Proyecto Revista Grupo 1 by Área Escuela de Diseño

Mayo 2013

JUAN

FRANCISCO CASAS EL ARTE DE FOTOGRAFIAS CON BIC

BRETXA

DESIGN DISTRICT VISTETE A LA ULTIMA EN DONOSTI

6,75€

sumario

ENTREVISTAS

MODA

JUAN

BRETXA

HOTEL

FRANCISCO CASAS DESIGN DISTRICT

VIAJAR

ARTE

PANTONE

OCIO

CHEMA

MADOZ SAUL BASS

BIBLIOTECA 3

ENTREVISTA

EL ARTE DEL

Juan Francisco Casas

Su obra se desarrolla principalmente dentro del campo de la pintura, con obras de gran formato con las que ha conseguido importantes ĂŠxitos internacionales.

ENTREVISTA

En 2004 resultó ganador del prestigioso Premio de Pintura ABC. En 2005 fue seleccionado y el único representante español en la 2ª Bienal de Praga, (Prague Biennale 2, Expanded Painting / Acción Directa), organizada en dicha ciudad de la República Checa por la importante revista internacional de arte contemporáneo Flash Art Magazine y que contó entre otros con artistas internacionales de la relevancia de Damien Hirst, Maurizio Cattelan o Neo Rauch. En 2006 y 2007 participó en la exposición Catarsis - Rituales de Purificación en el Museo ARTIUM (Museo Vasco de Arte Contemporáneo), Vitoria, junto con destacados artistas como Antoni Tàpies, Antonio Saura, Miquel Barceló, Jorge Oteiza, Jaume Plensa o Antoni Muntadas. En 2007 recibió la prestigiosa Beca de la Real Academia de España en Roma donde residió un año. En esa ciudad colaboró con el artista Joseph Kosuth, así como en el montaje de su exposición de La Casa Encendida en Madrid. En 2008 expuso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), en la Real Academia de España en Roma y en Las Vegas (EEUU) en la colectiva “The Joy of Sex”. En 2009 expuso en los Institutos Cervantes de Nueva York, Varsovia y Moscú, dentro de la exposición itinerante “10 Años de Arte en los Premios ABC”. En 2010 participó, junto con artistas de la talla de Gustave Courbet, Edward Hopper, Gerhard Richter, Édouard Manet, Erwin Wurm, Chuck Close, Rineke Dijkstra, Otto Dix, Richard Estes, Franz Gertsch, Julian Opie o Sam Taylor-Wood, en la im-

presionante muestra “Realismus. Das Abenteuer der Wirklichkeit” (“Realismo. La Aventura de la Realidad”) en el museo Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung, Munich, en el Kunsthal Rotterdam y en el Kunsthalle in Emden (Alemania), y en la colectiva “After Post (más allá de la fotografía)” con Vik Muniz, Gregory Crewdson, Helena Almeida y Luis Gordillo en Sevilla. Ese mismo año fue galardonado con la Beca del Colegio de España en París donde reside, tras haber vivido en Roma, Brighton (Reino Unido) o Berlín. Ha participado en las ferias de arte más importante del mundo, así como en todas las ediciones de ARCO desde el año 2002. Ha realizado exposiciones en ciudades como Nueva York, Miami, Chicago, México, D. F., Bogotá, Praga, Madrid, Barcelona, entre muchas otras. Su obra se encuentra representada en importantes colecciones como el Museo ARTIUM o la Colección ABC-Vocento, Madrid, así como en colecciones de EE. UU., Gran Bretaña, Francia, Alemania, los Países Bajos, México, Colombia y España.

“En realidad cualquier cosa que tenga una superficie es representable”

¿Cuál ha sido tu camino hasta dedicarte al arte? Siempre me he dedicado al arte de una u otra manera, a pesar de venir de una familia y un lugar sin tradición en el tema. Me licencié en Bellas Artes por la Universidad de Granada en 1999, como primero de promoción y obteniendo el Premio Nacional de Fin de Carrera del Ministerio de Educación y Ciencia al mejor expediente universitario de España, gracias a eso, en el año 2000 recibí la beca de Formación de Personal Docente e Investigador y desde ese año hasta 2004 ejercí labor docente de dibujo y grabado en el Departamento de Dibujo de la Universidad de Granada mientras realizaba el doctorado en dicha institución. En 2002 fui seleccionado para la Muestra de Arte INJUVE, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y en esa exposición me vio el que desde entonces es mi galería, Fernando Pradilla (Madrid). En 2004 gané Premio de Pintura ABC, dejé la universidad y Granada, y me centré en mi labor puramente artística. Desde entonces he vivido en Berlin, Madrid, Brighton, París (con la beca del Colegio de España en París) y en Roma (con la beca de la Real Academia de España en Roma). ¿Cuándo y por qué decides utilizar el boligrafo para realizar tus dibujos? La idea vino de una especie de exageración de los dibujitos que todos tomamos al margen de la libreta, de los apuntes. Poco a poco empezaron a ser cada vez más realistas y cada vez más grande. El porqué es una circunstancia meramente conceptual: el uso del

bolígrafo es algo completamente pertinente al discurso de la obra. Es una herramienta completamente ajena a los procedimientos artísticos y que nos remite al mundo juvenil del que la obra en su totalidad participa. Intento así que exista una sintonía entre el mensaje y el medio empleado que hace emerger una sugerente carga connotativa. Es por esto, también, por lo que es siempre azul, color que indudablemente asociamos al bolígrafo y a la escritura. Las obras juegan con la idea de la técnica y el virtuosismo academicista, resultando la obra paradójica y contradictoria a varios niveles: en primer lugar, por el acabado fotográfico (por estos medios tan poco comunes en este contexto, pero tan habituales en la vida diaria y por la imagen en sí, tan evidentemente azul, subrayando el medio) y en segundo lugar, resulta paradójica conceptualmente (tan cotidiana y banal, pero técnicamente tan cuidada y meticulo ¿Te definirías como un pintor realista? Tu obra puede parecerlo, pero a poco que nos acerquemos a ella descubriremos cientos de matices que le dan una significación más allá del simple retrato de la realidad. ¿nos equivocamos? Definirse tampoco creo que sea la prioridad de un artista; obviamente el resultado final de mis obras son pinturas y dibujos de corte realista. Desde luego los retratos no son convencionales por que no están planteados como tales. No hay pose, no hay estudio previo, hay azar e ironía, hay risa y extrañeza. Es por lo tanto en este aspecto lo opuesto a cualquier retrato tradicional desde la pintura flamenca

