Blue Eye BCN 27 Octubre 2018

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EYE

BLUE BCN

BERTRAN Lloll

HUMORISTAS . RUBÉN YUSTE . LYON . YOUTUBERS DE MODA . JAVIER ENGUIX

SUMARIO octubre 2018

06 20 34 40 42 Lloll Bertran

Teatro: Estrenos

Nova temporada del Teatre Lliure

Cómicos de cine

Iconos: Cher

Fotografía: Jacques Henri Lartigue

Fashion World: Ralph Lauren

Viajando: Lyon

Blogueras de moda

Magazine: Fotogramas

Javier Enguix

¡Nancy cumple 50 años!

Televisión

Cine: Críticas Estrenos

Exposiciones

La Librería

Comicland

FreakyWorld

Rubén Yuste

54 62 70 78 88

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EDITORIAL

A principios de verano, la presidenta de la Acadèmia del Cinema Català Isona Passola convocaba a los medios de comunicación para hacer un balance de los estrenos de cine en catalán en lo que llevamos de año, y el resultado es bastante deprimente: de 65 producciones que se estrenaron en 2016, pasamos a 49 en 2017 y a 19 en el 2018 desde enero hasta junio. La cosas no mejoran en cuanto a recaudaciones: hemos pasado de 63 millones de euros en 2016 a 37 millones en 2017 y, tan solo, 7 millones en la mitad de este año. Decididamente la gestión del anterior gobierno español ha sido nefasta para la cultura, recortando hasta límites paupérrimos las aportaciones anuales, y en el caso de Cataluña ha sido mucho más evidente con la aplicación del ridículo artículo 155 que no solo congeló las ayudas y proyectos que ya estaban en marcha, sino que le dio una estocada mortal al canal de televisión autonómico TV3, que aunque parezca que solo afecta al medio de comunicación, también repercute en toda la ficción que se generaba, tanto seriales, programas y tele-movies y eso, queridos míos, afecta muy directamente a los actores, cámaras, encargados de vestuario y todo el personal implicado en cada proyecto. Ha sido un desastre del que esperamos que nuestro cine se recupere. De momento una buena noticia, se ha rebajado el IVA cultural que grababa un absurdo 21% a un más razonable 10%. Si contamos que en Alemania es de un 7% y en Francia un 5,5% vemos qué países les interesa realmente promover su cultura por encima de otros asuntos. Y volviendo a la Acadèmia, destacar los Miembros de Honor que este año se añaden al ya nutrido grupo, estos son el exhibidor cinematográfico Pere Aumedes, la montadora Margarita Bernet, el director Lluís María Güell, el actor Pep Cruz, la animadora Pepita Pardell y la actriz Mónica Randall. De esta forma se rinde homenaje a más o menos una buena parte de todos los ámbitos del cine. En breve se iniciará la temporada de Festivales y Premios, estaremos muy atentos a los próximos merecedores de la gloria.

DIRECTOR: Guillem Medina Director Guillem Medina guillebcn@hotmail.com

Subdirector: Enric Fontvila Colaboradores: Núria Simón, Miguel Angel Parra, Joaquim Bundó, Gemma Iglesias, Marta Calvó, Bernat Molins

Fotógrafos: Enric Fontvila, Mario Gil, Guillem Medina

EN PORTADA

LLOLL BERTRAN

“Sóc una sibarita de la vida; vull dir que miro d'assaborir-la amb avidesa.

Sempre cerco el bo de cada cosa, de cada feina, de cada situació”

L

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a Lloll és una d’aquelles cares que, encara que faci temps que no l’hem vista a la televisió, sempre en tens present el rostre, la veu i la simpatía contagiosa. Després de molt fer teatre amb la companyia de Josep Maria Flotats, va aparèixer un bon dia a la petita pantalla en aquell El joc del segle de l’any 1991 amb el personatge de la Vanessa, una mena d’hostessa absurda que mostraba productes (el vídeoooo). L’èxit d’aquell personatge va fer que TV3 li donés un programa per a ella sola: La Lloll, on actuava, entrevistava, cantava i feia imitacions perfectament caracteritzada. D’allà van sortir altres personatges inoblidables com la pijíssima Sanda Camaca. Actualment està de gira amb el seu darrer muntatge teatral, El secret de la Lloll, i no trigarà a incorporar-se al repartiment d’una nova versió del vodevil Pel davant i pel darrere.

T’imagines que, a aquestes alçades de la vida, encara fossis mestra d’escola o t’estiguessis a la finestreta de Caixa Manresa? (bé, això no, perquè va desaparèixer el 2010...)

Sóc una sibarita de la vida; vull dir que miro d'assaborir-la amb avidesa. Per tant sempre cerco el bo de cada cosa, de cada feina, de cada situació.

Et ben asseguro que vaig ser molt feliç estudiant magisteri i fent pràctiques a una escola unitària de Castellfollit del Boix (encara no hi havia Sant Esteve de les Roures!), i també treballant a Caixa Manresa. Era una caixa propera i amable. Ja sé que la finalitat de qualsevol entitat financera són els diners, però la manera de fer pot marcar un abisme entre les que es dediquen només a obtenir guanys i les que volen fer diners però prioritzant un tracte més humà. Jo vaig treballar en una sucursal petita, a Òdena, i només érem dos empleats, el delegat i jo. Teníem una relació d'amis-

tat que encara mantenim. I quadràvem sempre a la primera! Ell era l'encarregat de prendre decisions de més responsabilitat, com per exemple concedir préstecs, i jo atenia el públic, responia al telèfon, relacionava la comptabilitat... i mai no em vaig avorrir. És cert que, paral·lelament, estudiava a l'Institut del Teatre, la meva gran afició que he tingut el privilegi de fer-ne la meva professió, però mai no vaig treballar en altres feines amb desgana i fent morros; ben al contrari, optimitzant-les al màxim. Vaja, el que et deia en començar: que suco pa a la vida!

Va ser difícil per a una nena d’Igualada baixar a Barcelona per estudiar interpretació? Com s’ho van prendre a casa?

Ja sé que la distància és la mateixa ara que uns anys enrere, però quan jo em vaig plantejar venir a estudiar a Barcelona, la incertesa feia que em semblés una mica més lluny. Venia a una ciutat que no era la meva i em feia un cert respecte, però al mateix temps sentia una emoció molt especial.

A casa sempre han estat al meu costat i no s'han perdut ni una sola actuació de totes les que he fet, i han repetit un munt de vegades! Sempre n’han gaudit i se n'han sentit molt orgullosos. Quan vaig prendre la decisió de dedicar-m'hi professionalment, també els va fer una mica de respecte, és cert, però això no va significar cap mena de fre per part seva, al contrari. El que passa és que els feia una mica de por pensar que em ficava en un món complicat, molt insegur i amb molta competitivitat, però sabien que era la meva il·lusió i han seguit tota la meva carrera ben embadalits.

Què es el més important que vas aprendre dels teus anys d’estudiant?

A endreçar i projectar tot el que havia après en els meus anys de teatre amateur i ampliar i aprofundir en tècniques vocals, de respiració, d’estirament

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corporal... que són unes bones eines per millorar. Però he volgut tenir sempre present el gust i el plaer de fer teatre, de l’època que en diem “d’aficionats”. Goso dir que en som tots, d’aficionats. Tant per als amateurs com per als professionals el teatre és la nostra afició, amb la diferència que els professionals n’hem fet, a més, la nostra professió.

Et ben asseguro que jo m’he exigit sempre el màxim, tant si es tractava de teatre amateur com professional, però quan ho fas per afició no tens les pressions de quan t’hi guanyes la vida: l’exigència d’omplir l’aforament del teatre i de fer caixa, les crítiques, la competitivitat... Un dia em vaig dir que, si mai perdia aquest gust per “jugar” a teatre, ho deixaria. Però, ja ho veus, tal com diu aquella cançó del musical Follies: “I’m still here”, sóc aquí!

Debutar al Teatre Grec amb L’auca del senyor Esteve, dirigida per Pere Planella, va ser començar amb el llistó molt amunt. Recordes els nervis del debut?

Unes pessigolles que mai més no m’han abandonat!

Vaig entrar per la porta gran del teatre, al costat de la flor i la nata de l’escena catalana: Rafael Anglada, Pau Garsaball, Joan Borràs, Carme Molina, Montserrat Salvador, Joaquim Cardona, Montserrat Miralles, Enric Casamitjana, Miquel Graneri, Josep Maria Domènech, Enric Pous, Enric Serra, Pep Ferrer... i hi debutaven també Ramon Madaula, Rosa Vila i l’enyorat Carles Sabater... Te’ls he dit d’una tirada, perquè els tinc tots tan presents! I en aquell marc únic i meravellós que és el Teatre Grec. Tota una premonició, oi?

I continuar amb un muntatge com el Cyrano de Bergerac amb la companyia de Josep

Maria Flotats:no tothom ho pot dir, vas tenir molt bons mestres. Què en recordes, d’aquells primers anys?

Molta, molta il·lusió, que encara és ben intacta.

I una intensitat extrema, que goso dir que tampoc no m’ha abandonat mai. Sempre dic que em fa molta il·lusió no haver perdut mai la il·lusió!

I he tingut l'immens privilegi de fer autèntiques classes magistrals amb directors d'una talla enorme.

Fins a sis obres amb en Flotats: el devies conèixer molt bé, no? Què és el millor que va saber treure de tu?

Flotats és un home de teatre de cap a peus.

Sent passió per la seva feina i treballa amb molt rigor, precisió i exigència. Si vols "jugar" bé a teatre, t'ho has de prendre seriosament.

Em va polir, em va potenciar i em va donar seguretat. I vaig absorbir i assaborir el seu mestratge.

Molt teatre en els teus inicis, però al final vas arribar al gran públic gràcies a la televisió amb El joc del segle, a començament dels 90, amb un personatge anecdòtic com era la Vanessa, que es va convertir en tota una icona.

D’on va sortir el personatge?

En Puyal, que era el director d’El joc del segle, en una de les primeres reunions, ens va dir a l'Antoni Bassas i a mi: "Ja us podeu tancar en aquest despatx i buscar personatges que podríem fer sortir al xou!"

Vam barrinar-hi una bona estona: jo suggeria diferents tipologies, fins que vaig fer referència a una d'aquestes hostesses que hi ha, de tant en tant, als grans magatzems que fan promoció d'algun producte, i que es passen tot lo dia mostrant, per exemple, una galeta i oferint-la i dient en un to monòton i repetitiu: "Una galeta? Una

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galeta? Una galeta...?" I, aleshores, a l'Antoni li van espurnejar els ulls i va dir: "Lloll, ja ho tenim!

Al segle xx hi ha hagut molts invents! Farem una hostessa que presenti els invents del segle!" I va néixer la Vanessa. Va ser un part fàcil i no gens dolorós.

L'Antoni n'és el pare i el senyor La Veu, i jo, la mare i qui hi posa la cara i la carcassa a aquest personatge entranyable, que és una barreja entre una model i un clown. És el tàndem clàssic del pallasso llest i el pallasso tonto, que funciona tan bé.

Amb uns guions deliciosos que escrivia en Bassas i, en una altra època, en xavier Bosch, però que sempre hi vaig poder ficar cullerada. Vam presentar "Els invents del segle", "Els viatges de la Vanessa", "Les obres d'art de la Vanessa" i "Els programes de la Vanessa".

Sempre que puc, sense excedir-me ni cremar el personatge, m’agrada fer-la aparèixer als meus xous, picant-hi l'ullet.

I és fascinant que, després de més de 25 anys que va néixer (encara és ben joveneta, eh!), molta gent me la recorda, fent "El víiideeeooo!". És un regal saber que aquest personatge és en un raconet del cor i del pensament de moltes persones.

Quins humoristes t’han inspirat al llarg de la teva carrera?

Des de Woody Allen, passant pels Monty Python, Groucho Marx, Charles Chaplin, Buster Keaton, Carol Burnett, Lucille Ball, Michael Crawford, Tracey Ullman, Rowan Atkinson...

Sense oblidar el bon planter de casa nostra com la Trinca, el Joan Pera, el Toni Albà, el Buenafuente, el Marcel Gros, el pallasso filòsof...

Però de vegades una persona anònima et pot inspirar moltíssim. I també alguna que no n’és tant, com alguns polítics! Hahaha!

Es pot fer humor de qualsevol situació?

Qualsevol situació és susceptible de ser mirada a través del prisma de l'humor. I no crec que s'hagin de posar límits per decret llei, ni estic gens d'acord amb cap tipus de censura que privi la llibertat d'expressió. Però em sembla que cadascú s'ha de marcar els seus propis límits, a partir de la pròpia manera de pensar i de sentir. A mi sempre m'ha agradat l'humor irònic, subtil, de jocs de paraules, amb un toc surrealista; i blanc, que no és sinònim de tou, sinó d'humor amable i per a tots els públics. Jo, per exemple, no faria mai un acudit sobre persones amb alguna discapacitat, ni bromes que poguessin ferir i molestar el públic. No dic, però, que no hi hagi d'haver un altre tipus d’humor més càustic i corrosiu, però a mi no m'agrada i no m’hi sentiria gens còmoda.

A part que, si fas una crítica amb un humor fi, és molt possible que el seu destinatari te l’accepti, mentre que, feta d'una manera més sagnant, només crearà rebuig.

Sigui com sigui, el que és vital és no parar de “fer l’humor”!

Un any més tard, TV3 confia en tu i ja et dóna un programa on tu ets l’estrella, La Lloll, que és en pantalla tres temporades, incloent-hi un cap d’any. Molta responsabilitat, no?

Sí, noi! Va ser un gran repte, però goso dir que ens en vam sortir amb bona nota. No ho dic pas amb gens de pedanteria, perquè tinc claríssim que va ser mèrit de tot un equip que vam treballar amb una il·lusió immensa i amb plena dedicació, en una televisió molt jove, valenta, arriscada i pionera en moltes propostes. Vam fer un autèntic treball d’artesania. Jo ho comparo amb els castellers: vam fer una bona pinya i vam aixecar un castell que va fer molta patxoca.

Encara m’impressiona recordar que, en diverses ocasions, vam superar el milió d’espectadors!

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I va ser una època daurada per a TV3: Alsius, Puyal, Huerga, Bachs...

El programa va ser un aparador on mostrar totes les teves habilitats: hi cantes, imites, et transformes, fas gags... el que es coneix com una show-woman completíssima. Et vas quedar amb les ganes de mostrar més facetes teves?

Tal com tu dius, vaig poder ensenyar un bon assortiment de facetes! Amb El joc del segle, el mestre Puyal em va donar l’oportunitat del segle.

I tenir, després, un xou propi, La Lloll, on vaig poder fer tot un reguitzell de personatges, paròdies, entrevistes... va ser un regal i un luxe. Vam fer una pencada monumental però molt, molt satisfactòria.

I em fa emocionar que, tot i que la televisió és tan efímera, encara ara, més de vint anys després, no paren de dir-me, amb un somriure, “El víiideeooo!” Al cinema hi ha quedat aquella frase tan coneguda de “Sempre ens quedarà París.” A mi sempre em quedarà... “El víiideeeooo!”

Tinc una mica la sensació que a aquestes alçades és difícil que la gent et vegi en papers dramàtics o en la tragèdia. D’alguna manera tu mateixa t’has anat encasellant? És cert que el gruix més gros de la meva carrera és la comèdia i m’encanta. Crec que és un gènere magnífic, i que tot fent riure i somriure al públic pots fer pensar, ser crític, fer-lo emocionar... És completíssima.

Mai, però, no he tancat la porta a fer obres dramàtiques. També en tinc en el meu currículum, per exemple, El misantrop de Molière, que vaig interpretar al costat d’en Flotats, va ser una comèdia negra, molt dramàtica. Es produïa el riure

perquè les situacions arribaven al límit, però tenia un to totalment dramàtic; o Ronda de mort a Sinera de Salvador Espriu, dirigida per Ricard Salvat. A més de la Reina Vasti, la Rossenda i la Bijou Fontrodona, hi tenia una intervenció al final, la fillola d'Anna, on hi feia un monòleg molt seriós i dramàtic, i et ben asseguro que m’hi vaig sentir comodíssima.

Em va dir un dia en Flotats: “Dins d’un gran còmic, sol haver-hi un gran dramàtic. Al revés no és tan freqüent.”

Creus que entendrien el teu humor a Espanya? És evident que tenim un humor diferent. I no dic pas ni millor ni pitjor, que si no ja sortiran amb allò del “supremacisme”! Però és ben palès que hi ha un humor de pinzellada més gruixuda i un altre de més fina. A veure si endevines de qui és cadascuna?!?

A mi m'han enganxat sèries com ara Hotel Fawlty, Allo, allo!, Els joves, Friends, Els Roper, Sí, Ministre!...

Ha influït per bo o per dolent la situació sociopolítica en l’assistència als teatres?

