Blue Eye Photomagazine 17th October 2017

BLUEEYE 17 PHOTOMAGAZINE

BLACK & WHITE

DIANE ARBUS 路 SIDNEY 路 TONI GARRETA 路 ELLEN VON UNWERTH 路 CARLOS SERRA

FOTOGRAFÍA: Vivian Maier

Octubre 2017 Modelo de portada: Carlos Serra

Carlos Serra

Diane Arbus

Sidney

Vivian Maier

SUMARIO

06 24 38 52 Cristina García Rodero

Joan Lluís Belsa

Ellen

Monólogos

66 76 90 104 von Unwerth

122 136 148 160 Ruth Harriet Louise

Grace Kelly

174 176 Exposiciones Librería

Hiroshi Sugimoto

Toni Garreta

EDITORIAL

Facebook ha muerto, e Instagram es el nuevo escaparate donde mostrarnos. Sí, ya sé que llego tarde, como siempre, pero es una evidencia que, ya que vivimos de los likes que nos ponen, una misma foto puede llegar a recibir el doble o el triple de likes en un medio que en otro. ¿Es entonces mejor la foto porque la pongamos en una red social o en otra? Claro que no, pero parece que los instagramers están más por la labor o al menos son más activos, o quizás es más fácil darle al botoncito del like. No sé. Si nuestra autoestima se mide por la cantidad de likes que nos puedan poner unos completos desconocidos, es que algo está fallando. De hecho, pienso que Instagram se ha convertido en el reducto donde cuatro narcisistas (o cuatrocientos) cuelgan una y otra vez el mismo selfie, con la misma cara, la misma pose, la misma ropa (o sin ella) y los acólitos no dejan de poner likes como si estuviesen viendo la obra de Beaton o Newton. Supongo que esperan que algún día el objeto de su devoción se quite la ropa (todavía más) o se digne a contestar el comentario que le dejaron tímidamente.

En fin, toda esta indignación viene a que todavía no he llegado ni a los mil followers en Instagram (no pienso comprarlos, eso ya sería un poco denigrante para mi maltrecha autoestima) y encima va y se me borran dos. ¿Qué he hecho? ¿Hago peores fotos? ¿He ignorado a mis seguidores y se han sentido olvidados? ¿Han fallecido? Por Dios, qué triste es el verano, que te da por tumbarte al sol y pensar en cosas tan “trascendentales” como estas. Y, por favor, no me sugieran más redes sociales: no estoy para colgar fotos en Pinterest, Twitter y cualquier otro escaparate que haya aparecido en los últimos minutos y sea lo más. Quien quiera ver mi obra ya sabe dónde está y quien me quiera hacer feliz que me ponga un like, que es gratis y no cuesta casi nada. Y es que si el actor o el payaso viven del aplauso del público, el fotógrafo moderno vive de los likes y de los volátiles seguidores.

DIRECTOR: Guillem Medina

EL BOOK

CARLOS SERRA Fotos: Guillem Medina

Este número tenemos en portada al actor y modelo Carlos Serra, cuya reciente aparición en el film Pàtria, dirigida por Joan Frank Charansonnet y donde interpreta a uno de los nueve Barones de la Fama, le ha puesto en el punto de mira. Su aspecto parece de momento encasillarle en producciones de época. Y además trabaja con la compañia Aestus, especializada en espectáculos medievales. Definitivamente, Serra es un hombre de otra época. ¿Cómo te inicias en el mundo de la interpretación?

Primero de todo, agradecerte el interés mostrado en mí. Por lo que me preguntas, en la escuela de pequeño participaba en todas las obras actorales que podía, más teatro amateur que otra cosa, hasta que empecé a trabajar en publicidad y como modelo. Por caminos que nos lleva la vida, aparqué todo este mundo durante doce años para dedicarme a la arquitectura, hasta que decidí retomarlo y formarme en interpretación. Como hobby y para escapar de la cotidianeidad en esos momentos de mi estilo de vida, empecé a trabajar en videoclips, cortometrajes y series web para así poder tener mi propio currículum, y me inicié sin faltar nunca a mis valores de honestidad y humildad, respetando en todo momento mis tempos e inquietudes.

¿Qué estudios actorales tienes? ¿Cómo veías la profesión antes de entrar en este mundo? ¿Qué te ha sorprendido y qué te ha decepcionado?

Estudié parte de interpretación en la escuela, pero sin ser ninguna formación reglada en ningún centro oficial. En la primera agencia de modelos que pude trabajar, que estaba en Girona, me dieron ciertos consejos más para la interpretación en publicidad

y el modelaje en pasarela y cámara. Hará cuatro años entré a formar parte de los alumnos del Laboratori d’Actors Joan Frank Charansonnet, en la que impartían interpretación frente a la cámara, tocando muchos aspectos tanto internos como externos del actor, usando principalmente metodología de enseñanza rusa, con la que el mismo Joan Frank se había formado.

Por lo que refiere a cómo veía la profesión, era consciente de las dificultades que surgirían para poder trabajar en él, ya que la relación entre la oferta y la demanda es muy pequeña y, como en toda profesión, los inicios son complicados, y más cuando una cara no es conocida.

Vivir de este mundo a veces es una utopía, y cada día más... Lamento las dificultades por las que pasan o tienen que pasar compañeros de este mundo, debido a que han de luchar cada día para conseguir estar ahí; como en todo sector, en parte.

Yo confieso que, al estar empezando y tener otro modus vivendi –por el momento–, me quito presión... pero admiro inmensamente a las personas constantes que luchan por un sueño y a todos los que consiguen vivir –o sobrevivir– de él. Como todo sector profesional, y imagino que se acentúa en el artístico, me ha sorprendido y al mismo tiempo decepcionado la falta de empatía y en otros casos respeto entre compañeros que he podido vivir en algún rodaje. Como todo en la vida, si apoyáramos más al prójimo y no pensáramos en pisar a nadie para llegar más lejos individualmente, creo que otro gallo cantaría en la profesión y en la propia sociedad. ¿A quién admiras en el mundo de la interpretación?

Admiro a todo aquel que lucha por sus propios sueños o valores, sin hacer daño a nadie, ya sea

actor o ejerza cualquier otra profesión. En el mundo de la interpretación, para mí realmente hay varios actores a destacar por sus trabajos y versatilidad, actores que algunos de ellos se iniciaron encasillados en ciertos papeles, y gracias a su trayectoria tuvieron la opción de poder escoger otra variedad de papeles, cada cual más diferente, ya sea en cine comercial o de autor. Me refiero a actores de primer nivel internacional como Brad Pitt, Johnny Depp, Matthew McConaughey o Leonardo di Caprio, y a uno que por físico a veces me comparan, pero admiro por los proyectos en los que ha participado: Jared Leto. En el cine de nuestra tierra tenemos muchos otros referentes por los que apostar, como Luis Tosar entre otros.

Tirant lo Blanc, san Jorge o ahora el papel en Pàtria, parece que tu físico te condiciona a protagonizar personajes medievales o de época. ¿Te molesta?

Para nada, nunca me podría molestar; al contrario, agradecido estoy de poder haber trabajado en ellos. Supongo que mi físico e imagen, así como el saber utilizar armas a un cierto nivel, y el montar a caballo, me ha ayudado un poco a ello. La verdad es que ahora estoy trabajando en un par de proyectos que creo que sorprenderán, y me alejo un poco de estos personajes; pero soy de la generación que crecimos con los caballeros de Walt Disney y con películas épicas como Excalibur o Braveheart... así que todo un honor poder trabajar en ese tipo de papeles.

