CLICK Las mujeres en el antiguo Egipto AQUÍ La casa Barragán La biblioteca más grande de América El arte urbano deja impronta en la ciudad Joni Mitchell, música de músicos Baviera, la ruta romántica (parte2) La vida de Bobby Fischer
Eduardo Pla, su última entrevista
Además lea: “Negros eran los nuestros, los criollos” “Mentime que te creo” Poesía de Gustavo Alarcón “Los ojos de Casandra” Recomendación de CD, libros Escuche música mientras lee Vea los videos incluídos en las notas. El video clip realizado por Eduardo Pla CLICK AQUÍ
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Staff Editor General: Walter Gustavo Telesca Colaboran en este número: Omar Magrini, Gustavo Akselett, Mario Gelvez, Marina Medwedyk, Daniel Forte, Gerardo Salemi, Jorge Muñoz., Fernan Bujedo Villalba
Sumario HC
Diagramación de contenidos: wgt comunicaciones Diseño de contenidos: wgt.ediciones@gmail.com Producción comercial: akselett@gmail.com Desarrollo de edición: wgt ediciones www.wgtediciones.com www.wgt-ediciones.com Distribución: online gratuita http://wgtediciones.com/ Departamento comercial para publicitar: 011 5922-8829 / 3970-2130 Producto registrado en P.I. bajo el número 3854621
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Cortazar por Cortazar Julio Cortazar hablando sobre su libro “Rayuela” “A mí se me ocurrió y sé que era una cosa muy difícil, intentar escribir un libro en donde el lector en lugar de leer la novela consecutivamente tuviera en primer lugar, diferentes opciones, lo cual lo situaba ya casi en un pie de igualdad con el autor, porque el autor también había tomado diferentes opciones al escribir el libro. Posibilidad de elección de dejar de leer una parte del libro y leer otra, o leerla en otro orden y crearse un mundo en el cual él desempeñaba un papel activo y no pasivo”
Recomendaciones Un disco histórico para el rock nacional. Considerado por una encuesta de músicos como el mejor disco de rock de la historia de la música nacional. ARTAUD Luis Alberto Spinetta Si bien el disco figura realizado por el grupo Pescado Rabioso, fue el primer trabajo solista de Luis Alberto Spinetta quien tuvo que dejar el nombre de la banda recién separada por una cuestión contractual con la empresa discográfica. Escuche el tema “Bajan” haciendo click en la tapa y parando con el botón rojo
Nuestro libro recomendado La medicina y el arte Osvaldo Pamparana
La enfermedad retratada en las grandes obras pictóricas de la historia de la pintura. La medicina y el arte se nutren de un fondo común: el Humanismo, mostrándolo con crudeza o sutilmente. Un libro que lo llevará a recorrer patologías de diferentes enfermedades y lo hará conocer las obras de los grandes maestros de la pintura que tienen características de esas patologías en sus personajes retratados. El libro trata sobre la interpretación y descripción médica de una patología representada en una obra de arte. Imágenes a todo color, descripciones precisas y sencillas de las patologías y una excelente calidad hacen de este libro un material imperdible para tener en la biblioteca personal.
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LA MAYOR BIBLIOTECA DEL CONTINENTE Por Walter Gustavo Telesca
La Biblioteca Nacional de Brasil, considerada por la UNESCO como una de las diez más grandes bibliotecas nacionales del mundo, es también la mayor biblioteca de América Latina. El núcleo original de su poderoso acervo cultural, calculado hoy en casi diez millones de ejemplares, es la antigua librería de D. José organizada en base a la inspiración de Diego Barbosa Machado, ábate de Santo Adrián de Sever, para substituir a la librería Real, cuyo origen se remonta
No es “a mais grande do mundo”, pero sí la más importante biblioteca de toda América. La Biblioteca Nacional de Brasil es un ícono cultural que trasciende sus fronteras.
a la colección de libros de D. João y de su hijo D. Duarte, y que fue consumida por un incendio seguido por un terremoto en Lisboa el 1º de noviembre de 1755. El inicio del camino de la Real Biblioteca del Brasil está ligado a uno de los momentos más decisivos de la historia del país: a mudanza de la reina D. Maria I, de D. João, Príncipe Regente, de toda la familia real y de la corte portuguesa para el estado de Río de Janeiro, en ocasión de la invasión en Portugal de las fuerzas de Napoleón Bonaparte en 1808.
Una imagen publicada en el diario “O Malho”, el 12 de noviembre de 1910, muestra el edificio de la Biblioteca Nacional el día de su inauguración.
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El acervo traído para el Brasil, de sesenta mil piezas, entre libros, manuscritos, mapas, estampas, monedas y medallas, fue inicialmente acomodado en una de las salas del Hospital de la Orden Tercera del Carmo, en la Calle Derecha, hoy llamada Calle 1° de marzo el 29 de octubre de 1810, por
decreto del Príncipe Regente que determina que en el lugar que sirvió de catacumba a los religiosos del Carmo se erija y acomode la Real Biblioteca incluyendo instrumentos de física y matemática. a costa del dinero Real. Ese día es considerado oficialmente como el de la fun-
dación de la Real Biblioteca a pesar de que fue abierta al público en 1814. Cuando en 1821 la Familia Real regresó a Portugal, D. João VI llevó de vuelta gran parte de los manuscritos del acervo. Después de la proclamación de la independencia,
la adquisición de la Biblioteca Real por el Brasil fue regulada mediante la Convención Adicional al Tratado de Paz y Amistad celebrado entre el Brasil y Portugal el 29 de agosto de 1825. Luego de varios pases de manos, entre diferentes ministerios recién desde 1990 la Biblioteca Nacional, con su biblioteca subordinada: “Euclides da Cunha” de Rio de Janeiro, y el Instituto Nacional del Libro, con su Biblioteca Demostrativa de Brasilia, pasaron a constituir la Fundación Biblioteca Nacional (FBN). La FBN posee una oficina de Derechos Autorales para registro de derechos de autor y también es la Agencia Nacional del ISBN (International Standard Book Number). De Brasil (Aquí en Argentina el ISBN se gestiona en la Cámara Argentina del libro, que es la encargada junto a la oficina de Derechos de autor de coordinar e incentivar el uso del sistema internacional de
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miento del acervo, la FBN posee laboratorios de restauración y conservación de papel, con las más nuevas tecnologías de América. En esa área también posee un departamento de microfilmaciones, fotografía y digitalización y desde hace varias décadas, la Biblioteca posee un departamento nacional de microfilmación de periódicos lo que permite tener guardado toda la producción periodística del país. El otro departamento dentro de esa área es el de Restauración de Obras Raras, cuyo objetivo es identificar y recuperar obras raras existentes, no solo en la Biblioteca Nacional, sino también en otras bibliotecas y acervos bibliográficos del país. numeración de libros y atribuye los códigos a las editoriales. En Brasil la Fundación Biblioteca Nacional es la única beneficiaria de la ley que puede disponer la remesa de obras a la Biblioteca Nacional. El principal objetivo da la ley del Depósito Legal es asegurar el
registro y la guarda de la producción intelectual nacional, (aquí utilizamos el mismo sistema) Además de posibilitar el control, la elaboración y la divulgación de la Bibliografía Brasilera como defensa de la preservación de la lengua y de la cultura nacional. Para garantizar el manteni-
En el año 2006 fue creada la Biblioteca Nacional Digital donde se agrupan integradas todas las colecciones digitalizadas colocando a la FBN en la vanguardia de la digitalilzación de bibliotecas en América Latina. Como buena parte del acer-
vo de la Biblioteca Nacional los principales documentos que forman parte del mismo provienen de la Real Biblioteca con documentos tríados por la familia Real portuguesa en 1808. El acervo no paró de crecer por donaciones y adquisiciones tornando la colección de la Biblioteca en la mayor del continente. Dentro de sus colecciones podremos encontrar manuscritos en griego, persa, latin y portugués antigüo europeo que enriquecen la historia escrita. El acervo cuenta con más de 240 colecciones debidamente registradas y catalogadas de manuscritos antiguos como así también de grandes escritores brasileños como Lima Barreto, Carlos Drummond de Andrade y Euclides da Cunha, entre muchos otros. Como habrá podido ver, no sólo de fútbol se habla en Brasil, modelo de preservación de su cultura y su historia.
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El arte urbano MARCA UNA IMPRONTA CIUDADANA Una disciplina que por su efímero paso no es tenido en cuenta a la hora de valorar a un artista. Por Gustavo Akselett
Muchas veces cuando vemos un mural pintado en algún edificio, el único pensamiento que se nos cruza es “que lindo” o “no me gusta”, pero jamás ponemos en tela de juicio ni al artista, ni a la obra vista; y es porque el arte no supone conflictos en la gente, sino que por el contrario genera movimientos de sensaciones y tampoco pasa desapercibido.
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El arte urbano moviliza a la población, provocando que las ciudades se vean con otros ojos intentando entrar en la búsqueda permanente de una identidad artístico-urbana que la identifique a simple vista. Nacido de la expresión inglesa “street art”, que hace referencia a todo el arte de la calle, algunas veces considerado ilegal. El arte urbano engloba tanto al graffiti, a los murales como a otras formas
de expresión artística que tienen como escenario lugares públicos bastante transitados, pretendiendo sorprender a los espectadores. La historia de estas expresiones tiene como tiempo mediados de la década del 60 y la más conocida apunta a la creación del grafity y a que quien la inició: “Taki 183“. Un joven mensajero que vivía y trabajaba en la Zona de Manhattan y viajaba a los cinco distritos de Nueva York
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y por su trabajo recorrer grandes distancias en el metro. Comenzó por aburrimiento a escribir su nombre en los vagones, paredes y en todas partes que visitaba haciendo además referencia a la calle donde vivía: La 183. Esta firma comenzó a ser notada por muchas personas y comentada en los sectores urbanos generando interrogantes y teorías. La “firma” o mejor conocida como “tag” de “Taki 183” se hizo tan notoria, que en 1971 un reportero le siguió la pista hasta que lo pudo localizar y entrevistar, saltandoi así a la fama. En las fotografías de esta nota, podemos observar diferentes murales y pequeñas obras que iluminan paredes en distintas partes del mundo, en una tendencia que crece día a día y que del simple grafity y pasando por diferentes escalas de dibujos se ha tornado una costumbre ver murales de varios metros cuadrados de superficie pintados en paredones sin vida.
Así encontraremos obras de arte que por su efimera existencia (con la corrosión, desgaste natural y la modificación de sus superficies, duran apenas algunos años) hacen que los artistas se tornen invisibles a la fama del mercado del arte justamente por no tener algo “fisico” que vender y en consecuencia no son tenidos en cuenta como participes de la gran historia del arte. Afortunadamente para ellos, su arte efimero también resulta productivo cuando la gente comienza a mencionar el mural de tal lugar y con su fama creciente logran ser contratados para la realización de otros murales que al tiempo perecerán físicamente, pero quedando en la memoria de los pobladores.
El arte sea en la expresión que sea, y más allá de su durabilidad física no pasa desapercibido y el arte urbano deja una impronta ciudadana imposible de modificar aun cuando sus murales ya no existan.
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Van Gogh en movimiento La película de animación “Loving Vincent” sobre el pintor Vincent Van Gogh, intentará descifrar el misterio de la muerte del pintor. Se trata de un filme en el que cada fotograma será una pintura al óleo compuesta por 120 pinturas del autor y los personajes de las obras serán los protagonistas. La pintora polaca Dorota Kobiela que es la directora de la película se inspiró en las cartas que Vincent Van Gogh enviaba a familiares y amigos para realizar el contenido, logrando metabolizar tecnológicamente el arte plástico del genio holandés en un film imperdible.. ‘Loving Vincent’ cuenta, a través sus obras -como ‘Campo de Trigo con cuervos’, su último cuadro- y los personajes que aparecían en ellas, la vida y la misteriosa muerte del genio. Dorota Kobiela, una ilustradora y animadora polaca, fanática de Van Gogh, es quien lidera la parte artística de la película. “Cada vez que miro el cuadro de ‘Terraza de café por la noche” me encantaría estar sentada allí, brindando con vino, charlando con mis amigos”, dice Kobiela, quien se ha encargado de decidir qué per-
sonajes de la vida de Van Gogh tendrán un papel protagonista en ‘Loving Vincent’. Serán el Dr. Paul Gachet, que le cuidó y le animó a pintar intensamente; Aveline Ravoux, la hija de los dueños de la pensión en la que el pintor murió, y el cartero Joseph Roulin, que se convirtió en un gran amigo.