Per a totes dues coses. Hi ha gent que la situació l’ha desbordat i se sent en baixa forma i no té gaires ganes ni està d’humor per sortir, però n’hi ha d’altres que, precisament, pel fet de viure moments tan difícils, durs i injustos, cerquen vies d’escapament i d’evasió, no pas per oblidar-se d’una situació tan conflictiva, sinó per treure tensions i entomar-ho tot amb més força i energia.

A més a més, des del teatre podem reivindicar, denunciar i mantenir ben viu el record de totes les persones que viuen una situació d’injustícia extrema.

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I sempre dic que, amb l’humor, no podem canviar el món, però el fem una mica millor.

Molts dels teus personatges han conservat la innocència infantil, la curiositat per tot.

També a tu et passa?

La innocència i la curiositat sempre m’han acompanyat. Crec que hem de créixer però no fer-nos grans. És fascinant omplir la motxilla d’experiències però anar sempre de bracet amb el nen que tots portem a dins. Hi ha una expressió que sempre m’ha fascinat, que és “jouer le théâtre” o “play the theater”, jugar a teatre, i és un autèntic luxe treballar, tot jugant. És el que fan els nens i les nenes, jugar molt seriosament, que és quan el joc és més interessant i divertit.

Parlant de personatges amb un toc d’innocència, la Sandra Camaca, una pija que podria resultar insuportable però va caure molt bé, d’on va sortir? En qui et vas inspirar? És el prototip d’aquest grup social que tu has citat, els pijos. Semblen tots tallats amb el mateix patró. Superficials, frívols, fent ostentació del seu poder adquisitiu, bastant curts de gambals, parlant “fava”... i no han evolucionat gens ni mica! Des que van aparèixer a la terra, que no han canviat!

No era ningú en concret però eren tots en general. Tothom tenia alguna “Sandra” a la vora; l’un, una cosina; l’altre, una alumna; un, una veïna... era reconeixible per a tothom. I tens tota la raó, hauria pogut ser, tal com diria ella, “més desagradable que un bocata d’anxoves amb Ferrero Rocher”, però es va fer estimar per la seva tendresa.

Hi ha una anècdota divertida. Vam saber que una periodista d’un diari que es fa a Barcelona,

que no conec ni he vist mai, estava convençuda que jo la imitava i, quan es va casar, es veu que es va fer tallar la cabellera per no assemblar-se tant a la Sandra i que no ”li fessin més recochineo, porfa!”.

Canviem de tema. Com es porta la unió entre un pur nervi com tu, que ets com el mercuri, amb una persona aparentment molt més tranquil·la com el Celdoni Fonoll?

Fixa’t que rimem la mar de bé, el Fonoll i la Lloll. Ben rimats i ritmats! Tinc una amiga que sempre em diu: “Si un dia em diuen que tu i el Celdoni heu trencat, ja no creuré mai més en la parella.” I, realment, som molt afortunats de tenir-nos l’un a l’altre, amb una relació que llisca sobre rodes, amb molta complicitat i, sobretot, amb una estimació que sobrepassa qualsevol història de cinema, perquè la nostra és real.

Tinc una mica la sensació que el cinema, malgrat que has fet un grapat de films (Gaudí, Sinatra, Què t’hi jugues, Mari Pili?, Aquesta nit o mai...) no ha sabut treure’t prou profit. Et sap greu no haver trobat EL PAPER amb majúscules?

Com que, si el cos aguanta, no em penso pas retirar, encara sóc a temps que em donin el premi revelació a la millor actriu de cinema! Hahaha!

Però tens raó! És la meva assignatura pendent.

De tota manera no ho visc gens com una frustració, perquè mai no he parat de treballar en el que m’agrada, que és actuar, interpretar, i al millor lloc on es pot fer: al teatre.

I tampoc no faria cinema a qualsevol preu.

També t’he de dir que he rebutjat algun projecte perquè em semblava que no tenia prou qualitat. És “el dret de decidir”!

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Actualment estàs de gira amb l’espectacle El secret de la Lloll, on expliques al públic un conte. Vaig sortir amb la sensació que cada setmana em deixaria seduir per tu amb una història diferent. Perquè al final sedueixes el públic amb el que expliques, el que cantes o les petites anècdotes de l’actualitat que hi poses. Com s’aconsegueix aquesta naturalitat que sembla que tot flueixi sense adonarte’n?

Aquest comentari és un regal! Me’l ben guardaré.

Jo crec que el secret rau a gaudir amb la feina que fas i compartir-ho amb el públic. Quan tu t’ho passes bé, els espectadors també en gaudeixen.

Es tracta de transmetre el que t’il·lusiona i t’engresca. I ser tal com raja. Anant per la vida, no m’he disfressat mai de cap personatge, sinó que. tot i interpretar-ne molts, mai no he fingit ser algú altre que no sóc.

I també hi ha el procés d’elaboració de l’espectacle. Sóc molt curosa, detallista i primmirada amb la feina. I tinc una dèria: el ritme. És bàsic.

Cal que hi hagi contrastos i canvis de tempo, però que mai no decaigui.

El Celdoni sempre em diu: “Ho fas tot tan fàcil que sembla que no costi gens! I aquí hi ha una feinada enorme!”

Al final de l’espectacle vaig veure que molta gent es quedava a saludar-te. Penso que el públic t’admira però també t’estima. Tothom voldria tenir una Lloll a la seva vida. Atabala, al final, ser tan estimada? Perquè suposo que no sempre tens els ànims necessaris...

Al contrari. És el que volem tots a la vida, sentirnos estimats. A més, la gent sempre se m’apropa amb un somriure i una paraula amable i això és un regal. La mare sempre m’ho deia. És emocionant anar pel carrer i creuar-te amb algú que et

mira i se’n va amb un somriure o adreçant-te una floreta. Mira, no fa gaire era a Girona, promocionant el Singlot Festival, on al juliol em van guardonar amb el Singlot d’Honor, i pel carrer em vaig creuar amb un noi, que em va reconèixer, va somriure i, molt decidit, em va etzibar: “Ostres, Lloll, que bé que et veig! Estàs de conya!”

I m’anava aixecant el polze i aplaudint. Nen, això és un complex vitamínic!

Acabem, però abans voldria saber quins nous projectes tens en perspectiva...

Un assortiment variat! Encara hi ha gira amb El secret de la Lloll; gresques de festes majors amb el xou Dones de la Lloll; uns quants pregons; i a l’octubre començarem els assaigs de Pel davant i pel darrere! Vaja, que no s’atura la gresca! Tal com sempre dic: “Qui riu, viu!”

Text i fotos: Guillem Medina

TEATRE

NOVA TEMPORADA DEL TEATRE LLIURE

El 2 de desembre de 1976, amb l'estrena de “Camí de nit,1854”, amb text i direcció de Lluís Pasqual, començava públicament la trajectòria d’aquest teatre emblemàtic

E

TEATRE

l 2 de desembre de 1976, amb l'estrena de Camí de nit,1854, amb text i direcció de Lluís Pasqual, començava públicament la trajectòria del Teatre Lliure, una nova sala i una nova companyia, establerta a l’espai reformat de la cooperativa de consum gracienca de La Lleialtat, amb una cooperativa teatral formada per una quinzena de persones procedents del teatre independent, amb llarga o curta història al darrere, i amb el lideratge indiscutit de Fabià Puigserver. El grup promotor estava format, a més, per Carlota Soldevila, Lluís Pasqual i Pere Planella.

Es tractava de crear un teatre estable on la feina continuada i el treball seguit d’uns mateixos artistes durant tot el procés de creació escènica, des del disseny del programa fins la disposició del públic a la sala, fos la seva responsabilitat total i exclusiva. El Lliure es proposava com un teatre català “com a fet normal” i per aquesta raó optava per la solidesa del gran repertori internacional clàssic i contemporani. Però alhora també proposava una manera nova d’entendre l’espai escènic, que permetia una proximitat del públic que marcaria un estil de fer teatre. El Lliure va apostar per un espectador que encara s’havia d’inventar per aquelles dates, però que estava buscant una iniciativa escènica en la que pogués identificar-se. Un espectador que sabés apreciar aquell revulsiu ètic i estètic, o més encara, que se’l fes seu. De fet, el Lliure havia nascut d’una col·lectivitat per donar-li servei, amb un lema explícit “un teatre d’art per a tothom”; en darrer terme, si no va desaparèixer com tants altres projectes sorgits durant aquells anys és perquè aquesta sintonia es va produir des del primer moment.

És aquest mateix esperit el que va menar a la creació de l’Orquestra de Cambra Teatre Lliure el 1985, amb un conjunt de solistes encapçalats per Josep Pons, dedicada a la música contem-

porània, que avui pot presentar un balanç més que considerable de programació, discografia i reconeixements, i que dóna acollida tant a la música més rupturista com a la reelaboració de formes populars, a la vegada que explora els diversos gèneres de la música escènica.

La celebració dels 10 primers anys de vida del Teatre Lliure va conduir a un seguit de reflexions al voltant de la forma jurídica i organitzativa que havia de tenir la institució per continuar creixent, i també al voltant de la necessitat d’un nou espai, un cop comprovat que el teatre de Gràcia quedava petit pel que fa als aforaments i limitat pel que fa a la seva tecnologia escènica. Es va decidir, doncs, de passar de la fórmula cooperativa a la fundació privada. Aquesta nova entitat jurídica havia de convertir-se en una eina molt més adient a l’establiment d’un seguit de convenis estables amb les administracions locals, autonòmiques i estatals que asseguressin el sosteniment regular del teatre i la seva activitat. Nova entitat jurídica i nova seu per al Teatre Lliure van ser dues empreses que es van iniciar en paral·lel per un equip gestor liderat per Fabià Puigserver, i format per Josep Montanyès, Carlota Soldevila, Lluís Pasqual, l’arquitecte Manuel Núñez, l’advocat Josep Maria Socias Humbert i Guillem-Jordi Graells.

La remodelació del Palau de l’Agricultura comportà la creació de dues noves sales: el Teatre Fabià Puigserver amb una capacitat de gairebé 800 espectadors i l’Espai Lliure amb una capacitat d’uns 200 espectadors. El Teatre Fabià Puigserver va ser inaugurat el 22 de novembre de 2001, amb l’estrena de l’òpera L’adéu de Lucrècia Borja. Abans de començar la funció l’Orquestra de Cambra Teatre Lliure va interpretar una fanfàrria, escrita per Carles Santos, i es va despenjar una enorme imatge de Fabià Puigserver que va cobrir tota la boca de l’escenari. Era el sentit homenatge de la família del Lliure envers l’home que havia somiat aquell nou espai. L’Es-

TEATRE

pai Lliure, la sala petita, va ser inaugurada l’1 de febrer de l’any 2002 amb 12 ballen Serrat, un espectacle de dansa a partir de cançons de Joan Manel Serrat. D’aquesta manera es posaven en marxa totes les prestacions d’uns equipaments escènics amb tecnologia d’avantguarda, però bàsicament respectuoses amb la tradició artesanal del teatre.

La temporada 2013/14 s’iniciava una aventura, un deure que volíem complir com a teatre públic que som: la creació d’una companyia estable formada per joves en procés de professionalització.

Les circumstàncies més que difícils d’accés al mercat laboral per part dels joves ens exigia, molt humilment i amb les nostres limitades possibilitats, donar veu a una generació d’intèrprets (la que ara té al voltant dels trenta anys) i que poguessin créixer a recer del Lliure: no tan protegits ni, d’alguna manera “fora del món” com en un període de formació, ni abocats directament a les lleis d’allò que anomenem “mercat”. Pensada sobretot com una baula més del nostre compromís amb l’ofici teatral, que inclou garantir la transmissió dels sabers de l’escena, vam establir, per a aquesta experiència pilot, un període de treball de dos anys. Així va sorgir La Kompanyia Lliure. En un context difícil que ens va portar a fer-la entrar directament en la dinàmica de producció del Teatre. En aquests dos anys que ara conclouen, la companyia formada per Laura Aubert, Javier Beltrán, Paula Blanco, Pol López, Mima Riera i David Verdaguer s’ha foguejat amb textos i propostes molt diferents, ha format part del repartiment (en col·lectiu o compartint escenari amb altres professionals) d’una desena d’espectacles: Recordant la Fedra; La revolució no serà tuitejada; Moby Dick, un viatge pel teatre; El caballero de Olmedo; Victòria d’Enric V; Somni americà; la trilogia Tot pels diners, i Frank V (opereta d’una banca privada). És a dir, ha fet armes des de la praxi: fent teatre. Tots, em sembla, n’es-

tem molt satisfets. L’octubre de l’any 2008, un grup de professionals del teatre vinculats a algunes de les institucions teatrals europees més destacades va fundar una nova xarxa de teatre, transnacional i informal, denominada mitos21. El seu principal objectiu és crear ocasions artístiques de trobada entre els professionals teatrals d’Europa i d’arreu del món per tal de col·laborar i treballar junts, i també rumiar i reconsiderar entre tots el paper del teatre en la societat contemporània, des de la perspectiva i experiència professional, diversa i única, de cadascun dels membres.

Durant els pròxims mesos, els projectes del mitos21 inclouen un trobada informal de dramaturgs al Deutsches Theater de Berlín (a finals de juny del 2016); la participació en The Ingmar Bergman International Theatre Festival al Dramaten d’Estocolm (agost i setembre del 2016); la trobada de dramaturgs al National Theatre de Londres i l’Assemblea General del mitos21 a la Schauspielhaus de Zuric (al mes de novembre). mitos21 és una associació sense ànim de lucre emparada en la llei danesa, i que té la seu oficial al Royal Danish Theatre de Copenhagen. El Teatre Lliure n’és membre des de l’any 2012.

PROGRAMACIÓ MONTJUÏC

TRAVY Dramatúrgia: Pau Matas Direcció: Oriol Pla Actors: Diana Pla, Oriol Pla, Quimet Pla, Núria Solina Del 3 al 28 d’octubre

ÀNGELS A AMÈRICA: S’ACOSTA EL MIL·LENNI / PERESTROIKA de Tony Kushner Direcció: David Selvas amb La Kompanyia Lliure Actors: Joan Amargós, Pere Arquillué, Quim Àvila, Clàudia Benito, Raquel Ferri, Eduardo Lloveras, Òscar Rabadan, Joan Solé, Júlia Truyol, Vicky Peña Del 25 doctubre al 25 de novembre

LIBÈL·LULA: DE QUAN LA PILI VA DIR LIBÈL·LULA Idea i direcció: Toti Toronell Del 6 al 18 de novembre LA LLAVOR DEL FOC de Babou Cham i Carlota Subirós Dramatúrgia i direcció: Carlota Subirós Del 20 al 25 de novembre

LA NETA DEL SENYOR LINH A partir de la novel·la de Philippe Claudel Direcció: Guy Cassiers Actor: Lluís Homar Del 13 al 30 de desembre

A.K.A. (ALSO KNOWN AS) de Daniel J. Meyer Direcció: Montse Rodríguez Clusella Actor: Albert Salazar Del 14 al 23 de desembre

ASÍ QUE PASEN CINCO AÑOS de Federico García Lorca Direcció: Ricardo Iniesta Cia. Atalaya TNT Actors: Elena Amada Aliaga, Jerónimo Arenal, Manuel Asensio, Carmen Gallardo, Sílvia Garzón, José Ángel Moreno, María Sanz, Raúl Sirio Iniesta Del 18 al 20 de gener

AÜC: EL SO DE LES ESQUERDES Creació i direcció: Les Impuxibles i Carla Rovira Actors: Júlia Barceló, Olga Lladó, Ariadna Peya, Clara Peya, Maria Salarich Veu en off: Abril Frías Del 23 de gener al 3 de febrer

UN AMOUR IMPOSSIBLE A partir de la novel·la de Christine Angot Direcció: Célie Pauthe Actrius: Maria de Medeiros i Bulle Ogier Del 1 al 3 de febrer

BIBLIOTECA DE SONS I SOROLLS Creació i direcció: Enric Monfort i José Antonio Portillo Del 5 al 10 de febrer

QUI ETS? de Màrius Serra Direcció: Joan Arqué Actors: Judit Farrés, Roger Julià, David Vert Del 5 al 10 de febrer

KINGDOM Creació: Àlex Serrano, Pau Palacios i Ferran Dordal Cia. Agrupación Señor Serrano Actors: Diego Anido, David Muñiz, Nico Roig, Pablo Rosal, Wang Ping-Hsiang Del 12 al 17 de febrer

DIE 120 TAGE VON SODOM Creació i dirección: Milo Rau Cia. Schauspielhaus Zürich i Theater HORA 22 i 23 de febrer

INCÒGNIT de Nick Payne Direcció: Mònica Bofill Cia. La InCògnita Del 27 de febrer al 17 de març

EL SUEÑO DE LA VIDA de Federico García Lorca i Alberto Conejero Direcció: Lluís Pasqual amb La Kompanyia Lliure Del 7 de març al 7 d’abril

