo.

+ Decoración neo-plástica para escuela de estética infantil.

Es evidente que las búsquedas de Santiago escapan a los entendimientos tradicionales de ese momento (y tal vez, actuales). La consideración espiritual como componente del diseño, la reflexión activa como herramienta de planificación, y la enseñanza abierta, solidaria e inclusiva como base creadora, son algunos de los tópicos que se enuncian a la largo de su vida.

tadas, más los múltiples ensayos teóricos publicados o editados personalmente, constituyen un patrimonio que debe conservarse y difundirse, con el fin de otorgarle a Barbuy la debida importancia en la historia del diseño latinoamericano.

El trabajo infantil es para la pareja Salo-Barbuy, uno de sus principales intereses. Y el arte, su herramienta. Sus inquietudes pedagógicas se expanden hasta Perú, donde deciden asentarse y profundizar en el “taller inicial” o la “escuela callejera”. Difunden valores como “Descubrir lo mágico, valorar la naturaleza, experimentar la forma y el color, vivir con intensidad y manifestar la creatividad”.

PERÚ, BIODIVERSIDAD Y SOCIEDAD VIVA En Lima, funda ODI “Oficina de Diseño Industrial”, un espacio para proyectos de tablero y taller. La producción que realiza en esta oficina, resulta un capítulo fundacional en la historia proyectual del Perú. El cúmulo de creaciones materializadas y boce-

Leonardo nos comenta sobre el desarrollo de algunos diseños: “Creó instrumentales técnicos para dibujo, entre ellos, la invención patentada de las denominadas ‘reglas paralelas’, y otras variantes para el diseño en escritorio. […] Su fábrica estaba equipada con maquinarias ideadas por él. Creó un sistema de componentes en miniatura, con el que se podían crear máquinas a escala, según las necesidades del cliente, para luego ser realizadas a tamaño real. […] Continuó con el desarrollo de mobiliario, proyectando asientos para diversos fines. La ergonomía fue un aspecto considerado en todas sus creaciones. De tal relevancia, que investigó y publicó ‘Manual Antropométrico del Hombre Peruano’, única publicación sobre esta temática en Perú. […] Diseñó la ‘Vivienda Viva’: un sistema de vivienda modular para ser edificada, según las necesidades de cada familia, con posibilidad de ser transformada rápidamente”.

clásicos contemporáneos

+ 111 diseño

+ Prototipo de un espacio habitable semiesférico, utilizado para brindar a los niños un entorno de reflexión e intimidad creativa.

“También planificó espacios esféricos, donde ubicaba puestos de trabajos, o creaba un entorno para el aislamiento y la concentración, necesarios en el proceso de génesis. Estos proyectos se ven acompañados de escritos, algunos bellamente ilustrados, como `Arquitectura del futuro’, donde indaga en diversas tipologías de hábitats para el ser humano. […] En diseño gráfico, siguió su desempeño. Efectuó la promoción -tanto de sus inventos, como de cursos pedagógicos- y diseñó piezas editoriales a cargo de las cubiertas, interiores e ilustraciones”. […]

período junto a su hijo e hijos del espíritu (como Barbuy denominaba a los niños que pasaban por sus experiencias formativas), se intensifica por su aporte en jóvenes universitarios.

Leonardo recuerda: “En ese momento, se dedica a la enseñanza del diseño industrial, haciéndose cargo de la especialidad, y dándole forma y vida sin precedentes en la Pontificia Universidad Católica del Perú.

Además, enseña temas de diseño en distintos institutos y academias”.

“Además, diseñó material didáctico bajo fines diversos para la educación inicial. Realizó distintos diseños que no fueron ejecutados: desde un parque recreacional con atisbos ‘futuristas’ hasta una ‘Escuela de la convivencia’ con distintos pabellones. Publicó junto a Julia Salo: ‘Tierra, Agua, Aire, Fuego’, sobre las experiencias del Taller Inicial”.

A principios de los años 90, lo aquejan problemas de salud. Debido a ello, ODI, el Taller Inicial y la fábrica dejan de funcionar. Su cuerpo se ve afectado por una parálisis parcial que le quita sensibilidad.

Como consecuencia, inicia un camino ascético, que tiene un punto de quiebre en 2003, año en que se “auto-exilia”, dimitiendo a toda actividad pública. Renuncia a los bienes materiales, bajo el lema de “Un día, una vida: nacer con el sol, morir con la luna”.

