Folleto eszenAZ - Temporada de Artes en Vivo de Azkuna Zentroa

Temporada de Artes en Vivo de Azkuna Zentroa

Imagen de portada: Instituto Stocos. Oecumene

Otra forma de sentir el teatro, la música, la danza y la performance

Programación

2023

Temporada de Artes en Vivo de Azkuna Zentroa 2023-2024 Teatro, música, danza, performance

Otra forma de sentir el teatro, la música, la danza y la performance

Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao, Centro de Sociedad y Cultura Contemporánea de Bilbao, abre la ventana de la escena contemporánea con una programación estable de propuestas interdisciplinares y transmedia.

El teatro es texto, acción y mucho más. Las nuevas dramaturgias convierten el cuerpo en un significante público. Bailarinas y coreógrafos proponen otra visión de la danza y la perfomance con nuevas formas de movimiento o interactuando con entidades sonoras y visuales, que les permiten alterar y extender su presencia corporal. El sonido, situado como medio no como fin, acoge la voz, la danza y otros lenguajes.

Este avance de eszenAZ se conforma con casi una veintena de montajes escénicos de gran intensidad corporal, musical y visual. En su estética abarcan desde la plástica contemporánea hasta las formas más arcaicas, capaces de revisar una epopeya griega a través del rap y la cultura hip-hop.

Son también un ejemplo del potencial transformador de las artes en la sociedad, propiciando la participación y el empoderamiento de los públicos, proponiendo a las y los espectadores experiencias del alma para traernos de vuelta al mundo de las intuiciones sensibles

en este momento distópico y de colapso sistémico.

En algunos casos son producciones que se encuentran de gira internacional. En otros, coproducciones de Azkuna Zentroa con espacios de referencia en la creación escénica europea, y estrenos de piezas que se han desarrollado en el propio Centro, a través del programa de residencias. La colaboración con programas y proyectos como Dantzaldia, Dantzan Bilaka, Dantzerti o Mitusu amplifica la intención de proponer otra forma de experimentar las artes escénicas.

El público infantil y juvenil tiene también su sitio con experiencias artísticas intergeneracionales e inclusivas que desde la música en directo, el movimiento los títeres, el teatro e incluso el cine mudo, tratan de despertar la sensibilidad y la curiosidad infantil a través de las artes en vivo.

De septiembre a junio, el Atrio, el Auditorio y Kubo Baltza se convierten en el escenario de los trabajos más innovadores de la escena local e internacional. Espectáculos que sitúan al público en el centro de experiencias inmersivas, contemporáneas, únicas e irrepetibles. Es otra forma de sentir el teatro, la música, la danza y la performance.

Matxalen Bibao

Fugas

Jueves, 28 de septiembre

Atrio

20:00

Duración: 20´

Ficha artística

Dirección: Matxalen Bilbao

Intérpretes: Olaia Valle, Miren Lizeaga, Aiala Echegaray, Natalia García

Música: Chopin Waltz Op. 64

No. 2, Bach Brandemburgo

Concierto, Concierto nº6

Vestuario: Java Vintage

Colaboran: La FuNdicIOn, Utopian, CDART

Subvenciona: Gobierno Vasco Dpto. de Cultura

matxalenbilbao.es

@matxalenbilbao

Fugas reflexiona sobre las relaciones entre el grupo y el individuo, las unificaciones entre ellos y también las discrepancias. Los vínculos, las migraciones y las composiciones escultóricas son la inspiración. Ha querido buscarse, seguir y representar la escena del grupo que pasará por diferentes situaciones.

A través de esta pieza de danza para espacios urbanos, la coreógrafa Matxalen Bilbao continúa indagando en la idea del grupo ya abordada en Gear, su anterior trabajo creado sobre imágenes de engranajes, migraciones y composiciones escultóricas como fuentes de creación. Desde otra mirada Fugas (Mejor Coreografía de Danza 2018 del Festival La Espiral Contemporánea) formula nuevas formas de relación, articula distintos tipos de dependencia y despliega diferentes situaciones sobre el mismo concepto de “Grupo”. La música de Chopin y Bach sirven de disparadores creativos para construir una atmósfera atemporal donde las referencias clásicas contrastan con las actuales.

A veces atado, a veces separado pero siempre cerca. Un viaje emocionante y fugaz

Matxalen Bilbao

Es bailarina, pedagoga y creadora, y desarrolla su trabajo desde Bilbao. En estos 20 años como creadora ha ido perfilando un vocabulario personal. Interesada en profundizar y desarrollar su propio pensamiento, sigue insistiendo rigurosa y metódicamente en sus inquietudes, trazando un camino coherente donde se inclina hacia la investigación: el movimiento, el cuerpo, su singularidad,

la relación con los demás “el entre” y la organización espaciotemporal. Sus obras ofrecen a las personas espectadoras fragilidad y fuerza, seguridad y vulnerabilidad, intimidad y osadía. Desde 2022 codirige junto a Natalia García Muro el proyecto Mutis Espazioa para la formación y la creación.

OSA+Mujika

Bueltaxka

Jueves, 28 de septiembre

Atrio

20:15

Duración: 15´

Ficha artística

Dirección: OSA+MUJIKA

Coreografía: Jaiotz Osa

Intérpretes: Jaiotz Osa, Rafke

Van Houplines

Vestuario: Xabier Mujika

Música: Gartxot

Video / Fotos: Etanowski osamujika.com

@osa_mujika

¿Cuántas veces has sentido eso de que quieres algo que no tienes? ¿Cuántas veces te has visto dando vueltas sin parar, en busca de “ese algo” que te falta? El eterno problema humano de la insatisfacción, el creer que nuestra vida será completa solamente cuando…

Hoy en día esta búsqueda es permanente e insaciable, nunca sentimos que hemos llegado a un sitio que merezca la pena y ahí seguimos, dando vueltas. Pensamos que logrando determinada cosa nuestra vida va a estar resuelta para siempre, pero la verdad es que no sucede así. Porque la vida nunca “se resuelve” del todo. Porque siempre estamos en el camino.

Bueltaxka obliga a las personas espectadoras a parar, a dejar de dar vueltas, a abandonar la búsqueda. Nos recuerda que ahí fuera no hay nada más, que ya está, que todo era esto. Pero que “esto” merece la pena.

El último trabajo de Osa+Mujika es una pieza de 15 minutos que cuenta la historia de dos amigas -Jaiotz Osa y Rafke Van Houplines- que consiguen encontrar el placer en estar juntas, teniendo la certeza de que, avanzando juntas y abandonando la insatisfacción y la búsqueda constante, el fracaso nunca existirá.

Bueltaxka aplaude el camino, nos invita al ahora. Es la exaltación de la amistad

OSA+Mujika

Es el encuentro artístico entre dos mundos creativos: el de Jaiotz Osa, bailarín y coreógrafo, y el de Xabier Mujika, diseñador de vestuario y espacios escénicos, que nace para satisfacer sus intereses en la danza y las artes audiovisuales. El dúo arranca en 2017 con su primera pieza Suddenly, un solo de 13 minutos creado para espacios no convencionales. Es la base sobre la que han construido Suddenly lll, pieza de 50 minutos seleccionada en el catálogo Danza a Escena 2019. En 2020 crean

su segundo solo de larga duración, Loser, a través de la Residencia Internacional de Danza de Azkuna Zentroa, en colaboración con Dansateliers Rotterdam y estrenada ese mismo año en el Centro.