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Las mujeres en el antigüo Egipto
disponer de herencias y de su dote, la realidad es que los grandes puestos administrativos y otras funciones fuera de la vida doméstica o de servicio estaban vedadas para ellas.
do original, y en el capítulo 39 aparece la perfecta muestra de la hembra como manipuladora, seductora y vengativa en la figura de la esposa de Putifar, alto funcionario egipcio, que intenta seducir a José. En la literatura griega, Pandora cumple una función similar a Eva, al ser la responsable de la entrada del mal y del sufrimiento en el mundo (Hesíodo, “Los trabajos y los días”, pp. 90-95).
Contexto Temporal De La Sociedad Egipcia
La Mujer En La Literatura Sapiencial
Sin embargo, para ser justos hay que ponerse en el contexto temporal y espacial y darnos cuenta de que otras sociedades como las mesopotámicas, la griega o la hebrea también compartían estos valores, como podemos ver en el libro de los Proverbios y el Eclesiastés de la Biblia. Asimismo, en el Génesis se culpa a la mujer del Peca-
En Egipto, esta visión es mostrada en la literatura sapiencial de Ptahotep, ministro de la V dinastía, donde escribe tanto un pensamiento “misógino” con estas palabras: “las mujeres han sido la perdición de miles de hombres. Sus bellos cuerpos hechizan, pero después de un breve instante de felicidad, pierden su atractivo: un momento de placer y,
La mujer siempre tuvo protagonismo en la historia, pero también siempre fue invisibilizada por el hombre.
Por Fernan Bujedo Villalba
Precaución Con El Presentismo A pesar de lo peligroso que es trasladar conceptos de otras épocas y lugares al presente y viceversa, hay que decir que desde el punto de vista actual la sociedad egipcia era machista. Debemos tener en cuenta que hablamos de una civilización que se extendió durante 3.000 años, pero durante ese tiempo la condición socioeconómica de la mujer no cambió demasiado. Si bien, como hemos visto hablando del tema de la familia, la mujer se podía divorciar y
luego, la muerte como remate“, como otro más cariñoso o amatorio pero siempre dentro del contexto general: “cuando alcances una posición desahogada, cásate y ama a tu mujer más que al mundo entero. Dale alimento en abundancia y bonitos vestidos […] úntala con tus perfumes embalsamados y hazla feliz hasta la muerte. La mujer es un buen campo para su dueño, pero hay que saberlo cultivar“.
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¿Cuatro Reinas En Tres Mil Años?
Roles De La Mujer Egipcia
Por otro lado, incluso teniendo en cuenta que las mujeres de estamentos superiores no pueden ser comparadas con las de los inferiores, la instrucción de la mujer era casi nula: en la familia real podía darse alguna instrucción, pero incluso entre las familias ricas las mujeres eran analfabetas. Sólo cuatro princesas llegaron a reinar: Neferusobek (177717773 a.C.), Hatshepsut (14791457 a.C.), Tausert (1188-1186 a.C.) y Nefertiti (alrededor de 1340 a.C.), e incluso no está del todo claro en este último caso. Por otro lado, los expertos discuten si hubo algunos casos más pero se pueden contar con los dedos de las manos, y todo eso durante tres mil años.
Visto esto, a la mujer lo único que le quedaba eran las tareas domésticas, trabajar como servicio, en la producción de alimentos, en la creación textil y como objeto sexual. El arte muestra estos quehaceres, sobre todo como bailarinas, doncellas y camareras desnudas desde la adolescencia. Jurídicamente, sabemos que las mujeres podían administrar el patrimonio del esposo fallecido, como dijimos en el anterior artículo. En el Imperio Medio, la identidad se transmitía por línea materna y sabemos que en algunos nomos las herencias se transferían de igual manera. A pesar de ello, se sabe que en las casas había zonas de gineceos, y los asuntos y reuniones masculinas estaban prohibidas para ellas.
La Mujer En La Decoración Funeraria Todo esto tiene su representación en la decoración de
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que ninguna persona la asaltumbas, donde la mujer tiene tase en la ruta“. un papel importante al lado del esposo, pero es éste el que tiene la preponderancia La Mujer En La Poesía Y en la escena, siendo ella (esLa Música posa o madre) la comparsa. Escenas de ofrendas, de tema La poesía amatoria fue muy amatorio o simplemente de importante durante toda la compañía nos dan códigos Historia egipcia, sobre todo y claves para entender el paen el ambiente palacial y de pel femenino en la sociedad. la corte, en las familias ricas El color con el que se reprey allá donde se pudieran consenta a hombres y mujeres tratar los servicios de músicos da una pista de ello porque la como arpistas, flautistas, poefémina es pintada de amarillo tas que componían, bailarinas y el hombre de rojo, dado que y actores que escenificaban. éste pasaba más horas al Sol, En este tipo de poesías, la trabajando en el exterior. Si amada es llamada “hermana”, bien la mujer no tenía la liberya que en la familia real estutad del hombre en cuanto a vo la costumbre de las bodas movimientos, hay épocas en entre hermanos para mantelas que ner la estuvo tirpe regia, más que A la mujer lo único que Los aren otras, queólogos como se le quedaba eran las y arqueolee en musicólotareas domésticas un texto gos han de Ramlogrado resés III: componer “yo hice posible que la mujer o, por lo menos, hacer una de Egipto siguiera su camino, posible reconstrucción tanto que sus viajes se extendieran de los instrumentos como de hasta donde ella quería, sin la métrica y del sonido de es-
tas canciones y poemas, demostrando que la sensibilidad amatoria está en una de las civilizaciones más antiguas de la Tierra, a pesar del contexto de la preponderancia masculina en las instituciones de Poder y del Estado. Las canciones y poemas más famosas son las que compusieron durante el Imperio Nuevo, que fue el período que dio a algunos de los faraones y reinas más famosas como Akhenatón, Nefertiti, Tutankhamon y Hatshepsut.
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MENTIME QUE TE CREO Por Daniel Miguel Forte
¿Es una gran verdad que la mentira, amén de tener patas cortas, goza de muy mala prensa? A Sarmiento le indigestaba más una mentira que la consabida ensalada de pepinos, el finado Aristóteles era mas amigo de la verdad que de Platón y los cristianos, con la verdad no ofenden ni temen. Hoy decirle mentiroso a alguien, sigue siendo un insulto y ya sabemos lo que le pasó a aquel pastor de la fábula, sin embargo, si uno escarba un poco, un poquito nomás en la realidad cotidiana, se sorprenderá al constatar que la mentira es y fue, el sostén de la sociedad humana; des-
de aquel cavernícola que pintó y adornó su cuerpo para aparentar lo que no era, hasta nuestros días, la mentira convive con nosotros, la nutrimos y nos alimentamos, de, por y para ella. ¿Por qué mentimos? La sola enunciación de la pregunta lleva en sí el riesgo de la mentira, porque las causas concurrentes que imagina nuestra subjetividad podrían no ser ciertas. Una primera aproximación sería que simplemente no soportamos la realidad tal como la vemos; por ejemplo, nuestra fenectud. Somos seres signados por una fecha de vencimiento que desconocemos y ante la absoluta verdad de la muerte, inventamos vías de escape para evadirla. Un pa-
Un económico (barato) ensayo filosófico raíso nos espera en estado de goce eterno dicen los mitos judeocristianos; otros, que volveremos reencarnados, tal vez en somorgujo o en un escarabajo diablito, pero volveremos, mientras que en las antípodas, se afirma con vehemencia que aquellos que lo merezcan, permanecerán eternos en la memoria de los pueblos. La idea es la misma, quedarse, no diluirse en el tiempo; en la nada del olvido, y en este ejemplo se percibe que, nuestra mentira, chiquita, personal, particularmente nuestra, sólo es un reflejo de las otras, las grandes mentiras con las que fuimos formateados.
La cencia no es chacota. Y sí, la ciencia miente. Es la más honesta y útil de las
mentirosas porque no esconde sus mentiras y éstas han servido para que la humanidad sea, para bien o para mal, lo que hoy es. Ella misma nos dice que lo que dice son sólo verdades transitorias y les da el nombre de modelos (no me
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va a decir que usted se creyó que un átomo es en realidad esa pelotaza orbitada por pelotitas ). Los modelos de la ciencia son como las hojas del menú en los restaurantes, que diga “Pollo con papas” no implica que esa hoja sea un pollo con papas ¿me sigue?, bien, porque acá entramos en la paradoja de establecer que la ciencia dice la verdad cuando dice que nos miente, pero, para ser sinceros, hay que reconocer que esas mentiras le han permitido al hombre tener conciencia de sí. Una mentirosa conciencia pero conciencia al fin (algo es algo) y ha salvado muchas vidas, así como también ha cegado otras tantas.
¡Viva el Dotor! ¿Se la veía venir, no?, y si, seguro que está pensando que voy a decir la tan trillada frase que menciona la suciedad de la política, porque decir que la política “es sucia” es como decir “lo que mata
es la humedad”, porque ni bien le muestren tres mil veces por día en la tele a algún candidato besando nenes y prometiendo cualquier cosa, seguro que usted lo vota, aunque la política “sea sucia” y esté convencido de que todos mienten, porque le juro que no miento cuando digo que mienten; miente el político que quiere ser funcionario cuando dice que el va hacer las cosas bien, no como el tipo que ocupa el puesto que el ansía. Miente el funcionario que quiere seguir siéndolo o que quiere ascender en la grilla cuando dice que necesita más tiempo para terminar la obra que empezó. Miente la derecha cuando adula a “las masas” porque lo que verdaderamente piensa es que a esos negros, con tirarles un poco de Dogui basta y sobra ¿qué más quieren? ¿Y el centro? junto al centroizquierda, izquierda-centro, centro del medio y todas las combinaciones que se pueda imaginar, también miente. Miente cuando hablan de “profundos cambios” que
para realizarlos, aunque sea en una décima parte se necesita un coraje que no tienen mientras se llenan la boca con palabras tales como “participación”, “justicia social”, “democracia participativa”, etc. Así es como, por obra y gracia de la política, han aparecido personajes que son una mentira en sí mismo, una contradicción parlante y caminando, mostrándonos sindicalistas que son empresarios, funcionarios que llegaron pobres y hoy son millonarios y hasta abanderadas de los humildes dobladas bajo el peso de sus joyas. ¿Y los zurdos?, tienen una forma elaborada de mentir, muchas veces mediante el eufemismo. La izquierda habla de las masas con verdadera idolatría y fascinación, aunque en realidad, y muchas veces sin ser conciente de ello, piensa que las masas son tontitas; esto jamás lo va a reconocer por aquello de que no se insulta al objeto de conquista,
pero, ¿se dio cuenta que en todos sus análisis, para la izquierda las masas nunca tienen la culpa de nada?, que la fatiga por la guerra, que la crisis de dirección, que la demagogia del enemigo, etc; ¿y entonces?, ¿qué sujeto no tiene la culpa de nada?, ¡¡acertó!!, el inimputable. Y las mentiritas siguen... porque ¿qué piensa que dice la sinistra cuando afirma que la asamblea (el Consejo, el Soviet), es una forma superior de democracia?, pues bien, lo que en realidad está diciendo es que es necesario excluir de un modo democrático y de la democracia al tachero que escucha Radio 10, o sea, a esa mayoría numérica, amorfa y neutra que vota lo que le dicen los medios. Nadie le impide a nadie participar en la asamblea, pero el tipo no va a ir a ver como se arrancan los pelos los militantes de las distintas fracciones mientras los otros miran la hora y al final votan, porque la democracia es la democracia.
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¡¡joda, joda joda!! Parece mentira, y lo es, que en pleno siglo XXI (aunque se podría decir en pleno siglo XVII, XVIII, XIX o XX) la gran mayoría de la humanidad siga creyendo en cuentos de hadas, pero es comprensible ya que hay toda una aceitada maquinaria de idiotización que la chupa como un remolino.
La bendición, tatita Esta es fácil, digo, porque no hace falta demostrar que la religión, de conjunto y en particular, miente. Un reflejo fantástico y deformado de la realidad en la mente del tipo, tiene que forzosamente ser una gran mentira. Pero la astrología, la quiromancia, y el espiritismo, sólo por dar algunos ejemplos, también mienten, y sin embargo no son tan nocivos como la religión, ¿por qué?, simple: porque la religión es
una muy eficaz herramienta de dominación. El Inca y el faraón son dioses, Pirulo I es Rey por voluntad de Dios, la democracia invoca la protección de Dios, “fuente de toda razón y justicia”, mientras que todo un ejército de sacerdotes, curas, rabinos, mulhás y ayatholas, en santa y sincronizada procesión convencen al tipo (y si no lo convencen, hay otro ejército con métodos mas persuasivos), de que si acá abajo se porta bien, si obedece, si labura sin chistar, ¡¡ahhh, en la otra vida!!!,
Ni bien nace, si logra sobrevivir, al proyecto de tipo le empiezan a comer el coco, sin educación, mal alimentado, maltratado desde el vamos va creciendo y arrastrando su miserable vida; si tiene trabajo le exprimen hasta el alma, si no lo tiene, es un paria al que nadie respeta y entonces, aparece el cura, el predicador, el sacerdote o cualquier otro mercader de la fe y le promete el oro y el moro, claro, después de que espiche, ¿y qué quiere que haga?, se prende como ternero a la teta a esa fantasía y se larga a creer en partos de vírgenes, ñatos que resucitan previo caminar so-
bre el agua y en un Dios piadoso que en el más allá le garpe todo lo que se bancó en esta vida de mierda.
