calle20#39 by Marta de los Dolores

LA REVISTA DE LA NUEVA CULTURA JUNIO / 09 - #39

LINIERS Y MÁS, LO MEJOR DEL CÓMIC ARGENTINO // CÓCTEL MUSICAL EN NORUEGA // MODA: NUEVOS ROMEOS

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junio 09 contenidos

Con cresta en la armería 6

«Sólo usaría una pistola contra mí mismo», dice Digital 21

Pintar, ejercicio de riesgo 9 Suso33, mucho más que un grafitero

De barrio, actor y cantante 14

Críspulo Cabezas, polifacético actor y voz solista de un grupo de reggae

Fotografía contra la «mala memoria» 16 Rafael Alcácer, nuestro revelado, usa la cámara para «fijar lo que se va»

Orientales, extremos y violentos 22

Las últimas pelis de Park Chan-Wook, Bong Joon-Ho y Johnnie To

Liniers y su selección gráfica 26 El dibujante argentino más famoso favoritea a seis nuevos comiqueros

Cineasta guerrillero y surfista 32 Jim Box, cortos de coste cero y pasión personal por coger olas

Multifusión noruega 34

Presentamos a las promesas de la experimentación musical nórdica

Poetas como estrellas del rock 38 Spoken word, perfopoesía, rock recitado... Cuando el verso es acción

Así es el nuevo Romeo 42 Blanco y negro y referencias al ska en la moda masculina 32

Agenda 54 Las ofertas culturales más interesantes del mes de junio

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Al día, y a diario No esperes un mes para saber lo que se cuece ahí fuera. En nuestra web te ponemos todos los días al día de lo último en cultura urbana.

ejemplar gratuito en establecimientos públicos de Madrid, Barcelona, Valencia y Bilbao. Localiza tu punto de distribución más cercano en nuestra web. DIRECTOR: Juan Carlos Avilés (javiles@calle20.es). REDACCIÓN: Pilar Sanz (jefa de redacción) (psanz@calle20.es), Jose Ángel González (jefe de reportajes) (jgonzalez@calle20.es). DISEÑO Y PRODUCCIÓN: Marta de los Dolores (mdelos@calle20.es). CORRECCIÓN: Raquel Martín. MODA: Paloma Tovar (coordinación). PUBLICIDAD (publicidad@calle20.es) Jefa de publicidad: Lola Díaz. Tel.: (34) 917 015 600, ext. 603. Barcelona: Alicia Fábrega, tel.: (34) 934 706 255. DISTRIBUCIÓN (distribucion@calle20.es) Guillermo Estébanez (Madrid), Xavier Pons (Barcelona y Bilbao), Antonio Carmona (Valencia). FOTOMECÁNICA: Espacio y Punto. IMPRESIÓN: Printer Industria Gráfica. EDITA: Multiprensa y Más, S. L. www.20minutos.es, nosevende@20minutos.es. Condesa de Venadito, 1, 28027 Madrid. Tel.: (34) 917 015 600. Fax: (34) 917 015 660. Director general: José Antonio Martínez Soler. Director editorial: Arsenio Escolar. Director comercial: Luis Alberto Rivero. Directora comercial adjunta: María Jesús Rodríguez. Directores de publicidad: Antonio Verdera (Barcelona), Beatriz Martínez (Levante), Rosana López Balsategui (Bilbao). Director de marketing: Rafael Martín. Distribución: Juan Rodríguez Marín. Producción: Francisco Fernández Perea. Administración: Luis Oñate. Sistemas: Juan A. Balcázar. 20 MINUTOS ESPAÑA: Presidente: Sverre Munck . Vicepresidente: Antonio Asensio. Depósito legal: M-40343-2005. Calle 20 no se hace responsable de las firmas que en ella aparecen, ni de sus opiniones, artículos o comentarios. portada: Fotografía de Sara Coe (páginas 42 a 49)

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UN PULPO EN UN GARAJE

POR PILAR SANZ FOTOGRAFÍA ÓSCAR L. TEJEDA

«Solamente usaría una pistola contra mí mismo»

EL PULPO: Miguel, alias Digital 21, maestro en mezclar rock y electrónica. Su cuarto álbum es el doble Outsider. EL GARAJE: Armería Rafa (c/ Espoz y Mina, Madrid), de las más antiguas de la ciudad —con Alfonso XIII entre sus clientes— y un paraíso para amantes de la caza y la pesca. Cresta en ristre y de negro riguroso, Digital 21 es casi una aparición entre la colección de escopetas y revólveres que acechan desde los rincones de esta decimonónica armería. Cuando se le planteó el reto, se negó a empuñar un arma si no era para apuntar a su persona. Miguel no pasó la mili, «por fortuna hice objeción de conciencia. He tenido un arma en la mano dos veces en mi vida, una de ellas de pequeño, y fue muy desagradable. No me gustaría que me hicieran coger una pistola en contra de mi voluntad. Sólo la usaría contra mí». Más que un lobo con piel de cordero, es un gato camuflado de tigre; un androide en misión de paz. «El ser humano está en una carrera marciana hacia la destrucción, creando armas que después prohíbe, haciendo cosas descabelladas como sembrar de bombas el suelo para que después su hermano pierda una pierna... Con el dinero que se invierte en armamento se acabaría con el hambre en el mundo. Me parece totalmente prescindible». En esta tienda, Miguel es un Outsider, como el título de su último disco, un doble manifiesto en el que enseña sus dos caras: la electrónica milimetrada que moldea cual orfebre en su estudio y la bofetada energética de su

directo. «No es que el arte sea violento, sino que algunas obras invaden al espectador en lugar de esperar a que él vaya en su busca. Y la música, para mí, es el arte más grande porque te llega directamente aunque no quieras, entra por tus oídos y te remueve». Celaya firmó La poesía es un arma cargada de futuro. ¿Lo es la música? «Thom Yorke ha hecho mucho con una sola imagen [bañándose en chocolate a favor del comercio justo]. La fuerza que tiene un músico llegando al chaval de 15 años, que es quien puede cambiar el mundo, no la tiene nadie más. El artista toca al resto de seres humanos conectando con ellos desde dentro, porque el público hace suyas tus obras». Digital 21 alienta su guerrilla desde las trincheras del estudio, «me cuesta mucho estar a solas. Lo malo es que para hacer mi música y mis vídeos tengo que estar muchas horas solo y es cuando mejor funciono, saco mis demonios y me convierto en un lobo para mí mismo. Esos momentos son los más tristes y fructíferos a la vez, lo mejor y lo peor que me ha pasado, porque si dejo de hacer cosas, me hundo. Es como una medicina para poder seguir adelante. Sólo me tengo miedo a mí mismo, es la verdad». Admite que cada disco es «un capítulo de su biografía». En este episodio se ha rodeado de un ejército de músicos amigos (dos de los miembros de Placebo, Big Toxic, Ana Curra, Silvia Superstar, Cultura Probase, Spam...). La letra de su canción Dame más poder sirve de broche perfecto a nuestra charla: «La ambición de poder es lo que nos lleva a la autodestrucción. Yo prefiero sumar siempre».

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galeradas

por andrés neuman ilustración mario nofre

El viajero del siglo Según Roberto Bolaño, «la literatura del siglo xxi pertenecerá a Neuman y a unos pocos de sus hermanos de sangre». En El viajero del siglo, ganadora del Premio Alfaguara de Novela, un hombre enigmático recorre una ciudad en forma de laberinto de la que parece imposible salir. Cuando está a punto de marcharse, un insólito personaje lo detiene, cambiando para siempre su destino. Lo demás será amor y literatura: un amor memorable que agitará por igual camas y libros; y un mundo imaginario que condensará, a pequeña escala, los conflictos de la Europa moderna. Andrés Neuman nos propone, así, leer el siglo xix con la mirada del xxi. Ya en las librerías. Editorial Alfaguara, 544 páginas, 22 euros. www.andresneuman.com

La falda de Sophie Gottlieb susurraba por el pasillo. El sonido cosquilloso de esa falda le provocó a Hans cierta ansiedad. Al cabo de unos segundos, la silueta de Sophie pasó de las sombras del pasillo a la luz de la sala. Hija, anunció el señor Gottlieb, te presento al señor Hans, que está de visita en la ciudad. Estimado Herr Hans, le presento a Sophie, mi hija. Sophie lo

saludó arqueando una ceja. A Hans lo asaltó una intensa necesidad de alabarla o de salir corriendo. Sin saber qué decir, observó con torpeza: No imaginé que fuera usted tan joven, señorita Gottlieb. Estimado señor, contestó ella con indiferencia, estaremos de acuerdo en que ésa es una virtud más bien involuntaria. Hans se sintió profundamente estúpido y volvió a tomar asiento. Hans había perdido el tono, extraviado la sintaxis. Intentó reponerse. La respuesta entre cortés e irónica de Sophie a otro comentario suyo, uno de esos comentarios inoportunos que

los hombres formulan para ganarse demasiado rápido la simpatía de su interlocutora, lo obligó a afinar su estrategia. Por fortuna Elsa, la doncella de Sophie, se acercó a servir el té. Hans, el señor Gottlieb y su hija inauguraron la ronda de generalidades de rigor. Sophie no intervenía demasiado en la conversación pero, de algún modo, Hans tenía la sensación de que ella marcaba su ritmo. Además de la perspicacia de sus acotaciones, a Hans lo impresionó la manera de hablar de Sophie, como eligiendo cada palabra, entonando bien las frases, casi a punto de cantarlas. Al escucharla, él se balanceaba del tono al sentido y del sentido al tono, procurando no perder el equilibrio. En varias ocasiones trató de formular alguna observación que la desconcertara, pero no pareció hacer mella en la serena distancia de Sophie Gottlieb, que pese a todo se fijó en el cabello largo de Hans, en cómo se despejaba la frente mientras hablaba.

andrés neuman (Buenos Aires, 1977) vive en Granada. De su obra destacan las novelas Bariloche y Una vez Argentina, los cuentos de El último minuto y Alumbramiento o Década, su poesía completa. Entre otros premios, recibió el Hiperión y fue finalista del Herralde. Hay Festival le destacó como uno de los mejores nuevos autores latinoamericanos. mario nofre (Barcelona, 1975) se dedica a la ilustración desde hace relativamente poco, después de haber trabajado con vídeo y pintura. Ha publicado en medios nacionales como LeCool o Ling, e internacionales como AvanttMag o Gallery Magazine. Actualmente prepara su primer álbum ilustrado. www.marionofre.blogspot.com

fuera de foco

suso33

«Pintar es un riesgo que me hace sentir vivo» Ha pintado sus plastas por toda España y parte del extranjero pero, aunque orgulloso, es mucho más que un grafitero: diseñador, escenógrafo y creador de performances en las que integra varios conceptos y que le van a llevar de Almagro a Caracas pasando por Londres. Hay quien todavía cree que el grafiti no es arte, pero este tío es un artista. Fijo. Te metiste en Bellas Artes después de media vida pintando paredes, ¿te convalidaron alguna asignatura? No. Tampoco estuve tanto tiempo como para comprobarlo. Me sentía muy vivo y allí me encontraba un poco limitado. Luego he impartido cursos en universidades en los que a los asistentes sí les daban créditos. Curioso, ¿no? Expones, das conferencias, te dan premios... ¿Te sigue diciendo tu familia que te busques un trabajo? Me ha costado hacerles ver que de otro modo me apagaría interiormente y posiblemente sería más infeliz, pero comprendo y respeto su postura y la vida que han vivido. ¿Qué cosas ensucian la calle más que los grafitis? La publicidad puede llegar a ser más invasiva que el arte callejero; incluso abusiva. En cuanto al grafiti, quizá no se trate

por pedro bravo fotografía belén cerviño

tanto de suciedad física como de suciedad ideal, donde entran en conflicto la ética y la estética. El street art molesta a algunas personas. ¿Será porque les hace pensar? No sé. Quizá por eso moleste más al mercado del arte. Un grafitero en un museo, ¿no es como un anarquista en el Gobierno? Un poco sí, pero un museo debería ser una institución sin ánimo de lucro dedicada a la adquisición, conservación, estudio y exposición de los objetos que mejor ilustran las actividades del hombre. Y el grafiti es una de ellas. Dicen los programas que tu proyecto Pintura Escénica en Acción es «difícil de definir, incluso por el propio creador». Venga, inténtalo. A ver, porque a veces las palabras no me dejan ver: pintar me devuelve a los orígenes, como una danza, me siento inmerso en emociones, sensaciones y un riesgo que me hace sentir vivo. Y, como he trabajado en escenografía, utilizo los diferentes elementos escénicos en torno a la acción de pintar. Cada día integras nuevas disciplinas, ¿sabes hacia dónde vas o te dejas sorprender? Si lo supiera, me acercaría más al diseño y no me dedicaría al arte, esa cosa difusa que te permite jugar como un niño. Acabamos, pero confiesa: ¿qué has hecho con Suso32 y todos los anteriores? Ja, ja, ja... Da juego el nombre que tengo, pero ¡nunca me habían preguntado eso!

DESABROCHANDO A...

mario chavarría «Viajes, dinero y mujeres. Eso me atrae de la moda» Hasta hace poco más de un año, Mario Chavarría (Granada, 1982) ha sido asistente del reconocido fotógrafo Rafa Gallar. Ahora se ha emancipado, «trabajo por mi cuenta, hago moda, retratos, de vez en cuando algún reportaje...», y reconoce que lo que más le atrae de la moda es el trinomio «viajes, dinero y mujeres... [risas]». A pesar de su juventud, las fotografías de Mario Chavarría aparecen habitualmente en las páginas de publicaciones como El País, Vanidad, Neo2 y Wallpaper, su último logro: «Estoy muy orgulloso, me publicaron una serie de retratos de jóvenes emprendedores». Entretanto, sigue subiendo peldaños y ha estrenado recientemente su propio estudio de fotografía, junto con dos compañeros de profesión, una nueva aventura con la que se siente «muy ilusionado, porque voy a tener un espacio con todas las posibilidades para hacer lo que me apetezca». Llegó a la fotografía por casualidad y lo ha convertido en su forma de vida: «Al principio quería comerme el mundo, ser artista. Luego te das cuenta de que lo que te da de comer son otras cosas. Empecé a hacer fotos bastante mayor, como a los 17 años. Estudié la carrera de Comunicación Audiovisual porque quería dedicarme al cine, pero soy muy vago y me pareció que la fotografía era algo parecido pero que da menos trabajo, así que me quedé con ello [risas]». De cara al futuro más o menos inmediato, su sueño es llegar a publicar en la revista Self Service, «sería lo máximo, me encantaría. Quién sabe, a lo mejor el año que viene...». Pero, de momento, se conforma con seguir viajando por trabajo. Cuando le preguntamos en manos de quién están sus botones, contesta sin ninguna duda: «Yo sólo le dejo que me desabroche el pantalón a Miranda Makaroff». POR PILAR SANZ FOTO KIKE PALACIO

Mario lleva unos Levi’s 501 y una camiseta de Levi’s.

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CORREVEIDILE

Gran fiesta para el Día de la Música

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JULIO LOZANO

No es tu imaginación: Christina Rosenvinge y Vetusta Morla actuarán juntos y revueltos, como en la foto, en la celebración del Día de la Música, el próximo domingo 21 de junio. El Matadero acogerá esta especie de minifestival de un día organizado por Heineken y Radio 3, con conciertos gratuitos de lo mejor del indie nacional: Catpeople, Nudozurdo, Cuchillo, Russian Red, Sunday Drivers, Klaus and Kinski, Extraperlo, Lori Meyers, Mendetz y Julio de la Rosa son el resto de grupos confirmados, al cierre de esta edición, para Madrid. El programa se extiende también a Barcelona (Plaza de la Odisea), Valencia (The Face) y Ourense (Campus). La lista de versiones de los dúos (de Morrissey a CSS, pasando por Chucho o Sr Chinarro) se puede leer y escuchar en www.diadelamusica.com.

TOYOTA iQ: INTELIGENCIA URBANA La última generación de coches ultracompactos se llama Toyota iQ, un nuevo modelo donde la tecnología punta japonesa se ha puesto al servicio de las emociones. Con un diseño sofisticado y absolutamente contemporáneo, el Toyota iQ responde además a las necesidades de una emergente gran minoría de conductores concienciados con el medio ambiente: sus emisiones de CO2 son de 99 g/km. Seduce porque es el compañero perfecto para tus aventuras en la ciudad y porque es pequeño, pero la versatilidad de su interior modulable te da muchas posibilidades. El Toyota iQ tiene carácter y responde a las innovaciones que le estabas pidiendo a un coche. Imposible pasar desapercibido. Porque menos es más. www.toyota-iq.es

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21/5/09 17:33:45

geniosfera

críspulo cabezas

De chico de barrio a actor versátil (y cantante) Lo de Críspulo Cabezas (Madrid, 1981) fue llegar y besar el santo: cuando apenas era un adolescente, recibió los favores de crítica y público en las carnes de Rai, protagonista de aquel Barrio de Fernando León. Esto podría ser un sambenito si no hubiese sabido capear la fama, pero Críspulo decidió mantener los pies en la tierra y dedicarse a su pasión: actuar, pero sin hacer ruido. «Llevo cinco años haciendo sólo teatro —explica—. No es que lo haya decidido así, nunca he planificado mi carrera, simplemente me han ido surgiendo proyectos que me interesaban, y entre una y otra obra rodaba algo para cine o televisión». Precisamente sobre el escenario (el flamante Matadero de Madrid) tendremos oportunidad de redescubrirle durante todo este mes en Edipo, un espectáculo basado en la trilogía de Sófocles que dirige Georges Lavaudant y ha traducido Eduardo

Mendoza. Los nombres estelares no acaban ahí: comparte reparto con Eusebio Poncela, Laia Marull y Pedro Casablanca. «El ayudante de dirección, Lluis Blat, tenía carta libre para elegir a los actores. Como ya habíamos trabajado juntos en La buena persona de Sezuán [de Bertolt Brecht, para el CDN], me llamó para el papel de Polinices, hijo de Edipo, y el de Hemón, prometido de Antígona». Seis semanas de ensayos han servido para pulir este montaje que después irá al Grec de Barcelona y a Mérida. En septiembre, Críspulo girará con El enemigo de la clase (en el que participa desde hace dos años, con texto de Nigel Williams y dirigido por Marta Angelat) y con Amor platounico (de David Desola, primera experiencia como directora de Chusa Martín). Sus últimos pasos en cine tampoco se quedan cortos. Protagoniza (con el aspecto de la foto superior), junto a Manel

Barceló y Yolanda Ulloa, la ópera prima de David Valero, Xosé Zapata y Rafael Calvo, Linko (www.linkothemovie.com). «La idea era estrenar este año, pero la posproducción, prevista para 8 meses, lo ha retrasado. Se rodó todo con cromas en la Ciudad de la Luz de Alicante, con una cámara impresionante [Red One, de alta definición]». Es un wéstern futurista sobre un padre y un hijo refugiados en una isla cuya paz se ve perturbada con la aparición del pirata Linko. El resultado, después de crear los ambientes con ordenador, «se parece bastante a un videojuego realista, en la línea de una película con Keanu Reeves llamada A scanner darkly». En los ratos libres que le quedan, Críspulo canta en un grupo de reggae. Su apodo es El Garou y las bases las pone Lameka55. Su primer disco se llama Territorio (www.lameka55.es/territorio) y lo ha editado Punto y Aparte. pilar sanz

geniosfera

Conspiradoras > Chapas con mucha tela Con objetos que vemos tanto como los pines cuesta dar con una fórmula que marque la diferencia. Tatiana García (Perú, 1974) lo ha conseguido con Conspiradoras, que nació hace dos años como una colección navideña para una tienda del Mercado de Fuencarral. La intención era darles un aire más fashion a las chapas y superar su papel de elemento publicitario o alternativo y de protesta para asimilarlo como un complemento de moda más. Los textiles y el trabajo artesano son la esencia de sus piezas, con una línea atrevida (Charm) y otra más sencilla (Fashion). Su colección más reciente, Des objects quotidiens, está inspirada en la era victoriana; lo más curioso son las chapas dobles unidas por cadenas. También hay diademas, orquillas, un collar-reloj... Desde cinco euros, en conspiradoras.blogspot.com.

