Blue Eye BCN Noviembre 2018

EYE

BLUE BCN

MARSÓ

28

Sílvia

SERIES DE TV . RICARD REGUANT . DANIEL ANGLÈS . PEP ANTÓN MUÑOZ

SUMARIO

noviembre 2018

06 18 32 38 48 Movistar+ se pone las pilas

Sèries de TV3 (1a part)

Pep Anton Muñoz i Jaume Casals

Teatro: Estrenos

Ricard Reguant

Fotografía: Man Ray

Dani Anglès

Iconos: Lady Gaga

Fashion World: Burberrys

Viajando: Vic

Agencias de modelos

Magazine: TP

HBO

Curiositats BCN

Televisión

Cine: Críticas Estrenos

Exposiciones

La Librería

Sílvia Marsó

50 60 68 78 86

94 102 110 118 126 132 136 146 148 150 Comicland

EDITORIAL

Se habla continuamente (y lógicamente) del exilio de pueblos enteros que huyen de las malas condiciones en su país, o del exilio de los jóvenes de este país que deben buscarse la vida fuera (y todavía hubo algún político impresentable que le restó importancia al hecho). Pero no se ha hablado suficiente del exilio de actores y gente del mundillo teatral y cinematográfico que acaban emigrando a Madrid porque en sus comunidades de origen no hay suficientes oportunidades. La capital de España ha acabado convirtiéndose en una especie de gigantesca fuente de luz que atrae a todas las polillas esperando encontrar su sitio. El hecho no es nuevo, miles de jóvenes en los Estados Unidos se desplazan continuamente a la Meca del Cine, Hollywood, desde hace décadas, esperando convertirse en la nueva Angelina Jolie o el nuevo Harrison Ford, y realmente tan sólo un 10% conseguirá ver sus sueños hechos realidad, el resto se «conformará» con el teatro, o ejerciendo de camarero en el mejor de los casos. La reflexión viene a cuento porque en estos últimos días al menos conozco cuatro parejas de actores que han decidido probar la «aventura madrileña», aseguran que allí están los mejores agentes, las productoras, las cadenas de televisión y los mejores teatros. Francamente, espero que les vaya muy bien la experiencia, son jóvenes y con muchas ganas, y suficientemente preparados para competir con los .... ( perdón estaba a punto de poner nombres de actores/actrices absolutamente mediocres que no paran de trabajar) de turno. El problema, a larga, es que no hay trabajo para todos, y quizás en lugar de aupar y venerar solo lo que se hace en Madrid, debería potenciarse el cine, el teatro y los medios autonómicos. Qué interesante y necesario seria que el audiovisual catalán generase suficiente trabajo, y el gallego, y el vasco, y el valenciano o el andaluz. Creo que junto a mi editorial del mes pasado se va configurando una visión un tanto pesimista, lo reconozco, pero también creo que, de algún modo, está en nuestras manos solucionar el tema y no tirar la toalla a la más mínima.

DIRECTOR: Guillem Medina Director Guillem Medina guillebcn@hotmail.com

Subdirector: Enric Fontvila Colaboradores: Núria Simón, Miguel Ángel Parra, Joaquim Bundó, Gemma Iglesias, Marta Calvó, Bernat Molins

Fotógrafos: Enric Fontvila, Mario Gil, Guillem Medina

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SÍLVIA MARSÓ

«Hacía tiempo que quería hacer un musical, pero que tuviera enjundia y despertara debate o reflexión entre los espectadores»

S

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ílvia Marsó (Barcelona, 1963) fue la sonrisa que en los años ochenta nos deslumbró desde el concurso Un, dos, tres, responda otra vez. Ella se encargaba de manejar la calculadora, mientras que en la segunda parte cantaba, bailaba y lo que hiciera falta. Podía haber continuado en la televisión pero prefirió dejar el famoseo y un sueldo millonario para centrarse en su verdadera profesión: la interpretación. En su currículum numerosas obras clásicas como La loca de Chaillot de Jean Giraudoux, La gran sultana de Miguel de Cervantes, Doña Rosita la soltera de Federico García Lorca, Casa de muñecas de Henrik Ibsen o El zoo de cristal de Tennessee Williams. A partir del 7 de noviembre vuelve a los escenarios barceloneses, concetamente al Onyric Teatre Condal, para interpretar 24 hores de la vida d’una dona, de Stefan Zweig, una obra musical que ya ha paseado por toda España pero que ahora podremos degustar en catalán.

Vuelves a Barcelona con 24 de la vida d’una dona en el Onyric Teatre Condal, una obra del escritor austríaco Stefan Zweig, un musical complejo en el que ejerces labores de productora. ¿Por qué eliges esta obra?

Porque desde que leí El mundo de ayer y Carta de una desconocida, siento una admiración profunda por Zweig y porque hacía tiempo que quería hacer un musical, pero que tuviera enjundia y despertara debate o reflexión entre los espectadores.

La protagonista es una mujer viuda, aristócrata que de repente se da cuenta que no ha vivido la vida y en un momento dado se plan-

tea muchos cambios. ¿Crees que estás en la edad adecuada para entender el comportamiento de esta mujer por su complejidad psicológica y la forma como maneja sus sentimientos?

Ella no se plantea nada, al revés, es el destino (cuyo personaje interpreta Germán Torres, como una especie de demiurgo perverso) el que la empuja ante una situación límite al descubrir a un joven ludópata que está apunto de suicidarse porque ha perdido una fortuna en la ruleta (que interpreta Marc Parejo) y lo que ocurre después, hace que se tambaleen todos sus principios morales y es entonces cuando se da cuenta de que su vida fue una farsa…

Al final de cada función, ¿te sientes más agotada física o emocionalmente?

Las dos cosas me resultan muy intensas pero lo que mas me ha costado es sacar adelante la producción del espectáculo en solitario desde cero.

¿Tienes facilidad para desprenderte de los personajes una vez acaba la función?

Cuando salgo de escena estoy inevitablemente convulsionada, porque lo que vive la Señora C. en 24 horas es el concentrado de todas las emociones que puede vivir cualquier persona a lo largo de su vida, pero con un abrazo intenso a mis compañeros de escena volvemos los tres a la realidad.

Tres músicos, dos actores que te acompañan, una escenografía elegante: lo tuyo es auténtico amor por el teatro. ¿Es quizás el medio que te ha dado más satisfacciones por encima de la televisión o el cine?

No escatimé en recursos para que este espectáculo fuera una joya artística, y tener un gran director como es Ignacio García dirigiendo a un equipo

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primeras figuras de las artes escénicas. Pero ha merecido la pena porque en el Teatro de La Abadia de Madrid tuvimos que prorrogar por el éxito de crítica y público y ahora nos han dado el premio Broadway World Spain como mejor espectáculo musical de pequeño formato. Siento un gran respeto por el público, el teatro y Zweig, así que no podía hacer otra cosa.

La obra ya se ha podido ver por España, pero ahora será la primera vez que la hagas en catalán, con algunos cambios en el reparto. ¿Por qué has tenido tan abandonado el teatro catalán durante tanto tiempo?

Porque no he tenido ocasión cuando me han llamado para hacer algo, por estar comprometida.

Y lo echo de menos. Esta será la primera vez que interpreto sobre un escenario en mi lengua materna: sólo había hecho una lectura dramatizada con Josep Maria Mestres. En cambio, sí que había hecho cine y TV, pero nunca teatro en catalán, y he asumido un esfuerzo económico y artístico, adaptando las canciones y el libreto, contratando a un actor catalán para que interprete el personaje del joven y ensayando otra vez como al principio, para sacarlo todo adelante. Pero todo este esfuerzo lo he hecho con el corazón.

De hecho, el público catalán te recordará de la teleserie Dones d’aigua, pero sobre todo como secretaria del Un, dos, tres, un concurso que llegó a todos los hogares cuando solo existían dos canales y los niveles de audiencia eran estratosféricos. A estas alturas de tu carrera, ¿te agobia que te sigan recordando tu paso por el concurso?

Tuve ocasión, con apenas 18 años, de cantar en el programa para millones de españoles Re-

mena, nena y Tothom jama en catalán, de alguna manera contribuí a la normalización lingüística, jajaja.

Creo que has sido una mujer valiente y arriesgada: en un momento determinado de tu carrera te ofrecieron continuar en televisión como presentadora con un sueldo millonario y renunciaste a la fama fácil para volver al teatro y especialmente al teatro clásico. ¿Querías por encima de todo que el público te considerase una actriz seria y se olvidasen de la sonrisa que cada semana aparecía en el televisor?

Exactamente, y nunca me he arrepentido porque mi amor por la interpretación no pasa por ser famosa o rica si no por apostar por los retos, la cultura y los trabajos que puedan aportar un debate o sentido crítico, y me da igual el género, ya que los he tocado todos, comedia, musical, drama, clásico, tragedia etc.

¿De qué papel en teatro te sientes más orgullosa?

Siempre del ultimo que estoy haciendo y todos me enseñan a entender al ser humano y a ser mejor persona. Nora, de Casa de muñecas; Yerma y Doña Rosita la soltera, de Lorca; Amanda Wingfield de El zoo de cristal; Antonia de Aquí no paga nadie… todas son mujeres que en algún momento se enfrentan a lo establecido o que sucumben ante las rígidas normas sociales y a través de estas heroínas el público puede debatir sobre estos eternos conflictos

¿Recuerdas todavía la primera vez que subiste a un escenario? ¿Qué sentiste?

Si, fue a los 14 en un pueblo de Cataluña que no recuerdo, porque se había puesto mala una

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actriz que tenía una frase y me pidieron que saliera yo a sustituirla, cuando me tocó hablar me quede muda… jajaja.

Volviendo a la obra, este no es el primer musical al que te enfrentas, te hemos podido ver anteriormente en Te quiero, eres perfecto, ya te cambiaré. ¿Te sientes cómoda en el género? La música, en tu caso, ¿te ayuda a expresar un sentimiento?

Me parece una de las artes mas hermosas que se han inventado, ¿te imaginas la vida sin música? A mí personalmente me emociona mucho tener en escena a los tres músicos interpretando en directo esta maravilla de obra musical compuesta por el ruso Serguéi Dreznin, que fusiona

elementos de música vienesa de principios de siglo, elementos jazzísticos, polifonía clásica, armonía cromática de finales del impresionismo, podrían reconocerse Debussy, Ravel, Sitie, Wagner, Kurt Weill, Sondheim. Es una música trepidante, conmovedora y a veces muy inquietante.

No podemos acabar sin preguntarte por tus planes de futuro, ¿dónde te llevará esta obra?

Mi deseo es poder hacer bolos por Cataluña en primavera y seguir con las actuaciones por toda España donde llevamos ya más de 120 representaciones…

Entrevista y fotos: Guillem Medina

FILMOGRAFÍA 2014: Búhos de Roberto Santiago, dentro del trabajo colectivo Mapas de recuerdos de Madrid.

2014: Solo química de Alfonso Albacete, junto a Ana Fernández, Alejo Sauras y José Coronado.

2013: Gente en sitios de Juan Cavestany.

2012: Mi pasión por David de Iván Zuluaga.

2011: Los muertos no se tocan, nene de José Luis García Sánchez.

2010: La noche que no acaba, documental de Isaki Lacuesta.

2010: El gènere femení de Carlos Benpar, junto a Gary Piquer y Fernando Guillén.

2010: La criada, cortometraje de Javier Caldas.

2008: Pájaros muertos de Guillermo Sempere y Jorge Sempere, junto a Eduardo Blanco y Alberto Jiménez.

2007: My Way de José Antonio Salgot.

2007: Freedomless de Xoel Pamos.

2007: Ángeles S.A. de Eduard Bosch.

2005: Cuadrilátero de José Carlos Ruiz, junto a Mathieu Amalric y Jordi Dauder.

2002: Nosotras, ópera prima de Judith Colell, junto a Mercedes Sampietro, Julieta Serrano y un largo etcétera.

2001: Amor, curiosidad, prozak y dudas de Miguel Santesmases, basada en la novela de Lucía Etxebarría.

2001: La biblia negra de David Pujol, junto a Carlos Álvarez y Mónica Randall.

1994: La madre muerta de Juanma Bajo Ulloa, junto a Karra Elejalde y Ana Álvarez.

1984: Los nuevos curanderos de Isabel Mulá, junto a Alicia Orozco y María Isbert.

1984: La gran quiniela de Coll Espona.

1982: Escapada final (título internacional: Scapegoat) de Carlos Benpar, junto a Paco Rabal; supuso el debut de Sílvia Marsó en el cine.

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MOVISTAR +

TELEVISIÓN

SE PONE LAS PILAS

La llegada de Netflix y HBO España, cuyos contenidos originales podían verse antes en el extinto Canal+, ha puesto a temblar a Movistar+ que, además de buscar nuevos proveedores como Showtime, ha decidido lanzarse a la producción de series de ficción propias. Quieren ser un hub de contenidos, dicen ellos. Y aunque las comparaciones con las mencionadas compañías de vídeo bajo demanda les molestan –alegan que Movistar es también entretenimiento, fútbol, deporte... y toros, aunque esto último no lo dicen–, lo cierto es que desde su llegada el panorama audivosual, al menos en el terreno de las series, ha cambiado. Y sin las series de HBO, Movistar necesita otras marcas. La peste, firmada por Alberto Rodríguez, fue una de ellas: «Queríamos dar un paso más con producción propia en español, talento local e historias cercanas. Contar la realidad de aquí. La peste representa el nivel de ambición de Movistar+ en el terreno de la producción de contenido original», explicaba Domingo Corral, director de Ficción Original de la cadena. En los inicios del proyecto, se informó que la compañía invertiría un total de 70 millones de euros en series propias en los próximos años.

Así llegaron a las pantallas de sus abonados un total de cuatro series en 2017 y otras cinco en 2018. A pesar de que La peste parecía la niña bonita de Movistar+, no fue el título que iniciara el ciclo de series propias. Tras Velvet Colección, spin off de una serie de Antena 3, ese honor recayó en La zona, una ficción que firma Jorge

Sánchez-Cabezudo (La noche de los girasoles) junto a su hermano Alberto, quienes ya desarrollaran para la televisión la notable Crematorio de Canal+, que bien podría ser el germen de todo lo que quiere crear ahora la compañía. Se trataba de una serie en tono de thriller sobre unos asesinatos en la zona cero de un accidente nuclear y contaba con Eduard Fernández como protagonista. Tras ella se estrenó Vergüenza, la comedia incómoda que encabezan Javier Gutiérrez y Malena Alterio, cuyos responsables son Juan Cavestany (Gente en sitios) y Álvaro Fernández Armero (Las ovejas no pierden el tren). Esas tres series, junto con la citada La peste, fueron las que abrieron el camino a la ficción de Movistar+, y en este año 2018 ya se han estrenado: Matar al padre, sobre una familia disfuncional de Barcelona, que dirige Mar Coll (Tres dies amb la família); Félix, un proyecto que lidera Cesc Gay (Truman); Mira lo que has hecho, con Berto Romero; El día del mañana, de Manuel Barroso, y más recientemente Gigantes, dirigida por Enrique Urbizu y Jorge Dorado. Otros proyectos que aparecerán próximamente en pantalla son Dime quién soy, adaptación del libro homónimo de Julia Navarro que dirigirá Fernando González Molina (Palmeras en la nieve); y un nuevo episodio de Qué fue de Jorge Sanz, la comedia de David Trueba que va y viene (estrenada en 2010, constó de una sola temporada de seis capítulos).

Como podrá apreciarse, en Movistar+ se ha buscado que todas sus producciones estén firmadas por nombres importantes del cine español, para dar a sus series un aura de calidad.

Dirección: Gustavo Ron y Jorge Torregrossa Guion: Ramón Campos, Veronica Fernández, Teresa Fernández, Gemma R. Neira...

Música: Lucio Godoy Decorados: Alfonso Pizarro Vestuario: Pepo Ruiz Dorado Reparto: Marta Hazas, Asier Etxeandía, Adrián Lastra, Javier Rey, Diego Martín, Llorenç González, Aitana Sánchez-Gijón, Imanol Arias, Adriana Ozores, Mónica Cruz, Megan Montaner, Marta Torné Capítulos: 10 En 2014 Antena3 emitía Velvet, teleserie producida por Atresmedia que llegaría a tener cuatro temporadas sumando un total de 55 capítulos. La serie está ambientada en el Madrid de 1958 en unos grandes almacenes de moda, en la que conviven las pasiones, las alegrías y las penas, en medio de un ambiente aparentemente de lujo y

poderío. la historia no dejaba de ser una especie de Romeo y Julieta en la que Romeo es Alberto Márquez Navarro, un joven y apuesto muchacho destinado a heredar el majestuoso imperio de la moda que hasta ahora gobierna su padre, mientras que ella es Ana Rivera López de Márquez, una humilde costurera que trabaja en las galerías desde que era niña. La serie llegó a tener un 20% de audiencia de promedio por lo que, cuatro años más tarde, Movistar + decide darle una continuacion, esta vez ambientada en la Barcelona de 1967. Pocas referencias a la situación política y social del momento y más referencias a la moda, destacando un vistoso vestuario y nuevas pasiones con personajes que se suben al carro.

El reparto mezcla rostros nuevos con actores clásicos ya del cine español como Aitana SanchezGijón, Adriana Ozores e Imanol Arias. Debido a los altos niveles de audiencia se ha asegurado una segunda temporada y habrá una tercera y final que cerrará todas las tramas.

Dirección: Cesc Gay Guion: Tomás Aragay Música: Arnau Bataller y Jordi Prats Decorados: Irene Moncada Vestuario: Anna Güell Reparto: Leonardo Sbaraglia, Pere Arquillué, Ginés García Millán, Pedro Casablanc, Pep Ambròs, Rolando Raimjanov, Mihoa Lee Capítulos: 6 Félix, después de varios días de esperar noticias de una mujer que ha conocido, decide intentar encontrarla. Se da cuenta que en el fondo la conoce muy poco. Apenas sabe donde vive y menos donde trabaja. Comparte con un amigo suyo, también periodista y que vive en Madrid, el misterio. Su amigo apenas le cree y escucha con incredulidad el relato y su interés por esta mujer

de la que hasta ahora nada sabía. Después de varias series bastante absurdas, por fin Movistar+ apostaba por un producto con cara y ojos, aunque parecía que quería imitar al dedillo el universo Fargo. Para ello se traslada la acción a Andorra, que parece tener un microclima en el que luce el sol y al cabo de media hora está completamente nevado. Sbaraglia pone cada de alelado practicamente todo el metraje e intenta por todos los medios, y por cabezonería, descubrir el secreto de la mujer oriental que ha conocido, cuando nadie le cree y lo toman por loco. En contraposición en esta especie de Quijote, Arquillué interpreta a Sancho, el compañero ideal, bastante más melindroso y desordenado, pero más simpático para el espectador. Después de éxitos de taquilla como Truman o Una pistola en cada mano, Cesc Gay se adentraba en el mundo de las teleseries y aprobaba con buena nota. Esperamos que no sea un único ejemplo y le hayan quedado ganas de repetir.

Dirección: Alberto Rodríguez, David Ulloa, Paco R. Baños Guion: Fran Arújo, Rafael Cobos, Fernando León de Aranoa...