ENTREVISTA hasta David Hockney. El instante congelado de la foto es aquí un momento efímero pasajero y circunstancial, no es un momento detenido y paralizado ex profeso como en otros retratos. Y a diferencia de estos otros retratos tradicionales, el contexto determina también la imagen, generalmente por la ausencia elíptica de este que resulta aquí significativa y clave. Es decir la narración de los hechos se convierte en elipsis y el espectador no tiene más remedio que cuestionarse por esta: el contexto existe y es importante para saber que pasa en la imagen, pero no se dan las claves para su interpretación. Por lo tanto, las imágenes que constituyen mi obra pictórica representan, partiendo de una estética apropiada de estas fotos domésticas, momentos muy puntuales, de manera separada e independiente del contexto en el que se produjeron, desconectándolos así de la narrativa de la sucesión de apariencias posteriores que es la realidad, y que la dota de sentido y significado. Por medio de la magnificación de la pintura de gran formato de un hecho completamente efímero y puntual, intento por tanto que la imagen sea para el espectador lo que es y fuera del contexto que las originó, en su objetividad, hechos constituyentes así de una insistente sucesión de imágenes pictóricas ajenas a un contexto narrativo, pero que a su vez invitan tanto a la extrañeza como a la risa. Extrañeza por la imagen en sí, descontextualizada, y por el formato, donde lo normal, al ampliarse se convierte en anomalía, en absurdo; extrañeza porque la risa que provocan es una risa incómoda e inquietante, ante un mundo que en ocasiones juega a ser inocente sin serlo; extrañeza porque repetidamente se niega la entrada, participación o completa comprensión de lo que sucede, en su (re)presentación pictórica. ¿Qué serias incapaz de dibujar? Incapaz, no sé. En realidad cualquier cosa que tenga una superficie es representable, sin embargo si hay cosas que no me interesan, que me aburren. ¿Qué hace cuando se equivoca? Intento no equivocarme. En cualquier caso no se puede borrar. Sus dibujos tienen una enorme carga erótica, ¿es eso lo que más le inspira? No. Me inspira la vida y como en la vida el sexo existe... Sólo un pequeño porcentaje de los dibujos se pueden considerar eróticos, aunque como es natural éstos llaman más la atención que los otros, pero es algo puramente cultural, que está en los ojos del espectador. Me interesan especialmente cuestiones como el trasvase de lo privado con lo público a través del triángulo artista-retratado-espectador y la descontextualización de la imagen en la obra artística. Dicha relación privado-público es especialmente evidente en las obras más explícitas, aunque en muchas ocasiones, el erotismo viene dado por la propia descontextualización de la imagen. ¿Pinta siempre con bolígrafos «Bic»? Son los que mejor se ajustan a mis necesidades técnicas y conceptuales. Todos identificamos bolígrafos con Bic y para mí esa evidencia, esa claridad es importante. ¿Y por qué siempre con color azul? El bolígrafo es una herramienta que, a pesar de todo, entendemos ajena a los procedimientos artísticos convencionales y que nos remite a ese mundo juvenil del que la obra participa en parte por el hecho de que la tinta sea de color azul, el color del bolígrafo que habitualmente asociamos a la escritura, consiguiendo así una sintonía entre el mensaje y el medio empleado que hace emerger su particular carga connotativa. A usted, los de «Bic» deberían ponerle un monumento... Por ahora han hecho un catálogo. ¿Siempre ha pintado sobre papel? Llevo muchos años trabajando con óleo sobre lienzo, pero los dibu-

“Intento no equivocarme. En cualquier caso no se puede borrar”

jos de bolígrafo siempre los he hecho sobre papel desde que empecé hace un par de años. En tu proceso creativo qué lugar ocupa la fotografía Muy importante, es la clave de la obra. En mi caso, y bajo los planteamientos de mi obra, sin una buena fotografía el dibujo jamás podría ser bueno. Siempre me interesó la estética de las imágenes que todos tomamos de casa, de nuestra vida, precisamente por la falta de pretensiones, por la rapidez e inmediatez y por lo que tiene de real y de vivo, por lo que tiene de deseo de congelar para siempre un momento de felicidad, de tenerlo y detenerlo para siempre. La mujer es sin duda el icono en tu trabajo ¿Por qué ese protagonismo? La mujer me fascina. Desde que tengo memoria siempre he estado rodeado de mujeres, me he criado rodeado de ellas, madre, hermana, tías, abuelas, primas, mis mejores amigas son mujeres. No me quedaba más remedio que hacerla el centro de mi obra. Las mujeres en mis obras no sólo actúan, sino que además actúan como ellas quieren, es decir, los parámetros de la representación de su imagen son establecidos completamente por ellas como definición de su propia identidad y en relación a ser presentadas dentro de una obra de arte. También tiene mucho que ver lo que suponen dentro de mis propias circunstancias biográficas. En muchas ocasiones, como parte de mi proceso, es la propia modelo la que elige cómo quiere ser representada e, incluso, la imagen final. Tus obras nos presentan momentos fugaces de actos desinhibidos, ¿existe en el transfondo alguna preparación? Las modelos son amigas mías y la preparación es mínima, en la mayoría de los casos nula. Son fotos de lo que me pasa, de lo que nos pasa… incluso de los que nos pasa a todos… De cualquier modo, cuando la obra se circunscribe dentro de unos parámetros marcadamente autobiográficos, de manera inevitable, surge el sexo como parte importante de las relaciones. En realidad me interesan más estas relaciones que el propio sexo, a pesar de que éstas se manifiesten a través de él. Es por esto que no las preparo. ¿Recibe ofertas de editoras de cómics? Nunca. No me interesa ni tiene que ver con lo que hago. ¿Si le encargaran un cartel, de qué le gustaría que fuera? No hago encargos, aunque no me importaría que se usaran mis imágenes en determinadas circunstancias. El Festival de Cine de Roma y algunas marcas de moda italianas se han puesto en contacto conmigo para usar mis imágenes. Pero no me considero ilustrador, la dimensión de mi trabajo es otra. Las imágenes que constituyen mi obra representan, partiendo de una estética apropiada de las fotos domésticas, momentos muy puntuales, de manera separada e independiente del contexto en el que se produjeron, desconectándolos así de la sucesión de apariencias que es la realidad, y que la dota de sentido y significado. Sin entrar en el alcance ontológico de la imposibilidad de la neutralidad de la imagen fotográfica, la descripción de las imágenes nos destaca la consciente banalidad de los motivos, cuando lo que se pretende es incorporar unos códigos visuales que, al ser fácilmente reconocibles, proporcionan un soporte icónico muy pertinente para el carácter de mis imágenes. ¿Tiene muchas peticiones para hacer retratos? Sí, muchas veces, pero tampoco hago retrato bajo una perspectiva convencional. No hago nunca encargos porque mi obra se basa en referencias autobiográficas a través de las imágenes, gestos y cuerpos de la gente que forma mi vida. Las obras muestran al espectador vidas privadas, circunstancias y hechos aparentemente banales

ENTREVISTA

protagonizados por personas que no les son reconocibles, viniendo desde la subjetividad a constituirse finalmente en documentos, que entendidos de manera más general, vienen a ser retratos de una dimensión específica de nuestra cultura contemporánea. Los pequeños relatos personales pueden ser un refugio creativo, algunos artistas nos centramos en las expresiones de la trivialidad cotidiana y desarrollamos allí nuestro discurso. De esta manera, mis obras vienen a ser exponentes de estas narraciones de lo cotidiano, magnificando fotografías de aficionado, imágenes de usar y tirar que son así rescatadas de su banalidad. ¿De qué tipo de gente? Generalmente joven, pero un poco de todo. ¿Qué actriz le gustaría que posara para usted? Cómo digo sólo retrato a personas cercanas a mi entorno, así que primero debería conocerme. ¿Vestida o desnuda? Ese tipo de detalles generalmente lo deciden los modelos. Todas las chicas que aparecen así ha sido por que ellas lo han pedido.

