calle20#35 by Marta de los Dolores

FEBRERO / 09 - #35

LA REVISTA DE LA NUEVA CULTURA

MODA: CAÍDOS EN LA TENTACIÓN // ESCULTURAS DE TOMO Y LOMO // COMBARRO Y GARCÍA-ALIX, CRUCE DE MIRADAS

PDF DE CLIENTE CHEQUEADO POR

febrero 09 contenidos

A Berto no le pone la mecánica 4 El colaborador de Buenafuente las pasa moradas en un taller 14

‘Niños rociando gato con gasolina’ 6 Primer fragmento de la nueva sección dedicada a jóvenes autores

«En los sellos hay mucho tomate» 8 Entrevista con Sonia Cuevas, corresponsable de Zona Bruta

La calle como espacio natural 10 Subcity, un colectivo que reivindica el buen uso de la ciudad

«La fotografía nos sobrevivirá» 14 Chiara Balza, una joven italiana fundida con su cámara 18

Dos músicos, cara a cara 18 Génesis (Psychic TV) y Dani Fletcher (Ginferno), al fin juntos

Meirelles proyecta a Saramago 24 El director de La ciudad de Dios lleva al cine Ensayo sobre la ceguera

Ayer libros, hoy esculturas 26 Virtuosos del cúter hacen de viejos volúmenes obras maestras 38

Entra suave y no empacha 32 DJ Food, plato fuerte del REC de electrónica y audiovisuales

Opuestos y complementarios 34 García-Alix y Combarro, dos formas de entender la fotografía

Las mejores escuelas de moda 38 Alumnos destacados de todo el mundo opinan sobre ellas 26

Agenda 54 Las ofertas culturales más interesantes del mes de febrero

Al día, y a diario 34

No esperes un mes para saber lo que se cuece ahí fuera. En nuestra web te ponemos todos los días al día de lo último en cultura urbana.

www

calle20 .es

ejemplar gratuito en establecimientos públicos de Madrid, Barcelona, Valencia y Bilbao. Localiza tu punto de distribución más cercano en nuestra web. DIRECTOR: Juan Carlos Avilés (javiles@calle20.es). REDACCIÓN: Pilar Sanz (jefa de redacción) (psanz@calle20.es), Jose Ángel González (jgonzalez@calle20.es), Carolina Velasco (cvelasco@calle20.es). DISEÑO Y PRODUCCIÓN: Marta de los Dolores (mdelos@calle20.es). CORRECCIÓN: Raquel Martín. MODA Y COMPLEMENTOS: Brenda Chávez (coordinación). PUBLICIDAD (publicidad@calle20.es) Jefa de publicidad: Lola Díaz. Tel.: (34) 917 015 600, ext. 603. Barcelona: Alicia Fábrega, tel.: (34) 934 706 255. DISTRIBUCIÓN (distribucion@calle20.es) Guillermo Estébanez (Madrid), Xavier Pons (Barcelona y Bilbao), Antonio Carmona (Valencia). FOTOMECÁNICA: Espacio y Punto. IMPRESIÓN: Printer Industria Gráfica. EDITA: Multiprensa y Más, S. L. www.20minutos.es, nosevende@20minutos.es. Condesa de Venadito, 1, 28027 Madrid. Tel.: (34) 917 015 600. Fax: (34) 917 015 660. Director general: José Antonio Martínez Soler. Director editorial: Arsenio Escolar. Director comercial: Luis Alberto Rivero. Directora comercial adjunta: María Jesús Rodríguez. Directores de publicidad: Antonio Verdera (Barcelona), Beatriz Martínez (Levante), Rosana López Balsategui (Bilbao). Director de marketing: Rafael Martín. Distribución: Juan Rodríguez Marín. Producción: Francisco Fernández Perea. Administración: Luis Oñate. Sistemas: Juan A. Balcázar. 20 MINUTOS ESPAÑA: Presidente: Sverre Munck . Vicepresidente: Antonio Asensio. Depósito legal: M-40343-2005. Calle 20 no se hace responsable de las firmas que en ella aparecen, ni de sus opiniones, artículos o comentarios. portada de Rafa Gallar correspondiente al reportaje de moda Gothic (págs. 42 a 49). La modela lleva body La Perla, leggings Baby Path, bolero de Armand Basi y botas New Rock.

UN PULPO EN UN GARAJE

POR CRIS RIERA FOTOGRAFÍA ÓSCAR FERRER

«Con mi torpeza, aquí duraría poco con las extremidades intactas»

EL PULPO: Alberto Romero (Cardona, 1974), humorista, guionista, colaborador de Buenafuente y hombre del Renacimiento con futuro de gran estrella mediática. EL GARAJE: Talleres Bonavista (Sant Just Desvern), local regentado por Javi, el tipo al que los trabajadores de El Terrat confían su coche por ser bueno, bonito y barato. «Esto sí que es un verdadero pulpo en un garaje», me dice Berto al cruzar la puerta, y yo, que estoy tan nerviosa como en una primera cita, soy incapaz de soltar algo más que media palabra con sentido. Por suerte, no hay mal que cien años dure, y cinco minutos más tarde consigo intercambiar mi primer par de frases inteligibles hasta llegar a entender qué narices hacemos rodeados de carburadores, culatas y cajas de cambios. Berto me cuenta que, al no tener carné de conducir, siempre se le ha hecho raro verse en un taller, y, añade, «con mi torpeza característica, duraría un par de horas con todas mis extremidades intactas». ¿Torpeza? ¡Pero si ha pedido las herramientas más grandes del taller para hacerse las fotos y no se ha roto ni una miserable uña! Aunque a mí lo que más me sorprende de todo son sus gafas sin cristales, algo inaudito en el mundo de la optometría, claro que más inaudito sería creer que Andreu Buenafuente

es tío suyo... «Pues mucha gente lo cree —me rebate Berto—, supongo que es porque ambos somos homo sapiens y de raza blanca. En realidad, Andreu me conoció porque vino a verme al teatro cuando yo hacía un monólogo llamado La apoteosis necia, y desde entonces hemos colaborado juntos. Y, bueno, estas gafas sin cristales son de Berto, el sobrinísimo. Le gusta llevarlas y se pone hecho una furia cuando le plantean que se las quite. Él es así, tiene un carácter…». Carácter y genio del bueno porque, si no, no se entiende que un tirillas como Berto (espero que no se ofenda) pueda compaginar una jornada diaria de tele, radio y teatro sin necesidad de implantarse tres brazos, cinco ojos y otro cerebro auxiliar como mínimo. Pero Romero es un hombre orquesta que sabe que las oportunidades se presentan pocas veces y hay que aprovecharlas, un currante al que le piden cuatro autógrafos y algunas fotos, pero a quien jamás le ha dicho nadie en un restaurante «su dinero no vale aquí, señor Romero». Antes de despedirse, me confiesa: «De pequeño quería ser dibujante, pero lo de humorista empezó a llenarme hasta no caber dentro nada más. Y ahora, pues tengo estrés, porque hay todo el que quieras, y más en este oficio, pero sería un auténtico cretino si me quejara porque tengo demasiado trabajo con la que está cayendo, ¿no crees? No basta, ¡puedo más!». Claro que puedes más.

Sin tĂtulo-1 1

20/1/09 18:00:39

galeradas

por alberto torres ilustración raúl lázaro

Niños rociando gato con gasolina Desde finales de los sesenta, el movimiento hippie (y más tarde el new age) creyó en la era de Acuario, una época venidera de paz y prosperidad. Se extendió la teoría de que sus primeros líderes ya estaban naciendo y se crearon escuelas para educarlos. Eran niños diferentes, muchas veces inadaptados o con capacidades especiales, y podían distinguirse físicamente por el color azulado de su aura. Ésta es la historia de cuatro de estos niños, elegidos para guiar al mundo hacia la era de Acuario. Y de las secuelas que, 25 años después, todavía los despiertan en medio de la noche. Avance de la novela Niños rociando... que se edita este mes en la colección Nuevos Tiempos de Siruela (www.siruela.com).

Estábamos destinados a cambiar el mundo. Un crío gordito que escondía comida debajo de la almohada cuando nadie lo miraba y una mujercita que jugaba a maquillarse delante del espejo. Un muchacho de color azul con ojos de divinidad hindú y una niña que tocaba el piano por el día y lloraba por la noche llamando a su madre. Tenía ocho años entonces. Habrás adivinado que yo era la niña que lloraba llamando a su madre. No es difícil adivinarlo. Todavía lo hago. Llorar. Por cualquier cosa. Tú lo sabes mejor que nadie. Pero no me puedes culpar. A los ocho años es normal que una niña llore por su madre que está lejos, ¿no crees? Lo que no es normal es que te digan que tu destino es cambiar el mundo. No, eso no es normal. Pero parece que nadie se daba cuenta. Nos eligieron porque éramos especiales, porque teníamos un don que nos hacía superiores al resto. Al menos eso le dijo el señor Moulad a mis padres, de forma vehemente. Aunque no hacía falta tanta vehemencia. No hay nada más fácil que convencer a un padre de que su hijo es especial, ¿no piensas lo mismo? Y entonces hablarle de una escuela para

niños como ellos, donde aprenderán a desarrollar sus habilidades antes de que el mundo las atrofie. A pesar de que su niña llore cada noche a kilómetros de distancia. A pesar de que su niña se pudra a kilómetros de distancia. Porque un don es una responsabilidad y exige ciertos sacrificios. Eso repetía el señor Moulad. No sé qué pensar de él. Me debato entre el odio y la compasión. Estaba al servicio de una idea muy bella. Pero sólo de una. ¿Hay algo más peligroso que un hombre al servicio de una sola idea, por bella que ésta sea?

alberto torres blandina (Valencia, 1976) ha sido finalista del premio Café Gijón 2008 con Niños rociando gato con gasolina (Siruela) y ganador del premio Las Dos Orillas con la novela Cosas que nunca ocurrirían en Tokio (próxima aparición en mayo de 2009). También es profesor de Secundaria, dramaturgo y cantante del grupo Niñamala. raúl lázaro (Alicante, 1980) estudió Arquitectura en Madrid, estuvo trabajando en Holanda y mientras hacía fotos y collages. Va a publicar próximamente el libro autoeditado Síndrome de Diógenes, un cesto de realidad personal hecha con mimbres imaginarios. Puedes ver una selección de su trabajo en www.escueladecebras.com.

CY CMY

La festa comença al teu barri Del 19 al 25 de febrer

PDF DE CLIENTE CHEQUEADO POR

Rua de Barcelona dissabte 21 de febrer a les 20.30h Rambla Guipúscoa

www.bcn.cat/canalcultura

fuera de foco

sonia cuevas

«El ego de los raperos me da miedo, como para marearse» Cuando el rap en España despertó, Sonia ya estaba allí. Formó parte del dúo Sony & Mony, que incluyó uno de sus temas en el recopilatorio Rapin Madrid, y está junto a Nieves Villar desde los inicios en el sello Zona Bruta, uno de los responsables de que ahora en los barrios se rime en consonante. Además, es señora de Frank T y madre de su niño. ¿Hay que ser muy bruta para montar un sello de rap llevado por mujeres? Antes pensaba que no, pero ahora creo que sí. Con el paso del tiempo he visto discriminación desde la industria, los grupos... A veces puede parecer que somos como la familia Corleone, pero tendríamos que haber sido más duras. ¿Habéis lamentado alguna vez no haber montado una tienda de ropa hip hop en vez de un sello? Habría sido mejor negocio, sin duda. Pero nos gusta lo que hacemos. ¿Te entra vértigo cuando te asomas desde lo alto del ego de los raperos? Muchísimo. He visto cosas que dan miedo. Como para marearse. Con todo lo que hablan los raperos, ¿cuántas veces dicen la palabra ‘gracias’? Ninguna... Bueno, sólo alguna vez, y muy pocos.

por pedro bravo fotografía belén cerviño

¿Es cierto que los sellos discográficos tenéis la culpa de todo lo malo que pasa en el mundo? Parece ser que sí... De repente somos los enemigos de los artistas, cuando deberíamos ir juntos. Muchos tienen una idea equivocada de lo que es un sello y de lo que tiene que hacer. Además, hoy en día somos ONG. En fin, cría cuervos... El público no valora vuestro curro; los grupos, tampoco. ¿Seríais más felices siendo árbitros de fútbol? Ellos pillan por todos lados, como nosotros, pero yo sigo en esto porque es mi vida. Sé lo que he hecho y sé que he contribuido a que el hip hop esté donde está. Sólo por eso, no pienso en dejarlo. ¿Para cuándo un programa tipo Aquí hay tomate de la escena rapera? Mmm, yo ya lo he imaginado, hasta los presentadores. Ojalá no pase nunca, pero si saliera, rompería audiencias. Para los que somos y el dinero que se mueve, hay mucho tomate. ¿Qué tiene que pasar para que se entienda el rap en un país como España? Un cambio generacional en la industria y los medios. Muchas de las cosas que han pasado lo han hecho porque el hijo de alguien ha influido a su padre. Cuando se porta mal tu hijo, ¿le pones una canción de Sony & Mony? No. Eso me lo hacen a mí. Mis amigos me castigan con esas canciones. Por cierto, ¿qué te sentaría peor, que tu hijo fuese cantante de heavy o periodista musical? Uf, qué difícil... Prefiero que sea artista, me da igual el género.

PACH.indd 1

21/1/09 14:10:04

óscar ferrer

geniosfera

colectivo subcity

En defensa de las necesidades urbanas Imagina una noche cualquiera en Barcelona a partir de las tres y media de la madrugada. Estás en la calle, y los bares están cerrados por ley a esa hora. De repente, sucede: tienes la vejiga a punto de explotar. ¿Qué haces? Si eres chico, buscas un rincón o un árbol y cambias el agua al canario sin más. Pero, ¡ay!, si eres mujer, todo se complica. «Hacer pis en la calle, además de estar desaprobado por las autoridades, está doblemente prohibido para las mujeres —dice el colectivo de intervención pública Subcity—. ¿Por qué los hombres lo hacen tan orgullosamente mientras que para nosotras es un símbolo de vergüenza?». Barcelona es una ciudad escaparate, bonita y cara, pero sin un puñetero lavabo público donde se pueda «orinar decentemente». Subcity, este grupo de crítica urbana que prefiere permanecer en el anonimato, decidió poner solución

a este tema con su primera iniciativa, el Pixing. Incitaban a las mujeres a orinar en la calle para «combatir el sexismo imperante y criticar la absurda ley del civismo que castiga sin ofrecer ninguna solución». El nombre de Pixing es una combinación entre el vulgar pixar (mear en catalán) y el sufijo de Bicing (sistema de transporte público en bicicleta de Barcelona). «El Bicing es un recorrido con diferentes estaciones, y el Pixing es lo mismo, un itinerario con distintos puntos para orinar en la calle». Los de Subcity iniciaron la acción con un blog y a la vez realizaban intervencionismo urbano señalando los puntos Pixing, hacían performances y repartían flyers. El Pixing no fue entendido por todos y desató cierta polémica en los medios. Se les acusó de mal feministas y de guarros, entre otras cosas. Ellos defienden que «Pixing es una combinación

de realidad e ironía» para reivindicar la falta de baños públicos, que afecta más a las mujeres. Del amarillo al verde Después de trabajar duro con Pixing, Subcity da sus objetivos por cumplidos y, para demostrar que no solamente les va lo escatológico, señalan otro punto flaco de su ciudad (y de la mayoría de ciudades víctimas de la privatización): los espacios verdes. Su nuevo proyecto, Revolución natural, se suma a los grupos de Guerrilla Gardening de todo el mundo para reclamar que «las zonas verdes son un derecho». Tendremos que esperar a verlo para saber quién tenía razón, si los que dijeron que Subcity sólo quiere escandalizar o los que vieron en ellos un verdadero fenómeno post-it city. www.bcnsubcity.blogspot.com patricia martínez del hoyo

geniosfera

Fernando Tielve > Sin prisa pero sin pausa

Pecata Minuta > Musicando la poesĂa

Se estrenĂł en el cine de la mano de Guillermo del Toro con El espinazo del diablo: ÂŤMe hizo muy duro, como a cualquier actor adultoÂť, cuenta. Luego le siguieron El embrujo de Shanghai, Imagining Argentina y El laberinto del fauno, entre otras. A finales de enero se presentaba en el Festival de Sundance Unmade beds, de Alexis dos Santos, en la que interpreta ÂŤun personaje totalmente diferente a lo que se ha visto de mĂ antes: alocado, divertido, sensible... Nunca me esperĂŠ acabar en Sundance estrenĂĄndolaÂť. Pero es consciente de que el cine ÂŤes un camino largo y difĂcil, no se puede bajar la guardiaÂť. AdemĂĄs, prĂłximamente se le podrĂĄ ver en Rabia, de SebastiĂĄn Cordero, y en La vida empieza hoy, de Laura MaĂąĂĄ.

Estas gaditanas empezaron ÂŤjugando con un haiku que llevaba varios aĂąos dormido en un cajĂłnÂť antes de comenzar a explotar todas las posibilidades del spoken word, deconstruyendo poemas ajenos y poniĂŠndoles mĂşsica. ÂŤEl hecho de trabajar el concepto de poema musicalizado y no el de canciĂłn te permite mĂĄs libertad a la hora de dar forma a cada piezaÂť, explican. En directo, la imagen tiene tanta importancia como la mĂşsica, y las piezas se acompaĂąan de visuales, ÂŤparte de los cuales son creaciones propias en las que procuramos desarrollar una poĂŠtica cargada de juegos simbĂłlicosÂť. Mientras terminan de cerrar varias fechas en Madrid, estĂĄn preparando bandas sonoras para cortometrajes. www.myspace.com/pecataminuta

%XPOSICIvN 0REMIOS

Vida 11.0

6 )3 )4! 3 ' 4 5 )! $! 3

-ATADERO -ADRID 0ASEO DE LA #HOPERA ,UNES A VIERNES H 3fBADOS Y DOMINGOS H

'2!. 6Ă&#x2030;! %XPOSICIvN 0REMIOS 6)$! 0ASEO DE LA #HOPERA

/BSERVATORIO &4 0ABELLvN 3TAND !

(ELENA !LMEIDA 0RORROGADA HASTA EL DE FEBRERO

WWW FUNDACION TELEFONICA COM 4ELmFONO INFORMACIvN

RES MEJO L AS TA S R E C E R E N TA A L IM PA R A O G TU E

SONY VAIO. Portátil de la serie Vaio CS11 en rojo. Tiene pantalla panorámica LCD de 14 pulgadas, lector de DVD y Blu-Ray Disc, teclado ergonómico, webcam integrada, disco duro de hasta 320 GB y 4 GB de memoria RAM. La duración mínima de la batería es de 170 minutos. www.sony.es

THE BODY SHOP. La empresa cosmética lanza su primera línea corporal y de baño realizada con aceite de cereza salvaje, extraído de los huesos de la fruta. Incluye manteca corporal, gel de ducha y exfoliante. www.thebodyshop.es

RAY-BAN. Aunque este verano las Wayfarer han sido las gafas estrella de Ray-Ban, no son el único modelo de la marca. El de la foto, por ejemplo, es el Jackie Ohh, unas gafas de inspiración sesentera de grandes pantallas con cristales degradados. www.ray-ban.com

FOSSIL. Continúa la colaboración entre Fossil y Philippe Starck, que ahora se materializa en este nuevo reloj analógico con hora dual. Realizado con correa de caucho, es un modelo unisex y está disponible en rojo y negro. www.fossil.es

LE COQ SPORTIF ESCRIME De cara al día de los enamorados, Le Coq Sportif lanza el modelo Escrime, inspirado en los troncos de árboles grabados a mano por los adolescentes con iniciales y corazones. Confeccionadas en cuero, hay una versión en color marrón para hombres y otra en color crudo para mujeres. www.lecoqsportif.com 12

EASTPAK. Los mejores diseñadores del mundo utilizan en sus colecciones los estampados de Eley Kishimoto. Ahora los puedes encontrar en la colección Flash Print de Eastpack. Se trata de una edición limitada de 1.000 unidades numeradas, disponible en rojo, azul y negro. www.eastpak.com WOMEN'SECRET. La marca de lencería ha preparado para el día de los enamorados la colección Miss Valentine: esta línea incluye hasta ligueros, y los colores predominantes son el rosa, el gris y el negro. www.womensecret.com

LEVI'S SHOES. Otra firma que saca productos especiales con motivo del 14 de febrero es Levi's, que ha presentado una línea de calzado y complementos en rojo (para ellas) y azul (para ellos): gorras, cinturones, bailarinas o botas como las de la imagen, de inspiración india. www.eu.levi.com

REVELADOS

POR JOSE ÁNGEL GONZÁLEZ

Chiara Balza

«En la fotografía sólo importa el instinto»

Descarada y exhibicionista. Chiara Balza sólo quiere «jugar y experimentar» cuando hace fotos. Lo demás no le importa casi nada. «En la fotografía todo es instinto, al menos para mí. No hay necesidad de buscar nada concreto de antemano, nada profundo o trascendente. Con mi curiosidad me basta». Es autodidacta, y empezó a hacer fotos en serio y a diario hace sólo un año. Ahora no puede dejarlo, está poseída y tantea con formatos, cámaras, lenguajes... «Las fotos hablan de mí mejor que mis palabras», explica. Quizá por ese afán confesional, Chiara dice moverse por impulsos que nunca emergen del cerebro, sino de la piel, y admira más que a ningún otro fotógrafo a la estadounidense Nan Golding, cruda documentalista de su propia vida.