Música: Julio de la Rosa Decorados: Pepe Domínguez del Olmo Vestuario: Fernando Garcia Reparto: Pablo Molinero, Paco León, Sergio Castellanos, Patricia López, Manolo Solo, Lupe del Junco, Antonio Gil, Manuel Morón, Antonio Dechent Capítulos: 6 En la segunda mitad del siglo XVI, Sevilla era la metrópolis del mundo occidental. Puerta de acceso a América, en la ciudad la riqueza florecía con facilidad gracias al comercio internacional, al oro, la plata; a la convivencia de nacionales y extranjeros: cristianos, judíos conversos, moriscos,

esclavos, libertos, pícaros, ladrones, prostitutas, nobles y plebeyos. Pero también era una ciudad de sombras por la desigualdad, las hambrunas y las epidemias. En medio de un brote de peste, varios miembros destacados de la sociedad sevillana aparecen asesinados. Mateo, condenado por la Inquisición, debe resolver esta serie de crímenes diabólicos para lograr el perdón del Santo Oficio y así salvar su vida. Una investigación a vida o muerte en un entorno de represión pública y hedonismo privado; de misticismo y caos; de conventos relajados y burdeles reglamentados; de cárceles como escondite; de hospitales como tumbas; de traiciones y lealtades.

Lo cierto es que a pesar de la excelente factura visual (aunque en algunos momentos la oscuridad se apoderaba de la pantalla), se descuidaron otros factores: a los actores, a parte de no vocalizar, los podrían haber subtitulado y así el espectador no se perdería buena parte de la trama. Habrá segunda parte.

Dirección: Jorge Sánchez-Cabezudo, Alberto Sánchez-Cabezudo Guion: Jorge Sánchez-Cabezudo, Alberto Sánchez-Cabezudo Música: Olivier Arson Fotografia: Daniel Sosa Decorados: Diego Modino Vestuario: Clara Bilbao, Alberto Valcárcel Reparto: Eduard Fernández, Alexandra Jiménez, Emma Suárez, Tamar Novas, Álvaro Cervantes, Marina Salas, Sergio Peris-Mencheta, Manolo Solo, Inma Cuevas.

Capítulos: 8 El inspector Héctor Uría (Eduard Fernández) regresa al servicio tres años después del grave accidente de un reactor nuclear en el norte de España como el único superviviente del primer grupo que acudió en socorro de la central. Ahora

debe investigar el brutal asesinato de un hombre en la zona de exclusión. La serie ganó en 2017 los Premios Feroz a la mejor serie dramática y la mejor actriz secundaria (Emma Suárez). La temporada tarda en mostrar todas sus cartas. Está estructurada así, pero es cierto que puede perder el interés de algunos espectadores al reservarse buena parte de las respuestas. Uno mismo tiene que ir atando cabos, y éstos no siempre son igual de interesantes. Con la resolución del caso que investiga Héctor, quedan muchos otros frentes abiertos en La zona que merece la pena conocer si Movistar+ la renueva por una segunda temporada. Las víctimas del accidente, las identificaciones erróneas de los fallecidos, los secretos que aún oculta Julia… Hay mucho que contar todavía en la serie, por lo que parece ser que habrá una segunda temporada. Los directores son los mismos que Crematorio (2011), primera serie de producción propia de Canal+, basada en la novela homónima de Rafael Chirbes.

Dirección: Berto Romero y Carlos Therón Guion: Berto Romero, Rafael Barceló, Enric Pardo Música: Javier Rodero Fotografía: Ricard Canyellas Reparto: Berto Romero, Eva Ugarte, Mariano Venancio, Carmen Esteban, Chete Lera, Inma Sancho, Anna Gras, Jordi Aguilar, Emilio Gavira, Àlex Monner, Anna Castillo, Luis Tosar, Pepe Navarro Capítulos: 6

Dirección: Mar Coll Guion: Mar Coll, Diego Vega, Valentina Viso Música: Maik Maier Decorados: Lesley Arias Vestuario: Vinyet Escobar Fotografía: Neus Ollé Reparto: Gonzalo de Castro, Paulina García, Marcel Borràs, Greta Fernández, Pol López, Leonardo Salerni, Jordi Pérez, Rachel Lascar Capítulos: 4

Berto y Sandra son una pareja que afronta la aventura de ser padres con la llegada de su primer hijo, Lucas. Una nueva vida que viene sin manual de instrucciones. Él es cómico y presentador de televisión de éxito. Ella es médico anestesista por tradición familiar. Juntos deberán conciliar esta nueva situación en la que su familia, amigos e incluso el mundo, no se lo pondrán fácil. Serie ideal para todos aquellos que son padres.

En la feliz Barcelona postolímpica vive Jacobo, abogado de profesión, hombre despótico y autoritario que controla todos los aspectos de su existencia y la de sus hijos, Tomás y Valeria. Padre obsesivo y disfuncional, no duda en doblegar cualquier obstáculo que se interponga en el bienestar de su familia para encajarlo a la fuerza en su propia visión del mundo, convirtiendo a sus hijos en víctimas de un exceso de amor paterno.

Dirección: Juan Cavestany, Álvaro Fernández Armero Guion: Juan Cavestany, Álvaro Fernández Armero Música: Aaron Rux, Miguel Malla Fotografia: David Azcano Decorados: Natalia Llopis Vestuario: Beatriz San Juan Reparto: Javier Gutiérrez, Malena Alterio, Vito Sanz, Miguel Rellán, Lola Casamayor Capítulos: 10 Jesús y Nuria son una pareja normal con una vida normal, es decir, en crisis permanente. Él es fotógrafo de bodas y bautizos, pero se cree llamado a algo más sublime: la "fotografía artística".

Ella, con una inestable situación laboral, teme no llegar a alcanzar los objetivos con los que soñó siendo más joven. Juntos, además, tienen un pequeño gran problema. En cualquier situación, están abocados a hacer siempre el ridículo.

Dirección: Mariano Barroso Guion: Mariano Barroso, Alejandro Hernández Fotografía: Marc Gómez del Moral Música: Vicente Ortiz Gimeno Decorados: Victor Santacana Vestuario: Mercè Paloma Reparto: Oriol Pla, Aura Garrido, Jesús Carroza, Karra Elejalde, Pere Ponce, Javier Beltrán, Bruna Cusí, Marta Millà Capítulos: 6 Justo Gil, un joven inquieto y lleno de ambiciones, llega como un inmigrante más a la próspera y prometedora Barcelona de los 60, sin nada en los bolsillos y dispuesto a convertirse en un hombre de éxito. La ciudad, en pleno viraje hacia la modernidad, parece sin duda el lugar ideal para ello: un oasis de libertad, posibilidades y futuro en mitad del páramo del franquismo. Basada en el libro homónimo de Ignacio Martínez de Pisón.

Dirección: Enrique Urbizu, Jorge Dorado Guion: Miguel Barros, Michel Gaztambide, Enrique Urbizu, sobre una idea de Manuel Gancedo Música: Mario de Benito Fotografía: Unax Mendía Decorados: Manuel Ludeña Vestuario: Patricia Monné Reparto: José Coronado, Daniel Grao, Isak Férriz, Carlos Librado, Yolanda Torosio, Elisabet Gelabert, Sofía Oria, Juana Acosta, Antonio Dechent, Xenia Tostado Capítulos: 8 Concebida por Manuel Gancedo, el desarrollo de la serie corresponde a Miguel Barros, Michel Gaztambide y Enrique Urbizu (que también dirige junto a Jorge Dorado), quienes nos ofrecen un producto que encaja bien con lo que podríamos

esperar del director de No habrá paz para los malvados: sangriento, duro e hipermasculino, pero también solvente y entretenido. Aquí el planteamiento es tan sencillo como efectivo: la familia Guerrero la componen el patriarca Abraham (José Coronado), al que Urbizu define como «un mefistófeles», y sus tres hijos Daniel, Tomás y Clemente (encarnados por Isak Férriz, Daniel Grao y Juan Carlos Librado «Nene»), quienes por mucho que odien la hostilidad en la que les han criado, no pueden evitar seguir los pasos de su progenitor. Cada uno intentará salvarse a sí mismo, pero están condenados. Todos se vuelven unos contra otros en un carrusel que solo parará cuando la mayoría acaben muertos. El ritmo lo es todo en una serie como Gigantes y va como un tiro, pero también son muy destacables el elenco, las localizaciones (con el centro de Madrid y, en especial, barrio de La Latina como núcleo) y los valores de producción de una serie de primer nivel.

Nuevos rostros MIGUEL HERRERA Lugar y fecha de nacimiento México DF, 11 de diciembre de 1986

¿Qué es lo principal que aprendiste en las clases de interpretación de Cristina Rota?

Uy, aprendí muchas cosas, lo más importante fue aprender a trabajar en dinámica grupal y a darle importancia a la tarea. Son herramientas básicas pero muy importantes, eso mezclado con utilizar un método para no tener miedo al error y a descubrir mi alma a través de personajes creo que son las lecciones que más me han ayudado a crear un «yo actor».

Persona que más te haya ayudado en tu profesión Mis abuelas, el afecto que ellas enseñaban a través de la comida o de reírse de mis chistes, me han fortalecido no sólo como nieto sino que en ellas siempre tenía el público que a veces me faltaba al no estar encima de un escenario.

¿Recuerdas tu primera actuación ante el público?

Por desgracia sí, fue en casa de mis padres, habían venido amigos suyos a comer y organicé con sus hijos y mis hermanas una versión de Los Picapiedra.

Espero que hoy ya me hayan perdonado, yo era auténticamente pesado.

Actores a los que admiras La lista seria interminable. Pero siempre he sentido especial admiración por actores como Phillip Seymour-Hoffman, Dustin Hoffman, Robin Williams, Tom Hanks o Leonardo DiCaprio. A nivel nacional serían Asier Etxeandia, Antonio de la Torre, Roberto Álamo o Raúl Arévalo.

¿Cuál es la interpretación de la que te sientes más orgulloso? ¿Por qué?

Yo creo que con todas he aprendido muchísimo. Diría que le tengo especial cariño al papel de Luke en Tito

e gli Alieni (Tito y los Alienígenas) de Paola Randi, por las enseñanzas al preparar un personaje con una discapacidad psíquica y haber conocido a personas así para poder acercarme a ese personaje.

¿Qué es lo que más te gusta de la profesión, y lo que más detestas?

Lo que más me gusta es el poder emocionarme al «viajar en el tiempo» y leer textos clásicos, hay pocas profesiones en las que algo de hace 3.000 años siga teniendo relevancia hoy en día. Lo que detesto es la incertidumbre, el no saber si al bajarte del escenario o irte del set, sea la última vez que lo hagas. ¿Qué prefieres teatro, cine o televisión?

Me decanto por las tres: lo bueno del teatro es la inmediatez con el público, del cine, el trabajo en equipo y el respeto de roles pero de la televisión me encanta la permanencia, la cotidianeidad con la que el público se puede sentir que eres uno mas de la familia.

¿Tienes agente?

Estaba con un representante, pero decidí no seguir, desde entonces me han salido varias ofertas pero aún no he cerrado nada.

Después de haber vivido en México, Estados Unidos, Alemania, Irlanda, Holanda, Barcelona o Madrid, ¿de dónde te sientes?

Pues es complicado y es muy cliché decirte que soy un ciudadano del mundo, pero la verdad es que siempre soy de fuera, es decir, en España soy el mexicano y en México soy el español.

¿Próximo proyecto?

Tengo varios, uno de televisión, otro de cine aunque lo que veo con más ganas son los que tengo de teatro. Siento que lo importante es moverse continuamente y tener la flexibilidad actoral suficiente para adaptarse a cualquier medio.

Nuevos rostros LAIA MATARÍN Lugar y fecha de nacimiento 28/10/1989 en Terrassa Estudios de interpretación Titulación de actriz en Nancy Tuñon y Jordi Oliver (2017) Persona que más te haya ayudado en tu profesión Lluis Barón, mi profesor de teatro de cuando era una niña, y después su mujer Rosa Aguado. Él falleció.

Primera actuación ante el público Uf, no lo recuerdo, desde bien pequeña siempre hacia festivales en el cole y siempre me decían que era la payasa de la clase, pero en teatro... pues creo que a los 10 o 12 años.

Actores a los que admiras Johnny Depp y Jim Carrey por su capacidad de hacer mil personajes.

Interpretación de la que te sientas más orgullosa. ¿Por qué?

Cuando hice La miré disimuladamente de José Manuel Serrano en Microteatre. Fue algo increíble, mi primera vez con público que pagaba para verme. Fue una experiencia increíble. ¿Qué es lo que más te gusta de la profesión, y lo que más detestas?

Lo que más me gusta es la respuesta del público cuando ha disfrutado viéndote y aprecia tu tra-

bajo. Lo que más detesto son los amiguismos y la hipocresía de este mundo, el enchufe y el querer siempre ser el centro de atención, esto no va conmigo... ¿Teatro, cine o televisión?

Difícil elección... Me encanta el teatro, ya que es en vivo y en directo. Y solo hay una oportunidad de hacerlo bien, esa tensión me gusta mucho.

Pero me encanta también el género audiovisual, ya que tiene otra manera de expresarse y realmente es muy guay poder verte y observar el trabajo que realizas gracias a la ayuda de todo el equipo técnico. ¿Tienes agente?

No, aún no tengo agente. ¿Próximo proyecto?

Actualmente estoy con una compañera actriz, Carmen Lova, que nos hemos hecho un canal de YouTube donde hacemos videos de comedia.

Somos dos actrices que hemos decidido ser youtubers o al menos intentarlo y buscarnos la vida.

Nuestro canal se llama Las Becarias de Youtube y próximamente tenemos entre manos un microteatro... y no puedo decir más. ¿Cómo te gustaría verte profesionalmente hablando en diez años?

Me encantaría poder dedicarme a lo que me gusta. Trabajar de actriz y poder ganar un sueldo digno para vivir. Ya no pido ser famosa ni conocida, poder trabajar y ser feliz.

SÈRIES de TV3

(1a part)

Estació d’enllaç era una sèrie de televisió dramàtica ambientada a la dècada dels 90 en una estació de tren. En aquest entorn tan connotatiu, un seguit de personatges fixos, habituals, conviuran amb uns altres d’esporàdics, que serveixen d'excusa argumental. La sèrie fou produïda per Televisió de Catalunya, amb els guions de Jaume Cabré i Piti Español. Consta de 140 episodis i es va emetre per primer cop entre els anys 1994 i 1999. Cada capítol durava entre 45 i 50 minuts. La trama succeïa dins el vestíbul d'una estació de tren barcelonina en l'interval de temps que va de les 5 de la tarda a les 11 de la nit. En el repartiment destacaven actors consagrats com Josep Maria Pou, Mercè Arànega, Ramon Madaula, Marta Angelat o Francesc Orella, amb altres que en aquell moment començaven en el món de la interpretació com Aina Clotet o Laia Marull. Va ser la primera sèrie de TV3 que va enganxar els espectadors.

Oh! Europa! fou una sèrie còmica de TV3 de 1993, dirigida per Eduard Cortés i Joan Lluís Bozzo i a càrrec de la companyia Dagoll Dagom.

Va constar de 13 capítols, de 30 minuts de durada cadascun. En cada capítol els personatges visitaven un país comunitari i els integrants del grup de viatjants adquirien protagonisme segons el lloc. Dotze afortunats provinents de diversos indrets de Catalunya i del País Valencià guanyen un sorteig d'una entitat bancària, el premi del qual és un viatge en autocar recorrent els dotze països de la Unió Europea. Les seves aventures i vicissituds, junt amb les de la guia i el xofer, són les protagonistes de la sèrie, que en cada capítol visita un país diferent. En el repartiment trobem actors com Pep Cruz, Montserrat Carulla, Victòria Pagès, Montse Pérez, Marc Cartes i Rosa Gàmiz. I com a convidats hi vam poder veure Pepe Rubianes, Guillermo Montesinos, Mario Pardo o Ramon Madaula, entre d’altres.

Poble Nou va ser una sèrie de televisió de ficció catalana, dirigida per Joan Bas i Jaume Banacolocha i guió original de l'escriptor Josep Maria Benet i Jornet. Fou estrenada el 10 de gener de 1994 per TV3 i consta de 192 episodis de 25-30 minuts de durada cadascun. És considerada la primera telenovel·la produïda per TV3, fet que va convertir la cadena en pionera a l'estat espanyol en la producció d'una sèrie de ficció diària. L'eix argumental és la família Aiguadé: l'Antònio, la Rosa i els seus tres fills. Gràcies al fet que encerten un dia la loteria amb els números 1, 2, 3, 4, 5 i 6, es traslladen a viure a la Vil·la Olímpica, a la part nova del barri del Poblenou.

L'Antònio es queda la bodega de la seva tieta Victòria, que viu a la part antiga del barri, i hi obre un supermercat que per la porta de davant dóna al barri nou i per la del darrere, a l'antic. En el repartiment destacaven Miquel Cors i Margarida Minguillón i un joveníssim Quim Gutiérrez.

Teresina S.A. va ser una sèrie de televisió del tipus comèdia de situació, creada i interpretada per La Cubana i produïda per Televisió de Catalunya l'any 1992. Fou estrenada a TV3 el 2 d'abril d’aquell any. Està formada per tretze episodis de trenta minuts de durada cadascun. Les Teresines són tres germanes solteres i jubilades, que viuen juntes en un pis al barri barceloní de Gràcia, on bàsicament, juntament amb la resta de veïns (tots molt pintorescos i divertits), es passen el dia xafardejant i treballant en l'economia submergida, preparant comandes a casa seva. Cada episodi conté una història independent on les situacions provocades pels personatges fan que els embolics siguin gairebé constants. La sèrie és considerada un petit homenatge a les mares, tietes, oncles, veïnes, amics, botiguers, nens i nenes «teresines». En el repartiment van destacar Mercè Comes, Mont Plans, Anna Barrachina y José Corbacho.

Porca misèria era una sèrie de TV3 produïda per Arriska Films i dirigida per Joel Joan. Es va emetre a TV3 del novembre de 2004 al desembre de 2007 i posteriorment s'ha reemès a TV3 i al Canal 3XL. El protagonista de la trama és en Pere Brunet (Joel Joan), guionista del programa de nit de moda Una estona amb la Cardona i, més endavant, de la sitcom La mama no m'estima. És insegur, neuròtic, victimista i viu estressat, però té una gran imaginació. La seva parella és la Laia (Anna Sahun), una doctora en biologia que es dedica a la investigació contra el càncer. És optimista i vital i té un gran afany de superació, valora molt la seva feina i sovint li dona més importància que no pas a la vida privada. En el repartiment també hi havia actors com ara Mercè Martínez en el paper de la Natàlia, una traductora i intèrpret; Julio Manrique, que dona vida al pocavergonya simpàtic de l'Àlex; Mercè Sampietro com la Cardona, o Clara Segura.

Ventdelplà va ser una sèrie dramàtica creada per Josep Maria Benet i Jornet i produïda per Diagonal TV que es va emetre per Televisió de Catalunya durant set temporades, entre el 14 de febrer de 2005 i el 17 d'octubre de 2010. La sèrie narra com una dona de Barcelona intenta refer la seva vida al poble imaginari de Ventdelplà després de fugir dels maltractaments del seu marit. La majoria de les escenes exteriors de Ventdelplà es van rodar al poble de Breda, a la comarca de la Selva. Les escenes que passen en una ciutat (Barcelona o Girona), es van rodar generalment a Sant Celoni. La protagonista principal (Emma Vilarasau) es trasllada a Ventdelplà amb els seus dos fills (Georgina Latre y Carlos Cuevas) fugint d’un marit maltractador (Jordi Boixaderas). Allà coneixerà nous amics lluny de la ciutat i del món que fins aleshores coneixia. En el repartiment trobem actors habituals de la cadena, com ara Ramon Madaula, Marc Cartes, Pep Cruz o Boris Ruiz.