Explícame como llegaste a un proyecto como el de la película Pàtria.

Pues estaba cursando la formación en el Laboratori d’Actors Joan Frank Charansonnet cuando empezó a tomar forma el proyecto de largometraje que desde joven tenía en mente el director, junto a su amigo y actor Miquel Sitjar, para llevarlo a la gran pantalla. Un proyecto que cabe decir que se ha costeado íntegramente con capital privado de la productora Déjà-Vu Films y Capaneida Films y sin subvenciones públicas, únicamente sumando las campañas de micromecenaje que se ejecutaron a través de la plataforma Verkami, la ayuda de

algunos ayuntamientos y la pasión de los propios actores. El director visualizó cada uno de los personajes y tuve el honor y la gran suerte de poder ser uno de los nueve Barones de la Fama.

Para alguien que no haya visto el film, ¿qué se encontrará cuando vaya a verlo?

Se va a encontrar un largometraje marcado por dos épocas, una situada en un monasterio del siglo xV con sus historias internas –haciendo un guiño en algunos momentos, y salvando las distancias, a películas como El nombre de la rosa– y otra época situada en el siglo VII, en que se desarrolla más la leyenda y la parte épica caballeresca, con guiños a Excalibur o Braveheart. Cabe remarcar que el público no va a encontrarse una superproducción de grandes efectos especiales, ni batallas de miles de guerreros –descarten el cine actual estilo Juego de Tronos con sus millones y efectos–, sino que se van a encontrar sobre todo una película sincera, una leyenda, hecha desde la humildad y los recursos disponibles. ¿Cuál ha sido la respuesta del público?

Imagino que ha habido de todo, pero me quedo con toda la gente que nos ha hecho llegar su cariño y admiración por el proyecto y el resultado.

Otra gente, imagino que con unas expectativas distintas, de una película de millones, efectos y grandes batallas, supongo que tiene la sensación de que se ha quedado floja. Cabe recordar que en esa época no existían batallas de grandes ejércitos, y hemos ajustado la película al máximo a la realidad, gracias también a la opinión, el trabajo y la ayuda de empresas de recreación como Fets Històrics, que formaron parte en todo momento de cada detalle de dichas épocas.

¿Cómo ha sido trabajar con actores del calibre de Boris Ruiz, Miquel Gelabert o Àngels Bassas?

Para los que estamos empezando ha sido un inmenso placer poder compartir set de rodaje con ellos. Muchos de nosotros hemos crecido viéndolos en nuestras televisiones, así que no quedaba otra cosa que intentar empaparse al máximo de

cada detalle de su experiencia y profesionalidad de que disponen. Eso sí, agradecerles que, en el momento del rodaje, todos y cada uno de los actores demostraron un gran respeto y profesionalidad.

Joan Frank Charansonnet, ¿cómo es como director y como profesor?

Es un hombre muy carismático, exigente y perfeccionista: se implica muchísimo en todo lo que hace, ya sea como profesor o como director. Como persona, cada uno tiene su carácter, obviamente, pero él consigue con el suyo motivar y aglutinar a una gran masa de personas en su misma dirección. El rodaje fue muy duro y exigente, pero al final del partido creo que todos hemos de saber valorar el resultado.

Entre tus facetas de actor de cine, teatro o modelo, ¿con cuál te quedas? ¿Qué te aporta cada campo?

Hemos de saber disfrutar de las tres facetas, ya que entre ellas se complementan a la perfección.

La faceta de modelo fue la que empecé más profesionalmente, e intento ser siempre un modelo expresivo; eso se lo agradezco a los conocimientos de interpretación. El cine imagino que actualmente es lo que llega más al público joven y, dependiendo del papel y del personaje, te permite realizar y formar parte de efectos nunca imaginados. Finalmente, el teatro es siempre especial; actualmente trabajo en una compañía de teatro en la calle, realizando animaciones y espectáculos medievales, y el calor del público es inmediato, es como mucho más cercano al espectador, y mucho más físico en algunos momentos.

¿Qué tipo de espectáculos y trabajos haces en la compañía Aestus?

Aestus es una compañía que se dedica a todo tipo de espectáculos, ya sean trabajos de especialistas en cine o espectáculos de animación, medievales o de fuego y danza. Los conocí durante el rodaje de la película Pàtria y se creó una sinergía buení-

sima. La gente de Aestus formaba parte de las empresas de especialistas de la película, junto a otras como Fets Històrics, Alma Cubrae o la hípica de Cavalls de Trulls, entre otros. Aestus me empezó a formar más en la especialización de lucha medieval con diferentes tipos de armas, tanto ligeras como pesadas, así como en malabarismo con fuego... Al poco tiempo ya empecé a trabajar con ellos en distintos espectáculos, en ferias medievales o en el espectáculo que se ofrece semanalmente en el Palau Recasens de Barcelona, donde la empresa Sternalia ofrece junto con Aestus cena, visita y espectáculo en una misma noche.

Para tu trabajo es imprescindible la buena forma física. ¿Cómo te cuidas?

Paralelamente a este mundo artístico, trabajo de interino como bombero forestal, y ando opositando para conseguir la plaza de funcionario como bombero. Eso me lleva a dedicarme a entrenar unas tres horas diarias entre gimnasio, nadar y correr...

No soy de tomar suplementos ni nada por el estilo, el truco está en descansar bien tus ocho horas –siempre que se puede– y mantener una dieta variada y saludable.

Dices que también trabajas por temporadas como guardia forestal. Explícame cómo es este trabajo.

Ando opositando a bombero, y uno de los caminos para conseguir puntuación pasaba por trabajar en las campañas forestales de verano. Así descubrí y conseguí mi interinaje como AOF –ayudante de oficio forestal–, lo que otros llaman bombero forestal. Somos el refuerzo de verano para los bomberos, donde nosotros somos parte del equipo que trabaja en la extinción de incendios forestales. Nos dedicamos a ayudar en todo momento al bombero funcionario, como llevar el material, el mantenimiento de los vehículos y el uso de herramientas manuales en el incendio, así como facilitar el trabajo a los bomberos que están en primera linea de fuego. Es un trabajo muy físico, pero muy gratificante en todo momento. Podemos formar parte de

la gran familia de bomberos que existe y empaparnos día a día del mundo bomberil, algo que nos ayuda a motivarnos y a seguir luchando por nuestra plaza como funcionarios. ¿Dónde ha quedado tu faceta de arquitecto técnico?

Sigo actualmente de autónomo, realizando tanto obras de reforma, obras nuevas o coordinaciones de seguridad. Desde los 21 años que acabé mi carrera y me hice autónomo, trabajé muy intensamente en la construcción. He tenido la oportunidad de trabajar en grandes obras de carácter internacional, como por ejemplo el edificio de Diagonal 197 del arquitecto David Chipperfield, o la dirección de ejecución de las torres Porta Fira –con el hotel Porta Fira y el edificio de oficinas de Realia– del arquitecto japonés Toyo Ito. Esa intensidad me permitió estar actualmente donde estoy, pero al mismo tiempo me hizo plantearme si quería realizar eso toda mi vida. Ahí fue mi primer salto a dedicarme no sólo a vivir para trabajar, sino a trabajar para vivir, e intentar conseguir algo de lo que nunca me arrepentiré y animaré a toda persona siempre a intentar: que nuestro trabajo sea nuestro hobby.

