Blue Eye BCN 26 Septiembre 2018

EYE

BLUE BCN

MANRIQUE

26

Julio

TEATROS BCN . EL JUEVES . VERSUS GLÃ’RIES . FABRIZIA MARTANO

SUMARIO septiembre 2018

06 18 32 44 46 Julio Manrique

El TNC sube el telón

Grandes teatros de Barcelona

Teatro: Estrenos

Fabrizia Martano

Festa de la Mercè

Fotografía: Karl Lagerfeld

Iconos: David Bowie

Gustavo Adolfo Tarí

Christian Dior

Viajando: Girona

«El Jueves», humor irreverente

Elena Jordi, de l’estanc als escenaris

Televisión

Cine: Estrenos

Exposiciones La Librería

El nou Versus Glòries

58 68 72 82 90

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EDITORIAL

Empieza una nueva temporada teatral y cada local enseña sus cartas, su programación para todo el año, algunos ya lo tienen todo bastante claro, otros la irán construyendo sobre la marcha, rezando para que no se les “caiga” algún montaje y tengan que substituirlos en el último momento. Otros esperando llenar las salas porque de eso depende su subsistencia. Y algunos reprogramando éxitos del pasado año, porque no hay nada mejor que ir sobre seguro. Y es que hoy en día, tener un teatro es un riesgo, no existe la fórmula mágica que te haga llenar la sala, ni gracias a un texto en concreto, ni con un director de culto, ni subiendo al escenario a los actores más mediáticos del momento. El público es como “la donna é mobile qual piuma al vento”, así que más vale no aferrarse mucho a la poltrona, y buscar nuevas fórmulas.

Desde aquí felicitamos a los recientes propietarios del Versus Teatre, que al margen de la programación teatral habitual también ofrecerán espectáculos de magia, infantiles y todo lo que pueda ser de interés, sin cerrarse en banda. Seguiremos de cerca su evolución. Por nuestra parte seguimos cambiando el formato y los contenidos de la revista para hacerla más cercana, más útil al lector. Lógicamente una publicación mensual no puede ni pretende estar al día de todo, para eso ya existen las redes sociales que están al quite en cuanto salta la noticia. De hecho en cuanto alguien se muere, su necrológica tarda exactamente cuatro nanosegundos en aparecer en la Wikipedia. Así que ni seremos modernos, ni seremos rápidos, así que mejor nos concentramos en ser un espacio de reflexión y de lectura intrascendental para llenar un rato de ocio. Nos congratulamos también de contar con la participación de la Editorial Albertí, que cada número nos regalará un capítulo de algunos de sus interesantísimos libros. Y como tampoco nos cerramos a los idiomas, cuando alguien quiera participar en nuestra publicación lo podrá hacer en el idioma que desee. Para eso estamos en una tierra rica en lenguas y expresiones.

DIRECTOR: Guillem Medina Director Guillem Medina guillebcn@hotmail.com

Subdirector: Enric Fontvila Colaboradores: Núria Simón, Miguel Ángel Parra, Joaquim Bundó, Gemma Iglesias, Marta Calvó, Bernat Molins

Fotógrafos: Enric Fontvila, Mario Gil, Guillem Medina

EN PORTADA

JULIO MANRIQUE “Me gustan los retos, tal vez porque soy bastante miedoso.

Quizás necesito desafiar los miedos, cuando se presentan.”

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EN PORTADA

stás, estos días, interpretando el Edipo de Sófocles, en una versión de Jeroni Rubió Rodon, bajo la dirección de Oriol Broggi, una obra que nos habla del destino que marca la vida de unos personajes y de cómo, por mucho que intentes evitarlo, se acaba llevando siempre a cabo.

Y tú ¿crees en el destino? De alguna forma, en algún lado, ¿están escritos nuestros pasos? ¿O construimos nuestro destino día a día?

Bufff, no está mal, para empezar…A ver, no, no creo en el destino de una forma cerrada o rígida, no creo que pese sobre nosotros una especie de sentencia invisible que nos condene, hagamos lo que hagamos, a un final escrito por alguna especie de instancia invisible. Creo que somos responsables de nuestras vidas, creo que tenemos la capacidad de escribir nuestro propio relato. Y, sobretodo, de dotarlo de sentido. Ese es el gran desafío, en mi opinión: la búsqueda de sentido. Y para encontrarlo es necesario, entre otras cosas, ser consciente de las propias limitaciones. Y dejarse guiar, a veces, por la intuición. “Mirar las estrellas”, por decirlo de algún modo, cómo quién abre un mapa…

¿Estaba pues en tu destino que acabases dejando los estudios de derecho para estudiar interpretación y acabases haciendo de la interpretación tu profesión?

A mi, estudiar derecho, me sirvió, sobretodo, para descubrir mi vocación. Y no era la de jurista, si no la de actor. En la Universidad, me apunté al grupo de teatro. Y enseguida supe a qué quería dedicar el resto de mi vida. Fue muy emocionante descubrirlo de una forma tan clara, tan rotunda. Y tan apasionada. Era muy joven, claro…

Has interpretado, dirigido, producido, incluso llevado la gestión de todo un teatro. ¿De alguna forma querías entender todo el proceso teatral?

Hubo un momento, después de unos cuantos años en el oficio, en qué me di cuenta de que necesitaba seguir en él des de otros lugares, no solamente como actor. Dirigir, escribir…lo de la gestión me lo puso la vida (y Focus) delante. Y me pareció un reto interesante. Me gustan los retos, tal vez porque soy bastante miedoso. Quizás necesito desafiar los miedos, cuando se presentan.

Al final ¿es la faceta de actor la que más satisfacciones personales te da?

Disfruto mucho dirigiendo, también. Dirigir te obliga a tener una mirada global, completa, sobre todo el proceso creativo. Y también a crear un buen ambiente de trabajo para todos. Esa parte, la de la gestión digamos “emocional” de los equipos, también me interesa mucho.

Aunque a estas alturas de tu carrera nadie duda de tu valor como actor teatral, buena parte de tu popularidad inicial te la dio la televisión con series como Porca Misèria, Infidels o El Crac, entre otras. ¿Fue en aquel momento la mejor forma de aprendizaje, una forma de subsistencia, todos los actores deberían pasar por esa etapa para conocer el medio?

Fue una gran suerte recibir propuestas para trabajar en televisión. Y encima buenas propuestas, buenos papeles en buenas series. Un chollo. Eso es lo que, por lo general, representan las ofertas televisivas para la mayoría de los actores: un chollo. La tele hace que la gente te conozca, y eso hace que los productores también se fijen más en ti. Fue un buen empujón. Además, acostumbran a pagarte bien, al menos antes era así. Ahora ya no tanto.

EN PORTADA ¿Con qué personaje te quedas de tu etapa televisiva?

Sin duda, con Álex, el canalla que vivía en un barco en Porca Misèria. También le tengo cariño al Antonio de Temps de Silenci, y con el tiempo he ido viendo que fue un personaje que caló bastante entre la gente. Era un buen chaval, hijo de inmigrantes, idealista, luchador. A los seguidores de la serie les dio mucha pena cuando lo mataron.

Josep Maria Mestre, Àlex Rigola, Xavier Albertí, Segi Belbel, Oriol Broggi o Peter Brook entre otros ha sido profesionales que de alguna forma te han ayudado y formado interpretativamente hablando, pero ¿qué hay de ellos en el Manrique actor o en el Manrique director?

Permíteme que cite algún otro, cómo Calixto Bieito, Joan Ollé (que también fue mi profesor en el Insitut del Teatre), Lluís Pasqual o mi amigo y socio David Selvas…De todos he aprendido, sin duda. Creo saber escuchar y absorver de los demás, también tengo un fuerte sentido crítico, que en cierto modo fue uno de los motores que me empujaron a tratar de dirigir yo mismo un espectáculo. Esa lista, en todo caso (alarmantemente faltada de mujeres, por cierto, en fin…) esta plagada de talento, conocimientos, experiencia y con algunos de ellos tengo fuertes complicidades personales. Pero en mi altar de “maestros” estarían, con perdón de los demás, dos de esos nombres: Mestres, que fue mi primer “mestre”, mi guía en esto del teatro y la primera persona que confió en mi. Y luego, claro, Peter Brook, uno de los grandes directores y teóricos del teatro del siglo xx y con quien tuve la inmensa suerte de trabajar durante cuatro intensísimos e inolvidables meses en París. Tenía 28 años, y esa experiencia me acompañará siempre. Lloré, sufrí, me sentí patoso, me enfadé conmigo mismo. Y, al tiempo,

gocé, descubrí y aprendí a mirarme y a mirar mi oficio con ojos nuevos. Unos ojos atentos al detalle, a los detalles. La esencia de este juego que es el teatro, para Brook, está ahí, en el detalle. Procuro no olvidarlo nunca.

En 2006 das un paso más en tu carrera y decides dirigir Els boscos en la sala Beckett, otro punto en tu destino. ¿Por qué eliges esta obra y este autor? ¿Era el momento de lanzarte a la dirección? ¿Fue una decisión muy meditada o un salto al vacío?

Me gusta mucho el teatro de David Mamet, no todas sus obras, pero sí algunas de ellas, como American Buffalo (que tiempo después dirigí en el Lliure), Glengarry Glenrose o Criptograma. Els boscos era una obra apenas conocida de Mamet, y muy poco representada. Es preciosa.

Un chico y una chica pasan un fin de semana en el bosque, en una cabaña, cerca de un lago.

Son jóvenes, están empezando a conocerse.

Son como Hansel y Gretel, dos criaturas perdidas en el bosque de las emociones. De los anhelos, los sueños, las pulsiones y los miedos. Es la obra más lírica, más emocional de Mamet. La hicimos con Cristina Genebat, mi pareja, que también la tradujo, y con Marc Rodríguez, un magnífico actor y buen amigo mío, también. En familia. Fue un proceso muy íntimo, muy personal. Cocinado a fuego lento. Sin ruidos ni prisas.

Buscábamos nuestra propia manera de hacer las cosa. Fue muy bonito.

De hecho, buena parte de tu faceta como director se basa en obras de autores británicos o extranjeros. ¿Es una cuestión de afinidad ideológica, forma de ser o porque te interesan lo que cuentan sin importar la nacionalidad?

He montado muchos autores anglosajones, es cierto. Creo que es porque saben explicar historias como nadie. Para ellos la ficción, en el tea-

EN PORTADA

tro, el cine o la televisión, consiste sobretodo en eso, en contar buenas historias. Llevan mucho tiempo practicando, desde Shakespeare hasta hoy. Nos han inundado con sus ficciones. Por supuesto, hay un montón de historias espantosas, algunas son deleznables. Pero las buenas, son muy buenas, en mi opinión. Por lo demás, me importa poco la nacionalidad, en efecto. Lo que me importa son las historias. Últimamente, dirigí en el Lliure L’ànec salvatge, de Ibsen, que es un autor noruego.

¿Vas siempre con el radar puesto y una cierta deformación profesional, o sea cuando lees un libro, o descubres un nuevo autor piensas cómo se podría adaptar teatralmente y si tu podrías hacerlo?

Cuando leo una novela, por lo general, no, no pienso en si podría o no salir de ahí una obra.

Me limito a disfrutar la lectura. Cuando leo teatro, en cambio, inevitablemente sí, pienso en el trabajo. Como director, escojo textos de los que me he enamorado, que me han atrapado, fascinado, por alguna razón que a veces solo alcanzo a comprender del todo cuando monto la obra, entrando a fondo en el texto, en el mundo del autor.

¿Cuál es el último libro que has leído y has tenido esa sensación de que podrías hacer una buena obra teatral?

Ahora mismo estoy leyendo una novela, El caso Eduard Einstein, del médico y escritor Laurent Seksik. Es una historia basada en hechos reales, el protagonista es el Eduard del título, segundo hijo de Albert Einstein, que padecía esquizofrenia. Me lo recomendó una amiga, directora también, pero de cine y televisión. Está convencida de que hay un buen material dramático en el

libro. Traicionando lo que te contaba en la respuesta anterior, me puso a leerlo, esta vez sí, “buscando material”. La historia es fabulosa, pero la verdad es que, de momento, veo más una peli que una obra de teatro…También me gusta mucho un autor francés, Emmanuelle Carrère. Alguna vez se me ha pasado por la cabeza hacer algo con alguno de sus textos. Veremos…

Un amigo me comentaba el otro día que en estos doce años has ido adquiriendo un estilo como director y que cuando alguien ve una obra tuya puede intuir tu mano en la dirección. ¿Eso es un símbolo de reconocimiento, prestigio o una alerta para que no te encasillen y tu llegues a repetirte?

Pues no lo sé…como ya he dicho anteriormente, a mi lo que más me importa son las historias, contarlas lo mejor posible. Cada nueva historia genera sus propias reglas, una nueva forma.

Pese a ello, los directores tendemos a repetir recursos, supongo que es inevitable. A mi, por ejemplo, me gusta mucho utilizar música en los montajes, crear paisajes sonoros ricos y, a menudo, exuberantes. Justamente por eso, a veces me digo que un día tengo que montar una obra sin una gota de música, sin apoyarme en el espacio sonoro. Hay que atreverse a cambiar, a probar cosas nuevas. La autocomplacencia es peligrosa.

En 2010 otro paso en tu destino de esos que luego llenan el currículum, pasas a llevar la programación del teatro Romea. ¿Sabías realmente donde te metías cuando aceptaste el cargo por tres años?

Solo a medias. Me lo pensé mucho, muchísimo, antes de aceptar. O sea que ya había hecho el

EN PORTADA

ejercicio de tomar conciencia de lo que podía suponer. Pero solamente descubres del todo en que consiste un trabajo, un cargo cómo éste, cuando te pones manos a la obra.

Tu antecesor Calixto Bieito tiene una fuerte personalidad como director. ¿Cómo definirías en cambio tu etapa?

Aposté por programar, sobretodo, textos contemporáneos. Nos inventamos algo llamado “Off Romea”, que aún sigue haciéndose, para acoger propuestas de pequeño formato y espíritu alternativo, en espacios también “alternativos” del Romea, fuera del escenario. Por allí pasaron Broggi, Selvas, Veronese… Estrenamos Incendis, tal vez el montaje con más éxito en mi etapa, y el descubrimiento de Mouawad en nuestro país…uno de los grandes objetivos era atraer público joven. Lo conseguimos solo a medias.

Y hablando de gestionar teatros y que salgan rentables, ¿cómo se hace eso? ¿De qué depende, de que sean obras muy conocidas, que tengas actores muy famosos, de qué el clima político no afecte las decisiones de salir y del tiempo de ocio?

Supongo que a una mezcla de todo eso, sí. Los buenos programadores y gestores tienen que ser muy astutos y estar muy despiertos, buscar equilibrios a menudo difíciles, entre riesgo y prudencia, entre calidad y rentabilidad…no es un trabajo fácil. Nadie tiene la fórmula mágica, porque no existe.

El público juvenil ¿es el gran enemigo del teatro o simplemente el gran desconocido? ¿Cómo recuperarlo?

Enemigo en absoluto. Pero cuesta traerlo, tal vez porque cuesta “atraerlo”. Uno de nuestros gran-

des rivales son las pantallas. Vivimos rodeados de pantallas. Pero, por esta misma razón, soy optimista: el teatro es insustituible, ninguna pantalla podrá suplantarlo. Es experiencial por naturaleza, y eso, a la larga, lo preservará y lo hará único. También para los jóvenes. Por lo demás, tenemos que intentar que les interesen los contenidos. ¿Sabes qué obra funciona de maravilla entre la gente joven? Hamlet. El prota es como ellos: un adolescente inquieto y cabreado que empieza a desenmascarar al mundo, a los demás y a si mismo.

En 2015, otro paso: formar productora, La Brutal, junto a David Selvas y Cristina Genebat. ¿Era una forma de asegurarse conseguir buenos proyectos o un paso más a la hora de entender y controlar el proceso teatral?

No, la intención no era asegurarse nada, al contario. Decidimos arriesgarnos a poner en marcha un proyecto económicamente muy poco o nada lucrativo a cambio de tener la libertad de decidir qué hacer, con quién hacerlo y de qué manera.

