BLOCK Magazine- Spring/Summer 2020

Creativity has its place Spring/Summer 2020 Issue 20 La créativité a sa place Printemps-été 2020 Numéro 20

The Reverist Kevin Calero, director of dreamy music-videos and films Le rêveur : Kevin Calero, réalisateur de films et de vidéoclips

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24 A RT ISTS. 24 F LO O RS . CA N A DA’ S F IRST U R B A N A R T M U S EU M. W HAT START E D AS A C RA ZY ID E A I S N OW BI G G E R T H A N E V E R .

BR O U G H T TO L IF E BY R OM EO’S GI N, WIT H T H E S U P P O RT O F A L L I E D.

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Contents / Table des matières

The Starting Block...................................................................................................................... 7 Contributors .................................................................................................................................. 9

Block de départ ........................................................................................................................ 7 Nos collaborateurs................................................................................................................. 9

THE MOMENT Montreal’s newest gallery opens in Saint-Henri ................... 11 MY SPACE Artist Ryley O’Byrne’s soft-hued Vancouver studio .................... 15 THE BUSINESS Diana Olsen on the business and pleasure of coffee ........ 16 ARTIST’S BLOCK Alex McLeod made a digital block .......................................... 18 THE INTERIOR A Calgary design team builds their own base ...................... 20

LE MOMENT Montréal : une nouvelle galerie d’art dans Saint-Henri .. 11 MON ESPACE Vancouver : l’atelier aux tons pastel de Ryley O’Byrne ... 15 L’ENTREPRISE Le café, une affaire de plaisir pour Diana Olsen .............. 16 ART EN BLOCK Le bloc numérisé d’Alex McLeod ............................................... 18 L’INTÉRIEUR Calgary : un bureau à la déco personnalisée ....................... 20

THE CREATOR On the cover: Filmmaker Kevin Calero is always moving and moving and moving ...................................................................... 26

LE CRÉATEUR En couverture : Le réalisateur Kevin Calero ou le mouvement perpétuel ........................................................................ 26

WORK-IN-PROGRESS A dinner party to beat all dinner parties .................... 32 THE CONVERSATION The co-founder of Kinfolk has big plans for Indigo ...................................................................................................................................... 38 MADE Maggie Boyd’s ceramic vessels up close..................................................... 42 MAKE ROOM FOR THE ARTS Thanks to Allied, Montreal’s best design market gets new digs ............................................................................................................ 45 THE 1 KM GUIDE The Atrium on Eleventh in Calgary’s Beltline .................... 46 NOW & THEN The Gurney foundry in 1872 and 2020......................................... 48 RETHINK Hats off to...corporate franchises ............................................................. 49 FILL IN THE BLANK Leanne Shapton’s urban infill ................................................. 50

LE CHANTIER Un souper où le design règne en maître ................................ 32 LA CONVERSATION Le cofondateur de Kinfolk voit grand pour Indigo... 38 FABRIQUÉ Zoom sur les poteries de Maggie Boyd ........................................ 42 FAITES PLACE À L’ART Souk, le marché créatif montréalais, prend ses aises grâce à Allied ..................................................................................................... 45 GUIDE 1 KM Atrium on Eleventh dans Beltline à Calgary ........................... 46 D’HIER À AUJOURD’HUI La fonderie Gurney en 1872 et en 2020 ............. 48 REPENSÉ Un grand bravo aux chaînes de restos ........................................... 49 VEUILLEZ COMBLER L’ESPACE La dent creuse de Leanne Shapton .......... 50

ON THE COVER / EN PAGE COUVERTURE KEVIN CALERO PHOTO BY / PAR WILLIAM ARCAND BLOCK / 5

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The Starting Block / Block de départ

Photo by / par Thibaut Ketterer

There’s no replacement for being in the same place at the same time. / Rien ne remplace le sentiment d’être au même endroit au même moment.

Abruptly, as we were finishing this issue of Block, life was upended by a global pandemic. Little things we once took for granted—a playground visit with our kids, a coffee with a colleague, a midnight cheeseburger at a local diner—now seem less like small, personal pleasures and more like the foundation and framework of our interconnected lives.

They are meaningful rituals—symbols of how we live and of how our lives are fuller, richer and more creative when we are together. At the same time, the pandemic is a stark reminder of the businesses and people who make our lives so easy and our communities so vital; we are especially reminded of the power of local, alternative and independent enterprises to increase our resilience. Most of all, we are reminded of the fundamental importance of being together.

In this issue (indeed, in every issue of Block), togetherness is a theme in many of the stories. Our cover story (The Creator, p. 26) features filmmaker Kevin Calero, whose strength lies in his ability to mobilize a team to execute his own wildly original ideas. In The Moment (p. 11), we visit with two Montreal curators who shuttered their respective galleries to join forces. At the centre of Work-inProgress (p. 32) is a dinner party (remember those?) in which its host rallied local designers to create everything from the soup bowls to the servingware—a reframing of the “100-mile diet” around design.

And in Fill in the Blank (p. 50), the focal point of Leanne Shapton’s urban infill is a bridge—a universal symbol for connection. Here at Block, we have nothing against video conferencing, but we know there’s no replacement for being in the same place at the same time. Here’s to getting back to working together and to building the communities and cities we love as soon as we safely can.

Nous terminions ce numéro de Block quand, brusquement, une pandémie mondiale est venue bouleverser nos vies. Tous ces petits plaisirs qu’on tenait pour acquis : une sortie au terrain de jeu avec notre enfant, un café en compagnie d’un collègue, un burger au restaurant du coin, paraissent aujourd’hui moins petits, moins personnels. Ils prennent tout leur sens; ils représentent les fondements et le cadre de notre vie en collectivité; ils symbolisent une vie ensemble, plus remplie, plus riche, plus créative.

Toujours aussi brutalement, cette pandémie nous rappelle l’importance des personnes qui rendent notre vie si simple et notre communauté si vitale. Elle nous rappelle le pouvoir des entreprises locales et indépendantes pour accroître notre résilience. Elle nous rappelle surtout une chose primordiale : le vivre-ensemble.

Dans ce numéro (comme dans tous les numéros de Block), le vivreensemble est à l’honneur. Dans Le créateur (en couverture et p. 26), on découvre le réalisateur Kevin Calero et sa capacité à mobiliser une équipe pour mettre en image ses idées plus qu’originales. Dans Le moment (p. 11), deux galeristes montréalais unissent leurs forces.

Dans Le chantier (p. 32), l’hôtesse d’un repas de fête (un lointain souvenir?) rassemble des artisans locaux pour fabriquer la vaisselle de son dîner, des assiettes aux plats de service : une réinterprétation du livre The 100-mile Diet façon design. Enfin, dans Veuillez combler l’espace (p. 50), Leanne Shapton imagine un pont, symbole universel du lien. Chez Block, on n’a rien contre la vidéoconférence, mais on sait pertinemment que rien ne remplace le sentiment d’être au même endroit au même moment. On souhaite à tous de pouvoir très vite, et en toute sécurité, retravailler sur le terrain pour continuer à bâtir les collectivités que nous aimons tant.

BLOCK / 7

Vous avez le courage ?

Nous avons l’audace.

Do you have the courage?

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Contributors / Nos collaborateurs

Artist Alex McLeod (Artist’s Block, p. 18) creates digital imagery. “I can change the colours and sizes of the assets really easily,” he says, “which makes deciding on anything challenging.” / L’artiste Alex McLeod (Art en Block, p. 18) crée des images numériques : « Je peux très facilement changer la couleur et la taille des éléments, ce qui rend toute décision difficile. »

EDITOR-IN-CHIEF / RÉDACTEUR EN CHEF Benjamin Leszcz CREATIVE DIRECTORS / DIRECTRICES ARTISTIQUES Whitney Geller, Yasemin Emory, Berkeley Poole EDITOR / RÉDACTRICE Sarah Steinberg MANAGING EDITOR / DIRECTRICE DE LA RÉDACTION Kristin Germain O’Donnell

Elizabeth Chorney-Booth is the restaurant columnist for the Calgary Herald, a contributor to CBC Radio and a regular visitor to the Beltline neighbourhood. She wrote this issue’s 1 KM Guide (p. 46). / Elizabeth Chorney-Boot, critique culinaire au Calgary Herald et collaboratrice à CBC Radio, fréquente régulièrement le quartier de Beltline. Dans ce numéro, elle a rédigé Le guide 1 km (p. 46).

PHOTO & ILLUSTRATION EDITOR / ICONOGRAPHE Catherine Dean DESIGNERS / GRAPHISTES Raj Grainger, Dee Flores TRANSLATOR / TRADUCTRICE Catherine Connes

Torontonian Jeremy Freed (The Business, p. 16) writes about design, watches and menswear for publications like The Globe and Mail and GQ. He spoke to the founder of Balzac’s Coffee Roasters. / Jeremy Freed écrit des articles sur le design, les montres et la mode masculine pour The Globe and Mail et GQ entre autres.

Dans L’entreprise (p. 16), il discute avec la fondatrice de Balzac’s Coffee Roasters.

Leanne Shapton (Fill in the Blank, p. 50) bridged her empty lot with a replica of Venice’s Bridge of Sighs.

Shapton is an award-winning author, artist and publisher. / Leanne Shapton, artiste, éditrice et écrivaine primée, a choisi une réplique du Pont des Soupirs de Venise pour Veuillez combler l’espace (p. 50).

COPY EDITORS - PROOFREADERS / RÉVISEURES - CORRECTRICES Suzanne Aubin, Jane Fielding, Lesley Fraser ALLIED 134 Peter Street, Suite 1700 Toronto, Ontario M5V 2H2 Canada (416) 977-9002 info@alliedreit.com alliedreit.com WHITMAN EMORSON 213 Sterling Road, Studio 200B Toronto, Ontario M6R 2B2 Canada (416) 855-0550 inquiry@whitmanemorson.com whitmanemorson.com

ILLUSTRATIONS BY / PAR KAGAN MCLEOD BLOCK IS PUBLISHED TWICE A YEAR. / BLOCK EST PUBLIÉ DEUX FOIS PAR AN. BLOCK / 9

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MARKETING STRATEGY

PROJECT MANAGEMENT

The Moment / Le moment

THU. 23 JAN. 2:50 P.M.

Montreal, a couple of hours before Bradley Ertaskiran’s very first opening night. / Montréal, quelques heures avant la toute première soirée d’ouverture de Bradley Ertaskiran.

