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LA REVISTA DE LA NUEVA CULTURA FEBRERO / 11 #55

‘TORCH SONGS’, DIRECTO AL CORAZÓN // FIEBRE SOBRE PATINES // COBEAGA Y SÁNCHEZ ARÉVALO // MODA SOBRE NEGRO

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FEBRERO 11 «ODIO LAS TENDENCIAS, CREO EN LA PERSONALIDAD»

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A GESIERICH LE SIENTA BIEN SER NÓMADA A nuestro revelado no le interesa la pose, sino «la vibración del momento»

Gori de Palma, uno de los diseñadores menos convencionales, nos habla sobre la moda

MÚSICA PARA LOS DRAMAS DEL AMOR

A LA BÚSQUEDA DE UNA VOZ PROPIA

CABALLEROS A ‘LOMOS’ DE UN SKATE

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Mercedes Cebrián ahonda en La nueva taxidermia en el mundo que nos ha tocado vivir

CÓMO MONTAR UN GRUPO EN MENOS DE UN AÑO Las barcelonesas Aias surgieron como un regalo de cumpleaños para sus novios

«NUNCA HABÍA ESCRITO UN LIBRO EN SOLITARIO»

Descubre Machotaildrop, una peli canadiense que triunfa en festivales

ROLLER DERBY: CHICAS DE ARMAS TOMAR Llega a España un deporte-espectáculo que está arrasando por el mundo

EL INVIERNO DE PACO ROCA, MAESTRO DEL CÓMIC Acaba de publicar su último libro mientras se prepara una peli sobre Arrugas

«HAY MUCHOS QUE CREEN QUE MEAN CHAMPÁN»

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El humorista Miguel Noguera se lanza con Ultraviolencia a una loca aventura literaria

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Las torch songs siguen la estela de Billie Holiday y Edith Piaf

Borja Cobeaga y Daniel Sánchez Arévalo diseccionan el cine español

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SOBRIEDAD Y ELEGANCIA: LA MODA VA DE NEGRO

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AGENDA

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Las ofertas culturales más interesantes de febrero

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Al día, y a diario No esperes un mes para saber lo que se cuece ahí fuera. En nuestra web te ponemos todos los días al día de lo último en cultura urbana.

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EJEMPLAR GRATUITO en establecimientos públicos de Madrid, Barcelona, Valencia y Bilbao. Localiza tu punto de distribución más cercano en nuestra web.

DIRECTOR: Juan Carlos Avilés (javiles@calle20.es). REDACCIÓN: Pilar Sanz (jefa de redacción) (psanz@calle20.es).

DISEÑO Y PRODUCCIÓN: Marta de los Dolores (mdelos@calle20.es). CORRECCIÓN: Raquel Martín. PUBLICIDAD: Lola Díaz (jefa de publicidad) (ldiaz@calle20.es) Tel.: (34) 917 015 600, ext. 603.

DISTRIBUCIÓN (distribucion@calle20.es) Guillermo Estébanez (Madrid), Xavier Pons (Barcelona y Bilbao), Antonio Carmona (Valencia).

FOTOMECÁNICA: Espacio y Punto. IMPRESIÓN: Printer Industria Gráfica. EDITA: Línea 20 Revistas, S. L. Sociedad unipersonal. www.20minutos.es, nosevende@20minutos.es. Condesa de Venadito, 1, 28027 Madrid.

Tel.: (34) 917 015 600. Fax: (34) 917 015 660. CEO: Eduardo Diez-Hochleitner. Director editorial: Arsenio Escolar. Director comercial: Luis Alberto Rivero. Directora comercial adjunta: María Jesús Rodríguez.

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Producción: Francisco Fernández Perea. Administración: Luis Oñate. Sistemas: Juan José Alonso. 20 MINUTOS ESPAÑA: Presidente: Sverre Munck.

Depósito legal: M-40343-2005. Calle 20 no se hace responsable de las firmas que en ella aparecen, ni de sus opiniones, artículos o comentarios.

PORTADA: Fotografía de Federico Reparaz para nuestro editorial de moda Negro sobre negro (págs. 34 a 41).

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DE TWEET A TWEET

POR JAUME ESTEVE FOTO QUENTIN DE BRIEY

EL DISEĂ‘ADOR A SEGUIR GORI (MALLORCA, 1976) ES UNA DE LAS FIRMAS MENOS CONVENCIONALES DE NUESTRA MODA. SU CARRERA CONTINĂšA EN PROGRESIĂ“N ASCENDENTE SIN RENEGAR DE SU SELLO INCONFUNDIBLE, QUE AĂšNA (POST) PUNK, SEXO Y EL COLOR NEGRO HASTA EN LA SOPA.

La primera en la frente: ÂżquĂŠ se va a llevar en 2011?

Odio las tendencias. La gente estĂĄ cansada de que le digan lo que tiene que ponerse. Creo en la personalidad, en el estilo individual, en el todo vale mientras tengas argumentos para defenderlo.

Y la antĂ­tesis obligada: ÂżquĂŠ desterramos para siempre de nuestro armario?

Los pantalones piratas. ÂżA quiĂŠn se le ocurriĂł algo asĂ­? ÂżQuĂŠ tienes en tu armario que no dejarĂĄs de vestir por mucho que pase de moda?

Mis cazadoras de cuero y mis botines cubanos. ÂżDĂłnde pasaste la Nochevieja? ÂżViste algĂşn crimen estĂŠtico?

En un after en la zona industrial de Poblenou, en Barcelona. El Ăşnico crimen fue sonoro.

Asesoras a varios mĂşsicos. Si quitamos a Lady Gaga, ÂżquĂŠ artista actual te llama mĂĄs la atenciĂłn por su estĂŠtica?

Lemmy de Motorhead. Aborrezco tanta pose y tan poca credibilidad en los grupos de hoy. Él representa un ataque contra el sistema estÊtico impuesto y prefabricado de la música. ¿Te gustaría coger a una banda y aplicarle tu sello, a lo McLaren con Sex Pistols?

Me gustarĂ­a mĂĄs descubrir a un verdadero visionario, como Richard Hell, que hacer de oportunista como McLaren. He ayudado a encontrar su sello a Sidonie, Cuchillo, Dorian, Shinoflow... No se trata de aplicar tu sello estĂŠtico para venderte, sino de encontrar el mejor para que ellos se vendan.

Una de regionalismos: ÂżquĂŠ modernos de EspaĂąa son los que visten mejor?

Los del sur, supongo que porque no tienen tantos prejuicios ni se fijan tanto en el resto. No es una cuestiĂłn de ser moderno, sino de demostrar que tienes un buen criterio estĂŠtico propio.

Acabamos con tecnologĂ­a: ÂżiPhone, mĂłvil de toda la vida o telĂŠfono fijo?

TelĂŠfono de baquelita.

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GALERADAS

TEXTO MERCEDES CEBRIÁN ILUSTRACIÓN MARÍA TITOS

La nueva taxidermia La nueva taxidermia enlaza dos historias que giran alrededor de la reconstrucción de un pasado idealizado y de la gestión del yo en el complejo mundo contemporáneo. En Qué inmortal he sido, la narradora y protagonista pone todo su empeño en disecar los espacios del pasado en los que disfrutó de algo parecido a la felicidad y coquetea con la idea de ser otra, la otra de su propio pasado. Y en Voz de dar malas noticias —a la que pertenece este fragmento—, Belinda también busca ser otra, en su caso a través de sus muñecos. Dos nouvelles sobre la extrañeza de la vida moderna, sobre la memoria y la búsqueda de una voz propia. Ya en librerías. Mondadori, 160 páginas, 15,90 euros. www.randomhousemondadori.es

Del mismo modo que el loro repite frases al tuntún tras un aprendizaje mimético, existen muñecos que dicen cosas al apretarlos aquí o allá, al darles un pequeño azote, al hacerles caricias. Se trata de frases cortas: «Dame un besito», «cuéntame un cuento», «tengo mucho sueño» —esto mismo decía, al tirarle del cordelito escondido entre su ropa, una muñeca ataviada con un faldón de bautismo perpetuo y unas larguísimas pestañas de cervatilla, propiedad de la Belinda-niña en los años setenta—. En el afán infantil de sacarle las piezas a cualquier aparato por ver cómo funciona, Belinda dio un día con el dispositivo que hacía hablar a su muñeca vestida para cristianar: una bobina negra, de plástico, de la que salía el cordelito de marras rematado por una anilla.

Gracias a algún mecanismo rústico pero eficaz, la bobina, ella solita, lanzaba las frases sin necesidad de pertenecer al cuerpo de la muñeca, proporcionando a la voz una portabilidad emparentada con la del teléfono o la radio, actuando como una cadera artificial que ya lo fuese antes de haberse alojado en el organismo de su receptor.

El muñeco total no existe: si por lo que sea nos es indispensable que tenga la rodilla articulada para manejarlo, para hacerle rezar o fregar portales y escaleras a la antigua usanza, habremos de desechar los de plástico rígido, los que sólo poseen dos meros palos a modo de piernas. De niños éramos ajenos a estas carencias: poníamos a caminar a estos muñecos sujetándolos por la cintura y propulsándolos de manera que sus andares eran más bien los brincos de un saltamontes, y todos,

ellos y nosotros, tan contentos, sin darle mayor importancia a su minusvalía.

Por sus prestaciones y su mayor sofisticación parece obvio que Belinda, para desarrollar otras voces, se acabará decantando por el muñeco de ventrílocuo, por el dummy de mandíbula de abajo compuesta por una pieza distinta al resto de su cara y cuello que le posibilita el movimiento de apertura y cerrado de la boca y marca su identidad, su clásica y ligera prognosis. Pero qué requetefeos son esos muñecos, con sus dos líneas que van de las comisuras de la boca hasta el mentón, y qué asociados están con el lado oscuro de la vida.

Si bien es ella quien se ha inclinado por esa estirpe de muñecos, lidera al mismo tiempo una cruzada personal contra los que adoptan aspecto de niños resabiados de pantalón corto o de hombres diminutos en frac, contra los personajes de una dimensión vital imposible, tan ridícula como terrorífica [...].

MERCEDES CEBRIÁN (Madrid, 1971) ha publicado El malestar al alcance de todos, Mercado Común (ambos en Caballo de Troya, 2004 y 2006), 13 viajes in vitro (Blur Ediciones, 2008) y Cul-de-sac (Alpha Decay, 2009). Sus relatos, poemas y ensayos han aparecido también en prensa (Revista de Occidente, Eñe, etc.) y en varias antologías.

MARÍA TITOS (Córdoba, 1973) colabora en prensa diaria (El Periódico de Catalunya, Avui, 20 minutos), ilustra los textos de Isabel Coixet en El Dominical y también ha publicado en las revistas Psychologies España y Psychologies México. Es autora del álbum ilustrado Papá se va de viaje (Editions du Rouergue). www.mariatitos.com

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GENIOSFERA

aias «Aprendimos a tocar nuestros instrumentos en un mes» Son veinteañeras, amigas y residentes en Barcelona. En menos de 365 días montaron un grupo, grabaron un álbum debut (A la piscina) y ficharon por Capture Tracks. La última sorpresa del indie español se manufactura en Nueva York. ¿Qué quiere decir AIAS? Viene de nuestros nombres: Laia y Gaia [al principio eran dos, luego se sumó Miriam]. Parece que tengamos 4 años, pero no nos arrepentimos porque un nombre que empieza por A tiene muchas ventajas. ¡Sales al principio de las listas! ¿Es verdad que el grupo se formó como un regalo sorpresa para vuestros novios? Sí, no teníamos ideas para su cumpleaños y lo único que se nos ocurrió fue organizar un concierto. Al cabo de un minuto dijimos: «¿Y si montamos un grupo para que toque en ese concierto?».

En un mes habíamos aprendido a tocar nuestros instrumentos a escondidas.

Y casi sin daros cuenta contacta con vosotros el prestigioso sello

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neoyorquino Capture Tracks (Wild Nothing, Dum Dum Girls) para editaros el primer álbum, ¿cómo llegasteis a sus oídos? Decidimos irnos de fin de semana con Cristian Pallejà de Nisei para que nos grabara. Subimos las canciones a Myspace y entonces se puso en marcha una bonita cadena de amigos que, casi por casualidad, le hicieron llegar los temas al dueño de Capture Tracks, Mike. Una noche nos mandó un e-mail diciendo que le gustaban las canciones y que se las enviásemos en MP3. Nos fuimos a dormir muy nerviosas. Al despertar descubrimos que nos quería sacar un LP. ¿Todo esto da vértigo? No paramos de pensar que el mundo se ha vuelto loco. Pero en el fondo sólo se trata de una discográfica que está en otra ciudad y nos va a permitir tocar en sitios que nunca hubiéramos imaginado [acaban de regresar de Japón y Estados Unidos]. ¿Crees que cantar en catalán puede ser un problema con el público

anglosajón? No debería. Es la lengua en la que sonamos más cómodas y creíbles.

Para nosotras no es problema que los grupos que nos gustan canten en inglés. ¿Os ha cambiado la vida un fichaje tan repentino? No en el sentido filosófico, pero absolutamente en el más cotidiano: muchos ensayos, fines de semana fuera y vamos más cansadas al curro. Por ahora es una actividad extraescolar maravillosa. ¿Qué grupos de chicas os interesan?

En España Charades, Me and the Bees, Hello Cuca, Sybil Vane... Internacionales: Best Coast, Vivian Girls, All Girls Summer Fun Band, Bratmobile o Sleater Kinney. ¿Están superadas las diferencias con los de chicos? Es evidente que aún existen diferencias, empezando por la cantidad de grupos. A la hora de tocar, a nivel técnico o compositivo, hay de todo en todas partes, ¿no? NANI F. CORES AIAS actúan el 12 de febrero, en Barcelona (sala Apolo) / 10 de marzo, Barcelona (Let’s Festival) / 12 de marzo, Madrid (Popfest) / Puedes leer la entrevista completa en www.calle20.es

GENIOSFERA

Anna Taratiel OVNI > Dentro de ti hay un mundo abstracto

SOLEIR

Vive en Ámsterdam, donde trasladó su estudio el año pasado, y orientó sus inquietudes al arte «desde pequeña, tener un papel y un lápiz me hace viajar. Da sentido a una parte de mí, por eso quise dedicarme a ello». Hasta el día 27, participa en una exposición colectiva en SC Gallery (Bilbao) con algunos de sus «paisajes imaginarios, dimensiones alternativas, caminos laberínticos y estructuras imposibles.

Mi concepto gira alrededor de un espacio, OVNI es un nombre que escogí para definir abiertamente esta parte de mi obra». Así es como Anna Taratiel (1982) explica su alias, a la vez que reconoce: «El modo naturalista me aburre. Prefiero investigar los mundos abstractos que están dentro de cada uno». Su definición para un pintor del siglo xxi sería «mix media» (porque «hoy en día no podemos hacer casi nada sin tecnología. Eso incluiría el arte y su difusión»), pero ahora le interesa más la instalación, se siente «muy bien con la interacción en espacios físicos y cualquier trabajo manual en general». En abril participará en un proyecto del colectivo Rojo en Río de Janeiro (Brasil), y ahora mismo está investigando nuevas texturas como collages con adhesivos y cintas de colores. www.taratiel.com y www.scgallery.es

Xoanyu > El corazón entre Asturias y Oriente

Green Folks > Amigos de los bosques

Su manera de entender la moda «tiene un componente muy sanguíneo ligado a vivencias y recuerdos». Yolanda y Roxana, dos hermanas asturianas residentes en Madrid, se dieron a conocer como Musumusu y ahora estrenan nueva firma. En su universo converge el gusto por lo oriental, la música, aires retro («como componente emocional que tiene que ver con nuestra identidad.

