BLOCK Magazine - Fall/Winter 2018

Creativity has its place Fall/Winter 2018 Issue 17 / La créativité a sa place Automne/Hiver 2018 Numéro 17

The Cultural Diplomat Bjarke Ingels Builds / Omer Arbel Designs / Steve Zissou Lives Bjarke Ingels construits / Omer Arbel dessins / Steve Zissou vit

Available urban office & retail environments at your fingertips.

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Contents

The Starting Block . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 7

Block de départ . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 7

Contributors . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 9

Nos collaborateurs . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 9

THE MOMENT Michelle Park oversees the installation of BIG’s Serpentine Pavilion in Toronto . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 11

LE MOMENT Michelle Park supervise l’installation du pavillon Serpentine de BIG à Toronto . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 11

MY SPACE Multi-talented Montreal artist Ohara Hale’s interim workspace . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 15

MON ESPACE L’espace de travail temporaire de l’artiste aux multiples talents Ohara Hale . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 15

THE CREATOR Omer Arbel leads two creative practices,

designing everything from chandeliers to homes . . . . . . . . . . . . . . 16

LES CRÉATEURS Omer Arbel dirige deux pratiques créatives et conçoit de tout, des lustres aux maisons . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 16

ARTIST’S BLOCK Dean Drever’s arboreal cube . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 19

ART EN BLOCK Le cube arboricole de Dean Drever . . . . . . . . . . . . . . . . 19

THE INTERIOR At Flight Centre’s Canadian HQ, The Life Aquatic with Steve Zissou is in the water . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 20

L’INTÉRIEUR Au quartier général canadien de Flight Centre, La vie aquatique avec Steve Zissou se mouille . . . . . . . . . . . . . . . . . . 20

THE BUSINESS Dallas-based animation studio Reel FX finds

L’ENTREPRISE Le studio d’animation de Dallas Reel FX trouve

WORK-IN-PROGRESS The evolution of the public space under the

LE CHANTIER L’évolution de l’espace public sous l’autoroute Gardiner . .

THE CONVERSATION Carolyn Plater, psychotherapist and meditation

LA CONVERSATION Carolyn Plater, psychothérapeute et propriétaire d’un centre de méditation, se demande comment faire pour que les gens continuent à bien se sentir . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 38

a kindred spirit in Montreal . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 26 Gardiner Expressway . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 30

centre proprietor, asks: How do we keep people well? . . . . . . . . . . . 38

MADE Alec Sutherland’s meticulously handwoven rugs

. . . . . . . . . 42

NOTEBOOK Akin Collective and Allied team up for artists;

life lessons; what to eat, drink and do in downtown Edmonton . . . 45

l’âme sœur à Montréal . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 26

FABRIQUÉ Les tapis soigneusement tissés d’Alec Sutherland . . . . . . .

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NOTEBOOK Akin et Allied font équipe pour soutenir les artistes; leçons

de vie; les incontournables d’Edmonton pour manger, boire et sortir . 45

NOW & THEN Calgary’s Vintage Towers . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

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D’HIER À AUJOURD’HUI Les tours Vintage de Calgary . . . . . . . . . . . . . . .

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RETHINK On the virtues of animus . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

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REPENSÉ Des vertus de l’intention . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

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FILL IN THE BLANK Dasha Tolstikova’s urban infill . . . . . . . . . . . . . . .

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VEUILLEZ COMBLER L’ESPACE La dent creuse urbaine de Dasha Tolstikova .

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ON THE COVER / EN PAGE COUVERTURE PHOTO BY / PHOTO PAR CRISTIAN ORDÓÑEZ

The Starting Block Everything changes and nothing remains still. / Tout

PHOTO CRISTIAN ORDÓÑEZ

change, rien n’est immobile.

In the annals of urbanism, the pre-Socratic Greek philosopher Heraclitus doesn’t come up very often. But his notion of panta rhei— “everything flows”—applies profoundly to modern cities: “Everything changes and nothing remains still ... you cannot step twice into the same stream.”

There might not be an abundance of streams running through Canada’s largest cities, but change is constant—and quick—thanks in no small part to busy developers like Allied Properties REIT as well as its partner in a few exciting joint ventures, Westbank. While both focus primarily on enduring structures, they are celebrating the value of impermanent architecture through a Bjarke Ingels Group-designed installation, known as “Unzipped Toronto,” originally commissioned by London’s prestigious Serpentine Pavilion. The structure was installed this fall on an Allied-owned parking lot on King West (soon to house a bold new BIG-designed project). We track the ambitious reassembly of that pavilion in The Moment (p. 11).

Elsewhere, we celebrate different forms of impermanence: We speak with Michael Vickers, a partner of Akin Collective, on page 45. The group has been employing “meanwhile uses,” via short-term leases (including an Allied building just beside the BIG pavilion), to provide affordable workspaces for Toronto artists. And this issue’s instalment of My Space (p. 15) features a look into artist Ohara Hale’s studio. A wanderer, Hale makes her space wherever she unpacks her bags. Today, it’s in Montreal’s Mile End. In radically different ways, each of these three stories focuses on a different kind of urban impermanence. And each of them acknowledges that although a workspace or a project or even a building itself may be temporary, the effects it has on the people it touches can endure for a long time.

Il est rare de voir apparaître les pensées d’Héraclite, philosophe Grec présocratique, dans les annales de l’urbanisme. Pourtant sa notion de flux, ou panta rhei, s’appliquerait parfaitement à nos métropoles modernes : « Tout change, rien n’est immobile… on ne se baigne jamais deux fois dans le même fleuve. » Même s’il y a peu de fleuves qui traversent les grandes villes canadiennes, le changement, lui, y est constant et rapide, grâce notamment à des promoteurs immobiliers dynamiques comme Allied Properties REIT et Westbank, tous deux associés dans de belles réalisations à venir. Tout en ne quittant pas des yeux leur objectif premier, la durabilité des constructions, ils rendent hommage à l’intemporalité par le biais d’une structure architecturale du Bjarke Ingels Group (BIG), conçue à l’origine pour les Serpentine Galleries, un musée londonien. Ce « mur dézippé » est installé à Toronto depuis l’automne dans un stationnement rue King Ouest, appartenant à Allied et futur emplacement d’un projet audacieux signé BIG. On a suivi le remontage de cette installation ambitieuse dans Le moment, p. 11.

L’intemporalité est également présente ailleurs, sous différentes formes. On a rencontré Michael Vickers, codirecteur d’Akin Collective, p. 45, qui a pu fournir des espaces de travail à prix abordables à des artistes torontois grâce à des locations à court terme dans des immeubles inoccupés, dont un appartenant à Allied, situé près de l’installation. Dans Mon espace, p. 15, on jette un œil sur le bureau ambulant de l’artiste Ohara Hale, aménagé ces jours-ci dans le quartier montréalais du Mile End. Ces trois articles, chacun à leur façon, racontent l’intemporalité urbaine. Ils témoignent du fait qu’un atelier, un projet et même un bâtiment provisoires ont des répercussions durables sur les personnes qui les occupent.

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Contributors EDITOR-IN-CHIEF / RÉDACTEUR EN CHEF

Benjamin Leszcz

CREATIVE DIRECTORS / DIRECTRICES ARTISTIQUES

Whitney Geller, Yasemin Emory

EDITOR / RÉDACTRICE

Sarah Steinberg

ASSISTANT EDITOR / RÉDACTEUR ADJOINT

Michael Di Leo

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PHOTO & ILLUSTRATION EDITOR / ICONOGRAPHE

Catherine Dean

ASSISTANT DESIGNER / ADJOINTE À LA DIRECTION ARTISTIQUE

01

Deborah Lewis

TRANSLATOR / TRADUCTRICE

Catherine Connes

COPY EDITORS - PROOFREADERS / RÉVISEURES - CORRECTRICES

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Suzanne Aubin, Catherine Connes, Jane Fielding, Lesley Fraser

03 ALLIED PROPERTIES REIT

134 Peter Street, Suite 1700 Toronto, Ontario M5V 2H2 Canada (416) 977-9002 01 Canadian sculptor Dean Drever created this issue’s Artist’s Block

(p. 19). He lives in Toronto. / Le sculpteur canadien Dean Drever a créé

INFO@ALLIEDREIT.COM ALLIEDREIT.COM

l’Art en block de ce numéro (p. 19). Il demeure à Toronto.

PHOTO 1. DEAN DREVER 2. CRISTIAN ORDÓÑEZ 3. ARDEN WRAY 4. HARRY CHOI

02 Photographer Cristian Ordóñez documented The Bentway’s summer

block party in Toronto for Work-in-Progress (p. 30). / Le photographe Cristian Ordóñez a documenté la fête de voisinage estivale de Bentway, à Toronto, pour Le chantier (p. 30).

WHITMAN EMORSON

213 Sterling Road, Studio 200B Toronto, Ontario M6R 2B2 Canada (416) 855-0550

03 John Semley wrote Rethink (p. 49). His latest book, Hater: On the

INQUIRY@WHITMANEMORSON.COM WHITMANEMORSON.COM

John Semley a rédigé Repensé (p. 49). Son plus récent livre Hater: On The Virtues of Utter Disagreeability, a été publié par Penguin Canada.

Block is published twice a year. /

Virtues of Utter Disagreeability, was published by Penguin Canada. /

Block est publié deux fois par an.

04 For this issue’s The Conversation (p. 38), Whitman Emorson’s strategy director Kristina Ljubanovic paid a visit to Carolyn Plater, psychotherapist and co-owner of meditation centre Hoame. They talked about designing for mindfulness in cities. / Dans La Conversation (p. 38),

la directrice des stratégies chez Whitman Emorson Kristina Ljubanovic a rendu visite à Carolyn Plater, psychothérapeute et cofondatrice du centre de méditation Hoame. Elles ont discuté de l’intégration de la pleine conscience dans la vie en ville.

