Revista 90+10 #47

Nยบ 47- Diciembre 2013 Arg $47.- Ch $9300.Uy $360.- USA $15.-

+47 | Night tree, Serie Snow, Julia Ramos, 2010

sumario +mundo creativo 010 diseño, art toys, destinos, publicaciones, música, lugares, green design, arquitectura, vehículos, discos, marketing, eventos, concursos, gadgets, branding y diseño, agenda

+personas creativas 046 054 062 058 066 082 070 078 074 086

diseño Diseño joven Ventana al futuro Plenty Creativos animados Moment Factory Industria de instantes mágicos

arte Alexandra Kehayoglou Pintar con lanas

gastronomía Tato Giovannoni Diseñador de tragos Fernando Trocca La mesa está servida

ilustración Joan Tarragó Camino al Art Basel de Miami Franca Barone Ilustración emergente

moda Delia Cancela Papeles femeninos

arquitectura Saucier+Perrote Architecters Memoria del paisaje

+ Show de Madonna en el Super Bowl por www.momentfactory.com

+ideas creativas 090 092 094 096 098 102

diseño Festival Internacional de Diseño Mapa del diseño argentino Inspira Lo mejor del diseño 2013 DesignAbroad Diseño argentino en Italia

marketing Calendario Campari 2014 De fiesta por el mundo

vehículos Autos de tres filas Espacio para todos

gadgets Relojes inteligentes Dispositivos multifunción en la muñeca

+portfolio fotográfico 105

Laura Ramos

+clásicos contemporáneos 110 114

diseño Hugo Kogan De la actividad del diseño al activismo productivo

+conexión

+47 | Ilustración: Franca Barone www.francabarone.com

staff Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010 Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010

Diseño de Tapa Patricio Oliver www.patriciooliver.com.ar

Prensa y Comunicación

Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar

Coordinación Editorial Celeste Nasimbera celeste@90mas10.com.ar @SrtaCele

Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar

Diseño Gráfico Hernán Patto Leandro Marenzi

Departamento Comercial publicidad@90mas10.com.ar

Producción Paula Pedrouzo paula@90mas10.com.ar @PaulaPedrouzo

Colaboran en esta edición Adriana Godoy, Aldo Bressi, ArtsMoved, Celeste Nasimbera, Diego Giaccone, Elvio Orellana, Fátima Fargas, Fernanda Cohen, Germán Andrés, Jorgelina Peciña, Leila Mesyngier, Maia Croizet, María Agustina Iscaro, María Paz Berri, Patricio Oliver, Ricardo Sametband y Wustavo Quiroga Nuestros colaboradores Hernán Patto Diseñador gráfico. Armador. Padre. Diablo. Aikidoka. Nadador. Spinettiano. Maquero. Barraquense.

Consumidor de arte visual, música y tecnología. Algo obsesivo y detallista, arma los clasificados de Clarín desde hace más de diez años, y es uno de los más antiguos colaboradores de 90+10, diseñando la revista desde el año 2005. +

Leandro Marenzi Diseñador gráfico. Trabaja en el mundo editorial desde hace diez años. Ejerció la docencia en la UBA, dentro de la cátedra Wolckowicz. En 2010, editó su primer libro, “Los días sin forma”, que forma parte de una trilogía. Actualmente, trabaja y colabora para distintos medios de divulgación cultural, en las áreas de diseño, diagramación e ilustración, y está preparando su primera muestra de lettering. +

Distribución en kioskos CABA y GBA Vaccaro, Sánchez y Cía. S.C. Av. Entre Ríos 919, 1º Piso Tel. (+5411) 4305-3908 / 3854 Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114

Impresión Help Group Colombres 1333, Piso 1°, Of. 6 Tel. (+54 11) 43973-0217 www.hgprint.com.ar info@hgprint.com.ar Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

Suscripciones suscripcion@90mas10.com.ar Librería Concentra Montevideo 938 Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 cp67@cp67.com

Domicilio Legal: Av. Raúl Scalabrini Ortiz 2553 – Piso 13 “E” (C1425DBG) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina Domicilio Redacción: Cerviño 3814 – Piso 4 “A” (C1425AGU) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | 90mas10.com.ar Revista 90+10. Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas firmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual Nº 943748 | ISSN 1668-6403 Año 10 - Nº47 – Diciembre 2013

+47 + Tapiz para un bosque jardín de Alexandra Kehayoglou www.alexkeha.com.ar

editorial La creatividad como eje conductor. Con esta edición, queda demostrado que la creatividad puede encontrarse en múltiples disciplinas: desde la animación, la ilustración, el arte, la arquitectura, el diseño industrial y la moda, hasta la gastronomía. Basta leer las entrevistas que les proponemos para darse cuenta de ello.

También desplegamos una idea que desde hace tiempo teníamos en mente: la de seleccionar diseñadores argentinos ya establecidos, que recomendaran a otros más jóvenes, que estuvieran dando sus primeros pasos en su carrera profesional, pero que ya se destacaran por sus ideas, su forma de pensar, de proponer, de resolver, de producir.

Una apuesta al diseño del futuro. Lo mismo que venimos haciendo con 90+10 desde hace 10 años, los que empezamos a transitar con este #47, manteniendo siempre viva la fórmula que combina 90% transpiración y 10% inspiración, y gracias al apoyo de nuestros queridísimos e indispensables lectores. ¡Felicidades! +

Marcela Fibbiani Editora

CONEXIÓN DIGITAL Con los links de 90+10 (9010.co), accedés directamente a la versión digital de la nota (disponible para las secciones: personas creativas, ideas creativas, clásicos contemporáneos, portfolio y especial), para poder compartirla, comentarla, ver más material de fotos y video, y entrar a los todos links vinculados.

Una nueva manera de conectar el medio en papel con el mundo digital. + 90mas10.com

+ Leggerissima, de Lucio Traficante, es un tributo a la silla Leggera diseñada en 1952 por Gio Ponti para Cassina. Al igual que su antecesora, y como lo indica su nombre, se caracteriza por una extrema liviandad, tanto visual como estructural. www.luciotraficante.com

IMAGEN DE TAPA Para ilustra r la tapa de esta edición, convocamos al estudio Plenty, uno de nuestros entrevistados. Les compartimos el sumario, y tomamos la nota sobre diseño joven como punto de partida para crear la imagen de nuestra cubierta.

“La idea fue jugar con materiales nobles y puras formas geométricas, base de todo proceso creativo y de diseño”, nos explicó Pablo Alfieri, uno de los directores de este estudio de arte, diseño y animación, dedicado –principalmente- a la publicidad y al branding de televisión. + www.plenty.tv

010

+ mundo creativo

Texto: María Agustina Iscaro @iscarlina

diseño

+ La Maison Demountable de Jean Prouvé (1944). Foto: Gentileza DM

Design Miami El foco del diseño Desde hace ya varios años, Design Miami se ha convertido en uno de los principales foros internacionales para coleccionistas y amantes del diseño.

Del 4 al 8 de diciembre, en su novena edición, las galerías más distinguidas del mundo exhibieron lo que constituyó un resumen del diseño moderno y contemporáneo de colección. Las obras allí expuestas buscan introducir materiales innovadores y congregar bajo un mismo techo a los que marcarán por los próximos años las tendencias en este campo.

La Galerie Patrick Seguin, por su parte, exhibió por primera vez en público, una referencia clave del siglo XX: la casa a escala real de Jean Prouvé, quien es recordado como un pionero y autodidacta diseñador y arquitecto, que alteró el curso de los muebles y la construcción. Así, la Maison Demountable (1944) fue revolucionaria desde el momento de su creación, por ser una de las primeras casas prefabricadas. Hoy sigue en pie como un recordatorio de que el diseño puede cumplir con la obligación moral de proporcionar fácil vivienda de bajo costo, y al tiempo conservar una grandeza

estética. En cuanto a su diseño, es sencilla y a la vez cálida. Cuenta con paneles de madera montadas sobre una estructura metálica, y se caracteriza por poder ser embalada en un camión y transportada por tres personas en un solo día.

En lo que respecta a la comisión de diseño para el pabellón de entrada, en esta edición, estuvo a cargo del estudio de Nueva York, Formlessfinder, que invita a una práctica de arquitectura conceptual “sin forma”. El espacio, que contó con un montículo de arena con un techo de aluminio encaramado en lo alto, se concibió con el propósito de fomentar la interacción y el juego con algunos de los 50 mil visitantes que acudieron a la muestra. Sus creadores, Garret Ricciardi y Julian Rose concordaron: “La arena, que es tan desestabilizadora para proyectos de arquitectura en cualquier parte de Miami, aquí se convierte en el elemento estabilizador de la estructura”. + www.designmiami.com

012

+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver (*) @patriciooliver

art toys

Roar! Sets Monstruos de madera apilables El talentoso estudio de diseño Invisible Creatur, con sede en Seattle, acaba de lanzar su nuevo Stack and Scare! (apila y asusta), un hazlo-tú-mismo de unas criaturas hechas de bloques de madera de juguete.

El estudio fundado por los hermanos Don & Ryan Clark en 2006, presenta fuertes influencias en el arte efímero y modernismo americano de 1940 a 1970, la arquitectura, la animación, los muebles, los libros para niños, tiendas de segunda mano, juguetes, el punk rock, tiendas de discos, el cine, la imaginería religiosa, la moda, el graffiti, la música de los 90, la cultura skate, los cómics y tatuajes. Para hacer realidad su visión, se asoció con el Uncle Goose, que hace bloques de madera de alta calidad en los Estados Unidos.

Hay cuatro Roar! Sets diferentes de la línea Stack and Scare. Cada una, con salvajemente encantadoras piezas monstruo, inspiradas en arte moderno de mediados de siglo: ojos en forma de bola, cabezas, cuernos, torsos, piernas y más, todo hecho a mano en la madera.

Más allá de poder simplemente apilar piezas, muchas de las partes disponen de orificios para permitir que los niños, de todas las edades, puedan conectar las partes de forma más segura.

Cada grupo se compone de 14 a 18 piezas de diferentes formas y

tamaños, hechas a mano en madera de tilo con certificación FSC, tintas no tóxicas y en los EE.UU., con ojos, dientes, cuernos, brazos, formas redondeadas de los hombros y los ojos, cabezas de monstruos, manos, pies, piernas, torsos, patrones y mucho más. Este juego permite mezclar formas, o juntarlas con otra pila de otro set, para desatar combinaciones de criaturas interminables y de mayor altura.

Cada uno de los cuatro sets está disponible en Invisible Creature, Uncle Goose y tiendas selectas a U$S 48 cada uno. Aunque cada set sería impresionante por sí solo, se puede multiplicar la diversión mediante la compra de sets adicionales, para poder generar combinaciones creativas más monstruosas. Para promocionar la salida de Stack and Scare, pensaron que sería apropiado crear un corto con sus seres en medio de la acción. Es así que alistaron a sus amigos en Portland, Beautiful Eulogy (www.humblebeast.com), para crear una partitura utilizando los bloques, y el resultado fue bastante fantástico. Puede verse en https://vimeo.com/77455455 + http://unclegoose.com/ | www.invisiblecreature.com/

(*) Patricio Oliver es diseñador gráfico por la FADU/UBA, ilustrador y creador de numerosos vinyl toys para Red Magik, Kid Robot, Toy2R, UnboxIndustries y Mugo. www.patriciooliver.com.ar

014

+ mundo creativo

diseño

Solsken Diseño seleccionado Para todos aquellos que desean equipar por completo su casa, y buscan desde un mueble hecho a medida hasta la ropa de cama, en Solsken encontrarán productos exclusivos y asesoramiento personalizado.

“Un lugar de encuentro en donde conviven objetos de diversas funciones, junto con la creatividad, el diseño y, por sobre todo, la armonía de colores y materiales minuciosamente seleccionados”. Así definen a Solsken, Florencia Sucar y Erica Heidenreich, quienes están al frente de esta propuesta, ubicada en el primer piso de un bello edificio en la esquina de Cerviño y Lafinur, en Palermo. Durante años, fueron compañeras de trabajo en Gris Dimensión, la mítica tienda de decoración del arquitecto León Churba, en Buenos Aires, y en M at Mercer en New York, con la arquitecta Mónica Melhem, donde adquirieron una amplia experiencia comercial y gran sensibilidad por el diseño.

Es así que desde Solsken ofrecen productos únicos en el mercado local, sofisticados y de calidad Premium, a valores competitivos.

“Por el momento, casi toda nuestra colección es producida en la Argentina, pero en un futuro, apuntamos a la importación de objetos

y muebles, especialmente de Asia”, prometen. Su especialidad son las mesas comedor, adicionales para el living, poltronas en madera trabajadas a mano, accesorios de decoración (percheros, floreros de cerámica y vidrio, objetos de laca, bandejas de laca combinadas con espejo grabado, canastos, candelabros) y textiles (alfombras, telas y cortinas). También es posible encontrar mesas adicionales, sofás, bibliotecas, consolas, vajilleros y lámparas de techo, de pie y de mesa.

Son sus clientes decoradores, arquitectos y todos aquellos que necesiten equipar su nueva casa o redecorar la que ya tienen. Entre sus múltiples proyectos, se encuentran organizando el equipamiento del departamento modelo de un emprendimiento de edificios en Vicente López y planean, en 2014, expandirse aún más en el showroom que poseen sobre el Boulevard Cerviño al 3900, donde actualmente exhiben parte de su colección. + www.solsken.com.ar

016

+ mundo creativo

Texto: Fátima Fargas para Travel Design (*)

diseño

+ El Kremlin en Moscú

Moscú Sinónimo de grandeza Su historia y su presente se fusionan, logrando un estilo sublime e impactante.

Capital de unos de los países más imponentes del globo, Moscú se abre paso a orillas del río Moskvá. A nivel mundial, está catalogada como una de las ciudades más importantes. Y nos es para menos, ya que en ella se concentran importantes puntos de reunión, ya sean políticos, científicos y culturales. Con una gran densidad poblacional, la capital rusa se sitúa entre las ciudades más pobladas del mundo.

La fundación de Moscú se remonta al año 1147. Aunque se sabe que ya existía con anterioridad, se toma esa fecha, al desconocerse el año exacto. Cuenta con una historia fuerte, de muchas idas y vuelta. En su memoria más contemporánea, han pasado varios sucesos relevantes, entre los cuales cabe destacar, que a partir del año 1918, pasó a ser la capital de la República Socialista Federativa Soviética de Rusia.

Luego, en 1922, fue capital de la URSS, para finalmente pasar a serlo de la Federación de Rusia en 1991.

QUÉ HACER EN MOSCÚ Si algo caracteriza a Moscú, es la cantidad de actividades -una más estimulante que la otra, y todas con un encanto propio e inolvidableque pone a disposición, tanto de locales como de viajeros. Una de las visitas más impactantes es el Kremlin, lugar que supo ser la ciudadela de los zares. Murallas adentro, contiene obras arquitectónicas extraordinarias, que marcaron la historia de Rusia: catedrales, iglesias, monumentos y edificios emblemáticos conforman este espacio fascinante.

Moscú nos ofrece, además, otra óptica totalmente distinta de la ciudad, a través de sus excursiones en barco, con diferentes recorridos y tiempos de duración, en las que es posible observar muchos de sus monumentos, además de vivir una inolvidable experiencia. Por un tema climatológico, se recomienda llevarlas a cabo entre los meses de mayo y octubre, ya que sus inviernos son famosos por las bajas temperaturas

alcanzadas.

Por otra parte, la prestigiosa Plaza Roja es un punto turístico avasallante. Se recomienda visitarla tanto de día como de noche, ya que ofrece dos postales totalmente diferentes. Su gran atractivo, además del mausoleo de Lenin, es la Catedral de San Basilio. Este templo ortodoxo ha sido y seguirá siendo inmortalizado por su particular belleza arquitectónica. Es uno de los símbolos de Moscú y fue mandada a construir por Iván el Terrible, en el año 1555. Además, es híper reconocida internacionalmente, ya que su imagen aparece en el famosísimo videojuego “Tetris”.

Otro de los aspectos característicos de Moscú es su amplia red de subterráneos, que recorre la urbe con un sinfín de estaciones, llegando a cada rincón de la misma, sin problemas, y de una forma muy rápida.

Una estación que es digna de visitar es Ploshchad Revolutsii. Se trata de una gran obra bajo tierra, donde se encuentran más de 60 estatuas de bronce que “sostienen” los arcos que forman parte de esta peculiar construcción.

TEATRO BOLSHOI Es el teatro por excelencia, todo un símbolo de Rusia. Su fama mundial lo convierte en uno de los más importantes íconos, tanto de la ópera como del ballet. Si bien en 1776 comenzó a funcionar la compañía, y a escribir su espectacular historia, la infraestructura del teatro data del año 1856. Fue inaugurado el 20 de octubre, el día de la coronación del Zar Alexander II. En estos últimos tiempos, el teatro ha llevado a cabo una reconstrucción que duró varios años. Su visita es un paso obligado para todos los viajeros, más allá de los amantes de la música y el ballet. + http://moscow.ru/es/

(*) Para dejar de ser turista y comenzar a ser viajero, visitar: www.traveldesign.com.ar | blog.traveldesign.com.ar

018

+ mundo creativo

Texto: María Agustina Iscaro @iscarlina

publicaciones

La excusa perfecta No hay duda de que a los argentinos nos gusta el buen comer. Sea cual fuese el evento o la ocasión, todo se resuelve con algún banquete, y cualquier excusa es válida para preparar un plato tradicional.

En esta edición presentada en forma de calendario, cocineros amateurs y profesionales argentinos revelan, mediante recetas, anécdotas e ilustraciones, sus propuestas a la hora de reunirse con amigos y familiares en fechas especiales. Muchos de ellos, crecieron viendo a sus padres, abuelos o tíos cocinar. Otros, descubrieron su vocación culinaria de grandes, al viajar a una ciudad distante o navegar por Internet. Y en todos los casos, la búsqueda autodidacta de conocimientos constituye el pilar fundamental sobre el que se basa la educación gastronómica nacional. En esta tierra de criollos e inmigrantes, donde hay pocas recetas clásicas y numerosas formas de plasmarlas, cada cual aportará su toque individual, respetando o modernizando la fórmula inicial. + www.periploediciones.blogspot.com.ar

Editorial PERIPLO Edición y dirección ELOISE ALEMANY Formato 16 x 23 cm 169 páginas Español. Traducción al inglés de las recetas

100 Illustrators Esta obra, que toma como referencia la serie Illustration Now!, reúne una compilación de los ilustradores más exitosos e importantes del planeta en la actualidad. En la introducción, Steven Heller -autor de 120 libros sobre diseño gráfico, ilustración y arte satírico- detalla el reto que ha supuesto escoger de entre 600 ilustradores, a los 100 artistas más destacados. La selección final incluye artistas como Istvan Banyai, Gary Baseman, Seymour Chwast, Paul Davis, Brad Holland, Mirko Ilic, Anita Kunz y Christoph Niemann, y permite acercarse al dinámico y variado mundo de la ilustración contemporánea. La edición, ideal para los fanáticos de la ilustración incluye, además, un autorretrato de cada ilustrador, así como muestras de sus respectivas obras; semblanzas biográficas de cada ilustrador, obra de Steven Heller; listas con selecciones de exposiciones y publicaciones, y citas de los propios artistas a propósito de su obra. + www.taschen.com

Editorial TASCHEN Editores STEVEN HELLER, JULIUS WIEDEMANN Formato 24 x 31.6 cm 640 páginas Estuche con 2 volúmenes Español, Italiano, Portugués

020

+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

música

Coiffeur A la conquista del pop Un músico que forja su carrera con la canción y la mutación. Todo su poder compositivo lo lleva ahora al electropop, y deja atrás el formato acústico. Cuarto disco y un nuevo cambio de cabeza.

Coiffeur venía en un ascendente camino como cantautor con guitarra; muy singular y profundo a la hora tocar y cantar. Desde 2005, con “Primer corte”, creó obras delicadas, complejas y sustanciales, siempre evolucionando en su búsqueda como solista. Desde hace dos años, armó una banda y comenzó a darle más espacio al pulso electrónico. Ya en la vereda del tecno-pop, con un interesante EP de 2012, se afianza con su nuevo disco, llamado “Conquista de lo inútil”. + ¿Qué te llevó a dar este salto al pop bien electrónico?

C Desde que terminé “El tonel de las danaides” (2010), ya venía con una necesidad de bailar, de mover el cuerpo. Y empecé a sentir que la guitarra me ataba más de lo que me liberaba. Me había acercado lo suficiente como para sentir que mis limitaciones no me permitían ir más allá con ese soporte. Entonces, con Juan (Stewart) habíamos estado trabajando juntos en un tema de Adriana Calcanhotto, y nos quedó picando todo ese coqueteo con loops y sintetizadores. De ahí surgió la iniciativa de “Nada”: cuando arrancamos, le dije a Juan de sacar por completo la guitarra, que sólo sean cajas de ritmos y sintetizadores. Después me compré una laptop y una placa de sonido muy básica, para empezar a investigar cómo era maquetar, grabar, usar programas multipistas. Me costó bastante, pero entre todos esos tropiezos, fui armando canciones, secuencias, baterías y todo lo que encontrase al alcance de mi mano, que pensara que podía ser representativo para el tema. + ¿Sos permeable a influencias a la hora de trabajar en equipo?

C Antes de empezar a grabar este disco, empecé a tocar con un trío.

Eso fue un cambio grande. Si bien las maquetas reflejaban bastante

estructural y climáticamente las canciones, no dejé por eso de permitir que los músicos volcaran sus sensaciones y visiones sobre los temas. Durante la grabación, por lo general, estoy abierto a lo que se propone, salvo que esté muy alejado al sentido de la canción. Con Juan tenemos una afinidad muy grande sobre lo que nos interesa transmitir. Y no me gusta decir que no a una idea; siempre prefiero probar y después decidir si la propuesta suma, es neutral o resta. + ¿Qué es lo útil que te ha permitido conquistar este disco?

C El desafío más grande que encontré fue el de empezar a compartir el proyecto con otras personas. Más que nada, desde el vínculo; es como la oportunidad para establecer relaciones con otras personas y tener la posibilidad de poder plantear relaciones sanas y justas. Y digo “justas” desde el punto de vista de llegar a un acuerdo entre las partes, estableciendo entre nosotros una ética que nos haga felices. No digo que lo haya logrado; está presente como un desafío.

Como si de repente uno tuviera la oportunidad en ese espacio, de plantear una micro sociedad. + ¿Considerás a la canción un medio o un mensaje?

C Creo que ambas. Lo que pienso es que en estos momentos, para mí, la canción no es un fin en sí mismo sino un medio, un espacio para poder desarrollar pensamientos y emociones. Me gusta pensar que es como un laboratorio de experimentos, y que esos experimentos después repercuten en mí; también en mi manera de concebirme y de concebir el contexto. Con respecto al mensaje, me cuesta creer en eso de que la canción puede cambiar al mundo (risas). Pero sí creo en la riqueza de lo subjetivo y el diálogo de las subjetividades. + www.coiffeur.bandcamp.com

CONQUISTA DE LO INÚTIL (Estamos Felices. Argentina. 2013) Este nuevo álbum de Coiffeur fue antecedido por el EP “Nada”, que ya mostraba el cambio radical hacia lo digital en la estética del inquieto autor. Lo que diferencia a este LP de aquel adelanto, es que aquí, la propuesta está más cercana a cierto estilo ochentoso, acentuado en la balada “Christine”, o en las piezas más house: “Simulacro” y “Nudo”. Son nueve canciones propias más un separador instrumental. A lo largo del disco, hay un factor que pareciera determinar las composiciones, y es que los temas exponen lo mínimo sin grandes desarrollos; todas piezas cortas, con un claro concepto pop. La voz al frente con su timbre tan peculiar, parece flotar sobre los beats suaves y los ambientes creados por los sintetizadores.

Todo es muy climático, de carácter nocturno, y cierta ambigüedad de espíritu; lo que bien refleja la tapa. En total, resulta un intento correcto de pop radial. +

022

+ mundo creativo

Texto: María Agustina Iscaro @iscarlina

lugares

Vibes: Hotel conceptual Buenos Aires se destaca por ser una ciudad viva que nunca descansa, y donde la música ocupa un lugar muy importante a nivel cultural. Será por esto que el arquitecto franco-argentino Marcelo Joulia la eligió como telón de fondo para dar vida al proyecto Vibes Music Hotel.

Ubicado en el barrio porteño de Cañitas (República de Eslovenia 1867), el espacio fue creado para que todos los amantes de la música se encuentren y compartan su pasión. Así, una mezcla entre melodías, diseño y estilo de vida, recorren los diferentes espacios del edificio. Cada una de sus 32 habitaciones están ambientadas con diferentes temáticas, DJs del mundo y alusiones a las ciudades dedicadas a la música electrónica, entre otras. El edifico, además, cuenta con un bar, un restaurant, dos terrazas, un Recording Studio y el Shuffle Space, una plataforma diseñada para intercambiar música, con radio, estudio de grabación, música de la Web, vinilos y áreas para música en vivo.

Uno de los espacios más llamativos, quizá, sea la biblioteca de vi-

nilos, que cuenta con una selección de 2530 vinilos realizada por Joulia y el internacional DJ Luciano, quien es su socio, productor y jefe de Cadenza Records. En este espacio, se entremezclan todos los estilos musicales y vinilos -tanto de colección, como las últimas novedades en EP-.

Marcelo Joulia, quien es la cabeza la agencia de arquitectura Naço -con oficinas en Shanghai, París y Buenos Aires- logra definirlo como un lugar dedicado exclusivamente para personas que aman y viven la música. De esta forma, queda hecha la invitación para aquellas personas que quieran asistir solos o con amigos, a compartir, charlar, bailar y sentir el sonido de la electrónica. + www.vibeshotel.com.

+

mundo creativo 023 concursos

+ Sillón de Verónica Bidinost (Segundo premio)

+ Paraguas de Josefina Barbas (Tercer premio)

+ Máquina de escribir de Mariana Pereyra (Primer premio)

Colores para crear

Tenés imaginación, tenés BIC BIC premió a los ganadores del certamen “Tenés imaginación, tenés BIC”, que convocó a estudiantes, diseñadores, artistas y público en general a intervenir cualquier objeto con marcadores BIC Marking. ¿A quién no le gustan los marcadores? Colores para dibujar, pintar, crear. Desde una guitarra, un par de zapatillas, hasta un skate pudieron ser intervenidos utilizando los nuevos marcadores BIC Marking y, luego de subir una foto de la obra a la Fan Page de Facebook de la marca, participar del concurso que se desarrolló del 27 de septiembre al 8 de noviembre.

Después de observar y calificar una gran cantidad de proyectos, el jurado integrado por los artistas Milo Locket, Gastón Caba y Daniel Roldán seleccionó a los trabajos ganadores: Mariana Pereyra obtuvo el primer premio y recibió dos pasajes a la ciudad de Nueva York (Estados Unidos), por su obra “Máquina de escribir”. Por su parte, Verónica Bidinost se quedó con el segundo premio, por su obra “Sillón” y ganó un iPad. Y en tercer lugar, Josefina Barba obtuvo un iPod por su obra “Paraguas”.

Además, para promocionar el concurso y dar a conocer las bondades de su nueva línea de marcadores, BIC convocó a reconocidos artistas de la escena del arte contemporáneo, ilustración, street art, lettering, pintura, instalaciones, gráfica y diseño, para que realizaran intervenciones de objetos. Es así cómo Milo Lockett, Daniel Roldán, Gastón Caba, Laura Varsky, Pum Pum, Tec, Carolina Antoniadis, Martín Di Girolamo, José Franco, Kid Gaucho, Diego Martínez, Norma Catan, Ana Bonamico, Irene Lasivita, Luna Portnoi, Animalito Land y María Ceci dieron rienda suelta a su imaginación, para intervenir todo tipo de objetos, utilizando los BIC Marking.

Estos objetos formaron parte de una muestra itinerante, que recorrió varios puntos del país, como Buenos Aires Design, Alto Rosario (Rosario) y el Córdoba Shopping. + www.bicworld.com

024

+ mundo creativo

Texto: María Agustina Iscaro @iscarlina

green design

Monoblock: Formas sobre ruedas Líneas aerodinámicas, colores llamativos y ruedas poderosas componen la línea de móviles de Monoblock. La propuesta didáctica propone diferentes modelos de autos y camiones, realizados en álamo de reforestación, y con piezas encastrables de goma eva reciclable. Los modelos son varios, y cada caja viene armada con un criterio específico de colores. Además, todas las piezas que los componen son intercambiables, lo que permite una amplia dinámica de juego, y un diseño que busca que los chicos reconozcan en sus juguetes las líneas de los transportes que ven en la calle y los encuentren

compatibles con el entorno que los rodea.