La Brutal lleva ya cuatro años en marcha y el proyecto ha cuajado, ha madurado. Y ahora Selvas sigue al frente, con un pequeño equipo alrededor. Y Cristina y yo, nos hemos desvinculado de la productora como miembros estables, pero seguiremos colaborando artísticamente con La Brutal, nos unen muchas cosas.

¿Te has planteado escribir tus propias historias? ¿Qué temas te interesan en ese sentido?

Ya lo he hecho, alguna vez, siempre en equipo.

Con Sergi Pompermayer, escribimos Llum de guàrdia, una comedia ácida sobre teatro, miedos y fantasmas, corpóreos e incorpóreos. Y junto a Cristina Genebat y Marc Artigau, escribimos , re-

cientemente, E.V.A., para las T de Teatre, que yo mismo dirigí. Una comedia, también, o más bien una comedia dramática, sobre el dolor, sobre las diferentes manifestaciones del dolor en las personas…tal vez un día me lance a la autoría en solitario, no lo sé, aunque, la verdad, me encanta hacerlo en equipo. Cuando escribo solo, me vuelvo muy autista, demasiado. Por cierto, E.V.A. se podrá volver a ver a partir de setiembre, de nuevo en el Romea.

Me da miedo acabar preguntándote por tus proyectos teatrales porque pueden ser como actor, director, productor, ja ja ja…

Pero ¿cuáles son los próximos?

La próxima temporada dirigiré tres espectáculos, además de irnos de gira con Èdip, de setiembre a diciembre. Solo te puedo decir algo

Foto: David Ruano

del primero de ellos. Será una producción de La Brutal y se podrá ver en La Villarroel, des de finales de noviembre de este año. Se trata de un texto de una autora americana, aún desconocida aquí, Sarah Rhul. Se llama In the Next Room, or The Vibratotr Play. Algo así como La habitación de al lado, o La obra del vibrador. Es divertidísima y emocionante, maravillosa. La autora nos lleva al siglo xIx, a la época victoriana, una época de puritanismo y corsés. Un doctor americano, fascinado con Edison y la electricidad, con el progreso, empieza a aplicar un aparato revolucionario para tratar a sus pacientes de “histeria”: el vibrador.

Texto y fotos: Guillem Medina

Foto: David Ruano

TEATRO

EL TNC SUBE EL TELÓN Shakespeare, Calderón de la Barca, Chéjov, Bertolt Brecht o Santiago Rusiñol son algunos de los autores presentes en la nueva temporada 2018-2019 Fotos: David Ruano

E

bertad”:

l TNC (Teatre Nacional de Catalunya) presenta su nueva programación para el 2018-2019 y según Xavier Albertí, su director artístico, se resume en el lema “Dogma y Li-

“La dimensión simbólica de los seres humanos es un laberinto tan fascinante como irresoluble. A menudo atravesamos diferentes pasillos que no dejan de sorprendernos por las similitudes que presentan. A veces nos volvemos a topar con los mismos cruces, y en cambio ya no nos acordamos de la última vez que pasamos. Y cuando intentamos seguir los hilos que nos debían ayudar a orientarnos, descubrimos perplejos que se han acabado haciendo un lío entre si. En el mundo cada vez más propagandístico que nos ha tocado vivir, se nos ofrecen múltiples tratamientos, tanto estimulantes como paliativos para las profundas heridas de nuestra dimensión simbólica. Pero la mayoría de estas recetas sólo pretenden aligerar las inflamaciones más visibles, sin tener en cuenta que, a menudo, la mejor manera de tratar de raíz cualquier enfermedad es observar los síntomas sin disimularlos. Si hay dos conceptos fácilmente inflamables en este laberinto del que no nos podemos sustraer, es probable que sean los de «dogma» y «libertad». por es hemos querido que presidieran la próxima temporada 2018.”

Este año además estará dedicado al escritor Santiago Rusiñol (1861-1931) pintor, escritor y dramaturgo catalán, cuya obra incluyen poemas en prosa (Oracions, 1897), dramas

como L'alegria que passa (1898), Cigales i formigues (1901), La bona gent (1906) o El místic y novelas costumbristas como L'auca del senyor Esteve (1907), que fue adaptada al teatro por el propio Rusiñol en 1917, La niña gorda (1914), El català de La Mancha (1917) o En Josepet de Sant Celoni. Excepcíon fue un relato autobiográfico titulado Impresiones de arte, publicado en 1897 como regalo a los suscriptores de La Vanguardia, escrita en castellano.

También escribió para periódicos como La Vanguardia o revistas como L'Esquella de la Torratxa. Rusiñol fue un personaje importante de la Renaixença literaria y cultural de Cataluña, y del mundo intelectual y bohemio de la Barcelona de su tiempo.

Haciéndose participe de esta efeméride el TNC se suma a las celebraciones: “Santiago Rusiñol fue uno de los grandes embajadores de la modernidad a Catalunya. Provocador de numerosas polémicas con los principales movimientos políticos del cambio del siglo XIX al XX. Siempre supo poner el dedo en algunas llagas extraordinariamente sensibles. Este sentido de la oportunidad que a menudo fue leído como simple oportunismo, lo convirtió en una figura incómoda para su mordaz equidistancia, a la vez que la erigía en uno de los observadores más agudos de la sociedad de su tiempo. Por esta razón, el TNC ha querido dedicar el epicentro patrimonial de la temporada 2018/2019 en Santiago Rusiñol y su relativismo ideológico. una aparente ambigüedad que probablemente deberíamos percibir como el firme compromiso crítico de un artista contra la invención de verdades colectivas y su instrumentalización política.”

PROGRAMACIÓN ELS JOCS FLORALS DE CANPROSA Santiago Rusiñol Adaptación ydirección: Jordi Prat i Coll Sala Gran 04/10/18 al 11/11/18 TEBAS LAND Sergio Blanco Dirección: Natalia Menéndez Sala Petita 10/10/18 al 14/10/18 NOMÉS UNA VEGADA Marta Buchaca Sala Petita 18/10/18 al 04/11/18 KASSANDRA Sergio Blanco Dirección: Sergi Belbel Sala Tallers 24/10/18 al 18/11/18 LA NIT DE CATALINA HOMAR + LES DARRERES PARAULES José Carlos Llop y Carme Riera Sala Petita 15/11/18 al 18/11/18 AMOUR Marie de Jongh Dramaturgia y dirección: Jokin Oregi Sala Tallers 22/11/18 al 02/12/18 CUCULAND SOUVENIR Roberto Olivan Sala Gran 22/11/18 al 25/11/18

PROGRAMACIÓN

YOUTH#4 Didier Ruiz Altres espais 29/11/18 al 02/12/18

ALBA Marc Artigau Dirección: Raimon Molins Sala Petita 29/11/18 al 23/12/18 TROIA, UNA VERITABLE ODISSEA! Cor de Teatre Dirección: David Costa y Joan Maria Segura Bernadas Sala Gran 13/12/18 al 30/12/18 LA NIÑA GORDA Jordi Oriol, a partir de Santiago Rusiñol Dirección: Xavier Albertí Sala Tallers 19/12/18 al 04/01/19 AMANDA T Àlex Mañas Sala Tallers 10/01/19 al 20/01/19 AFANYS D’AMOR PERDUTS William Shakespeare Dirección: Pere Planella Sala Petita 17/01/19 al 24/02/19 PETITS PRÍNCEPS Mumusic Circus Dirección e interpretación: Clara Poch y Marçal Calvet Sala Tallers 23/01/19 al 03/02/19

PROGRAMACIÓN

LA BONA PERSONA DE SEZUAN Bertolt Brecht Dirección y escenografía: Oriol Broggi Sala Gran 31/01/19 al 17/03/19 LA GALLINA DELS OUS D’OR Zum-Zum Teatre Dirección: Ramon Molins Sala Tallers 13/02/19 al 03/03/19 SE’NS N’HA ANAT EL SANTOS AL CEL Carles Santos y Jordi Oriol Dirección musical: Wanda Pitrowska Sala Gran 05/03/19 NOM Gelabert Azzopardi Companyia de Dansa Idea original de Cesc Gelabert Sala Petita 07/03/19 al 17/03/19 EL FUTUR Helena Tornero Sala Tallers 20/03/19 al 14/04/19 BACH PROJECT Goldberg Variations / Variations Mal Pelo Dirección: Maria Muñoz y Pep Ramis Sala Petita 28/03/19 al 07/04/19 EL JARDÍN DE LOS CEREZOS Antón Chéjov Versión y dirección: Ernesto Caballero Sala Gran 10/04/19 al 21/04/19

STABAT MATER Antonio Tarantino Traducción de Albert Arribas Altres espais 25/04/19 al 12/05/19 ORSINI Companyia Solitària / Xicu Masó Aleix Aguilà Dirección: Xicu Masó Sala Tallers 02/05/19 al 26/05/19 EL GRAN MERCADO DEL MUNDO Calderón de la Barca Versión y dirección: Xavier Albertí Sala Gran 15/05/19 al 22/06/19

EL DOLOR Marguerite Duras Versión y dirección: Lurdes Barba Sala Petita 23/05/19 al 22/06/19 KIND Peeping Tom Dirección: Frank Chartier y Gabriela Carrizo Sala Gran 11/07/19 al 12/07/19

Nuevos rostros

IVETTE CALLÍS Lugar y fecha de nacimiento 03/08/1993 en Vic

Estudios de interpretación Me formé en el Galliner, Centre de Formació Teatral a Gerona i Laura Jou Estudi per l’Actor de Barcelona.

Persona que más te haya ayudado en tu profesión Todas las personas que me he encontrado durante estos años me han aportado su granito de arena y me han ayudado en la profesión y en la vida. Si tuviera que decir alguien del sector, me quedo con Marta Montiel y el Galliner en general, por su profesionalidad y corazón. Y con la gente que esta a mi lado como mi familia y mis compañeras de piso por su paciencia.

Primera actuación ante el público A los 16 años, me dieron la oportunidad de participar en un cortometraje, fue en este momento que empezó a gustarme la idea de poder dedicarme a ello.

La primera vez que me subí a un escenario, fue con la obra Testigo de cargo de Agatha Christie, fue una experiencia súper especial.

Actores a los que admiras A los que pelean día a día para vivir de la profesión. ¿Un nombre? Laia Costa por su talento y naturalidad.

Interpretación de la que te sientas más orgullosa. ¿Por qué?

No me gusta la idea de quedarme con una, todas tienen su cereza de pastel. Edith i Sarah fue la primera en la Sala la Planeta de Gerona y me llevé de ella la energía para empezar en este mundo. Sueño de una noche de Verano, de Iván Morales y Forest dirigidos

por Pau Miró en el Teatro Almeria de Barcelona, rodeada de gente de la que he aprendido y sigo aprendiendo muchísimo. Camins tancats de Jesús U. Lulabay y Martí Figueras, Nora de Eddy Montserrat… y seguiría. Me encanta pensar que tenemos que estar orgullosos de todo lo que hacemos. ¿Qué es lo que más te gusta de la profesión, y lo que más detestas?

Lo que mas me gusta es que cada día son cosas nuevas, que cada personaje te puede poner en extremos que como persona no te imaginarias nunca y aprendes muchísimo de ellos. Lo que menos me gusta es que cuesta mucho tener una estabilidad.

¿Teatro, cine o televisión?

No podría descartar ninguno de ellos. El teatro tiene una magia y una aurea especial, es efímero, lo das todo una vez y no hay marcha atrás. El cine es brutal, en su conjunto, si sumas la interpretación con todo el trabajo que hacen la gente que trabaja en un rodaje, pueden salir cosas espectaculares. Y a televisión no la he probado todavía, pero le tengo muchas ganas. ¿Tienes agente?

Sí, Lis Vida me acompaña en esta aventura

¿Próximo proyecto?

Este mes estoy en Microteatre Barcelona con Dava, acompañada de cuatro chicas (Nameless productions) que son pura luz.. Y la próxima temporada tendremos Camins tancats en Barcelona. Se están cociendo cosas muy bonitas que tengo muchas ganas de poder trabajar en ellas. ¿Cómo te gustaría verte profesionalmente hablando en diez años?

Trabajando a tope y disfrutando de la profesión.

Nuevos rostros

QUIM CAPDEVILA Lugar y fecha de nacimiento 23.01.72

¿Teatro, cine o televisión?

Teatro

Estudios de interpretación.

Nancy Tuñon, Col·legi del Teatre. Alicia Hermida.

¿Tienes agente?

Si. Miguel Cazorla.

Persona que más te haya ayudado en tu profesión.

Mi madre es y fue la que me lanzó a vivir en esta profesión. Dura pero satisfactoria.

¿Próximo proyecto?

Dirigir un nuevo musical… pero o puedo decir el nombre… cosas de esta profesion…

Primera actuación ante el público.

Ante un publico professional en 1992 con La nit de Tapapous, bajo la direccion de Jordi Pons.

Como amateur, mucho antes, desde los cuatro años en mi pueblo, Argentona.

Actores a los que admiras.

Uff, hay muchos, pero por destacar un par, Johnny Depp y Glenn Close.

Interpretación de la que te sientas más orgulloso. ¿Por qué?

De la obra Los diez negritos en el papel protagonista de Philip Lombard. ¿Qué es lo que más te gusta de la profesión, y lo que más detestas?

Me gusta sentir la respiracion del publico sentado en la platea, mientras contemplan, ¿qué pasará?

En cambio, detesto el postureo y las mentiras de la gente de la profesion.

¿Cómo te gustaría verte profesionalmente hablando en diez años?

Trabajando en lo que mas me apasiona, dirigir y crear cosas nuevas… es como parir un hijo cada vez.

GRANDES TEATROS DE BARCELONA

TÍVOLI

En 1849 se habían abierto los llamados Jardines del Tívoli, cercanos al actual teatro, en el Paseo de Gracia; la zona estaba aún sin urbanizar y fuera de la muralla de la ciudad. Era uno de los grandes jardines de recreo de titularidad privada que ofrecían espectáculos y diversiones. En 1880 se edificó un teatro de obra, cubierto, donde se representó alguna de las obras de Pitarra. El edificio actual del teatro Tívoli data de una reforma radical efectuada en 1919. Tiene capacidad para acoger a 1643 personas, entre la platea, el club y el anfiteatro, así como en los palcos laterales. Decorado al estilo de principios del siglo pasado, abundan las molduras y los motivos vegetales en color dorado, así como el rojo de asientos y cortinas. El teatro y sus camerinos aparece en la película Todo sobre mi madre, dirigida por Pedro Almodóvar.

COLISEUM

El Coliseum fue inaugurado en 1923 como sala de exhibición cinematográfica, actividad que mantuvo hasta 2006. Actualmente pertenece al Grupo Balañá, tiene capacidad para 1.689 personas. Ubicado en la Gran Via de les Corts Catalanes, 595, el edificio es una muestra significativa de la arquitectura monumentalista de los años 1920 y está catalogado como Bien Cultural de Interés Local. El 17 de marzo de 1938, durante un bombardeo aéreo de la Guerra Civil, una bomba cayó sobre un camión cargado de explosivos que circulaba por la Gran Vía. La explosión, que dejó un gran número de víctimas mortales, causó graves daños materiales en el Coliseum y los edificios adyacentes. En 2006 la sala fue reconvertida en teatro.

ROMEA

Situado en el Raval, el Romea dispone de tres plantas y tiene una capacidad para 660 espectadores.

Se construyó en el año 1863, ocupando el lugar donde estaba el convento de San Agustín, con el nombre de Teatre Català, ya que su objetivo era el de acercarse a las clases populares y la pequeña burguesía y, por lo tanto, estrenar y representar mayoritariamente obras en catalán. Posteriormente, adoptó el nombre de Romea en homenaje a Julián Romea Yanguas, importante actor del siglo xIx. Fue uno de los locales más importantes de teatro en catalán y solamente desde el 1939 a 1945 se dejaron de representar obras en esta lengua. El año 2015 recibió la Creu de Sant Jordi «por el relevante papel que ha tenido en la cultura y la sociedad de Barcelona y de Cataluña».

LLIURE

El Teatre Lliure está considerado como uno de los más prestigiosos del país. Creado en 1976, en el barrio de Gràcia, por un grupo de profesionales procedentes del teatro independiente barcelonés, destacó por su apuesta por el teatro de texto en catalán, la relectura de los clásicos y su apuesta por el teatro contemporáneo. Tras 10 años de andadura, en 1987, pasó de ser una cooperativa a la fundación privada, la Fundació Teatre Lliure-Teatre Públic de Barcelona, con un equipo gestor liderado por Fabià Puigserver.