EL SOMRIURE AL PEU DE L’ESCALA de Henry Miller Direcció: Ramon Simó Del 4 d’abril al 5 de maig JE SUIS NARCISSISTE Òpera bufa Llibret: Helena Tornero Música: Raquel García Tomás Direcció musical: Vinicius Kattah Direcció escéènica: Marta Pazos Cia. Òpera de Butxaca i Nova Creació Del 12 al 14 d’abril

DOGVILLE de Lars Von Trier Dramatúrgia: Pau Miró Direcció: Sílvia Munt Del 9 de maig al 9 de juny

EL TEMPS QUE ESTIGUEM JUNTS Dramatúrgia i direcció: Pablo Messiez Cia. La Kompanyia Lliure Del 16 de maig al 2 de juny

MOUNT OLYMPUS: PER GLORIFICAR EL CULTE A LA TRAGÈDIA (UNA FUNCIÓ DE 24 HORES) Idea i direcció: Jan Fabre Cia. Troubleyn 15 de juny

L’ÚLTIM SALT Cia. La Kompanyia Lliure De 19 al 30 de juny

GRÀCIA

LÀ: PEÇA EN BLANC I NEGRE PER A DOS HUMANS I UN CORB de Camille Decourtye i Blai Mateu Trias Cia. Baró d’Evel CIRK Actors: Camille Decourtye, Blai Mateu Trias i el corb Gus Del 27 de setembre al 14 d’octubre

EUROHOUSE / PALMYRA de Bertrand Lesca i Nasi Voutsas Actors: Bertrand Lesca i Nasi Voutsas Del 19 al 21 d’octubre

KEEP ON WALKING, FEDERICO de Mark Lockyer Direcció: Alice Malin Cia. Actors Touring Company Actor: Mark Lockyer Del 25 al 28 d’octubre

CRONOLOGÍA DE LAS BESTIAS Creació i direcció: Lautaro Perotti Actors: Pilar Castro, Patrick Criado, Jorge Kent, Carmen Machi, Santi Marín Del 8 de novembre al 2 de desembre

RHUMANS Direcció: Jordi Aspa Cia. Rhum Actors: Joan Arqué, Roger Julià, Jordi Martínez, Mauro Paganini, Pep Pascual Del 5 al 30 de desembre

JANE EYRE Una autobiografia a partir de la novel·la de Charlotte Brontë Adaptació: Anna Maria Ricart Direcció: Carme Portaceli Actors: Jordi Collet, Gabriela Flores, Abel Folk, Ariadna Gil, Pepa López, Joan Negrié, Magda Puig Músics: Alba Haro, Clara Peya, Laia Vallès Del 10 de gener al 1 de febrer

DAVANT LA JUBILACIÓ de Thomas Bernhard Direcció: Krystian Lupa Actors: Marta Angelat, Mercè Aránega, Pep Cruz Del 7 de febrer al 3 de març

TRANS (MÉS ENLLÀ) Creació i direcció: Didier Ruiz Cia. La Compagnie des Hommes Actors: Neus Asencio, Ian de la Rosa, Clara Palau, Danny Ranieri, Raúl Roca, Sandra Soro, Leyre Tarrasón Corominas Del 6 al 10 de març MAR DE FONS: HISTÒRIA OCULTA DEL DESEMBARCAMENT Direcció: Pere Fullana Cia. Iguana Teatre Del 13 al 24 de març COM ELS GRECS de Steven Berkoff Direcció: Josep Maria Mestres Actors: Mercè Aránega, Sílvia Bel, Pep Cruz, Pablo Derqui Del 1 d’abril al 5 de maig

DOLORS Idea original: Meritxell Yanes Dramatúrgia i direcció: Sergi Belbel, Cristina Clemente i Marilia Samper Actors: Enric Cambray, Gemma Martínez, Meritxell Yanes Del 22 de maig al 9 de juny

MUNDO OBRERO: UNA HISTORIA DE LA CLASE TRABAJADORA EN ESPAÑA Creació i direcció: Alberto San Juan Actors: Luis Bermejo, Marta Calvó, Pilar Gómez, Alberto San Juan Del 13 al 30 de juny

Nuevos rostros YASHMIN ZAMANI Lugar y fecha de nacimiento ¡Un 13 de marzo de hace ya 30 años! En la tierra del Lazarillo de Tormes y La celestina. ¡En mi Salamanca preciosa!

Estudios de interpretación En la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León, en Valladolid. Y en la Academia de Arte y Teatro de San Petersburgo, en Rusia.

Persona que más te haya ayudado en tu profesión Sin duda alguna, mi madre. Está absolutamente para todo lo que necesite. Sufre conmigo cada casting, cada ensayo… Y no me puedo olvidar de mencionar a mi abuela, que la pobre ya no sabe a quién rezar y cuántas velas poner para que consiga todos mis sueños como actriz.

Primera actuación ante el público ¿Vale la actuación de navidad del cole de primaria? ¡Hacía de la Virgen María!. Pero la primera vez que hice un personaje protagonista, fue en el instituto, Maribel ¡, de Maribel y la extraña familia de Miguel Mihura. Así que pasé de hacer de virgen, a prostituta. ¿Te lo puedes creer? Jajaja.

Actores a los que admiras De verdad que no sabría elegir, voy a decir un montón de nombres, va: Leonardo DiCaprio, Meryl Streep, Dustin Hoffman, Carmen Machi, Javier Gutiérrez, Héctor Alterio… ¡Ay, no sé! ¡Muchos, muchos!

Interpretación de la que te sientas más orgullosa. ¿Por qué?

No se si fue mi mejor interpretación, pero sí uno de los proyectos de los que más feliz me ha hecho el formar parte, y es Sweet Home (Agamenón), de Alber-

to Conejero. Compartí proyecto con tres de mis pilares fundamentales en mis años de escuela, y fuimos dirigidos por nuestro profesor de interpretación Carlos Martinez Abarca. Con lo que aparte de ser un texto espectacular, y un grandísimo montaje, es de lo más especial en lo que haya trabajado.

¿Qué es lo que más te gusta de la profesión, y lo que más detestas?

Lo que más, poder encarnar personajes dispares, el arriesgarse, el crear, el dejarte la piel en todo lo que hacemos. Y lo que más detesto: el postureo, el enchufismo, los castings donde no te miran… y la inestabilidad en esta profesión.

¿Teatro, cine o televisión?

Siempre me he decantado por el teatro, pienso que es el campo en el que más puedes formarte. Pero es cierto que cada día tengo más ganas de volcarme en lo audiovisual, y que son otro tipo de herramientas que son necesarias trabajar como intérprete.

¿Tienes agente?

Si, Irene Cuadrado, de Cuadrando Actores, que además de ser mi representante, es amiga.

¿Próximo proyecto?

Ya mismo, en unas semanas, de vuelta a Microteatre Barcelona con True Love, y Cuento Atrás, junto con mi compañero, Adrià Triviño.

¿Cómo te gustaría verte profesionalmente hablando en diez años? ¡Con dientes! Jajaja. No, ahora en serio, pues me encantaría formar mi propia escuela de interpretación, y poder hablar sobre todos los proyectos que llevaría a cabo en ella. Pero por supuesto, nunca dejar de trabajar como actriz y seguir creando y creando historias y personajes.

Nuevos rostros MARC VELASCO Lugar y fecha de nacimiento 14/02/1984 en Barcelona.

Estudios de interpretación Herbert Berhof New York, École de l’Ange Fou Londres, Moveo Bcn, Manuel Lillo Bcn, Canto con Susanna Domènech Aules Bcn.

Persona que más te haya ayudado en tu profesión Mi familia, siempre están allí para respaldar mis proyectos o para poner su hombro cuando el teléfono no suena.

Primera actuación ante el público Tenía 13 años, en el Teatro del Liceo Francés de Barcelona.

Actores a los que admiras Bryan Cranston, Cristoph Walz, Luis Tosar y Kurt Russell.

Interpretación de la que te sientas más orgulloso. ¿Por qué?

Jesús de Nazaret en Fist of Jesus, por la gran acogida que tiene cada vez que se proyecta y las carcajadas del público con las hazañas del personaje. Hasta se ha vuelto un hit de internet y eso hace sentir que hiciste un buen trabajo.

¿Qué es lo que más te gusta de la profesión, y lo que más detestas?

La adrenalina del momento cuando se grita acción, o estás frente al público. Tienes que llevar a cabo la escena haciéndolo lo más verosímil posible sin chocarte con los muebles del decorado o

tus compañeros y andando hasta marcas que apenas puedes ver. Eso es lo que más me tiene enganchado. Lo que más detesto es la falta de una industria real de cine, teatro y TV. Hay muy poca seriedad hacia nuestro sector, estamos años luz a países como Francia, Bélgica y de USA ni te digo. Habría que hacer grandes cambios desde la manera de producir y realizar, hasta la manera de cotización. Cada vez q miro mi base de cotización y me veo en el mismo epígrafe que los toreros me pongo muy apocalíptico. La falta de oportunidades para los q nos son los de siempre también me crea gangrena, pero... bueno cada uno se busca la vida como puede. ¿Teatro, cine o televisión?

Cine

¿Tienes agente?

Yolanda Fusté de La Farándula Actores.

¿Próximo proyecto?

Brutal Doctor de Dani Moreno, una película de acción tipo Mad Max grabada toda croma, ¡será la bomba!

¿Cómo te gustaría verte profesionalmente hablando en diez años?

Estable, solo teniendo como única preocupación mis personajes, pero la verdad es que no sabemos lo que nos depara el futuro. Imagínate que en 10 años todas las pelis y los teatros están llenos de actores recreados por ordenador CGI y hologramas, encima seguro que su base de cotización en hacienda sería más digna que la nuestra. Prefiero no pensar.

Cรณmicos de CINE

Buster Keaton

L

e llamaron Cara de Palo porque no se reía jamás ante una cámara. Era parte de la gracia de Buster Keaton. Fue uno de los grandes cómicos del cine mudo, aunque tuvo pocas razones para ser feliz: alcohólico y olvidado por Hollywood durante lustros, sería reivindicado por la crítica europea. Entre sus mejores flms: Las tres edades (1923), La ley de la hospitalidad (1923), El moderno Sherlock Holmes (1924), El navegante (1924), Siete ocasiones (1925), El maquinista de la General (1926) o El héroe del río (1928). Reavivó su imagen gracias al film El crepúsculo de los dioses (1950) y a Candilejas (1952). Su último film fue Golfus de Roma (1965)

Harold Lloyd

F

ue uno de los más grandes en la época del cine mudo. Rodó más de 150 películas y sin embargo, durante mucho tiempo, el nombre de Harold Lloyd permaneció en un segundo plano, eclipsado por los de Charles Chaplin o Buster Keaton. Empezó a trabajar con doce años e hizo de todo: acomodador, vendedor de caramelos, encargado de atrezo, ayudante del director de escena... Sus primeros trabajos en Hollywood fueron como extra pero enseguida, junto con su amigo y luego socio Hal Roach, empezó a rodar sus propias películas.

Era un hombre muy ágil y un gran acróbata, uno de sus films más conocidos sería El hombre mosca (1923).

Charles Chaplin

C

harlot, el personaje creado por Charlie Chaplin, es uno de los mayores iconos del siglo xx. Tras su vagabundo con aires de dandi, capaz de hacer reír a carcajadas y conmover hasta la lágrima, se ocultaba un perfeccionista sin miedo a la crítica política y social. El personaje apareció por primera vez en la película Carreras sofocantes, estrenada en febrero de 1914. Cuando en 1936 hizo su última aparición en Tiempos modernos, Charlot ya se había convertido en uno de los iconos más populares del siglo xx. Entre sus films más conocidos se encuentran Armas al hombro (1918), La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931) y El gran dictador (1940).

Stan Laurel y Oliver Hardy

C

onocidos con el nombre artístico de Laurel & Hardy en Estados Unidos y como El Gordo y el Flaco en el ámbito hispano, formaron el dúo cómico más famoso de los años treinta y cuarenta, durante los cuales interpretaron más de cien películas, veintisiete de ellas largometrajes. La clave de su éxito, fulgurante desde sus primeras comedias, residió en la perfecta explotación de la comicidad de sus físicos y caracteres contrapuestos. Algunos títulos memorables en su carrera fueron ¡Vaya par de marinos! (1927), Ensalada de gemelas (1929), Ojo por ojo (1929), Fra Diávolo (1933), Dos fusileros sin bala (1935), Laurel y Hardy en el Oeste (1937)...

Mario Moreno “Cantinflas”

H

ijo de una familia numerosa, abandonó los estudios muy joven y fue limpiabotas, maletilla, cartero, taxista y boxeador, antes de empezar a trabajar en un circo. Cantinflas debutó en el cine en 1936. El éxito le llegó con Cara y cruz (1937), y ya no abandonó a su personaje, tierno y parlanchín, el peladito mexicano con los pantalones caídos y la pañoleta al cuello que se enredaba con las palabras. Su carrera fue meteórica: entre 1940 y 1941 llegó a rodar siete películas. Con títulos como El padrecito (1964), Su excelencia (1966) y Un Quijote sin mancha (1969) consiguió acrecentar su enorme popularidad en los países hispanohablantes.

Hermanos Marx

F

ormados como músicos, Chico, Harpo, Groucho y Zeppo, junto a su madre y a su tía, actuaron bajo el nombre de Las Seis Mascotas, y más adelante, el de los Los Cuatro Ruiseñores. El quinto hermano, Gummo, colaboró con ellos en todos sus trabajos, pero nunca actuó en sus filmes. Su primer film seria Sopa de gansos, al que seguiria Una noche en la ópera, que se convirtió en un éxito arrollador, Un día en las carreras, Los hermanos Marx en el Oeste y Una noche en Casablanca. Rodaron su última película juntos en 1949, año que el trío se disolvió. Groucho fue el único hermano que continuó activo en el cine, además de escribir algunos libros, entre ellos su autobiografía, lo que también haría Harpo.

Peter Sellers

Jerry Lewis

J

erry Lewis nació en Newark (Nueva Jersey), el 16 de marzo de 1926 en el seno de una familia de artistas judíos de origen ruso. Ya desde pequeño estaba claro de que lo suyo iba a ser el mundo del espectáculo. A comienzos de los años cuarenta hacía números de mimo e imitaciones y en 1946, cuando trabajaba en el Club 500 de Atlantic City, conoció al hombre que iba a cambiar su vida: Dean Martin.Juntos hicieron películas como Artistas y modelos o Un fresco en apuros. En 1956, después de rodar Loco por Anita y tras 10 años juntos, decidieron romper su relación artística. En 1960 dirigió su primer largometraje, El botones, y tres años después realizaba y protagonizaba el que para muchos es su mejor trabajo: El profesor chiflado.

N

acido de una familia de actores, en la localidad de Southsea, en la costa sur de Inglaterra, Peter Sellers consiguió fama nacional por sus intervenciones con los mejores actores ingleses en el programa de radio de la BBC Goon Show. Peter Sellers era capaz de imitar cualquier acento, desde el inglés más refinado a la más extravagante variedad regional o internacional y tenía una facilidad pasmosa para meterse en la piel de cualquier personaje. Su inspector Clouseau en La Pantera Rosa le hizo inmensamente popular en todo el mundo. Trabajó para Stanley Kubrick en Lolita y Teléfono rojo, volamos hacia Moscú y estuvo casado con la despampanante Britt Ekland, pero su vida no fue precisamente un camino de rosas.

Louis de Funès

Rowan Atkinson

E

l actor còmico francés más conocido de la historia realmente tenía antecedentes españoles, su padre andaluz y su madre gallega. Louis estudió piano y trabajó durante largo tiempo como músico de jazz en locales parisinos. Su amigo Daniel Gélin le introdujo en el cine a edad tardía que aprovechó de manera fecunda, interviniendo desde mediados de los años 40 en múltiples cintas como secundario, muchas veces sin acreditar. Louis conseguiria el estrellato gracias al film El gendarme de SaintTropez (1964), al cual siguieron El gendarme en Nueva York (1965), El gendarme se casa (1968), Seis gendarmes en fuga (1970), etc

N

o hay año que no se reponga la serie Mr. Bean, ese personaje que es un vago, infantil y repleto de manías, que trata de evitar realizar las tareas más sencillas y acaba complicándose aún más la vida. ¿Quién no recuerda el episodio de Navidad con la cabeza de Bean dentro de un pavo, o cuando se saca el carnet de conducir o el capítulo de las rebajas?.

Anteriormente se hizo muy popular gracias a la teleserie La Víbora Negra. La serie fue un éxito rotundo gracias a su sentido del humor, sus diálogos shakespearianos y los temas que trataron, como la brujería o la relación entre la Iglesia y la Corona. Bean también pudo verse en el cine al menos en dos ocasiones y tuvo una serie de dibujos animados. Su último gran personaje es Johnny English, una parodia de James Bond al que ha interpretado en tres ocasiones.