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The Moment / Le moment

Wed. 15 Aug. 11:06 A.M. THE PARKING LOT near King Street West and Portland Street is normally a liminal blip in front of the vintage brick of a mixed-use building. But right now, it’s a beautiful, interactive work of art. The installation was created by Bjarke Ingels Group for the world’s foremost architectural pavilion series, the Serpentine Pavilion, in London. Composed of 1,802 trans­lucent boxes, the structure—known as “Unzipped Toronto”—rises more than 14 metres above street level. Compact, luminous blocks fabricated primarily of fibreglass and aluminum are stacked to create an undulating pyramid that seems to defy the laws of both physics and architecture.

The parking lot itself is earmarked as the site of a future collaboration between Allied Properties REIT, Westbank and Bjarke Ingels Group and will represent BIG’s first foray into Toronto: a terraced rectangular tower with an inner courtyard.

“It seems like a very simple idea to take the most basic form, which is a square, and stack those forms in such a way that the overall shape twists and undulates and pops in and out but is also structurally

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The Moment / Le moment

sound,” says Westbank’s Michelle Park, who oversaw the installation of this deceptively complex process. As it turns out, the devil is in the details: The structure sits in a nest of rebar, and the lower components have walls that are 10 millimetres thick, to ensure they’re sturdy enough for kids to climb on, while the upper units are thinner and channel more light into the space.

By winter, the wall will be dismantled. But for Park, the ephemeral nature of this installation is part of its appeal. “I love the idea of it being a temporary space that transforms depending on how light hits it or on the angle from which you’re looking at it.” / HABITUELLEMENT, on remarque à peine le stationnement près des rues King Ouest et Portland, au pied du mur de briques rétro d’un immeuble multiusage. Ces jours-ci, difficile de l’ignorer : il est le théâtre d’une splendide installation interactive, réalisée par le cabinet d’architectes Bjarke Ingels Group (BIG) pour le plus architectural des pavillons du monde, celui des Serpentine Galleries, un musée d’art contemporain londonien. Composée de 1 802 boîtes translucides, la structure, connue galement sous le nom de « mur dézippé », s’élève à plus de 14 mètres du sol. Ses blocs compacts et lumineux, en fibre de verre et aluminium, s’empilent pour former une pyramide ondulante semblant défier les lois de la physique et de l’architecture. Ce stationnement est aussi le lieu d’une future collaboration entre Allied Properties REIT, Westbank et BIG : la construction d’une tour rectangulaire en terrasses et sa cour intérieure, première incursion de BIG à Toronto. « Il paraît simple de prendre une forme très élémentaire, le cube, et de l’empiler de manière à former une silhouette qui tourne, ondule, pointe ici et là et dont la structure est solide », note Michelle Park de Westbank qui a supervisé la mise en place de ce montage complexe. Pourtant, c’est bien dans les détails que se cache le diable : une armature d’acier bien dissimulée, des blocs inférieurs de 10 mm d’épaisseur pour que les enfants puissent y grimper et des blocs supérieurs plus fins pour mieux diffuser la lumière.

L’œuvre éphémère sera démontée en février et c’est là tout son attrait ou presque, d’après Michelle Park : « J’aime l’idée d’une installation temporaire, qui se transforme au gré de la lumière du jour ou selon l’angle de vue. »

The fibreglass boxes are as strong as steel but only a fifth as heavy. / Les boîtes en fibre de verre sont aussi solides que l’acier, mais n’en pèsent que le cinquième.

Unzipped Toronto will be on display until the end of November 2018. / L’œuvre Toronto Unzipped sera exposée jusqu’à la fin novembre 2018.

BY / PAR SARAH LISS PHOTOS BY / PHOTOS PAR DEREK SHAPTON

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My Space / Mon espace

BY / PAR ISA TOUSIGNANT PHOTO BY / PHOTO PAR MARC-OLIVIER BÉCOTTE

OHARA HALE is an artistic polymath; she is an accomplished director, musician, author and illustrator—and, these days, an art instructor to a group of disenfranchised Montreal teens. As a result, the frequently peripatetic Hale has set up shop, temporarily, in a shared loft in a defunct Mile End school. Here is a glimpse of her workspace. / ARTISTE MULTIDISCIPLINAIRE ,

Ohara Hale est, entre autres, réalisatrice, musicienne, auteure et illustratrice accomplie. Ces jours-ci, elle enseigne l’art à un groupe de jeunes Montréalais défavorisés depuis une salle, aménagée temporairement dans une école désaffectée du Mile End. Coup d’œil sur son bureau ambulant.

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01/ Microphone / Un micro “I have a lullaby album coming out this fall: just me, a classical guitar and a cello player. This mic is good enough quality that I don’t have to go to the studio.” / « Je sors un album de berceuses cet automne : ma voix, une guitare classique et un violoncelle. Ce micro de bonne qualité m’évite d’aller en studio. »

02/ Face mug / Une tasse à motif visage “This guy is so surprised!

He forgot a deadline or something. He’s a reminder of what I don’t want to be or feel like. So, thank you, cup.” / « Ce gars est super surpris, comme s’il avait oublié une date importante. Il est là pour me rappeler ce que je ne veux pas être ou vivre. Merci, ma tasse! »

03/ Pantone books / Des nuanciers Pantone “There’s a vibration in colours just like there is in the sound in a recording.

I’m really loving neons and pastels right now.” / « Tout comme les sons, les couleurs vibrent. En ce moment, je suis particulièrement attirée par les fluos et les pastels. »

04/ Be Still, Life / Be Still, Life “My latest book started with the cover illustration, which made me think about how nothing in life is actually still. It’s all about awakening your senses.” / « Cette illustration de nature morte, en couverture de mon dernier livre, en a été le point de départ : rien n’est immobile dans la vie, tout n’est qu’éveil des sens. »

05/ Keyboard controller / Un contrôleur de clavier “With this I can do production work while I’m on the road.

Everything on this desk goes in my backpack when I travel. I’m basically a portable music-and-art studio.” / « Il me permet de travailler quand je suis sur la route. Tout ce qui est sur ce bureau rentre dans un sac à dos. Je suis un studio de production ambulant. » BLOCK / 15

The Creator / Les créateurs

MATERIAL KING For Vancouver designer, architect and sculptor Omer Arbel, the medium is the message. / Pour Omer Arbel, sculpteur, architecte et designer de Vancouver, le moyen d’expression est le message.

AS TOLD TO STÉPHANIE VERGE / PROPOS RECUEILLIS PAR STÉPHANIE VERGE

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The Creator / Les créateurs

PHOTO FAHIM KASSAM / COURTESY / COURTOISIE BOCCI

(Left) Work 44, composed of molten aluminum and resin-impregnated sand. (Right) Work 28, innovative techniques applied to blown glass. / L’œuvre 44, composée d’aluminium fondu et de sable imprégné de résine (à gauche). L’œuvre 28 est le fruit de techniques novatrices de verre soufflé (à droite).

I WENT TO SCHOOL TO BECOME AN ARCHITECT and discovered I was really good at making other stuff too. Now I lead two intertwined sister companies, based in Vancouver and Berlin: Omer Arbel Office, my design practice, and Bocci, our contemporary design and manufacturing house. We employ 40 people in total and create everything from chairs and chandeliers to private residences and public art.

We don’t have a specific focus in terms of scale. We work on tiny objects that can fit in your hand all the way up to huge buildings. What links our projects together is our approach: The point of departure is always the material. We develop unique techniques for manipulating the materials. We’re like alchemists.

Our works are catalogued chronologically, in order of creation.

We’re currently working on 94, a house on the Pacific Northwest coast. Bocci and OAO were both launched in 2005 with 14, a series of chandeliers. Its compositional intent is to thicken the atmosphere.

In Mexico City and other very polluted places, you’ll see spectacular sunsets. That’s because the particulate in the atmosphere catches the rays of the sun crossing the surface of the earth. Compositionally, 14 has the same intention: It thickens the volume of the space, capturing ambient light but also emitting light from within.

Looking at it today, 14 has a strident, slightly immature quality to it—it’s like a beautiful teenager. We now have a much more sensitive approach to light. Buildings are more difficult. They need to fulfill many different goals, whereas an object has only one or two. But we aim to invent techniques on that scale as well. With 94, the house, we’re developing a way to manipulate wood we find on the land. It’s a beautiful site.

J’AI FAIT DES ÉTUDES POUR DEVENIR ARCHITECTE et je me suis découvert

d’autres dons au passage. Aujourd’hui, je dirige deux sociétés sœurs entre Vancouver et Berlin : Omer Arbel Office (OAO), mon cabinet de design, et Bocci, notre manufacture de design contemporain.

On compte 40 employés au total, qui travaillent autant sur des chaises et des luminaires que sur des projets d’habitations privées et d’art public.

Peu importe l’échelle : on crée de minuscules objets, qui tiennent dans une main, et d’immenses immeubles. Le fil conducteur, c’est notre approche qui place les matériaux en première position. On développe des techniques originales pour les manipuler, comme des alchimistes.

Nos réalisations sont classées par ordre chronologique et numérotées. On travaille en ce moment sur 94, une maison sur la côte nord-ouest du Pacifique. On a lancé Bocci et OAO en 2005 avec 14, une série de lustres dont le but est d’épaissir l’atmosphère. À Mexico ou dans d’autres villes très polluées, on peut voir de superbes couchers de soleil, car les particules en suspension dans l’air captent les rayons solaires qui croisent la surface de la Terre. 14 fait la même chose : elle épaissit le volume de l’espace en captant la lumière ambiante et en en émettant elle-même.

Avec le recul, je me dis que 14 possède une véhémence et une légère immaturité, comme un bel adolescent. On a aujourd’hui une autre approche de la lumière, plus sensible. Les immeubles sont plus difficiles à cerner : ils doivent remplir plusieurs fonctions. Un objet n’en a qu’une ou deux. Mais notre but est d’inventer des techniques à grande échelle.

Pour 94, on cherche un moyen de manipuler le bois qu’on trouve sur place. C’est un lieu magnifique.

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ARTIST’S BLOCK DEAN DREVER Each issue we ask an artist to create a block using the medium and approach of their choice. Here, Dean Drever creates a perfect cube using 1/8" birch dowels. / Dans le cadre de chaque numéro, nous demandons à un artiste de créer un bloc à l’aide du médium et de l’approche de son choix. Dean Drever créé un cube parfait composé de goujons de bouleau mesurant 0,3 cm.