No nos interesa plagiar décadas por pura tendencia») y la filosofía carpe diem. Para primavera-verano presentan dos colecciones: Surf and fun, inspirada en la playa y los Beach Boys; y This is an obsession, mucho más personal. www.xoanyu.blogspot.com

Si quieres hacer tu pequeña contribución a la conservación de los bosques, puedes adoptar a alguno de los cuatro entrañables personajes que ha lanzado Hommu. El zorrillo Bon Bon, el oso Kusu, el conejo Pon y el pájaro Honobono están hechos a mano en España y con mimo, y un 5% de los 24 euros que cuesta cada muñeco (su tamaño es de 17 x 25 cm) se destina a proyectos de ONG locales para replantar, recuperar especies autóctonas, etc. La firma de decoración Hommu está especializada en vinilos decorativos y trabaja con materiales totalmente reciclables. www.hommu.com/greenfolks/

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ENTREVISTA

POR JUAN P. HOLGUERA FOTO ALBERT MARIN

miguel noguera «Mi humor le gusta a la gente dada al delirio» Una voz propia en el trillado mundo de la comedia en nuestro país, su humor extravagante y abstracto es un oasis de originalidad que ahora desemboca en Ultraviolencia (Blackie Books, 2011), un libro loco y arriesgado con el que, una vez asumido su descacharrante universo, se pasa de la conmoción a la carcajada total. ¿De dónde nace tu humor, cuáles son tus referentes? No sé... Me gusta el americano Steven Wright, llegué a él hace muy poco. Funciona con frases cortas o ideas sin desarrollo, una tras otra. Todo muy serio, muy aburrido, muy plano, y por el tipo de humor me parece cercano a lo que yo hago. ¿Lo tuyo es surrealismo, arte abstracto, improvisación pura o dadá?

No aplicaría ninguna de estas categorías.

Simplemente, son ideas que se me ocurren más o menos divertidas. Sí es cierto que improviso, tengo apuntados en un papel títulos que luego desarrollo y explico como si fuera una conferencia.

En tu espectáculo, Ultrashow, esas ideas no van a parar a ningún lado, ¿tratas de ceder esa función al espectador? Sí, porque en ningún caso son historias cerradas, no tienen un final como en un chiste, ni moraleja. Es como contactar con un fondo de ideas que todo el mundo tiene, pero muy pocos recopilan y explican. Pero son bastante comunes. ¿Cuál dirías que es tu público tipo?

Hay un sentir que es afín a esto y otro que no. Es complicado definirlo. Existe gente dada al delirio, a la que le gusta la tontería, la chorrada, que valora el humor absurdo, y le suele gustar. En cambio, hay otra más dada a la ironía, al argumento o a la crítica que no suele encontrarle mucho sentido.

Te disfrazas de Súper Boomer, de Garfio... ¿Qué aportan los disfraces a tu espectáculo? Son un divertimento

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más. Suelo usar atuendos que me hacen gracia según el contexto. La baza de salir desnudo también está ahí si genera un impacto, pero hay otros sitios donde no tendría sentido y tampoco se trata de hacerlo de forma gratuita. ¿Escribes por encargo o tratas de sacar algo una vez reunidas las suficientes ideas sobre papel? Una mezcla, porque hasta ahora sólo he trabajado con ideas, no sé hacerlo de otra forma. Me cuesta mucho que me den un tema y escribir. Ultraviolencia ha sido una propuesta más que un encargo. Nunca

había hecho un libro solo, me ha hecho desplazarme de lo habitual, pero sólo he tenido que centrarme en explicar mis ideas de un modo más literario.

Vázquez decía que, aunque no lo pareciera, él siempre estaba trabajando, ¿a ti te pasa lo mismo? Lo reconozco. Quizá no trabaje en un sentido convencional, rollo guionista. En el día a día se me ocurren cosas mirando la tele, leyendo, jugando a videojuegos... y voy apuntando. Estoy en una alerta constante ante la aparición de estas ideas y las registro en una libreta.

PDF DE CLIENTE CHEQUEADO POR

REVELADOS

POR JOSE ÁNGEL GONZÁLEZ

PETER GESIERICH «Mis fotos y yo somos nómadas.

Cualquier lugar es una esquina mágica donde puede suceder algo» Ha dado tumbos por medio mundo y no le importa, dice, porque le sienta bien la condición de «nómada en movimiento constante». Ahora vive en Berlín, pero no sabe hasta cuándo permanecerá en la capital alemana. «Me muevo por impulsos. Me encantó Nueva York, pero también Aragón, con esos grandes paisajes de montañas desiertas que parecen un pequeño Tíbet europeo. ¡Espero que nadie perturbe nunca esa soledad!». Allá donde aterrice, Peter Gesierich —autorretratado a la derecha— busca fotos con el mismo ánimo con el que afronta la vida: «Si estoy cansado, duermo.

Si tengo hambre, como. Cuando salgo a la calle, casi siempre porque mi perro necesita pasear, hago fotos». No le interesa la pose, sino la «intensa vibración de un momento dado», cuando la realidad se desdobla y una especie de «mundo paralelo» nace y desaparece en segundos.

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REVELADOS

en 1963 en Ostrava, en el noroeste de la República Checa. Desde joven se involucró en actividades culturales (grupos de teatro y música) y tuvo problemas con el régimen comunista. EN 1981, LE INTERNARON en un hospital psiquiátrico porque se negó a hacer el servicio militar obligatorio y en 1987 decidió dejar para siempre el país. HA TRABAJADO como creativo en agencias de publicidad y en estudios de diseño gráfico. También fue piloto de globos aerostáticos («terminé odiando el champán porque siempre invitábamos a los alumnos a una botella en su primer vuelo»). AHORA SE DEDICA a hacer encargos fotográficos como freelance y vende copias de sus fotos en un mercadillo artístico callejero semanal.

UTILIZA una Canon 5D con varias ópticas, una compacta Sigma DP2 y una vieja Flexaret checa. LE ENCANTA la música del vanguardista Karlheinz Stockhausen: «Sus obras llegan a cada átomo de mi ser». COMO REFERENCIA elige a su compatriota el fotógrafo Viktor Kolar, también natural de Ostrava: «Su lenguaje fotográfico es fascinante y se parece al que me gustaría desarrollar». www.flickr.com/photos/noflashman NACIÓ

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REVELADOS

Prefieres la calle para hacer fotos. ¿Por qué? Porque todo cuanto sucede tiene lugar en el exterior. Todo es cambio, día a día, todos los días. Nada permanece. ¿Sales en busca de fotos o dejas que las fotos lleguen? Casi nunca camino por el gusto de caminar. Salgo a pasear a mi perro y a ver lo que pasa en el camino.

Cuando encuentras un buen marco, ¿te detienes y esperas? No busco nada concreto. Nunca lo hago. Sé que todo tiene su momento y que no vale la pena forzar la situación. Cada foto es la foto que quiero hacer en el momento en el que decido hacerla.

Me gusta una frase de Picasso: «Yo no busco, encuentro». Tengo la impresión de que si buscas una foto, no harás la foto. ¿Nunca pides a la gente que pose? Excepto en los trabajos por encargo, no, nunca.

En los otros casos, no soy capaz de ordenar una situación o un plano. Si alguien sospecha que quiero retratarlo y empieza a posar, no hago la foto. ¿Has tenido problemas a causa de ese estilo tan radical? Un galerista me dijo en una ocasión que le gustaba mucho una foto concreta. «¿Tienes más como ésa? Enséñamelas»,

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me dijo. Le contesté que sólo había hecho una, lo cual le pareció muy chocante. Hice la mejor foto posible en un momento dado, en una situación concreta, ¿por qué tengo que hacer más?

Hay siempre un poso de humor negro e ironía en tu obra... Cada foto es un pequeño mensaje codificado. Me gusta que hayas conseguido descodificarlo. La transferencia es fundamental en esto: la vida crea una situación, casi siempre durante un lapso mínimo de tiempo, e intento estar atento para poder fotografiar esa visión paralela. Después le toca a quien mira la foto integrar la interpretación en su propio mundo. ¿Dónde está la diferencia entre el ojo humano y el fotográfico? Es inmensa...

El fotógrafo es capaz de sentir una vibración especial. Tienes que educarte en esa visión nueva, en esa forma de ver sin que intervenga el pensamiento. ¿Cómo se adquiere esa facultad?

Prácticamente cualquiera puede hacer fotos. Es una simple cuestión técnica. A veces, ni eso, porque puedes programar la cámara en automático y dejar que la mecánica funcione. Pero lo difícil es adiestrar la mirada para que haya arte en lo que ves, para que no sea un fenómeno solamente físico. ¿Qué tipo de satisfacción obtiene el fotógrafo a cambio? Es una pregunta importante... A menudo, casi ninguna, excepto la foto en sí misma. Creo que mi fotografía tiene un sentimiento de pérdida, de desilusión, y esa sensación es una definición de mi vida. A veces creo que hago las fotos para decir algo, y son las fotos las que están diciéndome algo a mí. ¿Desde cuándo haces fotos? Desde los trece años. La primera que recuerdo la tomé con una vieja cámara de medio formato. Estaba en el campo y fotografié una segadora... Nunca me propuse o me dije a mí mismo que quería ser fotógrafo. Fue un proceso lento, sentía algo especial haciendo fotos, una emoción distinta, como si fuese capaz de enviar un mensaje... Un amigo, licenciado en Física, me enseñó luego todos los secretos de la técnica y el revelado. ¿Has cambiado mucho desde entonces como fotógrafo? ¡Eso espero! Sin cambio preferiría morir.

POR JUAN P. HOLGUERA

ENTREVISTA

daniel clowes «En Hollywood me sentí como un perdedor total» Ha escrito su nombre en letras de oro en la reciente historia del cómic y, para muchos, el género no sería lo que es de no haber contado con la genialidad de Ghost world (por cuya adaptación al cine le nominaron al Oscar) o Ice haven. Clowes —autorretratado a la dcha.— regresa con un personaje inolvidable, Wilson (Mondadori). ¿Es buen momento para el cómic?

No lo sé, pero sí ciertamente mejor que en 1983, cuando empecé. ¿Te ves como una referencia?

No me gustaría conocer a alguien que responda «sí» a esa cuestión. ¿Qué te parece el cómic europeo?

Soy fan de algunos franceses que publica L’Association y de Cornelius. Hay un alto nivel de artesanía en Europa, pero no se adapta a mis intereses... y no por culpa de los artistas, sin duda. ¿Cuánto tiempo te lleva cada obra?

Días o años. Ahora mismo estoy tratando de completar tres páginas a la semana, más rápido de lo usual.

Has trabajado en otras disciplinas, como el videoclip de I don’t wanna grow up, de Ramones. ¿Cómo surgió?

Eran mis héroes en Secundaria, allá por los años setenta. Fue idea del director y algo emocionante para mí, ellos parecieron muy contentos con mi trabajo.

Te nominaron a un Oscar al mejor guión adaptado. ¿Cómo te sentiste rodeado de estrellas en Hollywood?

Como un perdedor total. Fue exactamente como estar de nuevo en Secundaria.

Tengo entendido que en estos momentos estás involucrado en un nuevo proyecto cinematográfico...

En varios, pero no quiero hablar todavía.

El mejor consejo que me han dado nunca es que es mejor esperar a que tu película esté a pocas semanas de estrenarse para empezar a hablar de ella.

En Art School Confidential, un profesor de arte (John Malkovich) dice a sus estudiantes: «Recuerden que sólo uno de cada cien de ustedes podrá ganarse la vida como artista».

Lo dijo uno de mis profesores en la

escuela de arte, y me conmovió. Años más tarde estuve hablando con otros estudiantes y me di cuenta de que todos y cada uno de los que estábamos allí pensamos que podríamos ser ese uno.

Para crear tus personajes, ¿te inspiras en personas reales o las imaginas?

Por lo general tienen alguna base en la realidad, algún modelo vago, pero los mejores superan su prototipo, adquieren su propia personalidad específica. ¿Conoces a alguien parecido a Wilson?

Alrededor de la mitad de mi agenda. ¿Qué te atrae de los personajes marginales o introvertidos?

Se me dan bien los hombres enojados de mediana edad, pero no imagino por qué.

Lo mejor y lo peor de ser dibujante.

Lo peor, las interminables horas de trabajo en solitario y la constante incertidumbre sobre el dinero y los pagos. Lo mejor, casi todo lo demás.

Para terminar, ¿lees cómics?

Muy pocos.

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RES MEJO L A S TA S R E C E E N TA R A L IM PA R A O G TU E

RON SANTA TERESA SE RENUEVA La productora de ron más antigua de Venezuela continúa apostando por la calidad y lo artesanal, pero sin renunciar a que sus productos sigan estando en consonancia con los gustos del consumidor del siglo xxi. Por eso se presenta en una botella de líneas contemporáneas pero manteniendo intactas las cualidades que lo han convertido en uno de los rones más solicitados del mundo. Además de en su variedad Gran Reserva (la más popular y suave, utilizada para combinar con refrescos y zumos de fruta), se comercializan también dos versiones Premium. Santa Teresa 1796, catalogado por algunos catadores internacionales como el mejor ron del mundo, se elabora con el antiguo método artesanal de Solera —como el jerez o el brandy— y es perfecto para tomar solo o con hielo. Y Santa Teresa Selecto, envejecido en barricas de roble blanco que le confieren ese inconfundible color ámbar, es el resultado de una cuidadosa maduración de hasta 10 años y se utiliza como ingrediente principal de sofisticados cócteles. www.ronsantateresa.com

EASTPAK ARTIST STUDIO. Buenafuente (su diseño, a la izquierda) y Bimba Bosé (arriba) están entre los 10 artistas españoles de todas las disciplinas que han participado en un proyecto solidario de Eastpak: una edición limitada de mochilas customizadas con la que recaudarán dinero para el proyecto Biciboi. La subasta tendrá lugar del 17 de febrero al 10 de marzo en www.radikaldesigns.com.

ARTESANÍA SUECA EN TUS CONVERSE La edición limitada Sneakersnstuff x Converse Lovikka All Star es una zapatilla con historia que homenajea la manera artesanal de tejer mitones que inventó y propagó Erika AIttamaa, desde el pequeño pueblo sueco de Lovikka, como respuesta al frío y la pobreza. En hilo de lana blanca y decorada con bordados y borlas, esta edición de gama alta para coleccionistas solo se ha puesto a la venta en seis puntos en todo el mundo. ¿El más cercano? Colette (París). www.converse.es 16

PRETTY BALLERINAS CON AMOR. ¿Ángel o demonio?

O uno de ellos en cada pie, como en esta edición especial de bailarinas escotadas para San Valentín, en ante natural con estampado de cebra. Un buen resumen de esas dos caras con las que se manifiesta el amor, aunque lo más importante siempre es que tu historia tenga un final feliz. www.prettyballerinas.com

THE UNUSUAL CUPID SHOW, DE HENDRICK'S. Los días 11 y 12 se celebrará en Madrid (calle Valverde, 29) un insólito espectáculo para enamorados o no promovido por la marca de ginebra. Las sesiones incluyen aprender baile, el lenguaje de la mirada y el del abanico, citas exprés para los más osados y, por supuesto, pócimas de amor con sabor a gin-tonic. www.hendricksgin.com

ROJO LACOSTE. Puesto que el rojo es el color oficial de los enamorados, Lacoste te propone que calces a tu pareja para celebrar vuestro día con estas apasionadas zapatillas. El modelo Arbonne es ya un clásico de la firma.

