CELULOIDE DIGITAL - ABRIL 2013 by Celuloide Digital

#1 IRON MAN 3 | ‘El Hombre de la(s) Armadura(s)’ - Pág. 29 #2 STOKER | Perversión Humana con Estilo - Pág. 39 #3 CIUDADANO BUELNA | El marginado de la Historia Nacional - Pág. 43 #4 EVIL DEAD | El Diablo despierta... Otra vez - Pág. 47 #5 OBLIVION | Recuerdos de la Tierra - Pág. 51 CARTELERA | La oferta fílmica de abril - Pág. 55

CINE EN CASA | Novedades en formato casero - Pág. 61 PANTALLA CHICA | Cine en TV Pág. 63 SONIDOS DEL CELULOIDE | Jerry Goldsmith - Pág. 65

Ilustración digital: http://reksdark.deviantart.com/

Editor: Finbar Flynn Colaboradores: Pedro Arzillier Imelda Aguilera Taylor Sweet Bloody Dreams Mauri J. Amaro Bautista Rafael Mejía Julio Nuñez Marquez Pablo Peñalver Cinevidente Siniestro Sexual Silvia RMX Diseño Editorial: Finbar Flynn Fotografías: Diversas fuentes de internet y proporcionadas por algunas distribuidoras. Fuente de información para las secciones de noticias: www.collider.com Celuloide Digital es una publicación mensual editada por amantes del séptimo arte sin ninguna finalidad de lucro. El contenido de los artículos es responsabilidad de sus autores. Las personas mencionadas, así como las marcas e imágenes utilizadas en la revista son utilizadas únicamente para fines editoriales, para ilustrar los artículos o noticias de los filmes, de los cuales sus derechos de autor pertenecen a las casas productoras de las cintas aquí mostradas y no se pretende infringir nungún derecho.

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Nuevamente tenemos a Iron Man, por tercera ocasión Tony Stark regresa a la pantalla grande con más acción y nuevos villanos. Cuando salió la primera película de este gran superhéroe, lo primero que se me vino a la cabeza fue "¿logrará tener éxito una película de un superhéroe que, en aquel entonces, por lo menos en México y en gran parte del mundo no era muy conocido?" En esos tiempos si uno realizaba una encuesta en la Ciudad de México y mencionaba a los superhéroes que conocía, normalmente los que siempre eran mencionados eran Superman, Batman y Robin, La Mujer Maravilla, El Hombre Araña y Hulk; y muy poca, pero muy poca gente sabía de la existencia de este gran superhéroe. Pocos y debo confesarlo, como fue mi caso, amantes de los cómics o los que recordábamos aquellas caricaturas de los 70's (superhéroes que permanecían estáticos debido a una animación muy rudimentaria, -pero ahí estábamos sentados viéndolas los Domingos por la mañana-), sabíamos muy bien de la existencia de este gran héroe, de sus problemas con la bebida, de sus broncas existenciales, el ser un sabelotodo, multimillonario y con gran éxito con las chicas; pero el llevarlo a la pantalla grande sin que perdiera su esencia era muy complicado. Debemos recordar que ya como cinéfilos de corazón cada vez exigimos más, no sólo al superhéroe tirando fregadazos a diestra y siniestra. Cada vez queremos saber más del del ser humano, qué tan parecido puede llegar a ser, qué tanto nos identificamos.

En esta nueva entrega seguiremos viendo a este ser humano, con todas sus broncas que viene cargando desde hace tiempo, veremos flashbacks de su pasado como playboy, seguirá existiendo el gran amor que se profesan él y Pepper. Pero también veremos cómo es destruido, como es derrotado por un excelente villano muy conocido en las historietas, me refiero a El Mandarín interpretado por el gran actor Ben Kingsley. ¿Qué podemos esperar de esta nueva entrega? Más acción, mas efectos especiales, un Tony Stark mas humano, y por supuesto muchísimas más armaduras. No queda más que esperar su próximo estreno cada vez más cercano y ver qué tanto esta secuela le complica a la segunda parte de Los Vengadores. Para los que no han visto los trailers de esta nueva entrega se los recomiendo.

Después del gran sabor que nos dejo la última película de Star Trek, J.J. Abrams, regresa nuevamente para darnos a los aficionados al género de ciencia ficción y a los ‘trekkies’ una muy buena continuación. El ver a los tripulantes del USS Enterprise en su juventud, quizá en la que todavía los haga cometer errores, pero quizá esa inmadurez los haga más atrevidos, más aventureros, será lo que nos tenga súper entretenidos a lo largo de la película. La premisa de esta película es muy sencilla: La Tierra ha sido atacada, la flota interestelar ha sido destruida y el Capitán Kirk, y toda su tripulación, serán los responsables de encontrar esta fuerza oscura que ha creado el caos en nuestro planeta. ¿Qué podemos esperar de esta nueva película? Mucha acción, muchos efectos especiales, y sabiendo que detrás de la producción y dirección está Abrams, estoy seguro que será una increíble película, no sólo en efectos visuales sino también en buen guión.

Ya preparándonos para el próximo estreno y los recuerdos que conlleva el referirse a Star Trek me ponen ansioso para el estreno. Prometo no ir con mi Capitán Kirk y el Sr. Spock articulados a la función, pero quizá no pueda asegurar que saldré con una sonrisa de oreja a oreja por haber visto una más de las películas de esta larga serie. Y tengan por seguro que habrá Viaje a las Estrellas para rato; por cierto, los invito a ver el tráiler, muy recomendable.

La vida es estrategia, a veces bien pensada y lograda; otras, apenas útil para obtener resultados a corto plazo, con la respectiva satisfacción inmediata y listo, sin más por el momento, dejamos que lo demás fluya. Esta es la constante en el filme de Steven Soderbergh, en la cual podríamos trazar claramente las líneas de acción de cada personaje y la forma en que estas buscan un efecto positivo, así como un bienestar seguro. Esa película sería de otro director. Soderbergh maneja las características de cada personaje de tal modo que permiten reconocer el tipo de acciones que elegirán para lograr sus objetivos, muy acordes con la personalidad que nos muestran, aunque el factor sorpresa siempre está presente. Así, el hecho de presentar la crítica a los grandes laboratorios farmacéuticos y sus prácticas para lograr un aval o reconocimiento (que también presentó en Contagion -2011), deja clara su intención de hacernos pensar en las decisiones que tomamos respecto a nuestra salud, basados en nuestra actividad diaria, en espera de resultados tácitos, sin investigar demasiado el origen del medicamento o bien, otros efectos que regularmente se minimizan con tal de eliminar el malestar primario que nos sacude en el momento. Precisamente la ética asoma en el discurso general de esta película, pues mucho se ha dicho a través de generaciones, del poder que tienen los médicos sobre sus pacientes, la forma en que les ayudan a aliviar sus malestares, cómo pueden intimar con ellos, hacerse amigos y hasta consultores de cabecera. También muestra la parte vulnerable de dichos pacientes, aquellos que no cuestionan más de lo necesario, que colocan a su médico como un semidiós en un altar personal y le depositan toda la confianza, sin pensar siquiera en un abuso a su integridad. Por supuesto, esto no sucede en México...dicen.