BY / PAR EVE THOMAS PHOTOS BY / PAR RICHMOND LAM BLOCK / 11

The Moment / Le moment The co-founders of Bradley Ertaskiran are experiencing minor technical issues. Megan Bradley is standing before a large flat-screen monitor in the middle of the gleaming white gallery, while Antoine Ertaskiran checks his laptop, steps away. They’re troubleshooting Disasters Under the Sun, a video piece by Montreal artist Jon Rafman, known for his digital works featuring Google Street View and Second Life. Behind the screen hangs a geometric triptych by Canadian photographer and Guggenheim fellow Jessica Eaton. They’re two of the eight artists whose works make up the gallery’s inaugural group show, Cause à effet.

The vernissage begins in about two hours, but neither gallerist appears overly stressed. They are both used to unforgiving deadlines: Each closed their respective Montreal gallery just weeks ago, and Ertaskiran moved to Bradley’s much larger space in the Saint-Henri neighbourhood after it underwent some vital renovations.

Les cofondateurs de la galerie Bradley Ertaskiran font face à des problèmes techniques de dernière minute. Megan Bradley surveille le grand écran plat au milieu de la pièce immaculée pendant qu’Antoine Ertaskiran vérifie son ordinateur. La récalcitrante? Disasters Under the Sun, une vidéo de Jon Rafman, artiste montréalais connu pour son travail sur les mondes virtuels que sont Google Street View et Second Life. Derrière l’écran, un triptyque géométrique signé Jessica Eaton, photographe canadienne et boursière Guggenheim, attend sagement accroché au mur. Au total, ce sont huit artistes qui sont réunis dans Cause à effet, la première exposition collective de la galerie.

Plus que deux heures avant le vernissage et aucun signe de stress de la part des galeristes. Tous deux sont habitués aux délais serrés : il y a quelques semaines à peine, ils fermaient leur galerie respective et Antoine s’installait dans celle de Megan, un espace beaucoup plus grand, et fraîchement rénové, dans le quartier de Saint-Henri.

“Before joining forces to create this Canadian hub for contemporary art, the co-owners travelled in the same circles.” / « Avant d’unir ses forces pour créer ce lieu destiné à l’art contemporain, le duo fréquentait les mêmes cercles. » “I’d been dying to cover the wooden columns for a while,” says Bradley, gesturing to a freshly painted white pillar. Above her, gargantuan air vents and wooden ceiling slats remain from the building’s early life as an industrial laundry. Other than that, the ground floor space has been reinvented as a “white cube” so that, in her words, the artworks can speak for themselves.

Curating the gallery’s collection was easy for the duo. Before joining forces to create this Canadian hub for contemporary art, the co-owners travelled in the same circles, as peers, friends and (occasionally) competitors.

“I would be at an international art fair going after a particular artist and be like, ‘Oh no, he got them first!’” says Bradley.

“Same,” confesses Ertaskiran with a laugh. His previous gallery was in nearby Griffintown, and he remarks that both boroughs have been experiencing a palpable cultural renaissance over the past decade or so.

Where there were once factories and warehouses, Bradley Ertaskiran’s neighbours now include sleek housing developments, tech hubs and some of the top-rated restaurants in the country, including Joe Beef and Nora Gray.

Not everything in the gallery is shiny and new, however. Downstairs, visitors will need to crouch down to pass through a windowless hallway and emerge into a second space, called “the bunker.” There, Montrealer Nicolas Grenier’s solo show, Positions, contrasts oversized blue and red paintings and custom-built panels against the uneven cement walls. The gallerists say he had the option of showing upstairs but that the basement space appealed to him, adding that some artists want something experimental, unconventional and maybe even a bit risky.

They, of course, know this feeling.

Visit the gallery online at bradleyertaskiran.com 12

« Je mourrais d’envie de recouvrir ces piliers de bois », explique Megan en montrant un poteau tout peint de blanc. À part des bouches de ventilation gargantuesques et un plafond lambrissé, témoins du passé de buanderie industrielle de l’endroit, tout le reste a été revu et corrigé pour former un « cube blanc », selon ses propres mots, dans lequel les œuvres d’art peuvent s’exprimer.

Le duo travaille vite et bien ensemble. Avant d’unir ses forces pour créer ce lieu destiné à l’art contemporain, il fréquentait les mêmes cercles en tant que collègues, amis et concurrents parfois. « Je me rendais à une foire internationale et m’apercevais qu’il avait déjà mis la main sur l’artiste que j’avais repéré », lance Megan. « De même », avoue Antoine en riant. Et de constater que les deux quartiers, Saint-Henri et Griffintown (celui de sa précédente galerie), connaissent un renouveau culturel palpable depuis une dizaine d’années. Les usines et entrepôts alentour ont laissé place à des condos chics, des entreprises technos et quelques-uns des meilleurs restaurants du pays, dont Joe Beef et Nora Gray.

Tout n’est pas flambant neuf pourtant chez Bradley Ertaskiran.

Au pied de l’escalier, les visiteurs se voient obligés de courber l’échine pour entrer dans un espace aveugle, appelé le bunker, et découvrir l’exposition solo Positions. Ici, le bleu et le rouge des peintures grand format et des panneaux sur mesure du Montréalais Nicolas Grenier se détachent sur les murs de ciment brut. Les galeristes ont proposé le rez-de-chaussée à l’artiste, mais il lui a préféré le sous-sol, plus expérimental, décalé, voire un peu risqué. Une envie que Megan et Antoine comprennent parfaitement.

Visitez la galerie en ligne à bradleyertaskiran.com

The Moment / Le moment Antoine Ertaskiran and Megan Bradley launched their gallery’s first group show, Cause à effet, on January 24th, 2020. The exhibition “positions the work of eight artists in dialogue around notions of change and agency.” / Le 24 janvier 2020, Antoine Ertaskiran et Megan Bradley ont présenté leur première exposition collective, Cause à effet : « les œuvres de huit artistes entamaient un dialogue sur les notions de changement et d’action. »

The gallerists chat in the bunker with Eve Thomas, who wrote this story.

Behind them, works by Nicolas Grenier. / Dans le bunker, les galeristes discutent avec la rédactrice Eve Thomas.

Derrière eux, les œuvres de Nicolas Grenier.

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My Space / Mon espace

DIY, Darling 2

Ryley O’Byrne is best known for Strathcona Stockings, her line of patterned socks and silk leisurewear that has been gleefully celebrated in fashion magazines from Vogue Italia to Elle UK. But it’s far from O’Byrne’s sole focus; her artistic practice encompasses everything from ceramics and painting to writing and short film. Virtually everything in her Vancouver studio is something she made herself. / On connaît Ryley O’Byrne pour Strathcona Stockings, sa collection de bas hautement colorés et de vêtements et accessoires en soie allègrement plébiscitée par les magazines de mode, de Vogue Italia à Elle UK. L’artiste a pourtant plus d’une corde à son arc : poterie, peinture, écriture et court métrage font partie de son univers créatif. Zoom sur son atelier de Vancouver où tout, ou presque, est fait main.

BY / PAR SARAH STEINBERG PHOTO BY / PAR ANDREW QUERNER

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1. Sewing Machine / Une machine à coudre

“This is a hand-me-down from a friend’s mom.

I have a few different ones—they’re definitely one of my favourite tools.” / « C’est une seconde main, qui appartenait à la maman d’une amie. J’en ai plusieurs. C’est un de mes outils préférés. »

2. Back-Scratcher / Un gratte-dos

“This is a weird little back-scratcher. One side is a shoehorn, and the other side is a tiny little hand; it’s just so delicate and strange.” / « C’est un drôle de gratte-dos. L’une de ses extrémités est un chaussepied, l’autre, une toute petite main. Un objet bizarre et délicat à la fois. »

3. Ping-Pong Paddle / Une raquette de ping-pong

4. Pinata (sort of) / Une (sorte de) piñata

“This is a 3-D object. It’s kind of diamond-shaped, and you can fill it with things. I made this to hang up during a party, but it made its way back to the studio.” / « C’est un objet en 3D, en forme de losange, qu’on peut remplir et suspendre. Je l’ai fabriqué pour un party, puis il est revenu ici, à l’atelier. »

5. Silver Tinsel / Une guirlande argentée

“This was for a sculpture/costume that I made back in 2012 or 2013. The costume was entirely constructed out of this—it looked like a tinsel monster!” / « C’est le morceau d’un costume que j’avais confectionné en 2012 ou 2013 qu’à partir de ces grosses pampilles. On aurait dit un monstre argenté! »

“I was trying to think of fun activities to do with friends last summer. I’d carry my Ping-Pong paddles around in my car. People were down! I found a bunch of outdoor tables in Vancouver.” / « L’été dernier, j’essayais de trouver des activités à faire en ville entre amis. Et le tennis de table a plu! Je transportais mes raquettes partout et repérais les tables en plein air. »

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The Business / L’entreprise

Bean Counter We caught up with Diana Olsen, the founder and president of Balzac’s Coffee Roasters, in Kitchener’s historic Tannery building to chat about success, failure and the culture of coffee. / On parle café, échecs et réussites en compagnie de Diana Olsen, fondatrice et PDG de Balzac’s Coffee Roasters, à la Tannery, un bâtiment patrimonial de Kitchener.

AS TOLD TO / PROPOS RECUEILLIS PAR JEREMY FREED ILLUSTRATION BY / PAR ULI KNÖRZER

I got my university degree, I went out and got a job in a corporate office for a large company, and I realized very quickly that that wasn’t for me. No disrespect to people who work in the corporate world, but my personality was not suited for it.

My father is an entrepreneur, and he built a team that’s like a family.

He led them but was not a micromanager, and I think I learned that from him. I owe so much of the success of Balzac’s to the team of people who work for me; I let them take the lead, and they shine in their own ways.

Up until about a year or two ago, our growth was very organic.

Basically, every café I’ve opened was an opportunity that I just couldn’t say no to. But for every location I said yes to, there were probably 10 or 20 that I turned down.

Making mistakes is just part of being human, so I don’t let mistakes define me, and on a macro level with the company, I do the same.

We had to close down our Waterloo location, and every employee from that location now works at the Kitchener café. We did not lose a single employee, and we were really happy about that.

Contrary to popular belief, running a coffee shop is not easy—but it is a great business. People might be a little bit shocked when they realize what a struggle it can be, especially in the beginning, but most of the people I’ve met who own coffee companies also love their job.