Business son Business ¡¡Ah el ámbito laboral!, para aquellos que tienen la suerte de ser explotados como ganado humano hay una batería de refinadas mentiras para que el tipo esté contento, tranquilo y agradecido. Si es una gran empresa, la fotito del “Empleado del mes”, le hará sentir que la empresa, esa gran familia, lo valora y lo premia. Jamás lo van a despedir, a lo sumo lo dejarán “en libertad de acción”; a los buchones se les valorará su “personalidad agresiva”, a los muy buchones y obsecuentes, esos que se ponen “la camiseta de la empresa”, se los ascenderá por su “liderazgo”. ¿Y cuándo las cosas no andan bien?, no piense que le van a decir que para mantener las ganancias hay que bajar los sueldos, ¡de ningu-
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na manera!, “La empresa necesita del esfuerzo de todos”, ¿sigo?... Pero resulta que también están los boliches, PYMES, que le llaman; allí el patrón es visible y tangible. Un sujeto enano en términos económicos pero que se siente emparentado con Morgan o Rockefeller y contento de si, dice cosas como “yo le doy trabajo a x personas”, y se lo cree, y no entiende como esos negros no le besan la mano por el favor que les hace. Y ahí anda, de joguin los domingos a jugar tenis o a navegar mientras se traga la mentira que alguien como él inventó de que acá “no labura el que no quiere”.
¿Y por casa cómo andamos? ¿Creyó que se iba a salvar?, ¡no!, usted también es un mentiroso/a. Miente cuando un pibito le pide una moneda y le dice “no tengo”, miente a las mujeres
cuando les jura amor y sólo pretende sexo, y ellas también mienten (tantos tangos no pueden estar equivocados), se mienten a sí mismas planificando empezar sin falta la dieta el lunes, mienten los padres al hablar de papá Noel y de los Reyes Magos, miente hasta el dentista cuando le dice que sólo le dolerá un poquito y calla con silencio cómplice que lo del ratón Pérez es otra de las tantas mentiras ( que, ¿no lo sabía?) Usted si puede, evade impuestos, mintiéndole al Estado que a su vez le miente a usted cuando le cobra por alumbrar, barrer y limpiar, miente en la entrevista de trabajo, mienten la edad las mujeres, miente cuando dice que “yo contra los negros, o los judíos no tengo nada”, ¿y cuándo le toca vender el auto?, no me diga que al pichón incauto que se lo quiere comprar le va a decir que le puso carne picada en el diferencial, ¿se da cuenta?, usted miente porque le mienten y le mienten porque miente.
Sed Véritas
disgregaría en un santiamén, porque la mentira tiene el poder de cohecionar y hasta pacificar a los hombres, porque la realidad no es otra cosa que una colección de mentiras autosostenidas y la verdad, si es que existe la verdad, sólo la dejaremos para lo trivial. Qué, ¿no me cree?, ¡hace bien!
Ahora imagínese una sociedad en donde no exista la mentira, que ante la pregunta de “¿cómo me queda el vestido?”, se escuche un…..”¡mal, porque estás vieja y gorda!” , ¿qué sería de los abogados, los popes de la mentira, en esa sociedad?, ¡no!, todo se
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Diario del viajero Baviera, sur de Alemania Parte 2
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La ruta romántica del sur de Alemania (parte 2) Por Omar Magrini.
En el número anterior de HC lo habíamos invitado a pasear por la Ruta romántica, pero el paseo es tan bonito y largo que no alcanzó un solo número y ahora lo invitamos a terminar el recorrido que terminaremos en la ciudad de Zeizt .
Lindau Lindau es la ciudad alemana más al este del lago Constanza (Bodensee) y la única que se encuentra oficialmente en Baviera. Construida en la mayor parte sobre una isla en el lago y unida a tierra firme por dos puentes es una hermosa ciudad medieval con calles y edificios que han sabido preservar todo su carácter.
La postal característica de Lindau es su entrada del puerto con el monumento de león bávaro y el faro al otro lado. Caminando en dirección norte desde el puerto se llega a la Maximilianstrasse la calle principal con edificios de los siglos XVI y XVII que atraviesan el casco antiguo. Próxima se encuentra la plaza Bismarckplatz donde se puede visitar el Altes Rathaus (el antiguo Ayuntamiento) construido entre 1422 y 1436 en estilo gótico y modificado en el siglo próximo en estilo renacentista. Fundada como asentamiento pesquero en época romana, Lindau consiguió su estatus de ciudad en el siglo XIII y sigue conservando su trazado medieval que se extiende a partir de tres calles paralelas. Fue hasta 1803
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ciudad imperial independiente, para pasar posteriormente a ser anexionada a Baviera.
Lugares de interés: El puerto Guarda recuerdos de los tiempos en que “Lindau im Bodensee” era una importante ciudad comercial a orillas de lago de Constanza. Se construyó en el extremo sur de la isla en 1811. A la entrada del muelle se añadió en 1856 una escultura del león de Baviera en mármol sobre un pedestal de 6 m de altura, mientras que en el muelle opuesto se levantó en el mismo año un nuevo faro de 33 m de alto. Desde aquí la vista abarca la población austriaca de Bregenz, los Alpes del Voralberg y las cumbres de Suiza. Estas dos estructuras se convirtieron en los símbolos de Lindau. El antiguo faro conocido como Mangturm, es muy frecuentado. Construido hacia 1200, cuenta con un piso alto saledizo coronado por un tejado cubierto de azulejos esmaltados del siglo XIX. En su
origen formaba parte de las fortificaciones de la ciudad. Cercano está el Römerschanze, el “Fortín de los romanos”, en la parte este de la dársena que era en otros tiempos un islote que con las obras de relleno pasó a formar parte de la península.
Alrededores de Fischergasse. En la parte este de Reichsplatz, al final, se ensancha la calle Ludwigstrasse en dirección a la “Plaza de los Descalzos”, llamada así por el convento de los minoritas (siglo XIII). En la antigua iglesia de los descalzos tiene hoy la ciudad (desde 1951) su teatro y una sala de conciertos (Theater und Marionetten Oper). Al final del romántico callejón Fischergasse hay un muro de defensa colosal de las fortificaciones de la época de los Hohenstaufen, el Heidenmauer. Debido a una antigua inscripción se supone que fue construido por los romanos o los langobardos; de ahí su nombre popular “Muro de
los Paganos”. Obras más recientes mostraban un origen medieval después del siglo VIII. Aquí comienza el parque municipal (Stadgtgarten), en cuyas dependencias se halla el Bayerische Spielbank, el casino. El Seebrücke une esta parte del Insel con la ciudad moderna. A esta zona de aguas tranquilas se le llama Kleiner See, el mar menor.
Marktplatz: Desde el Stadtgarden se llega, a la Markplatz, la plaza del mercado, de pequeño tama-
ño y que forma un todo con las otras pequeñas plazas que se abren entre las iglesias. Se pueden ver la iglesia parroquial evangélica Stephanskirche. Originariamente una iglesia católica, pasó a ser protestante en 1528. El primer edificio románico del siglo XII fue reformado varias veces entre los siglos XIV-XVI. Su estructura actual, una basílica de tres naves cubierta por una bóveda de cañón, se debe a su remodelación de 1781183. Junto a ella está la iglesia parroquial católica Münster unserer Lieben Frau (Stifts-
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platz, 1). Esta iglesia perteneció a los monjes benedictinos que se asentaron aquí hacia el año 800. Su muro oeste conserva restos de la iglesia prerrománica construida después de 948. Hacia 1100 se construyó una basílica románica con transepto y torre al oeste. Tras el incendio que devastó la ciudad en 1728, la iglesia fue reconstruida siguiendo su antiguo plano. La
actual iglesia barroca, con una rica decoración de molduras y pinturas murales, es el resultado de las obras emprendidas en 1748-1755 bajo la dirección de Johann Caspar Bagnato. En el lado sur se levanta la Alte Hauptwache de 1732, y a su lado el antiguo convento reconstruido entre los años 1730 y 1736, que en la actualidad alberga
Maximilianstrasse: Es la calle principal de la ciudad y donde en otros tiempos vivían los patricios, grandes comerciantes y los prohombres de los gremios de artesanos. Como las calles paralelas In der Grub y Ludwigstrasse, muestra casas de los siglos XV al XIX, con fachadas góticas y renacentistas. Las casas pequeñas y compactas, con gabletes que dan a la calle, tienen ventanas normalmente divididas por columnas y fachadas con miradores; algunas lucen ‘brodlauber’, emparrados en la planta baja. Las arquerías y las antiguas divisas de los almacenes en su parte alta son testigos del antiguo carácter comercial de esta población. Las históricas construcciones llevan nombres como Sünfzen (‘Beber a sorbos’), actualmente un restaurante y hasta comienzos del siglo XIX el punto de reunión de los mercaderes ricos; Regenbogen (‘Arco iris’), Schnegg (‘Caracol’), Pflug (‘Arado’), Brodlaube (‘Emparrado’) o Rad (‘Rueda’). Muchas fue-
ron restauradas después del incendio que devastó Lindau en el siglo XVIII.
Bismarcktplatz: En esta pequeña plaza que se abre a la izquierda de Maximilianstrasse se halla el Altes Rathaus, el antiguo Ayuntamiento. Fue construido entre los años 1422 y 1436 (entonces todavía en un huerto de cepas) y reformado repetida veces a lo largo del siglo XVI, y de nuevo en 1724 y 1865. El programa de reconstrucción que tuvo lugar en 1885-1887 fue emprendido por Friedrich von Thiersch, que restauró su tejado escalonado y reconstruyó la escalera exterior. La fachada también se cubrió con las pinturas de Joseph Widmann. De su primera época constructiva se han conservado, sin embargo, los ‘Miradores de los Pregoneros’ a los que conduce una escalera cubierta, y el gran salón gótico en el que tuvo lugar en 1496 la Dieta Imperial. En la planta baja se encuentra actualmente la voluminosa bi-
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blioteca de la antigua ciudad imperial: 23.000 tomos y manuscritos desde el siglo XIV. También el archivo municipal se encuentra en este histórico edificio. A su lado, en el número 3, está el Neues Rathaus, el nuevo Ayuntamiento, construido en 1706-1717 y también remodelado por Friedrich von Thiersch en 1885. Es un edificio barroco coronado por un alto tejado y decorado con jarrones y obeliscos.
Triberg y Baden Baden, Selva Negra. Con una extensión de 170 km, desde Karlsruhe a Bâle, en el sudoeste de Alemania, la Selva Negra era antaño un lugar terrorífico y legendario, plagado de elfos, gnomos y brujas… En la actualidad, sigue fascinando por la variedad de sus paisajes que le invitan a perderse en su interior, lejos del ruido de las grandes urbes.
Triberg. Casco urbano.
El casco urbano de Triberg es pequeño, fácil de recorrerlo a
pie y está más que preparado para recibir a cientos de visitantes cada día y eso se nota en los establecimientos habilitados, en los muchos restaurantes con la carta en varios idiomas o en sus tiendas de regalos. Y es pequeño, apenas una calle principal, una plaza y algunas calles aledañas con comercios. El turismo es la vida de este pueblo de algo más de 5000 habitantes, teniendo en cuenta la cantidad de tiendas de recuerdos y suvenires que hay en todo la urbe. Comer en Triberg es fácil ya que cuenta con muchos restaurantes que ofrecen cocina de la zona. Recomendamos Lilie, un turístico restaurante muy cerca a la entrada a las cataratas y que además de tener un precioso y muy bien decorado interior, tiene una espléndida terraza si el tiempo acompaña. La comida es muy buena, abundante y el servicio muy correcto. Recomendamos un plato “especial Selva Negra” que trae un poco de todo: salchichas, cerdo ahumado, papas cocidas,
ensalada de col y de postre la famosa torta de la Selva Negra, cuya receta original nació aquí en Triberg de la receta de la Schwarzwälder Kirschtorte o tarta de la Selva Negra allá por 1915. Si desean probar la verdadera receta de la Selva negra el lugar ideal es el Café Schafer donde su pastelero presume de tener la receta original de 1915. Bizcochuelo de chocolate, crema fresca, guindas en almíbar, un chorrito de licor de cereza Kirsch y chocolate espolvoreado. ¡Una delicia y bon appettit!