¿Para ti una noche perfecta es encontrar una nueva musa? En todo caso sería el principio de una noche perfecta. ¿Qué crees que llama más la atención de tus obras, tu técnica o el momento vouyer representado? Es una conjunción de todo. Sin embargo el voyeur en mis obras sería el espectador, ya que, por definición, el voyeur es un contemplador pasivo de una escena, y en mi caso yo participo en ellas, interactúo; incluso el mero hecho de tomar la foto, ya de una manera implícita, modifica lo representado. En cuanto a la técnica, la cotidianidad del bolígrafo hace que, además que cumplir un objetivo conceptual coherente con la imagen representada, atrae la mirada del espectador. ¿Cuáles son tus próximos proyectos? Para los primeros meses de este año entrante, se clausurará mi exposición individual en la Galería El Museo de Bogotá, expondré en ARCO, en Le Salon du Dessin Contemporain de París, en varias ferias latinoamericanas y posiblemente tenga otra exposición individual en Brasil para mitad del año. ¿Qué significado tiene el arte para ti? Mi vida.

ENTREVISTA

¿FOTOGRAFÍA O ILUSIONISMO?

CHEMA MADOZ

Chema Madoz construye y fotografía juegos dialécticos con la precisión de un relojero suizo. Invoca los recursos de la fotografía tradicional para abrir de golpe, ante la mirada atónita del espectador, la puerta a un mundo insólito en el que objetos transfigurados nos incitan a cuestionar el devenir cotidiano y la propia existencia.

Son frecuentes las conjeturas sobre su perfil artístico. ¿Se considera fotógrafo o es mejor definirle como artista conceptual, poeta visual…? ¿Tal vez ilusionista? Y yo alimento esa especulación… No, en serio, no suelo darle muchas vueltas. Mi educación –al menos en el arranque– es visual, puramente fotográfica. Con el paso del tiempo, el trabajo se va ampliando ante un gran número de influencias de distintas áreas. En cualquier caso, para mí es más práctico definirme como fotógrafo, vincularme con la profesión; «artista», «poeta» son términos más ambiguos, casi etéreos. Y la fotografía se puede usar en muchos sentidos: se puede trabajar en el ámbito periodístico o utilizarla como un elemento de creación, que es lo más cercano a lo que hago yo. Precisamente sus fotos han hecho alguna incursión en ese ámbito de la fotografía profesional, apareciendo en alguna campaña publicitaria. Sí, en ocasiones hago alguna cosa en publicidad, pero son pocas las colaboraciones. Estoy abierto a este tipo de propuestas, pero siempre partiendo de una premisa muy elemental: que no haya condicionamientos a la hora de elaborar las imágenes. Tiene que ser un encargo cercano a mi propio trabajo. Eso me permite trabajar desde mi propia perspectiva, sin que sea algo impostado. En el proceso de producción de su obra, ¿crea artesanalmente los objetos de la escena que luego fotografía? ¿Hasta qué punto participa en el revelado y positivado de sus fotos? Hago todo el proceso: elaboro el objeto, busco la luz con la que puede funcionar mejor, tomo la fotografía, revelo los carretes y hago una

copia de pequeño formato para ver si la imagen funciona o necesita otro tipo de ajustes. Una vez que doy por buena esa copia, ahí termina mi labor. De la siguiente etapa se encargan en el laboratorio, aunque allí tampoco hay ningún tipo de manipulación: mis fotos son copias sencillas, tal vez con una ligera sobrexposición o algún otro recurso clásico por el estilo. Mientras está construyendo esas pequeñas escenografías, en las que la composición juega un papel primordial y en las que, muchas veces, las sombras parecen tener un carácter objetual, ¿surgen nuevas ideas? ¿Hay hallazgos? Depende de la ocasión. En general tengo una idea previa y el resultado final está más o menos planificado, lo que no quita para que en el proceso haya variaciones o para que pueda encontrarme con otras posibles soluciones que no había considerado en su momento, cosas de las que sólo cobro conciencia en el momento de generar esa pieza. Aun así, en general, la imagen se suele ajustar bastante a la idea primitiva y las variaciones suelen ser pequeñas, como ligeros juegos con los reflejos. ¿Cómo decide el formato final de las fotografías y qué importancia le concede? Hay un juego con las escalas a la hora de reproducir las fotografías al que doy bastante importancia. En ocasiones, la escala es 1/1, es decir, el tamaño de lo fotografiado coincide con el de la imagen en la foto. Otras veces lo que hago es subvertir los tamaños, sacándolos totalmente de escala: algo pequeño pasa a ser grande o muy grande, o al contrario, algo grande pasa a ser pequeño. Es un juego que

“En general tengo una idea previa y el resultado final está más o menos planificado”

siempre me ha interesado porque me permite, a la hora de hacer una exposición, jugar con los ritmos con los que el público se enfrenta a esas imágenes. Es una forma de interactuar con el espectador, al que obligas a alejarse o acercarse; no le permites tomar un único punto de vista desde el que observarlo todo. Además, siempre me han resultado especialmente atractivas las imágenes muy pequeñas, con las que puedes establecer una relación con el espectador mucho más íntima y directa: esa foto la vas a ver sólo tú, nadie va a meter la cabeza a la vez para verla. En cambio las imágenes más grandes pueden ser compartidas, vistas simultáneamente por un grupo de personas. Son dos tipos de posibilidades que tomo en cuenta y con las que juego. Tan sólo una vez, en 2006, con motivo de su exposición monográfica en la Fundación Telefónica, se materializó una de sus composiciones en forma de instalación. ¿Le agradó esta forma de trabajo? ¿Se ha planteado realizar más instalaciones en el futuro? Sí, es algo que no desestimo. Ahora mismo tengo algunas cosas en mente que podrían funcionar como instalaciones. Pero supongo que hay, no un contrasentido, pero sí algo que entra un poco en colisión con mi forma de trabajar. A lo mejor es sólo una casualidad, pero las ideas que tengo para realizar como intervención directa siempre requieren de la colaboración de otros artistas o artesanos que me ayuden a poner en pie lo proyectado. Son otros materiales, otra escala. Y como siempre he estado acostumbrado a solucionar mis propias necesidades, nunca termino de arrancar. Por eso, no sé si