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Mon diplôme universitaire en poche, j’ai décroché un poste dans une grande entreprise et j’ai très vite compris que ce n’était pas fait pour moi. Loin de moi l’idée de dénigrer ceux qui travaillent en entreprise, c’est simplement une question de personnalité.

Mon père est entrepreneur. Il a bâti une équipe à l’image d’une famille, qu’il dirige sans faire de microgestion. Je crois que je tiens ça de lui. Le succès de Balzac’s, je le dois en grande partie aux gens qui travaillent pour moi. Je les laisse prendre l’initiative, et chacun brille à sa manière.

Jusqu’à l’année dernière environ, notre croissance était très organique. Tous les cafés que j’ouvrais étaient, en fait, des occasions qui ne se refusaient pas. Mais chacun de mes « oui » était accompagné d’une dizaine, voire d’une vingtaine, de « non ».

L’erreur étant humaine, je ne laisse pas les miennes me définir.

Et je fais pareil avec mon entreprise, à un niveau macro. On a dû fermer notre établissement de Waterloo et tous les employés ont été réembauchés au café de Kitchener. On n’en a pas perdu un seul et on en est ravis.

Contrairement à la croyance populaire, diriger un café n’est pas chose facile, mais c’est super intéressant. C’est un petit choc pour tout un chacun quand on se rend compte du combat qu’il faut mener au quotidien, surtout au début. Mais la plupart des torréfacteurs que je connais sont passionnés par leur métier.

THE BEST ADVICE I’VE EVER RECEIVED “It’s good to seek advice, but it doesn’t mean it’s the right advice. I can think of a lot of times when I was given advice but my gut told me not to do it and I was grateful that I listened to my gut. Be in tune with your intuition.

Don’t listen to everybody.”

LE MEILLEUR CONSEIL QU’ON M’A DONNÉ « C’est bien de prendre conseil, mais tout conseil n’est pas bon à prendre. Combien de fois mon instinct m’a dit de ne pas faire ce que l’on me conseillait? Plusieurs fois – et je lui en suis reconnaissante. N’écoutez pas tout ce que l’on vous dit. Suivez votre intuition. »

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Artist’s Block / Art en Block

Garden Block

by Alex McLeod Alex McLeod’s computer-generated work depicts flowers in various stages of bloom. The materials represented include carpet, coral and precious metals.

“I’ve been working a lot with flowers recently as a way to talk about life cycles and energy,” says the artist. “The block holds flowers as a vase or as a portal to another world.”/ Dans son œuvre d’art générée par ordinateur, Alex McLeod a imaginé des fleurs à divers stades de leur éclosion, représentées notamment à l’aide de tissus, corail et métaux précieux. « Je travaille beaucoup sur les fleurs en ce moment, sur le cycle de la vie, l’énergie, explique-t-il. Le bloc sert de vase ou de porte d’entrée sur un autre monde. »

EACH ISSUE WE ASK AN ARTIST TO CREATE A BLOCK USING THE MEDIUM AND APPROACH OF THEIR CHOICE. / DANS CHAQUE NUMÉRO, NOUS DEMANDONS À UN ARTISTE DE CRÉER EN TOUTE LIBERTÉ UNE ŒUVRE D’ART FAÇON BLOC. 18

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The Interior / L’intérieur

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The Interior / L’intérieur

Show, Don’t Tell One Calgary design firm’s experiential approach. / Une agence de design de Calgary choisit l’approche expérientielle pour aménager ses bureaux.

BY / PAR CAILYNN KLINGBEIL PHOTOS BY / PAR JAMIE ANHOLT

At first glance, the FORT offices, tucked away in an industrial corner of Calgary’s Inglewood neighbourhood, look like a trendy brewery. This is notable because they are, in fact, the headquarters of a young architectural and interior design firm. There’s a large island bar featuring taps from the breweries with whom the firm has worked and bottles of spirits from its distillery clients. Across from the bar, a cozy nook offers more seating at three wooden tables.

It’s a novel approach for an office space. “We don’t want to be the same corporate Calgary that we came from,” explains interior designer Landon Anholt. Anholt is one of FORT’s three principals, working alongside Meghan Bannon, an architect, and Tara Marshall, an architect and interior designer. The trio, who met while working together at a local boutique firm, set off on their own in April 2018. They moved into their new digs, a bright basement unit in an Allied-owned building, in August 2019, with the aim of creating a casual, versatile space that would stand out from a staid office environment. It was also the first bona fide headquarters for the young firm, after more than a year spent working out of a spare bedroom in Anholt’s home. / Ne vous faites pas avoir par les airs de microbrasserie branchée de FORT. C’est bien une jeune agence d’architecture et de design d’intérieur qui se cache dans ce petit coin industrialisé du quartier d’Inglewood à Calgary. Le comptoir façon bar et ses pompes à bière ainsi que les bouteilles de spiritueux proviennent des brasseries et distilleries clientes de l’agence. Tables de bois et fauteuils confortables complètent la déco. Un aménagement qui sort de l’ordinaire pour un bureau : « On ne voulait pas reproduire le Calgary administratif d’où l’on vient », explique le designer d’intérieur Landon Anholt. Il est l’un des trois associés de FORT, travaillant aux côtés de Meghan Bannon, architecte, et de Tara Marshall, architecte et designer d’intérieur.

Le trio, qui a fait connaissance au sein d’une agence boutique locale, a décidé de voler de ses propres ailes en avril 2018. Après plus d’un an à s’affairer dans la chambre d’amis de Landon Anholt, la jeune entreprise investissait dans un local bien à elle. En août 2019, elle s’installait dans le sous-sol lumineux d’un immeuble appartenant à Allied avec la ferme intention de le transformer en un espace cool et polyvalent, qui se démarquerait.

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The Interior / L’intérieur

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The Interior / L’intérieur

“We all have different personal tastes, so we had to find something that blends all three styles,” Marshall says. / « Comme on a des goûts différents, on a dû trouver une déco qui combinait nos trois styles » explique Tara Marshall.

LEFT: Tara Marshall (left), Meghan Bannon (middle), Landon Anholt (right).

RIGHT: Anholt mixes a Moscow Mule using vodka from a client’s distillery. / À gauche : Meghan Bannon, entourée de Tara Marshall et de Landon Anholt. À droite : Landon Anholt utilise la vodka d’un de ses clients pour préparer un Moscow mule.

While the firm works with residential and commercial clients, it specializes in design for the food and beverage industry, from ice cream shops to cideries. Hence the decision to create offices that feel like their own hospitality destination. “It provides something a little bit more unique for clients,” says Bannon. A sliding wall separates the bar zone from the more traditional workspaces, where desks, computers and a large layout table live.

Bannon, Marshall and Anholt say the office design process was as collaborative as their client projects. “We all have different personal tastes, so we had to find something that blends all three styles,” Marshall says. She describes her own tastes as “bohemian and eclectic,” Anholt says he prefers a Scandinavian approach that borders on the industrial, and Bannon says her tastes fall somewhere in the middle of her partners’. In addition to blending those styles, the team embraced the building’s existing features: exposed wood beams above and oriented strand board floor below. The contrast between the original features and the modern finishes is typical of many of FORT’s projects.

Même si ses clients appartiennent au secteur tant résidentiel que commercial, FORT a fait de l’industrie des aliments et des boissons sa spécialité, de la boutique de crème glacée à la cidrerie. D’où la décision d’aménager un lieu accueillant, qui leur paraîtrait familier. « Il offre à nos clients quelque chose d’un peu unique », confirme Meghan Bannon.

Une verrière d’atelier coulissante sépare le bar de l’espace de travail à proprement parler avec ses ordinateurs et sa grande table à dessin.

L’aménagement a été synonyme de collaboration, un mot cher aux trois associés. « Comme on a des goûts différents, on a dû trouver une déco qui combinait nos trois styles », explique Tara Marshall. En effet, elle préfère « le bohémien et l’éclectique » contrairement à Landon Anholt et à son penchant pour le scandinave frisant l’industriel. Le style de Meghan Bannon, lui, se situe entre les deux. Ils ont dû également tenir compte des caractéristiques existantes du lieu : poutres de bois apparentes au plafond et panneaux à copeaux orientés au sol. Résultat?

Le contraste entre les éléments d’origine et l’ameublement moderne est à l’image de FORT et de toutes ses réalisations.

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The Interior / L’intérieur

“The people who come in [here] know hospitality, so we want to respect that and give it back to them,” Anholt says. That means chatting while making a coffee or pouring a pint from behind the bar. Getting to know people in this way softens the formalities typically associated with a business meeting, creating a comfortable atmosphere for all, says Anholt. “It starts the relationship off on the right foot,” Bannon adds.

For a firm that is passionate about working with entrepreneurs in the food and beverage industry, having a one-of-a-kind destination of its own has proven to be a perfect decision. “So far for us, our rather unorthodox approach to an office is working very well,” says Marshall. « Les gens qui viennent ici s’y connaissent en matière de convivialité; on souhaitait leur rendre la pareille », lance Landon Anholt.

Traduction? Discuter avec eux tout en prenant un café ou une bière au bar. « C’est un bon moyen pour nous d’adoucir les formalités d’usage dans une réunion d’affaires, de créer une ambiance chaleureuse pour tout le monde », poursuit-il. « On part ainsi du bon pied », ajoute Meghan Bannon.

Avoir un pied-à-terre à la déco singulière a été une excellente décision pour cette agence passionnée par l’univers du bien manger et du bien boire. « Jusqu’ici, notre approche peu orthodoxe de ce que l’on appelle un bureau fonctionne très bien », conclut Tara Marshall.

The designers created a geometric wall textile by adhering two handcrafted rugs to a board. / Les designers ont réalisé eux-mêmes leur déco murale géométrique à partir de tapis artisanaux.

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The Creator / Le créateur

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The Creator / Le créateur

Feel the Rhythm Director Kevin Calero’s kinetic intuition. / Le réalisateur Kevin Calero et son intuition cinétique.

BY / PAR MARY TRAMDACK PHOTO BY / PAR WILLIAM ARCAND

Kevin Calero, music video and film director, wants to introduce me to the “Zen room.” We’re at Crew Collective, a café and co-working space on the cavernous main floor of a 1920s-era neoclassical skyscraper in Montreal’s Old Port. He leads us away from ornate vaulted ceilings and soaring archways into a secluded room panelled in coffered dark wood and filled with cushions and plants. It is exactly the kind of moment Calero specializes in: a change of pace in a dramatic setting.