De nailon y rematada con detalles en blanco, tiene una suela en forma de cuña para que tu chica no pierda ni un ápice de estilo aunque apueste por la comodidad. www.lacoste.com

ENCUENTRA TU LADO CREATIVO CON LRG Artist Driven Series es la línea más exclusiva de la colección de la firma californiana Lifted Research Group (LRG) de ropa masculina para este invierno. En su creación ha participado un selecto grupo de artistas urbanos que han tratado de trasladar el espíritu de la cultura underground a cada una de las prendas, entre ellos el reconocido grafitero neoyorquino Pose, de quien se pueden ver algunos vídeos trabajando en ello en www.l-r-g.com.

CELÉBRALO CON LINKS OF LONDON. La pulsera Friendship de Links of London también se viste de gala para San Valentín con este modelo especial. Sus barras de plata se adornan en rojo y dorado y el cierre se ha transformado en un corazón en el que puedes grabar un mensaje personal para esa persona especial en la que estás pensando. www.linksoflondon.com

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PIAF

DOLORES

Nada expresa mejor las pasiones y los dramas del amor que la música y la canción popular melodramática.

Declamatorias desgarradas y eternas, las ‘torch songs’ (canciones antorcha) han bañado en lágrimas y sollozos los mejores capítulos de la historia de la música, de Edith Piaf a Antony. Su llama sigue viva en el recuerdo e ilumina la actualidad.

POR PATRICIA GODES

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Nueva York, 1949. Un foco dibuja la silueta de la cantante. Vestida de negro, tiene la fragilidad de quien ha crecido con hambre y miseria. Nació en la calle, abandonada por su madre, fue víctima de una docena de amantes desaprensivos y obligada a prostituirse para enterrar a su hijita muerta. Es alcohólica y se llama Edith Piaf. Cuando canta, las pasiones y los pecados de toda la humanidad surgen de su garganta desgarrada. Esta noche estrena la canción que ha escrito para el boxeador Marcel Cerdan, con quien mantiene un apasionado romance.

«Convenció al campeón para que asistiese a su presentación en Nueva York. Su avión se estrelló en las Azores y Marcel no llegó a escuchar Hymne à l’amour. La he cantado cientos de veces y siempre resulta tremendamente emotivo», explica Caroline Nin, ardiente discípula de Piaf; una francesa delgada y angulosa que actúa vestida de hombre con la misma naturalidad con la que se enfunda los apretados trajes de satén de las cantantes de cabaré. Educada en el canto lírico, llegó a la música popular por culpa de Marlene Dietrich y Billie Holiday. En los años noventa, Marc Almond la invitó a actuar en su Freedom Theatre y ahora está componiendo el material para un nuevo show acerca de la infidelidad.

Nació cuando su madre tenía 13 años.

Antes de cumplir 10 fue llevada ante el Tribunal de Menores. A los 11 años la violó un vecino. A los 12 hacía recados para una madame de burdel. A los 14 se prostituía por 5 dólares. A los 24 tuvo su mayor éxito con una canción contra los linchamientos del Ku Klux Klan. A los 32 fue arrestada por posesión de narcóticos.

A los 41 declaró en su autobiografía que había superado su drogadicción. A los 44 fallecía por cirrosis hepática comple-

GUSTAV

BI

IE

tamente arruinada. Agonizante en el hospital, la arrestaron por posesión de drogas.

La Policía montó guardia en su puerta hasta que exhaló su último suspiro. Se llamaba Billie Holiday: una hermosa mujer que cambió para siempre la técnica vocal con su fraseo —imitación de los instrumentistas de jazz— y la profunda y conmovedora tristeza de sus interpretaciones.

Ahora y entonces Las herencias Holiday y Piaf tienen larga vida más allá de la muerte de sus creadoras.

Dolores Scozzesi es una jazzwoman que ataca su repertorio con pasión expresionista.

«En todas las vidas existe la tragedia», defiende. Su voz grave y dramática hace vibrar nuestras fibras más profundas. Reside en Los Ángeles dedicada a cantar sobre el amor y el dolor, la vida y la alegría. «La vida es un don, ¿por qué ha habido y hay tantas mujeres jóvenes y guapas que eligen el camino de la autodestrucción? Está más allá de mi entendimiento». La propia Dolores dejó su carrera por el matrimonio, pero el alcohol acabó con su marido.

El periodista inglés Piers Ford, melómano de corazón, mantiene Cry me a torch song, un interesantísimo blog sobre mujeres desesperadas y banco de datos imprescindible sobre la canción sentimental femenina más allá de los géneros y las décadas. Dolores es una de sus favoritas. «La cantante solitaria bajo los focos, cargada con su equipaje emocional y toda su experiencia, es un arquetipo, un icono, un emblema del sufrimiento».

Descubrimiento suyo es Barb Jungr, inglesa de voz preciosa que «aporta sensibilidad europea a las canciones americanas. Otra cantante joven en el estilo de las clásicas torch singers es Camille O’Sullivan. Habría que incluir a Dusty Springfield, la gran cantante pop británica, porque tenía gran fuerza emocional».

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DAEDELUS

ANTONY

La canción sentimental es vieja como el mundo. La música popular existe para bailar y desfogarse, seducir, comunicar mensajes y consignas, recordar antiguas historias y llorar las penas del amor: todas esas cosas que constituyen el eje de la existencia humana. Por eso las canciones significan tanto para nosotros. En Norteamérica las llaman canciones antorcha (torch songs), en Francia era la canción realista. En Italia surgieron en 1959 los urlatori (aulladores) con nombres de mujer inolvidables a la cabeza: Mina y Milva. «Las adoro —declara Ford—. Podrían cantar la guía telefónica y que suene como la más oscura tragedia de la humanidad. Creo que hay que incluir también a la difunta Mia Martini y a las francesas que han seguido el camino de Piaf: Michele Torr, Patricia Kaas, la desaparecida Barbara o Juliette Greco».

Del cabaré al brit pop «Casi toda la música incide en el amor maltrecho, no correspondido o degradado». Aldo Linares es músico, melómano y comentarista musical. Durante décadas, intereses comerciales y corrección política mantuvieron arrinconada toda música que sacase a la luz sentimientos profundos y dolor: la sociedad occidental hedonista y obesa embotaba su sensibilidad en la juerga violenta de músicas más triviales como el rock o el bakalao. «Creo que es una cuestión de desconocimiento», explica Aldo. De repente, aparece un sector de defensores de este tipo de música. «Melómanos de varias edades y curiosos sin prejuicios. Es fácil tener acceso a mucha música a través de blogs, etc., y existe una fascinación por el hallazgo: encontrar canciones con movimiento, sentimiento e imaginación».

En Francia vuelve a utilizarse el término chanson para la nueva generación de

CAROLINE NIN

CAMILLE O’SULLIVAN

cantautores y entretenedores como Benabar, Renan Luce, Camille, RoBERT, etc. Y en el pop anglosajón hay sin duda dos defensores apasionados de la canción sentimental.

El diminuto y nervioso Marc Almond lleva treinta años enfrentado profesional y concienzudamente a la condena de la canción sentimental con sus versiones de Jacques Brel, su defensa de Scott Walter y su descubrimiento de la chanson criminal rusa en su álbum Heart on snow and Orpheus in exile. Gracias a él, un universo expresionista y melodramático de cantantes y canciones desesperadas se abrió para la juventud pospunk, nihilista y convencida de que el mundo iba a estallar de un día para otro en un terrorífico amanecer nuclear.

Con buen gusto musical y sin complejos, Morrissey «habla del amor no correspondido, a veces ni siquiera confesado», explica Manuel Ríos, compositor y cantante, miembro de la escudería Spicnic y autor de algunos temas de Fangoria. En 1992, Manuel editó un fanzine (Morrissey, drive me home) dedicado al antiguo cantante de los Smiths y con el paso del tiempo ha llegado a convertirse en su amigo personal. «Pocos artistas son capaces de crear un mundo a su alrededor como Morrissey. Desde el humor de You’re the one for me fatty hasta la conmovedora Come back to Camden, que rememora un amor perdido». Un universo pop particular cargado de sentimientos valiosos para millones de oyentes.

Hace unos años, las voces y los talentos inusuales de artistas como Rufus Wainwright y de Antony Hegarty (& the Johnsons) entraron en el mundo del pop como una bofetada para espabilar y disipar malestares y complejos. No nos olvidemos de Baby Dee y sin salir de casa tenemos a Andreu Muntaner Lobo, rocker mallorquín que se considera un crooner desesperado y canta soul y baladas desgarradas. «Como cantante, te diría que es un género particularmente exigente en el plano técnico. Cualquiera puede liarse a pegar voces pero, si realmente quieres hacer daño, tienes que saber muy bien lo que estás haciendo...».

Melodramas de última generación «Para los que somos nostálgicos, la música es un bálsamo», explica Daedelus, de verdadero nombre Alfred Darlington, músico experimental y DJ de Los Ángeles que es miembro de varios grupos y colectivos avanzados. «Mucha gente no concibe que la música electrónica pueda ser emocional, pero ése es mi objetivo: torch songs que enciendan llamas en el alma». Con Laura, su mujer, grabó el álbum delicioso de The Long Lost. El productor californiano Teebs también intenta encontrar la pasión debajo de los fríos unos y ceros de la electrónica. Como Alfred Daedelus, Eva Jantschitsch utiliza un seudónimo para presentarse al público: Gustav. Eva hace música con su laptop y canta en varios idiomas, pero su voz siempre tiene una intensidad firme y dramática. Alfred en persona nos llama la atención acerca de su canción sobre las ballenas, Rettet die Wale.

«El amor, el anhelo y el abandono, tan difíciles en la vida real, parecen fáciles de resumir en una gran canción», dice Alfred. Del norte al sur y del este al oeste se cantan las penas de amor: tangos, rancheras, fados y coplas... Los boleros de Olga Guillot, Helen Morgan y Adelaida Hall en 1900, Frehel y Damia en las calles de París, Ethel Waters, Judy Garland y Barbra Streisand en Las Vegas y Broadway, Dione Warwick y Nancy Wilson... Miguel de Molina y Marifé de Triana, Rafael y Camilo Sesto... Nombres y sentimientos, canciones, penas y tragedias: un universo musical de lágrimas, gestos y gritos para reproducir y acompañar las penas del amor. ■

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Corey Adams

SKATERS ALUCINADOS ‘Machotaildrop’ es una película canadiense en la que los patinadores compiten como caballeros medievales exprimidos por un Barón mecenas. Su director nos desvela las claves de una historia fantástica que despoja al monopatín de poses y artificios y está triunfando en festivales.

POR IAGO FERNÁNDEZ

A excepción del aeropatín de Michael J. Fox en Regreso al futuro II, la brutal paliza a golpe de tabla que propina Harold Hunter en Kids o el multimillonario (Jason Lee) que patina hasta su despacho en Mumford, las cintas de ficción que flirtean con el mundo del skate suelen derivar en firmes despropósitos, como demuestra Los amos de Dogtown.

Es cierto que las ochenteras Thrashin’ y Al filo del abismo se libran de la quema gracias a Josh Brolin y Christian Slater, y Paranoid park, por llevar la firma de Gus Van Sant. Pero lo de Machotaildrop es otra cosa, señores.

Cuando Corey Adams ganó un millón de dólares en un concurso para jóvenes realizadores con su ópera prima Harvey Spannos, los fantasmas de sus adorados Peter Greenaway, Terry Gilliam, Pier Pasolini, Bélla Tarr y Werner Herzog le soplaron al oído un cuento colorista y surreal en el que un crío viaja a un país de fantasía en busca de su sueño: convertirse en skater profesional. La plasmación final de aquella idea ondea entre Wes Anderson y Emir Kusturika, rindiendo homenaje al hooliganismo de La naranja mecánica y el empalague de Charlie y la fábrica de chocolate. Un viaje a lo alucinado que pudo haberlo sido mucho más de materializarse el cameo de Alejandro Jodorowsky previsto inicialmente. «Su película La montaña sagrada cambió mi visión del cine y por eso quise que interpretara al cámara ciego en la escena de la sesión de fotos, pero nos pidió una cifra desmesurada: 20.000 euros al día», revela el propio Adams sin atisbo de lamento.

No hay dobles que valgan Sin embargo, la ausencia del psicomago chileno es imperceptible frente a una excelente dirección de actores —compartida con el escocés Alex Craig—, liderados por Anthony Amedori (como Walter Rhum), que patina desde los ocho años y aporta a esta historia la inocencia que todo héroe involuntario necesita. También una sombra de bigote de esas que las madres se resisten a afeitar. «No se te escapa nada. ¿Qué quieres que te diga? La pubertad afecta a todo el mundo, incluso a los personajes de ficción», bromea el director, que evitó el uso de dobles contratando a profesionales del patín como John Rattray, Frank Gerwer o French Fred. No en vano dos de los protagonistas son el skater Rick McCrank (Blair Stanley), que ya vimos en Yeah, Right!, de Spike Jonze, y el legen-

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dario Z-Boy Steve Olson, aquí un viejo pastelero (George) con la pata coja como único trofeo de su época dorada en los half-pipes. «Nos comimos todos los dulces de su pastelería y Steve volvió a casa feliz.

Para mí fue un honor poder trabajar con un mito como él».

Adams, que empezó en la industria haciendo efectos de maquillaje para taquillazos como Scary movie o Freddy vs. Jason, no añora sus días en Hollywood. «Aquel lugar era muy poco saludable, la verdad. Lo único que podría llegar a echar de menos es el catering». Él prefiere seguir su instinto y trazar un mundo mágico en el que a partir de los treinta te vuelves invisible, donde el éxito es tan exagerado como efímero y los villanos especulan a sus anchas en nombre del entretenimiento. «Aunque las similitudes con nuestra sociedad son obvias, cual-

quier otra interpretación que haga el espectador me parece correcta». Persisten ciertos elementos de sus primeros cortos pero la fotografía, el atrezo y los luminosos exteriores de Europa del Este distan mucho del bizarrismo narcótico de Ming juice, Drawing face o los vídeos con marionetas de la serie Bangmaster Generals Warning.

En busca de distribución Si olvidamos las lesiones sufridas por el equipo y las tablas sumergidas en el Danubio, el balance de esta original producción no puede ser más positivo, como evidencia la respuesta de crítica y público en cada festival que se proyecta. «Nos están tratando bastante bien. Muy poca gente abandona la sala antes de los títulos de crédito», resume Adams obviando el éxito cosechado en Toronto o el premio a mejor película independiente en el Skate Film Fest de Los Ángeles. En España, a la espera de confirmar fecha de estreno, podemos amenizar la demora con los temas de una banda sonora a cargo de Plants and Animals, The Black Angels y P:ano, autores de la frecuencia número 62 (la canción Heaven) con la que opera un cirujano chiflado. Según Adams, «un sonido muy popular entre la comunidad médica occidental». Para calmar tanta expectación, pronto saldrá una línea de ropa para bebés y zapatillas de la marca éS con el logo de los violentos Manwolfs. «En la película representan a los antisistema, pero en el mundo real ya ves que son unos vendidos». www.machotaildrop.com

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FIEBRE SOBRE RUEDAS: PATINA Y REVIENTA Rápidas, duras y sexis como el infierno. Son las chicas del roller derby, un deporte en auge cargado de ética y estética, nacido hace casi un siglo y redivivo en el último lustro. Nacen equipos cada mes y se alimentan con rock y sangre para arrasar el planeta a codazos. Sí, también en España. El primer mundial, este año.