mi trabajo pasará por esa fase pero, desde luego, como posibilidad, no reniego de ella. El blanco y negro es inherente a su trabajo. ¿Por qué evita el color? Desde mi punto de vista, el color tiene una relación mucho más directa, más inmediata con la idea de realidad. Al utilizar el blanco y negro se hace más patente que lo que se está mostrando es una representación, una especie de reelaboración de la idea de realidad, frente a la que se marca una cierta distancia; lo mostrado queda en un territorio mucho más abstracto, más ambiguo. Luego, desde un punto de vista meramente práctico, facilita el trabajo al reducir la paleta. Prácticamente todo el trabajo se basa en un ejercicio de reducciones, de intentar jugar con los mínimos elementos posibles y, en el caso del color o del blanco y negro, la elección es la misma: ir a ese blanco y negro casi de contraste, como del Yin y el Yang. De alguna manera, esa elección dota de más sentido al trabajo. Si usara color en las imágenes cambiaría la naturaleza del propio trabajo. En su producción no parece haber una intención serial, aunque ciertos objetos reaparecen con frecuencia tratados desde distintas perspectivas. Es frecuente la alusión a la música y la literatura, por ejemplo, a través de instrumentos y libros-objeto. Bueno, no trabajo con un guión previo. Voy trabajando en el día a día y no sé con qué tipo de exposiciones me voy a encontrar entre manos, así que dejo las cosas fluir. Voy acumulando una serie de trabajos y cuando llega el momento hago una selección de lo que he generado en ese tiempo. En cuanto a la literatura y la música,

convivo con ellas a diario. Muchos de nosotros tenemos siempre un libro entre las manos, y la música es algo que me acompaña durante buena parte del día. De alguna forma, esa cercanía se traduce en una mayor presencia. Evidentemente, también son elementos susceptibles de interpretarse desde muy distintos puntos de vista; son más difíciles de agotar. Hay otros objetos que he utilizado una vez, y si me tuviera que obligar a volver a hacer algo sobre ellos, la verdad es que no sabría por donde cogerlos. ¿Como cuáles? Por ejemplo una jeringuilla, sólo he fotografiado una jeringuilla. A lo mejor podría forzarme, y en ese caso saldría algo más… Otros objetos, en cambio, siempre te dejan con la sensación de que hay cosas que no has terminado de captar; queda algo así como una puerta abierta. Pero en ningún caso me planteo hacer una serie de libros, lo que pasa es que, al cabo del tiempo, se me ocurre una idea de cómo abordar un libro de una manera distinta a como lo he hecho hasta entonces. Hay una invitación constante por parte de ciertos objetos:se repite la música, se repiten los libros, y también, aunque con un carácter más cerrado, hay grupos de imágenes en torno a las cerillas, los cantos rodados, el agua –ya sean gotitas de agua, cubitos de hielo…– Y también sobre el ajedrez, aunque este motivo sea algo más escaso. En su trabajo, la fotografía no parece cumplir el papel de mero registro; trabaja los recursos de la fotografía –las texturas, la iluminación– de forma que adquieren protagonismo. La fotografía, de alguna forma, siempre cumple ese papel de registro, pero hay otras muchas cosas de por medio. Lo que ve el espectador es una imagen en la que no hay un punto de vista picado, no hay un énfasis en la mirada;sólo algo ahí puesto que la fotografía ha recogido. Digamos que el objeto está cargado de sentido, de emoción; entonces, el papel que juega la fotografía intenta compensar la balanza y por eso ofrece una mirada mucho más fría, más neutra. Es un intento de buscar el equilibrio. No sé como denominarlo… Creo que, al ser la mirada más neutra, es más sencillo que el mensaje «atraviese» la propia fotografía. Hay infinidad de variantes, puramente fotográficas, que están condicionando la lectura de esa imagen, como la luz, la textura, el punto de vista, la escala, el uso del blanco y negro. Todo eso se da por supuesto, pero condiciona tremendamente la lectura que un espectador pueda hacer de la imagen. Juega un papel muy importante. El instante que captan sus fotografías parece invitar al espectador a participar en un juego en el que los tropos lingüísticos tienen una gran presencia. Sí. Aunque no busco la complicidad con el espectador, creo que soy consciente de que hay una serie de claves que permiten establecer esa invitación. De alguna manera, el espectador se planta ante objetos cotidianos que alguna vez ha tenido en la mano, que conoce sobradamente, pero en las fotografías suele observar algún aspecto de ese objeto que en un momento dado ha podido intuir, sin ser plenamente consciente de ello. El encontrar algo inusitado en lo cotidiano, el descubrimiento de un aspecto desconocido en lo conocido, invita en muchas ocasiones a esa sonrisa que es una primera reacción de reconocimiento. A partir de ahí, el espectador se relaciona con las imágenes o las analiza a partir de sus propias experiencias, de su bagaje o de su propia historia personal. Decía Joan Brossa que «la poesía es un juego donde, bajo una realidad aparente, aparece otra insospechada». Usted sabe mirar donde otros sólo ven esa realidad insospechada: en su caso, la fantasía surge de lo cotidiano, como en ese recuerdo de infancia del que ha hablado en alguna ocasión, cuando una profesora le habilitó un pupitre estupendo abriendo la puerta de

“He recurrido al tratamiento digital en un par de imágenes únicamente”