REVELADOS

EDAD 25 años. NACIÓ en Alessandria (Italia) y vive en Milán, donde trabaja en una pequeña productora dedicada a la publicidad y los videoclips. PARA HACER FOTOS usa muchos tipos de cámaras, casi siempre analógicas: «Tengo una Mamiya C22 de medio formato, una Nikon EM de 35 mm, una Holga, una Diana, una Vega Druopta, una semiautomática Hotax y una Panasonic Lumix, mi única cámara digital». NO TIENE planes para el futuro. «Honestamente, ¡ninguno! ¿Irresponsable? Puede ser». EMPEZÓ a hacer fotos diariamente hace apenas un año. A CHIARA BALZA (a la izquierda, autorretratada) le gusta jugar con la idea de que las fotos permiten que el éxito se democratice. «Cualquiera puede salir en una revista. Aquí estoy yo para demostrarlo», dice con humor. www.flickr.com/photos/

¿Te atreverías a definir la fotografía? Algo que nos sobrevivirá a todos nosotros. ¿Dónde nace el impulso para hacer una foto? En italiano hay un dicho que me gusta aplicar para intentar explicarlo: en la punta de la lengua. Ya sé que se trata de una especie de sinestesia, pero es lo que veo más apropiado para explicar mi modo de trabajar. ¿Todo es piel? En la fotografía todo es instinto, al menos para mí. No hay necesidad de buscar nada concreto de antemano, nada profundo o trascendente. Con mi curiosidad me basta. ¿Qué te motiva?, ¿dónde está el impulso primario? Puede ser cualquier sentimiento: tristeza, alegría, incluso aburrimiento... Soy autodidacta y empecé hace poco, más o menos un año. Me gusta probar. A diario busco fotógrafos, fotos para hacer, nuevas ideas... Un fotógrafo al que admiras... Nan Golding. Si buscas su nombre en la Wikipedia, la primera línea dice: «La fotografía de Nan Golding no se puede separar de su vida». No hay nada que añadir. Eso es lo fundamental. ¿Qué sujetos u objetos te gusta retratar? Cosas o personas que no sean conscientes de que están siendo retratadas. ¿Analógico o digital? Analógico, sin ninguna duda. ¿Qué momento del proceso fotográfico disfrutas más? Todos ellos. Puedo decirte el que disfruto menos: las facturas que debo pagar para comprar la película y revelarla. ¿Haces dinero con las fotos? Debería, pero en estos tiempos sólo unos pocos elegidos e ‘hijos de’ pueden sacar dinero. Especialmente aquí, en Italia. Tampoco me importa demasiado el dinero que puedan pagarme. Si me importase, no haría fotos. Háblame de tu ciudad, su espíritu... Se supone que Milán es muy cool. Puedo describir Milán con una sola palabra: gris. Tengo una relación hostil con este lugar. ¿Cómo es un día en tu vida? Empecé a trabajar en una pequeña productora hace tres meses. Desde entonces, por desgracia, llevo una vida bastante ordinaria que se puede resumir en: casatrabajo y trabajo-casa. Muy ‘estilo Milán’. Algo odioso, pero espero que eso cambie pronto.

«El impulso para hacer una foto nace en la punta de la lengua. No busco nada de antemano. Es todo sinestesia»

CORREVEIDILE

El silencio, eje de la Bienal de Canarias SANTIAGO CIRUJEDA ES UNO DE LOS INVITADOS

CO A WRIITOLRIOS SEVILL

LA O ES STIVAL ICAG FE E CH N DE L Á OD IÓ RAR P C B U A E R M CE L TR O E L G ON FIR C E N E O. E SE C L U A E Q R E E, ÁN EN POR PR IM PALE NS N IO A. Y J U O NTE M E NT H IS AYO C LA V RTE NA RE M E NT UZ DE A A ESTÁ OM Y L LA.C A S IL D V O N AN SSE AB O OR IO LOS R R IT W.TE WW

WHITE ARKITEKTER AB

El paisaje, las intervenciones en el territorio y el silencio entendido como metáfora espacial y como representación de la ausencia son los conceptos en torno a los que gira la segunda edición de la Bienal de Canarias. Santiago Cirujeda, Juan Uslé, Sergio Belinchón, Pipilotti Rist, Anselm Adams, Joan Hernández Pijuán y Manuel Vilariño son algunos de los artistas y arquitectos que estarán exponiendo su obra en Las Palmas de Gran Canaria y Tenerife entre marzo y mayo. Además de exposiciones e intervenciones en el paisaje, habrá seminarios, conferencias y debates para abordar la evolución del paisaje urbano, haciendo especial hincapié en cómo influyen el consumo y el crecimiento en el entorno. www.bienaldecanarias.org

ER EN T

KIKO AMAT VUELVE CON ‘ROMPEPISTAS’

LISBETH SALAS

Ya está en las librerías la tercera novela de Kiko Amat. Protagonizada por un punk «miope y desgarbado» que vive en el extrarradio de Barcelona, Rompepistas narra en primera persona el paso de la adolescencia a la madurez con una mezcla de ingenuidad, humor y desencanto. Problemas sentimentales, conflictos generacionales y punk son los principales ingredientes de la obra. www.anagrama-ed.es

FIB Y PRIMAVERA ANUNCIAN NOMBRES Dos de los festivales más importantes del año ya han anunciado las primeras confirmaciones. El FIB traerá a Franz Ferdinand y Kings of Leon como cabezas de cartel, y a Paul Weller. El Primavera Sound ha fichado a Plants and Animals (en la foto), My Bloody Valentine, The Vaselines, Deerhunter, Jay Reatard... Además, el Primavera Sound ha anunciado su colaboración con la web Pitchfork, que tendrá su propio escenario en el festival. www.primaverasound.com y www.fiberfib.com

EL CINE ‘QUINQUI’, EN EL CCCB

FICOMIC YA TIENE FECHAS

LA GUÍA PARA MÚSICOS DE MYSPACE

Entre el 5 de mayo y el 6 de septiembre, el CCCB dedica un ciclo al cine español de los setenta y ochenta que giraba en torno a la delincuencia juvenil. En Quinquis de los 80 se proyectarán, entre muchas otras, Perros callejeros, El pico o Navajeros. www.cccb.org

La XXVII edición del salón del cómic de Barcelona cambia de fechas y se celebrará del 29 de mayo al 1 de junio. Una exposición recorrerá la relación entre cómic y fútbol a través de personajes como Oliver y Benji, de Capitán Tsubatsa. www.ficomic.com

Es vox pópuli que lidiar con MySpace requiere tiempo y paciencia. Para ahorrarte esfuerzos, han puesto en marcha un perfil de ayuda en el que te enseñan todos los trucos para sacarle el mayor rendimiento a tu página. www.myspace.com/ayudamusica

PSYCHIC TV ‘VS.’ GINFERNO

«TAL VEZ SoMOS un SUEÑO ajeno» El sueño de Genesis P-Orridge, líder de Psychic TV, era crear un ser nuevo, una fusión entre él y su mujer que dinamitara las barreras de género (pandrogenia). En cambio, el de Dani Fletcher (Ginferno) era conocer las claves de la música de Psychic TV: durante su adolescencia, incluso escribió cartas a su ídolo en busca de respuestas. por carolina velasco fotos selector marx

El sueño de Genesis culminaba hace poco más de un lustro, tras una serie de intervenciones quirúrgicas para convertirse en «él/ella», como el propio Genesis se denomina. Tras el fallecimiento de su mujer, el pasado 2007, Genesis se refugiaba en PTV3, la nueva formación de Psychic TV. Por su parte, Fletcher continuaba buscando respuestas con su grupo: Ginferno. Reunimos a Genesis y Fletcher, que se ponen cara por primera vez, para que departan sobre música, sexo y política. ¿Habrá colaboración musical? Dani: Descubrí a Psychic TV viendo La edad de oro. Meses más tarde, un amigo me grabó una cinta con Dreams less sweet, y me dejó flipado. Es uno de mis discos favoritos de todos los tiempos... Genesis: Ésa fue una época extraña. Vinieron las mujeres católicas para evitar que actuáramos en el programa. ¡Siempre causando problemas! Dani: Parece que toda tu vida te has metido en líos con los moralistas. ¿Crees que eso ha cambiado? Genesis: Bueno, hace un par de años, Lady Jaye y yo grabamos un documental para la televisión canadiense sobre la pandrogenia y sobre romper barreras sexuales.

Se emitió varias veces en la televisión canadiense. Pero en EE UU no son totalmente conscientes de lo que hacemos: lo saben en el underground, pero los medios establecidos lo desconocen. Pero en realidad es un problema relacionado con los propios miedos de la gente. Dani: Yo siempre he pensado que, cuando enseñas a la gente cosas con las que se sienten incómodas, nunca sabes bien dónde está el problema, si en sus mentes o en el trabajo del artista. Pero también creo que cuando vosotros empezasteis había mucho más por explorar... ¿Realmente estamos aquí? Genesis: Para mí, Throbbing Gristle es un producto de los sesenta: un grupo psicodélico, pero al límite, más cercano a lo industrial. Era una forma de protestar contra lo que se estaba haciendo. Ninguno de nosotros tenía formación musical, así que tuvimos que reanalizar qué era la música. A lo mejor sólo haces música porque quieres que los seres humanos sean felices, o porque quieres que dejen de matarse, o lo que sea. Cuando empezamos, queríamos que la gente despertara, y descubrir qué estaba mal en la sociedad, en la política,

por qué los seres humanos se tratan tan mal. Aún es un misterio para mí por qué la gente se comporta así, no tiene sentido. Y ésa es la verdadera batalla, y la música es una de las llaves maestras para poder hablar con la gente. Dani: A través de toda tu obra, tanto con Psychic TV como con Throbbing Gristle, además de la música, hay un planteamiento intelectual. Cuando era joven, me atraía mucho. Ahora que ha pasado el tiempo, ¿lo ves como un presupuesto artístico o lo ves como algo más? Genesis: Es la historia de nuestra forma de pensar. Desde el principio, mi obsesión era comunicarme y resolver el misterio de la existencia: ¿por qué estamos aquí? ¿Realmente existimos o somos el sueño de otra persona? ¿Qué es real? Todo eso sigue ahí. Así que realmente somos afortunados, porque fingimos que nuestra vida es arte, que es música, y sientes empatía con otras personas. Y aunque cometamos errores y parezcamos estúpidos o provocadores, siempre intentamos ser honestos. Nos gusta estar en el escenario, gastar bromas y dejar claro que las cosas realmente serias son otras. Dani: De hecho, si obtienes alguna reacción, es algo positivo. Llevo catorce años tocando con mi grupo y siempre intentamos que cada concierto sea diferente. Estamos traba-

Dani Fletcher (Ginferno), Genesis P-Orridge y Morrison Edley (Psychic TV).

jando con una artista alemana que graba unos vídeos que proyectamos en nuestros conciertos, relacionados con Dios y la religión. Genesis: Fueron precisamente las referencias religiosas de nuestro trabajo las que nos metieron en líos. También hemos tenido problemas con los hermafroditas. Mucha gente que conoce nuestro trabajo sabe qué es la pandrogenia, pero la gente que no sabe lo que es se sorprendía. Pandrogenia: de él a él/ella Calle20: ¿Tuviste problemas cuando empezaste a desarrollar la pandrogenia? Genesis: No tantos como esperábamos. Dani: Recuerdo cuando os vi en el Primavera Sound, hace tres o cuatro años. Cuando te vi salir, sólo pude exclamar «¡guau!». No podía decir nada. Mi mujer estaba conmigo, y la reacción de los dos, todo el concierto, fue la de «¡guau!». Edley: Y luego se abrió la camisa. Dani: Sí [risas]. Genesis: Sí, es cierto, abrí la camisa y no pararon de hacer fotos. Calle20 (a Dani): ¿Tú te someterías a operaciones para parecerte a tu mujer? Dani: Por ahora no [risas]. He leído muchas de las cosas que has dicho sobre la pandrogenia. Creo que trascender el género es un presupuesto muy radical. Genesis: Todo empezó como una manifestación del amor que nos teníamos Lady Jaye y yo. Empezamos a vestirnos igual, a maquillarnos igual... y nos queríamos tanto que sentíamos que debíamos ser uno. Y así es como empezó todo, fue algo muy romántico. También pensábamos que una de las formas de cambiar la mente del ser humano es rompiendo tabúes y construirte a ti mismo según tu propio diseño, evolucionar. Podemos ser cualquier cosa que queramos, ¿por qué no? Dani: Es que aún nos comportamos de forma gregaria. La gente no habla como si formara parte de la raza humana, sino como si sólo fuera parte de algo local. Genesis: Si piensas en todo lo que está pasando ahora, con los problemas que hay de medio ambiente y de política, una buena forma de asegurarse que la gente no salga a la calle es darles Internet. William Burroughs decía que hay que buscar el interés oculto para saber qué es lo que realmente sucede, y está claro que al poder le interesa que permanezcamos

Dani Fletcher, guitarrista de Ginferno.

aislados y que no funcionemos como grupo. Lo que me parece interesante, sin embargo, porque rompe esa profecía, es lo que ha sucedido con la elección de Obama. Nadie sabe de dónde vienen sus conexiones, pero algo debe de haber, todo parece demasiado perfecto.

Genesis P-Orridge, en distintas etapas de su vida y de su transformación pandrogénica. Empezó intercambiando ropa con su mujer, Lady Jaye, y acabó sometiéndose a intervenciones quirúrgicas para parecerse a ella. En la foto superior, Genesis señala el tatuaje de su mujer, fallecida en 2007.

El futuro: ¿un gran muro? Genesis: ¿Fuiste a nuestro concierto? Dani: Sí, sí, claro. Calle 20: Dani es vuestro fan desde hace muchos años, incluso os escribía cartas. Dani: Sí, cuando tenía trece años alguien me dio una dirección, creo que era la del sello Some Bizarre... escribí cartas haciendo muchas preguntas. Genesis: ¿Te respondieron? Dani: Dos o tres veces, pero no recuerdo quién lo hizo, porque eran respuestas muy frías. Pero a mis 14 años lo que hacía era preguntas sobre Dreams less sweet. ¡Me tenía loco ese disco! Genesis: A día de hoy, hay muchas cosas de ese disco que me sorprenden: lo grabamos con una caja de ritmos dentro de una calavera cubierta por una piel de látex y con una peluca. La frecuencia salía del pelo, pero dentro teníamos la caja con información, y, dependiendo del sonido que activaras, se veía una forma distinta. Dani: Lo cierto es que entonces yo era muy joven y me di cuenta de que, si quería tener las respuestas, lo mejor que podía hacer era buscarlas por mí mismo; y una de las cosas que más agradezco a ese disco es que me ayudó a aproximarme a las cosas sin prejuicios. Genesis: Después de todo, de lo único de lo que se trata es de coger piezas distintas y ensamblarlas, y la forma en la que ensamblas los samplers es lo que resulta ser algo abstracto o distinto. A nosotros aún nos obsesiona y aún lo investigamos. Dani: Una vez leí que la música sigue a la tecnología, y me llama la atención, porque siempre voy buscando cosas que me ayuden a conseguir el sonido que quiero. ¿Vosotros pensáis que la música sigue a la tecnología o que la tecnología es una herramienta de la música? Genesis: Los ordenadores lo están cambiando todo. Pero para ser honestos, si te asomas al futuro, sólo ves un gran muro. Se hace un silencio... Genesis: ¿Dónde está el servicio? No sabemos, por cierto, en cuál entró. n

NO ESPERES UN MES PARA ESTAR AL DÍA www.calle20.es LA REVISTA DE LA NUEVA CULTURA

fernando meirelles

«somos animales muy primarios» El director de ‘Ciudad de Dios’ estrena el próximo 6 de marzo en España una adaptación de ‘Ensayo sobre la ceguera’, de José Saramago. ‘A ciegas’ indaga en la naturaleza humana en una sociedad regida por el caos que causa una misteriosa epidemia de ceguera. por jaume esteve gutiérrez foto alexandre ermel

La aprobación de José Saramago fue una de las cuestiones más difíciles a las que se enfrentó Fernando Meirelles (São Paulo, 1955) para rodar A ciegas. El Nobel de Literatura no quiso dar ninguna indicación al cineasta para no influir en el resultado final. Durante un pase privado en Lisboa, a pesar de haber permanecido aparentemente impasible, Saramago esperó a los créditos para decirle a Meirelles entre lágrimas que se sentía «tan feliz» como cuando acabó su novela. «Fue una liberación para mí», confiesa el brasileño. El hijo de Meirelles captó este momento mágico, que se puede ver en YouTube. ¿Tomó decisiones temiendo la reacción de Saramago? No pensaba en ello todo el tiempo, pero sí que tenía la inquietud de saber si le gustaría lo que estaba rodando. ¿Cuál es su sello personal en la historia? Deseaba que me ayudara, y él no quiso influir en mi visión del libro. Al principio me entristeció, pero ahora lo agradezco. El argumento es suyo, pero hay material mío, sobre todo en las escenas en las que no hay diálogos o algunas que en el libro se insinúan, como la violación, pero no se llegan a describir. A ciegas muestra cómo, frente al problema de una minoría, la sociedad prefiere prevenir a enfrentarse a ello y solucionarlo. ¿No es una práctica demasiado común hoy en día? No. Es una reacción natural frente a una epidemia. Nadie sabe lo que pasa y por eso los aíslan. El encierro recuerda a casos del SARS en Canadá y China en los últimos años, en los que se establecieron cuarentenas porque nadie sabía a qué se enfrentaba. También habla de lo fácil que es sembrar el caos. ¿Cree que en situaciones límite sale a la luz lo peor del ser humano? Es una visión muy realista, somos animales muy primarios y eso se ve en A ciegas. El pasado diciembre sufrimos inundaciones

en Brasil y la gente tuvo que refugiarse en pabellones donde se dieron los mismos problemas. Cuando pasamos por dificultades, las afrontamos de esta manera. No deja de ser muy humano. Tiene una visión muy pesimista de nuestra especie. Sí, pero en la película no se percibe un pesimismo al cien por cien. Los protagonistas pierden la humanidad, pero a través del amor la recuperan y crean una familia. Llama la atención el uso constante de tonos blancos en la película, ¿por qué utiliza este recurso? La historia del libro habla de una «ceguera blanca», diferente a la habitual, que se describe como negra. Por eso creamos esta atmósfera tan brillante. También quise quitarle importancia a la

imagen; hay muchos planos desenfocados, con encuadres incorrectos... No quería que las imágenes fueran explícitas. Para que los actores se familiarizaran con la ceguera, organizó sesiones en las que trabajaron vendados durante varias horas. Usted mismo participó. ¿Cómo lo vivió? Muy cómodo. Antes de hacer yo mismo las pruebas, observé a algunos grupos y sólo hubo una o dos personas que se deprimieron. A mí me gustó mucho y hubiese seguido más rato con la venda puesta. Era muy agradable. ¿Cómo percibió la realidad? A la media hora, los sonidos y los olores son mucho más fuertes. Al no ver el exterior, eres capaz de ver dentro de ti, tus senti-

mientos son muy intensos. Cada pensamiento es una experiencia. Es como si meditaras. Se lo recomiendo a todo el mundo, cada domingo por la mañana deberían probarlo durante un rato. Una asociación de invidentes de EE UU le ha acusado de criminalizar a los ciegos. ¿No cometen el mismo error que se denuncia en A ciegas? Hace dos años exigieron ver el guión para dar su visto bueno. No hicimos caso a su petición, y por eso han hecho esta campaña. No han entendido el mensaje de la película en absoluto. A ciegas habla sobre la naturaleza humana, la ceguera es una excusa para desarrollar el tema. Insisten en que criminalizamos a los ciegos, pero el mensaje de la película es otro.

libro viejo busca vida nueva Cortar, troquelar, escarbar, pintar, diseccionar, maltratar, jugar al «vandalismo con amor»... Se trata de liberar al libro de su forma, convertirlo en lo que tú quieras. Los libros alterados han experimentado un gran auge en los últimos años. Hablamos con los más destacados alteradores. por helena celdrán

Eran novelas, poemarios, manuales o diccionarios y, de repente, ¡zas!, alguien los transforma en expresión artística. Los libros alterados son obras de arte que coquetean con la artesanía. Sus portadas y páginas cortadas, pegadas, troqueladas y descosidas pierden su vida anterior, pero ganan una nueva. Son una escultura, un catálogo de tus fantasías más locas, un testimonio de que las cosas cambian. Un libro ya no es un manuscrito sagrado que hay que venerar por sus palabras, la forma también cuenta. Cualquier bebé piensa: «¡Malditas figuras de colores! ¡Siempre ahí pegadas! ¡Quiero llevaos conmigo!». Araña las rechonchas páginas de su primer libro en un intento desesperado por arrancar los babeantes dibujos. Con hojas de cartón grueso antirroturas, acolchadas o de plástico water proof o suaves trozos de tela, al tocar ese montón de hojas unidas deseamos darle un tirón, morderlo o ponerlo de forma que se mantenga en pie. Queremos convertirlo en otra cosa, liberar el contenido de la forma. La idea de alterar libros nos acompaña desde la cuna. Al crecer es posible que enterremos esa primera obsesión... Pero nada desaparece por completo. Los libros alterados son una opción artística cada vez más seductora: aquí hablan los más afamados alteradores, los que no se resisten a escarbar o encolar para transformar. Sacan las tripas a cualquier libro sin contemplaciones, haciendo de ellos un diario artístico. «Un libro se altera para ser leído de forma diferente», dice Nicholas Jones, uno de estos vándalos.

su blackwell (Sheffield, Reino Unido, 1975) Se inspira en «cuentos de hadas, antiguos como los de Hans Christian Andersen o modernos como los de Angela Carter», como en este libro alterado que ha titulado The wild swans. Considera el papel un material místico: «Se usa en ceremonias de todo el mundo. Es fuerte y también frágil y maleable. Envejece y se desintegra».