Miguel A. García

Eyezorros

Martes, 10 de octubre

Auditorio

19:00

Ficha artística

Composición y electrónica:

Miguel A. García

Trompeta: Luis André

Sonido: Juan Carlos Blancas

Guitarra: Diego Caicedo, Enrike Hurtado

Danza: Izarne Oyarzabal

Contrabajo: Alex Reviriego

Voz y dirección de coro: Ibon Rg

Body ruidism: Myriam Rzm

Voz: Marta Sainz

Percusión: Vasco Trilla

Saxo: Fernando Ulzión

Coro: Amparo Badiola, Candela Garazi, Álvaro Matilla, Ángela R. Sagredo, Unai Requejo, Mar Seco, Susana Talayero, Mikel

Vega, Natalia Vegas, Maia Villot, Jon Zearra

xedh.org

@miguel_a_garcia

Eyezorros presenta una selección de toda la producción sonora creada por Miguel A. García como Artista Asociado a Azkuna Zentroa. Un “disco de oro” recogido en un vinilo.

El artista sonoro ha desarrollado en los dos últimos años el proyecto Comclapompos. Usar el flujo como un cauce, un trabajo de composición musical que abraza las sinergias del entorno, dando lugar a una profundización en las múltiples posibilidades de la estructura. Partiendo de una concepción altamente experimental y más cercana a la electroacústica, la música de Miguel. A García se pliega y despliega para acoger voz, danza, otros lenguajes y otros sentires, indagando en la descomposición de la forma como resorte. «El medio es el sonido y es para mí el origen, pero no el final: paralelamente a trabajar con músicos y artistas que partan también de ese medio, me interesa también ampliarlo a otras disciplinas, pero siempre de manera orgánica», explica el artista. El disco se ha creado en colaboración con artistas como Elena Aitzkoa (Artista Asociada a Azkuna Zentroa), Luis André, Fernando Carvalho, Ilia Belorukov, Alba Burgos, Ferran Fages, Garazi y Mikel Gorostiaga, Garazi Navas, Alex Reviriego, Ibon RG, Matías Riquelme, Marta Sainz, Beatriz Setien, Fernando Ulzion, Mikel Vega y Natalia Vegas. Eyezorros es el primer vinilo producido por Azkuna Zentroa, con el que amplía los formatos que dan soporte a la creación artística del Centro. El LP está a la venta en dendAZ, la tienda de Azkuna Zentroa, y en dendaz.azkunazentroa.eus.

El medio es el sonido y es para mí el origen, pero no el final

Miguel A. García

Es uno de los artistas sonoros más inquietos del panorama español. Su trabajo abarca tanto la composición como la improvisación electroacústica. Utiliza sonoridades obtenidas a partir de residuos de dispositivos electrónicos, a menudo interrelacionándose con grabaciones de campo o instrumentos acústicos, en busca de un tipo de experiencia íntima, inmersiva e intensa. Una “música” de formas aventuradas y llena de contrastes, no exenta de sentido del humor, que cuestiona las fronteras entre la música electroacústica académica, la música industrial, el noise, o la llamada música “outsider”.

Verde Prato

Adoretua

Miércoles, 18 de octubre

Auditorio 19:00

Duración: 60´

Ficha artística

Verde Prato: Ana Arsuaga

Productor: Jon

Aguirrezabalaga

Fotógrafa: Maria Muriedas

Diseño: Sahatsa Jauregi

Discográfica: PlanBrecords

@verdeprat0

youtube.com/@VerdePrato

verdeprato.bandcamp.com

Verde Prato presenta su último álbum Adoretua, del euskera adore, significa coraje y valentía. El que tiene quien se enfrenta en solitario a la composición, al escenario, a la desnudez y la valentía de abrirse y mostrarse y cantar como declaración de intenciones.

Adoretua tiene luz como no habían tenido las canciones de Verde Prato con anterioridad. Este es también un devenir, de un tono más trágico al bolero o el pop. Abandona la conceptualidad que cohesionaban sus anteriores propuestas para volar libre pero intimista, recogiendo experiencias personales y expresando temas universales como el amor, el erotismo, el desengaño, la familia, la infancia y el encuentro con el mundo, la soledad, los sueños...

Adoretua es la confirmación de la evolución de esta artista única, que continúa su ascensión hacia un cielo lleno de matices desconocidos, de colores insospechados.

Llevando la tradición oral vasca del pasado al futuro

Verde Prato

Es un talento único que emerge de una oleada de cantautoras que expresan su identidad a través del poder de la voz. Su neo-folk desnudo pero llamativo no ha dejado a nadie indiferente. Con su primer disco, Kondaira eder hura (PlanB-rec 2021) llegó al podio de los mejores del año. Desde entonces ha publicado Jaikiera (Hegoa Diskak) y Euskal Pop Erradikala, un EP de cuatro versiones que su público conoce bien por los conciertos y que toma su nombre del euskal rock erradikala o rock radical vasco,

reconocido movimiento musical que surgió en los ochenta en Euskadi.

Verde Prato canta en euskera y recupera la tradición oral vasca en sus canciones, llevando el pasado al futuro. Su propuesta pone en valor la presencia de la voz en el cancionero popular de muchas culturas y es un elemento que cobra especial importancia en sus composiciones.

© Maria Muriedas Diez

Led Silhouette

Los perros

Jueves, 26 de octubre

Kubo Baltza

19:00

Duración: 50´

Ficha artística

Dirección del proyecto:

Led Silhouette

Idea y dirección artística: Marcos Morau

Asistencia coreográfica: Marina Rodriguez

Intérpretes: Jon López y Martxel Rodriguez

Texto: Carmina S. Belda

Traducción: Gaizka Sarasola y Mattane Rodriguez

Voz en off: Oier Zuñiga

Colaboradores: Con el apoyo del programa DNA del Departamento de Cultura del Gobierno de Navarra e INNOVA Cultural de Fundación

Caja Navarra - Fundación “La Caixa”. Lesakako Udala

Este espectáculo forma parte del circuito de danza 2023 de la red vasca de teatros.

ledsilhouette.com

@led_silhouette

Como hijos de su tiempo, los nacidos en la era digital, asisten a un escenario inestable y convulso que los enfrenta (y nos enfrenta) a un proceso de deshumanización y de aislamiento, para el que la solución más exitosa parece ser un blindaje individual, la creación de una identidad diferenciada o de una marca personal. Somos más que nunca un producto a la venta y la juventud es el valor más codiciado. La contemporaneidad arrasa los cuerpos frágiles, desmiembra a los más vulnerables, deshecha a los inadaptados que se debaten (nos debatimos) entre la posibilidad de rebelión o la docilidad.

El despliegue de una danza pasional que encuentra su sentido más puro en la repetición y en la catarsis: Bailar hasta la extenuación, ladrar hasta el abatimiento, vivir hasta el desfallecimiento. El relato del hombre que se contempla en el otro para encontrarse a sí mismo. Dos hombres abrazados. Dos hombres que bailan hasta que todo termine y todo vuelva a empezar.