Whether he’s shooting music videos for Miguel, Foxtrott or Coeur de pirate or a Cîroc vodka commercial with Diddy and DJ Khaled, Calero’s work is full of dynamic contrasts: glossy neon colours glowing against black backgrounds and wide-angle shots of dancers dwarfed by rock formations and crashing waves. He describes his aesthetic as “rhythmic and sculptural,” but, above all, it’s immersive. “I understood very early on how music videos could be vessels for escape,” he says.

“You dive into one little moment in time.”

Kevin Calero, réalisateur de films et de vidéoclips, m’invite à découvrir sa « pièce zen ». On est chez Crew Collective dans le Vieux-Montréal, un café et espace de travail partagé, installé au rez-de-chaussée d’un immeuble néoclassique des années 1920. On quitte le plafond richement décoré et ses voûtes vertigineuses pour entrer dans une pièce à part : un royaume pour coussins et plantes vertes aux murs habillés de boiseries foncées. Ce moment définit parfaitement le travail de Kevin : un changement de rythme dans un décor spectaculaire.

Clips pour Miguel, Foxtrott et Cœur de Pirate ou pub pour la vodka Cîroc avec Diddy et DJ Khaled, ce créatif de 32 ans multiplie les contrastes, jouant avec des tons néons sur fond noir ou des plans grand angle de danseurs écrasés par des vagues gigantesques.

Son esthétique est « rythmique et sculpturale », selon ses propres termes, elle est surtout immersive : « J’ai compris très tôt que les clips pouvaient être des échappatoires. On plonge dans une époque |le temps d’un instant. » BLOCK / 27

The Creator / Le créateur

A true child of the ’90s, the 32-year-old director grew up in suburban Blainville, Quebec, watching MTV and daydreaming. “I wanted to make my life an episode of MTV’s Making the Video. You get the dance rehearsals, showing up on set, storyboarding, obstacles.” He didn’t waste any time realizing his vision. “Every summer, I’d take my little sister hostage and make her do fashion shows and choreography,” he says with a laugh. “I think the director role came very naturally.”

But first, Calero was a performer. He studied violin from age seven and spent his childhood watching his sisters dance, learning all the moves to their Janet Jackson routines. At 14, when his older sister took him to one of her own auditions, he kicked off 10 years of intensive study as a hip-hop dancer. Although he shifted his focus to film in 2009, dance remains central to Calero’s practice. “In dance you’re taught to dissect a song so that when you freestyle, you can pick up little sounds and associate them with movements—and that’s absolutely my approach to directing,” he explains. “Then I make edits that are superrhythmic. There’s always a cadence to the information.”

Nora Rosenthal, who covers dance for a local arts publication in Montreal, notes that Calero “understands that dance can exist in the 28

Enfant des années 1990, Kevin a grandi dans sa banlieue montréalaise de Blainville en rêvant devant MTV. « Je voulais que ma vie soit un épisode de Making the video. Il y avait tout : les répétitions de danse, l’animation du plateau, le storyboard, les obstacles. » Il n’a pas perdu de temps. « Tous les étés, je prenais ma petite sœur en otage, l’obligeant à faire des chorégraphies et des défilés de mode, lance-t-il en riant. Le métier de réalisateur est venu naturellement. » Mais Kevin sera d’abord danseur. À 7 ans, il apprend le violon et regarde ses sœurs se déhancher façon Janet Jackson, imitant tous leurs gestes. C’est à 14 ans, lors d’une audition de sa sœur aînée, que se produit le déclic : il sera danseur hip-hop, et ce, pour dix longues années.

Même s’il se tourne vers la vidéo en 2009, la danse reste au cœur de ses réalisations. « En danse, on apprend à disséquer tous les sons d’une chanson pour pouvoir y associer des mouvements. J’ai la même approche quand je tourne, explique-t-il. Je fais ensuite des ajustements rythmiques pour créer une cadence, dont a besoin toute information. » Nora Rosenthal, critique de danse pour un magazine culturel montréalais, dit de lui qu’il « comprend que la danse n’est pas incarnée que par les danseurs, qu’elle existe aussi dans le montage.

Photos by / par Braids image: Courtesy Kevin Calero; Gap images: Douglas Segars

A still from the video for art rock band Braids’ single “Young Buck,” directed by Calero. / Arrêt sur image d’un clip réalisé par Kevin Calero : Young Buck du groupe Braids.

The Creator / Le créateur edit and not only be embodied by the dancers themselves—that what constitutes dance all of a sudden changes in a video and, in particular, in a non-narrative format where the driving component is the music.

Sometimes you’ll see a dance filmed that was really intended for the stage, and there’s often a surreal disconnect there, but Calero’s work embraces his medium.”

In his latest project, a music video for Montreal synth-pop band Braids’ “Young Buck,” the candy-sweet visuals tell a story of mutual attraction from afar between singer Raphaelle Standell-Preston and a fan who auditions to be in her video. “The song had this galloping kind of feeling of being in love, so we have a couple literally galloping in the choreography. Rather than that being important in the story, it’s how we represented it visually,” says Calero. The choice reflects his intuitive approach to creative direction. “I want to embody the song. I want it to be inside me, and then I can perform it through different set-ups: How does it make me feel? How can we add other levels of meaning?

Those four minutes that are given to me are so precious, so how do I give you as much as possible?”

Le traitement de la danse est complètement différent pour une vidéo, en particulier pour un format non narratif dont l’élément moteur est la musique. On voit parfois des chorégraphies filmées, en réalité, pour la scène. Il y a alors un décalage surréaliste. Kevin Calero, lui, travaille de concert avec son média. » Dans son dernier projet, le vidéoclip de Young Buck pour le groupe montréalais de pop synthétique Braids, les images couleur bonbon racontent l’histoire d’une attirance mutuelle entre la chanteuse Raphaelle Standell-Preston et un fan, venu passer une audition pour apparaître dans son clip. « La chanson a ce côté galopant du sentiment amoureux, donc on a un couple qui galope, littéralement, dans la chorégraphie. Mais le plus important est la manière dont on l’a traduit visuellement », explique le réalisateur. Ce choix est à l’image de son approche intuitive de la direction artistique. « Je voulais incarner la chanson. Je voulais qu’elle m’habite pour que je puisse la représenter sous différents angles : qu’est-ce que je ressens à son écoute?

Comment y ajouter d’autres niveaux de lecture? Ces quatre minutes qu’on me confie sont précieuses, je veux les exploiter au maximum. »

Above: Calero and cast on the set of a commercial for the Gap’s ‘90s Archive Reissue. Right: Calero (foreground), Naomi Campbell (background) on set for same. / Ci-dessus : Kevin Calero et sa troupe sur le tournage de la pub de Gap style années 1990. Ci-contre : Naomi Campbell et Kevin Calero lors de ce même tournage.

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The Creator / Le créateur

Standell-Preston says that her experience working with Calero made the video the most fun she’s ever had working on a creative project.

“Kevin is one of the most magnetic people I’ve ever met, aside from his brilliance,” she says. “On set he made me feel extremely strengthened and in control of my talent. He skyrocketed potential in me that I didn’t know was there. I think he has that effect on people. From the very beginning with this video, when we sat down with him, he already saw the whole thing in front of him and knew exactly what he wanted.

I haven’t really experienced that before—working with somebody with such a clear vision, with so much excitement and dedication.”

That vision has resulted in uniquely rewarding opportunities for Calero. A personal highlight was shooting Coach’s 50 Years Proud project last year: a Soul Train-style dance video commemorating the 50th anniversary of the Stonewall riots. The video featured legendary members of the New York City ballroom scene. “I can’t express what it was like to see a 69-year-old drag queen explain to an 18-year-old dancer what Stonewall was,” Calero says. “That was priceless for me.” Another priceless moment? Filming Naomi Campbell saying “Generation Gap, take one!” for a reboot of the famous ’90s Gap campaign. “That was one of my dreams, to do a Gap commercial.

And I did it earlier than I thought!”

Going forward, Calero says he’s thinking about “how to harvest creativity. Now it’s about sustainability and longevity and making it fun for myself.” He’s excited to explore new paths, less concerned with genre than with his one central pursuit: how to transmit an emotion.

“There’s no better feeling than seeing someone else’s dream, allowing yourself to dream and then getting others to dream.”

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Cette collaboration a été un grand moment de plaisir professionnel pour Raphaelle Standell-Preston. « Kevin est la personne la plus fascinante que j’ai jamais rencontrée, sans parler de son intelligence, affirme-t-elle. Pendant le tournage, il m’a fait me sentir plus forte et maître de mon talent. Il a décuplé mon potentiel. J’ignorais que j’en avais autant. Il a cet effet sur les gens. Dès le début, il avait une vue d’ensemble et savait exactement où il allait. J’ai rarement vécu ça : travailler avec quelqu’un si enthousiaste, si consciencieux et qui a une vision si claire des choses. » Cette vision a permis à Kevin de bénéficier d’occasions exceptionnelles. L’une de ses plus belles expériences? 50 Years Proud pour la marque Coach, une vidéo en commémoration du 50e anniversaire des émeutes de Stonewall, style Soul Train, avec des légendes de la scène dansante new-yorkaise. « Les mots me manquent pour exprimer ce que j’ai ressenti en voyant une drag-queen de 69 ans expliquer Stonewall à un danseur de 18 ans.

C’est inoubliable. » Un autre moment inoubliable? Filmer Naomi Campbell disant « Generation Gap, take one! » pour un hommage à la célèbre publicité des années 1990. « Je rêvais de faire une pub pour Gap. et c’est arrivé plus tôt que ce que je croyais! » Quand on lui demande comment il voit l’avenir, Kevin répond qu’il réfléchit à la façon de faire durer sa créativité : « C’est une question de longévité et de plaisir. » Il a envie d’explorer de nouvelles pistes, moins intéressé par le genre que par sa motivation première qu’est la transmission d’émotions. « Voir le rêve de l’autre, se permettre de rêver et faire ensuite rêver les autres, il n’y a rien de mieux à mes yeux. »

Photos / par Ashley Harris

Behind the scenes of Miguel’s “Come through and Chill,” featuring J. Cole. Calero says they built identical sets in L.A. and Toronto to create the illusion that both performers were filmed simultaneously. / Les coulisses de Come Through And Chill avec J. Cole, de Miguel.

Pour donner l’illusion des deux chanteurs filmés ensemble, on a construit deux décors identiques, l’un à L. A., l’autre à Toronto, explique Kevin Calero.