Javier Marquerie Thomas > Las consecuencias de soñar despierto «Después de esa carrerilla hacia la utopía que es la adolescencia, aterrizamos por inercia en un papel a interpretar y hallamos una ficción completamente ajena a nuestras nociones de la edad adulta». Así es como el fotógrafo Javier Marquerie (Madrid, 1986) justifica su serie Flight of fancy (Soñar despierto), un catálogo cotidiano de jóvenes al borde de la madurez. Su trabajo es uno de los seleccionados para el programa Talent Latent, la apuesta por los nuevos valores de la fotografía integrada en el ambicioso proyecto SCAN (www.scan.cat). La exposición estará en el Mercado Central de Tarragona hasta el 5 de julio y en octubre se traslada al Centre d’Art Santa Mónica (Barcelona). Además, Marquerie participa en el Festival Internazionale di Roma FotoGrafia hasta agosto. javiermarquerie.blogspot.com

Mamut > Una banda que deja huella El secreto mejor guardado de la nueva ola de pop alternativo madrileño se llama Mamut, y el sello Subterfuge editará en septiembre su primer álbum, cuya producción ultima en estos momentos Fino Oyonarte (Clovis, Enemigos). Las melodías efervescentes y la combinación de voces son la baza de este grupo que tiene mucho de los ochenta (Radio Futura, Álex y Christina, Los Romeos). La grabación de su debut (del que, por cierto, prometen edición editada en vinilo) se puede seguir en estudiomamut.blogspot.com, aunque se recomienda zambullirse sin ducha previa en sus canciones (www.myspace.com/mamutmamut). Serán los teloneros de Sexy Sadie (12 junio, Barcelona; 19, Madrid) y actúan en Alcalá (9 junio) y el TakioFest (25 julio).

REVELADOS

POR JOSE ÁNGEL GONZÁLEZ

RAFAEL ALCÁCER en 1969 en Madrid, donde sigue viviendo. TRABAJA como profesor universitario de Derecho Penal. EMPEZÓ A HACER FOTOS a finales de 2005. Antes, cuando tenía 18 años, su padre le había regalado una cámara, pero la fiebre se le pasó enseguida. TIENE UN EQUIPO VARIADO: una Canon 5D digital, dos telemétricas, una Mamiya C330 y una Yashica «muy cascada», que compró («baratitas») en eBay, algunas de 135... A RAFA (a la izquierda, autorretratado en una sesión casera de máscaras con su hija Marina) le gusta manejar un espectro variado: «No me veo dentro de ningún estilo. O me veo en muchos, que es lo mismo, pero pensado al revés». LE GUSTAN muchos fotógrafos, pero ahora está especialmente fascinado por Alec Soth, porque «hace retratos sin pensar en lo externo de las personas». www.flickr.com/photos/rafmad NACIÓ

REVELADOS

«La fotografía es luchar contra el tiempo, fijar lo que se va»

Como defensa contra la propia desmemoria, como recordatorio, como grabadora emocional de instantes... Así usa la fotografía Rafael Alcácer: «Es una forma de fijar lo que se va, de intentar quedarse con lo que pasa». En el origen de todo está una carencia. «Tengo muy mala memoria y un recuerdo muy vago de mi infancia, lo cual me da mucha rabia», explica este fotógrafo madrileño, que retrata con especial ternura a su mujer, Loles, y a su única hija, Marina. «Muchas de las fotos que hizo mi padre desaparecieron en varias mudanzas y no tengo ese documento vital. Supongo que hago fotos para dejar un legado a mi hija y, personalmente, para luchar contra el paso del tiempo».

REVELADOS

¿Eres capaz de definir la fotografía? Es una forma de fijar lo que se va, de intentar quedarse con lo que pasa. Es un tópico, pero a mí me vale, porque cada vez me centro más en fotografiar mi entorno más cercano y menos el exterior. Me vuelco en los míos, en la gente más cercana, incluso en la familia nuclear. Hay en esta forma de verla factores muy anecdóticos, puramente biográficos. ¿Cuáles? Tengo muy mala memoria y un recuerdo muy vago de mi infancia, lo cual me da mucha rabia. Muchas de las fotos familiares que hizo mi padre desaparecieron en varias mudanzas y no tengo ese documento vital. Supongo que hago fotos con el afán de dejar un legado a mi hija y para luchar contra el paso del tiempo. Tu hija, Marina, es tu primera musa. ¿Cómo se ha gestado vuestra complicidad? Espontáneamente. Marina ha sido desde siempre muy extravertida y no ha tenido vergüenza. La razón por la que volví a tirar fotos es por mi hija, ella es el arranque, la inflexión. Cuando empieza a ser persona y deja de ser una cosa que está en la cuna y llora, en 2006, cuando cumplió los dos años, es cuando tengo la inercia de coger la cámara. Desde el principio Marina lo ve natural y contribuye. Intenta imitarte y lo convierte todo en un teatro. Pero últimamente quiere estar más tiempo detrás que delante de la cámara. Y con Loles, tu mujer, ¿cómo es la relación fotográfica? Es distinta porque es menos espontánea. Loles no tiene reparos

en ser fotografiada, ni en verse luego en la foto, pero entró en el juego de manera más lenta que Marina. Con Loles es una lucha. A diferencia de Marina, que participa enseguida, hay que vencer una resistencia. En la foto en la que aparece tras la cortina, como marcando las distancias, está jugando a mostrar esa resistencia, pero ya está vencida, ya ha entrado en el juego. ¿Es posible la perfección?, ¿cómo es de distinta la foto en la mente y la foto final? El resultado me decepciona el 99 por ciento de las veces... Imagino escenas que podían ser mucho mejores de lo que yo consigo: que si ese señor se hubiera desplazado, que si yo hubiera sido capaz de medir mejor la luz... Hay sólo 2, 3 o 4 fotos de las que pienso que no cambiaría nada. ¿Has encontrado un tono propio? Hay 15 o 20 fotógrafos que me apasionan, pero en conjunto no forman un campo estético concreto. Quizá por esos referentes no he conseguido encontrarme más cómodo en un campo concreto y no en otro. La pregunta obligada: ¿analógico o digital? Es un falso debate. Últimamente me está gustando más tirar en analógico porque ese momento de demora, otro tópico, me aporta mucho, y el proceso del revelado, una cosa tonta en términos químicos, es misterioso, casi alquímico. Pero es un falso debate porque muestras las fotografías en Internet y, por tanto, es siempre digital. Lo analógico acaba siendo digital.

«Terminas mostrando las fotografías en Internet. Por tanto, lo analógico acaba siendo digital»

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orientales y muy extremos Tiros, vísceras y peleas en lo último de Johnnie To, Park Chan-Wook y Bong Joon-Ho. Los tres realizadores presentaron sus nuevas películas en Cannes. Los entrevistamos para que hablen sobre la violencia en el cine asiático. por jaume esteve gutiérrez

Mutilaciones, sangre a mansalva, cambios de género en la misma película... Que el cine oriental tiene un imaginario propio es un tópico, pero ha gozado de un protagonismo especial en el reciente Festival de Cannes. Seis filmes de la sección oficial llevaban la firma de realizadores nacidos en Extremo Oriente. Tres destacan por una aproximación más propia de Occidente y por un tratamiento peculiar y común de temáticas recurrentes: violencia, venganza, terror... Son Park Chan-Wook (1963), Bong Joon-Ho (1969) y Johnnie To (1955). El primero la lio parda en 2004 cuando se plantó en Cannes con Oldboy. Su película de venganza ganó el Premio Especial del Jurado y nos descubrió a un esteta enamorado de la violencia extrema. Cuanta más sangre, mejor. Este año ha participado con Thirst, sobre un cura convertido en vampiro, y ha ganado otra vez el mismo galardón. «Es una aproximación realista al cine de vampiros. Quería que el personaje fuera una persona muy pura que se ve en el dilema de tener que herir a otra gente para poder sobrevivir», explica. El protagonista necesita beber sangre, tiene impulsos sexuales que desconocía y siente celos. El cine directo y sin complejos de Chan-Wook (es capaz de arrancarle los dientes a sus personajes uno a uno y con un martillo) contrasta con una gran timidez en persona: un hilo de voz, zapatos de cordones desanudados y mirada perdida. La aproximación explícita de Thirst la justifica para «dar una expresión fiel y sincera de los sentimientos de los personajes. De cara a la audiencia, mostrar de manera abierta el sexo y todo lo relacionado con la sangre es un vehículo para que se entienda mejor mi mensaje». ¡Y vaya si se entendió! En un pase en Cannes un espectador sufrió un desmayo. El realizador coreano fue el exponente en su día de una llamada corriente asiática que apostaba por dar cancha a las escenas sangrientas. «Siempre me preguntaban eso cuando iba a promocionar Oldboy y Sympathy for Lady Vengeance a Europa», admite, pero no cree que exista una tendencia y se toma con humor la cuestión: «Los directores orientales no nos hemos sentado en una convención a tratar el tema». El director cree que sus motivaciones tienen que ver con su experiencia personal: «Mis recuerdos están muy

saben «crear su propio estilo y concentrarse en contar las historias que les interesan. En Vengeance yo quería hacer una cinta con mi propio estilo», asegura To, cuyo aspecto no difiere mucho del de sus protagonistas: eternas gafas de sol y un sello enorme en la mano izquierda. El cine To es único por dos motivos. El primero concierne a las extremadamente planificadas escenas de acción, en las que la coreografía tiene una importancia vital. Los tiroteos no son un medio, son un fin en sí mismos: «En esas escenas ruedo lo que tengo en mi cabeza. No las preparo o hago una lista de lo que quiero trasladar a la pantalla. Cuando pienso en un tiroteo, quiero que esté conectado con los personajes y la historia. En Vengeance el protagonista tiene problemas con su memoria. Por eso le situé en una reyerta a la luz de la luna».

En la doble página anterior, Johnnie To en un set de Vengeance. Arriba, escena de Mother, de Bong Joon-Ho; y debajo, Johnny Hallyday, protagonista de la película de To.

marcados por mi juventud en Corea del Sur. Vivíamos una dictadura militar y el día a día estaba lleno de situaciones violentas; especialmente entre los jóvenes manifestantes y la Policía. Recuerdo el miedo tan grande que se vivía antes de que los antidisturbios cargaran contra la gente; es comparable al que sufres cuando te torturan. Muchos de mis amigos pasaron por eso. Tuve suerte de librarme, pero tengo un recuerdo muy intenso de esa época». Terror sin sangre y violencia fuera de plano La elegante violencia de Park es reconocida por Bong Joon-Ho (Memories of murder, The host), que participó en la sección Un certain regard con Mother, la historia de una madre que trata de exculpar a su hijo de un asesinato al estar convencida de que es inocente. «Creo que a Park le llama la atención la belleza de la violencia», asegura en un encuentro relajado, a pocos metros del bullicio que cada día sacude la Croisette. «Su cine tiene unas imágenes muy poderosas. A mí, al contrario que a él, me gusta que la violencia esté fuera de plano. Así consigo que sea más fuerte». Menciona como referente de este tratamiento tácito de lo violento a Alfred Hitchcock: «Me encanta. Nunca hay sangre en sus películas, pero sabe crear y mantener la tensión y el terror durante todo el metraje». El tercero de nuestros orientales violentos es Johnnie To. Es de Hong-Kong y en sus obras la casquería, los tiros y las emociones fuertes están asegurados. Aunque se le acusa con frecuencia de rodar siempre la misma película de mafiosos, ahora se ha sacado de la manga un wéstern crepuscular con envoltorio de cine de gánsteres, Vengeance. Ver una película de To es como viajar al pasado. En ocasiones, a los tiempos del gran cine del Oeste. No es casual que admire a «Kurosawa, Leone y Peckinpah», tres artistas que

«La película te dirige a ti» Su segundo gran rasgo es que en las películas de To no hay guión. «Rodar con o sin guión es la misma cosa. Al principio, tú eres el jefe. Tú diriges la cinta. A la semana, es ella la que te dirige a ti», asegura. Pero en Vengeance rompió su credo y escribió el guión antes de tiempo para que Johnny Hallyday, añeja estrella del rock francés y protagonista principal, le echara un vistazo. «¡Ése fue el verdadero reto de esta película!», exclama el responsable de Exiled y las dos partes de Election. Así es To. Un hombre que adora la comida (no hay filme suyo en el que los protagonistas no se junten alrededor de una mesa) y al que Anthony Wong, uno de sus actores fetiche, admira porque no le dirige: «Sólo me dice que empiece en un lugar, vaya a otro y acabe más allá. Y si no le gusta lo que hago, volvemos a repetirlo». Si los astros convergen de manera conveniente y los caprichos de las distribuidoras lo consienten, es probable que las tres películas lleguen a España. Desde la trilogía de la venganza (Sympathy for Mr. Vengeance, Oldboy y Sympathy for Lady Vengeance), Park Chan-Wook se ha hecho un nombre en algunos círculos y sus películas se han exhibido. Lo mismo se puede decir de Bong Joon-Ho, que admite la posibilidad de acudir al próximo Festival de San Sebastián con Mother. Vengeance, el wéstern de To, lo tiene más difícil, pero Ángel Sala, director del Festival de Sitges, ha dejado caer que le «gusta» y que la intentará llevar al certamen. n

Sin tĂtulo-1 1

20/05/09 17:27

el de

liniers Hablamos con el dibujante de los pingüinos y los conejos más famosos del mundo, Liniers (Ricardo). Le pedimos que sea nuestro maestro de ceremonias y seleccione a media docena de comiqueros del pujante panorama argentino de la historieta y el humor gráfico. por leonardo blanco foto christian beliera

Veamos si tienes humor: dos pingüinos se miran con sus vacíos y azorados ojillos. De repente, uno le dice al otro: «Cuec» y el otro le responde: «Cuec». El primero sale de cuadro y vuelve a aparecer con los pelos a lo afro. Fin del chiste. Acompaña esa idea base con unos dibujillos infantiles y una ternura desgarradora. Descubrirás el arte a veces impenetrable, a veces absurdo, a veces incomprensible y a veces magistralmente idiota de un tipo llamado Liniers (nombre artístico de Ricardo Liniers Siri). Un artista de 35 años, pelos revueltos y gafas Dolce & Gabbana que ha llegado a ser uno de los referentes del humor gráfico con una carrera que ya ha rebasado ampliamente las fronteras natales y es un referente universal. Un talentoso que bien podría estar vendiendo sus dibujos en una feria del Palermo Soho en Buenos Aires pero que, con sus tiras diarias en uno de los periódicos más leídos del país, siete libros (seis volúmenes de Macanudo y Bonjour), el diseño de la portada de cuatro álbumes (Logo, de Kevin Johansen; La lengua popular, de Andrés Calamaro; Un buen pescador, de Marcelo Ezquiaga, y Coyazz, de Cheba Massolo) y un buen número de fans por todos los puntos cardinales, está marcando el rumbo de la historieta actual de Argentina, un país que puede presumir de hacer un arte del cómic más allá de los superhéroes de psiques inestables y coloridas calzas. A la hora de repasar su historia queda claro que Liniers no comenzó a dibujar para capitanear ninguna tendencia artística ni, mucho menos, para conquistar chicas («para eso te haces músico de rock», dice). Lo hacía por puro disfrute. Era un niño y, como todo niño, dibujaba. La diferencia es que así como todo el mundo dibuja, todo el mundo, eventualmente, deja de hacerlo. Y que hay sólo un grupito de gente rara, «con algún desbalance químico en

PABLO HOLMBERG (15-11-1979. Buenos Aires) nombre artístico: Kioskerman. sus maestros: Hergé, Schulz, Tony Millonaire, Kaz, Frank Santoro, Sfar, David B., Christophe Blain, Miguel B. Nuñez, Tezuka, Chester Brown, Kevin Huizenga, James Kochalka, Ron Regé J. R., Max Cachimba, Lucas Nine... su estilo: «La duda permanente». su historia: Comenzó a los 24 años, «sin saber dibujar y sin asistir a ninguna escuela». Ahora tres editoriales van a publicar sus trabajos. por qué dibuja: «El dibujo es sólo una herramienta para contar historias». liniers dice de él: «Es pura sensibilidad y poesía. Este año su primer libro va a ser publicado en varios países. Es conmovedor todo el tiempo». web: www.kioskerman.com.ar

IGNACIO MINAVERRY (19-11-1978. Buenos Aires) nombre artístico: Minaverry. sus maestros: Luis Scafati y Pablo Sapia. su estilo: «Lo desconozco». su historia: Prefiere no responder. «No sé por dónde empezar». por qué dibuja: «Porque tengo un montón de cosas metidas en el cerebro que necesitan salir por algún lado».

liniers dice de él: «Con mi editorial vamos a publicar su primera novela grá-

fica en la Argentina. Es uno de los dibujantes más completos y refinados que conozco. Con una seriedad para la investigación digna de Hergé o Pratt». web: No tiene.

la cabeza», que nunca se cansa y sigue. Él nunca paró. «Pensé que iba a seguir siendo simplemente un hobby y que iba a tener que trabajar en algo del mundo real... Pero no, pude seguir trabajando en el mundo del delirio». Claro que no todo fue tan fácil. Hubo un momento determinante en la vida de Liniers. Un momento en el que debió apostar todas sus fichas al delirio. Había comenzado tres carreras diferentes (Derecho, Comunicación y Publicidad) y en todas ellas lo había pasado fatal. «Como me equivoqué tanto con las carreras, decidí mandarme de cabeza a la historieta. Y fue un alivio», recuerda. Por entonces ya publicaba gratis sus trabajos en el diario Página/12 y, tiempo después, desembarcaba, gracias a la mediación de su colega Maitena, en el diario La Nación, en el que firma desde hace siete años. ¿Por entonces hacías el mismo tipo de humor que hoy? No, era una búsqueda. En Bonjour se puede ver cómo fui aprendiendo. Hay un montón de experimentos y hay chistes pésimos, pero hay mucha búsqueda. ¿Los medios para los que trabajabas toleraban esa búsqueda? Sí. Por lo general los historietistas somos un bicho raro en un diario. Aunque no entiendan bien para dónde vas, te dan tiempo. Porque el humor es eso... Es como mucha gente con la que te cruzas y que te parecen idiotas pero, con el tiempo, te das cuenta de que no son idiotas, sino que es su manera de ser y que pueden ser muy graciosos en su propio planeta. Y esto sucede con mi humor. Mucha gente, durante mucho tiempo, pensó que yo era un idiota; de repente se hacían amigos y se empezaban a reír de mis idioteces. Te han tildado de hacer humor existencial, incluso absurdo e infantil... Tengo muchos registros diferentes. Por

JUAN MATÍAS LOISEAU (21-5-1974. Buenos Aires) nombre artístico: Tute. sus maestros: Quino, Caloi, Fontanarrosa, Langer, Rep, El Roto, Chumy Chúmez, Oski, Steimberg y Sempé.

su estilo: No responde. «No lo sé». su historia: Desde 1999 publica en La Nación y en medios de México,

Estados Unidos, Francia y otros países. Cuatro libros de humor gráfico y dos de poesía. Dos cortometrajes. Prepara su primer largo y un disco de tangos. por qué dibuja: «Para expresar mis ideas, mis dudas y mis sentimientos». liniers dice de él: «Un gran autor de humor gráfico. Un dibujante que está haciendo una obra clásica en este mismo instante». web: www.tutehumor.com.ar

ahí alguno le queda más a la gente y dice: «Ah, es muy tierno», pero hay un montón de chistes que son terribles. Y otros dicen que es muy absurdo, pero hay un montón de chistes muy lógicos... A mí no me gusta encasillarme. Por eso los nombres que les puse siempre a mis tiras. Nunca les puse Aventuras de pingüinos. Eso me obligaría a buscar siempre historias de pingüinos y terminaría en Punta Tombo con un palo matando pingüinos. Siempre traté de dejarlo muy abierto para poder investigar cualquier registro de humor. ¿Pero no hay un registro al que vuelves irremediablemente? Sí, pero eso es comodidad. Ahí hay que frenar y entender que hacer sólo lo conocido es una falta de honestidad con uno mismo. A mí me entusiasma cuando algo me coge de sorpresa y digo: «¿Cómo se me ocurrió semejante cosa?». Es como un ruidito. Hasta no sentirlo no paro. ¿Cuándo se te apareció ese ruidito por última vez? Cada día aparece. Y no siempre es con la historia o con el chiste. Puede ser con el dibujo. A veces, si buscas un chiste para rematar la tira, arruinas lo lindo de la imagen. Si tengo que encontrar una metáfora o un chiste fácil para cada historia, la arruino. Así que dejo la imagen y que la llene cada uno. Tu estilo de humor, como el de Chaplin, no descarta la tristeza... Es que el humor tiene que generar identificación. Y todo el mundo se siente más cercano del que le va mal. A todos nos va mal... A mí los personajes ganadores no me representan. Chaplin sí. Pierde todo el tiempo, pero no pierde la felicidad y las ganas de seguir. ¿Te costó que la gente lo entienda? La gente no se enoja si un chiste es malísimo, pero se enoja si no lo entiende. Enseguida hay una reacción de frustración que termina como enojo con el autor y dicen: «¡Qué se cree este boludo!». Es que tu humor puede ser o no inocente, pero siempre critica la falta de inocencia... A mí no me molesta el cinismo, pero lo pretencioso lo detesto. Picasso hubo uno. El resto hacemos lo que podemos. Y, felizmente, la gente genial que conozco no tiene la menor idea de que lo es. Los comiqueros argentinos han sido históricamente reconocidos en el mundo. ¿Cuál es el panorama ahora?,

¿se mantiene la tendencia? Por suerte sigue habiendo mucha gente talentosa haciendo cómic. Y cada vez se ve más. Ahora los blogs permiten que cualquiera muestre lo que hace. ¿Qué es lo que sigue haciendo que el cómic argentino se distinga mundialmente? Nadie entiende bien qué es. Porque desde el punto de vista editorial no se le da mucho espacio a la historieta en Argentina, como sí se le da en España, en Francia o en Estados Unidos. Sin embargo, siguen apareciendo historietistas argentinos que trabajan en España, Francia y Estados Unidos. Lo curioso es el poco espacio que se les da en Argentina. Y eso da rabia. Tu generación parece haber aumentado la apuesta en ese sentido... Lejos de amilanarse por los grandes referentes históricos y por la falta de espacios nacionales, fueron a por

JORGE GONZÁLEZ

(14-07-1970. Caracas, Venezuela)

nombre artístico: no usa. sus maestros: Moebius, Horacio

Altuna y José Muñoz. «El que me va saliendo cada vez». su historia: «El tablero de dibujo es un muy buen sitio para estar un rato cada día». por qué dibuja: «Porque necesita contar algunas cosas, escribirlas y finalmente dibujarlas». liniers dice de él: «Acaba de publicar en España una novela gráfica, Fueye, sobre el siglo XX y el tango maravillosamente dibujada y relatada». web: www.jfgv.blogspot.com su estilo:

JUAN PABLO GONZÁLEZ (1969. Rosario) nombre artístico: Max Cachimba. sus maestros: «Muchos, muchos y variables según épocas. No puedo dejar de mencionar a Gary Larson, infalible referente a toda hora».

su estilo: «Caprichoso, variopinto, de tono tragicómico y dibujos discretos». su historia: «He dibujado historietas disímiles, aunque no mucha cantidad». por qué dibuja: «No lo sé exactamente. Por lo pronto, para ganarme el pan.