POR SONIA DE VIANA

Hasta 28 chicas por relevos en pantis dándose de hostias, sin perdón, para puntuar sobre patines en pista llana. ¿Quién no querría al menos verlo? Es un deporte, se llama roller derby y se está expandiendo por el globo a la misma velocidad que ruedan sus protagonistas, y con la misma virulencia.

Japón, Suecia, Argentina, Alemania, México, Sudáfrica, Chile, Australia, Francia, Brasil, Canadá, Bélgica, Singapur... «Hay más de 220 ligas en todo el mundo; está experimentando un gigantesco resurgimiento», avisa Candy Rocks, patinadora en las Dead Ringer Rosies, portavoz de la pionera Victorian Roller Derby League australiana —país que en 3 años cuenta con 50 ligas, 20 de ellas creadas durante 2010— y ganadora de la primera copa nacional (incluía Nueva Zelanda): el Great Southern Slam. Cada mes surgen media docena de equipos. Son ya 753 en 25 países, según la web de registro de Cat O’Ninetails, de las Dominion Derby Girls de Virginia, y 25.933 patinadoras en el recuento de enero de la de Soylent Mean, de las Minnesota RollerGirls.

El virus de las rollers ya está aquí Incluso aquí comienza a subir la fiebre. Cuando empezamos a tirar del hilo de este reportaje, aún no había equipos en España. Ya sí. En el último trimestre se han montado tres: en Tenerife, con Esther Lady Go-Go Arocha contagiando a Gran Canaria y ayudando a las Barcelona Roller Grrrls. Ella lo descubrió terminando Bellas Artes en Inglaterra, lo practicó con las Rainy City Roller Girls de Manchester y al regresar a su tierra lanzó la propuesta «con mis conocimientos sobre reglas, tácticas y cómo reclutar chicas: con insistencia. Casi todas son gente que conozco o gente que conoce gente. Esto es muy boca a boca, de andar por casa», dice.

Por cierto: el roller derby consiste básicamente en dos equipos de cinco chicas en pista rodando en carreras de hasta dos minutos (jams) sobre patines quad «golpeando legalmente con cualquier parte del cuerpo por encima de las caderas, excluyendo antebrazos, manos y cabeza» (reglas estándar) a sus oponentes. Cada partido es un bout dividido en 2 tiempos de 30 minutos cada uno; la jammer lleva una estrella en el casco y puntúa al sobrepasar a las cuatro blockers, incluida la pívot.

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Eso, en lo deportivo. Porque lo fascinante, además de en la competición y los golpes, reside en toda la parafernalia ética y estética que lo rodea. El último y primer paso para transformarse en roller girl es un nombre de guerra. El alias ha de ser sardónico y sangriento, jugar con el terror y el humor, la historia y los iconos pop y los dobles sentidos; y, sobre todo, ser único y preferiblemente en inglés. Para ejemplos, algunos tan intraducibles como evocadores: Nightmary (Maripesadilla), Mother the Razor (Madre Navaja), Mandytory Punishment, Skate Bush, Rock The Casper, Gilli Pepper o Foxy Terrier.

Humor y otros encantos No se excluye a nadie: ni por ocupación, ni por edad, ni siquiera por sexo. Las patinadoras son féminas, pero árbitros y entrenadores son hombres. Muchas rondan los 40 años y trabajan desde como amas de casa y madres hasta como ingenieras aeronáuticas, periodistas, dependientas, tatuadoras... Lady Esther Go-Go Arocha resume: «Atrae a mujeres independientes, generalmente atléticas. Muchas han estado vinculadas a otros deportes de contacto antes... Mujeres rudas». Así que

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Una de las patinadoras de las Humboldt Roller Derby de Eureka, California. foto de sheldon sabbatini c

NICK SULLIVAN

NICK SULLIVAN

STEVE STEARNS PARA ‘CHICAGO NOW: CALL OF THE WILD’ NADIA PATRIAN & KARA V.

De arriba abajo y de izquierda a derecha: Chicago ‘vs.’

Washington; Roller Girls de Newcastle (Gran Bretaña); dos Bully Chicks de Buenos Aires; las de Newcastle, en juego; detalle de un cartel de Las Vegas; el sello de la WFTA y un póster de la Humboldt Roller Derby.

SARAH NICHOLS & ANDREA RUGGLES, POR POCHECO

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TERRENCE MCNALLY

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entre el público se puede esperar «ver representadas todas las edades, tipos de familia, historias personales, etnias y culturas urbanas», dice la australiana Candy Rocks. Aunque abundan, hay que decirlo, lesbianas y otros mirones.

Tienen más encantos. A las novatas se las llama carne fresca, se exige seguro médico con prima de ambulancia y cada una se paga su equipo y los desplazamientos: casi todos son non profit. Cuando las conoces, caen bien por su gran sentido de la etiqueta deportiva y compromiso social.

Sus partidos suelen estar teñidos de un porcentual fin benéfico, como el ya tradicional contra el cáncer de próstata (only for men), que disputan con bigotes postizos.

Ejercen de relaciones públicas, buscan patrocinadores y recaudan fondos personalmente con artículos promocionales y sorteos in situ. A eso se le ata el diseño pin-up que asalta desde los logotipos, el vestuario y los pósteres de los partidos hasta las fotos de promoción de las chicas.

«El roller derby moderno se considera alineado con las estéticas y los ideales alternativos, punk y rock», ilustra Candy Rocks. «Yo soy un poco escéptica con todo eso —se explica Lady Go-Go—. Tengo una aproximación superdeportiva y aunque sí pertenezco a un ámbito cercano al rock y sí me atrae que sea femenino y de contacto, cuando recluto chicas no hablo ni del punk ni de posfeminismo», aclara. Pero resulta un gran atractivo para quienes no tenemos mayor interés por el deporte, que ya se sabe que es malísimo para la salud.

Rock and rollin’ La música no hace daño y sí suena importante. En algunos entrenamientos cuelgan bolas de espejos discotequeras y un tal Uncle Leon es famoso por su canción Roller derby saved my soul. «La hice en 2006 para las Gotham City Rollers de Nueva York y todavía sirve orgullosa de tema oficial de innumerables combates [quiere decir partidos]. He recibido e-mails de más de 300 ligas en América y de 9 de otros países. Se usa en emisiones de televisión y documentales. Y por si alguien se lo pregunta: nunca cobro ni un centavo», aunque ha montado una tienda on line de ropa ad hoc.

Las de Barcelona agregan a sus Facebook y Blogspot el tema Roller girl, de la danesa Anna Karina y producido por Serge Gainsbourg en 1967, y la

impresionante noticia de que ya tienen un patrocinador: otra tienda americana de ropa, aficionada además al tatuaje, gran sponsor y marca indeleble en la piel de muchas patinadoras.

Curioso: ninguna suena en la película de 2009 que selló la resurrección, el debut como directora de la niña de E. T., Drew Barrymore: Whip it se antoja versión 2.0 de Kansas City Bomber, protagonizada en los setenta por la sex symbol de entonces, Raquel Welch, en los años de popularidad, dureza y agresividad culmen de un deporte inventado en los años treinta.

Ann Calvello (aquí), Midge Toughie Brasuhn (arriba) y Patti Moo Moo Cavin (derecha): old school.

FOTOS: NATIONAL ROLLER DERBY HALL OF FAME AND MUSEUM (NUEVA YORK).

Patti Cavin luchó contra su doble, «Judy Arnold, la mejor —cuenta—. Fue muy divertido y Raquel fue muy maja, pero se tardaba mucho en rodar una escena, así que jugábamos para entretener a los extras.

Creo que me eligieron para la película porque yo era la patinadora más grande de la liga; no encuentro otra razón».

En los ochenta decayó a favor de un espectáculo más wrestling, esa lucha libre de mentirijillas, pero a principios de este siglo volvió a estallar la epidemia desde Austin, Texas. Y todo Estados Unidos sucumbió. Sólo allí hay 105 ligas afiliadas a la WFTDA (Women’s Flat Track Derby Association, creada en 2004) y en todo el mundo 693 equipos siguen sus reglas.

Otras, no: Cavin echa de menos la old school de la que «he sido fan desde niña, pero el revival de ahora no es derby para mí —dice—; no me interesan todos esos

nombres que se ponen, ni me gustan sus uniformes», y las esquirolas Renegade Rollergirls salen a matar: «Los combates son conocidos por su lucha brutal». Todo vale. Lo que significa, literalmente, sangre, moratones y huesos rotos. Miedito dan.

El silbato definitivo sonará este diciembre en Toronto, Canadá, con el primer campeonato mundial. Convoca la revista Blood & Thunder Magazine: «Con el roller derby expandiéndose exponencialmente y rodando su camino por todo el mundo, sentimos que era tiempo de un torneo serio y competitivo. Cualquier país que pueda organizar un equipo es bienvenido». Hay cientos de documentales, libros, películas y hasta musicales sobre el tema.

Pero sobre todo, webs. Sólo teclea roller derby en cualquier buscador, red social o blogspot, y verás cómo te sube la fiebre.

Sobre todo si miras las fotos. ■

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PACO ROCA «Los dibujantes anteponemos los sueños a la racionalidad» Desde que en 2008 ganó el Premio Nacional del Cómic con ‘Arrugas’, Paco Roca es un imprescindible de la novela gráfica española. Acaba de publicar nuevo libro, ‘El invierno del dibujante’, le han dedicado exposiciones y además prepara la adaptación cinematográfica de ‘Arrugas’, que se estrenará en las salas el próximo verano.

POR IRENE OTERO PÉREZ

Aunque de joven pensó en ser electricista por su falta de interés para elegir una carrera, reconoce que siempre estuvo fascinado por el mundo del tebeo y que, ya en el colegio, dibujaba historietas compulsivamente. Durante su adolescencia colaboró en distintos fanzines ochenteros en Valencia, su ciudad, con un montón de historias freaks: «Recuerdo haber hecho una versión de Astérix, pero situada en España; del Quijote en el espacio, e incluso de una Valencia ciberpunk al estilo del personaje Ranxerox».

Comenzó su carrera profesional como dibujante en la industria del cómic pornográfico para la editorial La Cúpula, donde el primer consejo que le dieron fue que dibujara «las pollas más venenosas y los coños más húmedos». Tras esta etapa llegaron sus primeros libros, El juego lúgubre, Los viajes de Alexandre Ícaro, El faro... y, por fin, Arrugas.

En definitiva, ésta es la historia de cómo el mundo perdió un electricista, pero ganó un Premio Nacional del Cómic.

Un homenaje a los tebeos de los años cincuenta Ahora presenta en su último trabajo, El invierno del dibujante, la historia que siempre había querido contar. Este autor creció devorando tebeos de la editorial Bruguera, como los de Mortadelo y Filemón o los del Capitán Trueno, y siempre se preguntó «qué había detrás de aquellas páginas, cómo eran sus dibujantes. Con esta novela gráfica he logrado poner luz sobre esa inquietud de la infancia». Roca nos adelanta que en esta historia habla «de la editorial Bruguera de finales de los cincuenta, de sus autores y sus vivencias. El álbum se centra en la lucha de cinco autores, Escobar, Peñarroya, Cifré, Conti y Giner, que decidieron dejar la compañía para montar su propia revista».

Si los guiños al universo de escritores como Kafka, Borges o Carroll han estado muy presentes en algunas de sus obras anteriores (como El faro o Las calles de arena), el dibujante valenciano explica que en esta novela no hay apenas espacio para referencias literarias ni para la fantasía: «He intentado ceñirme mucho a los hechos, poner orden e intentar hacerlos comprensibles».

Confiesa que los protagonistas de todas sus novelas tienen mucho de sí mismo —«para hacer los personajes vivos y creíbles tienes que poner una parte de ti en cada uno de ellos»— y que en el caso de El invierno del dibujante ha sido inevitable que sus experiencias e inquietudes como autor se reflejaran en ellos. «Me separan cincuenta años de aquellos autores, pero nos une, como a todos los dibujantes de tebeos, el anteponer en la vida los sueños a la racionalidad».

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Roca no sabe cuál es la clave para crear personajes que generen tanta empatía como los de sus novelas, pero reconoce que siempre le ha deslumbrado el ingenio de Berlanga o Marco Ferreri para retratar personajes próximos y muy humanos en sus películas, y que los protagonistas de sus historias son «un poco como yo, perdedores, antihéroes pero con un optimismo un tanto naíf». A lo largo de todas sus obras, ha tocado géneros narrativos tan diferentes como el surrealismo, las aventuras o el realismo social. Cuando le preguntamos si se trata de experimentar o ponerse retos en sus proyectos nos explica que son los proyectos los que le eligen a él: «Primero surge la idea, pero ni me planteo cómo se plasmaría en un cómic. Creo que eso es lo que me apasiona, el empezar de cero».

Hablar de Paco Roca es hablar de Arrugas, y del antes y el después que supuso en su carrera. Esta novela gráfica se convirtió en todo un fenómeno que llegó a un público muy amplio, mucho más allá de los lectores habituales de cómic.

Su creador considera que la clave del éxito fue que «había seguidores de cómic buscando otro tipo de lecturas, que las grandes superficies ya los vendían, que la prensa empezaba a hablar de novelas gráficas, la creación del Premio Nacional...

Estoy seguro de que si Arrugas hubiese

Retrato de Paco Roca, manos a la obra en su estudio, y varias viñetas de su nuevo libro, El invierno del dibujante (Astiberri).

salido cinco años atrás, habría pasado totalmente desapercibida». En verano de 2011 se estrenará en cines la adaptación cinematográfica de este álbum, producida por El Perro Verde, y que cuenta con Ignacio Ferreras como director, José Sacristán dándole voz y personalidad al personaje de Emilio y el propio Paco Roca como coguionista.

Segunda oportunidad «Ver a tanta gente trabajando en tu idea da cierto vértigo, aunque me tranquiliza pensar que ahora la responsabilidad de todo recae en manos del director y del productor. De momento estoy muy contento con lo que estoy viendo». La película, en animación en 2D, respeta en la

mayor medida posible el espíritu del libro, pero hay que tener en cuenta que «por muchas similitudes que tengan en el lenguaje, el cómic y la animación son medios diferentes», asegura. «Además, ha habido que añadir algunas escenas para llegar a los setenta y cinco minutos de película y esto hace que varíen ciertas cosas». Afirma también que para él, el filme es «una segunda oportunidad para arreglar y agregar detalles que ahora, después de varios años, me chirrían o que he aprendido sobre el alzhéimer».

A Paco le gusta dibujar en pijama, «aunque los míos no son tan elegantes como los de Hugh Hefner», bromea, y se confiesa un adicto al trabajo. Como dibujante, admite como referentes a Jiro Taniguchi, Moebius, Kirby, Miller y Bruce Tim. Los cómic que más veces ha leído son los de Astérix y Tintín, su libro favorito es El Aleph, y su autor preferido, Paul Auster. Le encanta la película Grupo salvaje y le apasiona la música, con la que pone banda sonora a sus días, sobre todo artistas como Santiago Auserón o Josele Santiago. Además del libro y la película se puede seguir la pista de Paco Roca en el diario Las Provincias, donde dibuja una página semanal, «una especie de memorias». Sobre su próxima novela adelanta: «Es un proyecto ambiciosos en cuanto a la documentación y quiero tomármelo con calma. Desde que se editó Arrugas, mi vida ha sido bastante estresante». Seguro que la espera merece la pena. www.pacoroca.com

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SONRISAS Y LÁGRIMAS DEL CINE ESPAÑOL Los une el cine y la amistad. Saborearon la gloria con sus cortos (Daniel estuvo nominado al Goya; Borja, al Oscar). Debutaron con éxito en el largo: AzulOscuroCasiNegro y Pagafantas les pusieron el listón alto. Con sendas películas recién estrenadas les planteamos el reto de diseccionar juntos el difícil oficio de rodar.