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Work-in-Progress / Le chantier

One of three dinner tables set up in Shaun Moore’s home for the inaugural Plated event, hosted in conjunction with DesignTO. / Une des trois tables dressées chez Shaun Moore pour l’évènement Plated, organisé en collaboration avec DesignTO.

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Work-in-Progress / Le chantier

Table Talk A dining-cum-design event that toasts Toronto’s artisans. / Un souper-design en hommage aux artisans torontois.

BY / PAR ERIC MUTRIE

For Catherine Osborne, it wasn’t just culinary inspiration that a meal at Sweden’s national gallery served up last winter—it was also a novel approach to place settings. “From the salt and pepper shakers to the glasses, everything was from Stockholm,” Osborne says. “It made for a beautiful celebration of the city.”

As a board member for DesignTO, Toronto’s annual design festival, Osborne began exploring how she could showcase her own city’s artisans in a similar way. While she initially pitched a modest plan—“just locally made teacups at a coffee shop”—to DesignTO artistic director Deborah Wang, the duo’s subsequent brainstorming soon led to an ambitious concept: Plated, a ticketed January dinner for 35 that would employ almost exclusively Toronto-made servingware, followed by a one-week exhibition displaying the designs at catering partner and event space The Tempered Room.

The first order of business was finding an eclectic but harmonious mix of designs. Led by word-of-mouth referrals, Osborne established a selection of interested glass-blowers and ceramicists, many of whom carve out time for their own design work alongside other employment in the food industry. Patrick Yeung, who contributed the evening’s soup bowls, salad plates and teapots, works two nights a week at Enoteca Sociale and incorporates ash from Pizzeria Libretto’s ovens into his glazes. Meanwhile, Talia Silva, who produced Plated’s mugs and tumblers, works by day as a designer for kitchen brand Scavolini.

In total, 11 local creatives and studios contributed to the event, including Castor Design, Dear Human and Felt Studio.

Il a suffi d’un repas organisé par une galerie d’art de Suède pour que Catherine Osborne voie l’art de la table sous un autre angle. « Salière, poivrière, verres, tout venait de Stockholm, explique-t-elle.

La ville était magnifiquement mise à l’honneur. » À son retour à Toronto, cette membre du conseil d’administration du festival de design, DesignTO, s’est demandé comment mettre en valeur les artisans de sa ville. Son idée de départ : « de simples tasses fabriquées ici et présentées dans un café local », s’est muée en un concept ambitieux grâce à la complicité de Deborah Wang, directrice artistique de DesignTO. Toutes deux ont imaginé Plated : un souper payant de 35 convives, servi dans de la vaisselle exclusivement torontoise et suivi d’une exposition d’une semaine en janvier dernier chez The Tempered Room, une pâtisserie du quartier de Parkdale.

Le premier défi à relever? Combiner éclectisme et harmonie.

Grâce au bouche-à-oreille, Catherine Osborne a sélectionné des céramistes et des artisans verriers partageant leur temps entre leurs créations et le monde de la restauration. Patrick Yeung, qui travaille deux soirs par semaine au restaurant Enoteca Sociale et intègre dans ses poteries la cendre des fours de la pizzeria Libretto, a signé les bols à soupe, saladiers et théières de l’évènement.

Les tasses et gobelets provenaient, quant à eux, de l’atelier de Talia Silva, également designer pour les cuisines Scavolini. Étaient aussi présents Castor Design, Dear Human et Felt Studio.

Au total, 11 créateurs ont participé à Plated.

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Work-in-Progress / Le chantier

(Clockwise from left) April Martin prepares her ceramic egg candelabra; Kristian Spreen blows glass; Serving boards by The Woodsman’s Daughter; Cutting Felt Studio’s placemats; Paper-made bread baskets by Dear Human; Patrick Yeung’s ceramic studio; Wooden dowel beads by Vanessa Jackson for Bead Fountain; Talia Silva’s ceramic coffee mugs; Colour test samples for the dinner plates by meilen. / À partir de la gauche dans le sens des aiguilles d’une montre : April Martin réalise un œuf en céramique pour son chandelier; Kristian Spreen travaille du verre soufflé; plateaux de service fabriqués par The Woodsman’s Daughter; les napperons en feutrine de Felt Studio; les corbeilles à pain en papier de Dear Human; l’atelier de poterie de Patrick Yeung; les perles en bois ornant la sculpture de Vanessa Jackson; les tasses en céramique de Talia Silva; les échantillons de couleur des assiettes fabriquées par Meilen.

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Work-in-Progress / Le chantier

Osborne’s next big challenge was locking down a venue. She turned to Shaun Moore, owner of design studio Made, and florist Todd Caldwell, who had previously hosted her in their Geary Avenue live/work loft at their own large feasts. “Between our dining room, Todd’s meeting room and a display model in my showroom, we have three matching dinner tables and a ridiculous number of chairs,” says Moore. Caldwell also sourced the evening’s anemones, tulips and ranunculus to complement the black, white, grey and pink colour scheme of Osborne’s planned tablescape.

While Moore received many fragile deliveries at his downstairs business in the days leading up to the dinner, several key contributions didn’t arrive until just hours before the event. “I knew things were handmade, and that takes time,” Osborne says. “But even after I’d checked that everything was on track, there was a moment where I thought I’d be running out to buy paper dishware.” In the end, it all came together—and the “gobsmackingly beautiful” results Osborne observed as she brought her mock-ups to life proved worth the wait.

The dinner’s pièce de résistance was a scaled-down version of a room-size sculpture by Vanessa Jackson that Osborne had encountered at the Samara Contemporary gallery. Inspired by a water fountain, the centrepiece adorned metal arcs with playful wooden beads. “I originally planned for the beads to be shaped like droplets,” Jackson says.

“But then I realized I actually didn’t want them all to look the same and ended up going wild-style at the lathe.”

Le deuxième défi? Trouver le lieu du souper. Pour ce faire, Catherine Osborne a fait appel à Shaun Moore, propriétaire de l’agence de design Made, et à Todd Caldwell, fleuriste, qui l’avaient déjà invitée à de grandes fêtes dans leur loft de l’avenue Geary. « Entre notre salle à dîner, la salle de conférence de Todd et le modèle d’exposition de ma salle de montre, on avait trois tables assorties et un nombre ridicule de chaises », lance-t-elle. Des tables que Todd Caldwell s’est occupé de fleurir d’anémones, de tulipes et de renoncules en accord avec la palette noir, blanc, gris et rose de l’évènement.

Shaun Moore s’est offert de réceptionner les fragiles créations artisanales à son bureau, situé à la même adresse. Certaines ne sont arrivées qu’à la dernière minute. « C’était prévisible, explique Catherine Osborne, les objets faits main prennent du temps. Même si je savais que tout était en bonne voie, j’avoue qu’à la fin, j’ai bien cru devoir me rabattre sur des assiettes jetables. » Sa patience a été largement récompensée : le résultat était à couper le souffle.

Le plat de résistance était concocté par Vanessa Jackson, que Catherine Osborne avait repérée à la galerie d’art Samara Contemporary. Une version réduite de son immense sculpture d’origine trônait au centre de la table : des arcs métalliques décorés de perles de bois multicolores, à la manière de jets d’eau. « Au départ, j’avais imaginé les perles en forme de goutte, explique l’artiste.

Puis, après réflexion, je me suis dit qu’elles allaient toutes être semblables. Je me suis donc lâchée devant mon tour à bois. » BLOCK / 35

Work-in-Progress / Le chantier For the meal’s five courses—assembled in the kitchen of Moore and Caldwell’s helpful neighbours and complemented by pairings from Trail Estate Winery—Tempered Room chef de cuisine Greg Laird set a menu that took advantage of the shapes and stories behind the dinner’s distinctive servingware, presented to him by Osborne in catalogue form a month before the event. After learning that Castor Design’s tank bowls were made from the bottom ends of fire extinguishers, Laird developed an idea for a hot-meets-cold dessert: chocolate ganache with a frozen gelée centre.

In a surprise twist that added to the night’s cozy ambiance, Plated fell during one of the year’s biggest snowstorms. Of course, as the meal went on to prove, not only can Toronto match Stockholm’s winters; it can keep pace with its design scene too.

ABOVE: Melanie Egan and Barr Gilmore. RIGHT: Jeremy Vandermeij, executive director of DesignTO. OPPOSITE: Catherine Osborne samples the soup course in bowls by Patrick Yeung. Bead Fountain

by Vanessa Jackson adorns the table. / Ci-dessus : Melanie Egan et Barr Gilmore. À droite : Jeremy Vandermeij, directeur général de DesignTO. Ci-contre : Catherine Osborne plonge sa cuillère dans un bol à soupe signé Patrick Yeung, face à la fontaine de perles de Vanessa Jackson.

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Greg Laird, chef de la Tempered Room, était, quant à lui, chargé de régaler les papilles des convives. Un mois avant l’évènement, Catherine Osborne lui a montré les croquis et lui a raconté l’histoire de chaque assiette, verre et plat. À partir de là, il a imaginé un repas cinq services. Les bols de Castor Design par exemple, fabriqués à partir d’extincteurs recyclés, lui ont inspiré un dessert chaud-froid : une ganache au chocolat et son cœur glacé. La Trail Estate Winery a fourni les vins et les voisins de Shaun Moore et Todd Caldwell ont gentiment prêté leur cuisine pour l’occasion.

La cerise sur le sundae? La grosse tempête de neige, qui a décidé de souffler ce soir-là sans perturber pour autant l’ambiance chaleureuse du souper. Sûrement un pied de nez de la part de Toronto, tenant à prouver à Stockholm qu’elle s’y connaissait tant en hiver qu’en design.

By Christine Lim courtesy of DesignTO / par Christine Lim sont offertes par DesignTO

Work-in-Progress / Le chantier

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The Conversation / La conversation

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The Conversation / La conversation

A New Tribe Even if you’ve never heard of Kinfolk magazine, you’ve seen the aesthetic it pioneered: an overhead shot of a latte with a frothed milk heart, a halved blood orange against a minimalist background. Last year, Indigo recruited the magazine’s Canadian co-founder, Nathan Williams, to apply his zeitgeist-making pixie dust as the bookseller’s chief creative officer. Benjamin Leszcz spoke with Williams about slow living and the future of retail. / Qu’on ait entendu parler ou non du magazine Kinfolk, on connaît tous son esthétique : tasse de café ornée de son cœur en mousse de lait ou demiorange sanguine sur fond minimaliste. L’année dernière, les librairies Indigo ont offert à son cofondateur, Nathan Williams, le poste de directeur de la création. Sa mission? Jouer de sa baguette graphique. Benjamin Leszcz discute lenteur de vivre et avenir du commerce de détail avec ce faiseur de tendances.