Ahí es cuando decidí que necesitaba realizar profesionalmente algo que me aportara a mí una mayor satisfacción personal que no sólo la económica de la que disponía en ese momento, y me lancé a la aventura de intentar ejercer como bombero. A fecha de hoy, he pasado momentos muy duros, y todavía desconozco si lo conseguiré, pero

estoy orgulloso de intentarlo y dejar atrás la seguridad que me aportaba la construcción en su momento.

¿Cuáles son tus proyectos futuros?

Sigo luchando cada día por ser mejor persona, por hacer mi camino sin perjudicar a nadie, y eso es el mayor proyecto: ser cada día mejor. Mis proyectos los tengo muy claros, algo que actualmente es difícil de encontrar. Durante los años en los que estaba en la construcción, tuve la gran suerte de viajar a solas con mi mochila por el mundo, implicarme en algunos proyectos de cooperación y dejar mi granito de arena en otros lugares, hasta el punto de querer montar ciertos proyectos humanitarios y de ayuda con varios compañeros. Ahí es cuando se derivó mi gran cambio personal e inicié mi camino para llegar a ese fin. Mi prioridad máxima, a día de hoy, sigue siendo entrar en el cuerpo de bomberos, algo que creo que me ayudará a poder desarrollar otros proyectos. Sé que mis prioridades a veces hacen que sacrifique una parte más íntima y personal, pero quien me conoce y quien está junto a mí es consciente en todo momento de ello, por eso los quiero con locura aunque a veces no pueda demostrarlo tan cercanamente y físicamente como desearía. ¿Actoralmente o como modelo? Sigo luchando por abrirme camino dentro de este mundo, siendo consciente de que ahora mi camino principal es finalizar las oposiciones y coger el máximo de experiencia posible, y sobre todo, y por encima de todo, DISFRUTAR y VIVIR.

EL BOOK

ArtDrómeda

Xabier Berné

Fotoavanza

ArtDrómeda

ArtDrómeda

ArtDrómeda

Xabier Berné

LOS CLÁSICOS

DIANE ARBUS

American Way of Life

Diane Arbus fue una fotógrafa nacida en Nueva que celebra la alta sociedad y aportan un mensaje

York en 1923, cuyo verdadero nombre es Diane Nemerov. Su padre, David Nemerov, era un judío de origen polaco que regentaba unos prósperos grandes almacenes en la Quinta Avenida, Russek’s, lo que facilitó a Diane el primer contacto de primera mano con la moda. Su hermano mayor fue el prestigioso poeta Howard Nemerov. A los 18 años se casó con Allan Arbus, con quien se conocían desde jóvenes, del que adoptó el apellido. Tuvieron dos hijas, Doon (1945) y Amy (1954) Arbus, que también se dedica a la fotografía.

inquietante. No hay apenas diferencias entre dementes y cuerdos, porque todos son parte de una misma sociedad absurda. Los personajes famosos que retrató llegan a parecer uno de sus "monstruos".

Hallamos una retórica coherente en su trabajo: utiliza formatos cuadrados, flash directo, luces duras y busca una nitidez que resulta casi morbosa. Añadió dramatismo a las imágenes que, en contra de lo que podía pensarse, no se limitaban a estetizar el horror. Fue pionera del flash de relleno, o flash de día. La fotografía de Diane representa lo normal Gracias a Allan se adentró en el mundo de la ima- como monstruoso: cuando fotografiaba el dolor, lo gen. Inicialmente aprendió fotografía de su marido, encontraba en personas corrientes. Provocaba que quien le regaló su primera cámara, una Graflex. la gente presuntamente normal apareciera como Ambos se dedicaron a la fotografía de moda y anormal. Rompía la composición, situaba al persopublicaron su trabajo en revistas como Harper's naje en el centro. Su mirada siempre era directa, Bazaar o Vogue. De 1955 a 1957, Diane Arbus es- con tensión y fuerza. Para ella no existía el motudió con la fotógrafa austríaca Lisette Model, mento decisivo, trabajaba en un espacio temporal que ejerció gran influencia en su trabajo posterior. continuo y obligaba a los retratados a que fuesen En 1959 se separó de Allan, aunque no se divorcia- conscientes de que estaban siendo fotografiados. ron hasta 1969. La década de los sesenta fue la Buscaba una mirada nueva, pasando del tedio a la más productiva y en ella cambió su objetivo por fascinación. completo. Recorrió los peligrosos barrios marginales de Nueva York para seleccionar a los personajes La muerte por suicidio de Diane Arbus en 1971 que retrataba, entre los que se encontraban ena- abrió la puerta a numerosas especulaciones sobre nos, strippers, travestis o prostitutas. su vida y su persona. Un año más tarde su trabajo fue seleccionado para participar en la Bienal de VeEn 1967 lleva a cabo la exposición «New Docu- necia: era la primera fotógrafa estadounidense en ments», que la da a conocer al público mayori- aparecer en el prestigioso evento. Ese miemo año, tario, aunque continúa trabajando para revistas el MoMA de Nueva York organizó su primera gran importantes y retratando a celebridades como Nor- retrospectiva. Fur: An Imaginary Portrait of man Mailer, Mae West o Jorge Luis Borges. Sin em- Diane Arbus, titulada en España Retrato de bargo, los retratos de Diane Arbus más caracte- una obsesión, es una película producida en rísticos son los influenciados, entre otros, por el film 2006 que rinde homenaje a la fotógrafa neoyorFreaks: La parada de los monstruos. Sus quina. Fue dirigida por Steven Shainberg y protafotos las dedica a personas inadaptadas y a los gonizada por Nicole Kidman junto a Robert Downey miembros más variopintos de las comunidades al Jr., y su trama, que es ficticia, se centra en un pemargen de la sociedad. Su documentación sobre riodo de la vida de la artista extraído del libro Diane manicomios, campos nudistas, freaks y seres de- Arbus: A Biography as a Source, de Patricia Bosformes contrasta con las imágenes de los cócteles worth.

BIBLIOGRAFÍA

DIEUX DU STADE CALENDARIO 2017 de Errikos Andreou

CRISTINA GARCÍA RODERO La España oculta

ARTISTA INVITADA

Cristina García Rodero (Puertollano, Ciudad Seattle Art Museum; The Getty Center for the HisReal, 14 de octubre de 1949) es considerada una de las fotógrafas de mayor relieve y trascendencia creativa en España. Su sensibilidad y su curiosidad hacia los mundos que explora, junto con un continuado y elaborado trabajo fotográfico llevado a cabo a lo largo de los años, hacen que sus imágenes irradien una fuerza sobrecogedora sin caer en el exhibicionismo ni en el puro artificio.