TEATRO ESTRENOS

Shirley Valentine Teatre Goya Del 13 de septiembre al 4 de noviembre

Fun Home Teatre Condal Del 13 de septiembre al 4 de novembre

Shirley es una ama de casa de Liverpool que tiene una relación rutinaria con su marido y dos hijos que ya han marchado de casa. Un día, una amiga le hace un regalo sorpresa: un billete de avión para marchar, las dos, quince días de vacaciones a Grecia. La propuesta trastorna a Shirley, que se pregunta qué se ha hecho de aquella chica que tenía tantos sueños y en lo que se ha convertido.

Cuando su padre muere inesperadamente, la novelista gráfica Alison se sumerge profundamente en su pasado para contar la historia del hombre volátil, brillante y único cuyo temperamento y secretos definieron su familia y su vida. Fun Home es un musical refrescantemente honesto y totalmente original sobre ver a tus padres a través de ojos adultos.

Dirección: Miquel Gorriz Autor: Willy Russell Versión: Joan Sellent y Ferran Toutain Escenografía: Jon Berrondo Vestuario: César Olivar IIuminación: Jaume Ventura Música original: Miquel Gorriz Ayudante de dirección: Anna Maria Ricart Reparto: Mercè Arànega

Dirección: Daniel Anglès Autora de la novela gràfica: Alison Bechdel Libreto y letras: Lisa Kron Música original: Jeanine Tesori Escenografia y vestuario: Raquel Ibort, Marc Salicrú, Marc Udina IIuminación: xavi Costas y Daniel Anglès Coreografía: Óscar Reyes Reparto: Mariona Castillo, Daniel Anglès, Pilar Capellades, Clara Solé

La vida a palos Teatre Coliseum A partir del 5 de octubre Dirección: Carlota Ferrer Autor: Pedro Atienza y José Manuel Mora Reparto: Imanol Arias

Imanol Arias se sube al escenario después de 24 años protagonizando La vida a palos (Testamento), de Pedro Atienza y José Manuel Mora, en el Teatre Coliseum. El actor nos conduce a conocer el mundo del flamenco. La vida a palos nos lleva a la historia de un hombre: El Alcayata (alter ego del escritor Pedro Atienza) y del reencuentro con su hijo, de quien hace tiempo perdió la patria potestad. A través de toda una serie de monólogos y diálogos, se describen dos viajes. Uno, en el pasado, que es el que el padre realizó a través de las diferentes geografías que fueron marcando su vida, y otro, el que ahora lleva a cabo el hijo, visitando los mismos lugares en los que habitó su padre.

ReEugenio Club Capitol A partir del 26 de septiembre

Saben aquel que diu... presenta en el Club Capitol, el último espectáculo de ReEugenio, adaptando un repertorio extraído de los cuadernos con los que trabajaba Eugenio y que recogen material que nunca llegó a explicar en un escenario, así como los clásico de toda la vida. Las grandes historias sólo existen a partir de la pasión y de la diferencia. Saben aquel que diu... se ha ido construyendo por mediación de Gerard Jofra, hijo de Eugenio. Una nueva ocasión de disfrutar de los chistes y la particular forma de explicarlos de este humorista inimitable tristemente desaparecido en el 2001. Todos aquellos que no pudieron verlo en persona tienen ahora una nueva oportunidad de disfrutar al menos de un sosias bastante parecido y si todavía lo recuerdan, podrán hacer un viaje nostálgico al pasado, cuando podíamos reirnos de todo.

LA ENTREVISTA

RUBÉN YUSTE

“¡Lo más duro del rodaje de El fotógrafo de Mauthausen ha sido la dieta! Perder doce quilos en dos meses ha sido una de las peores cosas que he tenido que hacer nunca”

LA ENTREVISTA

L

a trayectoria profesional de Rubén Yuste ha estado intimamente ligada al género del musical, al menos en los escenario teatrales.

En su currículum encontramos participaciones en Grease, Mamma Mia, Spamalot, Los Miserables y, sobre todo, el papel de Malek en Mar i cel en el Teatre Victòria, que le permitirá ganar el BWWSpain 2015 al mejor actor de reparto. Más recientmente se enroló en el musical Sugar, inspirado en el film Con faldas y a lo loco, aquel que protagonizaron Marilyn Monroe, Jack Lemmon y Tony Curtis.

Incluso se atrevió a producir el musical El despertar de la primavera de Frank Wedekind, que en su paso por Barcelona tuvo unas críticas inmejorables. Muchos proyectos, pero este próximo mes lo veremos en la pantalla grande en unos de sus mejores papeles, el de José Cereceda en la adaptación cinematográfica de El fotógrafo de Mauthausen y por eso hemos querido hablar con él.

En breve te veremos en el film El fotógrafo de Mauthausen, dirigido por Mar Targarona, con Mario Casas y Alain Hernández. ¿Cómo llegaste a este proyecto?

Pues fue todo un conjunto de casualidades maravillosas!!! Yo estaba haciendo Sugar (Con faldas y a lo loco) en el teatro Tívoli, y un día al despertarme me acordé de una directora de casting que me había hecho una prueba en Barcelona, antes de irme a vivir a Madrid, y que le había gustado mucho. Así que me puse a investigar en el mail y al final encontré su contacto y le escribí. A los cinco minutos me respondió que tenía una audición para mí, que llamaba a mi representante y me pasaba el material a preparar.

A la hora tenía el material en mi buzón. Cuando fui a la audición, Irene Roqué me dijo que justamente el día anterior a yo escribirle había estado

pensando en mí… La audición fue larga pero muy bien, y aunque sufrí bastante porque tardaron mucho en acabar de cerrar el cast, ¡¡¡finalmente el papel fue mío!!!

¿Conocías las peripecias de Francesc Boix?

Sabía de su existencia. Sabía que había hecho fotografías en un campo de concentración, pero no conocía la historia con detalle.

¿Fue muy duro el rodaje?¿Qué es lo que más te impresionó de toda la historia?

El día de la primera lectura nos pasaron mucho material, webs de interés, fotografías… Y la verdad es que es algo que aunque lo hayas visto muchas veces siempre te impresiona. Es increíble que el ser humano sea capaz de llegar a hacer cosas como las que hacían en Mauthausen, uno de los campos de concentración donde había miles de españoles comunistas que habían huído del franquismo en España, e intentaban ganarse la nacionalidad francesa luchando en su frente armado durante la Segunda Guerra Mundial. Es duro conocer lo que pasaba allí, ver fotografías reales del propio Boix, leer un guión tan duro que aunque sea ficticio, está basado en hechos reales. Lo que más me impresionó era el desconocimiento que existe, en general, del gran número de comunistas españoles que murieron en el campo de concentración, y la historia de cómo un grupo de ellos, junto a Boix, se convirtieron en verdaderos héroes, arriesgando su vida para esconder unos negativos de fotos que ayudarían a mostrar al mundo entero las atrocidades que pasaban allí adentro.

En cuanto a lo más duro del rodaje… ¡¡¡la dieta!!!

Perder 12 quilos en dos meses ha sido una de las peores cosas que he tenido que hacer… y luego también recrear escenas como las de los presos desnudos en el patio de Mauthausen (los sacaban desnudos al patio y tenían que soportar

LA ENTREVISTA

horas y horas con un frio horrible). Estuvimos rodando un día de noviembre y fue terrible. El frio en los exteriores de Budapest tampoco lo olvidaré nunca (con saquitos térmicos en los bolsillos, en los pies, en la espalda…)

Tengo entendido que un dia saliste de copas con Mario y Alain por Budapest y la gente se volvía loca con la popularidad de Mario. ¿Te gustaría llegar a ese nivel de fama o realmente es agobiante?

La fama tiene su lado bueno y su lado malo. Realmente tienes que tener muy bien amueblada la cabeza para poder afrontar situaciones de todo tipo. Eres un personaje público y a veces la gente no es consciente de que sigues siendo una persona normal que también necesita su intimidad.

La fama o el ser mediático te abre muchas puertas pero tiene su precio. Creo que me quedaría en un punto intermedio, jajajajajja.

Otro de tus proyectos para esta nueva temporada teatral es la obra 39 escalones basada en la novela de John Buchan de la que Alfred Hitchcock hizo una de sus películas de suspense, pero que ahora haréis en la versión comedia que está arrasando en Broadway. ¿De dónde surgió la idea de adaptarla aquí?

Bueno, es una obra que se estrenó en Londres en 1995 consiguiendo estar 20 años en cartel y ganar múltiples premios. En Broadway se estrenó en 2005 y estuvo también siete años logrando premios muy importantes como dos Tony Awards.

Se trata de una comedia loquísima basada en la película de Hitchcock. Hace años se hizo una versión en Madrid y otra también en Barcelona. En este caso, la producción correrá a cuenta de Som-hi Films y la dirección la firmará Pau Doz, y se estrenará a mediados de noviembre en Eixample Teatre.

¿Cómo es tu personaje?

Mi personaje es divertidísimo y todo un reto actoral. En la función hay cuatro actores: el investi-

gador del caso de asesinato, la mujer que lo acompañará en todo el proceso y dos personajes que se llaman “clown” que hacen todos los personajes que van apareciendo en la obra. ¡¡¡Y yo tendré la suerte de poder encarnar a uno de estos clowns!!!

Todavía siguen los bolos de Sugar, la adaptación musical del éxito Con faldas y a lo loco, junto a Bealia Guerra y Xavi Duch con los que ya habías coincidido en otros proyectos. ¿Qué ha supuesto aparte de cantar y bailar tener que hacer comedia?

Si, Sugar siempre decimos que nunca muere ¡¡¡y nos encanta que sea así!!! Es un producto maravilloso con un guión muy fiel a la película, una música jazz pegadiza y unas coreografías muy al estilo de Broadway. La gente muere de risa, y es que se trata de un guión que está considerado una de las mejores comedias cinematográficas de la historia del cine. Siempre me he sentido muy cómodo haciendo comedia y es muy agradecida porque tienes un feedback del público muy directo.

Tu currículum en el musical es impresionante: Grease, Mamma mia, Spamalot, Los miserables o Mar i cel, entre otras muchas. Pero el pasado año decides montar productora, Origen Produccions, junto a Marc Flynn, y pones en marcha El despertar de la primavera de Steven Sater y Duncan Sheik. ¿Qué te interesó especialmente de este proyecto?

Pues es un texto del que conocía la música pero no lo había visto nunca. Marc tenía mucho interés y lo vimos un día juntos en la tele y quedé muy sorprendido de la temática, de la adaptación, de la propuesta… y dijimos: esto tenemos que llevarlo a Barcelona; y así fue, después de mucho esfuerzo y de invertir nuestros ahorros en derechos, vestuario, escenografía, conseguimos que fuera un éxito en el Teatre Gaudí, y que pasara después a estar en cartelera en Teatre Victòria. ¡Un sueño!

LA ENTREVISTA

¿Cómo fue trabajar con un reparto tan joven, pero sin embargo tan sobradamente preparados?

Ha sido maravilloso y muy enriquecedor. En la convocatoria de audición se presentaron más de 400 personas, ¡de las que vimos a casi 90! Y fue muy difícil seleccionar al cast definitivo. Podemos estar contentos del alto nivel que tenemos en Cataluña. La gente cada vez está más formada y es un gusto ver a gente tan joven y tan preparada.

La juventud te da una energía que este show necesitaba, y el resultado final fue impresionante. ¿Tenemos buenos profesionales de musical en España?

Sí, los tenemos, ¡¡¡y cada vez mejores!!! Ahora nos toca educar un poquito más al público a que se acostumbre a ir más al teatro, y a que entienda que dentro del musical existen cosas más comerciales, pero también propuestas con tramas más “intensas” o complejas y bien hechas.

Durante varios años estuviste trabajando en Madrid. ¿Se nota mucho la diferencia entre trabajar allí o aquí en Barcelona?

La gran diferencia entre Madrid y Barcelona es que la mayoría de las producciones prefieren ir a Madrid. El mercado y su poder de atractividad lo posicionan como un punto neurálgico, y por eso las grandes producciones prefieren hacer temporadas allí. Pasa un poco también con la TV o el cine, en Madrid se mueven muchísimos más proyectos, con lo que muchos de nosotros tenemos que acabar trasladándonos allí.

¿Recuerdas la primera vez que subiste a un escenario?

Pues la primera vez que me subí a un escenario fue con cinco añitos en mi colegio en el que interpretamos una obra en la que un narrador iba explicando la historia y nosotros hacíamos teatro gestual: yo era el Rey Sol.

¿De qué papel de los que has hecho a lo largo de tu carrera te sientes más orgulloso?

Es muy difícil quedarse con uno. Pero uno de los que recuerdo con más cariño y que fue un reto actoral importante fue en Forever Young (dirigida por Tricicle), en el que interpretaba a un abuelo de noventa y tantos años. Tuvimos que hacer trabajo de campo para analizar la voz, la composición corporal, el tipo de movimiento, etc. Fue muy especial.

En tu caso, ¿fue difícil decir en casa que querías dedicarte al teatro y al baile? ¡¡¡Para nada!!! Cuando llegó el momento de ir al Instituto fueron mis padres los que me dijeron: “¿Tú no quieres ir al Institut del Teatre?”, y yo les dije: “No, quiero hacer una carrera normal” (ja ja ja); así que me licencié y doctoré en Ciencias Políticas mientras paralelamente me iba formando también como actor.

Durante un tiempo estuviste dedicado a los bailes de salón. ¿Dónde ha quedado tu faceta como bailarín años más tarde?

Competí en la máxima categoría nacional de bailes latinos y me apasionaba, pero exigía un rigor de entreno y competición muy duro que al final no pude compaginar con otras cosas y tuve que priorizar. Y la verdad es que llegó un punto en mis audiciones en el que decidí decir que no bailaba, porque siempre acababa haciendo cover de personajes y swing de bailarines y me era más difícil optar a un personaje titular (una pena, pero es así).

¿Tienes agente? ¿Cómo fue el descubrimiento?

Pues hasta este momento mi representante ha sido Salbi Senante (¡¡¡que por cierto se jubila!!!

Arrrrrrgggg). Ella vino al estreno de Forever Young a Madrid y le encantó mi trabajo. Recuerdo que Carles Sans de Tricicle vino al came-

LA ENTREVISTA rino después de la función y me dijo: “Te quiero presentar a una amiga”… y me la presentó. A los días me envió un mail diciéndome que no sabía cuál era mi situación a nivel de representante pero que estaría encantada de que formara parte de su cartera… y así fue.

Recomiéndame tres musical imprescindibles que hayas descubierto y deba ver.

Bueno, ahora no sé… porque si los tienes que ver tendrían que estar en cartel todavía… así que te voy a decir tres que me encantan: Something Rotten, una comedia loca sobre dos escritores en la época de Broadway que me dejó maravillado hace unos años cuando lo vi en Broadway (¡fui dos veces y me compré el CD!, cosa que nunca hago).

Legally Blonde, otra comedia que no he podido ver jamás en directo pero que me parece una maravilla a todos los niveles.

Dear Ever Hansen, un drama de adolescentes que trata el tema de las redes sociales con una música brutal y que arrasó en los Tony’s el año pasado.

Otro de los proyectos en los que te has implicado recientemente ha sido la webserie musical The Voids, dirigida por Fran Granada. ¿Cómo es tu papel?

Pues sí, interpreto a Ness en la segunda temporada de The Voids, que además este pasado mes está en Flooxer de Atresmedia. Interpreto a un director de casting, con una vida heterosexual, que está buscando a actores para llevar a cabo el musical de The Voids y acaba enamorándose del protagonista.

Acabamos: ¿cuáles son tus proyectos más inmediatos?

Pues a parte de 39 escalones, tengo entre manos un par de proyectos de texto también, y un proyecto muy especial de cara al año que viene que espero que pueda desvelar muy pronto.

Texto y fotos: Guillem Medina

E J A D O R E D DIARIO

Francesc Boix es un joven fotógrafo español que, junto a varios miles de compatriotas, ha sido deportado al campo nazi de Mauthausen: una condena de muerte en vida. Sin embargo, cuando se cruza en el camino del comandante Ricken, un perverso esteta nazi al que le complace fotografiar el horror del exterminio, Boix comprende que tiene ante sí un valioso testimonio. Sacar las fotos del campo será solo el primer paso para revelar al mundo lo que ocurre en Mauthausen. El cómic muestra las atrocidades que se cometieron desde el punto de vista de los prisioneros y cómo las SS ocultaban al mundo lo que ocurría a través de fotografías premeditadas en las que aparecían los presos llevando una vida tranquila. La obra nos sirve para reflexionar sobre el papel de la fotografía en la historia y cómo se utilizó en este caso para ocultar una realidad o cómo se intentó utilizar como prueba contra los nazis en los juicios de Núremberg. El guión corre a cargo de Salva Rubio, historiador y guionista; el dibujo de Pedro J. Colombo es soberbio, llegas a sentir el miedo en sus caras, En cuanto al color de Aintzane Landa, no podía ser más acertado para un cómic de esta temática y para el ambiente que se respira a lo largo de toda la historia.