NACER CON EL SOL, MORIR CON LA LUNA En 1984 fallece Julia, y al año siguiente, conoce a Ana María La Torre, con quien dan vida a Leonardo. El comienzo de un nuevo

En 2010 fallece, siendo para muchos, un ejemplo de vida espiritual dedicada a los diferentes intereses de la vida humana, además del diseño. +

Link a la nota: http://9010.co/sbarbuy

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+ english summary Fashion special issue

Outlook on the Local Fashion Scene

Translated by: Lucrecia Bertani @lulubertani

Pages 048-067

Considering the runways of BAFWeek and Ciudad de Moda (City In Style) as starting points –where both independent designers and commercial brands showed their autumn-winter 2013–, we take a look into the current situation of fashion in Argentina.

The Languages of Design in Argentina The creative language that defines the essence of every designer is the result of their own conceptual research together with the design and the production process that takes place before each collection.

The innovative character of the developments depends not only on the intent of the creator, but also of the high dose of experimentation in addressing the available resources in each case –human, material, and technological–.

The configuration of these own languages is also the product of historical and cultural circumstances of our country –so various as inspiring–, that promote such diversity of work. Expressing a conceptual consistency over time and opening new horizons in fashion design, the original languages are translated into unprecedented possibilities in the textures of fabrics, the way the pieces are constructed, the redefinition of typologies and the symbolic projections of garments, emphasizing one of these aspects without neglecting the others.

BAFWeek Fall-Winter 2013 Baroque Airs During four long days, from February 26th to March 1st, BAFWeek took place in La Rural. Functionality was showed on the first day.

Garments mainly designed for their use, fabrics on the body, and these travelling around the city. A hint of nostalgia recreated an innocent atmosphere. The skirts, dresses, and suits were a constant on the runway. Urban proposals that subtly seduced. The second day had a single theme, an exploration of the relationship between body and garments. Different answers, different proposals. Fashion is an invitation that goes beyond nationalities, and in some occasions, even genders. It does not matter what you are wearing, as long as you are expressing yourself, while dancing in the streets.

On the third day, the map began to take shape. Spying on designers in the construction of their pieces and their desired atmospheres, understanding their sensitivity as the only tool to decipher the present and create the future. In the last day, we could recognize Argentina. The runway portrayed the potential of the Semillero UBA, while it went through paths of its own in Mapa de Diseño – INTI. Two spaces to get to be seen.

BAFWeek gathers different proposals of attire in one only space of exposure. Various outlooks coexist while building from this variance. A range of possibilities to dress up the streets, where all questions are answered in garments. Argentine fashion illustrates its own search. Some constants exist as a product of the sensibilities that capture present times. Themes, imagery, identities. Witnessing the BAFWeek collections, one detects the airs that flow through the runway. The connection with the body was one of the most exploited themes. It was the inspiration, the canvas, the reappropiation. It nurtured all collections.

Design considers the body and its context. It dresses it up to travel.

An expansion is perceived in the air, as opposites become one. Urban lines in tailoring, sportswear and a certain Baroque imagery are still in. Winter invites us to overdo, to warm, to paint the sky in reds, blues and violets.

The Speed of Fashion with Citroën Design, art and fashion were present in the Citroën Fashion and Design Space in BAFWeek as the French carmaker was an official sponsor of the event for the second consecutive year. On this occasion, it exhibited two models linked to fashion: the Citroën DS3 and the seductive Survolt Concept Car, besides creating an alliance with the shoe designer Ricky Sarkany, and a valuable video record with interviews to designers (so as to discover the creative process in their collections) and the behind the scenes of the fashion week in Argentina.

La Ciudad de Moda (The City In Style) “Good” Airs Fashion is a cultural expression: a territory of identity construction as a major sector of the economy. To build exposure spaces, contacts, and growth, the Division of Creative Industries and Foreign Trade conducts La Ciudad de Moda. A launch pad to promote the City of Buenos Aires as a creative capital of Latin America.

One of the most noteworthy actions was the Desfile Buenos Aires, a runway show where a non-stop display of novelties took place.

On Thursday March 7th Emerging Designers was held on the campus of the Audiovisual District. Joan Martorello, Belén Amigo, Proyecto Cuadrilla, and Laboratorio T were there. Disparate initiatives were seen, through which transcendence, sequence, and training were sought. Imagery, creations, and statements were mixed in new ways, new searches and collective projects. In parallel, while questioning and continuing, Fabián Zitta was awarded with the lifetime achievement, as he presented his latest collection at the Planetarium Galileo Galilei. Palermo Viejo - Circuit Design stood out as it created massive public contact. It transformed the neighborhood in a pedestrian one, allowing creative intervention in each corner. The cobblestone streets were filled with unprepared passersby, who came upon music, bicycles and color. An urban celebration.