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The Interior / L’intérieur

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The Interior / L’intérieur

Explore All Avenues Flight Centre Travel Group’s HQ takes visitors on a trip through time. / Le quartier général de Flight Centre Travel offre à ses visiteurs un voyage dans le temps.

BY / PAR JASON MCBRIDE PHOTOS BY / PHOTOS PAR LORNE BRIDGMAN

NESTLED NEAR THE BACK OF THE TRAVEL CENTRE , the Toronto flagship of

Flight Centre Travel Group’s international empire, is a DVD copy of Wes Anderson’s 2004 film The Life Aquatic with Steve Zissou. Like the copies of National Geographic that lie in stacks around the room, it could just be something for visitors to pass the time with (nearby is a large-screen TV), but, in reality, the movie is a kind of skeleton key to the design of the whole space. Anderson’s droll, bittersweet portrait of an aging ocean explorer served as the chief inspiration for the Travel Centre, and the resemblance between this place and one of Anderson’s impeccably art-directed, pointillistically detailed films is pitch perfect. One half expects Bill Murray to come wandering out of the boardroom. / AU FOND DU TRAVEL CENTRE DE TORONTO, l’agence phare

canadienne du voyagiste international Flight Centre Travel Group, se trouvent un téléviseur grand écran et un DVD de La vie aquatique. Tout comme les piles de National Geographic qui l’entourent, ce film de Wes Anderson, sorti en 2004, pourrait simplement être un moyen agréable de faire patienter la clientèle. Il n’en est rien. Cette comédie dramatique, parodie de la vie de l’océanographe Jacques-Yves Cousteau, a servi d’inspiration au design des lieux. Direction artistique impeccable, souci du moindre détail, la ressemblance avec le long métrage du réalisateur américain est telle qu’on s’attend à ce que Bill Murray pousse la porte de la salle de réunion.

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The Interior / L’intérieur

“It’s an homage to the glamorous travel of bygone days.” / « C’est un hommage au charme des voyages d’antan » The 10,000-square-foot Travel Centre, which opened in July 2017, spans two storeys of 425 King Street West, a 1910 former garment factory now owned by Allied Properties REIT. Taking a cue from Flight Centre’s Manhattan office, the first such Travel Centre, it brought together under one roof the numerous brands that constitute the Flight Centre Travel Group: its well-known retail arm but also divisions dedicated to small and medium enterprises and large multinational corporate travel as well as a meetings-and event-management agency called Cievents. “The original idea was to showcase our corporate culture,” says Flight Centre Canada president John Beauvais of the desire to open the flagship, “and to bring a heightened awareness of our offerings beyond the retail brand.”

To that end, Beauvais enlisted the Toronto architectural and design firm Quadrangle. With associates George Foussias and Andrea Hall, he conceived of a space that would simultaneously host events (both their own and corporate clients’), provide offices for customer-facing staff and house a street-level retail kiosk. The offices occupy a serene basement level that Gavin Miller, Flight Centre’s vice president of leisure, calls “the engine room of the business.” The kiosk, meanwhile, is more luxurious than Flight Centre’s typical Toronto outposts, with the building’s original wood beams and pillars visible and a floor decorated with oversized passport stamps. As intended, prospective vacationers get a glimpse of Flight Centre’s larger universe: A boardroom, enclosed in a black glass box, hangs suspended over the travel counter like a repurposed Donald Judd sculpture.

Beyond that is what Beauvais calls the “flex space,” a deceptively prosaic name for a cavernous and theatrical event space-cum-library 22

Ouverte en juillet 2017, l’agence occupe 10 000 pieds carrés, répartis sur deux étages de l’édifice situé au 425, rue King Ouest, une ancienne usine de confection datant de 1910 et appartenant dorénavant à Allied Properties REIT. Réplique de l’agence Flight Centre de Manhattan, la première du genre, celle de Toronto regroupe sous un même toit les nombreuses marques du groupe : le point de vente bien connu, celles destinées au voyage d’affaires pour PME et multinationales ainsi que Cievents, spécialisée dans l’organisation d’évènements et de conférences. « L’idée était d’avoir une vitrine pour montrer notre culture d’entreprise et l’éventail de notre offre de services, qui va bien au-delà de la vente au détail », explique John Beauvais, président de Flight Centre Canada.

Pour ce faire, il a fait appel à Quadrangle, une agence d’architecture torontoise, représentée par deux de ses associés, Andrea Hall et George Foussias. Tous trois avaient pour mission de concevoir un espace multifonctionnel, pouvant à la fois accueillir des événements (ceux de l’entreprise et de ses fournisseurs) et les clients, que ce soit au calme dans des bureaux ou aux guichets du kiosque, situé au rez-de chaussée.

Pari réussi! Les bureaux, appelés « salle des machines » par Gavin Miller, vice-président chargé des loisirs de Flight Centre Canada, profitent de la tranquillité du sous-sol tandis que le kiosque bénéficie d’un décor plus chic que les autres antennes Flight Centre de la ville, avec ses poutres apparentes d’origine et son sol tamponné façon passeport.

Quant aux futurs vacanciers, ils ont un bel aperçu du riche univers de l’entreprise grâce notamment à une salle de conférence prenant des airs de sculpture à la Donald Judd : un cube aux vitres fumées, suspendu au-dessus du comptoir d’accueil.

Il y a aussi « l’espace modulable », comme l’appelle John Beauvais, un nom qui ne rend pas justice à cette vaste pièce, faisant office de

The Interior / L’intérieur

Communal tables, flex space and old-school travel paraphernalia contribute to a fluid, collaborative environment. / Tables communes; espace flexible et attirail de voyage de la vieille école, environnement collaboratif.

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The Interior / L’intérieur

“To see something tactile in a digital age is so important.” / « Pouvoir toucher de la matière à l’ère du numérique est très important. »

that was inspired by 19th-century explorers’ clubs and, yes, the films of Wes Anderson. “The Life Aquatic is a particular favourite of mine,” says Beauvais. “I’ll always remember the research library in the film.

And that’s a kind of whimsical thing that we brought in.” The room is principally decorated with bespoke floor-to-ceiling cabinetry, rollaway desk-cabinets that convert into leather steamer trunks (Beauvais found them at Restoration Hardware) and old-school travel paraphernalia: globes and atlases, wooden airplane propellers, manual typewriters. “It’s an homage to the glamorous travel of bygone days,” Miller says. “To see something tactile in a digital age is so important.”

Even more important, though, is how the whole space personifies the company’s culture, reminding visitors that travel can be both an adventure and a responsibility. “We’re in the business of travellers,” Miller says, “not tourists. We believe travel makes the world a better place.” / bibliothèque et de salle de réception, et à son décor théâtral, inspiré des clubs des explorateurs du 19e siècle et des films de Wes Anderson. « La vie aquatique est un de mes films préférés, note le président. Impossible pour moi d’oublier la bibliothèque qu’on y voit!

C’est ce genre d’originalité qu’on a voulu recréer. » Des armoires sur mesure couvrent les murs du sol au plafond, des secrétaires à abattant (dénichés par John Beauvais chez Restoration Hardware) se transforment en malles de voyage, des globes terrestres, des atlas, des machines à écrire et des hélices d’avion en bois complètent l’ambiance de ce cabinet de curiosités. « Nous nous occupons des voyageurs, ajoute Gavin Miller. Pouvoir toucher de la matière à l’ère du numérique est très important. » Tout aussi important, voire plus encore, est la façon dont l’aménagement de cette agence personnifie la culture de l’entreprise, rappelant au visiteur que le voyage combine aventure et responsabilité. « Nous faisons commerce avec des voyageurs, pas avec des touristes, conclut Gavin Miller. Nous croyons que le voyage rend le monde meilleur. »

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The Interior / L’intérieur

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The Business / L’entreprise

Life in Cartoon Motion In Montreal, Dallas-based animation studio Reel FX finds a home for its bold ambitions. / Reel FX, un studio d’animation de Dallas, a choisi Montréal pour concrétiser ses ambitions.

BY / PAR DAVIEL LAZURE VIEIRA PHOTOS BY / PHOTOS PAR RICHMOND LAM

WHEN ASKED WHY he moved back to Montreal after years of working in places like New York, Los Angeles and Spain, Sébastien Bruneau offers an unlikely answer: Winter. “It might seem strange, but it’s like the entire city is bustling from the inside during the cold months,” he says. “From music to painting, from film to theatre, we stay warm and focus on our creative work—and that’s just part of the culture.”

Bruneau, who has worked as an animator with major studios like Sony Pictures, Blue Sky Studios and DreamWorks and on feature films like Hotel Transylvania and Captain Underpants, returned to Montreal six years ago, curious to see for himself how the creative industry had grown since he left the city. When he learned that a renowned animation studio from Dallas was opening an outpost in his hometown, Bruneau couldn’t pass up a chance to join the team, and he’s now heading the animation department.

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QUAND ON LUI DEMANDE la raison de son retour à Montréal après des années à New York, à Los Angeles et en Espagne, Sébastien Bruneau donne une réponse déconcertante : l’hiver. « Cela peut paraître étrange mais la ville entière s’anime durant les longs mois froids, explique-t-il.

On reste au chaud et on se concentre sur notre art, que ce soit la musique, la peinture, le cinéma, le théâtre ou autre. Cela fait partie de notre culture. » Lui qui a travaillé pour les plus grands studios d’animation, tels Sony Pictures, Blue Sky Studios et DreamWorks, et sur des films comme Hôtel Transylvanie et Les aventures du Capitaine Bobette, est aussi rentré à Montréal voilà six ans par curiosité : l’envie de constater par lui-même l’évolution de sa profession depuis son départ. Quand il a su qu’un studio réputé de Dallas ouvrait des bureaux dans sa ville natale, il a saisi sa chance et est aujourd’hui à la tête de l’équipe d’animation.

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The Business / L’entreprise

(Left) When designing the Montreal office, the team aimed to create an environment conducive to focused creativity. / Au moment de concevoir le bureau de Montréal, l’équipe a mis l’accent sur un environnement propice à une créativité accrue (à gauche).

(Right) The Reel FX chain of command emphasizes collaborative work. /Sébastien Bruneau remarque que la hiérarchie chez Reel FX valorise la créativité.