Así lo entiende su creador, Marcelo Meder, quien cuenta que la idea fue tomando forma a partir del nacimiento de sus hijos, quienes aportaron sus gustos y preferencias por determinadas formas, colores y funciones. Un dato: este año obtuvieron el “Sello del Buen Diseño” del Plan Nacional del Diseño del Ministerio de Industria de la Nación. + www.facebook.com/monoblock.juguetes

Mondo Reformato: La supervivencia del material Sasha se presenta a sí mismo como un recolector de las calles de Buenos Aires, aunque su formación indica que es técnico en mecánica general. Su deseo de transformación y expresión lo llevaron a crear Mondo Reformato, una línea de objetos que utiliza como materia prima el descarte de las construcciones urbanas. De esta forma, logra dar vida a mesas, gabinetes, respaldos de cama, baldosas para pisos y cualquier otra superficie plana que pueda ser revestida.

Su mayor interés es el de experimentar los materiales y procesos de producción para, de esta manera, lograr lenguajes singulares en cada pieza u objeto realizado a mano. En Mondo Reformato, no existen dos productos iguales. Cada uno de ellos encierra la dedicación y el detallismo propios de un trabajo hecho a mano, más el plus de la historia que cada pieza contiene. En muchos casos, se trata de restos de aberturas que, luego de estar fijadas al menos un siglo a una pared, se resisten al olvido. + www.facebook.com/reformato

026 arte

+ mundo creativo

Texto: María Agustina Iscaro @iscarlina

+ Escultura de 9 metros, suspendida en el Hotel Home de Rocío Coppola.

Latido

Un impulso creativo Con la misión de instaurar ediciones limitadas de arte y diseño contemporáneo, el proyecto Latido continúa impulsando el talento argentino y creando metáforas en nuevos escenarios de encuentro.

“Un lugar se convierte en un espacio cuando es practicado y nosotros lo conquistamos, comprendiendo el sentido estético, y creando cultura visual en la base de seis ejes: deseo, arte, diseño, espacio, identidad y empresa”, relata Fabián Trigo, su director creativo, y creador de la plataforma junto con Marcelo Cora. Es así como se busca fortalecer vínculos afectivos y encontrar un nuevo canal de comunicación y contacto entre una empresa y su público. “El arte, buen conductor de la belleza, el placer y el agrado, crea estímulos que afectan el espacio público de las empresas y sorprenden en modo disruptivo, propiciando bienestar a sus visitantes”, agrega Trigo, dejando al descubierto su naturaleza de artista visual.

El primer paso es conocer profundamente la identidad de la firma y sus creencias, para luego reflejarlas en la selección de obras y artistas que se eligen para las acciones creativas. De esta forma, se genera una máxima atención, que invita al espectador a contemplar y al artista a experimentar. La búsqueda de desarrollo de nuevos estímulos, también propone la creación de la mística de la empresa, que refleja y se constituye en la filosofía, cultura y costumbres de su población, conformada por sus empleados, usuarios, proveedores, clientes, público en general y amigos. El resultado final: la sorpresa, lo imprevisto, lo inesperado y la estética suponen acciones de comunicación que se apropian del espacio.

Fue en Home Hotel (Honduras 5860, CABA), donde supieron encontrar un ambiente ideal para entrelazar distintas disciplinas, como arte contemporáneo, green design, action painting, street art, textil e ilustración. Allí, sus principales desafíos fueron los de conquistar cada ambiente, convertirlos en un espacio de exhibiciones efímeras, crear un sitio persuasivo y sorprender al visitante con obras de talentos, desde emergentes hasta de gran trayectoria y prestigio. Los trabajos, que no siendo ésta la razón original para la que fueron producidas, se exhiben junto a otras creadas especialmente para la muestra, y serán renovadas en cada estación.

Entre los artistas invitados para el período diciembre 2013-febrero 2014 en Home, se destaca la alianza creativa con la primera Galería de Textil Contemporáneo, dirigida por Lucía Álvarez, junto a otras galerías, como Elsi del Río. También participaron en la experiencia artistas de gran trayectoria, como Nicola Costantino, Rocío Coppola, Jorge Sarsale y José Luis Anzizar, entre otros. “En una era dominada por el poder de la imagen, conocemos cómo crear sentido y comunicarlo con una poética de la belleza”, concluye Trigo, quien cree profundamente en la importancia de utilizar los lenguajes del arte y el diseño para relacionarse emocionalmente. + www.facebook.com/Latido.Edicion.Limitada

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+ mundo creativo

Texto: Diego Giaccone @diegogiaccone (*) Foto: Adri Godis Photography @adrigodis

branding y diseño

+ Una manera de conocer qué piensan sobre el diseño y los diseñadores los responsables de marketing de empresas exitosas, quienes deciden y compran diseño, buscando sumar valor a sus marcas y productos. La mirada del otro lado del mostrador.

Mariano Maldonado | Campari “La empresa le aportó una mirada fresca a la categoría” Desde hace quince años, Mariano Maldonado trabaja para bebidas y, actualmente, es gerente de marketing de Campari. En 1998, entró a trabajar en Pernod Ricard, donde manejó vinos, bebidas y, por último, whiskies. En el 2004, pasó a Allied Domecq, hasta que la compró Pernod Ricard, y se fue.

En 2006, entró a Savia, una empresa nueva, creada por ex Allied Domecqs, la que armaron casi de cero: compraron una planta y, en 2009, se vendió a Campari. Es así que comenzaron a meterse en el mundo de los aperitivos, algo totalmente nuevo para ellos. “Nos costó mucho entender este nuevo mundo, pero creo que la empresa le aportó una mirada fresca a la categoría”, asegura Mariano.

Comenzaron a desarrollar el “drinking strategy”, para detectar cuál era la mejor forma de contactar al consumidor con otras marcas (Campari con tónica, Campari con naranja, etc). Trabajaron codo a codo con el equipo de marketing global y, en Argentina, definieron el posicionamiento de Cinzano, ya que es el país del mundo en donde más se vende. Y en conjunto con otras oficinas, aportaron en la estrategia de Cynar, “una marca con mucho potencial”, según palabras de Mariano.

Nos cuenta también, que la categoria en sí, refleja dos valores fundamentales que tratan de respetar todo el tiempo: “herencia y tradición”, y buscan innovar en ediciones o partidas especiales.

De esta forma, Campari desarrolló una edición con Ugo Nespolo, un gran artista italiano que reinterpretó una etiqueta de 1920, encargada por el señor Campari. La relación de la marca con el arte data desde sus comienzos, desde la familia, y hasta tiene una galería de arte en Milán. En Argentina, la plataforma de Campari es a través de la moda. “Hemos hecho cosas con las marcas Bolivia, Pony y Penguin”, nos cuenta Mariano. Desarrollaron jeans y remeras diseñadas y vendidas por Bolivia. Esta última prenda fue una de las que primero se vendió en esa temporada.

Mariano también maneja algunas otras marcas, como Cynar. “Es una marca que nos dá mayor libertad, y la plataforma que definimos fue la del arte, pero desde el lado joven, independiente, emergente”. Es por eso que desde hace dos años que están en TRImarchiDG, el mega evento de diseño que se realiza en Mar del Plata. Y este año, editaron el libro “Mirando al público”, con las obras participantes de un concurso que proponía interpretar la alcachofa . Hoy, Cynar se está transformando en una marca de culto en el mundo, y se consume en los lugares más trendy de EE.UU., por ejemplo.

Algo que siempre me dá cierta curiosidad es saber cómo se mantiene fresca o creativa, una persona con un cargo de mucha responsabilidad. Y lo primero que destaca Mariano es el interés como vehículo de motivación. “Podés estar encerrado en tu casa y buscar la forma de encontrar”, apunta. Para él, otra forma de refrescarse, es a través de los viajes que realiza muy seguido, y los que aprovecha tomándose algún día extra para ver cosas ya programadas.

Va todos los años a New York, le gusta Berlín, ver tendencias en coctelería, pero también en moda y en diseño. Cómo se relaciona la industria con otras industrias. Además, arrancó con fotografía, con una Lomo. Disfruta cocinando para sus hijos y le gusta la moda.

Con Mariano hablábamos y compartíamos el concepto de que la vida es una, y no se puede dividir entre trabajo y vida fuera de él.

Es una persona que no vive el trabajo como una carga, sino que es parte de su mundo. Se enamoró de la cultura italiana en la cocina; en la moda, le gustan las marcas clásicas como Fred Perry o la marca italiana MSGM. Y es el gerente de la marca italiana Campari, que en el mundo del aperitivo, prioriza los valores de herencia y tradición. Tante grazie Mariano! +

MUNDO MARIANO Un lugar para vivir. Buenos Aires Una lugar para ir de vacaciones. Montañas con nieve Una marca de ropa. Fred Perry, Ray-ban, MSGM Una marca de tecnología. Samsung Una película o libro. Siempre de ciencia ficción Un hobby. Cocinar Un producto de tu empresa. Bitter Campari

(*) Diego Giaccone es diseñador gráfico, director de SURe Brandesign. www.surebrandesign.com

Texto: Celeste Nasimbera @SrtaCele

mundo creativo

+ 029 moda

Quier

Movimiento perpetuo Quier condensa tiempos. La sabiduría del pasado en el oficio, la imperante necesidad de resolución del presente y la potencialidad del futuro. Una marca de indumentaria femenina rosarina que, en cada prenda, aporta una solución y establece un diálogo con su usuaria.

Desde el año 2008, Silvia Querede y Noelía Gómez conforman Quier. Previamente, supieron ser docente y alumna, establecer una conversación entre dos generaciones y, finalmente, arriesgarse a construir un potencial mañana. El tiempo se estableció entonces en una constante. Las líneas estéticas que dominan la propuesta equilibran una mirada nostálgica, con una fuerte determinación a avanzar.

Desde la ciudad de Rosario, Quier realizó un camino de crecimiento y fortalecimiento. Fue parte de la pasarela Mapa de Diseño – INTI, obtuvo el Sello del Buen Diseño en el año 2012 y, recientemente, se presentó en la pasarela Latin Trends, en Santiago de Chile, a través de la Cancillería Argentina. Espacios que visualizan, valorizan y replican la propuesta.

Quier encuentra en la funcionalidad sus bases más firmes. El diseño, vale la aclaración, resuelve. El trabajo es la consecuencia de un equipo: mujeres que hacen, que realizan para otras tantas. Toda decisión es calculada; las prendas se superponen en una silueta acotada, cosmopolita, moderna y, sobre todo, práctica. Se piensa en la

resolución con cierto despojo, evitando la suma caprichosa.

La preocupación por el tiempo se nutre de la experiencia. El pasado aporta oficio, mientras se piensa la sustentabilidad, ideando de manera responsable en el mañana. Se recuperan géneros, se innova en los materiales e, incluso, se unen telas para generar nuevas.

El diseño se piensa como totalidad, al igual que cada prenda. El exterior como el interior es elaborado con el mismo empeño. Por dentro de la prenda, donde escapa la mirada ajena, las diseñadoras se encuentran con su usuaria. En secreto, entre ellas. Las mujeres establecen un diálogo en el reverso, donde la preocupación es continuar la marcha.

Quier viste mujeres en movimiento, con una fuerte interioridad, con un gusto creativo por la forma y la construcción. Mujeres que buscan diferenciarse, pasando desapercibidas ante el ruido de las tendencias y la agotadora repetición. Quier es diseño de autor, punteado en femenino. + www.quier.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

vehículos

Y los ganadores del 2013 fueron...

La entidad Periodistas de la Industria Automotriz (PIA) eligió a los autos del año 2013. El Ford Focus III se impuso en la categoría Automóviles Regionales (80 puntos). Fue seguido por el Citroën C4 Lounge (62 puntos) y el Peugeot 208 (52 puntos). El MercedesBenz Clase A triunfó en la categoría Automóviles Importados (89

puntos). Fue seguido por el Audi A3 (29 puntos) y tercero resultó el Toyota 86 (28 unidades). En la categoría SUV, se impuso la Chevrolet Tracker con 66 puntos. Segunda fue la Ford Kuga (37) y la Toyota Rav4 (33). En la categoría Vehículos Comerciales, ganó la Fiat Dobló Cargo (76 puntos), seguida de la Ram 1500 (71 puntos). +

El C3 Picasso y el Aircross se renuevan Los modelos de la marca presentados en 2010 (C3 Aircross) y 2011 (C3 Picasso) revitalizan su oferta. Ahora, toda la familia Citroën C3 dispone de un moderno motor 1.6 Vti, que se distingue por minimizar el consumo de combustible y, de esta manera, disminuir las emisiones contaminantes. Gracias a este sistema, el motor 1.6 eroga 115cv de potencia máxima (el anterior tenía 110cv).

También estará vigente el C3 Picasso (versión Origine), provista del motor 1.5 de 90 caballos.

En cuanto a la seguridad, toda la gama del C3 Aircross y el C3 Picasso incluye de serie frenos con ABS y doble airbag frontal. Las versiones Exclusive siguen ofreciendo el pack “My Way” con airbags laterales, sensor de lluvia, encendido automático de luces y navegador satelital con pantalla color de 7 pulgadas. + www.citroen.com.ar

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mundo creativo 031 vehículos

Mercedes-Benz CLA Atractivo y elegante. Así es el nuevo sedán de lujo que ya forma parte del portfolio de productos de la marca alemana que se venden en nuestro país. Fue desarrollado a partir de la plataforma compartida entre el Clase A y el Clase B. En 4,63 metros de largo, combina líneas de lo más novedosas (con fuerte inspiración en el CLS), con proporciones muy equilibradas. Parrilla grande, agresivas tomas de aire, ópticas filosas con tecnología LED (al igual que las traseras), marcadas nervaduras en los laterales y la pronunciada caída del

techo, son los rasgos más notorios de su fisonomía.

A nuestro mercado llegará en dos versiones de motorización, ambas nafteras: 1.6 de 156 caballos (CLA 200), en opciones manual de 6 y automática de doble embrague de 7 velocidades, y la 2.0 de 211 CV (CLA 250), sólo disponible con la misma transmisión automática. En los dos casos, la tracción es delantera. Precio: desde U$S 53.900. + www.mercedes-benz.com.ar

Audi S6 La filial de Audi Argentina anunció el lanzamiento de un nuevo modelo en su gama de vehículos picantes, los “S”. Se trata del nuevo S6, que gracias a su potente motor (un 4.0L TFSI de 420 CV), es capaz de acelerar de 0 a 100 km/h en 4,7 segundos.

La buena noticia para el usuario cotidiano es que su consumo medio es de 9,6 litros de combustible cada 100 kilómetros. Esto, gracias a la gestión de cilindros, denominada “cylinder on demand”, que en régimen parcial desconecta 4 de los 8 cilindros.

Los tres nuevos modelos S se equipan de serie la caja S-tronic de 7 velocidades y la tracción integral permanente quattro, con el diferencial deportivo como equipamiento opcional. Otra de las tecnologías que el Audi S6 equipa de serie es la “adaptive air suspension sport”, una suspensión neumática de reglaje rígido con amortiguación regulada, que puede reducir en 20 mm la altura de la carrocería del S6. Se lanza al mercado con un precio sugerido al público de $ 806.500. + www.audi.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

discos

tradicionales de Medio Oriente y unos toques de pop. Atrevida, interesante y no complaciente, la música de M.I.A. es alocada, muy rítmica, con pocas melodías, muchos timbres y sonidos digitales. Muy bien producido el concepto estético para el audio, donde las texturas, las capas de beats superpuestas y algunas frecuencias bajas/graves -a veces, casi imperceptibles-, crean como paisajes eléctricos y punzantes en la mayoría de los casos.

Las voces, procesadas también con efectos y sin poner siempre una única voz clara al frente, dicen cosas tan ciertas como terribles o irónicas. Alusiones urgentes para nada caprichosas, sino más bien de militancia artística, con una mirada aguda del mundo y sus problemáticas, de criterio amplio, para no caer en aburridas arengas. La rítmica, la estrella del disco, pasa por variadas formas y diseños de patrones que pueden sonar a dance hall, hip hop, dubstep o electro; todo el tiempo, todos mezclados.

Casi no da respiro hasta el final del álbum, donde aparecen algunas piezas más sutiles.

M.I.A.: Una tormenta sagrada Matangi, el nuevo álbum de la creadora inglesa, salió para todo el mundo en la misma semana que ella estuvo de visita por Sudamérica (en Chile y aquí, en Buenos Aires, a fines de noviembre pasado). Este quinto disco presenta un nuevo collage poderoso de electrónica alternativa, afrobeat, rap, influencias de músicas

En total, son quince tracks que suman todos casi una hora. Hay un invitado en dos temas: se trata del cantante canadiense The Weeknd; y todo el gran proceso de producción y mezcla de las canciones estuvo en manos de varios ingenieros que aportaron sus remezclas. También, la autoría de las composiciones es compartida con varios colaboradores de esta mujer de 38 años con origen en Sir Lanka, llamada Mathangi Maya Arulpragasam.

Ella misma estuvo a cargo de toda la dirección de arte del disco, pues es, además, una reconocida pintora y diseñadora de ropa.

Activista y arriesgada también con su arte. + www.miauk.com

gráfica impecable que enmarca todo. Para este cuarto disco, llamado 8, el pianista juntó distintos frentes y formas de trabajar, para diseñar y plasmar una obra magnífica, que parte desde nociones jazzísticas de perfil urbano, música instrumental de sonoridad principalmente acústica, pero con todo escrito y basándose en la melodía. Lo que denota su fanatismo por el rock alternativo más elaborado.

Marco Sanguinetti: Un piano del jazz al rock Con el diseño como eje central, música de alto nivel compositivo y melodías cautivantes. Introspección, calidad y calidez interpretativa, talentos del jazz y una propuesta singular, Sanguinetti hizo una obra conceptual que propone una música inclasificable.

Con la ingeniería del rock, sonido universal y una presentación

A la formación típica del jazz (piano, batería y contrabajo), sumó scracht con bandeja de vinilo, violonchelo, guitarra eléctrica y una voz. Y si bien se grabó en directo, con la banda tocando en vivo (a la usanza de los grupos de jazz), luego vino un delicado trabajo de producción y edición del audio (algo muy usual en el pop).

Quien se encargó de darle un nuevo sentido y planos al registro fue Mariano “Manza” Esaín (reconocido productor de discos de rock). Todo esto está presentado con una hermosa gráfica desplegable en cartón, como una conceptualización desde lo visual.

Sanguinetti (que además, es diseñador industrial), compuso toda la música, los arreglos y estuvo a cargo de toda la producción, y convocó a otros dos artistas para desarrollar el pack contenedor.

El ilustrador Leo Castelao y la diseñadora Laura Varsky se hicieron cargo de armar un producto de lujo, con un librito que trae las partituras de los 8 temas, con ilustraciones de Castelao para cada una. De la música, vale decir que –claramente- no se trata de jazz clásico, hay una bella canción y tiene agregados de sonidos cotidianos. Un universo sonoro de audio maravilloso, con pasajes casi cinematográficos o de alta emotividad. 8 está disponible en CDs y en vinilos de edición limitada. + http://improvisiones.blogspot.com.ar

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mundo creativo 033 marketing

Heineken celebra 140 años y renueva sus etiquetas La marca de cerveza Premium lanza una edición de botellas con etiquetas icónicas de su pasado, presente y futuro.

Heineken celebra 140 años desde su creación, en manos de Gerard Adriaan Heineken, en 1873, utilizando desde entonces la misma fórmula, y perteneciendo desde hace cuatro generaciones a la misma familia, la que cuida con recelo la calidad y uniformidad del sabor de esta cerveza.

la marca de ser el ícono de la experiencia y la internacionalidad, y alienta a los jóvenes a ser un “hombre de mundo”. Es decir, a moverse de manera segura en cualquier lugar y situación, superar desafíos en forma ingeniosa, ser espontáneos, abiertos y sociables, sacándole el mayor provecho a todo lo que el mundo tiene para ofrecer.

Presente en 198 países, Heineken se lanzó en Argentina en 1986, cuando se importaba desde Holanda, y se vendía sólo en botellas y latas para consumo personal. Recién en 1997 comenzó la producción local, y su venta en botellas de litro retornables. Hoy, CCU Argentina, desde sus plantas de Santa Fe y Luján, es la encargada de producir la cerveza Premium, cuya fórmula secreta mezcla lúpulo, malta, levadura y agua, utilizando los ingredientes naturales más puros, sin aditivos, conservantes o colorantes. Precio superior, empaque propietario, estrategia de canales exclusivos, la utilización de ingredientes naturales y composición 100% malta son los atributos de Heineken, cuyo sabor característico es testeado regularmente.

Y para honrar su vinculación histórica con el diseño y la innovación lanza en Argentina una colección exclusiva de botellas, con etiquetas icónicas del pasado, el presente y el futuro. Éstas son: Ámsterdam 1873 (recordando la primera tirada), París 1889 (cuando Heineken recibió el Gran Premio a la mejor cerveza del mundo), Ámsterdam 1931 (rememorando el nacimiento del símbolo de calidad, la estrella roja de Heineken. Cada una de sus puntas representa un elemento natural de la cerveza: cebada, lúpulo, agua y levadura), New York 1933 (primera cerveza importada en llegar a la costa de Norteamérica, marcando el fin de la prohibición), El Mundo 2013/ Celebración (por los 140 años de la marca) y El Futuro (simboliza la conexión con el futuro, con diseño de Rodolfo Kusulas, ganador por concurso). + www.facebook.com/Heineken | www.ccu.com.ar

A principios de 2011, Heineken presentó su nuevo tono de voz global, basado en el concepto “Open Your World”, que refleja el objetivo de

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+ mundo creativo

gastronomía

+ Simón Tello preparando el aperitivo ganador de MAPA

Buenos días Rodolfo

Simón Tello resultó ganador de MAPA - Movimiento Aperitivo Argentino, la convocatoria lanzada por el Gruppo Campari, que invitó a los amantes de los aperitivos a crear fórmulas propias. Para preparar el trago Buenos días Rodolfo, inspirado en el abuelo del bartender cordobés, se necesitan un vaso de trago largo, 1 oz de gin

Cheval des Andes x 3

Ideal para regalar en estas fiestas, el Tripack Cheval des Andes está compuesto por tres botellas de las cosechas 2003, 2005 y 2009 de este vino que se presenta en las variedades Cabernet Sauvignon, Malbec y Petit Verdot. Todos los estuches son diferentes en cuanto a colores, ya que están hechos de forma artesanal, con maderas de demolición. Cheval des Andes es un “Grand Cru” de los Andes, que combina el arte del Assemblage de Cheval Blanc, un Primero “Grand Cru Classé A” de Bordeaux con el mejor “terroir” argentino, donde se ubica el Malbec de 1929, que pertenece a Terrazas de los Andes. + www.chevaldesandes.com

Norton Cosecha Tardía Tinto

Bodega Norton lanza al mercado un nuevo vino de su línea Norton Cosecha Tardía, un tinto elaborado con uvas Merlot, que viene a completar la oferta de la bodega, que ya ofrece un blanco dulce natural y dos espumosos: uno blanco y otro rosado, lanzados en 2012. El nuevo Norton Cosecha Tardía Tinto se elaboró con una maceración en tanques de acero inoxidable durante 14 días, a una temperatura de 16 a 18ºC. El resultado es un vino de color profundo, de aromas frutales y una frescura elevada, que resalta la dulzura de la categoría. Se presenta en botellas de 75O ml. + www.norton.com.ar

+ La gente degustando los aperitivos finalistas de MAPA

Príncipe de los Apóstoles, 1/2 oz de almíbar simple, 1/2 oz de jugo de limón y 1 y 1/2 oz de Cynar. Se agregan los ingredientes en la coctelera, se bate y se completa con agua tónica. Para terminar el trago, sumar una ramita de albahaca y nuez moscada. + www.mapa-aperitivo.com

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1. Zaira Nara 2. Mía Flores Pirán, Flor Salvioni y Bernardita Barreiro 3. Mariano Zabaleta 4. Guillermo López 5. Sabrina Garciarena

Relojería suiza en el Palacio Duhau Los jardines del Palacio Duhau fueron el escenario perfecto para una noche que celebró la excelencia de la relojería suiza, a través de la presentación de las nuevas colecciones de Rado, Tissot y Calvin Klein.

Iván de Pineda condujo el evento que sorprendió a los invitados con un espectacular mapping 360°: una experiencia sensorial única, en la que cada marca desplegó sus novedades, a través de un video que dejó bien en claro la calidad y el uso de materiales nobles de alta gama de sus productos. A su vez, los distintos modelos de relojes pudieron apreciarse en vivo, en sus respectivos showrooms, ubicados entre cómodos livings.

Entre los que disfrutaron de la velada y del menú exclusivamente diseñado a base de chocolate suizo, se encontraron: Zaira Nara, Juan Darthés y su esposa María, Gabriela Sari, Agustina Casanova, Germán Paoloski, Guillermo López, Sabrina Garciarena, Rossella Della

Giovampaola, César Juricich, Mía Flores Pirán, Luz Barrantes, Bernardita Barreiro, Flor Salvioni, Dalila Puzzovio y Carolina Aubelle.

La sofisticación y precisión que distinguen a Rado se vieron representados en la persona de Mariano Zabaleta, elegido para acompañar a la marca. Por su parte, el espacio de Tissot estuvo ambientado bajo la premisa “Innovators by Tradition”; mientras que las innovadoras propuestas de relojería suiza y joyería de Calvin Klein sedujeron al público por su perfecta fusión entre estilo y calidad, con sus líneas Selection, Dress y Surround, diseñadas a base de materiales de alta gama, como el acero en PDV de acabado rosado, oro y plata. + www.rado.com | www.calvinklein.com | www.tissot.ch

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1. Andrea Frigerio y su hija Fini Bocchino en el Nomad Festival de Rapsodia en Nordelta Shopping 2. Concepción Cochrane Blaquier y Luciano Cáseres, presentes en el té de amigos organizado por Braun para despedir el año 3. Belén Chavanne pasó música en Alpi Chico, en el 120 Campeonato Argentino Abierto de Polo HSBC 4. Emmanuel Horvilleur y Melisa Garrat en la presentación de colección verano 2014 de Lee 5. Dawn Lawrel, Nicole Caset (PR de Grupo mass+) y Tommy Lee Jones junto a Stella Artois en el Abierto de Polo 6. Laurencio Adot pasó por la presentación de Esmeralda Models 7. Muni Seligmann tomó el té en la tienda de Tea Connection de La Imprenta 8. Nacha Guevara en la presentación de la nueva colección de Atlas de Tiffany & Co 9. Ronnie Arias en la apertura del local de Kiehl’s en Alto Palermo 10. Teresa Garbesi, Karina Rabolini y Ada Mazo visitaron el stand de HSBC en el Abierto de Polo de Palermo HSBC 11. Vero Lozano y Natalia Oreiro eligieron el mismo vestido para la Gala Four Seasons HSBC a beneficio de Unicef 12.

Wally Diamante, Dolores Fonzi, Cecilia Roth y Facundo Garayalde en el 25 Aniversario de Patio Bullrich +

Foto: GNZ

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mundo creativo 037 marketing

+ Lem Villemin, del team de skateboarding de adidas

Skateboarding

El team global de adidas en Buenos Aires adidas presentó a su team global de skateboarding en Buenos Aires. Antes de la demostración, conversamos con dos riders del equipo: Lem Villemin y Lucas Puig.

Con una exhibición que cautivó a cientos de aficionados en el Skate Park de Parque Costanera, el sábado 23 de noviembre, adidas Argentina presentó a su equipo de skateboarding. Sobre el asfalto argentino, los riders desplegaron trucos por alrededor de dos horas. Sobre rampas y escaleras, el team de skate adidas Global Pro -conformado por Dennis Busenitz (Alemania), Nestor Judkins (California), Klaus Bohms (Brasil), Lucas Puig (Francia), Rodrigo TX (Brasil), Lem Villemin (Thailandia) y Jake Donnelly (Nueva York)- y el team local de adidas, protagonizado por Enrique Rosso, Federico González, Luciano Cristóbal, Pablo Sorrentino, Patricio Altube y Paula Costales, demostraron sus incansables destrezas sobre la patineta. Pero antes de que el público los viera, Villemin y Puig conversaron con 90+10.