La última creación escénica de la compañía de Led Silhouette plantea una propuesta que viaja desde el trance de la repetición a la fascinación por la sucesión de imágenes. Imágenes robadas del ayer y lanzadas al mañana, del ahora y embadurnadas del pasado, de la plástica contemporánea a la forma atávica, terrenal, en un constante cruce de tiempos y de lenguajes.

En Los perros Martxel Rodriguez y Jon López representan un diálogo entre tres generaciones acompañado de la proyección de textos de la escritora y dramaturga Carmina S. Belda, la voz en off del actor Oier Zuñiga y la música de Cristóbal Saavedra.

Dos hombres abrazados. Dos hombres que bailan hasta que todo termine y todo vuelva a empeza

Led Silhouette

Martxel Rodriguez y Jon López dirigen Led Silhouette, colectivo creativo de artistas con formación en diferentes disciplinas de la danza e influencias del arte contemporáneo, paralelamente a su actividad en la compañía La Veronal. Sus trabajos han tenido cabida en

festivales y circuitos como Madrid en Danza, Temporada Alta, Escena Patrimonio, Festival Quincena de Dança Almada en Portugal, Festival Internazional Nuova Danza en Italia, Platea, Danza Escena o Sarea.

© Irantzu Pastor // Danza

L’Alakran

INACTUALES

Jueves, 9 y viernes 10 de noviembre

Auditorio 19:00

Duración: 100´

Ficha artística

Concepción y Dirección: Oscar Gómez Mata

Interpretación: Juan Loriente y Oscar Gómez Mata

Colaboración artística: Sandra Cuesta

Creación luz y dirección técnica: Leo Garcia

Creación escenografía: Vanessa Ferreira Vicente

Coproducción: Grütli – Centro de producción y difusión de las artes vivas, Théâtre populaire romand – Centro de las artes vivas de Neuchâtel, Arsenic –Centro de artes escénicas contemporáneas y Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao.

Apoyo:

Loterie Romande Genève, Fondation Leenaards y Comédie de Genève (Residencia)

Hoy en día, es cada vez más difícil confiar. Dudamos de lo que vemos y de lo que oímos. No podemos estar seguros que tú y yo veamos lo mismo. ¿Lo que se deja ver, nos da realmente una imagen de la realidad? Vemos algo pero no sabemos realmente lo que es.

En este período de distopía de colapso sistémico, de déficit en el reconocimiento del ser humano como individuo creador, nos gustaría proponer una experiencia del alma, una forma de renacer, una forma de traer de vuelta al mundo de intuiciones sensibles e hipersensibles que muchas veces se practican más allá de la razón o del pensamiento cartesiano, que sitúan nuestros pasos en la inocencia, y esta es una terrible carencia en nuestra sociedad.

MAKERS, la última creación de Oscar Gómez Mata –Compagnie L’Alakran, desarrollada como Artista Asociado a Azkuna Zentroa, nace de una complicidad artística con el actor Juan Loriente. Esta es nuevamente la base del impulso creativo de INACTUALES en el que este dúo de payasos metafísicos continúa su búsqueda de lo sensible bajo lo sensible. Esta vez es la materia inerte la que está ahí para revelarnos algunas verdades no probadas. En esta ocasión, cuentan con la colaboración artística de Sandra Cuesta, autora de la intervención sonora Lo adherente y el fuego en Azkuna Zentroa en 2020.

INACTUALES es una coproducción de Grütli – Centro de producción y difusión de las artes vivas de Ginebra (Suiza), y Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao.

L’Alakran suscita en escena emociones radicales, creando espectáculos lúdicos, filosóficos y siempre poéticos. El contexto político, en el sentido de actitud crítica, es inherente al proyecto artístico; para interrogarse sobre la relación entre el individuo y la colectividad, sin querer dar respuestas ni fijar la palabra e una ideología.

Oscar Gómez Mata

Actor y director, empieza sus actividades teatrales en España donde, en 1987, confunda la Compañía Legaleón-T, con la que crea espectáculos hasta el 1996. En Ginebra en 1997, funda la Compañía L’Alakran, con la que firma la dirección, la concepción, la dramaturgia o los textos de varios espectáculos. Desde 2013, es profesor regular en la Manufacture - Escuela de teatro de Suiza francesa (HETSR). En 2018 recibió el Premio Nacional Suizo de Teatro y ha sido Artista Asociado a Azkuna Zentroa entre los años 2019 y 2022.

Juan Loriente

Actor cántabro, más conocido en el teatro ya que es un habitual de los montajes de Rodrigo García y La Carnicería Teatro. También ha trabajado de manera esporádica en cine, en películas entre las que destacan La espalda de Dios (Pablo Llorca) o Smoking Room (Cesc Gay).

El dúo de payasos metafísicos -Oscar Gómez Mata y Juan Loriente- continúa su búsqueda de lo sensible bajo lo sensible

Instituto Stocos (Muriel Romero y Pablo Palacio)

Oecumene

Jueves, 23 de noviembre

Kubo Baltza

19:00

Duración: 40´

Ficha artística

Dirección del proyecto: Pablo Palacio y Muriel Romero

Coreografía: Muriel Romero / Música: Pablo Palacio

Interpretación: Muriel Romero Software y tecnología interactiva: Pablo Palacio y Daniel Bisig

Iluminación: Maxi Gilbert

Producción: Instituto Stocos

stocos.com

@institutostocos

Oecumene es una pieza que combina danza y música, en la que se reflexiona sobre el lugar del individuo en el mundo, con sus sentidos expandidos mediante la tecnología, más allá de los límites de su procedencia geográfica y su identidad cultural de origen.

La Oecumene es un término que proviene del ideal alejandrino de cosmópolis: un mundo habitado como un todo, como la posesión común de la humanidad civilizada de hombres y mujeres libres. Un concepto desarrollado en esta creación de danza para una bailarina y diseño sonoro inmersivo tridimensional. Una obra en la que ella navega a través de un mar de sonidos formado por fonemas provenientes de múltiples lugares del planeta.

El desarrollo de las cualidades expresivas de la danza en relación con este tapiz de sonidos universal en constante transformación, funciona como un organismo que refleja el sincretismo transcultural del mundo que nos ha tocado vivir. La pieza emplea tecnología interactiva, que permite a la bailarina relacionarse en tiempo real con este reflejo sonoro del mundo que nos rodea.

Oecumene es una obra transdiciplinar que combina la alta tecnología con la danza, la composición electroacústica y los visuales interactivos. Propone una experimentación sensorial del mundo a través del cuerpo y reflexiona sobre el lugar del individuo en el mundo, con sus sentidos expandidos mediante la tecnología, más allá de los límites de su procedencia geográfica y su identidad cultural de origen. Una muestra de que es posible bailar la Inteligencia Artificial, la biología, las matemáticas y la psicología experimental.

Azkuna Zentroa presenta el trabajo de Instituto Stocos en el marco de Dantzaldia, el Festival Internacional de Danza de La Fundición.