Reel FX was established 25 years ago with the aim of recruiting the most talented artists in the business to bring cutting-edge technology to the media industry. The firm was known as a pioneer in the use of digital-effects tools among Texas’s advertising and marketing community, and it has retained a reputation for innovation since delving into the entertainment industry in the early 2000s. Now, Reel FX wants to redefine storytelling through the use of augmented and virtual reality.

“Our primary vision has always been to assemble amazing, creative people and offer them a physical and cultural environment where they can thrive and dedicate themselves to their craft,” explains Reel FX’s CEO, Steve O’Brien. “We have a strong desire to create stuff that’s distinct in the marketplace, even if that means doing everything from scratch.” Jorge R. Gutiérrez’s Book of Life, a 2014 movie co-produced by Guillermo del Toro and featuring Channing Tatum and Ice Cube, is a perfect example of that approach, employing vivid CGI to tell a story of death and grief—subjects rarely touched upon in animated features for mainstream audiences.

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Reel FX a été fondé il y a 25 ans dans le but de recruter les meilleurs artistes et professionnels du domaine afin d’offrir une technologie de pointe à l’industrie des médias. Reconnu comme un pionnier des effets visuels par les agences de marketing et de publicité texanes, le studio conserve sa réputation d’innovateur depuis ses premiers pas dans l’industrie du divertissement au début des années 2000. Aujourd’hui, il vise à redéfinir la narration grâce à la réalité virtuelle augmentée. « Nous avons toujours voulu réunir des personnes créatives de talent et leur offrir un lieu et une culture d’entreprise dans lesquels elles puissent se consacrer à leur métier tout en s’épanouissant explique Steve O’Brien, directeur général de Reel FX. Notre envie profonde est de créer quelque chose de singulier, même si on doit partir de zéro pour ce faire. » La légende de Manolo de Jorge R. Gutierrez, sorti en 2014 avec les voix de Channing Tatum et d’Ice Cube entre autres et coproduit par Guillermo del Toro, est un parfait exemple de cette approche : l’utilisation d’effets spéciaux numériques pour raconter une histoire parlant de la mort et du deuil, des sujets rarement abordés dans un film d’animation grand public.

The Business / L’entreprise

“MONTREAL IS THE BIRTHPLACE OF A WHOLE NEW CROP OF EMERGING ARTISTS.” / « MONTRÉAL EST UN TERREAU FERTILE POUR LES ARTISTES ÉMERGENTS. »

Turns out the qualities that made Reel FX famous—a taste for the quirky and the unconventional, a sense that pushing boundaries can only lead to more possibilities—are precisely the ones that Montreal offered when the company was looking to expand beyond the United States. Add to this the right economic incentives and an attractive talent pool from the video game, television and film industries and voilà—the choice seemed obvious.

For O’Brien, it was easy to pick Allied Properties REIT’s Nordelec building, nestled among the vibrant neighbourhoods of Griffintown and Pointe-Saint-Charles and the Lachine Canal.

From bicycle stations and indoor bike parking to gym amenities, shops and restaurants, Nordelec and its surroundings are, he says, a “self-contained ecosystem” that perfectly reflects Montreal’s cultural diversity and history, as well as Reel FX’s own aspirations.

The company plans to hire several hundred more employees in the coming years. “Montreal is the birthplace of a whole new crop of emerging artists,” Bruneau says. “They come from all over the world, and they find here an incubator that allows them to explore freely, to meet and inspire each other. And it’s infectious.”

Ce goût pour le décalé, le non-conforme et ce besoin de repousser les limites pour ouvrir le champ des possibles, deux qualités qui ont fait le succès de Reel FX, étaient précisément celles que Montréal avait à offrir à cette entreprise américaine cherchant à s’implanter hors de ses frontières. Si on ajoutait à cela des indicateurs économiques au vert et un riche bassin d’emploi dans le milieu du jeu vidéo, de la télévision et du cinéma, le choix devenait évident.

Une autre évidence a été le Nordelec, un immeuble appartenant à Allied Properties REIT, situé à proximité du canal Lachine et à la croisée des quartiers dynamiques que sont Griffintown et PointeSaint-Charles. Avec son local à vélos, son gym, ses magasins, ses restaurants, le Nordelec était « un écosystème autonome », note Steve O’Brien, à l’image de la diversité culturelle montréalaise et des aspirations de Reel FX. Dans les années à venir, le studio d’animation projette l’embauche supplémentaire de plusieurs centaines d’employés. « Montréal est un terreau fertile pour les artistes émergents, ajoute Sébastien Bruneau. Ils arrivent du monde entier et trouvent ici un incubateur leur permettant d’explorer en toute liberté et de faire des rencontres inspirantes. Et c’est contagieux! »

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Work-in-Progress / Le chantier

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A Tall Tale BY / PAR CHRISTINA PALASSIO PHOTOS BY / PHOTOS PAR CRISTIAN ORDÓÑEZ

The underpass below Toronto’s Gardiner Expressway isn’t just a new place to gather; it’s a new way to think about space in the city. / Le passage sous l’autoroute Gardiner est un nouveau lieu de rassemblement pour les Torontois et une nouvelle façon de penser l’espace urbain.

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Work-in-Progress / Le chantier

(Above) A map illustrates the 1.75-kilometre length of the linear park. (Right) A dimensional perspective of the bents and surrounding area / Une carte illustre le parc linéaire de 1,75 km (au-dessus); une perspective descriptive des plans (à droite).

A SKATEBOARDER RIPS THROUGH THE PARK , getting air off a handful of multicoloured ramps. It’s 28ºC—feels like 36—but it’s breezy down here under the Gardiner Expressway in downtown Toronto. Nearby, a water feature spurts to life in front of the Fort York Visitor Centre.

Around it, a crowd is gathering; five or six people multiply to 30.

There’s traffic overhead, but the sound drifts down as a surprisingly gentle hum.

“It was a space that was hiding in plain sight,” says Ken Greenberg, the urban designer who catalyzed the idea for a public park under the Gardiner in a 2011 article for Fife and Drum, Fort York’s newsletter.

“That’s what was so amazing about it. The space was 14.5 metres high; it had this beautiful sinuous double-S curve as it made its way around Fort York and gave this amazing unfolding perspective. And it was just completely ignored.”

Greenberg—whose storied 40-year career includes playing a key role in conceiving the Two Kings planning policy, which opened King West for development in the 1990s—presented the project to philanthropists Judy and Wil Matthews. Their $25 million gift, paired with early sketches from urban design firm Public Work, catalyzed support from the City. As senior staff shepherded the project through consultations, the City allocated $10 million to help operate and maintain the space. Waterfront Toronto contributed its expertise in building public space on the lake’s edge.

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“The Gardiner provided this great canopy of classical proportions that we could never create if we wanted it in an urban setting. Only the Romans were able to do works at that scale,” says Greenberg.

“It was a space full of potency and potential. Seeing it become this thing of beauty that people are really enjoying gives me enormous satisfaction.”

The Bentway launched in January 2018, but the park, which stretches under the Gardiner between Strachan Avenue and Bathurst Street, is still transforming. This past winter, a skating trail drew 20,000 people on its first weekend (one of the year’s coldest); the trail morphed into a skate park this summer. Soil excavated to make way for a new sewer system under the park was used to create The Green, the bigger of two amphitheatres that now sit at the Strachan end of the park. The amphitheatres launched in August with a block party that also marked the official end of Phase 1 of The Bentway’s evolution. Next up: a suspension bridge, part of the project’s second phase, that will extend the park east from Strachan all the way to Bathurst.

Through it all, to the surprise of some Chicken Littles, the sky hasn’t fallen (nor has the Gardiner). And yes, if you’re still wondering, it turns out people do want to hang out under an expressway. Why? Partly because of the feeling of openness, literally and figuratively.

“The things people do to have an exclusionary >> (Continued on p. 36)

Work-in-Progress / Le chantier

UN PLANCHISTE DÉVALE LES PENTES, s’envolant au-dessus des rampes multicolores. Il fait 28° C., ressenti 36, mais une brise légère passe sous l’autoroute Gardiner, en plein coeur de Toronto. À quelques mètres de là, devant l’entrée de Fort York, un jardin d’eau accueille les visiteurs. Des promeneurs en profitent. Cinq, puis six, puis une trentaine. Même si les voitures passent au-dessus de nos têtes, le bruit des moteurs n’est ici qu’un doux ronronnement. « C’était un espace qui se cachait à la vue de tous, note Ken Greenberg, le designer urbain qui a lancé l’idée de ce parc public sous une portion de l’autoroute dans l’infolettre de Fort York en 2011.

Il était totalement ignoré alors qu’il a une hauteur sous plafond de 14,5 mètres et cette superbe courbe en forme de double S qui offre une perspective incroyable. » Le designer aux 40 ans de carrière, qui a notamment conçu la politique d’aménagement de Two Kings, à l’origine du développement de King West dans les années 1990, a présenté son projet à deux philanthropes, Judy et Wil Matthews. Leur don de 25 millions de dollars, combiné aux croquis de l’agence de design urbain Public Work, a déclenché l’intérêt de la Ville. Pendant que ses cadres supérieurs organisaient des consultations, elle allouait un budget de 10 millions de dollars pour l’exploitation et l’entretien du site et Waterfront Toronto apportait son savoir en matière d’aménagement public sur les rives du lac.

« On n’aurait jamais pu créer en pleine ville une voûte telle que celle de l’autoroute Gardiner. Seuls les Romains étaient capables de bâtir des œuvres d’art de cette taille, poursuit Ken Greenberg. C’était un espace plein de puissance et de potentiel. Et ce fut un réel plaisir de le voir se transformer en un lieu de toute beauté, apprécié des citoyens. » Si le Bentway a été inauguré en janvier 2018, le parc qui s’étend sous l’autoroute, entre l’avenue Strachan et la rue Bathurst, est toujours en cours d’aménagement. Cet hiver, un sentier glacé a attiré 20 000 patineurs dès la première fin de semaine, un des plus froids de l’année. Cet été, il s’est métamorphosé en parc pour planchistes.