OnTheCorner

Streets of Buenos Aires

Pages 068-071

A trained eye, an assimilated search into the chores, always with the camera. In every shot, a style. OnTheCorner hunts local instants since 2007. Ever since, the stylist Flora Grzetic and the photographer Javi Obando have been updating their blog with photos taken in the city. Antiques 2.0. They met at the University of Palermo, while studying advertising. From their curious eyes emerged OnTheCorner, a style blog. She, with her colours. He, with his curls. They both cycle around Buenos Aires. They find characters, portray them, and then upload them in their blog. The infinite journey of portraits on the Web. With OnTheCorner, the need to create Raw, the modeling agency they developed together, became apparent. There, faces are perceived by their attitude. The agency has already worked for Personal, Levi’s, Ford, Converse (Korea), and the production of editorial pieces, such as those created for 90+10 magazine.

Sol del Río

Multidisciplined Artist

Pages 072-075

She composes her own songs, she sings, and paints. She presents real-time audiovisual works that are the result of a long process that knows about brushes, technology, and a lot of experimentation. “Everything started to happen, without considering the hows, whens, or wheres. I open doors and things come out.” So naturally Sol del Río defines her career and her present; a graphic designer that mixed design with visual, sound, and plastic arts, and accomplished their perfect combination.

Without even realizing it, and with the need to experiment with various media, to try different techniques and to follow hunches that were pacing her curiosity, she became an artist who combines disciplines and who can live on what she loves doing. “Screens, prints, speakers, masks, dance floors, canvas, and stages are all part of my pieces, for which I create live sounds and different digital, spatial and pictorial expressions by means of VJ techniques”.

Istvan Banyai

On the Brink of Insanity

Pages 076-079

The drawings of the Hungarian illustrator Istvan Banyai flow with the spontaneity of one who spills a bottle of ink and is seduced by the hypnotic magic that leads the most productive accident. He achieves the kind of impact that unexpectedly invites us to interpret the appearance of a revealing message that comes and goes, depending on our own mental clarity. Pencil on paper –still today– he took refuge in his imagination to imitate with his own beauty and symbolism, what his surroundings seemed to offer: a share of inconsistency that leads to the sixth sense and that allows us to see –and draw– what

english summary ordinary people usually cannot distinguish for themselves.

Istvan never gets tired of inviting the observer to join this kind of civilized craziness, among sequences of fictional characters who are as bizarre as the distorted memories we have of those faces that in fact live in the clearest reality we know. “I don’t like telling stories, it rather bores me. The aura of every hero disappears the moment he dies, whether it is Hamlet or Darth Vader. However, I am fascinated by what’s behind each story, the real scheme; the rest is pure decoration.” Still today, he continues scanning his handmade drawings in black and white, to later colour them in Photoshop, following the visual language of comics and digital animation.

Paula Ledesma The Warmth of the Trade

Pages 080-083

Paula Ledesma comes from a universe in which business is intertwined with family, trade with formal education, and morphological search with teaching. A prototype she created in his college years is now the fetish piece in “Imaginary Warriors”, her latest collection. Each step shows the way. “I work a lot with the mannequin, with parts, and I see how the material reacts, the affinity. I generate the volumes and the pleats. It is almost a seamstress work. I later edit and translate, so as to make a simpler product. Basically, my work is about the contact of the material with the body.” About Paula Ledesma Knitwear, she explains “It is a brand for all types of women. More than anything, for women who love knitwear. It seeks to be innovative in shapes and textures.” A knitted prototype made on the way to University classes now stars her collection; as the knitting stitches come together reviewing the past. Meanwhile, she continues to knit warmth.

B-Toy

Urban art with a nod to the past

Pages 084-087

Andrea Michaelson is B-Toy, an urban artist from Barcelona with roots in Uruguay, and one of the few female graffiti artists who has walked with her stencils and sprays along the streets of cities from all over the world (Amsterdam, Lisbon, Warsaw ...). She has also managed to exhibit in galleries in Indonesia, Italy, Germany, and Mexico. Her talent led her to work together with no less than Banksy.

No wonder. “Generally, different levels of improvisation can happen in a creative process. In my work, there is always a previous work at the studio in the preparation of templates or stencils which later become real on a wall or front door”.

Peru, Adventure Design

Pages 088-091

Peruvian designers make use of the cultural roots to nourish a varied material field, ranging from clothing to calligraphy and furniture systems. These products also maintain a binding link with the craft, where furniture and objects make use of the manual arts as the main method of production. Peruvian design starts to mix together, breaking down the social barriers that prevented its internal ties from strengthening. Today, Peruvians have all the power from the past to project into the future as a creative power.