Muy similar a su "colega" de la exitosa novela de John Katzenbach, el psicoanalista terapeuta interpretado por Jude Law, se ve envuelto en una situación apremiante en la que su prestigio como practicante y su tranquilidad cotidiana se tornan en una constante incertidumbre de lo que parecía seguro y confiable. Tiene que tocar fondo para identificar su lugar en el tablero de juego y abrir los ojos ante cualquier detalle de su entorno. Al fin analista, no le resultará más difícil que borrar las ideas preconcebidas y empezar desde cero, hacerse aliado de los juegos mentales y de palabras, tomar la ofensiva luego de tanta defensiva. Por otro lado, la paciente, interpretada por una Rooney Mara menos atormentada (The girl with the dragon tattoo -2011) pero igualmente en dudosa condición mental, resulta ser una esposa maniaco depresiva, con episodios suicidas y neuróticos, desapasionados. Es de admirar que se ve muy bien como niña mimada, callada y sumisa, mostrando además sus lindas facciones; sin embargo, al ser descubierto el crimen pasional, no parece haber mucho cambio y le resta algo de fuerza al supuesto ímpetu que la mueve. De cualquier modo, hace lo necesario para sacar a su médico de sus casillas, despertar bajos instintos y exasperar a las fans de su sexy esposo. La tercera en cuestión en el triángulo patológico-clínico-destructivo, la amante en espera, es interpretada por Catherine Zeta Jones, hija de la ciencia con devota dedicación a la observación y seguimiento de sus pacientes, activa en su labor de actualización e incluso realizando publicaciones de peso en el área del psicoanálisis, resulta la mente brillante que sacude el mundo de más de tres y se adjudica

un cargo por asesinato intelectual...no podía ser de otra forma. El porte altanero de Catherine, le da realce a su personaje y logra precisamente, creo yo, el punto que Soderbergh trata de probar: la gente brillante puede pasar la delgada línea que divide lo moralmente aceptable de lo personalmente asequible, deseable, sin importar lo que los demás crean o sufran en su camino por conseguirlo. Exacto, la gente desequilibrada no es la que menos sabe o la que más ha sufrido, es la que mejor piensa y hace parecer que no pasa nada... Pienso que la dinámica en Side Effects, a pesar de lo denso que puede ser el tema, es buena, no se cae en el repetitivo discurso de profundizar en las causas de un padecimiento más allá de lo necesario. Está muy centrado en el acontecimiento del personaje principal y cómo este debe descubrir el origen del colapso, en un ejercicio propio de la metodología de la investigación que requiere paciencia, perspicacia, perspectiva y mucha objetividad (como bien menciona el casi santo Hernández Sampieri), con un muy buen manejo de la comunicación en todas sus gamas. La lección es que las mejores respuestas para los problemas complejos, siguen siendo las más básicas (incluso lo vimos en Skyfall), sin demeritar la ardua labor en los episodios de CSI. Una buena entrega -dicen que la última- de este director que cuestiona nuestra estabilidad y salud mental, con un ejercicio tipo "te lo digo a ti Chon, para que lo oiga Chano", pensando en esos efectos secundarios de lo que ingerimos y de lo que hacemos, con la moraleja de que, si abrimos bien los ojos, obtendremos lo justo. Así sea.

Teniendo en cuenta que hace unos 4500 años que abandonamos la edad de piedra, las cinco décadas que separan a Los Picapiedra de Los Croods parecen un suspiro. No obstante, en estos escasos 54 años mucho ha cambiado la representación que el cine, o la televisión, ofrece a los más pequeños sobre los grandes temas universales, en este caso: La familia. Este tema no es ninguna novedad en el cine infantil, es más, probablemente sea la familia uno de los lugares más visitados por este género. Es muy probable que esto tenga mucho que ver con la tendencia de los niños a imitar los roles de los adultos más cercanos. No obstante, desde hace algunos años, la familia ha dejado de ser un contexto, o un mero pretexto, para convertirse en el centro temático de los films en sí mismo. No es la primera vez que desde esta sección hablamos de películas que se replantean el concepto de familia. “Los Croods” entronca perfectamente con una línea de discurso que, casualmente, o quizá no, hemos ido desgranando en distintos números de esta revista. Esta saga de films, de entre los que podríamos destacar “Brave” u “Hotel Transilvania”, se caracterizan por reflejar el conflicto entre unos hijos que buscan expresarse (mujeres en la mayoría de los casos, fenómeno siempre de agradecer) y un progenitor que hace funambulismo sobre la delgada línea que separa la imposición y la educación. Cuestiones que quedan lejos de los veloces pies del pobre Pedro Picapiedra. Cabría preguntarse pues qué añaden Los Croods a esta tendencia. Por qué merece la pena pararse en esta recomendable producción. En primer lugar sorprende la elección del protagonista de la cinta ya que, con bastante acierto, es la familia, “Los Croods”, la auténtica protagonista. Este da lugar a un guión alejado de las convenciones del género. Con un arranque sin concesiones, directo y eficaz, la película se permite el lujo de transitar lugares, secuencias, que se salen de lo que sería el devenir típico de un film para niños. Cabe destacar el hilarante pasaje sobre la modernización del padre de la familia.

Y es que, al ampliar el foco, la película hace que personajes como el padre de la familia cobre una nueva dimensión dotándole de una sincera profundidad. Es imposible no empatizar con ese troglodita en plena crisis de los 40 al que el mundo está dejando de lado a la hora de avanzar. Es este, el miedo al progreso, otro de los temas de la película. No se le pueden poner pegas a la conveniencia de este mensaje, no obstante, el film lo aborda desde una perspectiva en exceso simplista, en exceso masticada, tratando a los niños como idiotas y no como espectadores. La película falla también en algunas secuencias, al alejarse del esquema tradicional da pasos en falso y se deshincha de vez en cuando. Pero todos esos fallos quedan eclipsados por el gran arma de la película: el humor. No tengo miedo a equivocarme si digo que esta es quizá la película más divertida de los últimos años. Su humor canalla, que no recurre a la cita o el chiste adulto, recupera el arte del gag visual. Sus chistes, fundamentados sobre las posibilidades que brinda la animación, remiten a los maestros del humor visual, los genios de Hanna-Barbera, estudio responsable de clásicos como los Looney Toons o Los Picapiedra. Y es que educar no está reñido con entretener, quizá ese sea una de las mejores conclusiones que nos deja Los Croods. Siempre es positivo que surjan nuevas propuestas que nos inviten a reflexionar sobre los nuevos roles de los miembros de la familia, o sobre los grandes temas del cine infantil como el miedo a lo desconocido. Eso sí, lo que nunca podemos perder es la perspectiva, el cine es en primera instancia entretenimiento. Y desde luego Los Croods es una película entretenida en el mejor sentido de la palabra, ágil, desternillante, original, y visualmente sorprendente.

Cerremos dando gracias a los prehistóricos, a los hombres de las cavernas de la animación de Hanna-Barena, por sentar las bases narrativas de una animación, que nada sería si sólo de espectacularidad visual tuviera que sobrevivir. Dejemos de lado qué representación de la familia hacía Pedro, Pablo, Wilma y compañía, lo siento queridos lectores, para despellejar un clásico, habría que tener un corazón de piedra.

Decía el reputado teórico y cineasta ruso Andréi Tarkovski, que el cine es el arte de esculpir en el tiempo. Posiblemente Le Trou sea una de las películas que mejor se adapta a esa libre y poética definición del séptimo arte. Y es que Jacques Becker, como si de un escultor se tratase, da forma a un magnífico drama carcelario de manera sosegada, sobria y precisa. Se toma su tiempo, no hay alardes, ni giros de guión, ni momentos de dramatismo barato. Hay 5 presos que se quieren escapar de una cárcel. Nada más. Le Trou cuenta una historia real, la historia de Jean Kéraudy (que en la película se interpreta a sí mismo) y sus cuatro compañeros de celda en una prisión preventiva de París. El quinto compañero es Gaspard Claude (Mark Michel) que le acaban de trasladar a la celda y, como sus compañeros, está a la espera de ser juzgado y condenado por el Tribunal. Gaspard, que es inocente, puede que no se enfrente a muchos años de prisión; pero sí sus compañeros, que pretenden fugarse. Entre los cuatro convencen a Gaspard para que se una a la fuga y les ayude a trabajar, pero nunca llegarán a fiarse del todo el chico nuevo. Eso y poco más, ciertamente. Le Trou tiene un guión simple y sobrio, sin grandes alardes ni grandes giros. Un guión que se centra en la huida y en el que no hay hueco para momentos de tensión poco creíbles o para desarrollar demasiado las relaciones humanas del grupo. La película (haciendo una metáfora cinéfila) sería un gran plano detalle de una huida. Un plano en el que son más importantes los instrumentos, que los personajes que los utilizan.