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, comenzó su carrera docente en 1974 impartiendo clases de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid. En 1983 comenzó a dar clases de fotografía en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense, una actividad que realizará hasta 2007. Ha compatibilizado su tarea docente con la creación fotográfica y la colaboración en diversas publicaciones periódicas españolas y extranjeras. Sin abandonar nunca la docencia, se dedicó durante esos años y los siguientes a investigar y fotografiar, en los ratos libres que le dejaban los fines de semana y las vacaciones, las celebraciones populares y las tradiciones religiosas y paganas, principalmente en España, pero también en la Europa mediterránea. Fruto de ello es su libro España oculta, publicado en 1989 y ganador, entre otros, del premio al libro del año en el Festival de Fotografía de Arlés, siendo galardonada ese mismo año con el prestigioso premio de la Fundación Eugene Smith de Nueva York. Perteneciente a la agencia Vu durante quince años, en 2005 pasó a formar parte de Magnum Photos, siendo el primer miembro español y la cuarta mujer en lograrlo, y fue admitida como socia de la agencia en 2009.

Su obra fotográfica se podría enmarcar en el reportaje, aunque desde un punto de vista muy personal, y se encuentra repartida en varias colecciones permanentes como las del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid; el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), en Valencia; el Museo de las Peregrinaciones de Santiago de Compostela; el MUSAC de León; la Fundación Banesto de Madrid... También en EEUU: Museum of Fine Arts (Houston);

tory of Art and the Humanities (Santa Mónica, California)..., así como en otros países: la Maison Européenne de la Photographie (Lausana); el Museo de Bellas Artes de Caracas; el Centro Português de Fotografia (Oporto); la Collection de l’Imagerie du Trégor (Francia)...

Ha realizado numerosas exposiciones de su obra, tanto individuales como colectivas, en diferentes países. Su primera exposición individual la llevó a cabo en México con el título de Fiestas tradicionales en España. Otras exposiciones han tenido por título Pratiques religieuses en pays méditerranéens; Old World, New World; Europa: Fiestas y ritos; Eye of Spain; Grabarka, el monte de las 6.000 cruces: Una peregrinación ortodoxa en Polonia; Cristina García Rodero: Historia de una pasión; Lo festivo y lo sagrado, o Aquaria, siendo su último proyecto de trabajo Entre el cielo y la tierra, que pretende que sea un testimonio gráfico de la vida a través de los festivales de música, el erotismo y el sexo.

Ha representado a las fotógrafas españolas en diversas exposiciones, como Artistas Españolas en Europa, en el Museo Wäinö Aaltonen de Turku (Finlandia), o Femmes photographes, en París. Entre sus numerosos galardones destaca el Premio Planeta de Fotografía por el conjunto de su obra (1983); el Premio al Mejor Fotógrafo del Año, concedido en 1988 por la revista Foto Profesional de Madrid; el primer premio World Press Photo en la categoría de arte (1993); el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura (Madrid, 1996); el premio del Fórum Iberoamericano de Fotografía de la Habana (1996); el Premio FotoGranPrix (Barcelona, 1997); el Premio FotoPres que otorga la Fundació ”la Caixa” (segundo premio en la edición de 1997); el Premio Bartolomé Ros a la mejor trayectoria profesional española en fotografía (PhotoEspaña 2000, Madrid); el Premio Godó de Fotoperiodismo 2000 o la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes 2005. Todo un palmarés para una de nuestras mejores fotógrafas.

Intenté fotografiar el alma misteriosa, verdadera y mágica de la España popular, con su pasión, el amor, el humor, la ternura, la rabia, el dolor, con su verdad; y los momentos más intensos y plenos en la vida de los personajes, tan simples como irresistibles, con toda su fuerza interior, en un desafío personal que me dio fuerza y comprensión y en el que invertí todo mi corazón.

Siempre he ido a lo que salga, a la aventura. Siempre sola.

El viaje para mĂ­ es descubrimiento, conocimiento; poder compartir, ser testigo. Es regresar con un tesoro: traer imĂĄgenes que estĂŠn a la altura de lo vivido y hacer de eso una obra personal que te defina como creador y como persona, que es a lo que todos aspiramos en realidad.

BIBLIOGRAFÍA

ARTISTA INVITADO

JOAN LLUÍS BELSA El ritmo vital de la calle

Cuando no puedes disponer de un estudio propio, con lo que eso conlleva de alquiler de espacio, material, focos, etc., pero tu pasión es la fotograía, una buena opción es usar la calle como plató y los transeúntes como improvisados modelos, a veces con su consentimiento y otras como víctimas de un “robado”. Son las fotografías más frescas y vivas, poque nadie está posando y las reacciones son improvisadas, lejos de los artificios del estudio.

¿Prefieres más callejear o fotografía de estudio?

Callejear.

¿Qué te gusta captar con el retrato?

Lo cotidiano. Considero que lo que capto en la calle es natural, no hay posados y las expresiones son naturales.

¿Cómo es para ti el modelo ideal?

No tengo ningún modelo.

Teníamos ganas de conocer uno de esos foto- ¿Cuál es tu idea de la fotografía perfecta? gráfos callejeros que disfrutan dejándose llevar La que a mí me satisface aunque no cumpla los cápor lo imprevisto. Así que no dudamos en pa- nones. sarle nuestro cuestionario a Joan Lluís Belsa. ¿Eres muy partidario del retoque digital?

Sí, pero sin abusar. ¿Cuando empiezas a dedicarte a la fotografía?

En el año 1977.

Explícame algo sorprendente que te haya pasado mientras hacías fotos por la calle...

Muchos empezamos lógicamente en el mundo Una vez en el metro, hice un robado a una mujer fotográfico con la fotografía analógica, reve- de color que por su expresión me pareció interelando carretes y con la incógnita de si la foto- sante, pero no me di cuenta de que su marido viagrafía había quedado bien. Pero hoy en día ¿qué jaba en el asiento delantero. Por lo visto él sí se dio prefieres, digital o analógica? cuenta y se dirigió a mí en un tono altivo (“¡Oiga, a Para mí es mucho más práctico el formato digital. mi mujer no la fotografía!”) y yo, ni corto ni perezoso, le enseñé la cámara pasando las fotos hacia ¿Qué cámara usas normalmente? delante, sin que se vieran las últimas. Tuve suerte En fotografía de calle, la Fuji x-T10. y el pobre marido encima se disculpó.

¿Cuáles eran tus fotógrafos de referencia ¿Cuáles son tus próximos planes en cuanto a cuando empezabas? fotografía?

Diane Arbus y Ansel Adams.

Seguir disfrutando de la fotografía y seguir aprendiendo. ¿Has hecho algún curso, estudios relacionados con la fotografía?

Y así, dejamos a Belsa que siga callejeando y No, soy autodidacta. captando el ritmo vital de la ciudad.

SIDNEY Fotos: Mario Gil

VIAJANDO

Qué visitar en Sidney Sidney presenta un conjunto de playas para practicar surf y un magnífico puerto natural, además de la Casa de la Ópera, simplemente irresistible. Además de las maravillas construidas por el hombre, la principal ciudad australiana cuenta con innumerables atractivos naturales, como hermosos jardines públicos, islas en la bahía y costas vírgenes. Un excelente sistema de transporte y excursiones personalizadas hacen que sea un placer conocer Sidney.

Zoológico de Taronga

Podemos visitar los animales del Zoológico de Taronga en su increíble parte costera. El zoológico alberga 2.900 especies autóctonas y exóticas, incluidos gorilas, tigres, leopardos, chimpancés, jirafas, canguros y koalas; se puede llegar tras un breve trayecto en ferry desde Circular Quay. Para pasar la mejor noche posible bajo las estrellas, reserva el paquete Roar & Snore, donde los huéspedes acampan una noche en el zoológico.