La terre des tranchées, creusées pour le nouveau réseau d’égouts, a servi à la construction du Green, le plus imposant des deux amphithéâtres situés du côté de l’avenue Strachan. Leur inauguration en août a été l’occasion d’une grande fête de quartier et a marqué la fin de la phase 1 du projet Bentway. La phase 2 promet l’arrivée, entre autres, d’un pont suspendu d’un bout à l’autre du parc. À la grande surprise de certains froussards, le ciel ne leur a pas tombé sur la tête. L’autoroute Gardiner non plus. Et si vous vous posez encore la question : oui, de nombreuses personnes ont envie de flâner sous une autoroute. Pourquoi? En partie, pour la sensation de grandeur et de liberté que procure le lieu. « Aucune exclusion ici.

Pas d’architecture défensive : la disposition des places >> (Suite p. 36)

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Work-in-Progress / Le chantier

Although Toronto City Council approved plans for a four-lane “Waterfront Highway” in 1947, construction only began after eight years of controversy and debate. This archival image (left) depicting the construction of the elevated portion of the Gardiner was taken around 1960.

The Bentway has come to life much faster: The Strachan Gate (left, below) was mostly mud a year ago; today, a stretch of parkland from Bathurst to Strachan is complete. (Right) Urban designer Ken Greenberg rests against the landscaping. / Si le conseil municipal de Toronto a approuvé les plans d’une « autoroute riveraine » à quatre voies, en 1947, la construction n’a commencé qu’après huit années de controverse et de débats. Cette photo d’archive (au-dessus) illustre la construction de la partie surélevée de Gardiner; elle a été prise vers 1960. La Bentway a vu le jour beaucoup plus rapidement : la sortie Strachan (à gauche) n’était que boue, il y a un an. Aujourd’hui, un pan du parc de Bathurst à Strachan est terminé (à droite). Ici, le concepteur urbain Ken Greenberg s’appuie sur l’aménagement paysager.

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PHOTO VANESSA HEINS

Work-in-Progress / Le chantier

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Work-in-Progress / Le chantier

“We’re really trying to flip the institutional dynamic and be a shared space that belongs to everyone.” / « Cette architecture va pousser les commissaires, les artistes et les visiteurs à percevoir l’espace différemment. »

space...we don’t have those,” says Dave Carey, director of development of The Bentway Conservancy, the organization that was formed to develop, program and steward the project. “There’s no defensive architecture on-site. The seating is meant to be inviting. Almost all our events are free. There’s no front door, no one taking your ticket.

We’re really trying to flip the institutional dynamic and be a shared space that belongs to everyone.”

“Everyone,” within a 10-minute walk of here, means more than 77,000 people, most of them residents of Liberty Village, City Place and Fort York. The Bentway is giving one of the most densely populated parts of the city not only a new multi-use path but also a new place to gather and a new perspective on their neighbourhood and its role in the city.

Reflecting on that ever-evolving role—how the past, present and future co-exist here—is one of The Bentway’s aims. This summer’s exhibit—five-metre-tall pop-art-inspired neon canoe paintings by Lakota Sioux artist Dana Claxton—referenced another lifetime, when the area was a shoreline-hugging trading route, with their bows pointed up at today’s preferred mode of transportation. The vision for The Bentway is to reimagine not only where we can build vibrant, urban public spaces but also the role they can play in public discourse.

“I think public spaces become ‘stickier’ as they become more interesting,” says Carey. “We have a real desire not to be static.

We want to keep intriguing people with what’s possible under the Gardiner.” That may be the biggest contributor to The Bentway’s appeal—the sense that anything can happen here and that anyone can play a role in defining it.

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assises est invitante, la plupart des évènements sont gratuits, il n’y a ni grille à l’entrée ni billet à présenter, explique Dave Carey, directeur du développement du Bentway Conservancy, l’organisme chargé de de la bonne mise en oeuvre du projet. « On essaie vraiment de renverser la dynamique institutionnelle et de faire de ce lieu un espace partagé qui appartient à tout le monde. » Ce « tout le monde », dans un rayon de 10 minutes à pied, représente plus de 77 000 personnes, habitant notamment à Liberty Village, City Place et Fort York. Le Bentway offre à une zone densément peuplée non seulement un nouveau parcours multiusage mais aussi un nouveau lieu où se retrouver et un nouveau point de vue sur le quartier et son rôle dans la ville.

Réfléchir sur ce rôle en perpétuelle évolution, faire coexister passé, présent et futur font partie des buts de Bentway.

L’exposition de cet été, d’immenses canots fluos et des arcs, inspirés du Pop Art et peints par Dana Claxton de la nation Lakota, évoquait l’ancienne voie commerciale le long des berges du site tout en pointant le moyen de transport d’aujourd’hui.

L’objectif premier étant de réinventer des lieux où bâtir des espaces urbains vivants, qui comptent dans le discours public. « Je crois que plus les espaces publics sont intéressants, plus ils sont attirants, ajoute Dave Carey. Nous avons un réel désir de mouvement. Nous voulons continuer à piquer la curiosité avec toutes les possibilités qu’offre ce dessous d’autoroute. » C’est sûrement le plus grand attrait du Bentway : l’idée qu’ici, tout peut arriver et que tout un chacun peut y participer.

Work-in-Progress / Le chantier

“Suddenly there’s a lot going on in this neighbourhood, in a place that was mostly forgotten about,” says Dave Carey. / « Tout à coup, le voisinage est très animé dans un lieu que la plupart avaient oublié », explique Dave Carey.

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Room to Breathe The digital era promised us unsurpassed connectivity, but it has also delivered unprecedented distraction, stress and anxiety. How can we create space to plug back into ourselves? / Une connectivité sans pareille, telle était la promesse du numérique. Sont venus avec elle stress, anxiété et manque de concentration sans précédent. Existe-t-il un endroit pour se reconnecter à soi-même?

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KRISTINA LJUBANOVIC TRAINED AS AN ARCHITECT BEFORE

CAROLYN PLATER IS A PSYCHOTHERAPIST, AN EDUCATOR

BECOMING A GLOBE AND MAIL COLUMNIST AND WHITMAN

AND THE CO-OWNER OF THE TORONTO WELLNESS

EMORSON’S STRATEGY DIRECTOR. / KRISTINA LJUBANOVIC,

CENTRE HOAME. / CAROLYN PLATER, PSYCHOTHÉRAPEUTE,

ARCHITECTE DE FORMATION, CHRONIQUEUSE AU GLOBE AND

ÉDUCATRICE ET COPROPRIÉTAIRE D’HOAME, UN CENTRE DE

MAIL ET DIRECTRICE DE STRATÉGIE CHEZ WHITMAN EMORSON.

BIEN-ÊTRE À TORONTO.

It is amazing to me that in 2018, emergency rooms are seeing an uptick in visits triggered by stress and anxiety.

How do you—along with your partner, Stephanie Kersta, who is also a psychotherapist— understand this stress surge?

And how does Hoame, your new 5,000-square-foot meditation and wellness centre, address these issues? / À mon grand

KL

étonnement, le nombre de consultations en urgence pour des problèmes de stress et d’anxiété est à la hausse en 2018.

Comment vous et Stephanie

Kersta, votre associée également psychothérapeute, l’expliquezvous? Et de quelles façons abordez-vous cette problématique dans votre nouveau centre de bien-être et de méditation, Hoame?

Stephanie and I started working together at an addiction clinic almost 10 years ago. We hit it off and later opened a private psychotherapy practice together. More recently, we were asking ourselves how we could bring what we were already doing clinically into a modern, accessible setting. We

CP

were both involved in crisis work, which is so reactionary; it’s waiting until life is falling apart before we help. So we asked: How do we keep people well? How can we offer preventative support so that it’s cool and fun and you actually want to come in and take care of yourself ? But we’re always fuelled by the science. That’s what drives what we’re offering to our clients. / Stephanie et moi travaillons ensemble depuis bientôt 10 ans. On a commencé dans une clinique spécialisée en dépendance. On s’est bien

entendues et on a décidé d’ouvrir notre cabinet de psychothérapie.

Récemment, on s’est demandé comment intégrer ce que l’on faisait déjà sur le plan clinique dans un cadre moderne et accessible. On travaillait toutes deux sur des situations de crise, dans lesquelles on ne peut agir qu’en réaction : c’est comme attendre qu’une vie s’écroule avant de pouvoir intervenir.

Comment faire pour garder les gens en santé? Quel type de soutien préventif offrir pour les attirer en amont et leur donner envie de prendre soin d’eux?

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The Conversation / La conversation

On a toujours été nourries par la science. C’est ce qui motive notre offre de soins aujourd’hui.

I have to ask: When it comes to meditation and mindfulness, where’s the science? These practices are gaining credibility, but I’m not sure they are quite yet mainstream in the medical establishment. / Je me dois de

KL

poser la question : où se trouve la science dans la méditation et la pleine conscience? Ces pratiques gagnent en crédibilité, mais je ne suis pas sûre qu’elles soient encore très répandues dans le milieu médical.

The reason I started offering meditative practice was because I work with a lot of clients with anxiety; it was to help them clinically. Then I did my yoga teacher training as well—not to teach yoga but to teach people how to breathe. Because that’s really what we do in the ER when someone comes in with a panic attack. There are studies that show that breath work and

CP

“WE HAVE A CULTURE THAT CELEBRATES OVERWORKING.” / « NOTRE CULTURE CÉLÈBRE LE SURMENAGE. »

breathing practice is faster than giving patients medication to temper their anxiety. / C’est pour aider, sur le plan clinique, mes nombreux patients qui souffraient d’anxiété que j’ai commencé à intégrer la pratique méditative dans mon travail. Puis, j’ai suivi une formation de professeur de yoga, non pas pour enseigner le yoga mais pour apprendre à mes patients à respirer. Parce que c’est ce que nous faisons à l’urgence quand quelqu’un arrive en crise de panique. Des études montrent que pour tempérer l’anxiété, le travail sur la respiration agit plus rapidement que l’administration de médicaments.