Laberint d'ombres fou una sèrie diària de Televisió de Catalunya emesa entre l'any 1998 i el 2000. Fou dirigida per Xavier Berraondo, Idelfons Duran, Francesc Llobet, Sílvia Quer i Esteve Rovira, i escrita per Josep Maria Benet i Jornet, Enric Gomà i Andreu Martín. La trama de Laberint d'ombres transcorre a Sabadell en dues direccions paral·leles que tindran importants punts de contacte. Hi coneixerem l'esdevenidor de la rica família Aymerich, la vida de la qual gira al voltant de la seva empresa, ALA Transports, i també la de la família Pedrós, de classe social mitjana baixa. Des del primer capítol fins al capítol 336 (emès el 27 de desembre del 1999, en el qual els personatges viuen el final del mil·lenni) la sèrie se situa en l'època actual (anys 1998 a 1999) i, a partir d'aquell capítol (i fins al final), hi ha un salt temporal de set anys.

Secrets de família fou la segona telenovel·la d'emissió diària que va emetre TV3 durant l'any 1995, com a successora de Poble Nou. Aquesta vegada, l'acció succeïa a Girona. Va tenir una mitjana de 678.000 teleespectadors. En aquest cas el triangle amorós es produeix entre Dolors Alsina (Montse Guallar), Narcís Riera (Sergi Mateu) i August Pagès (Joan Massotkleiner), el dolent de la pel·lícula. En el repartiment tornem a trobar rostres ja coneguts de la petita pantalla com Montserrat Carulla (Martina Comes), Núria Hosta (Joana Alsina), Pere Arquillué (Àngel), Eduard Farelo (Serrats), Abel Folk (Francesc Vidal), Rosa Novell (Maria Lluïsa Rocamora), Lluís Soler (comissari Cortès) o Emma Vilarasau (Laura Cufí).

La sèrie gironina va constar de 190 capítols que van tenir amb el cor encongit els espectadors durant tot un any.

Nissaga de poder va ser una telenovel·la emesa per TV3 de 1996 a 1998. La idea original fou de Josep Maria Benet i Jornet i adaptada per Jordi Galceran i Lluís Arcarazo. El repartiment, amb més de 30 actors principals, estava encapçalat per Emma Vilarasau i Jordi Dauder, que a la sèrie feien d'Eulàlia i Mateu Montsolís, dos germans propietaris d'unes caves al Penedès, membres d'una rica família que es movia en la hipocresia de l'aristocràcia. L'eix de la sèrie, de fet, és la seva temàtica, molt polèmica quan es va emetre, en la qual hi trobem en abundància els enganys i les traïcions, els assassinats, les juguesques frívoles, l'enveja, l'avaricia, les relacions incestuoses, la crítica a la hipocresia, l'homosexualitat, els xantatges i el joc brut, així com les relacions més tèrboles entre els membres d'una poderosa família enmig d'una atmosfera asfixiant.

La Riera ha estat la telenovel·la de TV3 predecessora de l’actual, Com si fos ahir. S’estrenava el diumenge 10 de gener del 2010, 16 anys justos després de l'estrena de la primera telenovel·la de la cadena, Poblenou, en substitució d'El cor de la ciutat. La Riera va estar durant 8 anys en antena, amb 1.534 capítols, creada pel dramaturg i guionista televisiu David Plana. La Riera és la història d'una família que regenta un restaurant en un poble fictici de la costa del Maresme que es diu Sant Climent, no gaire lluny de Barcelona. L'acció comença quan el patriarca de la família, l'Ignasi Guitart, reuneix la seva dona i els seus fills per explicar-los que deixarà la direcció del restaurant i marxarà del poble. La notícia agafa tothom de sorpresa i provoca una sotragada emocional i un canvi de rols a la família que seran el motor de la primera temporada de la sèrie.

TEATRE

PEP ANTON MUÑOZ I JAUME CASALS

Van ser «parella de fet» a la telesèrie «La Riera» i ara tornaran a coincidir al teatre amb «Eli», de Roc Esquius, a la sala Versus Glòries

P

TEATRE

otser a aquestes alçades de la pellícula el record del Peris encara persegueix el Pep Anton Muñoz (Barcelona, 1956): és el problema de la popularitat televisiva. Però la seva carrera va molt més enllà de la telesèrie El cor de la ciutat. Als vuitanta va ser el rei dels musicals (La botiga dels horrors, Casem-nos una mica, Estan tocant la nostra cançó...), té una extensa carrera com a doblador i a les televisions espanyoles també se’l va poder veure a Grand Hotel, on interpretava el detectiu Ayala de grans bigotis. A partir del 18 de novembre el podrem veure a la sala Versus Glòries amb l’obra Eli, amb text de Roc Esquius i dirigit per Antonio Calvo.

D’on va sortir la idea de fer un projecte teatral amb el Jaume Casals, l’actor amb qui vas coincidir a La Riera?

De la complicitat que va sorgir entre tots dos treballant junts. No volíem deixar passar la possibilitat de continuar fent-ho i un camí era el teatre.

El Jaume va parlar amb el Roc Esquius i li va proposar que ens escrivís una obra per a tots dos. El Roc va acceptar i així va néixer Eli.

Com definiries una obra com Eli? L’obra ens parla del desencontre d’un pare i d’un fill que no acaben de trobar el seu lloc en la seva relació. La seva vida està marcada per uns fets terribles que els condicionen desmesuradament i fan molt difícil que s’entenguin. Drama, incomprensió, distanciament, tendresa, també comicitat i un mon màgic i misteriós que sempre estarà present, componen la partitura d’Eli. Com és el teu personatge?

Deliciós...

Encara que està ambientada en un futur incert, és fàcil d’entendre les diferències generacionals que s’hi plantegen?

Absolutament. Les diferències generacionals formen part de la genètica humana i sempre ens

acompanyaran. Tanmateix he de dir que a Eli no son ni de bon tros el problema més important.

Com veus la preparació dels actors joves que tot just comencen ara?

No penso que es pugui generalitzar. Afortunadament avui dia els joves tenen més eines per formar-se que els actors de la meva generació.

Institut del Teatre, col·legis especialitzats, música, cant, dansa. El Jaume n’ha tocat unes quantes, d’aquestes disciplines, però de natural té una cosa fonamental: una gran intuïció i una energia desbordant. És un actor que arrisca sempre.

Tornant a La Riera, acceptar un personatge com l’Emili Avellaneda va ser voler trencar de cop amb la imatge potser dolça i entranyable del Peris que tenien els espectadors, si més no aquí a Catalunya?

No diré que no. El Peris va deixar una empremta magnífica entre el públic, jo diria que en excés perdurable, i volia desfer l’encanteri i deixar-lo descansar. L’Avellaneda em va oferir aquesta possibilitat i la vaig aprofitar. Tanmateix hauria fet l’Avellaneda a ulls clucs, amb l’ombra del Peris o sense.

Gaudeixes més amb un personatge malvat i recargolat?

Gaudeixo amb tots els personatges siguin com siguin, els estimo amb tota l’ànima. És la mare dels ous. És fonamental. Reconec, però, que un malvat comporta més risc i dificultat per fer-lo creïble i aconseguir-ho pot resultar més gratificant.

Encara hi ha una certa por de tocar el tema de l’homosexualitat en les sèries de la televisió?

Em sembla que no. És més, comença a ser un tema recurrent dins les trames de les sèries i això està molt bé. Amb tot, la millor resposta a aquesta pregunta seria que no tingués cap interès que me la fessis.

TEATRE

Fa uns anys vas patir una greu malaltia, un tumor a les cordes vocals, ara per sort ja superat. Com vas viure aquells moments?

Amb molta angoixa i molta por. Vaig tenir la sort de tenir una tractament mèdic encertat i un suport familiar i amical impagable. I me’n vaig sortir.

Una bona part de la teva feina és el doblatge: amb quin actor et sents més còmode dels que has doblat?

La comoditat no determina la meva feina, és més aviat una connexió que s’estableix entre l’actor original i l’actor de doblatge. Ser fidel i reproduir en la teva llengua el que un altre ha creat, amb honestedat i sense filigranes, oblidar-te de «tu» per intentar convertir-te en «ell» (o en «ella», que de vegades també toca) és d’una dificultat extrema. És higiènic i encoratjador fer aquest exercici d’humilitat.

Han canviat molt les condicions de feina en el doblatge en els darrers anys?

Tècnicament sí i per a bé. Socialment i econòmicament, m’estimo més no parlar-ne.

Tu has fet un bon grapat de musicals: La botiga dels horrors, Estan tocant la nostra cançó, Casem-nos una mica... Com veus el gènere i les obres que es representen ara als nostres teatres?

El gènere està en plena forma. Barcelona i encara més Madrid tenen una graella d’ofertes prou farcida per a tots els gustos als seus teatres. Musicals reconeguts, autòctons i també de petit format hi conviuen sense problemes. És com ha de ser. La cultura en totes les seves diferents formes d’expressió configuren l’ADN d’un país.

Ets seguidor del gènere musical? Quin és el teu autor favorit?

Naturalment que sí. El meu autor preferit (ja tot

un clàssic) és, sens dubte, Stephen Sondheim.

El mestre Sondheim.

Aquesta temporada et podrem veure també amb un Shakespeare al Teatre Nacional de Catalunya, Afanys d’amor perduts. Com serà el teu personatge?

Jo faré de Boyet, la mà dreta de la reina. I sincerament encara no sé com bellugarà aquest per ara desconegut personatge.

Son vàlids i reconeixedors encara els arguments de Shakespeare en els nostres dies?

Els clàssics sempre ho són. I el mestre William se n’emporta la palma.

Et resulta mes fàcil enfrontar-te a un clàssic o t’estimes més arriscar-te amb un autor novell?

El clàssic ja ha parlat i ha deixat el seu missatge, la seva empremta; que pots reproduir fidelment o utilitzar-lo per explicar una història teva a través de les seves paraules, reinterpretar-lo que se’n diu (gairebé sempre han traspassat i no poden queixar-se). L’autor novell o «viu» vol que es materialitzi allò que ell ha escrit i difícilment admet canvis; suggeriments potser sí. No és el cas del nostre autor «viu», el Roc Esquius, que és una esponja i sempre està obert a tot. Admirable, el Roc. En qualsevol cas, el risc sempre és risc, ja sigui amb un clàssic o amb un autor novell o «viu». Benvingut, risc.

Què ha de tenir un personatge perquè t’interessi interpretar-lo?

De tot.

Més enllà de l’obra al TNC, quins projectes tens per endavant?

Ja t’ho diré quan em truquin per telèfon i em proposin alguna cosa. Sóc al mercat i ben viu.

TEATRE

V

as coincidir amb el Pep Anton Muñoz a La Riera, on teníeu una relació sentimental bastant complexa, i penso que es va establir una bona amistat. Va ser llavors quan vau decidir que potser en un futur faríeu un projecte teatral junts?

El primer moment que ens vam abraçar amb el Pep vam sentir que passarien coses molt maques. I tant ell com jo no volíem que això acabés només a la televisió, ho havíem d’aprofitar de la manera que fos. Hem tingut (i encara tenim) una complicitat molt forta. Ha hagut de passar un any des d’aleshores... però som aquí a punt d’estrenar una història molt maca i jo sóc feliç de compartir-ho amb ell.

Què vas aprendre del Pep Anton com a actor i com a persona?

El Pep, sens dubte, és molt generós, respectuós i un professional de cap a peus, això m’ho demostra cada dia: m’ha ensenyat a no córrer quan dius un text, a respirar-lo, només d’aquesta manera l’entendràs tu i faràs que el públic sigui còmplice i entengui la història que estàs explicant. Veure’l actuar és una master class d’interpretació i, a mi que m’agrada tant sempre mirar, em sento molt afortunat d’aprendre al seu costat.

M’ensenya dia rere dia a estimar-me la professió, em recomana pel·lícules, musicals, clàssics que com a actor no em puc perdre. Coneixe’l ha estat sens dubte el millor regal que em podien haver fet l’any passat. De fet, diria més: posa un Pep Anton a la teva vida.

Què et va atreure del projecte Eli? Em va atraure que la sala Versus Glòries hi estava interessada (ens ho ha posat molt fàcil) i em donava l’oportunitat de fer teatre amb el meu amic Pep Anton, que, com he dit abans, no volíem que això acabés, ens havíem de trobar i com més aviat millor. També que el Roc se

sumés a aquest projecte va ser la peça clau: sense autor no hi ha obra i he anat veient tot el que ha fet el Roc, em mola com escriu i era una bona oportunitat per tornar a trobar-nos després de coincidir també a La Riera. Tal com he dit, sense autor no hi ha obra i quan vaig llegir Eli per primer cop em van passar moltes coses per dins i tenia unes ganes tremendes de posarm’hi. I l’arribada de l’Antonio Calvo ha estat clau, s’ha fet seva l’obra i l’ha entès com ningú, treballar amb un equip així... no té preu, és garantia que tot sortirà bé.

Com descriuries el teu personatge?

Intel·ligent, emocional i evolutiu.

El paper d’Eli ha estat el personatge més intens que havies interpretat mai?

No, però sí que potser és un dels més difícils que m’he preparat. Té un món increïble a dins aquest personatge que no m’hi assemblo gens, però estic content, l’estic entenent, i potser el més complicat és que l’entenc emocionalment, sempre al costat i de la mà de l’Antonio i el Roc, que fan que cada dia pugui anar descobrint més coses sobre el personatge i a mi això em fa créixer com a actor.

T’ha estat fàcil identificar-te amb ell?

Fàcil no ho ha estat, perquè li han passat certes coses que a mi com a Jaume no m’han passat ni hi he passat i és complicat. Però el viatge que hem fet ha estat molt interessant i m’he permès sorprendre’m i a partir d’aquí tot surt sol. Quan hi ha l’entrega per part teva d’aprendre tot anirà a favor, i precisament això és el que té de bonic aquesta professió.

Coneixies la trajectòria del Roc Esquius?

Sí, tot el que ha anat fent com a autor, director i actor ho he anat veient; segur que me n’he perdut alguna obra, però intento seguir-ho tot. El

TEATRE

Roc m’agrada perquè és jove, el paio en sap molt, és així, i hi ha estat cada dia, com a autor tenia una idea al cap que, posada en escena de la mà de l’Antonio, coincidia bastant. Però si no el Roc sempre s’apunta notes i al final de l’assaig es posa en comú el que ha vist i que potser no funciona i el que sens dubte era tal i com ho havia pensat. L’autor en el procés de creació és una peça fonamental i que hi sigui ell aquí és una passada.

Com és l’Antonio Calvo com a director?

Tot un descobriment. Ràpid, culte, intel·ligent, amb les idees clares... L’Antonio té una manera d’explicar-te els dubtes que tens amb uns exemples claríssims que com a actor ho agafes a la primera i de manera ràpida. A mi que em diguin «Imagina’t que ets foc i vas pel bosc cremant-ho tot...» la veritat és que com a exercici de classe m’interessa, però en el procés d’assajar no, ja que tens poc temps i has d’anar a la idea. Els acudits no poden faltar, he he he. M’ha redescobert el cine clàssic, el tenia perdut i gràcies a ell estic tornant a mirar classes magistrals d’interpretació. Sempre marxo de l’assaig amb un concepte / lliçó nou i diferent, n’aprenc al seu costat i em sento afortunat.

Cap a on voldries que anés encaminada la teva carrera?

M’agradaria que el dia de demà em donés de menjar: fa vuit anys que tinc la sort de no haver hagut de deixar de banda aquest ofici tan meravellós. I no m’agradaria deixar de fer-ho.

Quin mitjà prefereixes: el cinema, la televisió, el teatre?

No em vull privar de res, tinc la gran sort que ho he pogut tocar tot i m’encanta, em sento molt còmode davant de les càmeres i d’un públic en directe. He tingut la sort de formar-me i d’aprendre

de molts professionals. Cada mitjà té coses positives. El que no m’agradaria deixar mai de fer és teatre.

En el teu currículum hem vist unes quantes obres musicals. Com et defenses en el cant i el ball?

M’he format a l’escola Aules, una escola de teatre musical: allà vaig començar fent les tres disciplines i la veritat és que m’agradava bastant; per una qüestió econòmica els anys següents vaig anar retallant fins que em vaig quedar amb la interpretació, que això sabia del cert que no volia que m’ho toquessin. M’agrada molt cantar: de fet, em van donar la primera oportunitat per fer-ho el mateix any que vaig entrar a l’escola fent el musical El llibre de la selva. Allà anava agafat de la mà de la Susanna Domènech, que em va fer confiar molt en la meva veu i a no deixar-ho. Toco la guitarra i sempre tinc alguna excusa per cantar. I el ball potser és el que porto més fluix, però no tinc problema per aprendre’m una coreografia, crec que no sóc arrítmic i t’ho podria colar molt bé. Sóc molt cabut i fins que no em surt el que he de fer no paro d’intentar-ho.

No descartes l’opció d’anar-te’n a Madrid o a l’estranger?

No ho descarto, m’agradaria molt marxar a treballar fora de Catalunya, però amb això sí que em considero poc valent, ja que si marxo ha de ser amb alguna cosa segura. Però vés a saber, ara t’estic responent això i potser el mes que ve m’agafa una neura i marxo deixant-ho tot.

Quins són els teus propers projectes?

De moment no tinc res més a la vista un cop acabi Eli. Estaria molt bé que no s’acabés aquí, sinó que sortissin bolos i poguéssim disfrutar-ho molt més. Sóc al mercat i amb moltes ganes d’aprendre.

TEATRO ESTRENOS

L’omissió de la família Coleman Teatre Romea Del 26 de octubre al 9 de diciembre

Escape Room Teatre Goya Del 10 de noviembre de 2018 al 3 febrero de 2019

Una família en el límite de la disolución, una convivencia imposible. La incapacidad para hablar de lo que nos pasa. Un padre ausente, una madre infantilizada, hijos con discapacidad y alcoholizados...

Todos se sostienen sobre el único miembro de la família con cierta autoridad, la abuela, que está agonizando. Versión catalana de uno de los espectáculos argentinos más aplaudidos y representados de los últimos tiempos.

Dos parejas de amigos de toda la vida quedan para hacer un Escape Room en el barrio de Hostafrancs, donde recientemente se ha encontrado, en un contenedor, el cadáver de un hombre descuartizado... Los cuatro amigos piensan que les espera un juego divertido para pasar el rato, poner a prueba su inteligencia y reír un poco. Pero en cuanto la puerta de la habitación se cierra herméticamente y empieza la cuenta atrás, empiezan a pasar cosas extrañas. Salir de aquel Escape Room no será nada fácil, y el juego se convertirá en un infierno.