ICONOS

CHER

“En este negocio se necesita tiempo para ser realmente bueno y, cuando llega ese momento, uno ya está obsoleto”

N

o se sabe muy bien por qué fuerza de la naturaleza, la feúcha Cherilyn Sarkisian (1946) se ha mantenido durante más de media década al pie del cañón, como una show woman capaz de reinventarse con cada década, prácticamente hasta la actualidad.

Lo cierto es que la jovencita rápidamente abandonó el nido materno para volar a Los Ángeles donde conoció a otro feúcho, Sonny Bono, pero que en aquel momento tenía algo de poder y le podría abrir la puerta de los productores musicales. Cher grabaría su primer LP en 1965, All I Really Want to Do, con un estilo folk que posteriormente derivaría a sonidos más hippies. La unión de los dos feúchos se llamó Sonny & Cher y su mayor exitazo llegaría con el tema “I Got You Babe”. A partir de ahí todo fue rodado, llegando a colocar una docena de temas en el top 40 del Billboard y vender más de 40 millones de discos. Con su exótica apariencia, Cher puso de moda los pantalones de campana y los accesorios hippies que lucía en el escenario y llegó incluso a diseñar su propia línea de ropa. Cher era la viva imagen del hippismo, pero tampoco duraría mucho pues ya buscaba un nuevo medio donde reinventarse. Este llegaría gracias a la televisión con The Sonny & Cher Comedy Hour, que al principio grabaron tan solo para seis epi-

sodios y llegó a estar tres años en antena. Allí, la cantante cual Mortadelo dio rienda suelta a su excentricidad y cambiaba de vestuario cada diez minutos, inventado sketchs cómicos con personajes como la temida ama de casa Laverne, la sarcástica camarera Rosa y diversas damas históricas como Cleopatra y Miss Sadie Thompson. A mediados de los setenta, llega el divorcio y Cher continúa en solitario en la televisión ahora con el nombre de The Cher Show, por donde llegaron a pasar Flip Wilson, Bette Midler, Farrah Fawcett o Elton John, entre otros muchos. Apareció en la portada de Vogue en cinco ocasiones entre 1972 y 1975. A través de su incursión en la televisión durante los setenta, llegó a ser un símbolo sexual gracias a los reveladores vestidos diseñados por Bob Mackey (que la vistió en varias ocasiones para la ceremonia de los Oscars con estrambóticos atuendos). Se enfrentó en numerosas ocasiones a la censura tras vestir prendas que dejaban descubierto su ombligo, catalogándose como la primera mujer en mostrar dicha parte del cuerpo en la televisión estadounidense. Dos décadas más tarde recibió un homenaje por parte el Concilio de Diseñadores de América con un premio especial por su influencia en dicha industria, y Robin Givhan de Los Angeles Times la llamó una “visionaria de la moda”.

Cher vuelve al panorama musical con un nuevo disco. Después de interpretar a la madre de Meryl Streep en Mamma Mia! Here We Go Again (2018), ¡con la que tan sólo se leva un año de diferencia en la vida real! y cantar “Fernando” junto a Andy García, le debió quedar el gusanillo y se ha enfrascado en todo un disco donde interpreta con su peculiar estilo diez temas del grupo sueco Abba, con el beneplácito de Benny Andersson y Björn Ulvaeus (que es como decir la parte masculina del cuarteto sueco y que por cierto también tenían sus apariciones en los dos films musicales). En este nuevo trabajo no podran faltar temas como "Dancing Queen", "The Name of the Game", "SOS", "Waterloo", "Mamma Mia", "Chiquitita", "The Winner Takes It All", "One of Us" y "Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)", que de hecho es el primer single que se extrae de este disco. Hacía ya cinco años que Cher no se metía en un estudio para grabar un nuevo trabajo, su anterior fue Closer to the Truth (2013), del que llegaron a extraerse cuatro singles. Su última aparición en el cine habia sido en Burlesque (2010), un drama musical dirigido por Steven Antin y ambientado en Las Vegas, cointerpretado junto a Christina Aguilera, que llegaría a ganar el Globo de Oro a la mejor canción por "You Haven't Seen the Last of Me".

“Los hombres deben ser como kleenex: suaves, fuertes y desechables�

“Yo solo respondo a dos personas: a mí misma y a Dios”

FOTOGRAFÍA

JACQUES HENRI LARTIGUE

“La fotografía es una especie de deporte, como atrapar una mariposa al vuelo.

Hay que ser rápido. Yo he sido campeón de tenis, así que estoy entrenado”

J

FOTOGRAFÍA

acques-Henri Lartigue fue un pintor y fotógrafo francés (nacido en Courbevoie en 1894 y fallecido en Niza en 1986) que hoy en día resulta una referencia obligada en la historia de la fotografía caracterizado porque su obra refleja un mundo apacible, mostrando personas que disfrutan de sus vidas, que se divierten o que juegan constantemente. Tomó sus primeras fotografías en la edad de seis años, usando la cámara fotográfica de su padre, y comenzó a guardar lo que se convirtió en un diario de por vida. En 1902 su padre le regala su primera cámara, de 13 x 18 y de madera. Dos años más tarde comenzó a hacer fotografías y dibujos de los juegos de la familia y de sus experiencias de niñez, capturando también los comienzos de la aviación y de los automóviles y las mujeres elegantes del Bois de Boulogne así como eventos de sociedad. Era un aficionado curioso y probó todas las técnicas disponibles. Gracias a una cámara estereoscópica, puede producir imágenes 3D, de las que hará unas 5000 hasta 1928. En 1912, añade una Nettel 6 x 13 a su colección, con lo que empieza a realizar panorámicas registrando incansable momentos efímeros y meticulosamente ordenando sus miles de imágenes en grandes álbumes.

En 1915, quizás la fotografía no fuera su vocación verdadera, así que decide estudiar pintura en la Académie Jullian. Poco a poco la pintura se fue convirtiendo en su actividad profesional y desde 1922 realizó exposiciones en salones de París y de Francia meridional. Se codeó en el mundo del arte con Sacha Guitry, Yvonne Printemps, Kees van Dongen, Pablo Picasso y Jean Cocteau, mientras que su pasión para las películas le hizo trabajar como fotógrafo fijo con Jacques Feyder, Abel Gance, Robert Bresson, François Truffaut y Federico Fellini. En 1922 fotografía en Cannes a la que pronto se haría famosa, Suzanne Len-

glen durante sus entrenamientos de tenis. En 1932 trabaja como asistente de director en la película Le Roi Pausole y realiza también las fotografía oficiales. En 1955 sus fotos de Pablo Picasso y Jean Cocteau logran reconocimiento mundial.

Aunque Lartigue vendió de vez en cuando fotografías a la prensa y expuso en la Galería de Orsay junto a Brassaï, Man Ray y Doisneau, su reputación como fotógrafo no fue establecida de verdad hasta que cumplió 69 años, con una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno en Nueva York y la publicación de un portafolio suyo en Life. A partir de 1964 Lartigue utiliza cámaras 24 x 36 (Pentax, Canon, Olympus). Dos años más tarde obtiene fama mundial con su primer libro, Album de familia. En 1970 publica el libro Diary of a Century (Stills from Ray Life), concebido por Richard Avedon, con fotografías de Jacques-Henri Lartigue tomadas después de 1930.

Cuatro años más tarde realizó la fotografía oficial del entonces presidente francés, Valéry Giscard d'Estaing. Quizás gracias a ello, un año más tarde tuvo su primera retrospectiva en el Musée des Arts Décoratifs en París. En 1979 dona su colección completa al Estado Francés, comprendidos sus 130 álbumes, unos 100.000 negativos y copias impresas en blanco y negro y color. En el 2000 se creó la Fundación Lartigue que se unió a la Asociación de Amigos de JacquesHenri Lartigue creada en 1979 con lo que se dispone de una amplia documentación sobre su trabajo. En 2010 se realizó en España su primera exposición retropectiva titulada Un mundo flotante: Fotografías de Jacques-Henri Lartigue (1894-1986), con unas 230 piezas representativas de las distintas etapas y temáticas que abordó a lo largo de su vida. La exposición comenzó en Barcelona y después se exhibió en Madrid.

Women

Summer Time

Celebrities

BIBLIOGRAFÍA

FASHION WORLD

RALPH LAUREN

“Siempre he creído en un estilo clásico, atemporal, que conjugue elegancia y un espíritu libre. Lo que realmente me interesa es el estilo de vida que hay detrás de la persona que lleva las prendas”

L

o dijo Audrey Hepburn en 1992: “Si dices que algo es ‘muy Ralph Lauren’, inmediatamente se entiende lo que quiere decir”. Y es que, probablemente, Polo Ralph Lauren sea una de las marcas más reconocidas y consumidas del mundo gracias a su obstinada redefinición y difusión del estilo de vida wasp (siglas en inglés para blanco-anglosajón-protestante). Un tesón y un esfuerzo que se ha visto recompensado no sólo por las ventas sino también por el grueso de la industria, incluido el mismísimo Karl Lagerfeld, que dijo de él: “Mantiene la mejor idea de América posible. Vende un estilo de vida. No cambia cada seis meses porque no es su espíritu”. Y con este lema, el creador cumple 50 años en el mundo de la moda, como quien no quiere la cosa. Su creador y alma máter, indisociable de la firma, es Ralph Rueben Lifshitz, el cuarto y último hijo de un matrimonio de inmigrantes judíos rusos nacido en el Bronx neoyorquino en 1939. El pequeño Ralph lo tenía claro. Cuando alguien le pregunto por qué quería ser de mayor, él contestó sin pestañear: “Millonario”.

Quizás por ese motivo cambió su apellido por uno más acorde a su contexto, Lauren. Tras casarse con Ricky en 1964 y vender en las tiendas Brooks Brothers, en 1967 fundó la marca Polo y montó su propia boutique de corbatas. El camino hacía el éxito había comenzado y cinco años más tarde, y tras la gran acogida de sus propuestas masculinas, presentaría su primera colección femenina. Desde entonces, la expansión conocida por la empresa que además de moda vente estilos de vida –en complementos y productos de todo tipo, desde decoración hasta accesorios para mascotas–, no ha encontrado límite: “Siempre he creído en un estilo clásico, atemporal, que conjugue elegancia y un espíritu libre. Lo que realmente me interesa es el estilo de vida que hay detrás de la persona que lleva las prendas”. Estandarte de la Norteamérica más emprendedora, sus campañas retratadas por el inconfundible objetivo del fotógrafo Bruce Weber, han sabido recoger, revalorizar y difundir como pocos otros productos la herencia cultural anglosajona a tra-

FASHION WORLD

vés de su indisociable logotipo, un jugador de polo a lomos de un caballo. Según un artículo de Eugenia de la Torriente para el diario El País, “Lauren ensalza, sin aristas, a los grandes mitos americanos: de la estética de los wasp (blancos protestantes anglosajones, en sus siglas en inglés) al cowboy solitario que recorre praderas, pasando por la tradición indígena y, por supuesto, los años dorados de Hollywood”. Siempre bronceados, vistiendo prendas de algodón o jeans, el clan de los Lauren ha presumido siempre de naturalidad: “Hice prendas para mi mundo, trabajé sobre lo que conozco. Sé qué hacen las mujeres, los hombres y los niños

cada día. Y supe que tenía que hacer prendas que pudieran ‘vivirse’".

En 2015 anunció que dejaba su cargo como consejero delegado de la marca. Su sustituto al frente de la firma es el sueco Stefan Larsson, ex director de Old Navy, el grupo al que pertenece la cadena textil Gap. Así el diseñador tiene más tiempo para vivir su vida.

Este otoño celebró en las escalinatas de Central Park su medio siglo con la moda, mostrando una línea clásica y atemporal, como su propio estilo.

Texto: Marta Calvó

RALPH, THE MAN

"Primero quise ser un jugador de béisbol, después un cantante o un actor de Hollywood, y por último un cowboy"

RUNAWAY SHOW -- AUTUMN WINTER 2018

VIAJANDO

LYON Fotos: Enric Fontvila

QUÉ VER EN LYON Museo Lumiére

Situado en el palacio que mandó construir Antoine Lumière, el padre de los famosos hermanos que dieron vida a las imágenes, en este centro se recogen los inventos que posibilitaron el nacimiento en 1895 del cinematógrafo, una réplica de este primer aparato y una exposición sobre la gran industria que se generó a partir de entonces.

Además, se conserva el Hangar du Premier Film, el lugar en el que se rodó la famosa Salida de la fábrica, la primera película de los Hermanos Lumiére, que se proyectaría en París el 28 de diciembre de 1895. El museo está situado en la Rue du Premier Film y para llegar tan solo hay que coger la línea de metro D hasta MonplaisirLumiére. El precio de la entrada es de 6,50 €, de 5,50 € para estudiantes y gratuita para los que hayan adquirido la Lyon Card. El horario de visita es de 10:00 a 18:30, de martes a domingo.

Museo de Bellas Artes

Se trata, después del Louvre, de uno de los museos de arte más importantes de Francia, con colecciones de antigüedades, objetos de artes

decorativas, desde la Edad Media al siglo xxI y pinturas de artistas de la talla de Rubens, Rembrandt, Monet, Van Gogh, Picasso o Matisse, así como algunas esculturas de Canova o Rodin. El horario de apertura es de 10:00 a 18:00, de miércoles a lunes, salvo los viernes, que abre a las 10:30. El primer viernes de cada mes (salvo agosto) el museo permanece abierto hasta las 22:00. El precio de la entrada es de 7 € y de 5 € para el horario nocturno, pero al visita es gratuita para los portadores de la Lyon Card y los menores de 26 años.

Catedral de Saint-Jean

Fue construida entre 1180 y 1480, por lo que el edificio mezcla elementos románicos y góticos.

Por desgracia la mayor parte de sus esculturas fueron destruidas en el siglo xVI en las llamadas “guerras de religión”. A pesar de ello, todavía conserva las vidrieras del siglo xI y la gran joya del edificio, su reloj astronómico, el cual no pudimos ver por motivos de restauración del edificio. Se trata de un reloj que, además de la fecha y la hora, muestra las posiciones de la Tierra, el Sol, la Luna y las estrellas sobre la ciudad de Lyon.

VIAJANDO La entrada es gratuita y se puede visitar de lunes a sábado de 8:00 a 2:00 y de 14:00 a 19:30 y los domingos de 8:00 a 12:00.

Basílica de Notre-Dame de la Fourvière

Fue en las ruinas del antiguo foro donde en el siglo xII comenzó a construirse un santuario dedicado a la Virgen María. Hoy es todo un centro de peregrinación ya que a lo largo de la historia la Virgen protegió a los habitantes de Lyon de plagas y epidemias y en el siglo xIx los ciudadanos prometieron construir un nuevo santuario si se evitaba la invasión prusiana. Así hoy, en lo alto de la colina la basílica de Notre-Dame de la Fourvière preside la ciudad y merece, y mucho, la pena acercarse a conocerla y a disfrutar de las increíbles vistas sobre Lyon. La entrada es gratuita y se puede visitar todos los días de 7:00 a 19:00. Para llegar hasta arriba lo mejor es coger el funicular en las inmediaciones de la catedral.

Les Traboules

Se trata de uno de los elementos más característicos del viejo Lyon, aunque también se localizan en la zona de la Croix Rouge y la Presqu’île. No son otra cosa que callejones que atraviesan varios edificios configurando un callejero alternativo a base de callejuelas y patios que permitían aprovechar el espacio para levantar más edificios aprovechando la escalera común. Era también un acceso rápido hacia el Saona que permitía transportar el agua más fácilmente y más adelante llevar los rollos de seda hasta el río para ser embarcados. Durante la Segunda Guerra Mundial estos pasadizos fueron utilizados por las tropas de la Resistencia. Hay casi 500 traboules en Lyon, muchas de ellas señalizadas. Lo mejor es perderse sin rumbo por ellas y disfrutar de la belleza de sus patios.

Restos arqueológicos de La Fourvière

Los romanos fueron los primeros habitantes de esta colina en la antigua colonia de Lugdunum.

Hoy, se conservan los restos de lo que fue un gran teatro construido alrededor del año 15 dC que habría podido albergar a más de 10.000 espectadores. Al lado se conserva un Odeón del siglo II que habría estado dedicado a conciertos y lecturas. Junto a estos restos, el Museo GaloRomano alberga una exposición para conocer el pasado romano de la ciudad. Puede visitarse de martes a domingo de 10:00 a 18:00. El precio de la entrada es de 4 €, de 2,50 € para estudiantes y gratis con la Lyon Card. Lo mejor para acceder es el funicular.

Parc de la Tête d’Or

Es uno de los parques más grandes y más bonitos de Francia. Se extiende a lo largo de 150 hectáreas en la orilla del Ródano. Además del parque zoológico, inaugurado en 1858, el parque posee un gran lago formado a partir del Ródano, un jardín botánico y una rosaleda con 30.000 rosas de hasta 350 variedades. Es un gran pulmón verde dentro de la ciudad de Lyon y merece la pena acercarse para huir del bullicio y los turistas del centro de la ciudad. La entrada es gratuita y el parque permanece abierto todos los días de 6:30 a 20:30 de octubre a abril y hasta las 22:30 el resto del año.