Having studied architecture and having worked in environmental design, I believe strongly in the power of space to shape the way we feel. This effect can be particularly profound when it comes to unwell people: I’ve read that in a clinical setting, plant life or access to nature and sunlight can speed the healing process. In creating Hoame, how did you design the spaces to facilitate wellness? / Ayant

KL

fait des études en architecture et travaillé en écoconception, je crois fermement que l’espace dans lequel on vit façonne notre ressenti. L’effet peut être considérable sur les personnes qui souffrent : j’ai lu qu’en milieu médical, les plantes ou l’accès à la nature et à la lumière du soleil pouvaient accélérer le processus de guérison. Comment avez-vous aménagé Hoame pour favoriser ce sentiment de bien-être?

We wanted to bring meditation to the masses. But we know that there are people who are skeptical about meditation, so a big thing was CP

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to bring people in with wowinducing rooms. The first two spaces we designed were the meditation rooms: a light room and a dark room. The light room, for example, has this cut in the ceiling and blue uplighting that really mimics the open sky— something we often don’t get to see in the city. We also created a living wall. It’s a preserved moss wall with leaves and vines that hang down, and it emits an earthy smell. Studies have shown that being outside can have a distinct impact on mood, so we tried to evoke the outdoors and nature, allowing people to be around plants. All the rooms really speak to our need to remove some of the distractions of modern-day living, our need to be closer to nature. / Notre souhait était de vulgariser la méditation tout en sachant qu’il y avait des sceptiques. Pour attirer le plus grand nombre, on voulait des pièces qui suscitaient l’admiration. Les deux premières que nous avons imaginées sont les salles de méditation, l’une claire, l’autre foncée. La claire, par exemple, a une ouverture et un éclairage bleuté au plafond, imitant le ciel : une chose qu’on voit rarement en ville. On a aussi un mur végétal fait de mousses stabilisées et de plantes grimpantes, duquel émane une odeur de terre. Des études démontrent que le fait d’être dehors influe sur l’humeur : on a donc essayé d’évoquer le plein air en entourant les gens de verdure. Toutes les pièces répondent à ce besoin actuel d’éliminer les distractions du quotidien et de se rapprocher de la nature.

Another factor that we know contributes to wellness

KL

is social connectedness. I’m reminded of Dan Buettner’s book, The Blue Zones, which looks at centenarians around the world and determines that one of the factors contributing to their longevity is their involvement in community. / Une autre facteur, dont on sait qu’il contribue au bien-être, est le lien social. Dans son livre Blue Zones, ces zones bleues dans le monde ayant la plus forte concentration de centenaires, Dan Buettner constate que l’implication dans la collectivité est un des facteurs de longévité.

Yes. Studies show that one indicator of longevity is the relationships that you build with the people around you.

This is really big for us. We don’t want you to just come to a class and leave. We want you to hang out here. The whole space has been designed as an experience that you can enjoy with somebody else. / Oui, les relations qu’on

CP

établit avec son entourage sont un indicateur de longévité, selon des études. C’est très important pour nous. On ne veut pas que les gens viennent à leur séance puis repartent. On veut qu’ils restent

The Conversation / La conversation

un peu, qu’ils discutent. L’endroit dans son ensemble a été pensé pour être partagé avec quelqu’un.

A lot of the issues we’re talking about seem to be particular to an urban environment. Is city living fundamentally unhealthy? /

KL

La plupart des problèmes dont on parle semblent être propres au milieu urbain. La vie en ville est-elle foncièrement malsaine?

It’s about lifestyle. It’s how we live more than where we live.

Noise pollution has an impact on our longevity; being constantly plugged in has a massive impact too. If I hook your brain up to an MRI machine and look at what happens when you’re looking at your phone or when you’re on social media, I’ll see distinct brain changes. / C’est une

CP

question de mode de vie : ce n’est pas le lieu qui importe mais plutôt la façon dont on vit. La pollution sonore a un impact sur la longévité, être constamment connecté aussi, voire plus. Si je fais un examen par IRM d’un cerveau et que je regarde ce qui s’y passe quand la personne a le nez sur son téléphone ou les réseaux sociaux, j’observerai des changements bien distincts.

Certainly. And it’s not just social media that’s pervasive: Work has become harder to escape than ever. According to StatsCan’s most recent General Social Survey, a growing number of Canadians feel that technology interferes with other aspects of life; the proportion of Canadians happy with their work-life balance continues to decline steadily. / Tout à fait.

KL

Et il n’y a pas que les réseaux sociaux qui sont envahissants, il est aussi devenu très difficile

d’échapper au travail. Selon la dernière Enquête sociale générale de Statistique Canada, un nombre croissant de Canadiens estime que la technologie interfère avec d’autres aspects de leur vie et le pourcentage de Canadiens satisfaits de l’équilibre entre leur vie professionnelle et personnelle continue de baisser.

We were shocked to learn that by 2020, depression will be the second leading cause of disability in the workplace.

Depression in the workplace costs Canada $20 billion a year in lost productivity! The fact is, from a business perspective, it’s actually cheaper to keep people well than it is to wait until their health falls apart. It’s awful that people say “I’m working a 100hour week” as if it’s a badge of honour. We have a culture that celebrates overworking. No one turns anything off anymore. /

CP

On a été stupéfaites d’apprendre que la dépression sera la deuxième cause d’invalidité au travail d’ici 2020. Cela représente une perte de 20 milliards par année en productivité. En fait, d’un point de vue comptable, il est moins cher de garder un travailleur en santé que d’attendre qu’il tombe malade.

C’est affreux d’entendre les gens dire avec fierté qu’ils travaillent 100 heures par semaine! Notre culture met le surmenage à l’honneur. Plus personne n’éteint son écran.

These problems aren’t limited to the adult working population.

Children are increasingly competing with devices for their parents’ attention, and young people seem more stressed out than ever. / Ces problèmes ne se

KL

limitent pas à la population active.

Les enfants doivent rivaliser avec

les écrans de leurs parents pour avoir leur attention, et les jeunes paraissent plus stressés que jamais.

Most of my clinical practice is adolescents and children.

I have kids I see in my office who are 10 or 11 years old and stressed about how they’re going to afford a home or gas for their car. These are the things that are seeping in. But there are studies that show that mindful practice in youth increases resilience to stresses later in life. In my practice, I’ll lead kids through fun breathing and grounding activities. I don’t call it meditation necessarily, but it’s getting them in touch with themselves and presentfocused. There’s something to that too: not just focusing on the later outcomes but working with kids to—hopefully, in the long term—create a big paradigm shift. / Mes patients

CP

“WE ASKED: HOW DO WE KEEP PEOPLE WELL?” / « NOUS NOUS SOMMES DEMANDÉ COMMENT FAIRE POUR QUE LES GENS CONTINUENT À BIEN SE SENTIR. »

ILLUSTRATIONS BY / ILLUSTRATIONS PAR LAUREN CROW

sont surtout des adolescents et des enfants. Certains d’entre eux, à 10 ou 11 ans, s’inquiètent de savoir comment ils vont se payer une maison ou de l’essence pour leur auto. Mais des études montrent que la pratique de la présence attentive chez les jeunes augmente la résilience au stress plus tard dans la vie. Je les guide par le biais d’exercices de respiration et d’activités amusantes leur permettant d’acquérir des notions de base.

Je leur demande de se concentrer sur eux-mêmes et sur le présent, sans forcément parler de méditation. C’est intéressant ça aussi: ne pas travailler qu’avec des adultes mais avec des enfants, en espérant qu’à long terme, on provoquera un changement de paradigme.

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PHOTO ALEC SUTHERLAND / COURTESY / COURTOISIE ALEC SUTHERLAND

Made / Fabriqué

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Made / Fabriqué

Dream Weaver The handwoven rugs of Haut Beau are part art, part math and all functional beauty. / Esthétiques et pratiques, les tapis tissés main de Haut Beau mêlent art et maths.

BY / PAR ISA TOUSIGNANT

ALEC SUTHERLAND launched his handwoven rug project, Haut Beau, while he was an art student, and you can see the art school influence the moment you enter his Montreal studio: The rugs, piled high and hanging around the space, inspire thoughts of Mark Rothko, Paul Klee and Bridget Riley. Though known mostly for his monochromatic designs, Sutherland is actually an undiscovered colourist; he has stunning geometric pieces in ochre, aubergine, cherry and blue that have yet to be posted on his web store. “I always figure people like black-and-white rugs more,” he says.

Sutherland starts every day with a stop at a coffee shop, where he dreams up and sketches out future designs. At the studio, there’s a lot of prep to do before he sits at his maple Leclerc loom and starts weaving. This is a mathematical art form, especially to make the complex weaves Haut Beau is known for. “There are a lot of different variables, like how far apart you space the warp threads for a particular design. Initially, there’s a lot of sampling to do to figure out what the right parameters are for your materials,” he says.

Warp threads are the ones that determine the borders and structure of a weave—in other words, the vertical threads that are invisible in the end product. Sutherland uses linen for this, feeding each thread through one of his loom’s nylon heddles. The heddles, like the eye of a needle, attach the warp threads to the loom’s shafts, themselves connected to the pedal; when you push down on a certain pedal, the threads get pulled down in a particular combination. If it all sounds complicated, that’s because it is. But Sutherland’s got the brain for it.

“I could never sit at a blank canvas and just go—I need a structure,” he says.

All Haut Beau rugs are made from Canadian wool from New Brunswick’s Briggs & Little Woolen Mills. With the warp threads all set up, Sutherland can get to the Zen part of his craft: the weaving of the weft, the horizontal lines of wool that make up the body of a rug.

He fills a shuttle (a type of wood bobbin) with his wool of choice and, pressing on one of the loom’s four pedals with his foot, raises some of the warp threads to form a triangular space called the shed. Then he slides the shuttle through that shed to the other side. Next pedal, and through again. And over and over and over.

After he’s woven a couple of centimetres, the wool threads get tightened together—beaten back—with a special tool. And then anywhere between one and 10 solid days’ work later, you’ve got a rug. “The crazy thing is you can’t see what you’re doing when you’re working, because your finished section rolls up on the loom,” says Sutherland. “Only when you cut it off and unroll it do you get the big reveal.”