«A veces utilizo lijadoras de cinta para conseguir la forma que busco. También uso cúteres de precisión, pinzas, pequeñas sierras, abrazaderas, cuerda y herramientas quirúrgicas para que las piezas no se muevan cuando las disecciono». Brian Dettmer fabrica libros-mecanismo: bloques sellados con un gran agujero que descubre en sus diversas capas el mundo de cada obra. Es todo un engranaje: el interior del cuerpo humano en la superposición de arterias, músculos y piel; las maravillas del mundo (desde animales extinguidos hasta famosos inventos)... Ya no tiene sentido hojear el libro, Dettmer le ha hecho la mejor mirilla. La cirugía artística no tiene reglas En los libros alterados hay un elemento de intervención quirúrgica. El bisturí es el fetiche rey de Georgia Russell, también diseccionadora. Sus libros terminan siendo casi jirones que introduce en cápsulas y campanas de cristal, «objetos escultóricos suspendidos». Al igual que Dettmer, no se olvida de la parte literaria: para sus últimos trabajos pensó en Nabokov, embaucada por su «estilo evocador y visual». Cuando eligen herramientas, no se ponen límites: muchos se hacen con utensilios de quirófano, bricolaje o joyería. «Últimamente estoy utilizando sierras de arco, papel de lija fino y brocas de diamante», dice Nicholas Jones. Vive y trabaja en Melbourne y le gusta denominarse «escultor de libros». Vio en el papel las posibilidades que no le daban el bronce o el acero. El resultado tiene el aspecto de un farolillo o un abanico lleno de palabras. Salimos de esa especie de geometría para zambullirnos en la geología. Noriko Ambe hace relieves, remolinos, cráteres... «Empecé cortando una enciclopedia de geografía para hacer sobre ella otra geografía». Excava y saca a la superficie lo que hay en las últimas páginas de los libros de arte y fotografía. Cuando acaba, se siente aliviada.

robert the (California, EE UU, 1961) Se inspira en iconos del pensamiento. Une arte y significado. Aquí se atreve con The medium is the massage, un libro de McLuhan pionero en el análisis de los medios y sus efectos en la psicología colectiva. Considera que «no hay mediadores en la cultura contemporánea. Mis libros-pistola surgieron de esa honda crisis de mediación, que va más allá del arte».

NICHOLAS JONES (Londres, Reino Unido, 1974) Se inspira deambulando por la ciudad. Considera su obra «pequeña, íntima, capaz de dar felicidad al salón de una casa». Este Christ’s object lessons es una de sus obras clasificadas como «dobladas».

Aunque ella compra o le llevan los libros que va a alterar, los demás artistas son fisgones profesionales, curioseadores callejeros de cajas de cartón y habituales de rastrillos y tiendas de segunda mano. Incluso eligen a sus presas por Internet. Les seduce el azar y el olor a viejo, la idea de que están pasados de moda. «Los libros tienen, contienen y son historia. Ya no son un monopolio. Las nuevas tecnologías los maltratan y muchos pierden su función original, por eso tienen potencial para evolucionar», dice Dettmer. El estudio de Su Blackwell, en el sur de Londres, está lleno de esos preciosos libros, probablemente tachados de inútiles por

BRIAN DETTMER (Chicago, EE UU, 1974) Se inspira «en cada línea, imagen y página del libro. Me gusta trabajar con información, explorar las maneras de aislarla o cambiarla de contexto y darle otro significado». Considera que, como en este diccionario al que ha llamado New twentieth century, «sellar y trinchar un libro es otra forma de leerlo. Destacando y desechando lo que nos da la gana».

foto: galería england

(londres).

los fanáticos de la técnica y las finanzas. En sus estanterías descansan ejemplares viejos y desplegables infantiles; en el suelo, diminutos trozos de papel que caen cuando fabrica sus cuentos de hadas. Su ambición es «hacer de un objeto cotidiano algo extraordinario». Alicia en el País de las Maravillas, princesas bailando, exóticos pájaros, árboles nevados de letras, casitas con luz en su interior... Ella absuelve a las figuras de la condena a las dos dimensiones: «Los personajes se liberan de los confines de la página y forman pequeños escenarios de teatro, dioramas en 3D». Duro, rectilíneo, amante de las ideas, Robert The es lo contrario a un cuento de hadas. Estudió lógica y matemáticas en la universidad y a la vez se rindió a los encantos de Marcel Duchamp y el dadaísmo. Sus libros se transforman en cepillos de escoba, bichos o pistolas. Alrededor de las sobrias figuras siempre hay un halo de misterio, una idea flotando: «Pensar en la erosión del significado y la realidad me llevan a crear objetos que funden palabra y forma. Mis libros (muchos rescatados de la basura) son vandalizados con amor, devueltos a la vida para que puedan reafirmarse frente a la cultura que los ha convertido en desecho».

GEORGIA RUSSELL (Elgin, Escocia, 1974) Comenzó dibujando en los libros como si fueran cuadernos de bocetos. Considera el libro «un receptáculo de la vida y el pensamiento que transforma el modo en que vemos a los demás y a nosotros mismos». De Baudelaire au Surréalisme es un libro pintado, diseccionado con bisturí y metido en una campana de cristal.

¿Puedo yo también? Si de pronto sientes la necesidad de coger un libro y ponerte manos a la obra, The ephemera book y More ephemera (Design Originals, 16 euros aprox.) te pueden ayudar. Son cuadernos con facsímiles de etiquetas viejas, fotos amarillentas, sellos... todo lo necesario para dar un aire de antigüedad y misterio a tus páginas. A la venta en la librería on line Stampington & Company. En España, los alteradores de libros parecen estar ocultos, pero en EE UU y el Reino Unido, los muchos aficionados abarrotan sus páginas hasta que el libro casi no se cierra, hacen collages con fotos antiguas o personales, crean compartimentos secretos, dibujan, pintan... Echa un vistazo a la galería de www.art-e-zine.co.uk y no te asustes por su confuso diseño: el contenido es bueno e inspirador. Otros miran más la palabra que el adorno. En www.logolalia.com/alteredbooks se busca poesía en páginas de libros usados. Las palabras se tachan y las que quedan descubren un poema. Luego, los creadores de esta literatura improvisada se envían el resultado por correo. n

NORIKO AMBE (Saitama, Japón, 1967). Se inspira «en la naturaleza y la idea de desaparecer al fundirnos con ella». Le preocupa menos el aspecto final de sus obras que el momento en que las crea. «Son un eterno proceso, como las circunferencias del tronco de un árbol». En A thousand of self, las incisiones hacen que los ojos de cada retrato salgan a la superficie en conjunto.

ENLACES Sociedad internacional de alteradores de libros www.alteredbookartists.com Librería Stampington & Company www.stampington.com Editorial Design Originals www.d-originals.com/ Brian Dettmer www.ktfineart.com/artists/brian_dettmer Georgia Russell www.englandgallery.com Nicholas Jones www.bibliopath.org Noriko Ambe www.norikoambe.com Robert The www.bookdust.com

Robert The insectiza y clava en la pared uno de los libros que cambiaron su vida.

Su Blackwell www.sublackwell.co.uk

dj food

mezclar hasta morir por esmeralda martín foto gem pope y strictly kev

Señoras, señores: les presento a DJ Food. Caso atípico de djismo donde los haya. ¿Que por qué? Verán: esto que dice llamarse DJ esconde en realidad una plataforma musical que lleva en marcha casi veinte años, «un proyecto de unos DJ que han ido tomando el relevo», en palabras de Strictly Kev, actual DJ Food y protagonista de esta entrevista. La historia comenzó en 1990, cuando los dos componentes de Coldcut se enfundaron bajo el pseudónimo DJ Food con el propósito de ofrecer samples, loops y breaks a la manera de pequeñas dosis alimenticias como materia prima para que DJ y productores se sirvieran de ellas confeccionando sus propios collages musicales. De sus manos salieron los primeros volúmenes de Jazz brakes, aglutinando todo ese material sonoro y divagando por un amplísimo espectro de sonidos. A ellos se fueron uniendo y desuniendo componentes hasta llegar a nuestro Strictly Kev, el único DJ Food a día de hoy. ¿Será el definitivo? «¡Eso espero!», exclama con energía. ¿Qué ha pasado en estos años en DJ Food como proyecto? Strictly Kev nos cuenta que «antes tenía un sonido mucho más de jazz, más de hip hop, y ahora es mucho más melódico». Precisamente DJ Food ha sido una figura muy vinculada de siempre al hip hop en la mente de los audioespectadores: primero, por su estrecha relación con el sello Ninja Tune, exponente del género; y segundo, por la obvia y destacada presencia de la musicalidad del hip hop tanto en el origen y el desarrollo de DJ Food, como en su selección de tracks para las mezclas. Strictly Kev, por su parte, nos tira el mito por tierra: «Yo, personalmente, no me considero parte del movimiento hip hop». ¿Entonces? ¿Qué

trae Strictly Kev a DJ Food? «Mmm... No creo que pueda definirme bajo el paraguas de un único estilo». Así que de género predilecto ni hablar, ¿no? «Mis estilos musicales favoritos están cambiando todo el rato, pero probablemente sí podría decir que el rock y el pop son mis géneros de base». El plato fuerte del festival REC Para entendernos, DJ Food es un ejercicio de mezcla para todo género que pueda encontrarse entre la electrónica y el negrismo: del funk al drum’n’bass pasando por el hip hop, experimentos abstractos y hasta jazz narrado. Una máquina capaz de fagocitar y escupir remezclado todo aquello que le echen, haciendo gala de una espectacular habilidad para sacarse de la manga un mash up resultón, esa técnica de pinchada capaz de mezclar lo inmezclable —si existiera la palabra— y que DJ Food resume en «encontrar las mejores partes de los discos que tengo en mi colección». Colección, por cierto, que suma miles de álbumes: «Ya no me compro apenas, porque tengo de sobra. Ahora estoy más interesado en buscar vídeos para los visuales y para mi colección de DVD». El último capítulo de la saga DJ Food pasa por su simbiosis con Darren Knott,

«El medio que lleva tiempo siendo el futuro es Internet. Es increíble lo que permite hacer la tecnología de hoy»

alias DK (¿el futuro relevo de Strictly Kev como DJ Food?): «Salimos de gira y encajamos bien, vimos que podíamos interactuar entre nosotros perfectamente, y aquí estamos». De ahí surgió una bonita colaboración en forma de set a cuatro platos, acompañados de potentes visuales. ¿Lo mejor de la colaboración? «El hacer cosas que no podrías tú solo con dos manos y dos platos». Precisamente andan ahora presentando el invento por Europa, con parada el 21 de febrero en el Matadero de Madrid, como plato fuerte del festival de electrónica y audiovisuales REC (entrada gratuita hasta completar aforo, www.recmadrid.com). Su trabajo con DK pasa también por la continuación de Solid Steel, un programa de radio generado en su día por los componentes originales de DJ Food que cuenta con la Red como medio de expansión. ¿Es la radio por Internet el medio musical del futuro? «El medio que desde hace tiempo está siendo el futuro es Internet. Todos los medios convencionales se están yendo para allá. Es increíble lo que permite hacer la tecnología de hoy». Para probar el sabor de esta comida, echen un vistazo a los dos volúmenes de la serie Solid Steel publicados por DJ Food y DK, Solid Steel presents: Now, listen! y Solid Steel presents: Now, listen again!, o por lo menos paséense por su MySpace y pónganse de fondo alguna de las piezas que tiene colgadas. Un trabajo de ensamblaje altamente recomendado para los fetichistas de la remezcla, los amantes del sabor conjugado entre los ruidos más clásicos y los más nuevos, y para cualquiera en general, porque sepan que DJ Food es 100% digerible, no empacha, entra suave y, oigan, siempre sienta bien. www.djfood.org

Diálogos al otro lado del espejo Un hombre y su reverso. Dos fotógrafos. Generaciones distintas, visiones artísticas dispares y personalidades antagónicas unidas por una enorme amistad. Por fin Alberto García-Alix y Nicolás Combarro hablan el uno del otro, sin concesiones. No hay normas al otro lado del espejo. por manuel vallés fotografías alberto garcía-alix y nicolás combarro

¿Quién quiere un clon cuando puede tener un amigo? Adiós al impulso narcisista de buscarse a uno mismo en todas partes. Alberto García-Alix (León, 1956) es Premio Nacional de Fotografía, y Nicolás Combarro (A Coruña, 1979), un reconocido valor joven. Son prácticamente opuestos, pero totalmente complementarios. Blanco y negro frente a color, retrato frente a paisaje inerte, realidad cruda frente a intervención. Dos filosofías encontradas. Ahora eligen y comentan una obra del otro, y se definen mutuamente a través de esta entrevista. Nicolás Combarro: Nos conocimos en Santiago de Compostela, rodeados de muertos... Alberto García-Alix: En el país de las meigas, y yo no creo en ellas, pero... Comenzamos a conocernos paseando por un viejo cementerio. Recuerdo que lindaba con un centro de arte. Nicolás: Somos una antítesis y un reflejo. Ambas cosas. Los resultados son muy distintos; nuestros procesos, en cierto modo, similares. Alberto: Antítesis total. Síntesis verdadera. Reflejo. Ilusiones ópticas... ¿De qué estamos hablando? Nicolás: ¿Relación paterno-filial? La edad no tiene ninguna importancia, pero sí la experiencia... Es inevitable. Alberto: Las copas las pago yo; en general, los vicios van a mi cuenta... Es un amigo muy asceta. Más viejo que yo y más serio, me aconseja bien. Nicolás: Un defecto de Alberto... el caos como forma de vida. Alberto: Es cabezón y obstinado, cuesta convencerle. Nicolás: Creo que la mayoría de la gente no tiene ni idea de cómo es Alberto de verdad. El que mejor se conoce es él mismo, aunque se haga el despistado o se dedique a despistar. Alberto: Fíjate si le conozco, que le preveo un futuro de ermitaño. Es un tío grande. Groso, muy groso...

De izquierda a derecha, Nicolás Combarro y Alberto García-Alix, en una fotografía tomada frente a un espejo.

Nicolás: Creo que Alberto ha elegido la fotografía como medio de expresión por supervivencia, pero no económica, vital. Es su salvavidas... Alberto: Músico en una fanfarria, la fotografía es su trombón de varas. Nicolás es un elegido... Nicolás: Lo que más me gusta de su fotografía es que se apropia de ella. Es su fotografía. Alberto busca su verdad, lo que no se puede explicar con las palabras. Alberto: Lo que me gusta de sus fotografías es que tiemblan en esa realidad desposeída

que se muestra. Nicolás necesita de lo conceptual para tocar con sus manos la materia. Nicolás: En el estilo de Alberto ha influido todo y nada. Gene Vincent, Céline, Napoleón y el vecino del cuarto... Alberto: No sé quién ha influenciado a Nicolás, nunca habla de eso; pero sé que todo lo vivido y asimilado por él, y también lo que ha soñado, son los ladrillos de su carácter... Nicolás: Alberto hubiera tenido talento para cualquier cosa que le permitiese vivir al límite. Alberto: No sé por qué rehúsa considerarse artista o fotógrafo... Se sabrá titiritero... Nicolás: Alberto se teme a sí mismo. Alberto: Nicolás tiene miedo a mis cambios de humor. Nicolás: Nunca le oirás hablando de cualquier cosa demasiado pegada a la realidad. Alberto: Es un hombre parco en palabras, muy encerrado en sí mismo, con una gran ética y muy juicioso. Nunca le oigo hablar maldades de los demás. Nicolás: Es difícil encontrarlo en sus exposiciones...

Alberto: Es casi imposible encontrarlo descompuesto en un cuarto de baño, y de putas tampoco le gusta ir... Las discotecas le aburren, y detesta cualquier violencia. Nicolás: Es fácil encontrar a Alberto encima de una moto. Alberto: Es fácil encontrar a Nicolás en mi casa y merendando. Nicolás: Hay una relación maestro-alumno entre nosotros, pero no técnica, sino humana. Alberto: Me da cada colleja... «Cabezón», me dice. Yo también le puteo lo suyo. Nicolás: De él he aprendido a ser menos rígido, más tolerante, a perderle el miedo a hacer lo que sea, a observar el miedo y sacarle partido... Alberto: Con Nicolás he aprendido de todo... A ser más sincero conmigo mismo. Su ayuda es inestimable. Un día me dijo que ayudándome a mí, le ayudaba a él... ¡Oído cocina! Nicolás: Seguramente no se verá a simple vista, pero mi mirada se ha formado con él... Alberto: Son seis años trabajando juntos y mil noches compartidas en diferentes delirios. Juntos hemos superado etapas. En mi fotografía no creo que haya nada de Nicolás, como no

alberto garcía-Alix

«En mi fotografía no hay nada de Nicolás, como nada mío en la suya. Pero hay mucho en común en nuestros corazones» Nicolás Combarro

«Creo que Alberto ha elegido la fotografía por supervivencia, pero no económica, sino vital. Es su salvavidas»

hay nada mío en la suya, pero hay mucho de común en nuestros corazones. Nicolás: La exposición en el Museo Reina Sofía es la más sincera y la más difícil. Un proceso que nos ha cambiado como individuos... Alberto: Como comisario de la exposición, me ha aportado seriedad, confianza. Él conoce mi obra y a su monstruo mejor que nadie. Nicolás: La productora No Hay Penas surgió en París como una base para producir proyectos más ambiciosos que sirviesen de trampolín a otros creadores. Alberto: Pero se concretó en Madrid. Le invité a pipas y le dije: «Alístate en la Marina...». Ése fue mi cheque en blanco. Nicolás: Los dos somos bastante complicaditos... Cuando trabajas con alguien de esta forma tan intensa, hay un 50% de trabajo y un 50% de conocer al otro. Alberto: Es muy exigente, hermético y un tanto dictador. Pero nos entendemos bien. Nicolás: Es extremadamente intenso, hasta rayar en la locura. Me atrae ese límite sobre el que hace equilibrio... Yo soy más controlador. Alberto: Es brillante y el mejor compañero posible; y lo más importante, sólo él puede poner orden en mi caos. n La exposición De donde no se vuelve puede visitarse en el Museo Nacional Reina Sofía (Madrid) hasta el próximo 16 de febrero. Incluye fotografías de Alberto García-Alix (realizadas entre 1976 y 2008) y un vídeo de producción reciente. www.museoreinasofia.es