Es un trabajo que disfruto y me divierte».

liniers dice de él: «Es el gran historietista argentino de los últimos veinte

años, el gran secreto, el tapado. Max Cachimba es un hombre misterioso que se reinventa cada veinte minutos». web: www.flickr.com/photos/max_cachimba

más, intentaron crecer... Es que crecimos sin revistas como Fierro y Humor, que marcaron muy fuerte a otras generaciones. No tuvimos referentes claros y, gracias a eso, mi generación salió atomizada, a la fuerza, para todos lados. Como nadie tenía que dibujar para tal o cual medio, disparamos para donde nos llevaba la intuición. Paradójicamente eso fue bueno. En otros países todos los dibujantes tienen un mismo registro. Acá cada uno está con su tema y eso hace que sea todo más rico. ¿Qué rumbo crees que tomará la historieta argentina a corto plazo? No sé bien. Creo que es un momento interesante... Hay cosas que funcionan en otros países, como las historietas autobiográficas y que se empiezan a hacer acá. Creo que se logró abrir el género y la historieta ya no tiene que ser necesariamente una historia de superhéroes. Y, al contrario, ¿hay algo que se haga en la Argentina que se esté trasladando al exterior? Sí, afuera tienen como una antena muy alerta de lo que se hace acá. Especialmente en España. Y eso sucede en el arte en general... Con Darín, con Calamaro, con Les Luthiers... Tienen una sensación de refinamiento de lo argentino. Les interesa lo que hacemos. Ojo, también hay españoles que nos deben de ver como unos sátrapas [risas]. ¿Te sorprendió que tu humor haya funcionado en países como España? Bastante. Porque lo mío no parecía algo tan universal como las mujeres alteradas de Maitena. Yo pensaba que ningún público podía tener la paciencia que me tuvieron mis compatriotas. Tus personajes recurrentes son pingüinos... ¿Por qué elegiste a un animal tan raro, tan poco flexible? Para mí eran perfectos. Me llama la aten-

DIEGO ALEJANDRO PARÉS (11-5-1970. Buenos Aires) nombre artístico: Diego Parés. sus maestros: Podetti, Fayó, Carlos, Nine, mi hermano Pablo, Crumb... su estilo: «Voy mutando según cada trabajo. Soy un esquizofrénico gráfico». su historia: Publica desde los 14 años. Nunca se dedicó a otra cosa. Entre los 21 y los 28, aún en psiquiátricos, siguió dibujando.

por qué dibuja: «Dibujo para vivir y vivo para dibujar. No me lo pregunto, soy

un hombre de acción. Y, claro, dibujo para que me quieran desde ya».

liniers dice de él: «Es el historietista camaleón. Puede hacer todo tipo de

dibujo y de técnica. Un virtuoso».

web: www.diegopares.blogspot.com

ción que no se los haya usado más. ¿No es un animal poco expresivo? ¡Al revés! ¡El pingüino es Chaplin! Si miras un documental de pingüinos muy rápido, te empieza a resultar gracioso. Caminan raro, se tropiezan... ¿A estas altura eres un experto? Sí, ahora soy experto en pingüinos. ¿No lo eras antes? No, para nada [risas]. Yo pensaba que volaban [carcajadas]. Me encanta esa contradicción de que sean un ave que no puede volar. Es imposible no identificarse con un personaje tan querible. Es un pájaro en el cuerpo de un pescado [risas]. Es un pájaro travesti [carcajadas]. Es terrible lo que les pasa. Además es algo muy sudaca. Los tenemos en el sur mientras el primer mundo no los tiene... ¡Un milagro! [risas]. Te representas a ti mismo como un conejo. ¿Por qué? El conejo apareció en un viaje a Berlín. Empecé a hacer un diario y para no dibujarme yo mismo hice un conejo. Me parecía simpático y además me daba cierto disfraz. Me daba vergüenza dibujarme a mí mismo. Las veces que me dibujo termino llorando y agredido por mis personajes... En fin, eso es para un psicólogo, no para una revista... ¿Cuál es la primera reacción de la gente ante tus cuadros? Creo que vienen esperando lo que ya conocen. Esperan dibujos gigantes de Enriqueta y de los pingüinos y se asustan un poco... Como que se frustran [risas]. ¿No los asustarán los precios? [sus cuadros llegan a alcanzar un precio de 4.000 dólares] No sé [risas]. Al principio los cobraba muy barato. Yo veía que me decían: «¡Fa, buenísimo!» y se llevaban como cinco cuadros. De golpe me di cuenta de que algo andaba mal, que se tienen que llevar uno y que les duela un poco [risas]. Digamos que históricamente el cómic nunca sirvió para ganar plata. Tú la estás ganando... ¿Sientes culpa? Y sí, culpa te da... Yo no compraría mis cuadros por esos precios. Ni loco. Sí compraría los de Max Cachimba. Debe de ser difícil ponerle precio a lo que uno hace. A mí me cuesta mucho entender el mercado. ¡Siento que en vez de cobrar yo debería pagar! Por eso me alivia tener un agente que me cuide [risas]. n

Jim Box

Guerrilla filmmaking por la cara Autor de cortos marcianos, tiernos y surrealistas, es uno de los cineastas más originales de España. Hijo putativo de Notodofilmfest y las nuevas tecnologías, determinantes en su filmografía, su apodo es Jim Box. Mientras hace surf en Gijón, prepara su primer largo. por alberto úbeda-portugués

Se llama Jaime Fernández Miranda, pero su alias artístico es Jim Box. Es un cineasta de guerrilla y un apasionado surfista. Ha ganado un montón de premios con sus cortos, producidos con mucho esfuerzo, pero presupuesto cero. En la foto de la izquierda, predicando con el ejemplo, aparece como actor. ¿Cómo han sido estos años de guerrilla filmmaking? Muy positivos. Según he ido haciendo cortos y colgándolos en mi página, he podido saber lo que le gusta a la gente. Es un feedback automático. Lo importante es que me he divertido mucho. Nunca habría podido rodar mis películas sin Internet. Estás escribiendo un guión para un largo... Estaba lanzado, pero ahora estoy reflexionando. He escrito una comedia de un padre y un hijo sin dinero que se dedican a robar en la playa los coches de los que hacen surf. Aún me falta experiencia para rodar un largo. Dentro de seis meses sabré mucho más. ¿Quién lo produciría? Lo intentaría con Películas Pendelton, que son Javier Fesser y Luis Manso. Hice el making off de Camino para ellos y los conozco de colaborar en Notodofilmfest. ¿Qué es para ti este certamen? Le debo mucho. Conecto muy bien con Javier Fesser. He realizado muchas piezas y cortos para el festival. Lo último ha sido en Murcia, una película que se llama Senderismo, que he rodado allí, junto con otros cortos de ganadores de anteriores ediciones. ¿De qué corto estás más satisfecho? Lógicamente, de los que han ganado premios. Le tengo bastante cariño a Fuel, pues fue muy espontáneo. Una mañana de 2003, después de lo del Prestige, iba a hacer surf y en la playa había petróleo. Estuve en una tele local con las imágenes que había tomado y me dijeron que no les interesaba. Decidí hacer un corto contando mi rabia por no poder surfear. Este año, también has conseguido otro premio... Sí, con Fêmina Domus; es un corto irónico sobre el mundo del trabajo. Ha ganado el premio de la sección Una película de José Luis Borau. Me hizo mucha ilusión que él mismo me diera el galardón. No debo de ser tan malo cuando un tipo tan importante me entrega un premio. ¿Vivir es rodar? Somos muy pequeños en la inmensidad del universo y vamos a estar muy poco tiempo aquí, así que me gustaría que quedara algo mío. Rodando el corto Mi amigo Koji Kabuto, otro de mis preferidos, había una puesta de sol incomparable y el protagonista caminaba por el borde de un acantilado. Pensé que era un momento irrepetible, pero yo lo capturé. Se puede ver las veces que se quiera. Ésas son mis contribuciones a la posteridad.

¿Qué presupuestos manejas? Ninguno. El dinero que gano con los concursos y trabajos de publicidad lo invierto en material. Además de dirigir, escribo el guión, llevo la cámara... Guerrilla filmmaking es hacer las cosas por la cara. Nunca pido permiso para rodar. Si tengo que filmar en un lugar más o menos privado, no espero al día siguiente para pedir autorización. De esa forma hice en un aeropuerto Take-Off (Despegue). ¿Ha cambiado el audiovisual con las nuevas tecnologías? Es el remo del barco. En la Prehistoria había un par de pintores en las cuevas y el resto se dedicaba a cazar. En la época de Cervantes quizá hubiera doscientos escritores. Ahora, desde hace tres años, cualquiera puede ser cineasta. Internet es la revolución. El futuro del cine, ¿pasa por Internet? El futuro del mundo. Si dejara de funcionar, sería la hecatombe. Las distribuidoras de cine tendrán servidores potentes y habrá películas para todo tipo de pantallas, aunque lo de los móviles de momento no lo veo muy factible. Alguien tiene que encauzar el tema del pirateo, porque lo que no estoy dispuesto a hacer es un largometraje y luego que la gente se baje la película. Es mucho esfuerzo para nada. Hay que compensar de alguna forma a los creadores. ¿Qué temas te interesan para el argumento de tus filmes? Las relaciones interpersonales. Me interesa contar cosas muy básicas, aunque me llamen zafio. Cosas que entienda cualquiera. El sexo es el motor del mundo. Todo lo haces, de una manera o de otra, influido por ello. Una de las producciones que creaste fue El show de Henry Felgueroso... Es un vecino. Acudió en los noventa a Quién sabe dónde, el programa de Paco Lobatón, porque quería encontrar a dos hermanas mellizas desaparecidas. Me pidió ayuda para buscarlas en la Red. Le puse un micro, enfoqué y salió una pieza que envié a Notodofilmfest. Alguien la colgó en YouTube y tuvo mucho éxito en Asturias. Luego hice más cortos con Henry contando anécdotas. ¿Por qué te gusta tanto el surf? No podría vivir en una ciudad que no tuviera mar. Es lo que me ata a Gijón. Tengo con mi hermano una tienda de ropa de surf y hemos puesto un horario que nos permite ir a pillar olas un par de veces al día. www.jim-box.com

TOCANDO AL SOL de medianoche

La experimentación y la música de vanguardia se han convertido en un signo astrológico de Noruega. Fusionan estilos, gustan de electrónica rara y abren fronteras al jazz. Sus artistas brillan con la extrañeza de un sol de medianoche. por javier rada fotos daniel alea

Gafas de sol para recorrer Oslo de madrugada. Éste será un recorrido extraño. Como el sol que brilla en la medianoche noruega. Es una estrella rara, surrealista, disidente. Se niega a hundirse, declarándose en el Ártico, y sólo en verano, rebelde. Estimados magos, hoy toca hablar de música y arte, pero también de luz y oscuridad. Miren a las estrellas subterráneas, constelaciones de miembros y cabezas. Es en el otro universo, el humano. Allí brilla un sol nocturno, anaranjado como un demonio antiguo. El arte como cartografía del alma y el alma como soporte de todo Big Bang. Astros en una bocacalle gris e industrial, o en el metro, orbitados por una pinta de cerveza que cuesta la friolera de 8 euros. Son soles que sufren y sienten. Y no esperamos eclipses. Tradicionalmente, Noruega fue relevante por su noche eterna, cuando en el invierno ártico el sol olvida salir, está de juerga. Las hordas del black metal arrasaron escenarios creando un estilo embriagado por la locura satánica en los ochenta. Grupos como Satyricon o Dimmu Borgir aún sellan pactos contra Fausto. Han superado la aberración de la secta del Inner Circle, cuando años atrás, el satanismo, las drogas y el integrismo pagano llevó a bandas (Mayhem, Burzum) por los fiordos del crimen (quema de iglesias, asesinato). Pero la naturalezadios nunca se detiene. Hoy entramos en

otra era astrológico-sonora: la del sol de medianoche. Las musas celebran que termina el ciclo de la oscuridad. E invocan las voces de los muertos del futuro. Este sol extraño, casi poético, representa el nacimiento de una escena rica en la experimentación. Es la fusión sin norma y esqueleto. Y quizá ustedes, mis magos-astrólogos, puedan predecir el advenimiento de una nueva ola noruega. El nu jazz, la jazztrónica o el free jazz son soles extraños. El noise, la música performance y experimental, la lírica jam recuerdan a una estrella sobrenatural. La rocktrónica, el space disco o el pop conceptual y épico son el círculo abierto. Noruega vibra bajo un nuevo cielo, sólo necesitamos un oído fino y no temer al día perpetuo. Este tour no es apto para fotofóbicos y maestres oscuros. Les recuerdo: gafas de sol. Intercambio de fuerzas: jazz, punk, noise, minimal... Amanece en la noche del jazz, las trompetas son pájaros de fuego, y la energía quiebra el hielo. Paal Nilssen Love, con 34 años, está considerado uno de los mejores baterías de jazz del mundo (www.paalnilssen-love.com). Edita o participa en la friolera de más de una veintena de discos al año. Toca todos los palos. Mezcla noise con jazz, reinventa future jazz o clásicos. «Todo tiene que ser muy energético. Mi jazz coge muchos elementos del punk y el rock. Aunque para improvisar prefiero a los humanos que a las máquinas», explica. A Paal le encanta experimentar. Sus padres tenían un club de jazz y siempre estuvieron muy interesados en la free music. «Lo interesante de lo que está pasando ahora mismo en Noruega es que todo se está mezclando. Desde la minimal music a la improvisación o el noise. La gente es realmente libre a la hora de mezclar estilos. Es fascinante este intercambio de fuerzas», dice. Este intercambio tiene su claro sol nocturno en lo que está ahora influenciando a Paal: la percusión de Mali y la etíope. «Suena poderosa», dice. Paal nos sirve de puerta de entrada para una Noruega de jóvenes artistas que apuestan por romper los límites, por experimentar, por mezclar a ver qué pasa, hundirse en los lodos de la creatividad para buscar el diamante sintético. Un país de apenas 5 millones de habitantes que, gracias a un envidiable sistema de subvención cultural, permite espacios para otros horizontes, promueve sus soles en la oscuridad. Los artistas, los locales de música en directo y los sellos reciben ayudas estatales. Incluso hay organismos que se dedican a promocionar la música alternativa como el Music Export Norway. Y además la prensa apoya a la música alternativa, un apoyo semanal en cuanto a novedades y entrevistas.

En la doble página anterior, en un paisaje nevado, Janny Havl, del grupo Rockettothesky. Arriba, a la izquierda, Erlend Ringseth, de Harrys Gim. A su lado, Lars Horntveth (Jaga Jazzist). En la página de la derecha, Paal Nilssen Love, uno de los mejores baterías de jazz e híbridos del mundo.

Esta situación ha permitido a los músicos moverse por otros derroteros. Librarse de la ecuación ‘masivo = supervivencia’. Como los vikingos de antaño, buscan nuevas tierras a través de un océano de brumas. Pero también hay otra razón cósmica para estos eclipses. Por ejemplo, la influencia del jazz, según Lars Horntveth, miembro de Jaga Jazzist (www.myspace.com/jagajazzist). Muchos músicos se instalaron en Noruega y Dinamarca en los setenta, lo que provocó un flujo entre París, Berlín, Londres y Oslo. Además, el conservatorio de la Universidad de Trondheim, con su prestigioso departamento de jazz, ha logrado crear una influyente cantera de músicos. Es la nieve que se posó sobre la tierra para reflejar la luz. Prueba de ello es que el jazz experimental o

el future jazz goza de salud vikinga. Imagino al dios Thor blandiendo su saxo sobre el bosque de cuerpos. Del jazz experimental, como Kjetil Moster (www.myspace.com/kjetilmoester), a la locura electrónica de los Xploding Plastix (www.myspace.com/xplodingplastixfan). Del jazz extraño y atmosférico de Supersilent a la jazztrónica de Arve Henriksen (www.myspace.com/arvehenriksen), que actúo recientemente en La Casa Encendida de Madrid, o los Wibutee (www.wibutee.net), pasando por la fusión totalizante de Jaga Jazzist. «Como si fuera éxtasis, por supuesto» «La suerte que hemos tenido en Noruega es que nunca hemos producido superéxitos», explica Lars. Su banda, de nueve miembros, nació a mediados de los noventa con un propósito extraño: crear una banda de hip hop y jazz experimental. Pero ahora Lars intenta deshacerse de la etiqueta y ampliarla aún más: «No hacemos jazztrónica. Lo utilizamos todo. Rock, electrónica, música progresiva, dub, lo que sea —dice—. Tenemos influencias desde Aphex Twin a Motorpsico o Tortoise. Lo que nos interesa es crear música extática». ¿Éxtasis? «Cómo si fuera éxtasis, por supuesto», responde con pícara sonrisa. Imagino al dios Loki cubierto de ácido. El grupo, que ya ha participado en el festival de música electrónica Sónar de Barcelona, actuará en España en noviembre para presentar su nuevo disco, grabado en unos estudios de Chicago.