Cataratas La gran atracción Triberg, atravesada el rio Gutarch, son las cascadas de hasta 163 metros de altura y siete niveles diferentes, siendo una de las más famosas de Alemania. No son las más altas del país, pero si las más bellas y es uno de los lugares más fotografiados de la región. Un paseo por el frondoso bosque hasta llegar a las cataratas es una aventura para toda la familia que nadie debe dejar de
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hacer. La entrada cuesta 3,50 euros y el camino en continua subida se matiza con las vistas de fantásticos saltos de agua, macizos de flores silvestres y de alguna que otra ardilla que se acerca temerosa a comer los maníes que los visitantes les arrojan y que venden en la entrada.
¿El reloj cucú más grande del mundo? Una visita extra se merece el reloj cucú más grande del mundo. En realidad el honor se lo disputan dos relojes que hay en esta localidad: en un extremo del pueblo está el Weltgrößte Kuckucksuhr, ubicado en una preciosa casa
típica de la zona y fabricado en los años 80. El rival es el Eble Uhren- Park, situado en la carretera B33 entre Triberg y Hornberg e inscrito en el libro Guinness de los Récords. Visiten los dos y saquen sus propias conclusiones.
Baden-Baden En Rusia, la expresión “darse un Baden-Baden” ha perdurado hasta hoy y sigue significando “pasar un buen rato”. No hace muchos años atrás se iba a Baden-Baden a tomar “las aguas” y a jugar en el casino. A orillas del río Oos, acomodados burgueses, músicos y escritores de todas partes del mundo cruzan sus pasos a lo largo de la Lichtentaler Allee (el paseo más hermoso de la ciudad), pero también en el salón de té del hotel Brenner’s, en el hipódromo, en la sala de conciertos del Festspielhaus, o en los baños «romano-irlandeses» del Friedrichsbad . Este palacio neorrenacentista se ha convertido en uno de los lugares de relajación preferidos por los
europeos. Mark Twain acuñó sobre Baden-Baden esta famosa frase, ahora más actual que nunca: “Aquí en el Friedrichsbad te olvidas del tiempo en 10 minutos y del mundo en 20…”. Siguiendo los pasos de Bismark, Napoleón III, Alejandro II y Clémenceau, acuda a la Trinkhalle a beber el agua de Baden-Baden que emana de allí caliente, salada y, sobre todo, gratis. Dice la leyenda que esta agua sin embotellar es famosa desde la Antigüedad por curar la depresión. Otro lugar emotivo es la casa de Brahms situada en la parte alta de la ciudad: el compositor pasó allí los veranos de 1865 a 1874 junto a Clara Schumann y creó algunas de sus grandes obras como su Réquiem alemán, sus dos primeras sinfonías y su sonata para violonchelo y piano. Finalmente, en pleno parque termal, se encuentra el Museo de Arte Moderno Frieder Burda –nombre de su fundador, un magnate de la prensa alemana. Perfectamente integrado en el entorno verde y retro que lo rodea, este paralelepí-
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pedo de vidrio, luz y aluminio es obra del arquitecto Richard Meier
Castillo de Neuschwastein, la frutilla del postre. De Hohenschwangau a Neuschwanstein hay varias formas de llegar. Hay un par de senderos en cuesta en los que subir a pie se tarda entre 30 y 40 minutos, y no tienen ninguna dificultad o en también en autobuses locales. Pero hay otra manera muy agradable (si las nevadas no lo impiden) que consiste en realizar el ascenso a bordo de un carruaje tirado por caballos. Salen constantemente de las puertas del Hotel Müller, a pocos metros de pasar las taquillas, y subirse a ellos tiene un coste de 6 euros (sólo ida). Uno de los monumentos más impresionantes que uno puede encontrarse en Europa, en las montañas alpinas convertidas en gigantes, como arca de las Leyendas germánicas que un Rey adicto a Wagner quiso recopilar para todo el mundo.
Se accede al castillo atravesando una gran puerta y de ahí hasta el patio del castillo, donde los grupos con sus turnos asignados esperaban a que su número apareciera en una de las pantallas. A muchos les costará asimilar que están en un lugar real y no en un decorado de Disneyland Paris. La admiración hacia el Castillo del Rey Loco es tal que se entiende perfectamente que sea probablemente el monumento más visitado de Alemania. El procedimiento es el mismo que en Hohenschwangau, ir siguiendo a una persona que abría y cerraba estancias además de ir activando cada uno de los capítulos de las audioguías. Las conclusiones no se hicieron esperar, si el exterior fascina, el interior del castillo cautivará a todos. Las habitaciones y salones son fiel reflejo del imaginario que se tiene de los cuentos de hadas, de la Edad Media que nos han contado los libros y las películas de fantasía. Impresionan el salón del trono de estilo bizantino y el dor-
mitorio gótico y sumamente recargado de Luis II. Aunque cuando uno camina por una gruta artificial o se detiene a observar el Salón de los Trovadores la sorpresa es absoluta. Neuschwanstein por dentro es tremendamente bello, haciéndose realmente corta la visita y quedando muchas más ganas de indagar en los torreones, los pasadizos y las muchas habitaciones secretas de las que está provisto EL CASTILLO con mayúsculas. Hay que destacar que el diseño soñado por el Rey Luis II de Baviera en los Alpes no fue encargado a un arquitecto, sino a un escenógrafo, a alguien acostumbrado a trabajar en Óperas y teatros creando decorados donde pudieran desenvolverse los intérpretes y se de credibilidad a una Leyenda. Por eso este castillo no trata de imitar una Edad Media real sino una Edad Media transmitida a través de la literatura y la oratoria de muchos siglos. Una mezcla del Anillo de los Nibelungos, del Parsifal, de Tannhäuser o de Tristán e Isolda y de
otras obras que recogían los ideales que el Rey presumía eran los válidos. Se puede decir entonces que Neuschwanstein es un enorme teatro en el que en cada pared está presente el ideario de quien se sintió gravemente desdichado por haber vivido en una época en la que no le correspondía. Antes de terminar la visita aconsejamos asomarse a un balcón donde observarán embelesados el manto blanco del Alpsee y el lejano castillo de Hohenschwangau a escala reducida. La sombra de Luis II, el monarca que se olvidó de reinar sobrevuela el balcón. Creo que más que Wagner fue la belleza inigualable de los Alpes quien de verdad volvió loco a Luis II. Bueno esperamos que haya disfrutado del largo paseo y nos vemos en el próximo viaje.
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El montaje del izado de la bandera soviética en el Reichstag
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Por Gustavo Akselett
La increíble mentira soviética sobre la fotografía más famosa de guerra En 1945, un experto organizó una estudiada sesión fotográfica para hacer creer al mundo que los soldados de Stalin habían hecho ondear la bandera roja en el Reichstag Finales de abril de 1945. Berlín es sólo una sombra de la ciudad que un día fue durante el Tercer Reich. En las calles donde antes paseaban orgullosas a paso de ganso las tropas de Adolf Hitler, ahora se lucha encarnizadamente por impedir inútilmente que los aliados avancen. Repentinamente, en la azotea del Reichstag (la sede del parlamento alemán), un soldado soviético avanza hasta el punto más alto del edificio e iza una bandera roja ataviada con la hoz y el martillo. El acto significa la derrota de los nazis en la Segunda Guerra Mundial y, debido a su importancia y su simbolismo, es
capturado por un atrevido y suertudo fotógrafo. Esta es la versión oficial que se explicó al mundo desde la U.R.S.S. en relación a una de las instantáneas más famosas de la contienda, unos sucesos que nada tienen que ver con la
realidad. Y es que, esta instantánea no fue fruto del azar ni se produjo durante la contienda, sino que fue realizada en una curiosa sesión fotográfica varios días después de que los combates hubieran cesado. Todo ello, por orden de un avispado fotógrafo con ganas de ganarse un hueco en la Historia. No contento con eso,
el «artista» realizó además varios retoques en la imagen una vez que fue revelada para que causase el mayor impacto posible entre la población e, incluso, con el objetivo de que escondiera algunas vergüenzas del «glorioso Ejército Rojo». Esta gran mentira logró convencer a la población hasta la caída de la U.R.S.S. (momento en que la verdad sobre esta operación de propaganda salió a la luz). Esta curiosa historia es una de las tantas que se pueden leer en «Las 100 mejores anécdotas de la Segunda Guerra Mundial», la famosa obra del historiador y periodista Jesús Hernández. Libro que lo llevó a la fama en temas de la Segunda Guerra Mundial en el ámbito editorial. «Hoy muchos lectores saben de mi gracias a obras como “Enigmas y misterios de la Segunda Guerra Mundial” o “Breve Historia de la Segunda
Guerra Mundial”, pero no tienen en su poder el libro con el que me di a conocer. Por eso lo he reescrito, he actualizado todos los datos y he añadido información que me ha parecido interesante para completarlo», dijo el autor en la presentación del libro.
La toma del Reichstag Para entender la importancia de esta instantánea (conocida a la postre como «Alzando una bandera sobre el Reichstag», tal y como corroboran expertos como Gregorio Doval) es necesario viajar en el tiempo hasta el 16 de abril de 1945. Y es que, fue exactamente ese día cuando comenzó la Batalla de Berlín. Es decir, la última defensa a ultranza de la capital del Reich por parte de las escasas tropas alemanas que aún rendían culto a Hitler. En aquella época ya no era ningún misterio que los aliados (especialmente los soviéticos, quienes disponían de más de dos millones y medio de soldados y 6.000 carros de combate) avanzaban con el cuchi-
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llo entre los dientes hacia el último reducto del Führer. En su contra, el que fuera uno de los líderes más poderosos de la primera mitad del SXX apenas pudo interponer 800.000 combatientes. Y la mayoría de ellos, además, no eran más que unos pobres niños reclutados de las «Juventudes Hitlerianas» con falsas promesas de gloria y un futuro imperio alemán comandado por un Hitler que, según les decían, resurgiría de sus cenizas. Mentiras. Estos pequeños soldados estaban acompañados, a su vez, de miles de ancianos armados y entrenados a la carrera por los restos de las escasas unidades que habían logrado sobrevivir a los continuos combates los aliados en media Europa. Eran, en definitiva, los estertores de muerte de un Reich que trataba de tomar sus últimas bocanadas de aire aún a sabiendas de que la suerte estaba más que echada. Con el paso de los días, la situación se recrudeció toda-
vía más para los defensores, quienes –a pesar de todo- estaban resueltos a defender al Führer. Un líder que, para muchos, ya había perdido la cabeza hacía semanas. «El 23 de abril, el general Weidling, comandante de la batalla de Berlín, informó a Hitler de que solo quedaba munición para dos días de combate. No obstante, afirmó que defendería sus posiciones mientras el cerco soviético se cernía sobre la ciudad, a escasas manzanas del búnker donde Hitler se sumía en sus delirios. El 30 de abril, Berlín era un infierno encarnizado en el que los rusos tenían un objetivo primordial: capturar el simbólico Reichstag, defendido con vigor por su guarnición», explica Chriss Mann en su obra «Las Grandes Batallas de la Segunda Guerra Mundial». La misión de los soviéticos no era sencilla, pues entre los muros del edificio gubernamental se defendían nada menos que 5.000 miembros de las tristemente famosas Waffen-SS, las tropas más
ideologizadas de toda Alemania. «El Reichstag se convirtió en una auténtica fortaleza. Para ello se minaron todas las calles que conducían al edificio, se colocaron barricadas y se cavaron trincheras y fosas antitanque. Los alemanes dispusieron varias piezas de artillería en el exterior y se hicieron fuertes en los sótanos, reforzados con vigas de hormigón y acero», determina Hernández en su obra «Las 100 mejores anécdotas de la
Segunda Guerra Mundial». A pesar de la defensa a ultranza del Reichstag, los soviéticos sabían del golpe moral que supondría para sus enemigos perder este edificio. Por ello, los rusos cargaron sus fusiles Mosin-Nagant y sus subfusiles PPSh para, a finales de abril, tomarlo al precio que costara. Y es que, como es mundialmente conocido gracias a la «Orden 227», Stalin no tenía problema en anteponer los objetivos a la vida de miles de sus soldados. A los militares del Ejército Rojo no les quedó más, finalmente, que combatir por cada una de las habitaciones del enclave para expulsar de él a los soldados de las SS.