Podemos ver planos de hasta 5 minutos de un hombre golpeando el cemento con un barra de metal y cómo poco a poco se va desgastando el cemento. Porque la huida es así, lenta y agónica. Nos fatigamos con el personaje a cada golpe que da y sufrimos cuando escuchamos tan fuertemente dichos golpes sobre el silencio que reina en la prisión y en la película. Y es que en Le Trou la única banda sonora que nos acompaña son los golpes del metal contra el cemento y el estridente y agudo sonido que provoca una mini-sierra al sesgar los barrotes metálicos de las ventanas. No es necesaria una música que te señale con el dedo y te diga: “Venga, ahora tienes que ponerte nervioso”. El sonido directo es más que suficiente. A ratos y sin que sirva de crítica negativa (más bien, todo lo contrario), la película parece un documental. Los reducidos y claustrofóbicos espacios, los incómodos silencios y las eternas esperas dan un carácter tan real al filme que parece que el espectador en sus propias carnes siente cómo se ensucia al arrastrarse por los túneles y cómo se le llenan las uñas de cemento de tanto escarbar. Posiblemente uno de los grandes aciertos de Becker, que falleció 2 semanas después de terminar su película, fue la de-

cisión de no mostrar el exterior de la prisión nada más que al principio, antes de comenzar la película, y en una pequeña y magistral escena hacia el final. En dicha escena dos de los presos comprueban que el trabajo de varias semanas ha dado sus frutos y realmente pueden salir al exterior. Observan un taxi que podrían tomar para que les llevase a cualquier sitio y vuelven a la celda con sus compañeros, con quienes terminarán la huida al día siguiente. Este pequeño soplo de libertad no hace sino incrementar la tensión de la película a partir de ese momento, en el cual ya empezamos a preguntarnos ansiosamente si lo conseguirán o no. En conclusión, ¿por qué recomiendo Le Trou? Principalmente porque es uno de los grandes dramas carcelarios de la historia del cine. Todo un clásico de obligado visionado para los que, como a un servidor, nos encantan las películas de cárceles y huidas. Además, supone una visión diferente de un tema que se ha narrado miles de veces. Y es que los dramas carcelarios son territorio Hollywood total, con todo lo que ello conlleva (positiva y negativamente). Le Trou supone una oportunidad para acercarnos a este tema desde una perspectiva genuinamente nueva.

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Nueva York 1997, es el lugar y la fecha en la que dos hombres muy distintos entre sí se conocen de una manera poco habitual. Erik (Thure Lindhardt), cineasta danés, realiza una llamada por teléfono en busca de un encuentro sexual casual, voluble e impaciente a primera vista cuelga y vuelve a llamar sin encontrar al socio indicado, al final su deseo sexual elige a Paul (Zachary Booth), abogado de una importante editora de libros que desde un inicio aclara que tiene novia, al parecer sólo se trata de un furtivo encuentro sexual más. Error. Las cosas no siempre son como uno las planea o la fuerza erótica de dos hombres modernos es más fuerte. Keep the Lights On, quinto largometraje del cineasta Ira Sachs, sigue a Erik y Paul por más de una década la intimidad emocional y sexual de esta pareja que florece, se marchita y se renueva, como el ciclo de una flor perenne, impredecible. La atracción física entre ambos es inmediata y fuerte, a pesar de ello la relación no promete ser duradera, y no solo porque Paul aparentemente es más recto que Erik, ese es un detalle menor ante el gran esquema de las cosas que vendrán, el obstáculo más desafiante será su temperamento. Erik ha pasado un largo tiempo trabajando en un documental sobre un cineasta vanguardista de Nueva York; su mejor amiga (Julianne Nicholson) se preocupa por él con indulgencia; su hermana (Paprika Steen) le reprende constantemente por su falta de dirección advirtiéndole que ser simplemente prometedor no es una condición apropiada para un hombre de 30 años. Con una cautivadora sonrisa, desaliñado, y relajado en su forma de ser, Erik parece en una adolescencia perpetua.

Paul, en cambio, es la imagen de un hombre más convencional y más centrado; es organizado, ambicioso y profesionalmente está bien posicionado, con un trabajo importante en la edición de libros. Pero uno de los aspectos más ingeniosos y convincentes de Keep the Lights On es la forma en que permite que los personajes se muevan en direcciones sorprendentes, dando un vuelco a nuestras expectativas, transformando el sentido de lo que son, de forma individual y con los demás. Este vuelco deja ver el alma rebelde de Paul que pone en peligro su vida, su trabajo y su relación con Erik debido a su adicción a las drogas; y por otro lado el espíritu hedonista y el libido ansioso de Erik parecen esfumarse ante un hombre que resulta más disciplinado y firme en sus convicciones, algo que nadie habría imaginado. Este solo es un panorama general de la historia, el filme en su totalidad es más complejo y rico, su tema no es la adicción o la ambición, o incluso el amor en un sentido romántico convencional, sino más bien la cuestión más difícil y fascinante de la intimidad: cómo crece, se tambalea y perdura en el tiempo. El diálogo a veces parece arcaico, como si los actores estuvieran anunciando sus sentimientos sus sentimientos en lugar de expresarlos, pero la mirada, el humor y el ritmo de la película son brillantes y auténticos, mención a parte la banda sonora, los violonchelos del compositor Arthur Russell dan fuerza a muchas escenas del filme. Keep the Lights On captura las forma en que dos extraños extraños se convierten en amantes y como a pesar de los años éstos pueden ser unos desconocidos.

"Hay algunas películas que te hacen llorar, hay algunas películas que te hacen reír, hay algunas películas que te cambian para siempre después de verlas, y esta es una de ellas", fue lo que Darren Aronofsky, presidente del jurado del Festival de Cine de Venecia en 2011, dijo sobre la última cinta del cineasta ruso Aleksandr Sokúrov, Fausto ganadora del León de Oro. Anunciada como la parte final de la tetralogía sobre la naturaleza del poder de Aleksandr Sokúrov, que incluye la visión del director ruso de tres importantes y poderosos personajes políticos, Adolfo Hitler (Moloch), Vladimir Lenin (Taurus) y el emperador Hirohito (El sol), extraídos de la literatura o de la historia, Fausto aumenta las expectativas ya que estamos ante una épica batalla entre un hombre que tiene sed de dominio intelectual y el mismísimo Diablo. La película abre con un descenso impresionante de los cielos a una bulliciosa ciudad alemana en la que, muy secretamente, el Dr. Fausto (Johannes Zeiler ) disecciona un cadáver visto desde el pene hasta su intestino inferior interior, deja en claro que esto no va a ser una historia romántica, mientras abren el cuerpo, Fausto y su asistente discuten sobre la ubicación exacta del alma, conversación en la que el doctor afirma con orgullo que "el Dios que me sacude por dentro no tiene poder fuera de mí”. El profesor comienza a impacientarse por las limitaciones religiosas impuestas sobre el conocimiento científico, por lo que su hambre de conocimiento lo impulsa a visitar a un prestamista ( Anton Adasinskiy ) cuya tienda está llena de objetos extraños, el prestamista rechaza todo lo que Fausto ofrece a empeñar, por lo que al final decide vender su alma a cambio de la iluminación intelectual.