3D Printers

Imagined Objects are Now True

Pages 092-095

They say it is one of those inventions that will change the world.

Best: it is a development that is changing the world today. It is the promise of the industrial world raised to the zillion degree. It entails no less than having a factory at home, able to create any object that comes to mind, courtesy of a 3D printer. This is a machine that does not use nor ink nor paper but melted plastic or wax, and that it does not move in two dimensions (left to right in a role that moves) but in three dimensions. In a way, it resembles a numerical control –a programmable instrument of great precision–. That is: it can create –without a mold– an object that can later be held, used, etc.

A hand moves in the place where the object will be created, and a plastic filament is placed, which is what is given shape. In Argentina, companies like Tridimaker, Kikai Labs, and Punto Diseño offer their

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3D printer models that allow small series production –300, 500 objects– to be made at a reasonable cost, while maintaining the quality of the creations.

Cafira Innova

Pages 096-097 Design Headquarters

Adding all businessmen and visitors, 11,700 people visited Cafira Innova, one of the most awaited events of the decoration sector in Argentina. The date was from March 14th to 17th at the Costa Salguero Center, where 118 stands divided into four pavilions exhibited the various trends the Autumn-Winter 2013 collections have to offer, blending domestic and imported products, including new and vintage, thus creating an interesting balance in the atmosphere.

Sport Cars

Pages 098-101 Raging Behaviors

If there is a segment in the car market that has always aroused the admiration and aspiration of many to drive one; no doubt that the segment is that of sports cars. With aggressive designs, colorful, and raging behaviors, these cars have established at the tip of the pyramid of the automotive industry. However, a couple of years ago, the concept of sportive began to appeal to the general brands. Since then, there are several versions of cars that offer a plus in sportive design. That’s why we review the models sold in our country.

Among the models that today can be categorized as sportive, there is a group of cars, that still being urban, they have a more athletic aesthetic. On a higher level of the versions that only relate to sport cars from their aesthetics, there is another sub-segment. Besides having a more aggressive look, these special editions have a raging characteristic. Enhanced by its aerodynamic formats and sports clothes, the coupé segment could not be absent. Considered one of the most exclusive categories within sports race models, many real raging machines coexist in it. photographic portfolio Constanza Piaggio

Pages 102-107

Constanza Piaggio (Buenos Aires, 1982) has been developing her career in photography since 2004, participating in numerous art exhibitions, solo and group exhibitions around the world. Since her beginnings, inspired by History of Arts and cinema, the artist has been interested in mastering the art of analogue photography, focusing especially on large format photography, medium of great importance in her aesthetic and conceptual search, which allows her to obtain maximum control of light and detail. Besides, in recent years, video art became increasingly important in her work, an inseparable part of her own language. She lives in Paris since 2010, focusing on her international career but still exhibiting pieces in Argentina.

Santiago Barbuy

Design on the Path of the Sun

Pages 108-111

Walking the path of this master of Latin American design is only possible with the help of his son Leonardo, who suggests beginning in Córdoba, crossing to Mendoza, and climbing to Peru by Chile, as he knows the findings and contributions that a complete artist like his father made. Leonardo remembers him multifaceted, “Probably the closest profile I know of a ‘Renaissance’ man. Inventor, interested in topics in Physics, Biology, Ergonomics, Anthropometry, Sociology, Philosophy, Pedagogy, Poetry, Painting, Sculpture, Industrial Design, and Architecture, among many others. He was skilled and creative in all those fields”.

Santiago’s research was beyond traditional understanding. Spiritual consideration as part of design, active meditation as a planning tool, and open learning –supportive and inclusive as a creative basis– are some of the topics set out along his life. Child labor is for the SaloBarbuy couple one of the main interests. And art is the tool. In 2010 he passed away, widely considered an example of spiritual life devoted to the different interests of human life, besides design. +

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Formato papel. Los que se suscriban a reciben como obsequio un ejemplar del CD Sampler 4 de Casa del Puente Discos, con los más recientes lanzamientos nacionales e internacionales del exquisito catálogo del sello. Altocamet, The Radio Dept., BK, Asobi Seksu, Emisor, Deerhoof y Jerónimo Escajal son algunos de los artistas que participan de este compilado que, además, incluye tracks inéditos de Altocamet, Doma Tornados y Flavio Etcheto. www.casadelpuentediscos.com Escribir a suscripcion@90mas10.com.ar o comunicarse con las siguientes librerías:

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