EL SKATEBOARDING COMO PROFESIÓN La temperatura se eleva bajo el sol de noviembre y el cemento del Skate Park. Lucas Puig lleva sombrero y camisa del Real Madrid ya sobre los hombros. Lem Villemin se mantiene fresco, con una básica remera blanca. Ambos forman parte del team global de skate de adidas.

Puig es francés, apenas habla español; se decanta el acento. Está

concentrado en responder, cumplir y volver al skate. Lem Villemin es tailandés, pero actualmente, reside en Alemania. Ninguno demuestra sentir el calor: están divertidos, se mueven y, ante el primer descuido, saltan sobre el skate. Coinciden en considerar al skateboarding una profesión que les permite mantener un trabajo que también es hobby.

Un estilo de vida. Lucas apunta que la masificación de la disciplina, permitió al público comprender que se puede vivir de ella.

Si les dieran a elegir una ciudad para hacer skate, Lucas no duda: Shangai. Lem, en cambio, prefiere un espacio conocido: Stuttgart, Alemania, donde pasó su adolescencia. Para vestirse, prefieren estar cómodos. Lucas apuesta a las camisetas de fútbol y las zapatillas que diseñó para la misma adidas, inspiradas en los modelos clásicos de los 70. Lleva las Lucas Pro en color negro. Lem va a lo simple (su camiseta blanca y pantalón negro dan cuenta de eso).

La visita a Buenos Aires es parte del #3stripestour, una gira que lleva al team global de adidas Skateboarding por Argentina, que incluyó entre sus actividades, la firma de autógrafos del equipo en el Loria Skate & Shop de Lomas de Zamora. + www.adidas.com/ar/apps/skateboarding

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+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband @rsametband

gadgets

Motorola Moto G

Apple iPad Mini Retina

Es un teléfono económico ($1500), pero con prestaciones que hace no tanto estaban en un móvil de alta gama: chip de 4 núcleos a 1,2 GHz, 1 GB de RAM, pantalla de 4,5 pulgadas y resolución 720p.

Ahorra en almacenamiento (8 GB no expandibles) y en la cámara digital (de 5 megapíxeles), pero suma carcasas de colores, batería fija de 2070 mAh y Android 4.3, que se actualiza a 4.4 a principios de 2014. + www.motorola.com.ar

Cuando Apple presentó su tableta de formato pequeño, muchos marcaron dos cosas: una, que a Steve Jobs no le gustaban las tabletas chicas; dos, que le hubiera venido bien una pantalla de mayor resolución, algo que Apple corrigió con la segunda generación de esta tableta con pantalla de 7,9 pulgadas (2048 x 1536 píxeles), chip A7 con coprocesador M7, cámara trasera de 5 megapíxeles, batería con 10 horas de autonomía y un precio base (para el modelo de 16 GB) de U$S399. + www.apple.com

Nokia Lumia 2520

Samsung Galaxy Note 3

Los accionistas de Nokia ya aprobaron la venta a Microsoft, pero la estirpe de dispositivos de aire finlandés sigue viva: la primera tableta de la compañía, la Lumia 2520, ya se vende en Estados Unidos. Tiene una pantalla Full HD de 10,1 pulgadas, chip Qualcomm Snapdragon 800 de cuatro núcleos a 2,3 GHz, 2 GB de RAM, 32 GB internos, cámara de 6,7 pulgadas con lente Carl Zeiss, conectividad 3G/LTE y una funda que suma más batería, un teclado y dos puertos USB. Usa Windows 8.1 RT. El precio en Estados Unidos es de U$S400. + www.nokia.com

El celular que creó un mundo nuevo con su pantalla de gran tamaño está de regreso: con el mismo tamaño que el Note II, pero una pantalla Full HD de 5,7 pulgadas, chip de 8 núcleos a 1,9 GHz, 3 GB de RAM, cámara de 13 megapíxeles, 32 GB de almacenamiento interno y una batería de 3200 mAh. Además NFC, puerto infrarrojo y su clásico lápiz, ahora más grande y con mayores funciones.

Su precio local ronda los $4100, dependiendo del operador elegido. + www.samsung.com.ar

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mundo creativo 039 gadgets Lenovo Yoga Tablet La presentó Ashton Kutcher con mucha pompa, pero no es, en rigor, una tableta de muy alta gama, sino un equipo de precio medio. Que no está mal, porque tiene un diseño muy interesante, con un borde circular que hace pensar en una revista enrollada. Viene en versión de 8 ó 10 pulgadas, usa Android 4.2, 1 GB de RAM, un chip MediaTek de 4 núcleos y una batería que le da 18 horas de autonomía.

En Estados Unidos, el precio de la de 8 pulgadas es de U$S 249; la de 10 pulgadas, U$S 299. + www.lenovo.com

Logitech Powershell

Sony PlayStation 4 y Microsoft Xbox One

Los smartphones y tabletas funcionan cada vez más como consolas portátiles de videojuegos, algo que quiere aprovechar Logitech con Powershell, un accesorio para el iPhone que le suma comandos tipo gamepad, además de una batería de 1500 mAh, y aprovecha el soporte que iOS7 le da a este tipo de comandos.

Finalmente, ya están en las tiendas, y en las manos de los gamers: ambas consolas salieron a la venta a fin de noviembre y acumularon, cada una, 1 millón de unidades vendidas en las primeras 24 horas de disponibilidad. Comparten el hardware base, con un procesador de AMD de 8 núcleos (aunque la One corre un poco más rápido, a 1,7 GHz), 8 GB de RAM (más veloz en el caso de la PS4) y un disco rígido. La PS4, más barata (U$S 400) quiere ser sólo una consola; la Xbox One, más cara (U$S 500) suma el control de la TV, la posibilidad de hacer llamadas por Skype y mucho más. + www.sony.com.ar | www.xbox.com

Llega en diciembre a Estados Unidos y Europa a un precio cercano a los U$S100. + www.logitech.com

Sony MDR-1RBT

Creative Aurvana

Los nuevos auriculares MDR-1RBT de Sony son inalámbricos (Bluetooth 3.0), con almohadillas circumaurales y bocinas de 40 mm, una batería interna que le da una autonomía de 30 horas y un chip NFC: si tenés un teléfono compatible, la vinculación entre ambos dispositivos se hace con un toque. Precio local: $2699. + www.sony.com.ar

La compañía que alguna vez quiso disputarle a Apple el dominio de los reproductores de MP3 sigue viva, y ahora renovó su línea de auriculares con dos modelos nuevos, Gold y Platinum. Son Bluetooth 3.0, tienen conectividad NFC para vincularlos con un toque y cancelación activa de ruido, más allá de la que proveen las almohadillas. El modelo Gold tiene bocinas de 40 mm, mientras que las del Platinum son de 50 mm y usan 4 micrófonos para reducir el ruido ambiente. Su precio está entre U$S200 y U$S300 en Estados Unidos. + www.creative.com

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+ mundo creativo

ArtLab

Creatividad colectiva ArtLab es un proyecto colectivo de la productora Unlock, que busca generar una plataforma con múltiples talentos de diferentes disciplinas.

Con base en la ciudad de Buenos Aires, ArtLab centra su gestión en proyectos específicos, generado contenidos artísticos originales y personalizados. Es una plataforma que forma una familia de treinta artistas provenientes de diferentes disciplinas, como músicos, artistas plásticos, audiovisuales, VJs y arquitectos.

Creado por Gonzalo Solimano, fue impulsado para materializar ideas y proyectos de artistas, trabajar en equipo y, por sobre todo, generar nuevos contenidos. Está conformado por: Ailaviu, Andii Diedishei, Antonela Arismendi, Antoine Rolley, Charec, Belén Chavanne, Dilo, Ezequiel De la Parra, Fase, Fernando, Gisela Faure, Gurtz, Defi Gagliardo, Jardines de Bruselas, Phorno, Manu Desrets, Muveo, Richie Hell, Partizanis Swingers, Pedro Perelman, Pixie, Silver City, Solimano, Sophie Taylor, Milo, Liglab, Freak Selector con su Reactable, Catnapp, Render y Diego Roa. Para conocer más sobre este interesante proyecto, conversamos con Gonzalo Solimano, quien además de director de Unlock ArtLab, es también DJ y productor. + ¿Cuándo y por qué surge ArtLab? GS ArtLab surge con la llegada de los nueve años de Unlock, cuando la productora decide celebrar su aniversario, volviendo a sus raíces como discográfica y agencia de talentos. A diferencia del resto del mundo, en Argentina, hay agencias de DJs o de otros géneros, pero no hay una misma plataforma que agrupe talentos de diferentes disciplinas, y ése es el diferencial de ArtLab. Antes de su lanzamiento, se trabajó en la plataforma durante todo un año, y aún se siguen sumando artistas y nuevos proyectos. Es una estructura dinámica, que permite participar a todo su equipo.

+ ¿En qué se inspira esta comunidad?

GS Nos inspiran la música, el arte, la naturaleza, la ecología, los viajes, el día, la noche, la pasión y la cultura. Somos más de treinta artistas, con gustos muy diferentes. En cada performance, se pueden respirar las influencias de cada uno de nosotros. Lo más importante de la comunidad, es que todos comprendemos que por más que realizamos diferentes disciplinas o tenemos distintos estilos que, podemos valorar y disfrutar de lo que hacemos, y unir fuerzas para generar proyectos nuevos e innovadores. + ¿Qué quieren lograr juntos?

GS Queremos generar proyectos no convencionales. Llevar un poco más lejos las metas que nos proponen, y potenciar movidas culturales en nuestro país. Asimismo, buscamos apadrinar proyectos que necesitan de una plataforma equipada y experimentada para lograr sus objetivos. La meta es fusionar el mundo del arte con el mundo del entretenimiento y amplificar, de esta forma, la cantidad de público que consume el arte con regularidad. + ¿Próximos proyectos?

GS Se viene un 2014 con muchísima actividad.Tenemos por delante más de veinte muestras de arte, una nueva plataforma de entretenimiento nocturno que se llama “Flora y Fauna”, cinco eventos “Unlock Night” con contenidos de ArtLab, y el mega evento “Octubre”, que reúne a casi cuarenta galerías de arte, y estamos seguros de que será uno de los eventos más importantes del año en cuanto a movidas culturales orientadas a un público joven. Como apuesta fuerte, tenemos el relanzamiento de nuestra discográfica en formato vinilo para el mes de febrero, un nuevo disco de Fase, y varias ediciones en formato CDJ y digital. + http://unlock-e.com/

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mundo creativo 041 gadgets

+ LG LA6600

Nueva línea de TV LG

Vivir el entretenimiento de una manera más simple Ya es posible conectar a las TV´s LG con otros dispositivos de la casa y usar un control remoto interactivo que reconoce los gestos, la voz y se conecta fácilmente en la Web, gracias a la evolución de la nueva línea de TV´s de LG Electronics.

Haciendo foco en la experiencia del usuario, la nueva línea de TV´s de LG propone modelos que se destacan por su innovador diseño, bordes mínimos que generan sensaciones similares a las de un cine, tecnologías que permiten conectividad entre todos los dispositivos del hogar (Smart Share) y una comodidad de uso que brinda un nuevo nivel de experiencia, gracias a Magic Remote, un control remoto interactivo e intuitivo, que posee funciones como el puntero de control, desplazamiento (función de mouse), detección de gestos y reconocimiento de voz. Así, es posible cambiar de canal con tan sólo un movimiento de brazo o muñeca, ya que los gestos físicos son captados por el dispositivo.

Entre los nuevos modelos de esta exclusiva línea de TV´s, se encuentra el LA8600 (tope de gama, en 60 y 70 pulgadas), que además de contar con el Magic Remote Premium con reconocimiento de voz, devuelve las imágenes 3D más definidas, ya que elimina el parpadeo y posee un índice de claridad que favorece el ver las imágenes en movimiento rápido.

Con un diseño inspirado en el cine y con la tecnología más actual, el LA6600 trae un nuevo concepto de visión, gracias a su pantalla libre de marcos, disponible en versiones de 42, 47 y 55 pulgadas. Al igual que en el LA8600, mediante el Game World, se puede disfrutar de una consola virtual dentro de la TV, cientos de juegos y horas de entretenimiento disponibles para toda la familia.

También son de la partida el LA6200 (Smart TV 3D de 47 pulgadas), el LN5700 (42 y 47 pulgadas Full HD y tecnología Super IPS –colores vívidos desde todos los ángulos- y función Smart Sharing -para compartir información desde cualquier equipo al TV y Smart Entertainment-), y el LA6130 (32 y 42 pulgadas con procesador Triple XD Engine Multi Core / Dual Core, para una mejor calidad de imagen, ya que reproduce colores más cercanos a la realidad y de forma más nítida). Finalmente, el LN5400 es el más accesible de la línea, viene en 42 y 32 pulgadas, y tiene una delgadísima pantalla retro iluminada de LED, que proporciona imágenes nítidas, verdaderos negros, y los más vivos colores. + www.lg.com.ar

042

+ mundo creativo

marketing

+ Bill Ford, bisnieto de Henry Ford y Presidente Ejecutivo del Directorio de Ford Motor Company, llegó a Buenos Aires para celebrar los 100 años de Ford en Argentina.

Ford festejó sus 100 años en Argentina La marca del óvalo celebró su primer centenario en Argentina, con la visita de Bill Ford, bisnieto de Henry Ford y Presidente Ejecutivo del Directorio de Ford Motor Company.

Fundada el 31 de diciembre de 1913, Ford Argentina fue la primera empresa automotriz en radicarse en el país -marcando el inicio del desarrollo de la industria automotriz en la Argentina- y la segunda filial de Ford Motor Company fuera de Norteamérica. Además de una indudable fuente de trabajo en su planta de Pacheco, a lo largo de sus 100 años, Ford ha invertido en tecnología y calidad, apostado a la educación (a través de su Escuela Técnica Henry Ford y su Programa de Escuelas Rurales). También, fue la marca más ganadora en el Turismo Carretera, y hasta inauguró una nueva categoría con la EcoSport.

Cuando Henry Ford fundó Ford Motor Company, tenía la visión de poner al alcance de todas las personas soluciones de transporte que hicieran sus vidas mejores, e hizo que el automóvil dejara de ser una utopía para la creciente clase media. Hoy, tecnologías que antes sólo se encontraban en vehículos de alta gama, Ford las incorpora en todos los segmentos, inclusive, en los autos chicos.

La celebración tuvo lugar en el Hotel Hilton de Buenos Aires, con la presencia de más de 200 representantes de los más importantes medios de comunicación, que acompañaron a destacados ejecutivos

de Ford Motor Company y al Presidente Ejecutivo del Directorio, Bill Ford, bisnieto del creador del Ford T. El centenario de la compañía en Argentina, llega con el lanzamiento de tres plataformas globales, como son los premiados Fiesta, Kuga y Focus, cumpliendo con la estrategia de llegar más lejos e incorporar las últimas tecnologías disponibles, aplicadas a la experiencia de manejo, a la seguridad y a la eficiencia en el consumo de combustible. Es por esto que hoy, los clientes argentinos pueden controlar los dispositivos móviles del vehículo de una manera segura, sin quitar las manos del volante ni la vista del camino, dejar que se estacione solo, contar con sistemas de seguridad que detectan y corrigen la trayectoria o la tracción del vehículo, abrir el portón trasero con un movimiento del pie, acceder a más potencia con menor consumo y menores niveles de emisiones.

“En estos 100 años, Ford apostó al desarrollo de nuestra industria, trabajando junto a los argentinos. Llegar más lejos es crear un negocio sólido y sostenible, que contribuya al desarrollo de la comunidad”, sostuvo Enrique Alemañy, Presidente de Ford Argentina y Chile. + www.ford.com.ar

mundo creativo

+ 043 diseño

+ Chaise Longue de Fernando Poggio

+ Silla Ruberta de Alejandro Sarmiento

+ Lámparas de Leandro Leccese

+ Silla Horqueta de Federico Churba

+ Frutera Talega de Patricia Lascano

+ Perchero 4 estaciones del año de Eduardo Naso

DAC

Diseño argentino contemporáneo Con la curaduría de Ricardo Blanco, hasta el 2 de marzo de 2014, puede visitarse en la sede de la Colección Amalia Lacroze de Fortabat (Olga Cossettini 141, CABA), una completa selección de objetos y mobiliario de diseño argentino.

En dos salas conectadas por un corredor central y una terraza, se despliegan 200 piezas de 100 diseñadores argentinos, agrupadas por tipologías: sillas, sillones, percheros de pie y de pared, mates, bancos, lámparas, bicicletas, objetos para el escritorio y para la cocina, y mobiliario para exterior.

Una buena oportunidad para recorrer la historia cercana de nuestro diseño y sus principales exponentes, entre los que se cuentan diseñadores de todo el país y de distintas generaciones, como Alejandro Sarmiento, Estudio UAU, Jannello Editora, Alejandro Sticotti, Patricio Lix Klett, Cherny Demarco, Cristián Mohaded, Particia Lascano, Jonny Gallardo, Martín Wolfson y Yamila Garab.

Desde el catálogo, Ricardo Blanco –quien además de ser arquitecto, es diseñador, actual Presidente de la Academia Nacional de Bellas Artes y uno de los fundadores de la carrera de diseño industrial en la FADU/ UBA- apunta: “La disciplina del diseño se ha convertido en una profesión masiva y los objetos han dejado de ser necesarios o innovadores, pero son los elementos con los cuales la cultura material se hace presente. Los objetos pequeños y de hogar han orientado a los diseñadores a considerar la mesa cotidiana como un paisaje y la pueblan de personajes, algunos cuasi individuos, otros pequeños animales y otras simples formas agradables, y para los diseñadores son elementos estéticos que los hacen partícipes del mundo cotidiano de la gente”. + www.coleccionfortabat.org.ar

044

+ mundo creativo

eventos

+ We Run Buenos Aires 2013. Una vez más, la nueva EcoSport acompañó a los 15 mil corredores que participaron de la tradicional competencia de running organizada por Nike. En el Espacio Ford, estuvieron presentes Florencia Fabiano, Calu Rivero y Florencia Salvioni, quienes fueron, junto a la nueva Ecosport, protagonistas de una producción de fotos. www.ford.com.ar

+ Fiesta Test Life. Ford cerró la acción “Gran Test Life”, con una fiesta en el Palacio Sans Souci. El evento fue conducido por Luli Fernández y la música estuvo a cargo del DJ set de Emilia Attías y “Chano” de Tan Biónica. Juan Manuel Primaries, Alan Schvartzman y Santiago Ibañez, los ganadores de la acción, pudieron disfrutar de una velada irrepetible, junto a Sebastián OrtegaSebastián Ortega y Leandro “Lele” Cristóbal. www.ford.com.ar

+ Chandon en el 120º Abierto Argentino de Polo. Chandon estuvo presente en el 120° Campeonato Argentino Abierto de Polo con su Chandon Bar, creando momentos de disfrute para los amantes del deporte. Iván de Pineda, Florencia Bas y Ricardo Darín celebraron el triunfo de La Dolfina sobre Alegría en el Chandon Bar. www.chandon.com.ar

+ Puma tekkies por Bolivia. En la tienda Divina Bolivia, Puma dio a conocer su edición limitada de tekkies, desarrollada en colaboración con la marca. Se trata de unas zapatillas ideales para el calor veraniego, ya que poseen un estilo relajado y sencillo.

Entre lo invitados que disfrutaron de un set de DJ Charec y cocktails con Campari, estuvieron: Sabrina Fogolini, Daniel Malgnati, Ailín Bisi, Panda Elliot y Eliseo Rentería. www.puma.com | www.boliviaonline.com.ar

+ Garçon García Dans Le Club. La marca de inspiración francesa presentó su fashion film realizado durante el shoting de su campaña Spring Summer 2014, a cargo del reconocido fotógrafo y modelo internacional Federico Moyano. Entre los invitados, Lorena Ceriscioli y el mismo Franco Moyano junto su mujer, Romina Lanaro. www.garzongarcia.com.ar

+

mundo creativo 045 diseño / agenda

Texto: María Agustina Iscaro @iscarlina

+ Sillón Pallet y banqueta Soul

La Vecindá

Una comunidad familiar Un hogar confortable, alegre y simple de mantener es el motor que impulsa a La Vecindá.

Esta marca de objetos ofrece un catálogo de objetos, que apuestan al reciclado y al vintage. Bajo esta filosofía, pallets reviven en mesas ratonas o sillones, carretes devienen en mesas, y cordones vinílicos componen banquitos y sillas. La fisonomía de cada una de estas piezas se luce por formas y tipologías que remiten a otros tiempos, generando una sensación cálida de reminiscencia.

Sus mentores y creadores, jóvenes diseñadores y artistas, se autodenominan “comunidad”. “Los que vivimos en La Vecindá somos personas que trabajamos y tenemos poco tiempo, por eso necesitamos

que nuestro hogar sea confortable, alegre y simple, para mantenerlo ‘prolijo’”, aportan desde su Web, donde también destacan que sus muebles son fáciles de limpiar. Así, los encargados de dar vida a piezas únicas se animan a salir de lo preestablecido y disfrutan dándole color y originalidad a cada rincón de la casa, desde el living-comedor hasta el laundry. De esta forma lo entiende su público, adultos, adolescentes, niños y perros, que disfrutan de tener un banquito en la cocina y una cucha originales. Los objetos pueden conseguirse en las tiendas de diseño de Buenos Aires, que figuran en el Facebook de la marca. + www.lvcda.com

+ MUESTRAS/EXPOSICIONES/FERIAS HASTA 15/01/2014 SOBREMESA: EXPOSICIÓN DE DISEÑO Una selección de piezas únicas y series limitadas, desarrolladas por algunos de los más destacados diseñadores argentinos y chilenos del momento: Bravo!, Federico Churba y Heidi Goldfeder, Gabriela Horvat y Paula Dipierro, Gonzalo Arbutti, Grupo Bondi, La Feliz, Losgogo, Nicolás Oks, Normal y The Andes House.

La muestra está destinada a arraigar la tradicional tertulia y repensarla. Con la curaduría de Martín Huberman.

Praxis International Art - Arenales 1311, CABA www.praxis-art.com HASTA 2/03/2014 DELIA CANCELA. UNA ARTISTA EN LA MODA Muestra-homenaje a la artista Delia Cancela, que recorre su vínculo con la moda y el arte. Con la curaduría de Javier Arroyuelo.

CMD - Algarrobo 1041, CABA www.cmd.gov.ar HASTA 2/03/2014 DAC: DISEÑO ARGENTINO CONTEMPORÁNEO 200 piezas de 100 diseñadores argentinos, que dan cuenta de los últimos desarrollos del diseño local, en bicicletas, lámparas, sillas y bancos, impresoras 3D, elementos de oficina o gastronomía y movilidad urbana. Con la curaduría de Ricardo Blanco.

Colección Amalia Lacroze de Fortabat - Olga Cossettini 141, CABA www.coleccionfortabat.org.ar

8 AL 13/04/2014 I SALONI 53 Edición del Salón Internacional del Mueble, Eurocucina, Accesorios de decoración, Salón del Baño y Salón Satélite.

Rho Fiera, Milán, Italia www.cosmit.it

+ CONCURSOS/CONVOCATORIAS A PARTIR DEL 15/01/2014 III BIENAL KOSICE El espacio cultural Objeto a estará recibiendo proyectos para participar de la III Bienal Kosice, que planteen la confluencia de arte, ciencia y tecnología, teniendo como principal fuente de inspiración la obra de Gyula Kosice. En esta oportunidad, bajo el nombre “Utopías Kosiceanas”, se establecen como ejes rectores los conceptos fundacionales “invención-creación” y el “pensamiento porvenirista”, que caracterizan la trayectoria del artista.

El proyecto ganador del primer lugar se hará acreedor de un premio de $30 mil, mientras que el segundo premio será de $10 mil. Se otorgarán seis menciones y una especial.

Asesora: Graciela Taquini.

Exhibición: Centro Cultural Borges, Sala 23A y 23B, el 24/09/2014.

Consultas: bienalkosice@objeto-a.com.ar www.bienalkosice.com | www.objeto-a.com.ar

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+

personas creativas

+ 047 diseño

+ M. Almohadón de Grupo Bondi. Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

Diseño joven Ventana al futuro

Tres diseñadores argentinos consagrados, cada uno en su área, fueron convocados por 90+10 para que eligieran a jóvenes colegas que, según su criterio, serán quienes marquen la diferencia en el campo del diseño dentro de los próximos años. | Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

Aunque la pregunta fue sencilla, representó un desafío: elegir a un diseñador joven, que tal vez esté cursando los primeros años de su carrera, pero que ya demuestre que tiene algo especial, algo diferente que lo hará brillar tarde o temprano. Una vez hecha la elección, llegó el momento de la reflexión: por qué se destaca, qué tiene de especial, cómo poner en palabras esa característica que lo hace diferente…

Y sobraron las razones por las cuales ellos, los mayores, apuestan al talento de los más jóvenes, quienes heredarán la responsabilidad de hacer y crear más y mejores propuestas de cara al futuro.

Para la selección de los mayores, se buscó abarcar diferentes áreas,

+ Juego de cubiertos Nuditá de Lucio Traficante

poder brindar una mirada de todas las expresiones y disciplinas del diseño. Así, esta suerte de jurado ad hoc, que no tiene la decisión de otorgar un premio, pero sí, en alguna medida, de brindar un voto de confianza para un colega que transita el primer tramo de su carrera, dio su veredicto.

Es así como el diseñador y artista plástico Fernando Poggio, la dupla conformada por Manuel Rapoport y Martín Sabattini del estudio Designo Patagonia y el arquitecto Arturo de Tezanos Pinto (Usos) ofrecieron sus respuestas, a la vez que explicaron el porqué de sus apuestas.

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+ La mesa de comedor Diégesis es rebeldemente clásica.

FERNANDO POGGIO APOSTAR POR LUCIO TRAFICANTE Fernando Poggio es diseñador y artista plástico, recibido en la Universidad de Buenos Aires. Tiene su propia empresa, donde diseña y fabrica -desde hace veinte años- objetos de diseño en aluminio, para las compañías más grandes del país. “Principalmente, trabajo con aluminio. Estoy diseñando y produciendo señalética para las torres más importantes de la ciudad. Por otro lado, soy especialista en el diseño y la realización de premios. Hice las copas de los últimos tres años de los torneos locales del fútbol argentino, por ejemplo. También diseñé el premio de la Academia de Artes Cinematográficas de Argentina, y numerosos trabajos para MTV, entre ellos, la famosa lengua”.

UBA, lo que lo llevó a vivir una temporada en Buenos Aires, donde recibió la influencia de figuras destacadas del ámbito del diseño, como Eduardo Simonetti, Ricardo Blanco y Eduardo Naso, entre otros. + Fernando, contanos por qué elegís a Lucio.

FP Lo elijo porque considero que tiene los ingredientes necesarios, como talento, sentido plástico y personalidad, para convertirse en un gran diseñador. Es una persona muy creativa que, al mismo tiem-

Fernando eligió a Lucio M. Traficante, diseñador industrial, un rosarino nacido en 1983. Creció en una familia de artistas plásticos, cuya influencia lo llevó a tomar clases de dibujo durante su adolescencia. Por el 2001, comenzó la carrera de diseño industrial en el Instituto Superior de Comunicación Visual de Rosario. A partir de 2003, comenzaron las exposiciones y los premios, uno de ellos, una beca para participar de un curso en la Domus Academy, de Milán.

En el 2005, ya con el título académico bajo el brazo, comenzó a trabajar en la empresa rosarina de decoraciones Hatfield, fundada por sus padres, donde se afianzó en el diseño de mobiliario. Ese mismo año, fue premiado por el diario La Capital de Rosario, por su Banco Espiral, que luego fue exhibido en la Tienda PuroDiseño, de Buenos Aires.

En 2009, realizó un posgrado de diseño de mobiliario en la FADU/

+ Silla Lola

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+ Mimesis Natura es una chaise longue que presenta una morfología orgánica, derivada del estudio de las formas de la naturaleza.

po, posee el carácter indispensable para llevar a instancias finales las ideas que se le ocurren. + ¿Qué vínculo profesional los une?

FP Trabajó en mi estudio desde principios del 2012 hasta mediados del 2013, con un excelente desempeño. + ¿Qué características te atraen de su trabajo?