En 2001 inauguró nueva sede en la montaña de Montjuïc, en el edificio que había sido el Palacio de la Agricultura de la Exposición Internacional de Barcelona (1929). La nueva sede cuenta con dos nuevas salas: el Teatro Fabià Puigserver, con una capacidad de casi 800 espectadores, y el Espai Lliure, con una capacidad de unos 200 espectadores.

POLIORAMA

El teatro Poliorama, antiguo cine, se encuentra situado en la planta baja de la Real Academia de Ciencias y Artes de Barcelona (La Rambla, número 115). En 1899 abrió allí el Cine Martí, proyectado por el arquitecto Josep Domènech i Estapé, siendo la primera sala de la ciudad expresamente construida como cine. El 13 de abril se inauguró, y en el año 1900 se proyectó uno de los grandes éxitos del momento, Jeanne d'Arc de Georges Méliès, tres años más tarde se cerró el local. El 10 de diciembre de 1906, reformado, abrió como Cine Poliorama, aunque alternaba el cine con funciones de teatro. La capacidad era entonces de 630 butacas, y la decoración era de Moragas y Alarma. Entre 1937 y 1939 fue llamado Teatre Català de la Comèdia. En la planta baja se habilitó un local para hacer espectáculos, cuyos beneficios sirvieran para sufragar los gastos de la entidad. Desde 1982 funciona como teatro.

TNC (Teatre Nacional de Catalunya)

El Teatre Nacional de Catalunya, conocido por la sigla TNC, es un teatro público creado por el departamento de Cultura de la Generalitat de Catalunya. Se inició su construcción en 1991 siguiendo el diseño del arquitecto Ricardo Bofill, autor de este edificio. El 12 de noviembre de 1996 se estrenó en él la primera obra, que fue Àngels a Amèrica de Tony Kushner, bajo la dirección de Josep Maria Flotats. Desde entonces se lleva a cabo en sus tres salas (Sala Gran, Sala Petita y Sala Tallers) una programación regular, con espectáculos de todo tipo, fundamentalmente en catalán. En julio de 1988 Domènec Reixach se hace cargo de la dirección artistica del teatro, hasta que en 2006 le sucede Sergi Belbel. Desde 2013 se encarga de dichas funciones xavier Albertí.

GOYA

Fundado el 1914, el Teatro Goya (ubicado en la calle Joaquín Costa, 68) no empezaría su actividad teatral hasta dos años más tarde, como sala de actos y espectáculos del Centro Aragonés de Barcelona.

Se inauguró el 15 de septiembre de 1916 con La dicha ajena de Antoni Torner y desde entonces ha acogido primeras figuras de la escena, como Margarita xirgu, En los primeros años, era muy frecuentado por compañías de Madrid que representaban las novedades. En este teatro actuó también Carlos Gardel.

Desde los primeros años, alternó el teatro con proyecciones cinematográficas. Desde el 7 de octubre de 1932 aconteció exclusivamente sala de cine, con el nombre de Cine Goya. El 1939 empezaron obras de reforma y ya no volvió a abrir como cine hasta 1947. En 1986 se consolida definitivamente como teatro.

APOLO

El Teatro Apolo está situado en el barrio del Poble Sec, en la histórica avenida del Paralelo número 59, centro de la vida artística y teatral de la ciudad condal durante el siglo xx. El Teatro Apolo fue reconstruido por completo hace unos años y se programan en la actualidad espectáculos teatrales y musicales. Este teatro solo consta de una sala. Sus orígenes datan de 1901 cuando era una barraca de feria que debido a una tempestad se hundió. En 1904 los hermanos Soriano, Joan Socias y Joan Mestres Calvet se hacen cargo convirtiéndolo en teatro. A mediados de los años 50 se haría cargo del teatro el empresario Matías Colsada, que ya era propietario del Teatro Monumental y del Teatro de la Latina de Madrid. Por allí pasarían figuras como Lina Morgan, Concha Velasco o Tania Doris, alternando la zarzuela con el género de la revista.

CLUB CAPITOL

El Club Capitol (situado en la Rambla, 138) fue inaugurado como cine el 23 de septiembre de 19264 con la proyección de la película Los parásitos, interpretada por Madge Bellamy, y Dick el Guardiamarina, interpretada por Ramón Novarro. En aquel momento era uno de los grandes cines de la ciudad de Barcelona, ya que tenía una capacidad de 1.700 plazas. Entre los años veinte y treinta introdujo la publicidad de los estrenos semanales mediante montajes en la fachada del cine, totalmente ocupada por grandes carteles y pinturas relativas a la película. A principios de los años treinta, comenzó a ser conocido como “Can Pistolas”, ya que principalmente programaba películas de acción, westerns, de gánsters y policías.

En 1990 se convirtió en teatro. Su primer espectáculo teatral fue la obra Cómeme el coco, negro, de la compañía La Cubana. Tras acoger diversos espectáculos y monólogos del actor Pepe Rubianes, a raíz de su muerte en 2009, la sala Club Capitol 1 fue rebautizada como “Sala Pepe Rubianes” en su honor.

CONDAL

El teatro Condal (ubicado en la avenida del Paralelo, número 91) se inauguró el 7 de mayo de 1903 como Gran Teatro Onofri, donde los Hermanos Onofri ofrecían actuaciones de circo y pantomima. El teatro no logró los éxitos esperados y el empresario, Manuel Suñer, tuvo que vender el local. Pronto se cambió el nombre por el de Gran Teatro Condal y en 1909 fue reformado. A partir de 1911 empezaron a proyectarse películas. Después de la Guerra Civil española, se llamó Cine Condal. La sala actual tiene 697 asientos, en una platea inclinada. En 1983, sus propietarios lo transformaron de manera definitiva en un espacio de exhibición teatral y pocos años más tarde, en 1992, el Grupo Focus se hizo cargo de la gestión.

TEATRO ESTRENOS

E.V.A. Teatre Romea Hasta el 14 de octubre

La calavera de Connemara La Villarroel Hasta el 26 de noviembre

T de Teatre celebra los 25 años en los escenarios con una aventura muy especial: E.V.A. Después de abordar temas como la maternidad, el sexo, las crisis generacionales y la práctica escénica, el dolor será el protagonista de esta obra.

E.V.A. es la Escala Visual Analógica del Dolor y también es una comedia dramática donde cuatro historias cruzadas de cuatro ex-compañeras de escuela nos harán reflexionar sobre el dolor, su poética y sus formas.

Estamos en el oeste de Irlanda, en Connemara, una comarca rural, verde y todavía salvaje, a principios de los años noventa. El solitario y misterioso Mick Dowd parece tener una vida muy anodina, sus actividades parecen limitarse a beber poiteen y cotillear cada noche con su vecina adicta al bingo, la anciana Maryjohnny, y a recibir la visita de vez en cuando de Thomas, un policía local con ínfulas de convertirse algún día en un detective triunfador como su admirado Colombo.

Dirección: Julio Manrique Escenografía: Alejandro Andújar Vestuario: Maria Armengol IIuminación: Jaume Ventura Música original: Marco Mezquida Sonido: Damien Bazin Vídeo: Francesc Isern Reparto: Rosa Gàmiz, Carolina Morro, Marta Pérez, Carme Pla, Albert Ribalta, Jordi Ric,i Àgata Roca

Dirección: Iván Morales Escenografía: Marc Salicrú Vestuario: Míriam Compte Iluminación: Sylvia Kuchinow Composición del espacio sonoro: Pau Matas Reparto: Pol López, Marta Millà, Oriol Pla, xavi Sàez

El tràmit Teatre Borràs Estreno: 12 de septiembre

La Jaula de las Locas Teatre Tívoli Estreno: 14 de septiembre

¿Por cuánto dinero callarías un secreto de estado? Tres científicos son secretamente citados por el Ministerio del Interior para hacer una peritación insólita: se ha encontrado un extraterrestre y ellos tendrán que interrogarlo para dictaminar si es o no es un alienígena. Mientras interrogan al supuesto extraterrestre, con apariencia humana, se revelarán casos de corrupción que podrían involucrarlos.

El montaje se basa en la versión revival del musical de gran formato, considerado uno de los más influyentes de la historia, que ganó tres premios Tony y tres Drama Desk Adwards el año 2010. Basada en el film original La Cage aux folles, estrenado en 1978 dirigido por Édouard Molinaro, tuvo dos secuelas: La Cage aux folles 2 en 1980 y La Cage aux folles 3, elles se marient en 1985.

Dirección: Martí Torras Mayneris Autor: Fernando Trías de Bes Escenografía: Sarah Bernardy Vestuario: Fàtima Campos Iluminación: Quico Gutiérrez Ayudante de dirección: Montse Tixé Reparto: David Bagés, Mònica Glaenzel, Àlex Casanovas, xavier Serrano, Manel Sans, Susanna Garachana

Dirección: Àngel Llàcer y Manu Guix Coreografía: Aixa Guerra Libreto: Harvey Fierstein Vestuario: Goretti Puente Gustavo Aldolfo Tarí Música original: Jerry Herman Reparto: Àngel Llàcer / Oriol Burés, Ivan Labanda, Mireia Portas, Ana Micó, Anna Lagares, Clàudia Bravo, Víctor Gómez, Empar Esteve

EL NOU VERSUS GLÒRIES TEATRE

Ramon Godino i Jofre Blesa són els nous gerents d’aquest teatre de culte

TEATRE

D

es del maig d’aquest any Ramon Godino (RG) i Jofre Blesa (JB), que formen la societat Apunta Teatre SCCL, porten les regnes de la sala Versus (ara batejada com a Versus Glòries). Volen donar-li una nova imatge a la sala que, fins ara, havia dirigit Ever Blanchet (el qual continua sent el director del Teatre Gaudí). Voliem saber com encaren aquesta nova etapa i quines novetats ens trobarem en la seva programació.

En aquests mesos heu pogut veure el que funcionava i el que no. S’esperen canvis molt radicals per aquesta nova temporada?

JB: Més que canvis radicals, parlaríem de novetats. L´objectiu principal per a aquesta nova temporada és consolidar la sala com a referent teatral a la ciutat de Barcelona, adaptant una programació a les preferències i als desitjos del públic consumidor de teatre. I, de mica en mica, anar definint una línia de programació concreta i que ens doni el segell que volem assolir en futures temporades.

Quin criteri seguiu a l’hora de triar i programar obres?

RG: La selecció de les obres es fa per part d´una comissió formada per diferents perfils professionals relacionats amb el teatre o les arts escèniques, membres que avaluen individualment el projecte i, finalment, i ara sí de manera conjunta, definim els espectacles de manera consensuada, que conformaran la programació.

Existeix la fórmula màgica de posar un actor mediàtic i agafar un text comercial i ja tindràs l’èxit assegurat?

JB: No és sinònim d´èxit assegurat, però si que ajuda a la difusió i a la notorietat de l´espectacle dins els circuit teatral. Tot i que cada temporadai per sort, hi trobem molts casos d’espectacles sense actors i actrius mediàtics i text no comer-

cial amb un èxit tant de crítica com de públic que sorprenen per la seva qualitat artística.

Una altra de les novetats és que la sala no es limita només a oferir espectacles teatrals: també hi haurà lloc per a la música, amb la participació de l’Orquestra Simfònica del Vallès, la màgia i altres disciplines...

RG: El concepte multidisciplinari el tenim molt present en el rendiment de la sala. Malauradament, a les sales i als teatres petits se’ns fa força complicada la subsistència si no tenim diferents fonts de recursos. Conscients que més del seixanta per cent de la programació és teatre, durant la setmana tindrem concerts de música amb l´acord de col·laboració amb l’Orquestra Simfònica del Vallès, cicles de màgia, dansa, lectures dramatitzades... una agenda de varietats per a tot tipus de públic.

També voleu ampliar el repertori idiomàtic.

Així, no representareu només obres en català, sinó també en castellà, anglès... És una necessitat que teníeu?

JB: La llengua no ha de ser un contratemps, tot al contrari, una oportunitat per apropar el teatre a més tipus de públic. Barcelona és una ciutat cosmopolita i, com a tal, totes les propostes, indiferentment de la llengua, tenen cabuda al teatre.

Heu hagut de fer una rentada d’imatge molt radical al Versus que coneixia la gent fins ara?

RG: Bàsicament l´hem actualitzat, començant pel logotip, sense perdre l’essència de l´anterior però amb un disseny més actual. Hi hem incorporat el nom Glòries per ubicar geogràficament la sala dins del panorama teatral de la ciutat i el terme sala, com a espai polivalent d´arts escèniques. Pel que fa a les obres estructurals, s´ha remodelat el hall d’accés, la zona de camerinos i la part visual de façana del mateix teatre.

TEATRE

Com es fan equilibris per atreure públic nou cada vegada més jove, sense deixar de banda el públic d’una certa edat de tota la vida?

JB: Mitjançant una programació que ens permeti aglutinar el major espectre d´edats del públic.

Per descomptat que hi ha espectacles que van dirigits a un segment de públic determinat, del considerat de tota la vida, i uns altres on hi tenen cabuda indiferentment tant el nou públic com el consumidor de teatre habitual. La formula màgica no existeix: cada espectacle és una capsa de sorpreses en què a l’hora de posar-lo en escena s´han de minimitzar el major nombre de riscos possible, sempre pensant que l´èxit o el fracàs moltes vegades ve donat per imponderables que no es poden controlar, i un d´ells és el públic. Es pot definir el segment de públic a què va adreçada una obra o una altra, però moltes vegades et quedes parat de com funciona tot plegat.

Una de les feines també serà situar la sala com una referència de l’escena “off”. Els muntatges alternatius són sempre més interessants pel punt que tenen d’entusiasme i de risc?

JB: Parlar d´alternatiu és un clixé amb què s´ha etiquetat els teatres o les sales petites, i creiem que no som alternatius a res, sinó senzillament que, per temes de pressupost, podem accedir o no a una producció més o menys gran, però la major part de les vegades la qualitat no va lligada a termes econòmics. Entenem que tant les grans produccions com les petites tenen el mateix entusiasme i risc, però en nivells diferents.

És imprescindible dominar les xarxes socials per aconseguir l’èxit amb una obra?

RG: És l´eina principal per arribar al públic d´una manera més directa i sense la inversió que comporten les campanyes de publicitat.

Heu començat la vostra aventura valenta en un moment social i políticament difícil. S’ha notat molt en la taquilla l’aplicació del 155 i altres mesures derivades?

RG: Per les dades facilitades referents a la temporada 2017-2018, el sector teatral ha patit una important davallada a causa dels problemes polítics ocorreguts des de l´inici de setembre de 2017. La cultura ha patit molt durant aquest any, i els inicis no han sigut fàcils, però no és temps de justificar-nos sinó d’apropar i de fidelitzar el públic, oferint i proposant i fent atractiva l’assistència a les sales.

Aquest setembre inicieu la temporada amb un plat fort: Ventura Pons dirigint Roger Pera a l’obra Quina feinada!, que a Nova York es va estrenar com a Fully Commited, interpretada per Jesse Tyler Ferguson, el conegut actor de Modern Family. Una aposta interessant, no?

JB: Com bé dius, comencem la temporada amb l´èxit de l´«off Broadway» del 2016 i per primera vegada en català, sota la direcció d’en Ventura Pons, que torna a la direcció teatral després de 37 anys, i amb en Roger Pera interpretant més de vint personatges dalt de l’escenari. Estem agraïts a tots els projectes que han apostat per la sala a l’hora de donar forma a una programació tant aquests darrers quatre mesos com la temporada 2018-2019, plena de propostes molt

TEATRE interessants i que sense el suport de la professió hauria estat força més complicat.

La sala continua mantenint la proximitat de l’espectador amb els actors. L’agraeix, el públic, aquest frec a frec?

RG: És un dels punts forts de la sala, la proximitat de l´actor amb el públic i viceversa. Parlem d´un espai on tant l´espectador com l´actor estan a tocar i les energies que es generen es posen de manifest cada nit sobre l´escenari. Realment és un dels avantatges principals a l’hora d’atreure públic, ja que les sales petites permeten molta més proximitat que no les grans sales. És un valor afegit que el públic valora molt i que ens dona un tret diferencial respecte de les sales grans.