Opera House

Camina por Circular Quay y descubre por qué este edificio continúa deslumbrando. Con un variado y completo programa, la Casa de la Ópera es uno de los más importantes lugares para espectáculos musicales y artísticos. Para conocer el funcionamiento interno de este símbolo, concierta una visita guiada tras bambalinas. Estas visitas son muy informativas y están disponibles en varios idiomas, incluidos el japonés, el chino mandarín o el francés.

Harbour Bridge

Apodado "la Percha", el Puente del Puerto de Sidney es una gran obra de ingeniería que se inauguró en 1932. Los visitantes pueden caminar o andar en bicicleta por esta amplia estructura que cruza el Puerto de Sidney. Y mejor aún, reserva tu plaza en una de las muchas expediciones de escalada al puente, el llamado Bridge Climb, que te llevarán hacia lo alto de esta superestructura. No se requieren habilidades de escalada especiales y hay salidas al crepúsculo y al amanecer.

Sendero de Bondi hasta Coogee

Hay varias playas cerca de Bondi que son igualmente hermosas, incluidas Tamarama, Bronte y Coogee. Para apreciar esta increíble extensión de costa, únete a la Caminata de Bondi a Coogee que enlaza todas estas playas y donde podrás admirar las mejores vistas al mar de Sidney. Además, la ruta está llena de cafés, monumentos interesantes y, obviamente, sitios fantásticos para nadar.

The Rocks

Mira debajo del brillante exterior y encontrarás una colorida historia. The Rocks es un recuerdo de la época colonial. Mientras los visitantes pueden pasear por las callejuelas empedradas, la empresa The Rocks Walking Tours ofrece un entretenido retrato del primer asentamiento europeo en Australia.

Completa tu lección de historia visitando Fort Denison, una isla con su propio minifuerte y cañones.

Jardines Botánicos Reales

Los hermosos Jardines Botánicos Reales son vastos y constituyen un lugar de investigación científica que administra muchos programas educativos. Hay senderos para caminatas y paseos escénicos en tren para niños. Aprende sobre los jardines en visitas guiadas gratuitas a través de sus 30 hectáreas; además, existen excursiones especiales por el patrimonio aborigen y deliciosos alimentos autóctonos de Australia que probar.

Blue Mountains

Famoso por sus acantilados de color azulado y la formación rocosa conocida como las Tres Hermanas, además de por sus elegantes hoteles y sus pintorescos pueblos, el Parque Nacional de las Montañas Azules está a sólo unas horas de Sidney.

Las montañas han sido un sitio muy popular para senderistas, escaladores y otros fanáticos de las actividades al aire libre durante cien años, así que ponte en marcha y elige un lugar para practicar ciclismo de montaña o rápel.

VIVIAN MAIER La niñera fotógrafa

LOS CLÁSICOS

Vivian Maier (Nueva York, 1 de febrero de 1926

– Chicago, 21 de abril de 2009) fue una fotógrafa estadounidense aficionada que trabajó como niñera en Chicago durante cuatro décadas. Sus padres, emigrantes de origen europeo, fueron la francesa Marie Jaussaud y el austríaco Carl Maier.

Vivian pasó su infancia entre Francia y los Estados Unidos. Hacia 1930, fue abandonada por su padre. Junto a su madre convivieron una temporada con una pionera de la fotografía, la surrealista Jeanne J. Bertrand; es posible que ahí naciera su interés y su vocación.

En 1951, con 25 años, se mudó a Nueva York y en 1956 a Chicago, donde pasó la mayor parte de su vida. Maier no revelaba muchos de sus carretes porque no se lo podía permitir. Sólo tomaba fotos sin descanso y sin que pareciera importar el resultado final. También coleccionaba libros de arte y las esquelas de los periódicos. De una de ellas sacó el relato de una de sus películas en Súper 8: la historia de una madre y un hijo asesinados. Maier fue con su cámara y rodó primero el supermercado donde trabajaba la madre; luego, la casa donde vivía con su hijo, y así, uno a uno, todos los lugares en los que habían estado. En 1959 viajó sola a Egipto, Tailandia, Taiwán, Vietnam, Francia, Italia e Indonesia. Vivió en Rogers Park y fue niñera de una familia de la zona norte de Chicago. Hacia el final de su vida, se quedó sin vivienda pero los tres hijos Gensburg a los que había cuidado de niños le pagaron el alquiler de un apartamento y cuidaron de ella hasta su fallecimiento en 2009. En diciembre de 2008, cuando caminaba sobre el hielo, se había tropezado y se había golpeado en la cabeza. Fue llevada a una residencia de ancianos en Oak Park donde falleció cuatro meses después, a los 83 años.

En 2007, John Maloof estaba buscando información para escribir un libro de historia sobre Portage Park, uno de los barrios del noroeste de Chicago,

y acudió a una subasta donde compró un archivo de fotografías por unos 380 dólares. La casa de subastas había adquirido sus pertenencias de un almacén guardamuebles porque había dejado de pagar las cuotas. Maloof comenzó a revisarlo y lo desechó para su investigación. Decidió revelar una parte y revenderla en Internet. Fue entonces cuando el reputado crítico e historiador de fotografía Allan Sekula se puso en contacto con él para evitar que siguiera dispersando aquel material prodigioso y lleno de talento. Maloof, consciente del tesoro rescatado prácticamente de la basura, empezó un minucioso trabajo de investigación, recuperación y protección del archivo de Vivian Maier.

Aquello le movió a hacer fotografías similares.

Compró la misma cámara Rolleiflex que poseía Vivian Meier y fue a los mismos lugares para hacer fotografías. Investigó sobre su vida y localizó una tienda de fotografía llamada Central Camera donde Vivian solía acudir a comprar rollos de película. Prefería los carretes extranjeros en lugar de los estadounidenses. Gracias a la familia Gensburg, para la que Vivian había trabajado durante diecisiete años, John Maloof pudo recuperar dos cajones grandes que iban a ser tirados a la basura. Contenían correspondencia, recortes de periódico y carretes fotográficos en color. De los 100.000 negativos, unos 20.000 o 30.000 todavía estaban en los carretes sin revelar, correspondientes a los años sesenta y setenta. John Maloof consiguió revelar los carretes con éxito. Los negativos que reveló Vivian estaban colocados en tiras y tenían la fecha y la localización escritas en francés.

Maloof buscó más información en internet y encontró que Vivian había fallecido dos días antes.

En noviembre de 2010 ya habían escaneado 10.000 negativos y tenían pendientes de escanear otros 90.000. También quedaban unos cientos de carretes en blanco y negro y unos 600 carretes en color por revelar. Su trabajo muestra escenas callejeras de Chicago y Nueva York entre las décadas de 1950 y 1990.

LOS CLÁSICOS

ELLEN VON UNWERTH Chicas sexys, salvajes, divinas

Ellen von Unwerth es una directora y fotó-

grafa alemana nacida en 1954 en Frankfurt, especializada en la feminidad erótica. Trabajó como modelo de moda durante diez años antes de ponerse detrás de la cámara y ahora hace fotografía de moda, editorial y publicidad.