POR NANI F. CORES FOTOS BELÉN CERVIÑO

Pasaron las campanadas. Regresa la rutina y, con ella, una cita con los realizadores Borja Cobeaga y Daniel Sánchez Arévalo. El primero acaba de estrenar su segunda película, No controles, y se prepara para la asignatura más difícil: crítica y taquilla. El segundo espera ansioso el estreno de Primos, su tercer largometraje, que llegará a las salas el 4 de febrero. Así viven el cine dos de los directores más sólidos y solicitados de su generación.

Equilibrio entre lo comercial y lo personal Borja Cobeaga: Creo que hay un vuelco hacia el público en las películas que hemos hecho. En principio, no lo veo como algo malo.

Daniel Sánchez Arévalo: No puedo estar más de acuerdo. ¿Qué tiene de malo el querer agradar a la gente?

Borja: Es que nosotros no somos poetas que van a dejar en un cajón lo que escriben. Vivimos de un equipo que lleva a cabo nuestras ideas y también de un montón de gente que queremos que siga yendo al cine a ver nuestras películas.

Daniel: También tienes que ser fiel a ti mismo, no renunciar a las historias que te apetece contar. Existe una especie de queja eterna en torno al cine español: que no gusta, que no engancha... por algo será. Y es algo que tenemos que solucionar, dejar de quejarnos e intentar llegar al público.

Borja: El equilibrio entre ser personal y llegar a muchísima gente existe.

Mi experiencia en Pagafantas es que cuando más personal he sido más he llegado. Y ahí está Pixar, ¿hay algo más comercial y de mayor calidad?

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¿Afectan las críticas?

Daniel: Realmente pensaba que te ibas a librar de la hostia típica de la segunda peli, la que suele ocurrir cuando ha ido muy bien la primera y luego van a por ti. [Risas].

Borja: Sin embargo, creo que cada fiasco me ha soliviantado bastante hacia lo bueno.

Vaya semanita es ahora lo que es porque en su día no hacíamos audiencia. Decidimos ser mucho más bestias y eso llevó al éxito.

Daniel: Me pasa lo mismo. Ver cómo reacciona la gente ante mis películas se refleja inmediatamente en lo que hago después.

Primos tiene que ver con las reacciones a Gordos, que empachó mucho a la gente.

Borja: Pero la habrías hecho igual.

Daniel: No lo tengo tan claro. Hay algo que tiene su origen en la reacción inmediata del público y que quizá nos venga de nuestras experiencias anteriores en televisión, cuando te das cuenta de que algo no funciona y te dices: a ver qué hacemos para mejorarlo la semana que viene.

Borja: Has dado en el clavo. A nosotros nos une esa sensación del semana a semana, de que puedes ir cambiando las cosas según avanzan programas y de que vas formándote poco a poco. Así debe ser en el cine también, creo que no me sentiré satisfecho hasta que haga la quinta película.

Daniel: Tengo la misma sensación. Cuando se estrenó Gordos había un nivel tan excesivo de expectativas que lo único que me repetía era «coño, si es sólo mi segunda peli, dejadme». Siempre me ha ayudado mucho a afrontar esto tener claro cuál va a ser mi siguiente proyecto. Y justo ahora no lo tengo decidido. Estoy escribiendo algo, pero no sé si quiero hacerlo, una comedia urbana, más sucia, más de noche...

Borja: ¿Se llama Pagafantas? [Risas].

Ahora en serio. Por encima de todo aprendes a relativizar el éxito y el fracaso.

Daniel: Es que tú eres muy sano en ese sentido. A mí me da mucho miedo enfren-

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tarme al primer fin de semana en cartelera. De hecho, deberías poder desaparecer...

Borja: Deberíamos hacer como George Lucas, que se fue a Hawái cuando estrenaron La guerra de las galaxias porque todo apuntaba a que iba a ser un desastre.

El trauma de la segunda peli. Guión solo o en pareja. Rodar o escribir...

Daniel: Somos unos putos privilegiados. Nos fue muy bien con la primera peli, pero también con los cortos. No hemos tenido casi nunca problemas para levantar un proyecto, en parte, porque ambos nos proponemos proyectos asequibles y poco disparatados.

Borja: Sí, pero la clase media que representamos tiende a desaparecer. Ahora mismo, o te embarcas en un gran proyecto o haces una película muy asequible o directamente casera, que es por lo que han optado gente como David Trueba o Nacho Vigalondo. Y estos últimos no son proyectos locos, no es nadie jugando a ser Zulueta en su casa, simplemente son películas hechas con las mismas aspiraciones que las nuestras pero en menores dimensiones.

Daniel: Cuando escribo guiones tampoco me siento solo.

Borja: ¿Hay fantasmas que te rodean y te ayudan?

Daniel: Los fantasmas de mis ex novias. [Carcajadas].

Borja: ¿En serio ? Entonces eres el Matthew McConaughey del audiovisual español.

Daniel: No, en serio, comparto mucho lo que escribo con un grupo de gente de confianza.

Y cuando tres personas critican lo mismo, entonces hay un problema.

Borja: Yo tengo claro que empiezo a trabajar cuando Diego [San José, su coguionista] llega a mi casa y empezamos a hablar sin parar.

Daniel: ¿Y quién da orden luego a todo eso? A mí me angustiaría olvidarme.

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Borja: Si es muy bueno no se te olvida. Es una teoría de Rafael Azcona que comparto.

Daniel: A mí lo que me jode es que no tengo nada de disciplina. Me paso muchas horas frente al ordenador, pero estoy más tiempo en Facebook o Twitter. En lo de rodar te tengo envidia. Se nota que estás en tu salsa. A mí me encantaría que rodar fuera más un oficio para mí, igual que escribir.

Borja: Eso de que para conseguir una buena película hay que sufrir no me lo creo.

Yo disfruto del lado oficinista del oficio.

Comedia: ¿un género de segunda?

Borja: Hay un cierto pudor a hacer comedia porque si quieres hacer reír y luego no lo consigues, ¡fíjate qué desastre!

Daniel: También parece que está más penalizada y es algo que me obsesiona bastante porque, en realidad, en el top diez de filmes que han marcado mi vida la mitad son comedias.

Tratado de la estupidez masculina Daniel: A mí no me da pudor decirlo ni compartirlo. No me han dejado tirado cuatro días antes de la boda, pero casi. ¿Y a quién no? Eso es lo que hace tu trabajo más personal, porque en el fondo ya está todo contado.

Borja: Estamos en una época en la que mucha gente se cree especial y eso es algo que me parece estúpido. Las películas que van de vivencias propias demuestran que la gente se identifica con ellas: tenemos las mismas neuras, los mismos miedos, gustos e instintos. Hay que combatir a los que creen que mean champán.

Daniel: Sí que es verdad que hay una falta de pudor en retratarnos tal y como nos vemos los chicos. En decirle al mundo: «Así somos, esto es lo que hay, así nos comportamos y más aún cuando hay mujeres a nuestro alrededor».

Borja: El mensaje de nuestras películas es: «Solo no puedes, pero quizá con un grupo de gente como tú, igual de perdedores, daréis forma a un ganador». Hay una cosa que me jode y es que parece que nosotros somos muy torpes y ellas son las que ponen el sentido común. Me aplico el cuento para la próxima. No voy a hacer la sexta parte de Bridget Jones, pero me apetece mucho retratar a una tía que dé vergüenza ajena.

Cuando escribo mis guiones no me siento solo.

Me acompañan los fantasmas de mis ex novias” “Me da mucho miedo enfrentarme al primer fin de semana en cartelera. Me gustaría poder desaparecer”.

Los males del cine español Borja: Todo se reduce a que los creadores queremos tener dinero para hacer cine. En cuanto a la piratería: hay un grupo de gente que se está beneficiando, las teleoperadoras, y hay que buscar un nuevo medio para financiar esto. ¿Que se van a seguir bajando películas? Eso es imparable, pero hay que agudizar el ingenio para ver cómo nosotros podemos seguir haciendo filmes mientras la gente dispone de la tecnología, sin tener que poner en marcha ninguna prohibición.

Daniel: Si te fijas, tampoco ha bajado el nivel de consumo de ficción, al contrario, cada vez es mayor, pero lo que sí hay que intentar es satisfacer esa demanda de una manera que esté regulada.

Borja: El cine español tiene una mala imagen terrible. Si ya es complicado en sí que la gente vaya al cine, que lo haga para ver una cinta española me parece un redoble de complicación. Todo está lleno de prejuicios. Habría que contratar a Don Draper para mejorar la imagen del cine español. ■

Habría que contratar a Don Draper para mejorar la imagen del cine español”.

“Estamos en una época en la que mucha gente se cree especial. Me parece estúpido.

Hay que combatir a los que creen que mean champán”.

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Pasarán modas y temporadas, pero existe la tendencia inmortal: el negro siempre será el (no)color por excelencia.

Su territorio es el de la elegancia y la sofisticación, resalta todo lo que toca y permite combinaciones imposibles. Porque la oscuridad no es sólo para vampiros y siniestros, abre las puertas a la noche.

FOTOGRAFÍA

FEDERICO REPARAZ (WWW.FEDERICOREPARAZ.COM) ASISTENTE DE FOTOGRAFÍA

ÁLVARO TOMÉ REALIZACIÓN

JOSÉ HERRERA (TALENTS) MAQUILLAJE

JOSÉ CARLOS GONZÁLEZ (TALENTS) PARA MAC PELUQUERÍA

BEATRIZ MORA PARA ART LAB ASISTENTES DE ESTILISMO

SUSANA PARRA Y LETICIA PACIOS MODELO ISA (VIEW MANAGEMENT) AGRADECIMIENTOS:

APRIORI STUDIO (HTTP://APRIORISTUDIO.ES)

En la página anterior: Jersey de Love Moschino, pantalón de cuero y botines de Dior, bolso de Nicolás Vaudelet para El Caballo y guantes de Gant.

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Capa de plumas de Loewe y mono de cuero de Hermès.

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Levita de Alexander McQueen, sombrero de Hermès, botas de Loewe, medias de Platino, guantes de Gant y muñequera de Manuel Albarrán.

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Levita de neopreno de Nicolás Vaudelet para El Caballo, pantalón de esmoquin de Hermès, top de encaje y estola de piel de Etxart&Panno y arnés de S.R.

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Abrigo de Max Mara y short de Frankie Morello.

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Vestido de punto con mangas abullonadas de Dior, botas de Robert Clergerie, cinturón de cuero de Hermès, guantes de Sportmax, medias de Platino y visera de plata de Manuel Albarrán.

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Mono y protecciones de NicolĂĄs Vaudelet para El Caballo, top de punto de Amaya Arzuaga y muĂąequeras de S. R.

A la izquierda: [Él, arriba] Camisa de Tommy Hilfiger, jersey de Josep Abril, pantalón de Sisley y pajarita de Prada. [Ella] Top de Amaya Arzuaga y guantes de TMX. [Él, abajo] Camisa de Harmont & Blaine, jersey y pantalón de El Ganso, corbata de Ertl & Cohn, cinturón de Benetton y mitones de Friis & Company.

En esta página: Chaqueta de Caramelo, camisa-jersey de Japan Rags, pantalón de Sisley, mitones y bufanda de Friis&Company.

En la página derecha: Camiseta de Religion, falda y mitones de Friis&Company, sujetador de Etam y pendientes y pulsera de Line Argent.

FOTOGRAFÍA

ZHEN PENG HUANG (TAI PRODUCCIONES) ASISTENTE DE FOTOGRAFÍA

ALEJANDRO SUÁREZ (TAI PRODUCCIONES) ESTILISMO

JONATAN MÁRMOL ASISTENTE DE ESTILISMO

EMMA JOHANSSON MAQUILLAJE

REBECA LOMBARDO PARA MAC PELUQUERÍA

REBECA LOMBARDO PARA GHD ASISTENTE PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE

CRISTINA AGUERREA MODELOS

MIGUEL MUÑOZ Y YURENA (CIRCUS MANAGEMENT) WWW.ESCUELA-TAI.COM

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Mono de Etam, falda de plumas de Jorge Vรกzquez, zapatos de Juanjo Oliva para Fosco, pulsera de Line Argent y anillos de Friis&Company.

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Blusa de TMX, short de Alicia Rueda, medias de Calzedonia y anillos de Uno de 50.

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Top de Amaya Arzuaga, falda de Dolores Promesas, anillos de Uno de 50 y Line Argent.

POR NANI F. CORES

no encontrarás todo lo que hay, pero sí todo lo que te interesa

Con mirada realista Punto de Vista es un festival consagrado al género documental que funciona desde hace siete años, un recorrido por la no ficción y el cine vanguardista de última hornada. Este año estrenará 12 largos y 6 cortos en su sección oficial, con títulos como True love (Ion de Sosa), Color perro que huye (Andrés Duque) o el último filme de Alan Berliner. También se desvelará el vencedor del concurso XFilms.

JUSTMAD: 'CRYSTAL GIRL N.º 94', DE NOÉ SENDAS (2010). POR CORTESÍA DE LA GALERÍA INVALIDEN (BERLÍN).

PAMPLONA / Del 22 al 27 de febrero / www.puntodevistafestival.com

El futuro del cine vasco Son los primeros pasos de los cineastas vascos del mañana. Zinemastea v.2 estrena las óperas prima de jóvenes realizadores de Euskadi que intentan abrirse camino en el mundo del cine. Se proyectará el documental Simple graces, de Txema Lasa Laborde, que filmó la gira americana de la banda Delorean; 80 egunean, de Jon Garaño y José María Goenaga, sobre el amor entre dos mujeres del medio rural con más de sesenta años; y What about Columbus, de Lander Camarero [en la foto].

VITORIA-GASTEIZ / Del 21 al 26 de febrero / www.kreared.com

Todos los ojos puestos en el arte Tres ferias de arte coinciden en febrero en la abarrotada agenda cultural madrileña. Por presupuesto y veteranía, destaca el encuentro internacional de profesionales del arte contemporáneo ARCO (del 16 al 20 de febrero en Ifema), donde se dan cita las galerías de mayor prestigio y que conmemora su trigésimo aniversario; Rusia y los países latinoamericanos tendrán una presencia destacada. Por su parte, JustMad (del 17 al 20 de febrero en Velázquez 29) afronta su segunda edición y focaliza el interés en los artistas emergentes y las galerías que apuestan por la innovación; este año estrenan sede y abren camino al diseño y al arte sonoro (Metro Sound). La tercera en discordia es ArtMadrid (del 16 al 20 de febrero en el Pabellón de Cristal de la Casa de Campo), que cumple 6 años y da preferencia en su programa al arte joven, la instalación y una exposición inspirada en discos de vinilo.

MADRID / www.ifema.es / www.justmad.es / www.art-madrid.com

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Caprichos de Apolo Janelle Monae (día 22, en la foto) es el plato más exquisito de la selección Caprichos de Apolo de este mes. Un ciclo de música para gourmets en el que también participan Japanther y Shellshag (día 3), Capullo de Jerez (día 17); y, el día 23, John Sinclair, Bo Ningen y Big Sexy Noise (Lydia Lunch & Gallon Drunk). Más conciertos en marzo.