un horno, y usted se quedó ensimismado mirando al interior. Sí, supongo que es un recuerdo que conservas y que, de alguna forma, llevas a tu propio terreno. Es una anécdota simpática que enuncia bien la posibilidad de descubrir la capacidad que tienen los objetos de ser utilizados, interpretados o vistos de muchas maneras diferentes. Que yo sepa, aquella fue la primera vez que se me abría una puerta en ese sentido: te das cuenta de que todo es susceptible de ser visto de otra forma. Por lo demás, supongo que esa definición de la poesía de Brossa se acerca mucho a la idea de la magia, que también lleva a descubrir lo insospechado en cosas absolutamente cotidianas o banales. En una de sus fotografías, la expresión «Still Life» –que traducimos como «naturaleza muerta»– aparece impresa en una monda de naranja magnificada. Parece un guiño de advertencia a los que quieren ver en sus obras bodegones modernos. Es algo que jamás he entendido de esa manera. Cuando comencé a trabajar con los objetos, lo primero que me venía a la cabeza eran los bodegones y las naturalezas muertas, dos cosas que no me atraían en absoluto, independientemente de que haya trabajos que puedan ser interesantes en esa línea. Era algo que no me tocaba. Entiendo que el trabajo comparte los materiales que utiliza el bodegón, pero creo que la mirada no tiene nada que ver; el bodegón tradicional persigue otros propósitos. En sus imágenes aparecen equilibrios imposibles y analogías insospechadas –como la cuchara con sombra de tenedor–. ¿Emplea algún tratamiento digital? No, normalmente no. He recurrido al tratamiento digital en un par de imágenes únicamente. Simplemente, la cámara registra esa manipulación, esa pequeña escenografía que has dispuesto para ser fotografiada. Por otra parte, las manipulaciones son tremendamente sencillas. Creo que las imágenes muestran «trucos» que están a la vista del espectador, que percibe desde el primer momento que ahí hay una manipulación: no se trata de descubrir nada, está todo a la vista. Pero no es que no me interesen las nuevas tecnologías relacionadas con la imagen y la fotografía. La magia que tiene la primera vez que te metes en un laboratorio y ves aparecer la primera imagen se recupera hasta cierto punto cuando la ves en la pantalla del ordenador, cuando pierde su carácter material y pasa a ser algo absolutamente manejable, con lo que puedes jugar y llevarlo prácticamente hasta donde quieras. En ese sentido, me parece un proceso muy atractivo, pero creo que el tipo de trabajo que yo hago tiene más sentido si se resuelve dentro del terreno de la realidad; una solución digital le daría otro carácter. De algún modo, si alcanzas la solución delante de tus narices, estás encontrando una falla a la realidad que está ahí, que existe realmente, mientras que en el ámbito digital todo puede ser inventado. A veces su ingenio es como un puñetazo a la razón, sensación que se amplifica cuando aparece el humor negro: los objetos más inocentes se convierten en sogas, fotografía a menudo armas de fuego y armas blancas. Parece haber algo oscuro que tal vez no se aprecie a primera vista… Estoy de acuerdo con esa apreciación. Muchas veces la gente afirma que en mi trabajo se percibe un mundo fantástico en el que todo es feliz. Pero si te fijas un poco, verás que hay imágenes que muestran una violencia contenida. Muchos de los objetos que fotografío –como pueden ser tijeras, cuchillos, cuchillas de afeitar– son cosas que causan dolor o que traslucen un concepto de agresividad. Así que sí, me parece que en algunas de mis fotografías se tocan temas algo más duros. Por supuesto, también hay imágenes dulces: creo que el trabajo puede combinar los dos tipos de imágenes. En cierto modo se trata de jugar con opuestos, que a lo mejor no se resuelven en una sola fotografía, pero sí en la contraposición de unas y otras.

MODA

BRETXA

DESIGN

DISTRICT

retxa Design District nace de la unión de un grupo de creativos y diseñadores independientes relacionados con el mundo de la moda y la imagen, reunidos en el Centro Comercial La Bretxa. Situado en el boulevard donostiarra, se ha convertido en el lugar donde diseñamos, mostramos y ponemos a la venta nuestras propias creaciones. De esta manera hemos unido talleres y tiendas, donde también hacemos exposiciones, con el propósito de acercar al público nuestro trabajo e impulsar el diseño en Donostia. Encontrarás

artículos originales, exclusivos y de calidad, relacionados con el mundo de la moda, complementos, imagen y fotografía. Hemos cuidado hasta el más mínimo detalle de cada tienda, donde te podremos aconsejar y ayudar adaptando tu estilo, incluso con la posibilidad de hacerlo “a medida”. Una experiencia única en el donostiarra Centro Comercial La Bretxa. ¡Te invitamos a descubrir Bretxa Design District!

MODA

Alex Robe

Elena Silvestre

Anuska Petruska

Te ofrezco un concepto de formas, estructuras, texturas y modelos de acuerdo a la idea o sueño que tengas, ya que en este momento el trabajo básico es realizar las ideas de una novia, de una madrina o ya sea de una invitada a una celebración especial. Por otro lado, también hay una línea casual, la cual también se elabora a partir de ideas y conceptos de la marca, pero personalizada, dándole así un toque único y personal a cada prenda.

He disfrutado muchísimo creando todo lo que ahora podéis ver en Elena Silvestre Studio & Shop. Han sido varias semanas de duro e intenso trabajo y muchas decisiones, pero estoy feliz porque con esfuerzo y mucha ilusión, finalmente refleja el espíritu de lo que quiero transmitir.

Tengo el placer de presentaros mi línea textil, que bajo el nombre de Anuska Petruska, pretende hacerse un hueco duradero y sobre todo placentero en vuestros armarios. La idea con la que nace Anuska Petruska, es la de trascender los límites de la moda industrial y comercial, y ofrecer una nueva alternativa que va más allá de ser moda, implica una regresión al patronaje, al trabajo artesanal y exclusivo.

Cada una de mis prendas está hecha con mimo, sin prisa, con el detalle y el cariño de las cosas hechas a mano. Desde elegir las telas y combinarlas, hasta coserlas y añadir los detalles. El objetivo es hacer colecciones que no se rijan por las grandes producciones y que tienen como resultado piezas únicas, especiales y originales. El taller se trata de un espacio que alberga material creativo y técnico. Ahí es donde diseño, patrono y confecciono mis prendas exclusivas y, si quieres, a medida. Este mundo de creación y producción es lo que quiero mostrar en el taller de la tienda. Habilitando un rincón de exposiciones, se busca que sea, además de tienda y taller, un punto de encuentro de jóvenes creadores de todo tipo de modalidades artísticas: moda, fotografía, pintura, ilustración… La tensión de saber que hoy algo está ahí y dentro de unos días habrá dejado de existir da sentido e intensidad a su disfrute. La clave es mezclar espacios y disciplinas, que en el mismo lugar donde compras tu ropa y accesorios, puedas ver una exposición o el taller de donde surgen las ideas y realizar diversos cursos. Lo que queremos es sentir que cada día hacemos algo especial y vivimos algo único.

Me gustaría que mi obra, en forma de ropa, fuera por sí misma capaz de transmitir su espíritu único, lo efímero de su patrón tan minuciosamente mimado desde su primera línea de creación así como la delicadeza con la que corte y volumen van adoptando su propia forma hasta que la pieza está finalmente terminada. No existe un Anuska Petruska igual a otro, pero tampoco existen dos personas iguales, ni dos gotas gemelas. La vida que nos rodea es así de rica e impredecible. Así quiero que sean mis diseños; delicados, espontáneos y singulares en esencia.

Artefoto Style

Dlego

Ali de Bali

Artefoto Style es una empresa dedicada al mundo de la moda, imagen y publicidad. La empresa tiene su sede central en Guipúzcoa y está formada por un equipo joven y emprendedor de profesionales de la moda, compuesto por fotógrafo, estilista, maquilladores y peluqueros con el fin de ofrecer a sus clientes los servicios que mejor se adapten a sus necesidades y expectativas con la mayor profesionalidad y estilo propio.

Dlego nace de la voluntad de elevar la ropa a categoría de arte. La presentación de la marca, nacida en San Sebastián, tiene lugar el 19 de marzo del 2010 en la céntrica discoteca Friends. Un mes después se presenta la primera colección llamada “A lo Kahlo”. Un homenaje a la pintora Frida Kahlo. En ella, lo que se propone al público es la siguiente pregunta; ¿Qué hubiera pasado si Frida Kahlo hubiera nacido en otro país? Se hace un recorrido que comienza en México, y continúa en Estados Unidos, Japón, La URSS, Kenia, Serbia y España. Una combinación del poncho mejicano con el traje típico de cada país.