Dirección: Claudio Tolcachiir Autor: Claudio Tolcachir Traducción: Jordi Galceran IIuminación: Albert Faura Ayudante de dirección: Daniela Feixas Reparto: Roser Batalla, Bruna Cusí, Josep Julien, Cesca Piñón, Vanesa Segura, Ireneu Tranis, Sergi Torrecilla, Marc Rodríguez

Dirección y autores: Joel Joan, Hèctor Claramunt Escenografía: Joan Sabater Vestuario: Ariadna Julià Reparto: Joel Joan, Oriol Vila, Àgata Roca, Paula Vives

Othello La Villarroel Del 30 de octubre al 11 de novembre

Dirección: Oriol Tarrasón Autor: William Shakespeare Producció: Les Antonietes Producción ejecutiva: Raül Perales y Annabel Castan Reparto: Òscar Intente, Arnau Puig, Aida Oset

La ciudad de Venecia otorga plenos poderes a Othello para gobernar, puesto que ha demostrado que nadie está más preparado para este cargo que él. La primera decisión que toma es denominar consejero a su amigo Cassio. Todo el mundo está de acuerdo. Todo el mundo menos Yago, que con el único propósito de despertar los celos de Othello se inventará una historia de amor entre Cassio y Desdémona, recién casada con Othello, para enemistar a sus dos rivales. Un clásico de los que vale siempre la pena recuperar.

24 hores de la vida d’una dona Onyric Teatre Condal Del 7 al 25 de noviembre

Dirección: Ignacio García Texto y letras: Christine Khandjian y Stéphane Ly-Cuong Música: Sergei Dreznin Dirección musical: Josep Ferré Reparto: Sílvia Marsó, Marc Parejo, Germán Torres

Tras el éxito obtenido en el Teatro de La Abadía de Madrid, donde tuvieron que prorrogar las representaciones, Sílvia Marsó y su compañía estrenan en Barcelona el espectáculo musical basado en la novela homónima del prestigioso Stefan Zweig. Acompañados en directo por un ensamble de cámara, los actores nos conducirán hasta Montecarlo, la Riviera, Viena…

Una historia sobrecogedora, tórrida, trepidante, con una mirada irónica y mordaz sobre la sociedad y unos personajes cargados de fuerza que se debaten entre el bien y el mal.

LA ENTREVISTA

RICARD REGUANT

«Da la casualidad que de los mejores recuerdos que tengo son de aquellas obras que en su día fueron auténticos fracasos»

LA ENTREVISTA

E

n los últimos meses hemos podido ver en el Teatre Apolo montajes como Rouge: Fantastic Love, ...Y no quedará ninguno o el ahora más reciente Sherlock Holmes y el destripador. Destrás de todos estos está Ricard Reguant (Barcelona, 1953), un hombre que ha hecho prácticamente de todo en el mundo del espectáculo, empezó como actor infantil, se conviertió en director de cine porno, realizó programas infantiles para TV3 y revolucionó el mundo del musical en este país. Por eso teníamos ganas de entrevistarlo aprovechando su último estreno.

Acabas de estrenar Sherlock Holmes y el destripador en el Apolo, una obra que plantea un caso ficticio del famoso detective creado por Arthur Conan Doyle en 1887. ¿Por qué crees que sigue interesando y está tan de moda, siglos más tarde, la figura de este detective?

Porque es el modelo que luego se ha ido utilizando en muchísimas mas ocasiones, desde Colombo hasta CSI o Mentes criminales... todos parten de sus deducciones... Y sobre todo porque es un personaje muy interesante con su gran carga de ambigüedad tanto sexual como humana. Claro que también está rodeado de otros personajes igualmente curiosos como Watson, Mycrof, Lestrade... etc.

De todas las películas, series de televisión, etc. que se han realizado sobre Sherlock, ¿con cuál te quedarías? ¿Cuál crees que ha sido la versión más fidedigna a las novelas originales?

No hay ninguna absolutamente fidedigna; quizás las que han versionado sobre El perro de los Baskerville, tanto las de Basil Rathbone o Peter Cushing como la de la adaptación moderna de

la serie de la BBC. Pero en casi todas siempre está el «espíritu» de Arthur Conan Doyle. Por ejemplo, a mí me gusta mucho Asesinato por decreto, con unos estupendos Christopher Plummer y James Mason como el detective y su amigo.

No es la primera vez que diriges una obra teatral policíaca o con un tono de misterio: La huella, Misery, Sola en la oscuridad o Diez negritos. ¿Te interesa especialmente este género?

Ya me gusta en el cine. Luego soy un asiduo lector de novela negra, incluso hice una serie para TV3 llamada Crònica negra basada en relatos de Andreu Martín. Pero ese mundo llevado al teatro es aún más interesante por las barreras que ofrece un escenario que el espectador siempre ve en plano general.

El cine siempre ha sido fuente de inspiración para ti, sobre todo en el caso del musical: West Side Story, Siete novias para siete hermanos, Cantando bajo la lluvia, Grease… ¿Coger un film emblemático con un reparto mediático es la fórmula del éxito seguro?

No hay formula de éxito seguro. Quien crea que la tiene se equivoca. Darryl F. Zanuck, que era el productor más poderoso de Hollywood, tenía un cartel sobre su despacho que decía: «En este oficio nadie sabe nada», y es absolutamente cierto. ¿De cuál de tus obras teatrales te has sentido más orgulloso? ¿Por qué?

Las obras son como hijos, y ya sabes que a los padres les gustan sus hijos unos porque son guapos y otros porque son feos. Da la casualidad que de los mejores recuerdos que tengo son de aquellas obras que en su día fueron auténticos fracasos.

LA ENTREVISTA

De hecho, aquí en el Apolo no estamos muy lejos de donde debutaste como actor, ya que con pocos años actuaste en el Teatro Español, la actual sala Barts. ¿Por qué en un momento dado decides pasarte al otro lado de la cámara y deja aparcada tu faceta como actor?

En el Teatro Español (ahora Barts) yo debuté como director a los 17 años con la compañía de mi tío Lluís Nonell y tuve el primer gran éxito de mi vida. Era un vodevil llamado Las mujeres de mi marido. Como actor mi debut fue en el Teatro Romea a la edad de tres meses, y desde entonces nunca dejé de actuar hasta los 27 años en los que me corté la coleta de actor para pasar entre cajas o detrás de la cámara.

En tu currículum como director cinematográfico ha habido docenas de films de los clasificados «S»; vamos, de la época del destape.

Algo de lo cual nunca te has avergonzado ni has intentado taparlo (de hecho, tienes un blog donde explicas aquella época con sabrosas anécdotas), aunque en aquella época firmabas con el pseudónimo de Richard Vogue. ¿Toda aquella etapa fue un aprendizaje de lo que has hecho posteriormente?

Sin duda yo aprendí muchísimo de aquella época.

Eran rodajes hechos con una gran rapidez (y no había video en aquellos días), estaba rodeado de grandes profesionales de los que aprendí todo lo que puedo saber aún ahora. No solo no me arrepiento, sino que reivindico este tipo de cine que permitió que existiera una industria gracias a sus éxitos en taquilla, que hizo que los productores se arriesgaran a hacer luego otro tipo de cine más comprometido.

¿Cómo explicas la gran explosión de films eróticos de mediados de los setenta que fueron líderes de taquilla y que una década más tarde ya no interesaban a nadie?

Fue el boom de la represión. Habíamos estado tanto tiempo sin ver señoritas desnudas o en

paños menores que el españolito se fue a des reprimirse a las salas de cine. Fue el producto de una época que duro unos años, y naturalmente tuvo que acabarse porque no había nada más que la excusa de enseñar carne. No eran films realizados para llevarse premios, solo para mantener la industria. Claro que siempre había algún iluminado que se creía que era poco más que Orson Welles, pero en general los que hicimos este tipo de cine, sabíamos perfectamente de lo que estábamos trabajando, y nos servía como experiencia y para ganarnos un sueldo.

¿El cine del destape fue básicamente machista?

Sin duda. Todo el cine erótico o pornográfico es, o era, absolutamente machista. Ahora ya no tengo ni idea, pero en aquellos días el 99% de los espectadores eran hombres, y quizás alguna mujer que acompañaba a su marido o alguna lesbiana que en aquel momento no podía salir del armario. Pero todo estaba pensado para satisfacer las ansias de voyeur del españolito reprimido (que en realidad éramos casi todos).

¿Recuerdas alguna actriz del destape con especial cariño?

Las recuerdo a todas, fueron grandes compañeras, a las que se valoraba poco como actrices, a pesar de que alguna luego hizo carrera en un tipo de cine distinto. Pero me acuerdo sobre todo de dos que desaparecieron en trágicas circunstancias y eran unas personas estupendas: Laly Espinet (Andrea Albani) y Concha Valero.

Del destape pasaste a trabajar en TV3 en sus inicios como realizador de programas, incluso infantiles. ¿Cómo recuerdas aquellos quince años?

Fueron maravillosos. Inventábamos la televisión a cada momento y teníamos unos gestores que nos permitían y nos animaban a crear programas y series distintas a las que se veían en los otros

LA ENTREVISTA canales. Gracias a ellos pude hacer Mecanoscrit del segon origen o una serie musical (la primera que se hacía en toda España) como I ara què, Xènia?, o Quico el progre... También estuve rodeado de gente joven con gran ímpetu y con ganas de hacer cosas distintas, productores, cámaras, guionistas... todos los que estuvimos en el principio de TV3 recordamos aquella época como de las mejores de nuestras vidas. Luego, claro, las cosas fueron cambiando.

Fuiste uno de los impulsores del teatro musical en este país, cuando pocos se atrevían. Incluso montaste una escuela musical, Memory, para descubrir y formar nuevos talentos. ¿Están ahora mucho mejor formados los actores de musical que en aquella época?

Cuando yo me metí en lo del musical de manera absoluta, me di cuenta de que por muchas ganas que tuviera de hacer grandes obras, la realidad era que no había gente preparada. Mi obsesión era montar West Side Story, pero era imposible.

De manera que se me ocurrió montar una escuela de teatro musical, que fue la primera que hubo en el país. Y al cabo de cuatro años pude empezar a hacer ya musicales con actores y actrices bastante preparados que son los que hoy en día encabezan los musicales que se hacen en España. Luego todos copiaron la formula que yo me había inventado de programa de estudios, y hoy en día está plagado de escuelas que hacen lo mismo. Aunque debo reconocer que la gente sale mucho más preparada y hoy hay chicos y chicas que pueden plantar cara a cualquier interprete de Broadway.

A partir de 1995 empiezas a trabajar en Madrid de forma regular. ¿Notas una diferencia entre el público catalán y el de la capital?

Lo que noto es lo que significa el término «profesional» y el de «industria». En Madrid es donde existe la posibilidad de desarrollarte profesionalmente de manera continua y de ir haciendo cosas distintas ya que tienes toda España donde ir a presentar y exhibir tus productos. En Cata-

luña cada vez el problema es que las subvenciones condicionan más el tipo de obras que se pueden hace, y la industria está casi desaparecida, y los profesionales se van convirtiendo en funcionarios. Lo curioso es que año tras año se da la paradoja que las obras más vistas provienen de Madrid o están habladas en castellano.

A partir de 2005 inicias también una colaboración a nivel internacional estrenando algunas de tus obras en Rumanía. ¿Cómo surgió la idea?

Fue una casualidad. Estaba en Rumanía escribiendo el guión para una película que no se hizo cuando conocí al director del Teatro Nacional, que al saber que había dirigido Chicago en España me ofreció la posibilidad de hacerlo allí, y así fue como empezó todo y pude conocer a los mejores actores del teatro rumano, trabajar con ellos y hasta hacerme amigo suyo. El musical estuvo cuatro años representándose a lleno diario.

Y hace cuatro años volví a reunirme con la que era mi ayudante de dirección Mihaela Popescu para montar una empresa privada teatral (la primera de Rumanía) y ya llevamos ocho montajes realizados que se siguen representado aún ahora por todo el país con gran éxito. ¿Cómo son los actores rumanos a la hora de dirigirlos?

Como allí solo hay salas públicas y conservan la tradición del teatro de repertorio (o sea se hace una obra distinta cada día), tienen una especie de entrenamiento de la memoria que les permite aprenderse rápidamente los textos, de manera que consigo realizar una obra con solo dos semanas de ensayos. Y por supuesto me parecen de los mejores actores y actrices que he conocido nunca: Maia Morgenstein (la Virgen María de La Pasión de Mel Gibson), Medeea Marinescu, Ioana Barbú, Anca Turcasiu, Monica Davidescu, Victoria Cocias, Stefana Samfira, Lia Bugnar, Raluca Aprodu, Ada Galeș... Andrei Duban, Silviu Biris, Serban Pavlu, Mihai Calin, Cristi Iacob, Mihai Gruia, Andrei Mateiu, Stefan

Banica jr, Aurelian Temisan... entre muchos otros grandes nombres del teatro rumanos forman parte de los elencos con los que trabajo habitualmente.

Pienso que, en general, es un buen momento para la televisión actual y que ha mejorado la calidad de los guiones y las interpretaciones, a pesar de todo no eres muy fan de las teleseries actuales, prefiriendo las de los setenta, pero ¿alguna que te haya llamado la atención en los últimos años?

Solo he seguido las de Juego de tronos y Dark Mirror, las otras me aburren soberanamente y prefiero o volver a ver las antiguas como Colombo, Star Trek o La dimensión desconocida.

Cada vez me interesa menos lo que ocurre en el audiovisual actual, por eso siempre acabo volviendo a los grandes clásicos como David Lean, John Ford o Berlanga.

¿Actualmente por dónde te decantas más a la hora de crear un proyecto: cine, teatro o televisión?

Lo del cine está francamente difícil, si no tienes amigos en alguna cadena de televisión no puedes ni moverte, hace años produje una película y aún hoy la estoy pagando. En televisión es prácticamente lo mismo, al parecer solo me queda un pequeño hueco en TV3. Por eso mi

actividad es tan frenética en el teatro, tanto en Barcelona, como en Madrid, Bucarest o Italia me tienen bastante absorbido.

Pienso que eres un creativo inquieto que no se conforma con el proyecto que tiene actualmente entre las manos y tienes cinco o seis más en el cajón esperando. Así que si puedes adelantarme algo, ¿qué podemos esperar de ti en los próximos meses?

Siempre he manejado muchos proyectos al mismo tiempo, porque pienso que de 10 al menos unos se acabará haciendo... aunque al cabo del tiempo casi consigo hacerlos todos. Grease me costó 15 años. Lo más cercano es una continuación del Tarzán que hice hace cuatro años, luego preparo otro musical para el Festival Internacional de Mérida, y casi seguro me iré a Italia en marzo para montar Sherlock Holmes allí y también a Rumanía para la próxima temporada. Afortunadamente tengo buenos socios y amigos como Juan Carlos Parejo, con el que llevo mucho tiempo colaborando, que me tiene constantemente ocupado. Igual que, naturalmente, el Teatre Apolo de Barcelona, en donde programo todo el año.

Texto y fotos: Guillem Medina

MAN RAY

«La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte»

FOTOGRAFÍA

M

an Ray nació en Filadelfia en 1890 fruto de la unión entre dos inmigrantes llegados de Rusia. Cantante preadolescente y bailarín, su interés por el arte nace tras el traslado a Nueva York, lo que en su juventud le permite trabajar en una agencia de publicidad y compaginar sus estudios en la National Academy of Design, comenzando también a frecuentar la galería de Alfred Stieglitz y acudir a tertulias.

Adquiere una cámara fotográfica en un principio para reproducir sus obras plásticas, pero su inquietud hizo que hoy en día tenga su hueco en la historia de la fotografía. Con Duchamp y Picabia creó el Dadá neoyorquino, realizando obras experimentales que coqueteaban con todo tipo de soportes para la creación de obra artística. Así es como tras su instalación en París, al ver que su obra no encontraba mercado, empezó a crear sus famosos «rayogramas».

«Despreocupado pero no indiferente», así reza su epitafio en el cementerio de Montparnasse.

Una frase que podríamos aplicar a su obra y a acciones tales como la creación de esos rayogramas, creaciones fotográficas realizadas sin la intervención de una cámara. Paradójico el hecho de que adquiriese una cámara para documentar sus otras obras y terminase siendo valorado por una serie de fotografías fruto de esas composiciones abstractas (muy estudiadas, eso sí), donde situaba objetos por contacto en papel sensible a la luz que después era revelado.

En un mundo donde la técnica fotográfica es muy relevante a la hora de valorar a un fotógrafo, que con un simple papel se pueda jugar y crear composiciones que después se han paseado por las galerías y museos más importantes del globo, da qué reflexionar. Nos hace ver la importancia de la idea, del concepto, de la transmisión artística visceral, creativa, imperfecta, despreocupada tal vez como Man Ray, aunque siempre realizada con un sentido. Ese reconocimiento como artista

fotográfico le dio oportunidad de realizar retratos a los personajes más relevantes de la cultura de su época. Al mismo tiempo sigue con sus naturalezas muertas y sus pinturas y esculturas surrealistas cuando el Dadá se fractura y comienza su andadura por el maravilloso mundo del Surrealismo.

Las mujeres fatales y sus desnudos son recurrentes en su obra. De hecho gracias a la inspiración de su modelo y amante Kiki de Montparnasse, nació una de sus obras más emblemáticas, Le Violon d'Ingres, que refleja en una sola imagen todo lo que este creador es para el arte. Porque se respira pintura por esa pose que nos traslada inmediatamente al pintor Ingres, tan admirado por Man Ray, pero a su vez nos mete de lleno en ese juego de dobles lecturas, convirtiendo el cuerpo de la mujer en un gran violonchelo por medio de esas «efes» añadidas porteriormente en edición.

Idea, inspiración, creación, diseño, fotografía, pintura.

Fundamentalmente su aportación nos lleva directamente a pensar que tras una imagen hay una idea detrás. Man Ray no fue un documentalista.

Fue un creador, y como tal, su legado nos hace reflexionar en torno a lo que debemos ver más allá de una imagen. Le Violon d'Ingres podría haberse quedado en un simple y bonito retrato de desnudo sino llega a jugar con el concepto de elevarlo a otro nivel.

Esa es la gran aportación que nos hizo, amén de sus solarizaciones y rayogramas. La figura del fotógrafo como creador de composiciones inventadas. Elocuencia, humor, sensibilidad, ingredientes que hacen que podamos contar con los dedos (Chema Madoz) a las figuras que practican este tipo de imágenes. Porque encuadrar la realidad de una manera más o menos efectiva es fácil si se tiene garra, pero darle vueltas a la inspiración para crear estampas surgidas de uno mismo, eso ya es más complicado. Y aquí el señor Man Ray lo bordaba.

TRABAJOS

TEATRE

DANIEL ANGLÈS

«Qui em coneix ja sap que no m’agrada tirar pel camí fàcil: cerco reptes i projectes diferents que em facin créixer com a artista i com a persona»

E

TEATRE

l grup Focus ha decidit convertir el Teatre Condal en l’escenari perfecte del teatre musical. I no han pogut triar un millor director artístic per portar endavant el projecte que el Dani Anglès (Barcelona, 1975), actor, cantant i director musical conegut especialment per haver format part de la companyia El Musical Més Petit, amb la qual va fer Tu, jo, ell, ella... i Webber... i Schönberg... (Premi Butaca 1997), El somni de Mozart (Premi Butaca 1998) o Un cop més… una mica de música.

Però la major part del públic el recorda especialment com a jurat del programa de TV3 Oh Happy Day, aquell talent show on competien diverses corals i grups musicals i que va servir perquè la gent s’engresqués i s’apuntés a classes de cant i, sobretot, va revifar el gènere del gòspel.