FP Encuentro muy interesantes sus trabajos, en especial, aquellos como la silla Lola, la chaise longue Mimésis Natura o la mesa de comedor Diégesis, entre otros. Tiene la capacidad de lograr morfologías dinámicas y muy expresivas al mismo tiempo, fundamentadas sobre bases conceptuales muy fuertes. Sus diseños no nacen de la nada; cada uno de ellos encuentra su justificación en conceptos de vital importancia, como la naturaleza, la ciencia, el ser humano o la vida cotidiana, fuentes inagotables de inspiración de cualquier disciplina. Ante una cultura material que se expande vorazmente, este diseñador ha tomado conciencia de la responsabilidad que tenemos como profesionales, creando objetos que justifiquen su existencia y ganen su lugar en el mundo. + ¿Hay algún proyecto que te gustaría encarar en conjunto con tu elegido?

FP Me encuentro en permanente búsqueda de nuevos productos que mejoren nuestra calidad de vida y configuren un nuevo horizonte material y cultural en el cual vivir. Estoy seguro de que compartimos esa misma inquietud, por lo tanto, así como hemos tenido la posibilidad de trabajar juntos en el pasado, no tengo dudas de que lo

seguiremos haciendo en el futuro. + ¿Qué consejos le darías para su carrera?

FP Esta es una profesión muy sacrificada, en donde el talento, muchas veces, no basta para lograr las metas que uno se propone. A lo largo de mi carrera, he aprendido que la constancia y la perseverancia son los ingredientes perfectos para explotar al máximo nuestra creatividad.

Le aconsejaría que nunca baje los brazos. Que nunca deje de soñar. + www.fernandopoggio.com | www.luciotraficante.com

+ Lucio Traficante diseñando

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+ M. Banquito, en cemento, de Grupo Bondi.

DESIGNO PATAGONIA LOS OJOS PUESTOS EN IVÁN LÓPEZ PRYSTAJKO Manuel Rapoport y Martín Sabattini forman el estudio Designo Patagonia. Su trabajo comenzó en 2002, y se centra en el diseño y la producción de mobiliario, luminaria y todo tipo de accesorios para el hábitat, haciendo hincapié en la calidad, y con una fuerte identidad patagónica, concretada en objetos de líneas simples y elegantes, con un lenguaje que refiere siempre a nuestro entorno. “Durante todos estos años, hemos llevado adelante diversos proyectos paralelos, referentes a cuestiones de sustentabilidad social y ambiental.

Capacitación y asistencia técnica en diseño para microemprendedores del sector artesanal, talleres sobre aprovechamiento de recursos naturales no convencionales, investigación en reciclaje de residuos, intervenciones y diseño en espacio urbano”, explican.

Rapoport y Sabattini eligieron a Iván López Prystajko, de 29 años, graduado en la UBA de diseño industrial, quien también es miembro fundador del estudio de diseño Bondi. “Desde un principio, aún en la facultad, me interesó el trabajo con materiales; partir de éstos para crear productos. Académicamente, se puede pensar al diseño con tres patas fundamentales que hacen al producto: la función, la forma y la tecnología o proceso. Siempre me centré en la última parte, porque me parece fundamental para resolver las otras dos. La forma tiene que estar supeditada a la materialidad, sobre todo, cuando trabajamos con recursos escasos, pensar desde el material, dialogar con él, ver sus posibilidades, experimentar sus extremos. Es un diálogo constante, y el material nos va a demostrar hasta dónde puede llegar, así no forzamos ninguna situación,

sino que disponemos del material naturalmente”, comenta sobre su trabajo el mismo Iván.

Hoy Iván, desde Bondi, trabaja con el cemento como materia prima, para crear bancos de estilo transformados en mobiliario urbano. “Comenzamos a trabajar con varios materiales y procesos, pero fue en el cemento donde encontramos algo que nos resultó más que interesante, y empezaron a aparecer primero el M. Banquito, luego el M. Almohadón hasta llegar al Banco Buenos Aires, que hoy se puede ver en Diagonal Norte y en la zona de la ex ESMA, como parte del mobiliario de la ciudad. Creo estas piezas, pensadas desde el material, definidas su forma por la naturaleza del propio proceso y funcionando más bien de una manera simbólica, fracturando la monotonía del transeúnte, cambiando su perspectiva, planteándole la duda. Es ahí donde encontramos nuestro hacer más sincero”. + ¿Qué ven en Iván que marque una diferencia?

DP Iván es uno de esos creativos de pura sangre. Le ves los ojitos escrutando el mundo objetual, y disfrutando cada detalle. Le gustan los fierros, los antiguos, y tiene una base de conocimiento técnico muy sólida. Sus ideas son innovadoras y de lo más variadas, sin importar de qué material se esté hablando. Tiene ese perfil de diseñador-hacedor al que le gusta meter mano y hacerlo él mismo. Pero además, vemos que genera un diálogo de trabajo sorprendente entre nuevos medios (diversos softwares) y las tecnologías simples de su taller, acompañando todo lo que hace con gráfica y un simbolismo de lo más moderno. Quizás, lo que más rescatamos es su humildad y

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+ Lámpara de mesa Trofeo, realizada con piezas de trofeo plásticos, de Grupo Bondi.

+ Banco Buenos Aires. También en cemento, de Grupo Bondi.

generosidad, valores no tan comunes en estas profesiones. + ¿Trabajaron con él?

DP Lo conocimos cuando con su amigo y hoy socio, Oke (Eugenio Gómez Llambi), trabajaban en el estudio de Patricio Lix Klett y estaban por el tercer año de la facultad. Ya ahí se notaba una chispa particular. Con los años, lo fuimos conociendo mejor, llegando a ser amigos. Hemos hecho uno que otro trabajo en conjunto, pero por sobre todo, cruzamos ideas y conceptos, colaborando en distintos trabajos de ambos estudios. Hace muy poco tiempo, nos prestaron espacio en su taller de La Paternal, para producir el mobiliario de un proyecto nuestro. + ¿Qué características tiene su trabajo que los atraiga e impacte?

DP Todo el trabajo con hormigón es fabulo y, sobre todo, cómo siguen y siguen desarrollándolo al detalle. Nunca durmiendo, siempre mejorando métodos, sumando materiales, etc. + ¿Algún proyecto que les gustaría encarar en conjunto con él?

DP Creo que ya hemos generado una suerte de hermandad entre estudios, que seguirá provocando sorpresas en el futuro. No hay un proyecto específico. Quizás, si viviéramos más cerca… (Nosotros estamos en Bariloche). + ¿Qué consejos le darían para su carrera?

DP Que siga confiando en su intuición, apostando a los sueños, y no tanto a los reclamos del sistema. + www.designopatagonia.com.ar | www.grupobondi.com.ar

+ Iván López Prystajko. Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

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+ MVine es un contenedor de llaves realizado con material sobrante de Corian, en donde se pueden escribir y borrar mensajes fácilmente. El magnetismo oculto para soportar las llaves hace la particularidad de este objeto. Co-autor: Mauro Bianchi/ holaBA.

ARTURO DE TEZANOS PINTO CONFIAR EN TOMÁS MIGUELTORENA Arturo de Tezanos Pinto vive y diseña en el norte argentino, precisamente, desde la provincia de Jujuy. Es arquitecto, graduado en la Universidad Católica de Córdoba y fundador de Usos, una experiencia de diseño, como él mismo define su emprendimiento. En su tarea de arquitecto, investiga la identidad como método de diseño, desde el profundo universo andino. Es en este ámbito donde explora la arquitectura, el arte, el interiorismo y el diseño de objetos.

Busca transmitir la magia latinoamericana y su carga cultural en sus propuestas. Tezanos Pinto apostó por un cordobés, que conoció durante su estadía en dicha provincia para sus estudios. Se llama Tomás Migueltorena, de 33 años, graduado de diseñador industrial en la Universidad Nacional de Córdoba, y posgraduado en diseño de muebles, en la misma universidad.

+ Kilmi es un ícono de escritorio realizado con material sobrante de Corian, con la capacidad de contener lápices y ser portador de mensajes. Co-autor: Mauro Bianchi/ holaBA.

En paralelo a sus estudios de diseño, Migueltorena, creó Nube Negra, una marca de ropa para hombre, caracterizada por la calidad de expresión en cada una de sus impresiones textiles. Asimismo, en 2009, inició su etapa profesional de forma independiente, realizando trabajos para marcas, entre ellas, Fernet 1882. Hoy, es socio fundador de Arteria, un estudio que brinda servicio de diseño estratégico para PyMEs y sectores productivos locales.

proyectos. Abre diferentes ramas cuando crea. Como trabaja solo, muchas veces se le complica la puesta en marcha de sus ideas. Pero su potencial es grande, y es muy curioso con la estética en general.

+ Arturo, contanos por qué elegís a Tomás.

TP Lo elegí porque, si bien es diseñador industrial, es muy curioso con otras ramas. Lo conozco desde que él era chico, y ya era muy creativo. El potencial que le veo es que es un gran inventor de

+ ¿Qué destacás del trabajo de Tomás?

TP Destaco cómo recurre al humor, a lo lúdico, con una estética muy actual, contemporánea. También, que es un tipo inquieto. Y a quienes recorrimos un camino ya, nos llama la atención. Se perfila

+ ¿Trabajaste con él en algún proyecto?

TP Actualmente, estamos desarrollando un proyecto sobre héroes, trabajando con una línea de juguetes, con componentes gráficos.

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+ LibroTK es una contenedor de libros que pretende devolverle el estado natural de reposo al libro (horizontal), de una manera muy particular, ya que ”juega” visualmente con la ley de gravedad.

+ Grou está realizado con material sobrante de Corian, e invita al ahorro de dinero, con un fuerte concepto como mensaje: crecer. Co-autor: Mauro Bianchi/ holaBA.

para ser diferente. + ¿Le darías algún consejo para su carrera?

TP Creo que debe buscar asociarse. Uno solo no puede, necesita del talento del otro. Siempre, cuatro ojos ven más que dos, y así sucesivamente. El secreto está en juntarse para lograr un resultado más contundente. Además, hay que prestar atención a todas las áreas de un emprendimiento, no sólo a la parte creativa, también la financiera, la metodología, etc. La creatividad es importante, y es lo que marcará la diferencia, pero no lo es todo. Hay más cosas para solucionar y hacer que los proyectos crezcan. + www.usos.com.ar | www.nubenegra.com.ar

Link a la nota: http://9010.co/disenojoven

+ Tomás Migueltorena

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personas creativas

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Plenty

Creativos animados Son inquietos, adictos al trabajo, hacen lo que les gusta y se divierten. Son Pablo Alfieri y Mariano Farias, los directores de Plenty, un estudio de arte, diseño y animación. Se dedican a la publicidad y al branding de televisión, y trabajan para HBO, Fox, MTV y History Channel, entre tantos otros. | Texto: Leila Mesyngier @Leimesyn

Del otro lado de la puerta de entrada, se escucha el repiqueteo de la pelotita de ping-pong. Es la hora del almuerzo, y dos diseñadores descansan un rato, y despejan sus cabezas para volver a comenzar con el trabajo. Enseguida, llegan Pablo Alfieri y Mariano Farias, creadores y directores de Plenty, un estudio de dirección de arte y motion graphics, que se dedica a contar y animar historias para algunos de los más importantes canales de televisión (HBO, MTV, AXN, Fox, Nickelodeon, Nat Geo, History Channel), y empresas multinacionales (Personal, Doritos, Coca-Cola, Bonafide, Gancia, Schweppes, Chandon, Chevrolet).

Los dos son diseñadores gráficos, y vienen trabajando en el campo desde que se recibieron. Estuvieron en algunas de las agencias locales más innovadoras, y luego armaron sus proyectos individuales. “Empezamos a trabajar juntos y notamos que nos complementábamos muy bien. Yo más destinado a la dirección de arte, y Mariano a la de motion”, cuenta Pablo. Uno desde Playful, el otro desde Gula, se llamaban para cada proyecto que les salía, hasta que en un momento, allá por 2010, decidieron unir fuerzas. “Los dos teníamos las mismas ambiciones y sueños, que eran tener un estudio como éste. Así nació Plenty. Empezamos siendo cuatro y ahora somos dieciséis”, dicen desde la sala de reuniones de su oficina con vista al barrio River.

“Fuimos creciendo en estos tres años. Comenzamos con clientes locales, multinacionales que están asentadas en Buenos Aires, y después empezamos a trabajar para empresas del exterior: España, Inglaterra,

Estados Unidos, China, India, Australia y países de Latinoamérica”, explica Mariano. El crecimiento fue exponencial, pero vino primero con mucho esfuerzo, trabajo y dedicación, y luego con el “boca en boca”. Pablo reconoce que tuvieron la suerte de encontrarse con “gente humanamente buena”, que los recomendó: “Eso hizo que nuestra imagen crezca y lleguemos a hacer proyectos más grandes”.

DE ARGENTINA HACIA EL MUNDO Plenty se dedica a la publicidad y al branding de televisión, un campo en el que hay muchos estudios y un gran potencial a nivel local.

De hecho, cuentan Pablo y Mariano, la gran mayoría de los canales para América Latina están hechos por estudios argentinos porque hay, en el país, recursos humanos para llevar a cabo esa tarea.

“Nos abrió mucho el mercado ser argentinos. Y es un mercado difícil, más allá de que la publicidad acá sea vista como un polo súper importante en el mundo, y haya muchísimas agencias que no paran de ganar premios. Estar a la altura de ciertos estudios de afuera, hace que la visión sobre los argentinos sea interesante, porque es un país que tiene devaluada la moneda, cuyos costos son otros, la mirada empieza a cambiar, y los clientes van confiando a pesar de la barrera del lenguaje y la distancia”, explican con orgullo, y reconocen la gran ventaja de la ubicación en el planeta.

“Estamos en el medio, entre Estados Unidos y Europa, y no tenemos gran diferencia horaria con ninguno. Podemos trabajar con ambos”,

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reflexiona Mariano, aunque alguna vez recibió llamados a las 5 de la mañana. No suelen viajar, salvo que sea un proyecto muy grande, o que requiera una filmación en el país de origen; por eso explotan la tecnología de la globalización: se comunican por Skype, incluso, muchas veces, con clientes que están también en Buenos Aires.

DE RUTINAS Y COTIDIANEIDADES El staff de Plenty está conformado, además, por productoras, directores de arte, diseñadores, especialistas en 3D, animadores, técnicos y compositores. Y para cada proyecto, arman grupos de acuerdo a las necesidades y requisitos. “El equipo es muy importante, aporta muchísimo. Sin ellos, no podríamos estar haciendo lo que hacemos hoy”, reconocen. Cuando se trata de repensar la imagen de un canal, armar un comercial institucional, o un paquete gráfico para un programa, participan mucho de la parte creativa. Si es para un comercial, la trama y la estética ya vienen más armadas, porque hay más intermediarios (desde una agencia y una productora, hasta un representante) que opinan y toman decisiones. Pero, a la vez, hay historias, guiones o personajes que son “interesantes de contar”.

De todos modos, hay ciertas rutinas comunes que comienzan cuando llega el brief, y Pablo y Mariano se juntan para leer y conformar el equipo. Luego vienen las reuniones de brainstorming en donde, generalmente, están más involucrados los de arte. Allí surgen las propuestas estéticas, mientras buscan referencias que los inspiren.

De a poco, van animando las imágenes, definiendo la estética de

la animación, el ritmo, la cadencia de los movimientos. Luego todo se vuelve más detallado, y hay que resolver las cuestiones técnicas.

Finalmente, llega la instancia del acabado, de pulir los últimos detalles, de darle valor agregado. Esa etapa “es de mucha importancia.

Nos dimos cuenta de que para que el estudio esté al nivel de los de afuera, tiene que tener ese diferencial”, dicen, y reconocen que invierten mucho tiempo en el post.

Son inquietos, adictos al trabajo, buscadores eternos y se divierten.

Tienen un trabajo en el que resuelven problemas, generan soluciones, siguen ciertas rutinas. Llegan entre las 9 y 10 de la mañana, almuerzan todos juntos en el comedor, después de comer casi siempre se juega al ping-pong, y desde que tienen la Nespresso, entre las 4 y las 5 de la tarde toman café. “Este trabajo te conecta mucho con el estado de ánimo. Estás haciendo algo que es creativo en muchos aspectos, es original, no es repetitivo. Esa apuesta de querer hacerlo distinto, eso que uno le pone al trabajo, está directamente relacionado con la subjetividad, y generar un buen clima de trabajo y que uno pueda jugar, ayuda a la creatividad. No siempre podemos, pero es un poco necesario, se gana bastante”, dice Farias, que nació en Junín y estudió en La Plata.

Y Alfieri, egresado de la Universidad de Buenos Aires, agrega: “Lo que hace que no tengamos una rutina muy marcada, es que tratamos de que los proyectos que anteceden al que estamos haciendo, no tengan nada que ver. Eso hace también que no tengamos que vol-

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ver a hacer lo que ya hicimos. Estamos para contar historias y para plantearnos desafíos. Nuestra idea es tratar de hacer todo diferente, y proponerle una solución a cada uno de nuestros clientes; siempre algo nuevo. Entonces, la rutina no es muy marcada, más allá de las cotidianeidades, que son muy de nuestra cultura argenta: tomar mate, café, jugar a la Play, ir los jueves a jugar al fútbol. Pero la manera de encarar los proyectos y los proyectos en sí, son diferentes”.

PLENITUD La inspiración llega, no como una instancia divina, sino como parte de una forma de vida. Pablo, por ejemplo, prefiere -antes de comenzar con un nuevo trabajo- haber salido con amigos la noche anterior, escuchar música o ver una película. Eso lo relaja. “Ahora estamos haciendo un corto animado basado en Alicia en el país de las maravillas. Entonces, cada uno se inspiró de la manera que creía necesaria: algunos leyeron el libro, otros vieron las películas, cada uno a su manera”, señala. En gran medida, agrega Mariano, la inspiración viene de la misma fuente a la cual ellos proveen de contenidos e imágenes: la pantalla. “Los comerciales, los canales de televisión que hacen otros, las películas son estímulos constantes. El tema es cuándo uno está preparado para entrar en el proyecto, y a veces, hay que sacar la cabeza para respirar”, indica. + ¿Por qué eligieron Plenty como nombre para el estudio?

P Buscábamos una palabra que fuera corta, fácil de pronunciar, que tuviera relación con Playful y Gula. Y Plenty es un derivado de gula.

Link a la nota: http://9010.co/notaplenty

Es como sentirse satisfecho, como jugar un poco con la parodia de sentirse así, cuando nunca lo estuvimos, ni lo vamos a estar, porque no paramos ni dos segundos. Llegó después de un brainstorming, de buscar significados y hacer listas. + ¿Cómo definen lo que hacen todos los días?

P Es difícil de explicar nuestro trabajo, pero si vamos al plano más filosófico, tenemos la suerte de hacer algo con lo que nos divertimos, y lo hacemos con responsabilidad. + www.plenty.tv

+ El equipo de Plenty completo. Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

+ Refugio para un recuerdo

personas creativas

+ 059 arte

+ Pastizal

Alexandra Kehayoglou Pintar con lanas

Nació rodeada de alfombras y, desde chiquita, vio trabajar a sus padres en la fábrica textil que habían fundado sus abuelos. Hoy, Alexandra Kehayoglou plasma sus propias obras en alfombras y tapices tejidos a mano, nutriéndose de todos los recursos y materiales que la vieron crecer. | Texto: María Paz Berri

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+ Barrancos, bancos realizados junto a Net Muebles.

“Mientras haya lana verde, todo se puede hacer”, dice Alexandra Kehayoglou, una artista que usa como medio de expresión las alfombras, e imprime en ellas pedazos de nuestra tierra y de la naturaleza que nos rodea. Un legado familiar que, sin dudas, supo re-significar y cargar con su impronta personal. Si bien cuando entró a trabajar por primera vez a “El Espartano” (fábrica de alfombras y césped sintético de la familia), pensó que su primera creación iba a hacerla usando una máquina industrial, la idea no se pudo concretar, y decidió empezar a tejer a mano. Así es como al día de hoy, sigue trabajando en forma muy artesanal, utilizando una pistola a la que se le cargan manualmente los colores de lana elegidos, para poder tejer punto por punto, diseñando el propio tejido: “Siento que cada paisaje que trabajo queda ‘pintado’ en el soporte. Yo siempre digo que es un impresionismo textil, porque la imagen se construye con puntos”.

TEJER LA NATURALEZA Estudió licenciatura en artes visuales (pintura), en el Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA), pero con la pintura no lograba comunicar lo que quería. Necesitaba algo tridimensional donde poder plasmar todo lo que tenía para decir; algo más vivencial. Y así fue como llegó a crear una obra que jamás hubiera pensado. Sus alfombras y tapices son piezas únicas, realizadas en general por encargue, y en donde siempre está presente la naturaleza. El motor que la empuja en cada creación, es su angustia por

el cambio que el ser humano produce sobre el paisaje: “Me gusta tejer la naturaleza. Siento que, de algún modo, la inmortalizo, y conservo a través de mis trabajos una parte de nuestro patrimonio cultural”.

Pero eso no es todo. Porque cada una de ellas tiene un entramado muy comprometido con el cuidado del medio ambiente. La mayoría del material con el que Alexandra las trabaja, son excedentes de producción. O sea, bobinas de lana que hubieran sido descartadas, y ella las reutiliza y les da un nuevo lugar. Una acción que confirma su creencia en el arte como herramienta de cambio, de concientización y de educación.

LOS DISTINTOS SOPORTES Comenzó trabajando lo que denomina “Refugios”, con la idea de tejer tapices que se pudieran “vivenciar”. Y sin dudas lo logró. Fue así como tejió algunas de sus obras más conocidas: “Refugio para unos días felices”, “Refugio para un venado”, “Refugio para un recuerdo”, y “Refugio para una tarde de lluvia”. Todas invitan a presenciar el arte, a vivir en la obra, y a meterse en el entramado infinito. Luego siguió con los tapices, que son como cuadros. Y enseguida aparecieron los “Pastizales”, siempre bien mullidos y súper tentadores para descansar y relajarse: “Nuestras alfombras están compuestas por lana, un producto natural y renovable que proviene de ovejas alimentadas en los pastizales. De ahí el nom-

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+ Silla para atravezar el invierno

bre”. Y sigue: “La Pampa bonaerense era originalmente un pastizal. Como habitantes de esta tierra, la hemos ido modificando, y poco queda de aquello que una vez fue. Tejer una alfombra de pasto es mi manera de aportar algo a la toma de conciencia para la conservación del medio ambiente”.

Este año, también hizo una serie de “Barrancos”, que son unos bancos que realizó junto a Net Muebles: “Ellos diseñaron la base y yo la parte de arriba. La idea fue subir la alfombra a otros lugares. Que deje de ser alfombra y empiece a ser mueble, por ejemplo”. Y finalmente, la más “aplaudida”, fue la “Silla para atravesar el invierno”.

Como una mezcla de todo, algo sorprendente, que cualquiera quisiera llevarse a casa para pasar los días de frío.

Algo que marcó su carrera en 2013, es haber podido hacer una instalación para la presentación del disco “Maldigo” de Liliana Herrero en el Teatro Coliseo. También estuvo con “Pastizal Potrero” en Monoambiente (Galería de Arquitectura & Diseño Experimental) en 2012, y con sus pastizales en arteBA: “Diseño y tejo objetos para que convivan con personas. Detrás de cada pieza hay una historia, realidades que me imagino. Son ejercicios para cambiar la velocidad del tiempo y la manera de transitarlo”.

UN LEGADO FAMILIAR Alexandra sabe que las alfombras la conectan con su familia. Sus

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abuelos vinieron de Turquía a Argentina hace muchísimos años, y si bien hay cosas que ella no conoce, siente que con el tejido las va descubriendo: “Todo esto me ayudó a saber más de mi familia. Mis abuelos empezaron con la fábrica, mi abuela trajo un telar cuando vino al país. Tejer alfombras es un saber innato. Me hace sentir conectada con otro tiempo. Es un modo de construcción que parte de la implementación de sentidos adquiridos a lo largo de mi vida, y la de mis antepasados”.

De esta forma, la alfombra se mete (sin pedir permiso), en su vida cotidiana, y le propone mirar y mirarse de otra manera, desde otro lugar, trayendo al presente técnicas que lleva en la sangre, que están en ella, y que le recuerdan a cada instante quién es y de dónde viene.

En fin, la hacen conectarse con sus raíces. Pero no sólo eso. Sino que ante todo, se trata de un trabajo que la cura. Al que ella le da el lugar de “terapia sanadora”.

Alexandra sabe también que su obra no es para cualquiera. Sino para aquellos amantes de tirarse al piso, y de anhelar ver la vida desde otro lugar (porque desde el suelo se ven cosas que en la altura nos perdemos). Son la excusa ideal para quienes desean detener el tiempo. Y si bien puede sonar exagerado decir que son como las alfombras mágicas (voladoras) de los cuentos, creo estar segura de que en algo se le parecen. + www.alexkeha.com.ar | www.elespartano.com

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Moment Factory

Industria de instantes mágicos El estudio de multimedia canadiense deslumbra con sus puestas en escena para Cirque du Solei, Disney, Madonna y Jon Bon Jovi. Sus imágenes pueden verse plasmadas sobre monumentos arquitectónicos como la Sagrada Familia en Barcelona, y las instalaciones permanentes que arman llaman la atención de los habitantes de Montreal y otras ciudades del mundo. Con más de una década de trabajo, se destaca por armar equipos multidisciplinarios, y por tener una estrategia y técnicas especializadas para cada proyecto. | Texto: Leila Mesyngier @Leimesyn

Una fábrica que produce instalaciones, mega espectáculos, shows musicales, muestras temporarias y permanentes. Un equipo de trabajo multidisciplinario de diseñadores, programadores, creativos y artistas, que hace magia con la tecnología. Una colección de imágenes, luces, colores y sonidos, que buscan crear en el público una respuesta sensorial.

Todo eso es Moment Factory, un estudio con sede en Montreal, que se especializa en la concepción y producción de ambientes interactivos y multimedia, y que desde 2001 sorprende con sus creaciones en todo el mundo. En cada proyecto, sus miembros buscan generar emociones en el público, provocar un sentimiento de pertenencia en ese colectivo de personas que se reúne para ver un

show de Madonna o Jon Bon Jovi, admirar las imágenes proyectadas sobre la Sagrada Familia en Barcelona, España, o esperar que salga su vuelo desde el aeropuerto estadounidense de Los Ángeles.

Fue siete años después de su creación, cuando el estudio saltó a la fama, reconoce Johanna Marsal, productora de Eventos Especiales. Justo después de armar el primer tour interactivo para la banda de rock Nine Inch Nails, las apenas dos decenas de personas que trabajaban se multiplicaron una, dos, seis veces. Y fue Madonna, la gran estrella pop, quien los llevó a la consagración internacional, cuando los contrató para armar su show en el Super Bowl, el partido final de la liga estadounidense de fútbol americano, que tiene millones de espectadores.

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+ Uno de los sectores de la mega instalación multimedia en el aeropuerto de Los Ángeles.

+ Visuales para el tour MDNA de Madonna.

Explotan al máximo las herramientas que ofrece la tecnología, pero lo que producen está siempre al alcance del público. De hecho, la esconden para que no se note, para que la audiencia no esté pendiente de ningún artefacto, ni necesite ningún conocimiento para entender lo que ocurre. El denominador común de sus más de 300 proyectos es lograr componer una experiencia.

y eventos que se arman con tres o cuatro meses de antelación.

Algunas veces, son producciones locales, pero otras, requieren viajar a alguna parte del mundo. Y hay proyectos como los espectáculos musicales, que los llevan de una ciudad a la otra, y en cada una arman su propia oficina y equipo. Si tuviera que describir un día “normal”, de Robles llega a la mañana, pasa a ver a los integrantes del equipo que trabajan en un proyecto determinado, revisa cómo funcionaron los renders que dejaron haciendo la noche anterior, prepara los planes técnicos de la instalación, participa de una conferencia telefónica con los técnicos que visitan el lugar, habla con el estudio o el músico que está armando la composición artística. Una dinámica que se transforma a cada paso.

LA RUTINA DE LA NO RUTINA El estudio en donde hacen realidad sus ideas es un lugar especial.

“Nunca vi uno así en mi vida, y ya tengo una buena edad”, bromea Nelson de Robles, director Multimedia. Allí dentro, en los 20 mil metros cuadrados, tras las paredes blancas y los grandes ventanales, por los pasillos en los que se circula en patines, skateboards u otros vehículos híbridos, convergen todo tipo de expresiones artísticas y profesionales. Hay ingenieros, animadores, diseñadores, arquitectos, productores, programadores, comunicadores. “Es un ambiente muy distendido y multidisciplinario. El compartir y comunicar es una parte clave, y la sinergia que tenemos en el estudio es ideal”, cuenta el ingeniero electrónico argentino, residente en Canadá.