Instituto Stocos

La coreógrafa y bailarina Muriel Romero y el compositor Pablo Palacio forman esta compañía centrada en la transferencia de conceptos entre arte y ciencia. Investigan el movimiento en una escena tridimensional donde los cuerpos interactúan con entes sonoros y visuales, desarrollando la interacción entre el gesto corporal, el sonido y la imaginería visual. Fruto de su imaginario, Instituto Stocos produce trabajos que funcionan como una diseminación artística de su investigación, integrando en un contexto escénico abstracciones tomadas de otras disciplinas tales como la Inteligencia Artificial, la biología, las matemáticas o la psicología experimental.

Bailar la Inteligencia

Artificial, la biología, las matemáticas y la psicología experimental

Tripak

Platea

Miércoles, 29 de noviembre

Auditorio

19:00

Duración: 70´

Ficha artística

I dea, textos, puesta en escena y escenografía: Natalia Suárez, Marina Suárez, Andrea Berbois y Maite Muguerza

Intérpretes: Natalia Suárez, Marina Suárez, Andrea Berbois, Maite Muguerza y Garazi Navas

Mirada exterior: Mayi Martiarena

Música: Andrea Berbois y Garazi Navas

Textos: Tripak

Auxiliares de escenografía: HAIEK Koop.

Diseño de luz: Inga Cerro

Distribución: Tripak

Fotos: Arriguri

tripakkolektiboa.wixsite. com/website

@tripak.k

Partiendo de la idea de la existencia intermedia o el estado de transición de las almas, en Platea se nos presenta, como representación de un limbo imaginado, una mesa de banquete en medio de un paisaje de marismas. El movimiento de las mareas destaca la propiedad de la vida de dar y tomar sin encontrar explicación o amarre. Un Dios, como maestro de ceremonias, da la bienvenida a los cuerpos que llegan a este entorno mutable. Arrastrados por el mar llegan desorientados o desmayados, como náufragos o como sirenas; todos tuvieron antes una vida y una muerte. El lugar ha sido preparado para la celebración final, la gran transmutación, aunque antes deberán despojarse de sus anteriores voluntades, que aún resuenan.

Platea es la tercera producción de la compañía vasca Tripak, una reflexión existencial sobre lo que ocurre entre la muerte y la vida, con espacio para el humor y el absurdo. En la obra, las imágenes de dolor y desgarro son atravesadas por el humor y el absurdo; los cantos polifónicos y los sonidos del acordeón y el violín, que transitan de lo clásico a lo experimental, aglutinan las visiones poéticas y abstractas. La pieza resultante, de una profunda intención estética, rebasa la narrativa convencional y se convierte en un medio para llevar al público a transitar entre la risa y la lágrima.

En Platea las imágenes de dolor y desgarro son atravesadas por el humor y el absurdo

Tripak

Compañía vasca de artes escénicas formada por las artistas plásticas Mayi Martiarena, Maite Mugerza y Marina Suarez, y la violinista Andrea Berbois. Se fundó en 2013 en la Sala Baratza (Vitoria-Gasteiz), en el contexto del Laboratorio de Creación, con el objetivo de ofrecer creaciones basadas en su particular visión del mundo y de la estética.

Cielo RasO

Hâmaïkà

Jueves, 14 de diciembre

Auditorio 19:00

Duración: 56´

Ficha artística

Coreografía y dirección:

Igor Calonge

Interpretación: Ainhoa

Usandizaga, David Candela, Emma Riba, Joan Ferré

Ayudantía de dirección:

Gabriel F.

Diseño de iluminación: Sergio García

Vestuario: Amaia Elorza

Escenografía: Igor Calonge

Fotografía: Dani Blanco

Video: Kensa Produzkioak, Asier Garcia

Distribución: AstaKardu / Beatriz Churruca

Producción: Igor Calonge

Subvenciona: Gobierno Vasco

Colabora: Dantzagunea y Donostia Kultura Egia K.E.

ciacieloraso.com

@ciacieloraso

A veces, lo que se estremecía en un museo a oscuras, vuelve irrumpiendo brillante. Hâmaïkà es una pieza de sala que rompe y enfatiza 11 años de trayectoria creativa. Es flexible y pone en valor la diferencia, el género y la libertad. El trabajo coreográfico es poderoso pero el lenguaje necesita de una mirada experta y esto solo puede suceder gracias a ti.

Hâmaïkà toquetea la ficción y la realidad, de forma poco seria, empujándonos a mirar. Cuando se mezclan ficción y realidad, aparece la magia. La magia tiene truco y el truco, generalmente, no se quiere mostrar porque al mostrarlo, se mata la ilusión. Pero la ilusión solo muere cuando desaparece la imaginación.

Hâmaïkà conmemora el aniversario de la compañía Cielo RasO del coreógrafo y bailarín Igor Calonge. Está construida desde una esencia teatral y cinematográfica en la que fluyen los personajes interpretados por Ainhoa Usandizaga, David Candela, Emma Riba y Joan Ferré. El principio y final se arman desde una misma escena que evoluciona y es un hallazgo para el público.

Hâmaïkà toquetea la ficción y la realidad, de forma poco seria, empujándonos a mirar

Azkuna Zentroa presenta el trabajo de Cielo RasO en el marco de Dantzaldia, el Festival Internacional de Danza de La Fundición.

Cielo RasO

Compañía fundada por el coreógrafo y bailarín Igor Calonge en 2010 en el País Vasco. Esta identidad y su transformación hacia la contemporaneidad, es la base del trabajo de Cielo rasO que se sirve de la tradición, la fuerza del cuerpo, la resistencia, la lucha primitiva, la simbología y la poética, para ofrecer siempre un lenguaje físico nuevo y un resultado arriesgado. Cielo rasO ha conseguido un marcado estilo propio también

en el tratamiento de la escena. Su apuesta ha ido ganando reconocimiento en el panorama nacional. 18 creaciones dan valor a la intensidad del trabajo. Sus producciones han visitado Francia, Italia, Polonia, Brasil, México, Argentina, Panamá, Paraguay y Finlandia.

Cris Blanco

Grandissima illusione

Jueves, 18 de enero

Auditorio

19:00

Duración: 90´

Ficha artística

Dirección: Cris Blanco

Interpretación: Cris Blanco y Óscar Bueno

Acompañamiento artístico: Anto Rodríguez, Óscar Bueno

Dramaturgia: Cris Blanco, Rocío Bello, Anto Rodríguez, Óscar Bueno

Consejo teatral: Roberto Fratini

Diseño de luces/Coordinación

técnica: Montse Piñeiro y Cristina Bolivar

Diseño de sonido: Carlos Parra

Vídeo directo: Andrea Balaguer

Ayudante de vestuario: Oriol Corral

Fotografía y grabación: Mila Ercoli

Producción: Ariadna Miquel

Asistente de Producción: Andrea Balaguer

Coproducción: Grec 2022

Festival de Barcelona, Cris Blanco i Conde Duque Madrid.

Apoyos: El Graner, Teatre CCCB, Proyecto premiado con la Beca Premis de Barcelona 2020 y las Becas de Recerca e investigaciò del OSIC 2022.

