Otra forma de sentir el teatro, la música, la danza y la performance
eszenAZ. Temporada de Artes en Vivo de Azkuna Zentroa 2024-2025
eszenAZ, la temporada estable de artes en vivo de Azkuna Zentroa, propone un acercamiento a los nuevos códigos de la escena contemporánea. De septiembre a junio, la Alhóndiga de Bilbao se convierte en el escenario de los trabajos más innovadores del ámbito local e internacional. Espectáculos que sitúan al público en el centro de experiencias inmersivas, contemporáneas, únicas e irrepetibles.
eszenAZ se conforma con más de una veintena de montajes de gran intensidad corporal, musical y visual. Son creaciones multidisciplinares en las que se diluyen los límites de las disciplinas escénicas tradicionales, haciendo de las artes en vivo el espacio común en el que convergen las artes visuales, el cine y la creación audiovisual o las letras.
En este trimestre destacan los estrenos de producciones creadas en el Centro a través del programa de apoyo a la creación. Es el caso
de Tiempo como cuerpo / Time is a Muscle, el proyecto coreográfico desarrollado por Olatz de Andrés como Artista Asociada a Azkuna Zentroa.
Las prácticas escénicas compartidas también tienen un lugar en la programación estable del Centro con propuestas como Principiantes, donde la bailarina y coreógrafa Carlota Mantecón invita a 10 mujeres mayores de 60 años a participar en la construcción de un cuerpo colectivo. Así mismo Azkuna Zentroa presenta el trabajo de los coreógrafos Nicola Galli y Jacopo Jenna en el marco de Dantzaldia, el Festival Internacional de Danza de La Fundición. Esta primera parte finaliza con Itzulera, la nueva aventura creativa de la compañía vasca Dejabu, una road movie de aventuras llena de humor y poesía, que muestra cómo las nuevas narrativas escénicas permiten al público vivir las artes en vivo de una manera diferente.
Programación
2024
Miércoles 25.09 20:00
Miércoles 25.09 20:40
Atrio de las Culturas
Proyecto Larrua Shoot the Target Danza 15´ p.8
Atrio de las Culturas Elahood Intempestiva Danza 17´ p.10
Jueves 17.10 17:00 Kubo Baltza
Jueves 24.10 19:00 Auditorio
Olatz de Andrés Tiempo como cuerpo · Time is a Muscle
Tarifas especiales para profesionales, jóvenes, personas desempleadas y otros colectivos presentando la correspondiente acreditación:
-Profesionales del sector
-Mayores de 65 años
-Menores de 30 años
-Personas con discapacidad mayor de 33%
-Grupos a partir de 8 personas
-Personas en silla de ruedas y persona acompañante.
-Compra anticipada (un mes antes del espectáculo)
-Con la Tarjeta AZ
* Venta de entradas únicamente presencial en AZ Info
azkunazentroa.eus AZ info
Proyecto Larrua
Shoot the Target
Miércoles,25 de septiembre de 2024
20:00 / Duración: 15´
Atrio de las Culturas
Shoot The Target es un viaje de dos personas en busca de un objetivo común, un diálogo de dos cuerpos que sincronizan su pisada para llegar más lejos, se apoyan el uno en el otro para descansar, se impulsan para llegar más lejos, se cuidan y se protegen. Una espiral que sumerge al público en un recorrido vital que salta desde la energía jovial, al peso de la madurez, trazando un paralelismo con el recorrido de la compañía.
La danza en espacios no convencionales es parte de la identidad de Proyecto Larrua, compañía de danza contemporánea dirigida por Jordi Vilaseca y Aritz López con base en Vitoria-Gasteiz. Por ello, el Atrio de Azkuna Zentroa es el escenario perfecto para mostrar Shoot The Target, una pieza que nace de la necesidad de regresar al origen y con la que aproximan la danza a todos los públicos desde la cercanía.