Palacio de Justicia

En el viejo Lyon y justo en la orilla del río Saona se levanta el Palacio de Justicia, declarado Monumento Histórico en 1996. Se trata de un edificio imponente de estilo neoclásico con 24 grandes columnas en su fachada principal. La vista del palacio desde la pasarela sobre el Saona, es una de las instantáneas más bonitas de la ciudad.

BLOGUERAS

S DE MODA

El de Patry Jordan es un canal de Youtube sobre belleza y fitness que nació hace seis años. Algunos ya la han bautizado como “la reina de la belleza” de YouTube por sus consejos sobre peinados y tips de belleza. Secretos de chicas (así se llama su canal) tiene algo más de 3,62 millones de seguidores y 480.366.000 visitas. Patry Jordan ya ha sacado su propio libro y es, desde 2013, beauty coach de L’Oréal.

Lo cierto es que se combinan varios consejos con un aire desenfadado, desde poner una mascarilla a cómo hacer un corte de pelo favorecedor. Nació como un canal solo para mujeres, pero hoy también tiene consejos para chicos.

Otra de las reinas de los tutoriales de belleza es Grace Villarreal, la artífice de Happy Sunny Flowers.

Con 775.000 seguidores y algo más de 90 millones de visualizaciones, en este canal pueden seguirse tutoriales sobre moda, maquillaje, peinados, reviews de productos, así como vídeos de cocina y otros en tono humorístico. Actualmente es una de las youtubers de moda españolas más conocidas.

Aida Domènech o Dulceida es una de las influencers de moda más poderosas del panorama nacional Comenzó con su blog, donde mostraba su personal visión sobre la moda, y actualmente cuenta con Instagram y YouTube, en cuyo canal ya registra 1,4 millones de suscriptores y 153.432.700 reproducciones Ya ha sacado su propio perfume y la publicación del libro Dulceida: Guía de estilo.

Este canal es misceláneo, habida cuenta que combina varias discplinas. Tiene mucho de autobiográfico de manera que te puede hablar de sus vacaciones, de cómo cocinar una tortilla o de un concierto que le haya gustado.

La barcelonesa Sylvia Salas es una bloguera de moda que cuenta con su propio canal de YouTube, en el que ya contabiliza un total de 720.500 suscriptores y 56.450.000 visualizaciones de sus vídeos. Su mundo gira en torno a ideas, técnicas y proyectos Do It Yourself (DIY) en lo que a moda se refiere.

Otra de las grandes influencers de moda: Marta Riumbau es una barcelonesa experta en moda y decoración que cuenta con 618.000 seguidores de su canal y 76.802.141 reproducciones de sus vídeos. Ha lanzado su propia firma de ropa, y es a día de hoy una de las youtubers de moda más influyentes de nuestro país. Sus vídeos combinan consejos de moda y de belleza. Últimamente, ha tomado una dinámica más social y, además de los temas clásicos, introduce otras cuestiones de interés.

Sara Sabaté y su canal de YouTube Secrets des Coquettes cuenta actualmente con 376.500 suscriptores y casi 45 millones de visualizaciones. Esta youtuber instalada en París es fanática de las grandes firmas de moda francesa, tiene formación en maquillaje artístico, maquillaje especializado y estilismo. Y de todo ello habla en su cuenta de YouTube, que la ha convertido en otro de los referentes de belleza en la red.

Esta joven estudiante de derecho ha logrado reunir en torno a su canal de YouTube 188.000 suscriptores y más de 14 millones de reproducciones en poco más de un año. Moda, hauls, lookbooks, material escolar o tendencias son las principales temáticas que aborda Teresa Macetas.

Arantxa Cañadas, una apasionada de la moda, es la cara que está detrás de Nightnonstop, un canal con 362.000 suscriptores que siguen sus consejos sobre moda, outfits, tendencias, belleza o lifestyle.

Ella misma se presenta de la siguiente manera: “Soy Arantxa Cañadas, desde pequeña he sido una apasionada por la moda y me encanta compartir con vosotros lo que sé y mi forma de vivirla”.

Secrets and Colors es un canal de inspiración sobre belleza, moda y arte, que actualmente registra 60.000 seguidores y más de 4 millones de visualizaciones. Su creadora, Miriam Llantada, es una psicóloga reconvertida en influencer de moda que cada día está sumando más fans en la red.

Otras de las bloggers de moda de sobra conocida en nuestro país es Paula Ordovás, que también cuenta con canal propio en YouTube: Peeptoes. En el mismo, la bloguera nos muestra tips sobre maquillaje o looks diferentes para el día a día, además de vídeos sobre deporte y salud. 24.000 suscriptores y 1.858.500 visualizaciones la avalan.

FOTOGR

RAMAS

MAGAZINE

E

n los últimos meses la revista Fotogramas ha sido noticia y no precisamente por temas relacionados con el tema del cine. Por un lado, el pasado verano la multinacional Hearst Magazines decide trasladar la redacción de la revista de Barcelona (donde estaba ubicada desde su creación el 15 de noviembre de 1946 por Antonio Nadal-Rodó y María Fernanda Gañán) a Madrid, según la editora “por motivos económicos”, dejando la plantilla catalana en la calle. Por otro lado, en la portada de julio con José Sacristán se puso el color de fondo en amarillo para la edición catalana y en azul para el resto de España. Algo totalmente absurdo por las suspicacias que dicho color despierta en el resto de la península. Pero mejor será remontarnos a los inicios de la publicación cuando las aguas no estaban tan turbias, en aquellos años la revista era de aparición quincenal y con un precio de cinco pesetas, el número 1 estuvo dedicado a la pareja formada por Myrna Loy y Don Ameche en relación al estreno de la película Así es mi amor. Entre los primeros miembros del equipo se encontraban el crítico Horacio Sáenz Guerrero, que después dirigiría La Vanguardia; el entrevistador y caricaturista Manuel del Arco Álvarez, Josep Palao o Jaime Arias, que sería subdirector de La Vanguardia. La publicación mantuvo su periodicidad quincenal hasta 1950, momento donde pasó a ser semanal. Ese mismo año se crearon los premios de la revista, las Placas de San Juan Bosco (patrón del cine), precursores de los actuales Fotogramas de Plata, cuyas estatuillas fueron esculpidas por Javier Corberó y José Luis Pascual. En 1962 Elisenda Nadal, la hija de los fundadores ocupa el puesto de subdirectora y la revista empieza a marcar su estilo actual. Entre su plantel de colabora-

dores se encuentran nombres como los de Jorge Fiestas, Ricardo Muñoz Suay, Oriana Fallaci o Sheilah Graham, columnista estrella de Hollywood. En los años 70 la revista cambia de ubicación para instalarse en La Rambla y entran en plantilla nombres como Perich, Joan de Sagarra (crítica teatral), Àngel Casas, o Lola Salvador.

Aparecerán nuevas secciones como “Snobismo”, “El Túnel del Tiempo” o el “Film-Trola”. Fotogramas deja de hablar exclusivamente de cine para hacerlo también de tendencias, libros, música, y humor. En 1975, la revista será secuestrada por un reportaje titulado “Quién es quién en la censura española”, y tendrá que luchar contra la censura por culpa de unas fotografías de Nadiuska desnuda y por unas imágenes de Ana Belén y Víctor Manuel en México con una bandera republicana.

El 7 de mayo de 1980 la revista deja de publicarse sin previo aviso debido a sus bajas ventas una vez finalizada la fiebre del destape pero reaparecerá nueve meses después, el 11 de febrero de 1981, con el primer título Fotogramas y a partir de julio pasará a tener una periodicidad mensual con un coste de 85 pesetas. Las ventas de la revista alcanzarán su punto álgido en la década de los 90 con la venta de 150.000 ejemplares mensuales.

En 1994 TVE retransmite los premios de la revista, los Fotogramas de Plata, alcanzando 4,5 millones de espectadores. La llegada del vídeo provoca que la cabecera pase a llamarse Fotogramas & Vídeo en el año 1983. En 2007 Toni Ulled Nadal se convierte en el director de la publicación.

Entre los críticos habituales de la revista encontramos Ricardo Aldarondo, Jordi Batlle, David Broc, Noel Ceballos, Jordi Costa, Fausto Fernández, Joan Pons, Sergi Sánchez, Mirito Torreiro, Antonio Trashorras, Pere Vall o Núria Vidal, entre otros.

Stars Made in Spain

Parejas de cine

Algunos hombres buenos

LA ENTREVISTA

JAVIER ENGUIX

“Cuando subo al escenario me transformo, dejo a mi ¨yo¨ que descanse y luego me recoja cuando termine la jornada de trabajo “

LA ENTREVISTA

P

arece que la trayectoria teatral de Javier Enguix ultimamente está ligada al director Ricard Reguant con el que ha colaborado entre otras en Rouge: Fantastic Love, ...Y no quedará ninguno y, actualmente, Sherlock Holmes y el destripador, producciones que se han podido ver en el Teatre Apolo de Barcelona. Quizás otros recuerden al actor en la teleserie Amar es para siempre, donde hacía el papel del pusilánime Gustavo Olavide. Actor, cantante, bailarín, maestro de ceremonias...muchos calificativos para un actor que está en su mejor momento.

Acabas de estrenar una nueva obra de teatro, Sherlock Holmes y el destripador, otra producción del Teatre Apolo dirigida por Ricard Reguant y de nuevo en Barcelona. ¿Cómo es tu personaje?

Interpreto al Dr.Watson, un bombón de personaje. Es muy inteligente, observador, fiel, atento, realista. El amigo y compañero inseparable de Sherlock Holmes.

En la anterior obra, también de Reguant y también en el Apolo, hacías uno de los personajes de la popular obra de Agatha Christie Diez negritos, que se tuvo que retitular ...Y no quedará ninguno. ¿Por qué este cambio de título y cuál era tu personaje?

En esta ocasión interpretaba al Dr.Amstrong, parece ser que doy bien el perfil de doctor, jeje.

Pero al contrario de Watson, este personaje era más complejo ya que la expresión corporal era uno de los puntos fuertes de este personaje, un ex alcoholico con problemas ¨nerviosos¨, otro bombón, me siento afortunado de poder interpretar este tipo de personajes.

El cambio de nombre se debe a que la familia de Agatha Christie le parecía muy racista el nombre de Diez negritos, también recibieron algunas

quejas. Así que tuvieron que cambiar el nombre en todo el mundo y también a las figuras que aparecen en la obra y a la famosa canción, los negritos cambiaron a ¨soldaditos¨.

¿Estás más cómodo en el teatro musical o en el de texto?

Me siento cómodo en cualquiera de las dos, estudié y me preparé para ello y soy feliz con cualquiera. La verdad que el teatro musical es mucho más difícil y sacrificado, además de interpretar tienes que cantar y bailar. Reconozco que he estado en obras de teatro que he terminado más cansado sin ser musical, todo depende también del personaje que toque interpretar. Me van los retos, así que, me apunto a lo que sea! Je, je.

¿Recuerdas cuál fue tu primer musical y las sensaciones que tenías?

El primer musical fue Siete novias para siete hermanos, mi primer contrato para un teatro en Madrid. ¡Quería comerme el mundo! Sentía que valía para ello, aprendí todo lo que puede, vivía y sentía cada minuto, cada día. Descubrí lo bueno y lo malo de esta profesión.

¿Lo tienen más fácil hoy en día un joven que quiera estudiar para ser actor de musical? ¡Muchísimo más! Hay escuelas buenísimas y no solo en Madrid. Me alegro mucho por ello, antes teníamos que emigrar para poder estudiar y dedicarte a esta profesión. Y lo bueno es que el profesorado también está muchísimo más preparado.

¿Fue difícil decir en casa que querías dedicarte a la interpretación?

La verdad es que no. Tengo una familia muy artísta, je je.. ¡Mi abuelo bailaba muy bien! Siempre me contaban lo gran bailarín que era y que todas en el pueblo querían bailar con él, jeje.. Mi madre cantaba e interpretaba, siempre la llamaban para

las obras de teatro que preparaban en el colegio, ¡Recuerdo perfectamente ver lo gran actriz que era y lo mucho que la aplaudían! Me quedaba alucinado, adoraba verla encima de un escenario. También en todos los eventos la pedían que cantara, ¡lo hacía tan bien! Pero el único de la familia que se dedicó de verdad a este mundo fue mi tío José Antonio, el llego a representar a Estados Unidos en el festival de la OTI. Cantó en los mejores lugares del mundo, Las Vegas, Nueva York, Los Ángeles, Miami.. y en esta última ciudad se quedó a vivir. Así que creo que algo de ellos quedó en mí, je je. Lo cierto es que me advirtieron lo difícil de esta profesión, pero nunca me dijeron que no lo intentara.

Quizás era otra época pero fuiste muy precoz emancipándote y marchando de casa a los veinte años para empezar a trabajar ¿Te arrepientes ahora de haber tomado aquella decisión? ¡No me arrepiento para nada! Hay que tomar decisiones y luchar por lo que de verdad quieres. Unas veces saldrá de una manera, otras no, pero hay que seguir aprendiendo de lo bueno y sobre todo de lo malo. La gente creía que vol-

vería llorando a los pocos meses. Ahora, diecinueve años después de mi primer alquiler de piso en Madrid, creo que les ha quedado a todos claro que es mi sueño, mi pasión.. mi vida.

¿Qué papel es el que consideras que más te ha marcado en tu carrera?

Los personajes que he tenido en televisión. Trabajé en tres series diarias y con papeles complejos y cada día era un reto y un aprendizaje bestial. Agradezco tanto estos trabajos, Es una gran escuela que puedas trabajar en estas producciones.

Has participado en Cantando bajo la lluvia, Victor o Victoria o Siete novias para siete hermanos, entre otros musicales basados en películas clásicas. ¿No es un poco una herejía y muy difícil que el espectador olvide el original de la pantalla?

Hay versiones buenísimas, yo creo que no hay que perder la esencia. Si eso existe, el público disfrutará muchísimo seguro. Es normal que vayas con expectativas altas a ver un musical así y sobre todo si se trata de un gran clásico, pero creo que es mejor dejarse llevar e intentar

dejar que te sorprendan. Igual descubres otras cosas que la película no llegó a ofrecerte. Todo es cuestión de gustos. ¿Cuál es tu película musical favorita?

Tengo varias, como clásico: Cantando bajo la lluvia. Algo más actual: Chicago.

En Rouge: Fantastic Love eras el maestro de ceremonias que interactuabas con el público. Siendo tan tímido, ¿cómo se hace para perder la vergüenza y bajar a la platea con todo el descaro?

No puedo decirte cual es el truco o el secreto.

Realmente subo a un escenario y soy la persona que en ese momento tengo que ser. Me transformo, dejo a mi ¨yo¨ que descanse y luego me recoja cuando termine la jornada de trabajo, jeje.

Quizás el personaje que te ha hecho más popular ha sido el de Gustavo Olavide en la teleserie Amar en tiempos revueltos. ¿Cómo llegó a ti ese personaje? ¿Cómo fue su evolución a lo largo de los 178 capítulos en los que participaste?

Hice cásting, sinceramente creí que no me volverían a llamar, pero sí, me llamaron para una segunda prueba ya con el director de la serie presente y es cierto eso dude que cuando algo es para tí, lo será.

Al principio era un personaje al que parecía que no le pasaba mucho, que solo tenía ojos para su Cecilia y era un sosaina, jeje.. Pero poco a poco fueron pasando cosas y muy interesantes y paso a ser uno de los protagonistas de la trama principal y lo más importante, muy querido por el público. Le estoy muy agradecido a la vida por este regalo.

¿Cómo es el ritmo de grabar una serie diaria?

Muy duro, agotador. Sobre todo al principio, sacrificas muchas cosas por poder sacar más tiempo de estudio para ir más tranquilo, pero llega un momento que cambia el chip y tu cerebro empieza a memorizar mucho más rápido y te acostumbras a todo. Tu cuerpo y mente se conectan: Acabas siguiendo el ritmo, que yo disfruté muchísimo. Mis amigos saben que cuando hay serie diaria, tardaré en verles je je.. (me siguen queriendo igual) je je.

LA ENTREVISTA ¿Qué ha de tener hoy en día una serie para que enganche al espectador? ¿A qué series estás tu enganchado?

Hay tantas series, tan variadas, de tantos estilos y géneros que es difícil saber cuál es el secreto.

Lo bueno es que hay tantas plataformas dando posibilidad a sin fin de series, que los actores estamos encantados claro je je.

Me gustan las series que tengan principio y final, que solo dejen esa pincelada abierta para que tengas ganas de ver más. No me gusta que me obliguen, necesito sentir que quiero ver más. Me gusta mucho Black Mirror, The Good Wife, Sense 8, Touch...

Volviendo al teatro, ¿se ha notado mucho en los últimos meses por culpa de la situación social y la política la asistencia del público al teatro?