Hola, soy Cris Blanco. Hoy es 12 de marzo de 2022 y escribo este texto desde la casa de mi madre, donde crecí, viendo por la ventana mi cole, el Bravo Murillo, en el que pasé 8 años. En la tele dicen que ayer hizo 2 años que se declaró la pandemia. Así que hace 2 años que empecé a pensar en esta obra de teatro (bueno, no sé si es esta obra que vas a ver...). Empecé a pensar en una obra muy grande, Grandissima Illusione se llamaba. Con muy buenas actoresqw (perdón por el error, mientras escribía esta frase mi perro ha pisado el teclado) con un cuerpo de baile, un coro en directo... era una obra de gran formato, con grandes escenografías recicladas de grandes producciones del Teatre Nacional de Catalunya.

El último montaje de Cris Blanco es el proyecto de investigación y creación de una pieza escénica de gran formato en la que conviven varios géneros teatrales. Grandissima Illusione es, según su propia creadora, un homenaje al teatro y a las convenciones teatrales, que le obsesionan. La obra arranca cuando un personaje teatral del siglo XVII, una Marquesa de Lope de Vega, por ejemplo, se topa con el técnico tatuado del teatro y se enamora de él. A partir de ahí el caos se apodera de la obra y todas las convenciones saltan por los aires.

En la mañana del estreno, Cris Blanco compartirá con escolares el proceso creativo de esta obra.

Un homenaje al teatro y a las convenciones teatrales

Cris Blanco

Nacida en Madrid, Cris Blanco vive en Barcelona. Desde el 2003 realiza sus propias piezas escénicas y trabaja como intérprete en danza, teatro y cine. Ha trabajado en escena con Cuqui y María Jerez, Amaia Urra, Juan Domínguez y Xavier Leroy, y en cine con Roser Aguilar e Icíar Bollaín, entre otras. Acompaña proyectos artísticos, imparte clases en el Instituto del Teatro y participa en proyectos educativos. Algunos de sus trabajos escénicos incluyen cUADRADO_fLECHA_pERSONA qUE

cORRE (2004), ciencia_ficción (2010), El Agitador Vórtex (2014), Bad Translation (2016) y Pelucas en la Niebla (2018). En el 2019 creó Lo mínimo y lo pequeño, con Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol. Sus creaciones se han visto en escenarios y festivales europeos, americanos y asiáticos.

Laenananaranja

Zimurren artean kontukantari 3

Sábado, 20 de enero

Auditorio

18:00

Duración: 60´

Público: Niñas, niños, jóvenes

Pase para escolares: 17 y 18 de enero, 11:00

Ficha artística

Cantante: Sandra Fernandez Agirre

Músico: Roberto Castro “Boti”

Manipuladores de títeres: Itziar Fragua, Marta Álvarez del Valle, Jon Koldo Vázquez

Música: Roberto Castro “Boti”, David Nanclares

Dramaturgia, escenografía, vestuario y marionetas: Laenananaranja

Texto: Jon Koldo Vázquez

Dirección: Iker Garcia

Diseño de iluminación: Paco

Trujillo

Técnico de iluminación: Victor Palacio

Diseño gráfico: Aritz Garcia

Producción: Solobe Art

Idea original: Sandra Fdez. Agirre y Mikel Pikaza

Ma está bastante ocupada últimamente y ha dejado a los niños en casa de su abuela. Nanu escuchará las historias que esconde la abuela entre sus arrugas, pero Kanuto ladrará interrumpiendo: ha estado inspeccionando la casa y ha encontrado la vieja boina del abuelo. Una gorra llena de sabiduría.

Kontukantari surgió en 2014 con el deseo de crear una oferta escénica y musical de calidad para el público infantil. Con la ayuda de las marionetas, esta propuesta musical retoma canciones que tenemos en la memoria, trasladándolas a ritmos como el reggae, el rap o el blues.

Tras Kontukantari (2014) y Kontukantari Bi, mendian ibiltari (2017) la compañía vasca titiritera estrena Kontukantari 3 Zimurren artean kontukari. Un concierto pensado como un nuevo homenaje a las viejas generaciones, con diez nuevas canciones llenas de sabiduría y humor para que niñas, niños, padres, madres, abuelas y abuelos, bailen y canten. Un viaje intergeneracional en el que los títeres les acompañan, convirtiéndose en los protagonistas.

Un viaje intergeneracional por la música lleno de sabiduría y humor

Laenananaranja

Titiriteras por vocación, LaEnanaNaranja nació en Bilbao en 1999 con la intención de hacer un teatro familiar crítico-constructivo a través del teatro de marionetas contemporáneo y sin olvidar la tradición histórica de esta disciplina. En su trayectoria destaca la trilogía musical de Kontukantari, la de mesas títeres: Lolo; encargo 215. Imundo; Doblador de Barrotes y

Ma; y Tren Taupadak; y la ópera de marionetas Altzoko Handia, producida junto a Donosti 2016 y Topic, Centro Internacional del Títere de Tolosa.

Caspervek

Las aventuras del príncipe Achmed

Domingo, 28 de enero

Auditorio 12:00

Duración: 65´

Público: Niñas, niños, jóvenes

Ficha artística

Directora: Lotte Reiniger

Compositor: Brais González

Pérez

Un malvado hechicero africano utiliza un caballo mágico para embaucar al gran Califa y conseguir raptar a su hermosa hija, Dinarzade. En ese momento, su hermano, el valiente Príncipe Achmed se embarcará en una gran aventura para salvar a su hermana que le llevará por distintos rincones del mundo, enfrentándose a terribles peligros y que también le hará conocer el amor.

El ensemble gallego Caspervek pone música en directo a Las Aventuras del Príncipe Achmed (1926), el largometraje de animación más antiguo de la historia que se conserva. Su directora, Lotte Reiniger, creó para ello una técnica de siluetas a partir de recortes manipulados, hechos con cartón y finas láminas de plomo, bajo una cámara. La cineasta alemana necesitó tres años para realizar esta película, basada estéticamente en el teatro de sombras asiático Wayang.

La partitura de Caspervek para Las aventuras del príncipe Achmed ha sido uno de los mayores éxitos de la banda -referente europea de los cine-conciertos- y una de las más interpretadas a lo largo de los años, con actuaciones en España, Eslovaquia y Letonia. La partitura rompe con su estilo habitual para adentrarse en las sonoridades de las diferentes regiones que aparecen en la película. Brais González ha compuesto la versión orquestal de esta obra en la que destacan los ritmos del este de África, las melodías orientales y las armonías típicas de la música árabe.

Música en directo para una historia de aventuras y sombras chinas

// Cine mudo con música en directo

Caspervek

Desde su fundación en 2013 Caspervek Trío ha realizado más de 300 presentaciones en más de una docena de países del continente. El grupo ha compuesto Bandas Sonoras para una treintena de películas clásicas de la era muda, desde las grandes obras maestras del Expresionismo Alemán a los films de Buster Keaton, pasando por el cine de aventuras

americano. Caspervek ha actuado, entre otros, en el Centro Cultural Conde Duque, los Cines Capitol, el Museo Nacional de Arte de Estonia (KUMU), el Auditorio Nacional Baltais Fligelis de Letonia, la Galeria Flux de Budapest y la Lytgen Station de Copenhague.