Shoot The Target nace de la necesidad de regresar al origen, aproximando la danza a todos los públicos
Coreografía: Jordi Vilaseca
Intérpretes: Aritz López y Jordi Vilaseca
Música: Luis Miguel Cobo
@proyectolarrua
proyectolarrua.com
Proyecto Larrua
Jordi Vilaseca y Aritz López dirigen esta compañía de Danza Contemporánea con base en Vitoria-Gasteiz. Coreográfica y dramatúrgicamente, la compañía tiene una visión personal sobre cómo aunar la fisicalidad y la emoción y de cómo escenificarla, utilizando elementos del imaginario común de la persona espectadora y contemporanizarlos.
Resultado de esa personal visión son las piezas coreográficas que forman parte de su repertorio y que han sido representadas en Euskal Herria, España, Europa, América Central y Asia. En festivales como Madrid en Danza, Cádiz en Danza, Mes de Danza de Sevilla, Dferia, Festival de Artes Escénicas de Costa Rica, Fest´arts, y New Dance International Festival de Corea.
Elahood
Intempestiva
Miércoles,25 de septiembre de 2024
20:40 / Duración: 17´
Atrio de las Culturas
Intempestiva es la nueva propuesta escénica de la compañía gallega de danza urbana Elahood para espacios no convencionales. Inspirada en la obra y en la figura de la reconocida autora Xela Arias (Día das Letras Galegas 2021), el lenguaje de Elahood y la poesía de Xela Arias convergen en los espacios públicos, los cuidados y los afectos.
Intempestiva es un ejercicio de libertad y de desobediencia en el que género, identidad gallega, raíces y precariedad se entrelazan para cuestionar qué es hacer algo de provecho. Ganadora del primer premio y del premio de la crítica en el Certamen Coreográfico de Madrid (2021) y del premio al mejor espectáculo de la Plataforma de Diálogos Contemporáneos del Festival DZM (Cáceres, 2021).
Elahood visibiliza las danzas urbanas como un medio de expresión legítimo en la danza profesional.
Danza Ficha artística
Dirección e interpretación: Sabela Domínguez y Julia Laport
Dramaturgia: Gena Baamonde
Música: LLXNTO & Bruno Baw
Vídeo: Iria Casal
Producción: Elahood
Acompañamiento a la producción: Manu Lago y Sabela Ramos
Elahood es la compañía gallega de danza urbana y creación contemporánea formada por Sabela Dominguez y Julia Laport. Apuestan por visibilizar las danzas urbanas como medio de expresión legítimo en la danza profesional, con un lenguaje visual y musical que mira hacia fuera. La perspectiva de género y queer forma parte intrínseca de su identidad. Además del trabajo en su propia compañía, ambas colaboran con otras profesionales en la figura de intérpretes o co-creadoras. Su actividad escénica se combina con una gran presencia en la comunidad urbana y con su faceta pedagógica.
Olatz de Andrés
Time is a Muscle
Jueves, 17 de octubre de 2024
ESTRENO
17:00 / Duración: 4h
Kubo Baltza
Tiempo como cuerpo es el proyecto coreográfico de Olatz de Andrés que investiga sobre maneras de transformar nuestra percepción y experiencia del tiempo a través del movimiento como acción en vivo y la escritura, el dibujo y lo audiovisual, como registro.
El proyecto se activa en octubre con el estreno de Time is a Muscle, la pieza-experiencia duracional coreográfica de danza en la que Olatz de Andrés invita al público a percibir la presencia del tiempo como si fuera un cuerpo más en el espacio. Junto con ello, en BAT Espazioa se exponen algunos materiales de sus procesos de investigación y creación con el vídeo, la escritura, el dibujo y la fotografía como registro de lo efímero.
Olatz de Andrés desarrolla parte de este proceso múltiple de investigación como Artista Asociada a Azkuna Zentroa en 2024 y 2025.