Imagino que és difícil competir amb les sales grans, el repartiment de subvencions, etc., però les sales petites no haurien d’estar organitzades d’alguna manera per poder fer un front comú més fort?

JB: Sí, i de mica en mica anem cap a aquesta direcció. No és un tema de competència amb

les sales grans, és principalment l´obtenció de més recursos per tal de reinvertir en tot el que competeix al teatre i fugir, en la mesura del possible, de la precarietat que pateix el sector.

Ens avanceu una mica les properes propostes que podrem contemplar al Versus Glòries?

RG: Com bé hem comentat anteriorment, obrim la temporada amb Quina feinada!, amb Roger Pera; seguim amb Eli de Roc Esquius, interpretada per Pep Anton Muñoz i Jaume Casals, sota la direcció d’Antonio Calvo. Al desembre vindrà de Madrid Llueven vacas de Carlos Be, conjuntament amb un musical que estem acabant d’enllestir. Al gener tenim la companyia Bambalina Teatre de València, guanyadors d´un premi Max l´any 2017. Al febrer, la companyia Dara Teatre, amb el seu nou espectacle... i així anar fent fins a completar una temporada 2018-2019 que estarà plena de novetats i d’espectacles sensacionals.

Entrevista i fotos: Guillem Medina

LA ENTREVISTA

FABRIZIA MARTANO

“Mi objetivo nunca ha sido ser famosa, ha sido poder ganarme la vida haciendo algo que me gustara, ya fuese como actriz o ahora como DJ”

LA ENTREVISTA

S

eguramente a los que esten más puestos en la cultura DJ les sonarán nombres como Nifra, Ida Engberd, Fatima Hajji, Baby Anne, Miss 4Play, Mari Ferrari, Nakadia, Alison Wonderlan, Teri Miko o Nina Kraviz.

Aunque cuando nuestra entrevistada, Frabrizia Martano empezó a dedicarse al tema era prácticamente la única en su Italia natal, donde combinaba pinchar por las noches con su faceta como actriz. Actualmente lleva ocho años en España y ha tenido que dejar aparcada de momento las tablas en favor de los teclados y las remezclas.

¿Por qué decides hacerte DJ? No te gustaba lo que escuchabas por ahí o crees que tienes algo nuevo que aportar?

No, no es eso... al revés, fue justamente lo que escuchaba por allí lo que me motivó a empezar mi carrera como DJ. Me molaba tanto que dije: “¡Yo también quiero que los demás disfruten escuchando mi selección musical!” Y todo empezó porque un día (de hace muchos años ya :( buhaaaa) el dueño de un local en Italia donde trabajaba como barlady me dejó pinchar, aún sabiendo que llevaba muy poco tiempo de ensayos. Nos lanzamos los dos a la piscina y la verdad que salió súper bien y de allí...me entró el gusanillo y ¡nunca más me ha salido! ¿Conocías otras mujeres DJ? No, en aquel entonces no había casi ninguna, por lo menos en Italia...de hecho, todo el mundo viéndome detrás de una mesa de mezcla, flipaba el doble. ¡Y doble era mi gana de demostrarles que podía hacerlo bien!

¿Crees que hay diferencia si pincha un hombre o una mujer?

En absoluto, por lo menos esto es lo que creo yo.

Esto sería como pedirme si trabaja mejor un abogado o una abogada. Es exactamente lo mismo a nivel musical y/o técnico. Lo que para mí hace la diferencia (hablando de aspecto estético de un DJ) es la imagen. Pero tanto en los hombres como en las mujeres. Cuando estás pinchando, la gente se fija en ti, a parte obviamente en lo que está escuchando, y por eso el trabajo de DJ no deja de ser un trabajo de imagen también. Me gusta ver un DJ que se curra todos los detalles de su look...y ¡yo intento hacer lo mismo!

¿Qué se le pide a un buen DJ? Depende de quién es el que lo contrata...pero, bueno, en general, te diría que se le pide dar lo mejor de sí y hacer que la gente disfrute de la música, sea bailando, sea tomándose una copa, sea mirando la puesta del sol en una playa... Hablando especialmente de mí, por ejemplo, para sentirme una buena DJ lo que hago, entre otras cosas, es fijarme siempre en mi entorno y en mi público. No pongo solo música que me gusta, sino que estoy pendiente de lo que gusta a mi público y que encaje en el entorno del evento o de la actuación. Basándome en ello, adapto mi selección, siempre dentro de lo que es mi estilo, esto está clarísimo.

¿No se han divinizado demasiado la figura del DJ hoy en día?

Y ¿qué me dices de la del futbolista, entonces?

Jeje... perdóname la broma... Pues, no, no lo creo. Quizá se divinizan las personas en si, más que su figura profesional, en el caso de los DJs.

LA ENTREVISTA

En mi caso, te soy sincera, está claro que la fama es una golosina para la mayoría de la gente, pero, mi objetivo nunca ha sido ser “famosa”, ha sido poder “ganarme la vida” haciendo algo que me gustara. Quien lo consigue, se puede verdaderamente considerar afortunado.

Divinizado o no.

¿Son lógicos los sueldos que cobran algunos?

Uy... entramos en un tema complicado... jeje.

Mira.., creo que cada trabajo sea duro y tenga sus dificultades, ya solo por el mero hecho de llamarse "trabajo" y no "hobby". Dentro de los trabajos, hay que reconocer que haya algunos que te agotan por el cansancio físico o cerebral o que te cargan de responsabilidades importantísimas, vitales, y que no están para nada bien pagados.

Creo que todos somos merecedores de un buen sueldo, pero opino que algunos más que otros.

Y, yendo en contra de mi misma, estos últimos no son los DJs, ni los artistas/deportistas en general.

¿Qué canciones o autores son imprescindibles en tu repertorio?

No soy "fan" de un solo cantante o autor. Soy fan de una época. Soy fan de la música de los años '90. Así que en mi repertorio nunca tiene que faltar una canción de esa época, aunque sea como cover o en versión remix. Me recuerda mi adolescencia, me fascina. Normalmente suelo acertar con el gusto también del público porque es la canción que te lleva a tararear o a bailar si o si, ¡yo la primera!

¿Cómo lo haces para estar al día de las últimas tendencias musicales?

Escucho permanentemente la radio, a todas horas, y chequeo páginas web de listas de éxitos

a nivel mundial y en general páginas del sector.

También me gusta ir a menudo por tiendas de música, donde pasaría horas a escuchar canciones antes de elegir los álbums que, finalmente me llevo para casa. De todas formas, cuando vivía en Italia, trabajaba para una radio nacional muy famosa, Radio Deejay, y esto me ayudó muchísimo a la hora de encontrar herramientas para detectar tendencias musicales.

¿Existe un estilo de DJ dependiendo del país o de la sala donde pinche?

Yo creo que sí, como te decía antes, pero en base al país y al local me puedo adaptar, siempre y cuando esto no comporte perder mi estilo.

Cada local sabe y se informa sobre que DJ le pueda encajar, también en base al país donde está. Está claro que un local o un país que tiene un estilo completamente diferente del mío, no me elegiría nunca para ir a pinchar allí.

Igualmente muchas veces te llaman para eventos especiales y has de modificar tus temas habituales, ¿has tenido que hacer concesiones y pinchar temas que odiabas?

Ay si... jejej... ¡Y que mal lo paso cuando lo tengo que hacer! En mi caso por ejemplo, siendo italiana, muchos piensan que tenga en mi repertorio música italiana y en cambio, la música italiana (a pesar de que me guste escucharla) no pega casi nunca en mis sesiones. De todas formas, opino que hay situaciones en las que tienes suerte y puedes dar espacio exclusivamente a tu gusto...hay otras en las que, muy a tu pesar, tienes que adaptarte a lo que el cliente quiere... ¡por lo menos hasta que no te vuelvas un DJ TOP! je, je.

¿De dónde salió tu nombre artístico, Diddi DJ?

LA ENTREVISTA

¡Me encanta que me lo preguntes, porque le tengo mucho cariño! Mis padres me han contado que cuando tenía dos o tres años, la gente me preguntaba cómo me llamaba y yo contestaba "Diddi" y muy segura además, a pesar de que no tenga nada de ver con mi nombre real... No tengo ni idea del porque decía DIDDI... pero, mira, se ha quedado así y por muchos años todos los de la familia me llamaban así. El día que tuve que elegir mi nombre artístico, mi hermana soltó "Diddi DJ" y ¡yo me sentí totalmente identificada!

Aunque ahora la gente te conozca en esta faceta tu principal vocación es la de ser actriz, ¿la has tenido que dejar momentáneamente aparcada?

Siiii... que pena... Otra gran parte de mi vida la he dedicado, de hecho, a estudiar y trabajar como actriz, pero lamentablemente todos sabemos que para poder vivir solo con el trabajo de actor, tienes que estar en una élite...y antes de tener mis hijas, no tenía ningún problema en seguir mi pasión solo por el amor al arte, pero después, dejarlas me suponía, a parte echarlas muchísimo de menos, tener que pagar alguien que cuidase de ellas... y no podía ser. Así que, como tú bien dices, mi vocación está allí, solo la he aparcado, esa llama nunca podrá apagarse.

¿Cómo está la situación teatral en Italia? ¿Tan insegura como aquí?

Sinceramente no sé come contestarte a esa pregunta porque llevo 8 años aquí en España y estoy bastante desconectada del mundo teatral en Italia desde entonces. Pero por lo que puedo intuir, no tiene que haber mucha diferencia respecto a España.

Cuando no tienes que trabajar, ¿eres muy nocturna?

Depende de mi estado de ánimo... y del plan que me apetezca seguir. Si tengo ganas de compras, de cine, de paseo, de lectura, de sol pues no, no soy nocturna. En cambio, si quiero escuchar música, verme con amigos, conocer locales nuevos, pues me vuelvo nocturna y... no hay quien me pare.

¿Es fácil combinar la faceta de ser madre, DJ, actriz…?

Para nada. Y más, no teniendo mi familia cerca, ya que vive en Italia. Pero no quiero renunciar a dar lo mejor de mí en todos esos “trabajos”, así que no me queda otra. Te confieso que en más de una ocasión he tenido que compaginar mi papel de madre con lo de DJ o de actriz. Hubo una vez, cuando mi hija tenía todavía un par de meses, que yo tenía un espectáculo en el teatro.

No quise dejarla porque le daba el pecho y era muy chiquitina, así que fui capaz de quedármela en el camerino todo el rato, y cuando tenía que entrar en el escenario pues la dejaba con mis compañeros. Y lo mejor es que todos íbamos con un vestuario de escena bastante peculiar y vernos con un bebé en brazos hacía mucha gracia. Y como DJ, he estado trabajando embarazada y con un barrigón de ocho meses... Estoy orgullosa de haber podido compartir momentos tan especiales para mí con ellas, de alguna forma, a mi lado.

En un momento de tu vida tuviste que hacer un parón por culpa de una enfermedad ¿Cómo llevaste aquellos momentos de incertidumbre?

Fue horrible. Obviamente me asusté muchísimo y ví como de repente solo existía lo más importante: mi salud y mi familia. Durante muchos meses desaparecí para todos y dejé por completo el mundo "virtual" y de las redes sociales.

Tardé muchísimos días en creerme que real-

LA ENTREVISTA

mente me estaba pasando todo aquello. Me preocupaba mucho pensar en qué me iba a pasar, en como tenía que explicárselo a mis hijas y cuánto tiempo teníamos que estar sin vernos recíprocamente, ya que me hablaron de estar unos días ingresada.

Me dolió mucho también tener que alejarme del trabajo, en aquel momento me ocupaba de la selección musical de un restaurante del Hotel Arts. Paré hasta de escuchar música, en general, que es muy raro para mí, pero me daba mucho por pensar, recordar, emocionar. Y lo único que no podía hacer era "comerme el coco". Fue como vivir una vida extraña a mi misma, viviendo un dolor que no merecía (¡nadie merece pasar por una enfermedad!) y aguantando tratamientos que te destrozan, a la vez que te curan.

¿Después de eso, que es lo principal que ha cambiado en ti?

Pues... ahora que estoy bien gracias a la Vida (y un poco, también, gracias a mí... jeje), miro todo aquel periodo negativo desde el lado positivo y hasta con algo de ternura. He aprendido a disfrutar mucho más de las cosas bellas de la vida y a sufrir solo por algo que de verdad merece mi sufrimiento, quitando importancia a muchas tonterías de mi día a día. Cuando volví a casa tras una operación difícil que tuve y muchos días de hospital, recuerdo perfectamente la primera vez que pude volver a hacer dormir a mi hija entre mis brazos. Me fijaba en su olor, en su respiración, en la suavidad de su pelo y su piel... y me parecía un milagro. Y como esta, he notado que hay muchas cosas bonitas que hacía en mi rutina casi de manera automática, sin valorizarlas y sin ser agradecida por ello. Mi enfermedad ha sido una gran colleja... pero es-

pero haber aprendido la lección y sobretodo no recibir ninguna otra más... je, je.

Cambiando de tema, ¿cómo definirías tu estilo a la hora de vestir?, porque pienso que eres una de las DJs más sofisticadas y elegantes que he visto… ¡Wow! ¡Qué gran cumplido! ¡Gracias! No sabría definirte mi estilo sinceramente pero efectivamente me encanta buscar los looks adecuados para mis bolos. He vivido muchos años en Milán, ciudad donde la moda se respira en el aire y esto me ha influenciado bastante. Ahora llevo justamente unos días en los que estoy pensando cambiar un poco y lanzarme con un estilo Bohemian-Chic... ¡espero conseguirlo! La música y la moda son un binomio perfecto para mi y sería muy guay poder ser la DJ durante un desfile.

¿Puedes hablarnos de tus proyectos de futuro?

Dedicarme cada vez más a la música y valorar la posibilidad de hacer un recopilatorio con mi selección musical. Últimamente me están además pidiendo colaboraciones a la hora de producir música. No me había todavía planteado de entrar en el "mágico" mundo de los producers pero en la vida nunca se sabe, me gustan los retos y perseguir mis sueños, así que le daré vueltas. De todas formas, me gustaría que mi futuro sea un complejo de música, arte, trabajo, familia, tiempo libre y buena salud. Si hay que soñar, hay que hacerlo en grande.

Texto: Marta Calvó Fotos: Guillem Medina

FIESTAS DE LA MERCÈ

L

as fiestas de La Mercè, patrona de Barcelona, se celebran cada año alrededor del 24 de setiembre en las plazas y calles de toda la ciudad. Es una fiesta breve pero intensa, repleta de actividades de cultura popular muy diversas y para todas las edades. Entre otros actos, destacan la mañana de fiesta mayor, la cabalgata de La Mercè, el gran correfoc, el paseo de gigantes y enanos, las festividades castelleres, los bailes y las danzas llegadas de toda Cataluña, etcétera.

Tienen una fuerte presencia los pasacalles de todo tipo, unos de los actos tradicionales más antiguos de la ciudad, emparentados con las procesiones de Corpus que ya encontramos documentadas en los siglos xV y xVI.

La fiesta rinde homenaje a la patrona de Barcelona, a quien se atribuyen unos cuantos milagros vinculados a la ciudad. Se explica que el 24 de setiembre de 1218 la Mare de Déu de la Mercè se apareció simultáneamente al rey Jaime I, a san Pedro Nolasco y a san Raimundo de Penyafort y les encomendó que instituyeran una orden religiosa para rescatar a los cristianos rehenes en tierras sarracenas. También siglos más tarde, en 1687, Barcelona fue atacada por una plaga terrible de langosta y el pueblo invocó la protección a la Mare de Déu de la Mercè. Cuando pasó la plaga, la proclamaron patrona de la diócesis, aunque no lo fue de manera oficial hasta 1868, con el papa Pío Ix.

En 1868 Barcelona empieza a celebrar fiestas religiosas y populares en honor de la Mare de Déu de la Mercè, en torno al 24 de setiembre.