‘autorretrato, una pequeña historia de amor’ (pág. anterior) «Esta fotografía fue la primera imagen de Alberto que me atrapó. Resume muchos puntos clave en su obra: un autorretrato, una composición perfecta, una micronarración en un solo golpe, la pulsión entre vida y muerte, y un amor de violento romanticismo». N. Combarro. ‘s/t (La línea de la sombra)’ (arriba) «Paredón peinado. Blanca su camisa. Negro pantalón. / Una sábana gris plomo lo fija al suelo. / Presagio visible en un horizonte herido. / La violencia del destino en hierro su ambición corona. / Latidos enfrentados sobre este paredón de cemento. / Soledad intervenida. / El cielo se lamenta, la tarde se arrastra. / Ruido de fondo, el silencio». A. García-Alix

escuelas de estilo Los genios de la moda ni nacen ni se hacen, sino ambas cosas. Talento sin formación se queda en un burdo bosquejo de lo que se podría llegar a ser, y formación sin talento da como resultado robots que no aportarán nunca nada nuevo o interesante. por agustín velasco

Las escuelas de moda, más allá de ser meros centros formativos, son foros de intercambio. El principal valor de las grandes escuelas se sabe que es la interacción creativa que se da entre los sujetos que allí confluyen: de profesores a estudiantes, de diseñadores consagrados a aspirantes, entre los propios alumnos de distintas disciplinas, de distintas partes del mundo y con distinta concepción de la moda. Muchos aspirantes a diseñador se preguntarán dónde dirigirse para encauzar su futuro, y más allá de las principales escuelas internacionales y españolas que aquí reseñamos, lo mejor es escuchar la opinión de los jóvenes que acaban de terminar sus estudios y preparan su desembarco en el mundo real. PARSONS SCHOOL, Nueva York. La Parsons es quizá una de las más célebres escuelas de diseño, ya que de allí ha surgido lo más granado de la actual pasarela neoyorquina. Los primeros cursos en diseño de indumentaria datan de la temprana fecha de 1904 y actualmente se mantienen en la vanguardia en lo que se refiere a adelantos tecnológicos aplicados al diseño. Al estar integrada en el corazón de Manhattan son muchas las relaciones de colaboración desarrolladas con los diseñadores de la Gran Manzana, tanto docentes, ejerciendo como tutores y conferenciantes, como formativas, abriendo las puertas de sus talleres a los estudiantes que desean hacer prácticas. Ø Año de fundación: 1896. Alumnos destacados: Bill Blass, Tom Ford, Marc Jacobs, Donna Karan, Derek Lam, Isaac Mizrahi, Patrick Robinson, Narciso Rodriguez, Anna Sui, Jason Wu, Alexander Wang... Duración de los estudios: cuatro años y cursos de verano. www.parsons.edu ISTITUTO MARANGONI, Milán. Más allá de los grandes nombres que hayan salido de sus aulas, la importancia de la Marangoni radica en ser el principal proveedor de profesionales intermedios de prestigio en la industria italiana. Tiene campus en Milán, Londres y París especializados en distintas áreas de diseño: Milán se reserva el prêt-à-porter y el diseño de interiores; París, la alta costura, y Londres es la sede del streetwear. Ø Año de fundación: 1935. Alumnos destacados: Franco Moschino, Domenico Dolce (Dolce & Gabbana), Alessandra Facchinetti, Rafael López... Duración de los estudios: tres años, másteres y cursos de verano. www.istitutomarangoni.com

ROYAL ACADEMY OF FINE ART, Amberes. La de Amberes es una de las escuelas más antiguas de Europa. Fundada por David Teniers el Joven, pintor del archiduque Leopold y de don Juan de Austria, aunque no fue hasta 1964 cuando Mary Prijot ayudó a introducir los estudios de moda dentro del currículo académico. La Royal Academy es especialmente significativa por ser el punto de conexión de la generación de diseñadores que formaron la Escuela Belga a principios de los ochenta y que cambiaron para siempre la concepción de la moda popularizando términos como deconstrucción y dejando ver su influencia en el diseño contemporáneo. Entre el profesorado actual se pueden encontrar figuras como la de Walter Van Beirendonck o Christian Wijnants, que se encargan de transmitir una filosofía particular a las nuevas generaciones. Ø Año de fundación: 1663. Alumnos destacados: Ann Demeulemeester, Dirk Bikkembergs, Walter Van Beirendonck, Dries Van Noten, Martin Margiela, Bernhard Willhelm, Peter Pilotto, Haider Ackermann, Kris Van Assche... Duración de los estudios: cuatro años y másteres. www.antwerp-fashion.be

ECOLE DE LA CHAMBRE SYNDICALE DE LA COUTURE PARISIENNE, París. Francia es el país que más regulado tiene el sector de la moda. Controlan por ley lo que es alta costura y se han distinguido por haber hecho de la moda su seña de identidad en el último siglo. La Chambre Syndicale de la Couture, organismo rector de la alta costura, no podía dejar de controlar la semilla de la moda futura, por eso fundó la escuela de moda, de estándares muy exigentes y enfocada a que sus graduados sean el vivero de talentos para las grandes casas de moda parisina. Ø Año de fundación: 1928. Alumnos destacados: André Courreges, Anne Valérie Hash, Issey Miyake, Jean Colonna, Jean-Louis Scherrer, Stéphane Rolland, Cristina Ortiz, Valentino, Véronique Nichanian, Yves Saint Laurent... Duración de los estudios: cuatro años y másteres. www.modeaparis.com/vf/ecoles/ CENTRAL SAINT MARTINS, Londres. La actual Central Saint Martins nace en 1989 como resultado de la fusión de la Central School of Arts & Crafts (1896) y la St. Martin’s School of Art (1854) que aporta, esta última, su gran prestigio en cuanto a formadora de diseñadores de moda. Su nombre va asociado a los talentos más vanguardistas de las pasarelas actuales y pasar por sus aulas es un certificado de creatividad indiscutible. El desfile de sus licenciados se ha incorporado en el programa de la London Fashion Week, siendo una de las citas más esperadas por cazatalentos e insiders de la moda, que otean allí los nombres que harán impacto en la moda internacional en un futuro cercano. Ø Año de fundación: 1854. Alumnos destacados: John Galliano, Matthew Williamson, Paul Smith, Zac Posen, Gareth Pugh, Phoebe Philo, Alexander McQueen, Stella McCartney, Sophia Kokosalaki, Christopher Kane... Duración de los estudios: depende de la titulación. www.csm.arts.ac.uk

Por su lado, la geografía española está plagada de escuelas de moda con distinto enfoque o nivel, desde las que sólo dan conocimientos técnicos sobre confección a las que están enfocadas a crear diseñadores integrales y versátiles. Dentro del panorama nacional destacan con luz propia Istituto Europeo di Design (www.ied.es) con sede en Barcelona y Madrid (además de en Milán, Roma, Turín, Venecia y São Paulo). En la de Madrid, fundada en 1994, dan clases profesionales como Inés Aguilar e Iván Martínez (La Casita de Wendy) o Juanjo Oliva, mientras que la de Barcelona llegaría en 2002 y tiene entre su profesorado nombres como el de Josep Abril. Otra institución con renombre con sedes en Barcelona y Orense es la Escuela Superior de Diseño y Moda Felicidad Duce (www.fdmoda.com), fundada en 1928, cuyas aulas están generando en los últimos tiempos talentos de éxito como Karlota Laspalas, Krizia Robustella, María Escoté o Juan Vidal. ESDEMGA (Estudos Superiores en Deseño Téxtil e Moda de Galiza), Pontevedra. En la quinta edición del Ego de Cibeles, más que jóvenes talentos, que también, descubrimos un generador de nuevos talentos. Un nombre se repitió hasta tres veces en los dosieres de prensa de los jóvenes diseñadores más sobresalientes: ESDEMGA. La Universidad de Pontevedra ha sido la pionera en España en elevar la moda al rango de estudios superiores. ¿Y por qué en Galicia? Porque Madrid y Barcelona pueden concentrar el mayor número de diseñadores, pero es en Galicia donde la industria y las grandes empresas del sector toman cuerpo. Ø Año de fundación: 2004. Alumnos destacados; de la primera promoción (2007) pudimos conocer a talentos como Amai Rodríguez, Menchu Mora, Alba Blanco, Sarai Fernández... Duración de los estudios: tres años. http://esdemga.uvigo.es

RECIÉN SALIDOS DEL CASCARÓN Aiden Yoo (Parsons School) En el desfile benéfico que la escuela organiza todos los años, el pasado mes de abril los chicos pudieron presentar sus trabajos ante la mirada de personalidades como la inefable editora del Vogue americano, Anna Wintour, o diseñadores como Oscar de la Renta o Derek Lam. El estudiante surcoreano Aiden Yoo se alzó con el premio Menswear Designer of the Year. «La Parsons me ha permitido explorar diferentes áreas como la moda masculina, y me han dado mucha libertad a la hora de realizar mis proyectos, lo que me ha ayudado a explorar distintos ámbitos. En las clases de moda masculina vienen muchos invitados de la industria, así que tenemos la oportunidad de conocer sus críticas y darnos cuenta de lo importante que es la comerciabilidad en los diseños y cómo los jóvenes diseñadores tenemos que presentar las ideas».

En páginas iniciales, composición de punto de Paula Montoto. En página contigua, camisetas ilustradas de Aiden Yoo. Bajo estas líneas, una original creación de Mary Katrantzou.

Lluis Corujo (Royal Academy of Fine Art) Lluis Corujo se graduó el pasado mes de junio, y desde entonces es la mano derecha de Miguel Adrover en su base de operaciones de Palma de Mallorca, de donde Lluis es originario. «La Royal Academy de Amberes tiene mucha experiencia y poder de convocatoria y captación de gente muy especial y creativa que acude de todas las partes del mundo. Se trabaja mucho y muy constantemente en un continuo proceso de búsqueda y experimentación. Es cierto que hay una enorme diferencia con la mayoría de escuelas de moda del mundo en cuanto a calidad de enseñanza, pero al final lo importante es el individuo, tus capacidades y tu autocrítica, no por haber estado allí lo tienes todo solucionado». Mary Katrantzou (Central Saint Martins) Esta estudiante griega, especializada en estampado textil, presentó su primera colección dentro del desfile de otoño/invierno 08/09 de la Central Saint Martins consiguiendo escuchar grandes halagos de los críticos de moda más influyentes. Con su colección primavera/verano 2009 se confirma como uno de los valores emergentes más significativos del momento. «La Saint Martins tiene una reputación legendaria, y eso es lo que hace que los diseñadores más potentes se matriculen allí. Sobresale sobre todas las demás escuelas. Tiene una plantilla de excelentes diseñadores que pueden ser tus tutores. El haber hecho un MA allí me ha ayudado a canalizar mi talento en la dirección adecuada y refinar mi estilo». Paula Montoto (ESDEMGA) En la segunda promoción de ESDEMGA, dieciocho nuevos y prometedores valores han mostrado sus propuestas y estudios en el desfile Debut08. Paula Montoto es uno de ellos, y su trabajo del punto demuestra una singularidad especial muy en sintonía con las tendencias más vanguardistas europeas. «Se trata de una escuela de reciente creación, con un profesorado joven y con una amplia experiencia en el sector textil. Además de la parte teórica, brinda la posibilidad de cursar prácticas en muchas empresas punteras del sector textil. El paso por ESDEMGA me ha aportado una visión más crítica a la hora de valorar las propuestas de otros diseñadores». 

GOTHIC

A MI LADO SIN TREGUA EL DEMONIO SE AGITA; EN TORNO A MÍ FLOTA COMO UN AIRE IMPALPABLE, LO TRAGO Y NOTO COMO ABRASA MIS PULMONES DE UN DESEO LLENÁNDOLOS CULPABLE E INFINITO. LA DESTRUCCIÓN Las flores del mal. Charles Baudelaire

FOTOGRAFÍA RAFA GALLAR ESTILISMO AMPARO UTRILLA MAQUILLAJE BEATRIZ MATALLANA PARA RIMMEL LONDON PELUQUERÍA BEATRIZ MATALLANA (WWW.BEAMATALLANA.COM) ASISTENTE DE FOTOGRAFÍA GERMÁN ARBOS ASISTENTE DE REALIZACIÓN MIGUEL CERVERA MODELOS JULIA (GROUP) Y MADISON (SS&M)

Camiseta con logo de Junk Food.

Pantalón de José Miró, top de lentejuelas de Wisch, americana gris Twenty Twelve by Sienna Miller, botas New Rock, gorra Woolford y broche de espejo en forma de rayo de D’Squared2.

Vestido de Amaya Arzuaga, leggings de Diesel, zapatos de flecos de Moschino y guantes de leopardo de Just Cavalli.

Camiseta con logo de Marilyn Monroe de Pepe Jeans, vestido de satĂŠn lencero rosa chicle de Manoush, chaleco en piel de borrego de Maje, botas de New Rock y leggings de cuero de Carlos DĂez.

Leggings de Ana Locking, camiseta con logo de los Pitufos de Junk Food, abrigo de pelo gris de McQueen, botas de New Rock, guantes de piel de Dâ&#x20AC;&#x2122;Squared2.

Top de lentejuelas verdes de Just in Case, vaqueros con rayas amarillas de Leviâ&#x20AC;&#x2122;s y botas de New Rock.

LA ETERNA PAREJA

Un vaquero y unas zapatillas bien escogidas son el conjunto básico que todo amante del ‘streetwear’ debe mimar. Y aunque parezca que no hay nada nuevo que ofrecer, las marcas se renuevan y recuperan modelos que hicieron historia. POR MISS AGNES

Vans Niagara Slip-on a rayas (70 €).

Zapatillas Puma de la colaboración con Sergio Rossi (150 €).

Zapatillas New Balance (85 €).

Air Troupe Mid de Nike (100 €).

Zapatillas Pepe Jeans para chico (80 €).

Foot cut Barry Metal de Nude Jeans (consultar precios).

Dickies rojos, de chica (55 €).

Peto vaquero de Diesel (240 €).

Jeans femeninos de Fornarina (171 €).

Converse Chuck Taylor de cuero negro (110 €).

Basket de Diesel (consultar precios).

Modelo Asia de Camper (95 €).

Zapatillas Onitsuka Tiger (90 €).

Munich Goal 388 (156 €).

Vaquero de chico Pepe Jeans (120 €).

Basket Adidas de la colaboración con Jeremy Scott (180 €).

Zapatillas Victoria de bota con cuadros vichy (consultar precios).

Levi’s Engineered Jeans de chica (250 €).

Jeans de Dockers (95 €).

Darline de GAS para chica (120 €).

PRODUCTOS QUE TE SALVARÁN LA PIEL

SOS

Estos salvavidas te ayudarán de forma rápida y eficaz a resolver pequeños y grandes problemas de tu piel y de tu pelo. Una vez que los pruebes, ¡no podrás vivir sin ellos!

1 5 2 4 3

POR MISS AGNES FOTOS PEDRO LAGUNA

1) El Spray Real Control Mineral Elixir de Redken es un potente aceite alisador especialmente recomendado para cabello denso, seco y sensibilizado. Gracias al karité de su composición, mima tu pelo desde la primera aplicación. (Consultar precio) 2) Creme de Corps de Kiehl’s es un clásico de la firma y el remedio ideal para las pieles secas. En diez días, la piel se recupera totalmente, aunque sus beneficios se notan desde la primera aplicación. (250 ml / 33 euros) 3) StriVectin-SD de Klein-Becker. Curiosamente surgió como una crema antiestrías, pero cuando descubrieron su potente efecto borrando las marcas del tiempo, se convirtió en una crema antiarrugas de culto. Se vende exclusivamente en Sephora. (50 ml / 75 euros) 4) El acondicionador Olive Fruit Oil Nourishing de Kiehl’s es el secreto para recuperar el pelo dañado y desnutrido gracias a su aceite de aguacate y extracto de limón. Aumenta su hidratación, elasticidad, aspecto... Muy recomendable para cabellos expuestos a frecuentes secados con calor o planchados, y para los deteriorados por el tinte o el sol. (23,50 euros) 5) Agua termal calmante y desensibilizante de Eau Thermale Avène. Es idónea para las pieles sensibles, hipersensibles, alérgicas e irritadas. Resuelve irritaciones diversas y rojeces de cualquier tipo, incluso las del afeitado y la depilación. También sirve para fijar el maquillaje y para refrescar la piel en verano o después de practicar deporte. Aporta bienestar y frescor. (300 ml / 9,80 euros) 6) Eight Hour Cream de Elizabeth Arden es una crema de culto, reparadora de la piel, que calma pequeñas irritaciones. Ideal para todos los casos donde la piel se encuentra irritada o sensibilizada por el frío, el sol y el viento. Protege el rostro, los labios y las manos de las grietas y la deshidratación. Con motivo de su aniversario han lanzado este formato retro. (Consultar precio) 7) Corrector Dream Mousse de Maybelline. Este corrector tiene todas las virtudes de los iluminadores de alta gama, pero con un precio asequible a todos los bolsillos. Cubre las ojeras y los enrojecimientos, y su textura de mousse es muy agradable. (8,95 euros) 8) Unifiance Touche-Pro de La Roche-Posay es un corrector que disimula pequeñas imperfecciones como quemaduras, cicatrices, ojeras, etc. Se adapta a todo tipo de pieles y cabe en cualquier sitio. (15,95 euros) 9) El concentrado reparador para uñas Pronails Vitamina de Professionails fortalece y endurece las uñas agrietadas, finas y quebradizas. Se puede utilizar además como base para el esmalte de uñas. (15 ml, 12,50 euros. www.professionails.com) 10) Los lapiceros Nature’s Secret de Pronails by Professionails reparan las cutículas y son muy fáciles de llevar en cualquier sitio. Hay 4 modelos, el de la foto contiene jojoba, aloe y vitaminas A, E y F. (13 euros. www.professionails.com)

7 6

no encontrarás todo lo que hay, pero sí todo lo que te interesa

Cultura digital y electrónica Tercera edición del festival CoopCorp sobre cultura digital y electrónica. El programa gira en torno a la filosofía del coopright (cooperación e intercambio a través de las nuevas formas de comunicación) y a la creación de vanguardia. Para ello se han organizado una serie de conferencias, muestras y conciertos de artistas de noise, IDM y 8bit, entre otros estilos. GIRONA / Hasta finales de marzo / www.sinergialab.org

Fotograma de La historia completa de mis fracasos sexuales, de Chris Waitt.

Comunicación guerrilla

CINE [56] El israelí Ari Folman fascina con la animación de 'Vals con Bashir', una tremenda fábula sobre la guerra. TEATRO [60] El dramaturgo Tomaž Pandur transforma a Hamlet en una mujer (Blanca Portillo). MÚSICA [63] The Muffs vienen de gira tras cuatro años de silencio. ARTE [68] La feria ARCO reúne a la vanguardia del arte y pone a la India en el punto de mira. LECTURAS [71] Francesc Serés retrata en su novela 'Materia prima' las luces y miserias del mundo laboral. VIDEOJUEGOS [75] Llega la cuarta entrega del clásico 'Street fighter', adaptado a consolas de nueva generación. LOCALIZADOS [77] Laydown estrena nueva sede en Valencia: ya es posible comer tumbado y con 'glamour'.

Puedes ver la agenda actualizada en www.calle20.es 54

El entretenimiento radical y las armas no convencionales de comunicación son el leitmotiv de The Influencers, un festival que se hace eco de las iniciativas de colectivos como Wu Ming (los activistas más conocidos del copyleft), Blu o Swoon (en la imagen), que aúnan tecnología y medios analógicos para hacer llegar su mensaje. También participarán Improv Everywhere, que ponen en marcha acciones relámpago en lugares públicos, sin aviso previo. BARCELONA / Del 5 al 7 de febrero / www.theinfluencers.org

Carnaval electrónico Performance, audiovisuales e instalaciones interactivas son sólo algunos de los ingredientes del festival REC. Sin embargo, el plato fuerte siguen siendo los DJ y VJ. DJ Food (entrevista en la pág. 32), JFK y Eclectic Method son algunos de los encargados de transformar las naves del Matadero en una gran fiesta. MADRID / Del 20 al 22 de febrero / www.recmadrid.com

FEBRERO 09

Ya tenemos Generación 2009 Los premiados muestran su obra en LCE

SERGIO ROGER

Como cada año, la expectación se mantiene hasta el último momento: hasta el día que se inaugura la muestra no se dan a conocer los ganadores de los Premios y Becas de Arte Caja Madrid. Este galardón ya se ha convertido en un referente en el mundo del arte, y sólo este año se recibieron casi 1.000 solicitudes. Su objetivo es el de premiar «la calidad y la originalidad de la obra», independientemente del soporte o disciplina empleada (en la imagen, fotograma de un vídeo de Sergio Roger). Los galardonados reciben una beca económica que les permite llevar a cabo los proyectos artísticos presentados (además de ver su obra expuesta). Este año, los seleccionados son Ignacio Bermeja Gigorro, Jon Arregui Aguirrezabala, Sergio Roger, Pedro Abraham Nevado Zazo, Zigor Barayazarra Saiz y Aitor Lajarin Encina, entre otros. La exposición con la obra de los premiados pasará también por Barcelona, Valencia y Sevilla.