Va ser una bona experiència, però no crec que TV3 en torni a fer una nova edició, primer perquè tècnicament era un programa molt car, i ara no hi ha diners a la cadena de televisió, i segon perquè els està anat molt bé amb Preguntes freqüents, un programa infinitament molt més barat.

Però va ser una bona experiència per apropar el cant coral a la gent, i fins i tot molts es van apuntar a escoles de música o a grups amateurs.

Penso que tots els diners que vas guanyar a la televisió els vas acabar invertint en el teatre, oi?

Doncs la veritat és que sí, tots els diners que he guanyat sempre els he perdut en el teatre, he he he. De fet, la nova producció de Fun Home és de la nostra productora Not Day But Today (frase extreta d’un tema del musical Rent), un musical que em va entusiasmar quan el vaig veure: es va estrenar fa tres anys a Nova York i aquest estiu mateix a Londres, i aquí l’havíem d’haver estrenat abans de l’estiu, però per la problemàtica social i política es va haver d’endarrerir.

Segons la Viquipèdia, Fun Home és un musical de Lisa Kron i Jeanine Tesori, adaptat de la novel·la gràfica autobiogràfica d'Alison Bechdel. La història tracta la relació de Bechdel amb el seu pare gai i els seus intents per descobrir els misteris al voltant de la seva vida. Estàs en el moment ideal per interpretar aquest personatge?

La veritat és que amb 42 anys que tinc és menys o menys l’edat del personatge, que va tenir la filla als 18 i que descobreix la seva homosexualitat una mica tard en un moment especial de la seva vida. De fet m’agraden els musicals que tenen quelcom darrere, que et fan pensar, que t’expliquen alguna cosa interessant, que commouen, que transformen, com Rent, i tants d’altres. I això és el que volem portar aquí a l’Onyric, musicals de petit o mitjà format però que són petites joies que volem que el públic descobreixi. M’agrada aquesta experiència que et pot passar a ciutats com Nova York, que de sobte un dia descobreixes una petita joia, un musical, un recital íntim, que només es fa aquella nit. Ens agradaria que cada dia passés alguna cosa especial que faci que el públic quedi enlluernat i vulgui tornar un altre dia. De fet, m’agrada anar tres o quatre cops l’any a Londres i veure pràcticament tot el que es fa en el teatre musical, però descobrir-ho per mi mateix. Ara al novembre vull anar al National Theatre on faran Hadestown, però no he volgut saber res ni de la música ni del muntatge ni res, vull que em sorprengui totalment, vaig a cegues i d’aquesta manera moltes vegades m’he endut sorpreses molt agradables.

Mentre altres teatres del grup Focus han estructurat una programació de quatre o cinc obres per a tota la temporada i algunes són repeticions d’obres que ja van tenir èxit la temporada passada, Onyric ofereix fins a 18 propostes ben variades. Voleu arribar a tota mena de públic amb totes les variants de teatre musical possibles?

TEATRE

El cert és que no ens volíem limitar a un sol tipus de musical, fer quelcom aquí com El rei lleó o El fantasma de l’òpera no té sentit. Busquem un altre tipus d’experiència. M’agrada molt el que es fa a l’Off-Broadway i això intentarem dur-ho aquí, però també es podran veure obres més dramàtiques com 24 hores de la vida d’una dona, un musical de cambra que connecta amb tots els sentits, o el Mag Lari, que el tindrem per Nadal, o l’espectacle Broadway a capella, un recital amb tretze dels millors cantants de musicals de casa nostra amb una qualitat altíssima, i no podem oblidar els concerts, personals, íntims, amb veus internacionals com la Kerry Ellis, o joves talents com Lydia Fairen o Roger Berruezo.

Tornant a Fun Home, feia 10 anys que no feies d’actor en un musical, per què tant de temps?

Doncs perquè van sorgir altres projectes pel camí: feia de director a Mamma Mia!, Rent, Hair o La Bella i la Bèstia, després el programa de televisió, la direcció de l’escola Aules... tot plegat es va anar ajuntant i la veritat és que tampoc havia trobat cap personatge que m’atragués tant com aquest.

Ha estat fàcil treballar amb nens?

Sí, no et pensis, ho fan prou bé, amb molta espontaneïtat. És clar que pensar que això més endavant pot arribar a ser una carrera dins el musical potser és massa precipitat plantejars’ho. A Fun Home surten tres personatges infantils i cadascun està interpretat per tres actors diferents que van rotant segons els dies. Després a casa sempre em miro les gravacions que fem de l’obra i acabo polint petites coses.

Segons has dit alguna vegada, Mar i cel va ser el primer musical que vas veure, o que tens consciència d’haver vist en una edat adulta. Va ser aquest el que va engegar l’espurna per dedicar-te a aquest món?

Jo era d’aquells nens que quan veia un espectacle de titelles volia dedicar-me a fer titelles, si veia circ volia dedicar-me al circ, quan veia una obra de teatre volia ser actor... No ho tenia gaire clar, però sabia que tard o d’hora em dedicaria a alguna cosa relacionada amb el món de l’espectacle. Per convèncer els meus pares els vaig mig enganyar dient que faria periodisme, però realment vaig posar-me amb el cant, la interpretació i tot allò que em venia de gust.

La teva parella, el cantant i actor Víctor Arbelo, també és tan fan dels musicals?

Potser no tant; moltes vegades fins i tot faig viatges sol o amb amics, perquè al meu marit no li ve tant de gust, però amb els anys penso que jo li he anat encomanant la meva passió pels musicals i ell la seva música, que aniria més pel pop-rock. Al final es un intercanvi de coneixements i resulta molt enriquidor.

Aquest estiu també vas tenir l’oportunitat de dirigir un muntatge per al Festival Grec basat en el musical Carousel de Hammerstein i Rodgers, amb un repartiment realment increïble. D’on va sortir aquesta idea?

Va ser l’organització del Grec que m’ho va proposar, i juntament amb la direcció musical de Xavier Torras i la coreografia d’Óscar Reyes penso que vam fer un espectacle màgic. A més a més, compta que damunt de l’escenari hi havia més de trenta musics i quaranta cantants. Es va fer en versió concert perquè si ho haguéssim fet en versió musical hauria resultat una producció caríssima, però el resultat final va estar molt bé.

Què és The Broadway Experience?

Va ser una iniciativa de la agència Somniviatges, un viatge exclusiu de sis dies a Nova York on acompanyaré un grup d’una vintena de persones en què es podrà gaudir de workshops, master class, visites a llocs emblemàtics i l’assistència

a tres musicals: My Fair Lady, Carousel i King Kong, després hi haurà temps per comentar les obres, etc. Serà del 4 al 10 de desembre i penso que pot ser una experiència interessant i diferent: estic molt il·lusionat amb el projecte.

Parlàvem abans d’invertir en la música els estalvis i volia tocar el tema del teu primer disc, Punto de Rocío, homenatge a Rocío Jurado.

Una decisió que potser per a qui no et conegui podria resultar una mica massa arriscada, no et sembla?

Qui em coneix ja sap que no m’agrada anar pel camí fàcil, he he he. El fet és que tenia clar que volia fer un disc, però el que no volia era fer-ne un de grans èxits del musical de Broadway, per això ja hi ha cantants anglosaxons que ho fan

millor que jo, i realment no em venia de gust. Llavors vaig decidir fer el que realment em vingués de gust però a mi. I sempre he sigut molt fan de la Jurado, o més aviat de les lletres de les seves cançons i el que diuen. Penso que va ser una avançada a la seva època i potser la immensitat de la figura es va menjar aquestes cançons i aquestes històries tan maques. Em vaig posar en contacte amb el Marc Sambola, que al principi no es creia el que li proposava i vam fer aquest disc. A més té aquest punt curiós, en temes com «Señora» mantinc el masculí del que ho canta, així que ara és un home que li diu a una senyora que el seu marit s’ha enamorat d’ell.

M’ha agradat molt el resultat final; fins i tot la portada, on surto mullat, amb una mirada molt especial.

Ets molt mitòman?

Uf, moltíssim!, però en el sentit que tenen els nord-americans, que si en un moment de la teva vida has estat important per alguna cosa, ho seràs tota la vida, no com en el nostre país, que potser has tingut un moment de glòria en la teva vida i després la gent t’oblida per sempre. És per això que sempre seré fan de dones com Liza Minnelli o Bette Midler, per molt que després no hagin fet res d’interessant.

Tinc la sensació que el nivell de professionalitat als Estats Units és molt alt: els actors, a més a més d’actuar, canten, ballen i tot sembla que ho fan a la perfecció. És difícil per la gent d’aquí competir amb aquest altíssim nivell d’exigència?

La gent d’aquí cada cop està més preparada i té un nivell molt alt, poden perfectament treballar a qualsevol país en les mateixes condicions.

Des del 2003 dirigeixes l’escola d’arts escèniques Aules on es pot estudiar dansa, cant o interpretació, entre d’altres disciplines.

Com va sorgir la idea?

La veritat és que tenim un programa d’estudis realment dur i molt complet. Pocs alumnes acaben tota la formació, però els que ho fan tenen un altíssim nivell no només en cant sinó en interpretació o dansa, que és el que se li exigeix avui a qualsevol que es vulgui dedicar al musical: la competència és forta i no ens podem conformar amb menys.

Text i fotos: Guillem Medina

Fun Home és un musical de Lisa Kron i Jeanine Tesori, adaptat de la novel·la gràfica autobiogràfica d'Alison Bechdel. La història tracta la relació de Bechdel amb el seu pare gai i els seus intents per descobrir els misteris al voltant de la seva vida. És el primer musical de Broadway amb una protagonista lesbiana. Va estrenar-se a l'OffBroadway, al The Public Theatre, el setembre de 2013 amb molt bona crítica.

La seva estada en cartell es va prorrogar diverses vegades fins al gener de 2014.

Aquesta producció va estar nominada a nou premis Lucille Lortel (en va guanyar tres, incloent-hi el de millor musical), dos premis Obie i vuit premis Drama Desk, entre d’altres. La producció va estar nominada a dotze premis Tony i en va guanyar cinc, incloent-hi el de millor musical. L'àlbum del musical va rebre una nominació als Grammy de 2016 com a millor àlbum de teatre musical. L’obra comptava en el repartiment amb Beth Malone, Michael Cerveris, Judy Kuhn, Sydney Lucas, Roberta Colindrez i Joel Perez, entre d’altres.

ICONOS

LADY GAGA

«Sé que trabajo mucho, estoy cavando mi propia tumba y además soy consciente de que el alcohol me matará algún día.

Sin embargo, preferiría que no fuera descansando, sino en el escenario junto a todos mis fans»

S

i a alguien le hablan de Stefani Joanne Angelina Germanotta seguramente no le sonará de nada, pero si hablamos de su nombre artístico Lady Gaga entonces la cosa es muy diferente. Nacida en Nueva York el 28 de marzo de 1986, su nombre empezó a sonar a raíz de su LP The Fame (2008), que incluye los sencillos «Just Dance» y «Poker Face». Y si su música tenía un cierto toque pegadizo, fue su imagen lo que más llamó la atención pues la cantante cuida al máximo su vestuario, maquillaje y peinado (como si hubiese toda una empresa detrás de ella dedicada sólo a inventarle atuendos que llamen la atención). En un mundo en el que continuamente nos llegan imputs e imágenes que deberían perdurar en la memoria (y al final duran una semana a lo sumo), ella ha sabido rentabilizar su anodina belleza y sus escasas dotes para el baile y el canto. Así el público la recuerda más por el vestido confeccionado con chuletones de carne sintética con el que fue a un evento musical u otro realizado enteramente con peluches Hello Kitty. Su siguiente trabajo musical fue The Fame Monster (2009), que contiene las canciones «Bad Romance», «Telephone» y «Alejandro», quizás con los videoclips más llamativos de su carrera. El primero, dirigido por Francis Lawrence, la mostraba

en una especie de balneario-psiquiátrico donde es secuestrada por un grupo de supermodelos que la drogan y la venden a la mafia rusa para ejercer la prostitución. El segundo tema lo cantó a duo con Beyoncé y el videoclip estaba dirigido por Jonas Åkerlund, que las muestra como dos convictas que salen de la cárcel. Franc Fernández y Óscar Olima fueron los diseñadores encargados del vestuario. El videoclip de «Alejandro» estaba dirigido por Steven Klein En algunos segmentos se intercalan escenas donde Gaga, que aparece vestida como una monja, se traga un rosario, y baila acompañada de varios hombres semidesnudos, usando un sostén con ametralladoras. Así que fue catalogado por la Liga Católica de Estados Unidos como «material blasfemo, además de que la trama sugestiva sobre la homosexualidad pervierte los valores éticos». O sea, lo que cantante buscaba siguiendo la estrategia de publicidad creada por Madonna décadas antes. De su siguiente trabajo aparecieron hasta cuatro singles que también fueron todo un éxito: «Born This Way», «Judas», «The Edge of Glory» y «You and I».

Artpop sería su tercer disco de estudio. del que aparecieron los singles «Applause», «Do What U Want» y «G.U.Y.». La cantante también se ha atrevido con la interpretación, destacando en la serie American Horror Story: Hotel.

Ha nacido una estrella relata la historia de Ally, que interpretará Lady Gaga (como Stefani Germanotta), una joven actriz y cantante con talento que llega a Hollywood dispuesta a triunfar y a cumplir sus sueños.

Una vez instalada en la ciudad de la fama conocerá a Jackson Maine, encarnado por Bradley Cooper, un actor de renombre que tuvo su momento de gloria en el pasado.

Sin embargo, últimamente, su carrera no está pasando por su mejor época. Alcohólico y arruinado, encontrará en Ally una razón para seguir adelante y le ayudará en su búsqueda del éxito. Se trata del remake de la película del mismo nombre de 1937 dirigida por William Wellman y protagonizada por Janet Gaynor y Frederic March.

Para ser la opera prima como director de Bradley Cooper sorprende el minucioso trabajo de puesta en escena, sabiendo cómo captar al mismo tiempo la fuerza y la magia de una actuación por lo que transmite al público, pero sin dejar nunca de lado la intimidad de la misma y cómo eso se refleja en sus intérpretes. Eso es algo que ya vemos en el inicio de la película con la actuación de Jackson antes de que su maltrecha situación física y emocional entre en escena.

«Pienso que el mundo de la moda y la música van de la mano, y siempre debería. El trabajo del artista es crear imaginería que combine con la música...

Creo que están bien entrelazadas»

ÂŤNo considero que mi propia vestimenta sea estrafalaria...

La verdad es que la gente simplemente no tiene las mismas referencias que yo tengo. Para mĂ­ es muy hermosa y es arte, y para ellos es extravagante y locaÂť

FASHION WORLD

BURBERRY

«Inglaterra posee una cultura popular arraigada, joven y poderosa, basada en la música, la moda, el cine…

La combinación de ambas culturas es la clave del espíritu que Burberry transmite»

C

uando pensamos en Burberry hoy en día no sólo se nos vienen a la mente los hermosos sacos a cuadros, pero fue con esos productos que se inició esta gran marca legendaria. En 1856 Thomas Burberry, a sus 21 años de edad, abrió una pequeña tienda de ropa en Hampshire, Inglaterra. 14 años después el negocio ya se había consolidado y para 1880 introdujeron la gabardina resistente al agua pero ligera, haciendo los hilos impermeables antes de cocer la ropa. En 1890 abren una tienda en Haymarket 30, Londres. En 1901 se desarrolló el logotipo ecuestre y se volvió marca registrada. Las gabardinas fueron utilizadas no para adornar las calles de París, sino para acompañar grandes logros como el de Roald Amundsen, el primer hombre en llegar al Polo Sur. En 1914 se le pidió a la marca que adaptara los abrigos de los oficiales del ejército para que se pudieran utilizar en condiciones de guerra. Ahí surgió la llamada trench coat o abrigo de trinchera. Después de la guerra, este look se volvió popular entre los civiles. En 1917 El ejército francés designa a la gabardina como parte del equipo de guerra Para 1920 las trench coats fueron decoradas con el ahora icónico patrón a cuadros. En 1926 a los 91 años de edad muere el fundador de la firma, Thomas Burberry.

Gracias al cine, en 1942 Humphrey Bogart inmortaliza la gabardina de su personaje en Casablanca. Hollywood la pone de moda con sus películas de gánster. En 1955 la compañía fue comprada por Great Universal Stores y 15 años después ya se había vuelto una pieza indispensable de la moda casual londinense. En los años sesenta parecía que la gabardina se había convertido en una prenda obsoleta que solo vestía la gente muy mayor, pero gracias a The Beatles convierten la prenda en un ícono de la moda juvenil masculina. A principios de la década de los 70 Burberry abre una tienda en Nueva York. Dos décadas más tarde Rose Marie Bravo asume el control de la firma, que pasa a formar parte del exclusivo club internacional de las marcas de lujo. Aunque en 2001 sería el británico Christopher Bailey quien asume el control de Burberry. Los próximos

FASHION WORLD proyectos de la marca fueron la expansión y abrir tiendas en España y Moscú, entre otros lugares.

La marca no ha perdido popularidad con el tiempo de hecho, en 2006 comenzó a vender sus productos por Internet en Estados Unidos, pero si ha hecho un esfuerzo reciente por mantenerse relevante empleando publicidad en revistas como GQ, Vogue y Harper’s Bazaar y firmando a celebridades inglesas para representar la marca como Kate Moss y Emma Watson. Ese mismo año la actriz Rachel Weisz protagoniza la campaña del perfume Burberry London, empezando sí una relación con las celebrities que

se ha mantenido hasta el momento. En 2008 se crea la Fundación Burberry, destinada a apoyar a los jóvenes fomentando y potenciando su creatividad. Y para potenciar su presencia en las redes sociales en 2009 se lanza la página web Art of the Trench en la que los seguidores de la marca suben sus fotos usando con prendas Burberry. Dos años más tarde y por primera vez en la historia, una marca retransmite vía Facebook su desfile. En 2013 Burberry obtiene el premio a la Marca del Año en los British Fashion Awards, demostrando que, por muchos años que pasen, los cuadros Burberrys, de eminente sabor británico, siguen estando de moda.

RUNAWAY SHOW AUTUMN-WINTER 2018

VIAJANDO

VIC

Fotos: Enric Fontvila

QUÉ VER EN VIC Templo Romano

Una de las joyas que nos encontramos cruzando la muralla (en la zona alta de la ciudad) es el Templo Romano. Construido en la época dorada del Imperio Romano (a principios del siglo II), aunque no fue descubierto hasta 1882, hasta entonces había estado cubierto (cuesta imaginar que una cosa tan grande, estuviese escondida, ¿cómo sería el castillo?) por la estructura del Castillo de los Montcada (castillo que acabó siendo prisión). En el derribo del castillo los obreros descubrieron un capitel corintio y desde entonces ha quedado visible para todos. Desde el exterior observamos la escalinata frontal que da al pódium, el pórtico y sus columnas con capiteles corintios (del castillo quedan restos de los sectores norte y poniente). Hoy, el interior del templo se utiliza para pequeñas exposiciones. La entrada al templo y a la exposición es gratuita.

La catedral de Sant Pere

La catedral de Sant Pere de Vic comenzó a construirse en el siglo XI. Si bien en un principio tenía una estructura románica, posteriormente se le

añadieron estructuras de tipo gótico (el claustro), barroco (capilla de Sant Bernat) y neoclásico (una ampliación y remodelación del templo). Así, merece la pena disfrutar de su fachada neoclásica. En el interior hay pinturas murales de Josep Maria Sert de 1930, el antiguo y nuevo retablo, la tumba del obispo Oliba, el claustro y la cripta, que junto al campanario es lo único que se conserva de la construcción original del siglo XI.