Con todo, esta celebración vive momentos de plenitud y de decadencia en el último tercio del siglo xIx. En el año 1902, con un gobierno municipal catalanista y conservador, se organiza, por primera vez, una gran fiesta mayor que pretende

FIESTAS mostrar la diversidad folclórica del país con diversas expresiones de la cultura popular, muchas de las cuales habían desaparecido en la ciudad: bailes de bastones, de diables, muestras de gigantes y bestiario, castellers, sardanas, etcétera.

Los enfrentamientos constantes entre los partidarios de una fiesta religiosa y conservadora y los que defendían una fiesta laica, con cabalgatas folclóricas, calles engalanadas, bailes y espectáculos pirotécnicos, hicieron que la celebración se debilitara mucho entre los años veinte y treinta del siglo pasado. Y después de la guerra de 1936-1939, adoptó un cariz de exaltación nacional católica y social del franquismo más estricto. En los años sesenta se empezaron a incluir algunas muestras folclóricas.

Las fiestas de La Mercè, tal y como las conocemos hoy, nacen con la democracia, cuando el Ayuntamiento de Barcelona decidió transformar totalmente la fiesta mayor de la ciudad en una celebración en la que las muestras de cultura popular y la ciudadanía tomaran la calle de manera lúdica. Por eso encomendó la tarea de diseñar la fiesta a un grupo reducido de activistas culturales, que tomó como modelo las celebraciones tradicionales de villas vecinas que todavía se mantenían, sobre todo del Garraf y el Penedès.

Los barceloneses aceptaron con entusiasmo este modelo festivo, que se ha ido consolidando durante los últimos treinta años.

Paralelamente a esta maniobra de recuperación de la fiesta, han ido surgiendo en la ciudad colectivos de portadores de gigantes, bestiario, bastoners, castellers, diables, formaciones de música tradicional, etcétera. Poco a poco, se han ido recuperando danzas, rituales y figuras que hoy ya son imprescindibles de la fiesta.

KARL LAGERFELD

“Mi oficio es la moda, pero la naturaleza efímera de una fotografía se sitúa en otro nivel. Tan peligroso es querer repetir una imagen como inspirarse en las colecciones del pasado”

FOTOGRAFÍA

K

arl Otto Lagerfeld es un diseñador de moda y fotógrafo alemán (nacido el 10 de septiembre de 1933 en Hamburgo) que es ampliamente reconocido como uno de los diseñadores de moda más influyentes de la segunda mitad del siglo XX. Debe gran parte de su popularidad a su labor para la firma Chanel, a su actividad como fotógrafo y también a sus llamativas apariciones públicas, muchas veces rodeado de celebridades del espectáculo. Su padre, Christian Lagerfeld, era miembro de una familia de banqueros sueca e hizo su fortuna al introducir la leche en polvo en Alemania. Su madre, Elizabeth, era alemana.

Karl fue su único hijo en común: nació 10 años después de que la pareja se casara, cuando su madre tenía 42 y su padre 60. Ambos habían tenido otros hijos en matrimonios anteriores.

El pequeño Karl decide emigrar a París a los 14 años. En 1955, con 17 años, fue premiado con un puesto de trabajo en la casa de modas Pierre Balmain, tras haber ganado un concurso patrocinado por el Secretariado Internacional de Lana. No era la primera vez que participaba; años antes le derrotó Yves SaintLaurent. Años más tarde se hizo un nombre como creador independiente, colaborando con varias casas de moda: Chloé, Fendi y Chanel. "Cuando entré en la Maison nadie quería ponerse su ropa ni llevar sus accesorios.

Nadie vestía de Chanel. Así que me lo tomé como un reto. Los dueños me dieron carta blanca para crear, para hacer algo que funcionase, pero sin presión. Si no lo conseguía, venderían la marca: pero sí insistieron en que con mi llegada vendría el éxito, como así fue.

A mí me atrajo la idea de resucitar algo que estaba muerto", comenta Karl. En los 80 fundó su propia marca, llamada Lagerfeld, que lanzó perfumes y líneas de ropa.

Lagerfeld es conocido por su gusto y costumbres elitistas, de una excentricidad a veces

snob, que no duda en mezclar con guiños a la cultura de consumo y a las estrellas populares, y no teme que trabajar con firmas más populares (como la firma de moda sueca H&M) manche su imagen. En 2004 diseñó algunos atuendos para la gira internacional de la cantante Madonna, "Re-Invention Tour" y, recientemente, diseñó algunos para la gira "Showgirl" de Kylie Minogue. Como fotógrafo produjo Visonaire 23: The Emperor's New Clothes, una serie de fotografías de desnudos del modelo sudafricano David Miller. Ha realizado retratos de Linda Evangelista, Claudia Schiffer, Eva Herzigova, Maria Callas, Monica Bellucci y Jack Nicholson, entre otros. Recibió en 1996 el premio de cultura de la Asociación Alemana de Fotografía.

Actualmente es el jefe ejecutivo de diseño en la Casa Chanel, donde no se limita a crear los vestidos de sus modelos, sino que es también el autor de campañas de publicidad de la casa y ha multiplicado las colaboraciones con las grandes revistas de moda. Este año, La Casa Europea de la Fotografía de París ha acogido en Otoño una exposición con su obra fotográfica. Fue el fotógrafo del Calendario Pirelli 2011. En 2015 se inauguró en París la primera gran exposición que se le dedica como genio de la fotografía. Arquitectura, paisajes, retratos, autorretratos, París la nuit, moda, abstracción, composiciones mitológicas y dos grandes instalaciones, “Dafne y Cloé” y “El viaje de Ulises”, ponen en foco en los centros de interés del alma máter de la maison Chanel y la italiana Fend. La muestra es también un recorrido por las diferentes técnicas de impresión, desde el daguerrotipo hasta la polaroid, sin someterse a la tiranía de un estilo, variable en función del objeto captado en la imagen.

Sin duda ha triunfado también en este campo a pesar del escepticismo inicial.

«La gente siempre quiere saber cuál es mi estilo fotográfico. No tengo ni idea. Me lo tiene que decir el observador. No tengo un estilo sino muchos, o ninguno»

"Me interesan casi todos los aspectos de la cultura y siento que todos me influyen de alguna manera.

No existe una regla sobre lo que es inspirador y cĂłmo puede afectarme. Para mĂ­ lo que funciona es observarlo todo, y luego olvidarte de ello y rehacerlo a tu modo"

TRABAJOS

ICONOS

DAVID BOWIE

“Hubo un tiempo en que los cantantes de rock nos creímos dioses y pensábamos que íbamos a poder cambiar el mundo”

L

a muerte del cantante, compositor, actor, etc. David Bowie (1947-2016) el pasado año pilló a más de uno por sorpresa y a raíz de eso todo fueron homenajes y recuperar su estética y sus extravagantes atuendos, sobre todo los de la época Ziggy Stardust, su especie de alter ego que inventó en 1972 siguiendo la corriente del movimiento glam, del cual fue uno de sus máximos exponentes. De hecho Bowie ya había sacado su primer LP en 1967 con unos resultados bastante discretos, dos años más tarde sim embargo con Space Odity llegaría a ser oro en ventas y llegar al número 17 de las listas de éxito.

Tendría que reinventarse y en 1972 aparece el disco de interminable título, The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, que llegaría al número 5 de las listas de éxito y sería doble platino en ventas. El ansiado número 1 llegaría con sus tres trabajos siguientes: Aladdin Sane, Pin Ups y Diamong Dogs. Su cambio de registro llegó acompañado de un cambio de look que ya mostraba en la portada el primero de estos discos con un corte de pelo y un tinte rojo espectacular y su rostro surcado por un rayo maquillado que acabaría convirtiéndose en su símbolo distintivo. En la misma línea seguiría en la portada de Pin Ups, aunque aquí acompañado

de la supermodelo Twiggy ambos fotografiados por Justin de Villeneuve. En el tercero de estos discos, Bowie aparece transformado por arte de la ilustración en una especie de esfinge andrógina. De hecho en toda esta etapa Bowie juega la ambigüedad con maquillajes excesivos, vestuario en el que los trajes chaquetas, las botas, los zapatos de plataforma y los mallots están muy presentes. Además de una actitud provocadora y unos conciertos de escándalo. A partir de su siguiente trabajo, Young Americans en 1975 Bowie va abandonando paulatinamente esta estética tan excesiva a la vez que amplía su área de acción participando en films como El hombre que vino de las estrellas (1976), Just a Gigolo (1978), Merry Christmas, Mr. Lawrence (1983), El ansia (1983) o Laberinto (1986), por nombrar solo algunas. Bowie volvería a triunfar plenamente con Let's Dance en 1983 llegando de nuevo al número 1, colocando cuatro singles también en los primeros puestos y reconvirtiéndose en icono new romantic con toques disco.

También para entonces su estética había cambiado, ahora con el pelo más clásico teñido de rubio platino y elegantes trajes chaqueta, con corbata y sombrero. Ziggy se había convertido en El duque blanco, algo ideal para la prensa que tanto le gusta inventar calificativos.

"Solo porque crea no significa que no piense bien las cosas"

The King of GLAM

“No hay nada que aprender del éxito.

Todo se aprende del fracaso”

TEATRO

GUSTAVO ADOLFO TARÍ “Busco mi identidad y ser a la vez ecléctico, crear sin intentar ser fiel a nada”

H

TEATRO

ace unos quince años tuve la suerte de hacer un reportaje para el dominical del diario AVUI hablando de media docena de nuevos diseñadores. Lo cierto es que con el tiempo algunos de estos han afianzado su carrera, otros han desaparecido y sólo unos cuantos se han mantenido fieles a su estilo. Uno de ellos es Gustavo Adolfo Tarí, que en este tiempo dejó de trabajar para empresas como Peris o Época (especializados en vestuario para cine, televisión o teatro) y creó su propia firma. El encuentro con la cantante Shakira fue el empujón definitivo que dio proyección internacional a su carrera.

Estos días trabaja a contra reloj para entregar el vestuario de La Jaula de las Locas, el nuevo musical con Àngel Llàcer e Ivan Labanda encabezando el cartel.

Es curioso cómo, a pesar de tu larga carrera como diseñador de moda, si buscas en las redes sociales la mayoría de entradas se refieren al reciente vestido de metacrilatos que creaste para Amaia, la triunfita. ¿Te sorprendió que de repente se hablase tanto de tu trabajo por un hecho un tanto anecdótico?

Las formas para darse a conocer pueden ser muy sorprendentes y fantasiosas. Esta es una de ellas. Fue mágico. De repente, empezaron a agregarme gente por todas las redes sociales. Mi web se bloqueó durante dos meses. Y me contactaban de toda España para saber precio de mis ccreaciones y si saldría a la venta. Tal cual, no exagero nada. El fenómeno OT (Operación Triunfo) arrasó entre las nuevas generaciones, aportando un aire fresco de gente con ganas de ser artistas.

¿Cómo te llevas con las redes sociales? ¿Las consideras necesarias actualmente para tu trabajo?

Súper necesarias, es mi forma de presentar trabajos que voy realizando y prendas que confecciono para mi sección de alquiler. Creo que son la actualidad de la información y de las relaciones, tanto personales como laborales. Desde ellas me contactan profesionales del mundo de la fotografía, pero sobre todo estilistas y figurinistas, mis principales clientes. ¿Son necesarias las celebrities para dar a conocer tu trabajo?

Es curioso porque no basta con que lleve una pieza tuya alguien muy famoso, tiene que etiquetarte o compartir tu foto. Si lo hace uno mismo parece que la gente no te cree o no produce tanto efecto. El mundo fan es agradecido y muy curioso. Quieren saber para quién es cada cosa que cuelgo y fantasean pensando que son para su ídolo. Pero a día de hoy mi trabajo no tiene exclusividad con nadie. Puedo vestir a una modelo internacional como a una actriz de teatro amateur. No por conocer las altas esferas te da un apartamento en ellas. Por eso me mantengo en un mundo lineal, donde tienen la puerta abierta toda clase de artistas y toda clase de cuerpos.

Mucho ha llovido desde nuestro primer encuentro hará unos 15 años, entonces las cámaras eran de carrete, prácticamente nadie tenía teléfono móvil y tu trabajabas para la empresa de vestuario Peris. ¿Qué aprendiste de ellos?

Es verdad, en ese momento era el "boom de los jóvenes diseñadores", muchas tiendas se arries-

TEATRO

gaban a comprarnos. Utilizaban mis prendas locas como satélites para atraer al público sediento de una Barcelona llena de creatividad.

Pero realmente compraban la camiseta de la tienda de al lado sencilla y anodina. Pero la compraban en Barcelona en una tienda donde vendían ropa de "joven diseñador". En Peris tuve el placer de observar u conocer prendas desde cerca, tenerlas en mis manos y ver cómo se confeccionaba hace muchos años. Fue un lujo poder trabajar con material histórico. ¿Por qué decides dedicarte al mundo de la moda? ¿Había antecedentes en tu familia?

En mis inicios hice unas ocho colecciones con sus desfiles, catálogos y sesiones fotográficas.

Trabajé un par de años con un socio capitalista que me dio la oportunidad de mi vida como diseñador. Tuve un taller propio con dos personas a mi cargo y toda la infraestructura que es necesaria para arrancar. Tuve representante, contable diseñador gráfico... Todo, fue un sueño pero estaba claro que mi destino estaba enfocado el vestuario de espectáculo. Es lo que me da esa exclusividad de cada pieza. Y esa creatividad que yo necesitaba. Un sitio donde las plumas, la pedrería y los tules no son nunca demasiado, sino la fuente de origen que fluye a mi punto del ser.

En estos años te has ido dedicando de una forma casi absoluta a crear vestuario para eventos, conciertos, video clips, obras de teatro… que es una forma diferente de enfocar la carrera de diseñador de moda. ¿Tenías ya claro cuando empezaste en el mundo de la moda que querías que tu carrera fuese en

este camino o ha sido la vida que te ha llevado aquí?

Hace un tiempo vi un documental que hablaba de cómo saber el futuro laboral de tu hijo. Decía que tenías que fijarte desde los primeros meses. Si el niño escalaba debías buscar algo deportivo, si el niño quería pintar seria algo más artístico. Yo miro atrás y en mi caso estaba muy claro: me gustaba hacerme disfraces desde muy muy pequeño con papel porque no podía ni tocar material de costura por ser tan pequeño.

Mi madre quería que fuera bailarín, pero yo queria pintar. Se esforzó mucho por pagarme profesores privados de pintura. Estudié Peluquería. y moda. He trabajado mucho para el mundo de la noche y todo esto junto a que ayudaba a mi padre en su desguace donde estaba rodeado de chatarra, cristal y toda clase de metales. De ahí creo que ha salido esto: una pasión por montar desmontar una figura con cualquier clase de material. Y un reto constante en cada proyecto. Una lucha desde que te contacta la productora, por llegar a la idea con la figurinista/estilista, y por cumplir las fechas de entrega. Pero no sé que tengo en la cabeza, que la misma tarde que entregó un trabajo, me llaman para otro y lo cojo con la ilusión del que hace semanas no trabaja.

Es inevitable hablar de tu carrera y de la imagen que has creado para la cantante Shakira, pero ¿recuerdas cómo fue ese primer contacto con la cantante?

Cuando me llamaron por primera vez, no tenía claro si la vería a ella. En mi trabajo como sastre, asistiendo a fittings y demás pruebas de vestuario, a veces estas apartado de la celebrity a vestir en concreto. En este caso me citaron en una

dirección que pensé sería el set de rodaje.

Cuando entré a el supuesto set de rodaje me dijeron me sentara. Me senté y en ese momento claramente me di cuenta estaba en su casa.

Hacía poco que mi padre había muerto. Él se sentía orgulloso de mi trabajo y me felicitaba cuando veía un vestuario mío en la tv. Así que estoy seguro él me mandó está preciosa oportunidad.

Has creado prendas icónicas para la cantante que todo el mundo recuerda, como el famoso tocado dorado que aparece en estas fotos. ¿Tenías libertad total para crear su imagen?

Este tocado le gustó a ella y a su entorno. Gracias al estilista Gerard Angulo y a la maquilladora Beatriz Matallana. Fueron decisivos para que llegara a ella. Pienso que Shakira sabe valorar los trabajos únicos y artesanales.

Actualmente estas en plena elaboración del vestuario del musical La jaula de las Locas., ¿Qué maravillas podremos ver en el espectáculo?