JONAS BENDIKSEN

MADRID / Del 4 de febrero al 15 de marzo / www.lacasaencendida.es

Carles Porta, en Animac

Fiestas demoscópicas

Bendiksen, en Fotoencuentros

El ilustrador catalán es una de las estrellas de la muestra: no sólo ha diseñado el cartel de la misma; sino que además presentará allí su última producción y programará un ciclo con las películas que más le han influido. También habrá una retrospectiva dedicada al trabajo de Claire Parker y Alexandre Alexeieff.

Un año más, MondoSonoro organiza conciertos con los mejores grupos maqueteros para darlos a conocer. Este año tocarán, entre otros, Hola a Todo el Mundo (en la foto), Polock, Los Bizarros, Modelé Fatal y Templeton. Russian Red y Triángulo de Amor Bizarro ganaron en ediciones anteriores.

El festival internacional de fotografía cuenta este año con la exposición de la obra de Jonas Bendiksen, de la agencia Magnum. Además pueden verse trabajos de Amy Chang, Tomi Catany y Luiz Simoes, entre otros. Este año tampoco faltan el fotomaratón ni los talleres y ciclos de cine.

LLEIDA / Del 23 de febrero al 1 de marzo / www.animac.info

VARIAS CIUDADES / Del 5 al 28 de febrero / www.mondosonoro.com

MURCIA Y CARTAGENA / Hasta el 15 de febrero / www.fotoencuentros.es

Taller 'Re: Escribir'

Los 'bootlegs' de DJ Moule

Curso intensivo de performance impartido por el artista Jon Mikel Euba. En estas jornadas se analizarán todos los aspectos vinculados a esta disciplina, haciendo hincapié en su labor editorial a través del análisis de Re: Horse, una acción basada en la improvisación.

El francés DJ Moule estará pinchando a finales de mes en la sala Elástico (Madrid). Es conocido por sus bootlegs, en los que mezcla canciones de los Hives, LCD Soundsytem o Led Zeppelin con los Chemical Brothers o los Beatles. Tampoco sorprende escucharle pinchar algún que otro clásico de la Motown. Sus sesiones han triunfado en festivales europeos como el Francofolies o el Solidays.

BILBAO / Del 23 al 27 de febrero y del 2 al 6 de marzo / www.salarekalde.bizkaia.net

MADRID / Día 28 / Elástico Club / www.tripfamily.es

Caminando entre la niebla

Ya se ha abierto la convocatoria para participar en el certamen anual de fotografía de Purificación García. Las obras se pueden presentar hasta el 20 de febrero. El jurado está integrado por Marta Gili, Chema Madoz y Rafa Doctor, entre otros. El primer premio está dotado con 12.000 euros.

La obra de Ann Veronica Janssens se construye sobre el concepto de percepción y los umbrales físicos de la visión (en la imagen, su obra Blue, red and yellow). El EACC le dedica la exposición Are you experienced?, que pretende ser un viaje sensorial interactivo. Para ello, la artista ha creado tres instalaciones en las que una espesa niebla cambia en función de la posición y proximidad del espectador.

www.purificaciongarcia.com

ANN VERONICA JANSSENS

Concurso de fotografía

CASTELLÓN / Hasta el 29 de marzo / www.eacc.es Calle 20 no se hace responsable de los posibles cambios en la programación reflejada en esta agenda. 55

cine por alberto úbeda-portugués

PSICODELIA Y DRAMA EN ORIENTE MEDIO El israelí Ari Folman crea fascinación y horror

Una autobiografía muy particular vertebra este drama animado de Ari Folman.

‘VALS CON BASHIR’ usa la animación con maestría para contar la guerra desde UN PRISMA ONÍRICO Uno de esos escasos filmes que nos deja sin aliento. Acaba de ganar el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa y está destinado a hacer lo mismo en los Oscar. Tiene tanto que ofrecer el drama animado del israelí Ari Folman que es difícil racionalizar nuestra admiración. Podemos fijarnos en el poderoso dibujo que combina distintas técnicas de movimiento (3D y Flash, principalmente) de un modo surrealista y grandioso. Podemos hacer mención a la narración ágil y llena de sorpresas, jalonada de flashbacks en los que el protagonista, el propio Folman en su versión cartoon, trata de comprender, visitando a compañeros y amigos, por qué ha olvidado lo que ocurrió veinte años atrás

en la invasión del Líbano por el ejército israelí del que formaba parte. Todo ello es sobrecogedor e inolvidable, pero Vals con Bashir da para mucho más. un drama de actualidad El cineasta judío grabó en vídeo la película que tenía en la cabeza y, con un equipo de extraordinarios animadores, creó después un filme nuevo basándose en esa especie de storyboard con las imágenes reales de las que disponía. Como una droga imparable y apoyada en una banda sonora magnífica, la película inocula el mal de la guerra. Aunque basada en una matanza de palestinos acaecida en Beirut en 1982, Folman extrapola su significado en la mente del espectador al sepulcral hoy de Gaza, en donde el ejército israelí machaca sin piedad a sus habitantes. Y no por casualidad une

el destino de los palestinos con el de los judíos bajo el yugo nazi. Vals con Bashir se ve con la fascinación distante y psicodélica de obras maestras del horror bélico como Apocalypse now. Contribuye a ello, además, que todos los personajes que visita el protagonista en su intento de recuperar la memoria dan una visión extraña, casi cómica, de la barbarie que vivieron juntos en ese tiempo. Así hasta que Folman ya no puede distanciarse del terror que ha escondido y en un plano final desolador deja la imagen real de unas pobres mujeres palestinas llorando y gritando a sus muertos ante la pasividad de las tropas israelíes. Una formidable, necesaria y vanguardista película. VALS CON BASHIR. Israel-AlemaniaFrancia, 2008 / 87 min / Dir.: Ari Folman / Estreno previsto: 13 de febrero

entre la realidad y la vida virtual

El director belga Nic Balthazar se ha planteado esta interesante y tensa ópera prima (mejor filme en el Festival de Montreal), basada en el videojuego Archlord, con la vocación del fanático de rol que aspira a una secreta redención superando prueba tras prueba. Balthazar contrapone violentamente imágenes de los guerreros y el paisaje mítico de Archlord con la realidad ciudadana de un adolescente autista y víctima del bullying. La frágil conexión del muchacho con el exterior reside en las visiones de este juego en el que participa on line una chica, la heroína de sus aventuras. Es una película ideal para iniciados en estos universos, ya que el director busca su complicidad con notable eficacia narrativa. Más que una curiosidad. BEN X. Bélgica, 2007 / 87 min / Dir.: Nic Balthazar / Int.: Greg Timmermans, Marijke Pinoy / Estreno previsto: 20 de febrero

de ex en ex y tiro porque me toca... Una de las apuestas más divertidas y originales del mes es esta comedia documental (premiada en el Festival de Sundance) del estrafalario director escocés Chris Waitt (su anterior producción fue Heavy Metal Jr., sobre un grupo de metal con una edad media de diez años). Como si fuera un buen hijo de Woody Allen (más freak, eso sí), no diferencia entre la realidad y el cine, y se afana en indagar y perseguir a sus ex novias para que le cuenten ante la cámara lo malo que era en la cama, lo ridículo de su relación amorosa y cómo terminaron dejándolo. Waitt, con una sinceridad, un descaro y un fondo de inocencia graciosísimos, logra que pasemos un rato muy agradable al tiempo que habla disparatadamente sobre educación sexual y su tambaleante posición con respecto a las mujeres y el compromiso en una relación seria. Lo intenta todo en su patético deambular para conseguir que le quieran: desde una dominatriz que le da latigazos en los testículos, hasta tomar Viagra y salir desesperadamente empalmado a la calle cuando llueve a cántaros (en una escena absolutamente desternillante), a ver si alguna chica quiere acostarse con él. Sana y risueña irreverencia, que es muy bienvenida. LA HISTORIA COMPLETA DE MIS FRACASOS SEXUALES. Reino Unido, 2007 / 93 min / Dir.: Chris Waitt / Int.: Chris Waitt, Alexandra Boyarskaya / Estreno previsto: 13 de febrero

la esperanza está en la cocina Es intenso y memorable el retrato que hace Abdellatif Kechiche (director de La escurridiza, sincera película de amor adolescente en los suburbios de París) de una familia árabe en el sur de Francia y su peculiar manera de lidiar con los conflictos que la agitan. Los muestra en diferentes momentos de su cotidianidad mediante largas secuencias en las que Kechiche busca nerviosamente los rostros de los personajes, ahondando en su verdad, en la extraña cercanía de lo que nos hace felices y lo que nos provoca la ira y el llanto. El protagonista de esta película (premio del jurado en el Festival de Venecia) es el patriarca de la familia, que quiere abrir un restaurante de cuscús —de ahí su título— en un barco anclado en los muelles. Su propósito es conseguir el éxito para que los suyos salgan de pobres. En ese buque, en un final de excepcional dramatismo en el que todo parece conchabarse para salir mal, hay una espectacular danza del vientre de una de las hijas del patriarca que nos deja boquiabiertos. Y así es como salimos del cine. CUSCÚS. Francia, 2007 / 151 min / Dir.: Abdellatif Kechiche / Int.: Habib Boufares, Hafsia Herzi / Estreno previsto: 30 de enero

cine ambición estética y narrativa Basada en un relato de Francis Scott Fitzgerald, esta película del esteta David Fincher (con filmes en su haber de enorme impacto como El club de la lucha o Zodiac) quiere contar, a la manera de Forrest Gump, la historia de América en el siglo pasado centrándose en un ser diferente que nace decrépito y va rejuveneciendo hasta la niñez senil. Conocíamos el poder de Fincher para desasosegarnos, para ir más allá del miedo y el misterio, pero aquí se pone el traje de los grandes narradores de Hollywood y desglosa un romance imposible que logra conmovernos. La excepcional condición biológica del protagonista (Brad Pitt) hace que tenga un arraigado sentido de la aventura, y, desde su Nueva Orleans natal, va viajando, cada vez más en forma y joven, al Leningrado de la Revolución Rusa, luego combate en la II Guerra Mundial, es motero y navegante en los años cincuenta y sesenta, hippy en los setenta y muchas otras identidades. Todos estos escenarios y cambios tienen una plasmación de una excelencia técnica casi inconcebible, aunque quizá también pequen de un punto de frialdad que no juega a favor de la cinta. No obstante, Fincher es un autor detallista y obsesivo como hay pocos, y esta película se debe ver con el cuidado de una gema única.

una historia emocionante Stephen Daldry (director de Las horas) cuenta una historia emocionante sobre una mujer con pasado nazi que se enamora de un chaval de quince años en la Alemania del final de los años cincuenta. Está basada en la novela de Bernard Schlink y se beneficia de la magnífica presencia de Kate Winslet (Globo de Oro a la mejor actriz secundaria). Habría sido un filme inolvidable si la segunda parte de la narración, centrada en el adulto que recuerda su amor juvenil, tuviera la calidez del encuentro de la dama aún joven y el muchacho inexperto. EL LECTOR. EE UU, 2008 / Dir.: Stephen Daldry / Int.: Kate Winslet, Ralph Fiennes / Estreno previsto: 13 de febrero

EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON. EE UU, 2008 / 165 min / Dir.: David Fincher / Int.: Brad Pitt, Cate Blanchett / Estreno previsto: 6 de febrero

escalofríos iniciáticos Ha olvidado momentáneamente Manuel Gómez Pereira las comedias más o menos costumbristas (la última, Reinas) que frecuenta y, de la mano de un guión escrito con Salvador García Ruiz (el notable director de filmes como Mensaka o Las voces de la noche), se ha lanzado a buscar el morbo y los demonios de una relación iniciática que no tiene nada de inocente. Se apoya con buen criterio en el juego que da en pantalla Clara Lago, convertida en una esplendorosa y sexy mujer después de aquel buen debut de niña en El viaje de Carol (Imanol Uribe, 2002). Por ella siente una atracción irresistible el chico (Álvaro Cervantes, nominado al Goya al mejor actor revelación) con el que jugó en la infancia. Ambos tienen que vérselas de pronto con una violación y un asesinato. Poco a poco, en un crescendo bien medido que hace que no despeguemos la mirada de la pantalla, la turbiedad y los secretos entre ellos se acumulan sin cesar, estando presos en un círculo de sospechas y escalofríos que los llevarán a un callejón sin salida. Un infierno de amor y obsesión que nos pone el cuerpo a tono. EL JUEGO DEL AHORCADO. España, 2008 / 105 min / Dir.: Manuel Gómez Pereira / Int.: Clara Lago, Álvaro Cervantes / Estreno previsto: 30 de enero

ausencia de convenciones Lo que interesa de esta desigual película gastronómica de Joaquín Oristrell (autor de la fenomenal Sin vergüenza), que transcurre en un lapso de 30 años, es la bonita historia de amor de una cocinera estrella (Olivia Molina, hija de Ángela) con dos hombres a los que le es imposible renunciar. Integran un trío de pasiones desatadas con todas las consecuencias, huyendo de cualquier convención. DIETA MEDITERRÁNEA. España, 2008 / 105 min / Dir.: J. Oristrell / Int.: Paco León, Olivia Molina / Estreno previsto: 6 febrero

cine

en corto

por alberto úbeda-portugués

un cuento dickensiano

una mirada primorosa a la infancia Una de las cosas que más se agradecen en un corto es la sencillez, la sabiduría narrativa de procurar ser lo más incisivo y claro posible en unos pocos minutos y planos. Cumple estos requisitos al pie de la letra el primer corto de Sergio Barrejón (nominado al Goya de ficción y triunfador en certámenes internacionales como el de Montpellier o nacionales como el de Ciutat de Valls), que ha contado en el guión con la ayuda de Nacho Vigalondo. Es una primorosa mirada al publicitado y muy preocupante tema del abuso escolar desde el punto de vista, en este caso, más infantil. Un chaval todo ojos y flequillo es incordiado por otro que le saca la cabeza mientras cuida la clase en ausencia del profesor. Barrejón, filmando en blanco y negro, logra inquietarnos sin que pase realmente nada, echando mano de una descomposición espacial propia de una película del Oeste. Contribuye a ese clima enrarecido, que es aún más sorprendente teniendo en cuenta a los protagonistas, unos diálogos secos sin dejar de ser infantiles y la música de aires wéstern de Aránzazu Calleja (también compositora de la música de Éramos pocos, el premiado corto de Borja Cobeaga). Un debut muy acertado y concluyente. EL ENCARGADO. España, 2008 / 8 min / Dir.: Sergio Barrejón / Int.: Íñigo Navares, Eduardo Uceda / Se puede ver en http://nosolocortos.com/?p=88

Ya demostraron sus posibilidades en Atención al cliente, corto de animación comentado en estas páginas (enero, 2008). Ahora, el trío de cineastas de la ECAM Marcos Valín, María Monescillo y David Priego se han apuntado un nuevo éxito con este cuento dickensiano realizado en plastilina que está nominado al Goya de la categoría y ha sido premiado en el certamen El Milagro, de Azuaga. Han utilizado la técnica de stop-motion (captura de fotografías) para encantarnos con un pillo resabiado y su aprendiz, que no saben cómo quitarle la cartera a un potentado en un callejón oscuro del Londres decimonónico. El corto es sólo una breve escena, pero capaz de plasmar las resonancias literarias que conlleva. Aquí hay madera de cineastas. RASCAL’S STREET. España, 2008 / 3 min / Dir.: Marcos Valín, María Monescillo, David Priego / Se ve en www.rascalstreet.com

magia en los suburbios de calcuta En este fantástico corto documental nominado al Goya, el segoviano Marcos Borregón prefiere que hablen las imágenes, la belleza intrínseca de unos niños que juegan, que aprenden en la inmundicia eterna de un barrio suburbial de Calcuta, antes que aleccionarnos con una voz en off sobre lo mal que están las cosas por allí. Acuden los chavales a una escuela que forma parte de un proyecto educativo y asistencial de la ONG Amigos de Tara, llevado a cabo en la populosa ciudad india. Borregón acierta a mostrar en su trabajo las extrañas vibraciones místicas —las beatíficas sonrisas infantiles, la profundidad de unos ojos vagabundos, el color dorado e irreal de la luz sobre las aguas— que otras veces hemos sentido en filmes de cineastas tan reverenciados como Louis Malle o Ricardo Franco y que parecen ofrecer una cierta dispensa a la mendicidad hindú, pese a la tan cacareada economía emergente de la India. De un modo u otro, este corto es un viaje que concluimos con las alforjas llenas de magia. SOY MEERA MALIK. España, 2008 / 16 min / Dir.: Marcos Borregón / Int.: Meera Malik / Se puede ver en http://www.digitalshortfilmfest.com/ficha-corto.asp?id=209&titulo= soy-meera-malik

TEATRO por rafa romero de ávila

hamlet se transforma en mujer tomaŽ pandur reduce a shakespeare a la mínima expresión el nuevo reto del dramaturgo es una descomposición del fascinante personaje de hamlet Pandur es un artista, quizá uno de los más considerados de la actual cultura europea. Su particular forma de crear historias le ha hecho ser reconocido y valorado y capaz de saltarse fronteras tanto físicas como idiomáticas. Barroco, provocador, sin duda morboso, quizá enfermizo y oscuro, con un trabajo muy físico, deslumbrante y personal y de los que son odiados y amados ferozmente, su forma de crear es extremadamente particular. En sus espectáculos, el texto que le sirve de punto de partida siempre se difumina. Se podría decir que es infiel al original; o más que eso, pues a veces apenas se puede seguir lo que cuenta, principalmente porque el referente queda obviado. Éste es su aporte. No traiciona el original, sino que lo complementa, lo aumenta, crea otra historia a partir de él. Y esto se traslada a su particular visión del príncipe de Dinamarca. En este trabajo de deconstrucción textual, de quedarse con la raspa de Hamlet, Pandur se ayuda con la claridad de José Ramón Fernández, autor teatral de larga carrera y sin duda más clásico, que aporta mayor cercanía al mundo de Shakespeare. Pero necesita de sus marionetas, de sus muñecos para manipular. Y aquí continúa con su idílico encuentro fraguado en su anterior espectáculo, Barroco (basado en las Amistades peligrosas y Cuarteto), en el que recuperó a Asier Etxeandía y, sobre todo, se encontró con Blanca Portillo. Ambos representan lo mejor de nuestra escena, pero además son capaces de modelarse física y mentalmente a lo que Pandur les pide. Uno de los aciertos de este montaje es que ella (Blanca) sea él (Hamlet). Ya había trabajado su parte masculina, pero éste es un fascinante riesgo aún mayor. Los arropan las fuertes presencias de Susi Sánchez, Nur Al Leví, Hugo Silva, Félix Gómez, Quim Gutiérrez, Aitor Luna y Manuel Morón. Un espectáculo diferente, arriesgado y con una gran carga sexual. hamlet. Madrid / Las Naves del Matadero (Teatro Español) / Del 12 de febrero al 12 de abril / www.teatroespanol.es

Blanca Portillo (arriba), Hugo Silva (izda.) y Aitor Luna (dcha.) ensayan con Pandur.

pep daudé

volver al hogar, dulce hogar

un invierno alternativo Los fríos traen, desde hace ya unos cuantos años, lo más novedoso y radical de la escena. Y sin que sirva de precedente, esta vez la producción es eminentemente española. Escena Contemporánea, festival centrado en esos espectáculos que renuevan y suponen vanguardia, ha encontrado que la producción de aquí es no ya sólo interesante, sino digna de exportar. Diferentes lenguajes, danza, vídeo, música o teatro de texto, vale casi todo para explorar e incluso inventar otras posibilidades de expresión. De ahí que nombres como los de Señor Serrano, Claudia Faci, Raravis (en la foto), Elena Córdoba, La Ribot, Sergi Faüstino, Rachid Ourramdame y New Riga Theatre sean un referente internacional. Pero además, dentro del ya clásico Ciclo Autor, recuperan una de las figuras más notables y controvertidas de la creación europea: Pier Paolo Pasolini, complejo y barroco creador que dejó momentos brillantes en cine, literatura y teatro. Pero la vanguardia no acaba aquí. Algo más antiguo y más humilde en presupuesto también se está celebrando: La Alternativa, con un apretado programa dominado por nombres propios: Fernando Cayo, Roberto G. Alonso, Alfonso Pindado, La Pereza, La Menina Enana, Yelmo de Mambrino... e. contemporánea. Madrid / Varias salas / Febrero / www.escenacontemporanea.com LA ALTERNATIVA. Madrid / Varia salas / Hasta el 15 de febrero / www.teatrotriangulo.com