La gran mentira En medio de aquel caos, en medio de toda aquella vorágine de muerte, la versión oficial del gabinete de Stalin afirma que el 30 de abril (cuando todavía no se había tomado totalmente el Reichstag y aún resistían varios cientos de ale-
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manes en varias de sus salas) un soldado soviético logró llegar hasta el tejado del edificio. Una vez allí, descolgó la bandera con la esvástica e hizo ondear el paño soviético con la hoz y el martillo simbolizando así la toma de Berlín. Aquel momento –según lo que contó la U.R.S.S.- fue tan impactante que un fotógrafo lo inmortalizó para la posteridad con su cámara, dando lugar a una de las instantáneas más conocidas de toda la Segunda Guerra Mundial. La verdad es bien diferente, pues la imagen fue un montaje que se realizó el día 2 de mayo en base a lo que, según algunos combatientes, había sucedido varias jornadas antes, pero había sido imposible de inmortalizar. «La apertura de los archivos secretos de la Unión Soviética tras su disolución desmintió que la imagen fuera de aquel día. El fotógrafo de guerra Yevgeni Jaldéi (1917-1997), de la agencia de prensa TASS, preparó la escena el 2 de mayo, cuando el Reichstag estaba
ya asegurado. Para ello pidió a varios soldados que posasen de esa manera, colocando la bandera en la parte más alta del edificio. De las numerosas fotos resultantes de la sesión, escogió la que luego se haría mundialmente conocida», explica Hernández en su obra. Al parecer, lo único que pretendían los soviéticos era hacer una instantánea igual de impactante que la de los americanos en Iwo Jima. Con todo, esa no fue la única «trampa» que protagonizaron los soviéticos con dicha fotografía. Y es que, una vez que la instantánea llegó a Moscú, los mandamases de la época decidieron que no era todo lo que heroica que debía ser y que necesitaba algún que otro retoque para quedar perfecta. El primero de ellos fue eliminar uno de los
dos relojes que el soldado del Ejército Rojo que portaba la bandera tenía en una de sus muñecas. Puede parecer algo absurdo, pero la razón es bastante sencilla: lo había obtenido saqueando los cadáveres de los soldados alemanes asesinados por sus compañeros aquel día. No se podía tolerar
que el resto de los mortales supieran ese dato, así que fue eliminado. A su vez, y tal y como señala Hernández en su obra, fueron añadidas dos columnas de humo en el fondo de la imagen para que la situación de Berlín pareciese más dramática. Montado el teatro, ya sólo quedaba difundir la fotografía y esperar a que se hiciese famosa.
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«La histórica instantánea sería publicada por primera vez el 13 de mayo en la revista ilustrada Ogonyok; a partir de entonces sería ampliamente reproducida en todas las publicaciones soviéticas e, incluso, en sellos de correos», explica el historiador en su libro. Finalmente, la prensa hizo el resto del trabajo y «Alzando una bandera sobre el Reichstag» se convirtió pronto en todo un símbolo de la victoria de la U.R.S.S. sobre Adolf Hitler y sobre el nazismo. Acababa una guerra, pero comenzaba una leyenda… falsa. Con todo, a día de hoy se desconoce quién fue el artífice de esta operación aunque, como en todo, no faltan las teorías. Hernández, tras llevar a cabo las pertinentes investigaciones, apunta directamente al «camarada Sta-
lin», aunque explica que es imposible corroborarlo: «Se ha especulado con que fue el propio Stalin el que animó al Departamento de Propaganda a conseguir esta histórica fotografía al contemplar con envidia la gran difusión que estaba teniendo la imagen de los soldados norteamericanos izando la bandera de las barras y estrellas en Iwo Jima.
Por lo tanto, según esta hipótesis, el dictador soviético decidió contrarrestarla con una escena similar».
¿Quién puso la bandera? Además de esta operación secreta de propaganda, los soviéticos también mintieron en torno a quien fue el encar-
gado de izar la bandera sobre el Reichstag. En principio, se consideró que el responsable fue un sargento georgiano llamado Meliton Kantaria (el cual fue condecorado como héroe de la Unión Soviética). Sin embargo, con el paso de los años y las sucesivas investigaciones históricas el honor fue pasando de soldado en soldado. «En realidad, ese honor debía corresponder al hombre que realmente colocó por primera vez la bandera roja en el emblemático edificio, a las 22:40 del 30 de abril de 1945: el ruso Mijail Petrovich Minin. Cuando todavía se estaba combatiendo en las salas y pasillos del Reichstag, Minin y otros tres hombres se ofrecieron para subir a la azotea y plantar allí la bandera, con la promesa de sus superiores de que, si lo conseguían, serían nombrados héroes de la Unión Sovíetica», explica Hernández. No obstante, la operación de propaganda hizo que no recibieran tal honor hasta 1995.
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Nilda Elvira Vattuone, más conocida como NELLY OMAR, una de las más grandes cantoras de América y que llegó a cumplir 102 años cantando hasta el
último momento. Es imposible no rendir homenaje a esta mujer que supo imponer un estilo propio no claudicando jamás ante los intereses discográficos.
Haciendo click en la imagen podrá escuchar el tema “Adiós Pampa mía”, una de las composiciones más destacadas de esta grande de la música argentina. Detenga, haciendo clic en el botón rojo.
HOMENAJE A UNA ENORME CANTORA
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Los ojos de Casandra arbitrariamente como nosotros, suponiendo certezas.
Por Mario Gelvez
Tanto el sentido de la creación, como el de la evolución, es arbitrario. Arbitraria es la visión del universo que tenemos, y arbitraria la concepción que ha formado nuestra visión. Arbitraria la enseñanza recibida en el sitio en el que se nos crió, como arbitraria la educación recibida en las
instituciones públicas o privadas. Arbitraria nuestra forma de ver a los otros, como la de los otros, que nos auscultan y nos viviseccionan como si fueramos conejillos de indias tratando de decodificarnos. Arbitraria nuestra manera de andar las calles, entre la gente, creyendo que es la manera correcta, sin percatarnos que los otros caminan y vagan tan
Arbitaria las conversaciones en las calles, las plazas, los bares, y los lugares de trabajo, sin caer en la cuenta, unos y otros, que la aseveración aniquila los dialogos, y el encasillamiento destruye los contactos. Arbitraria la elección de un equipo de fútbol, de una tribu, de un partido político, de una carrera, de un trabajo, e incluso la del amor eterno que los otros ven con ojos desconfiados, profetizando el fracaso del mismo, sin “videar”, que lo presuponen por haberse abismado ya en esa pendiente, donde el amor volcánico acaba siendo puro fuego fatuo.
Arbitraria la noche desolada, el llanto desconsolado ante la una perdida, la risa eufórica por un mero triunfo, la algarabía por el alcance de una meta, e incluso el espasmo desaforado de un orgasmo lúminico que nos haga sentir en la cima del cósmos. Arbitrario el amigo que nos considera un pequeño dios por haber escuchado sus cuitas de desaliento, como arbitrario el patrón que considera tu necesidad como una ofrenda a su avaricia. Arbitrarios los carceleros de Dostoiewski, haciéndoles llevar bloques de piedras de norte a sur durante la mañana, para volver a acarrearlos de sur a norte durante la tarde, sólo para que no sin-
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tieran el peso del tiempo arbitrario que pasaban en prisión, ni la arbitrariedad con las que el zar de rusia, el padrecito, los encerraba en mazmorras del infierno tan sólo por pensar, y encima decir, artísticamente, lo pensado. Arbitrario tu pensamiento, y arbitraria tu visión; arbitraria tu palabra, y arbitriario tu discurso; arbitriaria tu elección, y arbitraria tu lucha; arbitriarios tus vivos, y arbitriarios tus muertos; arbitriaria la academia, y arbitriarios sus métodos; arbitriaria la razón, y arbitraria la sinrazón; arbitriarios los manuscritos, y arbitrarios su decodificación; arbitriaria la historia, y arbitraria su interpretación. Podriamos conjeturar cual fue la primer palabra, incluso el primer verbo, si se quiere. Podriamos pensar que fue enloquecer, cojer, vivir, respi-
rar, andar, matar, o beber, nacer, crecer, desarrollarse, realizarse, pero no pasariamos de allí, de una mera conjetura intelectual que no responde nada. Y el universo va, y la vida va, y nosotros vamos, como jueces y verdugos, creyendo tener en nuestras manos la piedra filosofal que todo lo transparenta, pero no, la piedra mágica, cualquier piedra, fue tomada arbitrariamente por nuestras manos, y las visiones que tenemos a través de ellas, no son, sino, conjeturas y arbitrariedades. No parecemos ser sino eso, puras arbitrariedades, creyéndonos tener la visión correcta de los acontecimientos. Así nos vá...Y así vá la historia desde que empezamos a escribirla.
41° FERIA DEL LIBRO 2015 Del 23 de abril al 5 de mayo en el predio Rural de Palermo. STAND 235 DEL PABELLÓN AZUL Espacio La bisagra ediciones - wgt ediciones VISÍTENOS
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Negros eran los nuestros, los criollos. Por Walter Gustavo Telesca
En los tiempos de la colonia, en nuestro país existía un alto porcentaje de población negra. Y hasta me animaría a decir, que eran mayor cantidad que los blancos españoles dominantes o mestizos que habitaban estos páramos. Existieron varias causas que provocaron su desaparición. Una de las principales quizás sea la de haberlos enviado a la realización de misiones de alto riesgo en nombre de las tropas anti-españolas, (no vaya a ser cosa que liberáramos a estas tierras mandando al frente a gente de color blanco) que daba como resultado el regreso de sólo unos pocos, de los miles, que habían quedado en el camino. Pero otra de las razones de la extinción fue, ni más ni menos
que: la importación. ¡Si… como lo lee…! “La importación”. Y es que el racismo europeo había sido traído como un producto desde el viejo continente, en lo que se conoce como una de las primeras transacciones culturales realizadas en nuestras tierras, el desprecio por la diferencia. Pero tal vez sean otros los motivos reales y yo solamente sea un mal pensador de la historia… (es posible). Lo cierto, es que, negros ya no hay… y no es actual el problema. Cuando mi niñez estaba en su esplendor (allá por la década del setenta) y en un acto escolar, había que representar a los vendedores de velas, que generalmente eran de color, (negro, por supuesto… no iban a ser amarillos) al pro-
tagonista le embadurnaban la cara con corcho quemado, a modo de crema Ponds económica, para simular un tono oscurito que ningún chico tenía… porque los reales morochos ya se habían extinguido. De no ser así, obviamente, el papel lo hubiese representado un sucesor directo del vendedor de velas, sin la necesidad de maquillaje... Pero, si bien es cierto que ya no hay negros en nuestro país, parece ser que ya no hay negros “argentinos”, porque existen otros con acentos raros y con aspectos decididamente extraños. Los “nuevos negros” aparecen en muchas calles de la ciudad de Bs. As., sobre todo en aquellas de mayor afluencia de gente o en salidas de
universidades, estaciones de transporte público, plazas, etc. Y ahora verán porqué. Estos morochos no son descendientes directo de los viejos negros criollos que sostenían a los gritos “¡Vendo Velas!”, y se nota por su acento, porque parecen ser herederos directos de la familia Marley (la de Bob, no la del conductor de televisión) o parientes cercanos de Kunta Kinte. (para aquellos que no se acuerdan el personaje negro de una miniserie de esclavos) Sin embargo, estos herederos de las tradiciones autóctonas mestizas, parecen no haberse enterado que existen otras profesiones, ya que siguen con la costumbre ancestral de seguir siendo ven-
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dedores ambulantes, pero esta vez de distintos productos. (Porque obviamente, velas no le venderían a nadie.) Han pasado muchos años desde aquellos vendedores de cebo argentino. Y los hombres de color negro han resurgido como el ave fénix de entre las cenizas, con sus maletines que contienen bijouterie barata, o relojes dorados como el mismísimo sol, para mantener las tradiciones de su raza... en este caso la de vendedores ambulantes. Todo esto, hace pensar que la historia es cíclica y que el pasado siempre vuelve, salvo, claro está, por el detalle minúsculo que, antes los morochos con una fuerte y hombruna voz gritaban a los cuatro vientos “¡Vendo velas!”, mientras que los actuales con una voz mucho más pausada, y tímida (y a veces inentendible) te dicen al pasar: “shico alguna puucerita para tu shica”. Se desconoce el origen de estos morochos que caminan
las calles vestidos con colores tan vivos como si un color sobrio pudiera quemarles la piel, pero lo que sí se puede descubrir es que los que no hablan con acento centro americano, lo hacen en dialectos africanos. Por lo que se deduce que, efectivamente no son nacidos en San Telmo. Es ésta sutil diferencia, la que marca el paso del tiempo y aunque algunos quieran demostrar que estos negros vienen a reemplazar a los que extinguimos, (si, si, los extinguimos, no se haga el distraído) seguiré insistiendo en que negros eran los de antes…, los nuestros…, los criollos… esos que iban a luchar descalzos y después se caminaban toda la ciudad vendiendo velas como si se hubiesen despertado de la siesta, y no los actuales, que con ropas muy livianas y con onda rapera estadounidense caminan un par de cuadras por Once con el maletín de chucherías y ya se los ve transpirando la gota negra.. (¿O era la gota gorda?...). Del libro “La mujer de la Bolsa” 2010 / wgt ediciones
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De fotos históricas
SURREALISMO - DADAISMO Dos palabras, dos conceptos, dos estilos, muchas significaciones del mundo en manos de sus hacedores que con una visión particular fabricaban un mundo existente con un lenguaje propio, con lenguaje abarcativo de muchas dimensiones que incluían el saber ver la realidad como el resto de los mortales no lograban hacerlo. El grupo surrealista en París, 1930. De izquierda a derecha: Tristan Tzara, Paul Eluard, André Breton, Jean Arp, Salvador Dalí, Yves Tanguy, Max Ernst, René Crevel, Man Ray Un grupo de genios imaginativos que el mundo tuvo la posibilidad de disfrutar en todo su esplendor en una época en los que las realidades paralelas o virtuales todavía eran sueños.