Es un trabajo impecable de la figurinista Miriam Compte. Es un sueño para mí que se va hacer realidad. Porque poder confeccionar un vestuario desde mi taller de Barcelona para un musical tan importante y tan lleno de pluma y color es

TEATRO

todo un placer. Será al más puro estilo musical con súper números y muchos, muchos cambios de vestuario. ¿Cómo es Àngel Llàcer como “reina del musical”?

El contacto que he tenido con él ha ido muy bien.

Es tal cual lo vemos en la televisión, trabajador, exigente, encantador y muy, muy divertido.

Aunque podría pensarse que sigues una técnica muy tradicional, semejante a la alta costura, también te gusta innovar y buscar utilidad a las nuevas tecnologías aplicadas a la moda. ¿En qué se concretaría esto?

Trabajo con un equipo muy bueno de diseño gráfico, y corte a láser. Lo adapto a todos mis trabajos. Al igual que los bordados y los vinilos.

Principalmente diseño con Maya (la diseñadora gráfica) la trama o dibujo que voy a cortar, estampar, bordar y estampar. Después hacemos pruebas. Valoramos tejidos y materiales. Puedo utilizar desde metacrilato (mi favorito) a madera cuero... lo que sea. No tenemos límites. Mi trabajo es muy diferente de un día para otro. Pueso hacerte desde un vestido corte sirena o hacer un disfraz de sirena, je je je.

Aunque buena parte de tu trabajo lo confeccionáis en tu taller junto a tu pareja, el también diseñador de moda Víctor Lara, también trabajas con otros talleres. ¿Quedan todavía artesanos de la moda o poco a poco irán desapareciendo para hacerlo todo automatizado?

Víctor viene de Bellas Artes e Interiorismo por lo que diseñador no lo llamaría, es más bien mi brazo izquierdo, derecho, mis ojos, mi todo, je je

je. Es mi complemento, muy creativo y perfeccionista. Me hace bajar el ritmo y me da una visión objetiva de lo que hago. Normalmente me dejo llevar por mi intuición, pero él me da buenos consejos. Cada vez quedan menos artesanos y los tejidos llegan ya con las lentejuelas bordadas, las perlas y las plumas, pero la suerte de mi trabajo siempre es que muchas veces me piden algo que no existe por color o forma, y para eso estamos nosotros, para fabricarlo. ¿Nunca te interesó una carrera de moda convencional creando las habituales prendes de temporadas primavera, verano, etc.?

Vemos desfiles espectaculares de diseñadores que crean pasarelas en espacios flipantes pero vender, lo que es vender esas prendas, no se venden. Son imagen y dan vida a toda una firma dándole nombre y estilo. Nosotros creamos un producto muy diferente, ideamos una pieza que, puede que solo sea para un día, un rodaje o un evento, pero está creado con una misión. Cada prenda que sale de mi taller fue ideada para ilustrar un espectáculo o una campaña de publicidad. ¿Existe mayor satisfacción que crear algo que expresa, que impacta, que lleva un color corporativo de la marca que nos lo encarga? Para mí no existe otra sensación mejor que esa. Incluso las prendas que diseñamos en nuestros ratos libres acaban teniendo una misión. ¿Cuál es el encargo de vestuario más extraño que has tenido que hacer nunca?

Ufff no sabría cuál decirte, ¿un traje de ovillo de lana gigante? ¿Un superhéroe lleno de palomitas? ¿Unas sirenas con casco de moto? Son tantos y tan diferentes que no sabría a qué llamar extraño. Porque puedo hacer un vestido mi-

nimal, pero por su fabricación o su función final puede terminar siendo la pieza más extraña del mundo.

Hemos podido ver tu vestuario en programas como Tu cara me suena o Bailando con las estrellas, pero si tuvieses luz verde ¿qué te gustaría diseñar: el vestuario de una ópera, un gran musical, una súper producción de Hollywood?

A mis 40 años he creado más de lo que podía imaginar a los 20 años, pero nunca dejo de soñar. Un musical con mucho tiempo de confección y todo hecho por mí sería un gran sueño.

Vestir a artistas tanto de nivel nacional como internacional siempre sería un placer. Pero de verdad que mantenerme como estoy y tranquilo en mi taller es para mí ya el mejor plan. Tenemos una casita a las afueras y me gustaría poder vivir en ella y trabajar en medio de la naturaleza. Y solo bajar para entregas o por placer. Porque después de tener en el pasado varias personas

trabajando fijas en mi taller y hacer grandes proyectos, me doy cuenta que para mis piezas es mejor hacerlo sólo Víctor y yo. Es la forma de poder dedicarle el tiempo y el cariño que necesitan. Tener empleados a veces, más que quitarte faena, te quita presupuesto y solo puedes ceñirte a un horario. Nosotros trabajamos por proyecto, sin mirar a qué hora empezamos o terminamos.

Le dedicamos el tiempo que necesita.

En algún lado he leído que te comparaban con Paco Rabanne por el uso de materiales inéditos a la hora de crear tus diseños, pero ¿tienes diseñadores de referencia que sientas que de alguna forma han influido en tu carrera? ¡Si! Lo he leído también y me enorgullece! Amo su trabajo como el de Dior, Galliano, y muchos más, pero busco mi identidad y ser a la vez ecléctico crear sin intentar ser fiel a nada. Simplemente meterlo todo en un bote y con lo que sale darle forma y vida.

Tengo entendido que una de tus pasiones es coleccionar figurines antiguos de moda. ¿Cómo empezó esta colección? ¿Cuál es la pieza más preciada que tienes?

Empecé cuando compré un material antiguo, un lote de pedrería y tejidos antiguos. Suelo comprar en cualquier sitio que viajo y así poder ofrecer un estilo diferente a los clientes. Para poder regalarme un figurín tiene que reunir varios aspectos: primero tiene que ser original, original de verdad, no original litografía numerada. Además me gustan lo que estan pintados a mano.

Tiene que ser del género espectáculo, ni moda, ni histórico. Me gustan los de teatro o revista.

Tengo varios de figurinista españoles de los años 30 y 40 y un par de un figurinista francés del 1890 que trabajó para la ópera de París. Pero el figurín estrella lo compré en Roma y no solo es importante por su autor sino porque está dedicado a Enrico Caruso y está representado él mismo. Es uno de los más antiguos que tengo y quizás el de más valor.

Entonces un buen regalo cuando llega tu cumpleaños seria regalarte un original de Helen Rose, Adrian o Edith Head, je je je. Si te diesen a elegir, ¿qué estrella del Hollywood clásico te hubiese gustado vestir?

De Edith Head sería todo un placer tener uno pero ella hizo más cine y mi colección sigue otro camino. Me encantaría vestir a Carmen Miranda, o a todas las grandes vedettes que pasaron por El Molino o por la Scala.

Y acabamos: ¿cuáles son tus planes de futuro para este otoño?

Nos ofrecieron un vestuario para un nuevo espectáculo, pero como coincidirá con el estreno de La Jaula de las Locas, si descansamos un poco no nos pasará nada, ¿no? Je je je.

Fotos y texto: Guillem Medina

FASHION WORLD

CHRISTIAN DIOR

“Un vestido es una pieza de arquitectura efímera, diseñado para mejorar las proporciones del cuerpo femenino”

E

sto sí que es realmente New Look: esas fueron las palabras de la periodista Carmel Snow tras ver el primer desfile de Christian Dior (1905-1957), un joven tímido y de maneras impecables. Aquella colección llevaba por nombre Corolle y estaba destinada a cambiarlo todo. El mundo acababa de salir de la II Guerra Mundial y costaba sacudirse el gris de los uniformes militares y el peso de los materiales gruesos y rígidos. Entonces llego él. Quienes vieron aquel show del 12 de febrero de 1947 rememoran: “Ante nuestros ojos empezaron a desfilar aquellas mujeres, rápidas, teatrales, exagerando el gesto, envueltas en kilómetros de tejido, con cinturas de avispa y hombros redondeados… ¡y aquellos tejidos! ¿De dónde salían? Mientras, las mujeres, arropadas en sus modestas chaquetas cuadradas y faldas rectas aplaudían enfebrecidas cada modelo”. Aquello supuso un nuevo soplo de feminidad y elegancia para el mundo y Christian Dior se convirtió en uno de los mayores –y más rentables– emblemas de Francia.

Diez años después, el modisto murió súbitamente de un ataque cardíaco. El encargado de sustituirle será un jovencísimo ayudante suyo; Yves Saint-Laurent, el cual con tan sólo 21 años, mantuvo la elegancia y la opulencia heredadas de su mentor, pero descargó peso y añadió ligereza a las prendas. Sin embargo, llegaron los años sesenta y, con ellos, aires de cambio y revolución, algo que parecía no encajar dentro de los rígidos esquemas mentales de los acomodados seguidores de la maison. Bajo la proclama “¡Abajo el Ritz, viva la calle!”, Saint-Laurent presentó su última colección para Dior en 1961, un homenaje a los estudiantes de la Rive Gauche –el París más bohemio y revolucionario– en el que introducía chaquetas de cuero y minifaldas. La propuesta se vivió casi como una ofensa nacional y aprovechando el llamamiento a filas del modisto de origen argelino, éste fue sustituido por Marc Bohan, mucho más conservador y relajado.

Dior entraría entonces en un periodo de calma y continuismo.

Bohan se mantuvo al frente de la empresa, casi treinta años hasta que en 1989 Gianfranco Ferré es designado director creativo de la firma. Como publicó Vogue España en aquel año, no se trataba de la toma de la Bastilla, “pero casi” . Por primera vez, un italiano se ponía al frente de la gran casa de moda francesa, todo un orgullo nacional.

Ferré modisto y arquitecto, renunciaba entonces a su propia firma y sentenciaba, ante la pregunta de si su primera colección para la firma sería más Dior o más Ferré: “¿Quizá quiera preguntarme si me dejaré influir por el fantasma de Christian Dior? No; será una colección de Ferré hecha para Dior”.

El 20 de enero de 1997, en el Grand Hôtel de París, el inglés John Galliano toma las riendas en el cincuenta aniversario de la firma. El gibraltareño presenta una colección que actualiza el legado de Dior con suntuosos trajes de gala, corsés y, sobre todo, mucha mezcla de culturas. La prensa, uná-

nimemente aplaude la propuesta. Tras más de diez años de éxitos en Dior –hizo desfilar a Kate Moss cuando sólo tenía 16 años; y especialmente memorable fue su colección de Alta Costura para el otoño-invierno 2009–, en marzo de 2011, unas poco afortunadas declaraciones antisemitas del modisto en un bar parisino provocan el despido de Galliano. La casa queda decapitada y en busca de sucesor. Un año después, Raf Simons, que venía de triunfar en Jil Sander, es nombrado director creativo de Dior. La conceptualización y modernización del legado de Christian Dior son las bases sobre las que se sustenta la propuesta de Simons. Sidney Toledano apunta en El País: “Siempre supe que Simons y Dior iban a encajar. La alquimia debe funcionar. Un diseñador puede tener todo el talento del mundo y no ser bueno para una marca, pero este es el inicio de una nueva era”.

Texto: Marta Calvó

RUNAWAY SHOW 2018

Dior by Gruau

GIRONA VIAJANDO

Fotos: Enric Fontvila

QUÉ VER EN GIRONA Las casas del Onyar

Si hay una estampa que identifique a la ciudad de Girona, ésa es la vista de las casas de colores en las riberas del río Onyar con la catedral y la torre de la basílica de Sant Feliu asomándose al fondo. No lo son, porque están firmemente apoyadas en la roca, pero se conocen como las casas colgantes de Girona. Por un momento pensarás que estás en el norte de Europa: Dinamarca, Suecia, Noruega… pero no, hace más calor y los techos no son puntiagudos. El más conocido de sus puentes es, sin duda, el Pont Eiffel o Pont de les Peixateries Velles. Sí, Gustave Eiffel lo diseñó y lo construyó 10 años antes de crear su famosa torre.

Casa Masó

Hay una casa que mantiene su fachada pintada de color blanco con las ventanas azules y las persianas amarillas. Es la Casa Masó, la obra maestra de Rafael Masó y del Novecentismo, el movimiento creado como alternativa al Modernismo. Aunque no lo parezca desde la fachada que da al río, la Casa Masó son cuatro edificios unidos que fueron rehabilitados por el arquitecto

a principios del siglo xx. Menos te lo parecerá cuando entres y veas que el suelo está a la misma altura en todas partes y la distribución de los cuartos. Se visitan todas las plantas: despachos, salón, cocina, habitaciones… y se vislumbran los principios del Novecentismo basado en la utilidad de las cosas sin olvidar su estética.

El Call, el barrio judío

La imagen más característica de la ciudad muestra edificios del siglo xx, pero Girona guarda un pasado medieval digno de Besalú: una de las juderías mejor conservadas del mundo. El entorno de las calles de Sant Llorenç y de Claveria, cerca del museo de historia de los judíos –en la antigua sinagoga–, es la zona en la que dejarse llevar por las callejuelas, la piedra, las cuestas…

Sant Martí Sacosta

Girona ha conservado intactos numerosos rincones medievales y modernos de una atmósfera y una belleza excepcionales donde el tiempo parece haberse detenido. Es el caso del espacio

enmarcado por la iglesia del antiguo convento de Sant Martí (s. xVII), con la fachada y las escaleras barrocas que la preceden, y la Casa-Palacio Agullana (s. xVI-xVII), cuyo gran arco cubierto y oblicuo constituye una de las imágenes más singulares de la ciudad.

Catedral

En el lugar más genuino de la Força Vella se alza la catedral. Construida entre los siglos xI y xVIII, se configura a partir de un conjunto de muros y espacios de estilos diferentes, desde el románico (claustro y torre de Carlomagno) hasta el Barroco de la fachada y la escalinata. Su elemento más singular es la gran nave (s. xV-xVI), que constituye el espacio gótico abovedado más ancho del mundo (23 metros).

Basílica de Sant Feliu

Haciendo sombra a la que fue su sucesora, la catedral, la basílica de Sant Feliu se cuela en la foto de Girona. Bueno, se cuela su torre campanario con aspecto de castillo –estaba incrustada en la muralla–. Durante su construcción, entre los si-

glos xII y xVII, se encontraron sarcófagos romanos que todavía se pueden ver en su interior. Aunque el sepulcro más llamativo es el de San Narciso, patrono de Girona.

Monasterio de Sant Pere de Galligants

La monumentalidad del templo, de planta basilical, y el interés iconográfico de los capiteles de la nave central y del claustro de este monasterio benedictino (s. xII), hoy destinado a museo, conforman, con la cercana capilla de Sant Nicolau, utilizada actualmente como sala de exposiciones, uno de los conjuntos románicos más notables de Cataluña.

Baños árabes

Singular construcción románica (s. xII) inspirada en los baños romanos y cuyos elementos más admirables son la estancia de la entrada, destinada a vestuario y sala de descanso y cubierta con una bóveda anular, y la cúpula que, asentada sobre finas columnas y capiteles bellamente ornamentados, corona la piscina central.

el jueves

HUMOR IRREVERENTE

MAGAZINE

E

n los años de la Transición española aparecieron en el mercado numerosas revistas humorísticas como El Papus, Por Favor, Hermano Lobo, Barrabás, La Codorniz, El Cocodrilo Leopoldo y, por supuesto El Jueves, editado en Barcelona en 1977 y que todavía, por un milagro de no se sabe dónde, sigue en el mercado, últimamente con muy buenos signos de salud. Había sido creada por José Ilario y editada por Editorial Formentera, distinguiéndose de los otros semanarios humorísticos de la época por presentar un formato similar a la revista alemana Eulenspiegel-Zeitschrift con su bufón y a las revistas francesas Hara Kiri Hebdo y Charlie Hebdo y por su mayor proporción de historietas, que lo convertían (hasta cierto punto) en una versión de actualidad y para adultos del clásico Pulgarcito brugueril. Al poco, sin embargo, el costumbrismo fue perdiendo peso ante la sátira política, con lo que la revista se acercó más a El Papus. Algunas de las series mas populares en esa primera etapa fueron Martínez el Facha de Kim, Pepe Progre de Tom, Rodolfo Valentín siempre va caliente de Jose Luis Martín, A la cama no te irás sin aprender algo más de Romeu o La historia sagrada contada a los niños de Ivá. En octubre de 1977 fue adquirida por el Grupo Zeta y el diseño mejoró, con portada y contraportada a color. Se incluyó una fotonovela a semejanza de la Papunovela, amén de otras series como El profesor Cojonciano de Óscar Nebreda, Grouñidos en el desierto de Ventura & Nieto, La Moncloaca de Martín Morales, Tribunal popular contra... de Trallero d’A, Historias Fermosas de Fer o Contactos/Mamen de Manel Barceló y Mariel Soria.