«Yo definiría la escena musical en Oslo como saludable. Hay conciertos cada semana y muchos estilos musicales sonando al mismo tiempo, y gran cantidad de discos interesantes publicados», explica Lasse Marhaug (www.lassemarhaug.no/sound. html), gurú del noise nórdico. Su música la define como new folk music, es decir, una alquimia de «ruido», experimentación y free music. «Creo que el secreto se debe a un grupo de actores muy entusiastas que han permitido el crecimiento del resto, lo que ha provocado un efecto de bola de nieve», explica. Sitios de música en vivo como Blä o sellos como Rune Grammaphon, Smalltown Supertown, Sofa, Racing Junior y Metronomic han logrado este efecto de la mariposa nival. Y ahora, con Thor y Loki, de juerga creativa, en el éxtasis de los borrachos ermitaños en claustros de hielo, nos toca invocar las voces de los muertos, ¡¡¡shhhhhh!!!, del futuro. El nombre de Rockettothesky (www. myspace.com/rockettothesky) nació por un perro muerto al que su dueña quería enviar al espacio. Pero finalmente parece que acabó ella surcando los cielos. Jenny Hval, el espíritu de este proyecto, usa su voz como invocación y entiende el susurro como metáfora. «Me gusta hacer sonar las voces del pasado, buscar un lugar en el que no sea identificable qué es sueño y qué es vigilia», dice. La intimidad del frío Su pop extraño, conceptual y surrealista recrea mitologías sonoras, caminos por territorios helados. En mitad de un parque, acaricia la nieve con la cara y parece que ésta le susurre algo. «Imagino que el clima influirá en nuestra forma de ser. Piensa en la oscuridad: aquí el movimiento gótico es muy fuerte. Piensa en las gentes juntándose en sus casas por el frío, en la intimidad», dice. Su estilo se encuentra dentro una manada de valkirias íntimas y sensuales que, como ella, buscan abrir las puertas del Valhalla emocional. Artistas como Susanna, Hanne Hukkelberg (www. myspace.com/hannehukkelberg) o Anita Kaasbol marcan este género. Una tendencia más entre las muchas que respiran por las calles de Oslo, o por las estampas clásicas de Bergen. Esta ciudad, con artistas de la electrónica como Röyksopp, o el divertimento del rock de Casiokids o Datarock, se han

convertido en una falla más. Y hacen que se hable de una creciente escena de Bergen. Aunque en Oslo siguen afirmando que la suya es más potente. «En Oslo manda el rock. Creo que el Gobierno ha ayudado a que esto ocurra. Gracias a las ayudas me compré la primera guitarra. Es fácil que surjan bandas. La gente joven está buscando nuevas vías para superar lo antiguo», explica Erlend Ringseth, del grupo de rocktrónica Harrys Gim (www.myspace.com/harrysgym). Su música se encuentra dentro de la nueva hornada de rock de vanguardia que sacude la ciudad con gente como, entre otros, Blanded, 120 Days (www.myspace.com/120days), I Was a King (www.myspace.com/iwasaking) y Lukestar (www.myspace.com/lukestar). Dicen en Noruega que es imposible separar al hombre del clima, la psique del poder natural. La surreal atmósfera, el solsticio imposible es cosa de cábalas sonoras y misterios creativos. Del space disco (reputados artistas del deep house sideral como los universalmente aplaudidos Lindstrøm, Diskjokke o Todd Terje) a la música de improvisación y experimental (Svarte Greiner o Havard Volden). Del folk loco (Yoyoyo Acapulco) a la música ambient con sonidos atmosféricos del Ártico (Biosphere, Jana Winderen). O, simplemente, experimentación, sin más norma o esqueleto que la locura siempre nueva de la libertad creativa (Alog, Alexander Rishaug, Minn Minn Lights). Pónganles, magos, un nombre a cada uno de estos soles nocturnos. Como en tiempos antiguos, invoquen la crítica, juzguen ustedes mismos. ¿Predecirán que, como en una supernova explotando en el vasto cielo, dinamitando confines de oscuridad, esto será fugaz, luminoso y efímero? Soles de medianoche, fin de la noche polar. n

el spoken que te

parió Ocupan bares y teatros. Se van de gira, encadenan festivales. Les gritan por la calle como a estrellas del rock y, a veces, tienen la misma insolencia que los punk. ¿Su materia prima? Los poemas. Presentamos a los nuevos trabajadores del verso en directo, el rock recitado, la perfopoesía... por elena medel ilustración sobelman corta&pega

En El Perro Andaluz, un bar sevillano, ochenta personas beben en silencio: es jueves por la noche y hay poesía. Ocupan el escenario Antonio García Villarán, Nuria Mezquita o cualquiera de sus invitados: del camerino al micrófono, Antonio y Nuria se transforman en Cangrejo Pistolero y Dalton Trompet. Los poemas dialogan con la música de la Carolain Band. El público aplaude y pide bises. Cuando publicaron sus primeros libros, «pretendíamos presentarlos —cuenta Antonio— de una manera distinta. Nos disfrazamos, hicimos carteles, pedimos a amigos que tocaran y ensayamos para poder escenificarlo. Al bajar del escenario nos preguntaban por la siguiente actuación...». Cuatro años después coordinan el ciclo semanal Las Noches del Cangrejo, dirigen el Festival Internacional de Perfopoesía de Sevilla —en el último, más de 5.000 asistentes— y planifican giras, igual que un grupo de música. ¿Y qué es perfopoesía? Olvidemos a Bécquer: consiste en «la escenificación del

poema, se haya pensado o no para el escenario», indican. Una denominación de origen distinta a polipoesía, poesía escénica o spoken word. «No creo que haya demasiada gente en España que se pueda etiquetar como spoken word. Recitar poesía tiene poco que ver con ese concepto», apunta Eduard Escoffet. Trabaja en el ámbito de la poesía oral desde mediados de los noventa, y ha coordinado diversas citas al respecto; ahora programa para Yuxtaposiciones, cuya séptima edición acaba de triunfar en Madrid con Joan La Barbara, Nathalie Quintane o Miriam Reyes. «Es importante, cuando se habla de polipoesía, poesía sonora o spoken word, no confundirlo con la teatralización o la musicalización de la poesía», apunta. Ajo, directora de Yuxtaposiciones y habitual de las tablas con sus micropoemas, es clara: «Ser poeta es una actitud ante la vida, en eso me baso para Yuxtaposiciones, un festival internacional experimental. Queremos difuminar los límites entre disciplinas artísticas aledañas a la palabra poética». ¿De qué hablamos cuando hablamos de qué? Percepciones similares para desarrollos y resultados distintos. Antonio Romero, autor de Poliposeídas, se siente «más músico que otra cosa. Comencé escribiendo canciones para grupos de rock, en las que la música era consustancial a la palabra». De la palabra al sonido y de ahí a la escena: Poliposeídas —formada junto con los actores Laura Gallego y César Rosado— obtuvo con Nos repetimos el Premio Simulacro 2008 de nuevas tendencias teatrales. Vuelta a la multidisciplina: «Poliposeídas tiene la insolencia del rock o el punk, su tono contestatario, su puesta en escena, el ritmo, el sentido explícito de estar representando un espectáculo, y no la consciencia de estar leyendo un poema». Hasta en discursos antípodas se repite la palabra performance. «Espero llegar a un punto en el que sólo sea necesario proyectar mis videopoemas. Yo estaría a un lado, sin que se

me viera», comenta entre bromas Antonio Portela, que amplía sus lectores... en galerías de arte donde el poema se lee y se ve. Portela comenzó a escribir en otros formatos en la Academia de España en Roma. «La convivencia con artistas me hizo ver la poesía con otros ojos. Había leído en Mandelstam o Maiakovski, no recuerdo, que el poeta sueña con ver escritos sus poemas en las paredes con letras de dos metros de alto. Esa certeza me decidió». Si parece más imagen que letra, ¿cómo concibe el poeta un videopoema? «Mi punto de partida es siempre el texto escrito; luego considero cuál puedo proyectar. El lector lee y el espectador contempla». Cuando Sofía Castañón teje un videopoema le preocupa «la necesidad de llenarlo de imagen, no sé si promovida por el amateurismo de la accesibilidad del vídeo, más que por una fuerza creativa. Me busco enemigos, pero creo que hay quien se acerca a la poesía por lo que tiene de exhibición: mucha bloguera con su webcam, y que me perdonen,

haciendo algo así como versos». Ella trabaja en el audiovisual con el director Juan Tizón, y en el del spoken con el músico Héctor Tuya: con Disparad sobre nosotros han llenado salas de conferencias, pero también de conciertos. ¿Cómo definirlos? Menciona el cabaré. «No tengo claro qué es el spoken, ni tampoco si todos los que dicen estar haciéndolo lo hacen...». De spoken sabe mucho Silvia Grijalba: dirige Palabra y Música, un festival sobre «la narrativa como espectáculo» por el que han pasado John Giorno, Lydia Lunch o Henry Rollins, y Exploradores, de «poesía con otros elementos escénicos». Grijalba matiza por qué «se llama spoken word a espectáculos de polipoesía, poesía con música y casi cualquier poeta que se sube a un escenario. Spoken word no es eso, ni polipoesía es un poeta recitando». Escoffet traza una genealogía polipoética catalana: «Una primera generación, entre 1991 y 1995, incluiría a Accidents Polipoètics, Xavier Sabater o Josep Ramon Roig, pero la cosa viene de mucho antes, con gente como Bartolomé Ferrando, Flatus Vocis Trio, Enric Casasses, Carles Hac Mor...». Si en Cataluña pueden matar al padre, en Galicia la tradición se cuece ahora: Yolanda Castaño trabaja en videopoesía y spoken, Estíbaliz Espinosa juega con podcasts... En gallego escribe María Lado, también actriz, que junto a la poeta y cantante Lucía Aldao aúna poesía, representación y audiovisual en Onde estea un cubata que se quite un soneto, a dúo, y Poeta de mierda, con la actriz Pepa Yáñez. Han actuado en Berlín y Oporto y han clavado una pica en citas como el almeriense Lilec. «El que se acerca es un público abierto, sin problema en encontrar a un poeta en una lengua distinta a la suya. Siempre que intentes buscar una conexión, están dispuestos a escucharte». Lado facilita otras dos coordenadas: Facer Merzbau, de David y Estevo Creus, y Carlos Oroza, «un clásico en vida». Sofía Castañón remite al espectáculo Todo se entiende sólo a medias, de La Palabra Itinerante, y a María Eloy-García; se suma Vicente Muñoz, antólogo de 23 pandoras (Baile del

Sol), que también cita a Carmen Camacho, Roxana Popelka o Déborah Vukusic. Muñoz intuye en los nuevos autores cierto «afán de rupturismo y búsqueda, de descontextualizar la forma grave de leer poesía en público». Otras puestas en escena, otros marcos y contextos... Y, sobre todo, «más improvisación y fusión de géneros, haciendo de las lecturas un ejercicio interactivo». Él sí menciona el spoken word: «Una especie de cajón de sastre donde cabe un poco de todo». Poesía en la peluquería De cómo nombrar pasamos a dónde: los bares, los teatros. El ciclo Palabras Habladas, primero en Madrid y luego en Alicante, organizó una actuación en una peluquería. También, en el caso de Poliposeídas, centros de enseñanza y espacios de encuentro político. «En esos ámbitos, la complicidad es casi total cuando existe esa sintonía, y un espacio de sorpresa, crítica y debate cuando no se da», explica Antonio Romero. Más sorpresas

aguardan a quienes frecuentan estos otros escenarios. Nuria Mezquita recuerda cómo «en Sevilla, de cervezas con el poeta David González, pasó una chica y empezó a gritar: “¡Yo te conozco! ¡Te he visto recitar!”». Llama la atención, además, la capacidad organizativa: sevillanos aparte, Portela coordina el ciclo de videopoesía del Festival Internacional de las Artes de Castilla y León, y Castañón —dentro del colectivo asturiano Hesperya— arma La Ciudad en Llamas. Su acto de clausura fue, precisamente, una sesión de spoken a cargo de Experimentos in da Notte. La música la ponen Pablo Malatesta y Luis Cebrián; la literatura, Octavio Gómez Milián. Sus actuaciones son más conciertos que lecturas; sus temas nacen «en el estudio-local de ensayo. Llevo algunos textos, y probamos bases musicales. Sugiero a Pablo una idea, un ritmo; funcionamos a base de referencias comunes para buscar el camino. Pablo esboza un loop, un riff de guitarra, una línea de piano...». ¿Existen diferen-

cias entre escribir y decir? «Sin duda. Un poema es un poema, y un texto de EIDN, otra cosa». ¿Y por qué spoken y no sentarse y declamar sin más? «Creo que la poesía con música, el rock recitado (me gusta más ese término que spoken) es el camino natural de la nueva oralidad». Hablar de EIDN es hablar de la escena zaragozana: comparten carteles y sello editorial. Nacho Escuín, responsable de Eclipsados, ha publicado no sólo a Octavio, sino también a otros poetas escénicos como Julio Donoso o Puritani, los más que más suenan junto al combo formado por Daniel Rabanaque, Don Nadie y Zombra. Conoce bien sus textos, y también el discurso que hornean; opina que pocas prácticas «alcanzan un verdadero nivel, y se acercan más a la sobreactuación que a dotar al poema de un contexto adecuado». Establece una divertida comparación entre el tono excesivo y afectado de algunos recitadores y el de cierto anuncio televisivo sobre combustible —ese tipo enjabonado que vive en la era glacial—, y resalta que —aun así— sus impresiones al respecto son «un tanto confusas». Eduard Escoffet echa de menos «trabajo teórico, de investigación». «Estamos en un momento dulce e interesante, pero queda mucho por hacer». Esquejes para el árbol, más nombres: los teatremas de Patricia Esteban, Paupérrima, Josep Pedrals, Vinoamargo, Yellow Ping... En las raíces, Giorno —«los orígenes mandan», Gómez Milián dixit—; entre los nacionales golean Accidents Polipoètics y Ajo. Cerremos el círculo con ella, lúcida y rotunda: «No sé si llamarlo movimiento todavía, o dejarlo en moda. En cualquier caso, a la poesía le viene de perlas ser sobada por propios y extraños: es la única forma de quitarle esa pátina de hermetismo y pretenciosidad que tanto daño ha hecho. La poesía para entendidos estaba acabando con la poesía. Imagino que cuando acabe lo que de moda tiene veremos qué y quiénes quedan: se podrá distinguir al poeta del pintamonas. Pero a mí me parece fantástico todo este revuelo poético: la criba viene sola, el tiempo manda aquí también». n

NUEVOS ROMEOS La masculinidad encuentra nuevas fórmulas para conquistarte. El ska, máxima encarnación del espíritu ‘all-nighter’, asalta la pista y, con el blanco y negro como fieles aliados, se refresca añadiendo notas de color. Así es el nuevo Romeo.

FOTOGRAFÍA SARA COE (WWW.SARACOE.COM) ESTILISMO BERNAT SOBREBALS (WWW.BERNATSOBREBALS.COM) MAQUILLAJE SONIA (TALENTS) PARA MAC Y TRATAMIENTO LA MER PELUQUERÍA SONIA (TALENTS) PARA ART LAB-AVEDA MODELO JOAN P (VIEW)

Gafas de sol de Persol, camisa con plisado frontal de Burberry Prorsum para Santa Eulalia, jersey a modo de tirantes de Armand Basi, pantal贸n de Hugo Boss Black y zapatos vintage de charol.

Camiseta de tirantes de Levi’s, americana de Bless, cárdigan degradado de Burberry Prorsum para Santa Eulalia, pantalón de Hugo Boss Black y zapatos vintage.

Gafas Bless y camisa Raf Simons.

Blusa a topos de Guess by Marciano, pantalón Armand Basi y sombrero vintage. En la página siguiente, de izquierda a derecha y de arriba abajo: Camisa de Raf by Raf Simons, cárdigan de Bottega Veneta, mallas American Apparel y zapatos vintage. Camisa estampada con flores de Guess by Marciano bajo una camisa gris de K de Karl Lagerfeld, pantalón pitillo naranja de Raf by Raf Simons, y zapatos y sombrero vintage. Camisa estampada con peces de Guess by Marciano, cárdigan a rombos de Lacoste, cinturón de cuero multicolor y pantalón de Armand Basi, zapatos vintage. Camisa de estampado floral de Liberty para Santa Eulalia, americana de Raf by Raf Simons, pantalón a rayas de Guess by Marciano y zapatos vintage de charol.

Camisa estampada Comme Des Garรงons para Santa Eulalia y cรกrdigan de Hugo.

Gafas de sol vintage de Ralph Lauren, camisa de Syngman Cucala, c谩rdigan de Raf Simons, pantal贸n de Raf by Raf Simons y zapatos vintage.

DE QUITA Y PON Un ‘look’ fresco, cómodo y que se adapta a la ocasión: ‘shorts’ y vaqueros cortos (y no sólo para ellas) conjuntados con camisetas es la combinación que nunca puede faltar en un armario de verano. Son tal para cual.

PARA CHICA: 1. Adidas Original by Jeremy Scott (180 euros). 2. Levi’s Engineered Jeans (105 euros). 3. Fornarina (90 euros). 4. Pepe Jeans (80 euros). 5. Lee (30 euros). 6. Adidas by Diesel (110 euros). 7. Levi’s Engineered (40 euros). 8. Replay (109 euros). PARA CHICO: 1. Eastpak (35 euros). 2. Reef (55 euros). 3. Vans (25 euros). 4. Lee (110 euros). 5. Modelo marinero Olivia, de Loreak Mendian (www.loreakmendian.com). 6. Converse (50 euros). 7. Wesc (33,50 euros). 8. Short Dawson de Gas (98 euros). 50

LISTOS PARA EL SOL POR AGUSTÍN VELASCO FOTOS PEDRO LAGUNA

El bronceado es un ejercicio de sensatez en el que cada uno busca los niveles de protección más convenientes para su tipo de piel. No sólo hay que escudarse del sol a pie de playa, sino que debemos mantener la guardia alta en el día a día.

1. Instant Bronze Treatment de Natural Wonder es un activador intensivo del bronceado, pero sin protección. En treinta minutos de exposición consigue cambiar el tono de la piel y, usado como crema de base, prolonga el bronceado facial. Puede emplearse en sesiones de UVA. (22 euros)

3. Sun Booster Spray SPF 6 de Skeyndor potencia tu bronceado a la vez que te protege, en formato pulverizador. Ideal para utilizar cuando la piel ya esté acostumbrada a los intensos rayos UVA del verano y el tiempo de exposición al sol no vaya a ser muy prologando. (28,80 euros)

2. Anti-Sunburn Protective Mist Quick&Dry SPF 15 de la línea Sun Men de Lancaster es un producto diseñado expresamente para los hombres. Un innovador spray 360º para el cuerpo fácil de usar, fresco e invisible que penetra en la piel en un tiempo récord, incluso en las zonas con vello. (31 euros)

4. UV Protect SPF 35 de Capture Totale de Dior es el primer protector solar antiedad con una molécula patentada cuya misión es devolver a las proteínas oxidadas y opacas toda su luminosidad, resultando seis veces más eficaz que la vitamina C. (52 euros)

5. El Lip Gloss Island Berry SPF 25 de Hawaiian Tropic ofrece una protección avanzada frente a los rayos UVA y UVB a la par que proporciona brillo, hidratación y un toque de color. Para dar besos llenos de sabor sin renunciar a mantener los labios bien cuidados. (9,75 euros)

6. Sun Defense Fluid SPF 30 de Natura Bissé es una crema solar antiedad de rostro que ofrece un triple efecto protector: filtros físicos, filtros orgánicos y filtros biológicos. Incorpora proteínas contra el estrés térmico para prevenir y reparar el daño celular que causan las radiaciones solares. (52,50 euros)

9. La loción solar para rostro Bronze Goddess SPF 15 de Estée Lauder se basa en una innovadora fórmula con aceite de macadamia y de kukui. Proporciona una barrera de defensa de la piel frente a los daños medioambientales e hidrata y protege contra los UVA/UVB. (27 euros)

7. Aceite de verano Cuerpo & Cabello Buriti Do Brasil de L’Occitane sin protección. El aceite orgánico de la palmera Buriti tiene una concentración de betacaroteno tres veces mayor que la de la zanahoria y es un efectivo tratamiento antidesecamiento del cuerpo y cabello. (16 euros)

10. Melascreen Iluminador SPF 15 de Ducray. Tratamiento específico que favorece el aclarado de las manchas superficiales causadas por exposiciones solares repetidas. De aplicación diaria, a modo de prevención, que limita la estimulación melánica inducida por los UVA y UVB. (26 euros)

8. La Crema Acelerador del Bronceado de Jordan Shmulyck es una potente hidratante aceleradora del bronceado, enriquecida con minerales del Mar Muerto. Para uso facial y corporal, mejora el índice de pigmentación y refuerza la capacidad de fotodefensa natural de la piel. No contiene filtro solar ni perfume. (18,30 euros)

no encontrarás todo lo que hay, pero sí todo lo que te interesa

Poesía sonora y visual Por el ciclo de spoken word Palabras habladas han pasado ya algunos clásicos de la disciplina en nuestro país como Bruno Galindo, Ajo o Javier Corcobado. Esta nueva cita con la palabra y la música hermana a dos audaces escritores sobradamente reconocidos: Agustín Fernández Mallo (proyecto Nocilla) y Eloy Fernández Porta (Homo sampler), los ideólogos del Afterpop. ALICANTE / Día 13 / Espacio Camon / www.myspace.com/poetryslam_madrid

Doblete de festivales

Fischerspooner actúa en Madrid el 20 de junio.

La terraza de LCE está a punto para recibir a tres genios de la música de baile en el festival Let's Dance: Thunderheist (día 2), Theo Parrish (día 3) y ManmadeScience (día 4). Regresa también In-Presentable (días 17 a 28), con el cuerpo como columna vertebral de proyectos de artes escénicas de última generación: talleres (de mañana) y experimentos en formato work in progress donde la participación del público es vital.

40 años de Woodstock 69

CINE [56] La primera adaptación de la saga 'Millennium', también de producción sueca, llega a las pantallas. TEATRO [60] Cierre de temporada con 'Muerte de un viajante' (en el Español) y 'Edipo' (Naves del Matadero). MÚSICA [63] Mezcla de géneros en la nueva edición del Sónar barcelonés. ARTE [68] PHotoEspaña o la macrofiesta de la fotografía. LECTURAS [71] Salvador Gutiérrez, a caras descubiertas en su novela 'El orden de la memoria'. VIDEOJUEGOS [75] La secuela de 'Operation Flashpoint', para amantes del realismo bélico, tiene vocación de superventas. LOCALIZADOS [76] Una ruta por el

Elliott Landy fue el fotógrafo oficial de este festival que marcó un antes y un después en la historia, y no sólo de la música. Sus instantáneas recogen el ambiente y el sentir de una generación, momentos estelares de las actuaciones... También se exponen imágenes más íntimas de iconos como Bob Dylan, Janis Joplin, Hendrix, Jim Morrison... que se cruzaron en el camino de Landy.