En su juventud trabajó en un circo como asistente del lanzador de cuchillos y, tras ser descubierta por un fotógrafo paseando por las calles de Múnich, se fue a París y trabajó como modelo durante una década. Siempre inquieta, un novio le regaló una cámara con la que comenzó a realizar fotografías de alta calidad, a raíz de lo cual se enamoró de la fotografía, perfeccionó su técnica y cambió definitivamente su posición ante la cámara, expresando toda la sensualidad, la sofisticación y elsentido del humor de las mujeres.

La fama le llegaría fotografiando a una entonces desconocida Claudia Schiffer para Guess Jeans.

Su trabajo se ha publicado en revistas como Vogue, Vanity Fair, Interview, The Face, Arena, L'Uomo Vogue e I-D, y ha publicado varios libros de fotografía y dos fotonovelas.

Ganó el primer premio en el Festival Internacional de Fotografía de Moda en 1991. Hizo la fotografía promocional para Duran Duran a partir de 1994, por ejemplo, para sus álbumes LIberty y Medazzaland. También ha realizado otras muchas portadas de álbumes de otros autores. Ha realizado campañas de publicidad, entre otras muchas, para Victoria's Secret, Banana Republic, Tommy Hilfiger, MAC Cosmetics, Baccarat, Bebe, Moët & Chandon, Veuve Cliquot, Absolut, H&M, Diesel, Chanel, Miu Miu o Blumarin.

También ha dirigido cortos para Azzedine Alaïa y Katharine Hamnett, videos musicales para Duran Duran y comerciales para Clinique, Revlon, Victoria's Secret, Cacharel y Bacardí. Ha creado la portada de discos como Pop Life (1991) de Bananarama, A Woman and a Man (1996) de Belinda Carlisle, Am I the Kinda Girl? (1996) de Cathy Dennis, The Velvet Rope (1997) de Janet Jackson, Saints & Sinners (2000) de All Saints, Life for Rent (2003) de Dido, el álbum Blackout (2007) de Britney Spears, los álbumes Back to Basics (2006) y Keeps Gettin' Better: A Decade of Hits (2008) de Christina Aguilera, así como los álbumes Rated R (2009) y Talk That Talk (2011) de Rihanna, entre otros.

Muchas son las celebrities que han posado para su cámara. Entre ellas encontramos a Javier Bardem, Drew Barrymore, Monica Bellucci, George Clooney, Penélope Cruz, Catherine Deneuve, Gael García Bernal, Salma Hayek, Eva Herzigova, Elizabeth Hurley, Sophia Loren, Madonna, Matthew McConaughey, Eva Mendes, Demi Moore, Brad Pitt, Nathalie Portman, Winona Ryder o Charlize Theron.

Bibliografía

Snaps (1994) Wicked (1999) Couples (1998) Revenge (2003) Omahyra & Boyd (2005) Plumes et dentelles (2005) Fräulein (edición coleccionista, 2009) Fräulein (edición rústica, 2011) The Story of Olga (2012)

BIBLIOGRAFÍA

Sònia Guimerà

LA SERIE

MONÓLOGOS

FOTOS: Guillem Medina

Una única luz, un taburete, un fondo negro, el modelo vestido con tonos oscuros: no hace falta nada más, simplemente dejarles que se expresen, a veces con rabia, a veces contentos, otras veces mostrando sus miedos, sus inquietudes...

Cuando una fotografía pone de manifiesto unos rostros, unos gestos, unas manos que hablan por sí solas, ¿para qué necesitamos las palabras?

Bertha Abeso

Gary Stenette

Onofre Rojo

Rafa Puerma

Josep M. Alejandre Salat

Carla Pérez Peix

Gemma Iglesias

Jorge Egea

Núria Peix

Pilar Moral

Laura Sancho

Laura Craus

Enric Barba

Joaquim Bundรณ

JosĂŠ Manuel Serrano

LOS CLÁSICOS

RUTH HARRIET LOUISE

Los inicios de Hollywood

Marion Davies

Ruth Harriet Louise, nacida como Ruth Goldstein el 13 de enero de 1903 en Nueva York y fallecida en Los Ángeles el 12 de octubre de 1940, fue una fotógrafa estadounidense, la primera de Hollywood. Fue responsable de los retratos de la Metro-Goldwyn-Mayer desde 1925 hasta 1930.

Hija de un rabino, la futura fotógrafa pasó su juventud en New Brunswick (Nueva Jersey). Era hermana de Mark Sandrich, quien fue más tarde realizador, productor y guionista, y prima de la actriz Carmel Myers. Sintiéndose primeramente atraída por las bellas artes, fue Nickolas Muray quien la estimuló a dedicarse a la fotografía y abrir en 1922 su estudio en Trenton bajo el nombre artístico de Ruth Harriet Louise.

Por medio de su hermano, consiguió entrar en la Metro-Goldwyn-Mayer, donde acabó siendo la primera fotógrafa de profesión. Resultó luego responsable de los retratistas durante el verano de 1925, cuando tenía 22 años. Durante esta carrera, que sólo duró cinco años, se estima que realizó más de 100.000 fotografías y se la considera la equivalente a George Hurrell en cuanto a fotografía de glamour. Mientras estuvo en activo creó la imagen de estrellas como Greta Garbo, Joan Crawford, Marion Davies, Norma Shearer, Pepi Lederer, Renée Adorée, Dorothy Janis, Lillian Gish, Dorothy Sebastian, John Gilbert, Lon Chaney o Lionel Barrimore, entre otros muchos. En una época en la que las mujeres se veían relegadas a trabajos como secretaria, asistente, estilista, etc., Ruth Harriet Louise supo imponerse y marcar un estilo muy claro. Y en eso fue una pionera. Sus fotos, aunque sigan los parámetros del glamour, respiraban una cierta naturalidad y una mirada cómplice con el modelo: se notaba que estos estaban a gusto mientras posaban. Harriet abandonó la MGM en 1930 y se casó con el guionista, productor y realizador Leigh Jason. La relación no duraría muchos años, pues Ruth murió en 1940 de las complicaciones de un embarazo.

Ramรณn Novarro

Lillian Gish

Gloria Swanson

Douglas Fairbanks, Jr.

Joan Crawford

Greta Garbo

Greta Garbo

Greta Garbo

John Gilbert

Joan Crawford

Norma Shearer

ICONOS

GRACE KELLY De estrella a princesa

Si tuviera que escoger dos de las actrices más elegantes de toda la historia del cine me quedaría sin duda alguna con una morena, Audrey Hepburn, y una rubia, Grace Kelly. Siempre han sido mis favoritas, no sólo por su indiscutible belleza física sino también por su innata clase y elegancia. Grace Patricia Kelly (1929-1982) nació en Filadelfia en el seno de una familia católica de clase alta, pero a los dieciocho años se mudó a Nueva York para estudiar teatro y hacer sus pinitos como actriz en anuncios para la televisión y en obras de teatro, que era a lo que ella quería dedicarse hasta que le llegó la oportunidad de trabajar en el cine. Debutó como secundaria en 1951 y sólo dos años más tarde ganó un Globo de Oro por su interpretación de la relamida Linda Nordley en Mogambo, papel para el que también estuvo nominada al Oscar, que ganaría con La angustia de vivir en 1954, donde daba vida a una mujer totalmente opuesta a los personajes glamurosos que había protagonizado en sus películas anteriores. Su carrera no fue muy extensa: sólo once películas, pero tuvo la suerte de trabajar con algunos de los mejores directores del momento, entre ellos el maestro del suspense, Alfred Hitchcock, de quien fue musa. Colaboró con él en tres ocasiones: Crimen perfecto, basada en una novela de Agatha Christie; Atrapa a un ladrón, rodada en Montecarlo junto al gran Cary Grant, mi actor favorito de todos los tiempos; y La ventana indiscreta, donde lucía algunos de los modelitos más maravillosos de la historia del cine. Uno de sus últimos papeles fue en El cisne, donde encarnaba a una princesa, justo el papel que iba a representar el resto de su vida al convertirse en la futura princesa de Mónaco.