La catedrática Francesca Lladó, tras consultar los

datos de la Biblioteca Nacional, ha resaltado el incremento de lectores del que gozó entre los meses de agosto de 1979 y de 1980, pues pasó de vender 66.212 a 106.000 ejemplares, estabilizándose entonces. En 1982, Gin, José Luis Martín y Óscar compraron la revista y comenzaron a editarla bajo el sello Ediciones El Jueves, S. A. Buscaban ganar lectores más jóvenes sin perder los antiguos, lanzando series como Puticlub de Fer, Johnny Roqueta de T.P. Bigart / Alfons López / Rafael Vaquer, Orgasmos cotidianos de Alfons López, El Sebas, dibujante historietista de Manel Ferrer o Pedro Pico y Pico Vena de Carlos Azagra.Tras la crisis del cómic de mediados de los 80, El Jueves aparecía, para teóricos como Jesús Cuadrado, como "un ejemplo de publicación tan personal como aislada, tan libre como repetitiva". Su tirada media, en cualquier caso, pasó en estos años de 47.000 ejemplares en 1986 a 66.000 en 1988, 119.500 en 1989 y 150.000 en 1990, y alcanzó su récord en los 201.700 ejemplares del número 785, publicado en 1992. A requerimiento de Gin, se incorporaron algunos autores nuevos, como Miguelanxo Prado, Antoni Garcés, Pasqual Ferry y Das Pastoras, todos ellos surgidos del mítico fanzine Zero Comics, o el caricaturista Joan Vizcarra. A mediados de los años 90 la revista se ve afectada por los fallecimientos sucesivos de Ivà, Miguel Ángel Nieto, El Perich y Gin, mientras que (en opinión de Lladó) "sus personajes más conocidos ya no aportan nada nuevo, ni ideológicamente ni con respecto al lenguaje". La revista se renovó, sin embargo, gracias a la incorporación de Manel Fontdevila y Albert Monteys a su consejo de redacción, lo que permitió la llegada de otros autores jóvenes. En 2002, con la tirada estabilizada en torno a los 90.000

ejemplares, El Jueves mostró en su número 1299 una caricatura de Ariel Sharón con rasgos porcinos y una esvástica nazi. El 22 de abril Shimon Peres, Ministro Israelí de Exteriores, la puso como ejemplo del neoantisemitismo en Europa durante la Conferencia Euromediterránea celebrada en Valencia. Debido a la exposición de esa portada ante las cámaras por parte de Peres, la revista apareció en medios de comunicación de todo el mundo. En 2005 fue también el año en que se publicó la primera serie protagonizada por un personaje homosexual: Pepe Gay de Guillermo. En 2006, Albert Monteys, uno de sus nuevos autores, era nombrado director de la revista y ésta obtenía por primera vez el galardón a la mejor revista en el Salón del Cómic de Barcelona. En diciembre, el grupo editorial RBA adquiría el 60% del sello. El 18 de julio de 2007, la portada de su número 1573 presentaba una caricatura de los entonces Príncipes de Asturias, manteniendo relaciones sexuales, lo cual motivó el secuestro de la publicación y una multa a sus dos dibujantes por parte de la Justicia. En enero de 2011, Maite Quílez se convierte en nueva directora de la publicación. La tirada pasa de cien mil a 95.000 ejemplares. Colabora con la Funda-

ción Gin, en la organización del Concurso de humor gráfico Gin. El 16 de octubre de 2013 alcanza su número 1899, superando los 1.898 números de la revista La Codorniz y convirtiéndose así en la revista satírica más longeva de la historia de España. En junio de 2014, catorce de sus autores (Paco Alcázar, Manuel Bartual, Manel Fontdevila, Albert Monteys y Bernardo Vergara, entre ellos) abandonaron la revista después de que la editorial RBA no permitiera publicar una portada en la que se hacía referencia a la abdicación de Juan Carlos I. La editorial, en un primer momento, negó haber recibido presiones de La Zarzuela y adujo que el cambio de portada y el retraso en la salida de la revista (que llegó a los kioskos un día más tarde de lo habitual) se habían debido a problemas técnicos. Sin embargo, otras fuentes aseguraron que se habían llegado a imprimir 60.000 ejemplares en el momento en que se dio la orden de sustituir la portada. Actualmente la revista cuenta con series como: Cosa de dos de Oriol Jardí / Jordi March, Pornopedia de Julio A. Serrano, Coitus Imperfectus de Ricardo Peregrina, Robocracia de Ivanper / Igor o Las Nenas de Marta Masana / So Blonde, entre otras muchas.

Críticos con la política

CrĂ­ticos con la Iglesia

CURIOSITATS BCN

Elena Jordi, de l’estanc als escenaris Per Ròmul Brotons

N

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ascuda el 1882 a la població berguedana de Cercs, Montserrat Casals i Baqué es casà el 1901, probablement embarassada. Aviat tingué una filla i un any després una altra, de manera que el seu destí semblava decidit abans de fer els 20 anys.

Tanmateix, Montserrat abandonà el marit i el 1905, després de la mort del pare, se n’anà a Barcelona amb les dues nenes i la seva germana petita, Tina, companya inseparable d’aventures.

Amb els diners que el pare els havia deixat, obriren un estanc, situat en un indret principalíssim de la ciutat vella: el carrer de la Boqueria cantonada amb el de Rauric. Amb dues noies joves i alegres rere el taulell, l’establiment aviat es féu molt popular i es constituí en una mena de lloc de trobada dels elements bohemis que freqüentaven el barri. No eren pocs els que asseguraven que en aquell estanc les activitats anaven una mica més enllà de la venda de tabac.

Fou així com Montserrat féu amistat amb personatges prominents del panorama cultural català, especialment amb Alexandre —Jandru— Soler i Marjé, fill del prestigiós escenògraf Soler i Rovirosa, que esdevingué el seu gran conseller i la introduí en l’ambient teatral. La noia no tenia la formació adequada, ni tampoc grans dots interpretatives, però disposava d’un talent i una gràcia naturals que no es podien desaprofitar.

Debutà el 1909 al teatre Novetats, amb petits papers en les obres presentades per la nova companyia de Teatre Íntim, dirigida per Adrià Gual, amb Margarida xirgu de primera actriu. Tanmateix, la seva personalitat era més apropiada per

a la comèdia i aviat es passà al vodevil, gènere frívol caracteritzat per les situacions enrevessades i el llenguatge picant. Adoptà el nom artístic d’Elena Jordi i el 1910 treballà repetidament al teatre Espanyol amb Josep —Papitu— Santpere, amb qui formà una parella formidable. El vodevil, vist fins aleshores com un gènere estranger i distant, s’implantà sòlidament al Paral·lel, per atraure un públic multitudinari, principalment constituït per obrers i menestrals. Les aparicions de Papitu Santpere amb calçotets o els deshabillés de la Jordi eren els moments culminants, celebrats pel públic amb grans aplaudiments.

Els plans d’Elena Jordi, però, eren molt més ambiciosos. Tenia una visió molt precisa del que volia i, aconsellada pel nucli intel·lectual que gravitava al seu voltant, com el dramaturg Salvador Vilaregut, formà companyia pròpia i el juny de 1914 es presentà a l’Apolo amb La dona nua, vodevil en dos actes d’Henry Bataille, traduït al català per Joan Mallol i Baretge. No s’havia vist mai a Barcelona un vodevil com aquell, amb decorats espectaculars, vestits importats de París i un component eròtic explícit, però prou subtil com per no resultar groller.

Les temporades de 1914 i 1915 la companyia d’Elena Jordi triomfà al Teatre Espanyol, amb una successió de vodevils francesos traduïts al català, però també de producció nacional, amb títols tan expressius com La primera vegada, La Pitets se’ns ha casat, El senyor Josep enganya la dona i La dona del senyor Josep enganya l’home, de Santiago Rusiñol, de qui també estrenaria El pobre viudo i El triomf de la carn. Les qualitats de la Jordi no eren gens convencionals.

Sebastià Gasch atribuiria el seu èxit al fet que (...)

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era una artista del país, muy barcelonesa, entre ingenua y picante (...) La intención recargada, la sensualidad procaz y fina a la vez, el desparpajo burlón, todo ello matizado y sutil (...) no era una gran actriz, pero contaba con una facilidad de persuasión, que era enorme; especulaba con una especie de atractivo interior y también con la virtud expresiva de su rostro. No era hermoso este rostro, un rostro de falsa inocencia, un rostro de una palidez marfileña, pero que se veía realzado por la lentitud calculada de la mirada de unos ojos inmensos, carbonosos, y por la seducción premeditada de la boca carnosa y sensual.

Damunt del seu cos, un pam de roba lluïa de manera extraordinària i sabia creuar les cames com ningú. El cronista Sempronio l’arribà a definir com una bombolla de París al Paral·lel. Els seus detractors deien que no era capaç de pronunciar paraules de més de vuit lletres i que el públic no notava si actuava en català o castellà, per la gran quantitat de barbarismes —buenos, pues i desdeluegos— que utilitzava a tort i dret.

Res de tot això la privà d’un èxit aclaparador, que li permetria guanyar unes quantitats de diners que molts trobaven impossibles d’obtenir de manera honesta.

L’octubre de 1916, la companyia d’Elena Jordi inicià la temporada amb L’assalt a la Bastilla, amb Alexandre Nolla de primer actor, seguit de Tornem-hi que no ha estat res, El cosinet i Faldilles i pantalons, entre altres, que alternà amb el seu primer treball cinematogràfic a la pel·lícula La loca del monasterio, de Domènec Ceret, per embarcar-se el 1918 en la producció de Thaïs, dirigida i protagonitzada per ella mateixa, en una

mostra de determinació i modernitat innegables.

Es desconeix si es va arribar a estrenar i, lamentablement, no se n’ha conservat cap còpia.

A aquest projecte de caràcter artístic, el mateix 1918 Elena Jordi afegí la seva iniciativa empresarial i invertí la fabulosa quantitat de mig milió de pessetes en la compra d’un solar a la Via Laietana, amb la intenció de bastir-hi un teatre que duria el seu nom. Les obres avançaren a bon ritme, però el 1922, quan l’edifici ja era gairebé enllestit, transcendí que havia traspassat la propietat a Vilaseca y Ledesma SA, empresa que el 1923 obriria l’esplendorós cinema Pathé Palace, futur Palacio del Cinema, actualment tancat.

Capítol del llibre Personatges populars, excèntrics i curiosos de Barcelona (1836-1936) http://albertieditor.cat/index.php?route= product/product&path=89&product_id=69

TELEVISIÓN

S

por Miguel Ángel Parra

Thatcher, Madness y hámsteres explosivos: “The Young Ones” i en 1969 Monty Python’s Flying Circus cambió la manera de hacer humor en el mundo, una década después llegaría su relevo generacional con el trío formado por los jóvenes Rik Mayal, Lisa Mayer y Ben Elton, que, siguiendo su estela, iban a modernizar la comedia para una nueva generación de espectadores con The Young Ones (1982-1984) en plena era Thatcher.

La sencilla premisa de la serie creada por el grupo —el día a día de cuatro estudiantes universitarios que comparten alquiler—, no era una más que una excusa, un fino hilo conductor, para dar paso a una serie de sketchs gamberrísimos que eran el leitmotiv del programa.

A consecuencia de ello, y afortunadamente, el argumento lineal brillaba por su ausencia; el formato debía ser tan anárquico como sus personajes y la naturaleza primigenia de la serie que, con los años, se ha convertido en el reflejo del humor de una época.

El variopinto plantel de personajes protagonistas estaba formado por Neil Wheedon Watkins Pye (Nigel Planer), un hippie con tendencias suicidas, Vyvyan Basterd (Adrian Edmondson), un destructivo punky estudiante de medicina, Rick (Rik Mayal), un anarquista estudiante de sociología, Mike The-Cool-Person (Christoher Ryan), un pijo, autoproclamado líder del grupo y la familia Balowski, interpretada al completo por Alexei Sayle. Según Mayal, el grupo principal de personajes representa a la típica familia nuclear, protagonista habitual de este tipo de sitcoms, siendo Neil la madre, Mike el padre, Vyvyan el hijo y Rick la hija.

El reparto de la serie estaba formado por cómicos recién salidos del circuito cómico de Lon-

dres, más concretamente del Comedy Store, uno de los clubs de stand up más importantes de la ciudad. En él actuaba el dúo cómico formado por Rik Mayal y Adrian Edmondson en un número al que llamaban 20th Century Coyote, Nigel Planer, que formaba pareja cómica con Peter Richardson, y Alexei Sayle.

La popularidad de estos jóvenes cómicos llama la atención de Channel 4 que ofrece a la pareja artística de Planer, Peter Richardson, la oportunidad de crear su propia serie, The Comic Strip Presents... Al enterarse, la BBC, que no quiere quedarse atrás, ofrece implicarse al resto de cómicos en la producción de una serie de características similares que acaba convirtiéndose en The Young Ones. Como curiosidad, comentar que Mayal, Edmondson, Planer y Sayle aparecen en ambas series y que su emisión fue la que

hizo llegar este tipo de comedia alternativa a la televisión inglesa. Si Peter Richardson fue el encargado de la creación de The Comic Strip Presents..., Rik Mayal, Lisa Mayer —pareja de Mayal en esos momentos— y Ben Elton —conocido posteriormente por haber escrito el libreto de musicales de Andrew Lloyd Webber como The Beautiful Game o Love Never Dies—, fueron los responsables de hacer lo propio con The Young Ones.

Camuflada como una sitcom tradicional trufada de surrealismo, rotura de la cuarta pared y violento slapstick, The Young Ones también tenía marionetas, como el hámster Brigada Antidisturbios —probablemente debido a la influencia de El show de los Teleñecos, muy popular por aquel entonces en Inglaterra— y actuaciones musicales de los grupos más punteros del momento, como The Damned, Madness o Motörhead, por mencionar solo unos cuantos. Estos

podían aparecer de la nada y sin explicación alguna en cualquier lugar, preferiblemente en el salón de la casa, lugar de reunión de nuestros jóvenes favoritos. Por si las actuaciones musicales y los sketches con marionetas fueran poco, la serie contó con una larga lista de actores invitados entre los que destacan: Robbie Coltrane, Terry Jones, Stephen Fry, Hugh Laurie o Emma Thompson.

Los doce capítulos que forman la serie, fueron emitidos originalmente por BBC Two entre 1982 y 1984, para ser emitidos poco después en canales de todo el mundo, destacando MTV, en el que fue uno de los primeros programas no musicales emitidos por la cadena, y TV3, que convirtió a Els joves en un fenómeno de culto entre los espectadores catalanes. Lamentablemente, al margen de esas dos temporadas de seis capítulos cada una, la BBC no produjo más episodios. Los personajes volvieron a reunirse poco

TELEVISIÓN después para un especial de Comic Relief en el que el grupo canta Living Doll junto a Cliff Richard y los Shadows, intérpretes de la canción original de The Young Ones, mucho antes de que se convirtiera en la cabecera y el título del programa. Alexei Sayle fue el único que se negó a participar en el especial, al considerar que esa aparición iba en contra del espíritu original de la serie.

Desde entonces los personajes han vuelto a aparecer en contadas ocasiones, como en la interpretación de la parodia de la canción My Generation de los Who, un piloto para la televisión estadounidense protagonizado por Nigel Planer o el videojuego: The Young Ones (video game).

A pesar de todo, esas no han sido las últimas

colaboraciones de los cómicos: en 1986 Edmonson, Mayal y Planer se reúnen de nuevo para protagonizar una serie de corte similar, Filthy, Rich & Catflap, que permanece en antena durante una sola temporada. Años después, Mayal y Edmondson vuelven a dar en el clavo con La pareja basura (Bottom, 19911995), serie con la que tienen un gran éxito que se perpetua durante tres temporadas en BBC Two, cinco obras teatrales y una película, Hotel Paradiso (Guest House Paradiso, 1999).