Londres ecologista para una escapada verde y a la vez urbana.

BILBAO / Hasta el 12 de julio / Fnac

Puedes ver la agenda actualizada en www.calle20.es 54

MADRID / Junio / La Casa Encendida / www.lacasaencendida.es

JUNIO 09

Objetivo: Alemania Undécima edición del Festival de Cine Alemán Este clásico de la cartelera de junio se suma al aniversario de la caída del Muro de Berlín con el miniciclo Veinte años sin muro, cinco películas (una de ellas documental) que abordan las consecuencias de su desaparición. En la sección oficial participan largometrajes recientes que optan al Premio del Público y, en esta edición, comparten motivación: personajes femeninos de una fuerza arrolladora (en la imagen, Hilde, de Kai Wessel, filme de inauguración del festival). Entre los títulos recientes a concurso están también Una mujer en Berlín (Max Färberbörck), Dr. Alemán (Tom Schreiber), Hace un año en invierno (Caroline Link), Los héroes del barrio (Jovan Arsenic), Berlin Calling (Hannes Stöhr) y Sombras alargadas (Connie Walther). Las nuevas generaciones del cine alemán tienen su hueco en el festival en el ciclo de cortometrajes; no faltará tampoco una sesión muy especial de cine mudo en la que una orquesta pondrá música en directo a Espías, de Fritz Lang.

LUIS DÍAZ

JAVIER ORDAX

MADRID / Del 2 al 6 de junio / Cine Palafox / www.cine-alemán.com

Los misterios de Rembrandt

24 cuartos para 24 creadores

Reunión de músicos bárbaros

Continuando con el interés que Peter Greenaway demostró por la pintura del holandés en La ronda de noche, el director galés examina todas las pistas que esconde el cuadro sobre un supuesto crimen no resuelto en Rembrandt's J'accuse. Se estrena en 39 ciudades dentro del ciclo El documental del mes.

Dos plantas de un hotel y una habitación customizada por cada creador. Es la propuesta de Fitting Room, un día entero dedicado a la moda, el arte y las tendencias durante el cual el público puede curiosear y también comprar. Participan, entre otros, Melissa Shoes, Yo-oy, Anillarte, Mónica Lavandera, Decor-ADN...

Desde hace cinco años, es costumbre que el Círculo invite a tocar a algunos de los mejores músicos callejeros para celebrar la noche de San Juan (23 de junio). Además, el día 6 la sala de columnas acoge el Ferrara Fest con las actuaciones de Nudozurdo (en la foto), Elastic Band, Dead Capo, Rip KC y The Joe K-Plan.

TODA ESPAÑA / Mes de junio / Fechas y ciudades en www.eldocumentaldelmes.com

BILBAO / 6 de junio / Hotel López de Haro / 11.00 a 21.00 h / www.fittingroombilbao.com

MADRID / Días 6 y 23 de junio / Círculo de Bellas Artes / www.circulobellasartes.com

Fiesta de La Vía y Radio City

Viñetas convertidas en fotogramas

En estos tiempos, cumplir un año más al frente de un club o una tienda de discos es casi un milagro. La Vía Láctea (30 años) y Radio City (4) celebran aniversario juntos con dos conciertos en solitario del crooner Geraint Watkins (teclista de Van Morrison) y Nick Lowe, entre otros.

Con motivo de Ficomic, cuya última edición terminó el día 1, la Filmoteca ha programado durante la primera semana del mes un ciclo de cine y cómic. Se proyectarán acertadas adaptaciones de viñetas a la gran pantalla como Ghost world (en la foto), Sin city, Flash gordon o American splendor. Junio es también el mes de la Mostra de Cine de Mujeres y se dedica un ciclo a los documentales de Jean Eustache y otro al cine del exilio.

MADRID / Días 4 (La Vía, gratis para los 100 primeros con entradas para El Sol) y 6 (El Sol)

BARCELONA / cultura.gencat.cat/filmo/index.htm

Vuelve la moda 'freak'

El mejor sonido independiente, a la calle

Fashion Freak es un evento atrevido y abierto en torno a la moda de vanguardia donde confluyen pasarela, música, talleres, exposiciones... y, por supuesto, fiesta. Participan unos 60 diseñadores y la entrada a todas las actividades es gratis, previa acreditación.

Junto a otras muchas ciudades, Bilbao celebra el Día Europeo de la Música con actuaciones gratuitas en la calle. Dentro de este programa, organizado por la Fnac y la Unión Fonográfica Independiente, se podrá disfrutar de las actuaciones de los madrileños Punsetes (en la foto), herederos del desparpajo de la movida, de la potente mezcla de soul, hip-hop, ska y reggae de Esne Beltza y del punk de los resucitados La Banda Trapera del Río.

BARCELONA / Del 1 al 7 de junio / Varias sedes / www.fashionfreak.es

BILBAO / 21 de junio / Plaza Nueva / 19.00 h / Gratis Calle 20 no se hace responsable de los posibles cambios en la programación reflejada en esta agenda. 55

cine por alberto úbeda-portugués

el embrujo nórdico de larsson La adaptación de ‘Millennium 1’ crea adictos a su universo

La desconocida Noomi Rapace ha conseguido atrapar el magnetismo de la protagonista de la novela.

‘LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES’ SE DISFRUTA CON ANSIA, CASI CON FRENESÍ Muchos de los que se animen a ver Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres lo harán hechizados por el fantástico y peculiar personaje de Lisbeth Salander, creado por el escritor sueco Stieg Larsson, que despachó tres novelas policiacas alrededor de esta hacker punk antes de su muerte en 2004. Hay que reconocer que el director danés Niels Arden Oplev ha logrado una excelente encarnación de la heroína de Larsson (en la piel de la desconocida Noomi Rapace), una chica problemática que se guía por su propia moral en un mundo amoral que trata de aprovecharse de su supuesta indefensión. Son dos horas y media de narración palpitante que se disfrutan con ansia,

aunque los adictos al universo captado por Larsson echemos de menos una mayor contundencia y precisión en las imágenes y en las criaturas creadas por el novelista. Aun así, nos cautiva hasta las cachas y es además un digno complemento a la novela, la primera de la trilogía (es inminente la edición de la tercera), y si el espectador decide leerla después de ver la película, no se sentirá en absoluto defraudado, porque hacernos partícipes más detenidamente del pensamiento de Lisbeth Salander es toda una aventura de la modernidad. Por otra parte, es meritorio que, pese a los cantos de sirena hollywoodenses, el filme se haya realizado en Suecia, con ambiente sueco, empapándonos de esa atmósfera depravada, machista y esquizoide que sobrevuela, en la visión de Larsson y Niels Arden Oplev, la envidiada y tolerante

sociedad nórdica. En ella se enmarca el caso de la joven Salander, declarada incapaz de regir su propia vida, a quien se le asigna un tutor que controla todos sus movimientos y, seguro de su indefensión, decide abusar de ella. La venganza de Salander es uno de esos platos que se degustan intensamente. Además de en la singularidad de la protagonista, el filme también se centra con igual acierto en la honesta y creíble figura del periodista Mikael Blomkvist, que inopinadamente se relaciona con ella. Sin duda, a Los hombres que no amaban a las mujeres le falta un poco de garra, pero es una cinta notable y se agradece mucho el esfuerzo de plasmar en imágenes un material literario tan rico e inquietante. LOS HOMBRES... Suecia, 2009 / 150 min / Dir.: Niels Arden Oplev / Int.: Noomi Rapace, Michael Nyqvist / Estreno previsto: 29 de mayo

un cineasta imparable

Es una gran noticia que Eduardo Chapero-Jackson haya reunido sus tres triunfales cortos y los presente con la unidad de esos largometrajes de episodios que de vez en cuando se estrenan (la reciente Eros). El lazo que conecta a la protagonista anoréxica de Contracuerpo, la anciana agonizante de Alumbramiento y la familia sedienta en un futuro apocalíptico de The end es la muerte; y las maneras de afrontar su inevitable llegada con la propia mano (Contracuerpo), por causas naturales (Alumbramiento) o por voluntad de otros (The end). Chapero-Jackson domina todas las suertes: pocos o muchos planos, largos o con el vértigo solemne de Sergio Leone. Su futura carrera deparará sorpresas hermosas. a contraluz. España, 2009 / 60 min / Dir.: Eduardo Chapero-Jackson / Int.: Mariví Bilbao, Miguel Ángel Silvestre, Marta Belenguer / Estreno previsto: 26 de junio

la temible enfermedad del olvido La directora turca Yesim Ustaoglu logró la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián con este filme de transcurrir lento, meditativo, sobre una mujer anciana con alzhéimer y sus tres hijos que tienen que hacerse cargo de ella, aunque apenas pueden con ellos mismos. Ustaoglu (es su cuarto filme) indaga con inteligencia en la temible enfermedad del olvido y trata de enfocarla como un aspecto más de la vida, el final, y el derecho de la protagonista (la francesa Tsilla Chelton, Concha de Plata a la mejor actriz) a perderse definitivamente en los paisajes que acompañaron sus días. El principal propósito de La caja de Pandora es plasmar la lucha para comprender y aceptar el ritmo de las cosas, las corrientes interiores y los estímulos exteriores que nos llevan, nos agitan y a la postre nos pulverizan. Es una película triste, pero no desoladora, porque los personajes, tanto los sanos como los enfermos, buscan apasionadamente sentirse bien, conformes con lo que los rodea. Yesim Ustaoglu nos acerca a ese conocimiento siempre conflictivo que es la propia personalidad, el dolor que cuesta despojarse de las capas que nos ocultan y apartar los sueños de grandeza que inevitablemente nunca se cumplirán. la caja de pandora. Turquía, 2008 / 105 min / Dir.: Yesim Ustaoglu / Int.: Tsilla Chelton, Derya Alabora / Estreno previsto: 12 de junio

sobre eternas rencillas Hirokazu Kore-eda, integrante de la nueva generación de cineastas japoneses de los años noventa, nos ofrece en este denso y sólido filme (presentado en San Sebastián) un drama familiar que homenajea al cine de Yasujiro Ozu. Still walking describe las agujas y los alfileres que hay en la relación de personas mal avenidas que sin embargo se quieren, se añoran en la distancia. Seres a quienes, pese a no soportarlos, reverenciamos y damos las gracias, lloramos su pérdida. Kore-eda no compone secuencias con discusiones airadas. Sería como renegar de lo que es, en esencia, el cine japonés. Los conflictos suceden en un tono que está —y no sólo geográficamente— en las antípodas del mundo latino de angustia y exclamación de la pena. El director parece decirnos que los actos de ayer y hoy se repiten, que el dolor y los buenos momentos de cada uno y sus circunstancias se superponen al dolor y a los buenos momentos anteriores en un ciclo sin fin al que todos estamos encadenados. still walking. Japón, 2008 / 108 min / Dir.: Hirokazu Kore-eda / Int.: Hiroshi Abe, Yui Natsukawa / Estreno previsto: 5 de junio

cine retrato risueño de la nueva generación No es nada fácil ser original cuando se narran las difíciles relaciones de padres e hijos en un medio urbano hipermoderno como es París. Pero la cineasta francesa Lisa Azuelos ha conseguido reflejarlas con bastante sinceridad en este filme que tiene las siglas de Laughing Out Loud (‘muerto de risa’), una expresión habitual en la Red. LOL se beneficia de un buen puñado de personajes vivos, añadiendo al conjunto dosis magníficas de humor y patetismo. Ha sido un gran éxito en Francia, y aquí, si encuentra los canales adecuados entre el habitual bombardeo de estrenos estadounidenses, también debería serlo. Porque su realidad es absolutamente extrapolable a la española y cuenta, al frente del reparto de esta comedia coral, con la siempre encantadora presencia de Sophie Marceau, protagonista de la reciente Espías en la sombra. Azuelos (hija de la cantante Marie Laforêt), no obstante, deja el verdadero protagonismo a jóvenes actores desconocidos y de gran desparpajo que encarnan la inocencia de los adolescentes, sus sentimientos siempre a flor de piel, sus frenéticas ganas de experimentar y las rabietas pueriles en el difícil trance de convertirse en adultos. El resultado es un filme risueño que no cae en los tópicos.

la extraña química del amor No tiene grandes pretensiones, salvo entretenernos. 7 minutos, la primera película en solitario de Daniela Féjerman (con Inés París ha codirigido dos filmes) obtuvo en Málaga el premio a la mejor actriz secundaria (Toni Acosta). La cineasta dibuja un grupo de personajes en quiebra amorosa que aprovechan un encuentro organizado de parejas para hallar el equilibrio anímico que necesitan. Es una comedia bienintencionada para saber más de esa extraña química que se produce y que recibe el nombre de amor. 7 minutos. España, 2009 / 102 min / Dir.: Daniela Féjerman / Int.: Marta Etura, Antonio Garrido, Pilar Castro / Estreno previsto: 12 de junio

LOL. Francia, 2009 / 103 min / Dir.: Lisa Azuelos / Int.: Sophie Marceau, Christa Teret / Estreno previsto: 26 de junio

con eficacia melodramática El cuasi debutante Rémi Bezançon (hace cuatro años se apuntó un buen tanto con la ópera prima Love is in the air) ha tenido muy presente el ejemplo del gran filme canadiense C.R.A.Z.Y. (Jean-Marc Valleé) para narrar con bastante acierto (una de las favoritas recientes del público galo y premiada con tres César del cine francés) cinco momentos determinantes de una familia fuera de las normas tradicionales. Entresaca esos momentos de dos décadas omitiendo la crónica social (pero atendiendo a la música de la época) y concentrándose en el devenir de los personajes, desde la óptica de los vaivenes de las relaciones sentimentales, en pos de su realización en la vida. El principal problema de El primer día del resto de tu vida es que no mantiene el ritmo en el último de los tramos cronológicos en que está dividida, y eso nos deja un tanto exhaustos y desilusionados. A pesar de todo, el filme de Bezançon se ve con interés, tiene buenos diálogos y actuaciones logradas (como la del veterano Jacques Gamblin, al que hemos visto esta temporada en Por fin viuda), exhibiendo una eficaz disposición a los tonos melodramáticos. el primer día del resto de tu vida. Francia, 2007 / 114 min / Dir.: Rémi Bezançon / Int.: Jacques Gamblin, Zabou Breitman / Estreno previsto: 19 de junio

panorámica de lo irreversible En imágenes aéreas de los cinco continentes, el fotógrafo francés Yann Arthus-Bertrand estrena un documental (simultáneamente en cine, televisión, DVD e Internet) mostrando un panorama apocalíptico del planeta. Terribles planos de una industrialización y un consumo desenfrenados, los culpables de una situación angutiosa que, pese a los buenos propósitos finales del filme, parece irreversible. home. Francia, 2009 / 90 min / Dir.: Yann Arthus-Bertrand / Prod.: Luc Besson / Estreno previsto: 5 de junio

cine

en corto

por alberto úbeda-portugués

con una agudeza encantadora

terror de primera categoría Impresionante muestra de genio la de Andy Muschietti (argentino afincado en Barcelona y conocido en el mundo de la publicidad como Doble Nelson) en este corto aterrador. Apoyado en una música atosigante, un concepto de las sombras y la luz fascinantes y el juego entre el miedo a lo sobrenatural (una madre ausente, demoniaca) y la ternura innata de los niños, ha creado, junto a su hermana Bárbara (productora), un corto que va dando que hablar allá donde se proyecta. Mamá ha sido premiado en los certámenes de Fantasporto y Cinemad y estuvo en la selección oficial de Sitges, donde consiguió un inesperado pasaporte a la fama. Allí lo vieron allegados de Guillermo del Toro, el cual (de la misma manera que impulsó a Juan Antonio Bayona para rodar El orfanato) va a ayudar a los Muschietti a convertir Mamá en un largo donde quizá podamos ahondar en el terror que han provocado con su breve pieza. Merece la pena apostar por el horror cuando se hace reflexionando sobre los miedos más primarios y sobrecoge al espectador con aquello que tememos y está escondido dentro de nosotros. Este corto sugiere ese enfrentamiento con lo innombrable, que en cada uno es distinto para llegar a ser lo mismo. mamá. España, 2008 / 3 min / Dir.: Andy Muschietti / Int.: Victoria Harris, Irma Monroig, Berta Ros / Se puede ver en www.cinemad.org/08/html

Es relativamente frecuente que alabemos en esta sección los cortos cortísimos que sintetizan una idea en pocas imágenes decisivas. Eso es lo que ha logrado el italiano Giovanni Maccelli (residente en Madrid desde 2004 y autor del corto El puesto de las flores) en este trabajo encantador (mejor filme en el Festival Dunas, Fuerteventura, y en el de Cine Lésbico Gai de Madrid). Sólo necesita la voz en off del único personaje, comentando un sencillo álbum de fotos familiar en el salón de una casa como cualquier otra, para perturbar esa aparente normalidad de sagrada familia como Dios manda. Qué gran cosa es ser sencillo, agudo y tener presente el humor. el mueble de las fotos. España, 2008 / 2 min, 10 seg / Dir.: Giovanni Maccelli / Int.: Fernando Núñez, Juan Beiro / Se puede ver en: http://www.rtve.es/ mediateca/videos/20081118/cortocinemad-mueble-las-fotos/343963.shtml

el territorio de la turbación Sin diálogos, en blanco y negro y con el protagonismo de un niño sorprendido y atenazado por los misterios y las servidumbres de la vida en un lugar remoto, el madrileño Iván Ruiz Flores ha filmado un corto turbador (anteriormente rodó, entre otros, Sombras de diferentes arrugas) que nos deja estupefactos. Galardonado en los Premios ACE (Agencia del Cortometraje Español) y en la Mostra Xarrades en Curt (Valencia), expone con crudeza y poderoso trazo las pulsiones esenciales de la vida: el sexo, el amor, la amistad, el odio. Una madre deficiente mental y unos vecinos que le atraen y le repelen son los elementos que Ruiz Flores (a punto de comenzar a rodar su primer largo, Lección debida) aporta al infante que guía la historia. Son diecinueve minutos sin desperdicio donde se dan la mano la compasión, los buenos sentimientos y la furia, inmersos e inscritos en una narración de un magnetismo visual desbordante. Concluye con una imagen enloquecedora, de un aliento poético límite que permanece en nuestra mente. la culpa del otro. España, 2008 / 19 min / Dir: Iván Ruiz Flores / Int.: Montse Ortiz Francisco, J. Marín, Roberto Áron / Se puede ver en www.laculpadelotro.com

TEATRO por rafa romero de ávila

pertinente debate sobre la crisis con la trilogía de edipo y ‘muerte de un viajante’

Mario Gas recupera la crítica social de rotunda actualidad del drama de Arthur Miller Muerte de un viajante.

un sófocles ambicioso y un miller espectral en la cartelera veraniega del español. Así que desde aquí estamos felices por el buen trabajo del equipo del Teatro Español madrileño. El público ha llenado sus salas y no han cesado los elogios. El soberbio Sweeney Todd, el esteta y excesivo Hamlet de Pandur, la genialidad argentina de La familia Coleman, la reivindicación de Pinter de El regreso al hogar (vuelve a la cartelera este mes), la contundencia de Mercado libre, la lección de Sam Mendes y su equipo en The Bridge Project... Pero antes de cerrar puertas, aunque no todas sus sedes, nos esperan dos grandes eventos teatrales sobre el ser humano, sus crisis y la lucha contra su entorno. Dos miradas clásicas, pero de rotunda actualidad. De lo más antiguo a lo más cercano. George Lavaudant, de fructífera carrera, se atreve con

Sófocles en un Edipo descomunal a partir de los libretos de Edipo Rey, Edipo en Colono y Antígona. Con la traducción y adaptación de Daniel Loayza y Eduardo Mendoza, Lavaudant presenta un recorrido completo por la existencia y el legado del rey-monstruo a través de su tío Creonte. El fascinante emplazamiento del Matadero acogerá el complejo montaje, que cuenta con un no menos grande reparto: Eusebio Poncela, Pedro Casablanc, Rosa Novell, Luis Hostalot, Críspulo Cabezas y la simplemente genial Laia Marull, entre otros. El montaje, según su responsable, parte de la idea de que Edipo es una proyección de extremos: «El más lúcido y el más ignorante, el rey y el mendigo (...), el indígena y el extranjero». Un héroe entendido como «un cruce de caminos contradictorios» que recorre «las posibilidades del ser humano de un extremo a otro, de las monstruosidades a lo divino».