Paul B. Preciado

Yo soy el monstruo que os habla

Jueves, 15 de febrero

Auditorio

19:00

Duración: 90´

Ficha artística

Produ cción: ElenaArtesescenicas

Reparto: Paul B. Preciado, Bambi, Victor Viruta, Andy Díaz, Fabi Hernández

Texto y Dirección: Paul B. Preciado

Colaboración artística

escénica: Tanja Beyeler y Natalia Álvarez Simó

Asistente artístico: Alexandru Stanciu

Coordinación técnica: Béla Nagy

Diseño de iluminación: Paco Ariza y David Checa

Coordinación: Gabi Belveder

Regiduría: Conde Duque, Gema Monja

@paulbpreciado

En diciembre de 2019, Paul B. Preciado pronunció un discurso ante tres mil quinientos psicoanalistas reunidos para las Jornadas de l’École de la Cause Freudienne en Paris. Retomando el texto de Franz Kafka en el que un simio que ha aprendido el lenguaje humano se dirige a una academia de científicos, Paul B. Preciado se dirige como hombre trans y persona de género no binario a la asamblea de psicoanalistas no sólo para denunciar la violencia estructural que la psiquiatría, la psicología y el psicoanálisis llevan a cabo sobre las personas consideradas como homosexuales, trans, intersexuales, o de género no binario, sino también para invitar al psicoanálisis a abrirse a las mutaciones de género y sexuales que están teniendo lugar. El resultado es un monólogo al mismo tiempo íntimo y político que no sólo se dirige a los psicoanalistas sino a cada uno de nosotros y a nuestra capacidad para acoger el cambio e imaginar una nueva utopía.

Yo soy el monstruo que os habla no es una obra, ni una adaptación teatral de un texto. Es algo distinto, según describe su autor. Un texto a varias voces con el que trata de generar una comunidad de palabra y que pone de manifiesto lo que le interesa del teatro: la posibilidad de que un cuerpo se convierta en significante público; cómo puede interpelar a otros espacios que han sido naturalizados. Paul B. Preciado es el comisario de la exposición Una voz para Erauso. Epílogo para un tiempo trans de los artistas Cabello/ Carceller, producida por Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao y exhibida entre marzo y septiembre de 2022.

Imaginando una nueva utopía

Paul B. Preciado

Es filósofo, comisario de arte y director de cine. Internacionalmente conocido por su trabajo sobre las políticas del cuerpo, el género y la sexualidad. Ha sido Director de Programas Públicos y del Programa de Estudios Independientes en el Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Comisario de Programas Públicos en documenta 14 Kassel y Atenas; y comisario del Pabellón de Taiwan en Venice entre otras tareas institucionales.

Es autor de Manifesto Contra-sexual; Testo Yonqui, Sexo, drogas y biopolítica; Pornotopía; Un Apartamento en Urano; Yo soy el monstruo que os habla y Dysphoria Mundi, todos ellos publicados por Anagrama. Su primera película, Orlando: mi biografía política fue aclamada por la crítica y recibió cuatro premios en la Berlinale de 2023. Nació en Burgos, y vive en París.

Gaston Core

Antes que caiga la noche

Sábado, 2 de marzo

Auditorio / Kubo Baltza

19:00

Duración: 55´

Ficha artística

Concepto & Dirección: Gaston Core

Con letras de Eskarnia, Celia Bsoul y Breaker

Espacio sonoro: Eskarnia

Asesoramiento académico: Mònica Miró Vinaixa

Colaboración: David Espinosa

Luz: Valentina Azzati y Manuel Ordenavia

Estilismo: Eva Bernal

Documentación, Foto & Video: Alice Brazzit

gastoncore.com

@gastoncore

Pienso que la Ilíada es ante todo la confrontación entre una sociedad determinada con el sistema de valores de un mundo que le precedió, legendario y heroico. Y por otro lado es la historia de un hombre que se enfrenta a sí mismo para acabar asumiendo la función que cumple en ese grupo y que le da sentido como individuo. La lectura de este texto es siempre nostálgica. Y esta es una de las muchas cosas que nos siguen conectando a él: esa mirada perpleja ante un mundo que se nos escapa y que imaginamos mejor que el que vendrá. ¿Pero cómo explicar la Ilíada ?

Su importancia en la Historia, la modernidad de sus recursos narrativos y de los temas que trata, y sobre todo, cómo transmitir en una hora de performance la fuerza que tiene la palabra en este texto, de qué manera con ella se dignifica al otro para dignificarse uno mismo. Creo que la mejor manera es explicarlo a través de nuestros artistas contemporáneos de la palabra: los rappers. Eso es esta pieza: una mirada escénica y una reflexión estética a la obra fundacional de la literatura occidental mediante el lenguaje del rap y de la cultura hip-hop.

La última creación del coreógrafo Gaston Core es una relectura de la epopeya griega desde la contemporaneidad, reconvertida en una batalla de rap.

La Ilíada a través del rap y la cultura hip-hop

Gaston Core

Coreógrafo, creador teatral, comisario y director artístico. Nacido en Buenos Aires, se formó como intérprete y estudió comunicación audiovisual en la Universidad de Buenos Aires. Vive en Europa desde 2001, y obtuvo una licenciatura en Dramaturgia y Dirección en el Institut del Teatre de Barcelona. En 2012 puso en marcha el proyecto de la Sala Hiroshima en Barcelona, sala que dirigió hasta su cierre, en 2021.

Ha dirigido un festival producido por el Centre d’Arts Escèniques de Terrassa y ha colaborado como comisario en diversas propuestas. Como coreógrafo, ha dirigido la composición titulada El díptico del desierto, formada por una pieza solista (The Very Last Northern White Rhino) y una pieza grupal (Chorus).

Gutun Zuria Bilbao. Festival Internacional de las Letras

© Alice Brazzit

Nazario Díaz

amanecer alto cielo

Jueves, 11 de abril

Auditorio

19:00

Duración: 55´

Ficha artística

Concepto y coreografía: Nazario Díaz

Co-creación y performance: Julian Pacomio, Ibon Salvador, Nazario Díaz

Acompañamiento dramatúrgico:

Carolina Campos

Iluminación: Leticia Scrycky

Producción: Kurzuth

Silverstone

En su estancia en Lisboa, amanecer alto cielo es una investigación acompañada por Nina Botkay, Bruno Brandolino, Lucas Damiani, Carolina Campos, João Fiadeiro, Julian Pacomio, Daniel Pizamiglio, Santiago Rodríguez Tricot, Alina Ruiz Folini, Ibon Salvador, Leticia Skrycky y Forum Dança/ PACAP5.

El coreógrafo Nazario Díaz desarrolla su trabajo principalmente en el terreno de las artes performativas, poniendo el foco en la tensión generada entre cuerpo, mirada y escritura.

amanecer alto cielo plantea el desvanecimiento del lenguaje en cuanto elemento escenográfico, a través de diferentes prácticas textuales que entrelazan sus materialidades. Así mismo, aborda diferentes cualidades de la visión y cómo estas modifican los cuerpos y la percepción sobre ellos, inspiradas en algunas prácticas sobre el mirar propuestas por la coreógrafa y videoartista Lisa Nelson. Tenemos una danza de manos que miran, de ojos que tocan y de cuerpos que se borran.