BY / PAR BENJAMIN LESZCZ ILLUSTRATION BY / PAR MANSHEN LO

Last summer, you moved to Toronto from Copenhagen, where you’d been running a magazine empire famous for its minimalist—even austere—aesthetic and its super-thoughtful approach to consumerism. At Indigo, you have a more maximalist portfolio of products, from PAW Patrol trucks to cushions embroidered with inspirational slogans. How are you managing the transition?

In my first nine months here, I’ve been spending time with customers to understand their needs and pain points, which are mostly universal: People are lacking a sense of human connection and of community.

They’re inundated with digital nudges and pressures to live a better life.

It feels very natural, coming from Kinfolk, where we were addressing these exact same issues for our readers, to help them connect and nurture community. We were exploring the concept of quality of life, and that’s essentially what we’re doing at Indigo, through retail and on a different scale. We are here to support our customers in their journey to live a considered, intentional life.

Jusqu’à l’été dernier, vous dirigiez à Copenhague un empire bâti autour d’un magazine connu pour son esthétique minimaliste, voire austère, et son approche plus que réfléchie du consumérisme. Aujourd’hui chez Indigo, entre les camions de La Pat’Patrouille et les coussins déco à message, votre portefeuille de produits s’apparente plus au maximalisme.

Comment gérez-vous la transition?

Depuis neuf mois, je passe du temps avec les clients pour comprendre leurs besoins et leurs frustrations, universels pour la plupart : un manque de lien social et d’esprit collectif. Ils croulent sous les gadgets numériques et les exhortations à vivre plus pleinement. Il me paraît naturel, venant de Kinfolk où on abordait la même problématique pour nos lecteurs, de les aider à recréer ce lien et à nourrir le collectif. On se questionnait sur la notion de qualité de vie, et c’est ce qu’on fait ici aussi, chez Indigo, à travers un commerce et à une échelle différente. On est là pour épauler nos clients dans leur cheminement vers un mode de vie réfléchi et désiré.

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The Conversation / La conversation Kinfolk emphasizes “slow living,” encouraging readers to make space for reflection and to prioritize things like intimate dinner parties. How can Indigo enhance its customers’ quality of life?

Consumers are looking for less but better. They prefer to buy goods from companies that stand for something and that have a purpose that aligns with their own lifestyle. The things that Indigo cares about, and that our consumers care about, are the environment, investing in our well-being, supporting the well-being of those we love and spending attentive time with loved ones. The way that we support our customers is by understanding the value of gratitude and by providing them with gifting solutions on a practical level.

“The way that we support our customers is by understanding the value of gratitude and by providing them with gifting solutions on a practical level.”

I visited Indigo recently. Respectfully, “less but better” doesn’t really seem like the mantra.

That may not be the impression currently, but having identified those values—of community, sustainability, healthy habits, wellness—we are making drastic changes across our assortment to bring it in line with them. The customer will notice this over the coming months and into the next year.

I’m sure you’ve followed the story of James Daunt, the investment banker-turned-bookseller who saved Waterstones, the U.K.’s largest book retailer, and who is now the CEO of Barnes & Noble.

Daunt’s approach is to apply the ethos of Daunt Books—his independent London bookshops—at scale. This means doubling down on books over, say, book-adjacent accessories.

The approach that James is taking with Daunt, and now with Barnes & Noble, is a focus on localization, where the stores have a unique feel based on the local community. This is one of the main objectives behind the robust programming initiatives we’re rolling out. The topics, guests and workshops are all decided based on the needs of our customers, and our product assortment evolves based on local needs.

In recent years, scholars like neuroscientist Maryanne Wolf have argued that our technology-addled brains are increasingly challenged by the deep, sustained focus that reading a book requires. This rings true; nowadays, it can feel difficult to sit still for hours with a book. Are you optimistic about the future of your core product?

The market for books will shift, but books are a balm for the pain of technology. If someone is looking to invest in experiences, in a respite from the digital world, then books can provide that escape.

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It’s often said that consumers nowadays prefer experiences to things. Do you see this as part of a broader shift, away from conspicuous consumption and status-seeking behaviour?

This shift is tied to the idea of conscious consumption. We’re aware of the environmental effects of the products we’re purchasing and hyper-aware of the value they’re adding to our lives. By comparison, an investment in an experience—travel or going out to a meal—is much more meaningful. Unfortunately, I don’t believe that the shift from stuff to experiences signifies that the customer is less interested in signifying their status. There is still a tie. There’s the expression “If you didn’t Instagram it, it didn’t happen.” A lot of experiences that customers pursue are also so they can share them with their community.

Doesn’t that diminish the quality of our experiences then?

I’m thinking of someone buying a charcoal ice cream, holding it up for a photo and then chucking it.

Of course, there’s a fine line there, but I don’t see this as inherently negative. We are increasingly connected online but feeling less and less connected offline and in real life. The interest in experiences is an antidote; the more connected we are online, the more of an appetite we have to get out and create these connections and experiences in real life. An experience shared online is still an experience in real life.

How do you, as a retailer, navigate the balance between online and offline?

The objective is to connect our local communities online and then cultivate and nurture those connections in real life. The actual experience is when people get together in the store. And those are the relationships that continue after that event. It’s the approach that we took with Kinfolk as well. A huge part of it was our digital community.

The friendships, the colleagues, the partnerships and the collaborations we created over the years started with the digital connection and continued offline. It’s recognizing the positive benefits of the technology, acknowledging the harms and leveraging the benefits.

So, you remain bullish on bricks-and-mortar?

Yes. If bricks-and-mortar is used to provide a cultural hub—a hub for connections and experiences—then I absolutely feel optimistic.

It sounds like you’ve come in as a brand-turnaround specialist for Indigo. Once things are on track, will you share that Kinfolk magic with another brand in need?

I wouldn’t have taken the position if it was a short-term gig. I was attracted to the opportunity because this is a brand that I’ve grown up with; it’s a brand with values that are close to my heart. And it’s been energizing to be in an organization that is willing to walk the walk.

We’re not just saying that we’re interested in change; we’re taking the steps necessary to do that. I intend to be here for a while.

The Conversation / La conversation Kinfolk insistait sur la lenteur de vivre, incitant ses lecteurs à accorder du temps de la réflexion et à prioriser certaines choses, comme les repas entre proches. Comment Indigo peut-elle améliorer la qualité de vie de ses clients?

Le consommateur d’aujourd’hui veut moins et mieux. Il préfère acheter les produits d’une entreprise impliquée dans la société et dont l’utilité correspond à son mode de vie. Les choses qui importent à Indigo, et qui importent à nos clients, sont l’environnement, notre bien-être et celui de nos proches ainsi que le temps et l’attention qu’on leur accorde. On aide nos clients en comprenant la valeur de la gratitude et, d’un point de vue pratique, en leur proposant des idées de cadeaux.

On dit souvent que le consommateur d’aujourd’hui préfère être qu’avoir. Pensez-vous qu’on puisse s’éloigner un jour de la consommation ostentatoire et du partage permanent de statuts?

Un tel changement est lié à l’idée d’une consommation dite consciente ou responsable. On est conscient des effets qu’ont nos achats sur l’environnement et hyperconscient de la valeur qu’ils ajoutent à notre vie. Si on compare l’achat d’un objet à celui d’une expérience, comme un voyage ou une sortie au restaurant, ce dernier a plus de sens. Malheureusement, je ne crois pas que ce passage d’avoir à être diminuera l’intérêt du consommateur à s’afficher sur les réseaux sociaux. « Si ce n’est pas sur Instagram, ça n’existe pas », dit le nouveau dicton. Plusieurs vivent ces expériences pour les partager aussi avec leur réseau.

« On aide nos clients en comprenant la valeur de la gratitude et, d’un point de vue pratique, en leur proposant des idées de cadeau. »

Cela ne nuit-il pas à la qualité de l’expérience? Je pense par exemple à quelqu’un qui achète une crème glacée au charbon uniquement pour la photo, et la jette ensuite.

C’est sûr que la frontière est mince, mais je ne vois pas ça comme négatif en soi. On crée de plus en plus de contacts en ligne et de moins en moins dans la vraie vie. L’antidote? Les expériences à vivre : plus on est présent en ligne, plus l’envie de sortir et de vivre la vraie vie est grande. Une expérience partagée en ligne reste une expérience vécue en vrai.

Je suis allé chez Indigo récemment. Sans vouloir vous offenser, le « moins et mieux » ne semble pas être d’actualité.

Ce n’est peut-être pas l’impression actuelle, mais on est en train de faire un tri draconien dans notre assortiment pour qu’il corresponde aux valeurs qu’on a répertoriées, à savoir le collectif, le durable, les habitudes saines et le bien-être. Nos clients vont le remarquer dans les mois à venir.

Vous avez sûrement suivi le parcours de James Daunt, ce banquier devenu libraire qui a sauvé Waterstones, le plus gros vendeur de livres du Royaume-Uni, et qui est aujourd’hui PDG de Barnes & Noble. Sa méthode consiste à appliquer à grande échelle la philosophie de Daunt Books, ses librairies indépendantes. C’est-à-dire doubler le nombre de livres par rapport aux produits de papeterie ou autre.

La méthode de James chez Daunt, et maintenant chez Barnes & Noble, est de se concentrer sur l’emplacement des magasins et leur ambiance caractéristique, due à la fréquentation locale. C’est l’un des objectifs principaux de la programmation d’activités sur laquelle on travaille : les sujets, les participants, les ateliers, tout est pensé en fonction des besoins de nos clients. Et notre assortiment de produits change selon les besoins locaux.

Ces dernières années, les spécialistes, comme la neuroscientifique Maryanne Wolf, soutiennent que la concentration qu’exige la lecture d’un livre devient un défi pour nos cerveaux d’Homo numericus. Il est vrai que passer des heures un livre entre les mains semble difficile de nos jours. Êtes-vous optimiste sur l’avenir de votre produit phare?

Le marché changera, mais le livre, lui, restera un antidouleur contre le mal technologique. Celui ou celle qui cherche à fuir le monde numérique, ne serait-ce qu’un instant, trouvera une échappatoire dans les livres.