El cuerpo dibuja, la coreografía escribe, el dibujo se mueve y el sonido se ve
Danza
Ficha artística
Idea, dirección y creación: Olatz de Andrés
Creación e interpretación: Pilar Andrés, Iñigo Rementería, Oihana Vesga
Interpretación y participación: bailarines cursando el módulo TIM de Mutis espazioa
Cómplice y acompañamiento en el módulo TIM de Mutis: Robert Jackson
Asistente de dirección, espacio escénico e iluminación: Dani Hernández
Dibujo, fantasía y sensibilidad conceptual: Ixiar García
Espacio sonoro: Mikel R. Nieto
Fotografía y vídeo: Etanowski
Colaborador: Txubio Fernández de Jaúregi
Producción y distribución: Vanessa Fuentes
Agradecimientos: Mutis espazioa
Con el apoyo de Azkuna Zentroa y las ayudas a Producción del Gobierno Vasco
Olatz de Andrés
Después de un recorrido como bailarina y coreógrafa, Olatz de Andrés crea la compañia Lŏkke, una estructura para el desarrollo coreográfico. Como Artista Asociada a AZ desarrolla Tiempo como cuerpo, centrado en el tiempo como herramienta coreográfica. Olatz de Andrés investiga sobre maneras de transformar nuestra percepción y experiencia del tiempo a través del movimiento como acción en vivo y la escritura, el dibujo y lo audiovisual, como registro. Es un intento de aprehender lo efímero de la danza y lo efímero del tiempo.
Guillermo Weickert
Luz sobre las cosas
Jueves, 24 de octubre de 2024
19:00 / Duración: 100´
Auditorio
El coreógrafo, bailarín y actor Guillermo Weickert presenta en el Auditorio Luz sobre las cosas, su nueva creación escénica. Una propuesta abierta, que renuncia a esquemas argumentales y reducciones racionales, situándose en una zona onírico-fantástica que posibilita su libertad formal. En Luz sobre las cosas no hay mapa ni hilo argumental del que asirnos para la exploración a la que se nos convoca: sumergimos en la oscuridad de la caja escénica como niños y niñas que bajan a un sótano tenebroso en busca de aventuras desconocidas.
Luz sobre las cosas es uno de los epígrafes de la conferencia ATMÓSFERAS (2003) del arquitecto
Composición musical y espacio sonoro: Miguel Marín ‘Árbol’
Intérpretes: Luna Sánchez, Alberto Lucena, Guillermo Weickert
Música en vivo: Miguel Marín ‘Árbol’
Diseñador de Iluminación: Benito Jiménez
Espacio escénico: José María Sánchez Rey
Diseño de espacio sonoro y sonido inmersivo y sonido directo: Manu Meñaca
Diseño de vestuario: Victoriano Simón Guarnicionería: Almogaverwork
Asistencia ensayos: Noemí Álvarez Alonso
Mavens: José María Sánchez Rey, María Cabeza de Vaca, Patricia Buffuna
Dirección de producción: El Mandaito Producciones S.L. Diseño gráfico: Lugadero
Fotografía: Marta Morera, Maite Caramés y Juan Carlos Toledo
Es una producción de El Mandaito Producciones S.L. y WWWEICKERT
Una coproducción de Mercat de les Flors en colaboración con Junta de Andalucía
Guillermo Weickert
Es coreógrafo, bailarín y actor de la escena actual. En 2001 fundó la compañía de danza que lleva su nombre, con la que ha participado en prestigiosos festivales de todo el mundo. Weickert ha sido reconocido con numerosos galardones dentro de las distintas disciplinas en las que trabaja, como el Maximino de Honor al mejor intérprete de artes escénicas en 2008 o el Premio Escenario de Sevilla al mejor bailarín en 2013. Ejerce a su vez como pedagogo en centros como la Escola Superior de Dança de Lisboa, el Centro Andaluz de Danza o el Estudio3 de Madrid, además de trabajar como profesor en compañías de danza y teatro como Deborah Light o ErrequeErre.
Nicola Galli
Deserto Tattile
Jueves, 7 de noviembre de 2024
19:00 / Duración: 55´
Kubo Baltza
Tras su estreno en Oriente Occidente, el Festival de Danza Contemporánea de Rovereto (Italia), el coreógrafo Nicola Galli presenta Deserto tattile el segundo episodio de su investigación coreográfica en torno al desierto y la noción de paisaje.