Si, mucho. Al principio era una gran incertidumbre porque no sabíamos que iba a pasar ni cuánto tiempo estaría la situación así. Parece que la gente está mucho más animada. La gente necesita, necesitamos desconectar un poco, olvidar los problemas y disfrutar de un espectáculo que te puede transportar a otra realidad.

¿Existe la fórmula mágica para conseguir un musical de éxito?

Si la supiéramos hasta yo mismo me haría productor je je. Nunca se sabe. Si partes con un título conocido ya tienes bastante ganado, pero.. ¿es lo que la gente quiere ver en ese momento?

Es difícil, la verdad. ¿Te has mirado películas y series para crear tu personaje del Doctor Watson?

No, me gusta crear y poder ofrecer algo diferente. Si que he tenido en cuenta la opinión de los seguidores porque ellos son los creadores reales del espíritu y alma de estos personajes.

¿Qué es lo que más te gusta de tu profesión y lo que más detestas?

Me gusta Disfrutar de mi trabajo, que me haga sentir. Conocer a gente maravillosa y tener la posibilidad de ser miles de personajes.

Lo que detesto es la mentira, la envidia y la poca profesionalidad de algunas personas.

Pero de ellas también se aprende y mucho.

¿Cuáles son tus proyectos de futuro?

Seguir creciendo y aprendiendo. Tengo algunas cosas de teatro que todavía no puedo contar, todo a su tiempo. Y ojalá pronto cine y televisión. ¡Aquí estoy, señores productores, guionistas y directores! Jeje.

Texto y fotos: Guillem Medina

COLECCIONISMO

¡NANCY CUMPLE 50 AÑOS! Desde su lanzamiento en 1968, Famosa ha vendido 25 millones de muñecas Nancy en España

COLECCIONISMO

S

oy Nancy. Quiero ser la muñeca más elegante de cuantas tu tengas. Para ello te presento todos los conjuntos con los que puedes hacerme feliz, vistiéndome con el modelo adecuado para cada ocasión: para Mañana, Tarde, Montaña, Playa. ¡Ah, y tengo un juego estupendo de postizos! ¡¡Qué contenta me pondré si me los regalas todos!! Igual a algunos de vosotros os suenen estas palabras ya que así se presentaba Nancy, tentando de esta forma tan sutil a las niñas para que sus papás les compraran todos los modelitos que salían en los catálogos. Y es que Nancy es, sin duda alguna, la muñeca española más famosa de todos los tiempos, ya que varias generaciones de niñas, y también de niños, tuvieron una, o al menos jugaron con las de sus primas y amiguitas.

Nancy nació en 1968, uno de los años más convulsos del siglo xx, y es que ella también vino para revolucionar el mundo de las muñecas ya que fue la primera muñeca maniquí española que representaba ser una jovencita, portadora, además, de unos modelitos de ensueño que iban aumentado exponencialmente con el paso de los años. Nacida en Onil, Alicante, dentro del famoso Valle del Juguete (llamado así por ser una zona dedicada principalmente a la producción juguetera), Nancy fue diseñada por José Sebastián, uno de los socios fundadores de FAMOSA, como una derivación de la muñeca Pierina de 56 cm, la cual no alcanzó el nivel de aceptabilidad adecuado por parte del mercado, por lo que se decidió hacer una reducción de su tamaño. El encargo de realizar esta reducción a 42 cm fue hecho a Tino Juan, quien hizo la escultura de la cabeza de Nancy en 1967.

Nancy salió al mercado nacional presentada en un lujoso estuche, muy bien cuidado, pero que encarecía considerablemente el producto, ya que

parte del coste se iba en la caja, así que ese primer año las ventas no alcanzaron el nivel deseado y por ello se decidió hacer un estuche más reducido pero muy vistoso, que tuvo mucho éxito.

Pero no fue hasta 1971 cuando se empezó a hacer publicidad de Nancy y cuando la muñeca obtuvo un éxito espectacular que no perdería hasta 1996, año en que pasó a fabricarse en 29 cm para adaptarse a las nuevas exigencias del mercado juguetero, donde triunfaban las muñecas tipo Barbie.

Las primeras muñecas eran rubias o pelirrojas de larga melena, con ojos marrones o azules, largas pestañas, labios maquillados en suaves tonos rosados y carita sonriente, lo que le daba a Nancy la dulzura que la caracteriza. La gran calidad del material utilizado hace que hoy en día, después de cincuenta años, sigan manteniendo sus mejillas sonrosadas y su reluciente cabellera, claro está, siempre que se hayan conservado en unas mínimas condiciones. Al principio eran muñecas rígidas, pero a mediados de los años 70 se hicieron articuladas en cintura y cabeza por un sistema de gomas que unían las diferentes partes del cuerpo para darle movimiento. El problema, con el paso de los años, es que las gomas se acababan secando y rompiendo, lo que causaba que las partes del cuerpo se desunieran, aunque también hay que decir que muchas de estas muñecas han llegado intactas hasta nuestros días.

Otro problema de estas muñecas era el plástico, que se decoloraba con el paso del tiempo, sobre todo la parte de la cabeza. Así que a principios de los ochenta se volvió al cuerpo original y empezaron a crearse otros tonos de pelo y colores de ojos, al mismo tiempo que surgieron muñecas que interaccionaban mediante cuerda o pilas para hacerlas bailar, hablar o esquiar. A medidos de los ochenta y en los noventa el look de Nancy también evolucionó y pasó a lucir melenas cortas, rizadas, peinadas al estilo punk, siempre a la úl-

tima moda. El vestuario de Nancy era de cine, ninguna otra muñeca se le ha podido comparar jamás si exceptuamos a Mariquita Perez, y aun así con dudas. Tenía conjuntos para cada ocasión que copiaban la moda del momento: trajes de día, de fiesta, chubasqueros, abrigos de piel, pantalones de campana, vestidos mini, maxis, midis, etc. En sus ratos de ocio pintaba, esquiaba, asistía a clases de ballet y una infinidad de actividades más, y también trabajó como enfermera o azafata de Iberia modelando una copia exacta de los modelos lucidos por las azafatas de la compañía, diseñados por el maestro Elio Berhanyer. Los modelitos también iban creciendo cada año, para alegría de los niños y horror de los papás, que tenían que atender las demandas de sus vástagos para que se los compraran todos.

Nancy contó además con su propio mobiliario como un armario, una cama y un chiffonnier, ade-

más de un enorme ropero por si no había suficiente con el armario, que se había ya quedado pequeño con tantos modelitos. A su ya extensísimo vestuario se añadieron otros accesorios como zapatos, botas, perchas, bisutería, bufandas, postizos, juegos de peluquería, ropa interior, medias, calcetines, etc. Nancy también tuvo un conjunto completo de maletas además de un baúl para sus viajes donde las niñas podían transportarla cómodamente. Las niñas también pudieron disfrutar de accesorios como un cabás para llevar la merienda al colegio, un juego completo de café para invitar a merendar a sus amiguitas, e incluso podían pasar los ratos muertos jugando con los puzles de Nancy, el juego de cartas o los juegos de lana o rafia.

Mención aparte merece la Nancy negrita o mulata que apareció en 1972 y que se convirtió automáticamente en la preferida de todos los niños, siendo todavía la muñeca más buscada por los

coleccionistas. En 1976 Famosa decide ampliar la familia de Nancy y le crea una hermanita, Lesly, que también disfrutó de un extensísimo vestuario. Poco después tambien aparecía un medio noviete, Lucas, que, aunque tenía unos cuantos trajes, no gozó de demasiado éxito el pobre. También tuvo una amiguita extraterrestre, Selene, que venía de la luna y tenía el pelo plateado, unos ojos que emitían destellos de luz, y que era igual en tamaño y forma que Nancy (aunque no compartían el molde facial) por lo que podían compartir vestuario. Nancy llegó a tener tanto éxito que en 1976 se inauguró en Onil el primer monumento mundial a la muñeca dedicado a ella, con una estatua que representa a una niña con una muñeca en sus manos, y donde se puede leer la inscripción “A Nancy de Famosa”. Hoy en día la fábrica de Famosa y su famosa escultura son lugar de peregrinaje para los miles de fans de Nancy que hacen excursiones para fotografiarse junto a ella. En 1977

Nancy recibió el Aro de Oro al mejor juguete para niña, premio que repitió en 1978.

Nancy medía 42 centímetros y eso en los años 90 ya era demasiado pues el mundo de las muñecas estaba dominado por Barbie que era más pequeña y manejable, así que en 1996 Nancy pasó a medir 29 centímetros y se convirtió en otra muñeca que nada tenía que ver con la original y que no gozó de demasiado éxito. Aunque la Nancy clásica de 42 cm no dejó de fabricarse nunca, ya que cada año se utilizaba para la consabida muñeca de Comunión, no fue hasta 2000 cuando resurgió de sus cenizas cual ave Fénix para convertirse en muñeca de colección y es así como la encontramos actualmente. Cada año se realizan un par de ediciones destinadas al público adulto y goza de muchísimo éxito. Si antes Nancy era una muñeca estrictamente de juegos ahora ha pasado a ser un objeto no solo de coleccionismo, sino de juegos también, ya que

aquellas niñas y niños que jugaron con ella entonces la han recuperado para “jugar” con ella.

Le confeccionan modelitos caseros, la sacan de paseo, de excursión, se la llevan de vacaciones, le hacen fotografías que luego cuelgan en Instagram, y presumen de sus muñecas como si fueran sus hijas. Hay grupos por doquier, diseminados por las redes sociales donde puedes encontrar a gente con quienes compartir esta afición sin que te vean como a un bicho raro.

Nancy también es fuente de inspiración para diseñadores que la han vestido con sus mejores

galas, firmas como Agatha Ruiz de la Prada, Hannibal Laguna, Francis Montesinos, Roberto Verino, Ion Fiz, Roberto Torretta y un largo etcétera. Recientemente, con motivo de su 50 aniversario, se han hecho exposiciones y pequeñas convenciones en las cuales se han reunido coleccionistas de todas partes para celebrar el cumpleaños de la muñeca más famosa de España. Esperemos que Nancy siga disfrutando de tanta popularidad durante muchos años y que siga generando tan buen rollito entre sus admiradores. ¡¡Larga vida a Nancy!!

Texto: Núria Simón

TELEVISIÓN

Por Miguel Ángel Parra

Un George en casa: Los Roper

P

oco después del estreno de Un hombre en casa (Man About the House, 1973-1976) en la cadena ITV, la fama de los caseros de Robin (Richard O’Sullivan), Crissy (Paula Wilcox) y Jo (Sally Thomsett), era casi tan grande como la de sus protagonistas. Y es que, George (Brian Murphy) y Mildred (Yootha Joyce), los Roper —propietarios del apartamento londinense en el que viven los tres de jóvenes—, poco a poco pasaron de ser simples personajes secundarios a convertirse en una de las partes más esperadas del programa por parte de los telespectadores.

Después del éxito de la serie, Thames Television decide poner en marcha dos spin-offs basados en tres de los personajes del programa con la intención de sacarle el mayor rédito posible: El nido de Robin (Robin’s Nest, 1977-1981) y Los Roper (George and Mildred, 1976-1979); la serie de la que hablaremos en el siguiente artículo.

La excusa para esas dos secuelas fue simple pero efectiva: la pareja de caseros se ve obligada a abandonar su vivienda en Londres debido a una orden del ayuntamiento y con ellos sus arrendatarios. Robin se muda a otro apartamento con su novia Vicky (Tessa Wyatt), que más tarde se convertirá en su esposa, y los Roper se trasladan a una nueva casa situada en Hampton Wick, una zona mucho más pija, para detrimento de sus nuevos y refinados vecinos, los Fourmile.

Uno de los grandes aciertos de los creadores del programa, Brian Cooke y Johnnie Mortimer, fue cambiar radicalmente el entorno en el que los

Roper se movían habitualmente, desplazándolos de su zona de confort. Los tira y afloja del matrimonio destacaron mucho más en este nuevo marco: un barrio residencial en el que George no tiene la menor intención de encajar desde que este pone el pie por primera vez, para desespero de su esposa Mildred, ansiosa de ser admitida en la alta sociedad de la que el resto de vecinos presume formar parte.

La química entre Joyce y Murphy queda patente a lo largo de las dos series y en cualquiera de sus colaboraciones, ambos actores habían sido amigos y compañeros de reparto en varias obras teatrales mucho antes de la emisión de Un hombre en casa y eso se nota.

El triunfo de la serie en la cadena ITV dio pie un año después de su estreno, a la exitosa producción de una obra teatral basada en el programa, protagonizada, como no podía ser de otro modo, por Yootha Joyce y Brian Murphy. En 1980 — como ocurrió con muchas otras series inglesas de la época—, los Roper debutan en la pantalla de plata con: George y Mildred: La película (George and Mildred: The Movie, 1980). Lamentablemente, el film, escrito esta vez por Dick Sharples, no fue recibido con el mismo entusiasmo por parte del público, como había ocurrido con sus anteriores encarnaciones. Su paso por las salas de cine fue anecdótico y la película se emite en ITV el día de Navidad tan solo dos meses después de su estreno.

Por si fuera poca desgracia, antes que el film llegue a distribuirse, Yootha Joyce muere repentinamente de cirrosis, para sorpresa de sus compañeros de reparto, que desconocían su adición: la actriz había estado consumiendo media botella de brandy diaria durante los últimos diez años.

Tras el estreno de la película, a pesar de su recepción, ITV estaba dispuesta a emitir una sexta temporada y Thames Television se encontraba en pleno proceso de preproducción de otros

ocho capítulos de la serie. Casualmente, el funeral de Joyce tuvo lugar el día en el que se hubiera iniciado la grabación de esos nuevos episodios.

Durante un tiempo los creadores del programa dieron vueltas a una nueva serie con un George viudo situado en un entorno diferente al de Hampton Wick, pero el proyecto no llega a buen puerto y Murphy protagoniza junto a Roy Kinnear, The Incredible Mr. Tanner (1981), escrita por el dúo de guionistas formado por Brian Cooke y Johnnie Mortimer.

Poco después de su estreno en Inglaterra, las tres creaciones de Cooke y Mortimer, tuvieron su contrapartida americana: Apartamento para tres (Three’s Company, 1977-1984), basada en Un hombre en casa, Three’s a Crowd (19841985), basada en El nido de Robin, y Los Roper (The Ropers, 1979-1980), protagonizada por unos nuevos George y Mildred: Helen y Stanley Roper. Esta última, según TV Guide, tiene el dudoso honor de ocupar el puesto cuarenta y nueve entre las peores series de la historia, al contrario de la serie protagonizada por Joyce y Murphy, que ocupa el puesto sesenta y nueve en el ranking de las mejores series de producción británica.

CINE MISIÓN IMPOSIBLE: Fallout Adrenalina en estado puro

Tom Cruise lo ha vuelto a conseguir, un film que en plena canícula veraniega apetecía entrar a ver buscando una sala refrigerada. Y el resultado no decepciona: aventuras, persecuciones, misterios, unos secundarios solventes y un nuevo capítulo en las aventuras de Ethan Hunt al cual no dejan ni un minuto de respiro. Es de agradecer que Cruise, haya dejado de lado por un rato su enorme egocentrismo y haya incorporado a Henry Cavill como villano de la función (bueno, uno de los muchos que persiguen al héroe) aunque el pobre acabe con el rostro peor que el fantasma de la ópera. Sobra un poco la historia romántico-nostálgica con la esposa del protagonista que viene arrastrando desde las primeras entregas y que llega un momento que ya no tiene mucha justificación. También es de agradecer la figura de Angela Basset, dominando en la sombra, una actriz que prometía mucho cuando consiguió todos los triunfos por su interpretación de Tina Turner pero que tuvo que acabar en la televisión, concretamente en la horror-serie American Horror Story para reverdecer los un tanto ajados laureles de su pasado. No podemos encontrarle ningún otro fallo al film, son más de dos horas de acción que pasan como un suspiro, a veces en medio de una trama un tanto confusa, y con guiños habituales a la serie (“lo suyo es una organización que trabaja con máscaras de Halloween”, les dice uno de los protagonistas). Así que yo de ustedes mejor aceptaba la misión antes de que esta crítica se autodestruya....

Mi opinión: Prepárense a disfrutar de una de las mejores entregas de la saga.

LA CRÍTICA

Por Bernat Molins

MAMMA MIA! UNA Y OTRA VEZ

Sólo para fans de la Abbamanía ¿Echaron de menos algunas canciones de Abba en la primera entrega de Mamma Mia!? No se preocupen, aquí llega una segunda entrega con nuevos temas y alguno repetido (eso sí, con la coreografía modificada para que parezca algo nuevo y fresco).