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EDUARDO PLA
“En el mundo todo es una vibración, el mundo es una vibración” En su útima entrevista antes de fallecer en 2012 el artista plástico reveló detalles de su vida.
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EDUARDO PLA Por Walter gustavo Telesca
Quisimos homenajear a un artista que dejó un acervo cultural elevado en volumén y prestigio internacional, a un artista que luego de vivir mucho tiempo en Europa decidió volverse a su país porque su impronta argentina no lo dejaría nunca, a un artista que en su diversidad artística fue director de cine, iniciador de la era de los video clips y un excelso artista plástico-digital. Hablamos de EDUARDO PLA. y por eso decidimos publicar esta última entrevista que diera poco tiempo antes de su inesperada muerte en diciembre de 2012.
Unos días antes de su muerte inesperada, el artista había celebrado sus 40 años de trayectoria con la presentación de “Plá. 40 años en el arte”, un libro de 250 páginas con sus mejores trabajos,
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Llegaste nuevamente a Buenos Aires en 1996 y entonces... ¿qué pasó?
Tenía poços amigos y um amigo me dice, ¿por qué no hacés algo con tus cosas? porque acá eso no existe. Entonces estaba en la casa de mis viejos y vi el Palais de Glace y dije “voy a ir ahí”, yo no conocía al director ni nada… Y fui y le digo mirá yo hago esto y lo otro .. y me dice mirá enrealidad no entiendo nada lo que hacés… Ok, le digo yo en 3 meses voy a venir con el Palis de Glace en 3 dimensiones y la muestra adentro… Y me dice: “Yo nunca vi una cosa así! Vos te pensás que es tan fácil hacer una muestra acá. Hay 800 esperando… A los 3 meses estaba exponiendo. ¿Cómo fue tu llegada al arte?, ¿eras joven?
No sabía que me iba a dedicar a esto... Mirá La primera vez que fui a Estados Unidos era un idiota de 17 años que no entendía nada y cuando llegué me empezó a dar palos por la cabeza porque era
la época de los 60/70 revolución de todo.. ¿y en EEUU viste algún artista que te interesó, que te diera el pie para decir quiero ir por este lado?
Si, vi uno, pero no era americano. ¿Quién era?
Alejandro Jodorosky, era como el Fellini moderno, muy loco, muy loco… Le hice un reportaje que se publicó después en un diario de acá. Porque después cuando vine acá fui productor de Rockandroll también, en la época de la revista “Pelo”. Claro años 70 y pico casi 80…
Si, yo trabajaba en un lugar llamado RockCenter y de ahí salían los grandes músicos nacionales. Después de que salís de los Ángeles qué hiciste?
Me vine para acá y empecé a trabajar con la película “Alicia en el país de las maravi-
llas” con Charly haciendo la música y después la hice en teatro. En esa época me habían ofrecido trabajar en San
Pablo o en Milán para hacer cine Elegí Milán y el productor con el que iba a hacer la película resultó ser un chanta
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y no hice nada… Me quedé allá y empecé a trabajar en un canal de televisión para hacer dirección y después trabajaba en un centro teatral y estudiaba relaciones públicas... Fue lindo vivir ahí, una linda época. Y además mi oficina como productor de teatro era la casa de Visconti … ¿Y en ese lugar empezó a surgir el arte?
Si, si…, yo trabajaba haciendo dirección televisiva y los del programa me financiaron un video clip con el grupo New Order que fue unos de los primeros videoclip que se hicieron… después vendría el auge. ¿Y cuándo llegaste a BS AS, volviste a la vida de noche? Me encantó volver, sobretodo porque en Milan la noche se acaba a las 22!... trabajan… trabajan…!! Es un poco agotador. Pero volviendo al tema del arte, creo que acá hay más creatividad que en cualquier otro lado. Por ejemplo el año
pasado fui a ver una muestra de escultura del Siglo XXI en Italia y de 100 esculturas, 80 eran una basura… decadente!!! Cajas de basura tiradas por el piso. Para mí no es una escultura tirada por el piso, es un hecho narcisista del escultor que quiere llamar la atención pero la realidad es más fuerte... ¿En tus obras, se pueden identificar cuáles son las obras pintadas
de las digitales. ¡Porque tu expresión pictórica es de una perfección casi absoluta!
personaje elegido… hice retratos de Eva Perón, Maradona, Gardel… etc.
En un depósito que tengo en Palermo, el 90% de las obras son pintadas y el resto digital,... pero en los autoretratos digitales sí existe una impronta digital muy fuerte por mi trabajo con íconos culturales en donde incluyo imágenes desde que nacieron hasta la actualidad o la muerte del
¿Y de tu infancia que te acordás?
Cuando era chico yo jugaba a las bollitas como todos… y esta escultura (ver foto) la hice con las más difíciles de conseguir que eran las chinas para una gente que me pidió una esculturita..! Pero tenía problemas porque era hipersensible.., cantaba en el coro en un colegio de curas y me desmayaba de la emoción..., se me acababa el aire y me caía. Ahí empecé a sentir que era raro.., no diferente, pero si raro. Pero bueno, luego sirve canalizar esa rareza... ¿Tu estilo siempre fue así?
No es un estilo, es una forma, es una continua evolución. No existe algo fijo o permanente. Nada es para toda la vida. Todo cambia… ¿Y los colores que utilizás?
Los colores son una onda,
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una vibración y te pueden transmitir determinadas sensaciones. Por ejemplo yo al rojo lo correspondo con la nota musical DO, entonces vos sentís con el rojo determinadas sensaciones… Por ahí con el amarillo tenés otra nota. Es todo vibración, en el mundo es todo vibración. El mundo es una vibración.
Algo más sobre EDUARDO PLA Desarrolló una sólida formación en arquitectura, comunicación audiovisual, diseño, urbanismo y obtuvo en 1984 un Master en Dirección Artística en el Instituto Europeo de Diseño en Milán (Italia), capital del diseño. A lo largo de su carrera, investigó los más diversos soportes y lenguajes: instalaciones y esculturas de gran formato, pinturas, dibujos, maquetas e ilustraciones; trabajos realizados
con las nuevas tecnologías como computer art works, computer design works, diseños 3D y animación. “Soy un artista medio raro, inclasificable”, decía este creador que en sus inicios era rechazado por las galerías argentinas porque no hacía pintura, ni fotografía ni ningún otro lenguaje `conocido`.
En 1987 ganó el Award of Excellence in Computer Art en Nueva York y desde entonces no dejó de cosechar reconocimientos y exposiciones especialmente en Italia, donde vivió durante 16 años. Fuentes: LaNación / Arte al día / Canal a /
Vea el video clip de la banda NEW ORDER que Eduardo Pla realizara en la década del 80 en los inicios de la tendencia de promocionar música con videos.
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DICCIONARIO DE PALABRAS EN LUNFARDO Queridos lectores, seguimos en este número con el diccionario de palabras en Lunfardo para que puedan lucirse con la utiización de estos vocablos dando gala de su sabiduría mundana.
Cachada: Broma, mofa. Cachirulo: Cándido. Calavera: trasnochador, licencioso, desenfrenado. Gaita: Gallego Garronear: vivir a costa ajena. Gayola: Cárcel Jetón: Cara grande. Persona de cara grande y rasgos pronunciados. Julepe: Susto Hasta el próximo diccionario.
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Escuchará “Callas went away” de Enigma Por Gerardo Salemi (Psicólogo, abogado)
Que los agentes que controlan la seguridad (pública, edilicia, laboral, vial, etc.) suelan formar parte del problema de la inseguridad, en Argentina se da por descontado como si fuera una fatalidad en la naturaleza de las cosas.
operativos de control de motos, los inspectores llegan a ser agredidos de palabra y/o de hecho tanto por los motociclistas como por espectadores circunstanciales. Ello muestra hasta que punto ese problema,en Argentina es sistémico. Al ser un problema sistémico,
“Cuando alguna parte del todo cae, la que queda no está segura” Séneca
Códigos culturales “Seguridad en Argentina. La cultura argentina entre Caribdis y Escila*.
* Escila y Caribdis son dos monstruos marinos de la mitología griega situados en orillas opuestas de un estrecho canal de agua, tan cerca que los marineros intentando evitar a Caribdis pasarían muy cerca de Escila y viceversa.
Por ello, sus figuras son asociadas a una alta probabilidad de injusticia, corrupción y arbitrariedad (“si todos infringen las normas, ¿porqué se meten conmigo?”). Se los considera ante todo como filtros de mosquitos (o perejiles) que se tragan camellos (como los fariseos condenados por Cristo: Mt. 23,24). Así formamos el país del “que lo larguen”. De ello es paradigmático que cuando la policía detiene en un estadio deportivo a un carterista o un barra brava violento, muchos espectadores presionan para que lo liberen; o que cuando se realizan
el mismo se rige por el principio conforme al cual más de lo mismo lleva a más de lo mismo. Por tanto agregar meramente más integrantes a los cuerpos de control, no contribuirá significativamente a resolver la inseguridad. Intentar solamente ese tipo de cambios, sería como gritar cada vez más en medio de una pesadilla. De esa forma la pesadilla continúa e incluso se agrava. Necesitamos el cambio cualitativo del despertar Contacto con el autor. http://blogsdelagente.com/surcandolascrisis/
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La casa Barragán
“No puedo imaginar una vida sana y moral en la que falte la belleza” El arquitecto Luís Barragán fue el primer latinoamericano en obtener el premio Pritzker (El paralelo del Pulitzer en periodismo o el Nobel en Literatura) Por Arq. Marina Medwedyk
El mexicano Luis Ramiro Barragán Morfín (Guadalajara; 1902-1988) fue uno de los arquitectos más importantes del siglo XX y el único de su procedencia en obtener el Premio Pritzker, en 1980 y Premio América en 1987. La obra de su propia vivien-
da (La casa de Luis Barragán) construida en 1947, ha sido reconocida por la UNESCO en el año 2004 como PATRIMONIO MUNDIAL, por tratarse del único inmueble individual en América Latina que ha logrado dentro del Movimiento Moderno, la integración de una nueva síntesis de elementos tradicionales y vernáculos, así como de diversas
corrientes artísticas y filosóficas de todos los tiempos. Su influencia en la arquitectura contemporánea crece día a día y su vivienda conservada con total fidelidad desde la muerte del proyectista que la habitó hasta su fallecimiento, es uno de los sitios más visitados de la ciudad de México por los arquitectos y artistas de todo el mundo.
En la actualidad es un museo compuesto por la casa y el taller y es propiedad del Gobierno del Estado de Jalisco y de la Fundación de Arquitectura Tapatía Luis Barragán. Quiero citar a partir del sexto párrafo del trabajo doctoral realizado al recibir la investidura del doctorado Honoris Causa de la Universidad Autónoma de Guadalajara en
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agosto de 1984, para tomar los conceptos que él mismo consideraba en su arquitectura para luego ve con que lenguaje estilístico los materializaba para llegar a ellos.