Lo que más le gusta a de Robles de su trabajo es que no hay un día típico. No sólo porque cada proyecto es diferente, sino porque los equipos de trabajo que se conforman y las técnicas que se utilizan también lo son. “Cada día es una sorpresa, y eso hace que estemos todo el tiempo motivados, con mucha energía, para tratar de descubrir qué es lo que nos va a esperar la próxima semana, el próximo mes, el próximo año”, agrega.

Hay instalaciones permanentes que llevan años de preparación,

TIEMPO DE ESPERA EN LA TERMINAL Algunas de sus invenciones son especiales, están llenas de magia y de romance. En eso pensaron en Moment Factory cuando los convocaron para diseñar uno de sus proyectos más llamativos: la mega instalación multimedia que realizaron para la renovación del aeropuerto de Los Ángeles, una de las puertas de entrada y salida más importantes de Estados Unidos.

Se trata de una serie de creaciones visuales e interactivas con temática de viajes, desplegada a lo largo y ancho de la terminal, a través de siete pantallas diferentes. “El proceso de armado nos llevó aproximadamente un año entre la concepción, el diseño, la producción y la instalación del trabajo”, cuenta Melissa Weigel, directora Creativa y Multimedia. El equipo trabajó de manera colaborativa, mientras el aeropuerto aún no estaba terminado. Por eso, sus integrantes debieron imaginarse cómo se sentiría un pasa-

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+ Visuales para el tour MDNA de Madonna.

jero al moverse por el espacio mientras espera su vuelo.

Para esto, se basaron en lo que veían en los renders artísticos y en visualizaciones. En la siguiente etapa, armaron maquetas, pequeños modelos del aeropuerto en tres dimensiones, y luego, produjeron las imágenes con una mezcla de diversas técnicas: diseño con Photoshop, ilustraciones, 3D, animaciones, sesiones fotográficas en Montreal (con coreógrafos, bailarines, actores, diseñadores de vestuarios), en Los Ángeles; Río de Janeiro, Brasil; y Ciudad del Cabo, Sudáfrica. “Queríamos estar seguros de que toda la instalación tuviera sentido. Por eso, mucha de nuestra búsqueda conceptual fue sobre cómo crear algo que funcionara todo junto”, dice Weigel. Así, dieron forma a un storyboard de la ciudad, una torre de tiempo, diez columnas interactivas, y pantallas de bienvenida y buen viaje, entre otras.

MONTREAL MON AMOUR La ciudad más importante de la provincia de Quebeq, esa urbe biparlante y multicultural, es la sede de operaciones de Moment Factory. Montreal es un “centro creativo extremadamente importante en la industria de los videojuegos, del arte en escena, del cine. Usamos todas estas formas de arte y de expresión a modo de inspiración para nuestros proyectos”, opina la argentina Johanna Marsal, con admiración al lugar del mundo que adoptó como su hogar.

Otros inmigrantes, además de los locales, le imprimen a la ciudad un pedacito de sus idiomas, tradiciones, gastronomías, religiones y costumbres. En una caminata de veinte minutos, dice Nelson de Robles, uno se puede cruzar todo tipo de culturas: “Encontramos

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un restaurante vietnamita al lado de uno griego, uno chino y otro mexicano, y todo ese tipo de culturas se mezclan en el arte. No es por nada que todos los ingredientes para formar el estudio los hemos encontrado aquí en Montreal, y que nos ha dado el puntapié para lanzar proyectos también a escala internacional”.

En Moment Factory, esa multiculturalidad se percibe a cada instante. Por eso, una de las fuentes de inspiración más grandes es el propio estudio. “Tenemos gente de todos los continentes y de todas las etnias y las culturas, trabajamos juntos y promovemos bastante las actividades grupales. Creamos eventos internos, en donde cada uno puede expresar su tipo de arte; nos inspiramos mucho entre nosotros”, dice el director Multimedia. Y obviamente, por tener la suerte de viajar por todo el mundo, todas las referencias que encuentran en otros sitios también son bienvenidas en su trabajo cotidiano.

Además de Montreal, Los Ángeles y Barcelona, las instalaciones y espectáculos pueden verse en Vancouver, Ottawa, Winnipeg, Atlanta, Atlantic City y muchas más. Aún les queda incursionar en América Latina. “Tuvimos muchísimos encuentros y reuniones para hacer cosas allí. Moment Factory es una empresa relativamente joven, estamos en pleno desarrollo, y pensamos llegar hasta Colombia, México, Chile, Brasil, Argentina. Creo que es ahora el momento, porque el mercado está más abierto a lo que nosotros hacemos, a lo que es multimedia. Mi sueño es hacer un proyecto en Argentina, algo enorme, como un mundial o los Juegos Olímpicos de la Juventud en 2018 en Buenos Aires. Espero que la oportunidad no me falte”, se despide Johanna. + www.momentfactory.com

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personas creativas 067 gastronomía

Tato Giovannoni Diseñador de tragos

Un recorrido por la vida del bartender Tato Giovannoni, creador de tragos, charlas detrás de la barra, y momentos de puro placer. Hoy nos abre las puertas de su propio bar, y cuenta cómo es vivir de la pasión que lo acompaña desde chico. | Texto: María Paz Berri. Fotos: Maia Croizet @MaiaWATIO

Hay una canción de Víctor Jara que dice: “Ir y venir luchando por las cosas más queridas, si bien nos gastó las manos, nos deja abierta la vida”. Y sin dudas, sintetiza un poco el presente de Tato Giovannoni, que trabaja desde hace tiempo en la gastronomía, y hoy tiene su propio bar, con una de las mejores barras locales (Florería Atlántico), y hasta lanzó una línea de bebidas. ¡Salud!

imagen y tragos de diferentes firmas. Constante, perseverante, y convencido de que iba a lograr su sueño, nunca “bajó la copa”. Y estuvo allí, cuando en nuestro país se dio todo este gran cambio gastronómico que nos abrió la cabeza, y permitió probar y conocer cosas totalmente nuevas. Para muchos, es el bartender que cambió la coctelería en Buenos Aires. Y algo de eso, hay…

Antes, trabajó para marcas muy reconocidas como Chandon, Gancia y Absolut. También en barras importantes como Danzón, Sucre y 647. Pero eso no es todo: creó cartas a pedido, estuvo detrás del lanzamiento de distintos productos, y hasta diseñó etiquetas,

UN POCO DE HISTORIA Nació en Buenos Aires, pero desde los 4 a los 18 años, vivió en Pinamar. El rubro lo heredó de su padre, un gastronómico con negocios en Pinamar, Cariló y Bariloche. Así que no pudo escapar a

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+ Uno de los cocktails que pueden degustarse en Florería Atlántico.

+ De la línea de bebidas de Tato, el agua tónica “Pulpo Blanco” y el gin “Príncipe de los Apóstoles”.

los aromas y sabores de la buena cocina, y a las historias de quien pasa los días codo a codo entre cucharones, ollas y sartenes (y algún que otro trago). “Mi madre siempre me cuenta que cuando mi papá tuvo su primer restaurante en Pinamar, yo me quedaba dormido en la cuna en la cocina. Así que es algo que traigo incorporado. Además de que a los 12 años ya empecé a ayudar a mi papá. Arranqué como bachero divirtiéndome y lavando copas con los chicos que laburaban ahí”.

especial y hasta cierto misterio. Hay pocos lugares así en Buenos Aires. Arriba funciona una florería que también es vinoteca y en donde, además, se venden discos de vinilos. Está a cargo de la esposa de Tato, con quien tienen a Milo de cinco años y a Matilda de un año.

A los 18 se vino a estudiar a Buenos Aires y abrió su propio camino. Estudió dos años diseño gráfico, y después se cambió a dirección de arte publicitario en la Escuela de Creativos (donde se recibió de director de arte publicitario). Pero en el medio de todo eso, seguía trabajando en gastronomía, bares y boliches los fines de semana. “Desde siempre me gustó trabajar en la barra. Creo que tiene una mezcla apasionante: la creatividad del cocinero, sumada al contacto directo con el cliente que tiene el camarero. En la barra, siempre tenés sentada a la gente enfrente, y me gusta mucho ese contacto”.

Tato está convencido de que para que el trago sea rico, además de estar bien preparado, debe ser acompañado por un muy buen trato: “Un barman es alguien que está al servicio del otro, y en un lugar en el que la gente va a pasar un buen momento. Entonces, la atención es lo que hace la diferencia”.

FLORES Y TRAGOS Florería Atlántico queda en Barrio Norte (Arroyo 872, CABA), en el sótano de un edificio, lo que hace que el lugar tenga un encanto

“El concepto de ‘bar de inmigrantes’ que teníamos en mente con mi socio Julián Diaz (dueño del bar 878), cerró por completo cuando estudiamos la historia de todo el barrio, y nos enteramos de que esta zona a principios de siglo XX había sido portuaria. El edificio Mihanovich, que está enfrente, fue la principal empresa naviera de Latinoamérica”. El diseño de las paredes lo hizo el mismo Tato.

Lápiz en mano, dejó su impronta a través de dibujos de monstruos marinos, y otros relacionados a los inmigrantes y mapas antiguos del cruce del Atlántico. Y así fue como nació este bar con “aires de mar”, en donde también se pueden comer pescados, mariscos y algo de carne asada a la parrilla.

Como no podía ser de otra manera, la carta de tragos fue pensada en base a las cinco inmigraciones más importantes que hubieron en el país desde 1920 (Italia, España, Francia, Polonia e Inglaterra).

De esta forma, hoy existen distintas propuestas con una estructura clásica, pero en versión más moderna, que representan a cada una de esas nacionalidades. Y para no perder las costumbres “argentas”, también se puede degustar una sección de tragos criollos y otra de clericós. “Es algo para todo el mundo, porque los precios son bastante accesibles. Hay de todo. Se juntan una señora y un señor de 80 años comiendo langostinos con la mano, y al lado una pareja joven, un abogado, un juez y hasta artistas plásticos”.

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+ Las paredes de Florería Atlántico fueron pintadas por Tato personalmente, con motivos marinos.

LA COCTELERÍA ARGENTINA Tato está convencido de que la coctelería en nuestro país crece año a año, y que además, somos referentes en Latinoamérica: “Estamos al mismo nivel de muchos bares en Tokio, Berlín o Nueva York. Acá, el público abrió mucho su paladar en los últimos diez años, acompañando el cambio de la gastronomía que hubo en la argentina”.

En este contexto, es que lanzó su propia línea de bebidas. Un gin que se llama “Príncipe de los Apóstoles”, hecho a base de yerba mate, pomelo rosado, eucaliptus y peperina. Basado en el con-

sumo del tereré del noreste del país. Y hace poco, sacó un agua tónica que se llama “Pulpo Blanco” –ideal para coctelería-, con una burbuja bien finita y un dejo a mandarina. Cualquiera de sus productos se consigue en bares y vinotecas de todo el país. Además de que en breve estará saliendo la primera exportación de dos mil botellas a Inglaterra: “Fue mucho lo que hicimos este año, y estoy muy feliz. Me encanta pensar que vivo de lo que amo, y que sigo ligado a algo que viví desde muy chico. Es pura satisfacción.

Y creo que cualquiera lo puede lograr. Hay que focalizarse en lo que uno quiere”. ¡Un brindis por Tato! + www.floreriaatlantico.com.ar

TATO RECOMIENDA Un trago para hacer en casa: Cyn Tonic. Sólo hacen falta 50 ml de Príncipe de los Apóstoles y 25ml de Cynar (aperitivo italiano).

Completamos con tónica Pulpo Blanco, y para decorar, usamos una ramita de eucaliptus. +

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| Foto: Ferran Casterà

Joan Tarragó

Camino al Art Basel de Miami Joan Tarragó es ilustrador y director de arte. Hoy tiene su propio estudio en Barcelona, pero desde que consiguió una beca hace diez años para estudiar en Atenas, no ha dejado de viajar; sobre todo, entre sus otras ciudades: Berlín, París y Biarritz. Sus proyectos van desde la ilustración más pura al diseño de moda, pasando por la pintura, el street art y el diseño gráfico. | Texto: ArtsMoved, un proyecto dirigido por la asociación Movimiento Artes (formada en Barcelona), dedicado a la difusión y promoción de la cultura, a través del arte realizado por jóvenes artistas. www.artsmoved.cat

personas creativas

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Ha trabajado para marcas como Converse, Quiksilver, Ambiguous Clothing, Nike o Rayban, aunque su obra más personal -repleta de animales y personajes fantásticos, paisajes simbólicos, líneas y texturas-, le ha llevado a formar parte de importantes festivales y exposiciones. Ahora, por ejemplo, mientras lo entrevistamos, va de camino al Art Basel de Miami. Ni más, ni menos. + Diseño gráfico, ilustración, street art… ¿Qué ámbito describe mejor quién es Joan Tarragó?

JT Todos mis proyectos empiezan dibujando a mano, boli negro y papel blanco (ilustración). Cuando tengo el dibujo preparado, continúo el proceso de forma digital; lo limpio y lo perfilo, jugando con la multitud de herramientas que proporcionan Adobe Photoshop e Illustrator (diseño gráfico). Una vez que la imagen está madura, me encanta estamparla, así que preparo una pantalla de serigrafía para poder reproducirla manualmente y pegarla en el entorno público (street art). Me resulta difícil, entonces, etiquetarme en un ámbito concreto, ya que el proceso entero pasa por varias disciplinas, y cada una de ellas me ofrece sensaciones concretas y me llena de forma distinta, aunque creo que el hilo conductor que sirve de vínculo entre estos ámbitos es la ilustración. + ¿Hasta qué punto consideras que tener experiencia estudiando y trabajando en otros países es importante? ¿Cómo crees que tus días en Atenas, Berlín y París se reflejan hoy en tu trabajo?

JT La primera pregunta me trae a la cabeza la frase de “The magic happens out of your comfort zone!”. Salir de mi zona de confort hizo que pasaran (y me sigan pasando) cosas inesperadas, nuevas, mágicas, únicas, originales, frescas e inimaginables. Cuando te sitúas en la periferia y lo ves todo con perspectiva, te llegas a dar cuenta de la grandísima cantidad de opciones y caminos que puedes elegir. Es justamente ahí cuando se te empiezan a agudizar los sentidos, se te abre la mente, desarrollas la paciencia, y las capacidades comunicativas aumentan. Te ayuda a comprender el mundo un poquito más, y creo que esto es algo esencial para cualquier persona cuya pasión sea la de comunicar o transmitir un mensaje. + ¿Y la segunda pregunta?

JT En cuanto a la segunda pregunta, cada ciudad en la que he vivido me ha marcado de una forma distinta. Atenas me dio la libertad y la confianza como para saltarme aquellas barreras imaginarias que a veces nos creamos nosotros mismos. La posibilidad de perderme dibujando durante meses en ese país y por sus islas, despertó una especie de monstruo que desde entonces no ha parado de devorar y producir imágenes. Fue en esa etapa cuando nacieron un grupo de dibujos de personajes nuevos que, poco a poco, país a país, fueron evolucionando. Berlín hizo que todo este imaginario cogiera forma y se materializara, que saltara del papel a la ropa, de las dos a las tres dimensiones. Junto con Karen Scholz, mi compañera de viaje en Grecia y de proyecto Berlín, llevamos a cargo una colaboración entre las disciplinas diseño-arte / moda-pintura. El resultado final fue la colección de artefactos-moda “Drawellink Places”. Este proyecto, diseñado, pintado y cosido en Berlín, resultó ser un pasaporte para entrar en el Studio de John Galliano en París (gracias a ser finalistas al premio mundial de diseño ITS #5, en Trieste, Italia).

Posteriormente, a través de otro premio europeo de diseño (Stiftung der Deutschen Bekleidungsindustrie, Munich, Alemania), el director creativo de Quiksilver Europa nos invitó a ir a la central europea de la marca en San Juan de Luz (país vasco francés), para interpretar la marca de surf por medio de nuestro estilo gráfico/moda, realizando una colección de ropa de edición limitada que aparecería en 2009. + ¿Nos explicas cómo es trabajar en el estudio de John Galliano?

JT Después de haber estado trabajando durante años con medios muy limitados, entrar en el estudio de John Galliano es como estar en el Disneyworld de los estudios y los talleres. Pero eso no es

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+ todo. Estuve compartiendo una de las salas junto con un grupo de diseñadores internacionales con habilidades muy concretas, elegidos específicamente por la “head designer” y reclutadora -que en ese momento era Elisa Palomino-, para trabajar en equipo y poder conseguir resultados únicos e inéditos. Allí me encontraba yo. Era el único que no procedía de diseño de moda, así que empecé a generar gráficos sin parar, pintar sobre materiales, dibujar sobre piel, bordar sobre sedas, siempre con mis personajes, pero esta vez, jugando dentro el mundo, de John Galliano. En un mes, conseguí posicionarme, y a la print designer del estudio le gustaron mis diseños, ¡así que me propuso pasar a ser su asistente! No me pude negar. ¡Fue genial! Hicimos grandes experimentos juntos; se trataba de soñar con libertad a través de los briefings de las colecciones. Muchos de los gráficos que realizamos no se acababan produciendo, pero nos servían para llegar a los prints definitivos. Todo fluía; no seguíamos tendencias, las creábamos. + ¿Qué es lo mejor y lo peor de tener tu propio estudio y ser tu propio jefe?

JT Lo mejor: poder trabajar desnudo. Lo peor: cuando la línea que separa la vida profesional de la personal empieza a desaparecer. + ¿De qué proyecto estás más orgulloso? ¿Por qué?

JT Al no poder inclinarme por uno en concreto, comentaré dos que me hacen sentir muy orgulloso. En primer lugar, “Drawellink Places”, un proyecto al que le tengo mucho cariño, puesto que fue una apuesta muy, muy complicada, y dio un resultado genial, materializado en los tres premios que ganó. Gracias a este proyecto, se encendió la locomotora del estudio. Finalmente, la “Special Guest Collection” para Quiksilver. Me ayudó a realizar uno de mis sueños de cuando era pequeño: ¡dibujar para una marca de surf! Este proyecto fue como un parto, duró 9 meses, y durante este tiempo, diseñamos una colección de verano para hombre con 19 referencias/productos, desde zapatillas hasta boardshorts, pasando por camisetas, shorts, sudaderas, chaquetas y camisas. Todo realizado bajo un estilo y concepto propio muy personal. Quién me hubiese dicho cuando era un chaval, que Phil Grace, uno de los fundadores de Quiksilver, me felicitaría por mi trabajo para su marca. ¡Ese momento fue genial! + Es curioso que un ilustrador formado en Bellas Artes casi no use más colores que el blanco y negro. ¿Hay alguna razón concreta que nos puedas develar?

JT ¡El blanco y el negro, la mancha, las líneas, las tramas, el negativo y el positivo me vuelven loco! Me encanta el contraste que se genera, ese aspecto de esbozo como medio crudo y el momento de inacabado. Me parece más directo y cercano. + Mirando los detalles de tus ilustraciones, te puedes pasar un buen rato. Y para crearlas, ¿cuánto tiempo necesitas? Pongamos un ejemplo concreto: la ilustración “Wynwood Eye” para Art Basel en Miami.

JT Concretamente, en esta ilustración, estuve trabajando 4-5 días.

“Wynwood Eye” es el dibujo que he elegido para pintar en Art Basel Miami 2013. Forma parte de una colección de imágenes que estoy realizando, llamada “Marañas”. Consiste en crear composiciones abstractas gráficas de líneas caprichosas, que crecen orgánicamente, sin una dirección establecida, pero al aplicarlas, con el efecto espejo, de repente se ordena y todo coge sentido. Se crea un tipo de escudo, con sus momentos mandala, fractal… Es un caos ordenado, que parece describir muy bien mis últimos años.

otro. Hay una parte de los trabajos comerciales que están resueltos con mi estilo de ilustración y hasta ahí todo bien, ¡perfecto! Son trabajos que puedo mostrar junto a lo más personal. Sin embargo, hay otras veces que los gráficos que realizo no tienen mucho que ver con mi estilo, por ejemplo, en los proyectos de desarrollo gráfico-textil para marca de ropa. Es ahí donde se me generaba la duda: ¿hay que crear una página Web paralela a la personal para no mezclar peras y manzanas? Pues creo que no. Peras y manzanas, para mí, quedan muy bien juntas. Me parece interesante enseñar los distintos estilos/ lenguajes gráficos que puedo desarrollar. ¡Todos estos trabajos han sido “challenges” superados y estoy feliz de mostrarlos en mi Web!

+ ¿Cómo se combinan y coexisten el trabajo personal y el creado para marcas comerciales?

JT Je, je, je… Qué bueno. Éste ha sido uno de los temas de discusión entre mis amigos, cuando nos pedimos consejo de cómo hacer y presentar los trabajos. En mi caso, se ve claramente que trabajo con ilustraciones personales por un lado, y gráficos comerciales por el

+ Nos ha encantado tu pintura mural para el Festival Asalto de Zaragoza, realizado con Margue López, con quien colaboras habitualmente. Cuéntanos sobre VWorkshop, vuestro tándem creativo.

JT VWorkshop es un colectivo creado en Barcelona en 2008, aunque ya lo soñaba antes de que naciera. Un tándem entre Margue López y un servidor, un colectivo de artistas-diseñadores que trabajan

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bajo una misma dinámica creativa. Cruzamos nuestros caminos en la facultad de Bellas Artes de Barcelona, pero no fue hasta dos años más tarde cuando decidimos crear el estudio de producción gráfica V.W. Somos dos amantes del grafismo y del espacio, del volumen y el detalle, de las dos y las tres dimensiones, de la ilustración, la tipografía, el cartelismo y los mensajes.

Actualmente, la principal actividad del grupo consiste en darle vida a un lenguaje gráfico único, experimentando con gran cantidad de técnicas y una amplia variedad de materiales naturales. La obra de nuestro colectivo es una combinación entre los imaginarios gráficos de cada uno. Mi parte del tándem se encarga de ilustrar un mundo de animales y personajes fantásticos, espacios sagrados cargados de simbolismo y curiosas tramas, trazos y texturas. Una atmósfera de ritual lista para mezclarse con el delicado escenario elaborado por Marga, lleno de tipografía y vegetación. Un sinfín de líneas orgánicas que crecen caprichosamente, entrelazándose con patrones geométricos, para dar marco y posada a una fauna que le encanta

Link a la nota: http://9010.co/notajoantarrago

aparecer por la calle. + ¿Alguna pregunta que no te hayamos hecho y que te gustaría contestar?

JT ¡Claro que sí! Quería comentar que esta entrevista ha sido escrita a lo largo de este viaje increíble en el que estoy inmerso ahora mismo.

Las preguntas las he respondido desde Medellín, Cartagena, Bogotá y Miami. Entre momentos de euforia, libertad, fiebre, fiesta, cansancio, alegría, estrés, felicidad y bastante locura. Este viaje termina con el proyecto que estoy a puntito de empezar en Art Basel Miami. Cada vez que pienso en él, se me dibuja una sonrisa de niño que no hay quien me la saque. Todo está listo para hacer la ilustración de “Wynwood Eye” sobre una de las paredes del centro del barrio de Wynwood de Miami, The Miami Art District, del 4 al 8 de diciembre. Paralelamente, tomaré parte en una exposición colectiva llamada “Shoot for the Moon”, y también participaré en el “EXTRACT Wynwood’s First Street Art Fair”. ¡No podría ser más feliz! + www.joantarrago.com

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personas creativas

+ 075 moda

Delia Cancela Papeles femeninos

El incipiente tacto cotidiano con el papel, las revistas de moda, el perfil de Jacques Fath, el arte, un corazón, la dupla. Si una mujer se hace, Delia optó por la creación lúdica, y traza una vida creativa, en donde la moda cómplice se viste de arte. | Texto: Celeste Nasimbera @SrtaCele

“Nosotros amamos los días de sol, las plantas, los Rolling Stones, las medias blancas, rosas y plateadas, a Sonny and Cher, a Rita Tushingham y a Bob Dylan. Las pieles, Saint Laurent y el Young savage look, las canciones de moda, el campo, el celeste y el rosa, las camisas con flores, las camisas con rayas, que nos saquen fotos, los pelos, Alicia en el País de las Maravillas, los cuerpos tostados, las gorras de color, las caras blancas y los finales felices, el mar, bailar, las revistas, el cine, la Cebellina. Ringo y Antoine, las nubes, el negro, las ropas brillantes, las baby-girls, las girl-girls, las boy-girls, los girl-boys y los boys-boys”. Delia Cancela/Pablo Mesejean, Buenos Aires, 1966.

El manifiesto es la expresión de las vanguardias, la bandera de los movimientos artísticos, un puñado de palabras fuertes que se repiten, una declaración de estilo. Delia Cancela junto con Pablo Mesejean (compañero creativo y sentimental) conformaron la pri-

mera pareja artística argentina y su manifiesto da cuenta de su sentir: ante todo, sonreír.

Delia Cancela es una artista argentina formada en el Instituto Di Tella (centro de investigación cultural que funcionó entre los años 1958 y 1970 en Buenos Aires). Aquél espacio libre que vive a través de recuerdos, archivos desordenados y se alimenta del imaginario popular. En ese exacto punto neurálgico de efervescencia cultural, Delia transitó su juventud. + ¿Qué recuerdos conservás del Instituto Di Tella?

DC ¿Allá lejos? ¡Qué te puedo contar! Lo recuerdo muy mezclado… Era un espacio en donde nos permitían hacer cosas. Realmente, había una gran cantidad de artistas, y nos dejaban hacer.

Pero por otro lado, yo no lo vivía tan bien. Me costaba, como artista y como persona.

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+ Delia Cancela: una artista en la moda. Muestra que puede verse en el CMD hasta el 2/03/2014.

CREAR UNA REVISTA En “Experiencias ’68”, Delia y Pablo presentaron una instalación que simulaba ser una revista, todo el proceso de armado. La nombraron “Yiyish” (que en armenio significa “lindo”) y, a través de ella, indagaron en los medios, la serialización, lo múltiple. + ¿Por qué jugar a crear una revista?

DC Esa revista fue una instalación. La idea era recrear todo el proceso de realización de una revista, hacerla e incluso, venderla.

Soy hija de mi padre, y él tenía recorrido de diarios y revistas.

Cuando yo era chica, a mi casa llegaban todas las revistas, todos los diarios, y yo me alimenté de eso. Surgió de modo muy natural.

Ese proceso era un acercamiento a los medios. Esa revista fue una instalación, en ella incluimos dibujos de moda, pero lo que pasaba con ellos es que no eran el fin. De todos modos, nos interesaban. + Había cierto aire premonitorio…

DC Algo. Yo ilustré muy poco. Los dibujos que salieron en Vogue eran nuestros dibujos: yo dibujaba lo que nosotros hacíamos con Pablo. Después, sí ilustre en los años 80 y 90. Hice algunas ilustraciones para el Vogue francés, por ejemplo.

ARTE Y MODA Delia consiguió una beca y se instaló de muy joven en París. A partir de allí, su pasaporte marca New York, Londres y, finalmente, el regreso a la ciudad de las luces. Detrás de sus palabras, debajo de la conjugación plural del hacer, se encuentra otra

de las acciones de la pareja: Cancela – Mesejan, Pablo and Delia en Londres, Pablo et Delia en París. Llegaron a comercializar en Brown, Harrods, Mister Fish en Londres y Bloomnigdale’s, Macy’s y Lord and Taylor en New York. El papel se vuelve boceto, y la tela es hoja en blanco. El espíritu artístico piensa el cuerpo y lo acompaña transformado en prenda. La desfachatez se traduce en detalles, colores, estampas, en un modo de hacer la ropa. + ¿En qué momento la artista encontró a la moda?

DC Creo que fue antes de darse cuenta qué era el arte y qué era la moda. De pequeña, yo adoraba esas revistas de moda; llegaban muchas alemanas. Y ahí me enamoré de Jacques Fath. Lo recuerdo hasta en la pose, lo vi y me enamore de él. De él, de lo que representaba, de esa mujer vestida. Ahí creo que la artista, que todavía no era artista, se enamoró de la moda. + ¿Cuál es tu vínculo con el papel?

DC Es muy fuerte, es algo que siempre necesité. Necesitaba todo el tiempo el papel y el lápiz. Será por el dibujo, por pertenecer a una generación que leía desde muy chicos; nosotros no teníamos lo que hoy. Yo adoro los papeles, tocarlos, me aterran. Tengo una historia frente al papel. + ¿Y con la tela?