Cuando se retiró del cine para casarse con el príncipe Rainiero en 1956, estaba en lo más alto de su carrera artística y en el esplendor de su belleza, que mantuvo intacta hasta el día de su muerte a la temprana edad de 53 años. Grace, al igual que Audrey, era una modelo perfecta para los diseñadores de moda; alta, delgada, de ma-

neras gráciles, modeló con el mismo estilo tanto diseños estadounidenses como europeos, sin importar que fueran atuendos informales o sofisticados vestidos. En su etapa americana lució modelos de los mejores diseñadores nacionales del momento, entre ellos Oleg Cassini, con quien estuvo saliendo un tiempo y quien la vistió en repetidas ocasiones. En el cine contó con la colaboración de los principales diseñadores de los estudios, como Helen Rose, quien la vistió en Mogambo, El cisne o Alta sociedad, y quien diseñó su maravilloso traje de novia y el traje para la ceremonia civil. La gran Edith Head la vistió glamurosamente en La ventana indiscreta y en Atrapa a un ladrón, pero también le dio el look perfecto para interpretar a la desastrada esposa de un alcohólico en La angustia de vivir. Una vez comprometida con Rainiero eligió un trousseau con diseños de 40 diseñadores americanos comprados personalmente en tiendas de Los Ángeles, Nueva York y Filadelfia. Ya en Europa, como princesa de los monegascos se decantó por la moda francesa, de la que fue una excelente embajadora, luciendo modelos de los mejores diseñadores del momento como Lanvin, Christian Dior, Givenchy, Balenciaga, Yves Saint-Laurent, Chanel o Madame Grès. La princesa Grace siempre estuvo en la lista de las mejor vestidas y creó su propio estilo con sus guantes cortos blancos, sus tocados y sus turbantes, muy populares en los años 70 y que ella lució como nadie, o sus intricados peinados y tocados, que iban a juego con los vestidos de época y fantasía de las fiestas de disfraces del principado. La princesa fue un icono de moda tan importante que incluso la casa Hermès diseñó un bolso exclusivo para ella, el Kelly Bag, que ha llegado a nuestros días como toda una marca de estilo. Puede que su hija Carolina y su nieta Carlota hayan heredado su belleza y elegancia, pero para mí la más grande ha sido y será ella: nadie en su familia ha podido equiparse a ella en elegancia y belleza.

TEXTO: Núria Simón

HIROSHI SUGIMOTO La realidad congelada

LOS CLÁSICOS

Hiroshi Sugimoto es un fotógrafo japonés, na-

cido en Tokio el 23 de febrero de 1948 y afincado en Nueva York desde 1974, que realiza fotografía conceptual con su cámara de gran formato de 20 x 25 cm y sus largas exposiciones, gracias a la que ha logrado labrarse una reputación de fotógrafo de gran habilidad técnica. Sus series de fotografías, desarrolladas a partir de propuestas conceptuales muy definidas, como Dioramas y Wax Museums (1976), Theaters (1978), Seascapes (1980), Bays (1995) o Architecture (1997), lo han consagrado como uno de los más sólidos valedores de la fotografía estadounidense.

Sugimoto tiene mirada de escultor, de pintor, de arquitecto y de filósofo. Utiliza su cámara fotográfica en una miríada de modos para crear imágenes que contengan de sus temas la esencia, ya sea arquitectónica, escultural, pictórica o de la propia naturaleza. Da un valor extraordinario a la artesanía, imprimiendo sus fotografías con atención meticulosa y una comprensión profunda de los matices de la impresión argéntea y de su potencial, con una gran riqueza tonal en su gama de colores –aparentemente infinita– de negros, blancos y grises.

Su obra se ha expuesto de forma individual en museos tan importantes como el Metropolitan y el MOMA de Nueva York. En 2001 recibió el Premio Internacional de la Fundación Hasselblad por su obra, en 2006 el Premio PhotoEspaña y en 2009 el Praemium Imperiale en la categoría de pintura otorgado por la Asociación de Arte Japonesa. Algunas de sus series mas populares son:

Cines

Theaters, serie iniciada en 1978, se encuentra todavía en elaboración y su objetivo es causar una reflexión sobre el carácter relativo del tiempo. Su-

gimoto fotografió cines clásicos y autocines dejando abierto el obturador de la cámara para provocar una sobreexposición en el negativo. El resultado son instantáneas de rectángulos brillantes y luminosos en los que invita a meditar sobre cómo el largo metraje de una película se comprime en un solo instante, o acerca de la fugacidad de la imagen animada. La luminosidad que despiden las pantallas también se interpreta como una metáfora de la muerte. La serie nos habla del interés de Sugimoto por la arquitectura y los diseños estéticos del pasado.

Campos de relámpagos

La serie Lightning Fields (2009) supone un ejemplo de la reivindicación de Hiroshi Sugimoto de las técnicas artesanales. Las preciosistas imágenes están captadas sin el uso de la cámara y están formadas por los registros de los rayos y descargas eléctricas en los negativos, dibujando el contorno de ríos o el cielo nocturno en un homenaje a la fotografía abstracta. Lightning Fields revela la fascinación de Sugimoto por la ciencia y los fenómenos de la naturaleza, poniendo en primer plano el vínculo que existe entre la experimentación propia del método científico y los métodos de la temprana fotografía del siglo xIx.

Dioramas

Dioramas (1976-2012) es la primera serie del artista y en ella usa la cámara a modo de máquina del tiempo. Reúne fotografías de paisajes prehistóricos tomadas en su mayoría en el Museo de Historia Natural de Nueva York. Son imágenes de animales embalsamados y humanos primitivos que parecen reales, con las que el artista logra poner en entredicho la fiabilidad de la fotografía como prueba en un proceso judicial, por ejemplo.

Ante la mirada asombrada del visitante cobran

vida los lobos de Alaska o los pingüinos del Polo Sur, en un guiño a una construcción ficticia que se vuelve real.

Retratos

Portraits (1999) reúne fotografías de estudio de personalidades históricas moldeadas en cera, la mayoría procedentes del Museo Madame Tussauds de Londres. La pieza principal retrata al rey inglés Enrique VIII, pero la serie incluye figuras políticas y religiosas más recientes como Yaser Arafat o el papa Juan Pablo II. Estas fotos de personajes, que en su mayoría murieron hace tiempo, son muy realistas y detalladas. Tratan de emular a los retratos pictóricos pero generan una fractura entre lo animado y lo inanimado, creando un efecto desasosegante y siniestro. El propio Hiroshi Sugimoto ha manifestado que no le interesa fotografiar a los vivos.

Paisajes marinos

La serie Seascapes, iniciada en 1980 y aún en desarrollo, recoge fotografías de paisajes primigenios de mar y cielo, que fusionan representación y abstracción, tomadas en diversos lugares del mundo como el Báltico o el Egeo. Según ha expresado el propio fotógrafo, con estas imágenes quiso captar escenas que un hombre primitivo hubiese podido reconocer, así como reflexionar acerca de lo que nosotros compartimos hoy con aquellas visiones.