Aunque el prestamista niega modestamente ser el diablo, descubrimos que, al desnudarse delante de decenas de lavanderas, su cuerpo es distinto al de una persona normal. sin embargo Fausto no se deja impresionar, o por lo menos no muestra ningún signo de temor, por el contrario, parece disfrutar de la compañía de su extraño pero ingenioso compañero. Es importante señalar que las escenas finales reservan algunas sorpresas, después de que el diablo cumple su parte del trato y reclama el alma de Fausto, arrastrandolo a los cráteres en ebullición que brotan del infierno, escenas rodadas en Islandia, la imagen de unos géiseres espectaculares. La cinta de Aleksandr Sokúrov es una película compleja e increíble, que habla sobre la batalla entre el bien y el mal que hay en cada uno de nosotros, una película que ofrece visualmente partes tanto repugnantes como de una belleza espectacular. Fausto esta basado en dos partes de la tragedia de Johann Wolfgang von Goethe (terminada en 1808 y 1832), y es el mayor éxito del cineasta ruso después de su aclamada cinta El arca rusa, filmada en el Museo Estatal del Hermitage de San Petersburgo, en una sola secuencia, que cautivó a la crítica internacional en 2002.

Las ciudades se pueden definir como lugares grandes, con grandes edificios y grandes cantidades de personas, algunas de esas personas son buenas pero una que otra se vuelve al lado oscuro convirtiéndose en un villano, pero por suerte podemos dormir en las noches al saber que por cada villano habrá un súper héroe y que todas las ciudades del mundo son protegidas por los super héroes desinteresados, dispuestos a arriesgar su vida para darnos noches tranquilas y días felices. —¡Rápido Súper Kanin hay un incendio en las afueras de la ciudad!— Avisó el fiel asistente de nuestro Súper Héroe, Kanin había aceptado la ayuda de Tiny-G hacia unos pocos meses después de haber encontrado al asesino de su padre, y este como paga, había prometido ayudarle siempre. —¡No! —Grito poniéndose de pie Super Kanin— ¡Eso es terrible! —Lo sé, tenemos que irnos ya. —¿De qué hablas? —Lo miro extrañado— yo me refiero a que ese era un gol seguro y tenía que fallarlo, no sé cómo le pagan por cometer esos errores. —Señor, el incendio. —¿Qué tan en las afueras?— Preguntó Kanin bebiendo su cerveza favorita frente al televisor. —Cerca de la tercera salida a la L-25. — Respondió el menor. —Está demasiado lejos —Se quejo el súper héroe— ¿Un incendio dijiste verdad? Se apagara solo en un rato. Hacia algunas semanas Kanin estaba rechazando todos los trabajos que implicaran ser un héroe y solo aceptaba donde pudiera ser súper como recibir la llave de la ciudad por parte del alcalde o salir en la portada de una revista de actualidad. —¡Súper Kanin! —Llegó corriendo Tiny-G— El campamento de niños está a punto de inundarse, su némesis abrió las compuertas de la presa.

—¿Campamento de niños? —Pregunto Super Kanin mirándose al espejo. —¿Cuál dirías que es mi mejor Angulo? —Señor, debemos ir a cumplir con nuestras obligaciones con la sociedad. —Sí, si, en un momento. Primero dime si tú fueras a convertirte en el rostro de una campaña publicitaria de bebidas energéticas ¿cual lado de mi cara usarías? —Señor, el campamento. —Es el campamento de gordos, no les hará mal nadar un rato. —Y dicho esto Kanin continuo mirándose al espejo. Súper Kanin y Tiny-G corrian detrás de los asaltantes del banco, Tiny-G comenzó a luchar contra uno de ellos mientras su líder, al ver las condiciones del banco, buscaba al gerente apresuradamente. —¿Usted es el gerente? —Pregunto a un hombre con un traje negro, el hombre asintió.— Bien, tengo algunas preguntas para usted pero ahora la más importante es: ¿Cómo puedo ampliar mi línea de crédito? El gerente se sentó en uno de los escritorios que no habían sido destrozados y comenzó a llenar el formulario necesario. —¿Dónde están los asaltantes?— Pregunto Tiny-G al ver a su líder firmando documentos. —Míralos, allá van —Dijo al verlos pasar corriendo por la calle con las bolsas de dinero. — Diles adiós. No pasó mucho tiempo hasta que Tiny-G tomó el lugar de su líder, los medios destrozaron la imagen de Super Kanin y no pudo si quiera volver al banco para pagar sus préstamos y la hipoteca. Me gustaría poder decir que salvó a la ciudad pero en realidad no es así, al ser tan joven se convirtió en el mejor amigo de las herederas y algunos raperos de antecedentes penales extensos, acabando su carrera a temprana edad. Y es por eso que en nuestra ciudad no tiene súper héroes, ni robots… Aunque esa es otra historia.

ace un lustro Tony Stark fue capturado por terroristas y (en cuativerio) se las ingenió para construir un artefacto que lo mantuvo con vida, diseñó rudimentariamente una armadura que le permitió escapar de sus captores y después la perfeccionó para defender al mundo. Sí, ya han pasado cinco años desde que Iron Man vio la luz en la pantalla de plata y diera inicio no sólo al verano fílmico del 2008, sino que también supuso la primera pieza para lograr toda la fase uno de Marvel que fue constituida por otras cintas como The Incredible Hulk (también del 2008), Iron Man 2 (2010), Thor (2011), Captain America: The First Avenger (2011) y que terminó con el fenómeno mercadológico global conocido como Los Vengadores (The Avengers; 2012). Ahora, tras revelar su identidad al mundo y haber privatizado la paz mundial en la primera entrega (muy a pesar de la oposición gubernamental de los Estados Unidos pues quieren que Stark entregue toda su tecnología para ser 'ellos' quienes combatan el terrorismo), así como tras haber derrotado al caricaturesco villano Whiplash (es decir Mickey Rourke) y una vez salvado al mundo (junto al súper equipo de héroes) de una invasión chitauri comandada por Loki, Tony Stark está a punto de enfrentarse a su mayor desafío en esta tercera entrega de la franquicia en la que se han presentado varios cambios muy interesantes.

Con esta cinta se establecerán las bases para la Fase 2 de Marvel que, junto con las nuevas entregas de Thor (que llegará a las pantallas en noviembre próximo) y Captain America (con estreno fijado para el próximo año) nos llevarán hacia la secuela de Los Vengadores (en 2015); así que lo primero que vale la pena señalar respecto a esta nueva etapa es la sustitución de Jon Favreau como director (aunque siguió dentro del proyecto como productor) y la incursión de Shane Black como el nuevo responsable de esta entrega. Con apenas un trabajo previo como director (Kiss Kiss Bang Bang; 2007) en el que también participó Robert Downey Jr. para quien supuso su 'gran' regreso a las pantallas tras años de problemas con la ley y con sus adicciones, Shane Black también participó en la reescritura del guión para esta nueva aventura del cínico y egocéntrico superhéroe junto a Drew Pearce; juntos construyeron un relato más enfocado a los problemas políticos entre Tony Stark y el gobierno estadounidense, así como al (re) surgimiento de una amenaza terrorista conocida como El Mandarín; claro, todo esto sin olvidar también que se debe hablar de la relación entre Tony y Pepper, pues su relación en estos momentos no está del todo definida. Encarnado por el estupendo Ben Kingsley, a quien recientemente vimos dando vida a Georges Méliès en La Invención de Hugo Cabret (Hugo Cabret; Martin Scorsese), el villano principal de la tercera entrega es un terrorista que se asume a sí mismo como un 'maestro'. El Mandarín es uno de los villanos más icónicos en los cómics originales del Hombre de Hierro y el público ya había pedido verlo desde que la franquicia aún estaba en etapa de preproducción. Finalmente, el tan estimado villano formará parte de la historia cinematográfica de Iron Man.