Parece que es el año Pinter. Su teatro está de terrible actualidad. Su concepción social y política siempre resultará nueva y crítica. Esta obra aborda la vuelta a casa. Cuando uno sale y se forja otra vida, el regreso al pasado, por mucho que los seres queridos sigan ahí, nunca es fácil. Éste es el punto de partida de un texto simple y lineal, como opina su adaptador, el escritor Eduardo Mendoza, pero que ve su dificultad en lo que cada personaje encierra y no muestra. Harold Pinter llena sus historias de dolorosos secretos que obsesionan. Ferrán Madicó se atreve con esta versión y se acompaña con un notable reparto: Francesc Lucchetti, Tristán Ulloa, Ana Fernández, Sergio Otegui... regreso al hogar. Madrid / Teatro Español / Hasta el 15 de marzo

violencia sin censura L’home dels coixins es un cuento cruel de hombres malos y niños incautos. Un escritor de fábulas un pelín crueles ve cómo alguien las está haciendo realidad con la población infantil. En pocas palabras, ése es el argumento y, como casi único escenario, la sala de interrogatorios de la policía. Sin tregua, la violencia está servida con hiriente y efectivo humor. Pero hay más. Las dudas caen sobre la cabeza del escritor. ¿Qué responsabilidad tiene todo creador de cómo pueda ser interpretada o usada su obra? Con forma de thriller policiaco, esta pieza realmente habla de lo que deseamos y tememos. Los diálogos son duros y cortantes; los personajes, secos, casi sin sentimientos; las situaciones, crudas... Y todo, obra de uno de los autores europeos más representados e importantes de la actualidad, el irlandés Martin McDonagh. Estamos ante uno de los textos más premiados de los últimos años. Su actual puesta en escena, dirigida por Xicu Mansó, es aséptica y centra su importancia en el texto y en el indispensable trabajo de los actores: Miquel Gorriz, Eduard Muntada, Albert Pérez, Jacob Torres... Para mentes que busquen algo más que un mero entretenimiento. l’home dels coixins. Barcelona / Lliure / Hasta el 22 de febrero / www.teatrelliure.com

TEATRO ¿MI PAÍS? UNA UTOPÍA Revolucionario, contestatario, un payaso provocador, un tocapelotas... Cualquiera de estos amables epítetos o parecidos son ya de sobra utilizados cada vez que se habla de Leo Bassi. Pero en el fondo, este personaje —porque se ha convertido en un personaje— es un actor haciendo su rol. O eso o de verdad quiere remover conciencias mientras critica, se mofa, provoca... Podemos estar o no de acuerdo con su obra, pero algo produce en nuestras acomodadas mentes, incluso hasta enfadarnos (hablar de la religión le trajo algún que otro problemilla incendiario...). Lo que es innegable es su gran dominio del espectáculo, del juego con el espectador. Es un señor sobre la escena, y se las sabe todas, incluso como en este caso en el que se atreve a hablarnos de la Utopía, de un ideal intangible y en el que tiene tan pocos apoyos sobre los que asegurarse. Trucos los tiene todos, pero es quizá su momento más idealista y también más puro. Será por ello que vuelve a presentarse como el clown que comenzó siendo, aquel que se pintaba la cara de blanco y llevaba trajes de color. La historia, la filosofía y, por supuesto, la poesía son, en este caso, su herramienta para repasar y encontrar la añorada Utopía, centro esencial. Más allá de esto, poco se puede añadir sobre lo que es un show de Leo Bassi; simplemente cada noche es diferente, y esto no es un tópico.

reconstruir la historia Nacido del taller del Castillo de Magalia, experiencia auspiciada por el Ministerio de Cultura para la creación artística y que concentra durante varias semanas a creadores y programadores teatrales, José Manuel Mora ideó My own private Don Carlos como la revisión de la dramática historia del infante Don Carlos. Sin abandonar la música que creara Verdi, se centra en lo que escribió Schiller, o sea, deja de lado el triángulo con Felipe II e Isabel de Valois para revisar la relación con el Marqués de Poza. Historia, política, traición, amistad, amor, tensión y una mirada multidisciplinar, provocadora y radical. MY OWN PRIVATE DON CARLOS. Bilbao / Sala La Fundición / Días 7 y 8 de febrero / www.lafundicion.org

LEO BASSI: UTOPÍA. Madrid / Teatro Alfil / Hasta el 8 de marzo / www.teatroalfil.com

LA MUERTE Y SUS CONSECUENCIAS A veces el teatro contemporáneo tiene como su mejor cualidad la provocación, y no en su forma, sino en lo que guarda en su interior. Decir verdades sobre nuestro momento más actual, principalmente de lo que somos y/o sentimos y no resultar pedante es un trabajo dificultoso. Y conseguirlo con una sonrisa es ya un triple salto. Todo esto es de lo que se ocupó el francés Remi de Vos en Fins que la mort ens separi, un espectáculo en el que sólo veremos a tres personajes reunidos por la muerte de la abuela del protagonista. Un joven inmaduro aunque triunfador, su antigua novia de juventud y su castradora madre son este trío de virtudes que repasan nuestra sociedad: dinero, poder, odio, mentiras, triunfo, muerte, locura, el paso del tiempo... El autor ha sido considerado digno sucesor del vodevilesco Feydeau o del absurdo Ionesco, la ironía y el humor están servidos. El dramaturgo Jordi Galcerán se ha ocupado de hacer la versión, y el muy interesante Antonio Simón, de dirigirla. Alicia González, Teresa Urroz y el siempre aniñado Roger Pera son sus protagonistas. FINS QUE LA MORT ENS SEPARI. Barcelona / Teatro Tantarantana / Hasta el 15 de marzo / www.tantarantana.com

radical mirada a un clásico Una renovada y radical mirada al clásico Antígona, de Sófocles. La pelea entre el derecho humano y la ley divina y el enfrentamiento contra lo establecido es ahora tan actual como cuando fue planteada esta tragedia griega. Y por ello es recuperada por Aurelio Delgado, interesante nombre de la escena valenciana, para hacer una versión provocadora en lo visual y en su elocuente trasfondo. ANTÍGONA. Valencia / Carme Teatre / Del 12 a 22 de febrero / www.carmeteatre.com

música por julio ruiz

KIM, UNA CHICA GUERRERA Y FELIZ Vuelven The Muffs cuatro años después de su último álbum

Kim Shattuck no tienen ninguna intención de dar carpetazo a The Muffs y anuncian nuevo disco para este año.

a punto de publicar su nuevo álbum de estudio, la banda californiana gira por españa De más jóvenes, más fiereza y aceleración. Pasados unos años, la carismática Kim se dejó seducir por las melodías. De una forma o de otra, una receta que está tan cerca de los dictados de Los Ramones como de los hoy afamados Green Day, con los que convivieron en los orígenes. Plano de situación. Principios de los noventa. El pop se vestía de guitarras rugientes o el rock se endulzaba a ritmo de canciones de tres minutos. Kat capitaneaba a sus Babes in Toyland, Courtney le daba lustre a sus Hole, y Kim, dejando atrás la aventura de The Pandoras, se inventaba su nueva banda con formato de cuarteto, aunque de inmediato pasó a trío y ella se quedó como única fémina —Melanie se fue o le dijeron

que se fuera pronto—. Tanto destacaron en el circuito del mundo independiente en California y más allá aquellos seminales The Muffs que llamaron la atención de una poderosa multinacional, con la que tuvieron una relación corta pero fructífera. No se puede olvidar aquel maravilloso segundo álbum Blonder and blonder con hits directos como Sad tomorrow. Será un placer comprobar in situ cómo suenan esas nuevas canciones que deben tener casi listas para publicar, puesto que su anterior entrega ya huele a vieja —aquella de hace cuatro años en la que la jefa y sus acólitos Ronnie y Roy demostraban encontrarse Really, really happy—, pero que mantiene la fórmula acuñada desde el principio: pildorazos y piezas irresistibles (Oh, Nina o Lucky guy), que ya conquistaron al público español en aquella tan lejana

visita, en el año 1995, en pleno apogeo de fama y popularidad de la banda. Tampoco es que haya aumentado el número de canciones candidatas a formar parte del repertorio de su extensa gira española, pues, tras su tercer álbum, se editó un disco de rarezas a petición del coleccionista y ese disco feliz que pronto será su penúltimo trabajo. En su momento ya se aprestaron a comunicar a sus fans que no se preocupasen, que se estaban tomando un descanso antes de meterse de nuevo en el estudio (¿con quién sacarán ese próximo álbum?) y que ni mucho menos había acabado la vida de The Muffs. THE MUFFS. Día 12, en Bilbao (K. Antzokia) / 13, Gijón (Casino) / 14, Santiago (Nasa) / 17, Valladolid (Porta Coeli) / 18, Mallorca (T. Lloseta) / 19, Valencia (Wah Wah) / 20, Madrid (El Sol) / 21, Murcia (12 y medio).

música

La cita de cada año, aunque en esta oportunidad cambie de emplazamiento y se vaya de su habitual residencia en Les Basses. El fanzine Miracles for Sale vuelve a reunir a un elenco de lujo en dos jornadas: una primera de presentación, apostando por la cantera y los productos maqueteros o casi, con Rebery o Singletons en el cartel; y la estelar, al día siguiente, con un nombre puntero de los sonidos oscuros y que intervinieron en aquellos inicios del FIB. Cranes, con esa voz infantil tan personal de Allison —en la foto— y su hermano, que presentarán su último disco, de nombre como ellos y grabado para su propia etiqueta. Pero hay más: Chris Cacavas, alemán de adopción, viene acompañado de orquesta; Hugo Race, desde Australia; el escocés Ally Kerr, con excelentes temas que huelen a Simon & Garfunkel. La cuota nacional la encabeza el proyecto actual de Germán Coppini, Lemuripop, y la nueva aventura de una de las voces más personales del indie-pop de aquí, Mariona (ex Fang), ahora con Carlos Ann en Santa N. XIV MINIFESTIVAL DE MÚSICA INDEPENDIENTE. Barcelona, días 27 (Convent de S. Agustí) y 28 (Apolo 2) / www.minifestival.net

guy kokken

el minifestival, a lo grande

cómo cruzar un puente Viejo héroe. Aquellos tiempos del llamado nuevo rock americano. La semilla de Dream Syndicate que recogieron bandas postreras y un hilo directo de unos años para acá con nuestro país, a través del sello que publica sus discos (Astro) y con algún que otro proyecto paralelo en el que está implicado el sempiterno Paco Loco. Claro que nadie puede renegar u ocultar sus genes y algo del ayer aparece en su último trabajo, pero hay muchas más cosas nuevas e inéditas (¿quién se iba a imaginar a Steve Wynn poniéndose el traje de cantautor?) en el álbum que se fue a grabar a tierras de Eslovaquia, al estudio de Chris Walkabouts. El aroma del desierto se ha quedado atrás —con tres discos, basta—, y ahora en el presente manda la inspiración al cruzar un día y otro el llamado Dragon Bridge, que hasta incluso se ha ganado el detalle de dar nombre al álbum. El popfolk acústico está de moda y algo de quietud y sosiego se ha colado en este trayecto al cruzar de un lado a otro. Sencillez y a la vez detalles de producción delicados aparte del apoyo de Linda, haciendo esa segunda voz que queda bordada en canciones como When we talk, que parece un vals con Cohen al fondo «bailando hasta el final del amor». STEVE WYNN. Día 3, Madrid (El Sol) / 4, Gijón (Casino) / 5, Vigo (Mondo) / 6, Bilbao (Santana 27) / 7, Zaragoza (Casa del Loco)

Hace unos años, La Riviera se transformó en un patio de butacas para un concierto de Tindersticks. En esta ocasión, el marco será el deseado, porque el nuevo paseo de Stuart con su banda —incluidos Fraser y Boulter, de la alineación titular inicial— será justamente en teatros o auditorios para más relumbrón de The hungry saw (ese serrucho partiendo un corazón), grabado en unos estudios franceses después de un tiempo (desde el Waiting for the moon de 2003, nada) sin canciones flamantes que llevarse al oído. Un retorno a los viejos tiempos con la última entrega del grupo que deslumbró en una histórica primera visita al festival BAM. Con canciones como Mother dear han vuelto los mejores Tindersticks, pura melancolía y clase. TINDERSTICKS. Día 8, Barcelona (L’Auditori) / 9, Madrid (Teatro H. Dazs) / 10, San Sebastián (T. Victoria Eugenia) / 16, Málaga (T. Cervantes)

richard dumas

el mejor escenario posible

con nuevas compañías

pablo zamora

Christina Rosenvinge cambió de registro y se fue a hacer la mudanza sonora (aunque en su última etapa española había señales evidentes de nueva piel) a tierras americanas, y de allí vino reforzada y dispuesta a empezar de nuevo. Unos años más tarde de haberse puesto en manos del círculo de Sonic Youth, no hay por menos que felicitar (eso les toca a los incrédulos) a quien ha firmado uno de los discos del año —en ello han coincidido muchos medios— incluso con el salto de volver a cantar en español. Hace unos meses hizo la gira de presentación de Tu labio superior cuando estaban empezando a conocerse las canciones y con una banda española reclutada para la ocasión en la que sí que estaba, claro está, su mano derecha, Charlie Bautista. Su cita en Madrid en la sala Galileo se zanjó con un llenazo. Ahora, saboreando las mieles del reconocimiento y el éxito de crítica y ventas en el territorio indie, acomete una segunda ronda, pero acompañada por los músicos americanos (Chris Brokaw —el culpable de la adaptación de Por la noche—, Shelley y Wilms) que le ayudaron a grabar himnos como La distancia adecuada, Tres minutos, El puñal y la memoria...

horóscopo finlandés El área de influencia de Fikasound no se queda en Suecia y se extiende a otros países nórdicos como Finlandia. De allí es este cuarteto que comanda Mattias (al que deben gustar tanto los Smiths como Belle & Sebastian o el sello Sarah). Para ello basta con escuchar ese Horoscope y la recomendación de no hacer caso que salta al meterse en su MySpace, o el fenomenal arranque de su álbum I’m the white mantled king. Tras alguna demo y un par de EP presentaron The province complains, que apareció en 2007. CATS ON FIRE: Día 24, Málaga (Ollerías) / 25, Vigo (Fábrica de Chocolate) / 26, Barcelona (Sidecar) / 27, Murcia (Doce y medio) / 28, Madrid (Neu)

CHRISTINA ROSENVINGE. Día 2, Murcia (A. V. Villegas) / 3, Barcelona (Bikini) / 4, Valencia (El Loco) / 6, Bilbao (K. Antzokia) / 7, Madrid (Joy Eslava)

fran y sus fans

TRAVIS. Día 12, Barcelona (Razzmatazz) / 13, Madrid (Macumba)

con las entradas agotadas... Trío de ases y entradas agotadas para ver a Oasis, Mogwai y Kings of Leon. Los hermanos Gallagher han vuelto por sus fueros y han entregado uno de los tres mejores álbumes de su historia, Dig out your soul; Mogwai (en la foto) traen su arrebato instrumental The hawk is howling; y el de Kings of Leon con los hermanos Followill es Only by the night. OASIS. Día 12, Madrid / 13, Barcelona. MOGWAI. Día 4, Murcia / 6, Madrid / 7, San Sebastián. KINGS OF LEON. Día 14, Barcelona / 15, Madrid.

steve gullick

Tiene un buen suelo de fans en Madrid. Allá, en su primera actuación, en la Caracol, acabó encandilando al público y lanzando piropos al maestro Paul McCartney, al que acababa de conocer en una entrega de premios en Londres. Años más tarde, con La Riviera a tope, lanzó el órdago de prescindir de micrófono y cantar sin amplificación uno de sus grandes hits. Por eso, Fran Healy y sus compañeros de Travis en su nueva gira vuelven a terreno conquistado. Ahora se trata de presentar un disco, el sexto, Ode to J. Smith (con ese ojo de la portada que generó tanta polémica), que llegó bastante pegado a The boy with no name, el anterior —parece que había material excedente de sobra como para tal hiperproductividad después del tiempo de silencio— y en el que se apartaban un tanto del ramalazo intimista y se apuntaban al perfil un poco más rockista. La tacada de tres singles consecutivos fueron otros tantos éxitos, y que el pulso de componer piezas redondas no está perdido se demuestra en temas como Before you were young.

DISCOS the lucksmiths first frost

David Byrne & Brian Eno Everything that happens will happen today

Sale la media que indica que hacen los deberes. Década y media componiendo himnos y once discos publicados, aunque los fans se empezaran a impacientar porque querían la sucesión de Warmer corners (hace tres años pusieron la cima de su trabajo) y apenas calmaron anhelos del seguidor haciendo una excelente recopilación de caras B y fetiches. ¿Variaciones? Pocas, porque los ingredientes que manejan los australianos los mezclan tan a la perfección que para qué cambiar. Eso sí: los ímpetus juveniles van remitiendo y quizá ahora hay una madurez lógica y temas más elaborados y no tan instantáneos. Desde que aumentó la familia, hay una pluma más para componer y repartirse —eso sí, desigualmente— la autoría de las canciones. Y las hay de distinto pelaje: algún ramalazo vaquero, flashes de rock, medios tiempos, pop directo... En los textos, incluso se ponen serios en esa reflexión que hacen entre vivir en el campo y la ciudad, justo en el tema que abre. Le sigue el que marca esa virtud que es tan apreciable de dar con el estribillo y el tarareo quedón (y eso lo consiguen con Good light).

www.fortunapop.com

Aidan Moffat and the Best Of’s

How to get to heaven...

Los dos son ilustres y llevaban tiempo sin cruzar sus firmas. Aquellos primeros discos de Talking Heads —banda de Byrne— tenían tras la mesa de mandos a Eno. Que se revisara el único, anterior y experimental disco que gestaron ambos les valió para retomar el contacto, y aún a distancia, David se comprometió a remachar los apuntes de melodías que tenía dispersos Brian. Y así nacieron temas como Strange overtones, Home —suena a Simon & Garfunkel— o One fine day, que fue la primera pieza de todo un álbum de folk, electrónica y gospel.

Canciones dolientes y extremadamente sensibles. Pero en el ayer cercano, ¿quién era el tristón, el que ponía la gota definitiva de lamento hecho música? ¿Él o su compañero de aventuras en Arab Strap, Malcolm? Porque, ahora, tras su estreno solo con I can hear your heart —¿se considera un debut o un relato de piezas eróticas mínimamente musicado?—, sí que es el tiempo para valorar un álbum que destila, claro está, amor en los textos y ofrece elementos de raíz de la tierra escocesa (véase The last kiss o That’s just love).

www.elvolcanmusica.com

www.everlastingrecords.com

LITTLE JOY

Headless heroes

Naces, creces, triunfas y, con el colchón de éxito de tu banda titular, te inventas otro yo. Eso pasa en The Strokes. Si Albert Hammond Jr. camina solo, Fabrizio Moretti, el batería, se pone traje de indie y, en compañía de su novia (Binki) y de su colega músico (Rodrigo de Los Hermanos), echa a rodar su proyecto Little Joy con un buen montón de canciones con sabor acústico y que tienen un encanto especial cuando hay voz femenina (preciosa Don’t watch me dancing, que habla del miedo a enamorarse). Por si faltaba algo, hasta Devendra hace coros.

Un álbum temático. No es la primera vez. Pero sí la forma de seleccionar el argumento y las canciones. El amor pero desde la desesperanza y un punto de vista femenino. Quizá por eso se necesitaba una voz nueva. Y aunque Alela Diane ya tiene carrera en solitario (The pirate’s gospel), los productores del invento, Hugo Nicolson y Eddie Bezalel, la descubrieron rastreando por Internet. Bien arropada por una maxiorquesta, ataca temas de hoy y de ayer y se balancea entre lo cercano de Nick Cave o Jesus & Mary Chain (Just like honey) y lo añejo folkie de Vashti Bunyan.

www.everlastingrecords.com

www.naive.es

LITTLE JOY

The silence of love

the pains of being pure at heart the pains of...

J. F. Sebastian

The Brass Buttons

Curtidos en el circuito de actuaciones, por fin les llega el estreno. En su repertorio hay temas propios y juegan al eclecticismo con las versiones (en algún fetiche con formato maquetero, se comprueba que les da igual Boomtown Rats que Johnny Cash), aunque en su perfil musical parece que están muy cerca, si no alineados con ese pop-folk tan de moda (las cuerdas siguen vistiendo mucho). Si su nombre es personaje de cine (Blade Runner), es lógico que por esa conexión lleguen hasta Leonor Marlango, que es la estrella invitada de Mercy, canción que podría ser el single.