Comment trouvez-vous le juste équilibre entre commerce en ligne et hors ligne?

L’objectif est de tisser des liens en ligne avec nos communautés locales, puis de cultiver ces liens dans la vraie vie. Les gens se retrouvent au magasin lors d’un événement et les relations ainsi créées continuent après. On avait adopté la même approche avec Kinfolk : les amitiés, relations professionnelles et collaborations créées au fil des années ont commencé par un contact numérique et se sont poursuivies hors ligne. Il s’agit de reconnaître les avantages des nouvelles technologies, leurs inconvénients et d’en tirer parti.

Donc vous restez optimiste quant aux magasins traditionnels?

Oui. Si on se sert de nos magasins traditionnels comme lieu culturel pour tisser des liens et vivre des expériences, alors oui, je suis très optimiste. À vous écouter, on comprend qu’Indigo vous a embauché pour transformer radicalement la marque. Une fois chose faite, mettrez-vous la touche Kinfolk au service d’une autre?

Je n’aurais pas accepté ce poste s’il avait été à court terme. J’ai saisi l’occasion parce que j’ai grandi avec cette marque et que ses valeurs me tiennent à cœur. Et puis c’est motivant de faire partie d’une entreprise qui fait ce qu’elle dit. Notre envie de changer n’est pas une parole en l’air, on prend les mesures pour y arriver. Je compte bien y rester un bon moment.

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Made / Fabriqué

Maggie Boyd’s Vessel Series Vancouver-born ceramicist Maggie Boyd makes objects that people engage with daily: mugs, bowls, pour-over sets, teapots. She is heartened by their utility and by the collaboration inherent between the maker and the user that is present in objects of service. She says she wants her work to feel “precious and quotidian at the same time because [she loves] the moments when art and life intersect.” / Tasses, bols, pichets, cruches, théières : la céramiste vancouvéroise Maggie Boyd fabrique des objets du quotidien. C’est leur utilité qui lui tient à cœur, ce lien de collaboration indéfectible entre l’artisan et l’utilisateur. Elle souhaite que ses réalisations soient « précieuses et pratiques à la fois, car [elle aime] ces moments où l’art et la vie s’entrecroisent. »

Boyd has been working with clay for more than 15 years. “The most basic hand gestures can produce a utilitarian form out of a lump,” she says, “and yet a person can labour their entire life to refine these movements and outcomes.” / Maggie Boyd travaille l’argile depuis plus de 15 ans. « À partir d’une motte de terre, les gestes manuels les plus élémentaires peuvent produire une forme utilitaire, note-t-elle. Certaines personnes passent pourtant leur vie à parfaire ces mouvements et leurs résultats. » 42

These bud vases are made out of red earthenware and glazed with maiolica; the detail work is painted with glaze that Boyd mixes herself. / Ces vases sont en terre cuite vernissée, à l’image des majoliques. Maggie Boyd peint le motif avec un émail qu’elle prépare elle-même.

Made / Fabriqué

Photo courtesy of / offerte par Maggie Boyd

Each vase takes about a week to make— 76 hours of that time is spent in the kiln over the course of two firings. / Il faut environ une semaine pour fabriquer un de ces vases : chacun est cuit deux fois au four, pour un total de 76 heures.

“In some way, it’s a joke on myself to make these extremely simple vessels and paint superior vessels from antiquity on them,” says Boyd, “and yet, like almost everything I make, it is also a celebration of the work that came before me and my existence in its continuum.” / « D’une certaine manière, je me trouve un peu ridicule que de peindre de magnifiques vases antiques sur d’autres aussi simples. Pourtant, comme presque tout ce que je fais, c’est également rendre hommage au passé, à cet artisanat qui existe depuis la nuit des temps. »

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Make Room for the Arts / Faites place à l’art

Souk It All In BY / PAR JASON MCBRIDE PHOTO BY / PAR ALEX LESAGE, COURTESY SOUKMTL.COM

For the past 16 years, the Souk, Montreal’s annual marketplace of creative ideas and objects, has celebrated the local design and maker communities. Last November, that celebration moved to a whole new part of the city, decamping from its long-time home on Saint-Laurent Boulevard to the Allied Properties REIT–owned RCA Building in the emerging, vibrant Saint-Henri neighbourhood.

There were lots of reasons for the move, but chief among them was that the Souk had grown up. It needed more space and hoped to stretch its wings, artistically speaking.

The festival’s founder, a designer known only as Azamit, had been a pioneer before, and she wanted to be a pioneer again. “I wanted to find that same feeling,” she says, “of people discovering a new area. I was also looking for a space that was just as raw and authentic as the designers and artists we showcase.” The RCA Building, at 1001 Lenoir Street, once home to the largest record factory in Canada, offered just that.

Allied provided the exhibition space gratis, as well as free utility upgrades and security. “They were very helpful,” Azamit says.

“They opened the doors and said, ‘Voilà! Do whatever you want with the space.’ I was really happy to do this project with them.” The 16th edition of the festival brought together 95 different clothing designers, craftspeople and artisans, and with the additional space (and lack of a child-deterring liquor licence), Azamit was able to also include collaborations with local chefs, panel discussions curated by the Canadian Centre for Architecture and even a special kids’ section.

When she first considered moving the Souk to Saint-Henri, Azamit wasn’t sure if her designers—or, even worse, shoppers—would follow.

But Allied’s example is inspiring—it is a pioneer too, revitalizing heritage buildings that, ideally, also positively transform neighbourhoods.

“I think we have the same values,” Azamit says of the company.

“They go to areas that aren’t loved and bring some love.” / Depuis 16 ans, le Souk MTL met en valeur le savoir-faire des designers montréalais. En novembre dernier, ce marché créatif aux bonnes idées et aux beaux objets a levé le camp du boulevard Saint-Laurent pour s’installer dans un bâtiment historique appartenant à Allied Properties REIT : l’édifice RCA au cœur du quartier en pleine émergence qu’est Saint-Henri. La principale raison de ce déménagement? Le Souk, devenu grand, avait besoin de plus d’espace pour déployer ses ailes, artistiquement parlant.

Précurseure d’expérience, Azamit, designer et fondatrice de l’événement, souhaitait l’être à nouveau : « J’avais envie que nos visiteurs retrouvent cette sensation de découverte d’un lieu. Et je voulais un endroit qui soit aussi brut et aussi authentique que le

travail des artistes et artisans participants. » L’édifice RCA du 1001, rue Lenoir, abritant autrefois la plus grande manufacture de disques du Canada, avait le profil parfait. Allied a fourni gratuitement la salle d’exposition ainsi que sa mise aux normes en matière de sécurité. « Ils ont été très accommodants. Ils nous ont ouvert la porte et nous ont dit : “Voilà! Faites ce que vous voulez de cet espace.”

J’étais très contente de monter ce projet avec eux. » La 16e édition du Souk rassemblait 95 créateurs et leurs créations : vêtements, bijoux, céramiques, pâtes à tartiner et autres plaisirs des yeux et des papilles. Grâce aux mètres carrés supplémentaires, Azamit a pu multiplier les collaborations : restaurants éphémères avec des chefs locaux, tables rondes avec le Centre canadien d’architecture et même un coin pour enfants.

Elle n’était pourtant pas sûre au départ que les artisans ou, les consommateurs, la suivraient jusqu’à Saint-Henri. L’exemple d’Allied, un pionnier en son genre qui rénove des immeubles patrimoniaux dans le but de redonner vie à certains quartiers, l’a inspirée. « Je crois qu’on partage les mêmes valeurs, conclut-elle. Ils vont dans des zones mal-aimées et leur donnent de l’amour. »

The RCA Building underwent something of a transformation before playing host to 95 clothing designers, craftspeople and artisans. / L’édifice RCA s’est refait une beauté avant d’accueillir les 95 designers de vêtements, artisans et artistes.

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The 1 KM Guide / Guide 1 KM

Atrium on Eleventh 7

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BY / PAR ELIZABETH CHORNEY-BOOTH ILLUSTRATION BY / PAR SAM ISLAND 46

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The 1 KM Guide / Guide 1 KM

Located on the same street as a sign proudly welcoming visitors to the Beltline neighbourhood, Atrium on Eleventh sits on the inner edge of Calgary’s most vibrant district. The glass and brick building is now part of an eclectic stretch of modern business services, restaurants and shops. Here, three of the building’s tenants share their local expertise. / Accueillant les visiteurs à l’entrée de Beltline, le quartier le plus animé de Calgary, Atrium on Eleventh porte fièrement le nom de sa rue. Cet immeuble de brique et de verre fait aujourd’hui partie d’un ensemble éclectique, comprenant entreprises de services, restaurants et commerces.

Trois de ses locataires nous donnent leurs bonnes adresses dans le coin.

VIRGINIA BORGES

JAY BOYCE

AMANDA SINCLAIR

Managing Director, Regrub Burger Bar/ directrice générale du Regrub Burger Bar

Architect, MTa / architecte chez MTa

Office Manager, Lanmark Engineering/ gestionnaire de bureau, Lanmark Engineering

1. WORK NICER COWORKING 630 8 Ave. SW “This is a shared office space, and there are actually two locations nearby. I love having a space where I can take meetings or do some administrative work outside of the restaurant.” / « Cet espace de travail partagé a deux adresses, non loin l’une de l’autre.

C’est pratique d’avoir un lieu où je peux organiser des réunions hors du restaurant, ou y faire mes tâches administratives. »

4. THE ACADEMY 637 11 Ave. SW “It’s great to have the ability to head over and have a workout so close to work. The gym is literally next door to our office.” / « C’est génial d’avoir une salle de remise enforme si près du travail. Je n’ai qu’à sortir du bureau : la porte du gym est juste à côté. »

7. WAKADO RAMEN 907 10 Ave. SW “It’s not that well known, but it’s got to have the best ramen in the city! A lot of people in our office love it.” / « Il n’est pas très connu, mais il fait les meilleurs ramens en ville!

Nous, au bureau, on adore y aller. »

2. KIT INTERIOR OBJECTS 725 11 Ave. SW “There are a lot of design stores around here—they call this street ‘the Design District.’

Kit is a beautiful store that sells some really cool pieces.” / « Il y a beaucoup de boutiques d’objets design dans le coin. On appelle d’ailleurs cette rue le Design District.