Ali de Bali es una marca que nace en 2011 con el objetivo de crear prendas originales y actuales. Principalmente camisetas de estampados propios, yo diseño, patrono y confecciono todas mis prendas. Moda vasca 100% realizada por mí, priorizo en calidad y diseño a la hora de crear. Realizo pocas prendas por diseño, por lo que son exclusivas, llenas de detalles, y muy económicas. Las colecciones son completas, mujer y hombre, y en constante evolución incluyendo complementos y prendas de punto. Para las ocasiones más especiales, Ali de Bali también diseña y confecciona prendas a medida.

Servicios: Trabajamos directamente con Agencias de Modelos y Publicidad, Diseñadores de Moda, Revistas de Moda, Discográficas, etc. Nuestro principal objetivo es proveer nuestros servicios de la manera más eficiente y competitiva para el mundo de la moda cumpliendo cualquier requerimiento de los clientes.

En septiembre de 2010, Kike Dlego, comienza a ser el asistente personal de Juana Martin en Cibeles Madrid Fashion Week. Continuando con esta tarea en posteriores ediciones, febrero y septiembre de 2011. Un año después de presentar “A lo Kahlo”, coincidiendo con el primer aniversario Dlego, presenta su segunda colección llamada “Opa”, inspirada en los dioses y diosas griegos. Durere, su tercera colección se presenta en julio de 2012. Está inspirada en la pauta que sufre un humano cuando se encuentra en un proceso doloroso, y la forma en la que ve el final del camino.

La tienda Ali de Bali es un espacio polivalente, en el que podréis encontrar tres espacios en uno. Por un lado mi tienda, con mis colecciones al completo renovadas mensualmente. Por otro lado se encuentra mi taller, mi lugar de creación y producción, una zona totalmente abierta al público en el que muestro mi metodología de trabajo. Y para completar, una biblioteca extensa de moda, que todo el mundo puede acceder a ella y consultar cómodamente en el “saloncito”. Próximamente realizaré cursos “Do It Yourself”, una manera fantástica de poder aprovechar mi espacio y mostraros de cerca el mundo de Ali de Bali.

La tienda Dlego te ofrece la posibilidad de vestir de forma exclusiva bajo un nuevo concepto en el que cada prenda cuenta con mucha intencionalidad. Ropa original a precios muy accesibles.

MODA

Leire Laparra

Letitare

Maider Alzaga

Leire Laparra es el proyecto de la joven diseñadora donostiarra. Ofrece una moda atemporal, llena de geometría y con mucha influencia de otras disciplinas artísticas.

Irati Guarretxena es una joven diseñadora. Aguja e hilo en mano, intenta interpretar los diseños ilustrados en papel con su marca personal “Letitare”.

Leire Laparra surge en el 2008 después de una formación académica de diseño y estilismo en Bilbao, regresa a San Sebastian donde se encuentra actualmente. Su estudio, ubicado en Centro Comercial la Bretxa se compone de una tienda y un taller. Allí ella misma se encarga del diseño, prototipos, patronaje y la confección.

El interés por el arte, la moda y el diseño, le llevó a realizar los estudios de diseño de moda a Barcelona. Actualmente en Euskal Herria, trabaja para sacar adelante su proyecto personal. Letitare pretende ser una opción diferente, huir de las etiquetas, de la tendencia por la tendencia, y proyectar creatividad.

Hace ya cuatro años que lancé mi propia colección tras haber obtenido la diplomatura en diseño de moda en el prestigioso IED de Milán y haber trabajado entre otros para el reconocido diseñador Ion Fiz. Trato de ser fiel a mi estilo personal imprimiendo un carácter artesanal y exclusivo a mis prendas. En mi taller de Usurbil corto, coso y trabajo de manera artesana, desarrollando mi trabajo de creación con una experimentación continua, reflejando en mi trabajo una constante evolución. Ultimamente embarcada de lleno en mi nuevo mundo de las serigrafías y tintes logrando así prendas únicas, a veces imposibles de repetir. Estoy acostumbrada a trabajar en cualquier tipo de escenario, ofrezco un gran abanico de posibilidades. Desde vestidos de novia y madrinas o para eventos especiales realizadas con la máxima precisión y con telas de gran calidad y exquisitez hasta camisetas prêt-à-porter con una infinidad de serigrafías diferentes a precios asequibles. Incluso ofrezco la posibilidad de producir a gran escala como por ejemplo prendas duraderas que sirven de uniformes de trabajo. En la tienda podrás disfrutar de todos los diseños y de un asesoramiento personal para la confección de cualquier tipo de prenda a medida. Y ahora también tienes la opción a compra en nuestra tienda online en www.maideralzaga.com.

Similia Similibus

Murs

Tetrabrik Decó

Créatrice:

Un espacio dedicado a los complementos de moda y al arte, donde podrás encontrar a las diseñadoras tocadosoh y g+g.

Tetrabrik Decó es una tienda de moda y complementos donde todos y cada uno de nuestros productos están hechos a mano y diseñados por nosotras. Nos gusta coger un hilo y una aguja para tejer absolutamente todo: desde telas de gran calidad, con las que diseñamos bolsos, carteras, cuadernos, etc., hasta metales preciosos y minerales que convertimos en auténticas joyas.

[kreatris] adj & m, ƒ; Creadora, diseñadora, estilista, coordinadora, controladora de las prendas en el proceso de producción, vendedora del propio producto. Desde el diseño, pasando por el proceso de patronaje, como la confección, son horas de mimo y dedicación las que invierto en una prenda, por eso cada pieza realizada es única y exclusiva, convirtiéndose en una extensión de la persona que la viste.

En tocadosoh podrás encontrar maravillosos piezas creados artesanalmente y con los mejores materiales, Velos en seda, para novias espectaculares, pamelas de ala corta para madrinas con clase o plumas de alta costura para que cualquier invitada se sienta una estrella. Acércate y tras el análisis de facciones y estilismo crearemos la pieza que realzará tu belleza. En g+g hay un prefacio muy interesante que dice que todos sentimos el anhelo de lo salvaje y este anhelo tiene muy pocos antídotos culturalmente aceptados. Nos han enseñado a avergonzarnos de este deseo, nos hemos dejado el pelo largo para ocultar nuestros sentimientos... deseos... intuiciones... creatividad... Pero la sombra de la Mujer Salvaje acecha todavía a nuestra espalda de día y de noche. En el “oficio de hacer” está nuestra seña de identidad, partiendo de materiales naturales creamos objetos personalizados, porque cada persona es distinta y tiene su arte y su desarrollo. Queremos enfocar de otro modo las cosas que nos rodean y es que al recuperar oficios artesanos conseguimos de una manera práctica hacer visible el alma, darnos ánimos y sobre todo disfrutar.