“En proporción alarmante han desaparecido en las publicaciones dedicadas a la arquitectura las palabras belleza, inspiración, embrujo, magia, sortilegio, encantamiento y también las de se-
renidad, silencio, intimidad y asombro. Todas ellas han encontrado amorosa acogida en mi alma, y si estoy lejos de pretenderles haberles hecho plena justicia en mi obra, no por eso han dejado de ser mi faro. Religión y Mito ¿Cómo comprender el arte y la gloria de su historia sin la espiritualidad religiosa y sin el trasfondo mítico que nos lleva hasta las raíces mismas del fenómeno
artístico? Sin lo uno y lo otro no habría pirámides de Egipto y las nuestras mexicanas; no habría templos griegos ni catedrales góticas ni los asombros que nos dejó el renacimiento y la edad barroca; no las danzas rituales de los mal llamados pueblos primitivos ni el inagotable tesoro artístico de la sensibilidad popular de todas las naciones de la Tierra. Sin el afán de Dios nuestro planeta sería un yermo de fealdad. “En el arte de todos los tiempos y de todos los pueblos impera la lógica irracional del mito” me dijo un día mi amigo Edmundo O’Gorman y con o sin su permiso me he apropiado sus palabras. Belleza: La invencible dificultad que siempre han tenido los filósofos en definir la belleza es muestra inequívoca de su inefable misterio. La belleza habla como un oráculo, y el hombre, desde siempre, le ha rendido culto, ya en el tatuaje, ya en la humilde herramienta, ya en los egregios templos y palacios, ya, en fin, hasta en los productos industriales de
la más avanzada tecnología contemporánea. La vida privada de belleza no merece llamarse humana. Silencio: En mis jardines, en mis casas siempre he procurado que prive el plácido murmullo del silencio, y en mis fuentes canta el silencio. Soledad: Sólo en íntima comunión con la soledad puede el hombre hallarse a sí mismo. Es buena compañera, y mi arquitectura no es para quien la tema y la rehuya. Serenidad: Es el gran y verdadero antídoto contra la angustia y el temor, y hoy, la habitación del hombre debe propiciarla. En mis proyectos y en mis obras no ha sido otro mi constante afán, pero hay que cuidar que no la ahuyente una indiscriminada paleta de colores. Al arquitecto le toca anunciar en su obra el evangelio de la serenidad. Alegría: Pienso que una obra alcanza la perfección cuando no excluye la emoción de la alegría, alegría silenciosa y serena disfrutada en soledad. La Muerte: La certeza de nuestra muerte es fuente de
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vida y en religiosidad implícita en la obra de arte triunfa la vida sobre la muerte. Jardines: En el jardín el arquitecto invita a colaborar con el reino vegetal. Un jardín bello es presencia permanente de la naturaleza pero la naturaleza reducida a proporción humana y puesta al servicio del hombre, y es el más eficaz refugio contra la agresividad del mundo contemporáneo…`”
LA CASA DE LUIS BARRAGAN Luis Barragán (arquitecto e ingeniero que comenzó su actividad profesional en 1927) empezó a incursionar en el desarrollo inmobiliario, creando urbanizaciones tan importantes como el Pedregal de San Ángel, concluida en 1945. A pesar del éxito comercial de este conjunto habitacional, Barragán eligió para su vivienda el barrio humilde obrero de Tacubaya, donde en 1947 construyó su primera vivienda que le sirvió de taller para desarrollar sus ideas de arquitectura. La casa
con un gran misticismo como los conventos del siglo XVI de México es un refugio fortificación que protege al arquitecto no solo de la intemperie, sino de la ciudad contemporánea, edificando una defensa rodeada de mitos, en donde es sólida por sus muros de colores planos e inmaterialidad mediante las ventanas que van de piso a techo y de pared a pared; abstracta en su morfología y colores y figurativa mediante los elementos de la cultura mexicana; simbólica por sus decoraciones religiosas y concreta en la austeridad de los espacios y la ornamentación. También es apacible en su presencia y dinámica en su funcionamiento, plena de referencias tradicionales y además es absolutamente moderna. La fachada modesta no da cuenta de la riqueza arquitectónica que se encierra tras ella como en las otras obras de Barragán. La austeridad de la composición de la fachada y el acabado de la misma son muy sencillos, uniéndose al contexto humilde del vecinda-
rio, y cuyo único ornamento es una ventana saliente conformada por una caja de rejas en damero. Hay dos aspectos que se conjugan en la experiencia de recorrer la casa: la concepción de la luz y el manejo del color. Ambos estimulan los sentidos desde la serenidad de plácidos ambientes hasta el vívido contraste de rosados y amarillos con la cálida madera.
El proyecto es una sucesión de lugares que generan efectos visuales y espaciales, pero al mismo tiempo se organizan en un todo proporcionado e integrado. Es en simultáneo un espacio religioso y alegre, amplio e íntimo, una parte y un todo. Solamente al ingresar nos recibe un pequeño hall ámbar, alargado de piso volcánico de paredes retranqueadas. En una de sus paredes, recubierta de madera,
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se adosa una plataforma de madera a modo de banca. Al pasar al vestíbulo nos encontramos con un llamativo muro de color rosa. Este muro rosado contrasta con el blanco del resto del ambiente, alrededor del cual se organizan las circulaciones tanto en el primer nivel (hacia la zona de servicios como la zona social) como las escaleras al segundo piso, con una volumetría de masa sin barandas que recuerda la arquitectura mestiza colonial. En la escala del vestíbulo se pasa a la doble altura de la biblioteca en donde el espacio se expande monumentalmente, pero no es una entrada directa, ya que nos recibe un biombo y al girar la mirada hacia el jardín, el cual se integra al interior a través de una ventana cuadrada que ocupa toda la superficie de la pared hacia el mismo en forma de cruz. Las juntas del vidrio que conforman la cruz que hace referencia a la religiosidad vernácula, y recuerda las grandes dimensiones de la ventana a uno de los conceptos preferidos del
maestro: la casa debe parecer un jardín, y el jardín , una casa, en donde el concepto de espacio del Movimiento Moderno de la disolución de los límites y las barreras entre interior y exterior, sin que ellos hayan perdido su esencia. Esta ventana tiene un ardid interesante, porque diera la impresión de estar empotrada en un profundo muro, a la usanza de las casas coloniales. Barragán utiliza este recurso con frecuencia. Un elemento semejante puede observarse en la biblioteca contigua, en una ventana cuadrada que es la misma que se proyectaba en la fachada. Esta permite darle profundidad al muro de la biblioteca, al tiempo que los vidrios opacos la separan visualmente del mundano exterior. La estancia biblioteca se comunica hacia el taller, que es un espacio de doble altura y ventanas altas, apartado de la vivienda, cuyo techo de madera pintado de amarillo le da un carácter especial a este espacio de máxima concentración y trabajo. El
taller tiene también su entrada independiente desde la calle, aunque ésta no da al ambiente de trabajo propiamente dicho, sino a ambientes de recepción. El taller, se encuentra aislado del contacto visual precisamente para dar intimidad al trabajo. Es el volumen de la escalera, con su presencia, de pisos de madera, paredes blancas e iluminado cenitalmente el que lo ayuda al aislarse al taller. En el otro extremo de la vivienda, hacia el jardín se encuentran la cocina, el comedor diario y el comedor. Estos espacios se han diseñados para tener las mejores vistas del jardín, el comedor diario aprovecha la incidencia solar matutina para bañarse de luz a través de una ventana de generosas dimensiones. En el comedor, de equipamiento es sencillo que posee una espléndida vista a tra-
vés de una gran ventana. La decoración del mismo es un cuadro de un Arcángel, que es un afamado artista mexicano Jesús Chucho Reyes. El vestíbulo de la planta baja conduce a la segunda planta, que es el Cuarto de Cristo, un espacio de luz amarilla que
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distribuye la circulación a las habitaciones del arquitecto y a la terraza y que, como diría Barragán, “reduce las tensiones traídas del exterior” antes de ingresar a su dormitorio. Especialmente en esta habitación (como en toda la casa) pueden apreciarse dos características de la personalidad del arquitecto: su respeto por la soledad y su fervor religioso. Barragán nunca se casó ni tuvo hijos, de allí que dormitorio era sólo para él. El equipamiento refleja su austeridad, como la simple y extensa cama (medía 1.90 m de altura) los muebles simples y los objetos religiosos. Hacia el otro lado de la vivienda, se encuentra el dormitorio de huéspedes y al lado a ella se encuentra la sala de música que se vincula a la biblioteca mediante una escalera etérea. Desde aquí puede verse la continuidad del espacio a través de la misma. Desde el taller, hay una salida que nos lleva al patio de las ollas, un austero y alegre espacio cuya escala llena de intimidad y serenidad en el
que el artista incluye una pileta -un espejo de agua- que es un elemento que repetiría en muchas otras de sus obras. Las tinajas de distintos tamaños, símbolo de la artesanía mexicana, contrastan con la pared rosada donde se trepa una enredadera. Luego pasamos a la intimidad del jardín, el cual dejó crecer en libertad a la vegetación y de allí su imagen seminatural. Es posible también ver desde aquí las cicatrices de innumerables refacciones a la casa que el mismo no disimuló. En la terraza, a la que se accede desde el Cuarto de Cristo en el segundo piso, desarrolla su oficio al trabajar los requerimientos funcionales como cuartos de servicio, lavandería, tanques de agua, etc, para conformar una composición abstracta y cromática mediante una serie de planos y volúmenes. Al culminar el recorrido en la azotea no se percibe el entorno del vecindario, lo único que se puede apreciar es le paisaje siempre cambiante del cielo enmarca-
do por lo muros circundantes, altos, coloridos y texturados, que lo remiten a uno a la idea de aislamiento y protección que le recuerdan esta arquitectura de vanguardia a la tradición de las antiguas haciendas mexicanas. La visita a esta obra es una de las que más me haya impresionado. Al finalizarla es difícil poder describir los postulados implícitos que describe en su discurso más el
sin número de sensaciones recolectadas en el recorrido, lo cual es comprometido catalogar en palabras la belleza que estos espacios generan. Es fundamentalmente una lección de humildad, de cómo se puede lograr tanto con tan pocos recursos (“menos es más” un postulado de Mies van der Rohe del Movimiento Moderno, fácil de decir y difícil de concretar), de cómo se puede llegar a ser eterno en la soledad y la serenidad, de cómo mediante el murmullo del silencio se puede decir tanto. Su trayectoria representa una permanente búsqueda de la modernidad a través de la propia tradición local, algo fundamental en la arquitectura Luis Barragán.
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Prestigio canadiense y una marca personal muy profunda para marcar tendencias Por Walter Gustavo Telesca
Roberta Joan Anderson, conocida artísticamente como Joni Mitchell nació en Alberta, Canadá, el 7 de noviembre de 1943. Y desde la década del 70 que viene entregando su arte repartido entre la música y las artes plásticas. Comenzó su carrera musical en Toronto y se relacionó luego con la floreciente escena de folk de Nueva York de mediados de los sesenta. A lo largo de los años 70 amplió sus horizontes musicales, dirigiendo su interés hacia el pop y el jazz, para convertirse en una de las cantantes y compositoras más respetadas de finales del siglo XX.
Mitchell es también una exitosa artista plástica y lo demuestra en las portadas de casi todos sus álbumes que han sido creadas por ella misma. Insiste a menudo en que la pintura es su vocación original,y se auto describe como una “pintora descarrilada por las circunstancias”. Adoptó su nombre profesional tras casarse con el músico Chuck Mitchell, del que se divorció al poco tiempo. En 1967 viaja a Nueva York, donde editó su primer álbum, “Songs to a Seagull” y en la década del 70 tendría su gran momento al tocar con músicos de la talla de Charlie Mingus, Jaco Pastorius y Herbie Hanckock por mencionar sólo algunos.
Joni Mitchell
Música de músicos
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Esta virtuosa canadiense puede ser considerada “música de músicos” porque su obra ha tenido una enorme influencia en una gran cantidad de artistas; no sólo de su propio género o cantautores similares como Sheryl Crow y Shawn Colvin, sino a un número importante de artistas en diversos estilos, como K.D. Lang, Elvis Costello, PM Dawn, Janet Jackson, Agnes Chan, y Prince. Su influencia se vio plasmada en el uso de sus canciones como hizo Janet Jackson usando un sample de “Big
Yellow Taxi” en un single de 1998, “Got ‘Til It’s Gone” (al parecer, a Mitchell le agradó, por lo que apareció en MTV en un clip corto en el que aprobaba la canción). Counting Crows tuvo un hit en 2002 con una versión de “Big Yellow Taxi”. La banda norteamericana Sonic Youth, homenajeó a Joni en su disco Daydream Nation de 1988, dedicándole la canción “Hey Joni”. Aunque ella usualmente evita hablar sobre otros artistas, en especial de aquellos a los que influenció, ha quedado impresionada por dos artistas de
ESCUCHE EL TEMA “BLUE” del álbum que del mismo nombre, haciendo click en la imagen y detenga con el botón rojo.
jazz que interpretaron parte de su obra, Cassandra Wilson y Diana Krall. Aunque la mayoría de los oyentes tienden a recordar los éxitos tempranos de Mitchell (de sus álbumes más comerciales), muchos músicos se inspiraron en sus trabajos más experimentales, particularmente en The Hissing of Summer Lawns y Hejira. Ella también elogió a los New Radicals. Entre muchos precios recibió ocho premios Grammy durante su carrera, y en 1995, le premiaron con el Century Award de Billboard. En 1996, fue galardonada con el Polar Music Prize. En 1997, fue incluida en el Rock and Roll Hall of Fame estadounidense siguiendo el camino que había empezado en el 81 al ser incluida en el Canadian Music Hall of Fame (o “Salón de la Fama de la Música Canadiense”) El primero de mayo de 2002 recibió el nivel Companion de la Order of Canada (“Orden de Canadá”). También recibió el premio “Grammy Lifetime Achievement Award” en 2002, acompañado de una men-
ción que la describía como “una de las artistas femeninas más importantes de la era del rock” y “una poderosa influencia en todos los artistas que adoptan la idea de la diversidad, imaginación e integridad.” Como premio máximo a su reconocimiento artístico, Mitchell recibió un doctorado honorario de la McGill University el 27 de octubre de 2004 que la consagra como una profesional del arte musical.