«Si antes me ocupaba de objetos y de mi propio cuerpo para desgastarlos mediante una acción insistente, mi trabajo actual retoma la idea de desgaste y desaparición de un cuerpo –ese tótem entendido como una entidad física, moral y espiritual–, pero esta vez, además, un cuerpo escurridizo que es la textualidad», explica Nazario Díaz.

Nazario Díaz

Desarrolla su trabajo principalmente en el ámbito de las artes performativas, centrándose en la tensión que se genera entre el cuerpo, la mirada y la escritura. En los últimos años ha participado en varios contextos de aprendizaje colectivo (Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual, Madrid / 2016-2017; PICA, Azala-Vitoria / 2018-2019; Invitación, Bilbao / 2019- 2020) intercambiando metodologías y herramientas pertenecientes al campo de la danza y las artes vivas.

Actualmente reside entre Lisboa y Bilbao, donde desarrolla los proyectos Conversation pieces, con el colectivo sonoro Metal performers, fundado con el coreógrafo vasco Isaak Erdoiza, y Otro borrado a través de la insistencia, dentro del marco del Programa Avanzado de Creación en Artes Performativas, comisariado por João Fiadeiro para Forum Dança, Lisboa. A raíz de estas experiencias nacen las piezas Fuego verde (BAD Bilbao, 2021) y amanecer alto cielo (Azkuna Zentroa | Alhóndiga Bilbao, 2024).

Tornar el lenguaje invisible, caminando hasta el desaparecimiento de la palabra

© Lucas Damiani

Led Silhouette

Halley

Jueves, 25 de abril

Auditorio

19:00

Duración: 60´

Ficha artística

Concepto y dirección: Jon

Lopez & Martxel Rodriguez

Intérpretes: Katalin Arana, Lucia Burguete, Marina

Fullana, Laura Lliteras, Marcos

Martincano, Nicolas Martinez, Edoardo Ramirez y Diego Pazó

Textos: Gaizka Sarasola

Asistencia dramatúrgica: Marcos Morau

Sonido y arreglos musicales: Ibai Gogortza

Dirección técnica e iluminación: Andoni Mendizabal

Regiduría y maquinaria: Iban Alguea

Escenografía: David Pascual

Confección de vestuario: Iñaki Cobos

Fotografía: Irantzu Pastor

Video: El Estudio, Adela Moreno & Ana Escario

Producción: Led Silhouette

Distribución: Rocío Pindado, Portal 71

Con el apoyo de: Azkuna

Zentroa, Malandain Ballet

Biarritz, Centro Coreográfico

Canal y el Teatro Gayarre, Dantzalabea - Teatro Barakaldo

Como hijos de esta era estamos agotados de tener que justificar constantemente nuestra existencia, hemos aprendido a hablar como se nos quiere escuchar.

Cuando tratamos de buscar un origen, no podemos dejar de sentir ese irremediable sentimiento que se manifiesta por no poder llegar a conocer las historias de las que nos precedieron. Somos cuerpos que están hechos de otros cuerpos, que se juntan innumerables veces a lo largo de los siglos.

Nuestra historia también es la vida de las que estaban antes que nosotros aquí, ellas existían mucho antes que las historias. ¿Qué es lo moderno en nuestra identidad cuando de verdad llegamos a ser conscientes de cuál es nuestra historia? No somos modernos, somos mucho más antiguos. Nos damos cuenta de que todo tiene millones de años, de que con nosotros el mundo nace de nuevo, antes de nosotros nada existía, pero sabíamos quiénes éramos antes de nacer.

Las experiencias humanas y las grandes preguntas del ser humano, aquellas que no cambian desde la antigüedad, sirven de alimento poético para este proyecto, según explican sus creadores Led Silhouette (Martxel Rodriguez y Jon López). Es, dicen, un lugar en construcción o deconstrucción, una alegoría a esa sociedad en la que vivimos, donde estos personajes que llevan grandes cargas, que tienen un camino por recorrer y anhelan superar los contratiempos y errores que les separan de la felicidad, se juntan para contar una nueva historia. Porque la ilusión no se come, pero alimenta. Un lugar que nunca les da nada de todo lo que quieren y a causa de esa falta, de ese deseo por infinito, se ven obligados a buscar la grieta y abrir el hueco.

La ilusión no se come, pero alimenta

Led Silhouette

Martxel Rodriguez y Jon López dirigen Led Silhouette, colectivo creativo de artistas con formación en diferentes disciplinas de la danza e influencias del arte contemporáneo, paralelamente a su actividad en la compañía La Veronal. Sus trabajos han tenido cabida en

festivales y circuitos como Madrid en Danza, Temporada Alta, Escena Patrimonio, Festival Quincena de Dança Almada en Portugal, Festival Internazional Nuova Danza en Italia, Platea, Danza Escena o Sarea.

Pablo Viar

Confines

Jueves, 23 de mayo

Auditorio

19:00

Duración: 95´

Ficha artística

Dirección y Dramaturgia: Pablo Viar

Intérpretes: Eguzki Zubia, Txubio Fernández Jáuregui

Confines es el resultado de una investigación escénica entorno a la identidad, el progreso científico y los permeables límites entre la realidad y la ficción, que transita entre la ternura y la comicidad, apelando a la complicidad del espectador o espectadora.

La nueva pieza teatral de Pablo Viar propone una reflexión sobre los diversos fines o límites que condicionan nuestro existir como seres humanos en el mundo, y sobre nuestra capacidad y deseo de trascenderlos.

Confines es un espectáculo poético, un juego de espejos basado en el trabajo físico y vocal de sus intérpretes, una escenografía adaptable y un evocador diseño de luces y sonido, que invita a explorar los límites de nuestra existencia.

Azkuna Zentroa coproduce esta obra de teatro protagonizada por Eguzki Zubia (La dinamika) y Txubio Fernández Jáuregui (Legaleón-T y Kolektivo Monstrenko).

Una invitación a explorar los límites de nuestra existencia

Pablo Viar

Es director de teatro, ópera y zarzuela, diplomado en Música y Artes Escénicas por la London Academy of Music and Dramatic Art y licenciado en Historia por la Universidad de Deusto. Entre sus trabajos recientes destacan: La vida es sueño, Festival de Almagro 2021; Enigma Pessoa, Teatro de la Abadía de Madrid, representada recientemente en Londres y en diversos festivales internacionales; Madama

Butterfly de Puccini, Teatro Villamarta de Jerez; El sueño de una noche de verano / Uda gau bateko ametsa de W. Shakespeare, Teatro Arriaga de Bilbao, Premio Ercilla a la Mejor

Producción Vasca 2016; y las zarzuelas El caserío de Guridi, e Iphigenia en Tracia, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.

Asimismo, ha diseñado espectáculos musicales en el Teatro Real de Madrid, el Teatro Arriaga de Bilbao, Etxea con Kepa Junkera, la Fundación Juan March y las jornadas de apertura del nuevo Centro de Artes Escénicas Muxikebarri en Getxo, Bizkaia.