ARTE

SAUL

BAS

AUL BASS fue un diseñador gráfico y director de cine estadounidense. Nació en la ciudad de New York el 8 de mayo de 2013 y murió en Los Ángeles el 25 de abril de 1996 a la edad de 75 años. Fue un legendario productor de cine, Diseñador Gráfico y Diseñador Logo corporativo responsable de algunos de los logos corporativos más conocidos en el mundo. Algunos de sus diseños de logos corporativos más conocidos son las Girl Scouts de EEUU, las Aerolíneas Unidas, el logotipo de Minolta, Continental Airlines, Frontier Airlines, General Foods, Geffen Records y los logotipos de Dixie. Saul Bass también diseñó el conocido logo de AT&T Corporation en 1969 y otra vez lo rediseño en 1983. Diseñó también el póster para los Juegos Olímpicos de Los Ángeles en 1984. Saul Bass se hizo muy conocido en la industria cinematográfica después de crear la secuencia del título de Otto Preminger de ‘El hombre del brazo de oro’ (1955). El tema de la película es la lucha de un músico de jazz para superar su adicción a la heroína, un tema tabú en los mediados de los años 1950. Bass decidió crear una secuencia de títulos innovadores para que coincidiera con el controvertido tema de la película. Decidió elegir el brazo como la imagen central, ya que es una instantánea fuerte en relación adicción a la heroína. Los títulos, como no podía ser de otra manera, causaron un gran relevo.

ARTE

OS L E D O TR S E A M O R EL O E D OS T I D E R C

lguien se puede sentir presionado para citar un ejemplo de una secuencia activa, autónoma y característica de los títulos de crédito antes del trabajo de Saul Bass. Indudablemente, hay ejemplos que presagian los pioneros trabajos de Bass: los famosos títulos finales de crédito de Ciudadano Kane, repitiendo excepción para la película, subrayando el metraje con los nombres de los actores. También había ciertas tendencias precursoras de los años 30 y 40. Muchas películas de estos años están visualmente acompañadas por créditos estáticos, y en algunos casos por montajes. Pero a pesar de estos ejemplos y en vista de la innovación, renovación e influencia, se puede decir que el impactante diseño de los créditos de Bass no tiene parangón, ni siquiera hoy en día. La maestría de Bass en el diseño exhibe una forma (sus identidades corporativas y pósters también son grafismos perdurables y de relevancia) de distinción estética económica y simple. Es en este campo que su trabajo en el diseño de los títulos de crédito tiene una importancia particular – su apertura para West Side Story, por ejemplo, es un sólido bloque de color que varía de acuerdo a la insinuación. Las técnicas de Bass son variadas y decididamente inconscientes: animación de recortes, montaje, acción real y diseño de nombres son solo sus más prominentes ejercicios. En segundo lugar, Bass exhibe un ejemplar uso del color y del movimiento. Las secuencias comienzan a menudo con un marco de color sólido (como el azul de Exodus o el verde de North by Northwest). Su diseño táctico en este contexto, aunque característico, posee sutilezas y variedades. Saul Bass se hizo muy conocido en la industria cinematográfica después de crear la secuencia del título de Otto Preminger de ‘El hombre del brazo de oro’ (1955). El tema de la película es la lucha de un músico de jazz para superar su adicción a la heroína, un tema tabú en los mediados de los años 1950. Bass decidió crear una secuencia de títulos innovadores para que coincidiera con el controvertido tema de la película. Decidió elegir el brazo como la imagen central, ya que es una instantánea fuerte en relación adicción a la heroína. Los títulos, como no podía ser de otra manera, causaron un gran relevo

También hizo trabajos para el famoso Alfred Hitchcock con la intención de inventar un nuevo tipo de tipografía cinética, en ‘Con la muerte en los talones’ (1959), ‘Vértigo’ (1958) y ‘Psicosis’ (1960). Fue este tipo de trabajo revolucionario e innovador el que lo convirtió en un diseñador gráfico venerado. Hacia el final de su carrera, fue redescubierto por James L. Brooks y Martin Scorsese, que había crecido admirando su trabajo en el cine. Para Scorsese, Saul Bass creó las secuencias de los títulos de ‘Goodfellas’ ( 1990), ‘El cabo del miedo’ (1991), ‘La edad de la inocencia’ (1993) y ‘Casino’ (1995), su última secuencia del título. Su último trabajo con Martin Scorsese vio alejarse de las técnicas ópticas en las que había sido pionero e iniciarse en el uso de efectos por ordenadoridentificar el núcleo de un problema de diseño”. También afirma que “despojó al diseño gráfico estadounidense de la complejidad visual y redujo la comunicación a una imagen pictográfica sencilla”. Su forma de trabajar es muy sencilla técnicamente, pero compleja semánticamente: - Construye formas orgánicas sencillas mediante recortes abruptos y simples de cartulina mediante tijeras o trazadas con un pincel. - Estas formas transmiten una gran energía visual ya que están dibujadas con total libertad sin someterse a la rigidez de la geometría exacta. - Utiliza tipografía dibujada manualmente que a veces combina con letras de imprenta. También hizo trabajos para el famoso Alfred Hitchcock con la intención de inventar un nuevo tipo de tipografía cinética, en ‘Con la muerte en los talones’ (1959), ‘Vértigo’ (1958) y ‘Psicosis’ (1960). Fue este tipo de trabajo revolucionario e innovador el que lo convirtió en un diseñador gráfico venerado. Saul Bass creó las secuencias de los títulos de ‘Goodfellas’ ( 1990), ‘El cabo del miedo’ (1991), ‘La edad de la inocencia’ (1993) y ‘Casino’ (1995), su última secuencia del título. Su último trabajo con Martin Scorsese vio alejarse de las técnicas ópticas en las que había sido pionero e iniciarse en el uso de efectos por ordenador. Es el gran maestro de las secuencias de títulos y también uno de los mejores cartelistas.

echaza categóricamente la idea de una creatividad gráfica fruto de una inspiración casi mágica. El proceso creativo es un camino que puede hacerse largo y duro, pero que siempre conduce a una buena idea. Ante el desconocimiento del proceso, los jóvenes diseñadores y estudiantes ven productos ya finalizados de los que quedan maravillados sin conocer su construcción. Considera que esto les puede llevar a “tener la ilusión de que estas cosas realmente surgen espontáneamente de la cabeza de algún diseñador”. El tortuoso camino hacia un gran concepto creativo es igual tanto para los diseñadores experimentados como los primerizos, la única diferencia es que los primeros “tienen menos ansiedad frente al proceso porque sabe que finalmente llegará a donde apunta”.

VIAJAR

HOTEL Una PANTONE

experiencia colorista 28

Para vivir realmente una auténtica experiencia PANTONE existe una original idea que puede convencer a los más viajeros, es el The Bruselas Pantone HOTELTM ubicado en pleno centro de la ciudad. Todo un universo de colores diseñado por Michel Penneman y Olivier Hannaert que sin duda despertará vuestros sentidos a través de una amplia gama de placeres visuales y donde podréis encontrar toda la colección de objetos que la marca ha sacado al mercado.