BARCELONA / La [2] de Apolo / www.sala-apolo.com

FEBRERO 11

Un Animac de ojos rasgados China es el país invitado de la XV edición Se distingue de otros festivales de cine de animación porque no es una muestra competitiva y escoge las películas de su programación fomentando el valor artístico y a los autores independientes. La Muestra Internacional de Cine de Animación de Cataluña, Animac, cumple quince años y recibe en esta edición al gigante asiático como país invitado, motivo por el que se proyectará una selección de películas tanto de pioneros de la animación china como de la nueva generación de animadores. Entre las actividades paralelas, destaca el proyecto participativo The Johnny Cash Project, de Chris Milk, para el que se requieren aportaciones del público a la realización del videoclip de la canción Ain’t no grave, a través de la plantilla de un fotograma (www.thejohnnycashproject.com). Además, la compañía Imaginart fusionará teatro y animación en Sensacional, un espectáculo pensado para niños en el que el suelo se convierte en una pantalla gigante.

CHUS ANTÓN

LLEIDA / Del 24 al 27 de febrero / www.animac.cat

Vuelven las Demoscópicas

Estrénate con 43Music

Música para una Emergència!

La revista Mondosonoro ha reclutado a los mejores grupos maqueteros españoles de 2010 para una nueva entrega de sus fiestas Demoscópicas, que pasarán por 12 ciudades.

A falta de confirmar todos los carteles completos, El Guincho será el grupo invitado para Madrid y Barcelona [foto].

Ha nacido un nuevo sello digital, 43Music (por iniciativa de Licor 43), ahora en busca y captura de talentos. Hasta el próximo 14 de marzo puedes presentar un Myspace con 5 canciones para ganar una grabación profesional de tu disco, un videoclip dirigido por Nacho Vigalondo y compartir escenario con Delorean [foto] en la sala Joy Eslava de Madrid.

La apuesta de este minifestival, que se celebra por tercer año consecutivo, consiste en dar voz a bandas prometedoras que están defendiendo sus primeros discos. Actuarán Fiera, Ornamento y Delito, Me and the Bees [foto], Caballo, Dotore, Stranded Horse, YoYMiPaya y Patrick Bower & the World Without Magic.

VARIAS CIUDADES / Del 11 de febrero al 19 de marzo / www.mondosonoro.com

www.music.licor43.es

BARCELONA / CCCB / Día 19, de 17.00 a 23.00 h / 7 euros / www.cccb.org

Mejor bailar solo que mal acompañado

Bric Lane se traslada al Born durante un domingo en un mercadillo de accesorios vintage. Botas, bolsos, petates, portafolios, zapatos y pañuelos para chica, y también para chico, con el auténtico sabor del East London y a precios muy reducidos (desde 3 euros).

La sexta edición del ciclo de danza Ellos Bailan Solos se desarrollará hasta marzo en la sala DT, con la participación de cuatro coreógrafos: Jesús Soberón, con In Mautation (días 10, 11 y 12); Aurora Diago Romero, con Estar, volar (días 17, 18 y 19); Alain Gruttadauria y L'Attrape Rêve (días 24, 25 y 26); y Recoge mi alma y bésala, de Inquinquinante Danza (del 3 al 5 de marzo).

BARCELONA / Via Vespa (Princesa, 56) / Día 6 / De 12.00 a 20.00 h

MADRID / DT Espacio Escénico / Funciones, a las 20.30 h / www.dtespacioescenico.com

Audiovisuales marcianos

Fotoencuentros para el recuerdo

El Observatorio de Vídeo No Identificado, OVNI, vuelve a la acción con una selección de 45 piezas que cuestionan la noción de realidad. Una reflexión sobre la desrealidad en la decimotercera edición de este certamen bianual de audiovisuales experimentales.

Una exposición colectiva internacional sobre el ritual de la comida en distintos países; un fotomaratón; las Escenas domésticas de la californiana Beth Yarnelle Edwards; la fotografía documental de Txema Salvans; o el sexo libre según los swingers estadounidenses retratado por Naomi Harris [foto] son algunas de las propuestas de la undécima edición de Fotoencuentros.

BARCELONA / Del 22 al 27 de febrero / www.cccb.es

NAOMI HARRIS

El paraíso del 'vintage'

MURCIA Y CARTAGENA / Hasta el 28 de febrero / www.fotoencuentros.es Calle 20 no se hace responsable de los posibles cambios en la programación reflejada en esta agenda.

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CINE

¿QUIÉN DIJO QUE EL WÉSTERN HABÍA MUERTO? ‘VALOR DE LEY’, LO NUEVO DE LOS COEN

RETORNO A LA INFANCIA La trilogía del aclamado realizador turco Semih Kaplanoglu llega, por fin, completa a nuestras pantallas. Aunque en realidad se rodaron en orden inverso, Miel, Leche y Huevo narran a modo de flashback la vida de Yusuf, un personaje introspectivo y con un rico mundo interior al que la desaparición de su padre siendo niño marca profundamente. Aunque aquí llegará antes Miel —ya que es la última parte de la trilogía—, recomendamos verlas en orden cronológico de realización, tal y como las concibió su creador.

MIEL / LECHE / HUEVO. Turquía, 2007-2010 / Dir.: S. Kaplanoglu / Estreno: 28 enero y 4 febrero

¿Está Jeff Bridges buscando su segundo Oscar consecutivo? ¿Habrá duelo al sol con Colin Firth?

Con Valor de ley, Ethan y Joel Coen han conseguido otra vez (y ya van unas cuantas) una de las mejores películas del año, y no termina ahí la cosa, porque también tenemos claro que pasará a engrosar la lista de clásicos de la historia del cine.

Aunque se trate de una adaptación —la segunda que ejecutan los hermanos tras el remake no muy logrado de El quinteto de la muerte, de Alexander Mackendrick—, se nota que esta vez los Coen han trabajado en su salsa y logran, si no ya superar, sí mantener el nivel de la primera versión cinematográfica y darle su propio sello.

Convertida en la cinta más taquillera de la pareja de realizadores en Estados Unidos, Valor de ley versiona la película del mismo título dirigida en 1969 por Henry Hathaway y protagonizada por el mítico John Wayne.

Considerada una de los mejores wésterns de su época e inspirada a su vez en un libro de Charles Portis, esta nueva versión se mantiene fiel al manuscrito y aporta una novedad frente a la cinta de Wayne: la

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historia está contada desde la perspectiva de su joven protagonista, Mattie Ross. Ella es una niña de 14 años (magníficamente interpretada por la debutante Hailee Steinfeld) demasiado madura para su edad, que busca vengarse del asesino de su padre. Sin embargo, su sed de venganza no es irracional (no se trata del diente por diente tan presente en la mayoría de las películas del Oeste), sino que responde a su afán por lograr lo que ella considera justo.

Para conseguir su objetivo se valdrá de la ayuda de Rooster Cogburn, un viejo tuerto, alcohólico y pendenciero, experto en aplicar la ley a su manera a cambio de dinero. Este personaje pone otra vez en el punto de mira las magníficas dotes interpretativas de Jeff Briges, al que los Coen regalan otro papelón treces años después de El gran Lebowski.

Un hermoso retrato sobre la amistad y la lealtad que unirá a dos personajes tan dispares para el resto de su vida.

VALOR DE LEY. EE UU, 2010 / Dir.: E. y J. Coen / Int.: Jeff Bridges, Matt Damon / Estreno: 11 febrero

¿TE ESTÁS RIENDO DE MÍ?

Aunque tenemos claro lo que hemos visto en la pantalla y a estas alturas de la vida ya han corrido ríos de tinta sobre este documental (¿o mockumentary?), en Calle 20 te recomendamos llegar lo más virgen posible a la sala de cine. Tanto si Phoenix se volvió majareta para dejar una fructuosa carrera de actor en pro del hip hop como si se trata del engaño más grande de la historia del celuloide, merece la pena saborearlo. A sus pies.

I’M STILL HERE. EE UU, 2010 / Dir.: Casey Affleck / Int.: Joaquin Phoenix / Estreno: 4 febrero

LA PERFECCIÓN TAMBIÉN DUELE Aunque muchos consideren Cisne negro como la primera incursión de Aronofsky en el thriller psicológico, lo cierto es que otros de sus personajes anteriores como Randy (Mickey Rourke) en El luchador o Harry (Jared Leto) en Réquiem por un sueño estaban poseídos, como Nina, por sus demonios personales. Cisne negro parte, sin embargo, de la perfección —y no de personajes marginales— para llevar a su protagonista a una encrucijada personal entre su lado inocente y el maligno que la arrastrará al mismísimo infierno. El realizador le ha regalado uno de los papeles de su vida a Natalie Portman y ella no lo ha desaprovechado, dejando claro que es una de las mejores actrices de su generación.

CISNE NEGRO. EE UU, 2010 / Dir.: Darren Aronofsky / Int.: Natalie Portman, Vicent Cassel, Mila Kunis, Barbara Hershey, Winona Ryder / Estreno previsto: 18 de febrero

EL AMARGO TRAGO DE CRECER

CINE EN CORTO

CONSPIRACIÓN ADULTA Que cuanto más adulto se hace uno más amargado parece, vale, pero que los progenitores del mundo intenten cargarse las ilusiones de sus niños con una conspiración a gran escala, eso ya es el acabose. Por enésima vez, Alberto González Vázquez (Un día con Amenábar, El fin del mundo, Cirugía...) hila fino con una animación sencilla de trazo y apoteósica en su guión. Porque puede que las creencias infantiles de Javierito nos resulten ahora divertidas, pero mucho nos tememos que sean, además, reflejo de otro futuro dictador.

LOS REYES MAGOS. 3 min / www.notodofilmfest.com/index.php?corto=29339

Tras su paso victorioso por el Festival de Sundance 2010, aterriza en España (con un año de retraso) una de las grandes sorpresas del cine independiente: Winter’s Bone. En este certamen, la cinta recibió el gran premio del jurado y el premio al mejor guión iniciando así una meteórica carrera de galardones y menciones, entre los que destacan siete nominaciones a los American Film Independent Spirit Awards y una a los Globos de Oro para su protagonista, Jennifer Lawrence, quien pese a su juventud despunta como un valor en alza. Su estremecedor retrato de una adolescente capaz de arriesgar su propia vida para esclarecer la desaparición de su padre y salvar a su familia nos ha puesto los pelos de punta.

WINTER’S BONE. EE UU, 2010 / Dir.: Debra Granik / Int.: Jennifer Lawrence, John Hawkes, Garret Dillahunt / Estreno previsto: 11 de febrero

LA VIOLENCIA LLAMA A LA VIOLENCIA No sólo se estrena en la dirección con I’m still here [ver página anterior], sino que Casey Affleck llega también este mes a nuestra cartelera envuelto en la piel de un desquiciado asesino de mujeres. Su papel (y la película en sí) fueron recibidos con polémica en el Festival de Sundance 2010, donde se acusó a su director, Michael Winterbottom, de defender la violencia gratuita. Un argumento muy en boga, por cierto, cuando el espectador no se toma la molestia de separar realidad de ficción. Basada en el libro El asesino dentro de mí, escrito en 1952 por Jim Thompson, Stanley Kubrick lo definió en su día como «la historia en primera persona de una mente criminal más escalofriante y creíble que me he encontrado nunca».

EL CUADRILÁTERO DE LA VIDA Tras dirigir en 2008 el cortometraje Nisa sobre la situación de las mujeres en Marruecos, Benet Román da el salto a México para afrontar el segundo capítulo de la serie documental Mujeres en el mundo con este Luchadoras.

Acostumbradas a lidiar una pelea diaria en el ring de la vida, muchas de ellas afrontan en solitario la carga de una familia, sufren malos tratos desde muy pequeñas o bregan para acceder a una educación digna. Este estremecedor trabajo estuvo nominado al Goya al mejor corto documental el pasado año.

LUCHADORAS. 13 min / Dir.: Benet Román / Puedes verlo en vimeo.com/12033382

EL DEMONIO BAJO LA PIEL. EE UU, 2010 / Dir.: Michael Winterbottom / Int.: Casey Affleck, Kate Hudson, Jessica Alba / Estreno previsto: 21 de enero

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TEATRO

Trastos, marionetas, muñecos y móviles cobran vida en la novena edición del Festival València Escena Oberta (VEO). Y pese a que dichos objetos puedan asociarse de entrada a un público infantil, la creación contemporánea para adultos está repleta de montajes donde la robótica, la artesanía preciosista o el circo contemporáneo se dan la mano. VEO congregará a diferentes compañías de España, Francia, Bélgica, Hungría, Suiza, Dinamarca y Holanda. Entre ellas, encontramos las que abordan la corriente artesana: como Le LaRio, que se sirve de madera, papel, bielas y ruedas para forjar universos oníricos; o Cabo San Roque, que aprovechando el desmantelamiento de una fábrica de galletas de Granollers ha conformado una orquesta mecánica. Otros artistas apoyan sus propuestas en la fuerza de las imágenes: Fátima Miranda, que en PerVersiones toma como referencia las fotografías de Chema Madoz; o Macarena Recuerda en su espectáculo That’s the story of my life (basado en una canción de The Velvet Underground). Los franceses KTHA convierten al espectador en objeto en sí, encerrándolo en un contenedor, mientras que sus compatriotas expertos en artes circenses Baró d’Evel Circ y MPTA [en la imagen] se convertirán en los amos de la pista.

FESTIVAL VEO. Valencia / Del 16 al 27 de febrero / www.festivalveo.com

STÉPHANE ROUAUD

FESTIVAL VEO: LOS OBJETOS COBRAN VIDA

JAVIER NAVAL

TENNESSEE WILLIAMS: HAMBRE DE DESEO Febrero es el mes del amor y, por extensión, del deseo. Casualidades de la vida: se dan cita en la cartelera madrileña dos montajes del dramaturgo estadounidense que mejor retrató los tormentos de la pareja, Tennessee Williams, y que curiosamente son, también, los que le valieron sendos premios Pulitzer. Mario Gas dirige el primero de ellos, Un tranvía llamado deseo, la historia de un tenso triángulo (esposo-esposa-cuñada) al que se ocuparán de dar vida en escena tres soberbios actores: Roberto Álamo —después de poner el listón interpretativo muy alto en Urtáin, nada mejor que superarlo con el papel del seductor y pasional Stanley—, Vicky Peña y Ariadna Gil. Por su parte, en el Centro Dramático Nacional desembarca la versión de Álex Rigola de Gata sobre tejado de zinc caliente, después de abrir la temporada del Teatro Lliure en Barcelona.

UN TRANVÍA LLAMADO DESEO. Madrid / Teatro Español / Hasta el 10 de abril GATA SOBRE TEJADO DE ZINC CALIENTE. Madrid / Teatro Valle-Inclán / Hasta el 27 de febrero

Ante la crisis: renovarse o morir. Los presupuestos para acciones culturales se resienten y Escena Contemporánea no iba a ser una excepción. Sin embargo, el festival madrileño reduce el número de espectáculos pero no la calidad. La edición de este año (la decimoprimera) girará en torno a las referencias cruzadas (el cine y el arte como fuente de inspiración) y, entre el medio centenar de propuestas seleccionadas, se encuentran nombres como Mal Pelo, Marco Canale, Steven Cohen [en la imagen], Vicente Colomar, Carlos Marquerie, André Gingras o Elena Córdoba. Además, el festival se abre a nuevos espacios celebrando, por ejemplo, una maratón de circo en el Price y una performance musical en la Tabacalera y añadirá encuentros con el público además de conversaciones con creadores sobre la ética del artista. Por si esto fuese poco, precios populares: entre 3 y 6 euros por espectáculo, y además muchos de ellos son gratuitos.