DC Es lo mismo, lo que pasa al papel, los elementos para pasar a la tela para crear la prenda. Es lo mismo.

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+ ¿Qué te permite la moda que el arte no?

DC La moda te pone un cuerpo, tenés que vestirlo. Tenés un mercado, tenés que vender. El arte también. Es lo mismo. Cuando hago ropa, respeto el cuerpo. Ahí no ves el trabajo de un artista, sino prendas, colecciones, que eran muy vanguardistas para la época, además de cómo se presentaban. La moda es imágenes.

Diseñar no es hacer una prenda, es crear imágenes. De todos modos, hace mucho que no hago colecciones. + ¿Te gustaría hacer moda hoy?

DC Me gustaría hacer cosas pequeñas, pero no lo sé.

Delia Cancela estableció un vínculo con la moda desprejuiciado, fresco, moderno y de gran resolución. La esencia artística se detecta en los colores, las estampas y los movimientos de las prendas, pero no olvida ser moda: es ropa realizada para usar. Hay elementos visuales que se repiten en su trabajo: los corazones, las flores, los personajes de “Alicia en el País de las Maravillas”.

Una constante que da cuenta de una necesidad, una pregunta, una respuesta. + ¿Por qué la búsqueda de lo femenino?

DC Siempre, desde el comienzo como artista, trabajé con lo femenino. Me tocó. Yo viví en una sociedad en la que todavía era muy fuerte el mandato familiar, la línea entre lo masculino y lo femenino.

Todo lo que se suponía que la mujer podía hacer o no. Fue natural en mí trabajar la mujer. Con mucha gracia, abordé lo femenino.

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DELIA SE MUESTRA “Hace ya entonces unas cuantas décadas que Delia crea y practica esa moda suya, aventurera y jubilosa, siempre joven, siempre actual y siempre en ruptura con las convenciones”. Javier Arroyuelo.

Las palabras del escritor Javier Arroyuelo (curador de la muestra “Delia Cancela: una artista en la moda”) invitan a recorrer el vínculo de artista Delia Cancela con la moda. La realización de la curaduría supera lo estático, e imprime aires de verano. La disposición de las prendas originales se construye/conduce a través de un recorrido en ocho (el tiempo infinito, retroalimentándose).

El acercamiento se disfruta liviano, probablemente, por el modo desprejuiciado de colgar las prendas, las estampas de Delia (que bien pueden funcionar modo de cuadros) y el diálogo que establece con la juventud.

Dos artistas dan cuenta de lo aprehendido. Arroyuelo incorpora a sus propios alumnos en la muestra. Además de las piezas de la artista, se balancea en las alturas un taller creativo donde quienes hoy se encuentran aprendiendo, encontraron la oportunidad de tomar, comprender y construir prendas. Javier capta la esencia de una amiga, e invita a transitar la moda.

“Delia Cancela: una artista en la moda” se encuentra abierta al público hasta el 2 de marzo del 2014, en el Centro Metropolitano de Diseño (Algarrobo 1041, CABA). +

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personas creativas 079 ilustración

Franca Barone

Ilustración emergente Nacida y criada en el barrio de Belgrano, Franca decidió estudiar ilustración en Parsons (Nueva York), cuatro años atrás. Recién graduada y con un par de comodines ya a su favor, la talentosa ilustradora emergente nos cuenta acerca de su experiencia, sus desafíos actuales y sus ilusiones en un futuro que recién está comenzando. | Texto: Fernanda Cohen (*) @fernandacohen

ANTES Franca tiene 25 años, una linda edad para empezar a construir un camino en serio, cuando todavía disfruta de la frescura y la espontaneidad de una adolescencia reciente, mezclada, a su vez, con la novedad de esa madurez que empuja una sensación de fin del mundo, donde ahora hay que hacerse valer en las ligas mayores. Y así es que se fue con 21 añitos a estudiar ilustración -nada más y nada menos- que a Nueva York, la meca de esta disciplina: “Honestamente, nunca tuve una muy buena razón de por qué estudiar en Estados Unidos; sabía muy poco acerca del sistema universitario americano. Conocía Nueva York, y entendía que era una ciudad en

la que me gustaría vivir en algún momento, porque me parecía estimulante en varios sentidos. Empecé mi aplicación para estudiar en Parsons mientras todavía estudiaba cine en la FUC. El proceso duró más o menos un año hasta que me aceptaron, y me dieron una beca que me permitió finalmente estudiar ahí”.

No puedo evitar identificarme con su historia, por lo que hablar de Franca, refleja muchísimo de mi propia experiencia. Buenos Aires no es fácil de dejar atrás, una ciudad malcriadora por naturaleza, donde la comodidad y el acceso a lo que parece ser infinito y eterno se empeñan en acostumbrarnos a un confort al que la

(*) Fernanda Cohen es ilustradora, graduada en la School of Visual Arts de New York. www.fernandacohen.com

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cultura americana mira tan sólo desde lejos, a modo de vacaciones esporádicas. Irse de semejante paraíso -en lo que a estilo de vida se refiere- es un acto de valentía que a los 21 años resulta tan natural , como hacerse un tatuaje o ponerse un piercing. Pero la vida continúa, y Nueva York no es el tipo de ciudad que espera a que nadie se acostumbre a ella; más bien, es exactamente lo opuesto. De pronto, te encontrás con una realidad que lo refleja a uno mismo, pero con todos los sentidos más afilados, y el juego por fin comienza…

“En Nueva York descubrí una nueva forma de estudiar, que creo que tiene que ver con estar en un ambiente desconocido y lejos de mi circuito de gente en Buenos Aires. Cuando llegué a Parsons por primera vez, no conocía a nadie que viviera acá, así que los primeros años fueron muy intensos. Logré un nivel de concentración que nunca había tenido como estudiante en mi ciudad. Claro que Parsons como institución tuvo bastante que ver también, ya que es un ambiente muy exigente y competitivo, que demanda mucha dedicación”.

AHORA En Parsons, Franca se nutrió de todo lo que tuvo al alcance, desde sus profesores y compañeros hasta aquellos rincones de cada aula, inmersos en una doctrina tan distinta a la porteña. Me cuenta que las materias que más le rindieron y la encaminaron fueron aquellas enfocadas en recursos técnicos, porque le permitieron concretar ideas, fuera a través del óleo o de un software. “Siempre me ayudó encontrar soluciones prácticas para plasmar cuestiones más abstractas”- dice en un auto-análisis. Ahí tuvo la oportunidad

-más bien, un privilegio- de codearse con profesores como Jordin Isip, Steven Guarnaccia y Jeff Quinn, “…personas que por diferentes motivos, siempre admiré mucho. Me fascina ver la diversidad de estilos de vida de la gente que se dedica a esto, y a ellos los admiro porque tienden a ser felices y tienen sentido del humor”.

Desde mayo del 2013, Franca abandonó el status de estudiante para pertenecer a la comunidad de ilustradores que -algunos más y algunos menos- ejecutamos las imágenes más memorables en diarios, revistas, campañas publicitarias, libros para niños y en tantos otros medios alrededor del mundo. Un gran desafío, sin lugar a dudas. Más aún, entendiendo cuán menor es el porcentaje de estudiantes de ilustración que logra hacerse de una carrera de autor, dícese de quien es reconocido con su propio nombre, por tener un estilo propio. Claro que muchos se destacan con otro tipo de éxito, como la dirección de arte y demás, pero…

En fin, la gran mayoría de estudiantes tiende a soñar con una carrera de autor, en mi experiencia, tanto como estudiante como como profesora.

El talento no lo es todo, por más de que sea un factor de suma importancia, por supuesto. Pero la norma dicta que de nada sirve a no ser que esté acompañado de herramientas sociales que nos permitan hacer contactos, organización comercial para entender que pasamos a ser “una empresa”, disciplina, constancia, paciencia y mucha, mucha determinación, ya que no es suficiente querer establecernos, sino más bien cuánto más que el resto estamos dispuestos a hacer para lograrlo.

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Franca –definitivamente- tiene el talento necesario, nutriéndose de un estilo más único que lo que yo al menos había visto en muchos años. “Creo que mi trabajo es una mezcla de cosas, muy típica de Latinoamérica. La forma en que ejecuto mi arte tiene mucho que ver con mi estilo: nunca le dedico demasiado tiempo a los bocetos; en mi laburo, es muy importante el acto físico de dibujar, y es así como voy encontrando formas y se me ocurren ideas. Creo que esta metodología tiene que ver con un realismo mágico y con una cosa medio nostálgica, y a veces barroca, que tiene mi estilo”.

Mágico es la palabra clave en la percepción sensorial de las ilustraciones de Franca, creando un mundo de grafito y monoprints sobre papel de acuarela, en donde la realidad entra y sale al ritmo de sus perspectivas incongruentes, empapándose de una mezcla de inocencia y ese tipo de juego existencial que nos marca que hay un mensaje presente, por más de que no entendamos bien cuál es.

“Muchas cosas muy distintas me inspiran, desde diseñadores contemporáneos escandinavos como Maria Dahlgren, Aino-Maija Metsola y Mamma Andersson, hasta los diseños textiles de Gunta Stölzl para la Bauhaus, los pintores americanos Milton Avery, Cy Twombly y Will Barnet, la sección de arte egipcio del MET y un sinfín de inspiración argentina”. Sus influencias la delatan, como suele suceder. Ahora entiendo un poco mejor el contraste entre sus formas al borde de lo gráfico y lo quasi realista, lo simétrico y lo abstracto, conviviendo en un batido de contradicciones propio de una artista que eligió combinar dos

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culturas tan opuestas y tan complementarias a la vez.

DESPUÉS Con menos de un año ganando calle, el trabajo de Franca ya fue premiado por el prestigioso concurso American Illustration en categoría profesional, y a su vez, fue convocada por el mismo para diseñar seis tapas originales dentro de 300 piezas únicas junto a 35 artistas establecidos, que incluyeron a Serge Bloch, Nora Krug, Paula Scher, Laurie Rosenwald y Nicholas Blechman, entre otros.

Sumado a este pequeño pero significativo laurel, Franca acaba de ser contratada por la compañía neoyorquina de diseño Tom Cody, para crear arte original adaptable a cualquier superficie que le de la bienvenida al arte en formato 2D. Pareciera, entonces, que además de tener talento, Franca abarca las otras reglas del éxito que, sumadas al factor suerte, están cumpliendo rápidamente un sueño en realidad: “armar una reputación arrancando de cero”.

Sin planear por el momento volver a Buenos Aires, Franca aspira a expandirse en los campos de arte textil y editorial, para eventualmente -a largo plazo-, convertirse en una directora de arte experimentada en ambos lados del mostrador. Cuando le pregunto cuál es la lección más relevante que aprendió viviendo lejos de su ciudad natal (y todo lo que eso implica), me responde: “A tomar mis creencias livianamente”. Sabias palabras de un camino recorrido con más distancia que tiempo. + www.francabarone.com

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personas creativas 083 gastronomía

Fernando Trocca La mesa está servida

Reúne los ingredientes necesarios para ser un correcto hedonista. Un recuerdo familiar, un disfrute temprano, una considerable cantidad de sabores cosmopolitas, una sutil tendencia a la sofisticación y una generosa dosis de confianza. Todos los elementos se amalgaman para transformar al cocinero Fernando Trocca en un dandi posmoderno. | Texto: Celeste Nasimbera @SrtaCele

La atenta mirada de Fernando se encuentra enmarcada por un par de lentes negros gruesos. A través de ella, recorta. De oficio, cocinero. De saber vivir, un bon vivant. Trocca es un ciudadano del mundo, en cuyas manos, las redes sociales devienen en diario del viajero. A través de ellas, comparte imágenes, videos, recetas, recomendaciones varias. Fotografía la tranquilidad del barrio chino porteño en un día de semana, recorre un mercado en Estocolmo, y comenta sobre especias en Bolivia. El color, el olor y el sabor se transforman en una bitácora virtual.

Fernando Trocca sabe lo que quiere. Este trotamundos, en algún

momento, fue un niño. Un nieto curioso que recuerda a su abuela como aquella persona responsable de inculcarle el amor a la cocina.

“Más que enseñarme, ella me inculcó el amor a la cocina. En ese momento, detecté que me gustaba comer lo que ella me cocinaba; era demasiado chico para saber si eso me iba a gustar en el futuro.

Era algo natural comer bien, pedirle a ella el menú que queríamos.

Verla cocinar era algo diario”. Cuando Fernando se decidió, estudiar cocina en la Argentina no era una opción. Entonces, el hacer fue la solución. La cocina, el ajetreo y el resolver le dieron la formación.

Trabajar bajo las órdenes del Gato Dumas y Francis Mallman, le permitió aprehender un equilibrio profesional.

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+ ¿Qué te enseño el Gato Dumas?

FT Lo que más aprendí es que, además de trabajar duro en la cocina, es posible pasar un buen momento. Al principio, implica trabajar de noche y los fines de semana, mientras tus amigos salen. Él me enseñó que podés divertirte y pasarla bien. El Gato fue un revolucionario en la cocina. Hoy, todos le debemos -en parte- en donde estamos, porque abrió las puertas. Sacó el cocinero de la cocina y lo expuso ante la gente. + ¿Y de Francis Mallman qué aprendiste?

FT Aprendí a tener una cocina ordenada, prolija. Aprendí el buen trato de Francis con los cocineros.

El pasaporte de Fernando comenzó a gastarse a partir del 1991.

El destino inicial: el Viejo Continente. Luego, New York. “Mi primer viaje fue de turismo, pero al mismo tiempo, de trabajo. Aproveché e hice algunas pasantías. Trabajé en Madrid, Florencia, Módena. Fue un largo viaje, aprendí muchas cosas y varias de ellas, profesionales. Es fundamental para un cocinero viajar, conocer, porque cada cocinero tiene una forma de trabajar, entonces aprendés de cada lugar donde te toca estar. De todos aprendés algo; siempre tomás algo que te va a servir en el futuro”.

Un par de años después de aquel viaje iniciático, New York fue el destino elegido. Fernando relata: “En el año 1997 me fui a

vivir a New York, ahí trabajé en un restaurant llamado Van Dam. Seguí el instinto de irme, sentía que era una ciudad que me nutría de energía creativa. Creo que para que las cosas salgan, hay que mandarse. Después se verá si bien o mal, pero para que salgan, hay que hacer.Me fui sin hablar inglés, sin trabajo y sin papeles.

Dejé una situación de comodidad para irme. Vendí todo, incluso mi ropa, en una feria americana”. + ¿Existió un momento de duda?

FT No, nunca. Hubo momentos difíciles, pero dadas las circunstancias, pudo ser una catástrofe. Me volví a los seis meses, pero para renovar mi visa de turista. Ya tenía un trabajo. Me contrataron para ser chef. Hubo una dosis de suerte que también es importante. + ¿Y qué implicó volver?

FT Volví para abrir Sucre. Fue un momento caótico del país. En algún punto, pensé que volverme había sido una decisión equivocada. Pero finalmente Sucre abrió, funcionó y fue una burbuja. Y otra vez, las cosas fueron mejor.

La decisión, la capacidad de resolver y, evidentemente, su talento en el oficio de la cocina, permitieron que Sucre –el restaurant que con más de 10 años, ya es un clásico de la gastronomía argentina, ubicado en Sucre 676, en el barrio porteño de Belgrano- resultara

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+ Sucre, el restaurant fundado por Fernando Trocca.

un éxito en plena crisis del 2001. La decisión de hacer de Fernando se nota en sus modos. Tiene una postura rígida, pero accesible, un tono de voz constante y seguro. No se percibe indecisión.

No me refiero al paladar gourmet. Mis hijos disfrutan mucho del comer. Mi hija más chica detecta, descubre si hago algo distinto al momento de cocinar. ¡Mis hijos son muy buenos paladares!

PROCESO CREATIVO + ¿Qué ingredientes son fundamentales en tu cocina?

FT Una buena sal, buen aceite de oliva, y una variedad de chiles.

+ Para sentarse a comer no puede faltar…

FT Una buena comida.

+ ¿Tenés un método al momento de realizar un plato nuevo?

FT Crear un plato es consecuencia de un proceso variado; no sigo una regla. A veces, es mirando una revista o un libro de cocina.

Otras, ocurre comiendo, viajando. Y otras tantas, cuando estoy recostado. Ahí me levanto y anoto algo para no olvidarme. Los disparadores son múltiples. Soy lanzado e intuitivo, como en el resto de mi vida. Improviso sobre la marcha. + Qué disfrutás más: ¿comer o cocinar?

FT Probablemente, las dos cosas por igual. Me gusta mucho comer, demasiado… Y empieza a ser un problema. Me gusta más comer, tal vez… Cada vez que me siento a comer, disfruto mucho.

Y como todos, no siempre tengo las mismas ganas de cocinar. + ¿Se forma el paladar?

FT Sí, como yo, de la mano de mi abuela. Así aprendí a comer rico. Al momento de comer, se puede distinguir una rica comida.

Link a la nota: http://9010.co/fernandotrocca

DE PROYECTOS Y TV Fernando Trocca es parte de canal Gourmet desde los inicios. Allí, quiere ser él mismo. “No quiero jugar otro rol que no sea ser yo.

No me sentiría cómodo, mis programas siempre fueron mostrar lo que sé hacer”. Entre sus próximos proyectos, apunta –precisamente- un nuevo programa en Fox Life, y la apertura de un nuevo restaurante en San Ignacio, Punta del Este (Uruguay).

9:25. Es la hora elegida para que Fernando Trocca comparta una postal cotidiana, a través de su Nokia Luma 925. Sobre esta acción de marketing y el uso del smartphone cuenta: “Para mí, el teléfono es un testigo de muchas cosas de las que hago y que me gusta hacer. Comer, viajar, encontrarme con amigos, ir a festivales.

Además, me gusta la fotografía, me divierte. Este nuevo teléfono me supera ampliamente, tiene más de lo que estoy acostumbrado.

Entonces, es una especie de juego el aprender a manejarlo. Es mi compañero que registra”. + www.sucrerestaurant.com.ar

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+ Boutique Cahier d’exercices, en Montreal. Foto: Marc Cramer

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personas creativas 087 arquitectura

Saucier+Perrotte Architectes La memoria del paisa je

En Saucier+Perrotte Architectes diseñan edificios, casas, museos y universidades que tienen estrecha relación con el paisaje y la naturaleza. Esto se explica en que uno de los socios fundadores del estudio es amante de los árboles, y pasa parte de su tiempo libre contemplando cómo crecen y cambian de colores en cada época del año. Con esa impronta, y en 25 años de trayectoria, han sido reconocidos con cientos de premios. En esta nota, cuentan cómo hacer una arquitectura que produzca impacto en el medio ambiente y que reciba respuestas emocionales del público. | Texto: Leila Mesyngier @Leimesyn

Cada fin de semana, Gilles Saucier sale de su casa en la zona rural de la provincia canadiense de Quebec y mira a su alrededor. Camina entre los árboles, disfruta del paisaje y se empapa de ideas para volcar a sus proyectos en el estudio que comparte con su socio, André Perrotte. En ese recorrido, lleva su cámara de fotos y retrata todo lo que le llama la atención: la naturaleza, los árboles, las plantas, el paisaje.

Esas imágenes quedan en su archivo digital y también en algún lugar de su memoria, y vuelven a brotar en él cuando dibuja los bocetos con los que imagina cada nueva casa, edificio, museo o monumento que le encargan. “Saco fotos, pero no sé qué va a ser de ellas. Y de repente, la imagen reaparece en mi mente. La fotografía es mi memoria del ambiente”, dice por teléfono desde Montreal. Allí, donde está su estudio Saucier+Perrotte Architectes dirige, desde 1988, un equipo de arquitectos que conciben cada trabajo en conjunto con su paisaje. Se dedican a realizar obras culturales, institucionales y residenciales, por las que ganaron más de 100 premios en 25 años de

trayectoria. Además de Canadá, llevan adelante proyectos en China, Japón, Medio Oriente y África.

Su concepción de la arquitectura, cuenta Saucier, está asociada íntimamente con el paisaje en un sentido amplio. Es una representación de la naturaleza en el espacio urbano, una oda hacia el ambiente, un punto de vista que propicia el respeto y trabajo para mantener el equilibrio. El nacimiento de cada proyecto comienza con una reunión con el cliente. Lo primero que quieren saber Gilles Saucier y su equipo es por qué los eligieron para encarar la reforma de su hogar, institución educativa, edificio, teatro. Las respuestas varían, pero se centran en el estilo, el acercamiento y la mirada, el reconocimiento de sus trabajos, la investigación previa, la atracción absoluta con la obra.

Luego, es tiempo del brainstorming, la escena que más le gusta al arquitecto canadiense. Frente a todo el equipo (es un acontecimiento “público, de intercambio” en el estudio), y con el pizarrón adelante, comienza a dibujar los bocetos de lo que será su creación. Es un

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+ La Boutique Michel Brisson de ropa masculina, en Montreal, recibió el 2011 Award of Excellence Ordre des architectes du Québec. Fotos: Marc Cramer

+ Boutique Cahier d’exercices, en Montreal. Foto: Gilles Saucier

momento de pura descripción: estructura, formato, luces, sombras, colores, perspectivas y fotografías, esas mismas que vuelven a su memoria desde el archivo de su computadora.

Y en su estudio también piensan así. De hecho, el edificio donde trabajan, en el barrio Little Italy, tiene más de 60 años, y alguna vez fue una fábrica que ellos convirtieron en su lugar de trabajo, y colaboraron así en la renovación del distrito. La misma filosofía también funcionó para el edificio de Ciencias de la Facultad de Farmacia de UBC (University of British Columbia), con el que ganaron todo en 2012 y 2013: el gran premio a la excelencia del Colegio de Arquitectos de Quebec, el Architizer A+ Pop Award, el “Best Lab” de la revista de diseño Wallpaper, y varios de la Asociación de Arquitectos de Ontario, entre otros.

Todo ese torbellino de ideas y bocetos se vuelve “real cuando es presentado ante el cliente”, asegura Saucier, con voz tranquila y amable. Así se armó, por ejemplo, la nueva sede de ciencias del John Abbott College, un establecimiento educativo angloparlante de nivel superior, ubicado en Montreal. El edificio sustentable y con una particular forma, alberga a más de 5 mil estudiantes, docentes y miembros del staff, y posee aulas, laboratorios, centros de investigación y espacios informales de intercambio de ideas. Convertido en el núcleo de la actividad académica, está emplazado de manera consonante con la naturaleza y el paisaje.

FORMAS Y COLORES QUE IMPACTAN A pesar de que la paleta de colores que usan en Saucier+Perrotte Architectes abarca sólo el blanco, el negro y el gris, a Gilles le atraen los paisajes de Montreal en cada época del año. Los verdes que dan paso a los marrones, a los más cobrizos y éstos a los rojos, y que se ven en el verano, el otoño, el invierno y la primavera.

La admiración que siente por la naturaleza, yace en el tiempo que tarda un árbol en crecer. Por eso, en sus ratos de ocio, este arquitecto que también enseña en algunas universidades de Norteamérica, cuida de sus bonsái y de las variadas especies de árboles de su jardín tropical. Lo que más le gustan son los árboles grandes, esos que “expresan tanto”, que son “tan difíciles de entender”.

Según los jurados, el edificio es “una narrativa apasionada de espacios interconectados, que forman una arquitectura racional y rigurosa”. Ubicado en pleno campus de la universidad en Vancouver, sus seis niveles, su combinación de madera y vidrio, sus formas geométricas y su relación con la luz natural están diseñados para atraer y mantener a los mejores profesionales del mundo científico.

Ese también es uno de los roles de la arquitectura, dice Saucier, producir un “impacto cultural, representar la expresión de la cultura, conectar los edificios con el paisaje”. Por eso, los mejores cumplidos que recibe, los que más destaca, son los que están asociados a las emociones, a los recuerdos, a todo aquello que al cliente o al público le pasó por el cuerpo al ver su trabajo. “Continuamos con la tradición de la arquitectura canadiense de los 60 y 70, de hacer cosas que generen impacto” en la sociedad, en las personas, concluye. + www.saucierperrotte.com

Link a la nota: http://9010.co/saucierperrote

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Festival Internacional de Diseño Mapa del diseño argentino

Entre el viernes 18 y el domingo 20 de octubre, se realizó la quinta edición del FID en el Centro Metropolitano de Diseño. | Texto: Celeste Nasimbera @SrtaCele

+ Calle central del Centro Metropolitano de Diseño durante el FID.

A lo largo de tres jornadas, se realizaron múltiples actividades y, a través de la Feria FID, se ofrecieron productos de diseño de emprendedores, seleccionados especialmente a través de una convocatoria, junto a los integrantes de las tiendas IncuBA.

diseños en nuestra tierra. El análisis del tiempo lineal se transforma en dinámico, al tomar movimiento en el girar de tres calesitas que exponen las piezas seleccionadas. Conversamos con él para reconocer nuestro diseño nacional.

La muestra central del Festival estuvo curada por el diseñador industrial Wustavo Quiroga, quien buscó abarcar los tiempos (pasado, presente, futuro) del diseño nacional.

+ La muestra se compone de tres calesitas. ¿El tiempo en el diseño es circular?

WQ La exposición tiene tres engranajes temáticos representados por calesitas; cada una es una disciplina (gráfica, producto y textil). Dentro de cada disciplina, se desglosan los casos de aplicación y que son, a su vez, retratados con ejemplos de diferentes puntos de Argentina y dentro de siete décadas de tiempo lineal.

La idea de las calesitas es hacer referencia al tiempo no lineal.

Es decir, que pasado, presente y futuro conviven en simultáneo.

DISEÑO ARGENTINO, A LO LARGO DEL TIEMPO, A LO ANCHO DE MAPA Wustavo Quiroga afirma que “cada pieza tiene algo que contar”.

Con esa convicción, realizó una muestra que recorre tiempos y espacios, cubriendo siete décadas transcurridas, y rastreando diversos

ideas creativas

+ 091 diseño

Es todo lo que está pasando ahora. También permite ver cómo se influencian unos a otros: que algunos aspectos del pasado son retomados en el presente o desde el presente, cómo se generan matrices para el futuro. + ¿Cómo fue el proceso de armado de las calesitas?

WQ Trabajamos en equipo con Frank Memelsdorff en el desarrollo de conceptos, con Gustavo Diéguez y Lucas Gilardi de A77 en el diseño expositivo, y con Juvina Ten de Munda Diseño en el desarrollo gráfico, que estuvo presente en las lonas y papelería impresa. Las calesitas son una propuesta de A77 a los requisitos que planteamos para la exposición. Lograron generar dinamismo expositivo, instalar grandes estructuras que no se perdieran en la gran nave del CMD, e instalar de manera no convencional el material.

muy diversas. Además, el universo del diseño es muy amplio, va desde diarios o revistas hasta realidad 3D; desde objetos tecnológicos hasta procesos sustentables de materialización; o desde el tejido de una tela hasta el diseño de ropa técnica para funciones de trabajo. Algunos productos tienen un diseñador casi anónimo, mientras otros ponderan al realizador como un valor agregado. Otros se realizan gracias al trabajo grupal o interdisciplinario, donde intervienen actores de diferentes profesiones. Lo importante aquí es poner en evidencia la cultura material que nos rodea. Evidenciar que una tipografía tiene un diseño casi invisible, facilitando la lectura continua; que una zapatilla conlleva aspectos ergonómicos, materiales, funcionales y simbólicos; que el juego de platos puede provenir de una cantera de gres de la cordillera y ser una forma recuperada del diseño moderno argentino. Cada pieza tiene algo que contar.

+ Las calesitas están en movimiento. ¿Hacia dónde va el diseño?

WQ Al tratar cada disciplina del diseño con sus áreas de aplicación, pudimos mostrar aspectos muy distintos del “hacer diseño”. Desde diseños con fuerte carga funcional o utilitaria, procesos de producción o materialidad distintiva, aspectos emotivos o simbólicos en juego. No creo que se pueda anticipar el futuro de una sola forma; considero que habrá muchas maneras para diseñar, porque habrán necesidades humanas muy variadas y complejas. Lo que me parece algo destacable, es el compromiso de algunos diseños con necesidades complejas de la vida, como puede ser la cuna para intervenciones de bebés prematuros.

+ ¿Qué significó trabajar con Frank Memelsdorff?