Quizá porque es un signo de estos tiempos, el caso es que Muerte de un viajante, el tantas veces representado drama del estadounidense Arthur Miller, tampoco nos deja. Hoy más que nunca, el hastío, la podredumbre social, el apartar al que ya quizá no sirva o tenga más años de los adecuados son ideas pertinentes de este libreto escrito en la década de los años cincuenta que ahora recupera toda su fuerza original. Ésa es la razón que lleva a Mario Gas a interesarse por la obra de Miller. Jordi Boixaderas, Rosa Renom, Pablo Derqui y Oriol Vilanos, entre otros, nos llevan a un Nueva York espectral y deprimido. EDIPO, una trilogía. Madrid / Naves del Teatro Español (Matadero) / Del 27 de mayo al 28 de junio / www.teatroespanol.es muerte de un viajante. Madrid / Teatro Español / Del 10 de junio al 26 de julio / www.teatroespanol.es

CHEJOV NUNCA ENVEJECE

Nunca es suficiente para abordar al dramaturgo ruso. Su temática y construcción dramática, a pesar de mediar más de un siglo, demuestra que el tiempo no es un obstáculo para su recreación. Pero nunca es fácil hacerlo bien, por lo que resulta aún más meritorio el doble reto de rescatar una sala y llevar uno de sus más duros e intimistas textos hasta su escenario. El aguerrido hombre del teatro que se ha atrevido a ello es Pep Tosar, y nada menos que con Ivanov. En esta versión, el protagonista es un intelectual, pero su realidad es la misma: sin amor, sin relaciones personales, nada justifica que deba seguir viviendo. Lina Lambert, Blai Llopis y Laura Aubert son parte también del reparto. molts records per a ivanov. Barcelona / Circol Maldá / Hasta finales de junio / www.comedianet.com

CABARé con todos sus ingredientes Sin duda existe la justicia poética, pues es muy loable que una compañía como Laví e Bel haya sido la ganadora de infinidad de premios a pesar de competir con presupuestos y campañas de promoción mucho más abultados. Y es que nos estamos moviendo en el proceloso mundo de la comedia musical: o sea, presupuestos altos, despliegue de medios, caras conocidas... En fin, puro negocio. Pero de repente aparece una pequeña compañía dedicada a recorrerse los teatros de pueblos y ciudades, y con un vigoroso y jovial cabaré se lleva toda clase de reconocimientos. Nacido al amparo de la Expo de Zaragoza, Cabaret líquido es un sugerente y rico contenedor de diversas disciplinas y formas pero con el siempre necesario poso de la ironía y el juego del género. Todo lo clásico está aquí para reivindicarlo: circo, ligueros y boas, juegos de provocación sexual, un piano, alcohol, hombres y mujeres cambiando su rol o quizá fomentándolo aún más, y música, mucha música. Pero también es un viaje por las diferentes tradiciones del género. Desde Asia hasta Latinoamérica, pasando por los afamados cabarés berlineses, parisinos o del Este de Europa. CABARET LÍQUIDO. Madrid / Teatro Marquina / 24 de junio al 30 de julio / www.laviebel.com

danza a la vera de la ría Durante todo el año, la compañía bilbaína La Fundición cuenta con un apretado programa. Pero llega junio y todo se complica, en el mejor de los sentidos, y siempre respetando su reciente y concurrido festival Dantzaldia. Así pues, la presencia del verano supone la edición de dos interesantes festivales que llenan de teatro y danza, juntos o por separado, tanto su propia sala como las calles próximas a la ría. Tinto de Verano supone una mirada a la creación más joven y nueva y realmente es un contenedor de pequeños espectáculos en el que habría que destacar a Gabriel Ocina y su danza-teatro en El lobo y el alma, o la radical Aborigene Producciones con El desbordamiento. Y Lekuz Leku es, sin duda, una de las citas de danza nacionales a lo largo del año, tanto por su emplazamiento como por la calidad de sus participantes. En este maratón de danza, con más de 15 actuaciones en sólo 3 días, debemos destacar la presencia de Bonachela, Losdedae, Nats Nus Danza, María Antonia Olivero o los alemanes Storm. TINTO DE VERANO. Bilbao / La Fundición / Del 4 al 21 de junio / www.lafundicion.org LEKUZ LEKU. Bilbao / Calles de Bilbao / Del 25 al 27 de junio / www.lafundicion.org

TEATRO los «deseos reales» de las mujeres

HUMOR, DANZA Y ORIGINALIDAD

¿Somos diferentes las mujeres y los hombres? ¿Nos gustan las cosas de forma distinta? Los problemas, ¿nos afectan por igual? No, no estamos ante un tópico espectáculo de seudohumor o chistes de bar. Nada de graciosillos que nos revientan la cabeza. Pero sí coincide Boyfriend con una mirada a esa incomprensión entre sexos. Y cuando la mirada es desde el lado femenino, echémonos a temblar... Parece ser que tampoco ellas nos entienden. O al menos eso es lo que pretende decir la siempre inquieta Valeria Alonso, que esta temporada ya ha presentado dos espectáculos con una media de calidad ciertamente sorprendente. «Pretendo cuestionarme el papel del hombre» o saber cuáles son «los deseos reales de las mujeres». Ésas son las premisas de las que parte Alonso para este montaje que deambula entre la danza, el teatro, la performance, la provocación o la interactuación. Siempre con ironía y (necesaria) mala leche entra a saco contra la manipulación de la mujer en la publicidad a la que nos someten, los estereotipos, la necesidad de implantarse pechos o adelgazar, tener un boyfriend al lado para realizarse. El hombre es el objeto, el bicho raro, pero también el posible ideal dentro de un espectáculo radical, diferente y divertido como pocas veces encontramos en la cartelera teatral.

Una pelea callejera de artistas por llenar la gorra es la justificación argumental de uno de los espectáculos más sorprendentes de la cartelera. Lo que de verdad encierra este trabajo es una clase magistral de hip-hop, claqué y flamenco, con el único aderezo musical de un percusionista. Y ésta es la sorpresa: la sencillez de una excelente ejecución de diferentes danzas resuelta de una forma increíblemente fresca y divertida. Hermanos de baile es un juego vistoso y entretenido que nace de la idea del flamenco Raúl Ortega con la ayuda humorística de Yllana. Pocas veces se puede ver un trabajo de danza así. HERMANOS DE BAILE. Madrid / Teatro Alfil / Hasta 26 de julio / www.teatroalfil.com

p. carmena

Boyfriend. Madrid / Sala Triángulo / Del 5 al 28 de junio / www.teatrotriangulo.com

LA FAMILIA DA PARA MUCHO

teresa miró

Lo MEJOR de la HUERTA

Que un espectáculo escénico se represente durante año y medio sin parar es toda una proeza. Y más si va acompañado de un rotundo éxito de público y cosechando premios allí donde se ha presentado. Pero parece que Hermanas llega a su fin y lo hace volviendo a casa, al escenario de la barcelonesa sala Villarroel. Carol López, una de nuestras más prometedoras directoras, ideó esta comedia coral centrada en tres hermanas de caracteres bien diferentes aunque suficientemente complementarias. La cocina de la casa familiar es el centro de toda la trama, que aborda recuerdos más o menos duros, más o menos cómicos, y que engullen al espectador mediante una novedosa clave costumbrista realmente interesante. hermanas. Barcelona / Teatro Villarroel / Hasta el 14 de junio / www.villarroelteatre.com

Nada de tomates. Lo mejor que últimamente está dando Murcia —en lo cultural, claro— se cosecha en el Centro Parraga. Y Venizke es parte de este momento fulgurante. Lies Pauwels, Ben Benaouisse y otros cuatro bailarines y actores componen este interesante espectáculo musical. VENIZKE. Murcia / Centro Parraga / 19 y 20 de junio / www.centroparraga.com

música por julio ruiz

transitando por nuevos senderos música avanzada, su germen y sus derivaciones, en el sónar

Animal Collective darán uno de los pocos conciertos de su gira europea en el festival de música avanzada y arte multimedia de Barcelona.

música de baile, folk catalán, rumba, ritmos africanos... todos los sonidos conducen al sónar Orbital, Grace Jones y Animal Collective. Con ese trío de ases valdría ya para enganchar a distintos segmentos de la potencial audiencia del festival. Porque el reformado dúo exponente del dance acude a presentar su nuevo álbum, una cuidadosa recopilación de grandes éxitos llamada Orbital 20, en donde hay temas originales, excitantes nuevas remezclas e incluso algún fetiche de directo. Por otro lado, Hurricane es la última entrega y significó el retorno del icono Grace sumergiéndose en ese terreno del R&B después de haber sido la reina de los sonidos disco hace tres décadas. Aventuramos que el repertorio de su actuación puede ser la combinación perfecta. Y muchas ganas

habrá, además, de ver uno de los contados conciertos que den en Europa este año Animal Collective, que han aumentado su suelo de seguidores con su aclamado Merriweather post pavillion. Pero es que además el Sónar mira hacia fuera —el viaje a África se detiene en Konono y Buraka Som Sistema— y hacia dentro con un abanico de los nuevos nombres de la escena barcelonesa y adyacente que acaban de dar el salto; es el caso de Joe Crepúsculo o Guillamino o esos Animic (¡excelente disco de folk-pop de última época!) que comparten presencia con el mítico Pau Riba y su experimento de fusión sin barrera generacional con Mil Simonis. No deja de ser atrayente esa especie de duetos o encuentros entre artistas que se enredan y superponen para ver qué resultado sale de la mezcla. Colchón contra

Suma (de Fran, ex Manta Ray, se puede esperar lo mejor), Tarántula en confrontación con la Orquesta del Caballo Ganador o el mencionado Crepúsculo en el otro lado del ring respecto a La Estrella de David, el proyecto actual de David ex Beef. El abanico que acaba abarcando este Sónar es tan amplio que, por un lado, rima con el folk y la experimentación más atrevida y, por otro, con la música más de raíz, como la rumba catalana de la mano de ese Achilifunk (nada que ver, o sí, con el clásico de Dolores Vargas o con Peret o el Pescaílla) cocinado por Txarly Brown. Y además: Richie Hawtin, Cristal Castles, Micachu, Late of the Pier, Jeff Mills, Fever Ray, RRIICCEE con Vincent Gallo, La Roux, Little Boots... festival sónar. 18, 19 y 20 de junio, en Barcelona / CCCB, MACBA y Fira de L’Hospitalet / www.sonar.es

música estreno para la musa chrissie ¿Cuánto no ha influido en cantantes femeninas con ramalazo rockero que han intentado calcar ese deje sinuoso y sugerente a la hora de cantar? Cuando Chrissie Hynde era fan de los Kinks y escribía críticas musicales, se inventó un grupo que a finales de los setenta empezó a llamar la atención con sus primeras actuaciones. Luego vinieron hits como Stop your sobbing, Brass in pocket o Message of love, por nombrar tres en ese arco de 1979-1981, tan fundamental para la historia mundial del pop. Sus visitas a nuestro país han sido frecuentes. Desde participante en aquel maxiconcierto junto a U2 y UB40 en el Bernabéu hasta como telonera de los Stones en el Calderón. En esta nueva gira tienen disco que presentar y hace casi una década —exceptuando el clandestino Loose screw— que no había canciones nuevas de The Pretenders que llevarse al oído. El single (Boots of chinese plastic) que avanzó este flamante álbum, Break up the concrete, recuperaba a la Chrissie de siempre y, además, acompañada en la grabación por una banda en la que no pueden caber más superestrellas (las ventajas de ser leyenda), desde James Walbourne, de Pernice Brothers, al mismísimo Jim Keltner en la batería. the pretenders. En julio: 1, Madrid / 2, Benidorm / 3, Córdoba / 4, Murcia / 5, Barcelona / 6, Tenerife / 8, S. Sebastián

guitarrista de antología No puede ser más a propósito la visita de un artista tan ilustre. Se trata de pasear ese disco recopilatorio de lo que han dado de sí casi cuatro décadas de música. Y como la ocasión lo merece, viene acompañado de una banda en donde brilla con luz propia Nick Lowe con su porte señorial y un repertorio que triunfó meses atrás en sus conciertos españoles. Pero es que además también cuenta con Flaco Jiménez y su acordeón, quien ha colaborado con Dylan o Dr. John aparte de ser miembro de Texas Tornados. La slide de Ry es marca de la casa y su firma aparece en multitud de créditos de discos como músico de sesión (Randy Newman o Maria Muldaur) desde finales de los años sesenta, cuando tomaba clases como discípulo aventajado de Reverend Gary Davis. Muy pronto llegó a formar parte de proyectos musicales al lado de colegas de profesión tan reputados como Taj Mahal (el grupo Rising Sons) o Captain Beefheart, a sus órdenes en los dos primeros álbumes, por no hablar de su presencia en uno de los últimos discos de los Stones para la Decca, el Let it bleed. Más reciente, en los ochenta, brillaba por su aportación fundamental a la banda sonora de Paris, Texas o por involucrarse en Buena Vista Social Club. ry cooder. 30 de junio, en Barcelona (Palau Sant Jordi) / 1 de julio, en Madrid (Palacio de Congresos del Campo de las Naciones) / 2 de julio, en Bilbao (Palacio Euskalduna)

tres décadas de distorsión californiana Tan contentos están exhibiendo ese currículo de treinta años de rock’n’roll en el underground. Gira de celebración de efemérides de Social Distortion —qué bien la compañía de los siempre renovados y un paso por delante Sex Museum, aparte de los suecos Durango Riot, complementando el cartel— que es una obligada parada en el libro que habla de la historia de ese hardcore punk que ha tenido tantas ramificaciones y tantos imitadores. ¿Presentarán nuevas canciones? Hay que echar la vista demasiado atrás —cinco años casi— para encontrarse con Sex, love and rock and roll. ¿Se acordará el jefe Mike Ness de que tiene obra en solitario? ¿Se desnudarán y demostrarán que los buenos grupos pueden quedarse en esqueleto y en acústico sin sufrir merma? social distortion. 4, Madrid (Riviera) / 5, Barcelona (Razz) / 6, Barakaldo (RockStar)

la reunión les ha devuelto el gancho

vincent flour

La unión hace la fuerza. Camino conjunto en First album, cada cual por su senda para atacar sus aventuras en solitario con no mucho relumbrón (a razón de dos discos por cabeza y publicados casi al unísono) y ahora, de nuevo, compartiendo cartel para su última entrega, que se llama Two. Aquí se atisban detalles —cuestión de experiencia y del aprendizaje de ocho años— de que se pueden transitar otras sendas distintas a las esperadas. Por ello no deja de ser saludable ver que, junto a algún amago de soul con mayúsculas, la pareja incluso se atreve con aquel Suspicious minds de la etapa melódica del rey Presley. En los conciertos que vienen está garantizada la fusión de piezas de pegada de la nueva entrega como Indulgence o PPPO, al lado de esos Stripper o Frank Sinatra que forman parte del ayer, o incluso aquella pieza, Gratin dauphinois, que fue su bautismo como colaboradores musicales. Caroline y Michel garantizan una buena sesión de post-electro-clash o como queramos llamar a esa nueva era estrenada con esta gira que arrancó en Glasgow a comienzos de mayo.

baile de última generación Diez años de vida desde que Warren y Casey se inventaron su proyecto bebiendo del legado de los primeros Kraftwerk y mezclándolo con las últimas tendencias de la música para bailar. Ellos también son (o eran) electro-clash, pero con el toque más moderno, el del momento. Las melodías se enroscan, el estribillo se hace adictivo, los coros acompañan y se quedan a la primera... Todo ello forma parte de su tercer disco, Entertainment, que incluso deja atrás a su triunfal Odyssey. Y la pregunta es: ¿cuánta gente se subirá esta vez al escenario con los propios protagonistas? (han llegado a ser hasta veinte). fischerspooner. 20, Madrid (Joy)

miss kittin & the hacker. 19, Barcelona (Razz) / 26, Barakaldo (RockStar) / 27, Madrid (Fabrik) / 28, Ibiza (We Love Sundays)

garaje oscuro con sabor a stones Son una de las bandas de garaje idolatradas por sus seguidores españoles, que los conocen desde aquellos finales de los setenta en que los dos líderes, Andy Babiuk y Greg Prevost, empezaron a tejer esas melodías que se balanceaban entre los viejos Stones del Aftermath y los grandes e históricos bluesman, sin abandonar el toque oscuro marca de la casa. Arrancaron como emblema de una cosecha en la que también estaban implicados Fuzztones y Cynics y se estrenaron en 1982 con aquel álbum llamado Here are... magnánimo en canciones, hasta catorce. Hoy su última obra sigue siendo el disco hecho con la colaboración de Little Steve, el chico de la calle E, ese Psychedelic sunrise que podría ser incluso el equivalente al Their satanic majestic request de Jagger y Richards, aunque también hay guiños a los Kinks, los Byrds o los Who; es una de las mejores obras de su última época y ya la presentaron en marzo en esa feria del mejor rock’n’roll que es el South by Southwest. Acompaña en la gira Roy Loney, con sabor a Flaming Groovies y Señor No.

tres gigantes U2 vienen a presentar su último trabajo al Camp Nou, con un lleno total 54 minutos después de ponerse a la venta las entradas de lo que es su 360º Tour. Los acompañan en el cartel Snow Patrol. AC/DC ampliaron su exitosa gira española de presentación de Black ice. Asimismo, Marilyn Manson viene con su novísimo The high end of the low que lleva dentro el single de Armaggedon. u2. 30, Barcelona (Camp Nou) AC/DC. 5, Madrid (Vicente Calderón) / 7, Barcelona (Camp Nou)

m. manson. 19, Bilbao (Kobetamendi)

CHESTERFIELD KINGS. 17, Barcelona (La 2) / 18, Madrid (Heineken) / 19, Carballo (Rockin Praza) / 20, Andoain (Plaza Navarra)

DISCOS 6 days riot

6 days riot have a plan

idealipsticks

mendetz

Érase una vez otro grupo y otras coordenadas musicales. Pasados unos años, reestructuración, lavado de cara y, esta vez, diana segura. Eva y Jave se han reinventado, han llamado la atención desde su atractiva maqueta e incluso ya tienen en su vitrina el trofeo del IX Villa de Madrid. Conjugan sus canciones con la K, de Kills —ellos son los jefes y son pareja—, pero también de Kinks o Troggs, porque en su universo cabe el revuelto sabroso de lo sesentero con el deje Hynde y lo más actual. Estribillo directo y guitarrazos rugientes. Así de fácil. O no tanto.

Lo que han crecido desde sus tiempos maqueteros, cuando ya llamaron la atención, luego refrendada con su debut —han pasado casi tres años—. A más de uno le habrá pillado descolocado el giro que ha dado la banda: no a la repetición y sí al riesgo. Felicidades. Los sonidos de Mendetz se han vuelto tan negros que Richard Hayes o Quincy Jones o algún familiar cercano habitan en la cercanía de ese puzle que sigue aunando lo electrónico —pero menos— y la mejor música bailable de los setenta, en su vertiente más disco y funky.

www.myspace.com/idealipsticks

www.myspace.com/mendetz

oniric

helene

Agradable sorpresa. Aquella canción (Técnica vocal) grabada en demo y descubierta en directo en un Minifestival Miracles for Sale es la puerta de entrada a la exhibición de gusto por el pop elegante, que hace buenas migas con el blues-jazzbossa y hasta ruido que exhibe María Rodés. Suena un tema y cuando se le va siguiendo los pasos, de repente, hay un quiebro y se empieza a transitar por otra senda. El recortable funciona. Tres minipiezas en una formando un todo. No es fácil usar el pegamento. Lies y Tan normal se ajustan al molde y The wild girl es la excepción.

Éranse una vez aquellos Cocteau Twins que sentaron cátedra. Algo de valor, pues, habrá que darle a las palabras de Simon (añadan también la etiqueta Bella Union) cuando señala a Helene, voz y alma del grupo que se llama como ella, como una de las letristas del momento. Quien termina de rematar las canciones es Graham. Si a la tercera va la vencida, con este álbum lo han logrado. Paisajes melancólicos y una guía que es su solista, que se balancea entre los recordados Mazzystar y los momentos más líricos de Björk. Yesterday’s girl es uno de sus mejores momentos.

www.myspace.com/oniric2

www.myspace.com/helenetheband

radio days

El folk pop está de moda. Y este numeroso combo londinense —aquí suenan guitarras, ukeleles, trompetas, violines... —, capitaneado por Tamara Schlesinger, está a punto de publicar un segundo álbum en su propio sello discográfico, Tantrum. Será la continuación a Folie a deux, su debut en 2004, que produjo el afamado Steve Levine. Además, van a presentarlo en una extensa gira que pasará incluso por el legendario Festival de Glastonbury. Para entonces, su adictivo Run for your life, con su estribillo deliciosamente pegajoso —elegido como single y colocado en situación estratégica en el disco—, seguro que ya le ha abierto marcha a un álbum en donde hay temas tan rotundos como Be with me, O those kids y Breakdown (que podría ser la otra cara). Música que nace de la raíz y lo tradicional en clave optimista, con un cierto toque de carnaval y algún que otro ramalazo de los sonidos de Europa oriental. Un disco, por cierto, que empieza siendo atractivo por la portada —como su página web— con sus bonitas ilustraciones.

www.myspace.com/6dayriot

sin técnica

souvenir

heliotrope

peaches

the vaselines

sr. nadie

Nueva entrega —y van cuatro— de la canadiense Merrill, que ha entrado en su ¿madurez? Salta a la vista que aquí hay más sustancia. ¿Será por las estrellas invitadas (Simian Mobile y Digitalism) a la cita? Al someterse a la criba salen a la superficie las ideas (Lose you es uno de los mejores momentos), las armonías vocales están más presentes y se agradece que no haya tanto recurso de relleno (aunque la pieza que le da título sea el no va más de la apología danzarina). Pero por mucho que lo mejor esté del inicio a la mitad, ojo al cierre con Take you on, una delicia y el toque distinto.