Cabe señalar también que El Mandarín es la mente maestra detrás del grupo terrorista conocido como 'Los Diez Anillos', el cual fue responsable del secuestro de Tony Stark en la primera entrega; esto sirve para dar seguimiento a los sucesos de las anteriores cintas y dar continuidad a las subtramas que también se establecieron en las entregas previas y que ahora han contribuido para construir la trama central de la cinta que ahora nos ocupa. Tal es el caso de la historia que involucra a la armadura conocida como War Machine (que se llevó el Coronel James Rhodes -amigo de Tony Stark- tras ayudar a derrotar las amenazas en la segunda película) y la cual ahora ha sido renombrada (y rediseñada con un orgullo patriotero infame) por el gobierno estadounidense como Iron Patriot. Y si se dejaron sorprender por el engañoso trailer del filme en el que nos muestran cómo El Mandarín destruye la casa de Tony Star junto con todas sus armaduras, so se preocupen porque están confirmadas ya las apariciones de varias armaduras prototipo desarrolladas por Stark, por lo que en esta ocasión en pantalla no sólo habrá uno o dos metálicos superhéroes, sino que estos serán acompañados por un metálico ejército que respaldará la lucha a favor de Iron Man. Una incursión que también vale la pena señalar en esta nueva entrega, es la de los personajes científicos Maya Hansen y Aldrich Killian, a quienes dan vida Rebecca Hall (Vicky Cristina Barcelona) y Guy Pearce (Prometheus) respectivamente; ellos son los responsables de desarrollar un suero que otorga habilidades extraordinarias a quien lo usa. Esto viene a confirmar un rumor que venía circulando por la red sobre la inserción en la trama de la llamada nanotecnología Extremis, un proyecto científico que ha buscado emular al suero de los súper soldados que se utilizó en la Segunda Guerra Mundial y que fue lo que transformó a Steve Rogers del enclenque jovenzuelo a el Capitán América. Con estos detalles uno se puede imaginar ya varias conexiones que podrían tener este film y Captain América: The Winter Soldier, pero por ahora todo sería una mera especulación, es mejor ver la tercera entrega de las aventuras de Tony Stark y prepararse para las sorpresas y pistas que nos pueden dar sobre el futuro no sólo de su franquicia, sino de toda la Fase 2 de Marvel que arranca este próximo 26 de abril con el estreno de Iron Man 3.

a pérdida de un ser humano inevitablemente trasgrede la vida de aquellos que lo amaron de verdad, y más si el vínculo afectivo con éste era el de padre e hija. India Stoker, quien cumplía 18 años de edad, debe acudir al funeral de la única persona que entendía sus profundos y obscuros sentimientos: su padre; tras su muerte, la vida apacible de India se destroza y se trasforma; transformación que deja ver en pequeñas dosis su lado más siniestro. A simple vista India es una mujer de una sensibilidad profunda, callada y tímida, casi inexpresiva, pero en el fondo oculta una parte más perversa y violenta, parte que sale a la luz con la llegada de Charlie, hermano de su padre. Este hombre permaneció alejado de la familia Stoker desde la infancia, ya que fue internado en un clínica mental después de haber cometido un acto violento en contra de otra persona. Charlie llegará a inquietar la vida aislada que tenían India y su madre Evie, dos mujeres que permanecen encerradas en sus propios mundos, en una mansión de grandes dimensiones que en lugar de proyectar la hospitalidad de un hogar da la sensación de ser una prisión de sentimientos, deseos y pasiones sexuales. El desconsuelo de Evie será la puerta de entrada para Charlie, quien será más que un hombro de fortaleza para ella, y por otro lado utilizará su belleza para obtener algo más que amistad de su sobrina. La complicidad que con cautela India tiene con su tío harán que sus deseos sexuales hacia él la confundan y la lleven a cometer actos violentos contra aquellos que la han dañado o pretenden dañarla. Lazos Perversos (Stoker) es un thriller psicológico que retrata la perturbadora vida de una familia norteamericana que tras un trágico suceso ve transfor-

mada su estabilidad. Incluso el título del filme (en ingles, “Stoker”) hace una alusión metafórica al mal, al invocar el nombre de Bram Stoker, autor de Drácula, cuya innovadora novela es tanto acerca de un oportunista que acecha a gente inocente como lo es de un mundo sobrenatural de vampiros. La cinta funciona y estremece gracias a el guión, que de manera pausada va contando la creación inocente y audaz de una mente siniestra, situación que se ve reforzada por la imagen misma, ya que la ausencia de diálogos dan mayor fuerza a los momentos de tensión y a las actuaciones mismas. Cabe señalar que los tres actores principales, Mia Wasikowska, Matthew Goode y Nicole Kidman, hacen una terna que se complementa y cautiva por el perfecto, y a la vez tan dispar, enlace que personifican. Los personajes, principalmente India, deben lidiar entre lo que creen es lo correcto e incorrecto y la frontera que las separa, y plantea cuestiones acerca de la clase social, la ética, la moral y la religión. Todo esto retratado con elegancia que plasma a través de la cámara y la fotografía, una imagen omnisciente y metafórica visualmente, bajo una atmósfera narrativa onírica y erótica con una elegancia poco formal y sutil. Sumado a esto una perturbadora y evocadora banda sonora, compuesta por Clint Mansell (El Cisne Negro), hacen que este thriller psicológico sea un deleite visual, sonoro y narrativo. Dirigida por Park Chan-wook, cineasta coreano ganador en el 2003 del Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes por Oldboy y del Premio del Jurado en el 2009 por Thirst, quien es reconocido en todo el mundo por sus elegantes representaciones de la crueldad, destrucción y venganza, así como por sus imágenes radiantes y estremecedoras.

a nueva película de Felipe Cazals representa la parte final de una trilogía fílmica de época conformada también por Las Vueltas del Citrillo (2006) y Chicogrande (2009). En esta nueva película, ambientada también en la época revolucionaria, el director de ascendencia francesa se enfoca en la figura de un personaje marginado de la historia nacional mexicana, el sinaloense Rafael Buelna Tenorio, un héroe omitido en los relatos que conforman nuestra identidad a pesar de que su participación fue determinante en el movimiento revolucionario: fue compañero cercano de Francisco Villa, fue parte de la comitiva zapatista en la Convención de Aguascalientes (en octubre de 1914), combatió en la rebelión delahuertista (levantamiento armado iniciado por Adolfo de la Huerta contra el presidente Álvaro Obregón en 1923), etc. Sin buscar descifrar el porqué casi no se habla de él en nuestra historia nacional (o por lo menos no es ese su objetivo principal), Cazals se encauza a plasmar en la pantalla grande quién era el muy poco conocido Ciudadano Buelna.