WQ Frank es un referente de peso en la historia del diseño argentino y español. Es gestor y teórico de diseño. Fue muy interesante pensar la muestra en conjunto, dado que pertenecemos a generaciones distintas. Aprecio mucho su vitalidad para encarar un trabajo así, con total entusiasmo. Sin duda, nos mueve la motivación de hacer, pensamos que la historia es un concepto vivo, que se modifica cuando se van descubriendo cosas. Tomar cualquier cosa como absoluta siempre es un error, porque conviven múltiples realidades, como sucede con la vida, y las dimensiones que no alcanzamos a comprender.

+ ¿Qué podemos encontrar a lo ancho del mapa del diseño argentino?

WQ En los diferentes territorios, aparecen manifestaciones muy diversas. Hay trabajos realizados en 1979 por el estudio de LópezRomero en Buenos Aires, donde modifican mediante el fresh pack toda la modalidad de venta de galletas a granel. Anteriormente, eran latas que se prestaban y debían almacenarse, restaurarse, lavarse. Con este nuevo envase, se redujeron los costos y ayudaron a la empresa a mejorar su servicio. En Neuquén, en 2011, se crea el TDI Tratado de integración, donde R3nder y Jalea crean diseños en soportes digitales (diseño Web, audiovisual, instalación interactiva, Web experimental), estimulando la creación con nuevas tecnologías.

Tucumán, el NOA y la Ciudad de Buenos Aires se manifiestan en la obra de Mary Tapia, quien durante los 60, realizó su colección “Pachamama Prêt-à-Porter”, valiéndose de textiles como el barracán, generado en el Norte argentino. En Mendoza, actualmente, la fábrica Cimalco tiene un área llamada “Soluciones Urbanas”, donde Rolando Espina y Ricardo Colombano diseñan elementos para la urbanización, como bebederos, basureros, asientos, etc.

UN METRO DE DISEÑO ¿Qué cabe en un metro? El gestor Frank Memelsdorff reunió oficios, saberes, consejos y demás a la largo de un metro de diseño. La medida es preguntarse, cuestionar y repensar las nociones que hacen a las tareas cotidianas de los diseñadores, estudiantes, emprendedores, curiosos. Frank nos contó de dónde surgió la idea.

+ ¿El diseño nacional tiene una única identidad o son múltiples?

WQ Sin duda, hay múltiples expresiones que dan la característica de una Argentina pluricultural, manifestaciones influenciadas por su geografía, fauna y flora; por los materiales y procesos de producción. En cada lugar, a un mismo problema, se encuentran soluciones

+ Muestra “Diseño argentino, a lo largo del tiempo, a lo ancho de mapa”.

Link a la nota: http://9010.co/notafid2013

“Estábamos acelerados, inmersos en la construcción de la muestra. Llegó un momento de esos en que dices: ¡Basta! Ahí surgió el metro de diseño. Las casualidades no existen. En 2011, había salido mi último libro, el primero que escribí a mi regreso a la Argentina. Desde entonces, tuve encargos, pero no iniciativas mías.

No me incitaba otro libro, una aventura larga para mis ochenta largos… Pero algo tenía que hacer. En los supermercados Easy, cerca de las cajas, unas cintas rojas de un metro, que te puedes llevar gratis. Cuando iba, siempre me llevaba una, incluso, si no iba necesitarla. ¡Zas! El metro de los sastres, el amarillo y negro. Y el desafío de redactar un metro de conceptos jibarizados como para una mini-mini enciclopedia de la gestión del diseño.

Helo aquí: un nuevo producto de comunicación para muestras y festivales de diseño, para tiendas de museo. + www.fidbsas.com

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+ Los revestimientos y espacios de guardado de la cocina se realizaron en melanina Masisa Teca Italia Touch.

Inspira 2013

El diseño de interiores se muestra La tienda de decoración Modo Casa abrió las puertas de las dos plantas de la antigua casona que posee en Palermo, para mostrar diferentes ambientaciones con las últimas tendencias en diseño de interiores y decoración para la temporada 2013/2014. Masisa estuvo presente, a través de sus tableros melamínicos.

Del 15 al 24 de noviembre, la tienda de Modo Casa (ubicada en Thames 1305, Palermo), propuso espacios únicos, con colores, texturas, iluminación y elementos nobles, que el visitante pudiera reproducir en su propio hogar. Un trabajo conjunto entre diseñadores y empresas líderes en el mercado, en distintos rubros de la construcción y la decoración.

CÁLIDA MADERA Así, reconocidos profesionales crearon numerosas ambientaciones, utilizando las últimas propuestas en tableros melamínicos de Masisa, para representar las tendencias en diseño y decoración. En especial, fue protagonista la calidez de la veta de la madera, reflejada a

través de los diseños texturados de la Línea Premium Touch.

En esta oportunidad, los profesionales eligieron el diseño Teca Italia Touch, una madera marrón con vetas en tono gris, para aplicarlos en ambientes, como la cocina. Cálida y natural, con elementos tradicionales que armoniza con otros de alta tecnología, se logró un espacio que invitó a quedarse y disfrutar. Un lugar ideal para compartir en familia y amigos, donde el cocinar se transforma en un disfrute total.

Por otra parte, Kenia Touch, una melamina de madera negra con vetas claras, se aplicó en varias de las ambientaciones: el comedor,

ideas creativas

+ 093 diseño

+ En la sala se aplicó el diseño Toledo Touch.

+ El diseño Kenia Touch también se propuso en el comedor.

+ La biblioteca de Il Ristorantino se realizó en Melamina Kenia Touch.

ubicado apenas al ingreso, que clásico y sofisticado, contemporáneo y elegante, se fundía con un sector de lounge, diseñado con colores y texturas estratégicamente pensados; en la suite de hotel, de carácter internacional, que con colores cálidos y una propuesta de iluminación ideal, dio un ambiente de relax y bienestar; en el dormitorio para Facundo, una réplica de la propuesta masculina presentada en Casa FOA 2013; y en Il Ristorantino, con una community table como protagonista de un espacio sobrio, con iluminación y revestimientos que lograron un ambiente íntimo y agradable.

realismo. Un estar de proporciones generosas, con una ciudad como escenografía, que enmarcó una propuesta moderna. En el centro, un gran hogar dividió el espacio, para dar lugar a un microcine, equipado con tecnología de última generación.

Finalmente, se aplicó en la sala el diseño Toledo Touch, una madera marrón oscura con vetas y marcas de sierra, que le otorgan mayor

Link a la nota: http://9010.co/notainspira

Sin dejar de lado la impronta local, cada rincón de la muestra fue pensado para vivir, inspirado en las vanguardias mundiales y los distintos estilos de vida hoy. Masisa acompañó este primer salón de diseño, convencida de que tiene un inmenso aporte por hacer al diseño argentino, que se distingue en el mundo por su creatividad. + www.inspira2013.com.ar | www.masisa.com.ar

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+ DesignAbroad Palermo. Fotos: Egidio Scarlata

DesignAbroad

Diseño Argentino en Italia Productores de bienes y servicios en las áreas del diseño industrial, gráfico, de indumentaria y joyería, formaron parte de la segunda edición del programa de promoción internacional del diseño argentino que organiza la asociación Creatividad Ética.

A su vez, se llevó a cabo un programa de charlas vinculadas al diseño de autor, emprendimientos de diseño y panorama de la política pública del diseño en Argentina, entre otros temas. Todo esto, gracias al apoyo que la asociación recibió de la Cancillería Argentina, y la colaboración de importante actores del gobierno, la educación y el tercer sector de Argentina e Italia.

+ ¿Cuáles fueron los resultados concretos de ambas experiencias?

CE Las experiencias de ambas muestras han sido muy satisfactorias, con las grandes diferencias que realmente existen entre el norte y el sur de Italia. El espacio argentino dentro del pabellón de la Torino Design Week fue desarrollado con mobiliario de cartón reciclado, de acuerdo a las normativas de los organizadores italianos, y resultó elogiado desde el primer día por su originalidad. De estilo minimalista, permitió exhibir paneles impresos de cada uno de los participantes, ubicados en muros, pero también posibilitó exhibir en mesas -una para cada participante- el producto seleccionado y entregado por cada uno para dicha ocasión. Ya en Sicilia, desarrollamos DesignAbroad Palermo en el Palazzo Riso, Museo d’Arte Contemponea della Sicilia. La distribución de la muestra se realizó en dos grandes espacios, correspondientes a la cafetería y el bookshop del Museo. Un lugar privilegiado por sus cuatro imponentes vidrieras que daban a la avenida principal. La muestra fue visitada por un público especialista en diseño, prensa, fotógrafos y empresas interesadas en los perfiles de los participantes, sorprendidos por la calidad de los productos, la materialización de los mismos y la diversidad de los perfiles exhibidos.

A LA CONQUISTA DEL VIEJO MUNDO En ambas muestras, el promedio de visitantes fue de 300 personas por día; cifras más que alentadoras. La mayoría, conocedores o amantes del diseño, empresas, instituciones, cámaras de comercio y estudiantes. Desde Creatividad Ética, apuntan: “Fue una gran satisfacción para nosotros ver que al público que asistía a las muestras, quedaba admirados de las propuestas presentadas”.

+ ¿Qué productos fueron los más requeridos por el público italiano?

CE A veces se tiene una idea preformada de cuáles productos podrán tener más aceptación que otros, pero una sorpresa fueron el sector indumentaria y el calzado. Si bien siempre se ha hablado de la excelente calidad de los zapatos italianos, el público demostró un interés inmediato en este rubro. Fue el caso de la marca Sole & Soul Shoes, de la diseñadora Mercedes Zubiarrain, que expuso zapatillas

Alejandro Ros, Arrabal Estudio, Catalina Agudín, Cecilia Capisano, Clara Rosa, Corchetes, Duoidö, El Fantasma de Heredia, Fileni Fileni Design, Joaquín Ordóñez, Mariana Landivar, Mercedes Saravia, Leandro Leccese, Lorenzo Shakespear Diseño, Luciano Candotti, Patricia Álvarez, Ossorio Domecq, PCH Diseño, Sole & Soul Shoes y Trazo Negro pudieron exponer sus portfolios y perfiles a través de la muestra de sus productos, paneles y videos, en comunidades profesionales, académicas y mercados potenciales de Italia y la región, gracias a las dos exposiciones que impulsó Creatividad Ética: DesignAbroad TDW (Torino Design Week - 7 al 13 de octubre 2013, Torino, Piemonte) y DesignAbroad Palermo (21 de octubre al 3 de noviembre 2013, Palermo, Sicilia).

ideas creativas

+ 095 diseño

+ DesignAboard TDW. Fotos: VC

realizadas en Tyvek, un material desconocido por el público, que tenía una necesidad de tocarlo para comprenderlo y sentirlo. Otros ejemplos fueron el calzado de Mariana Landivar, que fusionaba diferentes tipos de charol; y el proyecto Tonocote de Catalina Agudín, cuyo diseño se basaba en comercio justo, realizando un modelo de zapatos exclusivos, elaborados con cuero natural y telar de chaguar, una fibra vegetal del bosque chaco salteño trabajada por las mujeres wichis. Otra novedad, fue la técnica de origami y kirigami que Mercedes Saravia aplica a sus colecciones de alta costura. + ¿Cómo fueron recibidos los otros productos?

CE También se destacaron la creatividad del sector gráfico, de la mano de Federico Rafetto de Trazo Negro y +fsrafetto con sus trabajos originales y con sus propuestas fusionadas entre el mundo del arte y el diseño; así como el sentido irónico de Alejandro Ros con sus ejemplos de Calentamiento Global y Bisexualidad, entre otros. Por su parte, la lámpara Fluz de Leandro Leccese, no sólo sobresalió por su flexibilidad y adaptación a los diferentes tipos de uso y posturas, sino también por tratarse de un producto de altísima calidad, realizado con tecnologías blandas, tan caracterítica de nuestro país. + ¿Qué puede aportarle el diseño argentino al italiano?

CE Entre las características que se destacaron de los participantes argentinos presentes, se valoraron: el proceso de recuperación ética del diseño -que creemos aporta aire fresco a la valoración tradicional del diseño como herramienta de desarrollo económico-; la autoproducción, como respuesta a las diferentes crisis atravesadas por nuestro país; y la fuerte identidad que entrelaza a los diseñadores independientes con la artesanía, que les recuerda a su “artiggianato” histórico (con amplio dominio de oficios, por varias generaciones), el cual puede dar lugar a una nueva tipología de servicios y productos. Por todo ello, concluimos que existe un cambio de paradigma, que tiene también expresión en el nacimiento de centros de innovación social y el consumo responsable, que devienen condicionantes, cada día más, de la legitimidad de las nuevas empresas, en las cuales diseñadores argentinos podrán incluirse en el mercado europeo, con una nueva conciencia social como profesionales del diseño, que aprecian nuevas expresiones del tejido social del llamado “tercer sector”, del que nacen asociaciones profesionales, colectivos de diseño y comunidades sectoriales, que responden a nuevas formas de ver la relación entre diseño y desarrollo humano.

Link a la nota: http://9010.co/designabroad

+ ¿Y qué puede aportarle el diseño italiano al argentino?

CE El diseño italiano puede, a su vez, aportar la experiencia de un proceso y desarrollo industrial a mayor escala, conocimientos técnicos y expertise artesanal ancestral. Además, la visión de ser proveedores de excelente calidad y diseño no sólo para el mercado interno, sino mundial; como así también, metodología de trabajo. Si bien la crisis también está presente en Italia, estamos convencidos de que los profesionales de Italia y Argentina pueden, mediante vinculaciones colaborativas y asociativas, aumentar sus espacios de desarrollo humano y profesional, mejorar sus respectivas propuestas de valor frente a clientes y ampliar sus canales de trabajo. + ¿Habrá una tercera edición de DesignAbroad?

CE Así lo esperamo,s y estamos empezando a trabajar en ello.

Para octubre de 2014, hemos sido invitados nuevamente a participar en ambas ciudades, y dentro de los mismos eventos. A su vez, estamos gestionando la participación en otros espacios de diseño dentro de Italia, para el primer cuatrimestre de 2014. En Italia existe un respeto hacia nosotros como ONG, hacia nuestro trabajo, que no hemos visualizado en otros países, incluso, en el nuestro.

Nos abren las puertas de una manera más noble y cumplen con los acuerdos pautados. Existe un espíritu de colaboración que nos habilita a realizar acuerdos, proyectos, muestras en espacios que nos brindan, con el fin de difundir, promocionar el diseño argentino, conocer nuestras realidades, y realizar intercambios de experiencias con ese país. Es por ello, que antes de cada edición de DesignAbroad, planeamos estrategias, nos apoyamos en las alianzas realizadas y establecemos nuevos contactos, para ir evolucionando en el proyecto. + ¿Por qué un diseñador argentino debería participar de DesignAbroad?

CE Creemos que la presencia de un diseñador argentino en Italia es una oportunidad única, ya que es un país que ocupa un lugar estratégico en el mercado mundial de la creatividad, en el que confluyen múltiples niveles de intercambio de bienes y servicios de la cadena de valor del diseño, y que tiene el innegable valor agregado de que las relaciones bilaterales con Italia poseen un marco histórico y cultural, que trasciende las generaciones e, incluso, las dinámicas macroeconómicas. + www.creatividadetica.org/da2013.php

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+ Los meses de mayo y noviembre en el Calendario Campari 2014.

Calendario Campari 2014 De fiesta por el mundo

Famoso por su color y su sabor, uno de los aperitivos más emblemáticos, revela quien será la estrella de su próximo calendario 2014. En esta nota, todos los detalles de la apuesta anual al arte que realiza Campari, además de una entrevista exclusiva con el fotógrafo elegido, Koto Bolofo. | Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

Diferenciarse no sólo por las características clave del producto en sí, sino también, crear a su alrededor un escenario que lo haga único y altamente valorado por sus seguidores, dondequiera que ellos estén. Éste es, quizá, el gran desafío de las marcas a la hora de trabajar con productos de consumo internacional. Crear historias donde se encuentren y compartan los deseos de todos, más allá de los límites de las fronteras. Campari, el aperitivo de origen italiano con alcance mundial, conoce muy bien el camino que hay que recorrer para permanecer siempre entre los primeros. Desde hace años, celebra la aparición del Calendario Campari, que es más que un simple organizador de días y meses; es casi un objeto de arte, de

colección, una visión de la vida a través de la botella de la bebida roja que supo reinventarse, para mantenerse presente en las mesas a través del tiempo.

Qué hace que el Calendario Campari sea un objeto tan buscado y valorado tiene que ver con sus protagonistas clave. Por un lado, la estrella que lo protagoniza y, por el otro, el talento del fotógrafo que plasmará la historia. Por eso, la selección es tan importante y lleva largos meses de búsqueda y preparación. En 2013, la elegida fue la actriz española Penélope Cruz, fotografiada por Kristian Shuller. En 2012 y 2011, los elegidos fueron los actores Milla Jovovich y Be-

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ideas creativas 097 marketing nicio del Toro, respectivamente, retratados por los lentes de Dimitri Daniloff y Michel Comte.

dolor que uno tiene, lo he transformado en mi espíritu para producir lo que lo llamo la alegría de vivir.

CAMPARI 2014 Para la producción 2014, la musa en cuestión es la ex modelo y actual actriz de fama internacional, Uma Thurman, y la lente elegida fue la de Koto Bolofo, un fotógrafo autodidacta de origen sudafricano, famoso por sus producciones de moda vanguardistas y la pasión y compromiso que imprime a sus trabajos. Tan importante como sus protagonistas es la historia que atravesará los doce meses que componen el calendario. Para el 2014, la temática elegida fue Celebraciones alrededor del mundo. Y si bien la mayor parte del shooting se llevó a cabo en la costa del sur de Francia -cerca de las ciudades de Cannes y Antibes-, el escenario que presenta cada mes fue construido teniendo en cuenta no sólo el lugar a representar, sino también la magia y el espíritu que transmiten esas celebraciones, la esencia de cada pueblo.

+ ¿Cómo describirías tu estilo, tu voz a la hora de trabajar con imágenes?

KB Mi estilo a la hora de fotografiar personas es muy divertido.

Muy infantil, sin límites ni miedo a aparecer como un tonto. Esto rompe la tensión y extrae la alegría de la gente. Yo digo: “1, 2, 3, motivación, acción, reacción y ¡a correr!”.

De esta manera, en las páginas del Calendario Campari 2014 se podrán visitar diferentes ciudades y países, y vivirlos a través de sus celebraciones. La lista de lugares incluye China, Japón, Inglaterra y España, entre otros. Los elegidos de América del Sur son Argentina y Brasil. En el caso de Argentina, Uma se convierte en un bailarín de tango, para celebrar no sólo el baile que identifica al país en todo el mundo, sino como forma de promover el Mundial de Tango. En el caso de Brasil, se hace foco en una de las celebraciones más difundidas, que es el culto que se le rinde al dios del mar, Jemanjá, donde una angelical Uma Thurman enfundada en blanco arroja flores al agua de una cristalina pileta, vigilada desde el fondo por el mar.

KOTO EN PRIMERA PERSONA 90+10 tuvo el privilegio de ser uno de los medios seleccionados en exclusiva para realizar la entrevista con Koto Bolofo, durante su estancia en Nueva York para la presentación del Calendario. Bolofo habló de su vida, su trabajo y su experiencia clave trabajando para Campari, en compañía de Uma Thurman. + ¿Cómo describirías tu trabajo en pocas palabras?

KB Describo mi trabajo como fotógrafo similar a un cazador, cazando su presa. + Te mudaste de Sudáfrica a Inglaterra por razones políticas. ¿Cómo impactó esto en tu carrera como artista?

KB Nos fuimos con mi familia de Sudáfrica durante el apartheid y, eventualmente, residí en el Reino Unido. Esto impactó en mí como artista en siempre recordar de dónde vengo, y me empuja a acompañar a aquellos que vienen de vivir regímenes similares hoy. En mi trabajo, siempre hay un fuerte sentido de entendimiento, la esencia de la fotografía. Definitivamente, el haber nacido en Sudáfrica, el

+ Hablando sobre el Calendario Campari, al cual fuiste invitado como fotógrafo para la edición 2014, ¿cuáles fueron tu reacción y tus expectativas?

KB Me enorgullece decir que Campari toma riesgos, y ésto es algo muy raro en este mundo corporativo y global en el que vivimos. De mi lado, puedo decir que Campari quiso tener una evolución continua y positiva del último calendario que produjo, que revisé y del cual noté que hay fuertes elementos de lo que yo hago en mi extravagante y elegante fotografía. Campari es inteligente… Cuando vi la propuesta, supe que estaba en mis dominios. La tarea de realizar mi primer calendario fue una misión y un desafío, ya que busqué que este calendario sea atemporal y coleccionable para cualquiera que lo reciba. + ¿Cómo fue trabajar con Uma Thurman?

KB Trabajar con Uma fue realmente una alegría, un amor. Siempre quise trabajar con ella, pero nunca imaginé que iba a contar con tanto tiempo de trabajo en conjunto. Fue como convertiste en un niño asombrado frente a su presencia mágica, que hacía posible que yo produzca las mejores imágenes. Lo que amo de Uma es que trabaja duro con uno, ama los desafíos. Ella busca lo mejor y me esforcé en lograrlo. + ¿Estuviste involucrado en la selección de los escenarios?

KB La selección de los escenarios ya estaba hecha por la agencia creativa Bcube Italy. Trabajé muy de cerca con su director creativo durante meses. Mi rol tuvo que ver con respaldar el sentimiento y abordar la imagen. ¡Eso es magia! Ya que poseo la varita mágica y la fórmula… + ¿Cuál es la respuesta que esperás del público?

KB La respuesta que espero… Prefiero no decirlo, ya que estoy nervioso y expectante con mi primer calendario. Aunque la pregunta me genera buena vibra… + Entonces, ¿qué nos podés decir sobre la experiencia vivida?

KB Se trata de una experiencia que nunca olvidaré y que quedará en mi memoria como algo muy placentero. ¡Gracias Campari! + www.campari.com

+ Backstage del Calendario Campari 2014, protagonizado por Uma Thurman, fotografiada por Koto Bolofo.

Link a la nota: http://9010.co/notacampari

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+ Ford S-Max

Autos de tres filas Espacio para todos

Que una familia numerosa quiera trasladarse en auto en estas vacaciones, ya dejó de ser un dilema. En la actualidad, casi todas las terminales ofrecen variantes de autos con tres filas de asientos. Aquí, un repaso por la categoría de autos que fueron concebidos para el “familión”. | Texto: Elvio Orellana @emorellana33

Se acercan las vacaciones y, además de definir el destino en donde se pasarán los tan ansiados días de descanso, también entra en juego la cuestión sobre qué medio elegir para viajar. Si de trasladarse en auto se trata, una cuestión que siempre afectó a las familias numerosas (aquellas con más de tres niños), fue la falta de espacio y, por ende, de comodidad y seguridad. Sin embargo, desde hace un par de años, la industria automotriz se ha nutrido de una muy buena cantidad de exponentes en los que pueden viajar más de cinco pasajeros.

Repasamos a continuación cuáles son cada uno de ellos.

CHEVROLET SPIN La firma del moño fue una de las primeras en participar en esta categoría de modelos con tres filas de asientos, con el mono volumen Zafira. Pero ésta se discontinuó a principios del 2011. Desde entonces, ese espacio había quedado vacío, hasta fines del 2012. A partir de allí, la marca decidió volver a incursionar en esta categoría con

+ Chevrolet Spin

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ideas creativas 099 vehículos

+ Peugeot 5008

otro monovolumen, en este caso, llamado Spin. Una decisión muy acertada, ya que por sus amplias dimensiones (4,36 metros de largo por 1,73 de ancho y 1,66 de alto, y 2,66 metros de distancia entre ejes), su tercera fila le queda muy bien.

En la práctica, es buena la solución de haber colocado a todas sus filas traseras más altas que las delanteras. Otro gran acierto, fue sumarle a su motor naftero 1.8 de 105 caballos, otro diésel 1.3 litros turbo de 16 válvulas de 75 caballos y un opcional con caja automática de 6 marchas. Precio: desde $132.900 (versión LTZ naftera, manual con 6 filas de asientos).

FIAT DOBLÓ Desde la marca “tana”, el gran referente en lo que a modelos espaciosos se trata, es la Dobló. Lanzada a finales del 2012, tanto en su versión pasajero como para el trabajo, el utilitario de Fiat es dueño de un diseño atractivo. Si bien no es tan revolucionario como su hermano menor Qubo, el Dobló se aleja bastante del formalismo de casi todos los demás utilitarios. Lo hace a partir de una original trompa, en la que se encuentran una amplia parrilla y unas voluptuosas ópticas.

filas, el primero que se destaca en la lista es el Renault Kangoo.

Esta clásica furgoneta en versión de tres filas, fue lanzada durante el 2008. Fue una de las primeras en presentar esta solución, y si bien hoy se encuentra un poco en desventaja con respecto a su diseño frente a sus más próximos competidores, sigue siendo una de las más vendidas. Se equipa con motorización naftera 1.6 de 95 caballos, o diésel 1.5 de 65 caballos, siempre con caja manual, y en niveles de equipamiento Authentique Plus y Sportway. Precio: desde $124.600 (versión Authentique Plus 7 asientos).

DODGE JOURNEY Posicionada en un grupo de modelos más costosos y equipados, se encuentra la Journey, un familiar del grupo Chrysler, que llega a nuestro mercado importado de México. Uno de los argumentos para

Puertas adentro, destacamos su gran amplitud vidriada, su espacio extra para dos pasajeros en una tercera fila, pero por sobre todo, la versatilidad que uno experimenta desde adentro. Uno de sus puntos mejorables es la calidad de algunos de sus plásticos y la falta de una opción de motor más potente (viene con un naftero 1.4 de 16 V de 95 CV). Precio: desde $139.300 (versión Pasajero 1.4 naftera de 3 filas de asientos).

RENAULT KANGOO Si por trayectoria se trata en el segmento de los familiares de tres

+ Fiat Dobló

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+ Dodge Journey

+ Renault Kangoo

+ Volkswagen Sharab

elegir este modelo es su gran porte: sus siete ocupantes, además de un gran espacio interior, contarán con un gran confort y un nivel de equipamiento digno de modelos de la gama Premium.

CITROËN GRAND C4 PICASSO Otra alternativa de siete plazas, primo del Peugeot 5008, es el Citroën Grand C4 Picasso. Este familiar francés se concibe sobre la plataforma del 5008. Pero, en este caso, se ofrece con dos opciones mecánicas: nafta 2.0 de 143 caballos con caja automática de 4 marchas, y diésel HDi 1.6 de 112 caballos, con transmisión manual de 6 velocidades. Éste, al igual que el Peugeot 5008, está pensado fundamentalmente para viajar en familia. Ofrece mucha luz, un gran techo panorámico de cristal, y gran cantidad de guanteras, portaobjetos y gavetas, para llevar todo lo necesario en un clima de máxima comodidad. Precio: desde $204.600.

Entre sus excentricidades, la Dodge Journey dispone de una pantalla de ocho pulgadas de DVD con control remoto para pasajeros traseros y un disco rígido de 20G, ideal para llevar música, fotos y videos.

Su última incorporación fue la versión tope de gama RT, equipada con un motor V6 3.6 litros de 280 caballos. Tiene tracción integral permanente, caja automática de 6 velocidades y suspensión trasera multibrazos. Precio: desde U$S38.000 (versión SE 2.4 litros de 3 filas de asientos).

PEUGEOT 5008 La lista de modelos de tres filas continúa. Podemos así, incluir al Peugeot 5008, el monovolumen de la marca francesa que viene importado desde Francia. Con altos estándares de confort y seguridad, se ofrece en dos versiones, Allure y Allure Plus. Mide 4,53 metros de largo, 1,84 de ancho y 1,64 de alto. Por lo tanto, es un tanto más grande que el 3008, al que se asemeja en varios aspectos, no sólo estéticos.

Hablando de diseño, en este aspecto, toma protagonismo su parabrisas lanzado, que continúa con el techo vidriado, para aportar gran luminosidad al interior. En nuestro mercado, se ofrece sólo con un motor naftero turbo 1.6 de 156 caballos y caja manual de 6 velocidades. La variante más completa, se destaca por un sistema multimedia que incluye conexión externa para iPod, video, consolas de juego, DVD, y dos pantallas colocadas en los apoyacabezas traseros de 7 pulgadas con auriculares inalámbricos, entre otros. Precio: desde $196.300.