The Young Ones, marcó a toda una generación de espectadores y nuevos cómicos, y, en 2004, la serie llegó a ocupar el puesto numero treinta y uno en la BBC’s list of Britain’s Best Sitcoms.

CINE ESTRENOS

El año de la Plaga

Gauguin

Tras romper con Irene, los amigos de Víctor se empeñan en encontrarle una nueva novia, pero él no quiere olvidarla, incluso cuando aparece Lola. Súbitamente, Irene le llama, nerviosa, y le pide ayuda porque la gente a su alrededor se comporta de modo diferente, como si hubieran perdido sus recuerdos y emociones. Influenciado por las películas y series que han marcado su vida, Víctor no es capaz de ofrecer una explicación racional a lo que está pasando.

En 1891 Gauguin se exilia a Tahití.

Quiere encontrar su pintura, libre, salvaje, lejos de los códigos morales, políticos y estéticos de la Europa civilizada. Se adentra en la selva, haciendo frente a la soledad, la pobreza, la enfermedad. Allí conoce a Tehura, que se convirtió en su esposa y protagonista de sus grandes pinturas.

Según el Hollywood Reporter: "Maravillosamente rodada, un verdadero banquete de poca profundidad de campo, intenta explorar un gran número de temas, sin limitarse a la naturaleza, el colonialismo, la religión, la sexualidad y el arte."

Dirección: Carlos Martín Ferrera Guion: Ángeles Hernández, Miguel Ibáñez Monroy, David Matamoros, Marc Pastor Música: Alfonso Toledo Reparto:Miriam Giovanelli, Ana Serradilla, Brays Efe, Silvia Abril, Natalia Sánchez, Ivan Massagué, Marta Castellote, Maria Molins, Fermí Reixach, Amparo Moreno, Canco Rodríguez, Maaike Cafmeyer, Nacho San José, Sue Flack, David Krohnert

Dirección: Edouard Deluc Guion: Etienne Comar, Edouard Deluc, Sarah Kaminsky, Thomas Lilti Música: Warren Ellis Reparto: Vincent Cassel, Malik Zidi, Ian McCamy, Pernille Bergendorff

Johnny English: De nuevo en acción

Dirección: David Kerr Guion: Robert Wade Fotografía: Florian Hoffmeister Música: Howard Goodall Reparto:Rowan Atkinson, Olga Kurylenko, Jake Lacy, Ben Miller, Tuncay Gunes, Nick Owenford, Samantha Russell, David Mumeni, Eddie O'Connell, Pino Maiello, Junichi Kajioka, Lindy Barrett, Emma Bakare

La tercera entrega de este peculiar agente secreto tiene una buena premisa para traer de vuelto de su retiro al protagonista, ya que un ciberataque desvela la identidad de todos los agentes en activo de Reino Unido. English tendrá que dar con la mente maestra detrás de lo sucedido, aunque sus limitadas habilidades evitarán que sea una misión precisamente sencilla...El héroe va a contar con una Chica Bond, en concreto con Olga Kurylenko.

Superfly

Dirección: Director x Guion: Alex Tse Música: Josh Atchley Fotografía: Amir M. Mokri Reparto: Trevor Jackson, Jason Mitchell, Michael Kenneth Williams, Lex Scott Davis, Jacob Ming-Trent, Jennifer Morrison, Andrea Londo, Terayle Hill, Allen Maldonado, David Dunston, Omar Chaparro, Antwan A. Patton, Adriyan Rae, Al-Jaleel Knox, L. Warren Young, Rick Perez, Michael Beasley

Remake del film blaxploitation de 1972 Superfly, en el que un traficante afroamericano se da cuenta de que dejar atrás su vida criminal es más difícil de lo que esperaba. Un traficante de cocaína (Trevor Young) decide hacer un último trato antes de dejar el negocio.

Según Variety: "No tiene relevancia ni atmósfera real ni contexto social (...)

Es un thriller callejero sobre drogas competente, vistoso y hermético"

CINE ESTRENOS

The Seagull

Todos lo saben

Adaptación de la obra teatral rusa La gaviota, de Antón Chéjov. Se centra en los conflictos románticos y artísticos que surgen entre la actriz Irina Arkadina, la ingenua Nina Zarechnaya, el famoso escritor Boris Trigorin, amante de Irina, y el dramaturgo Konstantin Treplyov, que es hijo de Irina y está enamorado de Nina.

Todos estos personajes chocarán en una visita que hacen al hermano de Irina.

Laura viaja con su familia desde Buenos Aires a su pueblo natal en España para una celebración. Lo que iba a ser una breve visita familiar se verá trastocada por unos acontecimientos imprevistos, que cambiarán por completo las vidas de los implicados. Fue la película inaugural del Festival de Cannes 2018. Según Variety: "Es la película más débil de Farhadi, pero sigue siendo mejor que la gran mayoría de dramas comerciales (...)

Carece de la precisión, o la ambición, de los trabajos anteriores de Farhadi."

Dirección: Michael Mayer Guion: Stephen Karam Música: Anton Sanko Fotografía: Matthew J. Lloyd Reparto:Annette Bening, Saoirse Ronan, Corey Stoll, Elisabeth Moss, Mare Winningham, Brian Dennehy, Billy Howle, Jon Tenney, Thomas Hettrick, Ben Thompson, Glenn Fleshler, Michael Zegen, Paul Krisikos.

Dirección: Asghar Farhadi Guion: Asghar Farhadi Música: Alberto Iglesias (Canciones: Nella Rojas, Javier Limón) Fotografía: José Luis Alcaine Reparto: Penélope Cruz, Javier Bardem, Ricardo Darín, Eduard Fernández, Inma Cuesta, Bárbara Lennie, Elvira Mínguez

MADE IN SPAIN

CINE ESTRENOS

El mejor verano de mi vida

Solo

Curro es un fantasioso vendedor de robots de cocina que sueña con un trabajo en el mundo financiero. En plena crisis de pareja y con fuertes deudas hace una promesa que no puede cumplir: si su hijo Nico de nueve años saca todo sobresalientes, le llevará a unas vacaciones de verano inolvidables. El niño lo consigue y padre e hijo emprenden un viaje que les llevará a conocer gente y vivir situaciones que jamás hubiesen imaginado y que cambiarán sus vidas.

Fuerteventura. Septiembre de 2014.

En busca de la ola perfecta, el joven surfista Álvaro Vizcaíno se precipita por un acantilado en la zona más inaccesible de la isla. Lo que iba a ser una increíble jornada deportiva se transforma en 48 horas de agonía extrema.

Con el cuerpo malherido y la cadera rota, deberá vencer a una naturaleza implacable y hacer frente a sus propios miedos para intentar sobrevivir...

Basada en hechos reales. Hugo Stuven es conocido por Anomalous, filme con el que debutó en el cine, dirigido y escrito por él mismo en inglés.

Dirección: Dani de la Orden Guion: Daniel Castro, Marta Suárez, Olatz Arroyo, Dani de la Orden Música: Zacarías M. de la Riva Fotografía: Valentín Álvarez Reparto: Leo Harlem, Toni Acosta, Maggie Civantos, Jordi Sánchez, Alejandro Serrano, Isabel Ordaz, Stephanie Gil, Salva Reina, Gracia Olayo, Berto Romero, Antonio Dechent, Arturo Valls, Silvia Abril

Dirección: Hugo Stuven Guion: Santiago Lallana, Hugo Stuven Música: Sergio Jiménez Lacima Fotografía: Ángel Iguacel Reparto: Alain Hernández, Aura Garrido, Ben Temple, Leticia Etala

Los Futbolísimos

No quiero perderte nunca

Comedia de aventuras protagonizada por una pandilla de niños y niñas que, por salvar a su equipo de fútbol, se meterán en todo tipo de problemas en los que su ingenio y su amistad serán puestos a prueba. El Soto Alto Fútbol Club es el nombre del equipo, y en él juegan entre otros Pakete, Camuñas, Angustias, Helena y Toni. Todos tienen una misión fundamental: ganar los dos próximos partidos para evitar que la asociación de madres y padres de alumnos cierren el club.

Malena y Paula se acaban de trasladar a la casa de campo en la que vivían los padres de Paula. Una mañana recibe la noticia de que su madre se ha escapado del geriátrico donde estaba. Malena se va a trabajar y Paula se queda sola, hasta que recibe una visita inesperada. Su madre ha entrado en la casa pero ella no la encuentra, en una casa habitada de recuerdos cada vez más borrosos e imprecisos. Paula se perderá buscando a su madre, y tendrá que ser Malena la que la ayude a salvarse, como si fuera una medium intentando expulsar sus fantasmas interiores. Es el segundo largometraje del director tras Todo parecía perfecto (2014).

Dirección: Miguel Ángel Lamata Guion: Pablo Fernández, Miguel Ángel Lamata Fotografía: Teo Delgado Música: Fernando Velázquez Reparto: Carmen Ruiz, Milene Mayer, Jorge Usón, Toni Acosta, Joaquín Reyes, Jordi Aguilar, Norma Ruíz, Gerald B. Filmore, Julio Bohigas-Couto, Antonio Pagudo, María José Moreno.

Dirección: Alejo Levis Guion: Alejo Levis Música: Nico Roig Fotografía: Gina Ferrer Reparto: Aida Oset, Montse Ribas, María Ribera, Carla Torres

MADE IN SPAIN

CINE ESTRENOS

Yucatán

Dirección: Daniel Monzón Guion: Daniel Monzón, Jorge Guerricaechevarría Música: Roque Baños Montaje: Cristina Pastor Reparto: Luis Tosar, Rodrigo de la Serna, Joan Pera, Stephanie Cayo, Toni Acosta, Adrián Núñez, Txell Aixendri, Angelo Olivier, Alicia Fernández, Leticia Etala, xavi Lite, Cristóbal Pinto

Lucas (Luis Tosar) y Clayderman (Rodrigo de la Serna) son dos estafadores, profesionales del engaño a turistas ingenuos en cruceros de lujo.

Hace años trabajaban juntos, pero la rivalidad por Verónica (Stephanie Cayo), la bellísima bailarina del barco, les hizo perder la cabeza y dio al traste con su sociedad. Ahora trabajan por separado, Lucas en el Mediterráneo y Clayderman en el Atlántico.

Ese fue el acuerdo.

Jean-François i el sentit de la vida

Dirección: Sergi Portabella Guion: Sergi Portabella Música: Gerard Pastor Fotografía: Bet Rourich Reparto: Max Megías, Claudia Vega, Àgata Roca, Pau Durà, Theo Cholbi, Eudald Font, Pepo Blasco, Matthieu Duret, xavi Sáez

Francesc, un niño solitario de trece años, descubre en la escuela el libro El mito de Sísifo, del filósofo Albert Camus, por el que queda fascinado. A partir de este momento se hará llamar Jean-François, se sube el cuello de la chaqueta, y decide convertirse en existencialista. Su nuevo objetivo será ir a París a encontrar a Camus. Luna, una adolescente que vive el presente, le acompañará en su aventura con una única condición: parar por el camino para reencontrarse con el chico francés con el que tuvo una historia el verano pasado.

EXPOSICIONES

Gala Salvador Dalí: Una habitación propia en Púbol

Gala (7 de septiembre de 1894 – 10 de junio de 1982), nacida en una familia de intelectuales de Kazán (Rusia), vivió su infancia en Moscú.

Instalada en Suiza, conoció a Paul Éluard, con quién se trasladó a París y contactó con los miembros del movimiento surrealista, como Max Ernst. En 1929 viaja a Cadaqués, dónde conoce a Dalí, de quién se enamora y con quién comienza una vida en común. Se exilian ocho años en los Estados Unidos y a la vuelta viven entre Portlligat, Nueva York y París. La exposición explorará la vida de esta mujer enigmática e intuitiva, que se relacionó con muchos artistas e intelectuales. Mundialmente conocida por ser la mujer de Salvador Dalí, su musa y la protagonista de algunas de sus pinturas, asistiremos a la transformación de Gala en artista de pleno derecho, ya que la pareja inició una cooperación artística, que significó la autoría compartida de algunas obras.

Museu Nacional d'Art de Catalunya Palau Nacional, Parc de Montjuïc, s/n, Barcelona Tel. 93 622 03 60 Del 6 de julio al 14 de octubre

Saul Leiter: In Search of Beauty

Foto Colectania muestra la obra de Saul Leiter, el sorprendente precursor de la fotografía en color.

La práctica de pintura y fotografía en tándem de Leiter a lo largo de su carrera, se puede seguir a través de sus imágenes en blanco negro y en color. La dinámica entre estos dos medios tuvo un impacto en su mirada artística, creando un nuevo ritmo visual. Su lenguaje fotográfico típico es el de la abstracción: comprime la dinámica espacial, obstruye las líneas de visión y renuncia a una perspectiva centrada.

Fundació Foto Colectania Passeig de Picasso, 14, Barcelona Tel: 932 17 16 26 Del 28 de junio al 21 de octubre

Prop de Hollywood: Fotografies de Claudi i Frederic Gómez Grau

La exposición dedicada a los hermanos Claudi y Frederic Gómez Grado recoge fotografías de los rodajes de grandes superproducciones de Hollywood en la España de los años sesenta, como Doctor Zhivago, El Cid y Patton. La muestra se completa con un ciclo de películas que ilustra la decadencia del sistema de estudios estadounidense en esos mismos años. La muestra se podrá visitar de manera gratuita todo el verano, hasta el 16 de septiembre. Está dividida en seis ámbitos y se centra en diez superproducciones norteamericanas rodadas en escenarios españoles: los filmes históricos producidos por Samuel Bronston Rey de reyes, Cincuenta y cinco días en Pekín, El Cid, La caída del Imperio Romano y El fabuloso mundo del circo; Lawrence de Arabia y Doctor Zhivago; la comedia Viajes con mi tía; el biopic Patton, y el western Man in the Wilderness.

Filmoteca de Catalunya Plaça de Salvador Seguí, 1-9, Barcelona Tel. 935 67 10 70 Del 7 de junio al 16 de septiembre

LA LIBRERÍA

Pequeña & grande Agatha Christie Isabel Sánchez y Elisa Munsó 15,20 € (Amazon)

Me llamo... Agatha Christie Ferran Alexandri, Carles Arbat 8,55 € (Amazon)

Agatha Christie: Los secretos de la reina del crimen 6,45 € (Amazon)

La ratera Agatha Christie 9,83€ (Amazon)

Agatha Christie: An English Mystery Laura Thompson 14,51 € (Amazon)

Muerte en el Nilo Agatha Christie 14,15 € (Amazon)

Asesinato en el Orient Express Agatha Christie 6,28 € (Amazon)

Agatha Christie: Los cuadernos secretos John Curran 42,04 € (Amazon)

LA LIBRERÍA

The Art of «The Incredibles» Mark Cotta Vaz 31,90 € (Amazon)

The Art of «Tangled» Jeff Kurtti 27,86€ (Amazon)

The Art of «Wall·E» Tim Hauser 27,34 € (Amazon)

The Art of «Frozen» Charles Solomon 27,66 € (Amazon)

The Art of «Brave» Jenny Lerew 28,82 € (Amazon)

The Art of «Big Hero 6» Jessica Julius 27,90 € (Amazon)

The Art of «Zootopia» Jessica Julius y Byron Howard 13,30 € (Amazon)

The Art of «Coco» John Lasseter 31,89€ (Amazon)

COMICLAND

Gus 4: Happy Clem Christophe Blain 18,53 €

Las grandes batallas navales: Trafalgar Denis Béchu, Jean-Yves Delitte 16,15 €

Diente de Oso 5: Eva Henriet, Yann 15,20 €

Ataque a los Titanes 24 Hajime Isayama 7,60 €

La sombra de un hombre Benoît Peeters, François Schuiten 27,70 €

El conde de Montecristo Alejandro Dumas, Crystal S. Chan, Nokman 18 €

Bug Enki Bilal 19,95 €

Lago de fuego Nathan Fairbairn, Matt Smith 18,53 €

y en el prĂłximo nĂşmero...

Lloll Bertran

www.diaboloediciones.com