ESCENA CONTEMPORÁNEA. Madrid / Hasta el 20 de febrero / www. escenacontemporanea.com

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MARIANNE GREBER

COMO UN NIÑO CON ZAPATOS NUEVOS

MÚSICA

INCOMBUSTIBLES, A MUCHA HONRA WIRE ESTRENA ÁLBUM: ‘RED BARKED TREE’

QUEMANDO LA PISTA DE BAILE Cueste lo que cueste, el DJ y productor Andy Butler quiere bailar con la más bonita. Tres años después de la publicación de aquella bomba de relojería titulada Hercules and Love Affaire con DFA Records, el neoyorquino ha decidido crear su propio sello, sacar otro álbum al mercado (Blue songs), y rodearse de nuevas voces: la de Kim Ann Foxman y las debutantes Shaun Wright y Aerea Negrot. El resultado, pese al cambio, sigue siendo un buen llenapistas que no hace ascos a ningún género, desde el house al sonido Giorgio Moroder.

HERCULES AND LOVE AFFAIR. 17 de febrero, Madrid / 19, Barcelona

Colin Newman, Graham Lewis y Robert Grey, mala hierba nunca muere.

Su affaire con nuestro país es casi, casi, como la Navidad: inevitable. De un tiempo a esta parte, raro es el año que este trío incombustible no se pasea por nuestro país. En esta ocasión, además, para presentar nuevo álbum recién salido del horno: Red barked tree, publicado a principios de enero. Se trata de su disco de estudio número doce y ellos mismos lo han definido como su trabajo más variado y brillante hasta la fecha (con más de 35 años a las espaldas, ni tienen abuela ni falta que les hace).

La banda liderada por Colin Newman (voz, guitarra), Graham Lewis (bajo, voz) y Robet Grey (batería) se formaba en 1976, al año siguiente publicaba Pink flag y ponía los cimientos del llamado pospunk junto a otros grupos como The Fall o Gang of Four. A este mítico álbum le seguirían Chairs missing y 154, con los que consiguieron ampliar los límites no sólo de la música punk, sino

del rock y obtener el reconocimiento de la crítica y el público. A partir de ese momento se cimentaría la leyenda. Una leyenda que, en parte, se acrecentaría con su desaparición en el año 1980, justo cuando su fama no hacía más que despegar. El parón duró hasta 1985 y en 1992 volvían a disolverse para reaparecer, por segunda vez, en el 2000.

Sin embargo, estos periodos sabáticos han sido, a la larga, uno de los motores del grupo para reciclarse, ampliar horizontes en su música —donde siempre ha primado el gusto por la experimentación— y renacer cual ave fénix. Sin estos lapsus (en los que nunca han abandonado la música, sino que han estado volcados en otros proyectos paralelos) no se entenderían obras maestras como la reciente Object 47 (2008). Digamos pues, una vez más: ¿qué hay de nuevo, viejos?

LO CANADIENSE ESTÁ DE MODA Nos quedamos con ganas de verla el pasado mes de abril —canceló su gira a causa de la famosa nube de ceniza volcánica— y, por fin, recala en nuestro país. Su segundo trabajo, Heart of my own, demuestra con creces por qué su dulce voz y su estilo folk ha subyugado al sello Rought Trade y al productor Howard Bilerman (Arcade Fire, Godspeed You! Black Emperor, British Sea Power). Otra nueva gran propuesta made in Canadá.

BASIA BULAT. 10 de febrero, Madrid / 11, Barcelona / 12, Vigo / 13, Ourense

WIRE. 17 de febrero, Madrid (Moby Dick) / 18, Barcelona (La [2] de Apolo) / www.pinkflag.com

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MÚSICA

Será pequeño, pero luce como uno de los grandes. Ocho nombres de la música independiente dan forma al cartel de este nuevo Minifestival barcelonés.

Entre ellos: el grupo británico Dakota Suite, Nick Garrie [en la imagen] está recuperado para la gloria tras casi cuatro décadas de silencio gracias al sello Elefant; el dúo femenino Magnapop con su equilibrada mezcla de voces pop y melodías punk; la extraña y nueva pareja musical formada por Pete Fijalkowski (Polack) y Terry Bickers (The House of Love, Levitations) o los debutantes Standard Fare.

MINIFESTIVAL. 26 de febrero, Barcelona (C. Artesà Tradicionàrius) / www.minifestival.net

GALAXIE 500: DE NUEVO EN ÓRBITA A pesar de que el 2011 no ha hecho más que empezar, la noticia de que Dean Wareham volvía a congraciarse con los astros para recuperar en directo el repertorio de los míticos Galaxie 500 nos parece no sólo uno de los grandes acontecimientos del año, sino de la década.

Banda mítica a pesar de su corta existencia (estuvieron en activo entre 1987 y 1991), dejaron como legado tres obras irrepetibles —Today (1988), On fire (1989) y This is our music (1990)— y se convirtieron rápidamente en leyenda para los amantes del shoegaze, el slowcore y el dreampop. No contaron con miles de fans —aunque On fire consiguió colarse en el número 7 de las listas independientes británicas, en su país de origen, EE UU, no tuvieron tanto éxito—, pero sin embargo se puede afirmar que han influenciado a cientos de grupos posteriores, desde The Clientele hasta Real State. Su sonido envolvente y atmosférico, capaz de transportarnos a otras galaxias, se convirtió en el legado perfecto de otras bandas míticas como la Velvet Underground y Spacemen 3. Luego llegarían Luna y Dean & Brita, pero esto ya es harina de otro costal. Dejémonos llevar por la nostalgia y disfrutemos de este viaje al pasado, aunque sea por unas horas.

DEAN WAREHAM PLAYS GALAXIE 500. 21 de febrero, Cádiz (La Bomba) / 22, Valencia (Wah Wah) / 23, Granada (T. Isidoro Márquez) / 24, Madrid (T. Lara) / 25 , Galicia / 26, Lloseta, Mallorca (T. Lloseta)

AIRES NÓRDICOS EN EL TEATRO LARA NUEVO LUSTRE En 2009 reaparecían con fuerza tras diez años de silencio. Ése fue el año de la publicación de un grandes éxitos, Smashes and trashes, y de su última visita a nuestro país, que dejó con la miel en los labios a muchos fans (agotaron las entradas en un suspiro). Con nuevo trabajo debajo del brazo, Wonderlustre (publicado hace cinco meses), Skunk y su portentosa voz vuelven para quedarse.

SKUNK ANANSIE. 9 de febrero, Madrid / 11, Barcelona / www.skunkanansie.net

Menos de un año después de echar a andar en el madrileño Teatro Lara de Madrid, Los Conciertos Sublimes de Vertical Pop se han convertido en una de las propuestas musicales más apetecibles de la capital. La mezcla entre su cuidada selección de artistas y la oportunidad de disfrutar de los directos cómodamente sentado y con una acústica inmejorable le han aportado un extenso club de seguidores que lleva trazas de acrecentarse con su salto a Barcelona (por el momento, con un concierto en el mes de febrero). La temporada 2011 arranca con interesantes propuestas, entre las que destacan dos de origen nórdico: Junip —el proyecto paralelo de Jose González junto a Elías Araya y Tobias Winterkorn; en la foto—, que el pasado año publicaba uno de los discos más hermosos de la temporada, Fields; y el veterano y cada vez más melenudo Jay Jay Johanson, que prepara el lanzamiento de su nuevo trabajo, Spellbound, para este mes. Otros artistas que pisarán las tablas del Lara este mes serán los madrileños Matiné junto a Nocturnos y el ex Red House Painters Mark Kozelek con sus hermosos dramas de guitarra. A Kozelek le acompañarán en el escenario los debutantes Mechanismo, cuyo EP Empire of light ha dado mucho que hablar últimamente.

MATINÉ + NOCTURNOS. 9 de febrero, Madrid. JUNIP + WOODPINGEON. 10, Madrid. MARK KOZELEK + MECHANISMO. 15, Madrid. JAY JAY JOHANSON. 17, Madrid / 19, Barcelona

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DEBRA SCHERER

CHIQUITO PERO MATÓN

DISCOS

ANNA CALVI

PONY BRAVO

TWIN SHADOW

ANNA CALVI

UN GRAMO DE FE

FORGET

En un no tan hipotético apareamiento entre Nick Cave y PJ Harvey, el resultado bien podría haber sido Anna Calvi. Con los labios pintados de rojo carmín, llega dispuesta a comérselo todo. Brian Eno se ha convertido en su mentor, ha sido telonera de Nick Cave (del que se confiesa devota) y ha dedicado tres años a elaborar este magnífico debut.

En él nos conquista por su poderosa voz, que posee la fuerza de un ciclón y la suavidad del terciopelo, a partes iguales; y un sonido entre fronterizo y cabaretero propio de una película de Lynch. De ser Polly Jean, nos andaríamos con ojo.

Su disco cayó en nuestras manos a finales del 2010, pero no habría justicia divina si empezáramos el 2011 sin hablar de ellos.

Como un cruce imposible entre No Me Pises Que Llevo Chanclas y Faust, Pony Bravo merece un puesto de honor en el altar de las bandas nacionales. Nos gustan sus ritmos hipnóticos, nos vuelven locos sus letras ingeniosas y divertidas (¿quién podría hablar con más desparpajo de una noche de setas, por ejemplo?), nos flipa que suenen a todo y a la vez sean diferentes a cualquiera. No los pierdas de vista (y tampoco a su proyecto paralelo Fiera).

Otro disco de finales del 2010 que no puede faltar en la discoteca de cualquier melómano que lea Calle 20. Algunos ya le han bautizado como el Morrissey negro, aunque de Bowie también ha aprendido lo suyo. El debut de George Lewis Jr. aka Twin Shadow —producido y orquestado con mucho mimo por Chris Taylor de Grizzly Bear— suena a retro, bebe del electro funk, el electro pop y el synth pop y, a la vez, transmite una profunda sensibilidad.

George Lewis posee una de las voces más elegantes y emotivas que se recuerdan por estos lares. De Brooklyn directo al corazón.

www.annacalvi.com

www.enelrancho.com

www.myspace.com/thetwinshadow

WHITE LIES

AGENT RIBBONS

ASTRUD

RITUAL

CHATEAU CRONE

LO NUEVO

Los que disfrutaron hace dos años de su To lose my life y los que, en general, se mantienen fieles al sonido pospunk y su posterior fiebre o revival se sentirán una vez más en su salsa escuchando el segundo trabajo del trío londinense White Lies. Producido por Alan Moulder (ingeniero fetiche de otras bandas como Death Cab For Cutie o Interpol), este segundo álbum sienta sus bases en la profunda y seductora voz de Harry McVeigh, que sigue siendo una de las bazas del grupo, e incrementa la presencia de sintetizadores y ritmos electrónicos.

Este trío femenino afincando en Austin nos ofrece su segunda entrega discográfica después del autoeditado On time travel and tomance. Chateau crone repite fórmula mágica: la que se obtiene al sumar pop barroco y ensoñador con garage-rock luminoso y actitud punk.

Después de agitarlo, obtenemos diez temas impregnados de humor, romanticismo, melodías pegadizas y sanas influencias que van desde la Velvet Underground hasta The Raincoats. Además, se acompaña de una bonita edición con libreto de 24 páginas y calcomonía. Detallistas que son las chicas.

Lo nuevo en este caso es viejo. Pero no tanto. Manolo y Genís recuperan lo más granado de su repertorio —Cambio de idea, La boda, Mentalismo, entre otros jitazos— y lo rejuvenecen y transforman a base de violines, chelos y acordeones por obra y gracia del Col.lectiu Brossa. ¿El resultado? Una original fusión (y matrimonio) entre lo clásico y las siempre transgresoras letras del dúo, que marcan un punto y aparte en su carrera. Para los ansiosos, dos canciones de estreno, las que sirven para abrir y cerrar el disco: Lo popular y La música de las supercuerdas.

www.whitelies.com

www.myspace.com/agentribbons

www.astrud.com

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ARTE

EL RETO DE NO OLVIDAR A LOS QUE PERDIMOS GERVASIO SÁNCHEZ REIVINDICA LA MEMORIA

RESURGIENDO DEL HORROR BÉLICO El final de la Primera Guerra Mundial supuso una ruptura con el pasado en muchos sentidos. En lo que se refiere a los movimientos artísticos, el periodo de entreguerras abandonó el ansia de innovación a favor del equilibrio y la contundencia de las formas clásicas.

La exposición Caos y clasicismo: arte en Francia, Italia, Alemania y España, 1918-1936 recupera esta época a través de la obra de artistas como Braque, Chirico, Fernand Léger, Picasso o Balthus [en la imagen: The street, 1933].

CAOS Y CLASICISMO. Guggeheim (Bilbao) /

GERVASIO SÁNCHEZ

A partir del 22 de febrero / guggenheim-bilbao.es

Campesinos que caminan con los ataúdes con los restos de sus seres queridos, Guatemala, 2009.

Mirar para no olvidar. Mirar para recordar.

Un ejercicio de memoria necesario es lo que nos propone el fotoperiodista Gervasio Sánchez en su exposición Desaparecidos, dedicada a reivindicar a todas aquellas personas desaparecidas en conflictos bélicos y procesos de represión.

Sus fotografías representan un recorrido conmovedor (para el que se necesita estar mentalmente preparado) por algunos de los países más afectados por este problema: Chile, Argentina, Perú, Colombia, El Salvador, Guatemala, Irak, Afganistán, Camboya y Bosnia.

Y concluye con un epílogo dedicado a España, en el que se aborda el actual proceso de búsqueda y exhumación de personas desaparecidas durante la Guerra Civil y la dictadura franquista.

Los bloques temáticos abordan el tortuoso camino de los que sufrieron este horror innecesario: desde las instalaciones utilizadas para torturar y hacer desaparecer a las víctimas hasta el proceso de

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inhumación e imágenes desoladoras de memoriales erigidos en recuerdo de los desaparecidos o el proceso de búsqueda y exhumación.

Los familiares también tienen una especial importancia para Sánchez, que capta en sus rostros el terrible efecto de estas pérdidas forzosas, así como objetos personales de los desaparecidos que ellos le han facilitado e, incluso, los angustiosos momentos de identificación de las víctimas.

La muestra supone también un hito en la historia expositiva de nuestro país, ya que ésta es la primera vez que una misma muestra llega a tres centros de forma simultánea: MUSAC de León (hasta el 5 de junio), CCCB de Barcelona (hasta el 1 de mayo) y La Casa Encendida de Madrid (hasta el 20 de marzo). Cada uno de los centros exhibirá una amplia selección de fotografías totalmente diferentes pero unidas por los mismos bloques temáticos.

DESAPARECIDOS. ww.musac.es / www.cccb.org / www.lacasaencendida.es

UNA SERPIENTE DE LUZ NOS INVADE Como si de una serpiente de luz se tratase, la obra del artista multimedia Daniel Canogar invade estos días las instalaciones del Canal de Isabel II. Travesías es una pantalla de LED de 30 metros de largo que cae en cascada. La exposición se complementa con Vórtices en la Fundación Canal, que reúne cinco instalaciones producidas especialmente para la ocasión y que reflexionan sobre el agua, la sostenibilidad y el reciclaje.