VOLKSWAGEN SHARAN La alemana Volkswagen no podía quedarse afuera de esta categoría, y ofrece a su caballito de batalla: la Sharan. Se trata de un modelo de alta gama, que viene a nuestro mercado en dos versiones mecánicas, ambas nafteras: 2.0 TSI de 200 caballos y otra 1.4 TSI BlueMotion de 150 caballos, que entre los opcionales, ofrece el paquete que incluye 7 plazas.

De estética más bien conservadora, en su última puesta al día, cambió la trompa con una parrilla angosta, que se fusiona con las ópticas más rectas que en la anterior generación. Mide 4,85 metros de largo por 1,72 de alto y 1,90 de ancho, y son 2,92 los metros de distancia entre ejes. Esto ya permite tener una idea del espacio puertas adentro. Su gran punto a favor es su gran amplitud y versatilidad. En la tercera hilera de asientos, sólo hay espacio para los más chicos de la familia. El acceso a ese sector es una tarea sencilla, porque las puertas laterales corredizas –de gran tamaño- hacen todo fácil. Precio: desde $309.600 (1.4 TSI Blue Motion Confortline).

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+ Toyota SW4

+ Interior del Citroën Grand C4 Picasso

+ Chevrolet Trailblazer

+ Hyundai Santa Fe

FORD S-MAX La marca del óvalo es otra de las firmas que dispone de un familiar XL, de target Premium. Se trata del monovolumen S-Max, modelo concebido para siete ocupantes. Su última actualización estética fue a fines del 2011. De su equipamiento, es para destacar el buen rendimiento de su motor naftero 2.3 litros Duratec de 161 caballos y la precisión de su caja automática de 6 marchas.

Chevrolet Trailblazer. El contrincante más directo del SUV de Toyota es la Trailblazer. Concebida sobre la nueva pick-up S-10, el utilitario de la marca del moño se adueñó de la última actualización de ésta. Estamos hablando, por ejemplo, de su trompa con la parrilla partida al medio. Si bien se trata de un vehículo todo terreno con chasis de utilitario es, ante todo, un auto familiar.

Esto lo demarca su espacio para siete pasajeros. El acceso a la tercera fila de asientos es bastante práctico (la segunda fila se pliega por completo con una sola mano), y el sexto y séptimo pasajero cuentan con un respetable espacio para las piernas. Cuando no se usan, las dos últimas butacas se pliegan por completo sobre el suelo.

Después, es para aplaudir a su amplio listado de equipamiento de confort y seguridad. Su techo panorámico que se cubre con una cortina eléctrica y la dotación de nueve airbags que protege a todos los ocupantes, son diferenciales que lo ubican un escalafón por encima de sus rivales más directos. A mediados de este año, tuvimos la posibilidad de ver en persona en el Salón del Automóvil de Frankfurt, al prototipo de la S-Max que anticipa la próxima generación de este familiar.

LOS SUV´S PARA MÁS DE CINCO En sintonía con esto de ofrecer alternativas para llevar a más de cinco ocupantes, también encontramos diferentes opciones dentro de la categoría de los utilitarios deportivos.

Toyota SW4. Del lado de marca con planta en la ciudad de Zárate (provincia de Buenos Aires), el principal referente es la SW4. Lo interesante de este modelo es que a sus prestaciones off-road, le suma la posibilidad de llevar en su tercera fila de asientos a dos ocupantes más, proponiendo aventura para todos. El SUV de Toyota fue actualizado hace un año, de modo que dispone de una estética puesta al día, y que -como novedad- sumó en febrero una motorización naftera 2.7 litros de 160 caballos. Ésta se alista al ya conocido motor turbo diésel 3.0 de 171 caballos.

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Hyundai Santa Fe. Se renovó a mitad de este año, con una estética mucho más moderna y deportiva que el modelo anterior. A esto, colaboraron sus trazos más rectos. Así, este nuevo SUV se planta de una manera mucho más agresiva y robusta con respecto a su versión anterior. Puertas adentro, si bien la Santa Fe siempre fue una de las referentes por sus grandes proporciones, esta tercera generación es aún más grande. Esto se debe a que ahora es 40 mm más larga (4.690 mm) y 5 mm más ancha, lo que se nota -sobre todo- en su versión de siete asientos.

Los asientos de la tercera fila son muy cómodos, por lo que -en este caso- nadie se va a pelear por ganar el asiento de adelante. Incluso, la visibilidad en las plazas traseras es excelente, gracias al gran techo panorámico, que además de aportar luz y visibilidad, se abre en su parte delantera. En caso de querer evitar la entrada de luz, una cobertura tipo black out puede cerrarse total o parcialmente, en forma eléctrica. Precio: desde U$S 52.000 (versión GL 2.4 2WD para siete pasajeros). +

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+ Motorola MotoACTV

Relojes inteligentes

Dispositivos multifunción en la muñeca Parecía que el reloj pulsera estaba condenado al ostracismo o, al menos, a ser un simple objeto decorativo. Por suerte, parece que no será así; que no llegó, todavía, su medianoche. O en todo caso, está naciendo un nuevo día para ese concepto tan moderno, tan iluminista, tan industrial, como es llevar un dispositivo en el cuerpo que permita seguir (con la precisión de un latido), el paso del tiempo. | Texto: Ricardo Sametband @rsametband

Parecía que con la popularización del teléfono celular, el reloj pulsera -ese templo del dios Cronos sujeto a nuestra muñeca (un siglo, casi, de dominio absoluto)- retrocedería al siglo XVIII y XIX, al tiempo de los relojes de bolsillo y cintura. El primer reloj de pulsera (es decir, que se lleva atado a la muñeca), lo diseñaron Patek y Phillippe en 1868 (aunque se vendió unos cuantos años después).

Pero el reloj moderno, el que entendemos como tal, se lo debemos a Cartier y Jaeger, que le hicieron un reloj pulsera al aviador Alberto Santos-Dumont (el primer hombre en volar en dirigible, entre otras cosas). Santos-Dumont quería tener un reloj personal a la vista, pero sin que le ocupara las manos, que necesitaba para pilotar los aviones que diseñaba. Hombre práctico ante todo, Santos-Dumont había entendido que el reloj en la muñeca es una fuente de informa-

ción importante, apenas a un gesto de distancia. Esa conveniencia insuperable, sumada a la enorme variedad de estilos y colores de relojes disponible a lo largo de las décadas, los transformó en un objeto casi ineludible, por sus múltiples beneficios y, eventualmente, relativo bajo costo; un accesorio clave en la vestimenta.

Los relojes fueron ganando complejidad (o complicación, como se nombra en relojería a cada nueva función que suma un reloj analógico), hasta que en 1972 todo cambió con la llegada de Hamilton Pulsar P1: el primer reloj eléctrico digital. A partir de allí, el reloj de pulsera se fue transformando en una mini computadora: a la hora se le sumó el calendario, la alarma, el cronómetro, la calculadora, los juegos, el barómetro y más. Ya estaba plantada la semilla del cambio del reloj, aunque deberían pasar casi cuarenta años para

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ideas creativas 103 gadgets

+ Pebble, Qualcomm Toq y I’m Watch

que germinara en los relojes inteligentes que este año y el próximo llegan al mercado, y que hacen realidad el concepto de llevar un dispositivo multifunción en la muñeca.

En la última década, el reloj pulsera fue perdiendo importancia a manos del celular (que hace de todo, además de dar la hora). Como en el siglo XIX, para saber qué hora es, ahora sacamos un objeto del bolsillo, antes que darle una mirada furtiva a nuestra muñeca.

Aunque el reloj pulsera todavía subsiste, para muchos, es cada vez más un elemento decorativo. Por ahora.

DISCUTIBLEMENTE INTELIGENTES Hoy se habla de los relojes inteligentes multifunción de Samsung o Apple, pero así como la Tablet PC precedió en una década la llegada del iPad, a principios de siglo, un grupo de compañías trató de darle cuerda al reloj de pulsera con algunas ideas nuevas. La menos elegante: la de Fossil, que en 2003 presentó un reloj que era, en rigor, una Palm con una pantalla mínima. Muy difícil de usar, porque dependía de software que estaba diseñado para pantallas más grandes (y requería un lápiz).

Mientras, Sony Ericsson creó, a mediados de la década, relojes Bluetooth (la familia MBW): con un aspecto sobrio, a un cuadrante clásico con agujas le suman una mínima pantalla que muestra el número de teléfono de la llamada entrante; el reloj también vibra cuando llega un SMS. Entre medio, Microsoft creó SPOT, una plataforma de relojes “conectados” (Fossil, Suunto y Tissot participaron): por una suscripción anual, estos relojes digitales recibían información vía radio FM para mostrar en sus pantallas, como noticias, el estado del clima o un aviso de llegada de un correo electrónico, información muy útil en un mundo que apenas se estaba subiendo al concepto del Smartphone, y que estaba comenzando su migración a las redes 2G y 3G.

Pero no era, quizás, su hora; tuvieron ventas moderadas y quedaron allí, en una suerte de limbo, hasta que Sony Ericsson presentó, en 2012, su SmartWatch, y dio la señal de largada para una carrera por crear el reloj de pulsera del tercer milenio, un negocio que, dependiendo de a quién se le pregunte, asegura ganancias fabulosas o es puro humo. Hay dos vertientes a la hora de pensar cómo debe ser el reloj del futuro. La diferencia tiene que ver, en mayor o menor medida, con la batería.

PARA CUÁNTO ALCANZA MEDIA PILA Hubo un tiempo en el que darle cuerda al reloj era, literalmente, cosa de todos los días. Los relojes a pila cambiaron eso, y hoy cambiarle la batería a un reloj moderno es todo un acontecimiento, por lo inusual. Su vida útil se mide en años.

Difícil, entonces, convencer a alguien de que al maravilloso nuevo reloj hay que cargarlo todas las noches. Es un sinsentido. Como también lo es, para muchos, gastar dinero en un reloj que no haga más que dar la hora: si es inteligente, debería ser una mini computadora, no menos.

Esta dicotomía es la que separa el mercado de relojes inteligentes, hoy más marcado por la exploración (por la sensación de que ahí se esconde, efectivamente, un mundo nuevo), que por la comprensión cabal de qué funciona y qué no.

De un lado, están los modelos de alta gama, con el Samsung Galaxy Gear a la cabeza. La compañía dice que envió 800 mil a los vendedores; algunos analistas, que sólo vendió efectivamente -es decir, que están en manos de la gente- unos 50 mil dispositivos. El Galaxy Gear es el ejemplo de todo lo que se puede hacer con un reloj inteligente. Tiene lo básico, que es mostrar en su pantalla color la

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+ Samsung Galaxy Gear

+ Sony SmartWatch 2

hora, las alertas de llamadas, mensajes, mails y demás que llegan al smartphone que llevamos en el bolsillo. A todas esas notificaciones, suma la posibilidad de funcionar como un manos libres (tiene un micrófono y un parlante en la malla) e, incluso, sacar fotos (tiene una cámara en la malla), además de servir de control remoto de la música del teléfono, ver la temperatura, funcionar de podómetro y más. Tiene, no obstante, dos contras: el precio (U$S 300) y la batería: dar vida al procesador y la pantalla color que tiene ese equipo lo dejan con una autonomía de -en el mejor de los casos- un día y medio de uso. Y sólo funciona con algunos modelos de Samsung.

un reloj con una pantalla que usa un LCD especial, similar a la tinta electrónica: mínimo consumo de batería, excelente visibilidad al sol, pero sólo es blanco y negro. Es compatible con Android, iOS y (por aplicaciones de terceros) Blackberry 10 y Windows Phone. Además de las notificaciones en pantalla y de servir de control remoto, el Pebble admite aplicaciones para sumar funciones al reloj, pero sin exagerar: es, ante todo, un reloj con funciones extra. Esta economía de recursos le permite un precio moderado (U$S 150) y una batería que llega a la semana de uso. De los relojes inteligentes que hay en el mercado, es el que mejor reputación tiene.

Cercano está el Sony Smartwatch 2, la segunda generación del modelo que inició en 2012 el revival del reloj inteligente. Similar al Gear, tiene pantalla color (pequeña y táctil), muestra notificaciones, acepta aplicaciones específicas, se puede mojar y demás. La compañía lo presenta como un control remoto del celular, antes que como una computadora. Tiene un precio de U$S 200, funciona con cualquier teléfono con Android y la batería dura 3 ó 4 días.

Algo similar, pero con un poco más de sofisticación, ofrece Qualcomm con su Toq ; aunque es una partida limitada de 100 mil equipos y lo fabricaron más como una forma de mostrar su tecnología de pantallas Mirasol (de alta visibilidad, bajo consumo de energía y la posibilidad de reproducir videos en color), el Toq –U$S 300- funciona como visor de notificaciones en Android, control remoto para la música, reporte meteorológico y no mucho más, en un objeto que intenta encontrar un equilibrio entre la funcionalidad y la autonomía de la batería.

Motorola también creó un reloj, el MotoACTV, pero está pensado para deportistas (tiene GPS propio, es más grande, etc.) y no está claro si continuará su evolución, ahora que la compañía es de Google; lo mismo sucede con el italiano I’m Watch, que también apuesta por un dispositivo multifunción, pero cuya distribución limitada reduce su alcance. A este grupo se sumará ZTE (espera hacerlo para mediados de 2014) y un nuboso grupo de empresas, entre las que todos quieren ver a Apple y Google, y que podría tener múltiples participantes.

UN RELOJ SIN TANTAS COMPLICACIONES Del otro lado, están las compañías que van a más, pero haciendo menos. El mejor ejemplo es Pebble, pero no es la única. Pebble fabrica

Adidas y Nike, por su parte, presentaron asistentes para correr que -además de medir movimientos, pulsaciones- también dan la hora (y se llevan en la muñeca, claro). Por ahora, el sector está en plena ebullición, y nadie sabe muy bien qué resulta y qué no. Un estudio de Gartner estima que recién en 2017 veremos dispositivos que se vuelvan masivos, ofreciendo un precio y unas prestaciones acorde con lo que se espera de ellos, es decir, modelos que no son simplemente relojes con un chiche extra, sino que aportan algo realmente novedoso y le agregan una inteligencia que de otra forma no tendría, una presencia que vuelve a aprovechar y justificar las miradas a nuestra muñeca. +

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+ Julia Ramos. Serie Rock Festival - Mosh Pit I, 2012

portfolio fotográfico

Julia Ramos | Curador: Aldo Bressi @aldobressi Julia Ramos saca fotos desde hace sólo cinco años. Estudió en la Escuela de Fotografía Creativa de Andy Goldstein, y actualmente realiza un taller con Lena Szankay. Trabaja con una cámara Leica con lente fijo de 35 mm y también usa una Canon 5D. En el 2012, fundó la galería Holbox. En esta oportunidad, presenta fotos de dos de sus series: “Rock Festival”, donde documenta los rituales de los festivales de Heavy Metal en Suecia, Austria, Francia y Holanda; y “Snow”, dedicada a su pasión por la nieve, realizada en Estados Unidos, Canadá y Europa. + www.juliaramosphoto.com

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+ Julia Ramos. Serie Snow - Ciervo II, 2010

+ Julia Ramos. Serie Snow - Model, 2013

+ Julia Ramos. Serie Rock Festival - Sex Pistols, 2012

+ Julia Ramos. Serie Rock Festival - Skull, 2012

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+ Kogan y la radio Loop para Visiva. Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

Hugo Kogan

De la actividad del diseño al activismo productivo Es uno de los míticos diseñadores industriales de Latinoamérica. Es poseedor de una gran experiencia práctica adquirida desde los años 60, un dominio destacado sobre las problemáticas técnicas y, ante todo, una gran sensibilidad social, que le permite encontrar soluciones formales, devenidas en interfaces entre función, industria, mercado y usuario. Conozcamos a Hugo Kogan. | Texto: Wustavo Quiroga

A lo largo de su carrera, transitó por diversas maneras de diseñar: desde diseños prácticos para empresas, hasta experimentos formales independientes; desde planes estratégicos comerciales, hasta programas educativos. Esta multiplicidad de aristas creó una genuina filosofía personal: “El diseño es el eje central de mi vida, pero el eje del diseño es la gente”.

Luego, ingresó a la carrera de arquitectura por dos años hasta que, repentinamente, se presentó a competir en la empresa Philips Argentina. Participó de un concurso entre 56 arquitectos y estudiantes avanzados, del que fue seleccionado, según los evaluadores, por haberse destacado en la modo de completar la planilla (sus respuestas rediseñaban la diagramación obsoleta de la papelería).

DIAGRAMAR EL PRESENTE PARA CAMBIAR EL FUTURO Kogan cursó el nivel secundario de formación mecánico-técnica.

Es así cómo, con sólo 22 años, forma parte del staff Philips. Allí, Leandro Siri fue su jefe, y un equipo de ingenieros, formados en Ho-

clásicos contemporáneos

+ 111 diseño

landa, le enseñaron qué es el diseño y a diseñar. Por entonces, Kogan no conocía el término y, al igual que el común de la gente, tampoco su implicancia. Desarrolló para la firma tres productos, que partían de la tecnología como dato duro, y diseñaba los soportes de los elementos electrónicos, los gabinetes y sus controles.

Alrededor de 1957, se retiró de la empresa y realizó su primer proyecto independiente, junto a un compañero de trabajo. La nueva empresa tenía por objetivo el diseño integral de locales comerciales, un servicio que por entonces era una novedad. Durante años, la empresa creció hasta que, por una inversión fallida en un negocio de riesgo, quebró. Ésta fue la enseñanza de la cual Hugo rescata la importancia de un asesor financiero en las empresas de diseño.

En 1960, ingresó a Tonomac, empresa especializada en electrónica de entretenimiento. Primero como diseñador, luego como gerente y, por último, como director de la sociedad anónima. Allí desarrolló cantidad de artefactos, no sólo de entretenimiento, sino también equipos de comunicaciones fijas y móviles. Trabajó en el desarrollo de nuevos productos para la empresa Wanora -fabricante de máquinas para tejer familiares y semi industriales-, diseñando máquinas lineales y circulares, además de mesas de trabajo.

EL MAGICLICK En 1967, como gerente del área de diseño de Aurora, diseñó y desarrolló líneas de cocinas, otra de calefactores, y el encendedor Magiclick. También diseñó televisores y radiorreceptores para la firma Delm Electrónica, del grupo Aurora. Entonces, nació un clásico del diseño argentino.

Sorprendido por su omnipresencia histórica, Kogan fundamenta: “Hubieron tres aspectos por los que el Magiclick fue un éxito: primero, existía una necesidad absoluta de este tipo de soluciones, aunque no cubría ningún deseo en particular. Las personas debían encender las cocinas con los fósforos Ranchera, que eran de papel encerado, peligrosos porque se autoencendían, o con encendedores eléctricos, también altamente peligrosos. El piezoeléctrico pasó a ser la solución. El slogan “Sin pila, sin cable y sin piedra”, describió las funciones de un producto innovador para la época, seca de novedades.

En esos años, pocos empresarios visitaban Japón. Ernesto Vainer, presidente de Aurora, viajó en los 60, y trajo como novedad un piezoeléctrico como el que los japoneses ponían en los quemadores de las cocinas, que encendían las hornallas automáticamente. Con el piezoeléctrico en el tablero, pienso que es un perfecto encendedor manual, lo diseño en un día, encargo la realización de una maqueta, y en la siguiente reunión de producto, lo propongo y se aprueba. En segundo lugar, la empresa pide a la agencia que atendía la cuenta que lo “bautizara” y registrara. Decidieron llamarlo “Magiclick”.

Fue un acierto, y una precisa descripción del producto. Por último, el producto fue deseable, era una innovación absoluta para la época.

Fue un boom, y quince días después del lanzamiento, se contrató la elaboración de varias matrices para dar respuesta a la demanda. El Magiclick fue uno de los más rentables productos de Aurora.

OFICINA DE DISEÑO En 1974, creó un nuevo estudio independiente: “Kogan Oficina de Diseño”. En su casa de Belgrano, instaló tableros y convocó a colegas -algunos ex compañeros de Tonomac- para trabajar en equipo, diseñando y desarrollando productos de alta y bajas series. La empresa creció, y nació un nuevo emprendimiento: “Kogan Diseño”, en la zona del Botánico. Su nuevo objetivo fue brindar soluciones técnicas a empresas industriales, diseñar locales comerciales, principalmente; diseño de marcas y de programas de identidad visual y corporativa.

+ Reloj de pie Cuarto para Visiva

Después, se incorporó Raúl Anido y, al año, por demanda de soluciones tecnológicas complejas (estaban trabajando para IBM), se sumó Hugo Legaria. Ambos provenían de la carrera de diseño industrial de la Universidad de La Plata, formados en gráfica y producto.

Inicialmente fueron contratados, y luego socios, bajo la marca “Kogan Legaria Anido, Estudio de Diseño”, experiencia que continuó hasta 2002. Dentro de los desarrollos relevantes, se encuentran los programas de identidad visual para grandes empresas, elaborados junto a Rubén Fontana y Norberto Chávez. Simultáneamente, diseñaron y desarrollaron productos complejos para empresas de electromedicina y de computación.

DISEÑO PARA LA SALUD, UNA EXPERIENCIA RADICAL La producción destacada del estudio Kogan Legaria Anido la realizaron dando respuesta a empresas productoras de equipos de electromedicina, entre ellas, Medix, un cliente al que Kogan le había diseñado tiempo atrás cunas para recién nacidos en Cuba. Abrieron campo en un área clave del diseño: los productos para la salud.

Plantearon una nueva manera de diseñar, con requerimientos complejos y más comprometida con lo esencial de la vida.

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+ Cada proyecto implicó un gran trabajo previo de investigación, imprescindible para la comprensión de estas necesidades. Con el fin de diseñar cunas de terapia intensiva para prematuros, Kogan y Legaria visitaron y relevaron varios centros de neonatología, hospitales y clínicas neonatológicas, a la vez que participaron mientras se realizaba la limpieza semanal de los equipos, y las madres amamantaban a los niños, para así analizar las múltiples funciones que debe responder esta categoría de producto.

Hugo comenta: “Son casi espacios de emergencia, donde hay chiquitos de 5 ó 6 meses. Para ellos diseñamos una cuna de terapia intensiva, preparada para cirugías, incubadoras y cunas de traslado. Disponen de sistemas de alta tecnología, que controlan la temperatura en forma permanente, con dispositivos que leen discriminando la temperatura del cuerpo del bebé, y la de su transpiración. Son equipos que deben cumplir normas internacionales, producidos a baja escala, entre 80 y 100 unidades por mes. Proyectos que demandaron la resolución de problemas de alta complejidad con tecnologías blandas, de baja producción, respondiendo a la demanda de productos con imagen y respuestas funcionales similares a productos de altas series de producción.

El diseño y la innovación van juntos, desarrollamos varios modelos, y en cada cuna, las mejoras y los cambios superaban a la anterior.

La nueva no tenía puntos de contacto con su predecesora, ni formal, ni tecnológico. Cada una de las partes que componen un producto complejo es, en sí, el diseño de un producto, por el grado de complejidad y exigencia. Cuando hacés un despiece y analizás cada componente, la demanda de calidad, los estudios y la investigación, en realidad, diseñás 50, 40 ó 15 subproductos”. Estos productos para la salud se elaboraban en Villa Ballester, provincia de Buenos Aires. La empresa era de ingenieros que tenían objetivos claros y capacidades profesionales. Ya en 2000, contaban con alrededor de 50 clientes internacionales.

FOCUSBRAND: SOBREVOLAR AMÉRICA A partir de la crisis socio-económica de Argentina, el estudio se disolvió. Hugo decidió salir de su zona de confort, e implicarse en una aventura latinoamericana. KLA ganó un concurso de identidad visual para el Banco de América Central y, en esa oportunidad, Kogan tuvo la posibilidad de conocer nuevos países, su dinámica y economía. Decidido a ampliar el campo profesional, fundó Focusbrand, un estudio cuya estructura interna le permitió responder a pedidos muy disímiles y de alta calidad, como proveedor de soluciones.

Voló a Nicaragua, El Salvador, Costa Rica y Guatemala, donde estudió mercados, léxicos empresariales, costumbres, contextos sociales y niveles de conocimiento de cada región.

+ Lámpara de escritorio Papillon

La nueva empresa de diseño gestiona el trato con los clientes, trabaja en el plan maestro, desarrolla briefs generales y ejecutivos, define líneas y pautas de diseño, propone soluciones alternativas, y contrata a los mejores diseñadores para cada problemática; cubre desde la elaboración ejecutiva de documentación hasta la aplicación del diseño.

UNA RADIOGRAFÍA ARGENTINA Después de seis décadas ininterrumpidas de diseño en nuestro país, Kogan tiene una mirada crítica y una fórmula estratégica elaborada a partir del cambio. Es un analista preciso, y un apasionado hacedor todo terreno y tiempo. Su opinión ayuda a redefinir las cualidades necesarias para diseñar en el mercado latinoamericano. “Nuestro país, como varios en la región, no cuenta con una política industrial sostenida. No hay un esquema dentro de cual se puedan hacer planes

+ El encendedor Magiclick, desarrollado para Aurora en 1967.

+ 113 a mediano o largo plazo, necesarios para que el diseño pueda desarrollarse con visión a futuro.

En los países en donde no hay un programa industrial como política de estado, y la economía oscila entre el populismo y el neoliberalismo, las empresas, con su capacidad instalada, no toman decisiones de crecimiento e inversión. Carecemos de una política productiva estable como la que tiene Brasil, que por décadas, con cambios de gobierno -tanto militares o democráticos-, sostiene una política industrial positiva y clara. Dentro de ese entorno, el empresariado de la Pyme genera proyectos cada vez más cortoplacistas. Hay pocas excepciones, en especial, para el amplio sector de la producción de diseño. Para programar en el tiempo, se debe visualizar un futuro estabilizado, dentro de un crecimiento lógico. Entiendo que es necesario generar programas propios de desarrollo, imaginar e investigar áreas de probable inversión, y tener una absoluta flexibilidad, para que la producción de diseño encuentre y acompañe a las empresas en las zonas potenciales de demanda”.

COMO UN POLIEDRO, EL PERFIL DEL DISEÑADOR Kogan es uno de esos casos en que la mentalidad técnica alcanza grandes niveles de creatividad. Una mente que, a partir de la razón, ingresa al territorio de la imaginación. Del diseño puro y duro, pensaríamos que es imposible llegar a un diseño liberado de los requerimientos del mercado, pero también allí transitó Kogan. “Visiva”, la experiencia conjunta conjunta con Reinaldo Leiro y Ricardo Blanco, fue una empresa de productos postmodernos diagramada en 1985, a pesar de que su proyección estuviera, en términos financieros, destinada al fracaso.

Otros momentos de creatividad de fin de semana (como llama Kogan a estas tareas realizadas por placer en sus ratos libres) fueron los diseños realizados a comienzos de los años 80 para el Espacio Giesso, donde se reunían diseñadores amigos a producir a partir de un tema singular, entre otros, “La Luz”, “diseño a-hora”, “juegos de truco y sapo”.

Numerosas fueron las exposiciones nacionales e internacionales, unipersonales o en equipo, que ha realizado. Incluso, en contados, pero certeros casos, ha oficiado de investigador-curador, como en la muestra “Cuatro décadas de diseño” realizada en el MNBA, donde analizó el panorama del diseño argentino entre las décadas del 40 y 70.

En el ámbito educativo, sus conocimientos arribaron, mediante charlas y capacitaciones, a Mendoza, La Plata, Mar del Plata, Córdoba y Neuquén. Además, participó activamente en el armado de las carreras de diseño en la FADU/UBA, donde también fue profesor de grado y de postgrado.

En el área institucional, es consultor estratégico del CMD - Centro Metropolitano de Diseño (por ejemplo, propuso el reciente libro de sus diez años de vida) y del MINCyT para su programa Innovar, donde premian invenciones aplicables al mundo utilitario. También fue miembro ejecutivo del renombrado CIDI - Centro de Investigación de Diseño Industrial del INTI, institución que plasmó las primeras bases para el reconocimiento político del diseño como herramienta estratégica empresarial.

+ Linterna de mano para Blitz

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En sus palabras, podemos reconocer sus múltiples inquietudes: “Hay que saber escuchar, abrir el interés a variadas situaciones, vincularse con la música, la pintura, los nuevos caminos del arte, estar atentos a los cambios culturales y de costumbres, conocer las tendencias, aprender siempre, y no olvidar que nuestras decisiones profesionales llegan a la gente como productos que pueden hacer más fácil su diaria vida, o complicársela. Saber que siempre hay otras maneras y caminos, otras formas de diseñar y de pensar”. + www.focusbrand.com

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