A partir del primer episodio titulado Deserto digitale (2018), la visión imaginativa del desierto vuelve a tomar forma en el deseo renovado de investigar las características de la sociedad contemporánea y el reflejo de la actividad humana en el mundo: una creciente soledad social, una velocidad antrópica y la "evaporación" de los conceptos de distancia y límite.
Deserto tattile es una investigación coreográfica en torno al desierto y la noción de paisaje
Azkuna Zentroa presenta el trabajo de Nicola Galli en el marco de Dantzaldia, el Festival Internacional de Danza de La Fundición.
Danza Ficha artística
Concepto, dirección y coreografía: Nicola Galli
Danza: Nicola Galli, Giulio Petrucci
Luz: Lucía Ferrero
Dramaturga: Giulia Melandri
Producción: TIR Danza, Nebulosa
Coproducción: Oriente Occidente y otros socios
Residencias artísticas: TROIS C-L Centre Chorégraphique, Oriente Occidente, PIM Off
Con el apoyo de: Network Grand Luxe, Orbita | Spellbound Centro Nazionale di Produzione della Danza
Nicola Galli
Nicola Galli (1990, Italia) es coreógrafo, bailarín y diseñador de iluminación y vestuario. Debutó como gimnasta de competición y se acercó a los lenguajes contemporáneos con el Teatro Nucleo y posteriormente bailando para la compañía CollettivO CineticO.
Desde 2010 desarrolla una investigación coreográfica centrada en la profunda relación entre el hombre y la naturaleza y en el análisis de las nociones de "estratificación" y "paisaje". Su trabajo se expresa en acciones y dispositivos que van desde la coreografía hasta la performance, desde la instalación hasta la ideación gráfico-visual.
Jacopo Jenna
Some Choreographies
Jueves, 21 de noviembre de 2024
19:00 / Duración: 45´
Kubo Baltza
El coreógrafo, intérprete y cineasta Jacopo Jenna presenta el espectáculo Some Choreographies, enmarcado en su investigación sobre la percepción de la danza y la coreografía como una práctica expandida que genera una variedad de contextos performativos para replantear el cuerpo en relación con los movimientos.
Some Choreographies presenta un diálogo entre la bailarina Ramona Caia y una preciosa colección de videos de diferentes estilos de danza, editados y reelaborados. La coreografía se desarrolla en un proceso mimético de una multitud de fragmentos unidos en una secuencia rápida, desenterrados de la historia de la danza. En la segunda parte, un vídeo original del artista Roberto Fassone muestra una secuencia de coreografías visuales. Se trata de un paisaje simbólico, sin huellas humanas, que busca una relación con el cuerpo en escena y reflexiona sobre la materia intangible de la que está hecha la danza.
Some Choreographies es una meta coreografía que explora la conexión entre la actuación en vivo y la danza en pantalla
Azkuna Zentroa presenta el trabajo de Jacopo Jenna en el marco de Dantzaldia, el Festival Internacional de Danza de La Fundición.
18 eszenAZ 2024-2025
Danza Ficha artística
Concepto, dirección y videocoreografía: Jacopo Jenna
Colaboración y baile: Ramona Caia
Colaboración y video: Roberto Fassone
Sonido original: Francesco Casciaro
Dirección técnica y luces: Mattia Bagnoli
Diseño de vestuario: Eva di Franco
Organización: Luisa Zuffo
Producción: KLM – Kinkaleri
Coproducción: Centrale Fies con el apoyo de Azienda Speciale Palaexpo Mattatoio | Progetto PrendersiCura
jacopoj.it
Ramona Caia
Ramona Caia es bailarina y coreógrafa. Tras formarse en ballet en la Academia Nacional de Danza de Roma y en la Rudra Atelier Béjart Lausanne, ha tenido diversas experiencias profesionales en los teatros italianos más famosos.
Roberto Fassone
El artista Roberto Fassone vive y trabaja entre Florencia y Pol Sesanne. Su investigación se desarrolla en torno a los títulos, las estructuras creativas, la interacción entre el juego y la actuación, la diferencia entre historia y anécdota, gestos espontáneos, cartas del Tarot y otras realidades paralelas.