El Mercadal

La Plaza Mayor de Vic tiene forma cuadrada, con arcos en todos los lados, que sustentan palacios y casonas y en el centro un gran espacio en tierra, sin pavimentar. Es el centro ferial de la ciudad, en ella desde el siglo IX se celebran los mercados, lo que justifica la denominación de Mercadal, por la que es conocida entre los vecinos. En la actualidad todos los martes y sábados por la mañana se exhiben los mejores productos de la comarca de Osona: frutas, verduras, pan de leña, flores, artesanía, aves de corral, junto con otros muy variados como ropa o calzado. En uno de sus lados está el Ayuntamiento, en un edifico gótico con campanario. Entre las casas más sin-

VIAJANDO

gulares se encuentran la Casa Comella, palacio modernista del siglo XIX, sede actual del Casino de Vic. Otros edificios de interés en la plaza son la Casa Costa, edificio modernista del siglo XX. La Casa Tolosa, del siglo XVIII; la Casa Moixó, barroca y renacentista; la Casa Beuló, y la Casa Cortina, modernista del siglo XIX. En la plaza confluyen las calles más comerciales del casco histórico, con restaurantes, bares y sedes administrativas. Al caer la tarde no es extraño que se pueda disfrutar en ella de espectáculos como conciertos o un espotáneo baile de la tradicional sardana.

Museu Episcopal

Moderno y arriesgado edificio emplazado junto a la plaza de la Catedral y bajo su campanario románico, y eso que se trata de uno de los primeros museos de Cataluña: el primitivo data de 1891.

Su colección cuenta con más de 20.000 objetos, los primeros traídos por el obispo Josep Morgades. Tallas románicas, pinturas, vestiduras religiosas, arte hispanoárabe y un largo etcétera componen una de las mejores colecciones de Cataluña.

Casa Bayés

Sus orígenes están en los siglos XV y XVI, y fue ampliada y alterada en periodos posteriores, sobre todo en el XX, cuando el arquitecto Josep Maria Pericas en 1907 alteró su estructura. Situada en la plaza de la Catedral y de color rosado, la antigua universidad literaria se estableció allí desde 1599 hasta 1717.

Casa Clariana

Es una casa palacio barroca construida en el siglo XVII, es de 1609. Fue la residencia del veguer o comisario de la administración feudal hasta que esta se disolvió en 1709. El patio inte-

rior ha incorporado las arcadas originales de la vecina y ya desaparecida iglesia del Ángel Custodio.

Casa Masferrer

Otra de las magníficas casas modernistas de Vic, construida a principios del siglo XX. Su interior alberga un jardín romántico con cuatro estatuas alegóricas a las estaciones del año; la fachada, de color azul, presenta esgrafiados típicos de la época. El poeta Jacint Verdaguer, perteneciente a la sociedad literaria Esbart de Vic, acudía a este edificio en sus jornadas.

Puente románico

La ciudad de Vic tiene un puente románico bien conservado sobre el río Mèder (siglo XI). Se conoce con el nombre de Pont de Queralt y está construido sobre la base de un puente anterior.

Este puente fue durante mucho tiempo el único acceso a la ciudad. Está formado por cuatro arcos de medio punto de diferentes dimensiones.

AGENCIAS D

DE MODELOS

Alecia Morais

Alvaro Silveira

Bruna Lutdke

Isha Blaaker

Dorota Kullova

Michael Justin

ELITE

Agencia de modelos creada en París en 1972 por John Casablancas y Alain Kittler, llegó a tener entre sus modelos estrella a Carol Alt, Tyra Banks, Naomi Campbell, Cindy Crawford, Cameron Díaz, Linda Evangelista, Heidi Klum, Adriana Lima, Karen Mulder, Tatjana Patitz, Paulina Porizkova, Claudia Schiffer, Stephanie Seymour o Janice Dickinson, entre otras. Dirección de contacto: Barcelona: Provença, 267-269, 3º 1ª. Tel. 932 720 909 Madrid: Alfonso XI, 7º 1ª Izquierda. Tel 910 882 390

Bibi

Dario

Elliot

Jean-Baptiste

Verena

Max

FIFTH

Creada en Barcelona en 2008, está especializada en la representación de hombres y mujeres para moda, publicidad, editoriales o desfiles.

Dirección de contacto: Barcelona: Balmes, 278, 2º 2ª. Tel. 934 181 252 info@5thmodels.com

Alicia Bachurina

Ari Forunier

Beltran Lozano

Charo Ronquillo

Dee Klay

Elsa Baldaia

FRANCINA

Fundada en Barcelona en 1983 por la top model española Francina Díaz. La agencia es pionera en España en la formación y managing de modelos. En 2008, con la incorporación en la dirección general de la joven empresaria Mireia Verdú como managing director, la agencia amplia su línea de negocio y abre delegación en Madrid durante 2015. Dirección de contacto: Barcelona: Còrsega 300, ent. 2ª. Tel: 932 125 626 barcelona@francinamodels.com

Bas

Belén

Carles

Iria

Steven

Joke

MHOMS

Mhoms es la división que representa modelos de la prestigiosa agencia La Central. Dividen su personal en tres categorías: hombres, mujeres y New Faces.

Dirección de contacto: Barcelona: Portaferrissa, 30, pral. 2ª. Tel: 932 099 948 marta@mhoms.es

Alba Román

Aitor Mateo

Alicia Medina

Carlos Martín

Claudia Collado

Francisco Carrión

TRAFFIC MODELS

TRAFFIC Models ha sido la agencia líder en el mercado español durante los últimos 14 años. Creada en 1994 por Raquel Gatell y Eduardo de Aysa, idearon un negocio basado en la experiencia y la pasión.

TRAFFIC ha contado entre sus top models con Edita Vilkeviciute, Toni Garrn, Olga Sherer, Natasha Poly, Isabeli Fontana, Miranda Kerr, Heidi Mount, Suvi Koponnen, Izabel Goulart, Kasia Struss, Julia Stegner, Jourdan Dunn y muchos más. Dirección de contacto: Barcelona: Passatge Sert, 2. Tel. 934 140 268

Alba F.

Ludovic

Olga L.

Pol M.

Sheila A.

Vanessa L.

WORLD TALENTS

World Talents funciona como agencia de modelos y como escuela. Para ponerse en contacto con ellos lo mejor es enviarles un book con las mejores fotos y ellos decidiran si el aspirante tiene potencial para incorporarse entre sus filas. Entre las asignaturas impartidas en sus cursos estรกn estilismo, desfiles, pasarela, maquillaje o interpretaciรณn. Direcciรณn de contacto: Barcelona: Diagonal, 375, bajos. Tel. 937 689 495 info@worldtalentsmodels.com

TELEPRO

OGRAMA

MAGAZINE

T

eleprograma es una revista española dedicada a la información del mundo de la televisión. La publicación se lanzó el 9 de abril de 1966, al precio de 5 pesetas y con 66 páginas en blanco y negro. En la primera portada aparecía una foto de una serie que triunfaba en aquel momento, El fugitivo. Ese mismo año también le dedicaron la portada al actor Rod Taylor, los protagonistas de Bonanza, la encantadora actriz Leslie Caron o Jesús Álvarez, el popular hombre del tiempo. La televisión había aparecido diez años antes, pero fue precisamente en 1966 cuando se pone en marcha el segundo canal, popularmente conocido como UHF, dedicado en principio a programas culturales, deportivos y otras manifestaciones no tan populares. Répidamente la revista, de pequeño tamaño, se convierte en un habitual en todos los hogares, pues gracias a ella los telespectadores podían saber con una semana de antelación lo que pasaría en sus televisores. En 1967 seguiría la misma tónica en cuanto a los personajes de portada, alternando series internacionales como El Santo (interpretada por Roger Moore) con stars de la televisión patria como Antonio Martelo, Helena Maria Tejeiro, Alicia Hermida, Carlos Lemos, Jesús Puente o Tony Leblanc.

Es famosa por organizar, de 1972 a 2012, la votación para los premios TP de Oro, que desaparecieron en 2013 por razones económicas. En aquella primera edición los premios se repartieron de la siguiente forma: mejor serie nacional Crónicas de un pueblo, mejor serie extranjera Los persuasores, mejor programa nacional Un, dos, tres... Responda otra vez, mejor actor nacional Juanjo Menéndez por Historias de Juan Español,

mejor actriz nacional Julia Gutiérrez Caba por Buenas noches, señores, mejor actor extranjero Chad Everett por Centro Médico, mejor actriz extranjera Susan Saint James por Mc Millan y señora, mejor presentador Kiko Ledgard por Un, dos, tres... Responda otra vez, mejor presentadora Rosa María Mateo por Buenas tardes y personaje más popular Don Cicuta (Valentín Tornos), el villano del Un, dos, tres... Responda otra vez.

En los siguientes años ganaron el premio como mejor serie nacional Los camioneros, El pícaro, Este señor de negro, La señora García se confiesa, Curro Jiménez, Cañas y barro, La barraca, Fortunata y Jacinta, Verano azul o Los gozos y las sombras, entre otras.

En 1985 llegó a su número 1000 y para ello lució en su portada imágenes de las series del momento como Los payasos de la tele, Curro Jiménez, Perry Mason, los personajes del Un, dos, tres..., Los ángeles de Charlie, Félix Rodríguez de la Fuente o los presentadores Joaquín Prat y Laura Valenzuela. En 1988 se convirtió en una revista a todo color, tras una etapa con varias páginas en color. También se hizo una versión autonómica incluyendo los programas de sus televisiones como TV3. En los noventa sería adquirida por el grupo empresarial francés Hachette Filipacchi. Actualmente está dirigida por Purificación Blanco. La producción en su versión en papel de las revistas Teleprograma, Telenovela y Supertele aún continúa, mientras que su asociada Teleindiscreta se integró en la revista Fotogramas, dejándose de publicar en papel. Sin embargo, en su versión online las revistas Teleprograma, Telenovela y Supertele se integraron en la página web Fotogramas. Actualmente sigue todavía a la venta a pesar de la fuerte competencia de internet.

Stars made in Spain

Series mĂ­ticas

Ă?dolos infantiles

TELEVISIร N

HBO

Las series que canviaron la forma de hacer televisiรณn

L

a HBO (siglas de Home Box Office en inglés, «taquilla en casa») es uno de los canales de televisión por cable y satélite más populares de Estados Unidos y Latinoamérica. Es propiedad de la empresa estadounidense Time Warner y su sede central se encuentra en Nueva York. Su programación está basada en el estreno de películas ya exhibidas en cine y en películas y series de producción propia, entre las que destacan Los Soprano, The Wire, Hermanos de sangre, The Pacific, Sexo en Nueva York, True Blood o Juego de tronos, entre otras. Asimismo, HBO transmite peleas de boxeo bajo la denominación de HBO Boxing & B.A.D. (Boxing After Dark), así como otros eventos deportivos. En diciembre de 2010, el canal ya contaba con 28,6 millones de suscriptores en Estados Unidos, lo que la convierte en la cadena de televisión por cable y satélite con más abonados de ese país. HBO fue el primer canal de televisión por cable y satélite que no usaba la red de difusión terrestre de televisión habitual hasta entonces. Comenzó sus emisiones en 1965, cuando Charles Francis Dolan ganó una concesión de televisión en el Bajo Manhattan. En lugar de usar cable de teléfono o microondas, comenzó a tender cable bajo las calles de Manhattan. En 1972, comenzó a usar microondas y en 1975, HBO fue la primera cadena que emitía vía satélite. Gracias a este avance, pudo transmitir en directo un encuentro de boxeo entre Muhammad Ali y Joe Frazier en Manila. En 1986, HBO también fue la primera en codificar su emisión, para que sólo la recibieran quienes pagaban por la señal.

Las principales series de HBO a lo largo de su historia han sido:

Sexo en Nueva York. También se ha escrito mucho de la serie creada por Darren Star (Sensación de vivir, Melrose Place) que, durante seis temporadas, narró la historia de cuatro mujeres

de diferentes características en el Nueva York de finales de los noventa. Sarah Jessica Parker, Kim Cattrall, Cynthia Nixon y Kristin Davis se convirtieron en las mujeres televisivas más famosas del mundo entre 1998 y 2004, además de protagonizar dos películas a modo de secuela, todo ello adaptado del bestseller de Candace Bushnell en el que la escritora treintañera Carrie Bradshaw utiliza su experiencia en las citas amorosas para escribir su columna Sexo en Nueva York.

Los Soprano. Suele figurar en la lista de las mejores series de todos los tiempos, e incluso no es raro verla encabezándolas. El recordado James Gandolfini protagonizó este proyecto que, entre 1999 y 2007, se adentraba en los vericuetos de la mafia con grandes dosis de humor negro. La emoción (tanto, que se escapaba alguna lagrimilla) también estaba presente en Los Soprano al narrar la historia del patriarca Tony, quien sufre una serie de ataques de ansiedad que acaban llevándole al psiquiatra. ¿Es posible que un mafioso necesite psicoanalizarse? ¿Y qué dice a su terapeuta? ¿Y cómo lo recibe ella? Divertidísima.

The Wire. Emitida entre 2002 y 2008, es una de las mejores series de policías y crímenes de todos los tiempos, y mira que hay algunas que han dejado el listón bien alto. La acción de sus cinco temporadas transcurre en Baltimore, con drogas, asesinatos, pinchazos telefónicos, implicación de los gobiernos y todo lo que podrías esperarte de una serie de este tipo. Pero la intensidad va creciendo poco a poco, y según se llega al final, se tiene menos claro quién es el bueno y quién es el malo. La típica serie que, en su momento, no tuvo apenas repercusión pero que fue ganando fans y adeptos con los años hasta convertirse en objeto de culto.

A dos metros bajo tierra. Emitida entre 2001 y 2005, tuvo cinco temporadas y 63 episodios.

Narra la vida de los miembros de una peculiar fa-

milia de Los Ángeles que posee una empresa funeraria. El día de Nochebuena, cuando Nathaniel Fisher esperaba la llegada de su hijo Nate, muere en un accidente de coche. La dominante madre del chico, Ruth, tiene una aventura. Su hermano David, un gay que no ha salido del armario, dirige el negocio familiar, y su hermana Claire es una problemática adolescente que consume drogas. La única persona aparentemente normal de la vida de Nate es Brenda, una apasionada mujer a la que conoce en un avión. Lo malo es que la familia de Brenda es aún más desequilibrada que la de Nate.

Boardwalk Empire. Cuando en Estados Unidos se prohibió el alcohol, comenzó una nueva vida para el hampa. Era la época en la que los delincuentes y los malvados eran los reyes, como narra esta serie estrenada en 2010 y protagonizada por el simpar Steve Buscemi que comienza en 1920, en Atlantic City. Mark Wahlberg y Martin Scorsese fueron dos de los productores de la serie, que durante cuatro años narró cómo los más peligrosos mafiosos pasaron de ser don nadies a dominar la noche, a atemorizar a los ciudadanos y a conseguir una riqueza descomunal a costa del vicio de la gente.

Big Love. Esta serie de 53 episodios (20062011) está protagonizada por Bill Henrickson, dueño de una cadena de almacenes de artículos para el hogar, quien se desvive por satisfacer las necesidades financieras y emocionales de sus tres esposas: Barb, Nicki y Margene. Las tres viven en casas contiguas y unidas por un enorme patio interior con piscina y jardín. Ninguna trabaja fuera de casa y comparten a su marido por turnos. Las tres se esfuerzan por evitar los celos y por mantener en secreto su peculiar forma de vida.

Carnivàle. Emitida entre 2003 y 2005, la serie tan solo duró dos temporadas y contó con 24 episodios. Estaba ambientada en 1934, en el sur de los Estados Unidos, en plena Gran Depresión, tras el crack bursátil de 1929 que condenó a la pobreza a millones de norteamericanos. Ben Hawkins, un joven huérfano de 18 años, se une a un circo que es una mezcla de freaks, prostitución y vodevil. Ben tiene poderes curativos que lo asustan y sueña con un mundo donde en lugar de pobreza haya bienestar: es el mundo del Padre Justin, pastor metodista que vive con su hermana Iris en California, en un apacible mundo hasta que comienza a tener visiones.

Desde ese momento los caminos de ambos protagonistas se cruzarán de forma inexorable.

Girls. ¿Una versión mucho más realista y menos frívola que Sexo en Nueva York? Algunos críticos quisieron verlo así, pero lo cierto es que Girls es una serie con suficiente entidad y contenido propio, como demostraron sus seis temporadas. Emitida entre 2012 y 2017, contaba con Lena Dunham a la cabeza. Esta serie sobre veinteañeras en la gran manzana tiene como protagonista a Hannah, quien hace dos años que ha terminado la carrera y que cree que vale para ser escritora de éxito. Sus padres le quitarán la asignación, y se apoyará en sus dispares tres mejores amigas.

Entourage. Serie de televisión emitida entre 2004 y 2011, llegó a contar con 96 episodios.

Narra la vida cotidiana de Vincent Chase, un atractivo y brillante actor de Hollywood, y de su grupo de amigos. La carrera de Vince está en pleno auge, pero él procura que su nueva posición social no lo aleje de sus amigos de la infancia, con los que creció en el barrio de Queens, en Nueva York, por lo que se los lleva con él a la meca del cine.

Westworld. Nominada para tres Globos de Oro en 2017 (mejor serie dramática, mejor actriz para Evan Rachel Wood y mejor actriz secundaria para Thandie Newton), se trata de la adaptación como serie de una película de 1973 protagonizada por Yul Brinner y James Brolin. La inteligencia artificial es el tema central de una serie que se localiza en un parque de atracciones muy especial cuyo atractivo es permitir a los visitantes que vivan en el Lejano Oeste y que disfruten de una vida de pecado, sobre todo sexual y de violencia. Los figurantes son robots, tan bien hechos que alguno de ellos se plantee el paso a la vida humana.

Juego de Tronos. Poco más podemos escribir que no se haya escrito ya sobre una serie que ha hecho historia en la televisión. La fabulosa adaptación de la novela de George R.R. Martin llegará a su fin con la próxima temporada, la octava, para disgusto de los fans. Durante todos estos años hemos seguido la intensa pelea de los Stark, Lannister y Targaryen por gobernar los Siete Reinos de Poniente y sentarse en el Trono de Hierro, parte de la cual se ha rodado en escenarios de España, como Sevilla, Peñíscola, San Juan de Gaztelugatxe, Almería o Girona.

Silicon Valley. No se rompieron demasiado la cabeza a la hora de titular esta serie sobre las andanzas de un grupo de trabajadores de Silicon Valley, y sobre su cualificación profesional, inversamente proporcional a la capacidad que tienen para gestionar un empleo con semejante estrés y nivel de requerimiento. La historia es la de Richard Hendricks, un programador que crea un novedoso software de compresión de archivos digitales y que se debate entre dos opciones: venderle los derechos a la empresa en la que trabaja o montar su propia compañía. Esta serie, iniciada en 2014, todavía está en emisión.