Rosario Toledo

Cuarteta

Jueves, 6 de junio

Auditorio

19:00

Duración: 60´

Ficha artística

Dirección: Rosario Toledo

Dramaturgia y asistencia de dirección: Idoia Zabaleta (Azala)

Baile: Rosario Toledo

Cante: Inma "La Carbonera" y Eva Ruiz "La Lebri"

Diseño de vestuario:

Carlos Díez

Diseño de Iluminación:

Antonio Valiente

Dirección técnica/sonido:

Manu Meñaca

Fotografía: Carmen Kahlo

Vídeo: Calde Ramírez

Acompañamiento: Pedro G. Romero

Cuarteta recorre a través del baile y del cante un ensayo de “cuarteto de carnaval”, una agrupación carnavalesca genuina de Cádiz, donde sus componentes nunca son cuatro sino tres o cinco.

En este contexto de inversión de los roles, Rosario Toledo, Inma “La Carbonera” y Eva “La Lebri” insisten en bailar hacia atrás, cantar hacia atrás, reír hacia atrás. Y lo hacen con los ovarios en las mejillas, los pulmones en la nariz, la cabeza en el culo y la espalda en la frente. Con un repertorio tradicional volteado, revertido, alterado, trastocado, contrario, antagonista.

«En el proceso de investigación de lo que supone bailar flamenco hacia atrás, nos vamos dando cuenta de cuánto tiene ya de por sí el flamenco de invertido. Entendemos pues, el humor carnavalesco como ese hacer tambalear la estructura establecida, como un lugar y tiempo de inversión, donde todo cabe tanto por delante como por detrás», explica la artista.

Rosario Toledo cuenta en escena con Inma “La Carbonera” y Eva Ruíz “La Lebri”, dos mujeres cantaoras de tradición flamenca que le acompañan con una curiosidad y una disposición a compartir aquello que saben al servicio de este proyecto en el que han investigado a través del humor carnavalesco-gaditano desde lo femenino, con la asistencia de Idoia Zabaleta y el acompañamiento de Pedro G. Romero.

Bailar hacia atrás, cantar hacia atrás, reír hacia atrás

Rosario Toledo

Licenciada en Danza Española por el Conservatorio Superior de Danza de Sevilla, Rosario Toledo (Cádiz, 1977) comienza su andadura profesional de la mano de su maestra Charo Cruz y forma parte de la Compañía de Manuela Carrasco y Antonio El Pipa. Combina su actividad en reconocidos tablaos en Sevilla como artista invitada en espectáculos junto a artistas de la talla de Javier Latorre, Javier Barón, Antonio Canales, Israel Galván, Joaquín Grilo, Miguel Poveda, Arcángel, Dorantes o José Antonio Rodríguez, entre otros. Trabaja como solista con Mario

Maya en su espectáculo De Cádiz a Cuba, la mar de Flamenco. El contacto con estos grandes maestros le ha permitido desarrollar una personalísima visión del baile flamenco. Un baile profundo, conceptual y con ideas pero que, al mismo tiempo, pone los pies en el suelo, se aferra a la naturaleza y sale a la calle. En este contexto, la gaditana se sumerge en el desarrollo de proyectos con su propia compañía, cosechando un enorme éxito de crítica y público y convirtiéndose en una bailaora imprescindible en el panorama flamenco actual.

Lari Produkzioak

Zaintzaren dantza

Próximamente

Auditorio

Público: Niñas, niños, jóvenes

Ficha artística

Texto: Maria Urcelay

Canciones: Yogurinha Borova

Vestuario: Miguel Biurrun

Creación y dirección:

Yogurinha Borova, Na Gomes, Maria Urcelay

Técnico de sonido: Na Gomes

Diseño gráfico: Pedro de Madrazo

Escenografía: Yogurinha

Borova- Maria Urcelay

Producción: Lari Produkzioak

yogurinha_borova

meri_urcelay

Meri acaba de ser madre. Durante nueve meses ha sido la guardiana de ese bebé que ha llevado en su interior. Asimismo, ese hecho se ha convertido en una fuente de diversas preocupaciones y dudas ¿Será niña o niño? ¿Qué educación le daré? ¿Qué será cuando crezca? ¿Será feliz?

Ahora ha llegado el momento de encarar estos miedos y toca avanzar sí o sí. Pero el peso de la responsabilidad y el cansancio caerá sobre ella y le vendrán nuevas preguntas a la cabeza. ¿Cómo he aprendido a cuidar? ¿Seré capaz yo sola de ocuparme de todo? ¿Quién lleva la carga del cuidado en la sociedad?

En compañía de Mari (personaje de género no binario), gracias a la peculiar perspectiva que le ofrecerá, conseguirá dar respuesta a estas incógnitas, en una camino que culminará lleno de animadas historias y melodías.

Una mirada a la diversidad apta para todos los públicos

Lari Produkzioak

Es una plataforma destinada al desarrollo de piezas infantiles cuyo objetivo es el trabajo sobre la diversidad. Nace con el espectáculo Meri, Mari eta Lari, estrenado en Azkuna Zentroa en 2019. Una obra teatral que habla de la multiplicidad de sexos y géneros, de diferentes modelos de familia, de sortear nuestros miedos, y, en suma, de la libertad. Zaintzaren dantza da continuidad a este

propósito, centrando el mensaje en las diferentes esferas del cuidado: asentando modelos de corresponsabilidad, fomentando el autocuidado y la autoestima, defendiendo el medio ambiente y propiciando la protección del diferente a través de un modelo inclusivo de sociedad.

Entradas

Tarifas reducidas

Tarifas especiales para profesionales, jóvenes, personas desempleadas y otros colectivos presentando la correspondiente acreditación:

COMPRATUS ENTRADAS

25% dto*

-Profesionales del sector

-Mayores de 65 años

-Menores de 30 años

-Personas con discapacidad mayor de 33%

-Grupos a partir de 8 personas %

50% dto*

-Personas en silla de ruedas y persona acompañante.

-Compra anticipada (un mes antes del espectáculo)

30% dto

-Con la Tarjeta AZ

* Venta de entradas únicamente presencial en AZ Info

azkunazentroa.eus

AZ info

Espacios para la escena

La diversidad de espacios y equipamientos del Centro permite ofrecer a cada espectáculo el lugar más adecuado para que el público tenga la mejor experiencia.

El Auditorio, con capacidad para 400 personas y un escenario de hasta 13x5 metros cuadrados ofrece las dimensiones necesarias para grandes producciones escénicas.

Kubo Baltza conforma un espacio no convencional, en el que la distribución del público y artistas puede ser aleatoria, ofreciendo diferentes perspectivas y propiciando una experiencia inmersiva en la representación artística.

Su versatilidad favorece el acercamiento de las personas espectadoras a la acción escenográfica, transcendiendo su rol único de persona espectadora para entablar diálogo y complicidad con la pieza.

Los espacios Kubo Baltza y Auditorio han sido equipados con tecnologías digitales que mejoran la experiencia y el espacio, gracias a los Fondos Europeos Next Generation destinados a las artes escénicas en Euskadi.

azkunazentroa.eus