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Del libro
“Metáforas” Del libro “Páramo” de Gustavo Alarcón wgt ediciones 2015
Siempre hay en las palabras algo que desmesura al olvido siempre hay metáforas que se disipan o vuelan. Las metáforas suelen ser del río o espejismo del silencio o noches de otras luciérnagas solitarias que buscan sus cuencas dormidas Una metáfora queda en su campana o pensamiento o en una sombra con alas de pájaro o trae un centro de páginas blancas en su aroma que trasluce el tiempo solo como páginas vacías en la metáfora sin primaveras.., sin sueños.
Victoria Ocampo “...Para el grupo de chicas que veraneaba en una quinta frente al río, San Isidro era el higo apenas abierto entre las hojas ásperas y el durazno tibio de sol, los coquitos que la palmera inaccesible dejaba caer, el barro de la ribera cuando nos permitían chapalear con los pies desnudos en el agua color dulce de leche. El río era la esperanza de poder ir a pescar un bagre con una caña de bambú verde, era meter la mano en la tierra negra, allí donde la azada del jardinero sacaba de su escondite alguna lombriz buena para el anzuelo; era ocultar entre las hortensias una caja de jabón, cofre donde guardábamos nuestras piedras preciosas: piedritas recogidas en los caminos del jardín. El paisaje, en aquella época, no iba más allá de esas cosas...”
Recuerdos
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Un grande del ajedréz: Bobb y Fischer por GustavoAkselett
«El que la hace la paga, incluso EE.UU. Quiero ver el país borrado del mapa», afirmó tras los ataques terroristas en Nueva York. Nacido un 9 de marzo de 1943 en Chicago, el mejor ajedrecista de la historia de Norteamérica y héroe de la Guerra Fría sufría el síndrome de Asperger y una peligrosa verborrea Bobby Fischer cuando, tras ser detenido en Japón, fue trasladado a Islandia donde fallecería en 2008 No es casualidad que, coincidiendo con el dominio español del mundo, Felipe II organizara el primer torneo internacional de ajedrez de la historia, como no lo es que
durante la Revolución francesa el mejor ajedrecista del periodo, François-André Danican, fuera francés. El ajedrez es una escenificación perfecta de la situación política y también lo fue durante la Guerra Fría. En 1972, Bobby Fischer, un joven neoyorquino de 17 años se enfrentó al soviético Borís Spassky, campeón del mundo de ajedrez entre 1969 y 1972. Tras superar la interminable lista de extravagancias y problemas generados por el norteamericano, que reclamó repetidas veces que se apagaran todas las cámaras para acabar con el imperceptible estruendo que provocaban las máquinas, la partida terminó con la
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victoria de Bobby Fischer, el cual se convirtió en un héroe nacional y un icono mediático. Pocos de los que entonces celebraron su genialidad, incluidas sus rarezas, podían imaginar que el gran maestro del ajedrez fuera acabar sus días viviendo en el ostracismo y odiado profundamente por EE.UU. Hijo de la enfermera judía de origen ruso Regina Wender y el físico de origen alemán Hans-Gerhardt Fischer (aunque posiblemente su padre
biológico era un físico húngaro), Bobby Fischer se crió en un pequeño apartamento en Brooklyn, Nueva York, junto a su madre y su hermana. Su increíble memoria –llegó a aprender cinco idiomas– le permitió moverse con facilidad desde muy pequeño en el ajedrez, que se convirtió en una obsesión para el joven desde que su madre le regalara un tablero de este juego, a medio camino entre el arte y el deporte. Pero ni siquiera la influencia del psicólogo al que acudió su madre al advertir que su hijo se había obsesionado con el ajedrez, pudo evitar que Bobby Fischer se inscribiera en un prestigioso club de Mathatam y avanzara en su aprendizaje. A los 12 años ya se enfrentaba a los mejores jugadores de EE.UU.
«Ha sido el jugador que más cerca ha estado de la perfección. Dicen que Fischer no tenía estilo, que simplemente elegía la mejor jugada», afirmó Magnus Carlsen poco después de proclamarse campeón del mundo de ajedrez a los 22 años. Fischer, como Carlsen, empezaron a competir al más alto nivel desde la más temprana adolescencia. A los 13 años, el americano ya era capaz de anticiparse 6 o 7 movimientos a sus oponentes y se alzó como ganador del Campeonato Junior de Estados Unidos. Su vida academia, no obstante, iba en declive, puesto que, como otros chicos superdotados, se aburría en las clases y abandonó los estudios a los 16 años para dedicarse completamente al ajedrez.
Al precio de colocar el ajedrez por encima de su vida académica y sus relaciones sociales, Fischer se hizo con el campeonato de EE.UU. tres veces y con el título de Gran Maestro antes de llegar a la mayoría de edad. Fue entonces cuando empezaron a aparecer las primeras extravagancias y salidas de tono que harían célebre a Fischer, quien en 1960 amenazó con abandonar el campeonato nacional de su país alegando una infinidad de quejas. Quería la luz apropiada, que no le fotografiaran, que no hubiera el mínimo sonido… y si no se daban las circunstancias adecuadas abandonaba la competición. Estas exigencias impidieron que pudiera alcanzar mejores resultados en los siguientes años de su carrera. Hoy, muchos médicos psiquiatras han aprecia-
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do en el ajedrecista rasgos del síndrome de Asperger, un tipo de autismo que lleva a los afectados a obsesionarse con un campo concreto y a tener problemas para relacionarse socialmente.
La partida del siglo: el patriota Cuando la comunidad ajedrecista empezaba a poner en cuestión el talento de Fischer, que en 1968 hizo la primera de sus sorprendentes desapariciones y se fue a vivir tres años a la costa oeste para escribir un libro sobre ajedrez, el neoyorquino regresó por sorpresa y anunció sus intenciones de disputar el título mundial. Tras vencer por aplastamiento a tres de los mejores jugadores del mundo, Fischer desafió al soviético Borís Spassky, que mante-
nía un balance a su favor de 4 victorias sobre el americano y solo 2 derrotas. Pero no sólo se enfrentaba a un rival estadísticamente superior a él, el estadounidense aspiraba a derribar el mito de la invencibilidad de la escuela de la Unión Soviética, dirigida por el Comité de Educación Física
y Deportes, que había producido a todos los campeones y subcampeones mundiales desde 1948. En medio de la Guerra Fría entre la URSS y EE.UU, la partida trascendió a nivel político. El campeonato del mundo de 1972 se celebró en Reikia-
vik, capital de Islandia. Allí se desplazó Fischer, declarado anticomunista, no sin antes exigir a la Federación Internacional de Ajedrez (FIDE) que elevara el premio en metálico y no sin que el propio Henry Kissinger, el secretario de Estado, le suplicara ir por el honor de su patria. «Este es el peor jugador del mundo llamando al mejor jugador del mundo», anunció al descolgar el teléfono Kissinger. Una vez en Islandia, se quejó de absolutamente cada detalle, incluso de las vistas de la habitación del hotel. Todavía absorto en sus exigencias –entre ellas que hubiera alguien dispuesto a jugar con él al tenis y a los bolos las 24 horas del día– Fischer perdió la primera partida. Y en la segunda partida, el neoyorquino no se presentó porque
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el sonido de las cámaras grabando, prácticamente imperceptible para el oído humano, no le dejaba pensar. Fue declarado perdedor por no presentarse. Nadie creía posible que Fischer remontara, salvo él. A diferencia de su rival, que había acudido con un enorme séquito de grandes maestros rusos, el neoyorquino se encontraba prácticamente solo y sin la asistencia de otros ajedrecistas americanos. Solo ante el peligro. Finalmente, Bobby Fischer volvió a la competición a condición de jugar sin
público. Venció en la tercera. La cuarta partida fue tablas, y desde la quinta se impuso rotundamente el gran maestro estadounidense. Fischer superó a su rival tras 21 partidas y se coronó campeón mundial el 1 de septiembre de 1972. Había presumido que ganaría al ruso, y lo hizo, convirtiéndose en un auténtico fenómeno mediático a su regreso a EE.UU. No obstante, el triunfo sobre Spassky fue el comienzo del fin para este genio del ajedrez. La condición de héroe de Fischer duró muy poco tiempo. No quiso defender su corona ante la joven estrella rusa Anatoly Karpov y, además, el estadounidense perdió una demanda del productor Chester Fox, por dos millones de dólares, por negarse a que se grabasen imágenes del encuentro de Islandia. Fischer,
que se había vuelto todavía más retraído tras su victoria, desapareció por completo de la vida pública y dejó de competir para siempre. Sin estudios ni experiencia más allá del juego de los cuadrados blancos y negros, el gran maestro apareció muchos años después, en 1981, en Pasadena, California, involucrado en un incidente con la policía. El ajedrecista se negó a mostrar su identidad cuando un policía se lo pidió al encontrarle cierto parecido con un atracador en busca y captura. Las autoridades le tuvieron 48 horas detenido, donde afirmó haber sido maltratado y humillado, dando origen al celebrado texto «Fui torturado en Pasadena», firmado por Robert James. El incidente con la policía sacó a la luz que un desmejorado Fischer dedicaba su tiempo a pegar carteles antisemitas por los coches. Criado en una familia judía, el ajedrecista había desarrollado un violento y público antisemitismo –años después su
guardaespaldas afirmó que siempre acompañaba la palabra judío de un insulto–, que posiblemente procedía de la mala relación con su madre o bien del proceso de aislamiento social derivado del trastorno de Asperger. En 1992, Fischer aceptó jugar un encuentro amistoso de exhibición contra su antiguo adversario Spassky, de entonces 55 años de edad, por una gran cifra económica. El match comenzaría en Sveti Stefan, a TENGA SU WEB Hosting por un año Dominio “.COM” Diseño inicial Acceso a sistema autoadministrable Sin limite de casillas Gran capacidad de transferencia y carga de datos Y LO MÁS IMPORTANTE SUPER-ECONÓMICAS. WGT COMUNICACIONES akselett@gmail.com
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orillas del Adriático, y acabaría en Belgrado, enclaves ambos de la República Federal de Yugoslavia, nación procedente del desmembramiento de la antigua Yugoslavia. Sin embargo, Estados Unidos prohibió a Fischer involucrarse en la partida a causa de las restricciones en el comercio impuestas a la República Federal de Yugoslavia por su intervención en la reciente guerra de Bosnia. El encuentro se celebró igualmente y acabó con la victoria del estadounidense, que había convocado a los medios para escupir frente a las cámaras la orden enviada por EE.UU, aunque la calidad de
las partidas y el desarrollo general del acontecimiento despertaron escaso interés en el mundo del ajedrez. Después de la competición, las autoridades de Estados Unidos dictaron orden de búsqueda y captura contra el genio, lo cual podía llegar a costarle hasta 10 años de cárcel. «El que la hace la paga, incluso EE.UU. Quiero ver el país borrado del mapa» Negacionista del Holocausto y favorable a un golpe militar en su país, seguido de la destrucción de sinagogas y la ejecución de cientos de miles de judíos, Fischer volvió a dar señales
de vida en una entrevista a una radio filipina, donde trabajaba como pinchadiscos a tiempo parcial, el 12 de septiembre de 2001, con motivo del ataque terrorista contra las Torres Gemelas de Nueva York. El otrora héroe nacional proclamó su satisfacción por el atentado y se pronunció en durísimos términos contra EE.UU. En julio de 2004, fue detenido en el aeropuerto de Narita, en Tokio (Japón), por utilizar un pasaporte no válido, pues Estados Unidos lo había anulado. Con un aspecto de vagabundo, el que había sido genial ajedrecista permaneció ocho meses detenido hasta que en marzo de 2005 Islandia le concedió la ciudadanía islandesa, con lo que las autoridades japonesas le autorizaron a que viajase a ese país. Con graves problemas renales, su esposa Miyoko Watai se acercó desde Japón para pasar las Navida-
des de 2007 con él. Volvió a Japón el 10 de enero, justamente antes del fallecimiento de Fischer. Miyoko, al llegar a Japón, prácticamente tuvo que coger el siguiente vuelo de vuelta para acudir al funeral. A los 64 años, el genio del ajedrez falleció en Reikiavik (Islandia) –la ciudad donde se había proclamado vencedor de la partida del siglo– y fue enterrado en una tumba sencilla en un cementerio cercano a Selfoss, pequeña localidad costera al sudoeste del país. Fischer vivió sus últimos días en un apartamento en el mismo edificio que su mejor amigo y portavoz, Gardar Sverrisson.
Gracias por haber llegado al FInal, los esperamos en el prOximo nUmero.
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