Misterio resuelto. Después de la edición de este doble con colección de material publicado en su momento, demos, directos —aquellos conciertos de Bristol y Londres— y demás fetiches, quedará despejada la duda de por qué un buen día Kurt Cobain se enamoró de este dúo escocés hasta el punto de incluir en el repertorio de Nirvana canciones de Eugene y Frances. Toda la frescura e inocencia de esas composiciones de hace dos décadas, de nuevo a primer plano. ¡Qué placer recuperar esa bocinilla de adorno en la mítica Molly’s lips!

A doble banda. Jaime vuelve con Sexy Sadie, con los que hizo historia aunque sea por un ratito y, mientras tanto, encamina su nueva aventura, que se iba a llamar Nu (como una de las canciones, la escondida, que aparece en este EP), pero en el último momento se bautizó como Sr. Nadie en homenaje a su ilustre pasado. No puede estar más aprovechada la minutación. Un tema estelar que se queda a la primera y le echa carreras de brillantez a ese Ilusos en el espacio que firmaría Bowie en sus tiempos de astronauta. Y hay más: una revisión de Lo que quieras oír de aquellos Pistones ochenteros.

www.myspace.com/peaches

www.myspace.com/thevaselinesband

www.myspace.com/jaimenadie

i feel cream

enter the vaselines

ya no puedo seguir así

arte por darío fernández

A la (buena) salud de la fotografía photoespaña: la cita de cada año con los genios de la cámara

Arriba: Pareja haciendo el amor (Edam, 1970), de Ed Van der Elsken y Bar Giamaica (Milán, 1953-1954), de Hugo Mulas. A la izda.: Decidimos dejarles decir «estamos convencidos», dos veces (2002), de Walid Raad. A la dcha.: Mickey Mouse, de la serie Detención juvenil (2001), de Sergei Bratkov.

el festival despliega de nuevo la obra de los fotógrafos más audaces por toda la ciudad En los últimos meses, la agenda artística en Madrid ha contado con un alud de propuestas relacionadas con la fotografía, demostrando que la disciplina goza de una buenísima salud en nuestro país. A este enorme interés se le han sumado propuestas de calidad en museos, galerías y festivales hasta llegar al que es, quizá, la punta de lanza de la categoría: el XII Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales, más conocido como PHotoEspaña. El certamen, que este año cuenta con 72 exposiciones entre sección oficial y Off, repartidas en 60 espacios expositivos, ha decidido tomar como hilo conductor lo cotidiano, la experiencia y el testimonio

real, la fotografía como documento. Y para ello, se reúne la obra de una auténtica pléyade de estrellas: Gerhard Richter, David Goldblatt, Dorothea Lange, Larry Sultan, Hans-Peter Feldman, Malick Sidibé, Jindrich Styrsky, Zhao Liang, Ugo Mulas, Patrick Faigenbaum... y un etcétera de artistas que llenaría toda esta página. Así, en PHotoEspaña, se podrán visitar exposiciones sobre temas tan variados como la poética del vacío y el silencio en las grandes metrópolis, las miradas inquietantes de los testimonios de la ex Unión Soviética, archivos de evidencias forenses y científicas, costumbrismo de los pueblos de España, surrealismo fotográfico, los años treinta y cuarenta en EE UU... una variedad de temas, tratamientos y técnicas, y oportunidad tanto para autores consagrados como

propuestas emergentes. Sin embargo, no sólo de imagen fija vive el festival; también se podrán visitar las instalaciones multimedia de Íñigo Manglano-Ovalle sobre la vigilancia tecnificada, un ciclo del personalísimo cine documental de Pedro Costa o el pack de foto, vídeo y escultura que propone Walid Raad para exponer la historia del Líbano, entre otros. Con el programa expositivo OpenPHoto en Cuenca, de propuestas de embajadas e instituciones internacionales, y dos sedes foráneas en Portugal e Italia, el festival se expande más allá de Madrid, aunque la capital siga siendo hasta finales de julio el epicentro de homenaje de un arte más vivo que nunca. photoespaña. Madrid / Múltiples sedes / Hasta el 26 de julio / www.phe.es

tedy cruz

cartografía de nuestros límites

El IVAM inicia su ciclo Confines con una reflexión sobre nuestro lugar en el mundo y las fronteras que se alzan alrededor. ¿Qué barreras nos separan del extraño? ¿Y de nosotros mismos? Desde los parajes borrosos de Rothko, hasta el diálogo entre la materia pura y la espiritualidad de Tàpies, pasando por el análisis de la figura humana y la arquitectura de artistas como Gormley o Teddy Cruz. Y todo ello en busca de nuestra identidad y las posibles utopías a través de pintura, instalaciones, escultura... Un nutrido número de artistas participan en esta ambiciosa exposición que presenta un futuro en el que convivirán la destrucción de aduanas y el celo por el espacio vital. CONFINES. Valencia / IVAM / Hasta el 15 de noviembre / www.ivam.es

anatomía de un maleante En 1984, TV3 emitía en directo la persecución por las calles de Barcelona del Vaquilla, delincuente mítico que el CCCB quiere recuperar en su particular homenaje estético y simbólico a los rateros que vivían peligrosamente y que escuchaban a Los Chichos a toda pastilla como banda sonora de sus vidas. La cara del Vaquilla contra el asfalto es uno de los iconos de una década repleta de avatares sociales, económicos y políticos que favorecieron que los quinquis fueran portada, día sí, día también, de la prensa amarilla de nuestro país. La exposición reivindica a estas figuras del extrarradio a través de las películas que los han aupado a la categoría de (en este caso, sí) antihéroes. Rebeldes con causa como el Jaro y el propio Vaquilla inspiran una filmografía con títulos como Navajeros, Perros callejeros, El pico o Yo, el Vaquilla, protagonizada por el mismísimo implicado. Una delincuencia juvenil analizada también desde sus pósteres, música, barraquismo urbanístico, el pésimo sistema educativo, los salones recreativos, el reformatorio y la cárcel. El auténtico ecosistema de unos criminales callejeros que, seguramente por primera vez en sus vidas, pisarán un museo. QUINQUIS DE LOS OCHENTA. Barcelona / CCCB / Hasta septiembre / www.cccb.org

voyeurismo amigo «Lo que se puede ver en mis fotos es la ausencia total de miedo a enamorarme de las personas que capto». Ésta es una de las frases que define la filosofía de Annie Leibovitz, fotógrafa metida de lleno en el star system mundial del gremio. El Museo de Brooklyn, en colaboración con la Consejería de Cultura, Deporte y Turismo de la Comunidad de Madrid, organiza una completa retrospectiva de la artista que pasó de criarse en bases militares a hacer del striptease emocional, delante y detrás de la cámara, su leitmotiv vital. Y todo ello a través de una exposición con más de 200 imágenes entre las que se incluye su célebre faceta de retratista y estampas de sus viajes y vida familiar. Desde cómo mataban el rato las estrellas del rock (a la derecha, Patti Smith en un detalle de una de sus fotos) en sus momentos más terrenales hasta cómo las hijas de la fotógrafa van creciendo con el paso de los años; ejemplos de un mismo objetivo: la proximidad con la realidad de las personas, sean quienes sean, para sentir sus vidas como propias. ANNIE LEIBOVITZ. VIDA DE UNA FOTÓGRAFA. Madrid / Sala Alcalà, 31 / Hasta el 6 de septiembre / www.madrid.org

ARTE trastorno en el país de las maravillas

caos anunciado

El hombre contemporáneo alcanza la posteridad con la salvajada o la tontería. Una tesis que se torna real cuando la carcajada estridente ensordece cualquier límite moral y lo que nos atemoriza ha llegado a ser grotesco. Y entre tanta sentencia aparecen los conejos perversos de Luis Vidal para reflejar un mundo turbio, lleno de vandalismo lúdico y sexual en el imperio del exceso. Un mundo placentero y repugnante a partes iguales en el que pueden convivir el monstruo de Amstetten y un ejército de dulces peluches. El abuso a los menores, la destrucción de una inocencia entintada de Disney y un infantilismo atroz en la mente de los más depravados y desquiciados es el sello distintivo de una era en la que el niño puede ser víctima y verdugo. En un planeta donde las necesidades se cubren rápido, los deseos más irrefrenables e inconfesables toman el protagonismo para imponerse con guante de seda, pero mamporreo de acero. Cuando el conejo esconde su pene en el pastel, la falta de límites para la pillería absoluta acecha en cada esquina. Eso sí, con una sonrisa.

Árboles atómicos desde los que brota el dolor, huidas desesperadas hacia ninguna parte, cuerpos encerrados en ectoplasmas azules, rostros crispados por enjambres indeterminados... La obra de Charley Case es una postal obsesiva en la que el vídeo, la fotografía y las instalaciones revelan un mundo que se precipita al vacío. Esta retrospectiva invita a reflexionar sobre la enfermiza relación entre humanidad y entorno a través de la siniestra poesía del que anuncia los desajustes en la armonía del mundo. DESCUADRATURA. Valencia / Sala Parpalló / www.salaparpallo.es

LUIS VIDAL. EAT ME ALICE. Barcelona / MiTO Art Gallery / Hasta septiembre

pop para enfrentarse a la crisis Danzad, danzad, malditos es la traducción de la famosa película de Sydney Pollack (They shoot horses, don’t they?), un filme que narra la historia de un enloquecido y maratoniano concurso de baile en plena Gran Depresión estadounidense, la lucha del circo para conseguir el pan. En la actualidad, con la palabra crisis omnipresente en la televisión, en los diarios y como una sombra pegada a nuestros zapatos, no hay nada mejor que poner buena cara y divertirse hasta morir. Carlos Aires traviste la realidad y la llena de exuberantes colores y formas, desafiando las convenciones, buscando la sorpresa y tapando las miserias cotidianas con la hipnosis del lenguaje pop. Una lectura que, sin embargo, no esconde la perturbación que produce el afán de refugiarse en una cueva de delicioso tiramisú con la que está cayendo fuera. Por esa razón, el artista plantea la desorientación entre lo que es real y lo que es ficción, lo que es natural y lo que es artificial, lo que nos va a golpear en las calles y lo que nos narcotiza apoltronados ante los medios de comunicación. Todo es de colores, o al menos eso queremos creer. danzad, danzad, malditos. Barcelona / ADN Galería / Hasta el 31 de julio / www.adngaleria.com

¡esto lo hace hasta un crío! El Guggenheim de Bilbao desafía el tópico con una serie de talleres que implican a los niños en la creación y la comprensión del arte contemporáneo. Todo ello, coronado con una exposición de fin de curso que reúne el trabajo de 183 escolares en disciplinas como fotografía, pintura, vídeo, grafiti, música, arte digital... Porque, efectivamente, ellos también pueden crear arte. Fresco, desenfadado, virgen. APRENDIENDO A TRAVÉS DEL ARTE. Bilbao / Guggenheim / Hasta el 23 de agosto / www.guggenheim-bilbao.es

LECTURAS por ELENA MEDEL

las dos caras de un narrador Salvador Gutiérrez Solís escribe su ‘Ciudadano Kane’

una novela bipolar En Salvador Gutiérrez Solís (Córdoba, 1968, aunque reside en Sevilla) conviven el Doctor Jekyll, un aplicado narrador que entrega a imprenta casi una novela por año, y el Señor Hyde, un enloquecido artista que no desdeña temas incómodos, piruetas de estilo. Títulos anteriores, como los publicados durante su etapa con la editorial DVD (La novela de un novelista malaleche, Spin off, Más de mil bestias atrapadas en un punto) o el libro de culto —por distinto, y por mal distribuido— La fiebre del mercurio, allanaron el camino para esta nueva obra, El orden de la memoria, la armonía entre el Gutiérrez Solís más libre y gamberro, y el que teclea con vocación más comercial (El sentimiento cautivo, Barnaby Conrad). El presidente de Almacenes Granero ignora que atrapa su memoria al pulsar un botón, que la encierra en los tubos de plástico rescatados quince años después; no sabe que los revelará por una confusión, que con ellos sacará también a la luz secretos que lograba olvidar «casi siempre», que «tanto el tiempo como la fotografía juegan en su contra, están ahí recordándole lo que es, lo que será», según ha declarado el mismo Gutiérrez Solís sobre su protagonista. Eloy Granero negocia su segundo divorcio, sale por las noches y miente sobre su profesión para ligar sin consecuencias,

kritipop

‘El orden de la memoria’ es, también, el caos del hoy: un libro sobre las falsas apariencias De todas las fotografías que dispara Eloy Granero se imprimen dos copias: una que él recoge y almacena, y otra para Claudia, la encargada de la tienda de fotografía en la que Granero revela desde hace veinte años que las guarda sin confesar nada a nadie. Mencionaríamos thriller de conocer estos datos y pensar, por ejemplo, que Eloy Granero es profesor de instituto y un muy corriente padre de familia; pero su apellido coincide con el de los grandes almacenes que tienen la mayor cifra de facturación del país, y su despacho domina la sede central, empequeñeciendo la palabra ‘intriga’.

Salvador Gutiérrez Solís arriesga con una novela de calidad, pero con vocación masiva.

corteja a la periodista que se encarga de un reportaje sobre él para Gente, ama la vida y ama la infidelidad. Lo que se espera de él, casi; una madre tiránica, que aún controla la empresa desde la finca familiar, una hermana con más talento que él pero discriminada por ser mujer, y una conocida —Claudia— que colecciona en silencio todos sus recuerdos. Y en el negativo de la fotografía, la oscuridad: la obsesión por el sexo pagado, violento, la pérdida de la razón, los episodios guardados en cajas —junto a

instantáneas de fiestas y paisajes—, las mujeres muertas cuyos nombres e historias se confunden. Y, mientras tanto, un monumento al flashback y a la estructura cinematográfica: un salto del presente al pasado, de la descripción —las rutinas de Eloy Granero: en la oficina, en el bar, en las citas— a la narración y al puro diálogo, igual que si se tratara de fotografías cayendo de una caja, en un baile de caos, desordenando con ellas la memoria. el orden de la memoria. Destino / 304 páginas / 18,50 euros

LECTURAS noruega: menú para degustar Si el calendario señala que hoy es miércoles, esta ciudad por la que caminamos debe de ser Oslo: el turismo de circuito te encierra en un autobús y otorga diez minutos para fotografiar sonrisas y monumentos, se diseña como un ambicioso menú de degustación. Sin embargo, el itinerario que presenta Mujeres de los fiordos resulta asequible para el lector; la bandeja con salmón y alce y manzanas típicos del país se degusta sabrosa, muy ligera. Calzado cómodo y servilleta al cuello para estos diez relatos de escritoras noruegas, nacidas entre 1973 y 1935 —se presentan por orden cronológico inverso—, compilados por Cristina Gómez Baggethun y con un traductor diferente para cada texto. Trude Marstein y los ligues de bar que te amargan la noche, Karin Fossum y una escena de padres e hijos, Hanne Ørstavik se refiere al amor, Beate Grimsrud —no sólo— pasea, Merethe Lindstrøm es testigo de un accidente, Gro Dahle pervierte al vecino Andersen, Karin Sveen recuerda —la familia, de nuevo—, Laila Stien mide el universo en domingo, Herbjørg Wassmo baila perequiana por su memoria, Bjørg Vik afina pianos mientras armoniza vidas: no comparten nuestro idioma, no soportarían nuestro verano, pero se nos parecen.

cómo contar el combate del siglo A un lado del ring, quizá sosteniendo la toalla, el traductor —también narrador: no se pierdan su Carreras delictivas— Juan Sebastián Cárdenas, especialista en verter sin manosear el original, pulcro y brillante; entre el público —puede que apurando un cigarrillo—, el novelista Andrés Barba, que se marca un prólogo de aúpa, no paráfrasis del reportaje posterior, casi ampliación de miras. Entre ellos dos, a pie de cuadrilátero, manchando de whisky su libreta de notas, Norman Mailer: alguien cuya amistad jamás habríamos echado de menos, pero de quien adoramos cada párrafo en el que imprimiera su sudor. Sobre la lona Joe Frazier, una locomotora, y Muhammad Ali, un mito: «Soy joven, soy guapo, soy rápido, soy elegante y probablemente no pueda ser golpeado», cuenta Barba que afirmó el todavía Cassius Clay. Sin embargo, en la pluma de Mailer todo es distinto: cuando Muhammad Ali rechazó participar en la guerra de Vietnam se le retiraron los permisos para boxear —y la posibilidad de revalidar títulos—, así que es 1971 y se enfrenta a Joe Frazier para recuperar el cinturón de los pesados. ¿Hacia qué tema escala En la cima del mundo? «Existen otros lenguajes ajenos a las palabras, lenguajes de símbolos y lenguajes de la naturaleza. Existen lenguajes del cuerpo. Y el boxeo profesional es uno de ellos». ¿Un texto sobre el boxeo como deporte, como espectáculo? ¿Sobre el éxito («el boxeo es un debate fugaz entre dos inteligencias») o el fracaso? La columna vertebral —sospechamos— no deja de ser Ali y sus circunstancias: aquel hombre que «es y será siempre el primer psicólogo del cuerpo». en la cima del mundo. 451 Editores / 120 páginas / 14,50 euros

caballeros de lujo y miseria

mujeres de los fiordos. Nórdica / 176 páginas / 15 euros

El dandi luce un pañuelo de seda doblado que asoma en la chaqueta, besa tu mano mientras clava sus pupilas en tu pupila azul, se gana con sus modales británicos y su buen gusto francés el cariño de tu madre y la envidia de tu novio; se trata de «una suerte de irónico santo, un eremita mundano, un mártir del lujo». Los dandis parecen figuras enterradas en el polvo del siglo xix, sin derecho a los museos, pero el profesor Giuseppe Scaraffia ha deslizado el trapo por sus sombreros y levitas, regalando a imprenta —en una edición recoleta y hermosa, según nos malacostumbra la nueva etapa de Antonio Machado Libros— este Diccionario, que la nota de contraportada califica de «incisivo». No le falta razón: la genealogía abarca del Beau Brummell, el primero de la lista, a ¡Maiakovski!, «el dandi revolucionario de lúcida cabeza rasurada», pasando por los esperables Baudelaire, Wilde, Proust o Scott-Fitzgerald; y el volumen se remata con un glosario dandi, desde aspectos prácticos —casi de higiene diaria— como belleza, cigarros, corbata o espejo, hasta la filosofía con dialéctica, felicidad, impasibilidad, soledad o una poética del mismísimo personaje. Para caerse de espadas, y que te recojan. Diccionario del dandi. Antonio Machado Libros / 220 páginas / 12 euros

amnesia

libro de las derrotas

LA MÚSICA ES MI AMANTE

«Me olvido de respirar»: si conoces la obra de Lunch, intuirás difícil —cuanto menos— que su mente permanezca en blanco. Su nueva obra parte de la matanza de la Guerra Civil en Belchite, y en ella firma doce poemas bilingües y catorce fotografías; Amnesia incluye, además, la atmósfera musical Forget to breathe —de Jacob Kirkegaard— y el vídeo Ghosts of Spain, que Lunch ha concebido con Mark Cunningham: «La sangre no es más que recuerdo sin lenguaje».

«Vivimos —afirma Orihuela— en la época de la taquicardia». Contra la supremacía del escaso número de páginas, frente a los libros «de decoración más que de lectura», y para armar la teoría del bricolaje —e interrogar y plantear dudas a lo social—, este salto del aforismo a la reflexión, de lo político a lo ensayístico, de la densidad a la ironía. Incómodo en el discurso, con una estructura de piedras irregulares, merece la pena dejarse golpear por él.