The Leftovers. Se trata de una historia ambientada en una desaparición en masa: un 14 de octubre, 140 millones de personas se esfumaron sin dejar pistas ni rastro. El jefe de policía Kevin Garey se encarga de investigar el suceso y de lidiar con las terribles consecuencias de semejante acontecimiento. Basada en el bestseller de 2011 de Tom Perrotta, la serie fue creada y guionizada por Damon Lindelof, una de las cabezas pensantes tras la mítica serie Perdidos. Pero, tranquilo, el final es menos inesperado que el de esta y mantiene su ritmo hasta el final.

True Blood. Emitida entre 2008 y 2014, contócon siete temporadas y 80 episodios. En un pueblo de Luisiana, una serie de brutales asesinatos hace peligrar la convivencia entre vampiros y seres humanos, que hasta entonces había sido pacífica gracias a una bebida japonesa hecha de sangre sintética. Sin embargo, algunos vampiros estaban descontentos porque preferían seguir alimentándose de sangre humana; pero también había hombres que no estaban satisfechos con esta situación. En estas circunstancias nace el polémico romance entre Bill Compton, el primer vampiro que llega al pueblo, y Sookie Stackhouse, una camarera clarividente.

Oz. En antena entre 1997 y 2003, llegó a seis temporadas y 56 episodios. En el estado de Nueva York se encuentra la Penitenciaría Oswald, a la que casi todo el mundo conoce como Oz. No es una cárcel cualquiera, sino una prisión de máxima seguridad en la que existe una unidad experimental, la Ciudad Esmeralda, con la que se pretende conseguir la rehabilitación de los presos. Limpia, pulcra, moderna y hasta hermosa, la Ciudad Esmeralda no deja de ser, sin embargo, una prisión y, como todas, peligrosa.

Elisenda de Montcada, la pau d'esperit CURIOSITATS BCN

J

aume II, que la posteritat distingiria amb el sobrenom d’El Just, havia perdut a la seva estimada esposa Blanca d'Anjou, la jove napolitana que li havia donat deu fills, en quinze anys de matrimoni. Trigà cinc anys a tornar-se a casar, el 1310, amb la princesa xipriota Maria de Lusignan, però les noves relacions matrimonials no passaren d’un nivell de correcció distant. Jaume, als seus quaranta-vuit anys, no es recuperava del seu abatiment ni tampoc de la seva salut malmesa.

Semblava com si els anys compartits amb Blanca, coincidents amb el període més intens del seu regnat, li haguessin xuclat la vida.

Quant a Maria, encara que força més jove que Jaume —tenia trenta anys en casar-se—, mancava d’atractius i tenia un caràcter apàtic. Visqué gairebé reclosa al castell de Tortosa fins a la seva mort, el 10 de setembre de 1322. Novament vidu, Jaume decidí tornar-se a casar de manera immediata, però aquest cop defugiria tota temptació exòtica. Ja tenia cinquanta-cinc anys i duia una existència pesarosa, incrementada encara pel fracàs del seu darrer matrimoni. Considerà més prudent, doncs, prendre per nova muller una dama del país que li procurés tranquil·litat i descans espiritual. L’elegida fou Elisenda de Montcada. Filla de Pere II de Montcada i d’Elisenda de Pinós, Elisenda havia nascut cap al 1292, quan el seu pare ja tenia una edat molt avan-

çada. El pare havia mort el 1303, quan els seus fills eren encara molt joves, per bé que cridats a alts destins: Ot, el primogènit, seria l’hereu del patrimoni i esdevindria una de les més altes figures polítiques del seu casal; el petit, Gastó, seria bisbe d’Osca i de Girona; la noia, Elisenda, els superaria tots dos.

Elisenda era catalana, estava molt arrelada a la terra i pertanyia a dos dels llinatges més antics de Catalunya, tant per la banda paterna com per la materna. La seva educació religiosa li havia conferit un caràcter beatífic i una honestedat reconeguda per tothom, qualitats molt apreciades per Jaume II, cada cop més inclinat a la vida familiar. El seu germà Ot, majordom i conseller del rei, fou el probable negociador de l’enllaç i, com a cap de família, dotà Elisenda amb les propietats de Seròs i Mequinensa, secundàries de les d’Aitona. Poc abans del casament, el papa trameté a la núvia una carta molt cordial, plena dels consells habituals. Li recomanà que estimés i honrés el seu marit, que procurés ser-li agradosa i evités causar-li contrarietats de cap mena.

Aquestes eren, precisament, les intencions de la devota Elisenda, que experimentà un gran goig en llegir les paraules de la màxima autoritat eclesiàstica. Lluny de l’esplendor i l’eufòria del seu primer casament, vint-i-set anys enrere, Jaume volgué que l’enllaç amb Elisenda fos una cerimònia discreta, gairebé íntima, sense grans demos-

CURIOSITATS BCN tracions. Es casaren el dia de Nadal de 1322 a Tarragona, amb el recolliment familiar propi d’una data tan assenyalada.

El maig de 1323, els reis Jaume i Elisenda es traslladaren des de Tarragona a Portfangós, prop de Tortosa, per tal d’acomiadar l’expedició que sortia cap a Sardenya comandada pel fill primogènit, l’infant hereu Alfons, acompanyat per la seva esposa, Teresa d’Entença. El moment era important, ja que constituïa la represa de les activitats guerreres, abandonades de feia temps, per fer efectiva la vella investidura papal sobre Sardenya, obtinguda a canvi de la renúncia a Sicília. Jaume II havia esperat vint-i-set anys. El projecte havia estat, doncs, llargament madurat i ajornat fins al temps en què es cregués segur de dur-lo a bon terme. I havia arribat el moment, un cop enllestida la preparació dels estols que constituïren l’armada de la conquesta de Sar-

denya, en els quals s’havien invertit totes les possibilitats econòmiques de la Corona. Probablement l’espectacle d’un gran nombre de naus de tota mena, ben armades i previstes de municions, preparades a la platja a punt de sortir a la mar, infongué al rei una gran confiança en el seu propi poder. Fins i tot en el document en què dotà Elisenda amb les rendes de Tortosa, emès per aquell temps, Jaume es qualificà d’imperator, per primera i única vegada. El 28 de maig, els reis assistiren a totes les maniobres de la partida, estimulant amb la seva presència l’entusiasme dels mariners. En lliurar la senyera al seu fill, el rei Jaume pronuncià davant les tropes un bell discurs d’encoratjament. Tres dies després, el 31 de maig, les galeres es feren a la mar amb vent favorable. Jaume i Elisenda restaren a la platja fins que les veles esperderen en l’horitzó. Després, acompanyats pel seguici, partiren cap a Tortosa, on quedaren instal·lats durant un temps. Tortosa, era la ciutat on les reines catalanes tenien consignades les seves rendes més importants ii, per aquesta raó, acostumaven a residir-hi amb certa freqüència. Tanmateix, el cas d’Elisenda fou diferent, ja que les seves estades a la ciutat foren poques i breus. Les estances del castell, plenes de records de les seves dues predecessores, no eren del seu gust. Preferí viure al costat del seu marit, al Palau Reial Major de Barcelona, que adquiriria un caràcter residencial més permanent del que havia tingut anteriorment. Des del palau barceloní Jaume i Elisenda seguiren amb interès la campanya sarda. Entre els seus informadors, ocupà un lloc preferent la seva nora, Teresa d’Entença, eficaç corresponsal enrolada en l’expedició. D’aquesta manera, els reis conegueren de primera mà l’arribada de l’armada catalanoaragonesa a Sardenya, el 24 de juny de 1323, l’enfrontament contra els pisans i genovesos que dominaven l’illa i la rendició de Càller, després d’un any de setge, el 10 de juny de 1324.

Un cop consolidada la seva posició, l’infant Alfons tornà victoriós a Barcelona, on fou rebut

amb grans honors. El rei anhelava el retrobament amb el seu fill, però quan aquest arribà, Jaume no li dirigí la paraula. Ni tan sols es dignà a allargar-li la mà perquè la hi besés. L’actitud freda i distant del rei, en aquell moment d’eufòria general, deixà sorpreses les personalitats més destacades del país reunides en l’acte solemne.

L’infant, molt contrariat, es retirà a descansar.

Després de dinar, Alfons es canvià la indumentària sarda que havia portat el matí i es vestí a la catalana, d’acord amb els usos de la cort, i tornà a visitar el seu pare. Jaume, aquest cop, sortí a rebre’l a les escales del palau i pare i fill es fongueren en una abraçada. Elisenda, admirada del canvi d’actitud del seu espòs, li preguntà discretament pel motiu. Jaume respongué que si al matí hagués arribat amb les robes del vencedor, li hauria dispensat la rebuda que mereixia pel seu valerós comportament, però com havia comparegut vestit com els vençuts, s’havia

vist obligat a ignorar-lo. L’anècdota, probablement inventada amb molta posterioritat als fets, coincideix amb els exaltats sentiments patriòtics que el rei Jaume manifestà durant aquesta època i mostra, en tot cas, el tracte familiar que imperava a la cort.

A instàncies de la seva nora, Teresa d’Entença, la reina Elisenda intervingué prop del rei per evitar les pretensions successòries de l’infant Pere, en detriment del fill primogènit del seu germà Alfons i Teresa, el futur Pere III el Cerimoniós, qui mai no oblidaria l’eficient intervenció d’Elisenda.

El matrimoni de Jaume II i Elisenda de Montcada, ben avingut, es veié presidit pel fervor religiós. El rei regalà sovint la seva devota esposa amb creus, calzes, robes litúrgiques i objectes diversos destinats al culte de la capella particular. També l’obsequià amb nombrosos llibres de matèria teològica, en gran part provinents de

CURIOSITATS BCN l’extingit orde del Temple. No content amb això, Jaume negocià amb el soldà turc l’obtenció del cos de santa Bàrbara i altres relíquies de màrtirs que eren a Terra Santa. Gràcies a la influència que Elisenda sabé exercir sobre el seu espòs, alguns dels seus parents aconseguiren favors i gràcies papals.

En plena exaltació religiosa, Elisenda promogué la fundació d’un monestir a l’antic casal reial de Valldaura. Fracassat aquest primer intent, la reina adquirí el mas Pedralbes i el primer de febrer de 1326 li fou concedida l’autorització per fundar un monestir de monges clarisses, per butlla de Joan XXII. Elisenda emprengué amb energia la construcció de l’església i el convent.

Les obres avançaren a un ritme tan accelerat que una gran part de l’edifici ja estava alçat el 3 de maig de 1327, data de la solemne inauguració oficial, que atragué una excel·lent concurrència en una cerimònia de brillantesa excepcional. Al costat del seu espòs, la reina

Elisenda gaudí en aquest acte de la màxima exteriorització del seu prestigi i de la seva influència com a sobirana. Hi assistiren els infants reials Pere i Ramon Berenguer, i segurament també les infantes Violant i Blanca, aquesta ja com a priora del monestir de Sixena; Ot, el germà d’Elisenda; destacades dignitats eclesiàstiques; cavallers dels diversos ordes militars; nombrosos barons i nobles del país; dames de la cort, i personal de palau.

La salut del rei, precària des de feia dècades, s’havia de malmetre ben aviat. Pels volts de setembre de 1327, aclaparat per la notícia de la mort de la seva filla Constança, ja no pogué acudir a la consagració del seu fill Joan com a arquebisbe de Tarragona i patriarca d’Alexandria. Un mes després morí impensadament Teresa d’Entença, la seva estimada nora. El cop afectà molt el rei Jaume, subjecte ja a una ràpida davallada, que veia com desapareixien els seus familiars més joves i es malmetien les

seves intervencions polítiques del passat.

Enmig d’aquest estat, Elisenda, amb les seves qualitats i la seva pietat religiosa, fou el millor sedant que trobà el rei en l’amargor que patí els darrers anys de la seva existència. Els diàlegs reposats i tranquils amb la seva esposa van fer més passadores les hores de turment físic i espiritual. Es pot dir que Elisenda de Montcada, amb la seva presència beatífica, ajudà a ben morir Jaume II el Just, el 2 de novembre del mateix 1327. Alfons III fou coronat solemnement a Saragossa com a hereu de la totalitat dels dominis, eixamplats durant el regnat de Jaume II amb la incorporació de Sardenya i d’una zona important al sud del regne de València. La pèrdua de Sicília era contrarestada pel fet de continuar l’illa sota dinastia catalana, regnant encara Frederic III, i amb una estructura nobiliària on abundaven les famílies catalanoaragoneses. Elisenda rebé en herència l’usdefruit de Berga, Pals, Torroella de Montgrí, Tortosa i Castelló de Borriana, a més de la donació perpètua del monestir de Pedralbes amb totes les seves pertinences. El rei també li atorgà en el seu testament un bon nombre de joies —anells, perles, pedres precioses, vaixelles d’or i plata, teles d’or i seda...— i deixà igualment consignades rendes per als fills o filles que poguessin néixer després de la seva mort, en cas que Elisenda estigués embarassada, cosa que no succeí.

La reina es retirà a viure al seu Monestir de Pedralbes, per al qual s’esmerçà amb gran zel.

S’hi feu construir un petit palau adjacent amb dependències per a una cort reduïda, on rebia les visites. Elisenda hi residiria els trenta-set anys que li quedaven per viure, sense oblidar, però, les seves obligacions. El 1339, regnant ja el seu net Pere III el Cerimoniós, assistí al solemne trasllat de les restes de Santa Eulàlia a la cripta de la catedral barcelonina i el 1344 fou padrina de la seva besnéta, Joana, filla de Pere III i Maria de Navarra. Els seus freqüents viatges a Barcelona li feren veure amb preocupació la considerable distància que hi havia, en termes de l’època, entre el monestir i la ciutat, ja que considerà un perill per a la comunitat de clarisses viure tan soles i allunyades. El 1357, Elisenda demanà la protecció del Consell de Cent

barceloní i aquest concedí que, en temps de guerra o d’epidèmies, les monges fossin traslladades al Palau Reial. D’acord amb el seu arrelat sentiment religiós, Elisenda disposà el 1358 que cada 3 de novembre fos celebrat a la catedral de Barcelona i altres temples un ofici en memòria del seu difunt marit, d’ella mateixa i dels seus pares, ofici que encara se celebra actualment.

Elisenda de Montcada va morir l’any 1364 al petit Palau de Pedralbes. Tenia al voltant de setanta-dos anys i deixà tots els seus béns al monestir on havia viscut la meitat de la seva vida.

També hi fou enterrada, en un magnífic sepulcre d’alabastre que s’havia fet construir entre el claustre i l’església. La seva figura jacent, vestida de reina, és visible des del presbiteri, mentre que una altra estàtua, amb hàbit de monja clarissa, pot ser observada des del claustre.

Elisenda Albertí

Capítol del llibre Dames, reines, abadesses: Divuit personalitats femenines a la Catalunya medieval, d'Albertí Editor.

Enllaç de la fitxa del llibre: http://albertieditor.cat/index.php?route=product%2Fproduct&path=89&product_id=56

TELEVISIÓN

A

Por Miguel Ángel Parra

Un lugar maravilloso excavado en la roca, llamado Fraguel Rock: Los Fraguel

principio de los años ochenta, Jim Henson, creador de los celebres Muppets y una de las mentes más influyentes en la cultura pop del siglo XX, pone en marcha uno de sus trabajos más recordados por los niños de la época: Los Fraguel (Fraggle Rock, 1983-1987). La idea de Henson y su equipo es que este nuevo programa ha de ser sencillo, divertido, con un fuerte mensaje subyacente que inculque el pacifismo y la ecología en la mente de los más pequeños, pero que a la vez divierta al público adulto que había disfrutado anteriormente de El show de los Teleñecos (The Muppet Show, 1976-1980).

Sus protagonistas: Gobo el líder, Dudo (Wembley) el indeciso, Musi (Mokey) la espiritual, Rosi (Red) la vivaracha, y Bombo (Boober) el depresivo –cuya mayor afición es hacer la colada–, tienen cinco personalidades bien diferenciadas y definidas, pensadas para empatizar con cualquiera de los niños espectadores. Gracias a ellos, el argumento de cada episodio no solo proporciona entretenimiento, también infunde los valores de la cooperación y comprensión entre los diferentes tipos de persona que puedes encontrar en cualquier grupo social. La relación existente entre esos cinco personajes es el tema central sobre el que gira el argumento principal de todos los capítulos de la serie, pero un sexto Fraguel más “maduro y experimentado” es el encargado de mostrarnos el mundo exterior y los extravagantes comportamientos de sus estúpidas criaturas: el tío Matt el viajero. A través de las postales que este envía a su querido sobrino Gobo, Matt relata a los jóvenes Fraguel sus experiencias en el exterior y las sorprendentes costumbres de la sociedad humana. A su vez, para conseguir las misivas de su tío, Gobo deberá interactuar con dos de esas criaturas –Doc

y su perro Sprocket–, atravesando el agujero de una pared que comunica ambos mundos. La otra especie que habita las cavernas de Fraguel Rock son los Curris, unos pequeños seres de quince centímetros de altura que, como las hormigas o las abejas, solo piensan en trabajar sin descanso, al contrario de los hedonistas Fraguel, que solo lo hacen treinta minutos a la semana. La ocupación principal de los Curris consiste en construir compulsivamente pequeños edificios de varillas de polvo de rábano Gori, que son el alimento principal de la dieta Fraguel, lo que convierte a los tres grupos en especies simbióticas: Los Goris cultivan rábanos, los Fraguel se alimentan de las construcciones Curris y los Curris necesitan seguir construyendo para poder continuar con su estajanovista modo de vida. Aunque los ha habido de todos los tamaños, formas y colores, ese grupo de personajes también representa en pantalla a los tres tipos de marionetas más habituales de la compañía: las marionetas de mano o Muppets, las de cuerpo entero y los animatronics. Como contrapunto visual a los diminutos Curris, más allá de Fraguel Rock podemos encontrar el reino de los Goris, habitado por unos enormes seres peludos diez veces más grandes que un Fraguel.

Por lo visto en la serie, en el reino Gori solo sobrevive un pequeño grupo de tres de ellos: Mamá, Papá y Junior, una familia de monarcas que debido a su desconocimiento sobre el mundo exterior, creen ser los reyes del Universo.

En el jardín del reino, junto a la plantación de rábanos de los Goris, habita un personaje que nada tiene que ver con las tres especies mencionadas hasta el momento, Justina (Marjorie en inglés), el oráculo conocido por todos como la sabia Montaña de Basura. Un montículo de desperdicios con gafas que acompañada de sus dos acólitos, los roedores Filo y Mena (Philo y

Gunge), aconsejará con su sabiduría a cualquier Fraguel que se acerque a pedir ayuda. Otro de los objetivos de Henson, y no por ello el menos importante, es diseñar un formato maleable para que la nueva creación de su factoría pueda ser adaptada a las exigencias de cada país con la meta de crear coproducciones del espacio con diferentes naciones. Duncan Kenworthy, uno de los responsables de la adaptación de Barrio Sésamo (Sesame Street, 1969) a las diversas demandas de los mercados internacionales, ayuda al equipo a concebir ese nuevo formato con la intención de evitar algunos de los problemas sufridos por el programa de CTW, que tuvo que adaptarse sobre la marcha a las necesidades de cada país.