De origen socioeconómico elevado, el maderista atestiguó las injusticias sufridas por el pueblo. Tras ser expulsado del Colegio Civil Rosales por organizar una protesta, se refugió en Mazatlán donde fue acogido por el editor de El Correo de la Tarde; ahí fue ascendido a Coronel en la lucha armada maderista. El estreno de la cinta en cines coincide con el año de conmemoración del centenario de los acontecimientos denominados como la "Decena Trágica", cuando a los 19 años, Rafael Buelna tomó las armas contra Victoriano Huerta. Además de contar con Sebastián Zurita como el joven idealista revolucionario, Cazals se apoya en una colección actoral conformada por Damián Alcázar, Bruno Bichir, Elizabeth Cervantes, Dagoberto Gama, Tenoch Huerta, Enoc Leaño, Raúl Méndez, Gustavo Sánchez Parra, Marimar Vega y Jorge Zárate. El resultado final de esta suerte de biopic sobre un brillante revolucionario ignorado por la historia mexicana podrá apreciarse este mes en la pantalla grande.

n grupo de estudiantes (dos hombres y tres mujeres) deciden pasar un fin de semana en una cabaña abandonada en medio del bosque; allí descubren un extraño libro escrito con sangre y encuadernado con piel humana (luego nos enteramos que es el Necronomicón -o Libro de los Muertos-), así como una grabadora con una cinta que, al reproducirla, da cuenta de un crónica hecha por un arqueólogo que ha grabado sus expediciones y también ha quedado registrado un conjuro (que se encuentra en el macabro texto) que al ser reproducido provoca el despertar de diversos espíritus que comienzan a posesionarse de sus cuerpos. Bajo esta premisa se presentó en 1981 la ópera prima de Sam Raimi, una historia cuya trama puede parecer poco original, pero no así la manera en que se abordó el relato de los desafortunados compañeros vacacionistas: La experimental estética visual nunca antes vista (violencia y sangre a borbotones nunca antes manejada en el género), la musicalización por parte de Joseph Lo Duca y los eficaces -en ese entonces- efectos especiales de Tom Sullivan, ofrecieron junto con el desbordante humor negro, un diabólico clásico instantáneo que tuvo un par de secuelas: The Evil Dead 2 (1987) y The Army of Darkness (1992), ambas dirigidas por Raimi y protagonizadas por Bruce Campbell, también actor principal del film original.

Este mes llega a las pantallas mexicanas la reelaboración cinematográfica de este film de culto de Raimi. Esta vez, la dirección corre a cargo de Fede Álvarez (también es su primera película, como alguna vez lo fue este proyecto para el director de la trilogía de SpiderMan) mientras que Sam Raimi, Robert Tapert y Bruce Campbell participarán también en el proyecto pero sólo a manera de productores de la cinta. En esta revisitación a la historia de la perversa cabaña que resguarda el 'Libro de los Muertos', el protagonista no es del género masculino, sino que será una chica, Jane Levy para ser más precisos. Ella encarnará a Mia, quien junto con sus amigos David, Eric, Olivia y Natalie -encarnados respectivalemten por Shiloh Fernandez, Lou

Taylor Pucci, Jessica Lucas y Elizabeth Blackmore- buscará pasar un divertido fin de semana en la cabaña donde, sin saberlo, les aguarda su fatal destino. Así como el filme original se caracterizó por el abundante manejo de la violencia explícita y la sangre, parece que la propuesta de Fede Álvarez busca superar ese aspecto y plasmar también abundante violencia así como galones y galones de hemoglobina, o por lo menos eso han demostrado los trailers; incluso uno de ellos ha sido clasificado como 'restringido'. Ya veremos si este remake comandado por el director uruguayo está a la altura del film de Raimi y da nuevos bríos al género o si por lo menos le rinde un decente homenaje a la cinta ochentera de culto.

a nueva aventura de Joseph Kosinski (director de Tron: Legacy) nuevamente nos lleva a los terrenos de la ciencia ficción, pero a la vez, con un enfoque muy distinto al de la secuela de la cinta ochentera que vio la luz en 2010. Oblivion es el título del nuevo proyecto del realizador que ahora tiene bajo su dirección a celebridades como Tom Cruise, Morgan Freeman, Olga Kurylwnko y Andrea Riseborough. Teniendo como base el libro de Arvid Nelson, la trama sigue a Jack Harper (Cruise), un reparador de aeroplanos robóticos no tripulados que colabora en una enorme operación para extraer recursos de la Tierra, la cual se encuentra en ruinas tras la destrucción de la Luna a consecuencia de una invasión alienígena, obligando al resto de la humanidad a refugiarse en gigantescas islas espaciales. Mientras su vida transcurre tranquilamente patrullando los desolados paisajes terrestres y destruyendo los últimos vestigios de una raza alienígena primitiva, Jack se encuentra inesperadamente con una nave que se ha estrellado en la superficie del moribundo planeta y de la que rescata a una hermosa mujer (Olga Kurylenko), la cual pondrá bajo cuestionamiento todo lo que él creía saber sobre el planeta; las cosas se complican aún más cuando se encuentra con el líder rebelde Malcolm Beech (Morgan Freeman).

A diferencia de Tron: Legacy, que era dirigida hacia una audiencia juvenil, la historia de Oblivion busca llegar a un público más adulto, lo cual posiblemente tenga algo que ver con su decisión de no filmar la cinta en 3D y utilizar en su producción un formato digital denominado 4K, la cual multiplica la resolución de lo que de muestra en pantalla, logrando así una nitidez y brillo que se pierde con el muy socorrido formato en tercera dimensión. Pero algo que sí tienen en común las dos cintas de Kosinski es su banda sonora, pues si para musicalizar su ópera prima se hizo acompañar del dueto Daft Punk, esta vez lo hace con los no menos talentosos integrantes de M83, banda francesa con tintes electropop que musicalizará las trepidantes secuencias de acción y aventura que promete este blockbuster; el resultado final ya lo veremos en pantalla este mes.

Amanda tiene un problema; si está sola no puede dormir. Sus días transcurren de manera tranquila y ordenada; sus noches las llena de amantes que la ayudan a pasar las horas. De un día para otro su universo se ve transgredido cuando tiene que hacerse cargo de su vieja y alcohólica abuela, Dolores, una actriz retirada que ahora vive de los recuerdos de sus glorias pasadas.

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Nathalie tiene todo para ser feliz, es joven, bella, y goza de un amor perfecto, pero la muerte accidental de su marido transforma su vida. Durante varios años sólo se enfoca en su trabajo y deja de lado su vida amorosa. Pero, de repente, sin saber porqué, besa a uno de sus colegas, un hombre muy raro llamado Markus; esto desencadena una relación inesperada que producirá angustia y cuestionamiento entre sus compañeros de trabajo. Nathalie y Markus, a pesar de su asombro, finalmente huyen para poder vivir su vida. Esta es una historia de renacimiento y de lo extraño que es el amor.

El más célebre viajero del planeta Baab, llamado Scorch Supernova, es un famoso héroe cuyas hazañas interplanetarias son televisadas para el deleite de todos sus fans. Con ayuda de Gary, su inteligente hermano quien es jefe de la Misión Control BASSA, Scorch se ha convertido en una auténtica leyenda, lo que le ha valido el amor de la bellísima reportera de televisión Gabby Babblebrock y la admiración de Kip, el hijo de Gary. Cuando la siempre sensata jefa de Bassa, Lena, intercepta una señal de socorro del Planeta Obscuro, un mundo conocido por sus peligros situado en los confines del universo, Scorch busca cumplir con esta misión única. Sin embargo, Gary trata de desalentar a su hermano pues sabe que ningún explorador intergaláctico ha regresado de ese lejano mundo, también conocido como La Tierra.

Dos curas tercermundistas, Julián y Nicolás, trabajan junto a Luciana, una asistente social, en una villa de Buenos Aires. Juntos luchan mano a mano para resolver los problemas sociales del barrio. Su trabajo los enfrentará tanto a la jerarquía eclesiástica y a los poderes gubernamentales como al narcotráfico y a la fuerza policial, arriesgando sus vidas por defender su compromiso y lealtad hacia los vecinos del barrio.