Kit vend de très belles choses. » 3. SAVEG CAFÉ 637 11 Ave. SW “This is such a welcoming and friendly vegan café, and it’s also really quiet. I love their banana bread.” / « Ce café végane est vraiment sympa, très accueillant et très calme aussi. Leur pain à la banane est un régal. »

5. BRIDGETTE BAR 739 10 Ave. SW “This restaurant has an eclectic atmosphere and attracts lots of trendy folks. It has an interesting menu with plenty of healthy choices, which I appreciate.” / « Ce restaurant à la déco éclectique attire une foule branchée. J’aime son menu : beaucoup de choix et plein de plats santé. » 6. CENTRAL MEMORIAL PARK 1221 2 St. SW “You can go here in the summer and just hang out at lunch when you want to get away and get some sun. There’s also a restaurant and a library right in the park.” / « C’est le lieu parfait en été pour l’heure du lunch, ou simplement pour prendre l’air et le soleil.

Il y a aussi un restaurant et une bibliothèque dans le parc. »

8. LOUGHEED HOUSE/BEAULIEU GARDENS 707 13 Ave. SW “I love the gardens that are part of this historic building. The flowers are gorgeous in the summer, and it’s a nice place to sit and read when you need some quiet.” / « J’aime les jardins qui entourent ce bâtiment patrimonial. En été, les fleurs y sont superbes. C’est un endroit idéal pour lire ou passer un moment au calme. » 9. LAST BEST BREWING & DISTILLING 607 11 Ave. SW “This is a fantastic place. Plus, the beer is all Alberta-made, which we all really like.” / « C’est un endroit fantastique! Son plus?

Toutes les bières sont faites en Alberta. »

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Now & Then / D’hier à aujourd’hui

Some Strike It Hot Stoves built in the Gurney foundry helped spark Toronto’s industrial revolution. / Les poêles de la fonderie Gurney ont chauffé la révolution industrielle torontoise.

In 1843, Edward and Charles Gurney launched a very, very small stove manufacturing business in Hamilton, Ontario. (They employed two men who produced two stoves a day.) Things went well. In 1872, the brothers bought several empty lots along the muddy track that was then King Street West in Toronto and put a 14-storey foundry there.

They employed hundreds of workers who manufactured everything from the company’s sought-after stoves to hot-water boilers and castings—all of which were shipped across the province by horse and wagon. (Today, Gurney stoves are collector’s items, and some historic buildings in the city still use Gurney radiators.)

The building itself was equally impressive, with its Victorian red-brick facade, elegant patterns of yellow bricks above the windows and decorative pilasters. By the time Allied Properties acquired the building in 2000, all of those architectural attributes were concealed under drab grey tin siding. Allied restored the property both inside and out, resurrecting the two-tone brick exterior, replacing cornices with metal trim and turning the oak floors and old-growth Canadian pine beams into prominent design features. The building is now home to marketing agencies, digital media brands, renowned retailer Patagonia and eBay Canada. Today, it thrums with the same forward-thinking energy that epitomized the industrial revolution it starred in nearly two centuries ago.

1872 48

En 1843, les frères Edward et Charles Gurney ouvrent une petite fabrique de poêles en fonte à Hamilton, en Ontario. Ils ont deux employés, qui en produisent deux par jour. En 1872, les affaires allant bon train, ils achètent plusieurs terrains à Toronto, le long du chemin boueux qu’est la rue King West à l’époque. Ils y installent une fonderie de 4 étages et embauchent des centaines d’ouvriers pour fabriquer leurs cuisinières (devenues célèbres) et des chaudières à eau chaude notamment, qu’ils livrent dans toute la province. Aujourd’hui, les poêles Gurney sont des pièces de collection et certains immeubles de la ville sont encore chauffés par une Gurney. À son ouverture, la fonderie en met plein la vue : façade victorienne rouge brique, fenêtres soulignées d’élégants motifs jaunes en brique émaillée et pilastres décoratifs. Quand Allied rachète le bâtiment en 2000, il doit le restaurer entièrement : les plaques de tôle qui masquent ses atouts architecturaux sont retirées, les corniches sont remplacées par une bordure métallique et les planchers en chêne ainsi que les poutres en pin local sont mis en valeur. L’édifice, qui accueille aujourd’hui des agences de marketing, des entreprises de médias numériques et des détaillants réputés, comme Patagonia et eBay Canada, a gardé toute sa flamme : la même énergie et le même avant-gardisme qui ont fait de lui une vedette de la révolution industrielle il y a deux siècles.

2000

Left / Gauche: Image courtesy of / offerte par Peel’s Prairie Provinces, a digital initiative of the University of Alberta Libraries, Right / Droite: Photo by / par Derek Shapton

BY / PAR SYDNEY LONEY

Rethink / Repensé

Chain Reaction Quick! What’s a place where creative urbanites can go to linger, to sketch their inventions on napkins, to write their novels…a place that brings the neighbourhood together in community and creativity? Is it the local indie coffee shop or a corporate hamburger franchise?

Before you spill your latte, spare a moment to think of the latter. Take, for instance, the 24-hour A&W locations that have been popping up across downtown Toronto in recent years. Torontonians might remember a time when such franchises were welcomed in developing neighbourhoods with angry graffiti.

But when I first saw this chain’s lights burning into the night, I could only think, “Finally!”

I spent a decade as a writer in Toronto.

That meant I spent a lot of time looking for places where I could work. Indie coffee shops weren’t always very useful: They were usually crowded, their layouts were geared more toward drinking than working and most of them closed early. And who could blame them? They were small businesses that made their money on the takeout rush and didn’t benefit much from people sitting at tables nursing espressos.

What I really wanted was a place with power, washrooms, Wi-Fi and food and drink where I could plunk myself down for hours on end, day or night. That’s what chain restaurants offered. Over the past few years, those that are ubiquitous in Canada have been experimenting with staying open late into the night, bargaining that they can get more out of their fixed costs by staying open later. Hours vary from location to location, but many are open till 10 p.m. or later; some, like A&W in Toronto, are experimenting with staying open 24 hours a day, saving themselves opening and closing costs. Nobody is going to accuse these outlets of charm or of fostering a sense of place. But for people looking for a place to sit, to work, to eat, to live, they provide a real service just by being there.

So many of the things we love to hate— franchises, chain bars, indoor malls—are part

of the public infrastructure. They are private spaces that the public makes a home in, just as much as the streets and parks around us.

In dense cities, residents live in small apartments and make the city itself their living room and backyard.

The things that we think make a city diverse and creative sometimes don’t. (Indie coffee shops are often so full of Apple products that they look like dog parks for MacBooks.)

And sometimes the things we think suck the life out of neighbourhoods actually have the opposite effect: In their corporate uniformity, they strike a democratic note, accommodating the hungry, the cold, the dating, the working, the writer’s blocked. Chains help give cities what they need: people out and about day and night, opening doors and opening options.

Infrastructure isn’t something we are given to celebrating, but we miss them when they’re gone. I’ll raise a medium Coke to that. / Vite! Citez-moi le nom d’un lieu où les créateurs urbains peuvent laisser libre cours à leur imagination, crayonner sur leur serviette, écrire leur roman… Un lieu de quartier, rassembleur et inspirant. Estce le petit café indépendant du coin ou une chaîne de restauration rapide?

Avalez tranquillement votre gorgée de latte tout en réfléchissant à cette seconde option.

Prenons par exemple les A&W, qui fleurissent un peu partout au centre de Toronto. Il n’y a pas si longtemps, de telles chaînes étaient accueillies par des graffitis rageurs. Sauf que la première fois où j’ai vu leur enseigne briller en pleine nuit, moi, je n’ai eu qu’un cri : « Enfin! » Cela fait dix ans que je suis rédacteur à Toronto. J’ai donc eu le temps d’y chercher

des bistros pour pouvoir travailler. Souvent bondé, fermant tôt et conçu plus pour la consommation que pour la réflexion.

Et qui pourrait l’en blâmer? C’est un petit commerce, qui gagne son pain grâce aux lattes à emporter et non au client qui tapote sur son clavier pendant des heures en sirotant son seul et unique espresso.

Ce que je voulais vraiment, c’était un endroit avec de l’électricité, des toilettes, le wi-fi, de quoi boire et manger et la possibilité d’y rester des heures durant, de jour comme de nuit. C’est exactement ce qu’offrent les chaînes de restaurants. Ces dernières années, celles omniprésentes sur le territoire canadien se sont mises à fermer plus tard, par souci de rentabilité. Certaines, comme A&W à Toronto, ont choisi d’ouvrir 24 h sur 24. Personne ne les accusera d’avoir du charme ou une identité forte. Par contre, le simple fait d’être là, tout le temps présentes, rend un immense service à quiconque cherche un endroit pour s’asseoir, se restaurer et travailler.

Plusieurs éléments que nous aimons détester, chaînes de restauration rapide ou centres commerciaux, font partie de l’infrastructure publique. Le public, justement, s’approprie ces espaces privés, tout comme la rue et le parc du quartier. Les habitants des métropoles, aux logements exigus, font de la ville leur salon et leur balcon.

Ce qui, à première vue, rend une ville plurielle et créative ne fonctionne pas toujours (combien de cafés indépendants ne sont qu’une vitrine de plus pour les produits Apple?) Et ce qui, croit-on parfois, fait mourir un quartier à petit feu a l’effet inverse : dans leur grande uniformité, les chaînes appellent à la démocratie, recueillant aussi bien l’affamé que l’amoureux, l’ouvrier que l’écrivain. Elles donnent aux villes ce dont elles ont besoin : des gens en mouvement jour et nuit, ouvrant des portes et des perspectives. On pense rarement à leur lever notre verre, pourtant elles nous manquent une fois fermées.

Je m’en vais fêter ça avec un Coke moyen.

BY / PAR IVOR TOSSELL ILLUSTRATION BY / PAR JASON LOGAN BLOCK / 49

Fill in the Blank / Veuillez combler l’espace

EACH ISSUE WE ASK AN ARTIST: WHAT WOULD YOU DO WITH YOUR OWN URBAN INFILL? / DANS CHAQUE NUMÉRO, NOUS DEMANDONS À UN ARTISTE CE QU’IL FERAIT DE SA PROPRE DENT CREUSE ILLUSTRATION BY / PAR LEANNE SHAPTON 50

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KEVIN CALERO, BY WILLIAM ARCAND, MARCH 11, MONTREAL / KEVIN CALERO PAR WILLIAM ARCAND, 11 MARS, MONTRÉAL