C’EST PENDANT SES ÉTUDES ARTISTIQUES qu’Alec Sutherland a lancé Haut

Beau. L’influence de ses cours se fait sentir dès qu’on entre dans son atelier montréalais : on pense à Mark Rothko, Paul Klee et Bridget Riley à la vue des piles de tapis qui jonchent le sol. Bien qu’il soit connu pour ses œuvres monochromes, le tisserand est en fait un vrai coloriste, associant des tons d’ocre, de bleu, d’aubergine et de rouge cerise dans de superbes motifs géométriques. Des pièces qui ne sont pas encore dans sa boutique en ligne : « Je crois toujours que les gens préfèrent les tapis noirs et blancs », lance-t-il.

Toutes ses journées commencent par un arrêt au café, où il imagine et dessine ses futurs tapis. Une fois à son atelier, pas question de s’asseoir directement devant son métier à tisser Leclerc en bois d’érable. Les tissages complexes de Haut Beau sont avant tout des créations mathématiques, qui demandent de la préparation. « Il y a de nombreuses variables, comme l’espacement des fils de chaîne selon le motif à réaliser. On doit d’abord faire des essais afin de trouver les bons paramètres en fonction de la fibre utilisée. » Les fils de chaîne sont ceux qui déterminent les bords et le patron ou, autrement dit, les fils verticaux invisibles dans le produit fini. Alec Sutherland utilise ici du lin, qu’il passe au travers de lisses en nylon : des bobines à œillet central, comme le chat d’une aiguille, qui attachent les fils aux axes du métier à tisser, eux-mêmes reliés aux pédales. Selon la pédale activée, les fils se croisent pour former telle ou telle combinaison. Si cela paraît compliqué, c’est parce que ça l’est. Sauf pour le cerveau de notre tisserand : « Je ne pourrais jamais commencer un travail à l’aveuglette; j’ai besoin d’un patron. » Une fois la chaîne montée, il peut passer à la partie zen de sa tâche : la trame ou le tissage des lignes horizontales qui formeront le corps du tapis. Tous les tapis de Haut Beau sont fabriqués à partir de laine canadienne, achetée chez Briggs & Little, une filature du Nouveau-Brunswick. Il charge une navette avec la laine de son choix, puis appuie sur une des quatre pédales de son métier pour tirer certains fils de chaîne et créer un espace vide appelé la foule, dans lequel il glisse sa navette d’un bord à l’autre. Il active la pédale d’à côté et glisse la navette à nouveau. Puis il recommence, encore et encore.

Au bout d’environ trois centimètres, il tend les fils de laine à l’aide d’un outil particulier. Puis se repenche sur son métier. En 24 heures ou 10 jours, c’est selon, un nouveau tapis verra le jour. « Le plus fou, c’est qu’on ne peut pas voir ce qu’on fait pendant qu’on travaille parce que la partie tissée s’enroule sur le métier. Ce n’est que quand on la coupe et qu’on la déroule qu’on découvre la surprise. »

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2989 dundas st. w

17 trinity st.

redcanoebrands.com

TITLE TYPOGRAPHY / TYPOGRAPHIE DU TITRE COURTNEY WOTHERSPOON; MAIN ART / ART PRINCIPAL COURTESY / COURTOISIE MICHAEL VICKERS

MEANWHILE ON KING WEST BY / PAR SARAH STEINBERG LAST SPRING, the co-directors of Akin Collective, Michael Vickers and

Oliver Pauk, were preparing for an unpleasant task: telling 100-odd artists, to whom they rented studio space across two locations in Toronto’s West End, that they were facing eviction with no Plan B in place. Akin Collective is the city’s largest provider of shared studios; through its non-profit arm, Akin also provides professional development opportunities for practising artists, creative workshops and community engagement projects for about 300 artists across the city. “We’re really focused on affordability and keeping Akin as cheap as we can, which is obviously increasingly difficult to do in Toronto,” says Vickers, who, like Pauk, is a visual artist. Besides losing their

AU PRINTEMPS DERNIER, Michael Vickers et Oliver Pauk, codirecteurs d’Akin Collective, se préparaient à annoncer une mauvaise nouvelle à une centaine d’artistes auxquels ils louaient des ateliers dans l’ouest de Toronto : leur future expulsion sans plan B à la clé. Non seulement ces derniers allaient perdre leur espace de travail, mais aussi l’esprit de communauté qu’ils avaient bâti ensemble depuis des années. Akin Collective est le plus gros pourvoyeur d’ateliers partagés de la ville, offrant également, par le biais de sa branche à but non lucratif, des possibilités de perfectionnement professionnel aux artistes en exercice et des projets d’engagement communautaire à plus de 300 créateurs torontois. « Notre but est d’offrir les prix les BLOCK / 45

Notebook / Notebook

workspaces, the eviction meant the artists would no longer enjoy the sense of community they’d fostered with their studio mates over the years. So when Allied stepped in to offer space at 511, 525 and 527 King Street West—all of which are awaiting redevelopment—Vickers and Pauk were elated.

The idea of meanwhile leasing—shorter-term rentals of temporarily unoccupied buildings—is popular in the United Kingdom but fairly new to Toronto. (The deal was facilitated by Small, an offshoot of ERA Architects, a firm that often consults with Allied.) “Basically, the building would otherwise sit empty, so Allied is able to recover some of the costs that they would be paying, and we can find a home. It’s a solution for developers that helps artists: It’s a win-win,” says Vickers.

He’s particularly enthusiastic about the aesthetic virtues of their new digs. “It is by far the nicest of all the spaces that we have. It’s big and bright; there’s tons of natural light, raw brick, and there’s a beautiful rooftop patio.” Vickers says the artists of Akin know they won’t have the space forever, but he’s optimistic. “Our hope is that by building relationships like this, we can work with Allied and plan to move to a new location.”

plus bas possibles, ce qui devient de plus en plus difficile à Toronto », note Michael Vickers, artiste visuel tout comme Oliver Pauk. Quand Allied est intervenu en proposant des locaux au 511, 525 et 527, rue King Ouest, tous en attente de réaménagement, les deux directeurs ont exulté de joie.

Le concept de bail suspendu, à savoir des locations à court terme dans des immeubles temporairement inoccupés, est courant au Royaume-Uni mais peu pratiqué à Toronto (Small, une filiale de l’agence d’architecture ERA qui collabore souvent avec Allied, a facilité l’opération). « Ces locaux seraient restés vides de toute façon et n’auraient rien rapporté à Allied, financièrement parlant. Là, tout le monde y gagne : nous, un toit et le promoteur immobilier, une partie des coûts », explique Michael Vickers. Et d’ajouter, particulièrement emballé par l’esthétique des lieux :« C’est de loin les plus beaux ateliers qu’on a jamais eu. C’est grand, lumineux. Il y a beaucoup de fenêtres, de la brique nue et un superbe toit terrasse. » Même s’il sait que cet espace de travail n’est que provisoire, et qu’il en a averti les artistes, il garde espoir : « En établissant de telles relations, on peut travailler avec Allied pour organiser le prochain déménagement. »

MY BLOCK / AUPRÈS DE MON BLOCK Tai Ziola, principal and architect with DIALOG Design, on her favourite pre-, post- and mid-work spots in downtown Edmonton. / Avant, pendant et après le boulot, les bonnes adresses de Tai Ziola, directrice et architecte chez Dialog à Edmonton.

COFFEE BUREAU A small but mighty coffee shop with the most delicious brown butter doughnuts. It’s a great place to chat. / Un café petit mais corsé. Les beignes au beurre noisette sont un délice! Un bel endroit pour jaser.

CITY MARKET On Saturdays from May through October, 104th Street NW becomes an outdoor market. Try the sesame za’atar bread and labneh from The Happy Camel. / Les samedis, de mai à octobre, la 104e rue N.-O. devient un marché à ciel ouvert. Goûtez le labneh et le pain au za’atar et au sésame du Happy Camel.

YELLOWHEAD BREWERY We celebrate little wins, brainstorm or drown our sorrows on a rough day at this microbrewery taproom. / On fête nos victoires, on remue nos méninges et on noie nos chagrins dans cette microbrasserie.

100 STREET FUNICULAR This DIALOG project is like a diagonal elevator along the riverbank—it saves me an uphill bike ride on my commute! / Ce funiculaire, signé Dialog, est un ascenseur diagonal le long de la berge. Il m’évite une côte lors de mes trajets à vélo!

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ILLUSTRATION NIK NEVES

BAR BRICCO A sleek Italian wine and snack bar.

Two words: Negroni Wednesdays. / Un bar à vin italien plutôt épuré. Quatre mots : le mercredi, c’est negroni!

Notebook / Notebook

WELLNESS HACKS / OBJECTIF BIEN-ÊTRE

THE LESSON / UNE BONNE LEÇON

KENNETH KRISTOFFERSEN, PRESIDENT & CHIEF STRATEGY OFFICER, POP KOLLABORATIVE / KENNETH KRISTOFFERSEN, PRÉSIDENT ET DIRECTEUR DE LA STRATÉGIE DE POP KOLLABORATIVE

WHEN I WANT TO EAT HEALTHY… / POUR MANGER SANTÉ…

I slow down and plan. I know it’s only when I lose sight of meals that I end up ordering that pizza in a fit of hunger. / Je ralentis le rythme et je prévois. Si je perds le fil de mes repas, je sais que je finirai par commander une pizza.

WHEN I WANT TO WORK UP A SWEAT… / POUR ÊTRE EN FORME…

Body Pump classes are my go-to.

I get up at 5 a.m. and go four times a week. It is the perfect mix of high-intensity training and structure. / Je fais du Body

Pump. Je me lève à 5 h quatre fois par semaine pour y aller. C’est un mélange parfait d’intensité et de structure.

WHEN I WANT TO MEAL-PREP STRATEGICALLY… / POUR ORGANISER MES REPAS…

After cooking dinner, I portion out the leftovers into separate containers right away. This way, I’m less inclined to eat the whole bowl. / Quand je cuisine, je fais des portions que je mets tout de suite dans des contenants. Ça m’évite de manger tout le plat d’un coup.