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¿Cómo es que un buzo acapulqueño se casó con un top model Americana? ¿Qué estaba buscando ella cuando manejó en su convertible desde Nueva York hasta Acapulco con su hijo de 3 años de edad? ¿Qué le pasó a este niño güero y pecoso que creció en un entorno que le recordaba día con día que era un gringo? Narrando una legendaria cacería de tiburón a mediados de los años setentas como el corazón de nuestra historia, conoceremos a la familia Martínez Sidney y descubriremos los secretos de su extraño pasado.

Hace 20 años, en Newt, Texas, cientos de personas desaparecieron sin dejar rastro alguno. La familia Sawyer fue la responsable de esta terrible tragedia y sólo hubo una sobreviviente, que fue llevada lejos y criada en secreto. Décadas más tarde y a cientos de kilómetros de distancia, la ahora adulta Heather Miller, ha descubierto que es adoptada y además, ha heredado una mansión en un pequeño pueblo de Texas, propiedad de su abuela que nunca conoció. Ahora Heather viajará en busca de su verdadera identidad acompañada de sus amigos Nikki, Ryan, Kenny y Darryl. Al llegar, se sorprenderá con los lujos de la mansión que ha heredado... pero su nueva riqueza tendrá un precio...

María es una niña que tiene una fascinación por cocinar y vive con su abuela, doña Tere, en el centro de la Ciudad de México. Doña Tere tiene un restaurante llamado el Molcajete, de comida tradicional mexicana. Tras la muerte de su hija, doña Tere ha perdido su pasión por la cocina y ha dejado de trabajar en el Molcajete, que ahora es llevado por la chef Rosi. María hace todo lo posible para que su abuela regrese al restaurante. Mientras tanto, la chef Rosi realiza platos siguiendo las nuevas tendencias de la cocina fusión en la cual resalta lo light. Pero María y doña Tere no aceptarán que los tradicionales sabores y los secretos de cocina sean olvidados.

Jason, el hijo de John Matthews, se encuentra en prisión por posesión de narcóticos, sin embargo, su padre sabe que fue encarcelado erróneamente. Ante la propuesta de la fiscal Joanne Keeghan, a cambio de la libertad de su hijo, John participará en una operación encubierta para desmantelar un poderoso cartel operado por un peligroso narcotraficante apodado Topo. John no está convencido de que las autoridades cumplan con todo lo que prometen, y con enemigos en ambos bandos, su lucha será principalmente por recuperar a su familia aún en contra de la ley.

Tlateloco es una historia en una ciudad con grandes héroes y villanos; también una historia de amor entre dos estudiantes de distintos estratos sociales. Propuesto como el primer país del tercer mundo en ser anfitrión de los Juegos Olímpicos, la Ciudad de México se encuentra bajo la mirada microscópica del resto del mundo. La tensión aumenta. El gobierno se esmera por embellecer la ciudad y por darle al mundo una imagen de estabilidad, pero la Capital está más inquieta que nunca. El Movimiento Estudiantil confronta al gobierno con marchas y plantones. En este contexto, nuestros personajes convergen desde distintos estratos sociales y desde distintas posiciones del entorno, haciendo que momento a momento fluyan las emociones y la sorpresa de lo inesperado. Una historia de amor épico dentro de un marco histórico que sigue generando controversia.

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La primera parte de la trilogía precuela a la historia de El Señor de los Anillos rescató el espíritu aventurero de la trilogía original y ofreció a la audiencia una cinta bastante entretenida con un relato menos serio y oscuro (como el título fuente original, es decir, el libro homónimo de Tolkien) pero muy disfrutable. Lamentablemente, tras un par de visionados de la cinta, en ésta se comienzan a notar las costuras con las que se ha hilvanado débilmente este relato dividido en tres entregas, siendo que la fuente original no da para tanto. En una cinta de tres horas, o en dos entregas de tres horas, bien se hubiera podido relatar (con algunas omisiones de detalles del libro claro está) las aventuras de los enanos, de Gandalf y Bilbo en su búsqueda por recuperar el trono de Erebor ; pero la decisión de hacer tres películas creemos que sí ha respondido a factores financiero$. Aún así, auguramos que la trilogía será del disfrute de las audiencias cinéfilas, y sobre todo, de los fans del legado del Tolkien.

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Con motivo del 20 Aniversario del estreno en cines de esta emblemática cinta de Steven Spielberg, se edita una edición especial y en alta definición del emotivo relato protagonizado por Liam Neeson sobre un hombre de origen checo, Oskar Schindler, que gracias a las "amistades" que establece con las fuerzas nazis consigue obtener la propiedad de una fábrica de Cracovia, en donde emplea a cientos de operadores de origen judío. En ocasiones llegando a tener que 'comprar' a sus trabajadores judíos para evitar que sean enviados al ghetto, o a los campos de concentración y exterminio. La edición especial de aniversario incluye en los extras "Las Voces de la Lista", un documental con los testimonios de aquellos que sobrevivieron al Holocausto gracias a Oskar Schindler e "Historia sobre la Fundación USC Shoah con Steven Spielberg" en la que el director cuenta cómo el rodaje de La Lista de Schindler lo inspiró para crear la Fundación USC Shoah.

Bajo la dirección de Tarsem Singh, El Sueño de Alexandria es en realidad un remake de Yo Ho Ho, una película búlgara dirigida por Zako Heskija en los inicios de la década de los ochenta. En la versión de Tarsem, un doble de escenas de riesgo sufre un accidente que le impide caminar tras caer de un caballo y es ingresado en un hospital, donde conoce a una niña con un brazo fracturado y a la que le hace una promesa: contarle una maravillosa historia a cambio de que ella le consiga cierto medicamento (morfina) de la enfermería. Visualmente, es una extravagante obra fílmica que destaca por su cuidada fotografía y secuencias que no recurren a los efectos digitales para poder deslumbrar al espectador con hermosas y asombrosas tomas; esto claro además de contar con un guión que construye personajes muy entrañables y que hace homenaje al cine de antaño. Es una de las pequeñas joyas de la cinematografía que ha pasado desapercibida por no haber sido estrenada en pantalla grande en México tras haber sido rezagada a los anaqueles de los videoclubes, en donde finalmente puede ser encontrada, para finalmente, poder disfrutar de una experiencia visual asombrosa aunque sea en la pantalla de nuestras casas.

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Quizás sea uno de los compositores con mayor popularidad que conozca después de John Williams, esto a lo mejor se deba a que ha sido compositor de películas bastante taquilleras como “Inception”, “The Dark Knight” o “Pirates of the Caribbean”. Pero también veo un problema con eso, la gente que habla de él, solo habla de estos scores y parece no conocer o, sencillamente, ignorar sus demás trabajos que, en mi opinión, no son para nada de menor calidad. Es por eso que Hans Zimmer a nuestro especial de compositores: Para poder conocer sus mejores trabajos, sean o no muy conocidos.

Comencemos por un trabajo no tan conocido de este compositor. Cry no será un temazo que nunca saldrá de nuestras mentes, pero lo cierto es que es esperanzador. Transmite esa sensación de bienestar con uno mismo, no sé bien cómo explicar, pero al escuchar entenderán a qué me refiero. Comienza de una manera muy simple con los violonchelos y el piano, hasta que se van sumando más instrumentos haciendo más interesante el tema. Cuando entra la guitarra eléctrica es cuando la cosa se pone cautivadora. Tiene muchos aires de “The Devil Wears Prada” con esa guitarra eléctrica y orquesta de fondo, pero pareciera ser un poco más refinada en algunos sentidos. Ya hacia el final los violines marcan una hermosa melodía que es acompañada de manera magistral por los demás instrumentos y unas voces muy sutiles. Finalmente, cierra el tema con unas notas de piano, haciendo del tema algo muy humilde pero hermoso.