Dime cómo te llamas y te diré de qué pie cojeas. Estos gaditanos —si retrocedemos, llegamos a Driver 8 e incluso a Madening Flames, formaciones de algunos de sus componentes— veneran los sonidos americanos. Quizá habría que contradecir el título de su estreno, porque ni mucho menos están recién salidos del cascarón. Pero si les faltaba algo para definirse, ahí está el tomar una canción de Gram Parsons, icono de la nueva americana, como nombre de pila. En su receta también caben sonidos negros y el pop más directo y reluciente.

www.everlastingrecords.com

www.rockindiana.biz

Elle Belga

BMX Bandits

Josele el Rubio tiene otro yo que explorar. Acabada la andadura de Manta Ray se ha recluido en el intimismo del proyecto nacido al lado de su compañera sentimental, Fany (apenas antes alguna escaramuza comandando a Los Dandys en aquel grupo yeyé, ideado por Álex Cooper). Con mullidas melodías acústicas, juegan con sus voces y dejan claro que la sencillez apenas necesita contados retoques: piano, trompeta... Todas las cosas o Duerme niña demuestran hasta dónde puede llegar la exploración de hacer nanas para dormir. Sale a la venta por San Valentín.

Y que no falten. Ahí están los singles del sello Elefant, quienes siguen cuidando ese delicado formato de vinilo (éste es blanco). En esta ocasión, el regalo es mayúsculo. Douglas y sus compañeros (luce la voz femenina de Rachel, que es una de las últimas adquisiciones) abren el abanico del eclecticismo y ofrecen cuatro canciones de las que destaca la adaptación francesa de Our secret life. I can wait forever muestra su lado más reposado. Y metidos a hacer versiones, vale un último descubrimiento, como My Little Airport, o una debilidad teenager cantada por Olivia en Grease.

www.acuareladiscos.com

www.elefant.com

Ten fingers

1971

Wet behind the ears

Love

Ponga un buen telonero en su vida. Y anda que no va a saber de ello David Gedge y sus Wedding Present, que se llevó a esta banda como telonera de su pasada gira de diciembre por el Reino Unido. Porque el combo neoyorquino que capitanean Kip y Peggy —nunca me cansaré de alabar a quienes saben combinar voces para cantar en el demoledor juego chico-chica, o viceversa— ya habían empezado a llamar la atención en el circuito indie a golpe de single (Everything with you es una muestra y es un hit para dar botes en cualquier pista de baile). Total, que este álbum que se publicaba este mes se aguardaba con expectación, y ni mucho menos ha quedado defraudada. Pop energético e intenso que a veces lleva —y los protagonistas lo consienten— al Bandwagonesque, disco del que se confiesan fans. En Young adult friction y A teenager in love está el repuesto perfecto para que sigan saliendo sencillos, por no referirnos a la afirmación tan categórica como This love is fucking right. Y pensar que fue un grupo llamado a ser hippie, pero para bien nació en la fiesta de cumpleaños de su teclista...

www.fortunapop.com

arte por maría de chai

La INDIa, en el punto de mira ARCO celebra su XXVIII edición con este país como invitado

Back to front III (2000), de Tejal Shah.

Del 11 al 16 de febrero, IFEMA reúne a la vanguardia del arte sumando riesgo y calidad El arte contemporáneo indio se mueve como un huracán, impetuoso y con una fuerza y una repercusión que aumentan según avanza, se difunde y cala en Occidente y más allá. Si ciudades como Tokio, Nueva York y Valencia le han dedicado recientemente grandes muestras, ahora es el turno de Madrid. La feria internacional ARCO pretende «mostrar por primera vez en España una importante selección de arte contemporáneo indio en un mismo espacio», según su directora, Lourdes Fernández. Del día 11 al 16 de febrero, para profesionales, y a partir del 13 para el gran pelotón, su arte emergente estará representado en el programa protagonista

de la feria, Panorama: India. El artista y comisario indio Bose Krishnamachari se ha ocupado de la selección con un criterio triunfal: «Presentar a los artistas más brillantes de la India», en total, cerca de cincuenta firmas representadas por trece galerías de las ciudades de Bombay, Nueva Delhi y Bangalore. La muestra se compondrá de talentos tan variados como los de T. V. Santhosh, Jitish Kallat, Subodh Gupta, Riyas Komu, Baiju Parthan, Manjunath Kamath, Gigi Scaria, Jitish Kallat, entre otros, pero con recursos comunes muy frecuentes. Uno: el diálogo entre el arte y los espacios urbanos como escenarios en mutación y siempre testigos de los acontecimientos políticos, sociales y culturales de la India. Dos: el compromiso con el mundo en el que viven. Destapan sin máscaras

ni mascarillas asuntos como guerras, conflictos religiosos, terrorismo global, etc. Y tres: la osadía. Por otro lado, el programa de arte en vivo Performing ARCO repetirá tras una primera edición de éxito. ARCO 40 mostrará creaciones realizadas en los últimos tres años; y también habrá lugar para un arte creado ex profeso y para propuestas ligadas a las nuevas tecnologías, con los espacios comisariados Solo projects, Expanded-Box y Cinema. El resto de pasillos y stands albergarán propuestas de vanguardia en un programa general que anuncia más riesgo y calidad que nunca, para que la crisis no sea un freno en el mercado del arte, sino más bien una oportunidad. ARCO. Madrid / IFEMA / Del 11 al 16 de febrero / www.arco.ifema.es

cien años de un genio

pólvora a punto de estallar Con una frase definió su compromiso vital y político: «No quiero trabajar más con la metáfora de la pólvora, sino con la pólvora misma». El discurso de Cildo Meireles (Brasil, 1948) es combativo y utópico —«cuando no tienes la posibilidad de ser poético, te politizas», ha dicho—, y su plástica estira los límites de la percepción. Juega con la escala, los materiales, los colores y los sentidos, interactuando con el espectador. Divierte y seduce, ironiza y provoca paradigmas, muchas veces, con las imágenes de aquello que detesta para reventarlo: la guerra, la opresión, el capitalismo. Esta exposición —que ya estuvo en Londres y que luego viajará a EE UU y Canadá— cubre su trayectoria artística, desde 1967 hasta la actualidad, a través de unas ochenta obras: desde sus dibujos hasta sus geniales Inserciones en circuitos ideológicos, con las que hizo circular mensajes críticos de forma masiva en soportes como botellas de Coca Cola; su Árbol de dinero, con billetes a un precio veinte veces superior de su cantidad; y sus comprometidas instalaciones, como Misión/Misiones (cómo construir catedrales), donde hace justicia a los aborígenes que murieron construyendo catedrales entre los siglos xvi y xvii. CILDO MEIRELES. Barcelona / MACBA / Del 11 de febrero al 26 de abril / www.macba.es

Rara vez hablamos de grandes clásicos y desenterramos muertos en la revista, pero Francis Bacon (1909-1992) impone una excepción. La grandiosidad de su obra y la profundidad de los retratos que hizo del ser humano aún sirven de espejo donde ver nuestros más hondos conflictos. Autoetiquetado de surrealista, fue más allá de la figuración expresionista, llenando de hondas emociones y turbulencias una obra que retuerce hasta el extremo al ser humano. «El arte más grande te devuelve siempre a la vulnerabilidad de la situación humana», dijo. Y esa sacudida se intensificará en el Prado con setenta de sus obras imprescindibles, por su centenario. FRANCIS BACON. Madrid / Museo del Prado / Hasta el 19 de abril / www.museodelprado.es

la mercancía es el soporte La Fundación Joan Miró le invitó a participar en un ciclo comisariado por Jorge Díez, Los veinticuatro escalones. Las reglas del juego eran simples: «Incorporar a su lenguaje e interés el resultado de su contacto con Miró y con la Fundación después de un recorrido en grupo por las zonas públicas y por los espacios de acceso restringido de la institución». El espíritu crítico de Javier Arce (Santander, 1973) no se resistió a trabajar sobre uno de los aspectos menos evidentes y tan llenos de chicha como es el del merchandising. En un territorio que tensa preguntas entre lo simbólico y lo fetichista, lo espiritual y lo material, lo singular y lo estándar, Arce construye una instalación sobre las relaciones entre arte, museo y cultura popular. La expresión llevada a mercancía de masas. Un juego simplificador que atrapa con encanto y que al artista le ha inspirado antes series como Estrujados, sobre los abusos de los iconos del arte universal en aras de un negocio rentable. EL ORNAMENTO DE LAS MASAS. Barcelona / Fundación Joan Miró / Del 11 de febrero al 26 de abril de 2009 / www.fundaciomiro-bcn.org

ARTE belleza desde el estómago

UN TODOTERRENO

Seleccionado en 2007 por la publicación Computer Arts como uno de los 20 nuevos talentos internacionales, colaborador de revistas de tendencias como Calle 20 y creativo para marcas como Repsol, Movistar, Mahou... Gabriel Moreno presenta su primera individual en Madrid sin ataduras marketinianas ni editoriales. Puro trabajo personal. Una necesidad en forma de cuadros de gran formato, grabados y plasmas que reivindican belleza y sensualidad. Sin más o con todo lo que eso supone. «Hay dos cosas que me llegan al estómago: las imágenes del tipo que abren los telediarios en las últimas semanas y el cuello de una mujer, una boca... Pero sólo tengo capacidad para reflejar lo segundo, la belleza, y lo hago como una forma de poseerla, de hacerla mía», nos confiesa. Esteta y esquivo del ordenador, nutre su creatividad con la búsqueda de imágenes y con sesiones de fotos que luego mutan en su puño en elegantes ilustraciones figurativas, llenas de movimiento, sensualidad y frescura. «Siempre me ha atraído el expresionismo, Egon Schiele y su forma de tratar las líneas, la sensualidad y expresividad de esas manos... Tener la milésima parte de soltura es una de mis asignaturas pendientes». Va por buen camino.

Este todoterreno (fundador de la primera empresa de urban toys mexicana —Plan B—, cofundador y propietario del sello discográfico Isotonic Records, ilustrador y animador) presenta sus trabajos en publicidad, diseño de portadas, cartelería... Colores fuertes y estética influenciada por la lucha libre, la cultura trash, la música surf y la ciencia ficción de la época de Peggie Sue. También presentará su libro Yo soy un Don Nadie, una serie de retratos «consecuencia de muchas noches de cervezas y rock». JORGE ALDERETE: RADIACTIVA. Bilbao / Garabat / Hasta el 31 de marzo

GABRIEL MORENO. Madrid / Galería Fastcool / 911 568 191 / Hasta el 26 de febrero

SOBRE CÓMO INMORTALIZAR EL GRAFITI «En memoria de todos aquellos grafitis que murieron en la ciudad de Barcelona. Descanse en paz». Con este epitafio, cargado de intenciones y admiración, Nacho Magro aborda su primera exposición individual, unida a su gran pasión y especialidad: el grafiti. Lo suyo es el arte público, como escritor y como teórico (reconocido así incluso por la Universidad Politécnica de Valencia), dos pasiones cruzadas que ahora le impulsan a reivindicar un nuevo género artístico: la fotografía de grafiti, la que los inmortaliza y sugiere nuevas relecturas de los mismos. In memory of... cuenta la historia de un arte de acción sobre los muros de Barcelona, como ya hicieran el reportaje gráfico editado en forma de libro de Rosa Puig Torres, Barcelona 1.000 graffitis (Ed. Gustavo Gili), o La piel de Barcelona. Graffitis & Murales, de Juan José Fernández (Ed. Glenat España). Pero no es un repaso archivístico desde el asfalto y en forma de libro, como estos últimos, sino que destila experiencia callejera con una lectura personal trabajada de forma estática y en movimiento, mediante instalación, vídeo y fotografía. NACHO MAGRO: IN THE MEMORY OF... / Barcelona / Miscelänea / Hasta el 15 de febrero / www.miscelanea.info

de picasso a una escultura osada La obra de Folkert de Jong (Holanda, 1972) no es amable, sino siniestra y grotesca: grandes esculturas con colores propios de la Pantera Rosa, que cuestionan referentes, anuncian decadencia y hacen brillar el rabito del ojo de colecciones como la de Saatchi. Aquí se inspira en Los Saltimbanquis de Picasso y crea cuerpos de acróbata con cabezas célebres como la de Lincoln. Seres de circo. DE JONG: MIRROR AND THE CROSS. Valencia / Luis Adelantado / Hasta el 28 de febrero / www.luisadelantadovalencia.com

LECTURAS por ELENA MEDEL

SERéS ESCUCHA A LOS PENÚLTIMOS Hombres y mujeres sin atributos, sin apellidos, sin futuro afirma que «nos educan en el despido, para que no nos duela cuando lo hagan». Materia prima es un libro sobre las lecciones aprendidas desde casa: que nadie te pise, ten «gente a quien mandar», ofrece algo distinto en tu currículum. «Nunca sabes si debes diferenciarte, o si lo estás haciendo bien, no hay que parecer que te haces el interesante», teme el abogado Eduard, que ganó solvencia ante sus jefes por lidiar con un cliente difícil. dice el eslabón «Todos quieren ser los primeros. Cuando tienen que nadar en dos calles, los que se quedan fuera animan a uno de los dos y gritan su nombre. Siempre que lo hacen, los hago callar, pienso en el niño que no oye su nombre pero tiene que oír el nombre del otro entre gritos y ánimos que no son para él». Francesc Serés (Zaidín, Huesca, 1972) escucha en un libro para escuchar: sus personajes son reales, afirma haber cambiado identidades y situaciones para evitar problemas. Voces que padecen la crisis, pero que llevan lustros sin trabajar «menos de cincuenta horas semanales»: así, Materia prima (con original catalán

Francesc Serés retrata las luces y miserias del mundo laboral en Materia prima.

de 2007) se torna paradójico. Si el agua estaba al cuello, ¿cuál será ahora su nivel? Serés no esconde sus cartas. A la pregunta —«¿y dices que va sobre el esfuerzo?»— de Sigrid, la ex novia de un futbolista que contrae matrimonio con un empresario para mantener su nivel de vida, el narrador-oyente responde: «Del esfuerzo o del miedo al esfuerzo, de los trabajos para salir adelante, todavía no lo tengo claro y es muy posible que no pueda averiguarlo del todo». Previo al punto final, nos confesará que «quizá no haya nada que explicar y todo esté hecho con los eslabones de la cadena de intereses que a todos nos une. El espectador, la pantalla del televisor como un espejo. Te ves reflejado cuando se apaga, lentamente». Y todo, sin embargo, continúa. MATERIA PRIMA. Caballo de Troya / 320 páginas / 16,90 euros

kritipop

«ACTUALMENTE GANA DINERO. SÓLO GANA DINERO Y EN EL TRABAJO SÓLO PIENSA EN GANAR DINERO» Bartomeu acentúa su locura cuando expropian la mitad de sus tierras. Raül sueña con eludir la vida de sus padres. Gemma —doce años— «forma parte de la tropa, esa gran zona media de la clase, ni avanzados ni rezagados, que nunca se acaba de definir, que no hace nada que llame la atención. Es de las que pegan adhesivos en la carpeta cuando todos lo han hecho ya». Huele a la colonia de fresa que su madre trae de la gasolinera, sufriremos con las burlas de sus compañeros hacia su chándal y sus calcetines blancos, nos dolerá que una profesora la considere «un cero a la izquierda». Las historias —cuento por fuera, entrevista o reportaje por dentro— de Materia prima presentan a esas piezas de la cadena de montaje con función imprescindible, pero perfil —nombre, circunstancias— intercambiable. Amadeu se casó con la hija del jefe y manejó la ruina del negocio, padeciendo las iras de sus compañeros. Ante el despido en una fábrica, Merche arenga a sus compañeros mientras un sindicalista

LECTURAS COSAS QUE HACEN ‘BOOM’ Si el tópico obliga a acompañar cualquier reflexión sobre escritores latinoamericanos —¡jóvenes, para colmo!— con el sempiterno link a las fabulosas aventuras de García Márquez, basta con hojear este número de la revista Eñe para eliminar del mapa los lugares comunes. El resultado —que no se limita al cruce de charco: diario de un Juan Bonilla disfrazado de Ambrose Bierce, biblioteca de Rosa Montero, adelanto de lo nuevo de Amélie Nothomb y agenda de invierno— borra nuestros prejuicios como sumergidos en un barreño de lejía: merece la pena por el alimento nuevo para el árbol genealógico de Raúl Aguiar, por el ejercicio de seducción sui géneris de Óscar Marcano, por el casi poema en prosa de João Paulo Cuenca, por las ilustraciones de César Paternosto... Y así hasta once relatos y poemas, en un mapa ambicioso. Pero, sobre todo, esta Eñe se adjetiva imprescindible por un argumento enorme: el texto inicial —La cosecha, de Patricio Pron— es un cuento tan espectacular que no acepta recomendaciones, sino un empujón a la librería más cercana, porque la peripecia del actor porno Lost John se escribe con mayúsculas. Ante semejante apertura, ¿quién no continuaría recorriendo el alfabeto?

ROCK’N’RIMBAUD: lírica punk Esto es serio: hablamos de Patti Smith. La poeta del punk cocinó antes de predicar, horneando libros sabrosos, nutritivos, igualitos que potajes de la abuela. «Siempre imaginé que escribiría un libro, aunque fuera corto, que me transportaría a un reino que no podría ser medido, ni siquiera recordado», confiesa en Woolgathering, y cumple el sueño con una docena de títulos. Todos los escudriña Benjamín Prado, que abre el fuego con las iluminaciones de Smith y selecciona los textos que integran esta antología. Poesía, en edición trilingüe —inglés con traducciones al euskera, por Jose Mari Segurola, y al español, por Eli Tolaretxipi—, cumple el objetivo del menú degustación: despierta la curiosidad por probar más y sacia nada más afrontar la última miga. Patti Smith comienza beat, cantando a lo cercano; dedica poemas a Marianne Faithfull, a Bob Dylan —¿o a su perro?—, y anuncia en un título a Picasso riendo, pero después escribe: «(…) ¿qué queda? / los huesos de brian jones. el amigo de jim morrison. la bandana / de jimi hendrix. el ángel de la cinta en la frente. la guirnalda de judie (…)». Remueve el guiso, nos muestra las costuras de su arte —ante un hipotético árbol genealógico, responde: «(…) junté las tres cosas: la velocidad [Spillane], el humor [Céline] y el carácter sagrado de la palabra [Michaux], y con ellas hice mi propia mezcla»— y deriva fraile, casi profeta, con Pájaros de Irak o Ruina inimaginable con geometría parpadeante. Y Rimbaud, por supuesto: en las imágenes visionarias, en el ritmo absolutamente moderno. Porque esto es serio: hablamos de Patti Smith. POESÍA. Bassarai / 264 páginas / 14 euros

la españa del pincel y el videoarte

EÑE: NUEVOS ESCRITORES DE AMÉRICA LATINA. La Fábrica / 128 páginas / 10 euros

¿Resistirían Iker Casillas, Dani Güiza o Fernando Torres a una comparación con Elena del Rivero, Carles Congost o Joan Morey? Los primeros son tipos con la tranquilidad de los ceros positivos en el banco y la sonrisa de las top models ante el altar, sí; pero, sin embargo, los segundos conforman la verdadera selección nacional (o al menos aquella que el gafapastismo anhela) y no la manteada en la plaza de Colón. Esa España de pincel y videoarte es la que se reúne en 100 artistas españoles: cien galácticos de la imagen nacidos entre los muros de la patria nuestra. Diversos prólogos duchos en la materia, apéndice general de carácter biográfico, y allá vamos: para cada artista se reserva un texto bilingüe con apreciaciones críticas sobre su obra y trayectoria a cargo de un especialista, más una selección de imágenes tan generosa que nos organiza un museo en nuestra estantería. «¿Hubo alguna vez 100 artistas españoles contemporáneos?», se pregunta en la introducción —transparente hasta lo didáctico, meaculpística y humilde— Rosa Olivares, coordinadora del proyecto. Ahora, desde luego, la respuesta es afirmativa. Y quizá no estén todos en este volumen, pero sí lo son todos los presentes. 100 ARTISTAS ESPAÑOLES. Exit / 464 páginas / 50 euros

elogio de la calvicie

el universo publicitario

ficciones de carretera

¿Un obispo gamberro nacido a finales del siglo iv? ¿Un filósofo empeñado en que la belleza no reside en la abundancia de pelo, sino en su ausencia? Elogio de la calvicie defiende que «el cabello ni hace a los hombres temibles ni que lo parezcan, salvo que sea el coco de los bebés», con referencias a los clásicos —sus contemporáneos— y argumentos razonables e inesperados. Para leer aguardando turno en la peluquería, arrancando risas igual que canas.

La mantequilla que extiendes sobre tu tostada y los pantalones que escoges para el fin de semana se deben no a tu propia decisión, sino a los hilos que te transforman en marioneta. Los mueven los empresarios, pero los colocan los publicistas; y en este volumen de retratos/entrevistas ceden su testimonio para explicar por qué venden como venden: agencias, festivales, tendencias e ideólogos para no contemplar otro anuncio más con los mismos ojos.