Como en la mayor parte de proyectos de la compañía, la música también ocupa un lugar muy importante en Los Fraguel. Cada episodio cuenta con dos o tres temas originales compuestos expresamente para la serie por los canadienses Philip Balsam y Dennis Lee; este último poco después ayuda a Henson a desarrollar parte del argumento de Dentro del laberinto (Labyrinth, 1986), antes de que Terry Jones se haga cargo de escribir el guión del proyecto. Las canciones de Balsam y Lee no tardan en calar hondo entre

sus espectadores y Down At Fraggle Rock, el tema principal del programa, alcanza en su primer año de andadura el puesto número treinta y tres en las listas de más vendidos en Gran Bretaña. En 2007, KOCH Records edita en CD un pack de tres discos con las versiones remasterizadas de los vinilos originales de la serie, convertido en la actualidad en un cotizado objeto de coleccionista.

Los Fraguel se mantiene en antena desde el 10 de enero de 1983 hasta el 30 de marzo de 1987, con un total de noventa y seis episodios galardonados con más de doscientos premios, entre los que se encuentran dieciocho Emmys, nueve Grammys y un BAFTA. El éxito de la serie propicia la producción de una temporada animada de trece episodios, Fraggle Rock: The Animated Series, emitidos entre 1987 y 1988 por NBC con un formato muy similar al del programa original, que divide sus treinta minutos de duración en dos historias cortas. Otra serie de animación basada en los personajes de la serie clásica ve la luz el 7 de octubre de 2013: Los Doozers (Doozers), protagonizada exclusivamente por los incansables Curris, a los que curiosamente no se les traduce el nombre en la versión española emitida por Clan TV.

CINE/ LA CRÍTICA LA SOMBRA DE LA LEY

Cine de gansters en la Barcelona de los años 20

El director Dani de la Orden debió quedarse prendado del cine de gansters en blanco y negro de los viejos estudios como la Warner o la Fox y ha recreado su particular visión de lo que fue la revolución anarquista de los obreros contra sus patronos en la Barcelona de 1921. Para ello ha creado una historieta que raya el cómic en el que los buenos son unos mártires y los malos unos villanos sin fisuras, bueno ninguno de los personajes tiene suficiente profundidad y se limitar a deambular por la pantalla unos minutos. Ritmo trepidante, montaje acelerado y muchos disparos gratuitos. En el terrero de las interpretaciones destaca Luis Tosar (con el que el director ya había coincidido en su primer film El desconocido) en un personaje que no tiene ni pasado ni futuro, que no se sabe muy bien a favor de quién está ni que causa abraza pero que empieza a parecerse peligrosamente a Nicolas Cage en cuanto a peluquines casposos. La protagonista es Michelle Jenner (con la que el director había rodado el anuncio veraniego de Estrella Damm), que hace lo que pueda en un papel que es una especie de sufragista que no tiene muchas manías en afiliarse a las filas anarquistas. Y entre los villanos destaca un Ernesto Alterio en un personaje repugnante al que dan ganas de asesinar nada mas verlo. Aunque quizás lo que mas me ha chirriado es que intenten hacer colar Galicia como Barcelona, con extras de marcado acento galaico y unos paisajes que no cuelan por ninguna parte, al margen de otros despropósitos y anacronismos históricos.

Mi opinión: Un film entretenido al que no hay que buscarle mucho fondo.

Por Bernat Molins

HA NACIDO UNA ESTRELLA Nueva versión de un clásico.

Ya se han hecho al menos al menos cuatro versiones de la misma historia, la de hombre famoso que conoce a desconocida y mientras ella sube en la escala de la popularidad, la estrella de él se va apagando lentamente. Las dos primeras versiones estaban ambientadas en el mundo del cine (impresionante Judy Garland en un papel en el que injustamente le escatimaron el Oscar), la tercera ambientada en el mundo de la música (con el olvidado Kris Kristofferson y la siempre sobrevalorada Barbra Streisand) y ahora esta nueva aproximación musical, en la que Bradley Cooper demuestra que no solo actúa y dirige, sino que además canta y lo hace bastante bien. A su partenaire, en cambio Lady Gaga se le ha exigido no solo que cante bien (algo que ya se daba por hecho) sino que actúe convincentemente y parece que ha pasado el examen con buena nota. La pregunta es ¿llamaría igual la atención Lady Gaga sin toda la parafernalia que la rodea, sin vestidos imposibles, pelucones, plataformas, video-clips llamativos y el resto de elementos que la ha convertido en un icono? Bueno, esta es la ocasión para demostrarlo. Os puede gustar o no pero es interesante ver la reflexión que hay destras del mundo del espectáculo, la soledad tras el “calor” de los fans y como todos nos merecemos que al menos una vez en la vida nos toquen con la varita mágica para que se cumplan nuestros deseos.

Mi opinión: Soprenderá agradablemente ver a Cooper como cantante y Gaga como actriz.

CINE ESTRENOS

Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald

Infiltrados en el KKKlan

Al final de la primera película, el poderoso mago oscuro Gellert Grindelwald (Johnny Depp) fue capturado por MACUSA (Congreso Mágico de los Estados Unidos de América), con la ayuda de Newt Scamander (Eddie Redmayne).

Pero, cumpliendo con su amenaza, Grindelwald escapó de su custodia y ha comenzado a reunir seguidores, la mayoría de los cuales no sospechan sus verdaderas intenciones: alzar a los magos purasangre para reinar sobre todas las criaturas no mágicas.

A principios de los años setenta, una época de gran agitación social con la encarnizada lucha por los derechos civiles como telón de fondo, Ron Stallworth se convierte en el primer detective negro del departamento de policía de Colorado Springs, pero es recibido con escepticismo y hostilidad por los mandos y los agentes. Sin amedrentarse, decide seguir adelante y hacer algo por su comunidad llevando a cabo una misión muy peligrosa: infiltrarse en el Ku Klux Klan.

Dirección: David Yates Guion: J.K. Rowling Música: James Newton Howard Fotografía: Philippe Rousselot Reparto: Eddie Redmayne, Jude Law, Katherine Waterston, Johnny Depp, Zöe Kravitz, Ezra Miller, Alison Sudol, Callum Turner, Dan Fogler, Claudia Kim, Ólafur Darri Ólafsson, Kevin Guthrie.

Dirección: Spike Lee Guion: Spike Lee, Kevin Willmott, David Rabinowitz, Charlie Wachtel Música: Terence Blanchard Fotografía: Chayse Irvin Reparto: John David Washington, Adam Driver, Topher Grace, Laura Harrier, Ryan Eggold, Corey Hawkins, Robert John Burke, Paul Walter Hauser

El Grinch

Bohemian Rhapsody

El Grinch es un ser amargado que vive dentro de una cueva con su perro Max. Odia la Navidad y solo sale de casa cuando no tiene comida y necesita ir al supermercado. Cuando en Villa Quién, el pueblo en el que vive, decide organizar una Navidad mucho mayor que en los años anteriores, el Grinch tomará la decisión de robar la Navidad utilizando para ello un disfraz de Papá Noel, hasta que se encuentre con una niña con un gran espíritu navideño que le hará replantearse sus valores y cambiar de opinión. La película en versión original está doblada por Benedict Cumberbatch en el papel protagonista.

Ambientado en los 70, este biopic se centra en el icónico grupo de música Queen y concretamente en la vida del cantante principal, Freddie Mercury. La cinta pretende mostrar de forma cronológica cómo se formó la banda, los años previos a la fama y los inicios de Freddie. Además, también se mostrará el Live Aid de 1985, un concierto que realizaron en el estadio de Wembley con el fin de donar lo recaudado a causas benéficas y donde además también colaboraron otras grandes estrellas musicales del momento.

Dirección: Pete Candeland Guion: Mike LeSieur, sobre una idea del Dr. Seuss Música: Michael Giacchino Productora: Illumination Entertainment / Perfect World Pictures / Universal Pictures

Dirección: Dexter Fletcher, Bryan Singer Guion: Anthony McCarten, Peter Morgan, Stephen J. Rivele, Christopher Wilkinson Música: Brian May, Roger Taylor Reparto: Rami Malek, Joseph Mazzello, Ben Hardy, Gwilym Lee, Lucy Boynton, Aidan Gillen, Tom Hollander

CINE ESTRENOS

Pesadillas 2: Noche de Halloween

Dirección: Ari Sandel Guion: Darren Lemke, Rob Lieber, sobre una historia de R.L. Stine Fotografía: Barry Peterson Reparto: Jack Black, Madison Iseman, Jeremy Ray Taylor, Wendi McLendon-Covey, Chris Parnell, Ken Jeong, Shari Headley, Peyton Wich

La saga literaria de Pesadillas fue un auténtico fenómeno durante los años 90, dando pie incluso a su propia serie de televisión. Su popularidad ya no es la que llegó a ser, pero en 2015 se estrenaba su salto a la gran pantalla, un estimable pasatiempo que además fue bien recibido por el público.

Eso llevó a Sony a dar luz verde a una segunda parte en la que vemos a unos chavales entrando en la casa de R.L. Stine y encontrando un libro solitario que será el causante del caos al que tendrán que hacer frente.

Peppermint

Dirección: Pierre Morel Guion: Chad St. John Fotografía: David Lanzenberg Reparto: Jennifer Garner, Richard Cabral, John Ortiz, John Gallagher Jr., Juan Pablo Raba, Method Man, Tyson Ritter, Annie Ilonzeh, Jeff Hephner, Pell James, Eddie Shin, Chris Johnson, Kyla Drew Simmons, Erin Carufel, Johnny Ortiz, Sam Upton, Hans Marrero, Cailey Fleming, Edilsy Vargas, Sammy Voit, Ian Casselberry

Peppermint es una historia de venganza que se centra en una joven madre que, sin nada que perder, está decidida a arrebatarle a sus rivales la misma vida que le fue robada. La crítica ha dicho de ella: «Desagradable, incoherente y problemática [...] La caracterización es tan pobre y las ideas políticas tan tóxicas que no hay recompensa emocional más allá de la indiferencia o el desagrado».

MADE IN SPAIN

CINE ESTRENOS

Superlópez

Sin fin

Nacido como parodia del Superman de DC Comics, las historietas de Jan giran en torno a Jo-Con-Él, un bebé que tras colarse en un cohete acaba en la tierra adoptado por el matrimonio López.

Crece como un humano más pero intentando controlar sus poderes, además de dedicándose a luchar contra el mal.

Como adulto, trabaja en una oficina de Barcelona mientras ejerce como superhéroe a escondidas bajo el nombre de Superlópez, quien debe salvar el mundo pero, sobre todo, debe asegurarse de no acabar consigo mismo en el proceso.

Narra cómo Javier viaja en el tiempo para reescribir su último día junto a María, el amor de su vida. Recuerda y revive con ella el momento en que se conocieron años atrás, para conseguir que María vuelva a ser la chica alegre y risueña de la que una vez se enamoró… y de la que se volverá a enamorar. Consiguió el premio al mejor actor (Javier Rey) y a la mejor opera prima en el Festival de Málaga 2018. La película es una adaptación a largometraje del corto protagonizado por los mismos actores de Not the End.

Dirección: Javier Ruiz Caldera Guion: Borja Cobeaga y Diego San José, basado en el cómic de Jan Música: Fernando Velázquez Fotografía: Arnau Valls Colomer Reparto: Dani Rovira, Alexandra Jiménez, Julián López, Pedro Casablanc, Gracia Olayo, Maribel Verdú, Nao Albet, Gonzalo de Castro, Marc Rodríguez, Carlos Zabala

Dirección: César Esteban Alenda, José Esteban Alenda Guion: César Esteban Alenda, José Esteban Alenda Música: Sergio de la Puente Fotografía: Ángel Amorós Reparto: Javier Rey, María León, Juan Carlos Sánchez, Mari Paz Sayago

El árbol de la sangre

Ana de día

Cervantes y Corberó interpretan los papeles de Marc y Rebeca, una pareja veinteañera que decide viajar al País Vasco a pasar unos días. Cuando están allí, se hospedan en un antiguo caserío abandonado que, en antaño, había pertenecido a unos miembros de su familia. Haciendo uso del misterio y las tragedias familiares, ambos chicos consiguen crear un árbol genealógico para explicar la historia de sus antepasados. El sexo, el amor, las infidelidades, mentiras y locuras estarán presenten en cada una de las ramas de éste.

Ana descubre un día que una doble idéntica a ella, cuya presencia a nadie parece extrañar, ha ocupado su lugar.

Todas sus obligaciones, todos sus deberes, están cubiertos por esa otra persona. Ana entonces se debate entre luchar por su identidad perdida o, por lo contrario, intentar buscar su propia identidad ajena a todo lo que suponía su vida normal. El film estuvo en la sección oficial «Largometrajes a concurso» del Festival de Málaga. Lo mejor: que detrás de la cámara intuyamos una voz con estilo y personalidad a la que habrá que seguir la pista. Lo peor: una cierta tendencia al ensimismamiento y al postureo.

Dirección: Julio Médem Guion: Julio Médem Fotografía: Kiko de la Rica Reparto: Úrsula Corberó, Álvaro Cervantes, Najwa Nimri, Patricia López Arnaiz, Daniel Grao, Joaquín Furriel, Maria Molins, Emilio Gutiérrez Caba, Luisa Gavasa, Josep Maria Pou, Ángela Molina

Dirección: Andrea Jaurrieta Guion: Andrea Jaurrieta Fotografía: Juli Carné Martorell Reparto: Ingrid García Jonsson, Álvaro Ogalla, Fernando Albizu, Irene Ruiz, Mona Martínez, María José Alfonso

MADE IN SPAIN

CINE ESTRENOS

El desentierro

El silencio de otros

La repentina aparición de una mujer albanesa en un pueblo de Levante provoca que Jordi, recién llegado de Argentina para asistir al entierro de un importante conseller, decida investigar el pasado de su padre Pau, desaparecido hace 20 años y al que todo el mundo daba ya por muerto. Cuenta con la ayuda de su primo hermano Diego, hijo del político valenciano fallecido y ahora convertido en un escritor errante que vive retirado. Juntos emprenderán a contrarreloj la búsqueda de Pau.

El silencio de otros revela la lucha silenciada de las víctimas del largo régimen de Francisco Franco, que continúan buscando justicia hasta nuestros días. Filmado a lo largo de seis años, la película sigue a las víctimas y a los supervivientes del régimen a medida que organizan la denominada «Querella Argentina» y confrontan un pacto del olvido sobre los crímenes que padecieron. Premio del público al mejor documental (sección «Panorama») en el Festival de Berlín. Es el segundo largometraje documental del dúo de ganadores del Emmy por Made in L.A.

Dirección: Nacho Ruipérez Guion: Mario Fernandez Alonso, Nacho Ruipérez Música: Arnau Bataller Fotografía: Javier Salmones Reparto: Michel Noher, Jan Cornet, Leonardo Sbaraglia, Francesc Garrido, Jelena Jovanoa, Ana Torrent, Jordi Rebellón, Arben Bajraktaraj, Nesrin Cavadzade

Dirección: Almudena Carracedo, Robert Bahar Guion: Almudena Carracedo, Robert Bahar Música: Leonardo Heiblum, Jacobo Lieberman Fotografía: Almudena Carracedo Documental

EXPOSICIONES

Antoni Tàpies: Biografia política

Estamos ante un extraordinario conjunto de obras de Antoni Tàpies del período 1946-1977. O sea, el inicio de la actividad del pintor hasta la restauración de la Generalitat de Catalunya. Pero si el visitante no sabe nada de la grisura moral y material de los primeros años de posguerra, del aislamiento de una dictadura fascista que fusilaba sin reparos la disidencia, ni del debate entre los intelectuales de izquierda, sobre la conveniencia del realismo socialista, los esfuerzos para articular una resistencia cívica en el interior del país, no podrá captar nada de nada.

Unas setenta obras impresionantes –como los tres lienzos ciclópeos que vistieron en 1963 la Documenta de Kassel, reagrupados por primera vez– que empiezan una relectura del corpus del artista a la luz del siglo XXI, y recrean una toma de conciencia cívica: Tàpies es un creador que, en 1958, logra el éxito internacional. ¿Debe asumir, pues, su papel de referente y contribuir a materializar una sociedad más justa y democrática?

Fundació Antoni Tàpies Aragó, 255 Tel. 934 870 315 Hasta el 24 de febrero de 2019

Manuel Duque: De la llum al món

Espai VolART – Fundació Vila Casas Ausiàs Marc, 22 Tel: 934 817 985 Hasta el 30 de diciembre

Obres obertes: L’art en moviment

La exposición de La Pedrera reúne una amplia y cuidada selección de obras de arte contemporáneo de más de una cuarentena de artistas internacionales que apostaron por una transformación profunda del rol del espectador a través de la participación y su interacción con el obra de arte. La participación del público, la puerta abierta al azar, la inmaterialidad, la apertura al espacio, la desmaterialización... todo eso está presente en el corpus creativo de los años 50 y 60, en las obras de artistas como Marina Apollonio, Alberto Biasi, Pol Bury, Alexander Calder, Enrico Castellani, Marcel Duchamp, Jean Tinguely o Victor Vasarely, entre muchos otros.

La Pedrera Provença, 261-265 Tel. 932 142 576 Hasta el 27 de enero de 2019

Coincidiendo con el vigésimo aniversario de la muerte del artista Manuel Duque (Nerva, Huelva, 1919 – Sabadell, 1998), la Fundació Vila Casas presenta esta muestra comisariada por Imma Prieto, una selección de ochenta obras pictóricas que recorren la trayectoria artística de un autor que siempre tuvo la certeza de estar fuera de lugar y fuera de tiempo, ajeno a movimientos y estilos. Dividida en diferentes ámbitos, la muestra es una aproximación a la cosmogonía de Manuel Duque a través de una propuesta que acerca al espectador a la idea del trazo. Un trazo que se irá reconociendo a sí mismo a partir de elementos que son clave en la pintura de todos los tiempos: la luz, el color o la naturaleza, una naturaleza entendida no como paisaje, sino como lugar de encuentro con uno mismo y con el mundo.

LA LIBRERÍA

Mad Men, o La frágil belleza de los sueños en Madison Avenue Matthew Weiner y otros 18,90 € (Amazon)

Series de culto Toni de la Torre 14,25 € (Amazon)

Hombres fuera de serie Brett Martin 21,75 € (Amazon)

The Wire: 10 dosis de la mejor serie de la televisión George Pelecanos 15,68 € (Amazon)

La cultura de las series Concepción Cascajosa Virino 18,05 € (Amazon)

Geopolítica de las series, o El triunfo global del miedo Dominique Moïsi 17,57 € (Amazon)

1001 series de TV que hay que ver antes de morir Paul Condon 33,25 € (Amazon)

Teleshakespeare Jorge Carrión 18,90 € (Amazon)

COMICLAND

Siete para la eternidad Vol. 2: Balada de traición R. Remender, J. Opeña, M. Hollingsworth 16, 63 €

Archie Volumen cuatro Mark Waid, Pete Woods 17,10 €

XIII Mystery. Vol. 9: Felicity Brown C. Rossi, Matz 14,25€

Los viejos hornos. Vol. 4: La maga Lupano, Cauuet 16,15€

Regreso al futuro ¿Quién es Marty McFly? Alan Robinson y otros 17,58 €

La edad de oro Cyril Pedrosa, Roxanne Moreil 30,40 €

Guantánamo Kid: La historia verdadera de Mohammed el-Gorani Jérôme Tubiana, Alexandre Franc 18,95 €

Laïyna Dubois, Hausman 24,70 €

FREAKYWORLD

Harley Queen Tamashi Nations 84,37€ (Amazon)

Mister Bean Funko Pop 12,53 € (Amazon)

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y en el próximo número...

SERGI CERVERA

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