Al noveno lugar llega uno de los temas más conocidos de este compositor. Es bastante interesante mencionarlo, pero Hans Zimmer logró que mucha gente que no presta mucha atención a los scores mientras miran la película, ahora lo haga. Esto se debe a que se siente muchísimo el poder de la música compuesta que acompaña a esta película. Al principio pareciera ser que estamos en una película de espías (bueno, tiene muchos aires de eso), esa guitarra eléctrica marca un movimiento que se irá utilizando a lo largo del disco. Pero lo realmente interesante comienza cuando entran en juego los violines para darnos un choque de adrenalina, sin mencionar la tuba marcando el movimiento que hizo TAN poderoso a este score. Una de las tantas cosas que me llaman la atención de este tema es que llega un momento, que comienza exactamente a los 1:30, en el que sientes que te caes, Zimmer logra transmitir esa sensación de caída o “inclinación”. No sé como lo hace, pero lo logra. Y es después de este movimiento donde comienza a sentirse el poder del tema, instrumentos de vientos por doquier con unas suaves cuerdas que luego toman un papel sumamente protagónico, para, finalmente, cerrar de una manera magistral

¿Qué sale de la mezcla de dos grandes compositores como Hans Zimmer y James Newton Howard? Bueno, este score es la respuesta. Comenzando bastante rápido a transmitirnos emoción, Introduce a Little Anarchy nos deja con muy pocos momentos de respiro, transmitiendo mucha emoción a todo momento. Unos violonchelos muy sutiles acompañan este tema, además de una percusión muy interesante (posiblemente marca de Howard). Evidentemente, no podían faltar los violentos instrumentos de Zimmer, que son los encargados de dar mucha vida a este tema. Una de las cosas que me gusta, son esos soniditos raros que se escuchan de repente, porque es como que dan un estilo más natural. Finalmente, a los últimos minutos sentimos que tenemos un montón de libélulas, sí libélulas, en nuestros oidos, pues estos “sonidos raros” toman mayor importancia. A los últimos segundos cierran el tema de una manera que, en mi opinión, es algo brusca.

Ahora sí, llegamos al score que le dio a Zimmer su único Oscar, la banda sonora de “The Lion King”. Tengo que admitir que, si bien me gusta esta película, no marcó mi infancia como hizo con muchas personas de mi edad, por lo que no me siento ligado emocionlamente a este score. Lo cierto es que, ligado emocionalmente o no, esta banda sonora es alucinante. Empieza con sonidos ambientales, después entran unas voces de ultratumba en acción, dando un tono espeluznante al tema. Cada vez toma más fuerza. Luego hay un pequeño descanso, solo con sonidos ambientales. Después pareciera ser que comienza un vals. Luego comienza la mejor parte, la persecución, que es exquisitamente bien acompañada por la música. Pareciera ser que Hans Zimmer prestó partes de “Carmen” al momento de componer este tema increíble. Los violines marcan el movimiento principal del tema y los demás instrumentos de encargan de enaltecer uno de los mejores temas de este compositor. Luego las trompetas marcan un movimiento magnificente, acompañados de una percusión bastante interesante. Finalmente termina de una manera simple con tonos bastante clásicos.

No creo, sinceramente no creo, que esta película me haya gustado de la manera en que me gustó de no ser por su banda sonora. Lastimosamente, ese año competía contra colosos como “Avatar” o “Up” y por eso fue totalmente olvidada en las premiaciones, pero definitivamente es una banda sonora con un nivel altísimo. Con un inicio casi silenciado se abre este tema que, entre muchos instrumentos y movimientos interesantes, se encarga de transmitirnos emoción a niveles desconcertantes. Luego de este inicio, casi en mute, comienza la diversión de una manera contundente. Movimientos de cuerdas por todos lados es lo que sentimos al escuchar este tema, además, el sonido del acordeón da un toque exquisito al mismo. Pasando un poco la mitad del tema un violín muy poco convencional marca el motiv principal. Luego, de una manera bastante interesante, Zimmer logra hacernos sentir parte de este increíble circo de instrumentos que creó para nosotros. Al igual que la mayoría de sus mejores temas, lo cierra con unas simples notas sin y demasiadas vueltas.

Existen varios temas en el score de “Gladiator” que son dignos de cualquier top ten de Hans Zimmer, pero como la idea es que conozcamos más sobre este compositor, solo entrará este tema, que es, según yo lo veo, el tema que más engloba todo el score. No voy a ahondar mucho en la forma en la que está compuesta esta bestialidad de tema, por que dura 10 minutos y la descripción sería más larga que el post entero. Lo cierto es que este tema transmite de una manera sublime lo épica que es la película, haciendo honor al film para el que fue compuesto. El movimiento principal es algo fuera de este mundo. Cuando escuchen, no se asusten si escuchan o piensan escuchar el tema principal de ”Piratas del Caribe”, o tendrán la misma reacción de espanto que yo. Están advertidos.

Creo que no podría hablar de Hans Zimmer sin hablar de esta película y su movimiento principal. Ya lo vi en tantos comerciales y usado para tantas cosas, realmente es un tema que marcó. En particular, este tema comienza de una manera simple (nuevamente) para luego ir tomando fuerza lentamente. Para el momento en que llega el motiv, ya estamos totalmente calmados, por lo que una gota de adrenalina no nos viene nada mal. Este ha de ser uno de los movimientos principales que más influencia e impacto ha tenido en la década pasada. En este score Zimmer mejora su creación, dando a su tema principal un toque muy personal y aun más aventurezco hacia el final. Para luego cerrar su creación de una manera sublime con esos violonchelos tan melancólicos.

Me sorprende como Zimmer puede, en 1:26 minutos, hacer uno de los mejores scores de su carrera. Quizá la mayoría de ustedes esté en desacuerdo conmigo, pero este tema, sin duda alguna, entra en el top five de las composiciones de Zimmer. Lo que hace tan mágico a este tema es la simpleza, tanta suavidad al momento de componer, además de una excelente elección de los instrumentos hacen de este tema un manjar auditivo. Los violines marcando, a lo Zimmer siempre, un movimiento de fondo dejan a un clarinete seductor que finalmente termina apoderándose de todo el tema. Después de desaparecer este instrumento, son el violonchelo y el violín los encargados de sobrellevar el tema sobrecogedoramente.

Si bien este tema no es el estilo de scores que acostumbre escuchar, tengo que admitir que esta compuesto de una manera muy interesante. Transmite perfectamente la época en la que fue compuesto y más que eso, emociona bastante escucharlo. Al principio super instrumentada, inclusive se escuchan sonidos algo orientales, pero a partir de 1:24 comienzan los sonidos de los finales de los ochenta, remontándonos totalmente a la época. Compuesto de una forma bastante singular, Hans juega con los sonidos sintéticos y los instrumentos de orquesta para darnos este tema único.

La banda sonora de esta película tiene tantos temas excelentes, realmente me sorprende como lo ha hecho Zimmer. En el primer lugar de esta selección musical llega “This Land” un tema lleno de esperanzas y emoción. La forma en la que fue compuesto este tema es majestuosa. Pareciera ser que en momentos roba la magia de “The Mission” de Ennio Morricone, transportándonos totalmente a otro mundo mucho más tranquilo. Además de que cierra de una de las maneras más espectaculares que uno puede imaginar con ese coro tan supremo y simple a la vez. No hablo mucho de los instrumentos de este tema, por que la magia está en lo que nos transmite, más que nada y la fuerza que tiene el tema es increíble.