Carlota Mantecón
Principiantes
Jueves, 12 de diciembre de 2024
19:00 / Duración: 40´
Kubo Baltza
Principiantes es una práctica de creación escénica contemporánea que invita a 10 mujeres mayores de 60 años a participar en la construcción de un cuerpo colectivo, activando sus cuerpos, sus voces, potenciando modos y maneras de estar juntas en la escena que van de un yo más individual hacia un nosotras colectivo. La bailarina y coreógrafa Carlota Mantecón les acompaña en este proceso, facilitando herramientas desde la danza y la performatividad y activando la práctica que finalmente se comparte como dispositivo escénico con el público.
Principiantes nace del deseo de poner en valor la creación de un cuerpo colectivo con mujeres mayores de 60 años. Un cuerpo que se activa con cuerpos amateurs y cuerpos no académicos, donde nos preguntamos por el valor del cuerpo en movimiento en un acto de colectividad. Un cuerpo que se activa entre la autonomía de lo singular y la potencia de lo plural.
Carlota Mantecón fabula con coreografías entre lo singular y lo plural que destituyan la mirada individualista de la normatividad
Bailarina y coreógrafa, Carlota Mantecón trabaja entre prácticas dentro del ámbito de la coreografía, la danza, la performatividad o la curaduría.
Actualmente desarrolla el proceso Las voces en el que investiga la vibración de la voz desde un acto plural y fantasmagórico. Ha trabajado en colaboración con la performer y violinista Luz Prado en proyectos como Un mismo movimiento, investigación sobre la huella y la memoria involuntaria al moverse y al tocar; Dance, no goal, proyecto de re-significación e historias de la danza con bailarines mayores; y Esto no es una prueba de sonido, un solo de danza o dúo sonoro que trata de amplificar el sonido que produce el cuerpo al moverse.
Dejabu Konpainia
Itzulera
Jueves, 23 de enero de 2025
19:00 / Duración: 90´
Euskera /+ 14 años
Auditorio
Itzulera, el nuevo proyecto escénico de la compañía Dejabu es una obra de teatro llena de humor, poesía y acción. En esta obra de autoficción los miembros de la compañía cuestionan el sentido de su creatividad e identidad. La compañía cuenta su viaje a México en 2024 y cómo un incidente inesperado en el lugar cambió el rumbo de su aventura.
La obra tiene la estructura de una road movie en directo y juega constantemente entre la realidad y la ficción. Además de actores de escena, un cineasta crea y proyecta imágenes en directo convirtiendo cada función en una experiencia irrepetible. Un cuento en el que se difuminan los límites entre lo representado y lo vivido, y en el que se invita al público a formar parte de ese viaje y de su resultado.
Dejabu indaga en nuevas narrativas escénicas y artefactos que permitan al público vivir las artes en vivo de una manera diferente
artística
Teatro, Roadmovie Ficha
Dirección e idea: Dejabu konpainia
Intérpretes: Ainara Gurrutxaga, Miren Alcaláz Urko Redondo y David Aguilar
Asistencia artística: Iara Solano
Redacción: Compañía Dejabu, con acompañamiento de Mariana de la Mata
Video creación en directo: David Aguilar
Música: Ander Fernandez
Vestuario: Barbara Rasso
Diseño de luz: Andoni Mendizabal
Técnicos de luz y sonido: Andoni Mendizabal e Itziar Bote
Escenografía: Compañía Dejabu
Comunicación y diseño gráfico: Rodriguez & Ndungmandum
Producción: Dejabu konpainia
Distribución: Artedrama Dejabu
Dejabu es una compañía premiada que combina teatro físico y de objeto. Las obras de la compañía, en la que trabajan desde 2001, han tenido una cálida acogida por parte del público y de la crítica desde su origen. Obras muy emocionantes, con un cuidado de las imágenes y una poética potente.
Ainara Gurrutxaga, Urko Redondo y Miren Alcalá son las y los directores artísticos de la compañía y en cada trabajo se rodean de un amplio grupo de creadoras y creadores.