CREATIVE FIX / COMBINE CRÉATIVE Poor cellular reception meant filmmakers Trevor Gill and Christopher Paetkau of Build Films couldn’t connect with commercial clients when they were filming in remote Arctic locations. / Une mauvaise réception des cellulaires signifiait que les cinéastes Trevor Gill et Christopher Paetkau de Build Films ne pouvaient entrer en communication avec des clients commerciaux lorsqu’ils se trouvaient en Arctique.

THE SOLUTION: “For us, the best way to fix technology that was horrendously slow

and unreliable was to not rely on it at all. We hired somebody who would keep the engine running back home in Winnipeg, allowing us to be out walking with polar bears.” / LA SOLUTION : « Pour nous, la meilleure manière de composer avec une

technologie horriblement lente et incertaine? Ne pas s'en servir du tout. Nous avons retenu les services d'une personne qui veillait au grain, à Winnipeg, tandis que nous nous promenions avec les ours polaires. »

JASON FIELD

Founder & CEO, BrainStation / Fondateur et PDG de BrainStation

ALLIED NEWS / LES ACTUS D’ALLIED Calgary’s six-storey Lougheed Building, an exemplar of the Chicago style of commercial architecture, has housed some of Alberta’s most prestigious organizations and businesses since 1910. Now, thanks to a revitalization effort led by Allied, this historic building and familiar landmark will be brought back to its original glory and be a symbol of Calgary’s proud past and bright future. / Le Lougheed, immeuble de six étages à Calgary et parfait exemple du style Chicago appliqué à l’architecture commerciale, abrite depuis 1910 de prestigieuses entreprises et organisations albertaines. Grâce à des efforts de revitalisation soutenus par Allied, cet édifice patrimonial bien connu des habitants retrouvera son panache, symbole d’un passé triomphant et d’un avenir brillant.

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Now & Then / D’hier à aujourd’hui

A Great Vintage Vintage Towers is a testament to Calgary’s remarkable knack for growth and reinvention. / Les Vintage Towers sont à l’image de Calgary, une ville prospère qui sait se réinventer.

1984

2018

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VINTAGE TOWERS is a lofty name for a building with humble origins.

Erected in 1924 as a four-storey red-brick warehouse at 322 11th Avenue SW, the building blended with its neighbours, other similar light-industrial properties. Then, it was known simply as the Metals Ltd. Building, named for the plumbing- and heating-supply firm for which it was built. In 1972, Cristy’s Arcade Furniture moved in and transformed it into a furniture showroom. Hyman Belzberg was Cristy’s owner, and although he was one of Canada’s wealthiest men, he could often be seen sweeping the street in front of the shop.

(Notably, Belzberg was kidnapped outside the building by three masked men in 1982; police traced ransom calls from the kidnappers and rescued Belzberg less than 24 hours later.)

Structurally, the building remained unchanged until 1998, when Gibbs Gage Architects added another four storeys and updated the space to accommodate shops and offices. In 2004, a second tower was built to match the first. In 2013, Allied Properties REIT acquired both buildings and the Vintage Towers were born. The combined 216,888-square-foot complex is now home to law firms, financial companies and the Vintage Chophouse & Tavern, an award-winning steak house that, like Allied, took inspiration from the building’s past in order to shape its future. / VINTAGE TOWERS est un nom plutôt chic

pour une bâtisse aux origines modestes. Tout commence par un simple entrepôt en briques de quatre étages, érigé en 1924 au 322, 11e Avenue S.O. Entouré d’autres bâtiments industriels, le Metals Ltd. Building, du nom de l’entreprise de plomberie et chauffage pour laquelle il a été construit, se fond dans le décor. En 1972, il devient une salle de montre pour le mobilier de Cristy’s Arcade Furniture. Bien qu’Hyman Belzberg, le propriétaire de Cristy’s, soit l'un des hommes les plus riches du Canada, il n’est pas rare de le voir balayer devant son nouveau pas de porte. C’est d’ailleurs à cet endroit qu’il sera enlevé contre rançon en 1982; la police le retrouvera dans les 24 heures, en retraçant les appels de ses trois ravisseurs.

Côté architecture, le bâtiment subit ses premières transformations en 1998 : le cabinet d’architectes Gibbs Gage lui ajoute quatre étages et réaménage l’espace en magasins et bureaux. En 2004, une seconde tour, identique à la première, voit le jour. Appartenant à Allied Properties REIT depuis 2013, les Vintage Towers, d’une superficie combinée de 216 888 m2, abritent désormais des sociétés juridiques et financières ainsi qu’une grilladerie de renom, la Vintage Chophouse & Tavern, qui, comme Allied, s’est inspirée du passé des lieux pour façonner son avenir.

PHOTOS, TOP / HAUT COURTESY / COURTOISIE CBC IMAGE ARCHIVES; BOTTOM / BAS: JEREMY FOKKENS

BY / PAR SYDNEY LONEY

Rethink / Repensé

An Underrated Virtue BY / PAR JOHN SEMLEY ILLUSTRATION BY / ILLUSTRATION PAR JASON LOGAN

WE LIVE in hateful times. Early in 2018, the Southern Poverty Law Center reported that in the United States, hate groups have proliferated for a third straight year. In politics, society, culture and domestic life, people are increasingly at loggerheads.

Party politics seem irreconcilably divided. But despite living in an environment suffused with hate, we have lost our collective grip on how to hate. We have confused a rigorously frothing anger with critical hate. We hate without even knowing why we hate. We hate stupidly, unthinkingly, with blind prejudice.

Hating—hating well—has long-standing historic virtue.

Hating, according to Aristotle, was the ability to “choose what is pleasant and avoid what is painful.” It was not only a manner of discernment. It was a moral virtue, one practised throughout history by various iterations of productive contrarians, from the “devil’s advocates” of the Catholic Church through to pessimistic philosophers examining the taken-for-granteds of daily life and critics cutting down the bluster and pomposity of the contemporary culture industry in the face of a bland, overwhelming positivity. Such figures are, in the modern parlance, haters.

Hate also serves as an inverted metric for gauging the daring of certain creative works. It is easy to judge the legacy of Stravinsky’s The Rite of Spring, Hitchcock’s Vertigo or Toronto’s landmark ROM Crystal by remembering just how much people abhorred

We must learn to hate without hatred, to hate not with prejudice but with critical clarity. For these are hateful times. And the hater must rise to meet them. / NOUS VIVONS à une époque où

them upon unveiling. Truly radical works are often rejected before beginning their long historical process of recuperation and appreciation.

The real hater hates not with blind anger and meanness but with clarity of purpose. Her aim is to destroy artifice and, as author Jon Winokur puts it in The Portable Curmudgeon, “bite at hypocrisy out of a healthy sense of outrage.” This outrage—at the risk of indulging the contemporary trend for juiced-up superlatives—is more necessary now than ever.

Why? To counteract the wan, facile strategy adopted by certain sets that “love trumps hate,” that a sense of civility can somehow win the day. Hogwash.

Love mistakes the enemy for a bosom buddy. Of what use is a sunny principle like “love thy neighbour” when thy neighbour harbours no designs of loving back? The hater greets the enemy with shrewd animus, as a true foe. The only thing that truly trumps hate is better hate: a hate that is righteous, that proceeds from a principle of love without giving in to its nauseating wishy-washiness.

règne la haine. Plus tôt cette année, le Southern Poverty Law Center rapportait que les groupes haineux aux États-Unis avait proliféré pour une troisième année consécutive. Que ce soit en politique, dans la société, la culture et la vie domestique, les gens sont de plus en plus à couteaux tirés. La politique partisane semble divisée à jamais.

Mais même si la haine fait flèche de tout bois, nous avons perdu notre savoir-haïr. Nous confondons rage et critique. Nous haïssons sans savoir pourquoi. Bêtement, sans réfléchir, avec des préjugés aveugles.

La haine, la bonne haine, a des vertus historiques. Selon Aristote, haïr était la capacité « à choisir le plaisir et à éviter la douleur ». C’était non seulement le sens du discernement, mais aussi une vertu morale, mise en pratique depuis la nuit des temps par de nombreux anticonformistes productifs : des avocats du diable de l’Église catholique aux philosophes pessimistes scrutant les tenus pour acquis du quotidien, en passant par les critiques mettant à terre les fanfaronnades et le snobisme de l’industrie de la culture contemporaine. De tels personnages, dans le parler moderne, sont des haineux.

La haine sert aussi de mesure inversée de l’audace artistique.

Il est facile de juger le Sacre du

printemps de Stravinsky, Sueurs Froides d’Hitchcock ou le Cristal du Musée royal de l’Ontario en se rappelant combien les gens les détestaient lors de leur dévoilement. Les œuvres radicales sont souvent rejetées avant d’entamer leur long processus de récupération et d’appréciation.

Ceux qui haïssent vraiment ne le font pas aveuglément ou par pure méchanceté. Ils ont un objectif clair, celui de briser les artifices et, comme l’écrivait Jon Winokur dans The Portable Curmudgeon, de « mordre l’hypocrisie par saine indignation ».

Cette indignation, au risque de céder à la tendance des super superlatifs, est plus nécessaire que jamais.

Pourquoi? Pour neutraliser la stratégie simpliste adoptée par certains, qui consiste à dire que « l’amour l'emporte sur la haine », que la civilité a toujours tout bon. Foutaises. L’amour confond son ennemi avec son vrai chum. À quoi sert « d’aimer son prochain » quand le prochain en question n’a aucune intention d’aimer en retour? Le haineux accueille l’ennemi avec animosité et adresse, comme un véritable adversaire.

La seule chose qui l’emporte sur la haine est la bonne haine : une haine vertueuse, qui procède d’un principe d’amour, mais non ad nauseam. Nous devons apprendre à haïr sans haine, à haïr non pas avec des préjugés, mais avec une pensée critique. Parce que la haine règne. Et que le haineux doit s’élever pour l’affronter.

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Fill in the Blank / Veuillez combler l’espace

THE CHALLENGE Every issue we ask a different artist: What would you do with your very own urban infill? / LE DÉFI Dans chaque numéro, nous demandons à un artiste ce qu’il ferait de sa propre dent creuse.

ILLUSTRATION BY / ILLUSTRATION PAR DASHA TOLSTIKOVA

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By Cristian Ordóñez. August 26, Toronto. / Par Cristian Ordóñez. Le 26 août à Toronto.