Lo malo es que al margen de las canciones, los bailes happy, las sonrisas y los actores que aunque hayan pasado 10 años desde la anterior entrega, parece que los hayan conservado en una cámara frigorífica, poco más destacable hay en este film. El argumento casi que es lo de menos, pretendiendo ir hacia el pasado de la protagonista Donna (ahora interpretado con potencia por Lily James retomando el papel de Meryl Streep) y así intentar descubrir quién fue el padre de su hija. Tampoco ahora queda claro, pero a nadie le importa, como tampoco afectan los continuos flashbacks innecesarios. En cuanto a los protagonistas repiten todos los de la primera entrega, añadiéndose la presencia de Andy García (que representa que es un sex-symbol madurito) y la incombustible Cher, que hace el papel de abuela de la protagonista, o sea de madre de Meryl Streep, una actriz con la que en la vida real se llevan un año de diferencia aunque la cantante parezca su hija. En fin, un despropósito total que solo entusiasmará a los fans del grupo sueco, cuyos miembros masculinos vuelven a hacer un cameo en el film y que parecía que volverían a sacar disco. Al final será Cher la que lo haga con temas de Abba, y venga a rizar el rizo.

Mi opinión: Volver a ver a Cher, haciendo de bisabuela y pareciendo más joven que sus nietos, no tiene precio.

CINE ESTRENOS

Smallfoot

Venom

Smallfoot da un giro a la leyenda de Bigfoot cuando un Yeti joven y listo se encuentra con algo que pensaba que no existía: un ser humano. La noticia de este "humano" le trae la fama y la oportunidad de conseguir a la chica de sus sueños. Asimismo, provoca una conmoción en la sencilla comunidad de Yetis al preguntarse qué otras cosas pueden existir más allá de su aldea nevada. Dirigida por Karey Kirkpatrick (Imagine, Vecinos invasores), el filme cuenta con guión de John Requa (Bad Santa, Como perros y gatos) y Glenn Ficarra (Phillip Morris ¡Te quiero!).

Eddie Brock (Tom Hardy) es un consolidado periodista y astuto reportero que está investigando una empresa llamada Fundación Vida. Esta fundación, dirigida por el eminente científico Carlton Drake (Riz Ahmed), está ejecutando secretamente experimentos ilegales en seres humanos y realizando pruebas que involucran formas de vida extraterrestres y amorfas conocidas como simbiontes. Brock se convertirá en Venom, un villano despiadado.

Dirección: Karey Kirkpatrick, Jason Reisig Guion: Sergio Pablos, Karey Kirkpatrick Música: Heitor Pereira Voces de doblaje: Lebron James, Zendaya, Channing Tatum, James Corden, Gina Rodríguez, Common, Danny de Vito, Jimmy Tatro.

Dirección: Ruben Fleischer Guion: Kelly Marcel, Jeff Pinkner, Scott Rosenberg, Will Beall (Cómic: Todd McFarlane, David Michelinie) Música: Ludwig Göransson Fotografía: Matthew Libatique Reparto: Tom Hardy, Riz Ahmed, Michelle Williams, Jenny Slate, Woody Harrelson, Reid Scott.

Mowgli

La casa del reloj en la pared

Trata sobre la educación de Mowgli, criado por una manada de lobos en las selvas de India. Mientras aprende las reglas, a menudo complicadas, de la jungla. Bajo la tutela de un oso llamado Baloo y una pantera llamada Bagheera, Mowgli llega a ser aceptado por los animales de la jungla como uno más de ellos. Por todos menos uno: el temible tigre Shere Khan. Pero puede haber peligros mayores acechando en la jungla, cuando Mowgli se enfrenta a sus orígenes humanos.

La historia cuenta el mágico y escalofriante relato de Lewis (Owen Vaccaro), un niño de diez años quien, tras quedar huérfano, se muda a la vieja y rechinante casa de su tío, la cual tiene un misterioso reloj. Pronto, la aburrida y tranquila vida de su nuevo pueblo se ve interrumpida cuando accidentalmente, Lewis despierta a magos y brujas de un mundo secreto. Una fantasía ideal para estas fechas familiares.

Dirección: Andy Serkis Guion: Callie Kloves (Novela: Rudyard Kipling) Fotografía: Michael Seresin Música: Nitin Sawhney Reparto: Benedict Cumberbatch, Christian Bale, Cate Blanchett, Naomie Harris, Andy Serkis, Freida Pinto, Eddie Marsan, Jack Reynor, Matthew Rhys, Tom Hollander, Peter Mullan, Rohan Chand, Robin Berry.

Dirección: Eli Roth Guion: Eric Kripke (Novela: John Bellairs) Música: Nathan Barr Fotografía: Rogier Stoffers Reparto: Owen Vaccaro, Jack Black, Cate Blanchett, Kyle MacLachlan, Colleen Camp, Renée Elise Goldsberry, Sunny Suljic, Ricky Muse, Braxton Bjerken, Perla Middleton, Charles Green, Demetri Landell, Alli Beckman, Van Marten, Chris Adams, Aaron Beelner

CINE ESTRENOS

La buena esposa

Dirección: Björn Runge Guion: Jane Anderson (Novela: Meg Wolitzer) Música: Jocelyn Pook Fotografía: Ulf Brantas Reparto: Glenn Close, Jonathan Pryce, Logan Lerman, Christian Slater, Harry Lloyd, Max Irons, Annie Starke, Alix Wilton Regan, Karin Franz Körlof

Joan Castleman (Glenn Close) es una buena esposa, de belleza madura y natural, la mujer perfecta.

Pero lo cierto es que lleva cuarenta años sacrificando sus sueños y ambiciones para mantener viva la llama de su matrimonio con su marido, Joe Castleman (Jonathan Pryce).

Pero Joan ha llegado a su límite. En vísperas de la entrega del Premio Nobel de Literatura a Joe, Joan decide desvelar su secreto mejor guardado.

La sociedad literaria y el pastel de piel de patata

Dirección: Mike Newell Guion: Thomas Bezucha, Don Roos (Novela: Annie Barrows, Mary Ann Shaffer) Música: Alexandra Harwood Fotografía: Zac Nicholson Reparto: Lily James, Michiel Huisman, Glen Powell, Jessica Brown Findlay, Matthew Goode, Tom Courtenay, Penelope Wilton.

Julie Ashton, trabaja como escritora de columnas humorísticas sobre la Segunda Guerra Mundial en Londres.

Un día, comienza a intercambiar correspondencia con un hombre de la Isla de Guernsey, en el canal de la Mancha. Éste, ante la ocupación nazi, ha formado un club de lectura como tapadera de la resistencia. Poco a poco, Julie va entablando amistad con los integrantes del grupo, mientras éstos le cuentan cómo se formó su sociedad.

MADE IN SPAIN

CINE ESTRENOS

Carmen y Lola

El pomo azul

Carmen es una adolescente gitana que vive en el extrarradio de Madrid. Como cualquier otra gitana, está destinada a vivir una vida que se repite generación tras generación: casarse y criar a tantos niños como sea posible. Pero un día conoce a Lola, una gitana poco común que sueña con ir a la universidad, dibuja graffitis de pájaros y es diferente. Carmen desarrolla rápidamente una complicidad con Lola, y ambas tratarán de llevar hacia delante su romance, a pesar de los inconvenientes y discriminaciones sociales a las que tienen que verse sometidas por su familia. Film preestrenado en el Festival de Cannes (Quincena de Realizadores).

Soledad, que forma una pareja aparentemente consolidada con Juan, busca el piso más apropiado para su futuro en común. Un aviso inusual le pone sobre la pista de “su objeto de deseo”, un espléndido piso que “regala” una peculiar pareja de ancianos a la pareja ganadora de una serie de pruebas extravagantes y eliminatorias. Una serie de equívocos, entre los que se incluye la suplantación del novio original por su hermano en la realización de las pruebas para conseguir el piso, así como la aparición de un portero mefistofélico.

Dirección: Arantxa Echevarria Guion: Arantxa Echevarria Música: Nina Aranda Fotografía: Pilar Sánchez Díaz Reparto: Moreno Borja, Carolina Yuste, Rosy Rodriguez, Zaira Morales, Rafaela León

Dirección: Montse Bodas, Raquel Troyano Guion: Montse Bodas, Raquel Troyano Música: Alberto R. Valhermoso Fotografía: Luis Centurión Reparto: Aurora González, Ricardo Lacámara, Selica Torcal, Anzony Blanco, Antonio Esquivias.

Los amores cobardes

Dirección: Carmen Blanco Guion: Carmen Blanco Fotografía: Jacobo Herrero Música: McEnroe Reparto: Blanca Parés, Ignacio Montes, Anna Coll Miller, Tusti de las Heras, Agustín Otón, David Mora

Eva es una joven fuerte e independiente que regresa a su ciudad natal para pasar las vacaciones de verano.

Allí la esperan su madre y Gema, su única e incondicional amiga. Lo que Eva no esperaba es encontrarse con Rubén, quién solía ser su mejor amigo hasta que un día el chico decidió cortar el contacto inesperadamente. Sin explicaciones. Sin despedidas. El film recibió el premio a la mejor dirección (Carmen Blanco), y el Premio de la Crítica en el festival de Alicante. Carmen Blanco debuta en la dirección de largometrajes con este filme protagonizado por Blanca Parés (Julieta) e Ignacio Montes (Azul y no tan rosa).

Marisa en los bosques

Dirección: Antonio Morales Guion: Antonio Morales Música: Mursego, Löpez, Luis D. Agulló, Juan Carlos Roldán Fotografía: Dani Lisón Reparto: Patricia Jordá, Aida de la Cruz, Mauricio Bautista, Yohana Cobo, Carmen Mayordomo, Resu Morales, xabier Murúa, Ibán Malo, Carmen del Conte, Ana Adams, Ana Astorga, Fátima Domínguez, Alda Lozano, Luis Sampedro,

Marisa es una dramaturga de 35 años que tiene la sensación de que se ha convertido en la actriz secundaria de su propia vida. Sin proyectos, sin trabajo, sin futuro… Ha acabado por olvidarse de sí misma para centrarse en el gran drama de Mina, su mejor amiga, que se ahoga en la desesperación que le provoca su ruptura con Salvador. Cuando acuda a sus amigos en busca de apoyo, lo único que encontrará serán más problemas, más vidas a la deriva.

MADE IN SPAIN

CINE ESTRENOS

Contigo no, bicho

El reino

Víctor, Rubio, Charly y Berni son cuatro colegas del instituto que solo piensan en tías y videojuegos. Cuando uno de ellos, Víctor, consigue perder la virginidad, los otros tres deciden cambiar su suerte. Van a irse un fin de semana, con un único objetivo: desvirgarse o morir en el intento. Un viaje con toda la libertad del mundo, sin rendir cuentas ante nadie, con el destino por delante y la bolsa de errores aún vacía.

Manuel, un influyente vicesecretario autonómico que lo tiene todo a favor para dar el salto a la política nacional, observa cómo su perfecta vida se desmorona a partir de unas filtraciones que le implican en una trama de corrupción junto a Paco, uno de sus mejores amigos. Mientras los medios de comunicación empiezan a hacerse eco de las dimensiones del escándalo, el partido cierra filas y únicamente Paco sale indemne.

Dirección: Álvaro Alonso, Miguel A. Jiménez Guion: Álvaro Alonso, Miguel A. Jiménez Música: Juan Cantón Fotografía: Juan González Reparto: Manuel Pérez, Carlos Suárez, Fredy López, Alfonso Sánchez, Alberto López, Amarna Miller, Alicia Ciero, Cristina Ballega, Iván Manrique, Carlos Urban, Daniel Ortiz Entrambasaguas.

Dirección: Rodrigo Sorogoyen Guion: Isabel Peña, Rodrigo Sorogoyen Música: Oliver Arsón Fotografía: Álex de Pablo Reparto: Antonio de la Torre, Mónica López, Josep Maria Pou, Nacho Fresneda, Ana Wagener, Bárbara Lennie, Luis Zahera, Francisco Reyes, María de Nati, Paco Revilla, Sonia Almarcha, David Lorente, Andrés Lima, Óscar de la Fuente

EXPOSICIONES

Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre

Las calles, los cabarets y los cafés del barrio de Montmartre fueron escenario de una explosión creativa, marcada por la bohemia y la vanguardia de la mano de jóvenes artistas e intelectuales que desafiaron a lo establecido. Henri de Toulouse-Lautrec (Albi, 1864 - Château Malromé, 1901) y otros artistas como Vincent van Gogh, Jean-Louis Forain, T. A. Steinlen, Pierre Bonnard o Édouard Vuillard contribuyeron a este florecimiento de un movimiento rompedor al margen de la burguesía.

La exposición, que consta de más de 350 obras con préstamos internacionales de colecciones públicas y privadas, representa un viaje por el París bohemio de entre siglos. Una muestra multidisciplinar para comprender el papel fundamental que el espíritu de Montmartre tuvo en el desarrollo del arte moderno, y la manera en la que Toulouse-Lautrec y sus contemporáneos influenciaron en la evolución de la producción artística efímera: carteles, ilustraciones, impresiones y diseños, que expandieron a nuevos públicos el espíritu bohemio y las creaciones artísticas.

Caixa Forum Av. Francesc Ferrer i Guàrdia, 6-8. Barcelona Tel. 93 476 86 00 Del 18 de octubre de 2018 al 20 de enero de 2019

Picasso-Picabia: La pintura en cuestión

La exposición Picasso-Picabia. La pintura en cuestión une, por primera vez, a estos dos artistas fundamentales del siglo xx a través de un recorrido por la historia del arte moderno. El diálogo que se establece entre las obras de los dos artistas mostrará los vínculos reales o imaginados entre ellos.

Así, la muestra comienza con la aparición del cubismo y continúa con el surgimiento de Dadá- (del que Picabia es sin duda uno de sus protagonistas), sin olvidar los años veinte, cuando ambos comparten el gusto por una personal vuelta al clasicismo.

La muestra finaliza con una selección de sus últimos lienzos: si Picasso vuelve incansablemente a la figura humana hasta su muerte, Picabia, por su parte, reduce el acto de pintar a sutiles monocromos salpicados por puntos.

Sala Fundación MAPFRE C/ Diputació, 250. Barcelona Tel: 934 01 26 03 Del 11 de octubre de 2018 al 13 de enero de 2019

Rèquiem per la norma: Lorenza Böttner

Es tracta de la primera exposició monogràfica internacional dedicada a l’obra de Lorenza Böttner, una artista que pintava amb els peus i la boca i que va utilitzar la fotografia, el dibuix i la performance pública com a formes de construir-se un cos, alhora polític i vital, i de reivindicar el seu dret a existir lliurement davant de l’opressió i la institucionalització a la qual se sotmet als cossos transgènere i amb diversitat funcional. L’obra de Lorenza Böttner representa una de les crítiques més agudes davant dels processos de des-subjectivació, des-capacitació, des-sexualització, internament i invisibilització als quals són sotmesos els cossos amb diversitat funcional i transgènere.

Abastant diverses modalitats d’acció (pintura, dibuix, fotografia, performance), Lorenza constitueix un himne a la dissidència corporal i de gènere.

Palau de la Virreina La Rambla, 99. Barcelona Tel. 933 161 000 Del 11 de novembre de 2018 al 17 de febrer de 2019

LA LIBRERÍA

Ara comença tot Lluís Homar 17,95 € (Amazon)

Pjares y Esteso: Tanto monta, monta tanto... Andrés como Fernando Juan Jose Montijano 22,75 € (Amazon)

Sinopsis de cine: El montaje del escritor Ángel Sanchidrián 14,25€ (Amazon)

80 peliculas de los 80: Una lectura ácida Sergio Guillén y Andrés Puente 16,15 € (Amazon)

Generación Goonies: Los años dorados de la productora Amblin Francisco Javier Millán 22,75 € (Amazon)

Galaxia Lucas: Mas allá de la fuerza Francisco Javier Millan 22,75 € (Amazon)

Bruceploitation: Los clones de Bruce Lee Iván E. Fernández Fojón 18,95 € (Amazon)

Here’s Johnny!: Las pesadillas de Stephen King Tony Jiménez 18 € (Amazon)

COMICLAND

Aya de Yopougon Marguerite Abouet, Clément Oubrerie 28,00 €

Sex Story Philippe Brenot, Laetitia Coryn 22,00 €

El legado de Prometeo Herzet, Henscher, Sandoval y otros 17,00 €

Esmera Zep, Vince 24,00 €

Kairos Ulysse Malassagne 26,00 €

Los Mundos de Thorgal - 5 Yann, Surzhenko 14,00 €

Blueberry: Integral - 5 Charlier, Giraud 34,00 €

Undertaker - 4: La sombra de Hipócrates xavier Dorison, Ralph Meyer, Caroline Delabie 17,00 €

FREAKYWORLD

Venom Schleich Marvel 16,2€ (Amazon)

Pennywise Funko Pop 8,95 € (Amazon)

Star Wars: Pack 6 caretas Verbetena 7,29 € (Amazon)

Monopoly: Game of Thrones 52,00 € (Amazon)

Aquaman Schleich 13,90€ (Amazon)

Hello Kitty: Wonder Woman DC Comics 20,95€ (Amazon)

Harry Potter Mattel 21,95€ (Amazon)

y en el próximo número...

SÍLVIA MARSÓ

www.diaboloediciones.com