Un viaje en el tiempo y en el espacio.

TONI GARRETA

“Yo no busco la belleza. Busco emociones.”

ARTISTA INVITADO

Modelo y ahora fotógrafo, Toni Garreta poco a poco se ha ido introduciendo en el mundo de la fotografía con un estilo personal muy interesante. No podíamos pasar la ocasión para entrevistarlo y saber algo más de él. ¿Cuándo empiezas a dedicarte a la fotografía?

Hace muchos años que tengo un fuerte vínculo con la fotografía. Estudié diseño gráfico y la fotografía entró con fuerza en mí: me pasaba horas y horas encerrado en mi laboratorio revelando y haciendo copias. Después hubo un descanso.

Desde 1990 me dedico profesionalmente el retoque digital y la posproducción fotográfica, pero no es hasta el año 2013 que la fotografía entra de lleno en mi vida, no para vivir de ella sino para disfrute y como trabajo personal. ¿Digital o analógica?

Actualmente me siento muy cómodo con la fotografía digital.

¿Qué cámara usas normalmente?

Hace poco abandoné mi cámara réflex y me he pasado a la Fuji xT1, mas pequeña, mas cómoda y con muy buenas prestaciones.

¿Cuáles eran tus fotógrafos de referencia en tus inicios?

Hay un montón de fotógrafos que me han marcado o me han influenciado: Antoine d’Agata, JAM Montoya, Pierre Gonnord, Pierre et Gilles, Alberto García Alix, Martin Parr, Philip-Lorca diCorcia, Bruce Gilden y muchos más.

¿Has hecho algún curso o estudios relacionados con la fotografía?

No tengo estudios oficiales de fotografía. He estudiado dos años con el fotógrafo Jordi Oliver, aparte de realizar innumerables talleres y workshops de fotografía.

¿Prefieres callejear o la fotografía de estudio?

Ambas me gustan, aunque por el tipo de fotografía

que estoy haciendo actualmente me decanto más por crear yo mis propias escenas en interiores o exteriores.

¿Qué te gusta captar con el retrato?

El interior de las personas.

¿Cómo es para ti el modelo ideal?

Aquí me has pillado. Creo que aún no lo sé.

¿Cuál es tu idea de la fotografía perfecta?

Es la fotografía que provoca una emoción, que la sientes en el estómago, que te inquieta. Yo no busco la belleza. Yo busco emociones.

¿Eres muy partidario del retoque digital?

Aunque me paso el día retocando fotos de otros fotógrafos para publicidad, moda, etc., yo no retoco casi nunca mis fotos. Sólo intervengo en el revelado digital para ajustar la luz y el contraste.

Tú has sido también modelo. ¿Cómo es estar al otro lado de la cámara?

Pues la verdad es que es una experiencia divertida y me lo paso muy bien. Es como un juego. Me encanta la relación que se establece con el fotógrafo.

¿Cuáles son tus próximos planes en cuanto a fotografía?

Llevo tres años haciendo un proyecto fotográfico de introspección personal, sobre mis propios miedos, mis inseguridades, mis conflictos personales, etc. De este trabajo han salido dos miniexposiciones. Pero el trabajo sigue y espero poder exponer las conclusiones de este proyecto en 2018. Lo más importante de todo esto es cuando te das cuenta del gran poder terapéutico que tiene la fotografía. Y en este momento me gustaría mucho participar en proyectos de fotografía participativa para ayudar a colectivos o personas que necesitan sanar aspectos de su vida.

Muchas gracias por el tiempo dedicado y esperamos ver tus próximos trabajos.

EXPOSICIONES

El món de Giorgio de Chirico: Somni o realitat

La obra de Giorgio de Chirico (Volos, 1888 – Roma, 1978) se caracteriza por una investigación incesante en diferentes planos: desde el período metafísico inicial, en la década de 1910, el trabajo por el cual se le conoce más, en donde muestra una transformación personal del arte clásico mediante unas piazzas enigmáticas de arquitectura renacentista, pasando por los temas iconográficos de las décadas de 1920 y 1930 o las investigaciones técnicas sobre la pintura de los grandes maestros durante la década de 1940, hasta al período neometafísico entre los años 1968 y 1976.

Esta exposición recorre las fases creativas principales de Giorgio de Chirico y retrata la investigación continua de la idea artística, marcada por una búsqueda constante en el plano iconográfico y simbólico capaz de crear una continuidad de la tradición artística italiana en el arte. Esta obstinación de continuidad fue uno de los elementos que determinó su posición destacada en el arte internacional, sobre todo en su influencia en el movimiento surrealista y en otros grandes artistas y escritores de la primera mitad del siglo xx.

Caixa Forum Av. Francesc Ferrer i Guàrdia, 6-8, Barcelona Tel. 93 476 86 00 Del 19 de julio al 22 de octubre de 2017

Nicholas Nixon

Nicholas Nixon (n. Detroit, 1947) ha ocupado un lugar destacado y singular en la historia de la fotografía de las últimas décadas. Centrado sobre todo en el retrato y con un claro interés por las posibilidades descriptivas de la cámara, su obra revela una tensión entre lo visible –de una extraordinaria claridad y habilidad compositiva– y lo invisible: los pensamientos e inquietudes que afloran en sus imágenes.

Sala Fundación MAPFRE C./ Bárbara de Braganza, 13, Madrid Tel: 915 81 46 09 Del 12 de septiembre de 2017 al 7 de enero de 2018

Weegee by Weegee

La exposición sobre Weegee, producida por Foto Colectania y la Fundació Banc Sabadell, reúne más de cien fotografías de época de una de las mejores colecciones fotográficas del mundo, la M.+M. Auer de Suiza, en una cuidada selección vertebrada a partir de los libros de Weegee y publicaciones en prensa. En el Nueva York convulso de los años 30 y 40, Weegee era un reportero gráfico freelance que publicaba en todos los grandes periódicos y que convirtió el crimen en espectáculo. Siempre alerta, llevaba en su coche una radio sintonizada con la frecuencia de la policía que le permitía llegar el primero a la escena del crimen.

Su técnica, de duros contraluces, daba a las fotos un aura de verismo y dramatismo que sigue impactando al espectador.

La muestra presenta una interesante selección de su trabajo, desde imágenes de crímenes, incendios o accidentes hasta escenas de eventos sociales y populares, como las aglomeraciones en las playas de Coney Island o en otros lugares de ocio de los neoyorquinos de por aquel entonces.

Weegee fotografiaba un cadáver, pero también un baile de máscaras o un niño solitario; en sus fotos

hay oscuridad, pero también ternura. Sin embargo, una de las singularidades de esta exposición de Foto Colectania es que muestra, junto a las fotografías del autor, materiales originales de los periódicos y revistas en donde se publicaron sus imágenes, así como los fotolibros más célebres del reportero, como la edición original de Naked City, que se publicó en 1945 y se convirtió inmediatamente en un best seller.

Foto Colectania Passeig Picasso, 14, Barcelona Tel. 93 217 16 26 Del 5 de julio al 5 de noviembre de 2017

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Harry Callahan The Street Grant Arnold (ed.), John Pultz (texto) 34,50 € (Amazon)

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