«Las luces del escenario se acentúan... Se escucha una fanfarria...». Damas y caballeros: jazz es Duke Ellington. Y sus memorias —divididas en ocho actos, fragmentadas en lugares y nombres, dramatis felidae— envuelven y sorprenden; no ya por lo que cuentan —que también—, sino por cómo cuentan, con naturalidad y ritmo, y por la lucidez casi filosófica con la que reflexionan. «La música es mi amante —afirma en el epílogo-entrevista—, yo vivo con la música».

lydia lunch. Contemporánea y

ANTONIO ORIHUELA. La Oveja Roja /

Duke Ellington. Global Rhythm Press /

propost.org / 48 páginas / 15 euros

112 páginas / 12,50 euros

544 páginas / 25 euros

el rey del mambo

younger than jesus

la aldea de las viudas

Más allá del teclado, un autor que nace en Francia, estudia en Inglaterra y fabula en español; página a página, una ópera prima que trenza picaresca, novela negra y secretos dolorosos. El todopoderoso Josep Casals desciende de Sarriá a los bajos fondos, en una degradación más moral que económica, para localizar a su hijo Fernando; el retrato de una clase social y también de una ciudad —Barcelona— a la que se otorga un nuevo protagonismo.

El New Museum neoyorquino acoge la exposición trienal The generational, que convoca —por los clavos de Cristo— a más de 500 artistas menores de 33 años, nacidos en cualquier lugar del mundo y que trabajen en todas las disciplinas imaginables. Y Phaidon los reúne en este volumen, «diseñado como si fuera una guía telefónica», pero que más que agenda es oráculo: 150 comisarios, críticos, blogueros y profesores no pueden estar equivocados.

«El día que desaparecieron los hombres empezó como un domingo común y corriente en Mariquita» suena a realismo mágico fluido, en el que la traducción de Juan F. Merino tiene mucho que ver. La guerrilla rapta a todos los hombres de una aldea colombiana, excepto a dos, y las mujeres se enfrentarán a esta ausencia para contar su propia historia: una novela transoceánica, de larga duración, pero que se lee igual que un viaje de alta velocidad.

Johari Gautier Carmona.

varios autores. Phaidon / 544 páginas / 49,95 euros

james cañón. La Otra Orilla /

Irreverentes / 148 páginas / 14 euros

368 páginas / 24 euros

en VIÑETAS

por pedro botero

Ombligo sin fondo Lo primero que llama la atención de Ombligo sin fondo es su descomunal volumen, más de 700 páginas de novela gráfica —algo sorprendente por tratarse del trabajo de un veinteañero— ante la que, por encima de todo, no debemos tener miedo: su lectura es ágil por mucho que Dash Shaw recomiende un descanso entre cada uno de los tres bloques que componen la obra. A Shaw lo conocemos en España por La boca de mamá y su participación en los sobresalientes álbumes colectivos Mome, si bien estamos ante el que de largo es su trabajo más ambicioso hasta la fecha, una novela gráfica que, si bien podemos encajar dentro del slice of life, deja volar la imaginación y se toma licencias estilísticas que la alejan de otras referencias del género como Blankets o La vida está bien si no te rindes. Parte Ombligo sin fondo del momento en que un matrimonio ya casi anciano comunica a sus tres hijos que se van a divorciar. A partir de ahí los siguientes seis días de convivencia familiar, de reacciones, conflictos y frustraciones, se convierten en el nudo gordiano que sólo la lectura de esta obra, llamada a convertirse en uno de los títulos del año, podrá desentrañar. Dash Shaw. Apa-Apa / 720 páginas en blanco y negro / 27 euros

Epiléptico

Freddie y yo

El primer volumen de La ascensión del gran mal le valió a David B. en su momento el premio a la mejor obra internacional en el Salón de Cómic de Barcelona. Ahora, ocho años más tarde, la obra íntegra se reúne en un solo tomo bajo otro título en lujosa edición de tapa dura. Poco nos queda por decir de Epiléptico que no se haya comentado ya. Estas memorias de los años infantiles junto a su hermano enfermo de epilepsia suponen una de las cumbres absolutas del cómic de autor de siempre, un tormentoso exorcismo personal que ha sido tomado como modelo —en lo gráfico y en lo narrativo— por nombres hoy tan laureados como Marjane Satrapi. Imprescindible.

Freddie y yo es la historia de un niño que se hizo mayor, de uno como cualquiera de nosotros, de aquellos a los que un dibujo, una canción o la escena de aquella película todavía les sigue despertando un instintivo brote de pasión. Mike Dawson se ha hecho mayor, sí, pero a sus cuarenta años lo que de verdad le motiva en la vida es la música. O mejor dicho, la música de los Queen de Freddie Mercury, que es desde siempre su banda predilecta. Con un grafismo cercano al de Alex Robinson y similar pulso narrativo, esta obra es una celebración en toda reglar del fenómeno fan.

David B. Sins Entido / 374 páginas en blanco y negro / 20 euros

Mike Dawson. La Cúpula / 304 páginas blanco y negro / 20 euros

El otro mundo Miguel Brieva es una rara avis en el panorama del cómic no ya nacional, sino incluso allende de nuestras fronteras. Para empezar, porque su estilo se encuentra a caballo de muchas cosas —¿cómic? ¿humor? ¿tira de prensa?— sin terminar de decantarse por ninguna. Crítico, ácido y poseedor de un potente universo gráfico que bebe de los comerciales publicitarios de los cincuenta, ha sido requerido por numerosas cabeceras de prensa en nuestro país. El otro mundo recopila esos trabajos y los muestra en formato grande en todo su esplendor. Miguel Brieva. Mondadori / 144 páginas en color / 16,90 euros

videojuegos por jaume esteve gutiérrez

sobredosis de realismo en el campo de batalla nueva entrega de ‘operation flashpoint’

superhéroe por un día A los chicos de Cryptic Studios les va el rollo superheroico. Lo demostraron en City of heroes y ahora repiten temática con Champions online, un juego de rol masivo en el que nos toca crearnos un superhéroe y salir a la calle a impartir justicia. La idea nació de las cenizas del cancelado Marvel Universe online, que ha servido de base para el desarrollo de este proyecto. Como en toda buena historia de superhéroes, la némesis está presente, pero a cargo del propio jugador, que diseña su aspecto y sus características. champions online (PC). Cryptic Studios. www.champions-online.com

Operation Flashpoint: Dragon rising traslada el espíritu del juego original a nuestros días.

combate abierto y operaciones especiales en uno de los títulos de éxito de la temporada Los checos de Bohemia dieron un golpe de efecto en 2001 con la salida de Operation Flashpoint, uno de esos juegos que redefinen un género. En Operation Flashpoint: Cold War crisis, el realismo extremo fue la principal premisa: además de la fidelidad máxima al aspecto técnico, la participación del usuario podía resolverse con una sola bala y la presencia del enemigo no era un cara a cara como es habitual en otras propuestas... más de una vez el tiroteo se desarrollaba contra siluetas a cientos de metros de distancia. Acertar un disparo era poco más que un milagro. Codemasters, distribuidora del original, se ha lanzado ocho años después a la piscina para desarrollar la secuela: Operation Flashpoint: Dragon rising. La acción se traslada a nuestros días (al contrario que en Cold War crisis, que se ambientaba en los últimos años de la Guerra Fría), concretamente a la ficticia isla de Skira, que será el foco de un enfrentamiento entre rusos y chinos por un yacimiento de petróleo descubierto recientemente. Los desarrolladores, que saben la franquicia que tienen entre manos, han adaptado la máxima de no tocar aquello que fun-

a desempolvar el wii zapper

ciona bien. O lo que es lo mismo, su trabajo se ha basado en trasladar el espíritu del juego original sin perder de vista el aspecto técnico propio de la nueva generación. Esta vez la acción se dividirá en dos modos: el combate abierto de ejércitos regulares, donde más de uno podrá gritar aquello de «están por todas partes», y otro centrado en un grupo de operaciones especiales basado en misiones de sigilo, tan de moda estos días. Operation Flahspoint: Dragon rising aspira a ser uno de los superventas veraniegos. No le será difícil si incorpora un buen modo online, que a buen seguro acabará con más de un mando en el suelo producto de la desesperación.

SEGA está empeñada en reconciliar a los jugones de toda la vida con la Wii. Ya dieron el primer paso con Mad world, esa alocada orgía de sangre y vísceras en blanco y negro, y ahora vuelven a la carga con The conduit, un shooter en primera persona desarrollado por High Voltage y que va a permitir juntar online a una docena de jugadores. El Wii Zapper ya tiene una excusa para dejar de amontonar polvo en la estantería. THE CONDUIT (Wii). High Voltage. A la venta el 23 de junio. www.conduitgame.com

O. F.: DRAGON RISING (Xbox, PS3, PC). Codemasters. www.codemasters.com

LOCALIZADOS junio 09

las semillas del eco-londres

el clima es gris, pero la ciudad se está poniendo verde Por pedro bravo

Hace tiempo que Londres no genera uno de esos virus underground que se contagian por todo el mundo, transformando su cultura juvenil. Hace tiempo que Londres es la capital del capitalismo. Los dos hechos pueden tener relación. La ciudad exige tanto a sus habitantes que es difícil para ellos encontrar horas para cambiar las cosas por amor al arte. Y, sin embargo, hay gente allí que está tratando de transformar la sociedad. Sin guitarras ni botes de pintura, con un plan de negocio que concibe los problemas de sostenibilidad como una oportunidad para ganarse la vida generando, además, una vida mejor para el resto. Londres es una ciudad contradictoria. A veces parece un parque temático para

ricos, pero también está lleno de estupendos ejemplos de desarrollo sostenible. Llama la atención, por ejemplo, la cantidad de coches híbridos que circulan por sus calles. Incluso hay una compañía privada de taxis llamada Green Tomato Cars (www.greentomatocars.com) que tiene una flota compuesta exclusivamente por Toyota Prius, que cobra lo mismo que la competencia y que, además, compensa el doble de sus emisiones mediante un acuerdo con Climate Care. También es sorprendente la cantidad de londinenses que van y vienen de sus trabajos en bicicleta. Con el frío que hace y el agua que cae, su compromiso puede confundirse con inconsciencia. Algo que

no ocurre con los también numerosos valientes que lo hacen corriendo, con el termómetro casi a cero, la ropa de faena en una mochila y un montón de millas por delante hasta llegar a casa. Ellos son directamente unos majaras que perpetúan las hazañas de aventureros como Sir Richard Francis Burton y Lawrence de Arabia. El visitante, en cualquier caso, puede subirse a una de las bicis de London Bicycle (www.londonbicycle.com). Por su cuenta, alquilando por 4 libras la hora, o en plan visita guiada, a 18,95 por un recorrido de unas tres horas. También puede ir a pata o en taxi ecológico. Hasta aquí el cómo, ahora va el dónde hay que ir para ponerse verde en Londres:

En Londres (arriba, una de las más reconocibles panorámicas) están proliferando los mercados ecológicos (en la pág. anterior, Borough Market) y las tiendas de moda eco (a la izda., una de las muchas del barrio de Spitafields). La mejor forma de descubrir su lado verde es alquilando una bicicleta (a la dcha.).

howies. Empezaron, como casi todos,

acorn house. Mucho más que un simple

the wholefood market. Un gigante

haciendo camisetas para surferos y locos de las bicicletas BMX y han acabado abriendo un negocio ejemplar que diseña, produce y vende ropa que trata de estropear lo menos posible en entorno. Prendas pensadas para durar sin pasar muchas veces por la lavadora, con tintes ecológicos y modos de producción decentes para tierra y humanos (aunque tienen complejo confeso por los viajecitos en avión) y un compromiso que los lleva a reinvertir un 10% de beneficios, antes de impuestos, en proyectos sociales y verdes. Ah, la ropa es muy chula... y carilla. (42 Carnaby Street. www.howies.con.uk). eco boudoir. «La lencería es como una segunda piel y por eso es importante que los materiales sean saludables». Jenny White es una diseñadora gráfica londinense y concienciada que decidió montar un negocio único, de momento, en su especie: crear lencería sostenible: seda y bambú, tintas naturales y buenos diseños. Moda ética. (www.eco-boudoir.com).

restaurante de comida orgánica. Abierto en 2007 por Shoreditch Trust, una asociación para la regeneración de comunidades, tiene por filosofía «educar y promover el cambio necesario», según explica su director, Michael Pyner. Productos, vegetarianos y no, frescos, de temporada y de cercanía, vinos orgánicos y biodinámicos y trabajo social para el barrio. Además, se come de cine y a un precio bastante sostenible. (69 Swinton Street. www.acornhouserestaurant.com). the natural kitchen. «Artesano, orgánico y salvaje» es el lema de este local que no sólo da de comer bien y barato, sino que también tiene una tienda en su planta baja llena de ingredientes para una compra de gastrónomo concienciado. El más ancho de Little Britain se zampaba un menú de 15 euros el día de nuestra visita. (77-78 Marylebone High Street. www.thenaturalkitchen.com).

de la distribución de comida para salvar el mundo. Otra contradicción de lo más orgánica. Aquí se ve la cara del tío que ha cultivado la lechuga que se compra y se presume de trazabilidad y localismo. Pero también hay tés llegados de muy lejos y envueltos en plásticos y, vaya, la empresa propietaria es de Austin, Texas. Eso sí, tiene unas bases casi a prueba de foro de Internet y, en cualquier caso, la oferta es abrumadora y de primera. (63-97 Kensington High Street. www.thewholefoodmarket.co.uk). borough market. Mucho más real, este mercado es un clásico. Quesos, carnes, verduras, pescado, todo fresco, todo a la vista, todo tentación. Hay locales de comida ibérica (Brindisa), restaurantes de postín (Roast) y un puesto en el que beberse un chupito de yerba recién exprimida que tiene cierto efecto sobre la resaca. Damos fe. (Southwark. www.boroughmarket.org.uk).

LOCALIZADOS junio 09

monvinic

pepa loves

Este espacio pionero, creado por Sergi Ferrer-Salat, es un centro divulgador de la cultura del vino de referencia internacional. La bodega es el eje vertebrador y la razón de ser de Monvínic, que también tiene un wine bar, una sala para catas y conferencias y un gran centro de documentación con todos los libros, revistas, guías y catálogos imaginables. Acaba de llegar una fantástica remesa de vinos australianos, también de la isla de Tasmania, y poco tardará la reciente selección de vinos de Sudáfrica.

Ya puedes encontrar en Valencia los frescos y divertidos diseños de Pepa Karnero; camisetas, faldas y vestidos de lo más sexis, originales y, lo más importante, la mar de cómodos y asequibles. La decoración del local hace un guiño a la filosofía de esta firma malagueña, que cuenta ya con tres tiendas en España y más de 400 puntos de venta en todo el mundo. Los dibujos de paredes y cristales, diseñados por Elisa Riera, se conjugan a la perfección con la alegría e ingenuidad de Pepa Loves, que arrasa en Japón.

BARCELONA. Diputació, 249. Tel. 932 726 187. www.monvinic.com

VALENCIA. Mercado de Fuencarral. Tirso de Molina, 16. www.mdf.es

cult by mara amandi

tea shop

No puedes retrasar más la puesta a punto, el calor ha llegado y seguro que quieres presumir de un pelo y una piel impecables. En este centro de estilismo y estética, dirigido por Mara Amandi, encontrarás todos los tratamientos que necesitas: desde una puesta a punto facial (limpieza, masaje, exfoliación, hidratación...) hasta sesiones para reducir la piel de naranja, terapias capilares con productos de primera calidad o pedicura y manicura completas. Sus estilistas te explicarán cuál es el más indicado para ti.

Cuando abrió el local, hace nueve años, su propietaria sintió que se embarcaba en una aventura de riesgo, pero con el tiempo descubrió que el té tiene un público muy fiel. Y muy amplio. En esta tienda encontrarás más de 130 variedades de té negro, rojo, verde, blanco y oolong (azul o seminegro), además de unos delicados accesorios para prepararlos. La propuesta para el verano: una mezcla de lima, limón, rosa, caléndula y piña que se sirve bien helada.

MADRID. Padilla, 37. Tel. 914 014 411. www.cultma.es

BILBAO. Rodríguez Arias, 55. Tel. 944 412 804

splash@oscar

soñarte

Seguro que alguna vez has soñado con disfrutar de las vistas desde la azotea de un hotel o bañarte en la piscina de un octavo piso. Room Mate Oscar ha hecho caso a tus plegarias y abre su terraza con dos opciones: día completo (40 euros) o media jornada (20 euros). Además, de 20.00 a 0.00 h se puede subir gratis a tomar algo (un cóctel, una ensalada...) en su barra. Vistas espectaculares, un buen baño y el ambiente perfecto para desconectar. ¿Se puede pedir más?

¿Por qué debes elegir cuando puedes tenerlo todo? Así puede resumirse el espíritu de este local, que combina la vestimenta femenina de vanguardia con la creatividad artística contemporánea. La tienda tiene una zona de moda y una pequeña galería de arte en la planta superior. Así, cada objeto lleva firma reconocida: desde las piezas de arte, con exposiciones que cambian cada mes, hasta la ropa y los complementos de marcas alternativas.

MADRID. Vázquez de Mella, 12. Tel. 917 011 173. room-matehotels.com

BILBAO. Particular de Club, 2. Las Arenas. Tel. 944 805 104

scfr

vincci palace

Sacrés Français (SCFR) hace referencia al savoir-faire, a la elegancia urbanita del siglo xxi, al minimalismo presumido y a los caprichos útiles. Eso dicen los creadores de este nuevo concept-store, que ofrece una exquisita selección de las marcas más cosmopolitas del momento, en complementos para hombre, mujer y niños. Destacan las colecciones de calzado de firmas internacionales como Fred Perry, D.A.T.E., Spring Court, Schmoove, Feiyue, Kawasaki o Swear.

En un edificio modernista totalmente rehabilitado hace dos años se halla este espectacular hotel de cuatro estrellas. Ubicado en una de las calles más céntricas y encantadoras de la ciudad, el Vincci Palace es elegante y confortable y queda cerca de todo. Otra de las características por la que destaca es el trato personal y atento que ofrece su equipo humano. Posee 76 habitaciones dobles, algunas de ellas con terraza. El precio es muy asequible para su categoría (desde 86 euros/noche).

BARCELONA. Gran de Gràcia, 9. Tel. 932 188 728

VALENCIA. La Paz, 42. Tel. 962 062 377. www.vinccihoteles.com

LOCALIZADOS junio 09

jordi fernández / olokuti

«El consumo responsable no debe ser una flagelación» Hartos de trabajar en algo que no les llenaba y rodeados de gente que no les hacía felices, seis amigos se unieron para crear Olokuti, un proyecto de comercio justo, bio, ecológico y responsable, también a través de Internet. ¿Sólo una tienda solidaria o algo más? Tenemos un alcance más amplio, somos como un súper. Vendemos productos de comercio justo, biológicos, artesanía, libros, música, películas y además organizamos exposiciones, cine al fresco y conferencias. ¿Crees que es fácil consumir de forma responsable? No queremos ser outsiders, por eso todo el mundo puede tener acceso a estos productos e ideas. Ahora bien, tampoco somos tali-

banes del comercio justo: no tenemos after shave, así que lo compramos en el súper. ¿Habrá supermercados responsables en un futuro cercano? En Inglaterra ya existen. ¡Marks & Spencer está empezando a distribuir comercio justo! En España vamos muy por detrás. Allí puedes ir vestido de ejecutivo y comprar de forma responsable. En el futuro no será una acción tan específica, tan minoritaria. ¿Cómo son estos productos? Consumo responsable significa que no sólo estás adquiriendo un producto, sino unas consecuencias positivas: un impacto social positivo para los productores, un mayor respeto al medio ambiente y a tu salud, preservación de la cultura y la artesanía... Y ecoeficiencia. ¿En qué consiste? En hacer más con menos, unir la eficiencia ecológica y la económica. Como la ecobola, que tiene mucho éxito: no hacen falta ni detergentes ni suavizantes, limpia gracias a la acción de unos minerales y dura 3 años. También tenéis ecogadgets. Sí, como radios solares o cargadores solares, que te dan más libertad que cualquier cable.

Texto alba muñoz Foto ÓScar ferrer

¿Qué más? La alimentación aún es un poco rarita, pero hay cosas muy buenas, como el café y la cerveza. También tenemos plantas de compostaje caseras: tus residuos se convierten en abono para tus plantas gracias a unos gusanitos. Ollas solares, bolsos hechos a partir de manteles... ¿Todo nuestro consumo puede ser responsable? No, los viajes a larga distancia siguen siendo un gran vacío, porque el coche eléctrico aún no es funcional. Y las telecomunicaciones. Todo lo demás es perfectamente posible. Ya se ha acuñado la expresión «pecador ecológico». Consumir de forma responsable no debe ser una flagelación. Eso es agobiante. Debe ser algo progresivo. Ahora estamos trabajando en líneas de ropa masculina. Y tenéis un patio que es una joya. Puedes venir a tomar un té, un café o una bebida ecológica, como Bionade, a base de agua carbonatada y productos orgánicos. barcelona. Astúries, 36-38. Tel. 932 170 070. www.olokuti.com

texto javier rada dibujos eneko

VUELTA ...

... Y VUELTA

Sin tĂtulo-1 1

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