TRAVESÍAS / VÓRTICES. Canal Isabel II y F. Canal (Madrid) / A partir del 8 de febrero

CUANDO LOS GATOS SON PARDOS Un poco al estilo de aquel carrusel desenfrenado de situaciones que vivía el protagonista de Jo, qué noche, de Martin Scorsese, la exposición Medianoche en la ciudad, de Artium —coproducida junto a La Panera de Lérida—, intenta convertirse en el reflejo artístico que ese imaginario de lo nocturno es capaz de despertar en nosotros. En esta medianoche eterna que plaga las salas del Artium nos encontramos con los personajes solitarios de Gregory Crewdson [en la imagen: Dream house], pero también con las historias de pareja oscuras y violentas retratadas por Nan Goldin en The ballad of sexual dependency. Otros artistas se dejan seducir por el poder de la noche como punto de encuentro social: es el caso de Carlos Pazos en Music, martinis and memories, un paseo a través de barras de bar; o Massimo Vitali en su serie Benicàssim artic dipthyc, recogiendo algunas actuaciones del famoso festival de música. También está lo nocturno como metáfora del terror: Alicia Framis en Cinema solo habla del miedo a vivir sola, Ignasi Aballí retrata una serie de actos violentos en Sinopsis II, y Ergin Cavusoglu, las discusiones callejeras y los trenes fantasmagóricos. Y entre los que quieren soñar con los ojos abiertos, las bombillas, velas y huidas varias de Carles Congost, Carlos Garaicoa y Félix González-Torres.

REPASO A LA HISTORIA RECIENTE En el año 2002, Anjalika Sagar y Kodwo Eshum fundaban en Londres The Otolith Group, un grupo que intenta reflexionar sobre la percepción y la naturaleza de los documentos a través de películas, textos y actividades relacionados con los archivos de los medios de comunicación.

Sus películas [en la imagen: Filmstill from Otolith II] se encuentran a medio camino entre el género documental y el collage de imágenes y hacen un repaso de la historia reciente, mitad diario personal, mitad ficción, desde la ideología de la Guerra Fría hasta los procesos del capitalismo global.

THE OTOLITH GROUP. MACBA (Barcelona) / Del 4 de febrero al 29 de mayo / www.macba.cat

MEDIANOCHE EN LA CIUDAD. Artium (Vitoria) / Hasta el 27 de marzo / www.artium.org

SIN MIEDO AL VIDEOARTE A lo largo del 2011 el centro de arte LABoral se ha planteado como objetivo profundizar en un tema concreto: el poder de la imagen en la cultura contemporánea y las nuevas narrativas que genera. Y lo hará poniendo en marcha una serie de exposiciones, —englobadas bajo el nombre de Universo vídeo— que se proponen revisar el panorama internacional del videoarte desde los años sesenta hasta la actualidad y desde el punto de vista de diversos comisarios. La primera entrega de este recorrido visual será la muestra Historias cinéticas, que llega de la mano de Lori Zippay, directora de Electronic Art Intermix (EAI), una entidad sin ánimo de lucro con sede en Nueva York dedicada desde hace 40 años al media art. La exposición reúne dos piezas por cada una de las décadas que median entre 1960 y 2000 [en la imagen: Masters of none, 2006. Harry Dodge & Stanya Kahn]. Hay de todo, desde las improvisaciones analógicas de los primeros años a los sofisticados procesos digitales de la actualidad, pero cada uno de los vídeos, sin excepción, intenta captar los paisajes culturales, tecnológicos y artísticos de donde surgieron. En abril llegará la siguiente entrega: Move on Asia.

MIS TESOROS El CA2M de la Comunidad de Madrid arranca este 2011 con dos exposiciones.

Colección III reúne parte de sus fondos y nos invita a reflexionar sobre un conglomerado de obras que intentan ser un testimonio de nuestro tiempo [en la imagen: Kennedy, de Antoni Miralda, 1971]. Por su parte, Amarrado a la pata de la mesa reúne una muestra del trabajo de cubano Wilfredo Pietro.

COLECCIÓN III / AMARRADO A LA PATA DE LA MESA. CA2M / Hasta el 24 de abril

HISTORIAS CINÉTICAS. LABoral (Gijón) / Hasta el 4 de abril / www.laboralcentrodearte.org

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LECTURAS POR JOSE ÁNGEL GONZÁLEZ SENSUALIDAD ASTÉNICA Siga el tempo de los Beatles o el de Bach (este libro, dice, se mueve al ritmo del Clave bien temperado), Haruki Murakami (1949) siempre baila con su propia mix-tape: soledad urbana, memoria privada, don de la oportunidad y un cierto tufillo a la sensualidad asténica de Hello Kitty. En este libraco, primera parte de una trilogía (¿les suena?), inserta maltratadores, sectas, corrupción, violencia (¿les suena?) y una protagonista femenina capaz de dejar k. o. a Mike Tyson (¿les Larsson?). Asegura el escritor, que vendió dos millones de ejemplares en Japón en la primera semana, que es su obra «más ambiciosa». No puedo asegurar que la declaración esté basada en el sentido estricto de ambición, el «deseo ardiente de conseguir poder, riquezas, dignidades o fama», pero sí que toda la mercadotecnia apunta alto: el «desmoronamiento» de los sueños de los sesenta, una «turbadora belleza» y «orwelliana precisión». Hello Kitty ya lo ha leído. Le gusta.

BOLAÑISMO POST MÓRTEM Lo primero, por desgracia, es una pregunta: ¿estamos ante una novela que Roberto Bolaño (1953-2003) hubiese consentido en vida? Por mucho que sostengan el editor y la viuda (en una posdata que suena a justificación no solicitada), hay demasiado recorte, imprecisión y, aun tratándose del rey de los ferrocarriles sin estación término, demasiadas notas que parecen post-its de asuntos pendientes. Como toda estrella del pop muerta demasiado pronto (a Bolaño le haría mucha gracia ser como Hendrix), ahora llega la explotación post mórtem. Con Los sinsabores del verdadero policía sucede lo mismo que con algunos cafés preparados a la italiana: ni alcanza la robustez de los turcos ni se queda en el desleído estilo criollo. Pero, tranquilos, hay bolañismo del mejor (el boreal policía Gumaro: «A mi mente le falta aire»), una balacera cruzada con otros libros (2666, Los detectives salvajes, Estrella distante...) y, sobre todo, uno de los textos confesionales más hermosos y sobrecogedores de la literatura en español de todos los tiempos, el capítulo 5: seis páginas de dolor sobre dolor que por sí mismas justifican este libro extraño que lees con lágrimas, rabia, hilaridad y ganas de mandarlo todo al carajo. Acaso así y sólo así deben leerse todos los libros.

LOS SINSABORES DEL VERDADERO POLICÍA. Anagrama / 328 páginas / 19,50 euros

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1Q84 (LIBROS 1 Y 2). Tusquets / 744 páginas / 26 euros

AFRONTAR EL CHAPARRÓN EN BOLAS Como ser humano, Jim Dodge (1945) es un tipo admirable: vivió años en una comuna libertaria, fue tahúr profesional, leñador y pastor. Como escritor, adolece de la peste hippie: considerar que no hay experiencia mística e intelectual comparable a pasearse en pelotas bajo un aguacero de abril. La novela Stone Junction, reeditada por Alpha Decay con otro título y diferente ropaje (la primera vez, en 2007, se llamaba Introitus Lapidis), narra, como apunta nada menos que Thomas Pynchon en la introducción, una especie de fiesta de nunca acabar: la de Daniel Pearse, niño-off educado por una madre soltera y peleona con la ayuda de una alianza secreta de magos, falsificadores, alquimistas, expertos en explosivos, indios apache y otra fauna. ¿Forajidos o delincuentes? Hay una diferencia moral: «Los forajidos sólo hacen el mal cuando creen que está bien; los delincuentes sólo creen que hacen el bien cuando hacen el mal».

STONE JUNCTION: UNA EPOPEYA ALQUÍMICA. Alpha Decay / 535 páginas / 20 euros

REPORTERO EN LA JUNGLA-MADRE El reporterismo vivencial (pese a Chatwin, Theroux y demás nómadas de la mirada) no tiene buena prensa en el mercado editorial español. Desde los cenáculos literarios se le considera con taimada injusticia, y algo de envidia, una bastardía. Quizá libros como Calle Amazonas ayuden a cambiar el paradigma. El joven reportero Bernardo Gutiérrez (1975) nos lleva a la jungla de junglas, al «Brasil olvidado» de «formigas de fogo de picadura abrasadora, barcos impuntualísimos y delfines mágicos». Porque los ojos son nuevos, también lo es la lectura que ejercen sobre la selva afiebrada entre Belem y Manáos. No por manido deja de ser adecuado el adjetivo abigarrado: un niño sateré mawé con una careta de Batman; el oscuro río Trombetas, hogar de comunidades negras descendientes de esclavos libertos; barcazas en las que suena tecno, una fábrica de componentes informáticos en medio de la jungla...

CALLE AMAZONAS. Altaïr / 198 páginas / 18 euros

EN VIÑETAS POR NANI F. CORES

¿TIERNO YO?

¿POR QUÉ ‘AMÉLIE’ GUSTA MÁS QUE GODARD?

CHICAS SALVAJES EN EL LONDRES GRIS DE 1945

Un ensayo sobre cine, mutantes y mutados, pantallas globales y caminos posmedia. Hasta aquí, clásico. La gracia es formal: una quincena de críticos se cartean durante seis años y editan las epístolas. Pese a las evidencias de tostón académico, el libro es dinámico. Intenta responder a dilemas sustanciales como por qué gustan tanto a los gafapasta películas como Amélie y Moulin Rouge, y tan poco las de Manoel de Oliveira o Jean-Luc Godard.

«Toda la buena gente era pobre salvo contadas excepciones (...). No tenía absolutamente ningún sentido deprimirse por la situación, ya que habría sido como deprimirse por la existencia del Gran Cañón del Colorado». A las primeras de cambio, Muriel Spark (1918-2006) descubre sus cartas: ojo de lince y un distanciamiento muy british de la realidad del Londres gris de 1945. Las protagonistas son bellas, salvajes y conmovedoras. La novela, dulce como una resaca de champán.

MUTACIONES DEL CINE...

LAS SEÑORITAS DE ESCASOS MEDIOS.

Errata Naturae /

336 páginas / 22,90 euros

Impedimenta / 178 páginas / 17,69 euros

Pues sí, señores, el padre del cómic underground, el pesimista por naturaleza, el artista de lo picantón y lo grotesco, el creador de Mr. Natural o el gato Fritz, aquel que afirmó que sus personajes «son sujetos a reprimir o exterminar porque no participan del modo de vida norteamericano» se deja llevar, como todo hijo de vecino, por el sentimentalismo y la ternura. Robert Crumb recopila en este volumen una serie de dibujos realizados a partir de los años sesenta. Desde retratos de familiares y amigos hasta —y agárrense— tiernos gatitos, ángeles y bebés. Como dice el propio Crumb: «Un ardid de mi mujer para que las mujeres también compren mis libros». No creemos que fuera necesario, pero nos gusta el detalle.

LA CARA MÁS DULCE DE R. CRUMB. Ediciones La Cúpula / 116 páginas / 18 euros

EL NIÑO QUE FUI

LIBRO QUE PUEDE EXPLOTARTE EN LAS MANOS

JEAN GENET CONTRA LA «IMBECILIDAD ABSOLUTA»

Ni una sola concesión: «Jamás seremos lo bastante conscientes de lo siguiente: pertenecemos a una sociedad con la que estamos en estado de guerra; vivimos en territorio ocupado». Maurice Blanchot (1907-2003), maestro del texto roto y el fanzine primario, sigue siendo relevante.

Insumiso y buscador de la «palabra justa», lo dura e incómoda que haga falta, el agitador autor francés sigue explotando en las manos.

A la editorial Errata Naturae debemos la bendición de reivindicar a Jean Genet (1910-1986) en su centenario. Este volumen reúne en español por primera vez su voz más radical: desde las trincheras de mayo de 1968 hasta los campos de sangre de Sabra y Chatila, pasando por los discursos en apoyo a los Panteras Negras o la pasmosa entrevista en Playboy. San Jean contra la «Imbecilidad Absoluta».

ESCRITOS POLÍTICOS. Acuarela y Antonio

EL ENEMIGO DECLARADO. Errata Naturae /

Machado / 236 páginas / 16 euros

424 páginas / 24,50 euros

Recién salida del horno llega este mes a las librerías la que muchos consideran obra cumbre del autor francés Blutch. Tras este seudónimo se esconde Christian Hincker, y precisamente así, Christian, se llama el protagonista de este libro. Un chaval que, como tantos otros, pasa de niñas, lee cómics a escondidas y cuando juega a indios y vaqueros siempre quiere ser cowboy, porque sus ídolos son Steve McQueen, John Wayne y Charlton Heston.

Siguiendo la estela de Goscinny y Sempé con El pequeño Nicolás, Blutch homenajea, con grandes dosis de humor, su infancia y la inevitablemente accidentada pérdida de la inocencia.

EL PEQUEÑO CHRISTIAN. Norma Editorial / 112 páginas / 18 euros

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POR JAUME ESTEVE

los sa desde sobreme e como d o la h o c s e n , y lo ha h en una co o lt s e o trella m vu ía a e tus d es No le ve . Kirby h de su esta ultinacional tendo 64 ra in u N lt a e d la s a m año título s de la e: con un situó a su personaje se merec ánica que lación de c te e s m n o nta, la c a la eros nove regresa dentro de e los prim mbinación epic yarn d s s y’ b ta ir n K e . na co nipona los superv ansalva, u apartado ista entre iento a m nimos un im u protagon n le te e to tr s n e e a y i . s S a le r. b a rm s ta platafo incontes ele fraca vez ezcla es veces su na y otra oon, la m que raras rt a c l s e o d p a tar u r r o o d tendo p u in e s d N a , c o gráfic cibir críti ersonajes re p a s o a d m no es is ra e b las y los m turns, que repetirs Acostum de las as fórmu re m ra g u is n lt m o a K s por la estén a la a Donkey s to to n ie. n d ju ie a , n m a los lanza les gana demuestr rmas no mientras fo a ta m la le p b e un pro egos d ncias. A ju circunsta

Olvida aquella tendencia tan de finales de 2007 de los discos duros multimedia. ¿Para qué tener una unidad de almacenamiento junto al televisor cuando se puede tener un videoclub on line, un decodificador de TDT que permite grabar a la carta y un centro multimedia que emite vía Wi-Fi cualquier vídeo almacenado en tu PC y en alta definición?

Y en un solo gadget. Todo esto es el Web:tv de Blusens, un aparato que hace posible que no tengas que preocuparte nunca más de dejar espacio libre en tu reproductor multimedia para ver todas esas series que te hayas descargado. [150 euros]

Aunque tiene algunos detractores en el mercado, Kingston ha lanzado llaveros de memoria USB con el formato 3.0 que comienza a estar disponible en ordenadores de sobremesa y portátiles. Con el aumento del tamaño de los archivos que transferimos a diario, ya sea en casa o en el trabajo, este nuevo estándar, hasta diez veces más rápido, es una ayuda muy útil para reducir los tiempos de espera mientras transferimos las fotos del último verano en otro equipo. [Modelos de 16, 32 y 64 gigabytes, entre 58 y 177 euros]

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Posiblemente sea el gadget más prescindible que anunciemos en todo 2011, pero también es uno de esos que te dejan con la boca abierta cuando le echas un vistazo. El Optimus Maximus, creado en el estudio de diseño ruso Art Lebedev, es un teclado totalmente personalizable. Cada tecla contiene una pantalla OLED en la que se puede proyectar cualquier imagen a gusto del usuario, ya sea para crear atajos o para cambiar los caracteres cuando nos haga falta. El capricho definitivo del geek que pasa demasiadas horas en casa. [1.600 euros]

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