Más allá de las carreteras secundarias en las que no dejarse ver, las autovías por las que huir castigando el acelerador o el recorrido que trazan los trenes lentos baratos, las historias que recorre este poemario de Aurora Pintado se debaten ahora el humo, «ahora la piel». «Tu esperanza en mí como un vestido rojo, a bordo de un Andalucía Express», se dibuja en una atmósfera donde reconocerse, entre la mística cotidiana y el genuino sabor americano.

SINESIO DE CIRENE. Errata Naturae / 64 páginas / 9,50 euros

MARK TUNGATE. Gustavo Gili / 334 páginas / 23,99 euros

68 páginas / 11 euros

LA MUJER CALVA

manos de topo

POPISM. THE WARHOL SIXTIES. DIARIOS.

El padre de Lailja muere. La salud de su madre empeora, y ella, acostumbrada a la soledad, cede ante sus hermanas y la acoge en casa. No es tanto que la rutina de Lailja se derrumbe, ni que su vida cambie, como que el tiempo no se detiene y afecta a nuestras vidas: en su tercera novela, Cristina Cerrada quiebra las convenciones y maravilla con sus elipsis, escribe a golpes secos, nos aturde más allá de la lectura.

Los textos de Miguel Ángel Blanca —líder de Manos de Topo— habrían reconciliado a unos Góngora y Quevedo embriagados de garrafón, y sirven como punto de partida para la casi psicodelia de Chuso Ordi. Así que oro parece, plata no es: ni libro ilustrado, ni letras de canción transformadas en poema. Y, sin embargo, esta relectura de Ortopedias bonitas presentada con mimo —su diseño imita a una Moleskine— lo es todo a la vez.

Un diccionario de sinónimos encadenaría a Warhol con una cuádruple serigrafía de Marilyn, la Factory, Candy Darling, The Velvet Underground... Esta transcripción de sus diarios es una fiesta de nombres propios, pero no sólo de índices onomásticos vive el lector: estos Diarios ayudan a comprender qué ocurrió en el Nueva York de los sesenta, aúnan vértigo y bizarría, muestran el trabajo y el porqué de un artista que trascendió su obra.

CRISTINA CERRADA. Lengua de trapo /

MANOS DE TOPO Y CHUSO ORDI.

ANDY WARHOL Y PAT HACKETT.

192 páginas / 18,20 euros

Morsa / 112 páginas / 13,50 euros

Alfabia / 423 páginas / 22,50 euros

AURORA PINTADO. Vitruvio /

en VIÑETAS

por pedro botero

LA EDUCACIÓN DE HOPEY GLASS / UNA OPORTUNIDAD EN EL iNFIERNO Los aficionados al mejor cómic underground vivimos mucho más felices desde que La Cúpula se propuso recuperar el trabajo de los hermanos Hernández en tomos recopilatorios. Una vez entregado el grueso de su obra magna hasta la fecha, Locas (crónica de los ochenta tal y como los vivió la comunidad alternativa norteamericana, a cargo de Jaime) y Palomar (el particular Cien años de soledad de Beto), les llega el turno a sus últimos trabajos. Por parte del pequeño de los Hernández tenemos La educación de Hopey Glass, uno de los títulos que marcan la agenda comiquera de los últimos meses. Su protagonista, Hopey Glass, fue en su día una de las dos lesbianas punkis que protagonizaban Locas, pero el tiempo ha pasado y ahora se ha convertido en una profesora sustituta en un colegio de primaria, aunque todavía es una irresponsable irredenta que está sujeta a las normas de la sociedad. Se hace mayor de nuestra mano y bajo la mirada paternal de su creador. Algo parecido a lo que ha sucedido con Luba, personaje fetiche de Beto al que sin embargo no acude en Una oportunidad en el infierno, sórdida y desesperanzada muestra de su peculiar realismo mágico que, si bien no se cuenta entre lo mejor de su producción, permanecerá en nuestra memoria como una peligrosa profecía del futuro. JAIME HERNÁNDEZ. La Cúpula / 132 páginas en blanco y negro / 18 euros BETO HERNÁNDEZ. La Cúpula / 132 páginas en blanco y negro / 18 euros

calles contadas

piel color miel

Nuestro Juan Berrio (vallisoletano de nacimiento, madrileño de adopción) ocupa una posición única en el panorama del cómic, ya no propio, sino internacional. Con un trabajo que cada vez más abandona la narrativa tradicional para acercarse a lo conceptual, y que en ocasiones (no aquí) flirtea con la fotografía, cada nueva obra supone un desafío intelectual que en el caso que nos ocupa busca inspiración en lo urbanita. Calles contadas se refugia en la (bendita) autoedición y ofrece la posibilidad de adquirirse junto a un calendario del 2009, también obra del mismo autor. Si no lo encuentras en tu tienda habitual, pídelo en su página web: www.juanberrio.com

Jung dibuja y escribe su propia historia, la de un niño coreano que fue adoptado por una familia belga y sus dificultades para adaptarse en un país que no es el suyo. Con un estilo gráfico entre el manga y la escuela Disney, y una narrativa sencilla y a la vez repleta de alegorías, Jung no apunta tan sólo al lector habitual de tebeos, sino a todo aquel que pueda resultar interesado por la problemática de la adopción. A un servidor, todo hay que decirlo, el retrato que Jung ha hecho de sí mismo le resulta un tanto repelente, lo que no es obstáculo para que la obra sea recomendable.

JUAN BERRIO. Autoeditado / 112 páginas en bitono / 20 euros

JUNG. Rosell / 300 páginas en blanco y negro / 22,95 euros

TEKKON KINKREET Lo primero de todo, tres hurras a la editorial franco-catalana Glenat por atreverse a publicarlo en un único y voluminoso tomo, una apuesta arriesgada en lo económico, pero que agradecemos profundamente por sus resultados artísticos. Aunque se dio a conocer en Occidente por la notable traslación al anime que hizo el norteamericano Michael Arias, Tekkon Kinkreet ya se había convertido a principios de los noventa, por su grafismo feísta y fantasía delirante, en uno de los más arriesgados y exitosos ejercicios de seinen manga (manga para adultos). MATSUMOTO TAIYOU. Glenat / 616 páginas / 20 euros

videojuegos por jaume esteve gutiérrez

dad la bienvenida aL AVE FÉNIX DE LA LUCHA ‘street fighter’, ocho años después la cuarta entrega del clásico reinicia el combate en las consolas de nueva generación Todo vuelve. Lo ha hecho Led Zeppelin, las hombreras, Indiana Jones... y en Capcom han debido de pensar, ¿por qué no resucitamos a nuestra gallina de los huevos de oro? Dicho y hecho: Street fighter, buque insignia de la compañía en los años noventa (¿quién no se gastó más de una paga en la recreativa?), regresa a las consolas de nueva generación con la cuarta entrega, ocho años después de su último lanzamiento.

Capcom va a respetar la máxima de que aquello que funciona no debe tocarse. Los combates seguirán siendo en 2D, aunque hay elementos en 3D tanto en los escenarios como en las animaciones. El plantel de luchadores se ha ampliado hasta 25 (y se sabe de buena tinta que hay un luchador extra escondido), y las primeras impresiones alaban la igualdad entre todos ellos, lo que potenciará la variedad tanto en el juego local como on line. Pero el lavado de cara va más allá del aspecto gráfico. Desde la desarrolladora se ha enfatizado una mejora en la jugabilidad. El arcade de lucha incluirá —además de las peleas habituales para coronarse como el mejor luchador callejero del mundo— la lucha contra el reloj, en la que el jugador deberá derrotar a los enemigos en un determinado tiempo, y un modo en el que la vida será limitada en todas las peleas. Los premios por ganar cada ronda consistirán en mejoras de tiempo y salud. La expectación en torno a este regreso ha llamado la atención de la comunidad de jugadores y ha despertado el interés por un género en horas bajas. De cumplirse las previsiones, que auguran un nuevo éxito y otro golpe en la mesa de Capcom, ésta será la segunda franquicia que resucita, como lo hiciera años atrás con Resident evil. STREET FIGHTER 4 (Xbox 360, PS3 y PC). Capcom. 20 de febrero, www.streetfighter.com

LaS MOToS TOMAN LIBERTY CITY Atención, llega el primer gran videojuego de la historia que no estará en las estanterías. Grand theft auto: the lost and damned es el primer episodio descargable de la cuarta parte del exitoso producto de Rockstar. Liberty City vuelve a ser el escenario; los protagonistas, un grupo de moteros que campará a sus anchas. No hay rastro de Niko Bellic, esto es una aventura completamente nueva. GRAND THEFT AUTO 4: THE LOST AND DAMNED (Xbox 360). Rockstar. A la venta el 17 de febrero, http://www. rockstargames.com/thelostanddamned

simulación de primera calidad Simbin, una institución en el campo de los simuladores de automovilismo, se lanza a la piscina. Race pro es su primer producto para consolas después de un lustroso historial en PC (GTR, GT legends) que ha generado legiones de acérrimos seguidores. Pero un nivel gráfico de primera no debería engañar a los aficionados a los arcades: aquí el más mínimo desliz puede hacer que el coche acabe su carrera empotrándose contra una valla. RACE PRO (Xbox 360). Atari. A la venta el 13 de febrero, http://videogames.atari. com/racepro

Ryu y Ken, dos habituales de Street fighter, vuelven a las andadas.

agenda internacional Berlín

Düsseldorf sensational fix Esta exposición recorre la carrera de Sonic Youth, centrándose tanto en su faceta musical como en los múltiples proyectos paralelos en los que participan. Para ello muestran obras de Raymond Pettibon, Paul McCarthy, Harmony Korine... y, por supuesto, también del propio grupo (en la imagen, Reverse karaoke, de Kim Gordon). Además, Sonic Youth estarán tocando en la ciudad alemana el próximo 24 de abril con motivo de la restrospectiva.

CINDY SHERMAN (arte)

Hasta mayo / kunsthalle-duesseldorf.de

La obra de Sherman es criticada y ensalzada a partes iguales. Probablemente, uno de sus trabajos más célebres (y polémicos) es la serie Sex (1989), en la que fotografió a maniquíes de prueba para accidentes automovilísticos en posturas sexuales. Sin embargo, por lo que es realmente conocida es por sus autorretratos: gracias a pelucas, maquillaje y vestuario, se transforma en un nuevo personaje que poco o nada tiene que ver con ella, pero que resulta totalmente creíble. Incluso ha realizado series que emulan fotogramas de películas. La galería Sprüth Magers presenta ahora su última serie, a la que pertenece la obra de la imagen (Untitled 477), y para la que se ha caracterizado como mujeres de clase media-alta de distintas procedencias. Del 18 de febrero al 18 de abril / www.spruethmagers.com

Londres ALTERMODERN (ARTE)

Hasta el 26 de abril / www.tate.org.uk

La cuarta edición de la Tate Triennial ha seleccionado a los mejores artistas noveles teniendo en cuenta un denominador común: la temática de su obra, independientemente del soporte utilizado. En esta ocasión, el leit motiv de la trienal es el arte alternativo. La muestra, comisariada por Nicolas Bourriaud (uno de los confundadores del Palais de Tokyo), incluye obras de Marcus Coates (en la imagen, Firebird, rhebok, badger and hare), Katie Paterson, Olivia Plender y Seth Price, entre otros. También se celebrarán una serie de conferencias para explicar el trabajo de estos artistas y el concepto de altermodern.

Nueva York words in freedom Cuando se cumplen cien años de la publicación del manifiesto de Marinetti, el MoMA dedica una muestra al futurismo, haciendo hincapié en su contenido político y lingüístico. Para profundizar en el movimiento futurista, el museo mostrará libros, periódicos de la época, manifiestos e incluso la correspondencia que intercambiaron entre sí sus principales ideólogos. Hasta el 6 de abril / www.moma.org

Estocolmo feria del mueble No sólo de IKEA viven los diseñadores industriales suecos, y esta feria de mobiliario e iluminación es una buena prueba de ello. Este año cuentan con la colaboración de uno de los grandes nombres del diseño, Jens Fager, que presentará una instalación. Además, la invitada de honor es en esta ocasión la holandesa Ineke Hans. Del 4 al 8 de febrero / webfair2.stofair.se

LOCALIZADOS febrero 09

Por henar morocho foto poporo

DE LA CAMA A LA MESA

laydown / COMIDAS RELAJANTES Y CENAS CON ‘GLAMOUR’ En el Mercado de Fuencarral, que se está convirtiendo desde hace unos meses en uno de los epicentros de la cultura urbana de Valencia, se halla este asombroso restaurante, hermano pequeño del célebre y homónimo local madrileño. Amplísimo, blanquísimo y sorprendentemente acogedor, nada más llegar lo que más apetece a cualquiera es quitarse los zapatos, zambullirse en una de sus camas, relajarse y dejarse llevar; porque allí todo está pensado para que disfrutes a cuerpo de rey.

Si comer tumbado en una cama degustando platos tan ricos como el solomillo al wok, los rollitos spanish de morcilla y manzana, el foie glaseado con queso de cabra o el risotto de carabineros no era ya suficiente, el Laydown esconde muchos otros ases en la manga: cócteles de infarto, música y espectáculos en vivo, performances, noches temáticas, brunch... Diseñado por Viceversa, más que un restaurante al uso se trata de un local multifuncional al estilo del Supper Club de Ámsterdam que va mutando a lo largo

del día y de la semana. A la hora de comer es el lugar relajante donde evadirse del trabajo o de las compras; y por la noche, un lugar especial en el que cenar acompañado de amigos, buena música y alguna copa. Los jueves, viernes y sábados son palabras mayores. Lo más cool de la ciudad se congrega para disfrutar de sus espectáculos temáticos, bailar hasta las tantas y dejarse llevar por un frenesí de diversión y glamour. VALENCIA. Tirso de Molina, 16. Tel. 963 487 077. www.laydownvalencia.es

LOCALIZADOS febrero 09

luxenter

lollipops

La primera tienda de Luxenter en Madrid ofrece las últimas tendencias en joyería en plata y bisutería (este año, la gran apuesta son los brazaletes y el ónix). Además, en este espacio se pueden encontrar series limitadas y piezas en exclusiva no disponibles en otros puntos de venta de la marca. También se pueden adquirir tanto las líneas de joyería para hombres como la línea Chic Chic, pensada para los más jóvenes, con joyas inspiradas en el mundo del rock.

Si quieres darle un toque especial a tu indumentaria, no te puedes perder esta tienda. Sólo vende complementos para mujer, y en sus colecciones de bolsos, carteras y zapatos se mezclan estilos y tejidos para lograr un resultado elegante, pícaro y coqueto a la vez; un aire parisino que hechiza y encandila sólo con verlo. Abierta desde hace año y medio, es una de las diez franquicias que existen de la marca francesa en toda España. Muy destacable es su sección de bisutería.

MADRID. Almirante, 8. Tel. 902 010 504

VALENCIA. San Vicente, 51. Tel. 963 813 292. www.lollipops.fr

wushu

hotel miró

Quienes hayan probado la sencilla comida asiática de este restaurante podrán hacerlo a partir de ahora donde les plazca con Wushu Wok Express: los platos salen en tu busca por la ciudad en bicis holandesas o motos eléctricas. Podrás degustar tus rollitos de papel de arroz con hierbas frescas y un pastel de piña caramelizada con helado de yogur en una fiambrera modernizada llamada tiffin, tradicional en la cultura tailandesa. Respeto al medio ambiente y calidad en las materias primas.

Se inauguró en 2002 como el primer hotel boutique de Bilbao; es decir, como un hotel pequeño y urbano, pero que tiene el servicio y el lujo de otros establecimientos más grandes. Cuenta con una colección de arte propia, una biblioteca y lo último en tecnología, pero si algo lo hace único es que fue ideado y vestido por el diseñador de moda Antonio Miró. Su estética de autor hace que te sientas como en casa... o que sueñes con vivir allí.

BARCELONA. Colomines, 2. Tel. 933 196 606

BILBAO. Alameda Mazarredo, 77. 946 611 880. www.mirohotelbilbao.com

le pop bar

divina providencia

Lo han bautizado como el piano bar del futuro. En efecto, la música que suena no es la del piano, sino la de los selectores de la singular cabina que ameniza las noches de Le Pop Bar en unas sesiones únicas en la ciudad. El hotel Le Meridien ha reinventado el clásico local nocturno añadiéndole un DJ que pincha una exquisita selección de pop, soul, jazz, funk, electrónica, slow beats, tecno-pop y dance. Sin olvidar la coctelería, uno de los secretos mejor guardados del local.

Color, color y más color. ¿Quién dijo que el invierno y la crisis aplastan la imaginación y nos arrastran a los grises? En esta tienda, de eso, nada. Los chicos de Divina Providencia proponen una alternativa original, asequible y distinta con prendas de diseño que apuestan por el rojo y se inspiran en la estética de Mary Poppins para esta temporada. Si eres chica y quieres huir de lo típico, sólo con mirar su escaparate, el local te cautivará.

BARCELONA. Las Ramblas, 111. Tel. 933 186 200

BILBAO. Máximo Aguirre, 24. 944 394 856. www.divinaprovidencia.com

sushiclub

coffy entertainment

Comida fusión que cambia de menú dos veces al año y donde se puede degustar el sushi más tradicional junto a creaciones propias. Entre las novedades culinarias que aporta el restaurante está el Cibeles Roll, con langostinos, salmón y queso, o el Futurama, un roll aderezado con miel y mostaza. Además de sushi, ofrece cocina internacional asiática a base de pescados y carnes. Sushiclub también cuenta con servicio de catering.

Del amor por la música nació este proyecto que lleva ya cinco años en Valencia y que engloba a Coffy Records (productora, editora y promotora de soportes fonográficos), Coffy Events (productora, promotora y organizadora de conciertos), Coffy and Soul (estudio de grabación) y Zityest (tienda de skate y cultura urbana). Entre otros, han preparado eventos como el Party Festival, que aglutinó el año pasado a 4.000 personas, y son la productora de artistas como Alberto Gambino y Hermano L.

MADRID. Plaza de Santo Domingo, s/n. Tel. 915 428 080

VALENCIA. Cocinas, 4. Tel. 963 923 079. www.coffyrecords.com

LOCALIZADOS febrero 09

borja buján / garabat

«Viene más gente por los toys que a las exposiciones» Borja Buján es diseñador; un seguidor de las tendencias urbanas al que le apetecía montar algo propio, conocer a los creadores emergentes y difundir en Euskadi sus obras. Pasó del boceto a la realidad en mayo de 2007, cuando inauguró Garabat, una galería y tienda de arte contemporáneo donde tiene cabida «todo lo que no entra en el circuito tradicional». Casi dos años después, su local es el único de la ciudad que conjuga ilustraciones, grabados y toys, los objetos estrella de la sala.

Por laura caorsi foto txetxu berruezo

¿Cuál es la línea principal de Garabat? El concepto inicial fue poner una galería de ilustraciones. Quería darles un lugar para exponer a quienes trabajan en diseño y también al arte urbano. ¿Por eso no hay pintura o fotografía? Sí. Aunque las dos cosas me gustan mucho, ya tienen otros espacios donde se pueden exhibir, y la idea era apostar por la creación alternativa, la que nunca aparece en los circuitos habituales. ¿Cómo encajan los toys en la galería? A medida que empecé a buscar obras descubrí que hay muchas otras propuestas que no se limitan al dibujo. Cuando conocí el mundo de los toys, quise que formaran parte del proyecto. ¿Despiertan interés? Muchísimo. Existe el coleccionismo y las piezas en series limitadas que se cotizan con el paso del tiempo. Aunque no lo creas,

viene más gente por los toys que por las exposiciones, y eso que ha habido muestras de las que me siento orgulloso. ¿Qué artistas han pasado por aquí? En febrero tendremos a Jorge Alderete (ver página 70), pero antes hemos expuesto la obra de Pablo Amargo (Premio Nacional de Ilustración en 2004), piezas de Pietari Posti, Sergio Mora y Retrofutura. Ellos están teniendo mucho éxito en París y EE UU, y tenerlos en Bilbao ha sido una pasada. ¿Y qué tal son los precios? En eso también nos diferenciamos de una galería tradicional, porque son más asequibles. Las serigrafías cuestan unos 50 euros, y las reproducciones de serie limitada, entre 100 y 150. En cuanto a los toys, hay de todo. Depende del autor, la cantidad y el diseño de la pieza. bilbao. Dos de Mayo, 19. Tel. 944 167 358. www.garabat.com

texto javier rada dibujos eneko

VUELTA ...

... Y VUELTA

PSATURNIGHTFEVER.indd 1

22/1/09 17:16:09

PDF DE CLIENTE CHEQUEADO POR