A lo largo de estos años el universo pantone se ha extendido al mundo de los objetos aplicando su imagen a cajas metálicas, sillas, bicicletas, fundas de móvil, tazas, vasos, joyas, maletas, bolsos, velas,ropa, adornos, etc., llenando nuestro entorno de vívidos colores.

En el Hotel Pantone se toman este principio muy en serio, un lugar muy colorido y adaptado al estado de ánimo de sus visitantes. El Hotel perfecto para los amantes del color. Ubicado en la Ciudad de Bruselas, un lugar fuera de locomún, en el que se puede apreciar toda la gama del conocido Pantone.

Las cartas PANTONE y su código numérico se han convertido en un icono internacional que acompaña en todo momento a los profesionales del diseño. Fue en 1962 cuando Lawrence Herbert, un químico de la compañía, desarrollo este crucial sistema de impresión que denominó Pantone Matching System. La ventaja de este sistema es que, al estar numeradas, es posible recrear el color de manera exacta.

VIAJAR

El hotel al completo es un catálogo Pantone, reflejado en las paredes, pisos, camas, sillas y accesorios. Todas las estancias del hotel estan decoradas siguiendo las pautas de las diferentes paletas pantone, de forma que cada parte del hotel refleja diferentes sensaciones. Desde la recepción, hasta el parking, pasando por los diferentes salones, la cafetería o el restaurante, el visitante puede ir descubriendo mundos de sensaciones. Además, te da la posibilidadde escoger tuhabitación de acuerdo a tuestado de ánimo, tu color favorito o dependiendo de las sensaciones que quieras experimentar, El proyecto estuvo a cargo del diseñador de interiores Michel Penneman y del arquitecto Olivier Hannaert, ambos belgas. El resultado es un edificio de 7 pisos con 59 habitaciones, cada una de ellas decorada siguendo las pautas de una paleta de color Pantone, cobertores, cuadros, sillas, lámparas y hasta los artículos de aseo de los baños son inspirados en la respectiva paleta de cada habitación.

Alojarse en el The Bruselas Pantone HOTELTM justo al lado de la Avenida Louise, será difícil de resistir. Descubre nuestras ofertas especiales para los fines de semana y las vacaciones cortas en Bruselas, la capital de Europa, uno de los destinos baratos en Europa.

VIVE EL COLOR AL MAXIMO

Ofrecemos promociones especiales de última hora, fines de semana de compras, tours por la ciudad a Bruselas, Brujas y Amberes, excursiones culturales, entradas a museos y paquetes románticos. Algo para todos aquellos que buscan alejarse y relajarse durante un fin de semana. Ya sea en Bruselas para una escapada romántica o para explorar los monumentos, museos y atracciones en el centro de la ciudad, este fin de semana de descanso es un gran escape de la vida cotidiana. El PANTONE HOTELTM Bruselas ofrece un paquete especial para aquellos que quieran disfrutar de un fin de semana. El paquete incluye desayuno para dos y dos tazas PANTONE.

OFERTA FINESPECIAL

DE SEMANA EN

BRUSELAS 119€

Precio para 2 personas: por noche, disponible el viernes, sábados por la noche o el domingo. No está disponible de lunes a viernes, excepto en julio y agosto. Para obtener más información, póngase en contacto con nuestro departamento de reservas. Vuelo directo desde Bilbao Barcelona Madrid.

OCIO

LA BIBLIOTECA

¡Lo imprescindible de este mes!

A través de recuerdos, intuiciones e impresiones, atesora el recuerdo de su madre, recupera detalles de vida desde tiempos de sus abuelos hasta el día de hoy, caminando de puntillas por hermosas divagaciones sobre la escritura, la maternidad, la familia, sobre autores como Jane Austen o Isak Dinesen, el miedo, la religión o la muerte.

Tienes entre tus manos un decálogo ilustrado sobre la felicidad contado como quien habla con un amigo, sincero y transparente.osas no aburridas para ser la mar de feliz es el libro menos libro del mundo entero: es una experiencia, una sonrisa, es como un espejo, un regalo, es un cuaderno y un álbum. Este libro es simplemente, buen rollo asegurado.

En esta novel personal que nace de las entrañas, la autora de Arráncame la vida entona un canto de sirena que envuelve y seduce.

32 32

n La emoción de las cosas Ángeles Mastretta indaga en un gran secreto familiar: el silencio de su padre, que luchó en Italia durante la segunda guerra mundial y volvió a México al cabo de cuatro años que quedaron enterrados para siempre en su memoria.

umergirse en estas páginas es dejarse sorprender por el mundo de Mr.Wonderful del que uno sale transformado y con una gran sonrisa. Leer estas páginas es un chapuzón en el mar en agosto, es tener agujetas en el estómago después de tanto reir...

a inexplicable desaparición del gentleman Atticus Craftsman en el corazón de las tinieblas de la España profunda parece estar relacionada con las malas artes de cinco mujeres desesperadas, las empleadas de la revista Librarte, capaces de cualquier cosa con tal de conservar su trabajo. Todo esto para terminar descubriendo, qué cosas, que el amor lo explica todo.AVISO PARA LECTORES:Esta novela puede afectar seriamente su percepción pesimista de la realidad. Provoca carcajadas y ganas de más. Sus personajes son como los hijos: cuanto más tropiezan, más se les quiere. Cuidado con sus corazones: les pueden entrar ganas irrefrenables.

ras la muerte de su padre, el prestigioso empresario alemán Eric Zimmerman decide viajar a España para supervisar las delegaciones de la empresa Müller. En la oficina central de Madrid conoce a Judith, una joven ingeniosa y simpática de la que se encapricha de inmediato. Judith sucumbe a la atracción que el alemán ejerce sobre ella y acepta formar parte de sus juegos sexuales, repletos de fantasías y erotismo. Junto a él aprenderá que todos llevamos dentro un voyeur, y que las personas se dividen en sumisas y dominantes... Pero el tiempo pasa, la relación se intensifica y Eric empieza a temer que se descubra su secreto, algo que podría marcar el principio o el fin de la relación.

arís, 1942. Rose Picard y Jacob Levy, dos jóvenes judíos, se enamoran apasionadamente en los días previos a la o cupación de la ciudad por los nazis. Cape Cod. En la actualidad. La nieta de Rose, Hope, deberá encontrar a las personas que su abuela le ha escrito en una lista de nombres que desconoce. Tendrá que viajar a París para reconstruir el pasado de su abuela, una historia que cambiará su vida para siempre.

abía una vez un Príncipe Azul que estaba harto de besar a damiselas que nunca despertaban de su letargo existencial, y que sólo sabían echar la culpa de su desastre vital y se empeñaban en hacer pagar sus sueños rotos a los hombres. Un buen día, nuestro Príncipe Azul se encontró con su Hada Madrina, quien le enseñó a redefinir su relación con las mujeres y a desembarazarse de todas las ideas caducas y de las obligaciones que le eran ajenas y ni siquiera había escogido. Ésta es la historia de muchos hombres buenos, que descubren que les han contado falsos cuentos de hadas y resulta que sí tienen la capacidad de amar.